Corrado Cagli - Wikipedia\n1.1 Il primo periodo romano\n1.2 A Umbertide\n1.3 Cagli e i nuovi pittori romani\n1.4 A Parigi\n1.5 Di nuovo a Roma\n1.6 L'esilio e la partecipazione alla Seconda guerra mondiale\n1.7 Il rientro in Italia\n2 Archivio Corrado Cagli\n4 Opere nei musei\nIl primo periodo romanoModifica\nCorrado Cagli nasce ad Ancona il 23 febbraio 1910 da Alfredo e Ada Della Pergola. Cinque anni più tardi, si trasferisce insieme con la famiglia a Roma ove compie studi classici e frequenta l'Accademia di Belle Arti.\nGià nel 1925-1926, Cagli illustra le copertine e alcune pagine interne de “La Croce Rossa Italiana Giovanile”, rivista per le scuole primarie e secondarie italiane. Nel 1927 realizza una tempera per il soffitto di un club in via Sistina, opera che in seguito verrà distrutta, mentre nella primavera dell'anno successivo esordisce con un lavoro di artigianato, un cofano “del focolare” alla XCIV Esposizione di Belle Arti della Società Amatori e Cultori di Belle Arti a Roma. Sempre nel 1928 realizza un murale a “tempera magra” per il salone adibito a teatro del gruppo rionale Campo Marzio – Trevi – Colonna del PNF, in via del Vantaggio a Roma. Dell'opera perduta non è rimasta alcuna traccia a parte che una testimonianza di Dario Sabatello che in uno scritto ne evoca i temi: “Sono scene di vita nei campi, nelle officine, nelle palestre; plastiche e sincere e sentite”.\nNel 1929, a Umbertide, inizia a lavorare nella fabbrica di ceramiche d'arte Rometti dove, l'anno dopo, sarà nominato direttore artistico. Nello stesso anno, sempre ad Umbertide, nella casa Mavarelli-Reggiani, esegue un affresco di 60 metri sul tema della Battaglia del grano, suddiviso in dodici riquadri che rivestono le quattro pareti della sala.\nCagli e i nuovi pittori romaniModifica\nNell'aprile del 1932 Cagli inaugura una personale con Adriana Pincherle alla Galleria di Roma, diretta da Pier Maria Bardi, nella quale espone La Fortuna e vari ritratti - fra cui il Ritratto di Sclavi e Igino - studi, disegni, alcune ceramiche e la scultura Ritratto di Serena. Successivamente fonda, assieme a Giuseppe Capogrossi ed Emanuele Cavalli, il Gruppo dei Nuovi Pittori Romani. Alla fine dell'anno ha già decorato alcune pareti alla Mostra romana dell'Edilizia ed eseguito Preparativi alla guerra (una tempera all'uovo su muro di 30 metri quadri) nel vestibolo della V Triennale di Milano quando, su invito della Commissione Archeologica di Salerno, si reca a Paestum e visita, probabilmente, anche Napoli e Pompei). Il viaggio, durante il quale esegue dipinti e disegni, sarà importante per la sua conoscenza della pittura pompeiana.\nNel 1933 scrive l'articolo Muri ai pittori, fondamentale per la storia del muralismo italiano, in cui formula i suoi fondamenti teorico-estetici, sostenendo delle posizioni affini a quelle che Sironi andava esprimendo nello stesso periodo:\n«“Richiamo l’attenzione su due fatti di grande importanza: uno avviene in pittura, l’altro in architettura. Fatti dai quali non si può prescindere se si vuol supporre per logica anziché per intuizione il divenire dell’estetica nella plastica contemporanea. In pittura, e ormai da tempo, e sotto diversi cieli, si manifestano aspirazioni all’arte murale, all’affresco. Manifestazioni antitetiche anche se parallele nell’intenzione, per la diversa genesi geografica e spirituale. Nel primo caso sottolineo il senso culturale e snobistico che può avere l’affresco in un nord-americano affinché si noti quanto sia più spontanea la stessa aspirazione in un umbro o in un toscano. Né intendo sostenere diritti di tradizione. Ma penso al mirabile esordio di maestri comacini con le prime forme romaniche, e al loro metafisico perdurare (se non è leggenda la strage subita) in comaschi del nostro secolo fino a Sant’Elia e Terragni. Quanto alla genesi spirituale alludo ai motivi che inducono alla pittura su parete. Molteplici, iniqui o giusti che siano. Iniqui motivi: quelli che sono in funzione di una accademica diagnosi dell’ultimo trentennio, e di un mediatore spirito pseudoumanistico che porta a vagheggiare forme rinascimentali (esistono ancora preraffaelliti) attraverso il caleidoscopio falso e scolastico dei bozzetti, dei cartoni, degli spolveri. Giusti motivi: quelli che segnano il superamento delle forme pure e preludono a sensi di pittura ciclica; al neoformalismo classicheggiante, e arcaico, contrapponendo il primordiale. Nella necessità del ciclo, nella movenza di primordio, sono visibili i segni di un superamento delle tendenze di ripiego, tra le quali è da considerare tipica la scuola del Novecento milanese. Né tale situazione è singolare nella pittura. In musica, in letteratura, in tutte le arti, è lo stesso bisogno di stupore e di primordio che si fa sentire, la stessa angoscia di abbandonare il frammento, e, liberati da un complicato intelletto, farsi i muscoli e il fiato per un’arte ciclica e polifonica. Quanto si fa in pittura oggi al di fuori della aspirazione murale (che ha persino mutato lo spirito della pittura da cavalletto influenzandone l’impianto e la materia) è fatica minore e, storicamente vana. A convogliare la forza della pittura contemporanea occorrono i muri, le pareti. Segnalata l’aspirazione murale della pittura odierna, l’altro fatto importante da considerare riguarda l’architettura. Alludo alla crisi estetica che va traversando quell’arte, crisi che ancora più si inasprirà il giorno che il razionalismo sarà divenuto patrimonio comune. Ho sostenuto altrove che i ritmi dell’architettura contemporanea sono in funzione di una metafisica troppo scoperta, e collaborano a un’estetica, dopo tutto, barbarica. Respinti, per le ragioni che tutti sanno, moduli e fastigi, modanature e capitelli, l’architetto innovatore ha ritrovato dell’architettura il senso e il metro; ma, insieme, a queste altissime conquiste, ha contratto vizi stilistici e incongruenti ripugnanze. Questa è la stagione in cui la parete bianca non chiede alla statuaria soccorso per divenire allusiva e profonda, né chiede le figurazioni dipinte per un’errata interpretazione delle parole ‘sintesi’ e ‘metafisica’. In nome di queste due virtù si è operato in ‘povertà’ e ‘vaneggiamento’, se perfino Modigliani, che è dei più grandi, è stato piuttosto sommario che sintetico. L’architetto che non ha il senso orchestrale dell’unità delle arti non è raro oggi, ma si trova in condizioni di barbarie. A questo punto conviene ricordare che barbarico non significa primordiale. Allora, passato col vento su tali questioni della pittura e della architettura, considerati i caratteri essenziali che sono, nell’una la volontà di potenza e l’aspirazione ciclica, nell’altra l’intelligenza della costruzione fino all’inaridirsi della fantasia, vedo che si può concludere invocando la collaborazione delle arti, se non la fine delle specializzazioni”.»\nNel dicembre 1933, Cagli si sposta Parigi dove espone insieme a Capogrossi, Cavalli e Sclavi alla Galerie Jacques Bonjean. Organizzata dal conte Emmanuele Sarmiento, la mostra è presentata in catalogo dal critico Waldemar George che raggruppa i quattro giovani artisti sotto l'etichetta di Ecole de Rome. Cagli espone Ritratto del pittore Prieto, Edipo, La colomba, Natura morta, Composizione. La mostra ha numerose recensioni, sia in suolo italiano sia francese.\nDi nuovo a RomaModifica\nCorrado Cagli - Steve 1956 - olio su carta intelata - Parma, Collezione Privata\nSenza titolo, bozzetto per mosaico (1957), Collezione Mosaici Moderni della Pinacoteca di Ravenna\nSi apre nel febbraio del 1935 al Palazzo delle Esposizioni di Roma la II Quadriennale d’arte nazionale, ordinata da C.E. Oppo. Cagli espone quattro pannelli murali asportabili per la rotonda allestita da Piero Aschieri. I pannelli, alti quasi 4 metri, raffigurano il tema della bonifica dell'Agro Pontino (sono costituiti da una Protasi e da tre Cronache del tempo). Presenta inoltre un cospicuo numero di opere: La Romana, Il neofita, Il Palatino, Ritratto di Afro, L'Angelica, I Sabaudesi, La notte di San Giovanni, I neofiti, Composizione, Battaglia, Sette pennelli e sei disegni. Gli viene assegnato un premio di 10.000 lire.\nLa fontana dello Zodiaco, a Terni nel 1975, in cui sono ancora visibili le decorazioni di Cagli\nNel 1932/33 gli vengono commissionate le decorazioni policrome eseguite su vetro di Venezia per la fontana dello Zodiaco a Terni, danneggiate nell'ultimo conflitto mondiale.\nÈ incaricato della realizzazione di due dipinti murali per l'edificio di Castel De'Cesari (odierna Accademia Nazionale di Danza) di Roma, ristrutturato dall'architetto razionalista Gaetano Minnucci come sede dell'Opera Nazionale Balilla. Uno dei due murali raffigura La corsa dei barberi, rievocazione della celebre corsa dei cavalli bradi attraverso il Corso fino a Piazza del Popolo. Il ministro dell'Educazione Renato Ricci ordina la distruzione degli affreschi, a seguito della censura per inadeguatezza tematica. Nascosto da una falsa parete, costruita dallo stesso Cagli, verrà preservato il dipinto murale situato nella biblioteca, portato allo scoperto nel 1945 su iniziativa di Mirko Basaldella.\nIl 1935 è un anno importante per il giovane artista, poiché tra aprile e maggio tiene una prima personale di cinquanta disegni alla Galleria La Cometa della Contessa Anna Laetitia (Mimi) Pecci Blunt, diretta da Libero De Libero e dallo stesso Cagli, inaugurata in quella occasione. La galleria svolgerà fino al 1938, in gran parte anche grazie all'influsso di Cagli, un'importante opera di diffusione culturale di taglio antinovecentista. Il catalogo contiene uno scritto di Massimo Bontempelli, zio di Cagli, sul disegno.\nNel 1936 si inaugura al Palazzo dell'Arte a Milano, la VI Triennale Internazionale. Cagli presenta sulla parete di fondo della sala delle Priorità Italiche, realizzata dal gruppo BBPR, un grande dipinto, 6x6 metri, a tempera encaustica su tavola tamburata, La battaglia di San Martino e Solferino. Del grande murale, realizzato in pannelli distinti nello studio romano e poi montato soltanto a Milano, non esistono cartoni o disegni d'insieme, ma solamente un bozzetto realizzato per la presentazione.\nIl 26 maggio 1937 viene inaugurata l’“Exposition Internationale des Arts et des Techniques” a Parigi. Cagli, aiutato da Afro Basaldella, suo collaboratore, realizza una serie di grandi dipinti (circa 200 m lineari) a tempera encaustica su tavola tamburata per la decorazione del vestibolo del padiglione italiano. I dipinti raffigurano immagini monumentali di Roma e ritratti dei grandi italiani dall'epoca romana al Risorgimento.\nNel giugno del 38' si apre la XXI Biennale di Venezia. Cagli partecipa con un affresco su intonaco, Orfeo che incanta le belve, di cui esiste un cartone preparatorio.\nL'esilio e la partecipazione alla Seconda guerra mondialeModifica\nAlla fine del 1938 è costretto a scegliere la strada dell'esilio, a seguito della proclamazione delle leggi razziali e dell'intensificarsi degli attacchi antisemiti nei confronti della sua persona e della sua opera. Si stabilisce prima a Parigi dove continua ad esporre e, alla fine dell'anno 1939, da Cherbourg, si imbarca alla volta di New York. Nella "grande mela" la sua arte non passa inosservata ed espone qualche tempo dopo il suo arrivo alla rinomata Julien Levy Gallery.\nNel 1941, nel mese di gennaio, tiene una personale al Civic Center Museum di San Francisco, ma due mesi dopo Cagli si arruola nell'esercito americano. Non cessa tuttavia la sua attività artistica, realizzando un cospicuo numero di dipinti e disegni e partecipando agli eventi espositivi come una personale alla Shaeffer Gallery di Los Angeles ed una personale di disegni al Wadsworth Atheneum di Hartford.\nNel 1943 si trasferisce in Gran Bretagna al seguito dell'esercito e l'anno successivo partecipa alle campagne di Francia, tra cui lo Sbarco in Normandia, Belgio e Germania. In questi anni realizza il celebre ciclo di disegni sul tema della guerra, tra cui spiccano le immagini ritratte al campo di concentramento di Buchenwald alla cui liberazione egli prese parte tra le truppe alleate.\nAl termine della guerra ritorna a New York dove prosegue la sua attività sperimentando tecniche e stili sempre cangianti ed è tra i fondatori del The Ballet Society (odierno New York City Ballet) insieme a George Balanchine e Lincoln Kirstein. All'interno della compagnia Cagli era colui che realizzava le scene e i costumi.\nGraffiti per il Museo-monumento al deportato politico e razziale, Carpi. Foto di Paolo Monti\nNel 1948 decide di rientrare definitivamente in Italia e si stabilisce in uno studio in via del Circo massimo.\nLa stabilità e la tranquillità gli permettono di proseguire il suo percorso di ricerca analitica in pittura e di partecipare ad eventi espositivi sia in suolo italiano che estero. Intorno a lui gravitano numerosi artisti tra cui Mirko Basaldella, Capogrossi, Alberto Burri, Renato Guttuso.\nNegli anni 1949-1950, partecipa alla costituzione dell'importante collezione Verzocchi, sul tema del lavoro, inviando, con un autoritratto, Il vasaio; la Collezione oggi è conservata nella Pinacoteca Civica di Forlì.\nTra la fine degli anni '50 e gli inizi del '60 viene incaricato, insieme ad altri artisti, di decorare la turbonave Leonardo da Vinci. Cagli darà il suo contributo allestendo alcune zone del transatlantico con i progetti di Leonardo da Vinci (come volo degli uccelli, ecc...) e con sei arazzi realizzati con il contributo dell'Arazzeria Scassa di Asti.\nNel 1963-64 espone alla mostra Peintures italiennes d'aujourd'hui, organizzata in Medioriente e in Nordafrica.\nAll'inizio degli anni '70 crea il graffito per il Museo Monumento al Deportato Politico e Razziale di Carpi (Modena): l'opera rappresenta il corpo senza vita di un deportato nudo accanto alla recinzione del campo.Il filo spinato originale sotto al grafico di Cagli, richiama il visitatore al significato simbolico di oppressione e privazione della libertà che il filo spinato assume in relazione al sistema dei campi. Oggi il filo spinato è divenuto universalmente l’emblema della violenza contro l’uomo.\nNon lascia tuttavia l'attività di scenografo e costumista, partecipando a numerose rappresentazioni teatrali come: Tancredi di Rossini, del 1952; Macbeth di Bloch, del 1960; Estri di Petrassi, del 1968; Persephone di Stravinsky, del 1970; Agnese di Hohenstaufen di Spontini, del 1974; Missa Brevis di Stravinsky, del 1975.\nMuore a Roma, nella sua dimora all'Aventino, il 28 marzo 1976.\nArchivio Corrado CagliModifica\nDa oltre quaranta anni l'Archivio Corrado Cagli, con sede a Roma in via della Fonte di Fauno n. 12, è custode di foto, testi, documenti, ma non solo in quanto organizza ogni anno eventi espositivi per mantenere vivo il ricordo di questo grande artista.\nGuggenheim Fellowship per la pittura, 1946\nPremio Marzotto del 1954\nDiploma di Benemerenza con medaglia d'oro, consegnato dalla Società Nazionale Dante Alighieri nel 1960\nPremio Presidente della Repubblica per la pittura, Accademia Nazionale di San Luca, 1973 MOTIVAZIONE: "... La sua arte si evolve e si affina con una scioltezza artisticamente coerente, in un continuo gioco di finzione e di magia che di volta in volta si fa immagine lineare, plastica, coloristica. Corradi Cagli ha infatti il dono non comune di poter esprimere l'iesauribilità delle sue facoltà immaginative nella pittura, nella scultura, nella grafica, non meno che nelle arti applicate, dall'encausto al mosaico, dalla ceramica agli arazzi, alla scenografia. L'arte di Cagli non ha conosciuto oblio neanche nei periodi travagliati della nostra storia recente..."\nCittadinanza onoraria, Rovigo 1976\nPremio "Il Marzocco", Araldica Accademia Internazionale, 1982\nCittadinanza onoraria, Viareggio, 1983\nPremio dell'Angelo, Città di Cagli, 2003\nCorrado Cagli (1969)\nGalleria degli Uffizi, ex chiesa San Pier Scheraggio di Firenze con l'opera Battaglia di San Martino e Solferino (1936).\nGalleria provinciale di arte moderna e contemporanea di Messina\nCon l'opera "La regola"\nMuseo del Sannio (sez. d'Arte) di Benevento\nMuseo Puskin di Mosca\nMuseo d'Arte Moderna di San Paolo (Brasile)\nRembrandt Art Center di Johannesburg\nMuseo d'Arte Moderna di Eilat (Israele)\nGalleria Civica Pontificia di Città del Vaticano\nGalleria Civica d'Arte Moderna di Gottinga\nMuseo delle Fosse Ardeatine di Roma\nMuseo-monumento al deportato politico e razziale\nMuseo degli Arazzi di Asti\nPinacoteca Comunale di Asti\nMuseum Ein Harod di Israele\nGalleria d'Arte Moderna Comunale di Roma\nGalleria Civica d'Arte Moderna di Palermo\nGalleria Civica d'Arte Moderna di Ancona\nGalleria Civica d'Arte Moderna di Udine\nGalleria Civica d'Arte Moderna di Latina\nPinacoteca comunale di Marsala\nRoma, Galleria di Roma, “Adriana Pincherle, Corrado Cagli”.\nRoma, Palazzo delle Esposizioni, II Quadriennale Nazionale d'Arte di Roma (sala personale).\nRoma, Galleria La Cometa, “Corrado Cagli 50 disegni”.\nRoma, VI Mostra del Sindacato Fascista Belle Arti del Lazio (sala personale).\nRoma, Galleria La Cometa, “Corrado Cagli”.\nParigi, Galerie des Quatre Chemins.\nFirenze, Galleria d'Arte di Via Cavour.\nParigi, Galerie des Quatre Chemins, “Corrado Cagli. Peintures, dessins”.\nNew York, Julien Levy Gallery.\nSan Francisco, Civic Center Museum.\nLos Angeles, Shaeffer Gallery.\nHartford, Wadsworth Atheneum.\nSan Francisco, M.H. De Young Memorial Museum, “Mural Paintings from the Day Room of Battery B, 143R" Field Artillery Camp San Luis Obispo by Corrado Cagli”.\nLondra, Lefevre Gallery, “Paintings by André Bauchant, Drawings by Corrado Cagli”.\nRoma, Galleria dello Zodiaco.\nNew York, Hugo Gallery, “C. Cagli, from Cherbourg to Leipzig, Documents and Memories”.\nChicago, The Arts Club of Chicago.\nSan Francisco, San Francisco Museum of Arts.\nSanta Barbara, The Santa Barbara Museum of Arts.\nNew York, Knoedler Gallery, “Corrado Cagli”.\nRoma, Studio d'Arte Palma, “Mostra di Corrado Cagli”.\nNew York, Knoedler Gallery.\nMilano, Galleria del Camino, “Pitture recenti di Cagli”.\nRoma, Galleria l'Obelisco, “Cagli".\nMilano, Galleria del Milione.\nFirenze, Galleria della Vigna.\nGenova, Galleria di Genova.\nAsti, Galleria della Giostra.\nGenova, Galleria Genova - L'Isola.\nRoma, Galleria del Secolo, “Corrado Cagli”.\nWashington D.C., Watkins Gallery.\nRoma, Galleria del Secolo, “Cagli".\nRoma, Galleria dell'Obelisco, “Corrado Cagli, i boschi di Lemery, i viaggi".\nRoma, Galleria dell'Obelisco.\nVenezia, Galleria del Cavallino.\nMilano, Galleria del Milione, “Dipinti di Corrado Cagli”.\nAsti, Galleria della Giostra, “Corrado Cagli”.\nRoma, Galleria di San Marco, “Cagli”.\nFirenze, Bar degli Artisti, “Corrado Cagli”.\nTorino, Galleria della Bussola.\nFirenze, Galleria II Numero.\nRoma, Galleria dell'Obelisco, “Cagli all'Obelisco”.\nRoma, Galleria San Marco, “Cagli studi e disegni inediti”.\nMilano, Galleria Montenapoleone, “Cagli”.\nTorino, Galleria Lattes.\nRoma, Galleria Schneider, “Cagli, Campigli e Guttuso”.\nRoma, Galleria II Pincio, “Cagli, Muccini e Sughi”.\nRoma, Galleria delle Carrozze, “Cagli e Mirko”.\nMilano, Galleria La Colonna, “Cagli".\nRoma, Galleria Schneider, “Cagli”.\nRoma, Galleria dell'Asterisco, “Cagli”.\nFirenze, Galleria Numero, “Cagli”.\nNew York, Schettini Galleries, “Cagli and Fantuzzi”.\nRoma, Galleria La Tartaruga, “Corrado Cagli”.\nViareggio, La Navicella, “Cagli, Guttuso, Pirandello”.\nRoma, Galleria Schneider, “Corrado Cagli. Le ‘Metamorfosi’.\nRoma, Galleria San Marco.\nRoma, Galleria il Segno, “Corrado Cagli”.\nBologna, La Loggia, “Opere di Corrado Cagli”.\nMilano, Galleria Blu, “Cagli”.\nMilano, Galleria del Disegno, “C. Cagli. Disegni 1932-1959”.\nTorino, Galleria Galatea, “Cagli”.\nRoma, Galleria Nuova Pesa, “Cagli”.\nRoma, Galleria Marguttiana.\nNew York, Trabior's Gallery.\nMilano, Galleria Pagani del Grattacielo, “Corrado Cagli”.\nAsti, Galleria La Giostra.\nSulmona, Teatro Comunale, “Corrado Cagli. ‘Le Metamorfosi’”.\nFirenze, Quadrante Studio d'Arte Contemporanea, “Cagli".\nAtene, Istituto Italiano di Cultura in Atene, “Corrado Cagli”.\nTerni, Ministero dei Lavori Pubblici, Ufficio del Genio Civile, “Ricostruzione della fontana di piazza Tacito”.\nRoma, La Nuova Pesa, “Cagli opera grafica”.\nRoma, Galleria dell'Obelisco, “Corrado Cagli. Sculture”.\nVenezia, Galleria Alfa, “Cagli”.\nCortina d'Ampezzo, Galleria Hausammann, “Cagli”.\nPhoenix, Phoenix Art Museum, “Cagli”.\nTorino, Galleria la Cavourrina, “Cagli”.\nGenova, Galleria del Deposito, “Cagli”.\nTorino, Centro per l'arredamento, “La pittura di Cagli nell'arredamento moderno”. 1964\nRoma, Studio A, “Corrado Cagli”.\nFirenze, Galleria L'Aquilone.\nRoma, Aca Gallery (espone con Porzano).\nMilano, Civico Padiglione d'Arte Contemporanea, “Cagli”.\nRoma, Galleria Don Chisciotte, “Cagli”.\nRoma, Galleria La Nuova Pesa, “Corrado Cagli”.\nRoma, Galleria 88.\nPalermo, Civica Galleria d'Arte Moderna E. Restivo, “Cagli”.\nRoma, Libreria Rizzoli, “Cagli” (poi Milano, Libreria Rizzoli).\nParma, Ridotto del Teatro Regio, “Cagli”.\nRoma, Libreria Rizzoli.\nNew York, Libreria Rizzoli.\nPalermo, La Robinia, “Cagli opere dal 1938 al 1968 ”.\nSalerno, Galleria II Catalogo, “I disegni di Cagli”.\nNapoli, Galleria San Carlo, “Opere grafiche”.\nRoma, Studio d'arte Condotti, “Cagli”.\nRoma, Galleria La Nuova Pesa, “Mutazioni modulari e loro variazioni cromatiche”.\nLivorno, Circolo livornese della casa della Cultura, “Opere grafiche di Cagli”.\nRoma, AL 2, “Corrado Cagli”.\nBari, La Rosta, “Cagli”.\nEast Hartford, Gallery 5 east, “Corrado Cagli”.\nMilano, Galleria Schettini, “Corrado Cagli”.\nGottingen, Gottingen Kunstveren, “Corrado Cagli”.\nLatina, Galleria del Corso,“Corrado Cagli”.\nRoma, Galleria Lo Spazio, “Cagli”.\nPalermo, Galleria La Robinia,“Corrado Cagli ‘Unici’”.\nRoma, Galleria Canesi, “Corrado Cagli”.\nPescara, Galleria 818, “Corrado Cagli”.\nNapoli, Galleria Lombardi, “Cagli”.\nLorica, Sale dell'Opera Sila, “Cagli”.\nRoma, Galleria dei Due Pini, “Corrado Cagli ‘Disegni di guerra’”.\nPalermo, Palazzo del Turismo, “L'Etna di Corrado Cagli”.\nRoma, Galleria Aldina, “Opere grafiche dal 1957 al 1971”.\nFirenze, Galleria Idea.\nSalerno, La Seggiola.\nFirenze, Palazzo Strozzi, “L'Opera di Corrado Cagli” (antologica).\nTerni, Galleria Poliantea, “Corrado Cagli”.\nSiena, Palazzo Pubblico, “Mostra del Disegno. Corrado Cagli 1932-1972”.\nRoma, Galleria Ca' d'Oro, “Cagli: cinquanta disegni”.\nCortina d'Ampezzo, Galleria “Arte-Cortina”.\nFirenze, Galleria Boccuzzi.\nFirenze, Palazzo Vecchio, Galleria di Bianch.\nTerni, Centro d'Arte Sciamannini, “Corrado Cagli”.\nArezzo, Galleria Comunale d'Arte Contemporanea, “Corrado Cagli”(antologica).\nRoma, Galleria Ca' d'Oro,“Cagli: cinquanta disegni”.\nPorto San Giorgio, Galleria dell'Ariete, “Corrado Cagli. Opere dal1962 al 1973”.\nAssessorato per il Turismo della Regione Campania, “Corrado Cagli”.\nPositano, Azienda Autonoma Soggiorno e Turismo.\nFirenze, Galleria La Gradiva.\nRoma, Galleria Ca' d'Oro.\nAvezzano, Centro Iniziative Culturali, disegni e grafica.\nTrieste, Galleria d'Arte Corsia Stadion.\nBari, Galleria Le Muse.\nNapoli, Villa Pignatelli.\nSan Benedetto del Tronto, Galleria Il Mandracchio.\nTorino, Fondazione Agnelli.\nRoma, Galleria della Torretta.\nLa Spezia, Centro Allende, “Cagli dalla guerra alla Resistenza”.\nTaormina, Palazzo Corvaja, “Opere grafiche di Corrado Cagli”.\nRieti, Galleria d'Arte n. 1, “Cagli”.\nOstiglia, Galleria L'Incontro.\nTeramo, Salone del Palazzo della Sanità.\nRoma, Galleria Fontanella Borghese.\nRoma, Galleria Nuovo Carpine, “Cagli: il Teatro”.\nRovigo, Accademia dei Concordi, “Cagli: gli arazzi”.\nMatera, Studio Arti Visive, “Corrado Cagli”.\nLa Spezia, Galleria d'Arte 2001.\nPalermo, Salone delle Esposizioni, “Cagli: disegni per la libertà”.\nPienza, Palazzo Comunale, “Cagli”.\nRoma, Palazzo della Provincia,“Cagli. ‘Satiricon '76’”.\nFerrara, Palazzo dei Diamanti, Galleria Civica d'Arte Moderna, “Cagli”.\nRoma, Centro d'Arte Cultura Pan Art.\nRoma, Galleria Nuovo Carpine.\nNizza di Sicilia, Palazzo Comunale, “Cagli”\nRieti, Ente Provinciale del Turismo, “Opere grafiche di Corrado Cagli”.\nRoma, Galleria Ca' d'Oro, “Cagli”.\nBrescia, A.A.B. Associazioni Artisti Bresciani, “Cagli: ventitré disegni”.\nMilano, Galleria Schettini, “Cagli”.\nAsti, Pinacoteca Civica, Palazzo Mazzetti “Cagli: Mostra antologica 1930-1976”.\nTorino, Promotrice delle Belle Arti al Valentino, “Cagli, Guttuso,Porzano. Reggiani, Vacchi”.\nFirenze, Palazzo Strozzi, “La Fondazione Cagli per Firenze”.\nMessina, Salone di Rappresentanza del Comune di Messina.\nFirenze, Palazzo Strozzi, “Corrado Cagli e Mirko”.\nFirenze, Palazzo Strozzi, “Cagli.'La battaglia di San Martino per Firenze”.\nRoma, Galleria La Gradiva, “Corrado Cagli opere inedite”.\nArezzo, Galleria Comunale d'Arte Contemporanea, “Omaggio a Cagli. Operagrafica 1956-1976”.\nAncona, Palazzo degli Anziani, chiesa del Gesù, “I tempi di Cagli”.\nRepubblica di San Marino, Palazzo dei Congressi, Dicastero del Ministero della Pubblica Istruzione e Cultura,“Corrado Cagli”.\nReggio Calabria, Galleria d'Arte Morabito, “Corrado Cagli”.\nBagheria, Galleria II Poliedro,“Corrado Cagli”.\nRoma, Galleria Ca' d'Oro,“Corrado Cagli”.\nRoma, Galleria La Gradiva, “Cagli”.\nPalermo, Galleria La Robinia, “Omaggio a Cagli”.\nLetojanni, Palazzo Comunale,“Cagli, Grafica 1956-1976”.\nMacerata, Pinacoteca e Musei Comunali Amici dell'Arte, “Cagli scultore: 1927-1975”.\nMacerata, chiesa di San Paolo, “Cagli scultore: 1927-1975” (poi Bari, monastero di Santa Scolastica).\nModena, Sao Arte Club Le Salette.“Corrado Cagli”.\nNapoli, Castel dell’Ovo, “I percorsi di Cagli”.\nRoma, Galleria d'Arte Eliseo, “Corrado Cagli”.\nRoma, Galleria d'arte Parametro,“Cagli scultore: 1927-1975”.\nViareggio, LIV Premio Viareggio,“Omaggio a Cagli”.\nMilano, Galleria Schettini, “Disegni e pastelli di Corrado Cagli”.\nMilano, Arte Polivalente Bonaparte,“Il Teatro di Cagli”.\nRoma, Castel Sant’Angelo, “Cagli.'Dal Primordio all'Archetipo”.\nMontecatini-Roma, Galleria la Gradiva, “Corrado Cagli (1910-1976)”.\nArezzo. Sale delle Logge del Vasari, “Cagli. Disegni 1933-1976”.\nRoma, Il punto Centro Arte Contemporanea, “Corrado Cagli, opera grafica”.\nSiena, Palazzo Pubblico-Magazzini del Sale, “Il Cagli romano. AnniVenti/Trenta”.\nRoma, Università “La Sapienza”.\nTaormina, Palazzo Duchi di Santo Stefano e Biblioteca Comunale,“Cagli Miti a Taormina 1931-76”.\nUmbertide, Rocca di Umbertide, “Cagli e Leonconcilio alle Ceramiche Rometti”.\nRoma, Galleria d'Arte Eliseo,“Corrado Cagli”.\nUmbertide, Rocca di Umbertide,“Cagli. Disegni per la libertà”,\nMessina. Palazzo dei Leoni,“Cagli disegni 1932-1976”.\nSeravezza, Villa Pellizzari.\nBologna, Galleria La Bancarella.\nTrieste, Galleria Banelli.\nCarrara, Galleria Atelier, “Corrado Cagli la collezione Ebe CagliSteidenberg”.\nCarpi, Castello dei Pio, Sala degli stemmi, “Cagli dalla collezione Ebe Cagli Seidenberg”.\nNizza di Sicilia, Galleria Comunale d'Arte Contemporanea, “Cagli opera grafica”.\nSulmona, Palazzo dell'Annunziata,XV Premio Sulmona, “Omaggio a Cagli”.\nMonterotondo, Grafica Campioli,“Cagli opera grafica”.\nFiuggi, Galleria La Barcaccia,“Dipinti di Cagli, 1923-1973”.\nRoma, Galleria La Gradiva, “Corrado Cagli (1910-1976). Gli anni Cinquanta”.\nSanremo, Villa Ormond, Galleria Comunale d'arte moderna, “Cagli”.\nVerona, Palazzo Forti, Galleria d'Arte Moderna, “Corrado Cagli. Mostra antologica”.\nUdine, Galleria d'Arte Moderna, “Cagli: immaginare la libertà, 1931-1976”.\nPalermo, La Robinia, “Attraverso Cagli”.\nPinerolo, Galleria E.S., “Corrado Cagli 1949-1966”.\nRoma, Galleria La Borgognona,“Cagli 1934-1973”.\nTeatro Argentina, Roma, “Il Teatro di Cagli, scenografia, costumi e macchine teatrali”.\nRoma, Galleria La Gradiva,“Cagli dipinti e disegni 1932-1947”.\nPontassieve, Rignano sull'Arno,“Cagli: Mito e Realtà”.\nFiuggi, Teatro Comunale, “Il Teatro di Cagli”.\nMarsala, ex convento del Carmine,“I percorsi del Mito, 1929-1976”.\nRoma, Archivio Farnese, “Corrado Cagli, gli anni della Scuola Romana 1932-1938”.\nSerra de' Conti, convento di San Francesco, “Il Teatro delle Forme.'Dal Primordio all'archetipo”.\nSesto Fiorentino, Rifugio Gualdo,“Omaggio a Corrado Cagli”.\nTeramo, Pinacoteca Civica e Museo Archeologico, “Cagli, tra figurazione e astrazione”.\nAvezzano, Archivio di Stato.\nPordenone, Galleria Sagittaria.\nUdine, Civici Musei, “Cagli dei fotografi”.\nAvezzano, Palazzo Torlonia.\nPordenone, Museo Civico di Pordenone, “Corrado Cagli all'Expo di Parigi nel 1937. Le tavole del Museo Civico di Pordenone”.\nPordenone, Galleria Sagittaria,“Cagli. Opere 1932-1976”.\nCagli, Museo archeologico della Flaminia,“Da Cagli a Cagli. Disegni di Corrado Cagli”.\nPadova, Padiglione UNESCO, “Corrado Cagli, 18 disegni per la libertà”.\nAncona, Mole Vanvitelliana, “Cagli” (antologica).\nBenevento, Palazzo Paolo V, “Cagli ‘L'Opera' 1931-1976”.\nTaormina, ex Chiesa del Carmine,“Cagli, Opera Grafica”\nSesto Fiorentino, Rifugio Gualdo,“Cagli. Il teatro scene e costumi”.\nUmbertide, Rocca di Umbertide, “Cagli. Disegni 1931-1976”.\nPordenone, Galleria d'ArteModerna e Contemporanea, “Corrado Cagli e il suo Magistero”.\nRavenna, Palazzo Mauro De Andrè, “Corrado Cagli. Una metamorfosi continua”.\nUmbertide, Rocca di Umbertide, “Cagli dei fotografi”.\nTaormina, ex Chiesa del Carmine, "Cagli. Mito a Taormina"\n^ D. Sabatello, Galleria dei giovanissimi: Corrado Cagli, in: Il Tevere, Roma, 8 marzo 1933\n^ C. Cagli, Muri ai pittori, in: Quadrante, I, 1, Milano, maggio, 1933\n^ Teresa Lucia Cicciarella, La parabola di Corrado Cagli. Dagli attacchi razziali alla liberazione del campo di Buchenwald (1936-1945) (PDF), su archiviocagli.com.\nRaffaele Bedarida, Corrado Cagli, Donzelli, Roma, 2018\nAlfonso Gatto, Corrado Cagli, ed. Galleria del Corso, Milano, 1970\nCarlo Ragghianti, L'opera di Corrado Cagli, CIDAC, 1972\nFontana dello Zodiaco (Terni)\nWikimedia Commons contiene immagini o altri file su Corrado Cagli\nCorrado Cagli in: Dizionario Biografico degli Italiani, su treccani.it.\nSito web ufficiale: Corrado Cagli\nVIAF (EN) 113426605 · ISNI (EN) 0000 0001 1033 0378 · SBN IT\_ICCU\_CFIV\_046110 · Europeana agent/base/159976 · LCCN (EN) n50032829 · GND (DE) 118869841 · BNF (FR) cb121392030 (data) · BNE (ES) XX1453906 (data) · ULAN (EN) 500004817 · BAV (EN) 495/143415 · WorldCat Identities (EN) lccn-n50032829\nEstratto da "https://it.wikipedia.org/w/index.php?title=Corrado_Cagli&oldid=120516670"\nUltima modifica il 8 mag 2021 alle 16:36\nQuesta pagina è stata modificata per l'ultima volta l'8 mag 2021 alle 16:36.


Dietro la Grande Muraglia - Segreti e lotte di potere dal furore maoista al capitalismo rosso - Mezzetti Fernando - Benvenuto nella libreria di Marco Vasta - la più grande bibliografia e libreria di viaggi\nNumero di utenti collegati: 1646 libri, guide,\nSegreti e lotte di potere dal furore maoista al capitalismo rosso\nEditeur - Casa editrice Valentina Edizioni\nPagine - Pages 306\nUn paese in tumultuoso sviluppo dopo il lungo isolamento, protagonista dell’economia mondiale: motivo di malcelate preoccupazioni ma anche di grandi opportunità per tanti operatori economici. Rimasta a lungo un pianeta sconosciuto, la Cina irrompe nella nostra vita quotidiana, con i suoi prodotti, con i suoi film, con i richiami della moda a certi suoi archetipi di eleganza.\nQuando ci era ignota, aveva fortuna uno stereotipo verbale da un film che con la Cina non aveva nulla a che fare, “La Cina è vicina”. Erano in molti a riporre le loro fantasie ideologiche in un paese illusorio che chiamavano Cina, e che a sua volta nulla aveva a che fare con la Cina vera, martoriata da incessanti campagne politiche, frutto di spietate lotte di potere.\nOra che la Cina è veramente vicina, si tratta di capire come ciò sia avvenuto: dalla fine dell’impero alla proclamazione della Repubblica Popolare nel 1949, e la sua evoluzione fino ad oggi attraverso fasi dolorose e drammatiche.\nSi ripercorre qui questo itinerario, soffermandosi su alcuni momenti apparentemente minori ma illuminanti, e su altri finora poco esaminati, ma di grande importanza, come i rapporti Mao-Stalin, ricostruiti col resoconto dei loro colloqui da poco emerso dagli archivi del Cremlino.\nIl lavoro si concentra soprattutto sugli anni successivi al ’49, fino ad oggi, con la trasformazione avviata dopo la morte di Mao col distacco dal maoismo, compiutasi con il suicidio dell’ideologia voluto da Deng Xiaoping.\nIl sistema resta autoritario, ma l’economia è pluralista. Il cinese gode oggi di spazi di libertà individuale a lui ignoti per secoli, mentre centinaia di milioni di persone tratte dalla fame e dalla miseria secolare sono uno dei grandi eventi della nostra epoca.\nDal sorgere all’eutanasia di regime, il cambiamento della Cina rossa è qui ricostruito con rigore storiografico e con una tecnica narrativa che ne fa un’avvincente lettura.\nFernando Mezzetti è stato corrispondente a Pechino per Il Giornale dall’inizio del 1980 al gennaio 1983: un periodo cruciale per il distacco della Cina dal maoismo e l’avvio delle riforme. Negli anni successivi, quale corrispondente di La Stampa da Tokyo, e poi come inviato, ha continuato a seguire gli eventi cinesi, dalla strage di Tian’anmen nel giugno 1989, di cui fu testimone, al rilancio delle riforme, con l’impetuoso sviluppo economico della Cina dell’ultimo decennio. È autore di vari saggi tra cui “Gorbaciov, la trama della svolta /1988), Da Mao a Deng. La trasformazione della Cina (1995), tradotti in più lingue, e Il mistero Putin (2003).


gennaio 2018 – Pagina 3 – Vita da Vip\nOprah Winfrey ha tre braccia, Reese Witherspoon tre gambe…Vanity esagera con il ritocco!\ngiorgio6614 | 26 gennaio 2018\nReese Witherspoon ha tre gambe, mentre Oprah Winfrey ben tre braccia. No, nessuna mutazione genetica, solo un “Vanity Fail”, come lo definisce il “Daily Mail”, scherzando sul nome\nMeghan Markle, che passione! Non soltanto gli inglesi sono letteralmente pazzi di lei: i fan di tutto il mondo vogliono sapere tutto sul suo look. Il paradosso è\nLo scorso agosto Costanza Caracciolo e Bobo Vieri hanno ufficializzato la loro relazione, ma da qualche tempo l’ex velina sembra fare vita da single. Costanza infatti per il


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Com’è DOCUMENTA 14 - L'INDISCRETO\ndi Dario Forti e Pietro Consolandi\nConcepita nel 1955 dal leggendario Arnold Bode come un “100-day museum” da allestire a Kassel, una cittadina dell’Assia settentrionale delle dimensioni di Brescia – documenta è la manifestazione periodica d’arte contemporanea più importante del mondo insieme alla Biennale di Venezia. Ogni cinque anni, in occasione della mostra giunta oggi alla quattordicesima edizione, Kassel viene animata da stuoli di artisti rampanti, galleristi speranzosi, collezionisti, curatori, giornalisti e critici.\nUn muro ateniese\nIn occasione della tredicesima edizione, la curatrice Carolyn Christov-Bakargiev aveva aperto una esposizione collaterale di documenta a Kabul. Dopo questo esperimento positivo, il polacco Adam Szymczyk, già direttore della Kunsthalle di Basilea dal 2003 al 2014, ha deciso di allargare la manifestazione a un’altra città e – memore dell’insegnamento di Arnold Bode, che concepì la prima documenta come una manifestazione di rinascita tedesca, ma soprattutto europea, dopo la seconda guerra mondiale – Szymczyk ha scelto come co-sede Atene, una città simbolica per la nascita della stessa cultura europea, adottando come slogan “Learning from Athens”. I temi intorno a cui la rassegna si evolve sono quindi fortemente sociali, di solidarietà e diversità, incomunicabilità e chiusura. Un tentativo di affrontare tramite l’arte una questione politica contemporanea che si radica nei macro-temi delle migrazioni e dei risorgenti nazionalismi europei e mondiali.\nEl Objectivo di Regina José Galindo, una performance interattiva sul tema della migrazione ben pensata ma realizzata in maniera semplicistica e un po’ da compitino.\nPartendo da questo concetto, il team di 17 curatori ha deciso di impegnarsi in una sfida dall’esito decisamente imprevedibile, investendo una fetta dei 38 milioni di budget in istituzioni ateniesi (l’EMST, i musei della famiglia Benaki, l’Accademia di Belle Arti…) e portando parte della mostra in una città difficile, per una manifestazione da molti indicata come “tedesca”. In particolare l’EMST (Museo Nazionale d’Arte Contemporanea) guidato da Katerina Koskina ha tratto vantaggio dall’occasione, offrendo a documenta i suoi vasti spazi – non definitivamente aperti al pubblico per problemi di fondi – per ospitare la sezione principale della mostra in Grecia, diventando la controparte ufficiale del Fridericianum, storica sede di documenta, che quest’anno ha eccezionalmente deciso di mostrare la collezione permanente dell’EMST, esponendola per la prima volta al pubblico. L’idea di dedicare l’intero Fridericianum per ospitare la collezione permanente di un museo nazionale è una scelta curatoriale estrema, che sconfina nell’operazione artistica. Ha in sé quegli elementi di dialogo e solidarietà al centro del discorso di documenta, ma anche di decontestualizzazione e messa in discussione del ruolo storico di questa istituzione.\nUna sala del Fridericianum con opere di Jannis Kounellis e Takis.\nLa mostra a volte inciampa nel suo intento, di per sé nobile, rischiando di scivolare nel retorico. Suddividendo le opere con criteri eccessivamente didascalici e su base cronologica, induce il sospetto che la mostra sia stata realizzata per dare visibilità ad artisti greci poco noti, con intento quasi paternalistico. Ciononostante, la collezione dell’EMST riesce a emanciparsi da questi limiti presentando diverse opere di primissimo piano, molte delle quali di artisti relativamente sconosciuti, che mostrano in modo convincente come la Grecia abbia seguito le principali correnti artistiche contemporanee proponendo notevoli variazioni sul tema, dal minimalismo e l’arte povera negli anni ’60 e ’70 fino a opere odierne.\nL’opera di Janine Antoni Slumber – oltre a essere tra le migliori viste a Kassel – può essere un perfetto esempio di questo approccio: un lavoro di grande personalità, impatto visivo e valore concettuale, che trae ispirazione dalla tradizione classica Greca (in questo caso il mito di Penelope) per parlare in maniera efficace di elementi della contemporaneità. Il tutto arricchito da un’azione performativa svolta tra il 1992 e 1994. Un’opera tuttora attuale, a 23 anni dalla sua realizzazione, e perfettamente integrata nel percorso espositivo della collezione EMST.\nIntorno ai musei principali le due città offrono numerose esposizioni secondarie: 46 per Atene e 35 per Kassel, non solo musei e edifici storici ma anche gallerie, parchi, ex spazi industriali e università. Questo per sottolineare il tentativo di entrare in contatto profondo con il territorio e offrire al visitatore un’esperienza da “mostra-città”.\nAlvin Lucier – Sound on Paper\nIl risultato di questo approccio, purtroppo, è deludente. In entrambe le città, ma soprattutto a Kassel, alcune location sono riempite in maniera approssimativa e discontinua, senza riuscire a offrire una linea guida. L’impressione è che i curatori abbiano parlato e collaborato poco fra di loro, finendo per allestire mostre poco entusiasmanti in quello che dovrebbe essere uno dei palcoscenici più importanti all’interno del mondo dell’arte contemporanea, in cui il pubblico ha aspettative altissime. Fanno le spese di questo anche un’istituzione importante come la Neue Galerie e uno spazio altamente suggestivo come la stazione abbandonata chiamata Kulturbahnhof – nei piani di Szymczyk la prima tappa del percorso espositivo di Kassel – la quale ospita al piano di sopra una performance abbastanza riuscita (Monday del collettivo iQhiya) ma nello spazio principale sotterraneo delude con opere non all’altezza del contesto.\nLe esposizioni più riuscite sono invece quelle del conservatorio di Atene e degli ex spazi delle poste a Kassel, entrambe largamente collegate al tema dell’edificio: il linguaggio e il suono nel primo caso e il viaggio nel secondo. Se l’approccio curatoriale potrebbe definirsi didascalico, il livello delle opere e alcune scelte espositive innovative riescono a compensare ampiamente questa colpa, soprattutto pensando a un pubblico di non specialisti.\nL’ingresso del conservatorio, in cui un vecchio sintetizzatore analogico costruito ad Atene è tornato in vita per documenta.\nL’effetto che fanno queste mostre – soprattutto nel caso di Kassel – è però l’opposto di quello che dovrebbe essere in una manifestazione di tale importanza: non sono ciliegine sulla torta ma oasi nel deserto.\nSe aggiungiamo questa attitudine curatoriale spesso priva di idee di livello a una certa naturale difficoltà nel trovare i luoghi espositivi, l’effetto complessivo di questa documenta è altamente dispersivo e a tratti frustrante, come nel caso delle due deludenti mostre attigue alla Neue Galerie e al Palais Bellevue.\nAnche dal punto di vista degli eventi collaterali le cose non sono andate meglio. L’opening party sembra seguire lo stesso copione di buona parte delle varie mostre ed esibizioni sparse per la città: una location da sogno – in questo caso la stazione dei treni di Kassel, con la banchina dell’ultimo binario trasformata in lungo dancefloor post-industriale – accompagnata da un evento quantomeno deludente. Con una mossa molto simile ai vostri genitori che anacronisticamente ancora citano Claudia Schiffer per parlare della donna più bella del mondo, gli organizzatori hanno visto nell’ormai totalmente irrilevante Ricardo Villalobos il DJ edgy adatto per infiammare la serata alla Hauptbahnhof e provare a dare filo da torcere ai party di Art Basel Miami, dove può capitare che al dj-set congiunto di Jamie XX e A$ap Rocky si presenti Paris Hilton a braccetto di Kanye West e Vanessa Beecroft. Non che facesse probabilmente qualche differenza per il pubblico accorso in massa: Kassel è una città morta, raccontano con gli occhi spenti dai troppi pomeriggi passati a guardare nel fondo fangoso della Fulda quasi tutti gli autoctoni con cui parliamo, e ogni 5 anni, nel bene o nel male, documenta porta qualcosa da fare che non sia farsi le canne sulle panchine sulla riva del fiume. Il dancefloor è così animato da tedeschi vestiti male\nin vacanza per una sera a Sognolandia e da operatori del settore dell’arte contemporanea – galleristi, giornalisti, collezionisti, qualche artista minore in cerca di gloria – zelanti come mai nel seguire i comandi dell’hype man sul palco (una specie di Fiorello nero incantatosi sulla frase SU LE MANI CHI ARRIVA DA FRANCOFORTE), fuori luogo come sempre quando si tratta di divertirsi come persone normali. L’inizio del set di Villalobos è previsto per le due, ma la sala principale è troppo affollata e ci sono problemi per far arrivare in console Ricardo, che viene quindi dirottato in una stanza più piccola, lasciando campo libero sul palco principale fino alle cinque del mattino al regno di terrore e canzoni di DJ Antoine instaurato da tale Mista Wallizz, un sosia di Seydou Keita il cui pessimo gusto in fatto di selecta musicale è rivaleggiato soltanto da un altrettanto pessimo gusto in fatto di cappelli.\nCamminando per la città capita di imbattersi in performance improvvisate, artisti che approfittano del grande palcoscenico offerto da documenta e i suoi visitatori per trovare un pubblico. Un uomo giapponese di mezz’età vestito con un kimono rosso, completamente pelato e con la faccia dipinta di bianco come un attore del teatro kabuki, inscena il cha no yu, la cerimonia del tè giapponese. Finita la performance, si siede a riposare sui gradini del Fridericianum, riparandosi dal sole con un ombrellino rosso coordinato all’abito. Ci avviciniamo e proviamo a fargli qualche domanda, chiedendo spiegazioni sui significati della sua performance, ma un misto di diffidenza e il suo pessimo (inesistente) inglese ci impediscono qualunque dialogo. Proviamo allora a chiedere qualcosa all’assistente, ma anche il suo inglese non è dei migliori, e le uniche notizie che portiamo a casa sono che vengono da Osaka, l’artista è suo padre, stanno girando il mondo inscenando questa performance e nella settimana successiva sarebbero andati a Glastonbury, a mettere su una cerimonia del tè per una sicuramente interessatissima audience formata da inglesi ubriachi e sporchi di fango. Li incontriamo ancora due settimane dopo a Venezia per caso, fuori dalla Biennale: il figlio-assistente ci rivela di essere rimasto fuori da Glastonbury perché il padre-artista non ha voluto pagare i soldi del biglietto d’entrata anche per lui.\nVa un po’ meglio con un altro performer, un musicista vestito a metà strada fra un cosplayer di un personaggio del Signore degli Anelli e un contadino della Bassa Padana dell’800. Lo adocchiamo per la prima volta nella giornata di apertura, nel giardino dello Staatstheater, mentre suona la chitarra e canta in un linguaggio incomprensibile, circondato dalla calda indifferenza delle persone sedute ai tavolini per l’aperitivo. Alla sera, lo incontriamo di nuovo in fila per il bagno all’opening party, in evidente stato d’ebbrezza. Ne approfittiamo per chiedergli qualcosa sulla sua arte e fra un biascicamento e l’altro ci spiega che la sua performance rimette in scena la musica tradizionale dei Sami, a cui appartiene anche il suo bizzarro outfit. Ci rivela che quella è la sua quarta e ultima sera a documenta e che gli organizzatori l’hanno pagato 700 euro a giornata per le sue performance. “Non è molto, ma almeno ci pago le bollette” ci dice un po’ abbacchiato prima di andarsene via barcollando.\nUn concerto rap sulle scalinate.\nPer i visitatori più hardcore, quelli che vedranno prima Atene e poi Kassel, un motivo di sollievo viene dagli artisti davvero capaci di creare una connessione tra le due città, salvando il lavoro di Szymczyk e colleghi. Alcuni lavori, come quello di Piotr Uklanski sul nazismo e i suoi personaggi chiave, risultano incompleti se visitati in solo una delle due città, altri come le maschere di Beau Dick sembrano seguire una naturale evoluzione. La selezione di lavori di Maria Lai offre un interessante sguardo d’insieme sull’opera di un’artista molto prolifica e longeva e ancora relativamente poco esposta. Cecilia Vicuña porta a Kassel una versione limitata della sua installazione ateniese, corredata anche da una performance, sottolineando così le analogie e i sincretismi che esistono fra la cultura mitteleuropea e quella greca, mentre i due video di Véréna Paravel e Lucien Castaing-Taylor, Somniloquies ad Atene e Commensal a Kassel – forse l’unica opera davvero esposta in un contesto perfetto alla Tofufabrik – sembrano in qualche modo completarsi a vicenda, parlando di diverse ossessioni e pieghe della psiche umana, oltre a nobilitare la manifestazione con due opere di altissima qualità. Infine menzione d’onore per l’artista iracheno Hiwa K, che presenta un meraviglioso video incentrato sulla sua storia di migrante nel conservatorio di Atene e lo complementa con una grande installazione a Friedrichsplatz offrendo due punti di vista differenti ma egualmente riusciti sullo stesso tema.\nMarie Cool e Fabio Balducci – Untitled. Installazione artistica o showroom IKEA?\nNon tutti gli artisti molto rappresentati tuttavia sono efficaci nella presentazione della propria opera,l caso di Marie Cool e Fabio Balducci, che propongono due installazioni di mobili e luce solare praticamente uguali all’EMST e a documenta Halle, in entrambi i casi disorientando i visitatori che hanno l’impressione di essere entrati per sbaglio in uno spazio curato da IKEA.\nNonostante le eccezioni, si può dire che in documenta 14 si trovi in nuce nell’opera principale, il grigio Partenone costruito coi libri banditi e bruciati nel corso della storia che accoglie i visitatori a Friedrichsplatz, un ponte mal progettato fra Grecia e Germania, fra Atene e Kassel. Concepita dall’argentina Marta Minujín, l’opera risulta banale e facilotta quanto basta per farsi definire dal Corriere della Sera “un altare per celebrare il culto della dea Democrazia”, un’installazione voluminosa ma priva di qualsivoglia imponenza e maestosità, proprio come l’intera documenta, preoccupata di nascondere la propria incapacità di emettere un giudizio sul momento artistico e dialogare col pubblico dietro a pomposi statement di impegno civile, sociale e politico (la crisi dei migranti, l’Europa unita) disattesi, ignorati o interpretati svogliatamente dalla maggior parte dei curatori e degli artisti esposti.\nLa colpa forse più grave per una macro-esposizione che si propone di parlare di temi di attualità che coinvolgono praticamente ogni cittadino europeo è proprio quella di parlarne quasi sempre in maniera o semplicistica e banale o volutamente criptica e vaga, utilizzando il linguaggio degli specialisti dell’arte contemporanea. In questo modo documenta si aliena dal tentato dialogo che essa stessa vorrebbe intavolare con un pubblico numeroso, quello delle centinaia di migliaia di persone attese nei cento giorni di esposizione se non per quei pochi addetti ai lavori che hanno assistito ai giorni dell’inaugurazione e al party con Ricardo Villalobos.\nIronicamente, l’opera in mostra che più di tutte entra in dialogo con il pubblico si trova ad Atene, ma è esterna a documenta (si potrebbe definire una sorta di contro-documenta): la mostra Breaking Athens di Michael Landy, indubbiamente il meglio invecchiato fra gli ex-Young British Artist. Nella scuola Diplarios, Landy invita ateniesi e visitatori a portare settimanalmente opere incentrate sulla situazione attuale e recente della città, allestendo di volta in volta in maniera diversa lo spazio per creare una mostra collaborativa. Un dialogo lungo mesi pensato per permettere all’artista di comprendere in profondità il tessuto sociale ateniese e al tempo stesso alla città di parlare direttamente ai visitatori di documenta che in un modo o nell’altro finiranno per vedere la mostra di Landy.\nIn generale la sensazione è di assistere a una mostra partita da ottimi propositi ma realizzata in maniera deludente, alcune location potenzialmente meravigliose sembrano essere state riempite quasi per dovere, in maniera approssimativa e senza una reale cura alle spalle e spesso le opere riuscite non sono abbastanza per riscattare documenta da queste colpe. L’opera che dovrebbe rappresentare il centro di questa edizione diventa così emblema di una grande sfida affrontata senza un’adeguata preparazione, finendo per trattare il delicato tema centrale in maniera semplicistica e sfigurando nel confronto con il passato. Fa riflettere infatti che in Friedrichsplatz, che da sempre è l’epicentro geografico e concettuale di documenta, l’ingombrante Parthenon of Books sia installato – ancora in costruzione – proprio di fianco a The Vertical Kilometer, opera di Walter De Maria realizzata per Documenta 6 nel 1977. I due lavori risultano antitetici per pulizia formale e profondità concettuale – a favore di De Maria – sottolineando come l’eccessiva retorica che fa da pietra fondante del discorso sviluppato da Adam Szymczyk e il suo team siano andati a ledere l’incisività del risultato finale che finisce per essere dispersiva e ridondante, non riuscendo a entrare in dialogo col pubblico in generale e con il popolo ateniese in particolare.\nDario Forti è nato a Milano nel 1990, fa parte della redazione di Fumettologica. Gli piacciono le biciclette, il Curve Fever e SCRIVERE IN CAPS LOCK.\nPietro Consolandi è fotografo e curatore. Le sue passioni sono l’internet, i gatti, la politica di George Soros, le arti marziali, il Giappone e, essendo un borghese annoiato, gli alcolici e i cibi costosi. In coppia con Dario Forti, può determinare l’inizio e la fine di ogni situazione socialmente accettabile.\nIn copertina, dettaglio del Partenone costituito da libri “proibiti”, di Marta Minujín. Tutte le fotografie sono di Pietro Consolandi.\nTagsArte atene documenta fiera d'arte Fridericianum kassel Kounellis Kunsthalle basilea reportage documenta\n0 comments on “Com’è DOCUMENTA 14”\nPrevious Post La sopravvivenza degli antichi dei: American Gods e le metamorfosi delle religioniPrevious Post\nNext Post Accelerare la fine del mondoNext Post


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Residenza d’epoca Siena - country hotel Toscana - colline Chianti\nResidenza d’epoca Siena\nUna residenza d’epoca a Siena, un country hotel nella lussureggiante Toscana delle colline del Chianti\nIl fascino antico di una residenza d’epoca a Siena, Villa Lecchi è un country hotel d’eccellenza, in grado di coniugare le differenti anime della Toscana: la regalità delle camere e delle strutture con l’armonico abbraccio delle maestose e lussureggianti colline del Chianti. Una residenza d’epoca collocata in una posizione strategica per godere della vista panoramica di vigneti ed oliveti, protagonista delle strade del vino e a pochi minuti dal centro storico di Siena. Nella stessa residenza si respira l’autentico sogno di una città mercantile, ricca e potente, capace di destreggiarsi lungo i secoli mantenendo intatta la personale sfarzosa personalità.\nCon un brevissimo viaggio dalla nostra residenza d’epoca vi troverete tra le vie acciottolate di Siena: ricordatevi di indossare scarpe buone, come direbbe Federico Minghi, ambasciatore del Tuscan Style, perché questa cittadina è fatta di salite e discese, itinerari in pietra e soprattutto è interamente a portata di passeggiata. Rimarrete incantati dal suo splendore. La campagna delle colline del Chianti, con il loro charme country, fa da presentazione di una piccola capitale, sempre pronta ad accogliere, ma fiera della propria altera superiorità.\nVi consigliamo di camminare e osservare, con il naso all’insù, vedere i segni distintivi delle contrade (sceglietene una e parteggiate per quella durante il Palio!) e cercare di comprendere questo mondo a sé stante. Piazza del Campo ed il Museo dell’Opera del Duomo sono due punti buoni per cominciare la visita, da continuare all’interno della Cattedrale e poi nel Palazzo Pubblico e Museo Civico, in cui il Buon Governo viene elogiato in affreschi da Ambrogio Lorenzetti.\nPer degustare un prodotto davvero tipico fermatevi alla Fabbrica del panforte e assaporate le note medievali di questo dolce tradizionale. Gino Cacino, invece, è un ottimo negozio se volete un consiglio per qualche assaggio di formaggio (e non solo). E dopo un tour culturale perché non andare a esplorare le vicine Pienza e Monteriggioni?\nA sera tornerete per rilassarvi nella vostra suite o camera di una vera residenza d’epoca, un luogo magico dove poter cogliere appieno una pausa relax nel centro benessere o semplicemente cenare sotto lo sguardo della luna. Sfogliate adesso le gallery di questo hotel di Toscana e prenotate un soggiorno detox, nel cuore della regione più bella del globo.


Teramo, Corso de Michetti 1\nDove: Teramo, Corso de Michetti 1\nIndirizzo: corso de Michetti 1\nTelefono: +39 0861 250360\nCostruita nel 1227 come convento dei Frati minori francescani, la chiesa di Sant'Antonio svetta su Corso de Michetti, all'angolo con largo Melatino.\nAttualmente l'edificio presenta traccia delle modifiche apportate nel 1327, nelle strutture murarie, nel portale in pietra locale, nel chiostro.\nIl campanile in laterizio si innalza per due piani: quello inferiore ospita l'orologio, mentre sul piano superiore sono collocate quattro campane.\nL'interno della struttura è caratterizzato da due chiese: la parte più grande detta di San Francesco e l'altra, di Sant'Antonio, realizzata nel vecchio refettorio. Entrambe le costruzioni sono in stile barocco.\nUna serie di affreschi lungo la navata unica absidata, una cupola illuminata da otto finestrelle, dieci colonne corinzie lungo i lati caratterizzano la chiesa di Sant'Antonio. Di notevole pregio il quadro di Vincenzo Baldati che ritrae Sant'Antonio in ginocchio, rivolto verso San Bonaventura da Bagnoregio.\nCHIESA DI SANT'ANTONIO ● CHIESA DI SANT'ANTONIO TERAMO


Come scegliere i materiali per gli accessori bagno\nHome/news/Come scegliere i materiali per gli accessori bagno\nPer avere un ambiente in cui comfort e design convivono in perfetta armonia è fondamentale anche fare una buona scelta dei materiali per gli accessori bagno, che dovranno essere belli da vedere ed al tempo stesso resistenti per garantire una lunga durata nel tempo ed il mantenimento del loro originario splendore. Fortunatamente vi sono una grande varietà di materie prime tra cui scegliere, in modo tale da consentire ad ognuno, indipendentemente dallo stile del bagno, di trovare i complementi ideali.\nQuando parliamo di materiali per l'arredo bagno i più diffusi oggi in commercio sono:\nCiascuno di questi materiali ha caratteristiche diverse e permette di avere oggetti che possono sposarsi alla perfezione con il bagno moderno oppure andare ad arricchire l'ambiente arredato in stile più classico. Vediamo allora nel dettaglio quali vantaggi offrono e quali sono gli spazi in cui esprimono al meglio le loro pregiate caratteristiche.\nAccessori bagno in ceramica: un must per lo spazio benessere\nQuando parliamo di accessori per il bagno è impossibile non pensare subito alla ceramica: sicuramente è uno dei materiali più utilizzati ed è la materia prima evergreen che da sempre accompagna la realizzazione dei sanitari. Scegliere accessori bagno in ceramica significa quindi dare all'ambiente un aspetto omogeneo ed elegante. Tra i tanti vantaggi che offre vi sono un'ottima resistenza nel tempo, grande facilità di pulizia e la sicurezza di una componente che può davvero vantare una lunga storicità nell'ambiente bagno.\nColoro che non vogliono rinunciare ai tanti pregi della ceramica ma desiderano dare ai propri spazi benessere un tocco di innovazione possono optare per oggetti che uniscono al candido bianco delle ceramiche migliori la brillantezza del metallo: l'effetto visivo sarà davvero sorpredente e con pochi semplici accessori riusciremo a dare al nostro bagno un design davvero esclusivo ed avvolgente.\nAccessori bagno in ottone: la scelta versatile per l'angolo relax\nScegliere accessori bagno in ottone per l'ambiente dedicato alla cura ed al benessere del corpo significa puntare su oggetti che, grazie alla loro straordinaria versatilità, riescono ad integrarsi alla perfezione nel bagno classico, ma sono anche in grado di portare una nota di carattere nello spazio arredato in stile moderno e contemporaneo. Il fascino di aste porta asciugamani, anelli porta salviette, porta rotolo e porta sapone in ottone si sprigiona attraverso la straordinaria lucentezza dei materiali che riescono ad emanare, oltre che dal carattere forte e deciso che riescono ad imprimere alla stanza.\nForme sinuose o linee minimali caratterizzano gli oggetti in ottone, in modo tale da poter offrire una risposta concreta sia per un arredo bagno moderno che classico di design.\nAccessori vetro satinato: l'arredo bagno esclusivo\nI migliori accessori bagno dovrebbero saper offrire design e funzionalità, ovvero oggetti pensati per la praticità di chi vive l'ambiente bagno ogni giorno in elementi che sappiano arredare. Il binomio tra eleganza e praticità convive alla perfezione negli accessori vetro satinato, dove velate trasparenze sono pensate per consentire alla luce di filtrare regalando splendidi giochi di colore.\nSolitamente troviamo gli accessori in vetro satinato abbinati con basi in ottone cromato o satinato, perfetti per esaltarne le prestigiose forme e lavorazioni. Non esiste ambiente che sappia resistere alla straordinaria eleganza di questi elementi, e gli accessori in vetro satinato nascono per sposarsi alla perfezione con qualsiasi stile di arredo. Forme minimali o ricche e preziose lavorazioni li rendono perfetti per l'ambiente moderno o per il bagno in stile classico.\nAcciaio inox per gli accessori bagno: quali vantaggi offre\nPerformances ottimali sia dal punto di vista funzionale che da quello estetico, gli accessori bagno in acciaio inox sono molto apprezzati per l'arredo moderno che cerca praticità e resistenza. Spesso abbinati anche all'arredo bagno in spazi pubblici, dove gli accessori sono sottoposti ad utilizzi particolarmente intensi, gli oggetti in acciaio inox donano all'ambiente un'eleganza straordinaria grazie alla loro brillantezza.\nLa scelta deve essere fatta rivolgendosi ad aziende che pongono una particolare cura nella scelta delle materie prime e nei procedimenti di lavorazione, per evitare di ritrovarsi con elementi che dopo pochi mesi hanno già perso la loro bellezza e la lucentezza originaria a causa dell'ossidazione.\nIl bagno di classe si arricchisce con gli accessori in vetro trasparente\nDestinati all'ambiente più elegante e delicato gli accessori bagno in vetro trasparente sono complementi apprezzatissimi da coloro che sono alla ricerca di spazi dallo stile inconfondibile. Porta sapone, bicchiere porta spazzolino e dispenser per il sapone liquido in vetro hanno un aspetto delicato che denota una raffinata eleganza. Questi preziosi accessori sono un must nella stanza da bagno classica, ma trovano il loro spazio ideale anche in ambienti arredati in stile moderno.\nSpesso proposti in abbinamento con basi in metallo lucente gli accessori in vetro trasparente sono sicuramente ingredienti pregiati nel bagno di classe.


Rinnovo Dybala, la Juventus non sarebbe disposta ad andare oltre i 10 milioni a stagione\nAttualmente ci sarebbe distanza fra l'offerta bianconera e le richieste di Dybala per il rinnovo di contratto.\n15 dicembre 2020 15:35 15 dicembre 2020 15:35\nL'ultimo weekend è stato caratterizzato dal ritorno al gol in campionato di Paulo Dybala. L'argentino non segnava in Serie A dalla scorsa stagione. Nel post partita di Genoa-Juventus ha sottolineato l'importanza del finire sul tabellino dei marcatori, che gli permette di acquisire più serenità dopo un periodo complicato. Lo stesso Dybala ha voluto parlare anche di rinnovo di contratto, sottolineando come ami la Juventus e che aspetta una chiamata della società bianconera. Parole in parte smentite dal presidente Agnelli, che nella serata dedicata all'evento Golden Boy, ha dichiarato di aver presentato un'offerta al giocatore.\nIl massimo dirigente della Juventus ha confermato che l'argentino rappresenta il futuro capitano bianconero e che è in attesa di una sua risposta in riferimento all'offerta di rinnovo. L'impressione è che questa discordanza nelle dichiarazioni fra le parti arrivi da una netta distanza fra offerta bianconera e richieste del giocatore. Secondo le ultime indiscrezioni di mercato la Juventus non vuole andare oltre i 10 milioni di euro a stagione bonus compresi.\nLa Juventus non sarebbe disposta ad andare oltre i 10 milioni a stagione\nAttualmente quindi la proposta della Juventus per il rinnovo di Dybala potrebbe aggirarsi intorno ai 10 milioni di euro a stagione. Lo staff di Dybala vorrebbe 15 milioni di stagione.\nSi accontenterebbe anche dello stipendio che attualmente percepisce Mathijs De Ligt, circa 12 milioni di euro a stagione bonus compresi. Probabilmente le parti si rincontreranno ad inizio 2021 per prendere una decisione definitiva. Rimane da una parte l'intenzione dell'argentino di diventare il secondo giocatore più pagato della Juventus (dietro a Cristiano Ronaldo).\nDall'altra l'esigenza della società bianconera di contenere il monte ingaggi, soprattutto in considerazione della crisi economica dovuta all'emergenza coronavirus.\nPossibile incontro fra Dybala e la Juventus ad inizio 2021\nDi certo da parte di Dybala ci sarà occasione da qui ai prossimi mesi di dimostrare di valere le sue richieste d'ingaggio.\nL'aver ritrovato il gol contro il Genoa rappresenta un'iniezione di fiducia importante per il giocatore. Fra l'altro l'argentino non ha nascosto di avere un ottimo rapporto con il tecnico Pirlo, aspetto importante anche per una sua possibile permanenza. Qualora però le parti non dovessero trovare l'intesa ad inizio 2021, probabile una cessione dell'argentino durante il Calciomercato estivo. Si parla infatti di un suo possibile inserimento in qualche scambio di mercato. Uno di questi potrebbe riguardare Dybala e Paul Pogba. Il centrocampista francese, se non a gennaio, è destinato a lasciare il Manchester United la prossima estate.\nBlasting News consiglia Juventus, Del Piero: 'Non mi è stata mai prospettata possibilità di diventare dirigente' Juventus, si penserebbe a Mirante come secondo portiere Juventus, Rugani possibile contropartita tecnica alla Fiorentina per Milenkovic Juventus, Moggi: 'Per me Cristiano Ronaldo rimarrà' Serie A, fra i possibili trasferimenti di gennaio ci sono Nainggolan, Khedira e Musacchio Inter, idea Papu Gomez: l'argentino potrebbe lasciare l'Atalanta a gennaio Calciomercato Juventus, il Barcellona avrebbe offerto Griezmann Video Juve, se va via CR7 si pensa a Icardi e Dzeko Video


Lettura Tarocchi Civitavecchia - LEGAMENTO D AMORE ROMA\nLettura Tarocchi Civitavecchia: ⭐ Magia per Legami d amore Civitavecchia, affidati a chi conosce profondamente la magia rosa, lettura tarocchi e molto altro!\nCosa sono i tarocchi? Le carte magiche per prevedere il futuro, per modificare gli eventi, studiati e inventati da nomi illustri che hanno dedicato uno studio approfondito per la Lettura Tarocchi Civitavecchia.Infatti la Lettura Tarocchi Civitavecchia è una forma di divinazione che arriva da studi alchemici e occulti che sono diventati oggi comuni. L’origine della loro nascita è incerta poiché persa tra le pagine del tempo che scorre, ma possiamo dare una datazione di quando esse sono diventate una divinazione popolare. Nel secondo medioevo esistevano già dei tarocchi che giravano tra il popolo.Esse arrivarono dall’Egitto dove erano una forma di magia molto usata da nobili faraoni e dagli stessi schiavi, ma anche qui non si sa esattamente quando divennero popolari. In Europa si iniziano a notare nella città di Milano, Ferrara e Bologna.Nel 1400 vennero create delle carte che componevano un mazzo completo. Essi sono divisi in arcani maggiori e arcani inferiori. Gli arcani maggiori sono 22 carte, mentre il mazzo completo è di 78. I domenicani erano coloro che spesso li usavano nei sermoni e questo provocò diversi problemi a questa derivazione ecclesiastica poiché i tarocchi si pensassero fossero opera del demonio.Tuttavia vediamo che ci sono nomi illustri che poi hanno creato le proprie carte dei Tarocchi come i de’ medici, sforza, ma anche massoni francesi come Gébelin. In Francia ebbero molti successi. La loro pratica era usatissima da dame di corte presso Versailles e poi vennero addirittura pubblicate per la vendita al popolo.La Lettura Tarocchi Civitavecchia non è però un gioco. Quando si usano come passatempo esse non portano mai dei responsi chiari e sono sempre molto confuse. Il loro studio deve essere attento e seguire delle regole di consultazione.Questo è un mezzo magico, esoterico, che unisce segni zodiacali, significati vari, eventi futuri e decodificazioni dei messaggi. Dunque cerchiamo di prendere in considerazione quali sono le energie che le dirigono perché provocandole si rischia di avere dei responsi fasulli.Molti maghi e studiosi hanno dichiarato che quando i tarocchi si sentono presi in giro oppure vengono consultati per sciocchezze, danno delle risposte negative per farci fare la scelta peggiore. Il mondo esoterico non vuole essere disturbato per sapere se è meglio bere il latte o il tè, ma per dare risposte sul destino.\nLa pratica della Lettura Tarocchi Civitavecchia è molto antica. Essa è una delle prime forme di divinazione popolare per prevedere il futuro, ma che nasce da un’epoca ancora più remota. Le prime forme di tribù che leggevano il futuro, come i vichinghi o anche popolazioni africane, leggevano dei segni nella forma delle pietre, nel cambiamento delle nuvole, in rametti che avevano delle forme particolari.Le rune furono uno dei primi metodi consolidati per sapere cosa accadesse nel futuro. Tuttavia quello che avviene nel futuro è sempre indicativo, cioè un’indicazione che potrà poi cambiare se si sceglie una direzione invece che un’altra.Il passato è sempre cosa certa, perché quello che è accaduto non si può cambiare. Nonostante si speri che un giorno si possa tornare indietro per cambiare le diverse situazioni, come si vede in tanti film, in realtà esso non potrà mai essere cambiato. Il presente è invece un momento in cui siamo liberi di fare le nostre scelte, di sbagliare e prenderci le conseguenze o di cercare di avere delle informazioni per un futuro che sia più solido.Il futuro invece è qualcosa che non è ancora scritto. Diventa possibile modificarlo semplicemente sapendo cosa accadrà se si fa questa scelta o quest’altra. Le energie che sono astrali, ancestrali e astrologiche, come quelle di cui siamo circondate, che sono cosmiche e influenzate dalle stelle, ci permettono di avere un libero arbitrio. Tuttavia esso può essere compromesso da decisioni altrui o da “imposizioni” e magie altrui.Per questo sono state studiate e create delle forme di divinazione in grado di prevedere il futuro e dove noi lo possiamo poi modificare in modo da avere la sicurezza di non fare la scelta sbagliata.Le rune ad esempio sono in grado di poter prevedere il futuro, ma non il passato. La chiromanzia, altra divinazione di studio esoterico che ha avuto finalmente dei collegamenti scientifici, al pari della riflessologia, dichiarano il passato e il presente.I tarocchi sono una forma di divinazione completa. Essa consente di vedere il futuro, di sapere il presente, sia nostro o di altri soggetti su cui vogliamo “indagare”, e ci parlano anche del passato. Infatti essi sono in grado di farci capire quale sia stata la vita e le problematiche di un soggetto vicino.Insomma è una forma di divinazione che effettivamente risponde alle nostre domande, ma che rispetta delle regole e richieste specifiche. Improvvisarsi cartomanti non porta ad avere delle risposte, se non quelle che desideriamo. Tanto per capirci quali sono le regole definite un chiromante, un medium o un sensitivo, non è in grado di leggere le carte per sé stessi, non può vedere cosa gli accadrà, almeno che non sia un pericolo di vita che nasce dalle influenze negative. Questa è una legge cosmica perché se andiamo a sapere quello che ci aspetta il futuro non si fanno più libere scelte, ma scelte consigliate o in balia delle energie che ci circondano. Dunque la regola per fare una Lettura Tarocchi Civitavecchia avendo dunque delle reali risposte è sempre quella di farcele fare dagli altri o al limite noi le possiamo fare per altri.Seconda regola da rispettare nei tarocchi e quella di mescolarle in modo da avere in mente la persona a cui si vuole predire il futuro e fare delle domande specifiche. Non parliamo delle carte napoletane con cui giochiamo a scopa, si andranno a disturbare delle entità per avere dei responsi. Queste entità non sono certo amici che si invitano al bar, ma sono energie e vibrazioni cosmiche.Inoltre ci sono dei rituali di purificazione che si devono fare per mantenerle libere da influenze negative. Esse non devono mai venire lasciate incustodite, ma si devono conservare quando non si usano.Solo rispettandole, perché esse pretendono rispetto, diventa possibile avere delle risposte ai propri problemi e domande. Altrimenti meglio non interpellarle.\nper fare una Lettura Tarocchi Civitavecchia è necessario studiare i diversi schemi che compongono le risposte. Si deve conoscere quali sono i significati delle carte, le combinazioni, eventuali risposte conseguenziali e anche i tempi. Di solito essi rispondono per un massimo di 30 giorni e non per anni ed anni.Alla domanda mi sposero quando avrò 40 anni, mentre avete ancora 25 anni, esse semplicemente rispondono per i prossimi giorni, ma non per tutta la vita. Il destino viene scritto giorno per giorno, magari in un ciclo lunare, non è definito, non è un libro che è stato già scritto da entità superiori.Ci sono poi le letture veloci, che sono eseguite con gli arcani maggiori, le letture profonde eseguite con 78 carte. Tutte comunque hanno delle combinazioni che si devono conoscere.Gli schemi tradizionali sono:\nPer avere una Lettura Tarocchi Civitavecchia semplice è necessario fare una domanda che sia chiara. Di solito è possibile avere un si e un no. Per rispondere:\nsi o no, non si interpretano i significati delle carte, ma il loro verso. Quando esso è dritto indica “si”, quando esso è storto o rovesciato indica “no”.Tuttavia c’è da dire che una carta non ha un significato unico, in base al verso c’è un ennesimo cambiamento. Per esempio l’imperatore dritto, cioè con la forma e verso che sono a testa in su’, quindi “dritti”, indica un uomo dai saldi valori e di cui fidarsi. In caso esso è rovesciato, capovolto con la testa verso il basso, indica un fannullone, un bugiardo o un uomo di cui non ci si deve fidare.Notate che allora il responso della Lettura Tarocchi Civitavecchia non è di facile interpretazione? Gli esperti e gli studiosi si dedicano per anni a capire le diverse situazioni e riescono poi a capire quale sia la risposta data semplicemente perché hanno una buona esperienza personale su cui basarsi.Questo spiega anche come mai ci sono dei professionisti che si specializzano sul leggere i tarocchi per l’amore, altri per questioni lavorative oppure per la salute.\nConsulenze solite con la Lettura Tarocchi Civitavecchia semplice\nGrazie per aver visitato Lettura Tarocchi Civitavecchia!\nIncantesimo D Amore Manfredonia


Gennaio 2016 - STEFANO BUSONERO\nFormazione degli accordi di settima\nCapire gli accordi di settima\nQuattro note invece di tre\nNella costruzione degli accordi, dopo aver visto quella per i maggiori ed i minori, adesso siamo arrivati a quella dell’accordo di settima. Qui incontriamo una piccola prima variante, cioè quattro note diverse anziché tre: Prima, terza maggiore, quinta e settima minore.\nDal momento che l’ultima nota dell’accordo è la settima minore potremo tranquillamente definirlo come accordo di settima minore.\nPerò è bene non chiamarlo con questo nome per non fare confusione con altri tipi di settima.\nUna domanda viene viene spontanea: perché un accordo di settima pur essendo così naturale impiega la settima minore anziché la settima maggiore? Provate a suonarli entrambi di seguito ed avrete la risposta! L’accordo ottenuto con settima minore è un po’ meno dissonante. A me, personalmente, piace e non ci sento alcuna dissonanza.\nRiferendosi al Do, ecco l’accordo di Do7: DO MI SOL SIb. Ragionando in semitoni il primo intervallo è di 4, il secondo intervallo è di 3 ed il terzo intervallo è di 3.\nCome riportato nelle pagine precedenti, l’accordo di settima, insieme a quello minore e maggiore, è tra i più impiegati, e quindi è necessario conoscerlo in tutte le tonalità.\nIl suo suono dà un certo senso di attesa che sembra voler chiamare un accordo più riposante. Il Do7 viene spesso usato intorno alle tonalità maggiori o minori del Fa; il Sol7 del Do, il La7 del Re … ecc.\nI segni sono: Do7, C7. Se volete vedere le posizioni sulla tastiera della chitarra potete andare alla pagina Accordi di settima\nDomanda a bruciapelo con risposta in fondo alla pagina\nCapita spesso di trovare sul rigo musicale i diesis, i bemolle, i doppi diesis, i doppi bemolle. Questo significa che un Fa possiamo chiamarlo in alcuni casi anche “Sol doppio bemolle”, in altri casi “Mi diesis”. Una nota perciò può avere tre nominativi.\nRiflettete profondamente perché sta per arrivare la domanda a bruciapelo: Questo vale per tutte le note?\nscala cromatica nomi e posizioni dei gradi\nRisposta alla domanda a bruciapelo: No! Vale per tutte le note meno che per il Sol diesis. In alcuni casi il Sol diesis può essere chiamato con “La bemolle” ma mai accadrà di incontrarlo con un altro nome.\nScritto il 19 Gennaio 2016 6 Dicembre 2018 Categorie Corso di chitarraTag Formazione degli accordi di settimaLascia un commento su Formazione degli accordi di settima


Seleziona pagina Il BlogCosa vedere\nI dati forniti a B&B Le Stanze sul Corso (di seguito “ES”) nelle pagine del sito web raggiungibile all’indirizzo (URL)www.bblestanzesulcorso.it (“sito”) al momento della registrazione e successivamente per l’utilizzo dei servizi di volta in volta forniti da B&B Le Stanze sul Corso saranno trattati nel rispetto delle disposizioni di cui al Decreto Legislativo 196/2003 in materia di protezione dei dati personali (“Codice della Privacy”). Ai sensi dell’articolo 13 del Codice della Privacy, B&B Le Stanze sul Corso informa l’utente di quanto segue.\nTitolare del trattamento dei dati personali è la società B&B Le Stanze sul Corso, con sede legale in Pescara (PE), corso Umberto 1, Italia. 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Cinque passi per sfuggire ai modelli distruttivi ricorrenti.\nIn ogni famiglia sono presenti schemi distruttivi ricorrenti: comprenderli e spezzarli può rivelarsi indispensabile per raggiungere i propri obiettivi nella vita. Il presente può veramente cambiare il passato e creare un nuovo futuro?\nCiascuno di noi ha il potenziale per rompere i cicli intergenerazionali di abitudini e schemi ripetitivi. In molte famiglie si ripresentano le stesse situazioni, come se venisse seguito un preciso schema con regole e leggi proprie. I componenti ereditano lo schema e sono automaticamente portati ad agire nello stesso modo, a fare scelte dello stesso tipo. Ciò accade perché queste persone stanno inconsciamente seguendo degli "ordini familiari" tramandati di generazione in generazione. Non ereditiamo dalla famiglia solo tendenze genetiche fisiche, ma anche credenze, reazioni, attitudini e una percezione della realtà che ci vincola e limita persino le nostre scelte, una sorta di linea-guida per la nostra vita, non detta, ma prepotentemente presente.\nE se il passato non tenesse più in ostaggio il presente e il futuro? Rebecca Linder Hintze offre una chiave potente ed efficace per identificare i paradigmi familiari che si sono insediati all'interno di noi, che fungono da zavorra e ci impediscono di realizzare il nostro potenziale. Scopriremo un vero e proprio processo di guarigione in 5 passi che ci permetterà di reinventare noi stessi, espandere le nostre scelte e ottenere straordinari risultati nella vita.\nCondizionamenti e istinti determinano abitualmente il nostro comportamento. I primi sono in ampia parte appresi e tramandati di generazione in generazione, e applicati tal quali, anche se nel tempo possono diventare disfunzionali. Questo libro offre uno strumento pratico per diventare consapevoli, integrare le proprie radici familiari e superarle. La chiave interpretativa del testo ? psicospirituale, semplice, pratica, immediatamente applicativa, grazie agli esercizi che concludono ciascun capitolo. Anna Fata www.armoniabenessere.it..\nRebecca Linder Hintze è autrice, conferenziera, ospite di trasmissioni radio ed esperta di tematiche familiari e di benessere emozionale. Svolge la sua attività di consulenza ormai da un decennio, e la sua abilità nell’aiutare i clienti a scoprire l’origine dei propri schemi di comportamento l’ha resa una tra i maggiori esperti del settore. Ex giornalista televisiva, tiene conferenze e workshop in varie città americane su argomenti come la “Guarigione della storia familiare”, il “Rafforzamento delle relazioni” e la “Risoluzione dei problemi matrimoniali”.\neBook: Guarire la propria storia familiare


Creare contenuti in modo costante è un'attività che richiede tempo, ma è fondamentale se si vuole competere con le aziende che operano nel panorama del marketing digitale. Dai freelancers alle multinazionali, tutti cercano ora di creare contenuti che abbiano il potere di attirare l'attenzione del pubblico sui social media. Questo significa che, negli ultimi mesi, il numero di contenuti pubblicati è cresciuto vertiginosamente.\nLa vostra sfida è quindi doppia: da un lato, dovete continuare a creare contenuti, e dall'altro, dovete distinguervi dalla massa e attirare quanto più possibile l'attenzione del pubblico. E se pensate che sia facile, siete sulla strada sbagliata. E qui arriviamo alla content curation, un'attività da cui non si può prescindere se si vuole andare nella direzione giusta.\nHo una domanda da porvi: tra tutti i contenuti disponibili, come fate a scegliere quello da condividere? Una buona regola da seguire, in questo caso, potrebbe essere quella di chiedervi "ho trovato utile questo contenuto"? E anzi, prima dovreste domandarvi perchè gli utenti vi seguono. Molto probabilmente, il pubblico segue il vostro brand perché rappresentate a pieno valori importanti per loro, o perché fornite informazioni utili attraverso i vostri account.\nQuindi, se voi siete i primi a non trovare utili i vostri contenuti, non potete certo sperare che lo facciano i vostri utenti. Un'introduzione lunga per dirvi una cosa semplice. Dovrete essere voi i primi a leggere gli articoli e vedere i video che avete intenzione di condividere con i follower.\nChiedere a Google. Una volta che avete chiaro l'argomento di cui volete occuparvi, una semplice ricerca su Google vi permetterà di trovare una serie di account correlati piuttosto utili. Ad esempio, provate a cercare "i migliori account Facebook per..." e vi comparirà subito una lista di risultati che potrete utilizzare come meglio credete.\nIn poche parole, condividete soltanto contenuti che reputate buoni. Quelli cattivi, infatti, possono danneggiare il vostro brand e la vostra immagine. Ad esempio, recentemente Levi's Jeans ha condiviso una campagna pubblicitaria che è risultata poco sensibile nei confronti delle persone, generando così un grande clamore sui social network.\npotete riassumere il contenuto. Come anticipato, recentemente si ha una sovrapproduzione di contenuti. L'idea di poter riassumere un lungo articolo è, ad esempio, molto utile e vi permette anche di imporvi come esperti del settore. Se non avete tempo di riscrivere tutto, provate almeno a riassumere le frasi che contengono i concetti chiave dell'articolo stesso.\npotete porre un quesito. Se avete poco tempo a disposizione, una buona idea per interagire con gli utenti può essere quella di condividere un contenuto e poi porre loro una domanda. Ad esempio, pubblicare un video con un titolo accattivante e accompagnato da una domanda ben posta può generare ben 10 volte l'engagement rispetto ad un normalissimo Tweet.\npotete prendere una citazione. C'è qualcosa di interessante in un contenuto che avete pensato di condividere? Bene, allora prendetelo, fatelo vostro e utilizzatelo quando condividete il vostro contenuto. Credetemi, è anche questo un buon modo per stimolare l'interazione del pubblico.\nCosa significa essere social quando si parla di content curation? Ve lo spiego in poche parole. Se condividete il contenuto di qualcun altro, è importante che ne tagghiate il profilo originario. Anzi, se riuscite a ritagliarvi un po' di tempo per inviargli una nota personale potrebbe essere davvero un'ottima idea.\nSe metà dei vostri sforzi va rivolta alla content curation, l'altra metà invece deve concentrarsi sulla scelta del momento giusto per la condivisione. L'obiettivo è quello di pubblicare nel momento preciso in cui il contenuto viene visto maggiormente: un'impresa difficile, ma non impossibile se si tengono in considerazione alcune accortezze. Ecco cosa dovete tenere in mente per ogni singola piattaforma:\nTwitter. Il pubblico di Twitter è più educato e professionale. Sempre più persone lo utilizzano come fonte di notizie e/o per entrare in contatto con un pubblico ben selezionato. Ora, per avere successo sulla piattaforma è necessario considerare che un Tweet ha un'emivita ben precisa e una forma abbreviata, per cui è fondamentale che produciate un volume di contenuti maggiore rispetto agli altri social.\nInstagram. Per scegliere l'orario giusto per la pubblicazione su Instagram, dovete considerare che l'età media del pubblico oscilla tra i 18 ed i 30 anni. Questo significa che gli utenti utilizzano la piattaforma piuttosto tardi, concentrandosi soprattutto attorno alle 21.00, per cui conviene che lo teniate in considerazione al momento della pubblicazione.