Poetrydream: novembre 2019\nRiprenderò a tradire il mercato delle ombre,\nle incursioni del sonno liquefatte nel tempo,\ncome quando suggerivi un proscenio stranito,\ndisgregato ai frammenti del nostro invecchiare.\nRibaltavi tramonti nel turchino di parole murate\nper sfumare curve dei giorni nelle rime barocche\nnei gesti delicati delle dita , ancora bianche ed eleganti.\nRicordi le illusioni folgoranti che la bocca,\nlenta e violenta , modellava ogni giorno ?\nNon hai sponde per incidere cristalli,\nle volute rossastre delle labbra\nintacchi virgole e persuasioni,\ncome ai segni di allora\ne le sirene riempiono la mente di strane meraviglie:\neri la fiaba immaginata\nl’inconscia timidezza del prossimo incontro,\nnella malinconia ormai defraudata e distratta.\n"Alessia la felce guarda"\nPoi interanimata a dell’aria\nla freschezza d’azzurro\ndi cielo, Alessia la felce guarda\nprima degli albereti\ndove era già stata in un letto\ndi prato a perfezionare l’amplesso.\nPiacere creato da Dio nel riviverlo\nAlessia ragazza piena di lui.\nPoi rivestitasi ragazza Alessia\nnel jeans attillato\nlo guarda negli occhi\ne attira gli sguardi\nnello scorgere la felce.\n"Alessia e il gemmante verde"\nPosillipo della fine dei dolori\ndal nome (e Napoli ancora esiste)\nper Alessia rosavestita\nnell’interanimarsi con il gemmante\nverde e chiede la parola a Mirta\nche nel sorridere prealbare\ndice amore e la vegetazione\ndi piante senza nome. In auto\nl’incanto del profumo di eucalipto.\nPerché vivo? Si chiede Alessia\nnell’abbeverarsi a un filo di gioia\ndelle linfe presunte.\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 07:26 1 commento:\nSEGNALAZIONE VOLUMI = MIRKO SERVETTI\nMirko Servetti – Canzoni di cortese villania---Puntoacapo Editrice – Pasturana (Al) – 2019 – pag. 119 - €12,30\nMirko Servetti è presente con poesie ed interventi critici su numerose riviste e antologie di letteratura; ha pubblicato diverse raccolte poetiche tra cui L’amore fluido, 1997 e Quotidiane seduzioni, 2004: questi due testi sono particolarmente originali perché in essi il poeta, fatto insolito nel panorama della poesia contemporanea, pratica le forme chiuse del sonetto e della sestina. La raccolta che prendiamo in considerazione in questa sede, raccoglie i libri suddetti, in un unico testo e presenta, come sottotitolo: Amori, concetti Ri(di)scordane. Canzoni di cortese villania è scandito in due sezioni, tra loro eterogenee, perché L’amore fluido e Quotidiane seduzioni, sono tra essi molto diversi, come vedremo in seguito. L’amore fluido, presenta una forte chiarezza e un tono narrativo, ed è caratterizzato da assonanze e rime baciate e non baciate numerosissime, procedimento inconsueto, anche questo, nelle odierne raccolte di poesia. Le poesie di L’amore fluido sono un dialogo, a volte solipsistico con sé stesso, altre volte con un tu, che è la moglie dell’io poetante. C’è una forte dose di fisicità in questi versi e una notevole patina classicheggiante. Quello che caratterizza la poetica di Mirko Servetti è la presenza di una grande densità metaforica e semantica e un denominatore comune del suo poiein è la presenza di una grande ironia e di una forte mordacità: tutto il discorso del poeta è costellato da una notevole compostezza formale e c’è da sottolineare che tutte le poesie sono senza titolo e ciò dà unità e compattezza al libro, che, per questo, presenta una vaga unitarietà poematica. Il libro di Servetti si può, con la dovuta cautela, definire come un poema amoroso, visto che la canzone, in poesia, è di per sé stessa un genere amoroso. Molto spesso le poesie sono descrittive e procedono in lunga ed ininterrotta sequenza, con un fluire barocco, nell’accezione positiva del termine. La punteggiatura è ridotta al minimo e i versi sgorgano compatti e fluidi e con una certa lentezza. La poesia di apertura del volume potrebbe avere un carattere programmatico:- “Potremmo azzardare al buio la notte/ e reputarla risibile sorte/ a fronte di rughe e pelle sguarnito/ ma pure all’ultimo istante al viso/ farsi di te scrigno cara consorte/ e al sonno soave schiuderai le porte/ pensa… noi nella stanza ripulita/ e un sogno dettagliato tra le dita./ Tu Bauci, un tempo la dama stupenda/ io Filemone che proietta i sassi/ che chiameremo figli… idee confuse/ di un vecchio rimbambito… c’è una tenda/ a far da calendario ai nostri passi/ alle nostre notti quasi concluse/”. C’è in questi versi tutto il senso del trascorrere della vita e del le cose che passano, versi nei quali si parla di morte e di rughe sulla pelle come segno del tempo che scorre inesorabilmente anche nel volto dell’uomo, che è esso stesso natura. Il tono è ironico e quasi sapienziale e c’è una musicalità intrinseca nel verso, che si effonde nelle rime baciate e il versificare procede per accumulo. C’è un carattere anche intellettualistico in questa poesia e il tipo di scrittura praticato è del tutto antilirico. La materia di Canzoni di cortese villania è amorosa e sensuale e, tra i temi, è ricorrente quello del sogno. Molto spesso il tema nei versi è il passato. Carattere peculiare di questa poesia è un ritmo cadenzato ed incalzante, che è comune denominatore di tutti i componimenti, per cui si può parlare di valenza poematica vista l’unitarietà della materia trattata. Le frequenti rime baciate non appesantiscono il tessuto linguistico, anzi, a volte, lo illuminano in repentine accensioni. La dizione è sicura e il ritmo è incalzante e ciò contribuisce al rendere il dettato pervaso da quella musicalità alla quale si accennava. C’è un forte erotismo ed è presente una forte sensualità, che non sconfina mai nella volgarità della pornografia, come nella poesia a pag.25 che fa parte della prima sezione:-“ /Profumi invernali e mani attonite/ delizie emanate da calde promesse/ la giovane fica è florida messe/ s’intrecciano baci e parole insolite/ lingue congiunte, danzanti atmosfere/ composte dell’arie più rare e nobili…”/, poesia antilirica, densa di spessore sensuale, in cui una situazione sessuale, viene descritta con garbo e pacata ironia. I componimenti di Quotidiane seduzioni, contrariamente a quelli di L’amore fluido, sono caratterizzati da una certa oscurità, da un versificare più articolato e meno chiaro; qui il virtuosismo dei sonetti e delle sestine costituisce una sorta di anamnesi filogenetica, un ritorno alle forme dismesse e rimosse che ci perturba nella sua apparenza di deja vu. L’escussione del sermo humilis si fa denuncia aperta delle violenze che contraddistinguono la retorica massmediatica dilagante. Ecco un altro elemento di coerenza nel percorso di Servetti, la dimensione politica della sua scrittura, nell’immanenza del’operare testuale. Una sovversione silenziosa che talora sfocia nell’invettiva aperta. Opera originale, quella di Servetti, in cui il poeta dà spazio alle sue canzoni, che sono costellate, e questa è la cifra distintiva del libro, da cortesia e villania insieme, come se i due termini fossero assimilabili, l’uno con l’altro, in una trama che porta, attraverso il contrasto tra i due opposti, ad un raffinato esercizio di conoscenza.\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 00:17 Nessun commento:\nQuando ritroverai quelle moine\nche resero la gioventù un palcoscenico\ndi scintillanti rincorse\ne sciolsero vertigini amorose\ndai colori cangianti ad ogni bacio.\nQuando nella memoria trafugherai le sere\nche accolsero gli incendi delle coltri,\nper segreti rintocchi, o per magie\ndel labbro infocato e impertinente,\ntra il delirio della carne e il sospetto\ndell’infinito mimetizzato agli sguardi.\nQuando strapperai la carne dei tuoi figli\nper ritrovare le notti dell’insonnia\ne delle incertezze.\nRicucendo avventure per straripamenti\ndi un tocco, o involontari strappi\ndelle sciarpe infantili.\nQuando riuscirai a stemperare i rimorsi\nper tutti i fallimenti del passato, timorosamente\nimpegnato nel ricordo delle tue avventure\nche sobbalzano in petto nel ritmo dell’aorta\nQuando riuscirai a sognare ad occhi aperti\nil video abbrunito che distrugge Israele\ne proporrai un fiore ad ogni bambino\nche piange senza più speranza.\nQuando toccherai senza più tremori\nil marmo che nasconde le ossa della tua amata\nil labbro sfigurato , la palpebre consunte,\nallora potrai scrivere l’ultima tua poesia .\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 07:07 Nessun commento:\nMaria Teresa Liuzzo – Miosòtide - (Non ti scordar di me)--A.G.A.R. Editrice – Reggio Calabria - 2019 – pagg. 207 - € 40.00\nLa poesia di Maria Teresa Liuzzo è una poesia neolirica tout-court, nitida e cristallina, nella quale l’io poetante si effonde in figure che si avvicinano spesso a quelle della metamorfosi. "Miosotide" non è scandito è per la sua compattezza espressiva pare avere una valenza poematica. Il lirismo sentito e vissuto della poetessa si fa un’unica cosa con le descrizioni atmosferiche di piante e luoghi idilliaci, che Maria Teresa Liuzzo ci presenta; protagonista del testo pare essere, infatti, la natura in tutte le sue sfaccettature, una natura anche simbolica, che si esprime soprattutto attraverso la descrizione e la rappresentazione di specie vegetali; altro tema è l’amore, cantato in modo sensuale e profondo dalla poeta e alcune composizioni hanno per interlocutore un “tu” al quale Maria Teresa Liuzzo si rivolge, un personaggio che presumibilmente è l’amato, del quale vengono decantate l’unicità e l’insostituibilità; è raro nel panorama della poesia italiana contemporanea trovare una forma di poesia così chiara e così intensa, nello stesso tempo. La natura diviene cornice della vicenda amorosa e l’amore della Liuzzo non è solo per la figura dell’uomo amato, unico e irripetibile nella sua storia privata, ma anche per Dio:-“ Dio eterno e sconosciuto, nel silenzio/ T’ ascolto e un segno Tuo tra le mani/ ricerco, mentre il cuore è giara vuota/ da colmare./ Ineffabile amore a Te mi lega,/ che mi avvince e affonda nella tua luce./ Anche altro amore dà senso alla vita,/ ridesta i sensi, di nuovo vigore,/ fa che non vogliamo, coraggio imprime,/ è fuoco e frescura, estasi e tormento,/ ma vita sempre, luce nelle notti/ più oscure, nostalgia che ci conforta/ se siamo soli, nello scoramento,/ solo uomo che amai, unico uomo,/ hai svelato i misteri del mio sangue./”. C’è qualcosa di classicistico, in questo testo, nella descrizione di un amore che salva con i sensi, in una tensione verso la bellezza l’armonia e l’equilibrio; i versi sono icastici e c’è una certa pesantezza del dettato da interpretarsi nel senso buono. C’è una vena quindi anche filosofica e religiosa, nei versi di questa poetessa che procedono per accumulo, in un fluire scrosciante, di torrente in piena sulla pagina:-“Si versano parole sulle siepi/ e l’anima insegue, distaccandosi/ dal cielo, la sapienza degli uomini,/ ma non siamo che flash di natura/ e di pianto in turbinio di petali/…”; così appare ricchissima di immagini sentite, la poesia di Liuzzo, per cui la poeta sembra affacciarsi su un visore nella sua interiorità, per produrre le stesse immagini, ricchissime di pathos e di eleganza. Poesia dei sentimenti quella dell’autrice che, per questo, si distacca completamente dalle poetiche della poesia contemporanea, poesia originalissima. È tutto un incedere musicale, attraverso scene, che hanno qualcosa di pittorico, la poesia di questa autrice che, per l’avvicendarsi delle situazioni, che scorrono e germinano l’una dall’altra a profusione, ha anche qualcosa di barocco. Il lettore viene catturato in una rete di sensazioni che erompono in modo magico dalla penna della poetessa, per cui sembra di affondare nella pagina. Come leggiamo in una nota al testo, la parola poetica della Liuzzo, oltre all’immediata sincerità, crea fin dai primi versi un’atmosfera magica d’incanto, e al lettore colto e sensibile si apre, tra ritmi di suoni e di luci, uno spettacolo trasfigurante che lo pone in meravigliata contemplazione. Già in apertura, nel primo testo, l’associazione tra la fragranza del “grano” e del “tempo” che avvolge la poetessa in un’accensione di sensi dà subito la misura espressiva di un’assoluta personalizzazione. L’accostamento delle parole e delle figure che rendono uno specifico vigore alla scrittura procede in tutto il testo in una vitale contrapposizione, fino agli ultimi versi tra crepuscoli e albe, tra notti e giorni, tra il cuore che ama e sosta per riaccendersi nei palpiti misteriosi delle stagioni. I mattini ridestano la vita, riportano il vento che fu e il vento riprofuma il corpo, agita i sensi e illumina l’intelletto. L’oscillare della vita non ha soste, mentre le parole vivono in continui intervalli di tempi e di consonanze. Il desiderio si muta in “colore e suono” e l’amore scuote “la tenerezza dei gerani” mentre il sangue (sostanza che anima queste pagine in accesa vitalità) si accende e pone a nudo l’Essere che si innalza fino a sfiorare il Creatore con l’intensità dell’amore che a lui lo lega. È per altri versi una tensione, quella che caratterizza questo testo, ad una piena fusione con la natura. Qui comincia a precisare le valenze delle passioni terrene che con il procedere delle pagine cresceranno di vigore. Ma l’amore è anche dolore che si alterna al piacere e trasforma l’essere umano nelle bellezze e fioriture della natura. Bisogna aggiungere che nel vasto e vario mondo poetico della Liuzzo non avevamo mai incontrato composizioni così esplicite dedicate all’amore, ossia all’eros: l’amore delle precedenti pubblicazioni abbracciava il tutto, era esplicitamente universale. Dobbiamo tuttavia precisare che in questi testi l’eros nasce, si sviluppa, si conclude nelle vaghezze platoniche, spesso nel mondo del sogno e della fantasia.\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 06:40 Nessun commento:\nSEGNALAZIONE VOLUMI = GIANNI PIZZOLARI\nGianni Pizzolari – La montagna nel mare-- puntoacapo Editrice – Pasturana (Al) – 2019 – pagg. 111 - € 12,00\nGianni Pizzolari, l’autore del libro che prendiamo in considerazione in questa sede, è nato a Milano dove risiede; ha pubblicato una plaquette con disegni di Nunzio Pino negli anni Ottanta. Suoi testi sono apparsi su varie riviste e pubblicazioni; nel 2006 ha pubblicato il poemetto La neve non è bianca. La montagna nel mare è un testo composito, architettonicamente, strutturato nelle seguenti scansioni: Andirivieni, sassi e mare, L’impeto dei giorni scossi, Oltre le valli cespugli, La via che porta altrove, Il pesce a forma di cuore, Gli sguardi di Maria. In La neve non è bianca quasi tutti i componimenti sono caratterizzati da una forte verticalità e sono molto concentrati; tutte le poesie sono senza titolo e ciò crea un’aurea di mistero; si tratta di testi che possono considerarsi lirici; è presente nella raccolta una forte sospensione unita ad un certo mistero, insieme ad una forte venatura neo orfica. La natura pare essere una delle tematiche centrali; nel tessuto linguistico, dal quale emerge una forte dose di magia; la sezione iniziale può essere letta come un poemetto, paragonabile ad un mosaico, del quale ognuno dei brevi componimenti è una tessera; si tratta di poesie descrittive e i versi sono veloci e scattanti e il ritmo è caratterizzato da una suadente musicalità; in Andirivieni, sassi e mare il protagonista è il mare stesso. Leggendo le poesie, si può individuare un virtuale filo roso che le lega, che pare essere il tema di una navigazione, un tragitto che rimane nel vago e nell’indistinto. La montagna del mare, libro nel quale emerge un forte carattere di originalità, è costituito tutto da segmenti staccati. Incontriamo, in quelli che potremmo definire frammenti e che sono le parti che costituiscono il testo, una forte oscurità anche se, a volte, si riscontrano delle accensioni, che danno luce alle parole. Un senso criptico pervade le poesie e uno dei temi pare essere quello della liquidità: infatti vengono detti non solo il mare, ma anche la pioggia e il fiume. È presente il senso materico di una natura che viene interiorizzata, attraverso i sensi e si fa parola. Riscontriamo, nei testi, una certa precisione e una indiscutibile icasticità; molto spesso le composizioni si risolvono in un unico respiro ed è presente una sinuosa leggerezza, insieme ad una dolce grazia nel susseguirsi dei versi. Si potrebbe riconoscere, nella prima scansione, una vera poetica dell’acqua, vista come elemento di rigenerazione e di vita: quanto detto vale a partire dal titolo della raccolta, La montagna nel mare, quasi che il mare possa inglobare o contenere una montagna. Il mare potrebbe anche simboleggiare l’inconscio, dal quale scaturisce la forza plastica di questi versi. In Andirivieni, sassi, mare, è riscontrabile una compattezza espressiva notevole; la mancanza di titolo delle composizioni, ne accentua il senso del mistero, mistero che, a volte, viene detto, come nella composizione a pag.11:-“Mistero dei sapienti/ tre o più in dune o mosse/ in danze in notte già agitata/ stretti nella marcia scivolosa/ fredda fatica a volontà/ nell’accantonare/ sapienti e leggi racchiusi/ nella stella marina mobile/ alta solida nei secoli bassi/”; c’è qui una vaga bellezza, che si coniuga ad una notevole eleganza formale.; i sintagmi sembrano fluire come in un flusso magmatico..C’è anche dolcezza in questi versi precisi e caratterizzati da un grande nitore. Il libro è articolato e composito e, nella totalità delle sue sezioni, ben coese tra loro, può considerarsi un poemetto. È presente anche il tema del misticismo e la religiosità di Pizzolari può essere vista come un’aurea di senso oltre il quotidiano. Come scrive Mauro Ferrari nell’acuta postfazione, si può anche parlare di valenza morale di questa poesia, e di un pensiero che mira alla serenità della saggezza più che al dogma religioso. Per Ferrari la poesia di Gianni Pizzolari, da sempre caratterizzata da una profonda vena riflessiva di tono lirico- elegiaco, si apre, in questa raccolta, ad importanti novità tematiche e stilistiche, nel segno di un lavoro di scavo e persino di ridefinizione della sua poetica. Si potrebbe in effetti definire questa poesia “religiosa”: esiste infatti un ben preciso filo logico, evidenziato dalle puntuali citazioni del Vangelo, che tracciano per punti la parabola terrena di Cristo cui assiste un testimone a cui è concessa la parola ma non la salda corporeità di una persona narrante. Il testimone è sempre più coinvolto in una dimensione spirituale per lui inusitata e, sebbene non ci sembri giungere ad una vera e propria conversione, acquisisce man mano una più piena consapevolezza del proprio ruolo nel mondo, che funge da momento chiarificatore della propria vita disordinata e di comprensione del male che nel mondo agisce e corrompe. Una poesia di grande fascino, quella di Pizzolari, metaforica ed ellittica, chiazzata in più punti da opacità e slittamenti, sempre sul filo del ripiegamento, eppure aperta al mondo, slanciata in un afflato ideale, una poesia che sa far dialogare l’hic et nunc con la più alta dimensione spirituale e religiosa, con modalità assolutamente personali e modernissime. Un esercizio di conoscenza.\nRaffaele Piazza – Alessia e Mirta---Ibiskos - 2019 -\nCome emerge evidentemente già dal titolo, a essere centrale in questa raccolta poetica di Raffaele Piazza è la figura femminile, che viene rappresentata con evidenza attraverso le due protagoniste, fulcro dell’azione poetica, Alessia e Mirta. La prima, Alessia, anche se concretamente descritta nelle sue vicende di vita, spesso quotidiane e ordinarie, è una figura di donna fortemente idealizzata, una sorta di apparizione salvifica (a lei si associano frequenti attributi come “luna”, “azzurro”, “cielo”, termini classici del linguaggio lirico desunto dalla tradizione) la quale con la sua gioia di vivere si impone per l’immediatezza, l’ingenuità verrebbe da dire, della sua persona, tutta centrata nella ricerca di un completamento nell’altro per il tramite dell’esperienza amorosa, per lei centrale come chiede una donna che cerca ardentemente la vita per attraversarla in tutta la sua concretezza, la sua carnalità. La seconda, Mirta, è invece una donna “bambina di 44 anni”, tutta pervasa dalla fragilità del suo essere “donna dei boschi e prigioniera / del [suo] film”, la cui storia si incrocia con quella dell’autore, lei “amica” la cui vita si è interrotta con il gesto tragico del suicidio, e si interseca, senza che venga però precisamente circostanziata, con quella di Alessia per il tramite di Giovanni a cui appare come “cenere”, materia depositata dal ricordo, lei che appare a Alessia “nel fondale di una via / deserta pari a una dea / terrena”, in una sorta di nostos da un suo “oltrecielo”. Storie entrambe raccontate a metà, sospese, all’insegna del dubbio; compito del lettore, se crederà, interpolarle, ovvero lasciarle in quello spazio imprecisato che è appannaggio della poesia.\nEntrambe le figure femminili si colorano di una forte valenza simbolica, pur mantenendo una certa concretezza per la puntualità circostanziata dei fatti che accadono; a prevalere è questa idea della figura femminile come presenza numinosa (simile a quella di molta poesia di Barberi Squarotti), “stupore di fronte alla verità / dell’arte che è vita e battesimo / perenne”, apparizione che occupa integralmente il campo, permeando di sé le vite, lasciandovi una traccia indelebile. Il nesso esplicito che accomuna le due figure non è mai definito con esattezza, si lascia all’intuito del lettore creare un nesso possibile, per identificare e porre in atto “redenzioni ad ogni / sillaba detta o non detta” in modo che queste possano “farsi parola”; è al lettore che spetta una decifrazione possibile di questa poesia apparentemente denotativa, quasi ingenua. Ne deriva un’idea della poesia come immediatezza, urgenza del dire, perché si è in fondo mossi “dall’attesa che accada la vita”, che questa da possibilità in potenza possa divenire atto che si compie, svolta possibile.\nAll’autore spetta trascrivere diligentemente (ecco il perché anche di un andamento spesso narrativo, quasi diaristico nell’insistenza con cui si seguono i tragitti, le azioni minime compiute da Alessia in particolare), a lui spetta riportare i frammenti della vita anche nella loro evidenza prosaica se serve, perché ogni accadimento è dono: “Grazie per avermi dettato / questa poesia”, dice l’autore riferendosi a Mirta. E la poesia si dà in questo suo sapersi porgere al lettore, che la deve potere e sapere accogliere, nella semplicità del suo esprimersi, come si “cullano le attese pari a / battelli all’ancora”.\nDal punto di vista stilistico il linguaggio usato dall’autore è saldamente innervato nella nostra tradizione lirica, a tratti anche arcaico nello sfoggio di termini desueti, ardito nella costruzione sintattica con frequenti inversioni latineggianti, iperbati spregiudicati, qua e là impreziosito da termini composti e/o insoliti (o neologismi?) come quel “fiorevole” che è frequente attributo di Alessia (o forse è un’autodichiarazione relativa al linguaggio “fiorito” che l’autore intende adottare?). Il lettore è trascinato in un movimento ritmico-prosodico molto personale che lo guida nel viaggio di scoperta, nel percorso iniziatico per sintonizzarsi con queste apparizioni, sempre al limite fra reale e possibile.\nPiazza si schiera al di fuori di qualunque ordine stilistico e contenutistico precostituito, la sua è una poesia quasi anti-storica e anti-contemporanea per temi e scelte. Si potrebbe essere tentati di ritenere che voglia essere coscientemente “inattuale” con questa sua scelta “deviante” di poesia, perché forse è proprio questa per lui la strada perché si possa (anzi si debba: “il faut”), dicendola con Rimbaud, “être absolument moderne”. Aldilà quindi di qualunque giudizio estetico, che spetta al singolo lettore esprimere e alla critica accreditata verificare, credo che, da soli, questi elementi contribuiscano a poter affermare l’indiscutibile cifra stilistica dell’autore, quella che è fondamentale per suscitare la curiosità del lettore.\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 00:34 Nessun commento:\nSEGNALAZIONE VOLUMI = EMIDIO MONTINI\nEmidio Montini – Da una quiete immota--FORMAT puntoacapo – Pasturana (AL) – 2019 – pag. 55- € 8,50\nEmidio Montini nasce nel 1954 in una valle del Bresciano fra le più laboriose e chiuse a tutto ciò che non ricada sotto la voce “tempi e metodi”. Forse, a ricondurlo ignaro verso quella vanità chiamata poesia, solo può essere stato quell’elemento – primitivo e sacrale – ereditato da parte materna. Il testo di Montini, che prendiamo in considerazione in questa sede, si articola in quattro sezioni ed è composito e compiuto, nel suo alternare brani di prosa poetica e poesie. Da una quiete immota è scandito nelle seguenti sezioni: Viaggio in Grecia, Il cuore e il labirinto, Frammenti d’Orfeo e Algarive, lettera un amico.\nÈ interessante notare che Viaggio in Grecia si apra con una citazione tratta dall’Edipo a Colono di Sofocle, citazione che pare opportuno riportare: - “…Ti prego, creatura di Terra e d’Inferno, fa’ che non inciampi il viaggiatore che cammina nella spettrale valle. Te ne scongiuro: te, dalla quiete immota! -”. Tutta questa parte iniziale del libro è costituita da frammenti brevi in prosa poetica, per l’esattezza quindici, legati da un filo rosso interno, che l’autore articola con rara e originale maestria Questo l’incipit di Da una quiete immota, in cui viene espresso chiaramente lo stile classicheggiante dell’autore che caratterizza tutta la sua opera, a partire dalle raccolte precedenti, come, ad esempio, Cassandra la Bella e altre cose, edita nel 1992; così leggiamo all’inizio della sezione viaggio in Grecia nel frammento numero 1:-“Venezia la pigra è immersa nella nebbia. Campanili sfilano mentre la “Sophocles” lascia il molo. Le stanno lontano gli altri scafi, così minuscoli se visti da quassù. Miro San Marco faccia a faccia. Il canale si fa ampio, la scia più decisa, mentre imbocca il mare aperto. Si rabbuia l’acqua, si pulisce, mano a mano che la costa scorre, che scompare. La Grecia è laggiù, un frammento di cartina. Sul ponte bivacchi e birre. Alle pareti stampe d’eroi antichi. Arpe e riccioli, i modellati corpi, le tuniche e le fasce. Episodi d’intraprese guerre. Il tempo è quello del mito. Della giovinezza. Il mare è piatto. Il camino un’annerita torre, incapsulato un organo che sbuffa. Un sole latitante intiepidisce a tratti e poi svanisce. Le nuvole un prato brucato. Le zolle che ne affiorano lembi di azzurro.” Qui il poeta rivive e riprende il tema del viaggio in Grecia e della solarità con una descrizione molto minuziosa nei particolari. Si parte da Venezia, Repubblica Marinara, ed è molto suggestiva la descrizione che l’autore fa della partenza. Molto bello il passaggio: La Grecia è laggiù, un frammento di cartina, in cui viene espresso poeticamente tutto il senso della navigazione. Attraverso una forma densa metaforicamente l’autore descrive la partenza e la navigazione con uno stile neoclassicheggiante preciso e composito. C’è una velata sospensione in tutto il discorso; da notare, fatto saliente, che tutta la narrazione si svolga al presente e ciò dà sicuramente un tono ancora più alto e magico alla felice prosa di Montini.\nCompletamente diverso è il tono e il contenuto della seconda scansione in cui si articola il testo di Da una quiete immota, intitolata Il cuore e il labirinto: qui si può aprire una breve parentesi sul senso e sul significato del titolo della raccolta di\nMontini: si può dire che tutto l’ordine del discorso dell’autore nasca appunto dalla quiete e qui, a livello estetico si può dire che ogni forma di espressione artistica, non solo in un’estetica zen, nasca dalla quiete (e il caso più macroscopico è quello della musica). L’autore è consapevolmente convinto, e questo è un merito della sua coscienza letteraria, che anche un tipo di poetica come quello da lui elaborata nasca dal silenzio inteso come genesi o come principio primo di tutto un discorso, inteso come fondamento. Il cuore e il labirinto è un insieme di poesie di eterogenea estensione e di molteplici contenuti, che proseguono, in modo articolato, il discorso dell’autore. Ancora una volta s’incontra il tema della purezza e della compostezza di una grecità mai abbandonata e, anzi, riscoperta e fatta rivivere con amore e con acribia filologica; - “/M’ha sopraffatto il Tuo silenzio. / (Cruda sagoma, invocato limbo). / In esso, stavo come un bimbo. / Sedotto poi a vedovanza lieve/”; poesia di quattro versi forti e icastici, quella qui citata, in cui c’è un tu che resta indefinito. Tutto in questa composizione sembra rimandare a qualcosa che resta non detta, non definita: è una poesia fortemente epigrammatica, che, quasi, sembra essere incisa su una tavoletta con un punteruolo, invece di essere stampata su una pagina, A volte, nelle sue poesie, il poeta privilegia descrizioni naturalistiche come in quest’altra poesia, tra l’altro, come tutte, senza titolo: - “/Ecco che in giovinezza di fiducia scovavo un sole/ che abortire potesse io non credevo. Che mute stelle/ che in luogo d’amore porgermi potessi non temevo. // Per questo assetato bevvi, mi cibai se affamato, / né più oltre a colmare dispense il mio giorno spesi/ Dunque non ero un giglio. Passero non ero dunque, cui per suo canto minimo grano destinato fosse//- “. Lo stile del poeta è alto e c’è solo un minimo sforzo nel ricreare atmosfere classiche: tutto sgorga sulla pagina con grande naturalezza e diviene un eccellente esercizio di conoscenza. Quasi ogni riferimento viene taciuto e tutto viene giocato su un piano quasi del tutto ontologico.\nLa sezione suddetta è l’unica in poesia dell’intero libro dell’autore: la terza Frammento d’Orfeo è brevissima, un frammento di una pagina e mezza, e particolarmente bella è l’ultima sezione Algarive, lettera ad un amico, in cui si effonde magistralmente nella pagina il pathos già incontrato nelle altre parti del libro, quando entra in scena la presenza di un tu al quale il poeta si rivolge.\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 07:12 1 commento:\nGabriella Cinti, Euridice è Orfeo, Achille e la Tartaruga, Torino, Prefazione di Giovanni Schiavo Campo\nGià in altra occasione lo affermammo, con gioia nascosta e affettuosa complicità, che i versi di questo libro poetico, "Euridice è Orfeo", di Gabriella Cinti può per economia estetica generale a buon diritto collocarsi nel grande alveo del "metodo mitico". Quel metodo, che ha fatto grande certa parte della Letteratura mondiale, magistralmente praticato dal Joyce di Ulisse, dal T. S. Eliot de La terra desolata, da Derek Walcott di Omeros, con una poetica incentrata sulla indicibilità di un mondo nel quale "i segni dello sfacelo sono il sigillo dell'arte moderna" (T. W. Adorno).\nUn mondo tanto sciatto, decadente, chiassoso da indurre i poeti a rivolgersi al mito quale unica via per aggirarne la volgarità. Esemplarmente a hoc sento questi versi sui quali giova meditare:\n" […] Possa il fruscio delle vesti mai avute,\ndell'abito d'ombra che Moira mi ha tessuto,\ne tornare agli dei per la strada dell'Uomo."\nVersi nei quali dottrina e inclinazione alla pienezza di canto segnalano una voce poetica, quella di Gabriella Cinti, capace di un totale distacco da tanto pseudolirismo novecentesco nel quale un "Io" poetante narcisistico, piccolo-borghese, accartocciato senza scampo sulle psicopatologie d'una vita quotidiana senz'attese, è stato il nucleo piangente e non di rado narcisisticamente autoreferenziale.\nAnche la Cinti usa l'Io, ma questo “IO” cintiano è relegato ai margini dei versi e ridotto a un rumore minimo di fondo, visto che quest'Io tende leopardianamente a universalizzarsi, aggregandosi intorno alle verità del mondo e delle cose nel tentativo e nella aspirazione d’un innalzamento estetico e morale per «tornare agli dei per la strada dell’Uomo».\nSotto tale aspetto, il lettore diciamo "sprovveduto" potrebbe essere indotto a considerare l'esperienza poetica di Gabriella Cinti come "esperienza lirica". Nulla di più errato perché il poeta lirico da sempre fra sé stesso e la verità delle cose sceglie sempre sé stesso; mentre la Cinti affida al suo “Io” poetante lo sguardo severo e luminoso che mai si spicca dalla verità del mondo, né dalle atrocità e dagli oltraggi del tempo e della Storia. E poi la Cinti di questa esperienza poetica quasi rifonda i miti e li rivisita dal versante della donna in poesia, estraendo dalla mitologia classica le sensibilità e le nuances delle figure mitologiche femminili tra nitidezza espressiva e icasticità del dettato poetico in cui senso e suono si fondono, si incastrano a favore del lettore.\nSe la Divina Commedia dantesca è il poema delle stelle, questo lavoro poetico della Cinti è esperienza di poesia intrisa di luce, impastata di luce, già dai suoi primi versi che annunciano una "poesia pensante" (Dante, Leopardi, Montale) sostenuta da folgoranti immagini metaforiche della migliore poesia scandinava (Espmark, Trantrömer, Gustfsson) del Novecento e post-Novecento poetico europeo, in una vitalità linguistica nella quale non di rado ci disponiamo a scorgere e ad accogliere vive tensioni verso una “ Nuova Ontologia Estetica “ che, com’è ormai noto, ha bisogno del linguaglossiano “Spazio Espressivo Integrale” per toccare l’acme del dispiegamento delle forze interne a ciascun verso, del tempo interno a ogni parola. Gabriella Cinti possiede armi e cultura per mettere il vento nelle sue vele e spingersi nella sua ricerca poetica verso questi nuovi, modernissimi approdi, sulla rotta tutta da esplorare verso una sua patria linguistica.\nCon Euridice, che incarnando «amore nudo e potente» fino al sacrificio estremo e che pronta ad azzerarsi reca in dono a Orfeo un «canto vero, di carne», Gabriella Cinti ci lascia un messaggio in bottiglia di utilità dell’ars poetica, un sempre possibile «regalo di luce».\nRosa Salvia – Dolore dei Sassi-- puntoacapo Editrice – Pasturana (AL) – 2019 – pag. 93 - € 16,00\nSi tratta di un testo composito e bene articolato architettonicamente nelle sue scansioni.\nIl comune denominatore, il filo rosso che lega i componimenti, pare essere quello del dolore connesso al tema del male che serpeggia anche se in qualche caso ci sono aperture alla luce e alla speranza.\nIl libro presenta una postfazione di Manuel Cohen esauriente e ricca di una notevole acribia.\nNel poemetto eponimo incontriamo una vaghezza magica e tragica, affabulante e nello stesso tempo surreale.\nBrevi strofe scandiscono la sequenza detta in terza persona anche se sono inclusi i dialoghi tra i due amanti protagonisti.\nNodale è il punto in cui lui chiede a lei in una struggente intimità se avrebbe abortito se lui stesso non l’avrebbe fermata e lei risponde di sì.\nLe figure sonno immerse in una natura numinosa e misteriosa con chiaroscuri morali e di luce.\nPrevale un senso di morte perché la figlia dei due, la bambina appena nata si ammala, perde i capelli e muore.\nE’ presente un forte pathos nella descrizione della gravidanza in versi armonici che sono veramente alti: Se la notte è assenza di luce/ se la notte è davvero qualcosa/ allora essa è lo scalciare che hai dentro.\nLe atmosfere sono connotate da un forte onirismo purgatoriale e il lettore affondando nelle pagine prova forti emozioni pervaso da una luce a volte d’alba e in altri casa lunare.\nLa sequenza numerata Il dolore dei Sassi potrebbe assomigliare vagamente ad una sceneggiatura e tutto è pervaso da un alone di mistero tra luci e ombre kafkiane che si avvicendano.\nC’è il tema della famiglia nucleare con padre madre e figlia e nei versi si respira una linearità dell’incanto, una stupita meraviglia intrisa di creaturalità.\nLa natura ha un ruolo importante nell’ordine del discorso e fa da sfondo interattivo per i personaggi.\nUn tono assertivo a volte domina nei componimenti che spesso hanno tematiche tristi come l’anoressia e il fiore falciato.\nNeo - lirica la poetica di Rosa Salvia e nei tessuti linguistici si avvicendano accensioni e spegnimenti.\nUna ricognizione del dolore che sottende un riscatto e la poeta non si geme mai addosso nel trovare consapevolmente la catarsi nei versi.\nAlta la composizione L’amore molesto che vede il rivolgersi dell’io – poetante ad un tu parlando di sentimenti.\nUna forte introspezione connota il poiein di una raccolta che non passa inosservata che ha per tema la vita vissuta e che diviene nella materia magmatica un esercizio di conoscenza.\nPOESIA CONTEMPORANEA = COMMENTI DI GINO RAGO\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 01:06 1 commento:\nRAFFAELE PIAZZA: "ALESSIA E MIRTA"- eD. Ibiskos Ulivieri 2019\nRaffaele Piazza in questa sua silloge poetica che reca nel titolo due nomi femminili annota, con delicatezza e passione insieme, momenti di vita, ricordi e nostalgie attraverso narrazioni in versi, come si fa in un diario o in un quaderno di appunti, al fine di dare permanenza nel tempo ai momenti di un presente altrimenti effimero. Il tempo quotidiano qui si dilata e si fa memorabile nella poesia, dando vita a una serie di ritratti che fissano istantanee di vita e le dipingono. Come in Alessia sfoglia la magherita rosa, dove i dettagli della sera trascorsa nella casa delle vacanze si colorano di sogni e speranze, rappresentati dai dispari petali di una margherita da sfogliare. Le donne del titolo sono ispiratrici delle poesie, ma anche oggetto della narrazione, sempre concreta e ancorata al reale, che le riguarda. E se Alessia ci presenta il mistero dell'amore, vagheggiato, raggiunto, eternato nel gesto quotidiano, Mirta ci accompagna oltre la sua tragedia, nel permanere eterno della poesia: ''Anima di luna, tu Mirta/ nelle cose aurorali ancora / mi parli e mi dici di non / avere paura. [...] Sei volata via dal terzo/ piano della Reggia e hai / aperto in me la ferita. /Ora passano i giorni / senza te e non si ricompone /l’affresco del tempo [...]''\nIl tempo, quello reale, quello percepito e quello avvolto nel mistero dei ricordi o degli amori è co-protagonista in questo libro, che vive di atmosfere e ritratti, tra passato e presente, tra inizio e fine, tra giubilo e dolori. Come nella verità di ogni esistenza sulla terra.\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 09:05 Nessun commento:\n"Linea di poesia delle tue fragole"\nPREMIO = NOVELLA TORREGIANI\nRichiedere il bando completo premionovellatorregiani@gmail.com\nScadenza 31 dicembre 2019.\n"La mancanza di richiesta di poesia"\nE: «è passato il tuo tempo di poeta…»\ncome una ferita che si riapre e da la morte!»\nPoeta per vocazione, per scelta, per sorte, per disgrazia, per necessità, il timore della perdita della poesia in Pasolini coincide con la paura della perdita della grazia. Ma sebbene già insoddisfatto del linguaggio e della forma-poesia del suo tempo (su cui non è il caso di dilungarsi, dopo l’eccellente saggio di Franco Di Carlo su Trasumanar e organizzar) Pasolini immette negli ultimi versi di questa poesia una novità formale ed estetica: il parlato in forma di dialogo.\nCome fu agli inizi del ‘900 nella poetica degli acmeisti a cominciare da Mandels’tam, un espediente per invitare il lettore a entrare nei versi della poesia, sentendosene parte attiva e integrante. E benché i tempi non fossero ancora favorevoli per certe imprese, Pasolini già avvertiva in sé l’aspirazione di far muovere i suoi versi in un’area espressiva più vasta di quella fino ad allora esplorata e attraversata, un’area espressiva che fosse in grado di accogliere le nuove istanze in fermento in una società in movimento, in tumultuosa trasformazione, una società sottoposta a ciò che l’antropologia, la letteratura, la sociologia hanno analizzato come “Mutazione antropologica“ e “Omologazione” anche linguistica. Da qui la necessità pasoliniana di una nuova «forma priva di forma».\nIl timore di perdere anche il diritto al sogno ovvero la possibilità stessa di fare poesia non è stata mai estranea a Pasolini che qui recepisce il mondo della civiltà moderna come «macchina livellatrice» in grado di creare schiavi malati.\nPer il poeta la città notturna, sentita come un labirinto di sottopassaggi e strade, di suoni ridotti a sciacquii, è un incubo. La bestia affannata e affamata del poeta P A T I S C E l’incrinarsi del suo mondo di sogni ed è doloroso il dileguarsi, con i sogni, di tutto ciò che fu vita… E se nessuno ti chiede più poesia, che metamorfosi può subire quell’essere, quell’anima fatta per ideali voli e improvvise Navigazioni?\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 00:27 2 commenti:\nWanda Marasco – La fatica dello stormo--La Vita Felice – Milano – 2019 – pagg. 91 - € 13,00\nWanda Marasco è nata a Napoli. Ha pubblicato numerose raccolte di poesia e un romanzo; suoi testi sono stati tradotti in inglese, spagnolo, tedesco e greco; tra i riconoscimenti più importanti il Premio Montale e il Premio Bagutta “Opera prima”.\n"La fatica dello stormo" è un testo non scandito e presenta tutti i suoi componimenti senza titolo: anche per questo elemento, oltre che per la sua organicità intrinseca, può essere considerato e letto come un poemetto.\nLa poetica espressa dalla poeta in questa raccolta può essere considerata neolirica ed è connotata da un tono molto alto.\nColpiscono la leggerezza e l’icasticità del dettato e il nitore e la velocità dello stile.\nSono caratteristiche evidenti della raccolta una forte densità metaforica e sinestesia e un notevole equilibrio formale; il tono è colloquiale e caratterizzato da chiarezza nella sua pur incontrovertibile complessità; il tessuto linguistico è articolato.\nL’io poetante, a volte, si rivolge a se stesso in modo solipsistico; nella maggior parte dei casi si rivolge ad un tu al quale vengono dedicati quasi tutti i componimenti.\nIl tu, presumibilmente la figura maschile di un passato amore, viene riattualizzato nella memoria con uno scatto e scarto memoriale e pare emergere da un’arcana provenienza.\nNel versificare dell’autrice si avvertono una certa dolcezza e un senso di felicità nel dolore.\nOltre la tematica amorosa, che è centrale, è presente il tema del volo, sia dello stormo, come dal titolo, sia della colomba tunisina.\nFattore essenziale, caratterizzante tutta la raccolta, è quello di una quotidianità, che pur essendo detta con urgenza, è priva di riferimenti concreti, basandosi l’ordine del discorso su parole di sentimento.\nLa cifra dominante che trapela dalle pagine è quella di un acuminato senso del dolore che appare controllatissimo e sublimato, per usare un termine psicoanalitico, tramite il medium di una poesia, che tende all’estasi e alla vertigine, nonché alla redenzione.\nTuttavia, anche se raramente, si constatano accensioni di gioia come nell’incipit di un componimento, uno dei primi della raccolta:-“Alleluia in una camera d’albergo/…-”.\nL’armonia e la musicalità dei versi è raggiunta attraverso il ritmo armonico e sincopato.\nNei versi rarefatti è presente un forte senso della corporeità come quando l’autrice scrive che riavrà quella presenza nelle sue vene dove per vivere verrà appunto quella presenza misteriosa, in un’immagine veramente alta.\nNel suo intervento critico ricco di acribia Milo De Angelis scrive che la poeta in questo libro prosegue il suo colloquio con le ombre; prosegue il suo dialogo con le “chiare o cupe cicatrici di chi è passato”. E qui il passato non è solo il tempo perduto, ma è un tempo di perdita, in continua e incessante perdita; si intreccia al presente, e lo fa più vivo, e tragico, lo abbraccia in una stretta amorosa.\nUna raccolta che scava fino in fondo nelle regioni catartiche e salvifiche della parola poetica stessa.\n“proposizione” con cui il poeta contemporaneo deve fare i conti se vuole sottrarsi al ruolo epigonico, di basso tono del “seguace”, del continuatore giacente supino nella stagnazione.\nStagnazione non soltanto etico-morale ma estetica dove le parole rischiano di cadere nel Grande Gelo linguistico per farsi «parole disabitate». Il poeta dei nostri giorni deve al contrario essere abitatore non soltanto di spazi, di paesaggi, di geografie ma abitatore di parole in una sua ben precisa «patria linguistica», com’è nel caso esemplare di Antonio Spagnuolo in “Movenze” in cui il medico-poeta di Napoli appare sincero «abitatore-delle-sue-parole», delle parole estratte dal magma linguistico e con le quali Spagnuolo allestisce il tessuto della sua poesia, che sento assai affine a quella reboriana.\nPOESIA CONTEMPORANEA = GINO RAGO PER LUIGINA BIGON E RENATO MINORE\nCIGNO IN CONTROLUCE\nScortica l'addio a precipizio rocce a specchio\nvolo di corvi crinale che scotta\nLUIGINA BIGON Nei versi di “Cigno in controluce” si propone ai lettori come poeta-fotografo, riconduce la fotografia al suo etimo originario di «scrittura con la luce». Allestendo un insieme di scatti scrive il suo poema con le due materie prime più semplici: il tempo e la luce, fissando immagini che da sole (rocce, corvi, luna, cigno, sole) riescono a dirci più di tante parole.\nOgni immagine sembra cristallizzare l'attimo, un frammento di una situazione ormai appartenente già al passato ma che diviene anche un appello rivolto intensamente all’osservatore-lettore affinché con il suo sguardo inneschi a sua volta racconti, immaginazioni, storie, suggestioni proprio a partire da questi “attimi”. Luigina Bigon senza dichiararlo chiede agli osservatori-lettori un gesto, quello di una «entrata» nelle intime vibrazioni delle sue parole-immagini, un gesto di entrata fatto di reminiscenze, sensazioni, percezioni, odori del mondo della Bigon fino ad un momento prima silenzioso, benché carico di voci e rumori.\n"Scrivere per sé stessi pensando agli altri" transita da Gertrude Stein a Luigina Bigon e il lettore così non è meno creativo dello stesso poeta. Immettendo nel mondo il ritmo delle cose reali, Luigina Bigon in questi versi ci accosta all’idea dei photo-books in cui parola e immagine si richiamano, si intrecciano, si completano.\nE la componente autoriflessiva suggellata in quel «noi» finale si svela nel desiderio della con-divisione con i lettori d’ogni fotogramma, di ogni verso-scatto, in quella che appare come poetica dell’istante, dell’infinito istante.\nHo parlato di fotografo-poeta e non di artista, o di pittore-poeta, perché il pittore "traduce" mentre il fotografo "cita."\n“[…]Diventa triste un pesce solo\nper farlo contento”.\n(da Renato Minore , O caro pensiero, nino aragno editore, Torino, 2019, pp.100)\nRENATO MINORE con un serio lavoro sul Logos (lessico, metrica, tono) ha condotto questa recente poesia a misurarsi con quel senso di “vuotezza” (camera da tè e tantissima architettura del Sol Levante), come esemplarmente appare in questi versi, quel «vuoto» del foglio bianco dei disegni e delle pitture di artisti giapponesi che contrasta con il «pieno» di quasi tutta l’arte occidentale, quasi a voler vincere, come affermò a suo tempo Gillo Dorfles in “Ultime tendenze dell’arte d’oggi”, tutto l’«horror vacui» che la pervade.\nCome intensa si avverte in questa nuova prova poetica di Renato Minore la forza attribuita all’immagine, anzi, (ricordando il titolo del libro di Filomena Rago, quasi tranströmeriano), alla “immagine di una immagine” che il poeta affida a uno specchio. Giorgio Linguaglossa dunque fa bene nella sua nota critica a sottolineare l’ontologia della immagine affidata ad Andrea Emo:«Ogni immagine è immagine del nulla e in questo senso l’immagine è ontologica».\nUn altro aspetto emerge da questi versi estratti dal libro poetico di Renato Minore: il rapporto stretto che si avverte tra fotografia e poesia, fra parola e immagine sottratta al flusso della storia, e cristallizzata nel tempo, in una sorta di «Estetica dell’istante infinito», (il pesce solo nella vaschetta), grazie alla quale, per dirla con Roland Barthes de La camera chiara: «l’età della fotografia corrisponde precisamente alla irruzione del privato nel pubblico…»; ma questo ci porterebbe lontano.\n«Pesce-vaschetta-solitudine-specchio» forse per il poeta sono i correlativi oggettivi eliotiani della condizione dell’uomo nel mondo, forse sono perfino le parole-chiave sulle quali Renato Minore incardina la sua Weltanshauung.\nNello strisciare della sera\nbrunita già di foglie spente\nle gocce sui fiori amari\nondeggiava nel vento\nmuschio mischiato a fungo\nnel tramonto l'olezzo\nda qui a poco\nle persiane si sarebbero chiuse\ne le tende tirate\nsulla sbiadita luce\nradente il cancello\ndel giardino dormiente\nil lungo sonno dell'inverno\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 07:09 1 commento:\nPOESIA CONTEMPORANEA = GINO RAGO PER ANTONIO SPAGNUOLO\nGino Rago e la Poesia contemporanea\nLa tregua delle vene nel segreto trafora ogni impronta\ned è rimasto ad inseguirmi solo un sogno\ndella tua forma coperta di elitropio:\nun dondolio in frantumi\nper fiaccare la schiena oltre i cancelli.\nIl rombo dissonante del vento nella notte\ntrapassa le scritture fuori mito,\ndove segnammo il difetto della fede,\nl’abbaglio di un paradosso per il perpetuo gorgoglio\nIntima crisalide possiedi le movenze\nnegli occhi sostituendo ansiolitici.\nmentre io sfogliavo l’ultima pagina bianca\nche impediva alle ciglia l’accento di possibili carezze.\nANTONIO SPAGNUOLO non la nomina mai in questi versi dalla metrica della tradizione petrarchesca fondata sugli endecasillabi, ma lei, Elena, la compagna di una vita del poeta, vibra garbatamente in ogni verso di “Movenze”, a cominciare da quella “forma coperta di elitropio”.\nIl girasole, dunque, come metafora del poeta che, continuando a elaborare il lutto, i tagli della perdita nel “turbinio” di un novembre senza scampo, adotta l’elitropio come capacità e necessità di essere sempre in un perimetro, forse breve, sì, ma preciso: il perimetro del piccolo-grande spazio dove il girasole offre il suo volto al sole e ne riceve luce.\nIl poeta è egli stesso il girasole-elitropio in cerca della luce solare e il sole-fonte-inesauribile-di-luce è l’amata Elena. Nelle parole-chiave del componimento (tregua-sogno-forma-elitropio-ansiolitici-mascella-pelle-turbinio-rombo-notte-vento-novembre-marmo-ciglia) negli «incanti imprigionati» alle sere del poeta, Antonio Spagnuolo gioca la sua partita con la vita e con la morte su “quell’ultima-pagina-bianca”, pagina non scritta per Elena per il suo viaggio di commiato da questo mondo, ma che il poeta è chiamato a riempire di calligrammi, come i giapponesi del gruppo Gutaj, su fragili fogli di carta di riso dove vuoto e pieno hanno la stessa importanza, la stessa dignità estetica.\nIl clima generale di Movenze, per affinità tematica, ricorda quello de Il giorno dei morti del Pascoli di “Myricae”, ma il battito dei versi, la loro stessa prosodia e il lessico riconducono il lettore al Montale di Satura, Xenia I, n. 4:«Avevamo studiato per l’aldilà/ un fischio, un segno di riconoscimento./ Mi provo a modularlo nella speranza/ che tutti siano già morti senza saperlo».\nCosì il "Canzoniere dell’assenza" di Antonio Spagnuolo continua senza interruzioni, come Roland Barthes nel suo diario di lutto a noi giunto come “ Dove lei non è”.\nSicché, anche Antonio Spagnuolo ripropone la durata di un evento, la morte dell’amata, e il perdurare del lutto per questa perdita, un lutto che dove lei [Elena] non è nel tempo può anche cambiare forma, ma senza mai cambiare la scorticante sostanza.\nSoprattutto il poeta ripropone lo smacco, lo scandalo del linguaggio umano che non riesce a dire la morte, che non sa dire la morte.\nE il suo Journal de deuil, il suo diario di lutto, quotidianamente si allunga di frammento in frammento in un dialogo muto con Elena, nella indicibilità della «presenza-della-sua-assenza».\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 02:34 Nessun commento:\nGiuseppe Iuliano : “Tantilla” – Ed. Delta 3 – 2019 – pagg. 12 - € 2,50\n“Tantilla” , cose da poco conto , cosucce buttate con disinvoltura e furbizia , capaci di accalappiare l’attenzione del lettore, per la variegata tessitura che si offre. Il volumetto agile ed elegante ha la prefazione del famoso Aldo Masullo, il quale scrive: “Il poetare di Iuliano, tutto preso dalla sua, dalla nostra Irpinia, è carico di tenerezza. Ma si tratta di una tenerezza sincopata. Dico sincopata nel senso della tecnica musicale, per cui una regolata interruzione disturba il flusso sonoro, ottenendo un forte effetto contestativo…” D’un tratto, il velo dell’apparenza si squarcia ed ecco le immagini sovrapporsi per un ritocco della quotidiana ansia dell’immaginazione. Il significato ultimo dell’esistenza umana: l’evidenza che potrebbe, se solo lo volessimo, costituire l’abbrivio verso una vita piena, consapevole e scevra da paure, si avviluppa in un caleidoscopico schermo per svelare il bollire di un fervore poetico tutto teso alla narrazione del contrasto tra civiltà ormai agonizzante e meraviglia della natura che circonda. “Sotto questo cielo color pastello/ che esalta fondali di valli e colline/ contiamo pazienti l’attesa dei giorni./ Anime sfiancate dubbiose/ coltiviamo silenzio e solitudine/ come converse ai voti…” Nello scrutare il paesaggio in ogni angolatura possibile Giuseppe Iuliano traduce la sua ricerca poetica, e con proposta lodevole offre la morbidezza del ritmo.\nFELICE SERINO :“La vita trasversale” - 2019 - pagg. 450 - € 25,50\n"Alessia e il sole velato di novembre"\nSole velato di novembre dagli occhi\na entrare in di Alessia l’anima\nragazza Alessia con l’azzurrità\nnel pensare a Mirta amica\nche si è ammazzata più di due\nanni fa. Nuvolaglia e poi esce\nil sole nel condominiale giardino\ndei bambini Alessia sulla torre\ndi vedetta tolta dalla tenda della notte.\n"Alessia e la via delle rose"\nDoveva piovere e c’è il sole\na pervadere di Alessia\ndopo il risveglio di ragazza\nl’anima. Attesa di Giovanni\nnel folto della casa che ha\nalberi e non pareti; poi\nlui le dice fiorevole\ntelefonata che al Virgiliano\nParco si vedranno.\nNell’uscire nel condominiale\nviale il motorino azzurrocielo\nprende Alessia dalla luce\nrallegrata nel pozzo del cuore\ne in sintonia con le cose\ndella strada al Parco giunge\nnell’aria rosapesca. Entra\nnel mentre del sembiante\ne per la via delle rose\ncammina Alessia dove era\ngià stata nell’interanimarsi\ncon dei volatili la zona\npiù alta del volo e sono\npasseri e gabbiani.\nPoi entra nel rosso delle rose\nper un raccolto di compostezza\ne nessun vento può pettinare\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 01:28 1 commento:\nSEGNALAZIONE VOLUMI = ANTONIO RICCARDI\nAntonio Riccardi, Tormenti della cattività, Garzanti, Milano, 2018, pp. 164, € 15,30\nDa Il profitto domestico (1996) a Gli impianti del dovere e della guerra (2004) fino Tormenti della cattività (2018), recente raccolta in cui le tracce di Sereni e di Bertolucci sono evidenti, Antonio Riccardi, tra coesione interiore e fedeltà tematico-stilistica di rara sobrietà linguistica, in una sorta di «estetica del cenotafio», si misura con il tema della morte, tornando a un mondo circoscritto, il podere di famiglia di Cattabiano. È un perimetro ristretto che nella sua mitologia personale il poeta avverte come luogo centrale di un mondo ripescato attraverso la memoria. Ma la memoria non ha senso compiuto se non interpella l’idea di tempo, la percezione dello spazio e il “come” ci si intende collocare in quel tempo e in quello spazio. I fattori T (tempo) e S (spazio), con i quali si misura questa recente poesia di Antonio Riccardi, sono tempo e spazio pre-moderni. Ma in che senso pre-moderni? Detto in estrema sintesi, Antonio Riccardi adotta il tempo ancora scandito dai ritmi delle stagioni e della vita, con tutti i riti a tali ritmi collegati, e adotta lo spazio come luogo antropologico di identità forte e di comunità coesa, come in questi versi esemplari (1930):«Alla prima foliazione del podere/dopo la morte invernale di Antonio/Riccardi, solo la siepe di bosso/ alla fine del giardino, confine/sul dirupo tra casa e coltivo,/era rimasta forte e splendente[…]». Il podere di famiglia a Cattabiano è un luogo antropologico nei versi del poeta di Tormenti della cattività, uno spazio non geometrico ma luogo della identità, delle relazioni , della memoria. La fisicità di ogni luogo antropologico si condensa nella geometricità delle tre forme spaziali della linea, della intersecazione e del centro grazie alle quali l’uomo-poeta può transitare, può incontrarsi, può sostare con le possibilità di creare relazioni simboliche, identità individuali, una comune terrestrità. Al luogo antropologico si collega inestricabilmente il tempo naturale o pre-moderno. «Dimmi che uso fai del Tempo e dello Spazio e ti dirò che poesia puoi fare…». A Tempo e Spazio pre-moderni Antonio Riccardi aggiunge un terzo fattore: la percezione, che non è la memoria, e propone una poesia tridimensionale distante dalla prospettiva dell’osservatore proustiano che al tridimensionale è in grado di aggiungere la Memoria, secondo ciò che sul quadri dimensionalismo scrive Maurizio Ferraris: «[…] Nella prospettiva proustiana, la domanda ontologica «che cosa c’è per noi, in quanto osservatori interni allo spaziotempo?» si ha una risposta tridimensionalista soltanto se ci si limita ad osservare con la percezione; la risposta risulta invece quadridimensionalista se si osserva anche con la memoria.». In Tormenti della cattività il poeta non osserva i tempi, le cose, i luoghi con la memoria ma con la percezione. Commentando il libro di Riccardi Giorgio Linguaglossa infatti scrive:«Nella poesia di Riccardi la memoria c’è, ma come un fondale sul quale si stagliano gli eventi della memoria, la memoria è ancora integra! Almeno, io la percepisco come integra, ancora non colpita dalla febbre dell’oblio della memoria. Ho citato non a caso la poesia di Brodskij Lettera a Telemaco del 1972, perché lì c’è l’albeggiare di questa terribile sindrome che ha invaso silenziosamente il mondo moderno e gli uomini del nostro tempo[…]».\nSEGNALAZIONE VOLUMI = MARINA PETRILLO\nMarina Petrillo : “Materia redenta” – Ed. Progetto cultura – 2019 - pagg. 96 - € 12,00\nLa scintillante prefazione di Giorgio Linguaglossa avvia ad una lettura oculata e particolareggiata, tra le sospensioni che il sub conscio attiva per rincorse multicolori e profondità sfiorate, accortamente ricamando le attese di una modernità che sottende alla poesia contemporanea di alto valore. “La parola poetica – egli scrive fra l’altro- diventa esperienza della fragilità e della terrestrità, esperienza di un indebolimento di ciò che un tempo lontano era la pienezza del tempio greco o della basilica cristiana ed adesso è un luogo infirmato dal sole e dalla pioggia, dal vento e dagli uomini che abitano la terra e che ad essa ritornano, come erranti, come morti.” Un passaggio elegante di affanno che ci trascina nel rincorrere quella quotidianità che non sappiamo più apprezzare nel silenzio che circonda, e che porta in se inscritta una estetica non scontata e fasulla. Marina Petrillo traccia il suo iter con arguzia e poesia, capace di attingere l’iflessione della metafora per forgiare la vertigine del ritmo. “Siamo qui/ in un perduto gesto/ mentre l’Altro da noi/ trasmigra in atto parallelo/ o, tenue, diluisce in liquido amniotico/ di altra vita specchio.// Partoriti siamo dunque/ ma dal Sogno/ cercando di vita in vita/la Madre.” Scrittura piana che non ha sbavature , non si avviluppa al monumentale con arzigogoli e incisioni avveniristiche, attenta come appare nella tessitura del ritmo, nella pienezza del dettato . La parola esprime lo specchio che riflette dolori o memorie , illusioni o speranze, per quel sussurro che rimane nella vertigine che non è fuga di ombre ma il colloquio di una tensione. “Il cuore è il tuo cielo e nel sempre ad esso ritorni./ Hai trascorso in parole il tempo/ ed ora, umile, ad esso rivolgi il canto./ Non parli che di Lui, Signore nell’aurora.”\nLe incombenze che cerchiamo nella penombra giocano con il bagaglio che trasportiamo nel tempo che avvolge solitudine o silenzi, e le figure si stagliano con un candore genuino, inanellate in spirali, intessute nel futuro immaginario e non sempre allettante, che la mano rasenta per ferite ed intagli. Il verso ha intacchi di cristallo, nella sua stesura a volte teneramente semplice e discorsiva: “Appena desta/ gli occhi in sonno avvinti/ pronunciai del tuo nome l’avverso fato./ Un piccolo segno tra le mani giunse/ a sospirare nell’aurora/ l’indiviso vanto alla vita./ Ma se dall’Anima tradita/ non giunse assenso/ fu per lo spirito nobile che ti avvolse/ una sera di dicembre in doglia di neve.” La poetessa sfiora i panorami tratteggiati come nella pittura per abbandonarsi ovattata nel “ chiarore della neve” che si riflette in forma di cristallo e come Narciso “in sorriso muove l’universo, nella magica danza delle foglie”. La meraviglia, l’incanto, lo stupore tentano una dissoluzione nel giro delle ore attenti a non perdere la scommessa che il mistero della poesia armonizza nel talento che la parola anticipa nelle immagini a mulinello.\nGiorgio Linguaglossa (a cura di) AA.VV, How the Trojan War Ended I Don’t Remember (An Anthology of Italian Poets in the Twenty-First Century) Chelsea Editions, New York, 2019, pag. 342, 20 $ Prefazione di John Taylor\nNegli Stati Uniti è uscita la prima ed unica «Antologia della poesia italiana contemporanea» di quel paese. Curata da Giorgio Linguaglossa, tradotta da Steven Grieco Rathgeb e con prefazione di John Taylor, per i tipi e le cure di Chelsea Editions di New York, 330 pagine complessive, l’Antologia How the Trojan War Ended I Don’t Remember, nel titolo ricalca la omonima Antologia uscita in Italia nel 2017 per le Edizioni Progetto Cultura di Roma, Come è finita la guerra di Troia non ricordo, con la prefazione di Giorgio Linguaglossa. I poeti presenti in How the Trojan War Ended I Don’t Remember si dispiegano lungo un arco generazionale di circa cinquant’anni, dal 1926, anno di nascita di Alfredo de Palchi (il primo libro è del 1967, Sessioni con l’analista) passando per Anna Ventura, il cui primo libro Brillanti di bottiglia è del 1978, fino alla più giovane, Chiara Catapano. I poeti antologizzati, Alfredo de Palchi, Chiara Catapano, Mario M. Gabriele, Donatella Giancaspero, Steven Grieco Rathgeb, Letizia Leone, Giorgio Linguaglossa, Renato Minore, Gino Rago, Antonio Sagredo, Giuseppe Talìa, Lucio Mayoor Tosi, Anna Ventura, Antonella Zagaroli, si muovono per lingua, lessico e scelte tonali nello spazio espressivo integrale nel ripudio diffuso dell’Io narcisistico del diario quotidiano. Qualche autore/autrice poi si volge al metodo mitico e ai miti. Guarda a ciò che negli ultimi trent’anni nei cinque continenti e in centinaia di lingue, con stili e obiettivi assai diversi, si sta verificando nel mondo reale attraverso le tragedie archetipiche di Sofocle, di Eschilo, e soprattutto di Euripide: il mondo dei miti è diventato uno dei prismi culturali ed estetici in cui questo mondo conflittuale e dis-funzionale ha tentato e cerca di vedere riflessa la propria immagine. A tale proposito scrive John Taylor nella Prefazione: «Certo, alcuni modernisti del ventesimo secolo hanno sviluppato una analoga Poetica, che fa rivivere o riutilizza il passato nel presente…i poeti qui antologizzati spesso spingono l’ironia molto più lontano...». Da un autore all’altro, da un’autrice all’altra, anche se ci sono sfumature per storie personali e temperamenti poetici differenti, si ritrovano un comune sentimento, quello di una sorta di «spavento del destino e della storia», che però non ha prodotto la «paralisi della poesia pensante», e un analogo pensiero, quello di un «nuovo paradigma in corso d’opera». I 14 poeti scelti e antologizzati dal curatore Linguaglossa si pongono come figure significative del Grande Gelo della parola raffreddata e ibernata e della stagnazione estetica e morale dei nostri anni. Con le parole di Tzvetan Todorov, «si continua a credere che l’uomo merita di rimanere lo scopo dell’uomo». Di certo possiamo dire che questa Antologia va verso nuovi paradigmi di ontologia poetica ed estetica, effetto diretto di quel passaggio che da L’opera aperta di Umberto Eco (1962) a Midnight’s children (1981) e Versetti satanici di Salman Rushdie (1988), ha suggellato la conclusione del Post-moderno. Il favoloso, il fantastico, il mitico, il reale diventano un tutt’uno, coincidono con lo spazio della scrittura nella quale non ci sono più separazioni ma fluidità. Il nuovo romanzo prende tutto da tutto. Così come con la poesia di Tomas Tranströmer finisce l’epoca di una poesia lineare (lessematica e fonetica) ed inizia una poesia che integra il fattore Tempo (da intendere nel senso delle moderne teorie matematiche topologiche secondo le quali il quadrato e il cerchio sono perfettamente compatibili e scambiabili) con il fattore Spazio. Scrive John Taylor:«Il titolo dà il tono a questa vivace antologia. I versi dei quattordici poeti inclusi in Come la guerra di Troia è finita, non ricordo (Roma, Progetto Cultura, 2017) evoca l’eredità greco-romana in vari modi, attraverso il reale, il leggendario e le mitiche figure che vanno da Ulisse ad Apollo, da Medea ed Ecuba a [poeta romano di età augustea] Gaio Cornelio Gallo. Certo, alcuni modernisti del ventesimo secolo hanno sviluppato una analoga Poetica, che fa rivivere o reimpiegare il passato nel presente. Tecniche sviluppate da T. S. Eliot in The Waste land e The Love Song di J. Alfred Prufrock vengono in mente quando si esaminano i campioni di alcuni dei poeti compresi qui. Detto questo, i poeti qui antologizzati spesso spingono l’ironia molto più lontano di quanto non abbiano fatto Eliot, Kavafis, o altri antenati modernisti[…]» Estrapolo dalla Prefazione di John Taylor alcuni rapidi passaggi su 3 voci poetiche antologizzate su cui Taylor scrive:«[…] Letizia Leone, la cui lunga poesia è stata tratta dal suo libro La calamità di base si concentra su Marsia il Satiro, forgiando il satirico con la mescolanza di immagini che raccontano le apparenze del passato e del presente[…]; Anna Ventura, ad esempio, evoca Trimalchio, la tartaruga etrusca di Volterra”, Torquemada, e infine Barbablu, di cui presenta se stessa come la “terza moglie, quella / che ha osato prendere la chiave / e spalancare la porta dell’orrore “.[…] Raggruppando le sue poesie sotto il titolo Dovrei tornare a Caesar’s Court?, Giorgio Linguaglossa (che ha messo insieme questa antologia) sfida implicitamente i poeti contemporanei a rispondere alla stessa domanda. Si hanno pochi problemi a percepire che ci si rivolge in particolare ai poeti orientati verso i particolari modesti della vita quotidiana in sé o verso le loro vicissitudini, le proprie esistenze attuali, anziché verso quelle storiche, mitiche, scientifiche, e sfondi filosofici rovistati dalla maggior parte dei poeti in questa antologia. Tale, ovviamente, è solo una delle linee di battaglia che possono essere tracciate tra poeti contemporanei in Italia o altrove. Le differenze radicali che possono esistere tra i tipi di soggetti considerati, sono visibili anche nella poesia di Gino Rago: titolo generale per i suoi pezzi interconnessi “We are Here for Hecuba” sicuramente suggerisce l’intenzione di aprire una prospettiva più ampia di quella delimitata nel bene e nel male da un’ispirazione strettamente autobiografica o da un oggettivismo del genere “niente idee ma dentro le cose”[...]».\nSEGNALAZIONE VOLUMI = FILOMENA RAGO\nFilomena Rago, "Volo a metà", Editore Rubbettino C. L. E., Soveria Mannelli, (in ristampa, 2019), pp. 95, Euro 14\nL’incontro con questa nuova voce di poesia è un vento che sospinge verso il tentativo di inquadrarne temi, contorni di stile, sostanza espressiva, linguaggio, nel sempre più vasto panorama della poesia italiana scritta dalle donne, o come ancora si dice, “al femminile”. Da Margherita Guidacci ad Antonia Pozzi, da Cristina Campo ad Alda Merini, da Maria Luisa Spaziani a Nadia Campana e a Maria Rosaria Madonna, senza trascurare le esperienze poetiche di alcune autrici viventi ( Maria Pia Quintavalla, Anna Ventura, Ida Vallerugo, Giuseppina Di Leo, Lucia Gaddo Zanovello e soprattutto le esperienze poetiche di Edith Dzieduszycka , per affinità di tema e di atmosfera con il suo “Diario di un addio”), è come andare dal suono dell’ombra alla poesia che ci scruta, interrogandoci sulla verità del vivere tra ferite del corpo, memoria della madre, eventi personali e collettivi, vicende di fiele e di miele, narrazioni del mistero a misura dell’anima, ora smarrita, ora ritrovata nei luoghi del ricordo, nei perimetri della memoria. Il linguaggio poetico è una creazione continua e l’idea di una lingua ideale va respinta. Ed è qui che si colloca questa raccolta di versi di Filomena Rago, se non altro per la spiritualità di un’esistenza fin qui vissuta sotto il segno di un incessante interrogarsi sul senso della propria presenza nelle dinamiche del mondo, in un dire poetico alimentato e mosso dal dolore, dall’assenza, dalla sottrazione, dalla presenza continua dell’assenza. Un dolore acuto, un’assenza tagliente, una sottrazione atroce, una presenza dell’assenza senza scampo la cui comunicazione, non appena viene avviata, è continuamente interrotta, risospinta e costretta in un labirinto emotivo, fitto di ricordi lancinanti («Te ne sei andato/all’improvviso in silenzio/donandomi l’ultimo sguardo./Un gigante eri…»), quasi a negare al lettore un filo di orientamento, un respiro di partecipazione: atteggiamento che fa tornare alla mente l’epigramma (per la morte immatura dell’amato Rocco Scotellaro) di Amelia Rosselli «Cercatemi e fuoriuscite» che è capace di fulminare l’interlocutore quando si sente coinvolto e, nello stesso istante, subito respinto, attratto e presto rigettato, come se Filomena Rago si spaventasse per ciò che potrebbe scoprire dalla mitologia personale, dal grumo stesso dell’animo, sottoposto a tale durissima prova. Perché Giacomo, il suo compagno amato, è stato prematuramente strappato all’affetto sconfinato di Filomena come al fiato della vita e alle meccaniche ingovernabili, spesso incomprensibili, del mondo e della Storia. E Giacomo, che anzitempo è tornato alla Casa del Padre, è la fonte d’ispirazione di questo libro poetico il cui nucleo centrale consta di 46 componimenti, tanti quanti gli anni terreni di Giacomo, che in sé recano smarrimenti e interrogativi sul perché si condanni a morte l’arcobaleno, spazzando via gli anni della giovinezza. Questa di Volo a metà di Filomena Rago, per chi ama i percorsi estranei ai circuiti professionali e alle cure specialistiche, è una preziosa occasione di lettura per la pronuncia semplice del dettato, per un registro espressivo volto a raggiungere ogni lettore, basato com’è su un lessico diretto ed essenziale, sopra il quale aleggiano, con lo spirito di Giacomo, le lacerazioni del cuore e l’ansia di eterno, la forza della Parola e la necessità del dire, il richiamo del divino e l’arte del dono e del donarsi agli altri, senza nulla attendersi in cambio, com’è in ogni atto d’amore autentico quando, con Ungaretti, ci si sente “docile fibra dell’Universo”, come i versi di Filomena Rago in Volo a metà** sanno dirci:«Siate liberi/ liberi di vivere la libertà…». Quel trauma senza precedenti, che l’autrice di Volo a metà ha cercato di analizzare e perfino di comprendere, annotando giorno dopo giorno pensieri e stati d' animo, emozioni e suggestioni, riflessioni, ricordi e fatti quotidiani, ha condotto la Rago nella «regione atroce» della morte dove, per dirla con il Roland Barthes del Journal de deuil (Diario del lutto) sulla scomparsa della madre da cui mai si riprese: : «C' è un tempo in cui la morte è un avvenimento, se si vuole un' avventura, che in quanto tale mobilita, interessa, tende, attiva, paralizza. E poi un giorno, essa non è più un avvenimento, è un' altra durata, compressa, insignificante, non narrata, tetra, senza ricorso: vero lutto non suscettibile di alcuna dialettica narrativa».\nE in quella regione atroce della morte, in quella geografia del dolore, della perdita, del lutto si rimane per sempre impigliati. Ma il deuil-lutto si fa poesia, resistenza quotidiana nella Parola poetica, in una meditazione attiva come succede tra questo libro di esordio della Rago e i suoi lettori.\n** Volo a metà, questo libro poetico intenso di Filomena Rago alla mia lettura stabilisce contatti di tema, di tono, di stile con molti altri libri che han come tema la morte dell’amata o dell’amato, ma in particolare i contatti per affinità elettive la Rago li stabilisce con il Canzoniere dell’assenza di Antonio Spagnuolo, libro nel quale il poeta, verso la sua Elena, per sforzo sovrumano della elaborazione del lutto, ricorda la potenza evocativa, metaforica, emotiva di Meleagro verso Eliodora (“[…] dov’è il mio amato germoglio? Lo strappò Ade,/ lo strappò. Ed ora la polvere sporca il vivo fiore./ Terra che ci nutri, ti supplico, accogli teneramente/nel tuo seno colei che è compianta da tutti.”) della antica Antologia Palatina.\nAntonio Spagnuolo – “Rapinando alfabeti”- Ed. L’assedio della poesia – Napoli – 2001 – pag. 95 - fuori commercio\nAntonio Spagnuolo è nato nel 1931 a Napoli dove vive. Poeta e saggista, è specialista in chirurgia vascolare presso l’Università Federico II di Napoli. Redattore negli anni 1957 – 1959 della rivista “Realtà”, diretta da Lionello Fiumi e Aldo Capasso, ha fondato e diretto negli anni 1959 – 1961 il mensile di lettere e arti “Prospettive letterarie”. Condirettore della rivista “Iride”, fondatore e condirettore della rassegna “Prospettive culturali”, ha fatto parte della redazione del periodico “Oltranza”. Ha pubblicato numerosissime raccolte di poesia, per le quali ha riportato molti prestigiosi premi, e varie opere in prosa. Ha curato diverse antologie ed è presente in numerose mostre di poesia visiva nazionali e internazionali. Collabora a periodici e riviste di varia cultura. Attualmente dirige la collana “Le parole della Sybilla” per Kairòs editore e la rassegna “poetrydream” in internet. Tradotto in francese, inglese, greco moderno, iugoslavo, spagnolo, rumeno. Della sua poesia hanno scritto numerosi autori tra i quali A. Asor Rosa nel suo “Dizionario della letteratura italiana del novecento” e nella “Letteratura italiana” (Einaudi).\nIl libro di poesia di Antonio Spagnuolo, del quale ci occupiamo in questa sede, risale al lontano 2001 e presenta stilisticamente e formalmente caratteristiche differenti rispetto a quelli dell’ultima produzione dell’autore che sono monotematici avendo per argomenti quelli del dolore per la scomparsa della carissima consorte Elena e della conseguente forte volontà della riattualizzazione della sua figura e della sua persona, cosa della quale il Nostro è perfettamente conscio nel farla rivivere nell’unico modo possibile, cioè attraverso la parola poetica che è sempre detta con urgenza nel suo frugare nelle pieghe della mente provenendo dall’inconscio controllato nel creare un felice connubio di fisicità e spiritualità attraverso i versi sempre densissimi a livello semantico, metaforico e sinestesico.\n“Rapinando alfabeti” presenta una corposa prefazione di Plinio Perilli che per la sua estensione e la sua forte dose di acribia emerge quasi come un breve saggio per la sua acutezza e completezza.\nA proposito di quanto suddetto rispetto allo stile e alla forma della poetica e del poiein di Spagnuolo, è doveroso e fondante mettere in evidenza che, nonostante tutta la produzione del poeta si configuri nel tempo come un continuum coerente con delle caratteristiche precise e stabili, nella fase del tema dell’addio, della quale si diceva e che dura ormai da circa sette anni, l’autore è giunto all’elaborazione di tessuti linguistici che emergono con una maggiore chiarezza pur rimanendo invariato nelle scritture il fortissimo scarto poetico dalla lingua standard per cui nella fruizione dei testi nell’emozione si affonda nelle pagine pervasi sempre dalla luminosa bellezza dei versi nei quali nulla è affidato al caso.\nIn “Rapinando alfabeti” prevale una scrittura più anarchica se non alogica in un discorso di incroci di versi che sono di grande icasticità pur nella loro leggerezza.\nLa raccolta non è scandita e anche per questo, nella sua sequenza di sessantasei componimenti tutti senza titolo e numerati, può essere considerata un poemetto nella sua consequenzialità.\nEmerge nell’ordine del discorso una coerenza dell’io – poetante molto autocentrato nel suo meditare sul senso della vita con una certa rabbia nel costante tentativo di afferrarne il bandolo e da questa tensione scaturisce nei versi un’irrepetibile fantasmagoria di immagini sempre uniche e originalissime nel loro emergere connesse logicamente tra loro, schegge che rimandano ad una fortissima dose d’ipersegno.\nÈ stabile il tragitto, il viaggio che parte dal dato corporeo, che passa per i sensi, che poi divengono pensieri e parole sublimi.\nFrequente la presenza di un tu femminile al quale il poeta si rivolge del quale vengono detti pochi riferimenti e tutto è presunto qui a partire dal titolo “Rapinando alfabeti” che sembra evocare la salutare ansia trasgressiva di Spagnuolo in nome del pensiero divergente e salvifico che ne mare magnum della vita emerge solo nell’arte e in particolare della poesia stessa.\nGIORGIO MONTANARI : "NELLA PUREZZA" - Ed.Bertoni - 2019 - pagg.76 - € 12.00\nAprirsi alle alterità per poter esprimere la propria interiorità è come immergersi in una scommessa, al di là di un orizzonte multicolore e variegato, che disegni una non essenza e ripeta il falso movimento dell’apparenza per incidere alla fine semplicemente nel senso quotidiano dell’esistere. Il candore diviene allora la comprensione degli accadimenti al di là della piega del velo che appanna le trasparenze ed illude nell’inaccessibile.\nIn questa pagine il carattere episodico dei testi, realizzati nel verso quasi sempre molto breve e martellante nel ritmo musicale, rivela l’imprevedibilità del dettato poetico in un fraseggio che sfida anche la linearità narrativa per agganciarsi al momento simbolico della metafora o del sussulto esistenziale. La serrata progressione da un lato e la svelta concisione della frase dall’altra mettono in risalto i varchi della figurazione, suggerendo a tratti anche un collage ininterrotto per incastri e stupori che rendono la lirica vibrante, da confrontare e centellinare.\n“Il mio corpo/ è una cornice appesa storta,/ una fotografia che, sbiadendo,/ acquista ricordi e nostalgie…” Il poeta spinge la sua mimesi in un processo di disintegrazione corporale intravisto nello sbiadire della fotografia e nello sciogliersi doloroso della memoria. Una memoria che nasce dalla fascinazione delle figure e si sgretola nella illusione della quotidianità.\nForse le verità non possono essere dislocate nell’impulso della domanda, “nel solenne silenzio/ della basilica/ il vuoto mi circonda. / Volgo gli occhi verso l’alto/ e il respiro mi strozza.” fino a quando l’assenza ha un ordine immaginario che al giusto richiamo accenna ad una risposta quasi sempre in ombra.\nAllora gli accadimenti hanno la piega del velo e come “la farfalla/ prima attirata dalla/ luce/ ora si agita/ cercando di salvarsi/dalla lampada..” così la parola ha il groviglio della fuga, e come una spugna imbevuta di meraviglia cerca di levigare la roccia della coincidenza. La seduzione delle immagini rompe, nella poesia di Giorgio Montanari, ogni vincolo, perché l’autore riflette sulla sua parola, che insorge ad ogni accenno di immersione, tale è il tempo della vita che è nell’istante, o che era, o che sarà. “Uno, è il cuore che dimora in noi. / Uno, l’astrazione dei numeri primi. / Uno, solitudine non colmata. / Uno, l’anima in ascolto accoglie il mondo. / Uno, sono io. / Ci si evolve, quindi Due.” Il numero DUE ed il numero TRE li troveremo diverse pagine più avanti ad interrompere le pennellate divenute protagoniste della catena poetica.\nL’accento filosofico che imbeve molti versi di questa raccolta mostra orizzonti fuori del tempo, ossia nasconde il pericolo di Thanatos, che è sempre in agguato, per toccare le grazie dei ricordi o delle schermaglie adatte al sub conscio, ove le cose non svaniscono, ma ghermiscono lo schermo delle visioni oniriche per i contraccolpi dell’assoluto.\nParticolarmente suggestiva al seconda parte: “Lettere dal Paradiso”, ove l’autore si chiede ingenuamente come sarà morire, quando nella tenebra ombre di luce indicheranno la direzione, o quando la musica sarà finita, ma potremmo incontrare di nuovo Tenco, Ciampi, Stratos, Mia Martini ed altri, nel refluire di note indescrivibili. Allora anche i simboli, di ritmi temporali o di figure spaziali, si succedono nelle composizioni, in configurazione di grafie luminescenti o nei richiami che consentono di elevarsi nel magnetismo che suggerisce la fantasia.\nAnche la semplice umile materia ha un suo ruolo di mediazione , ed insiste nella immobilizzazione fuori da ogni mito, perché “ la seconda/ pietra, / rivolta al collo, / mi soffoca per/ un istante. / Inondo la terra/ di lacrime.”\nSino all’oblio il poeta attinge dai sorrisi magnifici che si offrono oltre l’asfalto, o insegue la risposta del proprio DNA, o sigilla i segreti per condividere l’essenza delle cose, o interroga il mistero della sfinge la cui chiave sono rebus traducibili e nuovamente compare il numero UNO. La sapienza compositiva dell’autore è plastica, mobile, aderente ad una ricerca che lo pone tra le raffinate scelte del verso, anche se la musicalità si ripete in una coscienza enigmatica, collocandosi tra la tradizione ed il ripensamento di una crisi fluttuante.\nPubblicato da Antonio Spagnuolo a 06:58 Nessun commento:\nPOESIA CONTEMPORANEA = GINO RAGO PER ANTONIO SPAGN...\nSEGNALAZIONE VOLUMI = ANNA VENTURA\nSEGNALAZIONE VOLUMI = SABINO CARONIA\nSEGNALAZIONE VOLUMI = GIUSEPPE GALLO\nSEGNALAZIONE VOLUMI = LORENZO POMPEO\nSEGNALAZIONE VOLUMI = ALESSANDRA PELLIZZARI\nSEGNALAZIONE VOLUMI = MARIA CARLA BARONI\nSEGNALAZIONE VOLUMI = ROBERTO PIPERNO\nSEGNALAZIONE VOLUMI = FRANCESCO MARTILLOTTO\nSEGNALAZIONE VOLUMI = DOMENICO LOMBARDINI\nSEGNALAZIONE VOLUMI = VITO TAVERNA


Speed Racer - Cineraglio\nSpeed Racer è il film immediatamente successivo alla trilogia di Matrix, un periodo complicatissimo per i fratelli Wachowski per più di un motivo. Innanzitutto l'enorme successo interplanetario ottenuto con la geniale idea di Matrix (anche se i due seguiti non raggiungono la qualità del primo film). Una serie rivoluzionaria che fa da spartiacque nel mondo della fantascienza, creando un canone che rimarrà nei secoli dei secoli della cinematografia, a dispetto dei gusti personali. Che infatti piaccia o no, Matrix è un caposaldo del cinema sci-fi e cyberpunk, la sua estetica, il suo universo hanno travalicato i confini dello schermo per diventare cultura di massa, modi di dire, modi di pensare (qualcuno li ha presi persino troppo alla lettera....). Qualsiasi regista, pur lieto di tanta fama e gloria, sarebbe in difficoltà al momento di girare un nuovo film. Il peso del precedente - in questo caso ben 3 - sarebbe schiacciante, asfissiante, financo paralizzante. Senza contare che i Wachowski, salvo l'esordio con Bound (pellicola carina ma molto molto furba) non avevano chissà quale solido background alle spalle prima del cataclisma Matrix.\nOltre ciò, come se non fosse di per sé sufficiente, Larry Wachowski è nel pieno di una mutazione genetica; questi infatti sono gli anni nei quali affronta il suo passaggio di "genere", non cinematografico ma sessuale, per arrivare poi ad "evolversi" (sono parole sue) in Lana Wachowski. Curiosamente, lo seguirà anche il fratello il quale, nato Andrew Paul, diventerà Lilly. Oggi i fratelli Wachowski sono diventati le sorelle Wachowski, caso credo più unico che raro. Speed Racer arriva nel bel mezzo di tutto questo (sebbene nel 2006 i due avessero intanto lavorato alla sceneggiatura di V Per Vendetta). Perlomeno in parte, tanto trambusto dovrebbe spiegare la confusione venutasi a creare attorno a Speed Racer, pellicola accolta non benissimo al momento dell'uscita. A generare ulteriore scompiglio e sospettosità va ad aggiungersi il fatto che il film si ispira all'anime giapponese degli anni '60 (Mach Go! Go! Go!) e, come è noto, quando si toccano personaggi del mondo dei fumetti, dei cartoni e più in generale del passato mitico della nostra fanciullezza e/o adolescenza, il forcone è sempre sguainato. Da una parte non si vede l'ora che quei sogni di bambino diventino realtà, dall'altra si è pronti a criticare ogni minima deroga all'ortodossia (ed ognuno, nei propri ricordi, conserva una propria ortodossia).\nAltra carne al fuoco: i Wachowski non si accontentano di riprodurre quella serie e quei personaggi, ma naturalmente trasfigurano tutto in un loro mondo customizzato, ultra pop, retrofuturistico, glamourizzato fino all'inverosimile, cromaticamente quasi insostenibile e talmente pregno ed imbevuto di effetti speciali da rendere pressoché indistinguibile il film da un videogame per consolle. Certamente non un'opera che passa inosservata, sottotono o anonima, ma qualcosa di così fragoroso, rutilante e fracassone da spaccare in due pubblico e critica. Cosa che infatti puntualmente accade. Quattro nomination ai Razzie Awards del 2008, un incasso stimato attorno ai 300 milioni di dollari poi tradottosi in appena 44 milioni negli USA ed in un totale di meno di 100 in tutto il mondo (non riuscendo neppure a far pari con i costi), nonché la risoluzione dei rapporti contrattuali con lo storico produttore Joel Silver. Insomma un tracollo in piena regola per il team W, dal quale i nostri - nel frattempo divenute le nostre - non si sono ancora del tutto riprese, visto che i successivi Cloud Atlas e Jupiter - Il Destino Dell'Universo sono stati accolti decisamente più tiepidamente dei Matrix.\nIn Speed Racer è senz'altro possibile riscontrare una lunga serie di difetti ed imperfezioni, non ultima la sostanziale impossibilità di capire cosa accade durante le corse, data un bailamme ipercinetico che rende illeggibili tutti i fotogrammi che riguardano le gare, le loro lotte intestine, i rovesciamenti di posizione, i trucchi, i trucchetti e gli incidenti vari. Tuttavia denigrare tout court il film sarebbe buttare via il bambino con l'acqua sporca. A me non è dispiaciuto, preso per quello che deve essere, un divertissement costato un visibilio di dollari, ma pur sempre un giocattolo di due registi tutta forma e poca sostanza (e questo sin dal loro primo giorno di lavoro dietro una macchina da presa): Speed Racer è creativo e a suo modo coraggioso, ogni attimo è sparato a mille, un gigantesco luna park con personaggi profondi come figurine ma caratterizzati anche esplicitamente come tali. Come definire altrimenti le prove di John Goodman, Susan Sarandon, Christina Ricci, attori eccellenti qui completamente inscatolati in ruoli da cartone animato? Pare che l'idea di un adattamento dell'originale giapponese frullasse negli studios della WB sin dal 1992 e che attorno ad essa si siano avvicendati nel tempo i nomi di Henry Rollins (addirittura come Racer X), Johnny Deep, Julien Temple, Gus Van Sant, Alfonso Cuarón, J.J. Abrams, Vince Vaughn, Joseph Gordon-Levitt, Shia La Beouf, Zac Efron, Kate Mara, Rose McGowan. Un elenco enorme e non esaustivo che rende bene l'idea delle traversie realizzative subite da questo film.\nChe sia un'opera esagerata, autocompiaciuta, sovraesposta, surreale, azzardatissima, ambiziosa, da mal di testa, quasi ossessionante nel suo urlare tutto al massimo dei decibel, è evidente, tuttavia ha un suo fascino kitsch, un suo stile, che secondo me andrebbero salvati e riconsiderati. Non la pensarono così quando fu il momento di dare o meno un sequel al film. Il botteghino è sempre sovrano in questi casi e l'ultima ipotesi presa in considerazione fu quella di girare un altro Speed Racer. Buffo però come altri film altrettanto "finti", posticci, completamente affidati alla computer grafica ed al green screen abbiamo goduto di fortuna diversa; è proprio una questione di gusti. Certo, rimanendo in ambito cartoonesco-sportivo, a me è rimasto il rammarico che il punto di partenza di un'operazione simile non sia stato Ken Falco (Falco e il Superbolide) o tutt'al più le Wacky Races di Dick Dastardly e Muttley, piuttosto che la Mach 5 di Go Mifune, ma pazienza.\nAnno:2008Genere:Azione, Fantastico, SportivoRegia:Andrew Paul/Lilly Wachowski, Larry/Lana WachowskiCast:Christina Ricci, Emile Hirsch, John Goodman, Matthew Fox, Roger Allam, Susan Sarandon


Disdetta Vodafone Online | Moduli ed Invio Raccomandata #adessonews - #adessonews adessonews finanza innovativa\nDisdetta Vodafone Online | Moduli ed Invio Raccomandata #adessonews\nVuoi disdire o recedere un contratto VODAFONE ITALIA e devi inviare una raccomandata di disdetta?\nCOMPILA ONLINE IL MODULO o CARICA UN MODULO PDF GIA’ COMPILATO di disdetta VODAFONE ITALIA e Allega i documenti (se richiesti)\nLa tua Disdetta verrà automaticamente spedita come Raccomandata A/R via Poste Italiane e consegnata a VODAFONE ITALIA entro 4-5 giorni.\nA partire dalla prima fattura emessa dopo la data di variazione contrattuale, tutti i clienti interessati dall’aumento riceveranno una comunicazione riguardante la rimodulazione dell’offerta in fattura o attraverso altri canali come l’email. I clienti non soddisfatti dell’aggiornamento dell’offerta Vodafone potranno recedere dal contratto o passare ad altro operatore senza penali né costi di disattivazione fino al giorno prima della variazione contrattuale, ossia fino al giorno precedente all’emissione della fattura successiva, specificando come causale del recesso “modifica delle condizioni contrattuali”.\nA partire dalla prima fattura emessa dopo la variazione contrattuale, tutti i clienti interessati dall’aumento riceveranno una comunicazione riguardante la rimodulazione dell’offerta in fattura o attraverso altri canali come l’email. I clienti non soddisfatti dell’aggiornamento dell’offerta Vodafone potranno recedere dal contratto o passare ad altro operatore senza penali né costi di disattivazione fino al giorno prima della variazione contrattuale, ossia fino al giorno precedente all’emissione della fattura successiva, specificando come causale del recesso “modifica delle condizioni contrattuali”.\nSelezionare Recesso Contratto TELEFONIA MOBILE Vodafone entro 14 giorni nel caso in cui si voglia esercitare il diritto di ripensamento ed effettuare il recesso del Contratto TELEFONIA MOBILE Vodafone entro 14 giorni dall’attivazione dell’abbonamento\nRecesso Sim Abbonamento Vodafone per Decesso Intestatario\nSeleziona questo modulo se vuoi recedere un abbonamento SIM a causa del decesso dell’intestario. La richieste può essere effettuata da un erede e deve presentare in allegato:\ncopia del certificato del decesso.\nautocertificazione, l’erede deve dichiarare di essere unico erede del defunto\nNel caso in cui ci fossero piu’ eredi, e’ necessario che questi ultimi rinuncino espressamente ai diritti relativamente all’utilizzo dell’abbonamento scrivendolo nella dichiarazione della persona che intende divenire intestatario)\nLa SIM verrà disattivata entro il trentesimo giorno dalla data di ricevimento della raccomandata.\nDisdetta Adsl o Fibra Vodafone per decesso intestatario contratto\nModulo disdetta Adsl o Fibra Vodafone per decesso intestatario contratto. Deve essere utilizzato da un erede legittimo e/o avente causa.\nDocumentazione da allegare: Fotocopia documento d’identità e Certificato di morte dell’intestatario\nDisdetta linea fissa Vodafone per decesso intestatario contratto\nModulo disdetta linea fissa Vodafone per decesso intestatario contratto. Deve essere utilizzato da un erede legittimo e/o avente causa.\nDisdetta VODAFONE Servizio di consegna elenchi telefonici cartacei\nModulo Disdetta VODAFONE Servizio di consegna degli elenchi telefonici cartacei. Attraverso questo modulo si rinuncia alla ricezione annuale degli elenchi telefonici cartacei e si richiede che non venga più addebitato in bolletta il relativo costo annuale.\nModulo Reclamo Vodafone. Il presente Modulo può essere compilato e spedito dall’intestatario dell’abbonamento quando si verificano disservizi come ad esempio la mancata attivazione di un servizio, errori di fatturazione, il mancato recesso o altro.