D Archivi - Dizionario dello Spettacolo Mame\nGiunto alla composizione drammatica apparentemente per caso, dopo una lunga carriera di successi narrativi e di composizioni radiofoniche, esordì vincendo un concorso con Un uomo in più (1948). Ottenne successi di pubblico e di critica con testi di tono e fattura molto diversi . Scrisse alcune commedie leggere come La dama di cuori e La corona di carta , che presenta la rivolta di un impiegato alla mortificante situazione di schiavo stipendiato . In La sei giorni (1953, messa in scena al Piccolo da Strehler), l’intrecciarsi e sciogliersi di molte vite conduce a un corale compianto per la vittima dell’indifferenza e della fretta di tutti, segno di una attenzione dell’autore alla tematica dei sentimenti. Scrisse poi drammi di critica sociale come Il formicaio , sulla condizione dell’uomo contemporaneo oppresso dal conformismo, Tempo di cavallette e La foresta. Questi ultimi, apparentati al teatro dell’assurdo, ebbero scarso successo in Italia, mentre ottennero vasta risonanza e numerose rappresentazioni all’estero.\nAutore Mame EditorePubblicato il 14 Novembre 2016 7 Dicembre 2018 Categorie D\nDebutta nel 1962 alla Comédie de Bourges in Les cheval dans la cuisine . Ha lavorato con alcuni dei maggiori registi teatrali francesi: Roger Planchon ( La remise , 1964); Patrice Chéreau ( Riccardo II , 1970 e Re Lear , 1975 di Shakespeare; La dispute , 1976; Peer Gynt , 1981); Jean-Pierre Vincent ( Nella giungla delle città , 1972). Inoltre ha interpretato il monologo Jean-Jacques Rousseau di B. Chartreux e J. Jourdheuil (1978, al Petit Odéon di Parigi; ripreso nel 1987 al Piccolo Teatro di Milano) e L’illusion , regia di Strehler (1984).\nAutore Mame EditorePubblicato il 1 Novembre 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nIl suo lavoro d’esordio è Core ‘e zingara , risalente al 1947. Successivamente alternò alle sceneggiate e alle farse lavori più impegnati. Divenne celebre negli anni ’60 anche grazie alla televisione, dove alcuni famosi attori interpretarono le sue commedie. Per una ventina d’anni collaborò con la compagnia di L. Conte al Teatro Sannazzaro di Napoli. Tra le commedie di questo periodo vanno ricordate: La fortuna ha messo gli occhiali , Il morto sta bene in salute e l’adattamento in lingua partenopea di alcuni testi classici del teatro greco e latino.\nAutore Mame EditorePubblicato il 24 Ottobre 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nInterprete unica nel panorama teatrale italiano, definita da Eduardo De Filippo «questa è ‘o verbo nuovo» dopo che la vide recitare in Molly, cara (1979, l’ultimo monologo dell’ Ulisse di Joyce) diretta da I. Bassignano, che la consacrò al successo come la più particolare e significativa attrice nell’ambito dell’avanguardia. Con il suo viso scomposto e di una espressività singolare, quasi una maschera cubista, e un modo di stare in scena da duellante, è una figura di svolta nella classica galleria di interpreti della femminilità. Respinta all’Accademia, si afferma come prima attrice al Teatro stabile dell’Aquila ne La figlia di Iorio e in Antonio e Cleopatra ; ma i suoi esordi sono con Calenda, Proietti e Gazzolo al Teatro dei 101, dove tra l’altro interpreta un ruolo maschile in Dieci minuti a Buffalo di G. Grass. Con Molly, cara torna alle scene dopo due anni di pausa; seguono l’ Elettra di Hofmannsthal e Rosmersholm di Ibsen (1980, regia di M. Castri). Nello stesso anno esce anche il romanzo Storia di Piera di Dacia Maraini, che racconta la sua infanzia tragica. Lavora con E. Job, in Assolo di L. Codignola e La più forte di Strindberg. È con C. Bene nell’ Adelchi . In televisione appare con V. Cortese (nella parte della Duse) in Pas d’oubli pour mon coeur . E lavora anche con J. Beck del Living Theatre. Recita ne Lo zoo di vetro di Tennesse Williams. Uno spettacolo importante è Madre Coraggio con la regia di Calenda, con cui interpreta anche La musica dei ciechi e Prometeo (1994). In Stabat Mater di Antonio Tarantino, con la regia di Cherif, è una sorta di Madonna dei bassifondi (1995). Infine, nel 1996, è la travolgente interprete di Una indimenticabile serata di A. Campanile dove, diretta da Calenda, rivela la sua vis comica e surreale. Nel cinema ha lavorato con grandi registi: M. Ferreri in Storia di Piera , Il futuro è donna , G. Mees in La coda del diavolo , con cui vinse il Nastro d’argento, N. Moretti in Sogni d’oro , L. Wertmüller in Scherzo di luna e Metalmeccanico e parrucchiera… , i fratelli Taviani in Sotto il segno dello scorpione e Pasolini in Medea .\nAutore Mame EditorePubblicato il 21 Ottobre 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nFondata nel 1995 da Eva Shubert, la compagnia nasce con l’intento di “realizzare attraverso la danza uno scambio fra le culture del centro e dell’est Europa” ed è costituita di artisti (ballerini, coreografi e musicisti) provenienti da alcune istituzioni stabili dell’Europa centro-orientale: Balletto Nazionale della Croazia, Balletto Nazionale di Brno, Balletto di Bratislava, Opera di Stato Ungherese, Balletto di Györ, Opera Nazionale di Slovenia. La compagnia ha attualmente al suo attivo tre lavori originali: Dear Life (coreografia di Ted Brandsen su musiche di Lidia Zielinska), Venture unknown (coreografie di Krzyszof Pastor su musiche di István Márta) e Don’t look back (coreografie di Martino Müller), presentati in prima assoluta a Zagabria nel 1995 e portati in seguito in turnée in alcune città europee (in Italia il debutto è stato al festival “Bolzano Danza”, 1996).\nAutore Mame EditorePubblicato il 1 Ottobre 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\n(New York 1933 – Roma 2003), ballerino e coreografo. È aiuto di J. Robbins prima di lavorare per il palcoscenico di Broadway e per il varietà televisivo. A metà degli anni ’50 decide di lasciare New York per Parigi dove conosce la fama personale grazie alle coreografie in spirito esistenzialista approntate per il balletto di F. Sagan Appuntamento mancato (1956). Quel successo gli vale una scrittura presso la sede Rai di Torino per lo show Crociera d’estate (1957) in cui mette in mostra uno stile originale, ricco di verve e di humour, totalmente innovativo per i provinciali teleschermi italiani. Viene quindi chiamato a creare i balletti di molti varietà del sabato sera, nel ’59 in Canzonissima e nel ’61 in Giardino d’inverno , trasmissione nella quale dirige per la prima volta le gemelle Kessler. La coreografia ideata per il loro Da-da-um-pa , sigla d’apertura di Studio Uno (1961), entra nella storia del costume nazionale. Successivamente cura i numeri di danza di Stasera: Rita! (1965) e di Sabato sera (1967). Spesso si esibisce in prima persona sul teleschermo in coppia con la star di turno o alla guida dell’intero corpo di ballo della trasmissione. Davanti alle telecamere mette in gioco con smaccata autoironia il suo spassoso accento anglosassone, utilizzandolo in modo ancora più comico nei momenti canori. Gli viene universalmente riconosciuto il merito di aver fatto ballare tutti i personaggi della tv (fra gli altri Mina, G. Cinquetti, Milva, R. Pavone, P. Pravo, E.M. Salerno), trovando per ciascuno i movimenti più adatti. Porta il suo contributo anche al teatro musicale in spettacoli come Trecentosessantacinque (1963), allestimento in cui è in scena in prima persona, L’Assilllo infantile (con tre elle, 1966) e La sveglia al collo (1967). Per il piccolo schermo è ancora il coreografo di La vedova allegra (1968) nella versione di C. Spaak e di J. Dorelli, di Ma perché? Perché sì! (1972) dove compare anche come interprete e autore dei testi, e di Hai visto mai? (1973) dove esalta le movenze erotiche di L. Falana. Dopo l’esperienza con P. Baudo in Chi? (1976-77) rallenta la sua attività televisiva per dedicarsi all’organizzazione di tour di spettacoli e alla direzione di stage di danza. Negli anni ’80 lavora alla tv spagnola per tornare sui teleschermi della Rai con Pronto, chi gioca? (1985), Partita doppia (1992) e Quelli che il calcio… (1996). È autore di un paio di libri autobiografici.\nAutore Mame EditorePubblicato il 6 Settembre 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nBallerino e coreografo. È aiuto di J. Robbins prima di lavorare per il palcoscenico di Broadway e per il varietà televisivo. A metà degli anni ’50 decide di lasciare New York per Parigi dove conosce la fama personale grazie alle coreografie in spirito esistenzialista approntate per il balletto di F. Sagan Appuntamento mancato (1956). Quel successo gli vale una scrittura presso la sede Rai di Torino per lo show Crociera d’estate (1957) in cui mette in mostra uno stile originale, ricco di verve e di humour, totalmente innovativo per i provinciali teleschermi italiani. Viene quindi chiamato a creare i balletti di molti varietà del sabato sera, nel ’59 in Canzonissima e nel ’61 in Giardino d’inverno , trasmissione nella quale dirige per la prima volta le gemelle Kessler. La coreografia ideata per il loro Da-da-um-pa , sigla d’apertura di Studio Uno (1961), entra nella storia del costume nazionale. Successivamente cura i numeri di danza di Stasera: Rita! (1965) e di Sabato sera (1967). Spesso si esibisce in prima persona sul teleschermo in coppia con la star di turno o alla guida dell’intero corpo di ballo della trasmissione. Davanti alle telecamere mette in gioco con smaccata autoironia il suo spassoso accento anglosassone, utilizzandolo in modo ancora più comico nei momenti canori. Gli viene universalmente riconosciuto il merito di aver fatto ballare tutti i personaggi della tv (fra gli altri Mina, G. Cinquetti, Milva, R. Pavone, P. Pravo, E.M. Salerno), trovando per ciascuno i movimenti più adatti. Porta il suo contributo anche al teatro musicale in spettacoli come Trecentosessantacinque (1963), allestimento in cui è in scena in prima persona, L’Assilllo infantile (con tre elle, 1966) e La sveglia al collo (1967). Per il piccolo schermo è ancora il coreografo di La vedova allegra (1968) nella versione di C. Spaak e di J. Dorelli, di Ma perché? Perché sì! (1972) dove compare anche come interprete e autore dei testi, e di Hai visto mai? (1973) dove esalta le movenze erotiche di L. Falana. Dopo l’esperienza con P. Baudo in Chi? (1976-77) rallenta la sua attività televisiva per dedicarsi all’organizzazione di tour di spettacoli e alla direzione di stage di danza. Negli anni ’80 lavora alla tv spagnola per tornare sui teleschermi della Rai con Pronto, chi gioca? (1985), Partita doppia (1992) e Quelli che il calcio… (1996). È autore di un paio di libri autobiografici.\nAutore Mame EditorePubblicato il 24 Agosto 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nDario e Bario\ne Manrico Meschi; Livorno 1880 – ivi 1962; Livorno 1881 – ivi 1974), clown. Il primo a intraprendere la professione è D., che nel 1895 forma una coppia con tale Gozzini e debutta come clown musicale al teatro Goldoni di Livorno. In seguito emigra in Francia dove trova lavoro come generico nel circo dei Fratelli Leonard. Comincia ad acquisire una certa notorietà dopo l’incontro con il partner Pierre Périer con il quale è ingaggiato, nel 1900, al Medrano di Parigi. In seguito forma un duo con L. Ceratto per una tournée in Sudamerica. Nel 1902, al ritorno in Europa chiama M. con sé per un breve ingaggio in Turchia, dopo il quale si separano. D. prova ad aprire un piccolo circo, ma senza fortuna; poi, nelle stagioni 1908-10 si riaccompagna a L. Ceratto per un ingaggio con gli impresari Gatti e Manetti. Dopo la prima guerra mondiale, Manrico fa coppia con Leandre per due anni di contratto al Medrano. In seguito cambia vari compagni e forma persino un trio, formazione abbastanza insolita per quei tempi, lanciata dai Fratellini. È nel 1919 che nasce il nome Dario e Bario e la coppia dei due fratelli acquista forma definitiva, così come lo stile della loro comicità: D. è un bianco con costumi bellissimi, il sopracciglio destro truccato con un sogghigno quasi satanico; B. (Manrico) l’augusto ubriaco, un po’ rozzo ma dalla comicità efficace. Le loro entrate comiche sono lunghe e ben costruite; fra queste, Ape dammi il miele viene ripresa da numerosissimi emuli. Con il nome di `Dario, Bario e compagnia’ la formazione si allarga, dapprima formando trii con vari compagni fra i quali Coco e Rhum, poi inserendo nel numero il figlio di D., Willy, e quelli di B., Nello, Freddy e Tosca, fatto che forse toglie qualcosa alla qualità delle esibizioni. Dopo la guerra e il ritiro di D. e B. Willy si associa con il clown Pipo, mentre Nello, Freddy e Tosca diventano danzatori eccentrici.\nAutore Mame EditorePubblicato il 3 Luglio 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nLuca De Filippo a otto anni è Peppiniello in Miseria e nobiltà di E. Scarpetta diretto dal padre Eduardo. Debutta a vent’anni ne Il figlio di Pulcinella di Eduardo, con la regia di G. Magliulo. Da questo momento la sua attività è senza soste. Con le regie del padre è interprete di Il contratto, Sabato, domenica e lunedì, Filumena Marturano, Non ti pago, Il sindaco del rione Sanità, Napoli milionaria, De pretore Vincenzo, Le bugie con le gambe lunghe, Uomo e galantuomo, Natale in casa Cupiello, Gli esami non finiscono mai, Le voci di dentro, Sik-sik l’artefice magico, Gennariello, Dolore sotto chiave, Quei figuri di tanti anni fa. Dopo tanto teatro eduardiano, si accosta a Pirandello (Il berretto a sonagli ), a G. Rocca (Scorzetta di limone), a V. Scarpetta (O’ tuono ‘e marzo ) e a E. Scarpetta (Cani e gatti, Lu curaggiu de nu pompiere napulitano, Na santarella). Nel 1967 inizia una notevole attività con cinema e televisione: I giovani tigri, Il negozio di piazza Navona, Petrosmella, Le scene di Napoli, Naso di cane, Il ricatto. Nel 1992, per la televisione, è interprete di Uscita di emergenza di Santanelli. Nel 1981 fonda la compagnia di teatro Luca De Filippo, con cui realizza buona parte del repertorio di Eduardo, di Vincenzo ed Eduardo Scarpetta, oltre che di P. Altavilla (‘A fortuna e Pulcinella ). Nel 1986-87 è interprete di Don Giovanni di Molière; successivamente avverte il bisogno di cimentarsi con altri autori: nel 1991-92 è regista e interprete di La casa al mare di Cerami, nel ’92 di Tuttosà e Chebestia di C. Serrau (regia di Besson), nel 1993-94 di L’esibizionista (regia di L. Wertmüller), nel ’97 di L’amante di Pinter (insieme ad Anna Galiena, regia di A.R. Shammah); nel ’98 del Tartufo di Molière (regia di A. Pugliese). Ha diretto, nel 1990, U. Orsini in Il piacere dell’onestà di Pirandello.\nAutore Mame EditorePubblicato il 28 Giugno 2016 17 Novembre 2016 Categorie DTag attore, Luca De Filippo\nBallerina solista del Corpo di Ballo del Teatro La Fenice di Venezia e delle compagnie dei teatri d’opera di Bologna e Palermo, nel 1974 fonda la Scuola di danza classica e la Compagnia Teatro Danza Venezia poi chiamata Il Corpo e La Mente, con la quale propone lavori di stile neoclassico ma ispirati a tematiche contemporanee e come Tuballica, Ritmi, Kleist .\nAutore Mame EditorePubblicato il 12 Maggio 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nAlfredo Polacci, fecondo autore di riviste, `inventò’ la coppia Riccardo Billi e Mario Riva nella rivista Settecolli , in scena a Roma nella stagione 1948-49. Nel cast, con i cantanti Achille Togliani e Giacomo Rondinella, figura la soubrette Diana Dei, moglie di Mario Riva. A fine stagione, la coppia Riva-Dei partecipa a Bada che ti mangio! di Galdieri, ultima rivista (ripresa poi anche nella stagione successiva) con Totò, che si concederà poi una lunga parentesi cinematografica. Nel cast, Isa Barzizza, Elena Giusti, la danzatrice classica Floria Torrigiani. Totò dice per la prima volta «Siamo uomini o caporali?», il finale è memorabile con fontane luminose che lanciano getti d’acqua colorata sino a cinque metri. Nella stagione 1951-52 la coppia Billi e Riva è al centro di una grande rivista, scritta da Marchesi e Metz: Alta tensione , prodotta da Errepì (Remigio Paone). Si dilata il ruolo di D., qui alla pari con Renata Negri e Flora Medini. Nella stagione successiva, stessi autori e stessa `ditta’ Billi-Riva in I fanatici , con D. e un’esordiente Franca Rame «di prorompente bellezza» nel ruolo di miss Cuneo. Dalla radio al palcoscenico: Garinei e Giovannini (più altri sette autori!) adattano per il teatro una popolare trasmissione radiofonica: Caccia al tesoro , con spettatori in scena come concorrenti e telefonate notturne a premi, in diretta, con Mario Riva ormai più `importante’ di Riccardo Billi. Nel cast, con D., c’erano la soubrette Lucy D’Albert, Gianni Agus, l’esordiente Alighiero Noschese in una particina. A Napoli, la prima ballerina Gilda Marino `perdette’ in scena il reggiseno: grande scalpore. Altri titoli di successo nel curriculum di D.: La granduchessa e i camerieri , 1955-56, con la Osiris e Billi e Riva, e Gli italiani sono fatti così , 1956-57. Qui fu protagonista di satire antifemministe: la D. era `tassinara’ e `manager’, tra lo sconcerto degli uomini che intonavano “La donna è solo donna”. Mario Riva morì a Verona, per incidente durante le prove di una trasmissione televisiva, nel 1960, e D. si ritirò dalle scene. Dotata di grazia e arguzia, ha saputo profondere le sue doti di simpatia e comunicativa tracciando una serie di figure sempre apprezzate da pubblico e critica. In teatro di prosa è stata una delle quattro regine (le altre erano Paola Borboni, Zora Velcova e Tina Lattanzi) in Lady Edoardo con Riccardo Reim, regia di A. Trionfo (1978) e ancora con Paola Borboni la sorella giovane in Tre civette sul comò , regia di F. Battistini (1982).\nAutore Mame EditorePubblicato il 11 Maggio 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nFormato alla School of American Ballet, nel 1972 entra a far parte del New York City Ballet, dove diventa solista (1977) e primo ballerino (1979). Danza, tra l’altro, in Calcium Light Night (1977) di Martins e in The Four Seasons di Robbins. Dal 1983 ha intrapreso l’attività di coreografo per numerose compagnie, per diventare poi direttore del Ballet Chicago. È fratello di Joseph Duell.\nEntrato a far parte nel 1898 del gruppo di Diaghilev, accanto a pittori come Benois e Bakst, divenne uno dei protagonisti del rinnovamento dell’arte russa, specie con la sua attività teatrale. Diaghilev ha commissionato a lui le scenografie di Papillons (1914) e Midas (1914) di Fokine. Fra gli altri lavori: The Fairy Doll (1915), Coppélia (1935), Lo schiaccianoci (1937), Ballet Imperial (1941), Mam’zelle Angot (1943), Il prigioniero del Caucaso (1951).\nAutore Mame EditorePubblicato il 21 Aprile 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nInizia la sua carriera come assistente di P. Zuffi, lavorando poi con L. Visconti per il Il crogiuolo di Miller (1955) che, rievocando fedelmente i dipinti di Hals, Vermeer e Rembrandt, già evidenzia il suo amore per la ricostruzione colta. Successivamente, per L. Squarzina si occupa di Anna dei miracoli di W. Gibson (Milano, Teatro alla Scala 1960), e per F. Zeffirelli di un discusso Amleto di Shakespeare (1963), in cui, nella simbolica ambientazione progettata dal regista (funzionale, ma scarna, con una scena composta da un piano a cerchi concentrici che muta secondo l’incidenza delle luci), i costumi tingono i protagonisti di colori decisi, neri profondi e candidi bianchi, mentre i personaggi minori sfilano in secondo piano, vestiti di grigi spenti e bruni terrosi. Con la scaligera Traviata di Verdi (1965) rafforza il suo rapporto con il regista toscano, con il quale successivamente lavora anche per il cinema ( La bisbetica domata , 1967; Romeo e Giulietta , 1968), a cui si dedica ormai quasi esclusivamente (torna al teatro con G. Ferrara per Trovarsi di L. Pirandello, Milano, Teatro Carcano 1981 e, più di recente, con M.M. Giorgetti per Edipo re di Sofocle, Vicenza, Teatro Olimpico 1995), collaborando anche con Pasolini ( Il Vangelo secondo Matteo , 1964; Edipo Re , 1967; Decameron , 1971; Il fiore delle mille e una notte , 1973) e Fellini ( Satyricon , 1969), con cui divide un Oscar per Casanova (1976).\nAutore Mame EditorePubblicato il 13 Aprile 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nHa esordito come critico letterario e scrittore di racconti, specializzandosi poi in un genere di commedia satirica e disumanizzata basata sulla convinzione che l’uomo può essere facilmente manipolato come un robot. Ha scritto soltanto tre commedie, che attaccano con audacia le più radicate credenze umane. In Carte di identità (Cards of Identity, 1956), adattamento del suo racconto più celebre, è evidente l’idea – pirandelliana – della molteplicità e inafferrabilità della personalità umana, convinzione fatta propria da un trio fraudolento che promette di cambiare l’identità delle persone con strani mezzi psicoterapici e ipnotici. Nel 1957 scrive Il creatore di Moo (The Making of Moo), dove un ingegnere e la moglie si inventano una nuova religione che in realtà avrà effetti disastrosi: morte e spargimento di sangue. L’ultima commedia è Augusto per la gente (August for the People, 1961), interpretata al Royal Court da Rex Harrison, sull’abuso delle libertà democratiche attuato dalla stampa.\nAutore Mame EditorePubblicato il 10 Marzo 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\ndisagio, teatro e\nIl significato di disagio a cui facciamo riferimento, lo definisce come l’insieme di percezioni, più o meno profonde e consapevoli, che accompagnano i vissuti di inadeguatezza, di bisogno che non trova risposta e che si mostra ineffabile, di incontro con la mancanza e con il dolore. Il disagio si differenzia, per la sua indeterminatezza, dalla devianza e dalla delinquenza, nelle quali si è già organizzato un comportamento di risposta socialmente inaccettabile. L’esperienza del disagio è un’esperienza comune, che si accentua in quelle fasi dell’esistenza in cui più forti sono le istanze di cambiamento e di trasformazione. Il teatro, attingendo alle matrici rituali e ludiche, elabora i vissuti di crisi attraverso i meccanismi della mimesi, della catarsi, della produzione simbolica. La diversità dall’altro, con le sofferenze che può provocare, fonda l’esistere dell’esperienza teatrale stessa, possibile solo nel distinguersi di un attore e di uno spettatore. L’alterità riconosciuta si fa specchio in cui affermare la propria e l’altrui pluralità, nell’esperienza creativa del corpo espressivo e intenzionale. Nella pluralità dell’attuale fenomenologia teatrale, solo alcune esperienze artistiche si fanno carico del rapporto con il disagio. Le situazioni più feconde sono quelle del teatro agito, in cui l’attenzione si orienta alle dinamiche di processo, piuttosto che alle istanze produttive, e che si declinano sia in azioni di prevenzione attraverso l’animazione teatrale, il teatro ragazzi, i laboratori di espressività, concentrati nell’area dei minori; sia, per adulti e giovani, in esperienze di teatro amatoriale e laboratori di formazione al teatro dove riconoscere le potenzialità espressive e comunicative della persona, con attenzione al vissuto corporeo, relazionale e al gioco dei ruoli possibili.\nAutore Mame EditorePubblicato il 25 Febbraio 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nEsordì nel 1915 con l’opera Il piacere e il peccato scritta in collaborazione con Celso Salvini. Con Il calzolaio di Messina del 1925, che fu messo in scena dalla compagnia di Luigi Pirandello, e I pazzi sulla montagna del 1926 diede prova di grandi capacità. Fu tra i commediografi più applauditi nel decennio 1930-40 – e ottenne uno dei maggiori successi con L’urlo del 1934 in collaborazione con Ferruccio Cerio – nonostante numerose commedie pecchino di eccessiva attenzione ai gusti del grande pubblico. Alternò il teatro con il giornalismo, la narrativa, il cinema e la critica cinematografica, la saggistica (studi su Coriolano , Amleto , Macbeth di Shakespeare) e traduzioni dall’inglese e dal francese. Scrisse alcuni radiodrammi ( La dinamo dell’eroismo , Più presso a te mio Dio ). Dopo la guerra emigrò in Argentina dove lavorò soprattutto nel cinema.\nAutore Mame EditorePubblicato il 22 Febbraio 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nDonadieu; Saigon 1914 – Parigi 1996), scrittrice e autrice drammatica francese. Nasce in Indocina da una famiglia di insegnanti. L’infanzia e l’adolescenza vissute in Asia segneranno indelebilmente la sua produzione letteraria, costituendo una riserva tematica e di suggestioni quasi inesauribile. Autrice di romanzi – l’attività di scrittura in prosa resterà una costante nella sua carriera – si è tuttavia dedicata ad altre forme d’espressione, come il cinema e il teatro: nel tentativo di scardinare forma e funzione del romanzo tradizionale, D. individua nel cinema e nel teatro due forme estreme di `scrittura’, il cui linguaggio, fatto di immagini e dunque polisemico, consente di tradurre la natura caotica dell’esistenza. Dal 1959, data del film Hiroshima mon amour , premiato a Cannes, D. firmerà parecchi film ( Détruire dit-elle , 1969; India Song , 1975; BaxterVera Baxter , 1977; Le camion , 1977); molteplici saranno inoltre gli adattamenti cinematografici di suoi romanzi. A questa fase di `sfiducia’ nei confronti del romanzo appartengono anche i suoi maggiori esiti teatrali: Le square è del 1956, mentre nel 1965 viene rappresentato Des journées entières dans les arbres cui seguirà, nello stesso anno, Les eaux et les forêts e nel 1967 Susanne Andler , Yes, peût être , Le Shaga , Un homme est venu me voir. Tra i numerosi registi che hanno messo in scena i suoi lavori troviamo P. Brook, J.-L. Barrault e C. Régy. La sua opera teatrale partecipa del processo di destrutturazione del linguaggio che ha investito progressivamente la sua scrittura, per evolvere verso sequenze testuali minime, dalle cadenze aforistiche, intessute di silenzi carichi di tensione. In questo quadro minimalista si muovono i suoi personaggi, echi più o meno ravvicinati delle figure che si agitano nei romanzi, voci dolenti immerse, se non nel silenzio della pagina, in quello della scena. Il continuo oscillare della D. tra cinema, teatro, romanzo (ma anche radio e televisione) mette in luce l’evoluzione di una scrittrice che ha sempre giocato con i limiti imposti dal `genere’, superandoli. In tal senso, D. può essere considerata fra gli autori più significativi della scena francese, caratterizzata da una continua `mésaillance’ tra le varie forme espressive.\nAutore Mame EditorePubblicato il 20 Febbraio 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nAllieva della London School of Contemporary Dance dal 1967 al ’71, si esibisce già col London Contemporary Dance Theatre nel primo anno di esistenza del gruppo. Diventa poi la danzatrice più importante della compagnia, nonché coreografa stimata. Nel 1981 forma la Siobhan Dance Company, che partecipa regolarmente alla rassegna contemporanea Dance Umbrella. Fra i lavori recenti: White Man Sleeps (musica di K. Volans, 1988), The Art Of Touch (musica di Scarlatti, 1995) e Bank (musica di M. Fargion, 1997).\nAutore Mame EditorePubblicato il 17 Febbraio 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nLe discipline equestri hanno un ruolo fondamentale nella nascita del circo, avvenuta attorno al 1770 per opera dell’inglese P. Astley, un ex sergente maggiore dei cavalleggeri britannici. Da allora e sino ai primi anni del Novecento, il pubblico apprezza in modo particolare le grandi pantomime equestri e riesce a comprendere la difficoltà degli esercizi anche perché il cavallo è il mezzo di trasporto più diffuso del tempo. Nel nostro secolo mentre viene persa la tradizione della pantomima, si assiste a una maggiore definizione delle discipline e all’emergere di grandi talenti nei vari generi. Le discipline equestri si possono dividere in: `libertà’, `alta scuola’, `lavoro sul cavallo’ e `lavoro del cavallo’. Ovviamente ciascuna disciplina viene svolta con particolari animali e gli artisti che vi si dedicano sono ferrati conoscitori delle caratteristiche delle varie razze. La `libertà’ è il classico `carosello di cavalli’ circense, composto da formazioni variabili dai sei ai ventiquattro cavalli (ma alcuni artisti ne hanno presentati fino a 100) nei quali gli animali mostrano di aver appreso la capacità di disporsi per file di consistenza variabile, di cambiare la direzione di marcia e di effettuare esercizi come piroette, salti, debù (l’alzata sulle zampe posteriori) e altro. Il maggiore esponente italiano attuale della disciplina è F. Togni, capace anche di far lavorare insieme quattro cavalli e quattro elefanti. Lo stile della presentazione varia da quello militaresco di inizio secolo con cavalli bardati da finimenti decoratissimi e pennacchi di ogni genere, fino a quello new age con musica etnica e cavalli presentati senza finimenti, quasi come allo stato brado. La disciplina dell’`alta scuola’ è quella maggiormente codificata grazie ad un’ampia trattatistica e alla tradizione di scuole esterne al circo e istituzionalizzate come quella di Vienna. Il cavallo in questo caso è montato da un artista che riesce a fare eseguire all’animale, a tempo di musica, figure complicate ed eleganti allo stesso tempo. Alcuni esercizi vengono svolti con il cavallerizzo a terra che trasmette i comandi con delle lunghe briglie. Essendo basata sul ritmo musicale, l’`alta scuola’ si presta a numerose interpretazioni, ma gli stili maggiormente diffusi sono lo spagnolo e il viennese. Per `lavoro sul cavallo’, si intendono tutti i generi nei quali è determinante il lavoro svolto dagli artisti in groppa al cavallo piuttosto che quello dell’animale stesso, che spesso si limita a girare in tondo (seppure a determinate velocità), quindi: acrobazia, giocoleria e figure plastiche di vario genere. I più grandi cavallerizzi acrobatici a cavallo di questo secolo sono italiani: i Pissiuti, i Briatore, i Frediani, i Caroli e i Cristiani sono fra i nomi che fanno la storia della disciplina, sia nell’esecuzione di complicate colonne umane, che in quella di salti mortali da cavallo a cavallo lanciati al galoppo. Particolare successo ad inizio secolo riscuote lo stile alla `cowboy’ lanciato da Buffalo Bill. Fra le figure simboliche del circo vi è poi la ballerina a cavallo (da sola o con il partner in un `passo a due’). In questo genere si sono distinte le sorelle Swoboda-Medrano e le italiane E. Guerra, E. Ciniselli, E. Manetti, C. Portner-Folco. Tipico del circo russo è il volteggio alla cosacca, presentato da troupe numerose e scatenate (Kantemirov, Merdenov e `La leggenda del Caucaso’ di T. Nougzarov). L’ultima tipologia equestre è quella del `lavoro del cavallo’, nella quale l’animale mostra particolari abilità estranee alle sue normali caratteristiche (il cavallo sapiente, il cavallo attore). In generale nella seconda metà del secolo gli ammaestratori di cavalli che si sono maggiormente distinti sono stati proprietari di circhi con le possibilità economiche per mantenere una nutrita scuderia. Da segnalare soprattutto i francesi Gruss e gli svizzeri Knie, specializzati praticamente in ogni disciplina elencata. In Italia negli ultimi anni acquista una particolare competenza la famiglia Casartelli-De Rocchi che conquista nel 1996 il Clown d’oro a Montecarlo con un numero, `la festa del cavallo’, che comprende in pratica tutte le discipline.\nAutore Mame EditorePubblicato il 13 Gennaio 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nDirettore artistico di compagnie e regista cinematografico, fu tra i più apprezzati romanzieri del primo Novecento, esprimendo uno stile assimilabile a quello francese dell’epoca. Raccolse i suoi romanzi più importanti in sette trilogie, tra le quali La trilogia della vita in due ( Il mestiere di marito, La professione di moglie e L’arte di essere amanti ). Come autore drammatico compose circa quaranta lavori, nel complesso poco incisivi. Tra questi vanno ricordati Il cavallino rosso (1928), Montecarlo (1929) e Solitudine (1936). Scrisse alcuni saggi e biografie romanzate sui protagonisti del teatro, e sul ruolo del critico polemizzò con Tilgher. La sua attività cinematografica meritò l’attenzione di Lubitsch e di alcuni autori nordamericani.\nAutore Mame EditorePubblicato il 6 Gennaio 2016 17 Novembre 2016 Categorie D\nStudia alla Rambert School, al Mudra di Bruxelles e al centro newyorkese di Alvin Ailey e debutta come ballerino nel 1980 nel Cullberg Ballet, dal quale passa, nel 1981, al Nederlands Dans Theater, dove in breve si mette in luce come interprete intenso e affascinante in lavori di J. Kylián. Qui debutta nella coreografia con Jardi Tancat (1983), cui seguono Synaphai (1986), Arenal (1988), Cor perdut (1989) che gli valgono la nomina a coreografo stabile nel 1988. Coreografo ospite di molte compagnie europee, dal 1990 dirige la Compania Nacional de Dansa spagnola, per la quale è anche autore di molti lavori ( Rassemblement , 1990; Concierto madrigal 1990; Duende , 1991; Mediterrania , 1992; Cautiva , 1993; Por vos muero , 1996; Romeo y Julieta , 1997). Legato al linguaggio del balletto contemporaneo è autore di lavori musicali e spettacolari, dinamici e ricchi di energia, spesso ispirati a temi folclorici o a problematiche sociali.\nAutore Mame EditorePubblicato il 28 Dicembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nLa sua attività comincia a Berlino nel 1893 con la messa in scena di Kabale und Liebe di Schiller. Agli inizi è sostenuto da una società – di cui fanno parte drammaturghi come Adolphe L’Arronge e attori quali i famosi Ludwik Barnay e Friedrich Haase – che si propone di elevare la dignità letteraria del teatro a Berlino con una particolare attenzione per i classici tedeschi, soprattutto Schiller, e anche per autori moderni come Ibsen. La scena del D.T. offre a una nuova generazione di attori (tra i quali Joseph Kainz e Agnes Sorma) la possibilità di affermarsi ulteriormente, e in seguito anche agli esponenti di un’arte scenica di impronta naturalistica come Albert Bassermann. Nel 1905 il teatro, già dato in gestione a Otto Brahm, passa sotto quella di M. Reinhardt. Nel 1933, in seguito a un’espropriazione per debiti fiscali, si costituisce una società per azioni denominata Deutsches Nationaltheater. Il ministero della Propaganda del Reich tenta di farne un teatro che si ponga in concorrenza con lo Staatstheater am Gendarmenmarkt, allora appoggiato da Göring. In seguito a una serie di insuccessi, il nuovo intendente Heinz Hilpert chiama, in qualità di regista ospite, Erich Engel, già collaboratore di Brecht a Weimar. In tale periodo si lavora soprattutto sui classici, evitando che il teatro divenga un luogo di propaganda nazista, fino alla chiusura di tutti i teatri berlinesi. Nel maggio del 1945 le rappresentazioni riprendono al D. T. con Parasit di Schiller e Piccola città di Thornton Wilder, mentre l’intendenza del teatro passa a Wolfgang Langhoff (1946-63) e viene ospitato anche il Berliner Ensemble di Brecht (1949-54). Nel 1961 vi giunge Benno Besson, già regista del Berliner Ensemble. Negli anni ’70 e ’80 il teatro riceve notevoli impulsi grazie anche all’opera di registi come A. Lang e autori come Heiner Müller. Nel 1991 il regista Thomas Langhoff, figlio di Wolfgang Langhoff, diviene intendente conseguendo, grazie anche alla collaborazione di H. Müller come regista ospite, un notevole consenso da parte del pubblico. È attualmente uno dei maggiori teatri berlinesi.\nAutore Mame EditorePubblicato il 26 Dicembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nCresciuti entrambi in un kibbutz in Israele, Liat e Nir studiano danza e coreografia alla Rubin Academy di Gerusalemme, con Judith Arnam (Kibbutz Dance Company) e presso il Museo d’arte di Tel Aviv. Nel 1986 presentano la prima coreografia, Dying of Laughter , che vince il Premio per giovani coreografi della città di Colonia. Danzano in seguito con l’Ensemble Jerusalem, Haifa Theatre, Bal Sheva, Kibbutz Dance company, con le quali toccano le principali città d’Europa e del Nord America. Nel 1991 radunano un gruppo, costituito di 12 ballerini e 12 musicisti, tutti giovani artisti scelti in base alle loro doti di flessibilità e carisma espressivi. Il primo lavoro presentato a Berlino, Londra, Vienna, New York, Zurigo e Montpelier è Circles of Lust (1991). La coreografia si ispira ai sentimenti e alle passioni intense e contrastanti, che animano la giovane generazione israeliana, alla ricerca della propria identità. Il contrasto fra passioni (violenza, aggressività, desiderio di tenerezza e di pace) viene reso nell’alternanza di violenti scoppi di energia con momenti di estrema leggerezza nei movimenti. L’interesse per le vicende del proprio paese caratterizza anche successivi lavori della Compagnia: Figs (1993), che si interroga sulla ragione delle frontiere, vere e proprie barriere fra gli uomini e Interrogation (1996), che, in occasione dell’assassinio di Isaac Rabin, si ispira alla domanda `chi è il carnefice e chi la vittima?’ Fra le altre coreografie della coppia sono da ricordare Anta Oumri (1994), sulle musiche della cantante egiziana Oum Kalsoum e The Land of Rape and Honey (1996). Recentemente il gruppo sta tornando sul tema politico del rapporto arabo-israeliano, con uno spettacolo che si avvale di musicisti arabi.\nAutore Mame EditorePubblicato il 16 Dicembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nPeppino De Filippo debutta a sei anni, al Teatro Valle di Roma, con una commedia di Di Napoli Vita, messa in scena da E. Scarpetta con la Compagnia dialettale napoletana; nel 1909 è Peppiniello in Miseria e nobiltà . Inizia la sua attività lavorando con V. Scarpetta insieme a Eduardo e Titina, con i quali formerà un lungo sodalizio, interrotto soltanto nel 1945, quando si porrà a capo di una propria compagnia. Inizia la sua attività di drammaturgo nel 1931, quando rappresenta al Teatro Nuovo di Napoli Don Raffaele il trombone , commedia in un atto, di tono farsesco. La scelta di Peppino si orienta verso un genere che appartiene alla grande tradizione napoletana, ma che lui riuscirà a portare agli onori dell’altare. Le sue esperienze di attore, pur formatesi nell’ambito del teatro scarpettiano e di Eduardo, si orientarono anche verso altri autori. Di Pirandello interpretò: Liolà , L’uomo, la bestia e la virtù, La patente, Amicissimi ; di Bracco: Un’avventura di viaggio , Non fare ad altri ; di Plauto: Aulularia ; di Molière: L’avaro, la cui interpretazione rimase memorabile; di Machiavelli: La mandragola . Portò in scena anche De Stefani, Falcone, Giannini, Terron, e soprattutto Curcio. Non rimase mai schiacciato dalla personalità di Eduardo; del resto erano due attori e due autori completamente diversi, simili soltanto nella mancanza di artificio, attenti nella costruzione dei personaggi, nello studio degli effetti. Anche se le sue scelte deliberatamente e consapevolmente furono orientate verso la farsa, sapeva quanto difficile fosse recitarla degnamente. Cupido scherza… e spazza è una farsa in un atto, che andò in scena al Kursaal di Napoli nel 1931, dove portò in scena, nello stesso anno, Una persona fidata , ormai col sottotitolo `farsa’, di cui egli andava fiero. Seguirono: Area paesana (1931); Quale onore (1931); Amori… e balestre (1932); La lettera di mamma (1933), certamente una delle più fortunate farse di Peppino, rimasta a Roma; in cartellone per ben quattro mesi. L’attività di scrittore fu senza sosta; scrisse ancora: I brutti amano di più (1934); Un povero ragazzo (1936); Non è vero… ma ci credo! (1942), di una comicità senza pari. Del 1947 è Quel bandito sono io , che ebbe oltre tre mesi di repliche all’Olimpia di Milano. Nel 1948 vanno in scena al Teatro Valle di Roma, L’ospite gradito e al Teatro Mercadante di Napoli, Quel piccolo campo. Nello stesso teatro, debuttano l’anno successivo: Per me come se fosse e Gennarino ha fatto il voto. Dopo alcuni anni di silenzio, riprende la sua attività con Pranziamo insieme (1952) e Le metamorfosi di un suonatore ambulante (1954). Ha scritto anche molte poesie, raccolte in due volumi; così come in due volumi è stato raccolto il suo teatro. Intensa è stata l’attività televisiva, noto il suo Pappagone, ma soprattutto quella cinematografica insieme a Totò (interpretò oltre cento film). Ha scritto anche in collaborazione con Titina: Quaranta… ma non li dimostra (1932); … Ma c’è papà (1935); con Curcio scrisse: Casanova farebbe così . Ha lasciato delle commedie ancora non rappresentate. Ha compiuto diverse tournée all’estero; ha partecipato nel 1963 al Théâtre des Nations di Parigi, mentre, l’anno successivo, viene invitato a Londra alle celebrazioni per il quarto centenario della nascita di Shakespeare, dove recita Le metamorfosi di un suonatore ambulante .\nAutore Mame EditorePubblicato il 2 Dicembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie DTag attore, Peppino De Filippo\nNata ad Amsterdam nel 1975 da un gruppo di danzatori formatisi con Merce Cunningham e con i maestri della `postmodern dance’ americana, dopo una prima fase di ricerca legata al formalismo, si orienta verso opere maggiormente legate alla drammaturgia teatrale grazie alla collaborazione con attori e registi. Diretta dal 1989 dalla coreografa Bianca van Dillen, si rivolge nuovamente alla danza pura, ma caratterizzata da un `espressionismo astratto’ in lavori come Dag en Nacht e Lopen.\nAutore Mame EditorePubblicato il 19 Novembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nNel 1957 entra a far parte della English stage company al Royal Court Theatre all’interno della quale si distingue per la sua promozione della drammaturgia emergente. Consolida la sua reputazione con la messa in scena di buona parte dei lavori di P. Shaffer tra cui i due grandi successi La grande caccia al sole (The Royal Hunt of the Sun, 1964) e Equus (1973) e di quasi tutti quelli di A. Wesker tra cui, la trilogia sulla classe operaia ( Chicken Soup with Barley , Roots , I’m Talking about Jerusalem , 1958-60), il dramma La cucina (The Kitchen, 1959) dove D. riesce a trasformare con una sapiente coreografia e le sue doti registiche i movimenti dei cuochi e delle cameriere in un balletto stilizzato; il dramma Patatine di contorno (Chips with Everything, 1962), fino a I vecchi (The Old Ones, 1972). La collaborazione con Shaffer si trasforma in un durevole sodalizio, che si spezza soltanto, nonostante gli sforzi di Hall, durante la fase preliminare di lavorazione di Amadeus . Per cinque anni dal 1974 al 1981, D. è direttore di produzione al Metropolitan Opera House di New York e contemporaneamente collabora con Olivier, Hall, Brook e altri al National Theatre e in particolare alla definizione delle esigenze di spazio dello stesso nella nuova sede del South Bank. Nel 1980 cura la regia di Galileo , con M. Gambon, su commissione di Hall per il National Theatre. L’ultimo successo di una brillante carriera tra Broadway e il West End londinese, l’ottiene con la messa in scena di Madame Butterfly di David Henry Hwang nel 1989.\nAutore Mame EditorePubblicato il 17 Novembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nCompie giovanissima i primi studi di danza classica e moderna a Aix-en-Provence, e nel 1972 apre una scuola di danza; in questi Ateliers de la danse passano fra gli altri Georges Appaix e Josette Baiz, definiti `les Aixois’. Qualche anno più tardi incontra Bernard Misrachi (cofondatore del gruppo `Dunes’) e contribuisce, nel 1975, alla nascita del festival di danza di Aix. Successivamente incontra Françoise Michèl (scenografa e `costruttrice’ di luci), si trasferisce a Parigi e crea la sua prima pièce, un lungo assolo di un’ora senza musica. Da allora le creazioni si succedono e sono essenzialmente progetti di strada. Nel 1983 con la Michèl fonda la compagnia Contre-jours e nel 1984 nasce il lavoro Avis de vent d’ouest, force 5 à 6 , in cui appaiono ormai fissati gli elementi di uno `stile Duboc’: uno stile molto raffinato, ben equilibrato, con una particolare dolcezza. Seguono Déambulation en le jardin béton , Une heure d’antenne , Détaills graphiques , Il est huit heures moins quatre exactement . Nel 1989, con la creazione a Châteauvallon di Insurrection , commissionato per il bicentenario della Rivoluzione francese, il suo percorso artistico subisce una svolta: il lavoro, per venti danzatori, sfugge a contenuti storici e aneddotici, esprimendo assai bene la rivolta dei corpi contro ogni rigida convenzione, alla conquista della loro libertà. Da allora D. cessa di essere considerata una sperimentatrice piuttosto marginale; nel 1989, insieme a Daniel Larrieu, partecipa alla prima serata dedicata dal balletto dell’Opéra di Parigi alla `jeune danse française’, acquisendo una sorta di consacrazione. Nel 1992 crea Projet de la matière . Risalgono al 1998, ancora per l’Opéra, Comédie (affettuoso omaggio al musical americano e all’età d’oro di Hollywood) e Rhapsody in Blue su musica di Gershwin. Dal 1990, a Belfort-Sochaux, dirige il Centre chorégraphique della Franca Contea.\nAutore Mame EditorePubblicato il 4 Novembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nMartin; Parigi 1908 – ivi 1990), attore e regista francese. Nel 1929 entra alla Comédie-Française, dove trionfa interpretando Le barbier de Séville di Beaumarchais. Nel 1942, in seguito al suo memorabile allestimento di La reine morte di Montherlant, la pièce entra nel repertorio della Comédie-Française. La sua lunga carriera conosce grandi successi, come interprete e regista: Ruy Blas di Hugo (1932); Le soulier de satin di Claudel (1943); Le mariage de Figaro di Beaumarchais (1947); Patate di Achard (1959); Mon Faust di Valéry (1962); Andromaque di Racine (1964). Nel 1970 diventa amministratore della Comédie-Française; è lui a chiamare Strehler all’Odéon e a far debuttare sulla scena I. Adjani in École des femmes di Molière (1972), in cui D. interpreta Arnolphe. Negli ultimi anni si dedica alla recitazione; prende parte alla Trilogia della villeggiatura di Goldoni, con la regia di Strehler; Les affaires sont les affaires di Mirbeau (1983); La mienne s’appelait Régine di P. Rey (1986) e Quelque part dans la vie di Horovitz (1990, con J. Birkin).\nAutore Mame EditorePubblicato il 21 Ottobre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nFondatori della dinastia Durov sono i fratelli Vladimir Leonidovic (1863-1934) e Anatolij Leonidovic (1864-1916). Di famiglia nobile, abbandonano il ginnasio militare per seguire delle piccole arene itineranti dove si esibiscono come generici. Diventano celebri grazie alla clownerie satirica con animali. Vladimir comincia a esibirsi in questo genere nel 1887, al circo Salamonskij. Prende in giro le abitudini quotidiane della Russia zarista, utilizzando degli animali ammaestrati. Nel 1912 viene costruito a Mosca un edificio stabile che ospita il suo Teatro degli animali, che ancora oggi si presenta come una bella struttura con una facciata a tema e una capienza di circa seicento spettatori, posti ad anfiteatro attorno a una pista di sette-otto metri. È un innovatore delle tecniche di addestramento e della loro divulgazione scentifica. È il primo a mettere in pratica la teoria dei riflessi condizionati di Pavlov, diventando così il fondatore della nuova scuola russa d’ammaestramento. Nel 1927 gli viene conferito il titolo di Artista emerito della Repubblica russa.\nIl fratello Anatolij esordisce come clown nel 1882 al circo dei Truzzi; ancor più di Vladimir, si concentra sulla satira politica, prendendo di mira impiegati statali, poliziotti, mercanti e altri componenti delle classi sociali del tempo, dimostrando grande spirito d’osservazione e capacità di descrivere la società contemporanea. È più volte sottoposto a soppressioni e censure. A differenza dei clown del tempo, Anatolij si esibisce in elegante abito da sera, in broccato con un girocollo increspato, senza cappello e con un trucco leggerissimo. Dal 1890 esegue numerose tournée all’estero, diventando uno dei primi artisti russi celebri in tutta Europa. Scrittore e archivista, effettua numerose conferenze e incontri pubblici sulla disciplina della clownerie. La sua casa di Voronež è oggi un museo a lui intitolato. Il figlio di Anatolij, Anatolij Anatolevic (1894-1928), debutta nel 1914 a Mosca; ma lo stesso anno, a causa della forte connotazione politica della sua satira, viene mandato in esilio negli Urali, dove rimane fino al 1917. In seguito crea un numero di piccoli animali (uccelli, topi, cani, gatti, ecc.), con il quale effettua numerose tournée all’estero. Muore giovanissimo, in seguito a un banale incidente durante una battuta di caccia. Il nipote Vladimir Grigorievic (1909-1972) intraprende gli studi all’Accademia di agricoltura, poi diventa allievo del teatro sperimentale di Mejerchol’d. Dopo la tragica morte dello zio, decide di proseguire il suo lavoro e ne eredita gli animali. Nel 1928 debutta introducendo nei numeri circensi (che intanto avevano perso ogni traccia di satira politica) elementi di teatralità, quali l’improvvisazione, la drammaturgia, la sottolineatura dei caratteri degli animali, ognuno un personaggio diverso. Lavora con gruppi numerosi di animali (anche feroci) e continua ad approfondire le tecniche di ammaestramento dello zio e del padre. Nel 1967 è nominato Artista del popolo dell’Urss. Alcuni discendenti dei D. continuano a esibirsi in Russia e all’estero in numeri più tradizionali, senza però riscuotere il successo dei fondatori della dinastia.\nAutore Mame EditorePubblicato il 21 Ottobre 2015 17 Novembre 2016 Categorie DTag ammaestratori, clown, Durov, famiglia\nDopo gli studi di balletto con S. Gaskell e di danza moderna con M. Graham, nel 1952 debutta nel Ballet Recital, la compagnia della Gaskell, e qui firma la sua prima coreografia, Night Island (1955). Nel 1959 è tra i fondatori del Nederlands Dans Theater e nel 1961 diventa coreografo stabile del neonato Balletto nazionale olandese, del quale è codirettore con la Gaskell nel 1969 e direttore dal 1971 al ’91. È autore di oltre cinquanta coreografie per il Balletto nazionale olandese e per molte compagnie internazionali, tra cui Monument for a Dead Boy (1965), la sua opera più toccante e riuscita; Moments (1968); Epitaph (1969); Ramifications (1973); Four Last Songs (1977); e le sue versioni di Romeo e Giulietta (1974) e Il lago dei cigni (1985). Significativo è il sodalizio con R. Nureyev, per il quale crea The Ropes of the Time (musica di Ligeti, 1970); Blown in a Gentle Wind (musica di R. Strauss, 1975); About a Dark House (1980) e Sans armes Citoyens! (musica di Berlioz, 1989). Nel 1986 pubblica il suo primo romanzo, For a Lost Soldier , seguito nel 1993 da Nureyev , The Trial of a Comet. I suoi balletti, in gran parte creati insieme allo scenografo Toer van Schayk, esplorano le emozioni più intime e i complessi rapporti umani in un linguaggio classico che tiene conto delle innovazioni della danza moderna.\nAutore Mame EditorePubblicato il 6 Ottobre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nDebutta al Cantiere d’arte di Montepulciano disegnando scene e costumi per il Don Pasquale di Donizetti (1977). La sua attività si estende al cinema: lavora con N. Michalkov ( Oci Cjornie , 1987), per il quale firma anche i costumi dello spettacolo Partitura incompiuta per pianola meccanica da Cechov (1986). Particolarmente interessante la sua collaborazione con il regista L. Ronconi, iniziata ideando il Così fan tutte di Mozart (Venezia, La Fenice 1983) e proseguita con Orfeo di L. Rossi (Scala 1985); Iphigénie en Tauride musicata da N. Piccinni (Bari, Teatro Pertruzzelli 1987); la duplice versione di L’affare Makropulos (Torino 1993; costumi per l’opera di Janácek, scene e costumi per Capek) e La damnation de Faust di Berlioz (costumi, Scala 1995). Partecipa a numerose produzioni con importanti registi: G. Cobelli per Orphée aux enfers di Offenbach (Venezia, La Fenice 1985); M. Hampe per Rosenkavalier di R. Strauss (Colonia 1985) e La gazza ladra di Rossini (Pesaro 1989), G. Kr&aulm;mer per Elektra di R. Strauss (Spoleto 1990) e Traviata (Monaco 1993); F. Tiezzi per Carmen (Bologna 1995) e Tosca (Colonia 1998). Professionista eclettico, basa la sua ricerca sulla conoscenza delle epoche storiche, pur non tralasciando – soprattutto nei costumi – l’invenzione, l’uso di materiali innovativi non filologicamente reinterpretati, con una particolare attenzione ai valori cromatici.\nAutore Mame EditorePubblicato il 2 Ottobre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nSi diploma presso la Scuola nazionale delle arti in Senegal e affronta i suoi primi ruoli nella Compagnia nazionale d’arte drammatica. Nel 1968 interpreta il personaggio di Creonte, nell’ Antigone di Jean Anouilh, prova che gli vale l’ingresso al Teatro nazionale `Daniel Soraro’, dove lavora fino al 1984 sotto la direzione di Raymond Hermantier. In quell’anno lo scopre Peter Brook e lo chiama a interpretare Bhima (il figlio del vento dalla forza immensa) nel Mahabharata . Recita il ruolo in francese (festival d’Avignone 1985, e poi Parigi), quindi in inglese nella pluriennale tournée dello spettacolo in tutto il mondo. Partecipa anche alla realizzazione del Mahabharata cinematografico (1989) e rimane fedele a Brook e al parigino Centre International de Créations Théâtrales, figura di rilievo in molti spettacoli del regista anglo-francese ( La tragedia di Carmen , Woza Albert , La tempesta ).\nAutore Mame EditorePubblicato il 23 Settembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nDopo il diploma alla scuola di ballo del San Carlo di Napoli entra diciottenne nel corpo di ballo del Maggio musicale fiorentino, MaggioDanza, diventandone nel 1995 primo ballerino. Dotato di figura elegante e tecnica sicura, interpreta tutti i ruoli principali del repertorio ottocentesco e classici del Novecento ( Apollon Musagète ), spesso a fianco di étoile internazionali (A. Ferri, M.C. Pietragalla). Danza inoltre parti principali in creazioni di coreografi contemporanei come E. Cosimi (Il fruscio del rapace , 1993), S. Petronio ( Sogno di una notte di mezza estate , 1995) e K. Armitage (Apollo e Dafne , 1997).\nAutore Mame EditorePubblicato il 21 Settembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nFiglio di Roberto, noto critico teatrale, inizia come attore a soli diciotto anni al Piccolo Teatro di Milano con il Barbablù di M. Dursi, regia di L. Puggelli. Lavora poi con il Gruppo della Rocca, ma ben presto passa alla regia. Tra le sue produzioni ricordiamo Joseph K. fu Prometeo (1983), Il maestro e Margherita di Bulgakov (1984), Sarcofago – Il monumento a Chernobyl (1987), in cui mette in scena una serie di reportage del giornalista sovietico della “Pravda” Vladimir Gubarn sul disastro atomico. Nel 1988 allestisce Il racconto d’inverno di Shakespeare e a Siracusa, nel ’90, l’ Elettra di Sofocle. Con E. Pagni, nel ’92, affronta Nathan il saggio di Lessing; nel ’94 dirige P. Bonacelli e M. De Francovich in Terra di nessuno di Pinter. Nel 1997 è allo Stabile di Genova con L’imbalsamatore di R. Rosso, con V. Franceschi. Nel ’98 affronta Spettri di Ibsen, che debutta all’Eliseo di Roma con R. Falk, R. Sturno, F. Graziosi. È tra i migliori talenti della nuova generazione `classica’, dimostrando grandi doti interpretative nel misurarsi con i grandi testi della tradizione.\nAutore Mame EditorePubblicato il 20 Settembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nLa sua formazione artistica avviene a Parigi presso l’Académie Ronson e a Roma all’Accademia di belle arti. Inizia la carriera nel 1940 come illustratrice di moda e decoratrice d’interni. Dal 1945 si trasferisce a Parigi, dedicandosi alla scenografia e ai costumi per il teatro. Collabora assiduamente con il regista R. Rouleau, firmando le scene per La rue des Anges (1947), Le voleur d’enfants (1948) e Un tram che si chiama desiderio (1949). Negli anni ’50 mette in scena i balletti: Mario e il mago (Scala, 1956) e Sable (1956). Con il regista L. Visconti lavora alla Traviata di Verdi, disegnando scene e costumi (Scala 1955) e a Manon Lescaut di Puccini, al Festival dei due mondi di Spoleto (1973), dove progetta anche le scene della Bohème di Puccini, per la regia di G. Menotti (1960). Nel 1963 realizza la celebre Aida con la regia di F. Zeffirelli alla Scala di Milano. Sul finire degli anni ’60 si ritira dal teatro per dedicarsi alla pittura. Il suo stile scenografico eclettico, romantico e raffinato, i suoi costumi ricercati ed eleganti, mai ripetitivi, contribuiscono ad alimentare il mito delle sue creazioni teatrali.\nAutore Mame EditorePubblicato il 12 Settembre 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nDopo aver studiato e danzato all’Opera di Zagabria, nel 1957 si è stabilito a Parigi, dove ha lavorato accanto a Y. Chauviré e a M. Miskovitch. Successivamente è entrato al Ballet Théâtre di Béjart, coreografo che ha poi seguito nell’avventura del Ballet du XXème siècle. Di Béjart, oltre che interprete di numerosi lavori, è stato anche aiuto fino al 1975, anno in cui venne nominato direttore del Corpo di ballo della Scala, teatro nel quale di recente è tornato a prestare la sua esperienza insieme alla moglie Ljuba, pure ballerina. Con la stessa ha anche lavorato a Firenze e a Montecarlo. Tra le sue coreografie, Schizzi (Scala, 1976).\nAutore Mame EditorePubblicato il 23 Agosto 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nSi diploma all’Accademia d’arte drammatica `S. D’Amico’ nel 1956. L’anno seguente viene scritturato dal Piccolo Teatro di Milano (dove lavora fino ad oggi) interpretando Coriolano di Shakespeare, per la regia di Strehler. Nel 1958 partecipa all’ Arlecchino servitore di due padroni di Goldoni diretto da Strehler, spettacolo in cui reciterà anche per diverse edizioni successive. Nel 1959 è presente sulle scene con tre spettacoli: L’opera da tre soldi di Brecht (di cui è interprete anche nell’edizione del ’73 per il Piccolo) , Mercadet l’affarista di Balzac, per la regia di Puecher, Platonov e gli altri di Cechov diretto da Strehler. Sempre per il Piccolo Teatro di Milano ha interpretato diversi ruoli, divenendone, nell’ultimo decennio, uno dei maggiori attori: Il trionfo dell’amore di Marivaux diretto da A. Vitez (1986); Mon Faust di Valéry allestito da W. Pagliaro (1987); Il tempo stringe di A. Tabucchi, per la regia di Strehler (1988); La rigenerazione di Svevo diretto da E. D’Amato (1988-89); La grande magia di E. De Filippo allestito da Strehler (1990); Il diavolo non può salvare il mondo di A. Moravia per la regia di G. Zampieri (1992); Il campiello di Goldoni diretto da Strehler (1993, 1994); I giganti della montagna di Pirandello, per l’allestimento di Strehler (1995); Lux in tenebris di Brecht diretto da C. Battistoni (1996); L’avaro di Molière, per la regia di L. Puggelli su un’idea di Strehler. Nel 1996, oltre che interprete, è regista assieme a Puggelli e Strehler nell’opera di A. Tabucchi Gli ultimi tre giorni di Fernando Pessoa . Attore sensibile, attento ai soprassalti dell’anima ha lavorato anche per il Teatro stabile di Genova ( Le colonne della società di Ibsen nel 1960, Turcaret di Lesagenel nel 1979) e per quello di Trieste ( Uomo e superuomo di G.B. Shaw nel 1976). Per la regia di L. Ronconi ha interpretato L’anitra selvatica di Ibsen (1977) e Al pappagallo verde di Schnitzler (1978).\nAutore Mame EditorePubblicato il 18 Agosto 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nErede della tradizione bolognese, ha iniziato l’attività a sedici anni entrando nella baracca di un grande burattinaio emiliano, Umberto Malaguti. Ma il suo maestro fu Ciro Bertoni. I protagonisti della sue storie (molte tratte dai canovacci del Cuccoli) sono le maschere tradizionali emiliane Fagiolino, Sganapino, Balanzone e Sandrone. È oggi un importante punto di riferimento per le giovani generazioni di burattinai.\nAutore Mame EditorePubblicato il 7 Agosto 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nDirettore dal 1952 con Andrés Lizarraga del gruppo Fray Mocho, uno dei più interessanti del vivace panorama dei collettivi indipendenti di Buenos Aires negli anni Sessanta. Questo gruppo metterà in scena i suoi testi, ispirati al teatro popolare nella forma e nel linguaggio, con importante influenza del teatro epico di Brecht. Tra i suoi drammi si possono ricordare: Túpac Amaru , 1957; Miracolo al mercato vecchio (Milagro en el mercado viejo), 1962; Heroica Buenos Aires , premio Casa de las Américas 1966; Una maledetta domenica (Un maldito domingo), 1967; Storie del carcere (Historias de la cárcel), 1973. Negli anni Ottanta, anni difficili per il teatro in Argentina, fonda a Buenos Aires Teatro abierto, col quale mette in scena Al violatore (Al violador), 1981 e Figli del terremoto (Hijos del terremoto), 1986; quest’ultimo testo, poco gradito al regime, gli costerà alcuni anni di esilio.\nAutore Mame EditorePubblicato il 4 Luglio 2015 17 Novembre 2016 Categorie D\nDopo l’Accademia `S. D’Amico’, che lo vede allievo di S. Ferrati e S. Tofano, lavora allo Stabile di Genova in diverse regie di L. Squarzina: Emmetì dello stesso Squarzina, La gabbia di R. Rosso, Bouvard e Pecuchet di Kezich e Squarzina, da Flaubert (1967-69). Tra il 1970 e il ’78 è tra i fondatori del Gruppo della Rocca e partecipa alla direzione collettiva di ben otto spettacoli. Gli anni ’80 sono caratterizzati dall’intensa collaborazione con G. Lavia. Tra le sue interpretazioni ricordiamo Medea di Grillparzer nel ruolo di Creonte (1995), la Commedia senza titolo di Cechov per lo Stabile di Torino (1997).\nDe Rege, fratelli\nLa più celebre coppia di avanspettacolo tra le due guerre. Guido, o meglio Bebé, alla ribalta era arrivato prima, come generico. Riuscì quasi subito a far scritturare come attrezzista il fratello minore Giorgio, in arte Ciccio. E Guido creò il numero d’insieme, assumendosi il ruolo di spalla del fratello eletto a comico, con un enorme naso di cartone: Bebé che si danna di fronte all’idiozia di Ciccio, sommerso dagli insulti, dalla raffica delle domande e delle intimidazioni, fino all’esplosione del non senso. Il duetto finiva, tra grandi risate, con Bébé che, toccando la spalla del compare, annunziava: «Noi ce ne andiamo via». Il successo fu grande; il rapporto, simile a quello dell’augusto e del clown bianco nel circo, giocava su una contrapposizione estrema, il furbo e il trasognato, l’eterna variante di Sancho Panza e Don Chisciotte. Riservati e abili nella gestione dei loro affari, i due fratelli erano legatissimi anche nella vita, a tal punto che neppure il matrimonio del maggiore li separò, convivendo in tre fino alla morte. Che giunse per Guido, a Milano, alla fine della guerra. Giorgio sopravvisse tre anni, cercando di continuare a lavorare. Dapporto, che era amico del più giovane, racconta nelle sue memorie i giorni della malattia e del funerale, e il suo debutto poi come spalla di Ciccio, in uno spettacolo del dopoguerra Ba-Bi-Bò . Una sera, a Torino, dopo un anno di recite al Teatro Reposi morì anche l’altro De R. E se la salma del primo finì nella fossa comune, come poteva accadere in tempi di guerra, la scomparsa di quella di Ciccio, è misteriosa. I biografi pensano che sia sepolto senza indicazione nella tomba di famiglia, di origine nobile, e pertanto restia a riconoscere una parentela stretta con chi ha svolto anche magistralmente un’attività così plebea. Ma il riconoscimento i De R. l’hanno avuto da tutti quei comici italiani che li amarono e a loro si ispirarono: dai Maggio a Dapporto. Ritmo ossessivo, di una macchina perfetta, ma assenza totale di sentimento era la loro saliente caratteristica. Forse l’unica coppia a cui è possibile avvicinarli è quella costituita da Walter Chiari e Carlo Campanini, che nel loro sketch “Vieni avanti, cretino”, che citava appunto l’apertura più celebre del numero dei De R., ne tentarono una riuscita, abile imitazione.\nAutore Mame EditorePubblicato il 19 Giugno 2015 17 Novembre 2016 Categorie D


5 Luglio 2016 /1 Commento/in Scrittura autobiografica\nHo scelto il blog e i social media, ho scelto la scrittura per comunicare.\nMi piace scrivere e senz’altro questo ha reso tutto più semplice ma trovo anche che la scrittura sia uno dei mezzi di auto riflessione e condivisione migliori perché genera empatia attraverso la scelta di parole e ritmo e perché può essere fruita in qualunque momento, con un impiego minimo di risorse (i video, per esempio, sono meno “economici”) e perché è il lettore che produce significato dopo avere letto un testo, prendendone ciò di cui ha bisogno.\nLo storytelling e la scrittura, anche quando apparentemente non c’entrano nulla con il tuo lavoro, raccontano chi sei, come fai le cose e perché scegli di farle in un certo modo: quale migliore biglietto da visita ci può essere?\nDal Personal Storytelling alla scrittura autobiografica\nIn qualche modo, personal storytelling e scrittura autobiografica possono essere considerati sinonimi, ma ci sono alcune differenze che – nel tempo – mi hanno fatto decidere che entrambe le pratiche sono importanti per una persona e un professionista, per migliorare la propria consapevolezza di sé e del proprio lavoro.\nEcco allora le caratteristiche che mi hanno convinta a lanciare il corso di Scrittura autobiografica, perché la considero una pratica (anche professionale) molto efficace. Il corso parte a settembre a Bologna ed è un pilota: vorrei portarlo in giro per l’Italia, in un’unica giornata.\nEd ecco una lista dei motivi per cui la scrittura autobiografica può aiutare le persone a parlare meglio di sé e del proprio lavoro.\nLa scrittura autobiografica (a mano) è una pratica di riflessione sulle parole che permette di aumentare il livello di consapevolezza personale riguardo a limiti autoimposti e confusione del proprio ruolo.\nLa scrittura autobiografica quando si trasforma da fenomeno privato a pubblica, per generare empatia deve mettersi nei panni del lettore modello: niente noia, possibilità di riconoscimento personale, evoluzione della storia, necessità di coinvolgimento dell’altro.\nLa scrittura autobiografica impone lo sforzo di trasformare la nostra esperienza personale in qualcosa di collettivo, emblematico, dandoci la capacità di cogliere le mille storie che compongono la nostra storia. Le persone non comprano più un prodotto ma comprano la storia in cui si riconoscono protagonisti insieme a quel prodotto. Le persone non vogliono consulenti bravi, vogliono consulenti bravi e nei cui valori di vita si ritrovano.\nLa scrittura autobiografica – quando si trova uno stile personale che calza a pennello – è CURA per le proprie idiosincrasie e paure. Scrivere un blog, per esempio e trasformare in materia leggera e ironica quel che nella vita quotidiana ci preoccupa, può essere un ottimo modo per allentare l’ansia. Io sono 11 anni che pratico blogging auto curativo con Panzallaria e posso confermare che funziona!\nEsercitarsi in scrittura autobiografica è un ottimo modo per allenare la propria mente a pensare a sé e al proprio lavoro come a una storia.\nLa scrittura autobiografica può diventare la base per il romanzo che vuoi scrivere. Per me è stato così con 102 chili sull’anima: esistono moltissimi scrittori che scrivono di sé e quando crediamo di non avere la storia giusta da mettere in un libro è solo perché non ci siamo esercitati a trovare le storie dentro la nostra storia.\nSono sicura che anche tu hai tantissime esperienze che potrebbero essere utili e condivisibili da altri, se hai voglia di allenarti con me scopri dove si terrà il prossimo workshop di scrittura autobiografica: Saper scrivere, saper fare!\nTags: corso, Francesca Sanzo, personal branding, personal storytelling, scrittura, scrittura autobiografica\nhttps://www.francescasanzo.net/wp-content/uploads/2016/07/winterson-cit.jpg 788 940 Francesca Sanzo https://www.francescasanzo.net/wp-content/files/2016/10/LogoFrancescaSanzo-Web.png Francesca Sanzo2016-07-05 12:58:492020-10-28 18:52:38Il personal branding ha bisogno di scrittura autobiografica\nMedia Specialist su Twitter: anche Panzallaria in classifica\nInizia a fare attività fisica per la tua creatività: le mie proposte ha detto:\n[…] interessava molto la creatività e il pensiero laterale, ero convinta che per scrivere bene, per trovare la storia che va raccontata, per me e per i miei clienti, dovessi esercitare molto la mente, ma non avevo ancora scoperto che mente e corpo lavorano […]


Britney Spears, Shakira ed Alicia Keys nel nuovo disco di Will.I.Am - Soundsblog\nWill.I.Am: nel nuovo disco Britney Spears, Shakira ed Alicia Keys\nWill.I.Am sta per ritornare con un nuovo album di inediti. Dopo il fallimento del precedente “Songs About Girls” e la non bella accoglienza da parte del pubblico del nuovo singolo “T.H.E (The Hardest Ever)”, il frontman dei Black Eyed Peas cerca di far crescere l’hype sul suo nuovo progetto, dal titolo “#willpower”, annunciando featuring di tutto rispetto.\nIn primis figura il nome di Britney Spears. La popstar ricambierà al rapper il favore (ha prodotto “Big Fat Bass”) duettando con lui in una nuova traccia sulla quale non abbiamo informazioni. Stesso discorso per Shakira e per Alicia Keys.\nUn tris commerciale perfetto con cui si cercherà di ottenere più vantaggi. Il mondo pop, soul e latin saranno così ben supportati in un disco per il quale, al momento, non si prevedono futuri rosei. Riusciranno le tre ragazze a portargli fortuna?\nSe vuoi aggiornamenti su Britney Spears, Shakira ed Alicia Keys nel nuovo disco di Will.I.Am inserisci la tua email nel box qui sotto:


Iva al 10% per i take away. Maxi sgravi agli autonomi - Cronaca - quotidiano.net\nIva Al 10% Per I Take Away. Maxi...\nIva al 10% per i take away. Maxi sgravi agli autonomi\nTra gli emedamenti, il taglio all’imposta per i cibi d’asporto o consegnati a casa. Bonus per le auto elettriche fino al 40% del costo, ma con un limite di Isee\nUn anno 'bianco', senza contributi, per gli autonomi e le partite Iva. Salta la prima rata dell’Imu 2021 per ristoranti, alberghi e operatori turistici. Stangata sulle sigarette elettroniche, bonus per le auto green. Aiuti per le mamme lavoratrici e congedi parentali più lunghi per i papà. Nuove norme per accelerare la ricostruzione nelle aree colpite dal sisma del 2016. E, poi, la solita raffica di micro-misure a colpi di emendamenti, dai canili per i cani randagi fino al bonus per sostituire i rubinetti 'spreconi', dai vini di qualità alle bande jazz e al ’bonus occhiali’ per i meno abbienti. In Commissione bilancio si è votato fino a...\nUn anno 'bianco', senza contributi, per gli autonomi e le partite Iva. Salta la prima rata dell’Imu 2021 per ristoranti, alberghi e operatori turistici. Stangata sulle sigarette elettroniche, bonus per le auto green. Aiuti per le mamme lavoratrici e congedi parentali più lunghi per i papà. Nuove norme per accelerare la ricostruzione nelle aree colpite dal sisma del 2016. E, poi, la solita raffica di micro-misure a colpi di emendamenti, dai canili per i cani randagi fino al bonus per sostituire i rubinetti 'spreconi', dai vini di qualità alle bande jazz e al ’bonus occhiali’ per i meno abbienti. In Commissione bilancio si è votato fino a tarda notte per rispettare i tempi e concludere entro oggi l’esame della manovra. L’ultimo step prima dell’approdo in aula per il voto finale. E non mancano le novità dell’ultima ora nei quattro faldoni depositati ieri da maggioranza e opposizione.\nAutonomi. Possono tirare un respiro di sollievo. Passa in Commissione l’esonero dei contributi per l’intero 2021. Interesserà tutti coloro che hanno avuto quest’anno un calo del fatturato di almeno due terzi rispetto allo stesso periodo del 2019. Stanziamento di un miliardo. Cantano vittoria i leghisti, che si intestano la correzione. spunta anche una sorta di 'cig' per lavoratori indipendenti e partita Iva. Potrà essere al massimo di 800 euro al mese e per ottenerlo bisognerà aver subito una riduzione del reddito di almeno il 50% rispetto alla media dei tre anni precedenti alla richiesta. Il costo è di 124 milioni.\nFisco. Niente Imu, nel 2021, per discoteche, fiere, stabilimenti balneari, agriturismi, villaggi turistici, rifugi di montagna, affittacamere per brevi soggiorni, case e appartamenti per vacanze, bed and breakfast, residence e campeggi. Stop di due mesi ai versamenti di ritenute, Iva, tasse e contributi per federazioni, enti e società sportive professionistiche e dilettantistiche. I versamenti dovuti di gennaio e febbraio andranno saldati entro il 30 maggio o in 24 rate mensili a partire da quella data. Stangata, invece, sulle sigarette elettroniche: le accise passano al 25 per poi salire in tre anni fino al 40%. Iva al 10% (era il 22%) per il take away o i cibi presi d’asporto.\nFamiglie. Arrivano 50 milioni per aiutare le donne a conciliare i tempi dedicati al lavoro e quelli alla famiglia dopo il parto. Nel pacchetto di emendamenti anche un bonus di 500 euro per le mamme sole con figli disabili. Solo due milioni e dal 2022, invece, per la parità salariale e le opportunità di genere. Fra le misure in pista anche l’aumento delle detrazioni per spese veterinarie fino a 500 euro all’anno.\nBonus. Spunta una detrazione di 1.000 euro per sostituire soffioni, rubinetti e wc 'spreconi' con impianti moderni capaci di risparmiare acqua. Se invece si ha un Isee inferiore ai 30mila euro e si compra un’auto elettrica (fino sempre a 30mila euro) sarà garantito un sostegno fino al 40% del prezzo. Scontata anche la proroga degli ecoincentivi per l’acquisto di vetture euro 6, per le auto ibride ed elettriche e per i veicoli commerciali.\nSisma. Stanziati 100 milioni per accelerare le opere della ricostruzione anche con il contratto istituzionale di sviluppo e 60 milioni per sostenere l’Università e la ricerca in queste aree.


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Terzo e ultimo consiglio è quello di affidarsi ai servizi di Exchange più sicuri come Coinbasein quanto nel tempo si sono verificati non pochi problemi con servizi di exchange inaffidabili. Dopo queste anticipazioni, possiamo finalmente passare alle criptovalute su cui vi consigliamo di investire in questo mese di Giugno Valore Ethereum.\nFacile, naturale ed economico?\nIdeale per investimento a lungo termine con una stabilità superiore a molte altre criptomonete. Attualmente di prevede un ottimo con un Market Cap che potrebbe eguagliare quello di Bitcoin, se non superarlo. Gli sviluppatori possono utilizzare Ethereum per gestire applicazioni decentralizzate dApps ed emettere nuove criptomonete, note come token Ethereum.\nValore Polygon. Polygon, precedentemente denominata Matic Network è un token Ethereum che alimenta la rete Polygon, una soluzione di scalatura Ethereum. Anche questa criptomoneta è molto promettente, ma più adatta per investimenti di breve termine.\nIVA Home Tecnologia Quali sono le criptovalute emergenti. Criptovalute su cui investire: le regole di base La prima regola per un investimento di successo è quella di evitare gli errori più comuni. Tag: Criptovalute Fintech. Fisco e tasse Imposta di bollo, scattano i prelievi su conti correnti.\nProposta Di Investimento Bitcoin, Come Fare Soldi, Che Cosa È Ripple Trading Di Criptovaluta A, Cerco Lavoro A


gennaio 27, 2011 di arden\nSi è richiuso il sipario e torna il grigio.\nA chi è depresso questo cielo piace,\nperché non contrasta col suo interno,\nnon ne deride il colorito smorto,\nanzi lo accoglie e assume e condivide\n– mentre non toglie niente a chi è felice\nche prende luce dal suo cuore acceso\ne va leggero, vola, sta in elisio.\nNoi, i più, che continuiamo a far la spola\ntra l'alto e il basso, un po' ce ne affanniamo\ncome se ci mancasse il carburante,\ne il nostro peso, lungo le ardue rampe\ndagli interrati su fino ai solai,\nva tardo e lento, proprio a passo d'uomo.\ngennaio 27, 2011 alle 9:48 am\n… anche il grigio ha il suo fascino intimo e discreto\ngennaio 27, 2011 alle 10:27 am\nIl fascino di qualsiasi cosa dipende dall'occhio che guarda: è una faccenda soggettiva. Non per nulla si dice che anche lo scarrafone è bello a mamma sua.. :-))\nIl grigio d'altronde ha infinite varietà di toni, e spesso questi possono essere d'una bellezza tutt'altro che intima e discreta: anzi inquietante, persino sconvolgente – specie nei cieli annuvolati e mossi, traversati da drammatici squarci di luce e di buio. Sempre che li si guardi, s'intende.


Teatro, Musica, Narrativa e altre crisi: Le feste con il timbro Covid-19\nLe feste con il timbro Covid-19\nEcco una festa mancata che ha trovato una nuova narrazione. Questa mattina, su La Nazione, è possibile leggere della conclusione del progetto "Music'Aria", un progetto triennale che si sarebbe dovuto concludere con una grande festa scolastica di abbracci, sorrisi e certo qualche lacrima... e che invece si è spostato nel piano del digitale, dell'immaterialità e, dato positivo, della replicabilità.\nIn merito a questa convivenza forzata in me tra ricordi mancati, di feste attese e non avvenute, e ricordi inaspettati con il timbro Covid-19, non ho ancora ben capito quale posizione prendere. Intanto v'invito a vedere il video de "Il carnevale degli animali" della classe 5 della Scuola Primaria "G. Galilei" dell'Istituto Omnicomprensivo "G. Marcelli" di Foiano della Chiana (AR) dichiarando fin da ora a qualsiasi docente con la voglia di replicarlo, quando certo l'occasione sarà propizia: "Del testo e dei temi musicali ricuciti per studenti principianti di flauto dolce puoi farne l'uso che credi purché preveda gioia di bimbi e fantasia".\nEtichette: #iorestoacasa, scuola


Edelfa Chiara Masciotta è di nuovo incinta : I bimbi dei Vip's\nEdelfa Chiara Masciotta è di nuovo incinta\nda liala27 » mar giu 28, 2016 3:40 pm\nL'ex Miss Italia sta trascorrendo queste calde giornate d'estate al mare e il bikini fashion che indossa in spiaggia mette in mostra il pancione. Già mamma di due bimbi per lei si tratta della terza gravidanza.\nIl primo, Andrea, è nato nel 2010 dalla relazione con l'ex compagno, il regista televisivo Roberto Cenci. Nel marzo del 2014 invece è diventata mamma della piccola Aurora, nata dalla storia d'amore con il calciatore Alessandro Rosina.\nRe: Edelfa Chiara Masciotta è di nuovo incinta\nda liala27 » ven ott 14, 2016 1:51 pm\nEdelfa Chiara Masciotta è diventata mamma per la terza volta. L'ex Miss Italia lo scorso settembre ha dato alla luce il piccolo Alessio, il secondo figlio insieme al calciatore Alessandro Rosina dopo Aurora. Il primogenito Andrea, invece, è nato nel 2010 dalla relazione con il regista televisivo Roberto Cenci.


Carocci editore - Economia della cooperazione e del non-profit\n/ Cerca nel catalogo / Scheda libro / Economia della cooperazione e del non-profit\nEconomia della cooperazione e del non-profit\nIstituzioni, organizzazione, mercato. Nuova edizione\nCollana: Studi Superiori (1017)\nIl volume si rivolge agli studenti universitari e a tutti coloro che desiderano approfondire la conoscenza di un’importante sezione dell’economia e della società quale è oggi il terzo settore. Si parte dal classico problema delle motivazioni economiche dell’impresa nelle sue diverse forme per poi approfondire alcuni aspetti cruciali del funzionamento delle imprese cooperative e degli enti non-profit, in particolare: organizzazione del lavoro, finanza, strategie di mercato. In una nuova edizione aggiornata e ampliata, il testo tratta questi temi con un linguaggio semplice ma rigoroso che li rende accessibili anche a coloro che non hanno una formazione economica.\nTeoria generale dell’impresa\n1. L’impresa e le sue forme\n2. Il mercato e le organizzazioni\n3. Impresa e autorità\nL’autorità e i costi di transazione/Autorità formale e autorità sostanziale\n4. Impresa e free riding\nProduzione di squadra e inefficienza dell’impegno lavorativo/Produzione di squadra e l’impresa capitalistica classica/Perché esistono le cooperative di lavoro?\n5. Impresa e funzioni economiche dei titolari\nL’attribuzione della titolarità dell’impresa e le categorie di contraenti abituali/Un’applicazione: la titolarità dei lavoratori (cooperativa di lavoro)\n6. Impresa e diritti di proprietà\n7. Impresa e investimenti specifici\nEconomia del terzo settore\n8. Le istituzioni del terzo settore in Italia\nLa cooperazione tradizionale: concetti generali/Le forme istituzionali della cooperazione tradizionale/Lo scopo mutualistico nelle società cooperative: approfondimenti/ L’identità cooperativa in un’ottica sovranazionale/Gli enti non-profit/La cooperazione sociale/L’impresa sociale\n9. Occupazione e produzione nella cooperativa di lavoro\nIl modello di Ward/Occupazione e non “licenziabilità” dei soci nella cooperativa senza dipendenti/Il mercato delle quote associative/L’occupazione nella cooperativa con lavoratori dipendenti\n10. Gli incentivi e i rapporti con i soci\nIncentivi e organizzazione del lavoro nella cooperativa di lavoro: gli elementi del problema/Variabili verificabili e non verificabili/La regola ugualitaria/La regola proporzionale/Regole miste: cenni/La qualità non verificabile della prestazione/Ancora sull’efficiente impiego del lavoro: management e capitale umano/Gli incentivi nelle cooperative di trasformazione e vendita/Conclusioni\n11. Capitale e finanza nell’impresa cooperativa\nIl problema del finanziamento degli investimenti: in cosa consiste e perché sorge/Effetto di troncamento ed effetto di liquidità nella cooperativa di lavoro/I nuovi strumenti di finanziamento delle cooperative\n12. Cooperazione di consumo e forme affini\nIl potere di mercato e il coordinamento degli acquirenti/Il commercio al dettaglio in forma cooperativa\n13. Impresa e dono? Le motivazioni del non-profit


beauty-forum.it - ORLY Trattamenti Rinforzanti\nORLY, da oltre quarant’anni leader nel trattamento delle unghie naturali, dispone di una gamma di prodotti dedicata alle unghie fragili, deboli, che faticano a crescere; perché sa benissimo che anche il colore più bello perde il suo appeal su unghie sofferenti. Ogni trattamento è stato studiato per rispondere a ogni specifica esigenza.\nunghie che tendono a rompersi o spezzarsi facilmente.\nla sua formula arricchita alle proteine unisce gli strati dell’unghia e li sigilla per evitarne la rottura.\napplicare come base sotto allo smalto o da solo come smalto trasparente. All’inizio del trattamento applicarlo quotidianamente, man mano che l’unghia migliora applicarlo ogni 4/5 giorni.\nunghie fragili con solchi e superficie irregolare.\nquesto liquido per unghie con Ridgefiller e vere fibre di Seta si deposita all’interno dei solchi formando una corazza protettiva che livella e leviga la superficie delle unghie.\nagitare il flacone e applicarne uno strato come base prima dello smalto oppure due strati se utilizzato da solo (lascia sull’unghia una delicata sfumatura brillante).\nunghie estremamente secche e friabili, perfetto anche sulle unghie più sensibili.\nquesto rinforzante, arricchito con estratti dell’albero di Okume, rallenta le rotture del tessuto cheratinico consentendo alle unghie di crescere lunghe, forti e levigate.\napplicare ogni tre giorni come base prima dello smalto o da solo come smalto trasparente. Dopo sole due settimane è già possibile osservare una completa trasformazione dell’unghia.\nunghie molto danneggiate.\nla sua formula contiene complessi minerali di Calcio e Ferro, Cheratina, Proteine del Grano, Collagene ed Estratto di Bambù. Ristruttura le unghie in profondità rinforzandole e ne stimola la crescita.\napplicarlo quotidianamente sulle unghie prive di smalto, senza mai togliere lo strato precedente. Dopo una settimana di trattamento rimuovere il prodotto con un solvente delicato e ripetere per un’altra settimana. Le due settimane di trattamento possono, se necessario, essere ripetute lasciando passare una settimana prima di una nuova applicazione.\n#Nailpro,\t#NP_workshop,\t#Showcase,\t#ORLY,\t#NP_sett_ott_20


Istituto alberghiero "Karol Wojtyla", protesta contro i doppi turni - SudpressSudpress\nRegna il deserto davanti l’Istituto Professionale Alberghiero di via Anfuso a Catania, tra Picanello e Ognina, dove gli studenti hanno boicottato le lezioni e pochissimi sono rimasti a presidiare lo stabile. Un segnale che i ragazzi vogliono dare contro la possibilità di dover frequentare le lezioni nel pomeriggio fino a sera, per carenza di aule in 3 dei 4 plessi. Gli studenti hanno quindi bloccato l’ingresso a scuola, e affisso striscioni sui cancelli dell’edificio scolastico\nDopo aver preannunciato giorni fa con diversi messaggi su social e online uno sciopero, ed aver effettuato un sit in martedi, è arrivato anche il blocco delle lezioni all’Istituto Wojtyla. Il motivo è la carenza di aule, con la necessità di effettuare turni pomeridiani, malgrado tra gli studenti ci siano anche minorenni e gli edifici scolastici si trovino in quartieri difficili come Monte Po e San Giovanni Galermo, oltre a quello catanese a Picanello, il più grande.\nGli studenti sono contrari ai turni doppi che finirebbero alle 20.30 proprio per il fatto che, trovandosi le strutture in zone a rischio, non è raccomandabile tornare a casa a quell’ora ed anche i genitori, a detta degli studenti, non sarebbero molto propensi per questa soluzione.\n“La dirigente scolastica Daniela Di Piazza si sta battendo con noi per tentare di risolvere la questione-dichiara Michael Connor, rappresentante d’istituto di via Anfuso- Ci stiamo rivolgendo alle istituzioni per chiedere una soluzione concreta al problema delle aule mancanti, 26 in totale: l’ideale sarebbe avere un’altra struttura a disposizione oppure appoggiarci ad istituti che hanno aule non utilizzate. I turni doppi per noi non sono affatto una buona idea. Finire le lezioni di sera creerà non pochi disagi a studenti e famiglie”.\nprotesta studenti sciopero scuola