Crítica de Lo que esconde Silver Lake por Cinemagavia 18 de noviembre de 2018\nLa premisa parte de algo tan sencillo y habitual como que Sam (Andrew Garfield) es un joven que lucha por sobrevivir en Los Ángeles. En su camino se cruza una despampanante Sarah (Riley Keough), que desaparece de repente, dejando todo un misterio detrás. El filme es de principio a fin un fiel reflejo de la cultura millennial. Este hecho hace acto de presencia en algunos elementos como los videojuegos (Super Mario), el auge de los cómics, la pornografía a través de revistas como Playboy, los anuncios de contactos, o los grupos de música míticos como Nirvana.\nLo que esconde Silver Lake es en gran parte una dura crítica hacia Hollywood. La película muestra cómo los actores y actrices en la mayoría de ocasiones no tienen éxito. Los castings en los garajes es un ejemplo, junto a la insatisfacción de no conseguir hacerse lugar en la ciudad de los sueños. Además, el filme muestra los privilegios de unos cuantos que se encuentran en una posición dominante y que se traduce en abusos de poder.\nLa lucha de los estratos sociales también está presente, a través del rey de los indigentes y todo su sistema de códigos. Por una parte, se encuentran los ricos y sus fiestas espectaculares, y por otro lado, los vagabundos y su humildad. Al final la insatisfacción es la misma para todos, independientemente de la clase social, y es probable que los que más tienen sean los más infelices. Los túneles no son nada más que el submundo que se esconde bajo la ciudad de Los Ángeles, donde la gente oculta sus miedos.\nFinalmente, podemos encontrar también una crítica hacia el desprecio de la gente mayor. La eterna lucha entre los viejos que se quejan de lo jóvenes y los jóvenes que ven como sus mitos caen.\nVisualmente la película abraza la cultura pop que ha acompañado durante años a la generación millennial y a la vez se atreve a ponerla en jaque todo el rato. La sensación constante es la de estar en un videoclip de los 90 de Madonna o Britney Spears. Los colores en todo momento recuerdan a esta década, aupados por los escenarios y la ropa. ¿Y qué hay más icónico que California? El cartel de Hollywood, las piscinas de los Ángeles, sus lagos, los actores, las fiestas… Además, muestra como la cultura pop nos bombardea constantemente con mensajes ocultos o subliminales y todos participamos de ella.\nHitchcock se encuentra desde el principio en cada plano y Robert Mitchell no lo oculta, incluso lo hace más evidente con la aparición de su tumba. La construcción de los planos, el uso del sonido y la música, Sam con los prismáticos y el gusto por la rubia del vecindario, todo es un claro homenaje. No es la única referencia, ya que hay claras alusiones al cine de Lynch y su famosa Muloholland Drive, a la intérprete Judy Garland, a las actrices Marilyn Monroe, Lauren Bacall y Betty Grable en el largometraje Quién Quiere casarse con un millonario, e incluso guiños a Stephen King, con el característico globo de It.\nNo contento con mostrar toda una identificación de una generación ligada al pasado y fuertes críticas, Lo que esconde Silver Lake juega con la mente del espectador. Diversas criaturas aparecen a lo largo del filme, todas con un objetivo claro y a veces cuesta vislumbrar cuál es real o cuál es una pesadilla contra la que lucha Sam. El protagonista vive en un mundo en el que el alcohol y las drogas son habituales. Allí, un pirata, Jesucristo o el monstruo del lago Ness, son posibles. A pesar de que parte como una película detectivesca y no pierde este foco, al final poco importa lo que sucede en este sentido. Este thriller usa las desapariciones y las muertes de personas y perros como excusa para mostrar un mundo cruel pero real.\nLo que esconde Silver Lake es un largometraje que da ganas de ver muchas veces, pues tiene tantas referencias a la cultura pop, la millennial, el mundo cinematográfico clásico y diversas críticas, que es imposible asimilarlas de una vez. Quizás hasta muchos mensajes subliminales se pierdan escondidos entre sus planos. Garfield sorprende en uno de sus mejores papeles hasta la fecha, junto a una Keough sensual que recuerda a las viejas glorias de Hollywood. Si bien a veces intenta abarcar tantas cosas que se pierde en un maremágnum, pero enseguida regresa al hilo conductor. Todo gracias a una cuidada iconografía y una profundidad propias de las grandes películas.\nCrítica de Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald por Cinemagavia 18 de noviembre de 2018\nCrítica de El silencio de otros por Cinemagavia 16 de noviembre de 2018\nCambia rigor periodístico por nombres propios\nEl documental habla de historia reciente, y, al ser así, se echan en falta algunos datos. Hay atisbos de documentos y fechas, pero todo bastante vago. A pesar de ello, no pierde un ápice de veracidad y cubre esta carencia con nombres propios, personas y sus testimonios.\nEvidencia que lo primordial no es la sobriedad, sino la crítica social. La forma en la que los protagonistas dan la cara y luchan por su causa contra toda adversidad, hacen que entres en su conflicto casi sin darte cuenta. La implicación del documental en el seguimiento de las querellas y todo el proceso pone de manifiesto su objetivo. Que no es otro que este.\nEl pasado no puede borrarse sin más\nEl Silencio de Otros no es más que una súplica a la justicia. Es un grito de socorro y un lloro desesperado. Además de eso, un intento de avivar los sentimientos ocultos, enterrados, de los españoles coetáneos a este proceso, de enseñar a otros la dudosa moral de lo ocurrido y de mostrar a todos los secretos a voces de los años más pantanosos del país.\nEntre toda la oscuridad, nos enseña un poco de luz. A cambio, nos pide lucha. Que luchemos. Que seamos voz y que no olvidemos.\nEs curioso el impacto que tuvo el documental en la Berlinale. En Alemania, tierra de barbaries. Y sin embargo, en nosotros, los más cercanos a todo el conflicto, no tiene un efecto ni parecido. Acongoja ver la reacción de los mayores en la sala: lágrimas y sollozos, un palpable dolor y recuerdos rotos.\nEn comparación, a pesar de que se trata un tema del que somos perfectamente conscientes, probablemente, nunca nos lo hemos planteado como una realidad no tan lejana. Como que, si hubiésemos nacido unos años antes, podríamos ser nosotros los que aún yaciésemos en una cuneta, sin reconocimiento, sin descanso ni paz. Sin un final. Y que fuesen nuestros padres, hermanos y parejas, los que hoy, estuvieran en las pantallas de algunos cines pidiendo algo tan humano como los restos de sus seres queridos que fueron asesinados sin más motivo que su forma de pensar.\nCarracedo y Bahar rompen el estigma de “otra película española, otra película sobre la Guerra Civil”, para dar a conocer fuera de nuestras fronteras lo que aún hoy son consecuencias del franquismo. Y para brindarnos a nosotros la posibilidad de dar un paso hacia adelante y unirnos a la batalla vital de muchos otros que pronto no podrán parar. Y mucho menos silenciar.\nEscrito por Rafa Velázquez\nTom Cruise, Willem Dafoe, Raymond J. Barry, Caroline Kava, ...\nCrítica de Nacido el cuatro de julio por Cinemagavia 16 de noviembre de 2018\nLa interpretación de Tom Cruise\n¡Ay¡ Tom Cruise… Nuestro querido cientólogo no suele dejar indiferente con sus papeles. Y con Nacido el 4 de Julio no podemos hacer más que quitarnos el sombrero, ya que el filme le debe a él que deje su huella en nuestra memoria. Y es que la interpretación del controvertido Cruise se agarra a nuestro lóbulo temporal como una lapa.\nEs probable que Tom Cruise le deba su desbordante talento a que está un poco como un cencerro. Es imposible convertirse en Kovic sin estar algo tocado. El actor se ha coronado durante años con sus siguientes interpretaciones, pero en ninguna nos acerca tanto a lo más bajo de la condición humana como en Nacido el 4 de julio. Su actuación es tan buena que se nos olvida que detrás de esa alma en pena se esconde Tom Cruise.\nCuando rodó este magnífico film, Cruise ya era de sobra conocido por películas como Risky Bussines, El color del dinero, Top Gun… Siempre el joven rebelde, el héroe. ¿Quién mejor que el idealista Maverick para este papel? El niño guapo y triunfador postrado en una silla de ruedas.\nNacido el 4 de julio es como una bofetada que te despierta de un tranquilo sueño y te obliga a decir adiós a la ingenuidad, la felicidad, los sueños de futuro, los nervios, las mariposas en el estómago, papá, mamá… Son dos horas de agonía que te harán querer tener una máquina del tiempo para impedir a Ron salir de Massapequa.\nLa película de Vietnam que le hace falta a los millenials\n¿Y qué tendrá que ver una película de Oliver Stone de los años 80 sobre la guerra de Vietnam con los millennials? Pues que esta película, si miramos bien de cerca, va de todo menos de la Guerra de Vietnam. Esta guerra no es más que el simple tajo que sesga en dos la vida de alguien, la de un chico normal que podría haber sido cualquiera de nosotros.\nSe dicen muchas cosas de los millennials (ese llamado resurgimiento de la generación yuppie de los años 90 que vive a base de Instagram y canciones de Bad Bunny), pero ser joven supone la misma presión por triunfar en la vida ahora que cuando estalló dicha guerra hace 60 años.\nNacido el 4 de julio es una historia que podemos extrapolar fácilmente a la era milennial, en la que nuestra presión por destacar en más grande que nunca. Es un tema que ya vimos en películas como El Graduado: salir del instituto sin rumbo alguno y meterte en el primer jardín que encuentras. Aunque, en este caso, habríamos dado lo que fuera porque Ron se hubiera liado con una madurita en vez de alistarse en los marines.\nOliver Stone utiliza, en definitiva, la Guerra de Vietnam como una mera excusa, un Mcguffin. Está, por supuesto, basada en las memorias de Ron Kovic, pero, analizándola con más detalle la historia, vemos que lo esencial de la historia es la vulnerabilidad de una generación a la que se le ha exigido más méritos que a ninguna otra hasta la fecha. Además, en el caso de Ron, es todavía más devastador cuando descubrimos que no le queda más esperanza en la vida que la de luchar contra el propio sueño que le prometieron.\nClaramente todos podríamos caer en una mentira como la que tejió el gobierno americano con la Guerra de Vietnam, y es ahí donde esta historia se hace necesaria para nuestra generación. Oliver Stone, como siempre, nos hace a pensar dos veces antes de tirarnos a la piscina y nos invita a preguntar, a escuchar, a prestar atención, a no seguir ciegamente un ideal. Nos invita a vivir ahora que podemos, a aprovechar el momento, a disfrutar de las pequeñas cosas, a conocernos. Esta película remueve el Carpe Diem que nos susurraba al oído Robin Williams y que nos recuerda que no tenemos que ser héroes sino jóvenes.\nNacido el 4 de julio es un imprescindible biopic que presenta uno de los mayores ejercicios de desprogramación de la propaganda política norteamericana que ha dado el cine. No olvidemos que en el camino hacia la redención de Ron Kovic también encontramos el refrán “no hay mal que por bien no venga”, ya que al fin y al cabo, gracias a esta la terrible historia, hemos sido unos cuantos los que hemos abierto los ojos. Oliver Stone nos muestra las sobras, los platos sucios y restos de basura que tocó limpiar al día siguiente de la fiesta de Vietnam.\nEscrito por Erika Gómez\nSky Ferreira, Rory Culkin, Emory Cohen, Jack Kilmer, ...\nCrítica de Lords of Chaos por Cinemagavia 15 de noviembre de 2018\nComo decíamos anteriormente, la Noruega de los años 90 se había consolidado como un país prototípico, generando una población de gran nivel adquisitivo y educativo. Pero como suele pasar habitualmente, en tiempos de bonanza hay una oveja en la familia. Øystein Aarseth, mejor conocido como Euronymous encabezó junto a su banda Mayhem el nacimiento del Black Metal que no sólo supuso una revolución en el Metal sino un duro revés a la sociedad noruega de la época.\nSatanistas, anti-cristianos, paganos, adoradores del mal… estos son algunos de los adjetivos con los que se denominaban a estos jóvenes con sus rostros pintados cadavéricamente. Lords Of Chaos nos cuenta esta interesante historia sobre adolescentes que perdieron totalmente el control de sus vidas. Pues esta música de “pura maldad” trajo consigo la quema de algunas iglesias históricas del país nórdico y el asesinato, uno de éstos paradójicamente, el del propio Euronymous.\nUna visión próxima\nLa película de Jonas Åkerlund retrata a estos personajes desde una óptica cercana y naturalista. Sin endiosar ni ridiculizar. Pues es cierto que la película empieza con un tono amable y de comedia que va degenerando en un ambiente corrosivo, laberíntico e infernal (nunca mejor dicho). Como si se tratase de los Beatles encontramos un duelo de personalidades entre Euronymous y Varg Vikernes. No sólo se trataba de un duelo musical entre sus respectivas bandas: Mayhem y Burzum. Sino que se trataba de una contienda en el que estaba en juego el dominio absoluto del Black Metal con todo lo que eso conllevaba.\nPese a que la película sea superior en algunos aspectos respecto al ensayo de Michael Moyniham. La ideología del Black Metal está tratada superficialmente. Vikerness fue conocido posteriormente por su ideología supremacista racial y su paganismo. Es cierto que el metal en general está asociado a la idea de satanás pero en el Black Metal la mitología nórdica es la que inspira a los músicos. Si los cristianos destruyeron todos los templos vikingos, ellos quemarían sus iglesias. El guion centra el conflicto como un duelo de egos pero también es cierto que había cierta batalla estético-filosófica detrás.\nPero no queremos contar más de la película, aunque antes de terminar tenemos que dar algunas características interesantes de la película. No sólo la historia que cuenta ya tiene un interés mayúsculo, sino que a nivel de dirección es una maravilla. La película fluye sin disolverse en ningún momento entre el humor, el drama y el terror. Y es que he de decir que de más de 30 películas que vimos en Sitges, pocas no lo hizo pasar tan mal como Lords Of Chaos.\nCrítica de Leto por Cinemagavia 14 de noviembre de 2018\nUna buena banda sonora y una conseguida postproducción\nEn realidad, tiene algo de trampa. La película es un frenesí de clásicos del rock, como las canciones de Lou Reed y Marc Bolan (T. Rex), mezclados con rock ruso (que a mí, particularmente, me chocó). Es evidente que el rock iba a funcionar, como siempre lo ha hecho, y más tratado de la forma en la que se trata.\nA esto hay que añadir que, si no era ya suficientemente difícil encontrar la línea entre el drama y el musical, la postproducción es prácticamente de videoclip. Se puede decir tanto que son atrevidos y funcionan, como que son extravagantes y descolocan. Y sería igualmente cierto.\nAún así, dejan una buena sensación, tienen sentido y casi que se agradecen.\nHablar a cámara, ¿sí o no?\nPara mí, es acertado. Sorprende y capta la atención del espectador cuando podía empezar a diluirse. Además, da inicio, o es precedido, de alguna escena o secuencia surrealista y excéntrica. De modo que, puede llegar a entenderse como la frontera entre la ficción y la no ficción. Que en ocasiones no queda del todo clara.\nSerebrennikov propone algo refrescante. En el elenco nadie destaca por encima del resto. Son los elementos técnicos los que le dan ese toque que la hace diferente, que unido a la banda sonora, dejan un buen sabor de boca al salir de la sala. Y si no fuese todo suficientemente alternativo, el director sigue en arresto domiciliario a la espera de un juicio.\nCrítica de Overlord por Cinemagavia 14 de noviembre de 2018\nLos malos por antonomasia\nLos nazis son los villanos perfectos. Crueles, inmisericordes, inmorales, déspotas… representan la peor cara de la humanidad. Odiarles es muy fácil, negarles la redención también, y sus planes de dominación mundial a cualquier precio los convierte en malvados cinematográficos con muchas posibilidades. Overlord es un film ambientado en la Segunda Guerra Mundial que muestra un nuevo enfrentamiento entre soldados aliados y peones de Hitler con un giro fantástico no especialmente original, pero seductor para cualquier amante de la ciencia ficción.\nLa película arranca por todo lo alto, con una secuencia de aterrizaje forzoso espectacular y adrenalínica. Desde ahí, la cámara se pega al cogote de uno de los soldados americanos que participan en la misión, encarnado por Jovan Adepo, para no separarse de él salvo en ocasiones puntuales. Así, se empieza a trazar el parentesco del film con el mundo de los videojuegos; no tanto por la acción, que se concentra en el tramo final, sino por cómo está planteada la historia, con un objetivo principal y misiones secundarias que se desarrollan en tres escenarios grandes y muy diferenciados entre sí (el bosque, la aldea, el subterráneo de la iglesia). Overlord no tiene pretensiones más allá del entretenimiento puro y duro, pero se esmera en lucir como una producción de primer nivel con un espíritu muy de película de serie B.\nLa historia es sencilla pero enfatiza los horrores de la guerra (la experimentación con humanos llevada a cabo por los nazis fue real) y cuestiona la falta de escrúpulos, ética y autonomía de los soldados que combaten en ella. Los personajes son meros arquetipos (el héroe, el líder, el chulo, la chica, el niño, el novato…) pero están representados por un elenco atractivo y repleto de rostros poco conocidos pero solventes, como es el caso de Wyatt Russell y Pilou Asbæk.\nEl trabajo de maquillaje es fabuloso, y se agradece que el uso del CGI sea haya limitado bastante, lográndose un equilibro visual perfecto que no cae ni en lo cutre ni en lo artificial. El nivel de casquería es aceptable, y los experimentos de los nazis dan resultados más parecidos a Re-Animator (1985) que a cualquier película de zombis, aunque aquellos que hayan jugado a Resident Evil tal vez rememoren algún que otro momento vivido en la saga de videojuegos.\nOverlord es un divertimento curioso y disfrutable. Si bien tiene grandes momentos, como la mencionada introducción o la primera incursión en esa pesadilla infernal que es el laboratorio secreto, le habría beneficiado un poco más de locura. No se toma demasiado en serio a sí misma, pero la preocupación en no caer en la tontería le reprime demasiado, por lo que no termina de exprimir su demencial premisa. No obstante, dura menos de dos horas, mezcla géneros y tonos con tino, y casi que va a contracorriente al ser un blockbuster que no deja cabos sueltos de cara a una hipotética secuela. Son pequeños detalles que hoy en día son muy de agradecer.\nCrítica de Crónicas de Navidad por Cinemagavia 13 de noviembre de 2018\nYa están a la vuelta de la esquina los anuncios de champán, turrón y lotería. También están al caer cenas opíparas, compras navideñas y cotillones. Y entre tanto anuncio y tanto plan, seguro volveremos a disfrutar de las películas que llevan acompañándonos desde hace años en estas fechas.\nLos más pequeños y aquellos espectadores con ganas de nuevas emociones tienen a su disposición Crónicas de Navidad, la película navideña producida por Netflix en la que dos hermanos unen fuerzas para salvar la celebración que ellos mismos han puesto en peligro. Por supuesto, una película navideña no estaría completa sin la presencia del mismísimo Papá Noel, a quien Kurt Russell encarna con sobrado estilo.\nRussell demuestra, una vez más, que no hay género ni público que se le resista, pero el veterano actor desempeña aquí un papel secundario. Son Darby Camp (Benji), Judah Lewis (Demolición) y su historia de superación los protagonistas de Crónicas de Navidad. Sin embargo, solo Darby Camp resulta entrañable. La joven interpreta, con desparpajo, a una niña de once años decidida, optimista y valiente que será un gran ejemplo a seguir para todas las preadolescentes con una cuenta en Netflix.\nUna de cal y otra de carbón\nAdemás de resolución de conflictos familiares y momentos cargados de nostalgia, en Crónicas de Navidad hay también persecuciones en coche, vuelos en trineo y caídas en picado. Tampoco podían faltar una multitud de adorables elfos, un estiloso mundo de fantasía y referencias culturales con las que todos estamos familiarizados, incluyendo el baile del niño de la mochila. No obstante, tanta adorno fracasa en su intento de ocultar los efectos especiales de bajo presupuesto, uno de los atracos más absurdos de la historia del cine, secundarios que no resultan nada convincentes y un incómodo número musical.\nAl tratarse de un producto de temporada con el sello de la marca Netflix, Crónicas de Navidad desprende espíritu navideño por cada uno de sus poros. En ese aspecto, cumple su cometido: entretener y ablandar nuestros corazones para recibir el mes de diciembre. Sin embargo, en cuanto los títulos de créditos aparecen en pantalla, uno siente la necesidad de echar mano de un clásico con más relleno que envoltorio para inaugurar oficialmente las Navidades.\nCrítica de El Ángel por Cinemagavia 13 de noviembre de 2018\nFerro seduce a la cámara\nSi algo hay que destacar de la película es la formidable actuación de un jovencísimo Lorenzo Ferro. El intérprete argentino llega a las salas de cine con fuerza y con la impresión de que dará mucho de qué hablar. Este es su primer filme y recoge el testigo de la sensual Lolita de Nabokov, pero en versión cruenta.\nFerro se mete en la piel de Robledo Puch, apodado El Ángel de la Muerte o El Ángel Negro, debido a su apariencia aniñada, pese a lo violento que era en realidad. Este es responsable del asesinato de al menos once personas, dos violaciones, dos secuestros y más de una decena de robos. En este sentido, Ferro se introduce de lleno en el papel, aunque mostrándonos a Carlitos, como también es conocido el personaje, desde una visión mucho más amable y entrañable. El humor negro, sus exóticos bailes y sus impulsos arrebatadores dan una profundidad inmensa al personaje.\nSin miedo a mostrar su posible homosexualidad\nLa relación entre Carlitos (Ferro) y su compinche Ramón Peralta (Chino Darín, en la película; Jorge Ibáñez, en la realidad), es mostrada de forma sutil pero sin disimulo. Siempre han existido rumores de que el Ángel Negro y su partner in crime tenían una relación que iba más allá de la pura amistad. Un aspecto bastante desconocido y que da la impresión que se ha tratado de esconder durante mucho tiempo.\nLa química entre Chino Darín y Lorenzo Ferro es palpable. La tensión entre ambos lleva ligados momentos en los que el guión se vuelve brillante. Una relación entre el amor y el odio a lo largo de toda la obra, al más puro estilo Bonnie & Clyde.\nTambién participa en la cinta la prolífica actriz argentina Mercedes Morán, que este año ha estrenado El amor menos pensado, Familia Sumergida o Sueño Florianópolis, que están teniendo mucho reconocimiento. En esta película interpreta a la madre de Peralta. Otros conocidos actores que participan son Cecilia Roth (Los amantes pasajeros), Daniel Fanego (Acusada), Luis Gnecco (Una mujer fantástica) o Peter Lanzani (Hypersomnia). Cabe destacar que las gemelas que aparecen en El Ángel no existen de verdad, sino que están interpretadas por la actriz Malena Villa (El lobista).\nLa única crítica posible de El Ángel podría referirse al carácter propio del personaje, que hace sentir empatía hacia él. El guion se centra en el libro de Rodolfo Palacios: El ángel negro: La feroz vida de Carlos Robledo Puch. El mismo autor ha participado como co-guionista en el largometraje. La obra fue realizada tras sus entrevistas personales con el propio Robledo Puch durante su estancia en la cárcel . No obstante, la película se ha tomado licencias para endulzar al Ángel Negro.\nInfluencia de Almodóvar\nPese a que el filme es de Luis Ortega, el sentimiento de la influencia de Almodóvar se nota. El uso de los colores, los personajes en una constante tragicomedia, las situaciones inverosímiles, el color vivo y la música como elemento fundamental, están muy presentes. El filme se estrenó en el Festival de San Sebastián, donde tanto Ortega como Almodóvar fueron presentes de la gran acogida del público. También ha sido presentada en otros certámenes mundiales de prestigio, como el Festival de Cannes.\nTécnicamente, los planos y los colores cuidados y la luz viva son la base del largometraje. La música también se presenta de una manera destacada, con míticas canciones de los grupos Billy Bond y la Pesada del Rock and Roll, La joven Guardia o Pappo. Una reminiscencia al pasado que nos sumerge en los años 60 y 70 de lleno.\nFerro se estrena como actor con una espectacular película dirigida de forma magistral por Luis Ortega. La música de los 60-70, los planos coloridos y los personajes con influencia del cine de Almodóvar, retratan uno de los mejores filmes argentinos de los últimos años. Y eso que últimamente se hace mucho cine de calidad en el país latinoamericano. El magnetismo de Darín y Ferro y su química son palpables durante todo el largometraje.\nA pesar de encontrarse de camino a los Oscar su nominación es complicada, debido a la preselección de joyas como Cold War o Girl, pero sin duda nos encontramos ante una gran cinta.\nCrítica de La balada de Buster Scruggs por Cinemagavia 12 de noviembre de 2018\nLos Cohen están cómodos en el lejano oeste\nSi algo tienen Joel y Ethan Cohen es que se les da bien contar distintas historias que no tienen por qué tener nada en común pero que indudablemente llevan su sello. Este es el caso de La balada de Buster Scruggs. La película contiene seis historias distintas que cuentan con un denominador común, son westerns. La primera empieza con el protagonista que da nombre al título de la película y seguramente sea de las más aplaudidas, ya que los fans de O Brother, Where Art Thou? o de El gran Lebowski se sentirán como en casa.\nSeguidamente nos presentan otra de las historias más potentes de la cinta, protagonizada por James Franco, donde veremos uno de los constantes de los Cohen; el cazador cazado. Para los fans de las obras más intimistas y menos alocadas como Inside Lewin Davis les han preparado una bonita historia sobre un buscador de oro muy entrañable y carismático. Sin duda, los hermanos Cohen han conseguido tocar todos los palos que les han dejado, desde el western de duelos y tiroteos, pasando por una historia de amor, hasta llegar a una historia de terror en un carruaje que recorre la oscura y fría noche.\nHacer una película de una serie quizás no ha sido tan buena idea\nSi algo tiene esta obra es que es irregular, como todas las películas formadas por distintas historias. Si alguna ventaja tiene juntar historias es que siempre habrá alguien a quién le guste alguna, pero lo malo es que no a todo el mundo le pueden gustar todas. Eso hace que esta obra sea irremediablemente irregular. No solo es irregular en su tono, sino que también lo es (muy a mi pesar) en la duración de las historias. Personalmente creo que las más cortas son las que funcionan mejor en ritmo y las que tienen mejor tono. Además son las que tienen los mejores giros.\nTambién creo que deberían de haber distribuido las historias en otro orden para hacer más amena la segunda mitad de la película. Pero si algo bueno tiene el hecho de que sean distintas historias es que desde el inicio se nos plantea como tal. Un conjunto de historias registradas en un antiguo libro ilustrado que hace fácil imaginarse cómo habría sido la serie o hasta poder verla como tal (aprovechando que es de Netflix podemos verla como deseemos).\nLa balada de Buster Scruggs es una película que destaca por su irregularidad pero que puede ser la obra definitiva de los Cohen. Al menos, la obra donde se hayan recogido la mayoría de sus fobias. ¿Pero vale la pena verla? Claro que sí. Los hermanos Cohen siempre son dignos de estudio y solo por ver a los distintos personajes que han creado ya vale la pena pasar por cualquier historia del lejano oeste que nos quieran contar.\nEscrito Daniel Burón\nNato Murvanidze, Dimitri Tatishvili, Ramaz Ioseliani, Avtandil Makharadze, ...\nCrítica de Scary Mother por Cinemagavia 12 de noviembre de 2018\nUn elenco, sin estrellas, que brilla\nEs imposible que la actuación de Nato Murvanidze deje indiferente a nadie. Llega un momento en el que te desconciertan tanto sus expresiones y gestos que hacen imposible averiguar su siguiente paso. Nato interpreta perfectamente la idea de Urushadze y llena la pantalla en todo momento.\nPor otro lado, Avtandil Makharadze goza de un monólogo que hace suyo, que sufre y que, en un in crescendo, se acumula como sangre en sus pómulos y sienes, saliendo de sí como un rabioso alarido. Un maravilloso discurso que une todos los elemento de los ciento siete minutos. Bajo mi punto de vista, una excepcional forma de cerrar la película.\nLos roles de género y la carga del creador\nLa película plantea básicamente estas dos ideas. El perfil psicológico del marido (Dimitri Tatishvili) evoluciona junto al de Manana. Él comienza tratándola con un notable tono de superioridad, haciendo continuadas observaciones sobre su aspecto con muy poco tacto. Ella cada vez tiene una mayor necesidad de alejarse de él (y sus hijos), y las tornas se cambian.\nDe este modo, esta necesidad nace del inherente papel de la madre como figura familiar, siendo engranaje principal e imprescindible del “nido”. Este mecanismo deja de girar cuando su profundamente arraigado espíritu creativo se abre paso entre la aburrida monotonía y brota en forma de libro. Es así como su nueva obra llenará su vida, privándola de cualquier otra actividad.\nEn la extravagante actuación de Nato hay un punto en el que el ritmo de la película se hace demasiado pausado. Una persecución a cada acto de Manana que cansa y aburre al espectador. Esto provoca que el público prácticamente implore un giro que devuelva la marcha a la cinta.\nUrushadze dirige un interesante film que comienza atrapándote y, a pesar de que haya momentos en los que ruegas que te suelte, ejecuta de forma muy inteligente una fantástica premisa.\nEscrito por Rafael Velázquez\nCrítica de La maldición de Hill House por Cinemagavia 12 de noviembre de 2018\nHistoria (adentrémonos en Hill House)\nLa historia, enésima adaptación, alguna tan desastrosa como La guarida (The Haunting), la terrible película protagonizada por Liam Neeson, Catherine Zeta-Jones, Owen Wilson y Lili Taylor, de la popular novela de Shirley Jackson, versa alrededor de una casa maldita. Y aunque ello no parezca especialmente novedoso, La maldición de Hill House ha sido recibida con toda suerte de alabanzas, tanto por parte de la crítica como del público.\nComo ya he dicho, la acción principal de la serie se desarrolla en una casa (una suerte de mansión); casa a la que se muda una familia capitaneada por Olivia (Carla Gugino, vista, por ejemplo, en la adaptación cinematográfica de Watchmen y en la serie Wayward Pines) y Hugh Crain (interpretado por Henry Thomas, el niño de E.T.; Timothy Hutton en su versión más adulta); familia que cuenta con cinco hijos: Steven (Michiel Husiman de adulto; Paxton Singleton de niño), Shirley (Elizabeth Reaser de adulta; Lulu Wilson de niña), Theo (Kate Siegel de adulta; Mckenna Grace de niña) y los gemelos Luke (Oliver Jackson-Cohen de adulto; Julian Hilliard de niño) y Nell (Victoria Pedretti de adulta; Violet McGraw de niña).\nY sí, aunque la casa juegue un papel fundamental en la trama (la cual se nos cuenta en dos tiempos: presente y pasado), los personajes son el gran eje central de la misma.\nLa maldición de Hill House se toma su tiempo en presentárnoslos (cada uno de los primeros cinco capítulos, de los diez que componen esta primera, y de momento única, temporada, se centra en uno de los hijos de la familia protagonista).\nAsí, vemos cómo el mayor de los hermanos, Steven, se ha convertido en un escritor (de novelas de terror) de éxito, Shirley regenta una funeraria, Theo rehúye de todo contacto/compromiso y los gemelos viven en un continuo tormento tras su paso por la casa que da título a este trabajo (Luke va, además, de centro de desintoxicación en centro de desintoxicación).\nA todos ellos, así como a sus progenitores (tranquilos, no voy a soltar ningún spoiler más), les afectó (como podremos ir viendo/comprobando), de distinta manera, su paso por la imponente Hill House.\nUn gran drama familiar\nPorque sí, esta serie es, por encima de todo, un (mega) drama familiar.\nMike Flanagan (el creador) se esfuerza por implicarnos en los problemas (sobrenaturales o no) a los que se enfrentan nuestros protagonistas; se toma su tiempo en, como ya he dicho, presentarnos a los personajes, poniéndonos en contexto (como también he dicho, la trama se desarrolla en dos tiempos: presente y pasado) e intentando que empaticemos con sus distintas causas (a pesar de que algunas, sobre todo las paranormales, claro, no nos puedan ser más ajenas).\nTambién ayuda, y mucho, la excelente labor llevada a cabo por un reparto comprometido y mucho más que cumplidor.\nEso por no hablar del notable acabado del que hace gala la serie (todo en ella sobresale, desde los escenarios hasta el trabajo de maquillaje y efectos especiales), muy superior a lo que nos tiene (por desgracia) acostumbrados este tipo de producciones de género (sí, por mucho que, al menos para servidor, La maldición de Hill House se enmarque más en el género de drama que en el de terror; que también, ¡ojo!).\nLos fans más acérrimos del subgénero de casas encantadas puede que se sientan un tanto defraudados/estafados (más por cómo se ha vendido este trabajo que por otra cosa), pero La maldición de Hill House se destapa como una serie altamente recomendable (de factura cuasi impecable) a la que, eso sí, flaco favor hace el factor ‘hype’.\nLo mejor: Prácticamente todo el apartado técnico (sonido, decorados, vestuario, efectos especiales, maquillaje) e interpretativo (los actores se toman su labor muy en serio, algo tristemente inaudito en este tipo de propuestas; siendo justos también conviene señalar que pocas obras de terror pueden contar con el trasfondo de una serie de diez horas como la que nos ocupa). El trabajo de dirección también cuenta como otro de sus puntos álgidos (atención al magnífico uso del plano secuencia).\nLo peor: Que haya sido vendida como una serie de terror cuando en realidad estamos ante un drama con pinceladas de terror sobrenatural (los sustos están más que contados y no siempre son todo lo efectivos que debieran).\nCrítica de Arde Madrid por Cinemagavia 11 de noviembre de 2018\nEl guion ha sabido elegir unos protagonista con personalidad propia, que se ven ensalzados al lado de la figura de Debi Mazer como Gardner. Inma Cuesta y Paco León demuestran tener una química en pantalla que hacen que el espectador aplauda el buen hilo narrativo de la trama principal. La realidad es que Gardner es la excusa para mostrar una realidad de aquel tiempo en la sociedad alta, pero también en su servicio. Por esta parte, Anna Castillo encarna una joven ingenua de su época, algo que hace recordar su papel en ‘Amar en tiempos revueltos’ como Dorita. El puzzle de personajes está muy bien construido, algo que da naturalidad y carisma al resultado.\nCrítica de Bienvenida a Montparnasse por Cinemagavia 9 de noviembre de 2018\nBienvenida a Montparnasse (Jeune Femme) comienza de una forma directa, con un plano mirando a cámara y una Laetitia Dosch que solo tiene como atrezzo su propia interpretación. Dosh hace una de sus mejores actuaciones en pantalla. Expone de una forma clara la vorágine de sentimientos con los que se da el pistoletazo de salida al film. Cruda y realista. “La libertad es para los egoístas” sería un buen resumen de la exposición de la introducción al universo de Paula. En esta primera parte de la cinta se produce una explosión narrativa que engatusa al espectador. Las intenciones quedan muy claras y se ve el carisma de un guion repleto de situaciones cotidianas, que se convierten en brillantes y peculiares. Han sabido transformar lo que podría ser una historia más en algo original y sobre todo, cercano.\nEn este primer episodio, por llamarlo de alguna forma, se expone cómo el amor es capaz de transformar a las personas desde lo más profundo. Una especie de enfermedad que va por dentro y arrasa con todo cuando se torna en oscuro. Las obsesiones, la locura… se hacen patente en esta primera parte. Da uno de los mejores momentos del film: ese monólogo histriónico y dramático que se completa con una ironía muy bien manejada. De esta forma, se aleja de un tono demasiado serio y lo conduce al género de la dramedia con un buen acabado. El amor vuelve a ser el tema principal de este film. Toca varias vertientes bien cosidas entre ellas y con una naturalidad digna de destacar. La vida de Paula, pese a no ser lo convencional en ocasiones, hace que el público empatice con ella y su pequeño mundo.\nEl mundo del cine siempre ha tenido grandes figuras femeninas en sus películas, pero se observa que en los últimos tiempos se hace hincapié en dar un contexto que homenajee a las mujeres y las alejen de los clichés. En Bienvenida a Montparnasse (Jeune Femme) la feminidad se ve expuesta en varios personajes, ya que tiene mayor peso en las tramas de la cinta. Este detalle es muy importante, dado que vemos distintos mensajes y personalidades de la mujer. Se humaniza a los personajes de tal forma que se convierte en una reivindicación visual, no cae en los estereotipos que se atribuye al género femenino en el cine en ningún momento. Además, una particularidad que se da en la película es cómo el proceso de transformación de Paula hace que su círculo vital cambie las tornas y sea ella la figura fuerte, valiente. Arrasa con su carga emocional.\nLa utilización de partir de un desengaño amoroso hace que sea todavía más importante el mensaje que se quiere transmitir: la falsa necesidad de tener a una persona al lado para ser feliz. El marco temporal de Paula hace que a lo largo del metraje se vea cómo van formando una complejidad que ocurre en la vida misma. Comienza con una joven dependiente del amor, perdida ante la adversidad de terminar una relación tan larga para alzarse después como una mujer autosuficiente y liberada. El enfrentamiento que hace con su partenaire masculino sabe plasmar toda esta energía. Provoca que el espectador vea esa metamorfosis no solo en los personajes, sino en todas las tramas y subtramas que se han ido produciendo en el film.\nBienvenida a Montparnasse (Jeune Femme) tiene sello propio. Juega con los recursos estilísticos más propios del cine francés. Lo positivo es que lo realiza de una manera coherente y sin aburrir al público. Los silencios, los personajes escandalosos y pasionales, los planos cerrados, la desnudez, escenas cotidianas, entre otros, se entremezclan con una emoción que aúna todos los elementos narrativos de una manera más que notable. A nivel visual, se asemeja a un cine más alternativo, hace del espectador testigo. Le incita, al colocar la cámara tan cerca de los acontecimientos, a participar activamente. De esta forma, se tiene la sensación de comodidad y de cotidianidad con un reflejo sentimental que capta al público de forma instantánea hasta el final.\nÚnicamente cae en un pequeño error que no termina de hacerla redonda: el exceso de subtramas. Pese a manejarlas correctamente, puede despistar al espectador en algún momento. Tal vez hubiera estado mejor reducir la participación de algunos personajes. Sin embargo, no se encuentra que ninguna historia sobre. Todas conforman el universo de Paula. De esta forma, esta pequeña falla sigue enriqueciendo a la película. Aunque pueda abrumar y desorientar en contadas ocasiones, lo dinámico y el buen ritmo que tiene la película hacen que sea una mera anécdota. Una dramedia francesa que da un resultado brillante, sobre todo por la imagen que da el título: Bienvenida a Montparnasse (Jeune Femme), que poco tiene que ver con lo que se muestra en la cinta.\nBienvenida a Montparnasse (Jeune Femme) es un retrato íntimo de la liberación de la equivocaba visión que se le da al amor en ocasiones. Una muestra de la independencia femenina y la creación de un universo con claroscuros resueltos con ironía, emoción y realismo. Laetitia Dosch brilla con una gran actuación y consigue tener un reparto a la altura. Una dramedia que tiene todos los ingredientes para fascinar al público. Una narrativa que parte de un tema tan general como el amor, pero que llega a asuntos más acotados como el sector laboral en París. Una película que no deja indiferente y una gran carta de presentación para el debut de Léonor Serraille en el cine.\nCrítica de Maquia por Cinemagavia 8 de noviembre de 2018\nBront Palarae, Tara Basro, Endy Arfian, Dimas Aditya, ...\nCrítica de Los hijos de Satán por Cinemagavia 8 de noviembre de 2018\nLa fiesta de Halloween se llena de pequeños vástagos cuando el 31 de Octubre se acerca como una sombra dulce. Unos preparan los disfraces, otros el alcohol y los porros, y existe un tercer grupo que busca en la cartelera cintas que acuchillen la pantalla de cine y emerjan con una sonrisa sangrienta. Este último grupo experimenta algo parecido al éxtasis o a la proyección psíquica de otra personalidad en sus cuerpos; esa personalidad que todo el año racaneaba un mínimo de calidad y de caricias por parte de la crítica ahora se conforma con el título que logre agitarle levemente en el asiento porque: “¡qué coño! ¡Es Halloween!”.\nLos hijos de Satán corresponde a esa lista halloweenesca sin aparecer en su fecha. Estrenada oficialmente el 28 de septiembre de 2017 en Indonesia, la película se ha arrastrado como una enfermedad por distintos festivales especializados en terror hasta que por fin, este mes de noviembre, llegará a España por medio de la plataforma Movistar + el día 13 y en cines el 16. ¿Qué es entonces Los hijos de Satán? ¿Una película olvidada que ha llegado rascando de puerta en puerta con sus uñas ya rotas? Es una película tardía, desde luego. Un residuo de Halloween al que algún distribuidor ha llegado tarde.\nDemonios, niños y extenso cabello moreno\nLa película va perdiendo trozos de carne conforme se va descomponiendo minuto a minuto. Pierde sus dientes ya podridos, se le cae una verdosa orejita y sus articulaciones ya chasquean a punto de partirse. Los hijos de Satán comienza creando una atmósfera llena de padecimiento, de malestar, y fustiga al espectador muy levemente con tramos de tensión que quieren acabar en susto. En este intervalo la película de Joko Anwar demuestra que posee una planificación muy cuidada y un equipo técnico que poco tiene que envidiar al de las grandes producciones norteamericanas, sin ir más lejos la recreación de la ambientación (año 1981) está absolutamente conseguida. Y ahí se le cae un trozo de grasa podrida, y ahí va un mechón de pelo con dádiva.\nEl desarrollo de Los hijos de Satán es una pequeña calamidad. La tensión generada durante sus primeros minutos se va diluyendo en un collage de ideas importadas. Sí, será el remake de un remake, pero eso no exime a la película de la lucha por crear algo novedoso. Y es que no es el hecho de que esta pasta cinematográfica ya haya sido regurgitada dos veces, el problema radica en que sus personajes caminan sobre los clichés del género más fétidos y degenerados.\nEl reparto encabezado por Tara Basro realiza un trabajo muy basculado. La actriz protagonista no pierde la mirada de su personaje ni entre la cotidianeidad ni en el horror; lo mismo podría decirse de sus jóvenes acompañantes protagonistas: Endy Arfian compone un adolescente muy creíble y los niños Nasar Annuz y M. Adhiyat ni molestan ni rebajan el nivel de la película. Una lástima que ni este casting ni el talentoso trabajo de Joko Anwar y el equipo técnico logren levantar la acumulación de tópicos que se suceden uno detrás de otro ordenadamente.\nSi este muerto viviente ya apenas puede caminar, tenemos que añadir el tiro al pecho de la labor realizada en montaje y en la pista de audio. La broma de elevar el sonido en sustos o acariciar el violín en circunstancias tensas ya debería haberse olvidado. Pero ¡truco o trato!, y nos han llenado el salón –que no la sala de cine- de huevo podridos. Es una lástima, de verdad, pues los despojos de Halloween, estas películas que llegan tarde a la fiesta, también pueden ser disfrutables, algunas merecen un abrazo, pero Los hijos de Satán está tan desfigurada que del mero roce se descompondría en una nube de polvo.\nSi no te importa revisitar los tópicos del cine de terror Los hijos de Satán puede ser una película con la que ir de la mano a estos lugares. Es un filme en el que a partir de cierto punto no puedes evitar quejarte en voz alta, charlar sobre la otra película a la que parece estar referenciando o el próximo viaje que te gustaría hacer. Sin esperar gran cosa, si el género te apasiona y si ya tienes esa plataforma audiovisual que la ofrece, puede ser un nuevo título que agrade a la lista de visionadas; tic.\nCrítica de El veredicto (La ley del menor) por Cinemagavia 6 de noviembre de 2018\nEn esta época contemporánea, es necesario recordar que los precipicios a los que nos enfrentamos éticamente y que las decisiones que tomamos a diario nos convierten en quienes somos. Y es justo ahí donde El veredicto consigue conectar con el espectador.\n*Habla del dilema de escuchar dentro de nosotros mismos y en la fragilidad de las consecuencias.\n*Trata las posturas defensivas, duras y extremistas y el deseo de proteger y mantener a nuestro lado a las personas a las que apreciamos.\n*Nos embarca en la batalla por preservar la salud y la fe.\nEn El veredicto las interpretaciones son excepcionales. Los secundarios cumplen su misión, pero los principales son supremos.\nStanley Tucci trabaja con naturalidad, moviéndose entre la comedia y los momentos sentimentales con soltura y aportando determinación al personaje.\nEmma Thompson es la reina de la sala. El hada de la varita cuyas elecciones abren y cierran puertas dentro y fuera del mundo de la ley. No solo transmite rectitud y elegancia. Integra en Fiona las inseguridades y los temores de una mujer que ha construido un muro ante su entorno. La jueza se apoya en su atmósfera laboral para sobrellevar la tormenta de emociones que tiene dentro y que no exterioriza. Su ferviente deseo de hacer el bien y de ejercer la autoridad consumen sus sueños e intoxican su visión. Y, por ello, esta se torna más fría y cerrada según deja que los casos sean su única fuente de autorrealización. Sin embargo, detrás de su carisma se encuentra alguien con más preguntas que respuestas. Una esposa con más debilidad que coraje para enfrentar sus sentimientos y los de los demás.\nFionn Whitehead abraza su papel con exquisita intensidad. Su actuación es un poema de carne y hueso. Se convierte en una maravillosa construcción lírica que transmite más allá de las palabras y los actos. El joven protagonista de Dunkerque sabe cómo dotar al personaje de inocencia, picardía, dulzura y sensibilidad. Vemos su vulnerabilidad y, a la vez, su fuerza vital. Los matices, la evolución psicológica y la voluntad de Adam fluyen a través de él con pasional maestría. Sus minutos en pantalla son puro corazón.\nEste personaje representa el canto de un alma que percibe la belleza del mundo. De un chico que ama la vida por encima de las banalidades, de la crueldad y del dolor. El espíritu de alguien que busca comprender el significado de la existencia, la libertad y las conexiones personales. Pero también es el llanto de un ser humano cuya soledad interior es el verdadero pozo de oscuridad. El cáncer real: la profunda y sangrante herida de la desdicha. El poder de la tristeza y el miedo al vacío (ya sea en esta tierra o en los reinos lejanos de la muerte).\nLa adaptación del año\nY con ese conmovedor trabajo, un millón de aplausos seguirán siendo pocos para reconocer el talento y el amor con el que se ha realizado esta pieza de arte. Una historia única para reflexionar sobre la moralidad, los límites de la ley (tanto la del corazón como la del Estado), y la capacidad del arte y del contacto humano para sanar vidas.\nCrítica de Malos tiempos en El Royale por Cinemagavia 6 de noviembre de 2018\nKeira Knightley, Dominic West, Denise Gough, Fiona Shaw, ...\nCrítica de Colette por Cinemagavia 4 de noviembre de 2018\nArnaud Ducret, Louise Bourgoin, Timéo Bolland, Saskia de Melo Dillais, ...\nCrítica de Familia a la fuerza por Cinemagavia 3 de noviembre de 2018\nEse no sé qué, francés\nDesde luego, desde los cortos sabes que no esperas ninguna sorpresa de esta simpática comedia francesa. Los elementos están claramente marcados, es una lucha de dos que se odian, que se amarán después; salpimentado por el asunto de haber dos niños de por medio.\nComo siempre, los franceses tienen ese no sé qué para sacar de algo tan trivial y visto, una buena dosis de diversión.\nEstereotipos que se aman/odian y… !funcionan!\nTenemos personajes prototípicos muy clásicos, Antoine (Arnaud Ducret), soltero, cuarentón y viviendo en una “adolescencia prolongada” (fiestas, sexo, drogas, y juegos de vídeo) que trabaja (¿dónde si no?) en una agencia de publicidad.\nSus amigos también viven la vida loca y parecen el clan perfecto: hombres divirtiéndose a sus anchas en el juvenil y liberal mundo de hoy en día.\nPero esa especie de nirvana del soltero se ve fragmentada sorpresivamente cuando Thomas, el amigo que comparte el departamento con Antoine (y verdadero dueño del mismo) es transferido a Los Ángeles.\nTu conquista es una… ¿mamá?… ¡Ooops!\nComo podemos imaginar, la sorpresa de Antoine al conocer a Jeanne (Louise Bourgoin) no es nada cuando se entera de que se muda con sus dos hijos a su paraíso solteril. Obvio sería decir hacia dónde va a ir la trama… Pero lo que hace a esta película divertida es la manera en la que traza su ruta para contarnos la historia y como va presentando la evolución de los protagonistas para de una manera simpática ir también venciendo nuestras defensas ante la cuasi imposible relación de Jeanne, sus hijos y Antoine.\nLa invasión, que comienza como una guerra declarada, irá metiendo de cabeza a Antoine en la “otra cara de la moneda” (Es difícil de creer pero… hay una vida mucho más allá de “esas noches de copas, esas noches locas”…)\nAntoine, conjuga en sí mismo el espíritu del soltero empedernido en su acepción más clásica, mezclándolo con otras características modernas: es machista, egocéntrico y tiene horror a los niños… porque, finalmente, él es un niño.\nLa abrumadora tarea materna\nJeanne es la típica ama de casa joven, madre, trabajadora, recién divorciada y desesperada. Además, tras su divorcio se encuentra forzada a reiniciar su vida, actividad que ha olvidado por enfocarse a todas las tareas antes mencionadas.\nDe esa manera, sin pecar de modesta, ni de ñoña, debe luchar con sus demonios actuales mientras transita por las citas que las aplicaciones de buscar parejas le proporcionan, sin atreverse, por otro lado, a sincerarse con sus padres acerca de quién es exactamente Antoine . (¿No vas a querer que después de tu divorcio todos digan que NO tienes a un hombre, verdad?)\nSexy Humor Ligero\nY en esta tesitura en la que los opuestos se atraen, irónicamente la confrontación de la vida loca de Antoine y su desmesurado adolescente interno encuentran una realidad ante los verdaderos niños y esa confrontación hace crecer a Antoine , claro, aunado a su involucración con Jeanne.\nDe tal forma, que va a irles transformando, dándoles a cada uno los fragmentos necesarios para hacer andar ese romance, el cual no está exento de equivocaciones; guerrillas, chantajes, y finalmente seducción. Poco a poco irán surgiendo los gags de esta comedia romántica que posee toques de ironía, y sexy humor ligero.\nLo más divertido es que todo este embrollo, por más descabellado que parezca, está inspirado en una experiencia real del director Gillibert (no sabemos si el final fue el mismo).\nDe esta forma, dentro de la trama y la historia subyace ese sabor especial de que en algún momento, esta locura podría ser posible y tener el clásico “happy end”.


Atención de pacientes especiales. Síndrome de Down - Odontologia Online - Para el Profesional y Paciente Dental\nCynthia Elba Baggini, Odontóloga.\nLa diferencia en la atención esta dirigida a las maniobras que debemos realizar para la atención de los mismos, sean éstas de contención manual (con la colaboración de los padres y/o asistentes) o bien en casos mas severos con narcosedación.\nDesde el punto de vista odontologíco, las maniobras son exactamente las mismas, una diferencia fundamental es la motivación que muchas veces se hace mas dificultosa y las sesiones pueden requerir de mas tiempo. En este caso, el paciente padece Sindrome de Down. Dicho sindrome es un fenómeno de traslocación cromosómica también conocido como Trisomia 21.\nLa incidencia del mismo es de 1:660 en nacidos vivos, y está asociado a la edad avanzada de la madre.\nDentro de los signos más sobresalientes de este sindrome, se encuentran:\nHipotonia.Perfil facial chato.Piel seca, eczematosa hiperqueratósica.Hipoplasia de senos frontales y puente nasal pequeño con aplasia completa del hueso nasal.Ojos oblicuos, fisuras palpebrales angostas.Extrabismo convergente o divergente.Cuello corto y grueso.El 40% de los pacientes presenta anomalías cardíacas.Manifestaciones bucalesLengua escrotal.Macroglosia con protrusión y mordida abierta.Tendencia a Clase III, desarmonías oclusales.Microdoncia, dientes primarios que no se exfolian, dientes conoides, hipoplasia del esmalte, anodoncia y dientes supernumerarios.La patología bucal predominante es la enfermedad periodontal debido al mal control de la placa bacteriana por la imposibilidad de realizar una buena técnica de cepillado.\nSe realiza para este paciente un plan de tratamiento con alto contenido preventivo realizándole topicaciones con FFAA (fluorfosfato acidulado) Ph 3,5 así como la indicación de dentífricos fluorados. Es importante en casos en que el coeficiente intelectual del paciente lo permita, mostrar cada paso en un espejo para que vaya registrando la secuencia lógica de su higiene bucal.\nEn esta foto podemos observar las arcadas inferior y superior del paciente en oclusión, con su característica tendencia a Clase III y la presencia de abundante placa bacteriana.\nPodemos observar la arcada inferior del paciente, nuevamente con abundante presencia de placa bacteriana y la ausencia de la pieza 8.4 en forma temprana.\nVemos la mesa preparada para una sesión de enseñanza de cepillado luego de realizar un revelado de placa bacteriana.\nArcada inferior una vez realizada la detección de placa con pastillas reveladoras.\nArcada superior con revelado de placa, nótese la cantidad de superficies teñidas por el agente revelante.\nSe está llevando a cabo la enseñanza de higiene en presencia de la madre.\nSe solicita al paciente que observe en el espejo las maniobras que luego deberá realizar.\nAquí podemos observar una vista de ambas arcadas luego de haber logrado un correcto control de placa por parte del paciente.\nCubetas descartables cargadas con FFAA Ph 3,5. Nota: De no tener posibilidad de colocar cubetas por la patología que el paciente presenta, se pueden topicar con gasa y/o hisopos.\nPárrafo aparte: El paciente presenta pérdida temprana de dos piezas temporarias (5.4 y 8.4) por lo que se considera necesario realizar mantenedores de espacio. Esos mantenedores de espacios nos permitirán conservar los espacios para las piezas permanentes hasta que ellas erupcionen, recordemos que la erupción de las mismas puede verse demorada.\nSe carga una cubeta parcial con alginato, (puede utilizarse yeso para impresiones), las cubetas también pueden ser totales.\nSe coloca el material de impresión en boca, recordemos que tenemos que enviar al laboratorio la impresión acompañada de un antagonista y una mordida.\nUna vez que el material de impresión gelificó, lo retiramos de boca.\nEvaluamos la impresión y de considerarla poco nítida se repite la maniobra.\nPodemos observar en boca ambos mantenedores de espacio simples superior e inferior con coronas forjadas y ansas.\nObservamos una vista mas próxima del mantenedor de espacios superior.\nVista de mantenedores de espacio instalados en boca.


blogguno.blogspot (descontinuado): Cómicos con instrumentos\nCómicos con instrumentos\nBueno falsos lectores cibernéticos hoy os presento un TOP 4 (porque 3 son muy pocos y 5 son muchos) de músicos/cómicos con guitarra, y quizá os preguntéis ¿por qué?, pues porque me da la gana, digo, voy a hacer lo qué vosotros digais já. Bueno despues de esta "curiosa" aclaración, vamos a meternos cual cadáver en su bolsa en este nuevo Rankin:\nEl orden de este Rankin reside en el humor de las canciones y en mi critério, claro está.\nEn el puesto number ONE tenemos "Carlitos".\nTuneador (en el buen sentido, valla que a los coches no les hace nada. Creo) de canciones conocidas convirtiendolas en grandes canciones. Ha trabajado con Buenafuente y con Dani Mateo en Noche Sin Tregua. Aquí dejo la canción del Punto G, fantástica versión de la canción de comando G.\nTiene otras muchas, pero para mí esta y la titulada Fuet Faith son las más representativas.\nBajando un puesto en el Number TWO encontramos a Alex O´dogherty.\nEl malote serio de Camera Café. Haciendo canciones de su propia creación también en Noche sin tregua.\nA mí me parece un tema precioso.\nEn el Number Three nos encontramos con Berto y el Lagarto.\nCon la conocida canción titulada "Tuneame Doctor Juan". Conocida mayormente por aparecer en Buenafuente. Sus autores e interpretes Berto y el Lagarto que tambien tienen otras divertidas canciones. Pero aquí os dejo la canción del verano Tunéame Doctor Juán.\nSupongo que es tarde para advertirlo pero es bastante pegadiza...\nY en el Number Four tenemos a uno de nuestros predilectos: David Callejón. Esta el numero 4 porque sus canciones son mas serias. A mí personalmente la que mas me gustó es una llamada "Amor Actualizado",que la interpretó en el monólogo, pero no la he encontrado. Así que os dejo Claudia y Juán, que también es muy buena.\nPues aquí termina este TOP 4. Espero que os haya molado. Y sino me da igual...\nPublicado por *Dreamer* a las 15:05\nCategorías: música, rankings, vídeos


Identidad, valores y responsabilidad | Reflexiones para Hoy\nIdentidad, valores y responsabilidad\nEl ambiente es propicio para reforzar los valores, la identidad y los compromisos de responsabilidad que Dios siempre ha deseado que se practiquen dentro del matrimonio y la familia. Es propicio por la crisis mundial que le está enfrentando la familia como institución establecida por Dios hace más de 6, 000 año. El reto que enfrenta es en mantener, reforzar los valores y volverse a las normas y reglas originales. Otra razón que lo hace propicio es porque cuando hay crisis es porque si se refuerza los pilares de la familia esto asegura que el futuro de la sociedad puede cambiar para bien.\nHace unos 5 años fui invitado a dar cuatro conferencias a unos 120 pastores de las iglesias Centroamericanas en El Salvador, por motivo de su anual IPM, julio 2010. El encargado me dio a conocer el tema escogido para el retiro “La familia ante la crisis mundial”. Debido al poco tiempo que yo tenía para preparar dicho tema, le pregunte si tenían algunos subtemas específicos. Finalmente, después de varias preguntas, la persona responsable me reveló la verdadera necesidad que les llevaba a escoger este tema. De fondo, los pastores estaban enfrentando problemas familiares y necesitaban ayuda.\nYo propuse un tema más especifico pero al mismo tiempo abarcador, ya que tocaría la parte medular de los pastores, la vida espiritual en su relación con la familia. El devocional familiar en relación a tres dimensiones: con Dios, la familia y el ministerio analizado por medio de cuatro enfoques: pastoral, familiar, eclesial y ministerial. Propuse al mismo tiempo una serie de talleres que buscaban reflexionar sobre la crisis mundial que enfrenta la familia. Hay crisis en la educación familiar, la familia ante los retos del pleno siglo XXI, erosión de valores sin precedencia, caos en la sociedad, y finalmente, el valor de los valores.\nLa atención del núcleo más importante y la Institución más valiosa de la sociedad, la familia, es algo que no puede esperar más tiempo. Los problemas que más enfrenta la iglesia no son por el dinero, el edificio, las personas, el trabajo, los estudios, la salud, la casa, etc. El problema es la poca atención e incorrecta educación que se está dedicando o brindando. Este fue el error de Jacob con los doce hermanos que vendieron a José, fue el mismo error del sacerdote Eli con sus dos hijos que murieron en la guerra y fue el mismo error que cometió el rey David quien tuvo todo pero no supo educar a sus hijos. Ese mismo error se está cometiendo hoy en día, la familia o mejor dicho los padres, en vez de impulsar valores, prioridades, virtudes y responsabilidad, está gastando mayor tiempo y esfuerzo en el trabajo, en lo material y en lo secundario.\nLa familia es un producto creado directamente por Dios, quien es Poderoso, Amoroso, Creativo, Soberano, Sabio y Bello. Es el Arquitecto y Dueño de todo (Sal. 24:1). Dios es quien DISEÑÓ el matrimonio, la familia y cada miembro en particular, por lo tanto, todo es perfecto y ha de funcionar perfectamente bien. La pregunta lógica que surge de inmediato es, si lo anterior es verdad, ¿Por qué hay problemas en el matrimonio y la familia hoy más que nunca? Porque se han olvidado del Creador y se han apartado de las normas, reglas y lineamientos originales establecidos por Dios. Como Dios es quien los ha hecho, él sabe cómo funcionan bien, lo único que nos queda es obedecer y seguir las instrucciones de la fábrica eterna.


Planos de casas - Part 81\n09/04/2015 17/04/2015 planosdecasasmodernas\tLeave a comment\nEn esta oportunidad queremos compartir planos de casas modernas chicas. Este es uno de los estilos casas que suelen construirse con mayor frecuencia, son una opción para una familia tipo compuesta por cuatro personas, generalmente un matrimonio y dos hijos. Esta casa pequeña se amolda de manera perfecta a las necesidades básicas de la familia, […]\n08/04/2015 17/04/2015 planosdecasasmodernas\tLeave a comment\nSoñar en construir una casa de campo puede hacerse realidad tan sólo debemos contar con los planos correspondientes y con mucha imaginación para ambientar esta casa de campo de acuerdo a nuestras preferencias y posibilidades. Por supuesto también deberemos tener en mente los costos para construir una casa de campo, algo que varía de acuerdo […]\nPlano de casa de 8×10 metros\n03/04/2015 01/07/2016 planosdecasasmodernas\tLeave a comment\nHoy vamos a describir este plano de casa de 8 × 10 m, estas medidas nos devuelven una casa de 80 m² cubiertos. Este plano de casa posee una forma rectangular, por lo cual es posible construirla en terrenos angostos, para poder edificar este plano de casa alargada de 8 × 10 m deberás poseer un terreno […]\n02/04/2015 17/04/2015 planosdecasasmodernas\tLeave a comment\nEn nuestra página de planos de casas modernas encontrarás gran cantidad de planos de casas para construir. Son muchos los modelos que podrás ver en nuestra página ya que contamos con una amplia gama de planos de casas online para construir. Al analizar cada uno de estos para planos de casa para construir detallamos cada […]\nPlano de casa de 3 dormitorios con jardin interno\n27/03/2015 17/04/2015 planosdecasasmodernas\tLeave a comment\nEste plano de casa de 3 dormitorios con jardín interno nos muestra la posibilidad de construir un bello patio interior para así conferir mayor luminosidad y calidez a nuestro hogar. Este en particular es un plano de casa moderna de 3 dormitorios. Si bien posee medidas un tanto reducidas logra ubicar en estos metros cuadrados […]


A día de hoy no extraña ver anuladas las cláusulas suelo de cualquier contrato. Desde 2016, el TJUE obligó a las entidades bancarias a devolver la totalidad de las cantidades pagadas por los consumidores. A día de hoy, ya estas clausulas no se pueden aplicar. Pero aún así se sigue teniendo un aluvión de reclamaciones de este tipo de cláusulas en los juzgados.\nQueremos desarrollar mediante este blog un procedimiento de reclamación nulidad de clausulas suelo como modelo. Contamos para ello con un Caso de éxito realizado por el despacho Cierzo Abogados, en él, podemos ver perfectamente el desarrollo de una reclamación de nulidad de estas cláusulas para ahorrar tiempo en nuestros pleitos.\nEl especial deber de información y la abusividad como argumentación.\nLas clausulas suelo han sido establecidas como nulas por el tribunal supremo en 2013. Esto se debe a que se considera abusivo el tipo de interés mínimo que establecían sobre sus productos. De esta manera, al suscribir una hipoteca, la clausula suelo hacía de garantía de pago a los bancos, ya que si el índice bajaba por debajo del porcentaje, la entidad no vería reducido el pago de los intereses cuando se debería estar pagando mucho menos.\nLas clausulas suelo, por tanto están sometidas al especial deber de información que tienen los productos financieros. Y esta es una de las partes más importantes a la hora de anularlas. El especial trato que tienen este tipo de productos en cuanto al deber de información esta generando la retirada de muchos productos así como su reclamación. La Orden ECC/2316/2015 es tajante en ese sentido, buscando siempre la protección del consumidor mediante la información que otorgue la entidad.\nAdemás del especial deber de información y el enriquecimiento injusto por parte de la entidad se contraponía la idea de la clausula techo para demostrar la abusividad. Esta, siendo contraria a la cláusula suelo, establecía un tope máximo a pagar. Lo cual supuestamente beneficiaba a los consumidores. El problema es que este techo solía ser muy alto y en muchos casos inalcanzables, por lo que quedaba demostrado que no realizaba un efectivo control de los intereses de los consumidores.\nVías para la reclamación.\nEn la actualidad y en vista de que este tipo de reclamaciones suelen ser favorables a los clientes, existen dos vías. Una vía extrajudicial, con la finalidad de informar y novar el contrato que existía con la entidad y devolviendo esta las cantidades no reclamadas. La segunda, una vía más convencional por la jurisdicción ordinaria.\nEl mecanismo de la primera reclamación se fundamenta en interponer ante el servicio de atención al cliente del banco una reclamación. En caso de que esta acepte la solicitud, esta deberá mostrar un desglose de las cantidades que se han abonado y hacer una oferta de devolución, ya bien sea devolviendo el dinero o a través de algún tipo de descuento posterior. En caso de devolver el dinero, el banco tendrá tres meses para abonarlo desde que se inició el procedimiento.\nEn caso de tener que acudir a la vía judicial, tendremos que acudir al juzgado especializado en la materia. Organismos creados a tenor de la sentencia de 2017. Esta vía es más larga y costosa, pero si bien es cierto que gracias a la multitud de jurisprudencia favorable al respecto, es bastante sencillo que llegue a buen puerto.\nEl procedimiento en cuestión, ahora nos puede parecer algo sencillo debido a que como hemos comentado hay mucha jurisprudencia favorable. Sin embargo, no se nos puede olvidar como llevar acabo la reclamación. Pese a que se las clausulas suelo no se puedan aplicar desde el año 2019, aún existe la posibilidad de reclamar alguna.\nLa abogada Mª Begoña Fernández Planelles especialista en derecho civil y mercantil, nos muestra en este procedimiento como dejar sin argumentos a la entidad bancaria. Gracias a sus argumentos, basados en la jurisprudencia y en el desconocimiento por parte del cliente de lo contenido en el clausulado, nuestra colaboradora nos deja un escrito que es una buena demostración de como llevar un caso como este.\nACCEDA AL CASO COMPLETO AQUÍ


Cuando ruge la marabunta :: IN-MEDIATIKA\nInicio INMEDIATIKA > Cuando ruge la marabunta\nLos pueblos antiguos, los animales y los ancianos, viven atentos a las señales.\nLos campesinos miran al cielo que habla más claro que el telediario, sin mentir y sin anuncios de coches, de esos tan raros que nadie entiende pero que debe dar igual porque los publicitarios no dan puntada sin hilo.\nLos de pueblo de antes, veían a una vaca acercarse a la cerca y sabían que iba a llover, lo mismo que la abuela mediante sus huesos.\nSólo los muy urbanitas y los niños, y la gente de los pueblos de ahora (que no son sino trozos de ciudad con el metro cuadrado más barato), ignora las señales naturales.\nYo veo en este verano por lo menos indicios…\nEstamos viviendo un estío de incendios, de pájaros atracadores, selvas urbanas, ruiseñores rotos y la furia de Odin el loco.\nSe incendia el matorral y monte bajo rural y en el Palm Spring de las zonas ricas con ese miedo que da el fuego próximo a la ciudadela.\nEn el campanario de la Iglesia de San Sebastián, han anidado gaviotas que se lanzan desde las alturas, en maniobra militar, contra infelices transeúntes atacándoles sin piedad. Pensemos que son aves cuya envergadura de alas puede dar más de un metro. El susto y el picotazo debe ser impresionante.\nAl parecer, estas aves sienten especial inquina contra los perros urbanitas, que con sus vacunas, sus microchips y sus lacitos, son todo menos animales peligrosos. Uno de los objetos de sus ataques ha sido el propio Párroco que fue quien denunció el caso. La Administración, como no podía ser menos, se ha hecho un lío con sus competencias y sus leyes, complicando el tema cuando se trata de animales. Si un día nos atacase una pulga gigante (tipo King-Kong), moriríamos en la discusión bizantina por si es un animal protegido, si es competencia de Inmigración, del Consell, de ICONA, del Imedea, o del Zoo de Estrasburgo.\nLos propios expertos en estas aves han manifestado su extrañeza, ya que nunca suelen anidar en sitios concurridos ni en lugares altos.\nY para más INRI han elegido un edificio de la Iglesia, y la que da nombre al Patrón de la capital.\nSi ves anidar a un ruiseñor en la peluca de Voltaire tienes a Heine;\nsi ves a las ratas del mar poner un nido en lo alto del campanario de una Iglesia céntrica y ruidosa, tienes algo cuando menos extraño.\nLa jungla también puede ser de cristal y asfaltada, y la fauna llega a todos los rincones por las autopistas de la información y las de EMAYA. Como en las leyendas urbanas de Nueva York.\nNo me extrañaría que ahora aparecieran anacondas vivas o muertas en los palcos del Teatro Principal ( en ascensor no habrán subido ni habrán hecho pis). Y puede crecer el rastrojo o un palmeral en el Patio de butacas, lo que nos vendría bien para hacer una especie de El Misterio de Elche, o algo de historia sagrada, o el Davallament, el Belén, la Adoración o todo junto y a la vez.\nEn Hollywood de los años 30 con unas cuantas palmeras y 300 extras tenías tanto Oriente como el desierto. Y dado que parece que es esto último (el desierto), lo que ha quedado del Teatro Principal , ahora me explico la elección de una ex Consellera de Agricultura y Pesca como Gerente, por mucho que en su juventud hubiera recitado poesía. La quieren como a Noé, para repoblar el Arca.\nPues mira, ahora que se llevan los huertos verticales, podrían poner esa fachada neoclásica tan insulsa con tomatitos Cherry, y en el interior, un jardín tropical, para cubrir la estacionalidad: Palmeras datileras, Yucas, Cocoteros lianas, Orquídeas, plantas carnívoras… A los turistas les encantaría tomar capuchinos con la flora tropical desatada merendándose los estucos dorados. Sería como el Teatro Amazonas de Manaos, una selva dentro de un teatro de una ciudad, que a su vez, disimula su categoría de selva cultural.\nTambien podríamos llamar a Esperanza Aguirre para que nos preste a Boadella y algo de la programación de los Teatros del Canal, pero me temo que vamos a ver anunciado mucho teatro amateur para goce de familiares y conocidos.\nPrecisamente una coproducción de los Teatros del Canal (comunidad de Madrid) y el Auditorio de San Lorenzo de El Escorial, es la nueva aventura escénica de Paco Mir (Tricicle). Se trata de la Opereta “Candide” de Leonard Bernstein, que gira en torno a Candide, “un hombre que ve la vida desde un punto de vista ingenuo y al que todo le parece bien”. Como a los mallorquines, que somos gente tradicionalmente manfutista, y “tot mos va be”, mientras no nos toquen las narices.\nEuropa, que primero fue un Club elegante, luego un Mercado, ha acabado en Gran Superficie con secciones en rebajas y otras en liquidación por quiebra.\nY allá por el lado tranquilo y elegante, girando los Muebles suecos y llegando a la Sección gourmet, donde huele a salmón y a caviar, nos apareció un tipo vestido de Mariscal de campo que creíamos que era de una marca de ahumados y nos chamusca la paz campestre de Noruega y hacia abajo.\nDe esta comunidad de vecinos llamada Europa sabemos que hay una señora que es la que tiene el piso más grande y la que manda más y se “entiende” con un señor bajito del piso de abajo ( siiiii…el que tiene esa mujer tan guapa y elegante que ahora está embarazada). No son los presidentes, pero son los que manejan el bacalao en la escalera.\nEn mi última expo: Las CELEBRITIES, dediqué un cuadro a Amy Winehouse.\nYo creo que ya era un pálpito de que iba a durar poco. Por eso la representé bella, hierática y estatuaria. Muerta (viva entonces), eterna (muerta ahora) viva para siempre como artista (diva-divina-diosa) en la morada de los inmortales y presente para siempre en nuestro recuerdo de fans.\nA cada obra, a cada personaje, le escribí un texto. Este fue el dedicado a Amy:\n“Sultana Amy” (Amy Winehouse).\nEs fácil, querida Amy, verte borracha y suburbial,\nvisa platino en la “banlieu” del calimocho,\ndeconstruido el moño babilónico, con resaca de neurotransmisores y lágrimas de corazón machacado.\nPero tu, Amy, la Ana Magnani del Rock, eres mucho más\nYo te imagino en trono de Sultana, reina dominante, diosa, arpía y mujer, ungida con afeites ancestrales: henna, menta, aceite de mirra, kohl y polvo de oro.\nTe veo tras el desierto rojo surcado por alfombras aladas, en palacio de mármol y alabastro, con tu “garde du corps” de bellos efebos complacientes.\nTu eres mi señora.\nTus deseos son órdenes para mi.\nTe sirvo y obedezco.


Hayek en Diario Femenino\n¿Mucho pecho? Luce vestidos de fiesta a lo Salma Hayek\nLa actriz Salma Hayek tiene mucho volumen de pecho, y lo luce orgullosa, ya que las mujeres con una gran talla de sujetador también pueden ir divinas con vestidos de fiesta para realzar aún más su belleza exuberante. Leer más ›\nSalma Hayek brilla en el estreno de su película El profeta\nLa actriz Salma Hayek deslumbró a su paso por la red carpet en el estreno, en Beirut, de la película animada que ha dirigido, El profeta. Leer más ›\nSalma Hayek, deslumbrante en los Premios Woman\nLa actriz Salma Hayek fue la mujer más esperada de los premios que otorga la revista Woman y deslumbró con un look lady que no dejó indiferente a nadie sobre la alfombra rosa. Leer más ›\nVictoria Beckham y Kate Moss, 'british power' para Alexander McQueen\nVictoria Beckham y Kate Moss apoyaron la fiesta de Alexander McQueen tras su desfile, al igual que otras celebrities como Naomi Campbell o Poppy Delevingne. 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Leer más ›\nSofía Vergara y Lucero: Top 5 de las latinas más sexys\nShakira, Lucero, Salma Hayek, Sofía Vergara y Thalía son las cinco latinas más sexys del mundo del star system, pero no siempre aciertan con sus estilismos sobre la alfombra roja. Leer más ›\nSalma Hayek y sus raros trucos de belleza: no lavarse la cara, raparse el pelo...\nSalma Hayek tiene un secretos de belleza un tanto curiosos pero que parecen que funcionan porque la actriz sigue igual de joven que siempre. Leer más ›


ARBA firmó convenios con la Municipalidad de Escobar – Semanario Regional\nHome›Interés general›ARBA firmó convenios con la Municipalidad de Escobar\nPara la colaboración con ARBA para intercambiar información tributaria. Del acto, realizado en Pilar, participaron intendentes de diferentes comunas que también adhieren a la iniciativa de la Agencia de Recaudación Tributaria.\nEste convenio se enmarca en el programa de Gestión Tributaria Territorial implementado por ARBA para trabajar de manera articulada con los municipios. Los objetivos principales son el intercambio de información fiscal, la realización de mesas de diálogo de cooperación, capacitación y asistencia técnica y tecnológica, y la elaboración de proyectos conjuntos sobre cuestiones vinculadas a la administración de impuestos.\nEl director de la Agencia de Recaudación de la provincia de Buenos Aires, Gastón Fossati, estuvo a cargo de la presentación del nuevo programa de Gestión Tributaria Territorial en la localidad de Pilar, una iniciativa de carácter técnico que prevé encuentros de trabajo entre ARBA y los municipios para optimizar la labor de recaudación en los distritos.\nLa presentación de este proyecto de cooperación en materia de administración tributaria se desarrollaró el miércoles en el salón del Honorable Concejo Deliberante de Pilar.\nEn el marco de este programa, la Agencia compartirá con los equipos técnicos de cada municipio sus herramientas tecnológicas para combatir la evasión y brindará asistencia en temas de fiscalización y cobranza.\nPablo Ramos y diputados provinciales estuvieron en ...


El Papa futbolero, el lado humano de Francisco | ElSalvador\nTienes que iniciar sesión para poder insertar un comentario (Registrarse | Iniciar Sesión) Portada›Noticias›InternacionalEl Papa futbolero, el lado humano de FranciscoJorge Mario Bergoglio. Su afición por el deporte y el gusto particular por el fútbol. Hincha apasionado de San Lorenzo de Almagro, uno de los equipos "grandes" de la Argentina.\nComentariosEl Papa futbolero, el lado humano de FranciscoEl Papa futbolero, el lado humano de FranciscoPor Por Gustavo Flores13.mar.2013 | 19:00Mate, fútbol y tango. Tres sinónimos del argentino medio. Y Jorge Bergoglio, desde ayer el Papa Francisco, no es la excepción. Porteño, 76 años, hijo de inmigrantes italianos. Y futbolero, muy futbolero para alguien dedicado desde muy joven a la religión. Su adhesión a San Lorenzo de Almagro, un equipo de los denominados cinco grandes de la Argentina, dio ayer la vuelta al mundo.San Lorenzo es un equipo que fue fundado por un sacerdote, usaba un oratorio para jugar y uno de sus apodos es "Los Santos". No sería difícil establecer la relación por allí. Pero no. No fue por eso que Bergoglio se hizo hincha "azulgrana". El gusto por el fútbol y el fanatismo bien entendido por su equipo lo heredó de su papá, un exjugador de baloncesto del club, quien lo llevaba de pequeño a ver los partidos de fútbol en el "Viejo Gasómetro", un estadio mítico que fue desmantelado y reemplazado por un supermercado. Los socios del club buscan recuperarlo, ya hicieron marchas con 20 mil personas. ¿Recibirán hoy ayuda divina?En los últimos años se fortaleció la relación del Papa con el club. Planteles de jugadores, con el histórico goleador Beto Acosta a la cabeza, le han regalado camisetas autografiadas. Solía recitar de memoria equipos campeones como una muestra de fidelidad a los colores. En 2008 ofició la misa del centenario del club y recibió el carnet de socio honorario. Curiosamente, los últimos cuatro dígitos de ese carnet fueron ayer el primer premio de la lotería argentina. Imposible para el feliz ganador no pensar en un milagro.Entres sus gustos deportivos, el fútbol no es la única disciplina. Según biógrafos, también es un apasionado seguidor del boxeo y el tenis, deportes que en Argentina han dado ídolos de la talla de Carlos Monzón, con los guantes, o Guillermo Vilas, con la raqueta; deportistas que le han dado masificación a estas disciplinas en el país sudamericano, hoy encarnados en Maravilla Martínez y J.M. del Potro, de los mejores del mundo cada uno en su actividad.Bergoglio vivía en un departamento de la Curia, a la par de la Catedral, justo enfrente de la Plaza de Mayo, lugar de manifestaciones históricas. También allí, en esa plaza, se ubica la Casa Rosada, lugar de trabajo de la presidenta Cristina, con quien el ahora Papa tuvo duros cruces por la pobreza y la marginalidad.En la puerta de esa Catedral, en el corazón de Buenos Aires, hubo festejos ayer. Y sí, no faltaron las camisetas de fútbol. Las de Messi y las de San Lorenzo. Las de Maradona, que ayer dijo desde Dubái: "El Dios del fútbol es argentino, y ahora también el Papa". Tampoco faltaron las voces que acusan a Bergoglio de supuestos vínculos con la última dictadura militar, declarada culpable de crímenes de lesa humanidad y 30 mil desapariciones entre 1976 y 1983. Fotos que lo ubican junto al exdictador Jorge Rafael Videla recorrieron los principales medios gauchos y fueron multiplicadas en las redes sociales.En democracia, Bergoglio agudizó su sentido social. Recorrió hospitales para visitar los heridos de "Cromañon", la discoteca incendiada que se cobró 194 jóvenes víctimas a fines de 2004. También se destacaba por viajar en bus y en subte, el metro de Buenos Aires.Pancho. Así se suele apodar a los Franciscos en Argentina. Por eso el "Papa Pancho" fue una de las frases más escuchadas en el país "del fin del mundo", al que le costó salir del asombro y la conmoción por ser el anfitrión del primer Papa latinoamericano. Su apodo y su equipo de fútbol fueron las palabras más mencionadas ayer. Y San Lorenzo sacó su rédito, inimaginable un par de horas antes, cuando el humo blanco todavía no había aparecido en San Pedro. Sin ganar ningún título, un equipo azulgrana que no es el Barcelona fue, por un día, el club de fútbol más famoso del mundo.Lea además


access_timeseptiembre 20, 2013 folder_open Comunicados\nLa última medida represiva del gobierno ruso fue la votación de una ley contra le propaganda homosexual en la Duma (Parlamento ruso). Aprobándose con 434 votos a favor, ninguno en contra y una abstención. Yelena Mizúlina, Jefa del comité parlamentario de Familia, Mujeres e Infancia y diputada del partido socialdemócrata Ruso defendía que la ley “persigue la formación entre menores de edad de cánones sexuales no tradicionales”.\nEsta ley represiva prohíbe “los actos gays en lugares públicos o en los medios de comunicación. Multando con 125 euros para los particulares, 1000 si son cargos públicos y hasta más de 10000 si son instituciones. El gobierno ruso ya reprimió los actos de protesta el mismo día de la votación y recientemente multó a un festival de cine gay (Bok o Bok).\nPero más allá de las multas esta ley, promulgada por el gobierno y refrendada por el conjunto del parlamento ruso, alienta la intolerancia y la violencia contra los LGTB. Hemos visto ya varios casos de acoso y violencia a homosexuales en Rusia tras su aprobación. El caso más escalofriante fue el joven torturado y asesinado hace unos días por el grupo neonazi Occupy Pedofilyaj. Los grupos de ultraderecha se están organizando con el beneplácito del gobierno y de la policía, mientras aumenta la represión a los movimientos sociales y a la izquierda por parte de Putin, dejando manga ancha a estos grupos.\nLamentablemente, la opresión y discriminación sexual no son un fenómeno aislado ni que se da sólo en Rusia: se expresan en las persecuciones y asesinatos de activistas y personas gays en países de África y Oriente Medio, en los miles de manifestantes de la derecha católica y reaccionaria que se movilizan en Francia contra el matrimonio igualitario; en las clínicas de recuperación en distintos países de Latinoamérica que nada tienen que envidiarle a las políticas macartistas y discriminatorias de los años ´60 que fueron el puntapié para la revuelta de Stonewall, y más cercanos a nosotros, en las cotidianas demostraciones de homofobia que suceden en el Estado Español, como las agresiones homófobas de los Mossos d´Escuadra en un bar de la comunidad LGTB en Barcelona el pasado 28 de junio, nada menos que el día en que se celebraba una fiesta en conmemoración de los hechos de Stonewall.\nDesde Clase contra Clase repudiamos las medidas homofóbicas y autoritarias del gobierno ruso, así como las acciones de las bandas fascistas homolesbotransfóbicas contra la comunidad LGTB. Como decíamos hace pocas semanas, “Para acabar con la LGTB-fobia, con quienes quieren que vayamos como los cangrejos en derechos conquistados como el matrimonio igualitario o el derecho al aborto, por conseguir el fin de la tutela católica de nuestras vidas, cuerpos y sexualidad, será necesario imponer la separación efectiva de la Iglesia y el Estado, el fin del Concordato, de la subvención a la educación religiosa y expropiar todas las propiedades que aún conserva la Iglesia Católica fruto de siglos de expolio a las masas populares” (http://clasecontraclase.org/Contra-…).\nPara terminar con la homo-lesbo-transfobia y con toda discriminación, luchamos con el horizonte de derrocar este sistema capitalista miserable, de opresión y explotación.\nContra el gobierno autoritaria y homofóbico ruso!!\nNo la ley antigays!!\nContra la persecución policial y neonazi de los LGTB!!\nPor todos los derechos de los LGTB!!\n¡Basta de homo-lesbo-transfobia!!


Cobro que hacen las Curadurías sobre la Delineación Urbana va a ser intervenido – HOY DIARIO DEL MAGDALENA\nCobro que hacen las Curadurías sobre la Delineación Urbana va a ser intervenido\nEl secretario de hacienda representando al Distrito se reunió con los curadores Mónica Villalobos número dos y Jorge Tamayo, número uno, para tratar el tema del cobro del impuesto de Delineación, en la gráfica con la curadora número dos.\nLa administración de la ciudad anunció que viene dialogando con las curadurías urbanas para ejercer un mayor control en el cobro del impuesto de la Delineación Urbana.\nEsta vez el Secretario de Hacienda Jorge Agudelo Apreza fue el encargado de reunirse con los curadores, Mónica Villalobos y Jorge Tamayo de las curadurías dos y uno respectivamente.\nEl Secretario de Hacienda después de los encuentros con los curadores dijo: “fueron unas reunión es muy buenos términos y digamos que el Plan con ellos tiene que ver con el impuesto de Delineación Urbana, impuesto importante que se origina obviamente con la expedición de la Licencia de Construcción de todos los proyectos que se ejecuten en la ciudad de Santa Marta, fue una reunión muy buena, en el sentido que fueron muy perceptivos a la propuesta de integrarnos, las curadurías, la Secretaría de Planeación, la Secretaría Hacienda, inclusive con las Notarías, para lograr un buen control en este tema”.\nAgregó que, “además para lograr lo más importante, mandarles un mensaje a todos los inversionistas y a los constructores, que estas instituciones como lo es Curaduría y como lo es el Estado en cabeza de la Secretaría de Hacienda y La Secreta Planeación, están coordinados, tienen una misma línea de trabajo en pro de controlar, además de los recursos públicos, buscando también incentivar y crear beneficios para los inversionistas y los constructores de la ciudad”, explicó.\nAgregó además que´en este sentido fueron muy exitosas las dos reuniones que sostuvimos con los curadores, e iniciamos ya un plan de acción para desarrollar diferentes actividades y acciones tendientes al mejoramiento y la calidad de este servicio”.\nExpresó que, “en próximos días vamos a tener una nueva reunión en las que divulguemos las acciones ya concretas, que lleven al control de este impuesto, pero además a buscar incentivos y beneficios a todo aquel que se acerque a las curadurías, a todo aquel que tenga en sus manos proyectos para ejecutar en la ciudad de Santa Marta”.\nEn cuanto a la intervención del Distrito en este impuesto dijo el secretario de Hacienda Jorge Agudelo que ´el Distrito solo percibe los pagos que los usuarios de este servicio ejecutan, hoy el objetivo es que sea la Administración, en cabeza de la Secretaría de Hacienda, la que controle, ejecute y lleve la medición de este recurso, que se origina producto de la expedición de licencias y puesta en marcha de nuevos proyectos de construcción en el Distrito”, concluyó.\nConcejo inició sesiones extras para estudiar 11 proyectos\nCárcel para sindicado del crimen de ‘Burro Cayón’