Sin ellas tampoco existiría la moda norteamericana | Vogue España\nDel rojo de Bill Blass al color block de Stephen Burrows. De las dimensiones esculturales de Charles James al glamour de Roy Halston. Sin salir de Estados Unidos, ¿cuántos hombres dedicados al diseño de moda podríamos mencionar? Esta lista se podría dilatar exponencialmente si comenzamos a añadir todos los nombres que forman parte del conocimiento colectivo. Empleando la misma metáfora que utilizó el comisario Andrew Bolton de cara a la Met Gala de 2021, cada uno de ellos contribuye con su propio retal a construir esa colcha tan vasta, multicolor y variada que es la moda norteamericana.\nSin embargo, falta parte del tapiz, sin el cual la imagen del sector está incompleta. Y es que resulta imposible concebir la industria sin ellas, sin las mujeres que se dedicaron a hacer historia vistiendo a Estados Unidos. Esas figuras forman una parte absoluta de esta nueva exposición del museo MET de Nueva York, In America: An Anthology of Fashion. Desgraciadamente, muchos de sus nombres han quedado casi condenados al olvido. De algunos de ellos resulta prácticamente imposible extraer información, más allá de un mero registro o un pequeño anuncio en periódicos de la época. Ahondar en sus biografías, tanto como en su visión pionera, no es solamente darse cuenta de lo ilustrativas que resultan para entender cómo se formó el tejido social de Estados Unidos. También implica saber cómo se consolidaron las bases de su moda. Como suele suceder siempre, en este caso la historia de la moda es historia a secas, sin calificativos.\nModelo en la playa, luciendo un bañador con botones y escote halter, de Claire McCardell (1945).Serge Balkin/ Condé Nast Archive\nA fin de cuentas, esta fue la tónica en el país cuando la moda comenzaba a despuntar como industria. Como señala la historiadora Caroline Milbank en New York Fashion, el primer plantel real de diseñadores norteamericanos fue predominantemente femenino. Un punto en el que coincide con la afamada Valerie Steele: “Durante la primera mitad del s. XX, el diseño de moda era principalmente una carrera femenina, sobre todo en Estados Unidos, donde se veía como una ocupación apropiada para las mujeres”, cuenta en Women Designers in the USA. De hecho, a finales de los años 30 Emmet Joyce, uno de los diseñadores más consolidados de Hattie Carnegie, era mencionado como parte de un artículo del World Telegram titulado “Los hombres también diseñan”.\nAbrigo de noche en terciopelo, de Nettie Rosenstein (1950).Horst P. Horst/Condé Nast Archive\nComo sucedería posteriormente con las dos Guerras Mundiales, la Guerra de Secesión (1861-65) incentivó que las mujeres comenzasen a ocupar puestos de trabajo que habían desempeñado hombres. Su creciente independencia se hizo palpable a través de iniciativas empresariales como la de Ellen Demorest: aunque ella no fuese diseñadora, para la moda de Estados Unidos representa lo mismo que Charles Worth para la costura parisina. Fue la pionera en vender patrones por correspondencia, que convirtió en un emporio con publicación propia y una plantilla integrada tanto por empleadas negras como blancas. “Se adelantó, mejor que nadie, a la estructura de la moda norteamericana, como una combinación de invención, producción, educación, marketing y distribución”, comenta Milbank al respecto. En la misma época que Demorest, hubo varias mujeres que sirven de ejemplos ilustrativos para hablar de esa incipiente moda norteamericana en los mismos términos en los que se formó el país: una sociedad multicultural basada en la inmigración, con un enorme peso de comunidades como la afroamericana, en esos primeros pasos tras la abolición de la esclavitud.\nUna moda con un origen (muy) plural\nLos movimientos migratorios se encuentran en el corazón de Estados Unidos de igual forma que en la moda norteamericana. Que Carolina Herrera sea venezolana, Oscar de la Renta dominicano, Prabal Gurung de origen nepalí o Anna Sui de padres chinos alude a la riquísima variedad de culturas que nutre la creatividad “made in USA”. Representan casos actuales que se suman a su paradigma: al igual que Diane von Furstenberg, Anne Klein y Nettie Rosenstein, que formarán parte de la exposición del MET, también fueron judías. Europa fue el germen de algunos de los nombres más reputados de la moda estadounidense, como Valentina, que emigró de Ucrania, o Pauline Trigère, cuyos padres eran emigrantes rusos.\nParadójicamente Francia, el país más mencionado en cuestiones de la propia identidad de la moda norteamericana, también nutriría la propia industria. Entre los nombres que menciona el museo MET de Nueva York en la muestra, incluye a Madame Olympe, que se añade al ala norteamericana del centro como caso de estudio. Tendría unos 28 años cuando se trasladó a Estados Unidos en la década de 1840, según cuenta Kevin Jones, comisario del FIDM Museum, que en 2009 hizo su propia investigación sobre esta desconocida mujer. Olympe Boisse se asentó en Nueva Orleans, probablemente tanto por “su población francoparlante” como “por ser una gran oportunidad como mujer, ya que la industria en Francia estaba dominada por los hombres” cuenta Jones para Vogue España.\nAl igual que Nueva York en el norte, al sur Nueva Orleans ostentaba una posición de liderazgo en esa incipiente industria de la moda. Allí estaba encabezada por mujeres como A. Mace, quien importaba de Francia productos de sombrerería. Cuando falleció, Olympe, que podría haber trabajado para ella, tomó las riendas del establecimiento en 1853. Cinco años más tarde, amplió el negocio a otras piezas, como vestidos. “Como empresaria, fue inteligente al incorporar prácticas comerciales que tal vez no haya originado ella misma, pero que observó en sus viajes de varios años a París, como el etiquetado de prendas o el desglose de precios de prendas en categorías separadas”, señala el comisario. El suyo fue un local de renombre: al parecer, Alva Smith Vanderbilt llevó prendas suyas cuando era pequeña, y su madre también fue clienta habitual.\nSolo se conservan de Madame Olympe tres vestidos completos, así que es imposible saber qué estilo la definía. Sin embargo, gracias a ellos se le puede atribuir un mérito: ser de las primeras modistas norteamericanas (si no, la primera) en etiquetar sus diseños, una práctica iniciada por (Charles) Worth et Bobergh en Francia a comienzos de la década de 1860 (el ejemplar que conserva el museo MET es de 1865; el del FIDM, de 1866-67). “Debido a sus frecuentes viajes a París, Olympe se habría dado cuenta de la nueva tendencia como una forma de comercializar sus vestidos de día y de noche importados y creados internamente”, sostiene Jones. “La etiqueta dorada "OLYMPE" en las cinturillas separaba elegantemente su establecimiento de sus competidores de Nueva Orleans, quienes tal vez no sabían acerca de esta práctica de negocios con información privilegiada, y tuvieron que seguir su ejemplo”.\nTras la Guerra Civil, su negocio volvió a prosperar hasta 1885-1886; después no figuró en más directorios. Poco más se sabe de ella, pero para este comisario, Madame Olympe resulta esencial para entender tanto la industria de la moda como las prácticas comerciales de Estados Unidos. Especialmente en este momento crítico en el que se forjó como nación a finales de s. XIX. “Fue una mujer de negocios exitosa durante 30 años en una era generalmente implacable dominada por los hombres”, apunta Jones. “Con tan pocas empresarias tempranas registradas, los nombres de las etiquetas doradas de estas tres cinturillas gritan su nombre hacia el presente, cuando tan a menudo la historia guarda silencio en lo que respecta a los logros de las mujeres”, cavila.\nComo coetáneas de Madame Olympe, otras modistas de la Edad Dorada también están presentes en la exposición: tanto Madame Noll Gross como Josephine H. Egan son dos desconocidas mujeres cuyos vestidos pueden verse en el Met. En el caso de la primera, tenía su establecimiento en la 136 E. 19th St. en Brooklyn, Nueva York. En el de la segunda, la dirección que figuraba en sus etiquetas es 56 E. 10th St, también en el corazón de la capital neoyorquina. Su nombre aparece en algunos periódicos de la época como el New York Herald, donde solía poner anuncios buscando mano especializada para la confección de sus prendas. En algún momento de su trayectoria se alió con las hermanas Jennings, cuya firma de ropa (Jennings & Co), también puede rastrearse en los anuncios asociada a Josephine H. Egan, en ese mismo emplazamiento de la ciudad.\nVestido de terciopelo con polisón, de Josephine H. Egan (ca. 1882), perteneciente al Met Museum.Met Museum\nVestido de Madame Noll Gross (1889), en el Met Museum.Met Museum\nUna moda que también comenzó con creadoras afroamericanas\nAntes de tener que hacer frente a esa tendencia de meter bajo el saco de lo “urbano” todo lo que hacen, existió otro problema relativo a los creadores afroamericanos: la absoluta ausencia de sus nombres en los registros históricos de negocios de moda. Como cuenta Angela Cramer en su tesis The Fall of the American Dressmaker 1880-1920, mientras que las investigaciones hablan de las contribuciones de las mujeres negras a la economía norteamericana a través de actividades domésticas y agrarias, las relativas a la moda están ligadas a personas blancas, tanto inmigrantes europeas como de descendencia europea. “Las mujeres negras han sido descartadas en gran medida en las experiencias de modistas y sombrereras capacitadas”, sostiene en su escrito. “Cuando aparecen en la literatura académica, sus ejemplos se extraen principalmente de los archivos excepcionales”, justifica. El ejemplo más sonado es el de Elizabeth Keckley, la esclava negra que compró su libertad y acabó convirtiéndose en activista y modista personal de Mary Todd Lincoln, Primera Dama de Estados Unidos.\nEn lo relativo a otras modistas afroamericanas, los nombres que han trascendido del s. XIX son más bien escasos. En Charleston (Carolina del Sur) despuntaron Pauline Seba y Julia Bulkley. En Richmond (Virginia), y posteriormente en Nueva York, Fannie Criss (1866-1942), a la que el museo MET de Nueva York también incluye en su exposición, fue una de las figuras más destacadas. Ella formó parte de esa generación de personas negras que se fue labrando un futuro tras la ratificación de la Decimotercera Enmienda, que abolió la esclavitud en Estados Unidos. Criss hizo frente al sexismo y a la segregación con un negocio que vistió con los materiales más lujosos a las élites de la ciudad, ya fuesen blancas o negras. Vivió en las partes más acaudaladas de Richmond, y cobraba 200 dólares por un vestido en una época en la que esta prenda podía costar unos cinco.\nEn 1904, The voice of the Negro, la primera revista editada en el sur por personas negras, publicó un perfil regional sobre “la historia de los negocios de color en Richmond”, que dedicaba un par de párrafos a Fannie Criss: “La modista de mayor calidad en Richmond, más allá del color, es la señora Fannie Criss Payne”, escribía el autor, haciendo referencia a su selecta clientela. “En los últimos seis meses ha hecho ajuares para las novias más populares. Compra sus adornos en Nueva York, donde va dos veces al año para hacer selecciones. Emplea a ocho chicas de manera regular y su negocio se estima en más de 8.000 dólares al año [...] Hace unos años, la señora Payne era una cocinera que ganaba un dólar y medio al día”. En Nueva York, Gloria Swanson estuvo entre sus clientas y fue íntima de Madame C.J Walker, la primera mujer afroamericana que consiguió convertirse en millonaria por méritos propios en Estados Unidos.\nComo cuenta la comisaria Kristen E. Stewart en el capítulo que le dedica dentro de Black Designers in American Fashion, Criss dejó poco legado de autopromoción, con una clientela que se consolidó de boca a oreja. La colección de trajes y textiles en The Valentine, el museo de historia de Richmond, contiene varias prendas diseñadas por ella. En total, cuatro vestidos de día que son ejemplo de la moda de principios de s. XX. En ellos “se destaca un acabado preciso y una opulencia sofisticada lograda con una mezcla equilibrada de materiales texturizados y planos”, comentaba Stewart.\nPara la posteridad suelen quedar sus vestidos, no sus nombres. Es lo que sucedió con Ann Lowe (1898-1981): poca gente conoce la historia detrás del vestido de novia de Jackie Kennedy. En su primer año en la Casa Blanca, un reportero que la entrevistó para el Ladies Home Journal dijo que la prenda nupcial había sido hecha “por una modista de color” y que por tanto “no era alta costura”. Cuando Olivia de Havilland recogió en 1946 el Oscar a mejor actriz vestida por Lowe, la diseñadora pasó desapercibida. En vez de su propio nombre, en la etiqueta figuraba “Sonia Rosenberg”, la tienda para la que Lowe diseñaba.\nRetrato nupcial de Jacqueline Lee Bouvier Kennedy con su vestido, firmado por Ann Lowe.Bachrach/Getty Images)\nAnn Lowe había aprendido a coser de su madre y su abuela, que eran modistas. Pero a diferencia de ellas, había nacido en Alabama como una mujer libre. Su trabajo, admirado por Christian Dior y Edith Head, era sumamente elaborado. Sus dos especialidades fueron el guateado en trapunto, con el que añadía nuevas dimensiones a la pieza, y las flores tridimensionales, que aprendió a hacer con los retales que les sobraban a sus progenitoras. Ambas habían cosido para las primeras familias de Montgomery, y ella no era la excepción. “No estoy interesada en coser para un ‘café society’ o para escaladoras sociales. No sirvo a una Mery o una Sue. Coso para el Registro Civil”, confesó en 1966, haciendo referencia a las familias de las élites estadounidenses. A fin de cuentas, la exclusividad formaba parte de su sello: entre sus clientes estaban los Roosevelts, los Rochefellers o los Auchincloss. Tanto Jackie como su hermana Lee debutaron en Newport vestidas por Lowe.\nAnn Lowe ajustando el cuerpo de un vestido de Alice Baker (1962).Bettmann\nEn 1964, el Saturday Evening Post ya se refería a ella como “la única mujer negra convertida en una de las principales diseñadoras norteamericanas”. Una idea en la que hizo hincapié Ebony en el completísimo perfil que le dedicó un par de años más tarde. Lowe les abrió los salones de su boutique en el 540 de Madison Avenue, donde les enseñaba cómo se hacían sus esculturales vestidos, todos elaborados a mano. “Todo el placer que he tenido se lo debo a mi costura. Lo disfruto tanto que ojalá pudiera ser físicamente posible de llevar todo el trabajo yo misma”, les confesaba a sus 67 años, ciega de un ojo por el glaucoma. Aunque en el pasado despachaba unos mil vestidos al año y tenía unos ingresos brutos de 300.000 dólares anuales, en el momento del reportaje reconoció que no tenía dinero para llevar a cabo sus diseños. “Me di cuenta demasiado tarde que los vestidos que vendía por 300 dólares a mí me costaban 450”, reconocía para Ebony. Las deudas le llevaron a la bancarrota, aunque se las saldaron de forma anónima.\nEl MET también ha incluido a Lowe en la muestra In America: An Anthology of Fashion. Jessica Reagan, comisaria asociada del centro, la ha llegado a comparar con Mainbocher: “Ella fue un ejemplo excelente de la tradición de la costura norteamericana; una diseñadora escultural cuyo trabajo fue un diálogo con el cuerpo de la mujer que lo llevaba”.\nNina Auchincloss, con un vestido de tul de debutante firmado por Ann Lowe (1955).Toni Frissell/ Condé Nast Archive\nNi la costura es solo Charles James ni la elegancia es solo Norman Norell\nLas horas de trabajo y la maestría de las creaciones de Ann Lowe podrían tener perfecta cabida en la historia de la costura norteamericana. Pero si hay un nombre que ha trascendido en este selecto terreno, ese es el de Charles James: su destreza para convertir la moda en pura arquitectura se equiparó en su época a la capacidad de Christian Dior o Cristóbal Balenciaga. De sus talleres parisinos surgieron nombres que también alcanzaron la inmortalidad, como Yves Saint Laurent o André Courrèges. Sin embargo, no sucede lo mismo con la diseñadora asistente de James: ¿alguien sabe quién es Marguery Bolhagen (1920-2021)? La trayectoria de esta creadora nacida en Pensilvania se concentra entre los años 50 y los 70. Muchas de sus prendas evocan la silueta estructurada de James, para quien trabajó antes de abrir sus propias tiendas en Washington y Nueva York. En las creaciones que conserva el MET de ella pueden observarse ciertos detalles, como conjuntos que aluden al inmortal acolchado de su mentor o vestidos cuyas faldas evocan el volumen que Charles solía dar a las caderas en los diseños de noche. La periodista Austine Hearst, tercera esposa de William Randolph Hearst Junior, fue una asidua clienta, tanto de James como de su discípula.\nAustine Hearst con el vestido de Marguery Bolhagen que podrá verse en la exposición tras la MET Gala 2022Bettmann\nSin embargo, Bolhagen no se limitó al diseño a medida. Tras ejercer como couturier en Washington, se mudó a Nueva York, donde se convirtió en diseñadora de ready-to-wear. En un artículo de 1965, el New York Times se hizo eco de la diseñadora como un nuevo fichaje de Bergdorf & Goodman: “Su primera colección de ready-to-wear representa algo ‘en lo que ha estado trabajando durante los últimos 20 años”, recogía el diario. “Sus diseños de día y de noche demuestran el conocimiento riguroso de la construcción y el corte que ha adquirido en sus talleres en Silver Springs”.\nEn la historia de la moda norteamericana no dejan de surgir referencias y comparaciones con la moda del otro lado del charco. Que a Norman Norell lo apodasen como el “Balenciaga estadounidense” suponía una ilustrativa carta de presentación que aludía a su capacidad para llevar las técnicas de alta costura al ready-to-wear. Sin embargo, no fue el único modisto que contribuyó a redefinir el glamour del país décadas antes que James Galanos o Halston. El ready-to-wear sofisticado también alcanzó nuevas cotas en manos de creadoras como Nettie Rosenstein (1890-1980), que se hizo célebre por popularizar el ‘little black dress’ en Estados Unidos. Aunque Coco Chanel ya lo dio a conocer en 1926 en París, las versiones de Rosenstein se caracterizaban por sus crepés negros y otros tejidos elásticos, que empleaba en diseños con longitudes de día. Así, su funcionalidad se extendía del día a la noche. Como Vionnet o la propia Chanel, trabajaba directamente con la tela sobre el cuerpo de la modelo, lo que le permitía crear ilusiones en aquellos cuerpos que no poseían la silueta ideal. Después, adaptaba la prenda sobre cinco modelos de tallas diferentes, que representaban la figura media. Sus creaciones de drapeados estratégicos y sus estampados eran un perfecto fondo, aderezado con guantes y bolsos a juego. Y sobre todo, piezas de bisutería, otra de sus señas de identidad.\nLa actriz Bette Davis con un vestido de tafetán de Nettie Rosenstein (1941).Horst P. Horst/ Condé Nast Archive\nDe origen austríaco, esta diseñadora judía se mudó con su familia a Nueva York cuando era pequeña. En 1917 empezó a hacer vestidos para sí misma y sus amigos, una iniciativa que se acabó convirtiendo en un lucrativo negocio. “Comenzó cobrando 15 dólares si el cliente traía su propio material. Ahora un vestido de Rosenstein cuesta entre 59 y 300 dólares”, recogía la revista Life en mayo de 1944. Sus prendas, vendidas por Bonwit Teller en Nueva York y otros grandes almacenes a lo largo de todo el país, se adquirían a un precio superior de lo que la mayoría de las mujeres se podían permitir. Pero eran “tan copiados por diseñadores más baratos” que tuvieron “un efecto notable en el armario de la mujer promedio”, escribía el New Yorker en un perfil de la diseñadora, cuatro años antes. Su volumen de negocio era uno de sus secretos mejor guardados: en 1937 estaba valorado en un millón de dólares, hasta que la Segunda Guerra Mundial hizo un agujero en las ventas, especialmente en los diseños de noche, que representaban un tercio de las mismas.\nVestidos de noche, de Nettie Rosenstein (1939).Horst P. Horst/ Condé Nast Archive\nEn los años 50, su silueta predominante incorporaba una cintura de avispa y una falda voluminosa, que aplicaba en vestidos de baile, trajes y vestidos de día. Como cuenta Caroline Milbank en New York Fashion, Rosenstein cultivó relaciones muy estrechas con las grandes casas de tejido europeas, que hacían materiales exclusivos y tejidos innovadores para ella. De esta década es uno de sus vestidos más icónicos: el rosa que llevó Mamie Eisenhower como Primera Dama, en el baile inaugural de 1953. Su marido Dwight Eisenhower salió reelegido como presidente en 1957, y para la ceremonia de inauguración, ella volvió a confiar en la diestra mano de Rosenstein. La diseñadora se retiró en 1961 del diseño de ropa, para concentrarse en carteras y otros accesorios.\nMamie Eisenhower llevó este vestido rosa de Nettie Rosenstein al baile inaugural de 1953, acompañado por un bolso de Judith Lieber, que por entonces trabajaba para Rosenstein.Bettmann\nPara el baile inaugural de 1957, Mamie Eisenhower volvió a vestir de Rosenstein.Bettmann\nEn la misma línea de diseño de Nettie Rosenstein se movería otra coetánea suya, Eta Hentz. Más conocida como Madame Eta, esta diseñadora nacida en Budapest comenzó su andadura profesional en Nueva York en 1923. Más que para firmas a medida, Hentz trabajó como diseñadora principal de ready-to-wear, especialmente bajo Ren-Eta, el proyecto empresarial que creó con Maurice Retner. Sin embargo, sus diseños se definían por técnicas más propias de la ropa a medida: en 1945 dio a conocer una nueva colección de ready-to-wear, “Proporcionates”, que se ajustaba a una mujer norteamericana bajita, con una figura más realista que el canon con el que idealizaban a la estadounidense la mayoría de los diseñadores. “Estos modelos están tan bien diseñados y cortados a las proporciones de la mujer estándar que prácticamente no necesitan cambios”, comentaba Vogue al respecto, mencionando las espaldas más estrechas y los frontales ligeramente más anchos de sus prendas. “Eta afirma, y con razón, que cualquier vestido que requiera grandes modificaciones se convierte en una distorsión del original, y puede perder el aspecto profesional y competente que tenía cuando se hizo por primera vez”. Con una estética más decorativa y estructurada que las propuestas de otras colegas del sector, sus creaciones se vendían en grandes almacenes como Lord & Taylor o Bergdorf & Goodman.\nAunque hizo colecciones inspiradas en Cabo Cod o la Edad Media, las referencias por las que ha pasado a la posteridad son las culturas clásicas, que ya habían inspirado a mediados de los años 30 a Madame Grès o Madeleine Vionnet. Bajo nombres como “Iónica”, “Helena de Troya”, “Clitemnestra” o “Atenea” pueden encontrarse en el museo MET de Nueva York varios diseños (donados al centro por ella misma) que van desde la primavera de 1942 a la de 1944. Su maestría radicaba en transformar prendas históricas como el clámide griego o la palla romana en elegantes vestidos de noche que podían adquirirse por un módico precio en Saks Fifth Avenue.\nDiseños de Eta Hentz fotografiados en el MET con motivo de la exposición ‘The Greek Revival in the United States’ de 1944 John Rawlings/ Condé Nast Archive\nEl ‘American Look’ y el despertar de la identidad (de moda) estadounidense\nA pocos conceptos la industria le ha dedicado tantas páginas y esfuerzos como al “look norteamericano”. ¿En qué consistía exactamente? La revista Life lo definía en mayo de 1945 como un “mosaico de muchos rasgos, unidos bajo un mismo patrón coherente''. Mencionaba la naturalidad, el glamour, la pulcritud, la domesticidad y sobre todo, la sencillez, como rasgos inherentes a la vestimenta de las norteamericanas. Pero antes de una moda estadounidense, hubo un estilo estadounidense. Surgió, tras la Guerra de la Independencia, de llevar ropa hecha y tejida en casa, siguiendo el ejemplo de George y Martha Washington y de los grupos religiosos. “La simplicidad en el vestido celebraba tanto la autosuficiencia como la libertad inherentes en una democracia”, sostiene Caroline Milbank en New York Fashion. Esta idea se trasladó al armario femenino: las prendas restrictivas y los constantes cambios en las tendencias resultaban esclavizadores, en todos los sentidos. En su deseo de independencia, las mujeres se liberaron de ese sometimiento abrazando el look sencillo. Adoptar una vida más activa, ligada a las actividades deportivas, también influiría en esa nueva forma de vestir.\nComo relata Milbank, llevar un único conjunto para todo el día era una idea radical que dinamitaba todas las convenciones ligadas a la etiqueta. Este look encontró su mejor aliada en la industria ready-to-wear del país, que comenzó a despuntar hacia 1850. “A medida que las mujeres estadounidenses comenzaron a establecer una preferencia por ropa más simple, como faldas más cortas para pasear y chaquetas y camisas para llevar todo el día, la industria del ready-to-wear se estaba encontrando con que esas prendas más sencillas eran las que mejor se adaptaban a las limitaciones de su rudimentaria maquinaria”, señala esta historiadora en su obra.\nUn par de vestidos blancos, el superior estaba diseñado por Elizabeth Hawes, epítome de la moda sencilla y cómoda (1935).Edward Steichen/ Condé Nast Archive\nCon la concienciación de que existía un estilo propio, la reflexión sobre la situación de la industria resultaba inevitable. La realidad es que Norteamérica tenía una dependencia histórica de Europa: los vestidos de París se importaban para mostrarse en los escaparates de emporios como Lord & Taylor. Rara era la firma que no incorporase el “Madame” o especificase que hacían importaciones de Francia: a fin de cuentas, era sinónimo de caché y de dinero en caja. Aunque no se hacían copias exactas sino adaptaciones más simples, los nombres conocidos eran los de los couturiers parisinos, no los de los diseñadores patrios. “En el siglo XX se cosieron etiquetas falsas de ‘París’ en los diseños de alta costura de Nueva York. La ropa ready-to-wear, claramente incomparable con los productos de la alta costura parisina, llevaba en sus etiquetas solo los nombres de las tiendas en las que se vendían, no los de sus fabricantes o diseñadores”, comenta Milbank.\nDar o no mayor crédito a los diseñadores propios, esa era la cuestión. En 1912 el New York Times lanzó un comentado concurso de diseño de moda norteamericano, con varios premios en metálico para tres categorías. Mientras para algunos la moda norteamericana no existía, otros no tardaron en respaldar el concurso (que ganaron, por cierto, todo mujeres, salvo en la categoría de sombreros). La iniciativa del Times no solamente contribuyó a una mayor concienciación, sino que fue un filón para grandes almacenes y publicaciones, quienes se autoproclamaron pioneros en defender la moda patria.\nEn 1946 el fotógrafo Serge Balkin inmortalizó este conjunto “Arabian Nights”, en gris, de Claire McCardell, acompañado por sandalias y joyas doradas.Serge Balkin/ Condé Nast Archive\nEntre restricciones gubernamentales y escasez de material, la Primera Guerra Mundial supuso ese primer rupturismo con Europa. En los años 30 se produjo una sensibilización todavía mayor de la moda “made in USA”. Una figura trascendental fue Dorothy Shaver, que como vicepresidenta de los grandes almacenes Lord & Taylor inició una campaña masiva en 1932 para dar visibilidad a los diseñadores norteamericanos. Su iniciativa incluyó presentaciones en las tiendas y reconocimiento de los mismos en las propias etiquetas. El resultado tuvo tanto éxito que los fabricantes no daban a basto. La tienda fue testigo de una de las mejores temporadas de su historia: “Esto quiere decir que, a medida que nuevas demandas y nuevas situaciones surjan en nuestro país, no tendremos que esperar a que París las interprete por nosotros”, comentó Shaver un año más tarde.\nEntre sus primeras cohortes se encontraban diseñadoras como Muriel King o Elizabeth Hawes: ellas se independizaron de Francia, contribuyendo a impulsar en los años 30 la moda casual del país a través de la actualización del papel que la ropa tenía en sus vidas modernas. Shaver ayudó a poner el foco en la moda norteamericana centrada en el ‘American look’. Eran creadoras cuya ropa no se imponía, sino que respondía a las necesidades del resto de mujeres a través de prendas sencillas y prácticas. Como recoge Martin Richard en American Ingenuity, esa independencia venía de atar, envolver, prescindir de adornos y racionalizar el guardarropa. Los bolsillos se convirtieron en sinónimo de emancipación. Dejaron que los monos cortos y otras prendas deportivas “satisfaciesen la ropa informal, permitiendo que los pantalones entraran en el armario, a menudo como una alternativa en un atuendo que también ofrecía una falda”. Que cada diseñadora añadiese sus respectivas licencias en el diseño no hacía sino subrayar ese carácter tan poliédrico del American look y por ende, de la moda norteamericana. El ready-to-wear, en la base de su historia, serviría para catapultar esa visión tan democrática de la industria que a su vez la define.\nPocas figuras como Dorothy Shaver, al frente de los grandes almacenes Lord & Taylor, dieron tanta visibilidad a los diseñadores norteamericanos como hizo ella desde los años 30.ERIC SCHWAB\nElizabeth Hawes (1903-1971), a la que el MET también ha incluido en la muestra, fue una de las primeras diseñadoras en beneficiarse del apoyo de Shaver. Representó una de las voces más críticas de la industria: era una defensora del estilo, pero una enemiga feroz de la moda, a la que personificaba como “un ladrón deforme” que “te dice que tu abrigo del último invierno puede estar en perfectas condiciones, pero que no puedes usarlo, porque lleva un cinturón. Y este año no se llevan los cinturones”. Reprendió la tiranía de las tendencias, y siempre fue muy franca en sus opiniones. Para ella, había dos tipos de mujeres, las que “pueden pagar lo suficiente para obtener exactamente lo que quieren”, y las que están “a merced de la producción en masa”.\nSu mayor ataque al sector se hizo efectivo a través de su obra más célebre, Fashion is Spinach, que lanzó en 1938. “Yo, que he vendido y robado prendas en París, reportado modas, trabajado con compradores, diseñado mis propias prendas y otras para una marca barata al por mayor, pienso que el 95% de la moda es una pérdida de tiempo”, opinaba, tajante, en la revista Life. “Al carajo con ella”. Entre las sugerencias de sus otros ocho libros proponía faldas para hombres, o dormir desnudos. Para ella, la industria era un tema sociológico, que ponía también a examen en las columnas que escribía para el New Yorker bajo el pseudónimo de Parisite. Sus primeros pasos como bocetista, reportera y compradora en París le hicieron darse cuenta de la urgencia por emancipar el diseño de su país de la moda parisina. Cuando volvió a Manhattan, trató de demostrar que los modistos franceses no eran los únicos capaces de hacer ropa bonita.\nVestido de moiré, de Elizabeth Hawes (1932).Cecil Beaton/ Condé Nast Archive\nHawes fue tan mordaz en sus escritos como radical en el planteamiento de sus diseños. Para ella la forma seguía a la función, y se centró en la comodidad y la construcción antes que en el adorno. La ropa debía ser fácil de llevar: orgullosa de su practicidad, su consejo era que “nunca debía comprarse una prenda sin someterla a todos los movimientos por los que pasará cuando se lleve realmente”, enumerando actividades como conducir un coche. Ella siempre prefirió unos pantalones a una falda: “Son la cosa más cómoda para el trabajo activo o los deportes”, planteaba en 1940, con uno de sus temas más recurrentes.”La mayoría de nosotras, las chicas, estamos preocupadas la mayoría del tiempo siendo algo más que simplemente glamourosas. Es más importante sentirse cómoda que observar las tradiciones”.\nHay quien ha considerado a Elizabeth Hawes como “la diseñadora norteamericana más brillante”. Pero si hay un nombre que brilla con fuerza, ese es el de Claire McCardell (1905-1958), la suma sacerdotisa del ‘American Look’ y uno de los máximos orgullos de la industria del país. “Siempre he diseñado cosas que necesitaba para mí misma. Dio la casualidad que otras personas también las necesitaban”, comentó en su día. Después de arrastrar un baúl y cinco maletas por toda Europa, decidió ahorrar espacio haciendo vestidos por partes: una blusa para combinar indistintamente con faldas, pantalones o shorts. Una experimentación, la de los ‘separates’ (traducible a algo así como los ‘conjuntos’), que hoy se encuentran en el corazón de la moda casual norteamericana.\nRetrato de Claire McCardell, máxima embajadora del ‘American look'.Richard Rutledge/ Condé Nast Archive\nComo relataba la revista Time en 1955, antes de McCardell las mujeres tenían pocas posibilidades intermedias entre un vestido de algodón para casa y un vestido de tarde. Su primer éxito, el Monastic dress (1938) dio a la moda estadounidense una flexibilidad que nunca había poseído. Holgado y cortado al bies, no tenía forma, pero cuando se ajustaba a la cintura, se creaban pliegues, al estilo griego, que realzaban la silueta. Fue una auténtica revolución para el mercado al por mayor, al que contribuyó la diseñadora gracias a sus precios asequibles y sus tejidos humildes, como el algodón, el vaquero o el chambray. “Nos aproximamos a ella como la fundadora de la moda norteamericana democrática”, comentó la historiadora Valerie Steele en 1998 al respecto de la exposición que el museo FIT de Nueva York le dedicó aquel año.\nModelo en 1950 con un vestido sin mangas de Claire McCardell con cintura marcada, como el gran éxito que fue su ‘Monastic dress’. Cecil Beaton/ Condé Nast Archive\nEsta pionera también pensó en las necesidades estilísticas de las amas de casa. Primero creó el ‘Kitchen Dinner Dress’, un diseño con delantal a juego. En 1942 llegó el ‘Popover dress’, con el que McCardell respondió en plena Segunda Guerra Mundial a las nuevas responsabilidades de las amas de casa, dentro y fuera del hogar. Era un vestido envolvente, con escote con sobrepelliz, elaborado en tejido vaquero, con bolsillo y guante a juego. ¿Su precio? 6,95 dólares. En sus manos, la mujer moderna podía ser chic al mismo tiempo que hacía las faenas domésticas. En el diseño, el escote halter y la cintura ceñida, además de los remaches, se convirtieron en varios de sus sellos de identidad.\nSus prendas de baño también eran fácilmente reconocibles: ella fue la responsable del bañador ‘pañal’ y de otras piezas de baño abullonadas en las caderas, con las que buscaba un equilibrio entre discreción y exhibición del cuerpo, al tiempo que se adaptaba a diferentes tallas y tipos de figuras. A ella también se le atribuye la popularización de las bailarinas en 1942, motivada por la necesidad. Debido a la escasez de material en periodo de guerra para hacer zapatos para sus modelos, las vistió con bailarinas de tela de Capezio, que fueron todo un éxito.\nVestido y bufanda en vichy, de Claire McCardell; bailarinas de Capezio (1947).John Rawlings/ Condé Nast Archive\nLa moda norteamericana pasó de adaptar estilos de la francesa a obviarla de manera deliberada. Aunque estuvo en París y volvió reiteradamente, McCardell no veía colecciones para no influenciarse. Una actitud que compartió con Anne Klein (1923-1974). También presente en la exposición del MET, esta neoyorkina, que se jactó de no haber visto nunca un desfile europeo, fue la única mujer al frente de una firma en la batalla de Versalles, esa lucha metafórica entre la moda de Estados Unidos y la europea que tuvo lugar en 1973.\nKlein fue heredera del enfoque sencillo y pragmático de McCardell. Su visión pasaba por crear un armario basado en prendas básicas, como un buen blazer, unos pantalones bien hechos o unas camisas que fuesen asequibles. Le encantaban los híbridos: falda o pantalón, arreglado o desenfadado. Cuando en 1992 la reportera Bernardine Morris reflexionaba sobre qué vestir en época de recesión, apuntaba como referentes tanto a McCardell como a Klein: “No fue hasta que Anne Klein abrió su propio negocio, en los años 70, que la ropa casual no se puso en el centro del escenario. Vino a ser epítome del estilo norteamericano una vez más, con practicantes como Calvin Klein, Perry Ellis, Ralph Lauren y Donna Karan aportando sus propias visiones a la moda informal”, señaló en el New York Times.\nLo que no todo el mundo conoce es su trayectoria ligada a la moda juvenil. Klein dio sus primeros pasos en 1938 a través de Varden Petites. ¿Su mérito? Transformar la moda de los más jóvenes, pasando de un look ‘ñoño’ forrado de botones, volantes y lazos a uno más adulto, pulido y sofisticado, que después se convertiría en ADN de su propia firma. Considerada en los años 60 como la diseñadora más relevante de la moda junior a través de su propia firma, Junior Sophisticates, la idea también se relacionaba con la estatura: “Su ropa simplemente está diseñada para la mujer que tiene talla y estructura ósea pequeña, con un gusto potente. Su simplicidad básica es tan adecuada para una adolescente como para una abuela”, escribía el Times en 1964. “Nunca sentí que la mujer bajita debía ser penalizada por el mundo de la moda porque no tuviese el dinero o la figura para la ropa en tallas más habituales”, comentó ella.\nChristy Turlington con unos pantalones de lentejuelas y camiseta a juego, de Louis dell' Ollio para Anne Klein (1986).Arthur Elgort/ Condé Nast Archive\nComo describió la periodista Robin Givhan en The Battle of Versailles, Klein no creó ropa para mejorar la posición de una mujer, o ayudarle a encontrar marido. En su lugar, “produjo una de las primeras versiones de ropa profesional elegante, una lujosa sensibilidad de mezclar y combinar que precedió al lanzamiento de Liz Clairbone en 1976”. Si McCardell dio alas al American look de la mujer (y la ama de casa) de los años 40-50, Klein inspiró el de la mujer que se fue incorporando de manera masiva al mercado laboral en las décadas posteriores. “Introdujo un nuevo tipo de vestimenta”, explicaba Louis Dell’Olio, que trabajó para la firma de Klein desde los años 70 hasta los 90. “No era solamente una chaqueta que sentaba bien y una falda. Una maxifalda de ante, un jersey ancho y un cinturón a la altura de las caderas. Ibas a Anna por eso” explicaba para Givhan. “Lo que [Klein] estaba haciendo era relevante. Estaba vistiendo la nueva mano de obra femenina”. Su discípula, Donna Karan, fue otra reina de los básicos que tomaría las riendas de la firma a la repentina muerte de Klein, en 1974. Pero esa es ya otra historia.\nCómo los museos contribuyeron al ‘American look’ y a la promoción de sus diseñadores\nComo ya señaló Life en su momento, el American look pasaba por diferentes matices. En esencia, el impulso era ser moderno y práctico, aunque cada diseñador lo abordase desde una perspectiva diferente. Por ejemplo, haciendo gala de fuentes regionales o, por el contrario, inspirándose en vestidos no occidentales. En este encuentro de culturas se encontraba Jessie Franklin Turner (1851-1956), una de las pioneras en sentar las bases del estilo norteamericano gracias a sus creaciones versátiles, de patrones relajados y minimalistas. Antes que Elizabeth Hawes o Valentina, esta otra protagonista de la exposición del MET ya triunfaba con su negocio de costura en el Nueva York de los años 20. Su trayectoria está íntimamente ligada a la lencería femenina: Turner ejerció como compradora para varios grandes almacenes. Este cargo la hizo viajar por toda Europa y Asia, donde visitó museos y colecciones privadas con las que amplió sus conocimientos, tanto en lencería como en textiles.\nDe sus periplos surgieron los negligés y tea-gowns con los que se labró su reputación. En sus manos estos vestidos, concebidos tradicionalmente para la privacidad del hogar, se convirtieron en una obra de arte apropiada para cualquier ocasión, con la única excepción de los eventos más formales. “Destilando a través de su propio proceso creativo los patrones, siluetas, texturas y colores de las fuentes históricas y etnográficas del arte, creó estilos que eran contemporáneos, pero atemporales”, expone Jan Glier en The Hidden History of American Fashion. Inspiradas tanto en los terciopelos del Renacimiento italiano como en los textiles javaneses estampados por batik, sus creaciones acaparaban los escaparates de Bonwit & Teller. Eran una fusión de lo exótico y lo místico, así como de su profundo conocimiento en tejidos y tinción. De hecho, se la describió como una maestra del color: conocía los azules y verdes que casaban bien. Combinaba tonos vívidos en prendas de inspiración oriental que ella misma teñía. Además, para darle un toque más personalizado, les ponía nombre, como marrón galleta, verde épinard (espinaca), ocre peruano, azul Laurencin o rosa ‘Malmaison’.\nLa bailarina Jean Barry posaba en 1931 con un tea-gown en crepé blanco con uvas y hojas de parra en la cintura, ideado por Jessie Franklin Turner.Edward Steichen/Condé Nast Archive\nAntes de 1920, el tea-gown era un vestido amplio de una pieza, que volvió a ponerse de moda a finales de la década con influencias de estilos masculinos. Turner promovió el paso de la prenda de casa a vestido de noche a través de diseños compuestos por dos piezas: un vestido interior, al que ella se refería como ‘slip’, y por encima, una suerte de capa ligera, tipo abrigo. Diez años más tarde, sus ideas innovadoras llevaron el tea gown fuera de casa, con ‘cuerpos’ intercambiables que se llevaban por encima de los vestidos. Así, Turner aplicaba de forma pionera el concepto de ‘separates’, ADN de la moda estadounidense, a los robes d’interieur, cuyas posibilidades aumentaban exponencialmente.\nSi hubo un aspecto de Turner que dio el impulso definitivo a su trayectoria, esa fue su estrecha vinculación con los museos. A Stewart Culin, comisario de etnología en el Brooklyn Museum, le atribuyó la mayor influencia de su carrera. “Me enseñó las siluetas básicas de Oriente, y la naturaleza y el ámbito de la ornamentación del color”, confesó ella en su día.\nLa otra figura trascendental fue el empresario de moda Morris de Camp Crawford, que ejerció como compañero de investigación en el Departamento de Antropología del Museo de Historia Natural. Él fue pionero en el papel que tuvieron los museos para ejercer como catalizadores de la identidad de moda norteamericana durante las Guerras Mundiales. En particular, en la Gran Guerra: bajo su iniciativa, se llevó a cabo una campaña en el Museo de Historia Natural de Nueva York para crear el estilo distintivo norteamericano. Pero uno que no dependiese de Europa, sino que aprovechase los vastos recursos de los museos del país, especialmente de “las culturas primitivas”, para inspirar a sus diseñadores patrios. “Con un número cada vez mayor de artistas, el museo ha discutido y analizado la historia y la psicología de las artes de otras razas, épocas y pueblos, en un esfuerzo por aumentar la apreciación estética y simular la creación artística”, escribía Crawford en Vogue en 1917, sobre este proyecto que había acaparado los esfuerzos del museo en el último año. Él eligió a Jessie Franklin Turner como diseñadora destacada de la campaña. De hecho, aquel reportaje, que hacía referencia a esta “nueva fuente de inspiración”, estaba ilustrado con un negligée de Turner, inspirado por un atuendo de coriacos (un pueblo indígena de Siberia) que el museo tenía en su colección.\nEstos vestidos de Jessie Franklin Turner son un ejemplo de su maestría del color: el “amarillo chino, el galleta y el negro” son los tonos de la prenda de la izquierda. A la derecha, morado “amaranto” y verde “palmetto” con un cinturón tricolor.R. S. Grafstrom/ Condé Nast Archive\nEn el mismo mes de acabar la guerra, en noviembre de 1919, el museo de Historia Natural presentó una exposición, The Exhibition of Industrial Art in Textiles and Costumes, que convirtió la campaña de Crawford en una realidad. Como comentó el New York Times aquel año, los objetos artesanales de” culturas primitivas” que había adquirido el centro “con la idea de que sirvieran de inspiración para el arte industrial de Estados Unidos”, se acompañaron con creaciones de diseñadores. Además de ser la única mujer en el comité organizativo, los negligées de Franklin Turner también formaron parte de la muestra. Lo hicieron bajo su firma, Winifred Warren, inspirados por piezas como un bordado persa del museo.\nLa couturiere estaría igual de involucrada posteriormente con el Costume Institute del MET. No solamente por tener entre sus clientas habituales a la figurinista Aline Bernstein, esencial en la creación del Museum of Costume Art (antecesor del Costume actual) en 1937. Tampoco por ejercer como su propia directora, a partir de 1940. Turner fue parte íntegra de las exposiciones que se hicieron en el museo MET de Nueva York durante la Segunda Guerra Mundial para promover la moda norteamericana, completamente desenganchada de la industria europea por el conflicto. De octubre a noviembre de 1940, el centro organizó A designer's exhibition of costumes and millinery derived from museum documents, una muestra en la que además de Franklin, participaron diseñadoras de moda casual, como Elizabeth Hawes.\nEn abril de 1942, el museo inauguró una exposición extravagante, Renaissance in Fashion, en la que varios diseñadores adaptaron la vestimenta de esta época. Si Franklin Turner participó con cinco vestidos que incluían bordados y brocados coptos o persas, Nettie Rosenstein también figuró con tres diseños, entre los que se incluía una pieza blanca con bordados dorados. “La exposición mostró que la confección es, sin duda, una de las artes menores activas del país, capaz de abarcar toda una octava desde Miguel Ángel hasta Donald Nelson”, recogía Vogue al respecto. Siguiendo con ese interés creciente de la comunidad de moda en los recursos de los museos estadounidenses, entre noviembre de 1943 y marzo de 1944 tuvo lugar The Greek Revival in the United States, una exposición que ahondaba en las culturas grecorromanas con diseños “made in USA”. “Estos vestidos no son copias esclavas de la Antigüedad”; sostenía Vogue en 1944. “Están pensados para vestir esta primavera [...] En otro sentido, también son revivals clásicos”, señalaba, aludiendo a varios diseños plisados de Eta Hentz, fotografiados por John Rawlings en las galerías del museo.\nCon estas exposiciones, Estados Unidos no solo daba visibilidad y ponía en relieve a sus propios creadores unos cuantos años antes de que el Teatro de la Moda tratase de devolver a la alta costura parisina su esplendor tras la Segunda Guerra Mundial. También sirvieron para demostrar el papel de esas diseñadoras por las que apostaron Dorothy Shaver o Eleanor Lambert (responsable de crear la semana de la moda de Nueva York). Ya fuese a medida o en producción en cadena, estas creadoras fueron claves para dar con una ropa adaptada a los amplios gustos, necesidades y bolsillos de las norteamericanas. “Cuando diseñan de manera profesional, las mujeres han diseñado para sí mismas”, suscribe Caroline Milbank en New York Fashion. “Entienden de primera mano cómo se mueven las prendas, y trabajan, y piensan, sobre todo, en comodidad y en que siente bien”. Por contribuir tanto a su democratización como a las líneas que definen su propia identidad, sin ellas tampoco existiría la moda norteamericana. Que el museo MET las incluya en In America: An Anthology of Fashion sirve para arrojar un poco de luz sobre su trayectoria y la vinculación que tuvieron con el propio museo. Pero, sobre todo, supone poner en valor a ojos del s. XXI que la moda tan plural del país también la crearon ellas, aunque la historia se empeñe una y otra vez en relegarlas al polvo de los archivos.\nModelos con conjuntos de Claire McCardell (1943).John Rawlings/ Condé Nast Archive\nMET Gala 2022Historia de la modaVogue elige


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El papa Francisco convoca a los presidentes de las Conferencias Episcopales para tratar los abusos a menores : Noticias de España\nEl papa Francisco ha convocado a los presidentes de las Conferencias Episcopales de todo el mundo los proximos 21 a 24 de febrero en el Vaticano para hablar de la prevencion de los abusos a menores.\n"El Santo Padre, tras escuchar al Consejo de Cardenales, ha convocado una reunion con los presidentes de las Conferencias Episcopales de todo el mundo para hablar de la prevencion de abusos a menores y adultos vulnerables", señalo la vicedirectora de la oficina de prensa del Vaticano, Paloma Garcia Ovejero.\nMañana, jueves, Francisco recibira a varios obispos de Estados Unidos tras los escandalos de abusos que han salpicado a la Iglesia de ese pais.\nAl Vaticano acudiran mañana el presidente de la Conferencia Episcopal estadounidense, el cardenal Daniel DiNardo, arzobispo de Galveston-Houston, y el cardenal y arzobispo de Boston Sean Patrick O'Malley, que es ademas presidente de la Comision Pontificia para la Proteccion de los Menores.\nTambien el arzobispo de Los Ángeles y vicepresidente de la Conferencia Episcopal, Jose Horacio Gomez, y el secretario general, Brian Bransfield.\nDe forma paralela, hoy concluyo la reunion de tres dias que han mantenido en el Vaticano el consejo de nueve cardenales nombrados por el papa Francisco para ayudarle en sus reformas, el llamado C9.\nEn la ultima sesion de hoy, no estuvieron presentes los cardenales Francisco Javier Errazuriz Ossa, arzobispo emerito de Santiago y muy cuestionado en Chile por los escandalos de abusos a menores, ocultados por la Iglesia de ese pais; George Pell, que afronta en Australia un juicio relacionado con abusos sexuales; ni Laurent Monsengwo Pasinya.\nEl pasado lunes, el C9 ya explico en un comunicado que habia propuesto al papa Francisco reflexionar sobre "el trabajo, la estructura y la composicion del consejo".\nPor Otro Lado: Nagore Robles, pareja de Sandra Barneda, sufre un accidente de moto\nLa proxima reunion del C9 tendra lugar los proximos 10, 11 y 12 de diciembre.


Información tráfico Nexon hoy - tráfico en tiempo real - ViaMichelin\nTráfico en Nexon - el estado del tráfico por carretera en Nexon\nViaMichelin te ofrece la información del tráfico en Nexon. Los datos de información del tráfico en Nexon te permiten ver los atascos, los accidentes o las obras alrededor de Nexon, así como el tráfico lento o las condiciones climatológicas (nieve, lluvia, hielo) en Nexon y sus alrededores. ViaMichelin – el tráfico en Nexon en tiempo real\n¿Mi trayecto ViaMichelin hacia, desde o pasando por Nexon tiene en cuenta el estado del tráfico en Nexon?\n¿Qué tipo de incidencias de tráfico me indica ViaMichelin en Nexon?\nViaMichelin te proporciona detalles sobre las incidencias que pueden tener impacto en la circulación de Nexon: carreteras cortadas, vías restringidas, accidentes, obras, el tiempo, eventos concretos (ej. manifestaciones sociales). En tu mapa aparecerán unos pictogramas de fácil comprensión. Y también, el estado de las carreteras (verde: circulación fluida, rojo: atascos, naranja: tráfico lento, negro: carretera cortada) está disponible en el mapa.\n¿Me ofrece ViaMichelin el guiado GPS con el tráfico en tiempo real para mi ruta desde o hacia Nexon?


A un día de inicio de trabajos de Secretaria de Cultura, se manifiestan trabajadores de INAH – Escenario\nInicio > Cultura > A un día de inicio de trabajos de Secretaria de Cultura, se manifiestan trabajadores de INAH\nA un día de inicio de trabajos de Secretaria de Cultura, se manifiestan trabajadores de INAH\nAlonso Camarillo, 5 meses ago 0 1 min read\nTlaxcala, Tlax. El pasado jueves 10 de enero, Alejandra Frausto Guerrero inició las operaciones de la Secretaría de Cultura (CULTURA), en Tlaxcala, y en menos de 24 horas, ya se concentró la primera manifestación contra los despidos masivos en el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH),\nSe trata de trabajadores del Museo Regional de Tlaxcala, quienes este día colocaron pancartas al exterior del museo para manifestarse contra los despidos por orden del capítulo 3000 en la secretaría.\nEntre otras de sus peticiones: “la dictaminación inmediata de las promociones por grado académico del INAH”, así como la destitución de Diego Prieto, director general del museo, ya que presuntamente no ha cumplido con los acuerdos alcanzados con miembros del Sindicato Nacional Democrático de Trabajadores de la Secretaría de Cultura (SNDTSC).\nDe manera pacífica, los trabajadores del MRT se manifestaron por algunos minutos en unión a las expresiones a nivel nacional donde se han registrado los despidos, incluso en Tlaxcala.\nEsta es la primer manifestación en contra de la Secretaría de Cultura en su llegada a la entidad a diferencia de otros centros y subdelegaciones donde se inconformaron por la descentralización de las mismas.\nArranca Coyotes de Tlaxcala segunda parte con empate agridulce\nSedena no sabía de 130 tomas clandestinas en Tlaxcala que detectó Pemex\nInvita Sala N Lira a ver Roma y cortometraje “Artes y después”\nBoletín, 4 meses ago 1 min read\nRoma se perfila para ser el mayor éxito de Alfonso Cuarón\nEscenario Tlx, 10 meses ago 2 min read\nJoss Whedon podría encargarse de la versión cinematográfica de Batgirl\nPresenta CCE recopilación poética del Mtro. Juventino Sánchez de la Vega\nFernando Maldonado, 9 meses ago 1 min read\nTimo está de visita en la plaza de la Constitución de la capital\nCristihan Hachac, 2 semanas ago 2 min read


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El Nokia 8 contaría con un precio parecido al del OnePlus 5 | AndroidAyuda\nEl Nokia 8 contaría con un precio parecido al del OnePlus 5\nEl Nokia 8 se lanzará oficialmente el 16 de agosto como el nuevo smartphone de gama alta de Nokia. Finalmente no será uno de los mejores móviles del mercado, sino simplemente un móvil de gama alta con un precio económico. De hecho, podría contar con un precio parecido al OnePlus 5.\n1 Nokia 8 a precio del OnePlus 5\n2 Lanzamiento del Nokia 8 el 16 de agosto\nNokia 8 a precio del OnePlus 5\nEl Nokia 8 contaría con un precio realmente económico. Según parece, el smartphone contaría con un precio parecido al OnePlus 5. Y es que los nuevos datos que llegan desde Vodafone Rumanía, confirmarían que el teléfono inteligente contaría con un precio de unos 515 euros, siendo por tanto un móvil de gama alta con un precio de lanzamiento mucho más económico que el de móviles de gama alta como serán el Samsung Galaxy Note 8 o el LG V30.\nHasta ahora creíamos que el nuevo Nokia 8 podría contar con un precio de unos 600 euros, que ya era de por sí un precio más económico que el del Samsung Galaxy Galaxy Note 8 o el LG V30 cuando los nuevos smartphones se fueran a lanzar al mercado. Sin embargo, lo cierto es que el móvil sería todavía más barato, con un precio de unos 515 euros.\nEs un precio muy parecido al del OnePlus 5, por lo que si quieres comprar un smartphone de gama alta con un precio económico, tanto el OnePlus 5 como el Nokia 8 serán los mejores móviles que podrás comprar.\nLanzamiento del Nokia 8 el 16 de agosto\nEl Nokia 8 se lanzará oficialmente el 16 de agosto. Creíamos que el smartphone se podría lanzar el 31 de julio. De hecho, creíamos que el lanzamiento del Nokia 8 sería el 31 de julio. Sin embargo, se confirmó que el Nokia 8 sería presentado oficialmente el 16 de agosto. Lo más probable es que el móvil no sea posible adquirirlo en España hasta septiembre u octubre. Pero será uno de los mejores móviles de gama alta con precio económico del 2017.\nRuta completa hacia el artículo: Android Ayuda » . Nokia » El Nokia 8 contaría con un precio parecido al del OnePlus 5\nAsí sería la cámara dual del Samsung Galaxy Note 8\nPrincipales novedades de Android O


Cusco: Incautan celulares y objetos prohibidos durante requisa en penal Quencoro - Cusco Informa\nCusco: Incautan celulares y objetos prohibidos durante requisa en penal Quencoro\nLos agentes del Instituto Nacional Penitenciario (INPE), realizaron un operativo de registro y requisa en el pabellón 2 del penal de varones de Cusco, donde hallaron sustancias y objetos prohibidos.\nEl operativo se inició a las 8:30 horas, el personal de los grupos de seguridad 1 y 2 del establecimiento penitenciario, liderados por el director del penal, Roy De la Torre Sucñier, revisaron al detalle las celdas, servicios higiénicos, pasadizos y patio del pabellón. Luego los internos fueron formados en el patio para la revisión corporal.\nDurante la requisa se encontraron celulares, baterías para celular, cabezales para cargador de celulares, micro chip y armas punzo cortantes, sustancias prohibidas, cajetillas de cigarrillos y masa fermentada.\nPor último, el Ministerio Público y la Comisaria de San Jerónimo, fueron informadas sobre el operativo y los hallazgos.\nTags: Cusco Incautan Inpe Penal Requisa\nPrevious Juez dejó libre a padre que quemó a su hija porque solo quería “corregirla”\nNext Hermanos cusqueños ganan concurso nacional por su invento ‘horno crematorio desmontable’


Linux Cáceres: El poder de la consola de comandos\nEl poder de la consola de comandos\nEsto da para mucho y de alguna u otra manera lo hemos tratado antes, pero lo traigo a tema ahora dado que Mark Shuttleworth se lo preguntó y siendo él el benefactor de la principal distro de escritorio se nota que GNU/Linux está siendo desarrollado en gran medida por gente que no sabe de usabilidad.\nOk, la consola es muy bonita y útil, pero la mayoría de la gente necesita utilizar interfaces gráficas porque sus conocimientos informáticos son limitados, no todos tienen ganas de aprender a usar algo que es poco intuitivo y no tendrían por qué.\nPor otro lado, GUI no significa fácil o intuitivo automáticamente, incluso las aplicaciones GUI (o gráficas) requieren un diseño adecuado para ser efectivamente fáciles de aprender a usar.\nAlgo que los linuxeros deben dejar de pensar es que el usuario nuevo tiene que aprender lo más complicado. Una cosa, la consola no es dificil y no he dicho que lo sea, pero nunca va a ser intuitiva, nadie puede adivinar cómo usar un programa de línea de comandos mirando la pantalla, un programa de creación de DVD (por poner un ejemplo de GUI) sí, y he ahí la diferencia infranqueable entre una GUI y un programa para línea de comandos.\nLo de arriba te puede parecer abstracto a ti, usuario de Linux de no menos de 2 años pero la impresión que causa una consola es un poco fuerte para un usuario novato que jamás ha usado Linux y tampoco MSDOS.\n¿Qué implica saber que tendré que usar una línea de comandos por primera vez?\nEs simple. Si ves una consola por primera vez y descubres que en Linux es obligación usarla aunque sea una que otra vez al mes, esto se vendrá a tu mente: MEMORIZAR!\nA nadie le gusta memorizar y, si bien, los usuarios de Linux sabemos que no es para nada complicado, pero a esto nos ha llevado la costumbre. Me acuerdo que cuando estudiaba en el Instituto teníamos que aprender a usar MSDOS para la clase de informática y todavía recuerdo que el único que sabía cómo introducir y usar los comandos (cuando aún no usaba Linux) era yo, todos los demás me preguntaban cómo hacer lo que se pedía y nadie aprendió MSDOS definitivamente.\nLo segundo que te pones a pensar cuando ves una línea de comandos por vez primera es: ABURRIDO!\nAsí no se puede incentivar el uso de este sistema operativo a nivel de escritorio.\nVía:La diferencia infranqueable entre la aplicación gráfica y la consola


SEGUIMIENTO DATOS - A PARTIR DEL 16 DE ENERO DE 2016 - Galicia, Asturias, Cantabria, Pais Vasco, Navarra, La Rioja, Castilla y León, Aragón y Cataluña - Página 27\npor Sergi-Vic el Sáb 1 Oct 2016 - 18:04\nSeguimos con el mismo tipo de tiempo estos días; con noches frescas y días suaves\nEsta tarde/noche no descarto que caiga algun chubasco\nPD: esta semana me han sorprendido algunos chubascos que caían cerca de las diez de la noche, el día que llovió más cayerón unos 5 litros\npor Alfareño el Dom 2 Oct 2016 - 12:36\nAlfareño escribió: Acaba el mes de septiembre en Alfaro con una media de 20.3ºC, el segundo más cálido de toda la serie, sólo superado por una décima del de 2014 (20.4). También se ha superado la Tª Máx en un mes de septiembre, llegamos a 37.3ºC cuando el récord era 36.2ºC,\nEn cuanto a precipitaciones ha habido récord. Se ha superado el mes de septiembre más seco, que fue en 2007 con 6.2 mm, esta vez han caído 5.4mm.\nA destacar de este verano, que ha sido muy cálido, con muchos días por encima de 35ºC y algunos por encima de 37/38, con máxima en 39,1ºC.\nEste verano ha sido el más cálido desde que se tienen registros en Alfaro (2002), superando con creces el de 2003 y otros tórridos veranos.\nDesconozco allí abajo lo que habéis tenido Alfareño, pero en Puente la Reina el 2003 quedó muy por encima de lo que ha hecho este verano normal o ligeramente cálido si le quieres llamar así. Si que ha sido muy seco, pero de ahí a lo que comentas.... Aun y todo, en Puente han caído más de 50 litros en septiembre, así que a nivel de medias históricas se ha superado la media de septiembre al menos...\nHoy tenemos cielos nubosos en Puente la Reina y una pequeña lluvia, de la de mojar el suelo y no regar el césped vamos, tampoco nada del otro mundo. Las temperatutas más frescas, se dejan atrás los\nEl agosto de 2003 fue una auténtica burrada con más de 15 días casi consecutivos por encima de 35 grados y mínimas por encima de 20.... eso no lo hemos tenido en todo el verano!!!!!\nHoy tenemos cielos nubosos y ligera lluvia para mojar el suelo y evitar regar el césped, poco más. teperaturas en descenso, atrás dejamos las temperaturas de jueves viernes de 27 grados y nos quedaremos en 22 como mucho\nPues en Alfaro, datos en mano, este año la media de julio, agosto y septiembre es de 22.1ºC entre los tres. En el año 2003 fue de 21.6ºC.\nEn cuanto a días por encima de 35ºC, en 2003 hubo 24 días, con máxima en 38.7ºC, mientras que este año ha habido 22 días por encima de 35ºC, con máxima en 39.1ºC. Ninguna noche tropical este año, mientras que una en 2003.\nPuedes consultar los datos de las estaciones de La Rioja aquí: http://www.larioja.org/agricultura/es/informacion-agroclimatica/datos-estaciones\nA todo esto, 20ºC en Alfaro en estos momentos.\npor denoex el Miér 5 Oct 2016 - 8:59\nAmanecemos con el cielo cubierto y restos de lluvia de la noche. Puede que caiga algo más durante la mañana\npor Sergi-Vic el Miér 5 Oct 2016 - 20:42\nMañana la lluvia será la protagonista\npor Sergi-Vic el Jue 6 Oct 2016 - 22:01\nDía plenamente otoñal hoy\nMínima que se da ahora con 10,6\nAquí solo han caído 7 mm pero en sitios como el Montseny se han acercado a los 30 mm que han ido muy bien\nAquí os dejo la foto de como ha quedado de blanquito el Pirineo esta tarde si os fijais bien se puede ver, la cámera del móvil ya no me daba por más\nEsta noche hará mucho fresco\npor elurra el Jue 6 Oct 2016 - 23:49\nHemos pasado de xirimiri por la malana a nubes y claros, y al anochecer prácticamente raso, lo que de seguir así va a traer una madrugada fría a muy fría para esta época,\nAhora en algunos valles hay menos de 8 grados.\npor TEMPUS23 el Vie 7 Oct 2016 - 8:09\nVaya mínimas se están dando... y eso que la masa fria, todavía no la tenemos cerca,...\n7.9º Actuales y bajando...\nEspinal mínima 0,7º y bajando...\nNo creo que bajen mucho más, pero se esperaban mínimas mucho más altas por AEMET.\nVaya traspiés han dado,\npor elurra el Vie 7 Oct 2016 - 18:21\nEfectivamente. Por aquí las mínimas han bajado a 7 grados, y en Balmaseda a unos 5.\nLa noche rasa ha hecho de las suyas En Erremendia, a unos 1100m.,helando con -2.\nY lo mejor es que para la próxima semana, según Euskalmet, al sólo tener algunas nubes altas, las mínimas irán cayendo en picado, con frío en la costa, y hasta riesgo de heladas en zonas del interior.\nA estas alturas de este mes, es algo muy destacable, siguiendo la tónica de las mínimas tan bajas de julio, por ejemplo. Algo querrá decir para el futuro inmediato.\npor Sergi-Vic el Vie 7 Oct 2016 - 20:49\nEsta noche será fresquita otra vez\nPor cierto, gracias a las últimas lluvias los campos han cogido el color verde otra vez y los bosques se mantienen bien húmedos\npor TEMPUS23 el Sáb 8 Oct 2016 - 1:49\n0.3° en Remendia\nHelando en Soria y Cuenca.\npor TEMPUS23 el Sáb 8 Oct 2016 - 11:22\n-1,7° finalmente en Remendia.\nLa más baja -2,2° en Cuenca, en Vega del Codorno.\npor denoex el Sáb 8 Oct 2016 - 16:33\nNubes y claros con madrugadas frescas-frías para la época y máximas contenidas\nLa máxima ha sido de 19°\nAhora tenemos 17.7°\npor Sergi-Vic el Dom 9 Oct 2016 - 21:10\nDía de otoño por aquí el día ha sido con muchas nubes hasta mediodía , después se han abierto algunos claros pero la temperatura ha quedado bastante tocada\nLa noche se presenta fresca\npor Daedj el Dom 9 Oct 2016 - 22:20\nYa se nota frío, llevamos varias noches con mínimas de 4 y 5°C, y por el día máximas de 17 a 19°C, que no son reales, ya que el poco viento que hay sopla del norte, y se nota bastante.\npor elurra el Lun 10 Oct 2016 - 0:15\nAsí es. Hoy el viento noreste se dejaba notar, y no hemos pasado de 17/18 grados, después de mínimas de 8/9 . Hoy y mañana bajaran más estas mínimas a la espera de las lluvias a partir del miércoles.\npor TEMPUS23 el Lun 10 Oct 2016 - 7:56\n-5,0° en Remendia.\n7.8 ° en mi Portal.\npor AMARGS el Lun 10 Oct 2016 - 8:07\nEmpieza el "fresco"....\npor elurra el Lun 10 Oct 2016 - 11:26\n-0,5 en Iturrieta en Araba⛄\n3 en Balmaseda.\nAquí todavía frío con 10 grados.\npor denoex el Lun 10 Oct 2016 - 13:48\nDía soleado con amanecer frío y temperatura de otoño avanzado\nLa máxima ha sido de 16.9°\nAhora tenemos 15.9°\npor samu_alves el Lun 10 Oct 2016 - 15:45\nPor el prelitoral catalan, hoy el día más frio de hace muchos meses. Todo el día cubierto y lloviendo debilmente. Sensación de frío.\npor Sergi-Vic el Lun 10 Oct 2016 - 20:34\nOtro día de otoño por aquí, las nubes y los claros se han ido alternando durante el día\nEstos días la mínima no baja más porque el cielo por la noche se mantiene bastante nublado\npor TEMPUS23 el Lun 10 Oct 2016 - 23:43\nEsta noche promete ser...\npor elurra el Mar 11 Oct 2016 - 1:05\nMás fría que la anterior. 5 grados ahora.\npor TEMPUS23 el Mar 11 Oct 2016 - 8:30\nVaya mínimas se están dando, con numerosas heladas en amplias zonas...\nRemendia marca -5,4°\npor Daedj el Mar 11 Oct 2016 - 10:55\nAnoche salió Vitoria en las noticias, ya que de madrugada llegamos a los 0 grados.\nEn casa ya he empezado a poner la calefacción ya que por las mañanas y por la tarde noche se queda con 18° o incluso menos.\nCielos despejados, viento en calma, 93% de humedad y 4° a éstas horas, con sensación de 6°.


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El ácido alfa lipoico (también llamado ácido r-alfa lipoico, ala, r-ala, ácido r-lipoico, etc.) es un antioxidante universal y coenzima producida naturalmente por el cuerpo humano. Un rastro de investigación desde el ácido lipoico hasta los complejos de alfa-cetoácidos deshidrogenasa. Tanto el ácido lipoico como el ácido dihidrolipoico pueden eliminar directamente (neutralizar) ros y rns fisiológicamente relevantes en el tubo de ensayo (revisado en 3). Mi médico holístico me recetó ácido alfa lipoico cuando me diagnosticaron prediabetes. La reducción de los síntomas de claudicación parece ser bastante potente con la administración de suplementos de ala, aunque no hay una gran cantidad de evidencia en general. Bioganix formuló un suplemento de 600 mg de potencia extra por cápsula de ala, para que pueda cosechar todos estos beneficios para su cuerpo y mantenerse saludable.\nEl consumo de suplemento nutricional de alanerv (R) y el dinámica de algunos marcadores inflamatorios en pacientes con accidente cerebrovascular post agudo sometidos a rehabilitación .; Farmacocinética enantioselectiva y biodisponibilidad de diferentes formulaciones de ácido alfa lipoico racémico en voluntarios sanos. El ácido alfa lipoico es un ácido graso de cadena corta, que contiene azufre en su estructura. Se ha encontrado que el ácido lipoico aumenta las concentraciones de glutatión en las células cultivadas y en los tejidos de animales de edad avanzada alimentados con ácido lipoico (29, 30). Activación de las vías de señalización antioxidante: el glutatión es un antioxidante intracelular importante que también juega un papel en la desintoxicación y eliminación de posibles carcinógenos y toxinas. Obtenga una protección antioxidante de alta potencia y un soporte metabólico efectivo con el súper potente ácido swanson ultra alfa lipoico 300 mg. (R) -, pero no el ácido s-alfa lipoico estimula el complejo deficiente de piruvato deshidrogenasa cerebral en la demencia vascular, pero no en la demencia de Alzheimer. Ácido lipoico (R) (Rla, arriba) y ácido lipoico (S) (Sla, abajo). Los efectos secundarios más frecuentes de la administración de suplementos orales de ácido lipoico son reacciones alérgicas que afectan la piel, como erupciones cutáneas, urticaria y picazón. El ácido alfa lipoico puede haberse combinado con otras plantas o extractos en una preparación específica para tratar estas afecciones.\nÁcido Alfa Lipoico, Antioxidantes, Suplementos: Country Life Alpha Lipoic Acid – Para qué sirve?\nAhora vuelve a la normalidad con varios suplementos (el ácido alfa lipoico es uno de los principales esencial) y un cambio de dieta estoy empezando a sentirme más enérgico y en control. Dieciocho pacientes medicados con esquizofrenia y 38 controles sanos recibieron suplementos diarios de la (500 Mg / día) durante tres meses. Sin embargo, la investigación ha demostrado que el ácido alfa lipoico puede no ser efectivo en el tratamiento de estas afecciones. Español y sus editores no aseguran que no ocurran efectos secundarios imprevistos, incluso con las dosis adecuadas, y por lo tanto no asume responsabilidad por los efectos secundarios de los suplementos o prácticas alojados bajo el dominio de examen. Si bien el ácido alfa lipoico como antioxidante tiene algunas propiedades neuroprotectoras, esta acción no se ha investigado en modelos de epilepsia. Se observó degradación a ácido tetranorlipoico, oxidación de uno o ambos átomos de azufre al sulfóxido, y metilación s del sulfuro. La conjugación de ácido lipoico no modificado con glicina se detectó especialmente en ratones. En las células, la se reduce a ácido dihidrolipoico, que generalmente se considera como la forma más bioactiva de la y la forma responsable de la mayoría de los efectos antioxidantes y de reducir las actividades redox del hierro y el cobre no unidos.\nSe ha sugerido que la presencia de ácido s-lipoico en la mezcla racémica puede limitar la polimerización del ácido r-lipoico y mejorar su biodisponibilidad. Se le aconsejó a mi esposo que probara el ácido alfa lipoico para ayudar con el dolor y el adormecimiento causado por la esclerosis múltiple y él cree que está ayudando. El pretratamiento y el postratamiento con ácido lipoico, respectivamente, previnieron y revirtieron las alteraciones histopatológicas pulmonares inducidas por lipopolisacárido (Lps) en ratas a través de la regulación positiva de ho-1 mediada por nrf2. La mayoría de los antioxidantes son grasas o solubles en agua. Debido a la posibilidad de efectos secundarios e interacciones con medicamentos, debe tomar suplementos dietéticos solo bajo la supervisión de un proveedor de atención médica.El ácido alfa lipoico, o ala, es un compuesto sorprendente con una gran cantidad de efectos sobre la salud. Existe confusión entre el ácido alfa lipoico y el ácido alpa linolénico porque a veces ambos se abrevian como ala.\nFinalmente, no hay evidencia en humanos de que el ácido lipoico exógeno se pueda activar con atp o gtp e incorporado en enzimas dependientes de ácido lipoico por una lipoil transferasa. Esta revisión sistemática y metaanálisis evaluaron el efecto de la suplementación con ala sobre los marcadores inflamatorios en pacientes con mets y trastornos relacionados. Preparación de antípodas ópticas de ácido alfa lipoico. R / s-la y rla están ampliamente disponibles como suplementos nutricionales de venta libre en los Estados Unidos en forma de cápsulas, tabletas y líquidos acuosos, y se han comercializado como antioxidantes. En las células, el ácido lipoico se reduce rápidamente a ácido dihidrolipoico, y los estudios in vitro indican que el ácido dihidrolipoico se exporta rápidamente de las células. En las células, trabaja para regenerar antioxidantes como el glutatión, la vitamina C y la vitamina E, al tiempo que participa en la producción de energía mitocondrial. El metabolismo in vitro del ácido a-lipoico, especialmente teniendo en cuenta la biotransformación enantioselectiva (Ph. Complementar con potentes antioxidantes como el ala que puede cruzar fácilmente la barrera hematoencefálica puede ayudar a evitar parte del daño causado por el estrés oxidativo en el cerebro. Decidí buscar un suplemento que pueda ayudar a detener esos antojos lo suficiente como para poder concentrarme primero en mí y en mi propio cuerpo, y hacer que sea más fácil vivir un estilo de vida saludable.\nCountry Life Alpha Lipoic Acid – Para qué sirve?\nEl ácido alfa lipoico es un compuesto que se encuentra naturalmente dentro de cada célula del cuerpo humano. Varios estudios sugieren que el ácido alfa lipoico ayuda a reducir los niveles de azúcar en la sangre. Muy buena potencia proporciono ácido alfa lipoide a un cierto subgrupo de mis pacientes y todos están de acuerdo en que el producto de vitamina mundo de 600 mg funciona mejor que las cápsulas de 600 mg de otras tiendas de suplementos en línea. La alimentación de acetil-l-carnitina y ácido lipoico a ratas viejas mejora significativamente la función metabólica mientras se descifra Aliviando el estrés oxidativo. El estrés oxidativo aumenta durante el proceso de envejecimiento, lo que resulta en un aumento de la producción de especies reactivas de oxígeno (Ros) o una disminución de la defensa antioxidante. En combinación con otros antioxidantes, suplementos y cambios en la dieta, esto me ha devuelto la vida. No está claro si el ácido dihidrolipoico regenera eficazmente los antioxidantes en condiciones fisiológicas. La suplementación con La redujo significativamente tbars, aopp y mejoró los niveles de sabor en sujetos sanos, mientras que no hubo diferencias significativas en el grupo de pacientes. También puede ejercer efectos antioxidantes en sistemas biológicos a través de la quelación de metales de transición. El ácido alfa lipoico también se ha utilizado para tratar la artritis reumatoide, la enfermedad de Alzheimer, los problemas hepáticos alcohólicos, el mal de altura, los problemas nerviosos relacionados con el corazón, los problemas cerebrales relacionados con el VIH o los problemas oculares causados por la diabetes.\nPacker, ala es más potente que las vitaminas c y e, y coq10, y puede, de hecho, ser el antioxidante más importante jamás descubierto. Los suplementos de hierbas / salud deben comprarse de una fuente confiable para minimizar el riesgo de contaminación. El ácido alfa lipoico es un inhibidor eficaz de la replicación del virus de inmunodeficiencia humana (VIH-1). Pero ala también se destaca como antioxidante, ayudando a combatir los radicales libres que dañan las células en el cuerpo. Packer y sus colegas sugieren que el ala también puede tener un uso mucho más amplio en el tratamiento de otras enfermedades y puede tener beneficios generales para la salud cuando se toma como un suplemento diario como otros antioxidantes. Eso significa que este nutriente versátil es más favorable en su acción antioxidante. Suplementos de tomate y licopeno y factores de riesgo cardiovascular: una revisión sistemática y metaanálisis. Esta solubilidad universal da como resultado que ala pueda brindar sus poderosos beneficios protectores en todo el cuerpo y por qué a menudo se le conoce como el antioxidante universal.\nLiberación inmediata de ácido alfa lipoico (Ir) Es ideal para hombres y mujeres que desean una poderosa protección antioxidante, una producción óptima de energía celular y un metabolismo de glucosa saludable. Al considerar las actividades biológicas del ácido lipoico suplementario (no unido), es importante tener en cuenta la naturaleza limitada y transitoria de los aumentos en el ácido lipoico plasmático y tisular (ver metabolismo y biodisponibilidad). Combinación de ácido alfa lipoico (ácido tióctico), silimarina y selenio: tres historias de casos. Keap1 responde a las señales de estrés oxidativo liberando nrf2, tras su liberación, nrf2 se transloca al núcleo donde puede unirse al elemento de respuesta antioxidante (Are) ubicado en la región promotora de genes que codifican enzimas antioxidantes y captadores. Suplemento de ácido alfa lipoico en el tratamiento de la obesidad: una revisión sistemática y metaanálisis de ensayos clínicos. Comparta en pinterest las personas pueden aumentar sus niveles de ala tomando suplementos.El ácido alfa lipoico es una cápsula blanda de liberación inmediata, que libera rápidamente ala para promover una absorción óptima, especialmente cuando se toma con el estómago vacío. Además, el ácido alfa lipoico puede reducir el riesgo de complicaciones de la diabetes. Sin embargo, todos los estudios en humanos publicados han utilizado el ácido r, s-lipoico (mezcla racémica). En el mismo análisis, el ácido alfa lipoico no afectó significativamente la circunferencia de la cintura. Ala y dhla también pueden regenerar otros antioxidantes como la vitamina C, la vitamina E y el glutatión, haciéndolos disponibles para extinguir los radicales libres más dañinos.\nMednet direct hace un suplemento muy puro, que combina berberina con ácido alfa lipoico y canela para obtener los máximos beneficios para la salud. Un estudio controlado con placebo de 72 pacientes con diabetes tipo 2 encontró que la administración oral de ácido lipoico a dosis de 600 mg / día, 1,200 mg / día o 1,800 mg / día mejoró la sensibilidad a la insulina en un 25% después de cuatro semanas de tratamiento. Proporciona un importante soporte antioxidante y también ayuda a regenerar la actividad de otros antioxidantes. Además de las funciones fisiológicas del ácido lipoico unido a proteínas, existe un creciente interés científico y médico en los posibles usos terapéuticos de dosis farmacológicas de ácido lipoico libre (no unido). Estudios anteriores han respaldado los roles positivos de los suplementos antioxidantes en la pérdida de peso. La suplementación con ácido lipoico aumenta transitoriamente las concentraciones plasmáticas y celulares de ácido lipoico no unido.\nÁcido Alfa Lipoico, Alpha Lipoic Acid, Antioxidantes, Antioxidants, Certified Gluten Free, Country Life, Gluten Free, Sin Gluten, Sin Gluten Certificado, Suplementos, Supplements


• Inaugura Kioskos Digitales Telmex-Adelante.\nCórdoba, Ver.- Con la reducción de la brecha digital en las Tecnologías de la Información y la Comunicación (TIC), los veracruzanos podremos nivelar las oportunidades para salir adelante y tendremos mayor desarrollo social y educativo, afirmó el gobernador Javier Duarte de Ochoa al inaugurar Kioskos Digitales Telmex-Adelante en el parque San José de esta ciudad, y firmar un convenio de colaboración con el director General de Teléfonos de México, Héctor Slim Seade .\nEn presencia de autoridades municipales, del sector educativo e integrantes de la sociedad civil cordobesa, el mandatario veracruzano dijo que "Córdoba y todos los veracruzanos celebramos esta colaboración con Telmex en favor de una mejor educación. Telmex, empresa socialmente responsable, ratifica su convicción de participar en nuestro esfuerzo para reducir la brecha digital".\nDurante la presentación del Kiosko Aula Digital Telmex-Adelante y al inaugurar la Biblioteca Digital Telmex , dijo que estas acciones son parte de una política transversal en el plan estatal de desarrollo, por las implicaciones directas en los niveles de bienestar de los veracruzanos, porque evidencias internacionales, señaló, muestran una relación directa entre el acceso a las tecnologías de la información y el desarrollo social.\n"Por ello, hoy inicia un programa para acercar a más comunidades educativas y que accedan a contenidos digitales con gran impacto social. En el Gobierno del Estado, las telecomunicaciones y la Internet son herramientas fundamentales" para superar los rezagos, destacó.\n"Es una visión de conectividad con iguales oportunidades de acceso a la red para todos, por muy lejano que se encuentre en la geografía", manifestó ante cientos de niños y jóvenes estudiantes.\n01/09/12 Nota 99465


🥇 Maqueta De La Habana | Maquetas Y Complementos\nDetalles diminutos de construcciones, calles y paseos, monumentos, plazas, parques y esculturas, zonas industriales, rurales, de todo el litoral habanero y sus playas, se observan con claridad. Este es uno de los museos de visita imprescindible si visitas La Habana Vieja, ya que permite imaginarse cómo es el casco histórico de La Habana en su conjunto, para tener una perspectiva mejor a la hora de callejear entre sus monumentos y lugares de interés. El azul del mar que bordea la ciudad aporta magia y realza la distinción de una ciudad que no cede al tiempo.\nLa mejor oferta en maqueta de la habana\nEntre ellas, figuran el Capitolio Nacional, el Gran Teatro de La Habana y los hoteles Nacional de Cuba y Habana Libre, junto a la zona de La Rampa. Romero fue trabajador de los Astilleros de Cádiz durante muchos años y al jubilarse, gracias a su pasión por el mar y a la navegación, se dedicó a la afición de construir maquetas de barcos y navíos. Actualmente forma parte de los trabajos de restauración y conservación del patrimonio de la Oficina del Historiador de La Habana Vieja. La amplitud del local posibilitó el montaje de sistemas de luces y sonido que complementan la admiración del conjunto en el que, rápidamente, se identifican edificaciones religiosas, plazas, instituciones, incluso conjuntos escultóricos. Este artista cubano de Ciudad de la Habana es maquetista, topógrafo, conocedor de carpintería, de arquitectura, de soldadura, de encuadernación; graduado de la Escuela Superior de Artes y Oficios de la Habana, ha tenido la virtud, con su arte, de convertir lo grande en pequeño construyendo más de dos mil maquetas, fue trabajador durante muchos años en el Ministerio de la Construcción y ha contribuido en gran medida a la formación de varias generaciones de especialistas cubanos en el arte de las maquetas. Gracias a su labor en la realización de la maqueta del Centro Histórico de la Habana Vieja, se puede curiosear las altas cumbres de la ciudad, tejado por tejado.\nMejores precios de maqueta de la habana\nRealizó entre otras obras de arte la maqueta del Túnel de La Habana, durante su construcción; la de la Lonja del Comercio, y la de la Ciudad de La Habana construida a escala de 1: 1000 lo que equivale a 144 kilómetros cuadrados de representación. El edificio tuvo diferentes destinos a lo largo de su historia, incluyendo la toma por parte de los ingleses, quienes lo transformaron en un templo masónico. Posteriormente, a petición del Historiador Eusebio Leal se incluyó parte de los municipios Regla y Casablanca, para que se pudiera observar con claridad la forma de bolsa de la Bahía de La Habana. Con esta opción podrás contemplar la ciudad sobre ruedas mientras tomas todas las fotos y «selfies» imaginables con La Habana como telón de fondo. Pero si lo deseas puedes bajar y adentrarte en lugares inolvidables, llenos de una energía muy particular y más tarde volver a retomar la ruta para seguir descubriendo una de las siete ciudades maravilla del mundo. Tiene unos 8 kilómetros de largo, y es el punto de reunión de los habaneros, especialmente al atardecer, para caminar, pasear, sentarse, charlar, bailar, y pescar. Si se quiere ayudar, en la Habana, sugieren que es mejor hacer donativos a farmacias, hospitales, colegios, o entregarlos en una iglesia, o en una casa de familia.\nCasa de papel maqueta