EL CINÉFILO: Cine Europeo\nMostrando entradas con la etiqueta Cine Europeo. Mostrar todas las entradas\n«Al inicio de La Strada había sólo un sentimiento confuso de la película, una nota suspendida que proporcionaba tan sólo una melancolía indefinida, un sentido de culpa difuso como una sombra; vago y doloroso, compuesto de recuerdos y de presagios. Este sentimiento sugería con insistencia el viaje de dos criaturas que están fatalmente juntas, sin saber por qué. (...) Hacía mucho que quería hacer una película para Giulietta: me parece una actriz singularmente dotada para expresar con inmediatez los estupores, los sustos, los frenéticos regocijos y los cómicos oscurecimientos de un payaso.» - Federico Fellini\nComencemos con la dulce y triste Gelsomina, definida por Fellini pero interpretada como si de un clown se tratara por Giuletta Masina, cuyo infortunio recorre cada uno de los fotogramas de La Strada. La misma, por cierto, que se podría encontrar, aunque en un contexto mucho más extremo, en las protagonistas de los films de Lars Von Trier Rompiendo las olas (Breaking the Waves, 1995) y Bailar en la oscuridad (Dancer in the Dark, 2000).\nEs por esto, que Fellini, además de ser reconocido como uno de los pilares del modernismo cinematográfico, en lo que a estética del caos se refiere en la segunda mitad de su filmografía (como Dalí en la pintura o Joyce en la literatura) y de uno de los principales realizadores que abrieron las puertas a vías de escape provenientes del neorrealismo italiano, en pleno auge cuando Fellini debutó en la dirección con Luci del varietà (Ídem, 1950), también debería ser recordado como un excelente creador de personajes e historias, al menos, hasta que el mundo del cine cambiara a raíz de La dolce vita (Ídem, 1960), y el cine de Fellini tendiera a una búsqueda de nuevas formas de expresión, que lo acabaron por cimentar como uno de los grandes autores cinematográficos del siglo XX, curiosamente –pues es algo prácticamente insólito–, disfrutando plenamente del favor del público, incluso en films tan extrañamente complejos y despellejados por la crítica como Satiricón (Fellini-Satyricón, 1969), y con una distribución comercial equivalente a cualquier film norteamericano de la época.\nEs por ello que incluso en la etapa más cercana al neorrealismo de Federico Fellini, la que iría desde Luci dil varietà a La dolce vita, para muchos la mejor del realizador, tienda a distanciarse siempre de las enseñanzas de Rossellini, con quien Fellini había colaborado en obras tan importantes para la historia del cine como Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta, 1945) o Paisà (Ídem, 1946), y allí donde Rossellini ejemplificaba la tragedia, como en la abrumadora Alemania, año cero (Germania, anno zero, 1947), Fellini se dejaba llevar por una melancolía de carácter optimista, incluso en fábulas dramáticas como La Strada. Por que Fellini, pese a centrar la temática en esta primera parte de su filmografía en un retrato de pequeños grupos de personajes marginales de la sociedad, lo que conseguía era un retrato global de toda Italia, del mismo modo que cuando hablaba de Rímini, estaba hablando prácticamente de todos los pueblos pequeños de mentalidad mediterránea.\nPor ello es curioso que en estos primeros retratos trágicos de personajes como La Strada existe más optimismo que en las sátiras provenientes de obras como El Casanova de Fellini (Il Casanova di Federico Fellini, 1976) o Ginger y Fred (Ginger e Fred, 1985), donde la fatalidad y la tristeza impregnan la atmósfera de la cinta convirtiéndola en una plato de difícil degustación, pese a lo cómico-patético y dinámico de la narración. Vamos a tomar un comentario de Carlos García Brusco: «Fellini, por el contrario, puso en escena una obra en que la moral -que para los neorrealistas era abstracta, universal y generalizadora- venía definida por relación a su contexto social». Queda claro que Fellini, una vez su periodo de aprendizaje había finalizado, jugó con el neorrealismo como si de una herramienta cinematográfica más se tratara , no hay nunca en Fellini un cuestionamiento intelectual ni unas apetencias literarias marcadas (ni Satiricón ni El Casanova de Fellini deben mucho a su obra escrita)– lo fue abandonando hasta, lo que unos entienden como negación de su cine, otros como simple traición a la corriente cinematográfica por antonomasia del cine italiano.\nHay un pasaje en las memorias fellinianas, tan inventadas como su propio cine, en la que define La Strada como «una nota suspendida que proporciona tan sólo una melancolía indefinida...», palabras que el crítico Quim Casas redefiniría como "La Strada como tantas obras fellinianas, nace de una imagen, un color, una melodía, y crece poco a poco hasta llegar a la embriaguez de orden estético y narrativo, en este caso más cotidiano que fantasioso»\nLa Strada no es más que la consecuente puesta en escena de la melodía que Nino Rota compuso para el film, si esto pudiera darse en la realidad, claro, lo que es bastante improbable, por más que Fellini en ocasiones, haya sido tan buen funambulista como director de orquesta, y que exista la teoría de que sus películas, eran en verdad, obras de ciencia-ficción. En todo caso, dicho comentario debería servir para remarcar la importancia de la partitura de Rota, tan habitual de Fellini como sus guionistas Tullio Pinelli (primero) y Bernardino Zapponi (segundo) o el magnífico director de fotografía Giuseppe Rotunno, cuya melodía principal, aquella que Gelsomina tararea y toca con la trompeta repetidamente, ejerce de leit-motiv de una cinta cuya melancolía permanece intacta, pese a que hace ya casi cincuenta años de su realización y todos sus artífices han muerto ya.\nLa historia de amor y odio entre la mermada Gelsomina (la bella), todo un derroche de expresividad mímica por parte de la maravillosa Giulietta Masina, y el forzudo y patético Zampanó (la bestia), en la que es, seguramente, la mejor interpretación de Anthony Quinn, es tan sencilla, que hasta fue duramente atacada por un sector de la crítica tildándola de melodramática y folletinesca, todo un ejemplo de ceguera a la que por desgracia, en ocasiones todos los que trabajamos en ello caemos alguna vez. Evidentemente, han pasado ya muchos años desde La Strada y ahora más que una historia sencilla, la obra despierta como un prodigio de sensibilidad con un máximo de economía narrativa.\nUna clase magistral sobre la incomunicación, la perversión, el egoísmo, el desamparo... y la bondad, la inocencia y el inabarcable corazón que posee Gelsomina , en la que el autor de Los inútiles demuestra que para hacer buen cine sólo hace falta talento, lo demás, es casi prescindible. El cine de Fellini ha dejado incontables imágenes para el recuerdo, muchas además, con el mar de fondo escrutando a los personajes, enfrentándolos con ellos mismos, la imagen de Zampanó, roto anímicamente, arrasado por la conciencia que ha tomado de sí mismo.\nSin olvidar que La Strada es una road-movie en toda regla desde el mismo título: -La carretera–, Zampanó desolado en su dolor y su amargura, rompe a gritar y a llorar frente a un mar que le mira, y que no dice nada más que viento, ese sonido que tanto le gustaba a Federico.\nClip - Soundtrack de Nino Rota:\nPublicadas por Canal Siete Artes a la/s 3:54:00\nCINE EUROPEO - MACBETH (ídem, 1971) de Roman Polanski\nEn la obra se emplea una concepción del bien y el mal, propio de la condición humana; donde se sacan a relucir las más perversas y mezquinas acciones, pensamientos que al final a Macbeth se lo terminan devorando, cayendo así en el fracaso total. Entre algunas características, podemos rescatar que sobresale la cizaña de lady Macbeth, la ambición de ambos personajes, el deseo de poder, la maldad y la codicia. Otro detalle, Macbeth de Roman Polanski, al igual que en el libro los diálogos empleados en el transcurso de la historia son en verso, solo en unas pocas ocasiones se maneja en prosa.\nLady Macbeth ejerce voluntad sobre su esposo para que actúe según su conveniencia, en muchas ocasiones se hace presencia de soliloquios en voz en off, donde los personajes principales se encuentran consigo mismos en sus pensamientos y confusiones. Es de gran importancia resaltar la escena al principio de la película donde hacen aparición las 3 brujas, en cuanto a la planificación visual e importancia que tienen estos personajes quienes proporcionan la información que ara que Macbeth se hunda en sus propias acciones; se hace una relación entre lo hermoso y lo feo (paradoja) que yo interpreto como el bien y el mal, donde es hermoso la valentía de Macbeth y es feo su ambición por el trono.\nShakespeare suele hacer una integración entre lo humano y lo sobrenatural que le proporciona a la tragedia el tono sombrío que se desea transmitir a parte en aquella época era común creer en espectros y brujas, de igual manera cumplen una función en el efecto trágico y ayudan a reflejar los temores de Macbeth enfrentándolo a su propia ambición, como recurso dramático permiten captar la atención del espectador; en el film se enfatizan las noches, los sonidos misteriosos, la sangre, y la oscuridad.\nPara comentar en orden la cinta, se comenzará diciendo que se respeta en buena parte la primigenia obra de Shakespeare, lo cual le confiere al filme un aire de literalidad que la acerca al solemne mundo shakesperiano, esta solemnidad es mantenida gracias a los profundos diálogos y parlamentos que se respetan, y de todas las metáforas y bellas alegorías propias del inmortal dramaturgo inglés, además de contener la cinta una consiguiente teatralidad, positiva para la misma. Destacan los monólogos en off, similar recurso al que usara Lawrence Olivier en Hamlet (1948), y con el que los personajes “hablan” estando en silencio, expresando su más profundo pesar y tormentos. Es así que vemos al guerrero Macbeth, que goza del agrado y estima de su rey, pero que, ante el vaticinio de una brujas, de pronto se ve invadido de ambición, una ambición que primero lo sumerge en indecisión, pero que termina llevándolo al asesinato, y a un posterior y constante incertidumbre, un perenne debate interno, debate por cometer o no el homicidio, y de si éste constituiría a su vez tanto el medio como la solución de su encrucijada; se debate por su futuro, repleto de intriga e incertidumbre, en la que su demencia y paranoia lo hacen desconfiar de todos sus oponentes, aunque ciertamente estos sean rivales más potenciales que efectivos. De esta forma se consigue la interminable espiral fatídica, el inacabable órdago que se prolonga, una ambición que se vuelve obsesión, y deviene en demencia, obsesión por perpetuar su nefasto poder, aunque tenga que eliminar a su propio amigo, y aunque después deba cometer infanticidio. Es una seguidilla de asesinatos que parecen no tener fin, y que terminan por convertir a Macbeth de un nobilísimo e invencible guerrero, brazo derecho y preferido del rey, al más brutal y aberrante monstruo, cuyo único final es la muerte.\nComienza su filme el polaco con tres repulsivas ancianas, que entierran una horca, una corona y un brazo humano, hacen un extraño conjuro y afirman buscarán a Macbeth después de la guerra. Se presentan entonces los créditos, tras los cual, se ha acabado una batalla, ha sido un buen día para Escocia, han conseguido una victoria gracias a la valentía de Macbeth. Poco después, el propio Macbeth (Jon Finch), junto a Benquo (Martin Shaw), halla a las tres brujas iniciales, que vaticinan que el primero será rey, que Benquo será padre de un rey, y que será menos afortunado que Macbeth, pero más feliz que éste. Ambos quedan perplejos, y luego, un mensajero informa a Macbeth que se le confiere un titulo señorial, pues el anterior rey ha muerto, la profecía comienza a cumplirse, y el guerrero queda confundido. Ya reunidos con el rey Duncan (Nicholas Selby), éste se encuentra rebosante de felicidad, reparte títulos nobiliarios, y loa a Macbeth, a quien considera fidelísimo. Ya en casa, se siente indeciso, ambiciona el poder, y su mujer, Lady Macbeth (Francesca Annis), que advierte sus dudas, lo anima y exhorta. Es entonces que, hospedando al rey y su séquito en su casa, ella embriaga a sus guardas, y Macbeth elimina al soberano clavándole una daga. A la mañana siguiente, se deshacen de las pruebas, y hacen quedar como culpables a los guardas, a los que un Macbeth falsamente afectado también elimina.\nLady Macbeth también cumple su parte y finge sorpresa, aunque las nuevas muertes le sorprenden genuinamente, mientras los hijos del rey, Malcolm (Stephan Chase) y Donalbain (Paul Shelley), huyen ante la situación. Macbeth es proclamado rey, Benquo está suspicaz, y también se marcha, dejando inquieto al nuevo rey por el vaticinio de los hijos de Benquo. Envía a dos sirvientes a que lo eliminen, y a sus hijos, pero solo tienen éxito en eliminar a su antiguo amigo. Hay un festejo luego en palacio, el mismo que es interrumpido por las alucinaciones sobre su asesinado camarada, que atormentan al rey, que se encuentra cada vez más obsesionado con el hijo de Benquo, que teme le arrebate el poder. Va con las brujas nuevamente, estas le dicen que desconfíe mucho, y que mate. Un ya enloquecido Macbeth conspira ahora contra la descendencia de Malcolm y Donalbain, perpetrando sangrienta barbarie, matanza que desequilibra también a Lady Macbeth, ésta enloquece, y hasta camina desnuda. Enterados los hijos de Duncan de la matanza, van por él junto con Macduff (Terence Bayler), y reúnen un poderoso ejército inglés. Lady Macbeth muere producto de su locura, el rey es traicionado por el comedido Ross (John Stride), y llega a sus dominios el gran ejército de los hijos de Duncan, que ataca, y el poderoso Macbeth mata a muchos, pero tras intenso combate, termina siendo eliminado por Macduff. Finalmente Donalbain es proclamado nuevo rey.\nCon las naturales variaciones de una puesta en escena respecto a la obra que la inspira, veremos a una Lady Macbeth que conspira por momentos más que el propio traidor, instándolo a dejar de lado su cobardía, y animarse a tomar lo que le corresponde, el trono, ella se describe a sí misma, como una flor inocente, pero también como la serpiente que se oculta en ella, ambivalente descripción que ya retrata su bifaz intencionalidad. Ella presiente y desea que ocurran fatales hechos, y pide a fuerzas sobrenaturales que se le despoje de las cualidades propias de su sexo, pide se le otorgue la más fría crueldad. Es pues, escalofriante, es maligna y desalmada, es la más maquiavélica fémina, capaz de manipular con intensidad a su esposo, y de ser quien le da el empujón final, el último toque necesario para vencer su indecisión, y llegar a perpetrar el vil asesinato. Sin embargo esta malignidad termina por desbordar su propia capacidad de crueldad, y va progresivamente sumiéndose en su perdición, primero sorprendiéndose con los asesinatos de los guardas de Duncan, los primeros homicidios impensados, y con lo que su sorpresa es genuina, para después recuperar su maquiavelismo y seguir exhortando a Macbeth a encubrir todo, pero acaba sucumbiendo a su propia ruindad, y tras el infanticidio, pierde la razón; su final, también inevitable, es la muerte. Mención aparte merece el personaje de Ross, de menor importancia en la obra literaria, pero que cobra mayor preponderancia e injerencia en el filme, apoyando primero a Macbeth en su traición, y luego traicionando al propio traidor, y celebrando la coronación de Donalbain, es un comedido que busca su propio bienestar, y probablemente la diferencia en tratamiento de personajes más sensible.\nEl aspecto ineludible, desde luego, es la expresión visual, la que más nítidamente refleja el mundo que se derrumbaba del deprimido director, construyendo sus características atmósferas decadentes. Pero ahora lo son más que nunca, retratadas en cielos aciagos, tiempos y acciones ruines, resaltando también la representación de las brujas, un repulsivo aquelarre, ciertamente repulsivo, plagado de horrendas ancianas desnudas, desdentadas, tuertas, realizando sus conjuros y esparciendo sus oscuros designios y vaticinios.\nEn apartado, debemos comentar las imágenes sangrientas, los cuadros más sanguinarios que Polanski haya rodado jamás. Veremos primero el cadáver andante y parlante de Benquo en las pesadillas alucinatorias que atormentan a Macbeth, pero sin duda, las más fuertes imágenes son las de la orgía de sangre infantil. Infantes inertes en el suelo, sangre, fuego y oscuridad, es la más sórdida recreación, del más sórdido Polanski. Ciertamente Macbeth es una obra sangrienta -no en vano adaptada por el maestro Kurosawa como Trono de sangre-, una obra que contiene esa sordidez, y por eso mismo se advierte evidente que esa fuera la razón de que Polanski la hubiese seleccionado como la obra idónea con la que volver al cine tras lo sucedido a su mujer. Tenía el pretexto, la excusa, y el motor de la violencia de Macbeth fue el vehículo ideal para plasmar un mundo putrefacto, repulsivo, siniestro, que había abandonado las secuencias del cineasta, para volverse la más pesadillesca de las realidades, su realidad, su esposa, embarazada de ocho meses, asesinada y mutilada de la forma más horrorosa. Era una necesidad para un artista de la naturaleza del polaco plasmar toda esa bizarría, sacarla de su interior, algo que el cinéfilo instruido y conocedor de este cineasta, encontrará perfectamente coherente.\nVolviendo al concepto autoral, el cine supone verdadera expresión artística del director. Es decir, supone verdad. El que analice someramente la carrera de Roman Polanski y crea que ‘Macbeth’ llegó por casualidad, o quizá porque el cineasta franco-polaco siempre había querido hacer un Shakespeare, se equivoca completamente. Si su ‘Macbeth’ es una narración absolutamente magistral lo es porque este pequeño genio, “tenía” que hacerla…parece un golpe del destino necesario para que una nueva versión del texto de 1605 tuviera lugar y ya nadie fuera capaz de capturar mayor oscuridad, violencia sanguinaria, tormento y dolor en una pantalla.\nCon las magníficas versiones de Orson Welles y de Akira Kurosawa (con la formidable ‘Trono de sangre’ (‘Kumonosu-jô’, 1957), Polanski se enfrentaba a un verdadero reto: que su personal versión estuviera a la altura de los más grandes. Shakespeare manifiesta el reto de igualar la tragedia máxima representada en una pantalla. Esa que devuelve al hombre a su estado más primigenio, el de bestia, y le niega cualquier posibilidad de redención, que no es este el mundo que otros directores idealizan.\nEl autor imprime toda esa imaginería sobrenatural, empapándose como nunca otro director, se ha empapado de ese ambiente y esa atmósfera. Tanto, que el espectador siente en su piel la lluvia, la niebla, el frío, y hasta lo extraño e insólito, con singular fisicidad. Pero, como no podía ser menos, y con el objetivo de imprimir mayor sentido visual a la historia, los cambios respecto al texto isabelino son numerosos. Alteraciones de algunos escenarios y prolongación de algunos momentos, pero no necesariamente una mayor violencia respecto al texto (que ya era violento de por sí, como muchas obras de Shakespeare), algo que fue criticado por muchos en el momento de su estreno. También acusaron a Polanski de oportunista por una puesta en escena tan sanguinaria y otros disparates. ¿Cómo se atrevía él a llevar a cabo un ejercicio de catarsis a través del cine?\nMás que catarsis, Polanski hacía uso de la recién conquistada libertad en la representación de la violencia a principios de la década de los setenta (violencia gráfica que, seguro, habría sido empleada por otros directores anteriores, si hubieran podido. No olvidemos que la definición de tragedia es la presentación de conflictos que mueven a compasión y a espanto y que el texto daba pie a ello. Es mucho más importante, bajo mi punto de vista, una cierta identificación con el protagonista y con su infausto destino, engañado por las brujas y cegado por su propia ambición. Por supuesto, se aparta de él a la hora de mostrar la violencia con la que se apropia del trono, pero la extrema compasión que despliega en la bestial secuencia final del personaje, el tono de pesadilla de toda la narración, y la comprensión y lucidez de Polanski respecto a la condición humana, demuestran la limpieza de su mirada aún con el tormento instalado en ella.\nPara muchos el prólogo con las brujas en la playa es la mejor secuencia de la película. Ciertamente, impresiona por su planificación visual, su extrema imaginación y su luctuoso gusto por lo macabro. Hay otras secuencias igualmente poderosísimas, como las ensoñaciones de Macbeth, o cualquiera de los espantosos crímenes que lleva a cabo Macbeth, o la huída de su esposa (fenomenal Francesca Annis, en todo momento contenida pero igualmente fantástica).\nPolanski es capaz de convocar una tensión psíquica enorme en todas y cada una de las secuencias: el miedo y la muerte realmente planeando sobre los personajes, atenazados por sus defectos monstruosos, como hombres convertidos en niños cuando la muerte acude a la llamada. O como bestias, que por una profecía llevan a cabo actos horrendos. Accedemos así a una concepción terrible del mundo, en el que el ser humano, muchas veces, se equivoca aún queriendo hacer las cosas bien, lo que conlleva enormes sufrimientos. No puedo encontrar mayor elogio que encontrar belleza y dignidad entre tanta violencia, creada por Shakespeare y hecha imágenes y sonidos por Polanski, dispuesto a perdonar su pasado.\nEl director quiso recrear situaciones de la época llamadas circunstancias dadas y son acotaciones del teatro moderno; un ejemplo de ello seria la parte donde el hijo de Banquo ,Fleance entona un canto en la fiesta de bienvenida del rey al castillo de Macbeth, a su vez se han producido alteraciones en algunos escenarios y prolongación de algunas escenas. El empleo de la violencia no es menor al libro, ya que en el contexto cinematográfico de los setentas transcurre esa libertad en la representación que anteriormente no hubiese podido ser empleada. El tono de la película está cargado de temor y desasosiego.\nEn cuanto a la iluminación; se utilizan tonos caídos en los interiores y claros oscuros, donde la luz en algunas escenas proviene de velas y antorchas, que le proporcionan un aspecto sombrío. Se usan primeros planos del rostro de Macbeth cuando acontece una escena con efecto dramático; por ejemplo la aparicio de Banquo en la cena después de su muerte. En los interiores se emplean planos medios para mostrar el entorno del castillo; los planos generales de las cordilleras y paisajes de Escocia poseen un aspecto sombrío, gris y lúgubre.\nSe puede apreciar las características político sociales correspondientes al lugar, se puede notar la decadencia del ser humano, las brujas en esta adaptación son seres superiores que determinan el paso entre la vida y la muerte; existe una fuerte conexión con la mitología griega de la cual Shakespeare se inspiro. En cuanto a logística se emplea el uso de bosques y niebla acorde con la cultura japonesa y su apreciación por la naturaleza. Kurosawa se ha inspirado en Macbeth, donde para los hombres no son libres sino que están unidos a un destino concertado, la circunstancia en las que muere el protagonista es totalmente distinta. No hay fidelidad en el texto a diferencia de la adaptación de Polanski donde si la hay.\nEn general, las 2 adaptaciones han manejado la esencia de la obra, la adaptación de Polanski es mucho mas fiel a la obra original que la reinterpretación de Kirosawa sin embargo han marcado un trascendencia y esto no afecta la calidad de la adaptación. Se hace una fuerte alusión a los sentimientos más profundos y oscuros del ser humano, dejando en claro que la ambición al poder solo generan pésimas consecuencias.\nPodemos concluir afirmando que presenta el polaco el clásico shakesperiano, con Macbeth cegado por la avaricia, la ambición por el trono de Escocia. Respetando la genial obra primigenia del inmortal Shakespeare, e imprimiendo ya su arte post-trauma, de la forma escalofriante que ya describimos.\nClip - Escena incial:\nPublicadas por Canal Siete Artes a la/s 18:27:00\nCINE EUROPEO - BLOW-UP (ídem, 1966) de Michelangelo Antonioni\nY LA REVELACIÓN DE UNA IMAGEN\nNo cabe duda que la mayor afinidad entre el cine y los géneros literarios reside en la novela y el teatro. El caso del cuento es especial, ya que se trata, en cierto modo y sólo en los cuentos de raigambre poética, a la vez de prosa y de poesía y tal vez es por esto que en la historia de la literatura no ha alcanzado la atención que merece. En el caso que nos ocupa se trata de una influencia especial que ha tenido el cuento "Las babas del diablo" de Cortázar: la inspiración para el largometraje Blow-Up de Antonioni. Trasladar un cuento al plano cinematográfico resulta difícil ya que no existe la facilidad novelesca de abundantes detalles a la hora de contar la historia; a menudo lo que más importa aquí ya no es la historia en sí sino su simbología y su significado depurado, que hemos de entender a través del cuento. Lo que quiere transmitir Cortázar en el cuento es la cuestión de cómo narrar la realidad. Como si la empresa de la adaptación en sí no implicara dificultades suficientes, se suman a estas la complejidad del tema señalado.\nSin embargo, Antonioni supera magistralmente este obstáculo y lo hace de forma extremadamente "libre", de hecho nunca habló de una adaptación propiamente dicho sino que Blow-Up se inaugura con la afirmación de que se trata de una "inspiración" de "Las babas del diablo". El escritor argentino primero manipula la realidad y llega a una verdad literaria, superior a la verdad, ya que esta no existe, mientras que la realidad-verdad literaria sí existe puesto que no es otra cosa que el hilado mental de un autor; Antonioni, a su vez, manipula la realidad verbal para llegar a una -su- realidad cinematográfica.\nLa película Blow-Up del italiano Michelangelo Antonioni es hoy un filme de culto para los seguidores del Pop y luego el Indie. Filmada en Inglaterra entre 1965 y 1966, contó en el reparto con la soberbia actriz británica Vanessa Redgrave, de la no menos famosa Sarah Milles y de un joven David Hemmings. Blow-Up le dio el mayor crédito a su director, que nunca más logró realizar una película tan comentada, vista y auspiciosamente criticada como esta. Narra una historia que se desarrolla en París a fines de los cincuenta.\nEn el film el protagonista es un tal Bill, cotizado fotógrafo de la moda londinense. Una mañana, Bill realiza una tomas fotográficas en un parque de las afueras de la ciudad, para ilustrar el libro de un amigo. Aquí también surgirá la situación en la que una mujer muy bella y enigmática, al descubrirse fotografiada, intenta sin éxito conseguir ese rollo fotográfico. Cuando el fotógrafo lo revela, halla un cadáver en una de las fotos, mediante sucesivos acercamientos -blow ups- a la imagen. “Las imágenes fotográficas menos parecen enunciados acerca del mundo que sus fragmentos, miniaturas de realidad que cualquiera puede hacer o adquirir. Las fotografías que manosean la escala del mundo, son a su vez reducidas, ampliadas, recortadas, retocadas, manipuladas y trucadas. Envejecen, atacadas por las consabidas dolencias de los objetos de papel; desaparecen; se hacen valiosas, y se compran y venden; se reproducen.” (Sontag).\nAmbas producciones comparten un estilo de época y un énfasis en el dispositivo fotográfico como motivo del relato. En ellas se encuentra al narrador dentro de la narración y al texto dentro del texto. El propósito será analizar lo transpuesto y compartido, los puntos de contacto. Consideraremos la noción de dispositivo en los términos planteados por el téorico Traversa. Concretamente, la utilizaremos como una aproximación de utilidad analítica para los fenómenos de producción de sentido, siendo aquello que vincule lo técnico con lo discursivo e implicando una práctica social (Traversa, 2001), permitiendo describir la relación entre el espectador y la imagen en un determinado contexto social. Bajo estas concepciones, se analizará al dispositivo fotográfico como un conjunto de datos materiales y organizacionales compuesto por las dimensiones espacial, temporal y simbólica (Aumont 1992). Entre ellas, se describirán las determinaciones sociales que engloban o influyen en toda la relación del individuo con la imagen: los medios, las técnicas de producción, los modos de circulación y de reproducción, los lugares en que son accesibles y los soportes para difundirlas.\nLa película puede considerarse una adaptación del cuento ya que en los créditos del film figura la leyenda “basado en un cuento de Julio Cortázar” refiriéndose al guión. El cuento presenta una historia que transcurre en París, en la cual un traductor chileno aficionado a la fotografía llamado Roberto Michel, fotografía a una mujer besando a un adolescente en una situación confusa. La mujer, enojada al advertir al fotógrafo le pide el rollo, reclamo al cual se unirá un hombre que si bien se encontraba al margen de la escena, había sido visto anteriormente por el fotógrafo. En ese mismo momento el adolescente escapa del lugar. Cuando Michel copia, imprime y amplía las fotografías en su casa, imagina, percibe o ve que las imágenes cobran movimiento y que el chico no ha logrado escapar de aquella escena.\n“De pronto el orden se invertía, ellos estaban vivos, moviéndose, decidían y eran decididos, iban a su futuro; y yo de este lado, prisionero de otro tiempo, de una habitación de un quinto piso, de no saber quiénes eran esa mujer, y ese hombre y ese niño, de ser nada más que la lente de mi cámara, algo rígido, incapaz de intervención.” (Cortázar).\nUn fotógrafo descubre al revelar y ampliar unas fotografías tomadas ocasionalmente algo que a simple vista no había sido capaz de ver. Esto es lo que se transpone del cuento a la película, lo que Antonioni toma del relato de Cortázar para desarrollar su propio relato. La película es protagonizada por Bill, un cotizado fotógrafo de moda londinense. Una mañana, éste realiza unas fotografías en un parque de las afueras de la ciudad para ilustrar el libro de un amigo. Aquí también surgirá la situación en la que una mujer, al descubrirse fotografiada intenta sin éxito conseguir ese rollo fotográfico. Cuando el fotógrafo lo revela, halla un cadáver en una de las fotos, mediante sucesivos acercamientos -blow ups- a la imagen.\n“La necesidad de acercar las cosas espacial y humanamente es casi una obsesión hoy día, al igual que la tendencia a negar el carácter singular o efímero de un acontecimiento determinado mediante la reproducción fotográfica. Existe una compulsión cada vez más intensa a reproducir el objeto fotográficamente, en primer plano.” (Sontag). Considerando que el dispositivo es aquello que regula la relación entre el espectador y la imagen en un determinado contexto simbólico y posicionándonos en el dispositivo fotográfico, nos detendremos y acercaremos a visualizar las características del signo fotográfico, de la imagen fotográfica y del acto fotográfico en sí como sus partes constitutivas vinculadas entre sí.\nEn cuanto a la imagen fotográfica, Schaeffer la considera “el resultado de una puesta en práctica del dispositivo fotográfico en su totalidad” (Schaeffer). Para este autor, el término imagen presupone una reproducción de la visión y no contempla el principio de grabación o impresión que es la especificidad de la imagen fotográfica. De modo tal que el principio de constitución de la imagen fotográfica (analógica) sea la impresión sobre una superficie visible: la grabación de una señal físico química que un cuerpo imprime sobre otro. Esta característica podemos identificarla de manera central tanto en el cuento como en la película ya que a partir de la impresión es que los fotógrafos podrán realizar los “acercamientos” -físicos, conceptuales e interpretativos- planteándose los interrogantes, los enigmas y los conflictos que desenvolverán las tramas. También podemos vincularlo con la importancia del negativo como “intermediario en la fotografía tradicional (...) elemento que posibilita la multiplicación de una misma imagen fotográfica” (Hitz 2000) a partir del cual se efectúa el “blow up” en el film.\nAtendiendo a niveles de los dispositivos cinematográfico y fotográfico, podremos describir cómo en el primero la imagen es en movimiento, permitiendo revivir y hacer presente las acciones, mientras que en el segundo la imagen es fija, recordándonos el hecho, el instante. Son imágenes temporalizadas y no temporalizadas a partir de las cuales revivimos el acto fotográfico en sí mismo. Esto sucederá a través de diferentes mecanismos que, a modo de descripciones, conforman las características propias de los dispositivos y los relatos en juego, compuestos por rasgos retóricos y enunciativos propios.\nCortázar lo logra con su particular modo de enunciación, construyendo un relato temporalmente reversible, circular e intertextual en sí mismo, realizando aquello que Blanchot expresó alguna vez: “Escribir es entregarse a la fascinación de la ausencia de tiempo”. Por lo tanto, observaremos cómo el sentido de lo verosímil no tiene sentido por fuera del discurso y cómo “el enunciador no es el autor, sino la manera en que este último se construye en su discurso construyendo al mismo tiempo a su lector.”\nEn el caso de Antonioni, lo logrará al hacernos partícipes de todas las técnicas del proceso de impresión fotográfica llevadas a cabo por el personaje principal a través de sus sucesivos “blow ups”. “Taciturnidad es el silencio de algo que puede hablar, mientras que llamamos mutismo al silencio de una cosa que no puede hablar.” (al respecto decía Derrida) Lo que se creía mudo se convierte en taciturno.\nLa imagen fotográfica como aquello que no puede hablar permanece taciturna hasta el momento en que es puesta en acción por el film o por el cuento, rompiendo el silencio y apareciendo el enigma. La imagen fija se pone en movimiento desplegando el hilo argumental de los textos. Cortázar lo logra apelando al relato fantástico, la imagen o imaginación, tanto si la imagen se mueve realmente cobrando vida o si efectivamente es producto de la acción. Por su parte, Antonioni juega con la re-producción de las imágenes, como las pinturas abstractas y fotografías muy aumentadas, con pérdidas miméticas en ambos casos y explicitadas en los diálogos de los personajes. Éstas se revivirán dentro del mismo relato a fin de presentar y re presentar nuevas lecturas o producciones de sentido.\nPor ejemplo, Bill, a medida que se acerca a mirar sus cuadros abstractos dirá: “no dicen nada cuando los pinto. Una real confusión […] con el tiempo suelo encontrar algo que vale, como esa pierna […] luego adquiere forma y tiene sentido […] como una novela policial”.\nPierce define a la Fotografía Instantánea como icónica, por su semejanza al objeto e indicial, por su conexión física. Para Schaeffer la fotografía es un “signo mixto” donde la imagen establece una relación de semejanza o analogía con su referente, definiendo un carácter ambiguo en la fotografía: icónico indicial e indicial icónico. Tanto en el cuento como en el film, es debido al aumento o ampliación de las fotografías que éstas muestran lo sucedido. Paradójicamente, esto transcurre mientras se pierde la noción de mímesis o representación de la realidad.\nSe ve un cadáver como índice de un crimen o una pareja en situación enigmática; se advierten los granos de las fotografías asociándolos a manchas y disipando el reconocimiento visual. De esta forma encontramos en el mayor punto de tensión de los relatos una ambigüedad propia de la fotografía: cuando la interpretación de un hecho ya ocurrido, como construcción del sentido a partir de la imagen fotográfica, surge entre el alejamiento de lo que se ve y de aquello a lo que se refiere. (Schaeffer 1993) Se trata de la posibilidad de la fotografía de conjugar a la muerte y al referente. El director de la película, Michelangelo Antonioni dirá al respecto: “Cuando se utilizan ampliadoras [...] pueden verse cosas que probablemente el ojo desnudo no sería capaz de captar [...] El fotógrafo de Blow Up, que no es un filósofo, quiere ver las cosas más de cerca. Pero lo que sucede es que, al ampliarlas demasiado, el objeto se desintegra y desaparece. Por lo tanto, hay un momento en que asimos la realidad, pero ese momento pasa. Este es en parte el significado de Blow Up” (Antonioni en la rueda de prensa del Festival de Cannes, mayo de 1967).\nNarrativamente, la imagen fotográfica es indicio, funciona como testimonio del crimen captando el momento preciso, instantáneo, como prueba y como rememoración para los fotógrafos-narradores. “Una fotografía pasa por prueba incontrovertible de que sucedió algo determinado. La imagen quizá distorsiona, pero siempre queda la suposición de que existe, o existió algo semejante a lo que está en la imagen.” (Sontag 2006)\nNo recuerda sino que rememora, revive, vuelve a hacer presente para dilucidar el crimen, para entender la historia narrada, para demostrar el acontecimiento pasado. Agregaremos que lo producido en el pasaje del recuerdo al testimonio o la descripción es un cambio del mundo público al privado ya que “la imagen recuerdo está en la memoria del destinatario, el testimonio o la descripción vienen del exterior.” (Traversa, 2001).\nPor medio de las fotografías podemos construir la mirada del fotógrafo, personaje principal del film que en su actuar, en el trabajo o despliegue del acto fotográfico en sí consigue el desarrollo de la acción narrativa. “Fotografiar es apropiarse de lo fotografiado. Significa establecer con el mundo una relación determinada que parece conocimiento, y por lo tanto poder.” En el cuento es el narrador, confundido con la lente fotográfica misma, quien imagina y ve la historia, explicitando su rol de narrador y construyendo - por momentos performativamente- el relato. “La fotografía es una herramienta para tratar con cosas que todos conocen pero a las que nadie presta atención. Mis fotografías pretenden representar algo que ustedes no ven.” Emmet Gowin (Sontag)\nSegún Belting la fotografía es un medio entre dos miradas: una mirada captada y una mirada que reconoce. Entonces, si la imagen surge por una mirada, la fotografía es una imagen de quien mira el mundo. En ambos casos podemos hablar de dos instancias temporalmente distantes que forman parte de la fotografía: una instancia de producción referida a la toma de la fotografía, el momento de la grabación donde se acentúa el carácter inicial y una instancia de impresión o producción de la copia, momento del resultado, producto fotográfico o cosa producida. Estos procesos son descriptos en el cuento y la película, exponiéndolos a los espectadores y mostrando esas imágenes de quienes miran al mundo.\nEn relación con el ver, el mirar, el espiar y exponerse, Sontag considera que el hacer fotografías ha implantado un “voyeurismo crónico” uniformando la significación de todos los acontecimientos. (Sontag 2006:26). Relacionándolo con la película, resulta pertinente la siguiente declaración de su director en la que especifica determinadas intenciones narrativas: “En Blow Up, el erotismo ocupa un lugar de máxima importancia, pero, a menudo, se pone el acento en una sensualidad fría, calculada. Los rasgos de exhibicionismo y de vouyerismo están especialmente subrayados: la joven mujer del parque se desnuda y ofrece su cuerpo al fotógrafo a cambio de los negativos que tanto desea recuperar.-”\nEn el cuento hay un constante intercambio de puntos de vista así como descripciones de imágenes yuxtapuestas que permiten vincularlo con ciertas características técnicas del dispositivo cinematográfico. Desde el comienzo del relato el tiempo se espacializa: “...bajemos por la escalera de esta casa hasta el domingo siete de noviembre (...) uno baja cinco pisos y ya está en domingo...” La cámara y Michel se fusionan generando ambigüedad y el instante de la acción detenida y la muerte parecerían dialogar permanentemente. La mirada construirá y re construirá la escena del crimen en el cuento, lo irreal, como la pelota de tenis invisible con la que juega un grupo de mimos en la última escena de la película; la imaginamos, la advertimos por las miradas de los personajes que se confunden con las tomas de la cámara. Los dos textos culminan en silencio, cuando los fotógrafos- personajes desaparecen mostrándonos y describiéndonos el cielo.\nMirada que construye, mutismo que narra, muerte que tematiza y fantasma espectro que despliega la acción. Realidad que presenta cosas invisibles. La mirada que construye el mundo. Cuando nos sentamos a ver Blow-up pensamos inmediatamente en su director y nos preguntamos ¿Podremos entender el relato que nos presentará? Ver sus películas es un experimento enredado y turbador debido a que sus filmes tienen un fuerte contenido psicológico y simbólico, que no son fáciles de desentrañar. Está no es la excepción\nLa historia pasa por saber si todo lo que observamos es realmente lo que está sucediendo o si nuestra mirada es el resultado de nuestras vivencias y de lo que deseamos que suceda, lo que realmente queremos que pase.\nMichelangelo Antonioni no da ninguna respuesta, debemos encontrarlas en el relato, nos convierte en detectives, arma un rompecabezas visual que debemos comprender, desmenuzar e investigar para entender el derrotero al que somete a su personaje principal, un fotógrafo (David Hammings) que quiere retratar la realidad con las imágenes más salvajes posibles, esto se pone en evidencia cuando muestra a su editor las tomas para un nuevo libro de fotografías que está preparando. Desea que nuestros sentimientos se estremezcan fuertemente demostrando que la vida no pasa por la banalidad y la futilidad sino todo lo contrario, algo que no ocurre con su vida, una interesante paradoja, ya que se nos descubre como un ser anodino, irreverente, vicioso, sínico, con dinero, al que le importa solo su persona.\nPor la mañana, despierta, vuelve al parque pero ya no encuentra nada. Sale de ahí pensando en lo que había ocurrido, si lo que sucedió fue real o solo un deseo, se siente afectado y confundido, cuestionando su propio ser (su fin en la vida es observar lo que ocurre a su alrededor y retratarlo). Estamos ante la presencia de un personaje que no es testigo de los hechos, es parte vívida de los acontecimientos, sus actitudes describen la época en la que se desenvuelve, en la que vive. Las situaciones que se relatan, representan el contexto real y las fotografías el contextual. En el parque se nos muestra la visión de la cámara cinematográfica, vemos lo que queremos ver, una pareja de amantes, una mujer enojada porque agreden su intimidad. En las fotografías se descontextualiza el relato y vemos imágenes inertes, aisladas del mismo hecho que nos demuestran otra cosa y que justifican el nerviosismo y la tensión de la protagonista.\nSabiamente manejado por Antonioni, mezcla situaciones cotidianas y secundarias (despreocupados jóvenes acosando transeúntes, bellas adolecentes buscando fama, la visita a una casa de antigüedades cerca del parque, una amiga y su amante que viene cerca del estudio a la que recurre cuando necesita contención) con el relato base, estructura la película en el tiempo y espacio de forma que se cierre un círculo (Abre y cierra con la misma escena). Su carácter de merodeador de mundos se materializa en este filme, la voluntad de retratar nuevos espacios es la que motoriza el relato.\nNo solo se ocupa de plantear una trama psicológicamente interesante si no que también lo hace a nivel sociológico. Nos muestra en cada una de las escenas y en el comportamiento de los personajes la vida en swing de los sesenta, la modernidad, el desenfado, el cambio de los valores tradicionales de la sociedad inglesa (derrumbe del positivismo). La imagen del hombre común de la posguerra, seguro, confiado en sus valores, convertida en la del pequeño burgués, aburrido, en busca de nuevas sensaciones que lo motiven. Podemos decir que esta idea nace en las tendencias políticas y en el desarrollo del nacimiento del cine moderno por parte del director. En resumen, el relato nos lleva por la vida de una persona solitaria, desencantada, caprichosa, hastiada, que busca más allá de su vida disipada cualquier suceso que dé respuesta a su existencia y cuando lo encuentra no sabe si es real o solo fue una fantasía.\nTodo aquello que nos rodea visto por el objetivo. Imágenes que persisten en nuestros días. Que no envejece nunca. Fotografiar es el arte de grabar la luz. Destellos luminosos que perciben nuestros ojos. El reflejo de la realidad, de una realidad que ha ido evolucionando hasta tocar la ficción. La imagen obtenida, bien lograda o no, es un instante congelado en el tiempo. La función de un fotógrafo consiste en eso y en hacerlo de manera que nos impresione. La conciencia moral del protagonista es mínima. Su vanidad le permite insultar a las modelos y tratar a sus empleados como don nadies. Se casaría con su cámara si quisiera. Vive por y para la fotografía. No se aferra a la realidad, vive en su burbuja imaginaria, hasta que sus fotos no le demuestran lo contrario. Su razonamiento se basa en exhibir antes que ver, de ahí la importancia de la imagen. El elemento clave de la película.\n“Cuando se utilizan ampliadoras [...] pueden verse cosas que probablemente el ojo desnudo no sería capaz de captar [...]. El fotógrafo quiere ver las cosas más de cerca. Pero lo que sucede es que, al ampliarlas demasiado, el objeto se desintegra y desaparece. Por lo tanto, hay un momento en que asimos la realidad, pero ese momento pasa. Este es en parte el significado de Blow-Up”. (Michelangelo Antonioni).\nPublicadas por Canal Siete Artes a la/s 6:39:00\nCINE EUROPEO - CAMARADA (Paisá, 1946) de Roberto Rossellini\nPaisà es un recorrido por la liberación de Italia, de sur a norte. El avance de las tropas aliadas nos va revelando una realidad dolorosa, cruel. Seis historias en tiempos difíciles. Consecuentemente, amargas. En una de ellas vemos a un soldado americano volver al pueblo italiano que liberó meses atrás, en pos de una utopía adolescente: un rostro de mujer que le sonrió, que le atendió desinteresadamente y del que creyó enamorarse. Pero la posguerra ha sido cruel con el destino de las muchachas: han acabado subsistiendo prostituyéndose, acostándose con los “pacificadores” americanos. Como aquella chica que conoció, cuya sensualidad ha sido pervertida para siempre.\nRoberto Rossellini, prosigue con la realización de su particular Trilogía de la Guerra, iniciada con Roma, Ciudad Abierta (1945). Un año después de aquel filme, continúa con la segunda parte de dicho trío, la cinta que nos ocupa, Paisà, en la que sigue cimentando las bases del Neorrealismo, grabando sin elaborados ni artificiales escenarios, rodando en las calles mismas, con actores no profesionales, del pueblo, y retratando también a los enemigos, los destructores alemanes que ahora, nuevamente, serán enfocados por la aguda lente de Rossellini, pero en esta ocasión con mucha mayor profundidad que en la película fundadora de la trilogía.\nEl cineasta nos presenta su película dividida en seis relatos, todos ambientados en diferentes locaciones italianas, pero siempre con un contexto común: la Segunda Guerra Mundial y los acontecimientos inmediatos que este conflicto produjo. A través de seis desgarradoras historias, el director nos introduce en el desolador mundo de la Italia en plena guerra, nos muestra sin adornos la cruda realidad, ruinas, destrucción, hambre y desempleo, vidas completas arruinadas, generaciones enteras marcadas por la guerra, y el padre del movimiento neorrealista nos presentará un agudo collage de ese mundo, no apto para paladares sensibles, drama humano puro y duro, dramas sin ornamentos, todo un monumento neorrealista.\nEl maestro Rossellini nuevamente nos muestra su crudo neorrealismo, él llega hasta la guerra, toca la guerra que aún está desarrollándose, el conflicto aún está ahí, esto aviva el drama de manera sobresaliente, y el director nos muestra las situaciones más desgarradoras sin pérdidas de tiempo. Así, se vale del recurso de agrupar relatos para lograr plasmarle una gran variedad y diversidad a su cinta, con relatos cortos, escuetos y precisos, directo al grano, en el que siempre se genera contacto entre los italianos y los norteamericanos, pero pese al problema de comunicación por los idiomas, se sortea este obstáculo para entablar relaciones.\nDe esta forma, los seis relatos, aunque cortos, sirven para su cometido, mostrar y desnudar directamente una situación dramática extrema, destacándose la primera con un idilio truncado por el fuego de la guerra, el segundo con el desgarrador drama de un niño que es capaz de robarle sus botas a un soldado, y éste, al ver la más que precaria situación del huérfano ladrón, al ver donde vive, se avergüenza, y le regala en silencio las botas. Asimismo, en el tercer relato, un hombre desconoce lo patético de su situación, cuando, acabada ya la guerra, busca al amor que conoció durante las celebraciones, ignorando que la prostituta a quien cuenta sus desventuras es la mujer que amó y busca, otro amor truncado abruptamente por la guerra.\nEl relato que es particularmente notable es el quinto, total y completamente diferenciado de los demás. En este relato ya no hay muerte, ni violencia física, la situación acá corre por el plano espiritual, la cuestión es mística, planteando la discriminación hasta entre religiosos por el credo, la diferencia en sus doctrinas los separa al inicio, pero finalmente, como hombres de fe, ponen esa fe por encima de todos, y se logra una final comunión, dándonos el realizador, en medio de toda la barbarie, muerte y destrucción, un mensaje cálido de esperanza, de que la fe puede elevarnos por encima de la carne, de lo material, y, en medio de todo el caos, brindarnos alivio y paz.\nEl quinto relato, si se quiere el más místico de todos, el que se distancia de los otros cinco, pues éstos muestran una fotografía fuerte, cruda, desesperanzadora, patética, pero sobre todo, simplemente realista. Con la modalidad de los seis relatos cortos, Rossellini obtiene un ritmo frenético, escueto pero directo, y todo complementado por un acompañamiento musical que aparece en las secuencias precisas, maximizando la carga dramática en los momentos que más necesitan ese aumento de intensidad.\nRossellini entrega de esta forma, su segunda parte de la Trilogía de la Guerra, imperdible retrato de la miseria en uno de los países más directamente afectados por la guerra, y donde deja patente porqué es considerado el fundador y uno de los grandes maestros del Neorrealismo. Pese a su trascendencia histórica, el neorrealismo italiano no atrajo multitudes. Fue un cine marginal que, sin embargo, logró cambiar el camino de la realización cinematográfica.\nHubo tres cosas que el neorrealismo aportó al cine y lo cambió para siempre:\nEl rodaje en escenarios naturales\nLa participación de actores no profesionales\nEl relato de historias cercanas a la realidad del espectador\nY entre la camada de directores que protagonizaron este momento histórico del cine estuvo Roberto Rossellini con su llamada "Trilogía de la guerra", que con tres films le dijo al mundo: bienvenidos a la realidad. Tras formarse en el Cinecittá y en medio de un cine fascista (básicamente, mega-producciones sobre las glorias del imperio romano), Rossellini, junto a realizadores como Vittorio De Sica y Luchino Visconti, deciden cuestionar este cine italiano grandilocuente, basado en mitos atemporales que nada tenían que ver con la realidad del pueblo.\nCon esta premisa, Rossellini decide incorporar la estética documental a la ficción para mostrar la verdadera Italia. Cada uno de los seis episodios tiene como punto en común su desenlace epifánico. El espectador, los personajes o ambos son testigos de una revelación. Cada historia se resignifica y deja al descubierto lo absurdo de la guerra. Es la búsqueda de un sentido, esa es la huella autoral que los trasciende. Si se tiene en cuenta que el filme cuenta la liberación de Italia por parte de los aliados, está latente el riesgo de creer que Paisá cae en el infaltable cliché hollywoodense de los americanos salvadores. Ellos, los héroes que liberan al país oprimido de turno de sus pesares y regresan triunfales en medio de vitoreo y banderitas. Pero no esta vez con Paisá.\nSi en Roma, ciudad abierta los nazis eran los antagonistas, y los italianos las víctimas, en Paisá los roles son menos claros, porque en la guerra hay dos bandos, pero al final del combate solo hay ruinas. Ante esto, Paisá resume la postura ideológica de Roberto Rossellini respecto a la inutilidad de lo bélico. Incluso la alegría por el fin de la guerra es cuestionada: ¿y ahora qué? La verdadera victoria sería que la guerra nunca hubiera existido.\nEl éxito inesperado y la muy buena la crítica que había tenido en EEUU “Roma, ciudad abierta” hizo que varios estudios de Hollywood se interesasen por el siguiente proyecto del director italiano. De ese modo, Rossellini pudo contar en esta ocasión con el apoyo de la poderosa productora norteamericana MGM, para realizar un film que, a modo de fresco cinematográfico, cubriera los hechos más importantes de la campaña italiana y como la guerra había afectado a la población local. Como curiosidad, apuntar que el primer título que se le dió la película (seguramente como tributo al apoyo financiero norteamericano) fue el de "Sette Americani" o "Seven from the U.S." (Siete Americanos), ya que en principio iba a contener siete episodios relatando la lucha de los aliados y la resistencia en suelo italiano.\nSin embargo, cuando los episodios se redujeron a seis, se eligió el título de Paisà (camarada), por ser esta la palabra la usada por la población italiana para saludar o dirigirse a los soldados aliados cuando se los encontraban. “Camarada” vuelve a ofrecer un ejercicio de estilo artístico de su realizador, quien nos ofrece una película caracterizada por la naturalidad y verosimilitud de las distintas historias que relata. Y remarco este tono documental para exaltar el realismo. No puede negarse que la idea original de la película es buena: combinar una visión general de la guerra en Italia, narrada mediante fragmentos de documentales, con las historias cotidianas de la gente corriente para ofrecer un completo tapiz narrativo de la época de la contienda.\nLa primera etapa se su obra, durante el fascismo (1938 – 1945); años en los que era imperativo para los directores, el tener que acomodarse a las condiciones que imponía la Dirección General para la Cinematografía Italiana, la cual se encargaba de brindar el apoyo necesario a los proyectos seleccionados para llevarlos a cabo. Por supuesto, muchos de estos trabajos buscaban generar una sensación de calma entre la población, mostrando un país en el que no pasaba nada; y otros, se utilizaban para hacer, de forma directa, propaganda política a favor del fascismo. Rossellini (quien provenía de una familia burguesa), debido a la amistad que tuvo con Vittorio Mussolini (el hijo del Duce), se vio obligado a colaborar en un filme de propaganda política (De una misma sangre).\nEl tercer momento que encontramos en la obra de Rossellini es el de la posguerra, que va desde 1947 hasta 1954. En las producciones destacadas de ésta época (Alemania año cero, 1947; El amor, 1947/48; Strómboli, 1949; Francisco juglar de Dios, 1950; Europa 1951, 1952; Te querré siempre, 1953; y La paura, 1954), el director no cayó en el discurso optimista que pretendía mostrar una Europa en crecimiento después de la guerra, sino que se concentró en develar cómo ésta, había dejado sus huellas imborrables, que se manifestaban poderosamente en la nueva configuración de las relaciones sociales, y cómo, los desajustes emocionales y los microfascismos gobernaban la subjetividad de sus compatriotas. La esperanza del avance económico no podía ocultar la desolación generada por la guerra, y tampoco debía utilizarse para generar relaciones de producción alienantes que llevaron a la deshumanización, como, en efecto, ya había empezado a suceder.\nEn estos filmes, Rossellini puso en práctica los nuevos mecanismos de producción que respaldaban su propuesta estética. No pretendía reflejar la realidad en el espejo-cámara sino mostrar la realidad revelada con una nueva dramaturgia interpretativa, con una nueva puesta en escena y con la unión de elementos significantes para constituir sentidos en la relación con los espectadores.\nCon su obra, Rossellini abrió el camino a la realidad, generando una ruptura radical con los métodos tradicionales de la puesta en escena, para él, era muy claro que la dramatización y la búsqueda de los efectos, se alejaba de la verdad; por eso decía que “si queremos hacer algo lo más útil posible, debemos eliminar cualquier falsificación e intentar librarnos de las tentaciones de falsear la realidad”. Esto lo llevó a tratar de volver a hacer de la imagen algo útil (un instrumento) para acercarse al conocimiento, a partir de una forma renovada de incidencia en el hombre, que no buscaba la manipulación de lo emocional por medio de artificios tecnológicos. Lo importante, entonces, no era tanto la belleza de la imagen sino la aproximación a la verdad epistemológica por medio de aquella.\nPara Rossellini siempre fue evidente que acercar la cámara a la realidad era una forma de humanizar el cine, ya que confiaba en el poderío de la mirada como lo fundamental para descubrir y encontrarse con el entorno. Pero ese acercamiento a la realidad no era, necesariamente, hacia el exterior para contemplar la miseria y el sufrimiento. Rossellini creía que su realismo no era más que la forma artística de la verdad. De esta forma, el concepto de realismo se hacía más amplio, pues unía una realidad exterior con una interior (de carácter espiritual).\nDicha visión ampliada de la realidad fue, quizás, el mayor aporte del realismo rosselliniano, aunque algunos consideraron que era una forma sutil de expresar el catolicismo, que siempre estuvo tan arraigado en el director. Sobre el neorrealismo, Rossellini afirmaba que era “ante todo, una posición moral desde la que se puede contemplar el mundo. A continuación se convierte en una posición estética, pero el punto de partida es moral”. La intención, entonces, era la de “mostrar” mas no la de “demostrar”, para que el espectador tuviera la libertad de apreciar el filme y establecer sus propias relaciones de acuerdo a su universo conceptual. Sobre esta praxis estética decía Rossellini: “Muestro las cosas, no las demuestro. Hago un trabajo de reconstrucción. ¿Qué quiere decir demostrar? Significa pensar en las cosas, verlas desde un determinado punto de vista para, enseguida, intentar crear emociones, convencer y abusar de los demás. Yo rechazo ese método. Si debe haber una emoción, ésta ha de surgir de las cosas tal y como son”. Era indiscutible, el llamado a la libertad real de los hombres que hacía Rossellini, pues él veía con agudeza, cómo sus contemporáneos querían ser libres de crear una verdad que les había sido impuesta, pero, paradójicamente, no había quien buscara su propia verdad.\nAsí las cosas, la imagen estaría siempre superpuesta a la narración y al montaje. Era con la cámara con lo que el autor podía dar a conocer su propia observación, su propia moral. De igual manera, los actores debían olvidarse de interpretar y más bien volver a su propia esencia, reconstruirse y tratar de recuperar sus gestos habituales. Es por ello que en varios filmes de Rossellini, vemos a los personajes totalmente vinculados con el entorno y como proyección del mismo, o, por el contrario, como extranjeros o desadaptados, debido a que llegaban sin ideas preconcebidas. Resaltamos el vínculo que estableció Rossellini con la realidad, el cual respondió a una vivencia ética, que procuraba establecer la mayor aproximación entre ficción y realidad. Por eso, retomamos algunas de sus palabras que encierran una verdadera propuesta ética: “Es necesario que la educación deje de considerarse – como hacen muchos – un periodo de aprendizaje limitado en cuanto a duración, un prólogo a la vida. Al contrario debe contemplarse como un componente de la propia vida. Hemos de aprender un oficio y es el oficio de hombre”.\nLos verdaderos aportes del neorrealismo, que se manifestaron plenamente en Paisá son: uso primordial de exteriores, presencia de actores naturales, constantes planos secuencia y manejo de la profundidad de campo, visión cruda y directa de la realidad, manteniendo un fuerte vínculo con el documental. Lo que sí es evidente y constituye un novedoso aporte de, Roma, ciudad abierta, es la manera como Rossellini planteó un nuevo método de observación de la realidad, estableciendo una dialéctica entre el mundo exterior y el subjetivismo de los actores.\nPaisá, clips de escenas:\nPublicadas por Canal Siete Artes a la/s 5:51:00


Artículo No. ACAAS00_M\nPienso para perros Acana Senior para adultos de más de 7 años con ácidos grasos que refuerzan sus defensas para lucir mejor por dentro y fuera.\nPienso para perros Acana Senior para perros de más de 7 años\nLos perros entrados en años necesitan una alimentación acorde a sus necesidades, sobre todo controlando que no cojan peso, que lo digieran bien y que les aporten los nutrientes necesarios para cuidar sus articulaciones y reforzar sus huesos. Y este pienso para perros de Acana lo tiene en cuenta y está elaborado para satisfacer a los perros de más de 7 años.\nEl pienso para perros Acana Senior es una receta en la que abunda la carne blanca y los huevos para que sea muy proteínico, completado con verduras, frutas y legumbres que aportan fibra y vitaminas que ayudan a ralentizar el desgaste cerebral.\nEl pienso para perros Asana Senior se presenta en unas pequeñas croquetas para que sea fácil de masticar, a las que puedes humedecer par a facilitar la comida a tu peludo más longevo.\nPienso para perros adultos de más de 7 años de edad.\nUn pienso que favorece el cuidado de su pelo para que esté fuerte y brillante, gracias a los ácidos grasos de la carne y el pescado.\nLa verdura y frutas aportan fibra para que sea más digestivo.\nLas plantas como la caléndula o el hinojo refuerzan el sistema inmunitario.\nPara completar el pienso se le han añadido vitaminas y minerales claves para retrasar el envejecimiento y cuidar sus huesos.\nEs conveniente que introduzcas el pienso Acana Senior de forma gradual para que tu perro se acostumbre, repartiendo su ración diaria en 2 comidas. La cantidad de comida depende de su peso y nivel de actividad.\nPollo deshidratado (34%), avena cortada, pollo fresco (12%), patatas enteras frescas, guisantes, hígado de pollo fresco (3%), huevo entero fresco (3%), lenguado fresco (3%), grasa de pollo (3%), fibra de guisante, alfalfa curada al sol, aceite de arenque (2%), manzanas enteras, peras enteras, batata, calabaza, calabaza butternut squash, nabos, zanahorias, espinacas, arándanos agrios, arándanos, algas, raíz de achicoria, bayas de enebro, raíz de angélica, flores de caléndula, hinojo dulce, hojas de menta, lavanda.\nProteínas brutas (33%), grasas brutas (14%), ceniza bruta (7,5%), fibra bruta (4.0%), calcio (1.6%), fósforo (1.1%), omega 6 (2.5%), omega 3 (0.7%), DHA/EPA (0.3%), glucosamina (1500 mg/kg), sulfato de condroitina (900 mg/kg).\nEnergía metabolizable calculada:\nTu perro se hace mayor y para cuidarle mejor necesitas este pienso que disfrutará por su sabor y por lo bien que le sienta.\nCharlotte A. el 9/14/21 sobre un pedido de 8/29/21\nYamilin P. el 9/10/21 sobre un pedido de 8/25/21\nA mi perro le encanta y la caca, perfecta\nYamilin P. el 8/13/21 sobre un pedido de 7/28/21\nMi perro tiene 13 años y desde los nueve solo come acaba senior y está genial todos sus análisis salen perfectos\nSandra T. el 4/13/21 sobre un pedido de 3/23/21\nEstaría genial que el saco llevara un cierre para poder mantenerlo en el propio saco.


Abogados de visas de diversidad en Omaha | Abogados de lotería de Green Cards\nAbogado de visas de diversidad en Omaha\n¿Podría usted ganar la “lotería de Green Cards”?\nLos inmigrantes de un grupo selecto de países con un bajo índice migratorio a los EE.UU. puede ganar una visa de diversidad (DV, por sus siglas en inglés). Si usted desea entrar y vive en el país, llame al 402-403-4358 y hable con un abogado para visas de diversidad deCarlson & Burnett in Omaha. Podemos ayudarlo a determinar si su país de origen puede participar en la “lotería de Green Cards” y si usted es elegible, dependiendo de sus antecedentes, y presentar entonces una solicitud.\nPor favor, tenga en cuenta que la elegibilidad por país puede cambiar de año en año, dependiendo de las tendencias de inmigración y actualizaciones legales. Una manera fácil de confirmar si su país puede participar en la “Lotería de Green Cards” es enviando un correo electrónico a nuestro bufete y trabajando con nuestros abogados desde el principio.\nDe todos modos, ¿qué es la “Lotería de Green Cards”?\nLas visas de inmigración por diversidad son seleccionadas y otorgadas por los EE.UU. a inmigrantes elegibles cada año basándose únicamente en un sistema de extracción computarizado y aleatorio. Los solicitantes se mezclan en seis regiones geográficas diferentes. Cada país no puede recibir más del 7% de las visas de diversidad disponibles para ese periodo.\nRecibir una visa de diversidad es casi como ganar la lotería, por eso se le conoce con este apodo extraoficial entre inmigrantes y bufetes de abogados de inmigración. A cambio de la aleatoriedad de recibir una visa de diversidad, su solicitud no supone ningún coste.\nRequisitos de experiencia profesional y de educación\nNo obstante, cualquier inmigrante curioso no puede entrar en el sorteo de una visa de diversidad. El programa cuenta con un requisito de experiencia de educación y/o trabajo, así como una serie de criterios de inadmisibilidad.\nPara participar en la Lotería de Visa de Diversidad, usted necesita tener:\nEducación secundaria o equivalente; y/o\nUn historial de trabajo que incluya al menos dos años de trabajo en los últimos cinco años en un puesto de trabajo para el que se necesiten al menos dos años de formación o experiencia.\nSiga nuestros consejos para ganar confianza\nAunque enviar una solicitud de visa de diversidad no supone ningún coste, muchos solicitantes encuentran el proceso estresante. Simplemente lidiar con el Servicio de Ciudadanía e Inmigración de los Estados Unidos (USCIS, por sus siglas en inglés) y seguir todas las instrucciones de solicitud puede ser frustrante si usted no está familiarizado con sus expectativas y con el derecho de inmigración en general. Esto es especialmente cierto una vez que usted ha sido elegido en la lotería; la participación en el sorteo es solo el comienzo del proceso. Los solicitantes deben someterse a investigaciones en la Embajada a través del USCIS para verificar sus antecedentes y cualificaciones básicas.\nPara quitarse un peso de encima, usted puede seguir los consejos de nuestros abogados expertos en Lotería de Green Cards en Omaha. Le guiaremos durante todo el proceso de solicitud y confirmaremos que todo está correctamente rellenado después de verificar que usted sea elegible para solicitar la visa de diversidad. Si usted es seleccionado para recibir la visa de diversidad, entonces también le ofreceremos asesoramiento legal sobre cómo responder a cualquier pregunta y completar el proceso, asegurándonos de que usted reciba el “premio de la lotería”.\nEstamos deseando hablar con usted. ¡Llame hoy a 402-403-4358!


REFORMA Y MEJORA DE LA ACCESIBILIDAD EN I.E.S. LA ZAFRA DE MOTRIL(GRANADA) – Justicia & Rodríguez\nREFORMA Y MEJORA DE LA ACCESIBILIDAD EN I.E.S. LA ZAFRA DE MOTRIL(GRANADA)\nImplantación de la instalación de dos elevadores para personas de movilidad reducida, a continuación del pasillo de distribución de aulas.\nEn el edificio principal, se ubica junto a la sala de profesores, adosado al edificio, haciendo una pequeña redistribución de dos seminarios en planta baja y de dos aulas que se han apropiado del pasillo de circulación en planta alta.\nEn el edificio auxiliar, se ha dispuesto el ascensor junto a la escalera de evacuación, al noreste del pasillo de distribución.\nEn las ubicaciones descritas los ascensores se sitúan en un lugar resguardado del patio de recreo sin apenas impacto en el mismo, quedando integradas de forma orgánica en el edificio existente.\nSe entiende como una continuación del pasillo existente en las tres plantas, de manera que el hueco de cierre del pasillo se traslada al cerramiento de la estructura proyectada de manera que no se pierda la acertada continuidad visual de estado previo a la reforma.\nLa intervención consiste en la elaboración de una estructura metálica y el cerramiento del ascensor que se compondrá de panel prefabricado de acero nervado prelacado de 80 mm de espesor con alma de lana de roca. Los huecos propuestos en el desembarco del ascensor, se cierran con vidrio tipo u-glass armado longitudinalmente formando cámara.


Coros Pace EK Kipchoge review, por Mayayo. CARRERASDEMONTANA\nInicio » Carreras de montaña » COROS PACE 2 EK KIPCHOGE EDITION: Batería gps 30h + Pod tecnica carrera.\ncoros pace 2 kipchoge edtiion.\nPublicado por mayayo oxigeno el agosto 19, 2021 en Carreras de montaña, coros pace 2, coros pace 2 ek, coros pace 2 kipchoge edition, reloj gps, relojes coros | 1 Comentario\nCOROS PACE 2 EK KIPCHOGE EDITION: Batería gps 30H + Pod técnica carrera. Nuestra sección RELOJ GPS presenta análisis completo del reloj gps más joven, pequeño y accesible de la gama COROS, apadrinado por el bicampeón olímpico Eliud Kipchoge.\nEste kit agrupa el COROS PACE 2 + 2 correas + COROS POD, todo ello por 250€ (200€ solo el reloj) Se producirán solo 5.000 unidades, que acaban de salir a la venta. Un gps nacido para correr sobre asfalto, entrenamiento en gimnasio y similares. Arrancamos con el lanzamiento mundial original en inglés de ayer.\nCoros Pace 2 review in english, here.\nCoros Vertix 2, Apex Pro, Apex 46, Apex y Pace 2.\n¿Funciona bien un reloj gps Coros? Apenas llevan un par de años en España, cierto. Pero, por nuestra experiencia real con ellos, podemos confirmar que sí lo hacen. Y muy bien: Aqúí la PRUEBA FONDO COROS VERTIX 2 , el flamante tope de gama recien lanzado, que publicó ayer nuestro compañero Abel de Frutos.\nEste COROS PACE 2 como veis abajo, por su espectacular relación precio: Por 200€ contamos con un reloj gps hiperligero que llega sin embargo a ofrecenos hasta 30h de batería gps a tope de precisión.\nEn el caso de la KIPCHOGE EDITION se la añade además el COROS POD, un accesorio que llevaremos atado a la zapatilla para medir nuestra técnica de carrera.\nCOROS PACE 2 EK KIPCHOGE EDITION.\nPVPR 250€ (Solo 5.000 unidades)\nIncluye: Reloj Coros Pace 2 + 2 correas (Nylon y Silicona) + Cargador + Coros Pod.\nResolución pantalla 240 X 240 pixels\nMaterial Pantalla: Corning glass. Material específico para displays digitales\nMaterial Bisel: Polimero fibra reforzado. Material gama media, por debajo del titanio y acero de sus hermanos en resistencia.\nCorrea: A elegir. La clásica de Silicona o una aun más ligera y transpirable de nylon.\nBateria: GPS tope precisión 30h. UltraMax GPS Mode: 60hrs. Uso básico reloj deportivo 20 días. Superlativo, más aun para tu tamaño y peso.\nTiempo recarga completa: 1-2 horas. Bastante rápido.\nCOROS PACE 2 EK KIPCHOGE EDITION: LO MÁS DETACADO\n• Hiperligero y compacto: Con tan solo 29 g si apostamos por la correa de nailon COROS, COROS PACE 2 fue el reloj GPS más ligero del mundo en el momento de su lanzamiento, a fines del 2020.\n• Procesador 4X más potente que el PACE original: El COROS PACE 2 supone todo un salto vs la versión original. Ahora luce un procesador 1,5 veces más potente, ofrece 5 veces más RAM y 4 veces más almacenamiento que el COROS PACE original, As no solo procesa más y mejor, sino tambien incorpora nuevas funciones ampliadas. Y durará mucho más tiempo (400%) hasta que se sature la memoria y tengas que descargar/limpiar datos.\n• Batería 30h gps a tope precisión. Marca de la casa, la batería en este formato tan pequeño impresiona. Y es que este COROS PACE 2 ofrece 30 horas de duración completa de la batería del GPS. Supone un aumento del 20% del COROS PACE original. Y si quieres que tu batería te dure aún más, tiene un modo de UltraMax que sergun la marca sube hasta casi 60h de batería aunque ya perdiendo precision datos.\n• Modo reloj deportivo para 20d del tirón: Ahorrar batería prolonga la vida del reloj. En este caso, el COROS PACE 2 ofrece 20 días de uso diario. OJO, Que a diferencia de otras marcas, en este caso son 20 días SIN GPS PERO CON seguimiento de la frecuencia cardíaca y el sueño, activar la luz de fondo, medir pasos, recibir notificaciones e incluso alarmas todos los días.\n• Ajuste automático Laps: Cuando damos vueltas entrenando en la pista o la piscina, el solo se da cuenta y se autoajusta. UN problema clásico de los relojes gps que nunca atinaban con la longitud de cuerda o piscina real, se resuelve aqui usando la cabeza. Ya veremos en las pruebas con cuanta precisión, claro…. pero bien está.\n• Multideporte para todos: Y es que, aunque enfocado sobre todo al running urbano, entrenamiento en gimnasio y piscina, el COROS PACE 2 mantiene los modos de deporte prestablecidos de la familia aventurera. Es más, podemos ir más allá de la carrera, bicicleta o natación estándar y probar el nuevo modo de fuerza, o explorar la precisión del modo de carrera en pista comentado antes.\nModo entrenador personal fuerza: El programa de Entrenamiento de Fuerza tiene más de 200 ejercicios ya integrados para la parte superior del cuerpo, la parte inferior del cuerpo, el trabajo del core y más. COROS PACE 2 detecta automáticamente los movimientos de su cuerpo y monitorea su frecuencia cardíaca y las calorías quemadas.\n• Mapa de calor muscular Una vez que haya terminado, consulte el nuevo mapa de calor muscular para ver qué grupos de músculos vieron la mayor acción en una vista diaria, semanal o mensual, para ayudar a determinar su próximo bloque de entrenamiento.\nCOROS POD: Mejorar la técnica, día a día.\nEl kit se completa con el Coros Pod. Un sencillo accesorio que deberemos clipar en la cinta trasera del pantalón o malla. Su función es evaluar hasta cinco parámetros clave de nuestra técnica de carrera para, una vez conocidos, ser conscientes de como y donde podemos mejorar para correr más rápido o más eficazmente con el mismo o menor esfuerzo.\nLos siete parámetros evaluados son: Frecuencia de zancada, cadencia de zancada, amplitud de zancada, tiempo contacto con el suelo, alttiud del paso, equilibrio derecha/izquierda y ratio de eficiencia en carrera.\nCOROS PACE 2 EK KIPCHOGE EDITION: CONCLUSIÓN.\nUn kit de especial interés para todo tipo de corredor o deportista urbano: Por un precio accesible de 250€ nos ofrece el mejor reloj gps de hoy para el asfalto o gimnasio, con correa de recambio (siempre es lo primero en romper, si es de silicona) más el Pod para ir mejorando día a día.\nEl reloj es el más joven y urbanita de la marca, contremenda relación calidad-precio. Si sus hermanos tienen vocación montañera y cajas muy sólidas, el cristal digital específico y la caja de polímero plástico no son aqui tan resistenes, pues está pensado para usarlo como reloj «asfaltero» en la ciudad. O al menos, donde no vayamos a rozarlo o golpearlo con rocas de forma habitual.\nPese a su minúsculo tamaño y peso, su batería llega hasta las 30h en modo gps cada 1seg. Es un logro superlativo, que supera por ejempo en un 20% al Pace original, que ya era muy bueno de por si. Y en caso que seas asfaltero de ultrafondo, tambien tiene modo ultramax con el que te puedes ir hasta las 60h del tirón, perdiendo algo de precisión claro. En uso diario como reloj solo se va hasta los 20 días,\nEn su contra: Enfoque asfaltero y urbano. Bueno para entrenos en pista tambien, pero no es tan duro para la montaña al no apostar por el acero o titanio que si protegen el corazón de sus hermanos mayores.\nOJO! Solo hay 5.000 unidades. Para comprar, debes clicar directamente aqui: COROS PACE 2 EK.\nCOROS 2021 EN RADIO TRAIL:\nREVIEW GAMA, POR ABEL Y MAYAYO.\nVamos con el análisis completo de la gama COROS 2021 previa, por nuestros patrones Abel y Mayayo. Una marca de relojg GPS, la estadounidense, cuyos aparatos y vertiginosas cifras de venta confirnan que ha venido para quedarse. Funcionan. Y muy bien.\nAyer y hoy os hemos presentado los flamantes COROS VERTIX 2 y este COROS PACE 2 EK. Pero la marca confirmó tambien que seguirá actualizando el software y mejorando las cinco versiones clásicas que repasamos aqui.\nVamos abajo ahora con la panorámica de marca: Son cinco lobitos que ya ha lanzado esta loba, dando caza a los Garmin-Suunto. Dale al play para conocer todo: De los 200€ del flamante Coros Pace 2 a los 700€ del Coros Vertix Icebreaker.\n← COROS VERTIX 2 REVIEW: La batería más larga y el gps más preciso del mundo RECORD MONTE ROSA MANUEL MERILLAS 3h59m18s. Rebaja en 31min la marca de Franco Colle. →\nmayayo oxigeno Autor de la entradaagosto 19, 2021\nUna bárbara relación calidad-precio si eres más de asfalto y pisteo que de montaña, montaña, creo yo. Por 250€ tienes un bicharraco de reloj, que pesa y abulta nada. Más lo del pod, aunque no se yo si aprenderemos a correr alguno como el maestro Kipchoge alguna vez, te pongas como te pongas… 😀


Preventa de acciones de fcsc isznh\nFCC es la matriz de uno de los primeros grupos europeos de servicios ciudadanos, tanto por volumen de cifra de negocio como por rentabilidad. FCC tiene tres grandes líneas de actividad que responden a un modelo de negocio equilibrado. Infraestructuras desarrolla su labor dentro del marco de la construcción y de la actividad industrial.\nVenta de acciones: ¿con o sin dictamen? Conozca los casos de retención, una opción para evitarla y los cálculos para obtener la ganancia o pérdida en este tipo 25-05-16: El Consejo de Administración de FCC ha acordado promover la formulación de una oferta pública de adquisición sobre el 100% de las acciones de Cementos Portland Valderrivas para su exclusión de negociación a un precio de 6 euros por acción. 6/30/2016 · En el siguiente video aprenderemos a declarar la venta de acciones. Ver más: Compra-venta de acciones de empresas y negocios. Ponga un anuncio si quiere vender acciones de empresas. 7/8/2014 · FCC limitará las ventas de acciones del grupo que realicen los bancos titulares del tramo de deuda de 1.350 millones de euros de la compañía que se capitalizará en títulos de la constructora en caso de que en el horizonte de 2018 no pueda pagar o refinanciar este pasivo, según consta en un pacto parasocial hecho público hoy a través de un hecho relevante remitido a la CNMV. El artículo 134 de la Ley General de sociedades mercantiles, impide que las Sociedades Anónimas adquieran sus propias acciones. El artículo 141 de la Ley General de Sociedades mercantiles, restringe la venta de las acciones pagadas en especie, obligando a los accionistas a conservar estas acciones por un plazo de al menos dos años. FCC es la matriz de uno de los primeros grupos europeos de servicios ciudadanos, tanto por volumen de cifra de negocio como por rentabilidad. FCC tiene tres grandes líneas de actividad que responden a un modelo de negocio equilibrado. Infraestructuras desarrolla su labor dentro del marco de la construcción y de la actividad industrial.\nwww.fcsc.es Pliego de Cláusulas Técnicas Expediente FCSCL 02/2013 24 de septiembre de 2013 Página 4 de 11 1.INTRODUCCIÓN. La Fundación Centro de Supercomputación de Castilla y León (en adelante FCSCL) es una entidad pública de la\nEs decir, por la ventas de acciones NO me aplican retención sobre la plusvalía. Se ajustan cuentas con Hacienda a través de la Declaración de la renta, no antes. Qué sucede si hay pérdida patrimonial por invertir en bolsa, mecanismos de compensación. Igual que tenemos ganancias, podemos tener pérdidas por la venta de acciones. 1/5/2015 · Información financiera sobre las acciones de Sacyr (SCYR), incluyendo precio de las acciones, último cierre, volumen, variación en 1 año, rango intradía, rango de 52 semanas, capitalización bursátil, ingresos, dividendo etc. de SCYR. Conozca más detalles en una de estas secciones: datos históricos, gráficos, análisis técnico, etc. La diferencia entre los precios de compra y venta es de donde viene tu beneficio. Por ejemplo, imagina que compras 100 acciones valoradas en $15 cada una. Esa es una inversión de $1.500. Si, después de 2 años, el precio de la acción sube a $20, tu inversión de $1.500 se convierte en una inversión de $2.000, dándote un beneficio de $500. 2/20/2018 · Las acciones de FCC suben alrededor de un 4% en bolsa y se sitúan en sus niveles más elevados desde el pasado junio, tras remontar más de un 20% en cuatro meses. Los títulos de la compañía reaccionan así a la noticia de que FCC negocia la venta de un 49% de su filial Aqualia al fondo IFM. Te permite cumplir con la obligación de presentar tu aviso de presentación del dictamen fiscal de enajenación de acciones. 7/26/2019 · Actualmente, Casino tiene el 55,3% de las acciones de Éxito. Frente a la oferta, la junta directiva también dio vía libre para “iniciar los trabajos preparatorios con el objetivo de la migración de GPA al Novo Mercado, considerando la conversión de las acciones preferenciales en acciones ordinarias en una proporción 1:1. Chemical and Biochemical Engineering\nEs decir, por la ventas de acciones NO me aplican retención sobre la plusvalía. Se ajustan cuentas con Hacienda a través de la Declaración de la renta, no antes. Qué sucede si hay pérdida patrimonial por invertir en bolsa, mecanismos de compensación. Igual que tenemos ganancias, podemos tener pérdidas por la venta de acciones. 1/5/2015 · Información financiera sobre las acciones de Sacyr (SCYR), incluyendo precio de las acciones, último cierre, volumen, variación en 1 año, rango intradía, rango de 52 semanas, capitalización bursátil, ingresos, dividendo etc. de SCYR. Conozca más detalles en una de estas secciones: datos históricos, gráficos, análisis técnico, etc.\nFCC y Acciona recurren la adjudicación del metro de Panamá . CINCO DÍAS. FCC gana 128,9 millones, el 15 % menos, tras la venta del 49 % de Aqualia . EFE.\nEncuentra Acciones en Acción de Club en Venta en Mercado Libre Venezuela. Descubre la mejor forma de comprar online. Esta resolución se otorga para confirmar que la tasa reducida de 10% de ISR sólo se deberá aplicar a la venta de acciones que realiza el gran público inversionista. En concreto, la SCJN declaró constitucional la reforma fiscal de diciembre de 2013 en el tema de ISR a las ganancias por venta de acciones. www.fcsc.es Pliego de Cláusulas Técnicas Expediente FCSCL 02/2013 24 de septiembre de 2013 Página 4 de 11 1.INTRODUCCIÓN. La Fundación Centro de Supercomputación de Castilla y León (en adelante FCSCL) es una entidad pública de la Conclusiones sobre Compraventa de acciones o de activos. En la compraventa de acciones, el vendedor es el titular de las acciones que se venden, y la empresa no forma parte del contrato. En cambio, en la compraventa de rama de actividad, es la sociedad a quien pertenecía dicha actividad quien figura como parte vendedora. Accede al Foro de Fcc (FCC) en Rankia. Consulta las opiniones de los expertos y la información más actualizada de Fcc (FCC). Te ayudamos a tomar decisiones financieras.\nEncuentra Acciones en Acción de Club en Venta en Mercado Libre Venezuela. Descubre la mejor forma de comprar online. Esta resolución se otorga para confirmar que la tasa reducida de 10% de ISR sólo se deberá aplicar a la venta de acciones que realiza el gran público inversionista. En concreto, la SCJN declaró constitucional la reforma fiscal de diciembre de 2013 en el tema de ISR a las ganancias por venta de acciones. www.fcsc.es Pliego de Cláusulas Técnicas Expediente FCSCL 02/2013 24 de septiembre de 2013 Página 4 de 11 1.INTRODUCCIÓN. La Fundación Centro de Supercomputación de Castilla y León (en adelante FCSCL) es una entidad pública de la Conclusiones sobre Compraventa de acciones o de activos. En la compraventa de acciones, el vendedor es el titular de las acciones que se venden, y la empresa no forma parte del contrato. En cambio, en la compraventa de rama de actividad, es la sociedad a quien pertenecía dicha actividad quien figura como parte vendedora. Accede al Foro de Fcc (FCC) en Rankia. Consulta las opiniones de los expertos y la información más actualizada de Fcc (FCC). Te ayudamos a tomar decisiones financieras. La venta de acciones y el pago de impuestos. Publicado el 13 de Septiembre 2017 a las 4:50 PM. En el mercado de valores, la venta de acciones presenta una serie de implicancias tributarias. Las personas naturales y jurídicas tienen, respectivamente, distintas obligaciones que cumplir. Tributaremos compra-venta de acciones sólo los beneficios obtenidos: sólo se paga por el beneficio total descontadas las pérdidas y hay cuatro años de plazo para realizar la compensación. Las plusvalías generadas con la venta de acciones se consideran ganancias patrimoniales que tributan como rentas del ahorro.


El acuerdo tripartito entre Israel, Emiratos Árabes Unidos y Bahréin, el comienzo de la estabilidad en Medio Oriente - El Diario NY\nEl acuerdo tripartito entre Israel, Emiratos Árabes Unidos y Bahréin, el comienzo de la estabilidad en Medio Oriente\nDe izq. a dcha: Benjamin Netanyahu, primer ministro de Israel; Donald Trump, presidente de EE.UU; Abdullatif al-Zayani, ministro de Exteriores de Bahréin; y Abdullah bin Zayed Al-Nahyan, ministro de Exteriores de Emiratos Árabes Unidos.\nPor: Leah Soibel 16 de Septiembre 2020\nEl tratado de Abraham, recién firmado en la Casa Blanca, bajo los auspicios de Estados Unidos, no es poca cosa.\nNo es la paz con los palestinos ni entre Israel e Irán, pero parece ser el camino hacia un Oriente Medio más estable y próspero y es sin duda supone un cambio dramático en la dinámica de poder en la región.\nIsrael mantenía relaciones plenas con Egipto, desde 1979, y con Jordania, desde 1994, y en apenas un mes ha cerrado el pacto con Emiratos Árabes Unidos (EAU) y Bahréin.\nLo relevante de este crucial movimiento diplomático, que se viene gestando desde hace tiempo y que acaba de rubricarse, es que no es solo conveniente para Israel, sino que sus contrapartes lo desean de igual manera.\nEl ministro de Interior de Bahréin, Rashid bin Abdalá al Khalifa, dijo que el acuerdo de normalización con Israel forma parte de la política del reino para crear “alianzas sólidas frente a peligros potenciales” como Irán, al que acusó de ser “una amenaza constante” para la seguridad de su país.\n“Somos un país centrado en mejorar nuestras capacidades, y nuestra estrategia sigue basada en la existencia de alianzas sólidas frente a peligros potenciales”, agregó.\nPor su parte, el ministro emiratí de Exteriores, Anuar Gargash, señaló cuando se hizo público el acuerdo que el objetivo del entendimiento diplomático con Israel es “reforzar la estabilidad de la región e impulsar el proceso de paz entre israelíes y palestinos”.\nSin embargo, el presidente palestino Mahmud Abás rechazó de plano los acuerdos aduciendo que la normalización con Israel es sinónimo de traicionar la causa palestina.\nEl nombre del acuerdo, en referencia al patriarca de las tres religiones monoteístas, señala la ambición del proyecto, que parece que va a seguir sumando países árabes y musulmanes a esta nueva alianza regional.\nIncluso los países más críticos han dado indicios de poder acomodarse al cambio sísmico en la región si otras naciones árabes, en particular Arabia Saudí, también siguen los pasos de EAU y Bahréin. Porque si Arabia Saudí se pronunciase a favor, eso tendría implicaciones para Irán, Siria y Líbano.\nPor ahora Arabia Saudí ha dado su beneplácito al acuerdo de manera tácita al permitir que los vuelos comerciales que hagan la ruta de Israel a los Emiratos puedan sobrevolar territorio saudita.\nMientras, se cree que otros países pueden estar cerca de reconocer a Israel, como Omán, Sudán y Marruecos.\nMuy significativo es que la Liga Árabe no haya aprobado una resolución de condena a los EAU propuesta por los palestinos la semana pasada, así como lo es la postura del poderoso Consejo de Cooperación del Golfo (GCC, por sus siglas en inglés) y de su secretario general, Nayef al-Hajraf, quien exigió a los líderes palestinos una disculpa por sus duras críticas contra los EAU por su normalización de lazos con\nForman el GCC Qatar, Kuwait, Bahréin, Omán, Arabia Saudí y los EAU y acusaban al liderazgo palestino de usar un “lenguaje incitador y amenazante”.\nEn resumidas cuentas, el acuerdo de paz y normalización que representa paz y prosperidad para la región es una mala noticia para el régimen de Teherán que aboga incansable por la eliminación del “Estado sionista”.\nTal vez Irán empiece a quedarse solo ahora.


1xbet Mercados » Todos los Deportes & Competiciones para Jugar\nTodos los Deportes Disponibles en 1xBet - Descubre los Mercados de Apuestas\nCuando buscas una web donde realizar apuestas deportivas, dos de los factores más importantes a valorar son los deportes y los mercados que hay disponibles. Ambos se encargan de construir todo el ecosistema de posibilidades que el jugador tiene a su disposición para arriesgar y ganar dinero, que a su vez sirve para diferenciar y hacer que unos portales despunten más que otros.\nFútbol, baloncesto, tenis, carreras de galgos y hasta videojuegos son parte del abanico que compone gran parte de 1xbet Mercados de apuestas y deportes. Algo en lo que, junto a los citados mercados, vamos a centrarnos aquí.\n¿Qué mercados de apuestas hay disponible en 1xbet?\n¿Cómo apuesto?, ¿con qué apuesto? Estas cuestiones son aquellas que miran a la sección de mercados dentro del mundo de las apuestas. En el apartado de 1xbet Mercados de apuestas y deportes es posible encontrar muchísimas variantes distintas que tocan prácticamente todos los mercados disponibles en las respectivas disciplinas deportivas que se recogen en el portal online.\nLos deportes más importantes cuentan, además de con los mercados más relevantes, también con las propuestas más extrañas con las que apostar. Los miembros registrados de 1xBet pueden probar suerte para vaticinar cuál será el equipo ganador en cualquier partido, como es habitual, como también pueden aspirar a cosas más concretas como la forma en la que se marcará el siguiente tanto, quién firmará más puntos a favor o goles después de saques de esquina, entre otras tantas posibilidades.\nY este espectro que va de lo habitual a lo raro se expande por todas las modalidades deportivas que hay disponibles. Desde las más comunes y populares como el deporte rey o el basket hasta otras menos frecuentes como el tenis de mesa, las artes marciales o el biatlón. Aunque más adelante especificaremos la variedad deportiva que hay disponible para poder hacer apuestas en 1xBet, ya podemos adelantar que es enorme.\nDisponer de un amplio mercado para apostar es uno de los puntos más importantes de un portal de apuestas, y en ese sentido 1xbet demuestra que tiene razones más que suficientes para justificar su crecimiento y expansión por tantos territorios. Tiene mucho que ofrecer para los que van tanto a lo habitual como a lo más raro cuando quieren plantar cara al azar con su dinero incluso en el deporte más conocido.\nBusques lo que busques a la hora de apostar en los deportes 1xbet más importantes, éstos son capaces de albergar una variedad importante para satisfacer las necesidades y exigencias de los usuarios con más experiencia en este terreno. Además, queremos destacar la posibilidad de apostar al hándicap asiático, uno de los mercados más demandados por los expertos.\n¿A qué deportes puedo apostar en 1xbet?\nSi los mercados son lo que componen la variedad que se puede ofrecer dentro de cada deporte, luego queda por resolver la cuestión sobre con qué deportes se puede apostar en 1xbet. La variedad era el término más adecuado para definir al apartado anterior, y vuelve a serlo en este, donde además hace sitio para algunas de las propuestas más extrañas que pueda haber en el mundillo.\nLa sección 1xbet deportes está encabezada por el fútbol, el baloncesto y el tenis; pero prosigue con el ajedrez, con 1xbet handball, con 1xbet badminton, con el tenis de mesa, las artes marciales, el atletismo, el balonmano, el billar, el boxeo, las carreras de caballos, el ciclismo y un larguísimo etcétera en el que el usuario puede perderse durante horas para escoger la mejor combinación deportiva que pueda encontrar.\nLas rarezas son, quizá, lo más llamativo de este elenco. El portal 1xBet, dentro de su sección deportiva, posee un apartado llamado Apuestas Especiales donde se puede pujar por cuestiones políticas, por el futuro de la casa real británica, por competiciones de pesca o, en el culmen de lo extraño, por el fin del mundo. Hay para todos los gustos, incluso para los que se alejan por completo de las corrientes más habituales.\nSe podría seguir con la lista, pero los nombres que se han reflejado ya son motivo suficiente para comprobar que esta casa de apuestas y juegos de azar no se ha cortado a la hora de introducir riqueza y variedad a su catálogo. Con esto, logra atraer a una mayor legión de jugadores que descubren todo lo que pueden hacer dentro de un portal que, además de ser tan rico en propuestas de juego, puede presumir también de ser bastante fácil de usar.\nCon esta riqueza, no tardan en calar entre un público cada vez más grande. Hay propuestas suficientes para encajar con todos los gustos, generando un mayor interés incluso en público reticente a las casas de apuestas tanto tradicionales como online. Como se suele decir, en la variedad está el gusto, y en ese sentido 1xBet tiene muchísimo que decir y que aportar.\nApuestas especiales en 1xbet - Apuestas raras disponibles\nSiguiendo el hilo de la riqueza y la variedad que constituyen el catálogo de variantes a la hora de apostar en 1xBet, conviene pararse un momento a observar detenidamente la parte más diferente, las apuestas especiales en 1xbet. Existen muchas apuestas raras disponibles para todo el que quiera probar suerte con ellas, propuestas imposibles de ver en otras casas online.\nDentro de lo menos extraño es posible encontrar apuestas relacionadas con el fútbol gaélico o con el deporte del hurling o incluso las peleas de gallos; pero si se empieza a ahondar un poco más se puede dar con el rincón de las competiciones virtuales, esas que reúnen a jugadores para que compitan en videojuegos a través de importantes torneos en los que cualquier usuario de 1xBet puede participar apostando por los favoritos o los equipos revelación.\nEl apartado de Apuestas Especiales que hay disponible es el que se lleva la palma en cuanto a rarezas disponibles. En él se tiene la oportunidad de hacer apuestas sobre política o sobre realeza, incluso hay quienes pujan con un alto ratio de beneficio a que la hija de Serena Williams llega a ser la primera mujer en la Luna o se decantan por lo musical con 1xbet Eurovisión.\nApuestas de política en 1xbet\nLas apuestas de política en 1xbet son lo que parece. Una oportunidad para que los ajenos al deporte o incluso los familiarizados con él también se puedan llevar algo de dinero ante aspectos como cuál será el próximo país en abandonar la Unión Europea, qué pasará con la familia de Donald Trump o cuál será el próximo candidato demócrata de cara a las elecciones estadounidenses de 2020.\nSon sucesos que pueden darse o no, y que entran dentro de las posibilidades de apostar dada la incertidumbre que les rodea. Lo interesante aquí es que, quienes estén al tanto de la actualidad y sepan cómo está la situación en otros países, pueden conseguir llevarse interesantes beneficios si realizan los movimientos adecuados.\n¿Qué es moneyline o línea de dinero en 1xbet?\nEl concepto es bastante habitual en territorio estadounidense, pero cuando se lleva a otros países es normal que surjan dudas sobre qué es línea de dinero o moneyline. Se trata de un sistema utilizado sobre todo en los deportes más populares de Estados Unidos, como el basket, el hockey o el fútbol americano y sus respectivas ligas profesionales. Utiliza signos positivos y negativos en función de las capacidades del equipo y sus posibilidades para ganar, y siempre haciendo referencia a 100 dólares. De esta forma, en caso de ver un -150, significa que hay que invertir 150 dólares para obtener un beneficio de 100; por el contrario, si aparece +150 quiere decir que con invertir 100 se obtienen 150. Es importante remarcar que el operador marca como ejemplo una apuesta de 100, pero obviamente el jugador podrá jugar con la cantidad que estime oportuno.\n¿Qué es scorecast?\nDentro de los mercados, otro bastante especial en el terreno de las apuestas es el que se conoce como scorecast. Éste, disponible dentro de 1xbet apuestas deportivas hace referencia a una combinación de elementos que están conectados en cierto modo y que, a su vez, pueden propiciar unas ganancias bastante elevadas. Saber qué es scorecast es tan sencillo como entender que se trata de un método mediante el cual un jugador debe apostar por quién anotará el primer tanto en un partido y, además, el equipo que ganará dicho encuentro, junto con el resultado. Es decir, un ejemplo válido sería decir que Bale marcará el primer gol en un partido de fútbol y, además, el Real Madrid ganará por un 3-1.\n¿Qué 1xbet línea de gol?\nDisponible con variantes como la de 1xbet línea de gol, este tipo de apuestas se encuentran disponibles también dentro de nuestro operador y son un mecanismo que anima a los jugadores a desafiar a la propia web cuando se proponen apostar. El concepto de línea de gol se refiere a un total de goles que establece la casa con respecto a un partido y por el que, en caso de que se supere, un jugador puede llevarse una importante suma de dinero. Para explicarlo mejor, podemos decir que, si se indica una línea de 3 goles y en un partido se marcan 4, quien haya apostado se llevará dinero automáticamente. Si se iguala, se devuelve el dinero y si la cantidad es inferior, se pierde.