Lars Kesseler >LAKE13<\nSchreiber, Dirk M.\nKoko Bi, Jems Robert\nBellenger, Marie Madeleine\nKanacher, Peggy M.\nOttkowski\t, Petra\nProf. Menges - SPELL\nMáro, Rafael Ramírez\nOomens, Wilhelm Josef\nKarl Theodor Heimbüchel\nPensioniert, aber weiterhin viel beschäftigt .\n2011 bis 2016 Kurse des Malers Robby Hoffmann in Malmedy (Belgien)\n2013 bis 2016 Ecole de Peinture Ancienne et Contemporaine Carole Brenu\n(Carole Brenu-Akademie für alte und zeitgenössische Malerei) in Visé ( Belgien).\n2017 Besuch Kunstakademie Verviers, (Belgien).Portrait und Aktmalerei in Tusche, Pastell und Gouache.\n2006 Ministeriums der Deutschsprachigen Gemeinschaft Belgiens in Eupen\n2008 Halle du Grétédar in Malmedy\n2012 Sitz der Regierung der Deutschsprachigen Gemeinschaft Belgiens\n2014 Kunst- und Kulturstätte "Weisses Pferdchen" in Monschau-Mützenich (Deutschland).\n2015 Teilnahme an der Wanderausstellung des EVBK in Prüm, Trier, Bourglinster (Luxemburg)\n2016 Teilnahme an der Ausstellung im Trifolion in Echternach (Luxemburg) (Portraits)\nVisé (Belgien) Chapelle des Sépulchrines.\nKunstgalerie in Born (Belgien)\n2017 7ième Salon International d"Art Contemporain in Esch-sur-Alzette, (Luxemburg)\nGalerie Art"Mony in Fexhe-Slins, Belgien,\nGalerie "Château d"Oupeye" in Oupeye, Belgien\nEVBK in Prüm.\nJahresausstellung im Schloss Zweibrüggen, Übach-Palenberg, Deutschland.\n"Halle du Grétédar" in Malmedy, Belgien.\n2018 Galerie Christie in Soiron, Belgien.\n"8ième Salon International d"Art Contemporain" in Esch-sur-Alzette(Luxemburg)\nGalerie "Sillon d"Art" in Maboge, Ardennen, Belgien.\nClaudine Mertens sagt von sich, der Mensch fasziniere sie; wer sich ihre Zeichnungen anschaut, versteht sofort, warum. Und wenn sie hinzufügt: Ich zeichne keine Figuren, sondern Seelen , liefert sie dem Betrachter einen Schlüssel ihren Schlüssel zur Interpretation ihrer Werke. Deshalb verwundert es einen auch nicht, zu erfahren, dass sie eine Schülerin von Robby Hoffmann war, der es als Maler schaffte, sogar monochrome Gemälde empfindsam zu machen.\nDie Portraits, die sie zeichnet man könnte auch sagen, dass sie sie malt - sind Gesichter, aber auch Körper. Vergeblich sucht man darin die formale Schönheit eines klassischen Portraits, das spontan Autorität oder Charme, Trübsal oder Freude ausstrahlt. Die Künstlerin bedient sich verschiedener Mittel, die einander ergänzen: Die Tusche wird zur Lavur, stößt auf Ölkreide; manchmal gesellt sich auch Gouache dazu, während die Holzkohle Volumen und Bewegung in die Akte bringt. Die Abstraktion entsteht aus der Mischtechnik.\nZentrales Element im Gesicht ist der Blick. Das Augenweiß sprüht aus der dunklen Augenbraue hervor. Die Augen, Spiegelbild der Seele, durchdringen dieses Dunkel, beleben ein behutsam angedeutetes Angesicht und werfen den Besucher auf sich selbst, auf seine eigenen Fragen zurück. Der ungreifbare Blick versinnbildlicht die Unsichtbarkeit von Gedanken, den Abstieg in das innerste Geheimnis des Menschen, das den Betrachter mustert, während er es zu erforschen versucht. Für ihre Portraits greift Claudine Mertens aktuelle Zeitzeugnisse auf oder lässt ihrer Phantasie freien Lauf: Ihre Bilder sind das Ergebnis einer inneren Betrachtung, die spontan hervorsprudelt, wenn sie gestärkt durch einen unsichtbaren, aber kreativen Lebenssaft gereift ist so wie sich eine Knospe im Frühling öffnet.\n1998-2000 Staatliche Fachschule für Blumenkunst Weihenstephan\n2004-2007 Lehrauftrag in Tokyo\n2013/15 Arbeitsaufenthalt in der Cité Internationale des Arts, Paris\nlebt und arbeitet in Neuss und Düsseldorf\nArbeiten im Privat-, Geschäfts-, öffentlichen und musealen Raum, In- und AuslandAuftragsarbeiten im In- und AuslandProjektarbeitenVortrag über NATUR UND KUNST . Objekt und Installation bis hin zu den eigenen ArbeitenAnkäufe: Land NRW, Außeninstallation im öffentlichen Raum: Park der Reha-Klinik Korschenbroich, Rauminstallationen bei Kunstsammlern: in Privat- und Geschäftsräumen .......\n2004 2008 "DIE GROSSE Kunstausstellung NRW Düsseldorf", Museum Kunstpalast\n2004 2013 Arbeitsplatz Kunst, Neuss\nseit 2006 Jahresausstellung, SITTart, Düsseldorf\n2008 KORRESPONDENZEN, Galerie Alte Lateinschule, Viersen\n2009 Galerie Splettstößer, Kaarst\n2009/10 BEGEGNUNG, Galerie Niepel bei Morawitz, Düsseldorf\nKunst in Neuss, Jahresausstellung im Kulturforum Alte Post, Städtische Galerie\n2010 Projektarbeit im Park der Rehaklinik, Korschenbroich\n2011 "DIE GROSSE Kunstausstellung NRW Düsseldorf", Museum Kunstpalast\nAnkauf der Arbeit durch das Land NRW\ncharactéristique, Werkstattgalerie, Mönchengladbach - Einzelausstellung\n2011/12 Kunst in Neuss, Jahresausstellung im Kulturforum Alte Post, Städtische Galerie\n2012 Kunst aus NRW . Ehemalige Reichsabtei Aachen-Kornelimünster\n"DIE GROSSE Kunstausstellung NRW Düsseldorf", Museum Kunstpalast\nGast bei den offenen Ateliertagen in Krefeld\nCASCADE/ZONE DANGEREUSE, Künstlerverein Malkasten, Vitrine und Rotunde\n2013 "DIE GROSSE Kunstausstellung NRW Düsseldorf", Museum Kunstpalast\n"wir wieder hier", BO-WKB 2013, Westdeutscher Künstlerbund, Bochum\n"so gesehen...", Versandhalle Grevenbroich\nArbeitsaufenthalt Cité des Internationale de Paris, mit Tag des offenen Ateliers\n2013 HEIMFLUG Rauminstallation, Galerie im Turm, Schwanenburg, Kleve\nim Zuges des INTERNATIONALEn KUNSTPROJEKTES NATURKUNDEN II\nLUFTGEISTER - Raumbild, NATURKUNDEN II, INTERNATIONALES KUNSTPROJEKT, ArToll Kunstlabor, Bedburg-Hau\n"hässlich", Vestischer Künstlerbund, Kutscherhaus Recklinghausen\nRauminstallation Wachsende Kultur\n2013/14 Kunst in Neuss, Jahresausstellung im Kulturforum Alte Post, Städtische Galerie\n2014 "DIE GROSSE Kunstausstellung NRW Düsseldorf", Museum Kunstpalast\n2014/15/18 Teilnahme an der intern. Kunstbörse huntenkunst, Ulft\n2015/17 Teilnahme an der intern. Kunstmesse ARTMUC, München\n2015 "...mit/ohne", Galerie#23, Velbert\nVortrag über NATUR UND KUNST . Objekt und Installation\n2015/16 Kunst in Neuss, Jahresausstellung im Kulturforum Alte Post, Städtische Galerie\n2016 Teilnahme 6ième Salon International d'Art Contemporain d'Esch-sur-Alzette, Luxemburg\nGalerie Stefan Bartsch, München - Einzelausstellung\n2017 AUFGEHOBEN, Galerie Splettstößer, Kaarst\nTeilnahme 7Ième Salon International d'Art Contemporain d'Esch-sur-Alzette, Luxemburg\nJahresausstellung des EVBK. Prüm\n"geistige, kulturelle ... Wurzeln, schwebend", Rauminstallation - Projekt "WELTLABOR", ein INTERNATIONALES KUNSTPROJEKT, ArToll Kunstlabor, Bedburg-Hau\n2017/18 Kunst in Neuss, 70. Jahresausstellung im Kulturforum Alte Post, Städtische Galerie\n2018 Teilnahme Das kleine Format, DIE GROSSE, Museum Kunstpalast\nTeilnahme 8ième Salon International d'Art Contemporain d'Esch-sur-Alzette, Luxemburg\nGruppenausstellung VERSION, TUFA, Trier\n"Das Große im Ganze"n, Galerie#23, Velbert\nProjektarbeit NATUR UND KUNST BEHAUSUNGEN mit der Karl-Kister-Realschule und dem Theater mini-art, ArToll, Kunstlabor in Bedburg-Hau\n"einfach so", Galerie#23, Velbert\n2019 MATERIALinFORM, Niederrheinischer Kunstverein im Städtischen Museum Wesel\nSILBER, ArToll Kunstlabor, Sommerlabor, Bedburg-Hau\n2019/20 Kunst in Neuss, 72. Jahresausstellung im Kulturforum Alte Post, Städtische Galerie\nDie Natur mit ihren Eigenschaften ist immer wieder beispielhaftes Vorbild für die Menschheit und die Entwicklung. Immer wieder begebe ich mich in einen Prozess des sich Einlassens auf die Natur, - in Respekt und Achtung vor der Natur um zu erkennen und zu sehen, um mit ihr zu arbeiten und um sie in einen neuen Kontext zu stellen.\nEine Bühne für die neue Sicht eine andere Sicht meine Sicht\nDas Sichtbar machen von Charaktereigenschaften zeigt sich durch das Herausstellen, meist durch ein Beschränken auf das Eine, das in dem Augenblick wesentliche Merkmal für die Aussage des Neuen des Kunstwerkes. Gesteigert wird der Gesamtausdruck des Werkes durch eine eigens dafür gewählte Technik, die die Idee unterstützt. Diese kann in der Neutralität liegen oder im Verdeutlichen. Beispiel wäre hier bei den Objekten der Beton, als neutraler funktionaler Träger für die Anordnung der Elemente. Plexiglas in seiner Transparenz, um das Natürliche im Gegensatz des Künstlichen zu verdeutlichen oder um es differenzierter und distanzierter wirken zu lassen. Unter einer Plexiglashaube wird das Werk zur wahren Kostbarkeit.\nNicht für jedes Werk wäre diese Präsentation treffend, denn Lebendigkeit braucht auch Freiheit. Bei Rauminstallationen beispielsweise schweben Pflanzenteile an nichtwahrnehmbaren Nylonfäden durch den Raum. Die Wahrnehmung, das Erleben widerfährt dem Betrachter durch ein Durchschreiten der Arbeit, also Teil des Gesamten zu werden oder erschließt sich meditativ nur durch die Betrachtung eines Raumbildes. Der Raum als solches ist immer Teil der Arbeit.\nDas Spannungsverhältnis im System von Ordnung und Chaos, von Rhythmus und dessen Auflösung, von Gleichklang und/oder Gegensatz, von Bewegung und Statik, von Leichtigkeit und Schwere es lässt die Natur neu erleben individuell.\nDiplom Designer Lars Kesseler alias: >LAKE13<\ngeboren im Schwarzwald-Deutschland, in Belgien aufgewachsen und lebt\njetzt in den Niederlanden.\nBereits 1988 beginnt der Künstler Lars Kesseler alias LAKE13 mit dem Sprühen und gehört\nsomit zu den Pionieren der lokalen Aachener Graffiti Szene. Graffiti und der öffentliche Raum\nist dabei ein zentrales Thema bei seinen großformatigen Kunstwerken und Wandgestaltungen.\n1996 Abschluss zum Gestaltungs-Technischen Assistenten und 2001 Abschluss als\nDiplom Designer an der FH Design in Aachen.\nSeit 2002 tätig als freiberuflicher Künstler und Designer. Der Künstler mischt dabei in seine\ngroßformatigen Wandgestaltungen Figürliche und grafische Elemente und hat dabei seinen\neigenen Stil entwickelt, welcher mittlerweile unverkennbar das Stadtbild von Aachen prägt.\nBei einer Anzahl von internationalen Ausstellungen (u.a. 2013 in der Broadway Gallery, New York USA)\npräsentierte er seine Arbeiten und Kunstwerke dem Publikum und Besuchern auf Leinwänden.\nSeit 2004 leitet er zudem Graffiti Workshops in Jugenzentren, Volkshochschulen, Museen und\nöffentlichen Einrichtungen. In mehreren großformatigen Projekten hat er in den vergangenen\nJahren Sprayern und Jugendlichen legale Malflächen geboten und organisiert.\nSeit 2009 ist er zudem tätig als freiberufliche Lehrkraft für den Bereich Kunst an verschiedenen\nSchulen im Kreis Aachen und Baesweiler.\nArtikel über den Künstler Lake13 in der freien Enzyklopädie "Wikipedia", welcher das Leben und\nWerken des Künstlers beschreibt.\nLink zur Wikipedia Seite: http://de.wikipedia.org/wiki/Lake13\nAtelier und Postansschrift:\nAtelier LAKE- Lars Kesseler\nBlücherplatz 15-27, 52068 Aachen, Deutschland\nTelefon: 0170 6456189 - E-Mail: lake-art@gmx.de\nwww.vandalismdoesntexist.com und www.graffiti-aachen.com\nRainer Bauers jüngere Umsetzungen von Stein- oder Schieferwänden rühren von einem stärkeren materiellen Umgang mit Ölfarbe, einer Hinwendung zur Durchdringung von Strukturen und einer Konzentration auf Farbmodulationen über flächige Dekompositionen - wie schon in den 80gern bei seinen Reifenspurenbildern. Jüngst sind Pflanzendarstellungen entstanden, aus dem Wunsch heraus, die Farbpalette zu erweitern und auch die Gestik einer Malspur figurativ zu thematisieren. Doch sind es nach wie vor innere Bilder und Übertragungen oder Äquivalente von und zu Seherfahrungen über längere Zeiträume. Dem Künstler geht es nicht um eine topografische Deckung mit der Realität, sondern um seine gedankliche innere Landschaft über den Weg der Abstraktion.\nGeboren 1959 in Übach-Palenberg\nSeit 1982 künstlerisches Gestalten von Objekten aus Keramik und Metall.\nDem Künstlerpool des Landesprogramms NRW Schule und Kunst angehörend.\nKinder- und Jugendarbeit im Rahmen der Kunsterziehung.\nArbeitsschwerpunkte liegen sowohl in facettenreicher natur- und umweltbezogener Ausrichtung\nals auch in der Darstellung der Weiblichkeit.\nRegelmäßige Ausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen.\nin Korjakowka / Kasachstan geboren\nAusbildung als Formgestalter Stadt Pawlodar / Kasachstan\nStudium der Malerei bei Prof. Kenbaew (Alma-Ata)\nStudium der Bildhauerei bei Prof. Mergenow (Alma-Ata)\nStudium an der Kunst- und Theaterhochschule (Alma-Ata)\nAbschluss, Diplom-Designer, Kunstmaler\nlebt und arbeitet in Eschweiler\nAls Maler fühlt sich Alexander Göttmann keiner bestimmten Schule zugehörig und keiner Kunstrichtung besonders verbunden. Vielmehr versucht er ureigene, neue Wege zu gehen. Dies zeigt sich besonders in seinen jüngeren Arbeiten, wobei er für die Gestaltung seiner Bildmotive eine Melange aus Ölfarben und Sand verwendet.\nVielfach gewirkt sind menschliche, aber auch häufig Vogelfiguren in mythologischem Bezug, die wesentlichen Linien in Gold ausgeführt, um hiermit körpersprachliche Symbolik zu betonen. Aber auch mystische Landschaften sind bevorzugte Sujets.\nDiese Seinselemente dienen vor allem als Möglichkeit, eine "innere Welt" menschlicher Stimmungen und Beziehungen auszudrücken. Die symbolhafte Darstellungsweise belässt dem Betrachter einen eigenen Interpretationsspielraum.\nAuszeichnungen und Ausstellungen im In- und Ausland\n1949 in St. Vith geboren\nStudium an der Hogere Zeevaartschool in Antwerpen\n1966-1978 Offizier der Handelsmarine\nSeit 1980 Lehrer in Malmedy\nAusstellungen seit 1980 in Belgien, den Niederlanden, Deutschland und Luxemburg\n1993 erhielt er den Kaiser Lotharpreis, Prüm\nEin Besuch 1958 in der Internationalen Ausstellung in Brüssel im Pavillon der Marine weckt in ihm die Leidenschaft für das Meer. Er zeichnet und malt schon in seiner Jugendzeit, schreibt sich aber in keiner Akademie ein. Er entscheidet sich für technische Studien und die höhere Seefahrtschule in Antwerpen. 1966 beginnt er eine Karriere als Schiffsingenieur. Er bereist die Weltmeere. Die langen Aufenthalte in den Häfen der Welt lassen ihm viel Zeit zum Zeichnen was er sieht: Schiffe, Häfen, Kräne .Nach seiner Heirat kehrt er aufs Festland zurück und unterrichtet in seiner Heimat an der technischen Schule in Malmedy. Seine Leidenschaft für Zeichnen und Malen entwickelt er weiter.\nAnfangs war seine Malerei nur figurativ, mit der Zeit erwirbt sein Stil mehr Flexibilität und Sicherheit. Er fängt an, seine Motive geometrisch zu malen. Allmählich gelingt es ihm, sich von den rein technischen Problemen frei zu machen und seiner Inspiration freien Lauf zu lassen.\nTätigkeit als ausgebildete Goldschmiedin in verschiedenen Werkstätten\nStudium an der Fachhochschule Düsseldorf, Fachbereich Produktdesign\nTätigkeit im eigenen Atelier\n2001 Staatspreis für das Kunsthandwerk des Landes NRW\nAus Metall fertigt Anke Wolf filigrane Objekte und Bilder, die wie Zeichnungen im Raum wirken. Hierfür formt sie die Metalllinien in ihrer Individualität eigenhändig selber. Edelstahl und Eisen sind ihre meist verwendeten Materialien\nDurch die Spiegelung ihrer Oberflächen werden die Bewegungen und Schwingungen aus dem Umfeld wiedergegeben. Es entsteht eine Ahnung des eigenen Lebenszustandes und Lebensflusses. Die Beweglichkeit, der Prozess der Veränderung und der Übergang in neue Formen werden in diesen Materialoberflächen spürbar.\nDie Linien der Bilder, z.B. mit dem Titel "Wasserspiegel", sind sichtbar oder verschwinden, sind dunkel oder spiegelnd hell, nehmen die Farben der Umgebung auf oder wirken farblos, sind Übergänge von einem zum anderen Zustand, je nachdem wo und wie man steht oder sich bewegt.\nDurch das Durchdringen der Linien ineinander entsteht eine Dichte des Materials und eine Transparenz durch die Zwischenräume. So bleibt dem Betrachter die Freiheit zum Verweilen im Davor, oder die Freiheit zum Durchgehen in das Dahinter.\nGeboren in Catacaos/Peru 1928\nEr malt bereits seit seiner Kindheit.\nSein erster Lehrer war Ricardo Grau / Direktor der Kunstakademie Lima.\nVon 1950 an lebt Máro in Europa, wo er bei Willi Baumeister in Stuttgart seine Studien vervollständigt.\nAntonio Máro ist in nahezu allen künstlerischen Techniken ein Meister. Neben der Malerei beschäftigt er sich auch mit der Bildhauerei und arbeitet mit verschiedenen Materialien wie Holz, Metall, Glas und Keramik.\nZuletzt Ausstellungen im Intern. Kunstzentrum Ost-Belgien (IKOB), Eupen, Mittelrhein-Museum Koblenz, Schloss Burgau/Düren, Privat-Galerien in Miami, Orlando und Fort Lauderdale, Den Haag, Kloster Rolduc, Kerkrade etc.\n1964 in Mayen geboren Studium " Lehramt an Grund- und Hauptschulen", Schwerpunkt Bildende Kunst, Universität Koblenz- Landau\nseit 2000 regelmäßige Teilnahme an internationalen Workshops "Textiles Gestalten"\nseit 2002 Fortbildung "Textiles Gestalten/ Patchwork" beim hvv- Hessen,\nAbschluss, 27.11.2005, mit der Zertifizierung zur Kursleiterin\n2005 Ausstellung in der Familienbildungsstätte Andernach\nseit 2005 Kursangebote bei der Volkshochschule Mayen\nKursangebote bei der Familienbildungsstätte Andernach\n2005 Ausstellung in Bad Nauheim, Taunus\n2006 Kursleiterin im Europäischen Bildungszentrum Villa Palagione, Toskana,\nzum Thema "Die Langobarden"\n2006 Kurs für Kursleiterin/-innen im Bereich Textiles Gestalten für Hessischen Hochschulverband in Kassel zum Thema "book of kelles, Ornament in Stoff"\n2007 erfolgreiche Teilnahme an einer jurierten Ausstellung zum Thema "Traumhaus", Patchworkgilde Deutschland, Berlin\n2009 Ausstellung:"Über Stoff und Stein", Altes Arresthaus, Mayen\n2010 erfolgreiche Teilnahme an der jurierten Ausstellung der "Europäischen Vereinigung Bildender Künstler", Prüm\nLeitung eines Workshops anlässlich des internationalen Symposiums\n"Licence to Quilt", 27.- 28.11.2010, Bad Nauheim, zum Thema:\nThe book of kells - Nähen auf den Spuren der Geschichte\n2010 2011 Ausstellung im Seehotel Maria Laach, Abtei Maria Laach\nMitglied "Kunstakademie Rheinland- Pfalz e.V."\nIn Leczna/Polen geboren Hochschulische Laufbahn:\n1990 - 1995 Studium der Kunsterziehung an der Marie-Curie-Sklodowska Universität, Lublin\nAbschluss: Magister der Kunsterziehung\n1996 - 2001 Studium der Bildhauerei an der Akademie der Schönen Künste, Krakau Abschluss: Magister der Künste\nHochschulaufenthalte außerhalb Polens:\n2000 SOKRATES / ERASMUS Stipendium, Akademie der Bildenden Künste Nürnberg / Bronzeguss\n2001 Aufenthaltsstipendium, Akademie der Bildenden Künste Nürnberg / Anfertigung der Abschlussarbeit\n2008 Euregionale , KunstFELDER im Indeland\n2009 Bloom in the Park, Dublin/Irland\n2009 Solistice, Sligo/Italien\n2010 Künstler helfen Kindern, Aachen\n2010 53. Jahresausstellung und Förderpreis der Europäischen Vereinigung Bildender Künstler aus Eifel und Ardennen, Prüm\n2010 Art for Roman, BBK Aachen\n2011 54. Jahresausstellung der Europäischen Vereinigung Bildender Künstler aus Eifel und Ardennen, Prüm\n1978-1983 Studium Kunst und Englisch, RWTH Aachen, Abschluss Staatsexamen\n1986-1994 Studien Malerei und Keramik, Akademie"Italart", Castiglion Fiorentino/Arezzo, Italien, bei Prof. Paolo Baruchieri\n1992- heute Meisterkurse Maltechnik, Bundesakademie für kulturelle Bildung, bei W.Losacker, Berlin, Prof.U.Teske, Hildesheim, Prof.R.Thiele,Bremen, Silke Leverkuehne, Düsseldorf\nIn ihrer Malerei ist für Bettina Groos besonders die Ausdruckskraft der Farbe wichtig. Auf abstrakten farbigen Untergründen in verschiedenen Schichten von Tempera- und Acrylfarbe gestaltet die Malerin die Motive mit sparsamen Mitteln teils werden sie in den Untergrund gekratzt und erscheinen als filigrane weiße Linien, teils werden sie durch farbige Übermalungen und Harzöllasuren verstärkt. Farbe und Linie, Material und Struktur sind die wichtigsten Elemente bei ihrer Beschäftigung mit Leinwänden.\nAus ihren Verknüpfungen entstehen Spannungsfelder von Fläche - Linie, Hell - Dunkel, Nähe - Ferne. Der Bogen der Arbeiten reicht von abstrakten Kompositionen in kräftigen, schweren Farben mit gespachtelten strukturierten Flächen bis zu leichten, zartfarbigen Bildern, deren eingekratzte "Linienwesen" dem Betrachter Geschichten erzählen aus fantastischen "Linienwelten".\nBrigitta Zeumer, geb. 1939 in Rendsburg; Schülerin v. Karl Anton Räderscheidt\n1969-71. Nach Jahren der Ölmalerei ab 1975 Aquarelle.\n1988: 1. Preis "Aquarelle" in Toronto. 1991 Ausstellungen in Peking, Nanking, Schanghai.\n1996 schenkt Bundespräsident Roman Herzog ein Bild von ihr an Präsident Jiang Zemin, V.R. China,\n1999 Bundeskanzler Gerhard Schröder an Min.Präs. Lionel Jospin, Frankreich;\n1999 Bundespräsident Johannes Rau an Beatrix, Königin der Niederlande.\n2001 Stipendium Haus Rissen Hamburg. Zahlreiche Arbeiten in privaten u. öffentlichen Sammlungen.\nDie Künstlerin hat in den letzten Jahrzehnten ihre künstlerische Handschrift kontinuierlich und überzeugend weiter entwickelt. Ursprünglich war ihr Mal- und Zeichenstil von realistischen Zügen gekennzeichnet, die in Verbindung mit einer romantischen Sichtweise stille Meditationsbilder von großer Tiefe und lyrischer Grundstimmung entstehen ließen. Eine immer stärker werdende abstrahierende Tendenz, die Reduktion der landschaftlichen Erinnerungen und ein befreites Spiel der Hand auf dem Malgrund haben sie unaufhaltsam zu den gegenwärtigen informellen Bildern geführt. Ihre Vorliebe für Bildpoesie, ihr Hang zu emotional bestimmten malerischen Äußerungen und eine Art Seelenverwandtschaft zu ostasiatischer Mentalität und Spiritualität haben sie in engen Kontakt mit chinesischer Kunst gebracht. Kräftige Pinselschwünge, ein bei aller formalen Bewegtheit stiller Grundton ihrer Arbeiten und eine sehr eigenwillige Palette verweisen auf Parallelen. Die traditionelle chinesische Tuschemalerei und die ihr innewohnende Aufforderung zur Versenkung sind keineswegs nur adaptiert worden, sondern finden sich in einer autonomen westlichen und zeitgenössischen Kunstsprache wieder. Brigitta Zeumer wurde 1991 als erste deutsche lebende Künstlerin vom chinesischen Kulturminister zu ihrer viel beachteten Ausstellung in den Kaiserpalast nach Peking eingeladen. Bis 1998 folgten weitere Ausstellungen in China. Die Künstlerin strahlt mit ihren weltweit präsentierten Werken Optimismus und Nachdenklichkeit, Vehemenz\nund Ruhe, Üppigkeit und Konzentration aus.\n1953 in Schönecken geboren, im Ruhrgebiet aufgewachsen\n1972-1977 Studium der Bildhauerei an der FH Dortmund, Abschluss mit Diplom\nSeit 1976 zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in Europa, Asien, Kanada\nArbeiten im öffentlichen Raum im In- und Ausland\n1993-2002 Lehrtätigkeit an der Europ. Akademie für Bildende Künste, Trier\nPreise und Auszeichnungen bestätigen sein künstlerisches Schaffen z.B.\n2006 Kaiser-Lotharpreis, Prüm\nDas reduzierte Vokabular mit unbegrenzten Möglichkeiten zeichnet den Bildhauer Christoph Mancke aus. Seine zahlreichen Skulpturen im öffentlichen Raum zeigen die Fähigkeit des Künstlers sich auf die jeweiligen Gegebenheiten des Ortes einzulassen, beweisen seine Sensibilität und seine Kreativität.\nEr verwendet verschiedenartigste Materialien, vor allem jedoch Cortenstahl und Stein bzw. eine Kombination aus beidem. Für kleinere Arbeiten favorisiert er Eisenguss. Dabei liebt er die rötliche Patina, die weich wie eine samtige Haut die Form überzieht, deren mögliche geometrische, architektonische Strenge mildert, Anorganisches mir Organischem verbindet.\nStudium an der Académie des Beaux-Arts Paris\nDas Werk von Conrad Sevens wird vom Thema der Landschaft bestimmt. In dieser klassischen Gattung der Malerei hat er, über 40 Jahr hinweg, bis heute sein bevorzugtes Ausdrucksmedium gefunden. Seine Landschaften sind menschenleer und ohne erkennbare Spuren der modernen Zivilisation. Sie sind fast immer in ein diffuses Licht getaucht, scheinen im Morgennebel, dem flirrenden Licht des Mittags oder der Abenddämmerung zu liegen. Es dominieren zarte, pastellartige Blau-, Grau-, Gelb- und Grüntöne, die das Licht zu einem symphonischen Farbklang stimmen. Über den Landschaften scheint ein Schleier zu liegen, der verhüllt und enthüllt zugleich. Die Einzelheiten verschwimmen um den Blick des Betrachters auf das Wesentliche, den der Landschaft innewohnenden Stimmungsgehalt zu konzentrieren.\nSevens interpretiert die Natur als Spiegel der Seele und stellt sich dabei, in seiner altmeisterlichen Technik wie in der Auswahl der Motive, ganz bewusst in die große Tradition des 19. JHs., der Romatiker Caspar David Friederich und William Turner, der Impressionisten Claude Monet und Paul Signac oder der Symbolisten Puvis de Chavannes und Ferdinand Khnopff.\nDr. Petra Lamers-Schütze\n1946 geboren in Bardenberg\nAusbildung SIS für Bauwesen, Aachen Architekt\nBilhauer-Studium, Prof. H. Toballa, Aachen\nKeramikseminar, Doris Hueller, Fürstenfeldbruck\nFinishing, Prof. Yargo de Licca, Altenrhein SG, Schweiz\nAusstellungen seit 1976:\nAtelier Kunst und Bühne, Eupen/B\nSalon d Automne, Paris/F\nGoethe-Institut Brüssel, Namur/B\nKulturzentrum d r BikkeOave, Brunssum/NL\nGalerie ADLER, Rorbas/CH\nManesse Galerie, Zürich/CH\n2003 Kunstroute Aachen, GALERIE am Dom\nGalerie MAISON BLANCHE, Lontzen/B\n2004 Städt. Galerie Au-Kloster, Monschau\n2005 Bodenseegalerie, Altenrhein SG/CH\n2006 ehem. Kirche Zisterzienserinnenkloster St. Jöris, Eschweiler\nStädt. Galerie, Kerkrade/NL\n2007 Haus Greiffenhorst, Krefeld-Linn\nKasteeel Bloemendahl, Vaals/NL\n2008 Europäische Vereinigung Bildender Künstler aus Eifel und Ardennen, Prüm\nIPOMAL Galerie, Landgraf/NL\n2009 Galerie AZUR, Spa/B\n2010 4VITRINEN, Aachen\nTag des Denkmals "Jenneshof", Würselen\nKünstler helfen Kindern 100 Künstler 100 Kacheln\nKunstroute Aachen, Couven Museum\nBienale internationale du design de Liège, Belgien\nLineart International art fair, Gent/B\nTel.:0173 / 512 68 71\n1972: geboren in Aachen\n1991 92: FOS für Gestaltung, Aachen\n1994 97: Ausbildung zum Steinbildhauer\n2000 04: Objektdesignstudium, FH Aachen\n2003: Förderpreisträger des EVBK\nSeit 2001: Mitglied im BBK Düsseldorf\nSeit 2005: Vorstandsmitglied BBK Düsseldorf\nSeit 2006: Landesdeligierter des BBK - Düsseldorf\nDas alltägliche Leben mit all seinen Facetten, liefert Dirk M. Schreiber die Themen seiner Arbeit.\nInsbesondere interessiert ihn der Mensch mit seinen zwischenmenschlichen Beziehungen, Konfliktsituationen und Gefühlszuständen.\nDiese Gefühlswelten, seien es persönliche oder gesellschaftliche, setzt der Künstler mittels Stein und Farbe um.\nStein, eines der ursprünglichsten Materialien, bietet dem Künstler Dirk M. Schreiber einen unerschöpflichen Fundus an Ausdrucksmöglichkeiten.\nDiesen, bis an die Grenzen des Materials zu formen und mit anderen Materialien wie Holz und Metall zu kombinieren, macht für ihn die Faszination der Bildhauerei aus.\nSteinstraßer Allee 42\nin Dingelstätt/Thüringen geboren\nAufnahme des Studiums an der Kunstakademie, Hochschule für Bildende Künste in Münster\nStudium der Malerei bei Prof. H.-J. Kuhna und Prof. J. Zellmann\nMeisterschülerin bei Prof. J. Zellmann\nStipendium Künstlerhaus E. Munch, Oslo/Norwegen\nZulassung zum Aufbaustudium "Kunst und Therapie" bei Frau Prof. Dr. Gertrud Schottenloher, Kunstakademie München\nAldegrevergesellschaft und des Landesmuseum Münster für Kunst und Kulturgeschichte\nImmer wieder stellt sich eine tiefe Faszination der Naturbetrachtung bei mir ein, die nach einer malerischen Umsetzung verlangte und eine kontinuierliche Auseinandersetzung von Duktus, Rhythmus und Komposition forderte.\nDie Landschaft als Thema bildnerischer Darstellung ist zwar seit der Antike bekannt, doch entwickelte sich erst relativ spät zu einer selbstständigen Gattung, deren Wert immer geringer war als Darstellungen von Menschen.\nMeine Bilder sind nicht reale Landschaften, sondern illusionäre, in der unsere Anwesenheit von begrenzter Zeit ist, konfrontiert mit den Problemen des Klimawandels.\nIn Mitten der idealisierten, surrealen und romantisch anmutenden Landschaften ist alles klar und einfach, aber nichts ist so wie es scheint. Es gibt doch eine Erinnerung daran, wie gefährdet alles ist, was noch in aller Pracht steht.\nDer Betrachter kann von meinen Bildern irritiert sein. Er kann Klischees entdecken und auf diese Weise etwas über sich erfahren. Durch die erzählerische Komponente hat der Betrachter die Möglichkeit, über seine Interpretation der Geschichte selbst zu entscheiden. Der größte Teil der Bilder ist menschenleer. Doch durch Ornamente und Verzierungen wird er mental anwesend.\n1951 Geboren in Eschweiler\n1974 Abschluss: Diplom-Designerin\nDisponentin im Textilbereich, Hamburg\n1984 Kunst - Pädagogik Studium an der Universität Münster\n1986 Graphische Gestaltungskurse mit Kindern, Katholische Bildungsstätte Dorsten\n1994 Mitglied des Wirtschaftsverbandes Bildender Künstler Nordrhein-Westfalen, Bezirksverband Essen Betrieb eines Kunst- und Kulturcafés mit Mal- und Gestaltungskursen / Dorsten\n1995 Dozentin an der Städtischen Musik- und Kunstschule / Dorsten\n2000 Dozentin im Kulturhaus Barockfabrik / Aachen, Künstlerische Lehrtätigkeit in dem multikulturellen Schulprojekt der Yehudi-Menuhin-Stiftung / Deutschland\nTeilnahme an dem von Nordrhein-Westfalen geförderten Landesprogramm "Kultur und Schule"\nSeit 2007 Mitglied im BBK Forum Düsseldorf\nSeit 1989 Einzel- und Gruppenausstellungen in In- und Ausland\nDas Sehen als sinnliche Erfahrung wird von Gerda Zuleger durch Farbklänge, durch Collagentechniken mit verschiedenen Materialien\nund durch pastose Oberflächen erweitert. Nicht nur die Augen sind gefordert, alle Sinne sind zum Dialog eingeladen und sollen ihren gewohnten Rahmen verlassen.\ngeb. 12.4.1939 in Düren\nAusbildung in Architektur\nDiplomabschluss 1967 an der TH Aachen\nseit 1967 freier Architekt und Bildhauer\nBKK Berufsverband Aachen-Euregio\nStahl ist das Material von Heinz Bergrath.\nDie Stahlskulpturen von Heinz Bergrath entwickeln sich aus der Fläche durch Einschnitte und Verkantung innerhalb einer geometrischen Grundform. Entsprechend seiner Herkunft aus der Architektur definieren seine Arbeiten aus abgewinkelten Teilflächen und deren Bezug zueinander Innenräume und Figuren als gekantete Strukturen und Außenräume durch aufbrechende und raumgreifende Gestik der aufgegliederten Flächen. Alle Arbeiten gehen von der Grundform Quadrat oder dessen Vervielfachung aus. Die sparsamen Einschnitte in die Stahlplatten erfolgen nur in dem Maße wie sie zur Verformung aus dem zweidimensionalen Zustand der liegenden instabilen Platte in eine dreidimensionale standfähige Raumstruktur erforderlich sind. Diese minimalistische Bearbeitung bewirkt eine komprimierte Geschlossenheit der angestrebten Form.\nSpätere Arbeiten vervielfachen das Quadrat als Reihung und zeigen Architekturfragmente und verschachtelte Raumstrukturen durch Zerlegen und Aufbrechen der Grundform in Teilquadrate (Skyline Trilogien). Neuere Arbeiten entwickeln sich immer noch aus der quadratischen Grundform durch Steigerung der Dimensionen und wirken wie erstarrte Momentaufnahmen einer Bewegung oder Geste im Raum (Liegende Figuren und Flügelpaar). Bei allen Arbeiten bleibt das Quadrat als Ordnungsprinzip erhalten, aus dem alle Inhalte und Formen der Skulpturen durch Ausweitung und Verformung der Teilflächen entwickelt werden.\n1966 geboren in Aachen\n1998 1999 Atelier Winkelsmühle, Neandertal bei Doris Tsangaris\n2000 2003 Atelier MOF, Düsseldorf bei Dr. M. O. Flüss\n2004 2005 Ausbildung bei Kai Hackemann, Meisterschüler Prof. Crummenauer, Düsseldorf\nSeit 2005 Mitglied im Bundesverband Bildender Künstler (BBK)\nSeit 2006 Dozentin an der Akademie für Bildende Kunst in NRW\nSeit 2007 Vorstandsmitglied im BBK Aachen/Euregio\nStudienreisen nach Italien, Tunesien und Zimbabwe.\nSchaffung der neuen Kunstrichtung "Nephelismus"\nFreischaffende Künstlerin in Aachen\nHelga Palmisano Zum "Wie":\nMeine Malerei ist vorwiegend figurativ, realistisch bis fotorealistisch. Meine Bilder entstehen in altmeisterlicher Maltechnik, heben sich jedoch durch eine zeitgemäße, eigene Bildsprache und Handschrift von historischen Vorbildern ab. Ich male ausschließlich mit Ölfarben, dennoch ist meine Malerei auf dem ersten Blick nicht als Öl zu erkennen. Die Bildsprache ist auf das wesentliche reduziert. Sie ist lebhaft, farbig und wirkt stets leicht unscharf. Vordergrund und Hintergrund heben sich auf, Grenzen verschwimmen, Farben gehen ineinander über durch den Verzicht auf scharfe Ecken und Kanten und fehlenden Pinselduktus. Ich nenne dies Nephelismus (von griech. Nephele = der Nebel).\nAlle Dinge sind abstrakt, ihre Erscheinungen sind dem Auge Licht und Schatten, ihr Wesen ist nicht erfahrbar und letztlich ohne Belang. Ich stelle nichts weiter dar als meine Sicht auf die Welt. Ich zelebriere die Flüchtigkeit des Augenblicks oder die Einzigartigkeit des Profanen durch seine Inszenierung. Auf die Ebene von Räumlichkeit, Farbe und formgebende Details reduziert, ist es oft die Alltäglichkeit der Motive, die die Projektionsfläche für im eigentlichen Sinne abstrakte Inhalte liefert.\n1924 in Eschweiler geboren, entdeckte ihre Begabung für das Malen und Zeichnen schon als Schülerin der Liebfrauenschule, wo sie im Rahmen des Kunstunterrichtes einfühlsam gefördert wurde. Nach Arbeits- und Kriegshilfsdienst nahm sie 1943 ein Studium der Kunstgeschichte und Archäologie in Bonn auf, das sie kriegsbedingt bald wieder abbrechen musste. Nach der Rückkehr aus der Evakuierung trug sie, noch ohne professionelle Ausbildung, zum Unterhalt der Familie bei, indem sie Eschweiler Mitbürger/innen, vor allem Kinder, portraitierte. Nach einer Ausbildung an der Pädagogischen Hochschule trat sie in Düsseldorf eine Stelle als Volksschullehrerin an, die sie jedoch bald wieder aufgab, um sich ganz der Malerei zu widmen.\nSie besuchte zunächst die Werkkunstschule Hannover und setzte 1956 ihr Studium an der renommierten Düsseldorfer Kunstakademie fort, wo sie 1960 das Staatsexamen ablegte. Es folgten 24 Jahre als Kunsterzieherin im Höheren Schuldienst, u.a. an der Liebfrauenschule Eschweiler, in denen die Malerei trotz beruflicher Belastung stets einen wichtigen Platz in ihrem Leben behauptete. Erst nach dem Ausscheiden aus dem Schuldienst konnte sie sich ihren künstlerischen Vorhaben wieder mit ganzer Kraft widmen. Bei längeren Aufenthalten im Inland (Worpswede, Norderney, Willingshausen/Hessen) und im Ausland (Schweiz, Italien, Frankreich, Dänemark) fand sie immer wieder neue Anregungen für ihre Malerei, die sie bis kurz vor ihrem Tod im Januar 2011 ausübte.\nDas Gesamtwerk Irmgard Viehövers ist vielgestaltig und lässt sich kaum auf einen Begriff bringen. Nachdem sie in den vierziger Jahren mit realistischen Portraitzeichnungen, Blumen- und Naturstudien begonnen hatte, fand sie Mitte der fünfziger Jahre in Düsseldorf Anschluss an die damals aktuellen Strömungen. An die Stelle der realistischen Malweise tritt schon in der Zeit in Hannover die Suche nach größtmöglicher Expressivität in Farbe und Form, was sich etwa anhand des "Selbstportraits" in Blau- und Rottönen aus dem Jahr 1956 sowie an dem Tempera-Gemälde "Straßenecke in Hannover" nachvollziehen lässt. Der Wille, die Wahrnehmung der Realität in eine eigene Sprache zu übersetzen, lässt sich auch den Arbeiten aus der Düsseldorfer Zeit ablesen. Um 1960 arbeitet Irmgard Viehöver verstärkt im Genre Stillleben, wo sie nach Auflösung der Formen strebt, ohne jedoch den Rahmen des Gegenständlichen verlassen zu wollen.\nAuch in der Aquarellmalerei, für die sie zeit ihres Lebens eine besondere Vorliebe besaß, setzte sich Irmgard Viehöver die Aufgabe, Formen immer weiter aufzulösen, dabei aber die Grenze zur Abstraktion niemals ganz zu überschreiten, wie etwa das Aquarell "Schloss Benrath" aus dem Jahr 1958 zeigt.\nNach einer weniger produktiven Phase in den späten sechziger und siebziger Jahren begann für Irmgard mit dem Ausscheiden aus dem Schuldienst Mitte der achtziger Jahre eine äußerst arbeitsintensive Zeit, in der sie sich vornehmlich der Portrait- und Landschaftsmalerei widmete, ohne jedoch das Stillleben ganz zu vernachlässigen. In dieser Zeit entstanden einerseits realistische Portraits in Öl oder Tempera andererseits zahlreiche Aquarelle, häufig mit Gebirgs-, Meeres- oder Wolkenmotiven, in denen sie Licht und Rhythmus der jeweiligen Landschaft zu erfassen versucht. Anhand einiger Portraits in Aquarell, so etwa dem "Portrait Vera V." aus dem Jahr 1995, lässt sich besonders gut nachvollziehen, dass sie dem wesenstypischen Ausdruck Vorrang vor der abbildlichen Ähnlichkeit einzuräumen suchte.\nGeboren 20.6. 1966 in Sinfra, Elfenbeinküste (Côte d Ivoire)\n1988-1995 Institut National Supérieur des Arts et de l Action Culturelle (INSAAC),\nKunstakademie Abidjan, (C.I.)\n1992 Diplôme National des Beaux- Arts, Kunstakademie Abidjan.\n1994 Diplôme Supérieur des Beaux- Arts, Kunstakademie Abidjan.\n1992-1995 Werkstatt Klaus Simon, Abidjan.\n1994-1996 Befähigungsnachweis für das höhere Lehramt, (CAPEAS), Abidjan.\n1997 DAAD Stipendium. Studium an der Kunstakademie Düsseldorf bei.\nProf. Klaus Rinke\n2000 Meisterschüler von Prof. Klaus Rinke\n2000 Preis des Kunstvereins Düsseldorf\nPreis der Dakar Biennale\n2001 Stiftung Kunst und Kultur des Landes NRW Projektsstipendium.\n2002 Eingeschrieben in der Anthologie der afrikanischen Kunst des 20 Jahrhunderts.\n2006 Preis der Evangelischen Kirche Essen.\n2008 Preis der Frankophonie Dakar Biennale\n1995 Werkstatt Klaus Simon, Abidjan.\nKünstler gegen AIDS, Centre Culturel Français, Abidjan.\nMusée d Art Contemporain Cocody, Abidjan. (Katalog)\nWilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg, (Deutschland). (Katalog)\nStädtische Museen, Heilbronn, (D.) (Katalog)\nHaus der Kulturen der Welt, Berlin, (D.) (Katalog)\nSchlossmuseum, Gotha, (D)\n1996 Goethe Institut, Abidjan, (C.I.)\nEWOLE 96, Centre Culturel Français, Lomé, Togo.\nARTEFACT 96, Abidjan, (C.I.)\n1997 ARTEFACT 97, Abidjan, (C.I.)\n1998 Städtische Museen, Heilbronn, (D.) (Katalog)\nIwalawa-Haus, Universität Bayreuth, (D.)\n1999 Traumfabrik, Galerie Sparkasse, Mülheim an der Ruhr, (D.)\nGalerie europäischer Kunsthof Vicht, Stolberg, (D.)\nKunstspur, Atelier, Altendorferstrasse107 Essen,( D).\n2000 Mitglied im Wirtschaftsverband bildender Künstler,(WBK), Essen,(D.)\nDAK ART 2000 Biennale Dakar, Sénégal. (Katalog)\n2001 Städtische Galerie Kaarst, (D)\nParadis obscur, Forum Bildender Künstler Essen, (D) (Katalog)\nKünstler gegen Gewalt und Ausgrenzung, Landtag Düsseldorf.\nBau-Kunst, Essen erlebt Architektur, Modelausstellung.\n"Die andere Seit der Kette", Atelier Projekt Kettenschmiedemuseum\n2002 DAK ART 2002 die Biennale Dakar- Sénégal (Katalog)\n2002 ASSIMILATION" Atelier vor Ort, Anne Berlit Koko Bi eine\nZusammenarbeit mit der Galerie ATISS, Dak Art die Biennale Dakar\nund dem Kulturministerium Dakar Sénégal (Katalog)\nMusée de Dakar Sénégal (Katalog)\nKunstströme Rhein Moskwa (Russland) (Katalog)\nBau-Kunst, Essen erlebt Architektur (Katalog)\n"WEG ZUR KUNST, Eschweiler, Deutschland\nGalerie europäischer Kunsthof Vicht, Aachen\nDüsseldorfer große Kunstausstellung NRW, Museum Kunst Palast\n2003 ART SANS FRONTIERE, Palais Abbatial, Saint-Hubert, Belgien\nBlick nach Afrika" (Heilbronn) Künstlerbund Heilbronn e. v.\n"Carrefour", GEA Bochum\nWifredo Lam Contemporary Art Center, Heighth\nHavanna Biennia, Havana-Cuba (Katalog)\nDüsseldorfer große Kunst Ausstellung, Museum Kunst Palast,\nDüsseldorf (D) (Katalog)\n2004 "SCULPTEURS D AILLEURS ", International Symposium & Ausstellung,\nAbbaye De Bon Repos, Saint-Gelven, Frankreich.\n"SKULPTUR- SKULPTUR", internationales Bildhauersymposium, Joucas en Provence, Frankreich\n2004 "L HOMME EST UN MYSTÈRE Musée de l espace Francois Mitterrand, Gingamp, Frankreich\n2005 "SKULPTUR DRAUSSEN", Köln, Deutschland\n"Kunst am Baum", im Städtischen Museum, Gelsenkirchen, Deutschland\n"Zaunwelten" Museum für Kommunikation, Berlin, Deutschland\n2006 Biennale Dakar Sénégal (Katalog)\n3. Biennale Waldkunst Pfad Darmstadt, Deutschland (Katalog)\n"EUROPA-AFRIKA" Brüssel, Belgien (Katalog)\n2007Château des Templiers, Gréoux Les Bains, Frankreich.\n5. Biennale der Grafik, Versailles, Frankreich (Katalog)\nBiennale Kitchener "HAPTIC , CAFKA 07, Contemporary Art Forum\nKitchener and Area, Kitchener, Kanada Katalog)\n2008Düsseldorfer Große Kunstausstellung, Museum Kunst Palast,\nThe Toronto International Art Fair, Toronto, Kanada\n8. Dakar Biennale Sénégal (Katalog )\n"TRAVESIA , Centro Atlantico de Arte Moderno, Las Palmas,\nGran Canaria, Spanien (Katalog)\nL homme est un Mystère , Musée de la Briqueterie,\nLangueux, Bretagne, Frankreich (Katalog)\nPremier choix , Musée de la Rotonde des Arts Contemporains\nAbidjan, Côte d Ivoire (Katalog)\nAfrica now , World Bank, Washington DC, USA (Katalog)\n2009 Galerie Nomade, Brussels Belgien\n"Seven artists, seven continents, Ed Cross fineart Galerie,\n2010 "AMIES DES ARTS BICICI Abidjan, Elfenbeinküste (Katalog)\nMusée de BOZAR, Brussel, Belgien (Katalog)\nRuhr 2010, SCHMERZ DER FREIHEIT , Marktkirche Essen\n"L AMERIQUE C EST NOTRE HISTOIRE", Europa Museum, Tour & Taxi, Brüssel, Belgien (Katalog)\n"BLACK WORLD FESTIVAL", Dakar, Senegal\n2001 "Rückkehr der Kinder von Gorée", Dakar-Gorée, Sénégal\n"On change de terre": Kunst Akademie Düsseldorf\nZwei Spuren, ein Weg , Anne Berlit Koko Bi, alte Synagoge, Essen\n"Die andere Seite der Kette", Kettenschmiedemuseum, Fröndenberg\n2002 "Galère" Biennale Dakar 2002\nGalère 2 , Camouflage, The Centre of contemporary Art of Southern,\nEast and West Africa. Brüssel, Belgien\n2003 Chemin de l épreuve , Havanna Biennale Cuba\n2004 Mea culpa , Kind zum Vater, Joucas en Provence, Frankreich\n2008 "Dédouanement", Musée de la Rotonde des Arts Contemporains,\n2010 Schmerz der Freiheit , Marktkirche Essen, Deutschland\nSpannung, Entspannung, Vergänglichkeit und Spuren der mit diesen Begriffen können die Werke von Johannes Donner umschrieben werden.\nKonsequent nimmt sich der Künstler dieser Thematik an, auch wenn seine Experimentierfreudigkeit ihn immer wieder antreibt, neue Wege der künstlerischen Ausdrucksweise zu gehen. Der innovative Umgang mit dem Bildträger, mit Technik, Farbe und unterschiedlichen Materialien führt Johannes Donner immer wieder zu neuen Experimenten. Ob Grafik, Tiefdruck, Ölmalerei sowie Farbradierung es scheint kein Medium zu geben, an dem sich Johannes Donner nicht ausprobiert. Neben diesem aktiven Prozess des Ausprobierens ist es für den Künstler wichtig, auch natürliche Abläufe im Entstehungsprozess zuzulassen, indem er ganz bewusst den Kopf ausschaltet und aus dem Bauchgefühl den Bildträger bearbeitet. Das Endergebnis sind Werke, die immer einen starken Oberflächenreiz haben und sich zwischen Abstraktion, Figuration und Gegenständlichkeit bewegen. Immanent ist ihnen jedoch immer jenes Grundthema, das Johannes Donners künstlerisches Leben bestimmt die Vergänglichkeit, Spannung und Entspannung kurz "die Spuren der Zeit", die das Leben bereithält.\nSein jüngstes Experiment sind Bilder, die assoziativ mal an verbrannte Erde und Naturexplosionen erinnern, im weitesten Sinne an die Vergänglichkeit von Landschaften. Um diese Wirkung zu erzielen, stellt der Künstler selber die Farben aus reinen Pigmenten und Lein- bzw. Mohnöl her, die er dann immer wieder auf- und abträgt, manchmal bis zu 40 Mal und so einen tiefen satten Farbton erreicht. Doch die eigentliche Spannung wird erzeugt durch den Auftrag einer Marmormehl- oder Sumpfkalkmasse, die beim Trocknen reißt. Ein Material, das Johannes Donner für sich bei Studienreisen nach Italien und Südfrankreich entdeckte und nun experimentell einsetzt. Und zwar, in dem er "aus dem Bauchgefühl", wie er sagt, vom Zentrum den Bildträger bearbeitet. Feine und grobe Adern entstehen in den Bildern, explosionsartige sich aufladende Spannungsfelder und Eruptionen in tiefen satten Farbtönen. Eine Auseinandersetzung mit der Vergänglichkeit findet statt.\n1981 Mitarbeit bei der Künstlergruppe "Aachener Fotografen"\nab 1993 Galerist und freischaffender Künstler in Wegberg\nab 1999 Atelier in Wegberg-Watern (eigene Radierwerkstatt)\n2001 und 2002 Arbeiten bei Kätelhöhn Werkstatt für Druckgrafik in Soest/Wameln\nseit 2009 Mitglied im Berufsverband Bildender Künstler\nMalerei in Acryl, Öl Mischtechniken auf Leinwand und Holz mit Marmormehl, Pigmente, Mohnöl, Bronze, Rost ; grafische Arbeiten mit verschiedenen Materialien; Radierungen von einer oder mehreren Kupferplatten auf Büttenpapier; Holzobjekte mit Metall und Bronze;\nGeboren 1931 in Sundern / SauerlandAusbildung in einer Bildhauerwerkstatt, Studienaufenthalte in Carrara u.a. im Atelier Luigi CorsaniSeit 1966 freischaffend tätig\nKünstlerischer Schwerpunkt: Steinplastik (Granit, Marmor, Diabas) weiterhin Arbeiten in Holz, Bronze, Stahl1981 Verleihung des Staatspreises "Stein" des Landes NRW\n1956 in Eschweiler / Kreis Aachen geboren.\nStudium des Bauingenieurwesens, zeitgleich künstlerische Förderung und Ausbildung durch den Aachener Maler und Grafiker Jupp Kuckartz, sowie dem Eschweiler Maler Hubert Havenith.\n1980, für die spätere Farbgestaltung entscheidend werdende Reise nach Malaysia.\nSeit 1991 Vizepräsident der Europäischen Vereinigung Bildender Künstler (EVBK) aus Eifel und Ardennen, Sektion Deutschland/NRW.\nSeit 1992 stellv. Vorsitzender des Eschweiler Kunstvereins.\n1998 Gründungsmitglied des Forum für Kunst und Kultur Herzogenrath in der Euregio e. V. Mitglied der Künstlergruppe Pellenz/Andernach, dem Künstlerbund Rheinland, der Arbeitsgemeinschaft Bildender Künstler am Mittelrhein e.V. (AKM) und des BBK Aachen/Euregio.\nSeit 1973 Einzel- und Gruppenausstellungen im Inland und europäischen Ausland.\n1994 Prof. Hanns Altmeier Medaille Europamünze der Europäischen Vereinigung Bildender Künstler (EVBK)\n2001 Kaiser Lothar Preisträger\nDie Farbe " Gelb " ist seit dem 4. Lebensjahr ein entscheidendes Element meines Seins. In meiner bildnerischen Farbaussage ist sie stetig vertreten als Element des Lichts, des Menschen - des Lebens.\nAuszug Eröffnungsrede Prof. Dr. Dieter Alexander Boeminghaus (Jan. 2003) :\nDas Beispiel des Regenbogens drängt sich beim Betrachten seiner Bilder auf. Weißes Licht bricht sich unter bestimmten Bedingungen und es erscheint siebenfach farbig. Die einzelnen Farben des Regenbogens spiegeln jeweils einen besonderen Aspekt des weißen Lichts wider. Dieses widerspiegeln einer bestimmten Gegebenheit oder Verfassung in der Farbe, es stellt den Versuch dar, etwas Wichtiges mit anderen Worten zu sagen, es eben "auf den Punkt zu bringen". Der Farbe allein traut er zu, dass sie dieses leisten kann. Und so bekennt er Farbe und malt was er denkt und verleiht seinem Gefühl Ausdruck. Die Kunst des Karl Heinz Hennerici besteht darin, das sie sich bescheidet, dass sie mithilft, etwas in uns zum Schwingen zu bringen, zu bejahen. Sie dient uns, etwas zu erkennen, dass zu uns gehört, dass wir aber nur durch den Umweg über die Farbe, als das Abbild, die Ablichtung der eigenen Verfassung begreifen können. Da ist einer, der kann mit offenen Augen in die Sonne blicken und sieht dabei deutlich, wie sich das Licht bricht, je nachdem, wie frei das eigene Herz ist. Und er besitzt auch noch die Fähigkeit, uns, die wir beim ersten Sonnenstrahl geblendet werden, davon zu berichten.\nDer Künstler setzt sich in seinen Arbeiten mit den religiösen und existenziellen Fragen der Menschheit unserer Vorfahren und der Kultur auseinander.\nJede Skulptur ist ein Unikat. Sie stellen zum Einen den Menschen dar - erkennbare Figuren aus dem Zeitalter des alten Testaments; zum Anderen sind es die archaischen Tiere wie das Urpferd und das Bison. Es sind archaische Darstellungsformen, die wie archäologische Ausgrabungsfunde auf den Betrachter wirken, angelehnt an die Tierdarstellungen der Höhlenmalerei.\nSchefflers Skulpturen sind aus Kupfer und Silber in traditionellem Handwerk gearbeitet. In seinen Ausstellungen positioniert er seine Arbeiten so, dass sie dem Betrachter klar gegenüberstehen und ihn zum Dialog einladen.\ngeboren 1918 in Wanne-Eickel studierte von 1940 42 bei J.M. Korr in Aachen,\nvon 1962 65 bei Hermann Schmidt-Schmied in Arles/Frankreich.\nVon 1966 72 setzte sie ihre Ausbildung als Schülerin von Prof. Carl Schneiders in Aachen fort. In den Jahren 1970 74 arbeitete sie als Teilnehmerin der Sommerkurse von Prof. Heribert Losert in München.\nVon 1937 bis zu ihrem Tod lebte Margret Neuman in Eschweiler. Auf zahlreichen Studienreisen nach Afrika, Brasilien, Peru, Frankreich, Italien, Griechenland, Kreta, Niederlande, Schweiz lernte Margret Neuman auch andere Kunst- und Stilrichtungen kennen, die wesentlich mit dazu beigetragen haben, ihren Blick zu weiten und zu schärfen, ohne dass sie auf ihr eigenes Schaffen Einfluss nahmen. Sowohl die Landschaftsmalerei wie auch die ornamentale Darstellung in Stillleben und figürlichen Motiven waren Margret Neumans Arbeitsgebiete.\nMargret Neuman war mit ihren künstlerischen Arbeiten auf zahlreichen Ausstellungen vertreten.\nDie Künstlerin verstarb am 11. Januar 2011. Mit ihren Bildern bleibt Margret Neuman unvergessen.\nMarie Madeleine Bellenger wurde 1961 in Paris geboren. Sie lebt seit 1965 in Deutschland. Nach dem Abitur studierte sie zunächst Kunstgeschichte und Philosophie in Tübingen, später Design an der FH Aachen. Nach ihrem Diplom war sie als wissenschaftliche Mitarbeiterin an der FH Aachen tätig, später als freie Gestalterin an diversen Projekten und als Lehrbeauftragte an der FH Aachen.\nKünstlerisch bewegt sie sich in der Dialektik der Gegensätze: Zwischen Stadt und Land, Bild und Wort, "Handwerk" der Kunst und der Fotografie, Himmel und Erde, Deutschland und Frankreich. Seit 20 Jahren lebt und arbeitet sie im Rheinland und sieht sich nahezu magisch zu den Grenzregionen Frankreich/Deutschland angezogen. Sie malt Landschaften, sie fotografiert Landschaften. In die Arbeiten hinein schreibt, kratzt sie eigene Texte in Deutsch und in Französisch. Raumgreifende Installationen fertigt sie meist aus Stroh. In ihren begehbaren Skulpturen nimmt der Betrachter den Duft von Stroh und Getreide auf, atmet Landluft.\n2008 erhielt sie den Kaiser-Lothar-Preis der Stadt Prüm\nZahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland bestätigen ihr künstlerisches Schaffen.\nWolfgang Becker: "Die Kunst der Marie Madeleine Bellenger gehört nicht in die Stadt. Sie entwickelt und ereignet sich auf dem Land. Ihre Tradition reicht in eine Zeit, in der die kulturellen Zentren in abgelegenen Klöstern blühten. In solchen Räumen findet sie ihre Orte und auf Feldern, die sie umgeben. Sie sucht nicht den kämpferischen Diskurs, die Herausforderung des Handels und der Medien, sondern eine Atmosphäre der Stille und Andacht. Sie fordert den überfütterten Städter heraus. Sie stößt auf Betrachter, deren Zahl wächst.\nMarie Madeleine Bellenger lebt und gestaltet, was ich zu deuten versuche. Ihre Kraft erstaunt mich. Sie schöpft sie aus der Fähigkeit, ihren Erlebnissen Bilder zu geben, für die sie keine Namen hat."\nMarion Scheidtweiler studierte Kunstgeschichte und vergleichende Religionswissenschaften an der FU Berlin, HDK Berlin, unter anderem bei Elke Lehmann und Gerd Hahn. Seit 1992 arbeitet sie im eigenen Atelier in Brachelen und übt Dozententätigkeit im öffentlichen und privaten Rahmen aus.\nDie keramischen Arbeiten von Marion Scheidtweiler sind Erzeugnisse experimentellen Arbeitens mit Ton auf Basis umfassender Werkstoff- und Methodenkenntnis. Sie stellen eine ausdrucksstarke Unikatkeramik dar, die geprägt ist von der Illusion großer Materialvielfalt. Die ver- schiedenen Brenn- und Zusatztechniken wie Papierofenbrand, Raku und Schmauchbrand zeugen von der Faszination des Feuers und seiner Spuren. Der sich mitunter über mehrere Tage hinziehende Brennvorgang oder die Verwendung spezieller mineralischer Zutaten offenbaren den alchemistisch anmutenden Entstehungsprozess, der sich in den Erscheinungsformen der Objekte widerspiegelt. Durch die Gegenüberstellung fragmentarischer und versiegelter, glatter Oberflächen entstehen ästhetische Spannungsfelder, die das von Natur inspirierte Formenvokabular der Objekte bestimmt.\nGalerie Dirkx, Roermond\nHaus Spieß, Erkelenz\nGalerie Mecano, Düsseldorf\nGalerie Babel, Amsterdam\nGalerie Lot Duynstee, Maastricht\nMehr unter http://www.marionscheidtweiler.de\n1960 in Varna, Bulgarien geboren\n1980 Kunststudium in Dt. Dimitrov, Bulgarien\n1983 Abschluss des Studiums\n1984 1987 Dozent für Kunst- und Kunstgeschichte in Bulgarien\n1985 intensive Auseinandersetzung mit grafischen Techniken\n1985 intensive Auseinandersetzung mit Ölbildern\n1988 Übersiedlung nach Deutschland\n1988 Beginn der freischaffenden Tätigkeit\nZurzeit befinden sich zahlreiche Arbeiten in Galerien und privaten Sammlungen in europäischen und außereuropäischen Ländern.\nBefindet man sich in Arnaudovs Atelier, fallen zunächst die Papierarbeiten ins Auge. Es handelt sich um Mischtechniken mit Unikatcharakter, da jedes Blatt per Hand überarbeitet wird. Es entstehen raffinierte Kompositionen aus bewusst gewollten und zufälligen Elementen. Die Platten, die er für den Druck verwendet, bearbeitet er mit unterschiedlichen Werkzeugen. Hierdurch entstehen Vertiefungen und Einkerbungen, die später beim Druckvorgang auch der Farbe eine haptische Wirkung verleihen. Seine so entstehenden Bilder leben von Farbe, Rhythmus und Bewegung, egal ob es sich um Menschen, Landschaften, Städteansichten oder aber um abstrakte Bilder handelt.\nNikolai Arnaudov verfolgt mehrere Themengruppen parallel zueinander. Es gibt rein informelle Bilder, daneben aber auch Stillleben und Landschaften sowie tanzende und musizierende Gruppen. Ob bei seinen Mischtechniken oder Ölbildern, immer versucht er das Flüchtige festzuhalten.\nBesonders bei seinen Gemälden spürt man, wir intensiv die unterschiedlichen Bildbereiche miteinander korrespondieren. Jedes Geschehen entwickelt sich konsequent aus den Farben des Hintergrundes. Wenn Arnaudov auch die zufälligen Momente und die Spontaneität liebt, so steuert er doch ganz gezielt welche Impulse er weiter verfolgt oder unterdrückt. Letztlich geht es dem Künstler um Harmonie und Stimmigkeit und somit um eine überzeugende ästhetische Wirkung. Diese zeichnet alle Arbeiten von Arnaudov aus.\nDr. Helmut Orpel, Kunsthistoriker, Mannheim\n1966 geboren in Birkesdorf/Düren\n1993 Studium Philosophie / Kunstgeschichte\n2003 Promotion Dr. phil.\nMehr Info unter http://www.oliverczarnetta.de/\nZu den geistigen Inhalten eines Kunstwerkes und deren Erkennen gehört auch die sinnliche Erfahrung durch sehen und fühlen.\nDas Wort von Max Liebermann, dass Zeichnen Weglassen bedeute, lässt sich in Abwandlung auf die Plastiken von Oliver Czarnetta übertragen. Er meint, dass die Reduzierung auf Wesentliches und Gültiges, auf Geschlossenes das Erlebnis seiner Gestalten intensiver macht.\nMan hat den Eindruck, dass seine Figuren im Geist entstehen und aus dem Material, dem Stein heraustreten oder in das Material Ton, Wachs und Bronze hineinwachsen und konkret werden. Es gelingt nicht nach Vorbildern in seinem Werk zu suchen, weil sie aus seinem Kopf entstanden sind. Wobei nicht vergessen sein darf, dass Geist auch sinnlich ist und erarbeitet werden muss.\nDie Kunst Czarnettas ist ausgesprochen körperhaft. Bei aller Sinnbildhaftigkeit sind seine Figuren keine Symbole oder gar Pictogramme die Statik, die gezielt auf etwas hinweisen oder fordern will. Dafür weiß er zu sehr um das "Wunder der Persönlichkeit, die Goethe als das größte Glück der Erdenkinder" preist.\nDie Auseinandersetzung mit dem Werk von Oliver Czarnetta ist nicht starr, sonder lebendig, atmend, intensiv. Dies muss zur Begegnung zwischen Kunstwerk und Betrachter führen.\nSeit 1964 mehr als dreihundert Ausstellungen in Galerien und Museen Zwischen Bremen, Berlin und Basel, London und Los Angeles, Istanbul, Zürich und Stuttgart.\nSeine Bilder sprechen eine globale Sprache.\nSeine Linien, seine Flächen schweben zwischen nahen und unwirklich fernen Welten voller Heiterkeit, Ruhe und Gelassenheit.\nKunst wenn sie denn mehr ist und vielleicht sogar etwas ganz anderes als angstvolle Wiederholung des Vertrauten Kennt das Wagnis der Phantasie, die Schönheit des Schöpferischen, kennt erfüllte, sich vollendende Zeit. Darum weiß, davon "spricht" O.A. zwischen A-lpha und O-mega wie kaum ein Maler, Graphiker, Plastiker sonst.\nIn Dortmund geboren,bildhauerisches Studium in Essen bei E. Tenderich und H. Rauschenberg\nfreischaffend tätig in Oberzier und Köln/Kunstgießerei Gini Lotito\n1997 2004 Kulturbeauftragte der Gemeinde Niederzier\nPeggy M. Kanacher als Mitglied der Zunft der Bildhauer ist begeistert von der bildsamen Formgebung. Sie lässt Figuren entstehen mit intensiver Ausdruckskraft, teils gegenständlich, teils abstrahiert, immer mit unmittelbarer Aussage und Natürlichkeit. Meist sind Menschen dargestellt, überwiegend weibliche Figuren, harmonisch gerundet, nie hässlich, oft mit symbolischer Bedeutung. In ihren Skulpturen vereint sie die Liebe zum phantasiebegabten Formen mit handwerklichem Können der Materialverarbeitung.\nAus dem Bronzesud wird in Schillers Gedicht eine Glocke, bei Peggy M. Kanacher meist eine neue menschliche Gestalt. Indem sie sie immer wieder darstellt, fängt sie das ein, was Mensch sein bedeutet. Freud und Leid, melancholische Nachdenklichkeit und tänzerische Heiterkeit, spielerische Versonnenheit und entschlossenes Zupacken. Inspiriert durch Erlebnisse, Erinnerungen und Gefühle hat jede Plastik ob stilisiert, naturalistisch oder abstrahiert ihre ganz eigene Geschichte.\nGeboren 1962 in Monschau\nErster Unterricht bei Kunstmaler Paul Siebertz\nStudium Objektdesign an der Fachhochschule Aachen\nSeit 1995 selbstständig als Metallbauer\n1990 Gestaltungswettbewerb Junges Handwerk NRW, 2. Preis (Stuhl aus Stahl)\n1992 Gestaltungswettbewerb Junges Handwerk NRW, 2. Preis (Kaminofen aus Stahl)\n1993 Ausstellung Manufactum, Staatspreis NRW (Kaminofen aus Stahl)\nSie studierte an der dortigen Fachhochschule Grafik-Design. 1995 ging sie nach Leipzig, wo sie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst ihre künstlerische Ausbildung fortsetzte, zunächst im Bereich Buchkunst, dann wechselte sie zur Malerei.\nSie absolvierte in der Klasse von Professor Arno Rink ein Fachstudium. 2002 erfolgte der erfolgreiche Diplomabschluss mit Auszeichnung, 2005 die Verleihung des Meisterschülertitels. Seither ist sie freischaffend tätig. Zahlreiche Ausstellungen und Förderungen belegen die Anerkennung ihrer künstlerischen Entwicklung.\nIn den Bildern der Arno-Rink-Meisterschülerin Petra Ottkowski taucht der Betrachter in die Welt tektonischer Formen.\nDie Künstlerin arbeitet mit einem Figurenrepertoire von Objekten, die an didaktische Figuren aus alten Geometrielehrbüchern erinnern, an denen Licht- und Schattenkonstruktionen exemplarisch vorgestellt und geübt werden konnten. Sie verwandelt diese als "Schattenobjekte" konzipierten Körper in Lichtobjekte. In der Serie "Leuchttreppen" verändern sich die einfachen, dreistufigen Treppen in selbstleuchtende Körper, was den klaren Formen poetische Qualität verleiht.\nIn der kleinformatigen Serie "Schattenboxen" werden elementare Licht-Schatten- Situationen anhand von Kisten untersucht, in deren Öffnungen schattenwerfende Drähte gespannt sind - in Form geometrischer Grundformen wie Rauten, Kreise, Vielecke. Aber auch Bandornamente und Mäanderformen tauchen auf, signethafte Formen, Papierstücke in Gestalt von Wimpeln und einfache stereometrische Körper, die für eine Umlenkung und Aufbrechung der Schlagschatten sorgen. Die Kisten haben meist keine Wandstärke, auch keine illusionistischen Details wie Knicke, Aufkleber oder typografische Details, was ihren mathematischen Charakter verstärkt und Raum für Assoziationen schafft, es könnte sich auch um Modellarchitekturen oder leere, kleine Bühnen handeln. Oft sind nur Ausschnitte von Kisten zu sehen, so dass sich die gegenständlichen Formen zum abstrakten Muster wandeln. Die sich verselbständigenden Schlagschatten der Ornamente verstärken den Abstraktionsprozess und laden zum Lösen geometrischer Rätsel ein.\nGeboren im November 1957\nzusätzlich Musiker, Komponist und Performance-Künstler\nAusstellungen und Musikperformances im In- und Ausland\n1. Preis des vom Bistum Aachen vergebenen Kunstpreises\nPlener Malarski, Olstyn, PL\nDer Künstler zeigt sehr persönliche Arbeiten, Bilder, die zum Meditieren einladen, den Blick auf das Innere richten, auf Mensch und Natur.\nVielfältig, vielschichtig und kontrastreich sind die Arbeiten von Piet Hodiamont. Ständig ist er auf der Suche nach dem, was hinter der sichtbaren Welt steck, dabei entwickelt er eine ungeheure Fantasie, und eine gehörige Portion Humor gesellt sich dazu. Witzig, manchmal provozierend sind seine Zeichnungen.\nin Reichstadt geboren\nNach dem Studium an der Werkkunstschule in Aachen und der Kunstakademie Düsseldorf unterrichtet er an verschiedenen Schulen und Hochschulen.\nHauptberuflich freischaffender Künstler und Designer mit großen Ausstellungen ( großformatige Gemälde ) im In- und Ausland. Ab 1985 Aufträge aus der Freizeitindustrie, z.B. Phantasialand etc.\nAufträge für Großskulpturen und Landschaftsgestaltung. Der Höhlensteinpark entsteht\nSeit 1999 lehrt Stuchlik an der Universitätsstadt und Provinzhauptstadt im sibirischen Tomsk, wo er 2001 als Honorarprofessor an der Universität für Architektur und Bauwesen und als Gastprofessor an der Polytechnischen Universität jedes Jahr (einen Monat) Seminare und Vorlesungen abhält.\nLetzte Ausstellung: 2007 unter dem Titel flying men , Gemäldeausstellung in der städtischen Kunstsammlung in Eschweiler seiner Heimatstadt.\nZur künstlerischen Arbeit von Hans Stuchlik.\nDie Welt als Bühne ist Generalthema. Menschen oder Gegenstände der unterschiedlichsten Art (auch Kunsttechniken) werden auf einer Bühne, wie im Theater mit den Akteuren im Vordergrund, zu einem neuen Inhalt verschmolzen. Heterogenes, wie verschiedene Kunststile werden als Bild im Bild zu einem neuen Inhalt; wobei das realistisch dargestellte "Ding" im Vordergrund die Konstante im bildnerischen von Stuchliks Werk ist.\nIn seinen Gemälden Landschaften mit Formen , ist die Landschaft eine Bühne für skulpturale Ereignisse, welche den Raum metaphysisch aufladen sollen. Diese Bilder wurden Vorlagen für Skulpturen, welche in den letzten Jahren immer mehr Raum im künstlerischen Werk von Stuchlik einnehmen. Ein weiterer Schwerpunkt entwickelte sich durch seine Lehrtätigkeit an den russischen Universitäten in Tomsk; wo er seit 1999 Kunst und Kunstwissenschaft lehrt.\nStuchlik begreift sich als "Avantgarde der neuen Gegenständlichkeit", die Beliebigkeiten des Kunstmarktes - Antikunst werden bei ihm zu einer neuen Form, als Bild im Bild, aufgehoben.\nProf. Dr. Hans-Wolfgang Menges, geb. 1946 in Heidelberg, lebt und arbeitet (künstlerisch) in Aachen.\nNach dem Abitur Studium der Malerei an der Kunstakademie in Mannheim bei Berger-Bergner und in verschiedenen Ateliers.\nSPELL (sein Künstlername) ist Gründungsmitglied des experimentellen und freien "Symposion der Künste" in Mannheim.\n1969 - 1971 Studium an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf bei Josef Beuys, zeitgleich Studium der Psychologie und Humanmedizin in Heidelberg und Düsseldorf.\nAusbildung zum Chirurgen an der Universitätsklinik Mannheim.\nVon 1995 - 2010 Chefarzt der Chirurgischen Klinik am St. Antonius-Hospital Eschweiler. Seit Juli 2010 widmet er sich ausschließlich seinen künstlerischen Ambitionen.\nSPELL ist Mitglied des Berufsverbandes Bildender Künstler (BBK) Baden-Württemberg und Vizepräsident der Europäischen Vereinigung Bildender Künstler (EVBK).\nMit Röntgenbildern verbindet jeder bildhafte Assoziationen, zumeist Krankheitserfahrungen und nicht selten auch Todesvorstellungen. Abgebildete Menschenknochen funktionieren wahrscheinlich seit Menschengedenken als Sinn-Bilder, als Emblemata ohne Text, als Memento mori.\nDie Collagierung von Röntgenbildern in Form von Zeitungs- und typographischen Fragmentmontagen steigert die optische Wirkung und verlangt vom Betrachter eine intensive Auseinandersetzung. Die Verspiegelung der Röntgenbilder durch die Präsentation hinter Glas führt dazu, dass der Betrachter zuerst sich selbst wahrnimmt und erst in zweiter Linie, wenn er näher tritt, die hinter dem Glas und dem Röntgenbild sich verbergende Thematik.\nWas sind nun Photogramme im Gegensatz zu Photographien? Photographien bilden Oberflächen ab, Oberflächen jedweder Art. Photogramme aber sind durch Röntgenstrahlen entstandene Fotographien des Unsichtbaren, kameralos aufgenommene Abbildungen von Formen und Objektdichten. Dies ist ein massiver Vorstoß ins Unerkennbare und dennoch ein wichtiger Aspekt der Wirklichkeit.\nUnter einem Photogramm verstehe ich eine mit Röntgenstrahlen erreichte Transparenz eines Objektes, das aus dem Reich der Graustufen durch phototechnische und digitale Addition von Farbe ihrer Zweidimensionalität enthoben wird. Es werden Oberflächengrenzen aufgebrochen und überwunden. Es gelingt der schamlose Blick hinter die "Kulissen". Die Anwendung und Verwertung von Röntgenstrahlen und ihre digital bearbeiteten Bildprodukte für künstlerische Aussagen ist ein Grenzgang par excellence, der dem Betrachter eine neue Möglichkeit gibt, sein Verständnis und seine Wahrnehmung zu erweitern und einzutauchen in die Infrastruktur eines Körpers.\nDie Objekte erhalten eine eigene Ästhetik. Nicht selten ist dabei diese Ästhetik aber auch eine Ästhetik des Schreckens. Aber auch dies ist eine Realität.\nDie Grenze zwischen Medizin und Kunst bis zur Unkenntlichkeit zu verwischen, erlebe ich als Bewusstseinserweiterung. Dies ist für mich ein kapitales Anliegen.\nFigurative und abstrakte Malerei, Portraitmalerei und Bilderzyklen aus den Bereichen Zeitgeschichte, Kultur, Philosophie, Psychologie, Religion und Spiritualität.\nBilderzyklen u. a. aus der Literatur: Don Quijote / Woyzek /Julius Caesar (Shakespeare / Piloty) /Mythologie / Karneval / Musik: Mozart / Bach / Ballet / Flamenco / Tango / Ausdruckstanz.\nGeschichte und Zeitgeschichte: Holocaust / Spanischer Bürgerkrieg / Immigration/\nGewalt der Geschlechter und Gewalt gegen Kinder.\nGründer der Ramírez Máro Academy.\nZuletzt Ausstellungen in Den Haag, auf Burg Hochosterwitz in Kärnten / Österreich, Burg Stolberg, Nizza, Aula Carolina, Aachen etc.\nMit seiner Reihe "Kraft der Grenzen" begibt sich Ralf Walraff abermals auf neues Terrain, indem er sich der reinen Malerei zuwendet und zurückkehrt zu traditionellen und illustrativen Maltechniken. Dunkle, gesetzte Farben, aber auch ein Blau, das durch die es umgebenden Farben zu leuchten beginnt, sind neben Blattgold die bestimmenden Töne und Materialien.\nDie Basis dieser Arbeiten ist die reine Mathematik der Anatomie. Walraff zitiert Andreas Vesalius (1514 - 1564), den Begründer der modernen wissenschaftlichen Anatomie und Leonardo da Vinci. Führt auf der Grundlage der Studien György Doczis über die harmonischen Proportionen in der Natur, Kunst und Architektur diese in die Malerei weiter und verbindet sie mit der Farblehre zu Neuem. Dabei gelingt es ihm auf besondere Weise, anatomische Zitate und eigene Aktfotografien malerisch einfließen zu lassen.\nDiese Bilder entwickeln eine eigene Formensprache und Harmonie, die beim Betrachter den Eindruck erwecken Alltägliches wiederzusehen. Die eigentlich bekannte Welt wirkt wie zerteilt und neu zusammengesetzt. Und tatsächlich sind die Formen dem menschlichen Auge vertraut. Jeder sieht oder erkennt, was für ihn persönlich bedeutsam ist. Überrascht stellt man fest, dass sich die menschlichen Körper durch Sinuskurven und Rechtecke definieren und darstellen lassen, und entdeckt zugleich die Schönheit, die sich in den Mustern der Natur und der Kunst versteckt. Immer wieder stößt der Schauende auf wiederkehrende Grundstrukturen und erkennt, dass alles in der Natur miteinander verwandt zu sein scheint oder doch zumindest gemeinsamen Ordnungsprinzipien folgt; dass hier Proportionen herrschen, deren Harmonie aus der Verbindung sich ergänzender Gegensätze entsteht.\nWeitergeführt werden diese malerischen Arbeiten in den "Fundstücken". Auch sie laden den Betrachter zu einer Entdeckungsreise nach Verstecktem ein. Die durch Witterung deformierten und gealterten Holzstücke verströmen einen morbiden Charme. Mystische Gestalten, die vielfältige Deutungen zulassen und jedem Einzelnen seine individuelle Interpretation gestatten. In derselben Technik partiell bemalt und bezeichnet, heben sie die Formen aus der Malerei in einen dreidimensionalen Raum und somit auf eine erweiterte Ebene.\nIn diesen Grenzen zeigt sich das Grenzenlose. Hier spüren wir, dass Begrenzung nicht unweigerlich restriktiv sein muss, sondern von unglaublicher Anziehungskraft sein kann.\nText: A. Hürfeld\nRike Oetzel, geboren 1944 in Freckenhorst/Münster, lebt und arbeitet in Viersen\nseit 1992 Seminare der Malerei und Zeichnung in Worpswede und Mönchengladbach\n2002 u. 2004 Intensivstudium an der EKA Trier\nseit 2006 großformatige Malerei\nRike Oetzels Bilder zeigen neue Sichtweisen und stellen traditionelle Konventionen in Frage. Konventionen sind von Menschen geschaffen und so stehen denn auch die Menschen im Vordergrund ihrer künstlerischen Auseinandersetzung. In vielfältiger Weise von vorsichtig über mutig bis heftig beleuchtet sie die verschiedensten Facetten dieses Themas. Dabei werden Grenzen überschritten, ein Ausbruch aus vorgegebenen Rahmen. Ein Prozess, dessen verschiedene Entwicklungsstufen sich in dem breiten Spektrum der Bilder widerspiegelt.\nDas Thema Natur Kunst Wissenschaft Technik ist Gegenstand einer langen Auseinandersetzung ihrer Arbeit. Die Verknüpfung dieser Bereiche wird wesentlich das zukünftige Leben bestimmen. Blicke durchs Mikroskop, dann auch elektronenmikroskopische Aufnahmen, haben ihre Arbeit beeinflusst. Die entdeckte Welt" setzt sie künstlerisch mit Hilfe des Siebdrucks um. Aus immer neuen Konstellationen von Formen und Farben entstehen umfangreiche Serien eines Motivs, wobei jede Srigraphie im Einzelhanddruck zum Unikat wird.\nDurch enorme Vergrößerungen, extreme Ausschnitte und leuchtende Farbigkeit wird der organische Zusammenhang unkenntlich. Wolfgang Becker:" Detailaufnahmen werden so umgesetzt, dass man ihre Herkunft nicht sofort erkennt, zu erkennen braucht, denn eigentlich geht es hier um die Wahrnehmung der Formen, die wie zeitlos gültige Naturgesetze unsere Bewunderung und Anerkennung verlangen."\n1978 1984 Studium Kunst und Geographie an der RWTH Aachen\n1987 2. Staatsexamen / Lehramt Sek. I/II Kunst/Geographie\n1986 1991 Sommerakademie Trier: Lithographie, Zeichnen, Siebdruck, Radierung\n1993 + 1994 Salzburg: Werkstattaufenthalt (Siebdruck)\n1978 1998 freie Mitarbeit Fuhlrott-Museum Wuppertal\nSeit 1994 freischaffende Künstlerin in Stolberg und Wuppertal\nSeit 1987 Dozentin für Kunst und Kunstgeschichte an versch. Volkshochschulen\n1995 2000 Leitung von Workshops (Zeichnen u. Malen): Von der Heydt-Museum, Fuhlrott-Museum / Wuppertal\n1996 gewähltes Mitglied des BBK Aachen/Euregio\nMehr Info unter www.bbk-aachen.de.\nAm Lerchenpfad 3\n1958 Geboren in Langerwehe\n1977 Abitur am Cusanus-Gymnasium Erkelenz\n1979-1985 Studium Kunst u. Geographie an der RWTH Aachen\n1988 Zweites Staatsexamen\n1979-1992 Atelier in Wegberg\nSeit 1992 Atelier in Erkelenz\nBildhauerei in den Materialien Bronze, Holz, Ton und Gips\nMalerei in Acryl, Öl und Mischtechniken auf Leinwand und Holz\nGraphische Arbeiten mit verschiedenen Materialien\nU. a. in Regensburg, Aachen, Düsseldorf, Erkelenz, Mönchengladbach, Baden-Baden, Aschaffenburg, München\nU. a. Aachen, Erkelenz, Mönchengladbach, Rheydt, Düsseldorf, Wegberg, Wassenberg\n"Es ist Jentgens Weg, dem Prozess der unendlichen Bilderfluten nachzuspüren, ein Prozess, der sich jenseits der Kontrolle der Vernunft ereignet, dem die Surrealisten bereits nachgegangen sind. Es ist der Prozess der unendlichen Bildproduktion gemeint, dem der Künstler auf der Bildfläche Dauer verleihen will, ohne ihm zugleich Einhalt zu gebieten.\nHier wird Zeichnen, Bilder herstellen als Form der Selbstvergewisserung beschrieben, zeigt sich das Bilderherstellen, wie es Thomas Jentgens bewegt, als eine Form des visualisierenden Denkens und des Lesens dessen, was sich unbewusst artikuliert. Es ist weniger die Angst, oder nur der Schrecken vor dem leeren Blatt, sondern der Anfang einer Reise der Imagination, der Phantasie, in der sich diffuse, verschwommene Vorstellungen bildlich konkretisieren lassen. Es sind Gedankenblitze, Beobachtungen, aufflammende kurze Erinnerungen, Gefühle.\nJentgens weiß in seinen Bildern, Skulpturen und Plastiken in Bereichen des Moralisch-Ethischen, in religiösen Fragen Stellung zu beziehen. Seine Bildwelten reichen in magische Vorstellungen ebenso hinein, wie er gelegentlich das Komisch-Absurde, das Theatralische, auch das Erotisch-Sinnliche zu deuten weiß.\nIn der äußeren Gestalt finden sich Formqualitäten, die jenseits der Absicht des Künstlers bleiben. Das Moment des Zufälligen scheint wichtig, das übereingeht mit den Spuren des Arbeitsprozesses, aus denen immer deutlich wird, dass das hier zu Sehende etwas gemachtes ist, keine endgültige Lösung, vielmehr die Idee, die Vision eines Menschen und Beobachters der Fülle dessen, was in der Natur und menschlichem Dasein möglich ist."\nKurator der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden\nGeboren 1989 in Eschweiler\nNach dem Besuch der Bischöflichen Liebfrauenschule in Eschweiler begann Thomas Weiland 2009 eine Ausbildung zum Fotografen, die er 2012 abschließen wird.\nSeine Leidenschaft, das Fotografieren entdeckte er schon früh. Erste Ergebnisse konnte er im Rahmen der schulischen Laufbahn in Ausstellungen zeigen.\n2010 erhielt Weiland den Kunstförderpreis der Stadt Eschweiler. Er überzeugte die Jury mit eindrucksvollen Fotografien.\nThomas Weiland: "Ich fotografiere, um Personen, Momente und Gegebenheiten festzuhalten, sie in ungewohnter Sichtweise zu präsentieren. Dabei ist mir wichtig, Charakter und besondere Merkmale herauszustellen und dem Betrachter einen anderen Blick auf bestimmte Dinge zu geben."\nMitglied im bbK Euregio-Aachen seit 2004\n2003 Haus der Provinz Lüttich in B-Eupen\n2004 "H2O" in Halle1; D-Aachen\n2004 Kunstroute Aachen\n2004 Galerie art-Pütz; B-Montzen\n2005 "IMPULSE", Förderprogramm NRW "Ab in die Mitte", Aachen, Büchel 38\n2005 EUREGIO Keramik, B-Raeren\n2005 Kunstroute Aachen\n2006 Museum "Het Petershuis"; NL-Gennep\n2006 Einzelausstellung "ohne Titel ...unterwegs"; Galerie Kunstpalast Aachen\n2006 jurierte 49.Jahresausstellung EVBK Prüm, http://www.evbk.org/\n2006 Einzelausstellung Galerie "Alte Weberei"; Jülich-Rödingen\n2006 Galerie "De Kunstwinkel"; NL- Schimmert\n2006 Ausstellung des bbk-euregio im Museum Burg Frankenberg\n2007 Museum Burg Brüggen\n2007 Einzelausstellung Galerie des bbk- Euregio-Aachen\n2007 jurierte Ausstellung im Kultur-Forum Herzogenrath\nDie neuen Arbeiten der Künstlerin zitieren sowohl moderne Architekturen, als auch traditionelle Landschaftsmalerei, kehren jedoch das bewährte Sujet der Architektur in der Landschaft um. Der Ausblick auf eine idyllisch anmutende Landschaft wird durch einen Raum wahrgenommen, der die Aussicht durch Wände aus Holz oder Beton beschränkt und so den Rahmen ersetzt.\nStudium an der FH Aachen, Objektdesign\nExamen mit Auszeichnung\nLehrauftrag an der RWTH Aachen, Fachbereich Architektur, Lehrstuhl für Plastik\nKunst am Bau: Glaswandgestaltung für das Head Office des petrochemischen Konzerns SABIC in Sittard, NL\nzahlreiche Ausstellungen national und international\n1960 in Rumänien geboren\n1981 - 1985 Kunstakademie Bukarest, RO\nseit 1990 lebt er in Deutschland\nseit 1998 selbstständiger Künstler\nSeine Bilder sind Gegenstand der Reflexion.\nVon Seiten ihres Herstellungsprozesses, weil die äußere Realität dem Künstler lediglich noch als "Katalysator" dient und die eigentliche Schaffensphase zur Suche nach inneren Bildern und Empfindungen wird; von Seiten der Rezeption, weil sich der Betrachter im fertig gestellten Werk einer eigenen Wirklichkeit gegenübersieht, in der er sich einfühlen und über die er mit dem gestaltenden Künstler in einen Dialog treten kann.\nDenn trotz ihrer impulsiven und subjektiven Zeichensprache bleiben die (oftmals in Zyklen konzipierten) Bilder des Künstlers Viorel Chirea unmittelbar "verständlich", weil sie auch überindividuellen Gestaltungsgesetzen folgen und zugleich ihre eigene Entstehungsgeschichte transparent machen.\nDenn während des schrittweise additiven Schaffensprozesses, der einer gedanklichen Strukturierung dient, durchläuft das Bild eine ganze Reihe von Neuformulierungen, Übermalungen und Korrekturen bis der Künstler schließlich zu einem Ergebnis kommt, dass er als "gültig" akzeptieren kann.\nDie vorwärts strebenden Bewegungsrichtungen oder die collagenartigen, in die Bilder integrierten und übermalten Realitätsfragmente, zeigen Perspektiven eines Vorher-Nachher auf. So wird nicht zuletzt die Visualisierung zeitlicher Abläufe und des Vergehens von Zeit zum Bildinhalt.\nAusstellungen und Ausstellungsbeteiligungen seit 1981 im In- und Ausland\n... wohnt und arbeitet in D-52379 Langerwehe, Atelier 11\nHeinz-Emonds-Str. 11 e-mail-Adresse: dohmen.atelier@t-online.de\n1941 geboren in Langerwehe\n1959 1961 Studium der Malerei an den Kölner Werkschulen und der Werkkunstschule Aachen, Diplom, grad. Designer\n1963 1964 Studium der Malerei in Stuttgart und Düsseldorf, Diplom\n1969 1982 Kunsterzieher in Düren\n1973 1978 Lehrauftrag an der Fachhochschule Aachen, Fachbereich Design\n1972 Stipendium im Rijkscentrum für Grafik "Frans Masereel", Kasterlee, Belgien\n1974 2. Preis der Stiftung "Frans Masereel" für Grafik, Belgien\n1980 Einladung der Stony Brook University, Long Island, New York, USA\n1982 1991 Dozent für Druckgrafik an der Fachhochschule Köln, Fachbereich Kunst und Design\n1991 2000 Dozent im neuen Fachbereich Design, Fachhochschule Köln\n1982 Publikation: "Die Lithografie" Geschichte Kunst Technik, DuMont Buchverlag Köln\n1985 Gastaufenthalt in der Druckwerkstatt der Stadt Wolfsburg\n1986 Publikation: "Der Tiefdruck" Vom Kupferstich bis zur Fotoradierung, DuMont Buchverlag Köln\n1987 1988 Lehrer an der Internationalen Sommerschule für Grafisches Werk, Calella/Barcelona, Spanien\n1988 "Nordlimburgse Industrieprijs" für Grafik, Belgien\n1989 Lehrer an der Sommerakademie Bremerhaven\n1990 1991 Lehrer an der Internationalen Sommerschule für Grafisches Werk, Calella/Barcelona, Spanien\n1992 Gastdozent im Grafikcentrum "Frans Masereel", Belgien\nLeitung und Organisation von Workshops und Symposien für Künstlerischen Tiefdruck und Lithografie an den Kunstschulen Basel, Bern, Luzern und Zürich, Schweiz\n1993 Gastatelier in der Villa Romana, Florenz, Italien\nWorkshop-Leitung "Künstlerischer Tiefdruck" im Atelier Jean Arp, Locarno, Schweiz\n1994 Workshop-Leitung "Künstlerischer Tiefdruck" und "Papierschöpfen" im Atelier Jean Arp, Locarno, Schweiz\n1998 Workshop-Leitung "Künstlerischer Tiefdruck" Michaelis School of Fine Art, University Kapstadt, Süd Afrika\nSeit 1999 Lehrtätigkeit an der Akademie für Kommunikationsdesign Köln, IB Hochschule Berlin\n2000 Workshop-Leitung "Lithografie" mit Ernst Hanke, Schweiz im Grafikcentrum "Frans Masereel", Belgien\n2001 Workshop-Leitung anlässlich der 8. Hamburger Lithografie Tage, Museum der Arbeit, Hamburg\nEntwurf und Ausführung, Brunnenstelen, Sparkasse Langerwehe\n2002 Entwurf und Ausführung, Töpferbrunnen, Langerwehe\n2003 Workshop-Leitung "Originalgrafik im digitalen Medienzeitalter" im Druckatelier Maria Dundakova, Aarau, Schweiz\n2005 Gastdozent Fachbereich Lithografie, Institut Sint-Maria, Antwerpen, Belgien\nSeit 2008 Dozent an der Akademie Kloster Steinfeld, Eifel\nSeit 2009 Dozent an der Internationalen Kunstakademie Heimbach, Eifel\nArtist in Residence Chur Haldenstein, Schweiz\nFilm: DVD "Die Lithografie", Der manuelle Steindruck in der Kunst\n2010 Artist in Residence Grafikcentrum Frans Masereel, Belgien\nim graphischen Oeuvre von Walter Dohmen ist der Mensch, den er aus immer neuer Perspektive zeichnerisch zu erfassen sucht. Sein Interesse richtet sich dabei jedoch nicht auf die äußere Erscheinungsweise der menschlichen Gestalt, sondern vielmehr auf die innere, verborgene Struktur. So gelingt es ihm, zum Kern menschlicher Existenz vorzudringen, den er dem Betrachter schonungslos offen legt. Unter Zuhilfenahme von Röntgenbildern fixiert Dohmen das Gerüst des menschlichen Körpers, um dessen Innenleben zu ergründen. Die Auseinandersetzung mit dem menschlichen Skelett ist für den Künstler thematisch wie künstlerisch richtungweisend. Vom Sujet des Menschen als Skelett zum Phänomen Tod ist nur ein kleiner Schritt. Lässt bereits die Präsenz von Knochenteilen Assoziationen an den Tod als das Pendant zu, so interessiert sich Dohmen in späterer Zeit zunehmend für diese Thematik. Unter verschiedenen Aspekten beleuchtet der Künstler das Ende irdischen Lebens, das er gezielt als Kontrapunkt gegen eine Welt des schönen Scheins setzt. Er entwickelt divergierende Bildkonzepte, um das antithetisch dem Leben zugehörige Phänomen des Todes erfassen zu können. Dabei scheut er nicht die Auseinandersetzung mit der ikonographischen Tradition, die ihn bis an das Mittelalter zurückführt. Nicht zuletzt seine eigenen Erfahrungen auf einer Intensivstation prägte das Interesse Dohmens am Tod. Die erlebte Nähe zum eigenen Tod induzierte jedoch keine emotionale Sichtweise. Eher ist für Dohmen eine nüchterne Auseinandersetzung charakteristisch, die vornehmlich seine früheren Arbeiten kennzeichnen. Emotionslos und sachlich greift er immer wieder die Todesthematik auf, gerade heute, in einer Zeit, in der häufig ästhetisierende Bildkonzepte dominieren.\n(aus dem Katalog "Entgrenzungen")\n1966 Töpferei-Museum, Langerwehe (K)\nKleine Galerie, Aachen\n1968 Galerie Molen Vrouwenheide, Limburg, Niederland\n1969 Rothe Galerie, Aachen\n1971 Galerie Glaub, Köln\n1972 Neue Galerie Sammlung Ludwig, Aachen\n1975 Leopold-Hoesch-Museum, Düren (K)\n1979 Rijkscentrum für Grafik "Frans Masereel" Kasterlee, Belgien\n1980 Stony Brook University, Long Island, New York, USA\n1981 Belgisches Haus, Köln\n1985 Burghaus e.V., Stolberg\nGrafikcentrum "Frans Masereel, Kasterlee, Belgien\n1987 Kurfürstliches Gärtnerhaus, Bonn mit Heinz Bischoff\n1989 Emschertal-Museum, Herne (K)\nSuermondt-Ludwig-Museum, Aachen (K)\n1990 Kunstverein Alsdorf e.V., Alsdorf\n1991 Leopold-Hoesch-Museum, Papier-Museum, Düren (K)\nGalerie Eglau, Kampen, Sylt\n1992 Grafikcentrum "Frans Masereel, Kasterlee, Belgien\nKunst an St. Peter, Aachen\nEschweiler Kunstverein e.V., Eschweiler\n1993 Galleria Cavalletto, Locarno, Schweiz\n1994 Biblioteca "Salita die Frati", Lugano, Schweiz\n1996/97Suermondt-Ludwig-Museum, Aachen (K)\n1997 Museum in der Alten Post, Mülheim an der Ruhr (K)\nKäthe Kollwitz Museum Köln (K)\nGalerie Art e.V. Galerie e.a. Zimmermann, Erfurt\n1998 UCT Irma Stern Museum, Kapstadt, Süd-Afrika\n1999 Maternushaus Köln "Engel" (K)\nKunst an St. Peter, Aachen "Engel"\nKünstlerbunker, Leverkusen-Opladen, "Arbeiten auf Papier"\n2001 Stadtmuseum Euskirchen "Landschaften"\nPfarrkirche St. Martin, Langerwehe "Die Gequälten"\n2002 Pfarrkirche St. Marien, Eschweiler-Röthgen "Leid Linien"\n2002/03Deutsches Buch- und Schriftmuseum,\nDie Deutsche Bibliothek Leipzig "Steine des Anstoßes" (K)\n2003 Städtische Galerie Haus Basten, Geilenkirchen "Imago Mortis"\n2005 Galerie de Nickel Schuppen, Jülich-Koslar "Von Angesicht zu Angesicht"\nInstitut Sint-Maria, Antwerpen, Belgien\n2006 Junkerhaus Simonskall, Hürtgenwald "Das sitzt"\n2007 Kunstverein Canthe, Hückelhoven-Ratheim "Ausschweifungen der Linie"\n2008 Galerie Art Engert, Eschweiler "Betretene Gesichter"\n2010 Kloster Steinfeld, Eifel "Das andere GOTTES bild"\nEschweiler Kunstverein e.V., Eschweiler "Ganz nah"\n1963 IV. Grand Prix International de Peinture et de Sculpture de Monte Carlo,\nSalon Bosoi, Monaco\n1976-73 u. 75 Winterausstellung Bildende Künstler aus NRW Kunstpalast, Düsseldorf\n1968 Gast beim Künstlerbund, Suermondt-Museum, Aachen\n1973 Kunstauktion "Open-air", Fußgängerzone Damengraben, Aachen\n1973-75 IBK Aachen, Suermondt-Museum, Aachen\n1974 Neuerwerbungen 1972 1974, Leopold-Hoesch-Museum, Düren\nBiennale Wien, Europahaus Wien, Österreich\nBelgische Kulturwoche, Neue Galerie Sammlung Ludwig, Atrium, Aachen\nCourtois-Küpper, Van Rafelghem Dohmen\n1976 6. Grafikbiennale Krakau, Polen (K)\nIntergraphika Kattowitz, Polen (K)\nGrafikbiennale Ibiza, Spanien\n4. Grafikbiennale, Frechen (K)\nInternationale Grafik in Belgien, Wanderausstellung durch 7 Städte in Belgien\n1977 5 Jahre Rijkscentrum Frans Masereel, "De Warande" Turnhout, Belgien\n1978 VIII. Grafikbiennale Ibiza, Spanien (K)\n1979 Neuer Berliner Kunstverein e.V., Berlin\n1980 IX. Grafikbiennale Ibiza, Spanien (K)\nWanderausstellung Druckgrafik aus dem Rijkscentrum "Frans Masereel", Belgien\nDurch 14 Staaten der USA\n1982 X. Grafikbiennale Ibiza, Spanien (K)\n"Künstler in Aachen heute" Suermondt-Ludwig-Museum, Aachen (K)\n1984 "Künstler in Aachen heute" Suermondt-Ludwig-Museum, Aachen (K)\n1986 8. Internationale Grafik Triennale, Frechen (K)\n1986-92 Große Kunstausstellung NRW, Kunstpalast, Düsseldorf (K)\n1987 1. Rhein-Kunst-Triennale, Kunstverein e.V., Frechen (K)\n1988 Koninklijke Kunstring Heikracht, "Nordlimburgse Industrieprijs" Neerpelt, Belgien\n1989 18. Internationale Biennale für Grafik, Ljubljana, Jugoslawien (K)\nGeorgia Museum of Art in the University of Georgia, USA\nGrafik vom Frans Masereel Centrum, Belgien\n1989-90 Drucken vom Stein, Zwei Jahrhunderte Lithographie, Töpferei-Museum, Langerwehe\nNeue Galerie-Sammlung Ludwig, Aachen\n1990 Burggalerie Stolberg, Plastik-Malerei, H. Bischoff H. Hungerberg\nSkulptur-Zeichnung, D. Krämer W. Dohmen\nGrafik der Gegenwart, Vlaams Cultureel Centrum "De Brakke Grond"\nAmsterdam, Niederlande (K)\n6. Internationale Biennale für Portrait, Grafik und Zeichnung, Tutzla, Jugoslawien (K)\n1991 Grafik der Gegenwart, Kulturzentrum Alte Pumpe, Berlin\n1991-92 Print Europe, England\nConcours Gallery, London\nLoughborough College of Art and Design, Leicestershire\nRamsgate Library Gallery, Kent\nWoodlands Art Gallery, London (K)\n1993 1. Internationale Grafiek Biennale, Maastricht, Niederlande (K)\nStädtische Galerie Peschkenhaus, Moers (K)\n1994 Frans Masereel Centrum, Obra Grafika, -Sa Nostra- Palma, Mallorca, Spanien (K)\n1996 Nationale der Zeichnung, Augsburg (K)\nKünstler im Kreis Düren, Leopold-Hoesch-Museum, Düren\nKreissparkasse Düren (K)\n1997 14 Künstler zum Karfreitag, St. Michael, Großbüllesheim/Euskirchen (K)\n25 Jahre Grafik, Frans Masereel Centrum, Kasterlee, Belgien (K)\n1998 Grafik der Gegenwart, Kunstforum Bonn\n1999 "Hommageà Senefelder" Galerie Waidspeicher im Kulturhof zum Güldenen Krönbacken, Erfurt\nMuseum der Arbeit, Hamburg 200 Jahre Lithografie\nPfarrgarten Schevenhütte, 300 Jahre Pfarre Schevenhütte\nKunstmuseum in der Alten Post, Mülheim an der Ruhr, "Schachtelnkunst"\n2000 Wilhelm-Fabry-Museum, Hilden, "Neues vom Tod"\nEmschertal-Museum, Herne "Kopf an Kopf" (K)\n2002 Eschweiler Kunstverein e.V. "Wege zur Kunst" St. Peter und Paul, Eschweiler\nKBC Bank, Antwerpen, Belgien, "Veerle Rooms-in Dialoog"\n2003 Jubileumtentoonstelling "Frans Masereel Centrum" Kasterlee, Belgien\n2004 Kunst in de Stad Tienen, Huis Van Ranst, Belgien (K)\n2005 Frans - Masereel Centrum, Kasterlee, Belgien\nEifelmuseum Blankenheim, "Sag mir, wo die Zitronen blüh n\nLandschaft als malerische Erfindung"\nEngramme, Québec, Kanada, Exposition collective Centre Frans Masereel\n2006 Galerie LESSEDRA, 5. World art Print (Mini-Print), Sofia, Bulgarien (K)\n2007 Eifelmuseum Blankenheim, "punkt, punkt, komma, strich Das bin ich!"\n20. Deutsch-Niederländische Grafik Börse, Stadthalle Vennehof, Borken\n2008 21. Deutsch-Niederländische Grafik Börse, Stadthalle Vennehof, Borken\n10. Kunstmesse "Impulse" International, Osnabrück\nKunsthaus Rhenania, Köln, Internationaler Salon für Originalgrafik\n2009 Eifelmuseum Blankenheim, "Drucksachen"\n5. Internationale Biennale für Grafik, Tetovo, Macedonien\n2010 Stadtmuseum Euskirchen, "Klang und Stille"\nKunstraum, Galerie der Akademie Kloster Steinfeld, "Künstlerische Positionen"\nAtelier K en Chartreuse, Miribel-les-Echelles, Frankreich\nTheatermuseum Düsseldorf, "Narren Masken Karneval"\nWilhelm Josef Oomens wurde im Jahre 1918 in Holland geboren. Seit 1949 gehört er dem Orden der Jesuiten an und war langjähriger Direktor des Zentrums für Orientation und kulturelle Bildung in Limburg. Seit 1985 war er neben der Ausübung seines Berufs als Pfarrer in der Gemeinde St. Antonius in Eschweiler/Röhe bis 2005 immer auch als Maler tätig.\nIm Oeuvre von Wilhelm Josef Oomens gibt es drei Komponenten, die für seine Form der Kunst ausschlaggebend\nsind. Zum einen geht es für ihn persönlich um den Akt der Malerei selbst, der aber nie zum reinen Selbstzweck avanciert. Zum anderen nutzt er dabei die Chance, in diesem Prozess der Schöpfung nach verborgenen Momenten, Gefühlen und Motiven im Leben der von ihm erschaffenen Figuren zu fahnden. Selbst wenn es in seinen Arbeiten "nur" darum geht, Szenen der Bibel Gestalt und Form zu geben, geschieht dies nicht erst auf Pergament, sondern schon lange vorher im Geist. Stück um Stück schaut er aus nach den Augenblicken im Leben der von ihm dargestellten biblischen Personen, die schwarz auf weiß gedruckte Worte nicht überliefern können. Diese Momente möchte er zu anschaubarer, erfahrbarer Realität werden lassen, was seine Darstellung biblischer Szenen zu einer in Kunst umgesetzter Form der Exegese werden lässt.\nDie dritte, entscheidende Komponente, die nicht zu letzt Anlass ist, eine Auswahl aus dem OEuvre zu präsentieren, ist Wilhelm Josef Oomens Zuversicht in die Ausstrahlungskraft seiner Bilder, die den Betrachtern gefallen und sie dazu anregen sollen, durch genaues Hinschauen tiefer in die Ereignisse der Bibel einzudringen.\nSeine Bilder laden dazu ein, eine Weile über das Dargestellte nachzudenken. Begeben wir uns auf den Weg, einmal genauer hinzuschauen.\nSchon seit seiner Kindheit war Kunst Bestandteil seines Lebens. Doch die Leidenschaft Kunstwerke zu schaffen entwickelte sich erst später. Zu erst entstanden Bilder, dann Skulpturen aus Holz, Stahl und Stein. Später entdeckte er, dass Skulptur und Text sich ergänzen können. Hatte er bisher meist Kurzgeschichten und Märchen verfasst, wurden nun seine Werke durch Texte vervollständigt. So entstanden Monologe, Spielstücke und Geschichten die sich auf die Skulpturen bezogen. Höhepunkt war die Aufführung eines kurzen Theaterstücks, das Arlt zur Skulptur "Warten auf " verfasste und von Schauspielern aufgeführt wurde.\nSeine Intension beschreibt Arlt mit dem Satz aus einem chinesischen Glückskeks:\n"Den flüchtigen Gedanken festhalten"\nSchwerpunkte seines Schaffens liegen in der Gestaltung von Figuren aus Baustahl, die abschließend nur gering behandelt werden, d. h. das Roheisen wird mit einfachen Mitteln zum Oxydieren gebracht.\n2005 Ausstellung Haus Speuser\n2006 Ausstellung Raiffeisenbank Oberbruch\n2007 Ausstellung AWO Rösrath\n2008 Grand Opening Interroll Baal\n2009 Ausstellung Ferrum Frankfurt\n2011 Ausstellung "Facetten der Vergänglichkeit" Café Augentrost Köln\n2006 Weihnachtsmarkt Ophoven\n2007 Kunstevent Erkelenz Kunstlabor\n2008 Kunstevent Erkelenz Kunstlabor, Kunstoffensive Wegberg\n2009 Ausstellung Oxydation Baal, Kunst- und Kulturtag Wassenberg, Kunstevent Erkelenz Kunstlabor, Kunstoffensive Wegberg\n2010 Ausstellung Musik im Haus Rheydt, Kunst- und Kulturtag Wassenberg, Kunstevent Erkelenz Kunstlabor, Kunstoffensive Wegberg,\nAufführung zur Skulptur "Warten auf " Erkelenz\n2011 Kunsttour HS Schloss Zweibrüggen\nAufstellung der Skulptur "Wartezeit" am Bahnhof in Geilenkirchen-Lindern\nComiczeichner, Autor, Illustrator, Herausgeber\nIn den 90ern nahm Blöß als Cartoonzeichner für namhafte Konzerne Aufträge entgegen und konnte gut davon leben. Es machte ihn aber nicht zufrieden. Heute gibt er seine eigenen Serien heraus: Künstler-Biografien als Comic.\nIn der Ausstellung werden großformatige Bilder auf Leinwand, kleinere Bilder, Originale und Skizzen gezeigt. Bei den Motiven handelt es sich um Arbeiten aus seiner Heftreihe mit illustrierten Biografien zum Leben und Werk wichtiger Künstler.\nIm plakativen Stil der Bilder finden die ansonsten eher getrennten Genres Illustration und Malerei zu einer reizvollen Einheit.\nEinerseits bietet die Ausstellung eigenständige, dekorative Bilder zum Anschauen.\nZusätzlich, als besonderer Service, bieten die Hefte der Reihe unterhaltsame Hintergrundinformationen zum Dargestellten.\nDargestellt sind Ereignisse und Menschen, die man kennen könnte oder, falls nicht, kennen sollte.\nVor etwa 15 Jahren hatte Blöß die Idee zu der Heftreihe.\nDie Konzeption: Leben und Werk wichtiger Künstler - Schul- und museumstauglich, informativ, übersichtlich, grafisch anspruchsvoll, unterhaltsam, preiswert - eine Alternative zum "dicken Wälzer", für Kunstfreunde und Leser aller Altersstufen, empfohlen ab 13 Jahre.\nIm Jahr 2002 erschienen die ersten 5 Titel (Warhol, Beuys, van Gogh, Picasso, Hieronymus Bosch) im handlichen Pocket-Format zum Stückpreis von 3,- Euro,\nmittlerweile sind 20 Titel lieferbar.\nWilli Blöß, Jahrgang 1958, lebt und arbeitet in Aachen.\n1983-89 Studium an der Fachhochschule Aachen bei Prof. Günther Knipp\n1990 Förderpreis des Rheinischen Kunstvereins\n1995 Förderpreis der Europäischen Vereinigung Bildender Künstler aus Eifel und Ardennen\n2005 Stipendium Heinrich-Böll-Cottage in Achill Island, Irland\nseit 2000 Mitglied der Münchener Secession e.V.\nlebt und arbeitet in Aachen und in Friedrichshafen\n2012 ProjektArtGalerie, Bielefeld\n2011 Wildthurner Künstlertage 2011, Schloss Wildthurn /Landau an der Isar\n"Landschaft , BBK-Galerie, Aachen\n2010 8 Zeichner der Münchener Secession, Galerie Markt Bruckmühl\n"Melancholie" mit Michael Dohle und Viorel Chirea, Galerie 45, Aachen\n"Parallel", Kunstforum Düsseldorf\n2009 "Arbeiten auf Papier", Verein für Original-Radierung, München\n"Carte Blanche III", St. Fronleichnam, Aachen\n2008 "Aachen(er) Art", Artco Galerie, Stawag, Aachen\n"BBK Jahresausstellung", Stapelhaus, Köln\n"Haus-Mythos und Metapher II", Oberste Baubehörde, München\n2007 "Percorsi Paralleli/Parallele Wege , Palazzo Albrizzi, Venedig, Italien\n"Zwischen-Feld-Raum", mit Michael Dohle und Dieter Call, Schloss Burgau, Düren\n2005 "Zustände", mit Michael Dohle und Loni Liebermann, Kunstverein Eschweiler\n"Künstler der Galerie", Galerie Forum Lindenthal, Köln\n2003 Schloß Burgau, mit Sigrid von Lintig und Anne Gold, Schloss Burgau, Düren\n2001 "Die Kunst gesehen zu werden", Neuer Aachener Kunstverein\n"10 Jahre Solinger Kunstverein", Gräfrather Museum Baden\n"A Müncheni Szecesszió müvészei", Budapester Galerie, Budapest, Ungarn\n1999 "Nationale der Zeichnung", Augsburg\n"Die Mitte der Nacht", St. Peter Aachen\n"Aachen 2000, Künstler in Aachen heute", Ludwig-Forum, Aachen\n1998 "Salon de Printemps 98", Letzebuerger Artisten Center, Luxemburg\n1990 "Die anderen Zehn", Neuer Aachener Kunstverein\n1986 "Zeichnung und Plastik", Städt. Galerie Viersen\n1994-2009 jährliche Beteiligung an der "Großen Kunstausstellung München , Haus der Kunst\n2012 "Zeichnungen , Galerie Oliver Ahlers, Göttingen\n"Stillstand / Standing Still , The Wyer Gallery London, U.K.\n"Visite mit Michael Dohle, Künstlergruppe Die Burg, Liebenweinturm, Burghausen\n2011 "In Betrachtung des Mondes , ArtGalerie Siegen (Nov.)\n"Out of home , (mit Michael Dohle), Oberste Baubehörde, München\n2010 "Nachtstücke", Galerie il quadro, Aachen\n2009 "Stahl-Stift", Monument Art Galerie, Jettingen, mit Katja von Lübtow\n"2 Café noir", mit Michael Dohle, Projekltartgalerie, Bielefeld\n2008 "In Betrachtung des Mondes", Forum für Kunst und Kultur, Herzogenrath\n2007 "Dépt 70",mit Michael Dohle, Galerie im Stammelbachspeicher, Hildesheim\n2005 "Beyond the Light , The Wyer Gallery, London, UK\n2001 "Licht", St. Peter, Aachen\n1997 "Drawings", Adams Art Gallery, mit Milford Apetz, Dunkirk, NY., USA\n"Zeichnungen", Ludwig-Forum für Internationale Kunst, Aachen\n"Industrielandschaft", Industriemuseum Stolberg\n1995 "Drawings", Linda"s Gallery, Pittsburgh, Pa., USA\n1994 "Introductions", Harcourts Gallery, mit William Riley, San Francisco, Ca., USA\n1993 "Zeichnungen", Galerie Schloß Borbeck, Essen\n1992 "Kontraste", Theatergalerie, Remscheid und Städt. Galerie Werne\n1991 "Kontraste", Theatergalerie, Solingen\n1990 "Zeichnungen", Burggalerie Stolberg\n1989 "Maschinenwelt , Städt. Kunstsammlung Eschweiler"\n"In Betrachtung des Mondes , Gerlinde Zantis-Zeichnungen, Katalog 2011, ISBN: 978-3-933722-36-2\n"Ich häng mir doch keine Maschine an die Wand , in Inter Linguas, Jg. 1, 1991, H.2\n"Gerlinde Zantis Zeichnungen , Broschüre, 1993\n"Die Zeit , Jg. 48, 1993, Nr. 50, 51, 52\n"Große Kunstausstellung München , Kataloge 1994 2009\n"100 Jahre Kunst in Eschweiler , Katalog\n"13. Nationale der Zeichnung , Augsburg, Katalog 1999\n"Die Mitte der Nacht , St. Peter, Aachen, Katalog, 1999\n"A Müncheni Szecesszió müvészei , Budaperster Galerie, Budapest, Ungarn, Katalog, 2001\n"Expo 2000 Hannover, Der Schritt ins Unbekannte , Katalog der Sparkasse Aachen, 2000\n"Münchener Secession e.V. , Katalog, 2007\n"10 Jahre BBK Hildesheim , Katalog 2007\n"Haus Mythos und Metapher II , Katalog, 2008\nGründer- und Service-Center, Hückelhoven\nMinisterium für Kultur, Jugend, Familie und Frauen; Mainz\nSammlung der Münchener Secession im Lehnbachhaus\nIn den Arbeiten der Fotokünstlerin Mechthild Roth-Reinecke aus dem Genre Stillleben "dürfen" die Alltagsgegenstände aus Küche und Haus ein eigenes Leben führen. Durch die Zusammenstellung, durch enge Anschnitte, extreme Vergrößerung (z.B. einer auberginefarbenen Zwiebel) und durch gezielte Licht- und Schattenführung wird jede Darstellung in ein neues Szenario verwandelt. Ein Kürbis nimmt den Schatten eines hinter ihm stehenden Glases auf und verbindet sich mit ihm zu einem orange-grünen Farbenrausch auf schwarzem Grund. Repros von Polaroids aus den Siebzigern (denn da schon schätzte die Fotografin die Besonderheiten des Alltäglichen) geben durch das Stehenlassen von Gebrauchsspuren und weichen Farbverläufen, wie sie nur der analogen Fotografie zu eigen sind, neue Sicht auf alte Darstellung. Eine andere Serie erzählt durch das Zusammenfügen zweier Fotografien aus dem gleichen Kontext kleine Kurzgeschichten. Ergänzt wird ihre Arbeit durch alternative Fotoalben, hergestellt aus Malerleinen, bemalten und gewachsten Papieren, gefüllt mit "Banalem" (z.B. einer Glühbirne auf gelber Wand, sonst nichts) im\nAlle Arbeiten basieren auf der " Passion" der Fotografin, die Fotografie als eigenständiges\nkünstlerisches Medium zu erhalten ohne Anpassung an sämtliche Neuerungen!\nMonika Sunder-Jonas *1967\nTel./Fax: 02403 839899\nSeit 2010 Kunstlehrerin an der Bischöflichen Liebfrauenschule\nSeit 2002 Dozentin Kunst Evangelische Kirche in Eschweiler\nWorkshops und Kurse in Kunst mit Kindern, Jugendlichen/\n2006 - 2007 Kunst-AG evang.Grundschule Jahnstraße, Eschweiler\n2007 - 2010 Kunst-AG kath.Grundschule Dürwiss, in Zusammenarbeit\nmit dem NRW Landesprogramm Kultur und Schule\nIn 2010 Kunst-AG an der Wehebachschule in Langerwehe\n2007 bis 2010 Erwachsenenkurse "Kunst" an der VHS Eschweiler\n2007 bis 2010 Gastdozentin an niederländischen Schulen (Schulprojekte)\n1994 bis 2002 Künstlerische Leiterin einer städtischen\nBildungseinrichtung in den Niederlanden, Heerlen:\nStiftung Hee-art, seit 2000 Kontaktpunkt für Kultur\n1996 -2002 niederländische Beamtin\nAufgabenfelder: - Verantwortung für die inhaltliche,künstlerische Qualität\ndes gesamten Kursangebots, Erstellen der Prospekte,verantwortlich für die\nPR und Öffentlichkeitsarbeit, Selektion und Prüfung der Dozenten und für die\nPräsentation und Kontaktpflege zu anderen Kultureinrichtungen der Stadt,\nEntwicklung, Konzipierung und Ausführung von Schulprojekten (Siehe Liste\nder bereits ausgeführten Projekte) - Schulungen von Dozenten an\n1995 bis 1998 Führungen im Bonnefantenmuseum, Maastricht, in\nFachgebiet: zeitgenössische Kunst, Wechselausstellungen\nStudium Kunst / Kunstwissenschaft / Philosophie /\nSeminare bei Prof. Rolf Thiele, Hochschule für Künste Bremen\nDie von Barbara Schulte-Zurhausen verwendete Technik, natürliche wie auch synthetische Farbstoffe als Pigmente in Eitempera gebunden auf unterschiedliche Bildträger aufzutragen, eröffnet die Möglichkeit, den Farben eine Mehrdimensionalität zu verleihen. Dadurch gelingt es, abhängig vom Betrachtungswinkel und Lichteinfall eine Vielzahl von Farbtönen zu erzeugen. Auf diese Weise bewirkt das Durchscheinen tieferliegender Farbschichten einen Farbeindruck beim Betrachter, der die Farbe als das komplexe Wahrnehmungsprodukt miteinander verflochtener farblicher Tiefenstrukturen erscheinen läßt. Die Farbe präsentiert sich somit nicht als etwas ausschließlich Gegenständliches, sondern sie ist das stets wechselnde Resultat der Wahrnehmung, die sich im Auge des Betrachters einstellt.\nIhren Abschluß findet diese Konzeption der Malerei von Barbara Schulte-Zurhausen in der räumlichen Anordnung der Bilder. Deren Abstand zueinander ist ein weiteres Mittel, Farbnuancen hervorzuheben. Diese Möglichkeit zur Verfeinerung subtilster Farbschattierungen hat sie in seriellen Bildsequenzen, sogenannten Farbbändern, eingesetzt. Die minimal variierten Farbtöne werden durch unterschiedliche Abstände zueinander in ein farbliches Spannungsverhältnis gebracht und lassen durch ihren Zusammenklang jeweils neue Farbempfindungen entstehen.\nHandwerkliche Ausbildung in den Sechzigern,\nMitarbeit in Presse u. Werbestudios.\nSeit 1980 bildende künstlerische Tätigkeit\nSeit 1971 Fotografin an der Heinrich-Heine Universität Düsseldorf\n1994- 1997 Dozentin für Fotokurse an der Heinrich-Heine Universität Düsseldorf\n2005- 2013 Webdesignerin an der Heinrich-Heine Universität Düsseldorf\nMitglied: BBK Düsseldorf, Vorstand, Stellvertreterin\nMitglied: Verein der Düsseldorfer Künstler VdDK\nMitglied: GEDOK A 46 e.V. 2002 bis 2010 im Vorstand, 2008- 2010, 1. Vorsitzende\nMitglied: Produzentengalerie Judith DIELÄMMER\nMitglied: Düsseldorfer Künstlerinnen\nund zahlreiche Einzelausstellungen im In- und Ausland.\nDie Ausgangsposition ist die klassische, analoge S/W- sowie die digitale Fotografie. Auf Holz, Leinwänden, Stühlen werden die Fotografien aufgetragen, die Bildträger werden mit Papier, Stoffe, Farben und Erde bearbeitet.\nStrukturen der Stoff, Farben, der Erde schimmern durch die Fotografie durch. Es wird Material aus dem häuslichen und industriellen Bereich entnommen.\nDie Arbeiten/Fotos werden aufgetragen, transferiert, ausgewaschen, es findet ein Lösungsprozess statt, es wird fixiert und versiegelt, gefaltet und zusammengelegt.\nMan sieht Gegensätzliches, fremde Kulturen, verbrauchte Gesichter, Gesunde und Kranke, nimmt Verletzbarkeit wahr, und sieht Lebensspuren. Die Materialien, die ausgewählten Überschriften der verarbeiteten Zeitungen, Risse und Kanten am Trägermaterial unterstreichen den Eindruck und die Aussage der Arbeiten.\nHanne Horn, Suitbertusstrasse 151, 40223 Düsseldorf, Tel.: 0211 335098\nKunst schafft Freiraum für Inspiration\nMeine Skulpturen sind Übersetzung und räumliche\nGestaltung von Gedanken, resultierend aus meiner Existenz\nim Lebensraum Welt.\nDas Kunstwerk als Reduktion eines komplexen\nGedankengangs, eine komprimierte Zusammenfassung\nder Eindrücke die zu seiner Entstehung geführt haben,\nkonzentriert in einer in sich ruhenden und\nMeine Arbeiten sollen Freiraum für Inspiration schaffen\nund Assoziationen und Fantasien der Betrachter anregen.\n1956 geboren in Ratheim / Maasland\nSeit1990 künstlerisch freischaffend tätig in den Arbeitsbereichen Grafik, Objekt und Installation\nmit dem Schwerpunkt Bildhauerei. Neben der eigenen künstlerischen Arbeit unter anderem Dozententätigkeit, Organisation und Mitarbeit bei öffentlichen Kunstprojekten.\nSeit 2004 Durchführung eigener interdisziplinärer Aktionen mit Musik und Literatur. Regelmäßig Atelierausstellungen und Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen im In- und Ausland.\nMitglied im BBK und der Internationalen Gesellschaft der Bildenden Künste Berlin\nDas Verhältnis Mensch - Universum ist das Hauptthema meiner Skulpturen.\nDurch seinen Geist ist der Mensch auch ein Universum. Meine Plastiken sind eine Verbindung zum Universum, voller Dynamik in aufstrebenden Strukturen oder der "kosmischen Keimung", die Wachstums- und Entwicklungsprozesse symbolisieren.\nGeboren: 12 November 1953 in Beidaud-Dobrudscha, Rumänien\n1976 - 1980 Kunstakademie Bukarest mit Diplomabschluss,\nFachrichtung "Skulptur" Prof. N. Adam\n1992 Mitglied des Salons "Arts-inter, Aix en Provence, Frankreich\n1996 Mitglied des Bundesverbandes Bildender Künstler Aachen/Euregio\n1991/92/93/94 "Salon d'Automne" Grand Palais, Paris, 1992 Salon "Arts-Inter" Aix en Provence, Frankreich, 1996/97 Kunstmesse "Etruria arte" Venturina Italien, 1996/97 Kunstmesse "Lineart" Gent Belgien, 2007 "Salle Capitulaire-Mably" Bordeaux Frankreich,\n2007 "Unique Gallery" Köln, 2013 "Visuelle Aspekte III" Galerie21 Aachen.\n1994 "Residence Prestige" Embourg bei Liege, Belgien, "Technologiezentrum Agit", Aachen, 1995 "Stolberger Burg",bei Aachen, "Everarts" Galerie, Paris, "Art present" Galerie, Paris,\n1997 "EP Galerie" Düsseldorf, 1998 "Artis Joke" Galerie, Maastricht, 2000 Europarat Strasbourg,\n2002 "NATO HQ" Brüssel, "AMAGA" Galerie, Mailand,\n2003 "Krönungssaal" Aachen, 2004 Senioren-Wohnheim Brühl\n"Zeitraum Spirale", rostfreier Stahl, Neustadt a.d. W., Deutschtand\n"Freiheit", rostfreier Stahl, Schlecker Konzernzentrale, Ehingen, Deutschland\n"Raum Dialog" Bronze, St.Edmund's College, Cambridge, England\n"Synergie" rostfreier Stahl, Luisenhospital, Aachen, Deutschland\n"Genese" Bronze+Granit, Senioren-Wohnheim, Brühl, Deutschland\nPreis für die Skulptur von Tirgoviste, Rumänien\nPreis des Salons "Arts-Inter" Aix en Provence, Frankreich\nKunstwerke in Privatsammlungen:\nRumänien, Norwegen, Schweiz, Argentinien, Italien, Belgien, Luxemburg, Frankreich, Niederlande, England, Australien und Deutschland.\nRoland Mertens Maler und Aktions-Künstler\nRoland Mertens, geb. 1952, lebt und arbeitet in Aachen.\n1969 1973 Kunstakademie Düsseldorf, Klasse Joseph Beuys.\nMit seinen Ölgemälden, gekritzelten Zeichnungen und gattungsübergreifenden Installationen führt der Aachener Künstler den Betrachter in die Welt des Staunens. Die ausgeführten Artefakte erscheinen wie Fundstücke einer schillernden Vergangenheit, die es zu enträtseln gilt.\nSo erinnert z. B. ein Schilfkörbchen an die biblische Geschichte des Moses und ein anderer Werkzyklus mit einer Reihe geheimnisvoller dunkler Frauenporträts könnte im 17. Jahrhundert gemalt sein.\nKernstück einer weiteren Installation ist ein erbsengroßer Karren, der spieluhrenähnlich seine Kreise im Glaszylinder dreht und die im Mittelalter geschätzte Attraktion von Jahrmärkten aufgreift, in denen winzige Kutschen von Flöhen gezogen wurden.\nDie Referenz der Werke von Roland Mertens sind immer in anderen Jahrhunderten zu finden.\nSeine von antiker Mythologie, barocken Märchen oder romantischem Abenteuer inspirierten Bildmotive und Bilderzählungen befassen sich mit zentralen Schlüsselszenen der Kulturgeschichte und lassen diese leicht greifbar und sonderbar zeitlos erscheinen.\nEbenso wie sein Lehrer steht Roland Mertens für Aktion-Kunst. Mal verteilt er Zertifikate an Bürger, die sich trauen ihr Geld zu verbrennen, mal sucht er einen verborgenen Schatz. Aber Mertens kann auch anders, sein Geld verdient er nämlich mit klassischer Malerei, mit Stillleben und Bildern mit Barockeinfluss. Darin ist er ein wahrer Meister.\nAusstellung Karl Th. Heimbüchel in memoriam\n7.11.14 RaiBa, Eschweiler\nKarl Theodor Heimbüchel wurde am 15.8.1914 in Eschweiler geboren. Dank des persönlichen Kontakts und der guten Dokumentation von Siegfried Tschinkel ist es möglich, den Künstler und seine Werke sowie sein Leben zu beschreiben. Karl Th. Heimbüchel, der schon mit 3 Jahren versuchte, die Tiere nachzuzeichnen, die ihm seine Mutter vorzeichnete, malt, so sagte er einmal, solange er denken kann.Schon während seiner Schulzeit am damaligen Eschweiler Realgymnasium lässt er sich von seinem Zeichenlehrer, dem Eschweiler Künstler Adam Bachmann, inspirieren. Seine gründliche künstlerische Ausbildung erhält er dann in Aachen bei Professor von Brandis und Josef Mataré. In seinen Lehrjahren wird er maßgeblich beeinflusst von Max Liebermann, Schmidt-Rotluff und Otto Dix, mit dem er bis zu seinem Tod freundschaftlich verbunden war. Nach dem Wehr- und Kriegsdienst kehrt er 1947 in das väterliche Haus nach Eschweiler zurück, wo er sich ein Atelier einrichtet, das sein ganzes Leben hindurch sein Hauptaufenthaltsort, sein Arbeitsplatz und Experimentierfeld sein wird.Ich zitiere Heimbüchel: " Erst wenn ich ein Ding zeichnen oder malen konnte, habe ich es begriffen." Der Reiz liegt für ihn im Suchen und Erproben. Er ist offen für äußere Einflüsse, holt sich viele Anregungen auf Reisen in verschiedene europäische Länder, vor allem in Frankreich und Spanien. Er geht unbeirrt seinen Weg, der Tatsache bewusst, dass es für einen freischaffenden Künstler keine soziale Sicherheit gibt. Er ist voller Plane und Ideen, seine Devise "Malen ist Arbeit" führt ihn zu einer ungeheuren Produktivität. Stets auf der Suche nach Neuem experimentiert er mit neuen Techniken und Ausdrucksformen.Heimbüchel lässt sich, wie man in der Ausstellung gut sehen kann, nicht auf eine Stilrichtung festlegen. Man gewinnt den Eindruck, als ob er bewusst gegen die jeweiligen Modetrends des Kunstmarktes gearbeitet hat.Sehr kritisch steht er der kommerziellen Kunst gegenüber. Sich vermarkten lassen bedeutet für ihn, seine Freiheit aufs Spiel zu setzen. Nur ungern trennt er sich von seinen Bildern, obwohl er weiß, dass man Bilder auch verkaufen muss.1961 stellt sich Heimbüchel erstmalig in einer Einzelausstellung in Bonn der Öffentlichkeit vor. Schon bald folgen bedeutende Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland, die den Künstler weit über die Grenzen Eschweilers hinaus bekannt machen.Heimbüchel arbeitet so, wie es ihm passt. Spielerisch experimentiert er mit den verschiedensten Techniken, wobei er sich selbst gern vom Ergebnis überraschen lässt. Was er einmal beherrscht, wird schnell uninteressant für ihn. Bei seiner Arbeit, die er sehr ernst nimmt, steht die Freude am Experimentieren mit Farben, Formen und Techniken im Vordergrund. In den siebziger Jahren entwickelt er eine neue Technik: Decalquagen Bilder im Abklatschverfahren. Es entstehen traumhaft anmutende Landschaften, meist kleinformatig in zarten Farben, die je nach Standpunkt des Betrachters, verschiedene Sichtweisen ermöglichen. Zitat des Künstlers: " Das faszinierende an der Natur ist, dass sie noch da ist, dass es noch Fleckchen gibt, die der Mensch noch nicht zerstört hat. Darum sollte man das, was man sieht, bildlich festhalten, für immer einfangen, ehe sich niemand mehr vorstellen kann, dass es das auch einmal gegeben hat."Karl Theodor Heimbüchel fühlte sich in guten wie in schweren Zeiten der Kunst verpflichtet. Hintergründiger Humor, Heiterkeit, Experimentierfreude und Sensibilität gehörten ebenso zu seinem Wesen, wie künstlerische Leidenschaft und ständige Suche nach den eigenen Grenzen. Völlig unerwartet starb er 1980 im Alter von 65 Jahren. Er hat sein Werk nicht vollenden können, uns aber ein Erbe hinterlassen. Diese Ausstellung gibt uns einen kleinen Einblick in sein Schaffen. Karl Th. Heimbüchel: " Ein Bild lebt von dem, was es in seinem Betrachter auslöst."\nAus der Form heraus malen\nAuf den aktuellen Bildern des Malers Klaus Grünke ist der (vereinzelte) Gegenstand kein Alibi, sondern die Gelegenheit, Malerei zu erproben. Die geschlossene Form hilft ihm, den Bewegungen der Farbe zu folgen. So gibt die Form dem Ganzen zwar Halt, ist aber nicht der entscheidende, bestimmende Bildanlass. Denn Klaus Grünke geht es keineswegs um das Abbilden von etwas. Ihm geht es um die Manifestation von Malerei als einem Gefüge aus (sichtbaren) Bewegungen, Flüssen und Strömungen von Farbe und den Volumen von Farbkörpern und -feldern, den Charakteren von Oberflächen, ihren Strukturen, Hell-Dunkel-Beziehungen, ihrem Raumverhalten. Letztlich geht Grünkes Malerei über die (gegenständliche) Form hinaus, die nur Vehikel ist.\nZugegeben, das stellt (auch) für den Betrachter eine enorme Herausforderung dar. Denn manchmal stehen wir uns doch ganz einfach selbst im Weg. Statt dem Klang der Farben, ihrem Rauschen und Tönen nachzugehen, statt uns von klaren, mächtigen Formen umfangen zu lassen, uns in ihnen zu verlieren, statt ganz einfach zu genießen, was Künstler wie Klaus Grünke uns an malerischer Wucht und Wut und Fantasie anbieten, suchen wir sofort nach der Notwendigkeit für das, was zu sehen ist, fordern dazu eine Aussage ein, und erhoffen im Umkehrschluss Dispens für uns selbst. Von Genuss kann da längst keine Rede mehr sein. Denn statt auf unsere Augen "zu hören", ihnen und unserem Gefühl zu vertrauen, geht es uns einzig um Absolution. Weil die Kunst, Malerei zumal, nicht ohne Anlass und triftigen Grund existieren darf. Weil wir damit rechtfertigen, dass wir (hin)sehen.\nDabei muss man eine Fläche von annähernd dreieinhalb Quadratmetern mit nur einem einzigen Bildgegenstand, einem Körper und sei er noch so alltäglich erst einmal beherrschen; muss, wie es Klaus Grünke gelingt, erreichen, dass die malerische Spannung nicht nachlässt, weder beim zweiten, noch beim zehnten Hinsehen. Dem Maler steht ja keine Geschichte zur Verfügung! Ja, träfe man auf einen anderen Farbkanon, ein selbes Motiv gliche einer Landschaft, vielleicht einem Felsmassiv, durch das sich gleißend weiße Gletscher ziehen. Und was ließe sich an diesen Motiven sonst noch alles festmachen, wenn es denn bloß um die Motive ginge? Verletzung. Voyeurismus. Körperkult. Zivilisationskritik. So aber erzählen die Bilder nicht von den Dingen, sondern nur von Malerei. Davon, was passiert, wenn Farbe sich bewegt, wenn Farbe formt, wenn Farbe (einfach) Farbe ist.\n"Dem ersten Eindruck nach gelte ich als Landschaftsmaler, mit Motiven von Bäumen,\nWäldern und unbenannten Landstücken. Doch es geht mir nicht um die Darstellung sichtbarer Natur, vielmehr um die inneren Projektionen, die eines "inneren Auges". Meine Bilder entstehen im Atelier unter dem Eindruck von Erinnerungen, Skizzen und spontanen Ideen.\nOhne direkte topografische Beziehung arbeite ich dort mit Hilfe der Vorstellungskraft an den uns bekannten Bildern aus der erlebten Welt.\nIm Focus steht die Farbe, bestimmend für mich als Werkzeug für Inhalt und Form. Das Immanente eines Bildes, seine Formensprache, und das Transzendente, das Vorstellbare, finden Ausdruck durch Naturnähe bei gleichzeitiger Abstraktion. Durch Farbe kann ich Form erschaffen. Reduktion der Form heißt für mich nicht sie zu vernachlässigen, mehr sie anders zu gestalten.\nInfolgedessen verändert und erweitert sich auch meine Farbgebung.\nIch suche nach dem "zweiten Blick", hinter dem die Welt, so wie wir sie zu kennen glauben zurücktritt.\nAlle Gegensätze und sogar Widersprüche dürfen nebeneinander existieren, wenn sie malerisch eine kompromisslos anmutende Komposition ergeben, in der alles "vereint" auf der Leinwand zu einem Neuland erschaffen wird."\n1960 Geboren in Gummersbach, Nordrhein Westfalen\n1982 Studium der visuellen Kommunikation an der FH in Aachen\n1987 Abschluss als Diplom Designer an der FH Aachen\nseit 1987 freischaffender bildender Künstler\n2014 Kunst aus NRW, ehem. Reichsabtei Kornelimünster (Gruppenausstellung)\n2012 Förderankauf des Landes Nordrhein-Westfalen\n2012 Doppelausstellung "Malerei" Ausstellungsraum Atelierhaus Aachen\n2010 Culurele Werkgroup Stein, Terpkerk oud Urmond, "Terra Ingognita"\n2008 Galerie 45 Aachen, "Standpunkt Baum" (Gruppenausstellung)\n2008 Art2Connect, KunstTour Maastricht Timmerfabriek (Gruppenausst.)\n2007 Aachen: Burg Frankenberg (Gruppenausstellung)\n2006 Galerie der Burg Stolberg städtisches Kulturprogramm\n2005 "Nord Art 05" KIC Kunst in der Carlshütte Rendsburg\n2004 Stichting Maastricht Art Promotion Euregionaler Kunstmarkt\n2003 "Parasiten 03" Aachen (Gruppenausstellung)\n2003 Galerie Chiefs & Spirits Den Haag (Gruppenausstellung)\n2002 Ludwig Forum Aachen "Parasiten 02" (Gruppenausstellung)\n2002 8.Kunstausstellung "Natur Mensch", Nationalparkgem. Skt Andreasberg (Gr.Au.)\n2001 "Lichtung" Ausstellungsraum Atelierhaus Aachen\n2000 Sparkasse der Homburgischen Gemeinden, Nümbrecht\n1999 "Tokyo International Forum" Japan International Artists Society\n1999 "Originale" Aachen Fenster\n1998 "Aspekte heutiger Malerei" Aachen (Gruppenausstellung)\n1997 "Art Line III Borken Galerie Open Art und Kulturamt Borken\n1996 "Ausstellung und Auktion" Lions Club Aachen eh. VW Gelände (Gr.Au.)\n1996 "Way in Way out" Pantaleonshof - Brühl\n1995 "Art Line II Borken" - Gruppenausstellung\n1994 "Kreuzigungen" Galerie Kunstraum am Buttermarkt - Köln\n1994 "Kunststücke II" Kunstforum 3M Medica - Borken\n1993 "Art Line I Borken Openart Borken (Gruppenausstellung)\n1993 "Werke aus 92/ 93" Galerie Open Art - Borken\n1992 Galerie Art Modern - Aachen\n1992 "Augensausen" Bilder 91/ 92 Viva - Köln\n1990 "Malerei" Kulturinitiative Stolberg\nDie Tätigkeit des Sammelns ist so alt wie der Mensch selbst. Sammeln: Das bezeichnete schon in der Frühzeit der Menschheit nicht nur das Zusammentragen von Beeren, Früchten, Wurzeln und Kernen, um satt zu werden, sondern auch das Entdecken, Mitnehmen, Aufbewahren und Wieder-Anschauen von besonderen Gegenständen. Schon damals, vor vielen Tausend Jahren, kündigte sich eine Verbindung an, die heute nicht mehr wegzudenken ist: Die Verbindung zwischen Sammlung und Kunst. Doch wie drückt sich diese aus? Die Anhäufung mehrerer Kunstwerke ergibt eine Sammlung soweit bekannt , doch kann eine Sammlung auch auf Kunst einwirken? Gar selbst zu Kunst werden?\nIm September eröffnet im Eschweiler Kunstverein die Ausstellung Finderlohn: Gefunden Gesammelt Gemacht. Der Aachener Künstler Albert Sous zeigt darin Objekte aus mehr als 50 Jahren Sammlerleidenschaft. Es sind Fundstücke aus aller Welt, auf die er in fernen Ländern, mitunter aber auch auf hiesigen Schrottplätzen oder gar im heimischen Garten stieß. Sie zeugen von Erlebnissen und Erfahrungen und werfen Fragen auf. Vor allem aber erzählen sie Geschichten Geschichten aus seinem bewegten Leben und von seiner Arbeit als Goldschmied, Bildhauer, Künstler, die es zu ordnen gilt. "Aufräumen im Atelier und im Kopf war angesagt, passte auch zu dem bevorstehenden 80. Geburtstag", sagt Albert Sous selbst dazu.\nInzwischen wurde der Geburtstag begangen und die zahlreichen Fundstücke, Artefakte und Naturalien in Atelier, Werkstatt und Haus gesichtet, schematisiert, sortiert und neu geordnet. Alte Motive und Verbindungen wurden wiederentdeckt, neue Kontexte und bisher ungesehene Zusammenhänge erschlossen. So entstand mit und mit eine durchdachte Ausstellung, die einen weiten Bogen von Zufallsfunden bis hin zum fertigen Kunstwerk spannt.\nFast schon überladen wirkt das alte Werkstattregal, das, seiner Umgebung entnommen und für die Ausstellung herausgeputzt, Hunderte von Objekten trägt, darunter Steinwerkzeuge aus der Vorzeit und historische Tonscherben, aber auch einfache Steine, wie man sie an allen Küsten findet, diese aber entdeckt und aufgelesen mit diesem so besonderen, fast zärtlichen Blick, den Albert Sous für die Dinge hat. Andere Fundobjekte entstammen politischen Kontexten und erzählen die Geschichten ihrer Herkunft oder auch ihrer Zerstörung. Wenn andere sie liegen lassen, hebt Albert Sous sie auf, bewahrt sie und damit ihre Geschichten für die Nachwelt auf. In der Ausstellung sollen darum zahlreiche Objekte mit Hinweisen auf dem Umstand ihres Fundes versehen werden.\nWie tief die Tätigkeit des Sammelns und ihre Objekte auch auf Albert Sous' Arbeit einwirkte und dies auch bis heute tut lässt sich hier ebenfalls nachvollziehen. So kommt es, dass auch Großmutters Emaillegeschirr ein Platz zugewiesen wird. Ein Fragment einer Baumwurzel "beflügelt" die Fantasie im wahrsten Sinne des Wortes und lässt im richtigen Winkel einen Vogel erahnen, der sich zum Flug aufschwingt. Solchen auf den ersten Blick normalen und wenig künstlerischen Objekten gegenübergestellt werden fertige Kunstwerke, in denen die Formensprache jener nachklingt.\nEindrücklich lässt sich in Albert Sous' Ausstellung Finderlohn: Gefunden Gesammelt Gemacht ein Phänomen erkennen: Die Erhebung eines Fundobjektes zu einem Kunstwerk. Auf dem Schrottplatz erkannte der Künstler einmal in Stahlresten zwei Säulen. Sie bildeten den Auftakt zu einer Werkreihe, für die er Schrottplätze und Stahlwerke abklapperte, um weitere Säulen aufzutreiben. Dem ersten Fund, den zwei Säulen, gab er den Namen "Adam und Eva".\nImmer wieder führte in der Vergangenheit der Zufall Albert Sous zu Künstlern, die, wie er sagt, unvergessliche Werke geschaffen haben, indem sie Fundstücke, Müll und Schrott sammelten und zu Kunst verarbeiteten. Zu ihnen zählen der "Postbote" Ferdinand Cheval aus Hauterives mit seinem "Palais Idéal", der amerikanische Aktionskünstler Viktor IV. mit seinem Amsterdamer Schiff und mehrere kalifornische Künstler, die ihre Häuser mit verschiedensten Fundmaterialien erbaut hatten. Vor allem Flaschen in allen Formen und Farben kamen dabei zum Einsatz. Hier erkannte er sich wieder, hatte Albert Sous doch 1980, also zwei Jahre vor der Reise, mit der Flaschenkuppel aus grünen, braunen und weißen Einwegflaschen begonnen, die 1984 fertiggestellt wurde.\nSo lässt sich an dieser Stelle die anfangs gestellte Frage von neuem stellen: Kann eine Sammlung selbst zu Kunst werden? Die Beispiele der Künstler, die aus Fundobjekte und Abfall Werke hervorgebracht haben, zeigen: Sie kann. Und auch Albert Sous' Ausstellung Finderlohn: Gefunden Gesammelt Gemacht ist eigentlich selbst ein Kunstwerk. In ihrer Auseinandersetzung mit Fragen nach dem Wert eines Objektes und dem Moment der Inspiration ist sie bisweilen poetisch. Gleichzeitig ist sie immer auch autobiografisch, zeichnet Wege und Erlebnisse von Albert Sous nach, erzählt von seiner Begeisterung für den Zufall und beleuchtet, was diesen doch immer auch sehr politisch denkenden und agierenden Künstler bewegt.\ngeboren in Stolberg/Rheinland\nStudium Bildhauerei, Werkkunstschule Aachen\nMeisterprüfung als Gold und Siberschmied\nHeirat Susi Sous\nAuszeichnung Juwel des Jahres\nBaubeginn Atelier und Wohnhaus in Würselen\nGeburt von Vera, Stefan, Susanne, Milos\nBayerischer Staatspreis für Schmuck\nErweiterung des Ateliers, Bau des Schmucktresors\nBau der Flaschenkuppel auf dem Schmucktresor\n1983 Staatspreis Goldschmiedekunst Nordrhein-Westfalen\nBildband Sous Unter Goldschmied von Peter Cornelius\nBildband Albert Sous Miniatur Monument von Prof. Dr. Wolfgang Becker\nerste Ausstellung im Schmucktresor, bis 2001 findet hier fast jedes Jahr eine Ausstellung mit Schmuck und Skulpturen statt\nEinzelausstellung im Atrium, Neue Galerie Sammlung Ludwig\nSchmuck/Gerät/Plastik Einzelausstellung im Deutschen Goldschmiedehaus Hanau\nContemporary Artisans Gallery San Francisco, Kalifornien\nGemeinschaftsausstellung mit Lo van der Linden in der Stadsgalerij Heerlen NL und auf dem Katschhof Aachen\nGalerij Hooge Hees Eindhoven/NL\nArchäologischer Park des Regionalmuseums Xanten mit Marietje Mazel und Lo van der Linden\nGruppenausstellung Rheingold Suermondt-Ludwig Museum Aachen\nGruppenausstellung Chateau de Bussières, Burgund/F\nCouven Museum Aachen Albert Sous Das Goldwerk\nCouven Museum Aachen Faszinosum Gold\n23. Ausstellung im Tresor Ein Hauch von Gold\nRömerthermen Zülpich Museum der Badekultur. Einzelausstellung Faszinierend. Weiblich. Schmuck und Skulptur\n24. Ausstellung im Tresor und Atelier Der verstrahlte Traum\nEschweiler Kunstverein "Gefunden Gesammelt Gemacht"\nTeilnahme an weiteren Ausstellungen im In- und Ausland\nIngrid Pirnays künstlerische Vorstellung bewegt sich häufig weg von der Realität.\nImaginäre und reale Erinnerungen vermischen sich.\nAus verschwommenen, fast vergessenen Eindrücken von Natur und Architektur setzen sich Bilder zusammen, die in starken Farben, meist Acryl, auf die Leinwand gebracht werden. Die dabei verwendete Spachteltechnik ist geradezu ideal für die Entfremdung von der Realität.\nFür ihre Portraits wählt sie als Medium das Bienenwachs. Ein Material, mit dem sich beständige Aussagen treffen lassen und das trotzdem bis zum Abschluss der Arbeit nachgiebig bleibt. Die Tücken des Werkstoffs sind jederzeit präsent, wiegen aber ihre Vorzüge durch den sinnlichen Schaffensprozess deutlich auf.\nSo ist die Künstlerin ständig auf der Suche nach neuen Motiven und Techniken, will nicht stillstehen, will weitergehen, ausprobieren und experimentieren.\nIngrid Pirnay, 1951 in Aachen geboren, wo sie auch heute lebt und arbeitet, studierte von 1971-1975 Jura an der Universität zu Köln.\nEs folgte ein kontinuierliches, individuelles Studium von Form, Zeichnung und Malerei mit Weiterbildungen im Werk- und Bildungszentrum Bleiberger Fabrik, Gut Rosenberg, Meerbusch und der freien Kunstakademie Augsburg. Seit einigen Jahren ist sie Mitglied im Verein dreieck.triangle.driehoek, Verein zur Förderung kulturschaffender Frauen in der Euregio, sowie im Kulturwerk Aachen.\n2011 gründete sie mit zwei weiteren Künstlerinnen das Atelier "Kunstwerkstatt" in Aachen, Ottostraße. Im In- und Ausland waren ihre Arbeiten bereits vielfach zu sehen.\nMonika Petschniggs mit Wachs beschichtete Bilder zeigen Schatten oder Fotofragmente, denen die Idee des Platonischen Höhlengleichnisses zugrunde liegt, ein Schatten wird vom Auge des Betrachters als Realität angesehen und in einen neuen Zusammenhang gestellt. Farbloses Wachs, Öl- und Acrylfarbe werden schichtweise aufgetragen und teilweise wie Radierungen geritzt. Dadurch wird eine Transparenz und Verfremdung erzeugt.\nGanz anders die starkfarbigen Fluss- und Berglandschaften, Baumreihen und Pflanzenanordnungen in Acryl auf Leinwand. Hier werden Naturbeobachtungen improvisiert und abstrahiert in kontrastreicher Farbigkeit. Häufig wird Farbe mit Vehemenz und Geschwindigkeit aufgespachtelt, gewischt, abgewaschen und neu aufgetragen. Es werden Naturvorstellungen erzeugt, der Blick kann über die Leinwand wandern.\nMonika Petschnigg, 1940 in Köln geboren, studierte u.a. Kunstpädagogik an der RWTH Aachen bei Prof. Bandau, Prof. Werth und Frau Prof. Mataré. Schwerpunkte: Malerei und Fotografie. Nach dem Examen studierte sie Kunstwissenschaft an der Universität Bonn, Prof. Heinig, und verfasste eine Diplomarbeit zum Thema "Architektur am Beispiel Aachen".\nSie ist seit vielen Jahren Mitglied im Verein zur Förderung kulturschaffender Frauen dreieck-triangle-driehoek, im BBK Aachen/Euregio und im Kulturwerk Aachen. Ihr Atelier hat sie im Atelierhaus Süsterfeld in Aachen. Sie zeigt ihre Arbeiten in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland.\ngeb. in Stolberg-Breinig (D)\nKunstakademie Düsseldorf, Meisterschüler bei Prof. Rissa\nSeit dem freischaffend tätig\nLebt und arbeitet in Stolberg-Breinig\nEmil Sorge hat seine künstlerischen und formalen Wurzeln im Expressionismus. Doch auch die Pop-Art der 70er Jahre, die der junge Künstler bei seinen Besuchen in der Neuen Galerie, Aachen für sich entdeckte, hat ihn ebenso beeinflusst wie die Begegnung mit der informellen Malerei eines K.O. Götz oder der des ebenfalls aus seiner Geburtsstadt stammenden Karl Fred Dahmen.\nObwohl die Werke von Emil Sorge abstrakten Charakter haben, finden sich in ihnen immer auch figurative und gegenständliche Elemente; finden sich Tier und Menschenfiguren, Mischwesen, magische Zeichen und Chiffren. Hier verschmelzen Abstraktion und Figuration zu einem unverwechselbaren künstlerischen Ausdruck.\nEinen wesentlichen Platz in der Arbeit von Emil Sorge nimmt die durch die Expressionisten wiederentdeckte alte Technik des Holzschnittes ein. Durch das Einschneiden, Wegnehmen und Trennen des Holzes entstehen Spannungsfelder, die für das Werk Sorges prägend sind.\nTypisch für den Holzschneider ist die handwerkliche Umsetzung einer zuvor erstellten Skizze oder Vorlage in den Holzstock. Nicht so bei Emil Sorge. Der Schnitt ins Holz ist bei ihm nicht ausführender, sondern spontan-kreativer Prozess selbst.\nWie bei den Vertretern des Informell ist er geprägt von Geschwindigkeit und Zufälligkeit.\nSpontaneität ist in allen Arbeiten Emil Sorges zu erkennen, macht sein Werk so bedeutsam und charakteristisch.\nZahlreiche Einzelausstellungen im In- uns Ausland:\n"Cologne Paper Art" HLP Galerie, Wesseling (K)\n"Schutzraum", Fronleichnamskirche, Aachen\n"Cologne Paper Art " HLP Galerie, Wesseling (K)\n"Art International Zürich" HLP Galerie, Wesseling\n"Made in Germany", Galerie Henn, NL- Maastricht\n"Aachener Künstler", Kunstverein Aalen, Aalen\n"Eifel Hohes Venn Collection", IKOB, B- Eupen (K)\n"Cubes", Atrium Kunstsalon, Bad Honnef\n"Eingemischt und Zugetan II", Stadtmuseum Boppard, Boppard\n"Carte Blanche", St. Fronleichnam, Aachen (K)\nStedelijk Museum Roermond, NL-Roermond\n"Eifelmaler", Schloss Burgau, Düren (K)\n"Jugendzimmer", Kunstroute Aachen, Aachen (K)\n"Fundstelle", Galerie Engert, Eschweiler (K)\nLabor", 2. Salon d"Art, B- Eupen\n"Aachen 2000" Ludwig Forum, Aachen\nART Cologne, Galerie Wolf, Düsseldorf\nART Frankfurt, Galerie Wolf, Düsseldorf ART Cologne\n"Stromenland , NL- Theater Maastricht\nMusée des Beaux-Arts, B- Verviers (K)\n"Die Eifelmaler", Neue Galerie- Sammlung Ludwig, Aachen (K)\n"Künstler Heute", Suermond- Ludwig- Museum, Aachen (K)\n"Euroregionale 1", Neue Galerie - Sammlung Ludwig, Aachen (K)\nFMK Galerie, H- Budapest\n"Malerei" Kunstverein Brühl, Brühl\nKünstlerhaus Hamburg, Hamburg\nLeuchtende Farben und Ikonenverehrung: die Handschrift des Künstlers liegt stilistisch in einer besonders genussvollen Verwendung von Farben. Thematisch nehmen aktuelle und historische Ikonen einen besonderen Platz im Werk Marc Taschowskys ein. Ob Mao, Salvador Dalí, Kermit der Frosch oder Erich Honecker: in der Serie "Köpfe" werden sie zu Taschowskys Bildsujets, stehen in prachtvoller Farbigkeit verfremdet nebeneinander und werden vom Künstler in jeweils prägnanten Posen dargestellt. Zusammen mit der Farbwahl ergeben diese Portraits ein eigenes Bild des Künstlers auf den jeweils Dargestellten.\n1972 in Frankfurt geboren, in Dortmund aufgewachsen\n1996-2001 Studium an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig\n2002 Diplom für freie Kunst\n2003 Arbeitsstipendium des Hofbrauhaus Wolters, im Künstlerhaus Meinersen\n2013 Internationales Malersymposium, Dunaharazti, Ungarn\nMarc Taschowsky lebt und arbeitet in Berlin\nIn all ihren Facetten hat die menschliche Darstellung in den Bilderwelten von Rolf Mallat Priorität. Mal sind es Einzelportraits, die im Ausdruck variieren oder mit unterschiedlichem Sujet charakterisiert werden. Dann wieder stehen sie im Kontext der collagierten Kompositionen, die seine Sichtweise auf die ihn umgebende Welt visualisieren, und die aus dem Fundus seiner Erinnerungsfragmente und den aus den Medien entnommenen Bildern entwickelt werden. Damit ermöglicht er dem Betrachter eine Interaktion mit den rezipierten Bildern und den Bildern der eigenen Erinnerung und Wahrnehmung.\n(Textauszug Ingrid Trantenroth-Scholz)\n1978-83 Kunststudium an der FH in Köln bei Prof. Strack\nMitglied im BBK Bonn\n1981 Beginn der Ausstellungstätigkeit im Köln-Bonner Raum, später Bundesweit und im Ausland\nAb 2000 regelmäßige Teilnahme an national bzw. international ausgeschriebener Kunstausstellungen\nManfred Sukrows Arbeiten sind mit Säge und Pinsel gemalte Energiefelder, die für sich und zusätzlich im Raum ihre lebendige Wirkung entfalten. Diese hängt wesentlich von den Abständen der skulptural behauenen Holzstelen ab, die als Trommel oder Fläche arrangiert sein können.\nZunächst bildet er aus nebeneinandergelegten Latten eine Bildfläche, auf die er einen Entwurf skizziert und anschließend durch eine Säge mit Zeichnungen und einer Tiefenschraffur versieht.\nDer Künstler bewegt sich zwischen Malerei und Skulptur, verschlüsselt und entschlüsselt mit seinen aufwändigen Holzstelen, malt mit der Säge, sägt seine Malerei ausschweifend, fulminant, impulsiv genauso zart, fast monochrom, strukturbetont, auch mit feinem Kreissägen- und Pinselstrich, filigran bis ins kleinste Detail, die kleinste Nuance geritzt. Er improvisiert, lässt die Säge, die Perspektive, die Bilder tanzen, wandelt, brennt und sammelt an der Grenze vom Abstrakten zum Konkreten und verlässt doch nie die Eindeutigkeit der Thematik, der Impression und der grundlegenden Liniensprache, die den Betrachter intelligent und gefühlvoll einsaugt. Sein Konzept und Konstrukt der einzelnen Holzstelen fügt sich zum überraschenden, auflösenden wie zusammenführenden Gesamtbild, das das Detail fixiert und zum großen Ganzen fast explodiert.\nDer Rahmen ist der Raum, den er über die eigentliche Raumauffassung hinaus erweitert. Sukrow installiert im Spannungsfeld der verschiedenen Mal-, Holzschnitz- und Bildhauertechniken sehr persönliche und ausdrucksstarke Skulpturen, die formen und verformen. Kaleidoskopische Ein- und Ausblicke, die weit über das scheinbar Mosaikhafte hinausgehen.\n1953 geboren in Stolberg/Rheinland\n1976 Studienbeginn FH für Design Aachen\nSchwerpunkt: freie Malerei bei Prof. Ernst Wille\nGalerie Parbleu, Antwerpen (B)\nKabinett des neuen Aachener Kunstvereins\nAtelier Pierre Wéber, Trier\nGalerie in C, Köln\nTheater K , Aachen\nKunstpreis der Stadt Erfurt\nWerkstätten Hellerau, Dresden\nPro 7, München\nKulturzentrum Melkfabriek, Sittard (NL)\nRautenstrauch Jostmuseum, Köln\nDie Kunstwerkstatt der Lebenshilfe Aachen ist seit 2009 eine kunstpädagogisch betreute Ateliergemeinschaft, die Künstlern mit Behinderung einen Vollzeit-Arbeitsplatz bietet. Zurzeit finden elf Menschen im Alter von 19 56 Jahren ein kreatives Beschäftigungsfeld.\nDer Name der Künstlergruppe ist willsosein. Aus dem Bezug heraus, dass der Künstler auch als Mensch so sein will, wie er tatsächlich ist. Eben wie sein Bildwerk, das nicht erklärt werden will.\nwillsosein unterstützt Talente und ihre Weiterbildung. Dazu gehören sowohl eine intensive Beschäftigung mit Techniken und Ausdrucksformen des Bildnerischen, als auch das künstlerische Improvisieren und Experimentieren, gemeinsame Bildbesprechungen, Ausstellungsbesuche und Atelierbesuche bei anderen Künstlern.\nIn ihrem künstlerischen Schaffen überzeugen Menschen mit Behinderung allein durch ihre besonderen Fähigkeiten und ihre Werke.\nAnderssein oder willsosein wird vor allem als ein Wert betrachtet, der Menschenwürde ausmacht. Kunst bedeutet hier individueller, kreativer Lebensausdruck und ist die überaus ausdrucksvolle Botschaft einer anderen, besonderen Weltsicht.\nDie Künstler von willsosein bekennen Farbe. Ihre Werke sind unvermittelt und direkt. Sie machen sich selbst zum Kernpunkt ihrer Kunst. Jeder von ihnen hat seinen eigenen Stil gefunden, oder ist auf dem Weg dorthin. So unterschiedlich sind die Persönlichkeiten, der eine ruhig, mit spitzem Stift filigrane Dinge zeichnend, die andere impulsiv, sich selbst bezähmen müssen, um nicht über den Bildrand hinaus zu malen.\nSürejja Durovska entwickelt in ihren Zeichnungen vielfältige Phantasiewelten.\nGertrud Grotenklas lässt sich durch antike und mythologische Fabelwesen inspirieren.\nNatalie Nießen entfaltet abstrakte, fließende Formen.\nLars Otten fasziniert durch Zeichnungen kleinteiliger Muster und Strukturen.\nCarolin Rinker besticht in ihren Bildern durch umfassende Körperstudien.\nGuido Käller beschäftigt sich meist mit Frauenporträts.\nThomas Hieber bemalt großformatige Leinwände mit kraftvollen, ausdrucksstarken Farbkompositionen.\nElisabeth Paulus findet ihre Motive in ihrem täglichen Umfeld.\nJürgen Kirschbaum kennzeichnet sich durch große Farbflächen mit weichen Übergängen, vielschichtigen Farbaufträgen und einer stimmungsvollen Atmosphäre.\nAnika Sachtleben erfindet in ihren zarten Zeichnungen und Aquarellen filigrane Fabelwesen.\nTosh Maurer bildet mit Tusche und Feder verflochtene Strukturen, die zu undurchlässigen Netzen verwachsen.