No basta con consolidarse como uno de los festivales de cortometrajes más importantes del país, en su cuarta edición está plataforma para realizadores presenta la urgente temática del manejo de los residuos sólidos. Se abre nuevamente la ventana de Ecofilm para recibir las propuestas de solución a la problemática, eso por sí solo ya es prometedor.\nEn un afán por consolidarse la congruencia se vuelve indispensable, es por eso que además del reto propuesto por Ecofilm, uno de los aspectos a tomarse en cuenta para el jurado será la documentación de prácticas sustentables en el proceso mismo de producción del cortometraje. Pareciera un detalle menor pero forma parte de toda una filosofía para consolidar el Festival como una puerta para propuestas de solución a las graves problemáticas en materia ecológica y de desarrollo sustentable.\nLos Residuos Sólidos Urbanos (RSU) merecen una atención específica pues la población mundial sigue a la alza y eso genera un aumento progresivo de artículos que se traducen en basura y provocan un abuso de los recursos naturales, para colmo, la producción implica sustancias tóxicas y agrava el problema de su manejo; sin embargo, así como el hombre genera esta devastación, tiene la capacidad de volver el círculo en algo virtuoso.\nPara ello es vital la interrelación de los diferentes niveles de participación en la sociedad, y parte indispensable es la difusión masiva de las ideas. El primer eslabón para lograr una solución de fondo en RSU radica en compartir las premisas para que creadores y voluntariosos armen el esqueleto logístico que permita desarrollar las soluciones concertadas. Está comprobado que la fusión del arte con la ciencia arroja los dividendos más contundentes: la conciencia.\n¿QUÉ ES URGENTE COMUNICAR?\n• Involucrar a la sociedad en la realidad global ambiental y promover la cultura ecológica a través del cine.\n• Promover actividades relacionadas con el manejo de residuos sólidos y cuidado del medio ambiente.\n• Especificar las consecuencias del mal uso de los residuos sólidos.\n• Transmitir la importancia de la clasificación de residuos sólidos sean biodegradables o no biodegradables\n• Separación de los residuos desde el origen\n• Cultura y educación a la población para mejorar su conducta frente al daño que causa la basura al medio ambiente.\n• Promover la separación de materiales recuperables que son retirados en forma especial para ser utilizado en materia prima para la elaboración de nuevos productos.\n• Promover canalizar los residuos en los contenedores según su color.\n• Mejor cortometraje del EcoFilm Festival 2014: $1,000,000 MX. (La obra ganadora de este premio no podrá ser elegida en ninguna otra categoría).\n• Ficción: 1er lugar $100,000 MXN 2do lugar $50,000 MXN\n• Animación: 1er lugar $100,000 MXN 2do lugar $50,000 MXN\n• Documental: 1er lugar $100,000 MXN 2do lugar $50,000 MXN\n• Campaña Publicitaria Audiovisual: 1er lugar $100,000 MXN 2do lugar $50,000 MXN\n• Viaje para 2 personas a tierras mexicanas.\n• Además se tendrán, becas de estudio, cámaras de video, etc.


No más competencias para Phelps – tododeporteonline\nNo más competencias para Phelps\nHouston.-Según ESPN y NBC Sports, el nadador estadounidense Michael Phelps dijo a periodistas el lunes, antes de los premios Golden Goggle de la natación nacional, que se había dado de baja del programa de control antidopaje a los atletas profesionales. Phelps dio marcha atrás en sus planes de retirarse tras los Juegos Olímpicos de 2012 volviendo a entrar al programa.\nPhelps confirmó más tarde el lunes su retirada sobre el escenario diciendo: “He terminado con la natación de competición, pero nunca estoy muy lejos de la piscina”.\nEl nadador habló también de su boda secreta con Nicole Johnson en junio.\nPhelps dijo que contrajeron matrimonio en una “pequeña ceremonia” para facilitar su viaje a los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro del pasado agosto con su bebé, Boomer. El mes pasado tuvieron una ceremonia más formal en México.


Sobre problemas de aprendizaje • Semanario Universidad\nBy Lic. Dora Kweller Ene 27, 2005 16:00pm\nAlrededor del 10% de la población sufre algún tipo de pérdida auditiva y uno de cada mil niños padece problemas más graves que le impiden la correcta emisión y comprensión de la palabra. La cifra, sin duda, es alarmante y los problemas que se presentan para la educación del niño son diferentes en ambos casos.\n¿Un hipoacúsico leve puede llegar a tener problemas de aprendizaje sin que el docente o los padres puedan detectarlo? Es bastante frecuente que eso ocurra. En general, a los recién nacidos no se les realiza un examen especializado y la afección auditiva leve, en caso de que exista, se detecta en la escuela. Si no se detecta esta deficiencia el niño siempre tendrá problemas: no entiende simplemente porque no oye bien y se lo califica de «distraído» o «poco inteligente».\n¿Cómo pueden los padres detectar una sordera leve? En general, el niño pone el televisor muy fuerte, se exaspera fácilmente y a veces parece escuchar y otras no. Grita mucho, no siempre responde a su nombre y su lenguaje presenta omisiones, confusiones y una estructura deficitaria de la oración.\nA veces la resistencia paterna a aceptar la discapacidad lleva a razonamientos y fantasías que la encubren: «el niño es muy observador», «es demasiado inteligente». Esta conducta se denomina «sordera psicológica»: una tendencia a no «oír» que el hijo tiene una limitación.\nEsto es muy comprensible pero muy nocivo para el niño, ya que los padres que adoptan esta actitud se niegan a enviarlos a escuelas especiales que realicen una rehabilitación adecuada. Este tipo de padres dicen: «prefiero que sea el último alumno en una escuela de oyentes, que el primero en una escuela de sordos». Lamentablemente, en estos casos, no existe una ley que proteja al discapacitado auditivo de su propia familia.\nel niño sordo oralizado puede ingresar en la escuela de oyentes, comunicarse parcialmente con sus compañeros y docentes, integrarse a actividades físicas y artísticas, cumplir con las exigencias escolares y responder por sus actos.\nEn Argentina, un equipo de científicos dirigido por Luis Campos, creó un «dedal» que permite la comprensión del lenguaje por vibraciones que le llegan al niño desde el dedo índice.\nEs evidente que estos adelantos abren las posibilidades a una mayor integración, pero no se puede esperar que funcionen milagrosamente. Informarse acerca de los beneficios reales que conlleva la utilización de estos dispositivos para cada hipoacúsico en particular ayuda a evitar las frustraciones. Ninguna de estas posibilidades puede actuar aisladamente. Para que estos adelantos funcionen se necesita una capacidad yoica del niño y un deseo de oír que faciliten el aprendizaje del nuevo código auditivo; una familia que lo contenga; un excelente especialista que lo rehabilite, etc.\nLos padres de niños sordos deben saber que, como todo aprendizaje, «oír» también requiere de entrenamiento y paciencia. Sólo han conseguido salir de la «sordera» aquellos que la han aceptado y han trabajado a partir de ella.\n* Psicóloga y familióloga


Las mejores hamburguesas en Concón - Sanguchería Gorilas\nLas más ricas hamburguesas en Concón\nDisfruta de las mejores hamburguesas en Concón, además de mechadas y churrascos que podrás encontrar, en Gorilas nos preocupamos por el sabor y la frescura de nuestros ingredientes.\n¿Te gustaria probar las más ricas jugosas exquisitas bacanes hamburguesas de Concón?\nSi estás buscando probar la mejor hamburguesa, estás en el lugar indicado, acá podrás encontrar la mejor combinación de sabores e ingredientes en tu Burger, partiendo por el esponjoso y suave pan brioche, nuestra burger 100% artesanal y los mejores ingredientes que podrás encontrar.\nEn Gorilas nos preocupamos por la calidad y frescura de nuestros ingredientes. Nuestras hamburguesas son 100% caseras, la cual las preparamos día a día en nuestros locales para mantener el sabor único de Sangucheria Gorilas\nLos mejores sanguches los podrás encontrar acá, sorprendete con sanguches como la gran Chita, este clásico de gorilas tiene carne mechada de la casa, queso mantecoso derretido, tocino crocante, palta en láminas, cebolla caramelizada, nuestra mayo casera y mostaza.\nTambién encontrarás sanguche como el Donkey, el cual destaca por nuestro churrasco sazonado con ajo y pimienta, doble queso cheddar, tocino crocante, lechuga tomate y mayo casera.\nSi buscas clásicos chilenos como el chacarero o el barros luco también lo encontrarás en Gorilas.\n¿Buscas sandwiches y hamburguesas vegetarianas? ¡Nuestra sanguchería de Concón veggie!\nSi buscas una opción vegetariana estás en el lugar indicado, contamos con una croqueta de tres quinoa apanada la cual la puedes pedir en nuestra hamburguesa Marcel o puedes reemplazar la croqueta en cualquier Burger o sanguche de nuestra carta con un costo adicional.\n¿Quieres venir a sentarte y disfrutar de nuestras hamburguesas y sandwiches Gorilas de Concón?\nSi quieres disfrutar la experiencia en nuestro local, contamos con una terraza habilitada con tres mesas y una barra habilitada al aire libre en donde podrás comer tu sanguche junto a la mejor música, encuentra nuestra playlist en Spotify como “Gorilas Originals”.\nCómo llegar desde Bosques de Montemar (Las Dunas)\nDesde las dunas debes llegar a la calle blanca estela la cual está al lado del JUMBO, luego subir hasta llegar la intercepción los pellines y doblar a mano izquierda para seguir hasta llegar a la calle Río Aconcagua en donde nos encontramos frente al colegio Rio Aconcagua.\nCómo llegar desde Reñaca\nDesde las dunas debes llegar a calle blanca estela la cual está al lado del JUMBO, luego subir hasta llegar a la intercepción los pellines y doblar a mano izquierda para seguir hasta llegar a la calle Río Aconcagua en donde nos encontramos frente al colegio Rio Aconcagua.\nCómo llegar desde Playa La Boca\nDesde la playa la boca debes subir por Maroto para luego doblar por Calle 10 y seguir hasta llegar a la intercepción de los manantiales con segunda transversal en donde encontrarás el banco de chile en una esquina y debes avanzar una cuadra y subir por rio Aconcagua en donde nos encontraras dos cuadras más arriba.\nCómo llegar desde Jardín del Mar\nDesde el jardín del mar debes bajar a Reñaca y subir hacia Concón por av. Angamos y seguir por Edmundo Eluchans hasta llegar a calle blanca estela la cual está al lado del JUMBO, luego subir hasta llegar la intercepción los pellines y doblar a mano izquierda para seguir hasta llegar a la calle Río Aconcagua en donde nos encontramos frente al colegio Rio Aconcagua.\n¿Has comido antes en nuestra sanguchería de Concón?\nPreguntas Frecuentes acerca de nuestras hamburguesas en Concón\n¿Cuál es el horario de atención de nuestro local de hamburguesas en Concón?\n¿Qué métodos de pagos aceptamos en nuestro local de hamburguesas en Concón?


Textos | Arte bajo cero\nEl cinismo de Facebook y la ingenuidad de sus usuarios.\nAgosto 18th, 2011 Agosto 18th, 2011\n“Tenemos que denunciar el cinismo de Facebook y la ingenuidad de sus usuarios”\nLos grises de la e-administración, los riesgos de perder la privacidad, la fragilidad de la memoria y la necesidad de apostar a una ética planetaria, en esta entrevista con el pensador francocanadiense, que visitó la Argentina. ”Para controlar el poder digital necesitaremos una nueva mutación de la especie humana”, dijo.\nFacebook es una moda pasajera y es inminente su declinación. Frente al avance irrestricto de la tecnología en nuestras vidas necesitamos de una nueva evolución… Quien habla es Hervé Fischer. Y sus declaraciones son toda una provocación. Un llamado a la reflexión. Incluso aquí, en Buenos Aires, este francocanadiense les enrostró a una veintena de funcionarios locales de Open data y gobierno abierto, que la e-administración no vale nada para los pobres. De allí que algunos lo llamen agitador. Pero sus posiciones son serias. Defiende, por ejemplo, la necesidad de un híperhumanismo, una ética planetaria frente la inercia de la fragmentación y la ruptura del sentido que arrancó con las posmodernidad y que se potenció formalmente a partir de la última revolución tecnológica. Frente al determinismo, antepone la voluntad humana, fundamental para afrontar el cambio de paradigma en el acceso y producción de conocimiento. Artista y filósofo, dueño de un currículum amplísimo, Fischer (París, 1941) ha publicado una veintena de libros entre los que se encuentran Los desafíos del cibermundo, La declinación del imperio de Hollywood y El choque digital. Invitado a participar de un Seminario internacional de periodismo digital en la Universidad Nacional de Rosario y de la Semana Internacional de Gobierno Abierto (Siga2011) que desarrolló en el microcentro porteño la semana pasada, contestó estas preguntas entre viaje y viaje, en su enésima visita a nuestro país.\nCuriosamente empresas, algunos gobiernos, incluso la ONU, intentan asimilar el acceso a Internet a un derecho humano cuando ni siquiera pueden cumplir con los Objetivos del Milenio… ¿qué clase de derecho sería ese?\n¿Qué seriedad le atribuye usted a teorías como la de Kevin Kelly o a conceptos como technological singularity, que ven la posibilidad de una “evolución biológica de la tecnología”?\nSe cree confirmar el fin de la época de Gutenberg citando el éxito comercial de los libros electrónicos, sean de Amazon, de Sony, de Microsoft y tantas otras empresas, o las tabletas electrónicas de tipo iPad. Pero no se debe olvidar que este éxito comercial ha llegado después de muchos fracasos, uno tras el otro, y progresa hoy solamente en la medida que esos nuevos soportes electrónicos imitan más y mejor al buen viejo libro de papel: ergonomía, ligereza, tamaño, manipulación agradable de las páginas que suenan cuando las pasamos, superficie opaca de la pantalla, movimiento curvo… Hasta el olor de la tinta de imprenta se manda en bolsitas por correo tradicional. Eso sin hablar de la reducción espectacular de los precios. Los japoneses acaban de comercializar un soporte de lectura de libros electrónicos que imita hasta la flexibilidad de las paginas cuando se inclina la pantalla en diversos ángulos. Es decir que, paradójicamente, el libro tradicional de papel impreso es un modelo ineludible para cualquier éxito de tal imitación electrónica. Hablo del triunfo de e-Gutenberg a pesar de McLuhan.\nFebrero 4th, 2011 Febrero 4th, 2011\nRoger Shattuck (1923) es un escritor y estudioso norteamericano. Entre sus numerosos libros destaca el clásico estudio –traducido al castellano– La época de los banquetes, sobre los orígenes de la vanguardia en Francia, desde 1885 hasta la primera guerra mundial y centrado en las figuras de Alfred Jarry, Henri Rousseau, Erik Satie y Apollinaire. Acaba de publicar en Taurus El conocimiento prohibido.\n«Le vrai héros s’amuse tout seul.» BAUDELAIRE 1 Durante cincuenta años, después de haber dejado de pintar, Marcel Duchamp dedicó buena parte de su tiempo a aconsejar a sus amigos qué obras de arte coleccionar. Ayudó a Katherine Dreier a formar su personal museo de arte moderno, la Société Anonyme, Inc. Cuando en los años cuarenta se hicieron planes para donar la colección a la Universidad de Yale, Duchamp escribió treinta y tres noticias críticas y biográficas de una página sobre artistas desde Archipenko a Jacques Villon. Si hubiera decidido, lo que no habría sido raro en él, incluir una noticia sobre sí mismo como uno de los artistas de Dreier, probablemente habría producido una astuta mezcla de verdad y fábula, como las otras que hizo. Déjenme imaginar esa reseña plagiando términos y frases de las noticias que sí escribió. «Jugador de torneos de ajedrez y artista intermitente, Marcel Duchamp nació en Francia en 1887 y murió siendo ciudadano de los Estados Unidos en 1968. Se sentía en casa en ambos mundos y dividía su tiempo entre ellos. En el Armory Show de Nueva York, en 1913, su Desnudo descendiendo una escalera divirtió y ofendió a la prensa, provocando un escándalo que le hizo famoso in absentia a la edad de veintiséis años, y le atrajo a los Estados Unidos en 1915. Tras cuatro años excitantes en Nueva York, abandonó aquella ciudad y dedicó la mayoría de su tiempo al ajedrez hasta 1954. Algunos jóvenes artistas y conservadores de museos de varios países redescubrieron entonces a Duchamp y su obra. Él había regresado a Nueva York en 1942, y durante su última década allí, entre 1958 y 1968, volvió a ser famoso e influyente. Con la fuerte personalidad de un pionero, siguió su propio rumbo en torno a los credos cubista y futurista y lejos de las teorías de la abstracción durante el período “heroico” de 1912-1913. Fue un hábil caricaturista, y se interesó también por la física y las matemáticas. Desde una edad temprana, Duchamp se orientó hacia dos cuestiones: ¿Se pueden producir obras de arte mentales que no se basen en efectos primariamente retinianos? ¿Es posible producir obras que no sean obras de arte? Su serie de objetos manufacturados ––escogidos, firmados, expuestos y bautizados “readymades“– y su Gran Vidrio (La novia desnudada por sus solteros, incluso, 1913-1923, acompañado de extensas notas y dibujos publicados) despliegan una inteligencia inquieta y juguetona que a veces buscaba un refinado estado estético. Duchamp demostró que podían inventarse nuevas formas de arte después del dominio del impresionismo. Siendo una persona retraída, disfrutó no obstante de la lealtad y el cariño de muchos amigos.» ¿Podemos mejorar esta escueta sinopsis? La valoración breve más penetrante de las realizaciones de Duchamp puede encontrarse en una docena de páginas a dos columnas cerca del comienzo del libro de William Rubin Dada and Surrealist Art (Abrams, 1969). Desde 1960 ha aparecido una multitud de escritos sobre todos los aspectos de la vida, las obras y la influencia de Duchamp. Así descubrimos, cualquiera que sea el significado de estos datos, que nunca aprendió a nadar, ni a conducir, ni a bailar ni a escribir a máquina; que su familia apoyó su decisión de ser artista aunque a los 18 años suspendió el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de París, y que este supuesto solitario dejó tras de sí una extensa correspondencia con familiares, amigos, admiradores y críticos. El joven Duchamp vuelve a la vida durante la breve secuencia de una partida de ajedrez en el soberbio film de vanguardia Entr ‘acte (1924), de René Clair y Picabia. Allí hace los gestos sueltos y desmañados de un adolescente, tal como le describiría Julien Levy dos décadas después y como yo mismo pude observarle en unos cuantos encuentros en los años sesenta. Una manera de situar el caso singular de Duchamp en el desarrollo del arte moderno y vanguardista es enumerar los diferentes papeles que desempeñó, cómodamente y con naturalidad, a través de muchas circunstancias sociales. 1. Despegado y lacónico por temperamento, Duchamp se comportaba con una serenidad irónica que aumentó con la edad. Algunos le consideraban un verdadero dandy, en la tradición baudeleriana de convertirse uno mismo en obra de arte; un aristócrata posrevolucionario. Su amigo Henri-Pierre Roché le dio el aval más seductor: «Su obra más bella es su uso del tiempo».\n7. Como asesor de coleccionistas de arte, galerías y museos, Duchamp tuvo una amplia influencia en el mercado de arte en los Estados Unidos durante medio siglo. John Quinn, Walter Arensberg, Katherine Dreier, Julien Levy, Peggy Guggenheim, Sidney Janis y Walter Hopps le escuchaban con confianza. En general, sus recomendaciones eran sólidas y libres de celos mezquinos. Sólo las formas más doctrinarias del expresionismo abstracto de la Escuela de Nueva York le incitaron a hacer observaciones ácidas. Este abstencionista no combatiente se las ingenió para situarse en el ojo del huracán que aún recorre el arte vanguardista. ¿Fue suerte o sagacidad? Durante su vida, su ejemplo proporcionó un impulso esencial para Dadá, el surrealismo, el Pop Art y el arte conceptual. Le dio su bendición a los Happenings. Durante el cuarto de siglo transcurrido desde la muerte de Duchamp, sus valores culturales han seguido subiendo. Entre el diluvio de estudios especializados, catálogos y volúmenes colectivos dedicados a él, no había aparecido hasta hace poco ninguna biografía a gran escala en francés ni en inglés. Ahora tenemos dos nuevos libros en inglés para el lector inteligente en general. Ellos prolongan la saga Duchamp con efectos que tendré que considerar despacio.\n2 Escritor de Nueva York y de la revista New Yorker, Calvin Tomkins publicó un ensayo admirativo de sesenta páginas sobre Duchamp en 1962. Aquel ensayo originó, tres años después, su libro The Bride and the Bachelors, en el que Duchamp aparece como la novia o el modelo de cuatro artistas de vanguardia: John Cage, Jean Tinguely, Robert Rauschenberg y Merce Cunningham. A través del azar, el humor y el coqueteo con lo vulgar, todos ellos rompieron la frontera entre el arte y la vida. Rellenando aquel homenaje de los sesenta, Tomkins ha producido una biografía legible y bien documentada de una figura esquiva. El libro en su conjunto sostiene que Duchamp es un artista ejemplar que dio forma a su vida con más éxito que a su arte. ¿Por qué entonces comienza Tomkins con un capítulo sobre el Gran Vidrio, si se siente obligado a decirnos casi desde el principio que esta obra multimedia «arroja relativamente poca luz sobre el misterio de Marcel Duchamp»? Las cosas se vuelven más claras cuando Tomkins comienza por el principio y se pone a describir la vida de Duchamp en una prosa narrativa bien acabada. Avanzando cronológicamente, Tomkins divide la vida en 28 capítulos o racimos de sucesos, que transmiten la sensación de una carrera episódica, alternando entre la retirada y la renovación. Tomkins ha descubierto una cantidad considerable de información nueva a partir de entrevistas con los supervivientes y con los hijos de aquellos que le trataron y de los archivos del Museo de Arte de Filadelfia, la Smithsonian Institution y otros. Estos materiales se refieren a la vida personal de Duchamp más que a su obra como artista. De los seis hijos del próspero notario normando Eugène Duchamp y de su tímida esposa, cuatro llegaron a ser artistas con la aprobación paterna y una modesta asignación. A los 17 años, una vez aprobado el bachillerato, Marcel siguió a sus dos hermanos mayores a París. Se relacionó con los artistes humoristiques y produjo caricaturas antes de ponerse a pintar, pasando por dos años de recapitulación de los principales estilos desde el impresionismo: fauvismo, cubismo y futurismo. En un capítulo titulado «El nuevo espíritu», Tomkins revisa el agitado ambiente intelectual de los años anteriores a la primera guerra mundial, desde el élan vital de Henri Bergson hasta el destructivo Père Ubu de Alfred Jarry. Hay una frase de Tomkins que merece nuestra atención: «Para los artistas más sensibles de esta época, además, el esfuerzo de convertir la vida en arte pudo parecer la única esperanza de cordura en un mundo donde Ubu había tomado el mando». Tomkins simpatiza con las tendencias estetizantes de la vanguardia frente a la violencia política creciente. No considera cuánto contribuyeron esas tendencias al desarrollo del fascismo en Italia y Alemania y del comunismo soviético en Rusia 1. Tres capítulos sobre los años cruciales de 1911 a 1914, que cubren la productiva visita de dos meses de Duchamp a Múnich en el verano de 1912, reúnen los acontecimientos en una secuencia cronológica algo confusa. Recobramos la orientación con la llegada triunfal de Duchamp a Nueva York, la repentina ampliación de su vida social, y su decisión de hacer pública su invención reciente, el readymade. Su fuerza destructora superó gradualmente la del Desnudo descendiendo una escalera. El readymade es un objeto manufacturado corriente, por ejemplo una pala de nieve, escogido por el artista, cuya firma presuntamente lo transforma en una obra de arte digna de ser expuesta y admirada en público. Una broma de atelier se convirtió así en un gesto revolucionario dirigido al corazón de la institución llamada «arte». Tomkins trata la primera visita de tres años de Duchamp a Nueva York con vivos detalles. Por entonces se produjo el alboroto en torno a la negativa de la exposición de los Independientes de 1917 a exponer un urinario sobre un pedestal firmado R. Mutt, el escultor apócrifo de Duchamp. Con esta pieza, titulada Fuente, Duchamp entró en la historia del arte por segunda vez en tres años y luego se retiró a Buenos Aires y Europa. Pasó la mayor parte de los años de entreguerras en Francia, compitiendo en torneos de ajedrez, publicando copias de sus notas y facsímiles en miniatura de su obra temprana, e impidiendo que las mujeres enamoradas de él entraran en su monástico apartamento. Sin detenerse en lo procaz ni en lo escandaloso, Tomkins descubre en la perezosa actitud de Duchamp hacia las mujeres un síntoma de su carácter. Mientras todos sus presuntos íntimos se quejaban de su retraimiento, ninguno parece haber renunciado a él como compañero. Tomkins exhumó una carta de Janet Flanner a Kay Boyle sobre Mary Reynolds, que fue la amante de Duchamp durante cuarenta años, en sus últimos días. Agonizante de un cáncer y padeciendo dolores, Reynolds no soportaba la compañía de nadie, ni siquiera de sus amigos; excepto la de Duchamp. Flanner recoge la explicación de Reynolds: «Marcel es la única persona que conozco que no era gente. Podía estar en una habitación conmigo y yo seguía sintiéndome sola».\nTomkins comenta oportunamente que éste era un extraño cumplido. Las páginas más sorprendentes de Tomkins se refieren a una hermosa y llamativa escultora de cuarenta años, Maria Martins, esposa del embajador brasileño y anfitriona de éxito en Washington. En los años posteriores a la segunda guerra mundial, ella fue la única pasión en la tranquila vida de Duchamp. Entre otras obras, él le regaló una amorfa pintura abstracta, Paisaje culpable. El análisis posterior estableció que uno de los medios usados era semen humano. Sin embargo, la hija de Martins consideraba aquella relación «más cerebral que física». En cualquier caso, al parecer Martins dio nuevo ímpetu al último de los grandes proyectos de Duchamp, Étant donnés… o , un espectáculo, visto a través de una mirilla, de lo que Duchamp llamaba en sus cartas «mi chica con el conejito abierto». En 1947 le envió a Martins el dibujo preliminar para el desnudo frontal sin cara y trabajó en secreto en el proyecto durante veinte años. En las últimas décadas de su vida, Duchamp superó algunos problemas de salud, se casó con una divorciada americana próxima al mundo del arte, mostró su falta de entusiasmo por el expresionismo abstracto como algo demasiado retiniano 2, y asistió al pujante resurgir de su posición e influencia como artista. Fueron los libros, no las exposiciones, los que lograron el cambio: Michel Sanouillet compiló las notas y escritos de Duchamp en Marchand du sel (1958); Robert Lebel publicó el primer estudio amplio, con catálogo ilustrado, Sur Marcel Duchamp, en 1959; y en 1960 se editaron las notas completas para La Novia desnudada por sus solteros, incluso o Gran Vidrio, en una versión tipográfica diseñada por el artista británico Richard Hamilton y traducida por el historiador del arte norteamericano George Heard Hamilton. Parecía una conspiración.\nLa exposición retrospectiva Duchamp en 1963 en el Museo de Arte de Pasadena, cuyo comisario fue Walter Hopps, atrajo una enorme atención de la prensa y de la crítica. Para entonces, la flaca figura de Duchamp se movía fácilmente de la tarima de las conferencias a los estrenos, las poses fotográficas o las entrevistas televisivas. Su inglés de acento encantador se había vuelto fluido. La Tate Gallery de Londres le dedicó una importante exposición en 1966. Dos años después, en Buffalo, durante el último año de su vida, asistió al estreno de Walkaround Time, una danza de la compañía de Merce Cunningham basada en el Gran Vidrio. El decorado de Jasper Johns reproducía imágenes del Vidrio en formas de plástico hinchables. Más tarde, Cunningham describiría cómo Duchamp subió las escaleras del escenario para unirse a los demás y recibir los aplausos: «Los ojos brillantes, la cabeza alta, nada de aquel mirar los escalones… Era un comediante nato». Duchamp murió súbita y calladamente aquel otoño en su apartamento de París. Tomkins no oculta sus simpatías por los hábitos de discreción y contención de Duchamp. Su biografía combina un amplio conocimiento de la figura y el fondo con un estilo que habitualmente maneja con destreza tanto la marcha del relato como el análisis de personas y obras de arte. Cuando es oportuno, Tomkins sabe distanciarse de las manifestaciones estúpidas del culto a Duchamp. En la cita siguiente vuelve su atención hacia los admiradores del artista (y se olvida del modificante suspendido al comienzo del pasaje). «Deslumbrados por su ejemplo, era muy fácil caer en la seductora falacia de que todo vale. Y es cierto que en arte todo vale, como Duchamp demostró con los readymades, pero sólo cuando el arte se aborda como él lo abordaba: no como autoexpresión o terapia o protesta social o cualquier otro de los usos a los que es sometido regularmente, sino como la actividad libre de una mente rigurosa y aventurada. La incapacidad para captar este punto esencial sobre la obra y la vida de Duchamp ha dado lugar en nuestro tiempo a una prodigiosa cantidad de arte aburrido y autocomplaciente, y en tal sentido es sin duda posible sostener que Duchamp ha sido una influencia destructiva.» El retrato de Tomkins no abandona el sentido común. Su biografía no será desplazada pronto. Volveré sobre el tema de la libertad. 3 Profesor de historia en la Universidad de Nueva York, Jerrold Seigel ha publicado un libro sobre Marx y una buena historia cultural, Bohemian Paris: Culture, Politics,and the Boundaries of Bourgeois Life, 1830-1930 (Viking, 1986). Su reciente libro sobre Duchamp es más breve y más ambicioso que el de Tomkins. Seigel ofrece, no una biografía que siga una vida singular, sino un estudio temático de la obra de Duchamp «para mostrar que su carrera forma un todo coherente… de ideas e impulsos interrelacionados, vinculados a una serie de temas personales que persistieron a lo largo de su vida». Sólo el marchante y autor italiano Arturo Schwarz, acechando el incesto y la alquimia en su profuso volumen The Complete Works of Marcel Duchamp (Abrams, 1969; edición revisada, 1996), ha afirmado tan rotundamente la coherencia. Seigel mantiene que ha descifrado el código Duchamp y que puede exponerlo ante nosotros en 250 páginas. Pese a incurrir de vez en cuando en una prosa expositiva, The Private Worlds of Marcel Duchamp merece atención más allá del campo especializado de los estudios sobre Duchamp. El capítulo 2, sobre el trasfondo decimonónico, y el capítulo 4, sobre el Gran Vidrio, y buena parte del capítulo 8, sobre el sentido del yo del artista, mantienen la atención del lector. En comparación, pesan más que los dos capítulos flojos, uno sobre los readymades y el otro al final, «El arte y sus libertades». Seigel tiene cosas importantes que decir sobre la historia del arte moderno, pero su teoría unificada de Duchamp no detendrá la marea de comentarios en años venideros. Uno de los primeros pasos de Seigel es explicar la enorme fama del Desnudo descendiendo una escalera en el Armory Show atribuyéndola al carisma weberiano de la persona de Duchamp. Esta explicación me parece engañosa. Duchamp no llegó a Nueva York a pasear su persona hasta dos años después. Y cuando lo hizo, a la gente su carácter le pareció relajado, atractivo y secreto, todo lo contrario del don divino del carisma. Seigel sostiene de modo pertinente que puede verse en Duchamp la culminación de una larga tradición de vanguardia que va de Baudelaire hasta Jarry, tradición que incluye la tendencia al culto a la personalidad y el desdén hacia el trabajo y la moralidad corriente, y que ofrece el estatus de artista sin necesidad de producir arte. El subtítulo del libro enumera los tres temas de que trata: el deseo, la liberación y el yo. Al comienzo, Seigel define el deseo en Duchamp citando frecuentemente su nota críptica de 1913 sobre el anhelo de poseer un objeto expuesto en un escaparate y la decepción consiguiente si se logra aquel objeto. En otras palabras, fantasía, imaginación y deseo proporcionan una recompensa superior a su consumación. Luego, en el último capítulo, Seigel reformula la actitud con un nuevo énfasis: «La libertad pura de Duchamp exige que el juego interior de la fantasía y el mundo de las cosas materiales se encuentren por completo en los términos del primero: se pierde cuando uno rompe el escaparate y descubre que los objetos que llaman desde allí sólo se entregan a la posesión imponiendo la realidad de sus limitaciones sobre el infinito anhelo del deseo. Tal libertad no puede experimentarse a través de la interacción directa con el mundo, sino sólo a cierta distancia, en la perpetua demora del Gran Vidrio, en la abstracción del tablero de ajedrez respecto a las relaciones sociales o en el recinto protegido de las Boîtes en valise [esto es, las cajas que contienen reproducciones en miniatura de 69 de sus obras que Duchamp reunió en 1939].» Tal libertad es «pura» porque no está mermada por ningún encuentro con el mundo contingente. La libertad a través de la abstención, a través de la renuncia. ¿Se trata de un nuevo ascetismo? ¿De un hedonismo superior? En modo alguno pretendo burlarme de esta línea de pensamiento y de conducta 3. Seigel consigue mostrar cómo este principio de la separación corresponde a ciertos aspectos de la vida personal de Duchamp, en particular a su relación con las mujeres. Y el capítulo sobre el Gran Vidrio presenta una obra irónica, incluso tonta, pero impresionante, que escenifica y celebra la libertad pura de la no consumación; una versión noble del coitus interruptus (Seigel no usa este término). Como han hecho otros críticos, incluyendo a Tomkins, Seigel contempla Dados, el lascivo «ambiente» de una mujer sin cara espatarrada en un lecho de ramas en un campo, como el exacto opuesto del Gran Vidrio. En Dados hallamos la naturaleza, el encuentro con la contingencia, la consumación, la decepción, el desastre. En el Gran Vidrio, un mundo mental, el retraimiento, la incomunicación, el incremento de la tensión, un permanente mantenerse aparte: «La capacidad del deseo para elevar a los seres humanos, macho o hembra, hasta el dominio de la imaginación se vuelve desilusión una vez que ellos se conforman con la mera posesión física». Sí, está claro el contraste entre el temprano Vidrio y el tardío Dados, y Duchamp sin duda así lo quiso. Pero Seigel omite un aspecto igualmente importante del peepshow de Dados. Durante años las aguas habían permanecido en calma en torno al hombre cuyo nombre hizo famoso el escándalo del Armory Show y luego Fuente, el urinario sobre un pedestal. ¿Había renunciado a su nicho en la historia del arte? Así parecía, pues casi nadie sabía que los planes de Duchamp llevaban al resto del mundo una ventaja de veinte años. Ese fue el tiempo que le llevó construir una explosión semi-póstuma que llevaría a cabo, en un momento cuidadosamente estudiado, la bofetada en la cara del gusto público. Dados ostenta, en efecto, algunos rasgos propios de un cuento moral; como si fuera una escena de la mañana siguiente de La carrera del libertino. Pero lo que esta obra representa ante todo es un regreso de Duchamp a las más tempranas caricaturas sociales obscenas de su juventud. Sigue siendo el chico que oculta una palabrota en un acróstico. Una respuesta anticipada es la risa –reírse de la fundación privada que compró Dados, reírse de los conservadores y patronos del Museo de Arte de Filadelfia que lo instalaron como una consumada obra de arte–. «El traje nuevo del Emperador» se escenifica diariamente en un augusto edificio municipal dedicado a los monumentos de la cultura. Pero rara vez brota esa risa. El desafío más conocido de Duchamp contra el límite entre arte y no-arte tomó la forma del readymade: una reductio ad absurdum del proceso creativo en la que el artista planta una firma en cualquier objeto designado. (Por ejemplo, él canonizó una rueda de bicicleta, un peine de perro, un cheque bancario y la funda de una máquina de escribir.) Duchamp ejercitó muy contadas veces este cortocircuito que ahorraba trabajo; nunca (excepto en caso de pérdida) escogió dos veces el mismo objeto, pero permitió que se hicieran y se vendieran facsímiles. ¿Cómo se integran estos objetos patrocinados por el artista en el «todo coherente» de ideas e impulsos que Siegel contempla como la vida y la obra de Duchamp? ¿Cómo se relacionan los readymades con obras tan minuciosamente concebidas, planificadas y construidas como el Gran Vidrio, que «vincula firmemente el arte con la trascendencia y con la libertad frente a la existencia material»? La respuesta de Siegel se basa en un fenómeno central en el universo mental de Duchamp: la homofonía o retruécano. «Readymade» equivale a «ready maid» [doncella dispuesta] y significa la Novia deseosa de alcanzar el «florecimiento» largamente anticipado. El lenguaje por sí solo fragua el vínculo. Pero Seigel reconoce la naturaleza conjetural de tal vínculo: «Es extraño, pero no parece existir prueba alguna de que Duchamp fuera consciente del retruécano que ligaba el Gran Vidrio con su giro hacia los objetos ordinarios: una novia desnudada es una doncella dispuesta [ready maid]. Pero parece imposible que no lo supiera.» Ésta me parece una base frágil para incluir los readymades dentro del mismo universo estético y personal que las obras sobre cuya manufactura Duchamp se tomó tantas molestias personales. Creo que hay algo más que un juego de palabras tras las obras artesanales, y tras los gestos aparentemente improvisados pero devastadores que produjeron la escasa docena de objetos catalogados como readymades. Habrá que profundizar mucho más para alcanzar un cimiento firme. A lo largo de los capítulos 6 y 8, Seigel habla cada vez más de la «aspiración [de Duchamp] a la experiencia de la trascendencia», confirmada por sus experimentos con el lenguaje.\nEl siguiente paso en este argumento asocia a Duchamp con Arthur Rimbaud, el poeta precoz que abandonó la poesía con poco más de veinte años para ir a la caza de fortuna. Seigel afirma que a través de un sereno distanciamiento «purificado de los residuos de la vida ordinaria», Duchamp alcanzó «una totalidad radical como la que Rimbaud buscaba en su programa desesperado de desarreglo de los sentidos». Este insistir en la trascendencia en un artista materialista no me deja satisfecho. The Private Worlds of Marcel Duchamp abunda en agudas observaciones e imprevistas perspectivas históricas. Pero la tesis de la totalidad radical basada en la trascendencia descansa finalmente en una tergiversación común de Duchamp. En sus notas y bocetos y dibujos mecánicos, Duchamp empieza a parecerse misteriosamente a Leonardo da Vinci y nos anima a tratarle como a un maestro. Sin embargo, debemos avanzar con cuidado. Es posible que estemos tomando demasiado en serio al bufón de corte del vanguardismo. 4 Tanto en el estudio de Seigel como en la biografía de Tomkins, la ejemplaridad de Duchamp para los artistas modernos consiste en la libertad que creó para sí mismo. Para Seigel, es la libertad de sondear su yo profundo; para Tomkins, la libertad de hacer arte. Este último, en sus páginas finales sobre la influencia liberadora de Duchamp, declara que éste «demostró con su propio ejemplo que la meta del arte no es la obra misma sino la libertad de hacerlo». En la medida en que las tradiciones de la vanguardia y de la bohemia nos han llevado a creer en un mito del arbitrio personal sin restricciones sociales, no han beneficiado ni a la vida ni al arte. Pues lo que se encuentra en tal dirección no es tanto la ligereza y el distanciamiento que Seigel y Tomkins contemplan cuanto la posibilidad del egoísmo, la crueldad y los estragos a los que ellos cierran los ojos. La vida de Rimbaud, entendida plenamente, podría haberles iluminado. Tomkins y Seigel construyen sendos relatos fiables del otoño de 1912 y la primavera de 1913. Aquellos meses precipitaron la decisión de Duchamp de abandonar las convenciones e innovaciones de la pintura occidental, que él había aprendido parcialmente, en aras del arte por otros medios. Ambos libros insisten en la loca fascinación de Duchamp por Jarry, creador de Père Ubu y de la grandiosa ciencia de la Patafísica, y por Raymond Roussel, cuyas obras de teatro y novelas escenifican un mundo de pura fantasía verbal. Pero Tomkins y Seigel se ocupan sólo de pasada de un aspecto importante de la cultura del cambio de siglo. Éste es tratado a fondo en un capítulo de un libro reciente de Jeffrey Weiss, The Popular Culture of Modern Art: Picasso, Duchamp and Avant-Gardism. Basándose primariamente en periódicos y revistas, Weiss esboza la historia de la blague (la broma de atelier) y la mystification como acusaciones comunes esgrimidas en Francia contra los artistas, aproximadamente desde Manet hasta los cubistas y sin excluir a los escritores. Una famosa parodia de la poesía decadente, Deliquéscences, poèmes décadents d’Adoré Floupette (1885), engañó a tanta gente que hoy día constituye un capítulo de la historia literaria. Tanto por divertirse como por burlarse de la libertad irrefrenada del Salon des Indépendants, exento de jurado, algunos bromistas del cabaret Lapin Agile presentaron un lienzo pintado por los latigazos de la cola del burro Lolo. Expuesta con un título impresionista, la obra fue atribuida a un pintor inexistente, Boronali. La blague fue filtrada a la prensa carcajeante y, algunos años después, inspiró una de las escuelas de la vanguardia rusa, que se llamó «Cola de Asno». Caricaturistas y columnistas trataron a los artistas fauves, cubistas y futuristas como bromistas y charlatanes que vendían cosas sin valor. En 1912, la Cámara de diputados francesa fue escenario de una disputa muy divulgada sobre la supuesta ofensa a la nación y al Grand Palais cometida al permitir a los cubistas «criminales» y «rufianes» exponer sus obras allí en el Salon d’Automne. Weiss documenta el hecho de que el espectáculo de un artista firmando un lienzo en blanco y endosándolo como obra de arte tenía una historia en el music-hall y la caricatura que se remonta a 1877. La escuela paródica del Amorfismo reclamaba un espacio sustancial en el diario ParisMidi y defendía «dejar al observador [...] que reconstruya la forma». Duchamp y otros se harían eco de estas palabras medio siglo más tarde. La casi definitiva monografía de Francis Naumann de 1994, New York Dada 1915-23, así como el catálogo que el mismo autor editó dos años después para la reciente exposición del Whitney Museum, presta una amplia atención al motivo del humor en las aportaciones tanto europeas como americanas a las extravagancias en Nueva York. Pero Naumann no ve más allá de una euforia sexualizada y maquinista, y deja sin explorar los dominios más oscuros de la blague y la mystification. Corresponde a Abraham A. Davidson, quien aporta un breve ensayo al catálogo del Whitney, detectar «una seriedad mortal», una vena de nihilismo, bajo las travesuras neoyorquinas de dadaístas europeos como Duchamp y Picabia. Los dadaístas americanos como Man Ray y Joseph Stella, más festivos, se dedicaban a crear un estado de ánimo alegre más que a minar una tradición. El sustrato europeo de la blague y la mystification, en parte amable y en parte conspiratorio, es esencial para entender un episodio que ni Tomkins ni Seigel tratan adecuadamente. Duchamp contribuyó a fundar la Sociedad Neoyorquina de Artistas Independientes, cuyas exposiciones prescindían del jurado y de los premios como su precursora francesa. Actuó como presidente del comité organizador para la primera gran exposición en abril de 1917, en el mismo momento en que los Estados Unidos declaraban la guerra a Alemania. Una hora antes de la inauguración, dimitió del comité como protesta cuando la escultura titulada Fuente y firmada R. Mutt – un urinario masculino sobre un pedestal– fue rechazada por no ser «según ninguna definición, una obra de arte». Alfred Stieglitz fotografió el impertinente sanitario y de este modo lo certificó como objeto estético. Los periódicos divulgaron la historia; luego el urinario desapareció de la vista.\nLa pequeña revista de Duchamp Blind Man, publicó una información detallada desde dentro, reproduciendo la fotografía de Stieglitz, con un editorial y dos artículos firmados defendiendo la escultura contra la exclusión. Sólo gradualmente se divulgó que Duchamp había planeado y ejecutado el incidente para poner a prueba la buena fe de los Independientes. Una recopilación de charlas, publicada con el título The Definitively UnfinishedMarcelDuchamp (1991), dedica 150 páginas a dos estudios que cubren todas las facetas del episodio de Fuente. William Camfield resume su extensa investigación sobre el tema y establece que, para los admiradores de Duchamp, el encumbrado urinario posee, como la mayoría de los demás readymades, un atractivo estético formal que llevó a llamarlo el Buda y la Madonna del cuarto de baño. La historia del arte ha apilado montañas de textos en torno al timo llamado Fuente, tratándolo como fetiche, anti-arte, símbolo oculto, pura forma sensual y arte-como-filosofía. Camfield está convencido de su lugar creciente en la historia del arte. En el mismo volumen, un historiador del arte belga-canadiense, Thierry de Duve, insiste mucho en cómo Duchamp «se metió a todo el mundo en el bolsillo» usando la astucia y el fraude en el asunto de Fuente. Creciéndose con entusiasmo en la discusión que siguió a su charla, Duve celebra el hecho de que un urinario pueda convertirse en arte y señala a Duchamp como la «palanca con que levantar de nuevo el mundo estético». Duve continúa preguntándose de modo inconcluyente cuál es la fuente de legitimidad para un artista que firma y hace nacer una obra como Fuente (¿somos todos artistas?) y para los conservadores de museo y las instituciones que podrían acreditarla. En la montaña de publicaciones recientes sobre él, Duchamp se nos presenta todavía envuelto en perplejidades. 5 Para atravesar estas perplejidades, estoy dispuesto a proponer que a través de los largos trechos tranquilos y de los ocasionales incidentes ruidosos de sus ochenta y un años, Duchamp logró tres cosas. Las pongo en orden de importancia histórico-artística decreciente. 1. Antes de cumplir los cuarenta, Duchamp produjo unas pocas obras de arte sumamente personales y originales, muy diferentes entre sí y casi todas expuestas hoy en un mismo lugar: el Philadelphia Museum of Art. La lista escueta incluye El arbusto (1910-1911); Desnudo descendiendo una escalera, número 2 (1912); La novia (1912); Tu m’ (1918); Para ser mirado (desde el otro lado del vidrio) con un ojo… (1918) y La Novia desnudada por sus solteros, incluso (1915-1923). He omitido todos los readymades y su última construcción, Dados (1946-1966). A los que conozcan las obras que he enumerado no habrá que recordarles cuán insistentemente tienen como tema el acto sensual de mirar. Este artista de la mente nunca pudo desprenderse del ojo al que deseaba someter. 2. Trabajando desde el juguete casual de Rueda de bicicleta (1913) a través de la hábil subversión de Fuente hasta el pícaro acertijo de L.H.O.O.Q. (1919) (Mona Lisa afeada con bigote y perilla), Duchamp maquinó los readymades como un desafío a la soberanía del arte occidental. Sigo viéndolos en una tradición carnavalesca como obras de arte por un día, que luego se hunden en un estatus accesorio de obras en la historia del arte. Podrían ser coleccionadas en un equivalente de la Smithsonian Institution. Igual que la Smithsonian Institution alberga el avión de Lindbergh, que ya no vuela, podríamos construir un museo de los objetos heteróclitos que fueron arte alguna vez 4.\nMarcel Duchamp and model play chess at The Pasadena Art Museum in December 1963. Julian Wasser for Time Magazine. Photo ©1963 Julian Wasser. All Rights Reserved.\nLa idea del arte espurio o arte por un mero «hágase» que representan los readymades ha fascinado a ciertos filósofos como Arthur Danto y ha orientado a buena parte de la crítica y la historia del arte hacia la estética y la abstrusa disciplina de la ontología. Pero, en realidad, los readymades pertenecen a un categoría más simple y más fundamental del arte en general y del arte de Duchamp en particular. Cuando se asocian con la tendencia compulsiva al retruécano verbal y visual como medio de saltar entre distintos marcos de referencia, y con medios poco comunes como el vidrio y la madera, los readymades se reúnen y fluyen en un principio de metamorfosis universal. Duchamp es nuestro Ovidio maquinista del objeto industrial y de todo lo demás a su alcance. Una ventana francesa [french window], a través de permutaciones cuidadosamente controladas pero imprevistas, incluyendo el hablar con catarro nasal, se convierte en Fresh Widow [viuda fresca] (1920). Duchamp construyó una maqueta de una ventana ocluida con cuero negro que obstruye en vez de permitir la visión. Usando equívocos verbales, visuales y metafísicos se puede transformar cualquier cosa en cualquier otra. Al aplicar el principio de la metamorfosis en el área sumamente sensible de la estética, los readymades localizan el hueso de la risa colectivo. Nos reímos de nuestra propia incomodidad en cuanto a lo que es y lo que no es arte. 3. Tomkins y Siegel y otros autores fidedignos que escriben sobre Duchamp no nos lo pintan motivado por el afán de dinero, de mujeres, de poder o de una verdad última esotérica o alquímica. Rechazó contratos de marchantes de arte y propuestas de mujeres ricas a fin de vivir, como un Thoreau de nuestros días, con un mínimo de necesidades. Parecía contento con su suerte y con flotar respondiendo a las demandas de otros. El resto de su tiempo –varias horas al día durante la mayor parte de su edad adulta– los dedicó a una actividad en la cual quien se limita a flotar se busca la derrota: el ajedrez. En un período de su vida, Duchamp fue un entretenido objetor de la política, la terapia y las orgías de autoexpresión que han importunado a los artistas desde los años veinte. Decía haberse retirado. En otro período, se entrenó incansablemente para ser un jefe victorioso en una contienda bélica que exige vigilancia y planificación. ¿Llegó a unir alguna vez estos dos lados de su temperamento y de su vida? Creo que lo hizo, de manera evidente, en la estrategia total de su carrera, que fue amortiguada, ocasionalmente escandalosa y en fin alcanzó un éxito sorprendente. En algún punto entre el inesperado destino del Desnudo descendiendo una escalera (rechazado primero en 1912 por su propio círculo familiar de cubistas, y un año después llamada a ser la obra con más publicidad del Armory Show) y el episodio de Fuente en 1917, Duchamp decidió hacer una apuesta consigo mismo sobre la cultura artística e intelectual a la cual pertenecía. Apostó a que podía ganar la partida sin hacer prácticamente nada, con sólo quedarse sentado. Su táctica mínima, cuidadosamente planeada, exigía que firmara sólo unos cuantos objetos cuidadosamente seleccionados. Usada con habilidad, esa táctica le traería la única cosa que quería: fama. Y aquel paso coincidió con su plan ya formado de abandonar la pintura en el sentido tradicional. Envuelto en notas arcanas e irreparablemente roto durante su transporte, el Gran Vidrio encajó con facilidad en esta mistificación de toda una vida. Duchamp, el prudente operario inexpresivo que maquinaba estas travesuras, nunca se delató. La estrategia funcionó perfectamente. Sí, nos metió a todos en su bolsillo 5. Estafó incluso a sus amigos y al Museo de Arte de Filadelfia haciéndoles creer que el indecente diorama Dados debía ser considerado una obra de arte. Después de todo, lo había mantenido escondido durante veinte años. Medio siglo después de que Fuente fuera excluida de una exposición, Dados fue abrazado sin oposición por un museo distinguido. Sigo creyendo que la obra representa el «definitivo y más audaz de los timos en la historia del arte, perpetrado (con su connivencia) sobre museos, críticos, historiadores del arte, reseñistas de libros, un público pasmado y él mismo» 6.\nLos comentarios impacientes y perspicaces de Clement Greenberg poco después de la muerte de Duchamp sugieren que Greenberg albergaba una opinión parecida pero no tuvo estómago para llamar a Duchamp blagueur y mistificador. Pero hemos aprendido a respetar a los embaucadores, a los Till Eulenspiegel de nuestra condición civilizada. En su nota para un prefacio no escrito para Las flores del mal, Baudelaire aconsejaba al artista que no revelara sus secretos más íntimos; y así revelaba el suyo propio: «¿Acaso mostramos a un público ora aturdido, ora indiferente, el funcionamiento de nuestros artificios? ¿Explicamos todas esas revisiones y variaciones improvisadas, hasta el modo en que nuestros impulsos más sinceros se mezclan con trucos y con el charlatanismo indispensable para la amalgama de la obra?» En este pasaje, el charlatanismo se convierte casi en sinónimo de «imaginación». Las dos grandes novelas sobre charlatanismo que retratan a un estafador, la obra de Melville de 1867 que lleva ese título y la novela inacabada de Thomas Mann Confesiones del estafador Felix Krull (1954), transmiten una latente admiración hacia el ser humano que puede metamorfosearse en múltiples identidades. El extranjero en el barco fluvial de Melville ejecuta una broma maravillosamente duchampiana sobre sí mismo, sobre los demás pasajeros y sobre el lector al pegar «un cartel junto al despacho del capitán, ofreciendo una recompensa por la captura de un misterioso impostor, supuestamente recién llegado del Este; un genio original en su vocación, se diría, si bien no estaba claro en qué consistía su originalidad». Nadie atrapa al extraño impostor de Melville; como nadie atrapa tampoco a Duchamp. Felix Krull disfruta viendo el mundo como un tablero de ajedrez sobre el cual puede manipular las piezas a voluntad y cultiva su ambición y su conocimiento de las maneras del mundo pasando días enteros mirando los escaparates elegantes. Una vez más, una novela arroja luz sobre el universo camuflado de Duchamp. La formación de Duchamp como artista no excluye su proeza como impostor. La fría hazaña de Duchamp reside, más allá de sus obras de arte y de no-arte, en haber ganado la apuesta de que podía embaucar al mundo del arte para que le honrara sobre la base de credenciales falsificadas. Por otra parte, las credenciales eran auténticas si las examinamos a la luz de la tradición alternativa de la blague y la mystifi-cation. Puedo oír a Duchamp riéndose todavía entre los sanitarios celestiales no sólo de nuestra credulidad sino también de los estafadores inferiores que buscan su recompensa no en la risa, sino en el dinero o en el sexo o en el poder; o en la fama convencional. Cuando Duchamp subió a escena al final de su vida para recibir los aplausos, no tuvo que mirar los escalones. Por un largo y cuidadoso cálculo, sabía exactamente dónde estaban. Lo había planeado todo como un Maestro 7.\nJEFFREY WEISS : The Popular Culture of Modern Art: Picasso, Duchamp, and Avant-Gardism, Yale University Press.\nTHIERRY DE DUVE (editor): TheDefinitively Unfinished Marcel Duchamp, MIT Press.\nFRANCIS M. NAUMANN : New YorkDada 1915-23, Abrams.\nFRANCIS M. NAUMANN WITH BETH VENN (eds.): Making Mischief:Dada Invades New York, Whitney Museum of American Art/Abrams.\n1. Véase mi ensayo «Old Ideas, a New Book», en Salmagundi, otoño 1989, que incluye una discusión del libro de Modris Ekstein Rites of Spring (Houghton Mifflin, 1989). ↩\n2. Se ha utilizado mucho la declaración de Duchamp a James Johnson Sweeney en 1946, en la que atribuía a Courbet el énfasis moderno en el aspecto físico de la pintura: «Me interesaban las ideas, no simplemente los productos visuales. Quería poner a la pintura de nuevo al servicio de la mente». Duchamp se refería con frecuencia al indeseable lado «retiniano» de la pintura. Estas opiniones citando a Courbet como quien sacó a la pintura del dominio de la mente y la subordinó a la retina proceden verbatim de la primera página del ensayo de Gleizes y Metzinger Du cubisme (1912). Cualquiera que sea su fuente, estas opiniones no hacen plena justicia a la obra socialmente radical y de búsqueda intelectual de Courbet. Y las observaciones de Duchamp implican una distinción simplista entre mental y retiniano que es difícil de sostener en el caso del mismo Duchamp, y en los de la mayoría de los pintores modernos desde Turner hasta Cézanne, hasta O’Keeffe o Clifford Still. La mente y el ojo son casi inseparables en cualquier persona que ve, y especialmente en un artista. ↩\n3. Examino la importancia de este tema en Emily Dickinson y Madame de Lafayette en el capítulo cuarto de mi libro Forbidden Knowledge: From Prometheus to Pornography (St. Martin’s, 1996): Algunos fragmentos de este capítulo aparecieron en estas páginas en los números del 6 y 20 de junio de 1996. ↩\n4. Véanse mis observaciones en el simposium de 1961 que incluía Duchamp, «The Art of Assemblage». Las actas completas están publicadas en Studies in Modern Art, núm. 2 (1992). En aquella ocasión, Duchamp leyó su definitivo tratamiento del asunto en media página: «A Propos of Readymades». ↩\n5. Para el contraste y la comparación, mencionaré otros tres timos famosos. Finnegans Wake (1939) de James Joyce tardó en producirse 18 años. Su íntimo amigo y principal rival literario, Oliver St. John Gogarty (el modelo para el Buck Mulligan del Ulysses), se burló de los admiradores del libro como «víctimas de un gigantesco fraude, de una de las mayores tomaduras de pelo de la historia». En 1984 apareció en francés un libro ––Le Miroir qui revient– que atribuía los orígenes de la escuela francesa de la «Nueva novela» a una impostura. Esta inteligente mistificación fue lanzada supuestamente por Alain Robbe-Grillet y secundada por el crítico académico Roland Barthes. Los devotos de le nouveau roman prefirieron mirar hacia otro lado, puesto que el autor del exposé era el propio Robbe-Grillet. Éste describe la facilidad con la que él y Barthes desacreditaron las nociones de autor, narrativa y realidad y se refiere a aquella maniobra como «las actividades terroristas de los años 55 al 60». Al confesar sus astutos cálculos en los años cincuenta sobre cómo demarcar y reclamar un lugar prominente en la vida literaria francesa, Robbe-Grillet no se degrada a sí mismo. Se supera a sí mismo como estafador. Con dignidad y seguridad, Le Miroir qui revient gana un nuevo título para la autobiografía de ficción. Robbe-Grillet, un jugador magistral del juego literario, nunca yerra un golpe cuando permite a su entero corpus de nuevas novelas asumir el estatus de una apuesta o un bluff. El hecho de que representen un número ganador en los lotería literaria no les quita un ápice de la gran calidad de su escritura. Adoré Floupette apenas produjo un librito de versos decadentes falsificados. Robbe-Grillet compuso más de una docena de nuevas novelas; y prendieron tan bien que el impostor puede contar ahora su propia historia con perfecta seguridad. A veces se acerca a la jactancia. ↩\n6. Roger Shattuck: The Innocent Eye (Farrar, Straus and Giroux, 1984), pág. 70. ↩\n7. Deseo dar las gracias a Hellmut Wohl por sus comentarios sobre un boceto de esta reseña. Él no está de acuerdo en modo alguno con todos mis comentarios e interpretaciones. ↩\nMayo 30th, 2010 Mayo 30th, 2010\nElina Brotherus. Model Study 14, 2004\nCon un siglo de diferencia, tanto la fotografía contemporánea como la fotografía pictorialista pertenecen a momentos en los que la fotografía se inscribe en la historia afirmándose como práctica artística. Sin embargo, la cuestión no es saber si algunos artistas contemporáneos retoman las técnicas y los efectos de la fotografía pictorialista de los años noventa del s. XIX. La cuestión no es una herencia, ya que esta filiación no existe. Por el contrario, estos dos momentos históricos, si los comparamos, permiten observar la permanencia de una estética que privilegia la imagen “construida” sobre la imagen “natural” en fotografía.\nEdgar Degas. After the Bath, Woman Drying Her Back, 1896\nToda una parte de la fotografía se puede definir como una imagen “construida”. Esta fotografía se desvía voluntariamente de una concepción de la imagen natural que comprende la fotografía como el registro directo de la luz, y, por lo tanto, como una huella fiel del mundo. La fotografía construida opone a la creencia de la transparencia del registro la fuerza expresiva de las puestas en escena y de la plástica fotográfica. Del mismo modo, se opone, lógicamente, a una estética de los efectos naturalistas desarrollada por la tradición del reportaje y del fotoperiodismo. Paradójicamente, la imagen construida está más cercana, aún siendo radicalmente distinta, de la estética documental. Como la imagen de style documental –en este caso el documento está pensado más allá del valor de uso–, la imagen construida afirma su valor de artefacto, su naturaleza reflexionada, donde la representación no aparece nunca como “dada” sino como “creada”, manteniendo así el mundo a distancia. Imagen construida y estilo documental, opuestos estilísticamente, son ambos, sin embargo, modos de objetivación.\nJeff Wall. The Thinker, 1986\nLos momentos en los que la fotografía y el arte poseen una historia común, son también los momentos en que la fotografía ha estado comprometida como representación. Tras los siglos XIX y XX, el Pictorialismo ha encarnado el primer movimiento artístico constituido en torno a la fotografía. Toda su estética fue fundada sobre la idea de una fotografía construida. ¿Acaso es ésta la razón por la que el Pictorialismo ha sido caricaturizado durante mucho tiempo como un “error” histórico, o como una “herejía estética”, mientras triunfaban la straight photography y la estética modernista? Esta fotografía “impura” denunciada por los “puristas” ha tomado la forma histórica de fotografía degenerada. Sin embargo, a partir de los años ochenta y tras la aparición de la fotografía contemporánea, de forma más o menos consciente, dicha fotografía pictorialista ha vuelto a convertirse –en su impureza misma– en una referencia estética a la que se mira de forma diferente. (…)\nEXIT No 30 Pictoralismo Mayo/junio/julio 2008\nPrimera monográfica de Bas Jan Ader en España\nMayo 28th, 2010 Mayo 28th, 2010\nPosted in Memorias, Textos\nEl CGAC rememora el trágico fallecimiento del creador holandés\nSantiago de Compostela, 28/05/2010\nNacido en Holanda en 1942, Bas Jan Ader residió en California desde su juventud y forma parte de la primera generación de artistas conceptuales surgida en Los Ángeles a mediados de la década de los sesenta. En 1975 trató de cruzar el océano Atlántico, desde Estados Unidos hasta Europa y en un bote de tan sólo cuatro metros y medio de eslora, para completar su proyecto “In Search of the Miraculous” y, meses después del inicio de su arriesgada aventura, fue hallado muerto en el caladero del Gran Sol por un barco pesquero coruñés, hecho en torno al que se articula la muestra que hasta el 5 de septiembre podremos visitar en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo.\nEn Santiago de Compostela se expondrán materiales recogidos en 2005 relativos a la desaparición del bote de Jan Ader, como el expediente de la comandancia de marina, varios manuscritos, un documental en el que participan los responsables del rescate, varias fotografías del bote en La Coruña antes de su misteriosa desaparición, libros sobre travesías en océano, cartas naúticas…, que mostrados juntos documentan la que podríamos considerar una simbólica y nueva obra póstuma del neerlandés.\nCompletan “In Search of the Miraculous: treinta años después” una selección de obras realizadas por Bas Jan Ader entre 1967 y 1974 y vinculadas a los motivos más presentes en su producción (el fracaso, la caída, la desaparición y la aventura, tan ligados a su propia vida) y una recreación de la exposición que en 1975 protagonizó en la galería Claire Copley de Los Ángeles, donde mostró la primera fase del proyecto “In Search of the Miraculous”.\nLa figura de Bas Jan Ader trasciende lo artístico y se ha convertido en todo un enigmático mito de la cultura contemporánea. Es por ello que el planteamiento de esta exposición combina lo objetivo y lo subjetivo, uniendo realidad y leyenda.\nEl lio de la MADONNA\nMayo 25th, 2010 Mayo 25th, 2010\nhistoria de un cuadro original de Rafael que apareció en una tienda de obleas\nDespués de 70 años, el colombiano heredero de un cuadro original del pintor italiano logró encontrarlo en una bóveda en Nueva York y reconstruir toda su historia.\nTodo comenzó un domingo soleado de diciembre de 1938, cuando una pareja, al salir de misa, decidió ir de paseo al campo, hacia la población de Madrid (Cundinamarca). Cuando ya llevaban un rato de viaje, la señora, que esperaba un hijo, le pidió a su esposo detenerse en alguna tienda para tomar agua.\nEntonces, llegaron a un conocido negocio de Fontibón, donde unas amigas vendían viandas típicas, como obleas, pandeyucas y masato. De pronto, el señor, un artista graduado de la Escuela de Bellas Artes de Chicago (E.U.), le señaló a su esposa un cuadro mediano (de 70 X 84 cm.) que estaba colgado en una pared y le dijo: “Si ese cuadro es un original, me atrevería a afirmar de que es el mejor cuadro que ha pisado América”.\nLe pidió permiso a la dueña para descolgarlo, lo sacó a la luz y le comentó, nervioso, a su mujer, que no se trataba de una copia, y que estaba casi seguro que era del pintor italiano Rafael Sanzio de Urbino.\nQuien lo aseguraba era el pintor colombiano Santiago Martínez Delgado, autor del famoso mural de Bolívar y Santander en el Congreso de Ocaña, que se encuentra en el salón Elíptico del Congreso Nacional.\n“Él le propuso a la dueña comprarle el derecho a estudiar el cuadro. Ese derecho le garantizaba la posibilidad de llevarlo al lugar adonde necesitara para que lo indagaran y la seguridad de asesorarla cuando lo fueran a vender, en pleno ambiente de preguerra”, explica el escritor Santiago Martínez Concha, hijo del artista.\nAnte la difícil situación económica por la que pasaba, la señora del local de obleas aceptó el trato y Martínez Delgado inició un minucioso estudio del cuadro.\nPara la amante de Rafael\nDescubrió que la modelo era la Fornarina, la tercera y última de las amantes de Rafael, quien antes de morir le dejó a ella el cuadro.\n“Se quiso casar con ella, pero ninguno de los dos Papas para los que trabajó (Julio II y León X) lo autorizaron, porque consideraban que él era un noble maestro pintor y no podían permitir un matrimonio morganático, como se llamaba ese tipo de uniones”, agrega el autor.\nMeses más tarde, esta mujer se volvió amante del conde de Montmorency, segundo hombre más importante de la corte del rey Francisco I de Francia.\nCuando el rey vio el cuadro, se lo compró a la Fornarina por quinientos ducados, y ordenó colgarlo en su tienda de campaña durante la correría que finalizó en la Batalla de Pavía (Italia), en la que resultó vencido por las fuerzas del rey Carlos V, al mando del capitán de guardia Gonzalo Suárez Rondón.\nAl llegar este ante el rey Carlos V con los detenidos y sus valiosas pertenencias, el monarca, en agradecimiento, decidió regalarle el cuadro de la Madonna.\nEntonces, Suárez Rondón emprendió viaje a América, deslumbrado por la leyenda de El Dorado, y fundó la ciudad de Tunja, en donde finalizó sus días.\nAl morir, el cuadro fue legado al convento de San Agustín: “Imagínese, la obra aguantó toda la Conquista, la Colonia, el terremoto de Bogotá, las diez guerras civiles del siglo XIX y luego pasó a Fontibón a la casa de unos parientes del monje agustino fray Domingo Ospina Camacho, que lo estuvo escondiendo de la soldadesca”, explica el autor del libro que reconstruye esta historia.\n‘Tengo un original de Rafael’\nUna vez resuelta la manera como terminó en tierras americanas, el artista Martínez Perdomo sabía que, si se trataba de un Rafael original, debía tener debajo de la pintura los rastros del artista. El pintor italiano siempre hacía un bosquejo del esqueleto de la figura a base de círculos concéntricos, que luego iba rellenando con capas de pintura, con una técnica conocida como la punta de plata, que también aplicó su contemporáneo Leonardo da Vinci.\n“Entonces, se llevó el cuadro a la Clínica Moderna de Bogotá para tomarle radiografías. La gente empezó a decir: este señor se chifló. La prensa se enteró de todo este escándalo, y cuando salieron la estructura ósea y los círculos concéntricos debajo de la capa de pintura, mi papá aseguró: tengo un original de Rafael”.\nCon los documentos históricos de la obra, las radiografías y el cuadro, el descubridor viajó a la Escuela de Bellas Artes de Chicago (E.U.) para iniciar los trámites de la certificación. Coincidía, en esos días, la Feria de Arte de Nueva York, que reunía a los restauradores más prestantes del mundo, quienes al enterarse de la existencia del cuadro viajaron hasta Chicago para estudiarlo.\n“El escándalo también salió en los principales diarios y revistas de ese país, Newsweek, Life. Yo tengo todos los recortes de prensa. Luego, lo certificaron como un auténtico Rafael - por cierto, de muy buen momento, pues era su madurez-” cuenta Martínez, y agrega que en ese momento (1939)un emisario nazi le ofreció 100 mil dólares a su padre para que se lo vendiera.\nLa extraña desaparición del cuadro\n“La dueña del cuadro, la señora del negocio de obleas en Fontibón, se radicó en Estados Unidos con sus hijas, en donde mi papá le consiguió empleo en el consulado de Colombia y luego en la aerolínea Pan American. Finalmente, él le compró la obra pagándole con parte de su propia obra, durante varios años, un crédito que pidió a la Academia de las Artes, y otros dos préstamos más que les pidió a un comerciante y a un judío de apellido Tartar, de Nueva York. Entre ellos financiaron la compra de la obra “.\n“La Segunda Guerra Mundial siguió su curso; mi papá se murió en 1954 sin dejar dicho en dónde estaba el cuadro”, comenta el autor.\nPasaron más de 50 años, hasta que el arquitecto Martínez Concha logró descifrar el rompecabezas que había dejado su padre minuciosamente detallado en una carta secreta.\n“Antes de morir, mi mamá me entregó una llavecita de oro que llevaba en una cadena pegada al cuello, que tenía grabado el número 444, y la frase: Este es el cordero de Dios”, agrega Martínez Concha.\nY comenzó la búsqueda. Encontró a los descendientes del señor Tartar, amigo de su padre, quienes le contaron que también tenían la misma llave, pero de plata, con el número 999 y la inscripción: “Salve, María, llena eres de gracia”.\n“Ellos sabían que la llave abría el sagrario de una capilla que mi papá diseñó, en una finca de Cajicá (Cundinamarca), en donde murió. En la parte superior de ese sagrario apareció pegada una carta dirigida a mí para cuando yo creciera.Venía con dos sobres lacrados: el primero tenía la ‘R’, de Rafael, y el segundo, las iniciales de mi papá. Allí, aparecía especificado en dónde estaba el cuadro”.\nEn la carta, el padre de Martínez le explicó la manera como debía calcular un número, que correspondía al casillero de un banco suizo en Nueva York, en donde había guardado con sigilo la obra de arte que sólo podía encontrar si completaba las pistas.\nSe necesitaban el número, la llave de oro y una copia del certificado de defunción de su padre. Con todas las piezas juntas, Martínez viajó a Nueva York a reclamar la obra.\nPero, después de todo el periplo de un cuadro que había comenzado como un regalo a un amante de Rafael, que había vivido batallas en Europa y que había terminado en una tienda de obleas en Fontibón, el heredero de la multimillonaria obra se encontró con otra sorpresa.\nNo podía sacar el original de Rafael porque, tal como su padre había estipulado en un fideicomiso, debía reclamarlo antes de que se cumplieran 50 años de su muerte. De lo contrario, el cuadro debería completar 90 años en el banco y luego ser regresado a Bogotá, para entregarlo, nuevamente, a la iglesia de San Agustín.\n“Me había pasado. Llegué tres meses después de los 50 años de la muerte de mi padre, o sea que perdí la bobería de 100 millones de dólares. Por eso, lo único que me permitió el gerente del banco fue tomarme una foto al lado del cuadro en la bóveda. Imagino que dentro de 45 años, cuando yo ya esté muerto, llegará a Colombia en una especie de odisea, con todo y banda incluida”.\nEsta historia dio origen, desde 1939, al famoso dicho bogotano de ‘el lío de la Madonna’, por las noticias que en ese entonces dieron cuenta del cuadro, y que el arquitecto bogotano Santiago Martínez Concha escogió como título para el libro que acaba de publicar y en el que, de manera novelada, explica cómo se resolvió el enigma de la pintura.\nBy the way, 47 aliens landed in your backyard 0,251 seconds ago. WPMU Theme pack by WPMU-DEV.


Arequito vuelve a abrir el espacio público con espectáculo y feria de artesanos - CasildaPlus\nArequito vuelve a abrir el espacio público con espectáculo y feria de artesanos\nviernes 4 de diciembre de 2020 18:57\nLos artesanos vuelven a la plaza en Arequito.\nSe acerca el verano, se vienen las épocas festiva, el calor invita y luego de tanto encierro, comienzan a volver las actividades que tanto le gustan a la familia. En Arequito, este fin de semana, por primera vez en este 2020, volverá a abrirse el espacio de la Plaza San Martín para feriantes y artistas.\nLa Comuna organiza el evento denominado 'A orillas de la Plaza'. Una propuesta para que los pobladores locales vuelvan a tener un poco de recreación al aire libre. En un sitio emblemático, pero cuidando las metidas sanitarias y de distanciamiento vigentes en la actualidad.\nLos bares de alrededores podrán disponer del espacio público, también en la calle, para respetar el espacio corrector entre mesas. Además, se proyectan espectáculo al aire libre para que no falte color, y una feria de artesanos con un número limitado de stands.\n'A Orillas de la Plaza' será la primera experiencia en la cual se invita a los vecinos a socializar en medio de la pandemia. Más allá de que también hubo algunas funciones de Cine en pantalla gigante, aunque en ese caso con mínimos desplazamientos a través de automóviles.\nEl pedido de las autoridades es evitar las aglomeraciones, manejarse en grupos reducidos y utilizar el tapabocas mientras no se esté consumiendo. El cierre de las calles se dará poco antes de las 19 del domingo, hora pactada para el encuentro.\namplía el abanico\nHabilitaciones provinciales: jardines maternales, más deportes y espectáculos\nlun., 10 de may. de 2021 21:02


Juego En Lugo Página 7\nRankia ha iniciado un año más su juego de bolsa En colaboración con IG, por estar registrado en Rankia podrás acceder a una cuenta demo de IG con la cual podrás operar con un volumen de 100 000 euros en diferentes activos. Buenas tardes amigo tiene el carburador del hyundai exel 1.three año 98,espero pronta su respuesta gracias. Necesito el vidrio de la puerta corrediza del lado izquierdo de la CHRYSLER CARAVAN 3.3 MODELO 2005 si la tenes cuanto cuesta y como hago para que me la envíes.\nEl nombre no deja lugar a muchas dudas y sí, se trata de un simulador que te permite ir montando tu Computer orientado a los videojuegos en 3D. De esto nos damos cuenta en cuanto vamos viendo y eligiendo los componentes, dado que un ordenador para este uso requiere un mínimo de potencia y suministro de energía, así como una gráfica potente ( varias).\nTe comento q dos canchas totalmente instaladas y listas para trabajar, sea con 2 juegos de palos, two juegos de bochas y 20 pares de zapatillas( todos nuevos y SIN USO y de fabricacion nacional) todos estos elementos con garantia, tienen un valor de $ 50.000 pesos, por pago contado tenes un ten% de DESCUENTO, tambien se puede financiar hasta el 30% 40% en forma DIRECTA y EN PESOS, analicen que forma les conviene mas y nos adaptamos a vuestras necesidades, cualquier inquietud consulta NO DUDES en llamarme, TU CONSULTA NO MOLESTA, por el contrario, estamos para ayudarlo y trabajamos en favor del bowling, si te resulta mas conveniente, pasame tus numeros telefonicos y horarios disponibles y a la brevedad nos estaremos comunicando contigo, desde ya muchas gracias por confiar en nosotros y quedamos a tus ordenes.\nHola, necesito saber cuanta plata debo invertir para una casa de repuestos básicos. Buenas tardes, ocupo el tensor hidraulico de la banda de tiempo de un stratus 2.five L V6, si me pueden ayudar, espero su respuesta, gracias. Necesito los paneles de puerta del gol mod 93. y si tenes la luneta no el vidrio ,si no la tapa.soporte de los socalos que van en las puertas del lado de afuera espero tu repuesta.\nHola consulto si tienen culatas de ford ranger v6 4. año 99 y cuanto cuesta cada una si vienen provadas de forma hidráulica. Hola necesito el portón trasero de gol nation cuarta generación para alerón. Hola Franklin de que marcha es el piñon que necesitas para el Ford Escort año 1995, Saludos Jose.\nsi tienen una lista de precios common de sus productos. Hola, Tengo varios juegos de oficina tipo gerencial (escritorio, mesa television, armario, sillon presidencial) con muy poco uso y en exelente estado. Me gustaría obtener la lista de precio repuestos de motocicletas ‘gracias.\nHola podria enviarme un catalogo de precios de los productos que comercializa para motos,en especial de yamaha,desde ya muchas gracias,saludos santiago. Hola, necesito de nissan patrol 1998 10 plazas, opticas, parrilla con giros, faros traseros, espejo de puerta derecho, fender de guardabarro del.\nBy Secher Marquez\n© 2018 What Everybody Else Does When It Comes To Journaling And What You Should Do Different . Powered by Hugo


Consigue un corte perfecto fuera y dentro del agua con el WET&DRY de Rowenta\nHoy conocemos el cortapelos WET&DRY, que tal y como su nombre indica se puede usar fuera y dentro de la ducha. Si sois de los que tardáis cortándoos el pelo, la barba y todos aquellos pelos que sobran ¡podréis ahorrar tiempo arreglándoos bajo la ducha!\nEste cortapelos, ultraligero y flexible, es especial para cabello, barba y cuerpo. Cuenta con un peine de precisión para barbas con 3 posiciones: 6mm, 4mm y 2mm, lo que proporciona acabados de alta calidad para que vayáis siempre perfectos y a punto.\nSus cuchillas son de acero inoxidable, por lo que no se deterioran y son resistentes a la corrosión. Además, cuentan con un recubrimiento de Titanio que aporta una mayor resistencia al desgaste, y gracias al cual podéis conseguir un corte limpio y duradero.\nTiene 2 peines de corte de 3 a 29 mm, aceite y un cepillo limpiador para poder mantenerlo en perfectas condiciones. Que vaya sin cables lo hace cómodo de usar, así como también que se pueda utilizar hasta 45 minutos sin tener que recargarlo. ¡WET&DRY os ayudará a conseguir un corte perfecto dentro y fuera del agua!\nPodréis encontrar más detalles en su página web. Además os dejamos un link en el que tras un breve test podéis descubrir cuál es vuestro cortapelos perfecto.\n¿Qué os dice el test? Estamos deseando saber cuál es vuestro cortapelos perfecto.\nContadnos qué ventaja de poder arreglaros dentro de la ducha valoráis más.\nCompartir510 Compartir233 Compartir183 Compartir0 Comentarios2115\nEl cortapelos WET&DRY; le vendría genial a mi marido y yo sería una gran embajadora para dar a conocer este buen producto. En casa utilizamos la anterior Rowenta y estamos muy contentos con ella pero esta tiene que ser lo más.\nainhoa_tp hace 21 horas\nla rapidez de poder cortar tu pelo y al mismo tiempo ducharte y retirar todo el pelo sobrante o vello.\nRgtauro hace 18 horas\nraullois15 hace 22 horas\nA la vez que te cortas el pelo ya te quedas limpito, todo ventajas, y con más suavidad que hacerlo en seco xD\nBianka hace 9 horas\nAhorrar en tiempo!!! Desde luego!\nGofrerobolero hace 10 horas\nEl Factor tiempo es la clave!!!\nSilvs hace 10 horas\nPoder ahorrar tiempo ,rapidez,no ensuciar tanto\nverablasco7 hace 12 horas\ndoniblon hace 14 horas\nla comodidad de poder hacerlo en la ducha,ya me ahorro tener que lavar despues los pelillos que voy dejando\nzahia5varou hace 17 horas\nPrefiero arreglarme bajo la ducha porque ahorro tiempo y no ensucio. Además el agua ejerce un efecto calmante en la piel y ayuda a dejarla suave


"Revolución cultural" en San Luis: el arte se hace en las calles\nEl primer paso hacia la victoria. El centro de san luis, el viernes a la tarde, fue el escenario de la primera gesta revolucionaria.\nPrimero fue el centro de San Luis, un punto de la peatonal Rivadavia muy cercano a la Catedral. Pero los próximos pasos están programados para los barrios de la ciudad y el interior provincial.\nLa "revolución cultural" que emprendió el Programa de Gestión Cultural consta de intervenciones artísticas en cualquier lugar de la provincia y para que cualquier habitante se anime a demostrar su talento.\nEl impulso inicial lo harán artistas puntanos que tendrán que conseguir que la gente primero se arrime al punto de encuentro y luego se anime a la demostración.\nLa primera jornada tuvo a una pareja de bailarines folclóricos que -el viernes a la tarde, en el momento de mayor ebullición juvenil en la peatonal- hizo su trabajo mientras el joven Jeremías Pascual y el notable Víctor Sosa Ramírez cantaron sus canciones.\n"Ellos están acá para colaborar, para incitar al público a que cante y baile, lo importante es que los vecinos se animen a tomar la posta artística", dijo Ariel Silva, jefe del Programa sobre la intención de la intervención.\nEn la primera jornada, mucha gente se arrimó a la invitación y disfrutó del folclore desde las seis de la tarde hasta las 20. Y si bien no hubo tantos valientes dispuestos a mostrarse en sus dotes artísticos, la importancia del primer paso estaba dado.\nLa segunda participación de la "Revolución..." fue ayer en La Carolina, donde los organizadores fueron para amenizar el extenso desfile gaucho que se armó en la localidad y que terminó con un almuerzo masivo del que participó el gobernador de la provincia, Alberto Rodríguez Saá.\nLas intervenciones están previstas que se realicen los miércoles, viernes, sábados y domingos y la organización ya tiene definidos los próximos pasos. "Vamos a ir a los barrios de San Luis y durante el verano vamos a viajar a algunas localidades turísticas", concluyó Silva.\nLa idea de la Revolución cultural es llegar con el arte al punto del barrio o del pueblo donde la gente se reúne a tomar mate o a tomar un poco de fresco. Allí, el programa de Gestión Cultural llegará con un equipo de sonido, algún artista de su staff y la invitación a crear.\n"Queremos que el vecino se apropie de la cuestión cultural y replicar el modo de funcionamiento de las antiguas asociaciones vecinales", declaró Ariel Silva, el encargado del proyecto.\nSi bien se puede creer que la música y el baile serán las artes más repetidas, Silva dijo que el plan abarca a todas las ramas. "Si vemos que en algún lugar la inquietud de los vecinos pasa por la pintura, llevaremos bastidores y algunos profesores para que dicten talleres", sostuvo.


Canarias24Horas.com - El Ayuntamiento capitalino estudia con el Puerto habilitar más aparcamientos para Navidad\nEl Ayuntamiento capitalino estudia con el Puerto habilitar más aparcamientos para Navidad\nSanta Cruz de Tenerife/ El sector comercial trasladó recientemente esta petición al alcalde para dar respuesta al incremento de la afluencia de pública al centro de la ciudad.\nEl Ayuntamiento de Santa Cruz estudia con la Autoridad Portuaria la habilitación de nuevos aparcamientos en la franja litoral del centro de la ciudad para hacer frente al incremento de la afluencia de público durante la campaña comercial de la Navidad, según explicó hoy el noveno teniente de alcalde y concejal de Promoción Económica de la Corporación, Alfonso Cabello.\nCabello aseguró hoy que la medida, que será de carácter excepcional y temporal, tiene su justificación en las estimaciones del propio sector comercial, "que apuntan a una mejora notable de la campaña navideña con respecto a pasados ejercicios y que implicarán un aumento en el tránsito de personas y vehículos en la ciudad".\nDel mismo modo, se analizó el calendario de llegada de cruceros a la capital en los próximos meses, la iniciativa "Black Friday" o aspectos específicos de la iluminación navideña.\nCabello insistió, a la luz de estas cifras, en la importancia del turismo de cruceros como generador de oportunidades económicas para el comercio y la restauración, "que no debemos dejar escapar bajo ninguna circunstancia".\nMás en esta categoría: « Pablo Rodríguez confirma al alcalde de La Laguna que el Gobierno de Canarias encargará un estudio de alternativas para el soterramiento de la TF-5\tEl Ayuntamiento exige a Carlos Alonso que respete la autonomía de Arona y la independencia de sus técnicos\t»


El hotel cómodo está cerca de Teatro Municipal y ofrece habitaciones equipadas con TV por cable con películas a la carta, una cocina pequeña, un ordenador personal, un sofá y un reproductor de DVD. El hotel de estilo minimalista de 6 pisos acomoda a los huéspedes desde 1985.\nLa propiedad se encuentra a 4.5 km de Costanera Center. La propiedad está a 8 km de distancia del centro de Santiago de Chile.\nEl hotel consta de 37 habitaciones lujosas. Las habitaciones dan vistas a la ciudad. Disponen de los baños privados con una ducha, un secador de pelo y toallas.\nSe puede llegar a Nuria y Cafe Colonia en 5 minutos del hotel.\nA 5 minutos andando los huéspedes pueden encontrar la estación de metro Universidad de Chile.\nEl hotel ofrece tales facilidades como un centro de spa y una sauna junto con baños de vapor, baño turco y masaje.\nNordicl Astor Hote en Pekín\nRinaldi At Bolshoy en San Petersburgo\nAl 68 Di Piazza Cavour en Nápoles\nAve Caesar At Bolshaya Konyushennaya en San Petersburgo\nSoul & Design en Lisboa\nTriton Beach & Spa en Maafushi\nGite Le 812 en Ciudad de Quebec\nThe Harley en Sheffield\nCatalan - Pineda De Mar, 2 Bedrooms, 5 Persons en Pineda De Mar\nHovsep Emin Street en Ereván\nFelix en Cambridge\nTano en Playa de Gandía\nLa Charola en Lamadrid\nMirador en Algeciras\nParque Raquel en Puerto Rico (Gran Canaria)


EL PADRE PÍO DE PIETRELCINA: febrero 2012\nPadre Pío: un nuevo y novedoso libro\nEl Padre Pío sigue vivo hoy. Lo sabemos quienes, a través de la oración, mantenemos una relación de confianza con él. Lo atestiguan también decenas de testimonios en un nuevo libro que sale HOY a la venta sobre el Padre Pío. El título: Padre Pío. Los milagros desconocidos del santo de los estigmas. (Libros Libres) Escrito por José María Zavala, quien ha experimentado en carne propia la acción del santo en su vida, es, entre otras cosas, una recopilación de testimonios muy actuales, algunos de este mismo año, 2010.\nFrases como "Yo he visto al Padre Pío", o "Mi historia no es la de un gran milagro, sino la de muchos pequeños milagros que el Padre Pío ha obrado en mi corazón", dan inicio al relato de experiencias conmovedoras sobre la acción del santo en la vida de muchas personas.\nO la experiencia de un radiólogo de conocido prestigio, con una grave lesión ocular, que queda sanado, en abril de 2010, de forma milagrosa. Cuenta: "los médicos no daban crédito a mi repentina curación: la tensión ocular había disminuido hasta 10 (de 20-22) La cirugía carecía ya de sentido. Tratando de convencerse, los especialistas me sometieron a múltiples revisiones que confirmaron la milagrosa curación".\nTambién se puede leer el hermoso testimonio de María Vallejo Nájera, quien explica cómo el Padre Pío la ayuda a cuidar de su madre enferma cuando ella no puede atenderla por diversos motivos. Dice: "En esos casos - sobre todo, si estoy de viaje - , rezo al Padre Pío, implorándole: ´Padre, hoy no puedo ir a ver a mamá. Por favor, llévale tú la Santa Comunión desde el Cielo, como sacerdote santo que eres.´ (...) Sin ver nada, algo en lo más profundo del alma me dice que el Padre Pío atiende mis súplicas..."\nSon sólo una muestra de los "Milagros de Hoy" que constituyen la segunda parte del libro. Ni siquiera los he tenido que seleccionar. Todos son de lo más llamativos, con nombre y apellidos. Todos cuentan la acción concreta del Padre Pío en su vida, y cómo ésta se ha transformado para orientarse en el camino al cielo, viviéndolo ya aquí.\nLa primera parte del libro se titula "El Gigante", una amena semblanza del Padre Pío, hecha desde el relato que ha recogido el autor de los testimonios aún vivos hoy que tuvieron ocasión de conocer al Padre Pío personalmente. Son ya ancianos, pero cuando hablan del Padre Pío, parece que lo que te estén contando sucediera ayer mismo, por lo vívido de la narración.\nY la tercera parte es una recopilación de los testimonios recogidos en los documentos de la causa de canonización del Padre Pío. Por ejemplo, podemos leer: "La señorita Cleonice Morcaldi, en sus “Testimonios sobre el Padre Pío” anota que el Siervo de Dios, antes de escucharla en confesión, le dijo: “Yo conozco tu alma como tú conoces tu rostro en el espejo, y antes de que hables ya sé lo que quieres decir..." Y era verdad...\nCuraciones, conversiones, profecías, perfumes, escrutación de los corazones, bilocaciones y más prodigios es lo que se puede leer en esta tercera parte. Testimonios sintéticos, y en su brevedad, llenos de elocuencia.\nFinalmente, decir que tiene cuatro cuadernillos de fotos a todo color, muchas de ellas inéditas, bien editadas, y que constituyen ya por sí mismas un documento que vale la pena tener.\nUn libro que puede leerse de un tirón o no, pues los testimonios son independientes. Es nuevo pero sobre todo novedoso por lo inédito de su contenido. Un libro que nos acerca de forma real al santo a nuestra vida cotidiana, con una gran belleza y realidad. Una ayuda para la fe y el acercamiento a Dios.\nPublicado por Inés De Cuevas en 10:51 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada\nOTROS MILAGROS DEL PADRE PÍO\nUn señor de Ascoli Piceno (una ciudad italiana) dijo: "Hacia el fin de los años 1950, yo fuì a San Giovanni Rotondo con mi esposa, a la confesión, y antes de que yo recibiera la absolución, después del consejo del Padre Pío y efectuada la penitencia. Por la tarde estaba todavía en el convento y el Padre Pío me viô de nuevo y me dijo: ¿Usted todavía está aquí? "Mi ratón no arrancó" le contesté: ¿Qué es exactamenteel ratón? el Padre Pío preguntó "Es mi automóvil" contesté. “Vamos y démosle una mirada" me dijo. Él me invitó a dejar el monasterio, cosa que nosotros hicimos sin ningún problema. Nosotros viajamos toda la noche y por la mañana siguiente, lo llevé al mecánico. Quién me dijo, después del chequeo; que el sistema eléctrico del automóvil estaba descompuesto. Y él no me creyó cuando le dije que yo había viajado con el automóvil toda la noche. De hecho era imposible cubrir doscientas millas, entre San Giovanni Rotondo y Ascoli Piceno, con el carro en aquél estado, entonces yo comprendí que el Padre Pío me había ayudado, yo le agradecí en mi mente, y estoy seguro que me ha escuchado.\nTestimonio de una buena mujer pero algo tímida. Nunca era necesario repetir la misma frase al Padre Pío. Bastaba con pedírselo mentalmente. El esposo de esta buena mujer se encontraba muy enfermo. Ella corre al convento en busca de ayuda. Pero no sabía como localizar al Padre Pío, pues para una confesión, había que esperar hasta 3 días. Así durante la Santa Misa ella estuvo todo el tiempo de pie y caminaba de un lado al otro de la Iglesia. Finalmente decidió decirle su problema, y pidió en ese instante la ayuda del Padre Pío a Nuestra Señora. Así, al final de la Santa Misa, cruzó nuevamente la iglesia para hablar con él... Finalmente ella logró alcanzar el corredor por donde el pasaría. En cuanto el padre Pío la miró, le dijo: "mujer que poca fe, ¿cuándo usted pedirá mi ayuda finalmente? ¿Usted piensa que yo soy sordo? Usted ya me lo ha dicho cinco veces, cuando usted estaba delante de mí, detrás de mí, a mi derecha y a mi izquierda. ¡Yo entendí! ¡Yo entendí! ¡Vaya a su casa! Todo està bien. Cuando llegò a su casa; su esposo estaba completamente sanado.\nFUENTE: Post tomado de http://www.padrepio.catholicwebservices.com/ESPANOL/Milagros.htm\nPublicado por Inés De Cuevas en 22:50 No hay comentarios: Enlaces a esta entrada


Acustizar Home studio : Acústica | Hispasonic\nAcustizar Home studio\n#1 por Jesus Acevedo el 03/06/2016\nHolaa! he estado pensando en invertir un poco en mi home studio, ya que este no solo se logra comprando y comprando equipos, tambien hay que preocuparse de la acustica, que creo que es uno de los elementos mas fundamentales..\nAhora, la verdad es que poco y nada se de que materiales me pueden ayudar, y es por eso que creo este post...\nAlgun consejo de con que empezar para acustizar un home studio? (Paneles acusticos, Espuma acustica)\nen el caso de los paneles acusticos, mi home studio (mi pieza jajaja) tiene aprox 3-4 metros de ancho, por 4-5 de largo, cuantos paneles sera necesario adquirir?\nDesde ya muchas gracias a todos, saludos!!\n#2 por Sottovoce Audio el 03/06/2016\nefectivamente, la acústica de tu sala te va a modificar el sonido mucho más (hasta en 20 dB en bajas frecuencias) de lo que imaginas. Así que cualquier mejora en esto te va a suponer un gran avance.\nPara empezar, estudia la situación de los equipos (sobre todo la posición de los monitores). Haz cambios para conseguir que las primeras reflexiones queden lo más lejos posible. Es lo más barato, sólo te costará tiempo. Así que haz todas las pruebas y encuentra la mejor situación. Tus oídos te guiarán, pero también puedes ayudarte de algún software de medición (más un micro también de medición) si quieres "ver" lo que está pasando. Por ejemplo tienes Arta (en modo demo).\nDespués puedes valorar qué elementos de tratamiento acústico son los más apropiados para corregir la sala. No vale llenar todo de espuma absorbente, porque harás la sala muy seca en medios/agudos y no estarás resolviendo nada en graves. Usa difusores, absorbentes y trampas de graves (hay kits completos). Cada elemento tendrá una posición más apropiada dependiendo de la sala y la posición de los equipos. No hay reglas 100% fijas, pero sí puedes encontrar indicaciones al respecto.\nY después, siempre podrás encontrar cosas a mejorar. Ahí te puedes ayudar también de algún sistema digital de corrección acústica. Hoy en día ya se puede implementar algoritmos que analizan la respuesta que introduce la sala (reflexiones, ganancia, respuesta en frecuencia) y hacerla más lineal, de una manera muy transparente. Yo uso Dirac Live y me funciona muy bien (también hay una demo de 14 días, para hacer pruebas).\nRecuerda que la principal misión de tu sala es separar el sonido directo del reflejado y tener una reverberación moderada (TR medio-bajo) y lo más homogénea posible en frecuencia.