Zapatillas de pádel JHayber: baratas y cómodas | Ofertas de pádel\nLas zapatillas de pádel JHayber ofrecen todo lo que el jugador necesita para sus partidos de pádel: comodidad, sujeción, agarre, transpirabilidad...\nZapatillas Pádel — octubre 14, 2016\nZAPATILLAS DE PÁDEL JHAYBER\nJHayber es una de las marcas más especializadas en la fabricación de calzado deportivo. Desde hace unos años, entraron de lleno en el mundo del pádel con el objetivo de consolidarse como firma puntera. Y no han tardado en conseguirlo gracias al patrocinio de grandes jugadores. Gómez Silingo o Gaby Reca son algunos de los profesionales World Padel Tour que visten zapatillas JHayber.\nEsta temporada JHayber ofrece con una colección de zapatillas de pádel muy completa, con modelos para hombre y mujeres. Fabricadas con las mejores tecnologías, las zapatillas JHayber ofrecen todo lo que el jugador de pádel necesita para sus partidos. Comodidad, agarre, amortiguación transpiración, sujeción no faltan en cada uno de sus modelos.\nLas zapatillas de pádel JHayber destacan por su comodidad y sencillez. Además, a diferencia de la mayoría de marcas de pádel, ofrecen productos asequibles para todos los públicos. Por menos de 60 euros, puedes disponer de unas zapatillas JHayber de plenas garantías. Además, todas han sido fabricadas siguiendo los consejos de sus jugadores profesionales.\nZAPATILLA JHAYBER TALINO\nLa JHayber Talino es el modelo tope de esta marca. Como no podía ser de otra manera, están fabricadas en suela de espiga, la más utilizada por jugadores de pádel. Gracias a sus ranuras, perfectamente creadas con el fin de poder aumentar el agarre, la precisión y la frenada en todo momento. Anatómicamente perfectas.\nSe adaptan firmemente a cualquier tipo de pie por su amplia horma y los materiales flexibles y poco pesados que la componen. Refuerzo para el talón de Aquiles en la parte trasera y fórceps de silicona a ambos lados. Todo con el objetivo de aumentar la seguridad y el agarre en todo momento, sin presión, ofreciendo una enorme comodidad y un sobresaliente comportamiento en pista.\nZAPATILLA JHAYBER TAURO\nOtra de sus zapatillas más destacadas es la JHayber Tauro Royal. Hablamos de un calzado diseñado específicamente para la práctica del pádel. Fabricadas con los mejores materiales, disponen de tecnologías avanzadas para que el jugador sienta plena libertad de movimientos dentro de la pista.\nUna de estas tecnologías es el B-Spike Grip System 7.4. Es un material aplicado en la suela que mejora el agarre en pista y es más duradero. Además, lleva una rejilla incorporada en la lengüeta para mantener la humedad lejos del pie. El interior es antideslizante y cuentan con un estabilizador lateral.\nEstiquetas: JHayber padelzapatillas baratszapatillas femeninaszapatillas JHayberzapatillas padel\nSiguiente Zapatillas de pádel Bullpadel: sus mejores modelos\nAnterior Las mejores zapatillas de pádel ASICS para mujer


Bubulina - Wikipedia, la enciclopedia libre\nPara heroína de la independencia griega, véase Laskarina Bubulina.\n"Bubulina" es una canción del grupo de rock argentino La Máquina de Hacer Pájaros. Pertenece al primer LP del grupo titulado "La Máquina de Hacer Pájaros", siendo justamente la que abre el disco, aunque ya había sido presentada antes por Charly García en el recital de despedida de Sui Géneris.\nSencillo de La máquina de hacer pájaros\ndel álbum La Máquina de Hacer Pájaros\nEntre Junio y Septiembre de 1976, en estudios ION.\n(1976) «Como mata el viento norte\nBubulina en YouTube.\nCronología del álbum La Máquina de Hacer Pájaros\n(1) «Como mata el viento norte»\nEste tema lo escribió Charly para María Rosa Yorio (por ese entonces, su mujer) hacia 1975. Después de Instituciones, en el Adiós Sui Generis fue cantado por Nito, y lo anunciaron como tema del disco Ha Sido.\nEl nombre Bubulina fue tomado (al parecer) de un personaje de la película Zorba, el griego (lo cual explicaría lo de "Navidad en el cielo, Bubulina se llevó mi amor..."). Esencialmente de amor y es el tema más antiguo de los que figuran en el disco.\nCarlos Cutaia no participó de la grabación de este tema.\n1 Versión de Sui Géneris\n2.1 Versión: La Máquina de Hacer Pájaros\n2.2 Versión en vivo de Sui Generis\nVersión de Sui GénerisEditar\nCanción de Sui Géneris\n(3) «Fabricante de mentiras»\nBubulina fue presentada por primera vez durante el recital de Sui Géneris, realizado entre el 5 y 6 de septiembre de 1975. La canción iba a formar parte de Ha sido, álbum nunca editado del grupo por su disolución y tampoco fue agregado a los dos discos que lanzaron del recital Adiós Sui Géneris. Sin embargo, Jorge Álvarez, exproductor del grupo, recuperó algunas de las grabaciones del recital, entre ellas Bubulina, y editó Adiós Sui Géneris vol. III en 1994.\nVersión: La Máquina de Hacer PájarosEditar\nCharly García: Piano Fender Rhodes, sintetizadores, órgano eléctrico, clavinet y voz.\nGustavo Bazterrica: Guitarra acústica y eléctrica, coros.\nVersión en vivo de Sui GenerisEditar\nCharly García: Piano Fender Rhodes, ARP strings ensemble, sintetizador Moog, clavinet y coros.\nNito Mestre: Guitarra acústica y voz.\nJuan Rodríguez: Batería y accesorios.\nObtenido de «https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Bubulina&oldid=132803272»


Xerox PARC, la cuna de la innovación\nEl Centro de Investigación de Palo Alto -PARC, por sus siglas en inglés- es desde los años 70 uno de los lugares más innovadores del planeta. Pocos conocen todos los avances que han nacido en sus instalaciones y que han cambi...\nXerox Digital Alternatives simplifica los flujos de trabajo de documentos personales y la fomenta la colaboración, ayudando a los usuarios a mantenerse conectados y a ser productivos en la oficina, en casa o en la carretera. Los usuarios pueden l...\nPrintbyXerox: imprime allí donde estés\nVisitar a un cliente o a un proveedor y querer imprimir un documento en sus instalaciones siempre ha comportado ciertas complicaciones. El hecho de no disponer de nuestro ordenador, o llevar uno no configurado con los equipos de impresión, nos ob...\nTrabaja desde la nube con Xerox\n¿Cuántas veces hemos escuchado aquello de que España es uno de los países con menor productividad de Europa? Y es que a pesar de invertir muchas más horas en la oficina que otros países vecinos, aquí un e...\nXerox, con el empleo del futuro\nDesde que a finales del siglo XVIII se iniciara en Gran Bretaña la Revolución Industrial, la mecanización de los procesos de trabajo ha avanzado de forma imparable. Los empleados de las fábricas de la época vieron como...\nLa movilidad no es un obstáculo para Xerox\nOcupar un puesto de trabajo que implique no salir de entre cuatro paredes en todo el día es algo cada vez más raro en muchos sectores profesionales. La movilidad está a la orden del día, un hecho que implica tener que seguir ...\nXerox y McAfee, la alianza perfecta contra los virus\nInternet nos ha traído innumerables ventajas que facilitan nuestra vida diaria de una forma inimaginable hace unos años, tanto en el ámbito doméstico como en el laboral y profesional. Ahora bien, todas las monedas tienen dos ...


Paint Me Ceramics and Build-a-Teddy (Hunstanton) - 2019 Lo que se debe saber antes de viajar - TripAdvisor\nLos mejores lugares para comer Salmón en Hunstanton\nLos mejores lugares para comer Brochetas en Hunstanton\nPaint Me Ceramics and Build-a-Teddy, Hunstanton - opiniones y fotos\nN.º 1 de 5 Diversión y juegos en Hunstanton\nCompras, Clases y talleres, Diversión y juegos, Tiendas especializadas y de regalos, Estudios de pintura y cerámica Más\ndesde USD 12.56\nMuy divertido y relación calidad-precio genial...\nNo estoy seguro de que disfrutamos de este la mayoría, mi nietas o yo! Un ambiente agradable y con mucha variedad de cerámica para pintar para todas las edades. Que iban desde 4 a 58, y muy contentos con lo que recogió un par de...días más tarde. Muy orgulloso de mi jarra de leche, lo recomiendo para todas las edades y en cualquier época del año. Pruébalo, la imagen es antes estaban acabados acristalamiento, así el color es mucho más vibrante.Más\npaintmeceramics, Owner en Paint Me Ceramics and Build-a-Teddy, respondió a esta opiniónRespondida el 2 de agosto de 2017\nDivertido para cualquier edad, creativa o no!\nEn un grupo de 12, el rango de edad de 20 a 80 s, s pasamos 2 horas o así cada uno creando una pieza de cerámica. El personal era más que servicial, alentando nuestras ideas y nos ayudan a producir una gama de diferentes...piezas personales - regalos, recuerdos y piezas verdaderamente individual para el hogar. Usted puede tener una taza y en realidad habíamos pedido un almuerzo buffet que era increíble. Una gran variedad de cerámicas para elegir. Nos recogieron a los 2 días para permitir para disparar, pero también pueden publicar artículos. Gracias, Suzy y Dave!Más\npaintmeceramics, Owner en Paint Me Ceramics and Build-a-Teddy, respondió a esta opiniónRespondida el 14 de junio de 2017\nActividad genial muy divertido\nFui con mi hija (8) Algo para el día de los padres. Tienen un montón de cerámica para elegir lo que puedes decorar con pintura, añadiendo pegatinas y utilizando esponjas y cepillos diferentes para efectos. También tienen la opción de utilizar diferentes tipos de pinturas...y pinturas maquillajes que pueden ser tomadas en casa el mismo día si tienes prisa. Nuestro vidrio cerámica y dispararon sólo tardó un día y medio después podríamos recoger. Tenían una pinta estupenda, muy impresionados. Suzy es encantador y nos ayudaron mientras estuvimos allí.Más\npaintmeceramics, Owner en Paint Me Ceramics and Build-a-Teddy, respondió a esta opiniónRespondida el 9 de junio de 2017\nFuimos a hacer una sesión de cerámica y construir un peluche mientras en vacaciones. Personal muy amable y extremadamente servicial. Volveremos la próxima vez que estemos en HunstantonMás\npaintmeceramics, Owner en Paint Me Ceramics and Build-a-Teddy, respondió a esta opiniónRespondida el 8 de junio de 2017\nMe encanta venir aquí y siempre venga con verdaderamente piezas especiales. Suzy y Dave siempre están a mano para ideas y de alguna manera conseguir poco manos y pies perfectamente colocado en nuestros artículos, pero también que sólo nos dejan ser añadir y ser creativos...en la medida en que queremos.Más\nYo uso pintura cerámica Me mucho, ya sea solo o con mis niños grand. Hay una gran elección tanto para adultos como para niños, en la cerámica en oferta. Siempre, el asesoramiento de expertos cuando sea necesario (o, simplemente, inspiración pura) una cálida bienvenida para...todos y un gran manera de pasar unas horas, conseguir creativo! 😍Más\nGente genial, muy amable y servicial\nNos encanta ir allí cada vez que mi niños disfrute y los propietarios son muy amables y serviciales, es un deber para todas las edades que planeamos hacer esto cada año para ver el progreso en los niños habilidades que envejece como pintura! Buena relación...calidad-precio xxMás\nEl personal es amable y dispuesto a ayudar, es un negocio familiar y encantador todo el mundo es bienvenido. Es sin duda un lugar para visitar en Hunstanton.Más\nVisita fantástica, buenos momentos.\nSuzy y Dave tienen un gran lugar aquí. Nuestra hija que es 7 años me encantó la enorme variedad de cerámica. Ambiente relajado y ambos Suzy y Dave era muy servicial. Nuestra hija estará de vuelta en las vacaciones de verano con sus abuelos. Mantener...el buen trabajo!Más\npaintmeceramics, Owner en Paint Me Ceramics and Build-a-Teddy, respondió a esta opiniónRespondida el 7 de junio de 2017\nNo estaba seguro de qué esperar. El chico a cargo era muy agradable y servicial, y el oso resultó genialMás\npaintmeceramics, Owner en Paint Me Ceramics and Build-a-Teddy, respondió a esta opiniónRespondida el 25 de mayo de 2017\nObtén respuestas rápidas del personal y los visitantes anteriores de Paint Me Ceramics and Build-a-Teddy.


Los comercios de Metro lanzan un SOS y recogen\nLos comercios de Metro lanzan un SOS y recogen firmas para sobrevivir\nComerciantes del Metro de Madrid, que se definen a sí mismos como 'Los últimos de Metro' han lanzado hoy una campaña bajo el lema 'SOS Tiendas Metro' pidiendo que el suburbano madrileño renueve los diez contratos de locales tradicionales que aún prestan servicio y caducan el 31 de diciembre.\nEstos comerciantes, agrupados en la Asociación de Autónomos y Comerciantes del Metro de Madrid (AACM), denuncian una "campaña de acoso y derribo" por parte de los Ejecutivos regionales del PP y les culpan de que 110 locales hayan echado el cierre y la destrucción de 550 puestos de trabajo.\nEn un comunicado, estos comerciantes vinculan las sucesivas normativas de Metro con la intención de sacar rentabilidad a los locales a costa de expulsar a sus negocios tradicionales.\nExigen a la compañía del suburbano que se renueven los contratos, el retorno de los comerciantes que tuvieron que marcharse y que las licencias para el espacio comercial subterráneo favorezcan a las Pymes.\nEstos comerciantes denuncian que de los 120 locales con los que Metro contaba en 2005 se pasó hasta los 40 de 2016, cuando se implementó una nueva normativa de seguridad e higiene que según esta asociación no ha permitido revitalizar la actividad y en cambio ha provocado pérdidas de en torno a un millón de euros.\nSegún subrayan desde Metro de Madrid a EFE, esta normativa busca garantizar la seguridad de los locales y los usuarios, así como la evacuación de los espacios.\nSin embargo, el presidente de la AACM, Marcelo García, denuncia una actuación negligente de Metro al "gastar un dineral en indemnizaciones por rescindir anticipadamente los contratos", manejar presupuestos de obras "desproporcionadamente altos", unos 200.000 por local y por no sacara concurso los espacios cerrados.\nEn opinión de este tendero de un comercio de golosinas en la estación de Aluche, Metro desperdicia "una fuente de ingresos muy importante".\nAdemás, estos comerciantes acusan a Metro de dar un trato diferenciado a la multinacional francesa JCDecaux y a las grandes franquicias con puestos comerciales a las que "no se le aplican las mismas condiciones de higiene y seguridad que a los establecimientos tradicionales", según la AACM.\nEl presidente de la Unión de Asociaciones de Trabajadores Autónomos y Emprendedores (UATAE), Francisco Ferreras denuncia asimismo las malas condiciones de los empleados de estos puestos y la sustitución del "pequeño comercio por un mercadillo de franquicias" donde las grandes empresas ejercen "competencia desleal".\nFuentes de Metro de Madrid señalan a Efe que no existe posibilidad legal de prorrogar estos contratos ya que, en cumplimiento de la ley de contratación pública, están obligados a sacar el alquiler de estos comercios a concurso público.\nMetro de Madrid sacará a concurso público los locales comerciales del suburbano a lo largo de 2019.\nDespués del 1 de enero sólo continuarán en sus locales aquellos comerciantes cuyo servicio se vio interrumpido por obras para cumplir la normativa de 2016, extendiéndose el contrato durante el mismo período que el comercio estuviese cerrado.


La Storia dei Somaschi\nLa muerte prematura del Santo, en 1537, supuso para la Compañía un momento de crisis: seguir adelante y pilotar la barca o volver cada uno por donde había venido (había, entre sus seguidores, laicos, sacerdotes diocesanos e incluso religiosos). La crisis pudo superarse gracias a la aprobación diocesana concedida, en 1538, por el entonces obispo de Bérgamo.\nAnte las dificultades concretas para trabajar en algunas ciudades, Pablo III concedió, en 1540, la aprobación apostólica, que les permitía nombrar superiores y redactar unas constituciones.\nLOS POBRES DE SOMASCA\nEn sus primeros años, la Congregación se dedicó casi exclusivamente al cuidado de los huérfanos, alcanzando en este campo una verdadera especialización. Del 1547 al 1555, dado que no se resolvían algunos problemas jurídicos, los servidores se unieron a los Teatinos, aunque, contemporáneamente, los primeros compañeros de Jerónimo -Lanzi, Carpani, los dos Gambarana...- no desistieron en ningún momento en su empeño por desarrollar una ingente labor de promoción de la Compañía.\nY entonces entendieron que para tener continuidad era necesario pasar de cofradía preconciliar a congregación religiosa.\nFue san Pío V quien concedió a los pobres de Somasca el rango de Orden Religiosa, el 6 de diciembre de 1568.\nEsta nueva situación jurídica trajo a la Congregación un considerable desarrollo: surgieron las obras de Piacenza, Siena, Alessandria, Napoli, Macerata y Lodi.\nAdemás, la experiencia de los Somascos en el campo de la formación hizo que se les encomendara la gestión de los nuevos Seminarios, recientemente instituidos por el Concilio de Trento, y ayudaron a muchos obispos a poner en marcha estas instituciones (por ejemplo en Venecia, el seminario patriarcal en 1579 y el ducal en 1590...). Después vinieron los colegios: el Colegio Gallio, de Como, en 1583 (hoy el colegio religioso más antiguo de Europa), y el famoso Colegio Clementino de Roma, para nobles, en 1595.\nY a pesar de cierta oposición, se abrieron también algunas escuelas públicas. La actividad docente significó un hito importante para la Congregación durante todo el 1600, llegando a ocuparse de ella casi la mitad de las casas. En 1650 los Somascos eran 486, de los cuales 147 hermanos legos y 41 agregados; éstos emitían votos privados y vivían en comunidad, exactamente igual que los religiosos. En esa misma fecha, los Somascos ejercían también la cura de almas y el ministerio pastoral en once parroquias. Y a pesar de ser relativamente pocos los sacerdote, doce de ellos fueron consagrados obispos.\nDE 1650 A 1750\nLos orfanatos. Durante estos cien años la Congregación se especializó sobre todo en el campo de la enseñanza. Fueron pocas las peticiones para orfanatos.\nLos seminarios. A lo largo de todo el siglo XVII las peticiones para que aceptásemos la dirección de seminarios fueron continuas: Macerata, Treviso, Vigevano, Belluno, Caserta.\nLos colegios. En el campo de la enseñanza, la Orden opta claramente en favor de la educación de los hijos de familias que no pueden pagar sus estudios, aceptando la dirección de escuelas públicas municipales gratuitas, a cambio únicamente de casa y comida para los religiosos.\nDE LA SUPRESIÓN A LA RECUPERACIÓN\nDurante el período iluminista, la Congregación (que estaba dividida en tres Provincias: lombarda, véneta y romana), sufrió frecuentes ataques, que culminaron en 1768 con la separación de la Provincia Véneta de la Congregación. Además, se cerraron varias casas y hubo que admitir párrocos procedentes del clero secular en algunas parroquias. En 1783, el gobierno austríaco decretó la separación de la Provincia Lombarda del resto de la Orden, y en 1784 se creó la Provincia de Génova, con el colegio de Novi Ligure y las casas de la Maddalena y Santo Spirito, de la capital ligur. Con la llegada de Napoleón, la Orden fue reducida prácticamente a cero; en 1802 desapareció la Provincia Piamontesa; se cerraron los colegios Capece, Caracciolo y Macedonio, de Nápoles; en Roma, tras el destierro de Pío VI, se cierra el Clementino.\nEn 1815, bajo el dominio austríaco, se formó en Lombradía la Provincia Lombardo véneta y se abrieron nuevas instituciones.\nCon la unificación italiana, debido a las leyes anticlericales, se cerraron 18 casas, se incautaron los bienes y se obligó los religiosos a disolverse. La Orden se pudo salvar porque algunos de estos religiosos se unieron formando sociedades privadas para así rescatar algunos bienes. La primera guerra mundial significó un nuevo y durísimo golpe, pues muchos religiosos fueron llamados a las armas.\nCon la apertura de la primera misión en El Salvador, de la mano de P. Brunetti, que allí llegaba el 5 de octubre de 1921, la Congregación empezó de nuevo a respirar; a ello contribuyó también el impulso dado por los Padres Turco y Ceriani con la creación de seminarios y casas de formación.


César Rodríguez impermeabilización garantizada: 26/06/16 - 3/07/16\n¿Qué impermeabilizantes aplicar en temporada de lluvias?\nLos impermeabilizantes que mejor adhieren sobre superficies húmedas son los acrílicos y los asfálticos base agua,\nLos impermeabilizantes asfálticos base agua son los tradicionales materiales negros.\nLos impermeabilizantes acrílicos son los tipo pintura.\nTanto los impermeabilizantes acrílicos como los asfálticos base agua deben de tener un tiempo de secado mínimo de 2 horas para evitar deslaves por lluvia.\nEn temporada de lluvias los impermeabilizantes prefabricados o de rollo son los que mejor se adaptan ya que no existe riesgo de deslave y secando la superficie con el soplete de gas podemos asegurar una buena adherencia.\nTambién tenemos los impermeabilizantes base solvente o tradicionales negros. Estos impermeabilizantes se pueden aplicar y no existe deslave en caso de lluvia. Los impermeabilizantes base solvente utilizan un primario sellador de porosidad y promotor de adherencia. La superficie sobre la cual se aplican los impermeabilizantes base solvente debe estar seca para evitar abolsamientos, burbujas, etc.\nServicio de impermeabilización de techos.Presupuestos gratis de impermeabilización en Morelos, Ciudad de México y Estado de México, teléfonos (55)55139775, (55)55122699 atención inmediata.\n- junio 27, 2016 No hay comentarios.: Vínculos a esta publicación\nquitar impermeabilizante precio\nImpermeabilizar sobre una superficie firme es de gran importancia para la durabilidad de una impermeabilización.\nAntes de impermeabilizar se tiene que retirar falsas adherencias de impermeabilizantes envejecidos,residuos de cemento, etc.\nPrecio de quitar impermeabilizante $25.00 m2 mas i.v.a. para una cantidad mayor a 100 m2. En cantidades menores se aplica un porcentaje adicional.\nServicio de impermeabilización de techos, presupuestos gratis de impermeabilización en Morelos,la Ciudad de México y Estado de México, teléfonos (55)55139775, (55)53600725, celular 5547936892,\ncorreo inmediatas@hotmail.com, atención inmediata.\nEtiquetas: precios impermeabilización


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Las coloridas camisetas de D&G, un comodín infalible que no puede faltar en tu guardarropa\nCompartir Las coloridas camisetas de D&G, un comodín infalible que no puede faltar en tu guardarropa\nAunque el buen tiempo se ha hecho esperar, el verano está a la vuelta de la esquina. Época perfecta para vestir más casual y dejar curso libre a las ganas de sol luciendo un estilo más colorido.\nLas camisetas estampadas decoradas con diseños de artistas de la talla de Alice Valenti, Adriana Zambonelli o Tiziana Nicosia, bordadas o con parches de Dolce & Gabbana pueden llegar a convertirse si quieres en un comodín siempre perfecto para el sport y los fines de semana.\nLos estampados reproducen extravagantes escenas sicilianas, monos y hasta elegantes realizados con confetis, todo caracterizado por colores brillantes y por interpretaciones insólitas de artistas con el sello de la casa.\nEstas camisetas van perfectas con vaqueros y mejoran aún más si se las combina con accesorios de colores como zapatillas de tenis o de esparto logrando un estilo perfecto para pasar los fines de semana al borde del mar, disfrutando de una barbacoa con los amigos o haciendo turismo.


Jaenes · Campillejos · Andalucía Información\nActualizado: 10/10/2019 · 12:29\nEl capitán Diego Palomino fue un jaenés que con su participación en la conquista de tierras peruanas fundaría la ciudad de San Leandro de Jaén de los Bracamoros en abril de 1549, en alusión al santo del día, a su Jaén natal y a los indios bracamoros, habitantes de esa zona. Fueron los bracamoros unos bravos guerreros que defendieron sus dominios frente a incas y frente a españoles. Hoy la ciudad, que se ubica en otro lugar, y la provincia homónima, se conocen con el nombre de Jaén, a secas.\nDiego Palomino sería el primer “jaenes” que también sería “jaenense”, pues vivió en las dos ciudades de Jaén. Fue por tanto giennense y jaeno. Destacaría también, entre otras cosas, por la realización de unos mapas en los que se adelantó al menos dos siglos en la identificación de las curvas de nivel en los mismos.\nEste martes 8 de octubre, por primera vez en la historia de los dos jaenes, pudimos ver juntos a dos alcaldes de Jaén. El alcalde de la Municipalidad Provincial de Jaén de Perú, Francisco Delgado, aprovechó su participación en un congreso en España, para conocer nuestra ciudad y manifestar el deseo de los jaenos de hermanarse con nosotros.\nHay más localidades con el nombre de Jaén. Un Jaén en Filipinas, un Nuevo Jaén en la Amazonia peruana y una localidad llamada San Carlos, en Nicaragüa, que antaño se llamó Nueva Jaén.\nNo obstante lo anterior, creo que el hermanamiento con Jaén de Perú es el más justificado de todos. El hecho de que su fundador fuera giennense e, incluso, quizá algunos de sus primeros pobladores también lo fueran ya sería suficiente. No olvidemos que Diego Palomino participó en la tercera incursión de Pizarro con dos de sus hermanos. Pero es que además del nombre común, está la distribución de una capital, Jaén, con una provincia de Jaén en ambos casos. Ello junto a las múltiples conexiones que tenemos con todo el pueblo latinoamericano en general, que van desde el idioma, algunas tradiciones o la propia mezcla de sangre española con los pueblos originarios. Es patente que más que conveniente, es un hermanamiento imprescindible. Un acto que sirva de botón de muestra de la relación de Jaén en particular, y España en general, con América y sus gentes.\nHay momentos que marcan los destinos y, el encuentro entre los dos alcaldes de Jaén, estoy convencido que dará inicio a la senda de un hermanamiento largamente deseado por diferentes instituciones de la sociedad giennense y las propias corporaciones municipales. Y ambos alcaldes, doy fe, están francamente ilusionados con caminar ese sendero.


Iota: 155 mil afectados en Colombia y Cartagena está bajo el agua\nIota deja 155 mil afectados en Colombia y Cartagena está bajo el agua\n15 de noviembre de 2020, 09:50\nLas lluvias por Eta causaron graves inundaciones en la ciudad de Cartagena de Indias en Colombia. (Foto: El Espectador)\nEl impacto del huracán Iota en poblaciones como Cartagena, en el Caribe colombiano, fue literalmente desastroso. De acuerdo con el balance de la noche del sábado, entregado por el alcalde de la capital de Bolívar, William Dau Chamat, cerca de 155 mil habitantes quedaron damnificados por los aguaceros que inundaron el 70 por ciento de la ciudad.\nEl agua, que en algunos lugares les llegó hasta el cuello a los pobladores de Cartagena, conocida como "La Heroica", afectó de manera directa a 31 mil 550 familias.\n#Mundo Declaran calamidad pública en #Cartagena por la tormenta #Iota y las inundaciones que ocasionó. El alcalde, William Dau, dijo que se registran inundaciones en el 70% de la ciudad, afectando a más de 31 mil familias y 33 barrios. pic.twitter.com/R6CfUUZfPX\n— En Cambio Quintana Roo (@EnCambioQRoo) November 15, 2020\nSegún el alcalde Dau, 33 barrios quedaron inundados, 22 colegios resultaron afectados y hubo decenas de árboles caídos. También presentaron 14 deslizamientos en la ciudad y, en las zonas rurales, hubo pérdidas de entre 50 y 100 hectáreas de cultivo.\nImágenes del paso de la tormenta tropical #Iota en #Cartagena #Colombia este 14 de noviembre. Se reportaron al menos 15 barrios inundados. Autoridades han declarado calamidad pública en #Cartagena pic.twitter.com/nd7SVOI3M3\n— NOTICIAS PANAMÁ (@lanoticia507) November 15, 2020\nLo que más preocupa a William Dau y a los pobladores de Cartagena, además de los estragos ocasionados por Iota, son las lluvias intensas que podrían agravar la situación. “Sería una tragedia humana”, señaló el alcalde.\n#Cartagena Debido al paso de la tormenta tropical Iota por el mar Caribe, Cartagena amaneció este sábado con el cielo totalmente nublado y lluvias fuertes. pic.twitter.com/yvDgr8Aovw\n— El Universal (@ElUniversalCtg) November 14, 2020\nEl Instituto de Hidrología, Meteorología y Estudios Ambientales (Ideam) prevé que la tormenta pase a categoría de huracán entre esta noche y la madrugada del lunes, hecho que afectaría en especial a las islas de San Andrés y Providencia, pero también a la capital de Bolívar y los departamentos del norte del país, incluyendo a los de la región central.\nEl 70% de la ciudad de Cartagena Colombia inundada y algunos deslizamientos de tierra, oleaje de casi 3.5 m de altura tras paso de tormenta iota al igual que otras ciudades como Barranquilla, chocó, la Guajira, entre otras pic.twitter.com/sfHmt1WalJ\n— Lina Rangel (@LinaRan70664290) November 15, 2020


sedán Archives - Acelerando\nFeb82022 by Fernando DíazNo Comments\nNissan Versa obtiene reconocimiento en EE.UU.￼\nNissan Versa obtiene reconocimiento en EE.UU. Este sedán se ha posicionado como el vehículo más vendido de Estados Unidos. Y además fue seleccionado como la mejor opción en su categoría, según el U.S. News & World Report “Best Cars for the Money”. Nissan Versa obtiene reconocimiento en EE.UU. : Sus atributos El Nissan Versa es un vehículo que destaca por sus avanzadas tecnologías y sistemas de seguridad únicos en su segmento. A su vez, el diseño es otra ventaja estratégica clave de Nissan Versa, que combina un exterior expresivo con líneas de diseño que favorecen una silueta más aerodinámica. Está basado en el nuevo lenguaje de diseño de la marca que imprime el ADN japonés, con apariencia audaz y atractiva que cautiva a primera vista. Más en Acelerando: Este es e...\nMay32021 by Fernando DíazNo Comments\nMercedes-Benz Clase E: Todo lo que debe saber\nMercedes-Benz Clase E, le decimos todo lo que debe saber. Este es el primer sedán de la marca con motor híbrido y llega a Colombia. La firma de la estrella reafirma con este vehículo, su compromiso con la movilidad sostenible. Mercedes-Benz Clase E: Antecedentes Lanzado a nivel global en marzo de 2020, se ha sometido a una exhaustiva actualización. Cabe señalar que se han entregado 14 millones de sedanes y modelos Estate, desde 1946, lo que hacen de la Clase E, la serie de autos para pasajeros más vendida en la historia de Mercedes-Benz. Muchos entendidos lo consideran el “corazón de la marca”. Desde su introducción en 2016, la décima generación de la Clase E ha conquistado los ojos y los corazones de los clientes con su diseño nítido y al mismo tiempo sugestivo, y con un ...\nMar52021 by Fernando Díaz2 Comments\nMercedes-Benz Clase A180 AMG Line, ahora tiene un look más deportivo. Este es el sello del nuevo sedán de entrada de la firma alemana. Y no cabe duda que revolucionará el segmento Premium del mercado colombiano. Mercedes-Benz Clase A180 AMG Line: Datos generales Este modelo de tres volúmenes, y cuatro puertas, cuenta con las proporciones de un sedán dinámico y compacto, con voladizos cortos delante y detrás, y se sitúa a la cabeza de su segmento por lo que respecta a altura hasta el techo en las plazas traseras. Cabe señalar que con un coeficiente cx de 0,22 y un área frontal de 2,19 m², ostenta el menor coeficiente de resistencia aerodinámica entre los vehículos fabricados en serie en todo el mundo, revalidando así el récord mundial del CLA Coupé. El nuevo Clase A180 ...\nAgo202020 by Fernando DíazNo Comments\nNissan Sentra y 8 generaciones que rompen el molde.Este sedán es un emblema de la marca japonesa. Su historia se inicia en 1966 y hoy en día es uno de los vehículos más queridos por la gente. Nissan Sentra: un poco de historia “Tsuru” -grulla en japonés-, fue el nombre de la primera generación de este sedán, y, a su vez, fue el primer producto de la compañía japonesa bajo la identidad de Nissan. Si bien en su país de origen comenzó a producirse en 1966, no fue hasta 1982 que arrancó su comercialización global. Desde ese entonces y para las siguientes generaciones, Nissan trabajó la evolución de este modelo tanto en su estilo como en la innovación tecnológica y en la seguridad. Entre los modelos más destacados se encuentran la generación que llegó en 1992 y acuñó el nom...\nAgo132020 by Fernando DíazNo Comments\nNissan Sentra 2020: Todo lo que tiene que saber\nEl Nissan Sentra 2020 arribó a nuestro país. Le decimos todo lo que debe saber sobre este renovado sedán en su octava generación. Este vehículo se produce en la planta de Aguascalientes, México. Nissan Sentra 2020: Diseño exterior El nuevo Nissan Sentra mantiene el ADN de la marca con la integración de la parrilla cromada V-Motion y le añade nuevas rejillas para la entrada de aire, enmarcadas por los faros de LED en forma de boomerang – presentes en las versiones Advance, SR & Exclusive-. De igual manera, el nuevo Sentra cuenta con un carácter más deportivo – techo flotante-, así como la inclusión de rines de aluminio de lujo, que en conjunto con el rediseño del parachoque trasero terminan de completar su firme postura. Mientras que la gama de colores, en esta vers...\nMar252020 by Fernando DíazNo Comments\nHyundai Elantra 2021, evolución de este gran protagonista\nHyundai mostró el nuevo Elantra 2021, la séptima generación de este sedán tiene un aspecto muy moderno, basado en formas y texturas paramétricas. Estas reflejan la identidad de diseño de Hyundai. Hyundai Elantra: Presentación Hyundai Elantra 2021 se presentó en Los Ángeles, California. El nuevo diseño del Elantra 2021 subraya su carácter progresivo y exótico a través de una dinámica paramétrica. Diseño exterior e interior A su vez, la tecnología de diseño digital avanzada dio vida al leguaje de diseño. Tener tres líneas reunidas en solo un punto es el elemento principal de la Dinámica Paramétrica. Esta formación es un desafío audaz, que marca el estilo disruptivo del Elantra 2021. El diseño interior del “Capullo inmersivo” crea una experiencia de usuario centrada...\nDic62019 by Fernando DíazNo Comments\nToyota Corolla Híbrido rompe récord de ventas en Colombia\nToyota Corolla Híbrido 2020 matriculó 241 unidades durante el mes de noviembre, rompiendo un récord de ventas en Colombia. Medellín puso el listón muy alto en su comercialización. Toyota Corolla e híbridos con cifra récord El mercado de vehículos híbridos en Colombia durante noviembre alcanzó una cifra récord de 493 unidades matriculadas según el RUNT (Registro Único Nacional de Tránsito), de las cuales la compañía japonesa tuvo el 49% de unidades entregadas. Ciudades que impactó La ventas del Toyota Corolla Híbrido tuvieron gran impacto en las siguientes ciudades: Medellín con el 43% (104 unidades), Bogotá con 29% (71 unidades) y Cali con el 6% (14 unidades), siendo éstas tres ciudades las que concentran casi el 80% de las matriculas del Corolla Híbrido. Toyota Coroll...\nNov252019 by Natalia VergaraNo Comments\n¡Mujeres al volante!: Probamos el KIA Soluto\nProbamos por unos días en Bogotá el nuevo KIA Soluto. Todo gracias a una invitación de KIA Colombia para Mujeres al Volante en Acelerando.com.co Mujeres al Volante: Soluto el KIA para la vida moderna Cuando se habla de vivir en la ciudad, la movilidad se ha vuelto cada vez mas difícil, pero en el momento de contar con un auto que te de las prestaciones necesarias para el tipo de vida que tienes, se facilita mucho la vida citadina. Esa es la expresión del KIA Soluto, es un carro amplio, cómodo, con muy buen espacio de carga, conectividad eficiente, detalles importantes para el día a día de hoy. Un modelo que la casa coreana desarrolló para cumplir con esos requerimientos de la ciudad. KIA Soluto: Conectividad Su pantalla táctil de 9 pulgadas, conectividad con...


Roberto Hernández: “De a poco, vamos mejorando”\nPor Deportes Telemundo / Mar 14, 2015 12:30 AM EDT\nMORELIA, México.- La esperanza, no sólo de salir del fondo sino de meterse a la pelea por un lugar en la liguilla, sigue intacta en Roberto Hernández, quien admitió que el partido ante Leones Negros lo esperaban así pero la falta de contundencia los privó de un buen resultado. Ahora, Monarcas cayó por 1-0 ante la U de G.\n“Si hay calidad, el equipo tiene jugadores interesantes. Sigo creyendo que podemos hacer más de lo que hemos hecho hasta ahora y seguiremos trabajando para sacar más puntos. Sabíamos que el partido iba a ser así, nos hacen un gol y se cierran las oportunidades”, comentó.\nEl arbitraje no influyó en el resultado según el técnico de Monarcas, aunque admitió que no fue el mejor.\n“No es tema para comentar acá, sabemos que el arbitraje no está del todo bien pero creo que hoy no repercutió”, manifestó.\nComo último de la general, teniendo los peores números y las menores probabilidades de calificar a la liguilla, Hernández aseguró que los resultados llegarán.\n“Hoy en este equipo no hemos encontrado el camino y el rumbo como para obtener los puntos que nos tengan allá arriba, yo no bajo los brazos y ojalá los resultados se nos den muy pronto”, afirmó el estratega.\nHernández destacó el regreso de Baloy quien a su opinión le dio un orden defensivo muy diferente al equipo de Monarcas. El técnico señaló que siguen mejorando pese a los malos resultados y finalizó explicando que el gol tempranero les cambió todo el partido.\n“De a poco vamos mejorando, hoy se tiene demasiado tiempo la pelota. El equipo intenta, busca, genera opciones de gol, hay que tener más tranquilidad y certeza. Si concretamos las opciones el resultado hubiera sido diferente”, concluyó.\nInicia la conferencia de prensa con nuestro Director Técnico, Roberto Hernández. pic.twitter.com/wYXGTGlXxQ\n— Monarcas Morelia (@FuerzaMonarca) marzo 14, 2015


Venta atico Beniarbeig ideal para inversion 2dorm - Anacasa\nInicio | Comprar | Venta atico Beniarbeig ideal para inversion 2dorm\nVenta atico Beniarbeig ideal para inversion 2dorm\nPrecio: 88.000€ (956,52 € m²)\nAmueblado: Sólo cocina\nVenta atico Beniarbeig ideal para inversion 2dorm (Ref. dv267)\nDirección: avn.La Pau,6-2b - Beniarbeig (Alicante)\nCoordenadas geográficas : 38.8219257, -0.0026224\nFantástico ático familiar en Beniarbeig, a unos 10 minutos del mar. Ideal como proyecto de inversión. La vivienda está en buen estado de conservación, habitable, con todo en funcionamiento. 92m² de vivienda muy bien distribuidos en 2 dormitorios con armarios empotrados, cocina, baño completo con ducha, amplio y luminoso salón comedor con acceso al balcon desde donde disfrutar de las vistas. Es la 2º planta de un edificio sin ascensor.\nLa zona de Beniarbeig es ideal tanto para residir como para disfrutar de unas estupendas vacaciones. La playa de arena está a tan sólo 3/4 km de la vivienda. En los alrededores de la vivienda se encuentran todos los servicios (supermercados, farmacia, centro médico, parques…)\nVen a visitar este encantador apartamento sin ningún compromiso!\nVenta ático Beniarbeig ideal para inversión 2dorm


arte nuevo: Los Desafíos del Museo: El caso del Museo del Barro en Paraguay - Ticio Escobar\nLos Desafíos del Museo: El caso del Museo del Barro en Paraguay - Ticio Escobar\nEl mes de diciembre pasado el Museo del Barro en Paraguay cumplió 30 años. Se trata sin lugar a dudas de uno de los proyectos de producción crítica más importantes a nivel continental, y que en su largo recorrido ha logrado catalizar no solamente una crucial reflexión epistemológica sobre el arte indígena, arte popular y el arte urbano, sino además ha logrado imaginar y componer una apuesta museográfica que desjerarquiza las lecturas tradicionales de lo estético, cuestionando la noción de ‘arte contemporáneo’ entendida en un sentido abstracto y universal en el orden occidental. El trabajo del Museo es quizá aún demasiado poco conocido a nivel regional para la importancia de tal iniciativa. A propósito de los 30 años, y además de su reciente y necesaria presentación en la Trienal de Chile (bajo la curaduría de Aracy Amaral), reproduzco un texto del teórico paraguayo Ticio Escobar, fundador del Museo de Arte Indígena del Museo del Barro, sobre el propio Museo tomado de las 'Lecturas a bordo' del web de Micromuseo (y publicado originalmente en María Luis Bellido Gant (ed.) Aprendiendo de Latinoamerica. El Museo como protagonista. Gijón, Trea 2007).\nVista de la Muestra "Una Mirada Múltiple" en la Trienal de Chile\nLos Desafíos del Museo:\nEl caso del Museo del Barro en Paraguay\nEste artículo consta de dos partes. En la primera, se expondrán brevemente algunas de las cuestiones que debe enfrentar el museo y las reformulaciones que debe encarar para dar cuenta de los desafíos que, atropelladamente, plantea su propia actualidad. La discusión sobre la institucionalidad del arte se ha consolidado a partir de los desafíos sucesivos que impusieron los tiempos modernos y aceleraron los contratiempos globales. Ante el fenómeno creciente de una cultura-mundo y la expansión de las industrias culturales sobre espacios hasta entonces reservados a la cultura “erudita”, los circuitos a través de los cuales se mueve el arte actual deben reacomodar sus presupuestos teóricos, sus objetivos y sus estrategias. Este esfuerzo plantea dificultades serias al museo, pero, también, le abre posibilidades nuevas.\nLa segunda parte del artículo se apoya en el tratamiento de un caso concreto: el del Museo del Barro. La selección de esta entidad se debe no sólo a mi mejor conocimiento de un sitio en el cual trabajo, sino al hecho de que la coordinación de este libro consideró que su concepto podría ilustrar bien una cuestión central en el tema que nos ocupa. En efecto, la impugnación de fronteras fijas entre lo popular y lo culto (idea eje de este museo) supone una posición necesariamente pluricultural, abierta a modelos diversos de arte. Y el cumplimiento de esta perspectiva exige programas de proyección sobre los diversos sectores que producen las obras, tanto como requiere diversos mecanismos de difusión y contextualización de éstas orientados nacional, regional e internacionalmente. Por último, en las difíciles situaciones en que se desarrollan los proyectos societales de cultura, este caso también puede servir para proponer modelos alternativos de co-gestión, administración y financiamiento.\nTradicionalmente, el museo es concebido como conservación del patrimonio simbólico colectivo: custodio de aquellas figuras que sostienen los imaginarios nacionales, locales o comunitarios. Pero esta función se ha ido complejizando, enriqueciendo y alterando ante el avance de la modernidad: a la mera conservación de imágenes, obras y documentos se ha agregado la necesidad de investigación, documentación y archivo, así como un mayor compromiso con el desarrollo social y comunitario y una nueva preocupación por la presencia ciudadana.\nEl vínculo de las instituciones del arte con la esfera pública exige relacionar la figura del museo con la de las políticas culturales. En vez de una institución encapsulada, impermeable a los embates de la historia, comienza a afirmarse la idea de una entidad promotora de cultura y de prácticas democratizadoras. En esta intersección se ubica hoy el museo: no puede sustraerse a los intereses omnipresentes del mercado, pero tampoco puede ignorar la promoción de valores ciudadanos que no pasan por la comercialización de la cultura y exigen operaciones no rentables.\nHoy, esas mismas funciones se han complicado aún más: el museo se vincula no sólo con la idea de espacio público, sino con la de un espacio público en gran parte globalizado. La transnacionalización de la cultura y la regionalización de las políticas públicas (Mercado Común Europeo, TLC, Mercosur, etc.) obligan a repensar el museo mediante modelos que trascienden la memoria nacional y local. Si es responsable de conservar (y de promover el trabajo de) la memoria colectiva, la institución debe adquirir una gran flexibilidad para adaptarse a diversas configuraciones de los imaginarios sociales, gran parte de las cuales se apoyan en identidades móviles y provisionales. Es decir, el concepto de un museo que preserva en bloque la memoria nacional ya no se sostiene, simplemente porque no existe una memoria NACIONAL, ni existe UNA memoria. Por eso, el escenario al que se abre el museo es un lugar cruzado por imágenes distintas y movido por objetivos e intereses diversos; contrapuestos a veces.\nPor último, el colapso de la moderna autonomía del arte provoca la crisis del museo como espacio aséptico y separado, cerrado en torno a una noción definitiva de lo artístico. Este trastorno también exige replanteamientos en la función museal contemporánea. La pura forma, lo estético, ya no es aval de lo artístico; la discusión acerca de los límites del arte exige construcciones contingentes, provisionales, ad hoc; demanda conceptos que ya no se argumentan en la belleza o el estilo. Aquí aparece la complicada y controvertida figura del curador o del comisario, responsable de proponer narrativas, guiones o libretos que sostengan la puesta en discurso y en exhibición de objetos cuyas apariencias no bastan para instaurar una propuesta.\nLa crisis de la autonomía de lo estético también produce la contaminación de los espacios museales, abiertos no sólo a los empujes confusos de la historia, sino a la irrupción de disciplinas, cuestiones y temas diversos que hoy confunden y animan las otrora nítidas jurisdicciones del arte. La emergencia de los contenidos discursivos en los acotados espacios del arte conmociona sus límites tradicionales; los vuelve oscilantes siempre, siempre dependientes de posiciones, intereses y proyectos. Como cualquier cambio de paradigma, éste plantea problemas y confusiones, pero también abre alternativas: el cuestionamiento de un modelo arquetípico y ejemplar de museo y la aparición de diversos proyectos museales a ser configurados de modos distintos, según sus particularidades y objetivos. Así, surgen en este ámbito nuevos patrones adecuados a los requerimientos de tiempos y regiones diversas, a políticas culturales definidas, a programas históricos o didácticos determinados. Y, a partir de ellos, se desarrollan propuestas específicas de exhibición, distintos relatos curatoriales capaces de imaginar itinerarios particulares –provisionales– de lectura de lo artístico.\nEstas circunstancias diversas exigen definir el concepto, o los conceptos, que sostiene(n) tal o cual institución: abandonada la pretensión de un museo soberano y total, se requiere explicitar las condiciones y supuestos bajo los cuales cada entidad museal específica acota un espacio de trabajo. Un lugar cuyos límites serán siempre borrosos y vacilantes y no terminarán de desmarcar definitivamente lo que es y no arte.\nLa expansión de las industrias culturales sobre los ámbitos eruditos socava los fundamentos tradicionales del museo y empuja a éste a convertirse en escenario de representación de las nuevas elites post-industriales y lugar de entretenimiento de públicos masivos. El esteticismo global nivela blandamente la sensibilidad contemporánea; presenta el drama en frecuencia de noticia o evento, la diferencia en tono de toque exótico y el enigma, como un misterio excitante. En estas circunstancias, el arte parece obligado a abandonar el aura grave generada por la distancia para adoptar los brillos glamorosos de vitrinas y pantallas; y los museos, a convertirse en “monumentos a los juegos de simulación de masas” (Baudrillard), meras plataformas para las industrias del espectáculo. Sobre el fondo de este riesgo, el museo se encuentra forzado a asumir su proyección multitudinaria sin sacrificar la idea ilustrada de un arte provisto de densidad poética, filo crítico y carga conceptual. Conciliar los términos de esa oposición resulta imposible: siempre quedará pendiente la cuestión de si las convocatorias masivas corresponden a maniobras populistas y estrategias de marketing o a genuinas políticas de democratización cultural.\nLa desconfianza de lo estético en el arte contemporáneo corresponde a una reacción suya ante la metástasis de la belleza en clave light y ante la dictadura de la forma autónoma. El arte pierde su soberanía y sus espacios amurallados e impugna un concepto de sí basado en puros argumentos estéticos. También pierde (en verdad, ya la perdió hace mucho tiempo) su pretensión de registrar identidades territoriales: de expresar maneras de ser desmarcadas por asentamientos locales, fronteras nacionales o situaciones regionales. Tanto como lo supone el esteticismo global, ambas pérdidas implican un mentís al programa del museo tradicional: a su intento de instaurar un espacio autosuficiente donde la bella forma selle y certifique el estatuto artístico de las obras allí expuestas y donde éstas traduzcan la esencia de una cultura definida en términos territoriales. Quebrantados esos objetivos, el museo tiene que ser replanteado: debe asumir que ya no puede abrir una escena sustraída a las inclemencias de la historia, ni constituirse en garante de un patrimonio simbólico, ni oficiar de árbitro que refrenda lo el estatuto de lo artístico.\nEstos menoscabos significan un impacto traumático para la institución museo. Pero también le abren posibilidades de asumir configuraciones nuevas: en este paisaje repentinamente alterado, el museo queda exento de cargas apriorísticas y contenidos esenciales: la rancia casa de las musas deviene zona de proyecto, constructo, entidad en proceso, objeto de prácticas diversas, de alcances pragmáticos azarosos. La desconstrucción del término museo no significa su descarte, sino su puesta en contingencia; su puesta en intemperie quizá. Ese emplazamiento precario e inestable presenta sus ventajas: permite el margen de maniobra y la agilidad que requiere hoy cualquier intento de inscribir un objeto y presentarlo como artístico. Y abre la posibilidad de imaginar otros modelos museales, alternativos al basado en el paradigma clásico occidental; diferentes al Museo que, desde el poder central, funda los mitos de la Nación; ese Museo cuyos artificios disciplinan, uniforman y traducen los imaginarios dispersos en un territorio y cuyos cánones formatean e idealizan las memorias disparejas, los deseos desiguales.\nAsí, el museo sufre hoy las desventajas que acarrean los extravíos del fundamento: la incertidumbre de un proyecto incierto que no puede invocar misiones redentoras ni alegar destinos forzosos. En compensación, dispone de una ventaja: la libertad de las empresas no clausuradas. Es en este punto donde se abren ocasiones de diseñar modelos diversos de museo, entidades maleables, capaces de traducir la pluralidad de situaciones que plantean las particularidades culturales; pero, también, capaces de asumir las asimetrías y fracturas que persisten, y aun crecen, entre regiones de un mundo imaginado como un gran todo nivelado en cifra de mercancía.\nLos giros de la identidad\nAparte de la industrialización y la estetización masiva de lo cultural, así como de la pérdida de la autonomía de lo estético que es su consecuencia, aparece hoy otro cambio que afecta profundamente el sistema moderno del museo: lo que se ha venido en llamar el giro identitario. Las industrias culturales –que suponen las de la información, la comunicación, la publicidad y el espectáculo– se han convertido en nuevas matrices de identificación y creación de subjetividades que tienden a desplazar las tradicionales (como la nación, el pueblo y el territorio). Pero este giro obedece, también, a procesos diferentes a los impulsados por la transnacionalización cultural: el descentramiento del privilegiado sujeto cartesiano, producido a lo largo de la alta modernidad, (1) ha preparado el terreno para comprender el régimen de las identidades a partir de identificaciones y posiciones variables. El concepto de identidad deja de cimentarse en sustancias fijas para apoyarse –ligera, brevemente a veces– en puestos provisorios y en proyectos circunstanciales: ya no designa una esencia, sino circunstancias contingentes, construcciones históricas. La ruptura de un centro unificador esencial ha provocado la emergencia de diversos “nosotros” que pueden superponerse o entrar en conflicto entre sí (la región, la ciudad, el barrio, la religión, la familia, el género, la etnia, la opción sexual, la ideología, etc.).\nEn resumen: la idea de una identidad plena, clausurada en torno a un centro estable, se ha vuelto insostenible. Por un lado, esta restricción plantea problemas al paradigma museal sostenido en la imagen de un sujeto nacional homogéneo e identidades fijas; imagen definida en términos de Tierra y Patria, amparada en el mito de patrimonios simbólicos intactos. Pero, por otro, ayuda a pensar el museo como proyecto configurable de modos distintos, acomodable a coyunturas y objetivos particulares. El museo puede ser concebido, así, en la intersección de intereses cruzados, variables. Y, una vez más, aquellos problemas y estas posibilidades exigen reformulaciones en el guión del museo contemporáneo. La figura contemporánea del curador o comisario –o, por lo menos, una arista marcada de tal figura– podría ser inscripta en esta situación cargada de vicisitudes, demandante de innovaciones y renuevos.\nLos dos curadores\nEl concepto de curatoría emerge, o se reafirma, en una escena condicionada por los diversos reposicionamientos conceptuales que demanda la pérdida de autonomía del arte: la crisis del formalismo y, consecuentemente, el retorno de los contenidos (la emergencia de conceptos, narrativas, motivos y ejes temáticos), el “giro pragmático” (la práctica curatorial como intervención o acción política movilizadora de sentido), lo transdisciplinal (el cruce transversal de conceptos que atraviesan al sesgo niveles disciplinales distintos) y la obsesión por lo real (que otorga un cierto peso ontológico a las preocupaciones del arte actual).\nEsta escena complicada exige, ya se ha dicho, nuevos formatos museales o, por lo menos, serias transformaciones del museo tradicional. La curatoría crece justamente ante esta necesidad; se vuelve un agente útil –un mal indispensable, para muchos– para trabajar discursos que descentren el museo, lo vinculen con las comunidades y lo provean del contingente conceptual que requieren hoy todas las instituciones del arte para compensar la pérdida de la autonomía de lo estético. Ante la retirada de las pretensiones holísticas del museo (la figura de institución omnicomprensiva) avanzan guiones parciales, cuya producción requiere ensayos, narrativas o temas acotados. Una exhibición museal ya no aspira a presentar el conjunto de la obra de un artista, una tendencia o una cultura local, nacional o regional, sino el desarrollo de una cuestión referida a cualquiera de ellas; el planteamiento de un problema que puede cruzar tiempos, estilos, territorios y disciplinas (y puede salir de lo considerado artístico, en sentido estricto). Estas estrategias curatoriales responden siempre a miradas sesgadas: no consideran en bloque un proceso, sino que recortan un segmento de su discurrir para argumentar en pro de una idea o un tema. Y este enfoque fragmentario no sólo afecta una muestra determinada, sino el propio libreto (museológico o, aun, museográfico) de instituciones que, renuentes a hacerse cargo de una totalidad, se detienen en aspectos suyos remarcando líneas de lectura y promoviendo interpretaciones paralelas.\nLa vocación de incompletud de ciertos museos, curatorialmente demarcados, debe ser confrontada con algunas circunstancias propias de la institucionalidad cultural latinoamericana. Sobre el fondo indigente de lo cultural periférico, la ausencia de políticas públicas y de apoyo empresarial obliga a determinados proyectos museales a hacer acopio de ingenio y maña para imaginar modelos sustentables, más apoyados en la comunidad que en los esquivos presupuestos oficiales o las migajas de las ignorantes burguesías locales. Si bien es cierto que las penurias malogran muchos proyectos, la inventiva desesperada que promueven ellas deviene a veces patrimonio conceptual, reserva política o recurso táctico de apuestas que terminan constituyendo modelos alternativos de museo. Valgan como ejemplos el caso del Museo del Barro, en el cual me detendré más tarde, y la propuesta del Micromuseo, dirigido en el Perú por Gustavo Buntinx.\nTras el lema Al fondo hay sitio (2) , el proyecto funciona desde hace más de veinte años “construyendo una colección y una presencia curatorial distinta desde las estrategias de la precariedad y la itinerancia asumidas como un capital simbólico a ser materialmente potenciado”. Antes que reprimirla, el Micromuseo busca volver productiva la diferencia, y más que acumular objetos, los hace circular ocupando espacios sobrantes; “y, aunque atento a desarrollos transnacionales, no abriga vocación universal: aspira a ser específico, con la esperanza de llegar así a ser una institución pertinente y viva” (3) . Iniciado hacia 1984, tras el propósito de rescatar obras amenazadas por la desidia estatal y el desinterés del mercado, el Micromuseo fue creciendo en sus acervos y adquiriendo presencia pública mediante la aplicación de estrategias creativas y flexibles. Su apoyo a diversas demandas ciudadanas, así como su política de curatorías nómades y alianzas con “instituciones cómplices”, le ha permitido multiplicar su acción en muy diversos espacios. El propio desarrollo que ha adquirido obliga hoy al Micromuseo a buscar una sede desde donde movilizar sus colecciones que circulan y se distribuyen en función de proyectos curatoriales varios.\nLa desigualdad entre los museos instalados en el centro (para simplificar, el Norte, la Metrópolis, el Primer Mundo), y los que operan en las periferias (el resto), marca la diferencia entre curadores de uno y otro lado del planeta. El poder de los presupuestos museales no sólo define el valor de los acervos, la opulencia de la arquitectura (efecto Guggenheim), la magnitud de las muestras y el brillo de las instituciones; también decide los alcances de la conservación patrimonial y las políticas de difusión, comunicación y extensión formativa. Estos privilegios tienen sus costes: las curatorías de los megamuseos, dependientes de audiencias masivas y compromisos políticos y económicos considerables, se encuentran más expuestas a los riesgos de la industrialización museal: aunque se cuiden muy bien de conservar los buenos modelos exhibitivos (contemporaneidad, buena factura, prestigio de los artistas, museografía actualizada) y aunque intenten conciliar el enigma del aura con las concesiones que suponen el éxito del público y el impacto mediático, las exposiciones espectaculares no pueden regatear la cuota de trivialidad y show que requiere el mercado. Durante los últimos años, trabajosamente, el proceso de disneyficación de los grandes museos ha sido mantenido a raya mediante calculadas operaciones orientadas a restablecer el canon de lo políticamente correcto en la materia y encargadas de vigilar que no se sobrepasen los límites consensuados por el sistema del arte. Pero ninguna muestra masiva puede dejar de adular a las audiencias y renunciar impunemente a las estéticas de la conciliación o los efectos especiales de las post-vanguardias.\nEl crítico chileno Justo Pastor Mellado distingue entre lo que él llama “curadores de servicio” y “curadores de infraestructura”. Aquéllos se encuentran encargados del diseño de los museos-espectáculo; éstos, buscan activar mecanismos de inscripción histórica y trazo político a través de propuestas movilizadoras de sentido colectivo. Por lo general, los primeros trabajan con museos centrales y los otros, con periféricos; pero esta relación indica apenas una tendencia y no debe ser tomada en los términos de una alternativa fatal o una disyunción maniquea. Ahora bien, resulta evidente que ciertos museos independientes o alternativos (muchos de ellos ubicados en territorios centrales) presentan mayores posibilidades de maniobra y autonomía curatorial. Y mucho mayor campo de acción: en general, sus curadores deben no sólo imaginar guiones museológicos o estrategias museográficas de bajo presupuesto, sino aportar a la construcción de institucionalidad local, apoyar proyectos comunitarios y realizar tareas que exceden sus oficios de diseño y argumentación conceptual (trabajos de producción, montaje, difusión, consecución de sponsors, etc.). Además, aunque no fueren oficiales (estatales, departamentales, municipales, etc.), los museos son responsables de políticas culturales: sus programas de exhibición, educación, información, investigación y archivo buscan producir efectos en la esfera pública. Y en este contexto, los curadores involucrados en programas museales de pequeño formato –con buenas alternativas de inserción en el cuerpo social– asumen funciones de gestión y promoción cultural de manera mucho más directa de lo que harían los curadores de megamuseos, inscriptos ellos en complejas redes institucionales cuyas sucesivas instancias de mediación los alejan de la práctica pública.\nUN CASO: EL MUSEO DEL BARRO\nAntecedentes (una crónica enrevesada)\nEl caso del Museo del Barro, Centro de Artes Visuales del Paraguay, se presta bien a ilustrar la diversidad de modalidades que asumen ciertos museos particulares, especialmente en América Latina, donde los apoyos estatales –necesarios a causa de las penurias económicas que sufre la región– se encuentran siempre en falta y donde, consecuentemente, la precariedad institucional exige a los proyectos museales redoblar esfuerzos y apelar a fórmulas inéditas de trabajo.\nEn 1972, Carlos Colombino y Olga Blinder, fundan la Colección Circulante, iniciativa privada que busca promover el arte durante los tiempos adversos de la oscurantista dictadura del General Alfredo Stroessner (1954-1989). Lo hacen itinerando a través de distintos puntos del Paraguay sus colecciones de arte gráfico moderno, que constituyen un patrimonio pregonero y ambulante, carente de sede fija. En 1979, el acervo de la Colección Circulante se bifurca en dos programas, impulsados por una vocación complementaria: el Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo, dirigido por Carlos Colombino, y el Museo del Barro, fundado por este artista, Osvaldo Salerno e Ysanne Gayet. Ambos programas buscan colectar, exponer y difundir diversas formas de arte moderno y popular, respectivamente. (4)\nEn 1987 se inaugura en suelo propio el museo definitivo, que unifica sus diversos programas bajo el nombre de Museo del Barro / Centro de Artes Visuales del Paraguay, cuyos acervos fueron formados por donaciones de sus fundadores. (Los recursos para la terminación del edificio provinieron de los peculios de los fundadores, básicamente de Colombino, y aportes de empresas, colaboradores personales y agencias internacionales). El establecimiento del museo permitió que se fuesen complejizando sus fondos patrimoniales con colecciones de arte precolombino, pinturas y objetos e instalaciones (particularmente producidos en el Paraguay, aunque también en el resto de Iberoamérica). También fueron incrementando y diversificándose las colecciones de arte mestizo rural que, compuestas inicialmente por piezas de cerámica (que habían dado origen al nombre Museo del Barro), pasaron a reunir obras muy diversas: tejidos, tallas en madera, cestería y objetos de oro y plata. En 1989 se produce una nueva incorporación, que no sólo incrementa los acervos patrimoniales del museo, sino que incide en su definición conceptual: se anexa la colección de arte indígena formada y donada por Ticio Escobar, cuyas dependencias, conectadas con las de las otras colecciones, fueron habilitadas en 1995.\nUna vez derrocada en 1989 la dictadura de Stroessner, que había constituido un gran obstáculo para el desarrollo del proyecto, parecía abrirse para éste una época de bonanza y prosperidad. Pero poco tiempo después, en 1992, mientras se estaban construyendo las dependencias que albergarían la colección de arte indígena, un violento tornado destruyó parte importante de la edificación del museo, cuyos techos fueron arrancados por la tempestad y aplastados contra las paredes de aquellas dependencias. La situación, en sí desalentadora, condujo a salidas imprevistas. Casi en ruinas, el museo lograba una súbita visibilidad pública y, desde ella, despertaba la solidaridad de sectores amplios. Comisiones de vecinos, grupos de artistas, movimientos ciudadanos y partidos políticos, así como la Municipalidad de Asunción, dependencias estatales y embajadas y agencias extranjeras comenzaron a apoyar un programa de emergencia y restauración. La empresa, que había comenzado con la recuperación y resguardo de las piezas anegadas o sepultadas entre escombro y barro (ninguna de ellas fue robada en medio de la confusión), terminó en 1995 con la inauguración de nuevas instalaciones cuya cuantía y dimensiones triplicaron las del edificio original, que permaneciera cerrado durante más de dos años.\nEl percance no sólo se había constituido en insólito principio de crecimiento, sino en productivo factor de compromiso ciudadano e impulso de nuevas actividades. La reestructuración del museo permitió, por una parte, que sus diferentes salas fueran interconectadas para facilitar el recorrido continuo de las diversas colecciones de acuerdo al guión curatorial del mismo (que considera en un mismo nivel de valor el arte popular y el erudito). Por otra, facilitó estrategias de articulación de diversos programas relacionados con el ámbito amplio que hoy transita el arte contemporáneo, algunos de los cuales se venían realizando ya desde tiempo atrás. (5) Todos estos proyectos operan sobre la base siempre de la gestión particular pero con sistemas de apoyos y convenios híbridos, que incluyen la participación de colaboradores individuales, empresas, entidades estatales, embajadas y agencias internacionales.\nEn el año 2004, las colecciones de arte latinoamericano (colonial, moderno y contemporáneo, popular y erudito) que forman parte de la Fundación Migliorisi se instalan en un edificio anexo al del Museo, de modo que, internamente, los circuitos entre ambas entidades funcionan de manera ininterrumpida. Este enlace incrementa y potencia notoriamente las instalaciones y acervos de ambas instituciones. Las colecciones y el edificio de la citada Fundación han sido donados por el artista Ricardo Migliorisi.\nActualmente, los objetivos del Museo del Barro movilizan –aparte de los relativos a la custodia, exhibición y difusión de sus colecciones – los siguientes quehaceres:\nEl archivo, la investigación y publicación editorial referentes a diversos aspectos de arte en el Paraguay y América Latina (tareas llevadas a cabo por el Departamento de Documentación e Investigaciones).\nEl trabajo de promoción artesanal que, realizado en forma sostenida desde 1980, implica el estímulo de la producción y la circulación de las obras de creadores campesinos e indígenas, así como la valorización y acompañamiento de sus trabajos (almacén de venta de obras de artesanos artistas y programas de asistencia técnica, intermediación y asesoría).\nEl apoyo del derecho a la diversidad y la autogestión de los pueblos indígenas (asistencia en proyectos culturales, apoyo a campañas de promoción y defensa de los derechos culturales).\nEl fomento de la creación de artistas jóvenes (talleres de arte y premios estímulo).\nLa realización de diversas actividades de formación, discusión y debate (un seminario que lleva seis años de duración, conferencias y coloquios internacionales y un programa de visitas de estudiantes).\nLos conceptos del Museo del Barro\nEl Museo del Barro busca trabajar en pie de igualdad obras de arte popular (indígena y mestizo) y erudito. (6) Este planteamiento exige no sólo activar dispositivos de interacción entre tales obras, sino subrayar el estatuto artístico de todas ellas; es decir, se opone a la política que reserva el museo de arte a las producciones eruditas mientras relega las populares a los museos de arqueología, etnografía o historia, cuando no de ciencias naturales. Para trabajar en esta dirección, la curatoría museal debe manejar un concepto de lo artístico que, sin perder la especificidad de lo formal y lo expresivo, discuta el elitismo etnocentrista de la modernidad. Se propone, de este modo, un modelo inclusivo de arte, desarrollado paralelamente al programa moderno, aunque estrechamente vinculado con él. Argumentar en pro de la paridad entre sistemas diferentes de arte requiere una conceptualización de lo artístico popular.\nEl arte popular, como cualquier otra forma de arte, recurre al poder de la apariencia sensible, la belleza, para movilizar el sentido colectivo, trabajar en conjunto la memoria, intensificar la experiencia de la realidad y anticipar porvenires. Pero, cuando se trata de otorgar el título de arte a estas operaciones (plenamente artísticas, por cierto), la Estética interpone enseguida una objeción: en ellas, la forma no puede ser seccionada limpiamente de un complejo sistema simbólico que parece fundir diversos momentos diferenciados por el pensamiento moderno, como el del arte, la religión, la política, el derecho o la ciencia.\nEsta confusión infringe el principio de la autonomía del arte, figura central de la modernidad, erigida abusivamente en paradigma de todo modelo de arte. La autonomía formal se funda en dos premisas claras: la separación entre forma y función y el predominio de la primera sobre la segunda. Apoyada en Kant, la Estética dictamina que sólo son artísticos los fenómenos en los cuales la bella forma desplaza todo empleo que contamine su pureza con el interés de una utilidad cualquiera (los oficios del rito, las aplicaciones domésticas, los destinos políticos o económicos, etc.). La autonomía formal encabeza la lista de otros requisitos demandados por el sistema moderno del arte para aceptar la artisticidad de una obra: la genialidad individual, la innovación, la originalidad y la unicidad: la obra debe ser creada ex-nihilo, a partir de una inspiración privilegiada, y debe provenir de un acto exclusivo y personal, irrepetible. Y, también, ha de significar una ruptura de la tradición en la cual se inscribe.\nResulta claro que las características recién mencionadas sólo corresponden a notas propias de la modernidad; un momento específico de la historia del arte desarrollado, en sentido muy amplio, entre los siglos XVI y XX. Por lo tanto, tales notas no resultan aplicables a muchos modelos del arte, como el popular, cuyas formas no son autónomas (aunque la belleza remarque funciones extra-artísticas), ni son fruto de una creación individual (aunque cada artista reinterprete a su modo los códigos colectivos), ni se producen a través de innovaciones transgresoras (a pesar de que su desarrollo suponga una constante movilización del imaginario social), ni se manifiestan en obras irrepetibles (aun cuando cada forma específica conquiste su propia capacidad expresiva). Es obvio que esta desobediencia de las notas del arte moderno no es exclusiva de las culturas populares: toda la historia del arte anterior a la modernidad carece de algunos de los requisitos que ésta erige como canon universal. (7)\nConvertir el modelo del arte moderno occidental en paradigma universal del arte produce una paradoja en la teoría estética, que sostiene que toda cultura humana es capaz de alcanzar su cúspide en la creación artística. En este sentido, el arte se define no desde la autonomía de sus formas, sino como producto de una tensión entre la forma (la apariencia sensible, la belleza) y el contenido (los significados sociales, las verdades en juego, los indicios oscuros de lo real). De atenernos a esta definición, el arte es patrimonio de todas las colectividades (incluidas, obviamente, las populares) capaces de crear imágenes intensas mediante las cuales interpretan su memoria, su proyecto y su deseo. Desconocer este principio supone instalar una discriminación autoritaria entre los dominios superiores del gran arte (autónomo, soberano) y el prosaico mundo de las artes menores, poblado por artesanías, hechos de folclore o productos de “cultura material”.\nEl uso del término “arte popular” no sólo permite ensanchar el panorama de las artes contemporáneas, acosado por una visión demasiado estrecha de lo artístico, sino alegar en pro de la diferencia cultural: reconocer modelos de arte alternativos a los del occidental y refutar el prejuicio etnocéntrico de que existen formas culturales superiores e inferiores, merecedoras o indignas de ser consideradas expresiones excepcionales. Esta argumentación se basa en dos alegatos.\nEl primero invoca el concepto tradicional de arte basado no en la autonomía absoluta de la forma, sino en la tensión entre ésta y los contenidos sociales o existenciales (verdades, usos, valores poéticos, oscuros significados). Hombres y mujeres de diversas comunidades rurales y pueblos indígenas apelan a la belleza no como un valor en sí, sino como un refuerzo de diversas funciones ajenas al círculo estricto regido por la forma. En esta operación, el goce estético constituye una experiencia intensa, pero no autosuficiente: marca una inflexión en el curso de un proceso más amplio dirigido a activar complejos significados sociales, a rastrear los indicios de certezas inalcanzables (8) .\nPero la falta de autonomía estética no significa ausencia de lo estético. Enredada en la textura del cuerpo social, la fuerza de la belleza impulsa el cumplimiento de funciones económicas, políticas, sociales y religiosas. Los colores más intensos, los diseños más exactos y las más sugerentes tramas e inquietantes combinaciones operan más allá de la lógica de la armonía y la sensibilidad: recalcan aspectos fundamentales del quehacer social despertando las energías furtivas de las cosas, realzando sus apariencias: volviéndolas excepcionales.\nEl segundo alegato en pro del término “arte popular”, apela a razones políticas. Ya fue sostenido que el reconocimiento de un arte diferente ayuda a discutir el pensamiento etnocéntrico según el cual sólo las formas dominantes pueden alcanzar ciertas privilegiadas cimas del espíritu. Pero este reconocimiento también apoya la reivindicación de la diversidad: los derechos culturales. La autodeterminación de las culturas alternativas requiere la tolerancia de sus particulares sistemas de sensibilidad, imaginación y creatividad (sistemas artísticos), desde los cuales ellas refuerzan la autoestima comunitaria, cohesionan sus instituciones y renuevan la legitimidad del pacto social.\nIndígenas y campesinos visitan a menudo el museo (y colaboran a veces en los montajes, especialmente de los atuendos rituales), pero ellos tienen conciencia de que la exposición de sus propios objetos corresponde a un programa diferente al suyo; las coincidencias se dan más por los motivos políticos recién expuestos que por razones estéticas. Ellos pueden ver con satisfacción sus propias obras exhibidas en otro medio, pero no se identifican con esa operación que es esencialmente extraña a sus sistemas culturales. La mirada que despiertan las piezas dispuestas en vitrinas no es la misma que la suscitada en sus situaciones originales. El museo es, por definición, un dispositivo paradójico, orientado a descontextualizar y recontextualizar los objetos sin olvidar la referencia a los contextos originales. Pero el hecho mismo de que no sean las formas lo que determina el destino de las obras de arte popular (sino la relación de éstas con sus funciones variadas) permite que las articulaciones de este arte estén preparadas para ser desmontadas y rearmadas de acuerdo al requerimiento de usos variables. Por eso, cuando el museo convoca obra popular para subrayar (arbitrariamente) su lado artístico e inscribirla en un proyecto político, los objetos no desfallecen, no sufren un desarraigo radical: se reubican en esos nuevos marcos y muestran otras significaciones, que en sus contextos originales se encontraban latentes. Paradójicamente, así, la falta de autonomía formal termina asegurando un cierto margen de autonomía de presencia a una obra abierta a empleos y sentidos plurales. Expuesta al juego de miradas distintas que la interpelan de muchas maneras, ella podrá, a su vez, suscitar distintas cuestiones en quienes la observan desde otros lugares. (9)\nEsta posibilidad resulta especialmente ventajosa en relación a los pueblos indígenas: defender otras formas de arte puede promover miradas nuevas sobre hombres y mujeres que, cuando no son despreciados, sólo son considerados –desde la compasión o la solidaridad– como sujetos de explotación y miseria. Reconocer en ellos a artistas, poetas y sabios obliga a estimarlos como figuras notables, sujetos complejos y refinados, capaces no sólo de profundizar su propia comprensión del mundo, sino de alentar con los argumentos de la diferencia el deprimido panorama del arte universal.\n1. Según Hall, son cinco los grandes descentramientos del sujeto ocurridos durante la segunda mitad del siglo XX: los producidos por el marxismo, el sicoanálisis, Saussure, Foucault y el feminismo. Stuart Hall, Identidade Cultural, Coleçâo Memo, Fundaçâo Memorial da América Latina, Sâo Paulo, 1997.\n2. Esta frase es usada en el Perú por los conductores de ómnibus para invitar a los pasajeros a subir a sus vehículos aunque éstos se encuentren sobrecargados.\n3. Gustavo Buntinx, “Comunidades de sentido / Comunidades de sentimiento. Globalización y vacío museal”, ponencia sin editar presentada en la reunión preparatoria del coloquio Museos y esferas públicas globales, convocado por la Fundación Rockefeller, Buenos Aires, junio 2001. (El coloquio tuvo lugar en Bellagio, Italia, el año siguiente).\n4. El Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo comenzó a construir un local en Asunción en un terreno adquirido con fondos propios de Carlos Colombino, mientras que el Museo del Barro se instaló en San Lorenzo, una ciudad cercana a Asunción, adonde se mudó en 1983.\n5. Así, en 1987, en el contexto de la formación del Museo de Arte Indígena, se había organizado la Comisión de Solidaridad con los Pueblos Indígenas, dirigida a apoyar los derechos culturales de diversas etnias. Recién caída la dictadura, en 1989, el museo impulsó la constitución de un colectivo de artistas e intelectuales que, agrupados bajo la denominación de Trabajadores de la Cultura, desarrolló en su sede una serie de discusiones acerca del nuevo papel de lo cultural durante los inicios de la transición a la democracia.\n6. A pesar de las connotaciones elitistas que pudieran designar esas expresiones, para nombrar la producción de artistas provenientes de la tradición ilustrada (académica o vanguardista) se prefiere emplear los términos erudito o culto antes que contemporáneo, pues se asume que las obras de artistas populares también son contemporáneas, aunque respondan a su propio tiempo de manera diferente. En sentido amplio, el término arte popular incluye el indígena, en cuanto se refiere al conjunto de formas alternativas que suponen una dirección no hegemónica, aunque no necesariamente contrahegemónica. Así, el arte popular comprende tanto el mestizo (generalmente rural) como el indígena, correspondiente a pueblos de origen prehispánico que mantienen una tradición cultural específica sobre la base de formas religiosas, lingüísticas y socioeconómicas particulares.\n7. Para legitimar la tradición hegemónica ilustrada, la historia oficial no tiene problemas en reconocer la artisticidad de culturas que carecen de las notas del arte moderno, pero no constituyen culturas populares en sentido estricto (arte chino, babilónico, griego, egipcio, gótico).\n8. En este punto, el arte popular coincide con el arte contemporáneo, que recusa la autonomía formal moderna para saludar el retorno de los contenidos y propulsar una apertura a lo extra-artístico. La relación forma / función constituye una fuerza inconciliable, un “indecidible” que dinamiza el quehacer del arte actual y borronea sus contornos tajantes.\n9. Las instituciones del arte tienen hoy la posibilidad de crear marcos, párerga (Derrida), no cerrados: los lugares de exposición no delimitan los límites de la escena, de modo que los objetos puedan cruzarlos y dejar en suspenso su propio carácter de “artísticos”, desconociendo ideas a priori de lo que es o no arte. Así como los arbitrarios marcos museales no son definitivos, tampoco lo son las originales condiciones de producción de una obra que trasciende en parte sus propios sentidos y deviene principio de lecturas plurales.\nPublicadas por Miguel López a la/s 8:30 a. m.\nEtiquetas: arte indígena, arte popular, comunidades indígenas, dentro del museo, museo, museo del barro, ticio escobar


Nueva convocatoria solicitud de subvenciones para la contratación de personas en situación de desempleo mayores de 45 años (2021) - promodespi\nNueva convocatoria solicitud de subvenciones para la contratación de personas en situación de desempleo mayores de 45 años (2021)\nEne 25, 2021 | Subvenciones\nEl Servicio Público de Empleo de Cataluña ha abierto una nueva convocatoria para el año 2021 para la solicitud de subvenciones para el fomento de la incorporación de personas en situación de desempleo mayores de 45 años en el mercado de trabajo.\nEsta convocatoria tiene el objetivo de incentivar a las empresas para impulsar la contratación y la creación de empleo de las personas mayores de 45 años que se encuentran en situación de paro, apartadas del mercado laboral y con dificultades para reincorporarse se hay.\nEl SOC subvenciona los contratos de trabajo por una duración mínima de 6 meses y una duración máxima de 12 meses, excepto la contratación de personas discapacitadas que podrá ser máximo de 18 meses. La jornada laboral a subvencionar está entre el 50% y el 100%\nLas entidades beneficiarias deben hacer llegar el formulario de solicitud de subvención y la documentación anexa que se ha de juntar dentro del mismo formulario a través de Gencat Trámites.\nA las personas físicas o jurídicas y las comunidades de bienes con capacidad para contratar laboralmente, constituidas legalmente y con centro de trabajo en Cataluña. No se consideran entidades beneficiarias las administraciones públicas y sus entidades dependientes o vinculadas, las empresas de inserción y las empresas de trabajo temporal.\nPersonas en situación de paro de 45 años o más.\nInscritas como demandantes de empleo no ocupadas (DOY) al Servicio Público de Empleo de Cataluña durante 6 meses en los últimos 12 meses.\nNo deben haber prestado servicios a ninguna entidad mediante la modalidad de contratación de duración indefinida en los últimos 6 meses.\nDesde el 20 de enero de 2021 hasta el 20 de noviembre de 2021, ambos incluidos.\nInicio: entre el 1 de enero de 2021 y el 30 de septiembre de 2021, ambos incluidos.\nLa finalización del período de la contratación subvencionada será el 20 de noviembre de 2022, incluido.


El Universal - Nación - No tengo bienes en NY: ex gobernador\nNo tengo bienes en NY: ex gobernador\nAlberto Morales y Francisco Nieto| El Universal\nVideo Destapan millonarios bienes de José Murat en Nueva York\nEl ex gobernador de Oaxaca, José Murat Casab, rechazó tener propiedades en Nueva York.\nEsto luego de que el periódico estadunidense The New York Times elaboró un reportaje sobre el ex mandatario priísta y negociador del Pacto por México, que será dado a conocer esta semana, donde se da cuenta de sus propiedades inmobiliarias en Estados Unidos.\nDe acuerdo con la publicación, Murat tendría al menos seis propiedades en Estados Unidos, entre ellas en el Time Warner Center, en la ciudad de Nueva York.\nAl respecto, Murat rechazó ayer en una carta dirigida a Margaret Sullivan, editora de The New York Times contar con propiedades en la citada ciudad.\nInformó que en Estados Unidos sólo cuenta con “dos departamentos/condos en el estado de Utah hace más de 10 años con un costo aproximado de USD 300,000 (trecientos mil dólares de Estados Unidos) al tipo de cambio de esa época”, dijo Murat en la carta.\nEl priísta dijo que en su momento atendió la solicitud de información de Luise Story y su equipo sobre la propiedad de un departamento de Time Warner.\n“Personalmente, y a través de mi abogado, se le respondió a la Sra. Story y a su equipo que no soy dueño de propiedades en Nueva York, haciéndole todas las aclaraciones pertinentes.\n“Por lo tanto, me es incomprensible que me involucren en una situación del todo falsa y que compromete mi reputación y la de mi familia”, señala Murat en la misiva.\nPide oposición investigar. En tanto, la oposición en el Congreso demandó a la Procuraduría General de la República investigar los bienes del ex gobernador de Oaxaca.\nLos senadores Alejandro Encinas y Javier Lozano (PAN) urgieron a las autoridades a investigar el patrimonio del ex gobernador.\nLozano expresó que es necesaria una investigación que no sólo puede implicar a Murat sino a otros políticos y empresarios “de muy dudosa reputación” que obtienen inmuebles en Nueva York bajo figuras legales para esconder la identidad de sus verdaderos propietarios.\n“Lo que es alarmante e indignante, una vez más, primero es la vocación de los priístas por los inmuebles; parece que les encanta coleccionar casas, y en el caso de los Murat, uno se dedica a las casas de interés social y el otro de lujo”.\nDijo que lo único explicable para que un ex gobernador de los estados más pobres tenga “inmuebles multimillonarios” es una corrupción bestial” como justificación.\nEl ex perredista Encinas aseguró que ese patrimonio significa tener ingresos “extraordinarios” que no pueden obtenerse de percepciones como servidor público y menos en un estado como el de Oaxaca, donde el estado es muy pobre.\n“Tendría que hacerse una investigación en cuanto al origen de esos recursos con los que adquirió esos inmuebles”, dijo.\nEl coordinador del PRD en la Cámara de Diputados, Miguel Alonso Raya, dijo que resulta decepcionante que, habiendo en el país áreas del gobierno de inteligencia en materia financiera, desde Estados Unidos se imponga una agenda y una ruta de investigación.\nLamentó que desde el Ejecutivo federal no existe la intención de tocar temas de anticorrupción, por lo que vaticinó que seguirán apareciendo más personajes vinculados al gobierno con posibles conflictos de intereses. “Frente a lo que está aconteciendo, los mexicanos estamos jodidos”, dijo.\nEl vicecoordinador del PAN en la Cámara de Diputados, Marcelo Torres Cofiño, opinó que las autoridades mexicanas deben dar un explicación sobre el tema.\n223080 09/02/2015 http://ads.eluniversal.com.mx/RealMedia/ads/adstream_jx.ads/movil.eluniversal.mx/[email protected]


Ojo de halcón: DICEN QUE NADAL DESATA LA LOCURA\nAsí nos lo cuenta un titular en Yahoo. Contemplo lo que no se ve, puesto que la fotografía viene de espaldas y descubro los múltiples atuendos de esa locura, que pasan desde la indiferencia hasta el deseo altamente nostálgico, en los rostros de los que, a la inversa de mí, sí que contemplan el tesoro.\nY así es, hoy en día, existe un tráfico atroz por las autopistas del bajo vientre. Cantidad de vehículos transitan por ahí, descapotables con rubias de lujo que pretenden cantar y creen que la voz comienza en la entrepierna, autobuses con viejos, camino de encontrar pareja en algún programilla de la tele, niños gráciles que desean triunfar lanzando alaridos, escritores a los que sólo resta preguntar si, al modo de algunas postales especiales, han escrito el relato o el poema, con la mano, la boca o vete a ver si sujetando el lápiz con la ingle. Priva aquello de usted qué sabe hacer, pero a la inversa. Es urgente invertir, no sólo en la arruinada bolsa: se hace necesario poner patas arriba todas las situaciones.\nY, adónde llegaremos los que debajo de la toalla del entrene sólo tenemos una cosa oscura, algo que nadie logró ver, el instrumento de todos nuestros delirios, cruzado por una red de cables, parecidos al vello púbico. A dónde llegaremos los que usamos, para ser, la inteligencia. Me abro como el tenista la toalla y miro hacia la calle. De mis pechos van brotando poemas y de mi ombligo escapa una mirada que intenta retener el orbe. Nada se puede hacer, me digo. Nada pueden hacerte, me devuelve el eco. Nada dice nadie, puesto que nadie nada en la playa que yo estoy bogando ahora.\nMañana miraré de nuevo las noticias y es posible que alguien haya llegado al cenit. ¿Alguna vez fui joven? Se me queda la duda, cuando escucho que ciertas editoriales buscan carne dieciochesca –por decirlo de un modo elegante- para asegurarse el éxito de sus publicaciones. Jamás llamaron a casa, jamás me preguntaron por lo que siempre se llamó literatura y ahora forma parte de la llamada industria cultural. No quiero dudar más, abro mi desgastado diccionario y busco: empresa. No vaya a ser que esté equivocada y ni siquiera un término tan al uso se deletree firme en mi mente. Santo Dios, ahora sé qué cosa no tuve yo en mi más entregada juventud, en el tiempo en que era más verbo que persona. En primer lugar el pequeño Espasa me dice que una empresa es una acción ardua y dificultosa que valerosamente se comienza. Mi comportamiento juvenil era realmente una empresa constante en la literatura. Me alegro y continúo leyendo: la segunda acepción sentencia: cierto símbolo o figura enigmática. No he visto lo que muestra Nadal, es un enigma para mí, el enigma de una gran figura, una figura enigmática. Creo que ya voy entendiendo qué cosa no cuadraba entre esas editoriales y mi ausencia tenaz en algunas de sus antologías: nunca saqué a la luz …\nCierro el diccionario y me congratulo de pertenecer a la más sensata oscuridad. Quizás estuve equivocada y todavía tenga tiempo de remozar mi mente para ser totalmente cool. Voy a dejar a un lado estos comentarios. Ustedes los disfruten mientras entro en el Youtube en busca de algún video del balear. Una imagen, sobre todo si es placentera, siempre se dijo que vale más que mil palabras.


Escapada a Nápoles ¡con vuelos + hotel por solo 124€!\nPágina de Inicio / General / Escapada a Nápoles\nAquí la oferta Qué hacer en Nápoles\n¡Benvenuti al Sud! con esta irresistible escapada a Nápoles que os llevará a conocer de primera mano la capital y a la vez ciudad más poblada de la región de la Campania! Aprovechando esta oferta de Expedia.es tendrás la ocasión de disfrutar de la ciudad durante 2 noches, con vuelos de ida y vuelta desde Barcelona y alojamiento muy cerca del centro, Hotel Europeo (4 sobre 5 en Tripadvisor 962 opiniones) por solo 124€ por persona reservando mínimo dos.\nEscapada a Nápoles ¡Benvenuti al Sud!\nLa ciudad costera de Nápoles sorprende con una vitalidad y un dinamismo único que enamora a cualquiera que la visite. Nápoles ha demostrado ser un auténtico museo al aire libre rodeado de gente, coloridos edificios, del emblemático Río Vesuvio, gastronomía, y sobretodo de tradición. A lo largo de tu viaje a Nápoles te recomiendo subir hasta los 1.281 metros de altura del Monte Vesubio y contemplar las fantásticas vistas apreciables desde allí. Asimismo, no puedes dejar pasar la oportunidad de conocer la monumental Catedral de Nápoles ni visitar el Castel dell’Ovo. Definitivamente una ciudad que hará vibrar a todos tus sentidos.\nPresumiendo de una localización inmejorable y de unas instalaciones perfectamente equipadas con todas las comodidades y facilidades necesarias para hacer de la estancia toda una experiencia única, el hotel ha demostrado ser una opción perfecta para conocer los lugares más emblemáticos de la ciudad sin necesidad alguna de tomar el transporte público.\n¿Buscas entradas para visitar los principales monumentos de Nápoles? Entonces te sugiero consultar en Tiqets.com y disfrutar de fantásticos descuentos.\nNápoles: 2 noches en hotel con vuelos ida/vuelta incl. por solo 124€\nAlojamiento: Hotel Europeo\nOpiniones: 4 sobre 5 en Tripadvisor 962 opiniones\nUbicación: a 1km del centro de la ciudad\nTodas las entradas a las atracciones turísticas de Nápoles aquí\nDesde Alicante por solo 211€


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