Manifesto Amplificato dell’ Arte Digitale Figurativa by Massimo Cremagnani - Issuu\nManifesto Amplificato dell’ Arte Digitale Figurativa\nManifesto dell’Arte Digitale [SPECCHIO]\nPoster, Chiave di lettura & Postilla\nAssunto - La Formula Definitiva\nDell’Arte: Il Potere del Virtuale\nDell’Arte: L’unicità del Riproducibile\nDell’Arte: L’Esigenza del Bello Artistico\nDell’Artista: La Pratica dell’Alchimia\nDell’Artista: La Metafisica dell’Iter Creativo\nDell’Artista: La Perpetuazione della Ricerca\nDell’Intorno: La Presa di Contemporaneità\nDell’Intorno: La Negazione della Superficialità\nDell’Intorno: Il Rifiuto della Simulazione\nacquista questo libro su lulu.com\nIl caos ha bisogno di regole. È consuetudine che le Avanguardie Artistiche si presentino al mondo tramite una più o meno complessa chiave di lettura, un documento di identificazione in cui siano enunciati senza fronzoli lo spirito, le motivazioni, l’atteggiamento e gli obiettivi preposti. Questo documento è definito “Manifesto”. Il manifestismo, se mi è permessa questa definizione, è parte delle avanguardie quanto le loro opere e il loro spirito. Ne racchiude il lato comunicativo, diretto ma più descrittivo rispetto all’opera figurativa o poetica (oppure, nuovamente, multimediale), mantenendo gli ideali nella forma e nell’intenzione. Un Manifesto è un po’ come un canovaccio redatto con stile autoreferenziale, uno spunto generale per chi segue attivamente o passivamente i princìpi del movimento. Ma è anche un fulcro ideologico per chi ha iniziato o intende continuare la ricerca in questione. Talvolta è una sintesi, più spesso apre le porte a diversi approfondimenti.\nFilippo Tommaso Marinetti, autore dei più noti Manifesti del Futurismo, in un ritratto a punta secca virtuale del XXI secolo. Per gentile concessione dell’autore.\nLa necessità di redigere un Manifesto nasce da un’insicurezza motivata, dall’autocritica di superiorità che caratterizza, tra gli altri, i pionieri dell’estetica e i liberi pensatori. Avere un’intuizione innovativa non è cosa di tutti i giorni, e ancor più difficile è metterla in pratica. Prima di questo sussistono innumerevoli dubbi, variabili e verifiche. L’estrema complessità della sperimentazione richiede una precisa analisi speculativa, continua e sempre dinamica. Serve quindi, in un certo momento, un punto fermo su cui poter riflettere e al quale riferirsi, limitando al minimo vaghe interpretazioni e voli pindarici degli autori (prima) e dei fruitori (dopo). La stesura di un manifesto è un atto creativo di grande potenza. La sua gestazione spesso consente maggiori approfondimenti rispetto allo slancio filosofico e creativo di un’opera d’arte come comunemente la si intende. Anche se molti manifesti sembrano scritti d’impulso, carichi di energia cinetica ed emozionale, essi sono in realtà l’estremizzazione di un ricco background, di idee forgiate e macinate dietro le quinte per lungo tempo prima di essere messe a fuoco. L’aggressività, la prepotenza del Manifesto è implicito nel manifestarsi, con uno stile che significa: “Ora sono pronto: ascoltami!”. La sua pubblicazione, oltre a inseguire notorietà e prestigio, favorisce le possibilità di confronto, di riscontro e, come riflesso, di evoluzione. Anzi, ritengo che il suo scopo principale sia proprio quest’ultimo.\nDa cent’anni a questa parte, quando una filosofia raggiunge un’espressività, nasce un manifesto. La nascita di strumenti creativi digitali, la loro evoluzione e la loro diffusione a livello globale hanno stimolato gli Artisti in diversi momenti e in differenti situazioni. Il fenomeno di portata internazionale ha visto - e vede tuttora - molteplici interpreti, e più volte sono stati espressi i dogmi di un’Arte legata ai computer. Pare che, già nel 1995, Lello Masucci abbia pubblicato su Internet un Manifesto dell’Arte Digitale, ottenendo riscontri internazionali; ma di questo manifesto non v’è più traccia, almeno sulla rete. Un Manifesto Digitalista venne quindi promosso da Lorenzo Paolini nel 1997, sottoscritto da diversi Artisti tra cui Larry Gartel e Bert Monroy. Il testo chiaro e conciso ribadiva con solennità retorica la necessità della componente umana nella creazione digitale. Anche questo trattato sembra caduto nel dimenticatoio.\nLorenzo Paolini Terzo Millennio, 1997 http://www.lorenzopaolini.it/manifesto.html\nJ.D. Jarvis e Myriam Lozada Carnival, nd http://www.dunkingbirdproductions.com\nAltri tentativi sono stati perpetrati da J.D. Jarvis e Myriam Lozada, da Demetrios Vakras, da Gerald O’Connel (per la Web Art), da Kerry Mitchell (Fractal Art), da Pelle Ehn (Digital Bauhaus) e così via. Io stesso nel ’98, inconsapevole dei miei precursori, scrissi una breve lirica satirica, intitolandola con sordida ambiguità Manifesto dell’Arte Digitale. La formula scelta, caratterizzata da una struttura poetica e dal tono sarcastico, voleva stimolare attraverso l’ironia l’amor proprio degli Artisti Digitali, sedicenti o meno, di galleristi e curatori, esperti o meno, e di collezionisti e spettatori, coscienziosi o meno. Questa mia prima dissertazione è riprodotta in forma integrale nelle pagine seguenti, con l’aggiunta di una piccola postilla.\nNota dell’Autore: Il sottotitolo “specchio” e l’incessante ripetersi di questo termine all’interno del Manifesto sottolineano l’assoluta necessità di riflettere prima di definire qualcosa “un’opera d’arte”. Specchio è inoltre il confronto con sé stessi, con la propria Opera come parte di sé e con punti di vista esterni purché mirati e coerenti. La storia ha purtroppo dimostrato che l’allegoria era troppo sottile per sortire l’effetto desiderato.\nSiete abituati male. Molto male. Vi illudete che il mondo sia semplicemente quello che vi facciamo vedere: alla televisione; sulle riviste; nelle opere d’arte. (specchio) E noi siamo stanchi: siamo stanchi di lanciarci in ricerche formali sempre più raffinate; stanchi di dover trovare sempre qualcosa di nuovo e di originale; stanchi di non essere apprezzati per i nostri sforzi, se non superficialmente. (specchio) Per secoli abbiamo tentato di aprirvi gli occhi sul mondo e su voi stessi, di farvi vedere più in là; ma a voi questo non interessa più, al giorno d’oggi è così evidente: preferite facili risposte alle domande che vorremmo vi poneste. (specchio) Siamo così stanchi che abbiamo scelto anche noi una risposta facile: ci siamo dati al digitale. (specchio) Cosa importa se la definizione non è la stessa di una fotografia. Se le idee sono quelle vecchie a cui non avete mai badato, leggermente aggiornate alle vostre consuetudini visive. Se la materia non c’è più. Se il gesto viene meccanizzato. Se lasciamo che un macchinario svolga il nostro lavoro. (specchio) Scommetto che molti di voi non se ne sono accorti, e che agli altri non importa. Neanche a noi; tanto ormai lavoriamo nell’immateriale, nel virtuale. Ci siamo rifugiati in un mondo che non potete toccare, perché non esiste. (specchio) Voi credete di vederci, su di uno schermo o sulla carta. Ma quella è solo un’interpretazione di quello che facciamo, di quello che siamo nella nostra realtà virtuale, fatta apposta per voi che non potete (volete) capire.\nE’ bello: non dobbiamo più sforzarci di riportare i nostri sogni o le nostre sensazioni al vostro livello: ci pensa il computer. Non dobbiamo più trovare una forma comunemente accettabile per le nostre idee: le filtra il computer. Non ci dobbiamo più sporcare di colore o intossicare coi solventi. E soprattutto, non abbiamo più paura di sbagliare, possiamo farlo tutte le volte che vogliamo, con il computer. Voi non lo saprete mai. (specchio) Sì, noi ci stiamo abituando bene. Abbiamo trovato questo specchietto per le allodole e lo abbiamo trasformato nella nostra arma vincente. Un artista digitale è sicuramente all’avanguardia, è il nuovo pensiero, è il futuro. (specchio) “Quando tutto sarà informatizzato (presto, molto presto, forse ieri) potremo godere appieno solo di opere virtuali, meglio pensarci da adesso, incominciare ad adeguarsi”. Peccato che alcuni artisti operino attraverso il computer da più di vent’anni, senza che ve ne siate accorti. (specchio) Noi vi illudiamo di poter fare il nostro stesso lavoro, con il vostro computer; noi vi illudiamo che il vostro computer possa fare il nostro stesso lavoro. E per darvi una mano (e avere più tempo libero) spesso lavoriamo superficialmente, al di sotto delle capacità nostre e della nostra attrezzatura. (specchio) Consciamente non ve ne accorgete, ma nel vostro intimo vi sentite più vicini all’arte; così vicini da voler provare voi stessi l’ebbrezza della creazione andando così di fotocopia in fotocopia fino al totale annullamento delle sfumature. Massimo Cremagnani, 1998\n(SPECCHIO) Sì, noi ci stiamo abituando bene. Abbiamo trovato questo specchietto per le allodole e lo abbiamo trasformato nella nostra arma vincente: un artista digitale è sicuramente all’avanguardia, è il nuovo pensiero, è il futuro; (SPECCHIO) “quando tutto sarà informatizzato (presto, molto presto, forse ieri), potremo godere appieno solo di opere virtuali, meglio pensarci da adesso, incominciare ad adeguarsi”. Peccato che alcuni artisti operino attraverso il computer da più di vent’anni, senza che ve ne siate accorti. (SPECCHIO) Noi vi illudiamo di poter fare il nostro stesso lavoro, con il vostro computer; noi vi illudiamo che il vostro computer possa fare il nostro stesso lavoro. E per darvi una mano (e avere più tempo libero) spesso lavoriamo superficialmente, al di sotto delle capacità nostre e della nostra attrezzatura; (SPECCHIO) consciamente non ve ne accorgete, ma nel vostro intimo vi sentite più vicini all’arte, così vicini da voler provare voi stessi l’ebbrezza della creazione andando così di fotocopia in fotocopia fino al totale annullamento delle sfumature. Massimo Cremagnani, 1998\nComputer Graphics & Publishing\nRené Magritte R ené Magritte, 1898 - 1967, belga, visionario. Tutto il suo lavoro era basato sugli sconvolgimenti dei rapporti relazionali: un oggetto e le sue proprietà fisiche, due situazioni unite assurdamente in un unico contesto, stravolgimenti e aberrazioni delle regole prospettiche. I suoi dipinti ritraevano soggetti normalissimi in situazioni impossibili. E proprio questa sua dote di mescolatore concettuale istruisce e ispira oggi fotomontatori e fotocollagisti digitali, il cui lavoro è enormemente facilitato dalla sempre più vasta reperibilità d’immagini originali e dagli specifici software di montaggio. Molti ritengono la tecnica pittorica di Magritte superficiale e infantile,ma fu proprio questa sua didascalità nella figurazione, questo suo illustrazionismo marcato a sottolineare l’instabilità del reale rappresentato nelle sue opere.Certamente lavorare con immagini iperrealistiche,di qualità fotografica,comporta un differente approccio al risultante emotivo del lavoro finale. Forse per questo oggi è molto facile imbattersi in eccessivi effetti speciali, che con la loro appariscenza tendono a offuscare il significato simbolico dell’idea. ■ fittando della buona fede e dell’ignoranza degli spettatori e varcando quella sottile linea che divide il citazionismo dal plagio. Questo fenomeno non è una novità, e non solo nel\n� René Magritte, “Il tentativo dell’impossibile”, 1928\n� Ernst Nusterer, “Titolo sconosciuto”, anni ’90\nIl Manifesto era inserito a compendio dell’articolo sui cloni del surrealismo, nella rubrica “ComputerArte?” (da me ideata (e gestita per due anni sulla defunta rivista Computer Graphics & Publishing, IHT)\nOgnuno di questi Manifesti - soprattutto il mio - rappresentava uno sfogo giustificato ma anche fine a sé stesso, senza approfondire un valore storico e formale, senza dichiarare un’identità artistica e cronologica, senza ammettere o indagare un’estetica poliedrica e in continuo sviluppo. L’espressione tradotta in parole di una ricerca condivisa era, nella sua approssimazione, troppo poco incisiva, dettagliata o esplicita per spiegare, informare e convincere. Noi Artisti, forse troppo concentrati sulle recenti scoperte, avremmo anche dovuto tenere in considerazione un forte fattore di disturbo: l’invasione informatica. Questo moderno vaso di Pandora ha contribuito a rendere inefficaci i nostri propositi illudendo, confondendo, logorando le buone intenzioni di artieri e accoliti, sommergendoci di non-arte. Il proliferare del pensiero comune, espresso sul Web da chiunque avesse una tastiera al posto della cultura, ha suicidato la nuova esperienza con la massificazione. Come sintomo, molti degli Artisti precedentemente citati come probabili precursori, ricercatori e innovatori, oggi come oggi hanno abbandonato il digitale, oppure si presentano come illustratori, fotografi, grafici pubblicitari cavalcando l’onda della comunicazione didascalica.\nBert Monroy Come to Florida, 1997 http://www.bertmonroy.com\nUn chiaro processo deduttivo mi ha quindi portato alla seguente antinomica conclusione: la nostra avanguardia si è dimostrata obsoleta. Il concetto di Manifesto, funzionale nel tempo in cui solo chi aveva realmente qualcosa da dire veniva pubblicato – e letto – è finito. Le parole hanno un peso diverso, soffocate dal rumore di fondo e da mercanti da trivio che strillano le contestabili doti delle proprie improvvisazioni. Oggi il concetto di Manifesto deve essere rivisto in chiave ancor più contemporanea, adeguandosi a un mondo dove normative e certificazioni hanno più autorevolezza rispetto a concetti su cui è necessario ragionare. Ho intrapreso quindi una nuova formula, più disciplinare e pragmatica, cercando di mantenere lo stile coerente e indipendentista tipico dell’Arte. Il risultato è il Manifesto Amplificato protagonista di questo volume. Ora ve la presento.\nIl Manifesto rinasce nell’anno 2005 come base per un codice deontologico coerente e qualificante, un punto di partenza per tornare a capire cosa è Arte (Digitale). O, meglio, cosa può non esserlo. A differenza degli onorevoli predecessori, diviene più spiegazione che definizione, più indagine che rivelazione, più ricerca che risultato, rimanendo aperto ad approfondimenti ed estensioni. L’aggressività lascia il posto all’autocritica, senza imporre alcunché. Lascio questo atteggiamento a politici, ecclesiasti e operatori commerciali, con o senza la mia approvazione. In questo nuovo Manifesto le affermazioni lasciano il posto a constatazioni e descrizioni. Lo spirito intraprendente e dinamico è sottinteso nel riconoscimento e nella coerente approvazione di uno status di fatto, per divenire in seguito liberamente interpretabile, integrabile e perfezionabile in modo soggettivo. Esattamente come un’opera d’Arte. L’importante è Essere in Mostra con sincerità e competenza sviluppando un’Arte realmente contemporanea, circondato da avversari abili e stimolanti, da opere stuzzicanti, piacevoli, uniche e, soprattutto, da estimatori coscienti.\nIl caos ha bisogno di regole, così da poterle infrangere.\nIl Manifesto Amplificato dell’Arte Digitale Figurativa si sviluppa in un decalogo. È introdotto da una dichiarazione plenaria definita Assunto, seguita da tre sottoinsiemi di argomentazioni: Dell’Arte, Dell’Artista e Dell’Intorno. Ogni argomentazione presenta a sua volta tre voci capillari di approfondimento. Ogni voce è composta da un titolo riassuntivo e una descrizione esplicita. La prima stesura del Manifesto Amplificato comprendeva esclusivamente questo decalogo: essenziale, schematico e diretto. Cominciai a diffonderlo stampandolo in diversi formati, dalla cartolina (santino, bugiardino) al poster 35x50, locandina dei tempi presenti. Sembrava una buona idea, ma sorse qualche piccolo problema... Non poche persone mi hanno rinfacciato il linguaggio ermetico, aulico e anche un po’ pedante con cui ho redatto il Manifesto. Lo ammetto, mi sono lasciato trasportare dall’entusiasmo miscelando terminologie tipiche dei più estremi trattati di estetica, neologismi legati al digital imaging e qualche arcaismo. Lo scopo era (è) quello di sottolineare simbolicamente la profondità culturale dell’idea che ne sta alla base, impedendo un’interpretazione didascalica e piatta. Forse ho un po’ esagerato, sfornando un testo più ostico che illuminante, almeno alla prima lettura. Nelle pubblicazioni successive l’ho dotato di ulteriori ampliamenti, per renderlo comprensibile a un maggior numero di lettori, soprattutto quando Luca Magnoni, ai tempi editor della rivista Computer Arts, mi propose di pubblicare il Manifesto solo a condizione che lo rendessi più accessibile.\nAssunto La Formula Definitiva\nDell’Arte il potere del virtuale L’Unicità del Riproducibile L’Esigenza del Bello Artistico\nDell’Artista La Pratica dell’Alchimia La Metafisica dell’Iter Creativo La Perpetuazione della Ricerca\nDell’Intorno La Presa di Contemporaneità La Negazione della Superficialità Il Rifiuto della Simulazione\nScrissi quindi una versione commentata, in cui ogni punto del Manifesto era corredato da una spiegazione più ampia, con esempi teorici e aneddoti personali. Questa per diverso tempo è stata la forma più diffusa del Manifesto: un vero e proprio poster esageratamente testuale, corredato da note introduttive ed esplicative: una per l’Assunto, una per ogni argomentazione, più una conclusiva. Alla fine, la rivista Computer Arts pubblicò il Manifesto in cinque puntate, tra l’aprile e l’agosto del 2005. Il testo era ulteriormente arricchito da diversi approfondimenti, inerenti la mia ricerca quanto il panorama artistico storico digitale globale. Questo libro, versione 2.2, è per ora l’ultimo compendio al Manifesto. Ho deciso di smembrare ulteriormente la struttura, equipaggiando ogni singolo tema di nuovi contributi per una migliore comprensione. Mi auguro di essere giunto al corretto equilibrio tra ciò che avevo in mente - e sostengo tuttora - e a una sua comprensibile traduzione nel linguaggio degli uomini.\nUn suggerimento che elargisco spesso insieme a una copia del Manifesto è quello di appenderla in bagno, di fronte alla tazza. Credo che una frase per volta, nel momento di massima concentrazione, privacy e libertà sia il metodo più consono per assorbirne l’essenza e comprenderne la profondità. In caso contrario, può sempre essere utile come stimolante. Puoi scaricare la versione “poster” del Manifesto Amplificato dell’Arte Digitale Figurativa dalla sezione Manifesto di capitolouno.com\nnel senso che â&#x20AC;&#x153;definisceâ&#x20AC;?\nCon Arte Digitale Figurativa intendiamo quelle opere statiche, dinamiche o interattive che presuppongano la necessitĂ di strumenti digitali per la propria realizzazione, ove altri metodi non porterebbero un simile o altrettanto efficace effetto estetico.\nIl primo punto del Manifesto è dedicato alla definizione di Opera d’Arte Digitale Figurativa. È assolutamente necessario dare una definizione, in quanto la leggenda per cui “con un computer tutti possono essere artisti” è purtroppo ormai radicata nella credenza comune, popolare e non. L’influenza di oniriche promozioni commerciali, la spettacolarità di effetti ormai obsoleti, la praticità dell’automatismo virtuale in vece di esperienza, allenamento e impegno fanno gola a tutti. E il mondo dell’Arte ne soffre, invaso da una dilettantesca imprecisione semantica e semiotica. Gli elementi della figurazione - colore, segno, prospettiva, dettaglio, tratto, dimensione e via dicendo, ma anche soggetto, ambientazione, concetto, simbologia, illusione... - sono il più delle volte trascurati. Sto parlando di conoscere veramente la tecnica produttiva e riproduttiva prima di metterla in atto. Di rispettarne le caratteristiche nella composizione e nell’esposizione. Di sentire il gusto della creazione, un termine ormai sottovalutato, come sinonimo di originalità. Di apprezzare l’evoluzione tecnologica e le scoperte estetiche in quanto stimoli per l’innovazione, e non per la clonazione. La scelta per un Artista nell’utilizzare strumenti digitali per le proprie creazioni deve essere motivata sì da un’affinità, ma i risultati, le Opere, devono staccarsi dal contesto concettuale e formale delle altre tecniche per conquistare una meritata identità. La stampa digitale, nel dettaglio, è da molti confusa con la “fotocopia”, vuoi per l’affinità meccanica, vuoi per l’idea di riproducibilità dell’immagine digitale. L’onorevole parentela è intesa in senso negativo, così come una fotocopia è vista come “copia di qualità inferiore rispetto all’originale”. L’Opera stampata merita invece tutta l’attenzione e la ricerca necessarie ad esprimere l’idea figurativa, catturando la percezione del fruitore ad ogni livello percettivo come un buon quadro o una buona fotografia. Senza questi accorgimenti, non facciamo altro che dare ragione al superficiale giudizio\nLa manipolazione di luci, tonalità e contrasti permette di evidenziare il “bello dentro”, una visione data dalla tecnologia ma interpretata dal’Uomo.\nappena accennato, sminuendo tanto la nostra attività creativa quanto il valore tecnico-espressivo della tecnica e dello stile digitali. Riguardo poi al termine Figurativa, voglio precisare che non è stato introdotto per escludere le immagini astratte, bensì per coinvolgere tutte le formule espressive basate sulle immagini. Questo dettaglio è un piccolo escamotage per mantenere i presupposti del Manifesto aperti anche ad altre forme d’Arte realizzate al computer senza però sviscerarne i dettagli: la musica, l’installazione multimediale, la poetica di programmazione e così via. Non tratto in prima persona questi argomenti per mancanza di esperienza diretta, ma resto convinto del loro valore potenziale e delle analogie con la figurazione per quanto riguarda i rispettivi criteri di valutazione e identificazione: originalità, estreme possibilità di approfondimento, qualità formale ed estetica tra l’idea iniziale e l’esecuzione pratica. L’ultimo criterio fondamentale per l’identificazione dell’Arte Digitale riguarda la necessità di utilizzare strumenti digitali nella realizzazione dell’opera. Spesso purtroppo ci si affida al computer per pigrizia nella tempistica di lavorazione o, peggio, di elaborazione. L’approccio casuale, applicato al computer, prima o poi darà un risultato particolare, piacevole, apparentemente valido; un po’ come le famose diecimila scimmie con diecimila macchine da scrivere. Il computer, riassunto nel processo noto come “copia-e-incolla”, è spesso utilizzato per rimaneggiare idee del passato, già realizzate con tecniche e strumenti tradizionali ma impoverite dalla mancanza di quel pathos che le caratterizzava nella fase creativa e nell’aspetto finale dell’opera. La complicità tra la componente umana e lo strumento diviene invece un punto fermo per l’affermazione stilistica e personale, là dove l’autore elegge consapevolmente il computer a catalizzatore della propria idea espressiva, per diverse motivazioni analizzate più approfonditamente nei punti successivi.\nche logora chi non ce lâ&#x20AC;&#x2122;ha\nNel computer non esiste nulla, quindi si puĂ˛ fare di tutto.\nDell’Arte: i seguenti tre punti del Manifesto sono dedicati all’identità dell’Arte Digitale Figurativa, purtroppo più volte confusa con forme espressive inferiori e dilettantesche, se non con una “semplice” tecnica alla portata di tutti. Il concetto di “virtuale”, termine di cui si è impropriamente abusato per definire la simulazione, viene qui rivisto come legame con l’immaginazione umana. L’impalpabilità dei pensieri è pari a quella di ogni creazione digitale, godibile solamente attraverso l’apparato informatico almeno per quanto riguarda la fase creativa. La creazione di forme, l’applicazione del colore, la modifica dei tratti sono solo un passaggio di bit, un intangibile calcolo in codice binario al quale viene data una maschera da indossare dietro al cristallo del monitor. Questo vincolo diviene per l’Arte sinonimo di assoluta libertà, almeno in tutta la gestazione dell’opera. L’atto artistico può essere definito principalmente elaborazione dell’immagine, con un legame alla fantasia e uno all’attività pratica della creazione. Ma voglio includere in questa analogia anche la memoria, come raccolta e gestione di formule visive ed elementi figurativi, il ragionamento in cui si intrecciano i dati assimilati alla ricerca di una nuova chiave di interpretazione e la meditazione come astrazione dai vincoli materiali delle tecniche tradizionali. Agire in virtuale è, in sostanza, mediazione del processo mentale. La materializzazione definitiva, che nelle altre tecniche espressive come la pittura o la scultura costituisce l’elemento dominante, può essere qui esclusa, o almeno declassata a favore dell’indipendenza creativa. In questa prima fase di gestazione dell’opera (seconda, se andiamo a considerare un’ispirazione pregressa) possiamo evitare di preoccuparci della manifesta realizzabilità, della materializzazione del concetto figurativo (anche se, come vedremo più avanti, a un certo punto la materia avrà il suo peso).\nLa fusione di una texture naturale come la pelle e una astratta, per quanto realizzata tramite una macchina, puĂ˛ mantenere spontaneitĂ e grazia.\nIl virtuale permette di eludere i limiti della fisica nella raffigurazione quanto quelli economico/ pratici della messa in opera. Certamente si può essere condizionati da altri fattori: il tempo esecutivo, le risorse tecnologiche o la padronanza degli strumenti. Si tratta però di difficoltà momentanee, con una soluzione evidente e che non possono impedire in assoluto lo svolgersi del processo creativo. L’astrazione metafisica dell’operazione digitale, la sua non-esistenza sul piano materiale è quindi da considerare come un enorme vantaggio (insieme ad altri che vedremo più avanti) per la libera espressione, di cui diviene un pragmatico rappresentante. La fase successiva, ovvero la presentazione tangibile dell’operato, si riallaccia con maggiore affinità ai più consueti problemi espositivi e comunicativi, dividendosi tra i metodi classici (materializzazione) e quelli intrinsecamente innovativi, cioè legati all’essenza tecnologica del digitale: riproduzione su schermo, diffusione cross-media, interattività, multimedialità e così via.\nL’Arte Digitale Figurativa sfrutta la forza della riproducibilità a fini divulgativi, purché le riproduzioni in oggetto seguano pedissequamente i criteri qualitativi dell’opera unica.\nAffrontiamo ora una tematica su cui si sono sviluppate diverse scuole di pensiero. La riproducibilità, spesso demonizzata più per questioni economiche che estetiche, viene in questa sede accettata come valore positivo e caratteristica propria dell’Arte Digitale. La riproducibilità è un elemento intrinseco dell’opera di tiratura, come già accade da secoli per ogni tecnica calcografica e per la fotografia. Si può, al limite, distinguere tra le scelte estetiche e quelle commerciali, ovvero tra l’uso di una particolare tecnica perché espressamente congeniale all’artista e/o al singolo progetto artistico, oppure optare per una maggiore diffusione dell’opera così da poterla vendere a un prezzo inferiore di quello dell’opera singola, con tutti i benefici che il mass-marketing ci insegna. In quest’ultimo caso possono anche rientrare i casi di riproduzione declassata come i “cloni” di opere pittoriche (litografie, serigrafie, poster), mera operazione di cassetta dal dubbio valore artistico, anche se apprezzabile dal punto di vista divulgativo. Il nostro caso è sicuramente più vicino alla prima opzione, legata alla consapevolezza dell’Artista: qui parliamo di riproducibilità come elemento inscindibile dell’opera digitale, una riproducibilità estrema, se si considera l’invulnerabilità dell’originale rispetto, ad esempio, a una lastra di zinco. L’opera digitale può essere riprodotta all’infinito, sempre uguale, purché gli strumenti (e i supporti) di riproduzione rimangano invariati. Cosa che, per nostra fortuna, non accade, lasciandoci il piacevole senso di evoluzione continua (che in termini tecnici viene brutalmente e impropriamente definito aggiornamento). L’evoluzione tecnologica rivede a brevissimo termine ogni suo aspetto, mutando non solo i sistemi di riproduzione ma anche il modo in cui le riproduzioni stesse vengono percepite dal pubblico.\nLa sovrapposizione di elementi grafici e pittorici in unâ&#x20AC;&#x2122;unica immagine puĂ˛ simboleggiare concettualmente la fusione tra uomo e tecnologia.\nUna formula espressiva, un concetto di qualità formale, uno stile, un livello comunicativo può passare da ideale a obsoleto nel giro di pochissimo tempo, sempre per via della facile diffusione, lecita o illecita che sia. Possiamo quindi immaginare come la riproduzione perpetua perda il suo senso, e necessiti di un’oculata scelta evolutiva o comunicativa dell’artista. Un sapiente uso della riproducibilità, intesa come intervento attivo dell’Artista, aggiunge valore e identità all’opera, tanto quanto l’atto superficiale può sminuirne l’essenza. Approvare la diffusione dell’Opera Digitale significa vederla emergere dal mare di produzioni pseudo-artistiche che ci invade in ogni ambiente. Grazie ai servocomandi digitali stiamo raggiungendo il massimo qualunquismo dell’espressività e per questo, ora più che mai, l’Artista deve distinguersi nel confuso oceano delle immagini e della comunicazione. Una volta, la calcografia d’Artista veniva definita anche stampa originale, come a sottolineare che ogni altra pubblicazione non fosse in net ta relazione con l’idea primaria dell’Autore. Oggi questa certificazione viene data da marchi o contratti il cui valore è spesso impersonale, tecnico, fiscale. L’Artista Digitale, più di ogni altro Artista, deve riprendere le redini delle proprie creature seguendone, dopo la nascita, anche la crescita e lo sviluppo: la presentazione stampata e virtuale, la diffusione, l’opinione che ne viene data o che si può percepire da un confronto con il mondo dell’Arte, dell’Immagine e della Cultura in generale. La cosa bella è che, a prescindere delle più approfondite ricerche individuali da parte degli Artisti più coscienziosi, molti degli strumenti nozionistici e pratici per mettere in pratica quanto sopra sono universalmente disponibili, spesso a titolo gratuito, nella più contemporanea e malgestita formula di comunicazione: il Web.\nmai troppo per essere vero\nLâ&#x20AC;&#x2122;Arte Digitale Figurativa rappresenta lâ&#x20AC;&#x2122;attuale evoluzione delle Belle Arti tutte, allacciandosi al concetto di bellezza estetica come interpretazione estrema dei concetti e nesso imprescindibile con lâ&#x20AC;&#x2122;ideale.\nCome incentivo al valore storico di un’identità dell’Arte Digitale, viene qui sottolineata la responsabilità nell’accuratezza del messaggio e il valore estetico di una buona realizzazione. Il concetto di bellezza viene esteso dalla ricerca stilistica alla cultura iconografica, così che gli elementi visivi possano essere reinterpretati e non ripetuti. La simbologia visiva ruota sempre intorno agli stessi elementi (forma, luce, colore, contrasto...) e a una ricca gamma di simbologie, il cui impatto cambia però in relazione al momento storico e al contesto. Questo comporta un’analisi della contemporaneità nei canoni di interpretazione, per individuare i valori espressivi più efficaci della storia umana ed enfatizzarli con composizioni o stili adeguati alla percezione del momento. Con l’invenzione della fotografia, i pittori iniziarono a studiare la luce in maniera diversa, insolita, scientifica, anomala. Con la diffusione dei mezzi di locomozione nacque il culto della velocità e del dinamismo. Con l’avvento del cinema, si cominciò a raffigurare la quarta dimensione (più altre). Cosa può dare quindi l’informatica alla figurazione? Nascono in continuazione nuove linee espressive, ma bisogna tenere conto della loro provenienza perché siano un’evoluzione. Nascono nuove interpretazioni di argomenti storici, visti e presentati in ottiche differenti. Nascono nuovi parametri di valutazione stilistica e tecnica, ma spesso si considera superficialmente l’appariscenza piuttosto che la raffinatezza, il costrutto, l’indagine formale, compromettendo il più delle volte il valore del messaggio. Qualcuno di cui non faccio il nome (ma lo conosciamo tutti), un centinaio di anni fa iniziò a provocare il mondo dell’Arte detronizzando il valore estetico dell’Opera e mettendo al suo posto il concetto, l’idea espressiva. Un’azione artistica più che lecita, se non fosse stata (ed è tuttora) fraintesa, ripetuta fino allo sfinimento e sfruttata vigliaccamente da chi non conosce l’estetica o non la sa rappresentare.\nI grafismi artificiosi dellâ&#x20AC;&#x2122;interpretazione digitale possono, piĂš o meno involontariamente, riprendere elementi naturali nascosti.\nOpere obiettivamente brutte (e prive di comunicatività per i più) sono state criticate e derise, all’interno di famosi musei e manifestazioni artistiche tra le più rinomate. Non è questione di gusti, ognuno ha diritto di tenersi stretti i propri. Parliamo di quadri dipinti male, di assoluta misconoscenza dei colori e dei supporti, dell’anatomia e della prospettiva. Parliamo di solidi platonici spacciati per sculture, architetture, oggetti. Parliamo di cose che fanno pensare solo a degli espedienti per nascondere pigrizia fisica e mentale, mancanza d’estro e/o di capacità realizzativa. Un po’ come una delle accuse principali rivolte agli utenti di computer... Ritornando ai punti precedenti del Manifesto, e anticipando i seguenti, sappiamo che non è così, che il computer non è solo una stampella. Quindi non facciamoci dare dello zoppo inutilmente. Sappiamo che questo freddo strumento, questo elettrodomestico che vive di porno e di pseudocontatti a distanza può dare molto, a noi e a chi gode del nostro operato. Il Bello è dentro al computer, nell’innovazione grafica e in quella dei processi logici che opera e che invita a manifestare, in formule nuove tanto quanto nell’evoluzione di quelle più antiche. Il valore archetipico di bellezza è un invitante nesso tra la purezza dell’ispirazione e la realizzazione vera e propria, ma anche tra chi crea l’opera e chi la osserva. Un bel tratto è un valore universale, così come un bel colore, un bel soggetto, una bella composizione. Più approfonditamente, si apprezzeranno un buon uso dello strumento, una dinamica emotiva o un richiamo percettivo. È una questione di rispetto per l’idea e per lo spettatore, le cui emozioni vanno stimolate e non aggredite.\nritorno a un’Arte dimenticata\nL’Artista Digitale si pone come catalizzatore tra cultura e miopia, tra passato e presente, tra istinto e pragmatismo onde mediare l’impatto autocratico delle tecnologie nell’immaginifico umano.\nL’Artista è una figura unica nel panorama sociale, un ‘diverso’ che sente la necessità di esprimere la propria interpretazione delle cose. Quello che spesso sfugge è la responsabilità di questo comportamento, sia nei confronti dell’Arte, sia verso il proprio pubblico. L’Artista influenza ciò che lo circonda esasperandolo, criticandolo e idealizzandolo, prevedendone gli sviluppi o l’entropia. L’Artista che sceglie lo strumento digitale assume implicitamente il compito di svelare una nuova faccia dell’informatica, serva e padrona negli ultimi decenni di ogni stile di vita. Affrontandola direttamente, fondendosi con essa in un unico canale espressivo, l’Artista incarna contemporaneamente il ruolo di mediatore e quello di esploratore. La ricerca può portare a innovative figurazioni, esperienze visive che si sviluppano durante la creazione con la complicità dello strumento. Questa esperienza, lo storico dell’atto creativo, è una componente fondamentale dell’opera finale che nell’opera finale deve trasparire. Trasmettendo l’energia della gestazione, l’artista può insinuare simbolicamente il valore costruttivo del mezzo digitale, esplicandone l’elevato potenziale nascosto. Il riferimento simbolico di un Artista Digitale inizia quindi con l’essere Digitale, intervenendo su strumenti apparentemente alla portata di tutti ma utilizzandoli oltre la norma e con criterio di causa. L’Artista è il pilota di rally di fronte all’impiegato con l’utilitaria: impegnato in un effimera competizione con sé stesso, affiancato da una tecnologia complice, ispirato dal percorso medesimo più che dal raggiungimento del traguardo. Il suo ruolo non è direttamente pratico, ma d’ispirazione riflessiva. Mostrare queste differenze è da sempre parte del gioco dell’Arte ma, per funzionare, il linguaggio utilizzato deve mostrare un legame tangibile con lo spettatore, arricchito dai giusti virtuosismi.\nLa deformitĂ geometrica dellâ&#x20AC;&#x2122;eleborazione digitale, opportunamente manipolata, puĂ˛ creare un maggiore senso di alienazione e quindi simbolismo.\nE lo spettatore possiede una memoria genetica, ricca di tecniche, di stili, di simboli. Per non perdere questa possibilità di comunicare all’inconscio, ma neanche perdere quel medesimo retaggio di esperienze mentre creiamo, cerchiamo di ricordarne il valore celebrandolo con il privilegio dell’evoluzione. La maggior parte dei software è (o comunque è nato per essere) un’emulazione di qualcosa di reale: Word una macchina da scrivere. Photoshop un laboratorio fotografico. Molti tipi di stampanti riprendono i sistemi di stampa tradizionali, talvolta anche nella forma. Stampiamo una foto, un quadro con l’intenzione di appenderlo in una cornice. Ma cosa c’è di diverso tra una Olivetti M1 e un word processor? Tra un’ombra inserita col mouse e una creata con delle maschere in camera oscura? Tra l’inchiostro serigrafico e il toner delle stampanti laser? Tutti sono strumenti. Tutti interagiscono con noi per dare vita alla nostra visione. Sono complici della creazione, e rimarranno incastonati nell’opera. Questa traccia, quest’energia, positiva o negativa, appare evidentemente a chi la sa cercare. Ma talvolta è bene esagerare un po’, portare sotto i riflettori con orgoglio le caratteristiche salienti del digitale: un nuovo stile.\nLa metodica creativa implicita dellâ&#x20AC;&#x2122;Arte Digitale Figurativa comporta in maniera unica e innovativa processi mentali non lineari da parte dellâ&#x20AC;&#x2122;Artista, evidenti nelle continue evoluzioni e reinterpretazioni delle simbologie trattate.\nPer sincronizzarsi creativamente con lo strumento digitale, astratto rispetto a quelli tradizionali, l’Artista Digitale assume un nuovo metodo creativo in cui le regole costruttive vengono modificate e, in alcuni casi, ampliate. Là dove un pittore immaginava, schizzava, dipingeva progressivamente dallo sfondo verso il più delicato dettaglio, l’Ar tista Digitale può af frontare un’idea da molteplici punti di vista contemporaneamente, agendo indistintamente su composizione, dettaglio, figurazione e cromia. Può creare versioni alternative di uno stesso lavoro grazie a sviluppi paralleli e varianti immediate. Può tornare sui suoi passi e ottimizzare all’infinito, senza necessariamente ricominciare da zero. Può anticipare dettagli normalmente relegati agli stadi finali dell’azione creativa e, viceversa, riprendere quelli iniziali a lavoro ultimato. Queste operazioni permettono di incrementare notevolmente la ricerca compositiva, allargandone il raggio d’azione all’infinito. L’esplorazione continua, l’aggiustamento del tiro consente una più rapida crescita espressiva dell’autore, ora in grado di confrontare le variabili della propria ispirazione in tempo quasi reale. Con il computer prima e con Internet poi, il caos e l’ordine hanno assunto una nuova identità: tutto è disponibile, a portata di mano: immagini, informazioni, contatti, confronti. Quanto può influire questo sull’ispirazione di un Artista, sul suo ragionamento creativo? Il bagaglio culturale e la disponibilità di strumenti può crescere così velocemente da far mutare un’idea infinite volte durante la sua materializzazione, contraddicendola e reinventandola in continuazione.\nIl pixel, elemento primario dellâ&#x20AC;&#x2122;immagine digitale, puĂ˛ crescere fino a diventare elemento figurativo e compositivo, rimando macroscopico ad alcune tecniche tradizionali.\nLa convinzione di poter terminare un’Opera può anche volatilizzarsi, portando l’Artista a un bivio: definire impeccabilmente un concetto o uno stile, oppure indagare le infinite sfaccettature di un solo protagonista, di un pensiero specifico. In entrambi i casi le possibilità sono evidentemente maggiori rispetto all’uso di tecniche tradizionali, caratteristica questa che dovrebbe determinare una particolare prerogativa dell’Artista Digitale. Un atteggiamento di ricerca così espanso non comporta naturalmente la perdita dello slancio creativo o del dinamismo, poiché queste doti, come in ogni altra disciplina, rappresentano una fase differente dell’atto creativo consentita dalla padronanza e dalla dimestichezza con lo strumento. La rapidità di esecuzione si raggiunge con un allenamento mentale e fisico, oltremodo stimolato dalla continua evoluzione di questi strumenti. I tempi creativi, a dire il vero, subiscono anche in questo caso una forte turbolenza. Azioni rapide e dinamiche possono, a seconda degli strumenti, apparire lente e tediose nella loro versione virtuale. Altri processi più raffinati, che richiedono precisione e pazienza, possono essere tranquillamente demandati alla potenza di calcolo del processore e alla sua meticolosità. L’atto Artistico rimane, come è sempre stato, un gesto catartico che all’interpretazione della realtà unisce una profonda azione introspettiva. Come Artisti Digitali vivremo sempre l’opera finita nella consapevolezza di uno sviluppo ulteriore, una evolutiva incompletezza vista nell’eterno divenire come stimolo a fare di più.\nL’impegno e la passione dell’Artista Digitale abbracciano la ricerca di nuove formule compositive, stilistiche e comunicative legate alla contemporaneità tecnologica ed espressiva, vertendo in ogni modo alla ricerca continua della massima interpretazione dell’ideale con detti strumenti, utilizzandoli oltre i limiti del consueto.\nSe il metodo digitale fornisce un aiuto pratico alla ricerca stilistica ed emozionale, dobbiamo ancora ricordare che in ambito virtuale tutto è possibile. La metafisica dell’ispirazione può espandersi così in ogni direzione, trattenuta solo e in parte dall’aspetto “reale” della comunicazione artistica. Questo metodo creativo acquista ancor più valore se viene rapportato alla ricerca di una figurazione contemporanea: quante forme e stili sono già onnipresenti (seppur con minor audacia del passato) per l’abuso quotidiano dello strumento digitale? Questo abuso svilisce, lo abbiamo già detto. Possiamo ignorarlo, fingendo di essere su un altro pianeta? Sbagliato. Possiamo analizzarne le caratteristiche per eluderle, andare oltre, visto che esse stesse già rappresentano - a loro inapprezzabile maniera - la realtà. Gli strumenti digitali, più di tanti altri strumenti e similmente a ogni elettrodomestico, pretendono di essere utilizzati da chiunque. Per questo motivo nascono con una maschera, definita interfaccia, che ci permette di fare “delle cose”. Dietro questa maschera c’è molto di più: dietro i software ci sono formule matematiche, emulazioni della natura, codici, leggi, categorie. Dietro l’hardware c’è la tecnologia, la fisica, la tangibilità. Facendo solo qualche piccolo passo verso l’interno, possiamo trovare la novità. Il segreto. L’illuminazione. Per poi scoprire, subito dopo, quanto essa sia già noiosa e obsoleta. Almeno se facciamo un po’ di sincera autocritica.\nI materiali virtuali che compongono lâ&#x20AC;&#x2122;immagine possono illudere percettivamente lo spettatore, restando implicitamente ancorati ad unâ&#x20AC;&#x2122;unica stesura.\nAllora facciamo qualche altro passettino. Indaghiamo, sperimentiamo, riscontriamo. Interpretiamo. C’è un’attitudine particolare, che io definisco “il genio dell’ignoranza”. È un po’ come la fortuna del principiante, ma più complessa: da una conoscenza assolutamente basilare nascono intuizioni inaspettate, somme di concetti irrazionalmente posizionati che portano a un risultato coerente. Faccio un esempio: non conosciamo l’algoritmo di variazione del colore quando applichiamo un filtro su un’immagine, ma, seguendo l’istinto, raggiungiamo un risultato soddisfacente. Per arrivare all’ideale, però, l’istinto non è sempre sufficiente, né la fortuna. Ce ne rendiamo conto non appena scopriamo un segreto, un meccanismo trascurato dal libretto delle istruzioni forse perchè non previsto. Il vasto mondo del digitale, con i suoi meccanismi e le sue emulazioni, comincia a rasentare la realtà per il numero di possibili variabili. E non è forse questa l’illuminazione? Razionalizzando processi misteriosi, attingendo ai pochi punti di contatto reale che abbiamo con il digitale, possiamo aprire nuove conoscenze, tramutarle in immagini e mostrarle al mondo, invece di fotocopiarlo.\nLâ&#x20AC;&#x2122;Arte Digitale Figurativa ha il compito di rispecchiare, migliorandola, lâ&#x20AC;&#x2122;estetica invasiva del metodo informatico per la comunicazione.\nCon Intorno intendiamo ciò che circonda i protagonisti dell’Arte: gli Artisti e le loro Opere. Intorno ci sono gli estimatori e gli approfittatori, i mercanti e i fornitori. Ma soprattutto ci sono gli spettatori, un termine forse improprio ma che può tranquillamente essere sostituito con chiunque. Nell’era digitale, la diffusione di immagini e di cultura in generale è alla portata di tutti. Sebbene molti, anche apertamente, non prestino una grande attenzione all’Arte come normalmente viene intesa, ne sono comunque investiti di riflesso. La ricchezza individuale dell’Arte è legata a doppio filo con l’intera esperienza umana. In senso lato, possiamo affermare che in origine ne trae ispirazione e, una volta maturata, finisce con influenzarla. L’oggetto computer è l’evidente punto di unione tra l’Arte Digitale e l’invasione informatica riscontrabile in ogni ambito, professionale e domestico, elemento dominante della nostra era. Il riflesso dell’Arte sul mondo è quindi un elemento di grande responsabilità per l’Artista, che con la propria opera mostra aspetti eclettici e informali di questa tecnologia, alterandone l’aspetto globalizzante o, concettualmente, portandolo all’esasperazione per protesta. L’analogia più evidente si rivolge alla grafica di comunicazione, che condivide strumenti e stili ma, troppo spesso, si limita a messaggi didascalici e diretti. In questo modo nega, per principio, una libera interpretazione allo spettatore ma anche al suo creatore, complice di un livellamento dell’esperienza mediatica. L’avere di fronte ogni giorno in ogni momento immagini pubblicitarie mediocri abbassa inconsciamente il criterio di giudizio dello spettatore, che si abitua a un turbinio visivo sicuramente più vario di un tempo, ma confuso e ripetitivo. Il gusto si affloscia, e l’appena poco più che mediocre suscita emozione. Una piccola piccola emozione che, nel grigiore, fa da placebo, evitando lo sforzo di cercare di più.\nLâ&#x20AC;&#x2122;unione di forme oniriche e tratti euclidei puĂ˛ aumentare la sensazione di caos controllato, dando allo spettatore maggiore libertĂ di interpretazione.\nMica come un tempo, quando gli eventi Artistici erano l’unico diversivo e venivano accolti con foga, respirati fino in fondo prima di essere metabolizzati e, nel migliore dei casi, comunque frequente, suscitare emozioni. Grandi Emozioni. Positive o negative, ma grandi. L’arte si è fatta soffiare il trono dall’intrattenimento, che però utilizza i suoi stessi strumenti. Ritengo quindi la partita ancora aperta (non una guerra, perchè le due realtà - Arte e intrattenimento - possano anche convivere, se non addirittura allearsi.\nL’Arte Digitale affida i virtuosismi dell’immaginifico umano alla caratteristica accuratezza dello strumento informatico là dove la simbiosi tra i due fattori porti a qualità di rappresentazione e singolarità dello stile.\nIntorno all’Artista Digitale ci sono anche i suoi strumenti. Sono nati per aiutare l’uomo, per fare le cose evitando uno dei problemi irrisolvibili della natura: l’errore umano. La velocità, la memoria, la versatilità degli strumenti informatici sono elementi che non varrebbero nulla senza la precisione. I computer sono molto precisi: per le dimensioni, per i colori (anche se talvolta fanno fatica a spiegarsi tra loro), per il tempo, per le forme. In alcuni ambiti la precisione è necessaria, come in architettura o in medicina. Nell’Arte è una scelta, una possibilità di effettuare quel qualcosa esattamente come lo si desidera. Se si ha chiaro cosa si ha in testa, abbiamo la pietra filosofale. A volte però è difficile lasciare uscire l’ispirazione in maniera così lineare, in modo che comunichi agli strumenti cosa fare. La precisione, però, sta anche nel mezzo, aiutandoci a individuare quei piccolissimi tasselli che dal primo approccio ci porteranno nella giusta direzione, Quando penso a questa minuziosa ricerca mi viene in mente il paradosso di Zenone, ma credo capiti a molti Artisti quindi procediamo. Come già accennato, i piccoli tasselli possono essere salvati in tutta la loro integrità in una memoria sicura. Possono essere confrontati tra loro. Possono essere riveduti e corretti all’infinito, con uno sforzo nettamente inferiore rispetto al passato. Questa evoluzione frattale del metodo di ricerca artistica può, per logica deduttiva, dare origine a infinite combinazioni, le più pregiate delle quali potranno tramutarsi in stile. Ora, per stile si può intendere la formula che caratterizza un gruppo di Artisti, spesso collegati da una comune ricerca, oppure la peculiarità espressiva di un unico individuo. Se le possibilità di affinamento della ricerca sono così tante, sarebbe più corretto credere che ogni singolo Artista Digitale sia potenzialmente in grado di avere un proprio stile, originale e inconfondibile.\nIl gioco tra regolare e irregolare può aggiungere profondità all’immagine, senza per questo essere piattamente attribuito alla figura d’ispirazione.\nLa similarità tra i prodotti della figurazione digitale può essere causata da due principali fattori: l’imitazione e la superficialità. Dell’imitazione parleremo al prossimo punto, ma la superficialità è esattamente l’opposto del criterio di precisione di cui si parlava prima. Come può coesistere un’uso impreciso di uno strumento preciso? Semplicemente, ancora una volta, per un errore umano. L’errore di accontentarsi, di fermarsi al primo livello, di non voler dedicare energie a cercare il pelo nell’uovo. Quel pelo solletica e infastidisce anche se non si sa perché, anche se è sopportabile, ma non è cosa buona. Non è corretto nei confronti di noi stessi, che meritiamo il libero sfogo della fantasia e non una sua controfigura. E non è corretto neanche nei confronti degli spettatori che, si sa, vogliono sempre di più. Dove si trova quindi questo pelo? Pensiamo un momento ad un’immagine digitale: è composta di pixel. Pallini colorati. Centinaia, migliaia, miliardi di pallini colorati che possiamo riverniciare e spostare a piacere. Tutti insieme, a gruppi oppure uno alla volta. Questa è precisione. Un’immagine vettoriale? Coordinate e formule matematiche dai decimali potenzialmente infiniti. La stampa? Microscopiche goccioline di colore che si affiancano, si sovrappongono, penetrano tra le fibre di un supporto o si adagiano mollemente su un altro. E così via. Credo che la possibilità di trovare uno stile unico esista.\nSebbene gli strumenti digitali nascano per simulare gli strumenti e le tecniche classiche, o la realtà stessa, consideriamo Opera d’Arte Digitale Figurativa quell’opera che, nell’interpretazione dell’artista, rifugga il concetto di simulazione, emulazione e copia, ovvero la semplice attuazione con mezzi informatici di quanto possibile esprimere o realizzare in metodi canonici.\nL’avevo promesso, qui si parla di imitazione. E se ne parla male. L’imitazione tra gli Artisti è sempre esistita, creando anche qualche diatriba e alcuni falsi storici. Ma la componente umana ha sempre influito sull’operato, creando quelle piccole differenze che permettevano di distinguere le mele dalle pere. Tranne forse nel cubismo, ma non vorrei andare fuori tema. Gli strumenti digitali, proprio per la precisione di cui sopra, possono influenzare notevolmente il risultato finale, cospargendo di anonimato uno sforzo creativo. Va da sé che scopiazzare è sì molto più facile con il computer, ma anche molto più evidente. Se all’opinione dell’esperto aggiungiamo la facile reperibilità delle immagini e delle informazioni da parte di chiunque, colui che copia, imita, clona ha un altissima percentuale di probabilità di essere scoperto, e di fare una figura barbina. Questa non vuole essere una minaccia, almeno non apertamente, ma una constatazione obiettiva. C’è poi un’altra interpretazione dell’imitazione, quella che riporta gli strumenti informatici alle loro origini, al loro significato recondito: versione virtuale di strumenti reali. Abbiamo visto in diverse occasioni come il computer possa fare meglio dell’uomo o di altri strumenti, là dove “meglio” è inteso come “differente con carattere positivo”. Non c’è alcuna ragione, quindi, di fermarsi all’imitazione. Un’immagine con effetto acquerello non è un acquerello. E anche se la differenza è inidentificabile, non c’è alcuna ragione per non dipingere direttamente un acquerello, con pennelli, acqua e colori. A pensarci bene, non ritengo nemmeno giusto un effetto fotocopia.\nNellâ&#x20AC;&#x2122;interpretazione artistica, con un giusto equilibrio,lâ&#x20AC;&#x2122;elemento naturale puĂ˛ essere artificializzato, e quello sintetico apparire come spontaneo.\nEssere Artista Digitale deve essere una scelta precisa, dettata dalla complicità con lo strumento. Ogni tentativo di risolvere i problemi con le tecniche tradizionali, e non mi riferisco solo a una plateale incapacità ma anche a problemi di spazio, movimento, salute o quant’altro, non può che avere un’accezione negativa. È come salire su un’auto sportiva e fare brum brum a motore spento. La figurazione digitale è una delle poche nuove frontiere espressive che ci rimangono, non possiamo sprecarle per rivisitare tecniche e stili già visti, studiati, assimilati e digeriti. Ne risentirebbe l’originalità dell’Opera e quella dell’Artista, mentre il già confuso concetto di Arte Digitale perderebbe quei piccoli frammenti di identità che faticosamente inizia a collezionare. E con questo vado a concludere, riassumendo brevemente i princìpi dell’Arte più contemporanea che ci sia. Per l’Artista dovrebbe essere una necessità quanto un piacere intraprendere una ricerca per il raggiungimento di un proprio stile, un linguaggio che unisca la specificità del messaggio figurato al proprio approfondimento tecnico, ribadendo l’importanza del dettaglio simbolico di fronte a un’iconografia sfocata e ritrita. E sebbene uno dei pregi maggiori della computergrafica, merito anche della sua origine, sia dovuto al potere di simulazione di eventi o tecniche reali, resta implicito come il vero potere di quest’Arte sia andare oltre. Proporre visioni ed evoluzioni visive di carattere innovativo, soddisfa non solo l’ispirazione dell’Artista, ma è anche uno stimolo universale per chi ne gode i frutti.\nAl fine dei punti precedenti pratichiamo, richiediamo, stimoliamo e promuoviamo la piena padronanza degli strumenti e delle tecniche in questione, sia per la fase creativa quanto per quella espositiva. Tale padronanza si rende necessaria a livello tecnico qualitativo per la finalità espressiva dell’idea dell’opera, per la tutela e l’esaltazione dell’originalità stilistica e per il mantenimento della componente umana nell’opera stessa e nella sua interpretazione. Finché essere individui diventerà il nuovo standard.\nÈ d’uso concludere un Manifesto con una sorta di ‘giuramento’, un’approvazione dei princìpi citati che, in più occasioni storiche, viene controfirmato dagli aderenti al movimento in questione. Tuttavia non è mia intenzione vincolare Artisti ed estimatori con un codice limitativo, poiché l’evoluzione artistica non può permettersi alcun freno. Questo epilogo vuole quindi essere un piccolo riassunto delle intenzioni espresse, ricordando la semplice coerenza di una dignità umana e professionale applicata alla responsabilità dell’espressione artistica. In un mondo in cui è facile cadere nei cliché, soprattutto utilizzando strumenti che dei cliché fanno la loro forza produttiva, ritengo fondamentale celebrare il valore dell’intelletto e della maestria, magari inducendo il lettore a immedesimarsi con un impegno personale. Insisto sulla padronanza tecnica per un ritorno al piacere estetico e formale, che nell’arte ha la sua espressione più pura ma che spero si estenda a ogni aspetto della vita quotidiana, soggiogando il comune senso dell’accontentarci. Mi impunto sulla componente umana facendo leva sull’orgoglio personale, che nell’Artista è spesso definito egocentrismo, come punto focale di una necessaria diversificazione di pensiero. E concludo con un ambiguo aforisma, ben conscio del fatto che quando si avvererà potremo divertirci a cominciare con nuove ideologie.\nMassimo Cremagnani vive e lavora a Milano. Parte della sua ricerca è stata a lungo pubblicata dalle riviste Computer Graphics & Publishing, Graph Creative, Fotocomputer, Graphicus, Computer Arts e Italia Grafica. Tra le sue collaborazioni professionali, ricordiamo le aziende Chanel, Natuzzi, Tetrapak e McDonald’s. Attualmente è consulente per la stampa digitale artistica e di grande formato.\nLa ricerca artistica di Massimo Cremagnani, dopo anni di studio sulle tecniche più classiche della pittura e delle arti figurative, indaga ormai da tempo sulla coerenza e sulle peculiarità dell’espressività digitale, nel tentativo di conferire a quest’ultima una valida identità espressiva. Affascinato dai concetti inseparabili di evoluzione umana e tecnologica, l’artista gioca con una raffinata elaborazione estrema di immagini casuali o ricercate, considerando le piene potenzialità – spesso considerate improprie – dei sistemi informatici, dall’acquisizione alla realizzazione, all’esposizione. Consapevole dell’incessante progresso tecnologico legato a questa forma d’arte, racchiude le sue esperienze sotto il marchio “capitolouno”, almeno fino a quando considererà questa linea espressiva ancora in fase embrionale e di studio. Il primo passo significativo viene fatto nel 1998 con la concretizzazione dell’Homo Sapiens Marsupialis – ovvero Nudo con le mani in tasca – in cui, attraverso un fotoritocco iperrealistico e lo studio del metacomportamento, cerca di comprendere se Madre Natura sia ancora in grado di stare al passo con i ritmi del progresso umano. Le opere, proposte prima al Palazzo della Permanente di Milano, vengono poi richieste dalla Galleria Art Kiosk di Bruxelles, per una collettiva cui partecipavano artisti del calibro di Orlan e Dinos e Jake Chapman. La noia imposta dalla stereotipizzazione forzata, di una comunicazione globale impreparata e ineducativa porta Cremagnani verso una ricerca etica della professionalità dell’artista. Le ricerche sul ribaltamento dell’iter creativo, sulla conoscenza approfondita dei (sempre) nuovi strumenti e sull’evoluzione della percettività si pongono come elementi complementari di uno stile unico ma in continuo sviluppo, e di una nuova estetica.\nLâ&#x20AC;&#x2122;impatto visivo di forme e colori puĂ˛ essere violento ed esplicito ad una certa distanza e dimensione, e morbidamente soffuso ad unâ&#x20AC;&#x2122;altra.\nLe sperimentazioni sull’acquisizione, sul segno dato da algoritmi di elaborazione come dai differenti sistemi di stampa o di esposizione, sulle nuove cromatologie sono confermate dalle numerose opere della serie DEE, in cui misteriose figure femminili – eterne protagoniste del lavoro dell’artista – vengono stravolte da una pittura surreale fondata su una particolareggiatura digitalmente fiamminga, quasi barocca. Il quadro si compone così in differenti livelli percettivi, in cui figurazione, astrazione, sensazione cromatica e compositiva convivono e si rincorrono al ritmo dello spettatore. Negli ultimi tempi, le energie dell’artista sono rivolte allo studio di metodi concettuali di interpretazione digitale della mente e del corpo umano, e alle possibilità avanzate della stampa come connubio tra idea, forma, tecnologie di stampa, inchiostri, supporti e ambiente. Attualmente opera come consulente in teoria e produzione dell’Arte Digitale, soluzioni grafiche a valore aggiunto e in stampa digitale per la comunicazione.\nPer maggiori informazioni: www.capitolouno.com\nManifesto Amplificato dell’Arte Digitale Figurativa - Versione 2.2.1 Versione 1:\nManifesto dell’Arte Digitale, 1998\nManifesto Amplificato dell’Arte digitale Figurativa, 2005\nAggiunta di note esplicative per ogni sezione, 2005\nUlteriori approfondimenti sui singoli punti, 2008/2009\n“Manifesto Amplificato dell’Arte Digitale Figurativa” © Massimo Cremagnani 2004, 2005, 2009. Testo distribuito con licenza Creative Commons - Attribution-Noncommercial-No Derivative Works 3.0 Unported. È consentito l’uso e la diffusione a scopo didattico o informativo. Vietato lo sfruttamento commerciale senza il consenso scritto dell’autore Per maggiori informazioni: http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/3.0 Tutte le opere riprodotte sono © dei rispettivi autori, indicati nelle didascalie. Ove non specificato, l’autore è Massimo Cremagnani.\nSi legge in un’ora, si capisce in un’era. Massimo Cremagnani, cent’anni dopo il Manifesto del Futurismo\nCos'è l'Arte Digitale? Massimo Cremagnani, artista e ricercatore, indaga da oltre 15 anni sul significato e sulla coerenza della più contemporanea forma d'arte, legandola a stili e tecniche tradizionali ed esaltandone le caratteristiche che la identificano. Un testo unico nel suo genere, che individua e dimostra attraverso 10 dogmi liberamente interpretabili l'essenza di uno stile troppo spesso frainteso.


Sanremo, Amadeus: Daremo alla gente un po' di leggerezza e divertimento, senza spettatori in sala mi rincuorerò pensando al pubblico della tv - Primaonline\nHome » Sanremo, Amadeus: Daremo alla gente un po’ di leggerezza e divertimento, senza spettatori in sala mi rincuorerò pensando al pubblico della tv\nore 10.42 - 02/03/2021 ore 17.33 - 01/10/2021\nSanremo, Amadeus: Daremo alla gente un po’ di leggerezza e divertimento, senza spettatori in sala mi rincuorerò pensando al pubblico della tv\n“Ho pensato a quello che so fare: il presentatore. Non posso (magari fossi in grado) risolvere i problemi di chi ha perso il lavoro, non posso essere io a proteggere il Paese dal contagio, né posso pianificare la campagna dei vaccini. Io posso solo organizzare un Festival, posso inventare e improvvisare, con il mio amico Fiorello, uno show che regali alla gente un po’ di leggerezza e di divertimento”. Pensando a un’anziana signora con indosso un cappotto color cammello e a tanti altri che guardano al Festival di Sanremo e alla tv come a un punto di riferimento, parziale ma comunque riferimento. Lo scrive Amadeus, conduttore della 71esima edizione del Festival che parte questa sera dal teatro Ariston, diretta su Rai1, in una lettera a Leggo – che Agi riporta – spiegando i motivi che lo hanno spinto a dirigere anche quest’anno il Festival.\n“È incredibile quello che abbiamo vissuto tutti, nessuno escluso, dalla fine del Festival 2020 a oggi. Un anno difficilissimo che ha messo a dura prova tutti e tutto: la pandemia ci ha stravolto la vita, a tanti ha fatto perdere gli affetti, il lavoro, la sicurezza del presente e il sogno del futuro – scrive Amadeus – Con tutto questo negli occhi, nella testa e nel cuore ho pensato a lungo se fosse giusto farlo, il Sanremo del 2021. Io ero disponibile ma sentivo tanta incertezza intorno”.\nE qui entra in gioco l’anziana signora: “Un giorno di ottobre mentre stavo facendo la spesa a Ponte Milvio a Roma sono stato fermato con un’educazione di altri tempi da una gentile signora. Aveva i capelli grigi e curati, indossava un paltò color cammello, trascinava un carrellino. Mi ha parlato a voce bassa, mi ha raccontato di essere vedova. E poi guardandomi negli occhi mi ha ripetuto più volte la parola serenità. Sì, la serenità della sua televisione, delle canzoni, di un Festival che ha sempre seguito. Se lo avessi fatto, mi ha detto, avrei aiutato lei e quelli come lei a vivere finalmente una cosa normale. Ho pensato a quelle parole”. E “credo sia stata proprio quell’anziana signora – aggiunge il direttore artistico – a incoraggiarmi ancora di più ad organizzare il Festival di Sanremo 70+1. E l’ho fatto, credetemi, con tutto me stesso e con l’aiuto di molte persone, in condizioni difficilissime. L’ho fatto rispettando ogni norma di sicurezza ma soprattutto pensando a chi vive di musica, a chi vive di televisione e spettacolo, al Paese reale, quello che sta lottando per ritrovarsi. Abbiamo scoperto, infatti, che la normalità è una cosa straordinaria. E proprio per riavere un po’ di quella normalità, abbiamo lavorato in maniera straordinaria”. E oggi si riparte, “non avrò spettatori in sala ma mi rincuorerò pensando al pubblico della tv e, soprattutto, a quella signora col paltò cammello di Ponte Milvio”.\nFestival accessibile grazie a Rai Pubblica Utilità – L’impegno verso l’inclusione non si arresta ed anche in periodo di Covid, con tutte le difficoltà che l’emergenza sanitaria comporta ed impone, gli operatori dell’accessibilità si adoperano con l’intento di trasmettere il fantastico mondo di Sanremo all’utenza tutta.\nCome riporta Agi, tutte e cinque le serate in onda su Rai1 verranno in diretta interamente sottotitolate, alla pagina 777 di Televideo, ed audio-descritte, con audiodescrizione disponibile sul canale audio dedicato, per restituire al meglio ai sordi e ai ciechi voci, ritmi, immagini, colori, atmosfere che si succedono sul palco dell’Ariston.\nL’audiodescrizione delle cinque serate sarà presente su Rai Play anche in streaming e sul contenuto on demand nei giorni successivi. I sottotitoli saranno fruibili on demand su Rai Play per ciascuna serata, a partire dal giorno successivo.\nIn parallelo, su un canale dedicato su Rai Play, come già avvenuto a partire dalla scorsa edizione, tutte e cinque le serate verranno rese integralmente accessibili ai sordi segnanti, anche attraverso la Lingua dei Segni Italiana.\nDallo Studio 5 di Via Teulada, infatti, in contemporanea con il Teatro Ariston di Sanremo, all’interno della produzione Sanremo Live Lis, 12 performer, molti dei quali hanno già conquistato il pubblico nella precedente edizione 2020, interpreteranno in LIS tutti i brani musicali, quelli in gara, quelli della serata “Cover” e quelli presentati dagli artisti ospiti. A loro si affiancheranno gli interpreti istituzionali, abituali collaboratori di Rai per la traduzione in LIS dei tg, impegnati a restituire l’interpretazione in LIS dei conduttori e di tutti i personaggi non artistici che prenderanno parte alla manifestazione.\nNel Sanremo Live Lis la ricettività in termini di contenuti, ritmi ed emozioni dei brani musicali, sarà aumentata anche attraverso l’utilizzo di realizzazioni grafiche studiate ad hoc e, in particolare durante la serata dedicata alle “Cover”, l’ascolto delle canzoni sarà accompagnato da giochi grafici e di visual design di enorme impatto comunicativo.


Sassuolo-Inter, dove vederla. Trasferta decisiva per i nerazzurri -\nHome Sport Sassuolo-Inter, dove vederla. Trasferta decisiva per i nerazzurri\nSassuolo-Inter, dove vederla. Trasferta decisiva per i nerazzurri\nConte deve invertire la tendenza. De Zerbi punta su Boga, Raspadori e Berardi\nSassuolo-Inter, dove vederla\nSassuolo-Inter, dove vederla – Nell’anticipo della nona giornata di Serie A l’Inter non può più permettersi passi falsi. Dopo la seconda sconfitta rimediata contro il Real Madrid in Champions League in settimana, il trend molto modesto dei nerazzurri deve essere invertito se la squadra vuole continuare ad ambire almeno allo scudetto. Antonio Conte, a dispetto di tutte le voci sollevate su un suo possibile esonero, è stato blindato dal presidente Steven Zhang, determinato a continuare a puntare su di lui. In vista di un prossimo appuntamento europeo già la prossima settimana riposerà Lukaku, quindi spazio a Sanchez e Lautaro Martinez. Al Mapei Stadium arbitrerà Irrati (diretta tv dalle 15 su Sky Sport Serie A).\nL’allenatore dell’Inter non sta raccogliendo i risultati sperati a inizio stagione e due dei suoi pupilli acquistati dal club nelle due ultime sessioni di mercato, Hakimi dal Borussia Dortmund e Vidal dal Barcellona, rispetto all’inizio dell’anno stanno deludendo, se confrontati con il loro reale potenziale. L’undici nerazzurro non ha ancora trovato neanche un equilibrio difensivo, complici le tante assenze, con i troppi gol subiti che non sono certo la media di una squadra che ambisce al primo posto in classifica. La panchina, a dispetto delle parole di Zhang, quindi traballa. Il match di Reggio Emilia sarà sicuramente un ottimo banco di prova per provare a uscire da questa fase negativa.\nDe Zerbi sa come sorprendere e il suo Sassuolo ha cominciato molto bene questa stagione, con una squadra dal grande potenziale offensivo. Mancherà Caputo, ma Djuricic e Berardi hanno mostrato fino a questo momento di poter mettere in difficoltà qualsiasi difesa. Conte ha scelto Bastoni, De Vrij e Skriniar, quello che sarebbe il terzetto titolare, per difendere i pali di Handanovic. Anche il portiere si è mostrato però più insicuro del solito in questo avvio di stagione. Vidal cercherà il suo riscatto andando a supporto delle due punte sudamericane, mente il gigante belga potrebbe subentrare solo nel caso di reale necessità. La partita dovrebbe garantire spettacolo, anche se i nerazzurri oggi cercheranno di fare soprattutto risultato, al di là del gioco.\nPrevious articleElezioni USA, il caso Pennsylvania. Trump: “Vado fino alla Corte Suprema”\nNext articleBenevento-Juventus, dove vederla. CR7 a riposo, spazio a Dybala


Sicurezza e Giustizia (Iscritti Ordini Professionali) - EDICOLeA\nSicurezza e Giustizia (Iscritti Ordini Professionali) 48.00€\nSicurezza e Giustizia 69.00€\nSicurezza e Giustizia (Iscritti Ordini Professionali)\nISBN- 2039-9669 Rivista Brand: Lex et Ars\nLa rivista “Sicurezza e Giustizia” affronta con taglio giuridico-tecnico le diverse tematiche afferenti alla Sicurezza e alla Giustizia, analizzandone tutti gli ambiti di appartenenza. L’attenzione principale è posta all’ambito delle nuove tecnologie.\nI contributi in essa presenti sono suddivisi in 29 aree tematiche.\nSicurezza e Giustizia (Iscritti Ordini Professionali) quantità\nISBN- 2039-9669 Brand: Lex et Ars\nL’acquisto comprende l’invio di 4 numeri cartacei e l’accesso alle rispettive versioni elettroniche della rivista “Sicurezza e Giustizia” che affronta con taglio giuridico-tecnico le diverse tematiche afferenti alla Sicurezza e alla Giustizia, analizzandone tutti gli ambiti di appartenenza. L’attenzione principale è posta alle telecomunicazioni e alle nuove tecnologie. Per il suo decennale, la rivista ha completamente rivisitato il proprio layout grafico, consentendo una lettura più agevole e la possibilità di appuntare le note del Lettore ai margini.\nEDICOLeA applica una filosofia commerciale che ti possa garantire sempre la massima trasparenza. Il prezzo esposto è quello che effettivamente pagherai ed è comprensivo di tutto: prodotto, costi di spedizione, IVA, eventuali costi di transazione per il pagamento online.\nPer gli iscritti agli Ordini Professionali è riconosciuto lo sconto del 30%. In fase di acquisto è necessario indicare il numero di Tessera d’Iscrizione al proprio Albo. Si procederà a verificare la veridicità delle informazioni fornite coinvolgendo gli stessi Ordini.\nSi ricorda che la rivista è utilizzabile per l’aggiornamento professionale, per cui il costo dell’abbonamento è deducibile fiscalmente in sede di dichiarazione dei redditi d’impresa, arti e professioni (artt. 50-52 TUIR del DPR 917/86).\nLe opzioni di pagamento tra cui è possibile scegliere sono le seguenti:\nCarta di Credito (Visa, Mastercard e American Express)\nIl sito EDICOLeA utilizza Certificati SSL (Secure Socket Layer) quindi qualunque dato trasmesso è in formato criptato. Quando effettui un pagamento mediante carte di credito sul nostro sito provvediamo a reindirizzarti sul sito di Paypal.\nSuccessivamente all’acquisto, EDICOLeA non conserverà i dati del tuo conto Paypal o della tua carta di credito. La tutela della tua sicurezza e della tua privacy è al primo posto per noi.\nIl costo della spedizione è compreso nel prezzo esposto.\nNon appena pubblicato e stampato il numero di rivista che hai acquistato, ti sarà spedito per posta ordinaria tramite Poste Italiane con la formula Posta Target. Confezioniamo ogni singola copia in un cellophane trasparente mentre la copertina della rivista è completamente coperta da una pagina bianca con il tuo indirizzo di spedizione.\nSe la copia che hai ricevuto è difettosa hai tempo 30 giorni solari per restituirla, inviandola ai nostri indirizzi, a patto che sia integra cioè nelle medesime condizioni in cui ti è stata consegnata. Per procedere alla restituzione prendi contatti con il nostro Servizi Clienti ai riferimenti contenuti nel tab accanto, documentando la difettosità con una o più fotografie.\nSe hai cambiato idea sul tuo acquisto e vuoi richiedere il rimborso, per qualsiasi motivo e senza alcuna giustificazione, dalla data di acquisto hai tempo 14 giorni per richiederlo. Per procedere alla richiesta di rimborso prendi contatti con il nostro Servizi Clienti ai riferimenti contenuti nel tab accanto. Se durante i successivi 14 giorni dalla data di acquisto hai ricevuto una copia della rivista, dovrai restituirla.\nAcquistare su EDICOLeA è assolutamente sicuro e molto semplice, tuttavia se hai bisogno di maggiori informazioni o hai domande da farci in merito ai pagamenti online, durante una qualunque fase della tua esperienza di acquisto, il nostro Servizio Clienti è a tua disposizione.\nPuò contattarci attraverso una delle seguenti modalità:\nEmail (form online): https://www.edicolea.com/contacts/,\nWhatsapp, Telegram: +39.345.9751684\nPrev Product Sicurezza e Giustizia Rivista\nISBN- 2039-9669 69.00€


Sospeso lo sciopero dei benzinai delle autostrade - TrasportoEuropa\nArray (  => 12 )\nIl Presidente del Consiglio dei Ministri ha firmato il Decreto che nomina ventinove commissari per gestire 57 opere pubbliche che sono ferme da tempo. Tra queste trentatré riguardano il trasporto delle merci.\nL’apertura dei cantieri per l’autoporto di Susa, che sostituirà quello attuale a causa della nuova linea ferroviaria, ha scatenato l’opposizione di sindaci e del movimento No Tav. Interrotta l’autostrada A32 e durante lo sgombero di un presidio è stata ferita una manifestante.\nLa Commissione trasporti e telecomunicazioni del Consiglio degli Stati elvetico appoggia la Legge federale che vuole creare un sistema sotterraneo di trasporto di colli di piccole dimensioni.\nIl 16 aprile è caduto l’ultimo diaframma di roccia della galleria Serravalle del Terzo Valico, lunga 22 chilometri. Lo ha fatto la Tunnel Boring Machine Elisa in un contesto delicato.\nBerlino e Vienna hanno trovato un’intesa per potenziare la tratta d’accesso sul versante tedesco alla galleria di base del Brennero. Scelto uno dei percorsi presi in considerazione, lungo 54 chilometri.\nSospeso lo sciopero dei benzinai delle autostrade\nLunedì, 4 Maggio 2015 21:11\nLa notizia della sospensione è stata diffusa nella serata di oggi e segue l'incontro al ministero. La riunione tecnica era stata chiesta dalle associazioni degli esercenti per preparare quella politica prevista per il prossimo 13 maggio con tutte le parti interessate. Durante la riunione, il ministero dello Sviluppo Economico ha chiesto ai gestori di sospendere lo sciopero, in vista del prossimo incontro dove so discuterà anche il piano di ristrutturazione. La richiesta è stata accolta dalle associazioni, che hanno sospeso lo sciopero.\nPossibile chiusura dei distributori carburanti dal 27 novembre 2020\nFermo dei distributori carburante il 12 e 13 maggio 2020\nTorna lo sciopero distributori in autostrada\nSciopero distributori carburanti in autostrada 5 e 6 maggio


Non è un libro ma … Recensione di un gioco da tavolo: “Gino Pilotino” – La Biblioteca di Daniela\nPostato il 28 marzo 2017 24 marzo 2017 di daniela\nSul blog ho dato spazio finora soprattutto a giochi “cerebrali”, nei quali oltre ad un grado variabile di fortuna aveva il peso maggiore la capacità di osservare e ragionare da parte dei partecipanti (ovviamente in adeguato rapporto con la loro età). Quest’oggi invece voglio parlare di un gioco che potremmo etichettare come d’abilità, nel quale un po’ di attenzione si deve abbinare ad una buona manualità, o per lo meno al fatto di cogliere il momento giusto per la propria azione. A che gioco mi riferisco?\nUna delle più recenti edizioni in lingua italiana del gioco (che poi di “italiano” ci sono solo il titolo sulla scatola ed il regolamento)\nA “Gino Pilotino“, vecchio gioco risalente nelle sue prime edizioni agli anni ’80 del secolo scorso ma di tale successo che non solo è ancora in commercio, ma se ne possono ritrovare scatole con i titoli nelle diverse lingue. Ecco dunque che in Italia il prodotto è commercializzato anche come “Picchiatello“, mentre al di fuori dei patri confini sono (o sono state) disponibili “Looping Louie” e la sua versione britannica dal titolo quasi identico “Loopin’ Louie“, oltre ad un’impronunciabile “Kururin Panic” per il mercato nipponico. Nome a parte, il succo del gioco è sempre il medesimo: difendere il proprio pollaio – occupato inizialmente da tre gallinelle disciplinatamente in fila indiana – dalle incursioni di un pazzo pilota che cerca di rubare i polli.\nNel corso degli anni sono state prodotte anche altre versioni del gioco, immutate nella sostanza ma completamente rivisitate nell’estetica. La prima in ordine di tempo è probabilmente, nel 1999, “Barn Buzzin’ Goofy” che vede per protagonista l’imbranato Pippo e gli altri personaggi Disney amici di Topolino. Quella forse più famosa invece, risalente al 2010, è “Buzz to the Rescue“, che cavalcando l’onda del successo cinematografico di Toy Story 3 sostituisce Gino il pilota con l’intrepido ranger spaziale Buzz e le galline con i piccoli alieni verdi dai tre occhi. Del 2007 è invece “Bobbin’ Bumblebee“, nel quale la fanno da padroni api e miele. L’unica significativa differenza è che queste due edizioni suggeriscono come età minima i 3 anni (perfettamente adeguata a mio avviso), mentre il classico Gino Pilotino vira sui 4.\nL’ambientazione del gioco è sicuramente la caratteristica che più si impone all’attenzione del pubblico: con i suoi colori vivaci, l’aeroplanino rosso ed il pilota dai vistosi occhialoni, “Gino Pilotino” non è un prodotto che passa inosservato. Ed anche nelle sue più recenti versioni i colori sono sempre forti, a contrasto, in modo da catturare l’attenzione già con disegno riportato sopra la scatola. In tutti i casi il pretesto alla base del gioco è relativamente flebile ma in tono con l’età – davvero bassa – a cui il prodotto è destinato: difendere il proprio pollaio dall’assalto di un pazzo omino a bordo del suo aereo, tenere al sicuro il proprio miele dai furti di un’apina capricciosa, impedire a Buzz di prendere con sé i piccoli alieni verdi.\nDue delle diverse ambientazioni date al gioco nel corso degli anni: diversa scenografica, identico meccanismo\nAiutano a migliorare la resa estetica anche i numerosi adesivi da usare per personalizzare le fiches (trasformandole a seconda dei casi in polli, miele o alieni); probabilmente l’aspetto meno realistico è dato dalla fessura dove riposano appunto le fiches, che non ha un corrispettivo reale e realistico con le diverse situazioni proposte, ma è l’unico particolare che davvero non avrebbe potuto essere diverso – e non penso che i bambini facciano molto caso alla sua mancanza di “autenticità”. E’ più probabile che dopo qualche partita si lamentino perché l’aereo non compie mai le acrobatiche evoluzioni (con tanto di giro della morte) suggerite dalle scie disegnate sulla confezione del gioco: un adulto capisce d’istinto che quei movimenti sono impossibili per il piccolo aereo ancorato al centro della plancia dal braccio rotante, ma spiegarlo ai bambini non è sempre immediato …\nLa componentistica, pur essendo tutta realizzata in plastica (il caro vecchio legno risulta evidentemente troppo costoso!) è di buon livello e sufficientemente resistente. D’altra parte non è che nella scatola siano presenti poi così tanti componenti: 4 bracci fissi da montare in orizzontale che costituiscono la base del pollaio (abbastanza ingombrante una volta assemblato, ma siccome gli incastri sono davvero semplici l’ideale è smontarlo e rimontarlo ad ogni partita), un ulteriore braccio meccanizzato con l’aereo (l’unico che potrebbe non funzionare impedendo il gioco), i dischetti con le galline. Nella confezione da noi acquistata, come d’altronde capita praticamente sempre quando un prodotto le richiede, mancavano le due pile AA necessarie per far funzionare il meccanismo di rotazione: personalmente le avrei incluse, così da permettere di iniziare subito la partita.\nEcco come appare il gioco dopo essere stato montato\nLa meccanica di gioco è legata all’abilità manuale, cui si affianca comunque una certa capacità minima di osservazione e di ragionamento per capire quando – sulla base della traiettoria passata dell’aereo e sulla sua posizione attuale – sia il caso di cercare di far rimbalzare lontano il pestifero Gino. Ho notato infatti che mentre i bambini un po’ più grandicelli (dai 5 anni circa) meditano in trepidante attesa con il dito appoggiato sopra la loro leva, aspettando il momento giusto per farlo scattare, i più piccini non fanno altro che premere a ripetizione, confidando sulla quantità più che sulla qualità del proprio intervento. Non che questo approccio d’altronde impedisca loro di divertirsi, al contrario, ogni partita alla quale ho assistito era un mix variabile di risate e concentrazione.\nMediamente una partita non dura più di una decina di minuti (giusto tempo in rapporto all’età dei partecipanti) ma l’attenzione è sempre alta da parte di tutti sia perché il volo di Gino può prendere una piega inattesa a causa di un colpo molto forte (o troppo debole) dato da altri giocatori, sia perché non vi sono i turni tradizionali. Ognuno infatti deve agire quando gli sembra meglio, senza che nulla vieti a due o più giocatori di farlo in contemporanea (più o meno volutamente).\nDettaglio ravvicinato del drammatico momento in cui l’aereo sta per colpire una fiche\nQuello che ho notato osservando i miei figli e i loro amici, o giocando io stessa con loro, e che è forse l’unico aspetto negativo del gioco è un certo squilibrio che si può generare se uno dei piccoli “domina” la partita con la sua irruenza. Come facilmente intuibile, il moto regolare dell’aereo (che andrebbe sempre alla stessa quota oltre che alla stessa velocità) è influenzato dalla violenza con cui i bambini lo colpiscono con la propria leva, ma questo mi pare si ripercuota un po’ troppo sul gioco, soprattutto nel caso in cui i pollai da difendere siano tre. Se infatti gli urti dell’aereo sono decisi (e coi bambini è quasi sempre così), tipicamente l’aereo ne subisce un contraccolpo tale da essere troppo in alto per colpire il pollaio successivo; questa situazione finisce per riassestarsi presto per un numero pari di partecipanti, mentre per un numero dispari spesso uno dei bambini si ritroverà semplicemente a guardare i suoi due compagni che picchiano come disperati nel tentativo di mantenere le proprie galline.\nLa nostra esperienza: regalammo parecchi anni fa “Loopin’ Louie” a nostro figlio, all’epoca appena treenne, per iniziare a sperimentare in sua compagnia giochi relativamente tranquilli da fare intorno ad un tavolo. Ormai lui è davvero troppo cresciuto perché questo tipo di prodotti lo appassioni ancora, e a breve lo sarà anche sua sorella, ma spesso quando vengono a trovarli degli amici capita che estraggano dallo scaffale la scatola di Gino Pilotino e si divertano a picchiare violenti pugni sulle leve per una decina di minuti.\nQueste le caratteristiche riportate sulla scatola:\nPosted in Giochi da tavolo, Presentazioni, PromossoContrassegnato da tag Bambini, Consigli, Giochi da tavolo, gioco di destrezza, gioco promosso, Opinioni, Presentazioni, Recensioni\n“Il terzo gemello” di Ken Follett – Recensione