Viaje a inglaterra y escocia - Página 11\nMás adelante podemos ver el cuadro “El lugar de riego”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1615, realizado en óleo sobre madera de roble; tiene unas medidas de 99.4 x 135 cm. Se exponen en la sala 29.\nEste paisaje es una variación de otros que hizo seguramente al mismo tiempo pero cambiando algunos de sus personajes y la cubierta vegetal, en algunos aspectos era una pintura en serie para atender a la gran demanda de este tipo de cuadros.\nPasamos de sala para poder contemplar la pintura del siglo de oro española con el cuadro “Venus del Espejo”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1647, realizado en óleo sobre lienzo, tiene unas medidas de 122.5 x 177 cm. Se exponen en la sala E.\nLa Venus del espejo representa a la dios romana del amor, la belleza, y la fertilidad se encuentra reclinada lánguidamente en su cama, con la espalda hacia el espectador —en la Antigüedad, el retrato de Venus de espaldas fue un motivo erótico visual y literario común — y con sus rodillas dobladas—. Se la muestra sin la parafernalia mitológica que normalmente se incluye en representaciones de la escena; están ausentes las joyas, las rosas y el mirto. A diferencia de la mayor parte de los retratos previos de la diosa, que la muestra con cabellera rubia, la Venus de Velázquez es morena. Cuando la obra se inventarió por vez primera, fue descrita como «una mujer desnuda», probablemente debido a su naturaleza controvertida.\nMás adelante podemos ver el cuadro “Retrato del Arzobispo Fernando de Valdés”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1640, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 63.5 x 59.6 cm. Se exponen en la sala E.\nEl cuadro representa a Fernando Valdés era hijo de Juan Queipo de Llano, natural de Cangas del Narcea y perteneciente a noble familia, y de Catalina Valdés, natural de Salas y sobrina del inquisidor general, arzobispo de Sevilla y presidente del Consejo de Castilla, Fernando de Valdés y Salas, que influiría en la carrera y en el mismo orden de los apellidos del sobrino nieto.\nAl terminar su formación ocupó los cargos de inquisidor en Barcelona (1611), Zaragoza (1613) y Toledo (1623). Siendo inquisidor en Barcelona, fue ordenado presbítero en el convento de las clarisas de Pedralbes por el obispo de Barcelona, Juan de Moncada el 28 de mayo de 1611. Recibió rentas de dos canonjías, una en Zaragoza y otra en León.\nMás adelante podemos ver el cuadro “San Juan Evangelista en la isla de Patmos”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1618, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 135.5 x 102.2 cm. Se exponen en la sala E.\nEl cuadro Velázquez representa a Juan el Evangelista en la isla de Patmos donde, aparece sentado, con el libro en el que escribe el contenido de la revelación sobre las rodillas. Al pie otros dos libros cerrados aluden probablemente al evangelio y a las tres epístolas que escribió. Arriba y a la izquierda aparece el contenido de la visión que tiene suspendido al santo, tomado del Apocalipsis e interpretado como figura de la Inmaculada Concepción, cuya controvertida definición dogmática tenía en Sevilla ardientes defensores: «Una gran señal apareció en el cielo: una mujer revestida del sol, con la luna bajo sus pies y una corona de doce estrellas sobre la cabeza. Otra señal apareció en el cielo: un dragón color de fuego, con siete cabezas y diez cuernos, se puso delante de la mujer en trance de dar a luz». En su dibujo Velázquez sigue modelos iconográficos muy conocidos: un grabado de Jan Sadeler, a partir de un cuadro de Martín de Vos para el esquema general y la figura del dragón, y otro de Juan de Jáuregui publicado en el libro de Luis del Alcázar el Vestigatio arcani sensu Apocalypsi (Amberes, 1614), para la imagen de la Virgen. También para la figura de San Juan se han indicado influencias, aunque más remotas e interpretadas a la manera naturalista, del grabado de Durero del mismo tema al que Pacheco reprocha haber pintado a san Juan mozo, como también hace Velázquez, pues en el momento de escribir el Apocalipsis era un anciano de noventa años. Al hacerlo así, sin embargo, Velázquez podría estar trasladando al lienzo otro de los consejos iconográficos de su maestro, donde recomendaba pintarlo «mancebo, por su perpetua virginidad y para proponer a los tales un dechado de pureza, aficionándolos a consagrar a Cristo la flor de su juventud».\nEn una zona de semipenumbra queda el águila, cuya presencia apenas se llega a advertir gracias a la mayor iluminación de una pezuña y a algunas pinceladas blancas que reflejan la luz en la cabeza y el pico, mimetizado el plumaje con el fondo terroso del paisaje. A la derecha del tronco del árbol, el celaje se enturbia con pinceladas casuales, como acostumbró a hacer Velázquez, destinadas a limpiar el pincel. El controlado estudio de la luz en la figura de San Juan, y el rudo aspecto de su figura, hace por otra parte que resalte más el carácter sobrenatural de la visión, envuelta en un aura de luz difusa. Lo reducido de la visión, a diferencia de lo que se encuentra en los grabados que le sirvieron de modelo, se explica por su colocación al lado del cuadro de la Inmaculada Concepción, en el que la visión de la mujer apocalíptica cobra forma como la Virgen madre de Dios concebida sin pecado, subrayando así el origen literario de esta iconografía mariana, como la materialización de una visión conocida a través de las palabras escritas por san Juan.\nMás adelante podemos ver el cuadro “Felipe IV de España”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1656, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 64.1 x 53.7 cm. Se exponen en la sala E.\nEstamos ante uno de los últimos retratos del rey hecho por Velázquez. En el semblante del personaje aparece una clara muestra de respeto y dignidad propios de su clase, se observan en el rostro del soberano los rasgos propios de su edad, cansancio y atosigamiento por las preocupaciones de un reino encaminado hacia la decadencia. La precisión con que el cuello está realizado advierten la larga cabellera, ya no a la moda española, sino a la francesa, dominante para entonces en todo el mundo.\nMás adelante podemos ver el cuadro “Felipe IV en castaño y plata”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1632, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 195 x 110 cm. Se exponen en la sala E.\nEstamos ante uno de los retrato que Velázquez realizo para el rey Felipe IV de joven, este es de cuerpo entero y de tamaño natural. A diferencia de otros retratos de Felipe IV, en que aparece vestido de negro, en este viste un rico traje bordado «en castaño y plata» que le da el título. Los bordados de plata están pintados con pequeños y rápidos empastes. Es un ropaje de esplendor inusual, lo que parece indicar que está conmemorando algún acontecimiento particular. Además, luce el collar de la Orden del Toisón de Oro, colgando de una cadena de oro.\nMás adelante podemos ver el cuadro “Felipe IV la caza del jabalí”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1632, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 182,5 x 302 cm. Se exponen en la sala E.\nAdemás de las escenas de cazadores se pueden ver unas enormes carrozas que servían para que las mujeres participasen sin peligro de la cacería, en el segundo coche y entre las cortinas rojas se puede ver a la Reina Isabel, por su puesto los caballos de las carrozas no participaban del ruedo para evitar que pudieran crear una estampida a las carrozas de las mujeres. Las damas también tenían pequeñas varas porque en alguna ocasión los jabalíes habían saltado hacia las ventanas de las carrozas.\nMás adelante podemos ver el cuadro “Cristo en la curación del paralítico en la piscina”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado en 1667, realizado en óleo sobre lienzo; tiene unas medidas de 237 x 211 cm. Se exponen en la sala E.\nEl siguiente cuadro se titula “San Juanito con un cordero”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 1,65 x 1,06 cm. Se exponen en la sala E.\nEl siguiente cuadro se titula “San Juan Bautista en el desierto”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado en 1660, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 120 x 105 cm. Se exponen en la sala E.\nLa representación más usual de san Juan Bautista en la edad de adulto era la de un santo ermitaño, con una fisonomía de constante penitente. Murillo pinta al personaje con una semblanza de un hombre noble porque descendía de la misma familia que Cristo, con un pelo y barba larga pero no destartalada, su ojos se elevan al cielo y junto con su mano derecha piden perdón, la mano izquierda sujeta una larga caña y en su extremo tiene una banda escrita: ¡He aquí el cordero de Dios!.\nEl siguiente cuadro se titula “Autorretrato”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado en 1668, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 122 x 107 cm. Se exponen en la sala E.\nEl siguiente cuadro se titula “Retrato Justino Neve”, obra de Bartolomé Esteban Murillo, esta datado en 1665, realizado en óleo sobre lienzo, tiene un tamaño de 206 x 129.5 cm. Se exponen en la sala E.\nEl cuadro muestra a Justino de Neve en pleno apogeo, aquí tiene 40 años es un obra realista, muestra al canónigo y amigo como un hombre desafiante, el retrato nos lleva hacia la mirada penetrante, que muestra su elevada condición social y cultural; está sentado sobre un enorme sillón, sus ropajes corresponden a su cargo, a su mano izquierda lleva un ejemplar de los salmos, mas al fondo se representa una mesa camilla cubierta con una tela verde oscura, sobre ella, tiene un ejemplar de la Biblia, un reloj y una campana. Sobre el fondo la inscripción del pintor, y al horizonte apenas el sillón deja de ver una balaustrada. A sus pies se dirige la atenta mirada de una pequeña perra francesa que señala como en las obras de los reyes la amistad y la fidelidad de este animal de compañía, de la que se dice por gente de la época que esta perrita cuando se cruzaba con otro perro ella no ladraba intentaba embestir y todo el mundo se extrañaban de que no ladrase.\nSon temas muy tratados en la temática de los retratos principalmente de los reyes: el reloj, el sillón y hasta la balaustrada que aparecen detrás del retrato de Justino de Neve es el mismo que a parece en “Retrato de cuerpo entero de la Reina Regente Mariana de Austria” de Juan Carreño, y el mismo reloj aparece en el retrato de “la Reina Mariana de Austria” de Velázquez.\nEl siguiente cuadro se titula “Santa Margarita de Antioquia”, obra de Francisco de Zurbarán, esta datado en 1630, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 163 x 105 cm. Se exponen en la sala E.\nEl siguiente cuadro se titula “Taza de agua y una rosa”, obra de Francisco de Zurbarán, esta datado en 1630, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 21.2 x 30.1 cm. Se exponen en la sala E.\nAunque Zurbarán incluía frecuentemente elementos de la vida corriente como modelos para sus pinturas, fueron muy pocos los elementos distintos que pinto. Este tema es un bodegón que debió de utilizar como un boceto donde aparece una taza de agua con una rosa sobre un plato de plata aparece en dos de sus obras religiosas pintadas por él y en el celebre “Bodegón de Cesta con Naranjas” de 1633 (Norton Simon Museum, Pasadena). Este cuadro fue probablemente pintado alrededor de 1630.\nLa bandeja de plata es de un tipo importado en España desde Perú. Aquí los objetos pueden ser la intención de tener un carácter simbólico: el agua en la taza quizá se refiere a la pureza de la Virgen y la flor recuerda su título de “La Rosa Mística”.\nEl siguiente cuadro se titula “Lamentación sobre Cristo muerto”, obra de José de Ribera, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 129.5 x 181 cm. Se exponen en la sala E.\nEl cuadro presenta al cuerpo de Cristo tendido sobre un sudario blanco; la Virgen, en el centro, que alza la mirada al cielo; san Juan Evangelista, que sostiene el cuerpo; la Magdalena, que besa el pie izquierdo de Cristo.\nEl siguiente cuadro se titula “Escena en la cocina con Cristo en casa de Marta y María”, obra de Diego Velázquez, esta datado en 1618, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 60 x 103.5 cm. Se exponen en la sala E.\nEl cuadro reúne todo elemento propio del género del bodegón, practicado asiduamente por el joven Velázquez y ayudado por su maestro y suegro Francisco Pacheco, pues con ellos «halló la verdadera imitación del natural». En primer término presenta a una doncella trabajando en la cocina con un almirez; en la mesa se encuentran dos platos de barro con huevos y cuatro pescados por cocinar, un jarrón también de barro vidriado en su mitad superior, una guindilla y algunos ajos, habiendo puesto el pintor el acento en el tratamiento diferenciado de sus texturas y brillos. A la espalda de la doncella, una anciana, en la que se ha visto el mismo modelo de la vieja friendo huevos, parece amonestar a la joven, gesticulando con el dedo índice de su mano derecha. El naturalismo con que Velázquez trata esta parte del cuadro sitúa al espectador ante una escena cotidiana, en la que el pintor pudiera haber retratado cualquier cocina sevillana de su tiempo. Sin embargo, el dedo de la anciana dirige la mirada del espectador hacia un recuadro situado a la derecha en el que se divisa la que sería la escena principal, situada en segundo plano: en una estancia posterior donde Jesús dialoga con las hermanas María, sentada como en un estrado a sus pies según la costumbre femenina de la época, y Marta, en pie, recriminando la actitud de su hermana.\nEl siguiente cuadro se titula “San Francisco en meditación”, obra de Francisco de Zurbarán, esta datado en 1635, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 152 x 99 cm. Se exponen en la sala E.\nZurbarán hizo algunos cuadros sobre San Francisco con numerosas variantes y todas ellas están teñidas de una cercanía casi cariñosa y familiar. Son numerosas las representaciones de san Francisco con distintas iconografías: arrodillado en oración, en el milagro de la Porciúncula, durante la estigmatización o muerto según la visión del papa Nicolás V. Del santo en meditación existen muchas versiones, sobre todo si se consideran también las que presentan intervención del taller. Desde el punto de vista cromático, los pardos y los tonos tostados del santo destacan fuertemente iluminados contra un fondo sombrío con un paisaje crepuscular al fondo.\nSan Francisco fue el fundador de la Orden de los “hermanos menores”, llamados así por la pobreza y sencillez con que pretendían reformar el mundo. Esta pobreza y el acentuado misticismo de Francisco, entregado con frecuencia a la meditación, trataban de ser puestos de relieve por los pintores que se acercaban a su figura. Zurbarán hace hincapié en estos dos rasgos, aprovechándose de sus extraordinarias dotes para representar con fidelidad los materiales y las expresiones del rostro. Plasma un hábito de tela muy basta, pardusca, lleno de remiendos en los cuales pueden apreciarse perfectamente los rotos y descosidos del codo. El arrebato del santo se ha producido después de un largo período de oración y meditación sobre la calavera. Este prolongado estado de concentración le ha conseguido transportar al éxtasis místico y por su expresión podemos imaginar que se halla ante la presencia de Dios. La escena transmite un clima íntimo, recogido y devoto extraordinariamente logrado.\nEl siguiente cuadro se titula “La Inmaculada Concepción con dos donantes”, obra de Juan Valdés Leal, esta datado en 1661, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 189.7 x 204.5 cm. Se exponen en la sala E.\nUnas de las dificultadas de pintar a la Virgen en la contrarreforma es que había que respetar las normas iconográficas de su representación, en este caso nos muestra a María con un rostro adolescente, vestida de blanco y azul –simbolizando la pureza y la eternidad–. De acuerdo con esa doctrina para demostrar que fue concebida sin pecado original. La Virgen está acompañada de querubines en se desplazan por el lienzo en forma de “S”, llevan emblemas asociados a la Virgen, como la palma, la rama de olivo, las rosas, la corona, los lirios y el espejo. El trono en la parte superior de la escalera probablemente representa el trono de Salomón, el rey del Antiguo Testamento de Israel. Gran parte de la imaginería asociada a la Inmaculada Concepción se derivó del Testamento de la vieja canción de los Cantares, una vez atribuido a Salomón.\nEl siguiente cuadro se titula “La oración en el huerto de Gesamaní”, obra del estudio del Greco, esta datado en 1590, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 102 x 131 cm. Se exponen en la sala E.\nEl cuadro representa la llegada al huerto de Getsemaní, donde Jesús se había reunido muchas veces con sus discípulos, se apartó del grupo, tomando consigo a Pedro, Santiago y Juan, a quienes les confió, lleno de pavor y angustia: «Mi alma está triste hasta el punto de morir; quedaos aquí y velad conmigo». Pero ni siquiera estos escogidos fueron capaces de acompañarle velando y orando. Jesús fue y vino repetidas veces de la oración a la compañía de sus adormecidos discípulos. A solas, muy a solas, cayó rostro en tierra, y suplicaba así: «Padre mío, si es posible, que pase de mí esta copa, pero no sea como yo quiero, sino como quieras tú»; «¡Abbá, Padre!; todo es posible para ti; aparta de mí esta copa; pero no sea lo que yo quiero, sino lo que quieras tú»; «Padre, si quieres, aparta de mí esta copa; pero no se haga mi voluntad, sino la tuya». Entonces, se le apareció un ángel venido del cielo que le confortaba. Y sumido en agonía, insistía más en su oración. Su sudor se hizo como gotas espesas de sangre que caían en tierra. Finalmente, se levantó de la oración, fue donde los discípulos y les dijo: «¿Cómo es que estáis dormidos? Levantaos y orad para que no caigáis en tentación; ha llegado la hora en que el Hijo del hombre va a ser entregado en manos de pecadores».\nEl siguiente cuadro se titula “La oración en el huerto de Gesamaní”, obra del Greco, esta datado en 1590, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 102 x 131 cm. Se exponen en la sala E.\nEl cuadro del Greco tiene como fondo la oscuridad de la noche, iluminada únicamente por un gran foco de luz. Destaca la postura reverente de Jesucristo frente a un ángel, en actitudes muy naturalistas que recuerdan al Manierismo por sus facciones alargadas. Cristo, sin embargo, sigue fielmente los cánones del simbolismo del arte bizantino.\nEl siguiente cuadro se titula “San Jerónimo como un cardenal”, posible obra el Greco, Doménikos Theotokópoulos, esta datado en 1590, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 59 x 48 cm. Se exponen en la sala E.\nEl siguiente cuadro se titula “La crucifixión con dos donantes”, obra el Greco, Doménikos Theotokópoulos, esta datado en 1590, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 59 x 48 cm. Se exponen en la sala E.\nEl cuerpo desnudo de Cristo en la cruz ha sido retratado muy extensamente por los pintores occidentales, la mayoría a menudo en una forma realista para sugerir la agonía de la muerte infligida por crucifixión como la más inhumana de las crueles torturas que el ser humano pueda soportar. Sin embargo, durante el Renacimiento italiano pintores tienen también una nueva forma de retratar el cuerpo de Cristo en la cruz de una forma más idealizada, lo que sugiere la perfección del desnudo masculino sin la contorsión debida, por ejemplo pintura de Miguel Ángel de Cristo en la Cruz, que muestra una figura musculosa bien proporcionado en un manierista serpenteado plantean que es típico del manierismo italiano.\nEl siguiente cuadro se titula “La adoración en nombre de Jesús”, obra el Greco, Doménikos Theotokópoulos, esta datado en 1570, realizado en temple y huevo sobre madera de pino; tiene un tamaño de 55.1 x 33.8 cm. Se exponen en la sala E.\nEl siguiente cuadro se titula “Expulsión de los mercaderes del templo”, obra el Greco, Doménikos Theotokópoulos, esta datado en 1600, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 106.3 x 129.7 cm. Se exponen en la sala E.\nSobre este mismo tema el Greco realiza otras cinco versiones. Las dos primeras corresponden al periodo italiano. En ésta desaparecen las figuras laterales de versiones anteriores y tanto el grupo de mercaderes expulsados de la izquierda como el de la derecha adquieren prácticamente la composición definitiva que se conservó en el resto de versiones. Cristo adquiere respecto a los cuadros anteriores más jerarquía quedando totalmente exento de las figuras que lo rodean, también mediante efectos de luz adquiere más protagonismo, básicamente apagando el resto de personajes. La arquitectura sigue siendo la romana que corresponde a la segunda versión pero en ésta se ha reducido su importancia, ahora solo ocupa la cuarta parte superior, también el color de la misma es más apagado. En esta versión predomina la importancia de las figuras.\nEl siguiente cuadro se titula “Silenus borracho apoyado en los sátiros”, obra posiblemente de Anthony van Dyck, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 133.5 x 197 cm. Se exponen en la sala 31.\nLa pintura se cree que se han ejecutado en el estudio Rubens. El cielo y el paisaje son probablemente ejecutados por Jan Wildens y el follaje y frutos de Frans Snijders. El diseño de los personajes puede haber sido obra de algún otro miembro del estudio, posiblemente Van Dyck, y luego vuelto a trabajar por el mismo Rubens. La composición deriva en parte de una obra de un tema similar de Rubens, “La Marcha de Sileno” (Munich, Alte Pinakothek).\nEl siguiente cuadro se titula “Lady Elisabech Thimbelby y su hermana Dorotea”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1637, realizado en óleo sobre lienzo, tiene un tamaño de 132.1 x 149 cm. Se exponen en la sala 31.\nEl cuadro representa a la Señora Thimbelby, vizcondesa Andover eran las hijas de Thomas, vizconde de Savage. Elizabeth, de pie a la izquierda, se casó en 1634, mientras que Dorothy se casó en 1637. La ofrenda Cupido rosas a Dorothy sugiere que es para su matrimonio que se celebra próximamente, las flores son un atributo de Santa Dorotea, su tocaya.\nEl siguiente cuadro se titula “San Ambrosio negado al emperador Teodosio la entrada a la catedral de Milán”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1619, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 149 x 113.2 cm. Se exponen en la sala 31.\nVan Dyck representa la escena que habría tenido lugar en Tesalónica en el año 390 en un tumulto popular en el que resultó muerto un oficial de Teodosio y al ordenar éste que su ejército se lanzara sobre la población, produciendo una matanza de enormes proporciones. Cuando Teodosio regresó a Milán, San Ambrosio, contrario a la matanza, decidió excomulgar al Emperador. Sin embargo estando el santo dando misa en su iglesia tuvo aviso de que Teodosio quería entrar en ella. San Ambrosio salió al encuentro antes de que el Emperador entrase impidiéndole el paso y obligándole a pedir perdón a Dios por la ofensa cometida.\nEl siguiente cuadro se titula “Las niños de Balbi”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1625, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 219 x 151 cm. Se exponen en la sala 31.\nEl cuadro lo pinta Van Dyck durante su estancia en la ciudad de Génova, aquí paso casi tres años haciendo retratos para la elite social de la ciudad. Este trabajo es conocido tradicionalmente como: “Los Niños de Balbi” porque perteneció al coleccionista del siglo XVIII, Costantino Balbi, nos muestra a tres hijos jóvenes aristocráticos genoveses que permanecen sin identificar. Se ha sugerido que son miembros de la familia de Franchi, cuyos escudo contenida un cuervo negro, pero no hay pruebas documentales para apoyar esta afirmación.\nEl siguiente cuadro se titula “William Feilding, primer conde Denbigh”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1633, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 247,5 x 148,5 cm. Se exponen en la sala 31.\nWilliam Feilding (1582-1643), fue nombrado conde de Denbigh en 1622, era el hermano favorito real George Villiers (duque de Buckingham en 1623), lucho por las posiciones mantenidas en la corte bajo Jacobo I y Carlos I. Murió de las heridas recibidas mientras luchaban por Carlos I en la Guerra Civil.\nEntre los años de 1631 hasta 1633 visitó Persia y la India; el cuadro fue pintado probablemente poco después de su regreso, y en conmemoración de su viaje. El conde lleva una seda hindú o chaqueta y pijamas de la India, y muestra la caza con un siervo oriental, quien señala un loro en una palmera.\nEl siguiente cuadro se titula “Retrato ecuestre de Carlos I”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1637, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 367 x 292.1 cm. Se exponen en la sala 31.\nEn 1625, el rey Carlos I (1600 a 1649) sucedió a su padre Jaime I como rey de Gran Bretaña e Irlanda. Van Dyck se convirtió en su pintor de la corte en 1632, y creó imágenes de él que expresaron la creencia que tenía el rey de que gobernaba bajo un derecho divino.\nEste retrato data probablemente de los últimos años del período inglés de Van Dyck, alrededor de 1637, poco antes del estallido de la guerra civil que llevó a la ejecución del rey en 1649.\nEl cuadro de The Gallery muestra a Carlos I que lleva el medallón de la Orden militar de la Jarretera, se alza cabalgando como si estuviera a la cabeza de sus súbditos. Está vestido con armadura y sosteniendo un bastón de mando. El magnífico caballo, y los colores tenues pero ricos de la vestimenta y el paisaje complementan la elegancia del jinete.\nEl siguiente cuadro se titula “Retrato de Abbé Scaglia”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 200.6 x 123.2 cm. Se exponen en la sala 31.\nEl retrato de Van Dyck de Cesare Alessandro Scaglia (1592-1641) está representado con una imagen señorial y perdurable de un hombre que estaba familiarizado con el poder y participaba activamente en la política europea en la primera mitad del siglo XVII. Las habilidades de Scaglia como diplomático fueron muy apreciadas por los gustos de Richelieu y de Rubens; este último lo describió como “un hombre de intelecto muy agudo”. Scaglia sirvió a los duques de Saboya como embajador en Roma, París y Londres. También a Felipe IV de España en Londres porque estuvo en la nómina española hasta 1636. Su postura pro-españoles lo puso en desacuerdo con el nuevo duque de Saboya, Vittorio Amadeo (1630-37), y condujo Scaglia para pasar a los Países Bajos españoles, viviendo primero en Bruselas y luego en Amberes donde Van Dyck pintó este retrato, y donde murió Scaglia.\nEl siguiente cuadro se titula “Lord John Stuart y su hermano, señor Bernard Stuart”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1638, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 237.5 x 146.1 cm. Se exponen en la sala 31.\nEs uno de los retrato más grandes e imponentes de Van Dyck muestra a los hijos más jóvenes del tercer duque de Lennox. Lord John Stuart (1621-1644), a la izquierda, y el Señor Bernard Stuart (1622-1645) eran los hermanos más jóvenes del duque de Richmond y Lord George Stuart, quien también fue retratado por Van Dyck. Ambos jóvenes cayeron en el lado realista en la Guerra Civil.\nEl siguiente cuadro se titula “Retrato de George Dade con dos asistentes”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1622, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 115 x 113.5 cm. Se exponen en la sala 31.\nEl personaje del cuadro ha sido identificado como George Dade (de 1582-1638) apoya los brazos sobre un pedestal donde se puede ver la cabeza de un ciervo, era el escudo de la familia mientras habla ante la atenta mirada de dos asistentes. Gage era un diplomático y un agente en Italia y en los Países Bajos de los grandes coleccionistas ingleses de principios del siglo XVII.\nEl siguiente cuadro se titula “Abbé Scaglia adorando a la Virgen y el Niño”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1634, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 106.7 x 120 cm. Se exponen en la sala 31.\nEs posible que Van Dyck se inspirara en alguna obra de arte para realizar la figura de la Virgen y el Niño por sus semejanzas en el retrato de Cristina, duquesa de Saboya, y su hijo mayor. La composición de la imagen se deriva de una pintura perdida de Tiziano esbozado por Van Dyck en Italia.\nEl siguiente cuadro se titula “Retrato de una mujer y un niño”, obra de Anthony van Dyck, esta datado en 1620, realizado en óleo sobre lienzo, tiene un tamaño de 131.5 x 106.2 cm. Se exponen en la sala 31.\nAlgunos de los retratos más íntimos y menos formales de Van Dyck, como éste, son los que pintó de los ciudadanos predominantemente burgueses de Amberes y sus familias antes de su partida a Italia en 1621.\nEsta mujer y el niño no se han identificado aunque pueden originalmente se hicieran dos, este emparejaba con otro retrato del marido de la mujer. La animada pose del niño se contrasta con el silencio de la madre, y complementada por el llamativo color del vestido.\nEl siguiente cuadro se titula “La serpiente de Bronce”, obra de Peter Paul Rubens, esta datado en 1636, realizado en óleo sobre lienzo; tiene un tamaño de 186.4 x 264.5 cm. Se exponen en la sala 31.\nEl cuadro muestra Moisés en la izquierda, y a su lado con la capucha Eleazar, llamando al pueblo de Israel que están siendo atacados por una plaga de serpientes que Dios les envió a causa de su pecado. Les dice a mirar a una serpiente de bronce que ha creado en un poste, arriba a la izquierda, ya que “todo el que fuere mordido y mirare a ella, vivirá.” del Antiguo Testamento.\nEste trabajo fue probablemente ejecutado con algún estudio donde la pintura pudiera haber sido iniciada por algún miembro sobre la base de un modelo de Rubens, y luego el maestro pudo concluirla.\nTerminamos la visita al museo con la sala dedicada a la pintura española del Siglo de Oro, llevamos casi cuatro horas en el museo y supera con creces lo recomendado, dejamos muchas cosas en el tintero sobretodo la pintura modernista de la que el museo atesora una buena colección.\nDespués de la visita al museo hemos hecho un vídeo, que tenemos ocasión de presentarlo en este momento, lo hemos titulado: “Mil miradas de un lienzo”, es un repaso para presentar una colección de imágenes sacadas de una parte pequeña de un cuadro de la gran pinacoteca National Gallery de Londres, donde se aprecia la evolución que ha sufrido la pintura durante 500 años pasando desde el arte románico, gótico, renacimiento, manierismo, barroco, rococó y terminamos en el neoclásico.\nPasamos del monotema religioso con sus numerosas variantes donde predomina la imagen de la Virgen María y su relación con Jesús; unos siglos después la pintura se da cuenta que el protagonista de la historia es el propio hombre, momento en que se empieza a representar retratos y autorretratos, desnudos, bodegones, paisajes, historia mitología y simples escenas de la vida cotidiana.\nAdemás, hemos incluido versos de Rafael Alberti y música de Pink Floyd de la película More, y el resultado es este cóctel: youtube\nAprovechamos para tomar un tentenpie en la misma cafetería del museo y verdaderamente nos damos cuenta del nivel de vida tan elevado que hay en el Reino Unido cuando pagamos el importe de cuatro chorradas.\nSalimos a la calle y nos sorprende porque toda la plaza de Trafalgar esta abarrotada de personas, hay más personas fuera del museo que dentro. Esto también nos sorprende que aún siendo gratuito el museo hemos podido acceder sin ningún tipo de colas, hemos visto los cuadros sin ningún agobio y por el contrario la entrada al museo esta llena de gente que no tienen ninguna intención de acceder. Verdaderamente los museos de pintura tan grandes son un poco incómodos de visitar pero haciendo una gran selección y viendo exclusivamente las obras maestras y más importantes se convierte en una bonita visita y muy rica culturalmente.\nComo estamos viendo Tafalgar Square es una zona muy bulliciosa construida con amplias avenidas donde podemos ver importantes edificios, el epicentro es la plaza y el museo de la National Gallery.\nLa plaza fue proyectada por John Forbes Nash encargado para desarrollar el urbanismo de Londres en el siglo XIX durante la época del rey Jorge V su obra en la ciudad se desarrollo entorno al estilo clasicista.\nEl centro esta presido por una enorme columna de 50 metros levantada en honor del almirante lord Nelson, quien murió heroicamente durante la batalla de Trafalgar contra Napoleón en 1805. El monumento fue levanto en 1842. En los lados esta acompañada de cuatro leones que se añadieron a la base 25 años después diseñados por Edwin Landseer. La leyenda dice que los leones se hicieron con el metal de la flota francesa derrotada por Nelson. La parte superior de la columna consta de un capitel corintio basado en el Foro de Augusto de Roma, y está decorado con hojas de acanto de bronce, procedentes de la fundición de cañones británicos. El pedestal cuadrado está decorado con cuatro plafones que describen las cuatro grandes victorias de Nelson (Trafalgar, Nilo, Cabo de San Vicente y Copenhague) –la representación de las batallas se pueden ver en bajo relieves en las cuatro caras de la base de la columna– , siendo también el material empleado el bronce, en este caso resultado de fundir las armas francesas capturadas.\nSi miramos al norte de la plaza podemos ver la magnifica fachada de la National Gallery, al oeste podemos ver el edificio Canda House, al este está South África House. En el sur se construyeron una serie de edificios con una magnifica arcada para albergar el Gran Hotel.\nMarchamos por la calle Withehall camino norte en dirección al parlamento. Lo primero que vemos es la estatua del Príncipe George, duque de Cambridge, curso estudios de militar y el 5 de julio de 1856, el duque fue nombrado Comandante General en Jefe del Ejército Británico. La estatua fue esculpida en el estudio de Adrian Jones en Church Street, Chelsea.\nJones esculpió el duque de Cambridge a caballo, vestido con el uniforme oficial de mariscal de campo. Incluía sus medallas, tales como cuatro órdenes de caballería y sus medallas de campaña. El duque tiene en su mano un bastón de mando. A los lados del pie de granito hay dos bajorrelieves que representan la conexión del duque con los Guardias Granaderos y los 17 lanceros.\nUn poco más adelante podemos ver otra de las esculturas históricas sobre la avenida pertenece a Spencer Compton Cavendish, duque de Devonshire, fue el líder de tres partidos políticos entre 1875 y 1903. El monumento está situado a la entrada de Horse Guards. Fue obra del escultor fue Herbert Hampton y la estatua fue inaugurada en 1911.\nLa estatua tiene alrededor de 4 metros de altura y descansa sobre un zócalo de unos 5 metros de altura. La inscripción en el zócalo indica el nombre del duque, los títulos, honores ('KG' caballero de la liga) El uniforme del duque se representa vestido con su túnica de la liga.\nPasamos ante uno de los edificios más turísticos de Londres es el Horse Guards en la actualidad se ha convertido en el museo de la Caballería Real. Los visitantes pueden ver los caballos en los establos del siglo XVIII a través de una pared de cristal. Las exposiciones explican la formación y la historia del regimiento e incluyen uniformes ceremoniales, insignias, estandartes reales, premios, instrumentos musicales, accesorios de caballos.\nEn la explanada se celebraban los torneos en tiempos de Enrique VIII, ahora cada mañana se realiza el cambio de guardia de la reina, se realiza todos los días a las 11,00 horas y los domingos a las 10,00 y la inspección diaria se lleva a cabo a las 4 p.m (frente Yard Whitehal).\nEs uno de los atractivos de los turistas el poderse fotografiar ante los vistosos oficiales de caballería y los preciosos caballos negros donde imponen los músculos oficiales de la guardia real.\nSeguimos nuestro camino por la amplia avenida Whitehall de Westminster y vemos la escultura que representa al conde Haig, fue un mariscal de campo del ejercito británico en la I Guerra Mundial, está esculpida por Alfred Hardiman en 1936.\nEl modelo de la escultura creo mucha controversia en su tiempo porque el escultor quería mostrar al conde como un hombre paseando con su caballo evitando cualquier dramatismo y una parte de los entendidos consideraban un memorial indigno para un mariscal de campo. Al final se le dio un voto de confianza al artista y dejo el semblante de un hombre paseando con un caballo por cualquier rincón de la campiña inglesa.\nEl memorial fue inaugurado por el príncipe Enrique, duque de Gloucester, el 10 de noviembre de 1937, con la presencia del rey Jorge VI quien depositó una ofrenda floral en la base del monumento en el Día del Armisticio.\nMás adelante podemos ver el memorial al Viscount William Joseph Slim participo dentro del servicio activo tanto en la Primera y Segunda Guerras Mundiales y fue herido en acción tres veces. Durante la Segunda Guerra Mundial dirigió el 14 Ejército, el llamado “ejército olvidado” en la campaña de Birmania. Después de la guerra se convirtió en el primer oficial británico que había servido en el ejército de la India para ser nombrado Jefe del Estado Mayor Imperial. De 1953 a 1959 fue gobernador general de Australia y es considerado por muchos australianos como un héroe de guerra por la batalla de Gallipoli.\nMás adelante hay otra estatua similar que hace referencia a Alan Brooke, primer vizconde Alanbrooke, la escultura fue realizada por Ivor Roberts-Jones y se inauguró en Whitehall, Londres en 1993.\nBrooke fue un militar británico, jefe del Estado Mayor durante la Segunda Guerra Mundial ascendido a mariscal de campo en 1944. Durante la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial, Brooke fue el principal asesor militar del Primer Ministro sir Winston, del Gabinete de Guerra y de los aliados de Gran Bretaña. Como Jefe del Estado Mayor Imperial, era el jefe funcional del ejército británico, así como miembro del Comité de Jefes de Estado Mayor, lo que le convertía en el responsable de la dirección estratégica general del esfuerzo de guerra británico.\nMás adelante llagamos ante otro de los puntos calientes de Londres es la Downing Street, quizás es la imagen más popular de la ciudad porque es raro no verla aparecer en las televisiones a la hora de los telediarios.\nSr George Downing se dedico a trabajar en las colonias americanas, un indiano, a su regreso por sus servicios al rey le concedieron un terreno en Westminster y construyó una hilera de casas bajas, cuatro de ellas aún permanecen en pie, Jorge II cedió el numero 10 a sir Robert Walpole en 1732. Desde entonces se ha convertido en la residencia oficial del primer ministro británico. Antiguamente se podía llegar hasta la misma puerta del presidente donde era custodiado por un bobby se permitía al público andar por Downing Street y pasar por el Número 10, como un atajo al St. James's Park, en 1989 se cerro la calle al publico por motivos de seguridad creando una gran barrera de hierro y donde esta custodiado por decenas de policías.\nLo que en los años sesenta era una virtud el que la gente pudiera llegar hasta la misma puerta del primer ministro británico y los policías no dudaban en fotografiarse con el publico creando uno de los iconos del turismo en Londres, en la actualidad la entrada a la calle hay tres filas de policías, la primera línea que esta fuera del enorme vallado metálico no pone inconvenientes en fotografiarse con el público, la segunda línea fuera parece no agradarles la presencia de las cámaras y la línea que esta dentro del vallado parece estar muy nerviosos por el agolpamiento del turismo y sus formas no son muy turísticas.\nEnfrente de la calle de Downing Street hay una nube de banderas que reivindican los problemas de África con un stop a las injusticias que se están produciendo en aquel continente, sobre todo hablan de “Manos fuera de Eritrea”. Creo que deben de llevar mucho tiempo enfrente a la calle del primer ministro sin muchas consecuencias porque en el momento de nuestra visita estaban las banderas, las pancartas pero no había ningún representante de las reclamaciones.\nMiramos a la izquierda y vemos un enorme memorial negro en su rotulo indica “Monumento a las Mujeres de la Segunda Guerra Mundial”, en la totalidad de los monumentos de la II Guerra Mundial aparecen el reconocimiento a los soldados muertos en las batalla pero nadie se acordaba de las mujeres que murieron, sufrieron y vivieron el resto de sus vidas solas. El memorial Fue esculpido por John W. Mills, dio a conocer por la reina Isabel II y dedicado por la baronesa Boothroyd en julio de 2005\nBaronesa Boothroyd, se convirtió en la defensora de las Mujeres de la Segunda Guerra Mundial desde su cargo de ex presidenta de la Cámara de los Comunes, dedicó el memorial: “Este monumento está dedicado a todas las mujeres que sirvieron a nuestro país y a la causa de la libertad, unas de uniforme y otras ayudando en el frente interno, espero que las futuras generaciones que pasan delante del memorial se preguntaran: “¿qué clase de mujeres eran ellas y al mirar a nuestra historia tuvieran la respuesta?”.\nLa verdad es que este tipo de monumentos no son muy reconocidos en el siglo XXI porque todo el mundo huye de las guerras y de cualquier tipo de representaciones del miedo. No se si tiene algo que ver pero en Mayo del año 2015, hace unos días, se celebró una manifestación por la victoria del partido conservador y en protesta por la victoria de Cameron y sus recortes. El monumento sufrió una grave agresión, fue grafiteado, seguramente los manifestantes ya se habían olvidado la historia de la Segunda Guerra Mundial.\nA la derecha de Downing Street se levanta otro de los memoriales que hacen referencia a la guerra. Es un austero monumento, fue realizado en 1920 por Sir Edward Lutyens en la memoria de los caídos de la I Guerra Mundial. Todos los 11 de noviembre, la reina y otras personalidades depositan coronas de amapolas en él. Es una solemne ceremonia que conmemora el armisticio de 1918, recibe el nombre de “Remembrace Sunday” y además se conmemora la paz de la II Guerra Mundial.\nLa avenida de Whitehall desemboca en Parliament Street, verdaderamente no se sabe muy bien donde empieza una y termina la otra. En la esquina de la calle Brigdge Street esta una de las estaciones de metro más utilizada y famosa es “Wetsminster Station”, es el centro neurálgico de Londres, similar a nuestra plaza de Sol en Madrid.\nA la izquierda podemos ver el magnifico edificio de Houses of Parlament y su torre Big Ben; a la derecha la cabecera la pequeña iglesia de St. Margaret’s Church, a su lado el ábside de Westminster Abbey; en el centro el pequeño jardín de Parlament Square donde están expuestas las estatuas de los principales gobernantes como Whiston Churchill, Nelson Mandela y Benjamin Disraeli. Es un lugar mágico que merece la mirada desde muchos puntos de vista, es ideal para llevar la cámara fotográfica abierta y disparar sin ningún sentido seguro que después analizando las fotografías descubres que tienes una verdadera obra de arte.\nLa mayoría de las miradas se disparan hacia la torre del reloj más famoso del mundo que alberga el Big Ben. La torre es relativamente moderna porque se construyó en 1858 después del incendio que asoló el palacio.\nLa torre no es ajena a su entorno y esta sufriendo la inclinación debido al terreno sobre el que se asienta. Está inclinada ya sobre el noroeste unos 43,5 centímetros en la parte de arriba con respecto a su perpendicular. Cada año la inclinación aumenta 0,9 milímetros. La inclinación empezó a acusarse en 2002, y pudieron tener algo que ver las obras del metro y de construcción de un aparcamiento.\nTambién hay que manifestar que su visita de su interior esta reservada solamente para los británicos que pueden solicitar a través de sus representantes en el parlamento. A todas luces es algo que no tiene ningún sentido y más dentro de la Comunidad Europea pero nadie a protestado, todo el mundo se limita a la fotografía frente a su fachada y poco gente ignora que es un lugar visitable.\nEl nombre de Big Ben de la torre viene dado por el celebre reloj de las cuatro caras colocado a una altura de 96 metros que se alza sobre el Parlamento Británico y sobre el río Támesis. El reloj tiene una enorme campana de 14 toneladas que marca las horas con una enorme precisión. El nombre pueda que venga en honor del jefe de obras de la torre Benjamin Hall cuando se colgó la campana en 1858.\nEn el exterior de la Houses of Parliament destaca la estatua ecuestre de Ricardo Corazón de León que reino desde 1189 hasta 1199, se encuentra situada en el patio frente a la entrada de la Cámara de los Lores, fue esculpida por el Barón Carlo Marochetti, un escultor italiano cuyas obras eran populares entre los miembros de la realeza europea y la nobleza.\nLa calidad de la ejecución de la estatua causó problemas durante su primer medio siglo; la cola del caballo se cayó el día después de que se instaló en la Gran Exposición, cuarenta años después de su instalación se descubrió que tenía numerosos agujeros y nunca se han conectado correctamente a su pedestal. Se escapó por poco de la destrucción durante la Segunda Guerra Mundial cuando una bomba alemana cayó y aterrizó a pocos metros de distancia y fue salpicada con metralla. El pedestal y la cola del caballo fueron dañadas y la espada de Richard quedo doblada por la explosión.\nCruzamos de acera en dirección a la entrada a la abadía, en un gran pedestal podemos ver uno de los memoriales más interesantes de todo Londres, se trata de la escultura “The Burghers Of Calais”, obra del magnifico escultor francés Auguste Rodin.\nLos burgueses de Calais es la escultura que representa a los seis burgueses que en 1347, al inicio de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), se ofrecieron a dar sus vidas para salvar a los habitantes de la sitiada ciudad francesa de Calais. El escultor Rodin recibió en 1885 el encargo de crear un monumento conmemorativo de esos hombres en la ciudad. Después de casi cuatro años de trabajar en bocetos, la escultura estuvo lista en 1888 para finalmente ser terminada e inaugurada en 1895.\nPara el rey Eduardo III de Inglaterra, el puerto francés de Calais, sobre el Canal de la Mancha, era de gran importancia estratégica, y en septiembre de 1346, tras la batalla de Crécy, dirigió sus tropas para sitiar la ciudad. Tras varios intentos de los ingleses de tomar la ciudad y varios intentos fracasados de los franceses de romper el sitio, el rey Eduardo tomó la decisión en febrero del siguiente año de dejar morir de hambre a los habitantes de la ciudad.\nRodin hizo numerosas investigaciones sobre la identidad de cada figura y hace que se expresen los diferentes sentimientos que experimentan los hombres en el borde de la muerte, donde se pueda identificar: la desesperación, resignación, el coraje, la impasibilidad y la crueldad de la situación. Los personajes son modelados directamente en su tamaño real, primero sin ropa, a continuación, vestido con el tipo de túnicas que llevaban los hombres condenados. El escultor empleo camisas reales sumergiendo en yeso para hacer los estudios de los desnudos para poder apreciar la verdadera expresión corporal.\nEn los mismos jardines de la Torre Victoria de Westminster podemos ver la fuente neogótica “La Fuente conmemorativa Buxton” (en inglés: Buxton Memorial Fountain) es un monumento y fuente de agua potable, que conmemora la emancipación de los esclavos en el Imperio Británico en 1834. Fue encargada por Charles Buxton MP, y se dedicó a su padre Thomas Fowell Buxton, junto con William Wilberforce, Thomas Clarkson, Thomas Babington Macaulay, Henry Brougham y Stephen Lushington, todos ellos estuvieron involucrados en la abolición. Fue diseñado por el arquitecto gótico Samuel Sanders Teulon (1812-1873) en 1865 coincidiendo con la aprobación de la Decimotercera Enmienda a la Constitución de Estados Unidos, lo que puso fin a la trata de esclavos en ese país. Fue construida originalmente en la Plaza del Parlamento, a un costo de £ 1,200.\nPaseamos por la rivera del río Támesis hasta llegar al puente “Lambeth brige” para tener una perspectiva mejor del conjunto del Parlamento Británico; cruzamos a la otra orilla y volvemos en dirección contraria por la calle Lambeth Palace. Más adelante en los jardines de Lambeth podemos ver una estatua conmemorativa de Violette Szabo, y los miembros del S.O.E (Special Operations Executive) que durante la Segunda Guerra Mundial trabajó para el espionaje británico en misiones de reconocimiento y apoyo a la Resistencia Francesa.\nAtravesamos el jardín del Hospital Saint Thomas, es uno de los más importantes hospitales de la ciudad de Londres, es universitario y escuela de enfermería, una de las más importantes y notables del país.\nEn la puerta podemos ver una escultura “Cross the Divide”, obra de Rick Kirdy, representa dos figuras masculinas, están de pie apoyadas sobre una pierna entrelazan sus manos para tener el doble de apoyo que le falta en la otra pierna. Se colocó en presencia de su Alteza Real la Princesa Margarita, condesa de Snowdon, el 25 de septiembre de 2000. Esta escultura fue encargada por la Fundación Caritativa de Guy St. Thomas.\nEstamos en la zona de Londres que se denomina “The South Bank” está dedicada al ocio y al comercio, situada enfrente de Westminster. Forma una estrecha franja ganada al río Támesis delimitada por el puente de Westminster y puente de Blackfriars.\nEn esta zona vamos hacer una parada para descansar un rato, vemos la imagen del Mcdonad’s y decidimos hacer un alto, quizás es uno de los pocos sitios de comida rapida que es asequible a nuestros bolsillos, aunque el precio de cualquier menú ronda las 10 libras (16 euros).\nMuy cerca se encuentra la famosa noria de Londres o “London Eye” los precios son 28.80 euros por persona, al final nos decidimos por el combinado London Eye+Madame Tussauds para dos adultos y dos niños por 140 libras, cerca de 200 euros. Luego hemos visto que reservando por Internet son 20 libras menos.\nLa entrada para el London Eye permite visitarlo a cualquier hora del día de hoy. El billete incluye también la entrada gratuita a la nueva Experiencia 4D en el London Eye.\nLa entrada al museo Madame Tussauds es válida para un mes después, lo que nos hace inclinarnos por esta opción porque tenemos tiempo suficiente para poder ver las esculturas de cera en este viaje.\nLa verdad es en estos momentos estamos súper cansados y nos apetece estar treinta minutos sobre el cielo dando una vuelta en el “Ojo de Londres”, pero para acceder hay una cola de más de una hora, este trance te lo puedes saltar si pagas una tarifa especial para entrar sin esperar o entrada vips con el ticket Fast Pass por nueve libras (¡esta todo pensado!). El horario es de 10 a 21 horas, y hasta 21:30 horas los viernes y sábados. Al menos en verano no se puede poder subir por la noche, porque está claro que hasta más allá de 22:00 horas no anochece. Hay algunos descuentos combinados con la tarifa del tren puedes descargarte la oferta 2x1 desde aquí.\nLa combinación de posibilidades para subir al London Eye son ilimitadas, puedes dar la vuelta y tomar champan por 50 libras; puedes subir y degustar una selección de chocolates por 50 libras, puedes hacer de la cápsula sea exclusiva para ti y tú pareja con una copa de champan por 360 libras; puedes con toda tú familia y reservar una capsula para 3 y 25 personas por 560 libras; incluso después del cierre puedes ponerla en marcha para ti sólito cenando 8 personas con champan, tres platos y una rotación de tres vueltas en hora y media con 10 minutos de pausa en la última rotación para poder tomar fotografías, por la módica cifra de 5000 libras.\nNosotros como no somos del grupo de estos pues esperamos nuestra hora completita hasta que podemos acceder, la hacemos rápidamente como nos ordenan, no hay dificultades para entrar pero no hay que dormirse en los laureles. Una vez dentro estamos unas 10 o 12 personas, con suficiente amplitud para dar vueltas por las cápsula sin molestar a nadie.\nEl London Eye se mueve a una velocidad de 0,9 Km. por hora es lo suficientemente lento para no marearse y no notar a penas que subimos aunque llegamos a 135 metros, es lo más alto que se puede subir en Londres y se tarda 30 minutos para una rotación completa. A esta velocidad, la rueda avanza 26 cm cada segundo y ni siquiera en el momento de bajarse la gente la rueda se detiene, aunque es posible cuando quieren subir y bajar personas con discapacidad que se para justo el momento mínimo para su seguridad.\nEl Ojo de Londres proporciona unas vistas de la ciudad excepcionales aunque en algunos puntos son bastante problemáticos, sobre todo si quieren hacer fotos o vídeos. Debido a la posición del sol (contraluces) y el tipo de vidrios usados de las cabinas, sobretodo, por la tarde algunas partes de Londres pueden ser difíciles de fotografiar, y van a tener muchos reflejos en las fotos. Hay zonas de las cristaleras que bastante sucias, y en algunos casos con rayas y marcas. Por lo tanto, hay que dar vueltas por la cabina hasta encontrar puntos que merezcan la pena fotografiar. Aunque en la misma cabina vas a viajar con otras personas, y todos quieren hacer selfies y el mismo tipo de fotografías, no hay que preocuparse, el trayecto es lo suficientemente extenso (30 minutos) como para poder obtener unas buenas imágenes de todos los puntos posibles.\nLa historia de El London Eye (Ojo de Londres), también conocida como Millennium Wheel (Noria del milenio), ha sido un tanto azarosa, se encuentra situada sobre el extremo occidental de los Jubilee Gardens, en el South Bank del Támesis, distrito londinense de Lambeth, entre los puentes de Westminster y Hungerford.\nEl London Eye fue diseñado por los arquitectos Frank Anatole, Nic Bailey, Steve Chilton, Malcolm Cook, Mark Sparrowhawk, Julia Barfield y David Marks. La empresa Mace fue responsable de la gestión de la construcción. Los ingenieros consultores de Tony Gee & Partners diseñaron los cimientos mientras Beckett Rankine diseñó las obras marítimas.\nEl borde del London Eye está soportado por cables de acero tensados y se asemeja a una enorme rueda de bicicleta. La iluminación fue hecha con la iluminación LED de Color Kinetics, en diciembre de 2006 para permitir el control digital de la luz en lugar de la sustitución manual de las lamparas más los tubos fluorescentes.\nLa rueda fue construida en secciones que fueron llevadas por el río Támesis en barcazas y ensamblados sobre plataformas apiladas en el río. Una vez que la rueda estaba completa fue levantada a una posición vertical por un sistema de poleas y grúas esta parte de la obra fue ejecutada por la empresa ENERPAC. Para ponerla en posición vertical se subía a 2 grados por hora hasta llegar a los 65 grados, en esa posición estuvo durante una semana mientras los ingenieros preparan para la segunda fase de la elevación. El proyecto era europeo con grandes componentes procedentes de seis países: el acero se suministra desde el Reino Unido y fabricado en Holanda por la compañía holandesa Hollandia, los cables vinieron de Italia, los cojinetes vinieron de Alemania (FAG / Grupo Schaeffler), el husillo y centro fueron fabricados en la República Checa, las cápsulas fueron hechas por Poma en Francia (y el cristal de éstos proceden de Italia), y los componentes eléctricos del Reino Unido.\nEl Ojo de Londres cuenta con 32 cabinas para pasajeros selladas y climatizadas, de 8 metros de longitud y 4 metros de diámetro para albergar hasta 25 personas. Este tipo de cabinas se diseñaron para no estar colgadas directamente de la estructura como sucede en la mayoría de las norias, en este caso están sujetas a la parte superior de la rueda mediante dos anillos y tienen un sistema mecánico de estabilización que mantiene a la cápsula nivelada. Este sistema evita el problema del balanceo propio de las norias y permite una mayor visibilidad desde el interior de la cápsula, ya que la estructura y construcción no obstaculizan la visión.\nEn corazón central de la noria están montados dos rodamientos oscilantes de rodillos, que pesan varias toneladas y tienen un diámetro interior de 1 metro. Afianzan la seguridad de la estructura dos grandes rótulas de ejecución especial, con diámetros exteriores de 600 Mm y un peso, cada una, de 194 Kg. que fueron indispensables para mover la noria desde su posición horizontal, en la que fue montada hasta la posición vertical, junto al río Támesis.\nEl material principal para la construcción de la noria fue el acero carbonado. En el cableado se han usado dos clases distintas de material, el cable de la noria y el cable backstay. La base de compresión está bajo unos soportes, compuesta por miles de toneladas de hormigón y decenas de pilares del mismo material.\nLa construcción de la London Eye se convirtió en todo un ejemplo de cooperación europea: Las cabinas están fabricadas en cristal, acero y aluminio y su interior está climatizado. Fueron construidas en Francia, en una empresa especialista en ascensores. Los paneles de cristal laminado se cortaron en Italia y cada cabina está protegida por tres capas de cristal de calidad óptica laminado y curvado, con un mínimo de elementos estructurales.\nEl avanzado mecanismo de tracción lleva 32 rodillos guía de acero revestidos de poliuretano, 64 amortiguadores especiales, 28 muelles compuestos de acero y caucho. El pivote central de 23 m de longitud y 335 toneladas y el abocardamiento se fabricaron en la República Checa y los cojinetes, en Alemania.\nLas patas en forma de A, de un peso de 310 toneladas, que soportan toda la estructura y la rueda de acero, se hicieron en Holanda con acero de Gran Bretaña.\nDurante 30 minutos realizamos la vuelta completa a todo Londres por los aires y ahora nos toca bajarnos, sin muchos agobios bajamos lentamente uno por uno, pero como dije antes lentamente pero sin dormirse, cuando terminamos es ya casi de noche solamente nos queda despedirnos de la ciudad y marcharnos a nuestra residencia en Windsor.\nEn estos momentos estamos muy cerca la Estación de Waterloo a donde llegamos en 5 minutos. Es recomendable no acceder a las vías sin confirmar el número de andén por donde sale en tren porque dentro no hay ningún tipo de información. Cuando vemos que se ilumina la vía número 18 del tren con destino final en Windsor, accedemos cientos de personas, en el interior no hay rastro del convoy, por megafonía informan de un anuncio que no alcanzamos a entender pero vemos como todo el mundo vuela de la vía 18 y donde va Vicente va la gente, todo el mundo se sube en otro tren que espera en una vía cercana, en principio nos imaginamos que han cambiado el número de vía o bien que el tren hace alguna alternativa, nosotros partimos en un tren que no nos da mucha seguridad de ir correctamente, enseguida me fijo en los monitores que anuncian el recorrido y veo que Windsor no figura en ningún sitio, pregunto y al parecer nos hemos precipitado, estamos en el andén de la siguiente parada y bajamos rápidamente antes de que cierren las puertas.\nUna vez allí preguntamos al jefe de la estación y nos indica que el tren con destino a Windsor todavía no ha salido de Londres y llegará en 15 minutos, al parecer el anuncio por megafonía y no lo habíamos entendió, el problema era que la salida había sufrido un retraso y como alternativa para las personas que no iban hasta la estación final de Windsor se ofrecía el tren que habíamos tomado.\nEn el tiempo marcado llega nuestro tren, está casi vacío, nos ponemos en el primer vagón y descansamos plácidamente durante un poco más de una hora hasta nuestro destino en Windsor.


Primeras fotos y datos del Renault DeZir\nLuis Ramos Penabad 06/07/2010\nRenault ha dado el pistoletazo de salida al Salón del automóvil de París presentando las primeras imágenes y datos del DeZir, que será presentado en octubre en la capital gala. Se trata de un deportivo biplaza con motor eléctrico con 150 CV de potencia y es un gran ejercicio de diseño. Esto cuenta Renault en su nota de prensa:\nEl DeZir es un coupé biplaza construido con materiales muy ligeros (principalmente Kevlar) y se ha trabajado mucho con la aerodinámica (lleva un chasis totalmente carenado para evitar turbulencias y un difusor en la parte trasera que permiten alcanzar un maravilloso coeficiente de resistencia de tan sólo 0,25 Cx) para ser capaz de circular de forma eléctrica durante 160 kilómetros.\nNo parece demasiado, porque hay vehículos, como el Peugeot iOn que probamos en Madrid, con una autonomía parecida. La marca gala ha resaltado que la Z de su denominación anticipa el Z.E. (Zero Emissions, ya incorporado a los modelos más ecológicos de la gama; (TwiZZy, Fluence Z.E., etc…).\nTiene un único motor eléctrico, colocado en posición central trasera, que se alimenta gracias a unas baterías de ión-litio colocadas también en la parte posterior del habitáculo. La base del motor es la misma que se va a utilizar para los primeros eléctricos de serie, aunque evolucionada para conseguir llegar a unos increíbles 150 CV de potencia y 226 Nm de par motor. Estas cifras hoy en día sólo pueden alcanzarlas híbridos deportivos, como el Honda CR-Z con el que tuvimos contacto y que inauguró esta nueva categoría.\nPero la deportividad la demuestra mejor en su aceleración. Según los datos que ha adelantado Renault, el DeZir podría acelerar hasta los 100 km/h en tan sólo 5 segundos o hasta los 50 km/h desde parado en apenas dos segundos. Son cifras apabullantes: Acelararía como un Audi e-Tron, que tiene 313 CV y es sólo un segundo más lento que un SLS AMG E-Cell que tiene 526 CV. Tremendo. Y punto.\nEl DeZir tendrá (si se llega a fabricar, claro), tres posibilidades de recarga: modo estándar (en el enchufe de casa, con 8 horas de duración), modo rápido (con una toma de corriente trifásica en 20 minutos, carga el 80% de las baterías) o cambiando estas en una electroniera, que costarái unos 5 minutos.\nEl diseñador responsable de este proyecto es Laurens van den Acker que antes trabajaba para Mazda, de ahí que recuerde un poco a algunos prototipos nipones. Su equipo no sólo se ocupará el concept car, sino también del futuro coche de calle si llega a producirse y será la base del diseño de otros futuros coches eléctricos de Renault.\nIncreíble interior del DeZir\nDatos? Tiene una longitud de 4,2 metros (como un Audi A3), 1,9 metros de anchura y apenas 1,1 m de altura, la apertura de las puertas es hacia arriba, no es exactamente como «alas de gaviota» (fíjate en las bisagras), pero se le parece bastante.\nSi miramos al pasado, personalmente me recuerda bastante al Alpine A110. ¿Estaríamos al renacimiento de la misma? Quién sabe… Renault hace tiempo que no crea coches deportivos… Pero en el Dezir, pretenden ofrecer sensaciones puras de competición con añadidos como el sistema de regeneración de energía KERS, el mismo que se ha utilizado en Fórmula 1 y que sirve para añadir un extra de potencia en ocasiones puntuales. Para ello, existe un botón en el volante para gestionar esta reserva de potencia.\nEl cuadro de instrumentación también podrá mostrar información muy precisa a través de un acelerómetro, un navegador inteligente que propone recorridos para ahorrar «combustible» o un display de gestión de la energía similar al de los videojuegos. En definitiva, que cuanto más lees la nota de prensa, más ganas tienes de verlo ya en directo en París…\nFotos del nuevo modelo de Renault:


Libro "El león y el unicornio y otros ensayos : " por George Orwell – Fondo de Cultura Económica de Argentina\n“Preferiría publicar el libro bajo seudónimo. No tengo reputación que perder y si el libro tiene algún éxito siempre podré seguir usándolo.” Estas palabras de Eric Blair antes de convertirse en George Orwell y publicar su primer libro, Sin blanca en París y Londres, aducen razones prácticas que hay que atender, pero todo seudónimo esconde no sólo el deseo, sino el convencimiento de ser otro. Este rasgo íntimo del escritor se extiende a toda su obra: la escritura que desvela la realidad según ese otro inalienable. En Orwell esto es visible en sus novelas y determinante en sus ensayos. La selección que aquí se ofrece nos transmite esa mirada independiente, descreída, a veces tierna y siempre solidaria que en la desolación de la primera mitad del siglo XX sólo podía venir de un ser inventado. Desde Recuerdos de un librero (las vivencias del autor en una librería de viejo) o Ay, qué alegrías aquellas (becario en un internado) hasta El león y el unicornio: el socialismo y el genio de Inglaterra, asistimos al despliegue de un mundo real visto a través de unos ojos inventados. Lo que veía George Orwell y no hubiera contado Eric Blair.


¿Por qué ser Miembro? | IUCN\nEn Sudamérica, la UICN cuenta con 106 Miembros, entre ellos están representantes gubernamentales y organizaciones no gubernamentales de amplia trayectoria; así como organizaciones internacionales con fuerte presencia en la región.\nEl reconocimiento internacional de la UICN la ha llevado a ocupar el rol de observador ante la Organización de las Naciones Unidades, dignidad no concedida a ninguna organización de conservación.\nEl asesoramiento científico de la Unión sustenta muchas convenciones internacionales, tales como el Convenio sobre la Diversidad Biológica (CDB), la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas de Fauna y Flora Silvestre (CITES), la Convención sobre el Patrimonio Mundial de la UNESCO y la Convención Ramsar sobre los Humedales de Importancia Internacional.\nSer Miembro de la UICN significa:\nAmpliar su ámbito de influencia y voz colectiva\nLas Resoluciones y Recomendaciones aprobadas cada cuatro años en los Congresos Mundiales de la Naturaleza de la UICN, y a través de la red de Comités Nacionales y Regionales, los Miembros de la Unión contribuyen a orientar e influenciar las políticas y actividades de conservación y desarrollo sostenible a escala nacional, regional y mundial.\nLa Unión maneja conocimiento y convoca a congresos regionales y mundiales y otras plataformas de discusión sobre asuntos de conservación. Estos espacios brindan la oportunidad de evaluar y debatir los desafíos de la conservación desde la perspectiva de gobiernos, sociedad civil, sector académico y sector privado.\nLos Congresos Regionales y Mundiales de Parques, por ejemplo, son foros en donde se adoptan compromisos y lineamientos de política para el manejo de las áreas protegidas y dan lugar a la construcción de una agenda de trabajo en este campo.\nOtro ejemplo de los espacios de interlocución, que la estructura de la Unión posibilita, es la discusión de temas políticos nacionales e internacionales como son las posiciones de los países frente a temas neurálgicos de las convenciones internacionales. Temas como la protección del conocimiento tradicional y el acceso y distribución de beneficios en el CBD, el tema de la deforestación evitada en el UNFCCC o el estatus de ciertas especies comercialmente importantes en CITES.\nFortalecer el trabajo en redes\nAl ser parte de una asociación global, los Miembros tienen la posibilidad de compartir sus experiencias de trabajo y aprender de las experiencias de otros mediante la participación en diversas redes temáticas. En Sudamérica este proceso es especialmente relevante ya que siete países cuentan con un comité nacional de Miembros de la UICN. Existe además, un comité regional en el que participan tanto los Miembros institucionales como las comisiones técnicas y su rol es proporcionar los lineamientos estratégicos para el trabajo de la Unión en esta parte del mundo.\nAcceder a conocimiento e incrementar capacidades\nLa Unión es la mayor red de conocimiento sobre conservación y desarrollo sostenible sustentada en las capacidades de sus Miembros, Comisiones de expertos y personal técnico de la Secretaría. Sus aportes están respaldados en miles de publicaciones (impresas y virtuales) que son accesibles a la comunidad conservacionista.\nLa UICN es autora de herramientas conceptuales de gran prestigio, tales como:\nEstándar de la UICN para la identificación de áreas clave para la biodiversidad: El propósito de este estándar (A Global Standard for the Identification of Key Biodiversity Areas; KBA por sus siglas en inglés) es ubicar y resaltar aquellos sitios que hacen una contribución significativa a la biodiversidad. El criterio KBA incorpora elementos de biodiversidad que van desde los niveles genético, de especies y de ecosistemas, pero la propuesta no incluye a cada una de las especies o ecosistemas que están dentro de un KBA.El documento puede ser obtenido en este enlace: https://portals.iucn.org/library/sites/library/files/documents/Rep-2016-005.pdf\nLas Categorías para la definición de Listas Roja de Especies Amenazadas, metodología que ha servido para la definición del estado de conservación de especies a nivel mundial y para la realización de multiplicidad de libros rojos en ámbitos nacionales.\nLa Lista Roja de Ecosistemas categorías y criterios de la UICN es un estándar global que reúne información sobre el estado de conservación de los ecosistemas, aplicable a nivel local, nacional, regional y global. El objetivo del protocolo es apoyar la conservación, el uso de los recursos y las decisiones de gestión mediante la identificación de los ecosistemas amenazados de pérdida de biodiversidad. Las categorías y criterios de la LRE están diseñadas para ser ampliamente aplicables en todos los tipos de ecosistemas y áreas geográficas, ser transparentes, científicamente rigurosos y de fácil comprensión para políticos, tomadores de decisiones y el público en general.\nLa Lista Verde de la UICN de Áreas Protegidas y de Conservación (LVAPC) tiene el objetivo identificar sitios que han tenido éxito en sus esfuerzos de conservación y destacándolos como modelos de éxito. La LVAPC estimula a compartir conocimientos, herramientas y prácticas para las áreas de conservación, con el objetivo final de mejorar la contribución que pueden aportar estas áreas para el desarrollo sostenible y la conservación de la naturaleza y todos los valores sociales, económicos, culturales y espirituales asociados.\nLas Categorías de Manejo de Áreas Protegidas de la UICN que proveen un marco de criterios para su clasificación en función de las actividades y uso de los recursos permitidos.\nHuman Dependency on Nature Framework es uno de los nuevos productos del conocimiento que está siendo elaborado por la Comisión de Política Ambiental, Económica y Social de la UICN. El objetivo principal de esta herramienta es evaluar, documentar y comunicar el papel y la importancia de los recursos naturales no cultivados/silvestres para la seguridad alimentaria y la nutrición de las comunidades.\nNatural Resource Governance Framework (NRGF) es también un producto nuevo de conocimiento desarrollado por la Comisión de Política Ambiental, Económica y Social de la UICN cuyo objetivo es el establecimiento de normas y directrices que guíen a quienes toman decisiones sobre el uso de los recursos naturales y la distribución de los beneficios de la naturaleza. Esta herramienta está siendo desarrollada tomando como referencia un conjunto de valores y principios de gobernanza para para apoyar la toma de decisiones más justas. El documento de trabajo lo encuentra en este enlace: https://www.iucn.org/sites/dev/files/content/documents/nrgf_update.pdf\nAsimismo, la UICN ha ayudado a 75 países a preparar e implementar estrategias nacionales de conservación de la biodiversidad.\nParticipar en la definición y ejecución del Programa\nEl Programa de la UICN es una expresión del esfuerzo colectivo de sus miembros pues es diseñado y aprobado en la Asamblea Mundial de Miembros que acontece cada cuatro años. En América del Sur los Miembros son llamados a involucrarse, no sólo en el desarrollo del programa sino también, en su implementación. De esta manera, los miembros son partícipes de proyectos e iniciativas de escala regional que alimentan el programa.\nOtro ejemplo de los espacios de interlocución, que la estructura de la Unión posibilita, es la discusión de temas ambientales nacionales e internacionales para construir las posiciones de los países frente a las convenciones internacionales.


Hallstatt, el paraíso de los Alpes Austriacos | El Viajómetro\n“The most beautiful lakeside town in the world”. Así es conocido Hallstatt en el mundo entero desde que hace dos siglos empezó a hacerse accesible también por tierra. Antes, escondido en la inmensidad de los Alpes Austríacos, solo se podía llegar a través del lago que lo rodea o adentrándote por caminos imposibles.\nY es que Hallstatt, aunque muchos sea la primera vez que oís hablar de el, es una de esas joyas ancestrales del mundo que hay que visitar, al menos, una vez en la vida. O tal vez sea imposible dejarlo en solo una, porque después de conocerlo, sé que Hallstatt es uno de esos amores eternos, uno de esos lugares a los que siempre quieres volver.\nEste precioso pueblo alpino se esconde en el distrito de Salzkammergut, entre la Alta Austria, Estiria y Salzburgo, a orillas del lago Hallstätter See [ver mapa], y ocupa un enclave mágico que enamora a primera vista. A un lado, infinitas montañas alpinas lo custodian casi hasta el cielo; al otro, el lago, con sus transparentes aguas, le regala al viajero un reflejo eterno de puntiagudos tejados.\nPero no solo su entorno hace de Hallstatt un lugar idílico. Sus casas de madera perfectamente talladas, con balcones floridos y enredaderas hasta de perales y manzanos. Calles estrechas y empinadas que desembocan en más casas de madera, más balcones tallados, más escalinatas, más montañas, más frutas brotando de las paredes, más vistas infinitas… Puedes recorrer el pueblo en una tarde o puedes pasar una semana y no aburrirte, porque Hallstatt tiene historia y curiosidades para dar y tomar…\nSi, amigos. No se sabe con certeza pero se sospecha que Salzwelten Hallstatt es la mina más antigua del mundo por las referencias que allí se encontraron: hace más de 7.000 años que los humanos la explotan. De hecho, aunque muchos podríamos pensar que este lugar inhóspito y aislado pasó siglos abandonado de la mano de Dios, no podemos estar más equivocados… Debido a la importancia del yacimiento, en Hallstatt se estableció uno de los primeros asentamientos humanos.\nNo en vano la sal es “el oro blanco” para esta región montañosa de Austria, implícita hasta en el nombre del pueblo (hall significaba sal para los celtas).\nSi te apetece puedes vivir la aventura “salera” al completo y sumergirte en las entrañas de la mina (por un precio de 30 euros por persona; aquí puedes comprar las entradas). La mina está abierta desde principios de abril a finales de noviembre y uno de sus mayores reclamos es “el hombre de sal”, un cadáver perfectamente conservado que se encontró en 1734 dentro de la mina.\nMe cuesta pensar que los humanos de la Edad de Hierro se asentaran en Hallstatt solo por la sal… Creo, más bien, que llegaron a un lugar tan maravilloso que nunca más pudieron marcharse.\nPor eso, por ser uno de los primeros lugares en los que se asentó el hombre, fue también en donde se forjó una de las más ricas culturas ancestrales: la cultura de Hallstatt. Procedente de los Celtas, y que ocupó el final de la Edad de Bronce y prácticamente toda la I Edad de Hierro. El nombre le viene por una necrópolis descubierta (como no) en Hallstatt en 1824, con más de 2.000 tumbas y 6.000 objetos.\nEl máximo esplendor de la cultura de Hallstatt llega incluso a España, donde podemos encontrarnos restos de su paso: en la Necrópolis Celtibérica de Las Madrigueras (Cuenca).\nSi quieres profundizar en la vida de aquellos “hombres de hierro”, es imprescindible que te des un paseo por el Museo Kulturerbe de Hallstatt (8 euros por persona).\nUn cementerio de cuento\nAunque os parezca una locura, una de las cosas que más me gustaron de Hallstatt (y que sin duda merece que le regales tu tiempo) fue su pequeño y “encantador” cementerio. Con vistas al lago y de espaldas a la colina, se erigen cientos de pequeños tejados de madera a modo de tumbas, que guardan el descanso eterno de los habitantes de Hallstatt.\nPaseando entre las diminutas casitas de madera te preguntarás si hay en el mundo lugar más bello que este para reposar eternamente…\nPero hay algo que te impresionará aún más: el Osario Hallstätter Beinhaus que se encuentra en la capilla del cementerio. Dicen que por el tamaño reducido del pueblo, llegó un momento en el que tuvieron que hacer sitio en el cementerio para enterrar a los nuevos fallecidos. Así que los vecinos comenzaros a desenterrar los huesos de sus antepasados, los secaron al sol para blanquearlos y después los pintaron.\nEl resultado es un osario de más de 1.200 cráneos, algunos auténticas obras de arte, que puedes visitar en el interior de la capilla.\nVistas de vértigo desde lo más alto de la más alta torre\nConcretamente, la Torre Rudolf I o Rudolfsturm, que custodia Hallstatt casi desde el cielo. Creo que en este caso, una imagen vale más que mil palabras:\nHace más de 6 siglos que vigila con sigilo el pueblo. Lo ha protegido de ataques, fue hogar de los encargados de la mina durante cientos de años y después fue abandonada a su suerte, hasta que en la década de los 60 construyeron en ella un restaurante que todavía se mantiene.\nPuedes subir la montaña andando o hacerlo en funicular por unos 4 euros. Personalmente te recomiendo esta opción, porque durante el trayecto (que a penas dura unos 5 minutos) disfrutarás de unas vistas impresionantes. Si vas a visitar las minas de sal, también deberás pasar por aquí.\nBañarte en un lago alpino\nLa mejor época para visitar Hallstatt es en verano, cuando su lago glaciar se descongela y toda la vida del pueblo gira en torno al lago: bañarse, dar paseos en barca, pescar, bucear… Al final del pueblo hay un trocito de césped preparado para estas actividades, con cuerdas y trampolines para tirarse al agua, banquitos y mesas, algo de sombra…\nCompra cerveza (no mucha, porque en estos países fríos no venden hielo en ningún lado, así que es imposible mantener la birra en su temperatura ideal) y tírate en el césped para disfrutar de una laaaaarga tarde verano. No todos los días puede uno darse un baño o incluso bucear mientras los alpes le sonríen a su alrededor 😉\nCenar/comer en un enclave increíblemente bonito\nAl ser un pueblo tan pequeño, la oferta gastronómica no es muy amplia y la mayoría de locales son caros y no muy apetecibles. Pero hay uno que encontramos sin querer metiéndonos por una callecita diminuta y me enamoró el alma.\nLa terraza del Gasthof Simony Restaurant am See es una maravilla y, como en todo buen gasthof, probamos algunas delicias de la zona, como el goulash austriaco (que no me gusta mucho) y una deliciosa trucha fresca. En serio, estaba riquísima. También probamos una especie de bolas de patata de las que no recuerdo el nombre\nDónde dormir en Hallstatt\nAl tratarse de un lugar tan pequeño, el tema del alojamiento puede ponerse complicado, sobre todo en temporada alta. Pero voy a ahorrarte los quebraderos de cabeza compartiendo contigo los dos alojamientos que probé en Hallstatt, además de ser las opciones más económicas que encontré en agosto. Nada es barato en Hallstatt.\n-> Hotel Gasthof Bergfried. La primera noche la pasamos en este hotel que habíamos reservado unas semanas antes. Fue el más barato que encontramos, unos 80 euros dos personas con desayuno incluido, y la verdad es que no nos equivocamos con la elección. No es que fuera la hostia (más bien tira hacia el lado contrario), pero es un buen lugar para pasar 1 noche.\nEl hotel cumple las funciones de los típicos Gasthof de esta zona. Es cálido, casi acogedor y está muy bien situado. Un poco “a las afueras” del pueblo (es decir, a 5 minutos caminando de la plaza principal; el pueblo es muy chiquitito). El desayuno es normalito. Pero una habitación con terraza compensa todo.\n-> Camping Klausner-Höll. Nos gustó tanto Hallstatt que no fuimos capaces de marcharnos al día siguiente. Como ni en nuestro hotel ni en ninguno de los que preguntamos quedaban habitaciones libres, nos fuimos directamente al camping del pueblo (solo hay uno). En la recepción, una señora bastante poco simpática nos dijo que no tenía ninguna parcela libre sin reserva, pero después de un rato insistiéndole accedió a… ¡Enseñarnos cuatro parcelas! (Y eso que 10 minutos antes no tenía ninguna…). El caso es que por unos 30 euros pudimos montar nuestra tienda en un bonito y tranquilo camping, rodeado de montañas infinitas.\nEl camping no es muy grande así que tendrás bastante intimidad. Las zonas comunes están muy bien (hay mesas para comer, cocina y baños). Por la noche hace bastante frío (en verano; dudo que el camping esté abierto en invierno) pero, si tienes suerte y te encuentras con una noche despejada, prepárate para un gran baile de estrellas en el cielo.\nEsta es, sin duda, la opción más barata para alojarte en Hallstatt (aunque tampoco es que sea una ganga de camping…), pero es un buen plan para tener una estancia larga en verano y disfrutar varios días de las zonas de baño y del encanto de este lugar sin rascarnos demasiado el bolsillo.\nConsejo: reserva parcela antes, no vaya a ser que el día que llegues la señora tenga un mal día y no quiera darte ninguna 😉\nNosotros incluimos Hallstatt dentro de nuestro road trip europeo, así que llegamos allí en coche directamente desde Praga, los 300 kilómetros más largos de mi vida (tardamos más de 5 horas…). Pero lo habitual es hacer una excursión de un día (o más) desde alguna ciudad cercana como Salzburgo o incluso Viena.\nHay dos formas de llegar. En autobús, que te deja directamente en el pueblo, o en tren. La estación de tren está al otro lado del lago, por lo que después tendrás que coger un barco y llegarás a Hallstatt por agua, como en la antigüedad.\nSi esta es la opción que vas a escoger aquí tienes todo lo que necesitas saber. Está en inglés, pero es la mejor página que encontré con esta información.\nAparcar en Hallstatt\nEn el pueblo hay dos o tres parkings, ya que en la calle está prohibido aparcar, y cuestan unos 15€ al día.\nLa otra opción y es que si tu estancia es más larga, te asegures de que el alojamiento que cojas tiene parking incluido. En nuestro caso, tanto el hotel como el camping que utilizamos tenían aparcamiento gratuito dentro de sus recintos. Así que pudimos ahorrarnos el parking\nalpes austria hallstatt roadtrip\nFani says: Responder\nHola María! Yo conocí Hallstatt este verano. Cuando estaba planificando mi ruta en Interrail solo tenía clara una cosa, pasar por allí. Solo estuve un día y la verdad que me quedé con ganas de mucho más… Junto con el Lago Bled en Eslovenia es el sitio más mágico en el que he estado.\n¡Estoy segura de que volveré!\n¡Hola Fani! Muchas gracias por tu comentario, y por compartir tu pasión por Hallstatt Me alegro de que también hayas conocido este rincón mágico en verano… ¡Seguro que cayó más de un baño en el lago! Parece mentira que existan lugares así hasta que los conoces…\n¡Yo también volveré seguro!


ABC Digital - Asunción, Paraguay, Jueves 04 de Septiembre de 2008\nNASA comienza preparativos para el lanzamiento del transbordador �Atlantis�\nEl transbordador �Atlantis� fue trasladado hoy a la plataforma de lanzamiento del Centro Kennedy en Florida, a pesar de la amenaza de tres tormentas tropicales, a fin de iniciar los preparativos para su pr�xima misi�n prevista para el 8 de octubre.\nFestival "Ars Electr�nica" debate alternativas a los derechos de autor\nEl �copyright� en el �net.art�, una de las cuestiones m�s candentes en el arte contempor�neo, ser� el tema sobre el que girar� el festival m�s prestigioso sobre las tendencias art�sticas que usan nuevos soportes digitales, "Ars Electronica", que comenz� hoy en Linz (Austria) bajo el lema �A new cultural economy�.\nAlemania inaugurar� central el�ctrica capaz de enterrar el CO2\nAlemania inaugurar� la primera central el�ctrica capaz de capturar y almacenar bajo la tierra su propio CO2, public� hoy el portal BBC Mundo. El medio destaca que se trata de la �Schwarze Pumpe�, ubicada en el norte del pa�s europeo, que la pr�xima semana comenzar� un proyecto piloto para capturar el gas contaminante en el subsuelo.\nEl Google Chrome supera los tres millones de descargas\nUnos 3,5 millones de personas descargaron en las primeras 24 horas de ser puesto en l�nea la versi�n beta de Google Chrome, el nuevo navegador de Internet del portal de b�squedas m�s popular de la actualidad.\nSe est� "borrando" la historia\nLos mapas que podremos encontrar en internet est�n borrando la geograf�a y la historia, ya que suprimen datos cruciales necesarios para entender a un pa�s. Los mapas que podremos encontrar en internet est�n borrando la historia, seg�n cart�grafos.\nVinicultores franceses usan sat�lites para mejorar productividad\nLos productores de vino franceses miran hacia el espacio exterior para ganar ventaja sobre sus rivales extranjeros, con una nueva tecnolog�a satelital que les otorgue una visi�n general de las caracter�sticas f�sicas y el potencial de los vi�edos.\nLa revoluci�n bolivariana llega al espacio\nLlevar la telefon�a al fondo de Amazonia, hacer un diagn�stico m�dico inmediato a miles de kil�metros de distancia o convertir la telealfabetizaci�n en realidad ser�n algunos de los objetivos del sat�lite venezolano Sim�n Bol�var, antesala de una agencia latinoamericana espacial.\nLos videojuegos entran en la tercera dimensi�n\nVideojugadores, p�nganse los lentes para ser transportados al espacio tridimensional. La compa��a de tecnolog�a visual Nvidia present� su primera t�cnica de 3D destinada al gran p�blico de videojuegos en la conferencia inaugural de NVISION 08 en San Jos�, California, que se centra en la convergencia de la tecnolog�a con Hollywood, los juegos y el negocio.\nOperan tumores cerebrales con l�ser sin abrir el cr�neo\nNeurocirujanos franceses lograron destruir tumores metast�sicos en el cerebro con un l�ser, controlando en tiempo real la operaci�n gracias a las im�genes producidas por resonancia magn�tica nuclear (IRM) , sin abrir la b�veda craneana.\nReaparece el agujero de la capa de ozono sobre la Ant�rtida\nEl agujero de ozono ha reaparecido sobre la Ant�rtida, anunci� hoy la Organizaci�n Mundial de la Meteorolog�a (OMM). Geir Braathen, experto de la organizaci�n, se�al� en una rueda de prensa que la aparici�n del agujero en la capa de ozono es un fen�meno que ocurre cada a�o entre agosto y diciembre.


Satisfacción en Massamagrell y Museros por el proyecto que pondrá fin a la reivindicación histórica del desdoblamiento de la Gombalda\nInicio L'Horta Nord Satisfacción en Massamagrell y Museros por el proyecto que pondrá fin a...\nTras la presentación del proyecto que duplicará la carretera de la Gombalda entre Massamagrell y Museros, el alcalde de Massamagrell Paco Gómez y la alcaldesa de Museros Cristina Civera han mostrado su satisfacción por este proyecto que da solución a una reivindicación histórica de ambos municipios.\nLa obra consiste en duplicar la CV-32 entre la conexión con la CV-300 para enlazar con el tramo oeste ya desdoblado. La sección transversal del nuevo desdoblamiento incluye dos carriles de 3.50 m de ancho, arcén exterior de 2.50 m e interior de 1.00 m. Además, en los tramos en que resulta necesario, se ejecutará una vía de servicio para acceso a las propiedades colindantes. La velocidad de circulación será de 90 Km/h.\nEn palabras de Paco Gómez, alcalde de Massamagrell, este proyecto “es una reivindicación histórica de Massamagrell que va a lidiar mucho con el tráfico, además se apuesta por el carril bici, por lo que se sigue fomentando la movilidad sostenible”.\nCristina Civera, alcaldesa de Museros ha añadido que “con este proyecto se incrementará la seguridad vial y se facilitará una movilidad más sostenible como medio de transporte”.\nArtículo anteriorEl Consell invertirá 15'5 millones en duplicar la carretera de la Gombalda entre Museros y Massamagrell


Los tatuajes ya no son definitivos | BellezaPura\nSi también decidiste decorarte el cuerpo antaño y en la actualidad te arrepientes, puedes hacerlo desaparecer de tu cuerpo. Los tatuajes, afortunadamente, ya no son definitivos gracias al láser. Esta tecnología también nos permite eliminar la micropigmentación. La demanda es cada vez mayor debido a casos de personas que ya no se identifican con el diseño, no se sienten cómodos con él, en el caso de dibujos que se han estropeado o micropigmentaciones mal realizadas. Hay que tener en cuenta la profundidad para utilizar un tipo diferente de láser y requerir más sesiones. En cuanto a los colores, para los azules y verdes se utiliza el láser Alejandrita; para los negros y los azules, el Neodimio Yag y, para los rojos y anaranjados, uno de 512 nm.\nLas sesiones duran de 15 a 30 minutos. Se utiliza anestesia local. Inmediatamente después de la exposición al láser, la piel adquiere una tonalidad blanquecina e inflamada, para tornarse a los pocos minutos en un tono rojizo o sanguinolento, que desaparece a los 30- 60 minutos. Después de 6 a 7 días aparecen costras que irán cayendo poco a poco, hasta los 10 a 12 días momento este que empieza a observarse un aclarado de la densidad del tatuaje.\nLos tatuajes profesionales y de color negro son los tatuajes que más fácil van a responder al tratamiento láser. Los tatuajes multicolores y los tatuajes no profesionales son los más difíciles de tratar dada la composición de los pigmentos utilizados (en la mayoría de casos mezclas de elementos metálicos con pigmentos orgánicos) y requieren mayor número de sesiones.\nEn la Clínica Ordás nos aseguran que se necesitan de entre 6 y 10 sesiones. Y que el intervalo entre ellas ha de ser de cuatro a seis semanas. Pero lo que me preocupa realmente es el resultado. ¿De verdad se borra completamente? ¿O queda una cicatriz y es peor el remedio que la enfermedad?\nA veces se puede correr el riesgo de efectos secundarios, como un cambio en la textura en la piel de la zona tratada o una despigmentación. Por eso es importante que os asesoréis primero acerca del centro al que acudís para evitar quemaduras.\nEl costo de este tratamiento cuanto seria aproximadamente si alguien me puede responder?\nDeja un comentarioJohn Galliano (Dior) presenta Parlez moi d´amour, una fragancia romántica y moderna como Taylor Momsen


Bebidas de verano: limonada de sandía – El Perro Morao\nEl Comidista continúa su serie de bebidas especialmente apropiadas para combatir el calor. No te pierdas las recetas, más refrescantes y embriagadoras que un summer wine, cada jueves de agosto.\nRefresca más que un frigodedo. / EL COMIDISTA\nMartha Stewart es de esas personas a las que debería detestar: su mundo de ama de casa perfecta americana, su breevandecampismo y su tendencia a la cursilería cuqui de manualidad de Pinterest la sitúan a años luz de lo que me gusta y me interesa. Sin embargo, no puedo dejar de sentir amor por esta auténtica gurú del mariestilo de vida en Estados Unidos. Me encanta su sentido del humor, que demuestra en cada aparición televisiva. Me encanta que haya estado en la cárcel y no se haya venido abajo. Me encantan sus desastrosas fotos de comida en Twitter. Y sobre todo me encantan sus recetas, que apetecen casi siempre y no fallan casi nunca.\nLa limonada de hoy, que continúa la serie de bebidas de verano iniciada con el batido de melón y aguacate, está adaptada de una de la web de Martha. Junta tres frutas que se llevan muy bien -limón, lima y sandía-, y las mojitifica con el añadido de la menta machacada. Es difícilmente superable en cuanto a poder refrigerante, y admite con bastante facilidad el añadido de tu alcoholazo favorito si es que estás necesitado de evasión dionisíaca. Vamos, que es un exitazo.\nDebes saber exprimir un limón.\n1/3 aproximadamente de sandía\n1. Pelar la lima y machacar la peladura en un mortero o taza con su jugo y la menta. Verter todo en el recipiente en el que vayamos a preparar la limonada.\n2. Triturar la sandía, colarla para obtener su jugo y verterlo en el recipiente.\n3. Terminar con el zumo de limón. Probar, y si resulta muy ácida (dependerá de lo dulce que esté la sandía), añadir miel al gusto. Servir muy fría.\nLOS DESPLAZADOS DE LOS DIOSES:BOLIGAN


Lucía Hiriart fue internada en el Hospital Militar en las últimas horas - Diarios en Red\nLa viuda de Augusto Pinochet ingresó al recinto hospitalario para realizarse exámenes, luego de presentar dificultades respiratorias.\nLucía Hiriart fue internada en el Hospital Militar durante la jornada de este martes, luego de presentar dificultades respiratorias, al igual que en otras ocasiones.\nLa viuda del dictador, Augusto Pinochet, seguirá en el recinto hospitalario durante las próximas horas, debido a que se realizará algunos exámenes, según consignó ADN, quienes también indicaron que desde el recinto asistencial decidieron no entregar información.\nEsto fue confirmado por la nieta de la mujer de 98 años, Karina Pinochet, quien utilizó su cuenta de Twitter para agradecer el apoyo que han recibido.\n“Quiero agradecer a todos sus mensajes de cariño, preocupación y apoyo por la salud de la abu, ella ingresó al Hospital Militar para desarrollar unos exámenes tras tener complicaciones de carácter respiratorio. Ella permanecerá en el hospital sin que se confirme aún cuándo saldrá”, escribió.\nQuiero agradecer a todos sus mensajes de cariño, preocupación y apoyo por la salud de la abu, ella ingresó al Hospital Militar para desarrollar unos exámenes tras tener complicaciones de carácter respiratorio. Ella permanecerá en el hospital sin que se confirme aún cuándo saldrá. pic.twitter.com/iYdBD7wwPa\n— Karina Pinochet (@pinochet_karina) August 3, 2021\nPortal MeVacuno.cl del Minsal está caído y tardaría horas en recuperarse\nredaraucania 24/09/2021 - 18:23 hrs\nRicardo Lagos Weber sufrió accidente en bicicleta tras ser impactado por un motorista\nredaraucania 24/09/2021 - 15:24 hrs\n28 contactos estrechos y 2 casos positivos de covid en la Convención\nredtarapaca 24/09/2021 - 15:19 hrs


Las recomendaciones para viajar seguro en estas vacaciones de Invierno - 16 Valvulas\n16 Valvulas > Seguridad Vial > Las recomendaciones para viajar seguro en estas vacaciones de Invierno\nLas estadísticas muestran que durante el invierno los riesgos de accidentes se incrementan con respecto al verano debido a las condiciones climáicas adversas que reinan en la época invernal, los suelos en que se transita en los lugares de turismo invernal y el mayor transito dan como rsultado un periodo muy riesgoso.\nTeniendo en cuenta todas estas consideraciones CESVI Argentina recomienda cómo prepararse antes de emprender el viaje, qué chequear, cuánto descansar, qué llevar y más tips para viajar seguros.\nAntes de salir es necesario poner el auto en condiciones para ello hay que revisar fluidos, neumáticos, motor, frenos, luces – Contr con la documentación del vehículo obligatoria: cédula verde, seguro, VTV y cédula azul (en caso de ser necesario) – Realizar el plan de ruta con antelación sleccionando recorridos seguros desde el punto de vista de la infraestructura vial. – Evitar bultos en exceso colocando los objetos más pesados colocarlos cerca del respaldo del asiento trasero y del piso, para no alterar el centro de gravedad. En lo posible, no llevar equipaje en el techo (no solo aumenta el centro de gravedad sino que puede desastibiliar el vehículo en caso de fuertes vientos) – No transportar objetos sueltos en el habitáculo – Descansar al menos 8 horas antes del viaje.\nYa durante el viaje circular siempre con cinturón de seguridad y respetar las velocidades. – Si viaja al amanecer y/o al atardecer tenga en cuenta que puede ser deslumbrado por el sol. – Evitar viajes de noche. – Conducir como máximo de 8 a 9 horas, incluyendo las paradas que deben ser de al menos 15 minutos, cada 2 horas de viaje o 200 km. – No programar una hora de llegada. – Utilizar calzado y ropa cómoda; nunca ojotas. – En caso de transportar niños, llevarles juegos y entretenimiento.\nCuano se realizan paradas en ruta evitar comidas pesadas porque pueden producir somnolencia. – Beber agua y refrescos no gasificados. – En el caso de sufrir un inconveniente, parar lejos de la ruta y señalizar con balizas.\nHay que recordar que no se está solo en la ruta y que la posibilidad de vernos involucrados en un siniestro depende también de las maniobras de otros conductores; por eso, es importante aprender a reconocer a los posibles conductores riesgosos y alejarse de ellos.\npublicado por Daniel Panzera Seguridad Vial el 18 de julio de 2011\nHay gente no tiene muchas platas para comprar un auto mejor con todas o algunas seguridad, pero con la seguridad se mata igual a un auto que no posee seguridad, màs de 100 km/h en vez de 60 km/h es un impacto muy profundo puede vivir o muerte… es una idea inperfecta como los humanos o el auto no perfecto, es inevitable.\nA cuidarte bien, es quererte la vida o toda la gente.\nLA MEJOR RECOMENDACION ES NO VIAJAR EN UN AUTO FABRICADO EN EL MERCOSUR…SIN AIRBAG, SIN ABS Y SIN NINGUN DISPOSITIVO DE SEGURIDAD.