Die Galerie Kernweine Foto und Raum ist ein Ort für zeitgenössische Fotografie, visuelle Medien und Diskurs. In Zusammenarbeit mit Künstler:innen entwickeln und kurieren wir Ausstellungsprojekte, die klassische Herangehensweisen hinterfragen und etablierte Formate erweitern. Im Wechsel finden Workshops und Veranstaltungsformate zu Themen der Fotografie und der visuellen Medien statt.\nIn unserem g—k Onlineshop verkaufen wir limitierte Foto-Editionen, Bücher, Magazine sowie ausgewählte Produkte. Im Hinterhof der Galerie befindet sich g—k Café&Bar.\nVom 15.07 bis 11.09.2022 ist die Galerie Kernweine zu Gast in »The Gällery – Raum für Fotografie«. Wir gehen der Frage nach, die unser aller Leben durchzieht: Unter dem Titel »WHO AM I? I AM.« werden Positionen von vier internationalen Fotograf:innen gezeigt, die sich ganz individuell mit der Identitätssuche auseinandersetzen und Einblicke in diverse Lebensmodelle und gesellschaftliche Konstrukte geben. Gezeigt werden Arbeiten von Carlota Guerrero (Spanien), Lin Zhipeng (aka No.223) (China), Slava Mogutin (USA / Russland) und Thalía Gochez (Mexico / El Salvador).\nWho am I? Wer bin ich? Die Frage scheint so simpel. Doch der tatsächliche Versuch, eine konkrete Antwort zu geben, enthüllt, welche komplexe Fragestellung sich dahinter verbirgt. Wäre ich der/die Gleiche, wenn ich an einem anderen Ort aufgewachsen wäre – mit anderen Bezugspersonen, in anderen Verhältnissen? Machen uns nicht erst die Erfahrungen, die wir in unserem Leben machen, zu dem, was wir sind? Gibt es ein ‚Ich‘ außerhalb von Gesellschaft? Bin ich immer noch der/die Gleiche von vor 10 Jahren?\nDie Ausstellung »WHO AM I? I AM.« in den Räumlichkeiten der Staatsgalerie mutet sich nicht an all diese Fragen zu beantworten. Vielmehr versucht die fotografische Ausstellung die Diversität und Wandelbarkeit von Identität aufzuzeigen und zeitgenössische, internationale Perspektiven der Fotografie durch relevante Themen in den Kontext diverser Lebenswelten zusetzten.\nDie Galerie Kernweine bekommt mit der Ausstellung als erster Kooperationspartner die Möglichkeit, die neu geschaffenen Räumlichkeiten für Fotografie der Staatsgalerie bespielen zu dürfen. Denn »The Gällery« widmet sich als Raum für Fotografie nicht nur dem umfangreichen Fotobestand der Sammlung der Staatsgalerie, sondern arbeitet auch in Kooperation mit nationalen und internationalen Fotosammlungen sowie Akteurinnen und Akteuren der Stadt Stuttgart.\nWir freuen uns als erster Gast mit den Besucherinnen und Besuchern über die Frage WER BIN ICH? nachzudenken und auf Spurensuche nach unserer Identität zu gehen.\nJacques Torrance betreibt das multidisziplinäre Label Electroménager in Paris. Er hat bereits Showcases in Paris, Berlin und Stuttgart veranstaltet und Musik auf R.A.N.D Muzik oder Huntleys + Palmers veröffentlicht. Er wird den Abend eröffnen und seine Vorliebe für Ambient-Experimente und tiefe gebrochene Rhythmen vorstellen.\nJonas Yamer betreibt Molten Moods, ein Label, das von Telekom Electronic Beats als "eines der klügsten in Deutschland" bezeichnet wird und für das er Clubnächte im Blitz Music Club und der Roten Sonne in München oder im Drugstore Belgrad veranstaltet hat. Unter dem Namen seiner Band Carl Gari ist er für Veröffentlichungen auf AD93 (ehemals Whities), The Trilogy Tapes und Berlin Atonal Recordings verantwortlich. Seine Sets schöpfen ihre Energie aus schnellem, von Breaks geprägtem und bisweilen trancigem Techno, der je nach Location auch mal aus Ambient, Drone, House und IDM besteht.\nDie in Tallinn (Estland) geborene DJane E Vulx ist Co-Moderatorin der monatlichen Radioshow PeachFM auf Freies Radio für Stuttgart. Als Teil der kürzlich gegründeten Vitalizer-Crew organisiert sie neben ihrer DJ-Tätigkeit auch Partys und musikbezogene Veranstaltungen in Stuttgart. Mit ihren starken Einflüssen aus Breakbeat, Rave und dekonstruierter Clubmusik wird sie die Opening Party abschließen.\nAm 09. Juli präsentiert die Galerie Kernweine in Kooperation mit Metapaper und der HdMStuttgart die Ergebnisse von Europas erstem Blockchain Poster Projekt, die ebenfalls am 01. und 02 September auf der beyond tellerrand in Berlin gezeigt werden.\nDas Projekt THE BLOCKCHAIN verfolgt das Ziel, abstrakte Themen wie Blockchain, NFT und Krypto als haptische Poster erfahrbar zu machen.\nEine Vielzahl von Partnern waren an der Umsetzung des komplexen Projekts beteiligt: Anastasiia Potapova und Alexander Klarmann, Studierende der Hochschule der Medien in Stuttgart, haben das Projekt ins Leben gerufen und die technologische Umsetzung verantwortet, während g-kx mediaHOUSE sowohl die Gestaltung der 100 THE BLOCKCHAIN Poster als auch der dazugehörigen NFT’s übernommen hat. Die Druckerei Heenemann in Berlin wurde daraufhin mit dem Druck der 100 Unikate betraut, die jeweils mit einem individuellen NFC-Chip des NFC-Spezialisten bizy cards versehen wurden.\nDie Gestaltung der Poster folgt einer narrativen Logik, bei der sich die Motivik der einzelnen Darstellungen immer an den vorherigen Postern orientiert. Die Poster-Serie besteht aus 100 aufeinander folgenden Bilder im Bitmap-Raster und entwickelt spielerisch die Entstehungsgeschichte der Blockchain Mechanik. Außerdem ist jedes der im Indigo-Digitaldruck auf Metapaper-EXTRAROUGH White 175 g/m2 gedruckte Poster mit einem individuellen NFC-Chip versehen. Beim Kauf eines Posters erhält der/die Käufer:in einen individuellen Key, der nach dem Scannen des NFC-Chips zu dem verknüpften NFT führt, das in einem weiteren Schritt an das angegebene Wallet geschickt wird. Der digitale Kaufprozess erfolgt spiegelverkehrt. Hier wird erst das NFT versendet und danach wird das physische Poster postalisch verschickt.\nGemäß der Blockchain-Logik steigert sich der Wert der Poster mit ihrer Verknappung. Das erste Poster wird zu 25€ veräußert, das letzte zu 500€. Sprich je weniger Poster verfügbar sind, desto höher ist die Wertsteigerung der Folgenden.\nDie Eröffnung der Ausstellung 25 ausgewählter Poster mit anschließendem Verkauf findet am Samstag, den 09. Juli ab 20:00 in der Galerie Kernweine in Stuttgart statt. Alle weiteren Poster des BLOCKCHAIN-Projekts werden am 01. und 02. September auf der Konferenz beyond tellerrand in Berlin präsentiert und verkauft, können aber auch über OpenSea.io erworben werden. Der gesamte Erlös des Projekts geht an die Charity-Partner der beyond tellerrand.\nDie Cafébar ist ein zentraler Ort der Galerie.\nIn der Cafébar der Galerie Kernweine gibt es Kaffeespezialitäten, Sandwiches und Quiches zu Mittag sowie ein wechselndes Angebot an Kuchen und Backwaren und diverse Drinks.\nAbends wird das Café zur Bar — enjoy your drink, salute!\nAn den Wochenenden gibt es von 10.00 — 16h im "Breakfast Club" ein ausgewähltes Frühstücksangebot.\nReservierung und Vermietung:\nSteph Goller, sg@galerie-kernweine.com\nGALERIE, CAFÉ - BAR\nDI — MI\nDO — SA 10H — 22H\n10H — TILL LATE\nSO 10H — 18H\n07.Mai 22 — 01.Juli 22\nUm dem kulturellen Stillstand im Lockdown entgegenzuwirken, organisierte der ITO Raum Stuttgart im Februar, Juni und August 2021 eine 40-tägige Künstler:innenresidenz und Ausstellung für 6 Stuttgarter Künstler:innen im Langenbachhof nahe Schonach im Schwarzwald. Eingeladen wurden Shirley Cho, Peter Granser, Florina Leinß, Shinroku Shimokawa, Patrick Suhm und Hannah Zenger. Die Galerie Kernweine zeigt zwischen dem 07. Mai und dem 01. Juli 2022 die Ergebnisse der Kooperation.\nDie Ausstellung „40 Tage“ vereint eine Vielfalt von Werken:\nStuttgarter Erdschüttungen; eine sonore Stimme im Alter Mittel minus; peripatetische Naturstudien; eine Chromatografie; die Sichtbarmachung von Fehlstellen; die Essenz der Asche von 1.600 kg Brennholz; eine Interpretation von Roland Barthes´ Theorie des Neutrums; das japanische Nodate als soziale Plastik; Blattsilber Interventionen; eine Betrachtung von Steinen im Innenraum; das Heiligtum des Solo-Campers; das Grau des Winters und die Farben des Sommers.\nDie seit 2015 in Stuttgart lebende, australisch-koreanische Künstlerin Shirley Cho verarbeitet in ihrem Werk ihre Familiengeschichte, die geprägt war von der Emigration der Familie nach Südamerika und Australien. Sie hinterfragt Kindheitserinnerungen, geht Fragen nach Identität und Heimat nach und thematisiert die Beziehungen von Objekten zueinander. Cho arbeitet mit verschiedensten Materialien wie Ton, Papier, Stoff, Blattsilber und -gold, Moos, Holz oder Bronze.\nPeter Gransers fotografische und videografische Arbeiten kreisen um Themen wie Zeit, Leere, Natur, und Bewusstsein. Am Anfang stehen dabei immer lange Wanderungen, um eine neue Gegend zu erkunden. Das sinnliche Potential des Gehens, die Erkundung des Raums und Erfahrung atmosphärischer Präsenz ist für seine Arbeitsweise prägend. Inspiriert durch Aufenthalte in China und Japan, gründete Peter Granser 2015 zusammen mit seiner Frau Beatrice Theil den ITO Raum (japanisch für Faden). Dort verknüpfen sie zeitgenössische Kunst mit hochwertigem Tee und Keramik und ermöglichen die Konzentration auf den Moment, lassen aber gleichzeitig Raum für Kommunikation.\nFür Florina Leinß kann ein flüchtiger Eindruck einer Farbe oder Form der Umgebung, der Gebäude oder menschlicher Eingriffe in die Natur seinen Widerhall im Bild finden, wobei durch die Übersetzung in Materialien wie Grafitpulver, Dispersionsfarbe und Acrylfarbe eigenständige, gegenstandslose Bilder entstehen. Im Vorgang des Malens spielen Prozesse des Überlagerns, Ausgleichens, Verdeckens, Entfernens und des Versinkens in der Fläche eine entscheidende Rolle. Auf der Suche nach Nuancen des Neutralen, sowie nach funktionalen Farben entstehen Malereien, die eine Resonanz zwischen innerem Empfinden und äußerem Erscheinen wiedergeben.\nShinroku Shimokawa ist Bildhauer und arbeitet mit Stein, Holz, Wind oder Licht. Ihn interessiert der Herstellungsprozess und die Eigenschaften von Material, Masse, Raum und Zeit. Die Ergebnisse seiner Arbeit liegen zwischen klassischer Steinskulptur, performativem Untersuchen und Videosequenzen. Shimokawa kocht auch leidenschaftlich gerne. Im Schwarzwald hat er unter anderem die fahrbare Skulptur „Nogake“ geschaffen, die als Küche eingesetzt werden kann und mit einem Schnee-/Regenwasserfiltersystem ausgestattet ist.\nPatrick Suhm arbeitet mit seiner Stimme. Er nähert sich den Dingen, indem er ihre Namen in den Mund nimmt. Zwischen Stille und sprachlicher Äußerung sucht er nach dem wahrhaftigen Ausdruck und schafft mit poetischer Sensibilität (Klang-)Räume, die den Blick auf das Wesentliche hin öffnen.\nAn der Schnittstelle zwischen bildender Kunst und wissenschaftlicher Forschung bewegt sich die Stuttgarter Bildhauerin Hannah Zenger. Gesammelte Erd-, Gesteins- und Pflanzenproben sind das Ausgangsmaterial der plastischen Arbeiten, Raum-Installationen und konzeptuellen Auseinandersetzungen, die unsere Umwelt aus unterschiedlichen Perspektiven spekulativ forschend beleuchten. Durch verschiedene Transformationsprozesse entstehen Werke, welche die Vielfalt der uns umgebenden Realität untersuchen. Hannah Zengers wissenschaftlich-poetische Auseinandersetzung mit dem Elementaren der Natur erweitert die gesellschaftliche Debatte um Umwelt- und Naturschutz.\nKerstin Göhlich und Lutz Näfelt haben das Projekt Vierzig Tage grafisch und gedanklich begleitet und mitgeformt und das Künstlerbuch gestaltet, das im Juni in Ihrem neu gegründeten Stuttgarter Verlag Pnin Books erscheinen wird.\n„40 Tage“ wurde gefördert durch die Stiftung Kunstfonds "Neustart Kultur", langenbachhof 1813 und Stipendien des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg. Die Ausstellung wurde durch Prolab Stuttgart unterstützt.\nDie Vernissage zur Ausstellung findet am 07. Mai um 20.00 Uhr in der Galerie Kernweine statt.\nKOCHKURS MIT SHINROKU SHIMOKAWA @Wagenhallen\nFür Shinroku Shimokawa sind Bildhauerei und Kochen eng miteinander verbunden. Die Küche ist Werkstatt und die Natur Inspiration und Speisekammer. Gemeinsam werden die essbaren Pflanzen gesammelt und in Shinrokus mobiler Küche zu Udon und Tempura zubereitet.\nKosten: 50€ pro Person, wird an Hilfsorganisationen der Ukraine gespendet.\nAnmeldung unter: shinrokushimokawa@gmail.com\nTEE-SESSIONS MIT PETER GRANSER @ITO\n03. Juni 2022, 14.00 Uhr & 16.30 Uhr\nBei einer Teezeremonie für jeweils maximal 3 Personen bereitet Peter Granser hochwertigen japanischen oder taiwanesischen Tee zu. ITO bietet Zeit und Ruhe, ermöglicht die Konzentration auf den Moment und lässt dennoch Raum für Kommunikation.\nITO-Raum (https://ito-raum.de/): König-Karl-Straße 27a, 70372 Stuttgart\nKosten: 30€ pro Person, 20€ werden an Hilfsorganisationen der Ukraine gespendet.\nBezahlung per PayPal an info@granser.de bis spätestens 1. Juni\nAnmeldung unter: pg@ito-raum.de\nBOOKTALK MIT PETER GRANSER & JONAS BEUCHERT & SHINROKU SHIMOKAWA\n2013 verbrachte Peter Granser einen Monat im kleinen Ort Kamiyama (Gott-Berg) auf der Insel Shikoku. Shikoku ist für den O-Henro (遍路 ) bekannt, einem Pilgerweg, der den Pilger zu 88 Tempeln führt. Es wurde ein Pilgerweg im Kleinen auf dem sie 88 Steine sammelten.\nShinroku ist Bildhauer und Koch zugleich. Er findet Parallelen zwischen den vermeintlich komplett verschiedenen Disziplinen und verknüpft japanische Gerichte mit regionalen Produkten. „Man kann keine Steine essen“ gibt einen persönlichen Einblick in japanische Kultur, Bildhauerei und Kochen. Rezepte für alle Jahreszeiten regen zum Rausgehen und Nachkochen an.\nFree Poster ist ein gemeinnütziges Kooperationsprojekt des Stuttgarter Designstudios Matter Of, das künstlerische Produktionen im öffentlichen und privaten Raum durch analoge Medien miteinander verbindet. Gemeinsam mit einer fortlaufenden Anzahl von Künstler:innen veröffentlichen sie doppelseitige Poster\nDie Vernissage zur Ausstellung findet am 02. April um 20.00 Uhr in der Galerie Kernweine statt.\nSeit 10 Jahren veröffentlicht Herausgeber Matthias Straub jährlich eine neue Ausgabe von THE OPÉRA – Magazine for Classic & Contemporary Nude Photography. In dieser Zeit sind zahlreiche Fotografien, ungewöhnliche Perspektiven auf den menschlichen Körper und Anekdoten rund um die Magazinerstellung entstanden.\nDie Jubiläumsausgabe von The Opéra zeigt neue Einschläge, bleibt sich dennoch in ihrer inhaltlichen Ausrichtung treu. Zum ersten Mal zeigt das Cover ein männliches Model. Sich geltender Geschlechterklischees widersetzend legt die Ausgabe den Fokus auf die Hinterfragung bestehender Definitionen von Männlichkeit und Weiblichkeit. Es ist auch die erste Ausgabe, bei der eine Designerin verantwortlich für die Gestaltung war – Christina Rollny hat Volume X einen experimentellen und erfrischend neuen Look verliehen.\nEinige dieser Bilder, Geschichten und die aktuelle Ausgabe Volume X werden am 25. März in der Galerie Kernweine präsentiert. Außerdem suchen wir eine musikalische Antwort auf die Frage: „Wie klingt eigentlich THE OPÉRA?“. Ab 20 Uhr stellt Herausgeber Matthias Straub die aktuelle Ausgabe vor, danach kann zu Musik von Studio Malo getanzt werden.\nDie zehnte Ausgabe erscheint wieder im Kerber Verlag Bielefeld / Berlin. Künstler sind unter anderem: Evelyn Bencicova (Slowakai), Jay Davies (Australien), Samantha Evans (Deutschland), Kenny Lemes (Kuba), Mariam Medvedeva (Russland), Gordon Spooner (Großbritannien) & Louise Rocard (Frankreich), Maxim Vakhovskiy (USA), Lina Zangers (Deutschland) und viele mehr.\n06.Nov 21 — 27.Mär 22\n„Outer Space“ verknüpft den realen Raum der Galerie Kernweine mit imaginativ entstehenden Fiktionsräumen, die von den beteiligten Künstlern auf verschiedene Weise entwickelt werden. Visuell miteinander agierend, stehen die fotografischen Arbeiten nicht nur formell in Verbindung zueinander, sondern ebenfalls inhaltlich durch ihre narrativen Strukturen. Auf diese Weise werden augenscheinlich ambivalente Komponenten zusammengeführt, sodass der reale und der fotografische Raum verschmelzen.\nFabrizio Albertini nimmt uns mit auf eine symbolische Reise durch seine Erinnerungen an Heimat, bei der er durch die Kombination verschiedener Genres und Techniken unterschiedliche Gefühle und Emotionen hervorruft. Dabei ist sein Werk sowohl visuelle Erkundung vergangener Zeiten als auch eine intime Einsicht in Emotionen und Geschichte. Aus nebligen Erinnerungen entstehen universelle Spuren und Wege, die durch Albertinis fotografische Visualität mit einer persönlichen Komponente ergänzt werden.\nDas partizipative Erzählprojekt „Gli Stati Della Anime“ entwickelt die Geschichte der italienischen Region Norcia, die geprägt ist von den schicksalhaften Veränderungen – ein Gebiet, das unter Entbehrungen, Naturkatastrophen sowie Abwanderung gelitten hat. Giovanni Emilio Galanello fiktionalisiert die reale Geschichte der Region und erweitert dadurch ihre Wirkkraft.\nÄhnlich einem Alchemisten lässt Constantin Schlachter durch die Zusammensetzung von Gegensätzlichem unerforschte neue Welten entstehen. Mithilfe verschiedener Medien, Kameras und Mikroskope sowie analoger und digitaler Bildbearbeitung erschafft er Landschaften, die sich jeglicher realistischen Verortung entziehen. Detailaufnahmen, die extrem vergrößert abgebildet werden, scheinen dabei unendliche Räume zu bilden, in denen die Begriffe „mikro-makro“ und „organisch-mineralisch“ vertauscht werden.\nAuch Robert Pufleb & Nadine Schlieper arbeiten in ihrer Serie „Alternative Moons“ mit den Komponenten Nähe und Distanz. Erst im Zusammenhang mit der Erwähnung des Titels der Werkreihe scheint sich der Zweifel über die Echtheit des Dargestellten einzuschleichen. Die beigefügte Rezeptangabe offenbart dann endgültig die Fiktion der Weltraumdarstellungen und bestätigt die tatsächliche Form der fiktiven Mondaufnahmen mit ihren realistisch wirkenden Kratern.\nDie Ausstellung wird ergänzt durch Objekte des Designstudios anima ona, die die Verbindung zwischen den ausgestellten Fotografien und dem Galerieraum hervorheben. anima ona ist ein in Stuttgart ansässiges Designstudio, geründet von Freia Achenbach, June Fàbregas und Carlo Kurth. Ihre Projekte vereinen Produktdesign, Forschung und Kunst wobei, sie die zwischen den einzelnen Disziplinen bestehenden Grenzen verwischen und neu interpretieren.\nDie Vernissage zur Ausstellung findet am 6. November um 20.00 Uhr in der Galerie Kernweine statt. Auf Grundlage der aktuellen Coronaverordnungen gilt für die Veranstaltung die 2G Regel.\n09.Okt 21 — 24.Okt 21\nEin mit Samt überzogenes Wandobjekt ist gleichnamiger Protagonist der Ausstellung »Hold On« und lässt die Grenzen zwischen Design und Kunst, Körper und Raum verschmelzen. Das Wandobjekt bildet die Schnittmenge des Kollaborationsprojekts zwischen dem Stuttgar-ter Kunst- und Design Duo Haus Otto, Modedesignerin Simone Wild sowie Fotograf David Spaeth. »Hold On« steht für interdisziplinäres Schaffen und zeigt, wie minimalistisches Upcycling funktioniert.\nDas in limitierter Auflage produzierte Wandobjekt »Hold On« lädt zur Interaktion ein und ist gleichzeitig praktischer Gebrauchsgegenstand. Samt bildet die Oberfläche der Skulptur, die be-liebig an Wänden angebracht oder auf horizontalen Flächen platziert werden kann. Das gepols-terte Wandobjekt schafft so eine reduzierte Ablagefläche und bietet die Möglichkeit, Gegenstän-de mit einer schnellen Geste im Objekt zu befestigen.\nAusgangspunkt und gemeinsamer Nenner der Zusammenarbeit für »Hold On« war sowohl für Haus Otto als auch für Simone Wild der Aspekt der Nachhaltigkeit. Die Wandobjekte beste-hen aus Werkstoffteilen, die im industriellen Produktionsprozess ausscheiden und von Haus Otto zu einer neuen Kernform weiterentwickelt werden. Ergänzt werden die geometrischen Objekte mit den farbkräftigen Samtbezügen von Simone Wild. Simone Wild produziert ihre Stoffe unter Berücksichtigung nachhaltiger und fairer Produktionsverfahren, von einem sozial engagierten Unternehmen in Deutschland, das zusammen mit geflüchteten Frauen arbeitet. Ebenfalls Teil der Ausstellung sind konzeptionelle Fotografien des Fotokünstlers David Spaeth: Die Bilder er-forschen die Beziehung zwischen Körper und Objekt, während sie spielerisch auf den im digita-len Zeitalter wachsenden menschlichen Wunsch nach Berührung und Materialität hinweisen.\nDie Ausstellung »Hold On« blickt über das Paradigma der reinen Funktionalität von Produkten hinaus und hinterfragt die Verwendung von Alltagsgegenständen in einer zunehmend digitali-sierten Welt. In einem technologisch fortgeschrittenen Zeitalter zielt die interdisziplinäre Zusam-menarbeit darauf ab, das grundlegende menschliche Bedürfnis nach Berührung, Intimität und körperlicher Interaktion zu feiern und zu nähren.\n»Hold On« wird in limitierter Auflage von 50 Exemplaren, in den vier verschiedenen Farben (blau, grün, orange, rosa) produziert und kann vor Ort in der Galerie Kernweine (oder via Mail, siehe unten) vorbestellt werden.\nHaus Otto ist ein Designstudio, das im Bereich von Objekt-, Raum- und Produktgestaltung arbeitet. Der Fokus des Duos liegt auf menschlichen Empfindsamkeiten, reduzierter Formensprache, Materialität und alternativen Produktionsweisen.\nSimone Wild gründete 2017 ihr gleichnamiges Modelabel. Was mit Socken begann wurde schnell zu einer Reihe von Accessoires und Body Wear Artikeln mit dem Fokus auf Nachhaltigkeit, Farbe und Textur - Made in Germany.\nDavid Spaeth lebt und arbeitet in Stuttgart. Seine fotografischen Arbeiten legen tiefste menschliche Instinkte frei und folgen gleichzeitig dem Streben nach dem Schönen in der Welt.\nWir sind wieder Teil des Stuttgarter Galerienrundgangs Art Alarm!\nUnter diesem Link finden Sie weitere Informationen zum Programm.\nHerzlich laden wir Euch und alle Interessierten zum diesjährigen SOMMERFEST in der Galerie Kernweine ein!\nAm 21. August feiern wir den Tag und die Nacht mit drei verschiedenen Highlights:\nDie Galerie Kernweine feiert ihren ersten Shirt Launch\nMit der Shirt-Edition 01 wird das visuelle Konzept der Galerie auf Stoff übertragen: Schwarze Löcher und grafische Elemente sind auf fairer Bio-Baumwolle kuratiert.\nErhältlich ab dem 21. August / unisex / schwarz oder weiß / über den Online Shop oder vor Ort.\nKulinarisch kooperieren wir mit zwei besonderen Partnern: OFF GRID und Stoke!\nDaniel und Philipp von OFF GRID machen Euch mit ihrer selektierte Auswahl an Naturweinen bekannt und Küchenchef Jeffrey (STOKE) aus Berlin bereitet Yakitori Grill Spezialitäten zu (auch vegetarisch).\nAußerdem präsentiert SOUNDBOKS tagsüber und in der Nacht das musikalische Programm:\nWir starten mit den Tunes der Stuttgarter Salon Bitter Division, HKEE & Holiday Boyz und werden im Anschluss von einem weiteren Special Live Act (tba.) überrascht.\nPS: Look outside the Windows it’s summer!;)\nNatural Wine, BBQ, Shirts & Music\n21. August ab 15H till late\n- Salon Bitter Disko Division, HKEE & Holiday Boyz:\nSalon Bitter Disko Division\nVon 80s zu Italo, Synthpop und Elektronischem.\nHkee bringt eine Auswahl an Fusion, Krautrock, Elektronik, New Age, Ambient, Continental Disco, Leftfield Stücken aus den Archiven mit.\nHoliday Boyz (Zefixx München)\nTief verwurzelt in Soul und Disco, oszillierend zwischen elektronisch und organisch, instrumental und vocal.\n⁃ Special Live Act (tba.)\nSelektierte frische und sommerliche Naturweine\nYakitori Grill Spezialitäten aus Berlin\nJeffs Restaurant befindet sich derzeit im Bau und soll Anfang 2022 in Berlin eröffnet werden.\n03.Juli 21 — 03.Okt 21\n“Paintings League“ beschäftigt sich mit der uralten Frage, wie man Kunst für Menschen zugänglich macht, die sich normalerweise nicht für Kunst interessieren. Mit Sicherheit kann gesagt werden, dass es mehr Menschen gibt, die gerne Fußball schauen, als Menschen, die sich Gemälde anschauen. Wie können die Interessen von Kunstliebhabenden und Fußballfans zusammengeführt werden? Künstler Max Siedentopf stellt sich dieser Frage, um eine Lösung dafür zu finden, wie für beide Bereiche ein neues Publikum gewonnen werden kann.\nDie Antwort auf diese Frage findet er in der humoristisch aufgearbeiteten Serie “Paintings League“. “Paintings League“ setzt sich aus verschiedenen künstlerischen Methoden – Fotografie und Malerei – zusammen, um die Wichtigkeit eines Dialogs zwischen den verschiedenen Disziplinen zu verdeutlichen und die Bandbreite von Ansätzen aufzuzeigen, die besteht, um seine „Forschungsfrage“ zu beantworten.\nDie Ausstellung „Paintings League“ ist eine Hommage an einige der ikonischsten Trikots von Fußballmannschaften. Dabei werden die Interessen von beiden Zielgruppen – Fußballfans sowie Kunstliebhabenden – bedient: Portrait-Fotografien von Fußballfans, welche die Trikots ihres Lieblingsteams tragen, werden Gemälden gegenübergestellt. Die Malereien (Acryl auf Canvas) sind minimalistisch gehalten und stellen die Designs der Trikots in abstrakter Form dar. So können sich Kunstfans mit Pinselduktus und Fotografie beschäftigen während Sportler:innen über ihre Lieblingsteams diskutieren. Beide Interessensgruppen agieren somit einerseits mit ihrem favorisierten Themenbereich, erweitern dennoch ihr Wissen gleichzeitig im Anderen.\nGenau wie beim Fußball funktionieren die Fotografien und Gemälde wie eine Liga - jedes einzelne repräsentiert eine unterschiedliche Gruppe von Menschen durch ihre Interessen, Städte und Hintergründe. Die Foto-Serie in „Paintings League“ besteht aus Portraits, welche Fußballfans, die ihren Verein repräsentieren, in ihrer Diversität zeigt. Die visuelle Nähe der Portraits zu den Gemälden ist dabei unübersehbar.\nMax Siedentopf (1991) ist ein in London ansässiger multidisziplinärer Konzeptkünstler, der in den Bereichen Video, Fotografie, Skulptur, Creative Direction und allem, was dazwischen liegt, arbeitet und Gründer der Kunstpublikation ORDINARY ist.\nSeine satirische und oft provokante Herangehensweise an die Kunst hat dazu geführt, dass er als Scherzkeks der Kunstwelt bezeichnet wird. Der oft popkulturelle Bezug seiner Arbeit ließ die italienische Vogue ihn als "viralen Künstler" bezeichnen.\nVon 2013 - 2020 war Max Siedentopf Creative Director der "legendären und unorthodoxen" Kreativagentur KesselsKramer, die 1996 von dem niederländischen Künstler Erik Kessels gegründet wurde, und ist der einzige, der in allen drei Büros gearbeitet hat und mit 25 Jahren der jüngste Partner ist.\nSeine Installation "Toto Forever" wurde in artnets "10 Extraordinary Artworks You Need to Travel to the Edge of the World to See" neben Elmgreen & Dragsets 'Prada Marfa', Yayoi Kusamas 'Yellow Pumpkin' und Le Corbusiers 'Notre Dame du Haut' aufgenommen.Im Juni 2019 spielte Siedentopf im Musikvideo zu "Mine Right Now" mit, einem Song der norwegischen Sängerin Sigrid, bei dem Max Regie führen sollte.\nAußerdem ist er der Gründer des Ordinary Magazine, das bei den Stack Awards für das Magazin des Jahres, die beste Art Direction und die beste Verwendung von Fotografie nominiert wurde. Max weigert sich in der Regel, an Auszeichnungen teilzunehmen, aber er erhielt bei den Berlin Music Video Awards den Preis für das "Bizarrste Video" für sein Gommi "Psychosis"-Video. Außerdem wurde er bei den UKMVAs als "Best New Director" nominiert.\n2019 hatte Max seine erste Solo-Ausstellung "Stock im Arsch" bei uns in der Galerie Kernweine (siehe Archiv).\n09.Mai 21 — 30.Juni 21\n24.Apr 21 — 27.Juni 21\nZara Pfeifer beschäftigt sich in ihren Arbeiten mit Lebensräumen und Menschen, die sie über längere Zeit hinweg fotografisch begleitet: So auch in ihrem aktuellen Langzeitprojekt »Good Street!«, in welchem sie LKW-Fahrer*innen aus unterschiedlichen Ländern auf ihren Langstrecken durch Europa thematisiert. Die Galerie Kernweine Foto und Raum erstmals Einblick in die spezifischen Lebens- und Architekturwelten der Trucker:innen über eine Foto-Ausstellung sowie eine dokumentarische Videoarbeit der Künstlerin Pfeifer.\nWer sind die menschen, die diese Fahrzeuge durch ganz Europa steuern, um eine lückenlose Versorgung der Gesellschaft zu gewährleisten?\nDurch was zeichnet sich die Architektur der Raststätten, der Autobahnen sowie der großmaßstäblichen Infrastruktur-Anlagen – wie beispielsweise Transportschiffe für LKWs – aus ?\nDie Menge an LKWs, die die Straßen Europas täglich befahren, verschwimmen von außen zu einer großen, einheitlichen Gruppe von Reisenden. Dabei sind die Güter, die sie bei jedem Wetter und in jeder Situation transportieren, so vielfältig, wie die Landschaften, die sie durchqueren. Pfeifer deckt durch ihre fotografische Beobachtung und das persönliche Begleiten der Fahrer*innen, persönliche Lebens- und Arbeitswelten auf: die eingerichteten Fahrer*innenkabinen, deren Arbeitsalltag und die Community unter den Fahrer*innen bilden den Gegenstand der Serie.\nZara Pfeifer (1984, Köln) studierte Architektur und Fotografie, in ihren Arbeiten werden räumliche und soziale Phänomene thematisiert. neben der Fotografie kommunizieren Videos, Zeichnungen und Vorträge ihre Erkundungen. Um Erlebnisse zu fassen, nimmt sie neben einer beobachtenden Rolle auch einen aktiven Part ein: Ob am Sozialleben in Alt-Erlaa oder als LKW-Beifahrerin auf einer Route durch Europa. Ihre Serie Du, meine konkrete Utopie – welche das modernistische Wohnprojekt Alt Erlaa ausstellt – wurde 2017 im Kerber Verlag veröffentlicht, ausgezeichnet und in europäoschen Ländern sowie den USA ausgestellt. Zusätzlich hat Pfeifer seit 2019 einen Lehrauftrag an der TU Wien, in welchem sie in den Feldern Architektur und Fotografie lehrt.\nHier klicken für Werksübersicht und Preisliste!\nGefördert von der Stiftung Kunstfonds im Rahmen des Programms Neustart Kultur.\n12.Apr 21 — 31.Mai 21\nGibt es einen wahren Wert der Dinge?\nUnd ist der digitale Wert eines Gebäudes der gleiche wie der Physische?\nEin Gebäude im Stuttgarter Süden wird aktuell verkauft. In diesem Gebäude befinden sich auch die Räumlichkeiten der Galerie Kernweine Foto und Raum. Fünf Millionen Euro werden dafür aufgerufen.\nMick Orel und Oliver Kröning, die mit der Galerie für Fotografie (2017) und dem Büro g — kx mediaHOUSE (2021) im Bereich der visuellen Medien zu Hause sind, generieren zusammen mit dem Digitalkünstler Nasty Files (nastyfiles.club) das Werk „g — k House Flip“ (2021). Dieses stellt eine digitale Metapher des physischen Gebäudes der Galerie dar.\n„g — k House Flip“ steht derzeit auf der digitalen Plattform opensea.io zum Verkauf – zum gleichen Preis*, für welchen das Gebäude auf dem Stuttgarter Immobilienmarkt gehandelt wird. Mit dem Erlös des Verkaufs des digitalen Kunstwerks könnten die Macher das analoge Gebäude in Stuttgart erwerben – so die Idee.\nMit der Aktion möchte die Galerie Kernweine und Künstler Nasty Files nicht nur auf die Entwicklung des Immobilienmarkts und das Erhalten einer diversen Kulturlandschaft, sondern auch auf die zunehmend verschmelzenden Grenzen von digitaler und analoger Welt, aufmerksam machen. Seit Mitte März bei einer Auktion von Christie‘s ein NFT für 69 Millionen Dollar ersteigert wurde, ist der Hype sowie die damit einhergehende Debatte um digitale Kunst in vollem Gange. Wird sich dieser neue digitale Markt, auf dem digitale Kunst gehandelt wird, etablieren? Ist es ein Fehler, die längst schon existierende digitale Kunst weiterhin zu ignorieren? Oder ist das alles nur ein schlechter Scherz?\nDer Begriff "House Flipping" wird von Immobilieninvestoren verwendet, um den Prozess des Kaufs und Verkaufs von Immobilien mit Gewinn zu beschreiben. Das Kunstwerk zwinkert dieser Aktivität sarkastisch zu und zeigt die „dunkle Seite“ des House Flippings auf.\nNasty Files ist ein in Mailand ansässiger visueller Künstler. Seine Arbeit erforscht mit Ironie die Beziehung zwischen Menschen und Räumen, ihre gegenseitige Beeinflussung und die Eigenart des heutigen Lebens im Allgemeinen.\nNFT ist die Abkürzung für Non-Fungible Tokens, auf Deutsch: nicht austauschbare Token. NFTs sind auf der Blockchain gespeichert und damit authentifiziert, fälschungssicher und einzigartig. Wenn man ein NFT kauft, kauft man ein digitales Objekt, das mit einem Token verknüpft ist. Dieses Objekt kann beispielsweise digitale Kunst, Musik oder virtuelles Land sein. Anders gesagt sind NFTs Echtheitszertifikate für jegliche digitale Datei.\nLink zum digitalen Kunstwerk!\n*Da NFTs mit der Kryptowährung Ethereum gehandelt werden, orientiert sich der Preis am aktuellen Kurs.\nPolaroid Rage & Black is Beautiful\n»POLAROID RAGE» & »BLACK IS BEAUTIFUL«\n»Polaroid Rage« zeigt eine Sammlung an Polaroids, welche Geschichten von Menschen durch das Prisma von Mogutins persönlicher Migrationserfahrung erzählen. Minderheiten, sozial Ausgestoßene und Außenseiter, Menschen am Rande der Gesellschaft, marginalisierte Leben und Seelen, die in der Mainstream-Kultur nicht objektiv vertreten sind, finden ihren Platz in Mogutins Kunst und Abbild in der Serie. »Polaroid Rage« ist eine Fotoserie bestehend aus einzelnen Polaroids, welche in erzählerischer Form und Kombination die individuellen Geschichten und Schicksale der Portraitierten erzählen.\n»Black is Beautiful« ist die neuste Serie von Mogutin und schließt sich an die Black Lives Matter Bewegung an. Die internationale Bewegung entstand dieses Jahr in den USA und richtet sich gegen (Polizei)Gewalt gegen Schwarze und People of color. Die bisher unveröffentlichten Fotografien fügen sich thematisch in das Schaffen und die Ausrichtung von Mogutins Werk und ergänzen dieses um einen weiteren starken Fokus.\nBlack is Beautiful, 2020\nSlava Mogutin wurde in Sibirien geboren und ist ein in New York ansässiger Multimedia-Künstler und Autor, der aufgrund seiner queeren Schriften und seines Aktivismus aus Russland verband wurde. Als Schriftsteller der dritten Generation und autodidaktischer Journalist und Fotograf war er der erste Russe, dem aufgrund homophober Verfolgung politisches Asyl in den USA gewährt wurde.\nMogutins Arbeit basiert auf seinen Erfahrungen mit bikulturellen Dissidenten und Flüchtlingen und untersucht die Begriffe Vertreibung und Identität, Stolz und Scham, Hingabe und Unzufriedenheit, Liebe und Hass.\nMogutin ist Autor von sieben Büchern mit russischen Schriften sowie drei Monographien über Fotografie, Lost Boys, NYC Go-Go und Bros & Brosephines sowie zwei illustrierten Gedichtsammlungen, Food Chain und Pictures & Words. Er ist der Gewinner des Andrei Bely-Preises für Lyrik und des Tom of Finland Foundation Award für künstlerische Leistungen.\nNew Pandemics Slava Mogutin, Dylan Riis Beach, 2019, Polaroid (ohne Rahmen je 7,9 x 7,7 cm )\nSLAVA MOGUTIN'S KÜNSTLER STATEMENT\nExhibition: Mushroom Conversations\nEine Initiative von GK und ɅMEN sowie Künster*innen, Wissenschaftler*innen und Nachhaltigkeitsaktivist*innen, um gemeinsam die Nutzung der negativen CO2-Emissionen von Myzelverpackungen zu vermitteln.\nOPENING 5. SEP 2020, 20.00 UHR\n● Main Floor: Mushroom Installation & die Arbeit magic mushroom von der Fotografin Ellen von Unwerth\n● Basement: psicodelia synthesis von Oskar Metsavaht\n● mushroom conversations von Steve Rachmad\n● IGTV LIVE täglich von 19.00 bis 19.20 Uhr @amencandles\n● Kombucha in verschiedenen Geschmacksrichtungen von perge\nAlejandro Reyes & Kai Fischer\nExhibition: Taxi, Taco, Telmex\nMEXICO CITY TRIFFT AUF STUTTGART – EAT-ART TRIFFT AUF READYMADE\n»Taxi, Taco, Telmex« zeigt einen Streifzug durch Mexico City – auf der Suche nach dem Schauplatz des Alltags, nach einer Analogie der Realität. Gefunden wurde auf diesem Streifzug eine Reihe an demolierter Taxis sowie funktionsuntüchtige Festnetztelefonzellen der Firma Telmex. Künstler Kai Fischer hielt diese Eindrücke in zwei Fotoserien fest: »Downtown Taxi Libre« und »Américan Móvil«. Bei der Vernissage der Ausstellung »Taxi, Taco, Telmex« am 1. August um 20.00 Uhr werden die beiden Serien um eine weitere Komponente ergänzt: Alejandro Reyes bereitet frische mexikanische Tacos im Hof der Galerie zu. Diese werden durch die Performance Ni Maiz‘ in die Ausstellung integriert sowie zum Essen angeboten. Die Ausstellung wird vom ersten bis zum 16. August 2020 in den Räumlichkeiten der Galerie Kernweine gezeigt.\n2018 machte sich Kai Fischer im Rahmen seines Auslandssemester auf den Weg nach Mexico City. Was ihm dort sehr schnell auffällt ist die stadtbildprägende Präsenz von Taxis sowie Telefonzellen. Was die Objekte verbindet ist ihre Funktionsunfähigkeit sowie ihre dadurch gegebene Individualität – welche von der ursprünglichen Intension der Produktionsreihe abweicht. Die Ausstellung »Taxi, Taco, Telmex« zeigt die Gegenstände der Bildreihen in einer an der Wirklichkeit angelehnte Kombination.Des weiteren ist die Arbeit »Todavía estoy vivo« im Keller zu sehen - angelegt als installatives Reisetagebuch.\nDie Begegnung mit dem Künstler Alejandro Reyes vervollständigte den Aufenthalt in Mexiko durch Einblicke die Alltagskultur Mexiko Cities, gefolgt von gemeinsamen Ausstellungsprojekten wie »Pulque para tres«.\nNi Maiz‘ – direkt übersetzt ‚kein Mais‘ oder im Slang ‚Auf keinen Fall’ – ist eine Performance von Alejandro Reyes, die Möglichkeiten der Kooperation, des Austausches sowie des Gebens und Nehmens auslotet. Obwohl Mais seit fast 500 Jahren in Europa angebaut wird, wird er hier meist als Tierfutter verwendet. Das Geheimnis der Nixtamalisation, ein Prozess, in welchem Mais in Kalkwasser gekocht wird und durch den der Mais seine hohe biologische Wertigkeit erhält, wurde von den spanischen Kolonialisten auf ihren Raubzügen nicht aufgedeckt. Noch heute zeigen sich Menschen in Europa skeptisch, ob und wie man Mais genießbar zubereiten kann. Um diesen verloren gegangenen Kooperationsprozess aufzuholen wird Alejandro Reyes im Hof der Galerie Kernweine 101 selbstgemachte, frische Tacos zubereiten. Am Ende des Abends wird die 101ste Serviette als Spur in der Ausstellung zurückbleiben und symbolisch ausgestellt.\nMit der Ausstellung »Taxi, Taco, Telmex« entsteht eine weitere freundschaftliche Kollaboration zwischen Mexiko City und Stuttgart, zwischen bildender Kunst und Kulinarik. Kai Fischer lebt und arbeitet in Stuttgart. Er studiert Kunst an der Akademie der Bildenden Künste bei Prof. Ricarda Roggan und Prof. Reto Boller. Alejandro Reyes lebt und arbeitet in Mexico City. Zuvor studierte er Kunst, unter anderem an der HBK Braunschweig in der Klasse von Raimund Kummer.\n20.Juni 20 — 26.Juli 20\nAls cinematografische Antwort auf die COVID-19-Pandemie schuf das unabhängige Studio 1001 mit Sitz in Mailand BEFORE, einen Kurzfilm über das Leben im Lockdown.\nBEFORE ist ein Einblick in die zunehmende Paranoia einer jungen Frau, die während der COVID-19-Pandemie in ihrem Haus eingesperrt war. Ihre inneren Kämpfe stehen stellvertretend für die Gefühle denen wir alle während der Monate der Abriegelung ausgesetzt waren. Das sich daraus ergebende Drama kapselt sowohl das Kabinenfieber als auch die Paranoia ein, die durch das Leben im Lockdown entstehen kann.\nFür die Produktion von BEFORE stellte sich vor allem die Herausforderung auf die übliche Form der Zusammenarbeit verzichten zu müssen, da alle Personen dezentral voneinander im Lockdown waren. Es wurde eine alternative Art der Produktion entwickelt, indem Gabriele Rossi (Director) alles über digitale Plattformen steuerte: Die Kameraeinspeisung wurde per Live-Streaming über Online-Kommunikationsplattformen übertragen, ihre Verwendung neu interpretiert und in einer diversen Form des ferngesteuerten Arbeitsablaufs umgesetzt.\nDer Einsatz von Streaming, Konferenzprogrammen, Online-Kommunikationsplattformen, Fernsteuerung und menschlicher Zusammenarbeit machte BEFORE möglich.\nZu sehen im Untergeschoss der Galerie Kernweine.\nDirektor: Gabriele Rossi (@grlrss)\nGeschichte und Drehbuch: Giorgio Viscardini (@smiur) und Gabriele Rossi (@grlrss)\nSchauspielerin: Francesca Gotti (@frncscgtt)\nStimmen: Jacopo Abbate, Martina Mitrović und Simone Sala\nMusik und Sounddesign: Alberto Ladduca (@thereduke)\nTechniker für digitale Bildverarbeitung: Federico Caputo (@johnmurd)\nHerausgeber: Gabriele Rossi (@grlrss)\nProduktion: 1001 (@unozerozerouno)\nAbspann "Atlantico" von Mille Punti (@mille_punti.it)\nMusik und Texte: Edoardo Bassi\nAus dem Album "Retrofuturo"\n©Vetro Dischi 2019 (alle Rechte vorbehalten) (@vetrodischi)\n25.Jan 20 — 31.Mär 20\nVernissage: 25. Januar um 20.00 Uhr\nAusstellungsdauer: 25. Januar – 3. Mai 2020 (Verlängerung!)\nJeder Mensch fasst den Moment anders auf, erinnert sich unterschiedlich und geht verschieden mit dem Erlebten um. Fotograf Alexander Binder hinterfragt in seiner Ausstellung Enzyklopädie, die vom 26. Januar bis zum 3. Mai 2020 in der Galerie Kernweine gezeigt wird, die von uns erfahrene (Alltags-)Realität und löst den engen Bezugsrahmen unserer Wahrnehmung auf. Die Fotografien wirken schemenhaft, verschwommen – es geht es um die eigene, innere Deutung des Gesehenen.\nGanz offen bedienen sich die Arbeiten der Ausstellung Enzyklopädie der Haltung und Themen des Symbolismus des späten 19. Jahrhunderts: Natur, Mystik und Mythologie bilden einen geheimnisvollen Kosmos, auf den man sich eher emotional einlassen muss, als dass es etwas rational "zu verstehen" gibt. Die Fotografien wirken vielmehr wie Gedankensplitter, die sich erst in der Vorstellungswelt des Betrachters mit Details füllen – um dort ihr ganz eigenes Leben zu entfalten.\nDie Enzyklopädie wird in Binders Ausstellung als ein Nachschlagewerk der eigenen Erinnerungen gesehen: Flora und Fauna geben sich vage zu erkennen und erscheinen teils in leuchtender Farbigkeit, teils in schwarzweiß. Die Bilder entziehen sich bewusst unserem konzeptionell-strukturierten Denken und unserem Hang, Dinge räumlich und zeitlich exakt verorten zu wollen.\nDie Fotografien wurden im Schwarzwald, Italien, England und in Indien aufgenommen. Der Entstehungszeitraum der Arbeiten bleibt jedoch unbestimmt: Binder entdeckt die Fotografien oft erst nach Jahren wieder, um sie dann in gänzlich veränderte Sinnzusammenhänge zu stellen. Spiritualität und Kult in (sur-)realen Formen bilden dabei einen übergreifenden Rahmen.\nAlexander Binder (*1976 in Pforzheim) lebt und arbeitet in Stuttgart. Sein Schaffen zeichnet sich durch die Verknüpfung von digitaler und analoger Fotografie aus – Binder kombiniert moderne Spiegelreflexkameras mit alten und selbst gebauten Objektiven. Die so entstehenden Aufnahmen sind durch Unschärfen, Blendenflecke und zufällig entstehende Reflexionen geprägt. Auf diese Weise entfliehen die Arbeiten der nach Perfektion strebenden Hightech-Welt heutiger Kamerasysteme.\nIn den letzten Jahren veröffentlichte er in zahlreichen Kunst-, Foto- und Lifestyle-Magazinen, Einzel- und Gruppenausstellungen (u.a. in Warschau und Montréal) sowie Teilnahmen an Festivals, wie z.B. „Voies Off“ in Arles, ergänzen seine künstlerische Praxis.\nExhibition: Liquid Skin\nVernissage: Am 9. November, 20.00 Uhr\nPerformance von Friedemann Vogel (1. Solist des Stuttgarter Balletts) und Les Six\nLiquid Skin: Ausstellung von Thomas Lempertz vom 09. November 2019 bis 12. Januar 2020 in der Galerie Kernweine.\nKünstler Thomas Lempertz fasst Raum über dreidimensionale Bewegungen in Objekte und untersucht in seiner Serie Liquid Skin, die vom 10. November 2019 bis zum 12. Januar 2020 gezeigt wird, menschliche Ausdrucksformen über das Organ der Haut. Haut, die den Körper als Form fasst, bekommt durch die Fähigkeit der Bewegung und der Impression eine Mittlerfunktion zwischen dem eigenen Selbst und der Außenwelt. Die Serie Liquid Skin beschäftigt sich mit dieser Zwischenebene und fragt: Wie fühlt man sich in seiner eigenen Haut? Was bedeutet Haut, wenn man sie als Oberfläche des menschlichen Körpers betrachtet? Wie werden Geschlechterrollen durch die Darstellung von Körpern geprägt? Und wie prägen gesellschaftliche Entwicklungen unseren Umgang mit dem eigenen Körper? Zur Vernissage, am 9. Novemeber um 20.00 Uhr, wird eine Performance mit Friedemann Vogel – Solotänzer des Stuttgarter Ballett – und dem musischen Kollektiv Les Six, stattfinden.\nLempertz’s Arbeiten sind gekennzeichnet durch ein experimentelles Arbeiten mit Raum. Dreidimensionale Bewegungen werden über diverse Materialitäten und Verfahren festgehalten und in Objekte übertragen. So dienen Fotografien oft als Basis für ein weiteres Abreiten mit Silikon – ein Material, welches durch seine Beschaffenheit die Fertigstellung eines Werks innerhalb einer bestimmten Zeit vorschreibt. Ohne die Möglichkeit zur Optimierung oder Vorbestimmung des Endprodukts setzt die Arbeit mit Silikon eine unvermeidliche Zufälligkeit voraus, die Akzeptanz erfordert und jede Infragestellung ablehnt. Die Arbeiten der Serie Liquid Skin zeichnen sich durch ihre individuelle Einzigartigkeit in einem festen Rahmen aus: Über aufeinandergesetzte Ebenen, Akzente durch Farbe, das Spiel zwischen abstrakten Formen und realistischen Abbildungen, sowie einem Kontrast zwischen der Flexibilität des Materials auf der einen Seite, und dessen langjährigen Beständigkeit, auf der anderen Seite.\nThomas Lempertz, geboren in Pforzheim, studierte Tanz an der John Cranko Schule und war später Teil der Company des Stuttgarter Balletts, unter anderem als Solist unter Reid Anderson. Nachdem er seine Karriere als Tänzer 2003 beendete widmete er sich dem Bereich des Kostüms und studierte „Intermedia Arts“ an der Akademie der bildenden Künste Stuttgart. Sein Schaffen zeichnet sich durch die Verbindung der Disziplinen Performance, Tanz, Fotografie und Objektkunst aus.\n12.Okt 19 — 01.Nov 19\nEXHIBITION: Sharing Happiness\nDas Stuttgarter Forschungsprojekt Reallabor Space Sharing beschäftigt sich mit diesen Fragen – Fragen über Raumnutzungen, Nutzungsüberlagerungen und -intensivierung. In Kooperation mit Fotografin Zara Pfeifer, die in ihrer Serie Du, meine konkrete Utopie den Wiener Wohnpark Alt-Erlaa untersucht – ein Referenzprojekt zum Thema „geteilter Raum“ – wird vom 12. Oktober bis zum 2. November die Galerie Kernweine bespielt.\nIn der gemeinsamen Ausstellung Sharing Happiness wird die Stuttgarter Wohnanlage Asemwald, auch genannt Hannibal (Otto Jäger, Werner Müller: 1958 – 1972), der Wohnlandschaft Alt-Erlaa (Harry Glück: 1968 –1985), durch fotografische Arbeiten von Pfeifer visuell gegenüber.\nDarüber hinaus finden über die Dauer der Ausstellung Veranstaltungen unterschiedlicher Formate sowie eine Dokumentation der bisherigen Forschungsergebnisse statt: Welche Potentiale bieten die Möglichkeiten des „Space Sharings“? Welche Ähnlichkeiten, welche Unterschiede des gemeinsamen Lebens, des Wohnverhaltens lassen sich erkennen? Lassen sich Muster der Raumnutzung beobachten, die auf die breite Gesellschaft übertragbar sind?\nDu meine konkrete Utopie, Copyright: Zara Pfeifer\n10.Aug 19 — 06.Okt 19\nFelix Gärtner & Romano Dudaš\nEXHIBITION: Nothing’s Lost in Numbers\nGelöschte Daten: Hängen hier meine Bilder?\nVernissage: 10. Aug, 20h\nNothing’s Lost in Numbers: Foto-Ausstellung von Felix Gärtner und Romano Dudaš vom 10. August bis 6. Oktober 2019 in der Galerie Kernweine.\nDie Exponate der Ausstellung Nothing’s Lost In Numbers stammen von 31 gebrauchten, auf eBay erworbenen Speicherkarten aus der ganzen Welt. Sie wurden von Gärtner und Dudaš mittels eines herkömmlichen Datenrettungsprogramms von den vermeintlich leeren Speicherkarten wiederhergestellt. Die zum Vorschein gekommenen Medien erlauben einen voyeuristischen Blick in die Leben Fremder – was sich dem Betrachter eröffnet, ist ursprünglich nicht für seine Augen bestimmt.\nDigitale Informationen werden auf Datenträgern als Aneinanderreihungen von Nullen und Einsen verschiedener Kombinationen abgelegt. Dieser Vorgang wird als „Speichern“ bezeichnet. Um Informationen von einem Speichermedium zu entfernen, müssen diese Zahlenstränge gänzlich mit neuen Kombinationen überschrieben werden. Beim „Löschen“ von Daten wird jedoch lediglich deren Eintrag aus dem Datenverzeichnis entfernt und der verwendete Speicherplatz zur erneuten Nutzung freigegeben. Auf die Informationen kann fortan nicht zugegriffen werden, sie existieren jedoch nach wie vor im Hintergrund. Aus den teils banal, teils kurios wirkenden Fotografien, Videos und PDF-Dokumenten erschließen sich in Kombination neue Kontexte. Während die Exponate nichts als die Realitäten anderer Menschen zeigen, brechen sie mit unseren Sehgewohnheiten, die im Zeitalter der sozialen Medien von manipuliertem Bildmaterial dominiert werden. Die Herkunft der präsentierten Bilder mag dubios erscheinen, dabei ist weder der Kauf von gebrauchten Datenträgern – hierzu zählen sowohl Laptops als auch Smartphones – noch die Verwendung einer frei erwerblichen Recovery-Software illegal. Selbst ein Laie kann mit sehr geringem technischen und finanziellen Aufwand sensibelste Daten freilegen.\nNLIN: scanned chip\nNothing’s Lost In Numbers hinterfragt die Bedeutung und Realisierbarkeit des Löschens im digitalen Raum und testet unser Bewusstsein für die eigene Datensicherheit. Das ausgediente Smartphone ist verkauft, die vertraulichen Dokumente verstauben in der Cloud und die Login-Daten für das verwaiste Facebook-Profil sind längst vergessen. Wie wichtig ist uns noch die Kontrolle über unseren digitalen Fussabdruck? Können wir unsere Spuren im Internet verwischen oder lebt ein Teil von uns für immer weiter auf den Servern des Silicon Valley?\nDer gebürtige Stuttgarter Fotokünstler Felix Gärtner (*1990) hat seinen Schwerpunkt unter anderem auf den Umgang mit „Found Footage“ und die Untersuchung von Zwischenmomenten in der Darstellung von digitalen Bildern gelegt. 2015 schloss er sein Fotografiestudium an der Fachhochschule Dortmund ab, er lebt und arbeitet in London. Romano Dudaš (*1991) lernte Felix in Stuttgart kennen. Er lebt und arbeitet in Berlin und ist zudem für die Kuratierung und Gestaltung von The Opéra verantwortlich, einer jährlich erscheinenden Publikation zum Thema Aktfotografie (Kerber Verlag). Romanos Interesse gilt dem Hinterfragen gelernter Sehgewohnheiten sowie der Rekontextualisierung verschiedener Medien.\nGeleitet von Neugier aber zugleich begleitet von Unbehagen und einem Gefühl von Voyeurismus bewegen sich Ausstellungsbesuchende durch die von und Dudaš und Gärtner geschaffene Bilder-Blase aus Privataufnahmen und können sich dabei fragen: Könnten hier auch meine Fotos hängen?\nPressespiegel Nothing's Lost in Numbers_August 2019\n21.Juni 19 — 21.Juli 19\nABK Stuttgart Fotoklasse Roggan\nExhibition: French Riviera\nVernissage & Magazin Release: 21. Jun, 20h\nAuf dem Weg zurück fährst du vorbei an Dünen und Bunkern. Du drehst den Kopf und schaust auf das nächste Bild.\nBegleitend zur Ausstellung wird das Magazin „In The Frame – Off“ zum gleichnamigen Projekt von Dezember 2018 veröffentlicht.\n02.Mai 19 — 26.Mai 19\nInstallations • Workshops • Open Field\nEUROPE SPACE (Based on Grüne Stuttgart)\nPOP-UP @GK Laden\nVom 02.05. bis zum 26.05. entsteht in der Galerie Kernweine ein Raum an dem Europa in Stuttgart zu Hause sein wird. Ein Ort der Begegnungen und Dialoge zum Thema „Europa“, die mit Kunst- und Kulturaktionen und Diskussionsformaten vor allem jungen Wählen einen Zugang zur europäischen Idee ermöglichen soll. Initiatoren dieses Projekts sind unter anderem Anna Deparnay-Grunenberg, Michael Bloss, Jannis Seidemann, Matthias Straub von den Grünen Stuttgart und das Team der Galerie Kernweine.\n02.05. 18.30h OPENING "Stars everywhere"\n03.05. 20.30h EUROPÄISCHES KINO – Im Rausch der Daten\n04.05. SWEATER & SOUND\n05.05. WORKSHOP CHLOROPLAST (wird auf Grund des Wetters verschoben)\n09.05. 19-22H GALERIE KÖNIG x GALERIE KERNWEINE (Happening & Live-Stream Berlin/Stuttgart)\nLIVE STREAM & HAPPENING\n10.05. 20.30h EUROPÄISCHES KINO – L’Auberge Espagnole\n11.05. 20h WORKSHOP PLASTIC FREE\nARTIST TALK & VERNISSAGE: GIOVANNI GALANELLO X THE LOVE TRIANGLE\n12.05. 12h SPRACHKURS – Esperanto (Dr. Johannes Müller)\n16.30h SCREENING OF “Roadside Radiation”\n16.05. 20h PAPERNESS x EUROPE\n17.05. 20.30h EUROPÄISCHES KINO – Styx\n18.05. STORY NIGHT – External borders\n19.05. Let’s TALK ABOUT Future of Europe\n23.05. 18.30h WINE TASTING – Wein Moment – Nothing compares to EU\n24.05. 19h ER SIE & ICH – Podcast Liveshow\n22h EUROPÄISCHES KINO – 303\n25.05. 11h BREAKFAST CLUB – mit Cem Özdemir, Anna Deparnay-Grunenberg & Michael Bloss\n23h EURODANCE – Times New Romance\nKlimaschutz, vermüllte Meere, soziale Gerechtigkeit. Nationalismus, Protektionismus, Populismus, Brexit. Europa steht im Brennpunkt vieler Diskussionen und ist dabei oft Antwort und Problem zugleich. Europa ist aber noch mehr als das: Ein Projekt mit Vergangenheit, das immer neu ausgehandelt werden muss und eine Zukunft zu haben. Häufig wird Europa allerdings als abstraktes, weit entferntes Gebilde wahrgenommen. Dabei prägt es den Alltag von uns allen, ohne das wir es merken. Es entsteht ein Erfahrungs- und Reflexionsraum, an dem Europa wahrgenommen, weitererzählt und -gedacht werden kann, denn die Menschen in Europa sind unerlässlicher Teil dieses Projektes. Impulse sollen durch Kunst, Literatur, subkulturelle Formate, politische Diskussions- und Aktionsformate gesetzt werden.\nDie Ladenfläche der Galerie soll im Mai zu einem ständigen Raum für Europa werden. Neben permanenten Installationen wird der Raum mit einem vielseitigen Programm und unterschiedlichen Formaten von jeweils Donnerstag und Freitag After-Works, sowie Samstag und Sonntag ganztägig bespielt. Unter dem Schwerpunkt „Europa“ werden Themen wie Klimaschutz, Nachhaltigkeit, soziale Gerechtigkeit, Frieden und humanes Asyl in einer neuen Art aufbereitet und diskutiert.\nDas Ziel ist es eine wahrnehmbare Resonanz für das Thema in Stuttgart zu erzeugen und durch eine ständige Präsenz von Ansprechpartnern vor Ort einen Treffpunkt für junge Menschen anzubieten, die sich über Europa informieren möchten sowie an einem echten Dialog interessiert sind. Dabei werden After-Work-Europagespräche stattfinden, ein Kneipenquiz-Abend und eine „Eurodance Party“, Workshops, Fotoausstellungen, verschiedene Kunstformate, Wahlbrunch sowie politische Gespräche und Diskussionsrunden veranstaltet.\nDer Ort kann auch für andere Initiativen und Gruppen geöffnet werden, die von hier aus für Europa oder ihre Grünen-affinen Themen werben möchten.\nFAIR: Paper Positions Berlin\n23.Mär 19 — 02.Juni 19\nExhibition: Stock im Arsch\nAUSSTELLUNG "STOCK IM ARSCH"\nVERNISSAGE 23.MÄRZ 20 UHR\nMax Siedentopf (*1991) ist ein multidisziplinärer visueller Künstler mit Sitz in London, Großbritannien. Max wuchs in Windhoek, Namibia auf und arbeitete außerdem in Berlin, Los Angeles und Amsterdam.\nEr schafft unablässig Ideen über die Disziplinen Fotografie, Film, Bildsammlung, Design und Bildhauerei hinweg. Neben seiner selbstständigen Arbeit ist er einer der kreativen Köpfe bei KesselsKramer und Mitbegründer der Zeitschrift Ordinary Magazine.\nIn einer Zeit, in welcher wir mit einer schnell wachsenden Zahl sozialer, ökologischer und politischer Probleme konfrontiert sind, gibt es eines, das auf der Welt keinen Platz hat - Humor. Dies ist eine Zeit, um ernst zu sein, um einen festen Standpunkt zu vertreten, wir haben keine Zeit für Unsinn. Humor führt nicht zum Fortschritt. "Stock im Arsch" feiert alle mutigen Menschen, die Spaß und Gelächter ablehnen, einen einfachen Lebensstil ausschließen und stattdessen lieber die Bürde auf sich nehmen die Feier des großen Ganzen zu ruinieren. Es gibt wichtigere Dinge, über die man sich Sorgen machen sollte und das ist gerade nicht die Zeit um herumzualbern. Die Ausstellung feiert alle Menschen, die lustige Ideen ablehnen, Personen, die leicht beleidigt sind, und Personen, die lange Kommentare in den sozialen Medien verfassen. Es herrschen erste Zeiten, wir brauchen mehr Leute mit einem „Stock im Arsch“.\nDie Ausstellung ist in zwei Abschnitte unterteilt. Im Erdgeschoss können Besucher alle Möglichkeiten kennenlernen, wie sie ihren Stock selbst erhalten können. Außerdem kann man eine spezielle Auswahl an kuratierten Stöcken kaufen. Im Untergeschoss der Galerie Kernweine wird eine Auswahl von Max Siedentopf’s fotografischen Arbeiten der Serie „Stock im Arsch“ gezeigt.\n09.Feb 19 — 03.Mär 19\nExhibition: DIE FREIHEIT DES TUCHES AUF DEINER HAUT\nEINLADUNG ZUR VERNISSAGE AM 9.FEBRUAR UM 20.00 UHR IN DER GALERIE KERNWEINE: KONZERT UND KÜNSTLEREMPFANG\n(Stuttgart) Das neue Ausstellungsjahr beginnt die Galerie Kernweine am 9. Februar mit einer einmonatigen Projekt-Ausstellung der beiden Stuttgarter Alexander Stehle und David Spaeth. Stehle und Spaeth haben sich im Jahr 2014 auf die gemeinsame Suche nach dem visuellen Ausdruck eines Apells gemacht: das Ergebnis dieser Suche ist die Foto-Strecke Die Freiheit des Tuches auf deiner Haut.\nWie werde ich wahrgenommen? Wie begegne ich anderen Menschen? Welche Emotionen rufen Begegnungen mit anderen Menschen in mir hervor? Wie gebe ich mich selbst nach außen hin?\nDie Freiheit des Tuches auf deiner Haut zeigt eine Portrait-Serie, in welcher Personen mit Hilfe von Kleidung in andere Rollen steigen. Fotografisch inszeniert geben sie durch das Tuch auf ihrer Haut ein Bild nach außen ab, welches von der betrachtenden Person frei interpretiert werden kann.\nAbgebildet sind Menschen unterschiedlicher Herkunft. Dabei liegt der bildnerische Schwerpunkt auf der Darstellung der Individualität des Subjekts sowie auf der Gleichheit Aller. Die Serie als fester Rahmen sowie der Fokus auf das Portrait geben Halt vor und bringen Unsicherheiten zur Geltung.\nAlexander Stehle ist selbstständiger Konzeptioner, Ideengeber, Texter und Visualisierer künstlerisch-politischer Projektarbeit. Gemeinsam mit dem Fotokünstler David Spaeth, welcher die bildnerische Arbeit der Serie umsetzt, wächst die Idee der Strecke. Durch das Mitwirken der beiden Schwestern Yüksel und Aysel Yilmaz, die beide als Producerinnen tätig sind, wird die Strecke umgesetzt und um eine Video-Arbeit ergänzt. Der Videofilm Bana Bak\nvon Aysel Yilmaz erweitert die Serie thematisch durch eine offene, emotionale Einsicht in die Welt einer türkischen Frau, welche im Kontrast zur individuellen Geschlossenheit der Serie steht.\nIhren Aufruf nach mehr Toleranz und Akzeptanz in Bezug auf Diversität haben Spaeth und Stehle in der Serie Die Freiheit des Tuches auf deiner Haut umgesetzt. Antworten auf ihre in den Raum geworfenen Fragen lassen die Künstler dabei die Besuchenden selbst finden.\nZur Vernissage am 09. Februar um 20.00 Uhr werden die beiden Projekt-Künstler von der Band Berliner Doom musikalisch begleitet.\nAlexander Stehle: http://www.alexstehle.de\nDavid Spaeth: http://davidspaeth.com\nunterstützt von Yüksel Yilmaz\nAysel Yilmaz (Creative Producer, Direction)\nAyla Gottschlich (Regie)\nDie Freiheit des Tuches auf deiner Haut, Plastiktüte, 2014\nBOOK TALK: Robert Pufleb\nBOOK TALK: Isabelle Graeff\nAlle Fotos der Veranstaltung by MAtt Smbrg\n13.Okt 18 — 19.Jan 19\n13.Oktober 2018 – 19.Januar 2019\nEINLADUNG ZUR VERNISSAGE AM 13.OKTOBER UM 20.00 UHR: KONZERT UND KÜNSTLEREMPFANG\n(Stuttgart) Die Galerie Kernweine „Foto und Raum“ zeigt in einer Einzelausstellung die Serie „Radici“ (2015- 2017) des italienischen Fotografen und Filmemacher Fabrizio Albertini. Zur Vernissage am 13.Oktober um 20.00 Uhr sind Albertini und die Macher der Galerie Kernweine eine Kooperation mit Eda Dalboy und verschiedenen Musikern eingegangen. Es erwartet Sie eine Symbiose aus Visuellem und Auditiven, genrereich musikalisch untermalte Fotokunst in der Galerie Kernweine.\nDie Serie „Radici“ ist eine Reise von der Kindheit in die Gegenwart, die von einem Pfad an Erinnerungen beschrieben wird. Mit der deutschen Übersetzung zu "Wurzeln" geht der Schaffungsort des Projekts mit einher: Albertini wuchs im italienischen Cannobina-Tal auf und verbrachte dort einen Großteil seines Lebens.\nDas Cannobina-Tal liegt in einer bewaldeten Provinz, ein verlassenes Gebiet in der Nähe des Lago Maggiore. Die Serie entstand dort, aufgebaut auf Erinnerungen von vergrabenen Spuren und Konflikten, Erinnerungen in welchen der Erfolg im Leben von der Fähigkeit abhängt einen Körper zu bilden. Albertinis Bilder erforschen die Beziehung der menschlichen Ahnen zur Natur, zum Raum und zur Wirkungskraft von Erinnerungen. Für Albertini beinhaltet "Radici’s" Vorstellung nicht nur das Bild über Cannobina, sondern auch ein privates Bild. Er schafft einen Dialog zwischen diesen beiden Feldern, die sich gegenseitig widerspiegeln und in der Serie ununterscheidbar werden.\nDie Arbeit wird sowohl in Farbe als auch in schwarzweiß gezeigt und vereint verschiedene Blickwinkel: Bilder sind verschwommen und definiert, nachdrücklich und surreal.\n"Radici ist eine Geschichte über Ausdauer, sie ist ein Roman über Natur, Form und Erinnerung. Das Schreiben von Radici begann im Cannobina-Tal, mit einer Landschaft aus nebligen Erinnerungen und Bildern aus der Kindheit. Nun ist sie die visuelle Ausarbeitung eines Konflikts in der Gegenwart." Fabrizio Albertini\nDurch die Kombination verschiedener Genres und Techniken ruft Albertini unterschiedliche Gefühle und Emotionen hervor, er verwandelt seine Erinnerungen in eine symbolische Reise. Sein Werk ist sowohl visuelle Erkundung vergangener Zeiten als auch eine intime Einsicht in Emotionen und Geschichte.\nDie Galerie Kernweine präsentiert nun die erste Einzelausstellung des Künstlers, davor war Albertini Teil von Gruppenausstellungen, z.B: in New York (Aperture Foundation), Athen (Athens Photo Festival) und Köln (SK Stiftung Kultur). Die Foto-Serie „Radici“ wird von einer Videoinstallation sowie einem im September 2018 neu erscheinenden Buch („Radici“, Witty Kiwi Verlag) ergänzt und begleitet.\nMusiker des Abends werden sein:\ndas Nuance Quartett der Philharmoniker Stuttgart\nMarvin Holley (Gitarrist &Komponist)\nEda Dalboy (Sängerin)\nVVK in der Galerie Kernweine 7,5€\nMusik kuratiert von Eda Dalboy\nFabrizio Albertini Exhibition Video\n29.Sep 18 — 10.Okt 18\nExhibition: Martin Grothmaak\nDie Galerie Kernweine Foto und Raum zeigt ab dem 29. September bis zum 10. Oktober mit der Ausstellung Evertime erstmals die fotografische Arbeit Stardust von Martin Grothmaak.\nWeit jenseits herkömmlicher Normen und Bezugsgrößen sucht Martin Grothmaak dabei nach seiner eigenen Form der Interpretation und lädt den Betrachter dazu ein, sich auf ein Spiel mit den eigenen Sehnsüchten, Wünschen und der ureigenen Seele einzulassen.\nDer Zuschauer findet sich gefangen zwischen zwei Polen: Leere, Dunkelheit und verborgenen Ängsten auf der einen - und Liebe, Energie, Rausch, Intensität und Freiheit auf der anderen Seite.\nEs ist eine unwirkliche Geschichte, die da zwischen den Zeilen spürbar wird. Eine Geschichte, die von Liebe, Zuneigung und einer beinahe unbeschreiblichen Ergebenheit erzählt. Einer tiefen Demut vor dem Kern unserer Existenz - vor Leben und Tod und der geheimnisvollen Ewigkeit unseres Seins.\nMartin Grothmaak ist Kreativ Direktor, Fotograf und Gründer des Kunst- und Design-Verlags United Landscapes und Partner von Projekttriangle, einem interdisziplinäres Designstudio. In freien und angewandten Projekten arbeitet er für internationale Institutionen und Marken an der Schnitt- stelle von Design, Kunst, Architektur und Kultur. Grothmaak studierte Fotografie, Film und visuelle Gestaltung. Er lebt und arbeitet in Stuttgart.\nUnited Landscapes Publishers & Galleries ist ein unabhängiger Kunst- und Design-Verlag. Es werden sorgfältig editierte und gestaltete Sammlerausgaben von Büchern, Drucken, Editionen und Kunstobjekten zugänglich gemacht. Mit evertime präsentiert United Landscapes erstmalig seine erste Publikation.\nEvertime, Martin Grothmaak 10.26_180x120cm\nVERNISSAGE UND KÜNSTLEREMPFANG: 29.09, 20H\nPRESS PREVIEW: 26.09, 17H\nGALLERY WALK: Art Alarm\nART ALARM in STUTTGART!\n27.Juli 18 — 29.Juli 18\nWOKASOMA __ THE DISPOSABLE DIARY\nEDITION: Florian Schröder\nEröffnung am Freitag, den 27. Juli\n// 22.00 Uhr - till late\nSOUNDCOLLAGE by Bauhouse x Midnight Service\n(Markus Grund/ Jakob Mäder /Kiehl /AD!)\nWOKASOMA ist der konzeptionelle Markenname des Pop Art-Künstlers Florian Schröder (*1980).\nFlorian Schröder, beruflich ehemals in der Werbeindustrie tätig, ist bestens vertraut mit den Schmuggelrouten zwischen Kunst und Kommerz. Methoden aus der Werbe- und Konsumwelt zeigen sich in vielfältiger Form\nin seinen Arbeiten.\nDer fiktive Auftritt als Marke und deren wiederkehrende Corporate Identity sind Stilmittel und Weiterführung der Pop-Art-Idee. Plakative Bildsprache, Ovation der Trivialkultur und maschinelle Reproduktion sind hierbei Wiedererkennungsmerkmale von WOKASOMA. Sprich: Der Künstler wird zur Marke und die Kunst zum Franchisekonzept.\nMit WOKASOMA erarbeitet der Künstler etappenweise Editionen, die sich als abgeschlossene Kapitel verstehen.\nIm interdisziplinären Gesamtwerk befinden sich Drucke, Fotografien, Musikvideos, Veranstaltungsreihen, Filme, Kleidungsstücke,Spielzeug und Tonträger.\nAls Frontmann der Synthie-Pop Band OPUS LEOPARD veröffentlichte Florian Schröder die Alben "Futter für die Götter" (2015) und "Kunst oder Katze" (2016). Auftritte als Musiker hatte er unter anderem in Paris, London, Berlin und Moskau.\nBOOK TALK: Odiseo Vol.12 Uniformity\n14.Juni 18 — 15.Juli 18\nCOLLECTION & PUBLIC VIEWING: WM 18 RUSSIA\n27.6 16.00 Uhr SÜDKOREA / DEUTSCHLAND\n09.Juni 18 — 22.Sep 18\nExhibition: Lost Boys\nSlava Mogutin „Lost Boys“\nKünstlerempfang und Eröffnung: 09.06.18 20Uhr\nDie Galerie Kernweine möchte sich im Sommer, in Anlehnung an die FIFA Fußball Weltmeisterschaft in Russland, mit diesem Land beschäftigen. Russlands Diversität soll durch verschiedene Aspekte und Sichtweisen in Form von Happenings, Künstler-Gesprächen (TBA) und der Ausstellung Lost Boys aufgezeigt werden.\n180611 Slava Mogutin Übersicht\n• Exhibition Video\n07.Mai 18 — 27.Mai 18\nPOP-UP & BOOK TALKS: MACK\ng—k • MACK\nEDITION: PORSCHE DRIVER'S SELECTION\nBOOK TALK: Hartmann Books\nBOOK TALK: agora42\n// am 28.MÄRZ um 20.00 Uhr\nBOOK TALK: Peter Granser\nPETER GRANSER – 9 aus 9\n// Booktalk am 22.März, 20:00 Uhr\n17.Mär 18 — 02.Juni 18\nExhibition: Rebecca Storm & g – k Editions\nDie Galerie Kernweine „Foto und Raum“ zeigt in der Sammelausstellung „Rebecca Storm & g – k Editions“ Arbeiten aus der Editionsreihe der Galerie, sowie eine größere Serie von Rebecca Storm (CAN). Differente junge, zeitgenössische Fotografie wird gegenübergestellt um verschiedene fotografische, visuelle und inhaltlich Ansätze aufzuzeigen.\nDie Ausstellung wird über die zwei Stockwerke der Galerie gezeigt. Auf der ersten Ebene der Galerie werden die fünf Künstler/innen Fabrizio Albertini (IT), Felix Gärtner (GB), Eddie O’Keefe (USA), Maya Rochat (CHE) und Aizawa Yoshikazu (JPN) ausgestellt. Leitmotive sind vor allem die Natur sowie das Portrait.\nIm Untergeschoss der Galerie liegt der Fokus auf einzelne Arbeiten (2015 -2017) von Rebecca Storm. Die Künstlerin wuchs im pazifischen Nordwesten auf, lebt und arbeitet momentan in Montreal als Autorin, Herausgeberin und Fotografin. Ihre Arbeiten beschäftigen sich mit Synästhesie und ergründen durch dieses Hauptaugenmerk größtenteils das Stillleben. Sie interessiert sich für die Spannung, die in der Gegenüberstellung von scheinbar unangenehmen Texturen und Farben besteht und setzt in ihren Bildern Themen wie (fehlende) Weiblichkeit, Verhüllung, Altern und Genuss um. Storm fotografiert ausschließlich analog, was ihrer Einstellung und Faszination zum Habtischen noch mehr Ausdruck verleiht.\n„Ich interessiere mich am meisten für Skulpturen und Stillleben und beziehe dabei oft unbewegliche Gegenstände ein, die im Allgemeinen eine eindringlichere Schilderung der menschlichen Psyche darstellen, als ein Porträt das kann.“ (Rebecca Storm)\n03.Mär 18 — 04.Mär 18\nTALK: CONSTANTIN SCHLACHTER X NUMÉRO BERLIN\nCONSTANTIN SCHLACHTER & NUMÉRO BERLIN\nFINISSAGE IN DER GALERIE KERNWEINE\n20H TALK MIT HENDRICK LAKEBERG\n22:30H SOUND BY FATÄK\nZur Finissage der Einzelausstellung wird ein offenes Gespräch zwischen Hendrik Lakeberg, Chefredakteur des Kunst- und Modemagazins „Numéro Berlin“, und Constantin Schlachter stattfinden. Fotografische Schnittmengen von Kunst und Mode werden das übergeordnete Thema sein. Ergänzend wird eine Video-Collage zur Kollaboration von Schlachter und dem Magazin gezeigt.\n„La Trajectoire du Gyrovague“ wurde über einen Zeitraum von drei Monaten auf den zwei Ebenen der im November 2017 eröffneten Galerie Kernweine „Foto und Raum“, ausgestellt. Die Pariser Klangkünstlerin FATÄK wird die Finissage mit elektronischer Musik begleiten. Die so entstehende Synthese von Bild und Ton unterstützt Schlachters Hauptmotive der Natur, des Unsichtbaren und der Materie, in ihrer Wirkung. Durch seine intuitive Art zu fotografieren wurde Constantin Schlachter 2015 von FOAM Talent entdeckt. Seitdem stellt er seine Arbeiten europaweit aus und veröffentlichte zuletzt sein Buch „La Trajectoire du Gyrovague“. Durch die Kooperation mit Numéro Berlin zur Finissage wird Schlachters Werk nochmals ausgiebig beleuchtet.\nLive Concert & Video Premiere\nMUSIC & VIDEO: Max Siedentopf x Mikio Music\nMax Siedentopf ist ein multidisziplinärer Künstler aus London, UK. Er ist in Windhoek, Namibia aufgewachsen und hat anschließend in Berlin, Los Angeles und Amsterdam gelebt und gearbeitet.\nMax produziert ununterbrochen Ideen, die über die Disziplinen der Fotografie, Film, Bildsammlungen, Design und Objekte reichen. Abgesehen von seinen eigenständigen Arbeiten ist er einer der kreativen Köpfe von KesselsKramer und Co-Gründer des Ordinary Magazins.\nMarkus Zink – Schlagzeug\nFabian Meyer – Klavier\nBOOK LAUNCH: THE OPÉRA\n19:00 Uhr Vernissage mit einer Einführung des Herausgebers Matthias Straub.\nIm Hof der Galerie gibt es dazu Glühwein und Bratwurst.\nGegen 22:00 Uhr legen St. Malo & Ringo Stelzl aka Prince Bahadu im basement der Galerie auf.\n24.Nov 17 — 03.Mär 18\nExhibition: Constantin Schlachter\nDie Galerie Kernweine Foto und Raum eröffnet mit einer Einzelausstellung des französischen Fotografen Constantin Schlachter.\nConstantin Schlachter (*1992) arbeitet hauptsächlich im Bereich der Fotografie, hat Natur, das Unsichtbare und Materie als vorherrschende Einheit seines Werkes zum Thema gemacht. Damit schafft er sensorische Fiktionen, während er Reminiszenz, geistige Landschaften und eine spirituelle Rückkehr zur Natur in Augenschein nimmt.\nSchlachter hat im Jahr 2014 sein Diplomstudium der Fotografie an der Gobelins, l'école de l'image in Paris abgeschlossen.\nIn der ausgestellten Werksgruppe La Trajectoire du Gyrovague (franz. der Weg des Wandermönchs) reproduziert Constantin Schlachter mithilfe verschiedener Medien, Kameras und Mikroskope sowie analoger und digitaler Bildbearbeitung ein gewisses Gefühl, das er durch die Landschaft und deren Details erfahren hat. Jedes Medium und jeder Prozess entspricht jeweils einem bestimmten Gemütszustand. La Trajectoire du Gyrovague ist eine innere Suche in geistigen Landschaften, in denen die Begriffe „mikro-makro“ und „organisch-mineralisch“ vertauscht werden. Daraus entsteht ein Kreislauf, in dem Gegenstände immer wieder neu erfunden und verwandelt werden. Wie in einem alchemistischen Prozess dienen diese Verfahren zur Wiederzusammenfügung der Gegensätze und lassen den Betrachter daran teilhaben.\nDie Werke der Strecke La Trajectoire du Gyrovague werden für drei Monate über zwei Ebenen der Galerie ausgestellt. Schlachter veröffentlicht ebenfalls im September 2017 sein Buch La Trajectoire du Gyrovague und wird zur Vernissage mit elektronischer Musik von der Klangkünstlerin Fatäk begleitet.\n2021 — SOMMERFEST 2021 — SOMMERFEST\n2020 — Polaroid Rage & Black is Beautiful 2020 — Polaroid Rage & Black is Beautiful\n2020 — Exhibition: Mushroom Conversations 2020 — Exhibition: Mushroom Conversations\n2020 — Exhibition: Taxi, Taco, Telmex 2020 — Exhibition: Taxi, Taco, Telmex\n2020 — Video: Before 2020 — Video: Before\n2020 — EXHIBITION: Enzyklopädie 2020 — EXHIBITION: Enzyklopädie\n2019 — Exhibition: Liquid Skin 2019 — Exhibition: Liquid Skin\n2019 — EXHIBITION: Sharing Happiness 2019 — EXHIBITION: Sharing Happiness\n2019 — EXHIBITION: Nothing’s Lost in Numbers 2019 — EXHIBITION: Nothing’s Lost in Numbers\n2019 — Exhibition: French Riviera 2019 — Exhibition: French Riviera\n2019 — FAIR: Paper Positions Berlin 2019 — FAIR: Paper Positions Berlin\n2019 — Exhibition: Stock im Arsch 2019 — Exhibition: Stock im Arsch\n2019 — Exhibition: DIE FREIHEIT DES TUCHES AUF DEINER HAUT 2019 — Exhibition: DIE FREIHEIT DES TUCHES AUF DEINER HAUT\n2018 — BOOK TALK: Robert Pufleb 2018 — BOOK TALK: Robert Pufleb\n2018 — BOOK TALK: Isabelle Graeff 2018 — BOOK TALK: Isabelle Graeff\n2018 — Magazin Release & Late Night Happening 2018 — Magazin Release & Late Night Happening\n2018 — Exhibition: RADICI 2018 — Exhibition: RADICI\n2018 — Exhibition: Martin Grothmaak 2018 — Exhibition: Martin Grothmaak\n2018 — GALLERY WALK: Art Alarm 2018 — GALLERY WALK: Art Alarm\n2018 — EDITION: Florian Schröder 2018 — EDITION: Florian Schröder\n2018 — BOOK TALK: Odiseo Vol.12 Uniformity 2018 — BOOK TALK: Odiseo Vol.12 Uniformity\n2018 — COLLECTION & PUBLIC VIEWING: WM 18 RUSSIA 2018 — COLLECTION & PUBLIC VIEWING: WM 18 RUSSIA\n2018 — Exhibition: Lost Boys 2018 — Exhibition: Lost Boys\n2018 — POP-UP & BOOK TALKS: MACK 2018 — POP-UP & BOOK TALKS: MACK\n2018 — EDITION: PORSCHE DRIVER'S SELECTION 2018 — EDITION: PORSCHE DRIVER'S SELECTION\n2018 — BOOK TALK: Hartmann Books 2018 — BOOK TALK: Hartmann Books\n2018 — BOOK TALK: agora42 2018 — BOOK TALK: agora42\n2018 — BOOK TALK: Peter Granser 2018 — BOOK TALK: Peter Granser\n2018 — Exhibition: Rebecca Storm & g – k Editions 2018 — Exhibition: Rebecca Storm & g – k Editions\n2018 — TALK: CONSTANTIN SCHLACHTER X NUMÉRO BERLIN 2018 — TALK: CONSTANTIN SCHLACHTER X NUMÉRO BERLIN\n2018 — MUSIC & VIDEO: Max Siedentopf x Mikio Music 2018 — MUSIC & VIDEO: Max Siedentopf x Mikio Music\n2017 — BOOK LAUNCH: THE OPÉRA 2017 — BOOK LAUNCH: THE OPÉRA\n2017 — Exhibition: Constantin Schlachter 2017 — Exhibition: Constantin Schlachter\nRegisternummer: HRB 759375\nDE 310 737 010\nCaesar Gustav Werbeagentur http://www.wacg.de


Verpuffung an U-Bahnhaltestelle - Aktualisierung 14.30 Uhr - Mülheim an der Ruhr\n17. April 2014, 13:25 Uhr\nVerpuffung an U-Bahnhaltestelle - Aktualisierung 14.30 Uhr\nÜber 30 Feuerwehrleute waren am Donnerstag nach der Verpuffung im Einsatz.\nWährend der Bauarbeiten an der U-Bahn Haltestelle am Rhein-Ruhr Zentrum (RZZ) ist heute Mittag ein Mitarbeiter einer Baufirma verletzt worden. Die Ausfahrt Heimaterde zum RZZ aus Richtung Duisburg ist derzeit voll gesperrt. Auch die U18 fährt nur eingeschränkt.\n"Um 11.55 Uhr erhielten wir die Nachricht, dass es einen Unfall an der Baustelle des U-Bahnhofes am RZZ gekommen ist", sagte Burkhard Klein, Leiter der Berufsfeuerwehr Mülheim. "Während der Kernbohrungen für den Bau eines Fahrstuhls ist es zu einer Verpuffung gekommen. Dabei hat sich ein Mitarbeiter verletzt. Bei der Bohrung ist eine Chemikalie eingesetzt worden. Ob dies die Ursache der Verpuffung ist, können wir aber noch nicht mit Bestimmtheit sagen. Experten werden dies klären", fuhr Klein fort. Rund 30 Einsatzkräfte seien vor Ort. "Wir haben den Bereich geräumt. Eine Gefährdung der Öffentlichkeit liegt aber nicht vor", betonte Klein.\nDie MVG teilte mit, dass die U18 seit 12.15 Uhr nur zwischen den H-Stellen Heißen und MH-Hbf, sowie zwischen den H-Stellen Wickenburg und Berliner Platz verkehrt . Die Haltestellen: Eichbaum, RRZ, und Rosendeller Straße entfallen. Die MVG setze Busse statt Bahnen ein. Für die Buslinien 129 und 13 entfallen die Haltestellen Rhein-Ruhr-Zentrum und Humboldtring.\n"Die Sperrung der Abfahrt Mülheim Heimaterde aus Richtung Duisburg ist wieder aufgehoben", informierte Burkhard Klein, Leiter der Berufsfeuerwehr. Allerdings werde der Fußgängertunnel unter der Autobahn (Stinnesplatz/Wrangelstraße) für mindestens 12 Stunden aus Sicherheitsgründen gesperrt.\n"Die Haltestelle der U 18 am RZZ wird in den kommenden 12 Stunden nicht mehr angefahren", sagt Olaf Frei von der MVG-Pressestelle. Die Unterbrechung sei allerdings aufgehoben, "die Bahn verkehrt wieder zwischen Essen und Mülheim."\nblaulichtUnfallMülheimVerletzterStraßenbahnVerpuffungU 18 Mülheim


Energieeffiziente Lagertechnik von DAIFUKU begeistert LogiMAT-Besucher - Pressemeldung vom 09.03.2010\nEnergieeffiziente Lagertechnik von DAIFUKU begeistert LogiMAT-Besucher\nDie LogiMAT 2010 stand ganz im Zeichen von Green Logistics. So informierte auch der japanische Weltmarktführer für Material-Handling-Lösungen DAIFUKU die Fachbesucher über seine energieeffizienten Lagertechnik-Produkte.\n(PM) Mönchengladbach, 09.03.2010 - Die LogiMAT 2010 stand ganz im Zeichen von Green Logistics. So informierte auch der japanische Weltmarktführer für Material-Handling-Lösungen DAIFUKU die Fachbesucher über seine energieeffizienten Lagertechnik-Produkte wie beispielsweise den Hochgeschwindigkeits-Palettensorter Sorting Transfer Vehicle (STV), der als Exponat am Stand zu sehen war.\n„Das Thema Energieeffizienz in den Mittelpunkt unseres Messeauftritts zu stellen, war eine gute Entscheidung. Nachdem in den vergangenen Monaten immer wieder Best-Practice-Geschichten in der Fachpresse das große Potenzial in diesem Bereich dargestellt haben, gibt es zurzeit in der Branche einen großen Beratungsbedarf. Wir hatten im Verlauf der drei Messetage zahlreiche intensive Gespräche zu diesem Thema mit den Besuchern am Stand“, berichtet Thomas Balluff, Director Factory Automation & Distribution Automation von DAIFUKU. Am Stand des Material-Handling-Spezialisten hatten Messebesucher außerdem die Möglichkeit, an einer Online-Umfrage zum Thema Energieeffizienz teilzunehmen. Darüber hinaus präsentierte DAIFUKU das besonders energieeffiziente Sorting Transfer Vehicle (STV) als Exponat. „Im Gegensatz zu permanent betriebenen Fördertechnik-Systemen ermöglicht ein STV-Loop mit seinen hochdynamischen Fahrzeugen eine deutlich flexiblere und effizientere Anlagennutzung.“ Zukünftige Anforderungen an das System können bereits in der Planungsphase der Anlage konzeptionell berücksichtigt werden. Bereits in der Vergangenheit hatte DAIFUKU aufgrund der kontinuierlich steigenden Energiekosten und der zunehmenden staatlichen Vorgaben eine Vielzahl von energieeffizienten Lösungen entwickelt und liegt damit heute voll im Trend. Besonders die Regalbediengeräte des Material-Handling-Experten sind dank ihres geringen Eigengewichts und des Einsatzes von Gegengewichten sehr energiesparend. Zudem wandeln sie die beim Bremsen entstehende kinetische Energie in Strom um und speisen diesen anschließend zurück. Je nach Masse entstehen durch diese Rückspeiseeinheiten Einsparungen zwischen zehn und 25 Prozent. „Auch zukünftig werden wir weiter daran arbeiten, nachhaltige Verbesserungen bei der Energieeffizienz unserer Produkte zu erzielen und unseren Kunden so Energiesparpotenziale und eine hohe Umweltverträglichkeit zu gewährleisten“, betont Thomas Balluff.\nTechnische Daten des Sorting Transfer Vehicle (STV):\n·\tTraglast\tmax. 2.000 kg\n·\thorizontale Standardgeschwindigkeit\tmax. 200 m/min\n·\tTransfergeschwindigkeit\tmax. 30 m/min\nLogiMAT-Rückblick als PDF (PDF, 35,44 KB)\nÜBER DAIFUKU EUROPE LTD.\n1937 gegründet, beschäftigt das Unternehmen heute mehr als 5.660 Mitarbeiter und realisiert ein jährliches Geschäftsvolumen von circa 1,6 Milliarden Euro. Als einer der international führenden Anbieter von ...\n1937 gegründet, beschäftigt das Unternehmen heute mehr als 5.660 Mitarbeiter und realisiert ein jährliches Geschäftsvolumen von circa 1,6 Milliarden Euro. Als einer der international führenden Anbieter von Material-Handling-Systemen beläuft sich der Anteil am Weltmarkt auf circa 20 Prozent; in Japan und Spanien liegt der Marktanteil bei 50 Prozent oder mehr. Neben drei hochmodernen Produktionsstandorten in Japan besitzt die Unternehmensgruppe weitere Fertigungsstandorte in China, Thailand und in den USA. Selbstständige Niederlassungen in Großbritannien und Deutschland sowie Vertragspartner in Spanien, Portugal und Skandinavien sind ebenfalls Teil der Unternehmensgruppe. Weltweit sind derzeit über 28.000 Regalbediengeräte und mehr als 3.000 Sorting Transfer Vehicle – kurz STV – im Einsatz. Zu den Referenzkunden gehören unter anderem ICA, Netto, SuperGros, Canon, DELL, DeLaval, Levi Strauss, Lever Fabergé, Nissin, IBM und Opel. Weitere Informationen zu DAIFUKU Europe Ltd. finden Sie im Internet unter www.DAIFUKUeurope.com.\nWissenswertes rund um den DAIFUKU-Messeauftritt auf der LogiMAT 2010, das Top-Thema Energieeffizienz in der Intralogistik und natürlich aktuelle ...


29. März bis 27. Oktober 2019\nBewohnerfreundliche Städte, menschenwürdige Unterkünfte für Geflüchtete, nachbarschaftliches Gärtnern, Technikwerkstätten für alle, ein Webstuhl zur Existenzgründung, ein Solarkiosk oder ein mobiler Schlafwagen für Obdachlose: Immer mehr Menschen engagieren sich weltweit privat oder beruflich, weil sie etwas verändern wollen. Die Impulse kommen aus allen Bereichen der Gesellschaft. Gerade in Zeiten von Umbrüchen spielten Designer*innen, Architekt*innen, Handwerker*innen, Künstler*innen und Ingenieur*innen immer schon eine wesentliche Rolle bei der Suche nach neuen Ansätzen und Verantwortungen in der Gestaltung. So nehmen sie auch heute ihre soziale Verantwortung sehr ernst und setzen Design als Werkzeug ein, um sozial und nachhaltig zu handeln. Die Gestaltung von Stadträumen, Gebäuden und Verkehrswegen, aber auch Produkten und Prozessen spiegeln immer auch politische und gesellschaftliche Verhältnisse wieder. Gestalter*innen haben darum bei der Entwicklung neuer sozialer Systeme, Lebens- und Arbeitsumgebungen, die eine Welt als Ganzes im Blick haben, einen entscheidenden Anteil. Das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MKG) nahm in der Ausstellung Social Design die Rolle der Gestalter*innen in den Blick und stellte Lösungsansätze, bereits erfolgreich laufende Projekte und Gestaltungsprozesse aus dem Feld des Social Design vor. Zu sehen waren 25 internationale und eine Reihe ausgewählter lokaler Projekte aus den Bereichen Urbaner Raum und Landschaft, Wohnen/Bildung/Arbeit, Produktion, Migration, Netzwerke und Umwelt.\nSocial Design setzt auf transparente Gestaltungsprozesse mit einer Vielzahl von Akteur*innen. Noch vor der tatsächlichen Veränderung des sozialen Raums durch sichtbares räumliches Design beginnt der Gestaltungs- prozess im Social Design bereits mit dem gleichberechtigen Austausch und der gemeinsamen Entwicklung von Ideen und Lösungsstrategien. Ein wesentliches Ziel dieser Idee der Ko-Kreation ist die Teilhabe der projekt- beteiligten Menschen und ihre Ermächtigung zum selbstbestimmten Handeln und zur eigenständigen Weiterführung der gestalterischen Aktivitäten. Die Gestalter*innen verstehen sich in diesem Prozess als Partner*innen, die ihr Wissen dem Projekt und den Beteiligten zur Verfügung stellen und die gestalterische und nachhaltige Qualität des Projekts im Blick behalten.\nAls Institution, für die Gestaltungsfragen essentiell sind, hat das MKG im Rahmen der Ausstellung erstmals die Rolle als zivilgesellschaftlicher Akteur eingenommen und setzte auch selbst Impulse. In diesem Sinne initiierte das Museum das temporäre Nachbarschaftsprojekt ARGE unmittelbare Nachbarschaft, dessen laufender Prozess in der Ausstellung abgebildet wurde. Ein weiteres Ausstellungsmodul stellte auf einem online-basierten Stadtplan ausgewählte Social Design-Initiativen in Hamburg vor. Die Besucher*innen konnten in der Ausstellung selbst weitere Projekte für diesen Stadtplan vorschlagen.\n"Social Design" ist eine Ausstellung des Museum für Gestaltung Zürich, kuratiert von Angeli Sachs, Kuratorin am Museum für Gestaltung Zürich. Die Hamburger Station wurde gefördert durch die Ernst August Bester Stiftung, die Hans Brökel Stiftung für Wissenschaft und Kultur und die Alfred Toepfer Stiftung F.V.S.. Die gestalterische Adaption der Ausstellung erfolgte in Zusammenarbeit mit dem Studio Experimentelles Design der Hochschule für bildende Kunst Hamburg.\nDie Ausstellung wurde begleitet von einem Rahmenprogramm mit Führungen von beteiligten Designer*innen und Initiativen, Touren zu Social Design-Inititativen in Hamburg wie eine Fahrrad-Insel-Tour und ein Picknick in Park Fiction, sowie einer Kindertour, mit der Kinder ab 8 Jahren die Ausstellung selbt erkunden und ihre eigenen Ideen aufzeichnen konnten.\nFoto: Architekturbüro Graft, Solarkiosk, seit 2009, Graft / Lars Krückeberg, Wolfram Putz, Thomas Willemeit mit Andreas Spiess, © Andreas Spiess, SOLARKIOSK AG\nFlyer mit Begleitprogramm zur Ausstellung\nKindertour Zur Ausstellung\nFragebogen für weiterführende Schulklassen


In Garching müssen alle Abteilungen bluten | Garching Ok\nLokales München Nord Garching In Garching müssen alle Abteilungen bluten☺?⛅LokalesBad TölzDachauEbersbergErdingFreisingFürstenfeldbruckGarmisch-PartenkirchenGeretsried-WolfratshausenHolzkirchenMiesbachMünchen NordUnter/OberschleißheimIsmaning/UnterföhringAschheim/FeldkirchenGarchingPutz/GrasbrunnHaarKirchheimWetterSchließenMünchen StadtMünchen SüdSchongauStarnbergTegernseeWeilheimWürmtalLeserbriefeVeranstaltungenLokalsportLeserreporterHeimatshopSchließenBayernPolitikWirtschaftSportWeltKulturBoulevardTVLebenAutoOutdoorReiseMeinungKinoMultimediaSpieleAboMärkteVideos & BilderWetterÜber unsThemaMultimediareportagen⛅Schließen\n© Gerald FörtschWird noch teurer: Die Sanierung des Bürgerhauses kostet voraussichtlich 6,1 statt 4,4 Millionen Euro.© Gerald Förtsch\nschließenAktualisiert: 22.02.16 14:01SparhaushaltIn Garching müssen alle Abteilungen bluten\nGarching – Die erste Haushaltsdebatte im Hauptausschuss des Stadtrats beginnt mit einer Mahnung von Garchings Kämmerer Heiko Janich: „Wenn von Ihnen Anträge kommen“, sagt er an die Adresse der Stadträte, „dann bitte mit einer Erklärung, wo im Gegenzug eingespart werden soll.“Die Stadt Garching muss laut dem aktuellen Haushaltsentwurf schon fast 4,2 Millionen Euro aus den Rücklagen entnehmen. Das animierte Kämmerer Heiko Janich zu seinem Sparappell an die Stadträte. Zudem verweist Janich auf die ungewisse Zukunft des Zweckverbandes Staatliches Gymnasium Garching: „Da scharrt Ismaning schon mit den Hufen, weil es austreten will.“ Und das könnte für Garching teuer werden. Die Ismaninger bauen ein eigenes Gymnasium. Diese Mahnung kommt offenbar an. Mit Blick auf den angespannten Haushalt sagt etwa Werner Landmann (Grüne): „Unsere Fraktion wird aus diesem Anlass keine Anträge stellen, die Kosten verursachen.“Wobei sein Parteikollege Walter Kratzl schon wenig später an den Stadtratsbeschluss zur Verbesserung des Straßenmanagements erinnert: „Dass da auch Kosten entstehen, ist bekannt. Aber wenn man dieses Geld ausgibt, dann spart man das im Nachhinein vielfach wieder ein.“ Dem will sich Bürgermeister Dietmar Gruchmann (SPD) nicht anschließen. Prinzipiell sei so ein intelligentes Straßenmanagement zwar eine gute Sache. „Aber wir von der Verwaltung glauben, dass das ohne zusätzliches Personal nicht sinnvoll ist.“Gestrichen worden sind im Haushaltsentwurf auch die Mittel für die erste sogenannte Mobilitätsstation am U-Bahnhof Hochbrück, wo unter anderem Leihfahrräder stehen sollen. Zur Erklärung führt Gruchmann die Ankündigung des Landkreises München an, der in diesem Bereich tätig werden wolle. „Daher stellt sich die Frage, ob es sinnvoll ist, wenn wir das dieses Jahr angehen.“ Diese Aussage ruft umgehend den Fahrradbeauftragten Rudi Naisar (SPD) auf den Plan: „Ich habe kein Verständnis dafür, dass wir hier einen Rückzieher machen. Ich fände es schade, wenn die Stadt Garching ihre Vorreiterrolle in dem Bereich einbüßt.“Für Diskussionen sorgen auch die Kosten für die Sanierung des Bürgerhauses. Hier sind im Haushalt 4,4 Millionen Euro angesetzt; geht es jedoch nach dem jüngsten Stadtratsbeschluss, dann wird die Summe auf 6,1 Millionen Euro ansteigen. Zwar hofft die Stadt noch auf einen Zuschuss aus einem bundesweiten Fördertopf. Jedoch gibt Janich zu bedenken: „Da werden vierzig bis fünfzig Projekte in ganz Deutschland gefördert. Dass Garching dabei ist, ist unwahrscheinlich.“ Im März soll eine Entscheidung fallen. Bedeutet: Bis zur Verabschiedung des Haushalts muss sich der Stadtrat noch Gedanken machen, woher die zusätzlichen 1,7 Millionen Euro kommen sollen. Generell verweist Gruchmann darauf, dass angesichts der Sparbemühungen „alle Abteilungen ein bisschen bluten“ müssen. „Ich bedauere es schon, dass wir keine Darlehen aufnehmen dürfen“, sagt der Bürgermeister. „Momentan gibt es sogar Darlehen mit so guten Konditionen, dass man nur neunzig Prozent zurückzahlen muss.“ Jedoch hat das Landratsamt als Aufsichtsbehörde festgelegt: Bevor die Stadt Kredite aufnehmen darf, muss sie eine Straßenausbaubeitragssatzung erlassen und damit die Bürger an den Kosten der Straßensanierung beteiligen. Diese Auflage sei widersinnig, findet Gruchmann und kündigt an: „Wir werden den Weg gehen, dass wir mit der Aufsichtsbehörde noch mal reden.“Patrik Stäbler E-Mail:info@merkur.de


Stefanu155s Seite - Parfumo Community\nClub 5 Deutschland Aktiv vor 18 Tagen\nStefanu155 Mit Schnee sieht auch die Stadt irgendwie nach Natur aus... vor 12 Monaten\nfür Rezensionen 249\nfür Fotos 34\nDabei seit 16.10.2014\nStefanu155 vor 1 Jahr\nTrimaran (1986) (Eau de Toilette) - Yves Rocher\nLet's create the hype\nMusste mir heute meine engen Hosen unten aufschneiden, weil in dieser doch kühlen Jahreszeit meine Füße bei mangelnder Durchblutung schnell blau werden. Die Riffelung des Stoffes erzeugt ein rotstreifiges Kurzzeittattoo, was leider bei der Dunkelheit...\nPour Un Homme de Caron (Eau de Toilette) - Caron\nNachdem es den altehrwürdigen Duft schon so lange gibt und er sich darüber hinaus bei einigen von mir hochgeschätzten Supernasen einer, ich möchte sagen, soliden Wertschätzung erfreut, wurde es höchste Zeit, mir den Knaben, den sich meine...\nAmbassador for Men - Gisada - vor 2 Monaten\nDer riecht wie... Tausend andere. Ein Laminatholzboden soll ihm einen Anschein von Gediegenheit verleihen. Hab ihn gleich weggeschmissen...\nPhantom - Paco Rabanne - vor 2 Monaten\nEinheitsbrei, diesmal mit einem Spritzer irgeneines sauren Fruchtgedöns in den ersten 3 Sekunden. Ich ergreife die Frucht... äh, Flucht.\nSeries 3: Incense - Jaisalmer - Comme des Garçons - vor 12 Monaten\nGewürzig unterfütterter warmer Weihrauch. Etwas altes, archaisches. Duftgesättigtes Holz über der Kochstelle und Rauch in der Ferne. Fein!\nTuscan Soul - Terra Rossa (Eau de Toilette) - Salvatore Ferragamo - vor 12 Monaten\nDieses leicht fleischige Amber mischt sich mit Patschouli-Holz und Zitrus zu... Honig? Honig! ... In ainem uhnbäkahntem Laand vor gahr...\nLa Yuqawam pour Homme - Rasasi - vor 12 Monaten\nOhne diese penetrante Himbeere fände ich den richtig gut... aber so nervt er sehr bald. Haltbarkeit geht in Richtung perpetuum mobile.\nSeries 3: Incense - Zagorsk - Comme des Garçons - vor 12 Monaten\nEin kurzer heller Moment, dann steht lange das Grün-Harzige im Vordergrund, bis er sich zu einem etwas lapidaren Weihrauch hin beruhigt.\nEscada pour Homme Silver Light / Light Silver Edition (Eau de Toilette) - Escada - vor 12 Monaten\nDa hat jemand Apfelmost im frisch gewaschenen Bett verschüttet. Soll man einfach nicht im Bett trinken, jetzt haben wir den... uupsala(t).\nDate for Men - Fragrance One - vor 1 Jahr\nDatei aktualisiert: Date kommt in die Datenbank. Rubrik: Unmöglich. Statt "Daten" wäre mal wieder "Treffen" angesagt. Ging daneben...\nBlack Agent - Pascal Morabito - vor 1 Jahr\nDie Amarena-Kirschen-Lobby ist hinter dem schwarzen Agenten her, weil er im dunklen Anzug gefälschte Schnapspralinen in Umlauf bringt. Süß!\nEnigma pour Homme / Creation-E pour Homme (Parfum) - Roja Parfums - vor 1 Jahr\nGar nicht so enigmatische Wuchtbrumme. Das All-in-One-Parfum. Ich mag das Ende lieber als den Anfang, werde es aber dennoch nicht tragen.\nLexikon der wundersamen Duftstoffe Teil 2\nDa es sich bei einem der Einträge um einen etwas längeren Text handelt, habe ich beschlossen, diesen Abschnitt auf zwei lexikalische Stichworte zu beschränken, die in loser Folge und vorerst nicht in alphabetischer Ordnung weiterhin hier erscheinen werden. Da mein Forschungsassistent Wilhelm Kleinmeister zur Zeit auf Recherche...\nLexikon der wundersamen Duftstoffe Teil 1\nDieser und etliche wahrscheinlich folgende Artikel sind weitestgehend überflüssig und haben über den möglichen Unterhaltungswert hinaus keine wesentliche Funktion. Es handelt sich um eine spielerische Auseinandersetzung mit seltsamen Duftbezeichnungen, auf die ich im Laufe meiner Anwesenheit auf diesen Seiten gestoßen bin....\nSalut Stefanu, hab herzlichen Dank fürs Lesen und Dein freundliches Lob zu meinem Velvet-Cherry-Kommentar :-) Der Duft ist schon speziell und - jedenfalls für mich - schwierig zu tragen. Aber ich mag den, er ist einfach total interessant und auch polarisierend. Der schöne Flakon tut sein Übriges.\nAventador vor 12 Monaten\nNetter Kontakt und schnelle Bezahlung. Gerne wieder. Grüße\nSchon gelesen 😉 😀\nIch kannte die bis vor kurzem alle nicht. Die sind schön, die CdGs aus der Incense-Reihe.\nDas war ein Weichspüler, der das Bügeln erleichtern sollte. Die Parfümierung war so krass, dass ich die Kleidung am liebsten nicht mehr angezogen hätte.\nNicht doch die Finger verbrennen am Holzgral ;-) Danke, dass Du mit mir am Feuer warst. Liebe Grüße\nHibou vor 1 Jahr\nGanz herzlichen Dank für das unerwartete, dicke Lob für meinen Blog-Eintrag!\nYETIparfums vor 1 Jahr\nDanke dir für die netten Worte! Hab' viel Freude damit und vielleicht ja bis bald mal wieder :)\nBeste Grüße, Yeti\nNurinuri vor 1 Jahr\nSehr angenehmer Kontakt, hat alles geklappt.\nMein lieber Stefanu!\nIch danke Dir sehr für die lieben Worte zu Avignon. Für mich immer noch der schönste Weihrauch!\nLieben Dank und frohe Weihnachten.


2. Bundesliga » News » Nach Hecking-Aus: Neustart statt Kontinuität beim HSV\n05.07.2020 13:43 Uhr\nDieter Hecking und der HSV gehen getrennte Wege\nDer Hamburger SV beginnt zum x-ten Mal bei null. Und das eigentlich noch junge und selbst auferlegte Bekenntnis der neuen Klub-Führung zu Kontinuität auf dem Trainerposten ist nach kürzester Zeit dahin.\nHSV muss Etat eindampfen\nMehr dazu: Trainerkarussel HSV - Die Übungsleiter der letzten Jahre\nDie fünf Leihspieler um Joel Pohjanpalo und Adrian Fein sind zurück zu ihren Klubs, bei vier Profis wurden die Verträge nicht verlängert. Andere wie Top-Torvorbereiter Tim Leibold stehen zum Verkauf. Verliehene Profis, deren Rückkehr ansteht, sollen möglichst dauerhaft transferiert werden. Bei Berkay Özcan ist das schon gelungen. Sein Verkauf an Istanbul Basaksehir brachte 2,5 Millionen Euro ein, eine Million mehr als ausgegeben.\nMit Trainerwechseln fährt der Klub seit Jahren schlecht. Seit dem verpassten UEFA-Pokal-Finale 2009, als sich die Hamburger laut Ex-Vorstandschef Bernd Hoffmann noch unter die besten zehn Team Europas katapultieren wollten, hat der "Hamburger Verschleiß-Verein" 14 Cheftrainer verbraucht. Bleibenden Erfolg hatte keiner.