Lecturas | La Cárcel de Papel | Page 3\n16 febrero 2011 14:11\nEra difícil que 3, Calle de los Misterios, la nueva obra de Shigeru Mizuki que publica Astiberri alcanzara las cotas de las magistrales Operación Muerte y NonNonBa o de la sugerente Kitaro pero, aun así, uno no puede evitar el esperar cada nuevo título de Mizuki como un acontecimiento, casi recuperando aquella juvenil pasión que obligaba a ir cada día a darle la lata al quiosquero para ver si había salido nuestro tebeo favorito. Tales eran las ganas que no sé yo si leí esta nueva obra o la deglutí, habida cuenta del placentero eructo intelectual expelido tras cerrar el libro. Pero qué gustazo oigan. No se puede negar que 3, Calle de los Misterios no es del nivel de las citadas antes, está claro, pero eso no quita que este paseo por el misterioso mundo de las leyendas urbanas que hace Mizuki sea de lo más gratificante: pisos desaparecidos en centros comerciales, mujeres que vuelven de la muerte insospechadamente, portales que llevan a mundos desconocidos, calles que llevan a otras dimensiones… Temas clásicos de esos programas nocturnos de lo paranormal que Mizuki reescribe en términos propios, conectando esa mitología moderna del misterio con las antiguas tradiciones japonesas de fantasmas. Y el resultado, como era de esperar, tan sugestivo como interesante. Sin necesidad llegar a la provocación continuada que destila el tratamiento del terror de Hino o Suehiro Maruo – en otra perspectiva diferente aunque coincidente en muchos términos-, las siete historias que componen este volumen generan inquietud a través de una extraña sensación de misterio enraizada en lo desconocido de lo cotidiano. Una relectura de aquello que nos parece normal que lo transforma en ajeno y distinto de lo más atractiva. No se lo pierdan. (3+)\n15 febrero 2011 16:50\nTomo la lectura de Granja 54 con prejuicios. La sombra de Rutu Modan es alargada y pienso que la obra de los hermanos Seliktar será similar y, por tanto, inferior. Error. Craso y terrible error. Sólo las primeras páginas, con esa lenta aproximación a una habitación en la que sólo entrevemos apenas unas personas de pie, indican que la obra sigue caminos muy diferentes a los imaginados, en una sensación que se confirma de inmediato con la primera de las tres historias que componen el libro. Tres momentos en la vida de Noga, tres instantes anecdóticos de la vida de esta mujer apenas esbozados por Galit y Gilad con una delicadeza exquisita, articulando texto y dibujo con la geometría de los versos de un poema, dotando a la lectura de niveles de ritmo diferenciados. El fino y elegante grafismo, apoyado en un bitono de presencia contundente, juega con un compás lento, de secuencia cinematográfica descompuesta. El texto, por su parte, apuesta por una aparente redundancia que pronto revela su intención: texto y dibujo coincidirán prácticamente en su descripción excepto en pequeños detalles, en ínfimos y casi indescriptibles rasgos que aparecen así subrayados, señalados con evidencia por ser la única discordancia en la intersección de imagen y texto, llevando al lector a la ruptura de ese equilibrio horizontal que texto y dibujo marcan con exactitud.\nTres historias sobre infancia, adolescencia y madurez que coinciden en buscar momentos de confrontación de vida y muerte en la vida de Noga: el primer beso torpe de amor y la muerte de su hermano pequeño, la muerte de un perro y la estupidez de la adolescencia, el amor adulto y el descubrimiento de una realidad social de enfrentamiento. Momentos de tragedia profunda o ridícula, como suelen ser en esta vida, contrastados con los pocos de dicha, que son entrelazados, tejidos con una sencillez falsa, que va dejando una estela de pequeños matices y trazos que demuestran la minuciosidad con la que los hermanos Seliktar han compuesto este particular poema gráfico, en el que se escuchan tanto ecos del proceso de aprendizaje, de la pérdida de la infancia y la locura de la juventud, como de la situación política y social de un país en estado de guerra permanente. Apenas se oyen mientras leemos el libro, apenas se entreven, pero van envolviendo la lectura hasta tomar forma propia y definida, acompañando y enriqueciendo la lectura de Granja 54. Muy recomendable. (3)\n14 febrero 2011 15:54\nDecía yo hace ya tres años, con motivo de la aparición del primer número de Actor Aspirante, la serie de Max Vento, que prometía pero que tenía dos debes fundamentales: la caracterización de personajes, excesivamente teatral y tópica, y la gestualidad de su dibujo. Llegada la tercera entrega, no puedo menos que decir que Max Vento no sólo ha saldado sus deudas, sino que las paga con creces, porque Comedia en un acto es ya la obra de un autor sólido y formado, en la que precisamente aquellos “debes” se han transformado en virtudes a destacar y alabar. Juega con trampa, cierto, porque en el fondo Vento ha repetido en sus tres entregas estructura argumental (una obra de teatro que se mezcla con la realidad), pero en su última versión demuestra que es tan sólo un apoyo lógico y lícito en el que poder impulsarse para desarrollar con profundidad la personalidad de sus personajes, a través de unos excelentes diálogos y un desarrollo de situaciones donde lo teatral es ya simplemente parte del argumento. Y, con esa seguridad ya en la mano, Vento aprovecha para que todos aquellos que en las dos anteriores podían chirriar o entrar forzados, aquí fluyan con naturalidad: desde las referencias a los problemas que sufre toda una generación joven para acceder al mercado de trabajo a las reflexiones sobre las relaciones personales pasando por la continua retroalimentación entre realidad y ficción teatral. La aventura de este eterno actor aspirante se conforma ya como una de las sagas más interesantes y recomendables que se están publicando hoy en el tebeo patrio. (3)\n10 febrero 2011 13:10\nLa verdad, la primera vez que leí algo sobre Elmer, lo primero que pensé es en cuánto mal había hecho Art Spiegelman. Una ficción sobre las vejaciones a las minorías, donde éstas son representadas como pollos inteligentes, parece más una especie de hipérbole desquiciada de los ratones y gatos de Maus que algo original. Lo segundo que leí no mejoró las cosas: los Gallus Gallus adquieren de golpe inteligencia humana y se rebelan contra el hombre… “No, no es Maus. Peor, nueva versión de la Rebelión en la Granja de Orwell habemus. Adiós cerdos, hola pollos” , me temí (lo que me lleva a pensar que no estaría mal que alguien recopilara y publicara la excelente versión que realizó Xots Clapers para la revista Cavall Fort en los 70 y, ya puestos, que se reivindicara la obra de este grandísimo autor y se publicara también una recopilación del genial En Camús que realizó con Mautro)… y ahí se quedó la cosa.\nLo que me sorprendió es que las reseñas positivas se sucedían, a lo que hay que añadir que el hecho de que su creador, Gerry Alanguilan, fuera filipino, me atraía (no por nada en especial, pero uno sigue sintiendo especial cariño por esa segunda invasión Warren protagonizada por autores filipinos como Alex Niño -¡qué maravillosas locuras hacía este hombre!-, Alfredo Alcalá, Néstor Redondo o Tony Dezúñiga). El caso es que, resumiendo, me acabo de leer el famoso Elmer en la edición americana de SLG y no puedo decir menos que es un tebeo muy estimable. Cierto es que no hace nada nuevo, los referentes que citaba al principio están ahí, es evidente, pero el tratamiento y aproximación que toma Alanguilan es lo suficientemente diferente como para que no sean una rémora y, sobre todo, sabe dotar al conjunto de lecturas propias y personales. Más allá de la evidente crítica al tratamiento de las minorías, es posible encontrar interesantes reflexiones sobre los enfrentamientos generacionales y la familia que, si bien quizás adolecen de una visión en exceso condescendiente, no dejan de ser interesantes dentro de una narración donde el dibujante demuestra un excelente pulso narrativo. El sólido dibujo realista de Alanguilan es una base perfecta para la historia que cuenta, destacando precisamente en el planteamiento narrativo de la misma, que si bien peca de un predecible inicio “a lo Gregor Samsa”, va tomando fuerza y resulta en muchos momentos incluso brillante, como en el relato de la aparición de la inteligencia. A lo que hay que añadir cierta humor negro socarrón subterráneo (los Kentucky Fried Chicken -o equivalentes- reconvertidos en genocidas…) que resulta de lo más acertado.\nA ver si alguien se anima a publicarlo en España… (2+)\nPrimer número (en inglés) de Elmer\n9 febrero 2011 11:23 \_ Deja un comentario\nQue los autores de manga son capaces de extraer épica de cualquier situación nadie me lo tiene que demostrar: servidor ya se quedó maravillado en su día de esta capacidad casi innata del manga al ver cómo era posible quedarse enganchado con el grado de cocción de un croissant en ¡Amasando Japan!. Así que no es sorpresa alguna que la propia profesión de mangaka sea tratada con tal grado de emoción y épica que la realización de una historieta se convierta en algo rivalizante con la gran batalla final del torneo de artes marciales entre Goku y Satanás Cor Petit (Piccolo en la versión castellana…es que uno no puede evitar pensar en la serie en catalán), más si los responsables de ese proyecto de llevar el camino de iniciación en la profesión a viñetas son Tsugumi Ōba y Takeshi Obata, autores de la muy entretenida (aunque inevitablemente cayera en la repetición) Death Note. Sea por una cosa o por otra, es evidente que Bakuman, cuanto menos, es una lectura entretenidísima que, de momento y leídos los tres volúmenes editados en España, todavía no peca de esa repetición continua de esquemas que tanto afecta a los mangas de éxito.\nSin embargo, más allá del puro interés de entretenimiento y del siempre curioso retrato sociológico de la sociedad japonesa que supone una temática de este estilo (que lleva a la práctica diaria esa exigencia del avance personal por el esfuerzo que vemos continuamente en su cultura, etc), hay que reconocerle las aventuras de los dos jóvenes Moritaka Mashiro y Akito Takagi una serie de segundas lecturas mucho más sugerentes y, casi si se me permite, apasionantes en algún momento: por un lado el retrato de una industria descomunal, tan perfectamente engrasada en su funcionamiento como inapelable e inmisericorde con el fracaso. La antítesis, en ese sentido, de la experiencia de Tatsumi por salir de esa industria que podíamos leer recientemente en una Una vida errante. Pero también, como un atrevido juego metalingüístico en el que leemos un manga que tiene los ingredientes, normas y técnicas que los propios protagonistas explican y aplican para hacer un manga de éxito. Cualquiera de estas razones es una buena excusa para acercarse a la serie y pasar un buen rato con ella. (2)\n8 febrero 2011 14:05\nMira que uno suele pensar que está curtido en esto de las lecturas que atañen a la salvajada humana. El suave pulido diario del telediario hace callo en la conciencia y, al final, uno ve tranquilamente cómo lapidan sin piedad a una mujer en la tele mientras ataca con pantagruélico énfasis el filete algo sanguinolento. Sin embargo, pese al endurecido callo, reconozco que la lectura de Psiquiátrico, de Lisa Mandel (Astiberri), ha sido uno de los ejercicios más angustiosos que he tenido que soportar en muchos años. La enumeración de las prácticas habituales de los frenopáticos franceses en los años 60 y 70 es una especie de catalogación fría y aséptica de la barbarie humana, de cómo es capaz de deshumanizar hasta el olvido a aquellos que no tienen la suerte de gozar de una sonrisa Profidén mientras disfrutan de la vida en su comedor IKEA. Lo peor no es la descripción de las terribles salvajadas que tenían que sufrir los enfermos mentales de la época, casi sometidos a un régimen de un campo de concentración. Lo peor es que mientras uno lee cómo dejaban a los enfermos bañados en su mierda durante el día, sabe con certeza que ése era el comportamiento social admitido, que era lo que la gente pensaba que era “lo que se tenía que hacer”. Cuando pienso en las atrocidades de los campos de concentración de la Segunda Guerra Mundial, pienso en crueles dementes que se arrogaban el derecho a decidir sobre la vida. Y las fotos, las terribles imágenes de entonces, son simples pruebas de aquella matanza. Sin embargo, al ver las imágenes que casi con candidez retrata Lisa Mandel, me doy cuenta de que es la gente normal y corriente, aquellos que tenían que hacer un trabajo más, el de ocultar al mundo esa “terrible lacra” de una gente enferma que afea las bonitas postales de una sociedad que se cree feliz, humana y piadosa. Y la reacción es de asco y repugnancia hasta la náusea, de una bola en el estómago que duele no ante lo que vemos, sino ante una sociedad que era (y es) capaz de condenar muchas cosas mientras consiente lo inhumano.\nOjo, que duele. (3)\n8 febrero 2011 9:29\nAntes de que desaparezca de las librerías, permitidme recomendaros vivamente esa pequeña joya que es Odi’s Blog, de Sergio Garcia y Lola Moral (edita dibbuks). Una serie de planteamiento tan aparentemente sencillo como contar la vida cotidiana, pero que en manos de estos dos autores se transforma en un delicioso ejercicio de vitalidad y dinamismo. Cada episodio, de apenas tres o cuatro páginas, es planteado como una especie de flujo continuo de movimiento, en el que la acción es descompuesta en pequeñas viñetas al modo de Muybridge o, mejor si cabe, al de aquellas maravillas que firmaba Barbe en su serie Cinema. Ya sólo por eso, la serie sería un disfrute visual inigualable, pero es que los autores aprovechan ese vector de impulso para que cada anécdota se transforme sin solución de continuidad en un ejercicio de imaginación desbocada. En esa línea de flujo visual continua, la anécdota cotidiana se introduce sin que casi nos apercibamos en la fantasía más increíble, en un Slumberland acelerado donde la realidad y la fantasía comparten espacio sin problemas, haciendo sencillo y delicioso lo que es en realidad un complejísimo ejercicio de narrativa muda donde las imágenes se suceden a la misma velocidad que todo un cúmulo de recursos narrativos.\nPero lo importante, lo realmente importante, es que es absolutamente imposible leer Odi’s Blog sin que una sonrisa nos vaya de oreja a oreja.\nFundamental y obligado prozac en viñetas para días grises en los que parece que el mundo es un poco peor.\n7 febrero 2011 16:21\nQue la etapa de Alan Moore y Rick Veitch en Supreme es recomendabilísima no hace falta ni decirlo. El de Northampton toma la creación de Rob Liefeld y lleva el “homenaje” a Superman hasta sus últimas consecuencias, retomando las reflexiones sobre el mito superheroico de Superman que ya iniciara en Miracleman para unirlas de forma indisoluble al entronque del género de superhéroes dentro de la cultura y mitología popular del siglo XX. El resultado es extraordinario, homenajeando y reivindicando esa deliciosa época que Otto Binder firmara como guionista de Superman como génesis de un icono pop, a la par que traslada esa concepción tan alegre y vitalista como infantil de los 50 a la locura hipervitaminada e hiperacelerada Image de los 90 con toques de reflexión y discurso post-Watchmen. Un tebeo extraordinario, sin duda. El problema es que la edición de Random House sigue canónicamente la espantosa edición en dos volúmenes de Checker Book de hace unos años, con un escaneo a pedales a bajísima resolución al que hay que añadir una importante reducción de tamaño. El que no se consuela es porque no quiere: con la reducción no se nota tanto el horror de calidad de edición original, pero lo máximo en que puedo pensar es que de “espantoso” pase a “espantosito”.\nUstedes mismos. Una verdadera lástima que esta obra no se edite con calidad, pero a este paso la maldición de la edición de Supreme en España comienza a ser eterna…\nUna historia popular de los EE.UU.\n7 febrero 2011 14:59\nEs probable que el título español de la adaptación del fundamental A People’s History of the United States, de Howard Zinn sea una mala elección. En los tiempos en los que vivimos, un título como Una historia popular del Imperio Americano se asocia automáticamente con una lectura radical de extrema izquierda del concepto de imperialismo reescrito en términos exclusivamente ligados a antiamericanismo. Igual que posiblemente también sea un error decir que Zinn es la guía evidente del mucho más mediático Michael Moore en documentales como Farentheit 9/11, habida cuenta del automático rechazo que causa la oronda figura del director en muchos. Sin embargo, ambos prejuicios darían lugar a un error más grave: no leer la obra de Zinn antes de emitir una opinión. Porque lo que hace el politólogo estadounidense no es hacer un fácil alegato antiamericano o un panfleto maniqueo (hay que reconocer que, por mucho que algunos celebremos la ironía de Moore, cae con demasiada asiduidad en cierta demagogia facilona), sino una profunda reflexión sobre la historia de su país desde la perspectiva de los que no escriben la historia. El resultado, una inquietante y en ocasiones terrorífica revisión de cómo la economía de los más poderosos transforma las vidas humanas en simples números reducidos a balances contables. Zinn analiza con lupa las relaciones sociopolíticas del poder con los lobbies económicos para dar cuenta de lo que habitualmente no se escribe en la historia, no habla de la épica de los héroes en las batallas, sino de la miseria de aquellos que las alentaron por aumentar los ingresos de sus cuentas bancarias. Y ese resultado es, en muchos momentos desolador, una bofetada que hace dudar en muchos momentos de si realmente el ser humano merece el calificativo de animal racional o de simple y vulgar depredador. Un texto utilizado habitualmente en los institutos americanos como eficaz incitador de la reflexión (la sociedad americana tiene estas sorprendentes dicotomías, capaz de negar el estudio de la evolución, pero suficientemente maduros democráticamente como para estudiar una dura revisión de las teorías canónicas de la historia) que llega ahora en formato de novela gráfica, en una adaptación a la historieta firmada por el historiador Paul Buhle y los periodistas Dave Wagner y Kathy Wilkes que se encarga de poner en viñetas el dibujante Mike Konopacki. No se puede decir que Konopacki sea precisamente un virtuoso, pero su labor se desarrolla con eficacia gracias, sin duda, a la espléndida labor de síntesis de los guionistas, que ayuda a la labor del dibujante sea perfectamente eficaz en su objetivo: trasladar al lector el potente texto de Zinn.\nUna lectura que sirve para demostrar, de nuevo, el potencial de la historieta como lenguaje mucho más allá del entretenimiento o de la ficción, en este caso como vehículo de un ensayo sociopolítico. Muy recomendable.\n4 febrero 2011 11:46\nQue haya lecturas generacionales no es, a priori, especialmente malo. Todos hemos pasado en algún momento por ellas y el único problema es que el recuerdo, la memoria de esos buenos momentos de lectura, pueda jugar malas pasadas y la posterior relectura venir lastrada por una inevitable e injusta interpretación que toma como referencia criterios muy diferentes. Cuántas veces hemos leído un tebeo que nos entusiasmó de niños y, ya de mayores, deploramos como “infantil” sin darnos cuenta de que su gran valor e importancia es, precisamente, que es infantil con todas sus consecuencias. Y lo mismo vale para obras de enfoque claramente juvenil que, al volver sobre ellas, echan un tufillo adolescente que nos obliga a fruncir ceño y cerrar nariz. O peor, nos ataca la nostalgia y comenzamos a proferir estupideces de abuelos Cebolletas, es decir, aquello de “cualquier tiempo pasado fue mejor”. Que vale, que sí, que hay épocas y épocas, sobre todo en los tebeos más comerciales, aquellos más afectos a ser traqueteados por los vaivenes de las modas y tendencias imperantes, pero no dejan de ser exabruptos tontos: siempre hay que poner las cosas en su sitio y vale la pena, antes de juzgar con los ojos de hoy, intentar ver con los de ayer.\nLo digo porque lo primero que uno piensa al leer Los Nuevos Mutantes de Bill Sienkiewicz y Chris Claremont en la flamante edición recopilatoria que acaba de editar Panini es precisamente eso “¿Y yo me compraba ‘esto’?”, vistos unos diálogos que se me antojan tan sonrojantes como, efectivamente, juveniles. Así que antes de caer en la tentación absurda y huera de machacar los argumentos de esta pandilla de mutantes juveniles, vale la pena pensar que es una serie hija de su tiempo, una traslación de los problemas sentimentales y existenciales de los chicos de la academia de Fama al universo Marvel, que pasaba aquello de “la fama cuesta” a la responsabilidad del poder y demás filosofías. Visto así, si se me apura, hasta se puede decir que la serie de Claremont no es más que una precursora mutante del “teen drama” que tanto éxito tendría en TV a finales de los 80 y principios de los 90. Lo que no quita que su lectura, veinte años después, resulte algo casposa incluso para los jóvenes de la generación tuenti y facebook.\nEso sí, más allá de la pura nostalgia, queda disfrutar de la espectacular labor gráfica de un Bill Sienkiewicz desbordado. Tras una etapa donde demostró sus habilidades gráficas bajo el manto protector de la influencia de Neal Adams, rompe amarras casi con furia, demostrando ser un autor inquieto y sorprendiendo a todos con un giro radical que incorpora elementos renovadores provenientes de la ilustración, sobre todo de autores como Ralph Steadman, Bernie Fuchs o Bob Peak. Sorpresa doble, tanto por el cambio de registro del propio autor como por la tolerancia y libertad que da la editorial a los experimentos del dibujante, que durante el tiempo que permanece en la serie se lanza a una labor de investigación continua, de búsqueda de nuevos elementos expresivos que convierten al trazo de Sienkiewicz en protagonista absoluto de la serie durante su permanencia, hasta el punto que afecta a la propia concepción de los personajes: Warlock, el ser tecno-orgánico, parece nacido más como un espacio de libertad expresiva del dibujante (la parcela “Steadman”) que como una necesidad argumental de la serie, por ejemplo.\nY es difícil no disfrutar de este ejercicio de libertad completa. A leer el volumen que edita Panini, la verdad es que uno olvida pronto el folletín de conflictos juveniles de alcance galáctico para zambullirse en esa orgía visual que propone y contagia Sienkiewicz. Y se lo pasa uno bomba, oigan.\n2 febrero 2011 14:39\nMenudo final de milenio tuvo el Mr. Hincker, alias Blutch. Impregnado de un ímpetu creador incombustible, en apenas unos años fue capaz de producir obras tan distintas e interesantes como Peplum, Mitchum, Blotch o Rancho Bravo, donde soltaba las evidentes amarras de Forest o Boucq que todavía se veían en Mademoiselle Sunnymoon para desarrollar una actividad inagotable de exploración de nuevas formas de expresión dentro de la historieta. Con la guía consciente o inconsciente del trabajo de Baudoin, Blutch demostraba saber dotar al trazo de una energía orgánica y vitalista, trasladando de la palabra a la línea la expresividad de sus personajes. Una avalancha de trabajos que tenía un pequeño y extraño oasis: las historietas que publicaba en Lapin de El pequeño Christian. Una serie de obvias referencias al clásico de Sempé y Goscinny, Le Petit Nicolas, pero que para Blutch es un instrumento de exploración de la nostalgia del adulto. Que nadie se confunda, no estamos ante una nueva incursión en la nostalgia de la infancia o en el lastimero llanto de la pérdida de la niñez, sino ante una exploración consciente del mecanismo de la creación de los mitos, de los intrincados pero aleatorios procesos que durante la infancia dan lugar a eso que Proust luego ejemplificaría con una magdalena pero que en el siglo XX tiene forma de cultura de masas. La primera recopilación de Le petit Christian, publicada a finales de los 90, es uno de los mejores retratos de los mitos de la generación del baby boom y, a través de ellos, de la propia personalidad de aquellos que vivimos ese extraño pero delicioso mejunje de televisión en blanco y negro, cómics y cine. Aún con las diferencias sociales y geográficas entre Francia y España, no será difícil para aquellos que ya empezamos a tener problemas de presbicia vernos reflejados en ese pequeño Christian amante de los vaqueros y los tebeos.\nDiez años después, Blutch retomó el personaje del Pequeño Christian en un segundo volumen profundamente distinto al primero, con un Christian que comienza ya la educación secundaria. Un momento que es elegido por Blutch como el del cambio, el del inicio de ese proceso que transforma la imaginación desbordante de la infancia en la percepción de la realidad del adolescente. Y, por supuesto, el detonante definitivo: el amor. Las nuevas historias de Christian tendrán una sutil deriva: poco a poco, los personajes de ficción que habitan esa fantasía sin límites irán dejando lugar a personajes reales: a Steve McQueen o Marlon Brando y, sobre todo, a la novedosa e incontenible idolatría del sexo femenino, a la idealización del amor. Y Blutch consigue trasladar a la perfección la peculiar transición entre infancia y madurez en los tiempos de la cultura de masas, donde el niño afronta el paso con el bagaje extra de la televisión y el cine, en un maremágnum en el que las ficciones y las realidades se confunden para un rito que ha perdido su carácter de iniciático para reconvertirse en imitación de los nuevos mitos catódicos.\nNo sé si será por la coincidencia generacional, pero creo que Le petit Christian es la mejor obra de Blutch -y eso es decir mucho, oigan-, en la que plasma con mayor acierto tanto la camaleónica capacidad gráfica de otros trabajos como la fina ironía y sarcasmo aprendido en Fluide Glacial. Recomendabilísima (sobre todo para cuarentones y cuarentonas…:) )\nNorma acaba de publicar la obra recopilando los dos volúmenes en edición integral. En su web se puede ver un avance de la misma. (4)\n1 febrero 2011 15:09\nAunque sea de forma inconsciente, siempre pienso en Eddie Campbell con un autor por entregas. Casi una década me tuvo esperando a una nueva entrega de ese monumento excepcional que es From Hell. Menos, cierto, para las nuevas y ansiadas entregas de esa corrosiva reinvención de la mitología que es Bacchus que ya leí en su versión castellana (a la espera de la ansiada recopilación que anuncia Top Shelf). Con tanto tiempo, entre entrega y entrega, me aficioné a la lectura de las recopilaciones de lo que entonces pensaba que era un tebeo menor suyo, Alec. Un ejercicio de autobiografía literal que iba apareciendo de forma esporádica, saltando de editorial en editorial, sin una periodicidad definida, donde Campbell se reconvertía en Alec McGarry para contar su propia vida, desde las banalidades más superficiales hasta las reflexiones más sesudas pasando por las ideas más absurdas. Una especie de diario que el tiempo entre número y número convertía en algo parecido a una novela de género epistolar, donde un antiguo amigo iba contando sus peripecias, sinsabores y felicidades. Y, con el tiempo, uno le iba cogiendo cariño al quisquilloso Alec. Sus problemas juveniles se transformaron con el tiempo en complejas reflexiones sobre la identidad del artista, sobre la propia concepción de la misión del artista. Pasaron de ser una forma simplista y casi ingenua de “slice of life” a un ensayo en toda regla, a un ejercicio de análisis que tenía siempre lo gráfico como elemento protagonista, pero que en ningún momento olvidaba que no dejaba de ser una simple elucubración ante un papel en blanco en la que contaba los aconteceres de su vida. Poco a poco, el humor de Campbell se fue convirtiendo en fina ironía, en inteligente sarcasmo del que mira su propia vida con sanísimo escepticismo e incredulidad, cuestionándolo todo casi de forma cartesiana.\nLeído de forma recopilada, ya sea en la espectacular versión Omnibus publicada por Top Shelf o en la más cómoda en dos volúmenes de Astiberri, la primera impresión que se tiene es un poco decepcionante. Condensar una vida en un único volumen, por grueso que éste sea, es tarea imposible y las idas y venidas de la vida, las tonterías que se hacen día sí y día también, se traducen en la tentadora etiqueta de “irregular”, terrible palabra que en el fondo sólo hace que clasificar la realidad de la existencia como algo necesariamente irregular, habida cuenta de que no todos los días serán iguales, ni para lo bueno, ni para lo malo. Sin embargo, con la distancia del tiempo, esa misma recopilación comienza a tener un valor añadido que va mucho más allá de la lectura de la vida y milagros de Campbell, incluso mucho más allá de las siempre interesantes reflexiones que lanza el autor. Alec se convierte en un gigantesco testimonio de la formación de un artista, desde el camino de la propia autoafirmación como tal hasta el proceso de aprendizaje. Lo primero lo encontraremos en las muchas y sesudas reflexiones del autor, siempre en contraste continuo con las realidades cotidianas que le obligan a poner los pies en tierra. Lo segundo, en comprobar cómo Campbell va aprendiendo y ejercitando su narración gráfica, desde la simplicidad casi torpe de sus inicios a los atrevimientos de los ejercicios formales que encontraremos después. Con esta nueva perspectiva, la lectura es fascinante, se convierte en un ejercicio de metacreación total en la que lector y autor se funden en la reflexión, en un diálogo continuo hacia la propia esencia de lo que es el proceso creativo. Y, también, se constata que el camino de Alec tiene un final, un sentido que se alcanza con esa genialidad que es El destino del artista, una obra que resume y plasma a la perfección todo lo aprendido en una vida de creador, consecuencia lógica de Alec hasta el punto que, visto hoy, creo que son inseparables.\nY uno, al final, se da cuenta de que de obra menor nada. Que Alec es mucho más que una obra: es el andamiaje que aguanta todo lo creado por Eddie Campbell, una mirada al secreto estudio del artista, a las bambalinas de la creación.\n17 enero 2011 23:35 \_ 51 Comentarios\nUna de esas compras inexcusables: la editorial mexicana RM ha distribuido estas navidades su nueva versión de El eternauta, la obra maestra de H.G.Oesterheld y Solano López. Una cuidada edición que mejora, sin duda, todas las anteriores, desde ese exterior de cuidado diseño (preciosa la portada con troquelado de Jorge Alderete) a los artículos de Juan Sasturain y Mariano Chinelli y, sobre todo, la recuperación de la obra de Oesterheld y Solano tal cual fue publicada originalmente en Hora Cero, sin remontajes de ningún tipo, con las planchas tal cual fueron vistas por los lectores de la obra en 1957, con su diseño original, desde los encabezados con los resúmenes de las entregas anteriores hasta la publicidad de la época. La reproducción, tan buena como puede ser con unos materiales de partida como los utilizados.\nLeído así, El eternauta gana una nueva dimensión: la de la lectura por entregas. La tensión continua, semana a semana, dota a la creación de Oesterheld y Solano de un nuevo tempo narrativo, a la par que la entronca definitivamente como un acontecimiento único dentro de la cultura popular. Aunque es indudable la sorprendente coherencia integral de la obra pese a su publicación seriada, las anteriores ediciones robaban al lector las profundas raíces que El eternauta hundía en las estructuras del folletín clásico, usadas con habilidad por Oesterheld como mecanismo que le permitiera desarrollar un inteligente relato de género a la par que un profunda e insuperable reflexión sobre la naturaleza humana.\nSiempre vale la pena volver a El eternauta. Con esta nueva edición, más todavía.\nOs dejo una reseña que hice hace tres años de la obra de Oesterheld y Solano López para Babelia:\nEl pasado 9 de julio (de 2007) nevaba en Buenos Aires por primera vez en casi 90 años. Una anécdota simpática y jovial que, paradójicamente, provocaba un escalofrío involuntario en un buen número de ciudadanos porteños, que vieron con temor cómo esos copos reproducían la imagen de la misteriosa y mortal nevada con la que se iniciaba El Eternauta, el clásico que el guionista H.G. Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López crearan para las páginas de la revista Hora Cero en 1957. Afortunadamente, la nieve no tuvo más consecuencias que los alegres juegos infantiles y algún que otro resbalón doloroso, pero es difícil pensar en mejor celebración para el cincuenta aniversario de una de las obras más importantes del cómic mundial, una historia publicada por entregas que contaba la dura lucha de la humanidad contra la invasión de una desconocida raza extraterrestre. Un tópico del género que originalmente debía ser una reescritura del Robinson Crusoe de Defoe, pero que Oesterheld fue transformando poco a poco, rompiendo con el tradicional protagonismo del héroe épico para centrarse en una fábula coral donde el heroísmo es un concepto grupal, colectivo, que abandona los escenarios exóticos usuales de la fantasía y ciencia ficción para renacer en cotidiano y próximo, favoreciendo la identificación del lector con unos personajes tan ricos y profundos como reconocibles. Pero el gran guionista argentino consiguió mucho más, logró una obra de infinitos matices y relecturas, una narración que iba creciendo a cada entrega y que permitía desde interpretaciones que lo relacionaban con la convulsa vida política del país a parábolas sobre la guerra y sus consecuencias, pasando por sutiles retratos de la eterna lucha social entre clases. Desaparecido durante el espeluznante ”proceso de reorganización nacional” de Videla, Oesterheld dejó en El Eternauta un completo testamento vital de su apuesta progresista por una sociedad que reivindica su papel frente a las tiranías y el incierto futuro que se vivía en esa época.\n30 diciembre 2010 13:37 \_ 3 Comentarios\nDecía Chauvillers que “ser original es un mérito; quererlo ser, un defecto”… Frase que por desgracia vemos cumplida a diario por su parte más negativa, pero que afortunadamente permitiría definir a Esteban Hernández casi como uno de los autores que más méritos acumula. Original tanto por su estilo gráfico, personalísimo, como por sus planteamientos argumentales, sorprendentes y dinamitadoras, si se me permite, de la famosa tesis de las 36 tramas básicas de George Polti (añádanse las de Tobías o incluso las de Vogler si se quiere, da igual, afortunadamente el Sr. Hernández tiene cuerda para rato). Lo lleva demostrando desde aquél excelente fanzine Usted con exquisita regularidad, con la gratificante comprobación de que cada obra es un peldaño más en su formación como autor. Lo fueron Culpable, Suéter, y por supuesto lo es ahora ¡Pintor!, donde certifica que su característico y peculiar estilo gráfico no pierde ni un ápice de fuerza con un color que ya domina a la perfección y que su catálogo de historias imposibles sigue creciendo con propuestas cada vez más elaboradas y atractivas, permitiéndose incluso ciertas pizcas de misterio a la hora de introducir esta trama inclasificable de pinturas escondidas en los techos de baños.\nY era una apuesta complicada, ojo, que la presión de haber ganado el III Premio FNAC/Sins Entido con esta propuesta podía ser una peligrosa arma de doble filo: la tentación de abandonar su originalidad para transitar por caminos más fáciles (y comerciales) tenía que ser grande, pero Hernández la sortea con elegancia, matizando y reduciendo la aparición de mil tramas en segundo plano que se había convertido en una de sus características argumentales para apostar por una mayor desarrollo de los personajes (imposible, eso sí, superar al hombre afectado de gigantismo disfrazado de muerte bergmaniana de su anterior obra, una de esas presencias magnéticas que justifican una obra por sí mismas) y de unas pocas situaciones selectas. Sigue, eso sí, con un debe en las historias largas: redondear el nudo de su historia. ¡Pintor!, al igual que pasaba en Suéter, parece desinflarse tras un arranque espectacular, aunque en este caso se compense con el acierto de un desenlace que ya si controla a la perfección, alzando el vuelo de la historia y consiguiendo un nivel de sorpresa casi simétrico al de inicio.\nLa progresión de Esteban Hernández sigue imparable, ¡Pintor! es sólo una etapa más – notable y muy recomendable, eso sí- de un autor llamado a darnos muchas alegrías. (3)\n29 diciembre 2010 7:39 \_ 14 Comentarios\nNo debería ser muy difícil armar una sesuda teoría que argumentase que percibimos mejor un dibujo en blanco y negro que en color. Cosas de las diferentes sensibilidades de los canales cromáticos y acromáticos del sistema visual, parvocélulas, magnocélulas y demás fauna que habita por nuestras retinas y córtex. Hasta quedaría elegante, oigan, con un poco de matemáticas y teoría de la señal por medio. Pero no dejaría de ser un absurdo intento de autojustificación de un gusto por ese blanco y negro que, para muchos de nosotros, es glorioso. La realidad es que las razones son mucho más simples y mundanas: nuestra memoria se construyó en blanco y negro. No podemos evitarlo, esos ignotos mecanismos nostálgicos, el olorcito de la famosa madalena, se nos disparan cuando vemos algo en blanco y negro. Supongo que porque los recuerdos de nuestra infancia son en ese glorioso blanco y negro: cuando sólo podíamos elegir entre VHF y UHF, y todo lo que emitía la tele tenía ese particular aroma de la falta de color. Vimos por primera vez a John Wayne -Juan Vaine, que decía mi abuela- cabalgando, a Gary Grant buscar un leopardo o a James Stewart lamentar que no podía dar la vuelta al mundo en blanco y negro, como fueron ideadas, pero vimos también centenares de películas sin saber que los grises nos robaban los colores originales. Los Thunderbirds, El capitán Tan y los hermanos Malasombra, Bonanza, Las calles de San Francisco y El fugitivo se alternaban también entre la ausencia de color y poco nos importaba que las verdes praderas por las que corría Heidi fueran grises o que los coloridos bólidos de Meteoro compartiesen gris. Y los tebeos que leíamos eran también casi todos en blanco y negro: la primera vez que me maravillé con Flash Gordon, El Hombre Enmascarado, Príncipe Valiente o Los Cuatro Fantásticos fue en blanco y negro. Verdad es que los tebeos para niños tenían muchas páginas en color, pero creo que nos sentíamos más mayores cuando leíamos tebeos en blanco y negro, en glorioso blanco y negro.\nHoy sabemos que aquellos tebeos y aquellas películas eran en color y los reivindicamos como tal, pero no podemos evitar rendirnos ante la nostalgia devastadora de una memoria pintada en blancos, negros y grises.\nHay excepciones, cierto, que se pueden argumentar, curiosamente en los tebeos: no son pocas las ediciones de tebeos en color que después aparecen en ediciones de lujo en blanco y negro. Elección de dibujantes que deciden, cuando pueden, escaparse de una industria que intenta por todos los medios diluir la autoría dejando que los lectores vean su trabajo limpio, tal cual fue realizado antes de pasar por un color que ellos imaginaron pero del que no siempre son responsables. Costumbre habitual en la Francia, donde autores como Juillard, Bourgeon, Blutch o Blain, por citar sólo algunos, han gozado del ejercicio de una posibilidad a la que ahora se une Roger Ibáñez, al que Diábolo ha editado un integral de su Jazz Maynard en blanco y negro para que el lector pueda admirar la elegancia de su línea. No siempre es posible, claro. Si la obra se ha realizado pensando de forma indisoluble en el color, el resultado en blanco y negro no tiene sentido, es obvio, pero la industrialización del proceso deja muchas ambigüedades a las que agarrarse, tanto desde el bando editorial como desde el autoral o incluso desde el lector, obligando casi a analizar cada caso por separado.\nSe podría decir que también que no se lee el tebeo de verdad, y es cierto, pero lo que uno busca en estas ediciones no es repetir la lectura de una obra que, muy posiblemente, tenga ya en su versión en color, sino dedicarse a la admiración del dibujo por el dibujo, olvidando todo lo demás. Dejar la historieta de lado y detenerse en el trazo, en la mancha, en la línea, disfrutando del dibujo sin la imposición de la historieta, como cuando se admira un original aislado. Y lo que se disfruta, oigan. Aunque luego vengan las absurdas discusiones clásicas de aquellos que intentan imponer a la historieta los criterios del dibujo y viceversa, sin darse cuenta de que se puede disfrutar de todo sin renunciar a nada. Pero ése es otro tema, porque estas ediciones sólo tienen sentido cuando se puede disponer de las dos opciones.\nBienvenidas sean cuando se hacen desde la posibilidad de elegir libremente qué quiere el lector, como la edición que acaba de colocar Diábolo en las estanterías, exquisita.\n13 diciembre 2010 16:32 \_ 67 Comentarios\nNo han sido los tebeos muy amigos de adscribirse a las modas artísticas o corrientes filosóficas imperantes. Lo hacen, sí, pero casi siempre a contracorriente y fuera de tiempo, posiblemente llevados por un mal entendido estatus de ghetto que en lugar de rechazarse con rebeldía, muchas veces se abraza con placer endogámico. Afortunadamente, las últimas décadas han contemplado una mayor relación y retroalimentación entre el noveno arte y el resto de artes y formas culturales, consiguiendo romper –reventar más bien- antiguos candados oxidados que se confundían con tradición. Sin embargo, esa endogamia sigue existiendo de forma patente en una forma genérica: los superhéroes. Inscritos en un universo ficcional propio y completamente endogámico, los intentos de apertura tanto formal como intencional han dado lugar a consecuencias imprevisibles. Por ejemplo, la reformulación del género planteada por Miller y Moore, desde el respeto al canon, pero con la vista puesta en horizontes más ambiciosos, tuvo como secuela el advenimiento de la llamada Edad Oscura, en la que los planteamientos intelectuales y reflexivos tanto de uno como de otro eran minimizados y reducidos a la hiperviolencia como supuesta metáfora de la violencia del mundo real y a un estado de provocación continuo que comparado con el practicado realmente por otros autores décadas antes –léase underground- queda en una simple bravuconada de patio de colegio. Autores como Ellis, Millar o Ennis han sido exitosos practicantes de esta fórmula, los tres con indudable capacidad para el guión e incluso en el caso de los dos primeros, con brillantes ideas de partida que realmente ponían en la mesa una provocación real ante el sistema, pero que caían casi siempre en un desarrollo banal que se enredaba en sus propias trampas, limitando los resultados a salvas de fogueo.\nSin embargo, hay que reconocerle a Warren Ellis que con Planetary ha realizado una obra que no sólo se aleja de estos planteamientos (no siempre, no puede evitar tontear con ellos), sino que supera en ambición y resultados a prácticamente todos los cómics realizados durante la década. Aparentemente, una serie que debería inscribirse en el territorio de la reivindicación nostálgica de la cultura popular que ya iniciara Alan Moore en su línea ABC, pero que leída de un tirón, aprovechando los dos volúmenes publicados por Norma Editorial, se convierte en el primer tratado de superhéroes del postmodernismo. Es verdad que cuando se habla abiertamente de la muerte de la posmodernidad pueda resultar tardío (¡viva la hipermodernidad!), pero es indudable que las argumentaciones de Ellis son muchísimo más complejas que las que se hayan podido ver hasta ahora, reclamando una legitimación total del género no ya como elemento cultural, sino desde una reivindicación que lo entronca dentro de una nueva historia de lo real reescrita desde los mass media del siglo XX. La tarea no es fácil: en primer lugar, se debe establecer un nuevo marco de referencia histórica y cultural propio, así como un elemento axial que permita después escribir una particular “teoría del todo” que haga indistinguible ficción de realidad. Una metaficción pura que, a la par que explique la propia génesis de su teoría, la dote de una arquitectura formal estable, para la que se basa en tres elementos: uno anclado en la realidad, la teoría de la conspiración, referente máximo del ruido mediático que transforma la realidad en ficción inventada; otro, anclado en la pura ficción, los superhéroes y, en medio, un aglutinante perfecto, la cultura pulp/pop nacida durante el siglo XX. El elemento axial, el siglo XX, elemento común de los tres y que representa a la perfección un Elijah Snow siempre de blanco inmaculado, el símbolo de la pureza y, por tanto, símbolo también de la humanidad. Este andamio formal permite a Ellis hacer un ejercicio de reciclaje cultural completo, reescribiendo toda la historia de la cultura popular y sus mitos (Tarzán, Godzilla, Drácula, The Shadow, Frankenstein, Holmes, Verne, Alien, Fu-Man-Chú, John Woo, El hombre de bronce, El llanero solitario…) desde una nueva perspectiva: la de una inmensa conspiración contra la humanidad. No es baladí que sea una revisión de los Cuatro Fantásticos el enemigo a batir, el desencadenante de todo: Stan Lee reformula el género prácticamente de forma coetánea al mayor impulso de las teorías de conspiración, tanto la crisis de los misiles cubanos –inicio de una nueva época de espionaje- como la muerte de Kennedy, quizás el germen de la primera gran teoría de conspiración moderna. La bofetada a la divinidad de los superhéroes que supusieron las creaciones de Lee es el punto débil del género por el que Ellis comenzará a crear una gigantesca metaficción: cada “homenaje” a un clásico del pulp o de la cultura popular es reescrito no sólo en términos del “Universo Planetary”, sino altercando ficción con realidad, abusando de datos históricos y científicos reales –o con apariencia de realidad- que creen un todo único. La información como elemento de canje, como constructor de la realidad cuántica, llevado también al terreno de la ficción, en ese juego de espejos continuo que Ellis borda entre lo real y lo falso, cumpliendo a rajatabla los principios de autorreferencialidad (constante, en tanto el grupo forma parte de la conspiración), intertextualidad (omnipresente en el homenaje) y, sobre todo, autoconsciencia: pese a todo lo que se pueda pensar, Planetary asume plena y totalmente su existencia como ficción. No rompe el cuarto muro, como muchas otras obras, pero para poder desarrollar su discurso necesita obligatoriamente la complicidad del lector, un guiño continuo. Aún en la diversidad e hibridez connatural al discurso posmoderno, Ellis parece repasarlo casi canónicamente, centrado en la construcción de su particular Teoría del Todo del Universo Real Conspirativo ©. Hay momentos de debilidad, es evidente, no hay hechuras que aguanten semejante ambición: de vez en cuando reclama la hiperviolencia como necesaria –aunque, hay que reconocerlo, sabiamente presentada como homenaje escondido a Frank Miller en el episodio de El Llanero Solitario) y, sobre todo, en un episodio final tan necesario como fallido. En su estructura, Ellis necesita cerrar su discurso con una renuncia al tiempo continuo, establecer que pasado, presente y futuro coinciden en cualquier momento, se pliegan sobre sí mismos, cerrando a su vez la serie en tiempo y espacio recursivo y cíclico, pero plantea una excusa argumental que revela un punto débil en su discurso: tras hacer perder por completo la humanidad a Elija Snow, tras convertirlo en una metáfora pura del siglo XX, le intenta dotar de sentimientos humanos de amistad casi pasionales, de principios más propios del canon del género –la fidelidad al sidekick- que de este nuevo planteamiento. Un absurdo que se perdona fácilmente: la propuesta de Ellis es tan brillante que los pequeños peros son lógicos y normales, quedan completamente ocultos tras los muchos aciertos de la serie y, sobre todo, este nuevo relato global de la realidad mediática manipulada del siglo XX entendida como herencia de la pasión por la ficción pulp.\nUna obra hercúlea que sería imposible sin John Cassaday, cuya plasticidad a la hora de abordar la serie prodigiosa. Cambios de estilo de trazo gráfico, narrativo, de entintado, de color… todo para dotar al conjunto de la necesaria coherencia visual que haga funcionar el engranaje.\nUn gran tebeo que permite lo imposible: desde pasárselo bomba leyéndolo hasta hacer una tesis doctoral sobre él. (4)\n9 diciembre 2010 14:46 \_ 26 Comentarios\nHay días que me parece necesario, casi obligatorio, impulsar uno de esos manifiestos que inundan facebook para reclamar que la Real Academia reconozca por fin el uso de la palabra “bizarro” en su acepción anglosajona. Porque intentando hablar de Strange Suspense, el primer volumen de Los archivos de Steve Ditko que acaba de editar Diábolo, no encuentro término más adecuado que ese bizarre inglés que supera la definición de extraño o raro para adentrarse en algo a medias entre lo sobrenatural, lo sorprendente y lo kitsch.\nA lo que iba: sirva como introducción que uno no es seguidor acérrimo de Ditko, pero es un autor que siempre me ha parecido especialmente interesante en tanto su capacidad de digresión de las corrientes establecidas (como de innovación en lo que esto pueda suponer). Sirvan como ejemplos su trabajo en Spiderman o Dr. Extraño. El primero, un personaje que nunca consideré atractivo, ni en tiempos de adolescente, pero que me parecía interesante precisamente por el dibujo de Ditko, que dotaba al protagonista de una fragilidad atípica, en fuerte contraste con el poderoso y contundente imaginario creado para el género por artistas como Jack Kirby, los Buscema o Neal Adams. El segundo, un delirio visual que se alejaba de la tecnofilia imperante con una aproximación orgánica y lovecraftiana.\nSin embargo, lo que más me ha gustado siempre de Ditko han sido sus historias de cortas, preferentemente aquellas enmarcadas en un género de terror reexaminado desde una perspectiva aberrante y alucinógena. Pese a que las historias incluidas en este volumen muestran a un Ditko todavía inexperto en lo gráfico – tan deudor de autores como Mort Meskin como experimentador continuo de todo tipo de estilos y soluciones- e incluso torpe en lo narrativo, sus guiones ya dejan entrever que esa unión de fragilidad y organicidad visual que plasmará en Marvel estaba también presente en unos argumentos que se alejan del canon establecido por las historias de la EC durante los años 50. Ditko planteaba opciones resbaladizas y movedizas con soluciones y situaciones tan imposibles como hipnóticas, que trastocaban la moralidad establecida con propuestas exageradas como esa Cenicienta en términos vampíricos que reinterpreta y reescribe los términos del cuento original para mostrarse como una pesadilla de final de indudable moralidad convencional, todo hay que decirlo, pero vestida de una morbosidad sanguinolenta tan desasosegante como inquietante. Por no hablar de su revisión de otro clásico, Rumpelstilskin…Ya sea en las historias románticas o en historias del oeste, y sobre todo en las de horror, Ditko rompe esquemas continuamente desde una plasticidad de esquemas envidiable para un joven debutante, que se atreve a plasmar ideas totalmente bizarras con una naturalidad preocupante.\nPese a todas las limitaciones que Ditko evidencia en estos primeros números, pese a la distancia en el tiempo y las casi seis décadas que podrían haber apolillado las historias, la lectura de Strange Suspense es, por lo menos para el que esto escribe, un morboso y placentero disfrute, acrecentado por ese punto añejo de una edición que evita la restauración de colores para intentar reproducir la experiencia lectora de aquellos tebeos de 10 centavos de horrible reproducción e impresión (acepto la paradoja: ¿cómo se puede recuperar esa experiencia con un tebeo de 35€?). Aunque no tengo la edición de Diábolo, al hojearla en la librería he podido comprobar que sigue la edición de Fantagraphics, reduciendo eso sí ligeramente el tamaño de ésta (no se debe ir más de 1 cm) para hacerla coincidir, paradójicamente, con la de los tebeos originales.\nUn gran tanto para Diábolo que, ojito avizor los aficionados, también editará la indispensable Four Color Fear de John Benson y Greg Sadowski.\n8 diciembre 2010 13:55 \_ 6 Comentarios\nLeyendo Daytripper, de Fabio Moon y Gabriel Ba, no he podido evitar recordar un precioso poema de Pablo Neruda:\nEl ser como el maíz se desgranaba en el inacabable\nmiserables, del uno al siete al ocho\ny no una muerte, sino muchas muertes llegaban a cada uno:\ny era el hombre asediado del pan o del cuchillo\nTodos fallecieron esperando su muerte, su corta muerte diaria.\nLa vida entendida como una sucesión de pequeñas muertes, de funerales continuos en los que enterramos retazos de lo que fuimos y nunca seremos. Una imagen evocadora y reflexiva que ha sido recurrentemente utilizada en literatura y cine (no se pierdan ustedes, por ejemplo, la maravillosa Okuribito, de Yajujiro Takita, estrenada en España como Despedidas, que toma los funerales como símbolo de esas muertes) y que llega a los tebeos de la mano de estos hermanos brasileños plasmada en la vida de Brás de Oliva Domingos. En cada entrega se nos narrará un momento de la existencia del protagonista, una decisión vital que acabará simbólica o literalmente con una muerte: la infancia, el primer amor, la paternidad…Un punto de partida atractivo, que juega con la propia estructura capitular propia del comic-book en su favor y que prometía muchísimo en su primer número, pero que se va deshinchando poco a poco por el exceso de ambición de los autores. En su intento de hacer un relato total, un reflejo global de una vida, crean una biografía casi imposible, que se quiere aderezar con elementos de fantasía más próximos a un realismo mágico, pero también con crónica social e incluso reflexión trascendental, que a mi entender no terminan de ensamblarse sólidamente. Se alternan así momentos muy estimables con otros previsibles (o incluso más propios de un telefilm), en un conjunto demasiado irregular. Sin ser una lectura desdeñable, no llega a cuajar en lo que prometía, aunque hay que valorar el atrevimiento y ambición de los gemelos, no sólo en el propio relato –tanto en estructura como argumentalmente-, sino también en el complejo ajuste que supone integrarlo dentro de una colección como Vertigo, más relacionada a priori con una forma de entender el género más clásica (aunque conste ya de muchas experiencias atípicas, como puedan ser la inclusión de las historias de Harvey Pekar). (1)\n8 diciembre 2010 11:53 \_ 4 Comentarios\nAtentos, muy atentos a la sugerente propuesta de Ultrarradio Ediciones: Transdimensional Express. Una variación del concepto clásico de cadáver exquisito, en el que no sólo se impone un eje simbólico (la presencia de un cubo blanco), sino también una estructura narrativa, con el uso de viñetas circulares. El resultado no puede ser más atractivo e incluso sorprendente: la férrea imposición inicial permite desde el juego escheriano que propone el siempre camaleónico Nicolai Troshinsky al homenaje entregado a Manuel Vázquez que firma Chema García, por citar sólo dos de las veinte aportaciones que completan este libro. Recomendabilísimo.\n3 diciembre 2010 14:01 \_ 9 Comentarios\nQue sí, que el tebeo autobiográfico es cojonudo y que autores como Rabagliatti, David B y demás hacen verdaderas virguerías en él, pero me perdonarán ustedes que diga, así como quien no quiere la cosa, que las entregas autobiográficas que espero con más ganas son las de Ramón Boldú. Porque sí, porque este hombre tiene la capacidad imposible de transformar la escena más delirante y esperpéntica en algo normal y cotidiano. Que da igual que esté hablando de los problemas de una sumisa con su amo, de los aconteceres y dificultades del rodaje de una película porno en el que tiene que meter a su hijo de traductor o de la pérdida del espíritu hippie de los 70, que al final es un relato veraz de la vida que nos rodea dibujado con litros y litros de mala leche –y me perdonarán la expresión, hablando de películas porno- que, paradójicamente, aportan sentido común a un mundo donde parece que no existe. Y eso, oigan, sin perder ni un ápice de su capacidad de hacernos reír aplicando aquél famoso “tiemble después de haber reído” porque, al final, nos estamos riendo de la triste realidad que nos rodea, a saber, que estos romanos están locos.\nMenos mal que nos queda Boldú y su Sexo, amor y pistachos para recordarnos que en esta vida, lo importante, lo realmente importante, es vivirla hasta el último minuto. No se lo pierdan (3)\n20 noviembre 2010 17:42 \_ 9 Comentarios\nHablando de superhéroes, maduración, etc, etc: ¡qué mala hostia tiene el amigo Howard Chaykin cuando quiere! Aunque su paso por las series de superhéroes que siempre había rechazado ha sido bastante irregular (no se puede decir que lo que ha firmado para Hawkman o Punisher sea especialmente destacable, por ejemplo), su one-shot Batman/Catwoman: Follow the money deja algunas de las perlas de su habitual ironía: Batman y Catwoman enfrentados contra un ridículo -pero peligroso- villano, que es en realidad un adinerado de la jet-set de Gotham que en sus ratos libres se dedica a disfrazarse (¿uy! ¿¿de qué me suena???.)… de ¡mosquetero! Mientras, se debe enfrentar a los verdaderos ladrones, los que roban los fondos de pensiones de las empresas de Bruce Wayne… La vida real, Madoff frente a la banalidad de los entretenimientos de los superhéroes.\nEl tebeo no es gran cosa (el amigo Chaykin seguramente podría competir con Álvarez Rabo a ver quién acaba antes una página, aunque sigue dejando algunas soluciones compositivas repetitivas muy curiosas, al estilo Bendis, pero en bueno… :) ), pero tiene algunas de estas perlas de ácida socarronería que hacen muy divertida la lectura…\nEn España supongo que lo veremos en unos meses (aunque seguimos esperando esa genialidad de este autor que es Challengers of Unknown)\n19 noviembre 2010 14:58 \_ 4 Comentarios\nA ver, entrada un poco caótica para hablar de lecturas que me gustaría compartir pero, ya sea por hache o por be (que no por ye), por cosas de tirios o troyanos o por churras y merinas, el caso es que no he tenido tiempo. Comienzo por debutantes que, ya se sabe, juegan siempre con el peligro de lanzarse al ruedo con los ojos vendados, pero con ilusión atronadora por domar a los lectores reconvertidos en peligrosos astados (símil taurino políticamente incorrecto, lo sé). Cristina Vela lo hace en Medusas y ballenas (Bizancio Ediciones) con una obra de esas que dejan desencajado al lector (quizás por eso granó el premio del Certamen de Cómic Programa Desenjaca 2009, chiste malo lo admito, pero quería incluir la información), con una propuesta más próxima a la poesía visual, evocadora, potente, que traduce un trazo nervioso con boli BIC a elegante composición de cuidado dibujo y formas refinadas. Sensualidad traducida a lirismo de tonos azulados y violetas que empapa las retinas para conseguir extraños efectos. Una autora de gran plasticidad y estilo de inaudita adaptabilidad que hay que seguir obligatoriamente, no os perdáis su blog. Dani Montero también debuta en la narración larga con premio, en este caso el Castelao de Banda Deseñada con una obra perversamente tramposa. Sin mirar atrás (Demo editorial) es, a primera vista, un relato de cambios vitales, de rupturas y renacimientos que se inmiscuye por los recovecos del relato social con una historia de exclusiones escondida tras una trama de abusos. Una especie de revisión de M, el vampiro de Dusserldorf puesto como fondo de una historia de marginación social e injusticias. Pero mire usted por dónde, cuando una ya está acabando de leer con gesto de aprobación pero cierto regustillo a “esto ya me lo veía venir”, el amigo Montero se saca de la chistera un final sorprendente e inesperado, una vuelta de tuerca que cambia por completo la lectura de la historia y que proporciona una novedosa perspectiva a todo lo leído. Obliga al lector a una brusca reflexión, amarga, que trastoca y exige revisar muchos conceptos e ideas. Otro debut interesante, otro autor a seguir.\nÁngel Muñoz no debuta en Rapide! (Edicions de Ponent), pero casi, porque se impregna de ese atrevimiento del debutante para incluir la bien conocida (y triste) historia del vuelo de Dragón Rapide como parte de una historia canónica de género con aromas de película de años 50. Un punto de exagerada teatralidad y la estética de Daniel Torres y la línea clara de los Serge Clerc o Ted Benoit como atmósfera perfecta para un relato de lo más entretenido, que reconvierte los toques sobrenaturales a revisión histórica con no poco acierto…\nLa celebración, de Rui Tenreiro (Apa Apa Cómics), podría también entrar en una definición laxa de debutante, por aquello de ser novato en tierra extraña, aunque sea esta expresión poco adecuada a un mozambiqueño que vive en Suecia, una mezcla que a priori debería o ser explosiva o caer en el temido efecto Persépolis (aunque oigan, a mi me encantaría leer la historia de este hombre, que ese viaje no parece lo más normal). Pero ni lo uno ni lo otro: Tenreiro se va por más complejos cerros, literalmente, explorando algo tan sutil, elusivo e inmaterial como los ritos. Busca las razones de las creencias a través de los simbolismos y de los mitos, de cómo estos nacen en bucles infinitos que se pierden en la memoria del tiempo. Juega al misterio con la misma sencillez que a la fascinación por las raíces del folklore más místico, mostrados con sencillez minimalista con ese trazo simple envuelto de tonos de cyan que transporta la mirada con eficacia. Agradable, reflexivo e inquietante en ocasiones, una lectura que deja poso para pensar.\n16 noviembre 2010 15:16 \_ 233 Comentarios\nRecupero la reseña que hice de El arte de volar, flamante Premio Nacional de Cómic:\nEn Carta al padre, Kafkfa expresaba en una misiva a su padre todo aquello que no fue capaz de decirle en persona. El hijo escribe para un padre que nunca leerá su carta. Las cartas expresan sus sentimientos encontrados hacia la dominante figura paterna: amor y odio, dolor y respeto, impotencia y liberación…, dejando que la literatura actuara de caja de resonancia de sus pensamientos. Un ejemplo de cómo la relación con nuestros padres siempre ha sido un tema literario, pero es la muerte del padre el detonador máximo de la reflexión : el primer suceso de nuestra vida que nos hace realmente conscientes de nuestra propia muerte anunciada.\nAntonio Altarriba también escribe para un padre que nunca leerá su mensaje. Pero no lo hace para reprochar: a diferencia de Kafka, intenta conocer a un hombre que resultó ser un desconocido. Su padre se suicidó a los 90 años, en una especie de corte de mangas a la muerte que le rondaba, rompiendo los esquemas de un hijo que se negaba a entender lo ocurrido hasta que descubrió un diario. Unas anotaciones que llevaban la firma de su padre, pero que descubrían a alguien muy distinto al que él conoció. Demasiados cabos sueltos, demasiadas preguntas que sólo obtendrían una respuesta reconstruyendo por completo la figura de su padre. No había sitio ni tiempo a los rechazos y quejas. No tenía sentido reprochar a un desconocido: la única posibilidad era ordenar aquellos recuerdos para armar una realidad, un pasado que explicara y diera luz a la figura de Antonio Altarriba, el padre. El arte de volar es esa historia, esa minuciosa labor de investigación que va componiendo una fotografía rota en mil pedazos y de la que no se tiene más pistas que un nombre. El nombre que padre e hijo compartían y que en ese momento final se alza como su único nexo en común, como el punto de partida para volver a vivir una historia. Antonio, hijo, se convierte en Antonio, padre, para entenderlo y conocerlo. Y comienza un largo camino de descubrimiento, muchas veces doloroso, que le llevará desde la infancia a la senectud, de la alegría a la desesperanza. Conoceremos a un niño que quería volar y que terminó siendo un peón más en la historia. Una historia dura, la de una España que vivió una guerra y una dictadura. A través de su peripecia vital sabremos, también, de la injusticia de la guerra, del exilio… De la desgracia de salir de una guerra para entrar en otra, de la vuelta de los derrotados, de la sumisión a los poderosos y de la transformación de rebelde en engranaje de un sistema que fagocita. Pero también, de cómo la vida nos impone los comportamientos y nos obliga, nos transforma en piezas que se mueven con la ilusión de libre albedrío que, realmente sólo nos deja lugar a decidir cuándo queremos salir de la corriente que nos lleva. Como hizo Antonio, el padre, que un día saltó al vació en el único acto de verdadera voluntad que le queda al ser humano: elegir su propia muerte.\n14 octubre 2010 11:23 \_ 20 Comentarios\nEs indudable que Charles Masson no es un gran dibujante, cierto es que ha dado un paso de gigante en el apartado narrativo desde Sopa Fría, pero sigue siendo técnicamente tosco y con muchas carencias. Sin embargo, todas esas limitaciones se ven paliadas por la visceralidad y pasión con la que se embarca en sus proyectos, con esa emoción contagiosa del que necesita contar su historia. Ese entusiasmo impregna todas las páginas de Derecho de Suelo, una dura denuncia del colonialismo más brutal que Francia sigue practicando en sus colonias que, pese a todo, no cae en ningún momento en la fácil tentación del maniqueísmo de un panfleto acusatorio, al contrario, construye un trabajado y completo panorama de la vida diaria en Mayotte, en las Islas Comores, que tras su apariencia de retrato costumbrista de las relaciones humanas en ese alejado rincón del Índico va dejando constancia y testimonio de la hipocresía de una sociedad “avanzada” que tras la máscara del “pero yo no soy racista, ¿eh?” practica de hecho y omisión un racismo y un comportamiento de paternalismo colonial execrable, de un cinismo cruel que provoca todo tipo de injusticias sociales y abusos que luego se intentan justificar como defectos del sistema. Masson construye su historia con un caparazón de aspecto normal que no parece, ni de lejos, tener la dureza que anuncia su prólogo, una trampa bien urdida para que traguemos con facilidad una cápsula que al deshacerse irá destilando su contundente mensaje de denuncia, del horror que esconde esa pátina de primer mundo que nos hemos creado pero que sólo dejamos al alcance de unos pocos.\nUno de esos libros que, tras su lectura, nos hacen sentir una profunda vergüenza ajena al saber hasta dónde podemos llegar los seres “humanos” y que resulta, por desgracia, una lectura especialmente indicada para estos tiempos. (3)\n12 octubre 2010 18:44 \_ 22 Comentarios\nSi el señor Manuel Vázquez (no Montalbán, ya saben, el pintamonas que dicen) no hubiera tenido la suerte o desgracia de nacer bajo los Pirineos, seguramente estaríamos debatiendo sobre si el trono del humor más bestia e iconoclasta se debe adjudicar a Reiser o a Vázquez. Incluso uno piensa que si el francés ni hubiese perdido el combate con el cáncer con sólo 42 años, uno y otro se tomarían cañas y pinchos descojonándose de todos aquellos que estuviéramos metidos en ese debate. O quizás, si estas cosas del cielo, infierno y demás paraísos es verdad, ambos están ahora partiéndose el alma o lo que sea a costa de nosotros. Porque lo de Vázquez es genio puro, se diga lo que se diga. Las historietas de Lo peor de Vázquez demuestran que este crápula de tomo y lomo había convertido su vida en un sainete moderno, en la mejor continuación de la picaresca española del XVI y XVII. Muy a su pesar, posiblemente, cuando se dio cuenta de que persona y personaje se había convertido en inseparables, pero a mayor gloria de la historieta española, que conseguía una leyenda construida a golpe de leyendas urbanas que, por una vez, eran siempre ciertas.\nLas 600 páginas del libro editado por Glénat son una recopilación de buena parte de lo publicado por Vázquez desde que dejó Bruguera en los 70 y se dedicó al “cómic adulto”, eufemismo poco acertado para definir a un monstruo del humor desatado, sin límites ni imposiciones, llenas de humor bestia, sexo, escatología, violencia, incorreción y, sobre todo, una visión socarrona de la vida irresistible, que comienza por reírse de sí mismo con vehemencia casi cruel. Sin tregua ni piedad: mira que este tipo de integrales suele tener como desventaja aquello de que lo poco gusta y lo mucho cansa, aconsejándose su consumo en pequeñas dosis para no saturarse… pero en este caso, ni de coña. Hay que pegarse el atracón del más de medio millar de páginas, quedarse en estado de shock por el salvajismo vazquiano para que nuestro cerebro sufra uno de esos necesarios procesos de limpieza y desastacado de neuronas.\nSólo un par de pegas: es una lástima que sólo se hayan incluido las obras que Glénat editó en la colección by Vázquez. Se echa mucho en falta tanto Don Cornelio Ladilla y señora como la etapa de humorista gráfico en El Observador (sólo recopilada en un pequeño catálogo editado por el salón del Cómic de Granada que vale su peso en oro). La segunda, que siendo Glénat editorial que mima al máximo sus ediciones de clásicos españoles, no se entiende que en este caso no se haya optado por un orden cronológico o, al menos, una mínima información sobre dónde y cuándo fueron editadas inicialmente las obras recopiladas. Un pequeño detalle que habría hecho la edición casi perfecta.\nEn cualquier caso: compra obligada.\nBuñueladas de carne y arena\n5 octubre 2010 17:42 \_ 17 Comentarios\nContaba Buñuel en sus memorias que no estaba contento con El ángel exterminador, un atroz retrato de las relaciones humanas creado a partir de una justificación puramente surrealista de las que tanto gustaba el director aragonés: un grupo de personas permanece atrapado en una casa, no puede salir de ella. No hay razones, sólo hechos: no pueden salir, están encerrados. Siempre me ha parecido una de sus mejores películas, sugerente y provocativa, pero decía Buñuel que hubiese preferido hacerla en Europa, con actores europeos y una ciudad como París o Londrés. En cierta medida, Frederik Peeters y Pierre Oscar Lévy siguen los deseos del famoso director, planteando en Castillo de arena una traslación de lo que acontecía en aquella mansión señorial mexicana a una bonita playa mediterránea, donde un grupo de personas quedarán inexplicablemente atrapadas. Un punto de partida sugerente (que muchos hoy en día relacionan más con Lost que con Buñuel, menos mal que la pequeña introducción de la obra lo recuerda), que los autores desarrollan con pulso, añadiendo una vuelta de tuerca dramática: el tiempo pasa más rápido en la cala, cada hora son años. A priori, las posibilidades son fantásticas, y a medida que vamos leyendo el álbum, hay que reconocer que la historia engancha y arrastra como pocas… Sin embargo, el regusto final ha sido agridulce. Por un lado Peeters y Oscar Lévy desarrollan la historia con buen ritmo, nos va introduciendo en esa espiral surrealista con mano firme, siempre de la mano del elegante y eficaz estilo de Peeters, consiguiendo que la lectura sea muy agradable, sí, pero la sensación que queda es que por el camino se han quedado muchas cosas. El sorprendente giro argumental añadido permitía detenerse en muchas reflexiones sobre las relaciones generacionales o las diferencias que marca la edad, pero apenas están apuntadas de forma sencilla, incluso tópica. De hecho, llega un momento donde estamos más interesados en el por qué está pasando que en el qué ocurre, cayendo en la trampa perversa que Buñuel evitaba con su magisterio habitual: las razones eran lo de menos, no tenían ningún interés, lo único que importaba era qué estaba ocurriendo. Pese a que el final propuesto por los autores me parece acertado y coherente, tras la lectura la sensación que tenía es la de haber hecho un viaje en el que había llegado al objetivo, pero no había podido disfrutar del paisaje, que era lo importante. Una historia más cerca al final de Abrams que de Buñuel, pero interesante (2-)\nY volviendo a Buñuel, otra de mis películas preferidas (la verdad, creo que no hay ninguna película de Buñuel que no me guste…) es El fantasma de la libertad, donde el de Calanda trastocaba sutilmente los principios sociales para derrumbarlos. Apenas un ligero cambio, ese pequeño empujón surrealista que tan bien practicaba, y el mundo se daba la vuelta, como ese magistral episodio donde los buenos usos sociales marcaban que el comer en público era de mal gusto pero no así el defecar, reconvertido en acontecimiento social. Siguiendo esa línea, el ilustrador israelí Koren Shadmi propone en En Carne viva un ejercicio similar, en el que episodios banales se deforman y reconvierten casi en pesadillas a partir de la introducción de un elemento surrealista. Parejas que se citan con bolsas de papel en la cabeza, una chica que se convierte en radioactiva, un hombre con cabeza de cámara o una hermosa chica descabezada son algunas de las ideas con las que Shadmi propone al lector un particular viaje hacia aquello que nos hace volver la cabeza, hacia las vergüenzas del ser humano. El sexo como elemento omnipresente que se transforma en impotencia o humillación, la incomunicación… las propuestas de Shadmi son provocadoras y sugerentes, incluso con atrevimientos narrativos que conforman una obra distinta y muy, muy recomendable, que nos recuerda que el cómic israelí no acaba en Rutu Modan (que no es un hombre, por cierto, igual que Shadmi no es mujer, como he visto en notas promocionales…). Lástima que la edición de Ediciones B sea bastante deficiente en calidad de reproducción , porque tanto el estilo de Shadmi como la obra lo merecen. (3-)\nEntrevista a Koren Shadmi\nPosted in: Lecturas \_ Tagged: Astiberri, Castillo de arena, Ediciones B, En carne viva, Frederic Peeters, Koren Shamid\n1 octubre 2010 10:13 \_ 23 Comentarios\nOigan, que miren que Amistad Estrecha me dejó frío cuál témpano, pero ha sido abrir las páginas de la segunda entrega de Por el imperio y actuar cual dulce y calentito braserillo en día de frío. Vamos, que Vivés me ha vuelto a dejar patidifuso y enganchado a esta particular aventura de romanos que es capaz de pasar de la aventura de Lope de Aguirre a la Ilíada de Homero para enfrentarse a las amazonas. Los mitos se entrecruzan, se actualizan y se reinventan para esta historia que intenta incorporar también los elementos canónicos de un género que parecía que había quedado ya caduco tras los gloriosos tiempos de Jacques Martin. Y, por supuesto Vivés, ese dibujo lleno de expresividad corporal (creo que es de los pocos dibujantes hoy en día capaz de sacarle tanto partido a la representación del cuerpo) y fuerza que se acopla como un guante a las necesidades del relato, potenciado por ese color orgánico y vital de Sandra Desmazières. Recomendabilísimo, la espera para la tercera y última entrega será larga… (3)\n30 septiembre 2010 9:41 \_ 7 Comentarios\nCathy Malkasian es una de esas autoras capaces de desarrollar un universo propio, reconocible y distinto. Lo demostró en Percy Gloom y lo vuelve a hacer en Templanza, donde se envuelve del sabor de la fábula y del cuento popular, con un planteamiento y estructura canónicos que habría suscrito el mismísimo Propp que resulta ideal para esa atmósfera onírica e irreal que tan bien despliega la autora. Una fábula de esas que empiezan con un “érase una vez…” y que aceptan abiertamente su función de mensajero de una idea o concepto moral, en este caso sutilmente ampliada a todo un discurso sobre la manipulación del miedo al exterior y la construcción de una sociedad sobre las mentiuras. Es, en el fondo, el mismo mensaje que otros autores como Moore (Alan) o Moore (Michael) han revestido de ficción o documental, pero que Malkasian traduce ahora a cuento de apariencia infantil y fuerza adulta. El trazo dulce de la autora, engolado si se quiere, se acopla como un guante a una historia que va alimentándose de conceptos e ideas de insignes fabuladores como Esopo, La Fontaine, Leonardo, Parreault o los Grimm, citados con discreción para que sea la aventura de Lester la que tome personalidad propia, dejando al lector después el tiempo de una reflexión que puede ser sorprendentemente actual. Una obra muy interesante (3)\n25 septiembre 2010 13:02 \_ 84 Comentarios\nUtilizar la manida expresión “el mejor de la historia” suele ser expresión de exageración y atrevimiento. Verdad es que, muchas veces, informal e inocente, pero muchas otras peligrosamente rayano con la ignorancia. Algunas veces asumida a modo de penitencia previa, otras, por desgracia muchas, peligrosamente desconocida o, peor, arrogada con orgullo. Me apunto a lo de la penitencia previa, reconociendo que, pese a todo, el juego es atractivo y tentador.\nDigo todo esto porque, después de leer la reedición de Sargento Kirk, de Oesterheld y Pratt, cada vez me gusta más pensar que H.G. Oesterheld ha sido el mejor guionista de la historia.\nA lo bruto, así, sin matices. Se aceptan alegremente lapidaciones.\nPero es que la lectura de Sargento Kirk me vuelve a dejar sorprendido. Por la profundidad del retrato psicológico de los personajes, por lo atrevido de un discurso de humanismo abiertamente progresista, por la siempre original perspectiva de sus historias… Haciendo un rápido ejercicio de contextualización, ese análisis tan obligado cuando hablamos de clásicos, sorprende todavía más lo radical y meridiano de su mensaje. Recordemos que estamos en 1953 y que el western, ese género que se desarrolla y consolida desde el cine americano alcanzará su culmen apenas tres años después con Centauros del Desierto. Una obra maestra que establece los cánones del género mientras en paralelo Oesterheld los dinamita desde Argentina, con unos argumentos y temáticas que no se verían expresadas de una forma tan manifiesta en el cine hasta más de una década después. Es cierto que la perspectiva del indio, la visión de la masacre está ya en la base de muchas de las películas de Ford o en la fundacional Flecha Rota (y, por qué no, en Tintín en América), pero desde una lectura más entre líneas, es verdad que seguramente escondida por la amenaza del macartismo, pero también por la posible lectura de una sociedad que no quería reconocer todavía esa historia. En cualquiera de los casos, la visión realista, comprometida y adulta que hace Oesterheld del western resulta ahora tan avanzada y precoz que no puede menos que sorprender. Y a poco que se estudie su obra, obliga a pensar en el argentino como uno de los puntos de referencia ineludible en el desarrollo de lo que hoy conocemos como cómic adulto: de El Eternauta a Mort Cinder pasando por Ernie Pike y, por supuesto Sargento Kirk (es difícil no pensar en las muchas, muchísimas conexiones entre Kirk y Corto Maltés, por ejemplo).\nLo que me lleva a afirmar que, por lo menos en mi atrevida (quizás ignorante) opinión, Oesterheld es el mejor guionista de la historia.\nPD: Por cierto, alguien podría importar a España el libro Hector Germán Oesteheld: de El Eternauta a Montoneros, editado por Roberto Von Sprecher y Federico Reggiani y que tiene una pinta fantástica…\n23 septiembre 2010 11:42 \_ 9 Comentarios\nEl horror de las dictaduras no es tema recién llegado a los tebeos. Muchos son los tebeos que han reflejado la angustia de las víctimas y las tropelías de los dictadores, pero me ha sorprendido la paradójica visión que adoptan Lucas Varela y Carlos Trillo en La herencia del coronel. Evitan caer en lugares comunes y toman un punto de vista poco habitual: no el de aquellos que reclaman justicia por los que desaparecieron, sino el del hijo de un sangriento torturador de la dictadura. Los sufrimientos de las víctimas llegan a través de la demente enajenación que padece el hijo, narrados a través de una neblina que transforma el recuerdo de una realidad de criminal salvajismo en una especie de cuento de terror enloquecido y perverso. El resultado no puede ser más turbador y efectivo: Elio Gustavino, ese hijo enloquecido por el amor de una muñeca, no es más que una parábola que desvela hasta qué punto la sociedad queda fracturada y afectada por la dictadura, por una violencia que nunca será superada y que se enquista profundamente en la psicología colectiva, gestando una inmensa colección demonios privados que nunca terminan de desaparecer.\nMuy, muy recomendable (3)


Comenzó el curso "Todos somos mediadores de lectura"\nCon el auditorio del Café Literario Parque Balmaceda completo se dio inicio al curso"Todos somos mediadores de lectura", realizado por el Sistema de Bibliotecas Públicas de Providencia en conjunto con elInstituto de Estudios Avanzados(IDEA) de la Universidad de Santiago, a través de su Área de Extensión y Vinculación con el Medio.\nEn un contexto que evidencia cada vez más la necesidad de ampliar las capacidades de trabajo en torno a la mediación de la lectura y la literatura infantil y juvenil (LIJ), el curso “Todos somos mediadores de lectura” pretende ser una avanzada de amplia llegada a un público comprometido con proyectos comunitarios relacionados con la mediación lectora. El curso posee un enfoque esencialmente práctico y didáctico, basado en la importancia de la experiencia misma de la literatura y de la actividad implícita en esta práctica.\nPor medio de la puesta en común de experiencias y contenidos relevantes, se pondrá especial énfasis en la capacitación práctica para la creación de actividades de mediación, con el objetivo de que los estudiantes experimenten las bases teóricas por medio de actividades prácticas de mediación creadas desde diferentes modelos de trabajo con la LIJ.\nEl curso, que está destinado a un amplio público familiarizado con la mediación de la lectura, consta de seis módulos divididos en dos sesiones mensuales de dos horas pedagógicas, desde junio hasta noviembre de 2015.\nJUNIO: Módulo 1: Introducción a la lectura y su lugar en la sociedad. Primera Sesión: Sobre la lectura y el rol del lector. Segunda Sesión: Porqué y para qué leer. JULIO: Módulo 2: Introducción a la historia de la LIJ Primera sesión: Historia universal de la LIJ I Segunda sesión: Historia universal de la LIJ II AGOSTO: Módulo 3: Itinerarios de lectura Primera sesión: Panorama actual de la producción de LIJ Segunda Sesión: Nuevas tecnologías aplicadas a la LIJ SEPTIEMBRE: Módulo 4: Mediación Primera Sesión: ¿De qué hablamos cuando hablamos de mediación? Segunda sesión: El papel del mediador. OCTUBRE: Módulo 5: Escenarios y escenarios: una geografía sin límites Primera sesión: Sobre la calidad y la censura Segunda sesión: Elaboración de proyectos\nNOVIEMBRE: Módulo 6: Presentación de proyectos finales Primera sesión: Primera Entrega de Proyectos Finales Segunda sesión: Ceremonia de Cierre (entrega de diplomas)\nDocentes: Carola Vesely, candidata a Doctora en Literatura de Vanguardia y Posvanguardia en España e Hispanoamérica por la Universidad de Salamanca (España). Ha sido profesora de Literatura y Cultura Latinoamericanas en Ohio State University (Columbus, Estados Unidos) y cuenta con la publicación de libros sobre lengua española en la editorial española SGEL, así como de varios artículos académicos en torno a los temas de memoria y literatura latinoamericana. Actualmente se encuentra terminando su tesis doctoral sobre los cruces entre poesía y memoria en la obra del poeta chileno Juan Luis Martínez. Lucas Costaestá terminando su Magister en Libros y Literatura Infantil en la Universidad Autónoma de Barcelona, egresó del diplomado de Edición del Instituto de Estudios Avanzados (IDEA) de la Universidad de Santiago y trabaja en Editorial Cuneta como director de colecciones.\nCarlos Arayaes educador y filósofo. Académico e investigador integrante del Doctorado en Filosofía mención Estética y Teoría del Arte de la Universidad de Chile. Licenciado en Educación y Profesor de Filosofía de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación. Integrante e investigador de la Red de Estudios Biopolíticos en Chile, Integrante del Grupo de Trabajo en Poéticas Digitales de la Universidad de Chile. Integrante de la International Association for Intercultural Education. Integrante de la Red de Investigadores Chilenos en Educación. RED ICE. Integrante y cofundador del grupo de Investigación Interdisciplinario en Artes. Artistas y Teóricos en Chile- Archipiélago. Docente diseñador y gestor de programas de Filosofía para Niñas y Niños en Argentina y Chile desde el 2006, así como de los programas de Literatura Chilena para Niñas y Niños desde el 2011.


P. de las Heras / M. E. Alonso MADRID / COLPISA\nUnidas Podemos quiere tramitar ya, en el próximo pleno del Congreso, la reforma del sistema de elección del Consejo General del Poder Judicial (CGPJ) que Pedro Sánchez metió en el congelador hace poco más de un mes para tratar de alcanzar un acuerdo con los populares. Lo reclamó ayer, durante el debate de los Presupuestos, el presidente del grupo parlamentario, Jaume Asens, y lo ratificó, a través de las redes sociales, el portavoz del partido en la Cámara Baja, Pablo Echenique. «No queda otra -dijo- que cambiar la ley».\nLa exigencia llega después de que el lunes el ministro de Justicia, Juan Carlos Campo, asegurara que «el jueves o el viernes» de la semana pasada habló con el responsable de Justicia del PP, Enrique López, y que el acuerdo está casi hecho a la espera de que el PP acepte hacerlo público. Algo que los populares corrieron a desmentir con el argumento de que el PSOE no atiende sus demandas, entre ellas, que se deje a Podemos fuera del proceso.\nLos socios minoritarios de la coalición gubernamental esgrimen que tras ese nuevo «portazo» del PP no hay razones para seguir esperando. Lo llamativo, no obstante, es lo duro del tono empleado por Asens contra el ministro de Justicia, al que en varias ocasiones se ha acusado desde Podemos de ser excesivamente conservador. Esta vez, el también portavoz de En Comú Podem le reprochó su «lentitud y torpeza» a la hora de acometer la reforma.\nLos socialistas mantienen en barbecho la iniciativa como elemento de presión al PP y de tanto en cuando amenazan con sacarla del cajón. Pero tanto fuentes de la dirección del grupo parlamentario como de la Moncloa confirman que no se atenderá la exigencia de Podemos, que implicaría debatir el texto en la Cámara Baja en la semana del 14 de diciembre. Tampoco es previsible que se descongele antes de las elecciones catalanas porque en enero no hay plenos del Congreso.\nLa portavoz gubernamental, María Jesús Montero, recriminó al PP, su falta de «responsabilidad» y lo acusó de «desdecirse» cada vez que se acerca el momento de hacer público el acuerdo. Sin embargo, rechazó las urgencias de sus coaligados. «Vamos a darle una oportunidad y en caso de que en un tiempo prudencial que no puedo precisar no haya acuerdo procederemos con la reforma», dijo.\nSobre el ala socialista del Gobierno pesan las advertencias recibidas tanto desde Bruselas como desde el Consejo de Europa sobre la modificación planteada, un cambio en las mayorías necesarias para elegir a los vocales del CGPJ que permitiría su renovación sin el concurso del primer partido de la oposición. La Comisión Europea mostró sus dudas sobre su adecuación a la normativa comunitaria y avisó de que estaría vigilante.\nEl PP, que cuenta con esa baza, alejó ayer cualquier posibilidad de llegar a un acuerdo para renovar el CGPJ antes de que finalice el año. La formación de Pablo Casado niega que el pacto con el PSOE esté hecho, pero no aclara si esperarán hasta después de las elecciones catalanas para sellarlo. Los populares exigen para dar el paso más garantías de que Iglesias y los suyos quedarán fuera del proceso. «Podemos tiene que pintar lo mismo que en la fusión de Bankia y CaixaBank, es decir, nada», aseveró el secretario general, Teodoro García Egea.\nEl número dos del PP admitió que prefiere que el órgano judicial siga «como está» antes que hacer una «mala negociación» que permita que «los señores de Podemos entren a formar parte de unas instituciones en las que no creen».\nArchivado en: Unidas Podemos CGPJ PSOE Juan Carlos Campo Pablo Echenique