Bartolomeo Di Monaco » PITTURA: I MAESTRI: Van Gogh: Passi del suo epistolario\nVan Gogh ha prodotto due opere colossali: quella figurativa, consistente in disegni e in dipinti; e quella letteraria, come a giusto titolo si qualifica il suo vastissimo epistolario. Annotazione pressoché quotidiana delle poche, deludenti vicende concrete, ma incessante, esasperata introspezione, sfogo a una solitudine irrimediabile, confessione senza remore né veli, rivelazione illuminante di un mondo interiore sterminato, esso si snoda durante diciotto anni, dall’agosto 1872 sino alla morte, nel luglio 1890: l’ultima lettera fu trovata addosso all’artista ormai spentosi, ed era stata vergata il giorno stesso del suicidio, il 27 luglio.\nÈ un patrimonio tramandatosi quasi intatto e che, apparso dapprima in frammenti e attraverso edizioni parziali, fu ricomposto, nel centenario della nascita del pittore, nei quattro volumi preparati amorevolmente e scrupolosamente dalla cognata, la vedova del fratello Theo: Verzamelde Brieven van Vincent van Gogh, uitgegeven en toegelicht door zijn schoonzuster J. van Gogh-Bonger, Amsterdam-Anversa, Wereld-Bibliotheek, 1953 (seconda edizione riveduta e accresciuta, 1956), che, in oltre milleseicento fittissime pagine, numerano cronologicamente le lettere e ne danno i testi nelle loro lezioni originali – in olandese, in francese o in inglese -, accompagnandoli con la riproduzione di tutti gli schizzi che vi si contengono. Edizione imponente, che si arricchisce di alcune lettere scritte da Theo al fratello e ad altri, nonché da alcuni dei corrispondenti, di una biografia del pittore, di mano della cognata, e di numerose annotazioni e chiose a cura della stessa o di suo figlio, l’Ing. V. W. van Gogh.\nSu di essa furono esemplate le altre edizioni (ove i testi sono tutti volti in una sola lingua), apparse rispettivamente negli Stati Uniti, in Italia e in Francia: The Complete Letters of Vincent van Gogh with Reproductions of all Drawings in the Correspondence, tre volumi, Greenwich (Connecticut), New York Graphic Society, 1958 (1959), traduzione di C. de Dood; Tutte le lettere di Vincent van Gogh, tre volumi, Milano, Silvana Editoriale d’Arte, 1959, traduzione di Marisa Donvito e Beatrice Casa vecchia; Correspondance complète de Vincent van Gogh enrichie de tous les dessins originaux, tre volumi, Parigi, Gallimard-Grasset, 1960, traduzione di M. Beerblock e L. Roelandt, introduzione e note di Georges Charensol. In quest’ultima edizione, più ricca di sette pezzi inediti, le lettere (che nella olandese e nelle altre due appaiono per lo più raggruppate a seconda dei loro destinatari) sono state riunite in un’unica successione cronologica, non, del resto, agevolmente determinabile, poiché ordinariamente le lettere non recano indicazioni di date.\nCosì come risultano in tali edizioni (e specificamente in quella francese), le lettere scritte dal pittore, e sin qui pervenute, superano le ottocento: sarebbero, precisamente, 821. La massima parte è data da quelle indirizzate al fratelli. Theo, i cui contatti epistolari col pittore subirono una pausa solo durante gli anni parigini del 1886 e del 1887, che Vincent e Theo trascorsero insieme: 668, sei delle quali rivolte insieme a lui e alla moglie, che sarà poi l’ordinatrice dell’epistolario; e di esse, 466 scritte in olandese, due in inglese — dall’Aja, nel maggio 1882 -, e 200 in francese: sette da Cuesmes e Bruxelles dal luglio 1880 al gennaio 1881, e le restanti 193 durante l’intero periodo francese, dal giorno dell’arrivo a Parigi, il 28 febbraio 1886, a quello del colpo di rivoltella a Auvers. È la lettera a cui è stato assegnato il numero 652, poiché undici numeri sono saltati, ma ventuno sono ripetuti (con l’aggiunta, al numero, della sigla a) e sei sono ripetuti una seconda volta (sigla b ),\nOltre al corpus di quelle inviate al fratello, l’epistolario comprende, con numerazioni a parte e distinte da sigle, tre altri gruppi di lettere: 58 in olandese ad Anthon van Rappard (R1 – R58); 22 in francese a Émile Bernard (B1 – B21, nonché B19a) e 22 alla sorella Wilhelmina (W1 – W 23, ma la W 10 non è di mano del pittore; sei delle quali in olandese e 16 in francese); nonché, frammiste a quelle a Theo, e quindi con la loro stessa numerazione e aggiunta di sigle, cinquantuno altre: dodici alla madre; sei a Gauguin e altrettante alla famiglia Van Stockum-Haanebeek; quattro al padre e alla madre insieme, e altre quattro ai coniugi Ginoux; tre a John Russell; due ciascuno allo zio Cornelis, alla cognata Johanna, moglie di Theo, a A. H. Koning e ai Furnée padre e figlio; una ciascuno, infine, a Paul Signac, E. G. Bosch, J. J. Isaacson, Anton Kerssemakers, H. M. Levens, Octave Maus, Albert Aurier e al pastore Jones.\nPoiché le lettere rispecchiano, con una lucidità senza precedenti e attraverso un’analisi, portata sin oltre i confini proustiani, l’animo e il pensiero di chi le scriveva, e poiché durante l’ultimo suo decennio quella della pittura fu l’unica, accanita, maniaca idea di Van Gogh, è naturale che le considerazioni sulla pittura e i suoi artefici, nonché la cronaca dei propri dipinti e le riflessioni su di essi, ne occupino gran parte.\nIl lettore ne troverà appena qualche campione qui e nelle pagine 125-30 (Parte seconda. bdm) del nostro successivo volume. Sono un piccolo esempio, se si consideri lo strabocchevole materiale apertoci dall’epistolario: ma sufficiente, forse, a introdurre — e autenticamente-, quanto nessun esegeta potrebbe mai — nel mondo, e nel sottomondo, di una pittura tutt’altro che istintiva e spontanea, quale si presenta a un primo sguardo, e come la denuncerebbe la rapidità della sua esecuzione, ma costruita, invece, a pezzo a pezzo e a grado a grado, con una limpida consapevolezza degli intenti e dei mezzi per conseguirli, delle insufficienze di chi vi si applicava e dei loro trionfali superamenti.\nOgni brano è preceduto dal numero e dalla data della lettera da cui è tolto, nonché dai nome del destinatario, quando non si tratti di Theo van Gogh. I numeri inseriti nel testo tra parentesi quadre sono quelli dei dipinti ai quali si accenna, secondo l’ordinamento della presente catalogazione.\n162. – L’Aja, dicembre 1881.\nHo parlato a Mauve in questi termini: “Che ne diresti se per un mese venissi a importunarti chiedendoti aiuto e consiglio? Sono sicuro che, dopo, sarò riuscito a vincere le prime miseriole del mestiere della pittura…”.\nBene, Mauve mi ha fatto sedere immediatamente davanti a una natura morta dove troneggiava un paio di vecchi zoccoli in mezzo a vari altri oggetti, e così ho potuto mettermi subito al lavoro.\n228. – L’Aja, fine agosto 1882.\nIeri, verso sera, nei boschi, ero intento a dipingere un terreno leggermente digradante, coperto di foglie di faggio secche, quasi polverizzate. Il terreno era di un colore rosso bruno, in alcuni tratti più chiaro e più scuro in altri, e queste sfumature erano maggiormente accentuate dalle ombre degli alberi che le striavano di strisce più o meno cupe, a volte nitide, a volte semisfocate. Il problema consisteva – e l’ho trovato molto difficile – nell’ottenere la giusta intensità di colore, nel rendere la forza, l’enorme compattezza, di quel terreno; e solo dipingendo mi sono accorto, per la prima volta, di quanta luce c’è ancora nel crepuscolo. Io dovevo cercare di conservarla, quella luce, rendendo al tempo stesso lo scintillìo e la profondità di tutta quella gamma di colori….\nTi descrivo la natura, e non saprei dire nemmeno io sino a che punto sono riuscito a coglierne un riflesso, nel mio schizzo; tuttavia, so perfettamente che sono stato colpito da quell’armonia di verde, di rosso, di nero, di giallo, di turchino, di bruno e di grigio. …\nPerò, per dipingere questo, ho dovuto rompermi la schiena. Per il terreno sono stato costretto a consumare un tubetto e mezzo di bianco — benché il terreno fosse molto scuro – e, inoltre, del rosso, del giallo, dell’ocra scura, del nero, della terra di Siena, del bistro: e il risultato è un bruno rossastro che va tuttavia dal bistro a un rosso vino cupo, e perfino al livido, al biondo e al rossastro. Inoltre c’è ancora il muschio del terreno e una striscia sottile di erba fresca che imprigiona la luce e scintilla radiosamente: era dìfficilissimo a rendersi. Ecco, comunque, un abbozzo, a proposito del quale posso affermare, checché se ne dica, che ha un certo valore e che esprime qualcosa.\nMi sono detto, mentre lo dipingevo: non mi muoverò di qui prima di essere riuscito a mettervi un riflesso dell’autunno, qualcosa di misterioso, una certa sincerità. Ma poiché l’effetto è di breve durata, ho dovuto lavorare in fretta e ho sùbito reso le figure con pochi colpi energici di pennello. Avevo notato che i tronchi giovani erano solidamente radicati nel terreno, e ho incominciato a dipingerli con il pennello; ma poiché i tocchi si confondevano a mano a mano con l’impasto del suolo, ho premuto allora direttamente il tubetto di colore sulla tela, per indicare le radici e i tronchi, e poi li ho rimodellati con l’aiuto del pennello.\nSì, eccoli piantati, ora, diritti nella terra: ne spuntano fuori, ma sono saldamente radicati a essa.\nIn un certo senso sono felice di non aver imparato a dipingere: forse avrei imparato a trascurare un effetto del genere. Adesso dico: no, ecco esattamente ciò che voglio; se questo non va, pazienza, non va; ma voglio cercare di dipingerlo i lo stesso, pur ignorando come superare l’ostacolo. Non saprei dirti come me la cavo. Mi sono sistemato con un foglio bianco davanti al punto che colpisce la mia attenzione, guardo quello che ho dinanzi agli occhi, e mi dico: questo foglio bianco deve diventare qualcosa; torno a casa insoddisfatto, lo metto da parte, e quando mi sono un po’ riposato vado a guardarlo in preda a un’angoscia indefinibile. Sono sempre insoddisfatto, perché ho ancora troppo nitido nella mente il ricordo di quello stupendo angolo di natura per essere contento, ma questo non m’impedisce di ritrovare nella mia opera un’eco di ciò che mi aveva colpito, e mi accorgo che la natura mi ha detto qualcosa, mi ha parlato, e io ho trascritto in stenografia le sue parole. Benché alcune parole della mia stenografia siano indecifrabili, benché possano esservi errori o lacune, resta nondimeno qualcosa di ciò che la foresta, la spiaggia e le figure mi hanno detto; e non è il linguaggio addomesticato, convenzionale, derivato da una maniera studiata o da un sistema, ma è ispirato dalla natura stessa. Ecco un altro scarabocchio delle dune. C’erano laggiù piccoli arbusti le cui foglie, bianche da una parte e verde scuro dall’altra, stormiscono e brillano continuamente. Nello sfondo, cupi boschi cedui.\nCome vedi, consacro tutte le mie energie alla pittura e scavo il problema dei colori: finora me n’ero astenuto, e non lo rimpiango. Se non mi fossi dedicato al disegno, non sarei attratto da una figura che mi appare come una terracotta incompiuta, e non ne sarei colpito. In questo momento ho l’impressione di trovarmi in alto mare: devo consacrare alla pittura tutte le forze di cui posso disporre. Se vorrò dipingere su tavola o su tela, ci saranno spese: tutto costa caro, anche i colori sono cari, e la mia riserva si esaurisce presto. Ma pazienza, sono le difficoltà nelle quali incorrono tutti i pittori, e perciò dobbiamo soppesare i nostri mezzi. So tuttavia con certezza di possedere il senso dei colori e che questo senso si svilupperà sempre più, perché io la pittura l’ho nel sangue. Non so dirti quanto ti sono grato del tuo aiuto così generoso e disinteressato. Ti penso spesso e faccio voti perché la mia opera diventi buona, interessante, virile, in modo che essa possa darti al più presto qualche soddisfazione.\n229. – L’Aja, 9 settembre 1882.\nSento in me una tal forza creativa che sono sicuro verrà il giorno in cui sarò in grado di produrre regolarmente ogni giorno cose buone.\nPasso di rado una giornata senza far niente, ma ciò che faccio non è ancora quello che vorrei.\nMi capita tuttavia di provare l’impressione che ben presto sarò in grado di creare opere remunerative, e non mi stupirei se questo accadesse da un giorno all’altro.\nIn ogni caso, sento che la pittura ridesterà ancora, indirettamente, qualcosa in me.\n233. – L’Aja, autunno 1882.\nMi addolora tanto che i miei rapporti con i pittori siano così freddi e che, come ti ho già scritto prima, non ci si possa sedere amichevolmente tutti insieme intorno alla stufa, per esempio in una giornata piovosa come questa, per guardare dei disegni o delle stampe, e incoraggiarci a vicenda.\nVorrei chiederti una cosa: sarebbe possibile trovare a poco prezzo, in commercio, alcune stampe di Daumier, e quali? Gli ho sempre riconosciuto un gran talento, ma solo da poco mi rendo conto che vale ancora di più di quanto credessi. Se sai dei particolari interessanti su di lui o se hai veduto qualcuno dei suoi disegni più importanti, ti sarei grato di dirmelo.\n309. – L’Aja, primi di agosto 1883.\nRecentemente, mentre dipingevo, ho sentito risvegliarsi in me una potenza del colore più forte e diversa da quella che avevo posseduto finora.\nPuò darsi che il nervosismo di questi giorni derivi da una specie di rivoluzione nei miei metodi di lavoro; avevo già tentato di ottenere questo cambiamento e vi avevo molto riflettuto. ,\nHo spesso cercato di evitare la secchezza, nelle mie opere, ma finivo sempre con il ricadere nello stesso difetto, o pressappoco. Da qualche giorno una strana debolezza m’impedisce di lavorare come al solito, e si direbbe che questi mi serva, anziché impedirmi; quando, invece di studiare k articolazioni e di analizzare la struttura degli oggetti, ho 1 spirito più o meno disteso e guardo le cose attraverso le ciglia, mi sembra di vederle meglio, come macchie di colore in contrasto reciproco.\nSono curioso di conoscere l’evoluzione e la conclusione di questo fenomeno.\nMi è capitato di stupirmi di non essere maggiormente colorista, perché il mio temperamento mi porta a esserlo: finora, però, il mio senso dei colori non si è ancora sviluppato.\nRipeto, sono curioso di conoscerne la conclusione. In ogni caso, vedo chiaramente che i miei ultimi studi som diversi dagli altri. …\nVivo dunque come un ignorante, il quale sa con certezza una cosa sola: in pochi anni devo assolutamente terminare un determinato lavoro. Non è necessario che mi affretti tanto, perché non servirebbe a nulla: devo seguitare a lavorare con calma e serenità, il più regolarmente e ardentemente possibile. Il mondo non m’interessa se non per il fatto che ho un debito verso di esso, e anche il dovere, date che mi ci sono aggirato per trent’anni, di lasciargli come segno di gratitudine alcuni ricordi sotto forma di disegni o di quadri, non eseguiti per compiacere a questa o a quella tendenza, ma per esprimere un sentimento umano sincero.\nR 43. – Nuenen, aprile 1884.\nAd Anthon van Rappard.\nCrede che io m’infischi della tecnica e che non cerchi di acquistarla? Oh, certo, se non ci riesco o lo faccio in modi poco soddisfacente, per dire ciò che voglio dire mi sforzi di perfezionarmi, ma non mi preoccupo affatto di usare un linguaggio simile a quello degli oratori (si ricorderà sicuramente di essere stato Lei a fare questo paragone: forse che l’oratore o gli ascoltatori ne trarrebbero molto vantaggio, se qualcuno, dovendo dire qualcosa di utile, di vero e di necessario, lo dicesse in termini poco comprensibili?) …\nMa ritorniamo ai pittori: lo scopo e il non plus ultra dell’arte consistono forse nelle curiose macchie di colore e nella fantasia del disegno che si chiamano “eleganza della tecnica”? Certamente no. Si pensi a un Corot, a un Daubigny, a un Dupré, a un Millet o a un Israëls, vale a dire a pittori che sono indiscutibilmente dei grandi precursori. Ebbene, il loro valore è al dilà della pittura, la loro opera e tutt’altra cosa da quello che vuole la gente chic. …\nCiò significa che bisogna sacrificare la tecnica, allo scopo di dire meglio, più esattamente, più nettamente e più sinceramente ciò che si ha da dire, e con il minor fracasso possibile di parole. …\nIn quanto a me, anche quando sarò più padrone del pennello di quanto lo sono attualmente, mi prefiggo di affermare sistematicamente che non so dipingere. Mi capisce bene? Continuerò a dirlo anche quando avrò trovato un procedimento mio personale, più completo e più conciso di quello attuale. …\nIl sentimento positivo che l’arte è una cosa più grandiosa e più sublime della nostra personale abilità, della nostra personale capacità e della nostra scienza personale … il sentimento positivo che l’arte è una cosa che, pur essendo fatta da mani umane, non è un prodotto soltanto manuale, bensì sgorga da una fonte più profonda della nostra anima … Scopro nell’abilità e nella conoscenza tecnica, nei riguardi dell’arte, un aspetto che mi ricorda ciò che nella religione si definiva ‘indisciplina’. …\nGli studi di Corot sono stati per me una lezione, quando ho avuto l’occasione di vederli: già allora ero stato colpito dalla loro diversità da quelli di tanti altri paesaggisti.\n371. – Nuenen, giugno 1884.\nDa quello che mi hai detto dell’ ‘impressionismo’, ho ben compreso che è tutt’altro da ciò che credevo; ma che cosa si debba intendere con questa parola, non mi è ancora completamente chiaro. Per quello che mi concerne, trovo, per esempio in Israëls, tali e tante cose, che non ho curiosità o desiderio d’altro; voglio dire: di cose più nuove.\n386. – Nuenen, novembre 1884.\nDa quando sei venuto a trovarmi, è sopravvenuta nel mio colore una trasformazione di cui già avevo il presentimento durante la tua visita, e vedrai che, dopo un certo numero di studi che dovrebbero essere terminati fra un paio di mesi, i miei tentativi dimostreranno in modo innegabile che io qualcosa so, e proprio in fatto di colore. …\nNon credo d’ingannarmi circa Tersteeg e Mauve, quando oso affermare che vi sono buone speranze per interessarli e convincerli. Bisogna convincerli con il colore, e, se mi darò da fare, vedo il mezzo di dimostrar loro in modo persuasivo che io possiedo il concetto e il sentimento del colore. E poi, i ritratti sono sempre più richiesti, e non ci sono molti che possano farne: tenterò d’imparare a dipingere una testa conferendole carattere. Proprio in questi ultimi tempi mi sono appassionato a questo, perché il sentimento del colore mi si afferma di continuo.\n390. – Nuenen, dicembre 1884.\nIl realismo, oggi lo si esige, se ne sente più che mai il bisogno: quel realismo che ha carattere e serietà. Voglio dirti che, per ciò che mi riguarda, cercherò di andare diritto per la mia strada, dipingerò ciò che è assolutamente semplice e soprattutto le cose più comuni.\n394. – Nuenen, febbraio 1885.\nSono sempre occupatissimo a dipingere teste. Dipingo tutta la giornata e la sera disegno. A questo modo ne ho già dipinte almeno una trentina e disegnate altrettante.\nCon il risultato che adesso vedo la possibilità di poterlo fare ancora meglio, tra non molto.\nPenso che, in genere, questo mi aiuterà a dipingere la figura. Oggi ne ho fatta una in bianco e nero su uno sfondo color carne.\nSono pure sempre occupato a far ricerche sul blu. Qui i contadini sono quasi sempre vestiti di blu. Il grano maturo o lo sfondo delle foglie secche di un faggeta, che esaltano le sfumature sbiadite di turchino cupo e di azzurro chiaro, le fanno cantare grazie a questo contrasto con i toni dorati o il rosso bruno; e ciò è di un effetto bellissimo che mi aveva colpito sin dal principio. Qui la gente porta istintivamente il turchino più bello ch’io abbia mai visto. È una tela grossolana, tessuta in casa, di cui l’ordito è nero e la trama blu, il che da un tessuto rigato nero e turchino. Quando è un po’ sciupato, un po’ scolorito dal vento e dalla pioggia, assume una tonalità incredibilmente calma e delicata che mette in risalto il colore della pelle; insomma, blu quel tanto che basta per risaltare su tutti i colori, nei quali sono inclusi elementi arancione, e scolorito quel tanto che basta per non stridere.\nMa si tratta soltanto di una questione di colore, mentre, al punto in cui sono, ciò che per me soprattutto conta è la questione della forma. Credo che il modo migliore per esprimere la forma sia una coloritura quasi monocroma, i cui toni differiscano soltanto per intensità e valore: La fonte di Jules Breton, per esempio, è dipinta pressoché in un unico colore. Ma conviene studiare a parte ciascun colore in rapporto con la sua antitesi, prima di essere assolutamente sicuri di ciò che si fa e di poter raggiungere l’armonia.\n400. – Nuenen, aprile 1885.\nA mio modo di vedere, Millet, come uomo, ha indicato ai pittori una strada che Israëls e Mauve, per esempio, i quali vivono in una discreta abbondanza, non indicano. Perciò lo ripeto: Millet è ‘papa Millet’, vale a dire il consigliere, la guida dei giovani pittori in tutto. La maggior parte di quelli che conosco (ma non ne conosco molti) dovrebbero essergli grati di questo. Per ciò che mi concerne, la penso come lui e credo incondizionatamente a ciò che dice.\n402. – Nuenen, aprile 1885.\nC’è, credo, una scuola di impressionisti, ma non ne so gran che. Quello però che so benissimo è chi sono i pittori veri, originali, intorno ai quali i pittori di contadini e di paesaggi devono girare come intorno a un asse: Delacroix, Millet, Corot e gli altri. È una mia impressione personale, non esattamente formulata.\nVoglio dire: esistono (più che persone) regole, princìpi, verità fondamentali sia per il disegno che per il colore, cui bisogna evidentemente arrivare, se si scopre che hanno qualcosa di vero.\nPer ciò che concerne il disegno, per esempio, esiste il problema di disegnare in tondo, vale a dire, per le figure, basando il disegno su piani ellittici. È quanto gli antichi greci sentivano già e che resterà vero sino alla fine dei tempi.\nMa per ciò che concerne il colore, esistono problemi eterni, per esempio quello che per primo Corot pose a Français, quando François (il quale si era già fatto un nome) domandò a Corot (il quale invece non aveva ancora nessuna fama, se non negativa o decisamente cattiva), quando Français, ripeto, si recò da Corot per porgli alcune domande: “Ma che cos’è un tono spezzato? Che cos’è un tono neutro?”.\nIl che si può meglio dimostrare su una tavolozza che formulare con parole. Ebbene, ciò di cui voglio convincere … è appunto la fede solida, sicura, che ho in Delacroix e negli antichi.\nE che è pure vero, per esempio, che il quadro al quale sono inchiodato è tutt’altra cosa dell’illuminazione a mezzo di lampade di un Dou o di un van Schendel. Non è forse superfluo richiamare l’attenzione sul fatto che una delle più belle scoperte dei pittori di questo secolo è stata la pittura dell’ombra che è ancora colore.\n404. – Nuenen, aprile-maggio 1885.\nHo voluto, lavorando, far capire che questa povera gente che alla luce di una lampada mangia patate servendosi dal piatto con le mani, ha zappato essa stessa la terra dove quelle patate sono cresciute; il quadro, dunque, evoca il lavoro manuale e lascia intendere che quei contadini hanno onestamente meritato di mangiare ciò che mangiano.\nHo voluto che facesse pensare a un modo di vivere completamente diverso dal nostro, di noi esseri civili. Non vorrei assolutamente che tutti si limitassero a trovarlo bello o pregevole.\n405. — Nuenen, maggio 1885.\nPer ciò che concerete le attuali pitture più chiare, ne ho vedute talmente poche, in questi ultimi anni.\nMa, per quanto riguarda il problema, ho ancora riflettuto parecchio. Corot, Millet, Daubigny, Israëls, Dupré, altri ancora, dipingono anch’essi quadri chiari, vale a dire che ci si può vedere attraverso, in tutti gli angoli, a tutte le profondità, per quanto profonda sia la gamma dei colori. Eppure, tra quelli che ho testé nominato, non ve n’è nessuno che dipinga, alla lettera, il tono locale: seguono la gamma dalla quale hanno incominciato, seguono la loro idea come colore, come tono e come disegno. E che le loro luci, considerate a parte, siano quasi sempre dei grigi schietti, che per contrasto danno al quadro l’impressione di esser chiaro, è una verità che tu devi avere l’occasione di osservare ogni giorno.\n406. — Nuenen, maggio 1885.\nTrovo interessante quello che mi scrivi del Salon. Vedi che hai capito che cosa intendevo dire per colori spezzati. l’arancione spezzato dal blu e viceversa … . Vi sono anche altre combinazioni, ma quella dell’arancione sovrapposto al turchino è logica, così come il giallo al lillà; e lo stesso vale per il rosso al verde.\n408.— Nuenen, maggio 1885\nIn questi giorni, disegnando una mano e un braccio. ho messo in pratica il precetto di Delacroix: “Non partire dalle linee di contorno, ma dal centro”. Questi soggetti offrono buone occasioni di prendere come punti di partenza delle ellissi. Ciò che cerco d’imparare così non è il disegnare una mano, ma un gesto; non una testa matematicamente esatta, bensì il profondo della sua espressione. Per esempio, lo zappatore che annusa il vento quando alza un attimo il capo o parla. Insomma, la vita.\n409.- Nuenen, maggio 1885.\nChe cosa ha detto Portier dei Mangiatori di patate? So benissimo che la tela ha dei difetti, ma, rendendomi conto che le teste che dipingo adesso sono sempre più vigorose, oso affermare che I mangiatori di patate, assieme alle tele che dipingerò in avvenire, resteranno.\nL’anno scorso i colori mi hanno spesso gettato nella disperazione, ma ora lavoro con maggior sicurezza.\n410. – Nuenen, 1° giugno 1885.\nMi capita a volte di morire dal desiderio di rivedere il Louvre e il Lussemburgo, e un giorno dovrò studiare la tecnica e il colore di Millet, di Delacroix, di Corot e di qualche altro.\nMa non è urgentissimo, mi sembra. Più lavoro, più questo studio mi sarà vantaggioso, se un giorno potrò consacrarmici. Il fatto è che si ha bisogno sia della natura sia dei quadri. Rifletto tutti i giorni soprattutto sulla gamma. cromatica, sull’intensità e sul contrasto dei colori delle tele\n418. – Nuenen, luglio 1885\nSono talmente nauseato da tutti i quadri esotici dipinti in studio! Ma andate un po’ a sedervi fuori! Dipingete sul posto! Vi capiteranno ogni sorta di avventure. Per esempio. sulle quattro tele che riceverai ho dovuto togliere almeno un centinaio di mosche, forse anche di più; senza contare la polvere, la sabbia eccetera, e senza contare inoltre che quando si sono portate delle intelaiature per due ore attraverso la brughiera e le siepi, passando, un ramo o qualcos’altro avrà graffiato la tela eccetera.\nSenza contare che si rientra, dopo aver portato tutta. quella roba e dopo una camminata di un paio d’ore, stanchi, accaldati; che i modelli presi a caso non stanno fermi\ncome i modelli di professione, e che infine l’effetto cambia con il cambiare delle ore della giornata. …\nDi’ a Serret che sarei disperato se le mie figure fossero buone; digli che non le voglio accademicamente esatte, digli che intendo dire che, se si fotografasse un uomo che zappa la terra, è garantito che non zapperebbe. Digli che trovo splendide le figure di Michelangelo, anche se le gambe sono decisamente troppo lunghe e le anche e le cosce troppo larghe. Digli che a parer mio Millet e Lhermitte sono dei pittori veri per il fatto che non dipingono le cose quali sono, aridamente analizzate e scrutate, ma quali le sentono i Millet, i Lhermitte e i Michelangelo. Digli che la mia grande aspirazione è d’imparare a dipingere tali inesattezze, tali anomalie, tali alterazioni, tali trasmutazioni della realtà, che ne escano, perché no, delle menzogne, se vogliamo, ma più vere della verità letterale. …\nDipingere il personaggio contadino in azione: ecco, lo ripeto, ciò che è essenzialmente moderno, il nocciolo stesso dell’arte moderna, una cosa che non hanno fatto né i greci, né il Rinascimento, né la vecchia scuola olandese. Ecco la cosa alla quale penso tutti i giorni.\nQuesta differenza fra i grandi e i piccoli maestri di oggi (i grandi: per esempio Millet, Lhermitte, Breton, Herkomer; i piccoli: per esempio Raffaëlli e Régamey) e le vecchie scuole, devo dire che non l’ho trovata spesso veramente e apertamente espressa negli articoli sulle belle arti.\nPensaci un po’ e dimmi se non ti pare che ho ragione.\nIl personaggio del contadino e dell’operaio, lo si è incominciato a dipingere come un ‘genere’; ma oggi, con Millet per maestro eterno, è al centro stesso dell’arte moderna, e vi resterà.\nIndividui come Daumier bisogna venerarli, perché sono tra i pionieri.\nR 55. – Nuenen, agosto 1885.\nCredo nondimeno che, anche se seguito a produrre opere nelle quali si potranno ritrovare difetti, volendole considerare con occhio critico, esse avranno una vita propria e una ragion d’essere che supereranno i loro difetti, per coloro soprattutto che sapranno apprezzarne il carattere e lo spirito. Non mi lascerò facilmente incantare, come si crede, nonostante tutti i miei errori. So perfettamente quale scopo perseguo; e sono fermamente convinto di essere, nonostante tutto, sulla buona strada, quando voglio dipingere ciò che sento e sento ciò che dipingo, per preoccuparmi di quello che gli altri dicono di me.\nTuttavia, a volte questo mi avvelena la vita, e credo che molto probabilmente più d’uno rimpiangerà un giorno quello che ha detto di me e di avermi ricoperto di ostilità e d’indifferenza. Io paro i colpi isolandomi, al punto che non vedo letteralmente più nessuno.\nQuesta settimana sono andato ad Amsterdam e quasi quasi ho avuto soltanto il tempo per vedere il Museo e nient’altro. …\nNon so se ricordi che a sinistra della Ronda di notte. di riscontro dunque ai Sindaci dei drappieri, c’è un quadro (fino ad oggi mi era sconosciuto) di Frans Hals e P. Codde [La magra Compagnia]: una ventina di ufficiali in piedi. Ci hai fatto caso? Ebbene, per quel solo quadro (specie per un colorista) vale la pena che si faccia il viaggio apposta ad Amsterdam. C’è un personaggio, quello del portabandiera, nell’angolo tutto a sinistra, contro la cornice, una figura che, dalla testa ai piedi, è dipinta con un grigio, chiamiamolo grigio perla, di un tono neutro caratteristico, ottenuto apparentemente mescolando dell’arancione e del turchino in modo che questi due colori si neutralizzino reciprocamente; facendo variare questo tono fondamentale, facendolo qui un poco più chiaro là un poco più scuro, tutto il personaggio da l’impressione di essere dipinto con un solo grigio: nondimeno, le calzature di cuoio sono di un materiale ben diverso da quello delle uose, delle pieghe dei calzoni, del giustacuore; tutto ciò è in colori diversi, eppure tutto è fatto con dei grigi che appartengono a un’unica famiglia.\nStammi bene a sentire. In questo grigio egli si prepara ora a mettere del turchino e dell’arancione, e un po’ di bianco; il giustacuore ha dei nodi di nastro di raso di un azzurro delicato divinamente dolce; la sciarpa e la bandiera sono arancione, il colletto bianco.\nArancione, bianco, turchino, come i colori nazionali di allora, l’arancione e il turchino a fianco a fianco, combinazione stupenda, su un fondo grigio; i due colori, sapientemente mescolati, li chiamerò dei poli di elettricità (sempre in materia di colore), ravvicinati in modo che si distruggano a vicenda accanto a quel grigio e a quel bianco. Altrove, nel quadro, altre combinazioni di arancione accanto a un altro bianco; ancora altrove, dei neri meravigliosi accanto a dei bianchi squisiti. Le teste, sono una ventina, sprizzanti vita e spirito, e fatte con un sol colore ! Le forme superbe di tutti quei personaggi in piedi!\nMa il pezzo d’uomo arancione, bianco e turchino, nell’angolo sinistro del quadro: raramente ho veduto un personaggio più divinamente bello. È unico.\nDelacroix ne sarebbe impazzito; io sono rimasto letteralmente inchiodato sul posto. …\nIl quadro dei Sindaci è perfetto, è il più bel Rembrandt; ma La sposa ebrea (calcolata di minor valore), che quadro intimo, di dolcezza infinita, dipinto con una mano di fuoco! Vedi, Rembrandt, nei Sindaci, è fedele alla natura, benché anche in questo caso, e sempre del resto, si elevi sovrano alle massime altezze, all’infinito. Nondimeno, era anche capace di altro, quando non provava il bisogno di essere letteralmente fedele alla natura come in un ritratto, quando era libero di ‘idealizzare’, di essere poeta, cioè creatore. Ed è questo che egli è nella Sposa ebrea.\nIn questo preciso momento la mia tavolozza è in fase di disgelo, la sterilità degli inizi è finita.\nMi capita ancora, e spesso, di cozzare la testa contro i muri quando incomincio qualcosa, ma i colori seguono quasi da se stessi; e prendendo un colore come punto di partenza, ciò che ne deriva, e come mettervi vita, mi si presenta chiaramente allo spirito. …\nI veri pittori sono quelli che non fanno il colore locale: è quanto dicevano un giorno Blanc e Delacroix.\nDa questo non posso forse chiaramente dedurre che un pittore fa bene se parte dai colori che sono sulla sua tavolozza, invece di partire da quelli della natura?\nVoglio dire che quando, per esempio, si deve dipingere una testa e si guarda attentamente la natura che si ha davanti, si ha il diritto di pensare: questa testa è un’armonia in rosso bruno, violetto, giallo, ma tutto è spezzato. Io metto dunque sulla mia tavolozza un violetto, un giallo e un rosso bruno, e li spezzo gli uni con gli altri. Della natura conservo una certa sequenza, una certa esattezza per quanto concerne il posto dei colori, e la studio per non commettere sciocchezze, per restare ragionevole; ma che il mio colore sia alla lettera esattamente fedele, questo conta meno per me, purché sulla mia tela appaia bello come nella vita. …\nSupponiamo che io debba dipingere un paesaggio autunnale, degli alberi con foglie gialle. Bene. Che differenza fa se lo concepisco come una sinfonia in giallo, e che il mio giallo fondamentale sia o no il giallo delle foglie? Ciò aggiunge o toglie ben poco: molto dipende, e direi anzi che tutto dipende, dal sentimento che provo dell’infinita varietà di toni di un’unica famiglia.\nSecondo te questa è una pericolosa inclinazione verso il romanticismo, un tradimento nei confronti del ‘realismo’; ti sembra che sia ‘dipingere chic’ il provare più amore per la tavolozza del colorista che per la natura? Ebbene, sia! Delacroix, Millet, Corot, Dupré, Daubigny, Breton e altri trenta non rappresentano forse il cuore e l’anima di questo secolo in fatto di arte pittorica? Tutti costoro non hanno forse le loro radici nel romanticismo, anche se lo hanno trasceso? Il romanzo e il romanticismo rappresentano tutta la nostra epoca: il pittore deve avere immaginazione e sensibilità.\n439. — Anversa, dicembre 1885.\nHo voluto scriverti di nuovo per dirti che ho seguitato a lavorare con il modello. Ho fatto, a titolo di esperimento, due teste piuttosto grandi, come ritratti. Anzitutto il vecchio di cui ti ho già parlato e che ha una testa sul tipo di quella di Victor Hugo, e poi anche uno studio femminile.\nPer il ritratto di donna, ho usato nella carne toni pii. chiari, un bianco tinteggiato di carminio, di vermiglio, d. giallo, e ho messo un fondo chiaro di giallo grigio, dal quale il volto è separato soltanto dalla capigliatura nera. Nelle vesti, dei toni lillà.\nRubens esercita su di me un’impressione fortissima. Trovo i suoi disegni strepitosi: alludo ai disegni di teste e di mani.\nPer esempio, sono completamente incantato dal suo modo di disegnare un volto a colpi di pennello, con tratti di un rosso puro; o, nelle mani, di modellare le dita con tratti analoghi, con il pennello.\nVado ancora qualche volta al Museo e guardo ben poco d’altro all’infuori delle teste e delle mani di Rubens e di Jordaens. So benissimo che Rubens non raggiunge l’intimità di un Hals o di un Rembrandt; ma tutto ciò che fa vive, e le sue teste vivono di vita propria. Forse trascuro di guardare quelle più universalmente ammirate. Io cereo piuttosto i particolari come, per esempio, le teste bionde della Santa Teresa al Purgatorio.\nProprio a causa di Rubens, sono alla ricerca di un modello biondo. …\nQuello che tanto ammiro in Delacroix è che ci fa sentire la vita delle cose, l’espressione, il movimento, al punto che ci si trova di colpo al difuori del piano del colore, non si tiene più conto del colore.\n444. – Anversa, gennaio 1886.\nNelle sue espressioni, specie degli uomini (e sempre eccezion fatta per i ritratti propriamente detti …), Rubens è superficiale, vuoto, ampolloso, e in conclusione convenzionale come un Giulio Romano o, peggio, ancora, come i pittori della decadenza.\nNonostante questo, mi entusiasma, proprio perché è il pittore che cerca di esprimere l’allegrezza, la serenità, i! dolore, e rappresenta questi sentimenti in modo veritieri grazie alle sue combinazioni di colore, anche se i suoi personaggi sono talvolta vuoti eccetera. …\nÈ estremamente interessante studiare Rubens, propri perché è tanto semplice nella sua tecnica, tanto stupendamente semplice, o meglio sembra esserlo, dipingendo e soprattutto disegnando con così poco, con mano così veloce e senza alcuna esitazione. Il ritratto, le teste femminili, i personaggi, ecco il suo forte, è in questo che è profondo e intimo. …\nSe l’impressionismo ha già detto la sua ultima parola (per conservare questo termine ‘impressionismo’), seguito a pensare che, appunto nel modo di dipingere il personaggio, si può ancora fare molto di nuovo; e mi auguro sempre più che, in tempi difficili come quelli attuali, si cerchi la propria salvezza in una penetrazione più profonda dell’arte, nella sua accezione più alta. Esiste infatti nell’arte un campo relativamente alto o relativamente basso: l’uomo è più interessante del resto, e anche, oltre a tutto, molto più difficile a dipingersi.\n445. – Anversa, gennaio 1886.\nSono già due sere che disegno laggiù [all’Accademia], e devo dire che credo come proprio per fare, ad esempio, delle figure di contadini, sia utilissimo disegnare dall’antico; a patto, per l’amor del ciclo, che questo non avvenga come si fa di solito. I disegni che vedo fare, li trovo decisamente brutti, fatti tutti di traverso. E so che i miei sono tutt’altra cosa. Chi ha ragione? Lo dirà l’avvenire. Il sentimento di quello che è una statua antica, non ce l’ha nessuno di loro, perdio!\nIo, che da tanti anni non vedo un buon calco dall’antico (e quelli che ci sono qui sono bellissimi); io, che durante questi anni ho sempre avuto davanti agli occhi il modello vivo, rimango stupefatto, ora che li rivedo con calma, di fronte alla scienza onnipossente, alla precisione di sentimento degli antichi.\nInsomma, bisogna nondimeno prevedere che i signori dell’Accademia mi accuseranno di eresia; ma me ne infischio.\n447. – Anversa, gennaio 1886.\nÈ strano osservare, quando paragono i miei studi con quelli degli altri, che tra i miei e i loro non c’è quasi nulla in comune.\nI loro hanno pressappoco un color carne; di conseguenza, visti da vicino, sembrano precisissimi, ma, se si guardano a distanza, producono un’impressione penosa e sembrano scipiti: tutto quel rosa, quel giallo delicato eccetera, gradevoli in sé, producono un effetto fastidioso. Quello che io faccio sembra rosso verdastro, se lo si guarda da vicino: grigio giallastro, bianco, nero, molte sfumature neutre, molti colori che sarebbe impossibile definire. Ma quando ci si sposta un poco, questi colori non si distinguono più, si distingue allora lo spazio e come una luce vibrante. E, inoltre, anche la più infima particella di colore di cui ci si è serviti per raggelarla si mette a parlare.\nMa quello che mi manca è la pratica; dovrò dipingerne una cinquantina, e allora credo che avrò raggiunto qualcosa di più o meno valido. Adesso ho ancora molta difficoltà a stendere i colori perché non ho ancora abbastanza esperienza; mi tocca cercare troppo, fare cioè molti sforzi mutili. Si tratta di dipingere per un po’ senza perdersi di coraggio; a mano a mano che conoscerò meglio il mestiere, le mie pennellate diventeranno sempre più precise al primo colpo. …\nQui trovo il cozzo di idee che cerco, vedo le mie opere con sguardo più chiaro, scorgo meglio i punti deboli, sono in grado di correggerli, e ottengo così dei progressi.\n459 a. — Parigi, estate-autunno 1886.\nAl pittore H. M. Levens.\nQui ci sono molte cose da vedere; per esempio Delacroix, per citare un solo maestro. Ad Anversa non sapevo neppure che cosa fossero gli impressionisti; adesso li ho veduti, e pur non facendo ancora parte del loro clan ho molto ammirato alcuni dei loro quadri: un nudo di Degas, un paesaggio di Claude Monet.\nE adesso una parola circa quello che ho fatto io. Mi è mancato il denaro per pagare dei modelli, altrimenti mi sarei completamente dedicato a dipingere la figura. Ho dipinto però una serie di studi di colore, semplicemente dei fiori, papaveri rossi, fiordalisi, miosotis, rose bianche e rosa, crisantemi gialli, cercando contrasti di blu con arancione, di rosso con verde, di giallo con violetto, cercando toni spezzati e neutri per armonizzare la brutalità degli estremi, tentando di rendere colori intensi e non un’armonia in grigio.\nDopo questi studi, ho fatto recentemente due teste che, oso dirlo, sono migliori, come luce e come colore, di quelle che avevo fatto prima.\nInsomma, come dicevamo una volta, “nel colore cercando la vita”. Il vero disegno consiste nel modellare con il colore.\nHo fatto anche una dozzina di paesaggi decisamente verdi o decisamente blu.\nA questo modo lotto per vivere e per fare dei progressi nell’arte. …\nDa quando ho veduto gli impressionisti, Le assicuro che né il Suo colore, né il mio, nella nostra interpretazione, sono esattamente uguali alle loro teorie.\nW1. – Parigi, estate-autunno 1887.\nAlla sorella Wilhelmina.\nEsercito un mestiere che è sporco e difficile: la pittura. Se non fossi quello che sono, non dipingerei; ma, essendo quello che sono, lavoro spesso con gioia, e intravvedo la possibilità di fare un giorno dei quadri dove ci sarà un po’ di freschezza, di gioventù, essendo la gioventù una delle cose che ho perduto.\nSe non avessi Theo, mi sarebbe impossibile raggiungere con il mio lavoro ciò che voglio; ma, avendo Theo per amico, credo che farò ancora dei progressi, che riuscirò ad affermarmi.\nIl mio progetto è di andare, non appena lo potrò, a trascorrere un po’ di tempo nel Mezzogiorno, dove c’è più colore, più sole.\nMa ciò cui soprattutto spero di arrivare, è di dipingere un buon ritratto. Finalmente. …\nQuello che penso del mio lavoro è che le scene di contadini che mangiano patate, che dipingevo quando ero a Nuenen, sono ancora, dopotutto, il meglio che ho fatto. In seguito, mi è mancata disgraziatamente l’occasione di trovare dei modelli; viceversa, ho avuto la possibilità di approfondire il problema del colore. Più tardi, quando ritroverò dei modelli per le figure, spero di far vedere che quello che cerco è ancora diverso dal dipingere fiori o paesaggi verdeggianti. L’anno scorso ho dipinto quasi esclusivamente fiori, per abituarmi a servirmi di colori che non fossero soltanto il grigio: vale a dire a usare il rosa, il verde, pallido o crudo, l’azzurro, il violetto, il giallo, l’arancione, un bel rosso.\nQuest’estate, mentre dipingevo alcuni paesaggi ad Asnières, ho visto più colore di prima. Adesso cerco di fare dei ritratti. E devo dire che non per ciò dipingo peggio; forse perché potrei dirti molto male sia dei pittori sia dei loro quadri, con la stessa facilità con cui potrei dirtene bene.\nW 3. – Arles, aprile 1888.\nLa natura di questo paesaggio meridionale non può essere resa precisamente con la tavolozza di un Mauve, per esempio, che appartiene al Nord e che è un maestro e rimane un maestro del grigio. La tavolozza di oggi è assolutamente colorata: celeste, arancione, rosa, vermiglio, giallo vivissimo, verde chiaro, il rosso trasparente del vino, violetto.\nMa, pur giocando con tutti questi colori, si finisce con il creare la calma, l’armonia. E si ottiene qualcosa di analogo a ciò che accade per la musica di Wagner la quale, anche se eseguita da una grande orchestra, non resta per questo meno intima. Solo, si scelgono di preferenza effetti di sole, effetti di colore, e nulla impedisce di pensare, a volte, che in futuro molti pittori andranno a lavorare nei paesi tropicali. Puoi farti un’idea dell’evoluzione che sta accadendo nella pittura pensando, per esempio, alle stampe colorate dei giapponesi che si vedono dappertutto, paesaggi e figure. Theo e io, di queste stampe, ne possediamo centinaia.\nB 3. – Arles, aprile 1888.\nAl pittore Émile Bernard.\nAttualmente sono preso dagli alberi da frutto in fiore: peschi rosa, peri bianco-gialli. Non seguo alcun sistema di pennellatura: picchio sulla tela a colpi irregolari che lascio tali e quali.\nImpasti, pezzi di tela lasciati qua e là scoperti, angoli totalmente incompiuti, ripensamenti, brutalità: insomma, il risultato è, sono portato a crederlo, piuttosto inquietante e irritante, affinché non faccia la felicità delle persone con idee preconcette in fatto di tecnica. …\nPur lavorando sempre direttamente sul posto, cerco di cogliere nel disegno ciò che è essenziale; poi gli spazi, limitati da contorni espressi o no, ma in ogni caso sentiti, li riempio di toni ugualmente semplificati, nel senso che tutto ciò che sarà suolo parteciperà di un unico tono violaceo, che tutto il ciclo avrà una tonalità azzurra, che le verzure saranno o dei verdi blu o dei verdi gialli, esagerando di proposito, in questo caso, le qualità gialle o blu.\nInsomma, mio caro amico, in ogni caso niente ‘trompe-l’oeil’.\n476. – Arles, aprile 1888.\nTutti i colori che l’impressionismo ha messo di moda sono cangianti: ragione di più per impiegarli arditamente crudi; il tempo penserà anche troppo ad addolcirli.\nPerciò tutta l’ordinazione che ho fatto, cioè i tre cromi (l’arancione, il giallo, il limone), il blu di Prussia, lo smeraldo, le lacche rosso robbia, il verde Veronese, la grafite arancione, tutto questo non si trova certo sulla tavolozza olandese di Maris, Mauve e Israëls.\nSi trovava soltanto sulla tavolozza di Delacroix, che aveva la mania dei due colori maggiormente condannati, e per giusti motivi: il limone e il blu di Prussia. Eppure, mi pare che con i blu e i gialli limone abbia fatto cose splendide.\n477 a. – Arles, aprile 1888.\nAl pittore John Russell.\nConsiderando il semplice scenario che ispirò Monticelli, sostengo che questo artista ha diritto a un pubblico, benché sia stato apprezzato troppo tardi. È innegabile che Monti-celli non ci da, né pretende del resto darci, un colore locale, e neppure una verità locale. Ci da però qualcosa di appassionato e di eterno: un colore opulento, la ricchezza del sole del glorioso Mezzogiorno, seconda la maniera di un vero colorista, paragonabile alla concezione del Mezzogiorno quale è in Delacroix; un Mezzogiorno rappresentato da un contrasto simultaneo di colori, dei loro derivati, delle loro armonie, e non da forme o da tratteggi aventi il proprio valore in sé, come hanno fatto in passato con la sola forma gli antichi quali i greci e Michelangelo, oppure con il solo disegno quelli quali Raffaello, Mantegna e i primitivi veneziani: Botticelli, Cimabue, Giotto, Bellini.\nIl contrario di ciò che hanno intrapreso il Veronese e Tiziano: il colore. Bisognerebbe proseguire l’opera primitiva di Velázquez e Goya; e più pienamente di essi, o meglio più universalmente, grazie alla conoscenza più universale che noi abbiamo dei colori dello spettro solare e delle loro proprietà.\n482. – Arles, 5 maggio 1888.\nIn quanto a me, lavorerò, e qui o là qualcosa del mio lavoro resterà; ma quello che è Claude Monet nel paesaggio. chi lo farà nella figura dipinta? Eppure tu devi sentire come me che è nell’aria. Rodin? Lui non fa il colore, non può essere lui. Il pittore dell’avvenire sarà un colorista come ancora non ve ne sono stati. Manet gli ha aperto la strada, ma tu sai bene che gli impressionisti hanno già fatto del colore più forte di quello di Manet. Questo pittore dell’avvenire, non so figurarmelo a vivere in piccoli ristoranti, a lavorare con parecchi denti finti, e a frequentare come me i postriboli degli zuavi.\n489. – Arles, maggio 1888.\nSe crediamo alla nuova arte, agli artisti dell’avvenire, questo presentimento non c’inganna.\nQuando il buon papà Corot diceva, qualche giorno prima di morire: “Stanotte ho veduto in sogno dei paesaggi con cicli tutti rosa”, ebbene, non sono forse venuti, nel paesaggio impressionistico, questi cicli rosa, e gialli e verdi per soprammercato ? Ciò per dire che vi sono cose che si sentono nel futuro e che si avverano realmente. …\nC’è un’arte, nell’avvenire; e dev’essere così bella, così .giovane, che se adesso è vero che noi vi lasciamo la nostra giovinezza, non possiamo che guadagnarne in serenità.\nB6. – Arles, giugno 1888.\nIn un’altra categoria di idee, quando si compone un motivo di colori che esprimono per esempio un ciclo giallo di sera e il bianco crudo e duro di un muro bianco contro di esso, a rigore lo si esprime, e in modo strano, con il bianco crudo attenuato con un tono neutro, poiché il cielo stesso lo colora di un delicato tono lillà. Ancora: in questo paesaggio così ingenuo, che dovrebbe rappresentarci una capanna tutta imbiancata a calce (compreso il tetto) posta su un terreno logicamente arancione, il cielo del Mezzogiorno e il Mediterraneo azzurro provocano un arancione tanto più intenso quanto più violenta di tono è la scala dei blu; la nota nera della porta, dei vetri, della piccola croce sul colmo del tetto fa sì che vi sia un contrasto simultaneo di bianco e di nero gradevole all’occhio quanto quello del blu con l’arancione. Per prendere un motivo più divertente, immaginiamo una donna vestita di un abito a quadri bianchi e neri nello stesso paesaggio primitivo di un ciclo turchino e di una terra arancione: sarebbe piuttosto buffo, immagino.\nProprio ad Arles si portano spesso scacchi bianchi e neri.\nBasta che il bianco e il nero siano anch’essi dei colori; e in molti casi possono essere considerati come tali, in quanto il loro contrasto simultaneo è originale come quello del verde e del rosso, per esempio.\n500. – Arles, giugno 1888.\nAdesso che ho visto il mare, qui, capisco tutta l’importanza di restare nel Mezzogiorno e di sentire che bisogna rendere il colore ancora più violento, con l’Africa così vicina. …\nVorrei che tu passassi un po’ di tempo qui; avvertiresti dopo poco che la visione cambia, si vede con occhio più giapponese, si sente diversamente il colore.\nPerciò sono convinto che, dopo un lungo soggiorno qui, libererò la mia personalità.\nIl giapponese disegna in fretta, molto in fretta, come un lampo, perché i suoi nervi sono più affinati e il suo sentimento è più semplice.\nIo sono qui da appena qualche mese, ma vediamo un po’ se a Parigi avrei eseguito in una sola ora il disegno delle barche !\nW 4. – Arles, giugno 1888.\nQuesta ventina di pittori che chiamano impressionisti, benché qualcuno di loro sia diventato discretamente ricco e sia piuttosto bene accolto in società, sono per la maggior parte soltanto poveri diavoli che vivono al caffè, alloggiano in stamberghe da pochi soldi, campano alla giornata.\nCiò non toglie che, in una giornata, i venti pittori di cui ti parlo dipingano tutto ciò che gli capita sotto gli occhi meglio di tanti signori del mondo artistico con un gran nome e una gran fama.\nDico questo per farti capire quale legame mi unisca ai pittori francesi che chiamano impressionisti, per dirti che ne conosco personalmente molti e che li amo.\nE anche che, nella mia tecnica personale, ho le stesse idee circa i colori, e che già in passato, in Olanda, pensavo come loro.\nDei fiordalisi con dei crisantemi bianchi e qualche calendola, motivo in turchino e arancione; eliotropi e rose gialle, motivo in lillà e giallo; papaveri o gerani rossi in un fogliame di un verde compatto, motivo in rosso e verde: sono basi che si possono ancora suddividere, che si possono perfezionare e completare, ma ciò basta per farti vedere, pur senza quadri, che esistono colori che si fanno valere, che si sposano, che si completano come l’uomo e la donna.\nSvilupparti tutta la teoria esigerebbe un lungo scritto, ma sarebbe una cosa da farsi.\n57. – Arles, giugno 1888.\nContinuo a rimproverarmi di non avere ancora fatto delle figure, qui.\nEcco ancora un paesaggio: sole calante? sorgere di luna? Sole estivo, in ogni caso.\nCittà violetta, astro giallo, ciclo verde blu. Il grano ha tutti i toni dell’oro vecchio, del rame, dell’oro verde o rosso, dell’oro giallo, del giallo bronzo, del rosso verde. … L’ho dipinto in pieno mistral, avevo fissato a terra il cavalletto con paletti di ferro, sistema che ti consiglio. Si conficcano nel terreno i piedi del cavalletto, poi, accanto, si conficca un paletto di ferro lungo cinquanta centimetri, e si lega tutto con delle corde. È possibile così lavorare anche con il vento.\nEcco ciò che ho inteso dire per bianco e nero. Prendiamo Il seminatore. Il quadro è tagliato in due, una metà è gialla, l’alto; il basso è violetto. Ebbene, il calzone bianco riposa l’occhio e lo distrae nel momento in cui lo irriterebbe il contrasto simultaneo eccessivo tra giallo e viola.\n504. – Arles, luglio 1888.\nDevo prevenirti che tutti troveranno che io lavoro troppo in fretta.\nNon ci credere affatto.\nNon è forse l’emozione, la sincerità del sentimento della natura che ci guida? E se queste emozioni sono talvolta così forti che si lavora senza accorgersi che si lavora, quando a volte le pennellate vengono con un seguito e dei rapporti fra loro come le parole in un discorso o in una lettera, bisogna allora ricordarsi che non è sempre stato così e che nell’avvenire ci saranno pure, purtroppo, giorni grevi, senza ispirazione.\nBisogna perciò battere il ferro mentre è caldo e mettere da parte le sbarre fucinate.\n511. -Arles, luglio 1888.\nL’arte giapponese è qualcosa come i primitivi, come i greci, come i nostri vecchi olandesi, Rembrandt, Potter, Hals, Vermeer, Ostade, Ruysdaël e infiniti altri.\nB12. – Arles, luglio 1888.\nConosci un pittore di nome Vermeer, il quale, per esempio, ha dipinto una bellissima dama olandese incinta [Donna in blu, del Rijksmuseum]? La tavolozza di questo strano pittore è: blu, giallo limone, grigio perla, nero, bianco. Certo, nei suoi rari quadri vi sono, a rigore, tutte le ricchezze di una tavolozza completa; ma la disposizione giallo limone, azzurro pallido, grigio perla è in lui caratteristica come lo sono per Velázquez il nero, il bianco, il grigio, il rosa. …\nRembrandt e gli olandesi non avevano alcuna immaginazione o fantasia, ma un gusto enorme e la scienza della composizione….\nRembrandt ha dipinto degli angeli. Fa un ritratto di sé [San Matteo e l’angelo, del Louvre], vecchio, sdentato, grinzoso, il capo coperto da un berretto di cotone, quadro secondo natura, in uno specchio. Sogna, sogna, e il suo pennello ricomincia il suo ritratto, ma di testa, e l’espressione ne diventa più straziata e più straziante. Sogna, sogna ancora, e perché e come non so, ma allo stesso modo che Socrate e Maometto avevano un genio familiare, Rembrandt, dietro quel vecchio che ha una rassomiglianza con lui, dipinge un angelo soprannaturale dal sorriso alla Vinci.\nTi ho indicato un pittore che sogna e che dipinge di fantasia, e incominciavo con il sostenere che la caratteristica degli olandesi è che non inventano nulla, che non hanno né immaginazione né fantasia.\nSono illogico? No.\nRembrandt non ha inventato niente, e quell’angelo e quel Cristo misterioso, è che lui li conosceva, li sentiva là.\nDelacroix dipinge un Cristo con l’inatteso di una nota limone chiaro: e quella nota colorata e luminosa è nel quadro ciò che è la misteriosità ineffabile e il fascino di una stella in un angolo di firmamento; Rembrandt lavora con i valori allo stesso modo che Delacroix con i colori.\nOra, corre una grande distanza fra il procedimento di Delacroix e Rembrandt e quello di tutto il resto della pittura religiosa.\n520. – Arles, agosto 1888.\nTrovo che ciò che ho appreso a Parigi se ne va, e ch’io ritorno alle idee che mi erano venute in campagna, prima di conoscere gli impressionisti.\nNon mi stupirei se fra poco gli impressionisti trovassero a ridire sul mio modo di lavorare che, più che dalle loro idee, è stato fecondato da quelle di Delacroix.\nInfatti, anziché cercar di rendere con esattezza ciò che ho sotto gli occhi, mi servo del colore nel modo più arbitrario, per esprimermi con maggior forza.\nMa lasciamo tutto questo da parte, in quanto a teoria: e ti darò un esempio di ciò che intendo dire.\nVorrei fare il ritratto di un amico artista, che sogna sogni grandiosi, che lavora come l’usignolo canta, perché così è la sua natura. È biondo; e io vorrei mettere nel quadro l’ammirazione, l’affetto che sento per lui.\nLo dipingerò dunque tale e quale, il più fedelmente possibile, per incominciare. Ma così il quadro non è finito: per finirlo dovrò diventare, adesso, un colorista arbitrario.\nEsagero il biondo della capigliatura, e arrivo ai toni arancione, ai cromi, al limone pallido.\nDietro la testa, anziché dipingere il muro banale del misero appartamento, dipingo l’infinito, faccio uno sfondo\nsemplice del turchino più intenso, più violento che posso fabbricare, e con questa semplice combinazione la testa bionda illuminata sullo sfondo turchino cupo ottiene un effetto misterioso, come una stella nel profondo azzurro.\n522. – Arles, agosto 1888.\nAdesso abbiamo qui un calore stupendo, intensissimo, senza vento, che fa proprio al caso mio. Un sole, una luce che in mancanza di meglio non posso che chiamare gialla, gialla zolfo pallido, limone oro pallido. Com’è bello il giallo! E come vedrò meglio il Nord!\n527. – Arles, agosto 1888.\nDevo dirti che in questi giorni mi sforzo di trovare un impiego del pennello senza ‘pointillé’ o altro, soltanto la pennellata variata. Ma un giorno vedrai.\n528. – Arles, agosto 1888.\nLa pittura, qual è adesso, promette di diventare più sottile – più musica e meno scultura -: promette, insomma, il colore. Purché mantenga questa promessa… I girasoli proseguono, ce n’è un nuovo mazzo di quattordici fiori su sfondo giallo verde: è dunque esattamente il medesimo effetto, ma in formato più grande … di una natura morta di cotogne e di limoni che tu hai già. Però nei girasoli la pittura è molto più semplice.\nTi ricordi che un giorno abbiamo visto all’Hôtel Drouot un mazzo di peonie di Manet? I fiori rosa, le foglie verdissime, dipinti a pasta piena, e non a vernice come quelli di Jeannin, che si staccavano su un semplice sfondo bianco, credo.\nUna cosa veramente sana.\nPer il ‘pointillé’, per aureolare eccetera, la trovo una vera scoperta; ma si può già prevedere che questa tecnica non diventerà più di un’altra un dogma universale. Ragione di più perché La Grande Jatte di Seurat, i paesaggi a grossi tratti punteggiati di Signac, la barca d’Anquetin diventino con l’andare del tempo più personali, ancora più originali.\n531. – Arles, settembre 1888.\nAh, mio caro fratello, a volte so talmente bene quello che voglio. Perciò nella vita e nella pittura posso benissimo fare a meno del buon Dio, ma non posso, nella mia sofferenza, fare a meno di qualcosa di più grande di me e che è la mia vita: la potenza di creare.\nChe se, frustrato fisicamente da questa potenza, uno cerca di creare pensieri invece di figli, resta ancora nell’umanità, nonostante tutto.\nIn un quadro io vorrei dire qualcosa di consolante come una musica. Vorrei dipingere degli uomini o delle donne con un non so che di eterno, il cui simbolo era una volta il nimbo, e che noi cerchiamo mediante l’irradiazione di per sé stessa, mediante la vibrazione dei nostri colori.\nIl ritratto così concepito non diventa un Ary Scheffer solamente perché dietro c’è un ciclo azzurro come nel Sant’Agostino. Poiché, colorista, Ary Scheffer lo è proprio poco, Andrebbe, piuttosto, d’accordo con ciò che Delacroix cercava e trovava nel suo Tasso in prigione e in tanti altri quadri raffiguranti un uomo vero.\nAh, il ritratto con dentro il pensiero, l’anima del modello: questo mi sembra talmente che debba venire! …\nSono sempre preso fra due diversi pensieri: primo, le difficoltà materiali, girarsi e rigirarsi per crearsi un’esistenza; poi, lo studio del colore. Ho sempre la speranza di trovarci qualcosa.\nEsprimere l’amore di due innamorati con un matrimonio di due complementari, la loro mescolanza e i loro contrasti, le vibrazioni misteriose dei toni ravvicinati. Esprimere il pensiero di una fronte con la radiosità di un tono chiaro su un fondo scuro.\nEsprimere la speranza con qualche stella. L’ardore di un essere con un’irradiazione di sole calante. Non si tratta certo del ‘trompe-l’oeil’ realistico, ma non è forse una cosa che esiste realmente?\nW7. – Arles, settembre 1888.\nTheo mi scrive che ti ha dato delle giapponeserie. È sicuramente il mezzo più pratico per riuscire a comprendere la direzione che ha preso oggi la pittura colorata e chiara.\nIn quanto a me, qui non ho bisogno di giapponeserie, perché mi dico sempre che qui sono in Giappone e che di conseguenza non ho che da aprire gli occhi e dipingere diritto davanti a me ciò che mi colpisce.\n553. – Arles, settembre 1888,\nHo vegliato a dipingere per tre notti di seguito, coricandomi durante la giornata. Spesso mi sembra che la notte sia molto più viva e moltissimo più colorata del giorno.\nOra per ciò che concerne riavere il denaro pagato all’affittacamere per la mia pittura, non insisto, perché il quadro è uno dei più brutti che io abbia fatto. È l’equivalente, benché diverso, dei Mangiatori di patate.\nHo cercato di esprimere con il rosso e il verde le terribili passioni umane.\nLa sala è rosso sangue e giallo opaco, un biliardo verde in mezzo, quattro lampade giallo limone a irradiazione arancione e verde. C’è dappertutto una lotta e un’antitesi dei più diversi verdi e rossi, nei piccoli personaggi di furfanti dormienti, nella sala triste e vuota, e del violetto contro il blu. Il rosso sangue e il verde giallo del biliardo, per esempio, contrastano con il delicato verde tenero Luigi XV del banco, dove c’è un mazzo rosa.\nIl vestito bianco del padrone, che veglia in un angolo di questa fornace, diventa giallo limone, verde pallido e luminoso.\nNe faccio un disegno con toni all’acquerello per mandartelo domani, affinché tu ne abbia un’idea. …\nIl Caffè di notte continua il Seminatore, come pure la testa del vecchio contadino e del poeta, se riesco a fare anche quest’ultimo quadro.\nNon si tratta però di un colore localmente vero dal punto di vista realistico del ‘trompe-l’oeil’, ma di un colore che suggerisce una qualsiasi emozione di un temperamento ardente.\nQuando Paul Mantz vide all’esposizione che anche noi abbiamo visitato, agli Champs-Elysées, lo schizzo violento ed esaltato di Delacroix La barca del Cristo, se ne allontanò gridando nel suo articolo: “Non sapevo che si potesse essere così terribili con del blu e del verde”.\nHokusai ti fa lanciare lo stesso grido, ma mediante le sue linee, il suo disegno, come quando nella tua lettera tu dici: “Quelle onde sono artigli, la nave vi è imprigionata, lo si sente”.\nEbbene, se si adoperasse soltanto il colore o soltanto il disegno, non si procurerebbero simili emozioni.\n538. – Arles, settembre 1888.\nTu sei buono verso i pittori e, sappilo bene, più ci rifletto, più sento che non vi è nulla di più realmente artistico dell’amare il prossimo. Tu mi dirai allora che sarebbe bene fare a meno dell’arte e degli artisti. In principio è vero; ma, dopo tutto, i greci, i francesi e i vecchi olandesi hanno accettato l’arte, noi la vediamo sempre risuscitare dopo le decadenze fatali, e non credo che si sarebbe più virtuosi per il solo motivo di avere in orrore e gli artisti e la loro arte. Per il momento non trovo ancora i miei quadri abbastanza buoni, in rapporto ai vantaggi che ho avuto da te. Ma quando saranno abbastanza buoni, ti assicuro che tu li avrai creati quanto me: il fatto è che noi li fabbrichiamo in due.\n539. – Arles, settembre 1888.\nMai ho avuto una tale possibilità; qui la natura è straordinariamente bella. Dappertutto e in ogni luogo la cupola, del ciclo è di un azzurro mirabile, il sole ha una radiosità di zolfo pallido ed è dolce e incantevole come la combinazione dei celesti e dei gialli dei Vermeer di Delft. Non riesco a dipingere altrettanto bene, ma mi concentro talmente, che mi lascio andare senza pensare ad alcuna regola. …\nHo deciso) adesso, per partito preso, di non tracciare mai più un quadro col carboncino. Non serve a nulla: bisogna attaccare il disegno con il colore stesso, per disegnare bene. …\nChe cosa fa Seurat? Non oserei mostrargli gli studi che ti ho spedito, ma quelli dei girasoli, dei cabarets e dei giardini vorrei che li vedesse; penso spesso al suo sistema anche se non lo seguirei affatto, ma lui è un colorista originale, e lo stesso vale per Signac, però in un grado diverso: i puntinisti hanno trovato del nuovo, e debbo ammettere che mi piacciono molto.\nNondimeno, e lo dico francamente, io ritorno piuttosto a ciò che cercavo prima di venire a Parigi: non so se qualcuno ha parlato prima di me di colore suggestivo, ma Delacroix e Monticelli, pur non avendone parlato, lo hanno fatto.\nIn quanto a me, io sono ancora come ero a Nuenen, quando ho fatto uno sforzo vano per imparare la musica, talmente già sentivo fin da allora i rapporti che esistono fra il nostro colore e la musica di Wagner.\nAdesso, è vero, vedo nell’impressionismo la risurrezione di Delacroix; ma, poiché le interpretazioni sono divergenti e in certo modo inconciliabili, non sarà neanche l’impressionismo a formulare la dottrina.\nPer questo resto fra gli impressionisti, perché non dice nulla e non impegna a nulla: non ho bisogno, in mezzo a loro, di diventarne un compagno.\n542. – Arles, settembre 1888\nSe si studia l’arte giapponese, vi si vede un uomo innegabilmente saggio, filosofo, intelligente, che passa il tempo a far che cosa? A studiare la distanza dalla terra alla luna? No. A studiare la politica di Bismarck? No. Si limita a studiare un unico stelo d’erba.\nMa quello stelo d’erba lo porta a disegnare tutte le piante, poi le stagioni, i grandi aspetti dei paesaggi, infine gli animali e da ultimo la figura umana. Così trascorre la vita. e la vita è troppo breve per fare tutto.\nVediamo, non è forse quasi una vera religione ciò che c’insegnano questi giapponesi così semplici e che vivono nella natura come se fossero essi stessi dei fiori?\nNon si potrebbe studiare l’arte giapponese, mi sembra. senza diventare molto più sereni e più felici: debbiarne, ritornare alla natura, nonostante la nostra educazione e il nostro lavoro in un mondo convenzionale. …\nInvidio ai giapponesi l’estrema nitidezza che tutte le cose hanno presso di loro. Nulla vi è mai noioso, né mi sembra mai fatto troppo in fretta. Il loro lavoro è semplice come respirare: essi fanno una figura mediante pochi tratti sicuri, con la stessa disinvoltura come se si trattasse di una cosa semplice quanto abbottonarsi il panciotto.\nAh, bisogna che riesca a fare una figura con pochi tratti. Questo mi terrà occupato tutto l’inverno; e una volta che ci sarò arrivato, potrò affrontare i boulevards, le strade e un sacco di motivi nuovi.\n553 a. – Arles, settembre-ottobre 1888.\nTrovo eccessivamente banali i miei concetti artistici rispetto ai Suoi.\nHo sempre dei grossolani appetiti da animale.\nDimentico tutto per la bellezza esteriore di cose che non so rendere, perché nel mio quadro la rendo brutta e grossolana, mentre la natura mi sembra perfetta.\nAdesso, tuttavia, lo slancio della mia carcassa ossuta è tale che va diritto al segno. Ne deriva talvolta una sincerità forse originale in ciò che sento, se il movente riuscisse ad abbellire la mia esecuzione brutale e inabile.\nW 8. – Arles, settembre-ottobre 1888.\nQui non faccio che pensare a Monticelli.\nEra un uomo forte – un po’ tocco, anzi molto – che sognava il sole, l’amore, l’allegria, pur sempre tormentato dalla miseria, con un gusto estremamente raffinato di colorista; uomo di razza rara che continuava le migliori tradizioni antiche. Muore malinconicamente a Marsiglia, attraversando probabilmente un autentico Getsèmani. Ebbene, io sono sicuro di continuarlo qui come se fossi suo figlio o suo fratello. …\nMonticelli è un pittore che ha reso il Mezzogiorno in giallo pieno, in arancione pieno, in zolfo pieno. La maggior parte dei pittori, non essendo coloristi propriamente detti, non vi vedono questi colori e giudicano pazzo il pittore che vede con occhi diversi dai loro. Tutto ciò è naturalmente previsto. Per questo io ho già pronto apposta un quadro in giallo pieno di girasoli (14 fiori in un vaso giallo e su fondo giallo, e ancora uno diverso dal precedente, con 12 fiori su fondo verde blu). E intendo un giorno esperio a Marsiglia. E vedrai che ci sarà un marsigliese o un altro il quale si ricorderà di ciò che ha detto e fatto in passato Monticelli.\nB 19. – Arles, ottobre 1888.\nNon posso lavorare senza modello. Non dico che non volgo decisamente le spalle alla natura, nel trasformare uno studio in quadro, sistemando il colore, ingrandendo, semplificando; ma ho molta paura di allontanarmi dal possibile e dal giusto, per quanto riguarda la forma.\nForse potrà avvenire più in là, dopo altri dieci anni di studi, non dico di no; ma, parola d’onore, ho tale e tanta curiosità di ciò che è possibile e realmente esistente, che sento poco il desiderio e il coraggio di cercare l’ideale facendolo scaturire da studi astratti.\nAltri possono avere per gli studi astratti maggiore intelligenza di me, e sicuramente anche tu potresti essere del numero, così come lo è Gauguin… forse io stesso, quando sarò vecchio.\nMa, nell’attesa, mi sfamo sempre alla natura. Esagero, cambio talvolta l’intenzione; però, in definitiva, non invento mai l’intero quadro, lo trovo al contrario già fatto, ma da sbrogliarlo nella natura.\nW9. – Arles, novembre 1888.\nNon so se capirai che si può fare una poesia solo disponendo sapientemente dei colori, così come si possono dire cose consolanti in musica.\nAllo stesso modo, alcune linee bizzarre, scelte e moltiplicate, serpeggianti in tutto il quadro, non devono dare un giardino nella sua rassomiglianza volgare, ma disegnarcelo come veduto in sogno, nel tempo stesso reale, eppure più strano che nella realtà.\n590, – Arles, maggio 1889.\nSento dire dai giornali che ci sono cose buone, al Salon. Ascolta, non diventare un impressionista assolutamente esclusivo: se c’è del buono in qualcosa, non perdiamolo di vista. Certo, il colore è in progresso proprio grazie agli impressionisti anche quando vi si smarriscono, ma Delacroix è già stato più completo di loro.\nE, perdiana, Millet, che non ha colore: quale opera, la sua!\nPer questo la follia è salutare, perché si diventa forse meno esclusivi.\nNon rimpiango di aver voluto conoscere un po’ tecnicamente questa questione delle teorie coloristiche.\nCome artisti si è soltanto un anello di una catena; e, che si trovi o non si trovi, ci si può consolare. …\nAh, dipingere delle figure come Claude Monet dipinge i paesaggi! È questo che resta da fare, nonostante tutto, e prima di vedere, a rigore, negli impressionisti, il solo Monet.\nPoiché, in definitiva, in fatto di figura Delacroix, Millet e vari scultori hanno fatto bene quanto gli impressionisti; perfino J. Breton.\nInsomma, mio caro fratello, siamo giusti …: pensiamo, ora che ci stiamo facendo troppo vecchi per schierarci fra i giovani, al fatto che in passato abbiamo amato Millet, Breton, Israëls, Whistler, Delacroix, Leys.\n596. – Saint-Rémy, 25 giugno 1889.\nHo un campo di grano molto giallo e molto chiaro, forse la tela più chiara che io abbia mai fatto.\nI cipressi mi preoccupano sempre, vorrei farne una cosa come le tele dei girasoli, perché mi stupisce che non li abbiano ancora fatti come li vedo io.\nUn cipresso è bello, in quanto a linee e a proporzioni, come un obelisco egizio.\nE il verde è di una qualità così raffinata.\nÈ la macchia nera in un paesaggio assolato, ma è una fra le note nere più interessanti, fra le più difficili a centrarsi che io possa immaginare.\nOra bisogna vederli qui contro il blu, nel blu, per meglio dire. Per fare la natura, qui come dappertutto, bisogna restarvi a lungo. Perciò un Monthénard non mi da la nota vera e intima, poiché la luce è misteriosa, e Monticelli e Delacroix lo sentivano. Pissarro ne parlava benissimo, una volta, e io sono ancora molto lontano dal poter fare come egli diceva che si dovrebbe.\n601. – Saint-Rémy, luglio 1889.\nQuesta nuova crisi, fratello mio caro, mi ha colto nei campi e mentre stavo dipingendo durante una giornata di vento. Ti manderò la tela che ho terminato ugualmente.\nEra appunto un tentativo più sobrio, di un colore opaco senza apparenza, verdi spezzati, rossi e gialli ferruginosi d’ocra, così come ti dicevo che a volte provavo il desiderio di ricominciare con una tavolozza come nel Nord.\n602. – Saint-Rémy, agosto 1889.\nGrazie ancora di quella bella acquaforte tratta da Rembrandt; vorrei tanto conoscere il quadro e sapere in quale periodo della sua vita lo ha dipinto. Rientra, con il ritratto di Fabritius a Rotterdam, il Viaggiatore della Galleria Lacaze, in una categoria speciale dove il ritratto di un essere umano si trasforma in qualcosa di luminoso e consolante.\nE come ciò è infinitamente diverso da Michelangelo o da Giotto, benché quest’ultimo vi si avvicini, tuttavia; cosicché Giotto forma l’unico legame possibile tra la scuola di Rembrandt e gli italiani.\n604. – Saint-Rémy, settembre 1889.\nFratello mio caro – è sempre in un intervallo di lavoro che ti scrivo —, fatico come un vero ossesso, provo più che mai un furore sordo di lavoro, e credo che questo contribuirà a guarirmi. Forse mi succederà una cosa come quella di cui parla Delacroix: “Ho trovato la pittura quando non avevo più né denti né fiato”, nel senso che la mia triste malattia mi fa lavorare con un furore sordo, molto lentamente, ma dal mattino alla sera senza interruzione; ed è questo, probabilmente, il segreto: lavorare a lungo e lentamente. Che ne so, ma credo di avere in corso un paio di tele non troppo male, prima di tutto il falciatore tra le spighe gialle e il ritratto su fondo chiaro: saranno per la mostra dei Vingtistes, se però si ricorderanno di me al momento buono; ma mi sarebbe assolutamente uguale, se non preferibile, che mi dimenticassero.\n607. – Saint-Rémy, settembre 1889.\nHo attualmente sette copie sulle dieci dei “Lavori dei campi” di Millet. Posso assicurarti che m’interessa enormemente eseguire delle copie: non disponendo per il momento di modelli, questo mi aiuterà in ogni caso a non perdere di vista la figura. …\nChe il copiare sia il vecchio sistema, non m’importa assolutamente niente. Copierò anche Il buon samaritano di Delacroix. …\nBe’, dato soprattutto che adesso sono ammalato, cero di fare qualcosa per consolarmi, per mio piacere personale.\nPoso davanti a me, come motivo, il bianco e nero di Delacroix o di Millet o dei loro seguaci, e poi v’improvviso sopra del colore; però, beninteso, non essendo completamente io, ma cercando qualche ricordo dei loro quadri — il ricordo, la vaga consonanza di colori che sono rimasti nel sentimento anche se non giusti; ed è, dunque, una mia interpretazione.\nUn sacco di gente non copia, moltissimi altri copiano: io mi ci sono messo per caso e trovo che il farlo insegna e soprattutto consola, a volte. Così il pennello mi corre fra le dita, allora, come un archetto sul violino, e assolutamente per il mio piacere. …\nAdesso, nella cattiva stagione, farò molte copie, perché bisogna veramente che mi applichi di più alla figura.\nÈ lo studio della figura che insegna a cogliere l’essenziale e a semplificare.\n617. – Saint-Rémy, dicembre 1889.\nSembra probabile che non farò più cose impastate: è il risultato della vita calma di reclusione che conduco, e mi ci trovo meglio. In fondo, non sono poi così violento come pare, e mi sento più io nella calma. Te ne accorgerai, forse, anche dalla tela per la mostra dei Vingtistes, che ho spedito ieri, il campo di grano al sole nascente.\n626 a. – Saint-Rémy, febbraio 1890.\nAl critico d’arte Albert Aurier.\nNel prossimo invio che farò a mio fratello, aggiungere uno studio di cipressi per Lei, se vorrà farmi la cortesia di accettarlo in ricordo del Suo articolo. In questo momento vi lavoro ancora, poiché desidero inserirci una figurina.\nIl cipresso è così caratteristico del paesaggio provenzale, e Lei lo sentiva quando diceva: “persino il colore nero”. Fino ad ora non ho potuto renderli come li sento: le emozioni che mi assalgono davanti alla natura vanno in me fino allo svenimento, e ne deriva allora una quindicina di giorni durante i quali sono incapace di lavorare. Eppure, prima di partire di qui, conto di tornare ancora una volta alla carica per attaccare i cipressi. Lo studio che Le ho destinati ne rappresenta un gruppo all’angolo di un campo di gran ci durante una giornata estiva di mistral. È dunque la nota di un certo nero inespressa in un turchino mosso dalla grande aria che circola, e fa contrasto a questa nota nera il vermiglio dei papaveri. …\nQuando lo studio che Le manderò sarà completamente asciutto anche negli impasti, senza dubbio non prima di un anno, penso che farebbe bene a passarvi una forte mano di vernice.\nE nel frattempo bisognerà lavarlo più volte con acqua corrente per toglierne completamente l’olio. È dipinto con blu di Prussia pieno, colore di cui si dice tanto male, e di cui nondimeno si è tanto servito Delacroix. Credo che quando i toni di blu di Prussia si saranno bene asciugati, verniciando Lei otterrà i toni neri, nerissimi, necessari per far risaltare i vari verdi cupi.\n614 a. — Auvers-sur-Oise, maggio 1890.\nAl critico d’arte J. J. Isaacson.\nVede, il problema, al mio spirito, si presenta così: quali siano gli esseri umani che abitualmente abitano gli oliveti, gli aranceti, le limonaie.\nIl contadino di questi luoghi è altra cosa dall’abitante dei grandi campi di grano di Millet.\nMillet ci ha riaperto le idee per vedere l’abitante della natura; ma non ci hanno ancora dipinto l’essere meridionale di oggi. Però quando Chavannes o un altro ci mostrerà quell’essere umano, torneranno a noi con un senso nuovo parole antiche: beati i poveri di spirito, beati i puri di cuore: parole di tale portata che noialtri cresciuti nelle vecchie città del Nord, confusi e disfatti, ci dobbiamo fermare a grande distanza dalla soglia di quelle dimore. Allora, per quanto convinti possiamo essere della visione di Rembrandt, ci si chiede: ma Raffaello lo capiva, e Michelangelo, e Leonardo? Io non lo so, ma credo che il meno pagano Giotto, gran malaticcio che ci resta familiare come un contemporaneo, sentisse di più.\nW 22. — Auvers-sur-Oise, prima quindicina del giugno 1890.\nCiò che mi appassiona di più, molto, molto di più di tutto il resto, nel mio mestiere, è il ritratto, il ritratto moderno.\nIo lo perseguo mediante il colore, e non sono certo il solo a cercarlo per questa strada. Vorrei — vedi, sono lungi dal dire di poter fare tutto questo, ma infine vi aspiro —, vorrei fare dei ritratti che di qui a un secolo, alle genti future, possano sembrare come delle apparizioni. Perciò, non cerco di ottenerlo con la rassomiglianza fotografica, ma tramite le nostre espressioni appassionate, usando come mezzo di espressione e di esaltazione del carattere la scienza e il gusto moderni del colore.\n649. – Auvers-sur-Oise, luglio 1890.\nMi sono rimesso al lavoro, anche se il pennello quasi mi casca dalla mano; e, sapendo perfettamente ciò che volevo, ho ancora dipinto … tre grandi tele.\nSono immense distese di grano sotto cicli tormentati, e non ho avuto difficoltà per cercare di esprimere la tristezza, l’estrema solitudine.\n650. – Auvers-sur-Oise, luglio 1890.\nIn quanto a me, sono totalmente preso da questa infinita distesa di campi di grano su uno sfondo di colline, grande come il mare, dai colori delicati, gialli, verdi, il viola pallido di un terreno sarchiato e arato, regolarmente chiazzato dal verde delle pianticelle di patate in fiore: tutto sotto un ciclo tenue, nei toni azzurri, bianchi, rosa, violetti.\nSono completamente in una condizione di calma per-sino eccessiva, proprio nello stato che occorre per dipingere ciò.\n652. — Auvers-sur-Oise: lettera trovatagli addosso il 29 luglio 1890.\nPer il mio lavoro, io rischio la vita, e la mia ragione vi è quasi naufragata …\nLetto 1066 volte.


Se la ruota gira - EcoDiBergamo.it - L'Urlo, Bergamo\nSe la ruota gira\nRyder Hesjedal, vincitore del Giro 2012\nUrge il numero di telefono di questo Hesjedal. Guardatelo su Youtube. Nei giorni scorsi, alla Vuelta, il corridore canadese cade in discesa. La bici, seguendo le leggi della fisica, s’accascia. Ma non si ferma. La ruota posteriore gira. Pensi: adesso tocca l’asfalto e si ferma. No: tocca l’asfalto e gira ancora. La sua forza è maggiore dell’attrito esercitato dalla sede stradale. La sua forza è tale che trascina la bicicletta, che facendo perno sulla ruota anteriore finisce per girare in tondo, su se stessa.\nHesjedal si alza, corre verso la bici per fermarla. Ma nel frattempo la medesima, forse colta da improvviso senso di colpa, sceglie di farla finita, gettandosi sotto la moto delle riprese tv.\nCos’è successo, in definitiva? Niente. Cosa ci si chiede? Molto: e cioè se la bici di Hesjedal contenesse quel che si usa definire «doping tecnologico», un sistema di pedalata assistita simile a quello che usano le casalinghe per portare a casa la spesa facendo meno fatica.\nStrano che - qualora fosse fornito del prezioso optional - il vincitore del Giro del 2012 l’avesse azionato in discesa. Fatto sta che quella ruota gira, e adesso girano anche le scatole di tanti appassionati. Perché il mondo del ciclismo è prontissimo a scattare in piedi - giustamente - per ogni «zero virgola» fuori posto nelle analisi antidoping, ma non sembra così reattivo di fronte a immagini come queste. Eh sì che eseguire una colonscopia a quella bici non sarebbe così complesso, volendo.\nFuori il numero di Hesjedal, dai. Che qui non si vede l’ora di uscire in bici e tornare a casa tronfi così: «Cara, oggi 100 chilometri. E non ho nemmeno il fiatone».\nTags #Bergamo #sport #Ciclismo #Roberto Belingheri\nLo strano movimento della bici di Hesjedal


Attacco hacker contro Camera, Senato e Siae\nCondividi: Rosaspina 9 26 Maggio 04 @ 13:00 pm\n"Mentre veniva pubblicizzato il Netstrike che si prepara per il prossimo 31 maggio contro il sito dei Beni Culturali, con una chiara assunzione di responsabilità da parte di chi lo organizza, hacker anonimi (o "cracker", come preferisce dire qualcuno) hanno reso inagibili i siti di Camera, Senato e Siae. L'attacco di pirateria on line è stato denunciato e condannato da Fiorello Cortiana, senatore dei Verdi. Cortiana è molto validamente impegnato a contrastare il Decreto Urbani, anche se la sua decisione di ritirare gli emendamenti al Decreto e sospendere l'ostruzionismo, in cambio della promessa di Urbani di abolire le sanzioni penali per il file-sharing per uso personale, è stata molto criticata sulla Rete e la sua opportunità politica sarà tutta da verificare alla luce delle prossime mosse del medesimo. Ha comunque ragione..." leggi\nUn naso hi-tech al posto del medico\nNizza, il primo cimitero interattivo\nInvia a un amico Stampa Tienimi aggiornato Altre news: Discussioni\n9 commenti a "Attacco hacker contro Camera, Senato e Siae":\nale il 26 Maggio 04 @ 09:39 am\naltre info qua http://webnews.html.it/news/2101.htm\nEniac il 26 Maggio 04 @ 14:56 pm\n<-"hacker anonimi (o "cracker", come preferisce <dire qualcuno)"-\nin che senso come preferisce dire qualcuno...\nc'è una bella differnza fra questi due termini.\nRosaspina il 26 Maggio 04 @ 16:25 pm\nqualcuno=addetti ai lavori?\nin effetti nn è chiarissimo.\nDylan666 il 26 Maggio 04 @ 20:44 pm\nDiciamo che chi si intende un minimo del mondo Internet sa che i 2 termini sono moooooolto differenti nel significato, e non è uno spaccare il capello ma anzi combattere un qualunqueismo (o forse una disinformazione) che spesso causa non pochi problemi ;)\nSergio1983 il 26 Maggio 04 @ 23:07 pm\nI cracker si mangiano, gli hacker no... ;) è quello che intendevi Dylan? lol!\nDylan666 il 27 Maggio 04 @ 11:00 am\nPiù che altro gli hacker si mangiano quelli che li confondono con i cracker :D\nEniac il 28 Maggio 04 @ 09:58 am\ngli hacker costruiscono, i craker distruggono\nDylan666 il 28 Maggio 04 @ 10:12 am\nDal nostro glossario:\n* Hacker *\nUn termine che sta significare "un abile programmatore" ma che molti, specialmente i giornalisti usano per indicare "qualcuno che cerca di entrare nei sistemi informatici."\nUn "good hack" è una brillante soluzione ad un problema di programmazione e "hacking" è il verbo\n* Cracker *\nCracker è una persona che penetra all’interno delle reti di computer network elude le password o le licenze all’interno dei programmi; o in altri modi infrange la sicurezza dei computer. Un cracker può farlo per profitto, per cattiveria, per una causa, con motivazioni altruistiche o per sfida. Il cracker è quello che i giornalisti definiscono erroneamente un hacker ed i veri hacker non gradiscono questa confusione.\nEniac il 28 Maggio 04 @ 20:13 pm\nscusate l'errore di scrittura... Cracker non craker sorry


Yamaha svela il TMAX 2012 - Fiere e saloni - Moto.it\nYamaha svela il TMAX 2012\n7 novembre 2011 - Aumentano la maneggevolezza e la stabilità, mentre grazie alla nuova trasmissione a cinghia e al forcellone in alluminio pressofuso il peso scende per la prima volta sotto la soglia dei 200 kg a secco\nIl Teatro Versace non è stata una scelta casuale per la presentazione "fuori-EICMA" della terza generazione del celebre T-Max: tempio della moda e delle tendenze l'affascinante cornice sita nel cuore di Milano è di fatto un luogo molto vicino al leader dei maxi-scooter da 11 anni a questa parte.\nIcona della gamma Yamaha in Europa e creatore di nuove tendenze, T-Max si rinnova per la terza volta senza cercare alcun compromesso, evolvendo ulteriormente quel concetto di "non solo moto" e "non solo scooter" che ha ottenuto il consenso da parte di 180.000 clienti dal 2011 ad oggi.\n"T-Max - afferma Andrew Smith Sales and Marketing Vice President di Yamaha Europa - è uno scooter prodotto in Giappone con il chiaro intento di conquistare il mercato italiano. Un obiettivo che abbiamo perseguito unendo alla funzionalità di un classico scooter il feeling di guida che solo una moto sa assicurare. E' stato un successo che è andato addirittura oltre le nostre aspettative, tanto da riuscire ad ottenere quote di mercato del 65% tra gli scooter di grossa cilindrata."\n"In ogni generazione di T-Max - aggiunge il manager della filiale europea - abbiamo riscontrato un alto tasso di fidelizzazione da parte dei clienti, che solitamente sono uomini di età di poco superiore ai quaranta con l'obiettivo di acquistare per sé stesso semplicemente il massimo."\nAll'intervento di Smith segue pochi istanti dopo quello di Paolo Pavesio, Direttore Marketing di Yamaha Italia. "Cambiare un prodotto come T-Max - spiega il manager - è sempre rischioso ma è anche un dovere nei confronti di un prodotto di così grande successo e nei confronti di una clientela che vuole sempre il massimo."\n"Per il nuovo modello - sottolinea Pavesio - abbiamo lavorato su design, esaltazione del DNA motociclistico e piacere di guida. Abbiamo sostanzialmente evoluto un prodotto unico lavorando sulle sue unicità."\n"Per quanto riguarda il design - spiega Pavesio - abbiamo completamente rivisto ogni dettaglio del precedente modello, introducendo modifiche che non mutassero troppo il family feeling con il vecchio modello. Abbiamo mantenuto, ad esempio, i due occhi che ne segnano da sempre lo sguardo pur riducendo la superficie vetrata e la dimensione dgli indicatori di direzione. Abbiamo anche introdotto un terzo piccolo faro, come su alcune delle nostre moto. La coda è ispirata all'universo motociclistico: i più appassionati avranno notato alcune somiglianze del gruppo ottico con quello della R1. Di ispirazione motociclistica sono anche le frecce ed il portatarga, separate rispettivamente da gruppo ottico e codone."\n"Yamaha T-Max - aggiunge Pavesio - è anche prestazione. Già guardando la strumentazione, decisamente più motociclistica e rider oriented, si può capire che anche il bicilindrico ha qualcosa di nuovo da dire. E' cresciuto nella cilindrata fino a 530 cc ed offre il 10% di coppia in più rispetto al passato, come se non bastasse a 1.000 giri in meno. Con il nuovo motore abbiamo anche introdotto una nuova trasmissione finale, che ora adotta una cinghia del 35% più leggera rispetto alla precedente catena. Un plus, quest'ultimo, che ha portato ad un guadagno di 5 CV alla ruota."\n"Il telaio - conclude Pavesio - è come sempre in alluminio e si accoppia ad una sospensione posteriore di ispirazione totalmente motociclistica. Una forcellone dimensionalmente studiato per esaltare il posizionamento "centrale" delle masse, che ora vantano un bilanciamento motociclistico: ben 48% dei 200 kg dichiarati, contro il 40% dei migliori scooter, grava sulla ruota anteriore, esaltando il feeling motociclistico che da sempre caratterizza più di ogni altro T-Max."\nNel 2001, il primo TMAX inaugurava una nuova era nel mondo degli scooter. Tanto diverso da creare una categoria a parte, il maxiscooter sportivo.\nL’idea alla base di TMAX era semplice: abbinare alle prestazioni, alla maneggevolezza e alla velocità di una moto la praticità e la facilità di guida di uno scooter. La sua personalità l’ha trasformato in un successo.\nAnche se le versioni successive hanno continuato ad evolversi sin dal 2001, dettando nuovi parametri in termini di prestazioni e maneggevolezza, l’idea alla base di TMAX è sempre rimasta la stessa: abbinare le emozioni di una moto con la praticità di uno scooter, per un utilizzo davvero a 360°.\nUna formula che non è stata abbandonata nemmeno quest’anno.\nL’ultima evoluzione di TMAX è spinta da un bicilindrico con cilindri orizzontali fronte marcia da 530 cc, a 4 tempi, 4 valvole, DOHC, con iniezione elettronica e trasmissione automatica. Rispetto ai modelli precedenti, eroga una coppia superiore ai tutti i regimi, con un significativo incremento del 10% della coppia massima, ottenuta a un regime di oltre 1.000 giri inferiore.\nUna grande coppia, ottenuta attraverso l’impiego di componenti più leggeri e più efficienti.\nI pistoni sono forgiati in alluminio, e le sedi valvole sono state ottimizzate, la camera di combustione è pentagonale con area di squish ottimizzata ed il profilo dell’albero a camme è stato ridisegnato. Il sistema di bilanciamento è ottimizzato per ridurre le perdite di potenza, con uno sfiato che evita l’effetto di pompaggio. Altri sfiati nelle pareti interne dell’albero motore riducono la pressione.\nIl risultato? Un notevole incremento dell’accelerazione da fermo, e ancor più marcato nelle variazioni di velocità.\nL’aspirazione e lo scarico sono stati completamente rivisti, per adeguarli al nuovo motore. Il collettore d’aspirazione non è più in alluminio ma in resina, più leggera. Il diametro dei corpi farfallati sale a 34 mm.\nL’aumento della coppia ha portato all’adozione di una coppa dell’olio maggiorata per la lubrificazione. Ridisegnata anche la frizione e nuovi rapporti ottimizzati. Anche l’iniezione elettronica è stata aggiornata. Tutti interventi che offrono a chi guida TMAX non solo l’emozione di un’accelerazione bruciante, ma anche la sensazione di una guida fluida e facile, in tutto l’arco di erogazione.\nLa nuova trasmissione è a cinghia e non più a doppia catena, e lo si vede chiaramente guardando la parte posteriore di TMAX. La trasmissione a cinghia ha il vantaggio di non avere giochi e di conseguenza l’erogazione di potenza è più lineare. La cinghia è realizzata in kevlar, una fibra eccellente nota per la sua resistenza alla trazione e ai contraccolpi, per la durata e per le caratteristiche anticorrosione. La nuova trasmissione contribuisce anche a ridurre i pesi non sospesi ed alla centralizzazione delle masse, per offrire a chi guida TMAX un’esperienza di guida vicinissima a quella di una moto.\nSotto la carenatura di TMAX c’è un telaio in alluminio, con bilanciamento della rigidità ottimizzato. Una soluzione che permette a chi lo guida di godere fino in fondo la potenza del motore da 530 cc, ancorato direttamente al telaio, come sulle moto. Per migliorare il bilanciamento, la posizione del serbatoio è stata spostata verso il basso.\nGlobalmente, TMAX ha perso circa 4 kg, soprattutto grazie alla nuova trasmissione a cinghia e al nuovo forcellone in alluminio, pressofuso in due parti separate. Il forcellone incorpora un tendicatena identico a quelli utilizzati sulle moto supersportive, che contribuisce ulteriormente ad ottimizzare il bilanciamento della rigidità, un elemento chiave per le prestazioni sportive di TMAX.\nTutti elementi di tecnici e di design che, nel loro insieme, offrono una distribuzione dei pesi che si accentua sull’avantreno, migliorando la guidabilità. È facile seguire la traiettoria ideale, e TMAX è stabile anche nelle curve più strette.\nFreni più potenti, sospensioni più efficaci\nLa potenza di TMAX deve essere controllata da un impianto frenante all’altezza. Ecco il motivo del nuovo freno a disco posteriore da 282 mm, che collabora con il doppio disco anteriore da 267 mm, con la pinza a 4 pistoncini che fa parte della storia di TMAX. La versione con ABS in opzione aumenta la resa della frenata su fondi poco aderenti.\nAl comfort del mono ammortizzatore posteriore si aggiunge la tenuta di strada garantita dalla forcella telescopica con doppia piastra super-resistente alla torsione.\nNel 2012 il look diventa più sportivo. I fianchetti più aerodinamici scaturiscono da un frontale più affilato e compatto, che prevede uno spazio ampio per la nuova strumentazione simmetrica a doppio quadrante. I nuovi retrovisori riducono la turbolenza e le vibrazioni, offrendo una visibilità migliore.\nLa strumentazione analogico-digitale permette di verificare tutte le informazioni necessarie alla guida. Due quadranti dall’originale profilo poligonale ospitano a sinistra il tachimetro e a destra il contagiri. La retroilluminazione è rossa.\nIl classico doppio faro Yamaha si riconosce da subito, ma i fari sono più compatti, grazie ai nuovi proiettori polielissoidali e sono accompagnati dal design spigoloso degli indicatori di direzione più compatti e dalla nuova luce di posizione centrale. Le luci posteriori a led sono un’eredità della supersportiva Yamaha YZF-R1, ed esaltano il DNA sportivo di TMAX.\nIl nuovo parabrezza aerodinamico regolabile in due posizioni è una prova del carattere sportivo e della versatilità di TMAX, e si adatta alle diverse situazioni di guida e, seppur più piccolo del precedente, il suo design evoluto offre gli stessi standard di penetrazione aerodinamica e riduzione del rumore del vento.\nTMAX cambia anche in altri dettagli, come i nuovi cerchi a 5 razze e il cavalletto laterale forgiato in alluminio, che contribuiscono a contenere il peso. Le linee laterali che collegano la parte anteriore e posteriore hanno il carattere di sempre.\nSe si parte per il weekend e serve una capacità di carico superiore, si può scegliere il bauletto da 39 litri o da 50 litri, entrambi con borse interne, da montare sul portapacchi dedicato in colorazioni Black e Silver. L’apertura e chiusura avviene con la stessa chiave d’accensione. E per chi ha bisogno di altro spazio di carico, è disponibile anche una borsa da tunnel da 22 litri.\nSe si viaggia spesso con il passeggero, è disponibile uno schienalino con imbottitura, in combinazione di colori Matt Black o Silver per il supporto, Black o Titanium per l’imbottitura, in tinta con le diverse selle. In opzione anche la sella two-tone con cuciture rosse e logo TMAX in rilievo, elegante e confortevole.\nUn ulteriore tocco sportivo è lo schermo basso. È possibile utilizzare un GPS montandolo sull’apposito supporto. La coperta paragambe offre protezione quando piove o fa freddo, e i carter cinghia (disponibile in due colori) completano il design.\nTra gli altri accessori, il nuovo scarico completo Akrapovic in titanio personalizzato con logo TMAX, piastre pedana in alluminio, il porta targa sportivo con logo TMAX in rosso, la presa 12 volt, il kit manopole riscaldate per l’inverno ed il caricabatteria.\nGli accessori sono combinabili in 2 diversi allestimenti, che come da consuetudine Yamaha offrono un risparmio del 20% sul listino degli accessori singoli:\n· Schermo sportivo\n· Schienale passeggero completo\n· Piastre pedana in alluminio\n· Porta targa personalizzato\n· Portapacchi in alluminio\n· Baule 50 litri in tinta e cuscino passeggero\n· Borsa Tunnel\n· Attacco GPS\nTMAX 2012, le novità in sintesi:\n· motore con cilindrata aumentata a 530 cc\n· coppia aumentata del 10% ad un regime inferiore di 1.000 giri\n· trasmissione a cinghia, per una guidabilità superiore e una minor dispersione di potenza\n· doppio forcellone in alluminio\n· freno a disco posteriore maggiorato da 282 mm\n· cerchi a 5 razze più leggeri\n· doppio proiettore polielissoidale\n· luci posteriori a led, retrovisori ridisegnati e cavalletto laterale forgiato in alluminio\n· parabrezza regolabile in due posizioni, sport e touring\n· strumentazione sportiva analogico/digitale a doppio quadrante\n· posizione di guida rivista, per un controllo ancora maggiore\n· vano portaoggetti con serratura\n· telaio leggero e resistente, pressofuso in alluminio per un bilanciamento della rigidità ideale\n· forcella telescopica con doppia piastra e mono ammortizzatore posteriore\nYamaha TMAX m.y. 2012 sarà disponibile già a partire da dicembre 2011 nelle 4 colorazioni Sonic Grey, High Tech Silver, Midnight Black e Competition White.\nTMAX 2012 costerà 10.290 Euro. A partire da febbraio 2012, Yamaha TMAX sarà disponibile anche nella versione ABS, a 10.790 Euro.\nYamaha TMAX 2012: le prime anticipazioni\nYamaha Xenter 150 e 125\nGuarda anche marmitta yamaha t max 530 su\napda, Roma (RM)\nRagazzi l'ho provato a Roma il 25 novembre ed è spettacoloso\nil piacere di guida è come al solito il MAX, dovete provare per credere, sinceramente devo confermare quanto detto dopo averne avuto uno non puoi non desiderarne un altro\ndeslok9982, Arzignano (VI)\ndopo mesi se non anni ad aspettare un t-max 750 o giu' di li', mi ritrovo con l'ennesimo 500, non credo che riusciro' a riacquistare per la 3 volta un 500, provero' il nuovo bmw 600sport o il 650 gt , purtroppo il gilera e l'aprilia sono proprio brutti....\n52 km con un solo litro di carburante in normali c\nUn solo motore, due moto completamente differenti:\nHonda amplia la sua gamma di modelli con motore V4\nIl 2012 per Ducati segna l'introduzione di una nuo\nYamaha T-Max 530 (2012 - 14)\nAllestimento T-Max 530 (2012 - 14)\nPrezzo da 10.790 € - franco concessionario\nPeso in ordine di marcia 217 Kg\nNuovo: Yamaha T-Max 530\nYamaha T-Max 530 (2017 - 19)\nVilladossola (VB) EURO 10.990\nYamaha T-Max 530 SX Sport Edition (2018 - 19)\nLavis (TN) EURO 12.990\nLavis (TN) EURO 12.290\nArezzo (AR) EURO 11.990\nUsato: Yamaha T-Max 530 (2012 - 14)\nCasalmorano (CR) EURO 8.500\nCesano Maderno (MB) EURO 7.800\nAlessandria (AL) EURO 6.100\nSanremo (IM) EURO 5.500\nCosa dicono i motociclisti: Yamaha T-Max 530 (2012 - 14)