Liquid Sky – Rezensionen\nFortune zusammen mit best gambling site lässt sicherlich jeden Ihrer Wünsche schnell und mit wenigen Mausklicks Wirklichkeit werden!\nRezensiert von: Frank\nIn seinem Juni-Drudion (übrigens der Inspiration zum früheren Monatlichen Musikbrief) war Julian Copes “Revolutionary dining-set” zu bestaunen: Ein Tisch mit der Aufschrift “Destroy AmeriKKKan Kapitalism”, einer sawastikas ′n stripes – Flagge sowie vier Stühlen, jeweils wichtigen Revolutionären gewidmet (siehe Headheritage). In Zeiten unfassbarer und proto-totalitärer Grundrechtsverletzungen durch die US-amerikanische Regierung, die sich im präventiven Krieg gegen alles und jeden wähnt, eine besonders treffende Symbolik.\nPraktisch auf diesem Frühstückstisch präsentierte Cope sein neues Album, das auf den schönen Namen Revolutionary Suicide hört. Schon seit Jahren hat sich der frühere Post-Punk Pionier ziemlich weit vom dem entfernt, was man einen herkömmlichen Bandsound nennen könnte – ein wenig schade angesichts seiner kompositorischen Fähigkeiten. Will heißen dass der Minimalismus von Copes Instrumentierung nicht immer dem harmonischen Niveau seiner Songs gerecht wird. Ein Beispiel: They Were All On Hard Drugs beginnt mit rauschigem Getippe auf einem analogen Synthesizer. Hält man dieses eine Weile aus, erfolgt die Belohnung in Form einer wunderschönen Gesangsmelodie (die eingangs übrigens an “Sounds of Silence” von Simon & Garfunkel erinnert). Schön instrumentiert ergäbe das ein Lied mit nicht zu unterschätzendem Ohrwurm- und Kommerzpotential. Doch der billige Synthesizer und Plastik-Drumcomputer bleiben die einzige Begleitung. Maximale Reduktion als revolutionäre Methode.\nWenn auch das Album in weiten Teilen Copes Black-Sheep-Marching-Band-Konzept folgt, überrascht Paradise Mislayed mit betörendem Harmoniegesang und sogar etwas, das nach einem rockigen Drumset klingt. Weshalb dieses doch recht nützliche Instrument weitgehend durch Marschtrommeln ersetzt wurde, bleibt unklar. Meine Interpretation: Nach Copes Ansicht können auch Popsongs revolutionäres Gedankengut transportieren. Aber die Revolution ist Angelegenheit des Volkes, und dieses steht eher selten auf beleuchteten Bühnen vor einem wohlfeilen Equipment und musiziert. Das wäre viel zu elitär. Da ist es weitaus basisdemokratischer und -revolutionärer, den musikalisch-intellektuellen Impetus zum Umsturz mit einfachen Instrumenten zu begleiten.\nWie dem auch sei, Revolutionary Suicide ist ein ausgesprochen starkes und intensives Album. Während der Vorgänger Psychodelic Revolution ein wenig lustlos daherkam, präsentiert sich Julian Cope wieder auf der vollen Höhe seiner Schaffenskraft. The Armenian Genocide vereint in ziemlich erstaunlicher Manier eine verblüffend einfache Instrumentierung (Akustische Klampfe, Marschtrommeln) und Melodik (Harmoniegesang) mit überraschend hoher emotionaler Intensität. Auch hier zeigt sich das Können in der Reduktion.\nDer Titelsong Revolutionary Suicide begeistert mit einem mitreißenden Riff und Copes eigenwilligem Gesang. Als einer der besten Rock-Sänger der mittleren Vergangenheit hat er keine Effekthascherei nötig. Seine Stimme liegt staubtrocken über der Musik, was den Eindruck von Unmittelbarkeit verstärkt. In His Cups gehört ebenfalls der Gruppe der melodisch gefälligen Cope-Songs, wobei zum (mutmaßlichen) Schlagzeug das Mellotron die musikalische Hauptlast trägt.\nIn Phoney People, Phoney Lives geht Cope noch einen Schritt weiter und verfremdet eine durchaus eingängige Gesangslinie durch eine kaum mehr adäquate Instrumentierung und störendes Synthesizergezirpe. Klingt seltsam – aber gerade deshalb interessant und überweltlich. Abschluss des Albums ist das verstörendeDestroy Religion, das aus fast ausschließlich einer einzigen Harmonie besteht. Sie wird auf einer akustischen Gitarre gezupft, dazu werden leichte Bongos getrommelt, ein Xylophon geschlagen und eben gesungen. Ach ja, und der billige analoge Synthesizer darf auch hier nicht fehlen. Trauen kann man sich so etwas nur, wenn man seine Alben im eigenen Label und Vertrieb vertreibt. Doch nur so bleibt garantiert, dass die Idee des Künstlers unverfälscht den Hörer erreicht – fernab von kommerziellen Interessen und ähnlichem Schnickschnack. Und das ist Julian Cope auf Revolutionary Suicide mehr als gelungen. Ein unbedingt empfehlenswertes Album, weit abseits des musikalischen Mainstreams.\nRepertoire: 2, Interpretation: 1\nEr hat ein bewegtes Leben hinter sich: Robert Maria Scheer-Muñoz, Süddeutscher mit argentinischer Mutter, reiste sieben Jahre lang durch die Welt. Einige davon verbrachter er zwar nicht in Tibet, dafür aber zusammen mit einem Eingeborenenstamm am Amazonas. Der Schamane des Stammes erkannte Roberts Berufung zum Musiker und schickte ihn, gewissermaßen als Therapie, zurück in die moderne Zivilisation. Diese beglückt er seitdem unter dem Künstlernamen Robby Maria mit seiner Musik.\nEine Geschichte, die sich unterschiedlich deuten lässt. Meinte es der weise Schamane nun gut mit Robby und den Menschen in der sogenannten Zivilisation? Oder schickte er ihn einfach nur deswegen fort, weil ihm und seinen Stammesgenossen Robbys Gesang nach zwei Jahren gehörig auf die Nerven ging? – “Komm Kerl, nimm deine Klampfe und singe da, wo du hergekommen bist…”\nSein zweites Album Metropolis kann uns dabei helfen, die richtige Interpretation zu finden. Was zunächst einmal auffällt, ist Robbys Gesang. Seine Stimme erinnert streckenweise an die des jungen David Bowie. Allerdings erreicht sie nicht dessen glamouröse Verspieltheit, sondern besitzt eine eher herbe bis leicht pathetische Färbung. Schlecht ist das nicht, im Gegenteil. Problematisch wird das nur, sobald man wegen der stimmlichen Ähnlichkeit damit beginnt, nach kompositorischen Parallelen zu suchen.\nUnd da schneidet Robby Maria doch ein wenig schlechter ab, als David Bowie. Zugegeben, ihn mit dem britischen Weltstar zu vergleichen, bloß weil seine Stimme so ähnlich klingt, ist ungerecht. Denn weder macht Robby Maria Glamrock noch innovativen Post-Punk-Pop. Er ist ein bodenständiger Singer-Songwriter, der sein Handwerk solide beherrscht. Will heißen, er hat uns etwas zu sagen und schafft es auch, das in einer unverkennbar individuellen musikalischen Sprache glaubhaft rüberzubringen.\nDass diese musikalische Sprache in eher simplen Melodien und Strukturen daherkommt, soll zunächst auch kein Manko sein, wäre da nicht die sehr minimalistische Instrumentierung. Denn diese verträgt sich nicht unbedingt mit den oft eher simplen Songs. Immerhin, Robby Maria spielt außer Schlagzeug alle Instrumente selbst. Doch Leidenschaft, Energie und Emotion wollen irgendwie nur in seinem Gesang überzeugen. Alles andere plätschert oft verhalten bis dröge dahin. Was schade ist, da einige der Songs durchaus Ohrwurmpotenzial haben (insbesondere Troublemaker).\nUnd so ertappt sich der Hörer zuweilen dabei, ungeduldig darauf zu warten, dass endlich mal “etwas passiert”: Dass ein hartes Gitarrenbrett Würze ins Geschehen bringt, das Schlagzeug mal zupackend groovt, anstelle nur filigran zu akzentuieren, oder auch nur ein knackiger Bass den Songs mehr Volumen und Wucht verleiht.\nDer Schamane meinte es also tendenziell gut mit Robby und uns, um auf unsere Eingangsfrage zurückzukommen. Etwas anders seine Produzenten, die ihm außer einer Schlagzeugerin nur noch E-Bass und E-Piano zum Selberspielen gönnten. Wenn Robby das nächste Mal eine Auszeit im Dschungel nimmt, möge ihm der Schamane raten, beim Musizieren auch den Donnergott zu konsultieren. Schließlich soll das Ergebnis seiner Berufung einschlagen – und nicht bloß leise verhallen.\nRepertoire: 3, Interpretation: 3-\nNeil Young: Psychodelic Pill\nEs ist schon komisch: Da gelingen einem Künstler sagenumwobene Geniestreiche. Songs, die einen auf Anhieb in den siebten Musikhimmel katapultieren können und mit dem weltbesten Gitarrensound eingespielt worden sind, den sich Menschen überhaupt vorstellen können. Doch davor und danach produziert der selbe Künstler eine solche Menge an Fragwürdigkeiten, dass man kaum glauben kann, dass ausgerechnet er für diese Preziosen verantwortlich gewesen sein soll.\nNeil Young hat insbesondere mit seiner temporären Begleitband Crazy Horse Enormes geleistet. Er war Mitbegründer des Grunge, ein absoluter Meister des ungeschliffenen Garagensounds. Sein grotesk übersteuerter Gitarrensound ist unerreicht, seine kaum enden wollenden Soli zählen zu den intensivsten Äußerungen, die sich auf einer Gitarre artikulieren lassen – emotional, meditativ und hypnotisierend.\nDabei war diese Musik stets recht einfach gestrickt. Ein paar banale Akkorde über einem simplen Rhythmus – alles gespielt von einer stoischen Begleitband, die dem Maestro allen Raum für seine ausufernden Gitarrenorgien lässt. Nichts, was all die nimmermüden Gitarrenschüler mit ihrem technoid-öden Arpeggiengewichse interessieren könnte. Musik mit Seele eben, und nicht mit Skalen aus dem Fischer-Technik Baukasten.\nDoch leider, wie gesagt, hat Young auch sehr oft und sehr tief ins Klo gegriffen – in der Komposition wie im Arrangement. Fast schon hätte man den Mann abschreiben und seine zahlreichen Fehlgriffe einer fortgeschrittenen Alterschwäche zuschreiben können. Bei einigen seiner peinlichsten Songs konnte man Young förmlich vor sich sehen, wie er mit vollgeschissenen Hosen in einer Ecke des Aufnahmeraumes in seiner Ranch kauert, sabbernd auf die Gitarre eindrischt und paranoiden Dünnsinn röchelt. Doch dann kam ein kleiner Lichtblick: Young nahm nach vielen, vielen Jahren mal wieder ein Album zusammen mit Crazy Horse auf. Doch der entpuppte sich auch schnell als Reinfall. Americana nannte sich dieser fade Aufguss amerikanischer Traditionals, die kein Mensch wirklich braucht. Auch nicht als rüde Schrammelversionen einer gealterten Garagenrock-Band.\nMöglich, dass dem Ex-Meister in einem lichten Moment dann selbst gedämmert ist, was er da verzapft hat. Schnell ballerte er ein weiteres Album hinterher. Und das saß. Es hört auf den Namen Psychodelic Pill und präsentiert Young plus Crazy Horse in fast altbekannter Größe. “Fast” deshalb, weil die Songs manchmal doch einen Tacken zu einfach geraten sind. So bringt es Young auf Driftin′ Back fertig, fast eine halbe Stunde lang über zwei Akkorden zu solieren. Trotzdem: Der Mann hat Mut! Wer traut sich so etwas heutzutage schon, weil er mit einem Publikum rechnen muss, dass schon nach der zweiten Solo-Minute anfängt, sich gelangweilt an den Eiern rumzuspielen.\nEbenso mutig fällt der Titelsong aus. Young benutzt hier einen derart nervtötenden Gitarrensound, den selbst der Autor sich nicht einzustellen trauen würde. Ramada Inn ist ganz nett, aber für seine 16 Minuten Länge etwas unspektakulär. Born In Ontario dagegen begeistert als mitreißende Gute-Laune-Nummer, bevor mit Twisted Road, She′s Always Dancing und For The Love Of Man der Tiefpunkt des Albums erreicht wird. Zur Entschädigung begeistert Walk Like A Giant dann wieder mit endlosen Gitarrensoli in teils grotesker Verzerrung.\nWenn auch nicht jedes Stück wirklich gelungen ist, so hat Young mit Psychodelic Pill endlich mal wieder ein hörenswertes Album abgeliefert, das mühelos an seine früheren Glanztaten um die legendäre Weld anschließen kann. Bleibt zu hoffen, dass es sich dabei um keinen einmaligen Ausflug in die Welt des Erwachens gehandelt hat.\nRepertoire: 2, Interpretation: 2\nElektropop? Das ist ja eigentlich igittipfui, da lässt man am besten seine Finger weg. Doch ab und an will der Gitarrenhörer auch mal was anderes in Ohren kriegen, als das ewige Geschrabbel, Gegniedel und Gezupfe. Dann sehnt er sich nach den kühlen und klaren Sounds aus der Tastenmaschine, die dann zuweilen doch garnicht so steril und leblos daherkommen müssen, wie man das von der elenden Radiogrütze her kennt, mit der die Musikindustrie das Volk mürbe zu machen versucht.\nElektropop? Das klingt doch auch nach populärer Musik, nach Massenkompatibilität und artifizieller Gefälligkeit; nach opportunistischer Arschkriecherei und kapitalistischer Abzocke, nach Antikunst, Muzak, Fahrstuhlmusik. Da muss man doch unwillkürlich an die Pet Shop Boys (Buääh, widerlich…) oder Yellow (hualp…) denken\nUnd trotzdem: Elektropop? Ja gerne! Aber bitte nur mit einer gewissen Prise Alternative, damit der gitarrenlose Hörspaß nicht durch Kommerzplattitüden entwertet wird und trotz gefälliger Melodien und schöner Refrains reuelos bleibt. Elektronische Quasi-Popmusik also, die man auch im Sommer bei offenem Fenster hören kann, ohne das Gesicht vor den Nachbarn zu verlieren.\nGenau eine solche Musik fabriziert das Schwedische Duo Niki and the Dove. Warum sich die beiden Stockholmer so nennen, verbleibt im Nebulösen; die Sängerin jedenfalls hört auf den Namen Malin Dahlström und hat wohl auch nur selten eine Taube dabei. Singen kann sie dagegen ausgesprochen gut, wobei sie stimmlich irgendwo zwischen Dale Bozzio (Missing Persons) und Kate Bush anzusiedeln ist. Überhaupt Kate Bush: einige der Songs klingen so, wie die der Britin klingen könnten, wäre diese musikalisch nicht so langweilig, bieder und omahaft geworden.\nGanz oben auf der Liste: Mother Protect, das unterirdisch groovt und durch erschütternde Wendungen überrascht (tolle Live-Version gleich im Anschluss). Das getragene Winterheart dürfte selbst konservative Classic-Rock-Opas zum Mitwippen animieren. In Our Eyes schafft die Synthese von kitschigem Dance-Schlager samt triefigem Refrain und alternativem Indie-Feeling zu einer hochwertigen Pop-Preziose. The Drummer hätte Kate Bush′s letztes Schnarchalbum sicher aus dem Gröbsten rausgerissen, hätte sie den Song geschrieben und aufgenommen. Ja hätte… Ähnliches gilt für The Gentle Roar und The Fox. Alles Stücke, die im Grunde Wegmarken einer gelungenen künstlerischen Entwicklung von Kate Bush hätten sein könnten – hätte sie′s denn ersonnen. Hat se aber nicht, und so haben es eben Niki & The Dove gemacht. Und zwar auf ihre ganz individuelle Art und Weise. Und dafür gebührt den Schweden unser Dank! So macht Elektropop Spaß!\nJulian Cope: Psychodelic Revolution\nDarin muss man dem Mann schon recht geben: Weichspülerei bringt nix, nur noch das Radikale hilft. Der AmeriKKKan Kapitalism zerstört unsere Lebensgrundlagen, überzieht die Welt mit Kriegen und gehört bekämpft. Klar, dass das nicht nur ein Kampf mit Worten sein kann – ganz im Sinne von Malcom X′ berühmtem Ausspruch “Sometimes you have to pick up the gun in order to put down the gun.”.\nEs hilft also nur Militanz – und dieser begegnet man auf Copes neustem Album beinahe an jeder Ecke – im Konzept, in den Lyriken und auf den Fotos in der Beilage, wo ständig jemand eine Kalaschnikow in die Luft hält.\nKonzeptionell sind auf Psychodelic Revolution wichtige Revolutionäre das Thema, hier namentlich die palästinensische Flugzeugentführerin Leila Khaled und der kubanische Revolutionsführer Che Guevara. Sie stehen jeweils Pate für eine der beiden CDs, stellvertretend für weibliche und männliche Revolutionäre.\nSo weit, so gut, so zustimmungswürdig und nachvollziehbar. Doch bei allen politischen Ambitionen: die musikalische Verpackung der wohlfeilen Aussagen ist Cope diesmal weniger gut gelungen. Schuld daran ist allem voran die dürftige Instrumentierung, denn einen soliden und raumgreifenden Bandsound sucht man auf Psychodelic Revolution vergebens. Fast schon uninspiriert bemüht Cope ein weiters mal den gewöhnungsbedürftigen “Black Sheep Sound”, der hauptsächlich aus akustischen Gitarren, Marching-Drums und Mellotron besteht. Bass und Schlagzeug mag der Archedrude wohl nicht mehr, dafür gibt′s mal ein billiges Glockenspiel oder einen noch billigeren Drumcomputer. Passend dazu kommt Copes Gesang zumeist in staubtrocken gepflegter Langeweile daher – was angesichts seiner stimmlichen Fähigkeiten mehr als schade ist.\nDabei sind die Songs als solche – von ein paar Rohrkrepierern mal abgesehen – kompositorisch garnicht mal von schlechten Eltern. “X-mass in the Woman”s Shelter” könnte ein radiotauglicher Cope-Killer-Popsong sein, “Raving On the Moor” wäre eine Offenbarung mit verzerrten E-Gitarren, ebenso “Cromwell in Ireland”. Doch leider versanden die Songs im Sound blecherner Wandergitarren oder ohrverödender Bontempi-Rhythmusspuren.\nAlles in allem also ein Album, das man sich einmal anhört und dann samt seiner wertvollen Botschaften im Schrank verstauben lässt. “I stopped playing to the crowd, started playing to the head” entnehmen wir der Textbeilage. Mag ja sein, dass Cope heute mental Lichtjahre weit entfernt ist von seinen kommerziellen Erfolgen in den 1980ern. Und prinzipiell ist das auch zu begrüßen, denn authentischer und politisch radikaler präsentiert sich kein Künstler in diesen Tagen. Doch was hilft es, seine Message in einer drögen und lauwarmen Soundsuppe zu präsentieren, die kaum jemandem schmeckt?\nMit anderen Worten: Politische Botschaften lassen sich auch mit dem kongenialen Brain-Donor-Sound transportieren. Viel besser sogar, weil der harte Experimental-Glamrock jede Menge Aufmerksamkeit schafft. Und die braucht es, sollen die Inhalte ihre Adressaten erreichen. Beim drögen Geklampfe in Black-Sheep-Manier pennt man mit der Zeit doch eher weg…\nRepertoire: 2, Interpretation: 4\nAls besonders produktiv kann man Kate Bush wahrlich nicht bezeichnen. Bei ihr kann es durchaus mal vorkommen, dass man ganze zwölf Jahre lang auf ein Album warten muss. Um so erstaunlicher, dass sie es in diesem Jahr gleich zu zwei Platten gebracht hat. Oder besser anderthalb, denn auf Director′s Cut gab es nichts Neues zu hören, nur aufgehübschtes Altes. Aber immerhin schimmerte zwischen den Takten einiger Neu-Interpretationen die Andeutung eines stilistischen Wandels zum Positiven durch. Will heißen weg von den langweiligen ätherischen Klavierstücken und hin zu etwas mehr Druck, Power und Überraschung.\nDoch Pustekuchen. 50 Words For Snow überrascht im Grunde mit nichts. Eher damit, wie konsequent man musikalische Langweile auf insgesamt 65 Minuten Spieldauer konservieren kann. Und trotzdem wurde das Album von der Fachpresse recht voreilig und voreingenommen über den grünen Klee gelobt. Das mag dem “Kate-Bush-Bonus” geschuldet sein, der selbst völlig ereignislosem Dahingeplätschere den hohen Status künstlerischer Eigenwilligkeit einer Ausnahmekomponistin zuerkennt.\nAlles dummes Zeug, wenn man sich wie ich die Mühe macht, das Album mehrfach hintereinander anzuhören. Ich habe den 50 Schneewörtern ihre wohlverdiente Chance gegeben. Denn spätestens seit Aerial weiß ich, dass man Bushs Liedern eine gewisse Einwirkzeit zugestehen muss. Doch je öfter ich den Songs lauschte, desto deutlicher wurde, dass sie nicht viel taugen. Keine Magie machte sich breit, keine tiefere Substanz kam zum Vorschein, nicht einmal Neugierde zum genauen Hinhören wurde geweckt. Irgendwann vergaß ich sogar, dass überhaupt Musik über die Anlage lief. Die ideale Fahrstuhlmusik also. Bush-Muzak.\n“Ereignislos” ist das Adjektiv, dass 50 Words For Snow wohl am besten beschreibt. Sonwflake startet mit einer einfachen Klaviersequenz und uninspiriertem Gesang. Wenn man nach ein paar Minuten Geklimpere endlich irgendeine Art von Änderung oder Steigerung ersehnt, zeigt einem Frau Bush einfach den langen Klavierfinger. Dabei hätte das Lied das Zeug für viel mehr. Oder wenigstens für einen leichten Beat im letzten Teil. Wozu hat sie schließlich Steve Gadd engagiert? Zum Kaffeekochen?\nDa geht es auf Wild Man, der einzigen Singleauskopplung, schon fast hoch her. Da darf Gadd im Refrain ausnahmsweise auch mal die Snare-Drum benutzen. Toll Kate, it′s Partytime! Lake Tahoe verschreckt den Hörer erst mit grausamem Pseudo-Barockgesang und langweilt anschließend mit öder Klavier-Plätscherkost. In Misty ist es umgekehrt: Zuerst verheißt ein interessantes Klavierriff den Ansatz von Hörbefriedigung, bevor es jäh in der Ödnis ultralangweiliger Bridges verstirbt.\nNichtssagend bleibt leider auch Snowed at Wheeler Street, das selbst Elton Johns Gesangsbeitrag nicht aus der Belanglosigkeit retten kann. Eigentlich schade, denn es sind durchaus Ansätze für einen guten Song zu erkennen. Nur kommen sie in Bushs trägem und seniorilem Arrangement kaum zur Geltung. Der Titelsong 50 Words For Snow ist nichts weiter als die gesprochene Aufzählung von eben 50 Wörtern für Schnee zu einem kühl temperierten Beat. Und über das letzte Lied Among Angels bauchen wir uns garnicht erst zu unterhalten.\nAlles in Allem also ein Griff ins Klo. Eigentlich hätte ich gerne meine 14 Euro für die CD zurück, Frau Bush!\nRepertoire: 4, Interpretation: 4-\nKate Bush: Director′s Cut\nAuch das dürfte vielen Musikern bekannt sein: Man nimmt ein Album auf, haut es auf den Markt und ist unzufrieden, könnte in die Ecke kotzen. Der Klang ist dynamiklos, die Produktion zu flach, die Arrangements zu dröge oder die Interpretation amateurhaft dürftig. Sicher, Musikalben sind Stimmungsbilder. Momentaufnahmen, die einen ganz speziellen Status der persönlichen und technischen Entwicklung aufzeigen und auch von der ein oder anderen Modeerscheinung geprägt sind. Um so schlimmer, wenn man Jahre später feststellt, dass die Songs in den vorliegenden Versionen einfach nicht richtig hinhauen. Dass viel mehr in ihnen schlummert und einen der Teufel geritten haben musste, sie so unters Volk zu streuen: mies und unzulänglich.\nDie meisten Musiker ignorieren solche Regungen einfach und lassen ihre alten Platten links liegen. Was sollten sie auch tun? Den ganzen Kram noch einmal neu aufnehmen? Auch wenn er dann besser klingt? Warum eigentlich nicht?! Kate Bush jedenfalls hat mit Dirctor′s Cut genau das getan: alte Songs mit neuer Interpretation aufgenommen. Genauer, einige Songs aus den Alben The Sensual World und The Red Shoes. Dieses Vorgehen ist vor allem dann sehr ratsam, wenn man ohnehin nur alle Jubeljahre mal eine neue Platte macht und etwaige Unzulänglichkeiten um so präsenter aus dem dünnen Repertoire hinaus ragen.\nDoch hat sich das Remake gelohnt? Hat uns Frau Bush nun doch keine alte Socken in neuen Sandalen auf den Tisch gelegt? Hat sie nicht, was nach dem erstaunlich gelungenen Aerial sicher auch peinlich gewesen wäre. Einigen Songs ist das interpretative Facelifting erstaunlich gut bekommen, andere wiederum haben nicht allzu viel davon profitiert. Und das sind in der Regel die Stücke, bei denen Kate Bush zu spärlicher Instrumentierung ätherische Gesangslinien säuselt (Moments of Pleasure, This Womans Work, Song of Solomon) oder solche, bei denen wegen langweiliger Grundkompositorik ohnehin nichts zu verbessern gewesen ist(Flower of the Mountain, Top of the City).\nAlle anderen sind aber wahre Überflieger. Das rüde polternde Lilly ist mit knapp vier Minuten Länge einfach viel zu kurz für den Spaß, den es macht. Deeper Understanding und Never be Mine wirken in sich geschlossen und flüssig, fast schon esoterisch transzendierend. In The Red Shoes sieht man eine hexenhafte Kate mit wehenden Haaren um ein nächtliches Feuer tanzen und mit Vehemenz ihre Stimme zu den anderthalb Akkorden erheben, die aus dem Off erklingen.\nUnd mit Rubberband Girl schießt sie endgültig den Vogel ab, wenn sie zur schrammeligen Stones-Gitarre nuschelig und abgedreht ins Mikro palavert. Irgendwie will hier nichts passen, die Vocals schaffen es nicht, sich mit der Band zu vereinen und bleiben in ihrem bleiernen Ausdruck sonderbar abgetrennt vom geschehen – überhaupt nicht so, wie man es von Kate Bush kennt.\nDavon wollen wir mehr! Mehr nuscheligen Gesang zu bratzigen Gitarren und polternden Drums! Da geht noch was, Frau Bush, ganz sicher! Wir warten…\nRepertoire: 2, Interpretation: 1 – 3\nJulian Cope: The Jehovahcoat Demos\nAls Künstler kennt man es nur zu gut: Manchmal hat man einfach keine Zeit, Lust oder Inspiration für neue Songs. Auch Julian Cope scheint es da nicht anders zu gehen, denn viel Neues war von ihm in den letzten Monaten nicht zu hören – leider. Wohl um seine Fans nicht allzu lange auf dem Trockenen zappeln lassen, veröffentlichte er mit “The Jehovahcoat Demos” ein Album aus altem und bislang unveröffentlichtem Material aus der Zeit um 1993.\nBesser als nix, könnte man sagen. Doch die 15 Stücke sind alles andere, als leichte Kost. Sie zeigen Cope als Zeremonienmeister einer zuweilen meditativen Experimentalmusik, die weitgehend ohne Gesang auskommt und auch kaum herkömmliche Songstrukturen erkennen lässt. Ein Cope-Album ohne Gesang ist durchaus gewagt. So überwiegt auf den Jehovahcoat Demos eine sphärische Stimmung, die weitaus mehr den inneren Befindlichkeit ihres Schöpfers folgt, als den Erwartungen der Hörerschaft.\nUnd so will das Album beim ersten Hören irgendwie nicht so richtig in die Gänge kommen und verliert sich über weitere Strecken in mystischen Wiederholungen und psychodelischen Klangbildern, die zumindest dann leicht uninspiriert wirken, solange sich die richtige meditative Haltung nicht einstellen will. Ab und an luken allerdings durchaus gute Songansätze hervor (Headshopping; Baby, My Mind Stood Up, Time and Space), die sich aber schnell als Fragmente entpuppen. Dann lassen die Johovahcoat Demos einen leicht ratlosen Hörer zurück, dem zwar ein weiterer Einblick in den weiten musikalischen Kosmos des kongenialen Julian Cope zuteil wurde, der aber trotzdem nicht genau weiß, was er schlussendlich davon halten soll. Die 12 Englischen Pfund lohnen sich auf jeden Fall nur für die hartgesottenen Nerds unter den Copeisten (also für Leute wie den Rezensenten…).\nDas Beste dürfte wohl sein, auf eine passende Stimmung zu warten, um in einem inneren meditativen Flow den Tönen der Stücke folgen zu können. Auch erschließt sich die musikalische Message erst nach wiederholtem Hören, so wie es bei Cope-Alben häufig der Fall ist. Nicht nur in dieser Hinsicht ähnelt das Album ein wenig dem unten vorgestellten von Psychic TV.\nRepertoire: 3, Interpretation: 2\nPsychic TV3: Mr. Alien Brain vs The Skinwalkers\nDas Forum der diesjährigen Berlinale wartet mit einem besonderen Film auf: The Ballad of Genesis and Lady Jaye von Marie Losier zeigt die wohl radikalste Auffassung von Kunst, die selbst unter hartgesottenen Nerds vorstellbar ist. Im Mittelpunkt steht die sonderbare Vereinigung von Neil Megson alias Genesis P-Orridge und Jacqueline Breyer alias Lady Jaye. Ersterer eine Ikone der experimentellen Musik, letztere eine ehemalige Krankenschwester, Musikerin und P-Orridges Gattin. Zusammen verschmolzen sie zu einem Ehepaar mit einer derartig bilderbuchhaften Beziehung, dass beide irgendwann beschlossen, jeweils das Spiegelbild des anderen zu werden.\nAlles begann Anfang der 1990er Jahre. Genesis P-Orridge verliebte sich in die Keyboarderin seiner Band Psychic TV. Jahre zuvor war er treibende Kraft und Sänger von Throbbing Gristle (GB), den Begründern der avantgardistischen Industrial-Music. Die Band war bekannt für ihre damals neuartigen und zum Teil kaum erträglichen Klangwelten, die sie mit analogen Synthesizern, selbstgebauten Effektgeräten und herkömmlichen Instrumenten zelebrierten. Zu den pochenden, stampfenden und kreischenden Lärmkulissen sang und brüllte P-Orridge verstörende Texte in der Pose eines manischen Psychoten.\nNach der Auflösung der Band gründete er sein eigenes Projekt Psychic TV (PTV), das fast bis zum heutigen Tage mit häufig wechselnder Besetzung existiert. Die stilistische Bandbreite reichte dabei von experimentellen Klängen über Acid, Wave und Techno bis hin zu fast schon radiotauglichem Indierock. PTV war dabei nie eine reine Musikgruppe, sondern eher ein multimediales Projekt mit einem gewissen Hang zu okkulten Praktiken und schockierenden Videodarstellungen. Letzteres führte in Kombination mit Pädophilievorwürfen zur Auswanderung ins US-amerikanische Exil.\nDoch zurück zu Pandrogeny. Als P-Orridge 1993 bei einem Feuer fast einen Arm verlor und sich langwierigen Operationen unterziehen musste, schien er Gefallen an der plastischen Veränderung seines Körpers zu finden. Zuvor schon ein stolzer Träger ausgefallener Genitalpiercings, der die Freude über den Anblick seines Pimmelgehänges gerne mit seinem Publikum teilte, begann er mit der Totalumwandlung. Und zwar optisch in Richtung seiner Ehefrau Lady Jaye. Diese wiederum zog mit und näherte sich ihrerseits dem Gatten an. Man startete mit Wangenimplantaten und Botox-Aufspritzungen, machte weiter mit Hormonspritzen und vollendete das Werk schließlich mit künstlichen Brüsten. Heute ist aus dem damals leicht hässlichen Männchen ein noch ein weitaus hässlicheres Weib geworden, das sich allerdings beharrlich weigert, den letzten Schritt zu gehen: das Pimmelchen bleibt dran.\nLeider erfuhr das Projekt einen mehr als herben Rückschlag. Im Jahr 2008 raffte der Krebs Lady Jaye dahin – und Essig war es mit dem Einander-Angleichen, der munteren Mutation zum Spiegelbild des anderen. Schätzungsweise 200.000 US-Dollar in nix und wieder nix investiert. Denn es ist eher unwahrscheinlich, dass P-Orridge eine Frau finden dürfte, die a) so ähnlich aussieht wie er und b) sich via Plastik-OP sein wenig erstrebenswertes Konterfei verpassen lässt. Und so macht der Gute einfach weiter wie bisher, denn, so behauptet er fest, die Verblichene hätte es ja sicher so gewollt.\nKeine Frage, dass ein derart radikaler Totalkünstler auch ein gewisses Gespür für inspirierende Musik besitzt. “Mr. Alien Brain vs The Skinwalkers” ist das bisher letzte Album von PTV (genauer: PTV3) und versammelt zwölf zum Teil recht ausgedehnte Stücke, die man problemlos dem Genre der alternativen Rockmusik zuordnen kann. Will heißen, dass man kein ausgewiesener Experimental- und Indiekonsument sein muss, um den Songs etwas abzugewinnen. Unbestrittener Höhepunkt ist das langsame und trotzdem treibende “Trussed”, das vor düsterer Energie nur so trieft. Ähnliches gilt für “Pickles and Jam” und “No good Trying”, die weiteren Highlights des Albums. Der Rest schwächelt leider ein wenig und verliert sich, wie etwa “Boys are Girls and Girls are Boys” oder “New York Story” in der biederen Belanglosigkeit gewöhnlicher Rockstrukturen. Oder kommt vor lauter künstlerischer Überfrachtung einfach nicht in die Hufe. Dennoch: Über allem schwebt der unverkennbare Hauch eines in allen Bereichen extremen Menschen. Das wiederum macht “Mr. Alien Brain vs The Skinwalker” zu einer willkommenen Abwechslung im täglichen Musikgenuss. Jedenfalls dann, wenn sich kein Bild von Herrn P-Orridge in Sichtweite befindet.\nRepertoire: 2-, Interpretation: 1 – 4\nThrobbing Grisle: Discipline\nMeursault: Pissing on Bonfires / Kissing with Tongues\nWas sind Folktronica, Epischer Lo-Fi oder Indie-Folk? Auf den ersten Blick Wörter, deren Einzelteile irgendwie nicht zusammenpassen wollen. Auf den zweiten, hier speziell auf die schottische Band Meursault gerichteten Blick, eine Mischung aus akustischen Folksongs und elektronischem Minimalismus. Nicht zusammengekleistert, versteht sich, sondern getrennt. Akustik-Folk bleibt Akustik-Folk und Elektro bleibt Elektro, jeder Song spricht seine eigene Sprache.\nMeursault, das ist vor allem der Solokünstler Neil Pennycook. Ein eindringlicher Sänger zur Gitarre und Verfasser ebenso eindringlicher Melodien von zuweilen tränenrühriger Schönheit. Und ein Texter vor dem Herrn dazu: ” It′s a beautiful way to get lost / All you need is a bottle and a few nagging thoughts” tönt es da in Small Strech of Land zur kontemplativ gezupften Gitarre. Respekt, da muss man erst drauf kommen.\nIrgendwann dämmerte dem kahlen Schotten, dass sich mit Begleitmusikern mehr ausrichten lässt. Also gruppierte er eine Handvoll Kumpane aus Edinborough um sich, dann erblickte die Band Meursault das fahle Licht der Welt. Übrigens benannt nach einem französischen Weinort, warum auch immer.\nDabei ist “Band” eigentlich zuviel gesagt, zumindest im klassischen Sinne. Auf Schlagzeug und Bass wird komplett verzichtet, dafür bedient man Synthesizer, iBook und auch mal eine Blasebalg-Tischorgel. Das alles passt zum Sound, der durchgehend minimalistisch daherkommt. So steuert die Band den akustischen Songs nur wohldosierte Portionen Banjo oder Zweitstimme hinzu. Die elektronischen Vertreter klingen nach Analogsynthie mit Billg-Drumbox. Könnte man eigentlich schnell auf dem heimischen Mac hinzimmern – doch auch hier gilt, dass man auf vieles erstmal kommen muss.\nPissing on Bonfires / Kissing with Tongues ist ein um mehrere Stücke ergänztes Remake des Debut-Albums der Band und stammt damit aus einer eher folklastigen Phase. Es startet mit dem durchaus epischen Elektro-Minimalismusstück Salt Pt. 1, dessen leicht höhenlastiger Sound und Gesang mal nervt, mal begeistert – je nach Weinpegel. Daher wohl auch der Bandname. Ist man ohne Pegel unterwegs, versöhnt spätestens Salt Pt. 2 schnell wieder, ebenso die anderen folkigen Stücke. Letztere dominieren, werden aber ab und an von elektronischen Ausbrüchen ergänzt. Und immer wieder faszinieren Pennycooks Gesangslinien, die ohne ein profundes Gespür für herausragende Melodik so nicht möglich wären. Dabei bleibt alles verblüffend einfach – die Instrumentierung, die Akkordstrukuren und die Arrangements.\nHie und da erinnert das Album ein wenig an die Zeiten, als Neil Young noch gute Songs schrieb, die ähnlich einfach und ähnlich wirkungsvoll waren. Will heißen, die es noch schafften, im Zuhörer etwas auszulösen. Meursault schaffen das zwar nicht immer, aber erstaunlich häufig. Einzig das Bassfundament fehlt manchmal, auch geraten die Rhythmusloops zuweilen ein wenig zu simpel. Aber darüber lässt sich ob der erfrischenden Andersartigkeit der Band gerne hinwegsehen.\nRepertoire: 2, Interpretation: 1-2\n“Künstlerisch tot” nannte Julian Cope seinen Kollegen Iggy Pop einmal. Ganz so unrecht hatte er damit nicht, denn die letzten Alben des Amerikaners dokumentierten vor allem eines: Stillstand. Langweilige Gitarrenriffs, gepresster Gesang, banale Songs – James Osterberg war schon lange damit beschäftigt, ein Sprung in seiner eigenen Auslaufrille zu werden. Auch die Reunion der Stooges war eher ein Griff ins Klo, als die Wiedergeburt einer der einflussreichsten Bands der Musikgeschichte. 2005 ist eben nicht 1968, und die übergewichtigen Opas von heute sind nicht mehr die rebellischen Teenager von damals. Kein Wunder, dass da nicht mehr rauskam, als müder Garagenrock der Schulbandklasse. Klar – wenn man seit Jahren keine Gitarre mehr in der Hand hatte…\nDoch Iggy Pop hat dazugelernt. Mit Mitte Sechzig reichlich spät, aber immerhin. Schon immer hatte er die leichte Neigung zur leichten Muse. Schon früher fand sich das ein oder andere seichte Geplänkel zwischen seinen Kicking-Ass-Riffs, zu dem er mit seiner allertiefsten Kellerstimme leise Töne säuselte. Verzeihliche Ausrutscher und orientierungslose Verirrungen eines Berufsschreihalses mit HB-Männchen-Attitüde; verstohlene künstlerische Seitenblicke eines zur Realsatire gewordenen Mikrofonzertrümmerers.\nDer Wille zum Wandel war also mehr als überfällig. Plötzlich hieß es, er wolle nicht mehr den “wilden Mann” markieren, den alle von ihm erwarteten. Schon gar nicht mehr in seinem Alter, rechtfertigte Pop sein neuestes Album “Préliminaires&quot. Recht hat er, ohne Wenn und Aber! Der Mann muss vom Baum der Erkenntnis genascht haben – nur eben leider die verfaulten Früchte. Seinen künstlerischen Tod jedenfalls konnte er mit seinen neuen Tönen nicht in eine Auferstehung verwandeln.\nNichts gegen einen Hang zur leichten Muse oder ruhigeren Tönen. Aber auch das will gekonnt sein. Denn kaum etwas ist musikalisch ärgerlicher, als die uninspirierte Pseudo-Nachdenklichkeit, die sich wie ein trüber Schleier über Préliminaires legt. Als ob ein paar ungelenke Anleihen aus der verruchten Welt existenzialistischer Chansons einen sexistischen Proll zum intellektuellen Bohèmien erheben könnten.\nGanz in diesem Sinne werden auf den Höhepunkten der Pop′schen Tristesse französische Texte über gähnige Tanzschulenmuzak gesprochen (Je Sais Que Tu Sais, Les Feuilles Mortes) oder banale Lyriken über billige Keyboarduntermalung gekleistert (Party Time, He′s dead / She′s Alive). Die restlichen Songs reichen allenfalls an unteres Mittelmaß heran und können den Karren auch nicht mehr aus dem Dreck ziehen. All das verschlimmert sich noch durch die erschreckend eintönige und facettenlose Stimme Pops. Diese taugt offensichtlich nur noch für baritones Gebrabbel nahe der Einschlafgrenze und trägt zusätzlich zum Misslingen des Projektes bei.\nHalten wir also fest: Gratulation zu der Erkenntnis, mal andere künstlerische Wege zu beschreiten. Das war lange überfällig. Aber, doch nicht so, Herr Pop, doch nicht so…\nRepertoire: 3-, Interpretation: 5\nBlack Sheep / Julian Cope: Kiss My Sweet Apocalypse 2\n“Conflict is the origin of everything” zitieren die Black Sheep den Philosophen Heraklit im Beiheft zu ihrem Album “Kiss my Sweet Apocalypse 2” und weisen damit auf ihre zentralen Themen hin: Konflikt, Revolution, Protest. Auch der Hörer dürfte zunächst gewisse Schwierigkeiten mit der schweren Kost haben, die sich über zwei fast vollgepackte CDs zieht. Weit entfernt von der genreüblichen Phrasendrescherei, nehmen Initiator Julian Cope und seine Mannen den Begriff des Protestes ziemlich wörtlich und spielen auf zur längst überfälligen Rebellion gegen das verkrustete System. Dieses manifestiert sich insbesondere als Kapitalismus amerikanischer Prägung (schön: die Plakate mit der Aufschrift “Fuck AmerKKKan Kapitalism”), religiösem Dogmatismus, der Unterdrückung von Minderheiten und dem Schwinden der Meinungsfreiheit.\nDie politischen Intentionen kommen dabei ein wenig diffus daher, eine stringente theoretische Linie ist schwer auszumachen. Vielmehr scheint die prinzipielle Bereitschaft zum Kampf gegen das etablierte Böse im Vordergrund zu stehen. Und diese zeigt sich für Cope und die Black Sheep im Unangepassten, im Außenseitertum, eben im Dasein als ein Schwarzes Schaf in einer ansonsten ideologisch gleichgeschalteten Gesellschaft funktionalisierter Opportunisten. Dabei wird nicht zwingend auf weltanschauliche oder sozialhistorische Details abgehoben, vielmehr kommt es darauf an, überhaupt aus einer Außenseiterposition heraus Einfluss auszuüben. Ein wenig undifferenziert schwimmen so C.G. Jung, Yoko Ono, Leila Khaled, T.C. Letherbridge oder Jim Morrison zusammen in einem Topf. Aber schließlich kommt es Cope und den Black Sheep in erster Linie auf die generelle Bereitschaft zur Opposition an, erst in zweiter Linie auf die je konkreten Hintergründe und Ziele ihrer Protagonisten. Trotzdem ist man weit entfernt von einer unkritischen Haltung gegenüber dem Rebellischen. Che Guevara, Lieblingsfigur vieler ehemals Alternativer, kriegt in einem der Stücke sein Fett weg, in dem es heißt ” Che, Che, he said he was a saint, but I know he ain′t”.\n“Song” ist dabei eigentlich der falsche Begriff, und überhaupt, viel mehr gesungenen Text als diese wenigen Zeilen über den kubanischen Revolutionär gibt es auf dem gesamten Album nicht zu hören. Das mag viele enttäuschen, die Julian Cope als einen hervorragenden Sänger kennen. Doch dieses Album dürfte im Grunde jeden enttäuschen, der mit Copes Schaffen noch vorwiegend die Post-Punk-Band Teardrop Explodes oder die betörenden “Killer-Pop-Songs” aus den 1980ern und -90ern verbindet. Visionär, wie Cope nun einmal ist, verfolgt er mit aller Konsequenz seine künstlerischen Ambitionen. Wobei “künstlerisch” in einem sehr originären Sinn zu verstehen ist, nämlich der akustischen und visuellen Reflexion des eigenen sozialen und politischen Kosmos. Dass diese nach kulturindustriellen Maßstäben dann kaum radiotauglich und in einer praktisch nicht kommerziell verwertbaren Weise daherkommt, liegt auf der Hand.\nUnd so rumpeln auf “Kiss My Sweet Apocalypse 2” die Stand- und Hängetrommeln zum hypnotischen Klang der akustischen Gitarren, alles durchmischt von Geräuschen aus Holy Mc Grails Analogsynthesizern und gelegentlichen Klängen aus Copes Mellotron 400. Kompositorische Strukturen existieren – wenn überhaupt – nur in rudimentärer Form, es überwiegt ein grundlegender Sessioncharakter. Die meisten der Stücke beginnen mit einem einfachen Motiv, das von der Band permanent wiederholt und modifizierend gesteigert wird. Parolenartige Textfragmente werden über Minuten skandiert, was an basale Protestformen erinnert. Über allem liegt eine geradezu schamanisch anmutende Ursprünglichkeit, eine in ihrer Radikalität beinahe archaische Form musikalischen Ausdrucks. Rhythmische Strukturen, improvisatorische Spontanität und eine gehörige Portion Experimentierfreude dominieren das Klangbild, kaum aber Melodien und Arrangements.\nDoch das ist genau das, was man eine absolut konsequente Interpretationsweise nennen könnte. Protest gegen das Etablierte kann nun mal nicht in den Formen des Etablierten daherkommen, und eine Revolution kann sich ebenso wenig in ein nettes Gewand melodischer Ohrenschmeichelei hüllen. Sie muss wehtun, aufwühlen und sogar zerstören. Und gerade deshalb ist der altbekannte Design-Leitspruch “Form follows funcion” für dieses Album mehr als zutreffend.\nSo bleibt “Kiss My Sweet Apocalypse 2” selbst für eingefleischte Cope-Fans schwere Kost, reiht sich bei genauer Betrachtung aber nahtlos in den roten Faden seines Schaffens ein. Man muss sich darauf einlassen können, beide CDs auf sich wirken lassen. Dann langsam offenbart sich die aufrüttelnde Tiefenwirkung dieser eigentümlichen Musik, die im Grunde nichts weiter ist, als Meditationen zum Thema Außenseitertum und Protest. Doch der aktuelle Zustand unserer Welt ist derart desolat, dass letzteres wichtiger ist, denn je. Opportunismus kann keine Lösung sein – ganz im Gegenteil. Dass Cope allen gegenwärtigen und auch künftigen Schwarzen Schafen einen Soundtrack für ihr Tun in Hände gelegt hat, ist daher mehr als zu begrüßen – auch wenn man sich mit der Zeit mal wieder auf ein Cope-Album in herkömmlicher Rock-Instrumentierung freuen würde. Schwarze Schafe sind eben auch nur Menschen…\nRepertoire: nicht wertbar, Interpretation: 1\nVan Morrison: Astral Weeks. Live at the Hollywood Bowl\nDer ältliche Mann mit Hut spaltet die Gemüter. Ein Ausnahmesänger, ohne Zweifel. Wie kaum ein anderer in der Lage, jegliche Art von Musik mit seinem unnachahmlichen Timbre zu adeln. Jeder Ton ein Volltreffer – und selbst im fortgeschrittenen Alter klettert er die Skalen mühelos auf und ab. Dass er dabei stets so klingt, als habe er den halben Mund voller Gulasch, erhöht eher den Charme seines Gesangs. Er könnte selbst Schlager interessant klingen lassen, was er denn auch leider zuweilen getan hat.\nUnd damit wären wir schon bei den negativen Seiten des Iren angelangt. So treffsicher seine Stimme sein mag, so wenig treffsicher erwies sich in der Vergangenheit sein stilistisches Gespür. Er war unterwegs in einem weiten Feld zwischen Folk, Blues, Pop und Country und hinterließ der Musikwelt so einiges an Flops. Der absolute Tiefpunkt war erreicht, als Morrison gemeinsam mit dem christlichen Schmalzheini und Schlagerpop-Barden Cliff Richard den religionstriefenden Song “Whenever god shines a light” sang. Klar, Morrison ist gläubiger Christ und hat keine Probleme damit, das auch die Welt erfahren zu lassen. Aber wenn er schon unbedingt seinen Glauben ausleben muss, dann im Sinne der negativen Religionsfreiheit bitte nicht in Form radiotauglicher Popliedchen. Und schon gar nicht zusammen mit dem Schmalzdackel Cliff Richard. Allein schon diese Aktion hätte gereicht, um sämtliches Morrison-Tonmaterial aus den Plattenschränken und Playlists zu verbannen. Und zwar in alle Ewigkeit. Amen.\nDass eine neue CD von Morrison trotz all seiner Verfehlungen hier nun rezensiert wird, hat dagegen mit den Verdiensten zu tun, die die Habenseite seiner Musikbilanz zieren. Und diese ist geüllt mit zeitlos schönen und tief bewegenden Songs von zuweilen epochaler Größe. Wie kaum ein Zweiter beherrscht er die Kunst, das Wesentliche der Musik herauszuarbeiten, künstlerische Essenz zu isolieren und von allem Störenden zu befreien. Nicht selten besitzt diese Art Songs kaum kompositorische Strukturen. Häufig gibt es nicht einmal einen Refrain, von Bridges und ähnlichem Beiwerk ganz zu schweigen. Das braucht es auch nicht. Im Zentrum steht einzig die markante Stimme, die sich – Melodie- und Soloinstrument gleichzeitig – auf Basis einer wohlinstrumentierten und -arrangierten Musikbegleitung bis tief in die Seelen der Zuörerschaft bohren kann.\nLeider begrenzte sich diese Phase seiner Arbeit auf die 1970-er Jahre, um dann sukzessive in der Versenkung zu versinken. Mit dem biederen Alte-Herren-Blues seiner jüngsten Alben verschwand schließlich der letzte Funken Hoffnung auf musikalische Offenbarungen aus dem Munde von Van the Man. Und keimte völlig überraschend mit der Veröffentlichung von “Astral Weeks – Live at the Hollywood Bowl” wieder auf. Diese enthält zwar kein neues Material, ist aber immerhin live eingespielt und eine Hinwendung zu seiner früheren Größe – für die das legendäre Album “Astral Weeks” wie kaum ein Zweites steht.\n1968 in nur zwei Tagen im Jamsession-Verfahren aufgenommen, verkaufte es sich zwar zunächst schlecht, landete später aber trotzdem in sämtlichen Ranglisten der besten Alben aller Zeiten. Es markierte die künstlerische Neufindung Morrisons, der kurz zuvor die Band Them verlassen hatte und seinen lyrischen und stimmlichen Obsessionen freien Lauf ließ. Im Herbst 2008 führte Morrison das komplette Album schließlich live auf, die zugehörige CD wurde 2009 veröffentlicht.\nZu hören ist ein gut gelaunter Van Morrison, dessen stets präsente Stimme um einiges reiferer klingt, als auf der Originalaufnahme. Die vielköpfige Band – inclusive des Streichersatzes könnte man fast von einem Orchester sprechen – spielt dezent, präzise und entspannt, schafft die ideale Basis für die Vokalakrobatik des Maestro. Zum Einsatz kommen dabei ausschließlich akustische Instrumente. So hangelt sich Morrison munter improvisierend durch die Songs von “Astral Weeks” und legt mit Listen to the Lion und Common One zwei Boni drauf. Dabei scheint der sonst eher schrullige und notorisch schlecht gelaunte Grantler seinen Spaß zu haben, an einigen Stellen entfleuchen ihm sogar – oh historische Momente – Lacher.\nEin Album, das Spaß macht: ob Slim Slow Rider, Sweet Thing oder das fulminante Madame George – hier jagt eine Offenbarung die andere. Und ein Album, das hoffen lässt, Morisson möge zurück zu alter Größe finden und dem gähnigen Biedermeier-Blues Marke Musiker-Altenteil den Rücken kehren. Das Zeug dazu hat er immer noch, da gibt es keinen Zweifel.\nNeil Young war mal ein Guter. Ein meiner Helden. Unvergessen seine hypnotisierenden Gitarrensoli, die erfrischend untechnisch waren, dafür direkt aus der Seele zu kommen schienen und das taten, was nur ganz wenige Gitarristen schaffen: zu berühren. Unvergessen der Abend vor Jahren im Hamburger Stadtpark, als Neil Young und Crazy Horse eine epische Version von Cortez The Killer ablieferten, die selbst dem eher nüchternen Rezensenten Schauer über den Rücken jagte und ihn ins Reich andächtiger Kontemplation schickte – was zuvor kaum ein Musiker live je bewerkstelligt hat.\nDoch Neil Young hat auch jede Menge Leichen im Keller. Nicht im Sinne stilistischer Verirrungen auf das Terrain kommerzieller Schleimfelder, sondern eher als bemerkenswerter Hang zu im besten Falle unterdurchschnittlicher Kompositorik und Arrangierkunst. Irgendwie haben wir uns im Laufe der Zeit daran gewöhnt, seine Perlen inmitten belangloser bis langweiliger B-Ware zu aufzuspüren, was – abgesehen mal von Youngs glorreicher Grunge-Zeit in den 1990ern – fast immer der Fall war. Doch was, wenn die Perlen gänzlich ausbleiben und nur noch der schale Bodensatz in der leeren Tasse schimmert?\nSeit dem Anbruch des neuen Jahrtausends scheint Youngs Stern im Sinken begriffen. Genau genommen sinkt er bereits seit dem Abschluss der grandiosen Weld-Tour Mitte der 1990er, als der langsam in die Jahre kommende Kanadier angesichts furioser Feedback-Orgien und scheppernder Powerchords einen Hörschaden erlitt und den Entschluss fasste, ein wenig leiser zu treten. Doch die kurze Phase eher akustischer Gitarrensongs währte nicht lange und wurde von einer Hinwendung zu erdigem Garagenrock abgelöst. Leider spielte Young diesen nicht mehr mit den kongenialen Crazy Horse ein, sondern mit der eher langweiligen Tourband Booker T & The MG′s, dabei oft unterstützt von seiner Frau Pegi am Background-Gesang. Bei aller Erdigkeit konnten seine Stücke den früheren Gitarrenelegien kaum mehr das Wasser reichen und verloren sich nur allzu gern im Belanglosen und zuweilen auch Schwülstigen.\nLeider setzt er mit seinem neuesten Werk “Fork in the Road” diese Erosion künstlerischer Substanz fort. Das Konzeptalbum handelt im wesentlichen vom Autofahren, denn Herr Young scheint es zu lieben, mit seinem Lincoln durch die USA zu cruisen. Auch an ihm ist nicht vorbei gegangen, dass besonders US-amerikanische Spritfresser jede Menge Abgas in die Luft blasen, weshalb er sich an die Entwicklung eines umweltfreundlichen Elektro-Lincolns gemacht hat. Keine allzu schlechte Idee für jemanden, der sich wohl keine zwanzig Kilometer auf einem bepackten Reiserad halten könnte…\nDas alles spickt Young noch mit ein bisschen lauer Banker- und Politikerschelte und verpackt es in rumpeligem Garagenrock der Anfängerklasse, zu dem er wie ein nuscheliger Ami-Onkel ins Mikro nölt. Ab und an hat er mal einen lichten Moment und spielt ein verzückendes Riff. Allerdings nur, um es Sekunden später mit einem grützigen Refrain oder einer anderen musikalischen Verwunderlichkeit in die Tonne zu treten. Dann mischen sich nicht selten seine Stimme und die der Begleitmusiker zu chorhaften Melodiegebilden, deren Wendungen man bestenfalls als fragwürdig bezeichnen kann. Einzig lobenswert ist sein einzigartiger Gitarrensound, doch auch der kann die Karre schon lange nicht mehr aus dem Dreck ziehen.\nAlles zusammen hat Young mit Fork in the Road eine weitere Scheibe mit leider wenig begeisterndem Garagen-Rock abgeliefert, der – schaut man sich die Videos zu den Songs an – eher in die Abteilung für ranzigen Geronto-Rock gehört. Schade.\nRepertoire: 3, Interpretation: 4\nEs geht doch nichts über produktive Künstler – vor allem, wenn sie kreativ und gut sind. Nachdem Julian Cope zuletzt mit seiner genialen Joe Strummer Memorial Busking Tour im wahrsten Wortsinne auf eher akustischen Pfaden umherwanderte, lässt er mit seiner “Stuporgroup” Brain Donor gleich zu Beginn des neuen Jahres die Verstärker wieder auf Volllast laufen. Seine Plattenreviews auf\nwww.headheritage.co.uk zeigen, dass Ausnahmekünstler Cope jede Menge Musik verköstigt, die sich fern ab dessen bewegt, was Alternative- oder Indierock im Schnitt zu bieten haben. Und während selbst seine für Durchschnittsohren schwer konsumierbaren Soloalben vergleichsweise melodisch und eingängig daherkommen, entwickelt sich Brain Donor immer mehr zur Plattform für Copes experimentellmusikalische Obsessionen. Gewiss ist in seiner Künstlerseele Platz für beide Regungen; und es kann davon ausgegangen werden, dass sie dort gleichwertig koexistieren.\nAls Cope Ende der 1990er Jahre gemeinsam mit Spitzengitarrist Doggen und Drummer Kevlar das Powertrio Brain Donor aus der Taufe hob, servierte man dem Publikum harten Proto-Metal und krachenden Post-Glamrock. Cope und Doggen stelzten geschminkt und auf Plateausohlen über die Bühne und arbeiteten sich an Doppelhalsgitarren ab, um optisch eindrucksvoller und akustisch wuchtiger rüberzukommen. Zuweilen verließen Mengen konsternierter Zuschauer die Säle, weil sie nichts mit dieser ekstatischen Musik anzufangen wussten, zu der Cope mehr brüllte als wie üblich kunstvoll sang. In viele Gesichter stand wohl die Frage geschrieben, ob das wirklich der Mann ist, der mal “Fear Loves this Place” gesungen hat.\nMit der Zeit, spätestens aber seit dem Album Brain’d Boner, verschob sich der Sound mehr in Richtung rauschhaft-meditativer Elemente. Hier dominieren epische Gitarrenkaskaden und bis zur Penetration wiederholte Gewaltriffs, die mit zuweilen grotesk übersteigerten Gesangslinien verfeinert werden. Ganz in dieser Machart fällt auch Wasted Fuzz Excessive aus. Auf die gesprochenen Einführung The Mead of Fimbulthul folgen zwei ausgedehnte Instrumentalstücke (Gates of Skagerrak, Death Becomes You) aus der Kategorie “verzerrte Klangmeditation”, die zur einen Hälfte aus Gitarrensoli und zur anderen Hälfte aus Wah-Guitar-Kontemplationen bestehen. Auf Dyselexia Rules K.O. spielt sich Doggen endgültig in den Olymp der Gitarrengötter, wenn er ganz ohne Begleitmusiker die Skalen hoch und runter fiddelt. Mit Emerging folgt mal wieder ein Stück in alter Donor-Tradition, ebenfalls gespickt mit Doggens Fingerfertigkeit und Copes treibendem Bass und Gesang. Unmittelbar daran schließt sich mit Shadow of my Corpse ein bemerkenswertes Basssolo an, das wohl gelegentlich zum Cope’schen Live-Repertoire zählt. Ein wenig eingängiger klingt danach der entfernt an Iggy Pop erinnernde Song Frankenstein. Diesem warf Cope übrigens einmal vor, künstlerisch einfallslos geworden zu sein (was der Autor nur bestätigen kann). Er empfahl ihm, mal ein Album mit meditativer Gitarrenmusik und ganz ohne Gesang zu machen. Was er damit meint, lässt sich auf Wasted Fuzz Excessive in Teilen erleben. Fokkinger Slag und The Hanging beenden dieses eindrucksvolle Album mit einer gehörigen Prise musikalischer Experimentierfreudigkeit, Copes schwerlastigem Basssound und exzessiven Gesangsparts. The Hanging treibt das alles auf die Spitze und trägt den Zuhörer auf dahinwabernden Geräuschteppichen zurück in die Stille nach dem Ende der CD.\nWasted Fuzz Excessive ist alles andere als leichte musikalische Kost. Musikalische Meditationen, die in ihrer Rau- und Schroffheit ideal zu den kühlen nordischen Landschaften passen, die Cope samt ihrer Mystik gerne beschwört. Und hat man sich erst mal warmgehört, folgt man nur allzu gern der Aufforderung auf dem Cover:”Play this Power Trio Loud as Hell!”.\nDie Erwartungshaltung war groß, als Julian Cope vor einigen Monaten auf seiner Website ( www.headheritage.co.uk) ankündigte, an einem neuen Album zu arbeiten. Vom Dasein als “schwarzem Schaf”, als Außenseiter in der modernen westlichen Gesellschaft, sollte es handeln, so die Ankündigung. Musikalisch sollte der bereits bei “You gotta Problem with me” eingeschlagene Weg weiter verfolgt werden. Zu erwarten war also eine eher ungewöhnliche Instrumentierung aus orchestralen Perkussionsinstrumenten, Mellotron (einem mit Magnetbändern betriebenen analogen Tasteninstrument), Oboe, Synthesizer und – man merke auf – schönem mehrstimmigen Gesang.\nSchnell wurde bestellt, als “Black Sheep” endlich im Merchandiser von Headheritage auftauchte. Und mit zittrigen Fingern schließlich in den CD-Player gesteckt, offenbarte Copes neues Album eine gelungene Vorstellung von einem so hoch entwickelten wie visionären Songwriting. Cope höchstselbst gestaltete zudem das Cover, das die in Öl gemalte Flagge der Anarchisten mit einem Zitat C.G. Jungs schmückt.\nBlack Sheep ist ein Album der eher ruhigen Töne. Wie bei Cope üblich, verteilen sich die neun Songs auf zwei CDs mit zusammen knapp 70 Minuten Länge. CD Eins trägt den Untertitel “The Return of the Native” und klingt ein kleines bisschen härter als CD 2 – “The Return of the Alternative”. In die Ohren sticht bei beiden Teilen des Konzeptalbums vor allem die stilistische Unterschiedlichkeit der Songs. Kommen Come The Revolution und It’s Too Late To Turn Back Now anarchisch krachend daher, gehören These Things I know, Blood Sacrifice und Psychodelic Odin der feinmelodischen Songfraktion an, die von Cope überzeugend mit ruhiger und klarer Stimme gesungen wird. Bei letzterem handelt sich dazu um ein typisches Beispiel für Copes hochmelodisches Gespür. Fast schon ein umwerfender Pop-Song alter Cope-Schule, mit dem der visionäre “Archdrude” früher einen Großteil seiner Brötchen verdient hat. Ganz anders dagegen The Shipwreck of St. Paul; in dem ein magisch verzerrter Gesang durch tief wabernde Synthesizerklänge dringt. Das Stück besticht durch eine eigentümlich mystische Stimmung, die sich erst bei mehrmaligem Hören in voller Gänze entfaltet.\nCD2, “Return of the Alternative”, beginnt geradezu beschwingt mit All The Blowing-Themselves-Up Motherfuckers, in dem ein eingängiger Chorgesang dominiert. Es wird gefolgt von Feed my Rock n’ Roll, dem einzigen eher schwächeren Song auf dem Album. Das filigran-schöne Dhimmi is Blue handelt (u.a.) augenscheinlich vom Sterben und wird mit glockenklarem Gesang zu Klavier vorgetragen. Der Black Sheep Song bildet das inhaltliche Kernstück. In dem ruhigen Akustikgitarrenlied geht es um die “Schwarzen Schafe”, die sich nicht von der geführten und manipulierten Masse einnehmen lassen, weshalb sie ein benachteiligtes Randdasein fristen müssen. In ihrer Unangepasstheit bilden sie jedoch das Rückgrat jeder Freiheit und Unabhängigkeit. Den Abschluss bildet das epische I can Remember this Life, das sich gerade wegen seiner pulsierenden Ruhe um so eindringlicher in den Geist des Hörers schraubt. Eine meditative Stimme singt eine fast altertümlich wirkende Melodie zu einem harmonischen Gemenge aus einzeln gesetzten Klaviertönen, Synthesizerklängen und wabernden Mellotronlinien – ein würdiger Abschluss für ein großartiges Album.\nIn seinem Vorwort beschreibt “Hobby-Historiker” Cope die Ausbreitung der Wüstengötter Jehovah, Allah und des Christengottes aus dem kriegerischen mittleren Osten nach Nordeuropa. Er stellt treffend fest, dass diese Wüstengötter in ihrer Grausamkeit und Inhumanität die ebenso grausamen, kriegerischen und insgesamt sehr schwierigen Lebensumstände jener Völker widerspiegeln, die in der Antike in dieser Weltgegend lebten. Allerdings seien diese fremdländischen Gotteskonzepte den nordeuropäischen Lebensumständen und der daraus resultierenden Kollektivpsyche kaum angemessen. Jedoch von den patriarchalen Römern dorthin exportiert, seinen die nordischen Götter ausgelöscht worden, und mit ihnen das Konzept der Gleichheit der Geschlechter, das – so kann es interpretiert werden – bei Cope für ein Konzept der wahren Humanität steht. Mit den Wüstengöttern brachen also Unterdrückung, Gewalt und Inhumanität in die nordische Welt ein, ganz nach seinem Schlagwort: “The True Fiend Rules in God’s Name” (Der wahre Feind herrscht im Namen Gottes).\nBlack Sheep ist alles in allem ein musikalisch wie inhaltlich ausgesprochen inspirierendes Album eines der wenigen Kulturschaffenden, die man noch ohne Vorbehalte als wahren “Vollblutkünstler” bezeichnen kann.\nRepertoire: 1, Interpretation: 1\nDoch was wären die beiden ohne den kosmischen Fred Schneider? Seine unverwechselbare Comicstimme reicht, wenn’s hoch kommt, gerade über eine halbe Oktave. Aber diese halbe Oktave hat es knüppeldicke in sich. Schneiders Vokalattacken sind nicht nur das Salz in der Ursuppe, sondern der Kontrapunkt zur weiblichen Gesangsdynamik. Man freut sich auf jeden neuen Einsatz, fiebert ihm förmlich entgegen. Und ein besonderes Highlight ist es, wenn Schneider die Leadvocals übernimmt, wie etwa in Eyes Wide Open, das im Übrigen leicht an This Planet’s a Mess aus seinem 1984er Soloalbum Monster erinnert – und das war Wave pur.\nWenn eine Band nach einer so langen Zeit wieder aus der Versenkung auftaucht, hat sie eine große Bürde zu tragen. Eigentlich könnte man guten Rechts verlangen, dass jedes neue Stück eine Offenbarung sei – schließlich war die kreative Pause lang genug. Diese hohe Hürde haben die B-52s zwar nicht genommen. Dafür haben sie ein erfrischendes Album nach altbewährten Rezepten abgeliefert, das den Hörer zwar nicht in Sphären des erweiterten Bewusstseins katapultiert, die Band dafür wieder auf das Podest der weltbesten Partyband. Es gibt drei geistreinigende Stücke (Pump, Too Much To Think About, Eyes Wide Open) die zeigen, in welche Richtung der künftige Pfad der B-52s gehen sollte. Dann noch ein paar stimulierende Partykracher wie Deviant Ingredient und leider auch zwei bis drei Laufzeitfüller. Letztere sollten wir aber nicht überbewerten, denn im Vordergrund steht erst mal die Freude darüber, dass sich die B-52s in Fast-Urbesetzung überhaupt wieder zurückgemeldet haben. Nun bleibt inständig zu hoffen, dass die Pause bis zum nächsten Album nicht wieder so lange ausfällt…\nDer Blick auf die Headheritage-Website Ende Dezember offenbarte eine angenehme Weihnachtsüberraschung: Angeboten wurde ein Bootleg eines Konzerts von Julian Copes Spezialprojekt Brain Donor. Vor etwa einem Jahrzehnt tat sich der Brite mit Ex-Spiritualized Gitarrist Doggen Foster und Drummer Kevlar zusammen, um ein durchschlagendes Power-Trio ins Leben zu rufen. Kevlar wurde später durch Mister E ersetzt, der zusammen mit Doggen Foster auch im Line-Up der Cope’schen Hausband zu finden ist.\nBrain Donor wird von Cope zuweilen als “Stuporgroup” (Betäubungs-Gruppe) bezeichnet, was angesichts ihres rauen, harten und ungeschliffenen Sounds verständlich ist. So produziert das Trio vornehmlich scheppernde Attacken auf Gehör und Gehirn, gespickt mit langen Gitarrensoli, hypnotischem Gesang und harscher Brachialität – Proto-Metal at it’s best.\nAußer den bisher erschienen Studioalben ist Thekla Brain Donors einzige Live-CD, sieht man einmal von der allerdings hoffnungslos vergriffenen CD “Too Freud to Rock’ n Roll, Too Jung to Die” ab. Es handelt sich um die Aufzeichnung eines Gigs im namensgebenden Thekla-Club in Bristol, die aus dem Publikum mithilfe eines tragbaren Recorders gemacht wurde. Irgendwie gelangte die Aufnahme zu Headheritage, wo sie nun aufgrund der mäßigen Soundqualität für wenig Geld (knappe 10 Euro) angeboten wird.\nZu hören sind bei insgesamt akzeptabler Klangqualität acht energiereiche Stücke. Besonders beeindruckend sind Doggen Fosters Gitrarrenkünste, die von einschlagenden Riffs bis hin zu nahezu außerirdischen Soli reichen. Das Fundament bilden dabei Copes knochenharter Bass und Mister E’s sportliche Schlagzeugdresche. Copes sehr wandlungsfähiger Gesang passt sich den Gegebenheiten an – man glaubt kaum, dass dieselbe Stimme Spitzensongs wie I found a new way to love her intoniert hat. Insgesamt ist “Thekla” eine kurzweilige CD, die eine erfrischend spielfreudige Band in Minimalbesetzung zeigt. Ab und an kommen Assoziationen an Iggy Pop’s Livesound auf, wobei Brain Donor diesen allerdings ganz klar auf die hinteren Ränge verweist. Zum einen nämlich ist der Cope’sche Proto-Metal um einiges innovativer, als Pops immergleicher Kick-Ass-Sound. Zum anderen wartet Cope mit einer umfangreichen Botschaft auf und befriedigt somit auch intellektuelle Ansprüche. So kann man also unbedenklich jener klugen Anweisung folgen, die auf vielen Brain Donor – CD’s aufgedruckt ist: Play this power trio loud as hell!\nRepertoire: 2-, Interpretation: 1\nIm Unterschied zum stellenweise recht experimentellen Machina II klingt Zeitgeist geradezu geradlinig und kommerziell. Die zwölf Songs sind allesamt in einem Rutsch durchhörbar, ecken kaum an, fallen aber angenehm durch eine unverkennbare Härte auf. Wieder schichtet Corgan zig Gitarrenspuren übereinander, um den typischen Bombastsound der Pumpinks hinzukriegen. Ausnahmedrummer Jimmy Chamberlin besticht dabei mit treibend-virtuoser Rhythmusarbeit, während Corgan seine Texte in gewohnter Manier über die fetten Arrangements näselt. Dabei ist Chamberlin der Einzige aus den alten Tagen der Band, der Rest wurde schlicht dazugekauft – von Wiedervereinigung kann also kaum die Rede sein.\nAlles in allem reicht Zeitgeist in seiner Geradlinigkeit leider nicht an seine Vorgänger heran. Ein wenig mehr Experimentierfreude hätte dem Album gut getan; auch reichen die Songs – mit Ausnahme von “United States” – nicht über (oberes) musikalisches Mittelmaß hinaus. Oft drängt sich leise der Verdacht an kommerzielle Zugeständisse auf. Aber vielleicht muss sich Corgan einfach nur wieder warmkomponieren….\nRepertoire: 3, Interpretation: 3\nDer Mann ist beneidenswert: Mit den Tantiemen aus seinen Erfolgen in den Siebzigern und Achtzigern kann Cope heute gut genug leben, um machen zu können, was er will. Nicht, dass er mit “Trampolene” & Co. steinreich geworden wäre. Jedoch hat ihn schon damals kommerzieller Opportunismus aufs Tiefste angewidert. So verzog er sich etwa nach seiner chartsmäßig größten Knaller-LP “My Nation Underground” gedemütigt ins Studio und nahm auf eigenes Risiko authentische Cope-Songs auf.\nWieder kreist alles um sein Lieblingsthema, namentlich die destruktive Kraft monotheistischer Religionen, die es zu bekämpfen gilt. In seinen Texten begibt er sich zur Veranschaulichung in Länder wie den Irak oder Saudi Arabien. Denn besonders dem Islam kreidet er an, Unterdrückung und Leid von Frauen im Namen einer narzistisch-patriarchalen Herrschaft zu unterstützen. So fußen für ihn die drei “anti-humanen” Religionen Christentum, Judentum und Islam auf einem “barbarischen Bronzezeit-Text, dem Alten Testament” (Covertext, eigene Übersetzung).\nWer bei soviel Leidenschaft krachigen LoFi-Protometal á la Brain Donor erwartet, dürfte allerdings enttäuscht werden. Cope hat viel zu sagen, und so mutiert die Musik eher zur nebensächlichen Untermalung seiner ausgedehnten Lyrics. Dabei fasziniert einmal mehr sein stimmlicher Variationsreichtum. Mal kreischt er heiser, mal säuselt er tief und sonor, mal wechselt er von gefühlvoller Brust- zu tragischer Kehlkopfstimme. Sick Love und Can’t Get You Out Of My Country interpretiert er mit geradezu alberner Intonation, und Woden wird künstlich in solche Höhen gepresst, dass seine Stimme stets kurz vor dem Umkippen steht – alles im Dienste der bestmöglichen Übereinstimmung von Aussage und Gesang.\nDie Instrumentierung bleibt also eher spartanisch. Im Vorderund stehen Gitarre und Mellotron, während die Rhythmussektion einer Roßkur unterzogen wurde. Statt eines Schlagzeugs sind zumeist nur einzelne Trommeln und Becken zu hören, wie man sie von Marschkapellen her kennt. Ab und an lugt Copes unvergleichliches Talent für bestechende Melodieführungen heraus. So hätte Doktor Know ohne weiteres das Zeug zu einem veritablen Radiohit – wäre es standardgemäß instrumentiert. Aber so verleihen gerade die verlorene Gitarre, das zarte Mellotron und die vereinzelten Trommeln den lieblichen Lyrics eine ganz besondere Magie. Allerdings dürfte derartiges nur geübten Kennern des Cope’schen Werkes zugänglich sein. So wendet sich auch You Gotta Problem With Me an einen vergleichsweise kleinen Hörerkreis, der eben dieses und ähnliche Probleme mit Herrn Cope nicht kennt.\n© Frank Spatzier (2011 – 2013) LSky-intern Contact


»Ginseng - Wirkung und Anwendung\n»Roter Ginseng Wirkung\nRoter Ginseng und seine Wirkung als Stärkungsmittel und viel gepriesenes Allroundtalent\nRoter Ginseng ist durch seine Wirkung die Luxusvariante unter den Ginsengprodukten und besonders kostbar sowie reich an Inhaltsstoffen, die das Wohlbefinden fördern und den Organismus stärken.\nWarum Roter Ginseng, was ist dran an seiner Wirkung?\nRoter Ginseng ist keine Ginsengsorte, sondern eine spezielle Zubereitungsart des weißen Ginsengs, die aus Gründen der Haltbarkeit „erfunden“ wurde. Um die Ginsengwurzeln während der langen Transportwege vor Schimmelbefall zu schützen, wurde der Ginseng zuerst mit Wasserdampf behandelt und danach schonend getrocknet. Dadurch erhielt der Ginseng seine typisch orange-rote Farbe und wird als Roter Ginseng gehandelt. Der roten Ginsengvariante wird eine verstärkte Wirkung zugeschrieben, da durch die Dampfbehandlung mehr Ginsenoside gebildet werden, als sie ohnehin im weißen Ginseng enthalten sind.\nWas macht Roter Ginseng und seine Wirkung so besonders?\nDie Konservierung mit Wasserdampf und der behutsame Trocknungsprozess machen Roten Ginseng noch länger haltbar als seine weiße Naturform. Doch um die Haltbarkeit von mehreren Jahren zu erreichen, benötigt Roter Ginseng zuvor eine Reife- und Wachstumszeit von mindestens 6 bis 10 Jahren, damit ein Optimum an wertvollen Ginsenosiden gebildet werden kann, die wiederum das Multitalent des Roten Ginsengs ausmachen. Das breite Wirkungsspektrum von allgemeiner Stärkung über Kräftigung des Immunsystems bis hin zur Steigerung der Konzentrations- und Leistungsfähigkeit machen den Roten Ginseng zum ganz besonderen Heilmittel.\nRoter Ginseng – auf die Farbe kommt es an\nSeine spezielle Behandlung macht Roten Ginseng zu der teuren und am meisten begehrten Form des Ginsengs. Da Roter Ginseng deutlich mehr Ginsenoside enthält als die weiße Ur-Wurzel, gilt er auch als heilkräftiger und besonders wirksam. Obwohl auch hier vieles eine Glaubensfrage ist, wird dem Roten Ginseng eine intensivere und nachhaltigere Wirkung zugesprochen, die besonders schnell zum gewünschten Heilungserfolg führen soll, was bei vielen Beschwerden überaus erstrebenswert sein kann.\nWeitere Infos über Ginseng\nWissenswertes über Ginseng, seine Wirkung und Anwendung, Infos über Roten Ginseng, Sibirischen Ginseng, Ginseng Tee, Kapseln, Pulver, Dragees, Creme und vieles mehr ...\nzur Übersicht >> Ginseng\nBei Amazon.de finden Sie eine große Auswahl an Ginseng-Produkten:\nweiter zu den - Ginseng-Produkten\nGinseng und seine Wirkung als Jungbrunnen\nGinseng - Nebenwirkungen und Dosierung\nSo wirkt die Ginseng Wurzel auf die Potenz\nSibirischer Ginseng - die Taigawurzel\nGinseng wirkt als Tee, Kapseln, Pulver & Co


Amazon.de: Ramins Rezension von Russendisko\nSoooo langweilig dass es weh tut!!!, 20. Februar 2014\nIch habe fast alle Kaminer-Bücher entweder gelesen oder als Hörbuch (gelesen von ihm selbst) gehört. Es hat mich, ehrlich gesagt, einfach schockiert, dass es sich bei diesem Film angeblich um die Verfilmung seines Werks „Russendisco“ handeln sollte!!Es gibt nichts, nicht mal das Geringste was diesen Film und die Original-Vorlage „Russendisco“ von Kaminer verbinden könnte, null Gemeinsamkeiten. Der Film ist eher peinlich und billig und vor allem extrem mega langweilig, so dass es sich nahezu wie eine Befreiung anfühlt, wenn der Film endlich mal zu Ende geht (wäre ich alleine, hätte ich den Film bereits nach 10 Min. abgeschaltet). Es gibt wirklich keine einzige witzige Szene, worüber man lachen könnte.Der Film kann sich einfach nicht entscheiden, was er sein will, eine Komödie, Liebesfilm, vielleicht doch Drama, oder lieber eine Zeitdoku… Am Ende ist er dann keins von ihnen!! Er ist einfach gar nichts und vor allem hat überhaupt nichts mit „Russendisco“ von Kaminer zutun. Zu dem ganzen Scheitern tragen neben dem unerträglichen Drehbuch auch die unpassenden Schauspieler kräftig bei. Drei Jungs aus der UdSSR in den 80ern, die noch nie im Westen waren handeln und verhalten sich wie die westeuropäischen Jungs von heute!! Das ist als würde man einen Bollywoodfilm drehen mit Brad Pitt in der Hauptrolle!! Wenn man einen Film über Russen dreht, dann nimmt man auch Darsteller, die sich wie die Russen verhalten oder etwas typisch Russisches an sich haben bzw. dieses spielen können. Hätte man sich an d. Vorlage von Kaminer gehalten, wäre der Film möglicherweise viel sehenswerter geworden. Ich weiß nicht, wer sich diesen Blödsinn ausgedacht hat, aber sowas als Kinofilm in d. Kinos zu bringen (vor allem als Komödie und Kaminer-Verfilmung) ist einfach eine Schande!!Ich bin nur glücklich darüber, dass ich den Film nicht gekauft, sondern auf Sky gesehen habe.Meine Empfehlung wäre, statt diese grausame Schlaftablette die Hörbücher von Kaminer zu kaufen, that’s what I call comedy….\nSoooo langweilig dass es weh tut!!!\nIch habe fast alle Kaminer-Bücher entweder gelesen oder als Hörbuch (gelesen von ihm selbst) gehört. Es hat mich, ehrlich gesagt, einfach schockiert, dass es sich bei diesem Film angeblich um die Verfilmung seines Werks „Russendisco“ handeln sollte!!Es gibt nichts, nicht mal das Geringste was diesen Film und die Original-Vorlage „Russendisco“ von Kaminer verbinden könnte, null Gemeinsamkeiten. Der Film ist eher peinlich und billig und vor allem extrem mega langweilig, so dass es sich nahezu wie eine Befreiung anfühlt, wenn der Film endlich mal zu Ende geht (wäre ich alleine, hätte ich den Film bereits nach 10 Min. abgeschaltet). Es gibt wirklich keine einzige witzige Szene, worüber man lachen könnte.Der Film kann sich einfach nicht entscheiden, was er sein will, eine Komödie, Liebesfilm, vielleicht doch Drama, oder lieber eine Zeitdoku… Am Ende ist er dann keins von ihnen!! Er ist einfach gar nichts und vor allem hat überhaupt nichts mit „Russendisco“ von Kaminer zutun. Zu dem ganzen Scheitern tragen neben dem unerträglichen Drehbuch auch die unpassenden Schauspieler kräftig bei. Drei Jungs aus der UdSSR in den 80ern, die noch nie im Westen waren handeln und verhalten sich wie die westeuropäischen Jungs von heute!! Das ist als würde man einen Bollywoodfilm drehen mit Brad Pitt in der Hauptrolle!! Wenn man einen Film über Russen dreht, dann nimmt man auch Darsteller, die sich wie die Russen verhalten oder etwas typisch Russisches an sich haben bzw. dieses spielen können. Hätte man sich an d. Vorlage von Kaminer gehalten, wäre der Film möglicherweise viel sehenswerter geworden. Ich weiß nicht, wer sich diesen Blödsinn ausgedacht hat, aber sowas als Kinofilm in d. Kinos zu bringen (vor allem als Komödie und Kaminer-Verfilmung) ist einfach eine Schande!!Ich bin nur glücklich darüber, dass ich den Film nicht gekauft, sondern auf Sky gesehen habe.Meine Empfehlung wäre, statt diese grausame Schlaftablette die Hörbücher von Kaminer zu kaufen, that’s what I call comedy….\nEUR 16,99 EUR 6,96 Rezensentin / Rezensent


SUB 600T Searmabler – DOXA Watches AU\nLIMITIERTEN EDITIONEN LIMITIERTEN EDITIONEN\nDie 1980er Jahre bringen uns jedoch noch viel mehr als nur eine neue SUB, die durch ihre Optik sofort ins Auge fällt. Dank ihres Designs, ihrer Materialien und ihres Gewichts ist die SUB 600T bis zu einer Tiefe von 600 Metern wasserdicht! Ganz im Einklang mit dem DOXA-Dogma steht sie sowohl für das grundlegende Designprinzip Form folgt Funktion als auch für das Versprechen, eine außergewöhnliche und doch erschwingliche Uhr zu bieten – eine professionelle Taucheruhr für das breite Publikum. Die SUB 600T ist nicht nur unverwechselbar. Sie hält auch, was sie verspricht. Eine Ikone ist geboren.\nHeute, mehr als 40 Jahre später, schickt sich DOXA nicht nur an, ein längst geschriebenes Kapitel neu aufzuschlagen. Vielmehr zollt die Schweizer Marke der ikonischen SUB 600T mit einer neuen Geschichte Tribut, die jetzt beginnt. Nach dem großen Erfolg, den die limitierte Titan-Edition der SUB 600T in Pazifikblau im Sommer gefeiert hatte, bringt DOXA die SUB 600T jetzt in einer unlimitierten Auflage heraus und macht damit das DOXA SUB-Sortiment komplett. Das neue Modell ist aus Edelstahl gefertigt und bietet eine Fülle von Optionen: Lünette mit Stahleinsatz oder Einsatz aus schwarzer Keramik; sechs faszinierende, leuchtende Farben; Armband aus Edelstahl oder FKM-Kautschuk. So werden insgesamt 24 verschiedene Kombinationen möglich.\nLünetteneinsatz: Sandgestrahltem Edelstahl\nEdelstahl / Silver / Sandgestrahltem Edelstahl - AUD 2,195.00Edelstahl / Silver / Keramik - AUD 2,395.00Kautschuk / Silver / Sandgestrahltem Edelstahl - AUD 2,145.00Kautschuk / Silver / Keramik - AUD 2,245.00\nFrequenz 28,800 vph (4.0 Hz)\nDurchmesser 40.00 mm x 47.60 mm\nHöhe 14.15 mm\nVerschraubte Krone bei 4 Uhr\nWasserdichtheit 60 ATM / 600 Meter / 1,970 Fuss\nZweiteiliger, selbstzentrierter Gehäuseboden aus Edelstahl\nEinseitig drehbare Lünette aus Edelstahl oder mit Keramikeinsatz\nEdelstahlband zum sicheren Sitz mit Schrauben befestigt, Faltschliesse mit Tauchanzugverlängerung, DOXA-Fischsymbol\nAnsatzbreite 20.00 mm\nArmbänd - SUB 600T\nKautschuk Armband mit Faltschliesse, Weiss


Frontzahnformen I - Kurs mit Andreas Nolte - Dental Studio München\nMit Leidenschaft und Hingabe ist viel zu erreichen. Dies gilt insbesondere für die Zahntechnik.\nIn seinem Kurs „Frontzahnformen I“ hat Andreas Nolte diese Leidenschaft und sein beeindruckendes Know-how bei der Herstellung von form-, farb- und funktionsvollendeten Frontzähnen mit den aufmerksamen Teilnehmern geteilt.\nMit Hingabe und Liebe zum Detail hat Andreas an zwei Frontzahnkronen gezeigt, wie er mit seiner einzigartigen Schichttechnik perfekte Frontzahnästhetik entstehen lässt.\nWir danken Andreas für seine Inspiration, die uns weiter helfen wird, natürlich aussehende Zähne auf einem immer höheren Niveau herzustellen. Zum Wohle unserer Patienten.


Rico Schmidt – SG Weißensee 49\nAutor: Rico Schmidt\nvon Rico Schmidt · Published 13. Dezember 2018\nGelungener BFL Jahresabschluss\nDiese Woche fand die dritte Runde der Berliner Feierabendliga statt. Am Montag spielte unsere Erste gegen die 2. Mannschaft des SC Kreuzberg und gewann souverän mit 3 : 1. Besonders für Detlef, der in der BMM immer bergauf kämpft und seinen ersten vollen Punkt der Saison holte, war es ein...\nvon Rico Schmidt · Published 11. Dezember 2018 · Last modified 13. Dezember 2018\nDie letzte BMM Runde 2018\nAm Sonntag fand die vierte und letzte BMM Runde in diesem Kalenderjahr statt. Unsere Erste fuhr mit 5,5 : 2,5 ihren ersten Sieg der Saison gegen die Schachfreunde Nord-Ost II ein. Besonders knapp ging mit 4 : 4 der Mannschaftskampf unserer 2. Mannschaft gegen BSG Eckbauer II aus. Die Dritte...\nvon Rico Schmidt · Published 2. Dezember 2018\nEin Freitag im „en passant“\nIn der zweiten Runde der Feierabendliga spielten unsere beiden Mannschaften gegen die 1. und 4. von SV Berolina Mitte. Unsere Zweite ging früh mit 2:1 in Führung. Leider reichte es am Ende nicht für den Mannschaftssieg und so hieß der Endstand 2:2. Bei unserer Ersten war der Wurm drin. Nachdem...\nvon Rico Schmidt · Published 19. November 2018\nDass eine Gewinnwahrscheinlichkeit eben nur eine Wahrscheinlichkeit ist, erfuhr unsere Erste am gestrigen Sonntag gegen BSV Chemie Weißensee 2. Nachdem das Quantum Glück für die Saison bereits am zweiten Spieltag gegen Berolina Mitte aufgebraucht war, setzte gestern das Gegenteil ein und so vergaben wir direkt mehrere Punkte durch Einsteller, was zur...\nvon Rico Schmidt · Published 16. November 2018 · Last modified 19. November 2018\nSo lautet unser Ergebnis der ersten Heimspielrunde der Berliner Feierabendliga am gestrigen Donnerstag. Unsere zweite Mannschaft ging gegen die 5. Mannschaft von SF Berlin 1903 recht schnell mit 2,5 Punkten in Führung und hat sich schließlich mit 2,5 : 1,5 durchgesetzt. Für unsere Erste sah es gegen die Schachfreunde von...


Andere mütter kennenlernen hamburg - Gewalt gegen Kinder - Geschlagen, geschüttelt und gequält (Archiv)\nAndere mütter kennenlernen hamburg, ✪ Mami-Treff & Stillcafés: Andere Mütter kennenlernen ist wichtig\nSpätestens wenn das Kind in die Kita kommt, treffen Frauen andere Andere mütter kennenlernen hamburg, die scheinbar aus einer anderen Welt stammen. Chance oder Fluch?\nJohanna seufzt tief und will schnell zum Auto. Ausgerechnet die Mutter von Ole steht vor Johanna. Chance oder Flucht?\nOle-Mama ist die nervigste Mutter der ganzen Kita, jedenfalls für Johanna: Sie spricht von sich in der dritten Person, selbst vor Erwachsenen. Was der alles schon kann. Und wie toll er in der musikalischen Früherziehung schon alles nachsingt, und und und Ole-Mama steht da und lächelt.\nIch habe gehört, dass du als freiberufliche Grafikerin arbeitest.\nHättest du mal Zeit auf einen Kaffee? Johanna überlegt kurz.\nOb der gemeinsame Nachmittag wirklich so schlimm wird, wie befürchtet? Aber da das Wetter mies ist, hat sie auch keine Lust zu Hause allein mit einer gelangweilten Pia zu sein.\nJohanna lächelt. Und erzählt von Anja, auch bekannt als Ole-Mama, einem riesigen Haus mit merkwürdiger Einrichtung und einem selbstgebackenen Kuchen.\nAber die Kinder haben toll gespielt. Seine Frau nickt. Sie ist gern Hausfrau und übertreibt ihre Mutterrolle so, echt eine Glucke. Karsten, das ist der übereifrige Kollege, der ihren Mann seit Jahren nervt.\nDenn genau wie Kollegen kann man sich die Andere mütter kennenlernen hamburg der anderen Kinder nicht aussuchen. Und genau wie bei den anderen Menschen am Arbeitsplatz gibt es ziemlich verschiedene Typen, die den Spielplatz bevölkern.\nDie eifrige Übermutter, die Ökomutter, die ihr Kind betont nicht-erzieht und wenig Grenzen setzt, die ständig jammernde Mama, der scheinbar alles Leid der Welt widerfährt, die witzige Coole, andere mütter kennenlernen hamburg wunderbar Gelassene und die total durchorganisierte, die scheinbar alles ganz leicht schafft.\nDoch anders als im Arbeitsleben sehen sich die unterschiedlichen Mutter-Typen nicht als ein Team, das sich wunderbar ergänzen könnte. Viel zu oft werden auf Elternabenden oder am Sandkistenrand stattdessen Grabenkriege geführt.\nLieber Miteinander als Gegeneinander Die Gräben sind scheinbar tief — es fängt oft schon bei der Diskussion über das Impfen an und endet später bei Erziehungsstilen. Die Hausfrau regt sich über die Karrieremutti auf, die Mutter, die klare enge Grenzen zieht, schüttelt den Kopf über die Mutter, die alles mit ihrem Kind auf Augenhöhe diskutiert.\nSchnuller vs. Daumen, Tragemütter gegen Kinderwagenschieber. Ist das wirklich nötig? Wieso legen sich Frauen so oft durch Zickenkriege lahm?\nWährend Babymütter nervigen anderen Frauen noch ausweichen können, wird das mit zunehmenden Alter der Kinder schwieriger. Spätestens in der Kita und in der Schule treffen verschiedene Fraktionen aufeinander.\nDoch anders als im Berufsleben gibt es keinen Chef, der eine klare Arbeitsaufteilung vorgibt. Es ist nicht wirklich nötig, sich zu arrangieren. Oder doch? Wer nicht lästert, sondern die Stärken der Anderen sieht, kann von ihnen viel lernen. Und sich mit ihnen arrangieren.\nAnzeige Führungsverantwortung und Familienleben - beides muss gleichzeitig gehen.\nAuch im Team wird es immer Mitarbeiter geben, die man privat nicht so sehr schätzt. Aber mit denen man durchaus die Mittagspause verbringt oder in Projekten gut zusammenarbeitet.\nUnd so ähnlich könnte es auch im Miteinander der Mütter laufen. Jede kann von jeder noch etwas lernen.\nWie viel Zeit man miteinander verbringt — nun, das steht auf einem anderen Blatt. Es dauert gar nicht so lange, dann verabreden sich die Kinder auch ohne Eltern. Und Mütter müssen sich dann meist wieder mehr mit ihren Arbeitskollegen arrangieren. Väter übrigens auch — aber vom Hahnenkampf der Papas untereinander verraten die nicht viel.\nEventuell diskutieren andere mütter kennenlernen hamburg aber bei uns in der flirten ramadan ElternLeben Vätergruppe? Hat dir der Artikel gefallen?\nDann sag uns deine Meinung.


Posted: 25 Feb 2012 15:31 Post subject:\nMit dem Sieg gestern sind es nun 29 Punkte. Ich denke, 38 reichen am Ende für den Klassenerhalt. Noch 3 Siege und wir sind durch.\nWenn wieder einen Schlussspurt hinlegen wie so oft, könnte die Saison auch in der ersten Hälfte enden...\nPosted: 25 Feb 2012 16:29 Post subject:\nIch hab selten so eine positiv entspannte Stimmung im Stadion erlebt wie gestern. Mit dem Sieg war zu spüren, wie die große Mehrheit realisiert hat, dass der Klassenerhalt absolut möglich und vor allem vorzeitig zu schaffen ist.\nZum Spiel selber ist nicht viel zu sagen (ist ja auch nicht viel passiert). Jeweils 2 gute Chancen für Dynamo, die beiden aus der zweiten Hälfte haben den Weg ins Tor gefunden. Duisburg war zu keinem Zeitpunkt zweitligatauglich.\nBester Feldspieler (Achtung, jetzt kommts)...Dedic .\nDer hat in der Winterpause anscheinend wirklich die Kurve bekommen. War immer anspielbereit, ist gerannt wie ein Großkreutz und hat bis auf zwei kleinere Szenen sein Ego hinter die Mannschaft gestellt.\nDas Duo Bregerie/Savic hinten gefällt mir sehr gut. Man hat zwar bei Savic gesehen, dass er noch nicht eingespielt ist (Abseitsfalle, Übergeben), aber das kommt ja mit der Zeit.\nPosted: 2 Mar 2012 22:20 Post subject:\n0:2 gewinnt man in Bochum.. UND Dedic wird langsam zum Goalgetter\nPosted: 3 Mar 2012 10:19 Post subject:\nSo und ni anders is die Stimmung hier!\nHeimsieg gegen Ingolstadt und dann is die Bude durch.\nDanach können wir uns drauf konzentrieren, im Aufstiegskampf für lange Gesichter zu sorgen. Schließlich kommen noch 1860, Düsseldorf und Pauli in die Höhle des Löwen. Und auch nach unten können wir noch "treten" mit den Spielen gegen Aue und Frankfurt.\nDas werden ganz entspannte Monate bis zur EM\nPosted: 8 Mar 2012 03:28 Post subject:\nDa hier ja eine Weile lang der Ruf nach der sogenannten Selbstregulierung laut war (warum ist dieser eigentlich leiser geworden?), heute mal ein aktuelles Beispiel aus der Barbarenhauptstadt...\nDie Dynamo-Fans hatten bereits im Vorfeld gehandelt, allerdings im Geheimen. Nur Kennern der Dresdner Szene war aufgefallen, dass beim letzten Heimspiel die Fahne der Ultragruppierung "Faust des Ostens" im Fanblock nicht mehr zu sehen war. Die Gruppe war schon länger im Visier der Polizei berichtet Sprecher Thomas Geitner:\n"Eine besondere Stellung hat im Moment diese Gruppierung 'Faust des Ostens'. Unsere Beobachtung ist, dass die sich im Moment ein bisschen abspalten von der eigentlichen Ultrabewegung, weil sie noch Gewaltbereiter sind, noch radikaler und dort jetzt möglicherweise versuchen, einen eigenen Weg zu gehen."\nDie Ultras Dynamo, die Gruppierung, die die Dresdner Fankurve dominiert versteht sich selbst als unpolitisch. Damit das so bleibt, wurde offensichtlich die "Faust des Ostens" vom rechten Rand ganz aus der Kurve gedrängt. Selbst die Internet-Seite von Faust des Ostens existiert nicht mehr. Was genau geschehen ist, darüber will der Capo der Ultras Dynamo eigentlich nicht reden:\n"Das ist Betriebsintern geklärt worden die ganze Geschichte. Mehr Auskunft kann ich dazu nicht geben. Das ist halt so, es muss auch Sachen geben, die unter Verschluss bleiben."\nDie Dresdner Fanszene, die deutschlandweit ja über einen denkbar schlechten Ruf verfügt, hat also selbstständig das getan, was alle Fußballsozialpädagogen sich immer wünschen: Sie hat Initiative ergriffen und die Kurve selbst bereinigt.\nAn und für sich eine Schande, dass alle immer nur mit dem Finger zeigen, wenn was negatives passiert. Geschieht mal was Positives, dann wird es einfach unter den Teppich gekehrt und man hofft auf neue "schlimme Dinge"...Alles für die Auflage!\nPosted: 8 Mar 2012 10:55 Post subject:\nHatte ich die Tage schon irgendwo gelesen, gute Aktion auf jeden Fall!\nIst doch nichts Neue, viele Ultragruppierungen engagieren sich positiv im Verein, helfen bei Jugendturnieren, spenden Überschüsse karitativen Zwecken, usw.\nDas will eben nur niemand wissen, man müsste ja dann mal die eigenen Vorurteile reflektieren.\nPosted: 8 Mar 2012 18:55 Post subject:\njo, gute Sache das!\nAllerdings hing der FdO-Banner beim letzten Auswärsspiel wieder am Zaun\nPosted: 8 Mar 2012 23:17 Post subject:\nDie haben zwei Fahnen, aber auf dem Bild kann ich keine erkennen.\nPosted: 9 Mar 2012 08:10 Post subject:\nhmm, hast Recht, ich meinte, das Teil im TV gesehen zu haben.\nVertan, vertan sprach der Igel und stieg von dem Kaktus...\nPosted: 11 Mar 2012 20:54 Post subject:\nDas erste Geisterspiel der Geschichte, für das mehr Karten verkauft wurden, als das Stadion Kapazitäten bietet.\nVor dem Stadion haben sich ca. 8.000 Dynamos eingefunden und waren so laut, dass man bei Sky den Eindruck bekommen konnte, die Leute würden im Stadion stehen.\nDresden ist anders.\nDas Spiel war leider nicht so berauschend. Dedic hat die 3 großen Chancen vergeben und der Schiedsrichter uns einen klaren Elfmeter kurz vor Schluß verweigert. Nächste Woche gehts weiter - ohne den gelbgesperrten Bregerie.\nPosted: 11 Mar 2012 22:24 Post subject:\nEcht eine geile Aktion von euch, respekt dafür!\nIst eine eimalige Geschichte im Fußball und wird es wohl bleiben.\nPosted: 11 Mar 2012 23:04 Post subject:\nNaja, die Idee mit den "Geistertickets" gab es ja zuvor schon in Rostock, wo das ja auch umgesetzt wurde. Aber da wurden, denke ich, nicht so viele Karten verkauft wie diesmal in Dresden.\nPosted: 12 Mar 2012 01:27 Post subject:\nIn Rostock wurden damals ca. 6.000 "Geistertickets" verkauft. Dazu kamen noch rund 3.500 T-Shirts "Sportsgeist statt Geisterspiel".\nAußerdem hatte der Verein schon 7.500 reguläre Karten fürs Spiel verkauft, von denen knappe 5.000 nicht zurückgegeben wurden.\nAlles in allem ne beachtliche Zahl, aber nicht mit uns zu vergleichen\nPosted: 12 Mar 2012 10:05 Post subject:\nBei allem Respekt für die Aktion, die ich wirklich bemerkenswert finde und ich hab auch nur die erste Halbzeit geguckt und da die Konferenz, aber das einzige, was ich da von "draußen" gehört hab, waren vereinzelte Böller.\nPosted: 12 Mar 2012 10:09 Post subject:\nNa also, wie im Stadion\nPosted: 12 Mar 2012 20:38 Post subject:\nSetzen, 6! An alle Anderen: Was haben wir auf dieser Seite des Threads gelernt?\nPosted: 16 Mar 2012 11:28 Post subject:\nViele Käufer werteten ihr Engagement nicht nur als finanzielle Unterstützung und Solidarisierung mit ihrem vom Urteil hart getroffenen Verein, sondern bekundeten ausdrücklich auch ihre Abgrenzung von jenen Gewalttätern, die für das DFB-Urteil verantwortlich waren und dem Verein immer wieder schwer schaden. Dynamo Dresden wird auch deshalb 30.000 Euro aus dem Erlös an Initiativen abgeben, die entweder die friedliche und kreative Fankultur in Dresden stärken oder ihren gesellschaftlichen Beitrag zur Bekämpfung der Ursachen leisten, die den Gewalt-Problemen im Fußball zugrunde liegen.\nPreis für Engagement gegen Gewalt und Ausgrenzung:\nDie SG Dynamo Dresden lobt einen jährlichen Preis für Engagement gegen Gewalt und Ausgrenzung sowie für Toleranz und Menschlichkeit aus. Dazu bittet der Verein eingetragene Projekte, Initiativen und Vereine aus dem Dresdner Umland (ehemaliger Regierungsbezirk Dresden), die sich diesen Themen widmen, ihre Konzepte und Referenzen ihrer Arbeit vorzustellen. Einzureichen sind die aussagekräftigen Bewerbungen bitte bis zum 12. April 2012, dem 59. Geburtstag der Sportgemeinschaft, per Post (SG Dynamo Dresden e.V., Lennéstr. 12, 01069 Dresden) oder an fanbeauftragter@dynamo-dresden.de.\nDer Preisträger wird von einer Jury aus Vertretern der SG Dynamo Dresden, des Dresdner Fanprojektes und der antirassistischen Faninitiative „1953international“ gekürt. Das Sieger-Projekt erhält nicht nur eine finanzielle Unterstützung von einmalig 5.000 Euro – die SGD stellt sich dem Projekt auch für ein Jahr als Partner zur Verfügung, um die oft ehrenamtliche Arbeit inhaltlich zu unterstützen und die öffentliche Wahrnehmung zu erhöhen.\nEinmalig wird in diesem Jahr zudem ein zweites Projekt mit einer Anschubfinanzierung von 5.000 Euro unterstützt. Damit soll es engagierten Menschen oder Gruppen ermöglicht werden, kreative und sinnvolle Ideen im Bereich der Jugend- und Präventionsarbeit in die Tat umzusetzen und/oder neue Initiativen ins Leben zu rufen. Auch hier ist der Bewerbungsschluss der 12. April 2012 und die Kontaktadresse fanbeauftragter@dynamo-dresden.de.\nPosted: 29 Mar 2012 12:57 Post subject:\nTalent ist nicht genug\nWir schreiben den 01.12.2007. Im Dresdner Rudolf-Harbig-Stadion stehen sich in der Regionalliga Nord vor knapp 7400 Zuschauern Dynamo und die Zweitvertretung des Hamburger SV (übrigens mit Spielern wie Sidney Sam, Änis Ben-Hatira und Tunay Torun) gegenüber. Schiedsrichter ist die damals 28-jährige Bibiana Steinhaus.\nHamburg geht schnell und unerwartet in Führung, aber Sidney Sam gleicht diesen Umstand durch eine gelb-rote Karte nach nichtmal 30 Minuten wieder aus. Trotzdem läuft das Spiel der Dynamos äußerst zäh. Vorm Halbzeitpfiff gelingt zwar noch der Ausgleich durch Wagefelds Elfmeterkünste, aber echte Chancen werden keine kreiert. Bis zu dieser 75. Minute, die das Leben eines Menschen nachhaltig ändern sollte...\nEduard Geyer nimmt Pavel David vom Platz und bringt den 17-jährigen Debütanten Maik Kegel. Keine 20 Sekunden später stehts 2:1. Kegels erster Ballkontakt im Profifußball ist ein genialer Pass über 30 Meter direkt auf Bröker. Und 3 Minuten später darf Kegel mit seinem zweiten Ballkontakt selber einschieben. Das Spiel geht 4:1 aus und nach dem Spiel fragen sich viele Stadionbesucher...\nMaik "Pin" Kegel gilt/galt als das größte Mittelfeldtalent Sachsens seit Ballack. Ein technisch höchstausgebildeter Mittelfeldstratege. Ein echter 10er, der das Spiel lesen kann und mit einem einzigen Pass die Abwehr des Gegners in ihre Einzelteile zerlegt.\nIn der Saison 2007/2008 wurde Pin mit mehreren Kurzeinsätzen langsam an das Niveau der dritten Liga herangeführt und sollte ab 2008/2009 Teil des Grundgerüsts sein, um das die zukünftigen Dynamomannschaften aufgebaut werden. Aber daraus wurde nicht.\nWeil er seine Zwischenprüfung zum Maler/Lackierer versemmelt hat und nächtliche Tätigkeiten wichtiger waren als das Training, wurde er in die zweite Mannschaft strafversetzt und kam erst wieder in der Rückrunde 2008/2009 zum Einsatz. Pin schien gelernt zu haben. 2009/2010 war er unangefochtener Stammspieler und auch in der Aufstiegssaison 2010/2011 war Pin unter Mauksch gesetzt...bis dieser entlassen wurde.\nRalf Loose kam und im Gepäck hatte er ein anderes Spielsystem. Kegel sollte fortan als deep-lying playmaker agieren. Eine Position, die er noch nie gespielt hat und die er aufgrund physischer wie taktischer Eigenschaften auch nicht so gut spielen kann wie den offensiven Part im Mittelfeld.\nEntsprechend gefrustet ist Pin wieder in alte Verhaltensmuster gefallen, wurde häufiger auf Partys gesichtet, hat wieder angefangen zu rauchen, schlecht über seine Perspektiven gesprochen und sich im Training hängen lassen.\nIn der zweiten Liga ist Kegel aktuell nur vierte Wahl hinter Fiel, Solga und Papadopoulos und kommt nicht über Kurzeinsätze raus. Zudem plagen ihn seit Jahreswechsel Sprunggelenksprobleme.\nSchon in der Winterpause wollte Pin den Verein verlassen, aber der Trainer hat ihn an seine außerordentlichen Fähigkeiten erinnert und gefordert, dass er den nächsten Schritt macht, anstatt den Schwanz einzuziehen. Aber genau das macht er jetzt doch.\nPins Vertrag läuft im Sommer aus, Dynamo hat ihm einen neuen vorgelegt, aber Kegel hat abgelehnt.\nJetzt steht da soviel Text, aber was lernen wir daraus?\nEs reicht nicht, mit Talent gesegnet zu sein. Jeder Spieler muss sein Leben lang an sich und seinen Fähigkeiten/Defiziten arbeiten und sich voll auf seine Ziele konzentrieren. Das mag "wehtun", wenn man sein Privatleben dem Spiel unterordnen muss, aber ohne 100% Einsatz und Hingabe kommt man nicht weit. Außerdem muss der Ehrgeiz die oberste Priorität eines Spielers sein. Konkurenzkampf muss angenommen, Verbesserungen angestrebt werden und aufgeben darf im Wortschatz nicht vorkommen.\nAls Profi braucht man aber auch eine Menge Glück. Zur richtigen Zeit am richtigen Ort zu sein ist eine Fähigkeit, die man vielleicht nicht beeinflußen kann, aber sie ist unglaublich wichtig.\nAnyway ich hoffe für Maik, dass er in Zukunft die richtige Balance findet, ein bisschen mehr Glück hat und vielleicht sieht man sich ja mal wieder.\nPosted: 31 Mar 2012 01:47 Post subject:\nUnd das 6 Spieltage vor Schluß o.O\nIch will ja nicht vermessen klingen, aber wenn die Mannschaft punktuell verstärkt wird (neuer IV, neuer LV, neuer agiler Stürmer), dann ist nächstes Jahr mehr drinne als "nur" Platz 8-12.\nPosted: 2 Apr 2012 15:34 Post subject:\nEuphoriebremse! Ich kann mich noch gut an den letzten Zweitligaausflug erinnern. Nach einer guten Aufsteigersaison (8. Platz nach Schlussspurt) war die zweite Saison recht holprig und führte zum unnötigen Abstieg (15. Platz mit 41 Punkten! - damals noch 4 Absteiger). Die Fussballweisheit "Die zweite Saison ist die Schwerste" hat sich schon oft bewahrheitet. Und gerade bei Dynamo ging eine zu hohe Erwartungshaltung oft genug nach hinten los. Also Vorsicht.\nPosted: 2 Apr 2012 22:27 Post subject:\nLass mir doch meine Freude in der tiefen Nacht\nAußerdem hab ich ja von einer Verstärkung der Mannschaft und nicht von einem Ausverkauf a la Lavric gesprochen.\nWenn wir die Mannschaft zusammenhalten können und Sturm, IV und vielleicht LV hochwertig besetzen können, dann können wir auf alle Fälle die Leistung der diesjährigen Saison bestätigen und vielleicht noch den ein oder anderen Platz in der Geldtabelle hochrutschen.\nFür den Rest der Saison halte ich es für sehr wichtig, mal die jungen Spieler an die zweite Liga heranzuführen. Aber es ist sehr unrealistisch, dass Loose Kegel, Papa oder Möckel mal ne Chance außerhalb von Verletzungsausfällen/Sperren gibt.\nDas ist auch einer von zwei Kritikpunkten, die ich am Trainer finde. Zum einen wechselt er teilweise viel zu spät, zum anderen baut er sich eine Stammelf auf und diese prügelt er dann durch die Saison. Egal, ob die Spieler gerade ein Formtief haben oder nicht. Wenn es keinen wichtigen Grund gibt, warum der Spieler nicht spielen sollte, dann zwingt ihn Loose fast schon zum spielen. Der restliche Kader fällt da leider etwas hinten runter.\nPosted: 2 Apr 2012 22:48 Post subject:\nErsetze Loose durch Klopp und ich seh ganz genauso bei uns. Vllt ist das ja eine versteckte Erfolgstaktik\nPosted: 16 Apr 2012 19:57 Post subject:\nPosted: 16 Apr 2012 21:14 Post subject:\nthe hamme! wrote:\nUnd Dresden schafft tatsächlich das Unmögliche: Sie schießen Fürth zum Aufstieg... Sachen gibts\nPosted: 16 Apr 2012 22:04 Post subject:\nJetzt bräuchten die Fürther nur noch ihren eigenen Vereins-Thread.\nSession ID: o9teh15ijpck9p11374kc86v8a