Posts – Pagina 3 – Storia dell'Arte\nLa bottega di Francesco Squarcione e la diffusione di modelli pittorici padani nel bacino adriatico\nFigura tra le più controverse e dibattute della storia dell'arte Francesco Squarcione (Padova, 1397 - 1468) deve la sua fama soprattutto alla sua attività di capo bottega e maestro di un numero notevole di artisti, alcuni dei quali sono da considerarsi fra i più innovativi ed originali pittori del Rinascimento centro - settentrionale. Fin dalle fonti più antiche Squarcione è individuato come un "singolare caposcuola e maestro di pittori" che avrebbe avuto ben centotrentasette allievi attirati nella sua bottega dalla possibilità di studiare un gran numero di calchi dall'antico oltre a disegni e dipinti in parte eseguiti dallo stesso Squarcione, in parte raccolti durante i suoi viaggi che lo avrebbero portato anche in Grecia. Dai documenti emerge anche il carattere del maestro che fu spesso coinvolto in liti con i suoi allievi che lo accusavano di essersi appropriato del loro lavoro spacciandolo per proprio. Problemi ancora più grandi pone la ricostruzione della sua personalità artistica affidata a due sole opere riconducibili con certezza alla sua figura: il Polittico del Lazara (1449) e la Madonna con Bambino (1460) di Berlino.\nLa prima opera, ritrovata nel 1789, è riconducibile sulla base dei documenti alla commissione della famiglia Lazara che aveva affidato al pittore l'esecuzione del dipinto per l'altare della propria cappella gentilizia. Il polittico a cinque scomparti e un solo registro presenta al centro la figura di San Girolamo e ai lati i santi Lucia, Giovanni Battista, Antonio Abate e Giustina. Girolamo siede in meditazione all'interno di uno studiolo per metà all'aperto chiuso sulla destra da un'abside architettonica ed affacciato sulla sinistra verso il paesaggio. Nonostante alcuni arcaismi, come il fondo oro, la volumetria del San Girolamo mostra come l'artista sia attento alle novità fiorentine, in particolare all'opera del Lippi, con cui fu direttamente in contatto come attestato da un documento che li vede affiancati in una perizia del 1434. Nella tavola di Berlino la raffigurazione della Vergine è particolarissima: la Vergine è posta di profilo sullo sfondo di un drappo rosso ed accoglie tra le braccia il bambino il cui movimento plastico manifesta una derivazione dall'opera di Donatello. La tavoletta di Berlino mostra inoltre la presenza di alcune formule compositive e temi decorativi che lo Squarcione trasmetterà ai propri allievi e che sono talmente caratteristici da legittimare l'uso del termine "squarcionesco" per designare un gruppo di pittori che anche se non direttamente allievi del maestro sono comunque toccati dalla sua elaborazione figurativa.\nI festoni di fiori e frutta, le figure di putti dalle pose bizzarre, le fisionomie sottili e marcatamente espressive dei santi, le gamme cromatiche accese e fantasiose, insieme ad una netta prevalenza della linea nella definizione delle figure, sono tutti elementi che si ritrovano e caratterizzano l'opera sia del giovane Mantegna sia di artisti come Marco Zoppo e lo Schiavone. La diversa provenienza di questi due artisti dimostra la fama che la formazione presso la sua bottega aveva ormai conquistato.\nAnche Marco Zoppo al pari del Mantegna fu adottato dallo Squarcione nel 1455 ed ebbe con lui un contenzioso legale l'anno successivo quando si trova già a Venezia dove apre una propria bottega. Il suo alunnato presso lo Squarcione è testimoniato da una serie di disegni e nella tavola con la Madonna del latte (1455) significativamente firmata "opera del Zoppo di Squarcione". L'opera tuttavia mostra come l'allievo si differenzia dal Maestro per una maggiore comprensione dei problemi spaziali e per una forte attenzione alla contemporanea scultura di Donatello. La forte passione per l'antico traspare da alcuni disegni conservati presso il British Museum e Berlino. Nella sua attività veneziana e nel successivo trasferimento a Bologna unisce alla cultura espressiva e fortemente lineare la conoscenza delle opere di Giovanni Bellini e della luce di Piero della Francesca. Le componenti mature del linguaggio dello Zoppo si colgono nel trittico della chiesa di San Giacomo entro il collegio di Spagna a Bologna considerato il suo capolavoro per l'equilibrio compositivo ottenuto attraverso l'applicazione di una prospettiva unitaria in tutta la composizione dal podio marmoreo su cui posano i santi al sedile della Vergine fino agli oculi con l'Annunciazione e Dio padre benedicente.\nL'alunnato presso lo Squarcione è fondamentale anche per il dalmata Giorgio di Tommaso Chiulinovic detto lo Schiavone (1433736 - 1504) rimasto presso il maestro padovano dal 1456 al 1460. Lo Schiavone adotta tutti i temi principali del maestro: festoni di fiori e frutta, architetture fantasiose, putti bizzarri e spesso trasfigurati in materie come il bronzo, le aperture paesistiche sui bordi delle sue tavole di cui un esempio è la Madonna con Bambino di Torino. Le sue figure sono sottili ed eleganti colte in pose di aristocratico distacco che evocano le raffinatezze della pittura tardogotica.\nAl contesto padovano guardano inoltre con attenzione anche i pittori di Camerino, attivo centro di elaborazione pittorica e di fusione del messaggio di Piero della Francesca e dei maestri toscani del Rinascimento con le istanze espressive del nord. Nella città veneta è documentato Giovanni Angelo di Antonio da Bolognola il cui capolavoro, L'Annunciazione del 1452, proveniente dal distrutto convento di Sperimento presso Camerino, ripropone negli edifici sullo sfondo le costruzioni architettoniche della Cappella Ovetari.\nLa diffusione dell'affresco: spina dorsale della pittura italiana del Quattrocento\nL'affresco è la spina dorsale della pittura italiana, un ruolo che viene confermato e sottolineato durante il Quattrocento. La diffusione dei cicli pittorici parietali, favoriti dalle caratteristiche dell'architettura italiana, fa si che le ricerche stilistiche e di linguaggio non siano limitate al godimento privati dei committenti ma vengano proposte all'osservazione di un pubblico vasto e variegato. Le soluzioni sperimentali dei maestri fiorentini vanno viste sempre in parallelo con quanto accade nelle altre regioni italiane nell'ambito di un gusto ancora orientato verso le delizie del tardogotico più che nell'austera ricerca di una composizione geometrica e "senza ornato". Si incontrano scene di vita profana, decorazioni murarie in cui l'affresco si combina con appliques tridimensionali, commistioni di generi e di tecniche.\nDeterminanti sono i viaggi dei pittori. Tra i maestri più sensibili alla fase di transizione bisogna ricordare Masolino da Panicale che oltre alle opere fiorentine eseguite con Masaccio si cimenta in varie città, da Roma a Todi, da Empoli a Castiglione d'Olona, e Gentile da Fabriano di cui molti affreschi sono andati perduti ma il cui influsso si può efficacemente rintracciare nelle Marche e a Firenze ma anche a Brescia ed Orvieto. Indimenticabile è il passaggio di consegne da Gentile a Pisanello avvenuto sui ponteggi degli affreschi parietali di San Giovanni in Laterano a Roma.\nAvvicinandosi la metà del secolo, grazie ai viaggi dei maestri toscani la diffusione delle regole umanistico-prospettiche tende ad estendersi, e ancora una volta l'affresco fa da battistrada. L'esempio più celebre è quello di Piero della Francesca, che partendo dalla natale Sansepolcro lascia magistrali affreschi a Ferrara (perduti), Roma, Rimini ed Arezzo. Tra i cicli ancora esistenti ricordiamo i capolavori di Filippo Lippi a Spoleto e i molti lavori di Benozzo Gozzoli in centri di provincia tra Umbria e Toscana.\nE' molto interessante osservare come gli artisti stranieri, venuti in Italia, si cimentino proprio con l'affresco cercando di trasferire nelle esigenze tecniche della pittura murale le proprie origine stilistiche: così il borgognone Guillame Spicre costruisce lo spettacolare Trionfo della Morte di Palermo come un grande arazzo impreziosito dalla riproduzione di stoffe damascate.\nLa selezione di un gruppo di artisti toscani da parte di papa Sisto IV per affrescare le pareti della Cappella Sistina a partire dal 1481 costituisce il primo progetto coerente per la definizione di una koinè espressiva dell'arte italiana: significativamente la tecnica principe è ancora l'affresco.\nL'ultimo ventennio del secolo infine è contrassegnato da un'ininterrotta sequenza di cicli. Anche prescindendo dai grandi centri, indimenticabili capolavori vengono lasciati nelle aree periferiche con un ventaglio di espressioni diffuse capillarmente in modo straordinario, una volta di più da sottolineare come aspetto della cultura artistica italiana. Si va dalla coinvolgente componente di realismo di Martino Spanzotti ad Ivrea alle raffinate invenzioni di Melozzo a Loreto; dalla potenza solenne e drammatica di Luca Signorelli ad Orvieto alla silenziosa poesia di Domenico Ghirlandaio a San Gimignano.\nCarlo Crivelli: l'immaginazione sublime di una linea duttile, ansiosa, spesso lacerante\nCrivelli, figlio di Jacopo, nacque a Venezia tra il 1430 e il 1435. Non conosciamo con sicurezza la sua data di nascita che viene dedotta da una sentenza in cui il pittore viene condannato in data 7 marzo 1457 per aver rapito al moglie del marinaio Francesco Cortese ed averla tenuta nascosta per molti mesi. Si suppone che all'epoca l'artista dovesse avere circa venticinque anni. Il pittore frequentò la scuola dello Squarcione a Padova ed è probabile che dopo la condanna si trasferì a Zara dove appare documentato nel 1465 come si rileva da un atto notarile in cui figura come testimone ad un matrimonio. Poco dopo l'artista si trasferì nelle Marche dove è documentato per il rimanente della vita a partire dal Polittico di Massa Fermana datato 1468. Può darsi che Crivelli, il quale si firmava "venetus" in molte opere, non volesse più fare ritorno a Venezia a seguito della condanna ricevuta ma può anche darsi che egli abbia trovato nelle Marche l'ambiente più congeniale alla sua pittura come risulta dalle numerose commissioni per varie chiese della regione.\nLa singolarità dell'opera di Carlo Crivelli si spiega nel particolare ambiente marchigiano dell'epoca che coltivava un'aristocrazia provinciale di raffinata eleganza tra il mondo gotico e quello rinascimentale. Una delle opere fondamentali della giovinezza è il Polittico di Ascoli Piceno firmato nel 1473. L'artista è spesso documentato in città dove nel 1478 acquista una casa e nel 1490 viene nominato "cavaliere" dal principe Ferdinando di Capua. In quest'epoca abbiamo numerose descrizioni delle sue opere fino al 1494. Probabilmente Crivelli morì negli ultimi anni del Quattrocento in quanto in un documento del 1500 risulta già morto e la moglie citata come vedova.\nIl periodo di composizione delle sue opere va dal 1460 al 1495, un periodo in cui l'arte gotica era già tramontata ed in Italia settentrionale si diffondevano gli ideali del Rinascimento. Crivelli ebbe l'avventura di vivere tra due epoche, di assimilare nell'essenza la tradizione medievale che stava per finire e di tradurre in parte quelle nuove idee che il pensiero umanistico andava diffondendo non solo nel costume e nella speculazione filosofica ma anche in pittura. Abbiamo accennato alla sua formazione presso la bottega dello Squarcione a Padova, formazione avvenuta intorno al 1450. La scuola è misteriosa per tanti aspetti a partire dalla complessità degli artisti che raccolse e soprattutto per la forza di propulsione delle idee che da essa presero vita. Dello stesso gruppo facevano parte Mantegna, Schiavone, Marco Zoppo, i fratelli Bellini, Bartolomeo Vivarini e Cosmè Tura. Le opere d'arte che fanno da perno a questo momento artistico sono l'altare maggiore di Donatello alla basilica del Santo e gli affreschi di Mantegna nella cappella Ovetari nella chiesa degli Eremitani a Padova. Crivelli è portato per vocazione naturale alle regole fisse, alle misurazioni ed alla raffinatezza propria del Gotico internazionale, quello di Pisanello, Gentile da Fabriano ed Antonio Vivarini, il tutto temperato sotto la forgia di Donatello di cui fa propria la tornitura a sbalzo e si appropria della luminosità fredda e cristallina del primo Mantegna. Benchè dopo la giovanezza Crivelli si indirizzi per altre strade, ci tiene sempre a ricordare le proprie origini, non soltanto nella firma che accompagna molte opere, ma anche in alcuni caratteri costanti della sua personalità. Nasce spontanea in lui una visione figurativa che si attua spesso nelle tavole a fondo oro di antica ascendenza medievale pur servendosi a modo suo del nuovo linguaggio rinascimentale: da un lato la classicità della forma ed i principi della prospettiva, dall'altro l'astrazione della linea, l'eleganza per l'eleganza e l'assolutezza senza tempo dei fondi oro.\nIl momento padovano è segnato in modo evidente dalla Madonna con Bambino, eseguita intorno al 1460, del museo di Verona. Il Bambino vene presentato in piedi sopra una balaustra in primo piano secondo uno schema iconografico veneto comune a tutto il Quattrocento ma la materia pittorica si trasfigura ed ha uno sbalzo diverso con i mezzi allora inusitati del rilievo plastico e della prospettiva di scorcio. Crivelli cerca di rendere la superficie cromatica vitrea e smaltata dandole lo splendore della pietra preziosa: un carattere questo che si mantiene costante in tutta la sua produzione, proveniente forse da un antico sedimento bizantino che aveva nel sangue e che aveva contraddistinto buona parte delle opere veneziane.\nIl primo polittico marchigiano è del 1468: la Madonna con il Bambino al centro, una sequenza di santi particolarmente venerati nel luogo, ai lati, piccole scene della vita di Cristo nella predella ed un'Annunciazione e un Cristo passo nella cimasa. La cornice che incastona le varie tavole diviene il metro serrato delle singole figure e degli scomparti della predella, allineati gli uni accanto agli altri, ma ognuno chiuso nel proprio spazio. La cornice gotica che ricorda la preziosità dei reliquiari e degli ostensori è essa stessa opera d'arte artigianale di ricercata qualità.\nI temi più comuni a Carlo Crivelli e a Giovanni Bellini nel decennio in cui i due artisti mostrano le maggiori affinità, dal 1460 al 1470, sono la Madonna e il Compianto sul Cristo Morto: le Madonne di Crivelli hanno indubbi legami con quelle del Bellini ma mentre in quest'ultimo il tema della maternità è più vario, aperto agli spazi del paesaggio e del cielo, soffuso di una tenerezza umana, in Crivelli le creature sono invece sognanti e di immateriale eleganza, chiuse nei profili lineari nitidamente incisi. Quale modello su tutti basta la Madonna con Bambino conservata al Metropolitan di New York.\nLa Madonna presenta il Bambino su di un cuscino in primo piano posto su di un davanzale in marmo. Le mani della Madonna, affusolate e sensibilissime, s'intrecciano con un gesto prezioso attorno al morbido modellato del putto, Alle spalle un damasco chiuse la prospettiva del paesaggio che si intravede ai lati, minuto e spaziato come nella pittura fiamminga. In alto fa mostra di se un festone di frutta, di derivazione mantegnesca, una regola già tramontata ma che in Crivelli diventa un compiacimento formalistico e di bravura fine a se stessa. Il volto d'avorio della Madonna non respira, si illumina di una luce astratta fuori dal tempo in un'eleganza da mosaico bizantino. Il modello dell'antica icona viene però levigato al massimo con una sapienza un tempo sconosciuta che diventa più sottile nella ricerca dei singoli effetti, tutti abilmente previsti e fusi insieme con mirabile unità.\nUna delle più famose deposizioni si trova nel Polittico di Ascoli Piceno datato e firmato 1473. La Madonna con il Bambino e i santi sono contemplati di tre quarti o di profilo e ritti e pensosi nelle pose statuarie si stagliano su fondi oro. Negli apostoli della predella dove le figure hanno piccole dimensioni lo sbalzo ha un rilievo mobile ed accentuato negli atteggiamenti più diversi: c'è persino un apostolo che volge la schiena e si lascia cogliere di profilo con un ardito scorcio dal basso verso l'alto.\nL'eleganza profana di qualche santo come San Giorgio o Sant'Orsola riporta ad un mondo cortese, particolarmente caro a Crivelli per cui i giovani santi, chiusi negli attillati corpetti che danno slancio al busto sembrano dame e cavalieri usciti da un racconto cortese. Significativo esempio è la Maria Maddalena di Amsterdam. Essa rimanda a quel modello di femminilità angelicata da dolce stil novo di provenienza toscana, che il Preraffaelismo inglese dell'Ottocento ha posto tra i propri ideali. La Maddalena si rende immateriale attraverso una grazia fisica che unisce l'antico incanto delle Madonne al languore profano e soave di una Beatrice di una Laura. Si notino la profusione degli ori, delle perle che adornano i capelli, i gioielli appesi al collo e alle vesti, le decorazioni damascate a larghi racemi sulle maniche del giubbetto, i veli dorati sul petto: quasi che la natura fisica volesse sublimarsi, passare dal concreto all'astratto mediante una squisita stilizzazione.\nCrivelli fu scoperto nell'Ottocento dai mercanti d'arte del Nord ed incontrò soprattutto la predilezione inglese a carattere romantico per l'arte primitiva italiana: Crivelli passava come un angelo tra gli ideali e le stesse sofisticazioni di quel Romanticismo che da anglosassone ebbe poi diffusione in tutta Europa. Il gusto poi si orientò verso altri artisti e Crivelli venne riscoperto sotto un'altra luce, quella che considera l'artista nella vena più autentica della sua poesia e della sua singolare personalità. Quando Crivelli moriva alla fine del Quattrocento Michelangelo aveva venticinque anni, Raffaello era appena diciassettenne, Giorgione aveva da poco superato la ventina e Tiziano era adolescente: già s'affacciava con loro l'arte violenta e terrestre del Cinquecento.\nArte e orto: un percorso artistico - botanico tra Pinacoteca ed Orto Botanico di Brera\nLa natura costituisce da sempre una fonte privilegiata di ispirazione per gli artisti ciascuno dei quali l'ha interpretata secondo la propria cultura e sensibilità. Nella Pinacoteca di Brera, ABOCA ha dato vita al progetto "ARTE ORTO", un percorso artistico che ha come scopo la riscoperta da dove veniamo attraverso la bellezza di opere e piante per tornare a sentire l'intime legame esistente tra uomo e natura. Visitare un museo importante come la Pinacoteca di Brera, focalizzando l'attenzione sul mondo vegetale rappresentato nei dipinti e ritrovare poi le stesse piante nell'Orto Botanico, offre inedite ed affascinanti scoperte.\nSi tratta di un percorso unico tra arte e natura che ricalca il passaggio dalla rappresentazione alla realtà e ci porta ad interrogarci sul rapporto tra natura e cultura, tra l'uomo e il suo ambiente. La valenza culturale e simbolica raggiunge il suo apice quando si parla di piante medicinali, per millenni unico rimedio ai problemi di salute, sospese tra magia e scienza, da sempre nostre compagne nell'evoluzione.\nIl percorso comprende opere di Bellini, Carpaccio, Tiziano Vecellio, Vincenzo e Giulio Campi, Bernardino Luini, Carlo Crivelli, Gentile da Fabriano, Raffaello Sanzio, Silvestro Lega e Segantini, abbracciando così una buona parte della storia dell'arte dall'età medievale a quella contemporanea.\nIl percorso artistico inizia dalla sala VI dove troviamo la Pietà di Giovanni Bellini. Nella Pietà Maria e San Giovanni si stringono intorno al corpo esanime di Cristo. La tradizione vuole che la corona di spine citata nei Vangeli sia stata realizzata dai soldati intrecciando dei rami di Marruca, un arbusto spinoso caratterizzato da rami flessibili. Il nome scientifico della marruca è infatti Paliurus Spina-Crhisti a ricordarne appunto il leggendario utilizzo. Recenti studi sull'interpretazione di reperti fossili hanno individuato l'area di origine della pianta in Europa meridionale ed in Asia occidentale da cui poi si è diffusa in Nord Africa dove veniva usata come pianta medicinale e come recinsione.\nIl percorso prosegue nella sala VII dove incontriamo la Borragine all'interno della Disputa di Santo Stefano fra i dottori del Sinedrio di Vittore Carpaccio. L'opera faceva parte della serie di cinque grandi tele con le storie del santo che ornavano la sede veneziana della Confraternita dei Laneri. Carpaccio ambienta la vicenda in uno scenario immaginario all'interno del quale le piante, molte delle quali medicinali, vengono descritte minuziosamente e tra di esse è riconoscibile, in basso a destra, la borragine. L'insolita scelta di raffigurare proprio questa pianta dipende forse dal fatto che il suo nome si collega al mondo della produzione della lana, i cui commerciati costituivano al maggioranza dei confratelli della scuola di Santo Stefano. Borragine deriva infatti dal latino "borra", un tessuto di lana ruvida, per la peluria che ne ricopre le foglie. La pianta d'altro canto è molto misteriosa non conoscendosene né luogo preciso di origine né le proprietà storiche, e presunte, come pianta psicoterapeutica. In passato veniva utilizzata per curare la malinconia e la tristezza.\nNella sala IX colpisce l'edera raffigurata con grande minuzia sulla roccia da Tiziano nel San Gerolamo Penitente. Quest pianta implica diverse interpretazioni simboliche: è sempreverde (allusione all'immortalità dell'anima), è rigogliosa nonostante poggi su steli modesti (similitudine con l'umiltà di Gesù nel farsi uomo). Nel caso specifico simboleggerebbe la fede salda di San Gerolamo: l'edera cresce arrampicandosi, abbracciando rami e rocce ispirando così riferimenti all'amore, alla devozione e alla fedeltà perenne. L'uso della pianta è attestato già dall'antichità: Plinio infatti la descrive come pianta utilizzata per fare le corone dei poeti. Il motivo più credibile di tale uso e della sua consacrazione è legato alla credenza che una corona ben stretta alla testa fosse il miglior rimedio per il mal di testa causato dagli eccessi alcolici.\nDue opere dei fratelli Campi, la Fruttivendola di Vincenzo Campi e la Madonna con Bambino e santi di Giulio Campi focalizzano la nostra attenzione su due piante: il nocciolo e il biancospino. La Fruttivendola fa parte di una serie di quattro dipinti (insieme a Pollivendola, Cucina e Pescivendolo) variamente interpretati quali allegorie dei quattro elementi o delle stagioni dell'anno. Notevole nella Fruttivendola il realismo con il quale è rappresentato il campionario di frutti ed ortaggi: dentro una cesta sono esposte delle nocciole. Il nocciolo era considerato simbolo di pazienza poichè i tempi di fruttificazione di questa pianta sono molto lunghi. L'uso della pianta è noto fin dall'antichità per la fabbricazione di attrezzi fondamentali, talora magici, in grado secondo la credenza popolare di elargire il dono della chiaroveggenza e del potere assoluto a coloro che lo raccoglievano nell'ora precedente la mezzanotte del giorno di San Giovanni. Veniva anche usato per realizzare il caduceo, il bastone alato con i due serpenti attorcigliati associato al dio Hermes e simbolo, per gli antichi romani, di pace, commercio e riconciliazione. Nella Madonna con Bambino e Santi di Giulio Campi Gesù è disteso su una morbida coperta che poggia vicino ad una pianta di biancospino. Questo arbusto è connesso con la Vergine in quanto i suoi fiori bianchi fanno riferimento all'Immacolata Concezione; i frutti rossi fanno riferimento invece alla Passione e le spine rimandano alla corona. Gli antichi romani associavano questa pianta ai riti primaverili di fertilità della dea Maia e decoravano gli altari nuziali con rami fioriti di biancospino. Oltre al forte significato simbolico noto fin dall'antichità il biancospino possiede anche proprietà terapeutiche che hanno anch'esse una forte connessione con le leggende soprattutto quelle legate al sonno e alla protezione dei dormienti. Cambiando ambito troviamo tale credenza anche nella fiabe, prima tra tutte la Bella Addormentata dove la principessa Rosaspina cade addormentata dopo aver toccato il fuso che al tempo apre fosse fabbricato con legno di biancospino; e ancora prima i trogloditi accompagnavano e proteggevano i propri defunti nel sonno eterno dopo aver legato loro i piedi sopra la testa con rami di biancospino. Inoltre le ricerche scientifiche hanno scoperto complessi molecolari presenti nelle foglie e nei fiori che svolgono azione cardiocinetica e leggermente sedativa tale da favorire il sonno, il rilassamento ed il benessere mentale in generale.\nAlla regina dei fiori, la Rosa, fa riferimento la Madonna col Bambino di Bernardino Luini. La Madonna del Roseto è un'opera probabilmente destinata alla Certosa di Pavia all'interno della quale ogni specie vegetale è ben riconoscibile e resa con estrema aderenza alla realtà. Di particolare rilievo il pergolato di rose che funge da sfondo alla scena creando un hortus conclusus elemento tradizionalmente accostato alla figura di Maria, alludendo alla sua purezza. La rosa damasena è un arbusto dotato di forti spine ricurve che produce fragranti fiori ghiandolosi a petali rosa o bianchi nato dall'ibridazione tra la rosa gallica e la rosa phoenicea difuso nel mondo dai crociati di ritorno dalla Terrasanta.\nNella sala XXII troviamo un'opera che è un tripudio di vegetazione e di frutta che ne hanno fatto uno dei tratti distintivi della sua intera produzione artistica. La madonna della Candeletta di Carlo Crivelli realizzata per il duomo di Camerino presenta una varietà di specie vegetali il cui significato è da rimandare alla salvezza dell'uomo. In particolar modo Gesù stringe in mano una pera dalla forma perfetta. Questo frutto è ricorrente in molte rappresentazioni della Vergine con il Bambino: la sua dolcezza rimanda tradizionalmente all'affetto tra Madre e Figlio e non da ultimo nella simbologia cristiana indica la connessione con l'amore di Dio per l'umanità.\nAl Trifoglio è interamente dedicato il prato sul quale poggiano i piedi i Santi raffigurati nei pannelli laterali del Polittico di Valle Romita di Gentile da Fabriano. Il trifoglio per la sua forma viene usato per indicare il mistero della Trinità ma anche le virtù teologali. E' considerato una pianta simbolo di salvezza in quanto nell'antichità veniva usato come antidoto contro i morsi di serpente. Alla pianta oggi sono attribuite proprietà benefiche per le vie respiratorie e come depurativo per l'organismo.\nLo Sposalizio della Vergine è il primo capolavoro della maturità di Raffaello, realizzato per la Chiesa di San Francesco a Città di Castello. La scena principale si svolge in primo piano: il sacerdote sta officiando il matrimonio tra Maria e Giuseppe ma quello che colpisce è il ramo di Oleandro che tiene Giuseppe tra le mani. I vangeli apocrifi riportano infatti una storia curiosa: ai pretendenti di Maria fu consegnato un ramo secco di oleandro: solo quello di Giuseppe fiorì e la scelta ricadde su di lui. Da quel momento la pianta fu denominata "Mazza di San Giuseppe". L'oleandro è una pianta largamente usata a fini ornamentali il cui fascino è però oscurato dalla tossicità di alcuni suoi composti. In tempi antichi si riteneva che provenisse dalla Colchide, patria di origine della magia ed era considerata una delle piante di Medea, figura ambigua dotata di poteri magici. Di questa sua componente magica si trovano testimonianze in Senofonte (Anabasi) secondo il quale alcuni soldato vennero inebriati ed avvelenati dal miele prodotto dai rododentri del Ponto appartenenti agli oleandri dai fiori rossi.\nLe ultime opere che incontriamo sono Il Pergolato di Silvestro Lega e il Pascolo in primavera di Giovanni Segantini. Del pergolato colpisce la forte presenza della vite che racchiude la scena, fa da sfondo e allo stesso tempo identifica lo spazio e ne segna il valore come moderno hortus conclusus dove si celebrano in sospensione i riti della quotidinità. La vite inoltre nella Bibbia è anche simbolo di benessere, fecondità e benedizione: esprime la fecondità della terra donata dal Signore e significa una vita che si svolge nella quiete e nella pace. Le origini della vite si perdono nella notte dei tempi: l'uomo ne ha selezionato nei millenni moltissime varietà con caratteristiche differenti dell'acino e più o meno adatte alla produzione di vino.\nPascoli di primavera è una veduta della zona del Majola: qui uomo e natura (l'uomo sullo sfondo, il pino mugo e i rododendri in primo piano) sono fusi in una visione serena ed estremamente lirica: un senso di pace e di tranquillità pervade il dipinto.\nFilippo Brunelleschi: l'inventore della prospettiva\nIn una lettera del 1413 scritta dal poeta volgare Domenico da Prato, Filippo Brunelleschi viene chiamato "perspectivo". Nel Medioevo tale materia era inerente la geometria ed era oggetto di studio per quanti frequentavano la scuola di abaco. Nata nell'antichità greca come scienza della visione, sviluppata poi dalla trattatistica araba e, nel XIII secolo da quella europea, la perspectiva, con il tempo, allargò il campo di indagine ai metodi di rilevamento delle grandezze e delle distanze inaccessibili attraverso la rappresentazione di oggetti apparenti. Grazie forse all'amicizia con il matematico Paolo dal Pozzo Toscanelli Brunelleschi dovette alimentare ed arricchire le esperienze giovanili nel campo dell'ottica risalenti all'epoca della sua formazione. L'artista infatti inventò la prospectiva come scienza della rappresentazione mettendo a punto un procedimento geometrico e dunque razionale che potesse far coincidere la realtà rappresentata con quella reale.\nPer pervenire ad un risultato così importante Brunelleschi dipinse due tavolette di legno ciascuna con una veduta urbana, l'una raffigurante il battistero con gli edifici circostanti visti dall'interno della porta centrale di Santa Maria del Fiore, l'altra Piazza della Signoria. Il dipinto con la veduta del battistero che aveva forma quadrata con il lato di circa 29 cm, presentava una composizione con la sinistra e la destra invertite come se l'immagine reale fosse riflessa allo specchio. Inoltre la superficie al di sopra degli edifici raffigurati era rivestita con carta argentata per potervi riflettere il cielo atmosferico reale durante l'esperimento. La tavoletta aveva un foro in corrispondenza del punto in cui l'asse centrale della piramide visiva cadeva perpendicolarmente sul quadro. Il foro era svasato, più largo dal lato della pittura, più piccolo sul retro. L'osservatore poggiava l'occhio a tergo per guardare l'immagine del dipinto riflessa su di uno specchio tenuto frontale e parallelo rispetto al piano di legno ad una distanza tale da contenere per intero la raffigurazione pittorica. Più piccolo era lo specchio più lontano doveva essere situato dalla tavoletta: tale esperimento consentiva di stabilire un punto di vista unico e fisso che escludeva le possibili angolazioni proprie di un'osservazione a tutto campo. Si stabiliva così un rapporto proporzionale costante tra l'immagine sulla tavoletta e quella riflessa nello specchio da cui l'artista poteva ricavare una sorta di intelaiatura prospettica. Inoltre la distanza fra lo specchio e il dipinto era proporzionale alla distanza tra il battistero ed il punto di osservazione.\nLa seconda tavoletta rappresentava Piazza della Signoria vista dall'angolo dell'odierna via Calzaioli comprendendo oltre al palazzo omonimo anche il Palazzo della Mercanzia, la loggia dei Priori ed il tetto dei Pisani (non più esistente). A differenza di quella raffigurante il Battistero questa tavoletta era sagomata in alto in corrispondenza del perimetro superiore degli edifici in modo che questi potevano essere posti contro il cielo reale. Inoltre non aveva la parte destra e sinistra invertite e mancava il foro centrale. Si può supporre che l'uso fosse quello di sovrapporre l'immagine dipinta a quella reale di piazza della Signoria portandole a coincidere dopo aver trovato la distanza corretta del punto di vista. Da tale esperimento deriva la conclusione che per rappresentare il naturale è necessario fissare un punto di vista unico e conoscere la distanza tra esso ed il piano della rappresentazione.\nCon tali studi Brunelleschi elaborò la prospettiva lineare unificata quale metodo razionale da applicare alla raffigurazione figurata delle forme nello spazio per renderla illusionisticamente verosimile ed obiettiva. Nelle sue rappresentazioni prospettiche Brunelleschi dette particolare importanza alla rappresentazione del cielo atmosferico come facente parte di una rappresentazione del naturale. Si creava così una frattura con la rappresentazione medievale in cui il cielo era astratto e rappresentato perlopiù dal blu indistinto dei lapislazzuli per l'affresco e dall'oro per la pittura su tavola.\nSulla scorta di un reciproco scambio di idee ed esperienze furono innanzitutto Donatello e Masaccio a trarre dalla lezione di Brunelleschi indicazioni fondamentali per organizzare le loro composizioni in insiemi unitari e coerenti. Per primo Donatello applicò la prospettiva geometrica nella predella in marmo raffigurante San Giorgio che libera la principessa dal drago per il tabernacolo dell'Arte dei Corazzai e Spadai in Orsanmichele (1416/1417). In questo rilievo la scena è impostata prospetticamente con il digradare dei piani verso il fondo: le forme risultano scorciate, le dimensioni proporzionate in relazione alle distanze e lo spessore del rilievo stiacciato ovvero assottigliato dal primo piano in fondo.\nQualche anno dopo Masaccio realizzava l'affresco della Trinità in Santa Maria Novella ambientata in una struttura architettonica dipinta così perfettamente scorciata che "pare che sia bucato quel muro" (Vasari). L'opera può essere considerata una sorta di manifesto della cultura prospettica formulata a Firenze fra gli anni Venti e Trenta. L'artista ha inserito la presentazione del tema teologico all'interno di una nicchia architettonica che poggia su di un altare, anch'esso dipinto, sotto il quale si trova un sarcofago con i resti del defunto. Ai lati del gruppo Trinitario si trovano la Madonna e San Giovanni, mentre sul gradino inferiore assistono in adorazione i due committenti. I personaggi sono rappresentati con i medesimi rapporti proporzionali cui sottostà anche l'architettura. La costruzione prospettica è talmente rigorosa che la composizione può essere ricostruita in pianta. La critica ha attribuito a Brunelleschi l'esecuzione della struttura architettonica o quanto meno il suo disegno. Anche se risulta difficile definire i termini dell'apporto dell'architetto è innegabile la suggestione e la forza di presa della sua lezione su Masaccio il quale in pochissimi anni di attività e con un pugno di opere impone una svolta perentoria alla pittura fiorentina ancora ancorata ai decorativismi del gotico.\nIl Gotico Internazionale: indagine della natura ed atmosfere da favola\nTra la fine del Trecento e l'inizio del Quattrocento si affermò in Europa un linguaggio artistico omogeneo definito "Gotico Internazionale". Questa denominazione sottolinea da un lato la continuità con la tradizione artistica gotica, dall'altro mette in evidenza la molteplicità e l'internazionalità dei centri di elaborazione del nuovo stile. I caratteri principali del nuovo stile sono il realismo minuto ed epidermico che analizza tutti gli aspetti del reale e della natura e che convive con esasperazioni grottesche ed atmosfere idealizzate; la predilezione aristocratica per una narrazione elegante e pacata; l'amore per il lusso; l'interesse per l'antico. I viaggi degli artisti e la circolazione delle opere, in particolare taccuini di disegni, manoscritti miniati ed oggetti preziosi e raffinati, favoriscono la diffusione dello stile.\nIl linguaggio artistico del Gotico Internazionale è ricco di contraddizioni che riflettono i contrasti di un'epoca difficile della storia europea seguita ad un periodo di pestilenze e carestie. Non è perciò casuale che l'arte abbia cercato di evocare atmosfere da fiaba che potessero in qualche modo compensare il disagio della vita reale. Un mondo perfetto, esemplato sui modelli dell'aristocrazia, viene riproposto nei cicli decorativi, spesso dedicati a temi profani e cavallereschi. All'interno delle stesse rappresentazioni tuttavia i particolari sono indagati con estrema minuzia e con un'adesione al vero che denota il diffondersi di un nuovo modo di guardare la natura. In questo periodo all'interno delle università si sviluppò uno spiccato interesse per le scienze naturali e per le enciclopedie di piante medicinali, i famosi Tacuina Sanitatis, che influenzarono i modi della rappresentazione stimolando la crescita di una pittura basata sull'osservazione diretta e non più sulla ripetizione di schemi di repertorio.\nLa passione per il romanzo che si diffuse tra le classi colte indusse a rappresentazioni anche monumentali di cicli di argomento profano. Al 1407 risale il Ciclo dei Mesi della Torre dell'Aquila del Castello del Buonconsiglio a Trento. Qui il soggetto, assai diffuso nella miniatura, viene trasposto per la prima volta nella dimensione della grande parete ma nei riquadri e negli schemi compositivi mantiene l'impaginazione delle pagine miniate. Straordinaria per la qualità pittorica è la decorazione della sala baronale del castello della Manta, presso Saluzzo. Realizzata intorno al 1430 illustra il ciclo dei nove prodi e delle nove eroine, caro al Medioevo feudale; figure mitiche dell'antichità vestite con abiti della moda contemporanea circondate da un tappeto di erba e fiori. Al ciclo bretone di re Artù e dei cavalieri della tavola rotonda si ispira un affresco incompiuto di Pisanello per la residenza dei Gonzaga a Mantova databile al 1445/55. Il ciclo è rimasto allo stato di sinopia e non è da escludere che i lavori siano stati interrotti dallo stesso committente. D'altro canto attorno alla metà del secolo l'interesse per le rappresentazioni cortesi e l'apprezzamento per lo stile fiorito sono ancora documentati da alcuni cicli decorativi lombardi come ad esempio quello delle Storie della regina Teodolinda affrescate dagli Zavattari in una cappella del duomo di Monza.\nAlfons Mucha: al servizio di una divina\nLa più nota produzione di Alphons Mucha è quella di manifesti e pannelli Art Nouveau inauguratasi con Gismonda interpretata da Sarah Bernhardt. Quando apparve sui muri di Parigi nel 1895 il manifestò destò sorpresa ed ammirazione e divenne immediatamente un pezzo da collezione portando il nome di Mucha sulla bocca di tutti. Impressionata dal talento dell'artista, allora trentacinquenne, Sarah Bernhardt lo impegnò con un contratto della durata di sei anni per la creazione di manifesti, programmi, scene e costumi relativi i suoi spettacoli. Oltre alle tirature destinate all'affissione, di Gismonda, venne stampata una serie dedicata ai collezionisti ed agli amatori. L'iniziativa si rivelò un interessante affare economico tanto che l'editore Champenois propose a Mucha un contratto in esclusiva. Fecero seguito dal 1895 al 1904 manifesti pubblicitari per varie case produttrici: dai biscotti Lefevre-Utile alla Bieres de la Meuse, i Cycles Perfecta, gli champagne Ruinart e Moet&chandon, la Societé Populaire des Beaux-Arts, la carta per le sigarette Job.\nSi è sostenuto che come molti artisti della sua generazione Mucha abbia guardato ai preraffaeliti inglesi e in special modo ai loro progetti per le vetrate. Si è attribuito invece alle suggestioni delle stampe giapponesi l'uso dei contorni marcati e stilizzati uniti al disegno realista. Inoltre affiorano elementi bizantini nei mosaici dei fondi, nell'attitudine ieratica di certe figure, nel gusto per gli abiti sontuosi e pesanti e nei gioielli fastosi.\nGli esordi di Mucha risalgono al suo soggiorno a Vienna dove lavorava nel laboratorio di decorazione teatrale Kautsky - Brioschi-Burkhardt. L'arrivo nella capitale risale all'autunno del 1879 dopo aver lasciato un'antica località della Moravia del Sud, Ivancice dove era nato il 24 luglio 1860. A Vienna Mucha segue corsi di pittura e si esercita copiando o parafrasando opere di Hans Makart, pittore che all'epoca era all'apice della gloria. La scetta dei soggetti femminili e della flora, così come l'inclinazione all'aspetto decorativo della composizione sono tratti caratteristici dell'opera di Makart così come da lui derivò l'uso di utilizzare la fotografia per fissare le composizioni. In seguito all'incendio del Ringstheater il 10 dicembre 1881, i laboratori teatrali rallentarono il lavoro e Mucha perse il suo impiego. Lasciò quindi Vienna e si stabilì per un breve periodo a Mikulov dove si guadagnò da vivere eseguendo i ritratti dei notabili locali fino all'incontro con il conte Khuen Belassi che volendo incoraggiare la sua inclinazione artistica gli offrì l'opportunità di seguire i corsi di pittura dell'Accademia di belle arti di Monaco. Nell'autunno del 1888 Mucha si reca a Parigi, città che aveva fama di culla delle arti. Quando il sussidio del conte ebbe termine trovò lavoro come illustratore.\ndal 1897 la carriera artistica di Mucha divenne un crescendo di consacrazioni ufficiali culminata nel febbraio dello stesso anno da una mostra personale il cui catalogo portava nell'introduzione una lettera di Sarah Bernhardt. Il 5 giugno 1897 si inaugurava un'esposizione di 448 pezzi tra manifesti, calendari, programmi ed illustrazioni al Salon des Cent. La sua fama si estendeva ormai anche all'estero ma iniziò anche il periodo di inquietudine per l'artista accompagnato dal desiderio di fuggire la celebrità ed il successo per avviarsi verso nuove strade.\nHieronymus Bosch: inventore ... maraviglioso di cose fantastiche e bizzarre\n"Guardi, guardi dalla finestra". Guardai dalla finestra. E capii ciò che il vecchio orologiaio aveva prima cercato di spiegarmi. Si Hieronymus Bosch non aveva inventato nulla, aveva dipinto tale e quale lo spettacolo offerto quotidianamente ai suoi occhi. Di lassù non potevo scorgere che la casa di fronte e una fetta di quelle adiacenti. Ma, per l'incantesimo di quella notte, esse apparivano come scoperchiate e nell'interno si distingueva la gente che mangiava, dormiva, litigava, lavorava, faceva l'amore, odiava, invidiava, sperava, desiderava, come tutti noi. Erano uomini, donne e bambini, tali e quali il nostro consueto prossimo quotidiano, ma frammisti a loro, con supremazia di maggioranza, si agitavano brulicando innumerevoli cose viventi simili a celenterati, ad ostriche, a ranocchie, a pesci ansiosi, a gechi iracondi, simili ai cosiddetti mostri di Hieronymus Bosch; e che non erano altro che creature umane, la vera essenza dell'umanità che ci circonda. Latravano, vomitavano, addentavano, sbavavano, infilzavano, dilaniavano, succhiavano, sbranavano. Così come noi ci sbraniamo giorno e notte, a vicenda, magari senza saperlo. Poi di colpo la rivelazione cessò. Non vidi più che la casa di fronte, chiusa ed immota, le case adiacenti, pur esse spente e addormentate." (il maestro del Giudizio Universale di Dino Buzzati).\n"La differenza tra i lavori di quest'uomo e quelli degli altri consiste, secondo me, nel fatto che gli altri cercano di dipingere gli uomini così come appaiono di fuori, mentre lui ha il coraggio di dipingerli quali sono dentro, nell'interno" J. De Siguenca (1605)\nSu Bosch si è appuntata solo da pochi decenni l'attenzione degli studiosi: la semplicistica definizione di diableries, che ricorre tuttora a proposito delle sue fantastiche creazioni, è stata abbandonata per scorgere in quel mondo di violenza e scoperta oltre che un abbandono mistico o una curiosità di scienziato-alchimista anche un intento moralistico e riformatore. Bosch, rimasto misterioso come uomo, ha inteso conservare misteriosa anche la comprensione della sua opera. La sua immaginazione brulica come un formicaio vivo e l'artista non intende rinunciare a nessuno degli infiniti motivi e spunti di un mondo straordinario, nutrito con ogni sorta di trasmutazioni e commistioni, che perde il vincolo dell'identità naturale e guadagna un'entità propria ed autonoma internamente definita nella sua abnormità e nel suo continuo sconfinamento nell'irreale.\nHieronymus Bosch (così a volte firmava le sue tavole in caratteri gotici, ma mai che ci inserisse una data) deriva il nome dall'ultima sillaba della città del Brabante che gli diede i natali: 's Hertogenbosch che in francese suona Bois- le-duc e nei due casi viene a significare Bosco Ducale. Il nome del suo casato era in realtà Van Aken perchè probabilmente proveniente da Aachen (Aquisgrana). Non si conosce la data della nascita che si pone intorno al 1450 mentre la morte è esattamente riportata nei registri della confraternita di cui il pittore faceva parte (1516). Si sa che appartenne alla confraternita della Madonna i cui archivi hanno rivelato qualche notizia sicura: nel 1486 "fu accolto tra i confratelli che erano tonsurati e portavano un costume clericale; nel 1488 diventò notabile e partecipò al solenne banchetto del cigno e nel luglio di quell'anno accolse i confratelli nella sua casa sulla piazza del mercato". Al 1478 risale il matrimonio con Aleid van de Meervenne, ricca borghese che gli aveva portato in dote una casa di campagna. Nel 1480/81 fornì due sportelli di un trittico che suo padre Anthonius van Aken aveva lasciati incompiuti. Nel 1493/94 il Bosch diede i cartoni per le vetrate della cappella della confraternita nella cattedrale di San Giovanni dove secondo un viaggiatore si trovavano già altri suoi dipinti con storie bibliche che salvatisi da una prima ondata iconoclasta andarono distrutti nel saccheggio dei protestanti nel 1629. Nel 1504 ricevette un acconto di 36 lire per un gran quadro alto nove piedi e lungo undici il cui committente era Filippo il Bello. Si sa inoltre della sua partecipazione attiva all'allestimento scenico dei misteri, rappresentazioni teatrali che la confraternita organizzava e ai carri con scene religiose che partecipano a certe processioni: attività all'interno delle quali avrà dato modo alla sua fantasia di spiegarsi. Nel 1516 un suo dipinto risulta nell'inventario di Margherita d'Austria reggente dei Paesi Bassi. Passata più tardi la regione tra i domini spagnoli i quadri del pittore andarono a ruba. In particolare ne fece incetta Don Felipe de Guevara, la cui collezione passò a Filippo II che nel 1574 fece portare parecchi dipinti all'Escorial e si sa che nella sua camera da letto il re spagnolo teneva la tavola con i vizi Capitali per esortazione morale.\nNel catastrofico ed incantevole mondo di Hieronymus Bosch viene a sfociare tutto un sottofondo fermentante di terrori, speranze, angosce e credenze che si respiravano nell'aria del medioevo prossimo alla fine. Nelle sue tavole vi è un universo terremotato, convulso, posseduto dal maligno, dal senso cocente del peccato: orrende metamorfosi, l'ordine delle cose scardinato, frutti enormi che si spaccano e dal cui interno escono cortei di mostri, lontani bagliori di incendi che accennano alla sulfuree fiamme dell'inferno turbano appena paesaggi sereni, azzurre lontananze e cieli dove navigano pesci ed imbarcazioni mai viste. Questo mondo dovette essere facilmente accessibile ai suoi contemporanei (a giudicare dalla mole imponente della sua opera, per la maggior parte purtroppo perduta) mentre risulta arduo agli osservatori moderni i quali concentrano l'attenzione sull'interpretazione dei simboli e degli intenti moralistici del pittore. Tutto ciò ha spesso fatto da schermo alla considerazione dei valori propriamente artistici della sua pittura. La critica non è riuscita a stabilire persuasivi precedenti alla sua pittura ancora imbevuta di spiriti gotici eppure nuova. Sono stati avanzati accenni anche all'arte orientale ma resta che la sua pittura è isolata e singolare e che nel Brabante tra il Quattro e il Cinquecento, a sua fu una delle più sfrenate fantasie di pittore che mai si siano vedute.\nNon è sempre facile ordinare cronologicamente il poco che rimane della sua pittura benchè alcune opere siano evidentemente giovanili come la tavola dei Sette vizi capitali che Filippo II teneva in camera, e la Cura della follia. Nella Nave dei pazzi si spiega una fantasia ghiribizzosa e un raffinato piacere della bella pittura: si noti il picchiettato di luce e il cangiantismo sulla seta verde marcio del buffone appollaiato sopra la strana compagnia; nel frate e nella monaca che cercano di abboccare la focaccia che dondola al ritmo della navicella. La satira anticlericale è evidente e la mezzaluna dalla sottile bandiera e la civetta che occhieggia dalle fronde affermano la presenza dell'eresia.\nNon discosto nel tempo è il primo grande trittico, il Carro del Fieno: al centro appare Cristo Giudice in atto di ostendere le piaghe, lo sportello di sinistra raffigura il Paradiso Terrestre col peccato e la cacciata dei progenitori; lo sportello di destra raffigura l'Inferno con supplizi di dannati e nere rovine sul fondo incandescente di incendi. La parte centrale è occupata dalla bionda massa del carro del fieno sull'incantevole fondo azzurro del paesaggio. Una rissosa umanità cerca di arraffare una manciata di fieno, gente che finisce stritolata sotto le ruote del carro che avanza impietoso trascinato da uomini mascherati che un livido mostro flagella, dietro viene il corteo dei grandi del mondo, papa, imperatore e principi a cavallo: tutti vanno verso l'inferno. In primo piano il cavadenti, il ciechino condotto dal ragazzo, il fratocchio servito dalle monache che insaccano fieno; in cima la mucchio due coppie, una musicale ed una amorosa tra l'angelo e il demonio.\nIl grande trittico con le Tentazioni di Sant'Antonio è unito dalla continuità del paesaggio: un fosco incendio offusca col fumo e le fiamme parte del cielo rigato di mostri volanti che sullo sportello di sinistra portan per aria il santo suppliziato e sotto lo si vede, stremato dall'assalto portato a casa mezzo morto da due compagni e da un laico. Il pannello centrale è popolato da mostri osceni. Difficile dire se il più dilettevole sia questo o l'altro maggiore trittico, il cosiddetto Giardino delle Delizie al quale aggiunge seduzione anche l'ambiguo significato. Questa brulicante esposizione di nudi biondi e rosei per gli uni sarebbe anticamera del Paradiso per altri sarebbe un'apoteosi della sessualità peccaminosa e perciò anticamera dell'Inferno. Anche qui a sinistra il paradiso terrestre e a destra l'inferno musicale che contrasta con i suoi toni cupo il luminoso pannello centrale, biondo, roseo, azzurro, incantevole festa di colori. In secondo piano una cavalcata di nudi su strani animali circolano intorno allo stagno, nello sfondo la fontana del lago celeste attorniata da quattro grandi costruzioni biscornute, spinosi castelli di marmo e cristallo tali da degradare la fantasia dei più tardi surrealisti.\nSe si considera il valore pittorico assoluto la palma spetta al trittico dell'Epifania al quale il paese di fondo, vastissimo, la sacrale simmetria dei alterali con i donatori presentati dai santi patroni e la fermezza plastica delle forme conferiscono a prima vista una singolare calma e solennità ma ad un'attenta osservazione il biondo paesaggio si rivela abitato da esseri inquietanti e la scena centrale è oggetto della sfrontata e maligna curiosità dei pastori e alla porta s'affaccia uno strano seminudo, carico di oreficerie e simboli, equivoco spettatore.\nAlcune tavole bosciane raffigurano personaggi a mezza figura, senza sfondo, solitamente il Cristo coronato di spine: colori trasparenti sotto i quali si indovina la preparazione. La torva tavola con il Portamento di croce è invece gremita da una umanità imbestialita e vociferante intorno al silenzio di tre figure disposte sulla diagonale: la Veronica, il Cristo e il buon Ladrone.\nIl già citato fra Joseph de Siguenza diceva che se gli altri pittori effigiarono l'uomo come è esternamente, il Bosch ebbe l'audacia di dipingerlo come è internamente. Ma lo fece portando questo groviglio di male e bene sul piano della poesia, in una delle più affascinanti favole della pittura europea.\nPierre Bonnard: nudi e vasche da bagno\nDall'inizio del secondo decennio del Novecento una misteriosa idroterapia diviene soggetto di numerose opere di Pierre Bonnard (Fontenay-aux-Roses, 3 ottobre 1867 – Le Cannet, 23 gennaio 1947). Il tema trae origine dall'abitudine ossessiva di Marthe, la compagna di vita, di lavarsi continuamente. Da ragazza Marthe era stata probabilmente commessa, venditrice di fiori artificiali o modella e aveva cambiato il suo nome di Marie Boursin in quello di Marthe de Meligny nascondendo la cosa a tutti fino al giorno del matrimonio, 32 anni dopo l'incontro con Bonnard. E' noto inoltre che fosse soggetta a comportamenti anomali affetta da manie di persecuzione ed agorafobia.\nNel dialogo del suo corpo con l'acqua, colori morbidi creano un effetto di luce diffusa, che integra perfettamente la figura alla superficie del dipinto, visioni ravvicinate denotano un rigore che dissimula nella semplicità un complesso gioco di diagonali. Una tavolozza discreta è dominata dall'ocra del corpo a contrasto con le sfumature dell'acqua e della vasca. Nel "Grande nudo blu" (1924) un secondo personaggio si introduce nel quadro, una gamba piegata in primo piano forse appartenente allo stesso pittore. Il gioco degli arti disegna un parallelepipedo che crea una sorta di buco visivo, il lenzuolo da bagno, dalle pieghe volumetriche, sembra fluttuare sul pavimento.\nGrande nudo blu\nSpesso il volto della modella è seminascosto, appena abbozzato, trionfa il corpo che occupa tutta la superficie e afferma una sua vistosa plasticità. Talora la figura è in piedi nella stanza da bagno, di fronte ad uno specchio che non la riflette, ma divide la tela in due parti uguali e rimanda a una parte del soggetto che altrimenti non potremmo vedere. La complessità dell'insieme favorisce il vagare dello sguardo all'interno di uno spazio serrato, circoscritto. Altri nudi rappresentano la donna mentre esce dall'acqua, con un movimento che sembra colto dal vivo mentre le gambe hanno un ruolo fondamentale nella geometria di audaci equilibri come in "Nudo rosa nella vasca" (1926 - 1930). Non è chiaro se si tratti di visione diretta o riflessa, un'armonia colorata trionfa su ambiguità spaziali e psicologiche.\nNudo rosa nella vasca\nNell'"uscita dalla vasca" (1924) la dinamica del quadro si basa sulla diagonale del corpo e della linea di fuga della vasca che dividono la tela in due triangoli equilateri. Teso in un balzo quasi felino, dipinto in una tonalità uniforme il corpo dialoga con i rosa, i grigi, i verdi, i blu dell'ambiente mescolandoli al bianco. Il pittore gioca sul contrasto tra forme abbozzate e motivi definiti; la testa di Marthe, a piombo, coincide con il centro di gravità del dipinto.\nVerso la metà degli anni Venti diviene dominante la raffigurazione del nudo disteso nell'acqua investito di forte luminosità e di accesa intensità cromatica. Si apre un capitolo importante nella storia del rapporto tra Marthe e la vicenda artistica di Bonnard. La donna è modella esclusivista di rituali quotidiani, di strani ed originali dipinti intimisti che hanno sollecitato un grande interesse critico. La massa liquida nella quale è immerso il corpo riflette i toni dell'ambiente, la capacità della luce di impadronirsi di un interno si estende alla figura. Un fiorire di colori al limite della dissoluzione anima la ricchezza delle superfici riflettenti, un piccolo ambiente diventa un laboratorio dove indagare l'enigma della possibile visibilità del mondo. "La vasca" (1925) è un dipinto freddo che parla di realtà dissonanti, di sogni turbati dalla presenza di una moderna Ofelia rigida ed esangue. Il quadro riflette probabilmente lo stato d'animo dell'artista di fronte al suicidio di Renee de Monchaty, la sua amante. L'immagine è scura, cromaticamente contenuta, Marthe e l'acqua sono dipinte in una gamma di blu e di verdi e l'impressione è quella di un corpo passivo ed esanime. Indizio di una nevrosi, di un dominio femminile tirannico, il dipinto si contrappone a composizioni risolte invece in arazzi di luce.\nIn "Nudo nella vasca" (1936 - 38) la prima fonte di luminosità , che viene dal corpo, invade i muri e zampilla sul pavimento a tessere blu solidificandosi in gocce d'oro. Il corpo di Marthe al centro della composizione ed immerso nell'acqua riflette i toni dell'ambiente ed è mirabilmente integrato ad esso. David Sylvester ha evocato la conca di Afrodite della Nascita di Venere del Botticelli ma la complessità pittorica ed espressiva della serie bonnardiana può indurre ad inquiete riflessioni e turbare per la trasformazione in oggetto di una modella di carne e di sangue. La vasca è un utero materno, involucro protettivo della vita ma potrebbe anche essere un sarcofago secondo la suggestiva interpretazione di Linda Nochlin la quale assimila il corpo immerso della donna alla decomposizione della carne. E' il segno della morte e non il dinamismo che connota l'ultima grande serie dei nudi di Bonnard: in quei corpi distesi, visti dall'alto, dipinti in una gamma di blu e verdi la Nochlin ha individuato significati funerei. La vasca, costrittiva ed insieme protettiva, è una tomba/culla che suggerisce l'inizio e la fine della vita. La forza che anima le immagini non è il desiderio ma il suo fantasma che turba la superficie tranquilla dell'acqua. La figura è sommersa ed insieme dissolta nella ricchezza del pigmento cromatico. Le tele brillano di iridescenza, il colore gioca sul corpo in uno stordimento luminoso, la pelle bagnata, involucro riflettente, si dissolve fino a costituire una superficie dove la figura si perde. Si direbbe che il pittore voglia porre lo spettatore in imbarazzo ma è comunque il trionfo della pittura, di un gioco di superfici che rispondono le une alle altre.\nUltimo dei nudi, completato dopo la morte di Marthe è "Nudo nel bagno con cagnolino" (1941 - 1946); l'impianto è allargato all'insieme, gli elementi riflettenti sono orchestrati magistralmente, dal mosaico del linoleum allo zoccolo di ceramica, alla vasca, al corpo. La macchia bianca del tappetino da bagno sulla quale è impressa l'immagine del cane è da interpretare come elemento aneddotico ma costituisce anche il punto di equilibrio di una composizione dal colore fiammante seppure pronto a dissolversi. In fondo Marthe è irriconoscibile: i suoi tratti non si individuano mai: è una presenza indispensabile, erotizzazione necessaria o semplicemente corpo-pretesto, superficie da fissare in una materia colorata. Forse non è mai stata veramente soggetto poichè a farla da padrona è la pittura come campo cromatico. Si potrebbe anche supporre un'inversione di ruoli: i nudi, figure di carne, sono trattati come fantasmi sbiaditi, stagliandosi come apparizioni in un universo composto da mosaici, metalli, vetri e legni. E tuttavia ne sono il soggetto principale.\nNudo nel bagno con cagnolino


Confcommercio Belluno - Nuovo regolamento sulla privacy: al via una serie di incontri formativi\nPostato da admin il 29-05-2018 11:07:44\nVerranno altresì evidenziati i punti salienti da considerare e le soluzioni procedurali da poter attuare in relazione all'analisi dei rischi ed alle misure di sicurezza riferite alla protezione dei dati personali.\nIl primo appuntamento è fissato per le ore 20:30 presso la sede di Ascom Formazione a Belluno in via Flavio Ostilio n. 8/B (a fianco del Parco Città di Bologna).\nSeguiranno analoghi incontri formativi sul territorio, sempre in orario serale:\n- il 6 giugno a Feltre (c/o locale sede Confcommercio);\n- il 7 giugno a Pieve di Cadore (c/o Sala Coletti in piazzale Dolomiti 1 - Tai);\n- il 13 giugno ad Agordo (c/o Biblioteca civica);\n- il 27 giugno a Lamon (c/o Centro Giovani AMO).\nInterverranno FRANCESCO MASINI, avvocato del Foro di Belluno, che parlerà dei contenuti legali della nuova normativa privacy e relativi aspetti sanzionatori, e CARLO MASSIMILIANO ROSSI, funzionario di Confcommercio Belluno, che tratterà invece gli aspetti operativi dell’adeguamento delle procedure e presentazione dei servizi in convenzione.\nConsiderata la grande attualità e rilevanza dell’argomento trattato, si auspica un'ampia partecipazione.


▷ 1965 Mustang Fastback - Fordified Loyalty 【Aggiornato 2020 】\nPensi di essere fedele al marchio? Questo Fordnatic porta il blu sanguinante della Ford ad un nuovo livello con questa Mustang in stile Trans-Amido.\nVedi tutte le 13 fotoRobert McGaffinphotographerStephen KimwriterMar 21, 2014\nAlcuni prendono molto sul serio la fedeltà al marchio. Jim Beatty ha 10 Ford nel suo garage. Possedeva una Cadillac Coupe de Ville del ’64, e sebbene gli piacesse molto l’auto, la vendette comunque per far posto a una Continental del ’64. “È stata l’ultima auto non-Ford che ho avuto nel mio garage”, spiega Jim. La sua fedele fedeltà alla Blue Oval non si ferma qui. “Chevys e altre non-Ford non sono ammesse nel mio garage”. Non lascio nemmeno che mia moglie parcheggi la sua Camaro decappottabile RS/SS del ’69”. Accidenti. Chiamatelo estremo, chiamatelo sciocco, ma rimanere con lo stesso marchio per decenni ha certamente i suoi vantaggi. Jim conosce Fords dentro e fuori, e portando avanti le lezioni apprese da un progetto all’altro affina la sua capacità di concentrarsi sulla costruzione dell’ultima muscle car Blue Oval per le sue esigenze, al diavolo le tendenze. Ecco perché sulla sua Mustang fastback del ’65 Mustang fastback non troverete uno stereo, un GPS, un generatore di corrente, e nemmeno l’EFI. Si tratta di un’auto di ritorno alle origini, di ispirazione trans-amministrata, costruita per le corse su strada, e in un mare di corse Pro Touring da milioni di dollari, si distingue in modo molto buono.\nDa quando aveva 5 anni, Jim ha fatto la gaga per i Ford. “Quando l’amico di mia madre è venuto da me con una Mustang del ’69, me ne sono innamorato e ho deciso che era l’auto che volevo possedere un giorno. Quando ho compiuto 16 anni, sono uscito e ho comprato una Mustang del ’69 proprio come quella”, ricorda. Le auto di progetto solide erano difficili da trovare in Canada, così Jim e i suoi amici hanno preso l’abitudine di fare viaggi verso sud negli Stati Uniti, dando la caccia alle muscle car senza ruggine e trasportandole poi su al nord. Attraverso queste escursioni, Jim ha sviluppato un’abilità nel valutare le condizioni di un’auto sul posto, ma ammette che nessuno dei suoi ritrovamenti è stato particolarmente memorabile. “Avevo un paio di belle Mustang al college, ma ho dovuto venderle una volta capito che non potevo permettermi di costruirle come avrei voluto. Dopo aver finito la scuola, mi sono dovuto concentrare su cose più importanti come il lavoro. Durante questo periodo, mi sono fatto una lista in testa di tutte le auto che avrei voluto costruire un giorno”.\nÈ interessante notare che un fastback Mustang del ’65 non era molto in cima alla lista. Una volta che Jim ha avuto i mezzi per iniziare a vivere le sue calde fantasie di rodding nel 2000, ha raggiunto il suo obiettivo di costruire una replica FIA Cobra. Da allora ad oggi, ha accumulato una serie di Ford, tra cui una Boss 302 Mustang Trans-Am del ’70, una Bronco del ’74, una Mustang coupé del ’64, un pickup Econoline del ’65, una Falcon Futura del ’63 e tre pickup F100 SWB. Poi nel 2007, in un momento di debolezza, ha preso la decisione estemporanea di costruire un’altra Mustang. “Stavo costruendo una GT40 continuativa, e ci stava volendo così tanto tempo che ho iniziato ad essere irrequieto. Dopo essere stato circondato da così tante auto fantastiche durante la settimana dell’asta di Scottsdale, ho deciso di comprare la prossima Mustang fastback del ’65 senza ruggine che ho visto in vendita”, ricorda Jim. “Nel giro di due settimane, in qualche modo mi sono imbattuto in quest’auto, come progetto in stallo, in un negozio locale, e l’ho comprata sul posto. Era un’auto super dritta, senza ruggine, con tutti i pannelli della carrozzeria originali, che ha trascorso tutta la sua vita nel deserto. Ho messo la Mustang in coda in un magazzino fino al 2012, quando la GT40 è stata finita, poi l’ho tirata fuori per pianificare la costruzione della BT350 [la BT al posto della GT è per il cognome di Jim]. Volevo un’auto costruita appositamente per le gare d’epoca su strada che non avesse un mucchio di parti personalizzate. Volevo solo mantenere il look and feel semplice e funzionale di una classica muscle car Trans-Am che si comporta bene in pista”.\nPer raggiungere questo obiettivo, Jim ha adottato un interessante approccio su due fronti, dividendo in compartimenti stagni la costruzione del telaio e il restauro della carrozzeria in strutture separate. Per i lavori di telaio e sospensioni, Jim si è avvalso dei servizi di Tim Smart di Smarty’s Garage (www.SmartysGarage.com). “Tim è un serio costruttore di auto da rally e da corsa su strada, e costruisce abitualmente auto per i team e li supporta in eventi come la Targa Terranova, la Carrera Panamericana e la Pikes Peak International Hill Climb. Smarty’s Garage mi ha aiutato molto nell’allestimento della mia Boss 302 Mustang per le corse su strada d’epoca, quindi ho pensato che fosse il posto perfetto per questo lavoro”, spiega Jim. L’equipaggio di Smarty’s Garage ha affrontato le modalitÃ del telaio saldando tutte le cuciture per la rigiditÃ e poi stendendo e ingegnerizzando i connettori del sottotelaio e il rollbar. Successivamente, hanno montato a secco la trasmissione completa e le sospensioni per impostare la trasmissione e l’altezza di marcia ai livelli ottimali. Con le fortificazioni della carrozzeria completate, Smarty’s ha rinnovato la sospensione anteriore con i bracci di controllo Total Control Products, la barra d’oscillazione e la cremagliera dello sterzo. Sul retro, una Ford da 1 pollice in cortocircuito da 9 pollici oscilla su un sistema a quattro maglie di Total Control Products, saldato per una rigidità ottimale. I coilover VariShock ad ogni curva permettono di regolare la quantità perfetta di smorzamento, e i grandi freni a disco Wilwood da 13 pollici nella parte anteriore e 12 pollici nella parte posteriore forniscono la potenza di arresto.\nPer la carrozzeria e l’assemblaggio finale, Jim ha spedito l’auto lungo la strada alla Heath Elmer Restorations (www.HealthElmer.com). Lì, la Mustang è stata smontata, imbullonata a una rosticceria e completamente restaurata da cima a fondo. Il team di Elmer si è occupato anche della fabbricazione dei pianali ribassati, dei connettori integrati del sottotelaio, dei labbri del parafango anteriore e posteriore arrotolati e della pulizia dei passaruota posteriori necessaria per montare le ruote più grandi di serie. Per catturare l’atmosfera Trans-Am, Elmer e l’azienda hanno installato un cofano in fibra di vetro stile GT350 del ’67, fiancate laterali, grembiule anteriore stile GT350 e finestrini a quarto di luna. Elmer e Jim hanno anche cospirato per realizzare l’esclusiva verniciatura bianco su nero su blu zaffiro. “Volevamo mantenere l’aspetto di una GT350 da corsa originale, ma modificarla qua e là per renderla più funzionale”, dice Jim. Anche se il noleggio di due negozi separati per costruire la stessa auto sembra una ricetta per i problemi, non c’è da discutere con i risultati. “Considerando il background di Tim Smart nelle corse, la sua esperienza è stata fondamentale per l’assetto generale dell’auto e la selezione dei componenti principali come il telaio, le sospensioni, il motore e i freni; tuttavia, i ragazzi delle auto da corsa non si preoccupano troppo di graffiare i parafanghi. Elmer è incredibile per quanto riguarda l’estetica di una vettura. Gli ho detto di far sembrare la Mustang fantastica, ed è esattamente quello che ha fatto”.\nCon il telaio, le sospensioni e la carrozzeria completi, tutto ciò di cui la Mustang aveva bisogno era una grande dose di cavalli. Essendo il lealista del marchio Ford che è, a Jim è capitato di avere una corpulenta 347ci small-block di un progetto precedente. La combinazione comprende una manovella Scat billet crank, aste Dyers e pistoni forgiati SRP 10.5:1. Il flusso d’aria viene fornito per gentile concessione di un collettore di aspirazione e testate cilindri Edelbrock Victor Jr., mentre una camma a rulli pieni Crower aziona le valvole. L’impostazione semplice ma efficace dà il via ad un rispettabile 535 CV e 480 libbre di coppia, che viene ulteriormente divisa da una trasmissione a cinque velocità Tremec TKO600. “In origine ho costruito questo motore per il mio progetto GT40, ma ho finito per mettere un motore mod da 5,4 litri sovralimentato in quella macchina. Sono contento di averlo fatto, perché l’erogazione di potenza di questa 347 è perfettamente adatta alla Mustang”, dice Jim.\nDopo essere uscito dal negozio appena due mesi fa, il Mustang sta ancora facendo il suo giro in pista, ma non possiamo fare a meno di immaginarlo a caccia di Z/28 e AAR ‘Cudas intorno a un percorso stradale. Per ora, si trova nel garage di Jim accanto ad altri nove Ford. Anche se ci saranno sempre quelli che saranno sorpresi da una tale estrema fedeltà al marchio, noi sosteniamo che tutti dovrebbero meravigliarsi dell’incredibile diversità di marche e modelli di Detroit offerti durante il periodo d’oro delle muscle car. Senza di essa, la fedeltà al marchio non sarebbe mai stata possibile. La selezione di marche e modelli di oggi significa che gli ultimi modelli devono spesso abbracciare più marche per potersi divertire, il che spiega perché non è raro trovare una Mustang parcheggiata accanto a una Subaru o a una Toyota nello stesso garage. Per la maggior parte degli appassionati di auto, è molto più strano di un garage All-Ford, anche se questo significa prendere a calci la Camaro del ’69 della moglie sul marciapiede.\nTipo: 347ci Ford Windsor small-block\nBlocco: Ford Racing, foro da 4.000 pollici\nOliare: Pompa di taglio, vaschetta di stoccaggio\nGruppo rotante: Manovella per billette da 3.400 pollici Scat, tintorie per billette, pistoni forgiati SRP 10.5:1\nTeste di cilindro: ported Edelbrock Victor Jr. fusioni in alluminio Edelbrock\nAlbero a camme: Crower 232/242-at-.050 rullo pieno; .528/.530 pollici di sollevamento; 112 gradi LSA\nValvetrain: Sollevatori per gru, valvole, aste di spinta e bilancieri\nInduzione: Collettore di aspirazione Edelbrock Victor Jr., Braswell 750-cfm carb\nAccensione: Distributore di billette MSD, scatola di accensione 6AL e fili della spina\nScarico: testate personalizzate da 1,625 pollici a tubo lungo e tubo a X; doppie marmitte SpinTech da 2,5 pollici\nSistema di raffreddamento: Pompa dell’acqua Edelbrock, Ron Davis radiatore, doppio ventilatore elettrico\nUscita: 535 CV a 6.700 rpm e 480 lb-ft a 5.600 rpm\nTrasmissione: Tremec TKO600 trasmissione; Ford Racing volano, McLeod frizione a doppio disco\nAssale posteriore: assale posteriore accorciato Dutchman da 9 pollici con assali a 31 scanalature, ingranaggi 3,89:1 e differenziale a slittamento limitato\nSospensione anteriore: Total Control Products bracci di controllo dei prodotti di controllo e barra di oscillazione; VariShock coilovers\nSospensione posteriore: Total Control Products quattro-link e barra di oscillazione; VariShock coilovers\nFreni: Rotori Wilwood da 13 pollici e pinze a sei pistoncini, anteriori; rotori Wilwood da 12 pollici e pinze a quattro pistoncini, posteriori\nRuote: Ruote Vintage Works 45-Serie 17×7 (anteriore), 17×9 (posteriore)\nLe gomme: Falken 215/45R17 (anteriore), 275/40R17 (posteriore)


Coronavirus: RSA Alberobello. Ottavo decesso - Valle d'Itria News\n10 Novembre, 2020 / Autore: Redazione\nCronaca, Salute Alberobello\nUn anziano di 90 anni è deceduto a causa delle complicanze del Covid-19 su patologie preesistenti. A dare la notizia è il sindaco Michele Longo sulla sua pagina facebook: “Con grande dispiacere devo purtroppo comunicarvi che nelle scorse ore ci ha lasciato un nostro concittadino ospite della casa di riposo Fondazione Giovanni XXIII. Aveva 90 anni ed era ricoverato in ospedale in condizioni critiche a causa delle complicanze del Covid-19 su patologie preesistenti. Siamo vicini alla famiglia del nostro anziano concittadino. Il nostro pensiero è rivolto con grande affetto agli ospiti ricoverati in ospedale in situazioni critiche e a tutti i loro familiari. Siamo vicini alle vostre ansie e alle vostre preoccupazioni con tutto il nostro affetto“.\nCoronavirus: Sesta vittima del focolaio nella RSA di Alberobello\nCoronavirus: focolaio RSA Giovanni XXIII. Muore 83enne, è il quarto decesso


Tarocco des Avenières, l'Imperatore o Volontà creatrice o Dominatore, 05 di 22. - La Via dell'Alchimia\n<< Tarocco des Avenières, Il... Tarocco delle Avenières, L'imperatrice... >>\n1 gennaio 2011 6 01 /01 /gennaio /2011 18:59\nSu questa quarta lama del tarocco Assan Dina ci mostra un Imperatore vestito da faraone. È incoronato dallo pschent, corona bianca e rossa dell'alto e basso Egitto. Sul suo petto si trovano la luna e il sole, il bianco e il rosso. Essi sovrastano il globo terrestre, quel "globo che Dio, Gesù ed alcuni grandi monarchi sono rappresentati nel mentre essi lo reggono nelle loro mani" come scrive Fulcanelli nel suo Il Mistero delle cattedrali.\nUna piramide, un obelisco e un tempio, sullo sfondo, situano l'azione in Egitto, paese a cui Dina sembra essere affezionato. Lo scettro heq, attributo del faraone, retto con la mano destra è il gancio impiegato dal pastore per acchiappare le sue pecore, immagine ripresa nella pastorale del vescovo, "buon pastore" dei cristiani. Un triangolo rosso, con l apunta rivolta verso il basso, è fissato al gancio. Questo segno è il simbolo grafico dell'acqua.\nIl globo crociato, simbolo della terra degli alchinisti, è raggiante. Delle specie di onde o effluvi ne escono, nimbati da una nuvola violetta, tra il Sole e la Luna, i due lumi maggiori della Grande Opera.\nA destra del piede dell'Imperatore si trova un segno grafico strano. Il tratto è spesso, a differenza della piramide di sinistra. Questo segnosembra essere composito del simbolo di Giove, una grande Z. Il suo ramo inferiore è barrato curiosamente mentre la barra superiore ricorda il gancio Heq.\nA sinistra si vede una piramide, sotto forma di un disegno tecnico in tre dimensioni.\nQui sotto, come riferimento, la lama del tarocco di Marsiglia ridisegnato e dipinto da Oswald Wirth (1860-1943), nel 1889, per il suo maestro Stanislas de Guaita (1861-1897).


Recanati case annunci Pg.7\nPagina 7 di 119 annunci (5.150 s)\nin campagna tra Recanati e castelfidardo, ottimamente collegata da strada asfaltata, proponiamo soluzione ideale per chi ama la tranquillità senza rinunciare ai servizi più importanti. si tratta di una casa di campagna totalmente ristrutturata nel 2009. ampia corte piantumata e recintata per ca. 2.000 mq., la casa si sviluppa su 2 livelli fuori terra di ca 130 mq. ciascuno più seminterrato e soffitta: al p.terra magazzino al grezzo con possibilità di trasformazione in civile abitazione; al piano primo appartamento composto da ingresso, salone, tinello e cucina abitabile, disimpegno, 3 grandi camere matrimoniali, doppi servizi, due balconi che circondano l'abitazione su due lati ciascuno; ... Recanati\nContrada Duomo, Recanati (MC)\nRecanati: in posizione panoramica e a due passi dalla cittadina proponiamo appartamento sito al primo piano con ingresso indipendente e disposto su due livelli. si compone di: ingresso, ampio soggiorno con balcone, cucina abitabile con camino e balcone, tre camere matrimoniali e doppi servizi. collegata da scala interna in legno mansarda, soggiorno con camino, camera e bagno. garage di 56 mq e terreno agricolo di 4000 mq c.a. libero ed abitabile subito. Recanati\nCasa colonica in ottime condizioni con giardino mq 2000\nnel versante più vicino a castelfidardo, in zona tranquilla e circondata dal verde, vendiamo una bella casa colonica con grande corte di proprietà risalente agli anni 80 e completamente ristrutturata esternamente nel 2009. limmobile si compone di ampio garage al piano terra collegato internamente al vano scale dal quale si accede allabitazione al primo piano composta da: ingresso, salone, sala da pranzo, cucina, terrazzo su tre lati con piacevole vista delle colline circostanti, corridoio zona notte, tre grandi camere, altro grande terrazzo, due bagni. al piano superiore pratica mansarda che si presta a vari usi a seconda delle esigenze familiari. al piano sottostrada altro grande garage. ... Recanati\nPunteggio iCaseRank: (7/10) assegnato il 18/02 18.32\nLaboratorio in vendita a recanati, marche\nin zona Fontenoce, Recanati (MC)\ncapannone di recente costruzione, elevantesi su due livelli, con laboratorio al piano terra e uffici, appartamento e sala mostra al primo piano; l'immobile, indipendente su quattro lati e in ottimo stato di manutenzione, è dotato di ampio e comodo cancello carrabile. Recanati\nPunteggio iCaseRank: (5/10) assegnato il 02/02 23.42\nClicca per maggiori informazioni. sabato 4 marzo 2017 da getrix.it \nLocale commerciale in vendita a recanati\nlocale commerciale disposto su 2 livelli per un totale di mq 53, con al piano terra negozio di mq 26 circa e al piano superiore ammezzato con altezza di 1,70m vi Recanati\nClicca per maggiori informazioni. lunedì 2 ottobre 2017 da gestim.it \nCasale alle pendici del colle dell'infinito recanati\nRecanati alle pendici dello storico paese del poeta leopardi, immerso nelle verdeggianti colline e pendii sotto il colle dell'infinito, proponiamo rustico da ristrutturare di ampia metratura mq 300 circa oltre annessi e 3 ettari di terreno. la casa colonica e' circondata da ampia corte pianeggiante con un particolare che la rendono unica, ossia la recinzione che delimita la corte dal terreno e' interamente piantumanta con alberi di ulivo. particolare che rendono questa splendida soluzione unica nel suo genere. il terreno semipianeggiante ha un ottima esposizione a sud est recanati, città delle poesia, arte, civiltà, ma anche base operativa di importanti realtà economiche, gruppo guzzini, ... Recanati\nClicca per maggiori informazioni. domenica 12 febbraio 2017 da getrix.it \nVia Mariano Guzzini, Recanati (MC)\ncapannone di recente costruzione, elevantesi su due livelli, con laboratorio al piano terra e uffici, appartamento e sala mostra al primo piano; l'immobile, indipendente su quattro lati e in ottimo stato di manutenzione, Ã¨ dotato di ampio e comodo cancello carrabile. --- Recanati\nPunteggio iCaseRank: (6/10) assegnato il 02/02 23.42\nClicca per maggiori informazioni. domenica 12 febbraio 2017 da gestionaleimmobiliare.it \nRecanati regione marche provincia macerata.casolare si\nContrada Chiarino, Recanati (MC)\nRecanati regione marche provincia macerata, sorge sulla cima di un colle, la cui cresta tortuosa è quasi pianeggiante, a 296 m s.l.m., tra le valli dei fiumi potenza e musone. il mare adriatico, oltre il quale quando l'aria è chiara si vedono i monti della dalmazia, è ad una decina di chilometri ad est della città. in direzione nord è visibile il monte conero che si perde nelle acque e dagli altri lati della città, non chiusa né limitata da prossime elevazioni, si vedono le cime degli appennini. le cime dei monti sibillini con il monte vettore e più su il monte san vicino, lo strega e il catria sono ben visibili. come altri centri marchigiani, anche recanati è la tipica "città balcone" per ... Recanati\nClicca per maggiori informazioni. martedì 7 novembre 2017 da Ability \nIl casolare a recanati in contrada chiarino\nContrada San Pietro, in zona Chiarino, Recanati (MC)\nRecanati i sorge sulla cima di un colle, la cui cresta tortuosa è quasi pianeggiante, a 296 m s.l.m., tra le valli dei fiumi potenza e musone. il mare adriatico, oltre il quale quando l'aria è chiara si vedono i monti della dalmazia, è ad una decina di chilometri ad est della città. in direzione nord è visibile il monte conero che si perde nelle acque e dagli altri lati della città, non chiusa né limitata da prossime elevazioni, si vedono le cime degli appennini. le cime dei monti sibillini con il monte vettore e più su il monte san vicino, lo strega e il catria sono ben visibili. come altri centri marchigiani, anche recanati è la tipica "città balcone" per l'ampio panorama che vi si ... Recanati\nClicca per maggiori informazioni. lunedì 23 gennaio 2017 da Ability \nOttimo appartamento come nuovo\nVia Ugo La Malfa, Recanati (MC)\nin tranquillo contesto condominiale di recente costruzione proponiamo appartamento di 65 mq. composto da soggiorno con angolo cottura e terrazza, disimpegno zona notte con una camera matrimoniale con balcone abitabile, una camera doppia, bagno finestrato. garage di proprietà. ideale per coppia giovane che ama le rifiniture moderne. Recanati\nClicca per maggiori informazioni. martedì 6 dicembre 2016 da Alba Agenzia Immobiliare \nVia Castelnuovo, Recanati (MC)\nin una zona caratterizzata da un'ampia vista panoramica che nelle giornate serene consente di scorgere sia il mare che le ridenti colline marchigiane sino ai monti dell'appennino, immersa nel verde, sboccia questa villa unifamiliare dallo stile prettamente rustico e ricercato. la villa completamente riedificata nel 2004 con sistemi antisismici certificati e solo con materiale antico ( sulla base della planimetria preesistente), si sviluppa su 2 ampi livelli in un lotto di terra di circa 2.250 mq. -1° livello: zona giorno con cucina abitabile, ampio soggiorno con camino, bagno con vasca idromassaggio teuco guzzini -2° livello raggiungibile mediante una scala in legno comprende 3 ampie ... Recanati\nClicca per maggiori informazioni. martedì 22 novembre 2016 da getrix.it \nVia Frazione Musone, Recanati (MC)\nottimo trilocale in zona immersa nel verde, con box auto esclusivo e balcone abitabile. l appartamento ha la tipica disposizione con soggiorno ed angolo cottura (dal soggiorno si accede ad un comodo balcone abitabile), disimpegno, un ampio bagno con vasca, una camera matrimoniale con balcone lungo ed una cameretta. ampia corte interna ad uso comune ed area verde condominiale per giochi bimbi. posizionato in zona lontano dal traffico con vista basilica di loreto. tutti i principali servizi a breve distanza. occasione! - immobile non soggetto all'obbligo di certificazione energetica Recanati\nTerreno edificabile in vendita a recanati, marche\nContrada Mattonata, Recanati (MC)\nterreno agricolo sito nella immediata periferia del comune di Recanati.e' posizionato in leggero declivio, esposizione sud, in sito a coltivazione cerealicola, ottima facilità di accesso da strada pubblica. Recanati\nPunteggio iCaseRank: (6/10) assegnato il 11/02 22.18\nClicca per maggiori informazioni. sabato 19 novembre 2016 da getrix.it \nosimo - tra osimo e Recanati - esposizione sud - ottimo terreno agricolo irriguo confinante con strada comunale e completo di pozzo - ottima posizione soleggiata (tutto rivolto a sud !!!!!) - disponibilita' immediata Recanati


(Italiano) LUCIA BERGAMINI | artislight\n(Italiano) LUCIA BERGAMINI\nPerchè dipingi solo cibo?\nIl cibo nei miei dipinti ha sempre avuto la parte da protagonista, io sono una grande amante della cucina e del buon vino, penso siano uno dei grandi piaceri della vita e amo celebrarli dipingendoli. Il mio è un desiderio di prolungare quei sereni momenti in cui ci troviamo davanti ad un favoloso piatto di pasta o ad una manciata di ciliege mature e quasi non sentiamo nulla intorno a noi perchè tutto le nostro corpo è concentrato nel pregustare quella meraviglia.\nNei miei quadri ho sempre lavorato alla ricerca del vero, la realisticità e l’effetto tridimensionale per far vivere allo spettatore un po’ di quella magia che accende l’immaginazione, quella sensazione che si prova quando ci fermiamo davanti alla vetrina di una pasticceria.\nNel corso degli anni questa mia ricerca si è trasformata in un nuovo tipo di iperrealismo, un iperrealismo pop, quasi fumettistico; qualcosa che suscita simpatia con un pizzico di ironia e che lascia all’immaginazione il compito di completare l’opera.\nI miei sono dipinti ad olio su tela, uso solo i colori primari dai quali ricavo qualsiasi sfumatura io desideri. In questo modo i colori risultano più brillanti e profondi. Uso colori ad olio Rembrandt perchè sono creati utilizzando pigmenti naturali che ne garantiscono brillantezza e resistenza nel tempo. Le tele sono prodotte in Italia e graffate sul retro in modo che anche i bordi della tela siano parte del dipinto.\nCon un nonno pittore (paesaggista) ho iniziato presto a prendere in mano carta e matite, spesso faceva da baby-sitter a me e ai miei fratelli ed io ero felice perchè sapevo che avremmo passato il pomeriggio a disegnare!\nCrescendo ho frequentato il liceo Artistico (a Torino) e contemporaneamente mi sono diplomata in Contrabbasso presso il Conservatorio di Torino. Successivamente ho fatto diversi lavori, ma sempre continuando a dipingere, fino al giorno in cui ho capito che dovevo dedicare più tempo ed energie a ciò che amavo fare, così ho iniziato ad investire su di me.\nDal 2013 ho fatto della mia passione il mio lavoro iniziando a partecipare a diverse esposizioni collettive e personali in tutto il nord Italia. Oggi collaboro con diverse gallerie a Londra e negli Stati Uniti con le quali vendo i miei quadri in tutto il mondo.\nNel marzo 2018 sarò presente alla 24° edizione della mostra d’arte internazionale “THE OTHER ART FAIR” a Londra, organizzata dalla galleria londinese Saatchi Art.\nIn programma per il 2018 l’esposizione a San Francisco e Brooklyn.\nBOLLA NEL VINO 40×80\nCUORE MORBIDO 100×100\nDELIZIA DI STAGIONE 70×100\nFANTASIA IN ROSSO 80×80\nLATO OSCURO 70×100\nME TE MAGNO 40×120\nNONNA MARIA 30×80\nPERLA NERA 30×80\nSAN GIOVANNI 70×100\nDOCCIA FRESCA 30×80


Postfazione a “Occhi aperti spalancati” | Manlio Sgalambro\nPostfazione a “Occhi aperti spalancati”\nScritto il 1 gennaio 2011 17 maggio 2016 da Alessio Cantarella\nIl primo atto del racconto iniziale – si vorrebbe dire primordiale – è un seppellimento. Non è questo però che sgomenta. Tante opere lugubri possono essere evocate ma non fanno al caso nostro. Il protagonista seppellisce la sua compagna morta, nelle parole. Parole fitte, senza quasi che vi entri aria, costituiscono il tumulo. Una sublime logorrea, quasi inarrestabile. Siamo certi che lo scrittore le impone una fine per ragioni pratiche, se no non cesserebbe. Ma la scrittura inchioda l’autore e le sue intenzioni. Essa è in realtà interminabile.\n«Tutti quelli che vanno a letto la sera, in fondo, vogliono dormire». Constatazione banale, ma che scritta diventa misteriosa. Se io dico: tutti quelli che vanno a letto la sera in fondo vogliono morire, la proposizione è apparentemente profonda. La prima lo è realmente, non in virtù del pensiero, ma della scrittura. Ciò che si svolge è dentro un sogno, ma quel che accade, accade nella scrittura. «A questo punto un uccello variopinto cominciò a confondersi con le sue stesse parole». dice l’autore. Ma noi non sentiamo le parole, noi leggiamo la scrittura. Questo narratore è un narratore di scritture. Si dirà che ogni narratore scrive. Possiamo dire però che vi sono narratori che non scrivono. Il nostro, invece, scrive. Anzi, non fa altro. Le cose di cui parla sono esseri di scrittura.\nAbbiamo individuato in questo libro almeno cinque o sei gradi di scrittura. Primo: la scrittura mediante cui lo scrittore scrive; secondo: la scrittura con cui egli scrive di scrivere; terzo: la scrittura scritta; quarto: la scrittura letta mentre viene scritta e la scrittura che nessuno può leggere (nemmeno l’autore), perché è celata da altre scritture; quinto: la scrittura ai cui confini sta sempre una scrittura; sesto: la scrittura oltre cui non c’è più scrittura. «Arrivo in un primo slargo quadrangolare. Da lì partono nuovi corridoi cui seguono stanze, prospettive lontane di archi, altre colonne tortili lucide di colore nero che sostengono altari di pietra, baldacchini ornati, ovali intarsiati con cornici eleganti, stucchi e marmi mischi, irreali trompe l’œil che testimoniano una forte vocazione alla finzione». Ma se la finzione fosse lasciata a se stessa non sarebbe altro che una nebulosa, mancherebbe delle articolazioni che solo la scrittura può darle. Lo scrittore ne è consapevole. «Sopra il tavolo c’è un foglio bianco con una scritta». Queste parole, sperse in qualche punto, danno il senso del tutto. È come se incominciassimo daccapo. È come se incominciassimo con esse. Più in là lo scrittore parla inorridito di un luogo senza scrittura. Ma cosa può essere questo luogo che ci è assolutamente impossibile raggiungere? Come chi lancia la sua conoscenza sino a cozzare contro l’inconoscibile ritorna a se stesso e si dà ormai alla vile saggezza, così l’autore esce fuori definitivamente dalla scrittura. «Le idee regolate dai miei sogni […] i pensieri richiamati dal mio desiderio e che riempivano gli spazi del cielo tra le stelle, erano divenuti il nutrimento della mia vita di ogni giorno, la mia sola intera esistenza. Al di là di qualsiasi possibile viaggio o avventura». Ma una volta uscito dalla scrittura, i suoi propositi non ci interessano più. Sono solo pensieri.\nManlio Sgalambro, Postfazione in Carlo Guarrera, Occhi aperti spalancati, Mesogea, Messina, 2011, pp. 101-105\nPrecedente Crepuscolo e notte Successivo Se hai una montagna di neve tienila all'ombra. Un viaggio nella cultura italiana


Presentato il Nuovo Centrodestra a Minturno. Il messaggio al sindaco: "Bisogna cambiare registro"\nPresentato il Nuovo Centrodestra a Minturno. Il messaggio al sindaco: “Bisogna cambiare registro”\nGiuseppe Mallozzi gennaio 31, 2014 Politica 14 Comments\nUn momento della presentazione del Nuovo Centrodestra\nÈ stata ufficializzata la nascita del Nuovo Centrodestra a Minturno. Quello di questo pomeriggio è stato un vero e proprio battesimo del partito di Angelino Alfano, che di fatto è il partito politico nazionale più rappresentato in consiglio comunale. Sono in tutto cinque i consiglieri che hanno deciso di aderire: il presidente del consiglio comunale Gianni Izzo, Elena Conte, Domenico Riccardelli, Mario Ruberto (che resta capogruppo, assente per problemi di salute), tutti appartenenti alla Lista “Minturno Viva” e Maurizio Faticoni, proveniente dalle file dell’opposizione con la Lista “Città Nuove”. Proprio l’adesione di quest’ultimo sancisce anche l’allargamento della maggioranza. All’incontro ha partecipato anche il coordinatore provinciale Enrico Tiero. Assente l’Onorevole Stefano Zappalà per una visita medica.\nL’assessore ai lavori pubblici Fabio Saltarelli ha spiegato quanto “questa scelta sia stata coraggiosa, in un periodo in cui l’antipolitica la fa da padrona”. “Riteniamo – ha dichiarato alla folta platea – che bisogna ritornare ad una politica diversa. Questo nuovo organo politico offre possibilità a chi ha capacità e voglia di lavorare. In altri partiti, le posizioni sono sempre restate granitiche, con ruoli prestabiliti, dove le decisioni venivano calate dall’alto”.\nMa l’assessore Saltarelli non ha nascosto qualche critica, asserendo che l’adesione a questo nuovo partito servirà anche a “imprimere impulso all’amministrazione nei prossimi tre anni grazie anche all’entrata di Faticoni, persona di esperienza”.\n“L’idea – ha proseguito – è quella di sostenere la maggioranza più di prima, il sindaco Graziano avrà il nostro sostegno. Però a distanza di due anni, vogliamo fissare dei punti. Abbiamo incontrato delle difficoltà importanti e anche conseguito dei risultati, come la risoluzione del contratto con la Ego Eco, che non sono stati recepiti dalla popolazione, forse perché abbiamo peccato sulla comunicazione. Noi ci siamo presentati agli elettori, ci hanno dato il loro sostegno. Poteva di sicuro esserci una cura maggiore del territorio e per questo ci sarà un maggiore impegno. Nei prossimi tre anni dobbiamo cercare di concretizzare il programma elettorale”.\nEnrico Tiero, Elena Conte e Maurizio Faticoni\nSono seguiti gli interventi anche degli altri consiglieri: Elena Conte ha sottolineato che “il gruppo è coeso, c’è condivisione degli ideali, siamo uniti per portare avanti un programma amministrativo concreto”; Gianni Izzo ha precisato che “il collante di questo gruppo è il coordinatore Enrico Tiero”, mentre Domenico Riccardelli ha rivelato che è stata la sua grande amicizia con Tiero alla base di questa adesione del gruppo consiliare.\nInfine, Maurizio Faticoni ha spiegato le ragioni della sua scelta di aderire al Nuovo Centrodestra e quindi di entrare in maggioranza: “Questo nuovo partito ci voleva per raccogliere tutte le forze moderate. Mi sono sempre impegnato per risolvere le problematiche del territorio. La mia adesione a questo progetto è stata dettata solo al progetto di carattere politico. Ho condiviso le intenzioni e voglio dare il mio contributo. Su un eventuale allargamento della maggioranza, ritengo che sia naturale. Il Nuovo Centrodestra sostiene il sindaco Graziano, il mio ruolo sarà diverso rispetto agli altri consiglieri essendo stato in opposizione”. ”\n“Ribadisco – ha proseguito – che non c’è stata alcuna esigenza da parte del sottoscritto di avere un assessorato, ma ritengo che ci sia un problema di rappresentanza in giunta per questo Nuovo Centrodestra. Io non ho aderito per entrare in giunta, se il coordinatore Tiero dovesse decidere che bisognerà esprimere un nostro assessorato allora darò la mia disponibilità. Avevamo già creato un cartello alternativo, ma ho preferito aderire a questo progetto più ambizioso. Adesso è più importante il territorio che la rappresentanza in giunta, c’è bisogno di un cambio di passo per questa amministrazione”.\nNel suo intervento Enrico Tiero ha precisato che “questo nuovo partito è basato sulla meritocrazia, qui non viene regalato nulla a nessuno, bisogna lavorare per raggiungere i risultati”. “Vogliamo che il partito – ha continuato – sia vicino ai territori e ognuno può dire la sua. Aver costituito un gruppo consiliare di maggioranza è una bella soddisfazione. C’è bisogno di una ventata nuova anche in provincia. Siamo una squadra nella quale le decisioni vanno prese a maggioranza. Ribadisco che l’impegno in amministrazione sarà raddoppiato, noi ci mettiamo la faccia”.\nIn chiusura, Faticoni ha salutato Giuseppe Tomao, presente tra il pubblico: “Ci lega un rapporto affettivo, amichevole, che continua. Per una questione di valutazioni politiche, credo che anche lui ci raggiungerà presto. È un giovane, pieno di energia ed entusiasmo”. Faticoni ha poi anticipato che l’intesa del gruppo si fonda su alcuni punti programmatici: “Si tratta di una piattaforma di confronto da sottoporre al sindaco Graziano. Abbiamo le idee chiare, sul programma andrà fatta una battaglia politica. Sono sicuro che il Comune di Minturno cambierà registro”.\nDi sicuro sintomatica è stata la totale assenza del resto della maggioranza, degli assessori e dello stesso sindaco Graziano. Un’occasione del genere avrebbe meritato una rappresentanza dell’amministrazione, secondo il galateo politico. Assenza importante anche quella dell’altro componente della Lista “Minturno Viva”, Massimo Ferrara, che almeno per il momento ha preferito non aderire al nuovo soggetto politico. È noto quanto l’allargamento della maggioranza, con l’entrata di Faticoni, non sia vista di buon occhio dagli altri colleghi e sarà da osservare come si evolverà questa convivenza “forzata”. Tra l’altro, sembra che non vi sia stata alcuna comunicazione tra i due gruppi né con lo stesso sindaco. Insomma, Minturno Viva, oggi Nuovo Centrodestra, prosegue il suo cammino in solitaria, senza alcuna condivisione con l’altra parte.\nSono comunque trapelate altre indiscrezioni, che ovviamente andranno confermate, anche se da quanto emerso all’incontro di oggi pomeriggio ci sarà una richiesta più forte per avere una maggiore rappresentanza in giunta: oltre all’entrata di Luca Salvatore, al posto di Roberto Lepone, tra le ipotesi anche una sostituzione di Manuela Cappuccia con Elena Conte. Quest’ultima detiene la delega ai servizi sociali, un settore di particolare importanza da meritare una presenza in amministrazione. Anche le esternazioni sull’operato amministrativo, da parte non solo di un esponente dell’opposizione come Faticoni ma anche degli altri consiglieri, sembrano far emergere una scontentezza di fondo. Tutti motivi, questi, che potrebbero creare più di un attrito e mettere a rischio la tenuta della stessa maggioranza.\nTOPICS breakingenrico tierofabio saltarellimaurizio faticoninuovo centrodestratop\nPrevious Rifiuti, proroga di tre mesi all’Asa in attesa del nuovo bando\nNextAlcune domande all’assessore Fabio Saltarelli\nPino Sardelli su Facebook\n08:43 1 Febbraio 2014\nalcune considerazioni.Alfano, dopo che il berlusca gli ha dato tutto e fatto ” cristiano” ha tradito il suo partito ed i suoi elettori costituendo,nel nome della frase ormai diventata nazional popolare, “per il bene dell’Italia”, un suo partito, conservandosi naturalmente tutti i posti di governo.Bene, a Minturno chi poteva seguirlo? per stretta affinità comportamentale, coloro i quali,che nel recente passato, candidati ed eletti in una coalizione,per il “bene di Minturno” e per un posto di assessore hanno fatto il “saltino”,aderendo alla lista galasso.Nelle elezioni di un anno fa eletti nella lista e con i voti di Galasso, se lo sono ” venduto ” e, dopo un attimo di studio,passati per affinità comportamentale con il buon Angelino .Quanto dureranno?conoscendo il loro movimento perpetuo credo fino alla prossima sciroccata.Rifaccio la domanda di alcune settimane orsono: qualcuno sa darmi la definizione di dignità?L’iscariota era un dilettante.\n10:36 1 Febbraio 2014\nPì, ma si Ca***ca***zzo ASSAI !!!!\n10:37 1 Febbraio 2014\nper la cronaca recentissima: L’articolo di Minturnet sulla conferenz stampa dell’Opposizione di Fine Dicembre 2013:\n10:38 1 Febbraio 2014\nLeggere con attenzione l’intervento … topico !\nMario De Canditiis\n14:14 3 Febbraio 2014\nSecondo me stavolta Pino Sardelli ha ragione da vendere!\nPingback: Massimo Ferrara: "Non aderirò al Nuovo Centrodestra" | MINTURNET - Blogzine su Minturno e frazioni\nPingback: Stefanelli: "Crisi della maggioranza, il sindaco avvii verifica" | MINTURNET - Blogzine su Minturno e frazioni\nPingback: Allargamento in maggioranza? 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