Dapper Labs está trabajando con Chainalysis para fortalecer la alineación de sus plataformas NFT - Cotizacion Bitcoin\nDapper Labs está trabajando con Chainalysis para fortalecer la alineación de sus plataformas NFT\nStartup Dapper Labs, detrás de Flow blockchain y NBA Top Shot, se ha asociado con Chainalysis para monitorear todas las transacciones en su ecosistema de token no funcional (NFT). Para prevenir el lavado de dinero, Dapper Labs utilizará herramientas Chainlysis para rastrear los fondos utilizados para realizar compras NFT.\nMonitorear transacciones y prevenir el lavado de dinero\nSector de tokens fallidos (NFT) atrajo mucho capital desde principios de 2021. Sin embargo, este éxito ha traído consigo ciertas actividades sospechosas.\nPor Laboratorios Dapper, la startup detrás de blockchain Flow, ha decidido asociarse con Análisis de cadena por monitorear las transacciones y la actividad de sus usuarios en sus plataformas NFT.\nNos complace anunciar que Chainalysis se ha asociado con @dapperlabs, los principales creadores de CryptoKitties 🐱 y NBA Top Shot 🏀! Nuestra plataforma de datos blockchain les ayudará a optimizar los procesos de cumplimiento para que puedan centrarse en NFT 🖼https: //t.co/Cp6SIukwqi pic.twitter.com/vXxSwJUmNP\n– Chainalysis (@chainalysis) 7 de octubre de 2021\n«Estamos entusiasmados de trabajar con el líder del mercado que trae el mundo del entretenimiento a la cadena de bloques, y esperamos ayudar a Dapper Labs a escalar sus procesos de cumplimiento a medida que la compañía es pionera en nuevas aplicaciones para el consumidor», dijo Jonathan Levin, cofundador de la Análisis de la cadena de la empresa.\nDapper Labs quiere esta operación fortalecer el cumplimiento y prevenir la lucha contra el blanqueo de capitales. En este sentido, los productos desarrollados por Chainalysis permitirán monitorear los fondos utilizados para comprar NFT y combatir actividades ilegales.\nEn la práctica, Dapper Labs tiene la intención de utilizar esta herramienta «Conozca su transacción» cuyo objetivo es reportar actividades de riesgo en tiempo real. Se complementará con » Reactor de Chainalysis «autorización iniciar una investigación en estas transacciones específicas.\n« Nos complace trabajar con Chainalysis para eliminar a los posibles malos actores de nuestra plataforma, luchar contra el lavado de dinero y permanecer a la vanguardia del área regulatoria y de cumplimiento local y global en rápida evolución ”, agregó Lana Schwartzman, Cumplimiento. Gerente en Dapper Labs.\nEl resultado es un lanzamiento que está detrás del NBA Top Shot quiere una plataforma transparente, donde se verifica cada cuenta para que pueda ofrecer a sus usuarios productos seguros.\nEs interesante señalar que esta iniciativa surge pocas semanas después del asunto. abuso de información privilegiada involucrando a empleados de OpenSea, uno de los mercados de tokens no funcionales más grandes.\n👉 Descubrir: Google Cloud está trabajando con Dapper Labs para fortalecer la capacidad de la cadena de bloques Flow


El dilema de Kovalski: 2010\nSolana en Málaga.\nPintor: José Gutierrez Solana\nNombre de la exposición:\nSolana en las colecciones Fundación MAPFRE\nLugar: Fundación Picasso-Casa Natal Picasso. Plaza de la Merced. Málaga.\nFecha: hasta 10 de octubre.\nMe quedaba poco tiempo para visitar una de las mejores exposiciones de la Fundación Picasso de este año. Se trata de la colección MAPFRE del pintor madrileño José Gutiérrez Solana que comprende 6 magníficos óleos y 25 grabados. Las azafatas abrieron la sala para mi pues en esos momentos nadie visitaba la muestra. Según comentarios de la exposición el óleo Procesión de noche (1917) "la composición de doble friso alude a un mundo dual, entre la máscara pagana y la escenificación de la tragedia cristiana", El beso de Judas (1932) es una "elaboración posterior del mismo tema, la gruesa pincelada de la etapa anterior es sustituida por una técnica más contenida". Se aprecia cierta"evolución hacia una sensualidad más plástica a partir de 1930, en la que las figuras se hacen más nítidas y escultóricas. Otros cuadros son el bodegón La baraja de la muerte de 1927 y El osario de 1931. Ambos "se sitúan en una larga tradición pictórica típicamente española en la que se hace imprescindible la referencia a Valdés Leal". Una de las obras más impactantes es la naturaleza muerta Santos de pueblo, de 1929, un cuadro que daría mucho que escribir a Norman Brysson. Por último la obra maestra Máscaras bailando del brazo de 1938, realizado en París adonde tuvo que marchar con motivo de la guerra civil. Leemos comentarios como "todo es paradójico", "todo es encrucijada". Hay un texto de Antonio Machado referente a Solana: "Este Goya necrómano, este antípoda de Goya, pinta con voluptuosidad lo vivo como lo muerto, y lo muerto como lo vivo". Entresacamos del mismo expresiones como "realismo de pesadilla", "sueño malo del arte español", o "visión complementaria de nuestra vigilia estética".\nDespués de semejante botín de óleos pasamos a ver 25 aguafuertes de los 28 catalogados por Rafael Díaz Casariego, y 4 de las 7 litografías que se conservan de Solana. En ellas se observa el repertorio típico de Solana: gitanos, mendigos, máscaras. "Estas estampas narran escenas de la vida cotidiana en el mismo sentido que lo hace Pío Baroja, pero al contrario que el escritor, Solana no se pronuncia sobre ello, no hay juicio moral en su obra, simplemente nos presenta este mundo para que nosotros espectadores, lo contemplemos."\nMe entretuve en tomar nota de los títulos de estos grabados, casi todos fechados entre 1932 y 1933: El constructor de caretas, La murga gaditana, Barbería del pueblo, Mujer ante el espejo, La peinadora, Mujeres de la vida, La perra del pintor, Vieja montañesa, La beata, Trapera, Traperos de El rastro, El rastro, El cartel del crimen, La taberna, Domingo en las afueras, Chozas de la Alhóndiga, Comedor de los pobres, Casa de dormir, Mendigos calentándose, Máscaras en las afueras, Máscaras del perro, Máscaras bailando con guitarra, Máscaras diablos bailando cogidas del brazo, Máscaras hablándose al oído, Máscaras cocineras, Máscaras de los cencerros, Mascarón, Máscara de la escoba. Creo que me falta una, se habrá escapado por algún sitio. Entre tanta máscara uno no puede evitar acordarse del belga James Ensor (1860-1949).\nAlgunos datos biográficos del colega: Nace en Madrid en 1886. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, como Goya. Se reúne con los intelectuales en las tertulias del Pombo, con Ramón Gómez de la Serna. De ahí nace su cuadro del Reina Sofía La tertulia en el café Pombo. Se las pira a París cuando la guerra pero vuelve a Madrid en 1939. Muere en 1945. Sus influencias: Valdés Leal, Goya, Valle Inclán, Freud (Umheinlich o lo siniestro). Relacionado artísticamente con Darío Regoyos e Ignacio Zuloaga.\nDice Eugenio Carmona en Solana. El invitado, el primitivo y lo inquietante: "El imaginario de Solana, aún basado en lo cierto, buscaba el límite fronterizo, el despertar en el territorio -en el lugar- de la diferencia."\nTambién escribió Solana una sugerente obra literaria: En 1913 Madrid, escenas y costumbres. Primera serie; en 1918 la segunda serie; en 1920 La España negra; en 1923 Madrid callejero; y en 1926 la novela Florencio Cornejo. Extraemos un fragmento de La España negra citado por Andrés Trapiello en La luz sin problemas: "Esta Audiencia queda en el centro de una plazuela de la que arrancan cuatro de las calles más típicas de Medina del Campo, donde hay conventos de frailes descalzos. Éstos son tan holgazanes, que se levantan de la cama por la tarde; todo el día se lo pasan durmiendo y comiendo; tras las ventanas abiertas se los ve, con el pecho desnudo y en calzoncillos, lavándose en grandes pilones; sus barbas son tan largas que les llegan a la cintura. Enfrente están las casas de las mujeres de mala vida, que les llaman muchos desde la calle; pero ellos no las hacen caso, porque para esos menesteres tiene la comunidad mejores mujeres entre las monjas."\nUna amable azafata me llama la atención porque suena mi teléfono. Es mi padre para decirme que el Málaga va ganando al descanso en Zaragoza por 1 a 5. Pero señorita, ¿no ve usted que el Málaga...? Nada. Soy amonestado. Aquí no se puede usar el móvil, por favor, abandone la sala. Aún queda mucho partido, le digo por lo bajo a mi padre. Cuelgo. Yo soy el único visitante. El walkie de la azafata emite unos sonoros pitidos y mensajes robóticos que retumban en toda la sala. La joven se comunica con las otras azafatas que esperan en la entrada, a pocos metros, a que yo me marche y así poder cerrar de nuevo la galería. Pero señorita, el Málaga... Solana, la España negra, lo siniestro... le digo. Me voy con la sensación de que Solana me ha tomado el pelo.\nDesde esta humilde atalaya cultural animo a todos a visitar esta magnífica exposición. Sólo un consejo: apaguen los móviles antes de entrar.\nEn esta dirección esta la colección Mapfre con información y fotografías de todas las obras.\nPublicado por kovalski en 8:21 p. m. 2 comentarios:\nEtiquetas: Casa Natal Picasso, Solana\nHistorias de Holanda. Capítulo 3.\nEn la sala 16 vemos la Vista del castillo de Montjardin de Van Everdingen, quien fuera citado por Goethe en su Viaje a Italia y que sirviera de base a un artículo en este blog hace unos meses. También el famoso Jarrón con flores en una ventana de Ambrosius Bosschaert I. Anoto La tumba de Guillermo I en la Iglesia nueva de Delft, de Gerard Houckgeest, sabedor que en breve iré a Delft y veré ese mausoleo y esa iglesia -la Nieuwe Kerk-, aunque como suele pasar en estos casos cuando estuve en Delft no me acordé del cuadro. En 1654 pintó Carel Fabritius su célebre Goldfinch (El jilguero), un pequeño cuadro que es una maravilla de simplicidad. Hay un cuadro de Gerard de Lairesse, Aquiles descubierto entre las hijas de Licomedes, fechado en en 1680 y que despierta mi curiosidad en cuanto a la identificación de los distintos personajes. ¿Será Aquiles la joven del centro con el puñal? En Naturaleza muerta con flor y reloj de Willem van Aelst se observa cómo el reloj con lazo azul es muy parecido al del cuadro de Claesz (éste es de 1630 y el de van Aelst de 1663). No podía faltar Salomon von Ruysdael, así hay una Vista de un lago con barcos, de 1650-51. Me gusta -por el tema- el cuadro del pintor de Leiden Willem van Mieris Armida atando a Rinaldo dormido, de 1709. Rinaldo y Armida son personajes que me traen a la cabeza óperas de Handel. En él, Armida, con un seno al descubierto, se aproxima al caballero sigilosamente mientras unos cuantos amorcillos pululan por los alrededores, uno de ellos incluso juega graciosamente con el casco de Rinaldo. Nacido en La Haya en 1607 Dirck van del Lisse pintó su hermosa Ninfa durmiente en 1650, justo cuando va a ser descubierta por dos pastores, si no la han descubierto ya, pues uno de ellos se está girando hacia el otro diciéndole algo. La figura de la ninfa es tremendamente sensual, si bien parece que -al tener la boca abierta- está roncando, lo cual restaría bastante erotismo a la escena. Por fin me encuentro con un Van Goyen, una Vista de río con iglesia y granja, de 1653, con predominio de tonos pardos y monocromos, una obra maestra. Aparezco en la sala 9 y allí esta Rembrandt. Destacan de entre todas las obras expuestas el Autorretrato de 1669, el Retrato de un hombre viejo de 1667, y el Homero, de 1663, con un trabajo de superficie que más quisieran los informalistas, un dibujo difuso, un colorido monocromo, el dorado marca de la casa en la toga, que hacen que el cuadro impresione y que uno no sepa cuánto tiempo puede dedicarle a su contemplación. Por supuesto está en lugar privilegiado la impactante Lección de anatomía del doctor Nicolás Tulp, de 1661, y sobre el que hice algunas anotaciones. En él se ve al doctor Tulp con 7 alumnos. La figura del doctor es la única que tiene sombras. Los alumnos parecen todos más viejos que el propio doctor. Resulta curioso cómo frente a la obra me doy cuenta de detalles que bien podría haberlos advertido ante una simple reproducción en un libro, pues no son cuestiones pictóricas ni de color, ni de luz, pero es como si la presencia de la obra in situ activara mis dotes de percepción, lo que no sé si es bueno o malo. En ese sentido también observo cómo la vestimenta del doctor es de una fineza y elegancia que no está acorde con la actividad que va a a realizar, el manejo de un cádáver. Quizás lo más sensato hubiera sido poberse una bata para no mancharse al menos y así evitar también posibles contaminaciones de la ropa. Pero es como el que va a retratarse para la posteridad, quiere salir elegante. Reparo en el enorme libro abierto a los pies del cadáver, así como en la firma de Rembrandt al fondo en la pared. Luego paso a una jovial Violinista, obra del pintor de Utrecht Gerrit van Honthorst en 1626. Así como Mujer vieja examinando una moneda, de 1623. Impresionante en su veracidad y equilibrio es Stilll life with earthware jug and pipes, de 1658, de Pieter van Anraadt. Hay varios cuadros de Jan Steen: La vida de un hombre de 1665. Anoto: la cortina alzada a modo de telón, ¿la vida es un teatro?, reconozco que mis reflexiones son típicas viendo a Steen pero me da igual, de perdidos al río. Otro cuadro famoso de Steen El modo en que lo escuchas es el modo en que lo cantas, de 1658, y que debe ser un proverbio holandés o algo así y que recuerda a Brueghel. Hago algunas observaciones en este cuadro: hay una vieja con una partitura, un señor con gorro da una pipa de fumar a un joven, una niña parece mirar al espectador, un gaitero joven también parece mirarnos, un hombre con pelo lacio escancia vino a señora con copa junto a hombre gordo con barba y boinete. Me digo, para qué estas anotaciones que se pueden ver en cualquier reproducción fotográfica, y me contesto, porque luego frente a la foto no veo nada de esto, en realidad no sé lo que veo. Hay una llamativa escena histórica de Jan Steen de 1670, es Moisés y la corona del faraón. No sé si Moises es el que tiene laurel en la cabeza y no para de hablar ante un faraón claramente aburrido. Más cuadros de Steen Retrato de Jacoba van Wasseneer de 1660 y la increíble miniatura Chica comiendo ostras, también de 1660, y donde Steen alude a las connotaciones eróticas de las ostras, consideradas por entonces como un afrodisíaco.\nPublicado por kovalski en 12:54 p. m. No hay comentarios:\nEtiquetas: La Haya, Mauritshuis\nEl joven Vermeer.\nHistorias de Holanda. Capítulo 2.\nEl Mauritshuis (II).\nHasta el 22 de agosto puede admirarse la muestra El joven Vermeer (De jonge Vermeer) en la sala 14 del Mauritshuis en La Haya. La exposición comprende únicamente 3 cuadros ¡pero qué 3 cuadros! Como el título indica se tratan de 3 cuadros pintados en la primera época artística de Johannes Vermeer (1632-1675), autor representado en este museo por La joven de la perla, la increíble Vista de Delft y una de las 3 obras de esta exposición, Diana y sus ninfas (fechada alrededor de 1654). Las otras dos pinturas son Cristo en la casa de Marta y María (1654-55, de la National Gallery de Escocia, Edimburgo) y La alcahueta (de 1656, de la Gemäldegalerie de Dresde). Traduje más o menos los textos que ilustran la muestra. Son las tres primeras pinturas de Vermeer, y fueron realizadas cuando contaba entre 21 y 24 años de edad. Aunque Vermeer es conocido sobre todo por sus escenas tranquilas de interiores con una o dos figuras en realidad empezó produciendo pinturas históricas como escenas de la Biblia y de la mitología clásica. Se justifican estos inicios porque ese tipo de escenas estaban bien pagadas en la época. Fue en 1656 cuando Vermeer optaría por ejecutar una escena de la vida cotidiana, una elección que terminaría señalando una nueva y definitiva dirección en su carrera.\nPrimeros años en Delft: Vermeer nació en Delft (una pequeña y bonita ciudad a pocos kilómetros de La Haya) en 1932. En 1653 se casó y pasó a ser un pintor independiente. No se conoce bien con quién estudió Vermeer. Se piensa en Carel Fabritius y Leonard Brame en Delft, y Abraham Bloemaert en Utrecht. De cualquier forma el trabajo temprano de Vermeer no tiene ninguna influencia reconocible. Influencias: no obstante podrían apuntarse algunos nombres como poisibles fuentes de inspiración: Jacob van Loo (Ámsterdam), Dirck van Baburen (seguidor de Caravaggio), y también pueden citarse a Tiziano y Rubens. Primeros trabajos perdidos: al menos dos más se conocen por documentos escritos: una escena bíblica con las 3 marías en la tumba de Cristo; y una escena mitológica con Júpiter, Venus y Mercurio. De Vermeer se conocen 36 obras en total, de las cuales 7 están en Holanda (3 en La Haya y 4 en Ámsterdam).\nConfusión: En 1900 algunos expertos dudaban de la autoría de Diana y sus ninfas. Luego Bredius (director del Mauritshuis) lo atribuyó a un Vermeer originario de Utrecht. Cuando en 1901 se redescubrió Cristo en casa de Marta y María Bredius se dio cuenta de que ambos eran de Vermeer de Delft. Después de la Segunda Guerra Mundial aparecieron en el mercado varias obras que parecían del joven Vermeer pero eran en realidad del falsificador Han Van Meegeren (actualmente hay una exposición en Rotterdam). Cielo azul: en una restauración de Diana y sus ninfas hace diez años se deshizo el cielo azul de la parte de arriba a la derecha y se repintó con tono oscuro. También se descubrió un añadido de 12 cm a la derecha. Mejoras: cuando La alcahueta fue restaurado entre 2002 y 2004 se descubrieron por rayos X algunos cambios hechos por Vermeer en el proceso de pintado. El hombre de rojo miraba a la joven que sostenía una segunda moneda en la mano abierta. Ahora ambas miran una única moneda acentuando la tensión de la escena.\nEn la sala 15 como ya he dicho se pueden ver La joven de la perla y la Vista de Deflt. Estos cuadros comparten sala con Una joven sirvienta de Michael Sweerts (nacido en Bruselas en 1618 y del que en el Thyssen de Madrid hay un Muchacho con turbante y ramillete de flores) y Mariaplaats con la Mariakerk en Utrecht de Pieter Saenredam (nacido en Assendelft en 1597 y especialista en escenas de interiores de iglesias y del que el Thyssen de Madrid vuelve a tener un cuadro, Fachada de Santa María de Utrecht).\nHay una página web muy interesante sobre la vida y obra de Vermeer:\nTambién mencionar que en Delft visité el Vermeer Centrum Delft, un museo subtitulado como "descubre al maestro de la luz". Ubicado en un edificio histórico de la Voldersgracht de Delft, donde se encontraba el San Lucas Guild que era una asociación de comericantes y artistas de la ciudad, un lugar que Vermeer visitaba con frecuencia. El museo ofrece un viaje visual a través de la vida y obra de Vermeer así como del Delft del siglo XVII. El Vermeer Centrum es el único sitio del mundo donde están las reproducciones a escala real de todos los cuadros de Vermeer. En él también se puede conocer cómo era el taller de trabajo de Vermeer, la cámara oscura utilizada por él y también se descubren algunos enigmas de sus pinturas, como significados simbolistas ocultos, técnicas de perspectiva, uso de pigmentos, etc... Una visita obligada para todo buen amante del arte ¡aunque no haya ningún cuadro expuesto!\nPublicado por kovalski en 1:26 p. m. No hay comentarios:\nHistorias de Holanda:\nEl Mauritshuis en La Haya (I).\nEché un vistazo a las notas que había realizado durante mi visita a la Casa de Mauricio, en La Haya. Demonios, me dije, más de 30 páginas repletas de microgramas al más puro estilo Walser. Intentaré resumir el contenido de ellas en al menos 29 páginas, me dije animosa e inconscientemente, aunque para ello tenga que ignorar alguna obra expuesta, me resigné. Desde la Jan Hendrikstraat, donde estaba el hotel, hasta el Mauritshuis -bueno, no sé si llamarla "la Mauritshuis", bien pensemos en "él" como museo o en "ella" como Casa de Mauricio-, había apenas unos diez minutos de camino. Llegué pronto. Era miércoles, la mañana siguiente a mi llegada a la ciudad. El museo abría a las diez. Paseé alrededor del Hofvijver -el estanque de la corte-, vi un grupo de turistas japoneses dispuestos a invadir el país, y cuando pensé que habría una enorme cola esperando para entrar en una de las galerías más importantes del mundo me encontré con que no había nadie esperando para entrar. Con mi Museumkaart -adquirida la tarde anterior en el Panorama Mesdag-, pude acceder al museo pagando sólo 1,50 euros -el precio real es de 10,50 e-. Bueno, basta de rollo, empecemos con la acción. Sala 2 (la sala 1 me la salto porque es la entrada donde hay una funcionaria dando información): HOLBEIN. Retrato de una mujer del sur de Alemania. Fechado en 1525. Qué belleza. Qué frialdad el turquesa de fondo. Otro Holbein: Retrato de un halconero. 1542. Mira desafiante al espectador. Holbein y su virtuosismo. No veo anamorfosis por ningún lado. Todos los Holbein no van a ser embajadores. Por un momento creo que el halconero va a soltar a su ave de presa contra mi, por no saber apreciar el verdadero arte. Pero el halcón no ve, tiene una capucha en la cabeza. Hay otro retrato con halcón de Holbein, el retrato de Robert Cheseman. Quedo de una pieza ante Escena de cocina con Cristo en Emaús, de Joaquim Beuckelaer, fechada en 1560-1565. Allí, al fondo parece verse algo, tras el primer plano impresionante de manjares. La huella de su tío y maestro Pietr Aertsen queda patente. Me gusta -y así lo marco con 2 estrellas en mis notas- el Retrato de Elisabeth Bellinghausen, de Bartholomäus Bruyn I. También frente a un fondo azul turquesa, encapsulada en un panel abovedado, parece portar una flor de lis. Me fijo en su mirada triste hacia fuera del cuadro, ¿qué mira? ¿de qué o quién quiere escapar? Me atrevo a hacer un pequeño boceto para no olvidar la escena (¿Escena? ¿Hay escena cuando sólo existe un personaje en el cuadro?). H asta aquí la primera hoja de anotaciones. Esto será largo. Tengo que resumir. Resumir todo el arte holandés del renacimiento y el barroco en una entrada de blog. Sigo en la sala 2, Retrato de un hombre de la familia Lespinette, de Memling. Me acuerdo de que esta mañana leí enEl museo de la Inocencia de Pamuk una referencia al pintor paisajista Melling, pienso que se ha equivocado, o Pamuk, o Carpintero en el texto de la traducción, o el editor, pero no, es que no se refiere a Hans Memling, sino al pintor y grabador y viajero Antoine Ignace Melling, quien dejara para la posteridad increíbles vistas del Bósforo. Así no, así no avanzo. Me detengo ante La lamentación de Cristo, de Rogier van der Weyden (1460-1464). Me fascinan los rasgos juveniles de María Magdalena, su gesto alicaído. Me llama la atención la sinceridad del Retrato de un hombre, de 1510, del desconocido estonio Michel Sittow. El hombre posa su mano derecha sobre la izquierda, sin saber muy bien qué hacer con ellas. Ya en la sala 3 me encuentro con uno de los motivos de mi visita a Holanda: PIETR CLAESZ. Dos cuadros de él. Una Vanitas: naturaleza muerta, de 1630, y una Naturaleza muerta con lámpara encendida, de 1627. En el primero, una calavera sobre un libro apergaminado, una copa caída, un reloj con lazo azul. En el segundo el reflejo de la llama de una vela sobre una copa de cristal, tres libros, uno de ellos abierto con unas lentes encima. Una maravilla de cuadro, con tonos apagados, grises, amarillos y marrones casi exclusivamente. Y otro cuadro monocrómico, una Vista de Dordrecht desde Papendrecht, de 1633, del genial Van Goyen. Más tonos ocres, el cielo blanco amarillento y violáceo. Un artista del color y la luz. Las figuras de los carros, los caballos, aparecen apenas esbozadas. Me gusta el Paisaje de dunas con un camino campestre, de 1629, de Pietr van Sanvoort. En él 3 caminantes con bastones junto a dos perros, en el camino, una pareja, un hombre con un saco encima. El paisaje transmite una extraña sensación ondulante. Llegamos a la Naturaleza muerta con libros y violín de Jan Davidsz de Heem, de 1628. Uno de los puntos más emocionantes del museo, sin embargo no destacado en la página web del mismo. Otra naturaleza muerta, esta vez del, por mi, desconocido Balthasar van der Ast. De 1620 es éste Fruit still life with shells and a tulip. Una mosca, dos mariposas, una libélula pululan alrededor. Un detalle que me llama mucho la atención p ero que luego descubriré en otras obras. Impresionado quedo con el pequeño pero extremadamente técnico y avezado Marte y Venus sorprendidos por Vulcano, de 1601, del pintor de Utrecht Joaquim Wtewael. Digamos que la postura de los amantes es, ejem, demasiado explícita, de hecho, no recuerdo haber visto nada parecido en la pintura de esa época. Aparte de que Marte podía haberse quitado el caso para cortejar a su amada, por dios. En la sala 4 tenemos el tríptico de Jan Provost de 1520-1525, con la Virgen y el Niño en el centro y San Juan Evangelista a la izquierda y María Magdalena a la derecha. Una Madonna and child de Quinten Massys (o taller, también llamado Quentin Metsys), en el que las dos cerezas en la mano derecha de la Virgen, las uvas y la pera del frente y el paisaje de fondo con la ventana cortada forman una escena delicada. Nos paramos inevitablemente ante Escena del bosque, un díptico de 1515 de Gerard David. Es una obra sorprendente dentro de la producción de David ya que se trata de un paisaje sin figuras, con una iglesia y una cabra a la izquierda y unas vacas en un estanque a la derecha. En algún sitio en internet he visto que lo ubican en el Rijks de Ámsterdam, bueno, yo lo vi en el Mauritshuis. Uno de los mejores bodegones con flores del museo es el Vase with Flowers de 1670, de Jan Davidsz de Heem. El fondo negro, mariposas, jarrón de cristal con agua, frutas (melocotes, uno mordido, el artista no pudo contenerse), una chinchilla en una flor amarilla central, abajo en una flor rosiblanca, un gusano a la izquierda sobre una hoja, un caracol sobre las frambuesas. Estos molestos insectos pueblan las naturalezas muertas con flores. Pronto vemos el Vaso Wan-Li con flores de Jan Brueghel I. El fondo vuelve a ser negro. Algunas escenas interiores de David Teniers y Adriaen Brouwer, como El alquimista e Interior de cocina del primero (increíble el brillo de la grasa del jamón), y Posada con paisanos bebidos y Pisanos peleando del segundo, en una especie de adelanto goyesco. En David Vinckboons, ya en la sala 7, apreciamos una escena casi bruegheliana en su Feria del condado. Podemos pararnos a observar a los distintos participantes. A la izquierda alguien vomita, un joven alza a una moza (¿la rapta, baila con ella?), otra pareja está con una niña (¿corren, bailan?). Un pintor del que vi mucha obra hace dos años en Bélgica, Jacob Jordaens, con La adoración de los pastores de 1617. Anoté: vasija metálica -reflejos-, José está muy viejo, grandes manos de la Virgen, el niño dormido, ¿quién es la vieja?, la Virgen seguramente acaba de darle el pecho al niño, ambos sonrosados. Otro cuadro en el que perderse es La feria del día de San sebastián de Jacob Savery I. A la derecha se ve una pelea, en ella un viejo desenvaina una espada, el joven es sujetado por otros dos con espada en mano, mientras hay un baile, a la izquierda un joven parece raptar a una chica, un violinista en la penumbra permanece ajeno a todo, una pareja se besa, en las ventanas de la posada vemos a otra pareja besándose, hay una bandera con pintura de San Sebastián... Vemos algunas obras menores de Rubens, quizás preparativos para cuadros, como La adoración de los magos de 1610, un Modelo para la Asunción, y El triunfo de Roma: la juventud del emperador Constantino, de 1622. Son fantásticas. Pienso: Rubens debería haber pintado sólo bocetos. A lo mejor eso fue lo que hizo realmente. También hay un cuadro excepcional que recuerda a Georges de la Tour, se trata de Mujer vieja y un chico con lámparas, de 1617. La cara de la vieja antecede a Rembrandt, la vela y la llama presentan una pastosa materia, el fondo es negro. Esta obra parece ser efecto de su viaje a Italia y su contacto con la pintura de Caravaggio. Puede que la pintura para uso propio ya que se encontraba entre sus posesiones en el momento de su muerte. Anoté que la superficie estaba muy trabajada. Me quedo impresionado, siempre había considerado a Rubens un gran pintor pero falto de astucia artística, sin embargo aquí se revelaba un Rubens exageradamente innovador en asuntos matéricos, ¿fue en realidad Rubens el primer paso para llegar a los Rembrandt y Hals más pictóricos? En la sala 8 apunto un Wilem van Haecht: Apeles pintando a Capaspe. El artista trabaja en su taller rodeado de cuadros (por ejemplo, los contadores de monedas de Metsys del Louvre abajo a la derecha, y un cuadro de Cleopatra con áspid que recuerda a Tiziano). Dos excelentes retratos de Van Dyck (Anna Wake y Peter Stevens) y otro David Teniers el joven: El ciego guía al ciego (según Domenico Fetti), de 1655. Uno piensa en Brueghel. Y en Saramago (RIP desde El gran Kovalski). Lo que me llama la atención de este cuadro es que el cuarto ciego parece "observar" la escena de sus compañeros de camino. Algunos retratos de Rubens y un trabajo conjunto entre Rubens y Jan Brueghel, el famoso El jardín del Edén con la caída del hombre, de 1617.\n(continuará, aún queda mucho).\nPublicado por kovalski en 1:05 p. m. No hay comentarios:\nTiepolo y Calasso\nLos Scherzi de Tiepolo\n(El rosa Tiepolo, de Roberto Calasso).\nLos Caprichos y Scherzi de Tiepolo son una serie de grabados que realizara el artista italiano a mediados del siglo XVIII y que pasan por ser lo más misterioso y enigmático de su obra. En El rosa Tiepolo el ensayista milanés Roberto Calasso aborda la creación y comprensión de estos extraordinarios grabados así como del resto de la obra de Tiepolo. Durante la parte central del texto Calasso busca -desesperadamente- el sentido de estos Scherzi: "Pero los Scherzi son una novela muda. Como todos los seres esotéricos. Tiepolo no dice nada acerca de su secreto. Sólo lo muestra. Sabía que con toda probabilidad no se reconocería, y en efecto así fue. Tiepolo fue el pintor saturnino de luz radiante. Con el exceso de luz cubría y protegía esa evidente divergencia.(...) Detrás de lo desdeñoso, simple y magnánimo del gesto, Tiepolo escondía el tesoro de la "extravagancia de los pensamientos", señalada ya por los contemporáneos y cada vez más hudiza para la posteridad."\nNo es Calasso un crítico de arte al uso, y de esta forma se enfrenta sin pudor a sus colegas, convirtiéndose en lo que pudiera ser un crítico de críticos de arte, una función que considero cada vez más esencial en la época actual, y que la sociedad está demandando urgentemente. Una especie de defensor del aficionado ante la "crueldad" de algunas reflexiones de determinados críticos de arte. Ya nos adelantaba algo al respecto el genial Tom Wolfe en su La palabra pintada -un libro que, por falta de tiempo, no he podido reseñar. Así dice Calasso: "Con mayor lealtad que los críticos modernos, que con frecuencia fingen saber de qué habla Tiepolo en sus Scherzi o directamente evitan el asunto (pretendiendo, en este punto, preocuparse sólo de los valores formales), Charles Blanc declaró que "esta serie de Caprichos es incomprensible y por tanto indescriptible". Según Calasso según Blanc: "¡Qué extraños son los grabados de Giambattista Tiepolo! Son cuadros sin color que lo proclaman colorista incluso más que sus pinturas". Sin emabrgo aquí entraríamos en una terreno pantanoso, resbaladizo e inestable, pues si Calasso admite no encontrar explicación para los Scherzi es porque la ha buscado, y si su conclusión es que no tienen explicación esto no dejar de ser una explicación. Quizás lo más coherente hubiera sido apostarse en una posición más escéptica -en realidad o hace pero ligeramente-, y confesar que si bien pudiera tener una explicación él la desconoce.\nEn estos grabados hay personajes habituales como los orientales -ya frecuentes en los frescos del italiano-, las serpientes enroscadas, los troncos atravesados, sátiros, la Muerte -a la cual Calasso denomina "Muerte", a secas-, y por supuesto los búhos. En casi todas las escenas parecen estar esperando algo, mirando algo, quizás realizando algún tipo de conjuro: "Había algo que aparecía, algo que otros -a su vez- señalaban, o hacia lo que dirigían la mirada, con expresión grave, casi asustada. ¿Qué era? Diversas formas de lo invisible, que no han mordido la plancha del grabado. Ése era el motivo por el que la variopinta congregación se reunía. Eran fieles de lo invisible."\nEstos grabados adolecen, según Calasso, de lo qué él denomina "coherencia en el tiempo", ya que coinciden sátiros con soldados enfrascados en alguna guerra dinástica, orientales junto a Polichinela o Muerte., etc..., personajes con una discordancia temporal evidente.\nLa presencia de serpientes se ha relacionado con sectas ofitas, pero no hay constancia de que Tiepolo perteneciera a ninguna de ellas. Aquí Calasso deja al descubierto una gran contradicción religiosa en la cual la serpiente juega un papel maledicente -en el Jardín del Edén-, y otro salvador -en el desierto de Sinaí con Moisés-. ¿Con cuál quedarnos?\nPara Calasso los Scherzi son una "composición-fantasma. Sin ellos, la obra de Tiepolo tendría una admirable completud, sin lagunas. Pero, en presencia de ellos, el significado del conjunto cambia de modo radical. Un giro más imprevisto en cuanto a que los Scherzi se insertan en la obra de un artista que a lo largo de toda su vida no tomó nunca iniciativas, esperando que las ocasiones le llegaran desde el exterior. Mientras tanto, se repetía y variaba en su mente una escena oscura, conectada siempre con el mismo lugar. Algo parecido a una escena primitiva en pintura." Los orientales es un punto de estudio fundamental en el libro de Claasso: "Tanto en los Caprichos como en los Scherzi los orientales dominan la escena y rigen la suerte de los acontecimientos. ¿Qué sucede con ellos en otros contextos? ¿Desaparecen? Después de una rápida ojeada a los lienzos y frescos de Tiepolo, nos vemos obligados a concluir que aparecen por todas partes. (...) Son aquellos que observan la escena." Los mirones, los testigos de algo que pasa, pero que no sabemos qué puede ser.\nEn el libro aparecen las reproducciones de los 23 Scherzi. Calasso los va comentando hasta llegar al número 17, a partir del cual comienza otras disgregaciones más genéricas. ¿Se cansó de ellos? Es una lástima porque hubiera sido muy interesante que terminara la exposición individual de cada uno de ellos.\n"En los Scherzi, trece hojas de veintitrés tiene como tema el mirar. Un mirar tenso, espasmódico, fijo en algo que se revela. La tensión es tan fuerte que las otras hojas pueden fácilmente ser entendidas como pausas, intermedios entre esas repenticiones igniciones de la mirada, que con frecuencia se dirige a algo que está fuera del marco de la hoja. (...) No se puede decir, ante todo, si se trata de algo que se acerca o que huye.(...) Por mucho que se estudien los Scherzi la pregunta sobre qué es lo que atrae la mirada de los personajes queda sin respuesta concluyente. Progresivamente se insinúa una sospecha: que el tema de los Scherzi sea el mirar, y el observarse. Por eso quien mira los Scherzi no sería otro que un ulterior, invisible personaje de esas hojas. Estariamos ante un caso de dilatada, gódeliana autorreflexividad."\nSupongo que aquí se refiere Calasso al segundo teorema de incompletitud de Gödel, que dice que "ningún sistema consistente se puede usar para demostrarse a sí mismo". Luego los Scherzi no han podido ser creados para ¿demostrarse a sí mismos? Continúa con este razonamiento hasta concluir: "Entonces la broma que esconden los Scherzi en su gravedad sería ésta: se tratan de imágenes que se miran a sí mismas." Creo que me estoy mareando...\nNo sólo de los Scherzi habla este libro sino también de los formidables frescos de la Residencia de Würzburg: "Además de una sorprendente epifanía histórica, el techo de Würzburg es un experimento antropológico. Por primera, y hasta ahora, única vez se encuentra reunida la humanidad literalmente ecuménica, idiosincrática y comunicante." Signifique lo que signifique. Hay una figura en los techos de Würzburg muy cómica y sobre la que Calasso llama la atención: "Pero ¿se puede ser un intruso? Sí. Es la figura más cómica, en precario equilibrio sobre la cornisa del fresco, agarrada desesperadamente a una gran carpeta, su único apoyo. ¿Qué contendrá la carpeta? ¿Dibujos? ¿Grabados?". Está claro, Roberto, lleva los Scherzi. Detallados análisis sobre los cuatro continentes en Würzburg ("De los Cuatro Continentes, Europa es el único al que se le concede un trono. Pero es el único que ostenta una expresión de tedio, opaca.") Nuevas referencias al señor viejo Tiempo y la jovencita Venus en sus brazos. Y es que menudo lío se monta con las reproducciones de Tiempo mostrando su hijo a Venus, o acogiendo el hijo de Venus, y sobre la paternidad de Eros, Cupido, y su maternidad, así como de las pinturas de ¿Madrid? Venus entrega Cupido al Tiempo (en las referencias se dice que está en el Museu de Montserrat en Barcelona) y Londres, Alegoría con Venus y Tiempo (aquí no se complican con el título). Ilustrativas reflexiones sobre las pinturas de Marco Antonio y Cleopatra del Palacio Labia de Venecia (por ejemplo, las astutas referencias al vestido de Cleopatra y el de la princesa que recoge al Moisés bebé siglos antes, o la situación de mero comparsa del propio Antonio y la anécdota del banquete con perla disuelta incluida -¡este libro rezuma sabiduría!-). También una parte dedicada a las pinturas del Palacio Real de Madrid, consideradas menos geniales que su producción anterior. El último viaje de Tiepolo fuera de Italia, a Madrid, donde finalizará sus días, pidiendo encargos reales, y tras haberse declarado "pobre" a su llegada, es objeto de un seguimiento esencial para comprender la historia de Tiepolo y consecuentemente de la pintura y del arte. También es muy inteligente la comparación del Hallazgo de Moisés del Veronés y la versión de Tiepolo en Edimburgo (a Tiepolo se le llegó a llamar algo así como el nuevo Veronese).\nEste libro de Calasso es una obra genial, que incluye un estudio mitológico, religioso, sociológico, humano y crítico de gran parte de la obra de Tiepolo. Después de leerlo uno parece quedar en deuda con la maestría de Tiepolo, y con ganas de conocer mejor su obra. Y, por supuesto -y también con la ayuda del episodio de Nooteboom en El enigma de la luz, cuando visita Würzburg-, con la anhelada intención de recalar alguna vez en la Residencia de Würzburg y poder admirar los increíbles frescos del "mago-hechicero-ofita" Tiepolo.\nPublicado por kovalski en 12:46 p. m. No hay comentarios:\nEtiquetas: Roberto Calasso, Tiepolo\nEL DIOS MONDRIAN\n"Aunque sus cuadros no tuvieran nigún efecto mensurable en el mundo real de las transacciones humanas, fueron de una importancia excepcional en la esfera ficticia del arte." Así se refiere Hugh Thomas a Piet Mondrian en su Impacto de lo nuevo. Gombrich escribe sobre él: "El holandés Piet Mondrian (1872-1944) decidió construir sus obras basándose en los más simples elementos: líneas rectas y colores puros. Aspiraba a un arte claro y disciplinado, que de algún modo reflejara las leyes objetivas de la naturaleza. Como Klee y Kandinsky tenía algo de místico y deseaba que su arte revelara las inmutables realidades que se ocultan tras las formas perecederas de las apariciones subjetivas." Traduciendo: Mondrian estaba loco y pretendía que su arte revelara algo que no terminamos de comprender (¿formas percederas de las apariciones subjetivas?, ¿no habrá querido decir "formas subjetivas de las apariciones perecederas", o bien "apariciones formales de lo subjetivamente perecedero"?).\nComo quiera que sea Pieter Cornelis Mondriaan (con dos aes, luego abrevió su nombre artístico a Piet Mondrian) nació en la pequeña localidad holandesa de Amersfoort en 1872. En 1892 se va a estudiar arte a la Academia de Ámsterdam donde también ingresa en una parroquia de beatos radicales con la intención de tener una "vida nueva". Mondrian era un hombre muy religioso y su pintura -aunque no lo parezca- también, quizás haya sido uno de los pintores más religiosos de todas las épocas. Incluso llegó a tener cierto síndrome de Dios. En 1910 escribía a un amigo: "la soledad permite a un gran hombre reconocerse a sí mismo, al verdadero hombre, al hombre-dios e incluso a Dios. De esta manera se crece hasta convertirse finalmente uno mismo en Dios."\nDe Mondrian conocemos esos cuadros prismáticos de cuadrados de colores y que todos parecen ser iguales. Pero hace unas semanas fue robado un cuadro de Mondrian en Winterswijk, el Retrato de Arda Boogers, y me sorprendió que fuera una obra figurativa, con claro acento decimonónico. Para entender cómo llegó Mondrian a su pintura más característica hay que repasar un poco su biografía y la evolución de su obra.\nEn los años 90 del siglo XIX Mondrian pintaba escenas idílicas cotidianas del mundo campestre como Escena de una granja con la iglesia de San Jacobo (Acuarela de 1899), Acequia, puente y cabra (Acuarela de 1895) y En la Lappenbrink (Aguada de 1899), donde una campesina en primer plano parece sonreir manifiestamente recorriendo una calle de la aldea, sumida en azules y rosas. De 1899 es la acuarela Hayal (que se encuentra en l museo de La Haya) y que guarda un aprecido extraordinario con el más famoso Hayal I de Klimt (fechado en 1902). En 1908 pinta un expresionista (que recuerda a Heckel, Kirchner, y compañía de El puente alemán) Molino a la luz del sol: el molino Winkel. También de ese año es Paisaje nocturno I y que remite a la Noche estrellada de Van Gogh (de 1889). Bosque cerca de Oele le aleja definitivamente de su etapa paisajista afable y le introduce en una pintura más tortuosa de colorido violento y formas no finalizadas, "las líneas de colores nunca se unen para formar un bosque reconocible", escribe Susanne Decher en su monografía sobre el pintor.\nEn 19911 pinta los sorprendentes Campanario en Domburg y Molino rojo, así como Paisaje con dunas y Boceto de dunas en naranaja, rosa y azul. En los dos primeros impresionan las formas arquitectónicas en rojo intenso que resaltan sobre un fondo azul inerte y no realista. Dan la impresión de ser dos imágenes en negativo, y que funcionan un poco a modo de impresiones warholistas -unos cuantos años antes. Sobre los paisajes de dunas Mondrian diría que el espíritu de la mujer se puede detectar en las líneas yacentes del mar y las dunas.\nEn 1911 se las pira a París en busca de sus admirados Picasso y Bracque. Mondrian había visto una exposición de este último en Ámsterdam y le sorprendió que usara esas unidades en forma de almendra y que él ya utilizara en cierta manera en su Bosque de Oele. No era tanto la intención de Mondrian el contactar con Picasso y Bracque como el de vivir simplemente en la misma ciudad. Empieza a pintar Paisajes y árboles donde se observa una inclinación decisiva hacia la línea negra que forma redes, en principio no cerradas, simples esbozos de redes, anunciando la próxima reticulación. Mondrian buscaba la inspiración en el laberinto que conformaban las casas urbanas y más concretamente en los muros cortafuego de la Rue du Depart en Montparnasse, sobre los que había pegado carteles y papeles pintados. Imaginación no le faltaba al muchacho, un muchacho que rondaba ya los cuarenta. Continuaba solitario. Escribe Decher: "Mondrian amaba esos muros cortafuego. ¿Acaso no parecían enormes cuadros abstractos? Ante ellos concebía, por un momento, la idea que la pintura moderna no era de verdad abstracta. ¿No era más cierto que, en lugar de ser abstracta, logró descubrir regiones de la realidad desconocidas y nunca observadas?". Puede, y además era abstracta. Es que no podemos caer en la literatura de los críticos de arte. Si nos ponemos así podemos forzar las cosas para que cualquier cosa pareca abstracta, o realista. Si nos acercamos exageradamente al rostro de un retratado podremos terminar viendo superficies rugosas, monocromías, formas irreconocibles, sin embargo es un rostro, aunque visto muy de cerca. Si observamos los muros desde la perspectiva de la abstracción puede parecernos abstracto pero sigue siendo un muro, en ese sentido cualquier cuadro deja de ser abstracto porque termina siendo un cuadro, es decir, una figuración real reconocible. Me estoy haciendo un lío, mejor continuar.\nLas fachadas de las casas son el tema de Cuadro III composición oval, de 1914, en el Stedelijk museum de Ámsterdam. Y de Fachada de iglesia 1: iglesia de Domburg de 1914. Aquí le tiembla un poco el pulso, se ven algunos cortes y figuras que recuerdan a la iglesia. En algún momento dijo Mondrian que el arte abstracto era como la construcción de catedrales inacabadas. Bien, ¿por qué? ¿por qué? ¿Eh, por qué? ¿Se refiere a esas verticales interrumpidas por el corte del lienzo, a esas figuras geométricas que buscan su lugar en el espacio del lienzo? Igualito a las catedrales, vaya. No es que Mondrian nos tomara el pelo, es que el público necesita de teorías que sostengan al arte moderno, de lo contrario la gente se lía, aún más (que se lo pregunte a Tom Wolfe, él sí que sabe de esto).\nEn Composición 10 en blanco y negro (se rompía la cabeza con los títulos) "reduce la aparición de la naturaleza a un diseño abstracto de líneas". Parecía que ya no podría ir más allá en la reducción. Ya veremos como sí.\nEn 1914 abandona París y vuelve a Holanda. Conoce al poeta Theo van Doesburg, quien había fundado en 1917 la revista De Stijl (El estilo), la cual abogaba por una nueva unidad de las artes. Algo parecido a la Secesión vienesa. La relación entre ambos tendrá altibajos, Doesburg terminará pintando, Mondrian terminará proyectando, al final se distanciarán por desafinidades estilísticas.\nEn Composición de 1916 los cuadros de colores suaves parecen flotar entre las rendijas no cerradas aún que forman las líneas negras.\nEn Composición número 3, con planos cromáticos 3, de 1917, desaparecen las líneas ocasionalmente, "las áreas de color están distribuidas rítmicamente sobre el fondo blanco", dice Decher. Conforme uno se adentra en el arte de Mondrian empieza a disfrutarlo, empieza a descubrir cosas, a establecer criterios de observación. Uno se fija en el equilibrio de los cuadrados, de los colores sutilmente interpuestos, a la vez que es consciente de que un solo cuadro de Mondrian no aporta lo que realmente persigue el autor, y sí es en la serie de cuadros donde se aprecian las diferencias entre unos y otros, facilitando la comprensión de su estilo, o al menos, promueve el acercamiento a su inquietud creativa.\nEn número 2 composición romboidal de 1918 a Mondrian se le va la olla definitivamente, y ese cuadro romboidal, influenciado por la vidriera que diseñara Doesburg, donde "parece colgar como un todo libremente en el aire", termina asustando a sus seguidores.\nEn 1919 comienzan las composiciones reticulares, la número 8 tablero en tonos oscuros (colores de la ciudad, rojo ladrillo, azul oscuro) con igual tamaño de los cuadrados, y número de 1919 en tonos grises con cuadrados y rectángulos de diferentes tamaños y tonos.\nEn 1919 vuelve a París pero queda decepcionado por el giro dado por Picasso en su arte, retomando la figuración clasicista. Se encuentra solo, como siempre, aunque esta vez más solo todavía, artística y humanamente. De hecho es cuando comunica a un amigo que deja la pintura y se va al sur de Francia a dedicarse a la viticultura.\nPublicado por kovalski en 12:34 p. m. 3 comentarios:\nMirar. John Berger.\nLa mirada de John Berger.\nEl crítico de arte y novelista John Berger (Londres, 1926) tiene varios libros de recopilaciones de artículos o ensayos sobre Arte. Uno de ellos es Mirar, publicado en Londres en 1980. En el apartado Usos de la fotografía nos encontramos con un pequeño ensayo titulado El traje y la fotografía dedicado a August Sander. El objetivo de Sander fue encontrar arquetipos de todas las clases sociales en los alrededores de Colonia. Su idea era la de realizar hasta 600 retratos pero la guerra y los nazis interrumpieron su proyecto. Una de las fotos más conocidas de Sander es Campesinos camino del baile, de 1914. Berger analiza esta y otras fotos de Sander. Sobre Músicos de una banda escribe: "Se diría que los músicos carecen de coordinación en sus movimientos, que son patizambos, cachigordos, culibajos, contrahechos o jorobados. No inspiran lástima." No es para tanto. Es cierto que los músicos presentan unas extrañas anatomías, pero uno no se atreve a especificar el porqué de esta sensación. A mi esa foto de Sander me recuerda particularmente a un cuadro de Rousseau, el pintor aduanero. Berger reflexiona sobre el poder de la imagen, el sentido de la fotografía, y la misión de ésta en la sociedad y en la vida del individuo. ¿Es la fotografía el sustituto del recuerdo? Esta es una cuestión que siempre me hago cuando voy de viaje y entonces reprimo el impulso frenético de hacer fotos sin ton ni son. Soy consciente de que cada foto que haga ocupará el lugar del posible recuerdo que tenga de ese momento. De alguna forma estamos limitando nuestra memoria, nuestras sensaciones pasadas, anulando nuestra existencia, en definitiva. A propósito de Rousseau también le dedica Berger unos párrafos en su capítulo Lo primitivo y lo profesional. En él alude a la negación de la técnica académica y de la tradición para llevar a cabo un arte basado en su propia experiencia. En Millet y el campesino leemos cómo Millet se dirigía "a un público urbano privilegiado, decidió describir aquellos momentos que ponen de relieve la dureza campesina." Concluye Berger que Millet era mucho mejor dibujante o grabador que pintor. No sé, a mi me parece que Millet pintaba muy bien, si bien es cierto que algunos dibujos expuestos en el Orsay me produjeron una profunda huella. Seker Ahmet y el bosque trata sobre un cuadro del pintor turco un tanto desconocido en Occidente. En Turquía la tradición pictórica iba de la mano de las miniaturas presentes en los libros (leer Me llamo Rojo, de Orhan Pamuk). Este cuadro, Leñador en el bosque, se encuentra en el museo de Besiktas en Estambul. Un leñador -pequeño, insignificante, herencia pussiana quizás- se va a adentrar en un bosque donde hay tres grandes árboles. El más alejado de los tres se ve como el más grande e iluminado. Berger estudia la razón de esta impresión. Ahmet estuvo una temporada en París donde recibió la influencia de Courbet, y con esa ensaladilla mental llegó a su país donde pintó cosas tan enigmáticas como ésta. Berger nos presenta a un paisano en Lowry y el norte industrial. Lowry, que nació en Manchester en 1887, pintó escenas urbanas, industriales en el barrio de Chelsea de Londres. Obtuvo bastante éxito, aunque después de 20 años pintando sin que nadie le hiciera caso. Un listo montó una exposición en Londres en 1938 y Lowry comenzó a ser famoso. Yo desconocía por completo la obra de este autor y en el libro de Berger no hay ni una foto de sus cuadros. Cuando vi sus pinturas quedé impresionado por la sencillez y la crudeza de las mismas. Me vienen a la mente el propio Rousseau y las escenas populares de Brueghel. Es ese tipo de autores que tras ver sus cuadros te entran ganas de pintar. Hay un magnífico ensayo sobre la persona -y obra- de De la Tour. Son sus obras tardías las que le han reportado la fama, esas imágenes entre penumbra, con puntos de luz "divinos" y personajes humildes. Una fama que vino mucho tiempo después de su muerte tras una muestra en el Orangerie en 1934. Para Berger 3 son las obras maestras de De la Tour: La Magadalena con el espejo; San José carpintero; y La mujer de la pulga. Hay un interesante artículo dedicado a Walt Disney y Bacon, quienes comparten puntos en común según la erudita mente de Berger. Otros ensayos están dedicados al grupo de Stijl en los Países Bajos -ahora Mondrian de actualidad por el robo de un cuadro suyo, no geométrico precisamente, en una localidad holandesa-, a Colmar -y Grünewald consecuentemente-, adonde Berger recala por dos veces y cómo esas dos veces ve dos versiones diferentes del retablo de Issenheim -es el momento del libro más lírico y donde encuentro semejanzas con el estilo de Nooteboom en su Enigma de la luz, será al revés más bien-, a Hals y la bancarrota, a Magritte y lo imposible, y a Rodin y su sexualidad. En Giacometti vemos una fotografía del artista cruzando la calle bajo una lluvia pertinaz. En esa foto vemos al Giacometti más mundano, cuando ya es un artista famoso mundialmente. En esta foto -de Cartier Bresson- me gusta adivinar la figuras caminantes del propio Giacometti. Resulta curioso cómo esa foto no figura en ningún artículo de fotografía, y básicamente es una muestra del aspecto humano del artista, pero del retratado, no del fotógrafo. Es una foto tan misteriosa e impresionante como ésa en la que se ve a Giacometti moviendo sus figuras en una sala preparando una exposición -comentada hace algún tiempo en este blog, creo que cuando estuve en Zúrich, allá por el verano del 2007. En definitiva, un libro fundamental para todo buen amante del Arte. Afortunadamente hay otros libros de Berger que leer y con los que aprender.\nPublicado por kovalski en 3:06 p. m. No hay comentarios:\nNaturaleza muerta 5:\nBryson (3): Abundancia.\nHace casi dos meses que leí este libro y quedó inacabada mi reseña. Intentaré completarla a base de las notas que tomé en el proceso de lectura y así poder comenzar nuevas tareas bloggeras.\nEl tercer capítulo del libro de Norman Bryson se titula Abundancia. La riqueza de los Países Bajos en el siglo XVIII como nación preindustrial condujo a una paradoja en cuanto a la absorción de dicha riqueza, de forma que esta situación derivaba en que los más ricos no sabían muy bien en qué emplear su capital. De este contexto nacen los bodegones flamencos. En una necesidad de verter la riqueza sobre el ambiente doméstico. Antes de esta reflexión se cita a Morandi (1890-1964) cuya obra se dice estar "constituida de vibraciones en el vacío, de ver lo sólido en el vacío y lo vacío en lo sólido, y de intervalos interresonantes que acaban por ser tan finos que es necesaria una prolongada visita para analizar sus descubrimientos". No me cansaré de escribir lo maravilloso que resulta la expresividad de algunos críticos de arte. Morandi a primera vista te parece todo igual. Has visto un Morandi y los has visto todos. Pero es esta idea de serie la que da sentido a su obra. Podemos ver el mismo cuadro de Morandi en cada una de sus obras y sin embargo estamos ante cuadros diferentes, en ocasiones hasta son diametralmente distintos.\nEn La batalla entre el canaval y la cuaresma de Brueghel se produce una "insinuación de que a un cierto nivel de existencia, todas las personas son igualmente cómicas y degradadas". "Brueghel invierte la dirección de la pintura italiana, con su afán de hacer que la imagen humana sea sublime; hay una deliberada antisublimación, una inmersión de la mirada hacia abajo y hacia una imagen de la humanidad que insulta a la grandiosidad y borra las diferencias." Yo encuentro en estos cuadros satíricos de Brueghel una idea totalmente opuesta a lo propuesto por Bryson. Es decir, al plasmar la igualdad de los humanos frente a determinadas situaciones Brueghel en realidad lo que está expresando es la diferencia existente entre las clases sociales. Realiza una convergencia forzada que pone en envidencia la divergencia real.\nCon respecto a lo comentado anteriormente del nacimiento de una nueva riqueza en los Países Bajos se apunta a la obra temprana y tardía de Pietr de Hooch (1629-1864). En la década de los años 1650 aún se ven señales de vida moderada, con baldosas sencillas, pocos objetos a la vista, etc... Sin embargo, en los años 70, por ejemplo en Los jugadores de cartas, el entorno es mucho más rico, con suelos de mármol y paredes de nuevo dorado español.\nEsta abundancia también resulta retórica en obras como Ramo de flores en una hornacina de Ambrosius Boschaert. Se muestran flores no silvestres, es una abundancia no natural sino trabajada, y se revela en la simultaneidad de especies de floración en diferentes épocas del año.\nResulta curiosa la proximidad (y diferencias, oscuridad frente a luminosidad del fondo) entre los cantareros de Cotán y las hornacinas de Bosschaert, aunque no guardo notas a este respecto y no recuerdo si Bryson tocaba ese tema.\nSon muy típicas de este período las pinturas de flores, las cuales existen en el espacio económico por doble motivo: primero por estar los jardines botánicos asociados a la corte, segundo porque estos cuadros eran en sí una inversión capital que beneficiaba la especulación, y tercero porque el valor de la pintura era alto debido al trabajo intensivo que requería su elaboración.\nUno de los pintores más impresionantes de esta época y lugar es Pietr Claesz. En su Naturaleza muerta con jarra de gres, vaso de vino, arenque y pan se presenta a la comida como un asunto "solemne y silencioso". Según Bryson "es como si la intimidad propuesta por la pintura dependiese de que la riqueza esté ausente, y como si el ambiente de calma consagrada pudiese sostenerse sólo en circunstancias en las que los recursos son exiguos." Las obras de Claesz albergan una intención pionera en el sentido de que "abandona la transcripción fiel del mundo exterior a favor de un nuevo objetivo, la unidad del dibujo". Se preocupa sobre todo de la armonía del tono, color y composición, de manera que cualquier alteración rompería el ritmo del conjunto. "La unidad del dibujo, el peso de sus masas y el significado añadido que el ritmo confiere a cada elemento afectan al significado de la naturaleza muerta. Aunque totalmente antiespectacular y carente de valor intrínseco, la comida tiene nobleza, la nobleza de las cosas corrientes." Parece que estemos hablando de Cezanne. En esta línea las pinturas de Claesz representan el rechazo absoluto del exceso material. Pietr Claesz nació en 1597 en Burgsteinfurt y murió en dicha localidad en 1660. De nuevo nos encontramos ante un pintor tremendamente contemporáneo de Velázquez (1599-1660).\nLa pinturas denominadas como Vanitas (cuyo mensaje era el rechazo del mundo) encerraban una contradicción porque decorar la casa con cuadros enmarcados va contra el rechazo total de las condiciones de vida terrenal. Sin embargo eran aceptadas así: "la vanitas está deliberadamente construida sobre la paradoja de que el conflicto entre el rechazo del mundo y el atrapamiento mundano es en realidad su principio rector."\nPublicado por kovalski en 5:53 p. m. No hay comentarios:\nEtiquetas: Norman Bryson\nNaturaleza muerta (4):\nRhopografia. Parte 2ª.\nCezánne, Gris, Braque, Bauguin, Chardin.\nPara finalizar con la comparación entre la Cesta de frutas de Caravaggio y los bodegonistas españoles mencionaremos la distinción que realiza Stephen Bann haciendo corresponder a Cotán y Zurbarán con el término Representación y a Caravaggio con el de Presentación. Según Bann Caravaggio estaría experimentando un retorno a las Xenia por el contenido de teatralidad y simulación de su cesta de frutas: "La cesta de fruta muestra la capacidad del arte para elevar lo insignificante a su propia altura, y necesita que lo insignificante demuestre esa altura." Es decir, desde que Caravaggio te puso la cesta de frutas delante de los ojos, no puedes obviarla, no puedes evitarla, te perseguirá toda la vida.\nSegún Bryson en Naturaleza muerta con manzanas de Cezanne la fruta está colocada para crear una composición (pliegues del mantel) y no para recrear una situación simulada, "lo que se muestra cobra existencia sólo dentro del cuadro". Estamos ante un alejamiento de la óptica barroca de Cotán y compañía, ya no interesa tanto el hiperrealismo como "otra cosa": "Pero la eliminación del principio de realidad es necesaria para que el cuadro exhiba de la forma más pura la serie ininterrumpida de decisiones estéticas que la constituyen". Y es que Cezánne se dio cuenta de que las cosas no tienen que ser como son, que los objetos pueden disponerse a capricho -según interese a la composición-, e incluso la forma de los mismos también pueden estar prefigurados por la conveniencia geométrica.\nEn Desayuno, de Juan Gris se aúnan diferentes niveles de realidad: el trompe l´oeil; algo real como papel de periódico pegado al lienzo; algo a medio camino (fauxbois); y nada (negro).\nUn batiburrillo que desconcierta al público, a los críticos, y a los propios artistas. Si bien se piensa que Picasso fue el primero en poner una "cosa" extraña pegada al cuadro, Gris llevó a los límites de la perfección su combinación entre collage, pintura y realidad.\nEn Violín y paleta de Braque "el ojo normalmente sólo sigue las grandes señales visuales de las cosas. Las formas son corregidas y simplificadas al mínimo elemental (en este sentido, la naturaleza muerta cubista podría, después de todo, ser realista), y el cubismo no hace nada para recomplicar o resaltas esas fórmulas básicas e irresistibles."\nSegún Bryson existe en Caravaggio y Cezanne cierta megalografía (se dice de pinturas épicas, heroicas, de leyendas y mitos), pues están preparados para sacrificar la realidad y mostrar "otra cosa". Paradójicamente cuando Gris opta por el cubismo e incluye espacios "reales" está consiguiendo una sinergia de estímulos convergentes y divergentes a la vez. Es decir, un lío genial.\nEn Limones, naranjas, taza y rosa, Zurbarán "muestra un campo visual tan purificado y tan perfectamente compuesto, que los objetos familiares parecen al borde de su transfiguración. Situándose en alguna intersección inminente con lo divino, y con la eternidad, rompen con lo normalmente humano". Bueno, son palabras, la realidad es que Zurbarán ha ido cobrando con el paso del tiempo un peso específico en la historia de la pintura excepcional, y cada vez más son los críticos que se rinden ante su genialidad.\nBryson encuentra una connotación metafórica de los cantareros cotanianos: "El interior del cuerpo es un vacío oscuro". No sé a qué se refiere, si bien el cantarero se presenta como un lugar oscuro desde luego, ¿la misma oscuridad que albergan los objetos representados?\nTambién Bryson estudia la forma en la que el espectador se enfrenta a un bodegón y en cómo éste acarrea cierta sensación de libertad y de clarividencia: "La clase de atención provocada por la naturaleza muerta aisla al pintor y al espectador del campo visual más bien nebuloso y perezoso en el que vive habitualmente el sujeto."\nLubin Baugin en su increíble Postre con barquillos se acerca al espíritu de las Xenias y su concepto de hospitalidad. Se consigue así un equilibrio entre la intensidad formal y el aspecto social del cuadro. Lubin Baugin nació en Pithiviers en 1610 y murió en París en 1663, fue pues un estricto contemporáneo de Rembrandt y Velázquez. Aunque pintó sobre todo escenas sagradas y fue conocido como el "pequeño Guido" por su afinidad estilística con Guido Reni, lo cierto es que Bauguin pasará a la histoira por su platillo de barquillos al borde de la mesa, en desafiante posición de equilibrio. Imagino a mi padre viendo a Bauguin colocando el platillo para pintarlo "¡pero qué haces, que se va a caer!".\nPor último en Una cesta de ciruelas de Chardin se realiza una evitación de prioridades y también se establece una omisión de lo escénico y un acercamiento al espectador: "Parece que no quisiera alterar el mundo o reorganizarlo ante el espectador, como si de hacerlo fuese empujar al espectador fuera de la escena y mantenerla al alcance de su mano, cuando lo que se valora es justamente la forma en que la escena acoge al espectador sin ceremonias, coger las cosas según se encuentran". Chardin utiliza la estrategia de captar la visión a tiempo real con no más de cinco puntos desenfocados. Esta teoría de la visión y de la labor del pintor como emulador de la vista humana es uno de los contenidos más interesantes del libro de Bryson. Debemos imaginarnos mirando una escena real, una cesta de frutas, por ejemplo, nuestra vista se centra en un punto de la composición, en ese momento atisbamos de reojo el resto de la escena, la cual se nos aparecerá como borrosa. Lo mismo sucederá si fijamos la vista en otro punto. Que el pintor consiga este efecto es de una audacia y una técnica extraordinarias. Chardin era un genio. Uno de los grandes genios de la historia de la pintura, y uno de mis pintores preferidos.\nPublicado por kovalski en 12:42 p. m. No hay comentarios:


La necesidad de replantearse el rumbo político de Guatemala | elPeriódico de Guatemala\nDomingo La necesidad de replantearse el rumbo político de Guatemala\nAhora que la ciudadanía parece estar presa de la confusión y de la carencia de objetivos concretos, es conveniente recordar la frase del filósofo español Reyes Mate, en La piedra desechada, según la cual “nos tomamos en serio la vida cuando el tiempo tiene un plazo”. Hace apenas un año nos embargaba la euforia del cambio; en la plaza, una ola espontánea de optimismo marcaba el fin de una época en la historia nacional. La corrupción política estaba llegando a su fin; en cuestión de semanas se hacía posible la erradicación de ese mal estructural de la sociedad guatemalteca. Sin embargo, un año después, el proceso se ha dificultado y nos percatamos que, pese a las buenas intenciones, los plazos que le dan sentido a la vida política no han sido establecidos por las fuerzas progresivas de nuestra sociedad.\nA esta altura de nuestra experiencia política, ya se hace evidente que la lucha contra la corrupción es incapaz de proveer el sustento ideológico para un nuevo proyecto de país. Una nación puede ser perfectamente transparente, sin que ello brinde un modelo para afrontar las crisis que se evidencian en la vida cotidiana de una ciudadanía sin empleo, sin seguridad, sin posibilidades de una educación digna, carente de acceso a un sistema de salud aceptable.\nDesde mi perspectiva, la falta de un proyecto de país hace que la lucha contra la corrupción se esté convirtiendo en un factor que contribuye a la trágica desintegración del Estado. Más de 30 años de inducida ignorancia neoliberal han llevado a demonizar la organización de la vida en común; por esta razón, los sectores empresariales que están en el gobierno no pueden ofrecer una adecuada hoja de ruta. En una época que demanda cambios profundos, no puede colocarse al frente de las instituciones gubernamentales importantes a funcionarios empeñados en preservar los privilegios tradicionales de poderosos sectores empresariales. El solo hecho de que se estén reactivando los mecanismos de control y represión por parte de grupos militares incrustados en el gobierno constituye un testimonio de la magnitud del retroceso que experimentamos como sociedad.\nEn este sentido, debe señalarse una y otra vez cómo la lucha por la transparencia ha generado un sentido de desconfianza hacia lo público. Este sentimiento refuerza el reconocido problema de la apoliticidad ciudadana en las sociedades contemporáneas, un fenómeno que no ha podido ser extirpado totalmente por el activismo en las redes. Esta desconfianza se aúna a la penetración de los valores capitalistas en la subjetividad del ciudadano medio. De este modo, la iniciativa política colectiva se desintegra debido a factores como la mercantilización de la religión, la industria de la autoayuda y la visión del sujeto como empresario de sí mismo. Estas estrategias individualizadoras eclipsan la conciencia de que las estructuras sociales solo se transforman a través de la lucha política organizada.\nAsí, paradójicamente, el llamado a la transparencia puede ayudar al agravamiento del formalismo, la arbitrariedad y ese patrimonialismo en “instituciones habitadas” estatales, en las que las aberraciones son las norma y no la excepción. Este fenómeno, a su vez, debilita los servicios públicos; la desconfianza exacerbada se refleja desde el miedo a involucrarse en funciones burocráticas hasta en la actitud funesta de funcionarios mediocres que exhiben su micro poder en sus pequeños feudos. Los salarios no se pagan, las medicinas no se compran, los vehículos públicos tienen sus tanques vacíos, los trámites absurdos se multiplican. Los juzgados carecen incluso de papel para realizar sus importantes funciones, mientras que pacientes fallecen por la falta de los más elementales insumos médicos.\nEstos acontecimientos se desarrollan paralelamente y nos conducen a la debacle, sobre todo, por el ascenso de un gobierno sin un programa definido, que no ha sido capaz de articular una visión de país ni de dar una respuesta colectiva a los desafíos críticos cuyos plazos se acercan de manera inexorable. Un genuino cambio social y político supone ideas capaces de modular visiones ampliamente compartidas. Recordemos que la década democrática guatemalteca no hubiese fructificado sin la clarividencia política de Juan José Arévalo, quien, sintiendo el palpitar del tiempo político, introdujo las reformas políticas más fructíferas de las que nuestra sociedad tenga memoria.\nLamentablemente, la cercanía del evento electoral sirvió de puente de oro para que los sectores que se benefician del statu quo pudiesen ahogar la efervescencia social. De este modo, el hartazgo ciudadano con la partidocracia abrió el camino a un gobierno carente de liderazgo y guiado por un conjunto de ideas que no se podían alinear con el espíritu de cambio que animaba las protestas multitudinarias.\nUna de las tareas colectivas más urgentes es no permitir el colapso del Estado; un aparato estatal derrumbado permitirá la consolidación de nuevas estructuras de corrupción, cuando el actual auge de la lucha contra esta se atenúe. La ciudadanía debe marcar plazos para que el ejercicio gubernamental se realice en función de objetivos que recojan sus aspiraciones profundas. Nada afectará tanto a la sociedad guatemalteca como la falta de un aparato institucional que pueda guiar a nuestra sociedad durante los próximos años.


🥇 TOP Mejores triciclo orbea |【2021 】\nExmopedia » Bebé » Triciclo » TOP Mejores triciclo orbea\nLos triciclo orbea se han convertido en un elemento indispensable para los más pequeños. Desde exmopedia.com hemos elegido los mejores triciclo orbea del mercado. En esta categoría diseñada para el mundo de los bebés, queremos mostrarte los artículos más vendidos para los pequeños de la casa.\nEn esta selección de productos de triciclo orbea, encontrarás los mejores de una forma concreta. A simple vista encontrarás lo que más ha gustado a otras personas.\nEsta lista, la hemos hecho basándonos en aspectos como la calidad, el precio y las características que nos garantiza cada modelo, por lo que elijas el triciclo orbea que cojas, será una elección más que segura.\n¿Qué triciclo orbea comprar?\nToma nota por que ahora te mostramos los mejores triciclo orbea del mercado\nEcoshirt 9K-ICI9-CJL3 Pegatinas Orbea R71 Vinilo Adesivi Decal Aufkleber...\nOtros productos relacionados de triciclo orbea


Intendente de Los RÃos compromete recursos para futuras muestras costumbristas en Niebla\nEn el marco de un almuerzo que sostuvo el Intendente de Los RÃos, Juan AndrÃ©s Varas, con los pescadores de la FederaciÃ³n Interregional De Pescadores Artesanales del Sur, Fipasur, la autoridad seÃ±alÃ³ su compromiso con el desarrollo del sector pesquero, ademÃ¡s de su apoyo a las iniciativas turÃsticas de las caletas de la zona.\nVaras ademÃ¡s agregÃ³ que el desarrollo de la Muestra de la caleta El Piojo es la uniÃ³n del desarrollo turÃstico y pesquero del sector.\nAdemÃ¡s, la autoridad tambiÃ©n se refiriÃ³ a que los pescadores sean dueÃ±os de sus caletas y del desarrollo de Ã©stas. Asimismo, que los locatarios de las ferias libres sean titulares de sus puestos. “Queremos crear un paÃs de propietarios, asÃ se genera mayor empleo y desarrollo. Estamos trabajando para realizar este ejercicio”, sentenciÃ³ el intendente Varas.\nEste domingo se finaliza la vigÃ©simo cuarta versiÃ³n de la Muestra Costumbrista de La Caleta El Piojo, con el espectÃ¡culo de la humorista â€œLa Maigaâ€� desde las 21 horas.


Tubos / racores: 57x21x1,1mm\nPeso: 37,65 kg.\nInvernadero de polietileno resistente y asequible\nEstructura de acero galvanizado con 3 arcos modulares.\nSistema de acoplamiento rápido para un fácil montaje\nCubierta en PE transparente\nTravesaños para fijar el invernadero al suelo\nUn invernadero de túnel de Dancover te permite disfrutar de la jardinería desde principios de la primavera hasta otoño. Queremos verte con tu propio invernadero lleno de bonitas plantas cosecha propia. Cultivar tus productos es estupendo y servirle verduras a tu familia es una sensación maravillosa.\nCómo aprovechar al máximo su invernadero de polietilenoTen en cuenta que nuestra gama de invernaderos de túnel de polietileno están diseñados como estructuras estacionales para ser utilizadas desde principios de primavera hasta finales de verano / principios de otoño, dependiendo del clima. La razón de esta limitación es que un invernadero de polietileno es una estructura ligera, en lugar de, por ejemplo, nuestros invernaderos de policarbonato con fuertes estructuras de aluminio. Nuestros invernaderos de túnel de polietileno no están hechos para soportar fuertes vientos, fuertes lluvias o nieve. Lee nuestros Consejos de seguridad antes de instalar el invernadero.\nFaldón de tierra para fijar tu invernadero de polietilenoTen en cuenta que es importante que fijes el invernadero de polietileno cuando lo instales. Todos nuestros invernaderos de túnel de polietileno tienen un extra en la cubierta a lo largo del borde inferior en el suelo, ¡hasta aquellos donde tu mismo cortas la cubierta! Este excedente se llama “faldón de suelo”; y debes ponerla bajo tierra o colocar objetos pesados sobre ella para darle peso al invernadero por razones de seguridad\nConsejo experto de Dancover: los invernaderos de túnel son excelentes para cultivar una variedad de plantas diferentes Acuerdaté de regar con frecuencia, ventilar tanto como sea posible y recoger tus cultivos regularmente! Es extremadamente importante que mantengas la cubierta del invernadero de túnel siempre estirada y tensa. De lo contrario, habría un riesgo de que, durante una lluvia, el agua se acumule en el techo del invernadero, con lo que se podría causar el colapso del invernadero.\nInvernaderos de suelo\nEstructura de invernadero de 630 por 4 30


Una de las preguntas que siempre nos hacen nuestros clientes, o las personas con las que nos entrevistamos es “¿realmente me conviene tener un sitio web?“, pregunta muy válida.\nEscribimos este artículo pensando apenas en 5 motivos por los cuales tu emprendimiento debería estar en la web.\nImaginate por unos instantes que vas a contratar a un arquitecto para construir tu casa, y tienes dos opciones. Por un lado está el arquitecto Jorge y por el otro lado la arquitecta Daniela; Jorge no tiene un sitio web, y la única referencia que tienes es el anuncio donde viste su número de teléfono, o lo que te haya comentado la persona que te recomendó, y por otro lado Daniela sí tiene un sitio web donde al ingresar ves su dirección, números de teléfono, email, obras realizadas, estudios y especialidades, testimonios de clientes, etc. ¿Qué arquitecto te genera más credibilidad?\nTener un sitio web proyecta una imagen sólida a tus clientes y potenciales clientes.\n2. UN CANAL EN CRECIMIENTO\nEn Paraguay. La cantidad de usuarios de internet es de 3.200.000, lo que representa aproximadamente el 47% de la población y según la CAPACE (Cámara Paraguaya de Comercio Electrónico) para el 2018 este número aumentará al 70%. También según la CAPACE, en Paraguay el 2016 se realizaron compras por valor de 140 millones de dólares, número que se mantendrá en la alza en los próximos años, tal como lo vino haciendo en los últimos años (2015 +31%, 2016+51% y el estimado para el 2017 es +50%).\n3. SIEMPRE PRESENTE\nPocos son los negocios que pueden sostenerse estando las 24 horas abiertos. Pero teniendo un sitio web podrías de alguna manera tener tu emprendimiento disponible los 365 días del año, sin importar fines de semana ni feriados. Facilitando así ser encontrado por tus clientes y a las personas que necesitan de tus productos/servicios.\nDependiendo del modelo de tu emprendimiento tu sitio web puede ser: ‘informativo’, ‘consultivo’ o ‘transaccional’.\nInformativo se refiere a un sitio donde hay información acerca del emprendimiento.\nConsultivo cuando en el sitio se ofrecen productos o servicios y existe la posibilidad de realizar pedidos de más información o pedidos de compra de los mismos. Transaccional es el sitio donde el cliente realiza la compra a través de algún medio de pago (eCommerce).\n4. EFECTO “BOCA EN BOCA”\nSi tu producto es interesante o si ofreces información pertinente en tu sitio web las personas compartirán el enlace generándote así publicidad entre sus contactos en las redes sociales; de allí la importancia de generar contenido en tu sitio web.\nCuando una persona hable acerca de tu emprendimiento, probablemente citará tu sitio web, o el interlocutor interesado posteriormente buscará tu emprendimiento en la web.\n5. EXPANSIÓN DE TU EMPRENDIMIENTO\nYa sea que tu sitio sea informativo, consultivo o transaccional, estar en la web te permitirá expandir el alcance de tu negocio sin necesidad de contratar más personal, ni alquilar locales, ni planear e invertir en estrategias de logística. Tu negocio puede expandirse a nivel país o a nivel mundial, según tus estrategias.\nFuente: SZ Comunicaciones


VCF | Medrán y Garay no completan el entrenamiento con el grupo - Plaza Deportiva\nMedrán y Garay no completan el entrenamiento con el grupo\nEl argentino Garay continúa con su puesta a punto y a pesar de la mejora de la lesión muscular que sufrió antes del choque contra el Athletic de Bilbao, se espera que esté en condiciones tras el parón de la Liga\nVALENCIA. Los jugadores del Valencia Álvaro Medrán y Ezequiel Garay tampoco han completado entrenado hoy con el resto de sus compañeros en la penúltima sesión preparatoria previa al encuentro del domingo en Mestalla ante el Atlético de Madrid, lo que reduce las posibilidades de que puedan jugar.\nSi no actúan en este encuentro, dispondrán de dos semanas para recuperarse de sus respectivas dolencias, ya que el Valencia no volverá a jugar hasta el domingo 16 en El Molinón ante el Sporting de Gijón.\nMedrán estuvo unos minutos con el grupo pero poco después se retiró para seguir con la recuperación en el interior de las instalaciones de la ciudad deportiva de Paterna.\nEl jugador sufrió un leve esguince en el tobillo izquierdo el miércoles y tras ausentarse ayer y aunque hoy trató de estar al mismo ritmo que sus compañeros, el difícil que esté a la altura de sus compañeros.\nEl argentino Garay continúa con su puesta a punto y a pesar de la mejora de la lesión muscular que sufrió antes del choque contra el Athletic de Bilbao, se espera que esté en condiciones tras el parón de la Liga previsto para la semana próxima.


Nuestro Propósito - neoCK\nLa humanidad se enfrenta a un PROCESO DE CAMBIO SOCIAL Y ANTROPOLÓGICO protagonizado por la INNOVACIÓN TECNOLÓGICA. Nuestro futuro, nuestro bienestar, depende de cómo nos posicionemos ante estos cambios, cada vez más acelerados. Tu organización y tú no podéis quedaros atrás.\nDesde neoCK aprovechamos el AVANCE TECNOLÓGICO para ponerlo al SERVICIO DE LA HUMANIDAD y eliminar las barreras que dificultan la gestión de la diversidad, la inclusión social y el DESARROLLO DEL MÁXIMO POTENCIAL de las personas y las organizaciones de las que formamos parte.\nExistimos para ejecutar nuestro propósito: DIAGNOSTICAR y MEJORAR LAS CAPACIDADES individuales y colectivas de las personas, aportando herramientas exclusivas y tecnología social accesible para todo el mundo, a través de PROCESOS DE CONSULTORÍA basados en TECNOLOGÍA SOCIAL.\n¿ERES CONSCIENTE DE CUÁNTO HEMOS CAMBIADO?\n¡Descarga nuestro informe, GRATIS, sobre los cambios en la economía de bajo contacto que estamos viviendo!\n¿Por qué nuestro mundo es muy diferente?\n10 ejemplos de cambios esperados en el comportamiento del consumidor\n¿Qué debemos hacer ahora?.\nRequisitos de una organización distribuida invencible.\nSi te sientes identificad@ con nuestro propósito… ¡Inscríbete a nuestra newsletter donde contamos cómo lo llevamos a cabo!


Los espectáculos de Palmitos Park - Grouping Hotels\nLos espectáculos de Palmitos Park\nSituado al sur de Gran Canaria, Palmitos Park es un plan que no puede ignorar si visitas la isla. Este parque es ideal para los viajes en familia, ya que lo disfrutarán tanto pequeños como adultos. Uno de sus objetivos es concienciar a los visitantes sobre cuestiones medioambientales y de preservación natural, por lo que seguro que además de diversión encontráis una jornada que os da que pensar.\nEste parque comenzó como un parque botánico que acogía a algunas especies de aves tropicales. Su desarrollo a los largo de los años lo ha convertido en uno de las principales propuestas de ocio de la zona. Además, cuenta con el único delfinario de la isla, en el que no sólo podrás disfrutar ver a los delfines. Además, Palmitos Park te ofrece la oportunidad de vivir toda una experiencia. Si quieres bañarte junto a los delfines e interactuar con ellos, este es el lugar adecuado. Hoy nosotros vamos a contarte algo más sobre este parque: sus espectáculos.\nLos shows de las aves\nComo ya te hemos mencionado, en Palmitos Park viven muchas especies de aves distintas. Las más llamativas son las aves tropicales, entre las que encontrarás los característicos Calaos con sus crestas blancas y los tucanes y sus largos picos, entre otros. Junto a ellos conviven especies más comunes como los pelícanos o las cigüeñas. Con una selecciones de sus mejores aves, el parque ha organizado tres shows que puedes disfrutar cada día.\nLos papagayos tienen un show propio en el que estamos seguros de que te dejaran boquiabiertos. No podemos desvelarte nada, pero sospechamos que no imaginas lo inteligentes que son estas coloridas aves. Otro de los shows lo protagonizan las aves rapaces del parque. Este espectáculo es una buena representación de majestuosidad y fuerza. Estas aves depredadoras muestran al público sus mejores habilidades. Por último, pero no menos importante, no puedes perderte el show de las aves tropicales. Distintas especies aúnan ingenio para demostrarte que son capaces de los mejores y más curiosos trucos. No pierdas la oportunidad de disfrutar de estos espectáculos, los más pequeños estarán encantados.\nHay pocos animales que nos gusten tanto como los delfines. Estos mamíferos que viven en el mar, se caracterizan por ser animales sociables y muy inteligentes. De una mezcla de cualidades tan buena no podríamos tener mejor resultado que el espectáculo que tienen preparado. Los delfines viven cada día junto a sus monitores intensas sesiones de juegos y cabriolas que dejan al público boquiabierto. Aunque este espectáculo tiene dos pases, te recomendamos que antes de organizar tu visita tengas en cuenta sus horarios.\nDisfruta de estos shows y de tu recorrido por el parque, estamos seguros que no te decepcionará. Si necesitas ayuda para organizar tu viaje a las islas, te proponemos las combinaciones de alojamiento + entrada al parque. Estos packs suponen un ahorro de dinero y tiempo, ya que en un sólo trámite tendrás organizadas la mitad de tus vacaciones. Si prefieres consultar cualquiera de nuestros apartamentos o incluso hostales, no dudes en visitar nuestra web para encontrar los mejores precios. Ahora solo te queda hacer la maleta y embarcarte hacia el sol, la playa y los animales de Palmitos Park.\nanimales Gran Canaria grouping hotels hotel Palmitos Park parque viajar viaje en familia\nAnterior: Todo lo que encontrarás en Palmitos Park\nSiguiente:Los mejores hoteles cerca de Palmitos Park


El Nasdaq 100 presiona sus altos históricos - Ecotrader.es\nRenta Variable Técnico\nMiércoles, 4 de Octubre de 2017 Actualizado a las 22:02\nRevisión de la estrategia abierta en Applus Services, Cellnex y Nike. Análisis de Melia Hotels\nEl Nasdaq 100 presiona sus altos históricos\n4/10/2017 - 22:02\nNueva jornada sin apenas cambios significativos en Wall Street en la que lo más destacable fue ver como el Nasdaq 100 (NDX100.NQ) siguió mostrándose incapaz de batir resistencias que presenta en la zona de los 6.000-6.020 puntos, algo que habilitaría que el principal índice tecnológico consiguiera entrar en subida libre absoluta y seguir de este modo la estela dejada semanas atrás por el S&P 500 (SP500.CH), el Dow Jones Industrial (DJI.NY) y que también logró el Nasdaq Composite (NASDAQ.NQ) a finales de la semana pasada.\nEn cuanto eso sucede no quedará ningún tipo de duda que el mercado norteamericano sigue en subida libre absoluta, que es la situación técnica más alcista que existe. Para que haya algún signo de debilidad a corto plazo que advierta del comienzo de un proceso de caídas sostenible más allá de un par o tres de jornadas es preciso que el Nasdaq 100 pierda soportes que presenta en los 5.840 puntos.\nLa tendencia alcista que definen los principales índices norteamericanos desde el año 2008 / 2009 se mantiene del todo vigente y por el momento no vemos nada que plantee la posibilidad de que se haya visto un techo dentro de la misma por lo que lo más probable es que las alzas, consolidaciones al margen, tengan continuidad en próximos meses.\nSe espera una apertura ligeramente bajista en las bolsas europeas tras el cierre en negativo de Wall...\nCopyright 2006-2016, Editorial Ecoprensa, S.A.Política de Privacidad / Condiciones Market Sentiment / Aviso Legal / Política de cookies / Cloud Hosting en Acens


Así es. Con la cantidad de escenas y momentos que estamos viviendo durante esta crisis sanitaria del coronavirus, creo que ya he escogido la que más me ha partido el corazón. Desde portadas de periódicos con ataúdes hasta una madre llorando a su niño perdido en el hospital, todas igual de tremendas, pero al final va en cada uno de nosotros, en nuestra cabeza, cuál de todas nos deja más impactados.\n"No, tengo que poder". Creo que recordaré esas palabras el resto de mi vida. Son las de la consejera de Sanidad de la Junta de Castilla y León, Verónica Casado, recordando a seis sanitarios de la Comunidad fallecidos durante esta espantosa etapa que nos está tocando superar. Arrancó a leer. Lengua trabada y un largo trago de agua. La voz se rompe. Y mientras la persona que está a su lado le dice que pare, ella toma fuerzas y lo dice alto y claro. "No, tengo que poder".\nSe trata de una frase que bien podría ponerse en boca de cualquiera de las miles de personas que lo están dando todo durante unos meses que bien podríamos tildar como los más duros del país en décadas. "No, tengo que poder". Una mirada al frente, apretando puños y dientes y adelante. Unas palabras que llevan una alta carga simbólica. Por toda la gente que está muriendo en hospitales, residencias y en domicilios propios.\nNo hemos escogido esta situación. Esto hace todavía más dramático todo. Cuando uno decide enfrentarse a un reto asume que está preparado, se lanza pensando que va a poder. Y por eso esta crisis es todavía más heroica para todos aquellos que la estamos superando. Nadie nos avisó de lo que venía, de lo duro que iba a ser todo. A veces la vida, nuestro día a día, puede llegar a ser terriblemente cruel. ¿Pero saben qué? Sí, tenemos que poder.\nP.D. El momento en el que Verónica Casado recuerda a los fallecidos.\nvino es Salud 02/05/2020 19:08 #4\nEuclides, te olvidas del auténtico protagonista de esta desgracia: nuestro gobierno de [email protected] de cuota, incompetentes e irresponsables desde el 8M. El coronavirus está en España desde enero y [email protected] lo sabían y no hicieron nada hasta el 9M. Las autonomías poco podían hacer. Lo que hace este gobierno de [email protected] de cuota es delito penal.\nGermán 02/05/2020 15:55 #2\nFenomenal reflexión, Postigo\nEuclides 02/05/2020 10:24 #1\nLo siento Juan, pero las lagrimas de la señora Casado no compensan la incompetencia de su gestión, su "tengo que poder" ni de lejos simboliza el esfuerzo de sanitarios, celadores, auxiliares, limpiadores.. que a pesar de ella y de sus compañeros políticos HAN PODIDO luchar contra el virus y son los que realmente nos permiten resistir


Como dormir y no dañar al bebe - Embarazadas primerizas - BabyCenter\nComo dormir y no dañar al bebe\nYo solia dormir de boca abajo pero embarazada no lo hago por un motivo obvio... Pero tambien lei una vez que no era bueno dormir boca arriba, eso es verdad?? Quiero saber porque me duermo de lado pero siempre despierto de boca arriba.\nDicen que lo mejor es dormir de lado izquierdo\nYo también dormía boca abajo y desde el día q supe q estoy embarazada trate de dormir del lado izquierdo y así lo hice con dificultad hasta los 5 meses pero después hable con mi mamá que tubo 8 partos naturales y me dijo q ella dormía de cualquier lado que pudiera y que nunca nos hico daño pues así lo hago y dormir boca arriba no esq sea malo lo único es que ya con el avance del embarazo cuando uno esta boca arriba algunas veces nos falta el aire por la presión del utero y del lado derecho no puedo por lo mismo y porque mi bebita pasa de ese lado y me duele cuando me volteo pero duermo ratos medio boca arriba y ratos del izquierdo estoy de 33+2\nSe dice que es porque pasan unas venas en el lado derecho de la columna y en la parte de la espalda por eso se recomienda dormir de lado izquierdo para no presionarlas con el peso del útero aunque a mi lo que me han recomendado es dormir como pueda ya que tenemos que descansar!\nMi ginecologo siempre me decía que lo mejor era dormir del lado izquierdo pero que iba a llegar un momento en el que tienes que dormir, simplemente eso, ya sea del lado izquierdo, derecho, boca arriba pero hay que estar cómoda. A veces el bebé se molesta si dueemes en "X" posición y tienes que acomodarte de otra manera.\nSi tu cuerpo siente molestia va a cambiar de posición mientras tu duermes.\nEn cuanto a dormir boca abajo puedes hacerlo las primeras semanas mientras no sientas molestias. Yo dormi boca abajo hasta las 15 semanas aprox


ABC (Madrid) - 22/02/2007, p. 94 - ABC.es Hemeroteca \n94 DEPORTES JUEVES 22 s 2 s 2007 ABC FÓRMULA 1 AJEDREZ Alonso impulsa talentos a la F- 1 Ingenieros españoles podrán formarse en Oxford camino del gran circo J. CARLOS CARABIAS MADRID. Una iniciativa singular de Cajastur puede promocionar nuevos talentos a la Fórmula 1. El banco, nuevo patrocinador personal de Fernando Alonso, ha creado doce becas de investigación y desarrollo con el objetivo a largo plazo de instalar más ingenieros españoles en la máxima competición del automovilismo. Los premiados podrán estudiar en la Ingeniería de Automoción de la Universidad de Oxford. Es mi primer contacto con la Universidad dijo Alonso sin pretensiones. Nunca he tenido la oportunidad de estar cerca del mundo universitario y estoy contento de apadrinar estas becas. Quién sabe si algún día volveré a estudiar... explicó el doble campeón del mundo, que dejó los libros en el COU, en 2000, cuando se convirtió en piloto oficial del equipo Astromega de la Fórmula 3000. El asturiano aprovechó su estancia en Madrid. Presentó las becas de ingenieros, grabó un anuncio y por la tarde cogió el avión para volar a Bahrein, donde hoy comienzan las dos últimas semanas de entrenamientos antes del Mundial en Australia (18 de marzo) Es una idea brillante para ayudar a la gente que quiere llegar a un equipo de Fórmula 1. Esperemos que puedan salir ingenieros españoles. Es la mejor Universidad del Reino Unido. Yo recibí grandes ayudas y logré mi sueño comentó el piloto en una atmósfera de expectación sin límites para un simple acto promocional. En el Mundial de Fórmula 1 hay tres pilotos (Alonso, De la Rosa y Adrián Vallés- -probador de Spyker- y cuatro ingenieros españoles. Iñaki Rueda ha fichado por Renault procedente del Midland (luego Spyker) y ejerce como ingeniero de control de Kovalainen, el finlandés sustituto de Alonso. Xevi Pujolar es el ingeniero de carrera de Keke Rosberg en Williams. Antonio Cuquerella ingresó el año pasado en la nómina de los japoneses Super Aguri y ahí sigue. Y José Santos ha entrado a formar parte del ejército de ingenieros de McLaren. La F- 1 calienta motores y Alonso está animado. Ahora me veo bien. Soy optimista. Está todo está muy igualado y veremos cómo se desarrolla Cuatro españoles en la F- 1 Magnus Carlsen disputa una partida en el Festival de Biel, en Suiza AP Magnus, el microchip A los cinco años recitaba de memoria la extensión, población, bandera y capital de todos los países del mundo. A los 13 era el gran maestro más joven de la historia. A los 16, sus rivales en Morelia- Linares ya saben que este niño lleva al diablo dentro POR FEDERICO MARÍN BELLÓN MADRID. Lo llaman el Mozart del ajedrez, pero su música es silenciosa y en su orquesta sólo hay peones, alfiles y el resto de instrumentos que se repiten en cada concierto desde hace 500 años. En los primeros compases del torneo de Morelia- Linares, Magnus Carlsen inoculó un poco de su veneno al ruso Morozevich, octavo del mundo, y se convirtió en el líder más joven que nunca ha tenido esta gran cita del calendario. Desde Bobby Fischer, ningún jugador nacido en Occidente mostraba trazas de convertirse en un gran campeón. Carlsen lleva literalmente media vida jugando por el mundo. Parece mucho, pero sólo han sido ocho años. Hace dos, se enfrentó por vez primera a Garry Kasparov. Cualquier gran maestro experimentado sentiría un cosquilleo especial, el peso de la responsabilidad, la mirada intimidatoria del ogro de Bakú. El niño participaba en Moscú en una competición de partidas rápidas (con unos pocos minutos para completar la partida) y ya había eliminado al ex campeón mundial Anatoly Karpov. En su duelo con Kasparov, enseguida se vio que Magnus toreaba a la bestia, pero ésta, a fuerza de oficio y coraje, arrancó unas tablas. Garry ganó la segunda partida y Magnus, con sólo 14 años, demostró que no es de los que se conforman. He jugado como un niño fue su irónico lamento. Carlsen tiene una memoria fotográfica. Devora libros de ajedrez y en el techo de su habitación, decorado con el dibujo de un tablero, piezas invisibles bailan ante sus ojos cada vez que se acuesta. Hace ya tiempo que defiende el primer tablero de Noruega en las competiciones internacionales. Le arrebató el puesto a su mentor, Simen Agdestein, peculiar personaje que durante años jugó unas simultáneas al alcance de muy pocos: era titular en las selecciones de fútbol y de ajedrez de su país, desmintiendo algunas teorías sobre la capacidad intelectual de los aficionados a la pelota. Agdestein descubrió al muchacho y se ofreció a entrenarlo, con tanta fortuna que el alumno pronto superó al maestro, quien con el libro Wonderboy también se convirtió en su precipitado biógrafo. vendieron un coche y alquilaron su vivienda durante un año para pagar los gastos que suponía recorrer mundo y torneos, todos juntos, como una troupe circense que, de algún modo, cada semana se jugaba la vida sobre una pista cuadrada. El chaval no necesitó más redes. Pronto llegaron los patrocinadores, primero la empresa informática noruega Computas y luego la todopoderosa Microsoft, que tiene en él a su microchip más valioso. El 26 de abril de 2004, Magnus Carlsen se convirtió en el gran maestro de menos edad de la historia, con 13 años, cuatro meses y 26 días. También ha sido el jugador más precoz en disputar las eliminatorias por el Campeonato del Mundo de la FIDE. En mayo y junio participará con otros nueve jugadores en un torneo de Candidatos del que saldrán cuatro clasificados para el próximo Mundial, que se celebrará en México en septiembre. Ahora ocupa el puesto número 24 de la clasificación mundial, por delante del español Paco Vallejo y del ucranio Karjakin, que le arrebató el récord de precocidad como gran maestro. Sólo una nube ensombrece su horizonte. El mejor rasgo de mi carácter- -dijo una vez- -es mi capacidad para concentrarme en los pocos asuntos que despiertan mi interés Bobby Fischer lo habría suscrito a su edad. Esperemos que sólo siga su estela por el lado bueno. Más información sobre el torneo de Morelia- Linares: www. ajedrezmorelialinares. org. mx BALONCESTO s Euroliga El Unicaja encarrila su pase a cuartos y el Barça sucumbe ante un gran Panathinaikos ABC ATENAS. Una de cal y otra de arena para los equipos españoles en la Euroliga. El Unicaja sumó su segunda victoria consecutiva en la segunda fase ante el Aris (76- 74) y encarrila su pase a cuartos. Todo un hito en la historia del club malagueño. El Unicaja se vio sorprendido en los primeros minutos por su rival, pero apretó los dientes en defensa y con la gran aportación de Vasiliadis (once puntos y tres triples) tomó la iniciativa (21- 17) Todo quedó igualado en el segundo cuarto (34- 33) En la segunda mitad el Unicaja mantuvo a raya a su rival (55- 42, m. 29) La emoción llegó en el último minuto, con el Aris a tres puntos del Unicaja, aunque Berni Rodríguez sentenció con dos tiros libres. Por su parte, los veinte puntos que separaron al Panathinaikos del Barcelona (102- 82) demuestran la exhibición de los griegos y el estrepitoso partido de los azulgrana, que desprecian así sus opciones de ser primeros de grupo de cara a los cruces de cuartos. Las claves de la derrota fueron una pésima defensa, un desastroso primer parcial (32- 15) y la inoperancia del perímetro, con la excepción de Juan Carlos Navarro, pues ni Basile ni Lakovic anotaron un solo punto. Trapecistas del tablero La ayuda, comprensión y fe de la familia Magnus también fue providencial. Convencidos de la capacidad del muchacho,


Estas en:Inicio»Ciudad»Contraloría distrital hace visita de acompañamiento a la ESE Alejandro Próspero Reverend\nFecha: 25 junio, 2020 Ciudad, SALUD\nEste miercoles el Agente Especial Interventor de la SuperSalud Dr. Román de la Rosa, le dio la bienvenida al personal de la Contraloría Distrital encabezados por el Dr. Alexander Zabaleta Jiménez, para instalar la mesa técnica de apoyo y revisión con la cual se estrechan las relaciones entre los entes de control Distrital y Nacional.\nEn aras de la Transparencia en cuanto a la gestión, se nombraron los funcionarios de enlace entre las entidades, recayendo las responsabilidades en la Dra. Paola Melo Noriega por parte de la Contraloría Distrital y el Dr. Luis Vergara por parte de la E.S.E. Distrital intervenida por la SuperSalud.\nSe dejó claridad que este acompañamiento se realiza desde el día 24 de junio hasta el 31 de agosto 2020. Los equipos de trabajo del ente de control Distrital, contarán con todo el apoyo de los funcionarios de la E.S.E.