Under the Tangerine Tree: giugno 2008\nRistampa del Giorno 30-06-08: Richard Snow - S.t. (2007; Side B Music)\nHo scoperto Richard Snow ascoltando Tuesday Music, il suo secondo album da solista uscito nel 2005. Di conseguenza, grazie al grande lavoro della Side B Music di Jerry Boyd che lo ha appena ristampato, sono entrato in possesso del suo omonimo disco d'esordio, originariamente pubblicato nel 2001 e vincitore del prestigioso titolo di "ristampa dell'anno 2007" nella classifica annuale stilata da David Bash, il capo dell'International Pop Overthrow. Onorificenza meritata, bisogna dirlo.\nRichard Snow nasce nei pressi di Nottingham nel 1974 e, a livello di attività musicale, esordisce negli anni '90 fondando una band alternative/punk chiamata Enellen. Agli albori del nuovo decennio inizia una carriera solista che ad oggi conta due full-lenghts, più la ristampa del primo di essi, che fino allo scorso Novembre era molto difficile da trovare nella sua "versione originale". Per fortuna esistono ancora etichette indipendenti attente a riscoprire (e a far riscoprire) dischi che altrimenti sarebbero dimenticati per sempre nonostante la loro grandiosità, e quello di cui stiamo per parlare è veramente grandioso. Snow è un autore innamorato dei Beach Boys e del west coast sound, ma "macchia" le caratteristiche di quei suoni con accenni più o meno marcati alla filosofia del proprio paese d'origine in voga negli anni '70, in un pauroso blend di sunshine pop, armonie vocali, jingle-jangle e improvvise coltellate di pura attitudine Clash. Ne viene fuori un album altamente originale, meticcio e non convenzionale nel quale, tra l'intro strumentale di wilsoniana memoria (The Sweetest) e la sua versione cantata posta in chiusura del lavoro (The Sweetest remix), sono stipate nove ottime canzoni.\nComing Soon (Going So Fast) sottolinea la passione primaria di Richard, quella per il vocal pop anni sessanta più puro, con i classici battimani in sottofondo e una produzione - opera dello stesso Snow - filologicamente ineccepibile, tanto rimembra i suoni dell'epoca. Su simile canovaccio muove Attention Not Required, dove Snow impartisce lezioni di armonie vocali multistrato poste su una risicata base atmosferica e folkeggiante. Real lascia campo ad una cascata di dodici corde Rickenbacker che improvvisamente, nel breve ritornello, permette per la prima volta di intravvedere la smisurata passione dell'autore per Joe Strummer, aprendo la strada alla strepitosa Girls On The Tube, scarica elettrica e altamente ballabile che unisce l'immediata energia dei Clash agli spunti melodici del miglior Costello.\nLa personalità particolare di Richard Snow è evidente in Hand Me Down My Sunglasses, che nella strofa suona come un funk urbano prima di esplodere in un ritornello ancora una volta grato a Costello ma anche ad Arthur Lee. Il mitico cantante dei Love dev'essere stato un ascolto molto importante per Richard, e la dimostrazione arriva nella traccia seguente (Pretty Picture) dove - soprattutto a livello di timbrica vocale - il Nostro paga tributo ad uno degli autori più incredibili e sottovalutati della storia, mentre in sottofondo viaggia una "base" sonora pervasa da istinti folk e protopsichedelici. Una nuova scarica jangle domina Spiral, che in realtà è un (ottimo) rifacimento di Driver 8 dei REM, mentre Red Song, di stile similare, è un originale che starebbe a pennello su uno dei primi quattro dischi della band di Michael Stipe. Haphazard, infine, riporta in primo piano la grande passione di Snow per la psichedelia leggera ed acustica alla Zombies, mentre il culto per i piani armonici dell'autore, molto precisi ma mai scontati, trova ancora massimo consenso.\nPer chi (come me) non ha avuto la fortuna o la prontezza di imbattersi in Richard Snow ai tempi dell'uscita del disco, questa ristampa è un'ottima occasione per rimediare. Un plauso alla Side B Music che, facendo uscire dischi nuovi di enorme spessore come quelli di Chewy Marble e Tripsitter e ristampando chicche come questa, può entrare di diritto nel novero delle migliori pop labels attuali.\nPubblicato da Emmanuel a 05:48 Nessun commento:\nEtichette: Richard Snow\nDisco del Giorno 25-06-08: Shake Some Action! - Sunny Days Ahead (2008; Satellite 451 records)\nRitornano a poco più di un anno di distanza dall'omonimo, ottimo esordio (piazzatosi al #37 nella mia classifica degli lp dell'anno scorso) gli Shake Some Action! da Seattle. A parte l'apparente contraddizione tra titolo del disco (Sunny Days Ahead) e la provenienza da una città famosa soprattutto per il grunge e i nove mesi di pioggia all'anno, tutto il resto è coerente e fila liscio come l'olio. Essì, perchè a partire dal nome, la band guidata da James Hall tiene a precisare subito i propri connotati. Trattasi di grande powerpop, influenzato dai maestri che diedero lustro al genere tra la fine dei Settanta e l'inizio degli Ottanta, con qualche divagazione nella beatlemania e nella british invasion.\nLa rotta di navigazione che guidava il disco d'esordio è ancora valida, ma gli Shake Some Action! hanno stavolta maturato una scorza leggermente più dura, almeno in qualche brano. Si ascolti l'iniziale Get It Together, una breve fucilata rocker che sostituisce alla melodia una grande dose di carica. Allo stesso modo, riff rock'n'roll insistiti e dritti allo stomaco arrivano da You Don't Care, mentre Lookin' For Someone, più strettamente vicina ai territori garage Albionici, presenta un coinvolgente intro di chitarra palesemente "dedicato" ai Kinks prima maniera. Non so se l'evoluzione di questo tipo di brani sia stata consciamente voluta da Hall oppure sia la logica conseguenza del "potenziamento" della line-up. Il primo disco degli Shake Some Action!, infatti, era poco più di un progetto solista, mentre questo Sunny Days Ahead è il parto di una band vera e propria, completata da Chris Campbell (batteria, cori e tastiere), David Bos (chitarra e cori) e da Gary Miller (basso). In fin dei conti non è molto importante, soprattutto perchè i brani citati sono assolutamente divertenti e perchè - in ogni caso - i restanti 10 pezzi soddisferanno di certo coloro i quali avevano apprezzato il lavoro d'esordio.\nLa band non sbaglia un colpo e scrive powerpop songs essenziali, senza troppi fronzoli, melodiche ma potenti, grazie anche ad una produzione (firmata dallo stesso James Hall) sicura, confidente e rifinita con cognizione. Ne beneficia un grande suono segnato da una batteria "tesa" e vigorosa e soprattutto dalle classiche chitarre sferraglianti, in un impasto sonico che ricorda insieme il powerpop vigoroso degli Hoodoo Gurus e quello più "beatle-oriented" della band da cui prendono il nome (Unusual Girl - favolosi i la-la-la del controcanto - e Walking Away sono grandi esempi in questo senso) ma anche il mod beat degli Small Faces e i Nuggets come scuola di vita (che grande brano, Curtain Call). Il disco, nel complesso, è facilmente inquadrabile ma allo stesso tempo multidirezionale. Infatti, altre canzoni come Your Valentine sembrano addirittura pescare dalle caratteristiche melodiche dei Lemonheads, e altre come Draw The Line sembrano parti della premiata ditta Albarn/Coxon, senza dimenticare che due tra gli episodi migliori di Sunny Days Ahead sono rappresentati da due gemme merseybeat come Hurry Girl e I Don't Want To Talk About It, che uniscono una sorta di jingle-jangle spurio al brit pop antesignano degli La's.\nDopo un gran bell'esordio, gli Shake Some Action! non sono inciampati nel "sophomore slump" né tantomeno sono caduti nel ripetitivo, sfoderando un album che, per le sonorità che ostenta, sembra fatto apposta per me e per tutti i lettori di questo blog, assomigliando ad una sorta di riassunto di quasi tutti i nostri generi prediletti. Un riassunto fatto con originalità, però, cantato e suonato molto bene, capace di coniugare alla grande melodia e urgenza. Non è facile. A Seattle piove sempre, vero, ma con gruppi come Shake Some Action!, Model Rockets, Superdeluxe (oltre ai padri della patria Posies), la ex città delle camice di flanella può stare tranquilla. Davanti ci sono tante giornate pieni di sole.\nPubblicato da Emmanuel a 09:52 Nessun commento:\nEtichette: Shake Some Action\nAppunti (Giugno '08)\nGli Inglesi lo chiamano "roundup", noi "aggiornamentio della situazione". Ogni tanto, purtroppo non molto spesso visto che il tempo scarseggia, mi piace fare una panoramica su quello che avviene o sta per avvenire nell'universo della nostra musica preferita. Un piccolo contenitore che raccolga "in pillole" le notizie più interessanti del periodo...Dunque, partiamo con il TG flash!\nI Telepathic Butterflies da Wynnipeg, Canada, sono uno dei miei gruppi preferiti degli ultimi cinque-sei anni. E' dunque con immenso piacere che accolgo la notizia dell'imminente arrivo (previsto per il prossimo 8 di Luglio) di Breakfast In Suburbia, il nuovo album della band guidata da Rejean Richard. Il disco arriva a quattro anni di distanza dal precedente Songs From a Second Wave e tre dei brani che ne faranno parte si possono ascoltare sul loro My Space.\nParlando di dischi di prossima pubblicazione (e ad ulteriore conferma che il 2008 si sta rivelando uno degli anni migliori a livello di uscite discografiche) segnalo che, tra la metà di Agosto e i primi di Settembre dovrebbe uscire il secondo studio-album dei Valley Lodge, favoloso combo powerpop Newyorkese guidato da Dave Hill (ex Uptown Sinclair e Cobra Verde) e da John Kimbrough (Walt Mink) che nel 2005, grazie all'omonimo debut album, aveva occupato una delle prime 5 posizioni nella mia personale classifica di quell'anno...Non vedo l'ora di ascoltare il nuovo lavoro!\nCome non bastasse, è appena uscito il nuovo album dei Derby di Portland, Oregon. Il loro precedente disco, il magnifico This Is The New You, è stato il numero uno nel best of 2005 su quell'imperdibile blog chiamato Absolute Powerpop, e ciò dovrebbe rappresentare una sufficiente garanzia, non è vero? In ogni caso, questo nuovo lavoro chiamato Posters Fade è un altro mix di britpop, Spoon, Brendan Benson e british invasion "moderna" che ce li aveva fatti apprezzare tanto. Forse, a prima vista, il tutto ha un'impronta più "indie" e questo non è necessariamente un bene, ma da quello che ho sentito, l'album dovrebbe essere molto valido.\nTra i vari dischi di cui non ho avuto tempo di parlare ce ne sono alcuni imperdibili. Tra gli altri, spicca quello di Mike Viola, chiamato Lurch ed una delle cose migliori uscite quest'anno. L'ex Candy Butchers, menestrello tra i più rispettati della scena powerpop della Grande Mela, scrive canzoni stupende che prendono il meglio del sunshine pop, della sixties music e del powerpop più melodico. Mike da sempre sta nel novero dei migliori artisti neo-powerpop Americani, e brani come Maybe, Maybe Not e lo stupendo west coast feeling di The Strawberry Blonde sono favolose conferme del talento immenso di questo grande autore.\nE a proposito di grandissimi dischi finora passati sotto silenzio, una novità riguardo all'omonimo album dei Felice Brothers. Il gruppo dello stato di New York, a circa tre mesi di distanza dall'uscita del disco, ne ha licenziato una lussuriosa versione in doppio vinile da 180 grammi, che non sono riuscito a non acquistare anche se già possedevo il ciddì. Per chi non li conoscesse, i Felice Brothers sono uno dei migliori gruppi alt.country contemporanei influenzati da Dylan e dalla Band (e tutti sapete quanto amiamo certe sonorità, qui a Under Ther Tangerine Tree), e Frankie's Gun, traccia numero tre del disco, è uno dei pezzi dell'anno.\nTra tanti dischi fantastici qualche delusione ci sta. E' purtroppo il caso di Raise The Dead, ultimo lavoro degli ormai celeberrimi Phantom Planet, che dai tempi di The Guest e dal singolo per le masse California hanno intrapreso una pericolosa via segnata dal successo, si, ma inversamente proporzionale alla qualità dei dischi. Il fatto è che ci avevano abituati troppo bene, e sentire Alex Greenwald imitare Tom York (che già mi sta sulle palle di suo) non è che mi interessi più di tanto. Inoltre, si sente la mancanza di Jason Schwarzman, che ha lasciato da un pò la band per dedicarsi alla carriera di attore e al suo nuovo progetto musicale chiamato Coconut Records (loro si, molto bravi, beccatevi il loro esordio chiamato Nighttiming)...Come sono lontani i tempi di Phantom Planet Is Missing!\nInfine, gli Orchid Highway, clamorosa band di Vancouver, hanno pubblicato tramite l'etichetta Rainbow Quartz il loro omonimo e grandioso album d'esordio anche in America, dove fino al mese scorso era disponibile solo in "import". Per aiutare il lancio del disco, hanno registrato il video del brano Next World che io, salutandovi, vi propongo qui sotto...\nPubblicato da Emmanuel a 07:03 Nessun commento:\nDisco del Giorno 17-06-08: Chewy Marble - Modulations (2008; Side B Music)\nIl mese scorso avevo scritto dell'uscita del nuovo album dei Chewy Marble e avevo promesso che ne avrei parlato più approfonditamente non appena ne fossi entrato in possesso. Quel giorno è finalmente arrivato e, dopo una settimana di ascolto, sono pronto ad esaltare Modulations, ad oggi uno dei migliori dischi di quest'anno. Il terzo studio-album della band Losangelina arriva a ben sette anni di distanza da Bowl Of Surreal, un periodo di tempo così lungo da avermi fatto dubitare che la band non esistesse più. Per fortuna i Chewy Marble sono ancora vivi, in grande forma, e questo nuovo lavoro è tranquillamente all'altezza, se non addirittura meglio, dei due dischi precedenti. Chi ha avuto la possibilità di ascoltarli può già rendersi conto del valore di questo cd.\nPer chi non lo sapesse, i Chewy Marble sono stati creati a metà degli anni 90 da Brian Kassan, ammirato musicista di L.A., noto soprattutto per essere membro fondatore, bassista, tastierista e co-compositore degli immensi Wondermints, band che nel corso degli anni è diventata parte fondamentale della "struttura" di musicisti che segue Brian Wilson sia nei concerti che in studio. Il nucleo della band è completato dal cantante chitarrista Stu Forman e dal bassista Derrick Anderson, ma Kassan, nel registrare Modulations, si è avvalso della collaborazione di alcuni tra gli esponenti più in vista della scena powerpop di Los Angeles. Infatti, alla batteria si sono alternati Nelson Bragg (anche lui membro della Brian Wilson live band, di altri mille gruppi della scena locale e cantante/compositore solista di livello assoluto) e Jim Laspesa (tra l'altro batterista di Muffs e Baby Lemonade), mentre alla produzione, engineering e mixaggio hanno dato una mano Rick Hromadka dei Maple Mars, Steve Refling (produttore di Negro Problem e Martin Luther Lennon) e Rick Gallego dei Cloud Eleven. Con un team così, aspettarsi un ritorno in grande stile era il minimo, e Modulations è appunto un album tremendamente bello, che si giocherà fino all'ultimo un posto nella top 5 di fine anno.\nIl brano introduttivo, nonchè singolo del disco, si intitola She Roxx, un pezzo che si discosta abbastanza dal fluido pop-sound tipico dei Chewy Marble. Trattasi infatti di college rock classico, sostenuto da dosi abbondanti di chitarre che ricordano tanto i Cheap Trick quanto i Weezer. E, del resto, il sound è appropriato ad una canzone che parla di una college-girl ("the biggest fox in school") che domina con la sua giacca di pelle, abusa del corteggiatore ascoltando gli Iron Maiden nella sua macchina e vorrebbe percuotere con violenza Britney Spears. Non male, diciamo, ma io ho amato i Chewy Marble per altri motivi e infatti il meglio deve ancora arrivare. Don't Look At The Sun, una bomba da cui sgorga in modo del tutto naturale una melodia irresistibile, è un brano powerpop dal grande tiro che coniuga alla perfezione armonie vocali di grande classe a chitarre ancora una volta "alzate a 11". Tuttavia, il classico songwriting di Kassan si fa strada dalla terza traccia in poi. Cross-Hatched World è il brano migliore del disco (e, non temo smentite, uno dei migliori dell'intero anno), con la sua cristallina melodia wilsoniana, marchio di fabbrica dei Wondermints e di un autore tra i più dotati per questo genere di cose. Un brano incredibile, e lo standard si mantiene molto elevato grazie a canzoni del calibro di Somewhere Else, psych-pop tra la California e l'Inghilterra degli Zombies e Flicker, superba ballata Beatlesiana che rappresenta un'altra delle preziose gemme del disco, mentre Picture The Finger è powerpop transgenerazionale, tra armonie vocali "sessantiste" e tessuto sonico corposo e "in your face" alla Big Star.\nLe novità più evidenti dei "nuovi" Chewy Marble sono la presenza di due strumentali come Mental Toothache (dalle bizzarre ritmiche bossanova) e Moments, ma soprattutto il fatto che Kassan, a differenza degli album precedenti dove il cantato era esclusivo appannaggio di Forman, si appropri del microfono in qualche occasione, la dove le liriche sono più strettamente personali. Così abbiamo My Monster ("the monster in my brain just wants to be loved, no escape from a delirious mind"), una sorta di delirio dal testo particolarmente turbato posto su melodie tristi e sognanti. E poi My Dad, commossa ballata dedicata al padre scomparso, per finire con Clutter, altro ideale ponte sull'Atlantico per un viaggio che dalla west coast porta fino ai Pink Floyd immediatamente successivi a Barrett.\nNon credo serva aggiungere altro per sollecitarvi l'acquisto di questo splendido album che, ribadisco, è per ora una delle cose più belle pubblicate quest'anno. Inoltre, qualora Modulations dovesse lasciare il segno anche su di voi, non perdete tempo e buttatevi a capofitto sui primi due, altrettanto meravigliosi, dischi dei Chewy Marble, ossia l'omonimo esordio del 1996 e il sopracitato Bowl Of Surreal, uscito nel 2001.\nPubblicato da Emmanuel a 05:58 Nessun commento:\nEtichette: ***Dischi 2008 consigliati***, Chewy Marble\nDisco del Giorno 14-06-08: The Brigadier - The Rise & Fall Of Responsibility (2008; autoprodotto)\nEsistono pochi artisti contemporanei in grado di riuscire a scrivere grandi album spaziando tra diversi stili e generi mantenendo una coesione assoluta. Ultimamente il maestro in questo senso è stato Steve Eggers dei Nines. Una "dimostrazione di forza" l'ha poi data il magnifico Robert Harrison con i Future Clouds & Radar lo scorso anno, in un disco che spaziava tra il chiaro e lo scuro, l'elettronica e il guitar pop, l'inferno e il paradiso. In questo ristretto gruppo di poliedrici menestrelli è d'ora in poi d'obbligo inserire il Gallese (ma residente a Brighton) Matt Williams, il brigadiere.\nApparso sotto i radar lo scorso anno grazie all'album di debutto View From The Bath, che già lasciava intravedere potenzialità enormi, The Brigadier decide di bissare in tempi brevi, rilanciando alla grande con il secondo studio album della sua breve carriera, chiamato The Rise & Fall Of Responsibility. Che, come il precedente, è rigorosamente indipendente e registrato in casa ma, perbacco, sembra uscire da un megastudio e prodotto dal produttore di grido del momento, tanto il suono è ricco ed il feeling generale maestoso. Ma, come si diceva, The Rise & Fall Of Responsibility è soprattutto un grande contenitore di poemi dalle mille fogge e colori, che svaria con nonchalance dal pop di chitarra alla new wave, influenzato ora da Jeff Lynne, ora da Demon Albarn, poi da Bacharach, e il tutto giova alla fantasia e alla freschezza dell'album senza nuocere assolutamente all'amalgama.\nPronti via, si parte con Growing Up Is Hard To Do, che sin dal riffone iniziale di chitarra manifesta profondo amore e rispetto per i Blur. Il pezzo è un eccellente apripista britpop che conduce a When I Will Be With You?, soffice sogno dai marcati tratti tipici del folk d'oltremanica anni settanta. The Language Of Love, che culmina in uno sfarzoso ritornello dai mille strati melodici, è un numero che rimembra certa new wave d'annata e certe cose degli ELO, mentre Une Soiree, dopo un intro vagamente "americana", spinge un maestoso piano pop dalle tinte un bel pò debitrici di Burt Bacharach. Altri highlights immancabili sono: The Melancholy Days, dove Williams ribadisce il suo amore per la new wave anche un pò danzereccia e per i synth in primo piano; This Is Why, un divertente numero di retro-piano-pop anni settanta e What Can't Be Fixed, un brano acusticheggiante con armonie vocali perlopiù clamorose e (ancora) un pizzico di americana concentrata nel delizioso assolo di chitarra. Come non bastasse, The Box In The Back Of My Mind, me-ra-vi-glio-so estratto di jingle-jangle Rickenbacker-pop, che si tuffa nel finale in un'orgia psichedelica da leccarsi i baffi.\nIntendiamoci sulla definizione di pop progressivo. Scartata quella che si riferisce alla tendenza musicale che nei seventies diede all'Italia uno dei rari momenti di gloria in campo internazionale, accogliamo quella che incorpora il pop evoluto e tutti quei dischi che, ubiqui e meticci, partendo dalla cellula madre della popular music spaziano nell'indefinibile universo creato dall'ingegno di un autore bizzarro e versatile. In questa seconda categoria Matt Williams, il brigadiere, rientra di pieno titolo. Quanti bei dischi propone, questo 2008. Credo sia necessario fare un ulteriore sforzo economico e inserire The Rise & Fall Of Responsibility nella lista della spesa.\nPubblicato da Emmanuel a 06:50 2 commenti:\nEtichette: ***Dischi 2008 consigliati***, The Brigadier\nDisco del Giorno 09-06-08: My Brother Woody - It's A Long Way From That Sort Of Thing You Were Raised (2007; autoprodotto)\nLa verde Irlanda, da qualche anno, è diventata foriera di ottimi artisti pop. Alcuni, come Marc Carroll e Michael Knight, hanno raccolto rispetto ed ammirazione nella comunità indipendente, mentre altri sono stati addirittura baciati dalla fortuna major, vedi Thrills e Hal. Sulla scia di questa ridotta ma interessantissima scena si inserisce Mike Cleare (alias My Brother Woody), compositore Dublinese che qualche mese fa ha fatto uscire un ottimo album di debutto chiamato, in modo un pò strano, It's A Long Way From That Sort Of Thing You Were Raised.\nLeggendo il titolo, si potrebbe pensare ad un artista allergico alle convenzioni, ma non è così. O per lo meno, non del tutto. La musica, infatti, ricalca in modo più o meno pedissequo le gesta dei grandi musicisti usciti da quarant'anni di west coast sound. Non si può parlare di caricatura riuscita male, però, poichè Cleare è in grado di scrivere belle canzoni, con qualche tocco originale ed arrangiamenti molto spesso azzeccati. Certo, ancora qualcosa da mettere in ordine, in primis la scelta e l'esecuzione dei cori e delle doppie voci in genere, che ogni tanto prendono direzioni casuali, c'è. Tuttavia, l'album si mantiene su standard molto più che decorosi dal principio alla fine, e in due-tre occasioni se ne esce con brani davvero deliziosi.\nIt's A Long Way (d'ora in poi verrà chiamato così per risparmiare tempo e spazio) è un disco che non ha la qualità dell'immediatezza, ma la lunga esperienza da "ascoltatore" mi ha insegnato che l'immediatezza non è un pregio indispensabile, dal momento che adoro alcuni dischi che in principio detestavo e viceversa. Anche questa volta, un album che al primissimo ascolto non mi aveva convinto inizia a fare breccia, quindi il consiglio è quello di dargli fiducia. Ascoltare per credere. L'inizio è affidato ad Another Wave Of Harmony, un'introduzione sghemba, un soffice e strambo concentrato di costa occidentale, tra armonie Wilsonesque e leggere svisate psych-pop. E la strambezza (l'originalità, forse?) prosegue con Wish I Was A Dj, che muove su coordinate parecchio simili e aggiunge un perfetto synth che accompagna il sottofondo dall'inizio alla fine, mentre in un altro grande brano come A New Found Taste il classico west-coast sound è impreziosito da uno splendido arrangiamento imperniato sui fiati. Le canzoni migliori dell'album, due autentiche gemme, sono posizionate a centro disco. Una è Super Serotonin Girl, guidata da armonie spaziali e da azzeccatissimi coretti con i classici tu-tu-tururu che, oltre ai classici del genere, mi ricorda una versione da spiaggia di Badly Drawn Boy. L'altra è When Summer Comes Around, che nel testo e nel sound richiama in toto lo spirito di quest'opera e incede con un'andatura melodiosa e rilassata alla maniera di fantastiche bands contemporanee come Cloud Eleven e Maple Mars.\nLo spirito dell'autore, invece, è definito come meglio non si potrebbe dal brano conclusivo, un pezzo che i Thrills, dopo il loro unico ottimo album (il primo) non sono più stati capaci di scrivere. Il titolo è nientemeno che I Only Like Songs With Bops, Oohs & Aahs (!!!). Va bene, forse alcuni coretti, all'interno di It's A Long Way, dovevano essere studiati meglio e forse anche la produzione non è impeccabile, ma un brano chiamato così mette in pace con il mondo. Inoltre, sono fermamente convinto del fatto che Mike Cleare abbia delle potenzialità incredibili e margini di miglioramento notevoli, dunque aspettiamo fiduciosi il prossimo album, magari facendo passare il tempo con It's A Long Way nel lettore ciddì.\nPubblicato da Emmanuel a 06:23 1 commento:\nEtichette: My Brother Woody\nRistampa del Giorno 30-06-08: Richard Snow - S.t. ...\nDisco del Giorno 25-06-08: Shake Some Action! - Su...\nDisco del Giorno 17-06-08: Chewy Marble - Modulati...\nDisco del Giorno 14-06-08: The Brigadier - The Ris...\nDisco del Giorno 09-06-08: My Brother Woody - It's...


UN'AUTOSTRADA DEDICATA ALLE API - Bioambiente srl\nUna recente ricerca fatta da biologi dell’Università di Radboud nei Paesi Bassi ha stabilito quello che è stato definito un allarme davvero preoccupante, cioè la perdita di tre quarti degli insetti volanti, di questi insetti buona parte sono impollinatori, fondamentali per l’ambiente in cui viviamo e per i cicli della natura. Partendo quindi da questo dato, a Londra e altrove si è deciso di creare quella che è stata definita un’autostrada dedicata alle api.\nIl consiglio del Brent in Inghilterra realizzerà un corridoio delle api costituito da 11 kilometri di fiori disseminati in spazi verdi per cercare di aumentare gli insetti impollinatori. Ventidue parchi a nord di Londra pianteranno milioni di fiori selvatici per creare un’autostrada verde per api e altri insetti impollinatori che potranno operare e proliferare diventando una zona di tutela e impollinazione, proprio come è accaduto ad Oslo dove è stato realizzato uno dei primi esperimenti di questo tipo. Api e insetti impollinano i raccolti che forniscono cibo a noi pertanto l’aiuto a farli prosperare diventa un interesse dell’uomo.\nScopi del team\nIl team che ha realizzato questa ricerca ha curato un mix di fiori selvatici per api, libellule, falene, farfalle e altri insetti impollinatori che possono essere attratti da questo corridoio, e il Brent Council offre agli insetti 50.000 metri quadri di spazi fioriti nella speranza di contribuire all’aumento degli impollinatori.\nProgetti di questo tipo si stanno realizzando anche in Italia, ad Alghero Davide Maffei ha realizzato il “Bee Garden Project” un polmone apistico costituito da giardini in aree rurali del territorio comunale di Alghero e del Parco naturale regionale di Porto Conte in grado di attirare e aiutare gli impollinatori. In Italia nel corso degli ultimi anni si sono registrate perdite di api tra cento e mille volte maggiori rispetto a quanto avvenuto in passato, è necessario invertire la rotta.\nTratto da: Il Giornale dei Biologi del maggio 2019


Serie A, un Napoli travolgente: poker alla Lazio e primo posto solitario – Libero Quotidiano\nIl Napoli travolge 4-0 la Lazio nel posticipo della 14 giornata di Serie A e torna in vetta alla classifica da solo grazie alla sconfitta del Milan contro il Sassuolo. Decisivi la doppietta di Mertens e i sigilli di Zielinski e Fabian Ruiz: la squadra di Spalletti si lascia alle spalle i ko con l'Inter e con lo Spartak in Europa, lanciando nuovamente un gran segnale al campionato; gli uomini di Sarri invece cadono ancora dopo la sconfitta interna con la Juve.\nSpettacolare l'atmosfera nello stadio di Fuorigrotta prima del fischio d'inizio, con il pubblico azzurro a rendere omaggio a Diego Armando Maradona, scomparso il 25 novembre di un anno fa e ricordato con una statua raffigurante proprio 'El Pibe de Oro'. Prima di lasciar spazio alla partita, tutte le luci dell'impianto sportivo si sono spente, con solo alcuni riflettori ad illuminare l'opera e i cori alzati dagli spalti rivolti all'ex campione argentino. Il primo tempo visto al 'Maradona' e' totalmente a senso unico e dominato in lungo ed in largo dai partenopei, che sbloccano dopo sette minuti con Zielinski, raddoppiando poi immediatamente al 10' con un gran gol di Mertens.\nPochi gli spunti dei capitolini, che vanno ad un passo dal riaprire la gara intorno al 25', prima con un destro al volo di Luis Alberto parato da Ospina, poi con una traversa colpita da Acerbi. Nel momento migliore degli uomini di Sarri, pero', arriva un assoluto capolavoro di Mertens che con un destro a giro da fuori su assist di Lozano, firma la doppietta personale e il 3-0. Nella ripresa la squadra di Spalletti non deve far altro che gestire il largo vantaggio, rischiando praticamente nulla dietro con la Lazio che non da' la sensazione di crederci molto. Nel finale partecipa alla festa partenopea anche Fabian Ruiz, che con un mancino favoloso da fuori area disegna la traiettoria che vale il definitivo 4-0.


Dopo il catalogo “pressostati 2020”, nuova edizione anche per il “catalogo dei sensori di livello” Euroswitch. La nota azienda di Sale Marasino, in provincia di Brescia, da oltre 40 anni specializzata nella progettazione e produzione di sensori di livello, pressione, temperatura e rotazione di alta qualità, destinati ai più svariati settori applicativi, ha pubblicato la brochure “Sensori di livello-Level Sensors 2020”, in italiano e inglese, disponibile anche nella versione online (download dal sito www.euroswitch.it).\nI sensori Euroswitch trovano applicazione in molteplici settori, che spaziano dall’oleodinamica e pneumatica alle macchine agricole e movimento terra, dalle motociclette ai veicoli speciali, dai treni alle imbarcazioni, fino all’industria chimica e petrolchimica. Negli ultimi anni, la gamma dei prodotti a catalogo si è arricchita notevolmente, considerando che è sempre possibile ottenere versioni personalizzate, in base a specifiche indicate dalla committenza.\nIl corposo catalogo compendia in 92 pagine la produzione Euroswitch nel campo dei sensori di livello con segnale on/off, SPDT e con segnale in continuo. Tra i modelli, ormai collaudati da anni con successo, sono inclusi i sensori elettromagnetici, realizzati in varie versioni e materiali, i sensori resistivi e quelli analogici.\nLa pubblicazione è proposta in versione ampliata e rinnovata anche nella grafica, oltre che nei contenuti. La presentazione di ogni prodotto è accompagnata da una dettagliata scheda, con tutti i dati tecnici e la tipologia di impiego. Sono anche riprodotte le certificazioni di qualità conseguite dall’azienda: UNI EN ISO 9001-2015, UNI EN ISO 14001:2015, ATEX, UL-CSA, RINA.


10/12/2015 | Oasis\n"L’estremismo è un accidente storico nella nostra cultura?", si chiede un giornalista arabo. Lo scontro tra le idee di Taha Hussein e Sayyid Qutb\nRiportiamo la traduzione integrale di un articolo di Ma’mun Fandy da al-Sharq al-Awsat del 29 novembre 2015, in cui l'autore riflette sulla natura dell'estremismo nelle società islamiche e sulle responsabilità degli Stati nel suo rafforzamento\nOgni volta che assistiamo a un fatto spregevole come l’11 settembre 2001, Londra del 7 luglio 2005, Parigi, o le teste mozzate sugli schermi televisivi ci domandiamo (a noi stessi prima che agli altri) se la nostra cultura è estremista per natura o se l’estremismo è un accidente storico nella cultura araba di cui è possibile cambiare la traiettoria. Se fosse così, quali sarebbero quei “segnali sulla via”, per riprendere l’espressione di Sayyid Qutb, in cui abbiamo visto traccia dell’estremismo o di una strage? L’estremismo è sintomo di una malattia o effetto di una causa? Il fiume dell’estremismo è alimentato da idee che hanno oltrepassato gli argini riversandosi su di noi. È possibile costruire una diga come la grande diga di Assuan per arginare l’estremismo, oppure l’estremismo è un segno del collasso del sistema politico dello Stato?\nÈ una grande domanda che dipende dalla specificità di ciascun Stato del mondo arabo, e i segnali devono essere definiti caso per caso. Ciononostante esistono delle generalità evidenti, tali non perché riguardino tutti i Paesi, ma perché rivelano comunanze. Nel caso dell’estremismo esiste una linea esplicativa come la teoria dell’evoluzione di Darwin? E se, analogamente all’essere umano che, da essere abbietto qual era, si è evoluto e ha attraversato le fasi dell’evoluzione fino a diventare uomo o raggiungere la posizione eretta, il germe dell’estremismo, generatosi e sviluppatosi in ambienti diversi, ci avesse condotti all’estremismo globale e totale in cui ci troviamo ora? O forse ricorda la teoria del paleontologo ed evoluzionista Stephen Jay Gould, secondo la quale a un’evoluzione segue un disastro che mette fine a tutte le cose, cui segue un nuovo inizio? Ciò significherebbe che non vi è alcuna relazione tra il mondo dei dinosauri e il mondo delle altre specie animali, e ci consentirebbe di affermare che non vi è alcuna relazione tra un testo estremista antico e una mente estremista moderna.\nPrendiamo il caso dell’Egitto degli anni Cinquanta e Sessanta del secolo scorso. Sicuramente molti di noi ricorderanno che, nelle loro famiglie, il padre e la madre erano molto più aperti al mondo rispetto a quanto lo siano oggi i nostri fratelli e le nostre sorelle, e che la corrente estremista fino agli anni Sessanta era una corrente minoritaria nella società. Molti ricorderanno anche che il libro di Taha Hussein “Il futuro della cultura in Egitto”, che invitava gli egiziani a educare i loro figli e le loro figlie come gli europei educavano i loro, era molto più celebre del libro di Sayyid Qutb “Le pietre miliari”, che esortava a costruire una società islamica secondo quello che Sayyid Qutb immaginava essere l’Islam e il modus vivendi dei primi musulmani. Mentre Taha Hussein invitava a imitare il mondo europeo, con le sue scuole e le sue università del tempo, la mente di Sayyid Qutb fuggiva in un passato immaginato e tramandato attraverso migliaia di intermediari. In verità possiamo dire che questi due libri rappresentano metaforicamente la battaglia post anni Sessanta tra lo Stato e la società sullo spirito dell’Egitto.\nDa che parte si sono schierati lo Stato e la società egiziani? Con Taha Hussein o Sayyid Qutb? Quando le battaglie di Taha Hussein contro la corrente oscurantista divamparono, il sultano Hussein Kamal si schierò contro la decisione degli estremisti che in Parlamento volevano annullare la missione di Taha Hussein in Francia nel 1915. Qualche anno dopo si sarebbe formato il movimento dei Fratelli musulmani a Isma‘iliyya. Il sostegno che essi non trovarono al centro – al Cairo – lo trovarono gradualmente nelle periferie. Era il 1928.\nLa nomina di Taha Hussein a ministro dell’Istruzione rappresentò simbolicamente la vittoria della corrente illuminista sulla corrente oscurantista. Basta fare un confronto tra un ministro dell’Istruzione responsabile dell’educazione dei giovani come Taha Hussein, e i ministri dell’Istruzione che si susseguirono in Egitto e che non lasciarono tracce, se non l’introduzione delle battaglie dello Stato e dei loro problemi personali nei programmi d’insegnamento, ciò che ha condotto al disastro che vediamo oggi.\nNaturalmente sono molte le ragioni per cui lo Stato si è schierato con Sayyid Qutb a scapito di Taha Hussein, che auspicava l’illuminismo, e che gli ottusi hanno stigmatizzato come corrente occidentalizzante. Questo stigma resiste ancora oggi presso molte correnti della delinquenza politica che guidano la società attraverso l’ignoranza e l’oscurantismo, col pretesto di preservare l’identità.\nGradualmente, in un mondo che manca di legittimità politica e di reciproca intesa tra il governante e il governato, il governante ha pensato che la strada per raggiungere un’intesa con la corrente estremista fosse la divisione del lavoro: lo Stato è del governante, e la società con le sue scuole e università è degli estremisti. Questo era evidente all’epoca di Hosni Mubarak e più ancora all’epoca di Anwar al-Sadat, quando tutto ciò ebbe inizio.\nLe scuole e le università furono lasciate in mano agli estremisti, quando negli anni Settanta del secolo scorso ci si beffava della legge e nessuno protestava. Si pensi a quello che i giovani della Jama‘at Islamiyya facevano agli studenti. Tutto ciò accadeva sotto gli occhi della polizia, che non interveniva per proteggere i cittadini dalla violenza di altri cittadini. La delinquenza e la violenza si sono fatti scudo della religione. Questo ci induce a pensare che lo Stato e la politica abbiano fallito, ciò che ha favorito l’estremismo. L’estremismo è sintomo di una malattia, ovvero del collasso delle istituzioni statali.\nQuando viene meno la legittimità, lo Stato ricorre alle bande di teppisti tra cui gli islamisti ma non soltanto. Quando l’agenda di questi ultimi è diversa dall’agenda dei governanti, i governanti si rivolgono ad altri teppisti che li proteggono dalla violenza dei teppisti precedenti, come accade nei romanzi di Naguib Mahfuz. Così gli Stati passano dal sostenere un gruppo di delinquenti facendosi scudo della religione, a sostenere la delinquenza di altri, che si ammantano di un falso patriottismo e rappresentano la peggior scempiaggine della società.\nAgli islamisti che si sono impossessati delle scuole, delle università e delle televisioni, si è sostituita una corrente ignorante fatta di plebaglia e ignoranti. Lo stesso girone infernale chiuso, in cui non vi è posto per Taha Hussein. […]\nNaturalmente uno Stato in declino deve avere una stampella alla quale appoggiarsi.\nL’estremismo è una condizione che creiamo noi, sono prese di posizione politiche degli Stati, ma la miscela di vergogna e paura ci impedisce di proclamare la verità.\nDalla tolleranza alla stima. Il messaggio di Francesco e Mohammed VI\nAbu Dhabi rilancia il ruolo di al-Azhar\nSenza libertà la religione è ipocrisia


Red | Cronache Umbre\nArticoli di Red\nPuò una persona che riveste un incarico di rilievo nel maggior partito di governo della regione Umbria (responsabile del dipartimento turismo) ricevere decine di migliaia di euro in seguito alla partecipazione a un bando della regione stessa? Probabilmente sì, nel senso che non c’è nessuna legge che lo impedisca. È però altresì innegabile che la […]\nCi sono 82 bambini e ragazzi tra le 193 persone distribuite nei 55 nuclei familiari attualmente supportati da Perugia solidale. Un’incidenza che dà la dimensione di come la crisi che già era in corso ed è stata amplificata dalla pandemia stia colpendo persone giovani e giovanissime. Perugia solidale da un anno ha attivato una rete […]\nLegambiente ha dato i voti alle città dell’Umbria con più di 15mila abitanti. Le politiche di sviluppo sostenibile danno buoni frutti nel comune più a sud tra quelli presi in esame. Altrove la delega all’ambiente è considerata minore. E si vede Se dalla home page del sito internet del comune di Narni si accede alla […]


Egitto, Morsi sepolto all'alba. Presente solo la famiglia - Affaritaliani.it\nHome > Esteri > Egitto, Morsi sepolto all'alba. Presente solo la famiglia\nMartedì, 18 giugno 2019 - 09:19:00\nL'ex presidente egiziano, Mohamed Morsi, è stato sepolto alle prime ore dell'alba (alle 5) a Nasr City, un quartiere a est del Cairo, alla presenza della sua famiglia. Lo riferiscono gli avvocati del leader dei Fratelli musulmani, deceduto ieri in seguito a un attacco cardiaco durante un'udienza in tribunale. La preghiera funebre si è tenuta nell'ospedale della prigione di Tora, dove era detenuto Morsi. Il figlio ha denunciato che le autorità egiziane hanno rifiutato di permettere la sepoltura nel governatorato di Sharqiyya, terra di origine di Morsi, a nord del Cairo.\nProtestano i Fratelli musulmani che accusano le autorità del Cairo di essere responsabili per la "deliberata morte lenta" di Morsi. Le autorità "lo hanno messo in cella d'isolamento, gli hanno tolto le medicine e dato del cibo disgustoso, gli hanno negato i diritti umani più basilari", ha sottolineato il partito in una nota pubblicata sul suo sito.\nmorsiegittochi è morsi


Coronavirus: minacce e opportunità per il Marketing verso la clientela cinese – Digital to Asia\nGiuliana Zagarella 25 Marzo 2020\t No comments\nOpportunità: Possibilità di creare rapporti duraturi con il proprio cliente: E’ un dato di fatto che le persone adesso abbiano più tempo libero. Si intrattengono più facilmente ad approfondire argomenti che non hanno avuto il tempo di trattare nel passato, hanno necessità di svagarsi, preparano il loro ‘revenge shopping’ per quando questo periodo di isolamento sarà finito, quindi è importante che il Brand si prepari a coinvolgere, ad intrattenere e a creare un rapporto di vicinanza con il proprio cliente. In sintesi: è in questo momento che si creano i legami, quindi è importante sfruttare questi giorni per avvicinarsi ai propri clienti e intessere un legame duraturo. Fra gli strumenti che si possono utilizzare, immagino il gaming online che premino la conoscenza del cliente verso il Brand, dei programmi di fidelizzazione, che possano premiare la condivisione/viralizzazione dei contenuti online etc.\nOpportunità: Focus sull’O2O e sul livestreaming: I negozi dovranno trovare nuove modalità di vendita, promuovendo maggiormente azioni ‘online to offline’ perché i clienti tenderanno, almeno per il prossimo anno, a cercare modalità di vendita che favoriscano il ‘social distancing’. Fra le azioni ‘online to offline’ o ‘offline to online’, immagino la creazione di Miniprogram Wechat che permettano alla forza di vendite di creare dei contatti diretti con la clientela, di fare ‘warm up e di ‘preparare l’acquisto’ prima di arrivare in negozio, inviando foto, prezzi, descrizioni etc. Ad esempio, Louis Vuitton ha appena lanciato per il giorno di San Valentino un pop up store su un Wechat Miniprogram, che permetteva ai clienti di ordinare i prodotti online. I sales consultant potevano condividere offerte esclusive in negozio attraverso QR code.\nImmagino anche il rafforzamento di nuove modalità di interazione con il cliente, in particolare del Livestreaming: Le vendite in livestreaming in Cina durante il periodo di Covid-19 sono cresciute del 21% da settimana a settimana, e tutte le più importanti piattaforme online si stanno muovendo per in questo senso. Le principali piattaforme, tipo Douyin (TikTok), Kuaishou, Bilibili, Taobao Livestreaming stanno già crescendo molto, ma anche ad esempio Wechat, all’inizio di Febbraio, ha lanciato una versione beta dei livestreaming sui miniprogram, per aiutare i merchant a vendere con questa nuova funzionalità nonostante il Covid-19.\nTagged beni di lusso, Bilibili, centri commerciali, cinese, clientela, comunicazione, coronavirus, customer experience, Douyin, fidelizzazione, livestreaming, marketing, minacce, negozi, O2O, opportunità, quarantena, responsabilità, revenge shopping, social distancing, solidarietà, Taobao Livestreaming, user experience


Il rinascimento inglese: Elgar, Delius, Vaughan Williams\nScaricare 48.99 Kb.\nDimensione del file 48.99 Kb.\nA regola, l'Inghilterra del diciannovesimo secolo avrebbe dovuto dare una scuola di. compositori forte e individualistica come la Germania, La Francia o la Russia. Le radici c'erano, la tradizione c'era, e con Henry Purcell (1659-1695), l'Inghilterra aveva prodotto un personaggio di primo piano. Molto prima di Purcell, tuttavia, i compositori inglesi di una certa importanza avevano recato il loro contributo al progresso della musica. Abili contrappuntisti come John Dunstable, morto nel 1453 (non si conosce la data di nascita), John Taverner (1495-1545) e Thomas Tallis (c. 1505-1585) produssero un gruppo nutrito di musica sacra. La seconda parte del regno della regina Elisabetta I vide attivo a Londra tutto un gruppo di brillanti musicisti. Erano William Byrd, Orlando Gibbons, Thomas Morlev, John Dowland, John Wilbye e Thomas Weelkes, tra gli altri; e composero madrigali, arie, musiche per liuto e altri strumenti, e musica sacra. Spesso Shakespeare, Marlowe, Jonson, Donne, Herrick e il resto della galassia dei grandi autori elisabettiani collaborò assai da vicino con loro. Che meraviglioso periodo dovette essere, quello, e quanto esaltante!\nLa musica inglese ebbe la sua massima espressione nella figura di Purcell. Nei trentasei anni della sua vita produsse una quantità enorme di musica, in tutte le forme: musica sacra, odi, musica di scena, la prima opera inglese (Didone e Enea, 1689), musica da camera, canti a piú voci (alcuni dei quali deliziosamente impertinenti), pezzi per clavicembalo. Queste composizioni rivelano una personalità non comune, e in certe cose sono sorprendentemente moderne. A parte certe impressionanti idee melodiche e un'armonia che a volte anticipa il cromatismo dei romantici, Purcell fu eccezionale, per quei tempi, e parla direttamente all'ascoltatore moderno, I madrigali elisabettiani, per esempio, per quanto graziosi, esigono un gusto già sicuro a causa delle loro modalità arcaiche. Ci vuole un ascoltatore abbastanza raffinato per capirli. Ma Purcell, in larga misura, parla il linguaggio di Ognuno. I suoi successori avrebbero dovuto svilupparne e raffinarne le tecniche, portando la musica inglese a vette ancora piú alte. Purtroppo egli non ebbe successori. Invece, venne in Inghilterra Georg Friedrich Haendel.\nL'impatto di Haendel sulla musica inglese fu immane. Qualcuno direbbe catastrofico. La massiccia figura del corpulento sassone pesò fortemente sui successori, al punto che ogni sforzo creativo parve soffocato sul nascere. Gli inglesi non si stancavano mai delle composizioni corali alla maniera di Händel; e poiché Händel, cosa per altro ovvia, componeva :in quella maniera meglio di chiunque altro, si finiva col suonare sempre lui. È vero che alla fine il romanticismo approdò anche nelle isole britanniche. Anzi fu Wordsworth l'iniziatore della scuola romantica con le Lyrical Ballads del 1798. Se il romanticismo musicale inglese avesse avuto l'immaginazione e la capacità creativa di quello letterario, l'Inghilterra sarebbe stata alla testa delle nazioni. Invece, si rifece alla tradizione mendelssohniana e non alla linea Chopin-Liszt-Wagner.\nNel diciannovesimo secolo Mendelssohn ebbe sul pensiero musicale inglese non meno peso di Händel nel secolo precedente. Nel Mendelssohn borghese, competente, accademico, c'era qualcosa in cui l'Inghilterra musicale si identificava senza riserve. Lí era considerato un dio, molto piú di quanto non lo fosse mai a Lipsia. L'Inghilterra era un paese conservatore, ricco, con un'aristocrazia potente; e temeva i cambiamenti. Mendelssohn era innegabilmente un genio, ma un genio talmente come si deve! Era un gentiluomo, ricco, conservatore e non faceva niente che mettesse in pericolo l'ordine vigente. Era inevitabile che Mendelssohn e la regina Vittoria diventassero amici. Avevano molte cose in comune: cautela, mentalità convenzionale, buone maniere, un'apparenza estremamente conservatrice. Simpatizzarono moltissimo. C'è qualcosa di dolce, di innocente, di incantevole in quel rapporto, in quella regina Vittoria e in quel principe Alberto, entrambi amanti della musica, che si uniscono a Mendelssohn per una seratina musicale, come una buona famiglia borghese. A Buckingham Palace tutto era lindo e ordinatino quando quel gentile signor Mendelssohn veniva a porgere i suoi omaggi:\nIl principe Alberto [scriveva Mendelssohn nel 1842] mi aveva chiesto di andare da lui il sabato alle due, per provare il suo nuovo organo prima di partire dall'Inghilterra. Era solo, e mentre chiacchieravamo entrò la regina, anche lei sola, vestita molto semplicemente. Disse che doveva partire per Claremont entro un'ora. « Ma, bontà di Dio! cosa c'è qui! » aggiunse, vedendo che il vento aveva messo in disordine tutto, e che perfino tra i pedali dell'organo (che, tra parentesi, faceva una bellissima figura nella sala) c'erano fogli di musica caduti da una grande cartella aperta. Parlando, si inginocchiò e cominciò a raccogliere i fogli. Il principe Alberto l'aiutò e anch'io non restai con le mani in mano. Poi il principe Alberto mi illustrò i registri, e intanto la regina disse che avrebbe rimesso ordine da sola.\nMa io pregai prima il principe di suonarmi qualcosa perché, dissi, potessi vantarmene in Germania: e allora mi suonò un corale a memoria, con i pedali, in maniera cosí deliziosa, chiara e corretta che molti organisti avrebbero potuto imparare qualcosa da lui; e la regina, avendo finito di riordinare, sedette accanto a lui e ascoltò, compiaciutissima. Poi dovetti suonare io, e attacca: il mio coro dal Paolus, « How lovely are the Messengers ». Non ero ancora arrivato alla fine dei primo verso che entrambi cominciarono a cantare, benissimo; e per tutto il tempo il principe Alberto maneggiò i registri per me con tanta esperienza - prima un flauto, poi tutto forte, il ripieno alla parte in re maggiore, poi un'eccellente diminuendo con i registri e cosí fino alla fine del pezzo, e tutto a memoria - che ne fui sinceramente compiaciuto ...\nLa regina Vittoria avrebbe voluto che tutta la musica fosse come quella di Mendelssohn. E i sudditi obbedivano, scrivendo cose molto corrette e non troppo originali. Tra la morte di Händel nel 1759 e l'affermarsi di Edward Elgar nell'ultimo decennio del secolo diciannovesimo, l'Inghilterra non produsse neppure una importante personalità musicale. Nel diciannovesimo secolo ci furono buoni compositori: William Sterndale Bennett, Arthur Sullivan, Alexander Mackenzie, Charles Hubert Parry, Charles Villiers Stanford. Erano tutti accademici, e la musica di questi degni compositori si senti molto di rado fuori dell'Inghilterra. Questo vale perfino per il protetto di Schumann, Sterndale Bennett, mentre Sullivan sopravvive solo grazie alle operette. Piccole cose ben scritte e anche graziose vennero dal gruppo di Londra, e sono composizioni migliori della fama di cui godono: ma vi si sentono troppo Mendelssohn prima, Schumann e Brahms dopo.\nElgar, nato a Broadheath il 2 giugno 1857, usci dai binari tradizionali. Fu riconosciuto come il piú grande compositore d'Inghilterra e godette ai tempi suoi di una fama immensa. Poi declinò rapidamente per avere un ritorno nel decennio 1960-69. Nella fase modernista che va dal 1920 al 1940, i bei giorni di Stravinskij, Bartòk. Prokof'ev e Milhaud, i musicisti avrebbero riso se qualcuno avesse detto che Elgar era stato importante. Lo si considerava un provinciale gonfiato, un tempo popolare solo perché l'Inghilterra aveva una gran voglia di rivendicare un compositore importante e tutto suo. Era edoardiano, conservatore, reliquia del militarismo e dell'imperialismo inglese. Che cosa ci si poteva aspettare da un uomo che amava la caccia alla volpe, il golf, la pesca? Anche l'aspetto deponeva contro di lui. Era alto, dritto, con folti baffi, naso adunco e narici frementi; portava l'ombrello afferrandolo al centro; tutto il suo portamento era militaresco; era vestito con proprietà; era il vero modello del clubman edoardiano. E perciò non poteva non essere una specie di impiegato della musica che componeva pezzi volgari e sciovinisti (Pomp and Circumstance: nientemeno!). Non si potevano ascoltare, cosí come non si potevano leggere le poesie di Kipling. Ecco quali erano i suoi peccati.\nNon fu solo l'estetica dell'età neoclassica, con la sua avversione per il romanticismo, che contribuí a tenere Elgar in discredito per diversi decenni. C'era anche l'interesse per il nazionalismo qual era rappresentato in Inghilterra da Raiph Vaughan Williams e il revival della scuola elisabettiana. Il nazionalismo dilagava nel mondo musicale, con Bartòk in Ungheria, Janaček in Cecoslovacchia, Nielsel in Danimarca. Sibelius in Finlandia e Ives negli Stati Uniti (benché nessuno lo conoscesse, si può dire). I nazionalisti si immersero nelle fonti natie soffiando con zelo nei flauti del folclore. Elgar non faceva niente di tutto ciò. Credeva che il compositore dovesse inventare motivi, non citarli o basarli sui suoni curiosi dei passato. Come Strauss e Mahler, si compiaceva degli effetti grandiosi. « Se un compositore scrive per quaranta arpe, dategli quaranta arpe. » Ma questa mentalità era passata di moda da un pezzo, quando Elgar mori, a Worcester, il 23 febbraio 1934. In lui i contemporanei non riuscirono a vedere altro che le derivazioni wagneriane, straussiane e brahmsiane. Le opere maggiori - le due Sinfonie, il Concerto per violino e il Concerto per violoncello, l'enorme poema sinfonico Falstaff - iniziarono un rapido declino. Solo le Enigma Variations e The Drem of Gerontius ebbero gran voga, tra le sue opere serie, ma Gerontius fu poco suonato fuori dell'Inghilterra. I giovani musicisti andavano dicendo che era un « incubo ».\nEppure ai musicisti dell'ultimo decennio del secolo diciannovesimo, Elgar era apparso un individualista, e uno dei piú grandi maestri viventi dell'orchestra. Era quasi autodidatta. Il padre, organista, violinista e accordatore di pianoforti, incoraggiò i suoi primi esperimenti di composizione, ai quali mise mano ancora bambino. Da ragazzo studiò il violino e il piano, poi andò a lavorare da un avvocato e infine decise di dedicarsi esclusivamente alla musica. Fu violinista nell'orchestra filarmonica di Worcester, insegnò in provincia e produsse una notevole quantità di composizioni, in buona parte da solotto e nessuna importante. Niente lo distingueva dagli altri compositori laboriosi ma mediocri. Quel tantino di reputazione gliel'avevano data dei piccoli brani sentimentali come il Salut d'amour per piano, un pezzo che nei salotti dell'Inghilterra vittoriana occupò lo stesso posto che i pezzi per piano di Gottschalk, sul tipo di Last Hope, occupavano nei salotti americani di quello stesso periodo.\nPoi, nel 1889, venne la Froissart Overture, la prima sua opera significativa, e rivelò un compositore che aveva un brillante senso delle sonorità della grande orchestra post-romantica. Black Knight (1893), King Olaf (1896) e Caractacus (1898), tutti per coro e orchestra, destarono ulteriore interesse. Nel 1900 Elgar era il piú famoso compositore d'Inghilterra, specialmente dopo l'enorme successo delle Enigma Variations nel 1899. Quest'opera sinfonica era un ritratto musicale dei suoi amici. Elgar disse inoltre che il tema principale aveva per contrappunto « un tema che non si sente ». Nessuno ha identificato questo tema misterioso, enigma dell'Enigma. Hans Richter diresse la prima esecuzione a Londra, e il brano fu ripreso anche nel continente. Fritz Steinbach, lo studioso di Brahms, definí Elgar « un genio e un pioniere nel campo dell'orchestrazione ... Effetti assolutamente originali dal virtuosismo quasi unico ». Era un grosso complimento, fatto da un direttore della terra di Richard Strauss.\nElgar fu chiaramente influenzato da Strauss. Alcune melodie hanno il caratteristico contorno straussiano, con i loro slanci, l'ampia estensione e gli sbocchi imprevisti. L'orchestrazione deve inoltre qualcosa al compositore di Ein Heldenleben. Ma l'orchestrazione di Strauss, efficace com'è, spesso arriva allo scopo semplicemente grazie alle dimensioni e al volume. Elgar ottenne una sonorità piú luminosa. Osserva Vaughan Williams: « Ho notato che in Wagner si potrebbe fare tranquillamente a meno, o quasi, degli strumenti « di colore », rimettendoci qualcosa nel timbro, è vero, ma senza danno alla struttura. Ma con Elgar è tutt'altra cosa. Anche negli accompagnamenti ai movimenti corali non c'è niente che si possa eliminare senza lasciare un buco nella trama ».\nElgar fece seguire alle Enigma Variations quella che molti considerano la cosa sua piú importante, l'oratorio Dream of Gerontius su testo del cardinale Newman. La prima al festival di Birmingham fu quasi un disastro. Richter era impreparato, il coro non capiva la musica e i solisti non erano all'altezza del compito. (Da quella volta Elgar diresse personalmente quasi tutte le sue prime.) Le successive esecuzioni del Gerontius andarono meglio e l'Inghilterra, con la sua tradizione di canto corale, ci si affezionò. (Gli inglesi, fu George Bernard Shaw a dirlo, « ricavano un macabro piacere dai requiem ».) Gerontius ha momenti di grande nobiltà e bellezza. È anche piamente noioso; e se è lo spartito piú ambizioso di Elgar non è, nonostante ciò che dicono gli ammiratori, il suo migliore. Occupa nella sua musica il posto che A Mass of Life occupa nella musica di Delius: un grosso tentativo che però non è riuscito in tutto e per tutto.\nCockaigne: in London Town venne nel 1901. Elgar non pretese mai di essere un compositore di carattere nazionale. Ma in Cockaigne, come nel Falstaff , che venne nel 1913, scrisse una musica che evoca fortemente lo spirito del suo paese. Può darsi che sia un'Inghilterra, la sua, un po' lontana da quella della realtà, ma solo un inglese avrebbe potuto concepire quel pezzo. Altrettanto si dica delle quattro marce Pomp and Circumstance. La numero uno, in re, fu per Elgar ciò che la Valse triste fu per Sibelius e il Preludio in do diesis minore per Rachmaninov. Per tutti, Elgar è rimasto il compositore di Pomp and Circumstance. Le prime due marce furono eseguite per la prima volta a un concerto di Proms nel 1901. « Non dimenticherò mai la scena che segui quando fini la prima, quella in re maggiore », racconta Elgar nell'autobiografia. « La gente balzò in piedi e cominciò a urlare. Dovetti suonarla una seconda volta, con lo stesso risultato; anzi, non vollero che proseguissi con il programma ... Solo per riportare un po' d'ordine la feci eseguire una terza volta. » Non molto dopo, Edoardo VII suggerí di dare delle parole alla marcia; nacque cosí Land o f Hope and Glory. Se Elgar era già molto noto, adesso diventò famoso, fece furore. Gli piovvero addosso onorificenze d'ogni genere, comprese varie lauree da università americane e, nel 1904, il titolo di baronetto. Fu l'anno che vide una « tre giorni » di musica esclusivamente sua al Covent Garden.\nPomp and Circumstance può aver dato fama e denaro a Elgar, ma dal punto di vista musicale gli fece piú male che bene. Gli appiccicò un'etichetta di nazionalismo esasperato alla Kipling, e c'è chi non volle prendere sul serio nessuna composizione dell'autore della marcia. I musicisti non erano disposti ad accettarla per quella che era, una marcia, appunto, vivace e vigorosa. Intanto Elgar scriveva una bella serie di composizioni: la superba Introduzione e Allegro per orchestra d'archi (1905), la Prima Sinfonia (1908), il Concerto per violino (1910), la Seconda Sinfonia (1910), e il Concerto per violoncello (1919). Lavorò anche a una grossa trilogia corale. The Apostles è del 1903, The Kingdorn del 1906. Nessuna delle due opere è entrata a far parte del repertorio internazionale. La terza opera della trilogia non fu mai portata a termine.\nLe due sinfonie sono opere grosso modo post-romantiche, vigorose, fedeli alla tradizione di Brahms con qualche tocco alla Strauss. Sono bei pezzi, riscattati dalle evidenti derivazioni grazie al buon gusto della scrittura e alla melodia tipicamente inglese. Attualmente stanno tornando in voga, come pure il Concerto per violino, con tutti gli inconsci riferimenti al Concerto per violino di Brahms. Forse la cosa migliore, tra le ultime, è il Concerto per violoncello, elegiaco, personalissimo, pieno di temi belli e orecchiabili. Il contenuto lirismo del tema d'apertura è insolito perfino per Elgar, al quale piacevano le melodie dalle lunghe frasi. Dura, autogenerandosi, per un tempo incredibilmente lungo. Il Concerto insieme con quello di Dvořák in si minore, va annoverato tra i piú grandi della categoria.\nCon il Concerto per violoncello e il Quintetto con pianoforte del 1919 fini, praticamente, la fase creativa di Elgar. Visse ancora quindici anni, e compose ancora qualcosa, ma oggi non si sente nessuna di queste sue ultime composizioni. Come Rossini e Sibelius, Elgar decise di ritirarsi quando era al culmine della carriera. Non si riprese mai dalla perdita della moglie, avvenuta nel 1920. E non gli, piaceva l'indirizzo che la musiva stava prendendo. Molto probabilmente si considerava anacronistico. Certo tutto concorreva a dargli questa sensazione. Nel periodo agitato che tenne dietro alla prima guerra mondiale fu trascurato e ignorato. Al concerto per il suo settantesimo compleanno, alla Queen's Hall, la sala era mezza vuota. Elgar confidò che aveva composto una terza sinfonia ma che non avrebbe sprecato tempo a orchestrarla, perché nessuno voleva piú la sua musica. Trascorse gli anni della vecchiaia in solitudine. Ruppe ogni contatto con il inondo musicale, non andò mai a un concerto, disse che non sopportava la musica e preferí parlare di cricket e di corse di cavalli.\nCiò che gli anni trenta non seppero vedere nell'ardente post-romanticismo di Elgar fu il carattere particolarissimo della sua musica. A differenza dei predecessori vittoriani, Elgar parlò con una voce spiccatamente individuale. Può essersi rifatto a Strauss e Wagner per l'orchestra, e a Brahms per le strutture delle sinfonie e dei concerti, ma le melodie e il modo in cui trattava le forme erano personalissimi. Una sua melodia, con la curiosa tensione, gli ampi intervalli e i salti esuberanti, il suo sicuro, forte, sentimento britannico (è difficile descriverlo, ma esiste), spicca immediatamente riconoscibile come l'opera sua e di nessun altro compositore della storia. Questo solo basterebbe a metterlo al di sopra del livello di un buon tecnico o di uno sperimentatore più avanzato. La musica senza personalità, per quanto abile possa essere, non dura. Quella di Elgar può essere edoardiana e borghese, può celebrare l'imperialismo britannico (esplicitamente o, piú spesso, implicitamente) può addirittura avere la sua parte di retorica convenzionale (come ce l'ha, senza dubbio, il Gerontius), ma abbonda di vitalità e personalità. Non è una coincidenza che la riabilitazione di Elgar cominciasse con il revival di Kipling e di altri personaggi del periodo. Negli anni cinquanta la piena di studi edoardiani ha dimostrato che quel signori barbuti e quelle dame imbustate potevano essere abbastanza interessanti.\nL'elemento di retorica edoardiana presente nella musica di Elgar può presentare delle difficoltà alla direzione. L'autore si servi di un'orchestra enorme e il direttore è portato a sottolineare, con troppa enfasi. Allora la musica può risultare veramente volgare. Lo stesso Elgar si rese conto del problema e se ne preoccupò molto. Al critico Ernest Newman disse che l'espressione era scritta nella sua musica e che un direttore non doveva fare altro che seguire le indicazioni date nello spartito. « Se la gente si accontentasse di suonare la musica cosí com'è scritta ... » disse. Altrimenti il sentimento elgariano, osservò Newman, tende a sbavare, e a torto se ne fa colpa al compositore. « Pochi autori » scrisse Newman « soffrono tanto, in questo senso, per l'incomprensione degli interpreti; la squisita sensibilità di Elgar diventa sentimentalismo, la sua energia diventa volgarità, i suoi ` nobilmente " diventano magniloquenza teatrale: e tutto perché il direttore non sa dove occorre fermarsi. » A questo si può aggiungere che lo stesso Elgar diresse l'orchestra registrando il Concerto per violino (con il giovane Yehudi Menuhin) e tutt'e due le sinfonie, e che tutti perciò potrebbero studiare i tempi e il fraseggio.\nElgar appartenne a una triade di compositori inglesi, tutti attivi nello stesso periodo, che risollevarono la musica del loro paese dallo scadimento seguito ai tempi di Händel e Mendelssohn. Gli altri due furono Frederick Delius e Ralph Vaughan Williams. Non si potrebbero immaginare tre compositori piú diversi. Elgar, cordiale ed esuberante, accettò l'Inghilterra com'era e la esaltò nella musica. Waughan Williams, francamente nazionalista, si rifece all'Inghilterra dei Tudor, del sedicesimo secolo, per trarne ispirazione. Delius fuggi il suo paese, e trovò ispirazione soltanto in se stesso. L'Inghilterra non gli piaceva molto: era un intellettuale aristocratico piú che un borghese o un commoner, e scrisse una musica personalissima che si avvicinò al panteismo quanto può farlo la musica.\nPer certi aspetti Delius ricorda Fauré: personalissimo, talora delicato, elegante, tradizionale senza essere accademico. Non compose molto, e dovette aspettare a lungo il giusto riconoscimento. A quarant'anni aveva scritto cose significative, ma salvo poche canzoni non aveva visto pubblicato niente di suo. Solo nel 1905 cominciò ad affermarsi, e in Germania. Ma neppure allora godette di fama internazionale. Continuò a scrivere, a limare e a ripulire a Grez-sur-Loing, a una sessantina di chilometri da Parigi. Nel 1924 intervennero la paralisi e la cecità. Un devoto musicista inglese, Erick Fenby, si offri di aiutarlo, immobilizzato com'era, e insieme elaborarono un sistema che permetteva al compositore di dettare. Il tentativo fruttò varie composizioni, ma per fortuna Delius aveva già scritto le cose alle quali è affidata la sua fama.\nÈ difficile dare un'idea della sua musica. Qualcuno l'ha definita impressionismo inglese, ma non è una definizione molto felice. Molte influenze contribuirono a costruire quell'uomo complesso che si chiama Frederick Delius. Nacque a Bradford, vicino a Manchester, il 29 gennaio 1862. I suoi, mercanti di lana di origine tedesca, erano ricchi. Delius mostrò una certa attitudine alla musica e intendeva dedicarvisi completamente. Il padre invece volle che si occupasse dell'azienda familiare. Delius obbedí, e si rivelò il peggiore uomo d'affari mai apparso dal tempo dell'invenzione della moneta. Dopo un po' il padre fu ben contento di liberarsi di lui. Delius e un amico se ne andarono in Florida, nel 1884, per far fortuna con la coltivazione degli aranci. Si stabilirono a Solano Grove, vicino a Jacksonville. Pochissime furono le arance immesse sul mercato dai due soci. In compenso, Delius si dedicò alla musica. Conobbe un musicista di New York, Thomas Ward, e diventarono amici. Delius dichiarò di avere avuto in realtà un solo maestro, Ward, il quale era, pare, teorico del suono e armonista.\nPer un po' Delius insegnò musica a Jacksonville, e poi in Virginia. Visse anche a New York, per un certo periodo di tempo. Poi, nel 1887, andò al Conservatorio di Lipsia grazie all'aiuto finanziario del padre. Non dovette mai preoccuparsi del denaro. La gradevole Florida Suite fu composta a Lipsia. Poi, nel 1888, visitò Parigi. Abitò per un poco da uno zio, e poi decise di stabilirsi in Francia. Sposò la pittrice Jelka Rosen e compose due meravigliosi pezzi sinfonici: Over the Hills and Far Away (1895) e Paris (1899). Le due opere recano il segno della sua maturità. Delius si formò lentamente, ma una volta trovato il suo métier non lo cambiò per tutta la vita. « Ci misi moltissimo a capire quel che volevo fare, ma quando lo capii, fu una folgorazione. » Poi venne un'opera, Irmelin (1892), messa in scena solo nel 1953, molti anni dopo la morte dell'autore, e una serie di altre opere, brani per orchestra e un concerto per piano. A quarantun anni Delius aveva composto cinque opere, sei cospicui brani sinfonici, una cinquantina di liriche e di pezzi vari: ma niente, praticamente, era stato stampato. Improvvisamente le sue composizioni cominciarono a essere eseguite in Germania. Nel 1904 fu presentata a Elberfeld l'opera Koanga, e nel 1907 un'altra opera, A Village Romeo and Juliet veniva messa in scena a Berlino. Le composizioni corali Appalachia (1902) e Sea Drift (1903) furono dirette da maestri tedeschi. In Inghilterra Thomas Beecham si interessò a Delius e fece tutto il possibile, ed era molto, per farlo conoscere. A poco a poco Delius si affermò in Inghilterra. In Germania era annoverato tra i piú importanti compositori viventi. Secondo Beecham, solo Richard Strauss lo superò in popolarità nell'ultimo decennio dell'anteguerra. La violenta anglofobia dilagata in Germania dopo il 1914 lo escluse dal repertorio tedesco.\nUn'opera che attirò molta attenzione e che è stata definita il capolavoro di Delius fu A Mass of Life (1905). In verità non è il suo capolavoro, cosí come The Dream of Gerontius non è il capolavoro di Elgar, se non agli occhi di chi misura un capolavoro dalla durata. Ma è un'opera ambiziosa e con momenti molto importanti. Il testo è derivato da Nietzsche, autore che Delius adorava. Prendeva un capitolo dell'opera di Nietzsche e lo studiava, magari per settimane di fila, e poi passava a un altro capitolo. « Saluto in lui un sublime poeta e una bella natura » diceva.\nA Mass of Life ha la sua genesi nel Canto notturno di Zarathustra. Beecham lo diresse in prima esecuzione nel 1905. Non è un'opera religiosa, e del resto Delius non fu religioso. A Eric Fenby disse che la religione o la fede non gli servivano. « C'è una sola, vera felicità nella vita, ed è creare. » (Sorprende il numero dei grandi compositori che furono liberi pensatori o addirittura atei. Tanto per citare i primi nomi che vengono alla mente, lo furono Verdi, Saint-Saëns, Debussy, Brahms, Wagner, probabilmente Chopin.) Semmai, Delius fu un solipsista. Lui e la sua musica erano un piccolo mondo isolato; esistevano l'uno per l'altro, si alimentavano l'un l'altro.\nDelius fu un personaggio interessante. Quando Beecham lo vide per la prima volta ebbe l'impressione di trovarsi di fronte a un cardinale o almeno a un vescovo in abito borghese:\n... Il volto aveva quel misto di ascetismo e di astuzia che uno associa mentalmente agli ecclesiastici di alto grado. Fui colpito anche da un'aria generale di puntualità e di sobria eleganza che si osservano raramente negli artisti. Il linguaggio, che aveva una base inconfondibilmente provinciale, contrastava in maniera imprevista ma non spiacevole con questa prima impressione. Non era fatta per lui la dizione impeccabile laboriosamente inculcata e standardizzata nelle nostre scuole piú importanti e nelle nostre antiche università. Lealmente conservava le sue preferenze per il dialetto dorico di quel grande paese settentrionale dai grandi campi, che guarda con compassione alle affettate eleganze del molle sud. A questa base si era sovrapposta una mescolanza poliglotta acquisita in ventiquattro anni di voluto esilio dall'Inghilterra. Nelle sue frasi intervenivano continuamente parole francesi e tedesche e diceva sempre « orchester » invece di « orchestra » ... In pubblico era dignitoso, riservato e cortese; e non c'era in lui traccia visibile di bohème.\nPer il resto della sua vita, dopo lo scoppio della prima guerra mondiale, Delius si alternò tra Inghilterra e Francia, trascorrendo la maggior parte del tempo a Grez-sur-Loing, dove viveva tranquillamente con la moglie. Non si occupò della musica contemporanea; anzi avversò attivamente quasi tutta la musica contemporanea, esclusa beninteso la sua. La sua carriera si esaurí nell'arco di una quindicina d'anni, piú o meno dal 1900 al 1915. Morí il 10 giugno 1934 a Grez.\nDelius non è indebitato con nessun altro compositore. Come Debussy, ruppe con ogni forma vigente: e la sua musica ha un che di spontaneo, di improvvisato che sembra derivato dalla sperimentazione al piano, di accordi cromatici esotici e voluttuosi. È una musica rapsodica, dalle forme libere, del tutto esente da classicismo. Le armonie a volte sono troppo ricche e addirittura dissonanti, ma non rassomigliano a quelle di nessun altro compositore. « Non credo che l'armonia o il contrappunto si possano imparare » disse Delius. « Imparare ammazza l'istinto. Non bisogna credere al detto che per capire la musica bisogna sentirla molte volte. È una sciocchezza, è l'ultimo rifugio degli incompetenti ... Per me, la musica è una cosa semplicissima. È l'espressione di una natura poetica ed emotiva. » La sola cosa che contava era un « senso di scorrimento ». La musica scorreva o non scorreva. Se scorreva era buona, se non scorreva era cattiva. Nel 1920, in un lungo articolo scritto per "The Sackbut'', Delius reagí violentemente all'avanguardia dei tempi suoi:\nNel mondo c'è spazio per tutti i tipi di musica e per tutti i gusti, e non c'è motivo per cui i devoti di Dada non debbano godere le produzioni musicalmente imbecilli della loro piccola cerchia, tosi come gli amatori della commedia musicale si godono il loro particolare genere. Ma quando vedo i profeti della cricca piú recente fare il possibile per pervertire il gusto del pubblico e seminare falsi valori nelle giovani generazioni degli amanti della musica facendosi beffe dei grandi maestri del passato e nella speranza di attirare piú attenzione sui petits maîtres del presente, allora dico che è tempo di parlare francamente e di protestare ...\nQuesti sono tempi di anarchia nell'arte: non c'è autorità, non ci sono principi, non c'è senso delle proporzioni. Chiunque può fare quello che vuole e affermare che fa dell'u arte » con la certezza che una massa di idioti lo staranno a guardare a bocca aperta, pieni di ammirazione ...\nLa musica non esiste per sottolineare o esagerare qualcosa che accade al di fuori della sua sfera. L'espressione musicale comincia ad assumere significato dove le parole e le azioni arrivano al limite massimo dell'espressione. La musica dovrebbe occuparsi dei sentimenti e non degli avvenimenti esteriori. Far si che imiti qualche altra cosa è futile come pretendere di farle dire « Buon giorno » o « Che bella giornata ». Solo ciò che non si può esprimere altrimenti vale la pena di essere espresso in musica.\nDelius si attenne a questi precetti. Fondamentalmente fu un pittore di colori timbrici che si espresse con estatiche improvvisazioni. I piccoli poemi sinfonici - Brigg Fair (1907), Summer Night on the River (1911), On Hearing the First Cuckoo in Spring (1912) - sembrano improvvisazioni; e le opere di maggiori dimensioni appaiono semplicemente come improvvisazioni di maggiori dimensioni. È musica « che si occupa dei sentimenti » ed esprime cose che non si potrebbero « esprimere altrimenti ». Delius fu un mirabile melodista, quasi ciaikovskiano. Ma non fu risonante come il grande russo, e la sua musica non ha un impatto altrettanto immediato. Nonostante le affermazioni provocatorie circa l'immediatezza d'effetto della buona musica, occorre tempo per assimilare la sua. Ma una volta assimilata, sembra che non si usuri mai. E se all'ascoltatore piace un'opera di Delius è molto probabile che gli piacciano tutte, perché egli scrisse quasi sempre con lo stesso stile. Certo fu lungi dall'essere un compositore universale. I suoi equivalenti, nelle altre arti. potrebbero essere un Gerard Manlev Hopkins, una Mary Cassatt o un lames Branck Cabell. (Quest'ultimo nome potrebbe sembrare, a qualcuno, un complimento a doppio taglio: ma quanti sono i prosatori eleganti? I paesaggi magici di Delius appartengono alla stessa terra romantica del Poictesme di Cabell.)\nLe cose che fece, Delius le fece in maniera perfetta. Soprattutto, la sua musica ha una squisita raffinatezza, spesso con una vena sotterranea di tragedia. È di frequente sensuale, a volte forte, ma sempre evocativa: di laghi, di tramonti, di paesaggi, del cielo parigino e dell'oceano Atlantico al largo della costa americana. Anche le opere hanno questo carattere intimo. A Village Romeo and Juliet non è fatta per teatri grandi. Delius visse quasi sempre appartato nella sua privacy, e qualcosa di questa riservatezza, di questa riluttanza ad agire e parlare a cuore aperto affiora in ciò che scrisse. Non fu un compositore che andasse verso il pubblico. Doveva essere il pubblico ad andare verso di lui. Quelli che lo fecero, come Bcecham, scoprirono che la musica di Delius è un'esperienza unica. « Le opinioni possono variare e di molto », scrisse Beecham nella biografia del compositore. « Quanto a me, non posso che considerarlo l'ultimo grande apostolo, nel nostro tempo, del romanticismo, della bellezza e del sentimento in musica. »\nRalph Vaughan Williams, che segui Elgar di quindici anni e Delius di dieci, era un uomo grande e grosso. indistruttibile, che ebbe la piu lunga fase creativa della storia della musica. Nacque a Gloucestershire il 12 ottobre 1872 e mori a Londra il 26 agosto 1958, finendo la Nona Sinfonia solo poco prima di spegnersi. a ottantasei anni. Cominciò a essere pubblicato a soli diciannove anni, e quindi ebbe un record di produttività che è di ben sessantacinque anni. Di famiglia agiata, Vaughan Williams poté dedicarsi con calma alla scelta del linguaggio che avrebbe fedelmente perseguito. Da ragazzo imparò a suonare vari strumenti, ma nessuno a livello professionale. « Mi sono stati insegnati il pianoforte, che non sono mai riuscito a suonare, e il violino, che è stata la mia salvezza musicale. » Al Roval College of Music studiò con Stanford e Parrv, e fu debitore soprattutto al secondo. « Noi discepoli di Parry abbiamo ereditato da lui, se siamo stati saggi, la tradizione corale inglese che Tallis trasmise a Byrd, Byrd a Gibbons, Gibbons a Purcell, Purcell a Battishill e Greene, e questi a loro volta, attraverso i Wesley, a Parry. Egli ha passato la torcia a noi, ed è nostro dovere mantenerla accesa. » A differenza di Elgar, Vaughan Williams respinse la tradizione tedesca del diciannovesimo secolo a favore della tradizione corale e dei canti popolari inglesi. Per temperamento non riuscì mai a identificarsi con la scuola tedesca. « Ancora oggi l'idioma di Beethoven mi ripugna », scrisse da vecchio, aggiungendo: « Ma spero di avere almeno imparato a vedere la grandezza che c'è dietro l'idioma che mi dispiace e a cogliere nello stesso tempo qualche debolezza dietro l'idioma di Bach, che amo ».\nChissà per quale strana ragione, considerando l'opinione che aveva della musica tedesca del diciannovesimo secolo, andò a Berlino per farsi dare lezioni da Max Bruch. Ma non ne ricavò molto. Prese il diploma di « Doctor of Music » a Canibridge nel 1901. Poco dopo aderì all'English Folk Music Society. Fu un passo che decise della sua vita. Come Bartok e Kodaly, Vaughan Williams e l'amico Gustav Holst andarono, nelle campagne a raccogliere musica nativa allo stato più puro possibile. Holst fu compositore molto nota ai tempi suoi, ma oggi non lo si ascolta piú. Era considerato un aggressivo modernista, e appartenne a un gruppo importante di compositori post-elgariani: un gruppo che comprendeva tra gli altri Samuel Coleridge-Taylor, Arnold Bax, John Ireland e, un po' piú tardi, Arthur Bliss.\nVaughan Williams si saturò di canti popolari. Attraverso questi studi fu in grado di liberarsi delle influenze straniere, come spiegò in una conferenza:\nAi tempi in cui Elgar formava 1 suo stile, la canzone popolare inglese non era in voga, ma venne deliberatamente resuscitata e diffusa solo una trentina d'anni fa. Ora, che cosa significa questo revival del compositore? Significa che parecchi, tra noi, hanno trovato nella sua semplicissima forma il linguaggio musicale nel quale, inconsciamente, ci stavamo coltivando. Ha dato un punto d'appoggio alla nostra immaginazione ... La conoscenza dei nostri canti popolari ha portato allo scoperto non tanto qualcosa di nuovo per noi ma qualcosa che era nascoste dalle cose straniere.\nL'atteggiamento nei confronti dei nazionalismo musicale rappresentava una fuga cosciente da un predominio straniero quanto una teoria della composizione che aveva tra i suoi elementi la musica di un popolo. Vaughan Williams aveva visto troppi compositori inglesi trascinati come prigionieri dietro il carro dell'accademismo tedesco, e si batté accanitamente per non farsi catturare. « Finché insisteranno a servire di seconda mano gli elementi esteriori della musica di altre nazioni, i compositori non dovranno sorprendersi se il pubblico preferirà il vero Brahms, il vero Wagner, il vero Debussy o il vero Stravinskij ai loro pallidi echi. » Meglio una musica limitata ma onesta che l'imitazione. « Non tutti i compositori possono aspettarsi di avere in serbo un messaggio universale; possono però avere un messaggio particolare per i loro connazionali. » Chiunque può scrivere nello stile di Wagner o di Strauss, ma un compositore britannico non dovrebbe farsi tentare da queste imitazioni. « Non è forse ragionevole supporre che chi divide con noi il modo di vivere, i costumi, il clima, perfino il cibo, abbia da comunicarci un segreto che il compositore straniero, pur dotato magari di piú immaginazione, di piú forza, di un migliore equipaggiamento tecnico, non è in grado di darci? » Questo, concludeva Vaughan Williams, era il segreto del compositore nazionale. Arrivò al punto, come capita spesso a chi si fissa su una tesi, di interessarsi solo alla musica che avesse qualche caratteristica nazionale. Di conseguenza, quasi tutto Stravinskij lo infastidiva, salvo certe cose come Les Noces o la Sinfonia di salmi, che sottolineano fortemente il retaggio russo del compositore. Altrimenti, sosteneva, Stravinskij era semplicemente un compositore astuto e alla moda che faceva leva su un sacco di trucchetti raffinati. Quanto all'atonalismo di Schönberg e della sua scuola, Vaughan Williams se ne tenne lontano: « Schönberg non significava niente per me, ma siccome evidentemente ha significato parecchio per gli altri, oso dire che è tutta colpa mia ».\nSostenuto dall'interesse predominante per la musica popolare inglese, si mise a scrivere musica che, almeno sperava, aprisse la strada a un movimento nazionalistico. Le tre Norfolk Rhapsodies e In the Fen Country attirarono molta attenzione nel 1906 e nei 1907, rispettivamente. Ma Vaughan Williams sentiva di aver biso¬gno di studiare ancora e decise di prendere lezioni scegliendo, in mezzo a tanti, proprio Maurice Ravel! « Nel 1908 arrivai alla conclusione che ero incerto e pesante, che mi ero cacciato in un vicolo cieco e che una ripulitura francese mi sarebbe stata utile. » Se ne andò a Parigi, orso grande e grosso sempre trasandato (qualcuno disse che si vestiva « come se dovesse inseguire i canti popolari fin nelle tane »), incontro a Ravel, esile ed elegante, che non sapeva bene che cosa farne, di quell'invasore. Guardò qualcuna delle sue composizioni e gli disse di scrivere un minuetto alla maniera di Mozart. Vaughan Williams parti in quarta: « State a sentire, ho rinunciato al lavoro, agli amici e alla carriera per venire qui a imparare qualcosa da voi, e perciò non scriverò un petit menuet dans le style de Mozart ». Ravel gli insegnò a rinunciare alla « pesante maniera contrappuntistica dei teutoni ». Dopo Ravel, Vaughan Williams giudicò completata la propria educazione musicale.\nRitornò in Inghilterra e cominciò a comporre in tutte le forme. La serie delle sinfonie fu inaugurata da A Sea Symphony (191.0), A London Symphony (1914) e dalla Sinfonia Pastorale (1922). Scrisse anche un'opera, Hugh the Drover (1914), oltre a brani corali, musica per il teatro, la Fantasia on a Theme by Tallis (1910) per doppia orchestra d'archi (uno dei suoi lavori più popolari) e il bel ciclo di liriche On Wenlock Edge (1909), per tenore, quartetto d'archi e piano. Un brusco cambiamento di stile portò la Quarta Sinfonia del 1935. Si allontanò dal linguaggio di derivazione popolare delle precedenti sinfonie per uno stile difficile, dissonante e quasi astratto In questa composizione intese esprimere la sua agitazione per l'invasione dell'Abissinia da parte degli italiani. « Non so se mi piace », disse della sinfonia. « Ma è questo che vuol significare. »\nDa quel momento ci fu nelle sue composizioni sinfoniche una sempre crescente tensione armonica. Alcune, come la Sesta, erano astratte. Altre, come la Quinta e la Nona, ritornavano al linguaggio popolare. Ma anche nelle sinfonie astratte c'era un'anglicità sottintesa che ne costituisce la base, con trasformazioni armoniche e melodiche che si potevano far risalire all'epoca Tudor. Non era musica pulitina, garbata. Non intendeva scrivere « graziose » evocazioni del passato o del presente, e nessun compositore inglese è riuscito come lui a evitare la musica del tipo « Ye Tea Shoppe ». Le sinfonie sono scabrose, con una buona dose di dissonanze e spesso una costruzione che capovolge la forma-sonata. È musica che non scende a compromessi, che non segue la moda ed è, nel senso migliore della parola, originale.\nLa Quinta Sinfonia del 1943, con il ritorno alla tradizione popolare, piena di echi pastorali, idillici, potrebbe anche essere il capolavoro orchestrale di Vaughan Williams. L'astratta Sesta Sinfonia ha un incredibile ultimo movimento con l'indicazione « sempre pianissimo, senza un crescendo ». È un movimento crepuscolare, spettrale: potrebbe avere un solo equivalente nella storia della forma-sonata, ed è l'ultimo movimento della Sonata in si bemolle minore di Chopin. Per la Settima Sinfonia, la Antartica, adattò musica scritta nel 1953 per il film Scott o,i the Antartic. L'Ottava Sinfonia (1956) è un'opera fuori dalle convenzioni che l'autore definí « sette variazioni in cerca di un tema ». Quattro mesi prima di morire fini la Nona Sinfonia (1958), opera retrospettiva ricca di reminiscenze e piena del nazionalismo sublimato delle sue cose migliori.\nLa Nona è un'opera di gran mole da ogni punto di vista, ma viene eseguita di rado. C'è stata, contro la musica di Vaughan Williams, una reazione abbastanza simile a quella che si è avuta contro Elgar. In ogni modo Elgar è stato riscoperto, e sarà riscoperto anche Vaughan Williams Potrà anche darsi che un giorno venga addirittura salutato come il piú importante sinfonista del secolo. Né accademico né avanguardista, scrisse musica emotivamente ordinata che assunse vecchie forme considerevolmente modificate a scopi espressivi. È facile attribuire una funzione troppo importante al suo nazionalismo. Se il patriottismo, come disse il dottor Johnson, è l'ultimo rifugio dei furfanti, è anche vero che in musica il nazionalismo può essere il rifugio di uno sciovinista, come fu dimostrato in maniera particolarmente convincente dalla musica russa durante il periodo del realismo socialista. La cosa piú facile del mondo è scrivere « musica nazionale » di un certo tipo. Basta prendere un motivo popolare e dargli una veste orchestrale pittoresca. Ma Vaughan Williams non si regolò in questo modo. Il suo nazionalismo, come quello di Bartók o quello di Dvoràk, era espressione dello stato d'animo di un uomo quanto della condizione esteriore della cultura del suo paese. Quale che fosse l'impulso iniziale, la musica di Vaughan Williams è prima di tutto musica e solo in un secondo momento nazionalismo: ed è musica di un uomo grande, di uno spirito grande e di un pensatore molto originale. Vaughan Williams amava ripetere un'osservazione di Gustav Stresemann, che riassume bene anche il suo operato: « Serve meglio l'umanità l'uomo che, radicato nella propria nazione, sviluppa le sue doti spirituali e morali al massimo della capacità, in modo che, crescendo oltre i limiti della sua nazione è in grado di esprimere qualcosa che appartiene a tutta l'umanità ».\nHarold C. Schonberg (da I GRANDI MUSICISTI, traduzione di Vittorio Di Giuro, ed. Mondadori, 1972)\ndoc -> Forme astratte\ndoc -> Grammatica e riflessione linguistica Grammatica come fantasma: inspiegabile\ndoc -> Storia dei linguaggi artistici contemporanei prof\ndoc -> 2. L’amore di Dio non è universale? Preghiera\ndoc -> Deus caritas est del sommo pontefice benedetto XVI\ndoc -> L’ascolto e la relazione d’aiuto nella comunità cristiana\ndoc -> Salmo 7(18) Ger 20 1 Gv 2,3-6 Gv 21,15-17\ndoc -> Linguistica Generale\ndoc -> Piccialli L. Estensore: Bursese ga. Relatore: Bursese ga\ndoc -> Omepage > Articolo