Lagarde llama a crear fondo de emergencia para la zona euro Mundo | El Comercio Perú\n"Una zona del euro más unificada puede ser una brújula para la prosperidad de la región y una luz de esperanza para el mundo", dijo la directora del FMI en un discurso el lunes en Berlín\nEl FMI dijo en el Foro Económico Mundial de Davos que todas las economías desarrolladas tendrán un crecimiento mejor al esperado para 2019. (Reuters)\nActualizado el 26/03/2018 a las 12:15\nLa directora gerente del Fondo Monetario Internacional (FMI), Christine Lagarde, instó a Europa a buscar una mayor integración, incluido el gasto, y dijo que una unión más estrecha de los países de la zona del euro ayudaría a contrarrestar el creciente populismo y proteccionismo a nivel mundial.\n"Una zona del euro más unificada puede ser una brújula para la prosperidad de la región y una luz de esperanza para el mundo", dijo Lagarde en un discurso el lunes en Berlín.\nLa directora del FMI dijo que la zona euro ha logrado avances en los mercados de capital y en la unión bancaria, dos áreas en las que el fondo insta a una mayor integración. Pero también alentó a los miembros de la unión monetaria a impulsar el establecimiento de una "capacidad fiscal central" que instaure un "fondo para emergencias" que los miembros financien mediante contribuciones anuales.\nEn momentos en que el Reino Unido prepara su salida de la Unión Europea, la propuesta de Lagarde se produce en un contexto en que Alemania, Francia y otros miembros debaten cómo fortalecer el bloque del euro de 19 países. Si bien la noción de una autoridad fiscal central es "políticamente difícil", la política monetaria hizo una parte demasiado grande del "trabajo pesado" durante la última crisis financiera y la austeridad presupuestaria empeoró el problema, dijo Lagarde.\nEl mundo también está asimilando una serie de medidas restrictivas para el comercio de parte de Estados Unidos. El plan del presidente Donald Trump de imponer aranceles a los productos chinos sacudió a los mercados la semana pasada, debido a que los inversores temían que la medida desencadenara un conflicto comercial más amplio con China.\nPekín respondió rápidamente con aranceles sobre US$3.000 millones en importaciones estadounidenses. Lagarde ha estado exhortando a los países a que eviten caer en una guerra comercial global que pueda socavar la recuperación mundial más extensa que se haya registrado en años.\n"Los encargados de políticas deben trabajar juntos de manera constructiva para reducir las barreras comerciales y resolver los desacuerdos comerciales", dijo Lagarde este mes, luego de que Trump anunciara los aranceles al acero y aluminio.\n"La historia económica muestra claramente que las guerras comerciales no solo perjudican al crecimiento global, sino que también son imposibles de ganar". Trump ha acogido favorablemente la agitación, declarando en Twitter que "las guerras comerciales son buenas y fáciles de ganar", agregó.\nLagarde ha tenido algunos mensajes incisivos este año para Alemania sobre el superávit comercial de la nación.\nEn enero, la directora del FMI exhortó a la canciller Angela Merkel a intensificar el gasto público para impulsar el crecimiento y señaló que el superávit de cuenta corriente de Alemania es demasiado grande. El déficit comercial de EE.UU. con varias naciones ha sido una fuente de consternación para Trump desde su elección en 2016.\nEl FMI actualizará su proyección mundial en su reunión anual a realizarse en la primavera boreal en Washington. En enero, el fondo elevó su proyección para la expansión mundial a un 3,9 % este año, la tasa de crecimiento más rápida desde el 2011, cuando el mundo se estaba recuperando de la crisis financiera.\nSin embargo, el FMI ha advertido a los encargados de política que se protejan contra la próxima recesión, incluso mientras elogia la recuperación mundial más amplia que se haya registrado en años.\nVenderán agua a 1 euro en aeropuertos de España


Metas nuevas y distintas para tener un año súper especial | El blog de Marco Urbina\nMarco Urbina Metas nuevas y distintas para tener un año súper especial\nHe aquí un conjunto de propuestas que no son las mismas de siempre, para hacer tu vida un poco diferente.\n1. Revive a tu niño interior: Alquila un castillo inflable, aprende a hacer globos con formas de animales, haz una maqueta a escala o visita un parque acuático o de atracciones. Re descubre la emoción de hacer algo infantil.\n2. Haz cosas distintas para conocer gente nueva: La vida en la ciudad puede volverse impersonal. Practica el arte de iniciar conversaciones con extraños. Esto te ayudará a ver el mundo de forma distinta.\n3. Encuentra un lugar increíble para hacerte un selfie: ¿En la cima de una montaña?\n¿Dentro de una cueva? No importa: viaja a un lugar interesante, diviértete y vive historias que puedas contarles a tus amigos.\n4. Vuelve a amar tu cuerpo: Elige una parte de tu cuerpo que no te guste y trabaja en ella. Deshazte de la barriga o hazte un buen corte de pelo o aprende a maquillarte mejor. Cómprate un Out Gym.\n5. Aprende algo completamente nuevo: ¿Siempre quisiste aprender a tocar el piano? ¿Tienes una idea para un guión? ¿Te interesa la pintura? Haz un curso, desarrolla tus capacidades y, de paso, aumenta la confianza en ti.\n6. Prueba una comida nueva todas las semanas: La mayoría de los propósitos están relacionados con comer más verduras, beber más té verde o comer menos grasas saturadas. En cambio, ¿por qué no centrarse en ampliar el paladar? Aprende cocina oriental, haz un curso de pastelería, prueba un menú vegetariano a la semana, lo que se te ocurra.\n7. Haz que todos los días sean especiales: Encuentra la forma de mejorar tu rutina. Elige un atuendo genial para la oficina, viaja en patinete en lugar de coger el autobús. Si cambiamos, aprenderemos a ver el mundo de otra forma.\n8. Descubre algo que te preocupe y resuélvelo: Haz un plan para saldar tus deudas. Aprende a arreglar cosas en tu casa. Resolver problemas es maravilloso, así que puedes empezar por algo pequeño y verás los cambios de inmediato.\n9. Sé un poco más altruista: Haz el bien y te sentirás bien. Dona sangre. Haz trabajo voluntario. Dona dinero para un animal o un niño en otro país. Di cosas bonitas y sonríe más a menudo. Todo esto hará que la energía a tu alrededor cambie y los demás lo notarán.\n10. Aprende un truco para divertir a tus amigos: Ya sea un truco con cartas, una habilidad nueva, una ilusión o un conjunto de chistes, no importa. Hacer algo que puedas mostrarle a tus amigos e impresionarlos te ayudará a levantar la autoestima.\n11. Deja de depender tanto de las redes sociales: En esta época, donde nuestro día comienza con Twitter y termina con Facebook, puede ser una buena idea alejarse un poco de la presión de las redes sociales. Deja de pensar en cómo resumir tus pensamientos en 140 caracteres, deja de inventar hashtags graciosos y no te preocupes más por la cantidad de "me gusta" que logras con tus publicaciones. Tómate un descanso: sal y respira.\n12. Piensa en una palabra o un tema para enfocarte en el año: Puede ser cualquier cosa: familia, trabajo, confianza, belleza, etc. Piensa en una palabra o un tema para trabajar el año que viene. Comienza con cosas pequeñas y sé constante. Al finalizar el año verás todo lo que lograste.\n13. Reduce los gastos innecesarios: Comprar por impulso puede hacernos sentir mejor, pero también es una forma segura de vaciar tu cuenta bancaria. La próxima vez que sientas la necesidad de comprar algo porque sí, piénsalo dos veces. Sé fuerte y verás que podrás ahorrar para algo mucho mejor, como unas buenas y merecidas vacaciones.\n14. Crea la habitación de tus sueños: Transforma tu habitación o el cuarto extra en el lugar de tus sueños: imagínate cómo sería y comienza a trabajar para hacerlo realidad. ¿Te gusta la temática de Star Wars? ¿Quieres tener un columpio? ¿Prefieres paredes y muebles de colores? Haz lo que quieras y, al final, tendrás el lugar que siempre soñaste.\n15. Empieza a hacerlo tú mismo: Google tiene un listado enorme de sitios donde podrás aprender a hacer tus propias cosas en lugar de comprarlas en una tienda. El placer de hacer algo uno mismo es incomparable y además te ayudará a ahorrar dinero.\n16. Actualiza tu CV: Haz que tu CV destaque, invierte tiempo en algo que tenga que ver con tu trabajo y que saque a relucir tu experiencia y capacitación.\n17. Elige películas, canciones o artistas que tenías olvidados: Para hacer un cambio en tu vida, elige películas viejas que siempre quisiste ver pero nunca tuviste tiempo o escucha los discos que solían gustarte hace tiempo. Así podrás redescubrir quién eres. Haz un hueco para la nostalgia.\n18. Concéntrate en el presente: Olvídate de intentar salir del pasado o mejorar el futuro, simplemente disfruta del presente. Nos perdemos de vivir muchas cosas porque estamos preocupados. Concentrarse en el hoy nos ayudar a tener mejores recuerdos para el mañana. Aprende a meditar, tranquiliza la mente y céntrate en el ahora.\n19. Adopta una mascota: Esta jamás será una decisión errónea. Hay algo en ese amor incondicional de nuestros amiguitos peludos (aunque también pueden no tener mucho pelo) que nos alegra el día. Obviamente, asegúrate de tener el tiempo y los recursos necesarios para poder cuidar a una mascota antes de tomar la decisión. Recuerda: es un compromiso de por vida.\n20. No te quejes de tus superiores: El pasatiempo favorito de la mayoría es dar a conocer cuán horrible es su jefe. Pero, seamos sinceros, es difícil llevarse bien con los jefes y no tiene sentido vivir quejándose. Así que, intenta romper con la costumbre este nuevo año porque, realmente, no te sirve de nada.\n21. Contacta con tus viejos compañeros de estudios: Intenta ponerte en contacto con tus viejos compañeros del instituto o la universidad para renovar tu grupo de amistades, sobre todo con aquellas personas que quizás te trataron mal o que no se llevaban bien contigo. Tal vez te sorprendan y descubras que esas personas no eran tan malas en realidad e incluso podéis forjar una hermosa amistad.\nEste año piensa fuera de la caja y ponte metas diferentes que hagan tu vida más interesante y satisfactoria.


Pon a prueba las mejores bicis de BH en el Solo Bici Festival 2018\nPon a prueba las mejores bicis de BH en el Sant Andreu Festival Solo Bici by Shimano\nParece que no tenga fin la lista de marcas que tomarán parte en el Sant Andreu Festival Solo Bici by Shimanon 2018, y es que ahora se suma BH bikes.\nPrimero de todo cabe destacar que contaremos con su e-bike más pepina, la Atom-X Lynx 6. Una bici que te va a sorprender por los recorridos que te tenemos preparado.\nPero por supuesto que hay más. BH también tendrá disponible en su carpa mountain bikes tradicionales, pero no por ello menos atractivas, como la Lynx 5 LT Carbon, la Lynx 5 Carbon 7.9, la Lynx 5 Carbon 8.9 y la Race Carbon RC 7.9.\n¿Verdad que apetece poner las manos sobre estas MTB? Pues no hace falta ni que esperes al día del evento para asegurarte una. ¡Ya puedes reservar la que más te guste haciendo clic aquí!\nCannondale no falla y estará en el Sant Andreu Festival Solo Bici by Shimano\nDéjate conquistar por las bicis gravel con la GT Gravel Experience


Tips para elegir una mesa auxiliar | Mesas nido\nTener en casa algunos muebles auxiliares nunca está de más, pues no solo sirven como un objeto decorativo más, también se les puede sacar utilidad. Un ejemplo de ello son las mesas auxiliares, un mueble que puedes poner en una esquina como apoyo, pero que también puedes poner justo en frente del sofá cuando veas la televisión.\nTe hablaremos de cómo escoger la mejor mesa auxiliar para tu casa, así que lee con atención y toma las notas que creas oportunas.\nLo primero que debes preguntarte, antes de lanzarte a comprar ningún tipo de mesa auxiliar, es el uso que le vas a dar. Según este, te puede interesar un tipo u otro.\nDigamos que lo que quieres es una mesa auxiliar que te sirva para poner al lado del sofá, para apoyar la bebida o un plato de comida. O para poder poner una lámpara e iluminar un poco la estancia. Pues está claro que necesitas una mesa auxiliar más sencilla.\nEn cambio, si lo que quieres es comer sentado en tu sofá, o en el sillón, mientras ves la televisión, claramente vas a necesitar una mesa auxiliar plegable, que puedas guardar después de comer.\nEn base al tamaño de la sala, variará el modelo de mesa auxiliar que comprarás. Si la estancia es pequeña, y la mesa la vas a usar mucho, sería recomendable que fuera plegable. Luego, simplemente debes dejarla en un rincón hasta que la necesites de nuevo.\nClaro que si el espacio es grande esto no será necesario, puesto que la mesa la vas a poder tener lista para usar en cualquier momento. Pero, salvo que encuentres un modelo que encaje a la perfección con el resto de muebles, no quedaría demasiado estético, asi que ten cuidado.\n¿Has pensado en usarla como mesa de centro?\nEn algunas estancias siempre se recomienda tener una mesa de centro que se pueda aprovechar, como el salón, una sala de estar o un despacho. Alrededor de esa mesa de centro es donde se forma la vida social de la casa.\nAsi pues, en lugar de comprar una mesa auxiliar que tener que preocuparte de guardar luego, deberías buscar otras opciones más provechosas. Por ejemplo, ¿por qué no una mesa de centro elevable? Te dará espacio de almacenaje y al levantarse la tapa tendrás una bandeja sobre la que poder comer.\nOtra opción, y sería la más recomendable si tienes una estancia pequeña, serían las conocidas mesas nido. Estas se componen de dos, o tres, mesas de diferentes tamaños, y que luego se guardan una debajo de la otra. Puedes guardarlas todas juntas o bien usar una diferente para cada lugar de la casa, como prefieras, pero es ideal para cuando necesitas algo de espacio extra sobre el que apoyarte. Quizás la mejor mesa auxiliar que puedas encontrar en una tienda.\nHay que tenerlo muy presente a la hora de elegir una mesa auxiliar. Generalmente, las mesas auxiliares plegables son de plástico, pero no es difícil encontrar una que tenga la tabla de madera y las patas de acero. Ideales para encajar en una decoración de estilo vintage.\nEl cristal deberías pensarlo en el único caso de que ese mueble vaya a estar fijo, ya que es un material muy pesado. La madera sería el ideal, puesto que pega con todo, y el metal, no sería mala opción, pero también puede ser pesado, así que ten cuidado.\nEn cuanto a la forma, la cuadrada sería la mejor opción, ya que son más fáciles de guardar en el caso de que no vayas a volver a usarla en un tiempo. Las redondas, en cambio, son perfectas cuando son para una mesa de centro, pero no para una que va a estar apoyada en una esquina de un mueble.


Hoteles en Hillscheid - hasta un 8% de descuento\nEstás a punto de reservar un hotel en Hillscheid. Por lo tanto, nos gustaría proporcionarle información adicional sobre esta ciudad. Puede encontrar hoteles en Hillscheid, pero también ofrecemos enlaces a B&B's y otros alojamientos especiales.\nEn Hoteliers.com puedes comprobar los precios y la disponibilidad de los hoteles en Hillscheid y hacer clic en el propio sitio web del hotel para hacer una reserva directa.\nLa ciudad de Hillscheid se encuentra en Alemania.\nLos hoteles en Hillscheid varían desde los confortables hoteles económicos hasta los más lujosos. ¿Tu hotel favorito no está en la lista todavía? Por favor, dígales que se registren con nosotros, ya que siempre buscamos ampliar nuestra selección. Esperamos que tengan una agradable estancia en el hotel de su elección en Hillscheid.


¿Cómo se distingue una buena respuesta en Quora? ¿Qué significa “ser útil”? – Quora Help Center\n21 de mayo de 2018 19:20\nLa misión de Quora es compartir y aumentar el conocimiento del mundo. Queremos lograr esta misión mediante la creación de la mejor página web para cualquier pregunta—páginas que son recursos valiosos y reutilizables para los lectores.\nUna buena respuesta es útil para cualquier persona que quiera saber la respuesta a la pregunta. Las respuestas buenas son útiles tanto para la persona que originalmente hizo la pregunta como para cualquier otra persona que pueda tener la misma pregunta en el futuro. Una respuesta es útil cuando es clara, creíble y está sinceramente dirigida a la pregunta.\nMás específicamente, las respuestas son útiles cuando:\nResponden a la pregunta que se pide. Las buenas respuestas son muy útiles para cualquiera que quiera saber la respuesta a la pregunta. Siempre se debe suponer que la gente responde de buena fé y realmente quiere ayudar. Las respuestas útiles no cambian el tema, ni se obsesionan con premisas defectuosas o se burlan de la pregunta. Una buena respuesta a menudo tiene en consideración el posible estado de ánimo de una persona que suele hacer esas preguntas—lo que están pensando, sobre lo que están confundidos, o que tipo de contexto necesitan.\nProporcionan conocimiento que sea reutilizable para cualquier persona interesada en la pregunta. Una buena respuesta tiene hechos e ideas que son generales y reutilizables. Una respuesta no es la más útil si sólo ayuda a una persona con circunstancias específicas no enumeradas en la pregunta. Citar tu propia opinión o punto de vista está bien, pero si piensas que tu opinión es la respuesta correcta a la pregunta, debes explicar por qué (por ejemplo, por qué piensas que mucha gente debe compartir su punto de vista). Las mejores respuestas a una pregunta general a veces abarcan muchos casos con condiciones diferentes (por ejemplo, “si eres alto, te recomiendo X; si eres bajo te recomiendo Y).\nApoyan tu respuesta con lógica fundamental. Las respuestas útiles suelen suponer que la pregunta implícitamente preguntada es “¿por qué” aunque no lo diga explícitamente. Esto significa que debes incluir una justificación convincente para que el lector o lectora pueda entender por qué es correcta la respuesta. Aún en casos en que la pregunta es sobre una opinión, experiencia y/o habilidades personales, es importante demostrar por qué tu respuesta es necesaria y útil (y no sólo popular).\nDemuestran credibilidad y son objetivamente correctas. Una buena respuesta convence a los lectores que es fiable. Una respuesta incorrecta o que incluye hechos o premisas incorrectas no es útil. Las respuestas pueden demostrar credibilidad de varias maneras, las cuales incluyen: proporcionar fuentes fiables, enumerar buenos ejemplos y explicar por qué tienes conocimientos o experiencia de primera mano en el tema. Lo ideal es que los escritores indiquen por qué están capacitados para responder a la pregunta. Debes proporcionar buenas biografías de tema siempre que tenga sentido. Algunas de las mejores respuestas no citan fuentes, porque están escritas por personas con experiencia o conocimientos de primera mano. Sin embargo, si un escritor proporciona una respuesta que depende de hechos y análisis de terceros—no basados en su propio conocimiento—es útil proporcionar enlaces externos y referencias.\nSon claras y fáciles de leer. Las buenas respuestas son muy claras de leer y entender, incluso para alguien que está leyendo la página rápidamente o por encima. Es útil incluir un formato sencillo que añada estructura y ayude a enfatizar la información importante. Por supuesto, una buena respuesta debe tener una correcta ortografía, gramática y puntuación. Las buenas respuestas son también agradables de leer. Son atractivas y estimulantes, y pueden incluir empatía y humor. Una buena respuesta evita bromas o sarcasmo.\nLa mejor respuesta debe aspirar a ser el recurso más completo y confiable en Internet para esa pregunta. Para cualquier pregunta, Quora quiere atraer la respuesta más útil para alguien que quiera saber la respuesta. Nuestras mejores preguntas son las que van a obtener la mayor distribución y número de lectores.\nCalidad y distribución: ¿Cómo distribuye Quora respuestas de alta calidad?\nVamos a mejorar y cambiar Quora continuamente para recompensar el contenido de alta calidad con una mejor distribución. Más concretamente, esto significa:\nLas respuestas de alta calidad deben tener mucha distribución (en el Canal, en los correos de resumen, etc.).\nLas respuestas de baja calidad deben recibir una distribución mínima.\nCuanto más completa y argumentada sea tu pregunta, más probable será que (1) se encuentre en o cerca de la parte superior de la página y (2) llegue a una gran cantidad de lectores.\nLos fragmentos cortos que no contribuyan demasiado a la calidad de una página no tendrán mucha distribución.\nUsuarios a los que les pareció útil: 690 de 844


¿Cómo decorar una mesa navideña? | Gourmet de México\nTe damos ideas para decorar tu mesa esta Navidad y convertirte en el mejor anfitrión de las posadas y la cena.\nYa estamos muy cerca de las celebraciones de Navidad y Año Nuevo… y de todo lo que esto implica: los dulces, las posadas, ¡las cenas! Conviértete en el mejor anfitrión con estos consejos de decoración de mesas.\nTe recomendamos que utilices mantelería en tonos dorados, verdes, plateados y rojizos para llamar la atención de tus invitados. Incluso puedes buscar fundas para las sillas en tonos neutros como blanco, perla o crema y adornarlas con un cascabel.\nEn lugar de colocar un mantel completo en color dorado, puede optar por un camino de mesa. Foto: Shutterstock\nTe recomendamos colocar inciensos o velas aromáticas antes de la cena. Puedes optar por aromas clásicos como la vainilla, mandarina y manzana con canela.\nAdemás de ser aromáticas, las velas pueden funcionar con un excelente y romántico centro de mesa. Foto: Shutterstock\nTe puede interesar: Los mejores rellenos para tu pavo esta Navidad\nDale un toque distintivo a tu hogar utilizando pequeñas series de luz para decorar la mesa o rellenar frascos y botellas.\nJuega con las luces cálidas y frías y con las formas de los focos. Foto: Shutterstock\nSi no tienes tiempo puedes adquirir alguno en el súper, pero también está la opción de diseñarlo tu mismo. Un ejemplo es tomar algunas velas de un solo color, revestirlas con listones de colores y colocarlas sobre una base plateada. Otra opción es armar una Corona de Adviento con puras flores de Nochebuena ¡y listo! Ya tienes un centro de mesa sencillo y elegante.\nBusca algunos arreglos reciclados de otros años y dales un nuevo uso. Foto: Shutterstock\nConsiente a tus invitados antes (y después) de la cena navideña con galletas, chocolates, bombones, donas, pastelillos y más. Además, para acompañar puedes ofrecer una jarra caliente de ponche de frutas, chocolate o atole de arroz. ¡Delicioso!\nElige opciones para todos los gustos y algunas sin azúcar o gluten. Foto: Shutterstock\nAl final, lo más importante es que te diviertas mientras decoras tu hogar y dejes salir tu lado creativo.\nCena Decoración Navidad Vino


Operación «Chapa y Pintura» - Fundación Huerta de san Antonio\nLa iglesia de San Lorenzo de Úbeda luce un nuevo esplendor tras someterse a un profundo proceso de limpieza. Lo que supone un paso más en su rehabilitación, así como el descubrimiento de nuevos misterios y curiosidades.\nLa iglesia de San Lorenzo estrena una radiante cara gracias a la limpieza en profundidad que se está llevando a cabo en sus muros y capillas interiores. Una actuación que hemos denominado operación «Chapa y Pintura». La arena, el polvo y la suciedad que acumula es producto de los muchos años de abandono que ha sufrido el inmueble. A esto se suman las recientes obras de restauración de las que ha sido objeto desde que la Fundación Huerta de San Antonio tomara las riendas de su rehabilitación en el año 2013.\nLa empresa segoviana ConservarArte se ha hecho cargo, una vez más, de esta tarea. Sus componentes, Sara Martín y Beatriz Rubio, ya trabajaron en la puesta en valor de las policromías mudéjares del alfarje de San Lorenzo. Una escrupulosa tarea de restauración, realizada en cuatro fases, que ha cambiado de forma radical el aspecto del sotocoro, devolviéndole la luz y el color original.\nLa operación «Chapa y Pintura» se está llevando a cabo con la ayuda de un elevador de pluma articulada, cedido por el Ayuntamiento de Úbeda para que las restauradoras puedan acceder hasta los sitios más recónditos. Esta maquinaria, junto con el hábil manejo de brochas y potentes aspiradores, han permitido desvelar detalles que permanecían ocultos, así como una valiosa información para la comprensión de la evolución y transformación del templo ubetense.\nPiedra, yeso y mortero\nEn esta labor de limpieza se ha observado una gran profusión de capas de cal sobre los muros de San Lorenzo. Este elemento aparece desprendido en algunas superficies del interior de la iglesia y en otras, en cambio, se presenta muy integrado. Esto último provoca que los volúmenes de las molduras y de los elementos decorativos de la nave y de las capillas se vean redondeadas. Por otro lado, se ha podido observar que es la piedra el elemento predominante en el interior del edificio, tanto en su estructura como en su decoración.\nMuchos de los sillares de piedra que conforman los muros aparecen labrados por una de sus caras, lo que hace pensar que esta técnica forma parte de su originaria decoración o bien que tenía el objeto de sujetar algún tipo de mortero. Los morteros encontrados en esta operación «Chapa y Pintura» desvelan la existencia tras ellos de volúmenes estructurales ocultos. Y, al parecer, ejercían como anclaje de piezas decorativas perdidas en la actualidad.\nEl pedrominio de la piedra en el interior de San Lorenzo se relaja, sin embargo, en la capilla mayor, donde prevalece la decoración a base de yeso. Un elemento sobre el que también abundan las capas de cal superpuestas que no dejan ver, al menos hasta el momento, su primitiva decoración cromática. Las pechinas de la cúpula, sin embargo, no están revestidas de cal.\nRestos de policromías\nEn el resto de las capillas de la iglesia de San Lorenzo y dentro de la operación «Chapa y Pintura» sí se ha observado la presencia de varias policromías, aunque pocas. Los restos cromáticos más antiguos son los de mayor calidad y parecen imitar mármoles y volúmenes a modo de trampantojos. De una época intermedia aparentan ser ser algunas epigrafías de color oscuro, semejantes a las encontradas en la capilla de San Andrés, aunque sin poder determinar que pertenezcan a la misma época histórica. Estas últimas también fueron rehabilitadas por la empresa ConservarArte en el año 2018.


Dos voces al tiempo, cuento de Carolina Toro - Carruaje de Pájaros\nLos golpes de cincel en el hierro desprenderán esquirlas al rojo vivo y harán un ruido pertinaz con precisión temporal. Música y danza emergen del metal candente.\nAl abrir la puerta volteas a verme y sonríes un poco. Saludas de beso en la mejilla a cada compañero que encuentras a tu paso. Es tu saludo laboral, que acompañas de una sonrisa y un ademán de cortesía. De pie, sondeas el escritorio. Fijas la vista en el monitor de la computadora. Remueves papeles y van tus manos blancas al teclado. A tres ventanillas de distancia, te veo de reojo. Una larga fila de personas me espera, dispersión de nómina, impuestos, colegiaturas. Estrés. Pero no es la gente, eres tú, que me asustas cuando estás vestida. ¿Es cierto, Virginia, lo que hacemos? ¿O será mi fantasía recurrente de los últimos meses? Siento enemistad con tu ropa, te lleva a un estado excesivamente real en el que me llamas por un título y eres inalcanzable. Pero cuando estamos solas, desnudas; cuando te acaricio la espalda, te beso, digo tu nombre, busco tu mirada preciosa y te siento terminar, me salvas de la muerte.\nMe provocan escalofrío las formas continuas, los túneles sin salida, los pozos sin fin, el caos absoluto y cualquier metáfora que me retrate ahora que nos confesamos amor y que ya no tengo esperanza. Virginia, antes te miraba pensando qué hacer para que me vieras. Y con café de por medio, siempre casual en apariencia, pero en realidad premeditado, exploraba tus aficiones y motivos. Colmabas mi tarde narrando en fragmentos desordenados una historia que yo armaba mentalmente para averiguar quién eras. Egresaste dos generaciones después que yo, de la misma universidad. Coleccionas objetos pequeños de hierro forjado, odias el circo y te asustan las estructuras colosales. Antes tenía esperanza de hablar a solas, hacer conciliaciones juntas, salir a comer, o que tuvieras una duda para que vinieras a mí unos segundos y dijeras el diminutivo de mi nombre antes de preguntar. Solo unos segundos. Yo ya no tengo esperanza.\nLos golpes de martillo estiran la hoja. Tal vez querrá ser tosca e irregular, pero podrá afinarse luego, cuidando de no ceder al capricho de la pieza y adelgazar demasiado la zona de filo.\nEl martes fue el primer día en que nos vimos aquí, luego del viernes. Había muchas personas esperando. Ese día no te recuerdo bien. No sé a qué hora llegaste, o si pasé yo a saludarte cuando llegué. Lo que mi memoria guarda es una emoción abstracta y enorme. Tengo, eso sí, el registro de las reacciones internas que estalla el encuentro con tus ojos grandes o el roce ligero de tus senos que acompaña al fugaz beso matutino en la mejilla: es la fuerza del aire que me atraviesa. Y si tú, a dos metros de distancia dentro de esta gran pecera, nuestro lugar de trabajo, me haces un guiño, fijas tu mirada o te muerdes un labio mientras acomodas el cuello de tu saco: es fuego lo que me habita por entero y no se va hasta el momento afortunado en que te vuelvo a besar.\nPor eso fue inminente lo del lunes. Lo único más grande que los nervios eran las ganas de estar y sentir y que me hicieras trepidar igual que el sábado, cuando tu mano audaz encontró bajo mi ropa, sin sorpresa, la humedad que tú también tenías y disfrutabas de manera íntima. Pero el lunes pude mirar de lleno, por varias horas, tus facciones perfectas, la discreción de tus curvas. Nos abrazamos también, hablamos. Desnudas todo el tiempo, haciendo el amor a ratos. La verdadera primera vez. Mejor que todas las primeras veces. ¿Cómo se llamará esto, Virginia? Las palabras otorgan cualidades finitas, pero son necesarias para referirse a todo. Y yo quiero llamarlo absoluto, bello, confuso, delicado, excitante, febril, grandioso, húmedo, íntimo, jadeante, liberador, magnífico, natural, obsesivo, poderoso, quebradizo, real, sublime, total, único, valiente y doloroso. Entonces, es amor.\nAmor, yo quiero resbalar mis dedos en tu cabello fino, besar tus ojos, escribirte un haikú, hablarte obscenidades al oído y darte motes absurdos. Y quiero correr hacia ti cuando te veo llegar, recibirte con besos y palabras cariñosas. Amor Virtual.\nCuando la pieza alcance temperatura de temple, tiene varias opciones: dejar que el aire la acaricie hasta enfriarla, permitir que repose en las brasas menguantes o apagarla entre los chirridos del contacto con agua.\n¿Te imaginabas que podía pasar lo del viernes? Yo no. Lo deseaba, pero me creí sin posibilidades reales, hasta esa noche en casa de Javier. Habíamos salido los tres por una copa y una larga charla entre amigos que diera inicio a los festejos de tu cumpleaños treinta y cuatro. Después de varias horas él ofreció continuar en su casa, ofreció buena música y vino importado. Yo desvariaba desde el camino entre Carmina Burana y Machado. Al llegar, por una suerte siniestra nos deshicimos de Javier, que salió a buscar más vino; tal vez con la intención de emborracharnos más y quizá hasta acostarse con alguna o con las dos. Una deliciosa bossa nova se interrumpió por el escándalo del reguetón, me apresuré a adelantar la lista de canciones para no deshacer la atmósfera; pero tú y tus risotadas me mostraron los pasos básicos del “perreo”. Bailabas atropelladamente, repetías con retraso las letras de canciones que yo, entre tu alocado entusiasmo y varias copas de vino, escuchaba en un estado cercano a la inspiración. Cuando tropezaste con mis piernas por tercera vez, dije que quería darte un beso. Lo hice, y lo tomaste bien.\nLo que me más me turbó, no fue acariciar tus labios con mi lengua, ni que te hubieras acercado lo suficiente para seguir hablando bajo, boca con boca. No, lo que me aturde hasta hoy es haberte escuchado decir “no creí que me correspondieras” porque hacía mucho que te veía en silencio. Soy yo, quien no creyó ser correspondida por ti, que eres tan inteligente, femenina y bella. Y yo te decía que me encantas y nos hacíamos confesiones atolondradas, alternas, como disparos. “Hace tiempo que me sentía así”, “te quiero, te deseo.” La perilla giró y por iniciativa más tuya que mía, tomamos distancia para componernos el cabello, que igual quedó despeinado.\nEn la fragua, calentar de nuevo la pieza para evitar que un golpe le produzca una fisura. Después afilar. El afilado es un trabajo que requiere esmero, porque le da esencia al arma.\nDecidimos marcharnos, recordé que no traías auto y ofrecí llevarte. Cuando estuvimos solas seguimos buscando la cercanía y aprobación de la otra. Y entonces, como obra maligna, no sé en respuesta a qué pregunta, para mi perdición dije contundente: “Lo que dure, Virginia”. Sin prever que toda la felicidad llegaría custodiada por una grande y oscura tristeza, porque es clandestino, porque jamás podemos abrazarnos ni besarnos, porque es un amor sin razón.\n—¿Por qué, Virginia?\n—Así es la vida —dijiste.\nY fue tu respuesta una invocación al dolor y la muerte. Tus condiciones fueron precisas y cortantes, yo quedé en una fosa abismal, con bordes inalcanzables, sin fuerza, sin la posibilidad de dar otro paso. La esperanza ya no me asiste, pero yo la añoro como a ti.\nSeguí las instrucciones a pie juntillas. A solas, cubrí mi rostro con decoro, con ambas manos; pero no lloré, aunque al oírte me volvió a doler todo lo que me ha dolido en los últimos años por fuera y por dentro. Lo que no sabes, Virginia, es que estar contigo compensa todas las pequeñas adversidades que golpean a diario, que tu sentimiento no perturba el mío y que acepté con resignación tomar esto por el tiempo que dure, proyectando una vida o dos.\nEl pulido es el último paso en la fabricación de un cuchillo forjado. Esmerilar gradualmente con distintas texturas hasta obtener un acabado limpio, listo para cebarlo en el corazón de una mujer que no sea doncella.\nLlevo jugo de naranja y una pieza de pan que muerdo antes de entrar al banco, es un beso enmascarado. Carla usa un traje nuevo y su cabello negro, intenso como ella, se ve muy liso. Toma el pan, me mira aparentando desconcierto y sonríe, sé que está triste.\nCamino a mi lugar, el Jefe me recuerda que nos reuniremos con el Gerente Regional a las seis, para despedirla. Estoy molesta.\nA partir de que se publicó la vacante y se sometió a las pruebas, supimos que este día iba a llegar. La semana pasada el Jefe hizo público el ascenso, acordó fecha para tomar el nuevo cargo y todo se volvió raro, como desahuciado. Cuando le informaron que fue seleccionada, pasó a mi oficina y propuso ir a tomar un café más tarde. Se escuchaba tensa y las cejas arqueadas hacían ver preocupados sus ojos moros.\nSalimos, mi brazo rozaba el suyo, sentí el impulso natural de acercarme, tomar su mano y mirarla…me contuve. Ya en Vips, tomando té helado, volvieron las palabras, su energía acostumbrada y la conexión que siento cuando me acompaña.\n—Será el martes —dijo sin dramatismo.\nEntramos todos a la sala de juntas que huele a madera. Quedo lejos de ella, distinto a las otras ocasiones siempre a su siniestra, tocándola sutilmente al cruzar mi pierna, viéndola cuando nadie lo nota. Todos los jefes de la División Bajío estamos presentes. Llega el Gerente con unas carpetas y trata de romper el hielo primero, después guía su discurso hacia la despedida de un elemento muy valioso.\n—¿Quién si no la licenciada Carla Acosta, sería merecedora de un puesto clave en Dirección General? tan entusiasta y comprometida con la visión corporativa, siempre dispuesta a colaborar.\nHace un mes tuvimos una plática incómoda. Hablé de nuestras personalidades opuestas para demostrar por qué las relaciones son efímeras y el matrimonio, fuera heterosexual o gay no debería de existir. Su mirada era otra. En su turno de hablar inició criticando la inmadurez de algunos hombres y mujeres y terminó diciendo: “pero tu inteligencia hoy no brilla”. Sin terminar la comida salimos del local calladas. Caminó junto a mí, haciendo equilibrio con los tacones altísimos que usaba, cruzamos la avenida de piso irregular del que a diario se quejaba, pero guardó la distancia necesaria para evitar que mi mano sirviera de apoyo como demandaba nuestra costumbre.\nEsa tarde comprendí el significado de la famosa pared de hielo que según decía, yo levantaba a mi alrededor cada que la sentía muy cerca. Al llegar, el Jefe la detuvo.\nAproveché la confusión y me excusé. La imagen de su expresión de furia silenciosa fue y vino a cada rato las siguientes horas.\nAl día siguiente llegó hablando como si nada, yo fingía molestia.\n—¿Usted fuma? —preguntó. Dije que no, irritada por la pregunta sosa. Respondió que lo sabía y me ofreció una paleta helada—: ya que no podemos fumar la pipa de la paz—. Sonreímos las dos y agregó —es feo estar enojada contigo—. Sentí su amor intenso, loco, arrebatado. No aclaramos nada entonces, pero la quise mucho en ese momento, era necesario decírselo, pero callé.\nLas palabras del Gerente Regional son agradables, hasta llegarían a motivarme de no haberlas escuchado cada que alguien se despide. La miro al extremo de la mesa, su forma serena de hablar otorga una musicalidad irresistible a su discurso, nos recordará con cariño. El Jefe agradece, además del trabajo esmerado, la amistad que le brindó todo este tiempo.\nHemos sido buenas amigas. Tuvimos larguísimas charlas o a veces breves; pero siempre con un extraordinario nivel de entendimiento y apertura. Amigas partir de un día que surgió el tema de los amores platónicos. Mientras ella hablaba yo pensaba en el futuro, “¿a quién hablaré de ti, a quién le contaré que había una compañera que me estremecía?”. En ese momento no creí que me correspondiera, porque de todos los amores platónicos que tuve con quien menos posibilidades me creí fue con ella; pero me quiso. Conversábamos mucho y nunca me abandonó esa placentera confianza, su interés me marcaba la pauta para que yo vertiera los pecados que a nadie conté antes. Vivió conmigo la ejecución de la mariposa indeleble que llevo en el hombro. Hasta podía decirle a veces “siento rabia con la vida” si no quería hablar; pero tampoco estar sola. Me miraba, atenta, preguntaba si podía fumar y aunque el vicio me disgusta sobremanera, decía que no importaba. Prendía su cigarro y exhalaba una dosis de humo con mentol que, en modo pasivo, inhalé durante cuatro meses.\nEl Gerente Regional pregunta si alguien quiere dirigir unas palabras a la licenciada que se nos va. Todos me miran esperando que hable, es natural, acostumbramos pasar mucho tiempo juntas. Evado la encomienda y los veo también en actitud de espera. La contadora que está a mi lado, insiste.\n—Virginia, tú primero, es tu amiga.\nY luego el Jefe:\n—Contadora, usted que es tan elocuente, hable de lo que su estancia deja en nosotros.\nRespondo con sonrisas calladas a cada invitación. Hay un rebote de miradas en la sala. Todos, conmovidos, se niegan también a despedirse.\n¿Que si resultó significativa su estancia? ¿Que si deja algo en nosotros? No hay manera de responder esas preguntas y mantener al mismo tiempo la compostura. Se trata de respuestas que no quise darle hace apenas dos tardes en el estacionamiento, cuando nos despedíamos. Se veía alterada, con voz contenida, reclamó:\n—Quisiera sentir que hay un “nosotras” en algún tiempo remoto de nuestras pinchísimas vidas, que entre tu jodida existencia tienes un lugar para mí.\nSubió al coche, arrancó en reversa y salió disparada bajando de la cabeza sus lentes de sol para taparse el llanto.\nLo había, Carla, juro que lo había, ¿por qué cambiar el tono si estábamos tan bien? Pero tal vez era la respuesta aplazada a lo que pasó a la hora de la comida.\nEstábamos en una fonda, pidió el platillo repleto de especificaciones, como hacía siempre. Teníamos rato con el tema del nobel colombiano que acababa de morir. Movió la sopa con la cuchara para enfriarla, concentrándose, como si leyera algo muy importante. Le pregunté por su repentina distracción.\n—¿Sabes que te amo? —dijo sin más.\n—Sí, lo sé—. Respondí girando los anillos de mi mano izquierda. Después agregó:\nAsentí, tratando de ser amable. No tenía que haberlo dicho, al hablar de sentimientos pareciera que es necesario esforzarse y que es obligatorio llegar a algún lado. Tampoco debió agregar que pensara en eso porque no está bien darme instrucciones y porque desde hacía varios meses yo la traía en mente todo el día. Los lugares, las personas y la música ambiental del supermercado eran ella.\nA veces, tratando de disimular mi debilidad hacia Carla, soltaba algún comentario ácido sobre su ropa o cabello. Y su respuesta era que empezaba a parecerme a ella, tan apegada al sarcasmo. Pero ese fenómeno sucedió en dos vías. No me queda claro si se acostumbró o resignó, pero era consecuente con mi forma de ser. Ya no enviaba e mails ni llamaba. Por mi parte siempre tenía ganas de llamarla y no lo hacía. Sería admitir que cumplía un trato sin palabras, los tratos no tienen buen final, se rompen, resultan inútiles. Nos pasábamos la estafeta de la ansiedad. Yo miraba el teléfono a cada momento, para ver si enviaba mensajes, buscaba la oportunidad para escribirle. Una imagen, la borraba. Articulaba frases interesantes, no lo eran tanto. Ella: ausente, silenciosa. Cuando me atrevía a mandar el primer mensaje, me limitaba a una cara sonriente, respondía con otra. Con cada mensaje, mientras más tiempo pasaba, mayor era la angustia de no contar con su atención inmediata. Pero cuando llegaba su respuesta, me sentía serena otra vez y con fuerza para esperar varias horas antes de restablecer el contacto. El juego se hizo ley. Tomó distancia, parecía haberse adaptado; pero nada es perfecto. También se volvió ansiosa y malhumorada, y yo más callada, más lejana.\nLa insistencia de los otros me incomoda considerablemente, trato de no mirarla, pero a veces no lo consigo. Ella me esquiva también. El Gerente Regional se levanta de su asiento, de cerca le agradece sus aportaciones. Todos la abrazan y le auguran éxito. Abandono la sala con mucha tensión en la garganta, con cuidado seco un par de gotas que lograron escapar de mis ojos y de mi nariz, dudo entre desaparecer sin aviso o esperarla en el carro. Ahora se acerca haciendo señas para retirarnos. Necesita un abrazo, lo sé porque yo también.\nOtra vez nosotras andando, haciendo esfuerzos por mantener la ecuanimidad, los conocidos roces, las conocidas ganas. Vamos en mi auto, cuando tomo su mano nuestras palmas hacen lo que debían hacer los labios. Respiro su perfume mezclado con su olor corporal, su champú de miel y la crema de manos. Desde ahora la extraño.\nAntes de bajar del coche la beso brevemente con la boca cerrada.\n—Te extrañaré mucho —dice —significas todo para mí, estoy enamorada. Entiendo tu forma de ser y la respeto. Es doloroso, pero no quiero seguir. Frente a ti quedo expuesta, sin argumentos, crédula, pero después de cada encuentro, cuando te vas, vuelve la razón, pienso otra vez y comprendo la situación real: no hay amor, o si lo hay resulta escaso para mis necesidades afectivas.\nEjemplifica sin esfuerzo actitudes lejanas que yo he mostrado. Cada ejemplo suyo es el movimiento preciso de un cuchillo forjado que me retira una capa de piel, se profundiza el hueco que siento en el pecho cada vez que pienso en ella, que me inhibe las palabras para describirlo, pero sé que es amor.\n—Sé perder, por eso me retiro—. Termina diciendo.\nMe rompo, intento abrazarla con mucho miedo de que sea cierta su decisión. Quiero decirle que la amo, que soy suya, que por favor sea mía. A punto de articular palabra, de dar el paso que necesito, mi cuerpo, como piezas de rompecabezas, se separa. Y guardo silencio mientras se aleja.


octubre 2014 ~ Cultural Blues\n'Loreak', un ramito de violetas\n“Quién cada 9 de noviembre, como siempre sin tarjeta, la mandaba un ramito de violetas”. De la misma forma que en la canción que escribió Cecilia en 1975 Ane comienza a recibir un ramo de flores cada jueves. Y de golpe le cambia la vida. Sin remite, ni tarjeta, ni siquiera unas palabras que la indiquen quién es la persona que las envía. Sólo flores. Ese elemento que siempre suele significar ausencia. Regalamos flores para paliar un vacío; el del hombre que no puede estar en el aniversario de su matrimonio, la mujer que no puede acudir a un nacimiento de un familiar o, al final de todo, la propia muerte.\nY a través de esas ausencias se estructura Loreak (que en su traducción del euskera al castellano significa Flores). Con un guión perfectamente organizado en tres grandes actos –a los que se podría añadir el epílogo final–, la pérdida, en todos los significantes que se le puedan conceder al término, y las ausencias gobiernan el metraje.\nJosé Mari Goenaga y Jon Garaño plantean una película psicológica y muy profunda, casi intimista, en la que las flores se sitúan como una especie de elemento desestabilizador que hace tambalear las vidas de todos y cada uno de los personajes. Existe una tensión latente en cada plano, en cada línea de guión, del film. Pero también existe un drama humano de varias capas que subyace intensamente bajo la epidermis de la historia.\nLoreak se constituye como un poliedro irregular de varios lados en el que los vértices (las personas) se unen con el resto de personajes a través de diagonales, tangentes y todo tipo de trazos (las circunstancias, la realidad). El guión, obra de los propios directores junto a Aitor Arregi, conduce a que todos y cada uno de los personajes se toquen de una forma u otra a lo largo de la cinta. Mientras tanto, la cámara se sitúa como eje central (algunos podrían decir que el verdadero centro es el personaje de Josean Bengoetxea; y no les faltaría razón) y se limita a mostrar la forma en que la vida de los personajes va cambiando a medida que los acontecimientos y la propia y cruda realidad transcurren.\nEl film de Garaño y Goenaga, que supone su segunda colaboración en la dirección tras 80 Egunen, domina el espacio y el tiempo con firmeza e incluso brillantez. A Loreak no le sobra ningún plano, ni tampoco una línea de guión. Aquello que está tiene una razón de ser y conjuga perfectamente dentro del todo que es la película, de igual forma que una rosa lo hace dentro del todo que supone un ramo de flores. La cinta es un ejemplo de gran aprovechamiento de recursos; destaca un ágil montaje que engrana planos de situación con subjetivos y primeros planos, además de un equilibrado guión que acompasa sus líneas al ritmo cadencioso de la obra.\nLa soledad, la pérdida y la ausencia y el dolor, tanto propio como ajeno, vertebran Loreak. Además, dos magníficos saltos temporales hacia adelante (nuevamente cosidos de forma sutil al conjunto, y tan amargos como verosímiles), reflexionan sobre la huella del tiempo y cómo la vida avanza y hace avanzar a su vez a aquellos que le siguen el ritmo. Garaño y Goenaga emocionan, por momentos rozan el estremecimiento, gracias a una mesura y una solidez que se dan la mano en favor de un film tan elegante como digno de reconocimiento y defensa.\n31.10.14 Sin comentarios Leer más\n'La sal de la tierra', el artista según el artista\nEn un momento de la película, Wim Wenders justifica con sus palabras el título de la obra. “Las personas son la sal de la tierra”, explica sobre lo que significa el trabajo fotográfico de Sebastião Salgado, el protagonista del documental. Y así es, ya que durante más de cuatro décadas el brasileño ha dedicado su vida a fotografiar para inmortalizar al ser humano por encima de todas las cosas.\nAhora, cuando ya se reconoce su trabajo en todo el mundo, se estrena esta película que entrecruza su historia personal con su carrera profesional. Quizás la presencia de su hijo, Juliano Ribeiro Salgado, como coguionista y codirector del film, haya resultado crucial para que se pueda ver ese lado más íntimo y recóndito del artista junto a su obra.\nLa sal de la tierra supone un acercamiento al fotógrafo y su labor, desde un punto de vista único, el del propio artista. La cámara se sitúa al lado de Salgado en algunos de sus viajes. De esta forma podemos ver todo, tanto la manera de trabajar como las reflexiones y comentarios del mismo durante los días de escapada. Por si fuera poco, Wenders y Ribeiro Salgado deciden otorgar la mayoría del metraje al propio artista, que se explica, reflexiona sobre su trabajo mientras éste aparece en pantalla (multitud de fotografías ilustran este documental) y vierte sus opiniones sobre todo lo que el espectador está viendo. Tal vez ese sea el mayor acierto del film y su punto diferencial: el espacio concedido al artista objeto del mismo y la no superposición de los cineastas por encima de él.\nEstructurado a través de los distintos trabajos, series y obras de Salgado, La sal de la tierra supone una suerte de video retrospectiva sobre el autor. Asistimos a la carrera del fotógrafo envueltos en una familiaridad extraña, gracias a la calidez de un blanco y negro elegantísimo, así como a la rasgada voz del artista que nos acompaña y nos guía en todo momento a través del montaje de imágenes.\nEl documental regala grandes frases y perpetúa el pensamiento de Sebastião Salgado con naturalidad. “Morir aquí es como una continuidad de la vida. La gente se acostumbra a morir”, nos asegura en un momento del film en el que habla sobre su impresionante trabajo en África. La sensación que nos queda es una ida y vuelta entre el malestar, por la inevitabilidad con la que efectivamente ocurre todo, y el agradecimiento profundo, por poder ser testigos de ello, primero gracias a la fotografía del autor, después gracias a este documento audiovisual.\nEn La sal de la tierra se articula un mensaje de amor profundo por la raza humana. A pesar de todo y por encima de todo, eso es lo que se descubre en las palabras de Salgado, un hombre que ama la vida aun más después de haber visto tanto horror. Por eso, quizás, la película –igual que su carrera fotográfica hasta el momento– concluya con su serie “Génesis”, en la que se aprecia como la naturaleza siempre tiene algo que decir y, siempre, siempre, ganará la batalla contra todo.\nHay quienes hablan de una teoría que asegura que con cada fotografía que dispara un fotógrafo le roba un fragmento del alma al retratado. De ser verdad, y teniendo en cuenta la afirmación que abre esta crítica, ¿cuánta sal guardará Sebastião Salgado en su mochila?\n'En tierra extraña', el sueño errante\nCada vez es más común conocer a alguna persona que se marcha de España a buscarse la vida en otros lugares. ¿Quién no tiene alguien cercano que lo ha hecho? En un momento de En tierra extraña, mediometraje documental firmado por Icíar Bollaín, una chica sentencia: “Ya no tengo a dos amigos en el mismo país”. De esta forma, la cineasta se asoma al precipicio de la realidad que atravesamos, una realidad que a menudo nos saca fuera, nos obliga a salir.\nVertebrando su discurso a través de un monólogo cómico de Alberto San Juán, con mucho acierto, la directora se enfrenta a la problemática actual de cara. Para ello se sirve de los testimonios y las experiencias de una serie de emigrantes españoles en Edimburgo. Con la percha del movimiento The Blender Collective, Bollaín filma un fresco sobre la inmigración forzada.\n“Nosotros no hemos crecido en un país sin sueños, como mi abuelo, que emigró; nosotros teníamos sueños y nos los han quitado”, comenta una de las protagonistas que hablan sobre su situación frente a la cámara de Bollaín. “Me siento más valorada aquí de camarera, que allí de profesora”, concluye otra. Y así, a través de los discursos, con los que la directora ofrece todo el protagonismo a sus interlocutores, se completa el mapa de la emigración española en la capital escocesa.\nEn tierra extraña ofrece además un paralelismo muy interesante entre las dos generaciones de emigrantes españolas más recientes: aquellos que marcharon al centro de Europa en la posguerra y la generación actual que se marcha en vista de las pocas oportunidades de prosperar que se le conceden en España. El documental establece un juego de espejos entre el humor, a través de contraposición de declaraciones políticas, música y otros elementos, y el drama inherente a la situación que atraviesan sus protagonistas.\nPese a todo, la sensación que queda tras ver En tierra extraña es de cierta esperanza en que la situación se voltee y mejore. Esperanza que recae o se deposita no en los políticos, sino en las personas y su organización colectiva (para lo que sirve el símil con The Blender Collective que cose todo el film) en favor de avanzar. Se puede hablar de la película de Bollaín como un toque de atención que precede a un acto de fe en las personas, únicos baluartes capaces de prosperar en un mundo tan hostil, en una tierra tan extraña.\n'Serena', melodrama de época\nLo que parecía comenzar como un melodrama de ciertas aristas, Susanne Bier lo convierte pronto en uno de intensidad forzada y exigida. Serena comienza con una serie de elipsis musicales que, a priori, pueden anticipar un cierto empaque en la historia posterior hacia la que se acerca con ese recurso. Sin embargo, una vez llegados al punto inicial o de conflicto, la película se deja caer en un saco de inconsistencias del que le resulta muy difícil, casi imposible, volver a salir.\nEnmarcada en un terreno agreste y montañoso, las montañas de Carolina del Norte, la película de Bier cuenta la adaptación de una pareja a su nueva vida. Jennifer Lawrence y Bradley Cooper –otra vez– son los protagonistas de esta historia, que queda en tierra de nadie gracias a la indefinición constante en la que navega, pese a un correcto diseño de producción, quizás lo más destacable del film.\nLa directora danesa naufraga en un mar de intensidad rebuscada a través de los primeros planos, la música y las frases de amor incondicional, tan poco creíbles como innecesarias para contar ninguna historia de afectos. La cineasta se empeña constantemente en remarcar todo eso de manera repetitiva y demasiado irreal. Después otorga la misma relevancia al conflicto de pareja y el dolor; los primeros planos, las lágrimas y la representación del dolor se suceden con brío, pero a fuerza de buscar la intensidad, lo que consigue Bier es que al espectador le cueste creerse lo que está viendo y pueda terminar más pendiente de la sobre interpretación de los actores principales que de la propia historia central.\nJennifer Lawrence se sitúa como el bastión potente de la película, ya que la cineasta se centra en mostrar una y otra vez cómo una mujer fuerte se desenvuelve con brillantez en un campo que es profundamente masculino. Empeñada Bier en resaltar y fortalecer la figura de Serena, por el contrario lleva a Bradley Cooper a una tierra de nadie en la que el actor parece desconcertado durante todo el metraje. Mala dirección de actores, que se esfuerzan y hacen lo que pueden pese a todo lo demás.\nPor su parte, el guión de Serena no deja mucho más lugar a las alegrías. Salvando la estructuración elíptica que abre la película, el trabajo de escritura cae constantemente en señuelos de extrema facilidad (¿un hombre que esconde la llave de la caja fuerte justo en el cajón de al lado?) y en giros cuya única voluntad es el melodrama más barato y lacrimógeno, al que Bier acompaña con imágenes de dudoso y morboso gusto (las imágenes del parto y el postparto, por citar sólo un ejemplo).\nSerena es, por lo tanto, un melodrama de época fallido, que se centra en dos personajes a los que nunca consigue dar la presencia necesaria para que el espectador se pueda sentir identificado, o al menos interesado, con ellos. Bier se empeña más en indagar las emociones, y obligar a la irrupción de estas, que a buscarlas con naturalidad y a través de la historia. Quizás por eso, ni siquiera los actores y sus interpretaciones logran salvar el film de la danesa, cuyo nombre se sobrepone de forma irreversible por encima de todo el artefacto cinematográfico y, lo que es peor, muy por encima del espectador.\n'Coherence', personajes en busca de Schrödinger\nLas historias de noche en círculo siempre han tenido mucho empaque. Algo distinto; o distintivo, quizás. Recuerdo, por ejemplo, en la serie juvenil El club de medianoche, en la que un grupo de chicos se reunía alrededor del fuego a contar historias de terror. La fórmula se ha repetido en multitud de ocasiones; desde que aprendió a ello, el ser humano busca que le cuenten historias. Necesita el relato como método de vida. Así comienza Coherence, con un grupo de adultos que, reunidos en torno a la mesa para presenciar el paso de un cometa en el cielo, empiezan a contar historias. Una de ellas cuenta que en la anterior ocasión en la que el cometa cruzó el cielo, en el año 1923, en un pueblo de Finlandia ocurrieron hechos incomprensibles como pérdida de la memoria en sus habitantes o comportamientos extraños. ¿Leyenda o realidad?\nJames Ward Byrkit sitúa la cámara en mitad de la reunión y deja a sus personajes interrelacionarse. El principio de la cinta, con cortes abruptos en las conversaciones y constantes negros, muestra como el grupo se va adentrando voluntariamente en la especulación sobre aquel suceso mientras intercalan temas. Al final, al ser humano, además de las historias, le gusta inocularse una pizca de miedo de vez en cuando. Somos así.\nPero cuando las pantallas, los teléfonos, las lámparas y la propia casa empiezan a cobrarse comportamientos extraños, todos recordarán la extraña historia que acaba de contar una de ellas y comenzarán a buscar un motivo a todo lo que ocurre. Si en 2011 Lars von Trier se servía de un astro que se acercaba a la Tierra para justificar los comportamientos de algunos de sus personajes, en Coherence Byrkit también utiliza el cometa como elemento distorsionador de la realidad. El cineasta se sirve del astro para entretejer una seria reflexión sobre el lado oscuro de las personas y una parábola sobre las relaciones interpersonales y la multitud de “yoes” existente en cada ser.\nEl guión, construido mediante diálogos, de apariencia teatral (escenario único, mismos personajes encerrados en el espacio, etc.) y con algún señuelo demasiado fácil (el libro de astronomía justo en el coche de uno de los invitados, por ejemplo) construye un mapa de los estados de ánimo que van atravesando los personajes. Sin embargo, mientras tanto, se lanza a una especulación sobre los mundos paralelos, las realidades alternativas e, incluso, la teoría del gato de Schrödinger, que consigue explicar de una manera tan eficaz como sorpresiva. Finalmente, entendemos cómo esa metáfora no es otra que la de los propios protagonistas, en general, de una de ellas en particular. El final abrupto y con incógnitas abiertas deja al espectador la total libertad de decidir sobre el porvenir de los personajes, igual que lo hace Schrödinger indicando que mientras no se abre la caja el gato está vivo y muerto a la vez.\nCoherence es un ejercicio cinematográfico y narrativo de alta intensidad que regala reflexiones entretejidas con ideas de gran calado, que maduran con el reposo del film. James Ward Byrkit juega; lo hace con los personajes, con el espacio, con la realidad, incluso con el espectador, que mantendrá la vista fija en la pantalla de principio a fin.\n24.10.14 Sin comentarios Leer más\n'Alguien a quien amar', ansias afectivas\nProbablemente Dinamarca sea un lugar complicado para imaginar el calor de los afectos. El ambiente frío, la nieve, el vaho al suspirar… Sin embargo, Pernille Fischer Christensen vuelve a fabular con los apegos y la necesidad del cariño en su cuarta película, Alguien a quien amar, ambientada en el país nórdico.\nThomas Jacob, un cantautor de fama mundial afincado en Los Ángeles, vuelve a su tierra una temporada. Allí se encuentra, de repente, con la necesidad de su hija de que cuide a su hijo Noa, de once años, mientras ella está seis semanas en una clínica de rehabilitación. Lo que parece un vínculo imposible entre el abuelo y el nieto, que apenas se conocen, pronto empieza a fructificar gracias a la música.\nEl director danés estructura su obra a través de una serie de canciones, pero siempre dejando claro mediante cortes abruptos –sin dejar terminar nunca un tema– que su película no es un musical, sino un drama sobre un músico (que evidentemente no es lo mismo). El guión, centrado por completo en el protagonista, lo evidencia con una historia de valores humanos en la que entran en juego tanto el cariño y la responsabilidad como el dolor.\nCon una fotografía dura que coloca al personaje en contraste con el entorno, situándolo en multitud de ocasiones vistiendo de negro sobre un fondo blanco impoluto de nieve, el director remarca el carácter de outsider que adquiere el protagonista en su propio entorno. Además, su desarrollo técnico complementa los estados de ánimo del personaje, destacando un fuera de campo en el que el protagonista se sitúa al mismo nivel de conocimiento que el espectador, o un momento en el que la cámara en mano tiembla justo cuando el protagonista atraviesa el momento de ánimo más quebradizo del film.\nLa interpretación principal de Mikael Persbrandt, lánguido, solitario y sombrío, transita el desmoronamiento con suma elegancia. Una persona se ve arrastrada por las situaciones que se dan en su vida hacia una espiral de desconocimiento y desconcierto de la cual no sabe salir. Persbrandt completa un trabajo resolutivo, pese a que la doble construcción del personaje pueda desafinar un poco en el caso del reverso tierno del protagonista.\nAlguien a quien amar supone un acercamiento al drama humano a través de un film que emociona sin demandarlo constantemente. Christensen cuenta una historia de afectos, de necesidad de contacto y acercamientos entre personas, desde un punto de vista que se acerca y se aleja según la película lo precisa. Un film que corrobora las obsesiones de un director que ya ha hablado sobre las encrucijadas de los afectos en sus anteriores películas y que vuelve a hacerlo en este film desde un foco nuevo y a la vez reconocible.\n'Drácula, la leyenda jamás contada', dejen en paz a Stoker\nSi Bram Stoker levantase la cabeza y alguien le llevase a ver Drácula, la leyenda jamás contada, seguramente pensaría que efectivamente no había sido contada antes por algo. Si Francis Ford Coppola hiciese lo propio, probablemente se rasgaría las vestiduras asistiendo a cómo una historia que él consiguió sintetizar de forma brillante en un cuarto de hora, Gary Shore la extiende durante una hora y media en el largometraje.\nCierto es que no es una adaptación como tal, sino una historia sobre el personaje histórico, Vlad Tepes, el empalador, que inspiró al vampiro de Stoker. Pero no es menos cierto que la etiqueta de adaptación libre no otorga una patente de corso al cineasta para hacer lo que quiera y cómo quiera. Eso no.\nGary Shore completa una suerte de cruce entre una Juego de tronos venida a menos y un Francis Ford Coppola muy lejano en Drácula untold. Un prólogo interesante y de bella factura precede –y engaña al espectador en un primer momento– a una serie de imágenes al ralentí (destaca para mal una caída por el precipicio), gritos que intentan ser desgarradores y un guión recargado de frases tan rimbombantes como vacías de significado.\nEn el apartado de interpretaciones destacan, y no precisamente para bien, los trabajos de un Luke Evans que busca la intensidad en cada una de sus apariciones y de un Dominic Cooper que nunca termina de convencer en el papel ni entrar en la historia. Por no hablar de un Charles Dance que parece estar interpretando la decrepitud espectral de su Tywin Lannister. Y así, entre gritos desgarradores, escenas tan burdas como una pelea entre monedas de plata o rostros deshaciéndose –en una imagen algo desagradable– por la incidencia de la luz en la piel vampírica, la película avanza hacia un desenlace acorde por lo bajo con el resto del film. Eso para el que llegue: probablemente algunos no lo consigan, mientras otros estarán deseando que el sol salga o que algún alma caritativa les clave una estaca de madera directa al corazón.\n'Alguien a quien amar', los fríos afectos\nPersonas. Gente en encrucijadas, a la espera de una decisión de continuidad en su vida. Esta podría ser una de las temáticas fundacionales del cine de Pernille Fischer Christensen, director danés que estrena Alguien a quien amar, una película que vuelve a situar a un hombre en el momento exacto de decidir qué hacer. Si en sus anteriores filmes se había podido ver a personas que tienen que escoger entre marcharse o quedarse a dirigir el negocio familiar o someterse al cambio de sexo que han esperado durante toda la vida o permanecer como están por amor; en esta obra el cineasta hace lo propio con un cantante folk-rock que tiene que decidir qué hacer con su nieto, al que apenas conoce, cuando la vida se lo deja en casa y golpea su estabilidad huraña.\nMikael Persbrandt da vida a Thomas Jacob –una suerte de JJ Cale danés–, un tipo lánguido y poco amigable que, al volver de Los Ángeles a Dinamarca, se encuentra con que su hija, adicta, necesita que cuide de su hijo Noa durante seis semanas. Lo que en principio parecía una relación imposible de fructificar, pronto se revierte y entre los dos comienza a existir un vínculo a través de la música.\nEl cineasta danés reflexiona sobre el desmoronamiento personal con una buena dirección de actores, que se patenta sobre todo en las apariciones –casi todo el metraje– de Persbrandt. Es cierto que, en torno al protagonista, patina la construcción de esa doble “identidad” o del reverso del cantautor. Thomas es siempre demasiado frío, cierto que el personaje lo exige, pero por momentos la (no) emotividad del personaje se antoja un ligero problema. Sin embargo, la buena interpretación de Persbrandt arregla el pequeño desliz con voluntariedad.\nEn el aspecto técnico, sorprende una fotografía muy dura, que resalta en multitud de ocasiones el negro sobre el fondo blanco (en el caso del protagonista para dar fuerza a esa languidez y ese elemento de inadaptación que supone sobre el ecosistema que le rodea). Además, el director hace un buen uso tanto del fuera de campo en un par de ocasiones como de la cámara en mano, que traslada a la imagen la inestabilidad del personaje en su momento de ánimo más bajo.\nLa música, por su parte, vertebra la acción en cierto modo. No obstante, Pernille Fischer Christensen corta abruptamente las canciones, no las deja continuar, como si quisiese remarcar que su película no es un musical, sino un drama sobre un músico. En este sentido, no termina de encajar el tema final, una suerte de subrayado sobre todo lo que la película nos ha ofrecido que, por innecesario, resulta repetitivo.\nAlguien a quien amar es, en definitiva, un drama sobre personas en el que estas son el centro de atención, el vehículo y la finalidad. Christensen traslada perfectamente la vocación de emocionar sin llegar a la lágrima fácil con una historia de afectos y desencuentros entre hombres y mujeres. Un film sobrio, pero intenso; frío y distante, pero a la vez cálido y suave.\n'Vamos de polis', la risa por con el único motivo de la risa\nUna película que comienza con el Tell me why de los Backstreet Boys, termina con el The funeral de Band of Horses, y entre medias del metraje incluye el Wrecking Ball de Miley Cirus, ni se puede tomar demasiado en serio, ni puede pretender que nadie lo haga. Y eso es exactamente a lo que juega Luke Greenfield en Vamos de polis. La película es una de esas comedias simpáticas, gamberrillas y que no tienen otra vocación más que la de hacer reír durante el tiempo que permanecen en pantalla.\nSeguramente nadie se acordará de Let’s be cops dentro de un par de semanas; sin embargo, todos los que la vean pasarán unos minutos hablando de sus gags, chistes o de tal o cual momento de la cinta. Ese es el espíritu de un director que nos habla sobre dos amigos treintañeros en crisis que deciden fingir que son policías.\nEl artífice de otras comedias como Estoy hecho un animal o La vecina de al lado se pone al frente de Jake Johnson y Damon Wayans Jr en esta buddy film llena de altibajos, que cuenta con la presencia destacada de Andy García entre su elenco. Un guión muy centrado en el gag rápido y el chiste oportuno no descuida en cambio un mensaje subyacente en torno a la amistad y la necesidad de encontrar el camino en la vida y luchar por andarlo.\nGreenfield demuestra una adaptación importante a la actualidad, sobre todo en dos momentos-situaciones del film: los sobreimpresionados con las conversaciones de whatsapp, mail y demás tecnologías de la comunicación (algo que se empieza a introducir cada vez más en las películas, sobre todo de este tipo); y el gag musical en el que Miley Cirus cobra un protagonismo latente al sonar su éxito Wrecking Ball. La secuencia se convierte en la más divertida, gamberra y “asquerosa” de toda la película sin duda.\nVamos de polis ofrece, por lo tanto, un rato de diversión sin filtros, una película sin moralejas muy claras, sin ambages; la película de un director que desde siempre ha tomado el camino del humor como forma de expresión. Porque, aunque a veces se menosprecia las comedias que “sólo” nos hacen reír, lo cierto es que son necesarios. Si sólo tuviésemos dramones humanos, ciencia ficción impactante o películas de una talla exquisita, todo sería muy monótono, ¿no creen?\n'Magical Girl', las piezas deliberadamente ausentes\nMagical Girl es soberbia. Un encadenado macabro de chantajes, una escalada de manipulación y un tremendo juego de voluntades. Carlos Vermut dirige con suma elegancia, narrando sin sobrexponer, un guión estructurado en forma de puzzle al que -a propósito- le faltan piezas (qué hay en la sala del lagarto negro o el pasado oscuro de uno de los personajes). Sin embargo, todo encaja en el puzzle, incluso esas piezas que faltan (genial esa metáfora de la pieza ausente que subyace en torno al personaje de Sacristán).\nLa película de Vermut, merecidísima Concha de Oro del último festival de San Sebastián, cabalga entre lo costumbrista y una originalidad desbordante, entre lo racional y lo pasional (fantástico ese fragmento en el que un personaje compara las corridas de toros con el espíritu de España), entre el amor y la maldad. Y sale perfectamente airosa de todo ello, mientras el espectador trata de recuperar el habla, el aliento y el resuello tras dos horas de absoluta entrega a la historia.\nMaravillosas interpretaciones de un impecable Luis Bermejo, un José Sacristán conscientemente dosificado (se come la pantalla en poco más de media hora; qué actorazo) y Bárbara Lennie (tremenda en su construcción enigmática del personaje; una gran intérprete que merece ya reconocimientos). Por su parte, no se les queda muy a la zaga una sorprendente Lucía Pollán, que le aporta a la historia el grado de "inocencia", y que pese a su juventud lanza un par de miradas y desafíos a cámara sumamente inquietantes.\nEn el aspecto técnico, la elegantísima fotografía de claroscuros de Santiago Racaj ayuda a aportar tensión en las situaciones que lo precisan, al igual que la música, siempre en los momentos necesarios (ay, esa Niña de fuego). En definitiva, que Magical Girl de Carlos Vermut es una de las películas del año y por supuesto una de las obras mas destacadas del cine español de los últimos ciclos. Una película fascinante y arrebatadora de un director que crece exponencialmente.\n19.10.14 Sin comentarios Leer más\n'Relatos salvajes', la jungla de los actos desesperados\nDicen que en el momento en el que el ser humano se ve completamente perdido y desvalido es capaz de hacer cosas que nunca antes habría pensado. Cosas impensables que uno hace cuando sabe que ya no tiene nada que perder. Es lo que conocemos como actos desesperados. Y es sobre estas acciones sobre las que pivota Relatos salvajes, la última película de Damián Szifrón, que representará a Argentina en la carrera por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, con serias opciones de colarse entre las nominadas.\nEl cineasta divide su película en episodios independientes, que se hilan a través de un denominador común: esa desesperación en los individuos producida por una sociedad en la que priman el engaño, la injusticia, la corrupción y el mal humor. En definitiva, la sociedad, cada vez más reconocible, circunscrita a la gran crisis económica (pero también de valores) que atraviesa el mundo en nuestros días.\nDesde las instituciones gubernamentales y las autoridades hasta las clases sociales o el propio desengaño íntimo de una pareja, el director argentino juega con los clichés a conciencia. Sin embargo, la idea de los estereotipos o de las situaciones estandarizadas no hace sino engrandecer el film, ya que Szifrón consigue darles una vuelta de tuerca para que actúen en beneficio de su idea.\nEl humor y el drama se dan cita en Relatos salvajes, y no sólo eso, sino que se funden llegando a aparecer a veces como un mismo elemento. Quizás el capítulo de la boda sea el que mejor recoja ese espíritu, tanto por la comedia que reside en él como por el absoluto drama personal y emocional que narra. No es extraño que el espectador ría y al segundo esté preguntándose de qué se está cachondeando. La película de Szifrón tiene en esa dualidad su mayor virtud: primero hace gracia, pero después tiende a incomodar; como si quisiese llamar la atención del espectador sobre lo que está viendo y adquiriendo de la obra.\nLa venganza, la violencia, la infidelidad, el terrorismo o la alienación, entre otros temas, son los pilares narrativos sobre los que se erige el film. Relatos salvajes es un manifiesto contra la locura, ejercido desde la propia locura que nos propone; un film con un punto malvado, con mucha mala baba y con una dosis de culpabilidad lista para inocular al espectador. No hay reservas, Damián Szifrón ha hecho honor al nombre de su cinta; Relatos salvajes es exactamente eso, un conjunto de historias muy bestias, de actos desesperados, pero que a su vez guardan una cierta delicadeza, mucho más por lo que esconden que por lo que muestran.\n'Las tortugas Ninja', (re)cowabunga!\nEra extraño que dada la tendencia a recuperar viejos fantasmas (sobre todo en cuanto a historias de superhéroes, comics y este tipo de géneros) no hubiese tenido lugar un renacimiento (nunca mejor dicho en este caso) de las tortugas ninja. Jonathan Liebesman recupera a las famosas Donatello, Rafael, Michel Angelo y Leonardo en su nueva versión: Las tortugas ninja.\nCuando Nueva York está asolada por los crímenes de un del grupo delictivo conocido como clan del pie, las tortugas, amaestradas por Splinter (también conocido como “maestro Astilla”), deciden salir a socorrer a los neoyorquinos con sus habilidades. Las cuatro hermanas patrullarán y, en mitad de la noche, conocerán a una periodista ávida de encontrar “la gran historia de su vida” a la que da vida Megan Fox.\nHay mucho de aquellas tortugas noventeras, Liebesman barniza su película con un aire años noventa que engrandece aún más la historia que nos cuenta (como si se nos hubiese contado en aquel tiempo en el que eran famosas). Sin embargo, tampoco abandona el presente y consigue dotar de la contemporaneidad necesaria para que no parezca todo demasiado antiguo.\nEn este sentido, en Las tortugas Ninja funciona muy bien el humor, sobre todo esos chistes de los que se llena la película con respecto a otros superhéroes (Batman, Superman) o a algunas de las series más valoradas por el público como es Lost. Quizás sea el mayor acierto de este blockbuster: tener siempre un desahogo cómico en el momento más oportuno.\nEl guión, algo pobre (demasiado previsible, con señuelos y pistas muy obvias), pese a esconder una débil crítica a las industrias farmacéuticas –ni siquiera consigo saber si es algo demasiado intencionado–, es compensado por ese punto gamberrillo y nostálgico para aquellos que amaron a los reptiles fan de las pizzas en los años noventa. Por su parte, la protagonista Megan Fox guarda cierta química positiva en su interacción con las tortugas, pero a menudo se empeña más en buscar la intensidad en su rostro y su actuación queda desvirtuada por ello.\nNo obstante, Las tortugas Ninja es un blockbuster muy entretenido, que se consume sin tedio, divierte y deja un sabor agradable. Liebesman ha completado un film que recuerda algo de un pasado todavía no demasiado lejano y tal vez demasiado vivo en nuestra memoria.\n'Las tortugas Ninja', reencuentro con la infancia\nHace un par de décadas los jóvenes de la generación de los 80 disfrutábamos con un conjunto de tortugas que peleaban por combatir el crimen organizado en Nueva York. Se trataba, evidentemente, de Las Tortugas Ninja. Ahora, muchos años después, el director Jonathan Liebesman ha recuperado a estos ciclados reptiles para su nueva película.\nNueva York está asolada por el crimen de “la banda del pie”; entonces las tortugas, entrenadas por la rata Splinter (también conocido por muchos como Maestro Astilla) saldrán a combatir el mal… y a comerse unas pizzas. Liebesman acierta manteniendo el espíritu básico de aquella serie que todos disfrutamos hace tiempo y, además, dota a su film de un aspecto noventero muy acorde con lo que se recuerda de la misma.\nEl guión, un tanto previsible y ciertamente pobre en sus giros –pese a un amago de crítica a la industria farmacéutica–, es compensado por una acción bien entendida y un humor muy gamberro y fresco. Sin duda, ese es el gran acierto de Las Tortugas Ninja; siempre tiene un desahogo cómico en el momento que la película empieza a precisarlo. En este sentido, toman especial importancia los chistes relacionados con otros superhéroes de película o series de televisión (Batman, Superman, Lost…).\nMegan Fox, siempre buscando la intensidad en su rostro, aunque demasiado artificial en sus gestos, interpreta a una periodista deseosa de encontrar “su gran historia”. En un momento dado, se encontrará con Donatello, Leonardo, Michel Angelo y Rafael y su vida cambiará por completo. Por supuesto, acabará uniéndose al equipo Ninja, en cierto modo, en otro giro previsible más del guión.\nLas tortugas Ninja es, ante todo, un blockbuster bien entendido. Una película que disfrutarán tanto los niños de ahora como los niños que lo fueron hace ya un par de décadas. No hay que pedirle más de lo que entendemos que puede ofrecer, y esto es: un buen rato de diversión y una pizca de nostalgia. Pero con eso es más que suficiente.\n'Winter sleep', cuento de invierno\nSueño de invierno. Dicho así parece como uno de aquellos ballets rusos de tanto fuste, pero el director turco Nuri Bilge Ceylan se rodea de nieve y montañas invernales para narrar con asombrosa serenidad una historia tan sencilla y compleja como la de un hombre que se relaciona. Porque Winter Sleep no deja de ser el retrato de su protagonista y de las relaciones que mantiene –o trata de mantener con el entorno que le rodea–, ya sean de amistad, profesionales o, quizás la más áspera y delicada, su matrimonio.\nUn principio pausado, en ocasiones lento, edifica los cimientos conversacionales de lo que serán las tres horas y cuarto de su Sueño de invierno. Los diálogos adquieren una intensidad dramática tal que en los momentos álgidos no permiten –casi de manera literal– retirar la mirada de lo que se está mostrando. El cineasta recarga de tensión su obra a través de la palabra y de los silencios propios de la conversación. El desarrollo psicológico de sus personajes viene dado tanto por lo que dicen como por lo que se guardan.\nPoco a poco, las paredes del hotel que regenta el protagonista empiezan a sufrir la tirantez latente que se desprende de las relaciones e intercambios entre Aydin y los demás. El guión, un fabuloso artefacto cuasi teatral, tiene varios puntos álgidos, que coinciden con intercambios de palabras. Destacables son en este sentido aquellos que envuelven al protagonista con su hermana –tan duro como brillante–; con su mujer, de la que cada vez está más lejos –en un soberbio y extenso plano/contraplano–; o de la propia esposa con el inquilino que vive alquilado en una de sus viviendas, que regalan uno de los momentos más duros y tensos de la cinta.\nMientras tanto, el film del turco se llena –y nos llena– de desasosiego, incomunicación y dolor silente. “Hay formas de llorar que tú desconoces”, dice el protagonista en una de sus intervenciones. Y lo cierto es que Winter Sleep se asemeja a un lamento, a una de esas formas de llanto que aún desconocemos. Ceylan concede un quejido por la incapacidad del ser humano de mantener su felicidad, por la constatación de que el hombre es el peor lobo para el hombre. La tristeza es palpable en cada corte del metraje, pese a los desahogos cómicos que actúan como ventilador en determinadas situaciones.\nEl único inconveniente que se le puede añadir a la Palma de Oro de Cannes 2014 es su elevada duración, que se convierte en un obstáculo. Si el invierno –la última hora y cuarto de película– es intenso, emocional y tan penetrante que duele, el otoño que nos conduce hasta él es excesivamente largo. No obstante, con Winter sleep nos enfrentamos a una obra tan espinosa como apasionada, tan ardua como sutil, tan fría como la Capadocia, pero tan cálida como ese fuego en el que se consume la vida del lacónico personaje creado por un gran Haluk Bilginer.\n10.10.14 1 comentario Leer más\n'Mi vida ahora', el amor como resistencia\n“Love is our resistance, they'll keep us apart and they won't stop breaking us down” (“El amor es nuestra resistencia, nos mantienen separados y no pararán de intentar derrotarnos”) cantaba el grupo británico Muse en una de sus últimas grandes canciones. A menudo el amor es lo que nos hace resistir, en todos los ámbitos de la vida, y seguir hacia adelante. De la misma forma, una promesa es la llama que mantiene viva a Daisy en Mi vida ahora. La promesa de reencontrarse con Eddie, con el que había comenzado una relación justo antes del estallido de la Tercera Guerra Mundial.\n10.10.14 Sin comentarios Leer más\n'Mi vida ahora', amor atómico\nTal vez la ficción británica, tanto televisiva como cinematográfica, sea la que más se atreva con la experimentación argumental y espacial de sus productos. Ya ha quedado demostrado en propuestas tan valientes como Black Mirror o Dead Set, tan gamberras como Misfits o Skins o tan atípicas como Utopia o Peaky Blinders, entre otras. El terreno cinematográfico no se queda atrás, claro, y esta semana llega a las salas de nuestro país Mi vida ahora, una propuesta que juega entre dos tierras: el amor adolescente y la Tercera Guerra Mundial.\nCuando Daisy, una joven norteamericana, llega a tierra british para convivir con sus primos se empiezan a suceder una serie de bombardeos que acaban convirtiéndose en una guerra nuclear (fantásticas las imágenes en las que tras explotar una bomba se ve cómo llueven cenizas sobre los protagonistas). Entonces, todo pasa a un segundo plano, desde su rebeldía –justificada a lo largo del metraje– hasta la relación que había empezado con Eddie justo antes de los primeros bombardeos.\nA partir de entonces, la supervivencia será lo primero en un entorno profundamente hostil y complejo. Los dos chicos irán por un lado y las dos chicas por el otro, con la consiguiente separación de “los enamorados” (un enamoramiento ciertamente prematuro, todo hay que decirlo). El amor, evocado en el futuro reencuentro, será el principal motor de Daisy, que tratará de sobrevivir junto a su prima pequeña para poder volver con Eddie a la casa familiar.\nLa sugerente fotografía de Franz Lustig, destacable tanto en la composición de imagen como en su iluminación, compensa en lo visual los desajustes narrativos de Kevin MacDonald. El guión perpetrado por el cineasta acusa la facilidad con la que coloca pistas a sus propios protagonistas (los sueños reveladores de la protagonista, la aparición del halcón en el momento exacto) para encontrar la meta final.\nSin embargo, Mi vida ahora funciona bien desde la perspectiva juvenil que propone, que permiten atender a los impulsos de la joven protagonista, más emocionales, y pasar por la superficie el conflicto bélico en el que se circunscribe la historia, lo que le habría dado una mayor profundidad. Por su parte, Saoirse Ronan, tan magnética como acostumbra, completa un buen retrato de esa adolescente con aires rebeldes que es golpeada y zarandeada por las circunstancias. Porque ese parece ser el signo de su vida. Su vida ahora.\n'La desaparición de Eleanor Rigby', the lonely people\n“Ésta es la noche más triste, porque me marcho y no volveré. Mañana por la mañana, cuando la mujer con la que he convivido durante seis años se haya ido a trabajar en bicicleta y nuestros hijos estén en el parque jugando con su pelota, meteré unas cuantas cosas en una maleta, saldré discretamente de casa […] No pienso volver a esta vida. Me resulta imposible. Tal vez debería dejar una nota para decírselo: «Querida Susan: No voy a volver…» Tal vez sería mejor telefonear mañana por la tarde.”\nEl párrafo es el inicio de la novela Intimidad del escritor Hanif Kureishi (Patrice Chéreau la llevó a la gran pantalla en 2001). En ella, el protagonista decide un buen día que tiene que abandonar su vida, y con ella su pasado, y empezar de cero. En La desaparición de Eleanor Rigby, película perpetrada, escrita y dirigida por Ned Benson, el espectador se encuentra con la misma propuesta: un matrimonio se resquebraja poco a poco y Eleanor decide poner fin a todo.\nLa particularidad del film respecto a la novela reside en que en la cinta ofrece el punto de vista de los dos personajes. La idea original, de hecho, consistía en dos largos de 90 minutos, uno con cada punto de vista. Sin embargo, las exigencias comerciales han llevado a los hermanos Weinstein a elaborar un remontaje de 120 minutos en el que se incluyan ambas perspectivas de cara al estreno. Y la verdad es que se añora, sin ni siquiera haberla visto, la idea original. Y no por demérito de la película resultante, a todas luces muy lograda, sino porque en ciertos momentos el trabajo de montaje se deja notar en exceso y se intuye que fuera se han quedado minutos valiosos para la cinta.\nNed Benson juega con el pasado de la misma forma que sus protagonistas: sorteando en todo momento el tema que originó la debacle. El cineasta rodea el evento traumático de la misma forma en la que sus personajes nunca lo mencionan en sus conversaciones. A través de ellas, por otra parte, conocemos el desarrollo psicológico y personal de los dos protagonistas, así como somos cómplices (o quizás sería más conveniente hablar de testigos) de la reflexión sobre la pérdida, el duelo y el amor en las adversidades que propone el film.\nCon un guión elaborado y muy eficaz, basado fundamentalmente en sus potentes diálogos (con grandes frases apuntalando la historia), Ned Benson consigue tocar la fibra sensible con un par de escenas muy poderosas (el llanto desconsolado de Eleanor en el momento cumbre, la preciosa escena final o los encuentros entre el matrimonio tras su “ruptura”, entre otros). Por otra parte, el cineasta se permite filtrar alguna metáfora visual sobre el amor y el duelo entre sus líneas. Si uno de los personajes parafrasea a Pat Benatar (“El amor es un campo de batalla”), el cineasta parece apuntar que también puede ser, por ejemplo, el hueco vacío de una foto en la pared (imagen extensible a la propia pérdida). No es la única frase de ese calado que cuela en su metraje; en un momento de la película se lee, tras la espalda de Jessica Chastain, una pintada en la pared: “El amor no se añora en segundos, se añora en kilómetros”. El director elabora un entretejido juego de citas que, además de servir como refuerzo a su narración, le sirven para incluir las opiniones o metarreferencias que considera necesarias.\nDe esta forma, La desaparición de Eleanor Rigby se convierte en un oscuro, delicado y penetrante ejercicio cinematográfico en el que el dolor y el desasosiego se erigen como protagonistas centrales a través de los vaivenes de una relación que se tambalea debido al pasado. La pareja interpretativa formada por James McAvoy y Jessica Chastain consigue dar entidad a sus respectivos caracteres, brillando por encima del resto de elementos la actriz, que soporta como pocas todo tipo de géneros, papeles y el propio peso de la cámara. Ned Benson estrena una obra incompleta, no por no dar la talla, sino porque tras ver el montaje de dos horas nos quedamos con ganas de ver su díptico original para poder apreciar todo su calado.\n3.10.14 Sin comentarios Leer más\n'La buena mentira', buenrollista drama de cleenex\nEl cine a veces cumple el cometido de dar visibilidad a conflictos o situaciones olvidadas o de difícil acceso. En el caso de La buena mentira, la última película de Philippe Falardeau, se traslada a la pantalla un doble conflicto: la guerra civil de Sudán, y sus nefastas consecuencias, y la llegada en planes de acogida de refugiados sudaneses a tierra norteamericana.\nCon un prólogo intenso y brutal, que se centra en imágenes crueles sobre lo inhumano del ser humano –valga la contraposición significativa–, la película da paso a una huida hacia delante de un grupo de niños que tratan de alcanzar el campo de refugiados de Kakuma, en la frontera con Kenia. Por momentos se viene a la cabeza la película alemana Wolfskinder (Rick Ostermann), que se pudo ver en el pasado Festival de cine alemán de Madrid, en la que otro grupo de niños también huía en busca de territorio seguro durante la Segunda Guerra Mundial.\nPronto, en cambio, la propuesta se instalará en suelo americano y seguirá la adaptación del grupo, ya mayor, a su nueva vida. Tres de ellos, los chicos, acabarán viviendo en Kansas City, pero la chica, hermana de uno de ellos, será enviada con una familia a Boston. A partir de entonces las aspiraciones de Mareme girarán en torno a dos pilares: reencontrarse con ella y trabajar para estudiar Medicina. Para este último deseo, le ayudará el personaje de Reese Witherspoon, una agente laboral que se dedica a insertar a los inmigrantes en los puestos de trabajo.\nLa buena mentira se convierte pronto en un drama de cleenex, demasiado bienintencionado, que se sustenta en una historia humana muy conmovedora para desarrollarse y avanzar. Falardeau resuelve de forma efectista cada una de sus líneas (incluido un “sorprendente” giro final) y durante el camino consigue plasmar esos contrastes entre culturas y cómo hacen mella de formas distintas en los hermanos. En este sentido es inevitable referirse a los desahogos cómicos que utiliza el cineasta, que en dosis más pequeñas podrían haber sido útiles y destacables, pero que en la sobredosis que propone el film casi convierten la propuesta en una especie de Perdidos en la tribu en la ciudad.\nLa familia, las decisiones y los sacrificios vertebran una cinta en la que Reese Witherspoon consigue dar cuerpo a un personaje entrañable y rocoso al mismo tiempo. La buena mentira, expresión extraída de un cuento de Mark Twain con relevancia en el film, vuelve a hurgar con timidez en el tema fracaso del sueño (afro) americano y en la herida de saber que la Tierra Prometida nunca lo es tanto. Pero se queda en una película demasiado tierna y afable, pero que pese a ello funciona como intenso drama humano.\n'Los tontos y los estúpidos', teatral metacine\nCuando se habla de cine, lo habitual es hacerlo del resultado final (la dirección, las interpretaciones, el desarrollo de la historia, etc.), pocas veces la charla se detiene –salvo para dar cuenta de anécdotas, flirteos y demás chismes– en el proceso de gestación. El cine como arte no deja lugar para pensar demasiado en ese trabajo previo y sí en el producto acabado. El teatro, en cambio, sí es más propicio para lo primero. Normalmente cuando el público se sienta en el patio de butacas, ya intuye –igual que durante la representación– el trabajo previo de ensayos, lecturas y grupo.\nQuizás sea este el motivo de que la segunda obra de Roberto Castón (tras Ander ) produzca, de entrada, una especie de extrañeza en aquellos que se acerquen a ella. La sensación, por otra parte, es conscientemente alimentada por esos enigmáticos planos en los que vemos a un grupo de actores, en escala de grises, sin escuchar absolutamente nada de lo que se habla, que además vertebran el film. Los tontos y los estúpidos se adentra en un plató, durante un día de ensayo de un rodaje, para narrar una historia a través de otra.\nCon un guión que parece imitar la mecánica de las muñecas rusas (relatos que se desarrollan dentro de uno mayor), Castón sitúa la cámara en el centro de las escenas que ensayan sus personajes. El cineasta se apoya en las indicaciones del director –un Roberto Álamo muy sereno, comedido, cuya voz resuena en la pantalla como la del dios omnipresente– para dar continuidad a la historia “interior”, la que están representando los personajes, no los actores, a través de un libreto dentro del suyo. Se puede hablar, esta vez sí, y en este caso sería muy pertinente hacerlo, de metacine.\nRoberto Castón avanza poco a poco en la historia interna, introduciendo a Roberto Álamo en determinadas escenas, como si quisiese recordar que realmente su relato no se centra en la propia película sino el proceso de rodaje –o ensayo– que están viviendo los actores. Estructurando su obra en actos, lo que junto al constante fondo negro y la ausencia de decorados acentúa aún más su cercanía con el teatro, el cineasta complementa las dos historias con elegancia.\nLos tontos y los estúpidos es un valioso ejercicio cinematográfico que navega entre la lucidez de alguno de sus planteamientos y el tedio de otras de sus situaciones. En el apartado interpretativo destaca lo teatral de la propuesta, que a veces camina por la línea del teatro del absurdo; y en el que destacan una Nausicaa Bonnin tan electrizante como acostumbra y una Cuca Escribano que deambula con elegante soltura entre lo cómico, lo grotesco y lo dramático.\n'Torrente 5: Operación Eurovegas', la caspa contra la casta\nTras cinco entregas se podría hablar de que el humor de Torrente está muy trillado. Y no se mentiría; lo está. También se podría escribir sobre el éxito que siguen cosechando las películas de Santiago Segura en cuanto a taquilla y público se refiere. No es menos verdad que lo anterior; de hecho, es una enorme certeza. Por lo tanto, es normal que pese a lo desgastada que está la propuesta, el director se haya lanzado otra vez a las salas con su Torrente 5: Operación Eurovegas.\nLa nueva cinta de Segura no ofrece nada distinto a lo que promete. Desde el clásico circuito de cameos (Andreu Buenafuente, Silvia Abril, Imanol Arias, Carlos Latre, Torbe y muchos, muchísimos más) hasta la ración de humor escatológico, chistes fáciles, bromas sobre sexo (la frase “Sin arcada no hay mamada” podría representar el nivel del film) y todas las tonterías que han caracterizado a la saga desde su primera entrega. Todo ello se reencuentra en la ¿nueva? obra de Segura.\nCierto es que, pese a la superficialidad y estupidez que rodea siempre las andanzas del ahora ex policía y ex convicto, hay que otorgar a Torrente 5 un triunfo en esa sociedad del futuro más próximo que retrata. En 2018 España está asolada, en ruinas, devastada por la corrupción política, el presidente del Gobierno Mariano Rajoy y el líder de la oposición Pablo Iglesias acaban de pactar una reducción salarial, el IVA se sitúa ya a casi el cincuenta por ciento, España ha vuelto a la peseta tras ser expulsada de la Unión Europea y, por si fuera poco, Cataluña es un estado independiente. La sátira social y el panorama que dibuja Santiago Segura tienen asiento en nuestra situación actual. El cineasta juguetea con las posibles ruinas de la España actual (imagen que metaforiza con gran acierto en el Vicente Calderón-La Peineta derruido y abandonado; si hasta la burbuja del fútbol se ha hundido, ¿qué va a quedar?).\nPues queda Eurovegas, la gigante construcción que, tras desentenderse el magnate Adelson, continuó la Comunidad de Madrid. Y aquí es donde la parábola y la metáfora de la sociedad actual empiezan a difuminarse. No por el concepto de Eurovegas, que también tiene su punto de comicidad y noble denuncia, sino porque a través del atraco que planean Torrente y sus secuaces, empiezan a inundar la pantalla los personajillos de turno, los chistes grotescos y el humor escatológico más burdo, para tratar de robar el dinero del casino. La caspa contra la casta. Y a partir de entonces uno ya sólo quiere salir de la sala. Gustará y hará gracia, porque es evidente que así es, pero la repetición constante de los mismos sketches agota mucho.\nLa reunión de colegas y amiguetes vuelve a arrojar un resultado en la línea de las anteriores propuestas; algo superior a la tercera y la cuarta película, más próximo a las dos primeras. En Santiago Segura se intuye a una persona “amiga”, cercana, que quiere a los suyos. Y eso se deja ver en el momento más bonito de la película, elogiable y muy muy sutil –y aquí hay que ponerse serio. Se trata del homenaje que el cineasta y actor le brinda a su compañero Tony Leblanc en uno de los sueños del protagonista. El momento se convierte en seguida en lo mejor, de largo, de toda la película (y me atrevería a decir que incluso de toda la saga).\nPor lo demás, lo dicho: nada nuevo. La incursión de Torrente en Eurovegas gustará a los que ya sepan de antemano que la van a disfrutar. Los que no, que ni se acerquen, ya saben lo que van a encontrarse.\n'La sal de la tierra', el artista según el artista...\n'Drácula, la leyenda jamás contada', dejen en paz ...\n'Vamos de polis', la risa por con el único motivo ...\n'Magical Girl', las piezas deliberadamente ausente...\n'Relatos salvajes', la jungla de los actos desespe...\n'La desaparición de Eleanor Rigby', the lonely peo...\n'Torrente 5: Operación Eurovegas', la caspa contra...