CD Review Oktober 2004\nCD Reviews Oktober 2004\nFünf lange Jahre zogen ins Lande, bis nun endlich die neue Scheibe "Reign of light" von Samael den Weg in meine Hände fand. Unsere helvetische Dark Elektro Metal Combo Nummer 1, welche mit "Passage" und "Eternal" einen Kurswechsel zu den älteren Werken vollzog, setzt ihren musikalischen Stil aus Dunkelheit, Melodie, Atmosphäre und Elektro-Einflüssen konsequent fort. Der Opener "Moongate" schlägt gleich ein wie eine Bombe und reisst den Hörer in das Klanguniversum Samael's, welches bis zu "Door of celestial peace" kein Entkommen mehr bietet. Gleichzeitig fällt bei "Moongate" auf, dass Samael ihr Universum mit asiatisch-orientalischen Klangmustern erweitern, welche so geschickt eingearbeitet sind, dass bei den folgelnden "Inch' Allah", dem schleppenden "High above", und "Heliopolis" das Ganze wie aus einem Guss und nicht aufgesetzt oder fremd wirkt. Der Titeltrack überzeugt durch einen mitreissenden Refrain und wird live sicherlich zu einem Leckerbissen werden. Während "On earth" stampft und "Telepath" nach vorne prescht, zeigt "Further" ein ruhiges, hymnenhaftes Gesicht. Samael präsentieren elf Songs, die faszinieren und zu überzeugen wissen. Diese Mischung aus Elektronik und Metal weiss eine Atmosphäre zu erschaffen, die sehr eigenständig ist und eine dunkle Magie versprüht. Was dabei besonders auffällt, ist diese positive Energie, welche alle Songs umschliesst. Damit ist für mich "Reign of light" das exakte Gegenstück zu "Passage", welches die damalige Kälte durch Wärme und mehr Eingängigkeit ersetzt. Die Produktion von "Reign of light" ist Samael und ihren Sound-Engineers absolut perfekt gelungen. Die Gitarren verschmelzen zu den Beats und den Samples in ein homogenes Klanggewand, welches dem Hörer Samael 2004 als akustisches Erlebnis, eine Art Reise durchs dunkle All präsentiert. Samael schaffen es einmal mehr, ihrem einzigartigen Sound neue Facetten auf zu setzen und mit der düsteren Stimme von Vorph, den Melodien, Samples und Beats von XY ein total überzeugendes Werk zu erschaffen, welches nichts anderes, als die höchste Punktzahl verdient hat!\nWer bis jetzt die Finger vom Metalcore liess, weil ihm das Ganze zu sehr nach Verrat an den alten Metal Göttern roch, der sollte sich seine Theorie noch mal genau überlegen und dazu am besten gleich mal in die neue Shadows Fall rein hören. Denn was der flotte Fünfer aus Massachusetts auf seiner zweiten Scheibe bei Century Media bietet, lässt sich nicht so einfach in eine Schublade stecken. Hier treffen fetteste Doublebass Drumparts und zweistimmige Gitarrenlinien auf Midtempo-Songs und Grunzlaute sowie Flitzesoli und melodische Refrains auf verzerrte Bassgitarren und Riffs, die locker die Bandbreite von 1980 bis 2004 abdecken. Meine lieben Leute, was Ihr hier serviert bekommt, erhält von mir direkt das Gütesiegel 1A, denn so was findet sich nicht einfach alle Tage im Scheibenladen eures Vertrauens. Shadows Fall verstehen es einfach, das Beste aus 25 Jahren Metal- und Rockgeschichte in einen Topf zu werfen und daraus ihre ganz eigene Suppe zu kochen. Ich sehe Legionen von Metal-Freaks, die sich vor Freude in die Arme fallen, die mit den Cinderella Shirts genauso wie die mit den Testament Leibchen. Kauft diese Schiebe, seid glücklich und vermehrt Euch..., oder so.\nIn Sachen Rock, Metal und Dänemark fallen mir sonst noch drei Namen ein: King Diamond, D.A.D. und ein redseliger, kleiner Drummer einer der grössten Heavy Metal Bands der Welt. Dazu gehören aber ohne Zweifel auch Mercenary, die ich seit dem Album "Everblack" von 2002 kennen gelernt habe. Eingeleitet durch den Erfolg von Soilwork fand auch ich langsam Zugang zu dieser mir vorher eher verschlossenen Stil-Ecke. Mittlerweile sind einige Nachahmer auf diesen Zug aufgesprungen und wollen natürlich auch was vom Kuchen ab haben. Mercenary gehören dabei zu den klar herausragenden Bands. Sie verstehen es perfekt, den ganzen Bogen zwischen brachial und lieblich zu spannen. Das drückt sich vor allem in der sehr variablen Vocal-Arbeit von Sänger Mikkel Sandager aus. "11 dreams" ist wieder eines dieser Alben, das man unmöglich per Skip-Taste des CD-Players ergründen kann. Nach dem Intro, das sich gut auf einer echten True Metal Scheibe in Szene hätte, ballert einen "World hate center" gleich wuchtig von den Füssen. Gleichzeitig wird das Melodische betont und das Guitar-Riffing bleibt nicht an einer monotonen Double-Bass Drum hängen. Auch der nachfolgende Titeltrack strotzt nur so vor Ideen und lässt viel Raum für gegensätzliche Stimmungen, und immer wieder glänzen die Vocals von Mikkel, die vorzüglich zur Musik passen, die sich teilweise etwas nach Nevermore anhört, ohne diese aber plump zu kopieren. Über eine Stunde lang wird Melodic Death Metal auf höchster Ebene zelebriert. Einzelne Songs zu empfehlen verkommt bei dem Niveau zur Farce, aber nehmt mal "Firesoul" als Anhaltspunkt (wo sogar weibliche Vocals eingeflochten wurden!) und ihr werdet meinen Worten ohne Vorbehalt zustimmen können, zumal auch für die Produktion nichts dem Zufall überlassen wurde. Besser kann man Musik aus dem Bereich Melodic Death nicht zelebrieren! Megahammer!!!\nWären COF die Drogendealer meines Vertrauens und "Nymphetamine" die von ihnen feilgebotene Ware, hätte ich mich mit feuchter Wonne und 100%iger Cum Shot-Sicherheit bereits beim ersten Versuch genüsslich ins Elysium befördert! Und gleich einem (natürlichen) Rausch der Sinne, ist diese Hommage an das vielbesungene, verruchte Weib ein weiteres Meisterwerk aus der bewährten Dunkelstahlschmiede der belesenen Insulaner. Der namensgebende Titeltrack ist ein Wortspiel, bestehend aus der fruchtbarkeitsspendenden Nymphe der griechischen Mythologie und dem "Aufputschmittel" Amphetamin. Die Essenz dieser beiden, eigentlich widernatürlichen, Gegenpole ergibt jedoch einen hocherotischen Plastik-Sprengstoff der Seinesgleichen sucht und repräsentiert durch den Wegfall der langsam ausgelutschten Vampir-Thematik auch eine textlich neue und deshalb wieder aufregende Seite der blackmetallischen Koryphäen. Nach dem kurzen Keyboard-Intro "Satyriasis" langt der Opener "Gilded cunt" gleich richtig in die Vollen und überzeugt durch sein aggressives Riffing und die gewohnt hochstehenden Songwriter-Qualitäten. Wer die Vorgängeralben "Midian" und "Damnation and a day" jedoch für das Mass aller Dinge gehalten hat, könnte nach dem ersten Durchlauf ein bisschen enttäuscht auf den fehlenden Bombast reagieren. Funktioniert das neue Material doch "nur" noch mit einem kleinen Orchester, dem wieder gefundenen "Need for speed", einem gesunden Thrash-Einschlag und dem nur von guten Eltern stammend könnenden Riffing! Die Mitstreiter der Dreckwiege haben aufgehört, ihren Genitalbereich blank zu rasieren, verbinden gekonnt handwerkliche Fähigkeiten mit der Performance einer angestochenen Wildsau und die dabei entstehenden Vibes werden wirklich nur von den wenigsten Bands erreicht! Musikalisch wird fast jedes Genre abgedeckt: Sei es die pompös majestätische Ode ans geliebte Heimatland "English fire", die textliche "Her ghost in the fog"-Fortsetzung "Swansong for a raven", die groovende Midtempo-Hymne "Nemesis" (Geheimtipp!), das bewegende "Absinthe with Faust", das nach vorne abgehende "Medusa and Hemlock" (who the fuck is "Hemlock"?!), das fast schon punkige, Urinstinkte freilegende "Filthy little secret", der Blaster "Mother of abominations" oder der absolut hitverdächtige Titeltrack (der in der langen Version "Nymphetamine overdose" und dem gemässigteren "Nymphetamine fix" gleich zweimal erregen darf), only killers - no fillers! A propos Titeltrack: Als weiblicher Gegenpol zu Mastermind Dani darf dieses Mal Ex-Theatre Of Tragedy Fistelstimmchen Liv Kristine debütieren. Und das Endergebnis ist zwar eine melodische Adaption des Nick Cave/Kylie Minogue-Duet's "Where the wild roses grow", aber was für ein Ohrwurm vor dem Herrn! Lange Rede, fast kein Sinn: COF haben nicht nur ihre Wurzeln wieder entdeckt, sondern auch gleich ausgegraben, umgetopft, mit haarigen Eiern garniert und gewohnt poetisch kultiviert. Eines der Album-Highlights des Jahres!\nAuf dieser Scheibe ist wirklich alles zu finden, was Saxon auszeichnet und sie über Jahre unverwüstlich machte: flotte Rock-Nummern wie zu "Denim and leather"-Zeiten, Up-Tempo Granaten à la "Dallas 1 PM" oder epische Schlachthymnen, wie man sie auf "The power and the glory" um die Ohren geballert kriegt. Und, um jetzt nicht für Verwirrung zu sorgen: Bei Lionheart handelt es sich nicht um eine weitere Best-Of Compilation, sondern um das neueste Meisterwerk der NWOBHM-Veteranen um Peter, besser bekannt unter Biff, Byford. Und eben jener zeigt sich, wie eigentlich auch der Rest der Gruppe, in allerbester Form. Während bei anderen Gesangs-Göttern wie Rob Halford oder Ozzy Osbourne langsam die Stimme flöten geht, erlebt Biff so etwas wie seinen zweiten Frühling. Fiel das Vorgänger-Album "Killing ground"(2001) zwar recht positiv, jedoch für Saxon einen Tick zu progressiv aus, finden die Sachsen auf "Lionheart" wieder zu ihren alten Tugenden zurück, ohne sich selbst zu kopieren. "Witchfinder general" eine schon Speed Metal verdächtige Nummer macht den Anfang, gefolgt von "Man and machine", welches in etwa in die selbe Kerbe haut. Dann leitet "The return" das überepische Titelstück ein, welches es getrost mit Hymnen wie "Crusader", "Power and the glory" oder "Conquistador" aufnehmen kann. Dass die Briten auch heute noch gerne experimentieren, zeigen "Beyond the grave" und "Justice", wobei vor allem "Justice" durch sein modernes Flair zu überzeugen weiss. "To live by the sword" und "English man o'war" lassen dann die Schwerter aufblitzen und sind wohl mehr True Metal, als manche Band, die sich als solche bezeichnet, ohne dabei zu viel Pathos aus zu strömen. Nach dem episch-progressiven "Searching for Atlantis" schliesst der Mid-Tempo Groover "Flying on the edge" dann fünfzig Minuten geballten, traditionellen, aber nicht verstaubten Briten-Metal ab, der der jungen Musikergeneration zeigt, wo's lang geht. Während "Lionheart" zwar durch eine erfrischende Härte glänzt, kommen in einigen Songs manchmal die Melodien etwas zu kurz, dafür versprüht das neue Material eine erstaunliche Power, wie man sie von einer nun auch schon 25 Jahre alten Band nicht erwarten würde. Vielleicht liegt es an Jörg Michael (Stratovarius), der sich, als Ersatz für Fritz Randow, hinter die Schiessbude hockt und wie gewohnt einen energiegeladenen Job abliefert, oder aber einfach daran, dass Saxon auch heute noch zu den charismatischsten Bands überhaupt zählen. Für traditionsbewusste Metaller ein Pflichtkauf, und auch für alle anderen zu empfehlen.\nRund zwei Jahre liegt nun "Masters of moral – Servants of sin", das letzte Studio-Album der Österreicher, zurück. In dieser Zeit hat man sich vor allem dem Touren und dem Schreiben neuer Stücke gewidmet. Diese Ergüsse sind nun auf "Ampeauty" gebannt und können sich hören lassen. Man kann sagen, das sich die Musik der Drei sogar noch weiter entwickelt hat und sich das Ganze noch ausgereifter und abwechslungsreicher anhört, als noch auf der letzten Scheibe. Wieder ist der Grossteil der Stücke im groovigen Midtempo-Bereich gehalten. Oft klingen die Riffs regelrecht rockig, so wie man es zum Beispiel von Entombed oder Gorefest her kennt. Wobei ein Vergleich mit genannten Bands nicht zu hundert Prozent angebracht ist, da Pungent Stench ganz klar eine Spur brachialer und brutaler klingen, also nur zu einem Teil dem Death'n'Roll zuzuschreiben sind. Das Songwriting ist eingängig und schlicht gehalten, dadurch sind die Stücke aber keineswegs langweilig oder langatmig, doch wer Innovation und Experimentier-Freudigkeit sucht, ist hier am falschen Ort. Ergänzend zum verbesserten Songwriting ist die Scheibe auch soundtechnisch einfach nur geil, die perfekte Unterstreichung des spielerischen Groove der Band so zu sagen. Nicht zu rohe oder zu cleane, sprich übertriggerte Drums, direkter und gnadenlos guter Gitarren-Sound sowie ein treibender und in idealem Masse verzerrter Bass. Das ergibt diesen wirklich tollen Sound, der das Hörerlebnis verstärkt zum Geniessen anregt. So bleibt mir nur zu sagen, dass diese Scheibe einfach gehörig Spass macht und dem Vorgänger sogar ein wenig überlegen ist.\nJa, schau mal einer an, schon wieder ist ein Juwel geboren, das aus God Old Switzerland stammt! Genauer gesagt aus Basel und früher unter dem Namen Pure Yeast unterwegs, heissen die vier Musiker jetzt Pure Inc. Dass sich AFM Records ihren annahm, ist sicher optimal für die Burschen, da die Deutschen einen guten Ruf geniessen. O.k., kommen wir zum Sound von Pure Inc., denn der hat es in sich. Frisch, energisch, powerful und abwechslungsreich tönen die Songs auf der Debüt-Scheibe von Pure Inc. Mal harter Heavy Rock, der abwechsungsweise in die Alternative Rock Schiene abgleitet oder auch den Begriff Post Grunge zulässt. Richtiggehend geile Stampfer mit einer absoluten Weltklasse-Stimme von Frontmann Gianni Pontillio. Manchmal erinnert er mich sogar an Chris Cornell (Ex-Soundgarden), so gut singt der Mann. Vor allem variabel klingt seine Stimme: Mal in den hohen Tonlagen, dann in tiefe Gefilde schreiend und auch mal eine coole Ballade. All das führt Mister Pontillio in seinem Repertoire. Wer braucht da noch Gotthard? Der Eröffnungs-Stampfer der Pladde "Fear my eyes" oder der geile Abgeh-Rocker "Genius" sind dann auch die Höhepunkte auf der Scheibe. Die Ballade "Promise" ist für meine Verhälnisse zu sehr an Gotthard angelehnt, aber das tut dem guten Gesamteindruck dieses Silberlings keinen Abbruch. Ein bisschen 80er-Flair kommt dann und wann auch auf. Erwähnen sollte man zudem, dass Tommi Vetterli (Ex-Coroner) diesem Debüt-Album einen amtlichen Sound verpasst hat. Haben wir in ihm das nächste Produzenten-Genie? Möglich wär's auf jeden Fall. Ein Wink mit dem Zaunpfahl auch in Richtung Shakra: Hier müsst Ihr Euch warm anziehen, denn da kommt starke Konkurrenz aus dem eigenen Lande! Pure Inc. werden übrigens im Oktober und November mit der Michael Schenker Group auf eine ausgedehnte Europa-Tour gehen. Da werden sie sich die nötigen Erfahrungen holen, um auch international bestehen zu können. Und Leute, wer stets "grännet", es gebe keine guten Bands im eigenen Lande: Völliger Bullshit! Wir haben klasse Bands, die sich auch ausserhalb unserer Landesgrenzen nicht zu verstecken brauchen, wie hier im Falle von Pure Inc. Ein absolut grandioses Debüt mit Hit-Potenzial!!\nEine beklemmende Atmosphäre und Dunkelheit versprüht das neue Werk von Elend "Sunwar the dead". Ein 'avantgardes' Hörerlebnis, welches tiefgründiges Schwarz aus den Boxen brodeln lässt und den Raum mit qualvollen Soundtapeten zukleistert. Der Titeltrack "Sunwar the dead" hört sich an, als seien die Ritter der Apokalypse auf ihrem Ritt durch Felder des Schmerzes, Seelen der Verdammnis einsammelnd und jegliche Gegenwehr niederschmetternd. Ein unglaublich schwarzer Strudel an Gefühlen ergiesst sich über den Zuhörer und verschlingt ihn dabei unausweichlich. Ein 50-köpfiges Ensemble erzeugt diese Klangwelt des Leides, welche ich nur Hörern empfehlen kann, welche von klassischer Musik angetan sind und auf Gitarrenklänge verzichten können. Dafür wird hier eine enorme Intensität und Dichte geboten, welche durch Industrial-Elemente angereichert wird und praktisch unbeschreiblich ist. Es ist kein Werk für den Schnellgenuss, man muss sich Zeit nehmen und dabei die Augen schliessen. Dies jedoch mit der Gefahr, von den Gefühlen völlig verzerrt zu werden, welche hier regelrechtes Elend auslösen. Grosse Musik, die jedoch nicht für jeden und auch nicht jederzeit verdaulich ist. Wer jedoch Fröhlichkeit hasst, wird dieses Werk lieben.\nDie Tage werden kürzer, die Nächte länger und es wird kälter..., der Herbst bricht herein. Kamin anzünden und es sich im Wohnzimmer gemütlich machen, heisst folglich die Devise. Dazu gehört natürlich ein exellenter Soundtrack, der das Herz erwärmt. Regicide aus Deutschland, genauer genommen aus Oldenburg, könnten Euch helfen, die kalten Herbsttage zu verschönern. Wieso Regicide? Weil die sieben Teutonen warmen Prog Rock spielen, mit viel Atmosphäre drin und dem genialen Duettgesang von Timo Südhoff und Frauke Richter. Nein, kein Grunz-Gesang, wie es üblich ist, sondern klare Vocals, die sich super ergänzen. Es geht so in die Richtung von The Gatering und Within Temptation, mit Anleihen von Nightwish (wegen den orchestralen Elementen in den Songs..., äh Werken, wie sie ihre Songs zu nennen pflegen. Was finden wir in den Arrangements von Regicide? Nun, der Bombast oder anders ausgedrückt die Hymnen mit hoch melodiösen Linien und eben progressive Parts bestehen durch ihre Vielfalt an überraschenden Momenten in den Songs. Der geniale Duettgesang steht natürlich klar im Vordergrund. Aber auch die immer zu vernehmende Geige von Jonna Wilms und das Klavier haben durchaus auch Führungscharakter in den Werken von Regicide. Abgerundet wird das Ganze von einer bomastischen Produktion von einem gewissen Herr Wolff, der schon das Überwerk "Lingua Mortis" von Rage produziert hat. Klar, die Mucke ist momentan hoch im Kurs, aber für ein Debüt-Album müssen wir von Regicide den Hut ziehen, denn man hört, dass da hart und lange daran gearbeitet, beziehungsweise an den Songs rumgefeilt wurde. Also Leute: Beine hochlagern, einen Muntermacher zu sich nehmen und das neue Werk von Regicide reinziehen. Die Wirkung ist so angenehm für Geist und Seele, dass man sich schnell wohl fühlt. Der Herbst kann kommen..., ich bin bereit.\nSommerset aus Neuseeland schicken ihr drittes Album auf den langen Weg zu uns. In der Tat hat sich das Quartett einen satten Sound zugelegt. Trotz catchy Melodien sind die Songs zu kantig und üppig, um ins Poppige ab zu driften oder gar in die Schublade zu den 'Punk-Pop Boygroups' gesteckt zu werden. Tatsächlich ist an der einen oder anderen Stelle ein Hardcore-Touch aus zu machen. Die raue Stimme von Frontmann Ryan Thomas, das stramme, musikalische Korsett mit den kernigen und dichten Gitarren, die unaufdringlichen Refrains und die gut platzierten breiten Chöre, das ist es, was "Say what you want" zu einem kraftvollen Rock'n'Roll-Album macht. Nichts darauf ist grundlegend neu, bahnbrechend oder sonst noch nie gehört worden, nur schaffen es Sommerset einfach, ihre Spielfreude überzeugend zu demonstrieren und liefern zwölf mitreissende Songs ab, von denen nicht alle top sind, aber keiner als Filler zu bezeichnen ist. Als sehr gelungen würde ich den Titelsong "Inside" und "Faded" bezeichnen. Diese drei Songs geben zusammen als Anspiel-Tipps auch einen guten Querschnitt durch das Album ab. Im Ganzen ein starkes Album, das ich nicht nur Melodic Punk Freunden und gemässigten Hart-Kernern empfehlen möchte.\nIch liebe Thrash Metal. Noch mehr liebe ich Thrash Metal mit progressiven Elementen. So richtig geile Frickel-Parts, sodass einen nach wenigen Augenblicken richtig übel wird und man dringend nach Luft schnappt. Doch nach ein paar Durchläufen lässt die Übelkeit nach und wir sehen nach anfänglichem Chaos wieder klare Sicht in den Songstrukturen. So in etwa kann man das neue Werk von den Schweden Fission, das sich "Crater" nennt, beurteilen. Fission sind ein 2-Mann Projekt. Der Chef und Multi-Instrumentalist Benny Hägglung, seines Zeichens Session und Live-Drummer von Vintersorg, hat das Projekt ins Leben gerufen. Benny ist für das Sondwriting und die Instrumente verantwortlich. Der Zweite im Bunde ist kein Geringerer als der Meister himself, nämlich Vintersorg alias Andreas Hedlund. Er bringt die Texte und Vocals in das Projekt mit ein. Das könnte für Hägglund gefährlich sein, hat doch der Sound von Fission wegen den Vocals von Vintersorg und den progressiven Elementen, die in den Songs verankert sind, die Handschrift der eben genannten Band von Vintersorg. Doch keine Angst, die Songs von Fission sind viel durchschaubarer, als die vom Meister. Dazu tragen auch die grandiosen Melodie-Linien bei. Das Gaspedal wird fast immer durchgedrückt und progressive Songstrukturen wechseln sich mit atmosphärischen Akustik-Parts ab. Wem das letzte Werk von Vintersorg zu abgefahren war, sollte sich mal Fission's "Crater" durch die Lauscher jagen. Ich für meinen Teil bin froh, dass dieses anspruchsvolle Werk den Weg zu mir gefunden hat.\nLange Zeit wurden Frau Pesch und ihre Ideen von einem Schleier der Skepsis umweht. Besonders das '95er Album "Machine II Machine" war sehr, sehr umstritten. Doch sie beweist wieder einmal Mut und hält sich an ihren Ambitionen fest. Denn nun veröffentlicht sie doch tatsächlich ein Album, auf dem einige ihrer mehr oder minder grössten Hits von einem klassischen Orchester begleitet werden. Und nicht nur das! Sie geht mit dem Orchester auch gleich noch auf Tour. Nachdem die Meinungen der Fans und Kritiker bei den orchestralen Alben von Metallica und den Scorpions stark auseinander gingen, erfordert dieses Projekt von Doro immens Mut! Man sollte deshalb das durchaus gelungene "Classic Diamonds" nicht anhand der genannten Bands verurteilen, sondern sich das gute Stück erst mal anhören. Viel braucht über den musikalischen Teil wohl nicht geschrieben zu werden, da jeder in der Zivilisation lebende Mensch sich zumindest sollte vorstellen können, wie so ein Orchester wohl klingen mag. Nur eins noch: Songs wie "All We Are" und "I Rule The Ruins" wurden für dieses Album stark umarrangiert. Zwei Anspieltips: Judas Priest's "Breaking the law" wurde auf sehr aussergewöhnliche und spannende Weise gecovert, und auch die neue Ballade "Let love rain on me" ist aufmerksame Ohren wert. Also, wer kein Pauschal-Verurteiler ist, der soll sich die "Classic Diamonds" reinziehen. Und alle anderen verpassen eben was.\nANOREXIA NERVOSA – The redemption process\nAnorexia Nervosa, der medizinische Begriff für Magersucht, steht hier für eine französische Band, die sich dem symphonischen Black Metal verschrieben haben. Also bloss "Dimmu Borgir Light" oder Creadle of Filth "Friss die Hälfte" Verschnitt? Nein, das wäre völlig unangebracht, da die Franzosen nicht mal eben erst auf den Trend aufgesprungen sind und zudem ihre Sache verdammt gut machen. "The redemption process", reguläres Album Nummer Vier macht gleich schon von Anfang an klar, dass die seit 1995 bestehenden Anorexia Nervosa nicht bloss ein "billiger Abklatsch" Dimmu Borgir's sind, obwohl sie sich wohl gefallen lassen müssen, mit ihnen verglichen zu werden. "The shining" eröffnet den Reigen von sieben epischen Kompositionen und beginnt nach einigen ruhigen Takten mit wütendem Black Metal, getragen von der Orchestrierung, welche die Musik in ein alles überrollendes Ungetüm verwandelt und eine sehr dichte Atmosphäre erzeugt. Doch nicht nur im Blast-Bereich, nein besonders auch dann, wenn zwischendurch das Gaspedal etwas zurückgenommen wird, wie bei "Antiferno" oder "The sacrement" ertönen herrliche, symphonische Melodien, die das Blut gefrieren lassen. Zudem bringt das Wechselspiel auch die nötige Abwechslung mit, damit nicht so schnell Langeweile die Oberhand gewinnen kann. Die wuchtige Produktion um die sieben dunklen Hymnen, rundet den überaus positiven Gesamteindruck ab, auch wenn die Gitarren fast etwas untergewichtet werden. Wer symphonischen Black Metal mag, wird von "The redemption process" ganz sicher nicht enttäuscht sein.\nWas, schon wieder eine neues Album? Wie schnell doch die Zeit vergeht! Die kanadische Rock-Legende, die letztes Jahr das 25-jährige Jubiläum feiern konnte, setzt nun mit "Network" zum Sprung auf die dritte Dekade der Band-History an. Dazu führen sie etwas Entscheidendes mit, was nicht so viele Bands aufweisen können, nämlich (wie zum Beispiel Status Quo) einen unverwechselbaren Stil, der, nebst der Musik, im Wesentlichen mit den Vocals von Michael Sadler zusammen hängt. Egal ob sich jetzt "Worlds apart" von 1982 im CD-Player dreht oder 2004 der neuste Opener "On the air" erklingt. Wo Saga drauf steht, ist auch Saga drin. Das war zum einen aber nicht immer so und zum anderen gibt es Stimmen, die der Band schon längere Zeit verächtlich Treten an Ort attestieren. Fakt ist, dass stilistische Korrekturen wie bei "Steel umbrellas" (1994) und "Pleasure & pain" (1997) bös in die Hose gingen und es ein paar Alben brauchte, bis die treue Fanschar wieder aufatmen konnte. Trotzdem ist der kreative Zenith bereits in den 80ern erreicht worden und das frühere Interesse der breiten Masse hat sich auf die eingefleischten Anhänger reduziert. Für diese Fans und sicher auch "ein paar Neue" geben Saga aber bis heute tolle Konzerte, bei denen alle auf ihre Rechnung kommen. Diesmal jedoch nicht mehr dabei ist Drummer Steve Negus, der sich (wieder) eine Auszeit genommen hat, aber jederzeit wieder zurück an Bord kommen kann. An seiner Stelle spielt nun Christian Simpson (auch ein Kanadier), der bereits hörbare Spuren hinterlassen hat, denn der Snare-Sound im Besonderen ist deutlich mehr im Vordergrund angesiedelt. Dies auch, weil die Drums wiederum analog aufgenommen wurden und man so den Sound eben "lebendiger" gestalten kann. Markant(er) wie zu "The security of illusion"-Zeiten klingt das Gitarren-Spiel von Ian Chrichton, das mitunter echt hart ("Keep it reel" oder "Don't look now") aufwartet. Gänsehaut kriegt man hingegen beim balladesken "Outside looking in", das eine zeitlose Melody-Line auffährt. Unter dem Strich ergibt das freilich ein Album, das abermals nichts wirklich Neues bringt, jedoch die bewährte Schiene auf der Basis von guten bis diesmal klar überdurchschnittlichen Songs mit dem eigentümlichen Saga-Sound weiter führt. Wie heisst es doch so treffend: Never change a running system! Anspiel-Tipps: "On the air", "I'm back", "Don't look now", "Outside looking in" und "Don't make a sound".\nAm Anfang war die Garage. So oder ähnlich würde wahrscheinlich das Kapitel "Schöpfung" in der Bibel der Strom-Gitarren-Musik beginnen. War es nicht der heilige Autostall von Papa Hetfield, in dem Metallica die ersten Schritte machten? War es nicht die Karosserie-Herberge von Mister Gates in dem Apple..., oh, sorry, falsche Story. Anyway: Brüder und Schwestern, kniet nieder am Ort des Glaubens, betet zum Gott, der Langhaarige gleichwohl duldet wie Glatzköpfe! Tut dies am Ort, an dem der Herr uns sein Kind schenkte; machet auf die Tore Eurer Garagen, und lasset ein das unwissende Volk, auf dass die Saiten schwingen und die Stöcke hämmern, die Stimmen jauchzen und das Volk das Haupt schüttle zu den dröhnenden Dezibels! Nun werdet Ihr euch vielleicht fragen, was der Verfasser dieser Zeilen wohl eingeworfen hat... - Nun, mal abgesehen von einem Konfitüre-Schnittchen und 3dl O-Saft nix Spezielles. Ein Blick in meine heimische Stereo-Anlage erklärt allerdings einiges: Lair Of The Minotaur drehen hier ihre Runden, frisch gepresst rotiert lustig ihr neuer Silberling, getauft auf den holden Namen "Carnage". Und genau diese Scheibe war mein Beweggrund, mein Review mit obenstehender Huldigung ein zu leiten. Das Ding klingt so was von unglaublich nach Garage, mehr Rock'n'Roll geht einfach nicht! Ich könnte schwören, dass sich der Luft in meinem Zimmer bei den Klängen dieser Platte ein modriger Geschmack beigemischt hat, dessen Ursprung im tiefsten der tiefen Keller dieser Welt liegt. Die Gitarren fiepen, die Snare scheppert, der Bass dröhnt, aber es rockt! Dabei weiss ich noch nicht mal, wie man die gewaltigen Brocken dieses Trio's aus Chicago bezeichnen kann. Ausgerichtet auf alten Thrash der Marke Slayer, Celtic Frost und Venom wird hier selbst der Doom gestreift (Sabbath lassen grüssen!), mit dessen Hilfe die ganze Sache erst so richtig in Fahrt kommt. Lasst Euch von diesem kleinen Bastard inspirieren, dieses Ding ist einfach unglaublich! Und so sprach der Herr: Es werde gebangt!\nDieser Bandname verströmt nicht gerade den Frieden auf Erden und deshalb erstaunt es auch nicht, dass wir es hier mit einer deftigen Death Metal Truppe zu tun bekommen. Bloodbath sind allerdings keine gereifte Band im herkömmlichen Sinne, sondern ein Pool aus Membern von einigen Bands, die aber von sich sagen, dass sie nicht bloss ein zusammengewürfelter Allstar-Haufen seien! Nun denn..., das ursprüngliche Line-Up bestand aus: Mikael Akerfeldt (Opeth - v), Anders Nyström (Katakonia, Bewitched, Diabolic Masquerade - g), Jonas Renkse (Katakonia, October Tide - b) und Dan Swanö (Edge Of Sanity, Nightingale, Infestdead - d). Akerfeldt zog inzwischen Leine, Swanö nahm neu die zweite Klampfe in Beschlag und in Martin "Axe" Axenrot fand man einen adäquaten Felldrescher. Somit fehlte also noch ein neuer Shouter. Dieses Unterfangen, einen gleichgesinnten Musikerkollegen zu finden, gestaltete sich zunächst eher schwierig. Doch Bloodbath war das Glück Hold und so konnten sie keinen Geringeren als (den Kult-Producer schlechthin!) Peter Tägtgren (Hypocrisy, Pain) für diesen Posten verpflichten. Damit war der Weg frei für den kreativen Prozess, der nun mit "Nightmares made flesh", der dritten Veröffentlichung unter diesem Namen, gekrönt wurde. Schon der Opener "Cancer of the soul" macht keine Gefangenen und holzt volle Kanne à la Vader durch die Boxen. "Brave new hell" beginnt indes mit einem schleppenden Riff nach bester Bolt Thrower Manier und glänzt mit den typischen Growls des Meisters. Da passt einfach alles zusammen, wie die Faust auf's Auge. Death Metal at its best! Bezeichnend für ein ausgewogenes Songwriting, varieren die Tempi und Riffs immer wieder und bringen somit die nötige Abwechslung in die Songs rein, geil! So prügelt sich der schwedische Fünfer von einer DM-Perle zur anderen und vor allem die gemässigten Parts hauen gnadenlos alles kurz und klein. Dank den überragenden Fähigkeiten aller Musiker wird dieser "Old-School" Swedish Death Metal zwölf Mal auf höchstem Niveau zelebriert! Für Genre-Liebhaber gibt es hier kein Entrinnen: Buy or die!\nWas kommt dabei heraus, wenn drei Musikergrössen wie Ty Tabor (King's X - v, g), John Myung (Dream Theater - b) und Rod Morgenstein (Dixie Dregs - d) zusammen musizieren? Schwer voraus zu sagen, deshalb überrascht der Opener "Not today" mit kräftiger Black Sabbath Schlagseite und ordentlichem 70er-Groove, der am ehesten bei King's X angesiedelt ist. The Jelly Jam gingen als Trio aus dem Vorgänger Platypus hervor, dem unter anderem auch Keyboarder Derek Sherinian (Ex- Dream Theater) noch angehörte. John Myung war damals die treibende Kraft, um sich hiermit etwas Abwechslung zum Hauptbetätigungsfeld bei Dream Theater zu holen. So beschloss das Trio, unter dem neuen Namen The Jelly Jam weiter zu machen. Nach dem Debüt aus dem Jahre 2002 legen die Ausnahmemusiker nun ihren interessanten Zweitling vor, der, nebst der stilistischen Verwandtheit zu Ty Tabor's Combo, sonst eigentlich völlig frei von Einschränkungen ist. Die öfters von den Beatles inspirierten Melodien und Stimmungen, wie bei "Empty" oder "Angel or devil" vermischen sich mit einigen Stilen, die eine grosse Zeitspanne abdecken. Dabei holt Tabor, ergänzend zu seinem prägnanten Gesang, immer wieder megasatte Riffs aus seiner Axt hervor, die mächtig schrammen. Herrlich auch, wie alle drei Instrumente, zusammen mit den Vocals, nebeneinander her gehen und nicht egomässig gegeneinander ankämpfen, was angesichts der technischen Fähigkeiten der Musiker nicht mal erstaunen würde. Besitzer von High End-Anlagen müssen unbedingt "Empty" und vor allem "Drop the gun" durch ihre edlen Teile jagen, denn hier röhrt Myung's Bass sowas von geil, dass einen die Freudentränen gleich bachweise runter rinnen! Anspiel-Tipps zu den insgesamt elf Songs gibt es von mir keine, da das Teil eigentlich keinen einzigen Ausfall enthält. O.k., zwei Favoriten habe ich doch: "Allison" und "Angel or devil"! Wenn kreative Überkapazitäten derart vertont werden, können sich die Fans weiterhin glücklich schätzen! Ein echtes Hammerteil, das vor allem durch die wuchtige Produktion optimal abrockt!\nGenversuche, Klonen, Globalisierung, Krieg, Armut und Überbevölkerung..., all dies sind Themen, die wir täglich in den Nachrichten vorgezeigt bekommen und mit denen die Zeitungen Schlagzeilen wie die Politiker Stimmen machen. Warum sollte es dann nicht auch eine rockende Version von diesen Problemen geben?? Dies dachte sich wohl auch Daniel Gildenlöw, der Sänger, Gitarrist, Songschreiber und Kopf des Quintetts aus Schweden, denn der neuste Streich von Pain Of Salvation steht im Zeichen von anderen Konzept-Alben, die sich mit der Psyche des Menschen beziehungsweise der gesamten Menschheit auseinandersetzen. Insbesondere der Zwiespalt zwischen Religion und Wissenschaft wird von Gildenlöw thematisiert. Und so wie die menschliche Psyche, besteht auch der Sound von "BE" aus unzähligen Facetten, die sich zu einem vielfältigen Gesamtbild vervollständigen. So finden wir auf dem über siebzig Minuten langen Silberling zwar ausschliesslich düsteres und melancholisches Material (akute Depressionsgefahr!), doch sind die Tracks so verschieden untereinander, dass sich auch nachdem dem zehnten Hörgenuss noch keine Langeweile einstellen will. Einzelne Songs zu erwähnen, würde "BE" nicht gerecht werden, da man ein Konzept ja als ganzes Kunstwerk betrachten sollte. Während viele Prog Rock Bands das Progressive oft zu ernst verstehen und ihre Songs möglichst unzugänglich konzipieren, schaffen es POS geradezu erschreckend gut, den Zuhörer in ihren Bann zu ziehen und ihn in Träumen, wenn auch düsteren, schweben zu lassen. Trotz all diesen positiven Punkten fehlt diesem Album noch das gewisse etwas, das Konzept-Alben wie Pink Floyd's "The wall" oder "The final cut" nicht nur zu Kunstwerken, sondern zu Meisterwerken machte.\nWenn sich auf einer CD fünf Tracks mit einer Spieldauer von fast einer Stunde befinden, dann deutet das relativ stark darauf hin, dass wir es hier mit progressiver Musik zu tun haben. Zweites Indiz ist das Cover, das auch mehr oder weniger in diese Richtung weist. Die Gewissheit, auf dem richtigen Weg zu sein, bekommt man spätestens beim Betrachten der Rückseite (in meinem Fall der Promo), wo folgende Namen auftauchen: Andy Tillison (Parallel Or 90 Degrees - keys, v); Roine Stolt (Flower Kings - g, v); Sam Baine (PO90D - keys, v); Jonas Reingold (Flower Kings, b); Zoltan Csorsz (Flower Kings, d); Guy Manning (g) und Theo Travis (u.a. Mitwirkung bei Porcupine Tree, sax, flute). Prog-Kenner werden nun ob diesem "Dream-Team" schon längst mit der Zunge geschnalzt haben. In der Tat bewegt sich das Zusammenspiel dieser britischen und schwedischen Musiker-Koryphäen auf beängstigend hohem Niveau. Der 70er Prog Rock (mit deutlicher Schlagseite zu Van der Graaf Generator) ist nicht allzu hart, erinnert dann und wann (auch vom Gesang her) etwas an Jethro Tull sowie alte Genesis Schoten (ohne Bombast) und lässt zuhauf alte Keyboard- Sounds "von früher" wieder aufleben. Da heisst es einfach hinsetzen und sich von diesen anspruchsvollen Kompositionen richtiggehend einlullen zu lassen. Wer auf die oben genannten Bands abfährt oder gar das letztjährige Tangent-Album "The music that died alone" sein Eigen nennt, muss sich umgehend auch mit dem neusten, definitiv süchtig machenden "The world that we drive through" eindecken! Das vorliegende Album gibt es übrigens auch als "Special Edition" mit einem 14-minütigen Bonus-Track zu erwerben. Get it..., now!\nDie Hellvetier veröffentlichten nach "Burning time" (2002) im Juni dieses Jahres den nun vorliegenden Longplayer und stellen uns mit sauber produzierter "Gringg abe u secklä"- Mentalität den neuesten Rundling vor. "Human creatures" widerspiegelt laut Infoblatt die Gut/Böse-Spaltung der aktuellen Zivilation, die Anprangerung von sinnlosem Morden, "heiligen" Kriegen im Namen eines verzerrt wahrgenommenen Gottes, profitgierigen Mächten und dem Schmerz von Mutter Erde durch die Verstümmelung der Selben. Dem gegenüber die Vermittlung einer positiven Message von Liebe und der schönen Seite des Lebens unseres Seins unter der wahren Absicht von Gott. Dem Sound merkt man die Einflüsse von Soulfly (die man bereits als Support anheizen durfte) und Konsorten an, womit auch die Wahl des Sepultura-Hits "Roots" als Live Bonus-Track erklärt wäre. Der Sound ist sehr direkt, kommt aus dem Bauch und verzichtet auf übermässige Verzier- oder Ablenkungen. Was aber nicht heissen soll, dass Annulation ihr Handwerk nicht verstehen! Denn der zwar eher einfach gestrickte "Annul-Metal" überzeugt trotz der limitierten Spielweise durch Ideenreichtum, interessante Rhythmuswechsel, passend packende Gitarren-Melodien und einer überzeugend sicheren Schlagzeug-/ Bassarbeit. Ein weiterer Höhepunkt ist sicherlich der Titeltrack, der durch seine laut-/leise-Dynamik ein besonderes Flair erzeugt und live ein echter Gassenhauer geworden sein dürfte. Auch das coole Gitarrensolo während dem Groove-Part im Endteil von "Soul get out" (wie übrigens auch alle anderen Soli) ist ein echter Leckerbissen und untermauert die stabile Performance der glorreichen Vier. Als Negativpunkte habe ich eigentlich nur die flachen Texte und die (für mich!) zu religiös angehauchte Aussage zu bemängeln, da liegt in Zukunft noch einiges mehr drin. Unter dem Strich aber eine der gelungensten CH-Metal Produktionen dieses Genres. Annulation rocken, darum auch zwei Daumen nach oben. Weitere Info's gibt es unter www.annulation.ch - get them!\nDEAD TO FALL - Villainy + Virtue\nNachdem ich die neue CD von Dead To Fall in meinen Player schob, wurde mir erstmal ein Schlag in die Magengegend versetzt. Wow, der Metalcore der aus Chicago stammenden Band hat es in Punkto Härte und Schnelligkeit in sich. Gleich beim Opener "Torn self" geht es los, also ob man den Geschwindigkeitsrekord brechen wollte. Auch beim zeiten Streich, der sich "Bastard set of dreams" nennt, stellen wir sogar Blast-Attacken fest. Auch die Stimme von Sänger Jonathan Hunt ist im Death Metal Bereich angesiedelt. Metalcore ist ja eine Melange aus Hardcore und Death Metal sowie auch einer Prise Thrash Metal. Daher die Grunz-Chöre und Geschwindigkeits-Massaker. Man orientiert sich stark an einer schwedischen Stahlschmiede namens At The Gates. Viel mehr gibt es eigentlich nicht zu berichten, denn der Stoff von Dead To Fall ist schnell durchschaubar. Geschwindigkeit-Break-Geschwindigkeit und so weiter. Auch die Gesamtlänge von dreissig Minuten ist ein bisschen kurz ausgefallen, wenn man die CD-Preise heutzutage ansieht. Egal, wer am Morgen Probleme hat mit seinem Weckdienst, sollte sich mal Dead To Fall ins Gehirn jagen. Ihr werdet sehen, so schnell seid Ihr noch nie aus dem Bett gehüpft. Nicht schlecht.\nWIND WRAITH - The Fortune Tellers' Gaze\nAus den USA erreicht uns die Debüt-CD der Band Wind Wraith. Halt..., Debüt ist eigentlich nicht ganz korrekt, denn die Scheibe wurde bereits im Jahre 2001 einmal veröffentlicht. Nach einigen Besetzungswechseln wurden die Songs jedoch nochmals neu aufgenommen und auch fetter produziert. Das Line-Up besteht aus drei Gitarristen, Gesang, Drums und Bass. Beeinflusst wurde die Band von Metal-Heroes wie Megadeth, Metallica, Manowar und unüberhörbar auch von Iron Maiden. Geboten wird fetter, klassischer Heavy Metal mit einem Touch US-Metal. Was mir gefällt, ist das tighte, schnörkellose Songwriting, obwohl das Ganze zwar ein wenig roh tönt, aber man muss ja nicht alles überproduzieren. Fette Power Metal Songs wie "War in the sun" oder "Dargon riders" zeigen, dass mit dieser Metal Band zu rechnen ist. Dazu kommt die überzeugende und abwechslungsreiche Stimme von Scott Oliva (Ex-Inner Strength). Nervig ist einzig die unnötige, klischeehafte langweilige Ballade "Watching over me", die wohl als Lückenfüller herhalten musste. Die anderen zehn Songs können alle mit dem Prädikat gut bis sehr gut bewertet werden. Wer also wieder mal eine hoffnungsvolle Heavy Metal Newcomer Band unterstützen will, kann hier zugreifen. Kann gut sein, dass Wind Wraith bald den Weg in die Oberliga des Metals schaffen werden!\nAls Mnemic letztes Jahr ihre Debüt-Scheibe "Mechanical spin phenomena" veröffentlichten, wurden sie zumeist und nicht ganz zu Unrecht als Kopie von Fear Factory abgestempelt. Tatsächlich bestand schon damals eine gewisse Parallele zwischen der fünfköpfigen Combo aus Schweden und der Fürchte-Fabrik aus Amerika. Beide waren sie Metal-Krieger im Namen der Unisono-Doublebass-Riffs und zählten Elektro-Bands wie Front Line Assembly zu ihren Favoriten. Dass solche Vorlieben sich in Sound-Ähnlichkeiten niederschlagen würden, das musste ja wohl klar sein - das wollen wir hier auch gar nicht bestreiten. Aber Mnemic heben sich vor allem durch den Fakt von den Amis ab, dass ihre Songs und vor allem die Samples eher einen Hang zu sphärischen Klängen haben, was wir bei Fear Factory höchstens von Songs wie "Timelessness" her kennen. Mnemic schaffen es aber, diese Atmospähre auch in den harten Stücken ein zu bringen, weshalb Fear Factory im Endvergleich ein wenig brutaler wirken. Schreiten wir also zur Tat und analysieren das neue Werk, das auf den feschen Namen "The audio injected soul" hört. Beim ersten Durchhören fällt sofort auf, dass dieses Mal die schelmischen Taktspielereien zurückgefahren wurden, was den Wald-und-Wiesen-Headbanger durchaus freuen dürfte. Ich erinnere mich einfach zu gerne an den Mnemic-Auftritt am diesjährigen Rock am Ring-Festival, bei dem zwar massenweise Kiefer vor Stauen ob der technischen Fähigkeiten der Band beinahe den Boden berührten, die Menge es aber einfach nicht zu Stande brachte, den Takt über eine längere Strecke zu halten... - Infolge dessen ist allerdings der Melodie-Faktor deutlich in die Höhe geschraubt worden, mehrstimmige Refrains stellen nun im Gegensatz zur letzten Scheibe keine Seltenheit mehr dar. Einzig das Songwriting hätte nach meinem Geschmack ein wenig abwechlsungsreicher gestaltet werden können. Ich werde das irritierende Gefühl nicht los, dass zwar die ganze Scheibe durchs Band auf dem gleichen Niveau dröhnt und irgendwie alle Songs als Single- Auskopplung funktionieren könnten, aber genau deswegen ein wirklicher Höhepunkt fehlt. Die Dynamik wird in jedem Song sauber auf den Punkt gebracht, auch an Ideenreichtum scheint es nicht zu mangeln, aber besonders hervorheben lässt sich dadurch eigentlich Nichts... - Zusätzlich zu den neun Eigenkompositionen findet sich am Ende des Silberlings noch das Duran Duran-Cover "Wild boys", aber Covers kann und will ich nicht beurteilen, das lasse ich jetzt mal aussen vor. Ach ja, ganz wichtig: Die Scheibe wurde im 3D-Audio-Format abgemischt. Ich persönlich habe keine Ahnung, um was genau es da eigentlich geht, zumal laut Presse-Info die Vorab-Takes noch ohne auskommen mussten, aber unter menmic.com solltet Ihr eigentlich was Erbauliches zu diesem Thema finden.\nMir kommt die neuste Veröffentlichung des neuen Mägo De Oz Werkes "Belfast" schon etwas seltsam vor. Infomässig gibt es nur sehr vage Angaben zum Album. Ein gewisser dritter Gitarrist Namens Jorge hat die Guitars anstelle von Carlito eingespielt, da dieser irgend einen Unfall hatte, der aber nicht näher beschrieben wird. Des Weiteren wurde dieser Silberling speziell als Geschenk für die Fans veröffentlicht. Auf "Belfast" wurden nach eigenen Angaben der Record Company zufolge einige Covers eingedüdelt, die die Madrider beeinflusst haben oder ihre Lieblings-Combos sind. So findet man nach einem coolen, irischen Intro eine klasse Version von Boney M's "Belfast" (!!), eine starkes, spanisch vorgetragenes Cover von Whitesnake's "Guilty of love" (Dame tu amor). Auch "Dama negra", im Original Heep's "Lady in black" kommt gut rüber und wird gestreckt mit Folk-Einflüssen. Danach folgt eine fantastische Version des Elvis- Klassikers "Fallin in love", ebenfalls auf spanisch und mit wunderschöner, gesanglicher Unterstützung durch eine weibliche Stimme. Im zweiten Teil des Songs wird ordentlich aufgedreht und gerockt, einfach klasse. "Belfast" bietet sehr viel Abwechslung mit harten Riffs, zarten Folk- Stimmungen, klassischen Elementen und akustischen Instrumenten. Dazu eine sehr variable Stimme. Mägo De Oz Fans werden wohl um dieses etwas seltsame, aber wirklich starke Album dennoch nicht herum kommen.\nWie es scheint, erlebe ich einen progressiven Monat, was die Reviews angeht. Gefällt mir ganz gut, was die Bands in diesem Sektor so alles auf die Menschheit loslassen. Ein Schmankerl sind auch Aquilon aus Frankreich, die aus dem sonnigen Süden stammen. In der Presseinfo wird die Marschrichtung als Dark Death betitelt. Kann man so stehen lassen, mit progressiven Einschüben würde ich meinen. Schnelle Parts wechseln sich mit Breaks und ruhigen Momenten ab. Hier ist der Überraschungsfaktor gross und das ist auch gut so. Gesungen wird in der Grunzsprache, aber man wechselt sich mit cleanen Vocals ab. Hierfür duellieren sich männliche und weibliche Vocals. Nichts Neues werdet Ihr meinen, doch es wirkt nicht so kitschig wie in anderen Bands. Die Gitarren knallen gut, die Riffs sind korrekt, die Produktion ist allererste Sahne. Bei den Vocals (hätte ich fast vergessen) wird in Französisch und Englisch gesungen. Das Grunzen in der französischen Sprache klingt lustig..., mal was anderes! Aquilon legen eine gesunde Frische in die Dark Death Szene und bereichern auch Metaller, die sonst nicht so harten Stoff mögen. Die sechs Musiker haben noch eine grosse Zukunft vor sich, wenn sie so weiterfahren. Gefällt mir sehr gut.\nDARK FUNERAL / VON – Devil pigs\nNein, hier handelt es sich nicht um Neues aus der Gruft von Dark Funeral, sondern dies ist eine Split-CD, welche im "Chapter One" den Release "In the sign..." von Dark Funeral aus dem Jahre 2000 beinhaltet und "Chapter Two" das Material der mir unbekannten Black Metal Band Von. Dark Funeral's "In the sign..." EP beinhaltet hier zu den vier regulären Songs noch die beiden Bonus-Tracks "Equimanthorn" und "Call from the grave", welche wohl Bathory Covers sind. Dark Funeral bieten dem Hörer bodenständigen traditionellen Black Metal. Keine Keyboards, kein Orchester, keine weiblichen- oder cleanen Gesangsausbrüche. Ausser bei "Call from the grave", welches schleppend daher kommt, hält die Geschwindigkeit die Vorherrschaft über die restlichen Songs. Zwar wird nicht besonders viel Abwechslung geboten, aber dies erwarte ich auch nicht von rohem Black Metal. Doch ich muss auch zugeben, die Songs haben mir es schon etwas angetan. Nur schon der Opener "Open the gates" ist für mich ein herrlicher Kracher, welcher geschickt mit mittelschnellen Passagen angereichert wird. Die Produktion fängt die rohe Atmosphäre der Songs sehr gut ein und lässt die Gitarren klirren. Anders tönt es dann ab dem siebten Song, da kommen Von zum Zuge und als Erstes sticht gleich mal die grauenhafte Soundqualität ein zwei Meter langes Schwert in meinen Rücken. Das Ganze tönt grässlich dumpf und lässt mir meine Ohren abfaulen. Das Songwrtiting beschränkt sich auf ein absolutes Minimum und lässt Welten gegenüber Dark Funeral aufbrechen. Ich nehme an, dass "Devil pigs" von Von so etwas wie ein Demo sein muss; kann es mir nicht anders vorstellen. Was ich herausfinden konnte, ist, dass Von wohl zu den Ami Black Metal Pionieren gehören, welche in den frühen 90ern, geprägt durch den Bay Area Trash und inspiriert durch Trance, von der Struktur her ähnlichen simplen Black Metal zu spielen begannen, welcher, wie sie es nennen, mehr ein Soundtrack für in Kerzenlicht getauchte satanische Rituale darstellt, alsdann etwas mit traditionellem Heavy Metal zu tun hat. Über Sinn und Unsinn solcher Veröffentlichungen kann man sich streiten. Black Metal Herzen, welche Dark Funeral's "In the sign.." nicht besitzen, können hier zugreifen. Allenfalls dürfte "Devil pigs" auch was für Sammler sein, ansonsten kann ich nur sagen: Daumen rauf für Dark Funeral und Eingeweide raus für Von!\nAuf den ersten Blick (bezüglich des Covers) könnte man meinen, ein weiteres Album irgend einer talentierten, aber völlig unbekannten Prog Band in den Händen zu halten. Doch hinter dem Namen Abydos (ursprünglich eine ägyptische Grabstätte) steckt das erste Solo-Werk von Vanden Plas Sänger Andy Kuntz, der damit auch textlich persönliche Schickalsschläge verabeitet hat. Gleichzeitig taucht die Frage auf: Wie klingt es? Völlig abgedreht oder ist es schlicht ein Klon der Stamm-Band? Ersteres ist es nicht, aber unüberhörbare Parallelen zu Vanden Plas sind da, ohne diese aber einfach zu kopieren. Vielmehr erhält Andy Kuntz mit Abydos die Gelegenheit, seine ganze Bandbreite als kompletter Sänger präsentieren zu können. Dabei wird auch sein Engagement und Interesse für Musicals berücksichtigt. Das drückt sich folglich ebenso musikalisch aus, denn genau diese Vibes kommen nach dem Dream Theater-mässigen Intro beim Opener "You broke the sun" rüber. Dazu kann man sich leicht eine Bühne mit Kulisse und einer Handlung vorstellen. Mitten drin Andy, der als Hauptfigur agiert und von weiteren Darstellern flankiert wird. Umrahmt und gestützt wird das Ganze oft durch orchestrale Arrangements, die (leider) vollständig digitalen Ursprungs sind, aber trotzdem annehmbar klingen. "Silence" klingt nachfolgend mehr nach Vanden Plas, um dann bei "Far away from heaven", zu Beginn eine schöne Piano-Ballade, im weiteren Verlauf wieder mehr in die Musical-Ecke zu tendieren. Allerdings bleibt immer ein "gesundes Mass" an progressiver Härte übrig und selbst sonst eher ungewohnte, verzerrte Stimm-Parts, wie bei "Hyperion sunset", sorgen für soundmässige Farbtupfer. Dazwischen gibt es auch immer wieder ruhigere und akustische Parts zu entdecken. "Abydos" ist eine sehr vielseitige Scheibe, die sich erst nach mehrmaligem Anhören richtig entfalten kann, dafür umso mehr! Vanden Plas Fans können hier blind zugreifen und der Rest der Prog-Gemeinde tut gut daran, sich diese interessante und zudem gut produzierte Scheibe auch rein zu ziehen!\nEine regelrechte Welle an neuen Metalcore Bands beschert uns LifeForce in letzter Zeit und alle dazu gehörenden Bands können durchaus als gut bis sehr gut bezeichnet werden. Diese Tradition setzen nun auch die Engländer Burning Skies fort. Brachialen und harten Metalcore mit leichtem Grindcore-Touch hauen uns die fünf Jungs hier um die Ohren. Die Musik von Burning Skies unterscheidet sich vor allem durch die pure Brutalität und Aggression der Musik, ansonsten bietet sie nicht die grosse Innovation. So schreit und grunzt sich der Frontmann, zupft sich der Bassist, sägen und breaken sich die Gitarreros und holzt, respektive prügelt sich der Drummer durch 51 Minuten Spielzeit. Burning Skies lassen die ansonsten genretypischen Melodien grösstenteils aus und widmen sich wirklich vornehmlich dem harten Aspekt des Metalcores. Daraus ergibt sich ein kleines Mass an Abwechslung, jedoch weiss der Zuhörer dadurch auch gleich wie ihm geschieht und kann sich die Gehörgänge mal wieder so richtig durchblasen lassen. Jeder Metalhead, dem Metalcore Bands schon immer ein wenig zu experimentierfreudig waren, sollte hier unbedingt mal ein Ohr voll riskieren, denn "Murder by..." ist kompromissloser Metalcore, mit Betonung auf Metal!\nAbgesehen von zwei Best of Alben, war es seit „The Neonai" aus dem Jahre 2002 sehr ruhig geworden um die Schweden. Probleme mit der Plattenfirma und Auflösungserscheinungen machten der Band arg zu schaffen. Doch nun treten sie in alter frische und in original Besetzung wieder an, um der Welt ihr Comeback Werk zu präsentieren. „Black brick road" wird eröffnet mit „The greymen" und zeigt, dass es die Jungs noch können. Eine LOT Nummer in ihrem typischen Soundgewand mit einem herrlichen Solo und wie immer unverschämt eingängig. „Making evenings" zeigt sich etwas düsterer und zurückhaltender mit einer Prise mehr Melancholie. Der Titeltrack wird getragen von diesem 70er Sound Flair, welches durch die Keyboards erzeugt wird und eine Atmosphäre der Einsamkeit verstrahlt, besonders bei dem Break inmitten des Songs. Bei „Dystopia" wird des Tempo wieder angenehm erhöht und rockt treiben voran, doch schon der nachfolgende Track „The organ" bricht die Dynamik und man fällt in einen tiefen Schlund aus Melancholie und Einsamkeit. Diese Nummer besitzt diese Pink Floyd erinnernde Atmosphäre und ist für mich gleichzeitig der Höhepunkt der Platte. Wunderschöne Melodie, ergreifendes Solo...., ein Song zum abschweben. Bei „Sister Sinster" leiht eine Gastsängering ihre Stimme für die Strophen aus, jedoch ist dieser Track etwas Langweilig. Schwermut ergiesst sich bei Rainy Day Away über den Hörer und mündet bei „Crazymen" dem härtesten und abschliessenden Song der Platte. Lake of Tears haben hier durchaus ein rockiges Album abgeliefert, welches beachtet werden darf. Ihr Sound mit Gothic- und diesen typischen 70er LSD- Einflüssen ist unverkennbar und speziell. Die Songs sind einfach und eingängig etwas rockiger und doch 100% Lake of Tears. Für mich ein gelungenes Comeback welches jedoch nicht die Magie von „Headstones" erreicht.\nWuchtig produzierter Death Metal mit extrem tighter Rhythmik, leichter Black Metal Einfärbung und den berühmt-berüchtigten Stop'n'go-Passagen (im positiven Sinn) quellen aus den Boxen, brauchten zur Zündung zwar einige Durchläufe, gewinnen dafür von Mal zu Mal mehr an Substanz. "Trough the absurd" wird zwar nach oberflächlichem Zuhören als ebenso flaches Werk deklariert werden, ein genaueres Hinhören bestätigt einen hingegen, dass sich Trepalium ihrer Stärken sehr wohl bewusst sind und diese auch wohl überlegt einzusetzen vermögen. Der Opener "Paranoïd" rückt stellvertretend gleich alle Vorzüge ins rechte Licht und zeigt mit der präzisen Schlagzeugarbeit, den heftigen Riffs und zweistimmigen Gitarren-Komponenten, dem groovigen Bass und dem brachialen Gebrülle eine gute Schnittstelle aus reduzierter Morbid Angel/Cannibal Corpse Kollaboration. Ausserdem beherrschen die Frra'soosen auch das Wechselspiel mit akustischen/ruhigen Passagen und fügen so eine weitere Abwechslung in ihr eh schon differenziertes Spiel ein. Hauptsächlich ist jedoch Rhythmus der Grundpfeiler und wird auch in allen Spielarten verwendet. Das Endprodukt ist ein wirklich tolles, dynamisches Album mit viel hörenswerten Details und gehörig Energie. Die Allgemeinstimmung ist mir persönlich jedoch ein bisschen zu kopflastig, was aber jeder für sich selber entscheiden muss. Ein Probehören wird von mir aber allen Death Metal Lunatics wärmstens ans Herz gelegt!\nWas andere Bands, welche man zum illustren Kreis des Power/Fantasy Metal zählen kann, als Intro verwenden, wandeln die Italiener Rhapsody um die Komponisten Luca Turilli (g) und Alex Staropoli (keys) in ein 70-minütiges Epos um, das alle Hollywood-Soundtracks in den Schatten stellt, denn "Symphony of enchanted lands 2: The dark secret" funktioniert auch ohne Bilder. Regierten auf den vorherigen Alben Digi-Orchester aus dem Keyboard, arbeiten die Klassik-Liebhaber nun mit dem Bohuslav Martinu Philharmonic- Orchestra, einem 50-köpfigen Chor und zwölf Solisten zusammen. Und wäre das nicht schon genug, holen sich Rhapsody noch schnell eine der Schauspiellegenden schlecht hin ins Studio (eigentlich nicht "ins", sondern "in eines der fünf Studios", in denen der neue Silberling erschaffen wurde): Christopher Lee (unter anderem in "Dracula", "Star Wars" oder "Herr der Ringe" zu sehen), der ja selbst eine klassische Opern- Gesangsausbildung genossen hatte. Er führt als mysteriöser Erzähler mit seiner tiefen, markanten Stimme durch den Mythos, der sich Luca Turilli (der mit Staropoli zusammen auch als Producer tätig war) ausgedacht hat. Natürlich findet man auf dem neuen Werk, wie auf allen Rhapsody-Platten, von theatralischen Balladen, über Schlachtenhymnen bis zu Pfeifen- Instrumentals einfach alles, was in einen anständigen Soundtrack zu einem Film der Marke "Herr der Ringe" gehört. Doch verschwinden Schlagzeug, E-Gitarre und & Co. nicht einfach so in den Hintergrund, wie man vermuten könnte, sondern sind perfekt ins Orchester-Arrangement eingebettet, und manchmal kann man sogar ein typisches Turilli-Solo entdecken. Klar erschufen Rhapsody keine Hintergrundmusik, sondern ein Meisterwerk voller Pathos, das wie ein Film die volle Aufmerksamkeit des Zuhörers verlangt. Wer auf Pathos und italienischen Kitsch steht, ist damit bestens beraten, wer eher auf satte Gitarren-Riffs abfährt, sollte lieber die Finger davon lassen, denn die sind auf "Symphony of enchanted lands 2: The dark secret" ziemlich rar.\nDie Brasilianer Eyes Of Shiva lassen mit ihrem Debüt-Album "Eyes of soul"“ alte Erinnerungen an die besten Zeiten von Angra wach werden. Progressive, klassische Momente wie in "Lampiao", das noch zusätzlich mit Latino-Rhythmen bereichert wurde, sind unglaublich gut gemacht. Oder das speedige "Eagle of the sun". Natürlich gibt es auch Parallelen zu Stratovarius und Rhapsody sowie zwischendurch auch eine Prise alte Helloween, aber es bleibt immer noch genügend Spielraum für Eigenständigkeit, wie zum Beispiel beim wirklich tollen Midtempo-Song "Pride. Auch der Titel-Song, der mit brasilianischer Folklore-Musik durchzogen ist und sicher den proggigsten Vertreter auf dem Silberling darstellt, ist ein kleines Meisterwerk. Bei "World tomorrow" kommt das grandiose Organ des Shouters Andre Ferrari so richtig zur Geltung. "Future" ist ein klasse Song, der in toller Helloween Manier (in deren bester Zeit) daher kommt. Ebenfalls klasse hört sich der alte Heart-Hit "Alone" an, der dem Original in Nichts nachsteht. Zum Schluss gibt's mit "Just a miracle" noch einen speedigen Rauswerfer, der sich hören lassen kann. Das Quintett aus Sao Paulo besitzt einfach irgendwie die Unbekümmertheit, den Fantasie-Reichtum und die Originalität, die vielen Bands heute einfach fehlen.\nAls neue Super Hard Rock Gruppe wird uns Zillion gemäss dem Info-Blatt angepriesen. Schaut man sich das Line-Up an, darf man auch Einiges erwarten. Mit dabei sind Mike Terrana (Rage, Axel Rudi Pell) an den Drums, Jens Becker (Grave Digger) am Bass und Sandro Giampietro (Supared und Michael Kiske) an der Gitarre und Gesang. Während der Opener "You and me" noch etwas Skepsis auslöst, hellt sich meine Miene beim Hören der weiteren Songs erheblich auf. Geboten wird ein feinfühliger Mix aus klassischem und melodischem Hard Rock, gepaart mit grossem musikalischen Können und hie und da einer Prise härteren Heavy Metal's. Naürtlich fehlt auch die in diesem Genere fast obligatorische Ballade nicht, denn "Day or night" wird gefühlvoll und eingängig gesungen. Ansonsten rockt die Scheibe amtlich und überhaupt hebt sich der Gesang von Sandro Giampietro von der grossen Durchschnittsmasse ab. Leider fehlt der absolute Hammersong. Doch alles in allem ein solides Werk, das ich Fans von gepflegtem Hard und Melodic Rock zum unverbindlichen Antesten empfehlen kann.\nDie Mucke um Dark Funeral-Shouter Emperor Magus Caligula, Gitarrist Lord K Philipson (The Project Hate), Basser Thomas Elofsson (Santification) und Trommler Tobben Gustavson (Vomitory) ist trotz der üblichen Verdächtigen kein weiterer dahingeschludderter Black Metal Ableger, sondern ein überraschend cooles old school-Projekt mit instinkiv geilem Death Metal Einschlag und einer wuchtig-fetten Produktion! Die allesamt straight nach vorne losgehenden neun Tracks werden dargeboten in bester 'Der-mit-der-Double-Bass-zerstört-Manier' ("Purified in carnage"), grooven zum Teil wie Rennschwein Rudi Rüssel ("Wretched hatching") und dürften unter Einfluss eines gepflegt-kultivierten Fünfblatts für immens gesteigerte Hormon-Ausstösse verantwortlich sein ("Severe facial reconstruction"). Jedoch wird auch die verwöhnte Prügelfraktion nicht vergessen ("Headless nun whore", "Gush of blood") und darum dürfen God Among Insects wohlwollend zu den gelungeneren Ergüssen der mittlerweile ungezählten Seitenprojekte von sogenannten "Szenegrössen" gezählt werden. Sehr empfehlenswert für Freunde der direkten Konfrontation und Verächtern von übermässigem Schnick-Schnack. Als primäres Plus darf ich die angenehmen "direkt-aus-dem-Bauch"-Vibes loben und attestiere den Mannen ausserdem eine spezielle Individualität ("Chainsawed christians"). Bin positiv überrascht und habe mit Überzeugung gebangt!\nJIGSORE TERROR – World of Carnage\nUnd wieder mal eine Scheibe, die sicherlich keinen Beitrag zum Weltfrieden leistet. Wütender Grindcore wird hier auf die Fahne geschrieben und prügelt gnadenlos auf all die Opfer ein. Mein Gott Jungs, was hat man euch denn angetan, dass ihr gleich so drauflos knüppelt? Ob das auf einen Mangel an zugeführter Muttermilch hindeutet, kann ich nicht mit Sicherheit sagen. Fest steht jedoch, dass Jigsore Terror mit ihren fünfzehn Grananten sicherlich jede Friedenstaube in einen verkohlten Braten verwandeln. Die Knüppel-Attacken werden immer wieder von Midtempo-Passagen unterbrochen, welche herrlich dreckig daherkommen. Für mich liegen hier die Stärken des Debüts "World of carnage", da diese Abschnitte richtig schön 'groovy' rüberkommen und eine 'Erholung' für die Nackenwirbel darstellen. Handwerklich kann man den Jungs keinen Vorwurf machen und auch gesanglich wird geröchelt, wie man es von diesem Genre erwartet. Der Titeltrack ist der einzige, welcher knapp vier Minuten zu wüten weiss, der Rest erreicht die 3-Minuten Grenze nicht. Abwechslung ist ein Wort, welches nicht allzu viel Bedeutung bei diesem Release hat, da ist das Schema jeweils viel zu ähnlich, doch will man das bei Grindcore..., nein! - Denn hier gilt nur eine Devise: "Voll rein in die Fresse"! - Dies bieten Jigsore Terror..., Augen zu und durch.\nMit ihrem neusten Streich "Hate to be loved" sorgen die River City Rebels wohl für geteilte Meinungen, wo immer das neue Werk auch gespielt wird. Vorbei sind die Zeiten, als man rotzigen Street Punk gespielt hatte, stattdessen wird uns jetzt Glam Punk im 70er-Jahre Stil serviert, was mehr an die Ramones oder New York Dolls erinnert, als an Rancid. Sowohl inhaltlich wie auch vom Artwork her wurde alles verarbeitet, was die gängigen Klischees, allen voran "Sex, Drugs and Rock'n'Roll" halt so hergeben. Alles wirkt bewusst auf trashig getrimmt, auch die Produktion klingt nach den Standards, die vor mehr als zwanzig Jahren galten. Dafür zeichnet sich kein Geringerer als Sylvain Sylvain verantwortlich, seines Zeichens selbst eine Legende der Punk-Szene und lange Zeit Mitglied oben erwähnter New York Dolls. Zum einen verbreiten Songs wie der Titeltrack "Hate to be loved" wirklich gute Laune und auch der Opener "Hurt like I do", obwohl im Grunde genommen eine grottenschlechte Kopie vom Guns'n'Roses Smasher "Civil war", bleibt irgendwie im Ohr hängen. Trotzdem kommt halt immer wieder auch Langeweile auf, weil nicht alles wirklich authentisch rüber kommt. Vielleicht sind es auch nur die wiederkehrenden Ska-Einflüsse, die mich konsequent nerven. Der geneigte Liebhaber solcher Musik soll sich doch einfach selber ein Bild verschaffen und "Hate to be loved" lieben oder hassen lernen.\nDas Feuer scheint auf dem neuen Morgenstern Album tatsächlich zu lodern. Voller Energie kommen die Songs auf "Fuego" daher. Die vollen, verzerrten Gitarren dominieren auf dem ganzen Werk und werden vermischt mit den tollen Dudelsack-Soli. Bei Sänger Rico lassen sich Parallelen zu Subway To Sally nicht von der Hand weisen, ohne ganz dessen Niveau zu erreichen. Die wunderschöne, unbekannte, weibliche Stimme, die den Song "Carneval" prägt, bietet eine willkommene Abwechslung. Die Songs von Morgenstern verbreiten Stimmung und laden zum Tanzen ein, aber zum Teil ähneln sie sich im Aufbau etwas zu sehr. Obwohl sich Rhythmus und Melodien unvermittelt im Gehörgang einnisten, verliert der Silberling schnell etwas an Spannung. Versteht mich nicht falsch, denn "Fuego" ist wirklich kein schlechtes Album. Die zum Teil an Rammstein erinnernden Gitarren krachen ordentlich rein und auch die mittelalterlichen Instrumente kommen gut rüber und die fetten Drums können ebenfalls überzeugen. Anhängern dieses Musik-Stils wird dieses Album sicher gehörig Freude bereiten.\nRichie Kotzen, der Ex-Klampfer der ehemaligen Haarspray-Babies Poison präsentiert uns hier ein durchaus hörenswertes Album. Wer hier allerdings ein Frickel-Album erwartet, wird von "Get up" enttäuscht sein. Hier regiert der Blues Hard Rock und zwar mit elf wirklich coolen Songs. Und obendrein hat Mr. Kotzen auch noch gleich alle Instrumente selber eingedüdelt. Über den Gesang konnte ich allerdings nichts herausfinden, also nehme ich doch an, dass der Meister auch für die Vocals persönlich verantwortlich ist. Und diese klingen echt gut, bluesig mit Anleihen zu David Coverdale. Mit "Remember" und "Special" sind auch zwei ruhige Songs auf dem Album, so richtig coole Soft-Blues Nummern. Aber man findet auch einige Kracher wie den Lenny Kravitz' lastigen Titeltrack oder Fetziges namens "Fantasy" und "Loosin' my mind" oder das Whitesnake ähnliche "Never be the same". Richie versteht es auf "Get up" wirklich, gute Rock Songs zu komponieren, die ehrlich klingen. Seine Vielseitigkeit ist verblüffend, egal ob Metal, Jazz, Blues, Rock oder Soul. Richie hat in der Vergangenheit mehrfach bewiesen, dass er in der Lage ist, einfach alles zu spielen. Anhängern bluesiger Hard Rock Klänge kann dieses Album nur empfohlen werden.\nIrgendwie haben innerhalb extremer Metalkreise agierende Frauen Bonuspunkte bei mir. Rachel, ihres Zeichens nasenberingte Frontgrunzerin der Niederländer, bildet da keine Ausnahme. Und obwohl die gesanglichen Leistungen durch die Zuhilfenahme eines Harmonizers entstehen (hoffe ich jedenfalls, da ich ihr ansonsten Kehlkopfkrebs im Endstadium attestieren müsste!), sichert die Ausnahmestellung und mindestens einen zweiten Blick/Hinhörer. Dazu kommt es, dass Sinister seit ihrer Entstehung keinen Millimeter von ihrem extremen Grenzbereich-Stil abgewichen sind, jeglichem Trend frontal ins Gesicht spucken und immer dem schneller/ tiefer/ brutaler/ gemeiner-Genre frönen. Ehrlicher geht's nicht und "Creative killings" kann auch in der Zweitauflage (aufgenommen Anno 2001) nach wie vor überzeugen. Nach den bekannten Killersongs "Bleeding towards the wendigo", "Early gothic horror" oder z.B. "Moralistic suffering" ist als zusätzlicher Bonus das '90er Demo "Perpetual damnation" angefügt. Darauf enthalten sind neben den regulären Tracks "Putrefaying remains", "Spiritual immolation", "Compulsory resignation" und dem Titeltrack auch das Slayer-Cover "Praise of death". Das Frühstadium der Demo-Songs ist unüberhörbar und deshalb auch nur für Die-hard Fans und Plattensammlungs-Vervollständiger geeignet. Da sich Sinister zu allem Übel auch noch dieses Jahr aufgelöst haben, repräsentiert dieser Re-Release jedoch einen passenden Nachruf und die Nachfolgeband Infinited Hate (in der gleichen Besetzung) hat ja auch schon ihr Debüt "Revel in bloodshed" veröffentlicht.\nDARK SIGN - Bridge of time\nDie Schweizer Combo Dark Sign kommt aus Bern und hat uns mit einer 3-Song Demo-CD beglückt, wobei sich jeder der Songs über der 7-Minuten Grenze bewegt. Geboten wird ziemlich abwechslungsreicher, anspruchsvoller Prog Metal. In den einzelnen Songs herrscht ein stetiges Auf und Ab. Da wechseln sich treibende Riffs ab mit klaren, ruhigen Guitars, viele Tempo-Wechsel, wobei sich die ganze CD eigentlich nur im Slow und Midtempo-Bereich bewegt, was aber keineswegs als negativ zu verstehen ist. Die Band verliert sich nie in irgendwelchem Gefrickel, sondern geht ziemlich songorientiert und recht melodiös zur Sache. Das liegt hauptsächlich am Sänger Roman Frei, der stellenweise und vor allem in den hohen Lagen des Öftern an Angel Shouter Frank Dimino erinnert. Wer mehr wissen will über Dark Sign oder Interesse an der Demo-CD hat, loggt sich einfach ein unter www.darksign.ch\nDrei ganze Jahre ist es schon her, seit DKL ihr Debüt mit dem schönen und passenden Titel "The darker side Of nonsense" auf die Menschheit abfeuerten. Jetzt melden sie sich zurück mit einem Gemisch aus melodiösem Nu Metal der Marke Ill Niño und einem Death-Gemetzel der neuen Generation wie Static X oder Soil. Bei "Lost", dem Eröffnungknaller, geht es gar nicht anders, als einfach den Kopf zu schütteln, was die Nackenwirbel hergeben. In einigen Momenten fragt man sich dann auch tatsächlich, ob da nicht gerade ein alte Scheibe von Sepultura mit Max Cavallera das Trommelfell strapaziert, doch dies ist nur der erste Eindruck, und wie schon erwähnt kann man "The dead and dreaming" in zwei Hälften spalten (das ist natürlich bildlich gemeint, obwohl...), wobei jede zwar ziemlich unterschiedliche, doch hochwertige Kost enthält: Während mit "Buckles", "200 years", One handed knife fight" oder eben "Lost" Mosh-Pit angesagt ist, lässt es sich bei Nummern wie "Paper tiger", "Push/pull", "Hindsight" oder dem ultrasoften "Then you lie" klasse chillen, eben 'The dead' (für die erst genannten Tracks) and 'Dreaming' (der zweite Teil). Ein solch breites und unterschiedliches Spektrum mag ja für die Kreativität dieser Band sprechen, wird es aber der heutigen, auf's Geld achtenden Konsumentenschaft echt schwer machen, sich dafür zu entscheiden, das Scheibchen zu erwerben, da man ja meist nur den einen Teil des Songmaterials mag. Hoffen wir, dass sich das Quartett aus den USA endlich entscheidet, bevor es zu spät ist, den richtigen Weg einzuschlagen.\nIncantation stehen für blasphemischen Death Metal der rasanten und kompromisslosen Art, der auf dem neusten Silberling vor allem Eines ist, nämlich einfallslos! So beginnt das erste Stück und man denkt sich: "Hmm..., relativ lecker." Gespannt erwartet man das nächste Stück, aber leider macht sich von da an ein Gefühl der Enttäuschung und der Langeweile breit. So kristallisiert sich bald einmal ein schlechtes Songwriting heraus, das nach dem System Prügel-Part / Mid- Tempo- Geklotze / Prügel-Part Prinzip funktioniert. Es gibt zwar auch zwei, drei Lichtblicke, aber bei zwölf Tracks ist das eindeutig zu wenig. Die drei Amis haben sicher Einiges auf dem Kasten, vor allem in spieltechnischer Hinsicht wissen sie voll zu überzeugen. Auch der Sound wird sich auf der finalen Version sicher hören lassen können. Mir liegt hier nur eine "Unmastered" Version vor, die sich, abgesehen vom fehlenden Druck, schon sehr gut anhört. Aber leider ist das nicht genug für eingefleischte Incantation-Fans, dennoch ist die Scheibe durchaus einen Kauf wert. Ansonsten ist das Geld bei etwas anderem sicher besser angelegt.\nWie es halt so ist mit CD-Titeln, die mit einem "Part/Volume 1" enden: Eine Fortsetzung kommt bestimmt irgendwann. Und so veröffentlichen auch Napalm Death, die Urväter und Mitbegründer des Grindcore, ihren zweiten Teil von "Leaders not followers". Viel hat sich gegenüber der letzten Scheibe von 1999 eigentlich nicht verändert: Wieder huldigen die Briten mit diesem Silberling den musikalischen Einflüssen und Helden und abermals geben sie dem Songmaterial eine deftige Prise Napalm Death bei, was die Scheibe natürlich um einiges interessanter macht, als wenn sie einfach mit 1:1-Covern vollgepackt wäre. Einzige Änderung ist natürlich die Track-Liste: Neben Schwermetallgrössen wie Kreator ("Riot of violence"), Agnostic Front ("Blind justice") oder Sepultura ("Troops of doom"), kommen auch wieder Bands aus dem szenischen Underground, wie zum Beispiel Cryptic Slaughter ("Lowlife"), Anti-Cimex ("Victims of bomb raid") oder Wehrmacht ("Fright night") zum Zuge. Und wieder stammen die Truppen bunt gemischt aus Hardcore, Death/Thrash Metal oder Punk, ganz frei nach dem Motto: "Alles was voll auf die Zehn hämmert, bringts!" Für Fans, die auf das neue Album warten sicher ein gelungenes Appetithäppchen. Nach Part 2 sollte man dann aber doch einmal aufhören, verhält es sich doch wie bei Filmfortsetzungen: Immer nur die ersten zwei b is drei Teile sind sehens- beziehungsweise hörenswert, dann bekommt man aber schnell genug (man denke an "Rambo", "Nightmare on Elmstreet" oder "Halloween").\nMALLEUS MALEFICARUM – Des biles, des hymnes, des icônes...\nOaken Shield Records\n"Nihilist Black Metal", so steht es in meiner Promo-Info und ich denke mir: "Aha, da wird wieder mal ein Lämmchen auf die Schlachtbank geführt..." und genau so tönt es auch. Schnörkelloser Black Metal, welcher das Gaspedal durchdrückt und mehr auf rohe Gewalt, denn auf Melodien setzt. Doch irgendwie hauen mich die Franzosen nicht vom Hocker. Das liegt weniger an den handwerklich Fähigkeiten, sondern mehr auf dem Faktor "schon alles gehört..., nix Neues im Schwarzen Lande". Irgendwie fehlt der Wiedererkennungswert, eine Identität, welche Malleus Maleficarum als speziell auszeichnen würde. Nicht, dass alles schlecht wäre, nein..., es gibt schon auch 'gute Momente' auf der Scheibe, welche etwas Atmosphäre schaffen, insbesondere dann, wenn das Gaspedal etwas zurückgenommen wird. "Interlude", ein kapp 3-minütiges, akustisches 'Zwischengeprengsel' weiss mir fast am besten zu gefallen. "Agonie" glänzt durch einen herrlich langsamen Mittelteil und "Espoir perdu" schafft es, im letzten Drittel eigenständig zu tönen. Dies zeigt doch eigentlich, dass die Herren doch ein Händchen für dunkle Melodien haben, dies aber in den Songs nicht vollends ausschöpfen können. Für Euch Söhne der Dunkelheit ein Anhör-Tipp, doch mir reicht es nicht für das Prädikat 'Gut', geschweige denn für eine Kaufempfehlung.\nMINES - Downstroke\nYeah, genau das hat doch diesen Monat noch gefehlt, 'ne coole Schweizer Rock Combo! Mines rocken einfach drauflos, was das Zeugs hält, ohne Schnörkel. Songs wie "Sabrina", "Get it live", die gradlinigen, etwas an die alten Gotthard erinnernden "Can stay in hell" und "Steal my baby" rocken direkt nach vorne. Das Rezept von Mines ist einfach: Treibende Bass-Läufe; einfache, aber starke Drums; saustarke, druckvolle Guitar-Riffs und dazu 'ne coole Rock-Stimme. Ganz klar kann man auch Einflüsse von Krokus ausmachen, wie zum Beispiel bei "Dark city" und "Gotta leave your mama". Auch gut kommt die coole, ruhige Blues-Nummer "Yesterday" daher. Mines bieten uns auf ihrem Debüt neun wirklich starke Songs, die Laune machen, einfach abrocken und jeden Fan des traditionellen Hardrocks sicher nicht kalt lassen. Ach ja..., noch witzig finde ich den Hidden-Track, 'ne coole akustische Blues-Nummer. Da bleibt mir nur noch zu sagen: Big Salut nach Thun!\nDie sympathische Lady aus Düsseldorf hat mal wieder Einfallreichtum bewiesen: Sie fabriziert die schöne Ballade "Let love rain on me", und singt das Stück gleich noch auf spanisch und französisch. Dies wird vermengt mit einer balladesken und orchestralen Version von Judas Priest's "Breaking the law" (auch auf dem neuen Album "Classic Diamonds" zu finden), sowie "I rule the ruins". Dann wäre da noch das wunderbare "Rare Diamond", in dieser Version von angenehmem Geklimper begleitet, als auch zum krönenden Abschluss ein Bonus Video-Track von "Unholy Love". Trotzdem wird dieses Mini Album wohl eher etwas für\nwahre Fans und Sammler, da die Songs nicht jedermann begeistern werden. Entscheidet selbst!\nUnter "normalen Umständen" hätte ich als jahrgangmässig typisches NWOBHM-Kid eine Band wie Mortiis schlicht und einfach ignoriert, aber erstens kommt es anders und zweitens als man denkt. Die Stilecke des Electro Metal's mit all seinen Ausprägungen zählt nun wirklich nicht gerade zu meinen Faves. Trotzdem gibt es haufenweise erlebte musikalische Berührungspunkte, die bis in die 70er zurückreichen und weitgehend auch heute noch aktuell sind! Wie das? Nun, das ist einfach erklärt, indem ich jetzt mal ein paar Gruppen aufzähle: Kraftwerk, Depeche Mode, OMD, Rockets, Patrick Cowley und ein guter Teil der Italo Disco-Welle! Dazu gehört noch zwingend eine Band, die mir nach dem ersten Durchhören von "The grudge" nicht mehr aus dem Sinn ging: Tangerine Dream! Mortiis (der Bandleader spielte mal unter dem richtigen Namen Haavard Ellefsen bei den Black Metallern Emperor), die aus Norwegen stammen (und jetzt eine vierköpfige Band sind), hören sich wie eine Art Metal-Version von TD an und mit gewissen Abstrichen könnten gar die französischen Space-Rocker Rockets heute vielleicht so oder ähnlich klingen, hätten sie den Sprung in das neue Jahrhundert geschafft. In der jüngeren Vergangenheit kommen neben den mittlerweile vergessenen Dkay.Com (Ex-Krupps) natürlich noch Rammstein dazu, die ich inzwischen megageil finde! Deshalb bin ich überhaupt in der Lage, zu meinem "normalen Repertoire" auch Mortiis einiges (!) abgewinnen zu können. Metal Puristen und gestandene Rocker werden auf "The grudge" allerdings rein gar nichts finden, was ihnen zusagen könnte, aber die Horde der elektronisch infizierten Schwarzwurzeln stürzt sich dazu umgehend in ihre entsprechenden Outfits und lässt die Party inmitten eines gigantischen Strobo-Gewitters ausschweifend steigen. Passend dazu scheint Sänger (und Namensgeber) Mortiis optisch direkt dem Filmset zu "Herr der Ringe" entsprungen zu sein. Im Schlepptau (bloss als Gedanke) Gollum, der seinem "Art-Verwandten" wohl nicht mehr von der Seite weichen würde, echt abgefahren! Auch als Soundtrack zu einem blutrünstigen und/oder mystischen Fantasy-Game würde sich diese Scheibe bestens eignen. Wer also auf Black Ambient Electronic "Metal" und eine Band wie zum Beispiel Skinny Puppy abfährt, kann hier nichts falsch machen, die anderen lassen besser die Finger davon!\nDer Name dieses Musikers, respektive Keyboarders und Pianisten sagt wohl nicht allen etwas. Deshalb für die, die sich keinen Reim darauf machen können: Michael Pinnella steht normalerweise in Diensten von Symphony X, der Progressive Power Metal Combo aus den USA und wagt mit seiner ersten Solo-Scheibe einen echten Alleingang. Auf "Enter by the twelfth gate" ist laut Info nur der Maestro selber zu hören. Ob das auch für das Schlagzeug gilt? Es hört sich nämlich für meine Begriffe eher nicht nach einem Computer an! Insgesamt werden verschiedenste Tasten-Sounds auf total dreizehn Parts verteilt. Zu Beginn geht es auf dem Pianoforte ziemlich klassisch zu und her, vermischt mit Retro-Synthie-Klängen à la ELP (Emerson, Lake & Palmer). Woher das alles kommt, fragt sich geneigte Hörer vielleicht. Nun, die Antwort ist einfach, denn der Knabe hat klassische Musik studiert. Mit elf Jahren fing er mit dem Üben an und brachte es bis zum Hochschulabschluss. Kein Wunder, hat er es technisch faustdick drauf. Nebst dem klassischen Aspekt, der sich unter anderem auch vor den alten Solo-Werken von Jon Lord ("Sarabande" & "Before I forget") verneigt, werden auch progressive Elemente in das Spiel eingebaut. Dies, wie bei "Welcome to my daydream" oder "Live for a day"sorgt für einen gewissen Kontrast, da überwiegend das Klassische dominiert. Gegen Schluss der 45 Minuten schleichen sich zudem noch ein paar jazzige Sprengsel mit hinein, bevor es bei "Cross the bridge" nochmals ziemlich proggig wird. "Enter by the twelfth gate" ist als reines Instrumental-Album sicher nicht jedermanns Sache, zumal hier (gitarrenmässig) überhaupt nichts Metallisches geboten wird. Selbst eingefleischte Fans von Symphony X sollten vorher reinhören, um nicht allenfalls enttäuscht zu werden.\nMein erster Eindruck bezüglich des Covers liess mich fast automatisch an eine typische Ami-Rotz-Rock-Biker-Band denken, was sich aber zur meiner Überraschung (bezüglich der Herkunft) als total falsch herausstellte. Skeletor stammen nämlich aus Deutschland (!), genauer gesagt aus Hamburg und legen nach dem Debüt "Tequila Gods" von 2000 nun eine neue Langrille vor. Der Opener "Rockit!" überrascht dabei als satter Groover im Stile von New American Shame, Circus Of Power, Zodiac Mindwarp (and The Love Reaction), The Almighty oder neuzeitlicher auch Monster Magnet und lässt gar den Spirit der frühen und zügellosen Tage von Guns n' Roses wieder aufleben. Kündigt sich da etwa ein Genre-Meilenstein an? "Losin' my mind", das etwas an das aktuelle Lenny Kravitz Material erinnert, geht auch noch gut in die Knochen. Gleiches gilt für "Trust nobody", aber bereits mit dem fast poppigen "Spader" (hört sich teils gar nach Alan Parsons Project an!!!), scheint das Pulver verschossen worden zu sein, oder doch nicht? Die Rettung naht mit "World in black", das sich tief vor The Almighty verneigt. Was dann aber die Poser-Nummer "To be a star" soll, weiss ich nicht recht. Auch "Gun in your hand", trotz Ohrwurm-Refrain, klingt mehr nach Kiss und Schwanz Rock, als der erwarteten Biker-Attitüde gerecht zu werden. Der Rest der Scheibe kann dann (leider) mit dem geilen Opener ebenso zu keiner Zeit mithalten, obwohl "Rat race" zum Schluss, musikalisch gesehen, auch von Altmeister Ozzy Osbourne gut in Szene hätte gesetzt werden können. Somit ist "HellFireRockMachine", trotz guten Ansätzen, weder Fisch noch Vogel und sollte deshalb angetestet werden.\nSeine Diskographie liest sich mittlerweile wie ein Buch, aber der kleine Mann mit der grossen Stimme ist immer noch aktiv im R'n'R-Business! Während andere in dem Alter bereits die Möbel für das Altersheim aussuchen gehen, steht Ronnie James Dio immer noch auf der Bühne und rockt unentwegt alles in Grund und Boden. Nachdem er Rainbow und Black Sabbath früher zu Höhenflügen verholfen hatte, war er in den 80ern auch Solo sehr erfolgreich. Die 90er ab dem Album "Strange highways" (1994) waren dann insgesamt eher etwas lau und von Trendanbiederung an modernere Sounds gekennzeichnet. Absoluter Tiefpunkt dieser Zeit war das Mitwirken von WW-3 Gitarrero Tracy G., der den klassischen Dio-Stil völlig in den Abgrund ritt. Man höre sich nur mal "Mistreated" auf dem 98er Live-Album an..., brrrr! Überhaupt war die Band von Dio stets ein Hort für verschiedene Gitarristen (Campbell, Goldy, Roberston). 2000 kam Craig Goldy zum guten Album "Magica" wieder zurück, um zwei Jahre später den Posten für Doug Aldritch (Whitesnake, Ex-Lion, Ex-Bad Moon Rising) ein weiteres Mal räumen zu müssen. "Killing the dragon", das Vorgänger- Album zum aktuellen Output "Master of the moon" hatte endlich wieder den Biss, den man schon länger vermisste. Auch die anschliessend absolvierte Tour geriet vor allem wegen Aldritch' brillantem Spiel an der Klampfe zu einem weiteren Triumph-Zug, von dem ich mich zum Glück in Pratteln auch selber überzeugen konnte. Leider, Mr. Coverdale "sei Dank", hielt diese Besetzung nicht lange und so musste sich Ronnie wieder nach einem neuen Saiten-Akrobaten umsehen. Dass die Wahl erneut auf Mr. Goldy fiel, war im Vorfeld eigentlich nicht Besorgnis erregend, das Resultat des neuen Albums hingegen schon! Mein Gott Walter (ähh... Ronnie) ..., wie kann ein Profi wie du sowas Halbgares auf die Menschheit loslassen?! Nach dem guten Opener "One more for the road" kann eigentlich nur noch das AC/DC-lastige "The end of the world" wirklich was reissen, aber der Rest wäre ohne Dio's Stimme kaum brauchbar. Anstatt den Rhythmus laufen zu lassen, löst eine schwerfällige, langweilige Nummer die andere ab, bevor "Living the lie" wenigstens etwas an die jüngere Black Sabbath Vergangenheit zu Tony Martin's Zeiten anknüpfen kann. "Master of the moon" ist kein Totalausfall, aber gegenüber "Killing the dragon" ein schmerzlicher Rückschritt..., leider. Hoffentlich sehen wir nächstes Jahr in Balingen dafür eine geile Live-Show!\n"We're all living in America, America, America!" So ähnlich und weiter singt Till Lindemann mit Unterstützung seiner Rammsteiner-Jungen-Kapelle, und ich bin mir sicher, dass praktisch jeder sich beim Hören dieser Zeilen ein Schmunzeln nicht hat verkneifen können. Wie recht sie doch haben, nicht wahr? Der Einfluss der Amis lässt sich wirklich überall erkennen im Hartwurst-Bereich, vor allem an den Legionen von Metalcore-Bands, die nun auch auf dem europäischen Sektor aus dem Boden spriessen. Und wie überall auf dem Planeten, wird sehrwahrscheinlich auch hier das Original die Kopie überleben. Caliban aus Deutschland zählen zwar scheinbar zu den Dienstälteren in Sachen modernem Metal-Gemixe, scheinen allerdings etwas Mühe mit der Eigendefinition zu haben. Obwohl, oder vielleicht gerade weil sie schon mehrere Male in Amerika unterwegs waren, findet sich auf ihrer neuen Platte massenweise zweitklassige Ware, deren Ablaufdatum schon bei der Geburt überschritten wurde. Ich will Euch nicht erzählen, dass das jetzt wirklich unter aller Sau ist, denn der schmucke Mix von Andy Sneap kann sich durchaus mit anderen Scheibchen vergleichen lassen, und wo Anders Friden (Sänger von In Flames, Passenger) seine Finger im Spiel hat, liegt bestimmt auch die eine oder andere Auszeichnung drin. Aber um mit diesem Sound Welten zu bewegen, sind die fünf Germanen definitiv zu spät aufgestanden. Schicke Doublebass, Hardcore-Gekreische und melodische Refrains, das haben wir alle schon besser gehört. Selbst die Cover-Gestaltung mit einem trendigen Totenschädel und Flügeln im Hintergrund erinnert an die derzeitigen Leader im Metalcore-mit-Melodie-Gefilde. Ich nenn' jetzt hier keinen Namen, denn wenn ihr Euch mit dieser Musik rumschlägt, habt Ihr es eh schon rausgefunden...\nHmm..., beim Cover-Artwork von Mono Inc., die ihr erstes Album unters Volk mischen, habe ich ein ungutes Gefühl. Mit stolzer Brust stehen da vier Jungs, die aus Hamburg kommen und sich verdammt ernst nehmen. O.k. Leute, dann zeigt mal, was ihr drauf habt. Beim ersten Song "Burn me" rieseln mir Schweissperlen von meiner Stirn herunter, weil es sich veflucht nochmal nach Dark Rock anhört. Das heisst harte Beton-Gitarren mit einer markanten Stimme von einem gewissen Kerl, der sich Miky Mono nennt. Sein Nickname ist scheinbar "Die Stimme" laut der Presseinfo. Weil eben alles auf der so genannten Super-Simme basiert. Der Sound von Mono Inc. ist angehnem melodisch, gehört schon fast in den Pop-Bereich, wäre da nicht die harte Strom-Gitarre. Die 48 Minuten von "Head unter water" sind dann auch clubtauglich, man kann also das Becken kreisen lassen. Nach einem kurzen Griff zu Hochprozentigem kann ich dann auch wieder weiterhören. Es klingt einfach alles zu gleich. Keine Überraschungsmomente sind in den insgesamt zwölf Songs zu finden. War ich froh, als der letzte Song "Not like me" fertig war. Ich habe mit Mono Inc. einfach meine liebe Mühe, weil dieser Rotwein-Sound einfach zu kitschig ist oder auch zu kommerziell. Man(n) will den schnellen Erfolg. Doch ob der sich einstellen wird? Da könnt ihr noch lange warten Leute. Fans, die Dark und Gothic mögen, können ja mal ein Ohr voll riskieren.\nPunkte: 6.4 von 10 Hier bestellen für 29.90 SFr.\nEs gibt Bands, die wissen selbst nicht recht, welchen Musikstil sie spielen wollen und in welchem Genre man sie ein zu ordnen hat: Therapy? ist so eine Band. Glänzten sie noch in der letzten Dekade mit massenkompatiblen Alben wie "Infernal love"(1995) oder "High anxiety" (2003), irritierten sie die Fans mit dem abstrusen "Suicide impact - You first" (1999) oder sorgten mit ihrem Debüt "Troublegum" (1994) für Furore. Nun, Anno 2004 hört es sich so an, als wollen sie all dies zusammen auf eine Scheibe packen. Und dies gelingt ihnen..., aber mit einigen, wenigen Abstrichen: So bedienen die Iren mit "Perish the thought", "Long distance" und "Rock you monkeys" die MTV-Fraktion, während mit "Die like a motherfucker" oder "Here be monsters" eher Fans von stahlharten Gitarren auf ihre Kosten kommen. Alle oben genannten Songs sind in gewisser Weise Ohrwürmer und rocken, was die Trommelfelle aushalten, hingegen bewegt sich der Rest des Materials eher im Durchschnitt- bis Durchhänger-Bereich. Das neue Material kann zwar zeitweise noch halbwegs zünden, rauscht jedoch entweder platt oder einfach zu alternativ durch die Gehörgänge. Von wegen 'platt' wäre dann auch der andere, fette Minuspunkt angesprochen, der einen nach einer gewissen Zeit ziemlich auf die Eier geht: Die Produktion! "Never apologise never explain" klingt durchgehend, als wäre es eine Demo-Scheibe und nicht das zehnte Album! Ich meine, es hat ja einen gewissen Reiz, wenn der Sound nicht zu klinisch, zu aufpoliert, ja sogar ein bisschen roh klingt, aber ein bisschen (Nach-) Bearbeiten schon sein dürfen, schliesslich sollten sich Therapy? langsam vom Niveau einer Garagen-Band entfernt haben, und zwar in technischer wie kreativer Hinsicht.\nStahlhammer aus Deutschland haben ein Problem: Wie besteht man in so einer kleinen Ecke wie "die neue deutsche Härte" gegen Szene-Grössen wie Rammstein und Überflieger wie Oomph?! Die Antwort scheint von Anfang an klar zu sein, nämlich durch den Sound, der durch diese Schublade definiert wird, in eine eigene Richtung zu treiben, ihm also einen eigenen Stempel auf zu drücken. Aber wie soll das bei den engen Vorgaben überhaupt möglich sein? Stahlhammer können zwar durchaus einige Details auf ihre Seite bringen (darunter die Effekt- und Sound-Spielereien und das gesampelte Drum), aber den spagatmässigen Sprung zu weiteren Stilrichtungen, der hier definitiv nötig gewesen wäre, haben sie nicht einmal im Ansatz versucht. Zu diesem nicht gerade erfreulichen Punkt kommt noch dazu, dass die oben genannten Klang-Varianten mit der Zeit einfach nervig werden (kaum eine Vocal-Passage ohne Verzerrung, Echo, oder zu viel Hall), und das programmierte Schlagzeug wirkt einfach zu leblos abgemischt. Manche werden nun sagen, dass das so sein muss, "schliesslich sind wir hier ja in der Industrial Ecke, Herr Rezensent!". Aber bei knapp 54 Minuten Computer-Hämmerei muss doch jeder einsehen, dass es irgendwie Abwechslung braucht! Fünfzehn Stücke finden sich auf der Platte, und ich kann beim besten Willen nicht ein Einziges hervorheben. Die Songs wirken in ihren kleinen Dimensionen sowas von überfüllt, von cleverem Songwriting kann hier definitiv nicht gesprochen werden. Darum: Liebe Stahlhämmerer, macht was, aber ganz schnell! Denn ich habe so das Gefühl, dass sich schlecht verkaufende Platten bei Sony nicht so positiv auf die Karriere auswirken könnten.\nDie Rückseite der Promo zeigt nicht weniger als sieben (!) Musiker, die ziemlich jung aussehen. Die Band stammt aus Schweden und wird stilistisch der Ecke Doom Metalcore, Post Hardcore oder auch Noise Rock zugeordnet. Als Vergleich kann man zum Beispiel Neurosis nennen. Der Opener "Echoes" beginnt sehr sanft und erinnert mich im Aufbau etwas an Pink Floyd's Werk "Ummagumma". Das gilt bis zu dem Zeitpunkt, wo Sänger Klas Rydberg anfängt zu schreien. Zusammen mit der brachialen Gitarre wird ein sehr düsteres Klangbild erzeugt, das sich zwischendurch wieder etwas beruhigt und erst nach weit über zwölf Minuten (!) ein erstes Mal zu Ende ist. "Vague illusions" hört sich in der Folge sehr ähnlich an. Irgendwie kommen mir hierzu laufend Coldplay in den Sinn, natürlich mit ganz anderem Gesang. Was sich aber bald einmal abzeichnet, ist meine persönliche Abneigung für diesen apokalyptischen Endzeit-Sound, der mir, trotz den unbestrittenen musikalischen Fähigkeiten der Jungs, vor allem wegen dem oberabnervenden, monotonen Gekrächze mächtig auf den Senkel geht. Hörenswert sind die Songs eigentlich immer dann, wenn sie zu Beginn sehr ruhig und behutsam aufgebaut werden ("Waiting for you"), aber sobald gegen den Schluss hin alle wieder zusammen lärmen (und Rydberg dazu "schreigurgelt"), ist die Freude schlagartig dahin. Für Depressive und praktizierende Schwarzwurzeln ist "Salvation" hingegen bestens geeignet, aber mir mundet das Teil überhaupt nicht. Der Druck auf die Stopp-Taste wirkt mehr als befreiend. Kenner und Fans dieser Stilrichtung sollten zwingend über meine Bewertung hinweg sehen, doch für den rhythmisch veranlagten Rocker oder Metaller gilt diese hingegen schon, also Finger weg!\nJuni 2004 Juli 2004 August 2004 September 2004 November 2004