“L’amico del popolo”, 3 giugno 2017\nArticolo precedente “L’amico del popolo”, 4 giugno 2017\nProssimo articolo “L’amico del popolo”, 1 giugno 2017\nPOLICARPO, UFFICIALE DI SCRITTURA (Italia, Francia, Spagna, 1959), regia di Mario Soldati. Sceneggiatura: Age, Furio Scarpelli. Fotografia: Giuseppe Rotunno. Montaggio: Mario Serandrei, Julio Peña. Musica: Angelo Francesco Lavagnino. Con: Renato Rascel, Carla Gravina, Peppino De Filippo, Luigi De Filippo, Renato Salvatori, Romolo Valli, Lidia Martora Maresca, Ernesto Calindri, Massimo Pianforini, Tony Soler, Trini Montero, José Isbert, Amedeo Nazzari, Vittorio De Sica, Mario Riva, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, Memmo Carotenuto, Maurizio Arena, Tom Felleghy, Anita Durante, Checco Durante, Rodriguez Elias.\nPolicarpo De Tappetti è un modesto impiegato ministeriale della Roma del primo Novecento: è un impiegato diligente, ma il suo eccessivo zelo gli ha attirato l'antipatia del cavaliere Pancarano, suo capo ufficio. Un incontro casuale delle due famiglie al Pincio fa sì che Gegè, il figlio di Pancarano, s'innamori di Celeste, la giovane figlia di Policarpo. Di fronte alla corte che le fa Gegè, rivelatosi futile e superficiale, la ragazza si mostra alquanto perplessa; ma la famiglia, sedotta dal miraggio di un brillante matrimonio, tanto insiste che alla fine i due si fidanzano. Del tutto contrario al progettato matrimonio è il cavalier Pancarano, che, ritenendosi di nobile lignaggio, vorrebbe vedere Gegè sposato ad una signorina del gran mondo. Per distogliere il figlio dal proposito di sposare Celeste, il cavaliere avvicina Edelweiss, una cantante di varietà, che Gegè frequentava, e mediante il regalo di una certa somma ottiene che la domenica successiva Edelweiss si faccia vedere, da Gegè, sulla spiaggia di Ostia, in tutto il suo fascino. Succede quello che il cavaliere prevedeva: Gegè lascia Celeste per correre dietro alla sua antica fiamma. Celeste intanto ha conosciuto Mario, un meccanico, giovane serio ed onesto, del quale si è innamorata. Con l'aiuto di Mario la ragazza ha imparato a scrivere a macchina ed ora varrebbe trovare un posto di dattilografa. Policarpo si oppone al corteggiamento di Mario e all'idea che la figlia vada a lavorare: ma alla fine è costretto a cedere. Celeste si fidanza a Mario, mentre Policarpo, calligrafo diplomato ed acerrimo nemico della macchina da scrivere, deve, per ordine del Ministero, trasformarsi in dattilografo. Al cavalier Pancarano giunge intanto una sgradita notizia: Gegè ed Edelweiss, fuggiti insieme a Venezia, si sono sposati.\n“Policarpo è, dopo I soliti ignoti, uno dei migliori e più interessanti film italiani prodotti nel 1958-59, in quanto rappresenta un nuovo tentativo di sfuggire alla catastrofica crisi in cui versa quel filone comico-idillico al quale tutto il nostro cinema si trova pesantemente legato, avendo formato su di esso e per esso buona parte dei suoi quadri, dai registi agli interpreti, agli sceneggiatori. Pur nella spiccata diversità degli ambienti, dell’epoca storica, dei personaggi, una sola è la reale protagonista del film di Monicelli come di quello di Soldati: l’Italia del tirare a campare, il paese dei poveracci che accettano come naturale qualsiasi espediente per giungere alla fine del mese, la patria delle false dignità professionali, della furberia accompagnata all’ingenuità”.\n“Policarpo, ufficiale di scrittura è un film che affronta sia la difficoltà del cambiamento che il problema delle condizioni economiche della piccola borghesia impiegatizia. Mentre negli Usa si giravano i primi film sulle resistenze all’introduzione del computer, da noi veniva ripresa una vecchia trama per riflettere sulla difficoltà della riconversione dalla scrittura a mano a quella a macchina agli inizi del secolo. Policarpo è anche alle prese con uno stipendio inadeguato ed i suoi sforzi per un aumento saranno coronati solo grazie alla vittoria della odiata macchina da scrivere, salvo poi ripiombare nei problemi a causa della svalutazione. Un film che, anche grazie alla partecipazione amichevole di molti attori del cinema italiano, rappresenta una specie di omaggio ma anche di addio al Mario Soldati regista. Bella fotografia di Rotunno ed una recitazione un po’ sopra le righe di Rascel. Nel complesso comunque uno dei pochi film italiani che affrontano il tema della innovazione tecnologica, prendendo spunto dal passato per parlare del futuro. Il film ha partecipato al festival di Cannes (1959), dove ha ricevuto il premio per la miglior commedia. E’ stato anche assegnato il "Nastro d'argento" per i migliori costumi a Piero Tosi e la targa d'oro David di Donatello a Renato Rascel”.\n“Scrittore celebre, ma solo di recente riconsiderato tra i grandi italiani del dopoguerra; regista cinematografico; autore e conduttore televisivo; giornalista e appassionato di cibi e vini. Mario Soldati è stato una personalità presente e ingombrante della cultura italiana, e il suo presentarsi come un vecchio gentiluomo a suo agio con i media del Novecento non lo ha agevolato nella stima dei critici, anche se in vita gli ha sempre garantito il favore del pubblico. Alcuni suoi titoli oggi sono considerati classici del nostro Novecento, dal libro di viaggio America primo amore (1935) ai tre romanzi brevi di A cena col commendatore (1950) a Le lettere da Capri (1954).\nIl suo cinema è per più versi inafferrabile. Anche perché ha poco in comune con la sua opera narrativa. Scrittore riconoscibilissimo, indagatore sottile e ironico di dilemmi morali ed erotici, segnato dall’educazione cattolica, Soldati regista si è invece reinventato continuamente, sul modello ideale del grande cinema americano. Dopo l’apprendistato negli anni Trenta come sceneggiatore di Camerini (sulle cui orme esordisce con Dora Nelson, una delle più belle commedie del periodo), Soldati conosce il successo con Piccolo mondo antico (1940), che lancia Alida Valli e rimane uno dei film più noti di quell’ondata di adattamenti letterati bollata come ‘calligrafismo’. Il successivo Malombra (1942) porterà questa poetica agli esiti forse più alti, e gran parte del suo cinema ruoterà sempre intorno a grandi personaggi femminili. Nel dopoguerra, mentre intorno trionfa il neorealismo, continua ad adattare classici di Fogazzaro o Balzac, ma filma anche un noir sorprendente su un fascista braccato dopo la Liberazione, Fuga in Francia (1948). Poi si dedica alle commedie e ai film di cappa e spada, per sorprendere nuovamente con il primo adattamento di un romanzo di Moravia, La provinciale (1953). E dopo aver immesso una vena visionaria in film di genere come La donna del fiume (1954, scritto insieme a Pasolini, Flaiano, Moravia, Bassani e altri) si congeda dal cinema con un’altra affettuosa ricostruzione d’epoca, Policarpo, ufficiale di scrittura (1959). Nel frattempo diventa uno dei pionieri dalle televisione, con due reportage celeberrimi (Viaggio nella valle del Po alla ricerca dei cibi genuini, 1957-58, e Chi legge? 1960), per dedicarsi infine a tempo pieno alla scrittura. Ma a quel punto il cinema continuerà a ossessionare le sue pagine, in numerose novelle e in romanzi che dal sottobosco di Cinecittà sanno trarre intrighi irresistibili, come nel memorabile romanzo L’attore (1968). Soldati regista è un grande autore ‘all’americana’, che sembra prendere il cinema sottogamba e che va controtempo rispetto alle grandi correnti cinematografiche, ma che alla lezione di Hollywood aggiunge la continua tentazione verso uno sguardo svagato, che si lascia conquistare dalle attrici, dai caratteristi, dai luoghi.”\nIl film si vede online su: www.raiplay.it\nCocotte, di Guido Gozzano\n«O piccolino, non mi vuoi più bene!»\n3 giugno 1140, al concilio di Sens, alla presenza del re Luigi VII, detto il Giovane, Pietro Abelardo viene fatto scomunicare da Bernardo di Chiaravalle (Fontaine-lès-Dijon, 1090 - Ville-sous-la-Ferté, 20 agosto 1153).\n“Pietro Abelardo, filosofo e teologo (Pallet, in Bretagna, 1079 - Monastero di Saint-Marcel-sur-Saône 1142). Considerato, con Anselmo d'Aosta, come uno degli iniziatori del "metodo scolastico", la sua opera teologica lo pone fra le figure più importanti nella storia della cultura del XII secolo. È anche noto per il suo sfortunato amore per Eloisa.\nLa produzione letteraria di Abelardo è assai vasta: scrittore di tempra, ottimo conoscitore degli antichi auctores, Abelardo è abile nell'uso così dei più raffinati accorgimenti stilistici e metrici come degli strumenti logico-dialettici. Non ci sono giunti, ma ebbero largo successo ai suoi tempi, e non furono probabilmente senza influsso sulla poesia latina dei goliardi e su quella volgare dei trovatori, i carmina amatoria che Abelardo ricorda d'aver composto per Eloisa. Ci son giunti invece sei planctus ritmici, interessanti sia per la tecnica, che mostra la tradizione sequenziale avviata a sboccare nei lais, sia per il contenuto, che sotto veste biblica richiama simbolicamente la tormentata vicenda biografica d'Abelardo. Nella stessa direzione l'Historia calamitatum e le lettere rivelano un nuovo mondo sentimentale, in cui i rapporti fra i sensi e la sfera dello spirito sono analizzati in termini che contribuiscono a definire lo sfondo psicologico e intellettuale sul quale matura la lirica trovadorica.\nSono poi da ricordare: il complesso degli scritti logici, dalle glosse a Porfirio e ad alcuni libri dell'Organon di Aristotele, alla grande e matura Dialectica (si elabora in queste opere una "filosofia del linguaggio" con un notevole interesse per il problema del valore dei "termini", anche in rapporto alle opposte tesi nominalistiche e realistico-platoniche, e in vista di una teoria del sermo e del carattere logico-astratto del concetto); gli scritti teologici ed esegetici: De unitate et trinitate divina e la Theologia più volte rielaborata; il commento all'Hexaëmeron e all'Epistola ad Romanos il Sic et non (raccolta di testi patristici che si presentano contraddittori: simili raccolte cominciavano a essere assai diffuse, ma l'importanza di questa abelardiana sta nella teoria, esposta nella prefazione, della possibilità di accordare i testi contraddittori attraverso un'analisi del significato dei termini nei diversi contesti) e lo Scito te ipsum (o Ethica, anteriore al 1138, in doppia redazione), che accentua originalmente, di fronte all'oggettività della legge morale, il momento dell'intenzione come fondamento della bontà o meno delle nostre azioni.\nL'importanza dell'opera di Abelardo nella storia della cultura del XII secolo - al di là della positiva valutazione della cultura antica e dei frequenti rapporti posti tra temi della filosofia platonica e dottrine cristiane (aspetti questi che inseriscono Abelardo nella più vivace cultura del secolo, ma non sono a lui peculiari) - sta soprattutto nella sua opera teologica: questa si caratterizza per la forte impostazione "sistematica" che stacca la speculazione teologica dall'ordo temporum e dalla lectio historiae (cioè dalla meditazione della Bibbia e dal suo ordine temporale) per organizzarla attorno ad alcuni temi centrali (fides, cioè oggetto della fede, charitas, sacramentum); congiuntamente a questa sistematicità - e anche come suo strumento - si pone in primo piano, nel lavoro teologico di Abelardo, la ratio: questa non va tuttavia intesa come "ragione naturale" (quale cioè più tardi si verrà definendo in diversi contesti), ma come la ratio della tradizione agostiniana e anselmiana, sorretta dalla luce divina, cioè dal verbo che si è rivelato nella Bibbia. Giacché a fondamento dei dati rivelati - oggetto di fede - è quella stessa verità che fonda il lavoro razionale-filosofico: di qui la continuità tra fede e ragione, approfondimento questa di quella e preparazione alla piena contemplazione della verità nella visione beatifica (di qui anche la impossibilità di distinguere "filosofia" da "teologia", anche se proprio con Abelardo si viene a definire il termine theologia, da lui per la prima volta usato ad indicare una costruzione speculativa del dato rivelato). Da notare anche che questa ratio agostiniana si viene arricchendo, attraverso la lettura dell'Organon, di una problematica logico-dialettica, aperta anche a problemi di semantica e di logica del linguaggio (di qui l'interesse degli scritti logici di Abelardo): è questa la ratio capace di intervenire nelle contraddittorie auctoritates del Sic et non per trovarne la soluzione sul piano logico-semantico. Per l'originale impostazione del pensiero teologico (tentativo di sistematicità e uso della ragione logico-dialettica) Abelardo è considerato, con Anselmo d'Aosta, come uno degli iniziatori del "metodo scolastico".\n“È appunto l'opposizione che ringiovanisce. Se fossi rimasto senatore, avrei avuto una vita troppo comoda, sarei da un pezzo diventato di mente pigra ed inconseguente. Nulla è di danno all'intelletto quanto la mancanza di opposizione; solo da quando sono solo e non ho più giovani intorno a me, mi sento costretto a ringiovanire io stesso”.\nAltissima Luce. Lauda tratta dal "Laudario di Cortona" [Lauda n° 7 - Cortona sec. XIII]. Esecuzione dal vivo del Coro Dulcis Memoria, diretto da Federico Raffaelli.


Anche l'Australia contro i furti | Hardware Upgrade\nAnche l'Australia contro i furti\nAnche l'operatore australiano Telstra Mobile ha annunciato di prendere provvedimenti contro il furto di cellulari.\nL'operatore Australiano Telstra Mobile ha annunciato di voler prendere provvedimenti contro il furto di cellulari, purtroppo sempre in aumento. La tecnica che verrà utilizzata è sempre quella dell'IMEI locking, ovvero una procedura che sotto segnalazione degli utenti permette di poter inibire il fuzionamento di un telefono cellulare GSM sulla rete di uno o più operatori.\nPurtroppo però non è sufficiente il solo sforzo dell'operatore, è necessario che anche l'utente finale collabori in questa "missione" prendendo le dovute precauzioni e annotando il codice IMEI del proprio telefono cellulare.\nIn Italia pare che Omnitel, Tim, Wind e Blu vogliano creare una specie di "lista nera" in cui inserire tutti i codici IMEI dei cellulari rubati, per impedirne l'utilizzo (a tal proposito si legga questa notizia).\nPurtroppo pare che il codice IMEI sia facilmente editabile, anche perchè su Internet si possono trovare con facilità codici IMEI "sbloccati" da sostituire sui cellulari rubati (a tal proposito si legga questa notizia).


Design: incentivi statali per Pmi - PMI.it\nDesign: incentivi statali per Pmi\nCon Disegni+ il Governo premia micro imprese e Pmi che hanno investito nel Design registrando modelli e disegni industriali per la commercializzazione di nuovi prodotti.\nIl Governo italiano ha istituito la misura Disegni+ per erogare incentivi e premi per micro imprese e Pmi con sede legale e operativa in Italia, che hanno realizzato e registrato modelli o disegni industriali per la produzione di nuovi prodotti.\nI premi per il deposito di nuovi modelli o disegni industriali valgono 1000 euro sul territorio nazionale, 1000 euro in ambito UE e 1.500 extra-UE. Nell’ultimo caso, il premio raddoppia se i paesi depositari sono 2, 3, 4 0 5. Oltre questa soglia il premio complessivo sale a 4.000 euro, con un bonus di 1.500 euro se la domanda di registrazione è stata depositata in Cina.\nI premi sono cumulabili, così come sono cumulabili più disegni e modelli, purché appartenenti a tre differenti classi così come individuate dall’Accordo di Locarno. 5.\nGli incentivi, invece forniscono, dei contributi in conto capitale per la realizzazione del progetto, in misura massima pari all’80% delle spese ammissibili.\nGli incentivi dispongono di importi massimi in relazione alle diverse fasi progettuali attivate, ovvero 10000 euro; per l’area progettazione e ingegnerizzazione, 60000 euro; per l’area produzione e 10000 euro; per l’area commercializzazione.\nLa gestione di premi e incentivi è affidata a Fondazione Valore Italia. Le domande online potranno essere inviate dal 2 novembre 2011, utilizzando la procedura informatica messa a disposizione sul sito Incentividesign.it (info: contactcenteruibm@sviluppoeconomico.gov.it, Call Center 06-4705-5800 lu-ve ore 9:00 – 17:00)\nSe vuoi aggiornamenti su Design: incentivi statali per Pmi inserisci la tua email nel box qui sotto:


I Nostri Servizi - F.I. Infissi\nLa risposta più valida per le sempre maggiori necessità di ottimizzare funzionalità, durata del serramento e estetica? I sistemi a taglio termico, usati per la realizzazione di porte, finestre e portoncini in alluminio, sono perfetti per l’isolamento termico richiesto (freddo e caldo).\nTecnologia avanzata, eccellenza strutturale e versatilità rendono i serramenti in alluminio FI INFISSI la soluzione ideale per ogni esigenza abitativa: dall’appartamento nel centro alla villetta a schiera in campagna, fino ad arrivare alla baita di montagna e alle architetture più moderne.\nCaratterizzati da grande resistenza e durata nel tempo ad ogni tipologia di condizione climatica e agente atmosferico, i sistemi a taglio termico sono in grado di isolare a livello termico e acustico per assicurare un risparmio di energia notevole. Tipologie di apertura, complementi, design e rivestimenti sono vari e adattabili a ogni condizione, nel completo rispetto delle normative vigenti sia in ambito comunale sia dei beni ambientali.\nNon solo alluminio: per garantire un servizio che soddisfi a 360° tutti i nostri clienti, offriamo anche serramenti in PVC, interamente prodotto in Italia e posato in opera da esperti affidabili e specializzati in questa tecnologia.\nI portoncini d’ingresso offerti da FI INFISSI sono moderni, funzionali e realizzati in colori perfettamente abbinabili ai profili di finestre e altri serramenti. Le nostre porte d’ingresso sono ideali in ogni contesto architettonico e rendo le abitazioni sicure e isolate termicamente. Grazie alla possibilità di aggiungere inserti in vetro, è assicurata la naturale fruizione dei raggi del sole per illuminare maggiormente gli ambienti interni.\nProgettiamo, realizziamo e posiamo in opera anche giardini d’inverno, coperture in vetro, grandi vetrate e pensiline. Grazie alla solidità dell’alluminio e alla vasta gamma di colorazioni e finiture disponibili è possibile personalizzare la realizzazione secondo le proprie esigenze.\nMettiamo a disposizione una vasta gamma di persiane, tapparelle e frangisole in alluminio, legno o PVC realizzate su misura. Caratterizzati da un’ampia gamma di colori, superfici e finiture, i prodotti sono selezionati con grande cura per garantire il rispetto delle esigenze progettuali e architettoniche e per andare incontro alle necessità e ai gusti dei nostri clienti.\nTutte conformi alla normativa CE, le persiane, le tapparelle e le Griesser sono efficaci nell’isolamento acustico e termico delle abitazioni e resistenti al tempo e altamente affidabili, grazie ai materiali di qualità.\nOffriamo la messa in opera di strutture in ferro, ferro battuto e acciaio inox dotate di tutti i trattamenti superficiali necessari (come la zincatura e la metalizzazione) e personalizzabili.\nSei alla ricerca della soluzione ideale per evitare l’ingresso di insetti in casa, soprattutto durante la stagione estiva? Le zanzariere garantiscono una protezione ottimale senza alterare in alcun modo il funzionamento dei serramenti, anche pre-esistenti. In condizioni di mancanza di spazio, è possibile applicare le zanzariere più adatte grazie alla varietà di soluzioni presenti sul mercato.\nEcco alcuni esempi di zanzariere targate FI INFISSI:\nA scorrimento con meccanismo a molla: semplice istallazione e dotata di supporti a scatto che non necessita di forare il pavimento. Disponibili in versione verticale e orizzontale;\nDa incasso: consigliate per le nuove costruzioni perché da posare in monoblocchi o laddove è stato predisposto in precedenza un controtelaio. Disponibili in versione verticale e orizzontale.\nPerfetti per garage e altri spazi ampi, le porte basculanti e i portoni sezionali sono caratterizzate da design moderno e garantiscono il massimo della sicurezza. La gamma di portoni offerta da FI INFISSI è ampia: da portoni sezionali residenziali alle porte basculanti, senza dimenticare serrande, porte automatiche e portoncini.


Arredare su misura, Legno Massello , I NOSTRI LEGNI\nI NOSTRI LEGNI - Legno Massello\nIl legno massello o massiccio viene ricavato direttamente dal tronco dell’albero.\nUna volta che l’albero è stato abbattuto il suo tronco passa dalle segherie dove verrà tagliato in tavole di vari spessori, viene poi lasciato ad essiccare naturalmente all’aria aperta, al riparo però dalla luce diretta e dalla pioggia. Questo processo viene effettuato perché il legno massello inizialmente contiene molta acqua, certe volte può arrivare anche al 75% del suo peso umido.\nDurante questo periodo le tavole di legno subiscono grandi variazioni di volume, per questo motivo è possibile lavorarlo soltanto dopo un adeguato periodo di stagionatura.\nI vantaggi del legno massello sono molteplici:\nmolto robusto, conferisce ai pezzi lavorati una grande resistenza alle sollecitazioni e agli sforzi.\nlunga durata nel tempo, pensate ai mobili che hanno centinaia di anni.\nbellezza estetica: i colori, le venature e i disegni che la natura crea sono insuperabili e non passano mai di moda.\nil legno è un “materiale vivo” che si adatta all’umidità e alla temperatura dell’ambiente in cui si trova e subisce gli sbalzi di calore, con il tempo può deformarsi oppure possono formarsi delle fessure.\nMolta gente non giudica questo come un difetto ma come un pregio, i mobili costruiti in legno non hanno pari come bellezza e unicità.\nLe essenze che usiamo maggiormente sono:\nLegno tenere di facile lavorazione, lo impieghiamo prettamente nella costruzione di mobili rustici o in arte povera.\nCon l’abete realizziamo le sponde dei cassetti e la schiena dei mobili.\nLegno di buon pregio mediamente duro.\nCon il castagno costruiamo mobili e arredamenti in stile rustico, in particolare tavoli a fratino oppure con 4 gambe tornite.\nLe sue bellissime venatura si prestano bene a verniciature realizzate manualmente con gomma lacca e cera.\nIl faggio è uno tra legni più duri e resistenti, con venature uniformi e colore chiaro è adatto alla costruzione di sedie, tavoli e strutture in genere. Viene impiegato per realizzare parti curvate a vapore.\nQuesta tipologia di legno si presta bene a verniciatura con colore noce o ciliegio.\nIl frassino è un legno duro e flessibile, di aspetto molto simile al castagno grazie alle loro grandi venature, ma di colore più chiaro.\nLo impieghiamo principalmente nella costruzione di cucine, tavoli e sedie.\nSi presta molto bene alle laccature decapate.\nTra i più pregiati legni, lo adoperiamo per realizzare molti tipi di mobili. Dalle cucine, ai tavoli, alle credenze, fino ad armadi ad ante a battente.\nResistente e di bellezza impareggiabile il Noce è il signore dei legni.\nLegno tenero di basso pregio ma di facile lavorabilità. Lo usiamo per costruire mobili o interni di mobili in arte povera oppure da laccare.\nIl suo colore biancastro e le venature distanti lo rendono comunque gradevole alla vista.\nIl rovere è un legno abbastanza pregiato, di colore chiaro e di buona resistenza e solidità.\nLo impieghiamo principalmente sugli arredamenti moderni, per la costruzione di cucine, armadi, credenze, tavoli.\nUn particolare effetto la da la verniciatura a rovere sbiancato.\nLegno mediamente duro di buona resistenza, lo utilizziamo per la costruzione di diverse tipologie di mobili.\nLa sua somiglianza con il noce a costi più accessibili lo rende ottimo per la verniciatura, e per realizzare mobili in arte povera o classici.\nImpieghiamo questo legno anche in mobili con finiture laccate.\nQuesti sono i principali legni che adoperiamo, possiamo realizzare inoltre mobili in:\nacero, ciliegio, ebano, mogano, olmo, palissandro, olivo, wengè, pero, tiglio, cipresso, teak.


Marco Rossi-Doria: «Con la pandemia crescono le disuguaglianze sociali ed educative» - Noi della Scuola\nI divari educativi dipendono anche dalla condizione di partenza. E’ quanto emerge dai dati del report nazionale “Scelte compromesse. Gli adolescenti in Italia, tra diritto alla scelta e povertà educativa minorile”, promosso da Openpolis e Con i Bambini nell’ambito del Fondo per il contrasto della povertà educativa minorile. Ben due figli su tre di genitori senza diploma non si diplomano a loro volta. E’ di 25,2 il divario in punti percentuali tra l’abbandono scolastico dei giovani con cittadinanza straniera e i loro coetanei. (…) Ed ora l’emergenza Covid, secondo lo studio, rischia di mettere ancora più in discussione il diritto alla scelta degli adolescenti. In Italia vivono 3 milioni di persone tra 14 e 19 anni; considerando la fascia di età che frequenta medie e superiori e limitandosi ai minori, sono 4 milioni i ragazzi di età compresa tra 11 e 17 anni. Si tratta del 50% dei minori residenti in Italia (42%) e del 6,67% della popolazione italiana. Il report indaga il fenomeno della povertà educativa legato a questa fascia di età. Chi proviene da una famiglia con status socio-economico-culturale alto nel 54% dei casi raggiunge risultati buoni o ottimi nelle prove di italiano, mentre all’opposto per i loro coetanei più svantaggiati, nel 54% dei casi il risultato è insufficiente. «Con la pandemia le disuguaglianze sociali ed educative crescono e aggravano una situazione caratterizzata da grandi divari strutturali – ha commentato Marco Rossi-Doria, vicepresidente di Con i Bambini. La povertà educativa, come evidenzia il report, ha spesso origine in queste disparità, non solo economiche, ma sociali e culturali. E’ un fenomeno che non può riguardare solo la scuola o le singole famiglie, ma chiama in causa l’intera ‘comunità educante’ perché riguarda il futuro del Paese. In questa fase di grandi difficoltà, i ragazzi dovrebbero rappresentare il fulcro di qualsiasi ripartenza. Non dovremmo criminalizzarli, come spesso accade, per alcuni comportamenti devianti o relegarli ad un ruolo passivo. Credo fortemente che siano una generazione migliore, hanno dimostrato grande senso di responsabilità, dovrebbero partecipare attivamente alle scelte che incidono sul futuro loro e, di conseguenza, del Paese. Dobbiamo loro – conclude Rossi-Doria – grandi opportunità». Già prima dell’emergenza (2019), il 9,2% delle famiglie con almeno un figlio si trovava in povertà assoluta (contro una media del 6,4%). Quota che tra i nuclei con 2 figli supera il 10% e con 3 o più figli raggiunge addirittura il 20,2%. Ma anche i divari territoriali e nella condizione abitativa, con il 41,9% dei minori vive in una abitazione sovraffollata. Altro aspetto evidenziato è quello dei divari tecnologici. Prima dell’emergenza, il 5,3% delle famiglie con un figlio dichiarava di non potersi permettere l’acquisto di un computer. E appena il 6,1% dei ragazzi tra 6-17 anni viveva in una casa con disponibilità di almeno un pc per ogni membro della famiglia. Per tutti questi motivi, l’esperienza della pandemia è stata ed è spesso tuttora vissuta in modo molto diverso sul territorio nazionale, con effetti che gravano soprattutto sui minori e le loro famiglie.


Milan, ancora problemi per il rientro di Kessie Milan, ancora problemi per il rientro di Kessie\nFranck Kessie deve ancora rientrare in Italia dalla Costa d’Avorio. Il Milan non è riuscito ad organizzare il ritorno del proprio giocatore a causa di alcuni problemi.\nIn casa Milan mancano solamente due giocatori all’appello. Degli otto stranieri che avevano lasciato l’Italia dopo l’emergenza coronavirus, sono Zlatan Ibrahimovic e Franck Kessie gli unici che devono fare ritorno.\nSi tratta di due casi diversi. Infatti, il centravanti svedese ha ottenuto un permesso dal club per rimanere a Stoccolma fino a quando non verrà ufficializzata la ripresa degli allenamenti. Si sta allenando con l’Hammarby, squadra di cui è co-proprietario, e ha chiesto di rimanere in Svezia per continuare a lavorare.\nA differenza di Ibrahimovic, invece Kessie si trova in Costa d’Avorio e il suo rientro sta risultando complicato. Come confermato oggi dai principali quotidiani sportivi, ci sono difficoltà nell’organizzare il volo di rientro del mediano del Milan. C’è comunque fiducia di poter risolvere tutto in breve tempo. Il club rossonero si sta adoperando per far tornare il proprio giocatore a Milano entro pochi giorni. Nelle prossime ore sono attese novità positive.


Hotel Maxy Torre Pedrera, hotel Rimini Nord direttamente sul mare\nSituato sul lungomare di Rimini Torre Pedrera, direttamente sul mare, l’Hotel Maxy propone una vacanza eco-friendly all’insegna del divertimento nel rispetto dell’ambiente e a basso impatto sul territorio. L’Hotel Maxy è il primo hotel in Riviera a offrire la formula “Family Bio All Inclusive”, ideale per le famiglie che scelgono di viaggiare in maniera eco-sostenibile: pannelli solari, lampade led a risparmio energetico, detergenti ecologici, purificatori dell’acqua e raccolta differenziata, sono tutte le attenzioni che riserva il nostro hotel verso l’ambiente, per trasmettere ai clienti una vera e propria filosofia di vita.\nL’hotel dispone di luminose e spaziose camere con balcone vista mare, un’elegante sala ristorante con ampia terrazza sul mare, spiaggia eco-green, giardino con piscina per grandi e piccini e idromassaggio. Parcheggio privato. Pet Friendly.\nTutto è pensato per rendere la tua vacanza confortevole e indimenticabile.\nIn Hotel è presente una sala MINI-CLUB con zona PLAY GROUND, SALTERELLO e spazio giochi e colori mentre in giardino sono presenti due grandi GONFIABILI COLORATI. Numerose sono le attività di animazione per i più piccoli pensate in chiave di apprendimento ludico, con l’obiettivo di insegnare ai bambini a rispettare l’ambiente e ad amarlo giocando, con l’orto didattico, i laboratori di riciclo e di cucina bio romagnola, i tuoi bimbi impareranno a divertirsi nel rispetto dell’ambiente, adottando uno stile di vita sano che potranno rendere proprio nel tempo.\nIn posizione strategica, a pochi minuti di auto dal centro di Rimini e dalla Stazione Ferroviaria, a soli 4 km dall'Uscita Autostradale di Rimini Nord, dalla Fiera di Rimini e dal Centro Congressi.\nLa posizione centrale consente di visitare i dintorni, come Bellaria, Santarcangelo e la suggestiva San Marino.\nL’Hotel Maxy è la soluzione ideale per chi cerca tranquillità e una zona ricca di servizi, direttamente sulla spiaggia a un passo dai divertimenti serali ed a soli 3 km dai Parchi di Fiabilandia e Italia in miniatura.\nVieni all’Hotel Maxy e scopri il piacere di viaggiare in sintonia con la natura!\nScopri Hotel Maxy


Impatto zero: ''No Impact Man'', come vivere in modo sostenibile - Ecoo.it\nHome Impatto ambientale Impatto zero: ''No Impact Man'', come vivere in modo sostenibile\nImpatto zero: ''No Impact Man'', come vivere in modo sostenibile\nOggi vogliamo parlarvi di un documentario incredibile, ma vero. E’ la storia di una famiglia che ha deciso di condurre per un anno intero uno stile di vita ecosostenibile. Il film si chiama “No Impact Man” e racconta la vita (per un anno) di un tale chiamato Colin Beavan il quale, con la complicità della moglie Michelle e alla figlia Isabella, ha raccontato alle telecamere quello che ha fatto per ridurre l’impatto ambientale durante le sue giornate. Rinunciare all’automobile, all’ascensore, a mangiare carne, ad usare il frigo e la televisione, la carta igienica… e molto altro ancora. Un’esperienza assolutamente unica nel suo genere!\nVivere ad impatto zero in una città come New York sembra un’impresa impensabile. Eppure Colin non si è perso d’animo e ha dimostrato come anche in una metropoli si possa condurre uno stile di vita eco-friendly. Addirittura, traendoci un beneficio in termini psico-fisici: provare per credere!\nAd esempio, Colin grazie alla mancanza della televisione ha riscoperto il dialogo e la bellezza di stare insieme alla propria famiglia, rafforzando il rapporto con la moglie Michelle e la piccola Isabella. Durante tutto il documentario vengono illustrati da parte di Colin alcuni consigli per aiutare sia l’ambiente che la qualità della (eco)vita. A chi avrà voglia di guardare il filmato, oppure di acquistare il libro di questo “esperimento”, auguro buon apprendimento!


Alex Criville oggi ha voluto onorare la memoria del riverito tecnico Antonio Cobas, che è scomparso mercoledì mattina per una grave malattia. L'ex iridato della 500cc godeva di una stretta amicizia con il collega spagnolo dai tempi della vittoria del titolo mondiale della 125cc in sella alla JJ Cobas, nel 1989. Criville aveva colto anche la prima vittoria in 500cc, ad Assen, nel 1992, sotto la direzione del tecnico spagnolo.\nE'stata una grande perdita, sia per me sia per tutto il mondo del motociclismo," ha commentato Criville. "In pratica abbiamo vinto insieme il titolo della 125cc. La cosa che colpiva in Antonio era il suo talento – perché era un inventore. Veniva sempre fuori con qualcosa di nuovo e la cosa fantastica era che funzionava. Avevo una fiducia cieca in lui.\n"Era un gran ingegnere, uno dei più rispettati tecnici del mondo, anche se forse i giapponesi non sempre riuscivano a capire la sua genialità perché sono molto inquadrati nel loro modo di lavorare. Ho collaborato di nuovo con lui quando sono passato in 500cc come parte del team di Sito e ho imparato ancora tante cose – cose che avrei usato a mio vantaggio più tardi in carriera.\n"Uno dei miei ultimi ricordi è stato il pranzo di Natale a Barcellona con lui, Sito, Manolo, Burrillo e Alberto Puig. Antonio era già malato allora. La sua morte mi sembra così ingiusta ma è una cosa con la quale devi imparare ad aver a che fare".


Leggo Vedo Sento, quindi Dico.: 2011\nUna premessa: la voce di Tom Waits mi ha sempre fatto pensare ad un corda, una fune massiccia con tanto di nodo scorsojo & cappio per le impiccagioni: la corda può tendersi, assottigliarsi scricchiolando; si rilascia e sembra più massiccia; è morbida, sinuosa e al tempo stesso solida e ruvida, dalla grana grossa, una minaccia sgradevole e al tempo stesso calda, inquietante e confortante. Schiocca e crepita e sa di whisky, come se ce l'avessero intinta, e le sue curve sono le spire di un grosso serpente che nasce dal fecondo intreccio di serpenti più piccoli, attorcigliati stretti gli uni agli altri a loro volta, all'infinito.\nProbabilmente, da un punto di vista musicale, nessuno è stato più efficace omologo di Charles Bukowski se non Tom Alan Waits, classe 1949, da Pomona (contea di Los Angeles), California. Molte delle sue canzoni - esempio principe la fantastica "Christmas card from a Hooker in Minneapolis" - potevano suonare come una trasposizione in musica di alcune poesie del vecchio Buk, e di queste mantenevano lo spirito e la stessa disperazione di chi rimane dalla parte sbagliata dello specchio, nell'incubo americano.\nOvviamente poi ognuno trova la sua strada, e progressivamente, dagli album post-Rain Dogs in avanti, quella di Tom Waits è andata sempre più verso un'elettronificazione apparentemente disordinata e rumoristica, bizzarra, "distortamente" cavernosa - per i fan più granitici, niente più che il passaggio da Asylum a Island record avvenuto nel corso degli anni '80.\nProgressivamente abbiamo assistito all'abbandono sempre più deciso del pianoforte e di molti degli strumenti tradizionali, con il sound della chitarra di Marc Ribot sempre più in primo piano e determinati aspetti (la rarefazione intimista di alcune ballad, il surrealismo di certe storie folk cantate come fossero poesie, la fumosità quasi jazzistica del pianoforte & voce, etc) che andavano via via scomparendo, fino all'eccesso di quel dimenticabilissimo Real Gone - già del titolo, funesto presagio di quel che pareva proprio essere - che sette anni fa era stato l'ultimo suo lavoro di inediti.\nBad as me, il diciassettesimo album in studio (tredici titoli più un bonus cd con tre tracce nell'edizione deluxe), è un guardare indietro per tornare avanti, un emendare gli eccessi che si erano accumulati senza rinnegarli: e se niente si aggiunge (piuttosto impossibile aggiungere qualcosa dopo Rain Dogs e Swordfishtrombones!) quantomeno non si sbaglia il colpo. Di più: si riaffacciano ballads liriche à la Waits ("Last Leaf", efficace pezzo acustico in duetto con Keith Richards, vero e proprio alter ego dell'autore già dai tempi di Bone Machine; "New Year's Eve", che non sfigurerebbe nemmeno negli album di cui sopra, con una bellissima e malinconica melodia che culmina nella citazione di "Auld lang syne", canzone di fine anno per eccellenza; "Talking at the same time", "Back in the crowd", solo per citarne alcune), pezzi dall'impatto forte, tirati e dal groove violento e squadrato come un tempo ("Chicago", anche questa con Keith Richards alla chitarra, o "Get Lost", ad esempio, pezzi che nell'impianto ricordano assai cose come "Big Black Mariah" o "Down, Down, Down"), quelli più mefistofelici ("Hell Broke Luce", che al basso vede anche Flea direttamente dai RHCP o la title-track "Bad as me", per tacer della divertita "Satisfied", in cui ancora una volta con Keith Richards, Waits duella idealmente con Mick Jagger e il pezzo più famoso dei Rolling Stones), in cui l'autore gioca con la sua scenografica voce, i rumori e l'elettronica.\nSoprattutto però, la chicca arriva - ok: è fin troppo chiaro quale sia l'aspetto di Tom Waits che io prediligo! - col ricomparir del pianoforte e del contrabbasso, nella pur lampante citazione-imitazione di "Blue Valentines": ed ecco la dimessa e frusciante "Kiss me", forse il pezzo migliore dell'album, a rinverdire le atmosfere (troppo) presto abbandonate di Nighthawks at the Diner, con la chitarra che si muove estenuante, e la voce a sussurare:\n...kiss me... kiss me, like a stranger, once again\nby Papero Gonfio at 16:03 Nessun commento:\nE ci riconciliammo dunque con Woody Allen, dopo l'incontro con l'uomo dei tuoi sogni buttato là tanto per fare, non finito e nemmeno tanto sbozzato, confusionario e messo a riempier l'anno duemiladieci, tra il buono Basta che funzioni novellamente newyorkese e questa Mezzanotte nella capitale francese volutamente così tanto svilita cartolina turistica nel tempo presente, quanto adorata e ricca metropoli culturale negli anni '20 prima e Belle Epoque poi.\nIl quarantunesimo film di Woody Allen (quarantuno! Ininterrottamente uno l'anno da quanto? Ci starà pure qualche luna storta ogni tanto!) registra ancora una volta il genio in fuga, a prendere e darci aria nuova: dopo Londra, Barcellona, ancora Londra, anche tornare a New York ha un altro senso, è l'avere un occhio nuovo o rinnovato sul proprio mondo (e appunto Basta che funzioni, funzionava eccome).\nStavolta la prova è a Parigi - e il prossimo anno è già in lavorazione Roma, con Benigni e Albanese fra gli altri - e già il posto sarebbe scivoloso di per sé (remember Venezia? Tutti dicono I love you, dico. Dico: lo ricordate? Il bel musical melenso che fu): la dichiarazione d'amore per un'epoca d'oro, un'epoca forse irripetibile quanto a fermenti, personalità, innovazioni, scoperte e quant'altro si vuole, assume e riassume tutto il miglior Woody Allen che conosciamo, quello che unisce il riso alla commedia di costume, il ritratto affettuosamente caricaturale dell'artista - mai come in questo caso lo sfondo si prestava! - alla barbarie (va da sé: ritratta assai meno affettuosamente) dei suoi contemporanei, la levità di fondo e la malinconia per un presente che sempre sarà un tempo "prosaico e insoddisfacente"; un tempo poco apprezzato, a vantaggio di "un passato vagheggiato e un futuro immaginato". Così il protagonista, ennesimo alter ego - invero un po' inefficace - del regista-sceneggiatore, il quale affida ad una improvvisa macchina d'epoca notturna il ruolo di time-machine per portarsi fuori da un presente di noia e scarsi stimoli, intellettualodi insopportabili e borghesi repubblicani, conducendo quindi di volta in volta l'allibito protagonista (Owen Wilson - come mai ogni attore che fa Woody Allen, fa Woody Allen, come se questo fosse compreso nel prezzo? Lo richiede lui stesso, o il bagaglio di tic, balbettii, movenze insicure e a scatti son l'inevitabile pegno al cospetto dell'Originale? Forse uno dei pochi attori capaci di evitarlo fu proprio il Jonathan Meyers di Match Point - e non è certo un caso se di solito si pensa a questo film come ad uno dei meglio riusciti del regista!) in mezzo a memorabili feste dei coniugi Fitzgerald, al salotto di Gertude Stein (Kathy Bathes, fantastica e dittatoriale sotto al suo famosissimo ritratto) in perenne colloquio con Picasso, a esiliaranti scene col coraggiosissimo Ernst Hemingway o con lo scapestrato mondo dei surrealisti, Dalì - azzeccatissimo Adrien Brody - in testa.\nInevitabile - com'era già successo ne La Rosa purpurea del Cairo, film comunque assai diverso, specie per il senso di delicatezza e di candore che lo pervade, sentimenti qui del tutto assenti a vantaggio d'una tentazione al ritrattismo macchiettistico che non era possibile eludere - che il pendolarismo fra realtà e surreale, o comunque fra Prosaico e Réverie si riveli un inesauribile pozzo di trovate, e che l'intreccio rimanga più sullo sfondo - non per questo però ridotto a semplice contenitore di sketch. Sta qui forse, in questo sottile equilibrio - stavolta mantenuto - la capacità di farci ridere e sognare (allegria malinconica e riflessione acuta), che i migliori film di Woody Allen hanno.\nDa notare anche il contrasto fotografico fra la Parigi attuale (turistica, un po' da paccottiglia) e tutta in ocra ed oro e il rosso sgranato e un po' caldo (modello pellicola dirò d'un tempo che fu, ché dire Vintage è ormai quantomeno stupido) del passato letterario, che par s'accentui al cospetto di Gauguin, Degas e Tolouse-Lautrec.\nÈ stato scritto che il senso del film è a metà fra la sterilità - piacevole e lenitiva, ma un po' fine a stessa - della nostalgia e la mancanza di coraggio nell'accettare ciò che il destino e il presente hanno deciso per noi, ma credo che il giudizio sia un po' limitante. È un film molto piacevole, che muoverà magari al riso solo una parte degli spettatori (quelli che sanno di cosa si sta parlando, per dirla in termini grossolani), ed è anche un film che prende molti dei temi consueti di Woody Allen, come spesso accade. In sostanza, un film da vedere e da gustarsi.\nSi noti che non c'è da spendere una parola che sia una sulla parte affidata alla première dame de France, Carla Bruni, a riprova di quanto grande possa esser la stupidità dei media e del gossip in genere.\nby Papero Gonfio at 16:10 Nessun commento:\nPETER CAMERON, Un giorno questo dolore ti sarà utile (Someday this pain will be useful to you)\nOk, la dico grossa: Un giorno questo dolore ti sarà utile vale in tutto e per tutto The catcher in the rye, il testo epocale (1951) di J.D. Salinger, che da noi hanno tradotto coll’assai più infelice titolo de Il Giovane Holden. Di questo, il libro di Cameron ha la levità, il candore disarmante, l’(apparente) semplicità, la magia delle magie che pochi testi hanno dentro di sé (ad esempio non l’hanno gli altri di Salinger, né i Nove racconti né Franny & Zoey): il farti scordare la “fatica” della scrittura prima e quella della lettura poi, in sostanza il loro meccanismo stesso; un fenomeno che diventa quasi una sorta di “lettura inconsapevole”, automatica – una specie di corrispettivo della scrittura automatica surrealista, però rovesciato dal punto di vista di chi fruisce l’opera – come se il libro si scrivesse dentro di te per empatia, un processo naturale e leggero in cui salta il tradizionale schema dell’occhio che segue sulla pagina dei segni grafici, a beneficio del cervello che li elabora e (quindi) dei tuoi sentimenti che li assorbono in modo più o meno profondo.\nLeggere Un giorno questo dolore ti sarà utile è in questo senso un’esperienza più cinematografica che letteraria: va da sé che buona parte del libro è in forma di dialogo, praticamente una sceneggiatura bell’e buona, e non a caso già pronto è l’adattamento cinematografico, ad opera di quello stesso Roberto Faenza che qualche mese fa tirò fuori dal cilindro il sorprendente (terrificante) documentario Silvio Forever!\nLo schema di base del romanzo è riassumibile in una struttura dialogo-riflessioni (ancora una volta una sorta de Il mondo secondo…, uno schema apparentemente semplice ma che funziona solo se il testo è veramente un capolavoro - penso al Voyage au bout de la nuit, a Barney, al mondo secondo Garp, a qualche testo di Fante, e via così) che abolisce del tutto l’azione; una struttura che basta talmente a se stessa, è cioè così compiuta e perfetta come romanzo da rendere del tutto superflua anche un'eventuale riserva fatta in nome di un realismo, forse più fine a stesso ed ideologico-dogmatico che reale ed effettivo – in soldoni, che probabilmente un diciottenne odierno possa non avere pensieri di questo tipo, così cristallini, penetranti e al tempo stesso così efficaci nell'aprire crepe profonde nel granitico mondo degli adulti.\nJames Sveck e Holden Caulfield ragionano allo stesso modo e si muovono allo stesso modo, ma al tempo stesso il primo non è il plagio pedissequo del suo (ormai) “nobile” predecessore, la sua brutta o comunque svilente copia: no, entrambi restano due entità completamente distinte e autonome – pensi a Holden perché ci pensi, ed è inevitabile farlo; ma lo fai non col fastidio di qualcuno che vede un patetico epigono che tende al suo modello, inevitabilmente senza raggiungerlo. È come se qualcuno in un’altra dimensione, in un altro mondo avesse dato vita allo stesso personaggio inconsapevolmente, per caso: una vera e propria magia. E Cameron dalla sua ha, credo – per quanto ogni presente sia il peggiore dei mondi possibile, agli occhi di chi lo vive (poi, l’evasione che uno sogna può essere in avanti o indietro, ma questo è un altro discorso) – un mondo che rispetto a quello degli anni ’50, qualche casino in più lo ha combinato. Un mondo ancora più contradditorio e, per quanto certo questa parola non basti a definirlo, brutto.\nPoco da aggiungere, come sempre succede quando ci si imbatte in opere di questo livello. Di solito, l’unico cosa che si può dire è: leggetelo/guardatelo/ascoltatelo, quel che è di volta in volta.\nE poi, per chiudere, si mette qualche parola di quelle scritte dall’autore, ché son così complete che in se stesse hanno anche la loro spiegazione, la loro critica, tutto:\nNon sono uno psicopatico (anche se non credo che gli psicopatici si definiscano tali), è solo che non mi diverto a stare con gli altri. Le persone, almeno per quel che ho visto fino adesso, non si dicono granché di interessante. Parlano delle loro vite, e le loro vite non sono interessanti. Quindi mi secco. Secondo me bisognerebbe parlare solo se si ha da dire qualcosa di interessante o di necessario.\nQuasi tutti pensano che le cose non siano vere finché non sono state dette, che sia la comunicazione, non il pensiero a dargli legittimità. È per questo che la gente vuole sempre gli si dica «Ti amo, ti voglio bene». Per me è il contrario: i pensieri sono più veri quando vengono pensati, esprimerli li distorce o li diluisce, la cosa migliore è che restino nell’hangar buio della mente, del suo clima controllato, perché l’aria e la luce possono alterarli come una pellicola esposta accidentalmente.\nEcco un’altra ragione per cui non voglio andare all’università: non voglio essere uno appena laureato che si dà un sacco di arie per il suo primo «lavoro vero», sbandierando un potere che non ha e credendo che fra un anno o due dirigerà Vogue o Vanity Fair. L’aspirante Anna Wintour ce le aveva dipinte in faccia, le sue visioni di mega uffici, pranzi al Four Seasons e servizi fotografici a Tangeri.\nby Papero Gonfio at 12:15 1 commento:\n"Non è vero, ma è bello che tu me lo dica"\nLa mediocrità non è mai delle persone complicate?.\nE' molto facile cogliere qualcosa di speciale in persone apparentemente fuori dalle righe.\nD'altronde oggi nessuno lavora più, tutti fanno qualcosa di artistico.\nE' la società moderna che emargina e condanna una filosofia di vita semplice.\nLa semplicità con cui si affrontano le cose, il modo semplice in cui ci si pone davanti ai problemi è soltanto per le persone non mediocri.\nLa mediocrità non è mai delle persone semplici.\nE' in questa ottica che inquadro il film di Sorrentino.\nUn film che mi ha fatto pensare " finalmente un film italiano diverso, che non è italiano"\nCon una semplicità disarmante il regista ci racconta il percorso di evoluzione di un uomo schiacciato dal peso del suo passato(rappresentato da un peso che si porta sempre dietro, un carrello del supermercato, un trolley) fino alla riscoperta di se stesso e del proprio volto finalmente pulito dal trucco di una maschera adolescenziale a cui era ancorato da tempo.\nCosì' Cheyenne, il protagonista del film, una rockstar in pensione, che ha smesso di vivere quando ha deciso di interrompere la sua carriera di artista e spreca il suo tempo in un ozio depressivo, viene scosso dalla morte del padre e dalla tenacia dello stesso applicata alla ricerca ossessiva di un nazista che lo aveva umiliato in un campo di concentramento.\nIl semplice fatto della morte, la presa di coscienza dello scorrere del tempo, della finitezza della vita, spingono Cheyenne finalmente a capire che il tempo ben speso è l'unico bene della vita e che fino ad allora il suo tempo è stato sprecato, che ormai è tardi, è tardi per molte cose ormai lasciate andare.\nAlla fine del percorso Cheyenne impara a spendere il suo tempo ed ad evolversi fino a mettere in mostra il suo vero volto ed ad abbandonare ogni peso irrisolto.\nPerchè dura lex sed lex, si muore alla nascita.\nby FSN at 21:44 Nessun commento:\nTHIS MUST BE THE PLACE, Roberto Sorrentino\n"Il mondo secondo Cheyenne", avrebbe potuto intitolarsi il film, un frizzante ed originale breviario di metodi e filosofie coi quali passare attraverso la vita, mantenendo uno sguardo che tanto più penetra a fondo delle cose quanto più pare distaccato e lontano. Uno sguardo quasi di bambino: per la sua purezza, per la sua freschezza, per il suo stupore e al tempo stesso per la sua ostinazione; un senso del grottesco e un mazzetto di figure secondarie – il tatuatore, l'agente di borsa che presta l'amatissimo pick-up, il cacciatore di nazisti, la professoressa, l'inventore di trolley, il bambino con la fobia dell'acqua – che potrebbero venire dritti in linea retta dai Coen (la co-protagonista Frances McDormand non a caso ripropone pari pari lo stesso personaggio cui aveva dato vita in Fargo); un interprete assolutamente unico nonché vero cuore del film ancor e assai più della vicenda in sé, che niente più si rivela se non una giustapposizione di scene tutte egualmente valide, surreali e al tempo stesso concretissime, esilaranti ed amare ("hai mai fatto caso al fatto che oggi non lavora più nessuno, ma tutti fanno qualcosa di artistico?")\nLa linea narrativa patisce forse un po' questo carattere del film, che comunque certo non ricerca la verisimiglianza e il canone della logica causa-effetto più tradizionali: la ricerca di un criminale nazista attraverso la classica America periferica popolata di marginalità e caffè e motel e miserie più o meno spicciole (secondo il più tradizionale canone del film/romanzo on the road) è assolutamente secondaria, e al suo posto poteva benissimo starci la ricerca di un figlio, di una madre, di un qualsiasi altro evento potesse fare da sfondo agli incontri, alle massime, al distacco straniante della maschera del Candide aggiornata ai giorni nostri in chiave rock. Forse questo – il fatto che la ricerca dell'aguzzino del padre non sia poi tutto questo casus belli, tutto questo motivo per mettersi in viaggio, per scrivere la prima pagina del proprio bildungsroman – un po' si sente, come ogni tanto si avverte un eccesso di simbolismo un po' fine a se stesso: la baracca in mezzo al nulla del criminale nazista; l'inutile chiusa con Sean Penn senza più trucco davanti alla finestra della madre in remota attesa del figlio; la stessa figura di quest'ultima, messa forse lì a vieppiù (inutilmente) aggiunger pathos – tutte, forse, metafore un po' stonate e pretenziose, figlie irriducibili di un modo di pensare il cinema (quello italiano, appunto) come qualcosa di nobile, indegno a meno che non si veicolino in un modo tra il lezioso e l'accademico concetti che si giudicano “alti”, magari indugiando nell'(ab)uso di fatti di storia o cronaca che a questo si prestino (l'olocausto, il fascismo, i fatti di cronaca nera – quanti film italiani cosiddetti "impegnati" ci cascano?), e accompagnando il tutto con l'altrettanto irriducibile (e fastidiosa) tendenza al melodramma ed alla lacrima, qui peraltro e grazie a dio brillantemente evitata dall'attore (“no, tardi è tardi!” – e immaginatevi la stessa scena con qualche coppia di divetti nostrani e preparate i fazzoletti).\nNel complesso un film che sorprende, originalissimo e visionario (bellissima fotografia, di Luca Bigazzi), molto meno italiano del solito, ma che forse pone la storia un po' troppo al servizio della tecnica, il plot al servizio dell'estetica. Bello - anche se forse una goccia di provincialismo ci può stare, nel far apparire un musicista perché se ne sceglie un pezzo... - il cammeo di David Byrne, nella parte di se stesso (ancora: niente più che un pretesto per un'altra delle perle di Cheyenne).\nby Papero Gonfio at 16:24 Nessun commento:\nCapita d'imbattersi nel film perfetto, e di non averne quindi da scrivere granché. Perfetto perché dalla regia cristallina e semplice e misurata, perfettamente calibrata sui quattro unici personaggi che da soli basterebbero a riempir qualsiasi scena; perfetto perché tale è la sceneggiatura, che riprende la pièce teatrale di Yasmina Reza, Le dieu du carnage (il dio della carneficina), e la asciuga da qualche ampollosità dell'originale e ne amplifica (magia del cinema) la potenza, pur mantenendola meravigliosamente teatrale.\nTra un semplice prologo e una chiusa speculari ed in esterni si snoda (tra una soggiorno una cucina e un bagno - della serie, ognuno - Polanski - si arrangia come può...) - l'esile vicenda (un confronto civile tra due coppie di personaggi per appianar un fatto spiacevole relativo ai rispettivi figli, i quali hanno avuto una lite ai giardini il giorno prima, con uno dei due che ne ha riportato due denti rotti) su cui si innestano in modo assolutamente avvincente e chiaro, con una naturalezza che letteralmente "fulmina" lo spettatore, le dinamiche di convivenza civile, di relazione, di contatto fra le persone nella società.\nMirabile, più che tutto, è il modo in cui si scivola inesorabilmente in un gioco al massacro che tutto coinvolge e tutto distrugge: tra i quattro personaggi alleanze si intrecciano e si sciolgono, per poi tornarsi a stringere; naufragano etichette di bon-ton che poi riemergono, ipocrisie e aggressività si manifestano; emozioni si denudano e s'ammantano di buone intenzioni e frasi fatte; ci si mostra gli uni con gli altri i muscoli e i denti, per poi crogiolarsi cameratescamente nelle comuni miserie e banalità della via - il tutto in un balletto che, ancora, soprende per quanto è vero e profondo e per come è stato reso in modo tanto naturale, in quella che prima di tutto sarebbe nient'altro che finzione.\nE una considerazione simile è ancor più al suo posto se si pensa ai quattro attori, i veri e propri gioielli dei 79' dorati di cui si compone il film. Inspiegabile il mancato riconoscimento di miglior attore/attrice (andato invece al pur bravo Michael Fassbender alias magneto-da-giovane di Jane Eyre) a uno a caso fra Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly, Christoph Waltz: quattro tipi, quattro maschere, ma al tempo stesso qualcosa di più, di molto di più; esattamente come la vita, in cui un soggetto è un personaggio ma non solo, ha determinati tic ma al tempo stesso qualcosa ha più e qualcosa in meno. Bravissimi, incredibili, tutti; e Christoph Waltz (ma dov'eri fino ad oggi???) con la sua maschera (ancora: qualcosa più di una maschera!) del Colonnello Landa di Inglorious Bastard a tirar le fila, col suo credo gelido e perfettamente consequenziario rispetto al mondo - un mondo in cui ciascuno è solo, e "la coppia è la prova più terribile che Dio possa infliggerci, la coppia e la vita di famiglia", come ha a dire invece l'altra figura maschile dei quattro, spalla e caratterista di vecchia data di numerosi film - in cui si trova a vivere, quello appunto nel "dio della carneficina".\nCarnage ha tranquilla serenità e la semplicità del capolavoro: in casi come questo, l'unica analisi possibile resta la più semplice - andate a vedere questo film.\nOgni spiegazione, ogni parola, sarebbe inutile, e niente aggiungerebbe di più.\nby Papero Gonfio at 17:17 Nessun commento:\nSAM LIPSYTE, Venus Drive\nOgni generazione considera la precedente come qualcosa da abbattere, comunque da superare: si tratta spesso del classico conflitto "figli contro padri", nell'accezione magari di un manipolo di enfants-terribles che vanno a tirar la barba bianca ai soloni, a ciò che è accademia, istituzione, gloria nazionale magari un po' polverosa e ingombrante. Una sostituzione di un determinato codice di valori, di un repertorio di immagini e metafore e concetti, uno svecchiamento di fondo che a volte magari è scriteriato o fine a se stesso (e a volte niente c'è da svecchiare!); a volte ha un suo indubbio merito e una sua necessità: ci voleva proprio, vien da dirsi.\nPer quanto alle “singole” generazioni d'avanguardia, prese – mettiamola così – cellula per cellula, epoca dopo epoca (per quanto oggi, ancor più di ieri, si tenda inevitabilmente ad una generalizzazione di fondo, rimpiattando tutta la polvere letteraria sotto lo stesso tappeto del post-moderno), questo meccanismo risulti sempre nuovo, è, questa, una dinamica che invariabilmente si ripete nella storia dell'uomo, al di là di limitazioni letterarie, artistiche e via discorrendo.\nCome sempre, in tutto c'è del buono del cattivo, del loglio e del grano – per usare un'espressione da accademico polveroso o vecchio trombone che dir si possa volere. Nello specifico, mi sembra che accanto ad indubbi meriti di quella che oggi può dirsi la punta più d'avanguardia di questo processo – vale a dire gli scrittori che, con 20-35 anni sulle rispettive spalle, si trovano ad operare in quello che del mondo occidentale è ombelico e fulcro, senza nulla voler togliere alle periferie (intesi non come luoghi minori, giacché molti degli scrittori di cui sopra operano tutt'altro che a New York o Los Angeles; bensì come posti in cui effettivamente si langue in tutti i sensi – ad esempio da noi, tanto per dire) – si torni sempre lì: e detta proprio sinceramente, lasciare (dico nomi alla rinfusa, ognuno metta quel che preferisce...) Hemingway o Capote, o Flaubert o Carver, o Richler o Steinbeck, o chiunque insomma vogliate, per abbracciare un continuo battere e girare sempre intorno allo sballo che quest'acido procura, alla figura del ragazzo senza lavoro che si droga, allo scioperato che abita il sobborgo ed è sfasato rispetto al mondo e fuma marijuana, a tutta la gamma possibile di roba da tirare da iniettarsi da fumare da inghiottire da assumere, insomma: fino a che punto si tratta di un ritratto effettivo e sentito, e fino a che punto di un mettersi in posa esagerato, un'esibizione forzata e spinta al limite nient'altro che per meravigliare/scandalizzare chi ben pensa e chi la polvere d'accademia ama e brama, tanto per fare?\nIo per me, che peraltro non benpenso e la polvere non necessariamente amo, per quanto ciò potrà valere, mi scandalizzo ben poco, né ci vedo chissà qual fascino o attrattiva nelle descrizioni artistiche dello sballo. Il principio è sempre il solito: non tutti hanno a essere Bukoswki solo perché scrivono di sbornie o scopate, insomma.\nNé si può ripetere all'infinito lo schema, magari con tecniche diverse che senz'altro son nutrite da una indubbia e puntuta fantasia, magari alimentata e affinata dalle scuole di scrittura (che qualcosa effettivamente fanno – viene il dubbio, considerando che tutta questa generazione più o meno esce da corsi di scrittura creativa di qualche college!), e da un senso del frizzante brioso che diverte e effettivamente dà ogni volta un sentore d'aria nuova (per l'appunto più frizzante!): se a un determinato codice, magari polveroso, datato, magari un po' magniloquente e in pompa magna, in definitiva non perfettamente aderente alla realtà odierna; se vi si vuol sostituire questo, grazie tante, io mi tengo ancorato al passato.\nE questo avviene in certa misura con Lipsyte, che anche con buona parte di grano alla fine lascia interdetti, perché i personaggi son sempre gli stessi e tutta questa marginalità a metà fra lo svampito e lo straniato pare un po' forzata. Molto meglio il suo senso di ironia e di grottesco, che però è ben lontano da Saunders, o anche la tecnica narrativa e la sintassi andate mossa, che rivaleggia (e perde, forse) con un altro tizio all'incirca gli stessi limiti, che si chiama Rick Moody. Si rasenta la farraginosità, e non si sa mai per certo se scriva bene o scriva male. Nel tempo che te lo chiedi il racconto è giunto al termine, e hai letto di un'altra droga, di un'altra storia un po' sconclusionata che magari stavolta non ti ha colpito nemmeno più di tanto, sommata a tutte le altre, sempre a metà fra qualche frase un po' ad effetto e qualche contorsione linguistica notevole però un po' fine a se stessa...\nby Papero Gonfio at 19:22 Nessun commento:\nBODY AND SOUL, Micheal Radford\nDocumentario che ricostruisce più o meno efficacemente la musicalità assoluta di Michel Petrucciani, che è quanto di più “Mozart” aggiornato ai giorni nostri si possa immaginare. Il film ha sicuramente un suo perché, e fra qualche annotazione di tecnica pianistica e di colore, nonché dall'insieme emerge senz'altro la personalità e la caratterizzazione per così dire quotidiana dell'artista, ma quello che danneggia forse il risultato finale è la schematicità della regia. Michel Radford (già regia per Il Postino, Il mercante di Venezia) si limita al compitino e rinuncia, forse per contrasto col Genio Assoluto che si tova a dover sceneggiare, a qualsiasi tipo di virtuosismo od originalità nelle riprese, limitandosi a giustapporre qualche dichiarazione e un po' di musica, un'intervista e del materiale di repertorio magari dal vivo, qualche racconto di episodi a un altro po' di musica. Uniche due particolarità: nessuno dei personaggi chiamati a dir la loro è mai identificato da una sovrimpressione (e questo non è che giovi granché, alla lunga) e tutti parlano nella loro lingua, sottotitolati (e questo invece giova, senz'altro). Alla fine la ripetitività dello schema – che accompagna l'artista Petrucciani dalla nascita alla morte, dalla Francia alla California, a Big Sur, poi a New York e di nuovo alla Francia – invariabilmente nella forma fissa ed alternata di momento orale-momento musicale stanca e forse fa evaporare un po' del demone artistico, con tutto quanto ciò si porta dietro, che una regia un po' più movimentata avrebbe trasmesso.\nCerto, restano alcune emozioni forti: i ricordi degli altri jazzisti - dal Charles Lloyd folgorato e riportato sulla via del Jazz dalle mani del piccoletto trovato in casa a suonare il piano, all'affetto quasi fraterno di Joe Lovano, Aldo Romano e via discorrendo; le riflessioni dello stesso Petrucciani (spesso, per parola degli stessi amici, nient'altro che aneddoti ingigantiti di un uomo del sud), e le sue quattro mogli e l'episodio doloroso del figlio, probabilmente e in un certo senso vittima del Genio del Padre, capace – lui – di annullare il grave handicap e sublimarlo nella musica e nell'eccezionalità di un dono cui tutto si può perdonare e a cui tutto può cedere il passo, fino al bruciare se stessi e i propri (pochi) anni nell'arte, potendo beffardamente dire che va tutto bene, sto benissimo e vivo alla grande. Normali sarete voi.\nSi può anche riflettere che, quando ciò non si dà, la prospettiva cambia, e parecchio; ma dal momento che il documentario è sul Michel Petrucciani uomo e artista, body and soul, questo può essere un (amaro) effetto collaterale del film, e meglio di tutto è senz'altro chiudere con quanto riportato nelle circa due ore di interviste e ricordi:\nun pianoforte è nulla più che uno strumento musicale. Se però al pianoforte siede Herbie Hancock, siede Chick Corea, siede Michel Petrucciani, il pianoforte suonerà come Herbie Hancock, come Chick Corea, come Michel Petrucciani (io avrei aggiunto Thelonious Monk e Bill Evans – magari pure sostituendo uno dei primi due, eh?). Se al pianoforte siede qualcun altro, il pianoforte suonerà come un pianoforte.\nMolto semplice, e molto sintetico: sta in questo, forse, la musicalità assoluta, il "mozartiano", di cui dicevo poco sopra. Il film lo cattura solo in parte, sarebbe stata necessaria forse una regia meno schematica, capace al tempo stesso di mantenere un ordine (per dire: l'ordine non c'è, nemmeno con questo schematismo!) e una creatività, sullo stesso filo. Difficile, e - comunque - il non esserci riusciti non toglie il sapore di fondo al film-documento, che resta un ottimo viaggio da intraprendere e ascoltare.\nby Papero Gonfio at 18:28 Nessun commento:\nSILVIO FOREVER, R. Faenza-F. Macelloni\nAndate a vedere Silvio Forever. Se ci riuscite, certo, giacché ad esempio la rai ha oscurato il promo del film (mancava il contraddittorio nelle dichiarazioni della defunta mamma Rosa, o non era rispettoso mostrare una defunta ma quand'era ancora viva in un film - non s'è mai capito troppo bene quali fossero i motivi) e non è detto che il medesimo riesca a durar granché, in sala. Andateci: non ci sarà niente di più di quel che non abbiate già visto, e purtroppo non sposterà d'una virgola la situazione attuale, che è un po' lo stesso dato di fatto che poteva valere per Videocracy prima e Draquila - L'Italia che trema poi. Però andateci lo stesso: perché il senso di disgusto che si avverte durante quel che si vede, alternato agli spasmi d'ilarità che si provano quando si riesce, magari solo per un attimo, a vivere la situazione sullo schermo come se fosse effettivamente solo sullo schermo, sono impagabili. In entrambi i sensi; in entrambe le direzioni. E mettiamoci pure il senso (non sarà molto, lo so: ma contentiamoci!) pseudo-consolatorio e un po' (lo ammetto: ma concediamoci anche qualche atto d'amore verso noi stessi!) auto-referenziale di non esser mai appartenuto al novero dei tanti – tanti? Io son tra quelli che di brogli ha sempre accusato l'accusatore, in nome d'una ben nota strategia d'un marketing spicciolo che più o meno recita: accusa il tuo avversario di quello che fai tu – che l'hanno in qualche modo fatto arrivare dove si trova, e che ci fa sentire come orgogliosi nel ripeterci “io sono diverso, io sono diverso, io sono diverso”.\nAl di là di e più che tutto, forse, l'importanza di film come questi sta nel fatto che mantengono bassa – o contribuiscono a darle una salutare scossa – la soglia di assuefazione che chi comanda vorrebbe diffondere a macchia: vedere che siamo comandati da un tizio che dice di avere, già a quattro-cinque anni, salvato la vita alla sorella che era caduta in un mastello per i panni; che a sei andava a mungere le vacche e veniva pagato in natura e portava il secchio di latte in casa, per sollevar seppur di poco le ristrettezze da tempo di guerra del focolare; che a sette raccoglieva la carta per strada e la metteva a macerare nella vasca da bagno e rivendeva poi quel che ne risultava come carburante (qui – confesso – non m'han retto gli occhiali sul naso, e dal ridere mi son finiti sotto la poltrona del tizio davanti); che a scuola faceva i compiti ai compagni in cambio di soldi, salvo poi restituire le somme qualora questi ultimi non fossero arrivati al sei; che negli anni dell'Università (ovviamente la Cattolica) metteva a disposizione del prossimo, dopo ciascun esame superato, i propri mirabolanti riassunti, manco a dirlo notati ben presto dai piani alti di detta università, dalla quale conseguentemente affluiron tosto danari per coprire i diritti d'autore (?) del brillante laureando, col medesimo che ovviamente dava il tutto regolarmente in beneficenza – insomma, ascoltare tutto questo è, credo, quantomeno salutare ed istruttivo.\nSe poi viene raccontato direttamente dal protagonista, insomma... che aggiungere? Già perché il docu-film di Faenza e Macelloni ha questa particolarità: nessun racconto su Berlusconi, fatti salvi qualche opinione o qualche aneddoto raccontati dai diretti interessati (Indro Montanelli, Marco Travaglio, Dario Fo, ma anche mamma Rosa, Mike Bongiorno, e via così), viene da fonti diverse rispetto alla sorgente primaria e più pura: la voce diretta dell'attuale presidente del consiglio, che racconta la sua vita e parla di sé in interviste, talk-show, comizi. E ricostruisce da solo la sua storia, Una Storia Italiana (sì: confesso che io li ho entrambi, e li custodisco geloso!); quella di uno strepitoso personaggio della commedia dell'arte – per dirla con le parole con cui è stato presentato il film. Una storia che diacronicamente annovera gli inizi misteriosi nell'edilizia, il mausoleo privato e le vicende di governo; le comparsate da Vespa e il puttanajo da – si spererebbe: macché! – crepuscolo del sultanato di provincia che s'è aperto e continua ad aprirsi nonostante mamma Rosa avverta ad inizio film: "mai vedrete Silvio nelle foto con le donne". No, mai: e se ci sono, son tutte tizie di specchiata moralità. E l'SMS di Nicole Minetti a un'altra tizia di cui (mi si perdonerà) non ricordo il nome: “più troie siamo, più bene ci vorrà”, è solo un elaborato messaggio in codice per dire che il premier l'altra sera ha fatto beneficenza all'UNICEF.\nE non si pensi – più di tanto: cioè, non nel senso in cui lo fu ad esempio Draquila, di Sabina Guzzanti – a un'operazione brutalmente militante: quello che viene fatto qui, con anche la collaborazione di Gian Antonio Stella e Sergio Rizzo (autori de La Casta) è semplicemente elencare, mostrare, incollare. Certo – alcuno potrebbe obiettare – si posson fare operazioni ben assai militanti con semplici opere di taglia e cuci, ma alla fine le parole contano, e le azioni pure; e di entrambe, almeno qui, per lo spazio di 85 minuti 85, è direttamente responsabile il medesimo. L'opposizione – quella propriamente detta, quella politica – non compare mai (e direi che non è un caso); i tanto vituperati magistrati di sinistra nemmeno: compaiono, nella parte di loro stessi, Zapatero ed Angela Merkel, con le loro facce tra l'incredulo e l'imbarazzato; compare il simpatico Gheddafi, a cui s'è pensato bene a suo tempo di baciar la mano; compare il buon Dell'Utri, quando dice che la mafia non esiste. Il resto è nient'altro che - appunto - una storia, una storia raccontata dal protagonista. Un'autobiografia non autorizzata.\nE cercate di vederlo, se potete. Sarà pur meglio di Amici miei - Come tutto ebbe inzio o qualcosa del genere, no?\n(Ok, da un punto di vista più strettamente cinematografico, si potrebbe notare come al cinema italiano sia rimasta quasi solo simile strada, la strada del documento e del film-verità, per fuggire alla asfitticità e miseria a cui lo inchiodano con precisione quantomeno preoccupante commediole scipite e banalmente di carattere, regionali e dozzinali, che vorrebbero replicare, vieppiù svilendolo, un modello che altra fortuna e altri interpreti ebbe in altre epoche, ma lasciamo stare, ché la cosa s'addice sì, ma mi pareva s'addicesser più due parole sul contenuto e se ci mettiamo a far gli schizzinosi anche sull'estetica e sulle questioni di stile si va ancor meno lontano).\nby Papero Gonfio at 00:30 Nessun commento:\nAmo Spike Lee. Credo che a un primo livello, superficiale, “di pancia” o qualcosa del genere, sia proprio una cosa così: o adori i suoi film o non lo sopporti. Questo certamente perché i temi sono più o meno sempre gli stessi, tanto che probabilmente i detrattori potrebbero cercare di ascriverlo (come si fa inopinatamente di solito - mossi da non so bene qual intento catalogatore, dall'alto della nostra boria – quando si vuol rimpicciolire, rimettere al proprio posto, distribuendo patenti “da minore” rispetto a – che cosa, tra l'altro?) al cinema di genere: brutalmente, e per voler liquidare la cosa, potrebbero senz'altro sostenere che Spike Lee si macchia dell'orribile colpa di fare film di genere, quindi può certamente esser preso con sufficienza, con un sorriso di circostanza, lo stesso che di solito i medesimi riservano a chi scrive noir (orrore!), thriller (mioddio!!!) e via così. Come se la grandezza, l'arte, la bellezza, quel che diavolo vi pare e serve a far vivere meglio questi gran signori, dovessero senza tema di smentita trovarsi tutte nel cosiddetto mainstream, che è ovviamente puro, assoluto, e non si contamina certo con gli spuri e vituperabili generi, tantomeno con uno che sforna invariabilmente film sulla questione razziale. Questa la sua colpa, questo il suo genere. Che tanto poi la questione razziale è faccenduola di poco conto, roba da caratteristi...\nora, sicuramente il regista su questo aspetto gioca, e a volte pure pesantemente (oltre ai continui rimandi a Malcom X e Martin Luther King, anche chiamare la propria casa di produzione 40Acres & a Mule Filmworks, a perpetua memoria della promessa di risarcimento fatta agli schiavi africani alla fine dello schiavismo, vale a dire quaranta acri di terra e un mulo, è dato assai significativo) ma ovviamente poi, se riusciamo a metter da parte tutte le idiozie di cui sopra, saremo anche serenamente in grado di vedere che ad esempio un libro come In fondo alla palude è un capolavoro assoluto anche se (per dire) da noi è uscito in prima edizione nella collana dei Gialli Mondadori e non nei nobilissimi Meridiani; che Lehane o Leonard sanno ogni tanto (ogni tanto, per carità: e chi vorrà sostenere che l'intera produzione di – chessò – Capote o Hemingway sia meravigliosa a prescindere, nella sua interezza?) essere grandi scrittori. E mille e mille altre cose, tra cui non ultima che il regista di New York (in realtà è nato in Alabama, ma fa lo stesso – solo Woody Allen è newyorkese quanto lui) ha sfoderato quantomeno due film di assoluto livello, sotto tutti i punti di vista, e uno è senz'altro questo, il suo film numero otto, datato 1995. Chi ha familiarità con la sua filmografia saprà di certo qual è l'altro, che credo resti anche uno dei migliori film in assoluto per l'ultimo decennio – parlo ovviamente de La 25° ora (2002), che ha tutte le rotondità dell'Opera Matura, con le due rispettive lettere maiuscole e i singoli e ricorrenti temi trascesi e fusi nel capolavoro, quindi non stiamo tanto a perderci tempo.\nDetto per inciso, altre suoi notevolissimi lavori sono He got game (del 1998, film con un paio di sequenze che varrebbero le famose scene del “triello” di Sergio Leone ne Il buono, il brutto e il cattivo: fanno scuola! – mi riferisco ad alcune scene di gioco e soprattutto all'ultimo pallone in aria mentre Denzel Washington va verso il muro della prigione) e Inside man (2006), ma appunto perché lo diciamo per inciso non importa stare a dir molto altro.\nClockers comincia come un documentario sulla vita di strada (i crudi titoli di testa - come sempre a valere qualcosa di più di quel che sembrano nella produzione del regista – cadaveri, gente che guarda, nastro giallo do not cross, sangue sul marciapiede); diviene un saggio sulla cultura afro-americana e sull'integrazione, e si chiude come una vicenda a metà fra la cronaca e il noir, con un manicheismo che come sempre succede nei film di Spike Lee pare esser l'unica fonte di aggregazione nonché l'unico punto focale della vicenda, e invece è l'esatto contrario, con i neri del ghetto visti tutt'altro che con aprioristica condiscendenza e coi bianchi che non necessariamente sono i bastardi oppressivi che detengono il potere e schiacciano i Fratelli – altro che film di genere, ma questo vallo a spiegare agli intellettualoidi!\nC'è un'umanità e una partecipazione in questi personaggi (Strike – per me sarebbe stato da Oscar – suo fratello Viktor, il poliziotto André, la stessa coppia di detective Keitel-Turturro, o il magnifico Delroy Lindo, che ci spiega come il Male possa essere una gabbia in cui ti trovi quasi per caso, e il confine da varcare non è poi mai così lontano) che raramente vediamo in un film; e l'assenza di retorica o facili moralismi sarebbero una lezione che farebbe tanto comodo imparare a tanti, primi fra tutti due nomi eccellenti e ben più celebrati, quali Steven Spielberg o Oliver Stone.\nBrooklyn è uno sfondo – in questo senso il regista ha fatto grossi passi in avanti rispetto a Fa' la cosa giusta (1989, sua prima opera a tutti gli effetti), in cui in uno scenario un po' caricaturale si muovevano figurine altrettanto eccessive, in uno schematismo di fondo quello sì un po' manicheo – che conquista suo malgrado, col suo squallore a metà e la sua decadenza assolata: e Strike sogna una fuga dai suoi blocks e al tempo stesso vi è intimamente legato (ideale dell'ostrica aggiornata ai nostri giorni), perché solo qui si fanno i soldi, e solo con la droga.\nSembra tutto così immutabile, così prestabilito che se non sei un duro non sei niente.\nSpike Lee rende così bene la caratterizzazione, l'ambiente, l'agire umano con le sue varietà (dalla ferocia insensata all'amore protettivo della madre; dal senso di oppressione che l'uomo ottiene – quasi beffarda ricompensa – dal suo volersi integrare e piegare nel sistema allo spirito di emulazione che tragicamente perpetua ed amplifica pessimi modelli, quasi avessimo capacità innate di assorbire e ricreare più facilmente il peggio piuttosto che il suo opposto); tutto quanto è così reale che ti sembra di esser lì, in mezzo alla gente e muoversi con loro. E su tutto c'è anche un intreccio di prim'ordine, tratto da un romanzo di Richard Price; una musica e una fotografia che assolvono in modo del tutto virtuosistico ai propri compiti (rispettivamente di Terence Blanchard e Malik Sayeed, da sempre collaboratori del regista), e un'ultima, struggente sequenza di chiusura, anch'essa da scuola di regia: il bambino che gioca felice coi modellini dei treni, mentre Strike felice ed incredulo, su quel treno che finalmente ha preso, guarda l'orizzonte, e un cartellone pubblicitario recita "no more packing", promessa (forse non mantenibile, ma chissà!) di una nuova vita, nel tramonto.\nby Papero Gonfio at 16:41 Nessun commento:\nIl titolo , la locandina, i trailer mi avrebbero fatto presupporre una boiata di film colossale.\nInvece questo remake del film di Dante del 1978 è più riuscito dell’originale e rappresenta un tributo ai film di Corman e alla sua filosofia cinematografica.\nDi fatto ci sono tutti gli elementi del cinema cormaniano.\nDosi industriali di sesso, sangue, azione, perdere meno tempo possibile sulla caratterizzazione dei personaggi e il loro spessore psicologico e utilizzare ogni espediente splatter per catturare lo spettatore.\nLa trama è decisamente infantile: un terremoto apre una faglia sul fondo del lago, da dove escono migliaia di piranha preistorici enormi, affamati e feroci.\nI voraci pesciolini troveranno un supermercato di carne umana, visto che sul lago si sta celebrando una sorta di festival della tetta.\nLe scene di sesso, mai volgare, ironiche e divertenti sono garantite da migliaia di ragazze seminude. Il numero di comparse, (belle ragazze in costume), fa rabbrividire e impallidire le comparse di Ben Hur.\nInoltre, per dare pepe al tutto, sono state inserite nel cast anche due attrici porno Gianna Michael e Kelly Brock.\nLe scene splatter invece di far inorridire riescono ad essere divertenti.\nIl giudice del concorso miss tetta dura, per esempio, perde letteralmente la testa mentre guarda le tette di due ragazze e non si accorge che sono state tagliate in due da un cavo di acciaio.\nC’è anche il cameo di due grandi attori, Richard Dreyfuss vestito come l’oceanografo da lui interpretato ne Lo Squalo e Christopher Lloyd che interpreta una specie di fratello del suo Doc di Ritorno al Futuro.\nInsomma, ci si diverte molto in questo film, soprattutto chi ama il genere.\nChe cosa si può chiedere di più ad un horror volutamente di serie B se non di farci divertire?\nby FSN at 21:48 Nessun commento:


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Rezzato: bambini intossicati dal cloro in piscina. In corso accertamenti\nSono 28 i bambini che sono rimasti intossicati probabilmente da eccesso di cloro nella piscina.\nE' stata l'inalazione di vapori, infatti, a originare l'episodio che ha suscitato allarme alla Spiagga 91. Nel parco con piscine rezzatese i bambini tra i 3 e i 14 anni avrebbe infatti accusato difficoltà respiratorie. Per questo è subito scattata la richiesta di intervento di personale sanitario.\nSul posto mezzi inviati dalla Soreu di Bergamo, ma anche Vigili del Fuoco di Brescia e Carabinieri di Rezzato. La maggior parte è stata trasferita in ospedale per accertamenti, altri sono stati curati sul posto. (r.r.)\nRezzato\tintossicazione\tpiscina,


Saelemaekers a Milan Tv: "Ora testa al campionato. Ruolo? Do sempre il massimo ovunque"\nSaelemaekers a Milan Tv: “Ora testa al campionato. Ruolo? Do sempre il massimo ovunque”\nAlexis Saelemaekers parla hai microfoni di Milan Tv a pochi minuti dal fischio d’inizio del match contro la Samp. Ecco cosa ha dett il belga, che oggi si disimpegnerà nell’anomalo ruolo di terzino destro.\nSaelemaekers a Milan Tv: “Dobbiamo pensare al campionato”\nLe ultime dieci partite dopo la sosta- “Penso che adesso dobbiamo pensare al campionato. Arrivo da una squadra in cui ci sono idee diverse ma ora dobbiamo mettere in pratica tutto quello che ci dice il mister a Milanello e provare a conquistare i tre punti”.\nL’emergenza infortuni ormai al termine- “La squadra adesso è quasi completa, è stato un periodo difficile senza tanti giocatori importanti. oggi dobbiamo dimostrare che siamo una squadra forte”.\nSul suo ruolo- “Non ho un ruolo che mi piace di più, quando sono in campo provo a fare tutto quello che posso fare per aiutare la squadra, è questo l’importante per me”.\nleggi anche: Milan-Sampdoria le formazioni ufficiali


Da tutto il mondo a Crotone per il "Primo raduno internazionale di Stone-Balancing" (Foto Gallery) | wesud News\nDa tutto il mondo a Crotone per il “Primo raduno internazionale di Stone-Balancing” (Foto Gallery)\nCrotone, 28 Agosto 2016 • 16:31\nPietre in equilibrio che sembrano sfidare la forza di gravità.\nUna vera e propria ricerca che parte dall’uomo, dal suo saper osservare la natura dell’equilibrio, approfondendo il suo rapporto con essa.\nE’ l’arte dello Stone-balancing o se preferite pietre in equilibrio che la mano dell’uomo pone l’una sull’altra, senza badare alle dimensioni creando splendide opere.\nDal 26 al 28 agosto nella splendida cornice di Capo Colonna e dell’Alfieri camping, tutti hanno potuto partecipare e “toccare con mano” questa nuova disciplina.\nOrganizzatore dell’evento, che ha richiamato moltissimi gruppi provenienti da varie parti d’Italia e dall’estero Mario Carné, riconosciuto da tutti gli artisti al mondo come uno dei pionieri e padri dello stone balancing.\nUna tre giorni di esibizioni e di insegnamenti che hanno affascinato e coinvolto grandi e piccini.\nQuello che per molti può apparire come un gioco divertente in realtà consente cui di misurare la propria abilità, la fantasia, la capacità di scelta e di adattamento alla vita su questo meraviglioso pianeta.\n“Le finalità, sostiene Mario Carnè, pur essendo molto personali, sono comunque condivise ormai da tantissimi praticanti in ogni angolo del mondo”.\nL’artista crotonese intende promuovere questa tecnica che può essere praticata fin dall’infanzia con ottimi risultati anche per la salute e continuerà ad organizzare eventi e iniziative da Crotone, uno dei primi luoghi di sviluppo e diffusione dello stonebalancing al mondo.\nE’ infatti a cavallo tra la fine e l’inizio del nuovo millennio che a Crotone, grazie all’attività di Mario Carné si è iniziata a praticare e diffondere concretamente l’arte dell’equilibrio tra le pietre, lo stone balancing.\nOggi a distanza di molti anni, quest’arte singolare, si è diffusa a livello planetario. Infatti dall’Asia all’America, passando per tutta l’Europa, si trovano gruppi, artisti ed eventi che praticano questa tecnica, la quale permette di eseguire sculture precarie dalle forme più varie e allo stesso tempo creare un equilibrio di meditazione e armonia nella persona che opera nella ricerca del baricentro tra le pietre.\nIntorno a quest’arte si è creato un vero e proprio movimento.\nCi si ritrova in luoghi davvero suggestivi, in mezzo alla natura, per favorire la meditazione ed il rapporto stretto con il rilassamento.\nMettere ‘pietre in equilibrio’, infatti, non è solo un gioco, ma è anche un’esplorazione degli orizzonti interiori e per questo favorisce un avvicinamento più naturale possibile anche a quelli esteriori.\nAlfier campingcrotoneequilibrioMario CarnémeditazionepietreStone-balancing


Gli operai dell'ex Isochimica marciano su Avellino - Irpiniaoggi.it\nHomeAttualità in IrpiniaAttualitàGli operai dell’ex Isochimica marciano su Avellino\nGli operai dell’ex Isochimica marciano su Avellino\nUna marcia su Avellino in segno di protesta. Gli operai dell’ex Isochimica hanno organizzato una grande manifestazione per chiedere che si metta fine all’ingiustizia ricevuta. Tante le persone decedute a causa dell’amianto e tante sono ancora ammalate. Stamane all’assemblea tenuta presso il centro sociale Samantha della Porta di Avellino era presente anche Paolo Ferrero, segretario nazionale di Rifondazione Comunista. Ai nostri microfoni abbiamo ascoltato un ex dipendente che vive il dramma dell’amianto.


Paura Onazi: fermo «solo» un mese | Radio Radio\nHome / Calcio / Paura Onazi: fermo «solo» un mese\nPaura Onazi: fermo «solo» un mese\nEddy Onazi l’indistruttibile. Niente può abbattere il nigeriano della Lazio, neppure l’intervento killer del francese Blaise Matuidi nei primi minuti del secondo tempo della sfida valida per gli ottavi di finale del Mondiale. Un fallo davvero brutto, tanto da costringere il centrocampista della Lazio ad abbandonare il campo in barella lasciando la squadra africana in balia degli attacchi transalpini fino alla caduta nei minuti finali con conseguente eliminazione dal torneo.\nPassata la paura, però, Onazi è già in piedi. La temuta frattura della gamba sinistra – per la precisione tibia e perone, notizia trapelata dal ritiro della nazionale africana e diffusa ieri mattina da tutte le maggiori agenzie italiane – non ha trovato conferma. Al contrario, nel pomeriggio è arrivata la rassicurazione del giocatore alla società biancoceleste: nessuna frattura, solo un forte trauma contusivo-distorsivo. Onazi potrebbe far visita nella Capitale prima delle meritate vacanze estive per un ulteriore controllo alla gamba sinistra, ma la prima diagnosi è incoraggiante: con due o tre settimane di riposo il centrocampista nigeriano può tornare come nuovo, pronto per la prossima stagione. Se poi sarà a Roma o magari in Premier League è difficile prevederlo.\nOnazi, del resto, è di gran lunga il giocatore della Lazio che meglio ha figurato in Brasile. Il record man Klose ci perdonerà, ma il centrocampista nato nel giorno di Natale del 1992 si è dimostrato un pilastro insostituibile della nazionale nigeriana che prima ha passato un girone impegnativo battendo la Bosnia dell’amico Lulic e poi ha impegnato a fondo la Francia, almeno fino all’uscita dal campo del biancoceleste. Prestazioni seguite con interesse, tra gli altri, dagli emissari di Everton e Liverpool, pronte ad aprire il dialogo con la Lazio: se arrivasse un’offerta importante, superiore ai 10 milioni, la società biancoceleste potrebbe salutare il nigeriano.\nDi certo sarebbe una rinuncia dolorosa, perché negli ultimi dodici mesi Onazi ha mostrato buone potenzialità, ampi margini di crescita e una dote quasi soprannaturale, sfuggendo più volte alla sfortuna, dalla rapina sventata a Termini alla bomba schivata per un pelo a Boko Haram fino al fallo assassino di Matuidi. «La mancata espulsione è una vergogna – ha tuonato il tecnico della Nigeria Stephen Keshi – l’arbitro ha favorito la Francia». «È stato un intervento criminale – ha osservato anche Diego Armando Maradon – peggio ancora del morso di Suarez».\nMatuidi si è scusato («Mi dispiace, non volevo fare male a Onazi. Sono molto triste») ma per fortuna Onazi se l’è cavata con una semplice contusione e senza fratture. «Grazie a tutti per le preghiere – ha scritto Eddy sul proprio profilo Twitter – Dio benedica la Nigeria, con la sua grazia starò bene». «Forza Onazi – ha prontamente twittato la società biancoceleste – tornerai più forte di prima. Good luck and stay strong». Onazi è forte, anzi indistruttibile.


Supersport 300 - Avalon Biddle al via con una Kawasaki - tuttomotorsport.com\nSupersport 300 – Avalon Biddle al via con una Kawasaki\nPosted By: Alessandro Palma 3 febbraio 2017\nPochi giorni dopo Ana Carrasco, un’altra ragazza ha annunciato la sua partecipazione al Mondiale Supersport 300: la neozelandese Avalon Biddle correrà nel nuovo campionato in sella alla Kawasaki Ninja 300 del team Sourzfood Benjan Racing, la stessa squadra che prende parte all’Europeo Superstock 1000 sotto il nome di Agro-On Benjan Kawasaki.\nLa Biddle affronterà questa nuova avventura dopo aver trionfato per due anni consecutivi nella Women’s European Cup, trofeo riservato alle ragazze che si svolgeva all’interno della European Junior Cup. Nel 2015 la ventiquattrenne ha ottenuto sei vittorie nella categoria femminile e due piazzamenti a punti nella classifica assoluta. Nel 2016 la ragazza è riuscita anche a fare di meglio ed è stata protagonista di una stagione semplicemente da incorniciare: otto vittorie su otto gare nella Women’s European Cup e sette piazzamenti a punti nella generale con la perla dell’ottavo posto ottenuto a Misano. Nello stesso periodo, Avalon ha anche trionfato nel campionato neozelandese classe Superlites.\nPrima di approdare alla EJC, la Biddle ha gareggiato in Nuova Zelanda e ha corso per due anni in Italia, dove ha preso parte al Trofeo Femminile FMI nel 2012 e al CIV Moto3 nel 2014. La rider di Auckland, inoltre, vanta una presenza nel Motomondiale risalente al 2011, quando partecipò come wildcard al Gran Premio d’Australia classe 125cc senza riuscire a qualificarsi.\nAvalon Biddle, così come la Carrasco, non teme il confronto coi colleghi maschi ed entrambe hanno dimostrato di avere talento da vendere. Un motivo in più per dire che assisteremo a una stagione grandiosa!\nSuperbike Test Phillip Island, Day 1: Melandri e Ducati volano mentre Rea e Sykes cadono\nSuperstock 1000 e Supersport 300 – Il team Benjan Racing si prepara per la stagione\nDavies vince Gara 2, Rea “regala” il secondo posto a Sykes


E' un compontente free con licenza GPLv2 che si installa in modo semplice e standard. La documentazione è frammentaria, ma è disponibile un forum molto ricco e partecipato. Sul sito del produttore sono disponibili anche degli esemipi\nIl layout è personalizzabile creando dei fogli di stile.\nMolto utile è la funzione di esportazione delle form, che possono così essere salvate e importate in un altro sito.\nL'interazione con il DB è buona e sufficientemente guidata: dopo avere realizzato il form, una funzione permette di creare la tabella DB in cui salvare i dati. Allo stesso modo è possibile leggere i dati dal DB.\nI dati inseriti sono esportabili in formato Excel, csv o in fogli Gppgle.\nPer creare le form si possono aggiungere ai campi regole di validazione e visualizzazione. Esempio\nBreezing Form Lite\nE' un compontente free (esiste una versione full a pagamento( con licenza GPLv2 che si installa in modo semplice e standard. La documentazione è buona e sono disponibili diversi esempi di form sul sito libeamente scaricabili.\nIl Layout può essere personalizzato usando i fogli di stile (CSS).\nL'interazione con il DB non è immediata: per scrivere i dati in una tabella occorre prima crearla direttamente sul DB e associare ogni campo della forma al campo della tabella.\nSi può scegliere di inviare il contenuto del form a un indirizzo e-mail. Quello che mi sembra poco user friendly almeno nella versione lte) è la creazione di regole di visualizzazione, mentre le regole di valadazione sono di facile gestione.\nSe hai un account Google puoi creare da Drive un modulo inserendo facilmente molti tipi di campi. La documentazione è buona, così come il supporto. Non sono disponibili veri e propri template ma la costruzione della form è guidata. Le personalizzazioni si possono eseguire ancheusando i fogli di stile. Usando il Modulo non permette di salvare i dati nel DB di J!, ma li salva in un foglio di Google. Non è possible leggere dal foglio, almeno non senza scrivere codice.