Tomobiki Märchenland: agosto 2016\ndi Stanley Kubrick – GB/USA 1971\nIl giovane Alex (Malcolm McDowell) è a capo di una banda di teppisti che trascorrono le serate a bere "latte più" (ovvero "potenziato" con droghe) e a praticare quella che chiamano "ultra-violenza": pestare barboni, battersi con altre gang e compiere irruzioni in case isolate – come quella dello scrittore Frank (Patrick Magee) – per distruggere ogni cosa, picchiare gli inquilini e stuprarne le donne. Incurante delle proprie azioni, trascurato dai genitori e seguito inutilmente dai servizi sociali, Alex viene arrestato e portato in prigione quando sarà tradito dai suoi stessi compagni dopo aver provocato la morte di una delle sue vittime. Qui sarà scelto dal governo – che intende svuotare le carceri dai criminali comuni per riservarle invece a quelli politici – come cavia per un trattamento sperimentale che mira a riabilitare forzatamente i detenuti: la “cura Lodovico”, un condizionamento psicologico che lo spingerà ad associare nausea e malessere fisico ad ogni atto di violenza, impedendogli così di commettere del male... Da un romanzo di Anthony Burgess (che Kubrick, come suo solito, adatta molto liberamente, omettendo per esempio il capitolo finale in cui Alex si redimeva, capitolo peraltro eliminato anche nell'edizione americana del libro; ma manca anche ogni riferimento al significato del titolo), un capolavoro sui temi della violenza, dell'etica e del libero arbitrio. Dopo la cura, Alex diventa “buono” per costrizione, non per scelta, e non perde mai veramente la pulsione verso il male. Una volta liberato e reinserito nella società, inoltre, il ragazzo si ritrova vittima di tutti coloro che aveva incontrato nella vita precedente, come in una sorta di contrappasso (il barbone, i genitori, i suoi ex compagni, lo scrittore). Il finale, sardonico, rimette le cose a posto.\nAmbientato in Inghilterra e in un futuro prossimo, il film appartiene a quel genere distopico così popolare nella fiction britannica sin dai tempi di Orwell e Wells, ma affronta temi di attualità come la delinquenza minorile e l'efficacia del sistema punitivo ed educativo. La rappresentazione della violenza, degli stupri e del sadismo dei vari personaggi (non soltanto Alex e compagni, ma anche le autorità, a partire dalla polizia) fu alquanto controversa all'epoca, ma la collocazione in un mondo alternativo (evidente nelle architetture, nell'arredamento, nelle vetture e negli abiti) contribuisce a renderla – almeno in parte – astratta, trasformando l'intera vicenda in una riflessione morale sul significato del bene e del male. In certi momenti, la società in cui si svolge il film sembra immorale e anestetizzata alla violenza tanto quanto Alex: si pensi ai suoi genitori, praticamente impassibili di fronte alle vicende del figlio, al sadismo della polizia o al diffuso erotismo quasi pornografico nella vita di tutti i giorni (l'arredamento del Korova Milk Bar o quello della clinica per dimagrire in cui vive la “donna dei gatti”). A contribuire al world building, uno degli aspetti più interessanti del film (nonché quello che colpì maggiormente Kubrick quando lesse il romanzo) è il linguaggio utilizzato da Alex e dai suoi compagni: un misto di neologismi, slang (“drughi”, “gulliver”), costrutti lessicali (“ultra-violenza”, “il dolce su-e-giù”), formule (“right-right”) e termini di origine russa (“karasho”, “devochka”), ottimamente reso nell'adattamento italiano di Riccardo Aragno e nel doppiaggio diretto da Mario Maldesi (supervisionati dallo stesso Kubrick). Nelle loro scorribande, Alex e i suoi drughi (“compagni”) indossano una sorta di uniforme – un abito bianco con sospensori che ricorda una divisa da cricket, bombette o cilindri neri, ciglia finte, ed eventualmente maschere durante le irruzioni – che identifica la loro banda (quella rivale di Billy Boy, per esempio, veste in abiti militari), come ad anticipare “I guerrieri della notte”.\nL'aspetto satirico, già presente in altre opere kubrickiane (come “Il dottor Stranamore”), oltre che nella natura della cura stessa ("Lei si sente male perché comincia a stare meglio", dice l'infermiera ad Alex), risalta qui in personaggi come l'assistente sociale, il signor Deltoid (Aubrey Morris), o il direttore della prigione (Michael Bates), per non parlare dell'ipocrisia del ministro (Anthony Sharp), rappresentante di un governo con tendenze totalitariste (non che gli oppositori, come Frank e i suoi seguaci, siano descritti con maggior indulgenza: entrambe le parti intendono usare Alex a fini politici). Gli ambienti sono valorizzati dalle geometrie e dalle carrellate che caratterizzano la regia attenta e precisa di Kubrick: ricordiamo lo zoom all'indietro che apre la pellicola e che dal primo piano di Alex finisce a mostrare gli interni del Korova Milk Bar, ma anche i due momenti identici in cui Alex suona alla porta di Frank (la prima volta, la macchina da presa si sposta verso destra mostrando la moglie dello scrittore; la seconda volta, c'è invece una guardia del corpo). Fra i momenti memorabili di regia, anche quello in cui Alex ascolta in casa sua “La gran Nona del Ludovico Van”, con le inquadrature che staccano sui vari dettagli dell'arredamento della sua stanza (dal poster sul muro alle quattro statuette di Cristo: il tema tornerà più avanti, quando – in prigione – Alex si immagina di partecipare alla flagellazione di Gesù). Per non parlare della scena accelerata in cui Alex si intrattiene in camera propria con due ragazze abbordate in un negozio di dischi, che si rispecchia in quella invece rallentata in cui il giovane si vendica dei due “drughi” che avevano messo in dubbio la sua autorità (entrambe le scene sono accompagnate dalla musica di Rossini).\nE proprio la colonna sonora gioca un ruolo fondamentale. Alla musica elettronica di Walter (non ancora Wendy) Carlos, che ingloba motivi classici come il "Funeral of the Queen Mary" di Purcell o un tema della “Sinfonia Fantastica” di Berlioz (lo stesso che sarà riutilizzato da Kubrick anche in “Shining”), si affiancano le ouverture de “La gazza ladra” e del “Guglielmo Tell” di Rossini (spesso utilizzate come commento musicale alle “imprese” di Alex e dei suoi drughi), le “Pomp and Circumstances” di Elgar, ma soprattutto – in chiave diegetica – la nona sinfonia di Beethoven. Come già detto, Alex è un grande fan del compositore tedesco. E quando viene sottoposto al condizionamento artificiale, che consiste nell'assistere alla proiezione non-stop di film violenti (gli occhi vengono mantenuti spalancati da un “fissapalpebre”, mentre un addetto provvede a versare gocce di collirio), per coincidenza proprio la nona di Beethoven fa da commento musicale a un video su Hitler e l'olocausto, cosicché Alex si ritrova condizionato ad associare il proprio malessere anche a quella musica che tanto amava. A proposito di Beethoven, il film accatasta tanti riferimenti incrociati: il trattamento cui Alex viene sottoposto si chiama “Cura Lodovico”, il campanello in casa dello scrittore fa risuonare le prima quattro note della quinta sinfonia, un piccolo busto dello scrittore si intravede – fra i tanti dipinti e le sculture erotiche – in casa della donna dei gatti. La musica ha infine un altro ruolo chiave nella trama: la canzone “Singin' in the rain”, che Alex canta al momento dell'irruzione in casa di Frank, lo tradirà quando la intonerà nuovamente dopo essere stato accolto da lui, che non lo aveva riconosciuto. Ultimo riferimento musicale: nel negozio di dischi è in bella mostra un album con la colonna sonora di “2001: Odissea nello spazio”.\nEtichette: Bande, Capolavori, Distopia, Gran Bretagna, Kubrick, Personal cult, Quattro stelle\ndi Rainer Werner Fassbinder – Germania 1971\ncon Günther Kaufmann, Hanna Schygulla\nSiamo nel 1878, in una cittadina di frontiera negli Stati Uniti. Il mulatto Whity (Kaufmann) lavora come maggiordomo nella tenuta del potente proprietario terriero Ben Nicholson (Ron Randell), di cui peraltro è il figlio illegittimo ("l'unico che ha ereditato qualcosa del mio carattere", riconosce lo stesso patriarca). Il suo senso di fedeltà e di appartenenza al nucleo famigliare, anche in un ruolo subalterno (di fatto è uno schiavo), sono superiori all'orgoglio e al desiderio di diventare un uomo libero: ma quando si rende conto di come la famiglia Nicholson sia ormai corrotta e decadente (tanto la giovane moglie di Ben, la ninfomane Katherine, quanto il suo primo figlio, l'effemminato Frank, gli chiedono di uccidere il padrone di casa, che a sua volta si finge malato per mettere alla prova l'avidità della moglie), sarà lui stesso a sterminare tutti, non risparmiando nemmeno l'altro figlio Davie, minorato mentale, per poi fuggire nel deserto con Hanna (Schygulla), la cantante e prostituta del saloon di cui è innamorato. La sua ribellione, comunque, si rivelerà vana e senza futuro. Se i temi sono quelli, cari a Fassbinder, del ruolo dell'individuo nella società, sullo sfondo di una torbida ragnatela di intrighi e di rapporti distorti in una famiglia disfunzionale, l'insolita ambientazione western (il film è stato girato in Spagna, negli stessi luoghi dove aveva lavorato Sergio Leone) si rivela soltanto un pretesto, anche se consente al regista stesso un'apparizione vestito da cowboy, con tanto di cappello e cinturone, nei panni di un mandriano razzista che bazzica nel saloon dove Hanna canta le sue canzoni da cabaret. Il film – uno dei primi esperimenti di Fassbinder con il colore e l'unico dai lui realizzato in Cinemascope (ma paradossalmente mai distribuito in sala) – segna la prima collaborazione del regista con il grande direttore della fotografia Michael Ballhaus, che lavorerà per lui in una dozzina di lungometraggi successivi (fra cui "Le lacrime amare di Petra von Kant", "Il matrimonio di Maria Braun" e "Lili Marleen"). E proprio la qualità pittorica delle immagini resta particolarmente impressa: dal rosso accesso dell'uniforme di Whity, al bianco pallido e cadaverico (quasi verdognolo) dei volti dei membri della famiglia Nicholson, che ne sottolineano la decadenza fisica ancor prima che morale.\nEtichette: Fassbinder, Germania, Servitù, Western\nBolero (Claude Lelouch, 1981)\nBolero (Les uns et les autres)\ndi Claude Lelouch – Francia 1981\ncon Robert Hossein, Nicole Garcia\nUn grande affresco sul destino e sul potere della musica, raccontato attraverso le vicende di quattro famiglie di diversa nazionalità (francese, americana, russa, tedesca) ma accomunate dalla passione per la musica e il balletto, che si dipanano dalla metà degli anni trenta all'inizio degli anni ottanta (attraversando così i grandi eventi della storia, a cominciare dalla seconda guerra mondiale). Le storie dei personaggi scorrono in parallelo, sfiorandosi e incrociandosi più volte, fino a quando il fato li farà convergere tutti in un unico punto: un concerto sotto la Torre Eiffel in cui viene eseguito il "Bolero" di Ravel con la celebre coreografia "circolare" di Maurice Béjart (in cui un solo ballerino danza all'interno di un cerchio rosso, con altri che gli ruotano intorno). E circolare è anche l'andamento della pellicola, che nonostante la lunga durata (tre ore) scorre rapidamente e senza tempi morti. Si comincia nel 1936, con la presentazione di quattro coppie: Tatiana (Rita Poelvoorde), danzatrice del Bolshoi, che sposa il suo impresario Boris Itovitch (Jorge Donn); gli ebrei francesi Anne (Nicole Garcia) e Simon Meyer (Robert Hossein), che suonano nelle orchestre dei cabaret di Parigi; il giovane pianista tedesco Karl Kremer (Daniel Olbrychski), apprezzato anche da Hitler, e sua moglie Magda (Macha Méril); il compositore americano di canzonette Jack Glenn (James Caan), leader di un'orchestrina jazz, e sua moglie Suzanne (Geraldine Chaplin). Lo scoppio del conflitto mescola le carte: Boris muore al fronte, lasciando sola Tatiana con il figlio Sergei; Anne e Simon vengono deportati (e sono costretti ad abbandonare il loro neonato, che Anne cercherà poi di rintracciare per tutta la vita); Karl viene inviato con le truppe di occupazione a Parigi, dove avrà una fugace relazione con la chanteuse Évelyne (Évelyne Bouix), dalla quale a sua insaputa nasce Édith; Jack suona con la sua banda in Europa ed è presente a Parigi il giorno della liberazione, mentre in patria lo attendono la moglie e i figli Jason e Sarah. Negli anni successivi, mentre Karl diventa un celebrato direttore d'orchestra (ma i legami con il nazismo continueranno a gettare un'ombra su di lui), l'attenzione si sposta sulla generazione successiva: Robert (sempre Hossein), il figlio di Anne, nel frattempo adottato da un parroco, combatterà la guerra in Algeria, diventerà un avvocato e avrà un figlio, Patrick (Manuel Gélin), che eredita la passione per la musica dalla nonna; Sarah (sempre la Chaplin) avrà successo come cantante pop, assistita dal fratello manager Jason (sempre Caan); Sergei (sempre Donn), celebre ballerino, fuggirà dall'Unione Sovietica per stabilirsi in occidente; Édith (sempre la Bouix), dopo alterne fortune, diventa un'annunciatrice televisiva e contribuirà a organizzare il concerto che vedrà riuniti tutti i personaggi.\nIl succedersi delle generazioni ne mette in mostra gli elementi in comune (la musica in primo luogo, autentico filo conduttore del destino dei personaggi) ma anche le differenze: nonostante le difficoltà, i drammi e gli orrori della guerra, le coppie originali mantengono quella visione e quell'ottimismo che le spingono a non arrendersi mai e a cercare di sopravvivere a ogni costo, a portare avanti i propri sogni e poi quelli dei propri figli. La generazione intermedia, invece, sembra molto meno felice: si succedono malattie (Sarah), divorzi (Robert), tentati suicidi (Jason, uno degli amici di Robert). I più giovani, infine, rappresentati da Patrick, sono una pagina ancora bianca, il cui destino è tutto da scrivere. Ma è bello come, nel concerto finale, a contribuire al risultato comune ci siano rappresentanti di tutte e tre le generazioni (Karl dirige l'orchestra, Sergei danza il "Bolero", Sarah e Patrick cantano). Se la sceneggiatura (dello stesso Lelouch) cerca di dare il sufficiente spazio sotto i riflettori a tutti i personaggi (compresi quelli minori o di contorno: si pensi a Évelyne, o agli amici di Robert, compagni d'arme in Algeria), la regia è ariosa, fra movimenti circolari che seguono gli attori con il grandangolo (per esempio quando salgono o scendono le scale), lunghi piani sequenza (memorabile quello alla stazione di Parigi, alla fine della guerra, che mostra il ritorno di Anne dal campo di concentramento e, contemporaneamente, la partenza di Karl per la Germania). Bello anche, nel finale, il momento dell'incontro fra Robert (cresciuto ignaro dell'identità dei propri genitori) e sua madre Anne nell'istituto psichiatrico, accompagnato dalle prime note di quel "Bolero" che proseguirà poi sulle immagini del ballo di Sergei. La ricca colonna sonora (che naturalmente comprende molti brani di vari generi: dalla musica classica a quella leggera) è opera, fra gli altri, di Michel Legrand. I personaggi sono immaginari, ma non è difficile riconoscere le ispirazioni a celebri musicisti o figure iconiche del ventesimo secolo (Karajan, Nureyev, Edith Piaf, Glenn Miller, ecc.). Nel cast, in ruoli minori, anche Jean-Claude Brialy, Fanny Ardant, Jacques Villeret, Richard Bohringer, Alexandra Stewart, Jean-Claude Bouttier, Francis Huster e persino, non accreditata, una giovanissima Sharon Stone. I titoli di testa sono parlati. Il film vinse il Grand Prix tecnico al Festival di Cannes.\nEtichette: Danza/ballo, Film corale, Francia, Lelouch, Musicisti, Olocausto, WW2\nFive dedicated to Ozu (A. Kiarostami, 2003)\nFive, aka Five dedicated to Ozu\n(5 Long Takes dedicated to Yasujiro Ozu)\ndi Abbas Kiarostami – Iran/Fra/Gia 2003\nCome da titolo, il film è composto da cinque sequenze, girate nel novembre del 2003 sulla costa del Mar Caspio (tranne la seconda, che pare sia stata ripresa in Spagna) con inquadratura fissa (solo nella prima la macchina da presa si muove leggermente) e di durata variabile (da una decina di minuti a quasi mezz'ora). Le onde del mare trascinano un tronchetto sul bagnasciuga. Dei passanti camminano sulla banchina lungo il mare. Un gruppo di cani è seduto sulla spiaggia. Papere in processione corrono avanti e indietro. Infine, di notte, uno specchio d'acqua riflette la luna che entra ed esce dalle nuvole, prima di un temporale e dell'arrivo dell'alba. Senza dialoghi né trama, un documentario di pura contemplazione della natura, con l'acqua del mare come tema conduttore. Quasi un esercizio alla Warhol o un esperimento da installazione videoartistica per un museo, anche se Kiarostami – anche nelle sue pellicole di finzione – ci ha abituato al modo acuto e preciso con cui ritrae l'ambiente che circonda i suoi personaggi. Qui, semplicemente, c'è solo l'ambiente e i personaggi mancano: o forse lo siamo noi, gli spettatori. Oltre alle immagini, grande importanza hanno i suoni: lo sciabordio delle onde, i versi degli animali, il rumore della pioggia. Fra una sequenza e l'altra, mentre lo schermo sfuma in nero (o in bianco), si odono brevi brani musicali. Curiosa la dedica a Ozu (il regista giapponese, anche se girava sempre con la camera fissa, non ha mai realizzato cose del genere). In ogni caso, un esempio originale, ipnotico e affascinante di cinema non narrativo: decisamente un'esperienza da ricordare per chi riesce a seguirla fino in fondo.\nEtichette: Animali, Documentario, Iran, Kiarostami, Mare, Natura, Piano sequenza, Spiaggia\ndi Vsevolod Pudovkin – URSS 1926\ncon Vera Baranovskaya, Nikolai Batalov\nVisto su YouTube, con cartelli sottotitolati in inglese.\nQuando il figlio Pavel, che lavora come operaio, viene arrestato per aver partecipato a uno sciopero (nel corso del quale il marito, al soldo dei padroni della fabbrica, rimane ucciso negli scontri con i rivoltosi), pur di salvargli la vita la madre lo consegna alle autorità. Questo non risparmia a Pavel un processo farsa che lo condanna ai lavori forzati. Pentitasi di averlo tradito, la donna si unirà ai rivoluzionari in marcia il Primo Maggio verso la prigione per liberare il figlio e gli altri operai incarcerati, sfidando anche i colpi dell'esercito dello zar. Dal romanzo di Maksim Gorkij ambientato durante la rivoluzione russa del 1905, il primo capolavoro muto di Pudovkin, capitolo iniziale di una trilogia sul tema dello sviluppo di coscienza sociale da parte del popolo (i film successivi saranno "La fine di San Pietroburgo" e "Tempeste sull'Asia"). Pudovkin era allievo di Lev Kuleshov, teorico che vedeva nel montaggio l'elemento fondamentale del linguaggio cinematografico, in contrapposizione a coloro che invece ritenevano che il cinema dovesse mantenere una visione naturale e documentaristica, senza manipolare le immagini o il flusso della narrazione. Qui la scelta e l'abbinamento delle inquadrature, l'espressività degli attori, le suggestioni e le metafore (si pensi alla marcia dei rivoltosi, alternata con immagini della banchina ghiacciata che si scioglie o va in frantumi, simbolo della "primavera" che avanza) concorrono nel portare avanti una comunicazione diretta con lo spettatore. Memorabile, in generale, tutto il finale, con la cavalcata dei soldati dello zar che travolge la folla e la bandiera rossa che, agli occhi della madre, sventola in cima al palazzo. Si trattava soltanto del secondo film di Pudovkin, ma tecnicamente è già ad altissimi livelli. Restaurato dalla Mosfilm nel 1968, con l'aggiunta di una colonna sonora di Tikhon Khrennikov.\nEtichette: Capolavori, Comunismo, Madri e figli, Muto, Prigione, Pudovkin, Russia/Urss\nUna calibro 20 per lo specialista (M. Cimino, 1974)\nUna calibro 20 per lo specialista (Thunderbolt and Lightfoot)\ndi Michael Cimino – USA 1974\nUn giovane vagabondo che si fa chiamare Caribù (Bridges), forse in omaggio agli indiani d'America, fa la conoscenza occasionale dell'Artigliere (Eastwood), rapinatore di banche e veterano della guerra di Corea, in fuga dai suoi complici che lo sospettano di aver sottratto il bottino di un precedente colpo. I due diventano presto amici, e decidono di provare un nuovo "lavoro" insieme, con l'aiuto dei due uomini che davano la caccia all'Artigliere (George Kennedy e Geoffrey Lewis) e che si sono finalmente convinti della sua innocenza. Ma la rapina a una banca del Montana (l'intero film è girato nello stato nord-occidentale degli Usa, fra canyon, natura e spazi sterminati) non andrà come previsto... Al suo primo film, anche sceneggiatore, Michael Cimino mette in scena molti degli elementi che gli staranno a cuore fino alla fine: l'America rurale e dei grandi spazi incontaminati, il desiderio di libertà, l'amicizia maschile e il conflitto. Nella prima metà, la pellicola si poggia sul rapporto fra i due protagonisti, assai diversi fra loro (Bridges è giovane, esuberante e dongiovanni, agisce senza riflettere ed è aperto a ogni nuova esperienza, mentre Eastwood è più anziano, cauto e riservato), all'insegna dell'irriverenza e dell'anarchia (si pensi a incontri comico-surreali come il cacciatore pazzo che dà loro un passaggio), mentre la seconda mostra la preparazione e lo svolgimento della rapina in banca (anche qui non mancano tocchi ironici, come i lavoretti che i quattro uomini accettano per finanziarsi la rapina – da gelatai a operai – e la scena in cui Caribù si veste da donna per "distrarre" un addetto alla sorveglianza). Fra il buddy movie e l'on the road, una pellicola un po' incerta e sconclusionata ma non priva di un suo fascino, dove il carisma degli attori e gli scenari dell'America più profonda si combinano con efficacia. Inizialmente avrebbe dovuto dirigerla lo stesso Eastwood, ma l'attore fu colpito dall'entusiasmo del giovane Cimino, fino ad allora soltanto sceneggiatore, gli affidò la macchina da presa. Grande successo di pubblico (il secondo più grande nella carriera del regista, dopo "Il cacciatore") e nomination all'Oscar per Bridges. Cimino ha dichiarato di essersi ispirato a un film degli anni '50, "Il ribelle d'Irlanda" (in originale, "Captain Lightfoot") con Rock Hudson. Il titolo italiano, completamente fuori registro (quello originale sarebbe stato da tradurre in "L'Artigliere e Caribù", dai soprannomi dei due personaggi), fa pensare a un poliziesco e probabilmente venne scelto per richiamare i fan di Eastwood (solo l'anno prima era uscito "Una 44 Magnum per l'ispettore Callaghan", co-sceneggiato fra l'altro dallo stesso Cimino). Temi e panorami simili si rivedranno nell'ultimo film del regista americano, "Verso il sole".\nEtichette: Amicizia, Cimino, Eastwood attore, Heist, On the road, Opera prima\nPer favore, non mordermi sul collo! (R. Polanski, 1967)\ndi Roman Polanski – GB/USA 1967\ncon Roman Polanski, Jack MacGowran\nIl professore Abronsius (MacGowran) e il suo assistente Alfred (lo stesso Polanski, non accreditato) giungono in Transilvania a caccia di vampiri. Sara (Sharon Tate), la figlia del proprietario della locanda dove i due alloggiano, viene rapita durante la notte dal Conte von Krolock (Ferdy Mayne). Per salvarla, Abronsius e Alfred si introducono nel castello del Conte, scoprendo che si tratta di un vampiro: ma riusciranno a sfuggire alla sua sete di sangue? Al suo primo film ad alto budget, Polanski scrive (con Gérard Brach), dirige e interpreta una parodia del filone horror dei vampiri, prendendo spunto sorpattutto dai tanti cliché delle pellicole inglesi della Hammer. Peccato che proprio le gag non siano particolarmente divertenti: in generale non ho mai amato i film di genere o comico-avventurosi del regista polacco (credo che questo e "Pirati" siano i suoi due lavori peggiori). Fra le cose migliori, sicuramente la fotografia (di Douglas Slocombe) e in generale la confezione (i costumi, le scenografie). Girato, non senza difficoltà produttive, a Ortisei e nelle Dolomiti. Per molti versi sembra un fumetto alla "Alan Ford", con personaggi pasticcioni, pavidi, straccioni e pezzenti (il professore, l'assistente, il locandiere che viene vampirizzato a sua volta, il figlio gay del Conte) e un umorismo di grana grossa, amplificato dalle scelte del distributore americano che aggiunse un'introduzione animata e fece ridoppiare alcuni personaggi con una voce più goffa e da cartoon (il professor Abronsius su tutti). Il titolo di lavorazione (mantenuto nel musical che dal film fu tratto) era "Dance of the Vampires". Sharon Tate, che indossa una parrucca rossa, sostituì all'ultimo momento la prima scelta Jill St. John e divenne poco dopo la moglie di Polanski.\nEtichette: Comico, Horror, Parodia, Polanski, Vampiri\nErbe fluttuanti (Yasujiro Ozu, 1959)\nErbe fluttuanti (Ukigusa)\ncon Ganjiro Nakamura, Machiko Kyo\nUna compagnia itinerante di attori teatrali giunge in un villaggio sulla costa meridionale del Giappone. Qui, all'insaputa di tutti, il capo della compagnia Komajuro (Ganjiro Nakamura) ha un'ex amante (Haruko Sugimura) e soprattutto un figlio che non vede da dodici anni, Kiyoshi (Hiroshi Kawaguchi). Quando lo viene a sapere, l'attrice Sumiko (Machiko Kyo), attuale compagna di Komajuro, istiga gelosamente la collega più giovane Kayo (Ayako Wakao) a sedurre il ragazzo. Kayo e Kiyoshi finiranno con l'innamorarsi davvero, suscitando l'ira di Komajuro che non vuole che il figlio si mescoli con la gente di teatro. Al secondo film girato nel 1959 (era dal 1936 che non sfornava due pellicole nello stesso anno), Ozu realizza un fedele remake di un suo lavoro precedente, "Storie di erbe fluttuanti" (1934), questa volta sonoro e a colori, mantenendo identica la trama ma spostandone l'ambientazione da una località di montagna a una di mare ed enfatizzando il tema del contrasto fra le generazioni che evidentemente gli stava particolarmente a cuore negli anni del dopoguerra (nelle frasi di Komajuro sul "pubblico che non apprezza più i bei spettacoli di un tempo" potrebbe nascondersi la frustrazione dello stesso Ozu nel vedere bollato il proprio stile come vecchio e datato: persino Kiyoshi accusa il padre di essere troppo legato al passato e di portare in scena personaggi non realistici o al passo con i tempi). Proprio Komajuro, parlando con la madre del ragazzo, è costretto ad ammettere che "niente resta costante sotto il sole, tutto cambia: è così che va il mondo". In generale, la dimensione nostalgica è enfatizzata non solo dallo stile del regista (e dalla natura di remake del film) ma anche dai rapporti fra i personaggi. Già il concetto di una compagnia itinerante di kabuki pare del tutto anacronistico negli anni dopo la guerra, e infatti la tournée va progressivamente peggio, gli spettatori languono, l'impresario teatrale (Chishu Ryu) non si fa più vedere e il denaro comincia a scarseggiare, fino all'inevitabile scioglimento della compagnia.\nEcco dunque che il tema della vita nomade degli attori (suggerito dal titolo della pellicola e già centrale nel film del 1934), destinati a farsi trascinare dalla corrente senza mettere mai radici da nessuna parte, sfuma in quello legato al passare del tempo e alla nostalgia. Il senso di precarietà è evidente persino nelle sequenze comiche con l'attore Kinnosuke (Hiroshi Mitsui) e i suoi due colleghi che cercano inutilmente di conquistare le ragazze locali (diverente, in particolare, la scenetta di Kinnosuke alle prede con la figlia e... la moglie del barbiere). La frase di Komajuro rivolta agli attori che stanno meditando sul da farsi, "Coloro che possono lasciare il teatro lo facciano", rivela che gli uomini di spettacolo sono i primi a non valutare più di tanto la propria professione. Un concetto rafforzato da Kayo, che non si sente degna di Kiyoshi, e ancora da Komajuro nella lite con Sumiko (alla quale grida "Mio figlio è diverso da te, appartiene a una razza superiore"). Anziché dalla Shochiku, sua abituale casa di produzione, Ozu girò il film con la Daiei, lo studio dell'amico e collega Kenji Mizoguchi (morto tre anni prima, e al quale aveva promesso di lavorare insieme). Questo spiega l'assenza di alcuni dei suoi collaboratori abituali (a partire dall'operatore e direttore della fotografia Yuharu Atsuta, sostituito da Kazuo Miyagawa). Stilisticamente prosgue l'utilizzo consapevole del colore da parte del regista, forse mai in maniera così astratta. Predominano il bianco, il nero e il rosso: i primi due negli abiti e nei kimono di tutti i personaggi, il terzo per appuntare singoli oggetti all'attenzione dello spettatore (come l'ombrello rosso di Sumiko nella scenata di gelosia sotto la pioggia). L'inquadratura di apertura della pellicola è indicativa, mettendo in contrapposizione il faro bianco all'ingresso del porto e una bottiglia nera appoggiata sul molo. Lo stesso faro torna poi in numerose inquadrature da punti di vista differenti, come un oggetto che calamita lo sguardo dello spettatore. Da sottolineare infine l'insolita intensità di alcune scene (la resa dei conti finale fra Komajuro, Kiyoshi e Kayo, dove volano schiaffi e insulti; ma anche la sensualità esplicita negli incontri fra Kiyoshi e Kayo).\nEtichette: Giappone, Ozu, Padri e figli, Remake, Teatro\nThe village (id.)\ndi M. Night Shyamalan – USA 2004\ncon Bryce Dallas Howard, Joaquin Phoenix\nRivisto in TV, con Daniela.\nPennsylvania, fine Ottocento: per sfuggire ai mali e alle violenze del mondo, una comunità religiosa si è ritirata a vivere in un villaggio isolato all'interno di una radura, circondata da una foresta che si dice abitata da misteriose e malvagie creature soprannaturali. Ma l'illusione che il male possa venire solo dall'esterno si rivela fallace: quando Lucius (Joaquin Phoenix), il ragazzo che ama, viene ferito gravemente dal folle e geloso Noah (Adrien Brody), la coraggiosa Ivy (Bryce Dallas Howard) chiede al padre Edward (William Hurt) e agli altri anziani del villaggio il permesso di attraversare la foresta per raggiungere la città, alla quale tutti avevano giurato di non fare mai più ritorno, per procurarsi le medicine necessarie a salvarlo. Dopo "Il sesto senso" e "Unbreakable", Shyamalan (come sempre anche sceneggiatore e produttore) sforna un altro film con il finale a sorpresa, questa volta sotto forma di fiaba gotica. Visto che il pubblico sapeva ormai cosa aspettarsi dal regista indo-americano, questi lo spiazza lasciando intendere per lunghi tratti che il colpo di scena sia legato alla natura delle misteriose creature, prima di ribaltare nel finale il background stesso della storia. Forse il twist ending è meno efficace rispetto ai film precedenti, e anche le premesse non sono del tutto plausibili, ma il significato del film (una riflessione sulla paura e sull'isolazionismo: non a caso la pellicola è stata realizzata negli anni successivi agli attentati dell'11 settembre) va oltre il semplice fattore sorpresa. Il ricco cast (ci sono anche Sigourney Weaver, Brendan Gleeson, Michael Pitt e Jesse Eisenberg) e la buona sceneggiatura (che gioca con le menzogne e i segreti, seminando indizi apparentemente innocui che invece assumono rilevanza solo più tardi) sono serviti da una regia d'atmosfera che mantiene la suspense grazie anche alla colonna sonora di James Newton Howard e a una fotografia interessante per l'uso "narrativo" dei colori: il rosso, il colore del male, è quello associato alle creature (e come tale è bandito dal villaggio), mentre il giallo le tiene lontane (ed ecco che Ivy, quando si avventura nel bosco, indossa una mantella di questa tinta, diventando un vero e proprio "Cappuccetto giallo"). Come in ogni fiaba che si rispetti, inoltre, l'eroina deve avere un handicap: in questo caso è la cecità, che da un lato le impedisce di vedere i pericoli e come stanno realmente le cose, ma dall'altro le permette di leggere in maniera diretta l'anima delle persone, riconoscendone le qualità e i sentimenti.\nEtichette: Bosco, Handicap, Mostri, Shyamalan, Thriller, Twist, Villaggio, Weaver\nSalomè (Pedro Almodóvar, 1978)\ndi Pedro Almodóvar – Spagna 1978\nI primi passi del giovane Almodóvar nel mondo del cinema consistono in una serie di cortometraggi amatoriali in Super 8, che il regista stesso proiettava nei locali notturni e nei circuiti della movida di Madrid e Barcellona, con una colonna sonora improvvisata a base di audiocassette e musica dal vivo. A questi seguirono un lungometraggio mai distribuito ("Folle... folle... fólleme, Tim!") e infine questo corto di ispirazione biblica, il suo primo lavoro in pellicola da 16 millimetri, prima di debuttare nelle sale cinematografiche vere e proprie nel 1980 con "Pepi, Luci, Bom e le altre ragazze del mucchio". Il corto mescola in maniera provocatoria due distinti episodi del Vecchio e del Nuovo Testamento. Arrampicandosi fra colline brulle e spoglie, Abramo (interpretato da Agustín Almodóvar, il padre di Pedro) e suo figlio Isacco si imbattono in Salomè, che si presenta come "una danzatrice del palazzo reale". Affascinato dalla ragazza, Abramo le chiede di ballare per lui, promettendole in cambio qualsiasi cosa ella vorrà. Dopo aver eseguito la danza dei sette veli (accompagnata da una musica da corrida), Salomè gli ordina di sacrificare il figlio. Mentre sta per adempiere al proprio giuramento, Abramo è interrotto dalla voce di Dio, proveniente da un falò: aveva soltanto voluto mettere alla prova la sua fede. Salomè non era che una delle molte forme in cui la divinità può presentarsi, e ammirarne la bellezza significa dunque adorare il Signore. Un messaggio chiaro per ribadire come il sesso faccia parte integrante della vita e della natura, concetto reso ancor più evidente da una messa in scena scarna ed essenziale, che suggerisce una dimensione mitologica e ancestrale.\nEtichette: Almodovar, Biblico, Cortometraggio, Danza/ballo, Religione, Spagna\ndi Christopher Nolan – USA 2002\ncon Al Pacino, Robin Williams\nDue poliziotti di Los Angeles vengono inviati in uno sperduto villaggio dell'Alaska per indagare sull'omicidio di una ragazza. Uno dei due è Will Dormer (Al Pacino), autentica celebrità del mondo investigativo, ammirato come un eroe dalla giovane detective locale Ellie Burr (Hilary Swank), che ha addirittura scritto la sua tesi su di lui. Dormer sta però attraversando un brutto momento: sotto pressione perché inquisito dagli affari interni che lo sospettano di aver manomesso le prove in alcune indagini, teme che il collega Hap Eckhart (Martin Donovan) possa deporre contro di lui. Nel corso di un appostamento per catturare l'assassino della ragazza, Dormer uccide senza volerlo proprio Eckhart, e in preda ai sensi di colpa simula che il proiettile sia stato sparato dall'uomo cui stanno dando la caccia. Ma questi, lo scrittore Walter Finch (Robin Williams), ha visto tutto e ne approfitta per ricattare il detective, chiedendo il suo aiuto per essere scagionato e far ricadere le accuse su qualcun altro... Remake di un omonimo film norvegese del 1997, il terzo lungometraggio di Nolan è anche l'unico per il quale il regista non figura come scrittore (anche se pare abbia comunque contribuito alla versione finale della sceneggiatura). Più che sulla trama poliziesca, con forti venature noir, la pellicola si concentra nella progressiva discesa del protagonista in un inferno personale, fra rabbia repressa, sensi di colpa e dubbi morali, il tutto accompagnato da uno stato di salute (mentale e fisica) messo a dura prova dall'incapacità di dormire, non essendo abituato al fatto che a latitudini elevate il sole non tramonta quasi mai, e dunque il cielo è luminoso anche di notte. Dormer si ritrova così a lottare non solo con la tentazione e la corruzione, ma anche contro le proprie allucinazioni e i propri fantasmi. Più lineare degli altri lavori di Nolan, il thriller è caratterizzato da un andamento lento, da musica d'atmosfera e dai paesaggi freddi e spettrali di un Artico inospitale, anche se l'originale componente dostoevskiana del prototipo norvegese risulta attenuata da uno script un po' macchinoso e dall'ingombrante presenza delle star hollywoodiane. Al fianco di un ottimo Pacino che mostra nel volto la progressiva stanchezza fisica e morale, non convince fino in fondo Robin Williams nell'insolito ruolo del cattivo.\nEtichette: Noir, Nolan, Pacino, Poliziesco, Remake, Thriller\nDivorzio all'italiana (Pietro Germi, 1961)\ndi Pietro Germi – Italia 1961\ncon Marcello Mastroianni, Daniela Rocca\nSiamo ad Agramonte, (fittizia) cittadina siciliana di provincia. Il barone Ferdinando "Fefè" Cefalù (Mastroianni), invaghito della giovane e bella cugina Angela (Stefania Sandrelli), vorrebbe sbarazzarsi della moglie Rosalia (Daniela Rocca). Non essendoci ancora la possibilità del divorzio (che in Italia sarà introdotto solo nel 1970), l'uomo progetta allora di ricorrere a un "delitto d'onore", per il quale la legge dell'epoca prevedeva tutte le attenuanti. Si dà dunque da fare per "procurare" alla moglie un amante, con l'intenzione di coglierli sul fatto e avere una scusa per uccidere la donna, e lo individua in Carmelo Patanè (Leopoldo Trieste), professore d'arte e restauratore, da sempre innamorato di Rosalia... Dopo una serie di pellicole drammatiche e neorealiste, con questa graffiante black comedy (ispirata al romanzo di Giovanni Arpino "Un delitto d'onore") Germi cambia improvvisamente registro e comincia a realizzare film che attraverso la leggerezza, la satira e la commedia trattano delle questioni sociali e dei compromessi morali di un'Italia di provincia (alla Sicilia di questo film e del successivo "Sedotta e abbandonata", seguirà il Veneto di "Signore & signori"). Eccezionale la prova di Mastroianni, in una delle sue migliori interpretazioni, che modella un personaggio indimenticabile mediante l'espressione, la mimica facciale (il verso con la bocca), la meta-narrazione, le sequenze in cui si immagina la morte della moglie o l'arringa dell'avvocato che lo difenderà al processo. L'analisi sociale è evidente in scene come quella in cui tutto il paese "disapprova" Ferdinando perché non sembra mostrare alcuna intenzione di vendicare l'onore della propria famiglia. Ma sono degni di nota anche l'arrivo in città del film di Fellini "La dolce vita" (interpretato dallo stesso Mastroianni, anche se sullo schermo si vede solo la Ekberg), che scatena l'entusiasmo del pubblico e la riprovazione del parroco; l'intervento del "mafioso" locale per aiutare Ferdinando a rintracciare la moglie fuggita; e la scena delle lettere scambiate (quella d'amore di Angela destinata a Ferdinando finisce per errore nelle mani del padre della ragazza, procurandogli un coccolone). Enorme successo di pubblico e di critica, anche all'estero: da ricordare in particolare le tre candidature agli Oscar (con vittoria per la miglior sceneggiatura originale e nomination per la miglior regia e il miglior attore). La Sandrelli, solo quindicenne, divenne una star. Nel cast anche Lando Buzzanca e Odoardo Spadaro. Pur non trattandosi del primo esempio del filone, proprio dal titolo di questo film è nata l'espressione "Commedia all'italiana" con cui si è identificato il fortunato genere cinematografico che ha furoreggiato dagli anni cinquanta agli anni settanta.\nEtichette: Black comedy, Capolavori, Commedia all'italiana, Germi, Italia, Mariti e mogli, Mastroianni, Sicilia\nCinquePerDue (François Ozon, 2004)\nCinquePerDue - Frammenti di vita amorosa (5x2)\ndi François Ozon – Francia/Italia 2004\ncon Valeria Bruni Tedeschi, Stéphane Freiss\nDalla separazione fino al primo incontro, la storia di una coppia raccontata attraverso cinque sequenze montate in ordine anti-cronologico. Si comincia quindi con il divorzio (con un tardivo tentativo di riconciliazione destinato a fallire), si prosegue con una serata in casa che evidenzia già una profonda crisi, e poi la nascita di un figlio, il matrimonio, il primo incontro in un villaggio vacanze. L'insolita struttura a ritroso, come in altre pellicole che ne fanno uso ("Peppermint Candy", "Irreversible", "Memento"), guida con intelligenza lo spettatore alla scoperta della storia dei personaggi mostrandone prima gli effetti e poi le cause, o meglio gli indizi del fatto che qualcosa sarebbe andato storto. Tentazioni di infedeltà (Marion cede alle avances di uno sconosciuto la notte stessa delle nozze), la paura di costruire un futuro insieme (Gilles non riesce ad accettare la nascita del figlio, non presentandosi all'ospedale al momento del parto), la mancanza di intesa o di complicità (durante la cena con il fratello di Gilles, i due coniugi viaggiano su binari diversi e paralleli)... E i difetti segnano anche l'inizio e la fine della relazione, rendendo i due protagonisti umani e fallibili. Il passaggio da una sequenza all'altra è accompagnato da una colonna sonora a base di canzoni italiane: Paolo Conte ("Sparring partner"), Luigi Tenco ("Ho capito che ti amo" e "Mi sono innamorato di te"), Bobby Solo ("Una lacrima sul viso") e Nico Fidenco ("Se mi perderai"). I brani di Tenco, in particolare, sottolineano alla perfezione i paradossi e le contraddizioni di una storia d'amore che Ozon – aiutato da due ottimi attori – ritrae in maniera schietta e realista, senza cinismo ma anche senza paraocchi, rendendo interessante una vicenda che sarebbe apparsa banalissima se raccontata nel normale ordine cronologico. Nel cast anche Géraldine Pailhas, Françoise Fabian e Michael Lonsdale.\nEtichette: A ritroso, Francia, Mariti e mogli, Matrimoni, Ozon\nDestino (Fritz Lang, 1921)\ndi Fritz Lang – Germania 1921\ncon Lil Dagover, Bernhard Goetzke\nUn inquietante straniero (Bernhard Goetzke) giunge in un tranquillo paese di campagna, chiedendo di acquistare un terreno vicino al cimitero per poterne fare un giardino dove risiedere in pace. Si tratta nientemento che della morte, stanca di vagabondare per il mondo, che pur stabilendosi nel villaggio continua a svolgere il proprio lavoro. Quando reclama l'anima di un giovane (Walter Jansen), la ragazza di cui è innamorato (Lil Dagover) si presenta da lui per chiedergli di rilasciarlo. Impietosito, il mietitore le propone un accordo: se la ragazza gli dimostrerà che l'amore è più forte della morte, acconsentirà alla sua richiesta. Nella vena di altri film muti divisi in episodi di diversa ambientazione storica – come "Intolerance" o "Pagine del libro di Satana" – la pellicola prosegue dunque raccontando tre vicende (collocate rispettivamente in Persia, a Venezia e in Cina, in contesti più fiabeschi che storici) in cui una coppia di innamorati è messa a dura prova dalle avversità del destino. Ma in tutti i casi, è sempre la morte ad averla vinta. Disperata, alla ragazza è offerta un'ultima possibilità: rivedrà il suo uomo se in cambio saprà procurare alla morte l'anima di un altro essere vivente. Dopo aver inutilmente cercato di convincere un vecchio, un mendicante e un malato a sacrificarsi per la sua felicità, la ragazza sceglierà invece di donare sé stessa, immolandosi per salvare un neonato in un incendio. E la morte la ricompenserà riunendola con il suo amato nell'aldilà. Primo successo internazionale di Lang, su sceneggiatura della futura moglie Thea von Harbou, questo dramma gotico-fiabesco è modellato su una "Ballata popolare tedesca in sei canti", come recita la didascalia iniziale. Già maturo nell'uso del montaggio, della fotografia e delle scenografie, il film è un ottimo esempio di cinema espressionista che influenzò, fra gli altri, Alfred Hitchcock (per la tecnica cinematografica), Luis Buñuel (per la simbologia) e Douglas Fairbanks (per le sequenze esotiche e i molti effetti speciali). Da ricordare scene come il tempio della morte colmo di candele che simboleggiano le vite umane. I tre protagonisti principali sono interpretati sempre dagli stessi attori in tutti le varie epoche, mentre variano quelli secondari (fra cui si riconosce Rudolf Klein-Rogge, il "cattivo" nell'episodio veneziano).\nEtichette: Espressionismo, Germania, Lang, Morte, Muto\nThe raid - Redenzione (G. Evans, 2011)\nThe Raid - Redenzione (The Raid)\ndi Gareth Evans – Indonesia/USA 2011\ncon Iko Uwais, Donny Alamsyah\nUna squadra delle forze speciali di polizia irrompe nel palazzo dove si nasconde un boss della droga. Ma l'intero edificio di quindici piani è sotto il controllo del malvivente, e ben presto i poliziotti da predatori diventano prede, costretti a difendersi dagli attacchi di tutti gli inquilini... Al suo secondo film sul pencak silat (un'arte marziale indonesiana), e con lo stesso protagonista del precedente "Merantau" (Iko Uwais, qui nei panni della giovane recluta Rama che scopre che una delle guardie del corpo del boss è suo fratello Andi), il regista gallese Gareth Evans alza la posta e realizza una pellicola d'azione praticamente senza pause: a parte i cinque minuti introduttivi, il film è tutto un susseguirsi di scontri e combattimenti, estremamente duri e cruenti, pieni di energia e ben coreografati anche se talvolta con un eccesso di effetti digitali. Purtroppo, oltre a questi c'è ben poco: la trama è esile, i personaggi non hanno caratterizzazione o profondità, i dialoghi sono stereotipati (soprattutto quelli della prima parte, che racconta l'irruzione della polizia nel palazzo, che sembrano uscire da un film bellico di serie Z) e i contenuti del tutto sacrificati a una furiosa e viscerale messa in scena che procede solo per accumulo, priva di qualsivoglia spessore e degna – è la definizione degli stessi filmmaker – di un "survival horror". I combattimenti, come detto, sono l'unica ragion d'essere del film: da ricordare, in particolare, quello in cui Rama e Andi affrontano Mad Dog (Yayan Ruhian), braccio destro del boss, che tiene loro testa in uno contro due. Ma sembra quasi di assistere a un videogioco, con il protagonista che terminato ogni scontro è sempre di nuovo in forma per il successivo. Buon successo di pubblico, che ha portato alla realizzazione di un sequel. Si era parlato anche di un remake americano, ma per ora non se ne è fatto nulla.\nEtichette: Arti marziali, Azione, Gangster, Indonesia, Sud-est asiatico\nMomenti di gloria (Hugh Hudson, 1981)\ndi Hugh Hudson – GB 1981\ncon Ben Cross, Ian Charleson\nRivisto in DVD, con Giovanni, Rachele, Paola, Daniela e Sabrina.\nOggi iniziano le Olimpiadi di Rio: niente di più scontato che riguardarsi il film più famoso (e bello) sul tema dei Giochi Olimpici, vincitore del premio Oscar nel 1981, che celebra gli atleti britannici che parteciparono all'edizione di Parigi 1924. Con una trama lineare, una caratterizzazione semplice e una ricostruzione storica accurata (almeno a livello di immagini, abiti e scenari: le vicende sono invece in parte romanzate), la pellicola si concentra in particolare su due atleti: Harold Abrahams, studente ebreo di Cambridge, che ai Giochi vinse la medaglia d'oro nei 100 metri piani, ed Eric Liddell, missionario evangelico scozzese, che trionfò invece nei 400 metri. Le loro storie scorrono in parallelo, senza mai veramente entrare in contatto, anche se proprio una sconfitta in un'esibizione contro Liddell spinge Abrahams a fare di tutto per andare ancora oltre i propri limiti, affidandosi alle cure dell'allenatore professionista Sam Mussabini (Ian Holm), in un periodo in cui l'atletica alle Olimpiadi era ancora una disciplina riservata ai soli dilettanti. I due campioni avrebbero dovuto competere entrambi sulla corta distanza, ma il fatto che le eliminatorie dei 100 metri fossero programmate di domenica, giorno che intendeva dedicare completamente al Signore, spinse Liddell, fervente praticante, a iscriversi invece ai 400 metri. Il confronto diretto fra i due protagonisti viene così a mancare, con uno smorzamento del climax nella seconda parte della pellicola: i due atleti si "limitano" a battere i rivali americani e, naturalmente, sé stessi. Le motivazioni dei due personaggi, in effetti, sono alquanto diverse e in ogni caso lontane dalla semplice sete di gloria: se lo scozzese corre per onorare Dio, Abrahams vede invece nell'atletica una via di riscatto all'interno di una società che guarda ancora gli ebrei con sospetto. Detto della bella ricostruzione d'epoca (l'ambiente del college, le operette di Gilbert e Sullivan, l'atmosfera delle Olimpiadi dei primordi), il film è entrato nella memoria collettiva anche e soprattutto per la colonna sonora di Vangelis, che ruppe molte convenzioni (era assai raro usare musica elettronica in un period movie) e produsse un tema ("Chariots of fire", appunto, quello che accompagna la corsa degli atleti britannici sulla spiaggia in apertura e chiusura di film) destinato a diventare uno dei più celebri motivi musicali associati allo sport. Fra gli altri brani del compositore greco che si sentono nella pellicola, da segnalare "Abraham's Theme" e "Hymne" (poi usato fino alla nausea negli spot di una nota marca di pasta).\nEtichette: Capolavori, Gran Bretagna, Oscar, Sport, Storia vera\nIl ladruncolo Scott Lang (Paul Rudd), da poco uscito di prigione e in cerca di un lavoro, viene assoldato dallo scienziato Henry "Hank" Pym (Michael Douglas) affinché indossi una speciale tuta di sua invenzione, in grado di rimpicciolire il corpo umano alle dimensioni di un insetto. Pym, negli anni della guerra fredda, era stato infatti un supereroe noto come Ant-Man (l'uomo formica), e intende evitare che il segreto della sua scoperta, le cosiddette "particelle Pym", venga usato a scopi malvagi. Con l'aiuto della figlia di Pym, la bella Hope (Evangeline Lilly), e di un gruppo di scapestrati amici (guidati dall'ex compagno di cella Luis, interpretato da Michael Peña), Scott dovrà dunque introdursi nei sorvegliatissimi laboratori di Darren Cross, l'uomo d'affari che si è impadronito della tecnologia di Pym per mettere a punto una versione ben più letale della tuta di Ant-Man: l'armatura del Calabrone... Con l'intenzione di rimpolpare il roster dei suoi personaggi cinematografici (e tutto è già intavolato per il crossover con gli Avengers, che avverrà l'anno successivo in "Captain America: Civil War": qui Ant-Man ha il suo battesimo del fuoco quando cerca di penetrare nella base degli eroi più potenti della Terra e si ritrova ad affrontare uno di loro, ovvero Falcon), i Marvel Studios portano sullo schermo uno dei personaggi più classici della fase pionieristica della Casa delle Idee: non nella sua incarnazione originale degli anni sessanta, però (Hank Pym, appunto, che si "limita" al ruolo di mentore, anche perché un flashback rivela che ha perso in missione la sua compagna di una vita, Janet Van Dyne/Wasp), ma in quella degli anni ottanta (Scott Lang, con tanto di figlioletta Cassie a carico). Leggero, spensierato e a tratti incoerente, a parte i poteri dell'eroe (oltre a rimpicciolirsi e a tornare normale a piacimento, c'è la capacità di comunicare mentalmente con gli insetti), che consentono di mettere in scena divertenti combattimenti su "piccola scala" (lo scontro finale con il cattivo avviene in un diorama con il modellino di un treno), il film ha ben poco di originale e ricalca dinamiche viste già altre volte in pellicole dello stesso tipo, come il conflitto – su più livelli – fra genitori e figli (e lo stesso personaggio di Cross, il rivale di Pym che indossa il costume del Calabrone, ricorda in maniera impressionante l'Obadiah Stane del primo "Iron Man"), cercando di renderle più vivaci con una robusta iniezione di umorismo: è probabilmente una delle pellicole Marvel più marcatamente "per famiglie". Nel controfinale si suggerisce una possibile carriera per Hope come nuova Wasp. Ambientato a San Francisco, il film doveva inizialmente essere diretto da Edgar Wright, che ha firmato la prima versione della sceneggiatura insieme a Joe Cornish e che ha abbandonato il progetto quando è stato deciso di smussarne gli elementi comici e di legarlo in maniera più stretta al Marvel Cinematic Universe.\nEtichette: 3D, Fumetti, Insetti, Marvel, Supereroi\nUna calibro 20 per lo specialista (M. Cimino, 1974...\nPer favore, non mordermi sul collo! (R. Polanski, ...


Informazioni importanti e nota legale\nGli strumenti d'investimento collettivo di capitale, sottoscrivibili nell'ambito di determinate assicurazioni sulla vita, vengono elencati di seguito a titolo di valori esemplificativi e non rappresentano in alcun modo un'offerta di vendita o di acquisto.\nI dati pubblicati su tali investimenti collettivi di capitale hanno carattere puramente informativo e non vincolante e non vanno considerati alla stregua di consigli, sussidi decisionali o di invito alla sottoscrizione nell'ambito di assicurazioni sulla vita. Esse inoltre si riferiscono alla situazione e alle conoscenze al momento in cui sono state compilate. Pur essendo soggette a verifica e aggiornamento continui, non è possibile escludere errori e pertanto Allianz non garantisce che siano aggiornate, corrette e complete, escludendo anche qualsiasi responsabilità al riguardo. Quanto precede vale in particolare per le informazioni a cui viene rinviato o predisposte da terzi. La scelta di strumenti d'investimento collettivo di capitale avviene esclusivamente sulla base del prospetto o di altri documenti ufficiali di vendita di volta in volta validi messi a disposizione.\nGli investimenti collettivi di capitale sono esposti a rischi che possono anche, in determinati casi, portare alla perdita del capitale investito. Ad esempio prezzo, valore e utili possono aumentare e diminuire. Tali investimenti possono essere accompagnati da rischi in termini di solvibilità, rischi di controparte, rischi valutari e rischi di tasso. L'andamento del valore o gli utili distribuiti di un investimento collettivo di capitale nel passato non costituiscono alcuna garanzia né sono indicatori affidabili per il futuro. Qualsiasi prognosi sul possibile andamento futuro di tali investimenti ha carattere non vincolante. Allianz non risponde in nessun caso del mancato conseguimento di utili o dell'insorgere di eventuali perdite.\nQualora gli investimenti collettivi di capitale vengano effettuati nell'ambito di assicurazioni sulla vita, Allianz è tenuta, per disposizione delle autorità di vigilanza, ad acquisire la proprietà di detti investimenti. Allianz ottiene condizioni e retrocessioni migliori a seconda del volume delle posizioni che detiene. I valori di emissione e di riscatto degli investimenti collettivi di capitale applicati al contraente sono indicati nelle condizioni di assicurazione del relativo prodotto. Le commissioni di emissione attualmente applicate da Allianz sono riportate nella tabella che segue la panoramica completa (Quickrank) dei fondi.\nPer informazioni sugli investimenti collettivi di capitale effettuabili nell'ambito di assicurazioni sulla vita, è necessario confermare quanto segue:\nIl sottoscritto dichiara di avere letto e compreso le informazioni importanti e le note legali sull'esclusione di responsabilità che precedono.\nIl sottoscritto dichiara di essere una persona fisica.\nIl sottoscritto dichiara di essere domiciliato in Svizzera.\nIl sottoscritto dichiara di non essere fiscalmente imponibile negli USA.


Covid-19: l’allerta della Polizia postale sulla diffusione di malware sull’epidemia.\nL’emergenza sanitaria del Coronavirus sta diffondendo il panico nella popolazione. C’è chi, per mettersi al riparo dal contagio, corre all’acquisto di mascherine, dell’Amuchina, di provviste, in vista del periodo di quarantena obbligatorio o forzato. Ogni giorno, in rete, gli utenti sono alla ricerca di news sul Coronavirus: come capire se hai il coronavirus; come evitare il coronavirus nello sport; come proteggere i bambini dal Coronavirus; quali sono le nuove forme di contagio. Insomma, ultimamente non si parla d’altro. Ma sempre in rete, si sta diffondendo anche un altro rischio di contagio: quello dei malware che, cavalcando l’onda del Coronavirus, rischiano di infettare le email istituzionali e non.\nL’allerta arriva dalla Polizia di Stato, compartimento polizia postale e delle comunicazioni Piemonte e Valle d’Aosta.\nIl Centro nazionale anticrimine informatico per la protezione delle infrastrutture critiche, in una nota, allerta sulle nuove minacce informatiche sul Coronavirus.\nQuali sono i malware diffusi tramite email?\nSono virus divulgati attraverso campagne massive di spam che potrebbero interessare anche le caselle di posta istituzionali inducendo gli utenti in errore.\nIl primo malware assume la forma di un file nominato CoronaVirusSafetyMeasures pdf che puoi ritrovare in allegato alle email spam. L’estensione è solo in apparenza .pdf, ma si tratta di un file eseguibile .exe che fa partire il download di contenuti spazzatura.\nIl secondo malware assume la forma di un allegato .doc in cui sono indicate alcune forme di prevenzione per evitare il contagio e, per rendere il tutto più credibile, l’email è a firma della Dr.ssa Penelope Marchetti dell’Organizzazione mondiale della salute (Oms).\nPertanto, è consigliabile fare particolare attenzione alle email ricevute sulla propria casella di posta elettronica, in particolare su quelle istituzionali. In caso di email sospette, non bisogna cliccare sui link contenuti e non aprire allegati (anche se, in apparenza, potrebbero sembrarti normali file in Word o Pdf).


DOTI CARATTERIALI DEI CANI www.centroanimalwellness.it (UA-162932295-1)\ndoti caratteriali cane\n-SE Piange, zoppica, si ferma ha una tempra Molle\nE’ la capacità di rispondere ad un impulso spiacevole ,con atteggiamento di lotta nei confronti dell’ avversario sia esso intraspecifico (un altro cane) che interspecifico (es. uomo).\nE’ quella capacità di avvertire un possibile pericolo esterno, sia diretto al cane che al nucleo familiare in cui vive.\nLa vigilanza, si manifesta sempre in modo più accentuato all’ interno del territorio dove vive il cane rispetto all’ esterno. Inducendo cosi il cane ha fare la guardia assumendo atteggiamenti vigili ed attenti verso gli stimoli che scatenano questo tipo di comportamento.\nUn addestramento specifico può modificare, ed esaltare questa qualità naturale.\nLa vigilanza può essere scarsa, media o alta.\nUna possessività alta può risultare problematica se il proprietario non riesce a gestirla. Ad esempio quando due fidanzati si abbracciano ed il cane si mette fra i due amanti facendo in modo di separarli. Sicuramente\nl’ educazione ed un addestramento specifico possono indirizzare questa dote nel modo giusto.\nVuoi conoscere meglio le doti caratteriali del tuo cane? Scrivici


canonepali.net › Patthana: Capitolo 10\nPatthana: Capitolo 10\n10. Purejata-Paccaya (pre-esistenza)\nLa relazione di pre-esistenza è di tre tipi: pre-esistenza di base, pre-esistenza oggettiva e pre-esistenza oggettiva di base.\nDi questi, il primo e l’ultimo sono già stati trattati sotto la voce Nissaya nella sezione precedente sulla relazione Nissaya.\nLa pre-esistenza oggettiva è il nome dato ai diciotto tipi di qualità materiali della classe determinata (nipphanna). Di questi, i cinque oggetti (forma visibile, suono e così via) sono causalmente correlati, sempre attraverso una pre-esistenza oggettiva, a quei pensieri che sono in grado di prendere parte ai processi di cinque porte. Proprio come il suono del violino sorge solo quando viene suonato con un arco e il suono richiede la pre-esistenza sia delle corde del violino che dell’arco del violino, così anche quei pensieri, che prendono parte ai processi di cinque porte, nascono a causa della presentazione dei cinque oggetti di senso alle cinque porte, che non sono altro che le cinque basi.\nLa presentazione è possibile solo quando la porta e l’oggetto sono nelle loro fasi statiche. Quei cinque oggetti non solo si presentano alle cinque porte dei cinque sensi in quel momento statico, ma si presentano anche alla porta della mente. Per questo motivo, il continuum vitale vibra per due momenti e poi cessa; e la cessazione del continuum vitale dà origine a una serie di coscienza. Quindi, le serie di coscienza in qualsiasi processo non possono sorgere senza la pre-esistenza degli oggetti e delle basi.\nI diciotto tipi di determinate qualità materiali sono o passati, perché sono cessati, o futuri, perché non sono ancora sorti o presenti, in quanto esistono ancora. Tutti, senza distinzione, possono essere oggetti delle cognizioni della porta della mente. Ma, tra questi, solo gli oggetti presenti fungono da pre-esistenza oggettiva. E se una realtà in un luogo distante, o nascosta alla vista, già esistente, diventa un oggetto della mente, può anche essere chiamata un oggetto presente.\nFine della relazione Purejata.\nPatthana: Capitolo 9


Maggio – La Musica della Parola\nLunedì 6, 13 e 20 maggio vi proponiamo di partecipare al Gruppo di studio, a cura di Sandro Cotti, esperto di musica, sull’uso espressivo della voce nella lettura, sui punti di contatto tra i due linguaggi, musicale e verbale. Ad ogni incontro si potranno progettare...\nBentornato don Gianni!\nCaro don Gianni, siamo tutti felici che tu sia di nuovo tra noi, finalmente. Queste domeniche, senza la tua presenza, sono state lunghe da trascorrere: ci mancava proprio il nostro amico e Rettore. Ma sapevamo che il tuo Angelo Custode ti era ed è vicino. Noi, con...\nPasqua 2019: il nostro augurio.\nQuello che facciamo è soltanto una goccia nell'oceano. Ma se questa goccia non ci fosse, all'oceano mancherebbe. Che questa Pasqua ci faccia capire l’importanza delle piccole cose per i grandi cambiamenti. Madre Teresa di Calcutta...\nL’ulivo che portiamo a casa è un segno di pace. Possa ricordarci, in ogni momento, che siamo chiamati ad essere uomini e donne di pace, come lo fosti Tu, che non hai maledetto nessuno e sei morto perdonando. Aiutaci a combattere razzismo e intolleranza, perché...\nAppuntamento al 7 Aprile\nDomenica 7 Aprile troverete sul piazzale del Santuario dell’Annunziata, prima e dopo la S. Messa, l’olio extravergine e il vino nostrano degli amici di Lavoro Anch’io, che raccolgono fondi, tramite l’offerta di questi Prodotti della Solidarietà, per le iniziative di doppio aiuto dell’Associazione: donne e madri...\nPreghiera della settimana.\nSignore Gesù, tu hai dichiarato beati coloro che praticano la misericordia. Manda alla nostra Confraternita la luce del tuo spirito, perché possiamo leggere i segni di questi tempi mutevoli e difficili che stiamo vivendo. Donaci saggezza, coraggio, ed anche un pizzico di follia, per essere...\nGrazie da Don Gianni\nCari amici. Don Gianni ringrazia tutti di cuore per l’affetto e l’interessamento che continua a ricevere. Il riposo gli permette di recuperare sempre meglio le forze, per riprendere man mano le sue attività. Continuiamo nella preghiera in attesa del suo ritorno....\nFesteggiamo la Santissima Annunziata.\nDomenica 24 Marzo celebreremo in Santuario la festa della Santissima Annunziata, che cade il 25 Marzo, nove mesi prima del Natale, in ricordo del sì di Maria, che ha scelto di diventare la madre di Gesù, ed è modello di fede per ogni credente. Vi aspettiamo...\nTi preghiamo per noi cristiani all’inizio di questa Quaresima, perché lo spirito, che ha condotto Gesù nel deserto, porti anche noi a riflettere sulla tua Parola, perché solo tu conosci a fondo il nostro cuore e sai di quale pane abbiamo bisogno per vivere....\nQuaresima, un invito a dedicare un po’ di tempo a riflettere su noi stessi e sul nostro mondo, cercando di deporre la maschera del carnevale alla quale siamo abituati tutto l’anno. Come diceva Pilato: quid est veritas? Se guardiamo fuori dalla finestra non è difficile accorgersi che...


Cede cestello della funivia: Enzo Bloise, Stefano Sassone ferito\nPubblicato il 1 dicembre 2016 20:08 | Ultimo aggiornamento: 1 dicembre 2016 20:08\nCede cestello della funivia: Enzo Bloise, operaio, muore a 31 anni (Foto Ansa)\nSAN GIOVANNI IN FIORE (COSENZA) – Un operaio di 31 anni, Enzo Bloise, è morto ed un altro, Stefano Sassone, di 25 anni, è rimasto ferito in modo grave in un incidente sul lavoro avvenuto a Lorica, località turistica sui monti della Sila, nel Comune di San Giovanni in Fiore, in provincia di Cosenza.\nI due operai erano impegnati nei lavori di realizzazione di una nuova seggiovia Valle Cavaliere/Codecola di Coppo che porta le cabine fino in prossimità della cima del monte Botte Donato.\nSecondo quanto riferisce Repubblica,\nI due operai stavano lavorando all’interno di un cestello di manutenzione collegato ai cavi del nuovo impianto di risalita, per un controllo della seggiovia, la funivia è stata invece completata e collaudata poco più di tre mesi fa ed è già prossima all’apertura. Improvvisamente il cestello dei due operai si è staccato dal cavo portante facendoli precipitare nel vuoto per una ventina di metri.\nSul posto è intervenuta l’eliambulanza, che ha trasportato il ferito nell’ospedale di Cosenza, i carabinieri ed una squadra del Soccorso alpino. Secondo una prima ricostruzione che dovrà essere verificata, i due operai si trovavano in un cestello che si sarebbe staccato dai cavi della funivia facendo precipitare i due per una ventina di metri. I due operai sono stati subito soccorsi dai colleghi ma per uno di loro non c’è stato niente da fare.\nBloise è morto sul colpo, Sassone, è ricoverato in gravi condizioni nell’ospedale Annunziata di Cosenza dove è stato portato con l’eliambulanza. Le indagini dei carabinieri puntano adesso ad accertare il motivo per cui il cestello su cui si trovavano i due operai si sia sganciato dai cavi dell’impianto di risalita.


La “terza causa” si batte con la pece - Il Ponte\nLa “terza causa” si batte con la pece\n26 febbraio 2010 by redazione\nLe Teredini, uno degli organismi xilofagi (voraci mangiatori di legno) che vivono e proliferano nelle acque salmastre, come abbiamo visto in un primo articolo pubblicato su Il Ponte (n.6 del 20 gennaio) , rosicchiavano le palificate a sostegno dei moli dell’Adriatico e del porto di Rimini. Le teredo navalis, chiamate da Fabio Colonna «vermi marini» (Colonna fu tra i primi iscritti all’Accademia dei Lincei aperta da Federico Cesi nel 1612), non furono trasportati in Europa dai vascelli che attraversarono l’Oceano alla scoperta del nuovo mondo come scrisse Ruggero Boscovich, in Europa c’erano già da molto tempo. Nell’epoca attuale, la massima autorità riconosciuta ufficialmente, il Museo di Storia Naturale di Venezia così riporta sul suo sito: «Le larve così prodotte si fissano al legno e iniziano la perforazione producendo un piccolo foro. La perforazione, dopo una breve fase longitudinale, si sviluppa lungo sezioni trasversali. Dato che il foro d’entrata rimane delle stesse dimensioni, un legno colonizzato dalle teredini può apparire esternamente quasi integro, o con minime perforazioni, risultando al contrario internamente pesantemente degradato».\nNel primo secolo d.C. la Teredine compare nella Historiae Mundi di Plinio il Vecchio (libri XXXVII, Volume 1), quando tratta della specie dei tarli da la prima definizione conosciuta di Teredine: «LXXX.41. Quattro sono le sorti degli animali, che guastano gli alberi: il tarlo ovvero teredine; ha grandissimo capo in proporzione del corpo, e rode coi denti. Questo solo si sente in mare, e si ritiene comunemente che questo sia proprio la Teredine».\nRiportate anche da Vitruvio libro V c.12. All’inizio del 1700 fu Apostolo Zeno nel Giornale dei Letterati d’Italia a ricordare che «Plinio, Teofrasto, il Ruelio, ed altri celebri scrittori hanno fatto menzione di questo dannosissimo tarlo che chiamano Teredine».\nFrancesco Redi lo scienziato naturalista aretino, che sovvertì la teoria Aristotelica dell’origine della vita, nella sua lettera al conte Magalatti riferiva una descrizione dettagliata e puntuale delle teredini fatta al porto di Livorno. Carlo Linneo biologo svedese, considerato il padre della moderna classificazione scientifica degli organismi viventi, scrivendo delle teredini che furono propagate, diffuse e moltiplicate nei mari europei per mezzo delle navi provenienti dalle Indie, aveva commesso un errore non da poco. Il ravennate Francesco Ginanni nella Istoria civile e naturale delle pinete ravennati, citando Linneo ne diede la seguente definizione: «Teredine del legno. Teredo intra lignum texta flexuosa, del Linneo. Abita né pali che sostengono le foci dé condotti dell’acque che mettono in mare»\nAlbrecht von Haller corrispondente di Giovanni Bianchi, nel suo Biblioteca Anatomica cita il trattato De teredine marina scritto da Godfredo Sellius. Lo stesso G. G. Winckelmann nel Volume 9, delle sue Opere scriveva «So quanto fosse l’abilità di quest’uomo [Sellius] conosco il suo libro De teredine marina, scritto in leggiadrissimo latino».\nI rimedi di Boscovich e Bianchi\nLa pece come “cera” per ungere le navi è descritta da Plinio il Vecchio come un rimedio per impermeabilizzare il fasciame delle navi ampiamente usata dai romani. Ma era anche un buon rimedio, usato per molti secoli, per impedire alle teredini di annidarsi nei legni delle imbarcazioni immersi in acque salmastre. Nei fatti del porto riminese della seconda metà del settecento il problema emerge e vengono proposte più soluzioni per evitare la distruzione in due o tre anni dei pali infissi a formare i moli. Giovanni Bianchi nel Parere sopra il Porto di Rimino scrisse del suo doppio rimadio nel trattare i pali di legno «…si può fare il rimedio di sopra mentovato, cioè d’abbronzarla per un dito intorno intorno, e poscia impeciarla, come si fanno le barche; oppure che se le potrebbe dare una vernice, nella quale fosse cotto il verderame, o l’arsenico, che sono cose velenose, che uccidono tutte le maniere d’animali, che le addentano, non che le brume di mare, che sono di una sostanza delicatissima, e tenerissima», preferendolo al rimedio di Ruggero Boscovich «Il P. Boscovich propone un liquore cavato dal carbon fossile; ma questo quì non si trova, ed anche finora è come un segreto, onde per ora basterà attenersi alla pece navale, che difende le barche, o alla vernice, che ho detta». Bianchi scriveva forse di un «liquore» prodotto dalla raffinazione del petrolio, antenato del gasolio e della benzina visto che «finora è come un segreto»?\nUno sport che vada incontro all’uomo


casa campidanese con piccolo cortile #1685533\nSplendido Rifugio Nel Sinis Di Oristano.\nnel centro abit.di Cabras( oristano) a pochi minuti di auto dalla costa del Parco marino del Sinis, sulla costa occidentale della Sardegna, località e spiaggie ancora godibili turisticamente anche in alta stagione. .vicino al sito archeologico di Tharros. possibilità di uscite giornaliere nel parco a bordo imbarcazione a vela.\nLe spese per la corrente verranno conteggiate a parte tramite lettura del contatore all'inizio ed al termine della permanenza.\nLe pulizie verranno effettuate gratuitamente prima del vostro arrivo.


Informativa sulla Privacy – Estancia de La Mantilla – Cartagena de Indias – Colombia\nQuesta informativa sulla privacy si applica a www.lamantilla.com posseduto e gestito da Estancia de La Mantilla. Questa informativa sulla privacy descrive come raccogliamo e usiamo le informazioni, inclusi i dati personali, che fornisci sul nostro sito: www.lamantilla.com. L'informativa descrive anche le possibilità di scelta che hai riguardo all'uso dei tuoi dati personali, come puoi accedervi e come modificarli.\nSe non vuoi acconsentire all'elaborazione dei dati secondo le modalità descritte negli scopi C-F, ma non è presente nessun sistema di annullamento del consenso (per esempio tramite le impostazioni del tuo browser), per quanto possibile, contatta reservas@lamantilla.com .\nCi affidiamo a te per assicurarci che i tuoi dati personali siano completi, accurati e aggiornati. Informaci tempestivamente di eventuali modifiche o imprecisioni nelle tue informazioni personali contattando reservas@lamantilla.com . Gestiremo la tua richiesta secondo la normativa vigente.\nSe hai domande o dubbi riguardanti la gestione dei tuoi dati personali o se vuoi esercitare i tuoi diritti previsti nell'ambito di questa informativa, puoi contattarci tramite reservas@lamantilla.com . Puoi anche contattare l'autorità locale in materia di protezione dei dati per qualsiasi domanda o reclamo.


Risparmio energetico grazie all'uso di un piano cottura a induzione\nLa tecnologia della cucina a induzione\nGli esperti delle tecnologie a induzione: tra sostenibilità e risparmio di energia\nLe cucine a induzione stanno prendendo il sopravvento. I motivi sono veramente intuitivi: maggiore qualità, maggiore sicurezza e risparmio energetico. Naturalmente, rispetto alle tradizionali cucine a gas, le piastre a induzione, funzionano con l’energia elettrica.\nLa tecnologia della cucina a induzione permette cucinare tramite il passaggio di calore dal piano direttamente alla padella o alla pentola. Viene limitata al massimo la dispersione di calore. Proviamo solo per un attimo a pensare invece alla vecchia cucina con i fornelli a gas: la dispersione di calore è tale per cui quando cuciniamo si scalda tutta la cucina! Questo forse ci potrebbe permettere in inverno di risparmiare sul riscaldamento, tuttavia non sembra una soluzione ottimale. Entrando nel dettaglio statistico: una cucina elettrica a induzione in vetroceramica ha un rendimento che può andare oltre il 90%. Il fornello a gas si ferma al 50%, proprio a causa delle dispersioni termiche.\nPer una cucina a induzione, però, è necessario usare pentole e padelle specifiche. Questo proprio in virtù della particolare tecnologia sfruttata dalla piastra a induzione. Pertanto, andranno bene le pentole in alluminio, le pirofile in vetro e i tegami in rame, ceramica o terracotta. Al fine dunque di utilizzare al meglio la cucina a induzione, che come si è detto è decisamente più conveniente rispetto alle classiche cucine di una volta, è necessario puntare sulla qualità anche di pentole e padelle.\nE qui entrano in gioco i professionisti della materia: Flonal Cookware è un’azienda italiana, nata negli anni ’80, specializzata in pentole antiaderenti in alluminio. Nel panorama imprenditoriale odierno è un’eccellenza territoriale, dal momento che nonostante la crescita sui mercati internazionali fonda l’intero processo produttivo sul territorio d’origine, con lo stabilimento di Fano.\nFlonal è riconosciuta per la propria affermazione in alcune tecnologie, tra le quali: Diamond Coating Technology (rivestimento rinforzato con diamanti naturali, che conferisce al prodotto uno spessore che arriva fino a 60 micron), Magma-Tech e Magma-Tech Plus (tecnologie che garantiscono la protezione del rivestimento anche nel caso di utilizzo di utensili metallici.), Pb-Tech (dove Pb sta per "Barriera protettiva", poiché è inserito all’interno dei normali strati antiaderenti, uno strato speciale ed extra resistente) ed infine Cera-Tech e Heat Tech.\nQueste ultime due si segnalano per la concezione di efficienza e sensibilità ambientale cui sono ispirate. Cera Tech basa la sua intera produzione basata sul risparmio energetico. Cera-Tech, infatti, è un particolare rivestimento che crea una pellicola compatta (grazie alle particelle di silicio), che garantisce grande resistenza a graffi ed abrasioni. La stessa tecnologia consente di aumentare le proprietà antiaderenti del prodotto e permette di produrre le pentole a basse temperature, generando così una riduzione delle emissioni di CO2. Heat Tech ottimizza il processo di riscaldamento della padella, garantendo altissime performance, rapidità e omogeneità della distribuzione del calore e – per questo – la massima efficienza energetica in cucina. La partita del risparmio, abbiamo capito, si gioca anche sui tempi di cottura.\nÈ intuitivo che a parità di energia al minuto necessaria per cucinare una determinata pietanza, l’ottimizzazione del tempo (e qui torna in gioco la questione della dispersione energetica) è cruciale al fine di raggiungere risparmi considerevoli. Facciamo un esempio: utilizzando la pentola Fast Cooker (che sfrutta la tecnologia Magma-Tech Plus) il tempo di cottura di un risotto passa dai 25 minuti (con cottura tradizionale) a 12 minuti, mentre il tempo di cottura di uno stufato di carne passa dai tradizionali 55 minuti a soli 30 minuti.\nAggiornato il 16/06/2022


Calcio Napoli, risposte alle polemiche dopo tre pareggi consecutivi\nHome Sport Il Napoli risponde alle polemiche: 3-0 all’Inter (video gol)\nIl Napoli risponde alle polemiche: 3-0 all’Inter (video gol)\nIl Calcio Napoli dopo tre pareggi consecutivi in casa ( Lazio, Dinamo Kiev e Sassuolo) si riscatta ampiamente superando l’Inter per 3-0.\nNon si respirava molta fiducia attorno alla squadra: dopo il pari gol Sassuolo, nonostante il bel gioco, tutti sotto esame: Sarri per la gestione dei cambi; Reina per le poche parate; Gabbiadini per la scarsa vena realizzativa etc etc.\nAlbiol torna titolare al fianco di Koulibaly; Zielinsky con Diawara ed Hamsik assicurano tecnica e muscoli al centrocampo. Attacco forzato per l’assenza di Mertens con Insigne, Callejon e Gabbiadini.\nPronti via ed il Napoli dopo 5’ è già in vantaggio di due reti. Prima Zielinsky al 2’ finalizza con un tiro a volo rasoterra una bellissima azione corale; poi Hamsik sulla sinistra al 5’ si infila in area e supera Handanovic con un potente diagonale rasoterra sul palo opposto.\nGioca bene il Napoli con tocchi di prima ed inserimenti tra le linee avversarie; l’Inter sembra tramortita e non riesce a fermare l’avversario. In due occasioni, però, l’Inter si avvicina al gol trovando un Reina attento.\nAll’inizio della ripresa su azione di calcio d’angolo Insigne con abile tocco supera il portiere interista. 3-0 è partita chiusa.\nDa quel momento i nerazzurri cercano una sterile reazione ed il Napoli controlļa piuttosto agevolmente. Da segnalare al minuto 75 il debutto di Rog entrato al posto di un Hamsik semplicemente perfetto.\nOttime le prove di Insigne, Zielinsky, Koulibaly, Reina e Diawara. Gabbiadini sfortunato in almeno tre occasioni e sicuramente più voglioso di mettersi in mostra.\nIl Napoli torna alla vittoria e lo fa giocando un calcio piacevolissimo.\nOra, martedì, c’è la complicatissima trasferta di Lisbona per superare il turno di Champions. Il Napoli ci arriva nel migliore modo possibile e riducendo, in campionato, il gap con le altre squadre ,sabato c’è Juventus Atalanta e domenica Roma Lazio.\nArticolo precedenteLotta al cancro: all’Istituto Pascale più di 1000 pazienti trattati con immuno-oncologia\nArticolo successivoNapoli recupera il Teatro Trianon. Ripuliti gli spazi pedonali. Guarda le foto


Valeria Marini shock: ecco il motivo del divorzio da Giovanni Cottone - Paperblog\nCreato il 06 maggio 2014 da Violacentrica @violacentrica\nSelvaggia Lucarelli l'ha sottolineato per bene e noi non possiamo fare diversamente, soprattutto, dopo aver letto l'articolo con intervista che Valeria Marini ha rilasciato al Corriere della Sera . Ecco l'infelice stralcio:\nValeria Marini è seduta nello studio milanese di Annamaria Bernardini de Pace, il legale che la sta seguendo nella causa di separazione da Giovanni Cottone, sposato in pompa magna ..\nOra: per descrivere i fasti del matrimonio, la giornalista avrebbe potuto impegnarsi nel trovare termini più consoni .. considerando che Valeriona ha dichiarato di voler annullare le nozze causa "matrimonio non consumato" (forse facciamo meglio noi a ricordarlo sempre come "matrimonio con bestemmia in diretta Rai").\nOk, siamo volgari.\nIl punto della questione è che la guerra dei Cottone's tutto sembra tranne che una separazione consensuale. Ecco le dichiarazioni che stanno infiammando il gossip sui social:\nIn Tribunale non si presenterà, vuole rivedere alcune cose con me a cena. Non so quali: avevamo già firmato l’accordo il 16 aprile. Ora non mi lascia tante altre strade da percorrere… (…) La crisi va cercata nel rapporto di coppia. I problemi economici si superano. Ma il vero problema riguardava noi due: il nostro matrimonio non è mai stato consumato.\nStupore e sconcerto. Soprattutto considerando che la relazione tra i due è iniziata diversi anni prima delle nozze, ma ancora di più .. se ricordiamo la dichiarazione di Cottone qualche mese fa, quando alla domanda "Valeria è incinta" rispose "NI".\nSpririto Santo 2.0 ??\nLa Marini in un impeto di riservatezza ha calcato ancora di più la mano, rivelando i rapporti tesi tra il marito e la sua famiglia:\nGianni ha cambiato atteggiamento proprio quel mattino (dopo la prima notte di nozze ndr.). Lo ricordo ancora adesso mentre mi dà le spalle, immobile, a casa mia a Roma, e reagisce male quando gli parlo di una cosa che riguarda mia madre: “Non me ne frega niente, pensaci tu”. Strano, mi sono detta, magari è nervoso. Purtroppo non è stata una eccezione: questo suo aspetto arrogante e aggressivo si è ripetuto. Ha usato toni inaccettabili verso i miei familiari. Pure a San Valentino, quando mi propose di andare a cena fuori per recuperare il matrimonio, finì con lui che inveiva contro mia madre davanti a tutti mentre io non la smettevo di piangere.\nSacra Rota vieni a noi!\nImmediata la risposta di Giovanni Cottone, ai microfoni di RTL 102.5\nValeria Marini beccata in Florida con un chilo di buccia d’arancia\nValeria Marini querela Diva e Donna: non sono incinta #sologonfiore?


Il buon matematico si riconosce da lattante - Le Scienze\nCortesia Melissa Libertus/PNAS\nLa capacità di distinguere a colpo d'occhio, sia pure in modo approssimativo, la numerosità di diversi gruppi di oggetti, è presente fin dai primissimi mesi di vita, e quanto più è spiccata tanto migliore è la successiva capacità dei bambini di impadronirsi e utilizzare i concetti di base della matematica astratta (red)\nL'insospettabile naturalità delle frazioni\nLe basi biologiche dell'aritmetica elementare\nMeglio il logaritmo del righello\nbambini apprendimento matematica\nIl senso intuitivo e preverbale della quantità nella primissima infanzia è predittivo sia del senso non simbolico di numero sia dell'abilità matematica simbolica esibita negli anni successivi. E' la conclusione a cui è giunta una ricerca condotta da psicologi della Duke University a Durham e della Johns Hopkins University a Baltimora, che firmano un articolo pubblicato sui “Proceedings of the National Academy of Sciences”.\nE' indubbio che l'educazione e l'ambiente siano fattori di prima grandezza nel incoraggiare e plasmare le abilità matematiche, ma è ancora oggetto di dibatto se e quanto la capacità unicamente umana di sviluppare e manipolare concetti matematici astratti sia influenzata da abilità numeriche di base presenti fin dalla prima infanzia.\nQueste abilità sono rappresentate da quel senso della numerosità, filogeneticamente molto antico e presente anche negli animali, che permette di valutare a colpo d'occhio che una fila di cinque alberi, per esempio, è più numerosa di una di tre, e per il quale non serve conoscere il nome dei numeri né alcuna loro rappresentazione simbolica.\nI ricercatori hanno preso in esame un gruppo di 48 bambini di sei mesi di età per misurare l'acutezza del loro senso preverbale del numero. A questo scopo hanno usato un metodo standard che consiste nel mostrare una serie di immagini che riproducono un numero variabile di grossi punti e registrare per quanto tempo lo sguardo del piccolo si sofferma su ciascuna di esse.\nLe immagini nuove sorprendono e inducono a fissarle per un tempo maggiore di quello dedicato a immagini note. Se un'immagine con cinque punti viene fissata più a lungo (quindi trattata come nuova) dopo una serie di immagini con quattro punti, questo indica che il piccolo è in\ngrado di distinguere fra quattro e cinque.\nTre anni dopo questo test, lo stesso gruppo di bambini è stato sottoposto a nuovi test per valutarne la capacità matematica simbolica, la padronamnza dei nomi dei numeri, il senso numerico primitivo, e l'intelligenza generale.\nL'analisi dei risultati ha confermato che una maggiore acutezza del senso del numero preverbale manifestato a sei mesi di età corrispondeva a una maggiore padronanza e capacità di manipolazione dei numeri a tre anni, indipendentemente dal livello di intelligenza generale. Secondo i ricercatori, questo suggerisce che il senso della numerosità già presente nella primissima infanzia rappresenta un importante “mattone” per la costruzione delle successive capacità matematiche.


Stampa con Writer - Apache OpenOffice Wiki\nWriter mette a disposizione diverse opzioni per la stampa.\n1 Stampa rapida\n2 Controllo della stampa\n3 Selezione delle opzioni di stampa per un documento\n4 Stampa in bianco e nero con una stampante a colori\n5 Visualizzare le pagine prima della stampa\n6 Stampa di un dépliant\n7 Stampa di buste\n8 Stampa di etichette\nFate clic sull'icona Stampa file direttamente per stampare l'intero documento sulla stampante predefinita del computer.\nE' possibile modificare l'azione associata all'icona Stampa file direttamente per stampare sulla stampante predefinita del documento invece che sulla stampante predefinita del computer. Andate in Strumenti > Opzioni > Carica/Salva > Generale e selezionate l'opzione Carica le impostazioni della stampante assieme al documento.\nUtilizzate File > Stampa per aprire la finestra di dialogo Stampa (figura sotto) che consente maggiori controlli sulla funzionalità di stampa.\nNella finestra di dialogo è possibile selezionare:\nQuale stampante usare (se sul sistema ne sono installate più d'una) e le relative proprietà—ad esempio, orientamento (orizzontale o verticale), quale cassetto di alimentazione usare e la dimensione dei fogli. Le proprietà disponibili dipendono dal tipo di stampante selezionata; per maggiori dettagli consultare il manuale della stampante.\nQuali pagine stampare, quante copie farne e in quale ordine stamparle. Utilizzare trattini per specificare intervalli di pagine, e virgole o punti e virgola per separare intervalli diversi; ad esempio: 1, 5, 11–14, 34–40. Selezione rappresenta la parte evidenziata di una pagina o di più pagine.\nScelta degli oggetti da stampare. Fare clic sul pulsante Extra per aprire la finestra di dialogo Opzioni stampante (figura sotto).\nLa finestra di dialogo Opzioni stampante.\nSelezione delle opzioni di stampa per un documento\nLe selezioni effettuate dalla finestra di dialogo Opzioni stampante si applicano solo alla sessione di stampa corrente.\nPer preimpostare le opzioni di stampa, utilizzare le due pagine disponibili in Strumenti > Opzioni: OpenOffice.org – Stampa (vedi Capitolo 2) e OpenOffice.org Writer – Stampa (che è molto simile alla finestra di dialogo Opzioni stampante).\nDi seguito sono illustrati alcuni elementi di particolare interesse della finestra di dialogo Opzioni stampante.\nNella sezione Contenuto, è possibile scegliere di non stampare oggetti grafici o lo sfondo (utile nella stampa di bozze per risparmiare inchiostro o toner).\nNella sezione Pagine è possibile scegliere:\nLa stampa delle sole pagine sinistre (numeri pari) o destre (numeri dispari). Queste impostazioni sono utili quando si vuole effettuare una stampa fronte-retro con una stampante che non ha questa funzionalità.\nLa stampa delle pagine in ordine invertito.\nLa stampa in modalità Depliant—questa opzione è trattata nel paragrafo Stampa di un dépliant.\nNella sezione Note e possibile scegliere se stampare le note inserite nel documento (con il comando Inserisci > Nota), e in quale posizione stamparle.\nStampa in bianco e nero con una stampante a colori\nLa stampa in bianco e nero con una stampante a colori consente di risparmiare inchiostro colorato o toner quando si stampano bozze o documenti che devono essere fotocopiati in bianco e nero. Sono disponibili diverse opzioni.\nPer stampare in bianco e nero o in sfumature di grigio il documento corrente:\nFare clic su File > Stampa per aprire la finestra di dialogo Stampa.\nFare clic su Proprietà per aprire la finestra di dialogo delle proprietà della stampante. Le scelte disponibili dipendono dal modello di stampante, ma dovrebbe essere disponibile un'opzione per il colore. Consultare il manuale della stampante per ulteriori informazioni.\nLe scelte per il colore potrebbero includere bianco e nero o scala di grigio: scegliete una di queste. Se ci sono oggetti grafici nel documento è preferibile la sfumatura di grigio. Fate clic su OK per confermare la scelta e tornare alla finestra di dialogo Stampa, quindi fate di nuovo clic su OK per stampare il documento.\nPer impostare OOo affinché stampi in sfumature di grigio tutto il testo a colori e gli oggetti grafici, procedere come segue.\nFare clic su Strumenti > Opzioni > OpenOffice.org > Stampa.\nSelezionate l'opzione Converti i colori in sfumature di grigio. Fate clic su OK per salvare le modifiche.\nPer impostare OOo Writer affinché stampi in nero il testo colorato e in sfumature di grigio gli oggetti grafici:\nFare clic su Strumenti > Opzioni > OpenOffice.org Writer> Stampa.\nSotto Contenuto, selezionare l'opzione Stampa in nero. Fate clic su OK per salvare le modifiche.\nVisualizzare le pagine prima della stampa\nLa visualizzazione di pagina normale in Writer mostra come risulterà la pagina una volta stampata, visualizzando solo una pagina alla volta. Può essere utile vedere come risulteranno le pagine affiancate, soprattutto se si sta producendo un documento per la stampa fronte-retro. Ci sono due modalità per fare questo in OOo:\nVisualizza Layout di stampa (vista modificabile) — vedi Modalità di visualizzazione dei documenti.\nAnteprima di stampa (vista non modificabile) — da cui è possibile stampare pagine multiple su un unico foglio.\nPer utilizzare Anteprima di stampa:\nFare clic su File > Anteprima di stampa, o sul pulsante Anteprima di stampa . La finestra di Writer cambia e mostra ora la pagina corrente e le pagine seguenti, oltre alla barra degli strumenti Anteprima di stampa al posto della barra di Formattazione.\nBarra degli strumenti Anteprima di stampa.\nFare clic sull'icona Anteprima del libro per mostrare le pagine sinistre e destre nella loro disposizione corretta.\nPer stampare il documento da questa vista, fare clic sull'icona Stampa anteprima pagina : si aprirà la finestra di dialogo di Stampa. Scegliere le opzioni e fare clic su OK per stampare.\nPer impostare i margini e altre opzioni per la stampa, fare clic sull'icona Opzioni di stampa : si aprirà la finestra di dialogo Opzioni di stampa.\nLa finestra di dialogo Opzioni di stampa.\nStampa di un dépliant\nE' possibile stampare un documento che abbia due pagine su ogni lato del foglio, in modo che quando le pagine vengono piegate si trovano nell'ordine corretto per formare un dépliant o una brochure.\nPer stampare un dépliant su una stampante priva della funzione fronte-retro:\nOrganizzare il documento in modo che risulti adeguato ad una stampa a dimensione dimezzata (scegliere opportunamente i margini, la dimensione dei caratteri, etc.). Fare clic su File > Stampa. Nella finestra di dialogo Stampa, fare clic su Proprietà e assicurarsi che la stampante abbia la stessa impostazione di orientamento (verticale od orizzontale) di quella specificata nell'impostazione di pagina del documento. (In generale l'orientamento non è rilevante, ma lo è per i dépliant.)\nFare clic su Extra. Nella sezione Pagine della finestra di dialogo Opzioni stampante, scegliere Dépliant e Pagine destre. Fare clic su OK due volte per stampare la prima facciata di ogni pagina.\nCapovolgere le pagine e reintrodurle nella stampante, con l'orientamento appropriato per stampare la facciata ancora vuota. Potrebbe essere necessario fare qualche prova per trovare la procedura corretta per la vostra stampante.\nFare clic su File > Stampa e verificare Proprietà per assicurarsi che la stampante sia ancora impostata correttamente.\nFare clic nuovamente su Extra. Nella sezione Pagine della finestra di dialogo Opzioni stampante, scegliere Dépliant e Pagine sinistre. Fare clic su OK due volte per stampare le seconde facciate.\nSe la vostra stampante consente la stampa fronte-retro, fate click su Pagine sinistre, Pagine destre e Dépliant: oltre alla stampa delle pagine in un unico passaggio, queste dovrebbero anche risultare nell'ordine corretto per la rilegatura.\nLa stampa delle buste richiede due passaggi: l'impostazione e la stampa.\nPer impostare la stampa di una busta insieme al documento:\nFare clic su Inserisci > Busta dalla barra dei menu.\nNella finestra di dialogo Busta, iniziare dalla scheda Busta (figura sottostante). Controllare, aggiungere o modificare le informazioni nelle aree Mittente e Destinatario. E' possibile inserire le informazioni direttamente nelle aree Mittente e Destinatario, o utilizzare il menu a discesa sulla destra per selezionare la base dati o la tabella da cui recuperare tali informazioni. Vedere il Capitolo 11 (Uso della Stampa in serie) nella Guida a Writer per maggiori dettagli su come stampare buste da una base dati.\nInserire le informazioni di mittente e destinatario.\nNella scheda Formato (figura sotto), verificare o modificare il posizionamento delle informazioni su mittente e destinatario. Lo spazio di anteprima in basso a destra mostra il risultato delle impostazioni di posizionamento.\nImpostare la posizione e la dimensione degli elementi.\nPer formattare il testo in queste aree, fare clic sui pulsanti Modifica posti sulla destra. L'elenco a cascata consente due impostazioni: Carattere e Paragrafo.\nIn Carattere, è possibile impostare il tipo di carattere (Dimensioni...), gli effetti (Sottolineato, Colore...), la posizione (Rotazione/scala...), il collegamento, lo sfondo, etc.\nIn paragrafo, è possibile impostare rientri e distanze, allineamento, flusso di testo, tabulazioni, capo lettera, bordi e sfondo.\nNell'area in basso a sinistra di questa scheda, scegliere il formato della busta dall'elenco a discesa. Nelle due aree sotto il formato sono mostrate larghezza e altezza della busta selezionata. Verificate queste dimensioni se utilizzate un formato preesistente. Scegliendo Personalizzata dall'elenco dei formati, è possibile modificare direttamente le dimensioni.\nEseguita la formattazione, passare alla scheda Stampante (figura sotto) per selezionare le opzioni di orientamento e posizionamento della busta nella stampante. Potrebbe essere necessario effettuare alcune prove per individuare le impostazioni più adatte alla stampante in uso. E' inoltre possibile scegliere una diversa stampante o modificarne le impostazioni (ad esempio, per specificare quale cassetto conterrà le buste).\nImpostare le opzioni di stampa per una busta.\nEffettuate le impostazioni, fare clic su Nuovo doc. o su Inserisci per terminare.\nNuovo doc. crea solamente una busta, o un nuovo documento contenente la busta. Inserisci inserisce la busta come prima pagina in un documento esistente.\nPer annullare la creazione della busta, fare clic su Annulla o premere il tasto Esc. Facendo clic su Ripristina è inoltre possibile annullare le modifiche effettuate e ritornare alle impostazioni presenti all'apertura della finestra di dialogo.\nAlla chiusura della finestra di dialogo Busta viene riproposto il documento, che ora contiene anche la busta. E' consigliabile innanzitutto salvare questo file.\nPer stampare la busta:\nSelezionate dalla barra dei menu File > Stampa.\nNella finestra di dialogo Stampa, sotto Area di stampa, selezionare Pagine e inserire 1 nella casella corrispondente. Fare clic su OK per stampare.\nLe etichette sono utilizzate tipicamente per stampare indirizzi multipli (un indirizzo per etichetta), ma possono essere utili anche per realizzare più copie dello stesso indirizzo, ad esempio realizzare etichette adesive con l'indirizzo del mittente.\nPer stampare etichette:\nScegliere File > Nuovo > Etichette dalla barra dei menu. Verrà mostrata la finestra di dialogo Etichette.\nNella scheda Etichette, inserire il testo dell'etichetta nell'area Testo etichetta, o utilizzare gli elenchi a discesa Database e Tabella per scegliere le informazioni da inserire in etichetta, come descritto nel Capitolo 11 (Uso della stampa in serie) della Guida a Writer.\nFinestra di dialogo Etichette, scheda Etichette.\nSelezionare il tipo di etichette dall'elenco a discesa Marca. I modelli di etichetta compariranno nell'elenco a discesa Tipo. Selezionare la dimensione e la tipologia di etichette. Nell'elenco a discesa Tipo è anche possibile selezionare Utente, per impostare manualmente le caratteristiche nella scheda Formato.\nNella scheda Formato (figura sotto riportata), selezionare distanze, dimensioni, margini, colonne e righe per personalizzare le etichette, o per verificare le impostazioni della tipologia di etichette scelta nella scheda precedente.\nFinestra di dialogo Etichette, scheda Formato.\nFare clic su Salva per salvare il nuovo formato di etichette.\nTerminata la formattazione, per creare il foglio di etichette fare clic su Nuovo documento, oppure fare clic su Cancel per annullare (o premere il tasto Esc). E' anche possibile fare clic su Ripristina per reimpostare i parametri predefiniti.\nNella scheda Extra, è possibile selezionare se stampare l'intera pagina di etichette oppure una sola etichetta, identificata indicando la riga e la colonna corrispondenti. E' inoltre possibile modificare le impostazioni della stampante.\nE' possibile stampare direttamente utilizzando l'icona Stampa file direttamente sulla barra degli strumenti, oppure selezionare File > Stampa dalla barra dei menu, o infine salvare il file ottenuto per stampare in un momento successivo.\nFinestra di dialogo Etichette, scheda Extra.\nRetrieved from "https://wiki.openoffice.org/w/index.php?title=IT/Documentation/OOo3_User_Guides/Getting_Started/Printing_from_Writer&oldid=241007"