L’incorporeità come metafora d’una identità dai connotati sempre più incerti ed irrisolti.\nSembra essere proprio questa la principale – benché non unica – chiave di lettura della ricerca fotografica condotta in questi anni da Antonio Sammartano.\nRidotti a pure sagome scialbate, ed estrapolati dal contesto circostante attraverso l’esclusivo contrasto di colore (il bianco mortuario delle figure che si staglia sui dettagli grigio-neri degli sfondi), i personaggi raccontati dall’artista trapanese si collocano infatti a pieno titolo in quell’ambito di analisi della crisi dell’io contemporaneo, che contraddistingue larga parte della produzione artistica attuale (in ambito visivo e non soltanto in quello).\nUna attenta investigazione – quella sui meccanismi di dissoluzione dell’individualità fino agli estremi della totale inconsistenza – sviluppata in un’ottica di diacronica continuità (seppur in termini di confronto e di dialettica) con la tradizione già storicizzata, rispetto alla quale – in definitiva – essa si pone come naturale e doverosa evoluzione tecnica e linguistica. E questo non solo per quegli aspetti di sperimentazione di tutte le possibili e ottimali soluzioni di carattere formale (però mai debordanti in esiti sterilmente formalistici) che caratterizzano il fare artistico di Antonio (rimarcandone per altro la natura elettiva di pittore), ma soprattutto (e primariamente) per quella capacità di rovesciamento dei termini della problematica nel loro opposto speculare, la quale è propria d’un approccio che compendi i modelli elaborati nel passato, oltre – ovviamente – a quelli della stretta attualità.\nSe dalla statuaria classica (si pensi al paradigmatico canone policleteo), fino alle riprese neo-platoniche del leonardesco Uomo vitruviano o del michelangiolesco Adamo della Sistina, è tutto un riproporre l’idea di una umanità quale compiuto riflesso d’una superiore bellezza e perfezione, viceversa, a partire dal Manierismo (si guardi alla esemplificativa costruzione-decostruzione della figura umana attuata dall’Arcimboldo), proprio la ritrattistica (col suo attento impianto fisiognomico) e più in generale la dettagliata rappresentazione del corpo (e in senso lato della corporeità) divengono progressivamente la fedele cartina di tornasole di quella dinamica disgregativa dell’io profondo (con tutto il corteo di lacerazioni interiori, inquietudini, ubbie e nevrosi responsabili dell’ingravescente sbiadimento della personalità) i cui catastrofici sviluppi agitano, destabilizzandola, l’intera architettura della nostra odierna società. Basterebbe volgere lo sguardo all’impietosa ed analitica pittura di Francis Bacon, per capire quale distanza siderale intercorra fra l’artista contemporaneo e quello di cinquecento anni fa (per non parlare di quella che separa dalla classicità greco-romana); quante “incrollabili” certezze siano franate nel frattempo, lasciando pieno campo a quella inquietante ed atterrente indeterminatezza dei ruoli e dei sembianti (individuali e collettivi) cui nessuno oggigiorno riesce più a sottrarsi.\nNon sorprende dunque più di tanto, che Antonio Sammartano, il quale è artista calato pienamente nelle problematiche della contemporaneità, abbia messo in atto questo acuto scandaglio dell’immagine corporea, evidenziandone, senza alcun infingimento o artificio di retorica, la riduzione a mera traccia ectoplasmica, ormai orbata del suo peso psichico e sociale.\nBloccate in una rigidità didascalica da reclame pubblicitaria, le sagome di Sammartano si sottraggono quindi a qualsiasi possibile sviluppo narrativo (incluso quello che potrebbe aggiungere il fruitore), in una palese acinesia emotiva ed affettiva che denuncia l’assoluta vacuità dell’uomo post-moderno.\nE’ in tal senso – cioè nel constatare l’impossibilità di qualsivoglia dinamica intrapsichica e relazionale dei suoi eterei personaggi –, che Antonio pone in atto quel pieno rovesciamento dei termini della problematica in questione nel suo estremo ed antipodico inverso speculare.\nL’abituale analisi della “presenza al mondo” (in tutte le possibili scansioni cui la tradizione ed il contingente ci hanno abituati) cede infine il passo alla desolata e desolante presa d’atto d’una “assenza” divenuta irrimediabile.\nLa ricerca sull’essere abdica così all’amara constatazione del non essere, imponendo all’artista affabulatore la recisa regressione a mero notificatore d’una inaccettabile realtà.\n1. Consapevole dei processi interminabili della cosiddetta “pittura d’azione” Giovanna Fra coltiva le forme dell’irrazionale, fissa nel colore le fluide energie dello spazio, mescolando elementi psichici e fisici in un divenire di possibilità che guidano l’esercizio del gesto.\nNel rafforzare le ragioni del dipingere, l’artista non vorrebbe mai esaurire l’esperienza del segno, il dialogo con lo stupore della superficie da cui ha origine il viaggio della pittura, dentro e fuori i perimetri stabiliti della visione.\nIn questa tensione illimitata, l’immagine segue orientamenti diversi che coincidono con le dinamiche dell’atto creativo, tracce di pensiero volano nell’aria, segni in attesa di altri segni, corpi sospesi, a distanza da tutto.\nGiovanna Fra ama l’autonomia del colore da qualunque vincolo tecnico e ideologico, riconosce la ricchezza della tradizione ma anche il ruolo decisivo degli esperimenti pittorici che ne rendono complessa l’identità, infinita la sua persistenza tra i linguaggi mutevoli dell’attualità. In questo senso, non è interessata a misurare la visione interiore con il metro delle nuove tecnologie, è sempre più attratta dall’estrema avventura del colore, da impulsi immaginativi che non trovano risposta, tracce visibili di un cammino fatto di silenzi e di muti pensieri, un cammino che non ha via d’uscita.\nCome potrebbe del resto averne se l’autentica pittura è sempre all’inizio di se stessa, se il suo incanto affonda le radici nella terra dell’invisibile, là dove l’immagine non ha limiti e attende sempre di venire alla luce.\nQuesta coscienza dei valori pittorici sostiene la vocazione a sprofondare nell’esperienza del colore come continuo interrogarsi intorno alla sua funzione comunicativa, sospesa tra espressione soggettiva e volontà affrontare problemi di ricerca che non tramontano, questioni che rinnovano l’utopia della pittura attraverso la verifica di emozioni non separabili dai percorsi del tempo interiore.\nSi tratta di dare un personale contributo alle persistenti dialettiche dell’arte informale: gesto-materia, segno-azione, colore-traccia, macchia-luce, espansione-rarefazione, tramiti inesauribili di un colloquio con la fisicità dinamica del dipingere.\nAl tempo stesso: la pittura medita sui propri esiti e tende senza dogmatismi verso la parte più recondita di se stessa, come per guardarsi agire dentro il mistero delle forme, respirando l’aria del proprio segreto rivelarsi.\nMentre asseconda il movente gestuale della pittura, Giovanna Fra capta nuovi equilibri, traiettorie inesplorate, segrete oscillazioni tra il dilatarsi degli elementi primari e il loro viscerale richiudersi nell’ombra del colore.\nIl suo impegno va oggi consolidandosi intorno a nuove ragioni percettive, verso la compresenza di molteplici registri, non solo l’astratto e l’informe ma anche il fluido e l’aeriforme, lo statico e il dinamico, la concentrazione del colore nella lieve sostanza del visibile e la sua estatica espansione verso l’infinito.\nQuesta direzione di ricerca è parallela agli echi cromatici del ciclo “Rumore bianco” già avviato nel 2002 (citazione preziosa di un famoso libro di Don DeLillo), non è dunque separabile dalle risonanze dei segni che in un precedente scritto ho definito “note di colore sul pentagramma della pittura, evocazioni del suono collegate ad una vibrazione cromatica”.\nAllora come oggi la dimensione di ricerca è pervasa da una profonda inquietudine, dal disorientamento della propria ragion d’essere, dalla verità inesprimibile che sta nel profondo dell’inconscio, pensiero incrinato dal dubbio, in attesa che altre visioni prendano corpo attraverso il rumore bianco del gesto.\n2. La fase di passaggio verso gli ultimi dipinti si affida alla compresenza di elementi costruttivi e di tracce vaganti, astratte fissità del colore e segni che fluiscono in campo aperto, opposte tensioni dove l’immobilità del colore dipinto in modo uniforme si stacca dai flussi disgregati delle impronte.\nNon a caso, la presenza di brevi inserti geometrici si contrappone alle tracce e ai sedimenti informali, ne arrestano le fluenze, si sovrappongono alle espansioni, fissano il perimetro della superficie, quasi per misurare l’istante del gesto con riferimenti spaziali che esprimono una diversa tensione del dipingere.\nIn questo clima di lavoro convergono tutte le prove pittoriche del passato, infatti fin dai primi anni novanta Giovanna Fra lavora sulla sensazione primaria del colore, sulla complicità esistenziale dell’immagine, sulla materia come evento che si modifica nel tempo quotidiano della vita.\nIl soggetto pittorico si è successivamente spostato dalle evocazioni naturalistiche del visibile ai processi interni della materia, per rivelare lo spazio di congiunzione degli elementi primari: l’aria ineffabile della superficie e la messa a fuoco del colore, le scosse irripetibili del segno e i tremori sottili della luce, la lieve densità del pigmento e la precaria stabilità del vuoto.\nIn questa pittura che oscilla tra presenza e assenza, il colore ha vita propria, mescola oscurità splendenti e ombre luminose, densi vapori e umori terrestri, macchie trascoloranti e brezze leggere, stimoli persistenti dello sguardo.\nTutto ciò comporta un processo di lavoro che produce risultati ad insaputa dell’artista, sta alla sua velocità d’esecuzione il compito di farli emergere, anche il tempo di riflessione gioca un ruolo decisivo, l’importante è alternare stati diversi, creare pause dentro le stratificazioni legate al divenire del colore.\nLa pittura si nutre di pittura, non ha cose da raccontare che non siano quelle che scaturiscono dalla vita delle forme, tuttavia l’abbandono del referente non è mai dato per scontato, infatti la memoria del veduto non limita l’autonomia del colore. Sciami di segni entrano ed escono dalle geometrie instabili, immagini in fluttuazione salgono verso l’alto oppure sconfinano oltre l’orizzonte, al di là della terra e dello sguardo, appaiono e si dissolvono seguendo l’atto di stendere il colore, ogni volta conquistato con l’immediatezza del gesto.\nIl riferimento al paesaggio è puro pretesto, è luogo inafferrabile del tempo dove il presente della pittura si avvera, eco di energie invisibili, tramite verso quella parte non ancora svelata che l’artista indaga come sostrato del visibile.\nDi fronte alle morfologie astratte del paesaggio, di cui la pittura gestuale e informale si è da sempre nutrita, Giovanna Fra non ha esitazioni e neppure pregiudizi ma esprime un’adesione verso ulteriori presagi espressivi.\nNe prosegue infatti l’esperimento ben sapendo che si possono dipingere cieli come solchi accesi di rosso, orizzonti come segni anneriti dal tempo, territori come leggere impronte di grigio, modi pittorici capaci di disgregare l’immagine ma non l’avventura del colore, la magia legata al gesto imponderabile del dipingere. Con carte imbevute di essenze cromatiche l’artista crea forme che non sono solo il risultato di un personale metodo operativo ma diventano preludio di visioni musicali, di contrappunti e disarmonie, di schegge dissonanti che indagano lo spazio e ne rivelano misure inconsuete.\nAnche se la mano controlla le consistenze del colore, l’immagine genera continui mutamenti che fissano i rapporti transitori tra i pesi della materia e gli slittamenti del vuoto, tra la precisione delle geometrie e l’impalpabile leggerezza delle forme: l’inesprimibile prende corpo nella tangibile presenza cromatica.\nIl nero-luce svanisce nei vapori del rosso, uno stuolo di macchie s’infiltra nel silenzio della superficie, il riverbero mentale del bianco dilaga oltre il perimetro della tela, gli aloni del segno danno la sensazione di una dilatazione infinita.\nDel resto, la stesura dei pigmenti si modifica in corso d’opera, tracce inconfondibili lasciano filtrare zone vuote generate dal pieno, ogni minimo respiro del colore invita l’occhio ad esplorare punti di forte concentrazione oppure a vagare sul limite dell’immagine che sfuma, perde consistenza, diventa aerea, si sposta verso la parte meno visibile, fino ad annullarsi.\n3. L’incontro con queste dinamiche avviene sia in presenza di forti contrasti -dualismo del rosso e del nero- sia all’interno della stessa luce, come in alcune opere dedicate completamente al nero, ai palpiti di nero nel nero, ai soffi di luce che affiorano dall’oscurità. Talvolta azzurri bagliori emergono nella sfera nebulosa del notturno, appena sfiorati dalle variazioni di materia.\nD’altro lato, come si diceva, avvengono incontri imprevisti tra il nero e il rosso che transita, trasale, slitta, si muove rapidamente da un punto all’altro, trascinato lungo un orizzonte immaginario oppure attirato da una vertigine scoscesa. Immagine che rapidamente si consuma, svanisce ma trova sempre l’energia per stare sospesa, in attesa di imporre il proprio assolo nell’aria raggelata di bianco.\nAll’opposto, tracce disgregate volano su orizzonti densi di luce, luce dentro luce, sempre e solo chiarore indefinito che accoglie l’istante del suo trasalire verso il buio. Da una rigorosa campitura di nero cadono lembi di colore, macchie di calcolata sensibilità che stanno nel palmo delle mani, come una cascata di frammenti che vengono da ogni dove, in effetti si staccano dal limite dei margini per depositarsi su chissà quale piano, non importa saperlo.\nEcco infine una serie di piccole superfici di legno che l’artista intende come appunti di un diario intimo le cui pagine stanno sulla parete come una scrittura veloce, linguaggio immediato della precarietà, impronte del corpo cromatico che si alleggeriscono placandosi nel vuoto.\nLa possibilità è quella di osservare queste brevi sensazioni pittoriche una alla volta oppure nell’ambito di una composizione dove esse agiscono a diversi livelli di lettura, come segni in attesa, frammenti di una totalità che unisce la misura dello spazio ambientale al sentimento infinito del cosmo.\nQueste minime pagine di pittura somigliano agli attimi di viaggio, a quei tracciati involontari che nascono col pensiero rivolto altrove, con la memoria segnata da ricordi improvvisi, senza esitazioni, senza neppure il rischio di perdere il filo dello spazio e del tempo. Nell’atto di segnare la superficie con ritmi improvvisi che si consumano sotto lo sguardo Giovanna Fra ha l’aria di immaginare la dimensione dell’altrove, eppure lo spazio è senza tregua, sempre presente nella coscienza dell’artista come vastità fisica dell’immaginazione.\nBasta l’incontro fra due segni a creare un precipizio, basta il loro separarsi improvviso a rendere incerto il controllo della visione, d’altro lato è sufficiente lasciar cantare il vuoto per trovare l’energia necessaria ai brevi scatti del colore.\nDi fronte all’evento della pittura l’artista coltiva un silenzioso riserbo, non ha bisogno di teorizzare e neppure di parlare personalmente, le basta credere nei mezzi pittorici per avvicinarsi alla sua verità. Il bisogno è quello di scavare nel fondo più autentico dell’emozione pittorica, per rimanere coinvolta nel processo d’invenzione della materia, fino a fare emergere l’esperienza dello smarrimento come valore costruttivo della pittura.\nNon a caso, il senso di questi lavori è affidato ad un termine di intensa verità poetica, “docile fibra”, ricavato da un verso di una poesia giovanile di Ungaretti (16 agosto 1916). In questa immagine Giovanna Fra identifica la propria sensibilità creativa, il senso di precarietà di fronte alla dimensione dell’universo, il sentimento del tempo che scorrendo leviga le cose e segna i passaggi della vita: l’immagine del fiume Isonzo in cui il poeta meglio si riconosce.\nSul filo di questa citazione l’artista sente la pittura come docile fibra dell’universo, dunque, tacito ritmo che si allarga nello spazio alla scoperta dei valori essenziali del comunicare, emozione che scaturisce dal sentimento originario dell’esistenza come attesa di significati che rimandano ad altri significati. Da questi sottili fili letterari nascono gli attuali lavori di Giovanna Fra, immagini appena toccate dal segno e dal colore, vibrazioni di un processo pittorico circolare e avvolgente, profondo tentativo di vivere la pittura al di fuori di ogni calcolo linguistico, come autentica esperienza dell’inconscio che affiora e si proietta nell’ignoto.\nE’ per questo che l’immagine non ha limiti, può vaporizzarsi nella grande dimensione dell’ambiente oppure concentrarsi su brevi intuizioni percettive, sempre efficaci nel condurre il lettore verso la conoscenza interiore dello spazio, là dove si acuisce il desiderio di scorgere, anche solo per un attimo, quello che ancora non si vede e che forse non potrà mai rivelarsi completamente.\ndal 31/10/2004 al 30/11/2004\nLe concrezioni materiche, i pigmenti combusti, le ricorrenti scabrosità testimoniano d’un fremito ideativo non confinabile nelle angustie della figurazione classica.\nLa scelta astrattista di Giovanni Francesco Paolo Madonia nasce, dunque, da una dichiarata insofferenza verso lessici vissuti come griglie troppo rigide ed anaelastiche, e in quanto tali incapaci di condensare al meglio l’acre distillato dell’interiorità.\nL’insistita polimatericità dei suoi dipinti, l’alternarsi di aggetti più o meno prominenti, l’estroflessa plasticità che quindi anima le superfici dei supporti, il lavico coagularsi dei pigmenti sotto l’incedere dell’azione combustiva, tutto concorre a rimarcare una consapevole progettualità che, pur nell’inesausto anelito alla ricerca, rifugge da improvvisazioni estemporanee e non sufficientemente cogitate. Nessun “furor dionisiaco”, dunque, nessuna trance “medianico-creativa”, nessun “dripping” incontrollato da “trip psicotropico”, bensì un’ideazione meditata e pausata, che pare procedere per sedimentazione di immagini ed emozioni, poi trasfigurate e tradotte con un approccio di speculativa e lucidissima sperimentazione.\nNon è un caso, quindi, che in riferimento alla sua arte Tommaso Romano abbia giustamente parlato di “lucida consapevolezza delle tante ombre nel cammino, delle memorie ancestrali da dipanare, di caverne da esplorare e labirinti da cui fuoriuscire”, come a testimoniare la percepibile evidenza d’un iter accidentato, umano ed artistico, che infine si ricompone scientemente nella simbolica e concreta asperità delle stesure. Asperità che non nega, nonostante la palese inclinazione per l’informale, il permanere di suggestioni e reliquati di figuratività; anzi pare esaltarne la valenza fantasmatica di evocazioni mnemoniche, affioranti dal grumo scuro dei vissuti attraverso un percorso che ne preveda la progressiva abrasione d’ogni vana ridondanza, fino alla radicale enucleazione dei contenuti più intimi e profondi.\nSicchè, tracce di paesaggi e vedute, forse portato di pregresse esperienze personali (il nostro pittore è originario di San Giuseppe Jato) o semplicemente frutto di vivida immaginazione, paiono baluginare qui e là nella sofferta e tormentata resa dei materiali, restituendo all’osservatore visioni dipanate su quel labile confine che separa il dilavato ricordo dalla franca allucinazione. E tutto ciò, senza mai indulgere a liquorosità affettive ed a liquidità pittoriche, ma sempre con un’attitudine – per così dire – costruttiva, nella quale l’aspetto “fabbrile-efestino” è del tutto preminente, quasi a ribadire la predetta (e imprescindibile) natura “progettuale” che sta a monte d’ogni vero gesto artistico.\nCosì facendo, Giovanni Francesco Paolo Madonia rinverdisce non soltanto la componente manuale del fare arte, ma soprattutto la sua natura “alchemica” (e non solo per le tecniche adottate) ed il suo essere un procedere “per aspera ad astra”, grazie al quale la mera sensazione ottica, elaborata nelle traiettorie neurali oculo-corticali, diviene, come per magia, pura proiezione di soggettività. E proprio in questo crogiolo, in cui il dato sensoriale si coniuga con l’emozione fino a tradursi in sentimento cognitivamente compiuto e definito, che ribolle e si conforma la magmatica poetica di Madonia.\nPoetica dalle declinazioni “ctonie” e “vulcaniche”, la cui dirompente vis ottica mai rinnega, ma anzi conferma l’incorrotto ruolo demiurgico dell’artista contemporaneo.\n"Cieli in una stanza"\nDal 30 maggio al 19 giugno 2004.\nNuvole in fuga verso un altrove non meglio definito.\nAddensate in grigi cumuli o disperse e rarefatte sull’intonsa superficie cartacea dei supporti, le nuvole dipinte da Mario Barone paiono infatti procedere per autonome cinetiche inerziali di matrice intrapsichica, di fatto estranee all’impetuoso agire di qualsivoglia forza “naturalmente eolica”.\nQuello naturalistico è dunque un semplice pretesto; un presupposto narrativo, dal quale il nostro pittore ama idealmente muovere nei suoi percorsi immaginifici di progressivo straniamento dall’ambito “terreno”, evidentemente vissuto come troppo angusto e costrittivo. Gli “aerei” paesaggi che ne sono scaturiti hanno pertanto una preminente valenza allegorico-simbolica, davvero in grado di travalicare il mero dato percettivo e fotografico, in funzione dell’esclusiva proiezione dei vissuti affettivo-emozionali.\nSi spiega in questi termini l’adozione assai frequente di orizzonti ribassati – incombenti su più o meno cupe azzurrità marine o su grigi profili rocciosi appena ravvivati da cespugli –, grazie ai quali lo stacco ascensionale delle nubi assume una evidenza ottica (e soprattutto metaforica) ancora più marcata. In tal modo, Barone pare voler guidare il nostro sguardo all’interno d’un paesaggio (perché, in fondo, d’un unico paesaggio si può parlare, sebbene declinato in molteplici varianti) che è innanzitutto “panorama interiore” (della psiche o dello spirito, a seconda delle ottiche), però riportato nei modi e nelle forme dell’apparente ossequio alla natura.\nIn tal senso, la scelta di un linguaggio aeriforme e rarefatto, supportato da una tecnica adeguata (ovvero da un acquarello tonalmente diluito su ampi spazi, coi pigmenti stesi a macchie in maniera anche discontinua), si rivela pertinente e funzionale al coinvolgimento (sensoriale e cognitivo) degli osservatori, magneticamente richiamati all’interno di un contesto più intimistico e soggettivo, che strettamente materiale. Un lessico non estemporaneo ed immediato, ma maturato per lenta e progressiva decantazione del colore, altrove – per l’esattezza in opere pregresse – dispiegato con inusitata compattezza e intensità.\nAnche in quelle gouaches, in vero, la fedeltà vedutistica al paesaggio non era che un puro espediente per dissertazioni eminentemente simboliche e tendenzialmente astratte, dovute al comporsi quasi geometrico delle spesse campiture o a sfrangiamenti timbrici simil-divisionisti. Tuttavia, procedendo qualitativamente “per levare” da questi precedenti, quindi sottraendo densità ed estensione alle cromie ed alleggerendo il tutto fino a renderlo impalpabile, Barone ha dimostrato di potere pervenire a una pittura aerea e trasparente, al contempo essenziale e rigorosa, dotata di puro incanto ma senza cedimenti liquorosi, e in qualche modo “universale” nel suo essere assolutamente refrattaria a qualsivoglia tentazione di esasperata mediterraneità.\nE questo, grazie ad un percorso al quale non sono indifferenti profonde riflessioni sulla grande paesaggistica anglosassone dell’ottocento – Turner in special modo – e forse anche sui precursori olandesi del seicento – van Ruysdael per esempio –, dai quali il nostro autore ha saputo mutuare quell’afflato – già precontemporaneo – alla rappresentazione simbolica dell’interiorità, idealmente proiettata su più o meno fosche turbolenze cirro-nembiche. Iter – quest’ultimo intrapreso da Barone – di certo non concluso e al quale, nonostante le legittime aspirazioni alla ricerca di sempre nuovi moduli espressivi, è auspicabile che egli dia ancor più impulso e continuità. Il parallelo uso degli acrilici su tavola, infatti, pur avendo gradevoli esiti cromatici e pur perseguendo analoghe finalità allegoriche (ben evidenti soprattutto nei notturni), ha però minor valenza immaginifica, poiché più prossimo a tanto paesaggismo “mediterraneistico” in cui – purtroppo – non è infrequente imbattersi.\nE’ dunque nella spoglia e leggiadra sobrietà di queste nuove carte, che si dispiega appieno la “poetica” visione del nostro Mario; è proprio in quei cieli annuvolati, nei quali ama rifugiarsi il suo io irrequieto e in continuo movimento, che la pittura di Barone va assumendo la sua cifra più compiuta e definita, rivelando quelle fini doti liriche in grado di rappresentare congruamente ogni minimo moto che agisce nel profondo.\nil teatro della memoria di Tino Signorini\nLa grafica come teatro della memoria, come simbolica ribalta su cui esporre le sbiadite “memorabilia” di tutta un’esistenza.\nSono proprio i ricordi, velati dalle brume del passato prossimo e remoto, la linfa vitale cui ama attingere Tino Signorini.\nEvocati dal grumo scuro della psiche e ordinati secondo un’intima scansione cronologica, in cui l’affanno del lavorio degli anni cede a una meditatività pausata e avvolgente, essi costituiscono i reperti d’un mondo sommesso ed antieroico, lungamente introiettato fino a depurarsi d’ogni vanagloria e falsa retorica. Una autoanalisi da cui deriva una silente narrazione per immagini, ove il “visibile” pare emergere a fatica dalle nebbie circostanti, quasi che il rimembrare riaprisse “vulnera” a stento suturate dall’oblio del tempo; di quel tempo soggettivamente vissuto e percepito, che fa di ogni esperienza un unicum di irripetibile e insondabile mistero.\nMuovendo dal raffinato grafismo di Vespignani e dalle desolate atmosfere di Sironi, e avvalendosi del prediletto e irrinunciabile contè, Signorini dà così corpo, con eleganza rarefatta, a tutto il corteo di ombre (e di ubbie) albergate nei recessi della mente. Il lirismo elegiaco cede il passo a un pathos misurato e minimale, ma di subitanea immediatezza nella sua estrema penetranza. Non è un caso che del dramma esistenziale Signorini offra il contesto (paesaggi urbani oscuri e solitari, muri screpolati, ingombri tavoli di lavoro, battigie ventose), richiamando gli osservatori a un emotivo processo immaginifico e quasi inducendoli a una completa immedesimazione simpatetica. I trapassi chiaroscurali, le dissolvenze ottiche, gli avvolgimenti atmosferici, tutto contribuisce a fermare il flusso degli eventi, a inchiodarne gli scenari in immagini sfocate, abrase dal peso d’un vissuto dai risvolti dolorosi e a tratti insostenibili.\nSi spiega in questi termini il prevalere d’una “scurità” di fondo, tutta orchestrata su tonalità grigio-nerastre, solo di rado interrotta da improvvisi barbagli coloristici. Una monotimia cromatica di tipo “goyesco”, capace di specchiare fedelmente la “saturninità” di chi la ha concepita, senza mai eccedere, però, in inutili tetraggini, mercè una sobrietà al contempo rigorosa e raffinata.\nCosì, sfrondati d’ogni superfluo orpello descrittivo e ridotti alla loro essenza narrativa, i ricordi si profilano sui fogli come avvolti da caligini aeriformi, baluginanti quali ectoplasmi nei gorghi dell’oblio. Interni di cucine sedimentati di fumo, scorci fantasmagorici della Palermo vecchia, lo studio di via Castriota, gli oggetti abituali del lavoro, muri erosi e dilavati di quartieri anonimi scorrono sotto gli occhi degli osservatori, contribuendo a ricomporre il filo impercettibile d’una irretente biografia, il cui fascino magnetico risiede proprio nel suo essere “anti-epos”, nel suo sostanziarsi di scenari comuni e quotidiani però trasfigurati in immagini assolute e senza tempo.\nIn questo modo Signorini ci consegna la sua “storia”, una “storia” senza squilli né fanfare, sempre sotto traccia, anche quando si sofferma a indugiare sul biancore agghiacciante d’una sagoma in un letto d’ospedale o allorquando giunge al “limen” d’una finestra forse volta verso il nulla. Finanche in certe inaspettate accensioni di colore - di un’arancia, di una pera, di una spiaggia assolata -, che non rinnegano distimicamente lo “spleen” sottostante, ma lo completano denotando una fisiologia della rimembranza punteggiata anche di frammenti di maggior serenità, l’armonica misura è fatta sempre salva, senza debordamenti euforici di scontata mediterraneità e soprattutto senza “piacionismi” dettati da tentazioni di mercato.\nUn linguaggio - questo di Signorini - di grande austerità, ma non per questo meno vitale di tanti altri fin troppo vitalistici. Una conferma del proprio essere “ancor vivo” (perché la memoria personale e collettiva è il presupposto d’ogni coscienza), consegnandosi così, da vero artista, all’immortalità.\nLe opere di Tino Signorini saranno visibili alla Quadreria del Lotto dal 4 al 22 maggio.\ndal 4 al 25 aprile 2004\nMario Cassisa è quel che si dice un artista eccentrico ed irregolare.\nDoti non comuni – l’eccentricità e l’irregolarità – anche in un’epoca come la nostra, in cui l’esibita sregolatezza e il raro genio la fanno da padroni. Le scelte di vita, ancor prima di quelle artistiche (cui tuttavia sono intrecciate indissolubilmente), testimoniano infatti d’un naturale e genuino “nomadismo esistenziale”, che lo ha guidato per tutta la sua vita, prescindendo da mode transitorie e contingenti.\nNon a caso, egli ha trascorso buona parte dei suoi anni – prima di ancorarsi definitivamente a Trapani – spostandosi da un luogo all’altro e viaggiando in lungo e in largo come in preda ad un bisogno insopprimibile: quello di allargare a dismisura i propri orizzonti geografici e con essi quelli mentali. Dagli Stati Uniti alla Polinesia – ove forse lo ha sospinto il mito di Gaugain – è stato, nei fatti, un succedersi di tappe, che ne hanno determinato l’originale crescita di uomo e di artista fuori dagli schemi. Un percorso articolato, che spiega esaurientemente la genesi di quel lessico “meticcio” e fortemente “contaminato”, in cui convivono tracce, scorie e suggestioni di svariata e complessa provenienza. Cassisa, infatti, attinge a piene mani alla tradizione figurativa occidentale, mescolandola però a simboli arcaici e primitivi delle civiltà aborigene (africane e oceaniche) ed a citazioni delle culture precolombiane, fino a produrre un’ibridazione di gran vivacità estetica e soprattutto visuale. E ciò al di fuori di qualsivoglia semplicismo o naiveté – perché il tutto è profondamente meditato e progettato –, ma piuttosto nel nome di un “sincretismo” dichiarato ed elevato a stilema peculiare.\nRientra in questa evidente volontà progettuale anche la sua ultima impresa, ovvero il “Sacello dell’artista”, autentica epitome di tutto il proprio operato pluridecennale e – in qualche modo – testamento ideale (nel senso più apotropaico del termine) dell’articolata poetica che lo ha guidato nel suo agire.\nUn effimero “monumentum” al proprio essere nel mondo, che, ben lungi dal configurarsi quale auto-celebrativo necrologio, si offre ai visitatori come puro atto d’amore nei confronti di quel fare artistico eletto a ragione fondante d’un’intera vita di zingaro inesausto e irrefrenabile.\nE’ una piccola-grande raccolta di assoluta completezza, quest’insieme di fogli sui quali Sebastiano Carta (Priolo 1913 - Roma 1973) ha saputo trasporre il proprio articolato immaginario ideativo.\nPiccoli dipinti d’una straordinaria compiutezza, di forma e contenuto, sì da costituire una ideale galleria, specchio fedele d’un percorso creativo sviluppatosi nel volgere di un intero quarantennio.\nNell’intreccio di linee e di colori, felice confluenza di suggestioni astrattiste, dinamismi di matrice futurista e sussulti espressionisti, si svela infatti tutta l’esuberante irrequietezza estetica di quest’autore.\nPoeta, oltre che pittore, artista completo incline ai movimentismi (fu amico di Marinetti e fra gli artefici, nel 1932, della seconda ondata futurista), Sebastiano Carta ha incarnato pienamente lo spirito del tempo, col suo continuo ricercare moduli linguistici sempre nuovi (tanto letterari, quanto visivi) cui affidare l’impellenza del proprio disagio esistenziale. Si spiega in questi termini il patente eclettismo che lo ha contraddistinto, la continua tendenza a mutuare spunti e sollecitazioni dalla temperie contingente, attraversata con raffinata eleganza in punta di penna e di pennello nell’arco di gran parte del secolo trascorso.\nSchizzi, acquarelli, piccoli dipinti, realizzati a partire dagli anni ’30 e fino agli anni ’70, testimoniano di una inesausta e sempre brillante capacità di confrontarsi ad ampio raggio col mondo circostante, in una relazione osmotica di interscambio attivo e mai di acritica passività. Non stupisce, pertanto, che nelle opere degli anni ’30 si trovino a convivere in assoluta armonia la più razionale delle astrazioni geometrizzanti, orchestrata in un disegno a penna che pare quasi un traliccio, e la figurazione morbida d’un soggetto nautico, schizzato con guizzante sinteticità su carta quadrettata, riecheggiante atmosfere di ascendenza scipioniana. Né, tanto meno, può sorprendere che nella produzione degli anni ’40 coesistano un vedutismo di chiaro sapore informale, baluginante di dissolvenze coloristiche nel fantasmagorico accenno degli edifici, e una vis espressionistica, di tratto e di colore, di cui impregnare certi volti o maschere mostruose. Con pari levità, Carta ha saputo frequentare il lessico picassiano e le dissertazioni dell’espressionismo astratto di matrice americana, il tardo recupero di influssi kandinskijani e il gusto “ideografico” per il segno in cui riunire, con sintesi felice, la lezione di Capogrossi e l’interesse per l’arte aborigena.\nDunque, tutto si incontra e si sussegue in quest’ampia produzione di Sebastiano Carta, a riprova di una curiosità e d’una avidità estetica che lo guidarono - senza soluzione di continuità - nel suo percorso artistico. E ciò ben al di là del mero citazionismo modaiolo, come d’altronde dimostra la non comune capacità di entrare nel “merito” di tanti linguaggi senza mai scadere nella sclerotica ripetizione dello schema o del cliché testè appreso, ma piuttosto procedendo in punta di fioretto fra toccate, con affondo, e fughe verso nuove mete.\nPoliedrico e versatile, Sebastiano Carta ha confermato col suo operare come l’essere “vero artista” non si possa né si debba limitare a un ambito troppo specialistico e un po’ sclerotico (rigorosamente poetico o pittorico), ma comporti un continuo espandersi e debordare extra limina, seguendo sempre nuove direttrici di pensiero, in una esplorazione inarrestabile delle proprie potenzialità ideative e di espressione.\nStefania Romano è una fine narratrice. Una narratrice per immagini – ovviamente –, trattandosi d’una valida ed abile fotografa.\nDote non comune, quella dell’affabulazione, e in qualche modo in controtendenza, nell’attuale panorama fotografico, vista l’eccessiva mole di fotografie pubblicitarie e cronachistiche del tutto prive, nonostante l’apparenza patinata, di qualsivoglia contenuto narrativo.\nI fotogrammi della giovane artista di Palermo sono invece (e fortunatamente) di ben altro spessore e caratura, costituendo dei microuniversi favolistici al cui interno dipanare interamente i propri vissuti emotivi nell’ossequio d’una attenta sperimentazione estetica. Lo dimostra – senza tema di smentita – l’estrema ricercatezza visuale con la quale ella impagina i suoi scatti, ricorrendo a svariati espedienti tecnici, fra i quali la sovrapposizione di immagini, gli effetti dissolvenza e – in special modo – i forti contrasti chiaroscurali. Non è infrequente, infatti, che i personaggi immortalati da Stefania si ammantino di bianche e candide vesti, grazie alle quali risaltare sul buio dei notturni circostanti. Una scelta lessicale – questa dei marcati contrasti luministici –, che le consente di avvolgere ciascuna delle storie raccontate d’un alone inquietante e misterioso, come è proprio della grande e migliore tradizione favolistica. Ecco allora un Pinocchio – ibrido irrisolto, a metà fra la condizione umana e quella del burattino – emergere dalle ombre d’una moderna falegnameria, o una fanciulla-crisalide pendere col suo virginale bozzolo da un ramo d’albero, e ancora la stessa autrice immortalarsi ripiegata su sé stessa all’interno d’una diafana bottiglia. Tutte immagini di forte impatto ottico – nonostante l’estrema eleganza delle composizioni – e di intenso contenuto emozionale, nelle quali si evidenziano appieno, seppure in controluce, le lacerazioni legate al “divenire adulti” ed all’assunzione di quei ruoli “socialmente codificati” (la maternità, ad esempio, o l’abbandono d’una visione ludica dell’esistenza in favore d’una ben più produttiva) a torto od a ragione ritenuta un passaggio (quasi) obbligato per ciascun giovane.\nStefania racconta tutto ciò ed altro ancora; e lo racconta assai bene, riuscendo a coniugare con notevole efficacia forma e sostanza, così riportando la fotografia alle sue migliori origini – non sono pochi infatti i riferimenti alle foto di Lewis Carrol, il padre di Alice nel paese delle meraviglie, che fu anche un apprezzato fotoamatore –, per restituirle finalmente quel potere di “incanto” che agisce nel profondo, oggigiorno troppo spesso disperso al di sotto di lucide coltri ed ammiccanti superfici.\nAffidare al lessico informale, al semplice gioco dei tonalismi e delle nuances, alla loro pura orchestrazione, la propria ideatività ed affettività, è scelta artistica che richiede gran coerenza ed anche – oggigiorno – non poca voglia di andar controcorrente.\nInfatti, benché il panorama artistico attuale compendi la coesistenza di una svariata (e quasi infinita) moltitudine di stili e di linguaggi, ciò non di meno si registra – da qualche anno a questa parte e soprattutto fra i più giovani – una forte ripresa della figurazione, che pare esser divenuta il prioritario cimento di non pochi artisti.\nIn tal senso, l’operato di Tania Barrale – che anagraficamente rientra a buon diritto nel novero delle ultime generazioni – pare porsi, con le sue franche derive informali, nettamente in controtendenza, rilanciando modalità espressive tipiche del secondo dopo-guerra, quando la definitiva dissoluzione della forma assunse i connotati d’un gesto liberatorio rispetto agli oppressivi modelli culturali che avevano dominato nei decenni precedenti.\nPur consapevole del ridimensionamento dell’aspetto “infrattivo” del gesto artistico informale, Tania tuttavia opta per questo lessico, nelle cui declinazioni – evidentemente – ritrova gli elettivi strumenti di estroflessione del proprio fresco immaginario. Ella, infatti, ne pratica i molteplici percorsi, con quel piglio sicuro che è tipico di chi faccia della ricerca estetica ad ampio raggio il proprio obiettivo prioritario. Sicchè, nella sua ampia produzione, è possibile incontrare tanto opere di impalpabile levità visuale (nelle quali l’orchestrazione è operata per accostamenti di leggere pennellate ad acquarello di diafana liquidità tonale), quanto opere di forte impatto ottico (in cui i colori sono campiti con marcata compattezza o addirittura con tangibili stesure materiche) animate da evidenti contenuti dialettici. In queste ultime, infatti, improvvise discontinuità della superficie pittorica – ottenute lavorando su reti metalliche tese all’interno di corpose cornici colorate o attraverso soluzioni di continuo delle tele – danno la chiara idea di un rapporto, ricercato e voluto, fra i pieni e i vuoti, quasi a ribadire – alla Fontana – l’impossibilità di contenere esaurientemente la materia pittorica all’interno di un supporto piatto e concluso.\nL’esigenza di andare oltre, debordando nello spazio vuoto circostante e superando quello puramente illusorio della tela, pare – dunque – primeggiare nel percorso di ricerca della giovane artista belmontese. E questo, in ossequio a una tecnica articolata e consapevole (non si dimentichi che è assistente della cattedra di pittura all’Accademia di Brera) e ad una ideatività estremamente progettuale nel suo incedere ed agire.\nCultura artistica e progettualità contraddistinguono, quindi, l’attività pittorica della Barrale. Una miscela che le auguriamo di mantenere in buon equilibrio, onde evitare le sempre presenti insidie nascoste in griglie di pensiero troppo rigorose, purtroppo capaci – quando non temperate – di smorzare quegli impeti emotivi che sono il vero spirito d’ogni opera informale.\ndal 16 novembre al 4 dicembre 2003\nCome egli stesso afferma, il tracciare segni sulla carta si accompagna a un fisiologico piacere del "fare" dai contenuti quasi terapeutici. Una valenza curativa - nel senso più elevato del termine - che evidentemente gli ha consentito di agire le tensioni ideative tumultuanti nella sua giovane e fertile psiche, così da dar forma assai compiuta a un complesso immaginario affinatosi nellalveo storico della transizione dal simbolismo allespressionismo.\nNelle opere attualmente esposte alla Quadreria del Lotto (dai disegni di piccolo formato alle fotografie ritoccate a mano ed ai dipinti di grandi dimensioni) è infatti evidente e dichiarata lattenta riflessione sui modelli di Beardsley e di Schiele, di Schomberg e di Munch. Tutti artisti dai quali Costa ha saputo mutuare le doti di empatia, necessarie per scandagliare senza remore i recessi più profondi dellinteriorità, e soprattutto i moduli linguistici, benché rielaborati con autonomia in una funzionale miscellanea di forza visuale e ricercatezza estetica.\nNe consegue un tratto segnico di estrema accuratezza, riconducibile - come detto -, nella forma e contenuto, ai modelli di Aubrey Beardsley (alle illustrazioni per la Salomè di Wilde e per la Lisistrata di Aristofane), dei quali ripropone quella elegante e insidiosa ambiguità circonfusa di sensuale e irretente magnetismo. La trama fittissima, da ragno infaticabile, si alterna allaccecante biancore degli sfondi, in un bipolare alternarsi di horror vacui e cupio dissolvi, che al contempo affascina e inquieta losservatore. Un dato riscontrabile anche nelle fotografie, ove il disegno si sovrappone come un merletto alle figure, rivelando forti suggestioni ad opera dellarte primitiva, quasi fosse un linguaggio tatuato quale quello dei Maori.\nTuttavia è nella pittura, che liter di Costa pare giungere a pieno compimento, a indicazione duna riuscita crasi fra segno e pennellata, fra rigorosa bicromia e pienezza del colore.\nLa superficie pittorica appare infatti scabrata a più riprese, come cesellata da un susseguirsi di incisioni (soprattutto nella resa dei panneggi) che producono un effetto "braille" di tattile e materica evidenza. E tutto ciò senza scadere, ad onta delle parvenze, nel decorativismo di maniera; perché il tratteggio insistito ed ossessivo ha sempre una valenza strutturale più che formale, dando peso e carattere - anche in termini percettivi - allarticolata tavolozza e assumendo i connotati di una irrinunciabile cifra stilistica.\nUn grafismo, talora esasperato, che non altera però la diretta percezione degli aspetti psico-affettivi, di quei sensi di solipsistico ripiegamento su sé stessi e di esclusione da ogni ambito relazionale che permeano in profondo i personaggi. Piuttosto, ne deriva un contrasto assai straniante fra lo smorto incarnato delle figure, spesso smunte e ossute, e lopulenza traboccante di vesti e drappeggi, elaborati ed operati in un incredibile profluvio di cromatici ricami. Coppie di amanti assorti e rattrappiti in un bloccato abbraccio mortuario (omaggio dichiarato a Schiele), ma illuminati dal colore delle vesti e dei panneggi riccamente istoriati, o smagrite fanciulle contratte in posture di patologica chiusura (alla Munch), e tuttavia incorniciate da tessuti vivacissimi, si susseguono a soggetti più dinamici, in un percorso che rimarca la maturata "equivalenza terapeutica - sono parole di Costa - fra grafica e pittura".\nOpere nelle quali il suddetto solipsismo tende a debordare - anche in virtù duna prevalente scurità - in una franca angoscia, confermando una statura da artista ormai maturo.\n“Retornos de lo vivo lejano”\nL’impianto marcatamente graffitistico, che fa del “segno” il cardine lessicale di tutta una poetica, è indiscutibilmente la peculiare cifra stilistica della pittura di Cristiano Mattia Ricci.\nIl tratteggio insistito, racemizzato talora fino a produrre trame inestricabili e quasi pollockiane, scandisce infatti ogni punto della superficie pittorica, rivelando un vivace immaginario assai in linea con le tendenze della contemporaneità.\nIl graffitismo di matrice americana, a tutti gli effetti, pare avere esercitato e continuare ad esercitare il suo influsso prepotente su molti giovani artisti del vecchio continente. Influsso che si coniuga però, più o meno sapientemente, con la tradizione pittorica europea, privilegiando le varie sperimentazioni ed avanguardie del secolo trascorso. Si spiega in questi termini quel ricorrere di accensioni coloristiche che dai fauves si è evoluto fino all’espressionismo astratto, ma anche di palesi tracce di figuratività che, pur movendo dalle più antiche culture aborigene, non disdegna affatto il recupero di certe altre suggestioni novecentesche, come quelle che paiono ricondurre a Campigli in “Licini e l’amico”.\nCristiano Mattia Ricci è dunque un artista del suo tempo, ma pienamente consapevole di quanto lo ha preceduto. Un artista, per altro, multidisciplinare, aperto e dedito alla poesia quanto alla pittura. E’ forse questa la ragione del suo grafismo talora esasperato – quasi volesse “scrivere” con grafemi colorati –, ma nei cui slanci emotivi pulsa senz’altro una lodevole urgenza di espressività.\nAlla quadreria del lotto fino al 2/11/03\nArtista cosmopolita – è originaria del Sud-America, ma vive in Italia ormai da anni – la Acuna è infatti artefice d’una pittura di forte contaminazione, nella quale confluiscono un intenso colorismo (forse discendente dal suo vissuto latino-americano), una spiccata tendenza alla sperimentazione visuale e, al contempo, un richiamo non equivocabile alla tradizione figurativa.\nE proprio la commistione fra tessiture cromatiche elaborate in piena libertà – con una netta inclinazione per le orchestrazioni di carattere informale – e tratteggio graffitistico – marcato ed essenziale nella sua linearità – dà la chiara percezione di come l’artista sud-americana, nel suo incedere pittorico, agisca nel segno di una attiva dialettica fra opposti, però tendendo a dare luogo a un linguaggio in cui la contrapposizione tende a sciogliersi – seppur con qualche discontinuità – in amalgami bene equilibrati.\nNe deriva che proprio la brillante tavolozza, ora giocata sulle sfumature tonali d’una predominante coloristica, ora declinata in termini di articolati accostamenti di nuances (con un effetto a “patchwork” esaltato dalla sovrapposizione di pezzi di carta o di tela), funga da supporto narrativo per l’inserto di figure e figurette chiamate al ruolo prioritario di ectoplasmici protagonisti della narrazione.\nAnimali, personaggi di pura fantasia, simboli esoterici, impronte manuali, ma anche bottiglie (che riconducono direttamente alle esperienze novecentesche della natura morta) campeggiano, sparuti e solitari, sugli sfondi policromici come pure silhouettes incorporee (di cui la Acuna delinea solo il profilo) deputate a testimoniare, fabulatoriamente, l’imprescindibilità da un retaggio – quello figurativo – vissuto come memoria cui ancorare le più sfrenate derive dell’immaginazione.\nAlessandro Di Giugno è quel che si dice un artista “colto”.\nIl suo modo di concepire la fotografia lo colloca infatti, a buon diritto, in quel novero di operatori delle arti visive nei quali è palese il peso esercitato da una lunga tradizione. Una tradizione più pittorica, che squisitamente fotografica, come del resto attestano tanti dei suoi scatti, meditati e costruiti con quella meticolosa preparazione che è tipica proprio dei pittori.\nEsente, nonostante la giovane età, da irruenze e immediatezze, Di Giugno elabora così le proprie immagini, progettandole con cura certosina, per poi tradurle nel concreto grazie all’uso della camera.\nLo rivelano, con chiarezza inoppugnabile, le articolate foto che il giovane artista di Palermo espone in questi giorni (fino al 30 maggio) alla Quadreria del Lotto, nel centro storico di Trapani.\nElaborati, scatto dopo scatto, secondo un criterio di impaginazione sequenziale, questi fotogrammi confermano in pieno una non comune progettualità assai ben cogitata e mai lasciata al caso.\nCome un pittore, forte dei suoi disegni preparatori, o come uno scrittore, che abbia già in mente il suo romanzo ancor prima di vergarlo, Di Giugno infatti assembla e ordina le sue “visioni”, in un percorso di ricerca che non indugia facilmente in stereotipi scontati.\nIl “Jardin Planetarie” – come egli ha voluto chiamare questa serie di immagini – racconta, non disdegnando l’ironia né l’ombra del disagio, il rapporto dell’autore con il mondo circostante.\nNon a caso i personaggi ivi ritratti si ritrovano di spalle o piantati nella terra, in una sorta di biotico ritorno alle proprie origini, o surrealmente abbigliati con la muta da immersioni, ma incapaci di nuotare come attesta il salvagente.\nLa scelta del colore, seppur fra (e proprio in virtù di) marcati contrasti con gli sfondi, è assolutamente funzionale a un racconto “esistenziale” venato di emozioni e solipsismi, di senso dell’assurdo e di necessità affettive.\nUn linguaggio – questo di Di Giugno – assolutamente immaginifico e quasi favolistico, che denota l’aperta e programmatica rinuncia alla presunta (e spesso irrealizzabile) oggettività di stampo meramente cronachistico, in favore d’una narratività intrecciata di invenzioni, idee e visioni in grado di ricondurre la fotografia alle sue radici realmente estetiche, finalmente depurate di quei cascami estetizzanti a torto ritenuti marchio inappellabile di qualità artistica.\nAlla Quadreria del Lotto fino al 30 maggio\nFrancisco Orozco è un’artista nicaraguegno ma di formazione decisamente europea.\nNon è un caso, infatti, che egli abbia perfezionato le sue doti di scultore proprio in Italia, e precisamente in quella Massa Carrara che è da sempre una tappa obbligata per ogni “scalpellino” che si rispetti.\nE che Orozco abbia guardato al vecchio continente ed alla sua millenaria tradizione scultorea è attestato, con inoppugnabile evidenza, dalle serie di piccole sculture in esposizione per tutto aprile alla Quadreria del Lotto, in quel di Trapani.\nTutte incentrate sull’universo femminile, queste minute statuette (quasi dei bozzetti, benché estremamente curati in ogni particolare) rivelano un immaginario erotico – si tratta per l’appunto di nudini – che attinge chiaramente a piene mani alla vasta fonte della classicità. Basterebbe infatti guardare il sensuale tronco acefalo, ritratto in una elegante movenza “ellenistica” da menade danzante, per avere contezza della capacità di Orozco di trarre spunti e suggestioni dal magistero della statuaria antica con un approccio assai fedele e quasi filologico.\nUn approccio confermato anche altrove, in quella sequenza di figure modellate con uno slancio aerodinamico che pare di farfalle o di libellule, nel cui susseguirsi di “finito” e “non finito”, di anatomie sericamente levigate e di blocchi appena sbozzati dai quali i corpi sembrano balzare, affiora chiaro un certo riferirsi dell’autore – seppur con le dovute proporzioni – a modelli rinascimentali d’ascendenza michelangiolesca.Modelli che il nostro Orozco riesce a fondere, in una crasi assai audace e immaginifica, con le spigolosità quasi geometrizzanti dell’Art Decò, all’apparenza vera musa ispiratrice di questo artista latino-americano. Proprio il profilarsi assai sintetico delle muliebri silhouettes, come a fendere lo spazio circostante, richiama alla memoria alcune figurine di Lalique o le minute statuine poste a mo’ di tappo sui radiatori delle automobili di allora, a testimonianza – come detto – d’un continuo richiamarsi a esempi del passato, sebbene non lontano o, per meglio dire, prossimo.\nIn conclusione, forse non si può dire che Orozco sia un grande innovatore – quanto meno non lo si evince dalle opere qui esposte –, ma è sicuramente artista dotato di tecnica e cultura, il che rende questa esposizione degna d’una visita più che attenta, rispettosa e meditata.\nE stato in codesta fase che il nostro artista ha intrapreso "lesercizio della mano", scandagliando attentamente la macchia toscana, limpressionismo doltralpe ed il verismo insulare per carpirne ogni possibile segreto. Le prove che ne sono derivate - piccole tavolette eseguite con grande immediatezza, ma anche tele di maggiori dimensioni ben riuscite nella loro articolazione grafica e cromatica - hanno progressivamente rivelato una crescente padronanza, lasciando intravedere fertili sviluppi.


Frosinone, tavolo interistituzionale emergenza lavoro Pompeo scrive al Ministero dello Sviluppo e alla Regione su opportunità dl 3/20015 e contratto di ricollocazione\n“Sono stati sbloccati i decreti per i fondi destinati alla mobilità dei lavoratori da parte della Regione Lazio. Auspichiamo ora che si possano trovare misure e interventi utili anche per le altre vertenze in atto”.\nCaterina I. Paoletta 03 luglio 2015 15:10\n?Sono stati sbloccati i decreti per i fondi destinati alla mobilità dei lavoratori da parte della Regione Lazio. Auspichiamo ora che si possano trovare misure e interventi utili anche per le altre vertenze in atto?.\n?Lo sblocco dei fondi era stata una richiesta emersa durante il primo incontro del ?Tavolo interistituzionale permanente per l?emergenza lavoro? ? aggiunge Pompeo ? nel corso del quale erano state sollecitate anche altre questioni per le quali ho scritto al Ministero dello Sviluppo economico e alla Regione Lazio?.\nNella prima lettera, indirizzata ai Ministro dello Sviluppo economico Federica Guidi, ai Senatori Francesco Scalia, Maria Spilabotte, Marino Mastrangeli e ai Deputati Nazzareno Pilozzi e Luca Frusone, il Presidente della Provincia ha richiesto spiegazioni sulle possibilità di utilizzo degli strumenti messi a disposizione dal decreto legge n. 3 del 2015, in particolare prevedendo un intervento pubblico attraverso la società strumentale di Cassa depositi e prestiti per colmare la distanza tra domanda e offerta di acquisto della Marangoni, che garantirebbe la ripresa della produzione, dell?occupazione e un risparmio in termini di fondi attualmente destinati alla mobilità.\nNella seconda missiva, rivolta al Presidente della Regione Lazio Nicola Zingaretti, all?Assessore allo Sviluppo Economico Guido Fabiani, all?Assessore al Lavoro Lucia Valente e ai Consiglieri regionali Mauro Buschini, Daniela Bianchi, Marino Fardelli e Mario Abbruzzese, Pompeo ha sollecitato chiarimenti in merito all?adozione del contratto di ricollocazione, strumento di politica attiva del lavoro.\n?Così come stabilito in sede di discussione ? ha spiegato il Presidente Pompeo ? ho scritto ai livelli governativi competenti per avere chiarimenti in merito alle problematiche emerse durante la discussione e sollecitate dai lavoratori. Accanto a tale azione occorre lavorare per creare le condizioni affinché questo territorio riparta, anche con progettualità innovative. La Provincia ha riattivato il Comitato per lo Sviluppo proprio per farlo lavorare rispetto a tale obiettivo. A breve riconvocheremo il ?Tavolo interistituzionale permanente per l?emergenza lavoro? per fare il punto della situazione con tutti gli attori che ne fanno parte?.\nPOMPEO SU PIANO TURISTICO TRIENNALE\n?Registro con soddisfazione l?approvazione del ?Piano turistico triennale? 2015-2017 da parte del Consiglio Regionale del Lazio e che prevede lo stanziamento di 22 milioni di euro. La Provincia di Frosinone è immediatamente disponibile a cogliere tale opportunità ed ha rivitalizzato di recente l?incubatore di progetti per lo sviluppo del territorio, il Comitato per il Lavoro e lo Sviluppo Economico per il quale ha già individuato un adeguato comitato tecnico forte di professionalità di alto livello. Tra le strategie che il Comitato, la convocazione del quale è prevista a giorni, lo sviluppo delle tematiche turistiche, agrituristiche e agroindustriali, risulterà tra le preminenti. Guardiamo alla Regione Lazio come a un riferimento insostituibile del sistema che deve vedere tutti gli stakeholders territoriali remare nella medesima direzione per individuare gli obiettivi e le risorse per poterli trasformare in realtà. Il ?Piano Turistico Triennale? è un?occasione che non dobbiamo lasciarci sfuggire?.\nE? quanto afferma il Presidente della Provincia di Frosinone, Antonio Pompeo


Enel resta l’utility più ambita in Italia nel 2021 | Enel.it\nIl nostro Gruppo si conferma l’utility più ambita per Universum\nPubblicato il martedì, 7 dicembre 2021\nPer i giovani professionisti italiani delle discipline STEM (Science, Technology, Engineering, Mathematics) la nostra rimane l’azienda più attrattiva nel settore delle utilities. Lo conferma la classifica 2021 stilata dall’agenzia Universum Global, leader mondiale nel campo dell’employer branding, che già l’anno scorso ci aveva premiato come l’utility più apprezzata.\nL’indagine sui Most Attractive Employers Italy Professionisti 2021, arrivata alla sesta edizione, è stata condotta raccogliendo le preferenze di oltre 15mila lavoratori con 1-5 anni di esperienza, provenienti da 35 settori e 88 ambiti occupazionali sparsi su tutto il territorio nazionale. Il nostro Gruppo è stato confermato come Top of Industry nel settore delle utilities. Quest’anno siamo saliti anche sul podio delle aziende più desiderabili in assoluto dai giovani professionisti delle STEM, scalando la classifica e posizionandoci al terzo posto.\nLe sfide professionali, le opportunità di crescita e un ambiente di lavoro che valorizza il talento sono, da quanto emerge dal sondaggio, tra gli elementi più importanti per i professionisti della generazione Z, insieme all’innovazione, all’uso delle nuove tecnologie e alla formazione delle persone.\nValori alla base dell’approccio Open Power, come racconta la campagna #EssereEnel, che in occasione dell’evento di premiazione, venerdì 26 novembre, è stata annoverata tra le best practice di comunicazione nell’ambito dell’employer branding.


UNA COLLABORAZIONE DI SUCCESSO: IREN E FAST PER UNA GESTIONE OTTIMALE DELLA RETE IDRICA | Fast\nIren, azienda di primaria importanza tra le multiutilities, ha in carico la gestione dei servizi idrici integrati nelle province di Genova, Savona, Imperia, la Spezia, Parma, Piacenza, Reggio Emilia, Aosta, Asti, Cuneo, Novara, Vercelli, Brescia, Mantova e Pavia; fornendo acqua potabile con più di 18.900 km di reti acquedottistiche si pone al terzo posto degli operatori in Italia nel settore dei servizi idrici, per numero di metri cubi gestiti.\nIren da più di 20 anni riserva un’importanza strategica al servizio di gestione della rete idrica. Tra le prime aziende in Italia a dotarsi di sistemi di cartografia, iniziò già negli anni ‘90 la suddivisione della rete in distretti idrici per una migliore e più capillare gestione dell’intero ciclo.\nDai primi anni 2000, FAST collabora con il Gruppo Iren con lo studio e la fornitura di soluzioni innovative e sostenibili, in grado di generare valore nel tempo, nella gestione integrata delle risorse idriche.\nLa richiesta di Iren era di avere un avanzato sistema di misura e diagnostico in grado di fornire informazioni in tempo reale relative a parametri di: pressione, portata e livello, in corrispondenza di ogni distretto allo scopo di minimizzare le perdite idriche, ottimizzare il rendimento degli impianti, aumentarne l’efficienza, ridurre i costi energetici e ridurre drasticamente i costi.\nDi importanza fondamentale per la realizzazione di questo ambizioso progetto, è stata quindi la collaborazione con FAST che grazie alla dislocazione sul territorio delle RTU, AQUALOG PQ e AQUALOG MASTER, ha creato un sistema di gestione attiva della rete, basato su Pressure Management e monitoraggio delle perdite.\nA tal proposito per la gestione della rete distrettualizzata, Iren ha applicato il software AQUAWORKS SCADA che FAST ha sviluppato in collaborazione con il loro servizio ricerca perdite. AQUAWORKS SCADA è interamente basato su tecnologia web, quindi fruibile da un numero illimitato di tecnici ed amministratori.\nOltre al monitoraggio e la raccolta dati è stata implementata un’importante applicazione del controllo attivo delle pressioni utilizzando diverse metodologie quali regolazione della pressione del punto critico, regolazione guidata della domanda dell’utenza, regolazione per fasce orarie, regolazione notte/giorno.\nLa road map del progetto, che ad oggi sovrintende più di 800 distretti, prevede nel 2020 di portare questo numero ad oltre 1000.\nUn altro importante tassello nella creazione di una rete sempre più efficiente è stata l’implementazione di un sistema volto all’individuazione dei colpi di ariete grazie a AQUALOG PQ, il dispositivo FAST in grado di intercettare e analizzare questi fenomeni altamente dannosi per la rete.\nAnche grazie all’applicazione di queste tecnologie, il gruppo Iren ha ottenuto straordinari successi nella riduzione delle perdite, raggiungendo valori di ILI pari a 1,6, che si traduce in una riduzione dei consumi energetici, dei tempi di intervento, delle rotture e dei costi di servizio.\nSviluppo e sostenibilità sono i valori su cui poggia la collaborazione del gruppo Iren con l’azienda FAST, uno sguardo comune volto alla crescita del territorio in termini di innovazione e risparmio energetico.


Riaprire il “Busacca” per l’emergenza coronavirus: pronto a rientrare e dare una mano. Lettera del dott. Giovanni Pellegrino. – Il Giornale di Scicli\nRiaprire il “Busacca” per l’emergenza coronavirus: pronto a rientrare e dare una mano. Lettera del dott. Giovanni Pellegrino.\n“La pandemia da coronavirus ha messo in ginocchio oggi un sistema sanitario che fino a ieri l’Italia si vantava di essere tra i migliori al mondo.Come si suol dire fino a quando tutto gira nella normalità, allora non ci sono problemi; ma la nostra politica sulla sanità ha determinato con leggi, sentenze, decreti, tagli che oggi, con questa calamità, evidenziano una situazione sanitaria quasi al collasso.\nLa chiusura di ospedali considerati piccoli, come il nostro ospedale Busacca, la chiusura delle Divisioni e Servizi trasferiti all’ospedale di Modica, compreso il Pronto Soccorso, dovevano servire a potenziare e migliorare l’assistenza. Tutti sanno, e tanti hanno sofferto, le lunghe attese per essere controllati e stabilizzati al pronto soccorso modicano.\nIl numero chiuso alle facoltà di Medicina e Specializzazioni e nelle branche sanitarie (infermieri): ora si cercano medici anche in pensione, infermieri, medici che ci vengono ad aiutare dalla Cina e dall’Albania;e non si trovano mascherine, non si trovano respiratori.\nOggi questo invisibile, altamente virulento virus, che ha una particolare localizzazione per le vie respiratorie, in particolare negli interstizi dei polmoni, determina una gravissima insufficienza respiratoria, per cui se il paziente non viene immediatamente intubato, rischia la vita. Ecco quindi che oggi in prima linea sono i reparti di rianimazione, di malattie infettive, dei laboratori, che però hanno un’alta mortalità fra medici, infermieri e personale ausiliario…\nQuesta volta sono d’accordo con la proposta sensata del deputato Orazio Ragusa per la riapertura di un padiglione all’Ospedale Busacca per tutti coloro in “quarantena” o che hanno manifestazioni e sintomi lievi della malattia, si eviterebbero intasamenti a domicilio in particolare cittadini con abitazioni molto ristrette e famiglie numerose.\nSono d’accordo con l’infermiere Claudio Trovato, mio allievo, e oggi responsabile regionale del Nursind (infermieri). Per Trovato riaprire un padiglione per questi bisognosi potrebbe essere occasione per riaprire il Busacca a divisioni e servizi.\nSono d’accordo con Carmelo Vanasia, con la sua arringa, battagliero e legato all’Ospedale Busacca tanto è vero che per la riapertura di un padiglione si è messo in contatto con l’assessore regionale alla sanità, Razza.\nQualora si verificasse la apertura di un padiglione per l’assistenza ai bisognosi (non dimentichiamo che al nord si sono allestiti ospedali da campo in pochissimi giorni) sarò il primo per la mia trentennale esperienza di anestesista rianimatore a dare una mano nell’assistenza di questi pazienti. Credo che i miei colleghi e bravissime infermiere dell’ex servizio di anestesia del Busacca sarebbero disponibili a collaborare. Naturalmente l’azienda ospedaliera dovrebbe fornire mezzi, farmaci e tutto quello necessario per l’assistenza a queste persone. Mi affido all’interessamento del nostro Sindaco che in questa grave situazione si sta impegnando in modo veramente eccezionale, ma principalmente al dott. Aliquò direttore dell’azienda ospedaliera.”\nDott. Giovanni Pellegrino\n← Prg di Scicli: rinvio programma tavoli tematici e acquisizione istanze\nSe n’è andato il caro Vincenzo Cassibba →


Palagonia, vandali e riscatto - Sicilia Journal, Giornale online di notizie\nPalagonia, vandali e riscatto Redazione Sicilia Journal 08/12/15 Cronaca, primo piano\nLa strada del riscatto a Palagonia è ancora lunga e impervia. A rendere nota la notizia di un vile e vigliacco atto vandalico è stato il sindaco, Valerio Marletta, attraverso i social network. Riportiamo le sue parole pubblicate sul suo profilo Facebook (nella foto). Scrive il primo cittadino: “Stamani (ieri 7 dicembre 2015 n.d.r.) abbiamo visualizzato i filmati riguardanti i danni subiti dal parco giochi di Piazza Garibaldi. E’ stato mortificante vedere 4 minori accanirsi con brutalità verso i giochi. E’ stato mortificante vederli in compagnia di una coppia di “adulti” che fornivano supporto alle operazioni di distruzione. E’ stato mortificante vedere un gruppo di “adulti” indifferenti allo scempio. Il tutto avvenuto alle 22. Non si sono fermati neanche davanti alle telecamere. Alcuni dei minori sono stati già individuati, quindi verranno attivate tutte le procedure di legge”. Il post, mentre scriviamo, conta 461 like, 31 condivisioni e 86 commenti. Si resta sgomenti di fronte a tanta violenza.\nSe contiamo tutte le volte che nei commenti al post si legge la parola “vergogna” ci si perde e il disappunto diventa rabbia. Rabbia contro il vuoto lassismo, il bieco cinismo, la prepotenza usuale, la menzogna continua, la furbizia imperante, la sopraffazione congenita, l’arroganza sovrana.\nDei piccoli criminali, guidati certamente dalla mano di adulti che sanno quello che vogliono, sottraggono, distruggendolo in maniera violenta, un bene della collettività. Un bene ad uso di altri adolescenti come loro. E la la cosa più triste sono quegli adulti che “forniscono supporto” e quelli che si girano dall’altra parte e fanno finta di non vedere. Triste e avvilente.\nE però sentiamo di dire al sindaco che non bisogna mollare, non serve disperarsi, occorre al contrario trovare cuore e coraggio per rinascere. Perché come ricorda una saggezza antica: invece di maledire l’oscurità, accendiamo una candela e illuminiamo ogni cosa. L’amministrazione deve dare l’esempio e i cittadini hanno il dovere di essere migliori di quel poco peggio che vuole annientarli.\nL’episodio rappresenta un’offesa alla gente onesta di Palagonia e un atto insopportabile per le istituzioni politiche e sociali che lavorano nel territorio.\nE’ il momento di fare appello a quanti formano il tessuto sano della città dell’arancia rossa perché non è escluso, saranno gli investigatori ad accertarlo, che la distruzione del parco giochi rappresenta un atto intimidatorio verso coloro che lottano per il riscatto di Palagonia. Tutti, ognuno nel proprio ruolo, devono fare il possibile affinchè il centro calatino non sia più il crocevia dello spaccio di droga, dell’illegalità e della becera violenza, ma un luogo dove le famiglie possono riappropriarsi degli spazi di aggregazione sociale.\nCertamente il progetto di legalità e coscienza civile portato avanti con fatica dal sindaco Marletta e dalla sua giunta a qualcuno, forse, può dare fastidio perché rischia di mettere in discussione vecchi equilibri e vecchie rendite e di conseguenza trae precisi vantaggi dal degrado, dal teppismo e dall’abbandono del territorio. Ma anche se la strada del riscatto e ancora lunga e impervia, come abbiamo scritto all’inizio, non bisogna arrendersi o abbassare la guardia.\nC’è una metamorfosi in corso, una lunga e faticosa transizione che divora luoghi e persone. Modi e stili di vita. Da anni, ormai, non ci sono più i vecchi partiti e i notabili che li rappresentavano. Passata l’euforia del tutto concesso, compresa l’evasione fiscale, che pure resta alta, ora bisogna fare i conti con un nuovo modo, più responsabile, di essere cittadini. Quegli stessi cittadini che avevano dimenticato le buone pratiche urbane e che ora si sentono smarriti di fronte al cambiamento. Per questo non è semplice mettere ordine al dissesto che non è solo economico ma è anche e soprattutto culturale. Questa amministrazione ha il compito arduo di andare oltre le promesse e gli slogan, con un progetto concreto che faccia sentire ai palagonesi un po’ di orgoglio civico.\nLa propensione al lamento è tipico della sicilianità ma non sempre è un alibi per chiamarsi fuori. Forse è la spia di un allarme per avere sempre il meglio e restituire a Palagonia, come in tutte le nostre città, quello che oggi appare come una mancanza: l’amore dei suoi cittadini.\nUna nota a margine. Da mesi chiediamo al sindaco di rilasciare un’intervista al nostro giornale sulla ripresa dell’attività amministrativa dopo due anni di quasi totale immobilismo.\nCi piaceva poter raccontare dei lavori di sistemazione del manto stradale cittadino, della manutenzione straordinaria nelle scuole, dei lavori per il completamento dei palazzi storici, della prossima costruzione degli asili nido, della gara d’appalto per la realizzazione della nuova rotatoria in via Palermo e delle tante iniziative culturali. Da un rinvio all’altro aspettiamo ancora una risposta e continueremo ad aspettare. Nel frattempo, con tristezza, ci tocca registrare l’ennesimo fattaccio di cronaca.\nlavoriPalagoniaparco giochipiazza garibaldiscuolestradeValerio MarlettavandaliCondividi: Tweet\nCatania, buio pesto sui debiti del ComuneSicilia Mondo incontra Francesca Mignosa rientrata in Sicilia dopo 18 anni in OhioA proposito dell'autoreRedazione Sicilia JournalLa redazione Post correlati Catania, divieto di fermata su corsia est del Lungomare\nRedazione Sicilia Journal 10/02/16 1 Catania, insulti a coetanei e insegnante chiusa in aula: due 15enni finiscono in comunità


Stefania Sandrelli è la donna contesa tra Manfredi, Gassman e Satta Flores, infine moglie soddisfatta di Manfredi, consapevole di aver vissuto cercando di trovare la sua strada. Gassman è l’arrivista arricchito che sposa senza amore la figlia (Giovanna Ralli) di un imprenditore nostalgico fascista (un grande Aldo Fabrizi) per costruirsi una posizione. Alla fine sarà il più povero di tutti, perché resterà solo con l’odiato suocero, dopo la morte della moglie in un incedente, abbandonato dai figli, a ricordare un grande amore non colto per inseguire la ricchezza. Satta Flores è l’intellettuale idealista che perde l’occasione della sua vita a “Lascia o Raddoppia”, abbandona la famiglia e vive da solo a Roma dove campa scrivendo sotto pseudonimo critiche cinematografiche. Manfredi è il poveraccio del gruppo, idealista ignorante ma sincero, capace di perdonare e di mollare tutto per amore, senza tradire le sue idee.\nEccellenti le parti oniriche e lo stratagemma teatrale di mettere in primo piano il personaggio, come se fosse sotto la luce dei riflettori, quando racconta la sua versione della storia. Stupenda la scena centrale realizzata in piano sequenza per immortalare i protagonisti che prendono ognuno la loro strada. Suggestiva l’idea di raccontare il passato in bianco e nero e di far tornare il colore quando il regista narra i tempi moderni e l’Italia del boom dei primi anni Sessanta. Alcuni personaggi interpretano loro stessi, come Mike Bongiorno, che finge di presentare la popolare trasmissione “Lascia o raddoppia”, ma anche Federico Fellini, Marcello Mastroianni, Anita Ekberg e Vittorio De Sica regalano un piacevole cammeo. Un altro momento di cinema nel cinema vede la Sandrelli abbandonare la carriera di attrice e impiegarsi come maschera in un cinema: Manfredi è in sala e guarda la pellicola, ma i personaggi raccontano la loro storia d’amore.\nUn film da recuperare per capire la società italiana e i suoi vizi di fondo, sorridendo dei nostri stessi difetti. Ettore Scola, in una recente intervista rilasciata ad Alain Elkann per La Stampa ha detto: «I film ai quali mi sento più affezionato sono: C’eravamo tanto amati, La famiglia, Una giornata particolare, Ballando ballando, un malloppo compatto, come se avessi fatto un solo film, temi a me cari costantemente cambiati, perfezionati e ambientati in epoche diverse».\nEttore Scola è un regista che difficilmente sbaglia un film e quando esce con una nuova opera ha sempre qualcosa da dire. Sono ottimi anche Brutti, sporchi e cattivi (1976), sgradevole e cinica operazione per presentare i problemi degli immigrati, La terrazza (1980), che segna la fine della commedia all’italiana, e Passione d’amore (1981), insolito film in costume per raccontare una storia di emarginazione. Il capolavoro di Ettore Scola resta Una giornata particolare (1977), una superba interpretazione di Marcello Mastroianni e Sophia Loren in un dramma psicologico consumato durante un breve incontro nel giorno della visita di Hitler a Roma. Sono interessanti alcuni film successivi sulla realtà italiana come Maccheroni (1985), amara riflessione sull’amicizia, La famiglia (1987), racconto di ottant’anni di storia privata, Che ora è (1989), sulla difficoltà di comunicare tra padre e figlio, e Mario, Maria e Mario (1993), storia pubblica e privata ai tempi della fine del partito comunista. Tra i lavori più recenti va citato La cena (1998), pellicola girata in un’unità di tempo e di luogo per raccontare diverse esistenze prese a simbolo della realtà contemporanea. Gente di Roma (2003) è il suo ultimo film, girato in digitale e visto da pochi, ma non è all’altezza di tanti lavori precedenti, anche se si sforza di raccontare la società multietnica. Ettore Scola si segnala come regista impegnato e animato da una sincera coscienza civile che realizza cinema da metabolizzare e riflettere per comprendere la nostra storia. Il regista lascia il mondo del cinema nel 2011: «A ottant’anni sono stanco del cinema, ma soprattutto non mi riconosco più in certe logiche produttive. Mi manca tutto del mio cinema, dagli attori come Sordi, Manfredi, Gassman, Tognazzi che erano anche autori, a sceneggiatori come Age, Scarpelli e Sergio Amidei. Adesso che sono vecchio vorrei fare qualcosa di inutile ma di importante in favore del cinema, magari andare in un cittadina dove venti persone manifestano perché non chiuda l’unico cinema destinato a diventare un supermercato. Non immaginavo la vecchiaia in un Paese così scempiato e allo stremo, ma spero molto nei giovani che da qualche tempo stanno dando iniezioni di vitalità e motivo di resistere anche ai vecchi». (da La Stampa del 22 aprile 2011, intervista rilasciata ad Alain Elkann).


Quando la gita in montagna finisce in ospedale\nPer una 53enne di Cusago che era in Valsassina è stato necessario l'intervento del Soccorso alpino.\nCronaca 14 Settembre 2020 ore 11:12\nQuando la gita in montagna finisce in ospedale.\nCUSAGO - Nelle intenzioni avrebbe dovuto essere una bella domenica di fine estate all’insegna della montagna. E invece, per una 53enne residente a Cusago, l’escursione è purtroppo terminata in ospedale.\nLa Valsassina, e in particolare Barzio, in provincia di Lecco, era stata la meta scelta da una 53enne residente a Cusago per la gita della domenica appena passata. Ma non tutto è filato come sperava. Intorno alle 13.40, infatti, alla centrale Soreu dei Laghi è arrivata la richiesta di aiuto che ha determinato l’attivazione della stazione di Valsassina e Valvarrone del Cnsas (Corpo nazionale soccorso alpino e speleologico).\nL'infortunio e la richiesta di aiuto\nLa 53enne di Cusago, infatti, si era infortunata alla caviglia sinistra e non riusciva più a proseguire. In zona erano già presenti alcuni tecnici della XIX Delegazione Lariana per attività di formazione e così l’intervento è stato rapido. I soccorritori hanno provveduto a immobilizzare il piede della donna e poi l’hanno accompagnata con il mezzo fuoristrada alla funivia, per il trasporto a valle, dove c’era l’ambulanza ad attenderla per il trasporto in ospedale per i dovuti accertamenti.


Scarpe Manolo Blahnik Primavera/Estate 2016: il catalogo [FOTO] - NanoPress Donna\nHome Moda Scarpe Manolo Blahnik Primavera/Estate 2016: il catalogo\nScarpe Manolo Blahnik Primavera/Estate 2016: il catalogo [FOTO]\nManolo Blahnik presenta la sua nuova collezione di scarpe Primavera/Estate 2016, una linea colorata e vivace dagli evidenti echi retrò. Il re degli stiletti, amatissimo dalle star e dalle fashioniste di tutto il mondo, ha voluto per la stagione calda solo creazioni in forme raffinate, realizzate in materiali pregiati e in una palette di colori che non disdegna accenti audaci. Scopriamo insieme le novità Primavera/Estate 2016 firmate Manolo Blahnik.\nManolo Blahnik, le scarpe con tacco\nAl pari di collezioni come quella di scarpe Christian Louboutin Primavera/Estate 2016, anche Manolo Blahnik pensa sandali da giorno e da sera oltre a dècolletès dalle strutture molto eleganti. I sandali, come potrete vedere sfogliando le immagini della nostra fotogallery, hanno tacco stiletto alto rivestito o lasciato a contrasto, ma sono previsti anche in versioni con tacco largo in legno più basso e plateau anteriore a bilanciarne l’altezza.\nLe forme più chic hanno fasce in pelle in toni classici come il nero, ma non mancano creazioni interamente glitterate oltre a sandali con applicazioni pastello e listini che avvolgono la caviglia. La linea di dècolletès Manolo Blahnik propone incantevoli modelli con superficie completamente stampata e multicolor, oltre a slingback in colori pastello e sorbetto, a mary jane a pois e modelli con t-bar in stile anni ’20.\nManolo Blahnik, le scarpe flat\nSe amate le collezioni dello shoe-designer spagnolo, saprete che Manolo Blahnik non ha mai nascosto il suo debole per le forme flat, dalle ballerine a slippers e slip on. Il rosa Quarzo e l’azzurro Serenity rappresentano una delle tendenze moda Primavera/Estate 2016 di maggior successo, ecco quindi le due nuances adattate soprattutto agli articoli bon ton della linea.\nLe ballerine hanno punta stretta e spesso cap-toe in vernice, modelli rosa, turchesi, ma anche beige, bianchi e neri, oltre a versioni con ricami a contrasto lungo la tomaia come quelli delle dècolletès. A completare la collezione troviamo anche sandali bassi con punta peep-toe oppure open-toe, dai listini che risalgono la gamba sul modello dei sandali alla schiava, oltre a infradito con applicazioni gioiello lungo il t-bar, a francesine a punta e mocassini in pelle a tinta unita o bicolor con fiocchi sulla punta. Incantevoli i sabot flat, con spille gioiello a impreziosire la punta chiusa oppure open-toe.\nDate uno sguardo alle novità firmate Manolo Blahnik nelle immagini della nostra fotogallery, quali sono le scarpe Primavera/Estate 2016 perfette per voi?\nPrevious articleCollezioni make up Primavera/Estate 2016 da non perdere\nNext articleCollezione 2016 abiti da sposa Inbal Dror [FOTO]


Semplicità d’uso, comodità, valore e utilità per l’utilizzatore: sono questi gli ingredienti per cui si è ormai sempre più persuasi che i Beacon hanno tutte le carte in regola per ottenere un grande successo.\nImmaginiamo di muoverci tra le sale di un museo. Come spesso succede non abbiamo voluto fare la coda al desk per affittare le classiche audioguide, ciònonostante vorremmo saperne di più sulle opere che stiamo ammirando. Allora prendiamo il nostro smartphone, il quale man mano che ci avviciniamo a quel quadro o a quella moneta antica comincia a fornirci informazioni di dettaglio contestuali, sotto forma di qualsivoglia tipo di contenuto multimediale: testi, audio, video, immagini, foto 3D.\nGiunti a quell’opera che tanto ci piace e che ci ha portati fin qui per ammirarla dal vivo, restiamo letteralmente incantati, consultiamo con interesse la scheda di dettaglio fornita dal nostro smartphone e sfiorando un’icona diamo il nostro “mi piace” all’opera, condividendolo sui nostri social preferiti.\nSi diffonde nei musei l’uso delle app per smartphone che “dialogano” con le opere d’arte\nTerminata la nostra visita, ci approssimiamo all’uscita passando per lo shop del museo. Diamo un’occhiata qua e là quando sentiamo il nostro smartphone “chiamarci” con un messaggio che ci avvisa che le t-shirt raffiguranti la nostra opera preferita sono in promozione e che, se non vogliamo acquistarle subito, possiamo farlo anche comodamente on line in un altro momento attraverso l’e-shop del museo.\nBene, quello che abbiamo appena immaginato è di fatto uno scenario facilmente realizzabile con la tecnologia già oggi a nostra disposizione: quella degli smartphone unita a quella ancora non molto conosciuta dei cosiddetti Beacon.\nCosa sono i Beacon e come funzionano?\nI Beacon fisicamente si presentano come dei piccoli oggetti dalle forme più svariate, dai più classici parallelepipedi in plastica bianca o nera alle pietre colorate in silicone personalizzabili con dei divertenti stickers come quelli, bellissimi!, della Estimote.\nI coloratissimi beacon della Estimote\nAl di là del loro design (su cui – ne siamo certi – i produttori si sbizzarriranno per accappararsene il mercato), la funzione dei Beacon è quella di trasmettere dei segnali a un ricevitore (tipicamente uno smartphone, ma anche un tablet) nel momento in cui esso entra nel proprio raggio d’azione (da pochi centimetri fino a 30 metri e oltre), fornendogli il comando per far accadere qualcosa sull’apparecchio ricevitore.\nI Beacon sono alimentati a pila (o anche a corrente) e sono molto piccoli proprio per essere collocati – spesso in modo invisibile – anche in una certa quantità in una stanza (la sala di un museo, i locali di un negozio o di un qualunque esercizio commerciale) o anche in spazi aperti, per esempio una strada, una via pedonale, un centro commerciale…\nAffinché il ricevitore avverta la presenza dei Beacon è necessario aver scaricato e installato una apposita app e aver attivato la porta bluetooth.\nDate un occhio a questo breve video che, partendo dalla similitudine con la funzione del faro per le navi, spiega bene come funzionano i Beacon.\nI Beacon perfezionano la qualità dell’esperienza d’uso\nÈ in questo modo che girando per le sale del museo, il nostro smartphone, man mano che ci avviciniamo alle opere esposte nella sala, rileva la presenza del Beacon e attiva in modo automatico i contenuti più appropriati.\nNon ci sono dunque QR code da inquadrare o superfici da sfiorare come per le tag NFC, tecnologie che non hanno avuto il successo sperato proprio perché, a differenza di quanto i Beacon permettono di (non) fare, richiedevano ancora uno “sforzo” in più all’utilizzatore che impediva di realizzare una perfetta esperienza d’uso.\n“Il fatto è – come cita un interessante articolo pubblicato su Wired – che, in un mondo wireless, fare la scansione o toccare qualcosa per trasmettere o ottenere informazioni risulta molto scomodo”.\nSemplicità d’uso, comodità, valore e utilità per l’utilizzatore: sono questi gli ingredienti per cui si è ormai sempre più persuasi che i Beacon, rispetto alle altre tecnologie simili che li hanno preceduti, hanno tutte le carte in regola per ottenere un grande successo.\n“Per musei, gallerie e spazi pubblici – continua l’articolo di Wired – questa tecnologia rimane certamente un grande passo avanti insieme alla diffusione dello smartphone. È l’anello mancante che cambierà il modo in cui i dispositivi mobili vengono utilizzati in spazi pubblici, e per legittimare la loro presenza, piuttosto che essere percepiti come una distrazione da essi”.\nLe molteplici applicazioni dei Beacon\nSe non siete ancora convinti delle potenzialità dei Beacon, provate a fare un giro su Beacon Italy, il sito italiano, nato sulla scia di molti omologhi d’oltreoceano, nato appositamente per diffondere cultura e best practices sull’utilizzo di questa tecnologia, e scoprirete quali e quante applicazioni possibili sono già se non realizzate almeno allo studio avanzato, e quali interessanti scenari si aprono unendo la forza della microgeolocalizzazione, a quella del mobile e, naturalmente, del marketing!\nIl risultato è una nuova affascinante propaggine del marketing, nota come proximity marketing, destinata a svolgere un ruolo sempre più importante nella nostra quotidianità.\nChissà se Steven Spielberg ne sapeva già di Beacon e affini quando ha pensato alla scena di Minority Report in cui il protagonista Tom Cruise si aggira per le vie di una città le cui insegne pubblicitarie animate e interattive lo chiamano per nome al suo passaggio offrendogli messaggi ad altissimo tasso di targetizzazione?\nSe i Beacon avanzano, Oplà non sta a guardare!\nFanta (ma fino a che punto?) scienza a parte, i Beacon oggi sono una realtà che, come abbiamo visto, comincia a trovare le sue prime notevoli applicazioni, con le quali noi di Oplà abbiamo subito voluto metterci in gioco, studiando una loro applicazione rivolta al mondo museale.\nAbbiamo fatto una ricerca tra i principali produttori di Beacon e ci siamo innamorati di quelli già citati delle Estimote; abbiamo valutato diverse applicazioni dedicate al mondo della cultura che sfruttano la tecnologia dei Beacon e siamo al lavoro per realizzare i contenuti multimediali che gli utenti potranno navigare da un tablet visitando le sale del Museo di … curiosi? Stay tuned!


Le interviste Premier: 4 chiacchiere con Antonio Dinale - PREMIER\nBy admin@\tSeptember 17, 2021 No Comments\nPer questo abbiamo deciso di dare spazio ai protagonisti di Premier, le persone che ogni giorno contribuiscono, con il loro sapere e le loro personalità, alla crescita aziendale. Il protagonista di oggi è Antonio Dinale.\nSono Area Manager presso la Premier, seguo gli Stati Uniti, il Portogallo e qualche paese del Medio Oriente e del Nord Africa. Compiti e responsabilità sono quelli propri del ruolo.\nMi sono laureato in Scienze Politiche a indirizzo internazionale, studiando e sostenendo esami anche in Norvegia dove ho soggiornato per un anno grazie ad una borsa di studio. Poi, durante il Servizio Civile, ho seguito un Master in Economia Internazionale e insomma, la dimensione internazionale è stata sempre per così dire “nelle mie corde”.\nC’è poi un altro aspetto che forse oggi, in un mondo così fortemente globalizzato, suona un po’ anacronistico. Il desiderio di conoscere luoghi, persone e culture diverse: al di là delle competenze e delle esigenze professionali, ho sempre cercato di incontrare persone più che ruoli e questa è certo per me la parte più interessante del mio lavoro.\nHo apprezzato sin da subito l’apertura e la flessibilità dell’”ambiente Premier”. Trovo che ambienti molto formali e per così dire “rigidi” impediscano spesso il manifestarsi di potenzialità e risorse che invece possono essere preziose in un’azienda. Definirei Premier un’azienda snella, agile nell’approcciare nuove sfide ed efficiente nel perseguirle.\nOh, ci potrei scrivere un libro forse, non lo so.. ci penso su e intanto non lascio trapelare nulla.\nCon moglie e due bimbe piccole mi riesce difficile – o forse doloroso – ricordare attività proprie del tempo libero\nMi piace la montagna, con mia moglie abbiamo scalato e raggiunto anche quote ragguardevoli, ora ci godiamo qualche bella e godibilissima escursione che non richieda particolare preparazione/allenamento\nPoi che dire, ho una stupenda Martin D28 Made in Tennessee che chiede di essere suonata, mi piace anche leggere, mi piace il mare.. ho certo più interessi di quanti concretamente riesca a seguire..\nPrevious PostSegnali positivi dai colorifici spagnoli: +11,5% nel secondo trimestre 2021\nNext PostMacchine per ceramica: il settore è in ripresa nel 2021


Un nuovo fornitore entra nel catalogo Thormax Piattaforma: IRRITEC\nVenerdì, 06 Aprile 2018 12:48\nNel 1974 il Sig. Rosario Giuffrè, insieme al figlio Carmelo e al fratello Cono, costituirono l'azienda Irritec, a Capo d’Orlando, un ridente paese tra mari e monti della provincia di Messina. L’azienda contava all’epoca appena 18 dipendenti e la principale attività consisteva nella produzione di avvolgibili in PVC. L’allora giovanissimo Carmelo Giuffrè iniziò a covare l’idea che il futuro era nell’irrigazione e nel risparmio idrico.\nQuella felice intuizione, consente oggi a Irritec di distribuire i propri prodotti in oltre 140 paesi nel mondo, di contare più di 700 dipendenti e stabilimenti produttivi in Italia, Spagna, Stati Uniti, Messico e Brasile. Inoltre, la recente apertura del magazzino di Ulm in Germania si aggiunge agli strategici depositi di Bologna e di Algeri.\nIn 40 anni Irritec è cresciuta costantemente mantenendo basi solide e importanti innovazioni nel campo dell’irrigazione. In 4 decenni anni di attività sono state numerose le aziende italiane che hanno scelto i prodotti Irritec per le proprie colture con la certezza che la qualità e la professionalità non sarebbero mai venute meno.\nGrazie ad un’efficiente rete produttiva, costituita da diverse realtà consociate e ad una ben distribuita rete commerciale, i prodotti ed i servizi offerti raggiungono in modo capillare paesi in tutto il mondo. Il servizio comprende anche la consulenza di uno staff tecnico di agronomi, in grado di saper consigliare il cliente nella definizione e infine progettazione di un sistema d’irrigazione o un impianto industriale, con la capacità di unire le caratteristiche del campo d’applicazione alle sue esigenze.\nAttraverso la serietà e la competenza dei suoi dipendenti, Irritec si rivolge a coltivatori, distributori, grossisti e dettaglianti, dall’agricoltura al giardinaggio, dal landscaping all’acquedottistica. La passione per l’acqua e il continuo confronto con i maggiori competitors internazionali hanno contribuito alla crescita del nostro know-how, espresso dietro una vasta gamma di prodotti e servizi in grado di soddisfare a 360° le esigenze nel settore dell’irrigazione.\nIl business di Irritec si concentra su:\nTubi, Ali gocciolanti pluristagionali e stagionali\nRaccordi, valvole, filtri, accessori per l'irrigazione a goccia\nProdotti per Irrigazione a pioggia\nTubi per Edilizia e Acquedottistica\nIl portale Thormax Piattaforma con grande soddisfazione inserisce nella propria gamma la Selezione delle Referenze Irritec.\nMore in this category: « Grande ingresso nel catalogo Thormax Piattaforma: MAKITA\tIl catalogo Thormax Piattaforma inserisce i prodotti McCULLOCH, marchio prestigioso del Gruppo Husqvarna »


Casse di armi italiane all'OSCE di Mariupol: Senatrice Granato presenta interrogazione parlamentare - messina7.it\nHome / Società / Casse di armi italiane all’OSCE di Mariupol: Senatrice Granato presenta interrogazione parlamentare\nDi: Maria Rosaria Cassano In: Società 11 Maggio 2022\nNei giorni scorsi a causa del ritrovamento di casse di armi italiane all’OSCE di Mariupol, la Sen. Bianca Laura Granato ha deciso di presentare un interrogazione parlamentare. Ecco il testo completo :\n“Al Presidente del Consiglio dei ministri e al Ministro degli affari esteri e della cooperazione internazionale. –\nad opinione dell’interrogante il Governo non ha dato agli italiani la possibilità di informarsi in modo imparziale sul conflitto in corso in Ucraina oscurando i maggiori siti informativi di una delle parti coinvolte;\nil nostro Paese è tra i 5 maggiori contribuenti (con Regno Unito, Francia, Stati Uniti e Germania) al bilancio ordinario dell’OSCE, l’organizzazione per la sicurezza e la cooperazione in Europa;\nsecondo quanto appreso dall’interrogante da alcune notizie di stampa, nella sede ucraina dell’OSCE a Mariupol, in Primorsky boulevard 25, sarebbero stati trovati non solo un archivio con decine di faldoni con rapporti OSCE dal 2014, con documentati crimini ucraini contro la popolazione russofona poi nascosti nei rapporti ufficiali della missione in Ucraina ma, soprattutto, diverse casse di munizioni e granate italiane, con mittente “COVID DIFESA, via di Centocelle 301”, provenienti dal deposito munizioni di Villabona e spedite dall’aeroporto militare di Pratica di mare a quello polacco di Rzeszow, a 100 chilometri dal confine ucraino,\nquali iniziative urgenti intenda avviare il Governo, nell’ambito delle proprie competenze, per far luce sui rapporti secretati dall’OSCE in Ucraina dal 2014 sui crimini ai danni della popolazione russofona;\ncome sia stato possibile, ove confermato, che l’OSCE, quale organizzazione terza di monitoraggio e con il mandato di contribuire a ridurre le tensioni e a promuovere la pace in Ucraina, possa esser stata coinvolta nell’ambito di un’attività di deposito di armi italiane per una delle parti in conflitto.”\nGranato interrogazione parlamentare mariupol\t2022-05-11\nTag con:Granato interrogazione parlamentare mariupol\nPrecedente: Storie di strada, storie di vita\nSuccessivo: Per non sottoporsi al tampone, ubriaco, danneggia i locali del pronto soccorso. Arrestato dai Carabinieri.


CADE AUTO DAL CAVALCAVIA, DUE RAGAZZI FERITI - INFORMASICILIA | INFORMASICILIA\nAutore: Redazione - 17 ottobre 2017.\nL’incidente è avvenuto sulla A19 nella carreggiata in direzione Catania. I vigili del fuoco intervenuti hanno estratto alle lamiere due ragazzi rispettivamente di 21 e 20 anni. Sono in corso le indagini per definire l’esatta dinamica del sinistro.\nCADE AUTO DAL CAVALCAVIA, DUE RAGAZZI FERITI –\nLa squadra dei vigili del fuoco del distaccamento di Paternò, ieri sera, è intervenuta per soccorrere delle persone rimaste all’interno di un’auto dopo un incidente stradale che è avvenuto sulla A19. Una vettura è caduta da un cavalcavia sulla carreggiata in direzione di Catania, in corrispondenza del territorio del comune di Belpasso.\nAll’interno del veicolo vi erano un ragazzo di 21 anni e una ragazza di 20. I due passeggeri sono stati estratti vivi dalla squadra dai pompieri che li hanno estratti dalle lamiere e consegnati alle cure del personale sanitario del 118 intervenuto. Erano presenti sul luogo anche il personale della Polizia di Stato e dell’Anas.