Cine, Historietas & Radio: febrero 2009\nRevolutionary Road (2008, Sam Mendes)\nFinal Crisis (DC) / Secret Invasion (Marvel)\nJohn Carpenter: maestro maldito\nAndrés Di Tella (entrevista)\nCarlos Trillo (entrevista)\nLucrecia Martel (entrevista)\nSlumdog Millionaire (2008, Danny Boyle)\nThe Curious Case of Benjamin Button (2008, David F...\nThe Spirit (2008, Frank Miller)\nLeo Fernández (entrevista)\nEnfrentar el vacío insondable\nSólo un sueño (Revolutionary Road) EE.UU./Inglaterra, 2008 Dirección: Sam Mendes. Guión: Justin Haythe, a partir de la novela de Richard Yates. Fotografía: Roger Deakins. Música: Thomas Newman. Montaje: Tariq Anwar. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates, Michael Shannon, David Harbour, Kathryn Hahn. Duración: 119 minutos.\nEn Sólo un sueño asistimos -podríamos pensarlo del siguiente modo- a una mirada que espeja y distorsiona. Quien se mira y aterra ante el reflejo es el modelo social. Con todas las implicancias que suscita precisarlo en la década de los años ’50, en un Estados Unidos que vive inmerso en su sueño de familia, casa, automóvil, padre oficinista y madre ama de casa.\nSe vuelve inevitable pensar también en el retrato cercano que, desde otro ángulo temático, llevara a cabo el admirable film Lejos del paraíso (2002, Todd Haynes), en donde una intachable señora Whitaker (Julianne Moore) vive no sólo una crisis marital, sino también el peso del prejuicio social ante lo que supone la amistad y afecto de su jardinero, negro, como la pesadilla que provoca el quiebre del denominado “sueño americano”. Así como tampoco será desacertado pensar en la ópera prima del mismo Sam Mendes, realizador de Sólo un sueño: en Belleza americana (1999), Mendes delineó una de las mejores plasmaciones sobre la familia norteamericana, inmersa en plena debacle del denominado american way of life.\nLo que nos ofrece Sólo un sueño es una radiografía del vacío –es éste el término que sabrá subrayarse durante el film- que anida tras una pantalla social maquillada de envases Tupperware más desayunos con huevos revueltos. Todos ingredientes de un mismo periplo diario, reiterativo y recurrente. Porque si algo deprime a Frank Wheeler (Leonardo DiCaprio) es la certeza que lo corroe por reiterar el mismo recorrido de vida que su padre. Mientras, dos niños prácticamente ausentes para el registro paterno, decoran a los Wheelers y su casa encantadora. El viaje a París que propone April (su mujer, inmejorablemente interpretada por la cada vez más estupenda Kate Winslet) funciona como la vía de escape, como la oportunidad de no sólo huir de “esta vida consumista”, sino como la posibilidad de reencontrar móviles vitales y auténticos. April sabe –intuye uno- que es ésta su última oportunidad. Los Wheelers dejan estimularse por una sensación jovial renovada, más el estupor que la noticia provoca en cada uno de sus conocidos y amigos.\nSerá entonces cuando la maquinaria social atenace de manera convincente. Será entonces cuando los mandatos familiares generen el peso determinante. Hijos que procrear, que cuidar. Simulacros de parejas que destilan sudor sexual a escondidas, aunque con otros. Y la noción cuerda que sostiene John (Michael Shannon), el hijo disfuncional de la dulce casera (Kathy Bates) que ofrece inmuebles a buen precio, para parejas de bien, mientras acalla los gritos de su único descendiente, presa de un psiquiátrico que calma los delirios de alguien que sabe, de veras, acerca del vacío que se esconde, acerca de la banalidad que les espera.\nSólo un sueño no sólo es una mirada desencantada sobre los sueños dorados de la década del ’50, sino un tapiz crítico y drástico de un manto social que nos recubre y cuyas contradicciones, todavía, convencen.\nPublicado por LEANDRO ARTEAGA en 9:23 No hay comentarios:\nInvasiones paranoicas y crisis terminales\nDC Comics (2008)\nDibujos: J. G. Jones, Dough Mahnke, Carlos Pacheco, Christian Alamy, Marco Rudy.\nMarvel Comics (2008)\nDibujos: Leinil Francis Yu\nIntentemos un paralelo acerca de las dos maxi-series más importantes y recientes del universo superheroico, respectivamente, de Marvel y DC Comics.\nFinal Crisis (Grant Morrison/J. G. Jones y otros) y Secret Invasion (Brian Michael Bendis/Leinil Francis Yu) son las propuestas narrativas, hilvanadoras, “desestructurantes” y megalómanas, que nos han ofrecido ambas editoriales.\nEn el primero de los casos, nos encontramos con –otra vez- una crisis cósmica terrible, que promete sacudir al universo DC desde sus mismo cimientos. Sabemos, claro, que DC viene intentando, infructuosamente, reiterar el éxito sin igual de la recordada Crisis on Infinite Earths (1985, Marv Wolfman/George Pérez), hito que reordenara el caos de continuidades y Tierras alternativas de la editorial en un único curso y, digámoslo así, mundo posible. Ello posibilitó, a su vez, barajar de nuevo y dar luz a nuevos inicios –a veces gloriosos, tal es el caso, desde mi entender, del Superman de John Byrne-. Flash muerto, mundos consumidos, absolutamente todos los personajes de la editorial en los cuadritos dibujados por Pérez… Lo que se dice una gran historieta de superhéroes y, a estas alturas, todo un clásico.\nLos posteriores intentos de DC nunca resultaron de igual manera. No haremos repaso aquí de ellos. Sólo decir que la Crisis original es la raíz genealógica de un vasto recorrido que entronca, finalmente, en la que aquí nos corresponde. Y lo dicho: en Final Crisis no nos vamos a encontrar con nada novedoso, aunque sí con una construcción narrativa que, dada la habilidad y prestidigitación del gran Grant Morrison, conjuga espacios temporales disímiles, perfila alguno de ellos como hallazgos (1), y anuda el desenlace del comic con el inicio desde un prisma prehistórico o, de acuerdo con la mirada que adoptemos, post-histórico. Más lo que supone la evidente verdad que significa decir que los mundos y personajes creados por Jack Kirby siguen ofreciendo las variantes argumentales mejores, merced al despotismo ya sin límites de Darkseid. Es increíble, pero es su obra la que aún atraviesa de manera contundente a ambas editoriales.\nComo vínculo relevante de la obra encontraremos, por un lado, a la figura renacida del Flash Barry Allen (otro nexo con la obra de Pérez y Wolfman), y por el otro, la anunciada defunción de Batman, algo que el propio guionista viene presagiando desde las páginas de su revista mensual durante la saga R.I.P. Pero como sabemos, la muerte se ha vuelto un personaje bastardeado y, por recurrente, no creíble. De todas maneras, ello también habilita a pensar el género superheroico como una de las construcciones mitológicas modernas que ha aportado la historieta norteamericana. Superhéroes como dioses, inmortales e ideales (2). Tan vitales, podríamos decir, como la estructura social y económica que ideológicamente representan.\nEntonces, Final Crisis nos introduce en un hábil juego de espejos, que no produce mucho más que lo mismo de siempre: encontrar la manera viable de proseguir en el interés del lector real y, sobre todo, potencial. Cuenta regresiva que provoca un nuevo inicio y nuevas ventas: así, como se promete, el inevitable Flash: Rebirth, prosecución “lógica” del ya publicado Green Lantern: Rebirth.\nEs cierto -y pasemos a Marvel y su Secret Invasion- que las historietas superheroicas hoy conocen cada vez menos cuadros por página, menos diálogos, y mucha acción visual anodina (nada diferente al cine norteamericano más convencional). Pero Secret Invasion logra, a partir del legado que supone Civil War (2006-07, Mark Millar/Steve McNiven), no tanto plegar el concepto del superhéroe (ya que las premisas de Civil War están presentes en las obras de Moore y Miller), sino descolocar a los personajes entre sí y con el lector. La contienda civil que enfrentara, desde sus respectivos grupos, a Iron-Man con Captain America (el primero a favor del control oficial sobre los héroes, en plena era Bush), sigue generando ecos que lejos estarán de apagarse. El viraje de Marvel sobre muchos de sus personajes ha generado un punto a favor notable. Y aún cuando Secret Invasion juegue con el tema hartamente trillado de la invasión alienígena (aquí obra de los Skrulls) y las usurpaciones de cuerpos -entendida sin muchos rodeos como la amenaza terrorista-, el juego de usurpación –también- de lugares de poder por parte de villanos y héroes, ahora confundidos entre sí, prosigue un camino por demás interesante. No sólo Thor sentencia su desinterés por todo lo que Iron-Man proponga, sino que será el mismo Norman Osborn (antiguo Duende Verde) el que se quede con las bendiciones presidenciales. Entonces, como corresponde, un inmenso continuará de título Dark Reign (Bendis/Alex Maleev).\nCon la irrupción de Maleev en la nueva saga, nos permitimos entonces considerar que, sobre todo desde lo que concierne a la etapa directriz de Joe Quesada en Marvel, los dibujantes que se suceden en estos entuertos gigantes son de lo mejor y, a la vez, diferentes. El trabajo gráfico, detallista, de Steve McNiven en Civil War difiere de las splash-pages contundentes, plenas de acción, de Leinil Yu. Ambos son magníficos en lo que hacen. Y recuperan el denominado Marvel Style que fecundaran grande s del dibujo como Jack Kirby, Steve Ditko o John Buscema. Con otros ritmos, en otra época, pero con un acierto gráfico total. Mientras que Final Crisis cuenta con un notable, correcto, trabajo gráfico de J. G. Jones, pero con cantidad de páginas resueltas por otros artistas que terminan por desconfigurar la identidad visual de la serie, rasgo que, por lo general, suele últimamente ser común en DC.\nValga destacar, como conclusión, algunos elementos que coinciden en ambas sagas. Porque tanto para una como otra, será necesario hacer aparecer, aunque sea en una viñeta, a todo personaje del entorno. Es entonces cuando uno descubre, perdido en un cuadrito, a Howard the Duck peleando a brazo partido con los Avengers, o al Captain Carrot (¡el Capitán Zanahoria!) y amigos en una aparición que, todo lo supone, ha hecho las delicias de Morrison. Y además, será por coincidencia o rasgo afortunado, tanto Secret Invasion como Final Crisis coinciden en un epílogo narrado en primera persona, desde el rol de quien ha observado y sobrevivido a la terrible historia. Dispuesto a contárnosla, el narrador también nos alivia respecto de la suerte final. Porque sobrevivió sabemos que hay continuará. Y aún cuando de hecho esto es lo que siempre ocurre, nada nos impide poder jugar, desde la lectura, de un modo incrédulo, prendidos de la suerte que las viñetas deparan a nuestros personajes.\n(1) Resulta admirable Morrison cuando, durante el episodio final, paulatinamente nos revela que el hombre de color que circula por la Casa Blanca no sólo es el Presidente de los EE.UU., sino una versión alternativa del propio Superman. Esto, vale recordar, en un comic con fecha de portada Marzo de 2009, en pleno triunfo de Barack Obama.\n(2) Aún cuando el propio Alan Moore, desde sus palabras, haya señalado la defunción del concepto superheroico a través de su Watchmen y del Return of the Dark Knight, de Frank Miller.\nPublicado por LEANDRO ARTEAGA en 12:05 1 comentario:\nEtiquetas: Crítica de Comics, Historieta\nUn repaso -vivencial, pasional, reverencial- por una filmografía artesanal, por un director excepcional.\nNota publicada en Revista Erre! Año 3 - #12 (11/2008)\nDesde su primer film –Dark Star (1974)- la crítica ignoró, si no es que vilipendió, cada uno de los títulos de John Carpenter (EU, 1948). Carpenter dixit: “Depende del país. En Francia soy un auteur. En Inglaterra soy un director de películas de terror. En Alemania soy un director de cine. En los Estados Unidos soy un don nadie”.\nSi recordamos casos similares, sólo una tarea crítica posterior –y francesa- se encargó de enarbolar los méritos autorales de realizadores como Alfred Hitchcock o Sam Fuller. El caso de John Carpenter es un poco el mismo: luego de homenajear a su idolatrada Río Bravo (de su idolatrado Howard Hawks) en Asalto al Precinto 13 (1976), Carpenter acierta la taquilla con Noche de brujas (1978) e inaugura, a su pesar, la larga tradición del asesino serial. Entre estos dos films -gigantes y de pequeños presupuestos- Carpenter ya cimenta un talento narrativo y temático (1): la ausencia de un “héroe límpido” (en todo caso, podremos hablar de “anti-héroes”) y la destreza narrativa en el uso del “fuera de campo” (Michael Myers en Noche de brujas, o el indeterminado mal de La niebla –1979- o de Príncipe de las tinieblas –1987-).\nDixit 2: “Mi único criterio cuando trabajo bajo contrato es conseguir el control creativo del film (…) me dejarían el control sólo si se hace muy barato”. El cine de Carpenter, m arginal, escapa a los presupuestos disparatados y, cuando puede, se burla de ellos (como es el caso de Fuga de L.A. –1996-). Su hastío frente a los grandes estudios se evidencia tras sus disgustos de rodaje en Rescate en el Barrio Chino (1986) y por su búsqueda de una mayor libertad creadora. Una de sus pequeñas y posteriores películas –Sobreviven, 1988- da rienda suelta a su radiante anarquismo: una invasión extraterrestre nos domina desde hace tiempo y permanece oculta bajo rostros aristócratas y burgueses, mientras la publicidad subliminal oculta órdenes precisas: Obedezca, Consuma, Sométase, Mire TV(2).\n3: “Kurt [Russell] me cae muy bien. Podemos hablar de chicas y de deportes (…) resulta muy fácil de dirigir. Kurt siempre parece saber qué quiero”. Las colaboraciones con su actor fetiche son cinco: Elvis; el rey está vivo (telefilm de 1979), Escape de New York (1981), El enigma de otro mundo (1982), Rescate en el Barrio Chino y Fuga de L.A.. “Snake” Plissken se constituye como modelo del anti-héroe carpentiano: solitario, rebelde y, claro está, anarquista. El guión pergeñado por Carpenter –en 1974- acerca del convicto forzado a liberar al presidente norteamericano de la aislada NY de 1997, sólo pudo rodarse en los ’80; sus burlas al gran mandatario lo hacían intolerable para los productores. Pero la pesadilla mayor para el realizador fue su remake de El enigma de otro mundo (The Thing, 1951, Christian Nyby, H. Hawks): la tortuosa experiencia de un contacto extraterrestre no interesó a un público y crítica sumidos en la “explosión de amor” (dixit 4) que fomentó el E.T. de Steven Spielberg (3).\nHabrá que ver y rever, entonces, esa mezcla de western y horror y crítica despiadada a la Iglesia Católica que es su Vampiros (1998), capaz de delinear un personaje de rasgos tan incombustibles -el cazavampiros Jack Crow- como su mismo actor, James Woods.\nEn Fantasmas de Marte (2001 ), otro western pero en clave sci-fi, la superficie marciana es explotada por colonias humanas, hasta que espíritus antepasados –con adornos y pinturas que recuerdan tribus indígenas- invaden los cuerpos terrestres e inician una revuelta. Dixit 5: “Marte es una fuerza poderosa dentro de los asuntos humanos. Siempre lo ha sido. Es el dios de la guerra, el dios del amor. Marte es el color rojo”.\nHay también dos capítulos carpentianos para la serie televisiva Masters of Horrors. El primero de ellos, Cigarette Burns (2005), es todo un ejemplo de saber narrativo: el horror absoluto lo contiene una película mítica y peligrosa, capaz de generar muertes en masa y de mantener cautivo –encadenado y con sus alas cortadas- a un ángel en la Tierra.\ny 6: “Dirigir no se trata de una sola cosa. No es sólo un plano de seguimiento o sólo los objetivos, o la iluminación, o la música… Es como un matrimonio de todas esas cosas”. Mientras esperamos que la promesa del film Scared Straight sea verdad para el 2009 –aunque el protagonista previsto sea Nicolas Cage- nos queda toda una filmografía para descubrir o rever, más otros títulos igual de sólidos como Christine (1983), Starman (1984), El pueblo de los malditos (1995) y En la boca del miedo (1995), junto con el guión que Carpenter firmara para Los ojos de Laura Mars (1978), de Irvin Kershner, más toda una vida de cine desde la cual corroborar que la artesanía de los viejos contadores de historias sobrevive, como siempre, en maestros malditos.\nJohn Carpenter, uno de ellos.\n(1) Lo que se suma a la banda musical que realiza para cada una de sus películas: de corte minimalista, oscilando entre el blues y el rock.\n(2) Fernando M. Peña ha expresado: “(…) disfrazado de Ken Loach, Carpenter registra largas colas de desempleados, tiendas de lona y nylon habitadas por homeless, ollas populares, gente que se cubre precariamente de la lluvia con cajas de cartón” - revista “Film” #14 (jun/jul ‘95), p.34.\n(3) Recordemos una de las últimas líneas del “ET” hacia la entonces chiquilina Drew Barrymore: “Be good” (“Sé buena”); línea escuchada por cientos de miles de niños espectadores.\nPublicado por LEANDRO ARTEAGA en 15:16 No hay comentarios:\nPoder conversar con Andrés Di Tella es apasionante. De visita por la radio, luego de proyectar en la muestra Bafici Rosario su película El país del diablo, Di Tella conversó y nos regaló casi media hora de encuentro. Demasiado poco, pero se nos terminaba el programa.\nNota realizada en estudio el 08/08/2008\nDescargar nota: http://www.mediafire.com/?0ngujzzjozo\nPublicado por LEANDRO ARTEAGA en 7:00 No hay comentarios:\nSin dudas, uno de los más grandes escritores que tiene la historieta. Responsable de personajes que ya son parte del imaginario colectivo (El Loco Chávez, Las puertitas del Sr. López). El autor de Cybersix, Sarna, Irish Coffee, Fulú, en conversación con Linterna Mágica.\nNota realizada el 01/06/2007\nhttp://www.mediafire.com/?ymwbnz5jbii (parte 1)\nhttp://www.mediafire.com/?gjaywymmmzj (parte 2)\nPublicado por LEANDRO ARTEAGA en 8:43 1 comentario:\nEtiquetas: Entrevistas, Escritores, Historieta\nLa directora de La mujer sin cabeza nos ofrece un diálogo ligado a aquellas excusas que permiten hilvanar historias y filmar películas. Más algunos datos, sólo algunos, sobre el guión que se encuentra escribiendo para el posible rodaje de El eternauta.\nNota realizada (para Más tarde que nunca) el 01/08/2008\nDescargar nota: http://www.mediafire.com/?9f1xthno72w\nVer nota en Rosario/12 (13/09/2008): http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/rosario/12-15182-2008-09-13.html\nPublicado por LEANDRO ARTEAGA en 7:16 No hay comentarios:\nMiseria y artificios televisivos\nSlumdog Millionaire: ¿Quién quiere ser millonario?\nDirección: Danny Boyle, Loveleen Tandan (Co-director India)\nGuión: Simon Beaufoy, sobre la novela de Vikas Swarup.\nFotografía: Antohny Dod Mantel.\nMúsica: A. R. Rahman.\nMontaje: Chris Dickens.\nIntérpretes: Dev Patel, Anil Kapoor, Freida Pinto, Madhur Mittal, Azharuddin Mohammed Ismail, Ayush Mahesh Khedekar.\nNo podrá obviarse, durante la visión de Slumdog Millionaire –film con diez nominaciones al Oscar, incluyendo Mejor Película- la inevitable mirada occidental sobre una cultura extraña. Pero aún cuando ello ocurre, inevitablemente, y más aún respecto de lo que supone la estética que deposita la cámara sobre la miseria económica de la India, Slumdog Millionaire funciona, sacude y entretiene.\nBasada en el libro Q&A, del novelista y diplomático indio Vikas Swarup, el realizador Danny Boyle -responsable también de una obra casi ecléctica (Trainspotting, La playa, Exterminio, Alerta solar)- conjuga en el film tres relatos paralelos que oscilan entre el escalonamiento ganador del joven protagonista en un programa televisivo de preguntas y respuestas, la tortura policial que pretende hacerle confesar cómo es que sabe las respuestas triunfales, y el racconto de su vida personal, justificación de todo lo que Jamal (Dev Patel) sabe responder durante el periplo televisivo.\nEs así que asistimos al desenvolvimiento vital de los pequeños Jamal y Salim. Orfandad, peleas religiosas, la búsqueda de trabajo y comida, el delito como salida, y la solidaridad constante de Jamal, tan clara como su amor por Latika, a quien el niño dedicará una vida de búsqueda y reencuentros.\nPero lo más interesante radica en el planteo que de lo televisivo el film supone. Al menos como antítesis que, paradoja social mediante, contrasta tanto como complementa. Porque el retrato mísero de lo social es el opuesto respecto del mundo lumínico televisivo, espacio de cartón que encierra sueños bajo la tentación y promesa de ser millonarios. Jamal, el chico que sirve té, despectivamente retratado por el conductor televisivo, acude allí, aunque por razones que luego sabrán revelarse.\nLa gente se arracima alrededor de las vidrieras con aparatos lumínicos, luces electrónicas que les hacen vivir un sueño imposible. Pero ahora es alguien tan pobre como ellos el que ha accedido, el que goza de la posibilidad de ganar la cifra de tantos ceros. (Y aún cuando uno entienda motivos de estructura social ante la situación, la desazón estará siempre dada por el hecho que supone la ratificación que como televidentes míseros hacen y harán los implicados. Pero ése es otro asunto…).\nLa India, sabrá decir el film de Boyle, es ésta, la de la violencia policial y la falta de empleo, pero también tendrá su retrato correspondiente ante la misma Estados Unidos: turistas ignorantes que solventan todo problema con el uso del dinero. Espectadores extasiados ante la belleza que supone “el lavadero más grande del mundo”.\nEl baile final permite entender lo visto, también, como un divertimento pleno de fábula, con ingredientes tanto posibles como imposibles. Coreografía de ciudadanos, pobreza, sueños, y una historia de amor casi tan rocambolesca como las propuestas por la misma imaginería cinematográfica que proviene de la India y su denominada Bollywood.\nPublicado por LEANDRO ARTEAGA en 10:40 No hay comentarios:\nThe Curious Case of Benjamin Button (2008, David Fincher)\nLa supuesta mirada reflexiva de Benjamin Button\nDesde una puesta en escena grandilocuente, el film favorito para la próxima entrega de premios Oscar constituye el reverso ideológico y estético del cuento escrito por Francis Scott Fitzgerald.\nEE.UU., 2008. Dirección: David Fincher. Guión: Eric Roth, a partir del cuento de F. Scott Fitzgerald. Fotografía: Claudio Miranda. Música: Alexandre Desplat. Montaje: Kirk Baxter, Angus Wall. Intépretes: Brad Pitt, Cate Blanchett, Julia Ormond, Elias Koteas, Jason Flemyng, Tom Everett. Duración: 166 minutos.\n«(...) era imposible que el señor Button olvidara que su hijo era un triste remedo de primogénito.» De esta manera sentencia la pluma de F. Scott Fitzgerald la relación aristocrática y decadente entre los miembros de la familia Button: una madre de voz silenciada y un padre azorado ante la apariencia del recién nacido, cuya vejez –y habladurías consecuentes- no pueden menos que aterrarle: «(...) durante un oscuro instante, el señor Button deseó fervientemente que su hijo fuera negro.»\nQueda clara la ironía mordaz de Fitzgerald. Rasgo que de ninguna manera podrá buscarse en el ostentoso film de casi tres horas de duración que lleva por título El curioso caso de Benjamin Button. El relato original, motivo de admiración para William Faulkner, fue publicado por la revista Collier el 21 de mayo de 1922.\nPero no sorprenderá a nadie señalar el modo en que Hollywood acostumbra tergiversar sentidos y simplificar. De todos modos, ello no significará tener que dejar de lado cierta indignación, sea tanto por lo que importa –al menos, a algunos- el espíritu literario de Scott Fitzgerald como por lo que prometen las trece nominaciones para el Oscar. El Oscar, convengamos, determina un modo ideológico de hacer cine. Y es esta pauta la que habrá de regir a la mayoría de las producciones norteamericanas.\nEstaremos de acuerdo, también, en señalar la inevitable transposición de lenguaje que impone el traslado a la pantalla grande. Nunca molestará la alteración argumental, ni siquiera de tiempo y espacio, siempre y cuando lo que suceda enraice en la esencia de aquello que sirve de fuente.\nPero en el film nos encontraremos con una historia narrada a la medida de Brad Pitt. En El curioso caso de Benjamin Button –tercera colaboración del actor con el realizador David Fincher- asistiremos a los primeros planos inevitables que suponen su presencia. Es más, uno podría pensar la deconstrucción temporal de su personaje (de viejo a joven) como el periplo necesario que nos deposita, finalmente, en los rasgos del primer actor.\nSeremos testigos, entonces, del relato en off de una historia de amor en el sentido más convencional. Benjamin, bebé vejestorio, transitará las diferentes etapas de su retro-vida para, por un lado, exorcisar fantasmas sociales de la Primera Guerra (la plegaria por el hijo caído que representa el «reloj mágico» del prólogo) y, por el otro, para encontrar el momento correspondiente para amar a su elegida. Algo, insistimos, ausente en el espíritu de Fitzgerald, quien no ahorrará saña al desenamorar a su Benjamin a través de frases como «el esmalte azul de sus ojos adquirió el aspecto de la loza barata».\nEs decir, en el film no asistimos a crisis alguna, que pueda situarnos en una posición incómoda o de conficto. De hecho, podríamos señalar que Benjamin Button es, en su totalidad, políticamente correcta. Digno crédito que justifica cualquier estatuilla de la Academia de Hollywood. Motivo por el cual uno puede sentir una indignación mayor, ya que el cine de David Fincher supo recorrer senderos más tortuosos, menos serenos: recuérdense, para el caso, Alien 3, Pecados capitales, El club de la pelea y, sobre todo, su mejor film hasta la fecha: Zodíaco (2007), radiografía social oscura des de el prisma que supone un asesino serial y verídico.\nPero en Benjamin Button todo adquiere un pregnante tinte fabulesco. Su composición de época, sus marquesinas años ’40, la moto y el look alla James Dean, los inevitables ’60, no pueden menos que generar atracción. No se trata sólo de un trabajo de maquillaje –por cierto notable, obra del genial Greg Cannom- sobre los actores, sino también sobre la misma reconstrucción: virtud que el cine norteamericano ha desarrollado admirablemente, hasta el punto de poder mitologizar su propia historia. Pero esta mitologización supone también una mirada ideológica, provista en este caso de hallazgos supuestamente filosóficos e inteligentes sobre la vida y el lugar de uno en ella. El Button de Fincher/Pitt es una suerte de marginal que no molesta a nadie. Baste para el caso recordar que el guionista del film, Eric Roth, también es el responsable de Forrest Gump (1994), film esencialmente similar al que aquí reseñamos, pleno de «frases de almanaque».\nPrefiero recordar, mejor, un temprano cuento de J. G. Ballard –Tiempo de pasaje, 1966- en donde la vida del protagonista nos es narrada a la manera de una película vuelta atrás. Comienza el relato desde su fin inevitable: el césped, el ataúd que se extrae, el rito fúnebre, la vuelta al hogar, la covalescencia del protagonista... hasta su disolución en un olvido de luna de miel paternal.\nPrefiero, también, el bebé de veras aterrador que surgiera de las entrañas cinéfilas de Larry Cohen en It’s Alive (1974): la familia norteamericana en medio de un mundo tan podrido como para alterar la gestión embrionaria de cualquier buena madre.\nEl Benjamin Button de Brad Pitt no es ni reflexivo ni revulsivo, sino sólo un narrador benévolo de cuentos falsos.\nPublicado por LEANDRO ARTEAGA en 4:08 No hay comentarios:\nUn matrimonio poco feliz\nDirección: Frank Miller.\nGuión: Frank Miller, a partir del comic creado por Will Eisner.\nMontaje: Gregory Nussbaum.\nIntérpretes: Gabriel Macht, Eva Mendes, Samuel L. Jackson, Scarlett Johansson, Dan Lauria, Louis Lombardi.\nSerá mucho más entretenido y justo encontrar las referencias que del comic maestro de Will Eisner –The Spirit, publicado entre 1940/1952- se vislumbran en las páginas del Sin City de Frank Miller: viñetas en blanco y negro que conjugan el legado irónico y de serie negra de Eisner junto con el sadismo de Mickey Spillane y el ritmo narrativo de la historieta japonesa Lone Wolf & Cub, del dibujante Goseki Kojima.\nMotivo de todo ello –Sin City es una historieta grandiosa- fue su traslado al cine en 2005, donde Miller debutara en la realización a partir de la invitación de Robert Rodríguez. Hubo luego una participación ejecutiva en la traslación cinematográfica de su 300 (lamentable, para mi juicio). Y no podrá decirse que su elección posterior no fuera menos que interesante, porque pensar en The Spirit según Miller, nos atrae a muchos de los lectores y cinéfilos.\nPero, la verdad, el matrimonio entre Miller y Eisner, por lo que se ve en pantalla, dista mucho de un buen film. Poco de auténtico tiene este intento de plasmar un clásico de las historietas desde el prisma enrollado que el director propone. Son tantas las referencias al mundo del comic, síntoma del gusto ecléctico de Miller, que El Espíritu naufraga entre parlamentos en off, la caricatura estilo cartoon, y el calco de muchas de las viñetas de Eisner. Lo que no encontramos, eso sí, es el espíritu –valga la redundancia- del personaje.\nEl particular enmascarado que dedica su vida a combatir el crimen –Denny Colt (Gabriel Macht)- no dudará en dedicar su amor a la ciudad que habita: Central City. Pero es poco lo que podremos apreciar de ella. Sólo nos quedan, para la vista, algunas azoteas o callejones poco iluminados. Como si cada encuadre de Miller fuese una mirada cuasi vacía hacia una ciudad que, voluntariamente, no existe más que en abstracto.\nHay mucha utilización de pantalla verde, lo que nos evoca el mismo recurso estético de Sin City. Aunque aquí sin funcionar demasiado. No hay congruencia estilística. Las bufonadas que se propone Miller con la alegoría de unos “Chicos Malos” (los patanes que siempre robaban a Tío Rico, ¿se acuerdan?) al servicio de Octopus (Samuel Jackson), no contienen demasiada gracia. Sino que desconciertan. En otras palabras, una cosa es la balacera infernal que Miller propina a sus personajes en cualquiera de sus historietas. Verosímil por increíble. Otra es trasladar este mismo planteo a un film al que se le escapa la ironía y el cruce de géneros que sí estaban en los comics de Will Eisner.\nEl buceador de referencias tendrá mucho para buscar: Jules Feiffer, Harvey Kurtzman, Batman, Superman, Thor, William Gaines y, por supuesto, el cruce Gatúbela/Electra que significa la ladrona Sand Saref, bajo las curvas sin igual de Eva Mendes. Pero sólo son guiños sin sustancia, que nadan en el vacío, sin un sustento que permita al film valerse por sí mismo.\nPublicado por LEANDRO ARTEAGA en 4:36 1 comentario:\nEtiquetas: Crítica de Films, Historieta\nMe atrae dibujar una buena historia\nEntre viñetas y tinta china, que lo han llevado a Estados Unidos y Europa, Leo Fernández sigue haciendo de las historietas un arte mayúsculo pero, todavía, localmente descono cido.\nRosario cuenta con muchos dibujantes e historietistas que desarrollan su trabajo fronteras afuera. Leo Fernández es uno de ellos. Nacido en Casilda, su carácter de vida nómade lo llevó primero a Rosario, luego a Barcelona y ahora, nuevamente, a vivir en nuestra ciudad.\nMientras hojeo el álbum que me ofrece (Hunter, último trabajo realizado por Fernández junto al guión de Patrick Renault, para la editorial francesa Soleil), el dibujante señala que “por un lado me da pena, porque parece que lo que hacés no tiene valor, no lo sentís en tu vida cotidiana, el público no sabe que el dibujante puede ser alguien que viva acá”. Paradoja que se percibe entre la pregnancia inmediata que generan las páginas en papel ilustración (los franceses poseen una cultura de la historieta de prestigio absoluto) y la desazón del artista. “Nosotros, a veces, al estar tan lejos de todo, aislados, tomamos como referentes a gente de otras actividades, porque tenemos pocos pares”, agrega Fernández, nominado por sus trabajos a premios de relevancia tales como el Eisner y el Harvey.\nNo puede obviarse la referencia profesional que significa el prolífico Taller de Historietas que supo dictar Marcelo Frusin –otro cotizado artista local, que se reparte entre DC, Marvel y Europa-, cuyos integrantes fueran miembros de una misma mesa de café, donde al término de cada clase, “cualquier día de la semana, en pleno invierno, hablábamos de cine, historietas, hasta las cinco de la mañana. Nos han echado de varios bares.”\nDe allí también la amistad y trabajo compartido con Francisco Paronzini, con quien Leo Fernández se encuentra en estos momentos realizando Stormwatch, una puesta al día de un comic del subsello editorial Wildstorm (hoy propiedad de DC), pergeñado por el mismísimo Jim Lee (uno de los dibujantes actuales de mayor incidencia). “Como se están relanzando los personajes, también estoy rediseñando sus uniformes, la idea es mezclar una armadura de combate propia de un videojuego, con un poco de superhéroes. La historia transcurre en un universo postapocalíptico. Esto lo hago con el guionista Ian Edginton.”\nPreviamente, Leo Fernández fue el lápiz encargado de acompañar las andanzas del Increíble Hulk en la saga titulada Hide in Plain Sight, escrita por Bruce Jones y publicada a la par del estreno del film dirigido por Ang Lee en 2003. También se encargó, con el escritor Greg Rucka, de Wolverine, el mutante más famoso de los X-Men, cuyo film en solitario es inminente. Más la complejidad que supone dar luz gráfica al héroe más reaccionario de la editorial Marvel: The Punisher.\n“Punisher está siempre al límite, mata a todo el mundo. Es una de las pocas historietas de Marvel que pueden darse ese lujo y que son realmente para adultos. Para adultos porque hay que tener ciertos valores claros antes de leerlo, porque el tipo es un ser despreciable. Garth Ennis (el guionista) lo convierte en una buena historia. En Cocina irlandesa (dibujada por Fernández en 2004), el tipo tortura a otro, y a través de su lógica pareciera que está haciendo lo correcto. Por eso es que el lector tiene que tener sus valores bien claros para saber qué está bien y qué no.”\nLo interesante es que, en esa historia, tortura con la complicidad de un policía…\n-Sí, Ennis revuelve mucho en las cosas oscuras del ser humano. Punisher es su excusa para contar las historias que él quiere. Le gusta mucho lo bélico, las cosas oscuras, lo sórdido. El lenguaje que se usa, la violencia, son todos elementos que permiten caminar por el borde.\n¿Cómo te sentís en el mercado norteamericano?\n-Lo piola es que hasta ahora tuve la suerte de no verme empujado a hacer cosas que no quería a nivel gráfico. No soy muy amante del superhéroe clásico, con calzas y toda esa estética. Punisher lo único que tiene de clásico es la remera negra con la calavera, pero después tiene pantalones de combate, campera de cuero, armas…\n¿Y en cuanto al ritmo de trabajo mensual?\n-Quizá el problema que tengo con los franceses es que vengo medio “formateado” para el ritmo de trabajo yanqui, aunque vivo quejándome porque a veces están muy apurados pero, en cierto modo, uno no deja de ser hijo del rigor. Sin una cierta presión, dibujaría media hora por día. Al tener una fecha de entrega me impongo cierta disciplina. Los franceses te piden un libro por año y, si por determinadas circunstancias se atrasa un poquito, y bueno, sale el año después, no pasa nada. Ahora terminé el segundo libro de Hunter, para Francia, pero no sé que voy a hacer con ellos en el futuro. Como sus tiempos son tan dilatados no lo sé.\n¿Cómo fue tu experiencia en Barcelona?\n-Barcelona me interesaba mucho personal y profesionalmente. Hay mucho movimiento, están todas las editoriales que reeditan para Estados Unidos, hay comiquerías espectacular es, hay un movimiento artístico increíble, desde la música hasta la arquitectura. Todo el tiempo hay convenciones. Lo que me gusta destacar es que el sentido de la convención en Europa, sobre todo en España y Francia, es que son eventos culturales, muchas veces tienen respaldo del Ayuntamiento o de la Municipalidad y tienen un trato cultural. La diferencia es que cuando el evento es oficial vos vas como artista. Y te encontrás con gente que va a reunirse por un interés genuino en la historieta, a diferencia de San Diego o New York, donde lo que los mueve es un eje comercial.\n¿Seguís con el objetivo de dibujar un guión de Alan Moore?\n-Después de dibujar tantas cosas distintas, me atrae cada vez más una buena historia. La historia me tiene que estimular, si no ocurre, sea del género que sea, no me gusta.\nVer nota en Rosario/12 (01/02/2009)\nPublicado por LEANDRO ARTEAGA en 11:02 No hay comentarios:


Moura invertirá $ 450 millones para producir baterías para automóviles – Comercio y Justicia\nMoura invertirá $ 450 millones para producir baterías para automóviles\nLa filial argentina de la empresa brasileña Moura anunció al ministro de Desarrollo Productivo del Gobierno Argentino, Matías Kulfas, que invertirá $450 millones en la instalación de una línea semiautomática para producir baterías medianas, para la que se generarán 50 nuevos puestos de trabajo.\nEn un comunicado, la cartera productiva detalló que «la inversión permitirá que, en marzo próximo, la planta de la localidad bonaerense de Pilar aumente un 20% su capacidad productiva de 450.000 baterías por año e implicará la contratación de proveedores locales».\nEl ministro Kulfas resaltó «la relevancia que tiene Moura en la producción de baterías de autos», y destacó «el compromiso» de la empresa «con Argentina y con el Mercosur. Las industrias de ambos países son complementarias y hoy también estamos ratificando que vamos a tener un mercado que crecerá muchísimo. Tienen todo el apoyo del Ministerio de Desarrollo Productivo de la Nación».\nA su turno, el director ejecutivo de Baterias Moura de Argentina SA, Roberto Pereira, aseveró que «tenemos la producción de las baterías que más se venden en la Argentina y estamos incorporando una nueva línea. Apostamos a un proyecto de largo plazo que tiene como pilares la sustitución de importaciones, la generación de empleo y de divisas».\nPor su parte, el secretario de Industria, Ariel Schale, afirmó que «tienen todas las posibilidades para consolidar el liderazgo de Moura en este mercado y por eso queremos acompañarlos.. Generan inversión en estas baterías de gama media generando divisas, sustituyendo importaciones. Tenemos un sendero de crecimiento en el sector automotriz ya no solo en el mercado de nuevos modelos sino también de reposición».


La otra: septiembre 2019\nHoy al mediodía murió en Bogotá Luis Ospina\nLo conocí en octubre de 2006 en la puerta del Colón de Mar del Plata, en medio de la tercera edición del MARFICI. Ese hombre muy flaco y alto estaba rodeado por Eduardo Russo, José Miccio, Jorge García y Diego Menegazzi. Por la atención con que los otros lo escuchaban y lo miraban supuse que se trataba de un tipo importante.\nMás tarde pude conocer la razón de esa importancia. Era uno de los cineastas fundamentales de Latinoamérica. El sobreviviente del trío de Caliwood: los otros dos eran Carlos Mayolo y Andrés Caicedo. De Caicedo no se puede decir nada mejor que lo que muestra Ospina en Andrés Caicedo: unos pocos buenos amigos (1986). Junto con Mayolo, Ospina dirigió Agarrando Pueblo (1978), una mirada ácida sobre la pornomiseria, una tendencia de cierto documentalismo latinoamericano para alimentar con las imágenes de nuestra pobreza la mirada voraz de los festivales de cine y las fuentes de financiamiento europeas.\nEl Grupo de Cali logró producir textos y filmes que fueron políticos y críticos, nunca patéticos. Caliwood -también conocido como "el grupo de Cali"- es el nombre que con gracia se dio este inquieto grupo de creadores colombianos -cineastas, novelistas, poetas, ensayistas, críticos, cineclubistas- durante las décadas de los 70 y 80. Fundadores del Cine Club de Cali y de la revista Ojo al cine, agitadores sociales, fue a Luis que le tocó retratarlos y retratarse con lucidez y cariño en su última película, Todo comenzó por el fin (2015), en la que cuenta en primera persona la vida con sus amigos a lo largo de las décadas y la experiencia de ser el sobreviviente del grupo.\nSer sobreviviente no implica ningún menoscabo en su caso, ya que con la perspectiva de su propia pervivencia y también de su finitud, pudo encontrar la mirada precisa y la sonrisa perfecta de esos años agitados y productivos. Al principio de Todo comenzó con el fin, Luis dice "Tan pronto comenzó el rodaje de la película, me fue diagnosticado un cáncer que me condujo al borde mismo de la muerte. La película se tornó más autobiográfica y el tema de la mortalidad y el deterioro adquirió mayor resonancia. Saqué fuerzas de donde no tenía y seguí filmando. Gracias al cine, con su aparente inmortalidad, con su eterno presente y su perenne edad sin tiempo, el filme se convirtió en el relato de un sobreviviente". A pesar del angustioso comienzo, la presencia en vivo del director en la proyección porteña en 2016 fue la respuesta más irónica y feliz a ese inicio. No se me ocurre nada mejor que lo que él dice para explicar el altísimo interés de lo que fue su despedida del cine, algo que con paradoja consciente es puesto en marcha como un comienzo perpetuo.\nDesde 2006 hasta abril de este año nos cruzamos una innumerable cantidad de veces a la entrada o a la salida de las películas del BAFICI, el MARFICI y el Festival de Mar del Plata, de los que fue su asiduo visitante. Me considero por esta razón una especie de amigo suyo. Tuve la suerte de agradecerle en persona la felicidad que me produjo Todo comenzó con el fin al final de la proyección de 2016. Después nos seguimos cruzando durante 2017, 2018 y 2019, lo que me hizo pensar que su genialidad cinematográfica había logrado vencer efectivamente la muerte. Hoy que Luis Ospina murió, puedo saber que lo logró.\nPublicado por Oscar Cuervo en 20:35 No hay comentarios:\nEtiquetas: Cine, festivales, Luis Ospina\nHistoria s del cine\nbajo la inspiración de JLG\nSábados de octubre y noviembre 19:30\nDesde el 5 de octubre en IWO - Ayacucho 483\nProgramado y coordinado por Oscar Cuervo\nInformes: Facebook acá - Teléfono. IWO: 4953 0293 - e-mail: tallerlaotra@gmail.com\nCuando un siglo se funde lentamente\nalgunos individuos transforman\nlos medios de sobrevivencia antiguos\nen medios nuevos\nes a estos últimos que llamamos arte\nlo único que sobrevive a una época\nes la forma del arte que ella se creó\nninguna actividad se convertirá en arte\nantes de que su época haya terminado\nluego este arte desaparecerá.\nJLG, Histoire(s) du cinema, Cap 4 b, “Los signos entre nosotros”\n1a Jornada - 5 de octubre - 19:30:\n- Todas las historias (Jean Luc Godard, 1988).\n- Cortometrajes del Archivo General de la Nación:\nReparto de ropa a los niños pobres (Casa Lepage, Max Glucksman, 1913)\nCeremonia de inauguración del Hospital Israelita (Max Glucksman, 1928)\nY la Argentina detuvo su corazón (Velatorio de Evita -Subsecretaria de informaciones, Edward Cronjager, 1952)\n2a jornada - 12 de octubre - 19:30\n- Noche y niebla (Alain Resnais, 1955)\n- Una historia sola (Jean Luc Godard, 1989).\n- Close to me (videoclip de The Cure, dirigido por Tim Pope, 1985).\n3a Jornada - 19 de octubre - 19:30\n- Solo el cine (Jean Luc Godard, 1997).\n- Alemania en otoño (episodio de R. W. Fassbinder,1978).\n- Crystalline (2011, videoclip de Bjork dirigido por Michael Gondry).\n- Mutual Core, (2012, videoclip de Bjork, dirigido por Andrew Thomas Huang)\n26 de octubre - Veda electoral\n4a Jornada - 2 de noviembre - 19:30\n- Belleza fatal (Jean Luc Godard, 1997)\n- Machine Gun or Typewriter? (Travis Wilkerson, 2015, EEUU) (71 minutos).\n- Everybody Hurts (videoclip de REM, 1992, dirigido por Jake Scott).\n5a Jornada - 9 de noviembre - 19:30\n- El precio de lo absoluto (Jean Luc Godard, 1998)\n- Nunca apuestes tu cabeza al diablo (Federico Fellini, 1968) (30 minutos).\n- El brazo de Whatsapp (Martín Farina, 2019, 10 minutos).\n6a jornada - 16 de noviembre - 19:30\n- Una vague nouvelle (Jean Luc Godard, 1998).\n- Antoine y Colette (1962, François Truffaut, Francia)\n- Yo maté a Antoine Doinel (2019, Nicolás Prividera).\n7a Jornada - 23 de noviembre - 19:30\n- El control del universo (Jean Luc Godard, 1998)\n- Heart of a dog (Laurie Anderson, 2016).\n8a jornada - 30 de noviembre - 19:30\n- Los signos entre nosotros (Jean Luc Godard, 1998)\n- Cairo Affair (Mauro Andrizzi, 2019).\n- Daydreaming (videoclip de Radiohead dirigido por P. T, Anderson).\nEn un próximo post vamos a desarrollar la línea conceptual de este ciclo.\nPublicado por Oscar Cuervo en 8:07 No hay comentarios:\nAmarga agonía del macrismo - La otra.-radio del domingo pasado, para escuchar clickeando acá\nLa extensísima agonía del régimen macrista nos despierta emociones mezcladas. Cada día que dura macri en el poder nos inflinge daños irreversibles, como la vida perdida del trabajador José Bulacio que este martes cayó de un andamio en las obras que el gobierno apura en el aeropuerto de Ezeiza, para hacer que inaugura durante la campaña. La empresa que lleva a cabo la obra es de Nicky Caputo, el hermano del alma del presidente sin alma. Las irregularidades de la obra fueron denunciadas varias veces: se trabaja a destajo, se emplea a menores de edad y se lo hace en condiciones de alto riesgo para los trabajadores; pero todo siguió adelante hasta que el andamio cayó, Bulacio perdió la vida y otro permanece en estado grave. Lo que aspiraba a ser un golpe de efecto publicitario para la remontada imposible de este régimen asesino se volvió la perfecta condensación de todas sus miserias. El macrismo no para de matar todos los días, siempre a los débiles. Por eso, la orilla del 10 de diciembre se nos hace lejanísima.\nPor otro lado, sentir cada día que ya se van, que su proyecto político devastador tiene los días contados, que fracasaron otra vez los sectores sociales que quieren institucionalizar el ajuste y la represión, la persecución política y el ensañamiento contra las clases populares, nos produce una alegría inmensa. Desde el punto de vista de las expectativas previas al 11 de agosto, el desmoronamiento de la plutocrática "revolución de la alegría" es estrepitoso, aunque se nos haga tan larga su agonía. El sector más retrógrado que se ilusionó con sus mentiras sigue aferrado a su rencor social. Esta larga agonía es para ellos también una tortura. El núcleo histórico del gorilismo pasa sus días de pesadilla. El episodio de la semana pasada en el recital de Caetano Veloso en el Gran Rex, con el pedido de la liberación de Lula desde el escenario y los cánticos de júbilo porque macri ya fue, vidal ya fue y si vos querés larreta también, despierta el odio tóxico de los gorilas. Ahí estaba el bizarro cachanosky. Y el vomitivo avelluto no se privó de mostrar una vez más su calaña:\nLa alegría popular por el fracaso político en el que están hundiéndose los vuelve locos. Cuando un grupo de personas festeja espontáneamente su derrota y espera su salida, ellos lo viven como una violencia intolerable. Habían llegado a abolir la alegría popular, a tratar de extinguir nuestra vitalidad y energía para la lucha, para sumirnos en el agobio y la resignación y ahora se van repudiados en las calles. Los instantes que ellos viven con tormento son nuestro júbilo. Si pudieran llevarse en cana a los que cantan la cumbia de Sudor Marika, lo harían como hizo la dictadura en 1981 cuando la hinchada de Nueva Chicago cantó la Marcha Peronista. La alegría popular es el colmo de su vivencia catastrófica. El cobarde avelluto, que teme el linchamiento que no se producirá, vive los bailes y los cánticos callejeros como un linchamiento. Fue el peor secretario de cultura (ministro degradado) de la historia argentina, después de haber tuiteado que el del 55 fue su golpe favorito.\n@ajmechet @tptuit @vazquezluciana ay, mi golpe favorito! Qué mala prensa que tiene. A los cuatro nos hubiera encantado estar ahí.\n— Pablo Avelluto (@pabloavelluto) 9 de enero de 2013\nNo queremos olvidar cuando avelluto con modales violentos mandó a silenciar a los artistas premiados en el último Festival de Mar del Plata. Si hay alguien que ejerció con saña el rol de comisario cultural fue él. En La otra lo narramos con lujo de detalles, como no lo hizo ningún otro medio que cubrió el Festival, acá. Por eso, junto con el odio que nos producen los daños cotidianos que el macrismo seguirá haciendo cada día que se mantenga en el poder, nosotros también sentimos una inmensa alegría al verlos besando la lona. Su amargura es nuestro regocijo.\nSu amargura agrega un plus a nuestra felicidad. De nuestro lado están los creadores que nos mejoraron la vida, que representam boa parte da alegria existente neste mundo, con su belleza tan lejana a la violencia del régimen derrotado. A ellos les dedicamos la reciente audición de La otra.-radio.\nCon el mismo júbilo en La otra.-radio hablamos de Bixa Travesti, la película brasileña que puede verse en estos días en la Sala Lugones, o del acto de Cristina en La Matanza del sábado pasado. Todo lo pueden escuchar clickeando acá.\nEtiquetas: Gorilas, La otra.-radio, Música, Políticas\nPor la noche en las veredas.\ncaminando de una esquina a otra\nes una trava femenina.\nParó entre los edificios, mostró todos sus orificios\nes una diva de la cuneta, su cuerpo es su ocupación\nes barriada, garaje, alcantarilla y para tu disgusto\nsiempre está en deconstrucción\nEn calles oscuras ella gana su salario\nalquila su cuerpo al pobre, al rico, al endeudado, al millonario\nNo tiene Dios\nni patria amada\nel miedo no es parte de su vil vocabulario\nella es tan única\nsolo se contenta con plurales\nella no quiere falo\nella quiere paz.\nTu secreto ignorado por todos, incluso por el espejo, mujer\nmujer, mujer, mujer, mujer, mujer, mujer, mujer\nno siempre hay un hombre para una mujer pero hay diez mujeres para cada hombre\ny una mujer siempre es una mujer\ny una y más una y más una y más una y más otra mujer\n¿Siempre es una mujer?\ny pija de mujer!\nella está hecha para sangrar\npara entrarle y solo escupirle\ny si le pagan, ella se lo da a cualquiera\npero solo si le pagan, ¡eh!\nes que ella se lo da a cualquiera, ¿ven?\nbato palmas por las travestis que luchan por existir\ny cada día batallan por su derecho a vivir y brillar\ny cada día batallan por su derecho a vivir y brillar.\nElla es una mina de hueso, silicona y carne\nnavaja en la boca\nEstoy corriendo del hombre\nhombre que consume, solo come y se borra\nhombre que consume, solo come, coje y se borra\nLinn da Quebrada es una cantante travesti brasileña que protagoniza la película Bixa Travesti (Kiko Goifman y Claudia Priscilla, 2019), una gran película que actualmente está proyectándose (¡por pocos días!) en la Sala Lugones. No se la pierdan.\nEtiquetas: Canciones, Cine, Cine-estreno, Música, Políticas\nSobre The other side of the wind... ¿de Orson Welles?\nTuvo razón Orson Welles cuando dijo que haber iniciado su carrera cinematográfica a los 25 años con Citizen Kane fue al fin y al cabo una maldición. Se transformó en el debut más disruptivo de la historia del cine, modelo de una voluntad de estilo desmesurada que demasiado joven dispuso del control total de la película, algo que nunca los estudios hollywoodenses habían concedido a otro director. El resultado estuvo a la altura de la confianza que le habían otorgado, pero eso le terminó jugando en contra: fue demasiado bueno, más allá de lo que el establishment podía admitir, y para pagar el precio de esa libertad inicial no le alcanzó el resto de su vida. Nunca más la industria norteamericana le permitió terminar una película. Al contrario, se ensañó sádicamente contra esa insolencia genial que mostró en su primera obra maestra. El resto de las películas que quiso hacer en el contexto de la industria no se le permitió terminarlas, se lo humilló sustrayéndole el material filmado, se le cerraron las puertas de las salas de edición y se entregó el metraje al criterio de empleados subalternos, incapaces de entender qué clase de artista era Welles y qué cine podía crear. La obra cinematográfica de Welles puede constituirse así como el mejor alegato contra la industria del cine.\nPero también fue una maldición que Citizen Kane lograra el consenso de las asociaciones de críticos como "mejor película de todos los tiempos", ya que, como él mismo dijo, ni siquiera fue su mejor película. Con todos los agravios que los productores se permitieron perpetrar contra The Magnificent Ambersons (1942), The Lady from Shanghai (1947) o Touch of Evil (1958), -intentos sucesivos del propio Welles para rehabilitarse ante el poder de la industria- puede afirmarse que estas películas superaron, en sus versiones truncas, la genialidad de su debut. Pero la idea instalada de que Welles nunca pudo superar los logros de Citizen Kane fue un fantasma que él no tuvo la suficiente fuerza para disipar.\nEn 1970 emprendió su último intento para lograr el reconocimiento de su lugar en el cine norteamericano, The other side of the wind. Después de años de vagar por distintos países, dejando unas cuantas películas extraordinarias y varios proyectos inconclusos, volvió al "nuevo Hollywood", ese sobre el que entonces estaba operándose una mutación que iba a dejar fuera de carrera a muchos de los viejos maestros establecidos, como de alguna manera también se encarga de narrar ahora Tarantino en Once Upon a Time in Hollywood. Curiosamente, la última de Tarantino y la inconclusa de Welles son películas que se vinculan, con la diferencia de que Tarantino goza hoy de una libertad que Welles nunca tuvo. En las dos películas podemos ver cómo el viejo mundo del cine de estudios sufrió el cimbronazo de la llegada de una camada de autores europeos que gozaban de un prestigio que al cine clásico se le estaba retaceando, mientras aparecía con fuerza un movimiento de cineastas independientes que ponía en cuestión las certezas políticas y estéticas sobre la función del cine en la sociedad norteamericana. ¿Habrá tenido en cuenta Tarantino The other side of the wind al imaginar Once Upon a Time in Hollywood? La diferencia obvia es que Tarantino cuenta este proceso desde la actualidad cuando todo ya quedó atrás, desde afuera y con una visible voluntad lúdica, mientras que Welles en 1970 era parte de ese proceso que estaba produciéndose.\nLa posición de Orson no podía ser más paradójica: a los ojos de los nuevos cineastas formaba parte de la vieja camada, a pesar de que él nunca había gozado de la respetabilidad de la industria. Es comprensible que Welles tuviera la necesidad de volver a Hollywood por sus fueros y sintiera que debía sentar una posición sobre esa mutación del cine que quizá ni él mismo terminaba de entender. A diferencia del joven arrogante que décadas atrás concitó la atención de todo el mundo con su ópera prima, en el 70 Welles, con esta especie de testamento díscolo, quería tratar de ganarse la atención de los nuevos y recuperar el respeto de los viejos. Ya era un hombre herido: para alguien de su talento descomunal debió ser duro sobreponerse a tantos malos tratos. Probablemente por eso, su punto de vista sobre el momento histórico que estaba pasando el cine en esos años estaba afectado por un amargo resentimiento.\nPara hacer The other side of the wind, Welles tenía una idea como las que solía tener: ambiciosa, insólita, problemática, inmanejable para él mismo. Era previsible que los productores que desconfiaban de su capacidad para entregar una obra terminada en los plazos acordados tuvieran finalmente razón: no la iba a terminar. ¿Quería Welles terminar sus películas? Una pregunta digna de convertirse en su propio Rosebud.\nRecuperando cierto planteo narrativo de Citizen Kane, en The other side of the wind Welles se proponía retratar la figura de un gigante contrariado, es decir, alguien muy parecido a sí mismo -a pesar de su renuencia por aceptarlo- y, como en aquella primera película, se planteó un esquema narrativo que arrancaría desde la muerte del protagonista, cuyo enigma tuviera que reconstruirse a partir de diversos puntos de vista. Al menos nominalmente. Lo que The other side of the wind iba a mostrarnos era la jornada previa a la muerte de ese protagonista cuya causa es equívoca.\nJake Hannaford (John Huston, un actor-director amigo en la vida real de Welles, alguien que sí había logrado ajustarse a los límites impuestos por la industria y desarrollar una filmografía respetable) es un viejo director iconoclasta que se propone volver a Hollywood a realizar un proyecto que va a significar una innovación aún para sus propios términos: un punto de vista sobre el cine moderno. Y tiene el inconveniente de que los productores no confían en su proyecto. Otro motivo para pensar que Welles está pensándose a sí mismo. Hannaford llega a su mansión rodeado por una cohorte de periodistas y cineastas jóvenes que portan sus propias cámaras y filman cada uno de sus movimientos y reacciones desde puntos de vista diversos, en distintos formatos y texturas, lo que daría a la película el look de un vertiginoso collage. Es dudoso que esta pluralidad de puntos de vista permita descubrir perspectivas discrepantes sobre el personaje, como pretende la voz over al principio: más bien sirve para posibilitar un ejercicio de estilo con un montaje ultrafracturado, una pirotecnia visual a través de la cual Welles desea mostrarse como un veterano montajista atlético, con la permanente conciencia de que lo que estamos viendo no es la realidad en directo, sino lo que distintas cámaras han filmado (recordemos que todo empieza cuando Hannaford ya murió). Si lo que hoy vemos es lo que Welles imaginó originalmente, podemos afirmar que, a diferencia de Citizen Kane, en The other side of the wind no hay relatos diversos sobre un personaje, sino distintas cámaras que reiteran a un mismo narrador, cuya única diferencia es de posición espacial.\nHay otra gracia que Welles se propone: una puesta en absimo, ya que la película que Hannaford está haciendo se titula The other side of the wind, como la película que la contiene. Hannaford citó en su mansión a ese conjunto de jóvenes snobs para que ellos vean tramos de la película que ya filmó, todavía incoclusa, precisamente por falta de financiamiento. La película dentro de la película no tiene el estilo frenético y rugoso con que Hannaford es filmado por sus invitados, más bien se parece a esas películas europeas que en ese momento Hollywood está aprendiendo a venerar. Por eso Welles hace que en sus diálogos aparezcan continuas alusiones a Bertolucci, Fassbinder, Godard, Antonioni... Esta mera enumeración -que juega un papel análogo al que en la película de Tarantino juegan Polansky o Dennis Hopper- no permite reconstruir una tesis que Welles hubiera elaborado sobre el cine moderno. Más bien parece tratarse de bromas sin gracia, un poco de envidia por la notoriedad que estos nombres estaban consiguiendo en ese momento, como si Welles quisiera jerarquizarse a sí mismo contra esa nómina de "nuevos valores".\nEl propio Welles declaró poco después: "Hay una película dentro de la película, que hice durante 1970-71 con mi propio dinero. Es el intento del viejo director [encarnado por Huston] de hacer una especie de película de la contracultura, en un estilo surrealista y onírico. Vemos una parte de ella en sala de proyección del director, otra parte en un autocine cuando la luz de la casa se corta. Es aproximadamente la mitad de toda la película. No es el tipo de película que a mí me gustaría hacer; inventé un estilo para ella". El film que Hannaford está haciendo, The other side of the wind, recuerda en su forzada estilización -no exenta de insólita belleza- a Zabriskie Point de Antonioni. No parece casual que Welles haya elegido para filmar su película una locación cercana a la que el italiano había usado en su obra de 1970. Welles inventa a un director, Hannaford, que hace una película cuyo estilo no se parece al del propio Welles, aunque le sirva para demostrar que él también podría filmar así si quisiera. Quizá ni siquiera el propio Hannaford de la ficción se crea demasiado el estilo de su película y también él se esté burlando de un snobismo europeizante.\nNo creo que un espectador de hoy pueda despejar del todo esta duda. Y la razón para que esto no sea posible es que Orson Welles nunca terminó The other side of the wind. Sus últimos años de vida hizo esfuerzos penosos para poder terminarla. Los problemas con los que se topó fueron muchos: un productor español que abandonó el proyecto antes de tiempo; un financiamiento provisto por la familia del Sha de Persia que se interrumpió cuando se produjo la revolución iraní y que terminó con más de 90 horas del metraje original incautados por el estado revolucionario de Irán en una caja de seguridad en París; indecisiones del propio Welles sobre cómo completar una obra cuyo plan va mutando. Welles muere sin poder recuperar el metraje original incautado por los iraníes. Lo que le quedan son algunos fragmentos que se encargó de montar él mismo, pero que no llegan a cubrir ni la mitad de la película.\nLo que persiste después de la muerte de Welles es la leyenda de una película revolucionaria y tal vez imposible que él se había encargado de alimentar durante 15 años, varias copias de trabajo con una calidad visual insatisfactoria, un trabajo de edición de sonido pendiente, la necesidad de organizar cuantioso material que Welles no había llegado a editar, anotaciones que él había dejado a sus colaboradores. Sus colaboradores son principalmente tres:\n1) Oja Kodar, acrtiz cróata, pareja de Welles en ese momento, coguionista de la película y protagonista femenina, la protagonista del film dentro del film, que se pasea la mayor parte del tiempo desnuda con un halo enigmático. Welles nombró en su testamento a Kodar su principal heredera, lo que dio lugar a un largo pleito de Oja con la hija de Welles, Beatrice, por los derechos hereditarios.\n2) Peter Bogadanovich, que conoció a Welles antes de hacer su propia ópera prima, cuando era todavía un escritor. Bogdanovich hizo un extenso libro de conversaciones con Welles en las que se pasan largos ratos hablando sobre el proyecto. Cuando Welles empieza a filmarlo le pide a Bogdanovich que encarne a un personaje y después a otro, una especie de discípulo joven suyo con cierta propensión a traicionarlo, lo que permite conjeturar que Welles pone a Bogdanovich a hacer de sí mismo y a reproducir con el personaje que encarna Huston el vínculo que ellos habían establecido. En la realidad, mientras el proyecto de Welles declina, Bogdanovich se transforma en un joven director consagrado, con películas como la extraordinaria The last picture show, que le deben poco y nada al estilo barroco de Welles. Años después, en el largo proceso por el cual Orson no logra terminar su película, él y Bogdanovich se distanciaron. A pesar de esto, Bogdanovich cuenta que una vez Welles le hizo prometer que si él no lograba vivir para terminar la película, el propio Bogdanovich se haría cargo.\n3) Gary Graver, director de fotografía y camarógrafo de la película, la mano derecha de Welles durante todos estos años, él mismo cineasta. Graves conservó una parte importante del material que Welles había filmado y editado, en copias de trabajo, y mucho material en crudo, lo que permitió durante años tener una idea aproximada de lo que Welles quería hacer.\nDurante las décadas en las que la película fue una leyenda fantasmal hubo varios intentos de Kodar, Bogdanovich y Graver de lograr culminar el proyecto, siempre obstaculizados por los pleitos entre los herederos y el litigio con los iraníes, además de los diversos puntos de vista sobre la obra que cada uno de ellos tenía sobre el auténtico propósito de Welles. Distintas versiones del material fueron exhibidas de manera privada a directores y productores como Spielberg, Eastwood, Lucas, Stone, el propio Huston antes de morir, siempre para lograr el financiamiento para terminar la película. Pero los obstáculos reaparecían a lo largo de los años, incluso en momentos en los que alguno de ellos, especialmente Bogdanovich, anunciaba que el final estaba cerca.\nAsí llegamos a 2018, cuando el litigio con los iraníes ya se resolvió y las diversas partes logran ponerse de acuerdo, una vez que aparece una productora dispuesta a poner lo necesario para que The other side of the wind finalmente se complete. La productora es... ¡Netflix!\nCuando el año pasado se anunció que la película estaba finalmente completa e iba a ser estrenada por la plataforma Netflix, se produjo una conmoción en el mundo cinéfilo. La legendaria película póstuma de Welles iba a poder ser conocida finalmente por todos. Netflix anunció que junto con el lanzamiento de esta versión final se iba a estrenar un documental, Me amarán cuando esté muerto, de Morgan Neville, que contaría la historia de la increíble cantidad de peripecias que dilataron por tantas décadas la concreción del proyecto.\nFinalmente la película se estrenó a fines del año pasado en la plataforma on streaming. La expectativa que concitó fue inusual y se apuró una respuesta inmediata, que quiso dar cuenta rápidamente del auténtico valor de la obra, oscilando entre la consagración alborozada y algunas miradas más escépticas: ¿y esta era la película por la que Welles tanto bregó?\nSuspicazmente, los títulos iniciales aseguran que Welles es el director de la película. Cuesta encontrar en los créditos finales el nombre de los que se hacen responsables del montaje "definitivo". Netflix le encarga a Michel Legrand que escriba una partitura musical que termia siendo lo último que el compositor hace antes de morir, muchos años después de la muerte de Welles y sin que sea posible saber si él aprobaría esta musicalización. Algunos fragmentos -sobre todo la película dentro de la película- se dice que fueron montados por el propio Welles, mientras que otros, dice Netflix, se reconstruyen fielmente en base a las anotaciones que Welles dejó o el asesoramiento de sus colaboradores. Pero el nombre de alguien que se haga responsable del corte final no aparece. El cartel que al principio dice que está "dirigida por Orson Welles" es abiertamente falso, por más aplicados que hayan sido los consultores en recrear las ideas del cineasta.\n¿Está The other side of the wind a la altura de las expectativas? Muchos críticos la recibieron como un acontecimiento glorioso, finalmente la obra revolucionaria que Welles legó a la posteridad. No comparto este criterio. En los planos que se suceden vertiginosamente -en un montaje que parece seguir el ritmo que Welles impuso en los tramos que él montó- es posible hallar destellos de la inventiva de un cineasta genial. En cambio, se hace difícil considerar el conjunto a la altura del mejor Welles, lejos de la genialidad de The Lady from Shangai o Touch of Evil -aún cuando estas películas tampoco hayan tenido un corte final de Welles.\nPodríamos suponer que la obra de Orson está impregnada de la frustración de años de ninguneo por parte de la industria, que destila un resentimiento por no lograr colocarse en el centro de lo que por los años 70 se consideraba la avanzada de la modernidad cinematográfica. En los sarcasmos hacia Antonioni o Fassbinder puede reconocerse a un genio herido que reclama su lugar en una época que ya no lo estima. En el montaje vertiginoso y el collage de texturas podemos suponer un intento desesperado por ponerse a la vanguardia una vez más, por demostrar que él podía ser más moderno que los modernos. En la película dentro de la película podemos intentar ver una parodia del cine que Welles despreciaba o una exhibición de que él podía hacerlo mejor que los otros que en ese momento estaban de moda. Hoy se ve en The other side of the wind más bien un ejercicio de estilo con momentos deslumbrantes que esfuerzan una voluntad de modernidad. Nada que pueda parangonarse con la maestría de Citizen Kane.\nPero decir cualquiera de estas cosas es injusto. Porque lo que vemos no es una película de Orson Welles. Acá "Welles" es una marca que Netflix compra. Nunca veremos la película que podría haber hecho, aunque cada plano haya sido filmado por él. La falta de un responsable explícito y la abundancia de consultores son sintomáticos: The other side of the wind es una película sin autor y de ninguna manera la última obra de Welles. Lo que quedó encaja sospechosamente con los productos de "prestigio" que Netflix incluye en su catálogo. El documental que la acompaña solo cuenta la parte menos conflictiva del proceso de postergación infinita de la película. No se habla nada de los intereses comerciales en pugna entre los diversos herederos de Orson, quienes seguramente debieron firmar sus contratos asintiendo para que esta versión finalmente se emita. Si había una torsión irónica, una tesis sobre el cine que Welles por aquellos años quería expresar, cuán en serio se tomaba el tipo de cine al cual se refería e incluso qué concepción propia afirmaba contra ese otro cine que presuntamente impugnaba, nada de eso puede vislumbrarse en esta versión impersonal, que asemeja a una película que tal vez Orson Welles quiso hacer.\nHabría sido mejor que esta versión nunca se conociera: que se difundieran los tramos editados por Welles inconclusos, que se hiciera una edición especial para quien quisiera verla de las diversas copias de trabajo debidamente restauradas, que se editaran los materiales en bruto para que sean conocidos por los historiadores del cine. Welles alguna vez, mientras se sentía desalentado por no poder terminar la película, declaró que quizás nunca la terminara y, finalmente, The other side of the wind fuera un documental con gente hablando de la película que no se hizo. Quizá habría sido un destino más digno para un proyecto tan amorosamente anhelado.\nAl fin nos encontramos acá con la muerte del autor por otros medios. Supongo que los partidarios de terminar con el cine de autor estarán felices con esta operación de marketing que nos entrega una película de nadie.\nPublicado por Oscar Cuervo en 9:11 No hay comentarios:\nEstas son las imágenes: los sonidos, la música, las palabras las ponemos mañana a las 12 de la noche en La otra.-radio, FM 89,3, www.radiografica.org.ar


Van Oostrum: "El Peñas me llamó y me hizo mucha ilusión"\nEl base espera aportar creatividad, físico y experiencia\nHUESCA.- El base Devon Van Oostrum se incorporó este miércoles a los entrenamientos del Levitec Huesca, al que llega para ayudar hasta final de año.\nEl jugador británico-holandés, que vive su segunda etapa en el club peñista, explicaba este miércoles que su fichaje había sido "una sorpresa porque tengo contrato en Holanda y se paró la liga allí. No sabía si tenía posibilidad de jugar en otro lado. El Huesca me llamó y me hizo mucha ilusión y dije: si es posible, me encantaría venir aquí a jugar".\nSu experiencia de hace cinco años "fue muy buena. Me lo pasé muy bien y en todo este tiempo he seguido hablando con Lafu y vengo con mucha ilusión y ganas de jugar", decía.\nVan Oostrum sigue siendo "el mismo jugador, pero más maduro. Pero soy el mismo: atlético, con creatividad..." Y señala que puede aportar "físico y experiencia", Sabe que "en este equipo hace falta un base. Yo lo soy y puedo aportar mucho: creatividad, pickandroll y creo que eso es lo que me piden".\nLlega, en principio, de forma temporal para ayudar a paliar las bajas en el puesto. "Creo que voy a jugar cuatro partidos, a intentar ganar los cuatro, pasarlo bien y ayudar al equipo y luego, ya veremos", señala.\nPor delante tiene algo más de una semana hasta su primer partido, el que Levitec jugará en Castellón el próximo viernes. Sabe que hay otros dos jugadores recién llegados, Mackenzie y Butler, pero considera que hay "un buen grupo de chicos, es fácil adaptarse y todos son muy majos y amables". Y está ya con ganas de debutar.\nDe su anterior etapa recuerda a todos los compañeros. "Era un equipo con mucho talento. Algunos han triunfado más que otros, pero tengo buenos recuerdos. Éramos chicos con talento, pero todavía teníamos que demostrarlo y cada entrenamiento era una pelea. Eso me encantó", dice.\nEste miércoles entró por primera vez en el Peñas Center y también es algo que ve como un gran avance "porque en el otro pabellón tienes tus horarios. Aquí puedes usarlo cuando quieras. Da mucha libertad a un jugador. Puedes venir aquí a las 11 de la noche a tirar, si quieres, y eso para un jugador es muy bueno".


El giro de la sexualidad - E'a\nEl giro de la sexualidad\nEl giro continental hacia la derecha punitiva se sostiene básicamente en recrear el disciplinamiento de la sexualidad y en el etnocentrismo. El cuerpo, la última bandera y la primera cárcel, aparece en el centro de las propuestas básicamente por dos elementos centrales: la negación de respuestas a demandas materiales concretas como viviendas, salud, educación y servicios básicos esenciales y, por el otro, la necesidad de que las corporaciones desanden todas las normas que protejen el derecho social y la naturaleza de lo poco que ha quedado en derecho.\nEn este giro se enmarca el recrudecimiento de que los hombres, para ser hombres, vuelvan a los cuarteles y que las mujeres, para ser mujeres, usen color rosado, para diferenciarse del hombre que, en el caso de Brasil, deben, para ser hombres, usar color azul. Es así que aparece como un delito político casi todo lo relacionado con el cuerpo, la homosexualidad, la bisexualidad, la transexualidad y la educación sexual y las teorías de género. Lo heterosexual es la norma y los hombres deben ir al cuartel y las mujeres jugar a las muñecas y pintarse de rosa. Todas estas cuestiones que formaban parte de antiguas estructuras de creencias custodiadas básicamente por las iglesias reaparecen en escena pública con carga de delito político. Si antes ya eran delitos morales, ahora lo serán también políticos.\nPor qué es importante para estas nuevas oleadas concentrarse en la sexualidad como lo hicieron en las dictaduras militares.\nPor qué este retorno casi medioeval al fascismo contemporáneo.\nEn el interés de crimininalizar toda forma diversa a la propagada por las iglesias y el Ejército, las dos más grandes, junto con las escuelas, templos «cilivizadores», se asocia cualquier planteo de diversidad sexual con la inminencia del caos y que, por lo tanto, todas las personas que asuman la defensa de qué hacer con el cuerpo,desde una posición autonomista, pasan a ser sospechosas de desestabilizar el orden.\nEl juego es muy interesante. Al no tener estas oleadas neoliberales formas de ilusionar a la gente con el chorreo de capitales, con convertirnos a cada uno de nosotros en «exitosos emprendedores», en vivir en «plena armonía con el consumo y los valores del mercado», cuales eran las ilusiones instaladas en los 80 y 90, ahora vienen a atacar el fundamento del disciplanamiento de las sociedades modernas basadas en la definición sin «desviaciones» de lo que debe ser el hombre y de lo que debe ser la mujer. Una forma de acumulación del capital, de origen primeramente feudal y luego capitalista, se basó en definir con precisión el «ser varón» y el ser «mujer» que en las últimas décadas ha entrado en crisis -lamentablemente no por emancipación- porque el sistema de producción e intercambio de bienes y capitales ha definido que cada uno de nosotros seamos sujetos-objetos de consumo y propiedad sin interesar credo, color, sexo. Pero, y sin embargo, sus apóstoles actuales, al no tener respuestas a las grandes demandas sociales, criminalizan el cuerpo y cualquier «desvío» en la antigua normatividad.\nEs un juego de doble faz. Los valores del mercado en esta súper acumulación de capitales en manos del tres por ciento de la población mundial afirman tu individualidad para volverte un consumidor y poseedor único e irrepetible «y que hagas la tuya». Ese mismo mercado de capitales -concentrado en las corporaciones- apuesta ahora a utilizar la uniformidad social como látigo contra cualquier posibilidad de ser diferente.\nClaro, hay gente que cree seriamente en esto, pero, lamento decirle, a esa buena gente, que esta no es más que una forma de no discutir a profundidad temas tan urgentes como la deforestación del planeta, el ecocidio, el genocidio, la desigualdad y para mantener y ampliar las tasas de ganancias de los grandes capitales.\nPorque, convengamos, qué daño puede causar un niño que juega a las muñecas o una nena que juega a la pelota o que un tipo no vaya al cuartel o que una tipa le guste el cuerpo de otra tipa y que al tipo le guste la carne de su semejante y cosas así frente a esta devastación


Primera derrota de Guardiola en el Bernabéu | Tribuna Madridista\nBy Jorge Gómez-Manzanilla • On 23 abril, 2014 • In Champions, Primer Equipo\tChampions, Primer Equipo Comentarios desactivados en Primera derrota de Guardiola en el Bernabéu\nLlegaba esta noche al feudo madridista uno de los pocos entrenadores, por no decir el único en la historia, que podía presumir que tras haber jugado 7 partidos en Chamartín, nunca había perdido. Y es que hasta ahora los resultados de Guardiola en el Bernabéu habían sido una autentica pesadilla para los madridistas.\nFue en su época de entrenador del Barcelona en donde Pep le cogió la medida al Madrid en su estadio, pues de esos 7 mencionados duelos, 2 terminaron en tablas y 5 en victoria para el catalán.\nEl planteamiento y la solidez del equipo han podido al fin derrotar a un Guardiola, que como siempre ha salido valiente a jugar en Madrid, pero en esta ocasión, no ha podido repetir resultado y un gran Real Madrid y un golazo de Benzema han acabado con la imbatibilidad del preparador español en el Bernabéu.\nIker Casilllas, el madridista con más victorias de la historia\nLA “BESTIA NEGRA” ES EL REAL MADRID\nEl Madrid suma tres temporadas enteras sin perder en champions en el Bernabeu


cuentosnsk: Carta de amor/declaración de guerra\nEdgar K. Yera 15 de febrero de 2015, 8:11\nGenialísima Ana Lía, me encanta el fuego con el que escribes! Un abrazo!\nAna Lía Rodríguez 15 de febrero de 2015, 8:29\nGracias Edgar, me alegra que lo veas así. Soy como un perro, ladro pero no muerdo. Un abrazo\nAlonso Gaudionlux 15 de febrero de 2015, 9:10\nWow, Ana Lía, definitivamente va a tener que prepararse después de esa declaración porque vienen a por él con todo el arsenal listo. Espero sobreviva cuando aprenda a ser hombre, porque muchos no toleran la real dimensión de esa palabra, jejeje. Me gustó mucho tu carta. Besos!\nAna Lía Rodríguez 15 de febrero de 2015, 10:10\nMuchas gracias Alonso. Aquí estoy con el carcaj esperando, jaajaj. Un besote\nBruno HeAlcaraz 15 de febrero de 2015, 9:14\nMuy bueno el relato y agradable de leer, evoca unas situaciones familiares para casi todos. Un saludo.\nAna Lía Rodríguez 15 de febrero de 2015, 10:11\nMuchas gracias Bruno. Me alegro y te envidio por esas situaciones familiares de las que hablas..... Un abrazo\nPedro Fabelo 15 de febrero de 2015, 13:04\nPues, ¿sabes qué? Yo lo pondría a fregar el suelo. Luego a poner dos lavadoras, una de ropa blanca y otra de color. Y otra más para las prendas íntimas. Y luego a tenderlo todo en el tendedero. Y que recoja el baño, que hay que ver cómo lo deja todo cuando acaba de ducharse. Ah, y que baje la basura. Porque la basura no se baja sola. ¿No quería experimentar dolor? Pues va a saber lo que es ser una madre las 24 horas de un día cualquiera. Puto Grey de los coj... Un abrazo, Ana Lía.\nAna Lía Rodríguez 15 de febrero de 2015, 13:29\nOhhh!!! Esa es una tortura brutal, ¡qué buena idea! Las sombras están haciendo mucho daño, ya te digo....un besote y gracias Pedro\nJhon Barcasnegras 15 de febrero de 2015, 16:10\nLlámame exagerado si quieres pero cada vez escribes mejor (El primer párrafo de flechas e imanes me encantaría haberlo escrito yo). Es excelente el relato.\nAna Lía Rodríguez 15 de febrero de 2015, 17:17\nMuchas gracias Jhon. Me alegra que te guste y un placer tu comentario. Un abrazo\nMaría Diz 15 de febrero de 2015, 16:45\nJajajaja, fusta y tacones? Definitivamente esta noche lo hará un hombre. Muy bueno, Ana Lía!\nAna Lía Rodríguez 15 de febrero de 2015, 17:18\n¿Un hombre dominante? Ja! Eso ya no puede ser. Tenemos que ser nosotras, van a flipar! Besotes\nAdy Alonit 15 de febrero de 2015, 16:50\ny fusta es?...lo que yo conozco con otro nombre?..y si, es lo que me imagino! bien dicho, que lo haga una bitch! yo hasta le daba con la punta metalica de los tacones!...loca bien contado y sentido...besos de chocolate,\nAna Lía Rodríguez 15 de febrero de 2015, 17:19\nOhhhh!!! Cierto, hay cuero (piel) así que hace falta el metal. Tienes razón, se puede hacer más "heavy". Gracias y un besote\nCampanilla Feroz 16 de febrero de 2015, 6:44\nAy! No he leído, ni he visto "50 Sombras del Tipejo Ese"... Pero tanta información que rula por todos lados, me ha obligado a tragarme trailers y comentarios... Y, a pesar de no haber leído los libros, ni haber visto la película... ¡¡Debo confesar que me quedo con tu Gran Relato!! *-*\n¡¡Tiene una mezcla de picardía, mala leche y diversión que lo hacen muy guay!!\n¡Besines, Guapi! ;)\nAna Lía Rodríguez 16 de febrero de 2015, 7:38\nMuchas gracias preciosa! Un besote enorme\nMirta Cristina 16 de febrero de 2015, 12:10\nMuy buena!! Pobre, la que le espera :-)\nAna Lía Rodríguez 16 de febrero de 2015, 13:39\nOhhh!! Gracias Mirta, no sabe lo que ha hecho. Se merece una buena tortura, por carñoso! Un beso\nAngie World 16 de febrero de 2015, 13:17\n¡¡¡Bueniiisimo!!!No hay amor a medias tintas ;) Ahora a demostrarlo.\nUn abrazo, me lo paso genial leyéndote.\nAna Lía Rodríguez 16 de febrero de 2015, 13:44\nMuchas gracias Angie. Me voy a poner las botas y nunca mejor dicho!!! Besos\nJulia C. 16 de febrero de 2015, 16:43\nGenial, Ana, toda una declaración de guerra!! Algunos errores se pagan caros, mira que ponerse cariñoso... jajajajjaa.\nDe todos modos no creo que haya vencedores ni vencidos en esa contienda, me da que van a confraternizar antes o después :P\nEfervescente, impetuoso, retador y descarado... me ha encantado el texto!!\nUn beso enorme, madrina!!\nAna Lía Rodríguez 16 de febrero de 2015, 17:13\nMuchas gracias guapísima, es una declaración de intenciones porque al final queda en eso, en intención. Me pongo también tontona y venga a dar abrazotes!!!!! Qué sindios! Un besote\nDr.Krapp 18 de febrero de 2015, 3:37\n¿Qué cansino es el amor, verdad? A mí me da una pereza enorme tanto sudor, tanta lágrima, tanta saliva mal gastada y hasta sangre para luego quedarte como antes, tanto esfuerzo para nada. No hay fuerza que rompa la separación de los cuerpos y posesión que dure tampoco. Estamos poseídos por la leyenda del amor y por tanto incapaces de entender el que nos está destinado.\nNo quiero cansarte con más elogios, tú ya conoces la calidad de lo que escribes.\nAna Lía Rodríguez 18 de febrero de 2015, 7:53\nVaya comentarión Max, muchísimas gracias. Ya pasó el 14 de febrero, ahora ya podemos volver a la realidad que es que pasada la navidad y esta fecha, llega la semana santa,jajaja. Un besote\nDr.Krapp 18 de febrero de 2015, 3:42\nTan poco, of course.\nLuis Vélez 18 de febrero de 2015, 4:29\nEstá visto y comprobado que con los blog no me entiendo. Me ha gustado mucho. Muy bien escrito, irónico, incluso sarcástico, con ese sentido del humor que tan bien te caracteriza. Dime una cosa ; qué pasa, al personal le gusta que le atizen? Fustiga más la pluma que la espada. También, además, muy oportuno para el día más cursi del año. Felicitaciones.\nAna Lía Rodríguez 18 de febrero de 2015, 7:58\nGracias Luis!!!! Vaya ilusión tener un comentario tuyo en mi blog, qué emoción!!! Un besote enorme y muchas gracias\nAra 18 de febrero de 2015, 14:02\nPrecioso, genuino y divertido... Simplemente... Me encantó.\nAna Lía Rodríguez 18 de febrero de 2015, 14:10\nMuchas gracias Ara. Es todo un placer tu comentario así que me quedo satisfecha. Un abrazo\nRicardo Zamorano Valverde 20 de febrero de 2015, 8:18\nSiniestramente erótico, irónico y divertido.\nAna Lía Rodríguez 20 de febrero de 2015, 9:52\nMuchas gracias Ricardo, me alegro que te resultara siniestro :) Abrazo\nJonh Madison. 20 de febrero de 2015, 11:39\nBueno, los flamencos decimos, me parto la camisa, cuando es tan bueno y con tanto duende que uno no puede pasar de romperse las vestiduras ante eso, también solemos decir, arte y majestad. Es, en breves palabras la declaración, carta de amor.\nSolo una cosa, vendeme una flecha para mi nevera, is nice, para usarla como imán.\nAna Lía Rodríguez 20 de febrero de 2015, 13:28\nComo Camarón!!!!! Ese duende! Me alegro que te guste. Si consigo una flecha imán para tu nevera, te la enviaré. Gracias y un abrazo :)\nCarmen Silza 28 de febrero de 2015, 20:50\nGenial Ana Lía, que te puedo decir que ya no te hayan dicho, chapo mi niña!...menuda contienda le espera al pobre...\nAna Lía Rodríguez 1 de marzo de 2015, 8:09\nMuchísimas gracias, Carmen. Aunque no me atrevería ni a ponerme tacones, ni sé caminar con ellos ni tengo XD Un fuerte abrazo


Código de ética profesional | Red Nacional de Editores Científicos\nInicio › Código de ética profesional ›\nEs muy importante, dentro de la Red nacional de editores científicos de la salud, disponer de un Código de Ética que norme la conducta profesional y moral de sus miembros, quienes deben cumplir con este y estarán comprometidos con los objetivos de trabajo, de forma libre y voluntaria.\nEn el comportamiento ético de los miembros de la Red, constituye un elemento esencial su aporte por preservar la identidad nacional y los principios y normas de la sociedad. Ser conscientes de las obligaciones que se contraen, de forma individual y colectiva, para combatir todo tipo de prácticas incorrectas, fraudulentas o inapropiadas en el ejercicio de la profesión, así como luchar contra la utilización de términos deliberadamente equívocos, engañosos o denigrantes y tácticas destructivas o dañinas.\nSe asume la responsabilidad de asesorar metodológicamente, en el marco de nuestra profesión, a empresas, las instituciones de salud que requieran de nuestro conocimiento profesional. Estamos convencidos de la necesidad de cuidar permanentemente los efectos de nuestros actos, de modo que nuestra conducta personal no menoscabe la integridad y prestigio que necesariamente deben poseer los miembros de la Red.\nArtículo 1: Los miembros de la Red pondrán sus conocimientos y experiencias al servicio de las instituciones de salud, rigiéndose por las más estrictas normas de lealtad, veracidad y honestidad profesional.\nArtículo 2: Ejercerán su profesión respetando las leyes, regulaciones, reglamentos y normas que rijan su actividad, actuando consecuentemente de acuerdo con los principios de este “Código de ética”.\nArtículo 3: Mantendrán una conducta personal acorde con las normas y principios de la sociedad.\nArtículo 4: Promoverán e inculcarán los principios éticos y la profesionalidad en el trabajo y serán ejemplo ante sus compañeros, jefes y subordinados.\nArtículo 5: Actuarán con independencia de criterios dentro del contenido y alcance de su labor, para lo cual utilizarán su capacidad creadora y asumirán en todo momento, un alto sentido de la responsabilidad de su trabajo.\nArtículo 6: Los miembros de la Red deben combatir todo tipo de práctica fraudulenta, inapropiada o deshonrosa en el ejercicio de su profesión y cumplir los códigos éticos en el entorno de la comunicación y divulgación de la información.\nArtículo 7: Los miembros de la Red deben mantener consigo y con sus colegas una actitud crítica y autocrítica en relación con el ejercicio de su profesión y cuidarán que sus criterios y opiniones se basen en un profundo análisis cientificotécnico, donde debe primar un alto espíritu de colaboración. Además de ampliar y fortalecer la Red con la incorporación de nuevos miembros que aporten conocimientos, metodologías y enseñanzas en los procesos editoriales, y garantizar la integración, colaboración y la articulación entre los miembros.\nArtículo 8: Los miembros de la Red, ante el conocimiento de una conducta violatoria de este código por parte de otros colegas, sean superiores o subordinados, deben poner en conocimiento de la correspondiente al Grupo Coordinador Nacional.\nArtículo 9: La conducta de los miembros de la Red que violen las normas y principios establecidos en el presente código, con independencia del medio o soporte utilizado, el lugar, circunstancia donde ocurriesen los hechos, será analizado por el Grupo Coordinador Nacional.\nArtículo 10: Los miembros de la Red deben participar en las reuniones y eventos que se convoquen: cursos, talleres, seminarios y otras actividades, ya sea virtual o presencial. Además de contribuir al desarrollo de las investigaciones, publicaciones y actividades de la Red.\nArtículo 11: Los miembros de la Red deben circular por la lista informaciones, conocimientos y metodologías relacionados con los procesos editoriales que fomenten el debate y análisis entre los miembros.\nArtículo 12: Sin perjuicio de lo que la ley y demás disposiciones normativas o reglamentarias dispongan, los miembros de la Red no deberán:\na) Obtener beneficios para sí o para otras personas naturales o jurídicas traspasando, vendiendo, cediendo o permitiendo, por falta de control o reserva, que informaciones confidenciales sean de conocimiento de terceras personas.\nc) Alterar, manipular o falsear datos o informaciones a las que haya tenido acceso por razones de su trabajo.\nd) Valerse de las responsabilidades que desempeña para obtener beneficios personales para sí o para terceros en detrimento de intereses sociales, instituciones o nacionales.\ne) Plagiar parcial o totalmente cualquier tipo de información a la que tiene acceso por ser miembro de la Red.\nRelaciones con profesionales de otras ramas o perfiles\nArtículo 13: Las relaciones de los miembros de la Red con profesionales de otras ramas o perfiles deben basarse en el más alto espíritu de colaboración profesional y en los principios de honradez y lealtad hacia las personas.\nDe las medidas y los procedimientos disciplinarios\nArtículo 14: La comisión de cualquier acto que viole los principios o normas establecidas en este “Código de ética”, podrá dar lugar a las siguientes medidas disciplinarias:\nc) Inhabilitación para participar en los eventos de la Red, por un periodo no menor de seis meses ni mayor de dos años.\nd) Suspensión de todos los derechos hasta por un año.\ne) Separación por un periodo no mayor de un año en los casos de conductas que lesionen el prestigio e intereses de la organización.\nf) Expulsión de la Red en los casos de conductas graves incompatibles con la ética profesional.\nArtículo 15: Las medidas disciplinarias consignadas en el artículo anterior se aplicarán con independencia de las sanciones que se impongan como resultado de la trasgresión de las disposiciones contenidas en los respectivos reglamentos disciplinarios internos de las instituciones donde desempeña su labor el infractor.\nArtículo 16: Una vez conocido por el Grupo Coordinador Nacional, un hecho que viole los principios y normas establecidas por este Código se recopilarán los elementos e informes acerca de la infracción, dándole conocimiento al implicado para que este pueda formular su reclamación por escrito y proponga las pruebas que estime pertinentes.\nArtículo 17: Una vez practicadas las pruebas propuestas y efectuadas las investigaciones que resulten pertinentes se dictaminará sobre el caso.


La Comunidad creará un centro de prevención sobre ludopatía y nuevas tecnologías | Madridiario\nIsabel Díaz Ayuso. (Foto: Chema Barroso)\nlunes 30 de septiembre de 2019, 20:20h\nLa Comunidad de Madrid pondrá en marcha en marcha un centro de prevención sobre ludopatía y nuevas tecnologías en los jóvenes y endurecerá la regulación de la publicidad, limitando los horarios de los anuncios de las casas de apuestas y oponiéndose a que en ellos aparezcan famosos.\nLo ha anunciado la presidenta regional, Isabel Díaz Ayuso, en una entrevista en la Cadena Ser, recogida por Europa Press. Además, ha desgranado que el expresentador y director general de Juventud, Pedro García Aguado, ofrecerá talleres y charlas por los centros educativos en la materia.\nAdemás, fuentes del Gobierno regional han informado, posteriormente, que también se va definir, de cara a finales del próximo año, una Estrategia Regional sobre Adicciones Comportamentales, que permitirá establecer medidas y planes de acción para promover el juego responsable y el uso razonable de internet y nuevas tecnologías así como la mejor atención a las personas con conductas problemáticas en este ámbito.\nEl Ejecutivo autonómico quiere "liderar" en España la prevención y lucha contra la ludopatía y la adicción a las nuevas tecnologías. Para ello, trabajará para recopilar la mayor cantidad de información sobre la adicción a las nuevas tecnologías, y pondrá estos datos a disposición de la comunidad científica para su declaración como enfermedad, ya que todavía no está declarada como tal.\nSegún los datos de la Comunidad, en la autonomía hay actualmente 670 establecimientos de juego, entre locales de apuestas, bingos o casinos, con un crecimiento "paulatino" durante el último lustro en toda la región. Aunque, aseguran que pesar de este aumento, en la región el número de salones de juego por 100.000 habitantes (5.1) es inferior en un punto a la media nacional.\n15842 | Paco - 30/09/2019 @ 22:35:46 (GMT+1)\nSeñora Diaz Ayuso , dejese de tonterias y arregle lo esencial, la Sanidad ,listas de espera para operacion de 6 meses, atención primaria citas con 5 dias, etc,etc, es una vergüenza y ahora me viene con la ludopatía , venga ya.


Vuelos baratos de Estado de San Luis Potosí a Hawái en 2022 por $20,319 | momondo\nEstado de San Luis Potosí a Hawái\nVuelos baratos de Estado de San Luis Potosí a Hawái desde $20,319\nEl brote de COVID-19 (coronavirus) puede afectar a los viajes desde San Luis Potosí a Hawái.\nInformación de vuelo entre Estado de San Luis Potosí y Hawái\nEncuentra información sobre la duración del vuelo, vuelos directos y aeropuertos para tu vuelo de Estado de San Luis Potosí a Hawái\nEl vuelo más corto de Estado de San Luis Potosí a Hawái toma 26h 29m.\nNo hay vuelos directos de Estado de San Luis Potosí a Hawái. La ruta popular (con escala) para esta conexión es Aeropuerto San Luis Potosi - Aeropuerto Honolulu.\nCómo conseguir el boleto de avión más barato de Estado de San Luis Potosí a Hawái\nSan Luis Potosi - Honolulu\nVuela de San Luis Potosi a Honolulu para encontrar el mejor precio en vuelos de Estado de San Luis Potosí a Hawái\n¿Las aerolíneas que vuelan de San Luis Potosí a Hawái ofrecen cancelación flexibles debido a COVID-19?\nAlgunas de nuestras aerolíneas asociadas que vuelan de San Luis Potosí a Hawái han adoptado nuevas políticas debido al impacto global del coronavirus. Algunas de las aerolíneas que podrían eliminar sus tasas de cancelación son United Airlines, American Airlines y Aeromexico. Puedes buscar la lista completa de aerolíneas como United Airlines que ofrecen esta flexibilidad.\n¿Puedo volar a Hawái desde San Luis Potosí en este momento?\nLa información se basa en las restricciones de viaje de San Luis Potosí a Hawái\nLa mayoría de los viajeros procedentes de San Luis Potosí pueden entrar a Hawái sin restricciones.\nLos viajeros procedentes de San Luis Potosí no están obligados a presentar un resultado negativo de la prueba PCR o antígenos COVID-19 al entrar a Hawái.\nLos viajeros procedentes de San Luis Potosí no están obligados a hacer cuarentena después de entrar a Hawái.\n¿Puedo volar de regreso a San Luis Potosí desde Hawái?\nRegresar a San Luis Potosí desde Hawái\nLos viajeros procedentes de Hawái no están obligados a presentar un resultado negativo de la prueba PCR o antígenos COVID-19 al entrar a San Luis Potosí.\nLos viajeros procedentes de Hawái no están obligados a hacer cuarentena después de entrar a San Luis Potosí.\nRutas alternativas de Estado de San Luis Potosí a Hawái\nPrecio más bajo$20,319\nVuelos similares de Estado de San Luis Potosí a Hawái\n¿Eres flexible con tu destino? Amplía tu búsqueda y encuentra vuelos similares a tu ruta de Estado de San Luis Potosí a Hawái\n¿Por qué debo usar momondo para encontrar una oferta de vuelo de San Luis Potosí a Hawái?\nPara encontrar el vuelo que mejor se adapte a tus necesidades, momondo reúne vuelos de una gran variedad de aerolíneas y agentes; de este modo, puedes usar nuestra información y filtros para encontrar y reservar el vuelo correcto a Hawái desde San Luis Potosí.\n¿Puedo encontrar vuelos de San Luis Potosí a Hawái con políticas de reserva flexible en momondo?\nSí. momondo te permite filtrar los resultados de San Luis Potosí a Hawái vuelos para que solo se muestren los que tienen políticas de reserva flexible.\n¿Cómo puede momondo ayudarme a encontrar vuelos de San Luis Potosí a Hawái?\nmomondo te ayuda a encontrar el mejor vuelo entre San Luis Potosí y Hawái al proporcionar filtros para limitar tu elección de vuelos según tus criterios. Puedes seleccionar los vuelos en función de varios factores, como el precio, las horas de salida y aterrizaje, el aeropuerto y la aerolínea.\nAún no quiero reservar un vuelo de San Luis Potosí a Hawái. ¿Puede momondo avisarme si los precios cambian?\nSí, momondo ofrece alertas de precios en vuelos a Hawái desde San Luis Potosí. Después de realizar una búsqueda en esta página, podrás ver la función de configuración de alertas de precios. Solo tienes que indicar una dirección de email válida y momondo te avisará al instante cuando los precios cambien.