【ᐅᐅ】 08/2019: Glühbirne Stehlampe • Die besten TOP Modelle im Test!\nGlühbirne Stehlampe - die coolsten Glühbirne Stehlampen!\n< Briloner Leuchtmittel\nLed Lampenschirm >\nUnser Testerteam hat eine große Auswahl an nur dir genauer angsehen und dir als Besucher zeigen wir hier alle Resultate des Vergleichs. So ist jede Glühbirne Stehlampe sofort in unserem Partnernetzwerk im Lager und kann sofort geliefert werden. Während einschlägige Fachmärkte seit geraumer Zeit ausschließlich durch wahnsinnig hohe Preise und sehr schwacher Beratung Aufmerksamkeit erregen, hat unser Team an Produkttestern die Lampen nach Verhältnismäßigkeit von Preis-Leistung verglichen und zuletzt ausnahmslos nur Premium Produkte ausgesucht.\nTRIO Leuchten Stehlampe »GLÜHBIRNE«, 1-flammig, silber, A++\nTRIO Leuchten: Einfallsreiches Design: Die originelle Stehlampe »Glühbirne« von Trio besticht durch ihre außergewöhnliche Optik. Der Lampenschirm ist in Form einer großen Glühbirne gestaltet. Die wellenförmige Linienführung am oberen Teil des Ständers, der mit einem runden Fuß abschließt, unterstreicht den besonderen Charakter der Lampe. Passende Leuchtmittel für die Stehleuchte sind separat zu erwerben. Ob in der Diele, im Schlaf- oder Jugendzimmer: Die originelle Trio Stehlampe »Glühbirne« sorgt in jedem Wohnbereich für behagliches Licht und verleiht der Einrichtung eine individuelle Note.\nUm Ihnen die Auswahl etwas abzunehmen, hat unser Team an Produkttestern außerdem unseren Favoriten ausgewählt, der zweifelsfrei unter all den getesteten Glühbirne Stehlampen extrem auffällt - vor allem im Faktor Preis-Leistungs-Verhältnis. Auch wenn diese Glühbirne Stehlampe zweifelsfrei im Premium Preisbereich liegt, spiegelt sich dieser Preis in jeder Hinsicht in in den Aspekten Ausstattung und Verarbeitung wider.\nAuf welche Punkte Sie als Käufer bei der Wahl Ihrer Glühbirne Stehlampe achten sollten!\nWeiterhin hat unser Team an Produkttestern auch noch einige Faktoren zum Kauf zusammengefasst - Sodass Sie als Kunde unter all den Glühbirne Stehlampen die Stehlampe Glühbirne ausfindig machen, die ohne Kompromisse zu Ihnen passt! Ihre Stehlampe Glühbirne sollte natürlich perfekt Ihren Vorstellungen entsprechen, damit Sie nach dem Kauf nicht von Ihrem neuen Produkt enttäuscht werden.\nVerfügt die Glühbirne Stehlampe auch wirklich über die meisten der gewünschten Funktionen?\nEntspricht die Glühbirne Stehlampe der Stufe an Qualität, die ich als Kunde in dieser Preisklasse erwarten kann?\nWie viele ähnliche gibt es auf dem Markt? Für Lampen gibt es auf dem Markt mittlerweile unterschiedlichste Brands, was der Grund dafür ist, dass eine breite Produktpalette von Glühbirne Stehlampen haben.\nWie lange planen Sie die Glühbirne Stehlampe nutzen?\nWie häufig wird die Glühbirne Stehlampe voraussichtlich benutzt?\nIn dieser Rangliste finden Sie unsere Testsieger der getesteten Glühbirne Stehlampen, bei denen Der beste Platz unseren TOP-Favorit darstellt. Sämtliche hier vorgestellten Glühbirne Stehlampen sind sofort bei unserem Partner im Lager und in kurzer Zeit bei Ihnen. Unser Team wünscht nur Ihnen schon jetzt viel Vergnügen mit Ihrer Glühbirne Stehlampe\nDie Top Vergleichssieger - Wählen Sie bei uns die Glühbirne Stehlampe ihrer Träume\nTRIO Leuchten Stehlampe GLÜHBIRNE silberfarben\nOptik/Stil Farbe , edelstahlfarben weiß, Material Material Gestell , Metall, Material Lampenschirm , Glas, Produktdetails Leuchtmittel , ohne Leuchtmittel, Energieeffizienzklasse (Skala) , A++ (A++ bis E), Fassung , E27, Schalter , Schalter im Anschlusskabel Fußschalter, Lieferantenartikelnummer , 4601011-07, Lieferant , Trio Leuchten, Betriebsart , Strom, Lieferumfang , Ohne Leuchtmittel, Maßangaben Durchmesser Lampenschirm , 25 cm, Höhe , 175 cm,\nTRIO Leuchten Stehlampe GLÜHBIRNE\nTrio Leuchten Stehlampe »GLÜHBIRNE«, silber\nLAMPE Glühbirne mit Deko\nTRIO Leuchten Stehlampe »GLÜHBIRNE«, silberfarben\nLampe "Glühbirne" klar H19cm\nGlühbirne aus Glas, mit Öffnung zum individuellen Befüllen, mit Aluminium-Fassung und Loch zum Befestigen der Aufhängung, Größe: 14,5 cm hoch, 9,5 cm Ø, Öffnung: 5,5 cm Ø.Diese Deko-Glühbirne ist eine stilvolle Reminiszenz an die gute alte Edison-Glühlampe. Doch während ihr berühmtes Vorbild leuchtet, bietet\n4. Sommer Glühbirne 15 W, 230 Volt, E14\nGlühbirne für Rücklicht\nErsatzbirne für Rücklichter\nNud Glühbirne Globe 125 mm\nNud LED Glühbirne Weiss 125 mm


Leidende Männer neigen eher zum schnellen Arztbesuch als Frauen\n18.05.07 13:15 Uhr\nEiner Umfrage des TSN Emnid zufolge sind Männer zwar nachlässig in gesundheitlicher Vorsorge, doch bei Schmerzen suchen die Herren der Schöpfung schneller den Arzt auf als Frauen. Letztere neigen eher zur Selbstmedikation.\nAn der Umfrage nahmen 1.002 Personen teil. Die Frage, ob Schmerzen erst einmal mit Medikamenten bekämpft werden und dadurch auf Besserung gehofft wird, beantworteten 35 % der Männer mit ja, während der Anteil der Frauen, die bejahten, bei 53 % lag.\nBesonders markant hob sich die Gruppe der 30- bis 49-Jährigen ab. Sie versuchen, zuerst eine Eigenbehandlung mit Schmerzmitteln, ehe sie sich in ärztliche Behandlung begeben. Dies könnte aus Angst um den Arbeitsplatz resultieren.\n18.05.2007 12:52 Uhr von cozmixx\nWer erinnert sich noch an den alten Spruch "wenn Männer Kinder kriegen müssten, wäre die Welt schon längst ausgestorben"? Offenbar lassen sich Männer ihre Schmerzen nicht nur eher anmerken, sondern gehen auch meiner Ansicht nach vernünftiger damit um. Schmerzen sind ein Alarmsignal des Körpers, das man nicht ignorieren sollte.\nHat wer mal ein Pflaster für mich? :-D\n18.05.2007 16:34 Uhr von cruzcampo\nDas liegt daran, dass leidende Maenner WIRKLICH KRANK sind. Sonst wuerde ich doch nicht zum Arzt gehen und mich pieksen lassen :)\n18.05.2007 17:43 Uhr von Cyberdriver\nStimmt: aber leidende Männer gehen genau so oft zum Artz als leidende Frauen.\n18.05.2007 18:04 Uhr von Bundespropagandamin.\nIch gehe: nur mit meldepflichtiger Krankheit zum Arzt. Das letzte Mal war das vor 2 Jahren. Medikamente nehme ich auch nie. Wenn ich mal Kopfschmerze habe, ertrage ich sie auch so:-)\nWas die Umfrage angeht, hätte man sich auch denken können. Frauen haben ja fast immer irgendwas, die haben sich daran gewöhnt und behandeln die Schmerzen eben mit Medikamenten. Männer sind seltener krank und deshalb empfindlicher gegenüber Erkrankungen. Außerdem haben sie nicht so viel Erfahrung mit Medikamenten und deshalb eine größere Hemmschwelle auch mal was zu nehmen ohne vorher einen Arzt zu konsultieren.\n18.05.2007 18:09 Uhr von borgir\nich arbeite: im krankenhaus und kann ein lied von "ach so kranken männern" singen....mords kerle und wenn die nadel kommt verdrehen sie die augen....\n18.05.2007 18:15 Uhr von thehed\nSeltsam: Wenn ich so meine Umgebung anschaue kann an der Umfrage was nicht stimmen. Oder es gibt in meiner Gegend mehr wehleidige Frauen als anderswo?\n18.05.2007 20:03 Uhr von Zisch\nich geh nie zum Arzt: ^^\nwar das letzte mal vor..puh... ewigkeiten beim Arzt. Naja, okay war dieses Jahr einmal als ich mein Knie gekaputt gemacht hab, aber das war auch das erste mal in den letzten Jahren. Mein Imunsystem packt alles :D\n18.05.2007 22:08 Uhr von Pattern\nKann ich nicht bestätigen: Ich kenne keinen Mann der freiwillig zum Arzt geht. Dafür leiden sie lieber alle zuhause. Die einen still, die anderen weniger *g*\n18.05.2007 22:25 Uhr von jsbach\nDie Meinungen gehen da schon auseinander: denn i c h mache regelmässig einen Check-Up, denn ich will wissen was mit mir allgemein los ist.\nFrauen können vielleicht besser Schmerzen aushalten -ich möchte als Mann keine Kinder bekommen- wie Männer. Manchmal sind wir entweder "Waschlappen" oder vollkommen gleichgültig. Wehret den Anfängen..\n19.05.2007 00:08 Uhr von Moloche\nso ein Unsinn: @ cozmixx und co.\naha....Frauen greifen gleich zu Schmerzmittel, Männner gehen lieber zum Arzt.\nAus diesem einfachen Satz zu schließen das Männer wehleidiger sind, bedaf schon einer sehr merkwuerdigen Logik.\nDie Aussage sagt nämlich gar nichts aus, im Gegenteil..man könnte sie auch Gegenteilig interpretieren.\n19.05.2007 01:56 Uhr von Mr.Gato\nIch hasse es zum Arzt zu gehen. Hab ich vor kurzem schonmal geschrieben.\nWenn Doc, dann nur, wenn etwas net von allein weggeht.\n19.05.2007 18:18 Uhr von LinkeKlebe\nIs doch logisch: Is doch ganz logisch, dass man zum Arzt geht, wenn man schmerzen hat. Deshalb meldet sich der Körper doch mit schmerzen, weil etwas nicht stimmt. Dass Frauen aber viel öfter und schneller Tabletten schlucken stimmt schon, war letzte Woche auch mal abends Thema in einer Talkrunde im Fernsehen, da hat ein Mediziner genau dieses Phänomen erklärt. Mehrere Frauen, die ich kenne, haben sogar alltags Schmerztabletten in ihren Handtaschen dabei.\n22.05.2007 19:00 Uhr von die_freche\nfrauen und männer: männer gehen genau so offt zum arzt wie frauen ... geht doch mal einfach zum arzt und bleibt da mal ne weile da sieht ihr denn männer und frau genauso viele ....\n30.05.2007 08:23 Uhr von SandraM\nDas habe ich schon oft erlebt: Männer haben wirklich eine viel geringere Schmerztoleranz als Frauen. Wenn die Kinder kriegen müssten, oh,oh,oh\n31.05.2007 21:20 Uhr von MWDEU\nna ja Ich halte von dieser Mär, dass Frauen mehr Schmerzen vertragen können, oder wiederstandsfähiger sind nichts. Letztendlich habe ich noch das Gequieke vor einer Maus meiner Mum´ im Gedächnis....\nIch halt´s für Schwachsinn...


Transambiental | Abfalltransport | Guet\nMit modernsten Sicherheitsmaßnahmen und allem Komfort für den Fahrer ausgestattet. Erfüllen die geltenden Umweltschutzvorschriften. Verfügen über Lokalisierungssysteme sowie Systeme zur Fahrzeugkontrolle und Kommunikation mit dem Fahrer.\nSattelauflieger mit Plane\nTransport von Abfall, Gefahrgut und gewöhnlichen Güter. Ladekapazität von 26 Tonnen und 95 m3. Abmessungen innen 13,60 m Länge, 2,48 m Breite und 3 m Höhe. Beladung des Sattelaufliegers von hinten, von der Seite oder von oben möglich.\nSattelauflieger mit Hebebühne\nTransport von Abfall, Gefahrgut und gewöhnlichen Gütern. Ladekapazität von 26 Tonnen und 95 m3. Abmessungen innen 13,60 m Länge, 2,48m Breite und 3m Höhe. Beladung des Sattelaufliegers von hinten, von der Seite oder von oben möglich. Das Fahrzeug verfügt über eine Hebebühne.\nTransport von Abfall, Gefahrgut und gewöhnlichen Gütern. Lkw mit zwei austauschbaren Planenanhängern. Abmessungen innen 7,70m Länge, 2,48m Breite und 2,70m Höhe. Verfügt über eine Ladebordwand an der Rückseite. Dank der Metallplattform zwischen den beiden Anhängern kann eine Beladung an der Laderampe wie bei einem einzigen Anhänger durchgeführt werden.\nTransport von flüssigem Gefahrgut und allgemeinen flüssigen Produkten. Aus rostfreiem Stahl und somit für den Transport der meisten Gefahrengüter geeignet. Fassungsvermögen von 26 bis 32 m3. Unsere Tankwagen können thermoisoliert sein, um die Temperatur des geladenen Produktes während des Transports auf der Ladetemperatur zu halten. Weiterhin können die Tanks in unabhängige Bereiche unterteilt sein, um verschiedene Produkte laden zu können.\nTankwagen für Abfälle\nTankwagen für flüssige Abfälle, sowohl in Form von Gefahrgut als auch nicht gefährlicher Abfälle. Sie erfüllen die erforderlichen Voraussetzungen für den Transport sowie die Be- und Entladung und verfügen über die entsprechenden Transportsondergenehmigungen für diese Art von Gütern.\nTankwagen mit selbstansaugender Pumpe\nFür den Transport flüssiger und halbflüssiger Güter. Dies können gewöhnliche Güter, Gefahrengüter oder Abfälle sein, für deren Be- und Entladung eine eigenständige selbstansaugende Pumpe erforderlich ist. Diese Art von Fahrzeugen wird gewöhnlich für das Absaugen von Flüssigkeiten aus Becken, Fässern, Containern, etc. genutzt.\nEs handelt sich hierbei um Tanks, die exklusiv bestimmten Produkten, Transporten oder Kunden vorbehalten sind. Der Grund hierfür können Produkteigenschaften, eine für die Leistung erforderliche Sonderausstattung oder spezifische Anforderungen des Kunden sein. Wir verfügen daher über speziell hergestellte Tanks mit besonderen Sicherheitsanforderungen, Tanks für eine spezifische Produktreinheit, Tanks mit selbständigen Reinigungssystemen, unterteilte Tanks, Tanks mit eigenen Befüllungs- und Entleerungssystemen am Fahrzeug, Tanks mit Druckluftentleerung, Tanks mit großem Sammelbehälter für zähflüssige Produkte sowie Tanks mit Messsystem, Waage und Volumenbestimmung der Ladung.\nTransport von Abfällen, Gefahrgut und allmeinen Gütern in festem und halbfestem Zustand. Die Entladung erfolgt über die Kippvorrichtung. Wir verfügen über Mulden mit 25 y 50 m3 de Fassungsvermögen.\nContainerfahrzeug mit Haken\nDichte Container zur Lagerung fester und halbfester Abfälle wie Bauschutt, Schlamm, etc., die auf dem Gelände des Kunden verbleiben und nach Aufforderung abgeholt werden.\nFahrzeuge mit Pritschenaufbau\nTransport von Abfällen, Gefahrgut und allmeinen Gütern. Ermöglichen Ladungen mit besonders voluminösen Abmessungen sowie Ladungen mit besonderer Form, da sie hinten, oben und seitlich strukturell nicht begrenzt sind.\nFahrzeuge mit Pritschenaufbau und Hebekran\nTransport von Abfällen, Gefahrgut und allmeinen Gütern. Be- und Entladung der Güter mit einem am Fahrzeug installierten Kran.


4 Sozial- und Nebenleistungen - PDF\nDownload "4 Sozial- und Nebenleistungen"\n1 In diesem Kapitel werden vor allem die zahlreichen Sozial- und Nebenleistungen vorgestellt, die dem Arbeitgeber neben dem Grundgehalt vielfältige Möglichkeiten einer variablen und leistungsgerechten Entlohnung bieten. Sie bilden die zweite Säule einer innovativen und ganzheitlichen Vergütungspolitik. Mit diesen Bausteinen einer modernen Vergütungspraxis kann nicht nur die individuelle Arbeitsleistung in allen Arbeitsbereichen stärker belohnt, sondern auch eine steuerliche Gestaltung realisiert werden, die durch höhere Nettobeträge als zusätzlicher Anreiz wirkt. Die Treueprämie, der Firmenwagen zur privaten Nutzung oder günstige Kredite sind Beispiele für diese Sozial- und Nebenleistungen. Die Anreizwirkung dieser Vergütungskomponente wird umso größer eingeschätzt, je individueller die Leistungen auf den einzelnen Arbeitnehmer abgestimmt sind. Zu unterscheiden ist dabei zwischen gesetzlich vorgeschriebenen oder tariflich vereinbarten auf der einen und freiwilligen Sozial- und Nebenleistungen auf der anderen Seite. Da gesetzliche und tarifliche Leistungen kaum Gestaltungsmöglichkeiten bieten, setzen Unternehmen, die eine individuelle und innovative Vergütungspolitik betreiben möchten, vor allem auf freiwillige Leistungen. Gleichzeitig sind sie flexibler einsetzbar als die gesetzlich vorgeschriebenen. Sie dürfen einseitig gekürzt oder auch gestrichen werden. Es empfiehlt sich aber für den Arbeitgeber, bereits bei der Gewährung unmissverständlich deutlich zu machen, wenn er sich den Widerruf einer zugesagten Sozialleistung vorbehalten, also eine vertragliche Bindung verhindern will. So kann er z.b. die Leistung ohne Anerkennung einer Rechtspflicht oder jederzeit widerruflich in Aussicht stellen. (BAG-Urteil vom AZR 48/02). Allerdings sollte bei Kürzungen oder Streichungen von Sozialleistungen immer berücksichtigt werden, dass Arbeitsklima und Motivation der Mitarbeiter darunter leiden können. Wichtig: Zahlreiche Sozial- und Nebenleistungen sind in bestimmten Grenzen steuer- und sozialversicherungsfrei bzw. weniger stark belastet als der Barlohn. Bei Lohn- und Gehaltsverhandlungen kann davon eine positive Anreizwirkung ausgehen. Durch den höheren Nettoeffekt sind diese Vergütungsbestandteile für den Arbeitnehmer besonders attraktiv. 93\n2 4.1 Finanzielle Leistungen Das Spektrum der finanziellen Leistungen ist breit und reicht von kostenintensiven Leistungssystemen wie betrieblicher Altersversorgung bis zu Firmenrabatten auf Sachgüter und Dienstleistungen Betriebliche Altersvorsorge Seit dem hat jeder Arbeitnehmer einen Rechtsanspruch auf eine betriebliche Altersvorsorge (bav) über den Arbeitgeber. Sie erfolgt durch Gehalts- bzw. Entgeltumwandlung und wird staatlich gefördert ( 1a Betriebsrentengesetz BetrAVG). Danach können jährlich bis zu vier Prozent der Beitragsbemessungsgrenze in der gesetzlichen Rentenversicherung ( 161 bis 167 SGB VI) steuer- und sozialversicherungsfrei umgewandelt werden, im Jahr 2012 demnach bis zu Euro in den alten und bis zu Euro in den neuen Bundesländern. Weitere Euro können steuerfrei in die bav fließen, wenn keine lohnsteuerpauschalierte Versorgung aufgrund einer Altzusage (Verträge bis ) besteht ( 40b EStG). Der Rechtsanspruch auf Entgeltumwandlung ist allerdings dem sogenannten Tarifvorrang untergeordnet ( 17 Abs. 3 BetrAVG). Beschäftigte in Unternehmen, für die ein allgemein verbindlicher Tarifvertrag gilt, können eine Umwandlung nur beanspruchen, wenn der gültige Tarifvertrag dies ausdrücklich vorsieht. Der Tarifvertrag erlaubt z. B. über eine Zusatzrente im Baugewerbe (TV TZR) eine Entgeltumwandlung. Nach 2 Abs. 6 TV TZR ist jedoch eine Umwandlung des Mindestlohns unzulässig. Mit dem Gesetz zur Förderung der zusätzlichen Altersvorsorge und zur ¾nderung des Dritten Buches Sozialgesetzbuch (ZAVFuSGBIII¾ndG) wurde die Sozialabgabenfreiheit für die bav unbefristet verlängert. Außerdem wurde das Lebensalter für die Unverfallbarkeit von arbeitgeberfinanzierten Betriebsrentenanwartschaften von 30 auf 25 Jahre abgesenkt. Eine bav liegt auch dann vor, wenn künftiger Arbeitslohn des Arbeitnehmers zugunsten einer wertgleichen Anwartschaft auf Versorgungsleistungen herabgesetzt wird ( 1 Abs. 2 Nr. 3 BetrAVG). Entscheidend ist allein, dass sie zur 94\n3 Finanzielle Leistungen 4 Absicherung von Alter, Tod oder Invalidität zugesagt und erst bei deren Eintritt fällig werden. In den Geltungsbereich des Gesetzes gehören neben Arbeitnehmern auch zur Berufsausbildung Beschäftigte, arbeitnehmerähnliche Personen, Fremdgeschäftsführer und ggf. auch Minderheitsgesellschafter, soweit sie in der gesetzlichen Rentenversicherung pflichtversichert sind (vgl. 17 Abs. 1 BetrAVG). Auch Zeitarbeitnehmer haben einen tarifvertraglichen Anspruch darauf, tarifliche Entgeltbestandteile zugunsten einer Versorgungszusage zum Zwecke der Altersversorgung umzuwandeln. Diese Entgeltumwandlung ist in den Manteltarifverträgen zur Zeitarbeit geregelt. So können Zeitarbeitnehmer mit ihrem Arbeitgeber schriftlich vereinbaren, dass ihre zukünftigen Entgeltansprüche bis zu vier Prozent der jeweiligen Beitragsbemessungsgrenze der Rentenversicherung für betriebliche Altersversorgung verwandt werden. Bei dieser Entgeltumwandlung dürfen aber 1/160 der Bezugsgröße nach 18 Abs. 1 SGB IV nicht unterschritten werden. Grundsätzlich zu unterscheiden sind arbeitnehmer- und arbeitgeberfinanzierte Lösungen. Der Arbeitgeber muss eine arbeitnehmerfinanzierte bav einführen, sobald ein Arbeitnehmer dies verlangt. Eine Verpflichtung des Arbeitgebers, eigene Beiträge für die Altersversorgung der Arbeitnehmer aufzuwenden, besteht nicht. Ob er diese Leistung zusätzlich zum Beitrag der Mitarbeiter erbringt, ist ihm ebenso wie eine vollständig arbeitgeberfinanzierte Lösung freigestellt. Wer eine betriebliche Altersversorgung einführen will, hat die Wahl zwischen verschiedenen sogenannten Durchführungswegen ( 1b BetrAVG), über die diese Leistungen erbracht werden: J die Direktversicherung, J die Pensionskasse, J der Pensionsfonds, J die Unterstützungskasse und J die Direktzusage. 95\n4 Der Arbeitgeber kann grundsätzlich frei entscheiden, welches Instrument er anbieten und mit welchem Partner er bei der Durchführung zusammenarbeiten will Vermögenswirksame Leistungen Die vermögenswirksamen Leistungen (vl) sind eine Geldleistung des Arbeitgebers, die dem Arbeitnehmer nicht zur freien Verfügung ausgezahlt, sondern für ihn langfristig angelegt wird. Arbeitsrechtliche Grundlage einer solchen Vereinbarung kann der Tarifvertrag, eine Betriebsvereinbarung oder ein Einzelarbeitsvertrag mit dem Arbeitnehmer sein. Die Leistungen dürfen aber auch freiwillig, also ohne vertragliche Bindung, erbracht werden. Der Arbeitgeber hat, wenn der Arbeitnehmer dies schriftlich verlangt, einen Vertrag über die vermögenswirksame Anlage von Teilen des Arbeitslohns abzuschließen. Dieser wird dann von ihm direkt auf das vom Arbeitnehmer benannte Anlagekonto überwiesen. Je nach Vertrag muss bzw. kann der Arbeitnehmer selbst etwas hinzuzahlen. Unter bestimmten Bedingungen werden vermögenswirksame Leistungen mit einer Arbeitnehmersparzulage vom Staat gefördert ( 13, 5. VermBG): J das zu versteuernde Einkommen darf bestimmte Grenzen nicht überschreiten, J der Arbeitnehmer muss die Anlageart und das Anlageinstitut frei wählen können, J die Anlage muss förderfähig sein oder J die Einkünfte dürfen ausschließlich aus nichtselbstständiger Arbeit stammen. Auch Zeitarbeitsunternehmen können für ihre Zeitarbeitnehmer vermögenswirksame Leistungen nach Maßgabe der Bestimmungen des Fünften Gesetzes zur Förderung der Vermögensbildung der Arbeitnehmer (5. VermBG) erbringen. Die Zahlung erfolgt für jeden vollen Kalendermonat der Betriebszugehörigkeit. Teilzeitbeschäftigte Zeitarbeitnehmer können eine anteilige Leistung entsprechend dem Verhältnis ihrer arbeitsvertraglichen Arbeitszeit zur tariflichen Mindestarbeitszeit geltend machen. Nach dem AMP-MTV entsteht ein Anspruch auf die vermögenswirksamen Leistungen seitens des Zeitarbeitnehmers 96\n5 Finanzielle Leistungen 4 zwar mit der Antragsstellung, allerdings erstmals mit Beginn des siebten Kalendermonats seiner Betriebszugehörigkeit. Der Zeitarbeitnehmer hat ein Wahlrecht zwischen den verschiedenen Arten, die in 2 des 5. VermBG vorgesehen sind. Er kann aber nicht die Barauszahlung anstelle einer vermögensbildenden Anlage verlangen. Um die Attraktivität vermögenswirksamer Leistungen zu erhöhen, die in betrieblichen oder außerbetrieblichen Beteiligungen bzw. Mitarbeiterbeteiligungsfonds angelegt werden, wurden 2009 durch das Gesetz zur Förderung der Mitarbeiterkapitalbeteiligung die Einkommensgrenzen und der Prozentsatz der Sparzulage bei diesen Anlageformen verändert. Das maximale zu versteuernde Einkommen beträgt seit 2009 bei Anlagen in betrieblichen und außerbetrieblichen Beteiligungen: J Euro bei Alleinstehenden, J Euro bei einer Zusammenveranlagung von Ehegatten. Bei Anlagen für wohnungswirtschaftliche Zwecke gelten weiterhin die alten Einkommensgrenzen von bzw Euro. Für Beschäftigte, die am bereits einen Anspruch auf eine Vermögensbeteiligung hatten, wird ein Bestandsschutz bis zum gewährt. Sie können aber ihre Vereinbarungen entsprechend anpassen. Bei den Einkommensgrenzen ist das zu versteuernde Einkommen in dem Kalenderjahr maßgeblich, in dem die vermögenswirksamen Leistungen angelegt worden sind. Auch die förderfähigen Anlageformen sind vom Gesetzgeber vorgegeben ( 2 bis 9, 5. VermBG): J Aufwendungen im Rahmen eines Beteiligungsvertrags oder eines Beteiligungskaufvertrags mit dem Arbeitgeber oder einem Dritten sowie der Beteiligung an einem Mitarbeiterbeteiligungsfonds (1), J Aufwendungen im Rahmen eines Wertpapierkaufvertrags mit dem Arbeitgeber (2), J Sparbeiträge aufgrund eines Sparvertrags über Wertpapiere oder andere Vermögensbeteiligungen mit einem Kreditinstitut (3), J Leistungen einer Ertrags- oder Leistungsbeteiligung (4), J Aufwendungen nach dem Wohnungsbau-Prämiengesetz (5) und J Aufwendungen zum Wohnungsbau (6). 97\n6 Bei allen anderen Sparformen, wie Lebensversicherungen, Rentenfonds, Banksparplänen, Kapitalversicherungsverträgen usw. gibt es keine staatliche Förderung in Form der Arbeitnehmersparzulage. Die Arbeitnehmersparzulage beträgt: J 20 Prozent (80 Euro) auf die maximal möglichen 400 Euro vl jährlich bei den oben unter 1. bis 4. genannten vermögenswirksamen Leistungen (Förderkorb 2) und J 9,0 Prozent (42,30 Euro) auf die maximal 470 Euro vl jährlich bei den oben unter 5. und 6. genannten vermögenswirksamen Leistungen (Förderkorb 1). Die beiden Anlageformen können bis zu einer maximalen Gesamtförderung von 870 Euro kombiniert werden. Für höhere Einzahlungen wird bei wohnwirtschaftlichen Aufwendungen (Förderkorb 2) zusätzlich eine Wohnungsbauprämie (WoP) in Höhe von 8,8 Prozent auf eine Anlage von maximal 512 Euro (Ledige) bzw Euro (Verheiratete) gewährt. Diese Zulage beträgt somit für Alleinstehende maximal 45,06 Euro, bei zusammenveranlagten Ehepaaren maximal 90,11 Euro. Für den Anspruch auf Wohnungsbauprämie darf das zu versteuernde Jahreseinkommen Euro pro Jahr für Alleinstehende und Euro für Verheiratete nicht übersteigen. Beispiel Ein alleinstehender Arbeitnehmer zahlt monatlich 45 Euro in seinen Bausparvertrag ein. Nach sieben Jahren hat er somit Euro gespart. Der Arbeitgeber zahlt seinerseits 40 Euro monatlich auf das Bausparkonto ein. Mit Wohnungsbauprämie, Arbeitnehmersparzulage und Zinsen der Bausparkasse erhält der Arbeitnehmer nach sieben Jahren insgesamt 8.492,52 Euro ausgezahlt. Damit der Staat den Sparbeitrag als vl anerkennt, muss die Überweisung immer durch den Arbeitgeber erfolgen. 98\n7 Finanzielle Leistungen 4 Die Antragsfrist für die Arbeitnehmersparzulage von zwei Jahren wurde mit dem sogenannten Bürgerentlastungsgesetz vom aufgehoben. Die verlängerte Antragsfrist gilt erstmals für vermögenswirksame Leistungen, die ab dem angelegt wurden. Um in anhängigen Streitfällen abhelfen zu können, soll die Neuregelung auch in den Fällen angewendet werden, in denen bis zum über einen Antrag auf Arbeitnehmersparzulage noch nicht bestandskräftig entschieden wurde Direktversicherung Direktversicherungen sind Kapitallebensversicherungen oder fondsgebundene Lebensversicherungen, die der Arbeitgeber (Versicherungsnehmer) auf das Leben des Arbeitnehmers (Versicherten) abschließt, deren Leistungen im Versicherungsfall aber dem Arbeitnehmer bzw. seinen Hinterbliebenen zustehen ( 1 Abs. 1 BetrAVG). Der Garantiezins für diese Versicherungen beträgt für bis zum Jahresende 2011 abgeschlossene Verträge noch 2,25 Prozent; seit dem wird der Garantiezins auf 1,75 Prozent abgesenkt. Durch das Alterseinkünftegesetz (AltEinkG) sind seit 2005 auch Beiträge des Arbeitgebers und Arbeitnehmers (durch Entgeltumwandlung) für eine Direktversicherung steuerfrei. Diese Regelung gilt aber nur, wenn J die Versorgungszusage eine lebenslange Altersversorgung vorsieht, J die Direktversicherung im ersten Dienstverhältnis abgeschlossen wurde, J die Auszahlung in Form einer Rente oder eines Auszahlungsplans vorgesehen ist, J die Fälligkeit nicht vor dem 60. Lebensjahr (bei Neuverträgen ab 2012 nicht vor dem vollendeten 62. Lebensjahr) eintritt, J die Beitragshöhe von vier Prozent der Beitragsbemessungsgrenze in der gesetzlichen Rentenversicherung (2012: Euro West, Euro Ost) nicht überschritten wird. 99\n8 Beispiel Ein lediger Arbeitnehmer (ohne Kinder) mit einem Bruttogehalt von Euro erhält nach Abzug aller Steuern und Sozialversicherungsbeiträge 1.598,36 Euro netto ausgezahlt. Er schließt eine Direktversicherung ab, die ihm eine zusätzliche monatliche Rente ab dem 65. Lebensjahr sichert. In diese Versicherung zahlt er monatlich 150 Euro brutto ein. Dadurch beträgt sein Bruttogehalt nunmehr nur noch Euro. Sein Nettogehalt verringert sich aber nur um 76,43 Euro auf 1.521,93 Euro. Die Steuerfreiheit ist ausgeschlossen, wenn ausschließlich eine Einmalkapitalzahlung vorgesehen ist. Der Höchstbetrag erhöht sich um Euro, wenn die Beiträge aufgrund einer Versorgungszusage geleistet werden, die nach dem erteilt wurde. Der Betrag von zusätzlich Euro ist aber beitragspflichtig. Arbeitnehmer, die bereits seit 2002 von der steuerlichen Förderung ( 10a oder Abschnitt XI des EStG) Gebrauch machen, müssen nach 82 Abs. 2 EStG die Beiträge zur Direktversicherung individuell versteuern. Dabei ist es unerheblich, ob die Beiträge vom Arbeitgeber zusätzlich zum Gehalt erbracht werden oder der Arbeitnehmer sie durch Entgeltumwandlung finanziert Abfindungen Das deutsche Arbeitsrecht kennt keinen generellen gesetzlichen Anspruch des Arbeitnehmers, eine Abfindung zu erhalten, wenn das Arbeitsverhältnis beendet wird. Ein Anspruch kann sich aber in folgenden Fällen ergeben: J durch ein Auflösungsurteil im Kündigungsschutzprozess ( 9 KSchG), J durch einen Vergleich im Kündigungsschutzprozess, J aufgrund tarifvertraglicher Regelungen, J bei betriebsbedingten Kündigungen, 100\n9 Finanzielle Leistungen 4 J bei einem innerbetrieblichen Sozialplan ( 112 Ab. 1 BetrVG) oder Nachteilsausgleich ( 113 Abs. 1 BetrVG) und J bei einem außergerichtlichen Aufhebungsvertrag. Ein Anspruch auf Abfindung kann ferner entstehen, wenn der Arbeitgeber regelmäßig Abfindungen bei Beendigung des Arbeitsverhältnisses zahlt. In diesem Fall kann der Abfindungsanspruch aufgrund einer sogenannten betrieblichen Übung oder dem Gleichbehandlungsgrundsatz gegeben sein. Kein Anspruch auf eine Abfindungszahlung besteht insbesondere dann, wenn der Arbeitgeber rechtmäßig kündigt oder der Arbeitnehmer die Auflösung des Arbeitsverhältnisses wünscht oder selbst kündigt. Häufig ist der Arbeitgeber aber zur Zahlung einer Abfindung bereit, um das Risiko eines langwierigen Kündigungsschutzprozesses zu vermeiden. Denn für den Fall, dass das Gericht die Unwirksamkeit der Kündigung feststellt, muss der Arbeitgeber dem Arbeitnehmer das Arbeitsentgelt bis zum Ende des Prozesses nachzahlen, obwohl der Arbeitnehmer keine Arbeit mehr geleistet hat (Annahmeverzug nach 615 BGB, siehe Kapitel Vergütung bei Arbeitsausfall ). Dies kann ein erhebliches Kostenrisiko für den Arbeitgeber darstellen. Im Falle der betriebsbedingten Kündigung sieht das Gesetz ( 1a KSchG) eine Abfindungszahlung nur dann vor, wenn der Arbeitgeber in der Kündigung ausdrücklich darauf hinweist, dass die Kündigung auf dringende betriebliche Erfordernisse gestützt ist und der Arbeitnehmer nach Ablauf der Frist für eine Kündigungsschutzklage eine Abfindung beanspruchen kann. Der Arbeitgeber ist nicht verpflichtet, dem Arbeitnehmer eine Abfindung nach 1a KSchG anzubieten. Ein weiterer Rechtsanspruch kann bei Auflösung des Arbeitsverhältnisses ( 9 KSchG) entstehen. Stellt das Gericht im Kündigungsschutzprozess fest, dass die Kündigung ungerechtfertigt ist und somit das Arbeitsverhältnis nicht beendet ist, kann es das Arbeitsverhältnis auf Antrag des Arbeitnehmers oder Arbeitgebers auflösen, wenn den Vertragsparteien eine weitere Zusammenarbeit nicht zumutbar ist, und den Arbeitgeber zur Zahlung einer Abfindung verurteilen. 101\n10 Im Falle einer Betriebsänderung ( 111 BetrVG) hat der Arbeitgeber mit dem Betriebsrat eine Vereinbarung über nachteilige Folgen für die Arbeitnehmer zu treffen. Kommt keine Einigung zustande oder weicht der Arbeitgeber von der Vereinbarung ab, hat der Arbeitnehmer einen Abfindungsanspruch nach 113 BetrVG. Die Höhe der Abfindung ist nicht festgelegt. Bei gerichtlichen oder außergerichtlichen Vergleichen hat sich aber eine Daumenregelung durchgesetzt, nach der ein halber Monatsverdienst pro Jahr der Beschäftigung als angemessen gilt. Ein Monatsverdienst in diesem Sinne ist, was dem Arbeitnehmer bei der für ihn maßgebenden regelmäßigen Arbeitszeit pro Monat an Geld und Sachbezügen zusteht ( 10 Abs. 3 KSchG). Die Höchstsumme der Abfindung bei einem Auflösungsurteil beträgt im Regelfall zwölf Monatsverdienste ( 10 Abs. 1 KSchG), kann aber je nach Alter und Betriebszugehörigkeit noch weiter erhöht werden ( 10 Abs. 2 KSchG). Im Falle einer betriebsbedingten Kündigung hat der Gesetzgeber die Höhe der Abfindung in 1a Abs. 2 KSchG gesetzlich normiert. Nach 10 Abs. 1 KSchG (auf den 1a KSchG und 113 BetrVG verweisen) kann die Abfindung bis zu zwölf Monatsverdienste betragen. Hat der Arbeitnehmer das 50. Lebensjahr vollendet und besteht das Arbeitsverhältnis mindestens 15 Jahre kann die Abfindung bis zu 15 Monatsverdiensten betragen, ab 55 Jahren und 20 Jahren Betriebszugehörigkeit bis zu 18 Monatsverdiensten ( 10 Abs. 2 KSchG). In den meisten Fällen wird die Abfindungshöhe allerdings zwischen Arbeitgeber und Arbeitnehmer(-vertretung) frei ausgehandelt. Mit dem Ende der gesetzlichen Übergangsregelung für bestimmte Altverträge kann seit 2008 nur noch die ermäßigte Besteuerung für Abfindungszahlungen in Anspruch genommen werden ( 34 EStG). Im Sozialversicherungsrecht sind Abfindungen beitragspflichtig, die nach einer ¾nderungskündigung oder nach einer einvernehmlichen ¾nderung des Arbeitsvertrags als Gegenleistung für die Verschlechterung von Arbeitsbedingungen gewährt werden. Diese Abfindungen werden zur beitragspflichtigen Vergütung hinzugerechnet, da sie für Zeiten der weiterbestehenden versicherungspflichtigen Beschäftigung erbracht werden. Beitragspflichtig sind auch Abfindungen, 102\n11 Finanzielle Leistungen 4 die bei Beendigung des Arbeitsverhältnisses für Zeiten der Beschäftigung (z.b. noch ausstehende Vergütung oder Urlaubsabgeltung) in Form einer Einmalzahlung gewährt werden, weil sie als Arbeitsentgelt im Sinne des 14 SGB IV gelten. Die Beitragspflicht entsteht zum Zeitpunkt des Zuflusses beim Arbeitnehmer. Abfindungen, die für den Wegfall künftiger Verdienstmöglichkeiten gezahlt werden, sind hingegen kein Arbeitsentgelt im Sinne der Sozialversicherung und unterliegen nicht der Beitragspflicht in der Sozialversicherung (BSG Urteil vom RK 20/88) Arbeitgeberdarlehen Arbeitgeber können ihren Beschäftigten unabhängig von der Entlohnung ein Darlehen gewähren. Dabei genießen die Beschäftigten den Status eines Verbrauchers im Sinne des 13 BGB. Die Regelungen in 491 BGB zum Verbraucherdarlehensvertrag finden allerdings keine Anwendung, soweit das Darlehen zu Zinskonditionen abgeschlossen worden ist, die unter den marktüblichen Sätzen liegen ( 491 Abs. 2 Nr. 4 BGB). Die Vereinbarung eines Darlehens sollte schriftlich erfolgen und Angaben über Tilgung, Laufzeit, Verzinsung und eventuelle Sicherung der Rückzahlung enthalten. Sind günstigere Konditionen als am Markt üblich vereinbart, so sind die Zinsvorteile dann steuer- und sozialversicherungspflichtig, wenn der geldwerte Vorteil monatlich mehr als 44 Euro (Sachbezugsfreigrenze nach 8 Abs. 2 EStG) beträgt ( 1 Abs. 1 Nr. 1 SvEV). Der Arbeitgeber darf die Tilgungsbeträge auch ohne entsprechende Vereinbarung durch Aufrechnung mit der Lohnforderung des Arbeitnehmers bis zur Lohnpfändungsgrenze einbehalten ( 394 BGB). Wird das Arbeitsverhältnis beendet, wird die Restforderung aus dem Darlehen nur fällig, wenn es die Parteien vereinbart haben oder der Arbeitgeber berechtigterweise (vgl. 490 BGB) das Darlehen kündigt. Im Gegensatz zum Arbeitgeberdarlehen handelt es sich bei Vorschüssen stets um steuer- und sozialversicherungspflichtigen Arbeitslohn. Wichtigste Unterscheidungsmerkmale sind die Laufzeit, die Zinsvereinbarung und der Zweck der Zahlung. 103


Dirty Laundry: February 2008\nHeute startet Todd Haynes' Bob-Dylan-Verkomplizierung I'm Not There, ein alles in allem doch herausragender Film, den man sich auch dann anschauen sollte, wenn man nicht der größte Freund des Sängers oder des Regisseurs ist. Steven Shaviro ist begeistert, Ekkehard Knörer war auch eher angetan, für eine Gegenposition siehe hier. So ziemlich jeder scheint den neuen oskarprämierten Coen-Film zu mögen, hier Thomas über No Country for Old Men. Außerdem noch: Vantage Point, ein möglicherweise recht cleverer Thriller, Meet the Spartans, eine mit ziemlicher Sicherheit extrem dumme Komödie und Michael Clayton, amerikanisches Oskarkino mit George Clooney.\nIm Arsenal nähert sich eine James Benning-Reihe ihrem Ende, eine Asta Nielsen-Reihe steht vor der Tür. Dazwischen ist am Dienstag und Mittwoch Claude Lanzmann zu Gast, gezeigt wird Shoah in zwei jeweils knapp fünfstündigen Blöcken. Präsentiert wird die Veranstaltung von der Spex, deren bisherige Programmierung im Arsenal noch keine klare Linie erkennen lässt: Erst Daft Punks blödes Elektroma, dann Carpenters Original-Halloween, jetzt Shoah. Da wächst bisher nicht unbedingt das zusammen, was zusammen gehört.\nDas Zeughauskino zeigt aktuelles Schweizer Kino. Die mir aus dieser Reihe inzwischen bekannten Das Fräulein und Ein Lied für Argyris sind sehr interessant.\nIm Babylon Mitte sind derzeit nicht die allerkreativsten Programmierer am Werk. Die großangekündigte Expressionistenreihe zeigt keine Raritäten, sondern nur die allerbekanntesten Klassiker, außerdem laufen einige Sachen der Coens, der neue Wong Kar-Wai und dieselben fünf Ferrarafilme, die bereits letztes Jahr gezeigt wurden (zugegeben, es sind fünf seiner besten, aber trotzdem; außerdem wohl zumindest teilweise in der deutschen Fassung). Interessanter vielleicht eine kleine Reihe zu Shah Rukh Khan.\nAußerdem weiterhin im Babylon und mit deutlich besserer Programmierung: Die Freunde des schrägen Films. Deren neues Programm beschäftigt sich mit Vietnam-Heimkehrern im amerikanischen Kino der Siebziger Jahre. Nächsten Mittwoch: The Hard Ride (Burt Topper), scheinbar ein AIP-Biker Film der ambitionierteren Sorte.\nIm B-Ware Ladenkino läuft als DVD-Projektion der vielgelobte Ten Canoes, den ich leider immer noch nicht gesehen habe. Außerdem am Freitag: Buttgereits Nekromantik.\nGepostet von Lukas Foerster unter 10:43 AM No comments:\nEvery time I want to show this film, the date falls on "a day of mourning for de Gaulle." De Gaulle dies every day for my film.\nGepostet von Lukas Foerster unter 10:51 PM No comments:\nHaynes filmt den Mythos und zielt auf die Wahrheit. Dahinter steht die Behauptung, dass letztere nur über erstere erreichbar sei. Das heißt konkret: Hinter der gigantischen Ansammlung aus Zitaten und Pop-Fantasien soll etwas sichtbar werden, was andernfalls verloren wäre. Wie Shaviro schreibt, hat die Zeichenlogik des Films wenig mit Tarantino und seinen Nachfolgern zu tun. Die Zeichen sollen nicht zirkulieren, sondern in letzter Instanz wieder auf Welt verweisen. Vielleicht nicht einmal so sehr auf Bob Dylan (dessen Name taucht im Film erst im Abspann wieder auf, dort wohl auch notgedrungen aber umso vehementer; das Urheberrecht zeigt sich von allen dekonstruktivistischer Bestrebungen unbeeindruckt und kann, wer weiß, vielleicht gar als normalerweise unsichtbare Gegenseite der spätindustriellen Zeichenverflüssigung begriffen werden) als allgemeiner auf die Brüche in der Zeitgeschichte.\nEine solide Kenntnis der amerikanischen (Pop-)Kulturgeschichte ist Voraussetzung dafür, I'm Not There angemessen zu rezipieren, andernfalls bleibt nur ein Bildersturm. Songtexte schreiben sich in die Dialoge ein, manchmal auch direkt in die Bilder, Plattencover werden mal mehr, mal weniger aufdringlich nachgestellt, die Realnamen der Schauspieler dringen durch die Lücken der Fiktionalisierung, Zeugenschaft wird durch mehrfache Vermittlung dekonstruiert, die Beatles rollen im Gras vor einem englischen Landhaus, Dylan philosophiert in seiner Cate Blanchett-Inkarnation gemeinsam mit Alan Ginsberg. Die Brüche drohen zu verschwinden, blitzen jedoch immer wieder auf, vor allem, wenn I'm Not There Dylans Verhältnis zur Black culture verhandelt. Der Marcus Carl Franklin-Dylan bleibt auch nach seinem Verschwinden als Utopie stets präsent, während Dylans reales Verhältnis zur Bürgerrechtsbewegung problematischer wird. Freilich ist schon anfangs ganz eindeutig etwas falsch, wenn drei Schwarze Tombstone Blues singen. Das Black Panther-Treffen fällt dann völlig aus dem Film heraus, findet keine Anschlüsse mehr in anderen Zeichensystemen.\nNatürlich besteht immer die Gefahr, dass der Film ins Dekorative abgleitet. In seinen besten Momenten jedoch macht I'm Not There mit Popmusik das gleiche, was Godard in der Histoire mit Filmgeschichte macht. Von anderen Musikerbiografien der letzten Jahre ist Haynes' Film damit so weit entfernt, wie es nur geht. Wo diese mithilfe der Songs Geschichte fetischisieren und unzulässig homogenisieren, schreibt Haynes die Brüche und Paradoxien der Geschichte wieder in die Musik ein.\nGepostet von Lukas Foerster unter 11:03 AM No comments:\nLabels: Biopic, Blanchett, Dylan, Haynes, Indiewood, Pomo, USA\n...enttäuscht. Denn der erwartete schlimmstmögliche überreaktionäre, unreflektierte Geopolit-Camp ist In the Valley of Elah leider nicht. Statt dessen orientierungslose Orientierung an Kumpel Eastwood, hyperkonventionelles Erzääählkino mit extra langem "äääh": Wenn Tommy Lee Jones' Patriotismus aus dem Takt gerät, benötigt er ein Startkabel - fürs Auto wie für den Patriotismus. Dafür hängt die Amerikaflagge am Ende falschrum. Die Crashigen Parallelmontagen der letzten 10 Minuten und der widerlichste Filmsong des Jahres entschädigen für manches, aber nicht für alles.\nGepostet von Lukas Foerster unter 9:17 PM No comments:\nLabels: Haggis, Heimatfront, Indiewood, Irakkrieg, USA, Valley of Elah\nGepostet von Lukas Foerster unter 11:52 AM No comments:\nVon den acht Rosi-Filmen, die ich in den letzten zehn Tagen gesehen habe, war mir dieser fast der liebste: Eine knapp zweistündige Stierkampfoper in Technicolor und Cinemascope. Die Hauptrolle übernimmt mit Miguel Mateo ein echter Matador (Künstlername Miguelin). Konsequenterweise überschreitet der Film die Fiktionalisierungsstruktur des klassischen Spielfilms immer wieder in Richtung Dokumentation. Eigentlich in Richtung Profilmisches, in Richtung Realität. Denn die Stierkämpfe kann nicht der Regisseur inszenieren, zumindest nicht 1965, lange vor CGI und zumindest nicht dann, wenn sie naturalistisch aussehen sollen. Den Stierkampf muss der Matador inszenieren. Und das geht nicht mit Schuss / Gegenschuss, mit analytischer Montage. Die Basis kann keine filmische Struktur sein, sondern nur eine Stierkampfstruktur. Natürlich trifft Rosi Entscheidungen und wählt aus. Oft entscheidet er sich dafür, seinen Miguelin und den Stier in der Totalen zu zeigen, so dass auch ihre Umgebung, Miguelins verängstigte Helfer und das begeisterte Publikum, sichtbar werden.\nDie grandiosen Stierkampfsequenzen in Il momento della verita lassen die Unterscheidung zwischen Fiktionalisiertem und Dokumentarischem kollabieren, die meisten Aufnahmen entstammen offensichtlich realen Stierkämpfen und deren reale Matadore sind natürlich nicht dieselben wie die fiktionalen Matadore von Rosis Film. Dennoch verschmelzen beide Matadore zumindest für die Dauer der jeweiligen Einstellung. Der Kampf Mensch gegen Tier hat (oder wahrscheinlich hatte, CGI hat da einiges verändert) einen Überschuss an Realität im Bild zu Folge: Siehe Le sang des betes, siehe Cannibal Holocaust.\nAllerdings geht dieser Überschuss stets zu Lasten des Tiers. Selbstverständlich ändert sich der Film vollständig, wenn es Miguelin an den Kragen geht. Der Film-Miguel ist in dieser Stierkampfsequenz nicht mehr identisch mit dem realen Miguelin, der triumphierende Stier ist im Gegensatz zu den vielen davor real dahingeschlachteten Stieren reine Fiktion. Und besteht nur aus einigen rein funktionalen Großaufnahmen. Dieser letzte Kampf ist auch nicht mehr in eine reale Stierkampfarena eingeschrieben, Publikum und Kämpfer teilen sich zwar noch einen filmischen Raum, jedoch nicht mehr einen realen. Und in diesem Film sind beide Arten von Räumen ganz emphatisch nicht identisch, zumindest nicht a priori, sondern nur in wenigen herausgehobenen Momenten.\nIl momento della verita kritisiert den Stierkampf nicht. Manchmal scheint der Film aber darüber zu trauern, dass es nie einen Stierkampfilm aus der Perspektive der Stiere geben wird.\nGepostet von Lukas Foerster unter 12:51 PM 1 comment:\nLabels: Berlinale, Berlinale 2008, Il momento della verita, Index, Italien, Rosi, Stierkampf, Tiere\nSchwer zu entscheidend, was bizarrer ist: Der Film oder die anschließende Diskussion. In letzterer verliert die völlig überforderte Moderatorin schnell die Kontrolle über das Geschehen, statt ihr leitet fortan ein Mitglied des Regie- und Produktionskollektivs "Yes That's Us" die Veranstaltung. Neben ihm (ein smarter junger Filmemacher, der anscheinend eigenhändig die ostafrikanische Musikvideoindustrie aus dem Boden gestampft hat und sich im Cinestar wie Malcolm X inszeniert: "To my african brothers and sisters in the audience") befinden sich noch drei weitere an Divizionz beteiligte Menschen auf der Bühne: Ein weißer Südafrikaner, der den Musikvideopionier wohl vor einigen Jahren auf dem Berlinale Talent Campus kennengelernt hat und inzwischen wohl zu Yes That's Us gehört. Dann ein vermutlicher Co-Produzent, der von einer Uganda-Jamaica Connection berichtet, die irgendetwas mit dem Begriff "Collywood" zu tun haben soll und der bereits vor Filmbeginn Divizionz als "underground guerilla filmmaking" angekündigt hatte: "tonight we will make history". Und schließlich noch Adolf. (Edit: Adolf ist Produzent des Films). Unklar bleibt überhaupt, warum gerade diese vier Personen auf der Bühne sitzen: Repräsentieren sie Yes That's Us? Oder sind es eher zufällig ausgewählte Crewmitglieder, die von der Berlinale eingeladen wurden? Klar wird jedoch eines: Yes That's Us ist zwar durchaus an die peripheren Aussenbreieche des europäischen Festivalbetriebs angeschlossen (Berlinale Talent Campus), die eigentliche Initiative geht jedoch ausschließlich von afrikanischem Boden aus und das Regiekollektiv denkt deshalb auch nicht im Traum daran, arthauskompatibles Festivalkino zu produzieren.\nNoch unschärfer wird das Bild, wenn man die Diskussionsrunde auf den vorangegangenen Film rückprojiziert. Der ugandische Musikvideopionier erklärt, es sei ihm um eine Form von "social realism" gegangen, die Kamera solle das Leben in der afrikanischen Metropole so ungefiltert wie möglich einfangen. Außerdem sei Divizionz nur im innerugandischen Kontext zu begreifen, nämlich als Diskussion des Gegensatzes zwischen innenstädtischer Mittelklasse und dem Lumpenproletariat aus den Vorstädten. Beziehungsweise eben nicht nur als Beitrag zur Diskussion, sondern als direkter Eingriff in diese unterschiedlichen sozialen Sphären: Er selbst gehöre zur Mittelklasse, der Film behandele die Probleme der Unterklasse, die Filmvorführung im Heimatland habe das Potential, soziale Gegensätze zu überwinden. Ich fand den vorangegangenen Film und dessen krude Videooptik, dessen verwirrende Nebeneinander von Alltagsbeobachtungen, Exploitationkino und Musikvideoeinsprengseln in diesen Ausführungen nicht wieder. Was freilich nicht an dem Film liegt, sondern an mir. Beziehungsweise an der Distanz, die Divizionz, eines der ersten tatsächlich postkolonialen Werke des ostafrikanischen Kinos (Uganda besitzt keine Videoindustrie a la Nollywood, vielleicht ist Divizionz ein erster Gehversuch in diese Richtung), vom gesamten Restprogramm des Festivals trennt.\nGepostet von Lukas Foerster unter 2:02 PM 2 comments:\nLabels: Berlinale, Berlinale 2008, Collywood, digitales Kino, Divizions, Uganda, Yes That's Us\nNew York sieht aus wie Rio, Chop Shop transportiert Third Cinema-Vibes in die erste Welt. Weder melodramatischer Ghettokitsch noch obsessives Wühlen im Slumschlamm, aber eben auch nicht das dröge Mittelding aus beidem: Betulich-pädagogisches Besserwisserkino mit dezentem Ekelfaktor. Ramin Bahrani nimmt seinen Protagonisten voll und ganz ernst, etabliert nie eine Außenperspektive, sondern leiht dem jungen Alejandro für 87 Minuten seine gesamte Aufmerksamkeit. Das weiße Amerika existiert hier nicht. Eventuell sind einige Freier weiß, doch für deren Gesichter interessiert sich niemand in der Welt von Chop Shop.\nDie Filmsprache ist zugegebenermaßen konventioneller als in Bahranis tollem, vielleicht noch tollerem Vorgängerfilm Man Push Cart. Weniger elegisch, weniger flächig, weniger Bresson, mehr Bewegung, mehr Öffnung auf die Stadt. Dennoch finden sich wieder kunstvolle Inszenierungen, die Alejandro aus der Crowd an der U-Bahn-Haltestelle lösen, ihn isolieren, während er Autofahrern Eratzspiegel andrehen möchte. Die Kamera macht zwar vieles ähnlich wie die von Innaritu, aber sie weiß eben immer genau Bescheid, warum und wozu sie dies tut. Chop Shop ist (in mancher Hinsicht) konventionell und Chop Shop ist (emphatisch) sozialrealistisch. Aber Chop Shop ist eben nicht konventionell sozialrealistisch. Wieder geht es, wie in Man Push Cart, darum, ein Fahrzeug in Besitz zu bringen, wieder ist das Scheitern des Versuchs nicht die Moral von der Geschichte, sondern nur ein Aspekt der conditio humana im Ghetto. Bahrani möchte nicht lügen und dass er es auch in einem Film nicht tut, der so ähnlich ausschaut wie zahllose Lügenfilme der letzten jahre, ehrt ihn umso mehr.\nChop Shop ist subtil auf gute Art. Subtilität heißt hier nicht Kryptik oder Verleugnung sozialer Realität via Ästhetisierung, sondern Respekt vor dem vorgefundenen Material, nicht zuletzt vor den Schauspielern. Alejandros Schwester muss sich zwar prostituieren, aber die schnellen Blowjobs in LKWs machen aus ihr keine Cracknutte. Und Alejandro wird nicht zu ihrem Rächer.\nWenn es im amerikanischen Kino einen neuen Neorealismus geben kann, dann sieht er aus wie Chop Shop und wie Man Push Cart. Dass Bahrani immer noch höchstens ein director to watch ist und in punkto Breitenwirkung noch weit entfernt von der Miramax-Liga, ist ein Skandal und beweist wieder einmal, in was für einem ärgerlichen Zustand sich der amerikanische Indiefilm befindet. Außerdem beweist Chop Shop, dass die Schuld an diesem Zustand eben doch hauptsächlich das System trägt und ehen nicht die Filme selbst beziehungsweise eine abstrakte Nichtrepräsentierbarkeit von irgendwas. Denn in Chop Shop steckt sehr viel von Amerika. Mehr wahrscheinlich als im Gesamtwerk P.T. Andersons.\nGepostet von Lukas Foerster unter 12:59 PM No comments:\nLabels: Bahrani, Berlinale, Berlinale 2008, Chop Shop, Kind, Neorealismus, New York, Third Cinema, USA\nGeneral Leone schickt eine Gruppe von Soldaten in seltsamen Metallürstungen in Richtung gegnerische Front. In der Hand tragen sie Scheren, mit welcher sie Stacheldrahtbarrieren durchtrennen sollen. Wie Ritter aus Monty-Phyton Filmen sehen die italienischen Soldaten aus, oder wie Roboter aus 50er Jahre Science-Fiction-Trash. Im ersten Weltkrieg, in welchem diese Szene spielt, sind sie auf jeden Fall fehl am Platz und werden von den österreichischen Maschinengewehren humorlos niedergemäht.\nUomini contro, obwohl ein sehr interessantes Werk, gehört wahrscheinlich nicht zu den allerbesten Arbeiten Rosis. Zu sehr verpflichtet sich der Film den Genreregeln des Kriegsfilms, als dass ihm so tiefgreifende Machtanalysen und Gesellschaftspanoramen gelingen könnten, wie ich sie in den letzten Tagen in Lucky Luciano und Le mani sulla citta bewunderte und wie sie Ekkehard hier beschreibt. Uomini contro scheint auf eine eher klassisch allegorische Lesart abzuzielen (für eine klassisch marxistische Interpretation siehe den recht seltsamen deutschen Wikipedia-Eintrag zum Film): Die Post-68 Depression der italienischen Linken spiegelt sich in den verzweifelten Versuchen einzelner Offiziere, Widerstand gegen Leone zu organisieren.\nDer genuine Sozialrevolutionär scheitert früh und mit ihm der Versuch eines direkten, nicht vermittelten Angriffs auf den General. Offizier Sassu, ein deutlich weniger ambitionierter Widerständler, hegt keine gesamtgesellschaftlichen Ambitionen und möchte Leone nicht eigenhändig, sondern mithilfe von List und den hilfreichen Österreichern beseitigen. Spontane revolutionäre Gesten lehnt der intellektuelle Sassu als unproduktiv und unrealistisch ab und probt mit seinen Kameraden statt dessen das richtige Leben im falschen. Unter anderem: Rotwein. Kann natürlich nicht gutgehen, klar.\nInteressanter als die allzu schematische Politallegorie sind Nebenlinien: Unter ihnen vor allem die ideologische Spaltung der Führungsriege: Auf der einen Seite der traditionalistische Leone, ein Rassist und Nationalist der alten Schule, voller Pathos und Glaube an die feinen Unterschiede. Auf der anderen Seite ein durchgeknallter aber effektiver Faschist, ein Mann der neuen Zeit, für den Hierarchie nicht ein fein austariertes System geringfügiger Abweichungen darstellt, sondern ausschließlich den simplen Unterschied zwischen Herrscher und Untermensch sicherzustellen hat.\nZu untersuchen wäre ferner die Rolle des Zooms bei Rosi: Alle drei Filme, die ich bislang gesehen haben, setzen diese Technik vehement ein, Le mani sulla citta noch am wenigsten, Lucky Luciano am intensivsten. Der verwirrendste Zoom in Uomini contro findet sich in der letzten Einstellung, wobei mir unklar bleibt, ob die Verwirrung auf den Film selbst, oder nur auf die Aufführungskopie zurückzuführen ist: Zu sehen ist eine gewaltige Stein / Lehmmauer, irgendwann beginnt ein schneller Zoom auf die Mauer hin. Nach wenigen Sekunden und mitten im Zoom, der auf nichts bestimmtes hinaus will und die Mauer bereits in eine abstrakte bräunlich-graue Fläche verwandelt hat, wird die Leinwand scharz. Der Film ist zu ende.\nGepostet von Lukas Foerster unter 12:34 AM No comments:\nLabels: Berlinale, Berlinale 2008, Italien, Rosi, Uomini contro, WW1\nBerlinale 2008: Man jeuk / The Sparrow, Johnny To, 2008\nThe Sparrow ist reines Bewegungskino: Der Plot ist kein Plot im Sinne von ausformulierten Charakteren mit in der sozialen Wirklichkeit verankerten Zielen und ihren Schwierigkeiten, diese zu beseitigen, sondern eine abstrakte Figurenkonstellation, die von To mal auf die eine, mal auf die andere Art verknüpft und kurz angestoßen wird: Hier ein Windhauch, der den Luftballon in die falsche Richtung weht (die beste Luftballonszene findet allerdings innerhalb eines Fahrstuhls statt), da ein als Frau gekleideter Gangster, der Simon Yam in die falsche Gasse lockt: Eine Bewegungskaskade bringt die nächste hervor, alle zehn Minuten werden die Karten neu gemischt: Nächste Versuchsanordnung, diesmal alle mit Verband.\nLeicht komödiantisch und stark fetischisiert kommt alles daher, was To in The Sparrow präsentiert. Doch selbst die Frau-mit-Zigarette Nummer im Cabrio samt Weichzeichner und Lippenstiftspuren auf der Zigarette (ein Film gegen das Rauchverbot, genau wie Hong Sang-soos neues Masterpiece Night and Day) ist nicht aufdringlich. Vor allem der jazzige, beschwingte Soundtrack verhindert ein allzu rührseliges Schwelgen im Melokitschzitat des klassischen Hollywood-, beziehungsweise Frühneunziger-Hongkongkinos. In The Sparrow ersetzt Musik Sprache, Rhythmus wird Ausdruck. Der Film ist über weite Strecken dialogfrei, Sprache ist wenn überhaupt comic relief, die Bilder selbst könnten fast vollständig auf sie verzichten.\nThe Sparrow ist Johnny To at his most formalistic. Quasiabstraktes Kino in Hochglanzbildern und in einer echten Stadt, die wieder mal so eindeutig und unverkennbar Hongkong ist, wie nicht einmal New York in New-York-Filmen New York ist. Um so verwunderlicher bei aller Abstraktion und scheinbarer Selbstgenügsamkeit, dass der Mac Guffin kein Mac Guffin ist, sondern ein ganz realer Reisepass, der über Lebensglück oder -elend einer ganz realen Frau entscheidet, die von einem ganz realen dirty old man ausgebeutet wird.\nNatürlich ist The Sparrow, ein im Kontext von Tos Gesamtwerk eher kleiner, im Kontext der Berlinale jedoch fast übermenschlich großer Streifen, dadurch noch lange kein politischer Film (im Sinne von Rosis Lucky Luciano meinetwegen). Aber er ist eben auch kein "politischer Film". Und hat deshalb nicht die geringste Chance auf den goldenen Bären (noch geringfügig weniger sogar als der beste neue Film des Festivals, Hong Sang-soos oben erwähnter Night and Day).\nGepostet von Lukas Foerster unter 10:38 AM 2 comments:\nLabels: Berlinale, Berlinale 2008, Formalismus, Gangsterfilm, Hongkong, Sparrow, To\nEin chaotischer, wunderbarer Film von Bunuel. Gleichermaßen weit entfernt vom avantgardistischen Früh- wie vom aufwändig produzierten Spätwerk, ein kleiner Film mitten im populären Kino. Die Autorenambition scheint am Rande durch, in kleinen Details, zu surrealistischen Höhen schwingt Bunuel sich nur einmal, anlässlich einer Traumsequenz, auf.\nAnsonsten herrscht kreatives Chaos. Mit Betonung auf Chaos: Vom exotischen Dokudrama, welches der einführende Off-Kommentar verspricht, ist weit und breit keine Spur. Auch das noirige Familienmelo der ersten Viertelstunde verläuft bald im Nichts, beziehungsweise in einer Busfahrt.\nDiese macht den Hauptteil des Films aus. Eine Horde wild zusammengewürfelter Gestalten fährt in einem klapprigen Gefährt durch Mexiko. Wer warum wohin will, ist von Anfang an mehr als unklar. Und so verwundert es nicht, dass so gut wie niemand irgendwo ankommt. Nicht einmal der Busfahrer. Der lädt statt dessen seine gesamten Fahrgäste auf die Geburtstagsfeier seiner Mutter ein. Außerdem mit von der Partie: Eine Femme Fatale, die die frisch verheiratete Hauptfigur verführt (was auch niemand wirklich stört, der Held runzelt ein paarmal gequält die Stirn beim Geanken an seine Untreue, als er am Ende wieder nach hause kommt, fällt er dennoch sofort seiner Frau in die Arme), ein wahrscheinlich korrupter und noch wahrscheinlicher reaktionärer Politiker, der einen Traktor mit vorgehaltener Waffe entführt, ein Mann mit Holzbein, über den sich alle lustig machen, als dieses im Schlamm stecken bleibt, Kinder, die über das Holzbein stolpern, Schafe, die über die Kinder stolpern, eine Gruppe Touristen, die eine authentische Siesta erleben möchten und natürlich sofort zu Objekten der Begierde der Femme Fatale werden.\nNoch jede Idee bleibt auf halbem Weg stecken, die Abenteuerfilmelemente (Blitz und Donner während der Busfahrt) meint Bunuel noch weniger ernst als alles andere. Doch all die kleinen, nicht auch nur halbwegs ausformulierten Ideen ergeben in ihrer Gesamtheit durchaus einen großen Film.\nGepostet von Lukas Foerster unter 12:39 AM No comments:\nLabels: Berlinale, Berlinale 2008, Bunuel, Mexiko, Road Movie, Subida al cielo, Tiere\nViel geredet wird über die Schwäche des deutschen Kinos auf der Berlinale 2008. Vielleicht nicht zu Unrecht: Wenn sogar das ansonsten in diesem Bereich geschmackssichere Forum als einzigen deutschen Spielfilm Nacht vor Augen auswählt, kann der 2008er Jahrgang kein guter sein.\nHanno Koffler spielt David. David war in Afghanistan. Jetzt ist er traumatisiert, weil dort etwas mit einem kleinen Jungen passiert ist. Der Film weiß nicht genau, ob er uns zeigen möchte, was. Und vor allem nicht, wie er das zeigen möchte, von dem er noch nicht mal weiß, ob er es überhaupt zeigen möchte. Einerseits möchte Nacht vor Augen lieber ernsthafte Psychotherapie betreiben. das heißt: Traumakrankheitsbilder medizinisch korrekt entwickeln. Andererseits sehen flashige Alptraumsequenzen aber doch zu sexy aus, als dass man darauf verzichten mag.\nHölzern kommt Berteles Film daher. Schuld daran ist weniger Kofler, als was um ihn herum geschieht und konstruiert wird. Davids Psychosen sind teilweise nett anzusehen, vor allem, wenn sie sich gegen seinen kleinen, doofen Bruder Benny richten. Schlimm wird es eigentlich nur dann, wenn die Gründe für sein Verhalten seziert werden. Sonst könnte er als ein Held der Berliner Schule durchgehen. Vom Held aus Bungalow unterscheidet ihn zuallererst, dass er Gründe hat. Beziehungsweise, dass der Film behauptet, sie zu kennen. Und auch darstellen zu können. Da fängt das ganze Unheil an.\nGepostet von Lukas Foerster unter 12:21 PM No comments:\nLabels: Berlinale, Berlinale 2008, Bertele, Deutschland, Filme die keiner braucht, Förederkino, Heimatfront, Kriegsheimkehrer, Nacht vor Augen\nNinja: American Warrior (1987) (as Tommy Cheung)\nAngel's Blood Mission (1987) (as Benny Ho)\nCobra vs. Ninja (1987) (uncredited) ... aka Cobra Against Ninja (Hong Kong: English title)\nDeath Code: Ninja (1987) (as Tommy Cheung)\nEmpire of the Spiritual Ninja (1987) (as Bruce Lambert)\nHands of Death (1987) ... aka Royal Warriors (International: English title)\nNinja and the Warriors of Fire (1987) (as Bruce Lambert) ... aka Ninja 8: Warriors of Fire (USA)\nNinja Commandments (1987) (uncredited)\nNinja Death Squad (1987) (as Tommy Cheung)\nNinja Extreme Weapons (1987) (as Felix Tong)\nNinja in Action (1987) (as Tommy Cheung)\nNinja Kill (1987) (uncredited)\nNinja Operation: Licensed to Terminate (1987) (uncredited) ... aka Ninja Operation: Licensed to Terminate (UK)\nNinja Phantom Heroes (1987) (as Bruce Lambert)\nThe Ninja Showdown (1987) (uncredited)\nNinja: Silent Assassin (1987) ... aka Knight & Warrior (UK: video title) ... aka Ninja Operation: Knight & Warrior\nZombie vs. Ninja (1987) (as Charles Lee) ... aka Zodiac America: The Super Master (Hong Kong: English title) ... aka Zombie Revival: Ninja Master ... aka Zombie Rivals (UK: DVD box title)\nGepostet von Lukas Foerster unter 12:13 PM 1 comment:\nLabels: Godfrey Ho, Hongkong, Horror, Ninja, Science Fiction, Trash\nZou you /In Love We Trust, Wang Xiao Shuai, 2008\nWonderful Town, Aditya Assarat, 2008\nSweet Food City, Gao Wendong, 2008\nDie Kamera bewegt sich selten, die Einstellungen sind lang, wenn Musik, dann Klaviermusik, erzählt wird tendenziell weniger als anderswo.\nDie Vorbilder sind deutlich erkennbar: Hou Hsiao-hsien für Zou you (aber nur stilistisch, seine Geschichte rollt Wang Xiao Shuai ohne die Houschen Aussetzer und Ellipsen ab), Wong Kar Wai für Wonderful Town, Tsai Ming Liang für Sweet Food City. Innerhalb des (süd)ostasiatischen Kunstfilms haben sich verschiedene Archetypen herausgebildet, die endlos variiert werden können.\nZou You ist ein Wettbewerbsfilm. Und zwar nicht nur, weil er im Wettbewerb läuft, weil Kosslick ihn während seiner äußerst tiefschürfenden Recherchen im Bereich des asiatischen Autorenfilms ausfindig gemacht hat. Nein, Zou you wurde von Anfang an für diesen Wettbewerb geschrieben und gedreht. Oder wenn nicht für diesen, dann für den in Locarno oder San Sebastian (für Venedig oder Cannes ist er denn doch zu schlecht). Klar, das gilt prinzipiell für viele, wenn nicht gar für alle Filme des Programms: Der Festivalbetrieb wählt seine Filme nicht aus einem außerhalb seiner selbst existierenden Filmmarkt, sondern produziert diesen selbst, teils direkt, teils und weitaus effektiver indirekt. Dennoch addressiert Zou you die Programmkommission als anvisiertes Publikum noch deutlicher als die meisten anderen Wettbewerbsfilme der letzten Jahre, die ich gesehen habe. Pitch: World Cinema light. In diesem Fall wie bereits angedeutet und wie Wang Xiao Shuai es bereits mit Drifters einstudiert hat: Hou Hsiao-hsien light. Die Bilder sind streng komponiert, teilweise schön in die Tiefe gestaffelt, Kamerabewegungen werden spärlich, dann aber effizient eingesetzt. Freilich: In den dramatischen Momenten gibt's dann trotzdem Schuss/Gegenschuss.\nNarrativ betrachtet ist Zou you leicht formalisierter Arthausproblemsozialkitsch: Wörtlich übersetzt heißt "Zou you" "Rechts Links", eine Familie rechts, eine links, das Mädchen, um dessen Krankheit es geht, hat ein Zöpfchen rechts, eines links, ein biologisches Elternteil in der rechten, eines in der linken Familie, aus medizinischen Gründen sollen sich die beiden noch einmal sexuell vereinigen (zwecks Erzeugung eines Stammzellenliefernates für das Zopfmädchen), das führt zu Ehekrach rechts und Ehekrach links, vor allem nachdem die künstliche Befruchtung scheitert. Zwischendrin erklärt eine Figur der anderen die chinesische Zweikindpolitik. Die weiß natürlich bereits Bescheid also erklärt eigentlich eine Figur dem Publikum die chinesische Zweikindpolitik. Noch genauer: Der Film erklärt der Programmkommision, dass er irgendwie auch politisch ist. Hou Hsiao-hsien würde einen solchen Stoff natürlich nie anfassen, bei Alain Resnais wäre daraus ein Masterpiece geworden. Bei Wang Xiao Shuai erfüllt sich der Zweck des Films mit der Einladung zum Berlinalewettbewerb und werweiß dem Preis irgendeiner ökumenischen Jury. Mehr gibt es für einen solchen Film nicht zu hoffen, mehr verlangt er auch nicht.\nWonderful Town hat es nur ins Forum geschafft. Wahrscheinlich, weil es sich um einen Debutfilm handelt. Auch Aditya Assarat hält sich an die Regeln. Und zwar an die von Wong Kar Wai. Beziehungsweise an die von Christopher Doyle. Langsam schwebende Kamerafahrten, liebliche Farbtöne, dünne Mädchen, die neben flatternden Vorhängen auf dem Bett liegen. Irgendwo ist ein Geisterhaus, das macht kurz Hoffnung, spielt dann aber keine große Rolle. Statt dessen bittersüße Liebesgeschichte, bittersüße Liebesgeschichtebilder, bittersüße Liebesgeschichtebilderbegleitmusik.\nTechnisch ist das sehr ansehnlich und da die Narration wie bei Wong Kar Wai nicht allzu aufdringlich ist, gefällt Wonderful Town besser als Zou you. Schön ist eine Sequenz, in der die lokalen Dorfprolls die Liebenden während einer Autofahrt traktieren. Die Kamera schwebt mit dem fahrenden Auto und teilt die Verunsicherung dessen Insassen. Schön ist auch das brutale Finale, welches dann doch nicht mehr ganz im Genre aufgeht. Das letzte Bild ist dann wieder Kinopoesie der schrecklicheren Art: Zwei rosa gekleidete Kinderballerinas tanzen auf einer Steinmauer.\nAuch Sweet Food City läuft im Forum. Im Gegensatz zu Wonderful Town kann ein solcher Film auch nur dort laufen. Gefühlte 10 Minuten dauert eine starre Einstellung, die im Vordergrund einen Müllsammler zeigt, der im auf der Straße liegenden Abfall wühlt. Narrativ von Interesse ist eine andere Figur, im Hintergrund. Erst sitzt sie ein paar Minuten schweigend auf einer Treppe, dann führt sie ein kurzes Telefongespräch, das so gut wie keine Informationen bietet, dann bleibt sie noch ein wenig sitzen, schließlich steht sie auf und geht. Die Einstellung ist jedoch erst zu Ende, nachdem der Müllsammler das Bild verlassen hat.\nSweet Food City ist ein guter Film und orientiert sich an Tsai Ming Liang, an seiner Art, Bilder zu komponieren, wie auch an seinem Erzählstil, an einer narrativen Logik, die auf die Fähigkeit des Publikums setzt, Lücken selbstständig zu füllen. World Cinema heavy. Dabei deutlich stärker als Tsai Ming Liang Realismusdiskursen verhaftet. Sweet Food City ist nicht emphatisches nothing happens. Zumindest nicht nur. Meist gibt es in den szenischen Panoramen der vor sich hin gammelnden Stadt Interessantes zu beobachten. Das soziale Leben im Zustand seines Verfalls, denkbar weit entfernt von Jia Zhang-kes im Vergleich vitalistischen Gewusel in Still Life. Architektur im Zustand ihres Zerfalls, die Häuser brechen auf, die Kamera entfernt sich und betrachtet sie von weitem. Auf mehreren Etagen dieser Ruinen organisiert eine Art Ersatzleben, ganz ähnliche Bilder findet Sweet Food City hier wie Rithy Panhs Les artistes du Theatre Brule.\nDazwischen entwickelt sich irgendwo eine Geschichte. Erst fast gar nicht, nicht einmal deren Exposition kommt weiter als zur Klärung, dass eine Figur der Onkel einer anderen ist und eine Dritte wohl als Prostituierte arbeitet. Wenn die Geschichte dann in Schwung kommt, tut sie das zwischen den Bildern und zwar so schnell, dass die Bilder selbst gar nicht mehr hinterherkommen und das auch schnell wieder aufgeben. Dann schauen die Figuren lieber Filme von Bergman, Antonioni und Edward Yang. Dazwischen auch mal Hongkong-Trash. Gewidmet ist der Film aber natürlich nicht Godfrey Ho, sondern Antonioni, Bergman und Yang. Das sorgt für Erheiterung im Publikum. Warum eigentlich?\nGepostet von Lukas Foerster unter 10:48 AM 5 comments:\nLabels: Asaarat, Berlinale, Berlinale 2008, China, Gao Wendong, Hou, long take, Panasiatisches Kunstkino, Sweet Food City, Thailand, Wang Xiao Shuai, Wonderful Town, Zou you\nLet water be water\nGepostet von Lukas Foerster unter 10:43 AM 1 comment:\nBerlinale 2008: My Brother's Wedding, Charles Burnett, 1983\nMy Brother's Wedding ist der einzige Film, den Charles Burnett in den Achtziger Jahren verwirklichen konnte. Sieben lange Jahre verstrichen anschließend bis zu seinem Masterpiece To Sleep with Anger. Nur 81 Minuten Film konnte Burnett in einem ganzen Jahrzehnt realisieren. Doch diese 81 Minuten gehören zum großartigsten, was ich in diesem Jahr im Kino gesehen habe.\nWie in Burnetts Debutfilm Killer of Sheep (meinem Lieblingsfilm der letzten Berlinale) geht es um männlische afroamerikanische Subjektivität. Allerdings unternimmt der Regisseur nicht mehr den Versuch, diese quasi unvermittelt, via lyrischen, quasidokumentarischen Alltagsbeobachtungen und einer Third-Cinema-Ästhetik festzuhalten. Statt dessen wagt sich My Brother's Wedding an die Narration.\nIn mancher Hinsicht liegt der Film nicht nur zeitlich genau zwischen Killer of Sheep und To Sleep With Anger: Die poetische Introspektion weicht langsam der Gesellschaftsanalyse, im Zentrum steht aber weiterhin der Protagonist der ersteren. In einem ansonsten oft rührend unbeholfen wirkenden, dabei jedoch perfekt in Szene gesetzten Cast ist Everett Silas als Pierce eine kleine Offenbarung. Wie Henry G. Sanders in Killer of Sheep (und wie John Anderson in Haile Gerimas Ashes and Embers) reagiert Silas auf das soziopolitische Spannungsfeld, welches ihn umgibt, tendenziell resigiert und destruktiv. Die Arbeit im Reinigungsbetrieb der Eltern ist für ihn nützlich als Proletarierinszenierung, Zeit für kleine Flirts mit der (deutlich zu) jungen Nachbarstochter bleibt immer.\nVerhandelt wird der Klassengegensatz innerhalb der schwarzen Bevölkerung der USA, der mit den Nachwirkungen der Politisierung der Sechziger und Siebziger Jahre ebenso kollidiert, wie mit traditionelleren, von Religiosität bestimmten, Lebensweisen.\nSichtbar wird jedoch noch viel mehr: Immer wieder bricht der Film auseinander, kleine Erzählungen treten herein und werden wieder fallengelassen. Pierces kleinkrimineller Kumpel spielt ein bisschen Blaxploitation und verrennt sich dabei in Windeseile, Pierces mutter verjagt unentschlossene Gangster aus der Reinigung, Pierces Oma schimpft über den teuflischen Fernsehapparat: In 81 Minuten erschafft Burnett erschafft Burnett mit einfachen, effektiven Mitteln einen ungemein umfassenden Blick auf die Gesellschaft, gegen den sich Hollywoods Sozialbehauptungen a la The Ice Storm erbärmlich ausmachen.\nWeiterhin: Die Musik ist großartig. Das Schlussbild auch.\nGepostet von Lukas Foerster unter 11:58 AM 1 comment:\nLabels: Berlinale, Berlinale 2008, Black Cinema, Burnett, Killer of Sheep, My Brother's Wedding, To Sleep With Anger, USA\nDas Kino wird wieder maskulin: Männer, die mit gezückter Waffe in die Dunkelheit gehen (We Own the Night), Männer, die im Badehaus in Blut und Schweiß baden (Eastern Promises). Und jetzt: Männer, die in Löcher steigen und sich im Schlamm wälzen.\nThere Will Be Blood beginnt großartig: Die Spätphase der Erschließung des amerikanischen Kontinents wird mit wiederkehrenden Motiven dargestellt: Immer wieder sucht man das Glück unter der Erde, immer wieder findet man da vor allem: Matsch und immer wieder kracht schließlich irgendwas von oben auf einen runter.\nBegleitet wird dies von episch-atonalen Klängen, die die gesamte erste Stunde des Films prägen. Diese erste Stunde widmet sich neben den Löchern auch der Landschaft, in der gebuddelt wird. Die grandiosen Panoramaaufnahmen dieser ersten Stunde begnügen sich nicht damit, zu überwältigen (obwohl sie auch das tun), sie behalten auch stets ein verstörendes Moment durch die Tatsache, dass die menschlichen Landschafts-Aneignungsversuche sich oft recht hilflos ausmachen zwischen all dieser erdrückenden, aber auch leeren Natur. Stellenweise filmt Anderson Amerika so, als sei es ein Eintwicklungsland.\nDie erste Stunde gipfelt in einer gigantischen Ölexplosion: Das Unterirdische kehrt sich nach außen, gebuddelt werden muss also im weiteren nicht mehr. Mit peitschender Musik unterlegt Anderson die Feuersbrunst. Eigentlich hätte der Film hier sein Ende finden sollen.\nLeider folgt danach noch eine komplette Spielfilmlänge. Und je mehr Abstand ich zu diesem Nachklapp gewonnen habe, desto deutlicher wird mir: Dieser zweite, größere Filmabschnitt ist in der Tat ziemlich schlecht.\nHier setzt Daniel Day-Lewis zum konzentrierten Großangriff auf den Darsteller-Oskar an. Und Paul Dano auf den Nebendarsteller-Oskar. Und die Landschaft verschwindet zugunsten eines unzusammenhängenden Nebeneinanders von Szenen, die nur auf den Effekt hinprogrammiert erscheinen. Und der Haupteffekt soll eben der Oskargewinn Day Lewis' sein. Und der Nebeneffekt wahrscheinlich irgendein Kommentar zur Verstrickung von Religion, Amerika und Kapitalismus. Doch sobald dieser Kommentar sich von der Landschaft und den Löchern in der Erde löst, wird er zur bloßen Behauptung, die ihren einzigen Halt im exzentrischen Schauspiel der Figuren findet. Und also eigentlich gar keinen.\nAuch ist der Film hier epigonal auf eine recht unerträgliche Weise. Am naheliegensten ist der Verweis auf Giant (ein weiteres um eine volle Spielfilmlänge zu lange geratenes Ölbohrerdrama), doch im weiteren finden sich mal mehr, mal weniger deutliche Anklänge an mindestens Citizen Kane, The Godfather, Brian dePalmas Scarface (dies besonders aufdringlich) und, worauf Thomas verweist, Clockwork Orange. Natürlich sind solche Bezüge unvermeidlich nach 113 Jahren Filmgeschichte. Ärgerlich ist nur, dass Anderson, anders als Ridley Scott in seinem tollen, gut sortierten American Gangster, alles auf einmal haben will: Zitatenspiel und größtmögliches Angeberepos, Mythendekonstruktion nach Art des Autorenfilms und Starsystem. Übrig bleibt dann erwartungsgemäß sehr wenig.\nUnd dabei ist die ersten Stunde des Films so großartig...\nGepostet von Lukas Foerster unter 11:28 AM 1 comment:\nLabels: Berlinale, Berlinale 2008, Indiewood, Industrie, Method acting, Pomo, PT Anderson, There Will Be Blood\nVictoire Terminus, Kinshasa, Florent de la Tullaye, Renaud Barret, 2008\nOtto; or Up with Dead People, Bruce LaBruce, 2008\nFrauenboxen im Kongo: Zerschlissene Trainingsutensilien, 1 US-Dollar Siegprämie, Trainerratschlag: Haltet Euch von Männern fern (nicht, weil Sex die Kampfmpral untergräbt, sondern weil so mancher Mann im Kongo Frauen mit Eisenstangen traktiert, auch das erfahren wir). Dazwischen beziehungsweise daneben: Wahlplakate Joseph Kabilas, weitaus seltener solche seines Kontrahenten Jean-Pierre Bemba. Am Rande einer Wahlkampfveranstaltung des letzteren liefern sich seine Milizen Gefechte mit Polizeikräften. Die Kamera ist fast genauso nah an den Schießereien wie an den Boxkämpfen. Freilich hält sie sich raus, genau wie die Filmemacherinnen.\nVictoire Terminus, Kinshasa porträtiert die Boxerinnen zurückhaltend, drängt sich nicht auf und lässt ihnen dennoch Raum, sich offen vor der Kamera zu artikulieren. Nie verlässt er die Aussenperspektive und nie schafft er unzulässige Verbindungen. Alles im Leben der Frauen verweist auf Politik, und so muss der Film dasselbe tun. Wenn der Film selbst ein politisches Programm hat, dann ist es das der kleinen, kontruktiven Gesten. Genau wie der Boxtrainer gegen alle Widerstände seine Schule aufbaut und von der Afrikameisterschaft träumt. Die Mehrzahl seiner Schülerinnen freilich träumt vom Leben im Ausland.\nJedes Jahr finden sich im Programm des Panoramas zwei bis drei Filme, die man sich anschauen sollte. Dann nochmal zwei bis drei, die man sich durchaus anschauen kann. Und schließlich 30 bis 40 Filme, die man sich keinesfalls anschauen sollte. Otto; or Up with Dead People gehört zur mittleren Kategorie.\nEinen schwuler Zombie-Trash-Essay-Pornofilm bekommt man auf der Berlinale nicht alle Tage zu sehen. Bruce LaBruces Werk wird deshalb gewiss zu den öfters diskutierten Filmen des Festivals gehören. Freilich sollte man sich darüber klar sein, dass der Film eben genau das ist: Ein schwuler Zombie-Trash-Essay-Pornofilm.\nNatürlich nicht alles in gleichem Maße: Zombies sind nur als Idee wichtig und eigentlich gar nicht. Ein schwuler Porno im eigentlichen Sinne ist der Film in der im Festival präsentierten Version auch nicht. Es steht zu erwarten, dass eine solche (integrale?) Version irgendwann die Videotheken erreichen wird. Denn so finanziert Bruce LaBruce sein Schaffen; allerdings ist auch die Festivalschnittfassung dazu angetan, den neuen BZ-Berlinale-Pornoskandal zu provozieren. Trashig ist der Film schon, aber die toten Tiere sehen erstaunlich echt aus.\nBleibt der Essayfilm. Denn ein solcher ist Otto; or Up with Dead People natürlich letzten Endes. Und als solcher tendiert er für meinen Geschmack leider doch, trotz aller schöner Einfälle, zu sehr in Richtung Ulkrike Oettingers präironischen Diskurssalat. Oder so ähnlich.\nGepostet von Lukas Foerster unter 9:24 PM No comments:\nLabels: Barret, Berlinale, Berlinale 2008, Boxen, Bruce LaBruce, Dokumentation, Essayfilm, Horror, Kongo, Otto or up with Dead People, Queer, Sex, Stummfilm, Victoire Terminus Kinshasa, Zombie\nBerlinale 2008 / Berlin Hot Shots 2008: Ghettos in Manila\nSquatterpunk, Khavn, 2007\nTribu, Jim Libirian, 2007\nTirador / Slingshot, Brillante Mendoza, 2007\nAuch jenseits der hierzulande leider praktisch unsichtbaren Werke von Lav Diaz ist das philippinische Kino derzeit auf dem besten Weg, nach dem südkoreanischen der nächste große Festivalhype zu werden. Allerdings sind die Philippinen im Gegensatz zu Südkorea ein bitterarmes Entwicklungsland. Inwiefern ein solches sich wiederstandslos in die Festivalökonomie auch außerhalb von Rotterdam integrieren lässt, wird die Zukunft zeigen.\nDas internationale Forum des jungen Films präsentert neben neuen Arbeiten der aus dem Diaz-Umfeld entstammenden Filmkünstlern Khavn und John Torres unter anderem zwei Arbeiten, die wesentlich weniger reflektiert zu Werke gehen. Rundheraus Exploitationfilme sind beide Arbeiten zwar nicht, doch die jeweiligen Protagonisten (in beiden Fällen Kleinkriminelle in den Slums Manilas; Taschendiebe im Fall von Tirador, bewaffnete Jugendgangs mit Hiphop-Affinität in Tribu) bleiben stets reine Objekte des Films, Projektionsflächen eines freilich als sympathisiernd und mitfühlend vorausgesetzten Blicks.\nIn technischer Hinsicht bieten sich natürlich Vergleichsmöglichkeiten: Auch Tribu und Tirador setzen vehement auf ein digitale Bild, das nie Ersatz ist für ein verloren gegangenes analoges ist, sondern dessen spezifischen Fähigkeiten genutzt werden sollen. Beide Regisseure setzen auf eine Ästhetik der Unmittelbarkeit, die die Unterscheidung zwischen Dokumentarischem und Fiktiven tendenziell aushebelt. Dominant sind rasante Handkamerafahrten durch enge Gassen voller Menschen und selten ist markiert, wer zur Inszenierung gehört und wer nur zufällig im Bild auftaucht. Freilich geht es nicht darum, kohärente Räume zu etablieren. Insbesondere Tirador zerstört jede räumliche Kontinuität im selben Moment mit ihrer scheinbaren Etablierung durch Jump-Cut-Serien und Reißschwenks der schwindelerregnederen Sorte. Die manische Kamera besitzt kein Erkenntnispotential, die digitalen Bilder sind genauso defizitär wie die Bemühungen der Protagonisten, sich innerhalb der Ghettos ein auch nur halbwegs gesichertes Leben aufzubauen. Als eine der Hauptfiguren ihr künstliches Gebiss verliert, stochern sie und ihre Freunde hilflos im Dreck der Rinnsteine. Die Kamera stochert fleißig mit, aber genauso hilflos, der Schlamm löst sich in Pixel auf und rückt keine Information mehr heraus.\nBeide Filme erzählen episodisch, anstatt sich (wie der ansonsten sehr ähnliche, aber deutlich bessere Kubrador / The Bet Collector) auf eine Hauptfigur zu konzentrieren. Allerdings ist die Beziehung der einzelnen Episoden zueinander jeweils unterschiedlich: Tirador springt von Miniplot zu Miniplot, ohne dass abgesehen von einer brutalisierten Grundathmosphäre ein roter Faden zu erkennen wäre. Das einzige Gebot ist Vollgas. Keine Sekunde Zeit zum Ausruhen gönnt Mendoza seinen Figuren und dem Publikum. Das Ergebnis tendiert manchmal doch in Richtung Elendstourismus. Schon in der Eingangssequenz (einer Polizeirazzia in den Slums) präsentiert die Kamera nacheinander Junkies, Prostituierte, Spieler etc, immer begleitet von einem entsprechenden Kommentar auf der Tonspur. Auch im weiteren Verlauf wird ein Themenfeld nach dem anderen abgegrast, bis hin zu nun nicht mehr ganz so ghettoaffinen Gebieten wie der Videopiraterie\nTribu dagegen unternimmt den Versuch, um einen zentralen Konflikt herum ein breites Panorama an Suberzählungen aufzuspannen. Mehr Platz bleibt hier für kleine, präzise Beobachtungen (Arbeitsalltag im Schlachthof, Ehestreitigkeiten auf offener Straße, Beschimpfungen des Stromzählerablesers etc), durchaus auch für eine etwas klassischere Figurenzeichnung, die auf der Differenz unterschiedlicher Formen der Welterfahrung auch im Ghetto beharrt. Freilich münden alle Erzählstränge letzten Endes in ein Blutbad von biblischem Ausmaß. Dennoch ist Tribu insgesamt aufgrund seiner offeneren Struktur der interessantere Film.\nEinen völlig anderen Weg in die Slums wählt Khavn. Squatterpunk ist nach Aussage des Regisseurs größtenteils an einem einzigen Tag gedreht worden und besteht, wiederum nach Aussage des Regisseurs, zu 90% aus Beobachtung und zu 10% aus Inszenierung. Zu den 10% zählt die Frisur der Hauptfigur. Khavns Film verfolgt ein tag im Leben eines Straßenkindes, welchem er vorher die Haare zur Irokesenfrisur geschnitten hat. In einer quasihalluzinatorischen Sequenz improvisiert dieser Junge mit seinen Freunden ein Punkkonzert in der Kirche, springt vor dem Altar auf und ab und schreit ins Mikrofon. Zu hören ist davon freilich nichts.\nMit Ausnahme einiger Tiergeräusche verzichtet Squatterpunk auf Originalton. Zwar existieren wohl mehrere musikalische Tonspuren von Punkrock bis Techno, doch seine volle Wirkung entfaltet der Film nur als Teil einer Performance (oder zumindest muss der Ton voll aufgedreht werden: See This Movie Loud). So kann es hier nicht um den Film als Ganzes gehen, sondern aussschließlich um desssen ganz spezifische Manifestation am 21. Januar 2008 im Kino Babylon in Berlin Mitte. Wie die Arbeiten von Lav Diaz sprengt auch Khavns Werk nicht nur Konventionen der Filmsprache auf, sondern auch eingefahrene Präsentationsformen von Kino selbst (ohne freilich auf den Kino als Ort zu verzichten). Die von mir besuchte Vorstellung wurde von Khavn selbst am Klavier und an der Orgel sowie von John Torres' E-Gitarre (Torres' Todo Todo Teros ist nebenbei trotz aller Kryptik auch ein toller Film) begleitet: Hypnotischer, kraftvoll-ruppiger Hardrock intensiviert die Filmerfahrung in unwahrscheinlichem Ausmaß und macht Squatterpunk zu einem meiner großartigsten Kinoerlebnisse der letzten Zeit.\nKhavn geht in die Slums und filmt ausnahmslos alles, was er dort vorfindet. Freilich findet er neben Drogen, Scheisse und Hautausschlägen auch eine Gruppe von Hühnern, denen er exakt dieselbe Aufmerksamkeit schenkt. Die Kamera in Squatterpunk nimmt nicht Partei, sondern stimmt allem, was sie anblickt, bedingungslos zu. Khavns Film ist eine halluzinaorische Feier der Wirklichkeit mittels frenetischer Montage- und Bildmanipulationsexperimenten.\nSquatterpunk ist das exakte Gegenteil von Sozialarbeiterkino (in jeder Form; der Begriff muss kein Werturteil enthalten). Khavn weißt im Publikumsgespräch auf die absolute Differenz zwischen ihm und den Straßenkindern hin: Vor dem Dreh hatte er nicht den geringsten Kontakt zu ihnen, nach einem Tag war er wieder verschwunden. Geblieben ist nur der Film. Dieser Film gibt den Straßenkindern nicht nur die Subjektivität zurück, die in Sozialstatistiken und kirchlichen Spendenaufrufen noch stets verschwindet oder zum Klischeebild des traurig in die Kamera starrenden Babygesichts gerinnt, sondern er macht sie für die Dauer von 90 Minuten zum Zentrum eines ganzen Universums.\nLabels: digitales Kino, Ghetto, Khavn, kichen sink, Libirian, Manila, Mendoza, Philippinen, Squatterpunk, Tirador, Tribu\nDer integre Teil des Weltkinos hat längst eine Filmgrammatik entwickelt, die mindestens ebenso konventionalisiert ist wie sein böses anderes, Hollywood. Tatil kitabi ist Teil dieses Kinos und sein Regisseur Seyfi Teoman beschreibt in seinem Director's statment mit bewundernswerter Präzision die dieser Filmform zugrundeliegende Ästhetik: "The combination of long wide shots with functional close-ups, amateur actors, minimal acting and natural lighting are the determing characteristics for the style and atmosphere of this film."\nSelbstverständlich bietet diese Filmsprache - wie die Hollywoods - unendliche Variationsmöglichkeiten und so durchzieht Tatil kitabi denn auch ein völlig anderer Tonfall als beispielsweise die Filme der Berliner Schule oder, naheliegender, Nuri Bilge Ceylans. Mit letzterem verbindet Teoman die unaufdringliche Stilisierung des Dargestellten, oft mittels kunstvoller Schärfeverlagerung (beispielsweise während eines assymetrischen Blickwechsels, der für die eine Seite Beginn eines Flirts, für die andere höchstens ein kurzer Ausbruch aus dem ehealltag darstellt), allerdings steht diese weit weniger im Mittelpunkt. Stärker als Ceylan ist Teoman seinem Schauplatz verpflichtet, einer türkischen Provinzstadt, deren Porträt ist Tatil Kitabi im Grunde mehr als das der Großfamilie, welche im Zentrum der Handlung steht.\nDie Parameter sind längst bekannt, Tatil kitabi orientiert sich wie andere gute neue türkische Filme (und wie nebenbei bemerkt noch fast jede Neue Welle der letzten 30 Jahre) in letzter Instanz am italienischen Neorealismus. Dennoch gefällt Teomans Film: Die Kamera weiß in jedem Moment, was sie tut, die Figuren geraten nicht ins Schwatzen, wollen uns nichts beweisen sondern höchstens einen kleinen ausschnitt ihres Lebens präsentieren.\nDer Film, auch das gehört zum Konventionsarsenal dieses Kinosegments, findet keine inhaltliche, wohl aber eine formale Schließung. Insofern ist der Schluss von Teomans Director's statement eigentlich nur halb richtig: "I think a film should try to be as loose as life itself."\nNatürlich existieren im "life itself" keine motivisch-zirkulären Schließungen wie in Tatil kitabi (obwohl: die wiederkehrenden Schulbänke am Ende der Sommerferien sind zumindest Teil einer Serie), keine stringende Motivik und so weiter. Und natürlich ist es letztlich willkürlich, Film auch nur irgendwie mimetisch einer so allgemeinen Kategorie wie dem Leben angleichen wollen. Was jedoch bleibt, ist ein Film, der ein Fenster zur Welt sein will, mit all den Problemen, die eine solche Konzeption mit sich bringt (unter anderem dem Verzicht auf jede falsche Unmittelbarkeit, da der Zuschauer sich immer schon auf der falschen Seite des fensters befindet). Und irgendwie ist ein Film wie Tatil kitabi vielleicht tatsächlich dieses Fenster.\nGepostet von Lukas Foerster unter 10:06 AM 1 comment:\nLabels: Berlinale, Berlinale 2008, Kind, Tatil kitabi, Teoman, Türkei, world cinema\nNational Treasure: Book of Secrets, Jon Turteltaub, 2007\n"This will give us great inside in pre-columbian history": Eine solch ehrenwerte Motivation hat wohl noch selten einen Blockbuster angetrieben. Jon Turteltaub und Jerry Bruckheimers großangelegte Geschichtsstunde ist amerikanische Diskurskultur im Lehrlauf. Abgezogen ist ihr jede ethisch-moralische Fragestellung, jedes Projekt im engeren Sinne, geblieben ist die Lust am Auseinandernehmen und Wiederzusammensetzen von Geistes-, Real- und vor allem Familiengeschichte. Hätte Josiah Bartlet seiner Mannschaft einmal einige völlig freie Tage jenseits dem moralischen Imperativ der Weltpolitik gegönnt, wären Toby, CJ und ihre Mitstreiter mit Sicherheit in ein ebenso bescheuertes Abenteuer hineiengeraten wie Nic Cage und Justin Bartha. In der Tat ist noch das enttäuschendste an diesem tollen Film die Tatsache, dass im weißen Haus eben nicht Martin Sheen residiert, sondern der im direkten Vergleich (trotz profunder Architekturkenntnisse) doch eher enttäuschende Bruce Greenwood. Doch dafür entschädigt die Gates-Familie auf der Ganzen Linie: Diese kann nicht nur auf eine lange Ahnengalerie zurückblicken, sondern überbietet sich gegenseitig in der Präsentation von Spezialwissen jeder nur denkbaren Spielart. Alle anderen Figuren des Films scheinen vom Gates-Geist angesteckt, ohne ihm freilich gerecht werden zu können. Der Präsident muss erst einmal von einem durchgeknallten Ahnenforscher entführt werden, um sich auf seine nerdigen Wurzeln zu besinnen (davor rennt kurz sein Pressechef durchs Bild, der sich um die Haltung seines Chefs zu Minderheiten sorgt; solche Trivialitäten sind jedoch angesichts eines Geheimgangs aus der Zeit Washingtons inklusive versteckten Hebelmechanismen schnell vergessen), Justin Bartha ist so etwas wie die Wal-Mart Version von Nic Cage und versucht, mithilfe eines zusammengeschusterten populärwissenschaftlichen buches Frauen aufzureißen, selbst der Bösewicht Ed Harris wird nicht wirklich von Motiven angetrieben, die ihn in anderen Filmen unsympathisch machen würden. Ed möchte den Namen der Gates beschmutzen. Das geht natürlich gar nicht klar.\nNic Cage ist als Ben Gates großartig (den Vorgängerfilm kenne ich noch nicht, anschauen werde ich ihn mir jedoch möglichst bald), in einem derart artifiziellen Universum, wie es Turteltaub hier entwirft, wäre ein auch nur etwas realistischer gezeichenter Ahnenforscher unbrauchbar gewesen. Doch völlig ins Parodistische kippt Cages Darstellung nie und den Clown gibt auf geradezu rührend konventionelle Art sein Sidekick Justin Bartha. Mir scheint, dass Cage ohnehin der geborene B-Movie Schauspieler ist, und da die B-Movies von gestern die Blockbuster von heute sind, wird er noch eine lange Karriere auf der A-List vor sich haben.\nJon Turteltaub, der sich in seiner Karriere wahrscheinlich noch nie auch nur einen Zentimeter vom Mainstream entfernte und in seinen jungen Jahren unter anderem einen Thomas Gottschalk-Film (Trabbi Goes to Hollywood) sowie Cool Runnings verbrochen hat, beherrscht sein Metier inzwischen perfekt. Immer ist was los, das Tempo ist hoch, aber die Ereignisse werden derart redundant präsentiert ("I am going to kidnap the president" "What did You say? You want to kidnap the president" "Mr. President, I just kidnapped You" "I can't believe You just kidnapped the president!" "Do You know, that he kidnapped the president?" und so weiter, oder zumindest so ähnlich), dass man den Faden aber schon gar nicht verlieren kann. Und für die sich dann doch manchmal häufenden Familiendramaklischees (Jon Voight und die wieder einmal schwer erträgliche Hellen Mirren wälzen sich, in Erinnerung an alte Tage schwelgend auf der Erde) entschädigen großartige Cage-Szenen, etwa wenn dieser sich mit französischen fahrradbehelmten Polizisten über Montesquieu unterhält.\nZu allem Überfluss findet sich neben dem weißen Haus, Mount Rushmore, Buckingham Palace und dem Eifelturm auch noch eine schöne Autoverfolgungsjagd. Diese legt nahe, dass von Laswagen fallende Gegenstände während einer solchen kein Auteursmerkmal Michael Bays darstellen, sondern wohl eher ein Markenzeichen Bruckheimers sind.\nGepostet von Lukas Foerster unter 1:18 AM No comments:\nLabels: awesome, Blockbuster, Diskurs, Geschichte, Hollywood, National Treasures, Nic Cage, Turteltaub, USA, West Wing\nBuda as sharm foru rikht / Buddha Collapsed Out of Shame, Hana Makhmalbaf, 2007\nMusunde hiraite, Izumi Takahashi, 2007\nNirvana, Igor Voloshin, 2008\nCorroborree, Ben Hackworth, 2007\nHana Makhmalbaf ist Mohsens jüngste Tochter und wie ihre Schwester Samira längst Teil der internationalen Festivalszene. Ihr erster Spielfilm Buddha Collapsed Out of Shame ist eine Allegorie der unsubtileren Art: Der Clou des Streifens ist schon im Namen enthalten und erfüllt sich sowohl im ersten, als auch im letzten Bild. Dazwischen der Inhalt der Allegorie: Das, weswegen Buddha vor Scham kollabiert. Wer mit dem Kino der Makhmalbafs, insbesondere Samiras, oder auch nur der Festivallogik vertraut ist, wird sich nicht wundern, dass er dies aufgrund der multiplen Unterdrückungsstrukturen der afghanischen und implizit auch der iranischen Gesellschaft tut. Ebensowenig wird er sich darüber wundern, dass die Akteure des Films fast ausschließlich Kinder sind. Auch diese Strategie kennt man nicht nur aus Samiras schönem Debut The Apple (Sib, 1998). Zu vermuten ist, dass so gleich zwei Ziele verfolgt werden: Einerseits soll der heimischen Zensur ein Schnippchen geschlagen werden, indem die politische Kritik kodifiziert wird (aber dennoch deutlich lesbar bleibt) und dadurch die Voraussetzungen für eine Fortführung der eigenen Filmpraxis im Heimatland erhalten bleiben. Andererseits spekuliert dieses Kino auf Nischen im Festivalbetrieb, welcher zwar immer nach dem Politischen schreit, dieses aber doch bitte entsprechend verpackt und entschärft präsentiert bekommen möchte, auf dass er es selbst entsprechend verpacken, präsentieren und dadurch noch einmal entschärfen kann. In diesem Fall läuft Hana Makhmalbafs Film im Kinder- und Jugendprogramm der Berlinale, und zwar nicht einmal im etwas "erwachseneren" Bereich "14+". Einen Film wie Buddha Collapsed Out of Shame als Kinderfilm umzudeuten, nur weil Kinder die Hauptrollen übernehmen (sind dann Les Quatre cents coups und Ohayo auch Kinderfilme? Und liefe Melvilles Les enfants terribles im Bereich "14+"?) ist entweder auf Lust an der Subversion oder auf Dummheit zurückzuführen.\nJenseits aller Programmierungspolitik ist Buddha Collapsed Out of Shame ein guter, schöner, kraftvoller Film, gerade wegen seines Mangels an Subtilität. Subtilität ist wahrscheinlich grundsätzlich der falsche Modus für Sozialkritik. Überhaupt, die Subtilität... Dazu vielleicht bald mehr.\nMusunde hiraite ist für mich jetzt schon die größte Enttäuschung des Festivals. Der Debutfilm des Regisseurs Izumi Takahashi The Soup, One Morning (Ara asa, Soup wa, 2003) gehört zu dem eindrücklichsten, was ich aus dem Bereich des japanischen Indie-Kinos kenne: Ein extrem reduziertes, klaustrophobisches Beziehungsdrama, das mit minimalem Budget und Personal maximale Wirkung zeitigt. Eine der Stärken sind dieses Films ist in Izumis Nachfolgeprojekt im Ansatz noch erkennbar. Vor allem zu Beginn konzentriert sich auch Musunde hiraite auf Innenräume, enthält die Großstadt nur als dasjenige, was manchmal durch das Fenster aufblitzt, oder durch die Türöffnung für einen Moment sichtbar wird. Eine Stadt, die gerade durch ihre Abwesenheit, beziehungsweise durch die Versuche der Figuren, sich von ihr zu distanzieren (nicht umsonst geht es im ersten Teil des Films darum, dass einige Hausschlüssel vertauscht wurden und nun unbedingt wiederbeschafft werden müssen) als prägende Kraft in ihrem Leben präsent ist. Geblieben ist auch das Fotografiemotiv, abgesehen von einigen netten optischen Tricks führt dieses jedoch, wie der Rest des Films, straight ins Nichts.\nVöllig verloren gegangen ist die Stringenz, die The Soup, One Morning auszeichnete. Bereits in narrativer Hinsicht durch zu viele, ungenau gezeichnete Charaktere und deren wirre Handlungen (wirr nicht als überforderte Reaktion auf überfordernde Situationen, wie in The Soup..., sondern mehr oder weniger aus Scheiss) hoffnungslos überfrachtet, geht vor allem in formaler Hinsicht hier restlos alles durcheinander. Die klassische Auflösung einzelner Szenen bringt Izumi bei jeder Gelegenheit durch dekorativ modernistische Experimente aus dem Gleichgewicht. Zum Einsatz kommen neben rhythmischen Montagesequenzen und allerweltslyrischen Klavierklängen dabei auch schwarz-weiss-Bilder, bei denen sich mir nie erschlossen hat, ob sie auch nur irgendeinen semantischen Mehrwert besitzen (Rückblenden eventuell?). Gut aussehen tut Musunde hiraite durchaus, gerade in den Innenraumszenen teilweise sogar fast unanständig gut für solch einen mittelmäßigen Film. Nur leider retardiert noch jedes formale Experiment in Musunde hiraite zur banalen Alltagslyrik, die sich irgendwann auch nicht mehr zu schade ist für in Zeitlupe davonflatternde Möwen.\n"Ruhe Bitte!", ruft ein autoritärer Journalist seinen scheint's unruhigen Kollegen zu Beginn Nirvanas zu. Dabei ist das einzige was ungebührlich Lärmt der Film. Seit Jahren stammen die unerträglichsten Forumsfilme aus Russland beziehungsweise Osteuropa. Ob dies am allgemeinen Niveau der dortigen Produktion liegt oder an der Auswahl, kann ich mangels Expertise nicht beurteilen. Nirvana zumindest ist wieder einmal eine komplette Gurke.\nIn einem Paralleluniversum, welches zwar Städte namens Moskau und St. Petersburg kennt, aber ausschließlich von wild und tendenziell aber nicht näher definiert subkulturell geschminkt / bekleideten Freaks bewohnt wird, die zwischen Drogenexzessen und Jugendliteraturklischees gefangen in einen öden Gangster-Melodram-Plot hineinschlittern und leider erst nach quälenden 89 Minuten wieder herausfinden. Während alledem ist der Film vor allem: laut.\nWo ich schon bei Masochistenkino bin: Wem Nirvana und Paruthi Veeran nicht genügen, der schaue sich bitte Corroborree an: Ein australischer Jüngling (der von ferne an Constantin von Jascheroff erinnert) wird von einem alten Mann in dessen Anwesen eingeladen. Dieses wird bevölkert von einer Horde Frauen unterschiedlichen Alters, dessen Verhältnis zu ihrem Hausherrn ebenso ungeklärt bleibt wie jegliche Sinnfrage, die man an diesen Film zu stellen sich anschickt. In tristester Digioptik marschiert der Held durch die Zimmer des Anwesens sowie ein zugehöriges Gartenlabyrinth und unterhält sich mit den Frauen über nichts und wieder nichts. Mit der einen oder anderen schläft er auch und so langsam kommt man auf den Verdacht, dass es der Intention nach wohl um Performativität von Geschlechteridentität oder etwas ähnliches grundsätzlich höchst löbliches, sich hier jedoch leider im völlig falschen Kontext befindendes geht. Naja, irgendwann ist auch dieser Film zuende. @ Christian: Falls Du einen Nachfolger für Kinetta suchst: Das ist Dein Film.\nGepostet von Lukas Foerster unter 8:28 PM No comments:\nLabels: Australien, Berlinale, Berlinale 2008, Buddha Collapsed Out of Shame, Corroborree, Hackworth, Hannah Makhmalbaf, Iran, Izumi Takahashi, Japan, Musunde hiraite\nWe Own the Night / Helden der Nacht, James Gray, 2...\nBerlinale 2008: Uomini contro, Francesco Rosi, 197...\nSubida al cielo / Ascent to Heaven, Luis Bunuel, 1...