Klebefallen - Ein grausamer Tod für Tiere – Waldkobolde.shop\nKlebefallen - Ein grausamer Tod für Tiere\nvon Vera Heck 31. Januar 2020\nVielen Menschen entfleucht ein quiekendes „Iiiieeeehh,..“ wenn ihnen eine kleine Maus über den Weg läuft. Auch Ratten sind nicht sonderlich beliebt. Man kann durchaus nachvollziehen, dass man mit diesen Tieren nicht unter einem Dach schlafen möchte. Hinterlassen sie doch Dreck, können Krankheiten übertragen oder nagen das eine oder andere an. Also: Das Getier muss eingefangen werden. Dafür gibt es im Baumarkt, Tierläden oder online diverse Fallen, die das Tier lebend einfangen, sodass man den Störenfried sauber aus seinen 4 Wänden verweisen kann.\nKlebefallen im Internet - trotz Verbot\nUnfassbar für denkende und fühlende Menschen ist es allerdings, dass es „Mitmenschen“ gibt, die zu Klebefallen greifen und diese im Haus und Garten auslegen. Diese Klebefallen sind nach deutschem Tierschutzgesetz verboten. Dennoch gibt es im Internet unzählige Varianten problemlos zu erwerben. Die Beschreibung lauten beispielsweise: „Mäuse Klebefallen sind sehr effizient und sie werden schnell Resultat sehen. Für ein noch besseres und schnelleres Resultat können sie zusätzlich ein bißchen extra Lockmittel auf die Klebefalle geben.“ Scrollt man weiter runter findet sich noch zusätzlicher Klebstoff, damit es auch ja funktioniert.\nDiese Klebefallen sind einfach nur grausam. Maus oder Ratte bleiben mit ihren Pfoten darauf kleben. Je mehr sie versuchen frei zu kommen, desto mehr verkleben sie. Solange bis sie nach Stunden oder Tagen verreckt sind, anders lässt sich das Leiden der Tiere nicht benennen. Es wurden Mäuse gefunden, die sich selbst die Beine abknabbern wollten, um frei zukommen. Sind Menschen die diese Fallen kaufen grausam, empathielos, Tierhasser oder einfach nur Gedankenlos?\nAuch andere Tiere werden geschädigt\nLetztere bringen vielleicht die folgenden Beispiele zum Nachdenken. Vögel die auf Klebefallen gehüpft oder gelandet sind. Manche konnten gerettet werden, andere sind qualvoll verendet. War das von dem Fallensteller beabsichtigt? Vielleicht füttert er ein paar Meter weiter, die Vögel in einem Vogelhäuschen? Damit keine Mäuse an das Futter kommen, hat er eine Klebefalle aufgestellt? Mit einem schrecklichen Resultat.\nVögel, die in Klebefallen verendet sind oder schwer verletzt wurden\nKein Tier hat es verdient so umgebracht oder geschädigt zu werden. Zudem sind Mäuse und Ratten wichtige Glieder in der tierischen Nahrungskette. Bei Greifvögeln, Eulen, Uhus oder auch Störchen stehen sie ganz oben auf der Speisekarte. Daher ist auch das Auslegen von Giftködern keine Option. Werden die Mäuse gefressen, die vorher Gift aufgenommen haben, sterben oft auch die zum Teil unter Artenschutz stehenden Vögel.\nWer den Bedarf an einer Tierfalle hat, muss daher auf eine Artgerechte Lebend-Falle zurückgreifen. Diese muss in kurzen Abständen kontrolliert werden. Aber noch besser ist: wenn die Maus an einer Stelle wohnt, an der sie nicht weiter stört oder etwas kaputt machen kann, wie z.B. im Gartenhaus - lasst sie doch an Ort und Stelle. Besonders im Winter.\nDie Bilder wurden uns zur Verfügung gestellt von:\nWildtierhilfe Schäfer - Blog-Foto\nWildvogelhilfe Darmstadt - Elster & Spatz\nWenn Sie die Helfer unterstützen möchten, finden Sie auf deren Webseite Möglichkeiten zum Spenden.\nMit dem Erwerb eines Produktes im Waldkobolde.shop, unterstützen Sie ebenfalls heimische Wildtierhilfen in ihrer Arbeit.


Facto Financial Services AG- Insolvenz in Eigenverantwortung-Was soll das bitte bringen Herr Wetzel? - Enjoy Today\nMag alles Zufall sein, aber der Platz an der Sonne als Vorstand einer Gesellschaft, ist dann auch Mal ungemütlich, wenn denn da was schief geht wie hier. Dann erinnert man sich natürlich an die „alten Dinge“. Nun gut, wichtig im Moment ist die aktuelle Situation der Facto Financial Services AG, und die ist nicht sonderlich gut.Wir hatten von Beginn an bei dem Unternehmen so unsere Zweifel auf Basis vieler Informationen die wir damals schon hatten, zu einem Zeitpunkt wo Christian Wetzel da noch nicht in der Verantwortung stand.Nun hatten wir mit unseren Bedenken leider Recht.Recht haben bedeutet bei uns nicht unbedingt immer dann auch „zufrieden“ zu sein, denn mit solchen Meldungen passieren dann oft auch 2 Dinge. Anleger verlieren viel Geld und Berater werden in die Haftung genommen. Nun will das Unternehmen eine Insolvenz in Eigenverantwortung durchziehen. Mit Verlaub, das ist weiteres „Dahinvegetieren“, denn was soll bitte schön denn anders sein als bisher?\nMal ehrlich Herr Wetzel, glauben Sie allen Ernstes das die Menschen (Verbraucher) zu einem in Insolvenz befindlichen Unternehmen noch Vertrauen haben werden? Glauben sie wirklich das Vermittler Ihnen jetzt noch Kunden zu führen können? Jeder Vermittler muss doch seinem Kunden ganz klar sagen „das das Unternehmen für das er den Kunden berät in Insolvenz ist“. Sehr geehrter Herr Wetzel, kann er sich diesen Termin nicht eigentlich dann gleich sparen?`


BVB-Boss Watzke: Ich bin Rummenigge für Hummels dankbar - BORUSSIA DORTMUND - SPORT BILD\nBVB-Boss Watzke: Ich bin Rummenigge für Hummels dankbar\n„Fand ich außergewöhnlich“ | Watzke: Ich bin Rummenigge für Hummels dankbar\nBVB-Geschäftsführer Hans-Joachim Watzke (60) hat einen Einblick in die Hintergründe des Transfers von Mats Hummels (30) gegeben. Ein besonderer Dank gilt dabei dem Konkurrenten vom FC Bayern.\nHummels war nach drei Jahren in München im Sommer zurück zu Borussia Dortmund gekommen – Watzke betont im Interview mit der dpa: „Mats hätte immer die Möglichkeit gehabt, zum BVB zurückzukehren. Er hat sich schon damals sehr schwer damit getan, uns zu verlassen und zu den Bayern zu gehen.“\nDer deutsche Rekordmeister sei deswegen bereit gewesen, den Innenverteidiger an den größten Konkurrenten abzugeben, „weil der Spieler unbedingt wollte. Ich bin Karl-Heinz Rummenigge sehr dankbar, dass er diesen festen Spielerwillen respektiert hat. Das fand ich außergewöhnlich. Die Art und Weise, wie diese Verhandlungen abgelaufen sind, war für mich ein Indiz dafür, wie respektvoll wir auf höchster Ebenen mittlerweile miteinander umgehen“, sagte Watzke weiter.\nMit Rückholaktionen von Spielern hat der Vizemeister in der Vergangenheit auch schlechte Erfahrung gemacht, für Watzke muss man aber jeden Fall einzeln betrachten. „Du darfst dir kein Dogma auferlegen. Wer sagt denn, dass jede Rückkehr zum BVB von vornherein Blödsinn ist? Jeder Fall ist anders. Nuri, Shinji und Mario hatten Probleme, sich bei ihren neuen Clubs komplett durchzusetzen. Mats war beim FC Bayern absoluter Stammspieler, hat dort in drei Jahren drei Meisterschaften gewonnen und ist zuletzt zum stärksten Innenverteidiger der Liga gewählt worden.“\nZudem erklärte Watzke, warum sich die Vertragsverlängerung von Mario Götze (27) noch hinzieht. „Wir werden nach dem Trainingslager miteinander sprechen. Dann schauen wir in Ruhe, ob beide Seiten weiter zusammenzuarbeiten möchten. Wir sind dazu bereit“, sagte der 60-Jährige: „Mario ist ein Spieler, der bei uns immer eine große Wertschätzung genießt. Ich bin mir sicher, dass kaum ein Club einem Spieler mehr Wertschätzung entgegengebracht hat als wir Mario Götze in seiner schwierigen Zeit. Aber am Ende des Tages müssen beide Seiten mit einem Verhandlungsergebnis zufrieden sein.“


TSV Burgdorf Badminton - Burgdorf 2 erkämpft Unentschieden und einen weiteren Punkt gegen den Abstieg\nBurgdorf 2 erkämpft Unentschieden und einen weiteren Punkt gegen den Abstieg\nDie Reserve der TSV Burgdorf reiste am vergangenen Wochenende nach Barsinghausen, um gegen Hannover 96 VI ihr Rückrundenspiel und gegen Hannover 96 V noch ihr Hinrundenspiel zu bestreiten.\nDa Klaus Klatt ja aus beruflichen Gründen nicht mehr für die zweite Mannschaft zur Verfügung stand, ist Devin Holert in die Mannschaft aufgerückt. Er konnte an der Seite von Philipp Fromme das 2. Herrendoppel nicht gewinnen. Nicole Helfers und Leona Reinert gewannen aber das Damendoppel, bevor Roy Gündel und Stephan Richter den Punkt des ersten Herrendoppels den Gegnern von Hannover 96 überlassen mussten.\nLeona und Stephan steuerten dann durch zwei gewonnene Einzel zwei weitere Siegpunkte bei. Nachdem Philipp und Devin in ihren Einzeln nicht siegreich waren, lag es auf den Schlägern von Roy und Monika. Lief der erste Satz noch rund, taten sie sich in den Sätzen zwei und drei sehr schwer, konnten jedoch glücklicherweise den entscheidenden dritten Satz knapp mit 21:19 für sich entscheiden. Der neue Mannschaftsführer Stephan Richter war nicht ganz zufrieden: “Da war mehr drin, hätte auch ein Sieg werden können!“\nIm zweiten Spiel gegen Hannover 96 V konnte man nur mit drei Herren antreten, da Devin sich in der Hinrunde bereits in der 3. Mannschaft festgespielt hatte. So lag man durch den Verlust des zweiten Herrendoppels bereits vor Beginn des Spiels mit 0:1 hinten. Das Herrendoppel mit Stephan und Philipp war chancenlos und verlor klar. Nicole und Leona lieferten sich einen harten Kampf, verloren aber am Ende knapp mit 20:22 und 18:21. Danach verloren alle Herreneinzel und nur das „Küken“ Leona konnten das Dameneinzel gewinnen. Auch das Mixed konnte sich nicht steigern und verlor klar in zwei Sätzen, so dass am Ende eine bittere 1:7 Niederlage feststand.


Bank-Media GmbH Unternehmensgruppe Freiburg i. Br. - Warum Connectoren so wichtig für Intranetportale sind\nWarum Connectoren so wichtig für Intranetportale sind\nIntranetportale sind in erste Linie Kommunikations- und Organisationsplattformen. Die wichtigsten Ziele einer Portallösung sind es, unternehmensinterne Prozesse zu optimieren, die interne Kommunikation zu digitalisieren und allen Mitarbeitern alle Informationen unternehmensweit zur Verfügung zu stellen - unabhängig von Zeit und Ort.\nVor jeder Migration auf eine Intranetplattform stellt sich die Frage, wie vorhandene Daten übernommen werden und wie bereits bestehende Drittsysteme in das digitale Ökosystem integriert werden können. An diesem Punkt fällt dann zumeist das Wort „Schnittstelle oder Webservices“. Wir bezeichnen es als Connectoren.\nConnectoren dienen dem automatisierten Datenaustausch von Softwaresystemen. Es sind also Schnittstellen, über die zwei Anwendungen (Softwareprogramme) miteinander kommunizieren können. Ein wesentlicher Vorteil ist die Interoperabilität, d.h. die Fähigkeit, mit Systemen zusammen zu arbeiten, die auf unterschiedlichen Plattformen basieren. So lassen sich also über Connectoren viele verschiedene Softwareanwendungen an das Intranet andocken. Das sorgt für maximale Flexibilität.\nDie Bank-Media Portal Solution verfügt selbstverständlich über verschiedene Connectoren. Über den HCL Notes (IBM Notes) Connector lassen sich zum Beispiel alle Informationen aus bestehenden Notes-Datenbanken abrufen und in das Bank-Media Portal übertragen. Der Anwender arbeitet mit einer übersichtlichen Benutzeroberfläche und muss nicht ständig zwischen verschiedenen Kacheln nach Daten suchen.\nFolgende Connectoren bieten wir an:\nMicrosoft Office (in Planung)


Filesharing-Klage durch Daniel Sebastian\nVorsicht beim Austausch urheberrechtlich geschützten Materials\nBleibt die Abmahnung unbeantwortet, ist es wahrscheinlich, dass Daniel Sebastian Klage einreicht.\nDie Kanzlei von Daniel Sebastian ist bekannt dafür, Personen, die im Internet widerrechtlich Dateien und Software des Rechteinhabers DigiRights GmbH miteinander tauschen abzumahnen. Neben Waldorf Frommer ist er relativ umtriebig und fleißig dabei, im Namen seiner Mandanten Abmahnungen oder auch Mahnbescheide zu verschicken.\nDie Abmahnungen von Daniel Sebastian beziehen sich auf Titel, Alben und Filme wie:\nAbout Berlin Vol:10\nYou Got My Body von Nora En Pure\nReality von Lost Frequencies ft. Janieck Devy\nThe Fifth Chapter von Scooter\nOliver $ & Jimi Jules – Pushing On aus dem Xbox One Spiel „Forza Horizon 2“\nJe nach Werk, verlangen die Rechtsanwälte rund um Daniel Sebastian unterschiedlich hohe Abgeltungsbeträge. Anwälte raten: Zahlen Sie auf eigene Faust besser nicht den geforderten Betrag und unterzeichnen Sie auch nicht eine etwaig beigefügte strafbewehrte Unterlassungserklärung, auch wenn Rechtsanwalt Daniel Sebastian sonst mit Klage droht.\nWann kommt es zur Filesharing-Klage durch Daniel Sebastian?\nAbmahnanwälte fordern von den Abgemahnten in der Regel, sich innerhalb einer bestimmten Frist zurückzumelden. Diese sind häufig sehr kurz angesetzt. Lässt der Betroffene sie verstreichen, ohne zu reagieren, kommen schnell gerichtliche Maßnahmen auf ihn zu. Die Kosten steigen hierdurch potenziell noch einmal kräftig an.\nWenn Rechtsanwalt Daniel Sebastian Klage einreicht, muss diese noch lange nicht berechtigt sein.\nNicht immer sind solche Klagen jedoch nach gültigem Recht auch unter allen Umständen aufrecht zu erhalten und damit auch berechtigt. 2014 zog Daniel Sebastian eine Klage gegen einen Abgemahnten zurück, nachdem dieser mit einer Klageerwiderung reagierte und sich das Amtsgericht Riedlingen einschaltete. Der geforderte Lizenzschadensersatz sowie die Zahlung der Abmahnkosten wurden damit nicht fällig.\nDarüber hinaus erlangte Daniel Sebastian auch deshalb bundesweite Bekanntheit im Zusammenhang mit der Redtube-Abmahnwelle. Hier schaltete sich die Staatsanwaltschaft ein, da das Landgericht Köln wohl vielen Auskunftsersuchen nahezu ungeprüft stattgegeben hatte und Abmahnkanzleien widerrechtlich Personendaten von Abgemahnten zur Verfügung gestellt hatte. Auch Daniel Sebastian wurde hier Teil der Ermittlungen.\nAbmahnanwälte drohen häufig mit Klage, um den Anschlussinhabern Angst zu machen und Sie zur Zahlung des geforderten Betrages zu bewegen. Sind Sie betroffen, sollten Sie sich hiervon nicht beeindrucken lassen, sondern bei Bedarf besser einen Rechtsanwalt kontaktieren. Er hilft Ihnen unter Umständen, einem Klageverfahren aus dem Weg zu gehen.\n26. Februar 2021 um 6:17\nSehr geheerte Damen und Heeren\nIch habe mit einen Bekannten 2001 das Spiel Sniper bei USENET herunter geladen.\nKurze Zeit später bekamen wir von einer Dame ein Brief mit der Aufforderung 1500 € Schadenersatz zu Zahlen.\nMein Bekannter bezahlte sofort , ich Überhaupt nichts und habe nie wieder etwas gehört.\nIch zahlte nicht,weil ich der Meinung wahr, das Sie das Spiel zur Verbreiterung zu Verfügung stellte und das ebenfalls nicht erlaubt ist.\nFrage: Liege ich mit meiner Annahme richtig.


Lena Kettner - cult:online - Kritik\nPosts by lenakettner:\nGeheimnisvolles Wesen. Foto: NFTS\n„Volume“ von Mahalia Belo: Eines Tages ist die geheimnisvolle Georgina plötzlich verschwunden – als wäre sie nach ihrem Bad im Pool von Sams Eltern einfach nicht mehr aufgetaucht. Wie sich Georgina ihr langes Haar langsam aus dem Gesicht streifte, wie ihre Augen funkelten, wenn sie einen ansah und wie sie mit ihrem grazilen Körper förmlich durch das Wasser schwebte – jede noch so kleine Begegnung mit diesem Mädchen spielt sich noch einmal vor den Augen des schwerhörigen Sam ab, der Georgina anbetet. Doch da sind auch die anderen, verwirrenden Erinnerungen an sie. Die Zärtlichkeit und der intensive Blickkontakt zwischen Sams Vater und Georgina am Rande einer Gartenparty, ihr plötzliches Auftauchen im Obergeschoss von Sams Elternhaus, der eifersüchtige Blick von Sams Mutter, als sie ein Paar rosarote Flip Flops unter dem Sofa findet. Die britische Regisseurin Mahalia Belo hat mit „Volume“ ein kleines visuelles und auditives Meisterwerk geschaffen, das sich einer konventionellen Erzählstruktur verweigert, um dem Zuschauer ein Gefühl für die Wahrnehmung der Welt durch einen jungen Menschen zu vermitteln, der sich die Wahrheit wegen seines Handicaps zum großen Teil selbst erschließen muss. Nicht ohne Grund zählt die Redaktion des britischen Filmmagazins „Screen International“ Belo zu den „2012 Stars von morgen“.\nIst doch zum Lachen! Foto: JSFS\n„Staring Match“ von Orit Fouks: Es will ihm einfach nicht gelingen, dem jungen Schauspieler. Statt seine Schauspielkolleginnen vor der Kamera durch einen inszenierten Lachwettbewerb einzuschüchtern, animiert er sie beim Casting durch sein unbeholfenes Spiel eher zu unkontrollierten Lachattacken. Doch die Regisseurin braucht ihn unbedingt für ihren Film – diesen authentischen Schlüsselmoment, in dem aus einem scheinbar lustigen Spiel bitterer Ernst für ihre Protagonistin wird. Als die Regisseurin die Hauptrolle kurzerhand selbst übernimmt, hat die Kamera einige Minuten später ihre perfekte Szene eingefangen. Zurück bleibt eine auf dem Boden liegende, junge Frau, die sich langsam ihre Strumpfhose wieder anzieht und begreifen muss, dass Authentizität ihren Preis hat. Mit „Staring Match“ ist der israelischen Regisseurin Orit Fouks ein beklemmendes Kammerspiel gelungen, bei dem die verschiedenen Realitätsebenen immer mehr verwischen.\nWarten auf die Revolution. Foto: UNATC\n„Stremt 89“ von Anda Puscas & Dragos Dulea: Am schönsten ist eine Revolution immer, wenn man sie im Rückblick betrachtet. Da kann fleißig Legendenbildung betrieben und können Verschwörungstheorien weiter bestärkt werden. Jeder Mensch weiß genau, wie es sich damals zugetragen hat, als der Untergang der Staatsmacht eingeläutet wurde. Besonders wild muss zum Zeitpunkt des Sturzes von Nicolae Ceausescu das Leben in dem kleinen rumänischen Dorf Stremt gewesen sein. Zumindest, wenn man den Erzählungen seiner Bewohnerin lauscht. Während die anti-kommunistische Revolution in diesem Land auf den Straßen der großen Städte stattfand, wartete man im Schicksalsjahr 1989 in Stremt auf Panzer, Terroristen und Heldentaten – und darauf, dass sich etwas ändern würde. Mit „Stremt 89“ haben die rumänischen Regisseure Anda Puscas & Dragos Dulea einen ungewöhnlichen Dokumentarfilm über die Revolution in ihrem Heimatland gedreht. Dieser schöpft seine Kraft vor allem aus dem Kontrast zwischen dem eintönigen Leben der Interviewpartner in der Provinz und ihren ausschweifenden Erzählungen über die ereignisreichste Zeit ihres Lebens, ohne seine Protagonisten vorzuführen. Lena Kettner\nEin schönes Schulterblatt kann auch entzücken, Foto: Theater Augsburg\n„How do you write coincidence?“, fragt Riccardo De Nigris ein junges Mädchen in der ersten Reihe. Ist es Zufall, dass er gerade sie, die des Englischen noch nicht mächtig ist, angesprochen hat? Oder hatte sie der Tänzer des Ballettensembles am Augsburger Theater sie sich bereits zu Beginn seines Solos ausgesucht? In seiner Choreographie „A_CC_182“, einem der Höhepunkte an diesem Abend, hat De Nigris zur Musik von Antonio Vivaldi, Ezio Bosso, Makali und Guiseppe Christiano keine Bewegung seiner Tänzer dem Zufall überlassen. Und doch gelingt es ihm, mit einer erstaunlichen Leichtigkeit von der Flüchtigkeit einer Begegnung zu erzählen – von Menschen, die sich schnell wieder verlieren, nachdem sie sich das erste Mal getroffen haben.\nBereits 2008 fand mit „Destillationen“ ein Abend statt, bei dem die Tänzer des Augsburger Ballettensembles die Möglichkeit bekamen, sich als Choreografen auszuprobieren. Auch in „Destillationen #2“ verwandelte sich der Ballettsaal von einem Probenraum zu ihrer großen Bühne. Sechs neue Choreographien haben die Tänzer unter der Leitung ihres Ballettdirektors Robert Conn erarbeitet, neben denen an diesem Abend auch eine Arbeit von ihm selbst sowie das Stück eines Gastchoreographen und Werke aus dem Repertoire des Ensembles gezeigt werden.\n„Ist das Alleinsein etwas Kostbares, oder doch ein Tier, das uns von innen frisst?“ Diese Frage hat sich die Serbin Ana Dordevic im Programmheft zu „Destillationen #2“ gestellt. Ihre Uraufführung „Inside“ handelt von dem Mut, den eigenen Elfenbeinturm zu verlassen und sich in die Welt da draußen zu wagen. Wie ein Vulkan wirkt der mehrfarbige, überlange Rock, den die auf einer Erhöhung stehende Tänzerin Kelly Tipton in diesem Stück trägt. Ihr Oberkörper ragt aus der Spitze dieses Vulkans, grazil und wunderschön. Aber gleichzeitig ist dies ein Bild von unendlicher Traurigkeit. Zu „Delicious Solitude“, einem Lied des serbischen Komponisten Goran Bregovic, befreit sich Tipton in ihrem Solo langsam von den Fesseln des Alleinseins und erkundet ihre Umgebung. Faszinierender kann man den inneren Wandlungsprozess einer Figur kaum umsetzen.\nDie ersten eigenen Werke der Tänzer des Augsburger Ballettensembles feiern das Leben und die Schönheit des Moments, trotz der Schwere mancher Themen und der oftmals durch die Musik vermittelten melancholischen Stimmung. „Don’t worry, be happy“ könnte über all diesen Stücken geschrieben sein – ein Motto, das sich der Ballettdirektor Conn für seine Choreographie „Don’t fret“ erwählt hat, wie er dem Publikum erklärt. Dass auch sein Ensemble vor der Uraufführung ihrer Arbeiten vor die Zuschauer tritt, um ihr Stück einzuleiten, wirkt nie unterbrechend oder gar störend, sondern ist vielmehr ein Element, das zwischen beiden Parteien an diesem bewegenden Abend eine starke Verbindung schafft. Lena Kettner\nMama! I love you!\nFoto: Dániel Borovi/József Szabó\nWie ist sie stolz auf ihren Bub an diesem Tag! Cajus Marcius hat es endlich an die Spitze des römischen Staates geschafft und soll nach einem ruhmreichen Sieg gegen die Volsker zum Konsul ernannt werden. Coriolanus darf er sich fortan nennen, nachdem die Römer mit seiner Hilfe die Volskerstadt Corioles erobert haben. Also schnell raus aus dem verblichenen weißen Unterhemd und hinein in den Anzug, befiehlt Volumnia, die Mama. Schließlich weiß die am besten, wie man sich in der Öffentlichkeit präsentieren muss, um das Volk durch Outfit und Rhetorik zu gewinnen. Dumm nur, dass der Sohn gar nicht fähig ist, so ganz alleine und ohne den Beistand von Mutti vor seinen Untertanen zu sprechen.\nIn „Korijolánusz“, einer stimmigen, spannenden Inszenierung des ungarischen Regisseurs Csaba Polgár, ist der Weg zum politischen Erfolg nur eine Frage der richtigen Selbstvermarktungsstrategie. „Einheit, Nation, das hören die Leute gerne“, sagt Coriolanus‘ Mutter einmal. Wer in diesem Staat Politiker werden will, muss vor allem ein guter Schauspieler sein und das Volk als bloßen Claqueur begreifen.\nMit der in der freien Szene Ungarns tätigen „HOPPart Independent Company“ hat Csaba Polgár eine moderne, zur Hälfte neu geschriebene Version der selten gespielten Shakespeare-Tragödie „Coriolanus“ erarbeitet, die nicht nur in Bezug auf die momentane Situation in seinem Heimatland viel über die Wechselwirkung zwischen Politik und Gesellschaft offenbart. In bester Brecht‘scher Manier will der Regisseur sein Publikum auf einen Missstand aufmerksam machen, ohne dabei jedoch gleich den Kampf von Gut gegen Böse heraufbeschwören zu müssen. Auf der nur mit wenigen Requisiten ausgestatten Bühne des Gut Nederlings stehen die erzürnten Bürger der Stadt Rom und haben zum Zeichen des Kampfes gegen die Obrigkeit eine Stehlampe in die Hand genommen. Doch ihr Interesse reicht nur so weit wie ihre Olivenhaine wachsen. Und wenn man ihnen ein Bier in die Hand drückt, ertragen sie die hohle Phrasendrescherei der Patrizier gleich viel leichter. So langweilig wie ihre in Braun-grau-Tönen gehaltene Kleidung ist auch ihr im Stillstand verharrtes Leben. Also proben sie aus Mangel an Beschäftigung den Zwergenaufstand gegen die Regierung.\nLeicht wie ein Musical kommt die Inszenierung daher – die gesungenen Partien von Monteverdi oder Händel sind jedoch vor allem ein intelligenter, ironischer Kommentar zu einer Art der Machtausübung, die nicht mehr ist als eine billige Unterhaltungsshow. An der Universität für Film und Fernsehen in Budapest hat das durchweg überzeugende Ensemble dieses Abends den meisterlichen Umgang mit Musik im Sprechtheater erlernt, als erste Absolventen des vor einigen Jahren neu gegründeten Studiengangs „Musiktheater“. Dort will man aber keine Musical- oder Operettenstars hervorbringen, sondern das Bewusstsein der Schauspiel-Studenten für die Wirkung von Musik durch intensiven Instrumental- und Gesangsunterricht schärfen.\nCoriolanus‘ Mama singt sich zu ABBAS „The Winner Takes It All“ die Seele aus dem Leib, während ihr Sohn es in seiner Arroganz nicht schafft, wenigstens so zu tun, als wolle er nach dem Sieg über die Volsker gerne zu seinen Untertanen sprechen. Nóra Diána Takács ist das Kraftzentrum in dieser Aufführung, eine Übermutter, die jedoch ihre Muttergefühle ganz schnell abschalten kann, als Coriolanus nach seiner misslungenen Rede vor den römischen Bürgern von seinen Volksvertretern, den Tribunen, verstoßen wird und zum Feind überläuft. Denn für den Erhalt der Ordnung im Staat ist sie sogar bereit, das Leben ihres Sohnes zu opfern.\nVor kurzem erst ist Pal Schmitt in Ungarn als Staatspräsident zurückgetreten, die rechtsextremen Tendenzen im Land werden immer beunruhigender. Auch in „Korijolánusz“ ist der allmähliche Abbau der Demokratie in einem politischen System erkennbar, und selbst durch die Ermordung des Coriolanus kann die vermeintliche Ordnung nicht wiederhergestellt werden. Denn die nächsten Machthungrigen sitzen schon in den Startlöchern. Lena Kettner\nFoto: Mixtvision Film\nWie ein Schatten hat sich die Stille über Fedirs Haus gelegt, nachdem seine Familie zu Bett gegangen ist. Nicht das leiseste Geräusch von draußen dringt in dieses lautlose Vakuum, in dem der Rentner allein mit sich und seinen Gedanken vor dem Fernseher sitzt und darauf wartet, dass die Zeit vergeht. Seit 7000 Nächten hat er nicht mehr geschlafen – das behauptet der Ukrainer zumindest. Tausende Kilometer entfernt tanzt der Nachtwächter Jérémie in Burkina Fasos Hauptstadt Ouagadougou zu den Klängen seines Radios, während hinter ihm die Lichter des von ihm zu bewachenden Theaters ausgemacht werden. Die junge Lin Yao lernt in ihrer winzigen Wohnung in Shanghai stoisch medizinische Fachbegriffe, und Mila aus Arizona versucht, ihre Langeweile mit Hilfe von ziellosen Autofahrten durch menschenleere Vororte zu bekämpfen.\n„Die Welt ist für Menschen gemacht, die während des Tages leben“, sagt sie und lächelt müde. Mila ist eine der vier Schlaflosen aus vier Kontinenten, deren Porträt die Schweizer Regisseurin Jacqueline Zünd zu dem bild- und klanggewaltigen Dokumentarfilm „Goodnight Nobody“ verwoben hat. Ein vielfach ausgezeichneter Film, der keine Antworten oder Erklärungen liefern will, sondern sich ganz auf die nächtliche Beobachtung der vier Protagonisten konzentriert. Aus dem Off erzählen sie aus ihrem Leben, in dem weder nachts noch tagsüber Ruhe einzukehren scheint. Wie in Trance schiebt Mila im Film einen Einkaufswagen durch den Supermarkt und beginnt ein Bowlingspiel mit einer Melone und Wasserflaschen, mehrere Male blickt man tief in das von Verzweiflung gezeichnete Gesicht der Krankenschwester Lin Yao und sieht sie durch einen dunklen Gang wandeln, während sie von ihrem Leistungsdruck und ihren strengen Eltern berichtet. An Lin Yaos Beispiel zeigt sich am deutlichsten, wie dieser Film durch seine Über-Ästhetisierung bald ermüdet.\nSeine stärksten Momente hat „Goodnight Nobody“ immer dann, wenn die Stimmungen und Geräusche der Nacht nicht in einem Meer von melancholischer Musik unterzugehen drohen. Dann hört man das weit entfernte Bellen eines Hundes in Burkina Faso, den Straßenlärm in Shanghai, der durch Lin Yaos Fenster dringt, und spürt Fedirs Einsamkeit in der absoluten Stille seines Hauses in der Ukraine. „Gute Nacht, Niemand. Gute Nacht, ihr Geräusche überall“, sagt Mila in Arizona, während die Sonne bereits begonnen hat, aufzugehen. Lena Kettner\nAls dem Kino die Bilder verloren gingen\nDie goldenen Zeiten des kambodschanischen Kinos. Foto: Berlinale\nVorbei an einer lauten Autobahn beginnt eine riesige Karawane aus zwei Schafhirten, 800 Schafen, einigen Eseln und Hunden ihre weite Reise. Vier Monate werden der routinierte Schäfer Pascal und seine junge Kollegin Carole nun allein mit ihren Tieren sein, 24 Stunden am Tag, bei jeder Witterung. Auf den ersten Meter ist bereits die Herausforderung zu spüren, die mit dieser Aufgabe verbunden ist. Denn es hat heftig zu schneien begonnen.\nIn seinem beobachtenden Dokumentarfilm „Hiver Nomade“, der gänzlich auf Off-Kommentare verzichtet, erzählt der Schweizer Regisseur Manuel von Schlüter in beeindruckenden Bildern von der Tradition der Transhumance, einer Art der Wanderweidewirtschaft, die in seinem Heimatland beinahe ausgestorben ist. 600 Kilometer folgt Schlüter seinen Protagonisten durch die französischsprachige Schweiz, nicht nur über Wiesen und Felder, sondern auch vorbei an Bahngleisen, Einfamilienhäusern und Schnellstraßen. Immer wieder kommt es zu kuriosen Situationen, wenn dabei Tradition und Moderne aufeinandertreffen. Plötzlich laufen Schafe auf der Veranda eines Einfamilienhauses herum, und die beiden Schäfer genießen am winterlichen Lagerfeuer eine Austernmahlzeit. Von Schlüter gelingt es, ein Gefühl für die schönen Seiten von Pascals und Caroles Beruf zu vermitteln, ohne dabei ein romantisches Bild vom Dasein als Schafhirten zu entwerfen. Einen Großteil seines Charmes entfaltet dieser Film vor allem aus seinen präzisen Beobachtungen einzelner Tiere. Der Esel Figaro testet bereits nach den ersten gelaufenen Metern seine Grenzen aus und sieht Pascal so unschuldig an wie ein kleines Kind, als dieser ihn in einem Hauseingang entdeckt. Tutsi, das Hundebaby, lugt immer wieder neugierig aus Caroles Jacke hervor, unter der ihn die Schäferin während der langen Fußmärsche transportiert. „Ich habe bei meiner Recherche nur diese zwei Schäfer gefunden, die die Tradition der Transhumance wirklich noch in ihrer ursprünglichen Form pflegen“, sagt Manuel von Schlüter in einem Publikumsgespräch.\nWährend von Schlüter die Tradition der Wanderweidewirtschaft in seinem Heimatland tatsächlich in Bildern festhalten konnte, sah sich der französisch-kambodschanische Regisseur Davy Chou mit der Herausforderung konfrontiert, eine bereits ausgestorbene Tradition in seinem Film „Le Sommeil d’Or“ beinahe ohne Archivmaterial wiederaufleben zu lassen. Chou, ein in Paris geborener Enkel des in den 1960er und 1970er Jahren erfolgreichen kambodschanischen Filmproduzenten Van Chann, erfuhr erst spät von den filmischen Errungenschaften des Großvaters. Er begann, sich für die Kultur und die Sprache des Landes seiner Eltern zu interessieren, die sich wie viele Exil-Kambodschaner lange Zeit nicht mit ihrer schmerzhaften Vergangenheit auseinandersetzen wollten. Chou begibt sich in „Le Sommeil d’Or“ auf Spurensuche und rekonstruiert Stück für Stück die „Goldene Zeit“ Kambodschas zwischen 1960 und 1975, in der fast 400 Filme in Phnom Penh entstanden. Nach der Machtübernahme der Khmer Rouge wurden die meisten von ihnen zerstört, ebenso wie viele Studios und Kinos. Nur noch 30 zum Teil in sehr schlechter Qualität erhaltene Filme existieren heute noch.\nDavy Chou versucht erst gar nicht, diese Filme in „Le Sommeil d’Or“ zu integrieren, sondern wählt einen ganz eigenen Weg der Erinnerung. Durch ein paar alte Plakate und Postkarten, vor allem aber durch die zahlreichen Erzählungen ehemaliger Regisseure und Produzenten sowie des Publikums von damals lässt der Regisseur die Bilder aus den Filmen der „Goldenen Zeit“ im Kopf der Zuschauer wieder lebendig werden. Immer wieder ertönen Schlager und Liebeslieder aus den 1960er und 1970er Jahren, die sich bis heute ein wichtiger Bestandteil der kambodschanischen Kultur sind – auch wenn die junge Generation nicht mehr weiß, dass es sich bei diesen Liedern ursprünglich um Filmmusik handelte. Doch die Kambodschaner erzählen in „Le Sommeil d’Or“ nicht nur Geschichten über die Filme der damaligen Zeit, über schöne Frauen und geheimnisvollen Fabelwesen. Bewegend sind die Szenen, in denen ein ehemaliger Regisseur im Beisein seiner Frau auf seinem Bett ganz ruhig über die Auslöschung seiner gesamten Familie während des Genozids spricht und in denen ein ehemaliger Produzent von seiner Flucht nach Frankreich und von dem schmerzvollen Verlust seines gesamten Oeuvres berichtet. Bei aller Intimität haben diese Aufnahmen nie etwas Voyeuristisch, denn die Kamera bleibt auch in den bewegendsten Momenten stets ein stiller Beobachter.\nImmer wieder wandert sie durch die einstigen Prachtgebäude der Filmindustrie des Landes wie dem ehemals größten Kinos Phnom Penhns, in dem heute mehr als hundert Familien unter elenden Bedingungen leben. Am Ende werden hier Fragmente aus erhaltenen Filmen auf eine Mauer projiziert und die Kinder staunen schweigend – ähnlich wie ihre Eltern und Großeltern, die sich bis heute im Detail an jede Einstellung dieser Filme erinnern. Lena Kettner\nPlötzlich steht er vor Riccardo in strahlend weißer Soutane und mit reinem Gewissen: Papst Pius XII., der beinahe unbemerkt aus dem Dunkel hinter einer Türöffnung auf die Bühne getreten ist. Der junge Jesuitenpater Riccardo Fontana hatte schon fast die Hoffnung aufgegeben, zum Heiligen Stuhl vorzudringen, um den Papst über die Gräueltaten des NS-Regimes in den Konzentrationslagern in Kenntnis zu setzen. Lange vor seinem Besuch ist Pius XII. bereits über die Massenvernichtung der Juden unterrichtet worden – zieht es aber vor, zu diesem Thema zu schweigen, um Hitler nicht als Kooperationspartner zu verlieren.\nSelten löste ein Stück in der deutschen Theatergeschichte der Nachkriegszeit eine so weitreichende öffentliche Debatte aus wie Rolf Hochhuths Dokumentartheaterstück „Der Stellvertreter“, das der Autor selbst als „christliches Trauerspiel“ bezeichnete. Schonungslos konfrontierte er die Zuschauer in dem 1963 im West-Berliner Theater am Kurfürstendamm uraufgeführten Drama mit den Verbrechen des NS-Regimes und kritisierte offen das Schweigen des Papstes während der Zeit des Holocaust. Nicht unumstritten war dabei Hochhuths Beanspruchung einer historischen Glaubwürdigkeit für sein Drama, die er aus seiner Recherchetätigkeit und aus der Integration realer Figuren in sein Stück wie Papst Pius XII. oder des SS-Sturmführers Kurt Gerstein ableitete. Sorgte bereits bei der Uraufführung des „christlichen Trauerspiels“ mehr der brisante Inhalt als das dramatische Potential des Stücks für Furore, so wirkt es heut in seinem belehrenden Duktus reichlich angestaubt.\nChristian Stückl hat nun dieses Potpourri aus Dokumenten, Leitartikeln und Rechercheergebnissen am Münchner Volkstheater von 230 auf 70 Seiten gekürzt und die Rollen auf acht Mitglieder seines Ensembles verteilt. Aus der unmittelbaren Gegenwart heraus erzählt der Regisseur die Geschichte von zwei Studenten, die sich in einer Seminararbeit mit der Gestalt Pius XII. auseinandersetzen müssen. In ähnlich hölzernen Dialogen, wie sie einst Rolf Hochhuth schrieb, stellt Stückl einen Bezug zu einer Urenkelgeneration her, die das Thema Nationalsozialismus nur noch aus Büchern kennt.\nDabei will er das Publikum überhaupt nicht belehren, sondern es durch seine Inszenierung wachrütteln und gegen das Vergessen in einem Land ankämpfen, in dem jeder fünfte Erwachsene zwischen 18 und 30 Jahren einer kürzlich erschienen Umfrage zufolge nichts mehr mit dem Begriff Auschwitz anfangen kann. Einen der beiden Studenten schickt Stückl dazu als jungen Jesuitenpater Riccardo Fontana zurück in die 1940er Jahre. Fontana ist überzeugt davon, dass ein klares Wort des Papstes entscheidendes Gewicht in dieser entmenschlichten Welt haben könne. An Stellvertretern Gottes auf Erden mangelt es in dieser Inszenierung nicht, wohl aber an Männern wie Fontana, die bereit sind, Licht in die Finsternis zu bringen und notfalls auch für ihre Überzeugungen zu sterben. Stefan Hageneier hat für diese moderne Version des „Stellvertreters“ ein Bühnenbild geschaffen, in dem Vergangenheit und Gegenwart eindrucksvoll verschmelzen: Einen kahlen Bibliothekssaal mit acht Tischen und vielen Büchern, der durch einen weißen, bei Bedarf sichtdurchlässigen Stoff von dem hinteren, mit weiteren Tischreihen bestückten Bühnenteil getrennt ist. Spenden die Neonröhren an der Decke zu Beginn Licht für die Arbeit der beiden Studenten, verwandeln sie die Bühne wenig später in einen Versammlungsraum der SS.\nUnangenehm hell strahlt dieses Licht, als der Papst seinen einzigen, kurzen Auftritt in dieser Inszenierung hat. Keine Gefühlsregung zeigt sich in den Augen des Mannes, der so unbemerkt wieder von der Bühne verschwindet, wie er zuvor aufgetaucht ist. Kurz darauf wird er sie wieder betreten – als Doktor des KZ Auschwitz. Ein ähnliches weißes Gewand, dieselbe Empathielosigkeit, derselbe Zynismus, der in den Aussagen der beiden Figuren mitschwingt. „Erst ihre Kirche hat uns gezeigt, dass man Menschen verheizen kann wie Koks“, sagt der Doktor einmal. Oliver Möller ist in seiner diabolischen Doppelrolle nicht der einzige, der an diesem Abend durch sein Spiel glänzt. Selten hat man das junge Ensemble des Volkstheaters so konzentriert erlebt wie in Christian Stückls dreieinhalbstündiger Inszenierung. Auch wenn Hochhuths Stück durch diese Inszenierung nicht an dramatischer Qualität gewinnen kann, gelingt es Stückl, durch die Fokussierung auf den jungen Riccardo Fontana eine Geschichte von zeitloser Tragik zu erzählen. Pascal Riedel spielt diesen Riccardo jedoch nicht nur als unbedingten Revoluzzer. Wenn er in einer der eindrucksvollsten Szenen des Abends Paul Celans „Todesfuge“ immer wieder wie im Fieberwahn rezitiert, zeigt sich darin die menschliche, verletzliche Seite seiner Figur. Eine Szene, die man so bei Hochhuth nicht gefunden hätte, denn seiner Meinung nach verstecken „Metaphern nun einmal den höllischen Zynismus dieser Realität“, wie er es in einer der zahlreichen Regieanweisungen seines Stücks bemerkt.\nAm Ende beginnt sich im Dauerregen der Ausschwitz-Szenen nicht nur Fontanas auf die Brust gemalter, schwarzer Davidstern langsam aufzulösen, sondern auch sein Glaube. Die Ermordung des Paters am Ende von Hochhuths Stück fällt aus, stattdessen steht der junge Mann wieder neben seinem Freund im Bibliothekssaal ihrer Universität. Ein erstaunlich nüchternes Ende für eine Stückl-Inszenierung, mit der der Regisseur gekonnt die Gefahr der heroischen Übersteigerung seines Protagonisten bannt. Lena Kettner\nJe näher die Probleme rücken, desto ferner fällt der Blick: Gael Garcia Bernal. Foto: Piffl Medien\nDer junge Regisseur Sebastián weiß genau, was er mit diesem Historienfilm erreichen will. Ein Werk für die Ewigkeit schaffen, die Wahrheit über Christoph Kolumbus, einen der bedeutendsten Persönlichkeiten der Geschichte, entlarven. Endlich wird die Welt über dessen Gier nach Gold, über die Gewalt der spanischen Eroberer an den Ureinwohnern und den von ihnen in Gang gesetzten Sklavenhandel erfahren. Kaum ist Sebastián jedoch am Drehort in der bolivianischen Stadt Cochabamba angekommen, gibt es bereits erste Probleme. Zu viele Angehörige der indigenen Bevölkerungsgruppe, die als Laiendarsteller in seinem Film mitwirken sollen, sind zu seinem offenen Casting gekommen. Auf Drängen seines Produzenten Costa wählt Sebastián schnell einige der Indios aus, bis die Situation zu eskalieren droht und Sebastián sich dazu entschließt, ihnen allen eine Chance zu geben. Auch wenn er die wahren Beweggründe für ihre Wut zu diesem Zeitpunkt noch nicht versteht.\nDenn er und sein Filmteam nehmen die Realität zunächst nur durch die heruntergelassenen Fensterscheiben ihrer Autos wahr. Der auf Erfolg gepolte Costa hat bei der Wahl des Drehorts die historischen Fakten getrost außer Acht gelassen und sich für die bolivianische Stadt Cochabamba entschieden, weil er hier zu den günstigsten Kosten produzieren kann. Dass draußen soziale Unruhen drohen, weil die Wasserversorgung der Stadt an einen ausländischen Konzern verkauft worden ist, dass die Regierung den Indios sogar untersagt, Brunnen zu bauen, in denen sie ihr eigenes Regenwasser sammeln – was kümmert es das ausländische Filmteam?\nDer Film „También la lluvia“ („Und dann der Regen“) der spanischen Regisseurin Icíar Bollaín zeigt durch die Verschränkung mehrerer Erzählebenen, dass sich seit ihrer Kolonialisierung durch Christoph Kolumbus nur wenig am Umgang der weißen Bevölkerung mit den Indios geändert hat. Während in einem Film-im-Film Kolumbus’ grausamer Eroberungsfeldzug dargestellt wird, filmt eine Mitarbeiterin aus Sebastiáns Team mit einer wackeligen Handkamera das, was die Indios in Cochabamba wirklich bewegt: der Aufstand gegen die weißen Politiker des Landes. Doch Produzent Costa untersagt ihr, einen Dokumentarfilm über diesen Konflikt zu drehen, der tatsächlich im Jahre 2000 in Bolivien stattgefunden hat und damals vom bolivianischen Militär brutal niedergeschlagen worden war.\nIcíar Bollaín entlarvt in „También la lluvia“ vor allem die Filmbranche in ihrem naiven Umgang mit Laiendarstellern, ihrer bewussten Ausblendung der Realität und ihrer Doppelmoral. Und das, wo sie sich doch als Befreier der Indios sieht und mit diesem Film die Geschichte neu schreiben will. Ein Team, das verliebt in die Idee ihres Films ist, aber keine Bereitschaft zeigt, die darin propagierten Tugenden wie Mut und Menschlichkeit in seinem eigenen Leben hochzuhalten. Für den verträumten Regisseur Sebastián bildet Bolivien mit seinen tropischen Wäldern lediglich eine spektakuläre Kulisse für sein Projekt. Zwar hat er ein schlechtes Gewissen, als eine Gruppe Indios auf einem Feld ein Kreuz für eine seiner wichtigsten Szenen aufrichtet, doch er bricht ihre Arbeit nicht ab. Gael Garcia Bernals Sebastián spricht weder die Sprache der Indios noch versucht er, ihre Gefühle und Ängste zu verstehen. Seine Schauspieler sind eitle Selbstdarsteller, die Bärte wie zu Kolumbus‘ Zeiten tragen und glauben, durch ihr angelesenes Wissen die Wahrheit über die durch sie verkörperten historischen Personen zu kennen. Inszeniert sich der Darsteller des Bartolomé de las Casas – ein spanischer Bischof, der im 15. Jahrhundert bekannt war für seinen Einsatz für die Rechte der Indios – in einem Moment noch als Retter der Unterdrückten, steuert er im nächsten Moment einen Flughafen an, als die Situation in Cochabamba zu bedrohlich wird.\nMehr und mehr vermischen sich mit fortschreitendem Plot Historienfilm und Realität, bis sie in der eindrücklichsten Szene des Films vollkommen ineinander aufgehen. Daniel, Sebastiáns wichtigster Laiendarstellern und Anführer des Wasseraufstands der Indios, wird innerhalb und außerhalb des Films wie Jesus zum Märtyrer. Vor dem Dreh kaufen ihn Sebastián und Costa noch schnell für 2000 $ aus dem Gefängnis frei, um ihre wichtigste Szene vollenden zu können – unter der Auflage, dass er nach Drehschluss wieder der Polizei übergeben wird. Daniel stirbt im Film den Foltertod am Kreuz und ist in der Realität den Foltermethoden eines übermächtigen Staatsapparats ausgesetzt.\nIcíar Bollaín zeigt mit „Tambien la lluvia“ vor allem eines in exemplarischer Art und Weise auf: dass ein gutgemeinter Film nicht immer gut für alle Beteiligten ist. So beeindruckend ihr die Demaskierung einer verantwortungslosen Filmbranche gelingt, die sich als neue Eroberer nicht bedeutend anders verhält wie der von ihnen an den Pranger gestellte Kolumbus im 16. Jahrhundert, so schwierig ist ihr Umgang mit den eigentlichen Protagonisten des Films, den indigenen Einwohnern Boliviens. Während der Regisseur Sebastián und sein wenig sensibler Produzent durchaus ambivalent gezeichnet sind, müssen die Indio-Laiendarsteller demütig ihre Rolle der ewig Unterdrückten spielen. Dadurch wirkt „También la lluvia“ zuweilen zu lehrstückhaft, besonders weil am Ende die Lösung aller Probleme in melodramatischen Begegnungen zwischen Spaniern und Indios liegen soll. „Sebastián. Einige Dinge sind wichtiger als dein Film“, sagt der Indio Daniel einmal zu ihm. Wasser zum Beispiel. Denn Wasser ist Leben. Lena Kettner\nFestival der Filmhochschulen – Kurzkritiken – 17./18.11.\nClancy möchte einfach nur dazugehören; Foto: IFFH\nGerührt sitzt Clancys Mutter am chinesischen Neujahrsfest vor dem Fernsehen, fernab der Heimat. Ein buntes Spektakel mit tanzenden Löwen und roten Knallkörpern, mehr sehen die Australier nicht in diesem für die Chinesen so bedeutsamen Feiertag. Dieses Land und seine Menschen sind Clancys Mutter fremd, deswegen vergewissert sie ihrer weinenden Mutter am Telefon, dass sie sich in Australien nur mit ihren eigenen Landsleuten umgebe. Ihren zehnjährigen Sohn Clancy würde sie am liebsten zu einem „All-Chinese boy“ machen. Doch Clancy möchte weder die chinesische Schule am Wochenende besuchen noch seine Muttersprache sprechen. Er will einfach nur dazugehören. Vor allem zu den coolen Jungs an seiner Schule, die ihn im Pausenhof kaum beachten. Und wie soll sich das jemals ändern, wenn er es nicht einmal fertig bringt, seine gestohlenen roten Knallkörper vor den Klassenkameraden zu zünden. Die „Wonderboy“-Knallkörper sind nämlich – wen wundert‘s – „Made in China“. Die in Taiwan geborene australische Regisseurin Corrie Chen kennt das Gefühl der Zerrissenheit zwischen zwei unterschiedlichen Kulturen, das sie in ihrem Film „Wonderboy“ auf humorvoll-unsentimentale Art und Weise zum Thema macht. Beispielsweise, indem Clancy zusammen mit den anderen Kindern in der chinesischen Schule das populäre englische Kinderlied „Twinkle Twinkle, Little Star“ anstimmen lässt. Bald wird Clancy verstehen, dass es ein Privileg ist, ein Teil beider Kulturen zu sein. Lena Kettner\nIn der Zukunft nichts Neues. So knapp lassen sich Inhalt und Wirkung von „Karyukai.Inc“, dem einzigen indischen Beitrag auf dem Internationalen Festival der Filmhochschulen, zusammenfassen. Die Menschen leben so isoliert, dass sie verlernt haben, miteinander zu kommunizieren und Gefühle zu äußern. Gut, dass es die Möglichkeit gibt, sich sein eigenes PSM machen zu lassen. Das Personalized Soul Mate, das wie ein Mensch aussieht, das komplett nach eigenen Wünschen gestaltet wird und das auf die eigenen Bedürfnisse abgestimmt ist. Die Idee an sich bietet schon wenig Neues, doch leider macht der Film selbst daraus noch zu wenig. Lanche, die männliche Hauptfigur, bleibt zu oberflächlich, um die Gesellschaft der Zukunft für den Zuschauer nachvollziehbar zu repräsentieren. Er sitzt den Film über auf einer Couch und gibt seine Bestellung für sein PSM auf – in einigen wenigen, sehr konstruiert wirkenden Dialogen mit der Protokollantin versucht der indische Regisseur Dominic M. Sangma Anspielungen auf die Zeit und die Gesellschaft der Zukunft unterzubringen. „Sie schreiben mit der Hand“, bemerkt Lanche verwundert, „die Leute schreiben nicht mehr.“ Leider bleiben diese Anspielungen zu vage beziehungsweise kommen zu kurz und so ergibt sich auch kein klares Bild davon, wie sich der Filmemacher die Zukunft nun genau vorstellt. So bleibt das Interessanteste an dem Werk die Sprache, Garo. Sangmas Film ist der erste, der je in dieser sino-tibetischen Sprache gedreht wurde. Pierre Jarawan\nIm Zweifel gegen den Angeklagten; Foto: IFFH\nDer Kurzfilm „Rausch“ beginnt wie eine gewöhnliche Polizeiserie: zwei gelangweilte Zivilfahnder sind auf Streife und überwältigen in lässiger Manier auf ihrer nächtlichen Patrouille einen schwarzafrikanischen Drogendealer auf der Straße. Nachdem sie ihn auf der Wache abgeliefert haben, ist die Lösung des Falls für den erfahrenen Polizisten Wolf und seinen jungen Kollegen Tito ganz einfach. Die beiden könnten längst schon wieder auf Verbrecherjagd sein, wenn der Schwarzafrikaner einfach die Drogen erbrechen würde, die er laut Tito kurz vor seiner Festnahme aus Angst vor den Zivilfahndern heruntergeschluckt hat. Während sie noch locker mit der Beweissicherungsärztin Dr. Angelika Thoma über deren letzten Urlaub plaudern, versucht diese mehrere Male ohne Erfolg, dem schwarzen Mann eine Flüssigkeit zu verabreichen, die ihm helfen soll, sich schneller zu übergeben. Schließlich führt sie eine Zwangsmaßnahme durch, versucht mithilfe eines Schlauches, dem Schwarzafrikaner das Abführmittel durch die Nase einzuflößen. Eine Prozedur, die in Deutschland tatsächlich erst seit 2006 verboten ist. „Warum fängt der nicht im Zirkus an? Ich meine: Mal ehrlich, der könnte doch irgendwelche Bälle runterschlucken, oder was?“ Es sind Sätze der Polizisten wie diese, die sich einbrennen und die einen schockierenden Blick in das Innere einer Behörde gewähren, deren Mitarbeiter ihre Macht auf unfassbare grausame Art und Weise missbrauchen. Verena Jahnke von der Filmakademie Baden-Württemberg in Ludwigsburg ist mit „Rausch“ ein Film gelungen, der den Zuschauer durch seine ungeschönte Darstellung in die Rolle eines Beteiligten zwingt. Ein klaustrophobisches Kammerspiel, in dem drei Menschen über das Schicksal eines Mannes entscheiden, der im Laufe seines Martyriums jeglicher Freiheit und Menschenwürde beraubt wird. Jahnkes Film bezieht sich auf zwei reale Fälle in Deutschland, von denen einer nicht einmal vor Gericht verhandelt wurde.\nPlötzlich ist sich Tito nicht mehr so sicher, ob der böse schwarze Mann die Drogen tatsächlich geschluckt hat. Es gibt unerwartete Komplikationen im Behandlungsraum, der Mann atmet nicht mehr. Erst da wird sich die Ärztin ihrer lebensgefährlichen Maßnahme bewusst und bricht die Prozedur ab – doch jede Hilfe für ihren Patienten kommt zu spät. Schnell noch ein Protokoll geschrieben und einen Stempel drauf, dann kann dieser Fall abgehakt werden. Die Bilder in ihrem Kopf können seine Peiniger dadurch jedoch nicht loswerden. Lena Kettner\nLe Havre ist ein verwunschener Ort. Szene aus "La Fée". Foto: Hofer Filmtage\nEinsam wandert Léa (Anne Azoulay) durch die Straßen von Le Havre. Kein Sonnenstrahl durchbricht das triste Einheitsgrau, das die Stadt in einem unfreundlichen Licht erscheinen lässt. Genauso wie das Leben kein Lächeln auf das Gesicht der 25-jährigen Léa zaubern kann, die hier geboren und aufgewachsen ist. Es ist ihr nicht möglich, ein selbstbestimmtes Leben zu führen, denn seit ihr vermögender Vater die Familie wegen einer anderen Frau verlassen hat, um mit einer anderen Frau glücklich zu werden, muss sich Léa tagsüber um ihre an Alzheimer erkrankte Großmutter (Ginette Garcin) kümmern. Nachts arbeitet sie in einer Bar, um über die Runden zu kommen. Doch insgeheim träumt sie von einem anderen Leben, in dem sie nicht nur funktioniert, sondern sich frei entfalten kann. Sie möchte an der Science Po in Paris studieren, doch dafür müsste sie ihre geliebte Großmutter zurücklassen.\nIn „Léa“, dem Debütfilm des französischen Regisseurs Bruno Rolland, ist Le Havre ein Sinnbild für die Sehnsucht der Protagonistin nach Aufbruch und Veränderung. Viele Träume haben in der Stadt an der Küste Nordwestfrankreichs begonnen. Auswanderer starteten von hier aus in die neue Welt, Kaffee- und Baumwollhändler verschifften ihre Waren vom Hafen aus in viele Teile der Erde. Nach Marseille verfügt die Stadt am Ärmelkanal heute über den zweitgrößten Hafen Frankreichs. Hier leben die Menschen mit den Gezeiten, mit dem ständigen Kommen und Gehen.\nLéa wird schließlich an der Science Po aufgenommen, doch ihre neue Freiheit hat Grenzen: Die junge Frau muss in Paris als Stripperin arbeiten, um die Unterbringung ihrer Großmutter in einem Altersheim zu finanzieren. Hin- und hergerissen ist Léa zwischen Stripclub, Uni und den Besuchen bei ihrer Großmutter, zwischen moralischer Verpflichtung und individueller Selbstbestimmung. Ihr gelingt es nicht, ihre Vergangenheit, Le Havre einfach hinter sich zu lassen. Bruno Rolland liefert in seinem Film keine psychologischen Erklärungsversuche für das Verhalten seiner Figur, zeichnet vielmehr durch Léas Konflikte mit ihrer Umwelt, durch ihre unkontrollierten Wutausbrüche und ihre Verwandlung zur Femme fatale im Stripclub das vielschichtige Bild einer jungen Frau auf der Suche nach ihrem wahren Ich.\nDass Le Havre auch sonnige Seiten haben kann, zeigt das belgisch-französisch-kanadische Regie-Trio Dominique Abel, Fiona Gordon und Bruno Romy mit seiner Film-Trilogie „La Fée“. Der dritte Film der ursprünglich vom Theater und der pantomimischen Kleinkunst kommenden Performer ist ein skurriles Märchen über die Liebe, seine Handlung der Auslöser für ein Feuerwerk an intelligentem Slapstick. Wie in ihren früheren Filmen „Iceberg“ und „Rumba“ haben Abel, Gordon und Romy auch in „La Fée“ die Rollen ihrer drei Protagonisten übernommen. Abel spielt Dom, einen Nachtportier in einem heruntergekommenen Hotel in Le Havre. Sein gemütlicher Abend vor dem Fernsehseher im Nebenzimmer der Rezeption wird erst von der Ankunft eines englischen Touristen mit schlechten französischen Sprachkenntnissen und einem als Koffer verkleideten Hund (der einzige Stargast des Films, angeblich der Sohn des berühmten Idefix aus den Asterix-und-Obelix-Spielfilmen) unterbrochen, dann von der Ankunft einer ausgeflippten Frau, die behauptet, eine Fee zu sein. Drei Wünsche will sie ihm erfüllen, und wie jeder Mann weiß Dom genau, was er will: einen Roller und lebenslangen Benzinnachschub. Bei so viel Glück kann die Erfüllung des dritten Wunsches getrost warten. Am nächsten Tag ist die gute Fee, gespielt von Fiona Gordon, verschwunden. Und Dom hat sich unsterblich in sie verliebt. Mit seinem Roller geht er sie suchen, findet sie in einem Heim für psychisch Kranke, wo Fiona wie von Zauberhand über Nacht hochschwanger geworden ist. Doch „La Fée“ hält noch mehr seltsame Charaktere bereit: einen blinden Kellner (Bruno Romy), einen dunkelhäutigen Wurstdieb, biertrinkende Rugbyspielerinnen aus Le Havre, illegale Einwanderer aus Afrika, die den Hund des englischen Hotelgastes finden, nach dem Dom diesen aus Verärgerung in einen Abwasserkanal geworfen hat. Als Finderlohn soll sie der Engländer über den Ärmelkanal in seine Heimat schmuggeln. „La Fée“ spielt zum Großteil in den Straßen Le Havres, zeigt neben Verfolgungsjagden, die sich Dom, Fiona und der Engländer mit zwei einheimischen Polizisten in den weitläufigen Straßen der Stadt liefern, wie Fiona den Wunsch nach ewigem Tanknachschub gewährleisten kann: Sie hat einen Mitarbeiter am Hafen überredet, ihr einen Schlüssel für einen großen Benzintank zu überlassen. Doch der fliegt irgendwann in die Luft, weil ein Angler aus Versehen eine Zigarette ins Wasser geworfen hat.\nNicht immer war Le Havre so luftig, hell und offen, wie es in diesem Film gezeigt wird. Nachdem 1944 englische Truppen den von Deutschen besetzen Stützpunkt bombardiert und die Hälfte der Gebäude dem Erdboden gleichgemacht hatten, reagierte die französische Regierung nach 1945 mit einem radikalen Plan und ließ Le Havre durch den Architekten Auguste Perret wieder neu aufbauen. Und das Wunder gelang: Aus einem riesigen Schutthaufen schuf der Architekt etwas völlig Neues, indem er ihn zu einzigartigen Betonvariationen verband: Zermahlen, nach Farben und Strukturen getrennt, mitunter wieder eingefärbt entstehen Betonoberflächen, die nahezu malerische Oberflächen zeigen. Das Stadtbild von Le Havre prägten nun nicht mehr verwinkelte Straßen mit Fachwerkhäusern, sondern breite Boulevards und lange Straßenachsen.\nDen unvergleichlichen Charme von Le Havre spürt man in „La fée“ in den vielen Szenen, die sich außerhalb des Hotels abspielen. Die clownesken Elemente ihrer Körpersprache erinnern an die an die Stummfilme von Charlie Chaplin und Buster Keaton, ihr Gespür für Situationskomik an Jacques Tati. Dieser Film enthält nur wenige, genau gesetzte Dialoge, und würde ähnlich wie im Stummfilm auch nur über seine Musik funktionieren.\nEs überrasche ihn nicht, dass Le Havre so viele Filmemacher anziehe, sagt Dominique Abel. Dies liege vor allem an der Geschichte der Stadt, in der Vergangenheit und Gegenwart eine harmonische Symbiose eingehen. „Wenn man hier ist, weiß man nicht, in welcher Epoche man sich befindet: im Jahr 2011 oder im Jahr 1955?“ Gerade wurde wieder einmal Film in Le Havre gedreht – „Une Nuit“ von Lucas Belvaux. Mit ihren Filmen „La Fée“ und „Léa“ haben vier Filmemacher bereits eindrucksvoll bewiesen, dass Le Havre das Setting für ganz unterschiedliche Geschichten bilden kann. Lena Kettner\nFrauenkörper als Projektionsfläche für Licht- und Schattenspiele. Foto: Hofer Filmtage\nDiese Frauen wissen, dass sie etwas ganz Besonderes sind. Denn sie vermögen es, das Publikum durch ihre wohlgeformten, nur von wenig Stoff verhüllten Körper zu verführen. Die Bühne ist ihr Leben, der Tanz ihre Passion. Für viele sind die Tänzerinnen der Inbegriff der Erotik, strahlen ihre lasziven Bewegungen doch pure Sinnlichkeit aus. Jeden Tag treten sie im legendären Cabaret „Crazy Horse“ in Paris auf. Der Musentempel der Schönheit zählt seit seiner Gründung durch Alain Bernardin im Jahre 1951 zu den Hauptattraktionen des Pariser Nachtlebens. Abend für Abend strömen männliche wie weibliche Zuschauer dort hin, um sich von den Tänzerinnen in eine andere Welt entführen zu lassen.\nDita von Teese tanzte hier bereits als Stargast, ebenso Pamela Anderson. Viele Künstler wurden von diesem speziellen Ort inspiriert, so auch der amerikanische Altmeister des Dokumentarfilms, Frederick Wiseman. Zwei Jahre nach „La Danse“, seiner Liebeserklärung an das Ballett der Opéra National de Paris, liefert er mit „Crazy Horse“ einen weiteren Dokumentarfilm über eine Paris Tanzinstitution.\nWiseman kennt sich aus mit Institutionen. Seit bald 40 Jahren erkundet er sie und dringt tief in ihren Alltag ein. Der Regisseur gilt als zurückhaltender und kluger Beobachter, der in seinen Filmen auf Kommentare und Interviews verzichtet, um sich einem Thema unvoreingenommen und offen zu nähern. In der Vergangenheit drehte er in amerikanischen Krankenhäusern, in Gefängnissen und Schulen, zeigte auf beklemmende Art und Weise das Grauen hinter der perfekten Oberfläche. In seinem Spätwerk bleibt der Regisseur seinem Stil, dem direct cinema, treu. Doch in „La Danse“ und „Crazy Horse“ ist nichts mehr von der alten Bissigkeit des mittlerweile 81-jährigen Wiseman zu spüren.\nÄhnlich wie in „La Danse“ ist auch „Crazy Horse“ eher ein geschönter Werbefilm als ein intimer Einblick in einen abgeschlossenen Mikrokosmos. Eine Welt, in der Menschen wie der künstlerische Direktor Ali Mahdavi besessen sind von Eleganz und Schönheit. Frederick Wiseman begleitet in seinem Dokumentarfilm die Proben zu „Désirs“, dem neuen Stück des Choreographen Philippe Decouflé, blickt aber auch hinter die Kulissen des glamourösen Bühnengeschehens, zeigt Tonregler und Monitore ebenso wie die Straßen Paris und Gespräche Decouflés mit dem Leitungsteam des „Crazy Horse“, in dem er mit ihnen um längere Probenzeiten feilscht. Der Umgangston ist rau, aber herzlich, die Tänzerinnen scheinen untereinander die besten Freundinnen zu sein und ihre ganze Energie in die Proben für die neue Show zu stecken. Das wirkt geschönt, beinahe inszeniert.\nDie Kamera präsentiert ihre Protagonistinnen in „Crazy Horse“ gerne im Close-Up, beziehungsweise: ihre Hintern. In quälend langen Tanzszenen wird die Bewunderung für das makellose Körperteil der Tänzerinnen zelebriert, wodurch Wiseman die Objektivierung der Frauenkörper weniger seziert als vorantreibt. Dadurch gelingt es ihm nur in Ansätzen, die Schattenseiten der vermeintlichen Traumwelt des „Crazy Horse“ zu zeigen. Es ist die perfekte Inszenierung, die tagtäglich in diesem Nachtclub dargeboten wird, eine beinahe avantgardistische Collage aus Ton, Bewegungen und Farben. Aber das „Crazy Horse“ ist nicht nur ein Ort formvollendeter Körperkunst, sondern vor allem ein gut laufendes Geschäft. Die jungen Frauen mögen schön sein, doch sie sind auswechselbar, ihr Körper lediglich eine Projektionsfläche für ein technisch aufwendiges Licht- und Schattenspiel. Für Improvisationen und eigene Ideen ist bei dieser bis ins letzte Detail durchchoreographierten Art der Regieführung nur wenig Platz. Nichts an der Show der Frauen im „Crazy Horse“ ist anrüchig oder gar vulgär – aber eben auch nicht erotisch. Dafür wirken ihre Bewegungen zu mechanisch und ihr Tanz zu wenig leidenschaftlich. Ein Casting für neue Mitglieder der Companie entwickelt sich zur reinen Fleischbeschau, bei denen die Kandidatinnen Lächerlichkeit ausgesetzt werden, weil sie ihre Hintern entengleich nach hinten strecken müssen.\nDas „Crazy Horse“ wird ein Publikumsmagnet bleiben, ein Ort, an dem die Fantasie des Zuschauers durch magische Aufführungen beflügelt wird. Aber auch ein Ort, an dem Frauen nicht mehr sind als ihre schöne Hülle. Wie der Choreograph Philippe Decouflé ist auch Wiseman verliebt in die Inszenierung der Frauenkörper, wodurch der dokumentarische Charakter des Films immer weiter in den Hintergrund gedrängt wird. Die nackte Wahrheit über das „Crazy Horse“ wird man so jedenfalls nicht erfahren. Lena Kettner


Eureka meldet Unternehmens-Update - 17.10.16 - News - ARIVA.DE\nTecDAX 2.844 +1,55% Dollarkurs 1,156 -0,21%\nMontag, 17.10.2016 09:20 von IRW-Press\nAbschluss vorbereitender Explorationsarbeiten - zu den wichtigsten Erfolgen zählen folgende:\n- Umsetzung eines endgültigen Joint-Venture-Abkommens mit Nevada Sunrise Gold Corporation (TSX-V: NEV) (Nevada Sunrise)\n- Auswahl von Bohrzielen\n- Ausstellung einer Sanierungsgarantie\n- Abschluss einer archäologischen Studie\n- Erhalt der endgültigen Explorationsgenehmigung vom Nevada Bureau of Land Management\nAbschluss des Explorationsprogramms 2016 und des Optionsabkommens - zu den bedeutsamen Erfolgen zählen folgende:\n- Abstecken zusätzlicher strategischer Mineralschürfrechte\n- Abschluss geophysikalischer Interpretationen\n- Geochemische Explorationen nach den geologischen Interpretationen\n- Abschluss eines Optionsabkommens mit Cararc Resource Corp. hinsichtlich der Weiterentwicklung des Projektes FG im Jahr 2017\nDiese Pressemeldung enthält bestimmte zukunftsgerichtete Aussagen im Sinne der geltenden kanadischen Wertpapiergesetze, bei denen es sich nicht um historische Tatsachen handelt. Zukunftsgerichtete Aussagen sind Risiken, Unsicherheiten und anderen Faktoren unterworfen, die eine deutliche Abweichung der eigentlichen Ergebnisse, Leistungen, Aussichten und Gelegenheiten von den in den zukunftsgerichteten Aussagen explizit oder implizit zum Ausdruck gebrachten Erwartungen bewirken können.Die zukunftsgerichteten Aussagen in dieser Pressemitteilung beinhalten, jedoch nicht darauf beschränkt, Aussagen hinsichtlich der geplanten Finanzierungen, Ziele und zukünftigen Explorationspläne des Unternehmens beim Projekt Gemini und beim Projekt FG; der Kosten in Zusammenhang mit den geplanten Explorationsprogrammen des Unternehmens; sowie des Geschäfts und der Betriebe des Unternehmens. Zukunftsgerichtete Aussagen basieren zwangsläufig auf einer Reihe von Schätzungen und Annahmen, die zwar vernünftig sind, aber dennoch bekannten und unbekannten Risiken, Ungewissheiten und anderen Faktoren unterliegen, die dazu führen könnten, dass sich die tatsächlichen Ergebnisse und zukünftigen Ereignisse erheblich von jenen unterscheiden, die in solchen zukunftsgerichteten Aussagen explizit oder implizit zum Ausdruck gebracht wurden. Solche Faktoren beinhalten, jedoch nicht darauf beschränkt: allgemeine geschäftliche, wirtschaftliche und soziale Ungewissheiten; Rechtstreitigkeiten; rechtliche, umweltbezogene und andere juristische, behördliche, politische oder wettbewerbsbezogene Entwicklungen; Verzögerungen oder die Unfähigkeit, Genehmigungen des Board oder der Behörden zu erhalten; sowie andere Angelegenheiten, die in dieser Pressemitteilung beschrieben werden. Diese zusätzlichen Risiken werden in den öffentlichen Dokumenten des Unternehmens beschrieben, die auf SEDAR unter www.sedar.com veröffentlicht wurden. Obwohl das Unternehmen der Ansicht ist, dass die Annahmen und Faktoren, die den zukunftsgerichteten Aussagen zugrunde liegen, vernünftig sind, sollte man sich nicht auf diese Aussagen verlassen, da diese nur zum Zeitpunkt der Veröffentlichung dieser Pressemitteilung gelten und keine Gewährleistung abgegeben werden kann, dass solche Ereignisse in den angegebenen Zeitrahmen bzw. überhaupt eintreten werden. Das Unternehmen beabsichtigt nicht und ist auch nicht verpflichtet, zukunftsgerichtete Aussagen zu aktualisieren oder zu überarbeiten - weder infolge neuer Informationen noch infolge zukünftiger Ereignisse -, sofern dies nicht gesetzlich vorgeschrieben ist.


Unified Communications meets CRM - crmforum.de\nvon Andreas Stiehler (Marktanalyse- und Beratungsunternehmen PAC)\nWeitere Zeit vergeht, bis im IT-System relevante Anwendungen wie „Anrufprotokollierung“ oder „Aufgabe erstellen“ geöffnet werden. Um diese Zeit zu sparen, weichen viele Mitarbeiter auf ihren Notizblock aus. Ob und in welcher Qualität die Informationen aus dem Gespräch dann tatsächlich noch ins System gelangen, bleibt dahingestellt.\nEin flexibles, unbürokratisches Reagieren à la „wir machen das wieder so wie beim letzten Mal“ ist nur bedingt möglich, da für das Aufsuchen der Kundenhistorie zu viel Zeit benötigt wird.\nKritische Informationen, wie „Kunde hat Zahlungsziel der letzten Lieferung deutlich überschritten“, werden im Gespräch übersehen, obwohl diese Information aus der Buchhaltung im System erfasst ist – nur eben an einer anderen Stelle.\nWeiter lesen unter:www.computerwoche.de/mittelstand/2503676/


Anrainerschutzverband Salzburg Airport\nAuswirkungen des Flugverkehrs schaden Mensch & Umwelt\nRecht auf Erholung, Gesundheit und Wohlbefinden\nFür ein lebenswertes, gesundes und sicheres Umfeld\nDer Anrainerschutzverband Salzburg Airport (ASA) setzt sich für ein lebenswertes, gesundes und sicheres Umfeld für die Bewohner*innen der Stadt Salzburg und den betroffenen Umlandgemeinden ein, unter Beachtung der geltenden Gesetze und EU-Direktiven.\nHauptziel des ASA ist es, die Fluglärm- und Schadstoffbelastungen sowie Gefährdungen, die durch den Flugverkehr am Salzburger Airport entstehen, einzugrenzen. Der Flughafen liegt inmitten des Stadtgebietes und muss daher besonders auf die Wahrung der Rechte und des Schutzes der Bevölkerung Rücksicht nehmen.\nDazu bedarf es einer tatkräftigen und kritischen Bürger*innengemeinschaft, die ihre Rechte einfordert, damit der Mensch und die Umwelt wieder im Mittelpunkt stehen und nicht der ständig wachsende und belastende Flugverkehr im Großraum Salzburg!\nZiele des ASA »\nDer ASA ist eine anerkannte Umweltorganisation\nlt. Bescheid vom Bundesministerium für Land- und Forstwirtschaft, Umwelt und Wasserwirtschaft von 2015\nHaben Sie eine Beschwerde oder möchten uns eine Beobachtung mitteilen?


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Besichtigung Kreis- und Kommunalarchiv\nSehr geehrte Mitglieder und Freude der Studiengesellschaft,\nhiermit möchten wir zu einer Besichtigung des neu eingerichteten Kreis- und Kommunalarchivs in Nordhorn einladen.\nDer Leiter des Archivs, Herr Christian Lonnemann, wird uns durch das Archiv führen und anschließend einen Vortrag über die Möglichkeiten der Nutzung halten, was nicht nur für Genealogen sehr interessant sein dürfte.\nSamstag, dem 14. April 2018,\nab 14.30 Uhr in der Nino-Allee 2 in Nordhorn.\nDas neue Kreis- und Kommunalarchiv des Landkreises Grafschaft Bentheim befindet sich seit dem April 2017 in einem Neubau auf dem ehemaligen Nino-Gelände.\nHerr Lonnemann hat bereits auf unserer letzten Buchvorstellung in Neuenhaus seinen Beitrag über den Bau des neuen Archivs vorgestellt, dem noch andere Institutionen - wie eine große regionalgeschichtliche Bibliothek - angeschlossen sind,\nWer an der Besichtigung des neuesten Archivs unseres Bundeslandes teilnehmen möchte, wird gebeten, sich per E-mail oder telefonisch anzumelden, damit wir für die Versorgung mit Kaffee, Tee und Kuchen/Gebäck planen können.


Homematic IP und Eqiva Heizkörperthermostate gewinnen bei Stiftung Warentest - eQ-3\nBei den Thermostaten mit Fernzugriff wurde der Homematic IP Heizkörperthermostat unter anderem für sein sehr gutes Halten der Wunschtemperatur gelobt. Der Homematic IP Heizkörperthermostat war auch der einzige im Testfeld, für den ein Fensterkontakt zur Verfügung steht, der auch getestet wurde und für ein besonders schnelles Erkennen beim Lüften und vor allem auch beim Schließen des Fensters sorgt. Homematic IP konnte auch in der Handhabung überzeugen und erzielte in diesem Bereich das beste Testergebnis.\nEin Vorteil von Homematic IP gegenüber anderen Smart-Home-Systemen ist die sehr leichte und benutzerfreundliche Installation: Mithilfe eines Smartphones und der kostenlosen App werden die QR-Codes auf den Homematic IP Komponenten eingescannt und direkt in das neue oder bereits bestehende System integriert. Auf die gleiche Weise lässt sich ein Starter Set auch schnell zu einem kompletten Smart-Home-System erweitern. Der Kreativität für Komfort, Energiesparen und Umweltschutz sind somit kaum Grenzen gesetzt, denn mit dem rasch wachsenden Funktionsumfang von Homematic IP entstehen immer mehr Möglichkeiten, in allen drei Bereichen zu punkten. Selbst eine Fußbodenheizung ist so leicht integrierbar. Mit dem Europamarktführer eQ-3 steht der Einrichtung des Smart Homes nichts im Wege.\nBemerkenswert war auch das Ergebnis der Stiftung bei den mechanischen „Thermostaten mit Drehgriff“: Während es bei den eigentlichen Testergebnissen keine Überraschungen gab, zeigte sich, dass die Preise für die mechanischen Thermostate inzwischen – teilweise sogar deutlich – über denen moderner elektronischer Heizkörperthermostate liegen. So ist der Eqiva Typ N Thermostat trotz seiner automatischen Regelung mit Wochenprogrammen selbst bei seiner unverbindlichen Preisempfehlung von 9,95 EUR zwischen 10 % und 45 % günstiger als die von Stiftung Warentest ermittelten mittleren Preise der betrachteten mechanischen Heizkörperthermostate. Hier wird offensichtlich, wie schnell die Industrietransformation hin zu intelligenten Produkten inzwischen auch in diesem Markt voranschreitet.\nPressemitteilung als PDF (305,0 KiB)\nHomematic IP und Eqiva He...


Offen für alle | WU Jahresbericht\nVon der Kinderuni bis zur wissenschaftlichen Tagung – die Bandbreite der Veranstaltungen, die auf unserem Campus stattfinden, ist groß. Gemeinsam ist den Events das Ziel, möglichst vielen Menschen Zugang zu aktuellem Wissen zu verschaffen.\nKinder erforschen die WU\nIm Juli gehörte die WU für zwei Wochen Kindern zwischen sieben und zwölf Jahren. Sie besuchten uns auf dem Campus, um aus erster Hand Einblicke in die Wirtschaft und die Rechtswissenschaften zu erhalten.\nWU-Lehrende stellten für die Kinderuni „Wirtschaft“ ein buntes Programm zusammen. In Seminaren und Workshops erarbeiteten sie gemeinsam mit den Kindern Antworten auf so fundamentale Fragen wie „Warum ist es so schwer, die Welt zu verändern?“, „Warum sprechen Autos, sind Bären aus Gummi und Kühe manchmal lila?“ und „Was geschieht eigentlich bei Gericht?“.\nIm November war die WU Gastgeberin für die „Sparkling Science“-Tagung 2016. „Sparkling Science“ ist ein Forschungsprogramm des Bundesministeriums für Wissenschaft, Forschung und Wirtschaft, das die Zusammenarbeit von Wissenschaftler/inne/n und Schüler/inne/n fördert. Bei der Tagung wurden die Erfolgsgeschichten des Programms präsentiert und neue Modelle der Zusammenarbeit von Wissenschaft, Schule und Gesellschaft diskutiert.\nHöhepunkt war das Finale des „Sparkling Science Slam“, bei dem Schüler/innen ihre Forschungsergebnisse vorstellten.\nPublic Lectures und Diskussionsveranstaltungen haben eine lange Tradition an der WU. Die Universität meldet sich bei aktuellen gesellschaftlichen, wirtschaftlichen und politischen Themen aus wissenschaftlicher Sicht zu Wort und lädt die interessierte Öffentlichkeit ein, mit uns zu diskutieren. Unsere beiden Veranstaltungsreihen „Open Minds“ und „Wirtschaft Wissenschaft Unplugged“ überzeugten in den letzten Jahren stets mit spannenden Themen und hochkarätigen Gästen.\nIm Frühjahr trafen einander der Moraltheologe und Mediziner Matthias Beck, der WU-Professor Rupert Sausgruber und der Werber Michael Nitsche zu einer interdisziplinären „Open Minds“-Diskussion zum Thema „Mäßigung: Hemmschuh oder Rettungsanker?“. Unter der Leitung von WU-Professorin Gerlinde Mautner sprachen sie darüber, dass Probleme in Wirtschaft, Politik und Gesellschaft immer durch Mangel oder Überfluss entstehen. Den goldenen Mittelweg, das rechte Maß zu finden ist schwer, aber notwendig – denn Mäßigung ist eine Voraussetzung für langfristiges Wachstum.\nBei „Wirtschaft Wissenschaft Unplugged“ nehmen Manager/innen und Professor/inn/en zu aktuellen Wirtschaftsthemen Stellung. Anschließend diskutieren die Expert/inn/en mit dem Publikum. „Der frühe Sprung Österreichs in den Osten – 25 Jahre später: Fluch oder Segen?“ lautete das Thema im Juni. Arnold Schuh, Leiter des Competence Center for Emerging Markets & CEE an der WU, und Elisabeth Stadler, Generaldirektorin der Vienna Insurance Group, zogen eine positive Bilanz. Österreichs Wirtschaft hat von den Aktivitäten im CEE-Raum eindeutig profitiert. Moderiert wurde die Veranstaltung, die wie die ganze Reihe in Kooperation mit der Tageszeitung „Die Presse“ und der Erste Group stattfand, von „Presse“-Herausgeber Rainer Nowak.\nWeil es für die WU als öffentliche Universität wichtig ist, zur Lösung gesellschaftlicher Probleme beizutragen, starteten wir im Herbst unsere neue Veranstaltungsreihe „WU matters. WU talks.“ für die interessierte Öffentlichkeit.\nDie neue Reihe soll als Plattform für einen intensiven Austausch zwischen Wissenschaft und Öffentlichkeit dienen. In wöchentlichen Diskussionen und Vorträgen rücken wir gesellschaftlich und wirtschaftlich relevante Themen ins öffentliche Licht. Die bereits etablierten Reihen „Open Minds“ und „Wirtschaft Wissenschaft Unplugged“ wurden in „WU matters. WU talks.“ integriert.\nDie erste Veranstaltung im November war ein Expertengespräch: Günter Thumser, Präsident von Henkel CEE, und Arnold Schuh, Leiter des Competence Center for Emerging Markets & CEE an der WU, diskutierten unter der Moderation von „Gewinn“-Herausgeber Georg Wailand über das Thema „Going east, growing east“. Im Rahmen der Veranstaltung verlieh Rektorin Edeltraud Hanappi-Egger Günter Thumser den Titel „Manager des Jahres 2016“.\nGünter K. Stahl, Forscher des Monats November, verriet in einer Wiener Vorlesung, „Warum gute Manager korrupt werden“. Er stützte sich dabei auf seine umfangreichen Forschungen über „Responsibility & Leadership“.\nEnde November waren Schönheitsexpert/inn/en am Wort. Über „Schönheit: Ein Ideal zwischen Kultur, Kommerz und Karriere“ diskutierten die Chefredakteurin und Herausgeberin des Magazins „look!“, Uschi Pöttler-Fellner, der WU-Professor Johannes Steyrer und der plastische Chirurg Artur Worseg. WU-Professorin Gerlinde Mautner leitete das Gespräch, das sich vor allem darum drehte, ob es eine allgemeingültige Definition von Schönheit gibt und welche Vorteile schöne Menschen im Berufsleben haben.\n„Brexit: Schreckgespenst oder reale Bedrohung?“, fragten sich Anfang Dezember Harald Badinger, Vorstand des WU-Instituts für internationale Wirtschaft und Vizerektor für Finanzen, und Karin Sonnenmoser, CFO der Zumtobel Group. Unter der Moderation von „Presse“-Herausgeber Rainer Nowak entwickelten sie Szenarien für die kurz- und langfristigen Auswirkungen des Brexits auf die EU und Österreich.\nKurz vor dem Jahreswechsel stand das Thema Bildung auf dem Programm. Eine hochkarätige Expert/inn/enrunde, die sich aus WU-Rektorin Edeltraud Hanappi-Egger, Bildungsministerin Sonja Hammerschmid und Buchautor und Lehrer Niki Glattauer zusammensetzte, suchte nach Maßnahmen zur Förderung der sozialen Durchlässigkeit im österreichischen Bildungssystem. Die Diskutant/inn/en waren sich einig, dass Ganztagsschulen, integrative Campusmodelle und die Initiativen, Schüler/inne/n ein Studium schmackhaft zu machen, die wichtigsten Meilensteine auf dem Weg zu gleichen Bildungschancen für alle sind.\nDie Reihe wird 2017 mit wöchentlichen Public Lectures und Diskussionen fortgesetzt.\nDie WU in Alpbach\nDas Europäische Forum Alpbach ist eine interdisziplinäre Plattform für Wissenschaft, Politik, Wirtschaft, Kultur und Zivilgesellschaft. Seit 1945 beschäftigen sich Persönlichkeiten aus diesen Bereichen in Alpbach mit relevanten gesellschaftspolitischen Fragestellungen unserer Zeit.\n2016 stand das Forum unter dem Motto „Neue Aufklärung konstruktive Wege für das 21. Jahrhundert“. WU-Wissenschaftler/innen waren als Expert/inn/en zu „Breakout Sessions“ eingeladen. Zum Thema „Crowdsourcing – bei Problemen fragen Sie einfach alle!?“ berichtete WU-Professor Christopher Lettl über die neuesten Forschungsergebnisse des Instituts für Strategie, Technologie und Organisation. In der Session „Verantwortungsvolle Führung: Wie verantwortungsvolle ManagerInnen Werte vorleben und unverantwortliche Chaos schaffen“ präsentierte Günter K. Stahl, Professor am Institute for International Business, seine Studien zu „Responsibility & Leadership“.\nSigrid Stagl, Professorin am Institute for Ecological Economics, leitete einen Workshop zum Thema „(Wirtschafts-)Politik für den Fortschritt – Die Rückkehr des ‚magischen Vielecks‘“. Steuerrechtsexperte Jeffrey Owens hielt einen Vortrag über „Digitale MitarbeiterInnen – die Zukunft der Arbeit“ und Vizerektor Stefan Pichler, Professor am Institute for Finance, Banking and Insurance, nahm an einer Diskussion über „Niedrigzinspolitik: Gratisgeld für alle oder Rettung in der Not?“ teil.\nWir entwickeln auf der Basis unserer Forschung Lösungen für konkrete wirtschaftsbezogene Problemstellungen. Mit an der WU generiertem Wissen möchten wir zu sachlichen und evidenzbasierten Diskursen der relevanten Akteure und Akteurinnen beitragen. Aus diesem Grund veranstalten wir Tagungen, bei denen Wissenschaftler/innen und Expert/inn/en aus Politik und Wirtschaft einander begegnen und ins Gespräch kommen.\nNon-Profit-Arbeit im Blickpunkt\nDas WU-Kompetenzzentrum für Nonprofit-Organisationen und Social Entrepreneurship stellt einmal im Jahr die Arbeit von Non-Profit-Unternehmen in den Fokus. 2016 beschäftigte sich der NPO-Tag mit dem Thema „Ausnahmezustand! Die Flüchtlingskrise und das Lernen aus dem Unvorhergesehenen“. In der Flüchtlingskrise wurde einmal mehr die wichtige Aufgabe zivilgesellschaftlicher Organisationen deutlich. Ohne die Hilfe der NPOs wären solche Ausnahmesituationen kaum zu bewältigen. Expert/inn/en aus der Praxis und Wissenschaftler/innen beleuchteten das Thema von verschiedenen Seiten und diskutierten darüber, wie komplexe Krisen am besten zu managen sind.\n„Wachstum im Wandel“ ist eine internationale Diskussionsplattform für Fragen des Wachstums, des Wohlstands und der Lebensqualität. Die WU ist Mitglied dieser Initiative. 2016 veranstaltete das WU-Kompetenzzentrum für Nachhaltigkeit die dritte internationale Konferenz „Wachstum im Wandel“. Das Thema „An Grenzen wachsen. Leben in der Transformationsgesellschaft“ brachte Wissenschaftler/innen und Menschen aus Unternehmen und Organisationen zusammen. Ziel war es, neue Ideen und Best-Practice-Beispiele zu diskutieren und gemeinsam ein Bild der zukünftigen Gesellschaft zu entwerfen.\nTreffpunkt für Topmanager/innen\nDas Wiener Strategieforum ist eine exklusive Plattform für den Meinungsaustausch zwischen Unternehmer/inne/n, Topmanager/inne/n und Wissenschaftler/inne/n auf dem Gebiet innovativer Strategieansätze. Die Teilnehmer/innen haben die Möglichkeit, sich von international führenden Vordenker/inne/n des strategischen Managements und ihren „Next Practice“-Beispielen aus Praxis und Forschung inspirieren zu lassen. 2016 standen unter anderem folgende Themen auf dem Programm: „Zukunftsstrategien für Österreich und Europa“, „Die Mobilität von morgen: Visionen, zukünftige Herausforderungen und neue Geschäftspotenziale“ und „Business Model Innovation: Von der Anpassung des Geschäftsmodells zur disruptiven Innovation“.\nWeiterbildung für Aufsichtsräte und Aufsichtsrätinnen\nDie WU ist Themenführerin und Meinungsbildnerin in puncto Aufsichtsrat und lädt daher einmal im Jahr österreichische Aufsichtsräte und Aufsichtsrätinnen sowie Wissenschaftler/innen zum Gedankenaustausch ein. 2016 widmete sich die Veranstaltung dem Verhältnis zwischen Vorstand und Aufsichtsrat.


Britta Schneider (GC Neuhof) und Chris Utermark (G&LC Berlin-Wannsee) führen bei DM der Damen AK 50/65 | DM AK 50 / 65 auf Golf.de\nBritta Schneider (GC Neuhof) und Chris Utermark (G&LC Berlin-Wannsee) führen bei DM der Damen AK 50/65\nBild Information: Starker Start: Britta Schneider vom GC Neuhof unterschreibt zum Auftakt eine 71 (-1) im GK Braunschweig.\nFavoritinnen bringen sich in Position\nDM Damen AK 50/65 2019\nBritta Schneider (GC Neuhof) und Chris Utermarck (Berlin-Wannsee) führen im GK Braunschweig.\nMit Sibylle Gabler (G&LC Berlin-Wannsee), Caroline Effert (Aachener GC), Susanne Lichtenberg (Krefelder GC), Britta Schneider, (GC Neuhof), Cornelia Schmidt-Stützle (Stuttgarter GC Solitude) und Stephanie Kiefer (G&LC Kronberg) gehören gleich sechs Team-Europameisterinnen von 2018 zu den Favoriten. Eine von ihnen hat am ersten Tag der Deutschen Meisterschaften der Damen AK 50 und AK 65 im Golf-Klub Braunschweig gleich ein Ausrufezeichen gesetzt.\nIm Vorjahr hatte Britta Schneider in Runde eins noch eine 81 ins Clubhaus gebracht. In diesem Jahr meldete die Spielerin aus dem GC Neuhof zum Auftakt gleich Ambitionen an, denn sie unterschrieb am Freitag eine 71 (-1) und damit den überragenden Score des Tages. „Es lief gut für mich heute. Der Platz ist kurz, aber tricky. Man muss die Grüns treffen, das ist definitiv der Schlüssel“, berichtete die Führende. Glück hat sie aber auch gehabt, denn gleich drei Putts aus größerer Distanz fielen.\n„Wir hatten am Vortag noch sehr viel Regen, aber heute haben wir eigentlich ganz gutes Wetter, sodass wir den Teilnehmerinnen vernünftige Bedingungen bieten können“, erklärt Sven Jakobsohn. Der Clubmanager des GK Braunschweig hofft zudem auf noch mehr Wärme am Wochenende, sodass die Gewinnerinnen am Sonntag mit der Sonne um die Wette strahlen können.\nEin Strahlen im Gesicht hatte zum Auftakt am Freitag Britta Schneider. Sie spielte sehr solides Golf mit wenigen Ausreißern nach oben und nach unten. 14 Par-Ergebnisse brachten ihr am Ende bei jeweils zwei Bogeys und Birdies auch eine 71 ein. Damit führt die Spielerin aus dem GC Neuhof vor Durchgang zwei am Wochenende - und das schon recht deutlich, denn ihre Nationalmannschaftskolleginnen, mit denen sie im Vorjahr die Team-Europameisterschaft gewonnen hatte, brauchten deutlich mehr Schläge. „Das bedeutet aber noch nichts. Ich hatte heute einen guten Start, aber im Golf kann das sehr schnell wieder in die andere Richtung gehen“, konstatiert Britta Schneider.\nRang zwei nimmt zum Auftakt Caroline Effert vom Aachener GC ein (75/+4). Titelverteidigerin Stephanie Kiefer vom Golf- und Landclub Kronberg rangiert nach den ersten 18 Löchern auf Rang drei (77/+6), wobei sie eine äußerst bunte Scorekarte mit Birdies, Bogeys und einem Doppelbogey ins Ziel brachte.\nAK 65 startet am Nachmittag\nDie Teilnehmerinnen der Altersklasse 65 sind am Freitagnachmittag in die Deutsche Meisterschaft gestartet. Der Parkland Course des GK Braunschweig zeigte auch diesmal seine Zähne und erforderte mit seinen Doglegs und erhöhten Stufengrüns Präzision und Geduld. Die Favoritin kam mit den Bedingungen am besten zurecht. Chris Utermarck vom G&LC Berlin-Wannsee kassierte auf den ersten fünf Löchern zwar vier Schlagverluste, kämpfte sich mit Birdies auf der Sieben und der Neun wieder zurück. Nach drei weiteren Bogeys auf den Back Nine dann erneut ein Birdie auf der 17, was ihr ein Gesamtresultat von 75 (+4) und die Führung einbrachte.\nHinter Utermarck rangierten Dagmar Lehmann (GC Gifhorn, 79/+8) und Petra Flamme (Club Zur Vahr, 83/+12) auf den Plätzen zwei und drei. Für Spannung am Wochenende ist auf jeden Fall gesorgt. Die Favoritinnen konnten sich zum Start der Deutschen Meisterschaften AK 50 und 65 zwar schon in Position bringen, die Entscheidung fällt aber erst am Wochenende. Und genau für das sagen die Wetterfrösche viel Sonne und deutlich höhere Temperaturen voraus. Zuschauer sind willkommen. Am Samstag geht es im Golf-Klub Braunschweig um 9 Uhr los, der Eintritt ist frei.\nWeitere Infos und das Livescoring zur DM AK 50 und 65 der Damen gibt es hier.


Wie Sand im Ohr - Pizzicato : Pizzicato\nWie Sand im Ohr\nGustav Mahler: Symphonie Nr. 4 (Arr. für Kammerensemble von Erwin Stein); Christiane Oelze, Festival Ensemble Spannungen; 1 CD CAvi-music 8553334; Live 6/14 (52'31) – Rezension von Remy Franck\nKlang verkleinert, Intensität vergrößert: In dieser Einspielung der Vierten Mahler in der Kammerversion von Erwin Stein knirscht es im Gebälk und es gibt mehr schräge Klange, mehr Ironie, mehr Fratzen, mehr Dämonie, mehr Doppelbödigkeit als in vielen Orchesterversionen, die ich kenne.\nVor allem aber ist das Kammerensemble de facto als solches zu identifizieren. Wie oft schon haben wir bedauert, dass die Tontechniker den Kammerklang dieser Bearbeitung symphonisch aufgeblasen und damit Steins Idee ad absurdum geführt hatten. Das ist hier nicht der Fall, die Instrumente sind im kleinen Ensemble solistisch hörbar, nicht nur, weil der Toningenieur beim Livekonzert in der Hydroelektrischen Zentrale in Heimbach ein perfektes Klangbild besorgt hat, sondern weil zu diesen Solisten herausragende Musiker gehören wie Christian und Tanja Tetzlaff, Alois Posch, Mario Häring und Sharon Kam, die zusammen mit den übrigen Instrumentalisten des Ensembles ‘Spannungen’ Mahlers Gefühlswelt mit dem Seziermesser ausschälen.\nDer Putz bröckelt so überall ab und Mahlers zappelnde Musik verliert endgültig ihre Unschuld. In diesem Umfeld wird die Himmelssonne zum flirrenden Neonlicht, Christiane Oelzes Gesang frisst den letzten Sauerstoff auf und plötzlich gibt es nur bleiche Beklommenheit. Der Nachhall der Musik kratzt wie Sand im Ohr…\nFirst of all, this recording truly renders the chamber character of Erwin Stein’s Mahler transcription and enhances the gripping and scrubby performance by an ensemble in which musicians like Tetzlaff (brother and sister), Posch, Häring and Kam provide a lot of expressive intensity.


Treffpunkt: Kritik - Monsters \nWertung: | Kritik von Jens Adrian | Hinzugefügt am 16. Dezember 2010\nVor sechs Jahren stürzte eine Raumsonde mit Proben von Lebensformen eines Mondes unseres Sonnensystems über Mexiko ab. Die Lebensformen vermehrten sich rasant, es wurde eine Infizierte Zone eingerichtet, welche einen Dutzende kilometerbreiten Streifen zwischen den USA und Mexiko ausmacht. Nach Nordamerika hin ist die Zone mit einer riesigen Mauer abgeschottet und das Militär sowohl von mexikanischer, wie auch von amerikanischer Seite ist mit Waffengewalt immer noch darum bemüht, die Außerirdischen Lebensformen in der Infizierten Zone zu halten.\nDer Fotograf Andrew Kaulder (Scoot McNairy) erhält von seinem Vorgesetzten den Auftrag, Samantha Wynden (Whitney Able), die Tochter seines wohlhabenden Arbeitgebers, sicher aus Mexiko in die USA zurück zu bringen. Nachdem sie die letzte Fähre zurück verpasst haben, bleibt beiden keine andere Wahl, als eine riskante Reise durch die Infizierte Zone zu unternehmen ...\nDie Frage, was Monsters ist, lässt sich bedeutend schwerer beantworten, wie was Monsters gern sein möchte. Für ein sehr bescheidenes Budget umgesetzt, handelt die Geschichte vom Fotografen Andrew Kaulder, der die Tochter seines Arbeitgebers aus Mexiko in die Vereinigten Staaten zurückbringen soll. Eine Rückreise gestaltet sich nicht so einfach, da zwischen den beiden Ländern die so genannte Infizierte Zone liegt, ein Gebiet, über dem vor sechs Jahren eine Raumsonde mit Proben eines anderen Himmelskörpers abgestürzt ist. Diese haben sich dort zu erstaunlichen Lebensformen entwickelt, die das Land aber für sich beanspruchen und derem Bestreben, jenseits der großen, errichteten Mauern anzusiedeln, von den USA und von Mexiko aus mit Waffengewalt Einhalt geboten wird. Andrew vergeigt die Möglichkeit, Samantha Wynden auf die komfortabelste Möglichkeit nach Hause zu bringen und so müssen sie durch die Infizierte Zone, wo sie früher oder später auch auf die seltsamen Aliens treffen, über die meist nur in wackeligen Fernsehaufnahmen berichtet wird.\nMonsters stellt eine Welt nach einer Alien"invasion" vor, ohne aber die Gegebenheiten genau abzustecken. Über die eigentliche Infizierung, so scheint es, weiß nicht einmal die normale Bevölkerung Bescheid, weswegen über die Zone keine Flugzeuge fliegen dürfen (sonst wäre es ja ein Leichtes, Sam aus Mexiko zu holen) ist ebenfalls unklar, genauso wie die verschiedenen Entwicklungsstadien der Aliens, über die nur kurz gesprochen wird. Der Kriegsalltag, die Verwüstung, welche die Auseinandersetzungen mit den Wesen bei der Zivilbevölkerung hervorrufen, wird in den Mittelpunkt gerückt. Und eine Liebesgeschichte, bei der die Figuren nicht groß interessieren.\nBedenkt man, dass abgesehen von den beiden Hauptakteuren alle Beteiligten aus Laienschauspielern bestehen und es auch nur eine grobe Auslegung der Geschichte, aber keine vorgefertigten Dialoge gab, ist es durchaus bemerkenswert, was Regisseur Gareth Edwards aus seinem Low-Budget-Film gemacht hat. Gedreht wurde an Originalschauplätzen, meist ohne Genehmigung und die Szenen so eingebracht, wie es vom Drehort her günstig war. Monsters ist, wenn man so will, ein großteils improvisiertes Werk. Insofern gibt es auch am Umgang der beiden Hauptfiguren nur zu bemängeln, dass sie miteinander interagieren, als wüssten sie über die Grundsituation der Infizierten Zone nicht mehr als die Zuschauer, und als würden sie den Weg ihrer Beziehung nur gehen, weil er eben im groben Drehbuch so festgehalten ist. Natürlich erscheinen die Dialoge jedenfalls nicht. Der jeweilige Hintergrund der Figuren mit dem unehelichen Sohn bei ihm und dem Verlobten, den sie nicht heiraten will bei ihr scheint gekünstelt und das Verhalten der Personen ist nur in den wenigsten Fällen vollends nachvollziehbar. Die nicht ganz schlüssige Eröffnungssequenz findet am Ende ihren Abschluss, Zuschauer sollten also aufmerksam bleiben, was denn mit den Charakteren letztendlich geschieht.\nMan bekommt auf dem atmosphärischen Road Trip durch die Infizierte Zone das Elend einer verarmten Region in einem Kriegsgebiet gezeigt. Menschen, die aus nicht genannten Gründen dort geblieben sind, statt sich in die Städte weiter südlich zurück zu ziehen. Sie scheinen sich mit der Situation arrangiert zu haben, auch wenn nicht gesagt wird wie. Und man sieht Andrews und Sams Reaktion auf die Situation jener Menschen. Nur fehlt leider im Gegensatz dazu, in welchem alltäglichen Luxus sie denn in ihrer Heimat leben. Edwards versäumt es, einen Kontrast herzustellen, um eine politische Aussage über Armut und Schutzlosigkeit, über die Zivilbevölkerung in einem Krieg zu treffen, während die Wohlhabenden in einer behüteten Umgebung leben. Auch wird nicht erwähnt, wie denn die Öffentlichkeit zur Auseinandersetzung mit den Aliens steht.\nDie Ansätze, die Monsters erkennen lässt, sind durchaus interessant, auch wenn das Design der Aliens nicht jedermanns Geschmack trifft. Dennoch ließe sich auch aus der gegebenen Situation ein spannender Invasionsfilm mit Parallelen und konstruktiver Gesellschaftskritik erarbeiten. Regisseur Gareth Edwards meinte, Bezüge zwischen dem Grenzverhalten der USA und Mexiko seien wenn überhaupt erkennbar nicht beabsichtigt gewesen. Dann bleibt jedoch die Frage, was Monsters genau aussagen will? Es lassen sich viele Ideen in den Film hineinprojizieren und auch das macht gute Science Fiction aus. Wirklich neuartig oder innovativ sind diese jedoch nicht. Mit sichtbar höherem Aufwand und einer bedeutend kompromissloseren Aussage wartete beispielsweise der ähnlich gelagerte District 9  auf. Die Macher von Monsters stellen mit ihrem Projekt mehr in den Mittelpunkt, welche Geschichte sich tatsächlich erzählen ließe, statt sie wirklich zu erzählen.\nRegisseur Gareth Edwards und sein Team scheinen nicht nur mit dem Twist am Schluss, sondern auch mit ihrer Ausgangslage so zufrieden gewesen zu sein, dass sie vergaßen, dazwischen eine wirkliche Story zu erzählen. Die Fahrt durch die Infizierte Zone, wenn sie denn endlich beginnt, ist durchaus atmosphärisch, aber nie packend oder beängstigend. Über die Aliens erfährt man ebenso wenig wie darüber, wie die Menschen auf der ganzen Welt auf sie reagieren.\nZugegeben, für das geringe Budget und die improvisierten Szenen ist es eindrucksvoll und erstaunlich, was aus dem Projekt geworden ist. Doch dadurch beeindruckt Monsters mehr in der Durchführung, denn durch das Konzept. Nicht zuletzt die Prämisse weckt Erwartungen, die der stimmungsvolle Science Fiction-Film nicht erfüllen kann. Dass viele Interpretationen von den Machern als nicht beabsichtigt abgetan wurden, stellt zudem die wahre Absicht hinter der Geschichte in Frage.


20. April 2021 in Prolife\nNach Einnahme eines Abtreibungsmittels traten starke Bauchschmerzen auf und María del Valle González López begab sich in ein Krankenhaus. Dort starb sie.\nBuenos Aires (kath.net/pl) María del Valle González López, Soziologiestudentin und Vorsitzende der La Paz-Ortsgruppe der dezidiert linksorientierten argentinischen Jugendbewegung „juventud de la Unión Cívica Radical“, starb vor wenigen Tagen infolge einer legalen Abtreibung. Die berichten lateinamerikanische und internationale Medien. Die genauen Todesursachen werden derzeit untersucht, das Ergebnis der Obduktion steht offenbar noch aus. In den Medien werden als Todesursache derzeit bsp. Sepsis oder Nebenwirkungen des Medikaments in Erwägung gezogen.\nOffenbar war der jungen Frau in einem Krankenhaus das Abtreibungsmittel – Medienberichten zufolge könnte es sich um Misoprostol gehandelt haben – verschrieben worden und sie war nach Hause gegangen. Nach der Einnahme traten starke Bauchschmerzen auf und die junge Frau begann, sich so schlecht zu fühlen, dass sie in ein Krankenhaus ging. Dort starb sie.\nDer Vorfall sorgt für erhebliche Diskussionen in Argentinien. Die Möglichkeiten zur legalen Abtreibung wurden im Land erst vor wenigen Monaten erweitert. Der „National Catholic Register“ zitiert eine Lebensschützerin und junge Mutter mit den Worten: „Wenn María an einer geheimen (zu dieser Zeit illegalen) Abtreibung gestorben wäre, würden Feministinnen die ganze Stadt auseinandernehmen. Aber da María an einer legalen Abtreibung gestorben ist und das nicht zu ihrer Argumentation passt, lässt man das unter den Tisch fallen.“