[PORTRAIT] Eloy - Music Asylum\nBeitrag: # 49846Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nAn dieser Stelle und mithilfe des nun folgenden Beitrages möchte ich Euch mitnehmen auf eine Reise durch die Geschichte einer meiner allerliebsten Bands überhaupt: Eloy.\nWas diese Band für mich emotional bedeutet, läßt sich nur schwer in Worte fassen. Es gibt unendlich viele Bands, die ich wirklich mag, liebe, wertschätze und nicht missen möchte. Aber nur ganz wenige schaffen es, derartige Gefühlsbewegungen und eine so tiefe Verbundenheit bei mir auszulösen wie Eloy. Vergleichbar wäre das beispielsweise noch bei Iron Maiden, Deep Purple, Uriah Heep oder Genesis der Fall. Aber man kann sie letztlich wirklich fast an einer Hand abzählen.\nWoran das liegt, weiß ich nicht. Warum ist das bei Eloy so, bei Pink Floyd aber nicht, obwohl sich beide Bands stilistisch nicht unähnlich sind und ich letztere ebenfalls sehr schätze ? Trotzdem haben mich Pink Floyd nie so tief berührt wie Eloy. Aber ich habe bis zum heutigen Tage keine Begründung dafür gefunden.\nWie auch immer, ich habe jedenfalls die Geschichte von Eloy in vier Abschnitte unterteilt: Die Anfangszeit bis 1975, die Erfolgsjahre von 1976-79, die 80er Jahre-Phase bis zur Auflösung 1984 und die Entwicklungen vom unverhofften Comeback 1988 bis in die Gegenwart.\nIch hoffe, Ihr habt einigermaßen Spaß beim Lesen und langweilt Euch nicht...\nELOY Pt.1: Die frühen Jahre\nAm Anfang der Geschichte steht Frank Bornemann. 1945 in Hannover geboren und als Nachkriegskind aufgewachsen, begann der spätere Eloy-Mastermind irgendwann in seiner Schulzeit, sich für die damals angesagten Rock´ n´ Roll-Kapellen zu begeistern: Little Richard, Chuck Berry, die Everly Brothers, Elvis, all solche Sachen. Wenig später folgten dann in der Gunst schon die Beatles oder die Rolling Stones. Da er zu den Glücklichen gehörte, die bereits einen eigenen Plattenspieler besaßen, konnte er sich an den Singles und LPs jener Größen erfreuen. Damit hatte es sich dann aber auch weitestgehend, dann an das Spielen eines Instruments war zu dieser Zeit noch nicht zu denken, an eine Karriere als Profimusiker erst recht nicht.\nFrank ging brav zur Schule und machte anschließend eine kaufmännische Lehre bei einem Büromaschinenhersteller. Irgendwann in dieser Zeit, in den frühen 60er Jahren, kam es dann zu einem Schlüsselerlebnis. Frank war von einem Freund überredet worden, zu dem Liveauftritt einer lokal bekannten Band mitzukommen. Das war das erste Mal, dass Frank eine Band live auf einer Bühne stehen sah, direkt vor sich. Dieser Eindruck faszinierte und überwältigte ihn dermaßen, dass er beschloß, so schnell wie möglich ein Instrument zu erlernen und selber aktiv Musik zu machen.\nEr legte sich eine Akustikgitarre zu, ließ sich etwas Unterricht geben und fing an, Rock´ n´ Roll-Songs nachzuspielen, die zudem aufgrund ihrer einfachen Struktur relativ leicht zu erlernen waren. Schon bald kam der Drang nach Höherem und aus der Akustikgitarre wurde eine E-Gitarre samt Verstärker. Nachdem sich die instrumentalen Fähigkeiten Stück für Stück verbesserten, kam es schließlich zur Gründung einer ersten eigenen Band, die dann vorwiegend an den Wochenenden ihre Auftritte absolvierte, was einen erklecklichen Nebenverdienst einbrachte.\nDas wiederum kam in der Firma, in der Frank seine Lehre machte, nicht sonderlich gut bei den Kollegen an. Denn welcher Angestellte sieht es schon gerne, wenn der Azubi plötzlich mehr Geld in der Tasche hat, als man selber ? Auch dass Franks Haare allmählich länger wurden - damals galt schon über die Ohren als verdächtig - erregte zu jener Zeit noch einiges an Argwohn und wurde mit strikter Ablehnung bedacht.\nAnstatt mit der Musik nun voll durchstarten zu können, gab es aber zunächst mal einen Dämpfer, der alle Pläne zunichte machte: Nachdem Frank seine Lehre mit guten Ergebnissen endlich abgeschlossen hatte, wurde er nämlich zur Bundeswehr eingezogen, womit die Träume von einer Musikerkarriere erstmal für geraume Zeit perdu waren.\nNach Beendigung des Wehrdienstes fing Frank zunächst ganz seriös an, in einer Bank zu arbeiten, hatte aber den alten Traum natürlich nicht begraben. Die Bank war keinesfalls der Weg, den er sich für sein Leben vorstellte. Frank wollte unbedingt wieder Musik machen und damit auch Erfolg haben - in diesem Ehrgeiz und dieser Zielstrebigkeit unterscheidet er sich nicht von anderen großen Bandlenkern und -denkern, vgl. etwa Steve Harris.\nDie Haare und der Bart wuchsen und schließlich kam es zur Gründung von Eloy, wobei heute nicht mehr ganz sicher ist, ob die Band nun 1969 oder vielleicht doch schon 1968 ins Leben gerufen wurde. Neben Frank, der anfangs ausschließlich als Gitarrist tätig war, gehörten zur Besetzung der Sänger Erich Schriever, der noch jugendliche, gerade mal um die 16 Jahre alte Bassist Wolfgang Stöcker, der mittlerweile verstorbene Drummer Helmut Draht sowie natürlich Manfred Wieczorke, der anfangs auch Gitarre spielte und erst viel später hinter die Tasten wechselte.\nDas Repertoire der jungen Band, deren Name übrigens dem Roman "Die Zeitmaschine" von H.G.Wells entnommen wurde, bestand zunächst noch aus einer Mischung von Coverversionen und eigenen Songs, wie das häufiger üblich ist. Schließlich nahmen Eloy an einem Bandwettbewerb teil, bei dem sie einen Preis gewannen, welchen sie umgehend in die Herstellung einer ersten Single investierten. Diese, "Daybreak" betitelt, kam in einer Auflage von etwa 1000 Stück unter das Volk. Auf der B-Seite befindet sich das Stück "Walk Alone", zu welchem ein ganz witziger kleiner Film auf einem Schrottplatz in Hannover gedreht wurde, lange bevor Videodrehs für Bands in Mode kamen.\nMusikalisch hat das noch nicht allzuviel mit dem Sound zu tun, der später für die Band typisch werden sollte. Hier handelt es sich vielmehr um für die Zeit typischen Hardrock mit einem stark krautigen Flair. Ordentlich und gut gemacht, aber sicherlich nichts weltbewegendes.\nÜber diese selbst produzierte Single erhielten Eloy schließlich ihren ersten Plattenvertrag mit Phillips, wo dann 1971 das in Hamburg bei Conny Plank aufgenommene, selbstbetitelte Debütalbum erschien, die sogenannte "Mülltonne". Deshalb so bezeichnet, weil auf dem Artwork der Deckel einer Mülltonne zu sehen ist, den man bei der als Gimmick-Cover ausgeführten Erstauflage aufklappen kann. Heute eine gesuchte und teuer zu bezahlende Rarität. Musikalisch wurde die Linie der Single fortgesetzt, also krautiger Hardrock.\nNachdem das Debüt erschienen war, verließ Sänger Erich Schriever die Band, um eine sicherere bürgerliche Existenz anzustreben. So standen die Hannoveraner zunächst vor dem Problem, einen neuen Sänger finden zu müssen, was nicht klappte. Die Band arbeitete derweil fleißig an neuem Material, welches dann zum zweiten Album "Inside" werden sollte, doch ein neuer Sänger war weit und breit nicht in Sicht. Zwischenzeitlich mußte man auch noch einen neuen Schlagzeuger organisieren, da Helmut Draht einen schweren Autounfall hatte und monatelang außer Gefecht gesetzt war. Da die Band abgesehen von den Planungen für ihr zweites Album auch noch Konzerverpflichtungen zu erfüllen hatte, mußte schnellstens Ersatz her.\nDer fand sich dann in Gestalt des technisch äußerst versierten und sehr kraftvoll spielenden Fritz Randow. Dieser erinnerte sich im Interview anläßlich der "Legacy Box" von 2010 auch noch sehr lebhaft daran, wie er eines Tages gerade im Büro saß, als plötzlich das Telefon klingelte und sich am anderen Ende ein gewisser Frank Bornemann vorstellte mit den Worten, man hätte gehört dass Randow ein recht passabler Drummer sei und es gäbe da eine Band namens Eloy, die wolle demnächst ihr zweites Album machen, hätte aber keinen Mann am Schlagzeug. Ob er mal Lust hätte, vorbeizukommen. "Wunderbar", sagte Randow daraufhin zu sich selbst, "das guckste dir mal an".\nUnd so nahm die Geschichte ihren weiteren Lauf. Fritz wurde sofort neuer Drummer bei Eloy und konnte in den nächsten Jahren sehr prägnante Akzente setzen. Er konnte sich einen so guten Ruf in der Band erspielen, dass man viele Jahre später, Anfang der 80er, erneut auf ihn zurückgriff als es darum ging, den Posten hinterm Drumkit besetzen zu müssen. Aber ich will der Geschichte nicht vorgreifen, an anderer Stelle dazu mehr.\nIn dieser Zeit wechselte Manfred Wieczorke, der sich schon länger privat auf autodidaktischer Basis mit der Hammondorgel beschäftigt hatte, von der Gitarre zur Orgel als Hauptinstrument, womit die Musik von Eloy um eine Klangfarbe reicher wurde. Dahinter steckte wohl auch die Erkenntnis, dass seine Fähigkeiten hinter dem Tasteninstrument insgesamt brauchbarer waren als die auf der Gitarre.\nNun hatte man also einen neuen Drummer, einen zur Orgel gewechselten Gitarristen und eine Menge neuer Songs für das zweite Album, aber immer noch keinen neuen Sänger. Der angesetzte Studiotermin rückte näher, doch es tat sich nichts. Letztlich aus purer Not heraus wurde entschieden, dass Frank Bornemann die Platte einsingen sollte. Der hatte zwar nun unverhofft die Doppelbelastung Gitarre/Gesang am Hals, aber letztlich gab der Erfolg allen Beteiligten recht, denn Frank wurde als Frontmann deutlich besser akzeptiert als Erich Schriever - was Frank heute noch wundert, da er der Auffassung ist, das Schriever ein sehr guter Sänger war - und das zweite Album "Inside" verkaufte sich auch entschieden besser als das Debüt, etwa 7000-8000 Einheiten ließen sich auf Anhieb absetzen. Das war damals für eine so junge, aufstrebende Band absolut respektabel.\nMusikalisch lassen sich auf "Inside" deutlich progressivere Ansätze ausmachen als auf dem Erstling. Die Grundkomponente ist zwar immer noch Hardrock-krautig, aber es sind psychedelische Elemente und der Hang zu Improvisationen hinzugekommen, sowie vor allem das Gespür dafür, Stimmungen erzeugen zu können. Eine Eigenschaft, die im weiteren Verlauf elementar bedeutsam für die Musik von Eloy werden sollte. Das erste Stück "Land Of No Body" dauert auch gleich mal rund 17 Minuten. Dennoch ist die Musik auf "Inside" natürlich noch längst nicht ausgereift. Es ist eher eine deutliche Weiterentwicklung des bisherigen Stils, wobei sich aber auch nicht verhehlen läßt, dass das Album hier und dort einige Langatmigkeiten aufweist.\nGerade "Inside" macht aber auch deutlich, wie sehr eine Band sich in den 70er Jahre ausleben konnte ohne eingeschränkt zu werden oder irgendwelchen Zwängen gehorchen zu müssen. Auch die Bereitschaft der Fans, sich mit Alben zu beschäftigen und zu identifizieren, war um einiges stärker ausgeprägt als heute.\nFür die Texte auf "Inside" hatte übrigens ex-Sänger Erich Schriever der Band noch einmal unter die Arme gegriffen, der mit der englischen Sprache seinerzeit sehr viel sicherer und versierter umgehen konnte, als Bornemann und die übrigen Mitglieder.\nAls das Album aufgenommen wurde, hatten Eloy keinen Plattenvertrag. Der mit Phillips, bei denen das Debüt herausgekommen war, hatte keinen Bestand mehr und so wurde "Inside" zunächst auf eigenes Risiko produziert. Die fertigen Bänder wurden dann bei den verschiedenen Plattenfirmen herumgereicht und schließlich war es die damals noch große EMi bzw. deren progressives Sublabel Harvest, bei denen Eloy dann ihren neuen Vertrag unterzeichnen durften.\nEloy waren auch eifrig dabei, live aufzutreten und ihren guten Ruf auf diese Art und Weise zu festigen. Das bedeutete allerdings weniger, im Tourbus mehrere Wochen am Stück durch die Gegend zu kutschieren, sondern eher, hauptsächlich und regelmäßig die Wochenenden für Auftritte zu nutzen.\nBei der EMi/Harvest zeigte man sich jedenfalls ganz zufrieden mit den Entwicklungen und so durften Eloy dann auch ins Studio, um die nächste LP einzuspielen. Da man aber noch nichts vorbereitet hatte, jedoch trotzdem Präsenz zeigen wollte, entschied man sich zunächst mal für eine weitere Single. Diese bot auf der A-Seite das Quasi-Instrumentalstück "Daybreak" (hat nichts mit dem "Daybreak" der ersten Single zu tun, die Namensgleichheit ist purer Zufall) und auf der B-Seite den Song "On The Road".\nIm Anschluß stieg Bassist Wolfgang Stöcker aus der Band aus, dem eine bürgerliche Existenz ebenfalls sinnvoller erschien als das unsichere Musikerdasein. Für ihn kam Luitjen "Harvey" Jansen in die Band, der mit seinem dominant-wuchtigen Spiel gleich einen ganz neuen Ansatz mitbrachte und den Sound ein ganzes Stück druckvoller und heavier werden ließ.\nWieder vollzählig, mietete man sich schließlich ein Haus in der Lüneburger Heide, um gemeinsam unter einem Dach das Material für das folgende Album "Floating" auszuarbeiten. Einer der Hauptgründe dafür war, dass man ein konzentriertes Arbeiten in der normalen Umgebung der Band als nicht gegeben ansah. Zum einen gab es das Dauerproblem mit Übungsräumen - erstmal mußte man einen geeigneten finden und dann durfte man meistens nur abends nach Feierabend dort Krach machen, weil er im Keller einer Schule oder einer anderen Räumlichkeit vergleichbarer Art war. Zum anderen glänzten die Bandmitglieder damals nicht unbedingt mit Pünktlichkeit und Zuverlässigkeit. Laut Frank Bornemann trafen alle immer kleckerweise ein - wenn eine Probe um 16 Uhr angesetzt war, kam der letzte um 18 Uhr und ähnliches. Diesen Zuständen hoffte man, bei Unterbringung unter einem gemeinsamen Dach entgehen zu können, was das kontinuierliche Arbeiten erheblich erleichtern sollte.\nTextlich mußte Frank Bornemann jetzt zum ersten Mal alleine ran, aber da er sich das Vorhaben immer noch nicht hundertprozentig zutraute, ließ er sich von einem Engländer namens Richard Smith helfen, der im Gegenzug auch ein sehr gutes Deutsch sprach und unter dem Pseudonym Gordon Bennit die Texte ausarbeitete bzw. ihnen den richtigen sprachlichen Feinschliff verlieh und zwar so, dass es nicht nur sprachlich korrekt war, sondern sich auch gut singen ließ. Das sollte später, in der Ära Jürgen Rosenthal, ja noch zu einem großen, konfliktreichen Problem werden....aber auch dazu an anderer Stelle mehr.\nInzwischen hatte Manfred Wieczorke sein Instrumentenarsenal auch um den ersten Synthesizer erweitert, wußte aber noch nicht so richtig damit umzugehen. Niemand in der Band kam mit dem großen, mysteriösen Kasten wirklich zurecht. Also verzichtete man zunächst noch weitgehend auf dessen Einsatz und beschränkte sich weiterhin überwiegend auf das Zusammenspiel aus Orgel und Gitarre. Musikalisch ist "Floating" im Wesentlichen eine stilistische Fortsetzung von "Inside". Keine wirkliche musikalische Weiterentwicklung, sondern eher eine Ergänzung und Verfeinerung des auf "Inside" entwickelten Stils. Eher ein Schritt zur Seite statt nach vorne.\n"Floating" ist kompositorisch aber auf alle Fälle etwas ausgereifter als "Inside" und, wie schon angedeutet, auch eine Spur heavier. Die Scheibe enthält mit dem Viertelstündigen "The Light From Deep Darkness" sogar eine richtige Glanznummer, die trotz ihrer Länge keine Längen aufweist und spannend sowie vielschichtig aufgebaut ist. Das gemeinschaftliche, kommunenmäßige Arbeiten in der Heide tat der Band und dem Material auf jeden Fall hörbar gut.\nAls es dann daran ging "Floating" aufzunehmen, gab es noch überraschenden Streß für Frank Bornemann. Kurz vorher hatten die befreundeten Scorpions bei ihm angefragt, ob er ihr anstehendes "Fly To The Rainbow"-Album produzieren könnte. Da man gut miteinander konnte, war dieser Freundschaftsdienst für Frank natürlich eine Selbstverständlichkeit. Terminlich hätte es eigentlich auch keine Überschneidungen zwischen den Aufnahmen von "Floating" und "Fly To The Rainbow" gegeben, beide Alben hätten bequem nacheinander in Form gebracht werden können.\nDann wurde aber Fritz Randow überraschend krank und fiel wegen einer Blinddarm-OP aus, weswegen die Aufnahmetermine von "Floating" etwas nach hinten verschoben werden mußten und dadurch komplett mit den angesetzten Recordings des Scorpions-Albums kollidierten.\nDas führte dazu, dass Frank bei beiden Aufnahmen gewissermaßen gleichzeitig anwesend sein mußte. Also produzierte er dann tagsüber mit den Scorpions in den legendären Münchener Musicland-Studios "Fly To The Rainbow" und flog abends nach Köln, um in der Nacht mit Eloy in den EMi-Studios "Floating" aufzunehmen. So ging das immer abwechselnd hin und her, eine enorme Belastung, die er aber mit Bravour überstand. Noch heute bezeichnet Bornemann "Floating" deshalb scherzhaft als "Nachtschicht-Album".\nObwohl "Floating" abermals ein Erfolg für die Band geworden war, zeigte sich Frank Bornemann unzufrieden mit der musikalischen Entwicklung.\nIhm schwebte ein progressiverer, konzertanterer Sound für die Band vor und in seinen Gedanken begann bereits das Konzeptalbum Formen anzunehmen, welches schließlich "Power And The Passion" werden sollte.\nBornemann ersann die inhaltlich zusammenhängende Story, die dem Konzept seinen Rahmen verleihen sollte: Ein Junge namens Jamie, der mittels einer Zeitdroge zurück ins Mittelalter reist - typischer, trippiger 70er Jahre-Stoff eben. Verbunden war das ganze natürlich ebenfalls sehr typisch für die Zeit mit einer Kritik an Zivilisation und Gesellschaft sowie den über die Jahrhunderte erfolgten Entwicklungen, die der Menschheit oft mehr Schaden als Nutzen zugefügt haben.\nMusikalisch umgesetzt wurde dieses Konzept in gemeinschaftlicher Zusammenarbeit von einer sehr gut eingespielten Band, in der eine große musikalische und menschliche Harmonie herrschte und in der jeder drauf bedacht war, seinen wertvollen Beitrag zum gesamten Puzzle zu leisten.\nAlle Bandmitglieder zogen an einem Strang. Auch Manfred Wieczorke traute sich zunehmend, neben der Orgel etwas öfter auf seinen neuen Synthesizer zurückzugreifen, wenn auch natürlich längst noch nicht in dem Ausmaß, wie das später Detlev Schmidtchen oder Hannes Folberth machen sollten.\nEloy wollten mit "Power And The Passion" ihren ganz speziellen Beitrag zur Welt der progressiven Konzeptalben leisten, sowohl in Bezug auf den musikalischen als auch den leicht exotischen thematischen Inhalt.\nSo fällt "Power And The Passion" dann auch ein ganzes Stück orchestraler und atmosphärischer aus, als die Vorgängeralben. Die Scheibe stellt ein musikalisches Bindeglied zwischen den krautig-hardrockig-psychedelischen Klängen der früheren Alben und den symphonischen Werken der Folgezeit dar. Wenn man so will, verbindet es das beste aus beiden Welten miteinander. Die Konzeptstory wurde in ein passendes Gewand gegossen und musikalisch äußerst packend umgesetzt, während bei den Texten abermals Gordon Bennit für den letzten Schliff sorgte. "Power And The Passion" ist das erste richtige Highlight im Eloy-Katalog und zwar durchgängig, auf ganzer Ebene. Das zeigte sich auch in den steigenden Verkaufszahlen, die bei "Power And The Passion" um die 30.000 Einheiten betrugen.\nEine weitere Neuerung bzw. Ergänzung auf "Power And The Passion" bestand in der Hinzunahme von Detlev Schwaar als zweitem Gitarristen, der neue Akzente setzen und Frank Bornemann entlasten sollte. "Power And The Passion" sollte leider auch das einzige Eloy-Album bleiben, an dem Schwaar mitgewirkt hat.\nUrsprünglich hatte Bornemann sogar den Ehrgeiz besessen, "Power And The Passion" als Doppelalbum herauszubringen. Diese Idee scheiterte jedoch weniger an der Plattenfirma, wie man vielleicht meinen könnte, sondern am damaligen neuen Manager der Band.\nDieser, ein Amerikaner namens Jay Partridge, hatte die Band ins Nirwana gelabert, sie in Amerika groß herausbringen zu wollen. Obwohl man sich im Bandlager durchaus skeptisch zeigte bezüglich seiner großspurigen Versprechungen, schenkte man ihm schließlich Vertrauen und arbeitete mit ihm zusammen. Diese Zusammenarbeit war jedoch von Anfang an deutlich getrübt, denn Partridge tauchte ständig ungefragt im Studio oder im Proberaum auf, mischte sich in alles ein, maßte sich Kommentare zu musikalischen oder technischen Fragen an, obwohl er davon überhaupt keine Ahnung hatte und spielte sich quasi als sechstes Bandmitglied auf, was für erhebliche Irritationen und zunehmenden Ärger sorgte.\nAls Manager versagte er sowieso und konnte kaum was auf die Beine stellen, außer sich aufzuspielen und mit dicken Geldbündeln zu beeindrucken, was auch andernorts mit Stirnrunzeln zur Kenntnis genommen wurde.\nPartridge trieb einen Keil in die Band, spielte die Mitglieder gegeneinander aus und verlangte die unmöglichsten Dinge von den Musikern. So war er beispielsweise der Meinung, Ruhepausen seien schädlich für die Entwicklung der Band. Da er selber allen möglichen Substanzen nicht abgeneigt war, versuchte er daher die Musiker zu überreden, Aufputschmittel einzuwerfen und auf Schlaf zu verzichten, um Tourneen bestreiten zu können. Völlig realitätsfremd, denn eine Band, die so handelt, ist nach spätestens 2 Wochen nicht mehr auftrittsfähig.\nObwohl die Band mit "Power And The Passion" ein exzellentes Albm im Gepäck hatte, entwickelte sich die Problematik mit Jay Partridge zunehmend zum Fiasko, welches letztlich das Ende dieser Eloy-Besetzung bedeuten sollte.\nSchließlich war es Frank Bornemann, der sich von Partridge abgrenzte und in offene Opposition zu diesem ging, was ihn natürlich zum Feindbild des Amerikaners machte. Der wiederum hatte sich durch immer wiederkehrende finanzielle Zuwendungen den großen Rest der Band "gekauft", nur bei Bornemann hatte dieses Spiel eben nicht funktioniert. Aber bei den übrigen Musikern sorgte der daraus entstandene Zwiespalt natürlich dafür, dass kaum jemand sich traute, gegen Partridge offen aufzumucken. Und der forcierte nun auch ganz deutlich den Rausschmiss Bornemanns, beispielsweise gegenüber der Plattenfirma.\nDort geriet Partridge jedoch an den falschen, denn der Mann von der Plattenfirma gab ihm ganz deutlich zu verstehen, dass bei Eloy von ihm aus jeder rausgeworfen werden könne, aber nicht Bornemann.\nDurch diese Rückendeckung saß Frank Bornemann nun am längeren Hebel und trennte sich daraufhin von der gesamten Band. Ein Entschluß, der ihm allerdings schwer zu schaffen machte, da er gerade diese Besetzung für besonders fähig und musikalisch stimmig hielt, ihr auch weitere große Schritte zutraute. Aber es half nichts und ein Ende mit Schrecken schien in diesem Fall die einzig sinnvolle und bessere Lösung, als ein Schrecken ohne Ende.\nJay Partridge versuchte tatsächlich, mit den übrigen Bandmitgliedern weiterzumachen - und zwar als musikalischer Mentor und Sänger ! Tatsächlich gab es sogar einen einzigen Liveauftritt von Eloy mit Partridge als Frontmann, der aber verständlicherweise vom Publikum mit schroffer Ablehnung behandelt wurde. Da die Band ohne Bornemanns Einwilligung den Namen Eloy sowieso nicht mehr weiter benutzen hätte dürfen, versuchte Partridge für viel Geld Bornemann den Namen abzukaufen, was dieser selbstverständlich ablehnte.\nNachdem der besagte eine Gig mit Partridge völlig schiefgelaufen war und Bornemann die Namensrechte einbehielt, sahen die übrigen Musiker ein, dass sie ohne Frank Bornemann wohl nicht viel auf die Beine bekommen würden. Manfred Wieczorke ging daraufhin zu Jane, während Luitjen Jansen, Detlev Schwaar und Fritz Randow gemeinsam mit Jay Partridge eine Funk(!)-Band mit Bläsern ins Leben riefen, die aber auch nur wenige Monate durchhielt. Randow stieg anschließend bei Epitaph ein, Jansen einige Zeit später ebenfalls. Von Jay Partridge indes hörte man nie wieder etwas.\nUnd Frank Bornemann ? Der mühte sich redlich, in kürzester Zeit eine neue Eloy-Besetzung zusammenzubekommen, nachdem ihm die Plattenfirma signalisiert hatte, dass sie weiter auf Eloy setzen würde wenn es ihm gelänge, die Band neu zu formieren. Das folgende Album "Dawn" basierte im Prinzip auf der nie fertiggestellten zweiten Hälfte des "Power And The Passion"-Werks, welches wie gesagt ursprünglich ein Doppelalbum hätte werden sollen. Aber das alles ist dann im zweiten Teil der Geschichte nachzulesen....\n(von links nach rechs: Schwaar, Bornemann, Randow, Jansen, Wieczorke)\nBeitrag: # 49852Beitrag Vertigo\nSowas lese ich immer sehr, sehr gerne. Magst noch eine Bildunterschrift machen wer da wer ist? Ich kenn nur Bornemann und Wieczorke sofort.\nUnd bin schon gespannt auf den zweiten Teil.\nBeitrag: # 49856Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nAm zweiten Teil sitze ich gerade...das mit den Bildunterschriften erledige ich sofort.\nBeitrag: # 49862Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nEloy Pt.2: Die Erfolgsjahre\nNachdem das Schiff Eloy aufgrund des Ungemachs mit Jay Partridge ein wenig vom Kurs abgekommen und vorübergehend auf Grund gelaufen war, was in der Trennung zwischen Frank Bornemann und den restlichen Bandmitgliedern gemündet hatte, sah sich dieser dementsprechend Ende 1975, Anfang 1976 mit Personalfragen konfrontiert. Die alte Band war de facto Geschichte, Bornemann stand quasi vor dem Nichts. Eloy mußten von Grund auf neu formiert und aufgebaut werden.\nDa die EMi Bornemann bereits im Vorfeld zugesichert hatte, weiterhin auf Eloy zu setzen und ein weiteres Album zu ermöglichen wenn er es schaffen würde, eine neue Besetzung zusammenzustellen, war der Gute natürlich hochmotiviert und entwickelte eine gesunde "Jetzt erst recht !"-Einstellung, um allen, Fans wie auch Kritikern, zu beweisen, dass er in der Lage war das Schiff wieder flottzumachen und musikalisch stärker als je zuvor zurückzukehren.\nHier wird auch deutlich, dass Bornemann längst zur eigentlichen Führungsfigur der Band geworden war, zum Chef, dem allerdings auch einiges zugetraut wurde und der mit Entschlossenheit und unglaublicher Power weiter an seinem Bandtraum arbeitete, bereit, sich allen möglichen und unmöglichen Widrigkeiten entgegenzustemmen. Hierbei sei zur Verdeutlichung nochmal nebenbei angemerkt, dass zwischen dem Ende nach "Power And The Passion" und dem fulminanten Neubeginn mit "Dawn" gerade mal ein gutes Jahr lag - man kann sich also ausmalen, welche Energien und Kräfte da geflossen sind, um in so kurzer Zeit dermaßen furios, mit einer hervorragenden neuen Besetzung und einem exzellenten Album zurückkehren zu können.\nDa der Eloy-Mainman zunächst mal vor einem riesigen Schuldenberg stand und außer dem Einkommen seiner Frau quasi kein Geld vorhanden war, bemühte er sich als erstes um einen Job, wobei klar war, dass es nach Möglichkeit nicht wieder zurück in die Bank gehen sollte.\nSchließlich fand Bornemann Arbeit in einem Musikgeschäft, wo ihm eines Tages Detlev Schmidtchen über den Weg lief. Der war selber Musiker und spielte zu dieser Zeit in einer anderen Hannoveraner Formation namens Getriebe, die 1975 beim "Pop ´75"-Festival in der Hannoveraner Niedersachsenhalle einen Amateurwettbewerb gewonnen hatte.\nMan kannte sich bereits locker von eben dieser Veranstaltung, bei der Eloy Headliner gewesen waren. Getriebe hatten seinerzeit als Gewinn Aufnahmezeit in einem Tonstudio spendiert bekommen und daraufhin eine in geringer Auflage verbreitete Single ("Syncron", 1975) aufgenommen, die sich grob als krautiger und verspielter, tendenziell progressiv orientierter Hardrock beschreiben läßt.\nDetlev Schmidtchen war bei Getriebe jedoch als Gitarrist tätig und hatte mit Synthesizern nicht viel zu tun. In dieser Hinsicht gleicht sein Werdegang also jenem seines Vorgängers bei Eloy, Manfred Wieczorke, der ebenfalls als Gitarrist angefangen hatte und erst später hinter die Tasten gerutscht war.\nBornemann und Schmidtchen beschlossen daraufhin, es einfach mal miteinander zu versuchen und stellten schnell fest, dass ihre musikalischen Vorstellungen ausgesprochen gut miteinander harmonierten. Menschlich hingegen, so gab Bornemann später in einem Interview mit dem Fanzine "Magic Mirror" zu Protokoll, habe es durchaus erhebliche Unterschiede gegeben, da Detlev zwar ein sehr kreativer, aber auch stark von Selbstzweifeln geplagter Mensch gewesen sei, was den Umgang mit ihm häufig verkompliziert und unnötig anstrengend gestaltet habe. Aufgrund der musikalischen Übereinstimmung habe er darüber aber hinwegsehen können, so Bornemann.\nSo wurde der Entschluß gefasst, Eloy gemeinsam wieder aufzubauen. In den folgenden Wochen und Monaten wurde intensiv nach weiteren Musikern gesucht und der nächste brauchbare, der auf der Matte stand, war Klaus-Peter Matziol. Auch hier bahnte sich der Kontakt über das Musikgeschäft an, in dem Bornemann tagsüber arbeitete und wo Matziol, der eigentlich auf Lehramt studiert hatte, regelmäßiger Kunde war. Es stellte sich heraus, dass Klaus-Peter Bassist war und zu dieser Zeit in einer Formation namens Boorturm den Tieftöner bediente.\nAls letztes, ungefähr im April 1976, wurde der Schlagzeuger Jürgen Rosenthal akquiriert. Den kannte Frank Bornemann schon von den Scorpions her, schließlich hatte Rosenthal zu "Fly To The Rainbow"-Zeiten zur Band gehört, welches bekanntlich von Bornemann produziert worden war.\nUnd auch für Klaus-Peter Matziol war Rosenthal absolut kein Unbekannter, sondern viel mehr ein alter Freund. Die beiden hatten bereits Ende der 60er gemeinsam die Band Morrison Gulf betrieben, bevor Rosenthal Anfang der 70er zu Dawn Road, der Band von Uli Jon Roth gewechselt war, die dann wiederum von den zu jener Zeit nur noch aus Klaus Meine und Rudolf Schenker bestehenden Scorpions absorbiert wurde.\nNachdem Jürgen Rosenthal im Anschluß an "Fly To The Rainbow" zum Wehrdienst in die Kaserne einrücken mußte, war erst mal Feierabend mit dem Schlagzeug spielen. Sein Plan nach Beendigung der leidigen Bundeswehrzeit sah vor, wieder Anschluß an die Scorpions zu finden und sich wieder fit zu trommeln für einen erneuten Einstieg bei Schenker & Co. Und genau in diesem Moment standen plötzlich Frank Bornemann und Klaus-Peter Matziol vor seiner Tür, mit dem Angebot, bei Eloy mitzumachen.\nSchnell wurde Rosenthal klar, dass die auf Atmosphäre bedachte Musik von Eloy mit Synthesizer, Orgel und dem ganzen Pipapo seinen persönlichen Interessen und Ausdrucksneigungen viel eher entgegenkam, als das, was bei den Scorpions mittlerweile musikalisch abging. Im Interview zur "Legacy Box"-DVD bekräftigt er noch mal ganz klar, wie angetan und begeistert er dagegen auf Anhieb von dem war, was er bei Eloy vorfand. Und der Reiz, eine Band ganz neu mit aufzubauen und von Grund auf mit eigenen kreativen Impulsen zu füttern, war sicherlich auch nicht ohne.\nEin weiterer ausschlaggebender Punkt für die Entscheidung pro Rosenthal war, dass sich dieser als sehr belesen herausstellte und gleich anbot, sich um das Verfassen der künftigen lyrischen Inhalte zu kümmern, was Bornemann sehr begrüßte, da es für ihn in diesem Punkt eine enorme Erleichterung bedeutete. Somit hatte Rosenthal sozusagen von Beginn an freie Hand für sein Wirken als Schlagzeuger und Texter innerhalb der Band.\nZunächst lief diese Kooperation auch sehr harmonisch und störungsfrei ab. Rosenthal kümmerte sich um die Gestaltung der Texte und lieferte ein völlig anderes Schlagzeugspiel als sein Vorgänger Fritz Randow. Technisch präzise waren beide, aber letztgenannter spielte härter und mit mehr Wucht, während Rosenthal dafür ausgesprochen kreativ und ideenreich zu Werke ging, mit einer Vielzahl markanter Einfälle.\nSo gehörte zu seinem Equipment ein ganzes Arsenal an Klingelchen und Glöckchen, was von der Band anfangs etwas belächelt wurde, sich aber später als ausgesprochen sinnvoll herausstellte, weil es der Musik ein vielfaches Mehr an Klangfarbe und Gestaltungsmöglichkeit offerierte.\nEin weiterer entscheidender Faktor für den folgenden Weg der Band lag in der Tatsache begründet, keinen geeigneten Keyboarder zu finden. Die Band testete mehrere Leute, aber niemand schien zu passen, obwohl alle mehr oder weniger hervorragend spielten.\nDas Problem lag laut Frank Bornemann darin, dass all diese Leute ausgebildete, hochgradig virtuose Pianisten waren, die eben auch dementsprechend spielten und sich halt mal in einer Rockband versuchen wollten.\nAber keiner von denen verstand, um was es Bornemann mit der Musik von Eloy ging. Alle konnten zwar hundert Noten in zehn Sekunden spielen, aber keiner war in der Lage, ausgedehnte Klangflächen aus vergleichsweise wenigen Tönen zu erschaffen, auf Melodien zu achten und Stimmungen zu erzeugen.\nEloy benötigten jemanden mit einem sicheren Gefühl für Atmosphären und Klangbilder und weniger jemanden, der nur aufgrund seines handwerklichen Backgrounds die Tasten bediente.\nBei einer weiteren Bandprobe ließ Detlev Schmidtchen, der bis dato nur als Gitarrist dabei war, mehr aus Verzweiflung durchblicken, dass er auch ein wenig Keyboard spielen könne und setzte sich einfach mal ans Gerät, um ein bißchen damit herumzuprobieren. Das wiederum fiel bei Bornemann auf fruchtbaren Boden und er bat kurzerhand darum, dass Schmidtchen sich zukünftig hauptsächlich auf die Tasteninstrumente konzentrieren und allenfalls nur noch gelegentlich zur Gitarre greifen möge. Das war nämlich genau das, was Eloy gefehlt hatte: Ein Keyboarder, der zwar handwerklich nicht so versiert wie ein ausgebildeter Pianist war, dafür aber ein umso untrüglicheres Gespür für Atmosphäre und melodischen Aufbau besaß.\nNach einem halben Jahr intensiven Probens war die Band so gut aufeinander eingestellt, dass man sich an die Aufnahmen des nächsten Albums "Dawn" machen konnte, welches ein echter Paukenschlag werden sollte.\nDa Schmidtchen allerdings noch nicht hundertprozentig souverän im Umgang mit den ganzen Synthesizern war, nahm man ihm einen Teil der Arbeit ab, indem man bei den Aufnahmen zu "Dawn" in Georgi Nedeltschevs "Studio N" einige Passagen von Streichern einspielen ließ, deren Parts zuvor von dem im Umgang mit klassischen Orchestern geschulten Wolfgang Maus arrangiert worden waren. Die Band wäre damit sicherlich zu diesem Zeitpunkt überfordert gewesen.\nAls Ergebnis steht das klanglich sicherlich opulenteste Eloy-Album überhaupt. Manche finden es überfrachtet oder Zuviel des Zuckergusses, aber das kann man so nicht stehen lassen. Dieses Album ist ein Masterpiece, eine absolute Sternstunde, und klingt exakt so, wie es einfach klingen muß. Da ist keine Note und kein Ton zuviel, die Atmosphäre ist durchgehend von einer beeindruckenden Dichte und es handelt sich ohne Frage um eines der stimmungsvollsten Epen, die Eloy jemals in ihrer Karriere erschaffen haben.\nSchon die ergreifende, von Donnergegrummel, Regengeplätscher, Streichern und dramatischer Atmosphäre geprägte Einleitung "The Awakening" ist von einer solchen Erhabenheit, dass einem die Tränen in die Augen schießen und der Atem stockt. Immer und immer wieder. Eine der bewegendsten Albumeröffnungen in der Geschichte der Rockmusik. Hier wird der Albumtitel "Dawn", was ja soviel wie Morgendämmerung und Aufbruch bedeutet, musikalisch aufs vortrefflichste visualisiert. Und es war ja in der Tat ein Aufbruch für die Band, ein neuer Anfang.\nDie Gestaltung des Albumcovers zeigt natürlich Parallelen zu "Power And The Passion", was auch durchaus gewollt so war, hat es man hier doch gewissermaßen mit der zuvor nicht realisierten zweiten Hälfte des eigentlich als Doppelalbum geplanten Vorgängers zu tun.\nMusikalisch erkennt man die Verwandtschaft zu "Power And The Passion" natürlich stellenweise noch (das aus "The Awakening" hervorgehende "Between The Times" hätte beispielsweise ohne negativ aufzufallen auch auf dem Vorgänger stehen können), aber auf "Dawn" wurde alles um ein vielfaches orchestraler und symphonischer gestaltet, viel weiter ins Detail ausgearbeitet. Die einzelnen Songs gehen zum Teil ineinander über, was den Konzeptcharakter natürlich wirkungsvoll unterstreicht und dem Ganzen eher das Bild einer zusammenhängenden Suite verleiht.\nDicker wurde bei Eloy nie wieder aufgetragen, aber es paßt alles wie gesagt bis aufs allerletzte i-tüpfelchen zusammen und hat einen der großen Eloy-Momente für die Ewigkeit geschaffen. Ein absolut hinreißendes Album - Neustart geglückt !\nDas sahen auch die Fans so, denn "Dawn" verkaufte sich wie geschnitten Brot. Allerdings mehrten sich erstmals auch hörbar die Stimmen der Kritiker, die Eloy als aufgeblasenes, prätentiöses Nichts schmähten und sich auf schäbigste, völlig unsachliche Art und Weise über die Band lustig machten. Aber noch hatte es nicht die unsäglichen Formen angenommen, die dann ab "Ocean" über die Niedersachsen hereinbrechen sollten.\nDie Scheibe verkaufte zwischen 50.000 und 100.000 Exemplare in Deutschland. Die Band war gefragt, mit Bernd Gukelberger gab es auch einen neuen Manager, der sich sehr einsetzte und mit dem es endlich stimmte - das menschliche wie auch das fachliche. Kurzum: Es hätte kaum besser laufen können.\nUnd so machte man sich frohgemut an die Arbeiten zum nächsten Werk, mit dem man noch einen draufzusetzen gedachte. Die Band war bestens eingespielt und Detlev Schmidtchen hatte sich inzwischen am Synthesizer so entwickelt und emanzipiert, dass er auf dem nächsten Album seine Qualitäten verstärkt einbringen und zeigen wollte, was er drauf hat. Der erneute Einsatz einer Orchesters war somit also auch kein Thema mehr.\nJeder in der Band hatte den Ansporn, sein bestmöglichstes zum Gelingen des Albums beizutragen. Ein gute Voraussetzung für kreative Höhenflüge.\nUnd natürlich war Jürgen Rosenthal erneut mit dem Verfassen eines lyrischen Konzepts betraut worden. Der Albumtitel "Ocean" stand bereits zu einem relativ frühzeitigen Zeitpunkt fest und beruhte entweder auf einem Traum Rosenthals, in welchem der Ozean in sein Zimmer schwappte oder auf der grundlegenden Erkenntnis, dass alles Leben aus dem Meer kommt. So genau ließ sich das später nicht mehr zurückverfolgen, aber eines von beidem wird es gewesen sein.\nRosenthal entwickelte eine sehr düstere Konzeptstory, in deren Mittelpunkt der Untergang des sagenumwobenen Atlantis stand, was natürlich wunderbar zum bereits festgelegten Albumtitel paßte. Die Story von Rosenthal hangelte sich dabei an den Erkenntnissen Platons entlang und war einmal mehr gleichzeitig mit einer grundlegenden Kritik gegenüber der menschlichen Zivilisation und Zerstörung der Umwelt verbunden, deren Folgen in düsteren Zukunftsszenarien ausgemalt wurde. Anspruchsvoller, aber sicherlich auch nicht gerade leichtverdaulicher Stoff. Das befand auch Bornemann so, dem die Zukunftsvisionen viel zu apokalyptisch erschienen und der eigentlich lieber eine positivere Grundaussage gehabt hätte, aber der Drummer ließ Kritik nicht zu und Bornemann gab sich vorerst zufrieden damit.\nRosenthal hatte sich monatelang völlig zurückgezogen um an den Lyrics zu arbeiten, niemand wußte genau, was er denn dort im stillen Kämmerlein eigentlich ausbrütete. Während die anderen an der Musik feilten, schlug sich Rosenthal reihenweise die Nächte um die Ohren mit seinen Texten, sagte aber niemandem etwas näheres darüber. Zu Beginn seiner Arbeit war er zunächst sogar extra nach London gereist, um dort an einigen spiritistischen Sitzungen teilzunehmen, die er als unerläßlich für die Ausarbeitung seines inhaltlichen Konzept erachtete. Bereits das war Bornemann viel zu esoterisch und er vermutete sogar einen Hang zum Okkulten bei seinem Trommler, was ihm gar nicht gefiel, sagte aber erst mal nichts weiter dazu und ließ ihn machen.\nAllmählich begann die Zeit zu drücken, denn die Musik war fertig, es sollte an die Aufnahmen gehen und die Texte lagen immer noch nicht vor. Buchstäblich in letzter Sekunde tauchte Rosenthal mit den gerade fertig gewordenen Texten bei Georgi Nedeltschev im Studio auf - die Tinte war quasi noch nicht getrocknet - und Bornemann mußte sie sofort einsingen, was ihn vor erhebliche Schwierigkeiten stellte.\nErstens bekam er die Texte überhaupt zum ersten Mal zu Gesicht, er wußte ja bis dato gar nicht, was ihn überhaupt erwartete und dementsprechend empfand er es als sehr problematisch, diese Inhalte dann auch glaubwürdig in seinem Gesang zu transportieren und dahinter stehen zu können. Und zweitens hatte Rosenthal einen sehr literarischen Ansatz gewählt und folglich überhaupt nicht auf die Singbarkeit seiner endlosen Satzkonstruktionen geachtet. Phonetik und Rhythmik waren völlig außer Acht gelassen worden, so dass sich Bornemann mehr als einmal fragte, wie er die ganzen Worte überhaupt in der Musik unterbringen und dabei noch Platz für die Melodie finden sollte.\nAm Ende klappte es dann aber doch irgendwie und schließlich stand "Ocean" fertig in den Plattenläden. Ein abermals meisterhaftes Konzeptwerk, bestehend aus nur vier, dafür allerdings überlangen Songs (zwei pro Seite). Die Verkaufszahlen erreichten sensationelle Höhen, bis heute ist "Ocean" das meistverkaufte und beliebteste Eloy-Album überhaupt. Die Zahlen jonglieren irgendwo um 200.000 Exemplare herum, die über die Ladentheken gingen. Die Konzerte waren ebenfalls ausverkauft.\nUnd genau zu diesem Zeitpunkt setzte die vernichtende Häme der in Lauerstellung liegenden Musikjournaille ein. Kübelweise Häßlichkeiten wurden über der Band ausgekippt. Man zog sich an allem hoch, was vermeintlich Angriffsfläche bot: An der Musik ("Pink Floyd für Arme" etc.), an Bornemanns muttersprachlich gefärbtem (D)Englisch und seinem angeblich schlechten Gesang, an Rosenthals scheinbar verquasten Lyrics ("Rosenthal textet im Courths-Mahler-Stil" bla bla...) - nichts wurde ausgelassen, um die Band unter der Gürtellinie fertigzumachen. Selbst der ehrwürdige Peter Rüchel lehnte die Band für seine Sendung "Rockpalast" mit den Worten "Solange der Rosenthal solche bescheuerten Texte schreibt, kommt mir die Band nicht in die Sendung !" ab.\nZunächst versuchten Eloy zwar, das alles an sich abprallen zu lassen, aber natürlich ärgerte der ungerechtfertigte Dauerbeschuss die Band doch immer mehr und setzte ihr im Laufe der Zeit zu.\nVor allem die Diskrepanz zwischen kommerziellem Erfolg bei den Fans auf der einen Seite und einer breiten ablehnenden Front aus einheimischen Musikjournalisten auf der anderen Seite machte den Musikern schwer zu schaffen. Dabei spielte es kaum eine Rolle, dass man sich damit trösten konnte, dass die Journalisten, die das Sprachrohr waren, größtenteils aus frustrierten und gescheiterten ex-Musikern bestanden, die einer (noch dazu deutschen) Band ihren Erfolg nicht gönnten und deswegen blindlings draufhauten. Es war einfach gemein und unfair, vor allem auch total an den Haaren herbeigezogen.\nEloy waren seinerzeit übrigens eine der erfolgreichsten Rockbands in Deutschland überhaupt. Noch erfolgreicher als die Scorpions wohlgemerkt, denn die schafften ihren Durchbruch erst mit "Lovedrive" zwei Jahre später.\nUm die Zeit zum nächsten Studioalbum zu überbrücken und zudem den Kritikern ein wenig den Wind aus den Segeln zu nehmen, entschied man sich, auf der "Ocean"-Tour ein Livealbum mitzuschneiden. Der ursprüngliche Gedanke, für eine Show ein mobiles Tonstudio anrollen zu lassen, was sicherlich die beste Lösung gewesen wäre, wurde schnell wieder fallengelassen. Die EMi machte Kostengründe geltend, was der Band durchaus plausibel erschien. Stattdessen schlug man vor, der Band eine 24-Spur-Maschine aus den EMi-Studios mitzugeben, die bei jedem Auftritt mitlaufen und so auf günstige Weise große Mengen an Material mitschneiden sollte, die man dann hätte verwenden können.\nLeider gab es von Beginn an technische Probleme und der Tonassistent, der mit den Aufnahmen beauftragt worden war, verfügte über keinerlei Erfahrung mit Livekonzerten und erwies sich als völlig unfähig. Der Höhepunkt des Übels bestand jedoch in Störgeräuschen, die von den mächtigen Scheinwerfern über der Bühne ausgelöst wurden, weil sie bei jeder Schwenkbewegung unerträgliche Brummgeräusche und andere Störfrequenzen in die Audioleitungen schickten. Damit waren ungefähr 80% aller mitgeschnittenen Liveaufnahmen am Ende unbrauchbar und die Band konnte aus den wenigen verwendbaren Fetzen mühsam das Album zusammenstückeln.\nZunächst überlegte man, ganz von der Veröffentlichung eines Livealbums abzusehen, aber das wäre Wasser auf die Mühlen der hechelnden Kritikermeute gewesen, ganz nach dem Motto: "Sehr her, Eloy sind sogar zu blöd um ein Livealbum aufzunehmen !". Auch ein Extrakonzert zu geben, um die Aufnahmen in vernünftiger Qualität nachzuholen, schien eine Option. Davon mußte man aber Abstand nehmen, weil die Tourcrew bereits mit anderen Bands unterwegs und über die halbe Welt verstreut war und sich das gesamte Bühnenequipment ebenfalls längst auf anderen Bühnen im Einsatz befand. Das wäre alleine zeitlich und logistisch nicht mehr in einem angemessenen Rahmen koordinierbar gewesen. Die komplette Produktion hätte von Grund auf neu konzipiert werden müssen, ein Ding der Unmöglichkeit.\nAußerdem war das Album bereits in der ZDF-Sendung "Rockpop" angekündigt worden, also mußte man jetzt handeln und irgendwie zusehen, den Schaden halbwegs in Grenzen zu halten und das beste draus zu machen. Und so wurde dann eben notgedrungen aus den wenigen brauchbaren Mitschnitten das "Eloy Live"-Album zusammengestellt, dem man allerdings durchaus - trotz aller Widrigkeiten bei der Entstehung und trotz der Tatsache, dass es nur zusammengeschnitten ist - ein magisches Feeling nachsagen kann. Auch wenn Frank Bornemann das bis heute anders sieht.\nUm die Stimmung, die in der Band ein bißchen angeschlagen und gereizt war, wieder aufzuheitern, beschloß man, sich mit dem nächsten Studioalbum "Silent Cries And Mighty Echoes" zu beschäftigen. Vor allem die Probleme zwischen Rosenthal und Bornemann hatten zwischenzeitlich jedoch merklich zugenommen und das hatte diverse Gründe.\nSpannungen hat es bei Eloy bekanntermaßen immer wieder mal gegeben. In diesem Fall hatte sich das über längere Zeiträume so aufgestaut, dass die Band schließlich in zwei Fraktionen (Bornemann / Matziol auf der einen Seite und Rosenthal / Schmidtchen auf der anderen) zerfiel.\nDa es sich nun auch um sehr starke, individuelle und kreativ getriebene Persönlichkeiten mit unterschiedlichen Temperamenten handelt, ist eine gewisse Reibung ja sowieso normal.\nHier war es nun aber konkret so, dass Rosenthal inzwischen nicht mehr mit Bornemann konnte, weil der immer öfter was an den inhaltlichen Szenarien von Rosenthals Texten auszusetzen hatte, der auch für das neue Album wieder die textliche Arbeit übernommen hatte.\nRosenthals Visionen waren Bornemann einfach zu apokalyptisch und düster. Er wollte eher eine optimistische Message und positive Vibrations rüberbringen und stand daher nicht hundertprozentig hinter dem, was ihm Rosenthal da vorsetzte. Am Anfang ging das wie an früherer Stelle erwähnt noch. Zu "Dawn"-"/"Ocean"-Zeiten war Bornemann ja auch zunächst froh und dankbar, einen fähigen Texter mit Anspruch in der Band zu haben, der ihn beim Schreiben der Texte entlastete.\nAber mit der Zeit gingen ihm Rosenthals Ansätze zunehmend auf die Nerven, zumal dieser wie gesagt äußerst literarisch vorging und in seinen nicht enden wollenden Wortschwällen überhaupt keine Rücksicht drauf nahm, ob sich das dann auch phonetisch und rhythmisch zur Musik und den Melodien passend umsetzen ließ, was Bornemann beim Einsingen vor erhebliche Probleme stellte.\nRosenthal wiederum wollte sich aber in seiner kreativen Freiheit keinesfalls einschränken lassen und lehnte es rigoros ab, Bornemann bezüglich besserer Singbarkeit und weniger dystopischer Inhalte der Texte entgegenzukommen. Er empfand die Kritik als unangebrachte Einmischung. Daraus entbrannte dann irgendwann ein richtiger Führungsstreit über die Ausrichtung der Band zwischen den beiden, bei dem Rosenthal den kürzeren zog, wie wir alle wissen.\nBei Schmidtchen hingegen sah es so aus, dass er sich, nachdem er seine Fähigkeiten an den Synthesizern autodidaktisch im Laufe der Jahre deutlich ausgebaut hatte, immer stärker kreativ ausleben und nicht von Bornemann in seiner Ausdrucksweise künstlerisch beschneiden lassen wollte.\nAls dritter Punkt kam dann die Sache mit dem bandeigenen Studio (dem Horus Sound) hinzu, die Bornemann angeschoben hatte und die ihn gerade in der anfänglichen Planungsphase auch zeitlich sehr in Beschlag nahm. Demzufolge hatte er dann oft weniger Zeit für die Band, was teilweise nicht gut ankam, weil die Band bisweilen ohne ihn an neuem Material arbeiten mußte oder er nur mal kurz für ein, zwei Stunden reinschneite, sich die neuen Ideen anhörte, kurz was dazu sagte und wieder verschwand.\nEigentlich sollten alle Bandmitglieder Anteilseigner dieses Studios sein, quasi jeder ein Direktor mit eigener Kapitaleinlage und eigenem Schreibtisch. Die Idee dahinter war in erster Linie eine Absicherung für die Zukunft (man konnte schließlich andere Bands dort produzieren und damit Geld verdienen, was eine existenzsichernde Maßnahme außerhalb von Eloy bedeutete) sowie Unabhängigkeit vom Label und die Möglichkeit, jederzeit nach eigenem Gusto und ohne Kosten- oder Zeitdruck an Eloy-Musik dort arbeiten zu können.\nAußerdem hätten alle Bandmitglieder Freiräume für eigene Projekte dort gehabt - denn so hätte jeder Ideen, die nicht zu Eloy passen, beispielsweise in einem Soloalbum ausleben und dieses eben im eigenen Studio aufnehmen können, ganz ohne Streß. Was wiederum der Band, so der Gedanke, zugutekommen würde, weil dann jeder zufrieden wäre und sich keiner in seiner Kreativität behindert fühlen würde.\nAnfangs waren auch alle sehr angetan von der Idee, aber irgendwann schmissen Rosenthal und Schmidtchen die Brocken hin mit der Begründung, keine Geschäftsmänner werden zu wollen. Womit Bornemann und Matziol dann plötzlich alleine auf den Kosten saßen, was natürlich erhebliche Schwierigkeiten verursachte. Zumindest Rosenthal hat seine Entscheidung, Eloy und alles drumherum damals so vorschnell über den Haufen geworfen zu haben, später ziemlich bereut.\nDie Entstehung von "Silent Cries..." stand also von Anfang unter keinem guten Stern und im Prinzip war das Ende dieser Besetzung bereits abzusehen. Um wieder Entspannung und etwas Ruhe in die Sache reinzukriegen, mietete man sich an der Normandieküste in Frankreich ein Haus, um gemeinsam dort zu wohnen und das Album vorzubereiten, Ideen auszuarbeiten usw. Also ähnlich, wie man es bereits bei "Floating" mit der alten Besetzung erfolgreich gemacht hatte. Nur funktionierte es diesmal nicht.\nDie ersten Tage schien es noch ganz gut zu gehen. Man hatte die Instrumente im zentralen Wohnraum vor dem Kamin aufgebaut und ließ der Kreativität freien Lauf, so dass bereits einige gute Ideen und Einfälle zusammenkamen. Rosenthal zog sich allerdings erneut ziemlich schnell zurück um alleine an seinen Texten zu arbeiten, wanderte oft stundenlang die Steilküste entlang, während die anderen Bandmitglieder im Haus an ihren Ideen schraubten oder einfach Skat spielten.\nEs gab erneute Diskussionen und hitzige Streitereien, gerade auch bezüglich der inhaltlichen Auslegung des künftigen Albums, die sich rasch aufbauschten. Am Ende knallte es dann dermaßen zwischen Rosenthal und Bornemann, dass letzterer sich mitten in der Nacht mit Matziol ins Auto setzte und von ihm nach Paris zum Flughafen bringen ließ, um von dort alleine zurück nach Hannover zu fliegen. Die anderen Drei kamen dann später mit dem Auto nachgereist.\nIrgendwie raufte man sich aber ein paar Wochen später doch zusammen und schaffte es, das Album fertig auszuarbeiten und aufzunehmen (erneut bei Georgi Nedeltschev, dessen musikalisches Verständnis und magische Hände in Punkto Klangbearbeitung ihn bereits zu einer fast unverzichtbaren Person im engeren Umfeld der Band gemacht hatten). Aber der Wurm war einfach drin. Was man erstaunlicherweise der Scheibe überhaupt nicht anhört, muß man voller Anerkennung dazu anmerken. Irgendwie hatte es jeder geschafft, ein letztes Mal alles zu geben um ein gutes Resultat zu erzielen.\n"Silent Cries..." ist abermals ein grandioses Album geworden, vom Gitarrenspiel sicherlich das Pink Floyd-lastigste aller Eloy-Werke (man höre nur "The Apocalypse"...), aber nichtsdestotrotz ganz großes Kino. Von der Stimmung her "Ocean" auch nicht unähnlich, allerdings insgesamt etwas griffiger und rockiger. Anschließend war die Luft aber endgültig raus, im Prinzip liefen Eloy danach in alle Himmelsrichtungen auseinander.\nTrotzdem sollte es eine Tournee zum Album geben und für diese verstärkte man sich auf Bornemanns Wunsch hin mit einem zusätzlichen Gitarristen, nämlich Hannes Arkona, der Bornemann auf der Bühne entlasten und zusätzliche Freiräume ermöglichen sollte. Hannes dachte natürlich, er käme in eine funktionierende und intakte Band, aber in Wirklichkeit erlebte er das Ende dieses Line-Ups, denn nach nur wenigen Konzerten in Frankreich (die einzigen Auftritte in der Quintettbesetzung Bornemann / Matziol / Arkona / Schmidtchen / Rosenthal) verließen Rosenthal und Schmidtchen, die zu den Konzerten bereits in einem separaten PKW anreisten, Eloy. Und das war es dann erst mal.\nDanach wollten die beiden ihr eigenes Projekt Ego On The Rocks auf die Beine stellen und dachten wohl, das würde ein Selbstläufer werden, aber das wurde es dann ja leider nicht. Obwohl die einzige Scheibe wirklich gut ist.\nUnd abermals waren Eloy an einem Scheidepunkt ihrer Karriere angelangt. Nur mit dem Unterschied zum vorherigen Mal, dass Frank Bornemann diesmal nicht völlig alleine zurückgeblieben war, sondern Klaus-Peter Matziol an seiner Seite hatte. Und auch Neuzugang Hannes Arkona hatte sein Interesse bekundet, mit Eloy weitermachen zu wollen. Und wie es dann weiterging, erfahrt Ihr im dritten Teil...\n(Sitzend: Rosenthal, Bornemann, Matziol. Hinten stehend: Schmidtchen)\nBeitrag: # 49867Beitrag Vertigo\nWieder sehr interessant! Dankeschön!\nIch kann Rosenthal verstehen, dass er sich nicht in die Aussage seiner Texte reinreden lassen wollte. Wenn ich als Schreiber etwas nun mal so oder so sehe, kann ich nicht auf Wunsch das ganz anders sehen. Also etwas, das ich negativ empfinde auf einmal positiv darstellen. Doch bzgl. der Singbarkeit der Texte hatte Bornemann absolut recht. Rosenthal vergaß vor lauter Freude am Thema, dass er kein Buch oder Essay oder etwas dergleichen schreiben sollte, sondern Texte für ne Rockband. Der Sänger ist am Ende der Depp, wenn er in der Musik keinen Platz findet die Masse an Text unterzubringen in den Songs.\nDas hatte am Anfang für mich auf der "Ocean" gehakt, ist aber längst eines der Markenzeichen dieses Albums geworden. Viel zu viel anspruchsvoller Text, den Bornemann aber doch irgendwie unterbrachte. Doch klar, dass Bornemann das nicht noch einmal und noch einmal hätte mitmachen wollen, kann man nachvollziehen.\nSicher spielte, bewusst oder unbewusst, auch die Kritik Peter Rüchels da ebenso mit ne Rolle. Da war vermutlich das Gefühl bei Bornemann da "wegen diesen blöden esoterischen Texten, haben wir keine Chance im Rockpalast aufzutreten", was ja enorm wichtig gewesen wäre damals. Auch sowas kann innerlich Ärger aufbauen und hat es hier auch wohl.\nJürgen Rosenthal gebührt aber der Verdienst, mir die "Säulen des Herakles" vorgestellt zu haben. Der Moment wo Bornemann "the columns of Iracles" singt ist immer wieder ein besonderer für mich. Danach hatte ich mich damals per Buch über griechische Sagen schlau gemacht, von was Rosenthal denn da singt.\nBeitrag: # 49870Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nUnd da sage noch mal einer, Rockmusik wäre bildungsfern.\nIm Ernst, ich fand seine Texte immer grandios. So tief, wie Rosenthal sich in die Materie jedesmal reingekniet hat, das machen doch nur wenige. Egal ob man mit der Aussage jetzt was anfangen kann oder nicht, es zeigt aber, da hat sich jemand tiefgreifende Gedanken zu einem Thema gemacht.\nDeswegen hat mich die despektierliche Aussage von Rüchel auch immer ein wenig gestört. Zumal die Band so viele Fans damals hatte, der Rockpalast wäre aus allen Nähten geplatzt, das wäre DER Knaller gewesen. Ich würde gerne mal wissen, ob er heute immer noch der gleichen Meinung ist wie damals.\nBei den Texten gibts doch auch diese schöne Anekdote um den Prolog vom "Sun-Song", der von einem dieser bornierten Kritikertrottel in völliger Unkenntnis als "bierernste Verse" abgetan wurde, dabei stammten die Zeilen von Arthur Rimbaud. Das ist doch mehr als peinlich.\nRosenthal sieht das heute übrigens selber ein, dass seine Texte eine harte Nuss für Bornemann waren und ihn vor große Herausforderungen stellten, weil sie eigentlich nicht singbar waren.\nBeitrag: # 49880Beitrag nixe\nIch bin geplättet, nur vom Lesen!\nSoviel stand doch garnicht in den Booklets der remastered Versionen!\nÄußerst informativ! THX!\nBeitrag: # 49881Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nEloy Pt.3: Neustart, Irrwege, Auflösung\nNachdem das Erfolgs-Line up mit Schmidtchen und Rosenthal nun also ebenfalls komplett an die Wand gecrasht war, sah Bornemann sich zum zweiten Mal in seiner Karriere gezwungen, einen Neustart hinzulegen. Da zumindest Klaus-Peter Matziol und auch Neuzugang Hannes Arkona aber weiterhin an seiner Seite blieben, war er diesmal nicht ganz auf sich alleine gestellt.\nObwohl sich Bornemann durchaus gute Chancen ausrechnete, die Band mit neuen und hungrigen Musikern wieder adäquat bestücken zu können, sah er sich natürlich mit der Tatsache konfrontiert, dass Schmidtchen und Rosenthal in den wenigen Jahren die sie bei Eloy gespielt hatten, riesige Fußabdrücke hinterlassen hatten und deren Nachfolger, so gut sie auch sein mochten, bis auf weiteres in deren Schatten stehen und daran gemessen würden.\nIn besonderem Maße galt das für denjenigen, der den charismatischen Jürgen Rosenthal beerben würde, denn dieser war bei den Fans ausgesprochen beliebt gewesen. Die neuen würden es also sicherlich nicht einfach haben und ihren Platz in der Band und die Anerkennung bei den Fans erst mühsam erkämpfen müssen.\nNachdem zahlreiche Drummer bei den anberaumten Auditions vorgespielt hatten, entschied man sich schließlich für den gebürtigen Schotten Jim McGilivray, ehemals bei den Kollegen von Epitaph in Lohn und Brot, der zuvor bereits zum engeren Freundeskreis der Band gehört hatte. Nicht von der Hand zu weisen war dabei allerdings der Umstand, dass dem Schlagwerker in der Szene der Ruf einer etwas schwierigen und eigenwilligen Persönlichkeit vorauseilte, was sich dann später auch bewahrheitete. Aber dazu komme ich noch.\nTechnisch war Jim im Gegensatz zu Jürgen, dessen "rollenden" Drums von vielen rhythmischen und perkussiven Facetten und Feinheiten geprägt waren, eher ein gradliniger Drummer und eine zuverlässige Groovemaschine.\nDer Drummer war somit schnell gefunden, aber die Besetzung des Keyboardpostens stellte sich als schwieriger heraus. Es wurden diverse Musiker angetestet, darunter bekannte Leute wie Matthias Ulmer von Anyone´ s Daughter, der extra von Stuttgart nach Hannover zum Vorspielen anreiste.\nDann gab es einen Versuch, Manfred Wieczorke zurück in die Band zu lotsen, der nach seinem Ausstieg bei Jane und dem anschließenden Scheitern seines vielversprechend begonnenen Bandprojektes Firehorse gerade ohne Beschäftigung war. Manfred absolvierte genau eine Probe mit Eloy, lehnte die Offerte anschließend aber ab, obwohl er mit offenen Armen aufgenommen worden wäre. Der Grund für seine Weigerung lag in der Person Jim McGilivrays, welcher nach Manfreds Ansicht merkwürdige Vibes verbreitete, die ihm nicht gefielen und nicht gerade zu seinem Wohlgefühl beitrugen. Die Chemie stimmte einfach nicht.\nAllerdings stammen einige wenige Keyboardanteile des Songs "Child Migration", den Eloy 1980 anläßlich des "Jahr des Kindes" aufnahmen, von Manfred. Freilich hat diese frühe Version des Songs aber nichts mit der späteren Ausführung zu tun, die dann auf dem Album "Colours" landete. Es sind quasi zwei verschiedene Stücke.\nJedenfalls war die Lücke hinter dem Keyboard immer noch nicht geschlossen worden, als Hannes Arkona eines Abends plötzlich mit seinem etwas jüngeren Kumpel Hannes Folberth im Schlepptau im Proberaum auftauchte. Die beiden kannten sich gut, hatten bereits Anfang der 70er Jahre gemeinsam Musik gemacht bei Bands wie Skarabäus und hatten seitdem immer wieder in unregelmäßigen Abständen musikalisch miteinander zu tun gehabt.\nFrank Bornemann war allerdings zunächst etwas skeptisch, weil der Leumund Hannes Folberths mit gewissen Makeln behaftet war. So galt dieser zwar als ausgezeichneter und hochtalentierter Musiker, allerdings auch als unzuverlässig und Drogen gegenüber nicht abgeneigt. Dennoch beschloß Bornemann, Folberth eine Chance zu geben und war auf der Stelle ziemlich begeistert, denn Folberth konnte sich auf Anhieb in die Musik Eloys einfühlen und alles spielen, was man von ihm erwartete.\nIm Vergleich zu Schmidtchen und Wieczorke war Folberth der erste Keyboarder bei Eloy, der gelernter Pianist und von der Pike auf an seinem Instrument ausgebildet worden war, mit allem Drum und Dran und Spielfähigkeiten, die rein technisch weit über denen seiner beiden Vorgänger lagen. Und aufgrund seines noch eher jugendlichen Alters - er war gerade mal 21 - schien er noch formbar zu sein, was Bornemann durchaus gefiel, auch wenn er in der Folgezeit erkennen mußte, dass Folberth durchaus einen eigenen Kopf besaß, den er zuweilen auch durchsetzte.\nDas erste, was Folberth bei Eloy jedoch als Grundvoraussetzung zu lernen hatte, war ein Gespür für die Schwingungen der Musik. Nicht jedes vermeintliche Soundloch mußte sofort virtuos zugeknödelt werden - wozu Pianisten im Allgemeinen gerne neigen - nein, einfach auch mal einen Ton lange zu halten und eine bestimmte Stimmung zu erzeugen, darauf kam es an. Aber mit der Zeit schaffte Hannes es, das Verständnis dafür zu entwickeln und diesem Anspruch gerecht zu werden, dabei aber trotzdem neue, eigenständige Akzente zu setzen, die sich harmonisch in das Eloy´sche Klanguniversum einzufügen vermochten.\nEloy standen wieder kerzengerade in der Tür, neu aufgestellt mit einem routinierten Schlagwerker und einem grandiosen Talent an den Keyboardtürmen, bereit, den bisherigen Siegeszug fortzusetzen !\nJetzt galt es mit eigenen Werken die Kreativität der neuen Besetzung unter Beweis zu stellen, ohne dabei die bisherige künstlerische Identität aufs Spiel zu setzen.\nSeit Frühjahr 1980 war die Band wieder komplett, für den Herbst war die nächste Albumveröffentlichung angedacht. Nicht viel Zeit, um ein überzeugendes Ergebnis abzuliefern und die durch den Zerfall der alten Besetzung verunsicherten und irritierten Fans zu beruhigen.\nObwohl sich Frank Bornemann liebend gerne erneut an ein komplexes Konzeptwerk gemacht hätte, war klar, dass dieses aufgrund des eng gesteckten Zeitplanes nicht mehr realisierbar sein würde. Also beschloß man, starke Einzelsongs ohne inhaltlichen oder musikalischen Zusammenhang aufzunehmen. Stücke, die den hochmotivierten, vor Kreativität innerlich schier zerberstenden Musikern einfach so gefielen, die aber nicht so viel Kopfarbeit erforderten wie ein wie auch immer geartetes Konzept. Zudem arbeitete man erstmals im nigelnagelneuen, bandeigenen Horus Sound-Studio und nicht mehr bei Georgi Nedeltschev im "Studio N".\nVorteilhaft war in dieser zeitlich knappen Situation, dass mit Jim McGilivray abermals ein Schlagzeuger zur Verfügung stand, der sich aufs Texten verstand und zudem als gebürtiger Engländer einen klaren sprachlichen Vorteil mit sich brachte, was sicheres Formulieren anging. McGilivrays Texte folgten zwar nicht dem inhaltlichen Anspruch eines Jürgen Rosenthal und waren für Frank Bornemann als zeitsparendes Mittel zum Zweck auch eher eine Übergangslösung, kamen aber in dieser Situation überaus gelegen und wurden daher stillschweigend akzeptiert.\nZudem waren die Wortkreationen McGilivrays weitaus besser phonetisch umsetzbar und deutlich singbarer, als die sperrigen Texte von Rosenthal, die viel Kopfzerbrechen bereitet hatten.\nAls "Colours" schließlich im Herbst 1980 in die Läden kam, fanden die Fans ein sehr inspiriertes Album vor, mit dem die neue Besetzung gleich mal eine eindrucksvolle Visitenkarte hinterlassen hatte. Auffällig war dabei, dass es zwar durchaus als typisches Eloy-Album erkennbar war und auch durchaus einen gewissen symphonischen Ansatz besaß, sich aber von den ausladenden, schwelgerischen Epen der Vergangenheit ein ganzes Stück gelöst hatte und alles kompakter, straffer arrangiert auf den Punkt brachte. Das Album klang so gesehen frischer, ohne aber die liebgewonnenen Eloy-Trademarks komplett über Bord zu schmeißen.\nEs gab weiterhin ausgiebige Synthesizerkaskaden, aber auch Pianoklänge oder flötenartige Sounds tauchten auf. Die Songs waren insgesamt, wie schon angedeutet, deutlich kürzer und griffiger. Man überraschte mit teilweise unerwartet harten Gitarrenriffs (die neue Version von "Child Migration" beispielsweise), die aber in ihrer Kontrastwirkung zu den wie immer sehr schön perlenden Melodien und den Synthiesounds ungeheuer effektiv in der Wirkung waren und der Musik eine zusätzliche Klangfarbe verliehen, die der Band ausgesprochen gut zu Gesicht stand.\nVor allem eine Sache war der entscheidende Faktor, der zum Gelingen des Albums beitrug: Die Kompositionen waren durch die Bank ausgereift und erstklassig, obwohl sie in so kurzer Zeit entstanden waren. Es gibt kaum einen schwachen oder verzichtbaren Ton auf dem Album, die Songs überzeugen durch die Bank alle mehr oder weniger. Besondere Highlights wären Stücke wie "Illuminations", das treibende "Silhouette" oder das von einem wunderbaren, spacig blubbernden Synthie eingeleitete, eher schleppende "Giant".\nVon daher läßt sich sagen, dass "Colours" zwar teilweise etwas anders, aber nicht schlechter war, qualitativ nahtlos an die 70er-Großtaten anschließen konnte und Eloy gleichzeitig fit machte für das angebrochene neue Jahrzehnt.\nDie Verkaufszahlen der LP und auch die Ticketverkäufe bei den Konzerten blieben auf hohem Niveau, konnten allerdings nicht mehr ganz die herausragenden Ergebnisse von "Silent Cries And MIghty Echoes" oder "Ocean" erreichen, wofür man allerdings auch eine allgemeine seinerzeitige Rezession auf dem Tonträgermarkt mitverantwortlich machte, die auch andere Künstler betraf.\nDie Reaktionen auf das Album fielen allerdings allgemein positiv aus, auch wenn manche Fans ein wenig bedauerten, dass die Band von ausladenden Mammut-Epen wie in der Vergangenheit etwas Abstand genommen hatte und auf "Colours" mehr auf den Punkt gebracht agierte. Dennoch wurde die Scheibe überwiegend gut aufgenommen, selbst die gehässigen Kommentare von den verhassten Musikkritikern blieben diesmal weitgehend aus und gelegentlich schwang sich der eine oder andere von ihnen sogar zu verhalten anerkennenden Worten auf.\nDa nun die 80er Jahre begonnen hatten, gab es für Musiker ein Thema, das gerade besonders im Kommen war: Videos. Diesem neuen Promotion-Instrument galt es fortan erhöhte Aufmerksamkeit zu schenken. Auch Eloy fanden Gefallen an dem Gedanken, einen oder zwei Titel visuell umzusetzen. Und so fackelte man nicht lange und schlug im Studio des befreundeten Klaus Schulze (ja, DER Klaus Schulze...) in der Nähe von Celle auf. Videoproduzenten gab es zu dieser Zeit noch nicht viele, aber Klaus experimentierte bereits seit geraumer Zeit mit dem neuen Medium herum und wollte sich mit Musikvideoproduktionen ein zweites Standbein schaffen. Also bot er der Band an, zwei ihrer Stücke zu visualisieren.\nDafür wählte man "Illuminations" und "Silhouette" aus, für die dann mit aus heutiger Sicht einfachen, wenn nicht gar primitiven Mitteln zwei recht interessante und irgendwie aufgrund ihrer schlichten Umsetzung auch rührende Videoclips entstanden, von denen primär der von "Silhouette" im Gedächtnis geblieben ist, weil er die Band als Schattenfiguren vor einer weißen Leinwand zeigt, während Bornemann als Ciown geschminkt die Rolle des Erzählers übernimmt. Allerdings gestalteten sich die Arbeiten an den Videos aufgrund des Alkoholkonsums von Klaus Schulze zeitweilig etwas zäh, wie Bornemann in einem späteren Interview anmerkte...\nLeider hatte jedoch die Fernsehwelt nicht unbedingt auf ein Video von Eloy gewartet und auch bei der Plattenfirma nahm man die Aktion eher mit Stirnrunzeln zur Kenntnis, genauer gesagt konnten die Verantwortlichen des Labels überhaupt nichts mit den Filmchen anfangen. Dafür klatschten sie der Band aber eine umso bahnbrechendere Idee auf den Tisch: Man wollte von Eloy unbedingt eine kommerzielle Single haben, die man entsprechend vermarkten könnte, um den geänderten Anforderungen des Tonträgermarktes, insbesondere im Angesicht der heraufziehenden Neuen Deutschen Welle, Rechnung tragen zu können. Radio-Airplay inbegriffen. Offenbar hatte das Label übersehen, dass Eloy absolut keine Single-Band sind und die Musiker, die sich selbstredend als klassische Album-Band betrachteten, waren natürlich auch alles andere als begeistert von diesem Gedanken.\nDennoch ließ man sich breitschlagen und versuchte nun also auf Wunsch der Plattenfirma, die bereits von einem großen Hit träumte, mit "Wings Of Vision" eine gefällige Single abzuliefern, die natürlich in keinster Weise repräsentativ für das sonstige Schaffen der Band war. EMi brachte das Lied als 7"-Single und 12"-Maxi-Single auf den Markt, aber es ist vermutlich überflüssig zu erwähnen, dass aus dem großen Erfolg nichts wurde, denn fürs Radio waren Eloy auch weiterhin kein Thema und die treuen Eloy-Fans irritierte die Single höchstens etwas, interessierte ansonsten aber nicht weiter. Somit wurde also auch dieses Kapitel schnell wieder zu den Akten gelegt.\nUnterm Strich konnte die Band nach dem Zusammenbruch der Rosenthal-/Schmidtchen-Besetzung, der erfolgreichen Wiederauferstehung im neuen Line-Up, einem gelungenen Album und einer insgesamt recht gut laufenden Tour also optimistisch in die Zukunft blicken und sich weiterhin im vorderen Feld der deutschen Rockszene bestätigt sehen.\nEine unangenehme Sache gab es in diesen aufregenden Tagen allerdings doch, denn der seit "Dawn" für die Band erfolgreich tätige Manager Bernd Gukelberger, der den Musikern auch freundschaftlich verbunden war, legte seine Tätigkeit aus gesundheitlichen Gründen nieder. Der Streß der vergangenen Jahre hatte ihn zunehmend aus der Bahn geworfen und an seiner Substanz gezehrt, also zog er die Notbremse. Als Ersatz ließ man sich auf den völlig unerfahrenen Wolfgang Rott ein, der extra für die Band seinen sicheren Job im öffentlichen Dienst kündigte und auch ein netter Kerl war, jedoch von Tuten und Blasen keine Ahnung hatte. Der Mann war völlig überfordert mit seinen Aufgaben, doch zu diesem Zeitpunkt glaubte man noch, es würde sich mit der Zeit alles auf dem richtigen Niveau einpegeln.\nDie "Colours"-Tourneen führten die Band auch ins Ausland, u.a. in die Schweiz und nach Frankreich, was aber sogleich in einem finanziellen Desaster resultierte, da dieser Trip aufgrund eines Vertragsfehlers von Wolfgang Rott mit einem sechsstelligen Minus endete. Als Ausgleich und Motivationsbringer für den Bandfrieden gab es dafür Anfang 1981 ein paar ausverkaufte, finanziell sehr lohnenswerte Konzerte in Griechenland, wo die Bandmitglieder zu ihrer eigenen Überraschung wie absolute Superstars empfangen wurden, mit dicken Limousinen und Bodyguards für jeden Musiker. Sowas wäre in Deutschland undenkbar gewesen.\nGleichzeitig begannen sich am Horizont allerdings erneut dunkle Wolken abzuzeichnen, denn mit Jim McGilivray machte sich ein internes Problem zunehmend bemerkbar. Er kam bei den Fans nicht gut an, die ihn, obwohl er ohne Frage ein guter Musiker war, als eher farblosen Fremdkörper in der Band wahrnahmen. Jim hatte weder das Charisma von Rosenthal, noch besaß er die Persönlichkeit von Fritz Randow. Außerdem stand er mit dem Herzen nicht hinter der Musik von Eloy und erfüllte seinen Dienst eher nach Vorschrift, als mit Leidenschaft. Das führte zu einer zunehmenden Unzufriedenheit auf allen Seiten und zu angespannter Stimmung in der Band.\nWährend die übrigen Mitglieder immer mehr zusammenwuchsen, entwickelte sich der Drummer immer stärker zum Außenseiter. Es mangelte ihm zunehmend an Zuverlässigkeit und Loyalität gegenüber der Band und als er während der Aufnahmen zum folgenden Album "Planets" auch noch unvorbereitet ins Studio kam, schlechte Leistungen zeigte und einen gänzlich unmotivierten Eindruck hinterließ, war die Trennung beschlossene Sache. Laut Bornemann ist McGilivray das einzige Eloy-Mitglied, das regelrecht gefeuert werden mußte.\nBeitrag: # 49886Beitrag Vertigo\nRockmusik war für mich noch nie bildungsfern. So manchen Themen hab ich mich genähert, nachdem irgendne Band drüber gesungen hatte. Haben die Kritiker selber wohl nie so gemacht, für sowas ist man sich ja zu schade und außerdem weiß man eh alles.\nIch mochte Rosenthals Texte auch immer und fand das auch toll, dass er sich da so reingekniet hatte. Was Rüchel heute dazu meint würde mich auch interessieren, denn das war schon respektlos und dumm obendrein. Als ob all die englischen und amerikanischen Bands die im Rockpalast spielten immer wahnsinnig gute Texte gehabt hätten. Aber sie waren halt nicht deutsch und allein das reichte ja um es gut zu finden. Deutsche Rockmusik wurde ja von Deutschen am meisten abgelehnt.\nMit dem Intro zum "Sun Song" auf dem Livealbum hat Rosenthal übrigens mir gleich noch eine Tür geöffnet, die zur Lyrik. Ich hatte mich vorher nie damit beschäftigt, war aber von dieser Poesie vor dem eh schon schönen "Sun Song" zutiefst angetan. Hatte keinen Schimmer wer Arthur Rimbaud war, aber wollte mehr davon. Auf dem Ego On The Rocks Album gibts ja dann nochmal ein vertontes Rimbaud Gedicht, Rosenthal war da wohl ein regelrechter Fan vermute ich. Jedenfalls steht (nicht nur) Lyrik von Rimbaud heutzutage in meinem Regal und wird ab und an rausgeholt wenn mir danach ist. Die Anekdote, dass ein Kritiker das für Geschwurbel von Rosenthal hielt kenn ich auch, da muß ich immer noch grinsen, weil ich mir denke wie sich der Trottel wohl gefühlt hatte, als ihm das irgendwer mal klargemacht hatte.\nBeitrag: # 49894Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nNa ja, ich bin halt ziemlicher Eloy-Fan....da sammelt man schon über die Jahre einiges zusammen.\nDas eine oder andere Zitat stammt von den Interviews zur "Legacy Box", der Rest grötenteils aus diversen Zeitschriften-Interviews,\ndem Fanzine "Magic Mirror" oder anderen Publikationen.\nBeitrag: # 49907Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nEloy, Pt.3: Neustart, Irrwege, Auflösung (Teil 2)\nNachdem man sich nun also während der bereits angelaufenen Produktion zum nächsten Album "Planets" von Jim McGilivray trennen mußte,\nstellte sich erneut die Frage, wer als geeigneter Kandidat für den Platz hinter dem Drumkit in Frage kommen würde. Schneller als gedacht bot\nsich die Gelegenheit, den bereits von 1972-1975 zur Band gehörenden Fritz Randow erneut für Eloy zu verpflichten, da dessen Engagement bei Epitaph seinerzeit gerade in den letzten Zügen lag und man aufgrund der laufenden Aufnahmen sowieso möglichst wenig Zeit mit der Suche nach einem neuen Mann verplempern wollte.\nDas kommende Album "Planets" bedeutete nach dem kompakt gehaltenen "Colours" einerseits wieder eine Hinwendung zu den symphonischen, ausschweifenden Klängen, welche die Fans von Eloy so liebten. Es handelte sich endlich wieder um ein Konzeptalbum, eine Sci Fi-Geschichte, ganz nach Frank Bornemanns Geschmack.\nAndererseits war aber auch teilweise eine etwas stärkere Poplastigkeit als früher in der Melodieführung erkennbar und die Synthesizerklänge von Hannes Folberth waren spaciger und für damalige Verhältnisse auch moderner, als man es von Detlev Schmidtchen noch im Ohr hatte.\nEloy versuchten, ihre Fans mit einer Verbindung aus altbekannten und neueren Elementen zu erreichen und auf diese Art und Weise den Weg in die 80er Jahre erfolgreich fortzusetzen.\nUrsprünglich war auch "Planets", ähnlich wie schon einst "Power And The Passion", als Doppelalbum geplant gewesen. Doch diesmal war es die Plattenfirma, welche Bornemann riet, lieber zwei kurz hintereinander folgende Einzelscheiben daraus zu machen. Die Band hörte auf diesen\nVorschlag und im Nachhinein war man dann sogar ganz froh, weil es durch das Theater um Jim McGilivray sowieso problematisch geworden wäre,\nwenn man an einem Doppelalbum gewerkelt hätte.\nSo mußte man zunächst nämlich nur ein normales Album fertigstellen und ein neuer Drummer war nicht gleich gezwungen, einen riesigen Berg an Stücken in einem Schwung einspielen zu müssen. Man konnte das bereits vorhandene Material von Jim verwenden, für den Rest wurde zur Komplettierung ein Studiomusiker hinzugezogen und dann kam auch schon Fritz Randow. Und an den zweiten Teil konnte man sich anschließend in aller Ruhe machen.\nAb "Planets" bediente neben Hannes Folberth auch Hannes Arkona zusätzlich zur Gitarre die Synthesizer, was ihn dann auf der Bühne öfter mal zwischen beiden Instrumenten hin-und herwechseln ließ und so ganz neue klangliche Möglichkeiten eröffnete. Die beiden Hannesse ergänzten sich dabei hervorragend.\nObwohl die musikalische und inhaltliche Seite von "Planets" durchaus ansprechend umgesetzt war, zeigte sich Frank Bornemann mit der Produktion unzufrieden. Abgesehen von den Schwierigkeiten mit Jim, die vorübergehend Unruhe reinbrachten, störte sich Bornemann vor allem am Klang seines Gesangs auf dem Album und ist bis heute der Auffassung, dass der verantwortliche Produzent (Jan Nemec) dort schlechte Arbeit verrichtet hat. Auch der erneute Einsatz von Streichern an einigen Stellen des Albums befriedigte Bornemann nicht, weil er die Umsetzung als unter den eigentlichen Möglichkeiten geblieben betrachtete. Akzeptabel zwar, ja, das schon, aber mehr eben auch nicht.\nAus Bornemanns Sicht wäre mehr herauszuholen gewesen, aber das engagierte Streicherensemble stieß wohl relativ schnell an seine Grenzen und für die Ausarbeitung der Arrangements mußte auch jemand anderes gefunden werden, da Wolfgang Maus, der das Ganze schon sehr erfolgreich auf "Dawn" umgesetzt hatte, nicht mehr greifbar war. Insgesamt empfand Bornemann die Aufnahmen von "Planets" als relativ anstrengend und kraftraubend, zumal alles unter einem gewissen Zeitdruck geschah.\nNachdem "Planets" im Spätherbst 1981 endlich auf dem Markt war, machte man sich gleich an die Arbeiten zum Quasi-Zwilling "Time To Turn", der dann bereits wenige Monate später, im Frühjahr 1982, erschien. Mit Fritz Randow war nun auch wieder ein Schlagzeuger in der Band, der sich sofort in den Stil einfinden konnte, dahinterstand und wußte, um was es geht, da er schon einmal zur Band gehört hatte.\nAußerdem war Fritz ähnlich beliebt und anerkannt bei den Fans wie Jürgen Rosenthal. Er spielte zwar anders, vor allem härter als dieser, hatte auch keine lyrischen Ambitionen, war dafür aber ein recht extrovertierter Typ und ein kleiner Showman. So begeisterte er live mit einem eigens ausgedachten, kurzweiligen Schlagzeugsolo und kleineren Kunststückchen - beispielsweise jonglierte er mit den Sticks. Und auch sonst war er ein freundlicher, aufgeschlossener und sympathischer Typ. Das kam einfach gut an.\nDie Harmonie in der Band war wieder hergestellt und so konnte man sich guten Gewissens mit "Time To Turn" beschäftigen. Die stilistische Linie von "Planets", bestehend aus dem geliebten symphonischen Eloy-Bombast und poppigeren Melodien, wurde nahtlos fortgesetzt, wobei "Time To Turn" noch eine Ecke poppiger geriet.\nDie Synthesizerarrangements, mit deren Ausarbeitung die beiden Hannesse sich sehr viel Mühe gaben, waren soundmäßig nun eindeutig in den 80ern angekommen und an dieser Stelle muß ich einwenden, dass es hier und da rein klanglich etwas grenzwertig wurde. Auch die noch etwas gefälligeren Melodien stießen nicht überall auf ungeteilte Gegenliebe.\nErstmals setzte Frank Bornemann auf "Time To Turn" zudem Backgroundsängerinnen ein und da bin zumindest ich der Meinung, dass das nicht unbedingt nötig gewesen wäre, weil die Damen teilweise sehr penetrant rüberkommen und den poppigen Charakter einiger Stücke eher ungut unterstreichen. Leider sah Bornemann das aber anders, so dass die Chanteusen fortan auf fast jedem folgenden Album ebenfalls zum Repertoire gehörten. Na ja.\nTrotzdem gibt es immer noch einige sehr starke bis herausragende Stücke auf dem Album, etwa den Opener "Through A Somber Galaxy", "Magic Mirrors" oder "Behind The Walls Of Imagination".\nVerkaufszahlenmäßig mußten Eloy allerdings zunehmend Einbußen hinnehmen. Die Platten liefen zwar, kamen aber nicht mehr an die Ergebnisse der Hochzeiten heran. Das gleiche galt für die Konzerte, deren Ticketverkäufe deutlich zurückgingen.\nEs war ein Abstieg zu verzeichnen, was auch daran lag, dass Eloy in den Medien kein großes Thema mehr waren, noch nicht mal in negativer Hinsicht wie noch einige Jahre zuvor. Die Band rief einfach kein großes Interesse mehr hervor und galt als gestrig, man stürzte sich lieber auf die Neue Deutsche Welle, Punk und New Wave. Auch Promotionmäßig wurde nicht mehr so viel für Eloy getan.\nZudem war nach dem inkompetenten Wolfgang Rott ein neuer Manager nachgerückt, Jogi Dramm, der zwar mehr von seinem Fach verstand aber trotzdem ein Griff ins Klo war, weil er mit der musikalischen Philosophie von Eloy nichts anfangen konnte und sich auch sonst nicht besonders für seine neuen Schützlinge interessierte. So jemand kann eine Band natürlich nicht weiterbringen.\nSo gingen die Zahlen immer weiter zurück, was natürlich erneut Unzufriedenheit und Diskussionen provozierte. Inzwischen wurden zunehmend auch Stimmen innerhalb der Band laut, die eine veränderte musikalische Ausrichtung forderten, um den Zeichen der neuen Zeit gerecht zu werden. Vor allem Arkona und Folberth verfolgten solche Gedanken und forcierten eine stilistische Modernisierung, Randow und Matziol schlossen sich ihnen an.\nBornemann blieb dagegen eher skeptisch und war nicht überzeugt davon. Zu dieser Zeit war auch sein Verhältnis zum ansonsten loyalen Matziol etwas gestört und angekratzt, man ging sich irgendwie gegenseitig ein wenig auf die Nerven. So wie in einer langjährigen Ehe.\nKlaus-Peter Matziol machte dann 1983 erstmal nebenbei ein Soloalbum, welches "Matze" betitelt und deutschsprachig war. Musikalisch bewegte er sich dort, assistiert von den Eloys Arkona und Folberth, zwischen Rock und Neuer Deutscher Welle. Sogar Jürgen Rosenthal arbeitete als Texter bei zwei Songs mit. Trotzdem wurde die Scheibe kein überragender Erfolg. 1984 folgte eine englische Version davon, die "Run For Cover" hieß und unter dem sinnigen Projektnamen KPM veröffentlicht wurde.\nIn eine ähnliche Richtung tendierte dann auch das folgende Eloy-Album "Performance", welches wieder wegging vom symphonischen Bombast der beiden vorherigen Alben und eine völlig unerwartete Richtung einschlug. Bornemann hatte sich weitgehend rausgehalten und kreativ relativ wenig daran beteiligt, viel mehr die anderen einfach nach ihrem Gusto machen lassen, weil er keine Lust hatte, sinnlos Energie und Kraft für Diskussionen zu verpulvern.\nDie Songs waren wieder sehr kurz und gestrafft auf den Punkt gebracht, hätten in diesem Punkt also eher als direkte Nachfolger des "Colours"-Albums Sinn ergeben. Dazu kamen sehr kalte, für damalige Verhältnisse ungeheuer zeitgemäße Synthisounds und eine Atmosphäre, die sich eher am New Wave orientierte sowie als Gegenpol dazu Einflüsse aus dem Melodic Hardrock. Das ziemlich Science Fiction-mäßige Artwork war auch ungewöhnlich für Eloy, die bis dahin eher Fantasy-artige Gemälde bevorzugt hatten.\nDass außer Bornemann sich auch noch alle Bandmitglieder die Haare abschneiden ließen, um an den Zeitgeschmack angepaßter zu erscheinen, war ein weiteres befremdliches Ergebnis dieses kruden Selbstfindungsprozesses und sprach für sich.\nAlles zusammengenommen war irgendwie nicht richtig Fisch und nicht richtig Fleisch. Neben kompositorisch wenigen guten Stücken ("Shadow And Light", "A Broken Frame", das kurze Instrumental "Mirador") standen Songs, die einfach nur gewöhnungsbedürftig und auf modern getrimmt waren, aber nicht so recht zünden wollten. Der von der Band angepeilte Erfolg blieb auch weitestgehend aus und noch heute ist "Performance" eines der streitbarsten Eloy-Alben, was Bornemanns damalige Skepsis im Nachhinein bestätigt.\nDanach hatte der Chef das Zepter wieder in der Hand und genug von solchen unfruchtbaren Experimenten. Die anderen Bandmitglieder mußten einsehen, dass sie übers Ziel hinausgeschossen waren und man sich vielleicht doch lieber wieder mit dem beschäftigen sollte, was die Band traditionell ausmachte. Und das waren nun einmal in sich geschlossene Konzeptalben, die von Atmosphäre und symphonischer Wucht lebten. Also ruderte man für das nächste und vorerst letzte Studioalbum "Metromania" erneut zurück und setzte wieder dort an, wo man mit "Planets" / "Time To Turn" aufgehört hatte.\nUnd "Metromania" wurde dann sogar wieder ein richtig gutes, beinahe schon überraschend starkes Album, welches ich persönlich musikalisch eigentlich sogar durch die Bank gelungener als eben "Planets" oder "Time To Turn" finde, wenn da nicht der schreckliche Sound wäre.\nZwar ging das einige Jahre später, auf dem unverhofften und klangtechnisch nahezu unhörbaren Comebackalbum "Ra" (dazu später mehr) noch schlimmer, aber auch "Metromania" wurde schon ziemlich in Grund und Boden produziert, mit teilweise sehr zeitgeistigen Synthiesounds und viel Hall unter den Drums, die manchmal dermaßen nach Drumcomputer klingen, dass man fast nicht glauben mag, dass dort mit Fritz Randow noch ein leibhaftiger Mensch die Stöcke schwingt.\nAber rein kompositorisch sind die Songs größtenteils klasse: Der schnelle Opener "Escape To The Heights", das hymnische "Follow The Light" oder der Heavy-Stampfer "Nightriders" - alles Top-Material auf einem insgesamt recht abwechslungsreich gehaltenen , dennoch atmosphärisch dicht und homogen erscheinenden Album. Sogar die wieder zum Einsatz kommenden Backgroundsängerinnen wirken auf diesem Album nicht ganz so störend wie etwa auf "Time To Turn".oder späteren Werken der Band.\nInsgesamt war "Metromania" also ein bis auf die erwähnten Flecken auf der Weste rundum gutes Album, was selbst Bornemann auch heute noch so sieht. Die Band hatte sich musikalisch in dieser Besetzung endgültig gefunden und auch die Nachfrage nach Eloy wuchs langsam wieder.\nHannes Arkona äußerte später seine Ansicht, dass es höchstens noch ein oder zwei Alben gedauert hätte, bis die Band wieder einen richtigen Oberkracher der "Ocean"-Liga abgeliefert hätte, denn sie wäre seiner Ansicht nach, die auch Bornemann teilt, musikalisch problemlos fähig dazu gewesen.\nAber die Luft war einfach völlig raus. Obwohl es musikalisch wieder harmonierte, kriselte es zwischenmenschlich immer stärker und es bildeten sich Risse im ohnehin fragilen Bandgefüge, die allmählich nicht mehr zu übersehen waren. Daran konnten auch die triumphalen 84er Auftritte im legendären Londoner "Marquee" nichts mehr ändern, die für Eloy einen wahr gewordenen Traum bedeuteten. Gerade in England hatte die Band seinerzeit eine sehr gute Presse, was auch letztlich zur Buchung dieser Auftritte geführt hatte. Sogar Marillion, von denen insbesondere Sänger Fish ein großer Eloy-Fan war, tauchten anschließend im Backstagebereich auf und feierten mit den Hannoveranern.\nEs wurde sogar ernsthaft über eine gemeinsame Tournee von Eloy und Marillion nachgedacht, aber das scheiterte dann an Marillions Plattenfirma, die ihr deutliches Veto einlegte, weil sie in Eloy eine ernsthafte Konkurrenz für Marillion sah und befürchtete, das Fish & Co. von den Norddeutschen jeden Abend an die Wand gespielt würden.\nAuf jeden Fall hätten Eloy zu dieser Zeit einige Optionen für die weitere Zukunft offen gehabt, es sah alles keineswegs schlecht aus. Hannes Folberth äußert sogar im Interview zur "Legacy Box" die Meinung, anstelle der Marquee-Gigs hätte man lieber die Zeit für die Entwicklung weiterer guter Alben verwenden können. Aber irgendwie waren Bornemann und die Band einfach müde und völlig ausgebrannt. So kam Frank schließlich beinahe zwangsläufig zu der schweren Entscheidung, das Kapitel Eloy zu schließen. Somit kam es dann 1984/85 zur vorläufigen Auflösung der Band.\nEinige der Eloy-Musiker beschäftigten sich danach zunächst mit dem Soundtrack zum Film "Codename: Wildgeese", der ihnen etwas Ablenkung verschaffte und tatsächlich sogar unter dem Namen Eloy 1985 veröffentlicht wurde, obwohl Frank Bornemann daran in keinster Weile beteiligt war. Bornemann war über die Namensnutzung auch nicht sonderlich erfreut, sah aber von weiteren Schritten dagegen ab.\nSpäter kamen einige der ex-Eloyer dann nochmal zusammen, um beim Rockballett Shade mitzuwirken oder unterstützten sich untereinander bei Soloprojekten. Klaus-Peter Matziol fing ab Anfang der 90er hauptberuflich an, in der Geschäftsführung eines großen deutschen Konzertveranstalters zu arbeiten, was er bis heute macht und Hannes Folberth unterlegte zwischen 1987 und 1992 Pornofilme von Teresa Orlowski mit Musik, bevor er eine Ausbildung zum Heilpraktiker machte. Frank Bornemann verlegte sich hauptsächlich aufs Produzieren von Hardrock-und Heavy Metal-Bands in seinem Studio.\nEnde 1984 war also noch nicht abzusehen, dass Eloy vier Jahre später wieder unverhofft in neuer Form aus der Versenkung auferstehen würden und niemand hätte damit gerechnet, dass in noch späteren Jahren sogar Klaus-Peter Matziol und Hannes Folberth wieder zur Band gehören würden.\n(von links: Bornemann, Matziol, Randow, Folberth, Arkona)\nBeitrag: # 49917Beitrag Vertigo\nIch weiß, du bist ja nicht für Neueinspielungen, aber "Under Wraps" von Tull oder "Ra" von Eloy, doch die beiden hätte ich gerne mit echten Musikern eingespielt. Das könnte nur besser werden.\nBeitrag: # 49920Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nEin paar Songs von "Ra" und "Destination" wurden ja schon für die "Chronicles II" neu eingespielt - MIT richtiger Band. Ich sprach das schon mal unlängst an, glaube ich. Nur klingen diese Neuaufnahmen komischerweise nicht wirklich wesentlich viel besser aus meiner Sicht. Irgendwie orientierte Bornemann sich da klanglich immer noch sehr dicht an den originalen Versionen.\nMein Problem mit Neuaufnahmen nochmal konkret:\nDie Originale, auch bei Tull, sind nun mal ein Spiegel der Entstehungszeit sind und besitzen den entsprechenden Zeitkolorit. Das muß man nicht mögen und es kann auch gräßlich klingen, wie hier. Aber so war es damals nun einmal gewollt. Es fühlt sich für mich einfach generell falsch an, dann nachträglich alles nochmal neu aufzunehmen, auch wenn es so wie hier vielleicht durchaus berechtigt wäre. Ein Kunstwerk übermalt man ja auch nicht 20 Jahre später mit anderen Farben.\nBeitrag: # 49938Beitrag Vertigo\nEin Kunstwerk übermalt man ja auch nicht 20 Jahre später mit anderen Farben.\nDas natürlich nicht, aber man kann es neu malen, mit anderen Farben. So wie Monet seine Seerosen ja zu jeder Jahreszeit gemalt hat.\nEin Musikstück bleibt ja nicht zementiert in dem Jahr wo es veröffentlicht wurde. Denk dran, manche Stücke haben mehrere Jahre auf dem Buckel bevor das dann mal erschien. Und das lag nicht immer an der Band, manchmal am Label.\nEntscheidend finde ich eben nur, dass man das Original nicht übermalt oder die Aufnahmen löscht und dergleichen. Aber eine Neuinterpretation, wie der Künstler sein Werk 10 oder mehr Jahre später sieht, sowas find ich immer spannend. Vorausgesetzt es wird eben aus nem künstlerischen Bedürfnis gemacht und nicht aus Marketinggründen, aber sowas hört man ja schnell ob derjenige sich dabei was gedacht hat oder nicht.\nDas Original bleibt ja dann trotzdem so wie du es magst als Zeitdokument bestehen. Aber Musik muß leben, die darf niemals nur in ihrer Zeit existieren, sonst würde kein Mensch heute mehr klassische Musik aufführen dürfen.\nBeitrag: # 49947Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nIch habe nicht gesagt, dass ich das Original in jedem Fall mögen muß. "Ra" und "Under Wraps" zum Beispiel finde ich furchtbar, weißt Du ja. Aber mir mißfällt einfach der Gedanke, nachträglich aufs Neue daran herumzupfuschen, auch wenn das Original scheiße klingt und man später alles besser machen könnte.\nVor allem könnten Bands dann theoretisch alle 10 Jahre ihre Songs neu aufnehmen, weil sich ständig irgendwas an der Studiotechnik und den Möglichkeiten ändert oder die Musiker, die sowieso oft chronisch unzufrieden mit ihren eigenen Werken sind, plötzlich alles wieder ganz anders machen wollen.\nEs fühlt sich einfach nicht richtig an für mich. Das Original ist nun mal so wie es ist, da steht man dann zu, auch wenn es total entsetzlich klingt und man theoretisch mit einer Neuaufnahme alles besser machen könnte. Aber ich gehe meinetwegen gerne bei dem Gedanken mit, eine Neuaufnahme zu erstellen, die dann als Bonus dem originalen Album beigelegt wird, so dass man dann auch direkt vergleichen kann. Wenn es schon sein muß.\nDeinen gedanklichen Ansatz verstehe ich natürlich voll und ganz, es ist ja keineswegs so, dass ich mir nicht auch schon vorgestellt hätte, wie gut "Under Wraps" möglicherweise mit einer ganz anderen Produktion klingen könnte. Allerdings gibts da noch ein anderes Problem, denn bei "Under Wraps" ist es nicht nur der grausame Sound, sondern die Tatsache, dass der Großteil der Songs (bis auf 2,3 Stück) als solche auch einfach nicht wirklich gelungen ist, kompositorisch. Da war der gute Ian so begeistert von der ganzen Technik, dass er darüber vergessen hat, einfach gute Lieder zu schreiben, die vielleicht auch in einem anderen Gewand funktionieren könnten.\nBeitrag: # 49952Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nEloy Pt.4: Auferstehung aus der Asche\nNachdem für Frank Bornemann das Thema Eloy erledigt war und sich die Mitglieder der letzten Besetzung mehr oder weniger in alle Windrichtungen zerstreut hatte, verlegte sich der Bandkopf vornehmlich aufs Produzieren anderer Bands in seinem Horus Sound-Studio. An Eloy verschwendete er vorerst keinen Gedanken mehr und er verspürte auch keinerlei Motivation, seine Energie in eine eigene Band zu stecken.\nIrgendwann im Laufe des Jahres 1985 lief ihm der Berliner Keyboarder Michael Gerlach über den Weg. Man verstand sich auf Anhieb, fand sich sympathisch und beschloß unverbindlich, einfach mal einige musikalische Ideen auszutauschen und gemeinsam an Songs zu tüfteln, noch ohne genau zu wissen, zu welchem Ziel diese Zusammenarbeit führen würde.\nGerlach, der aus einer Musikerfamilie stammte, hatte zuvor bereits in einigen Berliner Bands gespielt und mit der Popformation The Twins sogar erste Erfolge feiern können.\nDie Kooperation klappte gut und brachte im Laufe von etwa 2 Jahren einiges an neuem Material hervor, so dass man sich irgendwann unweigerlich die Frage stellen mußte, was nun damit geschehen sollte. Da den beiden bereits aufgefallen war, dass die neuen Stücke teilweise sehr stark an Eloy erinnerten, war es eigentlich nur eine logische Schlußfolgerung und somit Formsache, das Ganze dann auch als Eloy-Album herauszubringen.\nSo kam es schließlich 1987 zur Neugründung von Eloy. Da Bornemann aber nach wie vor keine große Lust hatte, erneut den Stressfaktor Band um sich herum aufzubauen, beschloß man, Eloy fortan als lediglich aus Bornemann und Gerlach bestehendes Duo zu betreiben. Die fehlenden Bandmitglieder sollten entweder durch Sessionmusiker oder Studiotechnik (Drumcomputer, etc.) ersetzt werden. Die Technologie hatte zu dieser Zeit wahnsinnige Entwicklungssprünge durchlaufen und so schien nahezu alles technische möglich, um das Fehlen echter Bandmitglieder zu kompensieren.\nAuch war klar, dass Eloy Bornemann zukünftig nicht mehr so in Beschlag nehmen sollten wie in der Vergangenheit, da seine Prioritätensetzungen mittlerweile anderen Aufgaben galten, z.B. dem Studio. Und das sollte auch so bleiben. Aber alle paar Jahre mal ein Album und gelegentlich mal ein paar Konzerte oder eine kurze Tour, das sollte drin sein.\nDa es damals noch kein Internet und nur wenige Informationsmöglichkeiten gab, war die Überraschung bei den Fans natürlich groß, als 1988 plötzlich ein unangekündigtes neues Eloy-Album in den Läden stand. Dieses, "Ra" betitelt, wurde natürlich mit entsprechender Freude zur Kenntnis genommen.\nLeider stellte sich aber alsbald heraus, dass es eine ziemliche Enttäuschung war. Zwar gingen die Songs grundsätzlich schon in die klassische Eloy-Richtung, aber die Tatsache, dass die "Band" nur aus zwei Leuten bestand und der Rest aus der Konserve rekrutiert wurde, machte sich sofort\näußerst negativ bemerkbar. Die Platte ist dermaßen überproduziert, dass sie beinahe nicht anhörbar ist. Das sterile Klangbild und die ganzen Soundeffekte sind eine einzige Katastrophe, eine Plastikproduktion, wie sie schlimmer nicht sein könnte.\nDas führte dazu, dass selbst gute Ansätze in einigen Songs (z.B. bei "Voyager Of The Future Race" oder "Sensations") enorm darunter leiden mußten, dass sie vom künstlichen Sound völlig untergebuttert wurden. Außerdem hatte Bornemann die Möglichkeiten der Stimmenharmonisierung für sich entdeckt, so dass sein natürliches Timbre an einigen Stellen in Höhen getunt wurde, die an Jon Anderson (Yes) erinnerten und überhaupt nicht zu ihm paßten. Ganz grausam.\nTrotzdem gaben Eloy einige Livekonzerte mit dem neuen Material und da befanden sich dann auch richtige (Gast-)Musiker an den übrigen Instrumenten, z.B. der bewährte Fritz Randow hinterm Schlagzeug, was die Songs schon gleich deutlich besser und lebendiger klingen ließ.\nAbgesehen von "Rainbow" - dieser schreckliche Song ist ein dermaßener Totalausfall, dass er auch live nicht besser wurde. Ein kitschig-poppiges Banalstück mit entsetzlichem Refrain, bei dem sich wirklich die Fußnägel hochrollen. Tatsächlich noch um ein vielfaches schlimmer als die ebenfalls schon grenzwertige, auf Kommerz getrimmte "Wings Of Vision"-Single, die Eloy einige Jahre zuvor auf ausdrücklichen Wunsch der Plattenfirma fabrizieren mußten. "Rainbow" ist wirklich das einzige Eloy-Stück von dem ich sagen würde, es wäre besser nicht geschrieben worden.\nNach den 88er Konzerten war dann aber auch erst mal wieder Ruhe im Karton. Jeder ging seiner Wege und erst 1992 fanden sich Bornemann und Gerlach erneut zusammen, um ein Eloy-Album aufzunehmen. Wieder nur als Duo, aber wenigstens hatte man diesmal aus dem schlimmsten Fehler des Vorgängers gelernt und einen leibhaftigen Studiodrummer (Nico Baretta) ans Schlagzeug gesetzt, anstatt wie beim letzten Mal einen Drumcomputer durchlaufen zu lassen.\nAlleine dieser Umstand sorgte schon dafür, dass das folgende Album "Destination" wieder ein ganzes Stück lebendiger und dynamischer tönte als die verboten klingende "Ra", auch wenn der Sound als solcher immer noch nicht ganz das Gelbe vom Ei war und sich ziemlich aufgeblasen anhörte. Aber um Längen besser und verträglicher als bei "Ra" war er allemal.\nBei "Destination" tauchte sogar ein alter Bekannter wieder auf: Klaus-Peter Matziol hatte sich nach 8 Jahren Eloy-Abstinenz nicht zweimal bitten lassen, als er darum gebeten worden war, zu 2 Songs die Bassparts beizutragen. Inzwischen verstanden er und Bornemann sich auch wieder und hatten alte Zwistigkeiten längst ausgeräumt, so dass die freundschaftliche Verbundenheit wieder hergestellt war.\nMusikalisch ist "Destination" abgesehen vom Mülltonnen-Debüt aber das eigentlich untypischste Eloy-Album überhaupt. Die für die Band so prägnanten Synthesizerklänge wurden deutlich zurückgefahren und tauchen eher sparsam dosiert auf, hier und dort finden stattdessen auch mal Flötenklänge Verwendung. Es regiert überwiegend straighter, bisweilen hymnischer Melodic Hardrock - die jahrelange Arbeit mit Hardrock- und Heavy Metal-Bands im Horus Sound Studio hatte klar erkennbare Spuren bei Frank Bornemann hinterlassen.\n"Destination" bekam auch durchaus recht ordentliche Kritiken, aber natürlich entsprach es nicht so ganz dem, was Eloy-Fans eigentlich von ihrer Band erwarteten.\nDiesem Umstand versuchte man bereits 2 Jahre später mit einem weiteren Studioalbum Rechnung zu tragen. Zuvor hatte man 1993 noch die Alben "Chronicles I" und "Chronicles II" realisiert, auf denen Songs früherer Eloy-Alben neu, mit aktuellen Produktionsmethoden aufgenommen worden waren. Man wollte damit einigen ausgewählten alten Stücken ein zeitgemäßeres Klangbild verschaffen und im Sound des Jahres 1993 präsentieren.\nAb den "Chronicles"-Scheiben sah Michael Gerlach seine "Lehrzeit" als Eloy-Keyboarder auch als beendet an, zumal er längst zu einem vollwertigen, unverzichtbaren Songwritingpartner für Frank Bornemann geworden war. Daran ist auch deutlich zu erkennen, welche große Rolle eine besondere Harmonie zwischen Bornemann und dem jeweiligen Keyboarder stets für das musikalische Zusammenwirken gespielt hat.\nNun also schickte man sich an, mit "The Tides Return Forever" endlich wieder ein Album aufzunehmen, welches dem klassischen Eloy-Spirit stärker gerecht werden sollte. Aus dem Duo Eloy war mittlerweile ein Trio geworden, denn zur Freude aller war Klaus-Peter Matziol trotz seiner anderweitigen beruflichen Verpflichtungen wieder als festes, vollwertiges Mitglied in die Band eingestiegen und somit neben Bornemann ein weiterer wichtiger musikalischer Stützpfeiler aus guten, alten Tagen.\nDie restlichen Instrumente wurden wieder von Sessionmusikern beigetragen, darunter erneut Nico Baretta an den Drums oder erstmals auch der Engländer Steve Mann an der zweiten Gitarre, der zuvor unter anderem bei Michael Schenkers MSG und in den 80ern bei der NWOBHM-Truppe Tytan gespielt hatte, aber auch sonst sehr umtriebig und in zahlreiche weitere Bands und Projekte involviert war. Und natürlich waren bei einem Album im klassischen Eloy-Stil die anscheinend unverzichtbaren Background-Tussis auch wieder mit von der Partie.\nDas Album ist kein riesiger Wurf und manches erinnert auch noch ein wenig an die "Ra"-/"Destination"-Phase, aber insgesamt verfügt das Werk wieder über deutlich stärker ausgeprägte Anteile der klassisch-symphonischen Eloy-DNA. Nicht alles zündet, manches wabert auch etwas ziel-oder belanglos vor sich hin, aber insgesamt ist das Ergebnis als recht solide zu bezeichnen und auch der wieder deutlich bessere, natürlichere Sound stimmt versöhnlich.\nMit dem grundsätzlich gelungenen Titeltrack ist sogar fast sowas wie ein Eloy-Klassiker der Neuzeit vorhanden, aber leider wird das Lied nach hinten raus durch die ständige Wiederholung des Refrains, der auch noch von den Trällertanten kaputtgekreischt wird, verhunzt. Die Damen jaulen dermaßen exaltiert herum, dass es in den Ohren wehtut und man wirklich denkt, Eloy wollten einen auf Soul-Band machen....\nDie Konzerte der anschließenden, 94/95er Tournee liefen sehr erfolgreich und waren gut besucht. Live hatte man sich neben Steve Mann u.a. mit Bodo Schopf am Schlagzeug verstärkt, der zuvor ebenfalls für MSG gespielt hatte und die glückliche Gabe besaß, die Power von Fritz Randow mit der feingeistigen Filigranität von Jürgen Rosenthal verbinden zu können.\nNach diesem Triumphzug dachte Bornemann darüber nach, den Deckel über dem Buch Eloy wieder zu schließen....denn was sollte danach noch großes kommen ? Es schien alles wesentliche erreicht zu sein und zu diesem Zeitpunkt hatte Bornemann auch die Auffassung verinnerlicht, alles mit seiner Band gesagt zu haben. Bornemann: "Nach der Tour, die absolut fantastisch lief, habe ich mir gesagt, besser kann man nicht aufhören." (RockTimes-Interview, 2013).\nDoch es gab Leute in Bornemanns Umfeld, zum Beispiel Bär Läsker, den Manager von Fury In The Slaughterhouse und den Fantastischen Vier, die ihn zum Weitermachen animierten, ja geradezu nötigten. Schließlich hatten die hartnäckigen Überredungsversuche Erfolg und Bornemann begann sich an das zu machen, was zu "Ocean II - The Answer" werden sollte.\nEin extrem anspruchsvolles Unterfangen, welches aus Bornemanns Sicht so etwas wie das absolute Magnum Opus der Bandkarriere darstellen sollte. Welches Risiko man damit einging, war dem Bandkopf selbstverständlich vollends bewußt. Denn das ursprüngliche "Ocean"-Werk von 1977 galt vielen als DAS Eloy-Album schlechthin und war eines der beliebtesten Alben der Band, das bestverkaufte sowieso.\nSchon aufgrund des Titels des neuen Albums ("Ocean II - The Answer") würden sofort Vergleiche gezogen werden. Auch inhaltlich, denn schließlich gedachte Bornemann, den thematischen Faden von "Ocean" wieder aufzunehmen und in die heutige Zeit zu übertragen. Wobei Bornemann allerdings nicht die düsteren Visionen von Rosenthals Textkonzept weiterspinnen wollte, die ihm seit jeher etwas quer im Magen lagen. Vielmehr wollte er die Geschichte aus seiner Sicht weitererzählen und mit einer positiveren Kernaussage versehen. Ähnlicher Anspruch also, aber andere Umsetzung. Der Gedanke an ein peinliches Scheitern der ambitionierten Idee durfte dabei nicht mal ansatzweise Platz im Kopf finden.\nNun, musikalisch kann man "Ocean II - The Answer" schon mal nicht als Abklatsch der ersten "Ocean" sehen. Deren ganz spezielle und eigene Atmosphäre wird nicht erreicht. Außerdem orientierte Bornemann sich stilistisch erneut eher an der 80er Jahre-Phase, also an Alben wie "Planets", "Time To Turn" oder "Metromania", was eh zu erwarten gewesen war.\nAuf dieser Basis haben er, Matziol und Gerlach sowie Bodo Schopf, der nun auch im Studio als Drummer dabei war, es aber geschafft, ein tragfähiges Werk zu kreieren, welches zwar nicht an die erste "Ocean" herankommt, aber allemal besser und stimmiger als die drei Vorgänger ist und relativ nahtlos an "Metromania" anschließen kann, somit also nach etwas dürren Jahren die beste Scheibe seit dem 84er Output darstellte. Klanglich gelang ein warmer und druckvoller, aber auch transparenter Sound, der ebenfalls als positiv zu bewerten ist.\nUnd mit "Paralyzed Civilisation", "Ro Setau" oder "Awakening Of Consciousness" befinden sich sogar mindestens drei Songs darauf, die wirklich sehr gute Eloy-Klasse bieten und das Album über den Durchschnitt erheben, sowie sich sehr gut in das Liverepertoire der Band einfügen zwischen den ganzen Klassikern.\nAuch die Konzerte zu "Ocean II" verliefen überaus erfolgreich, obwohl nun schon wieder leichte Abfälligkeit in den entsprechenden Medien aufkam, die in Eloy inzwischen unverbesserliche, altmodische Prog Rock-Säcke auszumachen glaubten, die einem ewigen Anachronismus nachhängen....Eloy und die Journalisten, das alte leidige Thema. Da sollte also auch weiterhin keine große Liebe mehr draus werden.\nNach "Ocean II" deutete allerdings wirklich alles darauf hin, dass das Thema Eloy endgültig zu den Akten oder zumindest bis auf weiteres auf Eis gelegt würde und etwa um die Jahrtausenwende herum oder kurz danach ließ man auch durchblicken, dass zu dem Thema alles gesagt sei und es Eloy mehr oder minder nicht mehr gäbe.\nDoch da sollte Frank Bornemann sich gewaltig irren. Vor allem hatte er nicht mit dem Enthusiasmus und der Hartnäckigkeit der Fans gerechnet oder die Eigendynamik der ganzen Angelegenheit zumindest stark unterschätzt. Doch dazu mehr im nächsten und letzten Teil....\n(Michael Gerlach, Frank Bornemann)\nBeitrag: # 49958Beitrag Oracle\nwahnsinns Text, mein Guter!\nIch habe die Eloy Story noch nirgends so umfassend und detailliert gelesen.\nDer Rezensent der Rimbaud nicht kennt war übrigens Manfred Gillig.\nMeine erste Eloy war die Ra, die mir heute noch gefällt.\nMir ist klar, dass sie steril klingt aber mich stört es nicht so.\nIch hab die in einer Zeit (1988) kennen gelernt wo eigentlich alle so einen Sound hatten.\nBeitrag: # 49970Beitrag Vertigo\nBeim Stück "The Tides Return Forever" ists eigentlich das einzige Mal, dass ich die Background-Damen als absolut passend empfinde. Der ständig wiederholte Refrain am Ende ergibt ja nen Sinn, denn...The Tides Return Forever. Das symbolisiert das ewige Anrollen und Abgleiten der Gezeiten, die andauernde Wiederkehr. Und da die Damen das gesanglich wohl zu würzen wissen und sich in der Intensität steigern, ist das das einzige Mal wo ich sage, hier gehören die hin, hier sind sie eine echte sinnvolle Bereicherung des Sounds und setzen das Thema perfekt um. In viel zu vielen anderen Eloy-Stücken sind sie nur Garnierung. Hübsch, aber nicht notwendig.\nDen Sound der "Ocean II" find ich gar nicht so toll. Die erschien damals, als ich grade im Musikbusiness arbeitete, bei unserer Firma und ich hatte mich eigentlich drauf gefreut. Eigentlich....weil ich Eloy bei der Tour zur "Tides Return Forever" gesehen hatte und da fand ich sie recht schwach, grade Bodo Schopf z.B. fand ich fürchterlich schwach. Alles andere als ein kreativer, verspielter Drummer, war der viel zu gradlinig, viel zu "heavy" in seinem Spiel. Der schaffte es sogar, dass das göttlich, unantastbare Intro zu "Poseidon's Creation" langweilig klang.\nVon daher war ich zwar neugierig auf ein neues Eloy-Album, welches ich noch dazu kostenlos bekommen würde, aber war auch skeptisch. Die Skepsis hatte sich dann beim Sound schon bestätigt. Viel zu laut und wuchtig und modern kam mir das daher, das waren nicht meine Eloy. Ich hatte die ein paarmal gehört, fand sie aber nicht gut und hab sie dann verkauft. Hab sie mir erst vor zwei Jahren oder so wiedergekauft, weil ich inzwischen meinen Frieden damit gemacht hatte und dank der Livescheibe nun doch auf einige "Ocean II" Songs neugierig geworden bin. Außerdem hatte ich mich an den Sound gewöhnt, wohl durchs viele Proghören in den Nullerjahren.\nDer Sound hat mir dann erst auf der "Visionary" wieder gefallen, aber da waren dann viele Songs eher schwach. Auf der "Jeanne D'Arc" passt dann endlich der etwas überkandidelte Sound zum Inhalt.\nBeitrag: # 49994Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nDu empfindest den Sound als überkandidelt ? Also, das kann ich so nicht unterschreiben....unter überkandidelt stelle ich mir definitiv was anderes vor. Überkandidelt, das ist für mich soundmäßig sowas wie "Ra" oder auch "Metromania", wobei mich das bei letzterer nicht sooo massiv stört, weil die Songs gut sind.\nSowohl "Ocean II" als auch "The Vision, The Sword And The Pyre" finde ich klanglich eigentlich sehr angenehm für die Ohren. Druckvoll, ja, aber eben nicht too much, dafür warm und gut ausbalanciert. Als zu wuchtig-modern sehe ihn den Sound eigentlich nicht, da gibts ganz andere Beispiele.\nWas "The Tides Return Forever" angeht....für mich ist das nicht zwingend notwendig, die Aussage des Stücks dadurch zu bekräftigen, dass man den Refrain in Endlosschleife wiederholt. Ich bin sowieso kein Freund allzu häufiger Wiederholungen und hier wurde das für meinen Geschmack wirklich zu sehr ausgereizt. Ich könnte damit allerdings wahrscheinlich auch noch leben, wenn die Frauen das nicht in Grund und Boden krakeelen würden. Das ist es, wo es bei mir dann endgültig aussetzt. Es gibt eigentlich kein anderes Eloy-Stück, wo mich der - mitunter eh fragwürdige - Backgroundgsang so stört wie hier.\nBodo als Drummer war eigentlich keine Fehlbesetzung, ich denke, er mußte sich einfach auch erst etwas reinfinden in die Musik. Grundsätzlich ist er sehr vielseitig, hat auch einen sehr breitgefächerten musikalischen Geschmack. Keineswegs nur heavy´ Zeugs, wie man vielleicht denken könnte. Und das was er dann später abgeliefert hat, z.B. auf "Visionary", finde ich sehr ordentlich, auch wenn da die Songs als solche nicht so der Bringer waren. Ich denke, Bornemann hat auch nicht ohne Grund an ihm so lange festgehalten. Da finde ich Kristof Hinz, der die letzte Scheibe eingetrommelt hat (warum eigentlich nicht Bodo ?) deutlich farbloser. Sicherlich spieltechnisch sauber, aber eben einfach blasser Durchschnitt.\nBeitrag: # 50001Beitrag Vertigo\nSowas wie "Ra" ist nicht überkandidelt, sowas ist indiskutabel. Der Sound da (nicht die Songs) ist so grottenschlecht, dass ich mich immer noch wundere wie Musiker, die in den 70ern groß geworden sind, sich das jemals schön reden konnten. Mode hin Mode her, das ist einfach schlechter Sound. Nichts daran ist in irgendeiner Form ausgewogen. Alles ist randvoll mit Effekten und knallt und rumst. Das ist ein Sound, wie ihn sich vielleicht ein 15jährige als geil vorstellt, aber doch nicht gestandene Männer, die bereits Ahnung davon haben wie ne Platte klingen sollte. Ich denke, jeder Tonmeister heute der vom Klang an sich was versteht, würde einem die "Ra" um die Ohren hauen und fragen ob du ernsthaft so nen Klang haben willst? Und dann seinen Namen von der Produktion zurückziehen\nDas man sich soweit herablässt und sich sowas schön redet weils grade angesagt ist, das werd ich nie nachvollziehen können, dazu bin ich viel zu eigensinnig.\nBeim Bodo glaub ich gern, dass der damals, wo er ja noch neu bei Eloy war, noch nicht das richtige Gefühl dafür hatte und das erst sich entwickeln mußte. War halt mein Pech sie ausgerechnet damals zu sehen.\nDer Schluß von "Tides" ist natürlich nicht zwingend notwendig, aber eine sehr, sehr gute Idee. Aber ich bin auch generell Wiederholungen in der Musik sehr aufgeschlossen gegenüber, weil der Mantraeffekt nunmal sehr sinnvoll ist um Wirkung zu erzielen, das betrifft ja Gespräche wie auch Bilder, Klänge usw. usf.\nNatürlich hör ich trotzdem genau hin ob das nur passiert weil dem Musiker nix mehr eingefallen ist, aber bei "Tides" hört man überdeutlich die Idee, dass die Band sich nun zurücknimmt, das ausplätschern lässt und die Mädels übernehmen den Effekt der ewigen Wiederkehr der Gezeiten. Von den Eloy-Stücken seit den 90ern definitiv ein Topfavorit von mir.\n"Ocean II" ist druckvoll, wie du sagst, und das mag ich nicht und bei derartiger Musik schon gar nicht. Aber generell mag ich es nicht wenn der Eindruck des Druckvollen durch den Sound und nicht durch die Energie der Band entsteht. Ich empfinde so manches aus den 70ern oder 80ern als druckvoll, wo heutige Hörer den Kopf schütteln würden weil sie es als lahm empfinden. Ich rede aber von der Musik sie vom Sound.\nSoundtechnisch ist mir "Ocean II" zu aufgeblasen, End 90er Produkt halt, wo selbst Rush meinten sie müssten dir die Ohren wegschießen. Da hat dann eben Bornemann, wohl durch seine Hard & Heavy Produzententätigkeit, gemeint, das müsste auch so sein. Außerdem war sicher das Label GUN da auch dahinter, das waren ja Burschen aus dem Hartbereich, wo wir Kenner, die bei der BMG noch arbeiteten uns schon bei Ankündigung wunderten, dass ne neue Eloy ausgerechnet bei GUN erscheint, wo deren Produktionen doch eben eher in den Bereich "wuchtig, druckvoll" gehörten. Da gabs Diskussionen schon vorab, wie die wohl klingen würde. Und dann klang sie auch - leider in meinen Ohren - auch so. Dem einen oder anderen hats so besser gefallen, Zeitgeist eben.\nÜberkandidelt ist übrigens nix negatives bei mir, aufgebrezelt wie ne Frau die abends weggeht und extra viel an sich und mit sich macht, so in etwa.\nAuf Musik bezogen also produziert bis in den letzten Beckenklang, mit Chören und zig Musikern und Gastbeiträgen und/oder Orchester usw. einfach in die Vollen, das ist überkandidelt für mich.\n"Ra" ist dagegen eine Frau die sich aufgedonnert hat, aber absolut kein Gefühl dafür hat, was gut an ihr aussieht und was nicht. "Metromania" ist anders, so an der Kante des noch goutierbaren, die wird eindeutig noch von den guten Songs getragen, da kann der Sound noch nicht so viel anhaben. Bei "Ra" dagegen rettet nix mehr, bei "Destination" ists ähnlich der "Metromania". Der Sound ist nicht wirklich Eloy und da die meisten Songs auch nur Durchschnitt sind bleibt da auch nicht viel.\nAber überkandidelt mag Bornemann ja seine Produktionen seit längerer Zeit schon und das ist ihm auf der "The Sword And The Pyre" besser denn je gelungen, das ausgewogen hinzubekommen.\nBeitrag: # 50003Beitrag Vertigo\n1.) Ich habe nicht gesagt, dass ich das Original in jedem Fall mögen muß\n2.) Vor allem könnten Bands dann theoretisch alle 10 Jahre ihre Songs neu aufnehmen, weil sich ständig irgendwas an der Studiotechnik und den Möglichkeiten ändert oder die Musiker, die sowieso oft chronisch unzufrieden mit ihren eigenen Werken sind, plötzlich alles wieder ganz anders machen wollen.\n3.) Es fühlt sich einfach nicht richtig an für mich. Das Original ist nun mal so wie es ist, da steht man dann zu, auch wenn es total entsetzlich klingt und man theoretisch mit einer Neuaufnahme alles besser machen könnte.\nzu 1.) Ich auch nicht Ich meinte mit "so wie du es magst" dass du es magst, dass das Original nicht angetastet wird, nicht dass dir dieses Original auch zwingend gefällt\nzu 2. und 3.) Ja könnten sie und warum nicht? Wie gesagt, solange das Original nicht zerstört, gelöscht, anderweitig unwiederbringlich verändert wird, warum nicht? Warum soll ich als Musiker nicht nach 10 Jahren sagen können, "schaut mal, so würde ich das heute machen"? Oder als Autor, als Maler usw. usf., Selbstreflektion darf doch auch ein Werk das man erstellt hat betreffen. Das hat auch überhaupt nix mit "nicht mehr zu sich stehen" zu tun. Das wäre es, wenn man das Original verändern würde und es danach nicht mehr da wäre. Das wäre ein "nicht mehr zu sich stehen", wenn ich versuche, dass das ja niemand noch irgendwo hören oder sehen kann, was ich da gemacht habe.\nEs geht auch gar nicht darum etwas besser zu machen. Das ist zum einen sowieso völlig relativ und zum anderen gleichzeitig irrelevant. Es geht nur darum etwas heute anders zu machen, als ich es vor X Jahren getan habe. Da kann der Auslöser die Technik sein, klar. Es gibt neue Technik und die find ich so geil, dass ich das Album neu einspielen will damit. Das wäre ein in meinen Augen armseliger Auslöser dafür. Oder Marketinggründe als Auslöser. Darüber braucht man nicht mal diskutieren, armseliger gehts nimmer, als "lass es uns auf heute trimmen, dann verkaufts vielleicht wieder besser".\nEs kann aber auch die persönliche Veränderung des Musikers selber sein. Er ist vielleicht heute entspannter, sieht manches nicht so eng, andere Dinge als damals sind ihm wichtig und da mag er das Album, das er sehr mag (oder gar nicht mehr mag) eben neu betrachten wie er heute die Welt betrachtet. Das finde ich in meinen Augen einen sehr schönen Auslöser für so ne Neuaufnahme.\nEin Bild nach X Jahren neu zu malen ist z.B. eine Superidee. Damals war ich vielleicht in einer Rotphase. Alle Farbtöne mussten irgendwas rotes haben. Heute bevorzuge ich als Maler Blau und Grün, aber das alte Motiv bedeutet mir immer noch so viel. Also male ich es heute neu, in Blau und Grün. Zwei Bilder, selbes Motiv, repräsentieren einmal den Künstler mit 23 Jahren und einmal mit 38 Jahren. Phantastisch!\nEine Neubetrachtung nach einem gewissen Zeitraum ist völlig okay. Das Werk eines Künstlers soll ja immer auch lebendig bleiben und das wirds nicht, wenn mans nur museal betrachtet. Das der eine oder andere Fan damit bestimmte Emotionen verbindet ist klar, aber es wird ja auch niemand gezwungen sich dann so eine Neuaufnahme anzuhören und sich damit evtl. seine Emotionen zu versauen.\nWie ich schon erwähnte, nimm die klassische Musik. Kein Mensch dürfte die heute spielen, weil wir alle nicht wissen wie Mozart selber das spielte oder Beethoven oder Bach usw.\nWir haben die Notationen, wir haben Angaben zu den Tempi, den Stimmungen aber wir wissen trotzdem nicht wie das geklungen hat, dieses Original. Also darf mans heute auch nimmer aufnehmen. Denn jeder Dirigent wirds anders aufführen, obwohl sie alle nach denselben Noten agieren. Denn jeder Dirigent hat ein anderes Temperament.\nUnd nun sag mir warum das bei Pop- oder Rockmusik so "verboten" sein soll oder so schlecht oder wie auch immer du das genau empfindest. Ich finde jeder Künstler hat das Recht sein Werk einer Neubewertung zu unterziehen so oft er das will. Kaufen muß ich es deswegen ja noch lange nicht.\nBeitrag: # 50005Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nSowas wie "Ra" ist nicht überkandidelt, sowas ist indiskutabel. Der Sound da (nicht die Songs) ist so grottenschlecht, dass ich mich immer noch wundere wie Musiker, die in den 70ern groß geworden sind, sich das jemals schön reden konnten. Mode hin Mode her, das ist einfach schlechter Sound. Nichts daran ist in irgendeiner Form ausgewogen. Alles ist randvoll mit Effekten und knallt und rumst.\nNatürlich ist das indiskutabel. Du hast ja sehr schön an anderer Stelle den Vergleich mit der übertrieben geschminkten und gekleideten Frau gezogen, die nicht merkt, was gut aussieht und was nicht. Das paßt schon. Aber für mich besitzt der Begriff "überkandidelt" schon eher eine negative Konnotation und ich würde ihn dementsprechend da auch verwenden.\nBei "Ocean II" oder der letzten Scheibe würde ich es eher als "auf dicke Hose machen" umschreiben - volles Programm bis in die letzte Ecke, aber eben auch wieder ausgewogen und nicht im negativen Sinne überfrachtet, sprich überkandidelt. Um beim Bild der Frau zu bleiben: Der Lippenstift und der Nagellack sind zwar knallig, aber die Kleidung ist noch stilvoll und elegant. Bei der überkandidelten wären dann auch die Klamotten unmöglich.\nDer Schluß von "Tides" ist natürlich nicht zwingend notwendig, aber eine sehr, sehr gute Idee.\nMan hätte es auch weniger oft wiederholen und dann beispielsweise in Meeresrauschen ausklingen lassen können. Das hätte auch gepaßt. Ansonsten ist das Stück nämlich toll, da stimme ich Dir zu. Der Schluß verdirbt für mich einfach einiges. Die Sängerinnen hätte man auch ruhig ganz weglassen oder zumindest wesentlich dezenter einsetzen können, das wäre nicht nötig gewesen.\nIch empfinde so manches aus den 70ern oder 80ern als druckvoll, wo heutige Hörer den Kopf schütteln würden weil sie es als lahm empfinden.\nDa bin ich wieder ganz bei Dir. Ich finde auch gerade viele der alten Hardrock-Sachen viel knackiger und musikalisch druckvoller, als viele heutige Produktionen, wo nur der Sound fett aufgeblasen wird und die Hörer so einen verzerrten Eindruck erhalten und dann meinen, die Bands seien heute ja viel heavier und das alte Zeugs nur lahmes Gedudel. Völlig verkehrter Ansatz. Aber mit Hörgewohnheiten ist es wie mit dem Geschmackssinn: Wenn du jahrelang nur Pudding mit Geschmacksverstärker und Aromazusätzen gewohnt bist, kommt dir ein selbstgemachter "echter" Pudding ohne all diese Verfremdungen seltsam vor, weil dein Geschmack total verdorben ist. Und so ist das den Hörgewohnheiten vieler, vor allem jüngerer Fans heute leider auch. Aber Eloy-Scheiben wie "Ocean II" fallen für mich eben noch nicht darunter, da gibt es so viele heftigere Beispiele.\nBeitrag: # 50007Beitrag AusDemWegIchBinArzt\nDer Vergleich mit den klassischen Komponisten hinkt aber insofern, als dass diese eben in der Regel auch "nur" das waren: Komponisten.\nAufgeführt und interpretiert wurden ihre Werke dagegen meistens von Beginn an durch andere und insofern gab es da sowieso nie nur eine\nbestimmte Version, denn wie Du richtig sagst, hat jeder Dirigent ein anderes Temperament, betont andere Akzente. Zudem konnten zu\nLebzeiten dieser Leute ihre Werke sowieso nur einem beschränkten Kreis an Zuhörern zugänglich gemacht werden, da es keine Tonträger und\nkeine sonstigen Medien gab, die es festhalten und großartig verbreiten konnten.\nBei Werken von Rock-oder Popmusikern hingegen sind eben die Band bzw. deren Mitglieder gleichzeitig Komponisten und Auf-/Ausführende\nund da gibt es dann eben eine bestimme Urversion, wenn man so will, die auf einem Tonträger festgehalten wird. Und die findet Verbreitung\nund ist dann fortan das Maß der Dinge, an dem alles andere gemessen wird. Das besitzt von vorneherein eine andere Gewichtung.\nBeitrag: # 50011Beitrag Vertigo\n1.) Bei "Ocean II" oder der letzten Scheibe würde ich es eher als "auf dicke Hose machen" umschreiben\n2.) Man hätte es auch weniger oft wiederholen und dann beispielsweise in Meeresrauschen ausklingen lassen können.\n3.) Die Sängerinnen hätte man auch ruhig ganz weglassen oder zumindest wesentlich dezenter einsetzen können, das wäre nicht nötig gewesen.\n4.) Vergleich mit den klassischen Komponisten hinkt aber insofern, als dass diese eben in der Regel auch "nur" das waren: Komponisten.\nAufgeführt und interpretiert wurden ihre Werke dagegen meistens von Beginn an durch andere.\n5.) Bei Werken von Rock-oder Popmusikern hingegen sind eben die Band bzw. deren Mitglieder gleichzeitig Komponisten und Auf-/Ausführende und da gibt es dann eben eine bestimme Urversion\n6.) Wenn du jahrelang nur Pudding mit Geschmacksverstärker und Aromazusätzen gewohnt bist, kommt dir ein selbstgemachter "echter" Pudding ohne all diese Verfremdungen seltsam vor, weil dein Geschmack total verdorben ist.\nzu 1.) Ja das passt sehr schön, auf dicke Hose machen. Auch was das ich nicht so gern mag, aber ab und an verzeihbar ist. Und wie gesagt, ich hab die Labeltypen ja kennengelernt, die waren beide dickhosig und vermutlich dauernd, die haben Bornemann das also sicherlich auch so angetragen und er war damals dafür empfänglich\nzu 2.) Das wäre zwar auch eine klanglich schöne Idee gewesen mit dem Meeresrauschen, aber auch eine ungleich klischeeartigere. Auf die Idee mit dem Meer wären vermutlich alle Durchschnittsmusiker auch gekommen. Die Idee, das mittels des Damengesangs zu vermitteln ist ungewöhnlicher, eigenständiger.\nzu 3.) Tatsächlich sind es die Sängerinnen, weil sie hier richtig Gas geben, dass mir das Stück überhaupt mal positiv auffiel. Ich hatte die "Tides" nie, hab das Stück damals im Konzert gehört und da bliebs eher unterbewusst hängen, weil ich ja, wie gesagt, vom ganzen Konzert eh nicht so begeistert gewesen war.\nAls ichs dann auf der "Reincarnation" wiederhörte kam der Erkennungseffekt. Das war doch das Stück wo die Sängerinnen dann alleine so richtig Gas geben, das ist klasse. Und gleich nochmal von vorne hören und nun viel konzentrierter auch auf die Musik. Und danach mir die Studioversion im Netz holen ums auf meinen Eloy Sampler zu packen. Ohne die Damen und ihren intensiven Gesangsvortrag wäre mir das wohl nie hängengeblieben, denn so und nur so fällts auf. Mit Meeresrauschen am Ende, sowas kennt man und sowas wäre nicht ungewöhnlich gewesen. Hier den Mädels den Vortritt gegen Ende des Stückes zu lassen, war nicht nur ne sehr faire Geste vom Bornemann um die auch mal sinnvoll ins Rampenlicht zu stellen, es war auch die nötige pfiffige Idee um eben nicht einfach sowas wie Meeresrauschen zu nehmen.\nDa hätte er lieber beim einen oder anderen sonstigen Stück die Mädels ganz weglassen können, wo sie keinen essentiellen Beitrag dazu liefern. Bei "Tides" wird das Stück durch deren Gesang nochmal auf ne andere Ebene gehoben und so sind Background-Ladys für mich wirklich sinnvoll eingesetzt, indem man ihre Stimmen als weitere Klangfarbe benutzt.\nzu 4.) Ich kann dir jetzt nicht alle aufzählen, aber es gab genug Komponisten die ihre Werke selber dirigiert haben. Es gibt nur keine Tonaufzeichnungen davon weil das ja damals nicht möglich war.\nzu 5.) Richtig, Aufführende und Komponierende sind da in der Regel dieselben. Dass die zuerst veröffentlichte Aufnahme eines Pop- oder Rockstücks meistens die Urversion darstellt (aber auch da gibts Fälle wo das nicht so ist) seh ich schon auch so. Aber was genau ist daran nun ein Pro- oder Contraargument gegen eine Neuaufnahme?