Percorsi Musicali: maggio 2019\nDream syndicate, memories of adolescence and devotional jazz core\nNon è per nulla raro incontrare persone che dichiarano di aver letto molto in gioventù e poi di aver ridotto al lumicino tale frequenza di lettura a causa degli impegni; si potrebbe pensare che queste persone si siano trasformate nelle idee e nel temperamento, ed invece bastano solo pochi secondi del ricordo di questa preziosa attività svolta nel passato, per constatare che dentro di loro c'è una memoria che non muore ed una forzata conciliazione con le attività presenti. Come sosteneva Jan Assmann, si può parlare di ricordo come "atto di resistenza". Per il trio Patrizia Oliva, Roberto Del Piano e Stefano Giust si tratta di orientare il ricordo in un potenziale di liberazione della musica: il 20 settembre scorso i tre musicisti si sono incontrati nella residenza sociale di Aldo Dice 26x1 per un'improvvisazione sui generis, che sa tanto di sindromi freudiane e che capitalizza le più desiderabili essenze creative mostrate dai tre musicisti nel corso del loro percorso musicale. Un accostamento di propensioni incredibili: il canto ipnagogico di Patrizia, il basso oscuro e decostruito di Roberto, l'ansia ritmica di Stefano.\nPoche critiche si possono fare a prodotti musicali del genere: l'unica che mi sento di fare è piccolissima e riguarda il non perfetto bilanciamento degli strumenti intorno all'amplificazione, con le dinamiche arrotondate per eccesso o difetto (a volte perfette, a volte depotenziate).\nMi approccio per la prima volta alla musica di Alberto N.A. Turra (chitarra elettrica e beaten mandolin) ed Alberto Pederneschi (batteria e percussioni), i quali per Setola di Maiale presentano un cd dal titolo Papa Legba is our sensei, un set di mezz'ora di musica che gli stessi artisti hanno definito come "Devotional jazz core". La parte devozionale è strettamente collegata al Legba, quel loa che nei riti dei villaggi vudù fa da tramite tra i viventi e Dio, un retaggio antropologico (anche irriverente per certi versi) che nella musica si dice condusse le azioni della leggenda del blues Robert Johnson; nel rock un riferimento esplicito lo attuarono in chiave melodica i Talking Heads in True Stories.\nQuelle di Papa Legba is our sensei sono miniature musicali (brani in media da 2 minuti e mezzo) particolarmente compatte, che richiamano il rituale, lo Zorn dei tempi andati e forse promettono anche una certa concupiscenza con il romanzo d'azione, quello dei racconti di William Gibson. Sono atti virili di musica che si misurano molto con le caratteristiche del rock, dando luogo ad un prodotto molto valido sul piano musicale, che riafferma un criterio appartenente all'hardcore in generale (quello vitale dell'urgenza espressiva) e limita invece al minimo la mancanza di scintilla creativa che spesso affligge produzioni similari del genere. Questi due "Alberto" sono due eccellenti musicisti, che tengono in piedi una tensione, caricando solismo ed apprensione acustica (sentire l'ampio spazio sonoro che si apre nei due minuti della pausa tra The question e The answer o nella parte introduttiva di The pain).\nIl terzo cd della rassegna Setola è Quando ero un bambino farò l'astronauta di Davide Rinella, cd a cui avevo preventivamente dedicato il mio interesse in una puntata dell'improvvisazione italiana (vedi qui).\nC'è chi dà molto credito alla materia del suono anche nelle mura di un luogo ecclesiastico. Prendete per esempio Daniel Glaus, organista e compositore residente a Berna, con le sue affermazioni che ruotano ad un concetto di atmosfera e di estasi: "..le mie composizioni sono tentativi di approssimazione di ideali musicali o vaghe premonizioni di un'idea onnicomprensiva, anticipazioni di un grande suono, costante ed eterno, che ci circonda e ci pervade, con forze sonore che lavorano in un'atmosfera dove esse girano incessantemente, fluttuano, si intersecano e scompaiono nella trasparenza, strutture sottilissime a forma di velo...." (da Pakt Berne, Portraits, mia traduzione).\nGlaus è una di quelle rarità che si impegna (trovando anche un riscontro istituzionale) nella progettazione di nuovi organi da chiesa: assieme al costruttore Peter Kraul, Glaus ha realizzato la sua più ambita creazione, ossia l'organo "dinamico", un organo che deriva dal progetto INNOV-ORGAN-UM e che consiste in prototipi strumentali che, alla pressione sui tasti, sono in grado di aumentare o diminuare il volume e persino l'intonazione. Ciò significa che aumentando la pressione si può andare in overblowing ed ambire almeno ad un'ottava superiore, mentre la riduzione della pressione può creare al contrario glissandi temporanei di contrazione ed overtoni in registri più bassi. Va da sé il fatto che si possano comporre svariati effetti attraverso l'utilizzo di note ed accordi con pressioni variabili delle singole dita: la convinzione è che il miglioramento della dinamicità degli organi a canne sia un modo per giungere anche ad un ipersuono.\nIl risultato di questi esperimenti è ben visibile nei documenti sonori che Glaus ha messo a disposizione sulla rete, video esibizioni che lo ritraggono in alcune improvvisazioni nella locazione in cui questi organi si trovano (la Cattedrale di Berna e la chiesa parrochiale di Biel, vedi qui un estratto). Glaus è già arrivato al quarto prototipo, sfruttando i principi dei precedenti, ed ora è in grado di lavorare sui timbri dei diversi manuali. Inoltre, ha stimolato la composizione relativa poiché alcuni compositori sembrano aver accolto la sfida di comporre per queste novità: sono tra essi Juhee Chung, Jurg Linderberg e soprattutto Hans Eugen Frischknecht, organista e compositore svizzero che ha avuto la possibilità di incidere recentemente un cd per la Neos R., in cui abbina le esecuzioni sui prototipi di Glaus con altri tipi speciali di organo (quello con temperamento mesopotamico e a 24 toni).\nLa microtonalità e l'espansione della consolle trovano dunque un gancio nella progettualità costruttiva: gli organisti di chiesa sembrano dividersi nel soddisfacimento di quel sontuoso compito che i progenitori dell'elettronica pensavano per il suono e che andava in controtendenza con le regole classiche; dopo le ulteriori espansioni dei toni (portati fino a 31 da Adriaan Fokker) o le adesioni alle mutazioni spettrali e percussive negli organi funzionali dello scomparso Peter Bares, si stanno sviluppando richieste in linea con un'estetica della praticità e della dedica sociale: il controllo dei parametri previsto tramite interfacce elettroniche nei Modulorgue dei costruttori Birouste e Fourcade è qualcosa che va in alternativa alle creazioni dinamiche di Glaus o di quanto è stato previsto in una scuola di musica svedese a Pitea, dove il costruttore Gerard Woehl e l'organista Hans-Ola Ericsson, hanno progettato un vero e proprio laboratorio dei suoni, un organo in grado di mettere assieme tutti i periodi storici ed ottenere un'acustica eccezionale, causa anche le ingenti dimensioni di esso. I moduli di Birouste consentono invece di agire su applicazioni in grado di donare lo stimolo creativo anche a coloro che sfortunamente non hanno avuto la possibilità di imparare musica.\nPoche note sull'improvvisazione italiana: simbolismi, resistenze e vincoli fraterni\n"...L'arte moderna dunque vale soprattutto per quello che sa svegliare nell'anima, non tanto per ciò che compiuto, di finito, presenta e contiene effettivamente in sé stessa. E' come un'impronta, uno stampo che invita l'anima nostra a versarvi la propria attività, e a questa attività essa viene incitata e ridesta appunto dallo stampo. Perciò non si richiede dall'arte d'oggi la perfezione e la rifinitezza dell'antica, che non sarebbe ancora possibile; ma si richiede che l'arte moderna susciti, svegli, metta in attività ciò che dorme nell'intimo di chi viene a contatto con essa.."\nArturo Onofri - Nuovo Rinascimento come arte dell'Io, Laterza 1925, pag. 32\nLa consistente lettura del poeta e scrittore italiano è un sentire che non si è affatto perso nel tempo: senza denigrare assolutamente l'azione della tecnica, ciò che oggi dovrebbe affermarsi nell'arte e dunque anche nella musica, è un restaurato simbolismo che trovi forme metafisiche di sostentamento; tutte la capacità innate dell'artista vanno soppesate in proporzione ai nuovi stimoli che la sua arte sa produrre negli individui. Nell'ambito delle attività di alcuni promettenti improvvisatori italiani noto un forte richiamo all'antichità e al rito, dovuto in parte alla consonanza antropologica, in parte alle opportunità che si presentano, ancorate all'adeguamento sonoro che può essere conseguito con i mezzi strumentali moderni. Il richiamo fornito dai fratelli Tobia e Michele Bondesan (rispettivamente sax tenore/soprano e contrabbasso) è inserito in un patchwork improvvisativo di esemplare spessore, immediatamente verificabile come formula Brotherood, in un cd da poco pubblicato da Aut Records che si intitola Oak; di Tobia (classe 1990) s'impongono le competenze e le abilità tecniche sul sax, risorse rimarcate anche da un fatto storico, ossia essere stato il prima jazzista italiano laureato nei corsi della Siena Jazz University del 2015; inoltre Tobia ha impostato anche una certa visuale nella progettualità, tra cui la conduzione della BlueRing Orchestra e la sub-conduzione della Fonterossa Open Orchestra possono considerarsi già realtà addomesticate con proprie idee. Michele (1994) ha una maturità strumentale invidiabile al contrabbasso, nonostante l'età giovane, ed è un musicista già in grado di fornire supporti e soluzioni per l'improvvisazione tramite gli eventi workshops e le esibizioni. I due fratelli sembrano poi legati da un incredibile senso di appartenenza, che può essere captato in scena.\nRitornado ad Oak, l'intreccio tra simbolismo, ancestralità e astrattismo dei nostri giorni è delineato in maniera tale da renderci edotti che la musica ha ancora molta strada da percorrere. Strutturato in 8 improvvisazioni, Oak suscita un paio di considerazioni istantanee già subito dopo il primo ascolto: la prima è la gran serietà che si percepisce nella musica e che in molti frangenti fa pensare mutatis mutandis ad uno sviluppo da étude classico; l'altra riguarda il sistema dei significati, poiché si tira in ballo un sistema simbolico di figure in cui si possono trovare querce, impronte legnose ed immutabili, concetti di resistenza al tempo e naturalmente loa e spiriti benigni. Quanto poi alla bravura, qui c'è una boccata d'aria fresca, un'operazione concepita con uno scopo ben preciso: non solo dei temi azzeccati e la costruzione di uno sviluppo organico, ma ricerca di dinamiche timbriche particolari, assicurate da una sorta di accondiscendenza simulatoria dei due strumenti; i due Bondesan si spingono gradualmente ed accuratamente nei meandri dei loro oggetti sonori, cercando non appena possibile una coordinazione continua, anche sulle estensioni, le quali possono dar vita a rotte ritmiche non prevedibili.\nSi può trattare di allungamenti, parti rough o sclerotiche, di conduzioni unisone, ma alla fine la sensazione è quella di ricavare un soundscapes oltre l'insinuazione del rito: per tutte vale la splendida evoluzione di Little peace song, dove si parte da un tenore irriverente e magnificamente sfilacciato, si continua il percorso in duo tra un bel tema e condivisioni armoniche che producono stati di piacevole astrazione e si termina con un contrasto che porta con sè una dissoluzione completa delle regole convenzionali del sax di fronte ad un basilare accento ritmico di basso; Tobia e Michele hanno anche momenti solitari in Oak, ma in linea generale il tono sperimentale non si perde mai: l'iniziale If I in doubt ask o le segmentazioni di Damballah Weddo hanno una loro autonomia, mostrano collegamenti illustri (Coltrane, Coleman, i sassofonisti tenori del free jazz statunitense, William Parker e alcuni metodi dei contrabbassisti dell'improvvisazione), ma non ti permettono di fissare lo stile di qualcuno in particolare: è una metafisica avvertita sullo scambio primitivo, concepita da due giovani artisti ispirati, a cui auguro sinceramente di continuare su questa linea.\nCon Tobia e Michele ho avuto la possibilità di ottenere un feedback dopo aver ascoltato il cd: sono parole integrative su Oak e su alcune impostazioni della loro musica. C'è molto spessore nelle risposte, il che conferma che si tratta di discutere con musicisti molto preparati; vi riporto di seguito il contenuto del nostro scambio.\nEG: Nella giovane Italia improvvisativa i migliori talenti (vedi Colonna, Bertoni, Leonardi, etc.) sono costantemente alla ricerca di un simbolismo e di creazioni che guardano all'antichità. Sono fonti d'ispirazione che intravedo anche in Oak: la quercia come simbolo di resistenza temporale, le vicende di Damballah Weddo e di Tiamat. In che modo vi accostate all'antichità o in generale all'arte pre-classica? Ci sono delle conoscenze specifiche che avete maturato nella lettura? Dal punto di vista musicale, c'è qualche cognizione su quanto scoperto antropologicamente da Tim Hodgkinson?\nTobia: Più che di antichità parlerei di rituale, non tanto in senso culturale o religioso, ma forse catartico o semplicemente umano: riunirsi intorno a un concetto ancestrale di suono, scandagliare il fondo della nostra esistenza grazie a un atto, un gesto, tipico della nostra specie, senza che esso risulti ghettizzato nella definizione di “etnico”. Ovvio che questo affonda le sue radici nell'origine della musica, ai tempi in cui un giovane homo sapiens scopriva il controllo dei suoni naturali e della loro potenza evocativa, sociale, religiosa, aggregativa. E in questo il crearsi di un rapporto del suono col singolo come strumentista o ascoltatore -il suo studio quotidiano, la sua percezione, la sua estetica, lo scavare a fondo la sua natura e il suo significato- e li rapporto con l'esterno, con il mondo, con il gruppo, la sua funzione tribale, sociale, dedita allo scuotimento delle coscienze, dei subconsci, delle emozioni collettive. D'altronde riferimenti ad un passato altro o ad un futuro remoto sono ricorrenti in molti artisti (gli Art Ensemble of Chicago, Sun Ra...), come se cercassero un altrove ancestrale, dove l'espressione del singolo e della comunità attraverso la musica fossero liberi e vergini. In questo non leggo un riferimento nostalgico a “tempi che furono” ne a un primitivismo da “buon selvaggio” ma, anzi, un cortocircuito temporale che possa influire potentemente sulla contemporaneità, spezzandone la linearità. Prendiamo la quercia, totem di questo nostro primo lavoro discografico: fa parte della nostra formazione di ragazzi e uomini cresciuti in una campagna incontaminata, a contatto con la natura, e fa quindi parte del nostro essere fratelli, del nostro passato condiviso, fa di noi una comunità. Ma la quercia, come il suono, è qualcosa che c'era prima e ci sarà dopo di noi, rappresenta il passato e il futuro, il contatto con una parte intima e animale dell'essere uomini e musicisti, che può essere capito veramente da tutti, anche oggi nel primo ventennio del 2000. Logico che in questo processo i simboli, le analogie culturali, la conoscenza del lavoro di chi ha scosso il flusso temporale con un ritorno a un passato o a un futuro remoto sono fondamentali, sia a livello musicale, che letterario, che riguardante le arti visive e performative.\nMichele: Probabilmente alla radice della ricerca che ho intrapreso nell'ambito dell'improvvisazione e della composizione estemporanea si trova l'esigenza di volgersi alla profondità, intesa come un modo di vivere sé stessi in relazione al mondo, alla storia e agli altri che spezzi i vincoli sociali, estetici ed emotivi relativi alla sola contingenza; è insomma un tentativo di essere più liberamente sé stessi attraverso un'arte rituale ma quotidiana. In questo senso, nel corso di questa ricerca, è sorta spontanea l'esigenza di una simbologia che fosse al tempo stesso attuale ed un “altrove”, di un arcaismo futuribile, di una costellazione di riferimenti (letterari, pittorici, musicali) eterogenei, ma animati dallo stesso slancio vitale ed assoluto, nell'assoluto rifiuto della concezione classico-illuminista prima e romantico-positivista poi di una storia (e di un'arte) dal progresso lineare e causale. Riferimenti imprescindibili sono parimenti dunque Gesualdo da Venosa e Picasso, le pitture rupestri e Basho, l'Art Ensemble of Chicago e i lirici greci.\nL'antichità diventa quindi il luogo emotivo in cui ritrovarsi, interagire, conoscere e ripartire verso esiti inediti, nel continuo tentativo di accogliere e spogliarsi dei condizionamenti; l'antichità è l'infanzia dell'uomo, il tempo della autenticità e della possibilità.\nEG: Ho visto/ascoltato dei vostri video su youtube (qui il link di uno di essi), in cui un elemento di interesse è anche la posizione fisica: siete molto vicini, come in una session casalinga in cui avete bisogno di ascoltarvi costantemente. L'aspetto tattile delle vostre improvvisazioni mi sembra essenziale. Quanto è importante sentirvi?\nTobia: tendiamo a vivere la musica come un atto mentale, tant'è che spesso chiudiamo gli occhi per ascoltarla, come se essa potesse penetrare meglio priva del peso della carne. Ma il suono è un fatto fisico: le onde ci attraversano, scuotono le membrane, le ossa e le viscere. Non parliamo di intelletto ma del panico e dell'eccitazione che ci posseggono alla vista di un evento naturale pazzesco. Questa emozione, questa comunione con l'altro, si ottiene stando vicini, cercando di avvicinarsi il più possibile alla sorgente del fenomeno sonoro. Purtroppo quello della comunicazione mediata è un fenomeno che ci riguarda ogni giorno: dal telefono ai social media siamo abituati a interagire indirettamente e perciò in modo anche innaturale (basti vedere la violenza verbale che si scatena in molti “leoni da tastiera”). Ma qui stiamo giocando con gli elementi, con il corpo, vogliamo guardarci negli occhi quando suoniamo e vogliamo poter entrare in relazione con il pubblico. Nei nostri live consideriamo l'esecuzione una performance completa, nella quale i nostri corpi danzano e si proiettano in e da uno spazio preciso: non mancano eventi spettacolari ed imprevisti, come la distribuzione di strumenti al pubblico e il dislocamento nello spazio durante l'esecuzione.\nMichele: L'improvvisazione, la musica, è gesto: è il corpo. A differenza di quanto si apprende (come studenti di musica e come fruitore della maggior parte concerti) la pratica musicale non è un puro artificio bidimensionale. Probabilmente dipende dallo strumento che suono, dalla mia formazione di musicista classico e dalla conseguente abitudine a vivere in modo prediletto la dimensione acustica, ad ogni modo non credo possa esistere musica senza contatto con sé stessi, senza coinvolgimento e interazione corporea, senza danza.\nEG: Nel corso del cd le estensioni sugli strumenti arrivano gradualmente e sviluppano anche un senso ritmico oltre che timbrico, a mò di studio classico. E' un aspetto che ho apprezzato molto, un carattere distintivo. Tenendo presente anche l'esperienza fatta da Tobia come conduttore di BlueRing Orchestra o assistente co-direttore della Fonterossa Open Orchestra, si può notare che c'è una vicinanza artistica alla produzione di ritmi danzabili moderni nell'ambito della libera interpretazione (hip hop, rap, etc.). Come pensi sia possibile distillare nella libera improvvisazione, tale enfasi ritmica? Potrebbero esserci modi di legare sul palco compositori e musicisti così come fatto per esempio da Kessler e Saul Williams in Germania o De Ritis e DJ Spooky negli Stati Uniti?\nTobia: Il ritmo fa parte dei parametri del suono, lo colloca nel tempo. Non credo che vi sia niente di più naturale del ripetersi degli eventi: il giorno e la notte, le stagioni, il battito cardiaco. Quello che succede in molta musica occidentale è la quantizzazione meccanica di tale ritmo, la riduzione a modello matematico. Penso che il ritmo (anche codificato in metro, addirittura idiomatico) possa più fare riferimento al respiro o ad un'onda che ci percuote, una danza. Quando suono e quando dirigo ( la BlueRing Orchestra e talvolta la Fonterossa Open Orchestra) dentro di me – e talvolta anche fuori!- danzo, salutando il ripetersi regolare o meno del ritmo come un inno alla vita. L'improvvisazione è anche tutto questo, non mi pongo limiti ideologici. Esistono diversi modi di approcciarsi alla modernità del linguaggio improvvisativo: alcuni in cui si riparte dai mattoni fondamentali della musica (i parametri), cercando di allontanarsi il più possibile dall'idioma e altri più post-moderni, in cui si giustappongono riferimenti culturali e linguaggi anche molto lontani. Personalmente credo che un improvvisatore debba fare bagaglio di entrambi.\nPer quanto riguarda composizione e improvvisazione sono due facce della stessa medaglia, il motivo e la spinta per l'una e per l'altra sono per me identici, scaturiscono dalla stessa fonte e con lo stesso obiettivo. Un improvvisatore è un compositore estemporaneo, un compositore è un improvvisatore che scrive ciò che la sua urgenza interiore gli suggerisce. Perciò non vedo incongruenze sul perchè collaborino.\nMichele: Mi ricollego alla risposta alla domanda precedente; l'identità tra pulsazione (o suddivisione metrica) ed impulso ritmico è una enorme limitazione della musica occidentale in generale, e della musica commerciale in particolare. Se si considera quanto l'andamento propulsivo di certe musiche derivi da una loro certa “incommensurabilità” (penso allo swing per esempio), per estensione mi appare evidente che la libera improvvisazione è perfettamente compatibile all'enfasi ritmica, in tutte le sue forme.\nTobia: Strumentalmente mi sono formato all'interno del linguaggio jazzistico, ci sono perciò degli artisti che hanno fatto parte della mia prima formazione che non mi lasceranno mai, sia nel linguaggio più tradizionale, che nel free jazz, che nell'avanguardia contemporanea sia americana che europea. Però devo dire che mi piace scoprire e capire il linguaggio man mano che si crea: considero la mia formazione un'evoluzione costante, che può dare sostanza e vita alla musica proprio per la scoperta quotidiana di nuovi anfratti del suono, provengano essi da nomi illustri o da giovani colleghi. Curiosità, ecco. Ho intrapreso nuove ricerche ascoltando Ornette Coleman, Dolphy, Mingus, Coltrane, Albert Ayler, Roscoe Mitchell, Braxton, William Parker e Hamid Drake, Butch Morris, Henry Threadgill, Tim Berne etc, ma anche avendo la fortuna di suonare con tanti musicisti, pezzi di storia della musica improvvisata e giovani talentuosi e cuoriosi, ascoltando i dischi di amici, conoscendo in modo fraterno i membri dei miei gruppi stabili.\nMichele: intendendo “fonti musicali formative” come riferimenti musicali importanti per la nostra formazione, penso di poter parlare a nome di entrambi citando Mingus, l'Art Ensemble, Braxton e l'AACM in generale, Ornette Coleman, Albert Ayler e tutti gli “eroi” del free jazz e della musica improvvisata, William Parker, Butch Morris. Rimanendo più vicini a noi è impossibile non citare come amica, insegnante e riferimento Silvia Bolognesi.\nEG: Il vostro concetto sulle prospettive della musica. Io sono tra quelli che pensano che la pericolosa defaillance culturale che si proclama in ogni parte del mondo non farà scomparire la buona musica (come quella vostra), ma magari la potrebbe solo ghettizzare. Hai una ricetta, un pensiero molto profondo, su quanto l'improvvisazione libera potrà ancora percorrere e come lo percorrerà?\nTobia: E' indubbio che nella società odierna non solo alla musica, non solo all'arte, ma alla bellezza e all'equilibrio naturale sia dato un senso non monetizzabile e quindi di secondaria importanza. Un musicista di oggi che promuove la sua musica in modo genuino e sincero è un partigiano, un ribelle, un outsider, non per scelta, ma per come (ahimè) è fatto il mondo. Tuttavia, presa coscienza di questa posizione, non è la sfiducia il primo sentimento che mi attanaglia. La bellezza e la cultura continuano a scorrere come un fiume sotterraneo sotto la violenza, la paura del diverso, l'omologazione, quasi fossero un bisogno umano. Credo personalmente di fare il possibile per alimentare questo fiume, come del resto molti colleghi: tutto l'immenso lavoro che facciamo con BlueRing-Improvisers, il collettivo che abbiamo fondato ormai 7 anni fa e che riunisce musicisti di ricerca da tutto il centro nord, il lavoro di Silvia Bolognesi con Fonterossa e l'operato incomiabile di altri collettivi italiani che contro ogni aspettativa sono in gran numero e ricchi di iniziativa. Non credo sia un ghetto, ma forse un mondo a parte, parallelo, che apre volentieri le sue porte a chi lo vuol scoprire.\nL'improvvisazione porta dentro di sé l'espressione del singolo e al contempo della comunità che lo circonda e di cui si nutre. Non ci sarà mai un'espressione musicale più potente ed originale, proprio per questa portata peculiare della musica improvvisata: esprime (nel bene e anche nel male) la singolarità . Quando un musicista mi dice che è alla ricerca del nuovo, di qualcosa mai fatto prima, io rispondo che ognuno di noi è irripetibile e in continua evoluzione, perciò nuovo per l'altro. Forse sopravviveremo proprio grazie alla resistenza di queste singolarità, grazie al dono al mondo della visione con i nostri occhi.\nMichele: Rispondendo a questa domanda il giorno dei risultati delle elezioni europee, faccio molta fatica ad essere ottimista sul ruolo della cultura e dell'arte nel mondo che si profila.\nDetto ciò, sicuramente la musica e l'improvvisazione (non sono forse sinonimi in fondo, in senso lato?) sono necessarie all'uomo, gli sono connaturate come il linguaggio, l'istinto sociale, probabilmente fino ad un livello di “necessità evolutiva”.\nQuesto per dire che non cesseranno mai di esistere, a prescindere dal ruolo economico che, per ragioni politiche e sociali, si sceglierà di assegnare loro. Io credo nella capacità dell'improvvisazione di liberare chiunque vi entri in contatto, di portarlo in profondità, di fargli toccare con mano la quercia della sua infanzia.\nDiritti Riservati - Pubblicato da Ettore Garzia a 17:27 Nessun commento:\nUno dei migliori modi per festeggiare un'ottantesimo anno di età è quello di sentirsi soddisfatto e spiritualmente vicino alle opere su cui si è tanto lavorato: gli 80 anni sono scattati anche per Heinz Holliger, portando in dote (tra le altre cose) un cd che lo svizzero ha registrato con Gyorgy Kurtag nella collana classica dell'Ecm. Zwiegesprache più che un disco è una vera e propria celebrazione di una storia e di un pensiero articolato: si sale alle origini, a quando il compositore ungherese Sàndor Veress si dovette trasferire in Svizzera per ragioni di insofferenza politica; Holliger fu l'allievo prodigio di Veress e nella materia specialistica dell'oboe ne raccolse le pretese compositive. In quegli anni Holliger è all'inizio di una carriera scintillante dove, di fianco alla classe di Veress, matura per proprio conto un'esplorazione completa dello strumento e delle sue possibilità musicali (lo svizzero sarà punto centrale dei cambiamenti timbrici ed estensivi dell'oboe che interesseranno le pratiche compositive di Berio, Carter o Feldman).\nHolliger, attratto dai possibili rinnovamenti dell'arte barocca, portò a termine nel 1957 una Sonata per oboe solo, 4 movimenti dotati di preludio, capriccio, aria e finale, un pezzo straordinariamente importante per un ragazzo di appena 17 anni; fino a quel momento, l'oboe era quasi sempre usato all'interno delle orchestre e nella maggior parte dei casi con funzione timbrica preassegnata. Webern aveva cambiato le prerogative dell'oboe quando nella Passacaglia op. 1 del 1908 ne fece un uso particolare, un indizio che spronò anche la creatività di Veress, il quale nel 1961 ne comprese la portata, componendo una specifica composizione per oboe ed orchestra (vedi qui), in cui affidava ad Holliger il ruolo solista. In quella composizione si erigeva una contrapposizione eccellente tra la string orchestra e l'oboe stesso e si raddoppiavano, in definitiva, le funzioni, perché se da una parte si viveva un magnifico linguaggio dialogico tra l'oboe e l'inafferrabile tensione degli strumenti ad arco, dall'altra l'oboe affrontava per conto suo nuovi scenari umorali, ufficialmente passando dal "sogno" alla "realtà", dall'"incanto" al "dibattito" riflessivo. E' un momento speciale della storia dello strumento che non durerà molto, poiché di là a poco la voglia di sperimentare e di estendere le ricerche timbriche sull'oboe prenderanno il sopravvento: fu qualcosa che invero investì tutta la musica classica, che in quegli anni si concentrava su applicazioni personalizzate del serialismo viennese.\nL'influenza di Veress spande i suoi confini in molta composizione ungherese: un debitore riconosciuto è Kurtag, che ad un certo punto del suo percorso artistico, ha anche scoperto di avere delle affinità con Holliger sia musicali che letterarie: alla fine dei novanta Kurtag costruì un nutrito repertorio per oboe composto con il suo marchio, quella cultura della brevità che l'ha tanto contraddistinto, adesione ai modelli poetici di uomini come Philippe Jaccottet o Fabio Pusterla, che per molto tempo tennero in vita la fiamma del componimento breve, spersonalizzato nella narrazione e teso alla ricerca di un senso da ottenere tramite l'osservazione della realtà. La raccolta degli Airs, le poesie di Jaccottet che molti vedevano come la risposta europea degli haiku orientali, riproponevano una contrapposizione piuttosto frequente nelle arti, quella per cui le poesie del circolo culturale svizzero mettevano in castigo le necessità della narrazione in prima persona, per trovare significati nella segnaletica fornita dalla percezione senza soggetto narrante, una scossa impersonale da trovare nell'esperienza di vita; queste condensazioni poetiche si coagularono intorno ai suoni, che per dimensioni e tecnica compositiva, ne mutuarono l'essenza: non solo brevità, ma anche enigmaticità dei suoni, uso del silenzio o della sottolineatura fioca, musica che importa dentro di sé potenza, che si libra tra gli alberi.\nKurtag dedicò Einen Augenblick Lang a Holliger ed assieme a lui verificò la lezione di Veress incrociando il tono realistico dell'oboe con quello disponibile su corno e clarinetto basso, in modo da riattivare quell'embrione abbozzato da Webern nella sua Passacaglia; sono tantissime le plurime similitudini che Kurtag e Holliger hanno mostrato negli ultimi dieci anni circa, anni in cui le rispettive composizioni seguono la stessa impostazione e Holliger inserisce nella partitura i versi di Jacottet, come impliciti mezzi di persuasione sensoriale delle parole, da trasferire nella musica.\nIn Zwiegesprache si intercettano tutte queste considerazioni, si scopre la dimensione felice di Holliger in mezzo alle molte percorse negli anni (si badi bene, una felicità che proviene tutta dall'autore) e si dà conto forse della chiusura di un cerchio, quello che era partito con la Sonata del '57. Sono frammenti di una maturità invidiabile.\ndes riviéres dérangées :\nL'age regarde la neige\nJaccottet, primo dei sette poemi di Airs\nLa pubblicazione del libro Il suono ruvido dell'innocenza, testo di coordinamento con cui il critico Davide Jelmini omaggia l'attività degli Enten Eller, segue un criterio di svolgimento molto differente da quanto normalmente viene affrontato nella stesura di una biografia o di un'analisi musicologica; con molta schiettezza, Ielmini ha dichiarato di sposare le abitudini dei social networks, realizzando un testo che chiede condivisioni multiple in termini di scritti critici, di interviste agli attori del gruppo o di contributi di coloro che hanno partecipato a vario titolo alle vicissitudini del gruppo nel corso dei loro 32 anni di attività. In quest'azione di ricerca dell'"essenza", aldilà di tutto quello che è stato detto e fatto, c'è un'umanesimo dell'analisi che, a dir il vero, è ben presente anche in Massimo Barbiero, che ringrazio tanto per la stima e per la voglia di sottoporre a critiche intelligenti e costruttive i suoi lavori. Direi, che il criterio seguito da Ielmini ha i suoi punti di forza, sebbene una ricostruzione consapevole scatta solo a lettura terminata, quando si riescono ad incastrare tutti i tasselli di una storia che comprende dischi, pensieri, storia, fotografie e considerazioni artistiche.\nDa parte mia, vorrei solo segnalare, come gli Enten Eller siano stati influenzati dal clima musicale che si respirava negli anni settanta a Torino; così come sottolineato da Carlo Actis Dato nel suo contributo-intervista, in quegli anni c'era bisogno di fornire alternative al jazz tradizionale e dare nuove prospettive di tipo improvvisativo: la città incominciò a beneficiare del riflesso dell'attività di musicisti carismatici come Gaslini, Schiano, Schiaffini, etc., di alcuni gruppi free jazz locali tra i quali spiccava l'Art Studio del quartetto composto da Actis Dato-Lodati-Fazio-Sordini, e di una serie di corsi e concerti creati dalla Cooperativa CMC (Centro Musica Creativa). "...arrivavano molti giovani e giovanissimi interessati tra cui Massimo, Maurizio e gli altri. Diciamo che loro sono stati una delle migliori cose venute fuori da quell'esperienza cooperativa quasi imitando, pian piano, quel che faceva l'Art Studio e altri gruppi semi/free...". (Actis Dato, tratto dal libro a pag. 103).\nPenso che ci sia molto di vero in questa affermazione di Carlo, perchè l'involucro formativo degli Enten Eller fu condizionato da una creatività consapevole che le differenze con la media degli artisti jazz si sarebbero potute ottenere solo spingendo sulle capacità dei musicisti, sulle modalità con cui approfondire gente venerata come Paul Bley, Eric Dolphy o Steve Lacy, trovare interpretazioni nuove in un contesto ritmico rock. Ugo Boscain (primo pianista del gruppo) e Mario Simeoni (flauti e sax dei primi albums) e i quattro musicisti stabili (Massimo Barbiero, Maurizio Brunod, Alberto Mandarini e Giovanni Maier) hanno portato in quella miscela di fusione la filosofia, hanno camminato sulla soglia tra idioma jazzistico ed improvvisativo, hanno perfezionato la loro musica nel tempo creando collegamenti immediati con le altri arti (danza e fotografia in special modo).\nCi sono dei veri e propri pinnacoli creativi da esacerbare per loro, frutto di idee serie che hanno attraversato la vitalità del gruppo, togliendolo da qualsiasi trappola retorica: con quattro strumentisti particolarmente bravi, ispirati ed intelligenti, gli Enten Eller hanno supportato albums come Auto da fé o Euclide (con Tim Berne, Achille Succi e Lauro Rossi come sezione aggiunta di fiati), hanno instaurato il progetto di rivisitazione di Il settimo sigillo, lo splendido film di Ingmar Bergman, plasmato su coreografie e fotografie, in un momento in cui in Italia non c'era una piena versatilità su questi argomenti, hanno paventato l'E(x)stinzione politica e sociale traghettando la trance contemporanea da uno specifico progetto basato su uomini, società ed orchestra, hanno fornito un alibi alla gestualità, all'efficacia della narrazione oltre gli ambiti musicali e alla ripresa mitologica tramite le intenzioni di Pietas, Tiresia e Minotauros, che rappresentano il corso più recente. In tutto questo percorso il compito di stabilire percezioni ha avuto in Barbiero il suo più grande alleato.\nPiù che un suono "ruvido" dell'innocenza, per gli Enten Eller sarei più propenso ad inviduare un suono "maturo" dell'innocenza. Questo libro è lo specchio di una storia salubre, di una ricerca di modelli e stili di vita che pensano con il proprio cervello, in breve di un'esperienza artistica pienamente disponibile per le nuove generazioni di musicisti, le quali purtroppo spesso dimostrano di non avere quella curiosità e forza caratteriale per uscire fuori da quel silenzioso empasse distopico che pervade gran parte degli ambienti musicali.\nDiritti Riservati - Pubblicato da Ettore Garzia a 19:23 Nessun commento:\nSassolini, perle, action painting, arte cattiva ed omnifonie\nL'attuale disfacimento culturale è complice di un avvitamento che attanaglia anche il mondo musicale. In questa situazione, uno dei compiti ingrati di un discografico è quello di fornire resilienza in un contesto che si assottiglia in maniera severa: in casa Setola di Maiale, Stefano Giust ha portato avanti una coerenza che non si frantuma nemmeno di fronte ai più delittuosi tentativi della stampa di trascurare un'importante rubrica della musica contemporanea, quella in cui è necessario ascoltare e distinguere, imparare a riconoscere la verità dei contenuti e, in definitiva, comprendere l'arte che la sottende. In questo scenario va da sé che le scelte di Stefano vadano sostenute.\nNell'ultima tornata di novità della sua label, le opportunità musicali che danno senso a questa ricerca di coerenza e qualità, non mancano di certo. In questo post mi occuperò solo dei musicisti non italiani, rimandando ai prossimi giorni un'analisi di quanto prodotto da musicisti di casa nostra. Si tratta di due chitarristi statunitensi (Jeff Platz e Steve Gibbs) alleati con una tratta di improvvisazione germanica (tedeschi ed austriaci) e del celebre Philip Corner, noto americano del Fluxus, rapportato con due esibizioni divise tra l'Italia (sua residenza) e la Cina. Sono ponti fra continenti ancora fruibili e, per quanto concerne l'Oriente, porte aperte per una prima conoscenza di una realtà improvvisativa che si rinnova oggi al buio delle nostre istituzioni musicali.\nPebbles & Pearls è il titolo di un cd di un quartetto di improvvisatori che vede il chitarrista Jeff Platz unirsi a tre improvvisatori di rango dell'area tedesca, in un concerto al Kunsthaus di Wiesbaden, un luogo celebrativo della cultura tedesca con gallerie d'arte, sale destinate a conferenze e seminari ed un'efficiente biblioteca a supporto degli artisti. I tre improvvisatori di lingua germanica sono il sassofonista Dirk Marwedel, il contrabbassista Georg Wolf e il batterista Jorg Fischer; si tratta di figure considerevoli della free improvisation tedesca della seconda generazione, musicisti che non hanno nulla da invidiare quanto a tecnica ed idee improvvisative, a quei musicisti che hanno avuto una visibilità maggiore, costruita anche con qualche incisione in più. Marwedel, in particolare, è uno specialista delle estensioni del sax (ha estratto sonorità da tubi, palloncini ed altri corpi sonori), interessato ad intersezioni con installazioni, pittura e sculture (quelle sonore in pietra di Kubach & Kropp): ha suonato in moltissimi festivals ed ha finanche sviluppato una sua filosofia improvvisativa. Wolf e Fischer vennero alla ribalta come la sezione ritmica di Uwe Oberg, quando nel '97 incisero Lo, un cd che gli appassionati del settore hanno avuto modo di apprezzare nel laboratorio di Leo Feigin.\nPebbles & Pearls è un omaggio alle teorie dinamiche e alle strutture modificabili: passa da casuali tessiture insabbiate nei regimi calmi dell'acustica musicale, ad azioni di cambiamento di stato che producono tracimazioni energiche. Un calcolato espressionismo astratto applicato alla musica, certamente non nuovo, ma che si lascia apprezzare per la percezione d'arte che riesce a trasmettere.\nDopo aver partecipato allo splendido quartetto di Wasteland, il chitarrista Steve Gibbs ritorna su Setola con il trio Namu3, progetto d'improvvisazione attuato assieme al pianista/percussionista Joachim Riffel e al violoncellista Willem Schulz. I tre suonano insieme da diverso tempo, attuando una presentazione in scena che potrebbe ricordare un riempitivo barocco: piedi nudi, raccolti in uno spazio ravvicinato, con Gibbs che impugna una chitarra preparata a 8 corde e Riffel seduto a terra con un set di percussioni ed oggetti.\nIl sottosuolo teorico di Un deux trois quatre (questo il titolo del cd) è quello di un set improvvisativo speciale, che al suo interno condisce alcuni elementi: una particolare esplorazione delle virtù teatrali, senza una vera connessione temporale, un riferimento alle incomprensioni del linguaggio dadaista e a quelli vergini, sviluppati in seno all'improvvisazione degli anni sessanta, austerità e interposizione sulle estensioni. che paiono maltrattamenti. I numeri della titolazione indicano 4 brevi sketches, che ingabbiano musicalmente la dimensione dei teatrini dei burattini, fornendo supporto sonoro a ciò che potrebbe essere immaginato come una via di mezzo tra farsa e stordimento non-sense; si travolgono i significati, i recitativi diventano atti sfigurati che nascondono drammaturgie leggere di diversa provenienza, anche geografica (l'Oriente tiene anche il suo peso), ma in queste trasmigrazioni immediate dei suoni c'è la possibilità anche di innamorarsi della stranezza, di soffermarsi con piacere sulla sensazione complessiva derivata dal complesso preparato dei suoni, la tavolozza creativa sprigionata dall'action painting in sound, la definizione usata dai tre musicisti per descrivere il loro assetto musicale.\nQuando si compie una ricognizione sul movimento Fluxus per verificarne la sua vitalità, spesso ci lasciamo trascinare da falsi preconcetti: si fa presto a dichiarare la morte di qualcosa che invece diventa un patrimonio estendibile al pari dei tanti movimenti artistici che la storia ha prodotto; teoricamente si potrebbero costruire ancora scorie del medioevo, della classicità o dei "disturbatori" dell'arte del novecento. Riguardo al Fluxus, abbiamo la fortuna di avere ancora con noi alcuni dei suoi rappresentanti storici, nonostante l'inevitabile arrivo dei capelli bianchi: uno di loro vive proprio in Italia. Documentare l'attività di Philip Corner non è certamente compito facile alla luce di quanto prodotto in più di mezzo secolo, tuttavia l'attuale rapporto creato in Setola di Maiale è la migliore delle sistemazioni che l'artista statunitense potesse trovare, il luogo giusto per far girare le sue produzioni (un primo impatto c'è già stato grazie a 3 precedenti pubblicazioni); ciò che Luigi Meneghelli chiama "autentico azzeramento del linguaggio" è quanto si propone spesso in registrazioni ed opere di Corner, ed anzi, il cd gli va pure stretto, in mancanza di un impianto visivo dove verificare il resto.\nDue sono le pubblicazioni proposte: un concerto distraente del 2014 a Reggio Emilia, con l'Ensemble Dedalus*, ed uno proveniente da Shangai con improvvisatori cinesi. Per quanto concerne il primo di essi, non sarebbe male se andassimo a disturbare le affermazioni di Rosenkranz sull'estetica del brutto: Corner ha impostato una Ugly music, improvvisazioni composte facendo ricorso ad una serie di manovre completamente in conflitto con qualsiasi regola di buona riuscita; grazie alla scrittrice Ivanna Rossi abbiamo anche un commento e qualche foto di queste esibizioni (vedi qui), da lei chiamate "sconcerti" per via delle preparazioni usate, degli stridori profusi, degli ululati e conati simulati da Corner. Ma quanto cercato da Corner è un concetto di conversione dell'arte, di scavalcamento delle logiche, di adesione ad una politica di graduazione del brutto a cui non interessa forse nemmeno una valutazione. Per un'operazione che insiste sul fatto di voler vivere nella negazione degli eventi e nell'opposto razionale, la riuscita sta nella dimensione emotiva dei suoni creati e far suonare tutto non significa automaticamente garanzia di successo: le tre evoluzioni di Dedalus Parma 30 May, 2014 forse non permettono di avere la stessa visione entusiastica di Corner, tuttavia rendono benissimo l'idea di uno strapazzamento del mondo e di un suo incredibile, animalesco come back temporale.\nLa seconda pubblicazione è un concerto tenuto al Power Art di Shangai nel maggio del 2018, da un gruppo di improvvisatori cinesi. Naturalmente Corner non ha partecipato all'evento, ma ha fornito le sue istruzioni minimali all'ensemble, istruzioni che sono indicate all'interno del cd, in cui si nota anche una distribuzione spaziale dei musicisti non prevista da Corner.\nIn Omniphony concentrate for a multicultural mix il principio è chiaro, voce/dimensioni che si sostanziano in una trasposizione geografica dettata dall'empatia spirituale e politica che l'artista ha sempre riversato sulle tradizioni orientali: Corner mi ha inviato un testo straordinario, che sarebbe stato utile riportare nelle note interne; si lavora sull'importanza dell'oggettività delle azioni e della realtà, grazie ad un intraprendente ensemble di musicisti cinesi (noi europei sappiamo troppo poco della situazione improv attuale orientale!), che suonano guidati dal sassofonista soprano Jun-Y Ciao**, con inserzione di zhong ruan, indian flute, sheng, erhu, oltre che di cello, bass guitar e mini tastiera.\nIn on a Drone, l'istruzione è: "a free improvisation on indigenous instruments or vocal styles based on a common-sustained-tone (which could be "neutral" like electronics) - or taking it up between their solos"; qui il clima diventa più estatico, il silenzio acquisisce un ruolo più definito nella successione degli interventi musicali, e vengono contenute anche zone di canto impostate alla preghiera, con spunti elegiaci che profumano di iconografie orientali.\n* l'Ensemble Dedalus era composto da Amélie Berson (flauto), Thierry Madiot (trombone), Deborah Walker (violoncello), Silvia Tarozzi (violino), Didier Aschour (chitarra), Sofi Hémon (score design) e Philip a pianoforte e voce.\n**I musicisti della perfomance sono: Fish (bass guitar), Mo Sha (zhong ruan), Yi Tao (percussioni e flauto indiano), Tian Wang (violoncello), Meng Zhang (sheng), ShiNuan Zhao (mini keyboard), YunQi Zhu (erhu), oltre a Jun-Y Ciao al sax soprano e alla project direction.\nGreyfade Records: la nuova label di Joseph Branciforte\nNei lavori musicali dediti soprattutto al jazz o all'improvvisazione libera diamo spesso poca visibilità al lavoro di produzione o a quello di progettazione del suono (quanto riguarda i compiti di un ingegnere del suono o di un fonico). Nel 99% dei casi, le stesse recensioni critiche si concentrano sui musicisti senza mai esprimere un giudizio di sorta su queste indispensabili e preziose attività di coordinamento; la mail che Joseph Branciforte mi ha inviato da New York per sottopormi il primo numero della sua neonata etichetta greyfade, stimola il pensiero che una preparazione adeguata e un'esperienza fattiva sulle modalità di organizzare/omogeneizzare un prodotto musicale, è circostanza assolutamente necessaria per una migliore percezione delle prestazioni dei musicisti. Nel più assoluto silenzio informativo, Branciforte ha polarizzato il sound di moltissime registrazioni di jazzisti o improvvisatori di vaglia, come Mark Dresser (Nourishments), Tim Berne (Shadow man), Nels Cline (The veil), Peter Evans & Travis Laplante (Secret meeting), Jen Shyu (Sinastry), Matt Mitchell (Fiction), solo per nominare alcuni; ha dato il suo contributo al missaggio e all'editing di artisti jazz o di classica (il Sélébeyone di Steve Lehman, il Sanctuary Road di Paul Moravec, etc.); è stato produttore dei The Cellar and point, un ottimo gruppo con ampie predilezioni artistiche, che recensii anche su queste pagine (vedi qui), ma soprattutto ha anche maturato un'esperienza di produzione indiscutibilmente importante, grazie all'apporto profuso in Hydra, un cd di Ben Monder (per vedere la lista completa dei credits, clicca qui). Il bravissimo chitarrista americano si è spesso esibito in duetto con il cantante Theo Bleckmann, dando origine ad una serie di splendidi e non convenzionali lavori, e tale coppia vincente fu anche riportata in Hydra.\nIl primo capitolo della greyfade (che adotta la rigorosa forma dell'LP + versione digitale) NON è però un lavoro di jazz, bensì di elettronica; è soprattutto un modo per segnalare definitivamente la presenza di Branciforte anche come musicista: LP1 è un duo proprio con Theo Bleckmann, che in qualche modo prende vita dall'apprezzamento immenso che Branciforte ha avuto nel duo Monder-Bleckmann; nelle note accompagnatrici del lavoro l'ammirazione è per cds come Origami di Bleckmann o Excavation di Monder (e chi potrebbe dire il contrario?), e una sorta di gancio è la produzione che Branciforte ha attuato proprio per Hydra, il cd di Monder e Bleckmann pubblicato nel 2014. In Hydra, quando consentito, la mano produttiva era composta da effetti dilatatori di Fender Rhodes e sintetizzatori: si intuisce che il progetto produttivo in LP1 si amplia, diventa manovra costante su un'idea, e sfrutta oltremisura l'interazione elettronica profusa dalle manipolazioni vocali di Bleckmann.\nLa vocalità di Bleckmann è molto più eterea del solito e la consueta angelica supposizione che ne deriva tramite i loops vocali, viene qui trasformata in qualcosa che fa pensare ad una fluttuazione liquida; d'altro canto si arguisce lo stile produttivo di Branciforte, un sound sculpture inesorabilmente impostato nell'umore, con puntellature granulari, tocchi per inquartare la mente in simulazione di percussioni mallets, scarne allegorie al data sounds, ed alcune sfumature di routine procacciate dall'ambient music (mi viene in mente Taylor Deupree).\nQuello di LP1 mi sembra un progetto già validissimo, che regge sul contrasto tra realtà ed astrazione, sessioni di improvvisazioni libere, poi lavorate alla ricerca di una solidità di contenuto; sono visuali speciali di ambient music, che nel loro quoziente intellettivo presentano comunque ancora enormi spazi di miglioramento.\nDiritti Riservati - Pubblicato da Ettore Garzia a 20:16 Nessun commento:\nNel suo Jazz, hot and hybrid Winthrop Sargeant sottolineava che l'apparente libertà del jazz potesse essere messa in discussione solo con un superamento delle sue linee armoniche: bisognava evitare le ripetizioni, le idiomaticità, compiendo un salto qualitativo nel valore delle prospettive improvvisative. Non è un problema di poco conto se lo rapportiamo all'ontologia della musica e a ciò che può essere pensato come arte: nella libera improvvisazione sarebbe praticamente impossibile stabilire una struttura invariabile, con proprie caratteristiche, e sarebbe difficile anche la qualifica di questa musica nell'ambito di quel privilegio che la considera arte, che si fonda sulla possibilità di revisionare un'opera. Ho già espresso in passato un motivo di diniego di queste teorie, perché convinto assertore di una teoria che può trovare valenze artistiche anche nel solo "cappotto" istantaneo; l'arte improvvisata condensa possibilità di identificazione pari a quelle con una definita ontologia solo se passiamo ad altri punti di riferimento, e un'accostamento alle altri arti (pittoriche, letterarie, etc.) è sempre verificabile, si può comunque enucleare un unicuum musicale, tralatro disponibile anche al suo ingabbiamento in una registrazione discografica.\nUn altro percorso ontologico ci viene presentato dal quartetto Joao Pedro Viegas (clarinetto), Luiz Rocha (clarinetto, anche basso), Silvia Corda (piano) e Adriano Orrù (contrabbasso) in Unknown Shores: qui l'atteggiamento è biologico, si qualifica in base a specifiche tecniche estensive per raccogliere un determinato umore. I quattro musicisti si coordinano in vari modi: i due clarinettisti producono un'estetica del soffio ombroso e talvolta ritmico (sentire quanto succede in Des pas sans neige), Orrù usa il contrabbasso come un oggetto sonoro, mentre la Corda imposta molti dei suoi interventi in una fantastica economia di mezzi (poche note che sembrano un alfabeto in codice o brevi scalate sulla tastiera che sono cugine per intensità di manovre percussive sulla cassa del pianoforte). Ciò che viene fuori da Unknown shores è una sensazione supercentrata, auralmente sembra di stare sotto una baracca di ferro sotto un cielo grigio e tendenzialmente piovoso; si additano "cellule" in movimento grazie all'espressività dei suoni. C'è una preparazione importante sotto queste improvvisazioni, una circostanza che rende "evidenti" i significati nascosti, fa superare le "soglie" sospettose, esprime attenzione per un purificato ambiente della musica, che guarda lontano nelle sue libertà. Innocenza ed arte: follow the white rabbit.\nL'Amirani R. ha supportato l'etichetta We Insist R. nell'opera solista del percussionista Cristiano Calcagnile, dal titolo st( )ma. Si tratta di un packaging lussuoso, musica su Long Playing con video-dvd, ampio booklet di note e foto annesse, con Calcagnile che istruisce un personale drums set integrato: una batteria 60's grets "round badge", cimbali, percussioni varie (bells, aerofoni, whistle, oggetti riciclati, cowbell, chains, toy glockenspiel), una drutable guitar (4 corde tirate su un pezzo di legno autoconcepito), alcuni dispositivi elettronici (un pedale con ritardi, un armonizzatore digitale, il synth Cathedral reverbe, un produttore di effetti Overdrive distorsion).\nst( )ma è un concept solista, risultato di uno sforzo creativo che deriva da una tremenda ispirazione, quella della perdita della madre del musicista: "...ho maturato la convinzione che i moti dell'animo abbiano bisogno di una "casa" in cui albergare perché non ci esplodano dentro....per fare ciò è necessario un processo di codifica, di trasformazione e traduzione, delicato e complesso...." (Calcagnile nelle note interne); la titolazione richiama diversi significati, ma quello visto come "bocca delle piante" è certamente il più usato in questo lavoro, poiché si realizza l'idea della trasformazione prima citata: questo avviene sia musicalmente per delimitare un passaggio biologico o metafisico, sia nel video accompagnatore di Bruno Pulici, per sfruttare un simbolico raggio d'azione. Tuttavia, non meno importanti, sono i mezzi utilizzati nella trasmutazione, un obiettivo che viene sviluppato nei 6 brani di st( )ma con gradualità, passando anche da un'estetica dell'allucinazione, del disgusto e del repellente: nel video a supporto, ampio spazio viene dedicato al cammino di un insetto, dove la capacità di ingrandire lo scenario (anche una goccia d'acqua sembra poterci impensierire) suggerisce un'arte alla Anish Kapoor, un idioma che nella musica contemporanea il compositore Santi Gubini ha colto ultimamente come musica dei vermi; il tema del "vuoto", l'uso delle tinte rossastre, la reazione ripugnante che cerca di sistemare sullo stesso piano timbrico insetti e strumenti, affiorano nella musica di Calcagnile sotto forma di segnali acustici repulsivi, di drumming irretito ed invocante, di configurazioni miste tra ancestralità e moderne possibilità poliritmiche (la condivisione dell'arte antica di Harry Partch con un batterista di intelligence dance music), di spazi acustici aperti all'imprevisto e al desiderio di sperimentare un baratro. E' un'estetica della "voragine" che va oltre l'oscurità o la meditazione ingenua di tanti percussionisti: è composizione che potrebbe discendere dalla drammaturgia teatrale, abbozzando caratteristiche nuove del suo modo di essere.\nMi è sempre molto difficile poter coprire tante richieste che mi giungono da varie fonti: Percorsi Musicali ha preso l'impegno di seguire sentieri specifici della musica, a mo' di missionario che cerca di divulgare una religione che difetta di vera conoscenza. Questo è il motivo per cui si è ridotto il mio contributo verso la musica classica puramente tonale o verso generi popolari, contributo che nei primi anni era paritario.\nPerò, sia per effetto delle segnalazioni dirette degli artisti che di quelle del buon Paolo Pinto, addetto stampa della Stradivarius, mi trovo con un bel pacchetto di lavori dell'etichetta milanese, su cui mi sento di esprimere qualche pensiero, in virtù anche del fatto che nella maggior parte dei casi si tratta di abbinamenti strumentali inconsueti.\nParto dall'enfasi sumera che tanto intrigava il compositore Lou Harrison. Basandosi su alcuni rinvenimenti improntati alla tipica scrittura cuneiforme dei sumeri, Harrison era convinto che la teoria musicale andasse spostata almeno 1500 anni prima di Cristo, periodo di piena maturità della civiltà mesopotamica; l'americano, che era un fervido appassionato dell'antichità strumentale, non poteva fare a meno di mettere in relazione le raffigurazioni o i dipinti trovati in Iran con i legni arcuati che diedero origine all'arpa. E' sulla sostanza di questo terreno teorico che Harrison usò questo strumento sia in veste solistica, che dentro gli ensembles o le orchestre, dandogli un'importanza non secondaria nel contesto timbrico. Un ripasso eloquente di molti pezzi scritti da Harrison per l'arpa è uno dei contenuti di The Planets, cd dell'Avalokite Duo, formato da Guido Facchin e Patrizia Boniolo (percussioni ed arpa rispettivamente); Facchin è un percussionista di valore, professore e musicista che si presenta in concerto con un ventaglio ampio di strumenti (tom toms, glockenspiel, gongs, chinese cymbals, ocean and wind drum effect, etc.), ha scritto un libro guida sulle percussioni di tutto il mondo ed è un amante della musica di Harrison, perché la storia ci dice che Harrison lasciò un grande ricordo sulle percussioni (gamelan in testa); Facchin e Boniolo registrano The Planets, un nuovo pezzo scritto da Facchin di 48 minuti circa, come suite in 9 parti: è un grazioso e libero incontro di musica che rimugina sulle divinità della mitologia greca, con indicazioni umorali che rimandano alla semplicità sumera e ad una modalità narrativa che funziona.\nDi immutabilità del tempo sembra volerci parlare anche il pianista e compositore Fabio Mengozzi (1980), di cui invidio certamente il fatto di aver avuto la possibilità di conoscere Aldo Ciccolini, suo maestro. Con un curriculum già invidiabile, Mengozzi ha superato una fase critica della sua musica, scivolando via dalle prime tendenze non tonali; ciò che è stato raccolto della nuova configurazione stilistica è quanto il pianista astigiano aveva accumulato in molti anni, ossia una serie di composizioni originali impostate su una classicità più conclamata. Con una cover simbolica, in cui figura anche una sfinge egiziana, Mistero e poesia (questo è il titolo del cd) non farà certo gioire gli amanti dell'avanguardia o i seguaci delle complicazioni classiche (anzi ne potrebbero travisare gli scopi), tuttavia si tratta di un'operazione che ha una sua logica formale ed una costruzione sentimentale fortissima, auralmente trasferita dalle mani di Mengozzi (che è anche esecutore dei suoi pezzi) ai tasti del piano, un connubio che dà probabilmente i suoi migliori frutti nei brani più lunghi: gli 11 minuti di Mysterium o i 7 minuti di Sfinge riproducono una trance nostalgica e modulata alla maniera di un brano romantico classico; ma, in un certo senso, è come se Brahms si fosse avvicinato ai tempi di Richter.\nC'era un aspetto che mi intrigava di sapere su Mengozzi, che costituiva una caratteristica basilare del suo modo di comporre: il riferimento in partitura alle proporzioni matematiche di Fibonacci e alla sezione aurea. Ho raggiunto per email Mengozzi, il quale mi ha fatto presente che nella sua musica "...la sezione aurea determina la forma del brano, ne delimita le sezioni, permette di fissare il punto culminante. Anche le ripetizioni di singoli frammenti sono gestite attraverso procedimenti che hanno a che fare con la serie di Fibonacci, strettamente connessa con la sezione aurea. Nulla viene lasciato al caso, anzi il mio tentativo consiste proprio nel voler sottrarre al caos la mia opera, inserendola in un progetto fondato sull'ordine....".\nMolto interessante è quanto sta succedendo al fagotto e alle sue tonalità negli ultimi vent'anni: in Italia Alessio Pisani, uno dei più bravi ed attivi fagottisti del momento, cerca di portare in emersione uno strumento che per tanti motivi è stato sempre succube come popolarità di strumenti orchestrali timbricamente vicini. E' un discorso che Pisani sta portando avanti senza limitazioni di sorta, eludendo spesso i vincoli classici e soffermandosi anche sulle proprietà performative dell'improvvisazione.\nCiò che propone per Stradivarius è LowBb bassoon cluster, una raccolta di composizioni classiche recenti, suonate insieme ad un quartetto di fagottisti (con lui Giorgio Mandolesi, Massimo Ferretti Incerti e Maurizio Barigione). Si spazia tra divertimenti (quelli composti nel Divertimento op. 92 da Claudio Leonardi o nel Ance Oscure di Carlo Galante), madrigali (quello di Marco Betta), organistici-corali (il Four sides di Marco Pittino), fino ad arrivare ai contrappunti contemporanei (Il Magnifico cannocchiale di Carla Magnan e In chiave d'autunno di Nicola Sani). I quattro suonano benissimo, per la gioia di coloro che apprezzano questa inusuale aggregazione timbrica, in cui spesso entrano in gioco sostituzioni soliste o raddoppi (controfagotto e fagotto tenore); inoltre si sottolinea come questo quartetto possa costituire un polo unico per lo sviluppo del repertorio in Italia.\nRitorno alla contemporanea, segnalandovi quest'ottimo cd del trombettista Mario Mariotti, 7 pezzi che formano Dialogo del soffio e del metallo, un cd che ha più di un motivo per essere selezionato. Si parte da una scelta azzeccata del repertorio, il quale spazia in territori ricercati, con un peso dato soprattutto alle estensioni e ai reagenti dell'elettronica. Mariotti riattiva circoli di benessere quando si concentra sulla Sonata per tromba ed organo di Hovhaness (dove lo sviluppo strumentale viene condiviso con l'organista Fabio Nava) e su una serie di composizioni contemporanee per tromba ed elettronica (la Metallics di Yan Maresz, una versione per tromba di Ricercare una melodia di Harvey, la Contemplation 1 per flicorno di Jarmo Sermila e t1 di Tae Hong Park), pezzi in cui si deve misurare a vario titolo con la parte elettronica, importante quanto quella solista. Mariotti dimostra di avere una maturità impressionante, fornendo bellissime versioni di tutti i pezzi scelti e studiati, che fanno intendere quanto il musicista sia diventato bravo su tempistica, sordine, interazione con l'elettronica e liberazione di timbriche specifiche; Pietro Pirelli è un ottimo coaudiuvante nel sorreggere molti impianti musicali con le piastre metalliche ed altri oggetti.\nLa finale Dialogo del soffio e del metallo è l'autografo di Mariotti, ed ha un umore speciale: in un puntellamento alla tromba che sembra simulare persino soffocamento, Mariotti si scontra con una processione di suoni metallici, e quando i climax si smorzano nella parte finale, si adegua al lumicino, rasentando la simulazione timbrica di un urlo umano strozzato.\nIn Music for Solo performer Alvin Lucier, posto in uno stato di meditazione, indossava sul cranio un cerchio di elettrodi da elettroencefalogramma, la cui attività (che nella regola medica sarebbe visualizzabile graficamente su un foglio di carta chimica) veniva amplificata e smistata a mo' di segnale elettrico su percussioni, che in tal modo si animavano per effetto proprio di quegli impulsi. Questo "processo" musicale assecondava l'incremento delle conoscenze derivanti dall'elettronica del periodo, con più motivazioni da raggiungere: la percezione acustica di un fenomeno assolutamente silenzioso (gli impulsi che si svolgono nel cervello), un valore artistico da poter cogliere nella rappresentazione (poiché i suoni comunque ottengono una via di uscita sonora) e la possibilità di cominciare a sfruttare la musica per esperimenti interdisciplinari (utilità messe a disposizione per la comunità scientifica). Da quel momento, con una velocità impressionante, lo sviluppo tecnologico ha implementato nuove apparecchiature per costruire analisi nettamente più evolute dei tempi di Lucier: si è infittito il rapporto tra ricerca scientifica e musicale, grazie ad una più proficua collaborazione tra ricercatori e musicisti, e alcune delle principali innovazioni ottenute nella diagnostica medica si sono rivelate utili per l'applicazione musicale e i suoi rapporti con le cognizioni mentali; tomografie, neuroimaging funzionale, risonanze magnetiche, Spect e magnetoencelografia hanno rinforzato quelle tenui speranze derivanti dagli elettroencefalogrammi, usati anche da Lucier. In pochi decenni è stato possibile costituire una ricca serie di esperimenti, soprattutto in quella branca delle neuroscienze che si occupa di studiare le connessioni del cervello in relazione a determinati stimoli.\nTra i molti ricercatori impegnati in queste relazioni, la dott.ssa Alice Mado Proverbio è sicuramente una delle più attive in Italia: alla Bicocca milanese, la Proverbio insegna Neuroscienze cognitive, ha svolto moltissime indagini nel campo musicale grazie all'apporto di allievi, compositori ed esperti di musica (da Vittorio Zago a Giorgio Colombo Taccani, da Andrea Pestalozza fino a Rossella Spinosa). La Proverbio ha appena pubblicato un libro, dal titolo Neuroscienze cognitive della musica, per Zanichelli Ed., che in maniera completa documenta tutti gli sforzi che sono stati fatti in materia per cercare giustificazioni scientifiche o genetiche a ciò che deriva in vario modo dal mondo musicale: diviso in 13 capitoli, il testo della Proverbio ha natura interdisciplinare, poiché fonde gli argomenti scientifici (tipicamente affrontati con il linguaggio medico) con le tematiche musicali, e gode di una grafica eccellente, dove i testi vengono accompagnati da figure, foto e tabelle statistiche esaustive ed a colori. Per chi ha una cognizione parziale delle mappature del cervello o non le ha proprio, Neuroscienze cognitive della musica rappresenta anche lo spunto giusto per cominciare ad averle o approfondirle, fermo restando che la materia viene trattata con molto ordine, evidenziando le parti del cervello coinvolte nei tanti stimoli che appartengono all'iniziativa musicale. La Proverbio vi chiarirà le idee sull'esistenza di un'attitudine alla musica, su quanto è stato sperimentato sui feti o sui neonati, sulle zone che attivano l'immaginazione musicale, su come funziona il cervello di un cantante o su quanto succede leggendo uno spartito; commentando i risultati di tanti esperimenti (propri ed altrui) apre un finestra su nuovi fronti della ricerca, dai neuroni audiovisuomotori a quelli a specchio (l'analisi scava sulle relazioni empatiche degli ensembles o dei segnali dei direttori d'orchestra), dai miglioramenti che l'apprendimento musicale può provocare nei dislessici o nella malattia con perdita motoria o di cognizione, a ciò che succede ai circuiti neurali negli atti improvvisativi. Un fascino particolare riveste il capitolo sulla neuroestetica della musica, ossia le connessioni della mente con il discernere contenuti emotivi, capitolo in cui le analisi vengono arricchite da testimonianze, connotazioni estetiche di alcuni pezzi di musica classica o contemporanea, per scoprire persino effetti indiretti sulla pressione sanguigna, come risposta a stimoli multipli di musica atonale, priva di ulteriori paradigmi positivi: i risultati dimostrano non solo che un cervello allenato riesce ad equilibrare meglio i suoi stati emotivi, ma anche che è possibile riscontrare gioia, armonia o comunque sentimenti positivi nell'ambito di una musica preparata con dissonanze o eccessivamente complicata. Non c'è nulla che non possiamo apprendere, superando la naturale sensibilità che ci fa soffermare sulle frequenze consonanti.\nNeuroscienze cognitive della musica, dunque, rilascia un interesse vario: è valido per i terapisti, per ampliare le conoscenze dei musicisti, è un testo chiaro e immediatamente consultabile per studiosi della materia; naturalmente non ha pretese di approfondire dal lato organizzativo della composizione e quindi non prende in considerazione il punto di vista della composizione nel costruire una mentalità precostituita nel far musica, sfruttando le relazioni della musica con il cervello*.\nsu questo aspetto, ho già avuto modo di fornire su queste pagine alcuni splendidi riferimenti: puoi consultare I neuroni magici: musica e cervello di Changeaux/Boulez/Manoury (vedi qui la mia recensione) oppure verificare su composizioni come Lexicon del compositore Andrew Lewis (a proposito per esempio della dislessia, vedi qui).


Il Rompiscatole: novembre 2011\nRenzi, novello Grillo, neo Berlusconi o nuovo che avanza?\nOra mai è un personaggio sulla bocca di tutti, sicuramente molto controverso e discusso che il comico Crozza rappresenta con molta ironia in questo modo:\nFino a qualche anno fa nessuno sapeva chi fosse Renzi, ma da qualche anno a questa parte la sua popolarità è letteralmente esplosa su tutti i media. Ma da dove nasce Renzi e, soprattutto, chi è e che cosa può rappresentare nella politica italiana???\nPer rispondere alla prima domanda ci si può tranquillamente riferire all’utilissimo wikipedia che così parla della sua storia:\n“Cresce a Rignano sull'Arno, dove i genitori abitano ancora, e studia a Firenze, prima al Liceo Ginnasio Dante e poi all'Università di Firenze, dove si laurea nel 1999 in giurisprudenza, con una tesi dal titolo “Firenze 1951-1956: la prima esperienza di Giorgio La Pira Sindaco di Firenze”. Ha una formazione scout ed ha diretto, firmandosi Zac, la rivista nazionale della branca R/SCamminiamo insieme. Ha lavorato con varie responsabilità per la CHIL srl, società di servizi di marketing (di proprietà della sua famiglia, e il cui nome è di ispirazione lupettara) di cui è dirigente in aspettativa, in particolare coordinando il servizio di vendita del quotidiano La Nazione sul territorio fiorentino con la diretta gestione degli strilloni. Quando era ancora diciannovenne, nel 1994, per cinque puntate consecutive partecipò come concorrente a La ruota della fortuna, vincendo 48 milioni di lire.”\nOk, direte voi, questa è la sua vita privata di cui poco ci importa, ma politicamente da dove arriva??? Ebbene per rispondere a questa domanda non si può non aprire l’armadio ed estrarre alcuni scheletri. E’ figlio di un ex democristiano, che voci non provate considerano ex massone, nel 1996 contribuisce alla nascita dei comitati Prodi e si iscrive al Partito Popolare Italiano (ex democrazia cristiana) di cui diventa segretario provinciale. Nel 2001 confluisce in “La Margherita Fiorentina” (ex democristiani fiorentini) di cui diventerà segretario provinciale nel 2003.\nTra il 2004 e il 2009 ricopre l’incarico di Presidente della Provincia di Firenze in rappresentanza di una coalizione di centro-sinistra. Durante il suo incarico comincia la sua lotta alla Casta diminuendo il numero del personale e dei dirigenti dell’ente fiorentino, ma d’altro canto sulla sua testa, e del resto dell’amministrazione provinciale, pesa una sentenza di primo grado del 2011 che lo condanna per danno erariale conseguente all’errato inquadramento di quattro persone assunte nel suo staff. In parole povere sembrerebbe che abbia fatto assumere 4 suoi amici/amiche classificandoli a livello massimo, anche se erano sprovvisti sia di laurea che di esperienza. I loro c.v., infatti, pare lasciassero molto a desiderare: «membro della commissione cultura della Diocesi di Fiesole», «hostess addetta alla reception», «responsabile del bar del Match Ball Tennis club», «hostess con compiti di accoglienza e guida per i visitatori della mostra…», «da giugno a dicembre 2003 impiegata alla gestione commerciale della clientela per l’azienda Tim spa», e così via. Ovviamente Renzi ha dichiarato che ricorrerà in appello sostenendo come linea difensiva l’errore di un funzionario. Si vuole, inoltre, chiarire che i 4 assunti dovevano formare il suo staff, quindi, i suoi sostenitori lo giustificano asserendo che non c’è nulla di male nel inserire nel proprio staff personale, persone di cui ci si fida (lo fanno gli allenatori di calcio), l’errore è stato solo quello della classificazione.\nIl 29 settembre 2008 manifesta la volontà di candidarsi alle elezioni primarie del Partito Democratico, che ha vinto a sorpresa, con il 40,52% dei voti il 15 febbraio 2009. Il 9 giugno 2009 alle elezioni amministrative per il sindaco di Firenze, Renzi ottiene il 47,57% dei voti contro il 32% del candidato del centro-destra Giovanni Galli, con il quale va al ballottaggio. Il 22 giugno 2009 viene eletto sindaco di Firenze riportando il 59,96% dei voti. Successivamente entra a far parte della Direzione nazionale del Partito Democratico e nel 2010 è stato, secondo vari sondaggi, il sindaco più amato d'Italia.\nDa qui in avanti la storia è nota a tutti: crea i Rottamatori, per rottamare la vecchia politica e sull’onda della sua popolarità crea il Big Bang con i suoi 100 punti per l’Italia e si lancia ufficiosamente alle primarie per la prossima presidenza del consiglio. Ancora una volta qualche scheletro salta fuori, infatti, pare, che le 100 proposte nascano dal pc di Gori, si avete capito bene, stiamo parlando di quel Gori che ha lobotomizzato gli Italiani con il Grande fratello e che è stato direttore di Italia Uno e Canale Cinque. Non solo, pare, che il nostro giovane rampante sia apertamente ed economicamente appoggiato da Comunione e Liberazione e dalla Fondazione Craxi.\nCome avrete ben capito diventa molto complesso classificare Renzi... di sinistra? di destra? un nuovo politico? un vecchio politico?\nSicuramente nel suo passato ci sono alcune ombre, ma è altrettanto chiaro che Renzi è un politico di sinistra, anche se ha partecipato alla criticatissima cena ad Arcore, peraltro fatta per richiedere alcune cose per la sua città, ma non è un rappresentante della sinistra italiana. Chiunque di voi lo abbia sentito da Fazio avrà capito che il suo ideale politico è Kennedy, quindi più che uno di sinistra è un democratico in perfetto stile USA. Forse, per parlare di Renzi, si deve uscire dai canonici schemi citati dalla canzone di GG “Destra & Sinistra”, ma ci troviamo di fronte ad un nuovo politico che parla di politica ed agisce seguendo un suo programma, giusto o sbagliato, e che per questo spaventa l’ammuffita sinistra italiana e la destra che vede in lui un pericolo incombente in grado di sottrargli voti. Pensateci un po’, un Premier che non solo attrae voti dal suo polo, ma che li ruba anche agli altri, sarebbe un valore aggiunto da sfruttare e non un problema da eliminare.\nSicuramente non sono d’accordo con tutto quello che dice Renzi, anzi (vedi dichiarazioni si Marchionni), ma riconosco, d’altro canto, che alcuni suoi punti siano più che condivisibili. Non concordo con chi lo sostiene solo perchè è giovane, ma gli riconosco un certo carisma ed un certo fascino politico. Non so se in una sua eventuale candidatura sarò uno dei suoi sostenitori o no, come non posso sapere se sarà una bolla di sapone o una concreta realtà, quello che so di certo è che:\n“Matteo Renzi e agli antipodi dell’antipolitico e populista Grillo e soprattutto non è minimamente paragonabile all’imprenditore brianzolo che ha trasformato la res pubblica in res sua, ma è semplicemente un nuovissimo volto della politica che avanza, e come tutto quello che è nuovo e diverso spaventa”\nPubblicato da Il Rompiscatole a 16:25 2 commenti: Etichette: Politica\nC’era una volta, tanto tempo fa, un regno fatto a forma di calzatura governato da due fazioni: una era composta da cavalieri con grossi scudi crociati guidata da un goblin di nome Ittoerdna, l’altra era il clan dei garofani rossi, il cui capo era un essere con il corpo da uomo e la testa da suino di nome Bottino. Queste due fazioni di furfanti si erano macchiati di impareggiabili crimini e sopprusi, fino a portare la popolazione del regno sul lastrico.\nDisperati e affamati i contadini del regno si rivolsero a una compagnia di ventura conosciuta con il nome di “Pool di Mani Lavate”, che cominciò a dare la caccia a quei lestofanti per sconfiggerli uno dopo l’altro e riportare la pace nel regno.\nQuando la polvere si posò e le spade vennero rinfoderate dal campo di battaglia, emerse Il Cavaliere dall'armatura in doppio petto, con gli stivali rialzati e con un elmo su cui si issava una folta chioma. Questo Cavaliere negli anni addietro aveva ottenuto fama e gloria grazie ad un’arma magica che gli era stata donata dal comandante del clan dei garofani rossi: un piffero magico a forma di biscione, in grado di incantare le persone a suon di promesse e sogni. Questa arma si chiamava Mediaset.\nOvviamente, visto il subbuglio di quegli anni, il cavaliere ne approfittò subito per utilizzare la sua potentissima arma magica con cui incantò tutta, ma proprio tutta, la popolazione, erigendosi a nuovo re. Ovviamente era consapevole che non avrebbe potuto fare tutto da solo e quindi si scelse alcuni alleati molto potenti ma allo stesso tempo malleabili. Tra i suoi più fedeli alleati c’era un Orco del nord che si esprimeva con rumori gutturali, uno stregone trasformista di nome Sottile ed un chierico di bell’aspetto.\nCon questo nuovo gruppo si sedette sul trono più alto del regno, ma dopo pochi anni fu costretto a lasciare il suo scrano dorato a causa di una lotta intestina con gli orchi del nord, suoi stessi alleati. Il Cavaliere brianzolo fu costretto, quindi, ad abdicare in favore di un vecchio e paffuto mago di nome Mortadellum che riuscì a disincantare, dagli effetti del piffero magico, una parte della popolazione.\nRiappacificatosi con i verdi orchi del nord, il nostro piccolo protagonista (perché era alto due mele o poco più) mosse nuovamente guerra per la riconquista del suo trono e, grazie a una trionfale vittoria, si riprese la corona. Durante quegli anni il suo potere venne più volte scosso da alcuni subbugli interni, ma grazie alla sua potentissima arma mantenne saldamente il trono sotto le sue chiappe. Qualche anno dopo ancora una volta il Mago gli sbarrò la strada e gli strappò corona e scettro grazie all'appoggio dei popoli rossi. Il nostro Cavaliere errante non si diede per vinto e, formando un nuovo clan detto “Del Predellino”, in pochi anni riuscì a riottenere il potere e la corona, anche grazie all'aiuto di nuovi alleati acquistati al mercato dei voltagabbana, come il piccolo irrequieto Scilipotus. Potere che tenne saldamente tra le sue mani fino all'arrivo dei draghi, anche perché i suoi oppositori non erano assolutamente dei rivali all'altezza, infatti, né il marinaio coi baffetti, né il bradipo romano riuscirono a tenergli testa.\nLa popolazione stordita dai suoi incantesimi non si rendeva conto che il Cavaliere dall'elmo fulvo non aveva per nulla provveduto a loro come aveva sempre promesso, non era il Cavaliere impavido e sfavillante che tutti si immaginavano, ma era un Cavaliere oscuro dedito alla magia nera, che si era limitato a rimpinzare i suoi forzieri con l’oro della gente e a far lanciare, dai suoi servi, potentissimi incantesimi di protezione: le famigerate “leggi ad personam". Questi incantesimi gli servirono a tener lontani i numerosissimi paladini che girovagavano per il regno a caccia della sua testa di negromante; tra questi paladini uno su tutti si rivelò essere il più agguerrito. Il suo nome era Testa Fiammeggiante, chiamata così per la sua chioma color sangue.\nNumerosissimi furono i demoni che riuscì ad evocare con la sua magia nera, come ad esempio il diabolico goblin, lo gnomo malefico, il lupo throl, l’arpia urlatrice, il poeta paffuto, il fortunato a cui regalano reami, il pupo burattino, lo zombi che non sorride mai, l’uomo della provvidenza, la muffa umana ecc…\nMa i poveri abitanti del regno dovettero subire anche cose peggiori, infatti, il Cavaliere non si limito a rubargli i soldi favorendo i suoi amici fedeli ed agevolandone la formazione di sette segrete, ma aveva compiuto su tutta la popolazione un incantesimo terribile…. “LA DERISIONE”. A causa di questo terribile artificio, tutto il popolo del regno continuo ad essere irriso dagli altri regni. Punti focali di questo maleficio portarono a trasformare un reggente straniero in un minotauro, a scolorire il cavaliere nero leader, delle armate più potenti del mondo, ad ironizzare sulla possenza e poca avvenenza della potentissima Vichinga, ad auto santificarsi o ad irridere la fame nei regni e le morti dei messaggeri.\nPiù la sua ricchezza cresceva e più il paese si affamava rendendo il regno fertile all'attacco dei Draghi e del loro potentissimo Spread. Non contento il Cavaliere amava circondarsi di giovanissime e bellissime cortigiane in modo da trastullarsi con loro mentre il suo regno cadeva in rovina. Tra di esse possono essere ricordate Bocca Infuocata, DD, Gioia, RubaCuori, Minne e molte altre. Non contento, alcune cortigiana vennero elevata al rango di cavaliere per il solo gusto di guardarle e per il dolce sapore dell’onnipotenza. I draghi, visto il disfacimento e la moralità corrotta che permeava ovunque, si lanciarono all'attacco e iniziarono a smembrare il regno pezzo dopo pezzo indebolendo giorno per giorno il Cavaliere. Anche il suo fidato stregone lo abbandonò e gli si rivoltò contro.\nIl Cavaliere si dimostrò non essere un abile stratega e per tutto il suo regno continuò a scegliersi alleati sbagliati che, uno dopo l’altro, cominciarono a cadere sotto la scure della giustizia, tant'è che si cominciò a vociferare che portasse sfortuna.\nI grandi draghi costrinsero il nostro Cavaliere alla fuga, infatti, il suo piffero magico nulla poteva contro il potentissimo Spread. Ora il trono vacante viene occupato dal Cavalier Bocconi detto Tecnocrate, il mezzo sangue, metà umano e metà drago. Per questo motivo una domanda aleggia nell'ombra di questa favola: “riuscirà Tecnocrate a scacciare i potentissimi draghi oppure ci concederà a loro?”\nCome avete potuto tutti capire questa storia narra la fine di un’era ma non è una classica favola a lieto fine e quindi non ci sarà il classico “e vissero tutti felici e contenti”…. Beh, felici no, ma un po’ contenti si…\nIdeato e scritto con: Qualunque cosa si dica in giro parole ed idee possono cambiare il mondo\nPubblicato da Il Rompiscatole a 17:49 Nessun commento: Etichette: Politica, società\nCome mi diceva spesso la mia nonna: “non c’è il due senza il tre” ed infatti dopo aver visto Paranormal Activity 1 e 2 non potevo esimermi dal guardare anche il terzo capitolo della saga. Inizierei citando un blog di cinema che leggo sovente 3>1>2. In parole più spicce e meno matematica il terzo film fa più paura del primo, il quale a sua volta, faceva più paura del secondo.\nEbbene sì, per la prima volta posso ritenermi soddisfatto dalla visione di questo film, che, per chi mi conosce, vuol dire: "me la sono discretamente fatta sotto". Il terzo capitolo è il prequel dei precedenti episodi, la chiave di volta per svelare il mistero (modo abbastanza consolidata in quel di Hollywood ultimamente), infatti, vediamo le due protagoniste dei primi capitoli nella loro infanzia.\nPer la prima volta rispetto ai precedenti capitoli il film ha una sua logica. Perché si usano le telecamere? Perché il compagno della mamma di Katie e Kristie per lavoro gira filmini di matrimonio. Accade qualche cosa di strano!!!! Prima accendo la luce, non mi porto dietro la telecamera e vado a vedere che succede, la casa è infestata??? Me ne vado, ecc… Anche se, ad essere sinceri, questa logicità svanisce nelle fasi finali del film, ma, per fortuna, grazie alla concitazione degli ultimi minuti non viene lasciato il tempo allo spettatore perché possa riflettere sulle assurdità di quegli attimi.\nUn altro aspetto positivo è che questa volta non si aspetta ore senza che succeda qualche cosa, anzi, il clou del film inizia quasi subito e le varie fasi di attesa per far crescere la tensione sono disseminate dei classici “BUH” all'improvviso. In più sono stati evitati tutti quei trip psicologici e riflessi di difficile percezione da parte dello spettatore, lasciando meno spazio all'osservazione maniacale dei dettagli in favore di una maggior azione.\nNonostante tutto ciò, un po’ di amaro in bocca resta, perché malgrado vengano spiegate molte cose, molte altre restano inspiegate o soltanto abbozzate (non voglio fare spoiler quindi lascerò a voi capire a cosa mi riferisco).\nNon posso non evidenziare, infine, due chicche geniali. La prima l’aver piazzato una videocamera su un ventilatore che lentamente va da destra a sinistra e viceversa, dando meno staticità al film e creando una tensione quasi snervante. La seconda e non aver inserito nel film la scena dei vari trailer. Sono stato tutto il film ad aspettarmi quelle scene ed invece sono sempre stato sorpreso in un altro modo.\nIn sintesi un film horror che merita di essere visto, anche se sarebbe preferibile osservarlo in una casa buia, piuttosto che in una sala affollata di spettatori.\nPubblicato da Il Rompiscatole a 19:50 Nessun commento: Etichette: Film\nLa mela caduta\nLo so, ora mai la notizia non è più nuova, anzi, per un mondo come la rete e vecchia ed ammuffita, ma, a causa del mio momento frenetico, non ho avuto tempo per sedermi al computer e scrivere questo pezzo prima d'ora, il che mi impedirà di vederlo pubblicato sui siti blog con cui collaboro. Come recita un vecchio adagio, “non tutto il male viene per nuocere”, infatti, forse, scrivere questo post a bocce ferme, rubando una metafora al mondo sportivo, è un valore aggiunto per porre le basi ad una riflessione senza essere guidato dalle emozioni.\nUn mese fa è morto Steve Jobs, meglio conosciuto da tutti come Mr Apple, ed a poche ore dalla sua morte si è scatenato il tan tan di cordiglio su internet e su tutti i Social Network. Con il crescere di quest’onda d’addolorati è nata anche una corrente secondaria, che potremmo definire indignati che si sono lamentati per la mobilitazione per la morte del Signor Jobs in rapporto ad altre morti più o meno illustri.\nHo assistito e partecipato ad alcune discussioni molto interessanti su fb e sono arrivato ad una semplicissima conclusione. I pecoroni erano presenti in entrambi gli schieramenti.\nIo sono stato uno dei primi a stupirsi per questa fiumana d’epitaffi on-line, ma, quello che mi ha colpito maggiormente è stato lo stravolgimento delle situazioni a causa del buonismo posticcio che regna nella società moderna. Ho letto una miriade di commenti che hanno classificato Mr Apple come un grand uomo, un illuminato, un novello Gandhi o Martin Luther King, beh a questo non ci sto.\nCapisco ricordare Mr Jobs, sopratutto perché, come hanno detto in molti, è stato l’ultimo “vero” inventore del nostro secolo; capisco il ricordo dei funs, ma mi sembra che si sia andati troppo oltre. Steve Jobs è sicuramente stato un grande inventore ed un gran venditore, ma non si deve dimenticare che è stato uno degli imprenditori più spietati del nostro secolo. Non si devono dimenticare le accuse che gli sono state mosse dagli organi internazionali per lo sfruttamento del lavoro e per la distruzione ambientale. Non venitemi ha dire che ha fatto anche molta beneficenza, perché quello era semplicemente marketing per ripulire il proprio marchio dalle nefandezze compiute per costruire i vostri e nostri gingilli elettronici.\nIl fatto che nessuno ricordi queste cose è la palese dimostrazione che Mr Apple prima di essere un grandissimo inventore è stato un grandissimo venditore che è riuscito a trasformare un marchio ed un prodotto in uno stile di vita, ma cosa ancora più importante, oltre a vendere i suoi prodotti è riuscito a vendere il suo personaggio costruito ad arte e fatto di frasi ovvie ma d’impatto.\nSia ben chiaro, la mia non è un’accusa nei suoi confronti, lui si è limitato a fare il suo lavoro e l’ha fatto anche molto bene, facendo profitti a palate e rivoluzionando il mondo dell’informatica prima e della telefonia poi. La mia accusa è rivolta a tutti coloro che non lo hanno ricordato come un grande inventore, ma come un grande uomo, come una persona che in realtà non è mai stato. E suvvia, siamo onesti la definizione di grande uomo è assolutamente oggettiva.\nLa mia critica va a tutti quei pecoroni che vivendo in una società fondata sull'apparire e sulla massa si sono uniti al cordoglio senza neanche sapere il perché ma per il solo gusto di partecipare e di dire io c’ero, per il solo gusto di omologarsi ed aggregarsi con la sola ragione di fare il perbenista. Ovviamente anche la “fazione opposta” pullulava di soggetti che trincerandosi dietro un finto solidarismo si sono inerpicati sulla finta pianta dell’indignazione rivendicando maggiore giustizia sociale, senza poi vedere le loro bacheche riempirsi di commemorazioni per i morti in Turchia, per l’alluvione, ecc…\nLa conclusione del mio discorso è semplice, Steve Jobs era un grande inventore, ma non un grande uomo, come Henry Ford ha rivoluzionato il modo di fare le auto ma era un razzista sfruttatore e come Sigmund Freud è stato il padre della psicologia moderna ma era anche notoriamente un maniaco.\nMi spiace ricordarlo, ma i grandi uomini sono altri, e siccome non hanno avuto la possibilità di vendere la propria immagine non vengono quasi mai ricordati come si deve.\nPubblicato da Il Rompiscatole a 20:48 Nessun commento: Etichette: cultura, società\nRenzi, novello Grillo, neo Berlusconi o nuovo che ...


Anziano zio molesta la giovane nipote, intervengono i carabinieri\nDopo averle donato un appartamento, un 73enne pretendeva favori sessuali dalla ragazza\nTutto era cominciato quando l’uomo, un 73enne, aveva donato alla famiglia della nipote 31enne un appartamento dove la donna esercitava l’attività di libera professionista e, se all’inizio sembrava uno scherzo un po’ pesante, l’anziano ha iniziato a molestare pesantemente la ragazza. Le avances dell’uomo si sono fatte di giorno in giorno più pesanti passando da battute piccanti a vere e proprie pretese di favori sessuali accompagnate, anche, da paleggiamenti nelle parti intime.\nL’anziano, che viveva nell’appartamento sotto allo studio della 31enne, non perdeva occasione per molestare la professionista arrivando, anche, ad entrare con ogni scusa negli uffici pur di arrivare a toccare la nipote. A giugno, dopo quasi un anno di queste molestie, la donna ha deciso di denunciare lo zio ai carabinieri e sono così iniziate le indagini, ascoltando anche i racconti dei colleghi della 31enne, che hanno portato all’emissione da parte del Tribunale di Rimini di una misura coercitiva nei confronti del 73enne.\nIl Giudice per le Indagini Preliminari, infatti, ha deciso che l’anziano non possa più avvicinarsi allo studio professionale ed all’abitazione della nipote, oltre che intrattenersi nelle parti comuni dello stabile e comunque deve evitare ogni contatto, anche telefonico, con la vittima. Il provvedimento è stato notificato all’uomo dai carabinieri lo scorso 14 settembre e rientra nella normativa del Fare approvata dal Governo ad agosto. Se il 73enne si avvicinerà nuovamente alla nipote, per lui scatteranno le manette.