Javier Giner “Kodi”, Dave LaRue, Andrés Rotmistrovsky\nLTD Stream 204, JCR Eclipse SC\nPedales: MXR M81, T•Rex Neocomp\nMultimedia, Software, Pruebas\n9 Javier Giner “Kodi”\n13 Andrés Rotmistrovsky\n18 Dave LaRue\n22 Yamaha Yamsession\n30 JCR Eclipse SC\n40 Bajo Flamenco\n46 Clinic Abaham Laboriel\n48 Reparando el alma de un bajo\n53 Multimedia / 54 Postales eléctricas\n56 Storm Choir II\nPara este número tenemos en portada y en entrevista exclusiva a\nTM Stevens, ha sido todo un lujo contar con él. Nos grabó desde su\nestudio en New York un video de dos horas contando todo su bagaje,\nsus experiencias como sideman de lujo y como productor. Hemos\ndividido la entrevista en dos partes para no cortar nada y para no\nhacerlo pesado. Un tipo\nque ha tocado para Miles\nDavis o Stevie Wonder\ninteresante que contar. Le\nacompañan en otra onda\ndiferente por completo\nDave LaRue, bajista de\nSteve Vai, Satriani o Steve\nMorse entre otros muchos\ny por último Kodi un bajista\nespañol que gira con una\nde las bandas de ska más\nvivas, The Toasters.\nanunciantes, están a\nun click en la revista\npropuestas de lo más\nEn el apartado de reviews\ncontamos con dos bajos\ntotalmente diferentes un\nJCR Bass y un LTD. En\namplificación un Warwick y un par de pedales T-Rex y MXR, completo\nEl maestro Mariano Martos sigue con sus clases de bajo flamenco.\nTenemos un artículo sobre el Yamsession de Yamaha 2014 y un\nclinic de nuestro viejo conocido Abraham Laboriel que junto con las\nsecciones de software musical y alguna recomendación del luthier\ncompleta los contenidos de este número.\nNo dejéis de visitar las webs de nuestros anunciantes, están a un click\nen la revista y siempre tienen propuestas de lo más interesantes que\nfrecernos. Gracias por estar ahí.\nMÁS LIGEROS MÁS POTENTES\nLA NUEVA SERIE DE AMPLIS DE BAJO RUMBLE™\nLOS NUEVOS CABEZALES Y COMBOS\n© 2014 Fender Musical Instruments Corporation. Fender y Rumble y el diseño característico de pala que habitualmente\nmontan estas guitarras son marcas registradas por Fender Musical Instruments Corp. Todos los derechos reservados.\nREDISEÑADOS CON EL CLÁSICO FENDER VIBE\nUn bajista real (I)\nStevens no sólo es un astro al\nbajo como demuestran sus cientos de grabaciones algunas de ellas clave en\nla música moderna, ni sus colaboraciones\ncon artistas como Miles Davis o Stevie Wonder por citar un par de ellos. T.M. es también\nproductor, arreglista… pero por encima de\ntodo músico. Fue un placer y un honor charlar con él y esto es en exclusiva lo que nos\ncontó en una primera parte.\n¿Como comenzaste con el bajo, ese\nprimer día que sabes que va a ser de por\nNací en el Bronx y lo creáis o no, estuve tocando en\nlas calles para poder ir a la escuela. Muchos músicos\nahora van a la escuela y hacen de todo. En aquella\népoca no había escuela para mí. Estaba en los Boy\nScouts de Harlem y vivía en el Bronx. Básicamente\ntenía que coger el tren el viernes por la noche par\na asistir a las reuniones y el líder del campamento\ndecía: “T.M. Stevens, después de las reuniones ven\na mi casa”. Harlem era diferente por aquel entonces, peligroso. Quería enseñarme algo de guitarra\nporque me veía interesado en la música. Me empezó\na gustar y me ponía algunos álbumes. Me di cuenta\nque lo que me llamaba la atención era el bajo. “Sex\nMachine” de James Brown… ¿Qué es eso, decía?\nCuando estábamos allí en Harlem a veces se escuchaban tambalearse las paredes del vecino y yo me\npreguntaba que era eso. Era el bajo. Fui a ver que\nera y vi a un señor. Me dijo que me vendía el bajo por\n10 dólares porque necesitaba el dinero, sin acabar\nde decir la frase yo ya había sacado el dinero del\nbolsillo. Lo compré y empecé a tocarlo inmediatamente. Yo no elegí el bajo, el bajo me eligió a mí, yo\nno elegí mi misión.\nMe quedaba sentado fuera de los clubs, ya que no\ntenía edad para entrar, y podía ser muy peligroso por\naquel entonces, pero quería escuchar a todos esos\nartistas tocando. Una vez tocaba Chuck Rainey y yo\nestaba intentando escuchar con la oreja en la pared.\nEn un descanso de la banda salieron y Chuck me\nenseñó con sus manos sobre las mías. Me llamaban\nMe quedaba sentado fuera del Cotton Club, muy famoso en Harlem, el Big Wilt Smalls Paradise, que\nya está cerrado…\n¿Cómo era la escena en los 70?\nYo empecé en los 80. Iba a los clubs pero no podía\nYo no elegí el bajo, el bajo me eligió a mí, yo no\nelegí mi misión.\nentrar. Así que en los 70 no tocaba en clubs. Una\nvez fui al club donde actuaba Tito Puente al norte\ndel Bronx. Mi madre pidió que me dejaran entrar,\nsin beber y allí sentado, lo prometió, solo para ver\na la banda. Tito me vio y comenzó a preguntarme.\nMe dijo que fuera y tocara el bajo. Me explicó la\n“clave” (el ritmo). Años después Steve Gadd me explicó en el estudio como tocar dentro de “la caja”,\ncomo le llamaba. Como seguir en tiempo aunque\nvayas más rápido o más lento, siempre dentro de\nesa “la caja”, es como se hace en directo para atraer\nmás a la gente. En el estudio lo puedes retrasar un\npoco más. Volviendo a Tito, mientras tocaban, note\nel “feel” de la “clave”. Ahí me di cuenta de que no\npuedes decir NO, eso corta tus posibilidades.\nAunque no tocaba, yo veía a la banda, tocaban algo\nreal por aquel entonces. No había ordenadores en\nA final de los 70 vivía en Nueva York, comencé en\nla sesión, en el 78. Por aquel entonces usábamos\nbuscas en los bolsillos, no había teléfonos móviles.\nHabía una compañía llamada “Radio Registry” que\ntenía el contacto de todos los músicos, los estudios, productores… A lo largo del día me llamaban\nal busca, entonces iba a un teléfono público y me\ndecían donde era la siguiente sesión. Conseguí el\n“feel” yendo de sesión en sesión, cambiando de registro muy rápido: Reggae, heavy metal, r&b… Así\nes como lo hice.\nSiempre dices que Miles Davis fue una\ngran influencia en tu carrera pero ¿Qué\nbajistas te han inspirado?\nMiles Davis fue una gran influencia para mí. No le\nconocía. Hice una sesión con Brecker Brothers y\nEsa música es especial cuando miras atrás.\nHoy, la tecnología, con loops y samples, es\nAl Foster, que era batería de Miles. Mi\noído era el secreto. No sabía nada de\nJazz pero aprendí rápido. Necesitaba\nalguien fresco y Al me recomendó. Al\ndía siguiente me vinieron a buscar en\nfurgoneta, llena de músicos. El guitarrista era Larry Coryell, Foster, un\npianista japonés… Al llegar allí estaba\nMiles. Empezamos con la sesión y en\nun momento dado Miles desapareció.\nEstaba en otra habitación y nos interrumpía cuando quería algún cambio,\npresionando un intercomunicador. Guitarra, hi-hat… Nos decía los errores.\nEn otra ocasión me preguntó si T.M.\nsignificaba Trouble Maker (problemático) porque tocaba demasiado, no dejaba espacio. Entonces le dije que viniera a nuestra habitación. Le pregunté\nporque no estaba allí con nosotros. Me\ndijo que si se quedaba en la habitación\nno tocaríamos como nosotros mismos,\nsimplemente intentaríamos impresionarle. Me dijo que cuando tocaba mis\nmejores licks no estaba escuchando,\nestaba demasiado ocupado conmigo\nmismo. Me dijo: “Debes escuchar. La\nmúsica es una conversación, si todo\nel mundo toca a la vez no se entiende nada, debes tener las orejas más\ngrandes que tu cabeza. Un error no es\nmalo, es una oportunidad de mejorar.\nSi alguna vez tocas algo mal repítelo\nmás fuerte, algunas veces encontrarás\ncosas nuevas, eso es Jazz”. A partir de\nahí aprendí a improvisar y lo que pasa,\npasa. Eso es magia. Aprendí a decir\nNO jamás. El hablaba como “El Padrino”. Así es como aprendes. No puedo\ncreer que esté en su libro “So What”,\nsu autobiografía, en una fotografía.\nMuchos bajistas me influenciaron. No\nes lo rápido que tocan, sino como tocan. Uno de ellos es Stanley Clarke, es\nquien me influyó al principio. Algunos\nde ellos también son mis amigos. No\nme gustan los egos. A cada persona le\ngusta algo diferente. ¿Qué es mejor?\n¿Las peras? ¿Las manzanas? Simplemente son diferentes. Bootsy Collins,\nel bajista de “Sex Machine” de James\nBrown, Jeff Berlin, con quién toque en\nNAMM, Jack Bruce… Con él toque en\nun show para Warwick en Nueva York.\nEra increíble. Éramos muy buenos\namigos y aún lo amo. Toqué en el hit\nde James Brown “Living In America”.\nConocí a James cuando tenía 12 o 13\naños y acabé tocando con él 20 años\nHas trabajado con James\nBrown, Nona Hendryx, Cyndi\nLauper, The Pretenders, Billy\nSquier, Miles Davis, Tina Turner\ny Joe Cocker... ¿Cual de ellos\nte ha impresionado más por\nHe tenido la oportunidad de tocar con\nmuchos artistas: Cyndi Lauper, James\nBrown, Nona Hendryx… La otra noche\nfui a ver un concierto de alguien con\nquién toque en los 80, Chrissie Hynde,\nnos llamábamos The Pretenders.\nPor aquella época la industria musical\nera real. Tocábamos en el estudio en\ndirecto. Esa música es especial cuando miras atrás. Hoy, la tecnología, con\nloops y samples, es todo mecánico. Con\n“Don´t get Me Wrong” era todo real. En\nel estudio uso el mismo equipo que en\ndirecto. Me gustan los 15” y los 18” y\nlos microfoneo. Cuando quiero “sub”\nutilizo un sintetizador de sub-armónicos,\nque lo hace tan profundo. Las guitarras\ntambién con amplificadores. El último\npaso es Pro-Tools, pero nunca corto y\npego, tocamos como banda. Cuando\nhay un error lo pinchamos como se hacía con cinta.\nCuando crecí, la música era clásica para\nsiempre, no había muchas notas. El álbum “Sex & Religion” también es mío,\ntoque el bajo ahí para Steve Vai, así que\ntambién puedo tocar rápido. Después\nde eso toqué para Joe Cocker, Tina\nTurner… Todo eso que hice es real.\nTambién con James Jamerson, mi amigo, él proviene del Motown. La banda\n“The Funk Brothers” tocó para muchos\nartistas: Steve Wonder, Temptations,\nJackson Five… Todo en Detroit. Eso es\nlo que me hizo comenzar en la música.\nJames Jamerson desarrolló la melodía\ndentro de la melodía. La voz hace una\nmelodía y luego el bajo hace otra, eso\nes lo que hacían.\nUn día conduje desde Canadá hasta\nDetroit solo para ver el estudio. Me senté con Jamerson para sentir la energía,\nesa era mi inspiración.\n¿Qué cualidades debe tener un\nmúsico de sesión?\nLa primera es escuchar. La segunda\nes tocar. Cuando vas al estudio puedes\nser capaz de tocar de todo, pero si no\nescuchas al resto de instrumentos… Si\nescuchas te saldrá natural. La regla tres\nes contar en semicorcheas. Eso es lo\nque necesitas para estar en el groove.\nCuando crecí, la\nmúsica era clásica\npara siempre, no\nA James Brown le conocí en el Apollo\nTheater. Me dijo: “Acaba el colegio, ten\ncuidado y no tomes drogas”. Harlem\nno era un lugar seguro pero yo allí estaba en la puerta del Apollo y 20 años\ndespués pude tocar con él el “Living In\nestudio de Dan Hartman, el productor.\nJames quería grabar las voces “¡ahora!”.\nMe miró y dijo: “Canta él”. Le dije que\nquizá no me recordaba pero cuando era\nun crío me dijo todo aquello de no dejar\nla escuela y que ahora estaba tocando\nTambién me hizo cantar porque los otros\ncantantes se quedaron atascados en el\ntráfico, era un viernes por la noche en el\nAsí que ahora toco con James Brown,\ndespués con Steve Vai, Joe Cocker…\nTodos estos artistas diferentes. Pienso\nNATHAN EAST - ARTISTA TC ELECTRONIC\nque cuando estás en esas situaciones\nno debes “disminuirlo” a no ser que sea\nalgo negativo. Añade cosas, no huyas.\nEstoy tocando fusion con Al DiMeola y\njusto después con Whitney Houston,\nco-escribí uno de los mayores hits de\nNarada Michael Walden…\nLo que digo es, en lugar de tener este\nplato tan grande y quitarle condimentos, yo se los añado. Me quedo con el\nFunk, el Rock, el heavy metal… Cuando\nsaqué mi primer disco en solitario en el\n95 le llamé “Heavy Metal Funk”. Esta-\nban esas bandas con el “Give it away,\ngive it await, give it away now” pero eso\nera Funk Rock. Tomé el rock, le dí mucho más fuerte y le añadí Funk, ya que\ndesde que trabajé con James Brown me\nvolví en un Funkahólico…\nBH550 & BH800\nTONEPRINT ® - EFECTOS SIGANTURE • EQ INTELIGENTE • DISEÑO ULTRA-COMPACTO • POTENCIA SIN LÍMITES\nUn valenciano muy internacional\nEl técnico de sonido y bajista valenciano Javier Giner, más conocido como “Kodi”, lleva\ndurante casi 3 años recorriendo todo tipo de salas de conciertos y festivales por toda Europa\nacompañando a una de las bandas pioneras del ska a nivel internacional, “The Toasters”, ahora\ntras tomarse un descanso hemos aprovechado para sentarnos con él y poder conocerlo.\n¿Cómo comenzaste en el mundo del\nUn poco por casualidad, cuando estudiaba en el instituto un grupo de amigos tenía un grupo de música\nheavy. El fin de semana íbamos a verlos ensayar,\nhasta que decidimos montar nuestra propia banda.\nComo siempre, nadie quería coger el bajo, así que\ndecidí hacerlo yo. Cuando terminé el instituto comencé mis estudios de música en el Taller de Música Jove de Benimaclet donde descubrí el jazz y\ndecidí dar el paso hacia la música profesional.\n¿Cuáles consideras que son para ti las\ncaracterísticas de un buen bajista?\nCreo que el pasar desapercibido para el público.\nPara mi los grandes bajistas son los que junto al\nbatería montan una gran sección rítmica y crean\nuna gran base donde el solista o el cantante pueden\ncrear su parte de la canción. Es verdad que a partir de gente como Jaco Pastorius el rol del bajo ha\ncambiado y ahora el bajo puede ser un instrumento\nmelódico más, pero creo que el 95 por ciento del\ntiempo, nuestro trabajo es acompañar.\n¿Quiénes son los bajistas que más te han\ninfluenciado a la hora de tocar?\nSiempre he sido fan de Marcus Miller y siempre he\nbuscado su sonido a la hora de tocar slap. El contrabajista Ron Carter es uno de mis preferidos a la\nhora de buscar dentro del walking. Como no, Jaco\nPastorius, sobre todo en su época con Weather Report. Dentro de la música jamaicana, Lloyd Brevett\nde The Skatalites.\nDe tu época de formación junto a bajistas\ncomo Jesús Gabaldón, José Antonio Guereñu o el contrabajista Mario Rossy ¿Qué\nrecuerdas de ellos, quién te marcó más a\nla hora de tocar?\nSin duda Jesús Gabaldón es la persona que más ha\ninfluido en mí a la hora de tocar. Es con quien más\ntiempo he pasado estudiando y compartiendo mucha música. El me enseñó como interpretar música\ny a fijarme en cosas que forman parte de la música\npero que muchas veces se dejan de lado en favor de\nlas notas o las escalas. Es una visión de la música\nmuy interesante que además he vuelto a descubrir\nal leer el libro “The Music Lesson” de Victor Wooten.\nCon José Antonio Gereñu estuve en un par de seminarios y he de decir que es uno de los bajistas con\nmayores conocimientos a la hora de enseñar que he\nconocido. Cada concepto que explicaba iba seguido\nde una serie de ejercicios para practicarlo.\nMario Rossy es escuchar. Lo que más me marcó de\nsus seminarios es la búsqueda de la música que hay\nen tu cabeza. Intentar tocar cada nota que oyes dentro de ti por encima de la teoría que has estudiado,\ndejar de pensar en las escalas, los arpegios, etc... e\nintentar tocar lo que cantas.\nComenzaste en el mundo del Ska junto a\nla banda Skaparrapid, grabando el primer\ndisco “Que empiece ya” en 1996, hay que\ncomentar que esta banda lleva desde 1993\nrodando por todo el territorio, realizando alguna gira por Alemania y Portugal e\nincluso en 2003 y 2004 estuvieron girando\npor México. ¿Cómo fueron tus inicios con\nestos primeros trabajos?\nComencé a tocar con Skaparapid un poco de casualidad. Ellos tenían un concierto programado en\nMallorca y diez días antes se quedaron sin bajista.\nSu teclista me conocía de la escuela y me llamó.\nLuego entré a formar parte de la banda y grabé su\nprimer C.D. Fue un época de muchos conciertos en\ncasas okupadas y tocando para colectivos autogestionados pero también de compartir escenarios con\ngrupos como Soziedad AlKoholica o Def Con Dos.\nFue mi primer trabajo profesional y mi primer contacto con la carretera.\nPara mi los grandes bajistas\nson los que junto al batería\nmontan una gran sección\nrítmica y crean una gran base\ndonde el solista o el cantante\npueden crear su parte de la\ncolaborado con varios artistas\ncomo el saxofonista holandés\n“Tommy Tornado”, el trombonista italiano “Mr T-bone”\n… ¿Cómo han surgido estas\nEs bastante típico dentro de la música\njamaicana acompañar a solistas y cantantes cuando estos están de gira por\ntu país. Muchas veces no es posible\npor razones económicas viajar con una\nbanda de seis o más músicos, así que\nmuchos artistas deciden usar músicos\nlocales en sus conciertos. En mi caso,\nThe Golden Singles Band, fue la banda que establecimos para acompañar\na estos artistas.\nY algo obligatorio es preguntarte ¿Cómo llegaste a formar\nparte de la banda neoyorquina\n“The Toasters”?. Banda mítica\ndentro del Ska a nivel internacional y pioneros del ska\nnorteamericano desde 1983.\nPor la misma razón, Buck, cantante y\nguitarra de The Toasters es el único\nmiembro original que queda en la formación por diferentes razones. Hace\nya bastante tiempo que la banda utiliza\nmúsicos que él ha conocido a lo largo\nde sus treinta años realizando giras. No\nes factible realizar giras año tras año\npagando una gran cantidad de dinero\nen billetes de avión, así que la formula\nes usar músicos estadounidenses en\nlas gira a americanas músicos europeos para las giras europeas. Hace\ncasi diez años que conocí a Buck en\nuno de sus conciertos y además vive\ncerca de Valencia, cuando no está de\ngira, así que hace tres años me llamó\npara comenzar a trabajar con la banda.\nhas recorrido más de diez\npaíses y cientos de salas de\nconciertos y festivales ¿Cómo\nse vive una gira de este calibre\ny sobre todo cuando se ensaya?\nLas giras con The Toasters son intensas. Se toca prácticamente cada día\ny puedes estar tocando en un festival\npara quince mil personas un día y estar en un club al día siguiente tocando para doscientas personas en otro\npaís. Lo que he aprendido es a ser\nmuy constante en el trabajo, porque\ncada noche tienes que estar en forma\ndelante del público y no vale ninguna\nexcusa. Con respecto a los ensayos, la\nrespuesta es que no se ensaya, lo cual\nes un punto más de exigencia cuando\nvas a una gira. Es muy importante el\ntrabajo previo que realizas en tu lugar\nde estudio. Por suerte hoy en día puedes acceder a gran cantidad de conciertos de The Toasters en la red, así\nque cada uno se prepara el repertorio\ncon las grabaciones originales y viendo\ndirectos, después se hacen ajustes en\nY preguntándote ahora sobre\ntu equipo ¿Cuéntanos un poco\nque bajos utilizas o has tenido?\nActualmente tengo un Sadowsky Metro de cinco cuerdas con el que estoy\nmás que encantado. Soy bastante tradicional con los bajos y siempre me ha\ngustado la escuela de Fender. Entre\nlos bajos que he tenido y tengo están\nel Fender Jazz Bass Signature Marcus\nMiller y el Music Man Stingray 5. Un\npoco fuera de esta clase de bajos está\nel Yamaha RBX6JM (John Myung signature) con el que he trabajado adaptaciones de Johann Sebastian Bach\npara el bajo eléctrico\n¿Y amplificadores y efectos\npara directo y estudio?\nCon respecto a los amplificadores utilizo un EBS Gorm 350 para los clubs\ny un cabezal EBS Fafner con una caja\n4 x 10 de EBS para conciertos más\ngrandes. En las giras con The Toasters\nutilizo un cabezal Hartke HA 3500 con\nuna caja 4 x 10 Hartke.\nNo suelo utilizar efectos en el bajo\naunque tengo un Chorus de EBS y un\nbooster de Xotic Effects\nY para acabar, cuéntanos que\nplanes y proyectos tienes preparados para el futuro\nActualmente estoy trabajando con la\ncantante de Ska y Reggae afincada\nen Madrid Begoña Bang Matu y con el\ncantante salido del programa La Voz,\nHector Roldán que acaba de presentar\nsu primer C.D. Además acabo de hacer mi primer trabajo como bajista en\nel mundo de los musicales.\nBajista, compositor, productor y arreglista argentino afincado en la ciudad de Nueva York. Graduado\ncon honores en la Berklee College of Music, en donde recibió los prestigiosos premios: ¨Outstanding\nPerformer Award¨, ¨Charles Mingus Award¨ e ¨International Tour Scholarship Award¨.\nHa tocado en algunos de los escenarios más reconocidos del mundo, como el Blue Note Jazz Club,\nCarnegie Hall, Lincoln Center, Latin Grammys, Apollo Theater, Nokia Theater y Boston Symphony Hall,\ny colaborado con artistas de la talla de Joan Baez, Sertab Erener, Paquito D ‘Rivera, Eva Ayllon, León\nGieco, Marta Gómez y Eva Cortés.\nCoincidimos con él en un clinic durante su gira por España y pudimos tomar una cerveza y preguntarle\n¿Cómo nació tu interés por el bajo y te llevó a\ndedicarle tu carrera profesional?\nEl arte me fascinó desde siempre, cuando era niño me\npasaba todo el día dibujando y más tarde, en la adolescencia, comencé a inclinarme por la música. En esa búsqueda encontré al bajo, que me cautivó por su profundo\nsonido y por esa característica misteriosa que tiene. Inclusive un tiempo antes de tener mi primer bajo, ya lo\nvisualizaba y tenía la convicción de que iba a ser músico y\nbajista para toda la vida.\nTuve mi primer bajo antes de cumplir los 14 años, y desde\nahí nunca lo dejé de lado.\nUna cosa llevó a la otra y así llegué a la siguiente lógica\nsimple que ilustra mi camino como músico profesional:\nmientras más estudio, mejor me siento tocando música,\nmientras mejor me siento al tocar música más puertas\ncon oportunidades laborales y artísticas se presentan,\nmientras más puertas se abren mejor me siento y más\nmotivado estoy para seguir progresando y estudiando. ¡Es\nA mi estilo como bajista lo definiría de dos formas muy di-\nferentes, una es la más visible que muestro abiertamente\nen mis vídeos que luego comparto en las redes sociales y\nen donde principalmente trabajo en conceptos más melódicos y solistas en el bajo, y la otra que tiene que ver\ncon la función más tradicional y de soporte en el bajo, que\nutilizo en casi todos mis trabajos como ¨sideman¨, cuando\ntoco el bajo en diferentes proyectos musicales en los que\nMás allá de esas diferencias, siempre busco tener mi propia voz en la música, que todo lo que toque suene a mí\nmismo, esa es mi prioridad.\n¿Cuáles son las bases que tu consideras que\ndebe tener un buen bajista?\nPara responder esa pregunta, me parece esencial antes\nmarcar la diferencia de enfoque entre lo que es un músico\nque toca el bajo y un bajista que toca música, por eso\nconsidero que las bases que debe tener un buen bajista\nson exactamente las mismas que las de cualquier otro\nbuen músico (que toca otro instrumento o que compone).\nSiempre busqué estudiar al bajo como un canal para desarrollar mi musicalidad, el foco no está ni estuvo en el\nbajo sino en la música en sí, de esa forma siento que soy\nmás sincero conmigo mismo, y así todo lo que toco suena\na mí mismo, no puede ser de otra manera, es mi propia\nvoz y es lo que tengo para decir a través de la música. El\ninstrumento es una consecuencia, y nunca el eje de mi\nPor eso pienso que en la búsqueda de nuestra musicalidad es donde encontramos las bases del instrumento, y\nlo interesante de todo eso es que cada uno es diferente,\ny por lo tanto en ese camino es donde encontramos ideas\ninnovadoras y la verdadera libertad en la música.\nDurante tu etapa en Berklee estudiando con\nalgunos de los mejores y más reconocidos\nmúsicos ¿Quién te marcó o influenció más?\nEn mis años en Berklee tuve la suerte de poder estudiar\ncon músicos excepcionales, y entre ellos los que más me\ninfluenciaron fueron 3 maestros. El saxofonista Joe Lovano, sus clases me impulsaron a investigar en los espacios\nque se encuentran cuando uno toca solo y a dúo, todo mi\ntrabajo con el bajo solista y con dúos con cantantes se\nlo debo a lo que aprendí con él. El arreglista y trompetista Greg Hopkins, que ha tocado con artistas desde Ella\nFitzgerald y Frank Sinatra hasta Stevie Wonder, con él\nentendí que la escuela del Jazz viene de una raíz folclórica\ntambién, y que por eso hay que aprender a improvisar\nsiempre con el oído. Y mi otra gran influencia en Berklee\nfue Matt Garrison, tuve clases particulares\nde bajo en mi último semestre y solo de\nverlo, de hablar y tocar con él me llevé una\ndosis de inspiración de esas que duran\nThe Beatles, Guillermo Vadalá, Fito Páez,\nPedro Aznar, Charly Garcia, Luis Alberto\nSpinetta, Charles Minugus, Juanjo Domínguez, Jaco Pastorius y Johann Sebastian\nActualmente compaginas tu\ntrabajo como músico de directo y\nestudio con la docencia, además\nde ser uno de los bajistas más\nactivos en el mundo online. Tus\nredes sociales y canal de Youtube\necha humo de todo lo que publicas habitualmente, ¿Con toda esta\nactividad frenética cómo enfocas\nla práctica y el estudio diario?\nTengo la enorme fortuna de poder dedicarme completamente a la música, por lo\ntanto cada uno de mis días se despliega\ncon una posibilidad generosa de horas disponibles para estudiar. En ese espacio de\npráctica musical encuentro mi estabilidad,\nmi centro; estoy seguro que la gente que\npractica meditación siente lo mismo. De la\nintrospección que encuentro al practicar\nsurge casi todo lo que publico en las redes\nsociales (ideas y toda la música). Practicar\nno solo me sirve para progresar como músico, sino para encontrarme conmigo mismo, es un viaje vital y casi espiritual, por\neso la actividad en las redes sociales es un\nproducto natural que surge de la práctica\ny el estudio diario en vez de lo contrario.\n¿Qué aconsejarías a la gente que\nestá comenzando con el instrumento y quiere dedicarse profesionalmente a este instrumento?\nLes aconsejaría que se dediquen a estudiar con un compromiso total. Sé que puede sonar difícil la idea de una dedicación\ntan importante, aunque los resultados —\nque son sumamente gratificantes— nos\nvan a catapultar a siempre seguir buscando superarnos.\nPara encontrar motivación es bueno a veces plantear objetivos a corto plazo, como\npor ejemplo decir ¨en los próximos 2 meses voy a estudiar música a diario, una\ncantidad determinada de horas al día¨, y\nluego de ese plazo analizar el progreso, y\nsegún esos resultados juntar fuerzas para\nseguir apostando a esta vocación tan privilegiada que tenemos los músicos.\n¿Qué libros y métodos consideras\nindispensables para la estantería\nde un bajista?\nA mí lo me más me ha ayudado a progresar fue la interacción directa con otros músicos y con profesores particulares, transcribiendo músicas, y asistiendo a clínicas y\nconciertos. Pienso que la mejor escuela de\nmúsica es la que cada uno lleva adentro,\nen tu oído y en tu mente musical abierta.\nEstoy próximo a publicar mi primer libro de\nmúsica aplicada al bajo, espero poder recomendarlo como indispensable, y para\neso estoy trabajando muy duro.\nSiempre busco tener\nmi propia voz en la\nmúsica, que todo lo\nque toque suene a mí\nbajo muy cómodo y versátil que me permite además tocar\nDurante el clinic uno de los ejercicios que\npropusiste resultó muy interesante, el poder\nejercitar varios aspectos simultáneamente a\nla hora de sentarse a estudiar y así sacarle\nmás partido al tiempo. ¿Cuéntanos un poco\ncomo desarrollaste estos ejercicios?\nÚltimamente he estado tocando y grabando con bajos\nmás tradicionales, principalmente un Fender Precision\ncon cuerdas lisas y un bajo Traveler TB-4P, que son los\nque uso en casi todos mis conciertos en la ciudad de\nNueva York y en diferentes grabaciones.\nSiempre fui un apasionado por practicar bajo, y en el\ntranscurso de todos estos años de estudio esbocé de\nforma autodidacta mis propias rutinas y ejercicios. Fui\nsacando conclusiones para entender qué métodos y ejercicios funcionaban mejor para mi desarrollo (en aspectos\nimportantes como la velocidad de mi progreso, la motivación para sentarme a practicar, o en la forma en la que\nmejor ampliaba mi vocabulario musical).\nPude darme cuenta que lo que más me ayudó a mí a progresar tiene que ver con estudiar series de ejercicios por\nperíodos largos de tiempo (10, 15 o 30 minutos sin parar), y en ese tiempo cubrir simultáneamente diferentes\naspectos musicales que tienen que ver con el ritmo, las\ncuestiones melódicas y la técnica. De esta forma aprovechamos mejor el tiempo y trabajamos en el inconsciente\nmusical en mayor profundidad.\nHe comprobado que esta técnica de estudio no solo me\nfuncionó a mí, sino también a muchos estudiantes que\nhan confiado en mi método, por eso siempre comparto\nesas ideas cuando dicto talleres de bajo y música.\nAlgo que siempre me interesa es conocer\nel fondo de armario de instrumentos de los\nbajistas, cuéntanos que podemos encontrar\nMi casa está llena de bajos, algunos pocos son prestados o regalados, y otros fueron llegando con mi trabajo,\nsiempre con la música. Tengo 15 bajos de que son como\nuna gran familia desordenada que invade cada centímetro cuadrado de mi casa, con apariciones en las esquinas\nMe doy cuenta que en vez de estar en el banco, toda mi\nriqueza ha tomado forma de bajo eléctrico, y me gusta\nque sea así porque es una riqueza multiplicada.\nEn términos de equipamiento, uso un amplificador Aguilar Tone Hammer 350 que me fascina, y tengo también\nel pedal Aguilar Tone Hammer (preamplificador y caja\ndirecta) con el que viajo cuando estoy de gira. Siempre\nque grabo, uso un preamplificador Avalon U5 que suena\nEl regreso al mundo de\nlos instrumentos pasivos\nampliamente para bien.\nMi primer bajo fue un Fender Jazz Bass japonés de los\naños 90, un bajo excelente que todavía conservo y que\nquiero llevarlo a los escenarios muy pronto. Tuve mucha\nsuerte en comenzar con un instrumento excelente.\nActualmente eres endorser de Lorita Basses,\nSukop Bass Guitars, Traveler Guitars, Aguilar\nAmplification, Mono Cases, y efectos Source\nAudio, ¿Qué material usas habitualmente en\ndirecto y en estudio?\nPodría decir que mi bajo Sukop de 5 cuerdas (afinado E\nA D G C) es mi bajo principal. Con ese instrumento he\ngrabado casi todos mis vídeos de Youtube y el mismo me\nha acompañado por miles de kilómetros a prácticamente\ntodas las giras que tuve en los últimos tiempos; es un\nHace poco he visto que has realizado unas\nmodificaciones a tu Sukop, ¿te sientes más\ncómodo con los bajos pasivos que con los\nEs verdad que hace poco tiempo le quité el circuito activo\na mi bajo Sukop. El regreso al mundo de los instrumentos pasivos me ha sorprendido ampliamente para bien, y\nestoy tan contento con el cambio que me dan ganas de\nquitarle el circuito activo a todos mis bajos.\nMi actual búsqueda en el sonido de los bajos pasivos tiene que ver con diferentes experiencias —¡algunas traumáticas!— que fui recolectando especialmente en las giras. Este año estuve viajando con la música por 4 meses\ny me di cuenta de 2 cosas importantes: primero, que en\nlos festivales de música en donde tocan muchos grupos,\nsiempre me terminaba gustando más el sonido de los\nbajos pasivos, esos bajos sonaban con fuerza, claridad y\ncon definición en la mezcla general del grupo, y lo contrario sentí con muchos de los bajos activos que escuché.\nY además en las últimas giras tuve una cantidad absurda\nde problemas de sonido en mi bajo activo, a causa del\nconstante movimiento que sufre el bajo en los aviones,\nautobuses y con los golpes de cada escenario. Tuve que\ncancelar 2 grabaciones, una en Barcelona y otra en Bogotá, porque mi bajo no sonaba bien, así también tuve\nque pedir un bajo prestado de emergencia en Zurich y en\nQuito, el último fue 2 horas antes del concierto cuando\nmi bajo dejó de sonar completamente en\nDespués varios meses viajando, una de\nlas primeras cosas que hice el mismo día\nque llegué a mi casa fue llevar el bajo al\nluthier para que le quite el circuito activo.\nEstoy feliz con el cambio, siento que mi\nbajo suena mejor que siempre.\nPor cierto… nos llega la noticia que en breve vas a empezar\ncomo endorser de un luthier\nespañol que acaba de iniciar su\ncarrera en solitario, Xavier Lorita,\njunto a otros artistas como Miki\nSantamaría, Marcos Miranda,…\nAdelántanos algunos detalles de\neste nuevo instrumento.\nA Xavier Lorita lo conocí a través de sus\ninstrumentos, esa es la mejor manera de\nconocer a un luthier. Hace poco tiempo\nprobé una serie de bajos de diferentes\nmarcas españolas que me dejaron hechizado, y para mi sorpresa luego me enteré\nque había un factor común entre todos:\nhabían sido construidos por las manos de\nEs difícil de explicarlo, y seguramente\nmuchos lo entiendan, pero hay una sensación en mis manos que tengo cuando\ntoco un instrumento concebido a la perfección, es un efecto de libertad musical en donde uno siente que se pueden transferir, sin interferencias, todas\nlas músicas que tenemos resonando en\nnuestra mente. Eso me pasa con los bajos que construye Xavier Lorita y tengo\ntotal confianza en su trabajo.\na mi medida y en base a mi búsqueda\nmusical. El instrumento tendrá 5 cuerdas\n(afinadas E A D G C) y será semi hueco,\ncon esto lograremos un sonido cálido y\ncon aire en la resonancia, tendrá algo del\nespíritu de la guitarra española que tanto\nme ha marcado y además será muy liviano —mi espalda agradecida.\nTendrá un circuito pasivo, dos pastillas y\nun micrófono piezoeléctrico.\nAnticipo que lo usaré con grupos de diferentes estilos musicales, además de mis\nproyectos a bajo solo y a dúo con cantantes.\nCon todos los proyectos que\ntienes en marcha en estos momentos ¿Que le depara el futuro\na Andrés Rotmistrovsky?\nAdemás de seguir tocando con los diferentes proyectos musicales en los que\ntrabajo como bajista, y de continuar dictando clases particulares de bajo y música por Skype, tengo el objetivo a corto\nplazo de grabar 2 álbumes con el formato\nde dúo de bajo y voz, en colaboración con\nalgunas cantantes geniales que tengo el\ngusto de conocer, y para el 2015 completar uno de los proyectos más importantes que tuve hasta ahora: escribir un\nlibro de música que cubra principalmente\nlos conceptos de chord-melody y de bajo\nsolista que fui desarrollando en los últimos años. Estoy muy entusiasmado con\nEstoy entusiasmado con el instrumento\nde Lorita Basses que pronto voy a tener, será un diseño construido totalmente\nen Flying Colors\nave LaRue ha sido durante muchos años la mano derecha de Steve Morse primero con\nDixie Dregs (1988) y con Steve Morse y Steve Morse Band tanto en directo como en estudio (nueve discos juntos). Tiene un disco en solitario publicado en 1992 llamado ‘Hub City Kid.\nPero esto no es todo, también ha trabajado con algunos de los miembros de Dream Theater,\nespecialmente en los trabajos en solitario de Jordan Rudess (Rithm of Time en 2004) y John\nPetrucci (Suspended Animation en 2005). También acompañó a Petrucci en la gira G3 de 2005\n(con Steve Vai y Joe Satriani). De marzo a septiembre de 2006 estuvo de gira con JoeSatriani\npresentando el disco Super Colossal. LaRue también ha grabado los bajos de dos discos de\nVinnie Moore (en 1999 The Maze y en 2001 Defying Gravity) y ha colaborado con T Laviz y\nPlanet X entre otros.\nLaRue, al igual que su colega Steve Morse, utiliza\nbajos Musicman, de los cuales también es endorser y hace demos. Solía utilizar los bajos Musicman\n“Sterling” y “StingRay 5 five-string” pero se pasó a\nla línea de los “Bongo”(también ha ayudado en su\nMás recientemente Dave LaRue se convirtió en uno\nde los miembros del supergrupo Flying Colors junto\na su compañero de batallas Steve Morse (guitarra),\nademás de los reconocidos: Mike Portnoy (batería),\nCasey McPherson (voz y guitarra) y Neal Morse (voz\ny teclados).En motivo del concierto de la presentación del segundo disco de Flying Colors, Second\nNature (2014), en Barcelona (el pasado 7 de octubre) Dave LaRue nos recibió para ofrecernos una\nEs la primera vez que tocáis con Flying\nColors en Barcelona ¿Qué te parece la\nMuy bien, pues mira, llegamos un día antes y he\nestado paseando por Barcelona… Siempre que\nvisito una ciudad, si tengo tiempo claro, me gusta\nmucho salir a pasear y ver el ambiente, y hoy hace\nmuy buen día para pasear. ¿Es la primera vez? Pues\nahora tengo dudas, diría que tocamos en Barcelona\nen 2012, en la otra gira… o quizás estoy confundido, quizás no fuese Barcelona… Pero he estado en\nBarcelona antes, toqué aquí con Joe Satriani en la\ngira del disco Super Colossal (2006), y me encanta\nSí, fui a ese concierto de Satriani, mira Joe vino\nhace dos meses. Pues, con Flying Colors habéis\nhecho unos pocos conciertos en Estados Unidos y\nya estáis a punto de empezar la gira Europea, que\núnicamente tiene 8 fechas…\n¡Sí! ¡Vas a ver el primer concierto de la gira de Europa! Hemos hecho únicamente tres conciertos en\nUSA, tocamos en Los Angeles, Chicago y Philadelphia. Volamos hoy hacia aquí y mañana tenemos el\nprimer concierto de esta minigira europea aquí en\nBarcelona. Reconozco que a veces me cansa un\npoco venir a Europa, por el tema del viaje… Pero\nme gusta mucho visitar España e Italia de vez en\ncuando, son mis países favoritos.\nHe estado escuchando el primer disco\n“Flying Colors” (2012) y ahora “Second\nNature” (2014). Y hay un cambio, una evolución, quizás os estáis acostumbrando a\nSí, es una buena observación. Creo que con el paso\ndel tiempo la banda está cuajando. Y el proceso de\ncomposición esta vez ha sido mucho más sencillo\npuesto que nos conocíamos mejor los unos a los\notros, además ya teníamos un disco a nuestras es-\npaldas y ya teníamos la experiencia de\nhaber tocado juntos en los directos de\n2012. El proceso es mucho más fácil\ny mucho más familiar para nosotros.\nPero la música de esta banda, hablando desde mi perspectiva, es siempre\nmuy natural. Y esto se nota a partir\ndel momento en que cada uno de nosotros aporta nuevas ideas, y aunque\nsean solo apuntes y algunas veces no\nfuncionen… Nos juntamos y las trabajamos, las pulimos y las cambiamos\nentre todos… Añadimos cosas, las\npartimos… De una pequeña idea inicial se abre un gran abanico de posibilidades, la idea crece y evoluciona.\nY una cosa lleva la otra, siguiendo\nnuevos caminos…. Y como dije, esta\nevolución es muy natural y nada de lo\nque sale es “intencionado”.\nAlgunas personas nos han\ncomentado que ven una tendencia más progresiva en este\nY puede ser, escuchándolo ahora he\npensado “puede ser…” Pero justo en\nla hora de producirlo nunca lo pensé.\n¿Curioso no? Pues es lo que te quiero\ndecir, de hecho es lo que comentas,\nesta evolución de la banda nos ha llevado hasta aquí. Y sinceramente, es\nde formar parte de Flying Colors, me\ngusta esta sensación de “esperar y ver\nhacia dónde nos llevará…”. No tenemos que hacer ningún esfuerzo, no\ntenemos ninguna obligación, nunca\npensamos en términos de “tenemos\nque hacer una canción pop” pensando\nen la fórmula de un tema que suene\nen las radios ni tampoco decimos “va-\nmos a componer un tema más progresivo”… Miramos qué tenemos, y\ndecimos “¡Oh! ¡Esto parece interesante!” y probamos con eso… Y después\nalguien dice “Espera, espera, prueba\neso….” y así es como funcionamos,\núnicamente nosotros cinco, nos juntamos y empezamos el proceso creativo,\nquitamos cosas, proponemos cosas\n¿Y cómo funciona este proceso? Me refiero a que cada\nuno está involucrado en varios\nproyectos,… Tiene que ser muy\ncomplicado poder encontrar\nhuecos en las agendas para\njuntaros en el estudio…\nEs realmente complicado encontrar fechas tanto para grabar como para los\ndirectos, mucho. Ya sabes que todos\ntenemos no uno sino varios proyectos\nen los que trabajar… El motivo por el\nque la gira ha sido tan corta es este,\nestamos muy liados. Es difícil sí. Pero\ntengo que decir que nuestra compañía\ndiscográfica nos ha tratado muy bien,\nse han llevado genial con nosotros\ny entienden nuestros problemas de\nagenda. De hecho hasta han cambiado la fecha de salida del disco para\ncuadrarlo con los conciertos de la gira.\nEl disco tenía que salir después de la\ngira pero al final pudieron sacarlo justo antes de los conciertos y así estaba\ndisponible para nuestros seguidores.\nEsto nos permitió hacer esta minigira\ndespués de que saliera el álbum y no\nSí, realmente justito de tiempo, salió\njusto la semana pasada y aunque he\nestado escuchando mucho el disco\ntodavía no me sé todas las canciones\nSí (risas) es demasiado pronto… Ellos\nquerían publicarlo después pero les\nconvencimos de que sería lo mejor…\ny nos hicieron caso.\nLa portada del disco es genial,\nya me gustaba mucho la del\nprimer disco; me gusta la idea\nde relacionar las imágenes de\nla mariposa o los globos de\ncolores con el concepto del\nnombre de la banda “Colores\nSí, es muy bonita. De hecho esta última la ha diseñado Hugh Syme, es\nfamoso en el diseño de portadas de\ndiscos de rock y el metal. Es muy bue-\nno, estamos realmente contentos con\nLlevas muchos años tocando\njunto a Steve Morse, desde\nDixie Dregs y pasando por\nSteve Morse Band. Creo que no\nhabías colaborado con el resto\nde miembros del grupo…\nHe participado otros proyectos, quizás relacionados pero no directamente\ncon los otros músicos de Flying Colors. Por ejemplo estuve en el disco en\nsolitario y en la gira de John Petrucci\ncon G3, en 2005… pero allí tocaba\nMike Mangini... Con Steve Morse sí,\nmuchos, muchos años, nos conocemos mucho y nos entendemos muy\nbien. Y también participé en un tour\ncon Steve Morse y Joe Satriani el año\n¿Y cómo decidieron juntar los\nmiembros de Flying Colors?\nNeal (Morse) y Mike (Portnoy) sí que\nsuelen trabajar juntos, ha hecho varias\ncolaboraciones tanto en Transatlanticy\nen Neal Morse Band. Y ya sabes Steve y yo trabajamos muy a menudo juntos desde hace tiempo, y Casey tiene\nsu proyecto personal…\n¿Pero la idea de juntarles fue\nde un productor? ¿O decidieron juntarse para hacer música\njuntos y ver qué salía?\nte en el criterio de Mike. Una voz muy\ncontemporánea… De hecho él es\nquién nos da este apunte más “pop”\nen el sentido positivo. Realmente es\nun gran compositor, especialmente\ntrabaja mucho las letras… Aporta muy\nbuenas ideas en la composición de las\nletras, y creo que es una de las características que nos hace únicos. Todos\ntenemos influencias muy variadas y\nQué ganas del concierto de\nmañana, muchas ganas de\nveros en directo…\nMás o menos sí… Flying Colors surgió, por lo que tengo entendido, de\nuna primera idea. Inicialmente querían\njuntar a Steve Morse y Neal Morse\npara ver que podría surgir de componer juntos… Nadie pensó en formar\nun “supergrupo” no había ninguna\ncondición.... Lo divertido es que a\npartir de ahí… ¡Formamos una banda!\nEs muy divertido poder tocar en directo después de trabajar tanto en un disco, aunque sean pocos conciertos los\ndisfrutamos mucho. Todos tenemos\nmuchísimas ganas de tocar juntos y\npoder enseñar nuestro trabajo en directo. O sea que tenemos la suerte\nde poder encontrar algunos días y\naprovechamos estas pequeñas ventanas en las agendas para juntarnos\ny pasarlo bien tocando. Creo que se\nY claro, Steve había trabajado mucho\ntiempo conmigo, creo que ya hace\ncasi 25 años ahora… Y también Neal\npropuso a Mike Portnoy que se entusiasmó rápidamente con la idea.\nY ahora que ya tenéis dos discos de estudio ya podéis hacer\nun concierto íntegramente con\nEl apunte curioso fue Casey (McPherson), Mike conocía a Casey pero el\nresto del grupo no habíamos escuchado nada suyo.\nAhá, sí, de hecho para mí\nCasey fue la “sorpresa”, no le\nYa, yo tampoco. Pero confié totalmen-\nSí, la idea es esa, tocaremos aproximadamente unas dos horas. No hay\ntemas propios ni tampoco de nuestros\notros proyectos, pero bueno Casey sí\nque va a tocar un tema suyo.\nY sabemos los motivos por\nlos que esta gira es tan cortita, pero ¿se ha hablado de\nla posibilidad de hacer otros\nconciertos de presentación de\nSecond Nature en un futuro\nmás o menos próximo?\nNos encantaría, pero sinceramente no\nlo sabemos… Estamos comprometidos con varias cosas cada uno… por\nlo que me temo que de momento la\ncosa sigue complicada… Después ya\nllegan las vacaciones de Navidad y es\ncuando empezamos a decidir qué hacemos el año que viene… Y ya veremos, te aseguro que todos queremos,\nal igual que vosotros… Ya veremos.\nMuy bien Dave, muchas gracias por\ntu tiempo. Nos vemos en el concierto.\nEs muy divertido poder\ntocar en directo después\nde trabajar tanto en un\nNo resulta muy habitual en nuestro país el que\nse organicen propuestas relacionadas con los\ninstrumentos musicales y su entorno, que tengan\nal público final, la afición, como destinatarios. Esta\nes la segunda edición de un evento que integra\ndiferentes actividades propuestas para los músicos\ny que organiza Yamaha bajo el título de Yamsession.\nEste año nos propusimos cubrir el evento y fuimos al Círculo de Bellas Artes de Madrid en\ndonde en dos plantas del emblemático edificio, se hallaban los dos escenarios para las actividades propuestas, el teatro y varias estancias con exposiciones de los diferentes productos\nde la marca japonesa en el mundo de la música. De tal manera que encontramos áreas para\npianos, teclados, baterías, bajos, vientos…\nPara explicarnos los objetivos, el proceso, y las situaciones que plantea Yamsession contamos con la colaboración de Bruno Camadini, asistente de marketing, ventas y AR de Yamaha\n¿Cómo surgió la idea? ¿Cuál es el objeto que se persigue al organizar un\nevento de este tipo?\nLa idea surgió como una forma activa de estimular el mercado, puesto que la actual ausencia\nde ferias propias de nuestro sector en España no parece tener solución a corto plazo. El objetivo es claro: acercarnos a la gente. Se trata de un evento gratuito para todos los amantes\nde la música y de los instrumentos musicales, donde pueden probar todo lo que quieran, y\nademás disfrutar con las mejores master-class y actuaciones de artistas nacionales e internacionales. Yamaha quiere ser partícipe del acercamiento de la gente a la música y a la ilusión\nactiva de estimular\nDesde luego pensar en la organización de todo esto da un poco de vértigo, pensar en la\ncoordinación de todo lo que implica mover instrumentos y sumarle los tempos a la hora de\nque las actividades no se solapen y todo el público pueda estar en las que le gustan a priori.\nBruno nos explica…\n¿Cuál es la mayor dificultad que se tiene que resolver desde el punto de\nLa mayor dificultad estriba precisamente en la logística. Con decenas de actuaciones planificadas al milímetro y 3 escenarios simultáneos\ncon muy poco tiempo para re-configurar la siguiente actuación. También contamos con retransmisión en streaming y realización multicámara. Hay que ser muy precisos y contar con los mejores profesionales. Todo esto se pone en marcha medio año antes con la idea de\ncanalizar el flujo de personas amantes de cada instrumento en concreto…\nTampoco podemos olvidar que todo transcurre en una\nsegunda planta donde hay que ubicar más de 300\ninstrumentos, 22 pianos de cola incluidos.\nEl Círculo de Bellas Artes es un lugar apropiado ¿Qué buscabais en él?\nSomos colaboradores habituales del CBA dado que formamos parte de su programación de conciertos de “Jazz\nCírculo”, en la que todos los instrumentos que se usan\nson Yamaha: piano, batería, altavoces, mesa de mezclas,\netc. El Círculo está ubicado en un sitio muy céntrico lo\ncual tiene muchas ventajas, aunque hay que salvar complicaciones logísticas. Es bueno para el público y eso es\nlo que buscamos, su comodidad. Además como edificio\nse identifica totalmente con nuestra filosofía de acercar\nel arte a las personas, y en definitiva la música y los instrumentos son una muestra de arte.\nSomos bajistas la mayoría en Bajos y Bajistas pero\ndesde luego el poder sentarte en un piano de cola\nvalorado en más de 120.000 euros es toda una experiencia.\nA mitad de mañana del sábado ya pudimos ver por allí\nentre la gente, departiendo, a Abraham Laboriel, el\nbajista es un mito en el mundo de las cuatro cuerdas,\nuno de los músicos freelancer que más discos ha grabado y eso es mucho decir.\nEntre un maremágnum de público que era atendido\npor la tripulación de Yamaha –verdaderamente había un staff importante- mostrándoles instrumentos\ny ofreciendo explicaciones, se encontraba el baterista Lucas Jiménez realizando demos de las baterías\nelectrónicas, posteriormente le podríamos ver junto a\nLaboriel en el clinic que impartiría el bajista.\nBruno nos sigue comentando al respecto del evento…\nEste es el segundo año que realizáis el Yamsession ¿Qué diferencias puedes contarnos\ncon respecto al año anterior?\nEl evento ya se ha asentado, hemos apostado más fuerte\ntrayendo más artistas, lo hemos prolongado un segundo\nEl recuento de asistentes\nsupera las 5.000 personas, lo\nque ya es un incremento del\n20% adicional con respecto al\ndía y además hemos ampliado la superficie útil contando\ncon la cuarta planta del Círculo de Bellas Artes, en la que\nse han desarrollado actividades y actuaciones adicionales,\nrelacionadas con el mundo de la docencia.\nEn el escenario de la segunda planta que se encontraba\nnada más entrar, pudimos comenzar a ver actuaciones,\ndesde una improvisada de Abraham Laboriel junto a Miki\nSantamaría, a unas demos de las Yamaha Pacífica realizadas por Soren Anderson, el guitarrista danés tiene un\ncurriculum impresionante, habitual de la banda de Glenn\nHughes por ejemplo o Dave Goodman tocando acústicas.\núnicos durante la YAM, con un pico de 1.700 personas que\nsiguieron la demo de Abraham Laboriel y Miki Santamaria.\n¿Qué actividades han tenido mejor respuesta\nYa al final de la tarde se dio el duelo de guitarras con la participación de Jorge Salán, Abel Franco, Fran Soler y José\nRubio, un póker de estilistas.\nDe las actividades que pude presenciar, creo que hubo mucho público en la master-class de Abraham Laboriel en la\ncuarta planta, en la demo de Soren Andersen y en la actuación de los cuatro THR All-Stars (Jorge Salán, José Rubio,\nFran Soler y Abel Franco) en el teatro, que se llenó.\nDesde luego Yamaha ha hecho un esfuerzo\nimportante… ¿Cómo ha sido la respuesta del\npúblico? ¿Se han cumplido expectativas?\nEl recuento de asistentes supera las 5.000 personas, lo\nque ya es un incremento del 20% adicional con respecto al\naño pasado. En este sentido, podemos afirmar que vamos\nen la línea correcta. Contábamos ya con más de 1.000 personas registradas online que habían confirmado su asistencia. Y en streaming hemos tenido más de 8.000 visitantes\nEn el piso superior se realizaron actividades con el foco más\npuesto en la docencia, masterclasses de producción musical con diferentes softwares, y sobre todo la impartida al\nbajo por Abraham Laboriel, pocos músicos pueden crear un\nambiente tan emocionante en un simple clinic. Muy grande.\nEstamos tratando de contar un poco a grandes rasgos lo\nque vimos, sobre todo centrado en nuestro rollo guitarrero\ncontemporáneo, se observaban también actividades más\ncentradas en el mundo de la música clásica.\nEl domingo siguieron las demos y un cierre de la Yamsession 2014 a cargo de Alex O´Dogherty con su show.\nMás preguntas para Bruno:\n¿Habéis valorado el abrirlo aún más al público\nfacilitando la participación de este en jams por\nCiertamente es algo que se nos ocurrió en la primera edición cuando empezamos a recibir emails de músicos que\nles gustaría participar en alguna medida, pero al final el\nprograma era tan completo que no encontramos el hueco. En guitarra, tal vez se podría considerar la participación\nde usuarios, pero como algo englobado dentro de un minievento dentro de la Yamsession, por lo que debería hacerse\nuna criba previa (lo que no sería fácil). No lo descartamos\npara el futuro, el objetivo podría ser tal vez medirse a un\nartista de la marca, todos armados con guitarras Pacifica,\n¿Habrá novedades el año próximo? ¿Podremos\ndisfrutar de otro Yamsession?\nSeguro que novedades habrá, como compañía somos muy\ndinámicos y comprometidos con el público. Ahora toca hacer una valoración más profunda y empezar a soñar con el\nEste ha sido un pequeño flash de lo que fue el Yamsession\n2014, nosotros volveremos el año próximo, si no has estado este y te viene bien nos vemos allí.\nLook, comodidad y sonido\nace unos años la compañía LTD, subsidiaria de la japonesa\nESP, comenzó a fabricar su producción enteramente en\nAsia. Mientras ESP iba a permanecer en su base californiana\nproduciendo instrumentos de alta gama, los instrumentos LTD se\nrealizarían en Corea hasta la serie 400 y por debajo de ésta en\nIndonesia. Una decisión estratégica que está rentando excelentes\ndiseño del bajo, es lo\nprimero que sorprende.\nY decimos esto porque compitiendo en el segmento medio bajo en referencia a sus pvp, están fabricando bajos y\nguitarras de una inmejorable relación calidad precio y que\nno dejan de sorprender al usuario cuando los prueba y\ndespués les comentan lo que cuestan. En la redacción lo\ncontrastamos cuando preguntábamos a los compañeros\nel precio aproximado del LTD Stream 204 que vamos a\nrevisar en esta ocasión: todos daban cifras por arriba de\nLa serie Stream se caracteriza principalmente por el diseño\ndel bajo, es lo primero que sorprende, podríamos definirlo\ncomo un single cut con el culo asimétrico, es muy ligero,\ny tiene una pinta verdaderamente “killer”. Sorprende su\nligereza y comodidad, aunque por la situación de los pines\npara enganchar la correa, es necesario usar straplocks de\nseguridad si te mueves mucho con él colgado y quieres\nevitar disgustos, ya que el botón de enganche debido al\ndiseño del cuerpo no está totalmente perpendicular. El tipo\nde unión de mástil y cuerpo es atornillado (bolt-on)\nLa pala lleva las clavijas de afinación situadas tres en el\nlado de arriba y la de la primera cuerda abajo, es de tamaño reducido y en este modelo de color negro –existe\nen opciones de color blanco y sunburst- las clavijas son\npropias LTD, cerradas y cromadas.\nLa plaquita que cubre el acceso al alma tiene una forma\nsimilar al perfil de la pala haciendo un conjunto armónico.\nLa cejuela es de de plástico inyectado y de 4 cm de anchura, esta medida ya es indicativo del ancho del mástil\nque se va ensanchando hasta lo 5,5 cm en el traste doce\ny los seis en el veintiuno\nEl mástil es de arce y su perfil en ”U” delgado te ofrece\nuna experiencia de comodidad y suavidad al desplazarte\npor él, llegando con facilidad a las partes más altas por el\ncutaway inferior que posee el cuerpo. El diapasón es de\npalorrosa y los marcadores de posición son bloques en\nmadreperla. Monta 21 trastes XJ.\nEl bajo es cómodo y ligero lo\nque ya es una buena carta de\npresentación sin entrar a valorar\nYa comentamos antes la figura del cuerpo,\nestá realizado en caoba y su unión al mástil\nes a través de cinco tornillos sin neck plate,\nla estabilidad es total Tiene rebajes para\nfacilitar la ergonomía del bajo y con ello la\ncomodidad al tocar. El puente es un LTD\nDB-4 Bridge de cuatro selletas compensadas, como el de una Telecaster en sus inicios aunque con las cuerdas ancladas a él.\nLleva un golpeador de un pliegue que llega\nhasta el espacio entre pastillas. Y hablando\nde pastillas este Stream monta una ESP\nDesigned SB-4N en la posición de mástil\ny una ESP Designed SB-4B en la posición\nde puente. Estas pastillas de manera general van a entregar unos bajos profundos,\nmedios con garra y unos agudos punzantes.\nSuena con igual definición y\nvolumen en todas las partes\ndel diapasón, equilibrado\nen frecuencias con una\nComo controles para gobernar este LTD Stream tenemos\nun potenciómetro de volumen, otro para balance entre\npastillas y un tercero en forma stacked que no es si no\nun ecualizador de dos bandas ABQ-2S.\nUna vez revisado todo vamos a ver como suena, si consigue lo que su aspecto promete.\nMuchas veces probamos instrumentos de algunas marcas que mantienen un nivel de calidad sonora uniforme,\ncomo es el caso de la última época en LTD, sabes que\nson correctos siempre pero en ocasiones por razones\nimposibles de explicar, alguno de ellos suena especialmente bien. Este que estamos revisando es uno de ellos.\nEl bajo es cómodo y ligero lo que ya es una buena carta de presentación sin entrar a valorar más cosas, pero\ncuando te conectas y empiezas a hacerlo sonar la sorpresa es grande, tiene mucho cuerpo, entrega sonoridades\nredondeadas posiblemente por la característica tímbrica\nde la caoba del cuerpo. Suena con igual definición y volumen en todas las partes del diapasón, equilibrado en\nfrecuencias con una ecualización plana. A partir de aquí\nveamos como se comporta.\nMe gusta que sólo lleve un control de volumen para ambas pastillas particularmente. Las posibilidades que te da\njugar con el balance y la ecualización son muy grandes,\nel anillo del pote de ecualización en su parte baja te permite realzar o recortar los graves y en el anillo superior lo\nmismo con las frecuencias agudas. Para escarbar en los\nESP Designed SB-4N en mástil y ESP Designed SB-4B\nMaster Volumen, balance entre pastillas y ecualizador de\nmedios, basta realzar bajos y agudos y tender el balance hacia la pastilla de mástil, esto proporciona un sonido\ngrueso y caliente, con el toque suficiente para dar claridad a los registros más bajos y evitar el efecto “boom”.\nCon los ajustes al contrario, se acentúan los medios, si\neso es lo que buscamos. En definitiva, la paleta sonora\nque se puede lograr con dos potes es muy amplia, aunque favorece las sonoridades cañeras.\nComo conclusión, el LTD Stream 204 es un bajo de muy\nbuena y original imagen, cómodo de tocar y con calidad\nsonora, fácil de setear y con un precio que no te va a\ndestrozar tu cuenta bancaria. Una vez más LTD está dejándonos buenos trabajos para un segmento de mercado\nmedio-bajo. Como siempre pásate por tu tienda favorita y\nprueba uno de ellos, es posible que llegues a las mismas\nconclusiones que nosotros.\nUn lujo cerca de casa.\nCR es uno de los luthieres en auge en nuestro país, desarrollando\ndesde hace años en su taller de Denia, Alicante, bajos del más alto\nnivel comparables a las grandes marcas que todos conocemos. Algunos\nde sus trabajos los hemos podido ver y escuchar a manos de músicos\ncomo José Vera, Alex Acanda, durante las actuaciones del programa\nde “La Voz” y más recientemente en las manos del bajista grancanario\nCharlie Moreno en los últimos conciertos de la actual gira de David\nAprovechando un viaje por la zona nos pusimos en contacto\ncon él y nos acercamos a su taller a probar todas las últimas\nnovedades recién fabricadas, y tuvimos el lujo de poder exprimir el bajo que hoy os presentamos.\nEstéticamente un single cut genera controversia entre los\nbajistas, es un diseño que enamora a la vista o no gusta en\nabsoluto, a mi personalmente como fan de Janek Gwizdala\ny Richard Bona entre otros, es un diseño que me cautiva,\nesto unido a una tapa de aspecto y corte muy cuidado y la\ncontinuidad de esta con las cubre pastillas le dan un porte\nelegante y la impresión de estar frente a un gran instrumento del más alto nivel sin ni siquiera tocarlo.\nTodo esto unido a una electrónica escogida especialmente\npara el tipo de instrumento, pastillas Nordstrand Fat Stacks\ny el famoso previo Mike Pope, empleado en los bajos de\nVinnie Fodera, cierran el circulo de un bajo que se podría\ndefinir como impresionante, no todos los días podemos catar instrumentos así.\nEl cuerpo del bajo está fabricado en fresno, “Swamp Ash”,\ncon una tapa de “Buckeyeburl” con tonos grises y amarillos.\nEl mástil es laminado de 7 piezas de tres tipos de maderas,\narce rizado, purple head y wenge. Lleva en su interior dos\nrefuerzos de carbono para asegurar su estabilidad\nEl diapasón es de ébano de macasar con trastes de acero\nde 2,6 mm, escala 35”. La cejilla es una combinación de\ndos materiales, latón y granadillo africano. El mástil tiene\nun ancho en la cejilla de 47,7 mm y 79 mm en el traste 24.\nPara la electrónica se ha utilizado una tapa de granadillo\nafricano, el puente es un ETS regulable de 19 +/- 1 mm,\nse puede ajustar de 18 a 20 mm de separación entre las\ncuerdas. Los clavijeros son Hipshot. Dando un peso final al\nbajo con las cuerdas puestas de 4,1 kilos.\nPara las pastillas se han elegido unas Nordstrand Fat\nStacks. Estas pastillas son la evolución de las tradicionales pastillas de Jazz Bass en las que se han dispuesto los\npolos a 45 grados y se ha aumentado el tamaño en un\n50% de la bobina, lo que permite una mayor captación\ny por tanto un tono más “gordo”, respetando una buena\nrespuesta en las frecuencias altas y con una gran cantidad\nde matices en los medios.\nEn cuanto al previo en este bajo JCR ha decidido instalar el\nprevio de 4 bandas diseñado por el bajista Mike Pope, quien\nfabrica desde 1998 los previos que utiliza de serie en sus\nbajos el luthier neoyorquino Vinnie Fodera\nLa versión del previo que lleva instalada cuenta con los siguientes controles: Volumen, Balance de pastillas, Graves\ncon un realce o recorte en 15 dB sobre los 46Hz o 90Hz,\nMedios con un doble potenciómetro que regula Medios Graves con +/- 12 dB sobre los 330Hz o 473 Hz y los Medios\nAgudos con +/- 15 dB sobre 1kHz o 1’8kHz y por último\nlos Agudos con +/- 15 dB sobre los 6kHz o 10kHz.Como\nhabéis visto el previo ofrece la posibilidad de seleccionar\nentre dos frecuencias de trabajo en cada uno de los potenciómetros desde un pequeño switch interno.\nAnte tal tipo de bajo no cabe más que el asombro en todos\nEstéticamente un single cut\ngenera controversia entre\nlos bajistas, es un diseño\nque enamora a la vista o no\nAnte tal tipo de\nbajo no cabe más\nque el asombro\nlos sentidos, para aquellos que nos\ngusten los bajos modernos por supuesto, nos encontramos frente a un\ntrabajo excelente en el tratamiento de\nlas maderas, acabados y encuentros\nentre las distintas piezas sin dejar ni un\nsolo detalle fuera de control.\nEl resultado de todo el trabajo es un\nbajo muy ligero para ser un 5 cuerdas single cut con un cuerpo de fresno seleccionado con una tapa de una\npieza que le da un acabado continuo\na todo el frente e incluso las tapas de\nlas pastillas y los potes se han acabado en madera para continuar esa\nTiene un mástil ancho con un perfil\nque te llena la mano pero que resulta muy cómodo a los pocos segundos\nde coger el instrumento, además de\nestar balanceado en peso y no notar\nninguna descompensación entre mástil y cuerpo. Si es cierto que la forma y\ndistribución del peso del bajo no es la\nidónea para tocar sentado sin correa,\npero no supone ningún problema en\ncuanto te haces a él.\nLaminado 7 piezas de arce, Wenge y\nLatón y granadillo africano\nVolumen, balance, Graves, Medios low/\nhi y Agudos\n2 Nordstrand Fat Stacks\nY por fin llega el momento de enchufarlo y probar todas las posibilidades\nque nos ofrece. Nos encontramos con\nun sonido base, con los potenciómetros al centro y con las dos pastillas\nsimultáneamente, redondo y cálido,\nmuy en la onda de un Jazz Bass de\ncorte moderno, sin ningún problema\nde descompensación en el sonido a la\nhora de desplazarte por todo el mástil\ny manteniendo la definición en cada\nnota. Tiene una quinta cuerda muy\ndefinida que permite sin problemas\nmoverse por debajo del traste 3 en el\ndesarrollo de una línea y no perderse\nel sonido en una bola de grave.\nEn el momento en el que comenzamos a jugar con el previo nos damos\ncuenta que nos encontramos con una\nherramienta profesional que podemos\nllevarnos a cualquier estudio o directo y encontrar un sonido idóneo. El\nprevio Mike Pope aporta un punch\nen graves importante pero sin perder\nen definición aunque los ajustemos\nal máximo y junto con las Fat Stacks\nconsiguen mantener un agudo natural\na la hora de realzarlos.\nEl poder jugar con los dos potenciómetros de medios nos ofrece una\ngran flexibilidad en la regulación del\nsonido, si buscamos algo en la onda\njazz fusión, más funk u otros estilos,\nreforzar el slap sonando a Marcus\nMiller. En resumen puedes sacarle al\nprevio el sonido que tengas en la cabeza y sin importar el amplificador al\nComo resumen un verdadero lujo de\ninstrumento fabricado en nuestro país\na la altura de muchas otras marcas\nextranjeras de grandes nombres. Y\npor último agradecer a Jaume Catalá\nel prestarnos su tiempo y taller para\nprobar sus instrumentos y charlar sobre bajos y bajistas.\nNo es el primer preamplificador en formato de\npedal que traemos a estas páginas. Si bien\nhace años los preamplificadores parecían\npiezas de equipo limitadas a los profesionales\nque grababan y giraban constantemente, eso\nha ido cambiando significativamente con el\ntiempo. ¿El motivo? Pues simplemente que\ncada vez hay en el mercado posibilidades\nmás baratas, más sencillas, más portátiles y\ncon mejor sonido.\nBB 22a tus pies\nEl preamplificador es,\nprobablemente, la pieza de\nequipo que más utilizan los\nbajistas además del bajo y el\nSin duda ninguna, el panorama técnico ha cambiado\nmucho para los bajistas en la última década. Y curiosamente estos cambios no radican precisamente en\nlos bajos, que ya presenciaron suficientes fenómenos\nevolutivos en los 80 y los 90, si no en la amplificación y en los equipos auxiliares. Porque al filo del año\n2000 era impensable imaginar la cantidad de efectos y\nprevios que hoy existen, la inmensa mayoría de precio\nmuy asequible y con una calidad que estaba reservada\ntan solo a las costosas y súper profesionales unidades\npara montar en rack.\nEl preamplificador es, probablemente, la pieza de equipo que más utilizan los bajistas además del bajo y el\namplificador. Hay muchas circunstancias donde son de\ngran utilidad, si no de imperiosa necesidad: grabaciones en estudios domésticos, e incluso profesionales,\nescenarios donde no llevamos equipo y nos conectamos directos a mesa, conciertos en los que utilizamos\nnuestra propia caja de inyección o como potenciador\ndel sonido de nuestro bajo (¡El ecualizador ha muerto!\n¡Viva el preamplificador!) Muchas utilidades y todas interesantes.\nnar la frecuencia de medios para controlar con mayor\nexactitud esta banda central de frecuencias, de la que\nsuele depender muchas veces el éxito de asentamiento en la mezcla.\nEl resto de controles son la ganancia de entrada y de\nsalida, los otros dos aspectos básicos a tener en cuenta en un previo. Mismo tipo de botones y misma buena\naccesibilidad. A esto hay que añadir un interruptor de\nconmutación de tierra y otro de pre/post para poder\nescoger si queremos mandar la señal de salida sin verse afectada por la ecualización o al contrario. Estos\npequeños interruptores de plástico sí que tienen un acceso más difícil e incómodo, pero su escasa frecuencia\nde uso lo permite sin que resulte un inconveniente real.\nDesde luego, podríamos escribir un extensísimo artículo adentrándonos en estos diferentes usos, pero quien\nmás o quien menos sabe de sobra de lo que estamos\nhablando, así que nos centraremos en ver cuánto es\ncapaz de dar de sí este pedalito y cómo se desenvuelve\nen todos esos entornos funcionales mencionados.\nCONSTRUCCIÓN Y FUNCIONES DEL MXR\nEn primer lugar diremos que es uno de los recién llegados a las tiendas y que se encuentra entre los más\nportátiles y que menos sitio ocupan de todos los modelos del mercado. A simple vista resulta evidente su\nsimplicidad y su robustez, características que suelen\ncompartir los productos de la marca MXR, que por\ncierto ya cuenta con una línea de pedales para bajo\nmás que nutrida y muy a tener en cuenta.\nBásicamente, a un preamplificador hay que pedirle flexibilidad y calidad. En cuanto a la primera, está garantizada gracias a su ecualización de 3 bandas con barrido de medios. Si hay amplias posibilidades de ecualización, hay flexibilidad, y este es uno de los puntos\nfuertes de este previo. De la calidad hablaremos más\nadelante. Los controles giratorios de tipo “vintage” son\nperfectamente accesibles a pesar del reducido espacio\ny tienen un recorrido suave y uniforme. Sobre el papel,\nestas posibilidades de ecualización son básicas pero\nmás que suficientes, con el extra de poder seleccio-\nAhora ponle un jack de entrada, otro de salida y un salida XLR balanceada con calidad de estudio y ya tenemos servido un excelente cóctel. Porque la excelencia\nno consiste en una gran parafernalia, sino en que lo\npoco sea bueno de verdad. Es más, muchos agradecen, yo entre ellos, las cosas sencillas que no requieren esfuerzo para sacarles partido. Porque me gusta\ntener resultados sin comerme el coco, que eso es trabajo de los ingenieros que diseñan y de la marca que\ncomercializa un aparato. Y, en este aspecto, tenemos\nque dar un diez a los señores y/o señoras de MXR.\nPor último, la alimentación, que puede solventarse de\nlos dos modos clásicos: una pila de 9 v o un adaptador\nde corriente que hay que comprar por separado.\nHe probado muchos\npreamplificadores de este tipo\ny no voy a afirmar que sea\nimbatible, pero sin duda cautiva.\ndel sonido, el MXR siempre tiene sentido, porque no\nes pecado dar forma con un preamplificador al sonido\nque sale de otro. Solo hay que llevar cuidado de no\nsobrevitaminar el sonido y montar un pitote indigerible\ndespués para la mesa, el ampli o la tarjeta de sonido.\nLlegó la hora de la verdad, vamos a ver cómo responde\neste pequeño preamplificador que tan buena pinta tiene. Hice la prueba con un bajo pasivo, un Fender Jazz\nBass American Standard y otro activo, un Sadowsky\nMetro MV4, por aquello de poder comparar dos bajos\nde similar filosofía en su diseño pero con muy distintas señales de salida y posibilidades de ecualización.\nTambién roté en la prueba por distintos entornos operativos: interfaz PreSonus en mi iMac, combo Hartke\nde los nuevos y directo a mesa en un ensayo. Con el\nFender, fue conectarlo y abrir un mínimo los graves y\nlos agudos del MXR, y notar inmediatamente un golpe\nde impulso en el timbre del sonido. Con el Sadowsky\ntambién lo noté, evidentemente, pero quizás lo necesitaba menos porque al ser un bajo activo, el propio\ninstrumento ya viene con sus “esteroides” de origen y\nes sumar un previo a otro. Aún así, como moldeador\nHablemos ahora de la calidad de la ecualización, que\nantes nos habíamos emplazado a ello. Nada más manipular los controles un poco, enseguida descubrimos\nque es una ecualización muy musical. Los graves incrementan la densidad sin hacer bola y los agudos la\nclaridad sin estridencias. Y los medios también son\nmuy manejables, aunque requieren un poco más de\ncuidado y atención para encontrar el punto dulce entre la frecuencia de actuación y la intensidad de realce aplicada sobre dicha frecuencia. Recomendamos\nun rato de experimentación y una pizca de paciencia\npara darle al sonido de tu bajo ese punto de medios\nque puede hacerle “grande”. Como referencia, un comedido realce en la banda central de las frecuencias\n(en torno a los 500 Hz) añade agresividad y pegada;\naumentaremos la profundidad realzando entre los 375\ny los 250 Hz, como si favoreciésemos la pastilla del\nmástil, y si realzamos con prudencia por encima de los\n650 HZ, pero sin pasar de los 750, potenciaremos la\nnasalidad del tono, como si estuviésemos cargando las\ntintas sobre la pastilla del puente.\nLos controles de ganancia de entrada y salida no por\nser obvios dejan de ser muy importantes. Primeramente, con el control “Input” deberemos ajustar adecua-\ndamente la entrada de señal, que dependerá en gran\nmedida de si estamos tocando con un bajo pasivo o\nactivo. Y después, con el control “Output” estableceremos el volumen de la señal, ya tratada en el interior del\npedal, que queremos enviar al dispositivo o dispositivos\n(mesa, tarjeta de sonido, ampli, etc.) de salida. El equilibrio entre ambos controles de ganancia es fundamental para que el sonido no se desvirtúe ni se estropee\ny llegue a su destino sin problemas que puedan resultar irreparables. Ambos están sobrados de margen y\npermiten transparencia en el sonido aún en posiciones\nYa hemos dicho al principio de estas líneas los muchos\nusos que pueden darse a un pedal preamplificador, y\npara todos ellos es más que adecuado este pequeño\ntesoro que es el MXR Bass Preamp, porque es tiene\nmucha calidad. Si lo quieres para dar a tu bajo pasivo\nun toque de modernidad y “sacarle” más tonos, es perfecto; si lo que necesitas es una herramienta que te\npermita modificar el sonido de tu bajo, poco importa en\ntal caso que sea pasivo o activo, también lo encontrarás muy útil; si estás cansado de sorpresas en los bolos\ny que te larguen una caja de inyección que te arruine\nel sonido, lleva contigo el MXR y problema resuelto; y\nsi se trata de grabar, será un puente de plata entre tu\ninstrumento y el dispositivo de grabación.\nEl MXR Bass Preamp es magnífico, de verdad. He\nprobado muchos preamplificadores de este tipo y no\nvoy a afirmar que sea imbatible, pero sin duda cautiva.\nTan buen sonido y tantas posibilidades de aplicación en\nun formato tan pequeño y práctico no se ven todos los\ndías. Y yo que tengo varios bajos activos, cuando veo\nlo que puede hacer este previo con un bajo pasivo y el\nprecio tan interesante que tiene, me pregunto tantas\ncosas que mejor no se lo digo a nadie y sigo tocando,\ndisfrutando del cacharrito un rato más…\nComprime tu señal hasta\nLa compañía T-Rex Engineering\ncon sede en la ciudad de Vejle,\nDinamarca, lleva casi 20 años\ndesarrollando pedales y efectos\ndesde su creación por los\nguitarristas e ingenieros Lars\nDahl-Jorgensen y Sebastian\nJensen en el año 1996.\nAdemás de los efectos, T-Rex\nse ha dedicado al diseño\nde fuentes de alimentación,\nlas conocidas FUEL TANK,\ncableado, bases para pedaleras\ne incluso maletas y bolsas tanto\npara guitarristas como bajistas.\nAhora nos presentan su nuevo\ncompresor Neocomp basado\nen el diseño del legendario\ncompresor de estudio Blackmer\nVCA y lo definen como un\ncompresor boutique de primera\ncalidad tanto para guitarra como\npara bajo e incluso para la voz\nMuchísimos bajistas contamos con\nun pedal de compresión en nuestras\npedaleras y en el fondo nunca llegamos a sacarles el jugo que se podría.\nCon este efecto podemos mejorar la\ndefinición de nuestra pulsación, la pegada de nuestro sonido, ganar punch\nen el slap y conseguir darle una ligera\nuniformidad a la dinámica de nuestra\nmano derecha, pero por el contrario\nsi nos excedemos con el efecto podemos perder muchísimos matices a\nla hora de tocar si no controlamos la\nintensidad de algunas notas.\nEl pedal viene en una caja metálica\nde 0,2 kg de peso y un formato de\ndimensiones reducidas 60 x 50 x117\nmm. Cuenta con el switch de encendido y cuatro controles en su panel frontal con los que modular la compresión\nEl potenciómetro “COMP” determina\nla cantidad del sonido que se comprime, desde 1:1, sin compresión, hasta\n9:1, una compresión muy dura. Conforme aplicamos la compresión sobre\nel sonido en este se produce una caída\nde volumen la cual ajustaremos para\nT-REX pone a nuestra disposición una\nherramienta de compresión equiparable a un\nequipo de estudio con una configuración de\ncontroles muy sencillos e intuitivos\nconseguir un nivel de salida aceptable del sonido de nuestro instrumento mediante el potenciómetro de “GAIN”\nEl siguiente potenciómetro “ATTACK” determina la velocidad con la que actúa la compresión sobre el sonido. Con una configuración rápida de ataque notaremos enseguida el\nefecto, mientras ajustándolo más lento logramos un sonido más natural sin interrupciones.\nEsta elección la condicionará nuestra forma de tocar, la técnica que utilicemos o el efecto\nsonoro que busquemos.\nY por último el potenciómetro de “RELEASE” que nos permite regular el tiempo que tarda\nen dejar de actuar el compresor cuando el nivel de nuestro sonido cae por debajo del umbral\nmarcado y que por tanto se apague.\nCon este pedal T-REX pone a nuestra disposición una herramienta de compresión equiparable a un equipo de estudio con una configuración de controles muy sencillos e intuitivos,\npara conseguir de una forma rápida el efecto que buscamos.\nNos ofrece una capacidad de regulación del efecto mayor que varios pedales del mercado,\npero manteniendo la sencillez de cuatro controles, podemos buscar un efecto de corte\nagresivo en el sonido que mezclado con un fuzz podría asemejarse al sonido empleado\npor bandas como Muse, The Raconteurs, QOTSA… o bien buscar un extra de puch para\nutilizar con el slap y así ganar contundencia. O simplemente como base con nuestro sonido\nhabitual buscando darle redondez y definir la pegada.\nUn efecto a tener en cuenta a la hora de diseñar nuestra pedalera y sobre todo crear un\nPor tangos (IV)\nEn esta clase os paso otra transcripción, es una parte de un tema de Paco\nde Lucia que está por Tangos y que se llama “Sólo quiero caminar”.\nTenéis la partitura, y además el audio con el track original de un lado del paneo, y el bajo\ndoblado y tocado por mí del otro lado, más un Click de referencia.\nComo os comenté en la otra clase, es importante que os guiéis más con el audio que con\nla partitura, ya que ésta puede estar escrita de forma aproximada.\nEsta transcripción es más compleja que la de la clase anterior.\nEs una línea de bajo que compuso Carles Benavent y que aparece en el disco que lleva\nel mismo nombre que el tema: “Sólo quiero caminar”.\nAquí os muestro este ejemplo, porque tiene partes en las que la línea hace base (los\nprimeros 7 compases y del 23 al 29).\nEntre los compases 8 y 12 se puede pensar que es un “Cierre Tutti” (de toda la banda).\nAparecen fraseos con arpegios traspuestos dentro de la base (compases 18 y 26).\nTambién utiliza acordes (compás 14) y fraseos rápidos (compás 13,21 y 22) simulando\nlas rítmicas de las “escobillas”que hacen los bailaores/as con los pies.\nResumiendo, escogí ésta pieza para hacer una transcripción, porque muestra de una\nforma muy clara los múltiples “roles” que puede desempeñar el bajo flamenco, y que son:\nde base, de melodía, de contrapunto, la utilización de acordes y así hacer de instrumento\narmónico también, tocar silencios y notas largas y rasgueo. También podéis utilizar esta\ntranscripción para estudiar el bajo fretless.\nComo os dije la otra clase, os recomiendo hacer estos trabajos con otros temas o partes\nde temas que os gusten, esto último es muy importante, ya que si uno trabaja y estudia\nsobre músicas que gustan, siempre el aprendizaje se hará más interesante y comprometido, y de alguna manera, si gustan es porque quizás dentro de esa música, esté algo de\nLWA 1000 Silver\nUn señor amplificador\nLa tendencia parece irremediable y sin vuelta\natrás. Supongo que con ver el título y las fotos de\nesta prueba, que es lo primero que solemos mirar\ntodos, ya sabéis a qué me estoy refiriendo. No\nhace mucho me di una vuelta por varias tiendas\nde Madrid, incluida la especializada solamente en\nbajos que todos conocemos, y pude comprobar\ncon mis propios ojos, y confirmar charlando con el\npersonal de las mismas, que los cabezales grandes\ny pesados son parte del pasado. “Vendemos uno\nde los grandes cada 6 meses” me dijeron en una\nde estas tiendas donde había más de 30 cabezales\npara elegir, y la inmensa mayoría eran de la nueva\ngeneración: pequeños, ligeros y con buen sonido,\nexcelente sonido algunos.\nZAPATERO A TUS… ¡AMPLIS!\nSi hiciésemos un estudio de mercado entre el universo de bajistas de nuestro país, y me atrevería a decir\nque del mundo entero, y preguntásemos por Warwick,\ncon toda seguridad habría una abrumadora asociación\nde la marca a la fabricación de bajos. Es una de esas\nmarcas que en su día rompieron moldes, con diseños\ninnovadores y maderas exóticas, pero que ya ha quedado instalada en la mente de los músicos como un\nnombre clásico más. Además, siempre es prestigioso\n“ser” alemán (en esto al menos).\nPero no solo de bajos vive Warwick, porque los germanos llevan muchos años fabricando amplificadores\nque, sin embargo, no han entrado en el mercado con\nla fuerza y difusión que merecen. Porque si sus bajos\nestán muy bien hechos y siguen teniendo mucho que\ndecir, sus amplificadores también. Así que doble razón\npara traer a la revista el Warwick LWA 1000 Silver que\nhoy nos ocupa: por estar “poco visto” y por “ser bueno”.\nTecnológicamente hablando, los amplificadores de\nWarwick se hicieron verdaderamente adultos el día\nen que un singular maestro del bajo, el sueco Jonas\nHellborg, se integró en el equipo de ingenieros de\ndiseño de la marca alemana. Esto significó trasladar\nal laboratorio las ideas y necesidades del mundo real,\nencarnadas en los muchísimos años de experiencia de\nHellborg. Y esto les da una credibilidad que se corresponde con los resultados.\nUN ARO QUE LLEVA AÑOS RODANDO\nNo quiero que se tome como una crítica, sino como una\nsimple constatación de la realidad, pero la verdad es que\nalgunas marcas, demasiadas probablemente, han tardado mucho en darse cuenta de lo que estaba pasando.\nY Warwick ha sido una de ellas, aunque no la única ni\nmucho menos. Mientras Markbass y pocos más se han\nhartado de vender en los últimos años, otros muchos\nfabricantes no querían reconocer un cambio de tendencia irremediable. Que si los amplificadores de Clase D\naún no están bien conseguidos, que si las fuentes de\nalimentación, que si valen para las etapas de PA pero\nno para las exigencias de las bajas frecuencias, en fin,\nexcusas que se han demostrado ser más una cuestión\nde incapacidad de reacción que otra cosa. Pero como\ndice el refrán, nunca es tarde si la dicha es buena, así\nque demos la enhorabuena a Warwick y a su equipo\nde ingenieros, no solo por pasar por fin por el aro, sino\nQue un cabezal sea bonito no\nda la felicidad, pero ayuda a\ntambién por hacer una filigrana al pasar.\nVayamos al lío. Hemos hecho la prueba del LWA 1000\ncon la gama de pantallas LW en concreto con una 4x10\ny una 1x15, para aunar pegada y profundidad en la salida, además de poder oír hasta donde “llegan” los 1.000\nvatios prometidos. No obstante, nos centraremos exclusivamente en el análisis del cabezal, dejando las pantallas para otra ocasión. Además, las pantallas, pantallas\nson al fin y al cabo, y donde hay que rascar de verdad\nes en el ampli.\nQue un cabezal sea bonito no da la felicidad, pero ayuda\na conseguirla. Nunca he sido de los que he comprado\nun amplificador por su estética, pero he de decir que\ncuando lo saqué de su pequeña funda de transporte\n(parece mentira poder decir esto, pero así es), no pude\npor menos que pensar que era realmente chulo. O a mí\nlización, que como vemos es generosa en el terreno\nde los medios, desdoblando los controles para mayor\neficacia de ajuste en estas frecuencias tan críticas. Es\nuna ecualización de recorte/realce, con una posición\ncentral en 0 db, con variación de -/+ 12 db.\nAdemás, hay un compresor de un solo botón, algo que\nagradecemos los que no estamos por la labor de pelear con los complejos parámetros de los compresores.\nTambién encontramos en la línea de cada canal un interruptor de “muteado” del canal y otro de activación/\ndesactivación del compresor. Y por último, volumen\nmaster que regula ambos canales y una entrada auxiliar y una salida de auriculares, ambas para conector\nminijack. Un panel frontal más que completo para las\ndimensiones que tiene.\ny su peso exageradamente\nBONITO Y COMPLETO POR FUERA\nEstéticamente no tiene nada que ver con los diseños\nmodernos y rompedores que estamos viendo últimamente aparecer, más bien todo lo contrario. Me recuerda a esos amplificadores de alta fidelidad de altísima gama que se pusieron de moda en los años 80\nentre los melómanos más pudientes… pero en versión\nreducida, más bien reducidísima. La combinación de\nmetal plateado en los paneles frontal y superior y madera en los laterales es muy acertada, y le da un aire\ndiferenciador y elegante. Y los controles, indicadores e\ninterruptores no hacen más que reforzar esa intención\nSu tamaño es sorprendentemente pequeño y su peso\nexageradamente ligero: 2,75 k. Cabe y se transporta\ncon una mano. Sí, has leído bien. Y si esto sorprende\nantes de enchufarlo, cuando uno empieza a ver lo que\nes capaz de soltar desde dentro, ya es para quedarse\nPara empezar, es un verdadero logro que en este\npequeño cabezal haya dos canales, un lujo. Porque,\nademás, cada uno de los dos canales tiene todos sus\ncontroles e interruptores, no hay nada compartido, con\ncontroles de ganancia, ecualización y compresión duplicados. El hecho de que tenga dos canales es algo\nmuy práctico que cada vez demandan más bajistas, y\nque resulta muy útil en caso de querer utilizar dos bajos\ndistintos en una sesión o en un bolo, o simplemente\ntener dos ecualizaciones diferentes para que un mismo\nbajo cambie de timbre con solo conmutar el canal. La\nalternancia entre canales se efectúa mediante un pedal\nque viene con el ampli.\nCada canal cuenta con controles de ganancia, graves,\nmedios-graves, medios-agudos y agudos para la ecua-\nY detrás, la misma tónica de efectividad y utilidad, donde no falta nada esencial ni sobran florituras innecesarias: bucle de efectos, salida de línea de jack y salida\nDI XLR con opción pre/post y conmutación de tierra,\nsalida de afinador y, ¡atención!, una sola salida de altavoz. Importante tener esto último en cuenta porque\nla entrega de potencia de 1.000 W que figura en las\nespecificaciones es si el cabezal trabaja a 4 ohmios. Y\npara que esto sea así, hay principalmente dos caminos:\no una sola pantalla con dicha impedancia, o dos pantallas de 8 ohmios. En este último caso, no tenemos\notra solución que conectar la única salida de altavoz\ndel LWA 1000 a una pantalla y de ella sacar un cable a\nla segunda pantalla. Prácticamente todas las pantallas\nque hoy están en el mercado permiten esta conexión\nen serie, pero lo advertimos por si alguien pretende\nutilizar pantallas de “otras épocas”. Y si lo conectas\na una sola caja de 8 ohms, entonces la potencia baja\nhasta 500 W.\nBUENO Y POTENTE POR DENTRO\nComo he tenido la suerte de contar con este equipo\nWarwick durante un tiempo algo más prolongado de lo\nque suelo poder hacer con los equipos de prueba, me\nhe permitido probarlo en un par de ensayos y en tres\nbolos, dos de ellos en sitios pequeños (uno con PA y el\notro a pelo) y en un recinto de tamaño medio.\ny suena con\npoderío, es limpio\nLa satisfacción empieza en casa, cuando voy a cargar el\ncoche y casi meto el cabezal en la guantera. Y sigue en\ncuanto lo enchufo. En primer lugar, un tanteo a la ecualización y veo que responde, que hace lo que se espera de\nella y algo más: cuando llevo los controles hacia la derecha de su eje central que marca el 0, suben los db de exposición. Es decir, la ecualización añade presión sonora e\nincrementa la sensación de volumen. Y este es parte del\nsecreto para que este ampli suene alto de verdad. Trabajando un poco la ecualización no solo damos forma al\nsonido, sino que también le dotamos de más presencia.\nPero quiero dejar claro que en valores no extremos nunca\npierde la musicalidad ni la precisión tímbrica.\nEs un cabezal que suena alto y responde muy bien a los\npicos transitorios. En la hoja de especificaciones del producto que facilita la marca, destaca una referencia hecha\npor Jonas Hellborg a su fuente de alimentación, que parece ser el secreto de que haya tanto margen de potencia\ny de que responda tan bien a la demanda de picos con\nempuje en momentos puntuales de una interpretación.\nOtra de las prestaciones estrella del LWA 1000 es el\ncompresor, uno por canal como ya hemos descrito. Su\nacción es suave,\nuniforme y transparente. Resulta de gran utilidad para centrar bien en la\nmezcla el bajo cuando se toca con mucha dinámica. Una\nbendición que solo sea un botón optimizado en sus algoritmos internos para que no haya que complicarse la vida.\nSi tuviésemos que describir el sonido de este amplificador, lo haríamos como transparente. De hecho, Jonas\nHelborg lo califica como un amplificador con calidad de\naudiófilo. Es un amplificador que, aunque tiene mucha\npotencia y suena con poderío, es limpio y aséptico. Si\ndejas la ecualización sin manipular, no colorea el sonido\ndel bajo, y si prefieres ecualizar nunca tendrás la sensación de que se te va la nitidez de las manos, ni siquiera\ncuando aumentas mucho el volumen. Esta limpieza es el\nmejor punto de partida de un amplificador, porque te da la\nopción de utilizar todo tipo de efectos si lo que pretendes\nes saturar, colorear o añadir agresividad al sonido. Si por\nel contrario, el amplificador te añade una o varias texturas\ndeterminadas a la señal que sale de tu bajo, eso ya no\nhay quien lo cambie, y por lo tanto no queda más remedio\nque construir sobre esos cimientos “viciados”.\n500 watts a mínimo 8 ohms, 1000 watts a 4 ohms\nGraves ±12dB @100Hz; Medios-Graves ±12dB\n@800Hz; Medios-Agudos ±12dB @3kHz; Agudos\nXLR con PRE/POST y conmutación de tierra\nTopología de amplificador\n¿Mil vatios, en un tamaño tan pequeño y que pesa tan\npoco? ¿Y suena limpio y con calidad? ¿Y tiene dos canales, y cuatro bandas de ecualización y compresor? ¿Y\npor menos de 800 euros? Como la respuesta es sí, pues\nya está todo dicho. ¡Ah, noooo, se me olvidaba algo! Y\nademás llama la atención a la vista porque parece un ampli de hifi de los caros, de los buenos, de los finos. Y\nmuchas veces las apariencias no engañan.\nClinic en el Museo de Altamira\nEl pasado 8 de octubre tuvo lugar un clinic muy exclusivo a cargo de\nuno de los bajistas más importantes del mundo, Abraham Laboriel, en\nel Museo de Altamira. Tanto el emplazamiento elegido por Yamaha,\nel IMT y “El Almacén de las Artes”, organizadores del evento, como\nla presencia de este bajista hicieron de este momento una cita con\nAbraham Laboriel nacido en Mexico DF en 1947, es\nconsiderado como el bajista más prolífico de la historia,\ndejando su sello en miles de discos de estudio de los\nmejores artistas de todos los geeeros musicales, en\neste sentido ha grabado ya alrededor de 4.000 discos\npara artistas como Michael Jackson, Stevie Wonder,\nDonald Fagen, Lee Ritenour, Larry Carlton, Cristopher\nCross, Madonna, Paul Simon, Dolly Parton, Al Jarreau,\nBilly Cobham, Barbra Streisand, Andy Summers, Umberto Tozzi, Herbie Hancock, Chris Isaak, George Benson, Quincy Jones y Elton John, entre otros...\nhacer y que podemos hacer y ejercer por el resto de\nLas clinics de Abraham se\ncaracterizan por su sincera emotividad e\nAcompañando a Abraham estuvieron Kike Martínez,\nprofesor de guitarra en “El Almacén de la Artes” y a la\nbatería uno de los endorser de Yamaha Drums, Deivhook, al que ya pudimos ver en la pasada edición del\nBass Day ’13 junto a Miki Santamaría en la presentación de la serie de bajos RBX.\nAl igual que pudimos disfrutar en la edición del Yamaha Yamsession ’14 el pasado 14 de Septiembre de\neste año, las clinics de Abraham se caracterizan por su\nsincera emotividad e implicación personal en la divulgación de ideas y valores, plagadas de entusiasmo y\nalegría por parte de este músico\ninédito e irrepetible.\nPese a que cuando repasamos\nla biografía de Abraham Laboriel encontramos todo tipo\nde nombres del más alto nivel\nmusical e incluso de parte de la\nhistoria de la música moderna, él demuestra que es\nuna persona humilde, que vive la vida y la música en\nMás allá de cuestiones técnicas, aprovechó para dedicar unas palabras a todos los músicos que como él,\nhan decidido dedicar su vida a la música y que es desde nuestro punto de vista la mejor de las enseñanzas:\n“Tomen conciencia de que tristemente muy pocos seres humanos a lo largo de la vida descubren algo que\naman hacer, nosotros los músicos tenemos una doble bendición. Hemos descubierto algo que amamos\nEl consejo que os doy es que descubráis qué es lo que\namáis y que todo lo que hagáis lo hagáis con amor y\ncada nota que toquéis, cada ritmo, lo toquéis con todo\nel corazón, y de esa manera no importa si es algo profesional, si estáis estudiando o si estáis experimentando. Simplemente hacedlo con todo el corazón”.\nUn lujo irrepetible para todos los asistentes el haber\npodido compartir un momento tan intenso e intimo con\nuno de los grandes del bajo eléctrico de la mano de\nREPARANDO EL ALMA DE UN BAJO\nHola a todos, en este artículo hablaré\nsobre diferentes formas de solucionar\nla rotura de un alma, no pretendo\nque este artículo sea un tutorial de\nreparación de este tipo de problemas ya\nque para realizar esta clase de arreglos\nhay que conocer bien muchos factores\ncomo serían, el tipo de alma que lleva\nel instrumento, el problema por el que\npuede haberse roto, la posible solución\ny además de esto, habría que saber\nlas técnicas de trabajo y materiales\nteniendo la herramienta necesaria.\nLo mejor es dejar el tema en manos\nde alguien cualificado si no tenemos\nconocimiento y control de todos estos\nComo muchos conoceréis hay instrumentos que llevan\nel alma insertada por la parte trasera, guitarras y bajos\ntipo Fender suelen llevar la típica “cola de mofeta” detrás del mástil, es una tira de madera oscura que cubre\nel canal por donde se insertó el alma en el mástil, normalmente de madera de nogal o de paoferro. En estos\ninstrumentos se puede realizar la reparación extrayendo el alma por la parte trasera, esto supone una ventaja\nya que no habría que levantar el diapasón para acceder\nal alma, tal y como os mostraré algo más adelante en\nuna reparación realizada a un bajo Fender Jazz Bass.\nEl otro ejemplo es una reparación sobre un bajo Pedulla que llevaba el alma insertada debajo del diapasón\ncon lo cual para la reparación hubo que levantar y sustituir el diapasón por uno nuevo.\nLlegó hasta mi taller un Jazz Bass con la varilla del alma\npartida en la zona donde se coloca el tornillo de ajuste,\nse había partido a ras de la madera. Podéis ver la FOTO1\ndonde se puede ver como estaba partida. En algunos\ncasos si el alma funciona correctamente se puede\nreparar haciendo que la varilla asome un poco sobre\nla madera que la envuelve y logrando que rosque de\nnuevo el tornillo, pero en este caso después de hacer\nalgunas pruebas resultó que seguramente la causa de\nla rotura era fruto, por un lado de que el mástil estaba\nbastante curvado y requería tensar bastante la varilla\npara volverlo al sitio, por otro lado a que el alma estaba\npegada al canal que la aloja, debido seguramente a un\nexceso de adhesivo, esto hizo que al intentar tensarla\ny no obtener resultado se sobre-tensara demasiado, al\nfinal después de apretar en exceso se partió la varilla .\nDespués de desmontar el mástil del cuerpo y quitar todas\nlas piezas del clavijero, había que acceder al alma. Con una\nfresadora tipo Dremel fuimos eliminando parte de la madera\nde la “cola de mofeta” que cubre el canal del alma, es una\ntarea delicada ya que en un descuido o si se nos va de\nla mano la fresadora, podemos dañar la parte trasera del\nmástil que sería difícil de reparar. Podéis ver en la FOTO 2\ncomo queda el mástil cuando se va eliminando esta tira de\nmadera, la idea es quitar la mayor parte de ella y después\nretirar con mayor cuidado los restos que están adheridos en\nel lateral del canal.\nUna vez retirada, accedimos al alma y como suponía estaba\npegada debido a que el adhesivo había rellenado la ranura\nde la varilla, después de pelear un rato por fin sacamos el\nalma FOTO 3.\nque esta mas cerca de la pala se redondeó para que casara perfectamente con el final de la ranura, después de las\noportunas pruebas para ver que casara bien ya estaba lista.\nCon todo ya preparado FOTO 4, el siguiente paso era colocar el alma en el canal y ver que ajustaba bien, preparar la\ntira de palorrosa con adhesivo, con mucho cuidado de no\nponer exceso de este y evitar así que se quedara pegada\nde nuevo al alma, colocar la tira con gatos de apriete y\ndejarla el tiempo necesario para que el adhesivo se secara\nCon el mástil ya totalmente lijado, el diapasón y la pala tapados con cinta, ya estaba listo para ser repintado y dejarlo\ninmaculado, después del proceso de barnizado, posterior\nsecado, lijado al agua y pulido, el mástil estaba ya listo FOTO\n6 – FOTO 7.\nDespués de esperar el tiempo necesario retiramos los gatos\ny rebajamos el exceso de palorrosa que sobresalía del mástil hasta dejarlo liso, al tacto, a ras de la madera del mástil\nFOTO 5. En esta operación además decapamos el mástil lijándolo por completo excepto la pala por su parte delantera\npara así conservar el logo original.\nLo siguiente era limpiar bien la ranura y los laterales del\ncanal donde se alojaría la nueva alma, después preparar un\nalma nueva del tipo vintage, que es el tipo de alma sencilla\nque lleva un tope en el extremo.\nTambién era necesario hacer una nueva tira de madera para\nreemplazar la tira original que habíamos destruido previamente para poder sacar el alma rota, con una lámina de\nmadera de palorrosa calibrada al espesor necesario, recortamos uno de los lados con forma curva, ya que el fondo\nde la ranura del alma en el mástil es curvada, el extremo\nEste mástil en cuestión, también requirió un nivelado de\ntrastes ya que la deformación del ultimo tramo del diapasón\nera grande y los últimos trastes hacían como rampa hacia\narriba y las ultimas notas se apagaban incluso con el bajo\najustado con una acción tirando a alta, después del nivelado\nquedó perfecto. En algunos casos no se requiere nivelar los\ntrastes ya que el diapasón y el entrastado están bien.\nEl segundo caso era una bajo Pedulla en el cual el alma se\nhabía deteriorado en el extremo desde donde se ajustaba,\nse había quedado como bloqueada y después de probar\ntodos los recursos posibles y no obtener resultados, hubo\nque tomar la decisión de levantar el diapasón para cambiar\nel alma. Esta operación también es delicada ya que para\ndesencolar un diapasón se requiere usar calor para ablandar el adhesivo que se usó para encolarlo, con lo cual hay\nque aplicar el suficiente calor para ir reblandeciendo la cola\npero sin dañar el mástil, con la ayuda de una fina espátula y\nmucha paciencia se va desencolando el diapasón procurando que no se deforme el mástil con el uso del calor.\npendiendo de cómo este el entrastado y como funcione el\nalma, los instrumentos se pueden ajustar mejor y dejar más\ncómodos para el interprete, permitiendo usar el instrumento\nUna vez retirado el diapasón la mecánica de extracción del\nalma fue la misma que en el caso anterior ya que el alma\ntambién llevaba una tira de madera cubriéndola, así que el\nproceso fue idéntico. Lo siguiente era preparar un diapasón\nnuevo, preparar el alma una vez reparada para colocarla de\nnuevo y preparar también la tira de madera que la cubriría.\nEl proceso de colocar el alma y el filete de madera y posteriormente rebajar el sobrante, era el mismo que en el caso\ndel Jazz Bass.\nEra hora de colocar el nuevo diapasón, FOTO 8 dejándolo encolar con los gatos colocados durante unos días, después\nde repasar el diapasón y comprobar su radio y superficie\nllegó la hora de colocar trastes nuevos FOTO 9, nivelarlos y\nbarnizar el mástil para dejarlo acabado FOTO 10 - FOTO 11.\nLa razón de que estas reparaciones sean costosas, es la\nlaboriosidad que se necesita, debido a que se requiere mucho cuidado y paciencia para ciertas partes del proceso, la\nnecesidad de repintado con lo que eso supone en cuestión de tiempo y además en muchos casos la necesidad\nde hacer trabajo de trastes bien nivelando o cambiándolos.\nSi todo esto se realiza correctamente nuestro instrumento\nquedará igual e incluso mejor que nuevo.\nEspero que todo esto os pueda servir para conocer más\nsobre nuestros instrumentos y comprender mejor el funcionamiento, los posibles problemas que se pueden presentar,\nasí como las diferentes soluciones que se pueden dar a\nComo podéis imaginar este segundo caso fue más complicado y costoso de reparar que el primero, en cualquier caso\neste tipo de reparaciones es delicado dado que el mástil\nes una de las partes más importantes de los bajos, de-\n¿Qué hacen con mi bajo\ncuando lo llevan a ajustar?\nA muchos os surgirá esta duda cuando dejamos nuestro\ninstrumento en el luthier para hacerle una puesta a punto\ny al cabo de varios días pasamos a recogerlo\n¿Qué le habrán hecho en mi ausencia…?\nPara resolveros esta duda nos hemos acercado a conocer al luthier Vicente Hueso Miró, que es el encargado de\nrealizar los ajustes y reparaciones en la tienda de la UME\nde Nuevo Centro, Valencia. Estuvimos charlando con él\ny aprovechamos para hacerle una puesta a punto a un\nEl siguiente paso es la limpieza general del bajo, empezando por la limpieza del diapasón y el tratado del mismo\ncon aceite de limón para nutrirlo en el caso de ser palo\nrosa o ébano y en el caso de ser arce y tener un acabado\nen nitrocelulosa o poli lo limpiaremos con algún producto\npreparado para ello y que no tenga siliconas que pueden\ndañar este acabado. Ahí que decir que algunos acumulamos junto a los trastes muchas horas de estudio y directos que se traducen en una pastita acumulada que le da\nun nuevo color al diapasón…\nEn primer lugar probamos el instrumento sin enchufar, detectamos posibles trasteos, vemos que acción tiene ajustada y le preguntamos al propietario que tipo de acción\nsobre las cuerdas necesita, cada uno tenemos nuestros\ngustos y manías a la hora de tocar nuestros instrumentos,\nno existe un ajuste estándar para todos los instrumentos y\ntodos los bajistas. Seguidamente la enchufamos y probamos posibles problemas en la electrónica.\nAhora con nuestro instrumento limpio pasamos a realizarle un pulido de trastes con lana de acero y comprobar el\nestado en el que se encuentra la nivelación de los mismos. Una vez acabado esto le colocamos unas cuerdas\nnuevas y lista la primera parte del trabajo.\nUna vez acabada esta limpieza haremos lo mismo con la\nelectrónica, potenciómetros y selector de pastillas (en el\ncaso de tener) con un producto de limpieza de residuo\ncero para garantizar así no producir ningún ruido cuando\nDamos comienzo entonces con la parte de ajuste ya con\nlas cuerdas nuevas puestas, arrancando con el ajuste de\nla curvatura del mástil y por tanto el ajuste del alma. Esta\nes una pieza que se encuentra en el interior del mástil y\nque sirve para ayudarnos a ajustar los posibles movimientos que pueda tener el mástil debidos a la tensión que\ngeneran las cuerdas sobre él.\nPara comprobar la curvatura del mástil ejercemos presión\nsobre el traste 1 y el último de nuestro instrumento y\nen la zona central sobre los trastes 7 y 9 observaremos\nque la cuerda quedará levantada varios milímetros, en-\ntre 0,3 y 1 mm se podría considerar un\najuste estándar. En función de cómo se\nencuentre el mástil deberemos tensar o\naflojar el alma y llevarlo así al sitio.\nEl siguiente paso es el ajuste de la altura de las cuerdas, ahora si que la opinión del propietario es básica para hacer\nun ajuste que acomode a sus gustos y\nforma de tocar. En mi caso me gusta\nun ajuste con una acción muy baja, un\npar de milímetros sobre el último traste,\nprácticamente al borde del trasteo, ya\nque me resulta más cómodo tocas así\ny no uso púa, con lo que me permite\nmantener esa altura de cuerda sin tener\nEn el bajo que estamos ajustando nos\nencontramos con que no tiene el clásico\npuente de silletas independientes para\ncada cuerda, sino que tiene un puente\nfijo en el que la altura de las cuerdas\nya vienen definidas conforme al radio\ndel diapasón y mediante dos puntos situados uno a cada lado del puente nos\npermite regular su altura sobre el mástil.\nUna vez finalizado esto procedemos al\noctavado del instrumento, comprobando\nla perfecta afinación de todas las notas\nen todas las zonas del mástil, regulando\nla distancia de las silletas de apoyo de\nlas cuerdas sobre el puente .\nY por fin el último paso, el ajuste de la\naltura de las pastillas respecto a la posición de las cuerdas, situándolas entre\n2 mm en la primera cuerda y 3 mm en\nla cuarta tendremos un ajuste estándar\nque nos asegura un correcto funcionamiento de las pastillas.\nAhora solo nos queda darle un repaso\nde limpieza general al cuerpo y herrajes para devolver el instrumento como si\nfuera nuevo y a esperar las impresiones\ncuando lo pruebe.\nComo su título indica este es un método\ndiseñado para acondicionar la mano a la\nhora de ejecutar el bajo. Está organizado\nen 10 secciones, cada una de ellas recopila\nuna serie de ejercicios cromáticos que\ncomienzan desde lo más sencillo a algunos\nrealmente complicados de tocar. Con una\npráctica sistemática resulta inevitable\nmejorar técnicamente en la calidad de la\ninterpretación. El autor recomienda realizar cada ejercicio durante 15 minutos\nantes de pasar al siguiente y practicarlos con metrónomo a un tempo que resulte\napropiado a nuestro nivel. La independencia de dedos, la velocidad, la precisión,\nse verán mejoradas siguiendo estos 200\nejercicios digitales, que además son una\nbuena herramienta para realizar un calentamiento adecuado antes de una sesión de\nestudio o previo a un bolo.\nTomás Merlo & The Free Punk\nrlo& The Fre\ne Punk Ense\nTomás Merlo es un excelente bajista español\nque nos presenta su último trabajo con su\ngrupo The Freepunk Ensemble titulado Vendetta. Junto a él encontramos a Moisés Sánchez (piano y Rhodes) Chema Saiz (Guitarra y\nEbow), Andrés Litwin (Batería y baterola) y\nPaloma Soalleiro (voz en Vendetta).\nEl álbum está compuesto por ocho temas originales de Merlo y una versión de Pastorius.\nLa propuesta es bastante ecléctica, podríamos definirlo como un disco de fussion, en\nel encontramos muchas pinceladas jazzys,\nelementos pop, incluso clásicos. Todo ello\nse mezcla en canciones de armonías interesantes y poco predecibles, sofisticadas\npero atractivas de escuchar y con un impecable trabajo rítmico. A estas alturas no\nhace falta destacar el virtuosismo de los\nmúsicos, puesto que sin él no sería posible\nrealizar un trabajo de este nivel. Podéis\ninformaros más visitando su Facebook.\nUn buen jazz consiste en un 1% de magia el\n99% restante es analizable, explicable,\nclasificable y realizable. Con esta frase\na modo de declaración de principios abre\nMark Levine la introducción a su método\nde teoría del jazz.\nA lo largo de 350 páginas organizadas en\npartes y capítulos, el autor da un repaso exhaustivo desde lo más sencillo-como\npuede ser la teoría de intervalos – a lo\nmás complejo que sería la reharmonización\nde un tema. En el camino se ve toda la\nteoría de acordes y escalas, su relación,\narmonización. La improvisación y recursos a emplear para tocar sobre cambios de\nTodos los ejemplos, como no podía ser de\notra manera, están basados en standards\nde jazz, cuidado que este libro sólo usa\nnotación tradicional nada de tabulados,\naún así un método imprescindible para\nprofundizar en el estudio del jazz.\nSueño con policías\nEntramos en grupo empujándonos unos a otros y hablando\nen voz alta, era una casa muy coqueta con una bonita pecera y una televisión muy moderna donde estaban poniendo\nun episodio de las Charlie´s Angels, recuerdo que investigaban a un tipo que ponía una muñeca de trapo en el lugar\ndel crimen. Poco después nos fuimos a dar vueltas por el\nbarrio, era algo habitual los sábados por la tarde. Algunas\nveces, veíamos a través de las cristaleras de las tiendas de\nelectrodomésticos algún grupo pop del momento, el día que\nvi a The Knack, fue un puntazo, una sensación intensa que\nnunca antes había sentido, ver a cuatro tipos con pantalones de cuero y vacilando a la cámara con una insultante\nchulería. La adolescencia tenía esas cosas, además el tiempo parecía comprimirse y todo pasaba muy despacio.\nIgual les ocurría a los iconos pop que me acompañaron en\naquellos años, quienes como por arte de alguna pócima\nmágica, siempre se mantenían jóvenes. Jaclyn Smith era\nirremediablemente mi Charlie Ángel favorita desde que la vi.\nen Unidentified Flying Ángel, episodio de la segunda temporada en la que investigaba extrañas apariciones de ovnis\ncon un precioso modelito futurista de minifalda, botas altas\ny gafas fashion de cristal ahumado.\nJaclyn fue además, la única ángel que se mantuvo durante\nlas cinco temporadas de la serie, aportando a los diferentes\nline ups su embaucador encanto, aunque también era cierto\nque Farrah Fawcett y Cheryl Ladd tenían una potente fuerza\ncatódica pocas veces igualable. Sin duda ha sido una de\nlas series más clásicas de la historia de la televisión, con\nuna fotografía perfecta de los telefilms de los setenta y una\nimagen irresistiblemente pop y kitsch.\nBB 22POSTALES ELECTRICAS\nFarrah fue portada de Playboy y otras revistas de la época, por su parte Cheryl inició una curiosa carrera como\ncantante pop y además las tres tuvieron una discreta actividad como actrices de cine y televisión al igual que las\notras ángeles restantes, de las que Kate Jackson sería\nla más destacable.\nHacía poco que habíamos visto en el cine The Warriors,\naquella película nos impresionó mucho y nos gustaba\nhacer de pandilleros, andar con zapatillas John Smith,\ncolocarnos jeans ajustados y lucir chupas vaqueras o\ncazadoras Graham Hill negras rematadas con chapas.\nSiempre que pasaba por allí tarareaba el Kid Dynamo de\nlos Buggles, una canción por la que siempre tuve una\nextraña atracción, era la cara b del single Video killed the\nDe todas formas, la iconografía seguía su curso. La primera vez que ví a Deborah Harry fue en una revista de un\nkiosco al que íbamos a beber algún refresco revitalizante,\nagitábamos las botellas y perseguíamos a las chicas con\naquellos chorros que salían a presión buscando alguna\ncamiseta mojada, acabábamos llenos de líquido por todas partes en aquellas soleadas tardes de viernes a la\nEn las fiestas con tocadiscos que nos montábamos en\nalguna planta baja escuchábamos a Tebeo, Zombies, Tequila, Leño... y demás artefactos que nos llegaban en\nvinilo o cassette.\nUna vez dejamos literalmente quemado un tocadiscos\ndel que salía humo por todas partes. Otro cuarto estaba\nlleno de revistas pornográficas amontonadas en un rincón junto a los cascos de cerveza ya vacíos y el suelo se\nimpregnaba de potadas adolescentes.\nMuchos sábados por la mañana iba a la única tienda de\ndiscos que había en mi barrio. Discos Mataix estaba en\nun pequeño local atendido por un rancio matrimonio de\nmediana edad. Allí me compré mis primeros singles y\ndurante aquellos años pude reunir una buena colección\ncon el poco dinero que tenía.... el dulce Heart of Glass o\nel oscuro Union City Blue y el luminoso Dreaming, fueron\nalgunas de las primeras canciones que puse en mi tocadiscos junto a lps como But the little girls understand de\nThe Knack o el Plastic Letters de Blondie, que por cierto,\nconsidero una de las mejores portadas de la historia del\npop, con una Debby sensual y eléctrica en un mundo\nurbano y nocturno.\nLa máquina de discos de los billares también funcionaba\na la perfección, el Marliese de Fischer Z atronaba las paredes de aquel salón, mientras algunos chicos saltaban\ncon los palos de la mesa del billar americano, y un jaleo\nnarcotizante e hipnótico se mezclaba con el golpeteo de\nlas bolas y las canciones de Boston, Cheap Trick, Pretenders, Kiss o Alice Cooper.\nPor aquellos años había varios billares por la zona, pero\nquizá Los Dinámicos, sea los que recuerde con más\nfuerza, el local tenía una buena máquina de discos, algunas mañanas iba solo y ponía algunas canciones, mientras los macarras del local me observaban y me decían\ncualquier cosa sobre los discos que elegía, eran mayores\nque yo y me trataban con bastante buen tacto. Otras\nveces, ya de tarde, acudíamos en grupo y era un lugar\nEl color de las cosas lejanas adquiere otra tonalidad,\ncomo aquellas tardes que remontábamos solares de la\nzona portuaria, unas grandes extensiones llenas de chatarra y basura frente al mar, lanzábamos trozos de hierro,\nplástico y cobre al vacío y volvíamos a lanzar de nuevo\notro objeto cada vez más lejos, con la intención de mejorar con el nuevo intento... todo se reducía a eso, pero a\nveces, pienso que tal vez, hubiera algo más, cerca de allí\nmuy concurrido donde se mezclaban todas las pandillas\ndel barrio, muchas veces se agolpaban bicicletas en la\npuerta del local, formando un amasijo de cadenas y ruedas por todas partes.\nEs increíble el poder de los recuerdos, alguien dijo que\nsólo lo que se recuerda sucedió alguna vez. Cada vez\nestoy más convencido de ello.\nAquel camino abandonado comunicaba dos partes muy\ndistintas del barrio y estaba situado entre una inmensa\nzona de naves abandonadas, muchas noches pasábamos por allí de regreso a casa después de patear los\nStrezov Sampling se la jugó montando una campaña de ayudas online para\npoder llevar a cabo la secuela de su aclamado Storm Choir.\nLa jugada les funcionó a la perfección…\nOfreciendo una propuesta difícil de rechazar para\nel crowdfunding y enfocándola como una especie\nde “paga por adelantado, eso nos permitirá llevar a\ncabo la producción y además te regalamos Storm\nChoir I”, el éxito estaba casi asegurado, y más teniendo en cuenta que la recepción de la primera\nlibrería de la serie ya contaba con buena reputación. No era mucho lo que pedían, $10,000, consiguieron esa cantidad y además un 60% más.\nNo era mucho lo que\ncantidad y además un\n60% más. Perfecto.\nBuscaban ayuda extra para cubrir los costes de\nlas ideas que tenían en mente: 3 capas de legato,\nmás rango para los vocalistas, más sílabas, legato real para cada sección con dos capas dinámicas, mayor tocabilidad y más efectos, sustains en\nloop… Bien. Más que una actualización de la precuela, Storm Choir II es una librería diferente. Aquí\npodemos encontrar una librería más madura en\nmuchos aspectos y ya no observamos a un equipo\nde gente incipiente con ideas frescas, aquí ya les\nvemos trabajando y sabiendo bien lo que hacen.\nmicrófono para ahorrar en RAM cuando no se utiliza un micrófono particular. Extremadamente útil\npara ahorrar recursos y tener una fluidez de trabajo más llevadera, algo critico cuando trabajamos\ncon samples y no todo el mundo puede permitirse\n8 trillones de GB de RAM en su computador (nótese la exageración).\nLa configuración es muy rápida y simple de entender y los resultados inmediatos. Aunque esta\nbiblioteca no es, por supuesto, tan capaz como un\ncoro de verdad, sí ofrece una visión de lo que es\ntrabajar con un coro, y aunque evidentemente no\nes lo mismo un grupo de personas vivas dándolo\ntodo delante de un micro, la actuación como registros sampleados resulta sobradamente convincente. Tener múltiples sonidos vocálicos ayudaría\ntremendamente a añadir más realismo.\nHay siete posiciones de micrófono - Close, Section, Decca, Outrigger, Balcony, Rear Overheads\ny Mixed - con un mezclador manual para equilibrar\nlos micrófonos y un bypass para cada posición del\nLibrería más madura que su predecesora. Más\ncompleta y definitivamente mejor programada y\nfácil de usar para el usuario. Una buena compra,\nAgus González Lancharro\nLos patches sugieren inmediatamente ideas y\naplicaciones musicales, la programación está más\nlimpia y desarrollada y por fin integran capas dinámicas. Algo que se echa en falta, y podrían tal vez\nconsiderar para un futuro los de Strezov Sampling,\nes la separación total por secciones: Soprano,\nAlto, Tenor y Bajo.\nEl motor de cada frase te permite cargar hasta\n24 sílabas registradas con una buena dosis de\nRound Robin, algo tan básico para evitar el “efecto\nmetralleta”, sin duda necesario. Se puede activar\ncada sílaba mediante un interruptor que puede\ndisparar a través de una configuración predefinida\no puedes utilizar la función de “aprendizaje” para\ndefinir tus propios Key Switch.\nocasión contamos con unos contenidos variados y de mucha calidad, solo hay que nombrar a Abraham Laboriel entrevistado en exclusiva y nuestro bajista de portada. Thomas Risell, el danés conocido co...\nBueno, pues supongo que como otros muchos luthieres, amando la música y las maderas, no hay nada más reconfortante que crear un instrumento de un material que en su día fue un ser vivo, y luego ver...\nInforme de Rubén\nguide to perfect bass setup-castellano