PlayStation 4 vai se chamar 'Orbis' e custará até R$ 1.300, diz revista\npor Fred em Sab Nov 24, 2012 2:05 pm\nA revista Xbox World divulgou uma reportagem de oito páginas sobre a próxima geração do console da Microsoft. O dispositivo, que deve se chamar apenas 'Xbox', deve incluir recursos como discos Blu-ray, áudio direcional e até um óculos de realidade aumentada.\nMas o sucessor do PlayStation 3 também foi alvo de uma matéria especial, agora, da PSM3. A publicação do Reino Unido, especializada no PS3, revelou em sua edição de novembro 15 detalhes inéditos do futuro videogame da Sony, que também deve contrariar os rumores e não receber o nome "PlayStation 4". Veja abaixo, com informações do site PS3 News.\nApós conversar com diversas fontes e produtores, a revista afirma que o console deve seguir o modelo do PS Vita e abandonar termos técnicos de numeração ou tamanho - como foi o caso do PS One, PS2, PS3 e PSP - e adotar o nome PlayStation Orbis. Essa nomenclatura já é usada para se referir ao console, que agora está nas mãos de grandes desenvolvedoras para testes com games para a futura plataforma.\nContudo, a publicação é categórica em dizer que a capacidade gráfica do PS4 deve ser superior à de seus concorrentes. Exemplo disso é que o dispositivo poderá rodar em tempo real os já anunciados "Watch Dogs", "Star Wars 1313" e a incrível demo técnica exibida pela Square Enix neste ano:\nA revista afirma que o PlayStation Orbis deve custar entre 400 e 500 euros, cerca de R$ 1.000 a R$ 1.400. O CEO da Sony, Jack Tretton, já havia dito ao site Gametrailers que o sucessor do PS3 "não vai ser o mais barato, mas será o melhor".\n"Nosso foco não é lançar primeiro, nem ter o menor preço, mas sim a melhor máquina. Em um mundo perfeito, seríamos os primeiros, mais baratos e melhores, mas nosso foco é sempre a qualidade", revelou o executivo.


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Benfica Gabriel Lech Poznan Liga Europa - SL Benfica\nCI ANTEVISÃO | #SLBFCPF\nFutebol Liga Europa\n21 de outubro de 2020, 18h52\nGabriel: "Impor o nosso jogo e levar daqui a vitória"\nSL Benfica e Lech Poznan disputam a 1.ª jornada do Grupo D da Liga Europa, às 17h55 de quinta-feira, na Polónia. O médio brasileiro está confiante.\nFutebol Equipa principal Gabriel Liga Europa LPOSLB Antevisão\nAtenções centradas na Polónia onde, às 17h55 de quinta-feira, SL Benfica e Lech Poznan dão o pontapé inicial na 1.ª jornada do Grupo D da Liga Europa. Gabriel anteviu o duelo e definiu a meta: é para ganhar!\nO camisola 8 da formação comandada por Jorge Jesus foi o jogador escolhido para antever a jornada inaugural do Grupo D da Liga Europa. Primeiro em exclusivo à BTV, depois em conferência de Imprensa, Gabriel foi a voz e o rosto de um coletivo que estudou bem o adversário e que está na Polónia para "fazer o melhor", com um só objetivo em mente, levar para Lisboa a vitória.\n"Vimos os vídeos dos jogos deles, vamos fazer o nosso trabalho, como sempre fazemos, procurando sempre melhorar, ver quais os pontos fracos do adversário para aproveitar isso e levar daqui a vitória", assumiu o jogador de 27 anos.\nNa antevisão ao desafio, o treinador da formação polaca, Dariusz Zuraw, entregou às águias o favoritismo. Gabriel dá a sua opinião.\n"Particularmente, não gosto de favoritismos, mas acredito no nosso trabalho. Vimos para fazer o nosso trabalho, queremos impor o nosso jogo, ver as qualidades e defeitos do adversário e levar daqui a vitória", esclareceu.\n"Não gosto de favoritismos, mas acredito no nosso trabalho"\nDo outro lado da barricada vai estar uma equipa bem estudada pelos encarnados, onde, segundo Gabriel, Ramírez e Pedro Tiba "são os jogadores que mais se destacam".\nEle [Pedro Tiba] conhece melhor o Benfica porque já jogou contra nós e por ser português. Acredito que isso os pode ajudar, mas hoje em dia todos conhecem todos os clubes", explicou.\nE quanto ao coletivo adversário? O que esperar?\n"São fortes em casa e têm um jogo posicional forte. Vamos fazer o máximo para travar esse jogo e fazer o nosso melhor", revelou.\nGabriel tem sido utilizado por Jorge Jesus na posição 6, uma posição onde se sente tranquilo, e até marcou no último desafio da Liga NOS, em Vila do Conde.\n"Sinto-me confortável, já joguei antes assim na minha carreira. Foi só preciso um tempo para me adaptar às ideias do míster. Acredito que estou a fazer o meu melhor, sempre com o objetivo de ajudar a equipa", explicou.\nA um nível mais pessoal... "Estou bem, sempre estive bem e espero continuar assim", atirou de forma taxativa, rematando confiante: "Tenho esse hábito [fazer carrinhos]. Estou a sentir-me bem neste começo de temporada e espero dar continuidade a isso."\nÚltima atualização: 21 de outubro de 2020\nJorge Jesus: "Equipas com ideias positivas ganham mais jogos"\nÁguias voam para os oitavos de final da Taça de Portugal\nRegresso à competição com triunfo\nAdaptação ao relvado em Poznan\nJorge Jesus: "Queremos chegar ao fim desta Liga Europa"\nBuild Date: 12/5/2020 3:27:48 AM


Já integrado ao Vitória, Juninho participa de treino - Futebol - UOL Esporte\nApós assinar com o Vitória, o lateral-esquerdo Juninho se juntou ao restante dos jogadores e participou do treino desta terça-feira, na Toca do Leão. A atividade foi comandada pelo interino Flávio Tanajura.\nNa primeira etapa das atividades, o treinador focou no aprimoramento de posse de bola e orientou jogos em espaço reduzido. Na sequência, os jogadores realizaram uma atividade tática.\nEm fase de recuperação de contusões, os zagueiros Ramon e Fred e o lateral-esquerdo Thalysson ficaram sob cuidados do departamento médico. A dupla de zaga sofre com dores musculares. Já o lateral machucou o joelho. Geferson deixou a atividade mais cedo após sentir um desconforto no quadril direito.\nO atacante Kieza, que volta aos poucos após passar por uma cirurgia no ombro, andou em volta do campo. O capitão Willian Farias também ficou fora do treino no gramado. Com uma distensão no ligamento colateral do joelho, o jogador realizou um trabalho na academia do clube.


Exame pra saber o sexo do bebe | Dissertação - Serviço Personalizado\nOla mamas gostava de saber se já algumas das mamas fizeram o exame sexagem fetal , que é para saber o sexo do bebê a. Quando é possível saber o sexo do bebêteste de com as pernas fechadas e o médico não consegue dar certeza do sexo exame de. Intelligender é um teste de urina que permite saber o sexo do bebê logo nas primeiras 10 semanas de gravidez exame de sangue para saber o sexo do beb. Não aguenta a ansiedade de não saber o sexo do seu bebé o exame de sexagem fetal permite descobrir o sexo do bebé logo à 8ª semana de gravidez. A vantagem é que o exame para determinação do sexo fetal tem taxa de acerto de, mais ou menos e já estou ansiosa pra saber o sexo do meu beb.\nEles estão se consolidando como um método confiável e seguro para saber o sexo do bebê nas primeiras trata-se de um exame invasivo que. As chances de acerto do exame são de aproximadamente 99% para as mães mais ansiosas a mamãe ansiosa terá que esperar mais um pouco para saber o sexo. Assim todas querem saber quando é possível ver o sexo do bebê pelo ultrassom aguarde um segundo exame para confirmar o sexo fetal. Uma das formas de saber o sexo do bebê com bastante antecedência é realizar um exame de sangue, chamado sexagem fetal, logo a partir das 8 semanas de gestação o.\nExames simples ajudam a esclarecer o mistério antes que o ultrassom seja capaz de denunciar o sexo do descobrir o sexo do bebê exame pra você copiar. Quais papais e mamães não ficam curiosíssimos para saber o sexo do bebê assim que o teste aponta que estão “grávidos” o prazer de poder já. Teste de farmacia para saber se o bebe é menino ou menina o nome do teste de farmácia para descobrir o sexo do beb atraves do exame de sangue, o sexo do bebe. Testes para saber o sexo do o intelligender, exame de urina menina gostaria q fosse menino,por favor,elís faz os calculo pra mim, m~es q o bebe foi. Para saber o sexo do seu bebê também pode recorrer à sexagem fetal este é um exame não invasivo, que é feito através de uma amostra de sangue da mãe. Qual o exame de sangue para descobrir o sexo do bebê a partir da sétima semana de gravidez o sangue da mãe tem informações suficientes.\nUltrassom e exame do sangue materno são os peça para o pai da criança ou outra pessoa que esteja curiosa para saber o sexo do bebê colocar uma faca e uma. O exame de sangue para saber o sexo do bebê pode errar na 26ª semana de gestação mais perguntas existe um exame de sangue para verificar o sexo do bebe. Exame para saber o sexo do bebê técnica para fazer bebe parar de chorar hoje vou ensinar para você técnicas para fazer o seu bebe parar de chorar rapidamente.\nQuando a mulher engravida, a primeira coisa que vem a cabeça é querer descobrir o sexo do bebê, como os exames de ultrassom demoram para detectar o sexo e os. Atualmente é possível saber o sexo do bebê de saber o sexo do bebê o quanto antes, para isso os exames e o adolecencia para o bebe se a. Tudo o que você quer saber sobre gestação e o desenvolvimento do o momento do parto para o exame dessas células revela o sexo fetal. Exame de urina que se compra na farmácia pra saber o sexo do bebê a partir da 10 semana: eu li aqui no babycenter e fui atrás e achei este site na internet: http. O exame conhecido como sexagem fetal é a solução para acabar de vez com essa curiosidade e saber o sexo do bebê mais rápido. Oiiiiii pessoal hoje vou dar uma dica para as mamães ansiosas e que não querem esperar as 12, 14, ou sabe-se lá quantas semanas para saber o sexo do beb.


Saia Jeans: 5 Maneiras Modernas de Usar a Peça | Consciência Jeans\n» Saia Jeans: 5 Maneiras Modernas de Usar a PeçaConsciência Jeans\nO verão chegou com tudo, e sabe qual a peça mais democrática e prática must have da estação? Sim, a saia jeans. Ela irá compor os looks mais despojados, femininos e delicados do verão e se você também é uma it girl fashionistas não pode deixar de começar a criar suas combinações.\nE para te ajudar, vamos deixar aqui algumas combinações perfeitas para o verão e você pode apostar em qualquer hora do dia. Vamos conferir?\nComo Criar Looks Modernos Com Saia Jeans Para o Verão?\nSe engana quem pensa que a saia jeans só pode ser usada em looks mais casuais. Hoje o denim é tendência mundial e não existe exceção para usar a peça, você pode compor um look estiloso com saia jeans até para o ambiente office. Dá uma olhadinha nestas combinações que preparamos para você:\n1 – Look Saia Jeans Office\nEscolha uma saia jeans midi com botões frontais e lavagem bem escura, uma camisa jeans com lavagem bem clara para dar contraste, um cinto caramelo para marcar a silhueta, uma rasteirinha ou sapatilha dourada e finalize o look com uma bolsa de ombro na cor caramelo.\n2 – Look Chique Com Saia Jeans Para Balada\nEscolha uma saia jeans com lavagem destroyed e barrinha desfiada, uma blusa ombro a ombro na cor branca, uma sandália com tiras na cor dourada, braceletes dourados e finalize o look com uma bolsa de ombro na cor nude.\n3 – Look Super Despojado Para Balada\nEscolha uma saia jeans com barra desfiada na cor amarelo pastel, um cinto marrom, uma regata preta com estampa, uma bolsa de ombro na cor preta e finalize com uma botinha de cano curto ou coturno na cor preta.\n4 – Look Moderno Casual Com Saia Jeans\nEscolha uma saia jeans com lavagem escura e barra desfiada, uma blusinha de tecido fluido na cor branca, um casaquinho de estampa florida ou se preferir um Kimono, um peep toe na cor vermelha e finalize o look com uma bolsa de ombro na cor nude.\n5 – Look Sexy Com Saia Jeans Para Balada\nEscolha uma saia jeans estampada com lavagem mais clara e barrinha desfiada, um cinto grosso na cor nude, um body branco com decote profundo trançado, uma sandália ou plataforma na cor nude e finalize com uma bolsa de ombro na cor rosa pastel.\nA saia jeans é uma peça must have para você que é antenada no universo fashion. Você pode criar vários looks estilosos e modernos para usar sempre que quiser uma produção mais prática e que mesmo assim não perde o estilo.\nVocê encontra saia jeans na loja Consciência Jeans. Visite a Loja no Brás na Rua Mendes Junior, 395 em São Paulo ou encontre um revendedor na sua cidade, veja aqui os locais.\nTags: como usar saia jeans, denim, jeans, roupa feminina, saia jeans


Fevereiro 2011 - ideias dispersas\nDurante algum tempo permiti-me estes estados oníricos. Sonhar acordada era bom e era de graça. Não havia neles o peso de saber que jamais se tornariam realidade. Tudo parecia ser possível fazer acontecer... Agora sei que este será um dos que nunca sairão do baú dos sonhos. Será apenas isso, um sonho bonito que gostei muito de sonhar...\nE na verdade os sonhos bonitos são apenas aqueles em que sonhamos acordados. Só nesses temos controlo absoluto do cenário, dos personagens e de todo o argumento.\nNeste meu sonho recorrente, demasiado recorrente, via-me sempre numa varanda como aquela ali em cima. Seria velha já, com muitas rugas nos cantos dos olhos, algumas nos cantos da boca e o cabelo seria todo branco. Mesmo branco seria comprido e a brisa de final de tarde faria com que se agitasse ligeiramente. Usaria um vestido comprido, provavelmente branco pérola e umas sandálias leves e muito usadas.\nNo meu sonho passo os dias sem ter que trabalhar como qualquer outra pessoa reformada. A grande diferença é que teria tido dinheiro para comprar uma pequena casa numa ilha italiana. A casa seria pequena e branca, teria portadas verdes e um alpendre. A casa seria numa encosta e teria uma escada íngreme, com corrimões de madeira até à praia lá em baixo. O mar seria muito azul e a praia praticamente deserta.\nA minha vida na ilha seria muito tranquila, rodeada de mar e de natureza verde. Sentar-me-ia todos os dias num cadeirão confortável e na pequena mesa na varanda teria sempre livros e um caderno para escrever tudo o que me viesse à cabeça. Até onde a vista alcançava seria mar azul e nos meus ouvidos só precisariam de entrar os chilreios dos pássaros. O cheiro das bungavileas e de outras flores que teriam a liberdade de crescer por ali.\nDepois os meus filhos viriam visitar-me e trariam os netos. Faríamos almoços tranquilos sob a luz do sol e depois desceríamos todos em alvoroço até à praia onde o mar nos refrescaria do calor da tarde. Depois quando regressassem às suas vidas voltaria o silencio e a tranquilidade e a saudade. No meu sonho também teria muitas saudades...\nNo meu sonho o tempo não tinha relógio e não era preciso andar sempre a correr atrás de tudo e de nada. Os dias correriam sem pressa, respeitando os amanheceres, as manhãs e as tardes e o anoitecer seria para ser apreciado devagar. Teria tempo para pensar, para admirar a natureza e teria tempo para ler tudo o que agora não consigo ler. Teria tempo para escrever o livro que me faria ter algum sucesso, mesmo que póstumo. Teria tempo para viver em plenitude até que a morte me viesse buscar...\ntags: estados oníricos\npublicado por magnolia às 23:35\npublicado por magnolia às 13:10\nE se uma destas manhãs...\n...quando eu for abrir a janela à espera de encontrar o mundo como sempre o conheci, vir que nada está como estava antes? Se nessa manhã o céu não for azul e o sol não for dourado? E se as arvores não forem feitas de madeira castanha e as folhas verdes? E se as joaninhas já não forem vermelhas com bolas pretas e se a água já não for transparente? E se a relva deixar de ser verde e as magnólias deixarem de florir em árvores? E se os rios subirem em vez de descerem e o mar deixar de ter marés? E se a Lua deixar de se ver e as estrelas deixarem de brilhar? E se o mundo estiver virado do avesso?\nE se uma destas manhãs eu já não conhecer os Homens? E se os sorrisos já não forem verdadeiros e as lágrimas deixarem de correr pelos rostos? E se já não puder acreditar em ninguém? E se a confiança deixar de constar nos dicionários e o respeito deixar de ser sequer uma palavra mas só e apenas uma amálgamade letras amontoadas? E se quem era simpatico deixar de o ser? E se uma destas manhãs eu olhar dentro dos olhos de alguém e não conseguir ver mais do que o vazio, a falta de consciência e de sentimentos?\nE se uma destas manhãs eu perder por completo a fé na Humanidade...?\nsinto-me: muito pensativa...\npublicado por magnolia às 19:57\nNo meu corpo estás tu\nDentro de mim, fora de mim, em mim…\nNos meus lábios o gosto adocicado\nDos teus lábios carinhosos… ansiosos…\nNa minha boca ainda a tua língua\nSegura e quente… num pedido urgente…\nNa textura dos meus dedos\nOs teus dedos suaves… irrequietos…\nNos meus ouvidos o som da tua voz\nQuente, envolvente a dizer palavras de amor…\nNos meus negros e longos caracóis rebeldes\nAinda a urgência quase bruta dos teus dedos…\nO teu perfume aprisionado em cada poro\nDa minha pele, agrilhoando-se a cada fino pêlo meu…\nNa minha branca epiderme estás tu\nIntensa e profundamente tatuado…\n*Poema que escrevi para fazer parte de um texto do meu blog "Coisas Minhas".\ntags: pensamentos, poesia\npublicado por magnolia às 09:09\nPost-scriptum: Já tinha dobrado a folha em três com todo o cuidado… Já a tinha colocado dentro de um dos envelopes especiais que uso para te escrever... Já tinha decidido não pensar mais em ti… Já tinha despido a roupa que tinha usado nesse dia que ainda trazia o teu perfume. Já tinha entrado na banheira, o vapor da agua quente a envolver-me o corpo… já sentia a água a cair no cabelo, nas costas, no peito, a descer pela barriga, a passar livremente pelo pequeno triangulo negro, a descer numa carícia longa pelas coxas e sempre até aos pés… E foi então que senti uma vontade incontrolável de te ter perto… De sentir novamente as tuas mãos macias no meu corpo, fazendo-o sentir coisas que mais ninguém fazia sentir… De sentir o teu beijo lento, quase tântrico… de sentir a tua urgência ali tão perto da minha urgência… Fechei os olhos e imaginei que estavas ali comigo…que me dizias que era tudo um engano e que querias fazer amor comigo uma única vez a noite toda ou muitas vezes na noite toda… e que não importava que não dormíssemos nem importava que gritássemos e não importava que relampejasse e trovejasse, nem importava que o mundo acabasse…E beijavas-me a boca, o pescoço, o peito e todo o meu corpo… E dizias que me amavas... Que me amarias para sempre...\nDepois abri os olhos e estava sozinha e a água continuava a correr pelo meu corpo e a desaparecer no ralo da banheira… Envolvi-me numa toalha que tinha sido a tua toalha e ainda molhada escrevi estas palavras…Não sei a razão mas apeteceu-me partilhá-las contigo. Por isso abri novamente o envelope, desdobrei a carta e agora escrevo-as… São para ti… São para que saibas que jamais te esquecerei…\nA minha palavra para ti é amor. Depois mais duas: para sempre!\nBeijos com sabor a saudades perpétuas...\ntags: fabrica das histórias, post-scriptum\nDepois de um grande período sem ter que lá pôr os pés, hoje tivemos que ir às urgências. O André andava há algum tempo cheio de tosse, febre que ia e vinha, mau estar no corpo, mucosidades até dizer chega, uma gripe que não queria embora com o habitual antigripe. Por isso hoje pusemos os pés ao caminho, não dava para adiar mais. O encontro com um dos nossos queridos médicos do sistema hospitalar público não correu mal, era simpático e ainda ficamos por lá a fazer uma nebulização. Ele, não eu, é claro:)\nEsperemos agora que não tenhamos trazido do hospital, além da receitazinha habitual, nenhuma outra doença que às vezes se encontra perdida pelos corredores dos hospitais...\ntags: andré, doente\npublicado por magnolia às 16:34\nCorrentes d'Escritas 2011 - Programa\nNas Correntes d’Escritas acontecem muitas coisas: debates, lançamentos de livros, convívios à mesa e fora dela, visitas a escolas secundárias, exposições, recitais de poesia e música, noitadas no bar do hotel, etc. Mas, embora tudo isso faça parte daquilo a que se chama o “espírito das Correntes”, as pessoas juntam-se na Póvoa de Varzim essencialmente para assistir às mesas redondas no Auditório Municipal. A lista dos respectivos temas, convidados e moderadores, anunciada hoje, é a seguinte:\n17h00 – 1.ª MESA: «Falta futuro a quem tem no presente as ambições/passadas»\n- Aida Gomes\n- Almeida Faria\n- Fernando Pinto do Amaral\n- Ricardo Menéndez Salmón\n10h30 2.ª MESA: «Eu começo depois da escrita»\n- Ignacio del Valle\n- João Paulo Cuenca\n- Júlio Conrado\n- Karla Suarez\n- Maria João Martins\n- Miguel Miranda\n15h00 3.ª MESA: «A minha arte é uma espécie de pacto»\n- David Toscana\n- Juva Batella\n- Luís Represas\n- Manuel Jorge Marmelo\n- Mário Lúcio Sousa\nModerador: Rui Zink\n17h30 4.ª MESA: «Nua de símbolos e alusões é a poesia»\n- Ana Luísa Amaral\n- Carmen Yáñez\n- Conceição Lima\n- Gastão Cruz\n- Ivo Machado\n10h30 5.ª MESA: «As palavras são apenas uma memória»\n- César Ibáñez París\n- João Paulo Borges Coelho\n- Mário Zambujal\n- Nuno Júdice\n- Rui Zink\nModerador: João Gobern\n15h00 6.ª MESA: «Espalho sobre a página a tinta do passado»\n- Alberto Torres Blandina\n- António Figueira\n- Maria Manuel Viana\n17h30 7.ª MESA: «A obra que faço é minha»\n- Francisco Duarte Mangas\n- João Manuel Ribeiro\n- Vergílio Alberto Vieira\nModerador: Ivo Machado\n10h30 8.ª MESA: «Não há palavras exactas»\n- José Manuel Fajardo\n- Kirmen Uribe\n- Nuno Crato\n- Raquel Ochoa\nModerador: Onésimo Teotónio Almeida\n16h00 9.ª MESA: «Nada no mundo deve ser subestimado»\n- António Victorino d’Almeida\n- Manuel Rui\n- Mário Delgado Aparaín\n- Onésimo Teotónio Almeida\n- Yvette K. Centeno\nModeradora: Maria Flor Pedroso\ntags: correntes d'escrita 2011\npublicado por magnolia às 20:19\nOntem, finalmente, fui ver o filme. Confesso que tinha lido algumas opiniões e ia um pouco a pensar nelas, talvez até ligeiramente influenciada. Depois de o ver e digerir, posso dizer que adorei o filme! Não importa se a história não é nova e se tem pouco conteudo, importa apenas a forma como foi tratada neste preciso filme. A Natalie esteve à altura da nomeação para o Oscar e se o ganhar será merecido. Sei que gosto de um filme quando pelo meio sinto ganas de entrar dentro dele e falar com os personagens, dar-lhes uns abanões!!!\nPortanto, Ladies and Gentlemen, ide ver, ide que vale bem a pena!!!!\ntags: black swan, filmes\npublicado por magnolia às 10:27\nOlho, triste, pela janela e já é noite cerrada\nA chuva cai na vidraça, atormentada\nFustiga as árvores semi-nuas do jardim\nEstá um frio cortante também dentro de mim\nNo peito um órgão que já não bate desenfreado\nNem se importa que esteja quase morto, gelado\nOlho-o bem, com muito mais atenção\nE percebo que ainda é Inverno no meu coração\nLá dentro de mim o céu está sempre cinzento\nE a nuvens pintadas de um tom pardacento\nOs rios engrossam com cada chuvada\nE a alegria há muito que se perdeu na enxurrada\nGrossas gotas pendem das folhas que sobram\nSonhos nelas diluídos hesitam um pouco e tombam\nE ali entre a relva húmida os sonhos ficarão esquecidos\nDestinados a nunca, nunca virem a ser cumpridos\nOs pássaros já não chilreiam nem acasalam\nAssim como as saudades já não me abalam\nAfinal já nada é para ficar, já nada é eterno\nPássaros e pessoas abalam sempre no Inverno\nOs cortantes ventos gélidos que vêm do norte\nTrazem consigo tristes anúncios de morte\nMorrem sentimentos a cada dia que passa\nMata-os, impiedoso, o vento que os envolve e abraça\nE as lágrimas rolam e deixam-me o rosto molhado\nEncosto-as à janela que desaparecem no vidro gelado\nTenho tanto frio e ainda é Inverno dentro de mim\nDesespero sem saber se um dia este Inverno terá um fim…\ntags: inverno, poesia\npublicado por magnolia às 21:35\npublicado por magnolia às 11:12


Análise do Halo Infinite: o pior Halo até agora\nHalo Infinite parece o primeiro ato em um jogo muito maior que não existe atualmente. Como um jogo autônomo, é o pior Halo até agora.\nHalo Infinite foi o jogo mais emocionante da minha lista este ano e, no intervalo de cerca de 30 horas, terminei o que é indiscutivelmente o pior capítulo da franquia Halo. Eu odiei isso. Eu amei. Estou chateado.\n343 Industries capturou a própria essência de Master Chief dentro da jogabilidade acelerada e de alta octanagem de Halo Infinite. É a coisa mais divertida que já tive em um jogo de Halo. Mas quando você percebe que a 343 Industries assassinou brutalmente uma narrativa promissora e a substituiu por uma tentativa preguiçosa de fornecer um ponto de entrada para novos fãs, os créditos já rolaram e você tem um gosto amargo na boca.\nHalo Infinite é uma grande decepção e uma traição completa da confiança dos fãs de Halo e da 343 Industries. Poderia ter sido um dos melhores jogos do Xbox Series X , mas falhou.\nComo Halo Infinite falha os fãs de Halo\nEu odeio a história de Halo Infinite - é de longe a pior entrada até agora. Você pode estar pensando, e quanto a “Halo 5: Guardiões?” Halo Infinite faz Halo 5: Guardians parecer uma obra-prima. Halo Infinite é a franquia Metal Gear Solid V: Phantom Pain of Halo - excelente jogabilidade, história terrível - ou o Rise of the Skywalker do universo Halo. Sim, é tão ruim.\nApesar de quão divisivo Halo 5: Guardians foi, havia uma história ativa sendo contada. Cortana se rebelou e Master Chief a perseguiu. Claro, todo o jogo parecia uma cena de perseguição glorificada, mas foi o primeiro ato de um épico de três atos em potencial. No final, vemos Master Chief, Spartan Locke e o Arbiter se unindo para lutar em uma guerra contra Cortana. Esse conceito, no mínimo, era muito interessante para mim. No entanto, o Halo Infinite avança rapidamente desse evento para 18 meses depois.\nEm Halo Infinite, o UNSC se encontra preso em Zeta Halo em uma guerra contra os Banidos, um grupo dissidente do Covenant que apareceu com destaque em Halo Wars 2. O novo vilão é Escharum, o cruel Warchief dos Banidos, e Master Chief tem para lutar com ele ao lado da arma, que é basicamente um desconto Cortana. Para todos os efeitos, a história promissora que se seguiria a Halo 5: Guardiões veio e se foi. Não é apresentado em Halo Infinite, exceto por referências passageiras. A guerra com Cortana, o Árbitro e Spartan Locke não apareceu. Tudo o que sabemos sobre esses 18 meses é explicado por meio de registros de áudio que você encontra no mundo aberto.\nEnquanto eu estava chateado porque Halo Infinite avançou rapidamente a parte mais interessante da narrativa de Halo, fiquei animado para ver como a 343 lidou com o resultado. Foi difícil. Halo Infinite se propõe ativamente a reconstituir as principais batidas da história em Halo 5: Guardians, explicando-as por meio de cenas passivas. Os desenvolvedores descartaram batidas importantes e arcos emocionais preguiçosamente em uma tentativa de trazer uma nova era de Halo, uma era de fabricação barata e parece que foi feita para apaziguar os fãs.\nMas, como um fã obstinado de Halo, Halo Infinite oferece a história mais entediante de um jogo de Halo. Quase nada importante ou notável acontece do início ao fim. Quase não há arcos de personagem, cada personagem parece um contraste para Master Chief, e desrespeita completamente o arco de personagem de Cortana dos jogos anteriores.\nIronicamente, 343 acabou no mesmo lugar que estava no final de Halo 5: Guardians - no final do Ato 1 de uma história sem recompensa adicional. 343 afirma que Halo Infinite vai durar uma década e atualizá-lo com o conteúdo da história, mas isso não é nada além de uma promessa vazia agora, e o que temos agora é uma experiência chata de Halo. 343 deveria ter tido a coragem de seguir em frente com a narrativa de Halo 5, apesar da divisão. Garanto a você que o que quer que tenha acontecido seria infinitamente melhor do que Halo Infinite.\nUma coisa que Halo Infinite faz que me interessa é humanizar Master Chief, mas não vai longe o suficiente. Estou farto desses jogos, contornar as emoções de John-117 com um olhar de capacete em branco. Há muito mais nesse personagem que esses jogos nunca dão certo. Halo Infinite faz um trabalho melhor do que a maioria, mas vamos lá, não vai matar sua base de fãs se Chief parar de agir como um estóico personagem do filme dos anos 80 por mais de um minuto.\nTodos nós podemos sair por aí dizendo que Halo Infinite precisava de mais tempo no forno, mas esse não é o problema aqui. Precisava de uma receita totalmente diferente. Halo Infinite tenta agir como uma reinicialização suave dos eventos atuais, tornando mais fácil para as pessoas participarem. No entanto, o conceito da história foi falho desde o início. Não há literalmente nada em que pular na história de Halo Infinite. Você está apenas batendo sua cabeça contra um bando de Banidos até que inevitavelmente vença. Mas faltou a gravidade, seriedade e grandeza de qualquer um dos jogos Halo anteriores. As apostas nunca pareceram mais sem sentido.\nEu entendo que Halo Infinite teve um desenvolvimento difícil e precisava ser lançado para promover o Xbox Series X , mas não valeu a pena lançar assim. Até mesmo o conceito de fazer de Halo Infinite um jogo live-service é falho, porque simplesmente não pode funcionar com uma narrativa ativa. É por causa dessa ideia que Halo Infinite parece uma missão glorificada em oposição a uma campanha totalmente desenvolvida.\nAcredito veementemente que não há nada que a 343 possa fazer nos próximos dez anos para resgatar Halo Infinite. Prove que estou errado, 343. Por favor.\nMaster Chief nunca se sentiu tão bem\nMecanicamente, Halo Infinite é o melhor Halo até agora, e isso dói dizer, considerando que a história é um lixo quente. Mas nada se compara a agarrar-se a uma base inimiga para pousar em um grupo de inimigos, soltar um escudo e destruí-los com o Feixe Sentinela Arcano ridiculamente dominado.\nHouve poucos momentos em que não estava me divertindo jogando Halo Infinite. O gancho é a melhor coisa que já aconteceu para a franquia. Além disso, as novas armas, veículos, equipamentos e fluidez dos controles do Master Chief se juntam para criar uma experiência maravilhosamente divertida. E embora 343 tenha criado a melhor experiência Master Chief ainda, eles não a aperfeiçoaram.\nPor exemplo, o gancho e a esquiva devem ter seus próprios botões separados. Eu não deveria ter que jogar Dance-Dance Revolution no meu D-Pad para acessar minhas habilidades de movimento. Isso torna a manobra em torno de Brutes com Martelos Gravitacionais bastante difícil, especialmente porque eles se movem como o Flash com esteróides. As outras habilidades incluem um sensor de proximidade e a parede rebatível, os quais são muito úteis em combate. Ironicamente, há um equipamento disponível no multiplayer que não aparece na campanha: o repulsor. Mas suponho que a 343 pensava que estavam ficando sem botões no D-Pad, embora devessem ter transformado o menu do equipamento em um botão de roda que congela o jogo na ativação.\nO mundo aberto é meio confuso. Ele captura o espírito do Halo, mas se torna rapidamente repetitivo, salvando grupos de fuzileiros navais, eliminando alvos de alto valor e capturando bases operacionais avançadas. Quase parece uma versão da Ubisoft de Halo, com a qual eu não ficaria muito chateado se todo o jogo não tivesse a mesma aparência. Há apenas um bioma e três coisas: grama, pinheiros e montanhas. Apesar de sua repetitividade, adoro chamar javalis, rolar para uma base inimiga com fuzileiros navais e destruir merda. A ideia de um mundo aberto é boa para Halo, mas precisa resolver os problemas.\nO que Halo Infinite acerta são as lutas contra chefes. Quase todos os chefes em Halo Infinite foram habilmente projetados para serem tão intensos quanto possível e inesquecíveis. Isso é uma grande conquista para uma franquia que nunca realmente teve lutas tradicionais contra chefes. Até mesmo os chefes encontrados no mundo aberto eram incrivelmente divertidos de enfrentar, porque você tem muita liberdade para decidir como abordá-los. No entanto, o último chefe do jogo se sentia preguiçoso e descoordenado. De seus ataques à colocação de pontos de verificação, o último chefe é uma porcaria.\nNo que diz respeito aos níveis, eles também parecem bastante repetitivos. Há um trecho em que parecia que estava passando pelas mesmas instalações do Forerunner em várias missões. Não há talento ou criatividade nas missões. Parecia que eu tinha que ir do Ponto A ao Ponto B, o que acabou tornando cada missão esquecível.\nHalo Infinite parece um teste para a franquia Halo. Infelizmente, eu diria que falhou na maior parte. Mesmo que a jogabilidade central seja excelente, tudo ao seu redor é abaixo da média e é apoiado por uma história ainda pior.\nPor que os jogos do Halo Xbox 360 são melhores do que isso?\nHalo Infinite ainda parece uma porcaria - eu ficaria com medo de ver como era o jogo há um ano. Não sei como Halo 5: Guardians, lançado em 2015, parece mais um jogo de última geração do que Halo Infinite, que sem dúvida parece pior do que a versão Xbox 360 de Halo 4.\nDos modelos humanos misteriosos ao design do mundo não inspirado, Halo Infinite é o Halo de pior aparência. Isso não é nem mesmo de uma perspectiva gráfica, apenas design de arte puro. Existem três notas neste jogo em termos de design de mundo: as bases banidas, a arquitetura Forerunner e o mundo superior Zeta Halo. Esses três não são suficientes para realizar uma campanha inteira de Halo. O primeiro Halo viu Master Chief correndo por florestas tropicais e montanhas nevadas em um anel de Halo, dois biomas que não aparecem em Halo Infinite.\nNão há momentos épicos de Halo como ver um Scarab rastejar em seu espelho retrovisor, ou um momento em que Master Chief faz algo selvagem como bombardear um navio inimigo com sua própria bomba. Halo Infinite não tem a grande escala e a visão cinematográfica que os outros jogos tinham. Mesmo quando as cutscenes são reproduzidas, quase tudo ao redor escurece enquanto a câmera foca exclusivamente nos personagens, o que é um pouco chocante.\nEnquanto eu jogava uma versão de revisão do jogo, as cenas também pareciam bem desajeitadas, com leves travamentos aqui e ali, que quebraram a imersão. Eu entendo que o Halo Infinite é executado no novo Slipspace Engine, e os desenvolvedores podem não ter dominado totalmente, mas precisa de mais tempo para amadurecer.\nO que o Halo Infinite acerta\nExistem muito poucas coisas que o Halo Infinite faz completamente certo, então serei breve.\nEm primeiro lugar, Steve Downes (Master Chief) e Jen Taylor (The Weapon, Cortana, Dr. Halsey) fazem um trabalho fenomenal interpretando seus personagens como sempre. A trilha sonora de Halo Infinite é o destaque do jogo, especialmente quando o tema principal entra em ação durante momentos épicos, como correr em direção à Casa do Juízo. Os registros de áudio são divertidos de ouvir, apesar de minhas reclamações sobre seu início. Eu gosto de como você pode pegar Spartan Cores e outros itens colecionáveis dentro e fora das missões. Ah, e eu adoro o pessoal que dá o soco no Super-Homem com o gancho - a melhor invenção de Halo de todos os tempos.\nEu queria que Halo Infinite fosse uma sequência direta de Halo 5: Guardians - uma história que mostra Master Chief se unindo a seus antigos inimigos em uma luta contra um velho amigo. Teria sido um conto épico e triste sobre Chief chegar a um acordo com a perda de Cortana para o lado negro durante uma aventura de alta octanagem que girava em torno de salvar a galáxia inteira. O fato de que nunca veremos nada disso me entristece.\nIndependentemente do que o 343 diga ou prometa para o futuro, Halo Infinite é um show de merda agora. É repleto de conteúdo de mundo aberto que disfarça a campanha grosseiramente curta do tipo filler, que não tem nada a oferecer além de uma narrativa passiva contada por meio de registros de áudio e ecos visuais. Claro, Master Chief é o jogo mais divertido que ele já experimentou, mas de que adianta colocar o jogador em uma caixa de areia sem rumo, com quase nada pelo que esperar?\nNão quero que o 343 trabalhe em Halo Infinite pelos próximos dez anos porque sei que eles nunca poderiam dar aos fãs de Halo o que merecem. A ideia de que Halo Infinite é uma “reinicialização espiritual” da franquia é uma piada. Sim, estamos de volta ao Halo e a Arma é basicamente Cortana, mas essa é a única semelhança com o grande épico que é o Halo original. Halo Infinite é uma tentativa superficial de trazer novos fãs a bordo de uma franquia destruída sem direção atual.


Peregrinação Dehoniana - Mensagem do Superior Geral - Dehonianos\nPeregrinação Dehoniana – Mensagem do Superior Geral\nDo Canadá, onde me encontro em visita aos confrades da Congregação, gostaria de saudar todos os peregrinos que se juntam à Família Dehoniana de Portugal, nesta já tradicional peregrinação anual a Fátima.\nO tema deste ano, ligado à figura do Pe. Dehon, na sua síntese vital entre a paixão por Deus e a paixão pela humanidade, constitui um modelo actual de fidelidade a Deus e de compromisso na Igreja e na sociedade. A sua pessoa e a sua acção constituem, hoje, um desafio para quantos sentem o apelo de Deus, para deixar-se guiar pelo seu Espírito na construção de um mundo melhor, onde o Coração de Deus ensine os homens a terem coração.\nA presença de D. Manuel Quintas, a quem saúdo fraternalmente, constitui uma referência à Igreja portuguesa, onde os dehonianos estão inseridos e onde procuram dar a sua colaboração activa, juntamente com tantas outras pessoas que participam nesta peregrinação. É igualmente significativa a presença de representantes dos nossos missionários, sobretudo em Madagáscar e Angola. Eles exprimem a abertura de coração e a generosidade de empenhamento de tantos homens e mulheres  sacerdotes, religiosas, religiosos, leigos jovens e adultos  que deixam a sua terra, cruzam fronteiras e semeiam no coração dos homens, o desejo de um mundo novo, segundo a Boa Nova do Evangelho.\nA Família Dehoniana portuguesa tem dado passos muito significativos nesta abertura à missão da Congregação e da Igreja. Peço ao Senhor que abençoe o esforço de quantos realizam, promovem e colaboram neste movimento de fraterna solidariedade. Que o seu coração não desanime e os seus braços não cansem e que o Senhor lhes dê sempre a alegria e a persistência de colaborarem com Ele na construção de um mundo de fraternidade e de paz.\nMontreal – Canadá, 04 de Junho de 2005\n| José Ornelas Carvalho, scj – Superior Geral |


Postado por Gui Barreto às 11:51:00 9 comentários:\nVida e obra de um dos maiores compositores clássicos ocidentais de todos os tempos são retratadas no filme vencedor do Oscar de 1985. O talento complexo de Wolfgang Amadeus Mozart é contado (ficcionalmente) por meio de um dos maiores fãs e inimigos que o músico teve em sua breve vida (ele morreu misteriosamente aos 35 anos de idade em 1791).\nO filme começa com o regente da corte real do império austríaco Antônio Salieri (F. Murray Abraham) que, após ser internado num hospício por tentativa de suicídio, decide revelar para um padre que o vai visitar que foi o responsável pelo assassinato de Mozart. A partir daí, começa a narrar, em estilo flashback, a relação que teve com Amadeus, desde o momento em que o conheceu, o processo de evolução de sua inveja, a fase de ódio que nutriu pelo músico, até o momento em que finalmente se viu livre da competição injusta que travavam, uma vez que Salieri admitia que não havia sido agraciado por Deus pelo talento que Ele reservou para Mozart.\nÉ a primeira vez que assisto uma cinebiografia (mesmo que infiel) que, primeiro, fosse baseada nas memórias de um inimigo do biografado e, segundo, que invertesse a importância dos personagens, dando maior ênfase a um suposto coadjuvante do que no verdadeiro protagonista. Parece que Mozart só é importante no longa para dar sentido ao estudo psicológico de Salieri que o espectador é convidado a fazer. Para tanto, o tempo dramático é constantemente intercalado entre presente (depoimento de Salieri idoso) e passado, sem, entretanto, comprometer o ritmo da obra, que em nenhum momento é cansativa, apesar de possuir mais de três horas de duração.\nA principal crítica de Salieri a Mozart (interpretado muito bem por Tom Hulce) é a de que o músico era irresponsável demais para merecer de Deus tamanho talento. Realmente, como já apontado por alguns historiadores, o comportamento de Wolfgang não era dos mais exemplares, uma vez que ele não sabia como administrar seu dinheiro, passando vários perrengues durante a vida (mesmo tendo ganhado muita grana) e bebia muito. Apesar de odiar seu rival por conta dessas características, ficava completamente fascinado quando ouvia suas composições, tendo profunda admiração pelas notas perfeitas do compositor.\nA ascensão de Mozart se dá por meio dos planos frustrados de Salieri para tentar derrubá-lo. A partir do momento em que o músico se muda de Salzburgo para Viena (a fim de tentar decolar sua carreira ficando mais perto do centro cultural da Áustria), seu nome passa a ser conhecido em toda a Europa, tornando-se símbolo de qualidade e despertando a atenção de talentos ofuscados pela genialidade de Mozart, como o de Salieri, que passa a investigar a vida do músico prodígio e a querer desbancá-lo. O imperador Joseph II (Jeffrey Jones), no entanto, gosta do estilo inovador de Wolfgang, alterando antigos preceitos e tradições do império para dar liberdade criativa para seu queridinho, o que deixa descontentes os membros da liga contra-Mozart.\nPor meio de uma narrativa não-convencional, Amadeus é uma obra-prima da boa cinematografia americana, contando com uma das mais belas e bem utilizadas trilhas sonoras que eu já ouvi. Além da qualidade indiscutível das composições de Mozart (que preenchem todo o filme), as canções acompanham as emoções dos personagens, encaixando-se perfeitamente na montagem das cenas.\nAlém da trilha sonora, a fotografia está deslumbrante, mostrando uma Viena do século XVIII fiel a realidade. Para completar, as atuações são perfeitas (com destaque para F. Murray Abraham, que inclusive ganhou o prêmio de Melhor Ator naquele ano) e concisas, garantindo que um filme que tem três horas de duração e como base a música clássica se torne um dos mais cativantes de todos os tempos. Imperdível!\nO trabalho do diretor Milos Forman foi o responsável pelas oito estatuetas conquistadas por Amadeus em 1985 (quase conseguindo a proeza de levar os cinco principais prêmios do Oscar – Filme, Diretor, Roteiro, Ator e Atriz – assim como o fez em Um Estranho no Ninho, em 1976). Naquele ano, ainda concorreram à estatueta de Melhor Filme mais quatro produções: A História de um Soldado (A Soldier’s Story), Os Gritos do Silêncio (The Killing Fields), Passagem para a Índia (A Passage to Índia, último filme de David Lean) e Um Lugar no Coração (Places in The Heart, segundo filme de Robert Benton, depois do sucesso Kramer vs. Kramer).\nPostado por Gui Barreto às 10:48:00 2 comentários:\nMarcadores: Biografia, cinema, críticas, Drama, Musical, TOP 1/3\nDepois do remake insosso de Robin Hood lançado no início desse ano, Russell Crowe volta às telonas na pele do professor John Brennan. Na trama, ele corre perigo em nome do amor que sente por sua esposa Lara (Elisabeth Banks) ao arquitetar uma fuga da cadeia onde ela está presa aparentemente injustamente. O título do filme se refere às 72 horas que tem John tem disponíveis para sair dos limites da cidade sem que seja capturado pela polícia dos Estados Unidos.\nAté agora vi apenas o trailer, que me pareceu bem típico dos filmes de ação que a Globo não cansa de exibir em suas sessões. Apesar dessa impressão, a divulgação do longa é de que é uma produção de suspense. Parece que o filme não teve uma boa repercussão nas salas de cinema americanas e, além disso, está sendo lançado no fim de semana do Natal aqui no Brasil (mais um sinal de que não está sendo olhado com bons olhos pelas distribuidoras).\nAlém do destaque, os seguintes filmes dividem a atenção com a chegada do Papai Noel:\nO MUNDO ENCANTADO DE GIGI (Yona Yona Penguin) Japão, 2009. Direção: Rintaro. Gênero: Animação. Elenco:Ei MOrisako (voz), Satoshi Kanada (voz), Rica Matsumoto (voz).\nAMOR POR CONTRATO (The Joneses) EUA, 2009. Direção: Derrick Borte. Gênero: Romance. Elenco: David Duchovny, Demi Moore, Ben Hollingsworth, Amber Heard, Gary Cole e Lauren Hutton.\nO BOM CORAÇÃO (The Good Heart) EUA, 2009. Direção: Dagur Kari. Gênero: Drama. Elenco: Paul Dano, Brian Cox, Isild Le Besco.\nO CONCERTO (The Concert) Romênia, 2009. Direção: Radu Mihaileanu. Drama. Elenco: Aleksei Guskov, Dmitri Nazarov, Mélanie Laurent.\nAté a próxima sexta com o último 1/3 ESTREIA do ano. À todos meus seguidores e amigos um Feliz Natal e que 2011 venha com muitas sessões de cinema.\nPostado por Gui Barreto às 16:13:00 5 comentários:\nDentre os indicados a Melhor Filme na premiação do Oscar de 1984, não há grandes sucessos de público ou crítica. Parece-me que foi um ano que não rendeu muitas produções de qualidade para a cinematografia americana. O vencedor, Laços de Ternura, ganhou a disputa concorrendo com A Força do Carinho (Tender Mercies), Os Eleitos (The Right Stuff), O Fiel Camareiro (The Dresser) e O Reencontro (The Big Chill).\nPara conseguir tal feito, o diretor e roteirista James L. Brooks lançou mão de um dramalhão novelístico de muita qualidade, que explora diversas vertentes da relação tempestuosa entre uma mãe superprotetora e sua filha rebelde. Shirley MacLaine interpreta a durona Aurora Greenway, viúva que teve de cuidar sozinha da filha após a morte do marido, abstendo-se de outras prioridades que não fossem o bem estar de Emma (Debra Winger).\nQuando conhece o astronauta aposentado Garrett Breedlove (Jack Nicholson), que é seu vizinho, Aurora percebe que um novo relacionamento pode dar certo, mesmo que o comportamento displicente e promíscuo de Breedlove conflite com a resignação careta de Aurora. Ao mesmo tempo em que a mãe vive a dúvida amorosa, Emma também vive um dilema em Des Moines, no Iowa (cidade para a qual se muda com a marido [inimigo de Aurora] a fim de fugir das neuras da mãe).\nApós descobrir as traições do marido (Flap Horton, interpretado por Jeff Daniels), Emma passa a traí-lo também com o gerente do banco da cidade. O casal está em frangalhos, ainda mais com os filhos não-planejados, que não param de nascer (já são três no total). Para deixar ainda mais complexa a trama, Emma descobre ter câncer (talvez um dos primeiros filmes a retratar o assunto). A doença funciona como uma espécie de fator reconciliador na relação entre mãe e filha, uma vez que faz com que Aurora volte a ver Emma como aquela bebezinha que há anos atrás cuidava como se fosse uma jóia rara.\nAs interpretações são extremamente excelentes, o que garantiu a Shirley MacLaine o prêmio de Melhor Atriz, a Jack Nicholson o de Melhor Ator Coadjuvante, a John Lithgow uma indicação a Melhor Ator Coadjuvante e a Debra Winger a indicação à Melhor Atriz. Para quem gosta de chorar em filmes, Laços de Ternura é a pedida perfeita, pois estão todos super emocionantes em seus papéis (não apelando, felizmente, para um estilo à la novelas mexicanas).\nCom um roteiro e uma direção impecáveis, Laços de Ternura consegue cativar pela proximidade com temas polêmicos, como o adultério, o aborto, o amor na terceira idade, o cancêr, mas se perde no entrelaçamento desses assuntos, tornando-se confuso e diversificado demais às vezes. É uma prova absoluta de que as novelas podem ser produtos de qualidade indiscutível. O problema é que quiseram fazer caber uma novela inteira em duas horas de exibição.\nPostado por Gui Barreto às 11:28:00 3 comentários:\nNas mais de três horas em que assisti o filme vencedor do Oscar de 1983 não vi o tempo passar. Esse é um dos critérios para que eu balize a qualidade de uma produção. No caso de Gandhi, cinebiografia do líder político e espiritual do povo indiano, o preciosismo da obra, em praticamente todos os seus aspectos, garantiu com que eu despendesse os 188 minutos em frente à TV sem que me desse conta de que todo aquele tempo havia passado (capacidade exclusiva do cinema de qualidade).\nMais uma vez vê-se a receita padrão dos roteiros biográficos: a trama se baseia na contação da história da vida do protagonista a partir de flashbacks posteriores a uma cena da velhice ou da morte do biografado. Após vermos o assassinato de Gandhi em meio a uma multidão de fiéis (na década de 50), somos transportados para o fim do século XIX, quando da viagem do então advogado indiano Mohandas Karamchand Gandhi pela África do Sul, e a percepção de que seu povo, colonizado pela coroa britânica na época, era reprimido e visto como inferior pelos colonizadores. Começa aí a extensa e vitalícia luta de Gandhi pelos direitos humanos e pela igualdade religiosa, racial e étnica dos indianos.\nMais de 50 anos de sua vida são retratados, sem que a história se torne episódica ou cansativa. O diretor Richard Attenborough consegue ser sutil nas passagens de tempo, trabalhando em total sintonia com as outras áreas da equipe de produção. O contexto histórico é constantemente alterado (devido ao tempo dramático que se passa no roteiro) e temos a real impressão de que tudo mudou, mesmo sabendo que o fenômeno nada mais é do que fruto de um belo trabalho de equipe, composta por experts na maquiagem, figurino, fotografia, direção de elenco etc.\nO segundo ato do filme mostra a volta de Gandhi à Índia e a decisão de lutar junto com seu povo pela emancipação da nação. Suas palavras de acalento, esperança e paz durante os inúmeros discursos persuadiram os indianos a lutar sem armas, a não reagir, a impressionar os tiranos ingleses com gestos de paciência e paz diante das agressões. A principal arma de luta contra a opressão defendida por Gandhi era a serenidade e a persistência.\nTodo o país foi conquistado pelo carisma de Mahatma (nome pelo qual passou a ser chamado, significando “A Grande Alma”, em sânscrito). Seus ideais de uma revolução pacífica conquistaram não apenas a população da Índia, mas uma legião de seguidores pelo mundo todo, tornando o homem franzino e de pequena estatura numa das figuras mais importantes que já passaram pelo Planeta Terra no último século.\nA força interna de Gandhi e sua persistência pela liberdade do país condicionadas a manutenção da premissa da paz levaram a Índia a independência, mas, em contrapartida, causaram uma segregação interna, dividindo o país entre hindus e muçulmanos, que posteriormente criaram o Paquistão. O terceiro e último ato do longa mostra o esforço de Gandhi, já idoso, para acabar com a desigualdade religiosa dentro do território indiano (através de greves de fome) e seu assassinato (que já declaro ser por motivos fúteis).\nO grande destaque do filme fica por conta da atuação mais que fenomenal de Ben Kingsley, que inclusive levou a estatueta de Melhor Ator para casa naquele ano. Quem não conhecia a história de Gandhi (como eu) passa a confiar que o verdadeiro Mahatma foi em vida exatamente como a atuação de Kingsley aponta. Ele consegue medir a sabedoria e a ironia necessárias ao personagem de maneira equilibrada e assustadoramente convincente. Além do elenco, dou destaque para a trilha sonora, obviamente típica da Índia, que permeia a vida de Gandhi e consegue ilustrar cada fase perfeitamente, através de acordes e ritmos que dizem muito do momento do personagem. Para finalizar, gostaria de chamar a atenção para a cena do fuzilamento dos indianos, episódio verídico que matou milhares de habitantes, numa ofensiva inglesa inesperada e estúpida. Trecho de arrepiar.\nNaquele mesmo ano, ainda concorreram ao posto de Melhor Filme mais 4 produções. São elas: O Veredito (The Veredict), Tootsie, Desaparecido – Um Grande Mistério (Missing) e E.T. – O Extraterrestre (E.T. The Extra-Terrestrial), este último grande aposta do Oscar, mas derrotado (justamente) por Gandhi.\nLANÇAMENTO: 1982 (ÍNDIA/ REINO UNIDO)\nPostado por Gui Barreto às 13:36:00 2 comentários:\nO nacionalismo (por vezes exacerbado) dos britânicos é quase sempre vangloriado pelas produções cinematográficas realizadas por lá, num esquema de auto-afirmação extremamente ufanista. Em 1982 parece que até a Academia de Cinema de Hollywood aprovou o patriotismo dos companheiros de idioma, premiando Carruagens de Fogo com a estatueta de Melhor Filme do ano. Além de símbolo do amor à pátria, o longa funciona como incentivador dos esportes, uma vez que retrata a história real de Harold Abrahams (Ben Cross) e Eric Liddell (Ian Charleson), dois corredores que representaram a Inglaterra nas Olimpíadas de 1924.\nAssim como a maioria das cinebiografias, a trama é contada em flashback, a partir da cena do funeral do último dos atletas que competiram na fatídica década de 20. A partir daí, acompanhamos paralelamente a vida e a carreira de Harold e Eric. Harold é universitário de Cambridge, judeu (numa sociedade pós-Guerra de maioria cristã) e amante da velocidade pela notoriedade que ela pode trazer e para fugir do preconceito que sofre no meio acadêmico. Já Eric vem da Escócia e é um missionário evangélico devoto que acredita que é designado por Deus para correr e tem essa aptidão graças à obra divina.\nOs dois não se conhecem pessoalmente, mas treinam para que possam competir entre si nos Jogos Olímpicos de Paris, devido ao grande talento que eles têm (cada um na sua especialidade) e que a imprensa ajuda a disseminar por toda a Grã-Bretanha. O filme, no entanto, não se resume a apenas mostrar treinos para as competições, mas também retrata sentimentos como a insegurança, o medo, a confiança, a determinação, a superação, enfim, é mais profundo do que simplesmente um filme que hoje possa ser usado para aulas de educação física do Ensino Fundamental.\nA trilha sonora é bem utilizada, principalmente em se tratando da música principal, criação de Vangelis, que é lembrada sem muito esforço por todos até os dias atuais. As interpretações não são nada excepcionais, talvez pelo fato de que praticamente todo o elenco é estreante, o que torna difícil qualquer exigência qualitativa. A fotografia é linda, passando por três locações deslumbrantes (Londres, campos da Escócia e Paris), ainda mais na década de oitenta, quando a tecnologia de captação de imagens para o cinema já estava bem evoluída.\nA produção é super agradável de se ver, deve ser conferida por todos os cinéfilos, mas não é indispensável. É o típico de longa que não envelheceu bem por ser muito datada e com o tempo se tornar clichê. Sendo assim, seria justo que perdesse o maior prêmio do Oscar para um dos outros candidatos, que por sinal, eram bem melhores que o vencedor. São eles: Num Lago Dourado (On Golden Pond), Os Caçadores da Arca Perdida (Raiders os The Lost Ark), Atlantic City e Reds.\nLANÇAMENTO: 1981 (REINO UNIDO)\nPostado por Gui Barreto às 18:20:00 4 comentários:\nGente Como a Gente, vencedor do Oscar na premiação de 1981, já diz a que veio desde o título: trata do drama de uma família de classe média americana que tem de superar a morte por afogamento do primogênito ocorrida há um ano, além de enfrentar as conseqüências da tentativa de suicídio de Jarrett (Timothy Hutton), o filho mais novo, que se sente culpado pela morte do irmão e renegado pela mãe, que aparentemente não consegue amá-lo. Os pais são interpretados por Donald Sutherland (Calvin Jarrett) e Mary Tyler Moore (Beth Jarrett), em atuações concisas e convincentes.\nA grande crítica (negativa) à produção é que, naquele ano, ela conseguiu bater (sem merecer) dois clássicos absolutos da cinematografia mundial: Touro Indomável (Raging Bull), considerada por alguns a obra-prima de Martin Scorsese, e O Homem Elefante (The Elephant Man), um dos melhores filmes de David Linch. Além destes dois concorrentes, disputavam a categoria de Melhor Filme os longas Tess - Uma Lição de Vida (Tess) e O Destino Mudou Sua Vida (Coal Miner's Daughter).\nO drama familiar que o diretor estreante Robert Redford apresenta em Gente Como a Gente é mais complexo do que parece no início da película e vem para comprovar a premissa central do longa: a de que qualquer um de nós pode passar por problemas como os enfrentados pela família dos protagonistas. A relação mais evidenciada pelo desenrolar dos fatos do roteiro é a da mãe e do filho, prejudicada após a morte de Bucky, e intermediada pela neutralidade do pai, que tenta se isentar de qualquer posicionemento em favor de um dos lados.\nComo forma de sistematizar os conflitos vividos pelos protagonistas entra em ação o Dr. Tyrone C. Berger (Judd Hirsch), psiquiatra que já havia acompanhado Jarrett nos quatro meses em que ficou no hospital (após a tentativa de suicídio) e agora funciona como uma espécie de norte para o comportamento de toda a família. É por meio das cenas da terapia do protagonista que conseguimos entender todos os trâmites que envolvem os problemas existenciais internos de Jarrett e os conflitos familiares.\nA trilha sonora é tímida, mas evidencia a tensão criada ao longo da história entre os membros da família. O destaque, no entanto, fica por conta da interpretação do elenco, que dá um show de comoção e veracidade, principalmente em se tratando de Timothy Hutton, então com 20 anos, que levou a estatueta de Melhor Ator Coadjuvante naquele ano. Apesar de todas as qualidades, Gente Como a Gente é apenas mais um dentre todos os centenas de dramas familiares existentes. Foi realmente injusto ter ultrapassado a qualidade (na opinião da Academia) de O Touro Indomável e do Homem Elefante.\nPostado por Gui Barreto às 15:43:00 Nenhum comentário:\nNa antepenúltima sexta do ano, os lançamentos já começam a esfriar e as apostas de grandes estréias são quase que descartadas. Hoje, algumas produções bem meia-bocas dividem espaço com “Tron – O Legado”, continuação da ficção científica oitentista esquecida pela maioria das pessoas. Em 1982, quando do lançamento deste que seria o primeiro longa no qual a tecnologia de efeitos especiais foi amplamente utilizada (inclusive em cenas totalmente virtuais), a crítica apontou como negativa a fragilidade do roteiro, em contraposição a exuberância da técnica (talvez o único motivo para que a história existisse e fosse rodada).\n28 anos se passaram e parece que a qualidade continua sendo relegada apenas ao núcleo técnico na nova produção da Disney, uma vez que o roteiro, segundo os críticos que já viram “Tron – O Legado” no cinema, é fraco. A história acompanha a saga de Sam Flynn (Garrett Hedlund) em busca do pai Kevin Flynn (Jeff Bridges), protagonista do longa original dos anos oitenta, que está perdido em “Grid”, o mundo digital luminoso que o progenitor havia descoberto há mais de vinte anos. Tomara que a imaginativa história cause, pelo menos, a mesma sensação de deslumbramento pelos efeitos especiais que Avatar causou em mim no final do ano passado.\nTRON – O LEGADO (TRON LEGACY)\nPara completar os lançamentos da desastrosa semana, ainda entram em cartaz:\nAPARECIDA, O MILAGRE. Brasil, 2010. Direção: Tizuka Yamazaki. Gênero: Drama. Elenco: Murilo Rosa, Maria Fernanda Candido, Jonatas Faro.\nUM HOMEM QUE GRITA (Un Homme qui Crie) França/ Bélgica/ Chade, 2010. Direção: Mahamat-Saleh Haroun. Gênero: Drama. Elenco: Youssouf Djaoro, Dioucounda Koma, Emile Abossolo M'bo.\nUM QUARTO EM ROMA (Habitación en Roma) Espanha, 2010. Direção: Julio Medem. Gênero: Drama. Elenco: Elena Anaya, Natasha Yarovenko, Enrico Lo Verso.\nAté semana que vem com mais novidades!\nPostado por Gui Barreto às 11:45:00 Um comentário:\nO Supercine (Rede Globo, sábados, 23h) adora exibir filmes que contenham dramas familiares pesados, muita choradeira, brigas de tribunal, luta pela guarda dos filhos etc. O que torna esses longas desinteressantes, no entanto, é a forma estereotipada e antiquada como são tratados os personagens. Mesmo já estando banalizados, esses assuntos continuam sendo cerne de muitos roteiros, que acabam se tornando repetitivos e clichês. O filme vencedor do Oscar de 1980 consegue ultrapassar esses estereótipos, sendo um dos melhores que ganharam na categoria nos 52 anos de premiação.\nKramer vs. Kramer tem dois méritos: ser o pioneiro ao retratar a desestruturação da família tradicional, que já dava sinais de enfraquecimento no final da década de setenta e contar com um elenco de tirar o fôlego. Meryl Streep e Dustin Hoffmann dão vida a Ted e Joanna Kramer, um casal que aparentemente não tinha problemas na relação, até o momento inesperado em que Joanna anuncia sua saída de casa. Ted agora tem a missão de cuidar sozinho do filho do casal, Billy Kramer (em interpretação estrondosa de Justin Henry, então com sete anos – ele foi, até hoje, o concorrente mais novo a um prêmio no Oscar – concorreu a Ator Coadjuvante) e entender o porquê do abandono da esposa.\nAos poucos, ele compreende os motivos de Joanna, ao se dar conta que durante todos os anos do casamento não deu atenção à família, preocupando-se apenas com o crescimento da carreira como designer. O diretor Robert Benton critica a ausência do pai nas relações familiares sem, no entanto, afirmar que isso foi justificativa suficiente para a mãe deixar marido e filho. O fato é que Ted tem uma nova chance de se redimir com Billy, o que faz com maestria. Durante os dois anos que passam sozinhos, pai e filho aprendem a se amar, construindo uma relação afetuosa e respeitosa. Acontece que após esse tempo Joanna decide que está pronta para cuidar do filho novamente, volta para Nova Iorque e se inicia uma briga judicial pela tutela de Billy, que sofre com a pendenga dos pais.\nSe o filme fosse produzido nos dias atuais, sobreviveria apenas pela interpretação dos protagonistas, que dão o máximo de talento, merecendo por isso as premiações de Melhor Ator (Hoffmann) e Melhor Atriz Coadjuvante (Streep). O roteiro, infelizmente, é datado, uma vez que hoje em dia não é surpresa para ninguém que um pai cuide de um filho sozinho, enquanto a mãe vive sua própria vida. Uma situação dessas naquela época, além de interferir na vida profissional do patriarca (que vivia numa sociedade de crescente capitalismo e um Estados Unidos que prometia sucesso e dinheiro fácil no futuro), poderia instigar qualquer tipo de dúvida quanto sua masculinidade, sendo que trinta anos atrás o machismo ainda era predominante, inclusive na mídia (afinal, cuidar de casa e filhos era coisa de mulher né?)\nÉ muito difícil encontrar algum ponto negativo no filme. O roteiro é muito bem amarrado, os diálogos dão conteúdo à trama e à interpretação soberba dos personagens, a trilha sonora é deslumbrante (dedilhados country de violão preenchem toda a história), a fotografia mostra o centro moderno de Nova Iorque com seus inúmeros arranha-céus, luzes e concreto, além das cenas de tribunal, que eu sempre adorei (quando bem feitas, como nesse caso).\nDuas curiosidades me fazem gostar mais ainda de Kramer vs. Kramer: Meryl Streep foi a terceira cotada para fazer o papel de Joanna Kramer. Antes dela, Kate Jackson e Jane Fonda recusaram o trabalho por estarem ocupadas com outras obras (ainda bem!). Além disso, Dustin Hoffmann havia acabado de se separar, contribuindo com vários dos diálogos que vemos entre ele e a esposa e o filho. Eu li que o diretor insistiu para que o nome dele entrasse como co-roteirista nos créditos, mas ele não quis.\nNaquele mesmo ano, mais quatro longas concorreram ao prêmio de Melhor Filme. São eles: O Show Deve Continuar (All That Jazz), Norma Rae, O Vencedor (Breaking Away) e o maravilhoso Apocalipse Now (o maior dos injustiçados pela Academia, segundo a opinião de alguns críticos. Para mim (que prefiro dramas comportamentais a filmes de guerra, achei justa a premiação, mesmo admitindo que o filme de Coppola é um dos melhores dentro da sua proposta).\nPostado por Gui Barreto às 10:29:00 6 comentários:\nDesde a década de vinte, quando do início das premiações do Oscar, a Academia sempre teve um apreço pelos filmes de guerra, principalmente por aqueles que repudiam as conseqüências não apenas físicas, mas também emocionais que os conflitos bélicos causam nos combatentes. Sempre que entre os candidatos a Melhor Filme de determinado ano está presente um longa pacifista, este já começa a disputa com alguma vantagem apenas por ser o que é. Em 1979 não foi diferente, uma vez que O Franco Atirador veio para confortar os ânimos de quem sofreu (e olha que foi muita gente) com a Guerra do Vietnã, há pouco finalizada.\nA história se baseia na amizade entre Michael Vronsky (Robert De Niro), Nick Chevotarevich (Christopher Walken) e Steven (John Savage), imigrantes russos que vão para o Vietnã representar os Estados Unidos na guerra. Em trabalho de mestre do diretor Michael Cimino, a trama se passa em três atos: antes da guerra (casamento de Steven, caçadas entre amigos, flertes entre Michael e a namorada de Nick, Linda (Meryl Streep), durante a Guerra (prisão dos três personagens, tortura no cativeiro) e depois da guerra (volta pra casa e busca pela adaptação social diante das mudanças). A principal sacada do roteiro é relacionar as caçadas aos cervos (que deu nome ao filme [no original The Deer Hunter]) com a tortura psicológica gerada pela roleta russa nos campos vietnamitas. Michael tinha o costume de matar suas presas nos EUA com apenas um tiro (era uma espécie de convicção). Agora no país desconhecido tinha igualmente apenas um tiro para sobreviver ou morrer.\nPor falar nisso, o ponto alto da interpretação dos personagens está nos momentos em que eles têm de enfrentar as armas e puxar o gatilho contra a cabeça, sem ao menos ter certeza se elas dispararão ou não. A pressão é tamanha que transpassa a tela e chega aos espectadores, que se vêem ali, no lugar dos acossados personagens. O tabalho é tão bem feito que Christopher Walken levou para casa a estatueta de Melhor Ator Coadjuvante e Robert De Niro concorreu a Melhor Ator. Não podia deixar de mencionar o trabalho sempre consistente de Meryl Streep, que interpreta com perfeição a angustiada Linda, dividida entre o amor de Nick, seu atual namorado, e Michael, com quem vive um romance platônico (ela também concorreu ao prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante naquele ano).\nAs vidas de todos os protagonistas, e de quem convivia com eles na pequena cidade americana que serve de locação para o primeiro e terceiro atos, é alterada profundamente após conviverem com os horrores da guerra, tanto no que diz respeito às conseqüências físicas quando morais e emocionais. Mesmo que o assunto seja super recorrente, o povo americano precisa desse reforço ficcional para manter sua confiança nacionalista e fazer com que as novas gerações continuem acreditando na força do país e na necessidade de defendê-lo sem, no entanto, recorrer a guerras para isso.\nNaquele mesmo ano, ainda concorreram ao posto de Melhor Filme os longas: Uma Mulher Descasada (Unmarried Woman), Amargo Regresso (Coming Home), O Céu Pode Esperar (Heaven Can Wait) e O Expresso da Meia Noite (Midnight Express).\nLANÇAMENTO: 1978 (EUA)\nPostado por Gui Barreto às 10:51:00 3 comentários:\nPostado por Gui Barreto às 20:19:00 4 comentários:\nAs comédias, geralmente ignoradas pela Academia, ganharam uma injeção de ânimo quando, em 1978, Woody Allen mostrou que o gênero tinha capacidade de ser valorizado com a produção Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, vencedor do prêmio de Melhor Filme no Oscar daquele ano. O renomado diretor, que continua na ativa até os dias atuais (e inclusive está lançando seu mais recente trabalho: Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos), estava no início da carreira, mas já imprimia em suas obras a verve intelectualmente bem humorada, autobiográfica, psicanalítica-comportamental, dialógica e extremamente verborrágica.\nAlém de todas essas características quase que incompreensíveis diante do desconhecimento de sua obra, Allen alia o preciosismo fílmico com a qualidade técnica, lançando mão de inúmeros recursos que inovam o cinema americano e permitem ao espectador novas visões sobre uma receita já desgastada pelo classicismo da maioria dos cineastas até então. A utilização da inserção do personagem na dimensão do receptor (o protagonista fala por vários momentos dirigindo seu olhar para a câmera, como se conversasse com o espectador) é um artifício assumidamente Alleniano, funcionando como uma espécie de auter-ego do próprio diretor, uma vez que ele quase sempre é roteirista de seus filmes, o que faz com que suas aspirações pessoais transcendam o papel (ainda mais nesse caso, em que Woody é também o ator principal da história).\nOutros recursos técnicos inovadores no filme são: o uso da técnica de split-screen (a tela é dividida no meio e duas cenas, em tempos dramáticos distintos, ocorrem simultaneamente e “dialogam” entre si, diálogo este baseado em alguma referência de comparação); a utilização de efeitos especiais para caricaturizar os próprios personagens, numa tentativa de explicar melhor certo comportamento; flash-backs em que há a presença dos protagonistas na forma de lembrança onisciente (ou onipresente); e diversas interrupções de sequências lógicas (diálogos, geralmente), a fim de aumentar no espectador a sensação de fragmentação pela qual o relacionamento dos protagonistas passa.\nPor falar neles, Alvy Singer (Woody Allen) é um comediante fracassado e pessimista com a vida que encontra em Annie Hall (Diane Keaton, Melhor Atriz – Oscar 1978) um motivo para se inspirar. A obssessão, no entanto, vai gradativamente tornando difícil a convivência entre os dois. Mais do que apenas pretexto para a risada, Noivo Neurótico, Noiva Nervosa é uma profunda e complexa análise do comportamento de um casal, servindo de referência, inclusive, para projetarmos para nossos conflitos os problemas e soluções encontrados por Alvin e Annie durante o processo de separação e volta dos dois.\nComeçando pelo início, o filme já é inovador na introdução e continua sendo até o momento dos créditos finais. Praticamente não há trilha sonora, uma vez que o longa se atém ao diálogo, num ritmo vigoroso, constante e interminável, assim como são as discussões de casais, que quase sempre terminam em pizza (ainda mais com o humor auto-depreciativo do casal de protagonistas, no qual tanto Annie quanto Alvy duelam o título de pessoa mais estranha). É a partir de Noivo Neurótico, Noiva Nervosa que Allen emplaca no mundo cinematográfico seu portfólio pessoal: intelectual acído, inseguro e hipocondríaco que ama Nova Iorque, mulheres e Jazz.\nEm 1978, ainda concorreram ao prêmio de Melhor Filme no Oscar as seguintes produções: Star Wars IV – Uma Nova Esperança (Star Wars Episode IV - A New Hop, primeira parte da saga milionária de George Lucas), A Garota do Adeus (The Goodbye Girls), Momento de Decisão (The Turning Point) e Júlia. Lembrando que ainda neste ano concorria em outras categorias (não entrou como candidato a Melhor Filme) um dos grandes sucessos de Steven Spielberg: Contatos Imediatos do Terceiro Grau (Close Encounters of the Third Kind).\nMarcadores: cinema, Comédia, críticas, Drama, TOP 1/3\nApós o fim de mais uma sessão caseira, meu desgosto foi tamanho que tive de ler algumas críticas para me embasar antes de começar a escrever qualquer baboseira sobre Rocky, Um Lutador, vencedor do Oscar de Melhor Filme na premiação de 1977. Minha surpresa, no entanto, se deu quando percebi que não era só eu que achava injusto filmes tão bons quanto os candidatos daquele ano perderem para o mero sucesso mercadológico que foi Rocky (que inclusive ganhou mais 5 seqüências posteriores). Os injustiçados de 1977 são: Todos os Homens do Presidente (All the President's Men), Rede de Intrigas (Network), Esta Terra é Minha Terra (Bound for Glory) e o clássico scorsesiano Táxi Driver.\nO longa é uma espécie de auto-cinebiografia travestida de pura ficção. Foi o próprio Stallone quem escreveu o roteiro (paupérrimo nos diálogos) e interpretou Rocky Balboa, o protagonista (numa atuação sofrível e medíocre). Só faltou mesmo dirigir o filme (ainda bem que não o fez, senão tudo estaria perdido de vez). Foi o incrível trabalho do diretor John G. Avildsen que amenizou as precariedades de uma produção que nasceu fadada a ser mediana em todos os aspectos, mas que atendeu as necessidades do mercado, através do qual se tornou o estrondoso sucesso de bilheteria e a alavanca para que Sylvester entrasse de vez para o estrelato (ele era desconhecido do grande público até então).\nA direção foi genial ao retratar com a maior veracidade possível as cenas de luta, ao ir repassando para o público a gradativa tensão de Rocky diante dos treinamentos pesados para enfrentar o adversário no campeonato mundial, ao aproveitar a fotografia de locações sujas e feias como o subúrbio da Filadélfia para ambientar a beleza do resultado final, entre outras sacadas. A trilha sonora é outro ponto a ser destacado, uma vez que foi capaz de imortalizar a canção principal, que passou a ser usada em todas as lutas de boxe a partir de então.\nPara quem não conhece a história, ela trata da fracassada vida de Rocky Balboa (Sylvester Stallone), um medíocre boxeador amador que luta dia-a-dia para sair da pobreza e sonha com uma carreira de sucesso nos ringues. Após conhecer Adrian (Talia Shire), o truculento e chucro lutador passa a ver a vida de outra maneira, deixando que alguma sensibilidade passe a fazer parte de seu comportamento. Sua sorte tem a chance de virar quando Apollo Creed (Carl Weathers), atual campeão mundial dos pesos pesados, o convida para lutar na final do campeonato mundial (apenas como uma estratégia de marketing para vender seu status de invicto). É a chance de Rocky de dar uma guinada na carreira e conquistar a notoriedade que tanto desejou. Como não tem dinheiro para bancar um tratamento digno, são as ruas da periferia que servem de pista de corrida e as peças de carne crua do frigorífico do bairro que funcionam como saco de pancadas (trecho mais tosco e improvável do filme).\nO ponto positivo da produção é que ela não se restringe a apenas um filme de boxe, mas sim uma análise psicológica sobre o fracasso humano e a determinação, que funciona como uma espécie de mérito para o sucesso conseqüente. O problema é que tudo é muito raso, superficial, fraco desde o roteiro até a interpretação. Mesmo que o momento que os Estados Unidos passavam (Pós-guerra do Vietnã e pós-Caso Warergate) era delicado e precisava de histórias de motivação e superação para dar ânimo a população descrente, Rocky está longe de ser um símbolo do orgulho americano e muito menos exemplo de exportação do “American Way of Life”.\nPostado por Gui Barreto às 12:14:00 6 comentários:\nEm todas as áreas do conhecimento há pessoas brilhantes, gênios, prodígios, que conseguem com seus resultados aquilo que todos querem, a maioria inveja e a menor parte chega perto. É o caso de David Fincher no cinema. Depois de dirigir clássicos como Alien 3, Seven, Clube da Luta, O Quarto do Pânico, Zodíaco e O Curioso Caso de Benjamin Button, chega às telonas seu mais recente trabalho, A Rede Social, que conta a trajetória de sucesso de Mark Zuckerberg, o mais jovem bilionário do mundo após criar a rede social Facebook.\nFalando em gênios, Zuckerberg, interpretado pelo jovem ator Jesse Eisenberg, pode ser considerado um prodígio em sua área, o que o levou, no entanto, a cultivar diversos inimigos e a plantar a solidão, conseqüências da fragilidade das relações virtuais. O longa é uma provável aposta para o Oscar 2011, tendo sido contemplado pelos críticos americanos com o posto de melhor do ano até agora. Vou correndo pro cinema!\nMais 5 produções entram no circuito nacional hoje. São elas:\nMEGAMENTE (Megamind) EUA, 2010. Direção: Tom McGrat. Gênero: Animação/ Comédia. Elenco: Tina Fey (Roxanne Ritchi - voz), Jonah Hill (Titan - voz), David Cross (Minion - voz), Ben Stiller (Bernard - voz), Brad Pitt (Metro Man - voz), Will Ferrell (Megamind - voz), J.K. Simmons (Warden - voz), Justin Theroux (Pai do Megamente - voz).\nSKYLINE – A INVASÃO (Skyline) EUA, 2010. Direção: Colin Strause e Greg Strause. Gênero: Ficção Científica. Elenco: Eric Balfour, Donald Faison, Scottie Thompson.\nO GAROTO DE LIVERPOOL (Nowhere Boy) Reino Unido, 2009. Direção: Sam Taylor Wood. Gênero: Drama/ Biografia. Elenco: Aaron Johnson, Anne-Marie Duff, Kristin Scott Thomas, Thomas Sangster, David Threlfall, Josh Bolt, Sam Bell.\nFILM SOCIALISME. França, 2010. Direção: Jean-Luc Godard. Gênero: Drama. Elenco: Patti Smith, Alain Badiou, Catherine Tanvier, Nadege Beausson-Diagne.\nABUTRES (Carancho) Argentina, 2010. Direção: Pablo Trapero. Gênero: Drama/ Policial. Elenco: Ricardo Darin, Martina Gusman, Carlos Weber, José Luis Arias, Loren Acuña, Gabriel Almirón, José Manuel Espeche.\nPostado por Gui Barreto às 09:36:00 5 comentários:\nMarcadores: 1/3 ESTREIA, Biografia, cinema, Drama\nImagine um grupo de pacientes de um hospital psiquiátrico sendo constantemente instigado a descumprir as ordens da equipe médica e a buscar sua liberdade por meio das idéias libertárias de um presidiário federal aparentemente saudável, que se aproveita displicentemente da loucura mentirosa para se livrar do trabalho na cadeia. Essa é a premissa de Um Estranho no Ninho, segundo filme da história do Oscar a levar para casa as cinco principais estatuetas da Academia (Filme, Direção, Ator, Atriz e Roteiro), em 1976 (o primeiro foi o Capriano Aconteceu Naquela Noite, no Oscar de 1935).\nA peça principal para o sucesso da trama é o personagem trapaceiro Randle Patrick McMurphy, encarnado brilhantemente por Jack Nicholson (depois de ser recusado por Marlon Brando e Gene Hackman). O ator em início de carreira na época fez com que um simples mentiroso se tornasse um dos personagens mais complexos e cativantes da história do cinema mundial. A compreensão do roteiro se dá através da leitura das entrelinhas das cenas, uma vez que a história não é simplesmente o que se mostra na tela, mas cheia de símbolos metafóricos e alusões subjetivas, o que não faz, no entanto, que Um Estranho no Ninho se torne “cabeça” demais ou distante da empatia popular (graças a soberba direção do tcheco Milos Forman, que mais tarde viria a dirigir o musical Hair e o vencedor do Oscar Amadeus).\nTodas as cenas se passam no interior do manicômio, acompanhando a rotina dos internos, as sessões de terapia, as tentativas de Mac (McMurphy) de tornar mais prazerosa a estadia dos colegas (e consequentemente a dele) e a repressão da enfermeira-chefe Mildred Ratched (Louise Fletcher, ganhadora do prêmio de Melhor Atriz naquele ano), que a todo custo impedia qualquer atitude que contradissesse as normas do local. Fletcher conferiu a personagem uma maldade travestida de doçura, mudando gradualmente seu humor ao longo da produção. Bárbara!\nSem que percebam, os internados vão sendo influenciados pela conduta de Mac e passam a querer imitá-lo, serem iguais a ele, o que desagrada mais ainda os profissionais da instituição, que ao mesmo tempo em que não agüentam mais as confusões geradas pelo novo paciente, não têm certeza de sua saúde mental, sendo obrigados a mantê-lo sob custódia até que tudo seja esclarecido. Nesse ínterim, um novo mundo de liberdade está sendo apresentado aos pacientes, fazendo com que os métodos de tratamento do hospício sejam repensados.\nEste clássico do cinema que não pode deixar de ser visto por quem se considera um cinéfilo de verdade traz ainda as presenças de alguns nomes que futuramente seriam conhecidos no mundo todo por papéis memoráveis, como Danny DeVito (que interpreta o louco Martini) e Christopher Lloyd (Taber). Além deles, Will Sampson se destaca no papel do índio surdo-mudo Chefe Brondem, pupilo de Mac, que finalmente encontra uma motivação para fugir daquela prisão após conhecer o amigo rebelde.\nPor meio da contradição entre liberdade (mundo) e prisão (hospital), Um Estranho no Ninho tece importantes discussões (implícitas no roteiro) acerca da natureza humana e os limites de nossas loucuras. É essencial não apenas para os apreciadores da sétima arte, mas para todos que buscam se achar em meio a confusão que é nossa sociedade. Mais três filmes concorreram ao posto de Best Picture em 1976. São eles: Um Dia de Cão (Dog Day Afternoon, que traz Al Pacino após o sucesso em O Poderoso Chefão I e II), Nashville, segundo longa de Robert Altman, Barry Lyndon, de Stanley Kubrick, e o badalado Tubarão (Jaws), de Steven Spielberg.\nUM ESTRANHO NO NINHO (ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST)\nPostado por Gui Barreto às 10:29:00 Um comentário:\nRaramente uma seqüência cinematográfica consegue ser tão boa ou melhor que a primeira parte da história. Estamos cansados de nos iludir com filmes que acreditávamos manter a qualidade do antecessor, mas que não passavam de meros produtos mercadológicos, oriundos da necessidade de continuar lucrando com uma receita que fez sucesso um dia. Exceção à regra, O Poderoso Chefão: Parte II levou 6 estatuetas na premiação do Oscar em 1975, imortalizando-se como a primeira seqüência a levar o prêmio de Melhor Filme para casa.\nJustamente premiado, o longa é impecavelmente bem feito, uma vez que mantém o ar sombrio e pessimista do primeiro e ainda presenteia os espectadores com duas histórias ao invés de uma: por meio de duas narrativas paralelas, Francis Ford Coppola (o diretor) mostra o nascimento da verve trapaceira que impulsionou Vito Corleone (desta vez interpretado por Robert De Niro) a construir o império de poder “alternativo” que dominou grande parte dos Estados Unidos e o início da decadência de Michael Corleone (o novo Dom) após resolver eliminar todo e qualquer inimigo que se opusesse a seus planos.\nA esquematização dramática do roteiro é praticamente semelhante a da primeira parte da trilogia: a produção começa com uma festa familiar, na qual a confraternização entre os parentes divide o espaço com as negociações obscuras entre o Dom Corleone e seus comparsas e/ou apadrinhados. Após um ataque inesperado à família (no segundo filme Michael e sua esposa Kay (Diane Keaton) são surpreendidos por um tiroteio em seu quarto) várias camadas de interesse mafioso aparecem, fazendo com que conflitos entre as famílias e, no caso do filme analisado, também o governo, sejam deflagrados. A partir daí, os Corleone se juntam para manterem a posição de destaque que Vito construiu ao longo das décadas.\nA principal diferença do primeiro é que agora a família já está desestruturada, alguns não concordam com a nomeação de Michael como o sucessor de Vito e conflitos internos começam a interferir no futuro dos Corleone. Al Pacino consegue brilhantemente exprimir por meio de sua interpretação a angústia vivida por Michael ao perceber que está sendo um fracasso em relação ao trabalho do pai. A saída para resolver a questão é ser mais enérgico, mais rígido com seus inimigos, com aqueles que querem o ver morto, mas essa atitude pode trazer conseqüências mais sérias, umas vez que terá de enfrentar traições dos próprios membros da família. Ele terá de lutar contra dois tipos de inimigos: os poderosos que querem ver o império dos Corleone destruído e sua própria solidão, gerada pela apatia que provoca em seus convíveres.\nPara reforçar a decadência pessoal de Michael, a história de sucesso de Vito (desde a morte de toda a sua família na Sicília até o nascimento de Michael e sua ascensão na máfia novaiorquina) é intercalada com as cenas em que Michael perde forças e se torna cada vez menos influente. A direção é genial na montagem dessas seqüências, equilibrando de maneira adequada os dois momentos históricos. Por falar em história, são incluídas na produção seqüências de eventos reais, como a chegada dos imigrantes italianos nos Estados Unidos no início do século XX e a Revolução Cubana.\nMas antes de comemorar a vitória, O Poderoso Chefão: Parte II teve que travar uma disputa ferrenha com o brilhante Chinatown, de Roman Polanski, que também obteve 10 indicações no Oscar (mas levou apenas o Roteiro Original). Além dos dois, ainda concorreram Inferno na Torre (The Towering Inferno), Lenny e A Conversação (The Conversation), outra produção de Coppola naquele mesmo ano.\nO PODEROSO CHEFÃO: PARTE II (THE GODFATHER: PART II)\nLANÇAMENTO: 1974 (EUA)\nPostado por Gui Barreto às 11:03:00 2 comentários:\nParece que o modelo instituído pelo cinema moderno veio pra ficar nas produções americanas a partir do final da década de sessenta. No filme vencedor do Oscar de 1974, Golpe de Mestre, mais uma vez somos apresentados a protagonistas nada corretos (moralmente falando) e que, se postos a prova, provavelmente não seriam exemplos de conduta a ninguém. Eles são Johnny Hooker (Robert Redford) e Henry Gondorff (Paul Newman), dois trapaceiros que se juntam para se vingarem do criminoso Doyle Lonnegan (Robert Shaw), assassino de um antigo colega de Hooker, que o ajudou a roubar uma grande quantia em dinheiro de um dos capangas de Lonnegan.\nApós a morte do amigo, Hooker vai atrás de Gondorff (por conhecer suas exímias habilidades como trapaceiro) para lhe pedir que o ajude a elaborar um plano para se vingar de Lonnegan. Depois de conseguirem certo êxito em pequenos golpes contra o bandido no Pôcker, é a vez da corrida de cavalos ser o mote para o plano que arquitetam. Será a maior e única chance dos dois conseguirem aplicar a tão sonhada vingança.\nRedford e Newman estão espetaculares em seus papéis. Já acostumados a trabalharem juntos (dividiram o protagonismo do sucesso Butch Cassidy, em 1969), têm uma ótima sintonia, perceptível aos olhos dos espectadores. Os dois encarnam típicos pilantras, com o ar misterioso, o sarcasmo e a ironia suficientes para encantar todos que assistem essa obra-prima do cinema. A relação que os personagens traçam entre seus atos ilícitos e o carisma que possuem é algo misteriosamente magnífico.\nA edição do longa é outro ponto a ser destacado: a montagem é toda feita em forma de paginação (capítulos contam a história. Cada capítulo contém uma página de título que aparece - acompanhada de um desenho - e desaparece por meio do efeito de página). Além disso, a transição entre cenas é feita das mais variadas maneiras, desde um simples fade-out até um afunilamento que destaca determinado objeto ou uma inversão de eixo, uma linha que corta toda a tela e se estende seqüencialmente para a esquerda ou direita etc. São muitos efeitos que, juntos, conferem um universo de fábula para a produção, tornando-a mais leve e gostosa de ser vista.\nA trilha sonora é deslumbrante. Por meio de solos de piano, a história é contada sem que haja tensão, mesmo nos momentos mais sérios da trama. A intenção do diretor George Roy Hill, segundo a própria divulgação do filme, era produzir uma comédia, o que foi brilhantemente conseguido, graças a maestria da equipe de pré e pós produção, que fez com que nós, meros receptores do produto final, fiquemos abismados com o resultado conseguido mais de 40 anos depois.\nPara finalizar, não poderia deixar de mencionar o final surpresa que O Golpe de Mestre reserva. Para quem ainda não assistiu o filme, o choque causado por um acontecimento inesperado parece destruir todos os planos enveredados até então, o que deixa personagens e espectadores totalmente confusos. Um dos finais mais bem elaborados que eu já vi. Adorei!\nNaquele ano ainda concorreram a Melhor Filme: Gritos e Sussurros (Viskningar och rop - Ingmar Bergman), Um Toque de Classe (A Touch of Class), Loucuras de Verão (American Graffiti - George Lucas, antes de começar a produzir Star Wars) e O Exorcista (The Exorcist, único terror a concorrer ao prêmio-mor do Oscar até hoje).\nGOLPE DE MESTRE (THE STING)\nPostado por Gui Barreto às 09:15:00 Nenhum comentário:\nMarcadores: cinema, críticas, TOP 1/3\nHoje estreia a mais nova produção com o dedo do incompreensível M. Night Shyamalan, Demônio. Minha falta de admiração por ele (assim como a de todos os seus fãs espalhados pelo mundo) começou quando a qualidade de seus filmes passou a diminuir um pouco, até chegar ao cúmulo da mediocridade em O Fim dos Tempos (2008). Desde O Sexto Sentido (1999), primeiro longa do diretor, sua capacidade de contar histórias de suspense e terror por meio de roteiros aparentemente simples foi atestada e corroborada pelas produções seguintes (Corpo Fechado , Sinais , A Vila ). Acontece que em 2006 chegou ao circuito comercial um tal de A Dama da Água, fracasso total de público e crítica, seguido pelo péssimo O Fim dos Tempos, em 2008, e pelo chatíssimo O Último Mestre do Ar, em 2010.\nMesmo estando com medo do que me espera na sessão de Demônio, ainda me resta uma ponta de esperança que me faz acreditar que talvez o talento de Shyamalan estivesse adormecido durante alguns anos e agora volte de vez. A história do filme? Cinco pessoas desconhecidas entre si ficam presas em um elevador num prédio comercial e passam a morrer misteriosamente. O motivo? Uma delas é o demônio em pessoa. Esta é a primeira parte da trilogia Night Chronicles, que já tem como projeto a segunda parte “Reincarnate”, longa que conta a história de um júri popular assombrado pelo fantasma da vítima do assassinato que julgam. Os roteiros, simplórios em sua origem, podem se salvar diante de uma direção firme e talentosa, como aquela mostrada no início da carreira de Shy. Vamos torcer...e ir correndo para o cinema!\nOutras quatro produções são lançadas hoje no circuito cinematográfico nacional. São elas:\nVOCÊ VAI CONHECER O HOMEM DOS SEUS SONHOS (You Will Meet a Tall Dark Stranger) EUA, 2010. Direção: Woody Allen. Gênero: Comédia/ Romance. Elenco: Gemma Jones, Naomi Watts, Josh Brolin, Anthony Hopkins, Antonio Banderas, Lucy Punch, Freida Pinto, Pauline Collins, Anna Friel, Roger Ashton-Griffiths.\nCENTURIÃO (Centurion) Reino Unido, 2010. Direção: Neil Marshall. Gênero: Épico. Elenco: Michael Fassbender, Dominic West, Olga Kurylenko.\nOS OUTROS CARAS (The Other Guys) EUA, 2010. Direção: Adam McKay. Gênero: Comédia/ Ação. Elenco: Mark Wahlberg, Will Ferrell, Eva Mendes, Samuel L. Jackson, The Rock.\nSexta-feira que vem o 1/3 ESTREIA está de volta. Enquanto isso, continuem acompanhando o TOP 1/3 (que está a todo vapor) e não percam o novo RANKING que será publicado na semana que vem. Bom final de semana a todos.\nPostado por Gui Barreto às 12:02:00 Um comentário:\nDo início ao fim, O Poderoso Chefão surpreende pela capacidade de prender o espectador num assunto que, aparentemente, não diz respeito a nossa realidade brasileira: a máfia italiana. Mesmo tendo um grande contingente de descendentes do país da bota, o máximo que nos aproximamos desta realidade é por meio da violência urbana que assola nossas metrópoles mobilizando articulados grupos fortemente armados. Quando terminei de assistir o filme (anteontem à noite) já me veio à cabeça a série de ataques de traficantes a carros e ônibus que ocorre no Rio de Janeiro desde o último domingo. O longa mostra a série de percalços enfrentados pela família Corleone após a recusa em entrar para o mercado de tráfico de drogas em Nova Iorque. Nossa violência atual seria, portanto, uma evolução da mostrada no filme?\nSem ser simplista na afirmação, acredito que a diferença está no fato da sutileza com a qual as famílias influentes nos assuntos ilícitos atuavam, mantendo a hegemonia inclusive sobre o poder público (polícia, vereadores, juristas) e o apelo bélico que os bandidos atuais têm de recorrer para manter um status de poder na sociedade. Além disso, a quantia de dinheiro envolvido é bem maior quando se estabelece outras fontes de renda que não somente o mercado do tráfico. A máfia siciliana em Nova Iorque na década de 40 controlava, através do poder de cinco grupos familiares, vários tipos de assuntos ilícitos, lucrando por meio de trocas de favores. A família mais poderosa, no que diz respeito ao raio de influência, era a Corleone, comandada pelo patriarca Vito Corleone (Marlon Brando), chamado por muitos de padrinho, pela disposição em ajudar qualquer um que quisesse ser seu amigo (por outro lado, cobrava favores em troca, além de ser totalmente insensível com aqueles que não quisessem ajudá-lo a manter seu poder).\nApós a decisão das demais famílias de entrar para o mercado do tráfico de drogas, acreditando ser uma fonte de lucro bem mais rentável do que as outras, e a recusa de Vito, alegando ser um caminho perigoso, inclusive para a manutenção do apoio da polícia e de alguns políticos, os Corleone passam a ser perseguidos (principalmente pelos Tattaglia e os Barzini) e Dom Vito é baleado numa armadilha. Com o pai hospitalizado, os filhos da família (Santino “Sonny” Corleone [James Caan], Frederico “Fredo” Corleone [John Cazale], Constanzia “Connie” Corleone [Tália Shire], Tom Hagen [Robert Duvall] e Michael Corleone [Al Pacino]) têm de prosseguir com os negócios, além de quererem se vingar da violência contra o pai.\nSem me estender muito, já que se não me policiasse ficaria elogiando a produção durante horas, finalizo com uma curiosidade: O Poderoso Chefão foi o único vencedor do prêmio de Melhor Filme, na história do Oscar, que obteve menos estatuetas que qualquer outro candidato ao mesmo posto. Em 1973, Cabaret conquistou 8 estatuetas, enquanto que o Poderoso Chefão conseguiu apenas 3. Além dele e de Cabaret, concorreram a Best Picture os longas Lágrimas de Esperança (Sounder), Os Emigrantes (Utvandrarna) e Amargo Pesadelo (Deliverance).\nÉ Hexa que fala? #worldcup #brazil #fifa #verdeeamarelo #soccer...


9 top coisas que absolutamente TODO MUNDO ODEIA\nPOR Mateus Graff EM Entretenimento 23/06/17 às 18h09\nBom, é claro que cada um tem o seu gosto, mesmo alguns sendo um tanto peculiares, certo? O paladar, por exemplo, é algo que não se discuti, porém, existem algumas coisas que definitivamente todo mundo odeia e que de maneira alguma podemos discutir isso. Vocês gostam, por exemplo, de sair da cama de manhã com aquele frio maravilhoso?\nEstamos falando de coisas assim, de coisas que universalmente todo mundo odeia e que realmente não dá para se discutir. Tendo isso em mente, nós resolvemos criar essa matéria com coisas que são odiadas por todo mundo, e não estamos falando do Chris. Então, confiram agora a nossa matéria com as 9 top coisas que absolutamente TODO MUNDO ODEIA:\nPor que diabos as pessoas colocam aquelas músicas que você nunca consegue achar o pause? Do nada você abre uma página e começa a tocar aquele funk pesadão e consequentemente as pessoas olham para você com uma cara estranha. Maldição!\n2 - Sentar na cadeira quente de outra pessoa\nVocê também tem essa maldita sensação de "mal estar" ao sentar na cadeira quente de outra pessoa? Bom, pode parecer besteira para algumas pessoas, mas a maioria não suporta sentar e sentir o quentinho da bunda de outro indivíduo.\n3 - Hashtag em tudo\nUma hashtag ou outra tudo bem, agora será que é necessário a pessoa "#conversar #apenas #por #hashtag #e #dificultar #a #nossa #leitura?"\n4 - Lava louça no frio\nA gente é obrigado a sair da cama e do banho no frio por não temos outra escolha, agora ser obrigado a lavar louça em um dia frio é algo que com certeza você não deseja nem para o seu pior inimigo.\n5 - Defecar fora de casa\nAí você tá naquela situação deprimente, onde ou você faz na calça ou faz fora de casa. Porém, a poltrona não tem o formato da sua bunda, você não está sentado no seu trono e por isso você não se sente a vontade.\n6 - Sair da cama no frio\n7 - Anúncio do Youtube\nExiste coisa mais chata do que aquele maldito anúncio do Youtube que passa em todos os vídeos que você vai ver? Ainda mais quando é aquele anúncio irritante que fica no mínimo uns três meses na sua cabeça.\n8 - Anúncios que abrem milhares de outras páginas\nVocê só quer assistir um filme, ver aquele joguinho online grátis ou simplesmente assistir um vídeo, só que aqueles malditos anúncios com um pequeno "X" te faz clicar e abrir mais um milhão de páginas indesejáveis.\n9 - O Chris\nBom, e é claro que não poderíamos deixar de citar o Chris!\nE aí, faltou algo que definitivamente todo mundo odeia? Comentem!\nImagens Jair Kobe Audiência TV Mix Digai Agência Lookn Feel Crack com Lasanha Tenor