Galería Museos y Palacios Españoles :: MUSEO REINA SOFÍA\nFecha y hora actual: Miércoles, 01 Abril 2020, 02:01 • Todas las horas son UTC + 1 Hora\nRe: MUSEO REINA SOFÍA\nEl Museo Reina Sofía presenta el mayor fondo documental sobre el 'Guernica'\nLa página web cuenta con alrededor de 2.000 documentos adaptados a todos los dispositivos\nCaptura de la web 'Repensar Guernica'.\n2017 está siendo el año de la gran celebración del Guernica de Pablo Picasso. Con motivo del 80 aniversario de la obra, se organizó la exposición Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica, que recibió unas 680.000 visitas entre abril y septiembre.\nUnido a la muestra surge el proyecto Repensar Guernica, un fondo con más de 2.000 documentos relacionados con el cuadro y al que los usuarios podrán acceder en línea. El archivo incluye diferentes materiales como fotografías, documentación del museo, vídeos, catálogos de exposiciones, etc. Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, ha presentado el proyecto, un viaje interior a esta obra "símbolo del exilio, icono del arte moderno y emblema de la transición", para el que se han investigado más de 6.000 documentos, alguno de ellos inéditos, que se irán añadiendo progresivamente.\nEl reto de Repensar Guernica es poner a disposición de todos los públicos esta información de forma interactiva y accesible. Está pensado "tanto para especialistas, académicos y estudiantes como para un usuario curioso que busque una visión global", ha explicado Olga Sevillano, responsable de Programas Virtuales del museo. La página está adaptada a cualquier dispositivo y puede consultarse en inglés.\nLa jefa del área de Colecciones, Rosario Peiró, ha sido la encargada de mostrar la web, "un receptáculo de la historia del cuadro", cuya novedad reside en su unidad documental. "Poder abordar este material de manera conjunta permite hacer una lectura crítica y extendida en el tiempo", comenta Peiró. Esa investigación en el tiempo ha llevado a crear una Cronología que abarca desde 1936 hasta la actualidad y ofrece los documentos clave asociados a cada año.\nEl apartado Itinerarios permite descubrir aspectos de la obra, como sus desplazamientos a distintas instituciones o su influencia política, a través de relatos históricos apoyados por imágenes y otros documentos. Además incluye un buscador enfocado a la investigación que permite acotar por institución, agente o tipo de material, entre otros.\nEl plato fuerte de Repensar Guernica es Gigapíxel, una imagen en alta resolución que ofrece un estudio de la obra expuesta a luz visible, ultravioleta, infrarrojos y radiografía. Jorge García, jefe del departamento de Conservación y Restauración, ha destacado de Gigapíxel su gran capacidad de aproximación y la posibilidad de estudiar no solo los detalles artísticos, sino también las alteraciones sufridas como grietas, craquelado, manchas, etc.\nEl proyecto ha tenido un coste aproximado de 178.000 euros y ha contado con la colaboración de Telefónica. El director de Patrocinios y Relaciones Institucionales, Rafael Fernández de Alarcón, ha subrayado el interés de la empresa por "facilitar que investigadores de todo el mundo puedan acceder a información para llevar a cabo más estudios", además de mantener el liderazgo de España, que ha calificado como "uno de los países referentes en arte moderno y contemporáneo".\n#161 Martes, 14 Noviembre 2017, 17:42\nUn tesoro cubista aterriza en el Reina Sofía\nEl museo nacional reúne 70 cuadros esenciales del movimiento vanguardista gracias al depósito de los fondos reunidos por la Fundación Telefónica desde los años ochenta\nVista de una de las salas del Reina Sofía en la está instalada la exposición 'Cubismo(s) y experiencias de la modernidad'. / Inma Flores\nEra 1983 cuando el gobierno de Felipe González acordó que en todos los contratos de obras públicas que se realizaran en España, al menos el 1% de su coste fuera destinado a un proyecto cultural. Luis Solana era entonces el presidente de Telefónica y no sabía bien qué hacer. Salió de dudas después de hablar con Jorge Semprún. El ministro de Cultura le comentó que era una vergüenza que en España solo hubiera un cuadro de Juan Gris (en su opinión, mejor que Picasso) y ninguno de Luis Fernández, uno de los artistas esenciales de la modernidad. Solana hizo suyos los deseos de Semprún y encargó a la galerista Nieves Fernández que buscara cuadros de Juan Gris en venta (reunió 11). El propio Solana negoció con Giovanni Agnelli, gran coleccionista del artista asturiano, la compra de una docena de obras de Fernández. Así nació la colección de arte de Telefónica, una de las más importantes de Europa en pintura y fotografía y la más rica en obras cubistas.\nLuis Solana ha recordado lo que él llama “una anécdota cultural de la transición” en el Reina Sofía, el mismo edificio que su hermano Javier ordenó transformar en museo de arte contemporáneo y donde desde este martes se exhibe el mayor conjunto de Cubismo gracias al depósito de comodato de cinco años renovables por parte de la Fundación Telefónica. En cinco salas de la segunda planta del edificio Sabatini se expondrá durante un año la exposición Cubismo (s) y experiencias de la modernidad, un conjunto de 70 obras, resultado de la suma de las piezas procedentes de Telefónica con las del Reina Sofía. En palabras de Manuel Borja-Villel, director del Reina, “es la más completa exposición sobre los diversos cubismos que se puede ver en la actualidad en cualquier museo del mundo y un sueño que teníamos desde hace muchos años”.\nOrdenadas por el comisario Eugenio Carmona, se pueden ver obras realizadas tanto en los años principales del movimiento cubista, entre 1907 y 1914, como durante las décadas posteriores. Los nombres de los artistas representados son los más conocidos, como Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris, María Blanchard, André Lhote, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Vicente Huidobro, Manuel Ángeles Ortíz o Joaquín Torres García.\nFotografía 'Cuencos' (1915-1917), de Paul Strand. Joaquín Cortes\n“El cubismo fundacional parecía agotado a comienzos de la guerra, pero las batallas de Verdún y Somme, con sus cientos de miles de muertos, hacen que los artistas reflexionen y se digan que si no siguen siendo cubistas, habrán perdido la guerra”, explica el comisario. “Por ello, acabada la Primera Guerra Mundial, el cubismo se vuelve más puro y más intelectual y se extiende hacia Latinoamérica”. Para ilustrar ese momento tan determinante, en las paredes de una de las cinco salas se proyecta de manera ininterrumpida un documental de No-Do (45 minutos) titulado Los héroes de Somme, con terribles escenas de muerte de la famosa batalla.\nCarmona incide en la importancia americana señalando obras como la de Xul Solar, quien entendió el cubismo como una iniciación a la modernidad. O Diego Rivera, que supo extender el movimiento hacia lo heterogéneo y lo identitario; y Emilio Pettoruti, que lo prolongó como fundamento de su propia identidad como artista, prolongando así en el tiempo la herencia cubista por todo el continente americano.\nAnte el famoso bodegón de Juan Gris La botella de anís del mono (1914), Manuel Borja-Villel ha descrito la exposición como una estructura circular que empieza en el cambio del siglo XX y acaba con el Guernica de Picasso. “La fusión de la colección Telefónica con la nuestra nos ha permitido completar el relato con las 39 obras en depósito y nuestros propios fondos. Las líneas compactas marcadas por Picasso y Braque están aquí rodeadas de descubrimientos fundamentales. Todos son artistas con una relación muy estrecha con la poesía y el collage como elementos de ruptura. Vemos aquí que Blanchard y Gris siguieron haciendo pintura más allá del cubismo. Contemplando estas obras, entendemos que el surrealismo de Dalí o de Manuel Ángeles Ortíz, por ejemplo, toman muchos elementos cubistas. Son lenguajes que se superponen de una manera muy evidente”.\nJosé María Sanz-Magallón, director general de Fundación Telefónica, ha recordado que en sus orígenes, la colección Telefónica fue ideada para ser mostrada al público, no para adornar espacios privados. Las obras que ahora se exponen son el resultado del convenio de depósito en comodato de bienes culturales a favor del Reina Sofía, mediante el que 40 obras de la colección cubista fechadas entre 1912 y 1933 se incorporan al museo por un periodo renovable de cinco años.\n¿El depósito pasará a ser permanente? En el museo se da por hecho, y extraoficialmente se piensa lo mismo. Las salas de la compañía en las que se exponía la colección cubista están siendo utilizadas ya hace tiempo para exposiciones temporales, y todo indica que así seguirá siendo. Manuel Borja-Villel está íntimamente convencido de que, pasado el año de exposición, la colección permanente del museo podrá seguir disfrutando de la mejor selección cubista de todo el mundo.\nRepensar la colección permanente\nLas cinco salas que ahora ocupa el Cubismo han desplazado temporalmente al Realismo y al Novecentismo. Cuando la exposición concluya, el Cubismo se reducirá a tres salas y las otras dos serán repensadas, según explica Rosario Peiró, coordinadora general de las colecciones del Museo. Este movimiento temporal no afecta a la figuración de los años 50, cuyos mayores exponentes, Antonio López o Carmen Laffon, se exhiben en la cuarta planta del edificio.\nTanto el director del Reina Sofía como la propia Peiró recuerdan que en su filosofía está el renovar las posibles lecturas de la colección permanente, y a ello se dedicarán todo el tiempo en el que la segunda planta esté parcialmente ocupada por los cubismos.\n#162 Miércoles, 22 Noviembre 2017, 10:54\nEl Museo Reina Sofía incrementa sus visitas en un 3,6% en 2017\nLa exposición más concurrida fue 'Piedad y Terror en Picasso. El camino a Guernica', con 681.127 personas\nColas de acceso a la exposición 'El Camino a Guernica de Picasso', en el Museo Reina Sofía en Madrid. / Carlos Rosillo\nDurante 2017, el Museo Reina Sofía recibió 3.880.812 visitantes en sus distintos espacios para contemplar la colección permanente, las 17 exposiciones temporales programadas y para asistir a los ciclos audiovisuales, conferencias, seminarios, visitas guiadas, talleres y actuaciones en directo. Esta cifra supone un incremento de un 3,6% con respecto a 2016, que a su vez había aumentado un 12,2% con respecto al año anterior.\nLa muestra Piedad y Terror en Picasso. El camino a Guernica, organizada dentro de la conmemoración del 80º aniversario de la creación de la obra y 25 de su llegada al Museo Reina Sofía, fue la más vista por el público al alcanzar 681.127 visitantes. Otros reclamos han sido las exposiciones de Bruce Conner, uno de los artistas norteamericanos más importantes de la posguerra; la del sudafricano William Kentridge, premio Princesa de Asturias de las Artes 2017; así como la primera retrospectiva en España sobre la también norteamericana Lee Lozano y la muestra dedicada al creador de cómics George Herriman.\nEn cuanto a las salas expositivas del Parque del Retiro, el Palacio de Cristal recibió 1.729.272 visitantes que acudieron a ver los proyectos de la artista italiana Rosa Barba y la colombiana Doris Salcedo. El Palacio de Velázquez atrajo a 491.554 personas a exposiciones como la del alemán Franz Erhard Walther y la española Esther Ferrer, premio Velázquez de las Artes Plásticas en 2014.\nPara 2018, el Reina Sofía ha programado 17 exposiciones, en las que la práctica realizada por mujeres, el Arte Latinoamericano y la fotografía tienen un papel protagonista. Cabe destacar las dedicadas al arte de vanguardia portugués en torno al escritor Fernando Pessoa; al dadaísmo ruso, Dorothea Tanning, la española Dora García y a los creadores que desarrollaron su trabajo en la compleja escena artística de París entre 1944 y 1968 como Picasso, Kandinsky, Chillida, Carmen Herrera o Ellsworth Kelly, entre otros.\nLos 16 museos de titularidad estatal dependientes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte registraron en 2017 2.963.263 de visitas, un 5,4% más que en 2016. Es la cifra más alta desde que se tiene registro.\nEl Museo Nacional de Artes Decorativas y el Museo Sorolla son los que han alcanzado sus cifras de visitantes más altas hasta ahora. La exposición Manolo Blahnik. El arte del zapato, del Nacional de Artes Decorativas, abierta hasta el 8 de marzo, ha conseguido duplicar el número de visitantes (104% más que en 2016) y alcanzar los 71.474. El Sorolla supera también sus cifras con 255.047 visitantes, un 18% más que en 2016.\nEn el Museo Arqueológico Nacional, el número de visitantes ha crecido en más de un 7%, hasta llegar a las 543.027 visitas. Mientras que el de Antropología experimenta la subida más importante, con un 11% (más de 81.790 visitas), alcanzando así su récord. El resto de museos también han registrado cifras históricas como el Museo Nacional de Arte Romano en Mérida que ha incrementado un 5,8% o el Museo Cerralbo con 136.098 visitas y casi un 4,4% de crecimiento.\n#163 Martes, 02 Enero 2018, 17:52\nEl Museo Reina Sofía consigue alcanzar los 3.880.812 visitantes, lo que supone un incremento de un 3,6%\nEl Museo Reina Sofía recibió 3.880.812 visitantes durante 2017 en sus distintos espacios para contemplar la colección permanente, las 17 exposiciones temporales programadas y para asistir a los ciclos audiovisuales, conferencias, seminarios, visitas guiadas, talleres y actuaciones en directo. Esta cifra supone un incremento de un 3,6% con respecto a 2016, que a su vez había aumentado un 12,2% con respecto al año anterior.\nTesoros de la Hispanic Society: 4.000 años de arte e historia, fue la Exposición temporal más visitada del Museo del Prado en 2017.\nEl Museo del Prado registró en 2017 un total de 2.824.404 visitas frente a las 3.033.754 del año anterior, lo que supone una caída del 6,9%. Aún así, supone el segundo mejor dato de su historia, según ha informado este martes el museo en un comunicado.\nLas exposiciones temporales más visitadas en 2017 han sido Tesoros de la Hispanic Society of America, que alcanzó los 485.178 visitantes y Fortuny (1838-1874), que desde su apertura, el 21 de noviembre, ha recibido 120.681 visitantes. Datos que se alejan bastante de los conseguidos el año anterior con la muestra conmemorativa de El Bosco, la exposición más visitada de su historia, con 600.000 visitantes.\nExposición Lautrec-Picasso, en el museo Thyssen de Madrid.\nEl Museo Thyssen-Bornemisza recibió en 2017 850.496 visitantes, un 20,1% menos que el año anterior, siendo la exposición dedicada a Picasso y Lautrec, que estará abierta hasta el 21 de enero, la que mayor aceptación ha tenido, al ser vista por 119.670 personas.\nDesde la implantación en febrero de 2016 de la entrada única, que permite visitar tanto la colección permanente como las exposiciones temporales con una sola entrada, el museo contabiliza tanto el número de tickets vendidos (850.496) como el de visitas a las muestras, que ascendió a 1.051.741, ya que aprovecharon para contemplar varias exposiciones.\nHasta el 28 de enero se podrá contemplar la muestra Lección de Arte, que en 2017 fue visitada por 8.428 personas, mientras que 87.183 acudieron a contemplar las Obras maestras de Budapest y 72.887 El Renacimiento en Venecia, ha informado hoy el museo en un comunicado.\nSonia Delaunay. Arte, diseño y moda fue vista por 41.281 personas; la obra de Rafael Moneo, por 17.962; la de Renoir, por 42.264; y la exposición de Bulgari y Roma, por 52.575.\nEl Museo Nacional de Artes Decorativas y el Museo Sorolla son los que han alcanzado sus cifras de visitantes más altas hasta ahora. La exposición Manolo Blahnik. El arte del zapato, del Nacional de Artes Decorativas, abierta hasta el 8 de marzo, ha conseguido duplicar el número de visitantes (104% más que en 2016) y alcanzar los 71.474.\nMuseo Sorolla de Madrid.\nEl Sorolla supera también sus cifras con 255.047 visitantes, un 18% más que en 2016.\nEn el Museo Arqueológico Nacionall, el número de visitantes ha crecido en más de un 7%, hasta llegar a las 543.027 visitas. Mientras que el de Antropología experimenta la subida más importante, con un 11% (más de 81.790 visitas), alcanzando así su récord.\nEl resto de museos también han registrado cifras históricas como el Museo Nacional de Arte Romano en Mérida que ha incrementado un 5,8% o el Museo Cerralbo con 136.098 visitas y casi un 4,4% de crecimiento.\nMuseo Cerralbo de Madrid.\nVisitantes a los Palacios y Monasterios Reales\nLos Palacios y Monasterios Reales gestionados por Patrimonio Nacional han registrado 3.470.002 visitantes. Estos resultados suponen un incremento total de 104.898 visitantes, cifra que representa un 3,18% más con respecto al año 2016.\nEl Palacio Real de Madrid ha sido, de nuevo, el lugar más solicitado con 1.517.887 personas, cifra que supone un incremento de un 2,88%. Solo en el mes de diciembre, 90.188 personas han contemplado ya el Belén del Príncipe de Palacio que continuará abierto hasta el domingo 14 de enero. Mientras que las estancias de la Real Cocina de Palacio, con un itinerario independiente al habitual, ha conseguido 9.774 personas.\n#164 Miércoles, 03 Enero 2018, 17:39\nPatricia Phelps dona a seis museos 202 obras de arte latinoamericano\nLa coleccionista y mecenas venezolana incluye al Reina Sofía con 39 piezas de 12 creadores contemporáneos\nEscultura de aluminio de Osías Yanov, donada por Phelps de Cisneros al Reina Sofía.\nLa colección de Patricia Phelps de Cisneros (Caracas, 1947) esta considerada como la más importante del mundo en fondos latinoamericanos. Sin sede permanente, está repartida entre Nueva York y Caracas y, desde hace décadas, sus obras son imprescindibles en el creciente número de exposiciones que los museos de todas partes dedican al arte americano. Prestadora habitual, durante los dos últimos años había realizado dos importantes donaciones: un centenar de obras al MoMA en 2016 y 119 a cinco museos americanos en 2017. En este comienzo de año acaba de anunciar una nueva donación global de 202 piezas para 6 museos, donde se incluye un solo centro europeo, el Reina Sofía, al que entrega 39 obras firmadas por doce artistas contemporáneos. Los otros espacios beneficiados son todos americanos: El MoMA neoyorquino, con 88 piezas; el Blanton Museum de Texas (Austin), con 45; el Bronx Museum, 12; el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), con 8 y el Museo de Arte de Lima (MALI), con 10.\nDesde su domicilio neoyorquino (Phelps de Cisneros vive entre Madrid y Nueva York y disfruta de pasaporte español y venezolano), la coleccionista explica vía telefónica que la decisión de realizar esta gran donación la venía madurando hace tiempo con su esposo, el empresario Gustavo Cisneros. “Cuando nosotros empezamos a coleccionar arte Latinoamericano, nos impusimos como objetivo dar a conocer artistas tan maravillosos como desconocidos en Estados Unidos o en Europa. Poco a poco todo ha cambiado y ahora vemos que la demanda se ha multiplicado en todo el mundo. El público y los organizadores de exposiciones lo estaban exigiendo. De ser un arte que no se mostraba ha pasado a ser reclamado. Era el momento perfecto”.\nConsiderada como una de las personas más influyentes en el mundo del arte según ArtReview, Patricia Phelps responde que ha incluido al Reina Sofía porque se trata de uno de los museos más importantes del mundo. “Ya en los tiempos de Javier Solana como ministro de Cultura, empecé a colaborar con España con préstamos para diferentes exposiciones. La llegada de Manuel Borja-Villel al museo multiplicó esa relación porque tenemos un mismo sentir sobre el arte de Latinoamérica. Nadie como él, hasta ahora, había prestado tanta atención y potenciado el diálogo entre todos nuestros artistas. No tuve ninguna duda en incluir al Reina, un museo con el que hemos realizado exposiciones, simposios y donde deposité un importante grupo de obras (35) en régimen de comodato en 2013”.\nManuel Borja-Villel, director del Reina, califica la donación de extraordinaria por cuanto el museo podrá ofrecer una visión de Latinoamérica fuera del canon conocido. “Hay varios artistas de los que estábamos buscando obra para comprar por su importancia en esta nueva narración (Claudio Perna, Waltércio Caldas y Jac Leirner). Ellos junto a los más jóvenes forman un regalo inestimable”.\nEl Reina Sofía ha difundido un comunicado en el que las obras donadas, seleccionadas entre la coleccionista y la dirección del Reina, “abren al Museo nuevos caminos para explorar cómo el campo de la producción artística latinoamericana se ha establecido como un espacio de interpelación social y reflexión histórica durante los últimos cincuenta años. La inclusión en la colección del Reina Sofía va a enriquecer las principales líneas de investigación del Museo. Entendida así, esta importante donación refuerza el mapa de prácticas artísticas que han marcado y siguen marcando el arte latinoamericano”. El museo añade que los doce nombres que integran la donación, pese a la diversidad generacional y el diferente origen geográfico (Argentina, Brasil, Colombia, Costa Rica, España, Paraguay y Venezuela) conforman un grupo unitario. “Todos ellos comparten cierta mirada excéntrica sobre el relato predominante de la historia del arte y muchos consiguen posicionarse sobre realidades particulares en momentos históricos distintos, entre los que podemos trazar relatos comunes con un planteamiento de nuevos lenguajes artísticos”.\nLos artistas elegidos son Feliciano Centurión (San Ignacio, Paraguay 1962-Buenos Aires, Argentina 1996) conocido por sus trabajos con elementos pertenecientes al dominio de la intimidad doméstica; Fernanda Laguna (Buenos Aires, 1972) es también poeta, galerista, editora y escritora que aporta una mirada que atraviesa múltiples temas recurrentes del imaginario femenino, incluyendo el deseo erótico, lo lúdico, la irracionalidad, la expresión queer y la preocupación no panfletaria por lo social. Osías Yanov (Argentina 1980), un creador que alterna la escultura, con la danza, el video y la performance. Del concepto de territorio, entendido como un campo de acción y reflexión, habla la obra de un importante grupo de artistas: Claudio Perna (Milan, Italia, 1938 – Holguín, Cuba, 1997), Alessandro Balteo-Yazbeck (Caracas, Venezuela, 1972) Carlos Motta (Bogotá, Colombia, 1978) Matías Duville (Buenos Aires, Argentina, 1974), Luis Fernando Benedit (Buenos Aires, Argentina, 1937-2011) o Iñigo Manglano-Ovalle (Madrid, España, 1961). El resto de los elegidos son el escultor neo-concretista Waltércio Caldas (Rio de Janeiro, Brasil, 1946), Federico Herrero (San José, Costa Rica, 1978), es una de las figuras más importantes del arte contemporáneo latinoamericano y Jac Leirner (Sao Paulo, Brasil, 1961) heredera del Constructivismo brasileño del Arte Povera y el Minimalismo.\n#165 Jueves, 11 Enero 2018, 11:28\n¿Qué será de los museos en el siglo XXI?\nLos directores de las principales instituciones del arte debaten sobre posibles modelos de futuro en un simposio en París\nUn visitante observa unas fotografías de la exposición 'Red Star over Russia: A revolution in Visual Culture 1905-55' en el Museo Tate Modern en Londres en noviembre. DANIEL LEAL-OLIVAS AFP/Getty Images\n¿Qué les depara el futuro a los museos? ¿Seguirá teniendo sentido descubrir obras maestras de primera mano en tiempos de virtualización imperante? ¿Deben dirigirse los centros de arte a una selecta minoría o aspirar a seguir ampliando su público? Los responsables de las principales instituciones del arte de todo el planeta se reunieron este viernes en París para responder a este tipo de preguntas. Analizaron los retos que les reserva un siglo marcado por las nuevas tecnologías, los presupuestos menguantes y la diversificación de las voces que participan en la conversación del arte. Este inusual cónclave, organizado por la Fundación Louis Vuitton de París, reunió a los máximos responsables de la Tate de Londres, el Centro Pompidou de París, el MoMA de Nueva York, el LACMA de Los Ángeles, el Museo del Hermitage de San Petersburgo o el Reina Sofía de Madrid.\nTodos ellos debatieron sobre las perspectivas de futuro que afrontan las instituciones que encabezan. El diálogo estuvo moderado por dos prestigiosos críticos de arte, el suizo Hans Ulrich Obrist y la francesa Élisabeth Lebovici, que interrogaron a los participantes sobre la noción de centro y periferia, la expansión en nuevos edificios o sedes deslocalizadas, o bien la necesidad de ajustar presupuestos en un contexto de rentabilización máxima. También sobre la ampliación de las colecciones en nuevas direcciones, por la necesidad de formular nuevos relatos en la historia del arte, como los protagonizados por mujeres o minorías étnicas.\nLa directora de la Tate, Maria Balshaw, primera mujer al frente de esa institución británica, dijo interesarse por “la manera en que un museo puede cambiar el mundo”, en un contexto marcado por “el Brexit y las desigualdades sociales y económicas que este nos ha recordado”. Balshaw abogó por las instituciones que no solo sean espacios pensados para una experiencia estética, sino también para la acción política. Como ejemplo, destacó una reciente exposición en la Tate Britain sobre el arte de temática homosexual a lo largo de la historia, a partir de los fondos del museo. “No debemos decir al público qué pensar, pero sí tenemos la obligación social de esclarecer las cosas. Debemos darle llaves con las que puedan abrir el cerrojo de sus puertas”, apuntó Balshaw.\nEl director del Centro Pompidou, Bernard Blistène, protestó ante la estandarización creciente de los museos y advirtió que no todos deben contar la misma historia del arte. “Un museo no debe tender hacia una colección ideal que no existe, sino construirse a partir de su singularidad, de sus contextos, de sus errores y de su historia”, apuntó Blistène. “Sería ridículo ver cómo los museos se homogenizan para responder a una definición que, en realidad, deberíamos deconstruir: la del arte moderno. Tenemos que repensar el modelo inicial”. Sobre el modelo de desarrollo escogido por el museo parisiense, que ha abierto sucursales en Metz y Málaga e inaugurará otras dos en Bruselas y Shanghái –mientras ya mira a Latinoamérica de cara a la sexta–, Blistène afirmó que esas implantaciones no pueden ser solo una manera de potenciar la marca del museo, sino también la oportunidad para desarrollar “modelos específicos” a partir de las peculiaridades de cada sitio y en diálogo con la escena local.\nPor su parte, el director del MoMA, Glenn Lowry, definió el museo del siglo XXI como “un laboratorio”. Es decir, “un lugar de hipótesis, experimentos y posibles fracasos”. Se dijo partidario de tener “una colección más metabólica, que cambie al mismo ritmo que el propio arte”. Pronunció otras palabras sorprendentes. “Últimamente, me he desinteresado en el concepto de la colección. Es importante usarla, pero no más que pensar en qué historias tienen que ser contadas y qué cadencias deben ser enfatizadas”, afirmó Lowry. “Si no tienes obras de mujeres de inicios del siglo XX o afroamericanos de mediados de ese siglo, tómalos prestados. Existen ahí fuera”, señaló. La directora del Studio Museum de Harlem, Thelma Golden, le recordó que “la compra de una obra es un acto de legitimación” para los artistas marginados por la historia oficial. Lowry le respondió que “el compromiso afirmativo de exponer” es más importante que “el poder afirmativo de adquirir”.\nPagar por el arte\nEl debate sobre la gratuidad de los centros de arte, reabierto tras la reciente decisión del Metropolitan de cobrar entrada a los visitantes no neoyorquinos, fue otro de los temas de debate. “Por supuesto, es una idea atractiva y deseable, pero probablemente imposible. ¿Por qué se suele considerar que debemos pagar por el teatro o la ópera, pero no para entrar en un museo? ¿Por qué se nos equipara con una biblioteca pública?”, denunció Lowry. Pese a todo, varios intervinientes llamaron a democratizar su acceso. “Una visita al MoMA cuesta 25 dólares por persona. Si se va en pareja y le sumas un café, una postal y un catálogo, no es difícil alcanzar los 100. Hay una prohibición respecto al coste, y otra de tipo cultural. Se sigue creyendo que el museo es el dominio de la gente más educada y próspera de cualquier cultura”, opinó la conservadora jefa del MOCA de Los Ángeles, Helen Molesworth.\nEl director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, aportó un punto de vista distinto. Definió un marco obligatorio en el que todo museo debe operar en este estadio de la historia: “el que impone el neoliberalismo”. “Este tiene una característica muy concreta: la búsqueda del beneficio económico de todo. Hoy cualquier experiencia es susceptible de convertirse en mercancía. Eso nos condiciona a quienes trabajamos con el conocimiento”, explicaba tras el simposio. Para Borja-Villel, priorizar “el beneficio contable a corto plazo” tiene efectos en la programación de los museos, en la que predominan, cada vez más, las retrospectivas de grandes maestros, capaces de atraer a un público masivo. "Hay que repensar el modelo del blockbuster e intercalarlo con otros tipos de exposición, para que la razón utilitaria no predomine sobre la creativa. Es necesario resistir y darle la vuelta a un sistema que nos empobrece", añade Borja-Villel. "Somos un servicio público. Como en un hospital, tienes que salir mejor de lo que has entrado. Tienes que haber aprendido algo y adquirir un poco de sensibilidad. Si el visitante entra, se hace un selfie y se marcha, no habremos contribuido mucho a su mejora".\n#166 Jueves, 18 Enero 2018, 17:52\nPessoa, el artista múltiple de Lisboa\nEl Reina Sofía indaga en la relación del gran escritor de los heterónimos, convertido también en reclamo turístico de la capital portuguesa, con las vanguardias lusas\nCarlos Azevedo / EL PAÍS\nSi los turistas que abrazan diariamente la escultura de Pessoa, frente al café A Brasileira de Lisboa, fueran también sus lectores, el tímido escritor no saldría de las listas de superventas. Apoyan sus cabezas sobre su hombro, le atusan el bigotito, le tocan el ala del sombrero… Su imagen resulta muy familiar. Está por todas las calles. Aquí vivía, aquí escribía, aquí bebía, por aquí paseaba... Es la marca de su natal Lisboa, el icono de una ciudad de moda, el prestigioso reclamo de la mercadotecnia.\nDesde hace unos años, todo el mundo parece reconocerlo, pero su fama fue póstuma. Pessoa (1888-1935) solo publicó en vida un libro, el poema patriótico Mensagem. Y siempre vivió atormentado por su personalidad. “No sé quién soy ni sé cómo es mi alma. Hablo con sinceridad y reconozco con sinceridad que no sé de qué hablo cuando hablo de mí. Soy muy distinto de esos otros que tampoco sé si existen. Me siento múltiple”, escribió en sus diarios publicados en castellano el pasado octubre por Hermida Editores.\nTanto es así que Pessoa incluso se dirigía a su única amada reconocida, Ofélia Queirós, con alguno de sus múltiples heterónimos, categoría reina de su largo centenar de personalidades y personajes inventados a la que pertenecen los más clamados, Alberto Caeiro, Ricardo Reis o Álvaro Campos, y para los que llegó a crear una caligrafía propia, una vida, una rúbrica.\nEl poeta, que se ganaba la vida traduciendo cartas comerciales gracias a su impecable inglés y su dominio del francés, tejió un personal entramado de ficción e introspección que se enmarcaba en el espíritu de las vanguardias surgidas en la Europa que se mataba en la Gran Guerra, siendo París la capital mundial del arte. Y todo sin salir de su estimada y periférica Lisboa, adonde regresó a los 17 años tras pasar la infancia en la sudafricana Durban.\n¿Fue vanguardista Pessoa? El Museo Reina Sofía indagará en su próxima exposición, que se inaugura el 7 de febrero, en la relación central con las vanguardias que mantuvo este cronista del fracaso cotidiano, seguidor de tradiciones ocultistas, nacionalista místico portugués, “conservador pero al estilo inglés” (como él mismo se definía), lector empedernido, cristiano agnóstico… “Siempre me ha agobiado el vulgarismo deber de la reciprocidad, la lealtad de espíritu que impone la correspondencia”, plasmó en sus diarios el autor del Libro del desasosiego, que grabó definitivamente su nombre en la historia de la literatura cuando se publicó en los años ochenta.\nNo es fácil clasificar a Fernando Antonio Nogueira Pessoa. Aunque mostró simpatía por el futurismo (si bien no participaba de la deriva fascista de su impulsor, Marinetti), no se adscribió a ninguno de los movimientos vanguardistas, que conocía por revistas y cartas. Tampoco era muy aficionado a las artes visuales. En realidad, prefirió crear su propio corpus teórico-estético y filosófico.\nAcuñó el término sensacionismo, que definió así: “Nada existe, no existe la realidad, sino solamente sensaciones. Las ideas son sensaciones, pero de cosas no situadas en el espacio y, a veces ni siquiera en el tiempo”. También se inventó el interseccionismo, de resonancias futuristas, que alude a la superposición de planos, y el paulismo, un refinamiento de procesos simbolistas.\nTodos estos conceptos y su influencia en los artistas portugueses conforman el eje de la exposición Pessoa. Todo arte es una forma de literatura, organizada en colaboración con la Fundación Calouste Gulbenkian. Este filántropo de origen armenio fallecido en 1955, que hizo fortuna en la industria del petróleo y el gas, fue clave para rescatar y reivindicar muchas obras de la escasamente conocida vanguardia portuguesa, según explicó el pasado lunes el subdirector del museo español y comisario de la muestra, João Fernández, frente a un gran mural de José de Almada Negreiros que preside la entrada de esta fundación abierta en 1969 en el centro de Lisboa.\nEn sus almacenes, los conservadores mostraron los cuadros a punto de ser embalados con destino al Reina Sofía. Destacaba entre los peines del almacén el gran retrato que realizó en 1964 el propio Almada (1893-1970) a su amigo Pessoa y que bien podría ilustrar la idea del interseccionismo de éste.\nCompartirá protagonismo con los esplendidos óleos de Amadeo de Souza-Cardoso (1887-1918), que compartió habitación con Modigliani en el París de las vanguardias, y cuya temprana muerte truncó su carrera. Se nota la influencia del matrimonio formado por los pintores vanguardistas Sonia y Robert Delaunay que, huyendo del clima bélico centroeuropeo, se estableció en Portugal (antes de instalarse en Madrid). Eduardo Viana, Sarah Afonso o Júlio son otros artistas presentes. La Gulbenkian ha prestado 56 del total de 200 obras que formarán la exposición, que incluye material documental original.\nEn la última casa donde vivió Pessoa (se mudó unas 20 veces) hay un museo que ha contribuido a revitalizar el barrio de Campo de Ourique y a dar a conocer al autor. Por la habitación del poeta, con la cómoda sobre la que escribía, desfila un goteo continuo de visitantes, la mayoría turistas. ¿Y el arca, donde se guardan más de 20.000 papeles que según dicen aún no se ha publicado de Pessoa? “Está bien guardada”, explica sonriendo un guía en la biblioteca de y sobre Pessoa que no para de crecer, 130 años después del nacimiento del gran embajador de Lisboa en el mundo.\n'Los galgos', de Sousa-Cardoso, de 1911. EL PAÍS\nEl poeta que soñó ser “super Camões”\nA unos metros de la escultura dedicada a Pessoa, en el Chiado de Lisboa, se encuentra un monumento que homenajea a uno de los padres de la literatura portuguesa, Luis de Camões (1524-1580). Nadie parece acordarse del autor del poema épico Los lusiadas, que fue reivindicado por los escritores portugueses de la generación de 1870, que guarda un paralelismo con la generación española del 98. Los portugueses estaban perdiendo sus colonias africanas y un sentimiento de “vergüenza nacional” se adueñó del país, recuerda João Fernández, subdirector del Reina Sofía. Surgió entonces la recuperación de Camões como símbolo de la identidad nacional. Años después, Pessoa, que heredó esa conciencia de pérdida, escribió sobre su sueño de ser “super-Camões”.\n#167 Sábado, 20 Enero 2018, 10:59\nEl Prado, el Reina Sofía y el Thyssen, gratis para los titulares del Abono Joven\nEl nuevo presidente de la Comunidad de Madrid, Ángel Garrido, ha anunciado este miércoles que los titulares del Abono Transporte Joven, más de 1,2 millones de menores de 26 años en la región, podrán entrar gratis a partir de este mismo jueves a los museos del Prado, Reina Sofía y Thyssen-Bornemisza.\nLos titulares del Abono Transporte Joven, más de 1,2 millones de menores de 26 años, podrán entrar gratis desde el jueves a los museos del Prado, Reina Sofía y Thyssen-Bornemisza, a través, además, de una taquilla exprés.\nEl presidente de la Comunidad de Madrid, Ángel Garrido, ha anunciado esta ventaja para los jóvenes en el marco de la presentación conjunta, por parte de los tres museos y la Administración, de la transformación de la estación de Metro de Atocha en la 'Estación del Arte'.\nSegún ha explicado Garrido, los jóvenes sólo tendrán que presentar el DNI y el Abono Joven en estos tres museos y podrán acceder gratuitamente. Estos tres museos constituyen "uno de los ejes culturales más importantes del mundo", con más de 7,5 millones de visitantes anuales, han recordado desde el Gobierno regional.\nEl Abono Joven 30 días tiene una tarifa única de 20 euros para todas las zonas tarifarias (pudiendo viajar de la zona A a la E2) y una validez hasta la fecha en que se cumplen 26 años.\n#168 Viernes, 25 May 2018, 17:07\nEl Rey acompaña a Obama en una visita privada al Museo Reina Sofía\nEl Rey y Obama viendo el Guernica en el Museo Reina Sofía.\nEl Rey ha acompañado esta mañana al ex presidente de EEUU Barack Obama en una visita privada al Museo Reina Sofía en Madrid durante la que se han detenido especialmente ante el Guernica de Pablo Picasso, así como ante una selección de las obras de Salvador Dalí.\nAl término de esta visita, que ha durado una media hora, Felipe VI le ha regalado un libro sobre el mundialmente famoso cuadro de Picasso con la siguiente dedicatoria, en inglés: "Para el presidente Obama, como testimonio de mi amistad y afecto y en recuerdo de nuestra visita juntos al Guernica, un icono eterno del arte más universal".\nEste encuentro privado con Obama, al día siguiente de su intervención en la Cumbre de Innovación Tecnológica y Economía Circular organizada en Madrid, se produce dos semanas después de la visita de los Reyes a Washington, donde Felipe VI se entrevistó con el presidente Donald Trump en el Despacho Oval de la Casa Blanca.\nFelipe VI se reunió por primera vez con Obama en el hotel Waldorf Astoria de Nueva York el 23 de septiembre de 2014, tres meses después de su proclamación como Rey, con ocasión de la participación de ambos en la Asamblea General de la ONU, una entrevista que, según explicaron entonces las autoridades españolas, demostró la "buena sintonía" entre los dos jefes de Estado.\nEn septiembre de 2015, los Obama fueron anfitriones de los Reyes en la Casa Blanca, donde el presidente se mostró ante el monarca "profundamente comprometido" a mantener la relación "con una España fuerte y unida".\nAl año siguiente, fueron don Felipe y doña Letizia quienes tuvieron ocasión de recibir en Madrid al líder estadounidense y a la primera dama, aunque por separado, con motivo de las visitas de Michelle Obama a finales de junio de 2016 y del presidente de EEUU 10 días después.\nEl líder estadounidense y el Rey protagonizaron entonces un encuentro en el Palacio Real en el que los dos países constataron la "fortaleza" de la relación bilateral, mientras que, durante la visita previa de Michelle Obama, la primera dama fue recibida en el Palacio de la Zarzuela por los Reyes, acompañados por la Princesa Leonor y la infanta Sofía.\nAquel fue el primer encuentro de Michelle Obama con las dos niñas, ya que ninguna de ellas se encontraba en Palma de Mallorca cuando, el 8 de agosto de 2010, la primera dama completó sus vacaciones en España, acompañada de su hija Sasha, con un almuerzo en el Palacio de Marivent ofrecido por los Reyes Juan Carlos y Sofía y la entonces Princesa Letizia.\nEl rey recibe a Obama en el Museo Reina Sofía.\nelmundo.es / CasaReal\n#169 Sábado, 07 Julio 2018, 12:31\nEl Reina Sofía y el Archivo Lafuente resucitan su asociación en Santander\nEl museo, el empresario, el ministerio y el Ayuntamiento firman este miércoles el acuerdo para abrir un Centro Asociado en el antiguo Banco de España, que costará 10 millones de euros\nAntigua sede del Banco de España, en Santander. El edificio albergará el Archivo Lafuente. ALBERTO LOSA\nLa primera salida física del Museo Nacional Reina Sofía fuera de Madrid ya tiene su fórmula. No será una subsede ni una franquicia, sino un centro asociado con el Archivo Lafuente que se instalará en Santander, en la antigua sede del Banco de España, una vez rehabilitado el edificio de planta noble hoy en desuso. El acuerdo de colaboración entre las partes se firmará este miércoles y el propósito es poner en marcha definitivamente un proyecto que debería abrir sus puertas en 2021, según las previsiones, tras varios años de retrasos. Se llamará Centro Asociado Museo Reina Sofía-Archivo Lafuente y exhibirá obras, pero sobre todo documentos, desde las vanguardias europeas de principios del siglo XX hasta los años ochenta.\nEl desembarco en la ciudad cántabra del museo se hará cerca del frente marítimo donde fondea el Centro Botín, y adonde mirará el futuro Museo del Banco de Santander. Y obedece a la confluencia de intereses entre su materia de estudio, conservación y exhibición y la colección privada que ha ido reuniendo el empresario José María Lafuente desde principios del siglo XXI.\nEl director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, explica la importancia de los fondos: “Los archivos en el arte moderno y contemporáneo son fundamentales porque contextualizan y explican momentos históricos a través de documentos. Una parte de ese arte tiene que ver con las partituras, los libros, la dimensión textual, como el dadaísmo, el futurismo, la poesía concreta... José María tuvo la inteligencia de coleccionar cuando su precio aún era accesible. Tiene fondos muy importantes de autores como Ulises Carrión, Sol LeWitt, Fernando Millán, José Luis Castillejo, de las vanguardias históricas...”. El valor de la colección, que incluye pinturas, dibujos, obra gráfica, fotografías, libros, revistas o cartas, supera los 15 millones de euros.\nLafuente añade que tal vez la mayor singularidad de su colección “es todo lo que hay de América Latina, porque a eso, en su momento, no se le dio importancia y nosotros trazamos un plan de recopilación. En el futuro constituirá la mayor singularidad internacional”. El coleccionista y empresario quesero recuerda que hace dos años llegó a un acuerdo con el Reina en virtud del cual “puede disponer de todo el archivo con carácter preferente”, mientras se desarrollan también proyectos independientes. Además, “el Reina tiene una opción de compra en exclusiva en 10 años”.\nEl Centro Asociado lo liderará el Reina Sofía y se expondrán obras tanto del museo como del Archivo Lafuente. El propósito es organizar una exposición permanente que se cambiará cada año y medio o dos años, además de una muestra temporal al año. También se podrá acceder a la documentación para su investigación y se ofrecerán actividades formativas. Hoy, solo los investigadores pueden acceder a la colección en un espacio acondicionado en una de las fábricas del industrial en Cantabria, si bien los fondos itineran con frecuencia en diversas exposiciones (como la actual de fotografía rusa en el Círculo de Bellas Artes).\n“La idea es consolidar una relación y crear una institución de carácter público con el tiempo. La unión entre el Archivo y el Reina tiene una voluntad de permanencia y continuidad”, apunta Borja-Villel. “El Reina no está abriendo una franquicia ni una sede en Santander, sino que va al encuentro con un archivo que está en Santander. La franquicia va en una dirección, tiene algo de neocolonial. Un centro asociado va en las dos direcciones en una relación de igualdad”.\nEl proyecto se empezó a fraguar con el santanderino José María Lassalle como secretario de Estado de Cultura, e Íñigo de la Serna (también del PP) en la alcaldía. Hoy, la alcaldesa de Santander (PP), Gema Igual, asegura que el Ayuntamiento “lleva mucho tiempo poniendo toda la carne en el asador, saltando muchos obstáculos, sobre todo cuando se descolgó el Gobierno de Cantabria. Ya estaba encarrilado con el anterior ministro pero el actual [José Guirao] ha sido muy sensible”. El municipio costeará los 10 millones de euros de la rehabilitación y adecuación del Banco de España, así como el mantenimiento. No cierra las puertas a una posterior incorporación al proyecto del Ejecutivo autonómico, presidido por el regionalista Miguel Ángel Revilla, que gobierna con el apoyo del PSOE.\nGuirao destaca que el acuerdo es una “alegría” para su departamento, para Santander y para España, porque el de Lafuente “es uno de los grandes archivos a nivel internacional en manos privadas y, sumado al del Reina, conformarán uno de los primeros archivos documentales dentro del mundo del arte moderno y contemporáneo”. Además, “el archivo corría el riesgo entre comillas de ir a una institución internacional dado su interés y hay que agradecer que se quede en Santander”.\n'Collage', de Kirill Mikhailovich. ARCHIVO LAFUENTE\nUn nuevo triángulo del arte\nLa apertura del Centro Asociado Museo Reina Sofía-Archivo Lafuente, previsiblemente en 2021 o 2022, creará un nuevo triángulo del arte en España, en este caso frente al mar. A escasos metros de la antigua sede del Banco de España se sitúa el Centro Botín, de Renzo Piano, y unos metros más atrás, en el paseo de Pereda, la actual sede social del Banco de Santander se convertirá en la Casa Museo del Banco de Santander, tras la intervención valorada en 40 millones de euros del arquitecto David Chipperfield.\nEl coleccionista José María Lafuente incide en la importancia de descentralizar los polos de atracción del arte en España. Esta apuesta, sumada a la posible ampliación del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria, reforzará el eje Bilbao-Santander como destino cultural. Con 173.000 habitantes, la ciudad cuenta con una consolidada oferta que incluye la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, un festival internacional de música y una buena red de librerías y galerías de arte.\n#170 Martes, 24 Julio 2018, 10:12\nVisitantes en torno al 'Guernica', de Picasso, en el Museo del Reina Sofía. / ANDREA COMAS\nSe ha logrado rebajar en más de diez minutos el tiempo de evacuación del 'Guernica'. Con el antiguo plan, el cuadro debía zigzaguear hasta encontrarse con una puerta por la que no cabía. Para sacarlo hasta el montacargas se debía desmontar una pared de DM atornillada. La nueva ruta, surgida gracias al SIG, es más directa y efectiva, sin paredes. “Un formato tan especial como el de este cuadro necesitaba la eficacia máxima en su evacuación. Ahora estamos invirtiendo mucho tiempo en hacer eficaces las operaciones de salvamento y eliminando los elementos que interrumpen la salida de público y obra de arte”, cuenta Jorge García Gómez-Tejedor, jefe de restauración del Museo Reina Sofía.\n#171 Domingo, 16 Septiembre 2018, 11:20\nPicasso sanea las cuentas del Reina Sofía\nEl museo cierra 2017 con 2,2 millones de euros a favor gracias al éxito de la muestra 'Piedad y Terror en Picasso. El camino a Guernica'\n'El Guernica', de Pablo Picasso.\nEl Museo Reina Sofía ha cerrado las cuentas de 2017 con buenas noticias: ha ingresado más de lo que ha gastado y su tesorería también da un respiro. Ha ingresado 37,7 millones de euros y ha gastado 35,5 millones de euros en el ejercicio, lo que salda el año con 2,2 millones de euros a favor de la institución. Los datos recuerdan al otro hito sobresaliente de la última década, cuando la exposición de Salvador Dalí, en 2013, se convirtió en la más visitada de España, con 732.339 personas. Los motivos de la bonanza de este año hay que buscarlos en la muestra temporal Piedad y Terror en Picasso. El camino a Guernica, que cerró con 681.127 visitantes y que dejó –junto al resto de actividades– en las arcas más dinero de lo que habían previsto: 4,7 millones de euros.\nAdemás, ha crecido un 3,6% respecto a 2016 en visitantes totales al llegar a 3,8 millones de personas. De ellos, pasaron por la sede principal 1,6 millones. El 58% de las visitas registradas suceden en las dos sedes secundarias del museo, en el parque del Retiro, en el Palacio de Cristal y el Palacio de Velázquez, de acceso gratuito. Esta afluencia masiva a estos dos edificios marca la diferencia en la comparación con el Museo del Prado, que cerró 2017 con un millón menos de visitas que el Reina Sofía. Pero la taquilla del Prado llegó a los 19,6 millones de euros en venta de entradas (frente a los 4,7 millones del museo de arte contemporáneo), en parte también por la diferencia de precio: 15 euros para ver Las meninas y 8 euros para ver Guernica.\nLa comparación entre ambas instituciones abre otro capítulo importante: el Prado recibió de las arcas del Estado 13,9 millones de euros (un 30,1% del total de 46,2 millones de euros de su presupuesto). El Museo Reina Sofía tuvo ayudas públicas por valor de casi 27 millones de euros (un 69 % del total del presupuesto). Es decir, el Reina Sofía tiene pendiente potenciar los ingresos propios, que han crecido mucho en el alquiler de las salas, pero se han estancado en la captación de patrocinios en 1,7 millones de euros. En esto el atractivo del Prado vuelve a ser incontestable: en 2017, el equipo de Miguel Falomir llegó a captar 6,1 millones. Para acortar esa diferencia, Michaux Miranda, gerente del Reina Sofía, asegura que están elaborando un plan estratégico para la captación de ingresos patrocinados, más allá de las empresas del IBEX. Además de tratar de incrementar el micromecenazgo con el dinero de los visitantes y ciudadanos, sobre todo pretenden conquistar el corazón de las medianas empresas.\nMiranda considera que los resultados económicos de 2017 han sido “muy positivos” y cree que la exposición que inaugura a finales de este año, París años cuarenta, será una nueva alegría para las cuentas del centro. Este dato sobre los hitos de popularidad del Reina Sofía es llamativo para determinar los intereses del público: Dalí y Picasso (y la inminente París años cuarenta, en la que habrá más Picasso). Parece claro que los artistas modernos son los favoritos y que cuando Picasso ha vuelto a entrar en las temporales propuestas –14 años después de la última– los números del museo mejoran. Otro gran nombre adorna la muestra con más éxito del museo en el extranjero: Miró último (1963-1983): la experiencia de mirar. Comisariada por Carmen Fernández y Belén Galán, no se ha visto en la sede madrileña.\n#172 Lunes, 24 Septiembre 2018, 17:00\nLa verdadera historia de lo que costó el ‘Guernica’ a la República\nUna reconstrucción histórica de la compra del mural de Picasso a raíz de unas declaraciones de Pérez-Reverte arroja luz sobre las motivaciones del artista\nEl Gobierno republicano español vio en la Exposición Internacional de París de 1937 una gran oportunidad para buscar adhesiones en su lucha contra la sublevación militar encabezada por Franco. Por eso se marcaron como gran objetivo la participación en su pabellón de grandes artistas de vanguardia, como Pablo Picasso. Este aceptó el encargo, por el que acabó cobrando 200.000 francos, a pesar de su “resistencia” a “aceptar subvención alguna de la Embajada por la realización del Guernica, ya que hace donación de este cuadro a la República española”, según explicó el escritor Max Aub el 28 de mayo de 1937 en una carta al embajador Luis Araquistáin. En ella contaba que había conseguido que el artista aceptase un cheque de 150.000 francos; los otros 50.000 los había recibido unas semanas antes como adelanto para cubrir gastos.\n“A Picasso se le pagó el Guernica, y muy bien para la época, pero lo hizo porque le salió del alma, no por dinero”, asegura la historiadora del arte Josefina Álix, una de las personas que más ha estudiado aquel episodio, en referencia a las recientes declaraciones del escritor Arturo Pérez-Reverte recogidas en este diario: “Picasso no pintó el Guernica por patriotismo, sino por muchísimo dinero”, dijo el pasado martes en París durante la presentación de su última novela, Sabotaje.\nY es en el contexto de esa obra —“Fuera de la novela, no tengo nada que decir”— en el que Pérez-Reverte enmarcaba ayer, en conversación telefónica, sus palabras. “Que Picasso cobró 200.000 francos por el Guernica y no pisó España en toda la Guerra Civil es un hecho concreto, real, que yo utilizo en mi novela, que no es sobre Picasso, sino sobre un espía franquista en la que Picasso sale como secundario. Yo soy un escritor profesional y me reservo el privilegio —el divertido privilegio— de novelar lo que me dé la gana. No como el historiador del arte que no soy, sino como el novelista que soy. Si alguien hace de esto un debate político, ideológico o artístico, lo agradezco por la publicidad que me hacen, pero me importa un rábano. Sabotaje solo es una novela”, dijo.\nPero en ese juego de ficción que se asoma la realidad, algunos historiadores —como la profesora de la Autónoma de Madrid Nere Basabe, que difundió en Twitter la carta de Aub al hilo de las palabras del escritor— creen que conviene dejar claro qué es lo que dicen los estudios y los especialistas, sobre todo cuando se trata de uno de los cuadros más importantes de la historia de España, explica por teléfono Basabe.\nAsí, Álix empieza explicando que Picasso aceptó desde el principio la petición que le habían hecho en diciembre de 1936. La misma que le reiteró en los primeros días de enero de 1937, en una visita a su taller de la calle de Boétie, una delegación formada, entre otros, por los escritores Max Aub, Juan Larrea y Louis Aragon, y los arquitectos Luis Lacasa y Josep Lluis Sert, encargados de levantar el espacio expositivo. Sin embargo, durante meses el artista no hizo absolutamente nada —“o apenas unos apuntes”— porque, inmerso en sus problemas personales, no se le ocurría qué hacer.\nHasta que se produjo el bombardeo de la villa de Guernica por parte de la aviación nazi, suceso al que siguieron grandes manifestaciones de repulsa en París el 1 de mayo de 1937. “Ese mismo día se puso a trabajar en el mural”, señala Álix. Y lo hizo, continúa, “absolutamente revuelto por la situación y las circunstancias”, sin pedir dinero alguno para sufragar los importantes gastos que su trabajo suponía; aparte de las pinturas y el lienzo, tuvo que alquilar un taller más grande para contener el enorme tamaño de la obra: 7,7 metros de ancho y 3,49 de alto.\nCarta en la que José Gaos da cuenta a Juan Negrín del adelanto de 50.000 francos.\nTestimonio de Max Aub\nCarta de Max Aub al embajador Luis Araquistáin sobre el pago de los otros 150.000 francos.\nEl comisario del pabellón, José Gaos, menciona los 50.000 francos de adelanto en una carta en la que da cuenta al presidente de la República, Juan Negrín, de los gastos de los preparativos hasta el 21 de mayo. Añadía que, en todo caso, ese pago no era suficiente: “La pintura mural hecha expresamente para nuestro pabellón debe ser adquirida por el Estado y por lo tanto a este le toca fijar en qué cantidad considere conveniente completar, como precio de esta adquisición, los 50.000 francos que se le han adelantado, teniendo presente que hasta ahora tampoco se han reembolsado especialmente a Picasso los gastos considerables de ejecución de esta pintura y sobre todo de las cuatro esculturas hechas también especialmente para el pabellón”.\nY de la entrega de los otros 150.000 francos deja testimonio Max Aub, delegado cultural de la embajada, en una carta del 28 de mayo. En ella anuncia a Araquistáin que había conseguido que el artista aceptase, al menos, “los gastos en que ha incurrido en su obra”. Y continúa: “Le he extendido un cheque por valor de 150.000 francos franceses, por los que me ha firmado el correspondiente recibo. Aunque esta suma tiene, más bien, un carácter simbólico, dado el valor inapreciable del lienzo en cuestión, representa no obstante prácticamente una adquisición del mismo por parte de la República”.\nEl propio Araquistáin recordaba ese episodio en una misiva que le envió a Picasso en 1953, en la que lamenta la pérdida tras su salida de la embajada de muchos documentos. “Entre ellos, el recibo que firmó usted a Max Aub de la suma que este le entregó a usted —pese a su resistencia a no aceptarla— en concepto de gastos incurridos en la realización”.\nAunque simbólica, 200.000 francos era una gran suma: “Pues sí, era dinero, si bien es muy difícil explicar a cuánto equivaldría actualmente”, dice Álix. Una herramienta de la página oficial de estadísticas del Gobierno francés dice que equivaldrían a unos 11 millones de euros actuales. También puede dar una idea al respecto el coste total del pabellón español para la Exposición Internacional de París: dos millones de francos, con lo que el pago a Picasso se habría llevado el 10%. “Es una buena cantidad, pero hay que tener en cuenta que es un trabajo bestial, que hace el artista más importante del mundo. Lógico es que se pagara. Pero de ahí a decir que lo hizo por dinero va un abismo”, termina la historiadora.\nUna compra crucial\n“Yo creo que en Picasso había ya un compromiso político y, además, con la República”, añade la historiadora de la UNED Genoveva Tusell, autora, entre otros, del libro El Guernica recobrado. Picasso, el franquismo y la llegada de la obra a España (Cátedra, 2017) Tusell menciona el cargo de director honorífico de director del Museo de Prado —“Que él siempre recordó con orgullo”— y la gira que hizo el Guernica tras la Exposición de París para recaudar fondos para la República en Gran Bretaña y, después, en Estados Unidos, donde permaneció el cuadro durante décadas hasta que el Gobierno español lo recuperó en 1981.\nTusell insiste en que en el proceso, el hecho de haber pagado por el cuadro en su día fue crucial, lo que vino a dar de alguna manera la razón a quienes se esforzaron tanto por formalizar la compra. A pesar de la pérdida de los recibos, la carta de Max Aub en la que deja constancia de la entrega de un cheque y otros documentos —varias hojas de gasto, por ejemplo— fueron suficientes para demostrar la propiedad y para dar, de paso, la razón a quienes se esforzaron tanto por formalizar la compra.\nLa profesora de la UNED explica, además, cómo se consiguieron buena parte de esos papales gracias al diplomático Rafael Fernández Quintanilla, nombrado a finales de los setenta embajador en misión especial para recuperar la obra de Picasso. Fernández Quintanilla conocía al hijo de Luis Araquistáin, quien conservaba el archivo de su padre. Tras una complicada negociación, el diplomático logró hacerse con esa documentación que finalmente resultó crucial.\nMuseo reina Sofía del 3 octubre, 2018 al 7 enero, 2019 / Edificio Sabatini, Planta 3\nLa exposición se articula en habitaciones temáticas que discurren por las diferentes etapas artísticas y vitales de la trayectoria de Tanning, desde escenas de infancia y familiares, niñas vestidas al estilo victoriano, bucólicos desnudos barrocos y desiertos de rocas rojas, hasta llegar a las representaciones de flores, tan relevantes en su última etapa. Entre sus instalaciones, destaca Chambre 202, Hôtel du Pavot [Habitación 202, Hotel de la Amapola] (1970–1973), con esculturas antropomorfas que invitan al visitante a mirar, a sentir, y a formar parte del mundo surreal que en ella habita.\nTanning rompe la distancia entre la obra de arte y el espectador, sin pretender que sus creaciones sean un reflejo del mundo, sino una invitación para ir más allá. Los seres femeninos dominan este universo de puertas abiertas y revelaciones, provocando el caos en un espacio tradicional doméstico, que al mismo tiempo vibra y despierta una curiosidad extraña. ¿Nos atrevemos a entrar en su cuento de hadas, en una casa con puertas abiertas, una estancia habitada por extrañas criaturas, a adentrarnos en un paisaje quemado por el sol? En palabras de la propia artista: “Quería guiar el ojo hacia espacios que se ocultaran, revelaran, transformaran todos a la vez y donde hubiera imágenes nunca antes vistas, como si hubiesen aparecido sin mi ayuda”.\núltima edición por j.luis el Sábado, 05 Enero 2019, 11:49; editado 3 veces\n#173 Sábado, 06 Octubre 2018, 09:26\nLa familia del arquitecto catalán Coderch dona al Reina Sofía su archivo\nProyectos, cartas, fotografías y maquetas integran el legado de un diseñador clave en la modernización de España. Las negociaciones para venderlo en Cataluña fracasaron\nGenio a su pesar. José Antonio Coderch fue uno de los contados arquitectos españoles que abrió un capítulo propio en la arquitectura del siglo XX\nLa familia de José Antonio Coderch de Sentmenat (Barcelona, 1913 — Espolla, Girona, 1984) ha entregado al Museo Reina Sofía de Madrid el importante archivo del arquitecto catalán que revolucionó la arquitectura española de la posguerra con sus construcciones modernas, alejadas de los cánones del régimen franquista, con el que, sin embargo, comulgó y se sintió próximo.\nEl archivo, que estaba en un trastero en la vivienda de uno de los hijos de Coderch, en el distrito de Sarrià de Barcelona, está formado por 9.800 documentos, clasificados en 875 carpetas fechados entre 1941 y 1978 e incluye planos y croquis de sus proyectos arquitectónicos y diseños, fotografías y clichés de sus obras y fotos familiares, correspondencia profesional, facturas y recibos de cada proyecto, además de revistas, libros, publicaciones y maquetas, como la del proyecto Cocheras de Barcelona, retratos del arquitecto, algunos de sus innumerables premios y objetos personales.\nLos Edificios Trade de Barcelona, realizados por Coderch en Barcelona en 1968. Carles Ribas\nSu genio fuerte, talante serio y personalidad compleja no le permitieron gozar de muchos amigos, pero sus colaboradores y conocidos más cercanos destacan su generosidad y, sobre todo, su tenacidad por el trabajo donde era minucioso, exigente, creativo, innovador y muy crítico no dando nunca por terminado sus trabajos. “Me cuesta mucho hacer cada proyecto. Cada vez que empiezo uno tengo un gran temor por si no sabré resolverlo”, solía decir. Coderch es un arquitecto de plantas orgánicas, con elementos que buscan la luz, “porque todas las habitaciones tienen derecho a estar en la fachada”. De ahí sus plantas quebradas.\nOriol Bohigas, con el que integró el renovador Grupo R, junto a Josep Maria Sostres y Antoni de Moragas, entre otros, siempre recuerda cómo Coderch se presentaba en su estudio con el diario de extrema derecha El Alcázar debajo del brazo.\nLas negociaciones entre la familia y el museo madrileño se produjeron después de que fracasara un intento de acuerdo con el Colegio de Arquitectos de Catalunya (COAC), que no estuvo en disposición de pagar la cifra cercana al millón de euros que pedían los descendientes. El COAC cuenta con los archivos de muchos arquitectos y despachos catalanes, pero sin pagar cantidad alguna.\nEl archivo Coderch no siempre ha estado físicamente en manos de sus herederos, sus cuatro hijos (de los cuales uno falleció). Poco después de la muerte del arquitecto en 1984, este importante patrimonio para conocer la arquitectura moderna española, estuvo depositado en la biblioteca de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura del Vallès (ETSAV) en la que el propio Coderch impartió clases a partir de 1965, con el propósito de que fuera conservado, clasificado e inventariado en esta universidad y hacerlo accesible a los investigadores.\nEn julio de 2014 los hermanos Coderch recuperaron la documentación y el archivo de la ETSAV, cerró sus puertas como espacio de consulta. Tres años después, la universidad firmó un nuevo convenio de colaboración con la familia e inauguró el Espai Coderch a través del cual se puede consultar al haber sido digitalizada la documentación de 126 obras y proyectos de los 296 proyectos catalogados del arquitecto. Desde cualquier ordenador también es posible acceder al inventario completo de la documentación que acabará depositada en el museo madrileño.\nLa Casa Ugalde de Coderch (1951-1953), en la costa del Maresme de Barcelona.\nCon la incorporación del legado, el Reina Sofía aumenta sus fondos sobre arquitectura, una de las líneas programáticas transversales que viene potenciando el museo desde hace años bajo la dirección de Manuel Borja-Villel. La donación fue aprobada por el patronato del museo recientemente. Otros museos de arte contemporáneo como el MoMA de Nueva York o el Pompidou de París cuentan con departamentos propios de arquitectura. El propósito del Reina Sofía es ampliar sus fondos tanto de movimientos arquitectónicos como de profesionales particulares que marcaron el arte de la construcción.\nCoderch es el autor de casas unifamiliares como la Casa Ugalde (1953), la casa del pintor Antoni Tàpies (1960), con el que trabajó mano con mano, y la Casa Entrecanales (1966), situada en el privilegiado barrio madrileño de la Moraleja; de bloques de viviendas, como el edificio Girasol de Madrid (1966), el edificio de la calle Juan Sebastian Bach (1958) y el edificio Cocheras (1968), los dos en Barcelona; edificios públicos y de oficinas, como el ondulante Edificio Trade, cuatro torres acabadas con muros cortina de cristal que construyó en 1968 en Barcelona, e institucionales, como el pabellón que construyó para España en la IX Trienal de Milán de 1951, que recibió el Gran Premio.\nUno de los muros cortinas típicos de Coderch, en la Casa del Instituto Social de la Marina, de Barcelona. Carles Ribas\nTras Agustí Centelles, Carmen Balcells y la editorial Tusquets\nEl Archivo Coderch sigue el mismo camino rumbo a Madrid de otros importantes conjuntos documentales catalanes. Como el del fotógrafo Agustí Centelles, después de que en 2009 el Ministerio de Cultura lo comprara por 700.000 euros, mientras sus dos hijos estaban también en conversaciones con la Generalitat. En 2016 el fondo de la agencia literaria de Carmen Balcells se vendió al Ministerio por tres millones por expreso deseo de la famosa agente y fueron depositados en el Archivo General de la Administración en Alcalá de Henares.\nEl último en viajar fue el archivo de la Editorial Tusquets, donados por Beatriz de Moura a la Biblioteca Nacional de España en 2017, destino que podría tener también el fondo de la editorial Anagrama ya que, según ha trascendido, su fundador Jorge Herralde ha mantenido conversaciones con la principal biblioteca española. Desde Cataluña, la consejera de Cultura, Laura Borràs, también ha confirmado que hay negociaciones para que estos fondos se queden y se depositen en la Biblioteca Nacional de Cataluña. Pero Herralde todavía no se ha pronunciado.\n#174 Jueves, 13 Diciembre 2018, 20:04\nEl Reina Sofía compró en 2017 un 35% de sus obras a creadoras\nEl museo avanza en igualdad pero los hombres siguen siendo mayoritarios. En el último lustro, incorporó piezas españolas de 55 hombres y de 11 mujeres\nDvd 870 (07/11/17) Concha Jerez, artista recientemente premiada con el premio Velázquez, fotografiada en su casa de Madrid. / Carlos Rosillo\nEn la recién publicada memoria correspondiente a 2017 del Museo Reina Sofía, se refleja la compra de obra a 34 artistas: 22 son piezas firmadas por hombres y 12, por mujeres, que representan un 35% de las adquisiciones. Dentro de esos 34 nombres hay piezas de siete artistas españoles vivos y de cuatro españolas (Mari Chordà Recasens, Eulàlia Grau, Ángela García Codoñer e Isabel Oliver). El museo nacional dirigido por Manuel Borja-Villel apunta con estos números a una corrección en la desigualdad en el terreno de las adquisiciones que se venía dando en el último lustro, en el que la colección se ha ido engordando por el lado masculino más que por el femenino. Una tónica que se repite en el mundo del arte en general, según denuncia la asociación Mujeres en las Artes Visuales (MAV).\nEn estos cinco años, el museo ha comprado obra de 55 artistas españoles vivos frente a 11 artistas españolas (16,6%), según datos del propio museo. El método de compra es el siguiente: primero hay una preselección del director o del departamento de colecciones, que pasa al Patronato y la última palabra la tiene la Junta de Calificación, Valoración y exportación de bienes del Ministerio de Cultura. En 2017 se invirtieron 930.335 euros en compra de arte; en 2016, 1.059.463 euros; en 2015, 1.446.876 euros; en 2014, 286.516 euros; y en 2013, 1.033.651 euros. En 2016, se adquirió obra de 35 creadores (vivos y muertos): 27 hombres y 8 mujeres (22,8%). En el año anterior, fueron 41 hombres frente 9 mujeres (18%). En 2014, 16 hombres y 5 mujeres (23,8%). Y en 2013, porcentaje cayó hasta el 16,6% (25 frente a 5).\nDesde el Reina Sofía señalan que el museo promueve desde los distintos ámbitos de su actuación “la reivindicación de la práctica artística femenina, así como la integración adecuada del discurso feminista". Aseguran que una de sus “líneas de acción prioritaria” es “recuperar y hacer visible la obra de artistas mujeres injustamente desdeñadas”, pero también “restaurar la memoria de las ideas, el conocimiento y los discursos feministas”. Además de las compras, desde el museo destacan la importancia de las donaciones y depósitos de creadoras.\nMaría José Magaña, presidenta de la asociación, explica que la Ley de Igualdad se debe cumplir y por eso se deben “reforzar las compras a mujeres en los museos”. Ese tema fue uno de los asuntos centrales de ‘Ser mujer y artista en España, ¿una prueba de supervivencia?’, un foro organizado por la Fundación para la Investigación y el Derecho de la Empresa (FIDE), donde salieron a relucir datos como que en la última edición de ARCO Madrid, sólo 84 de 1.323 artistas eran mujeres y españolas, un 6% del total. Marina Núñez (Palencia, 1966), artista y profesora, explicó que en su clase las mujeres son un 70% y al salir de la facultad y entrar en el mundo profesional el porcentaje se invierte. Rafael Mateu de Ros, socio fundador de Ramón y Cajal Abogados, aseguró en ese foro que la Ley de Igualdad no se cumple en el mundo de las artes plásticas porque aunque la norma tiene carácter vinculante en cuanto al dinero público, “los museos son organismos públicos autónomos”. “El caso del Reina Sofía es insultante, porque la bandera de su programación es la nueva izquierda y las mujeres no interesamos”, se lamentó Semíramis González, directora artística de las ferias JUSTMAD y JUSTLX.\nLa especialista en mercado de arte contemporáneo Marta Pérez Ibáñez, profesora de la Universidad Antonio de Nebrija, cree que ningún museo está al margen del mercado, “el Reina Sofía tampoco”. “Las galerías no apuestan por las mujeres y se duda de su revalorización. El museo es capaz de cambiar esta inercia enquistada”, añade. Coincide en su lectura con la galerista Pilar Serra, tras 27 años al frente de su negocio. “Incluso las que estamos muy concienciadas tenemos mucho camino por recorrer, porque hay más desconfianza ante las artistas mujeres”, cuenta. Y señala un dato alarmante: “A las mujeres se les ponen precios más bajos que a los hombres y eso debemos rectificarlo. Velen menos porque exponen menos, porque son menos visibles, porque son menos valoradas...”.\nA la artista Concha Jerez (Las Palmas de Gran Canaria, 1941) el Reina Sofía le compró obra en 2012. En conversación telefónica opina que el museo nacional “debe comprometerse con la Ley de Igualdad”. Premio Nacional de Artes Plásticas 2015 y Premio Velázquez 2017, exige una mayor voluntad de cambio: “Las instituciones públicas deberían dar ejemplo al mercado con el dinero público”. “La igualdad es una obligación”.\n#175 Viernes, 21 Diciembre 2018, 13:18\n2018 cierra con una excelente cosecha de visitas para los museos\nEl Prado pierde en taquilla, aunque aumentan los accesos gratuitos\nLas instituciones estatales superan por primera vez los tres millones de asistentes\nVisitantes del Prado observan 'Las Meninas'. SAMUEL SÁNCHEZ\nEl Museo del Prado fue más visitado en 2018 que el año anterior. Tal y como ha informado la institución, los accesos llegaron a 2.892.937, un leve crecimiento respecto a 2017, con 2.824.404. Es el segundo mejor dato desde 2012, por detrás del brillante 2016, con la exposición temporal dedicada a El Bosco, que cerró en 3.033.754 personas. La media diaria ha sido de 7.992 visitantes. El 30 de abril fue el día de mayor acceso: entraron 13.830 personas. Esto se traduce en cerca de 19,2 millones de euros por venta de entradas. En 2017 la recaudación llegó a los 19,63 millones de euros.\nLa exposición “Museo del Prado 1819-2019. Un lugar de memoria” inaugura la programación del Museo del Prado para conmemorar su Bicentenario.\nEl mejor mes en la taquilla fue abril (como es habitual), con 279.722 visitas, y el peor, enero con 207.680. Noviembre y diciembre, meses en los que se anticiparon las celebraciones del bicentenario este 2019, no han registrado un cambio significativo en el tráfico entre las salas del museo. Pero el mejor dato del año es el crecimiento de la entrada gratuita: 1.444.399 visitantes accedieron sin pagar. Aunque no llega a las 1.483.093 expedidas en 2016, sí mejora los datos de 2017 (con 1.373.546). Es decir, la mitad de los visitantes que pasaron por el Prado el año pasado lo hizo gratis, de ahí la bajada en recaudación de taquilla. Por cierto, el 40,6% de los asistentes es español y el 59,39% extranjero.\nExposición de Dierk Schmidt en el Museo Reina Sofía.\nEl Museo Reina Sofía recibió 3.898.309 visitantes, que pasaron a ver la colección y las 18 exposiciones temporales organizadas en 2018. La cifra es algo mayor respecto a 2017, cuando pasaron 3.880.812 personas. El 68% lo hizo con entrada gratuita. Desde el museo informan que del total de las visitas, 1.694.296 accedieron a la sede principal (“con especial afluencia en horario gratuito, de lunes a sábado, de 19 a 21 horas"). Es decir, menos de la mitad de las visitas: 43,5%. Al Palacio de Cristal acudieron 1.641.160 personas y 562.853 al de Velázquez, en el parque del Retiro. Esto indica que por las sedes gratuitas pasó el 56,5% de las visitas. Tal y como informa la institución, las exposiciones con mayor acogida de público han sido las dedicadas a Pessoa, Beatriz González, Dora García, Afal, Dado Ruso y Dorothea Tanning.\nTambién crecen las cifras de las visitas a los museos estatales: las 16 instituciones dependientes del Ministerio de Cultura y Deporte superan por primera vez la barrera de los tres millones. En concreto, 3.013.998 personas. Es un crecimiento del 1,8% respecto al año anterior. “Esta mayor implicación del púbico obedece, entre otros factores, a la mejor planificación de unas exposiciones y una programación de calidad para todo tipo de visitantes”, aseguran desde la cartera dirigida por José Guirao. Los museos más visitados continúan siendo el Arqueológico Nacional, por encima de los 516.000 visitantes, el Sefardí (más de 337.000) y el de Altamira (supera las 282.000 visitas). El Museo Sorolla obtiene récord histórico, con cerca de 266.000 visitas, un 4% más que en 2017.\nCartel de la exposición del Palacio Real ‘Cartas al Rey. La mediación humanitaria de Alfonso XIII en la Gran Guerra’.\nEn Patrimonio Nacional también celebran 2018, con un crecimiento en visitas de un 3,61% más. Han acudido a los palacios y monasterios reales 3.530.132 personas. El Palacio Real de Madrid es el más visitado, con 1.552.481 visitantes (un 2,28% más que en 2017). El Monasterio de San Lorenzo de El Escorial llega a los 504.004 visitantes. Le siguen La Granja y Riofrío con 354.452 personas (un 28,46% más). Por los jardines históricos han pasado 2.090.844 personas y el más visto es el Jardín del Príncipe de Aranjuez. La muestra más visitada fue Navarrete el Mudo. Nuestro Apeles español en El Escorial, con 248.617 asistentes al Monasterio de San Lorenzo. Desde Patrimonio Nacional no han facilitado los datos Del Valle de los Caídos, cuyos datos este 2018 apuntaban a un récord histórico ante la exhumación del dictador.\nEl éxito de Warhol\nCasi siete millones de personas visitaron los centros y las exposiciones culturales y científicas del año pasado en “La Caixa”, lo que supone un incremento del 17,5% respecto a 2017. CaixaForum Madrid recibió más de 947.000 visitantes en 2018, es un crecimiento del 52,1% respecto al año anterior. La exposición más exitosa fue Warhol. El arte mecánico, la más visitada de los últimos cinco años con más de 257.000 personas.\n#176 Jueves, 03 Enero 2019, 11:05\nEl nuevo Código de buenas prácticas pretende limitar el mandato de los directores de museo a 10 años\nEl sector se reúne para reformar el documento que marca la gestión de los centros de arte, 12 años después de su creación, con la mujer como protagonista del texto\nVisitantes en torno al 'Guernica', de Picasso, en el Museo del Reina Sofía. ANDREA COMAS\nHace 12 años el sector de las artes plásticas dio un golpe en la mesa para denunciar las malas prácticas que se cometen con dinero público en los museos y centros de exposición. Ahora, aquel Código de Buenas Prácticas ratificado por el Ministerio de Cultura —con la actual vicepresidenta Carmen Calvo entonces al frente de la cartera— inicia una reforma integral, que será debatida este jueves y cuyos resultados serán entregados en los próximos meses a José Guirao, ministro de Cultura.\n“Ha faltado compromiso político para asumir el código y aplicarlo”, explica Jorge Díez, secretario del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC). Ha habido muchos nombramientos desde 2007 y ¿se ha cumplido? La presidenta del IAC, Isabel Durán, quiere ser positiva y cree que “con las buenas intenciones también se generan nuevas prácticas”. “La renovación del Prado y del Museo de Bellas Artes de Bilbao son ejemplos negativos. Pero ahora quedan en evidencia cuando se incumple”, añade.\nLa asociación de directores de museos no está de acuerdo con la limitación de diez años al frente del cargo\nDíez explica a EL PAÍS que en el nuevo documento se quieren limitar los contratos de dirección. “Deben estar más restringidos”, cuenta. Este punto impediría cargos de 15 años, por ejemplo, como consumará Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, hasta 2023. “Queremos que haya un máximo de renovación, una limitación de años al frente, no más de 10 años. Aunque en este punto no hay unanimidad en la mesa sectorial”, apunta. Este aspecto se está debatiendo en el seno de la mesa setorial y se decidirá este jueves entre las asociaciones que se han unido para hacer crecer en influencia política al sector. El grupo de los directores de museos no acepta esta limitación. A favor de la restricción están el consorcio de galeristas, la unión de artistas, la federación de gestores culturales, el Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), además de Mujeres de Artes Visuales (MAV).\nOtro gran cambio con respecto al documento de 2007 es la irrupción de la mujer como centro de acción y de protección. Curiosamente, el anterior código fue aprobado el mismo año que la Ley de Igualdad, pero las artes se olvidaron de ellas. Ahora saldan la deuda. “En la redacción del documento se evitará usar el género masculino como representativo del conjunto”, puede leerse en el borrador, que hace mención de la incorporación de la igualdad de género en las estructuras de las instituciones, “imprescindible para las buenas prácticas”.\nMAV quiere que los museos con ayudas públicas cuenten con cuotas para la compra de obra de artistas mujeres\nPara María José Magaña, presidenta de la asociación de Mujeres en las Artes Visuales (MAV), es una cuestión pendiente por resolver para que en los patronatos, los jurados, la programación y en las compras de obra la igualdad sea un requisito insalvable. Espera concretar el documento final con un sistema de cuotas como el que funciona en las ayudas a la producción de películas. De tal manera, los museos con ayudas públicas deberán atender la compra de artistas mujeres y no priorizar en exclusiva a los hombres artistas.\nTanto Isabel Durán como Jorge Díez, del IAC, señalan que en estos doce años se ha avanzado en la presión para hacer cumplir un documento que no es vinculante y al que le faltaba concretar aspectos como la transparencia. Exigen las cuentas claras en los procesos de selección de cualquier cargo. En este sentido, cuestionan abiertamente la participación en los designios del centro de aquellas empresas a las que se les abre las puertas, con la esperanza de que aporten una cantidad de dinero, que no terminan de cumplir. “Queremos que sea una contraprestación real y evaluable, que podamos conocerlo. Si alguien contribuye con 150.000 euros sobre un presupuesto de 50 millones de euros, hay que pensar qué cargo se le ofrece. Los patronos económicos deben cumplir con el motivo de su invitación”, aclara Díaz.\nEn la configuración y misión del patronato parece haber unanimidad: urge el incremento de expertos en ellos, además de garantizar la igualdad entre hombres y mujeres. Así que se propone que haya un 30% de representantes de la administración, un 50% de expertos o científicos y un 20% de sociedad civil “que hayan realizado una aportación significativa al museo”. En el anterior Código tampoco se detallaba cómo proteger al artista y ahora es prioritario, sobre todo después de la aprobación del Estatuto del Artista.\n¿Cómo puede ser vinculante un Código de buenas prácticas? “Es imposible, pero se ha convertido en una herramienta que ya nadie discute. Necesitamos más transparencia en los museos para controlar los procesos democráticos”, cuenta Durán. La fase de la denuncia necesita potenciarla mucho más, pero para ello necesitan pagar abogados “para que las denuncias lleguen a los juzgados y no quede en canto al sol”. Dicen que necesitan dinero para ser más eficaces, no para generar más burocracia. “Las artes plásticas necesitan profesionalizarse, como el cine”, añade la presidenta del IAC.\nReclaman que la dirección artística de las salas dependientes de administraciones públicas debe ser responsabilidad de una persona de ámbito profesional, “en ningún caso se podrá externalizar de manera total o parcial la gestión de cualquier museo, centro o sala de titularidad pública al sector privado”. Esto es una alusión directa al CAC de Málaga, al que califican como “el perfecto ejemplo de malas prácticas en un museo”.\n#177 Jueves, 07 Febrero 2019, 10:03\nEl despertar de las vanguardias en Latinoamérica\nEl Museo Reina Sofía acoge hasta mayo más de 250 obras relacionadas con el arte indigenista de la primera mitad del siglo XX\nUna visitante recorre la exposición 'Redes de vanguardia: Amauta y América Latina', ayer en el Museo Reina Sofía. PAOLO AGUILAREFE\nCoincidiendo con el inicio del Año Internacional de las Lenguas Indígenas, el Gobierno peruano ha puesto en marcha una labor de recuperación institucional de nombres aborígenes que habían ido cayendo en el olvido. Bien sea por la imposición del santoral o por el estigma racista que éstos conllevan aún en la sociedad, nombres como Shumay, Achik o Maywa se han oficializado después de años de reivindicaciones de los más de 55 pueblos distintos que habitan el país. En esta misma línea de memoria, y en colaboración con el Museo Nacional Reina Sofía y el Blanton Museum of Art, se inserta Redes de vanguardia: Amauta y América Latina, la nueva exposición que acoge la pinacoteca madrileña hasta el 27 de mayo.\nAmauta, que en quechua se podría traducir por «sabio» y que da nombre a la muestra, es la revista que el editor y mecenas José Carlos Mariátegui publicó en el país andino entre 1926 y 1930. Concebida inicialmente como un lugar de encuentro para la vanguardia burguesa imperante del momento histórico, la publicación acabó evolucionando hacia una plataforma de debate entre los artistas que venían del nacionalismo y los del internacionalismo y entre los que pugnaban por imponer el localismo indigenista frente al criollismo más europeizante. Entendida como una tercera vía de diálogo artístico, la gaceta permite radiografiar el punto de fuga de las vanguardias en América, que rechazaron casi por completo la adopción del surrealismo en favor del expresionismo o el neocubismo.\nA través de sus 32 números, la revista es reverenciada como «el hilo conductor de las vanguardias más importante en Latinoamérica», según la comisaria Natalia Majluf. Junto a ella, compareció en rueda de prensa el director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, quien dijo de Amauta que «significaba la visión más plural y menos formalista del arte en la Sudamérica de los años 20» y que «sus elementos indigenistas avanzan las posiciones ideológicas anticoloniales que se hicieron fuertes ante el panamericanismo estadounidense».\nAunque la mítica publicación ejerza de leitmotiv de la exhibición, el «revestimiento» no es ni mucho menos desdeñable: en las más de tres salas que ocupa la instalación, cerca de 250 obras de las vanguardias latinoamericanas del siglo XX dialogan junto a cubiertas, editoriales y cartas al director de la revista. Así, el retrato del lider comunista asesinado José Guadalupe que pintó Diego Rivera para una portada, convive con el estridentismo que siguió a la extinción de la revista, representado por cuadros como El café de nadie, de Ramón Alva de la Canal.\nCon el compromiso político en el arte como piedra angular, destacan las obras de muralismo mexicano, típico del Maximato, que representaba obreros con el puño alzado herederos de la propaganda bolchevique. También hay espacio en Redes de Vanguardia para el realismo social argentino y las obras de Adolfo Bellocq o Abraham Vigo, pero la muestra hace verdadero hincapié en la figura de José Sabogal.\nFormado a medias entre las dos academias más importantes del momento en Latinoamérica, la mexicana y la argentina, el pintor peruano sintetizaba todo lo que Mariátegui quería para su Amauta. Y así, de la mano de ambos, vio la luz la publicación: «Cuestionar el realismo tradicional se convirtió en una cuestión de principios y formaba parte de un proyecto político socialista heterodoxo y pluralista», dijo la comisaria.\nSabogal «consiguió entrelazar imagen y palabra para que evocaran más pensamientos que sentimientos, incluso sin una línea editorial unívoca», según Beverly Adams, comisaria del Blanton Museum. El artista, además de aportar obras en gran formato, es también el responsable de la portada del número 26, que sirve de imagen principal de la muestra y que perfila en rojo sanguinolento a un quechua-colla cubierto con su manto tradicional.\nLa nueva exposición del Museo Reina Sofía, además de acercar al gran público el vanguardismo indigenista que quedó relegado a un segundo plano por las dictaduras de la segunda mitad de siglo, ejercerá de complemento a la inminente ARCO, en la que Perú es el país invitado de esta edición.\n#178 Miércoles, 20 Febrero 2019, 11:27\nAlbert Serra lleva el sexo del siglo XVIII al Reina Sofía\nEl cineasta presenta su instalación ‘Personalien’, que refleja una noche de 'cruising' en un bosque, encargo del museo para su programa 'Fisuras'\nAlbert Serra, en su instalación. En el vídeo, un fragmento de 'Personalien'. Las imágenes pueden herir la sensibilidad del espectador. Ver vídeo\nAlbert Serra sonríe. Un vigilante del Reina Sofía ha confesado a un periodista que tras un rato viendo su instalación Personalien sentía que le “ponía”. Y el cineasta (Banyoles, 43 años) lo celebra con orgullo y buen humor. Ha logrado su objetivo con la instalación Personalien, encargada por el Museo Reina Sofía dentro del programa Fisuras. “Me ha servido para quitarme la espina que se me quedó con Liberté, la obra de teatro que escribí para la sala Volksbühne de Berlín, para la que inspiré en el mundo del Marqués de Sade y en la que no logré desarrollar la tensión entre intimidad, exhibicionismo y voyerismo”, cuenta a la puerta de la instalación.\nAsí que Serra ha recreado 45 minutos de cruising (sexo en lugares públicos) en una noche en un bosque con ilustrados del siglo XVIII. “Me imagino que son expulsados de la corte de Luis XVI, un monarca muy puritano”. En dos inmensas pantallas de 6 por 3,5 metros, dentro de un cuarto oscuro, se ven los encuentros sexuales en esa noche de voyerismo y deseo sin cortapisas. Algunos de los personajes han llegado en palanquín y carroza, otros andando. A partir de ahí se difuminan las fronteras sociales. No hay criados, siervos ni señores. “Tampoco se emiten juicios críticos ni sanciones morales. Ni evolución dramática de los participantes. Solo aparece el deseo”, apunta el director, que está acabando su nuevo largometraje —una ampliación de este cruising— tras el éxito de La muerte de Luis XIV. Serra juega con las imágenes: a veces comparten punto de vista, en otros momentos se ven acciones distintas que incluso ni coinciden temporalmente. “La ventaja del cine sobre el teatro es que la narración gana en complejidad. Te permite aventurar quién mira, por qué. Y pongo al espectador en medio de la acción, que disfruta con un sonido y una imagen que a veces se sincronizan, a veces que no... Un hombre mira por un catalejo y se ve a sí mismo, de repente otro corre a esconderse y no sabemos porqué. He meditado mucho el resultado y he usado solo la parte más atmosférica y conceptual de lo que grabamos durante 20 días. Me gustaba que al final se plasmara la repetición mecánica de las novelas del Marqués de Sade”.\nJunto a esta instalación (abierta hasta el 13 de mayo), el museo programa el ciclo Yo también. Deseo y delito. Carta blanca a Albert Serra, con cinco proyecciones de creadores radicales como Koji Wakamatsu o Shuji Terayama, de la nueva ola japonesa, o más conocidos como Paul Morrisey y Ulrich Seidl. “Son autores unidos por una versión descarnada. Me impresiona mucho la labor documentalista de Seidl. ¿Cómo logrará esos testimonios?”.\nPara su Personalien, el cineasta ha recurrido a actores profesionales de cine y teatro, amigos y voluntarios convocados por Facebook. Serra aprovecha su inmersión en el siglo XVIII para subrayar conceptos que le molestan de la sociedad actual. “En ese bosque no hay ni guapos ni feos, ni vanidad... Esas cosas, tan importantes en la vida [ironiza], se anulan entre los árboles. La pulsión sexual no entiende de razones ni categorías, se salta la intimidad. El deseo nos une a los seres humanos como ningún otro sentimiento o razón. Y conlleva algo desasosegante —que no aparece en mi instalación, pero sí en la vida actual— como es percibir la mirada de los otros sobre nuestro cuerpo, una visión cruda de nuestras carnes”, reflexiona. “Un amigo me ha dicho que las imágenes parecen estampas de los Desastres de la guerra, de Goya. Serían los Desastres del deseo”.\n#179 Viernes, 01 Marzo 2019, 19:51\n12 abril – 8 septiembre, 2019 / Palacio de Velázquez, Parque del Retiro\nTetsuya Ishida, Kiro [Viaje de regreso], 2003. Acrílico y óleo sobre lienzo, 45,5 x 38 cm. Colección particular, fotografía: Takemi Art Photos, cortesía Kyuryudo Art Publishing Co., Ltd.\nLa obra del artista japonés Tetsuya Ishida (Yaizu, Shizuoka, 1973 – Tokio, 2005) pone rostro a la experiencia del sujeto contemporáneo, indagando en la incertidumbre y la desolación de la sociedad japonesa radicalmente alterada por el desarrollo tecnológico y por las sucesivas crisis que han afectado a la economía y a la política a escala planetaria. En concreto, Ishida retrata con precisión descriptiva el estado de ánimo de su generación, marcada por el estallido de la burbuja financiera e inmobiliaria y los despidos masivos que en 1991 sumieron a su país en una profunda recesión.\nDurante los escasos diez años de su trayectoria, Ishida produce un formidable corpus de trabajo centrado en la incomunicación y alienación en un mundo dominado por fuerzas incontrolables. La imaginería recurrente del escolar/oficinista le sirve para realizar una crítica acerada de los sistemas educativos y laborales regidos por los imperativos de productividad y competitividad. La metamorfosis del cuerpo humano fusionado con ciertas especies de insectos, dispositivos tecnológicos o medios de transporte; las situaciones claustrofóbicas en las que el cuerpo se halla físicamente atrapado en agujeros y construcciones, o forma parte de una cadena de montaje como si de un engranaje más se tratara; la búsqueda de la identidad ligada a la necesidad primaria del retorno a la niñez y al componente escatológico reprimido; el lustro perdido de los parques de atracciones y la tristeza que invade los terrenos baldíos funcionan como telón de fondo para la apatía de una sociedad que ha sucumbido a la maquinaria de la producción y del consumo infinitos.\n#180 Viernes, 12 Abril 2019, 15:52\nPágina generada en:: 1.3675s (PHP: -75% SQL: 175%)


Historias mayúsculas en porciones minúsculas: Microrrelato: UN MAL DÍA\nJejej, ya ves, ni cortando por lo sano lo consigue.\nEs que hay cosas contra las que no se puede luchar.\nHoy te ha salido un humor tirando a negro, el final es muy divertido.\nJaja, conocía el síndrome de mano ajena, pero eso de levantarse cada día con el pie izquierdo no se tolera.\nSeguro que la ambulancia choca con un camión.\nMaite, desde luego que no parece que vaya ser el día de suerte que se espera, y todo por culpa de ese revoltoso pie que no hace más que incordiar. La medida antisuerte muy radical, ¿no?\nEl micro es simpático pero... esa foto, ¿de dónde la has sacado? Le va como anillo al dedo y ¡qué dedos!\nEn fin que se lo van a implantar y que el pie va a seguir como siempre, a su bola.\njajajaja ni cortando por lo in-sano, jajaja Un poco gore ¿no? jeje\nJope, Maite, qué relato tan bueno!!! Has hilado fino con todas las supersticiones para dejarnos con un pie que se va solo pero que se queda.\nAys, supercherías. Yo creo que me levanto todos los días con el pie derecho, y tengo muchos malos días. Digo creo porque ocupo la parte derecha de la cama, pero me levanto demasiado espeso para estar seguro.\nHumor negro en estado puro con su miga detrás. Me gustó mucho la duda que planteas: me desprendí de él o él de mí.\nMe ha puesto la piel de gallina esta amputación como respuesta a la rebeldía.\nPD. Gatos, datos, chirría un poco ¿no?\nMadre del corazón hermoso, no se libra de él ni a tiros.\nSu: efectivamente, lo que no se puede...no se puede y además, es imposible :)\nElisa: más que tirando a negro -lo que sería más o menos un gris- yo lo veo negro del todo, jejeje. Besos.\nYun: un pie díscolo e intolerable, pero el dueño no parece ser muy inteligente, ¿no crees?\nToro Salvaje: solo si el camión está cargado de pies.\nNicolás Jarque: si es que ya se sabe que a grandes males, grandes remedios. Aunque insisto, para mí que este tipo se lo va buscando.\nLuisa Hurtado: pues la foto es de nuestra siempre bendita fuente de datos -internet- Y sí, le va como anillo al dedo, pero que no se entere el pie o saldrá huyendo para casarse y ponerse una alianza.\nDavid Moreno: y si te lo imaginas con la sangre saliendo a borbotones, el gore se queda corto, puag. Abrazos dislocados.\nAnita Dinamita: hay cosas que solo se desprenden de uno cuando ese uno se da cuenta que le pertenecen ¿se ha entendido? glups.\nCybrghost: pues tal vez no debas cambiar de pie al salir de la cama, pero sí de pensamiento :) Lo pruebas y me cuentas. Besos.\nAgus: comentario de hilo fino el tuyo, sí señor. Lo peor de todo es que el señor no se de cuenta que cortándose el pie, aunque se desprenda de él, solo conseguirá tener otro día de mala suerte o "mala pata"\nLola Sanabría: ¿un poco? chirría mucho, mucho, me di cuenta y pensé haber puesto la versión corregida, con señas, pero nop, gracias por la llamada de atención!! Besos mil.\nAdivín Serafín: hummmm, ¿a tiros, dices? es una idea, se la diré al protagonista a ver qué le parece ;)\njeje, me gusta por el mensaje bíblico que lleva, ese de si pecas con la mano derecha córtatela (¿era mano, ojo, oreja, labio o pene? no recuerdo, quizás fuera pie). Pues eso, que si el jodio pie izquierdo va a su aire, mejor cortárselo. El final me gusta, ese implante le volverá a la desazón. Por cierto, que en la foto el pie golfete es el derecho (jeje)\n¿Que puede ser peor que que el pie izquierdo vaya a su libre albedrío?\nUn micro genial, Maite.\n¡Qué bueno Maite! No se podrá deshacer de él, lo estoy viendo. Se lo cosen y punto. Maldito pie. Divertido y muy bien escrito. Un beso.\nXimens: estás seguro que el golfete no es el izquierdo ;) vuelve a mirarlo. Abrazos.\nPedro Sánchez Negreira: yo no encuentro nada peor :p\nEsa es la mejor lectura, la de la sonrisa!\nMar Horno: lo va a tener difícil, no parece sencillo deshacerse de él. Si este hombre se divirtiera más, como lo hacemos nosotros con la escritura, o sacara a bailar más a ese pie, seguro que cambiaría su perspectiva. Besos!!\nGenial Maite, me ha recordado a un pie izquierdo que también escribí y acabó cosido. Ji,ji, en medio de todo tu pie izquierdo y el que yo creé tienen algo en común, son inseparables del cuerpo.\nLo publicaré un día de estos.\nUn besote des -\nLo que más me ha gustado del micro es la disyuntiva entre si se ha desgajado él de ti o tú de él.\nGrandioso Maite, el final me parece grandioso, estoy viendo ese cubo de hielo con el puñetero pie. Es un micro que se podría llevar muy bien al cine, muy visual, saldría un gran cortometraje de humor negro.\nNo hay mayor lastre que la superstición. menos mal que nos queda reírnos de ella... como con tu relato.\nLaura: me encantará leer tu relato, espero pronto su publicación y allí estaré leyéndolo :)\nElena Casero: tengo debilidad por ese tipo de imágenes y pensamientos. Besos.\nmanuespada: te tengo que confesar que cuando lo escribía me imaginaba que se podía hacer un buen corto animado con él (modesta que es una) Besos!!\nRaúl: este micro surgió por la superstición de un amigo diciéndome que la lotería había que pagarla o de otra manera no toca. Me reí de él, porque lo único -y poco- que me tocó en reintegro o pedrea fue lo que me habían regalado y no pagado.\nJejejeje, tienes razón, cuando una parte de tu cuerpo se pone pesadita...\nMaite, lo mejor, después de cortarlo, es meterlo en el horno y dejar que se chamusque. Con eso se acaba seguro. Pruébalo cuando te lo peguen, es mano de santo, oye.\nSi es que contra el destino no hay nada que hacer. Lo malo es que, a veces, a la mala suerte la llamos nosotros de tanto pensar en el miedo que nos da.\nMe has hecho reír y eso me gusta, seguro que da buen fario.\nMiguel Baquero: no me quiero imaginar a qué te estás refiriendo :p\nMiguelángel Flores: lo tendré en cuenta para decírselo a mi protagonista, que a mí aún no me ha dado por cortarme otra cosa que no sea el pelo o las uñas.\nAna Crespo Tudela: Ana, la sonrisa es el mejor de los presagios, así que nos sentiremos afortunados, ya que, en cierto modo, todos somos dueños de nuestro destino, como bien apuntas.\ntendrías que ver la sonrisa de escualo que me has provocado, maite.\nvittt: jajajaja, te debía una por la última que me habías provocado tú a mí con tu lápida ;)