Música electrónica • es.knowledger.de\nMúsica electrónica es la música que emplea el instrumento musical electrónico (instrumento musical electrónico) s y electrónico (electrónica) tecnología de la música (tecnología de la música) en su producción. En general una distinción se puede hacer entre el sonido producido usando medios electromecánicos y esto tecnología electrónica producida que usa. Los ejemplos de dispositivos de producción sanos electromecánicos incluyen el telharmonium (telharmonium), órgano de Hammond (Órgano de Hammond), y la guitarra eléctrica (guitarra eléctrica). La producción sana puramente electrónica se puede conseguir usando dispositivos como Theremin (Theremin), sintetizador sano (sintetizador), y ordenador (ordenador).\nLa música electrónica tuvo que ver una vez casi exclusivamente con la música seria Occidental (música seria) pero a partir de finales de los años 1960 en la disponibilidad de la tecnología de la música económica significó que la música utilización producida de medios electrónicos cada vez más se hizo común en la esfera popular. Hoy la música electrónica incluye muchas variedades y variedades de la música seria experimental a formas populares como la música de baile electrónica (música de baile electrónica).\nOrígenes: a finales del 19no siglo a principios del 20mo siglo\nTelharmonium (Telharmonium), Thaddeus Cahill (Thaddeus Cahill), 1897 La capacidad de registrar sonidos a menudo se relaciona con la producción de la música electrónica, pero no absolutamente necesaria para ello. El dispositivo de grabación del sonido conocido más temprano era el phonautograph (phonautograph), patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville (Édouard-Léon Scott de Martinville). Podría registrar sonidos visualmente, pero no se destinó para ponerlos.\nEn 1878, Thomas A. Edison (Thomas A. Edison) patentó el fonógrafo, que usó cilindros similares a Scott (Raymond Scott) 's dispositivo. Aunque los cilindros siguieran en el uso durante algún tiempo, Emile Berliner (Emile Berliner) desarrolló el fonógrafo del disco en 1887. Una invención significativa, que debía tener más tarde una fuerte influencia sobre la música electrónica, era el Sotavento Deforiestan (Sotavento deforiesta) 's triode audion (tubo de audion). Esto era la primera válvula termiónica o tubo de vacío (tubo de vacío), inventado en 1906, que llevó a la generación y amplificación de señales eléctricas, difusión de la radio y cálculo electrónico, entre otras cosas.\nAntes de la música electrónica, había un deseo creciente del compositor (compositor) s para usar tecnologías emergentes con objetivos musicales. Varios instrumentos se crearon que los diseños electromecánicos empleados y ellos prepararon el terreno para la aparición posterior de instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico llamó Telharmonium (Telharmonium) (a veces Teleharmonium o Dynamophone) fue desarrollado por Thaddeus Cahill (Thaddeus Cahill) en los años 1898–1912. Sin embargo, la molestia simple dificultó la adopción de Telharmonium, debido a su talla inmensa. Uno del instrumento electrónico temprano a menudo mencionado puede ser Theremin (Theremin), inventado por el profesor Léon Theremin (Léon Theremin) hacia 1919–1920. Otros instrumentos electrónicos tempranos incluyen el Piano de Audion (Piano de Audion) inventado en 1915 por Lee De Forest (Bosque de Lee De) quien era el inventor de triode audion (Tubo de Audion) como mencionado anteriormente, Croix Sonore (Croix Sonore), inventado en 1926 por Nikolai Obukhov (Nikolai Obukhov), y Ondes Martenot (Ondes Martenot), que fue el más estupendamente bien usado en Turangalîla-Symphonie (Turangalîla-Symphonie) por Olivier Messiaen (Olivier Messiaen) así como otros trabajos de él. El Ondes Martenot también fue usado por otro, principalmente franceses, compositores como Andre Jolivet (Andre Jolivet).\nEn 1907, sólo un año después de la invención del triode audion, Ferruccio Busoni (Ferruccio Busoni) Esbozo publicado de una Nueva Estética de la Música, que habló del uso de nuevas fuentes sanas eléctricas y otras en la futura música. Escribió del futuro de microescalas en la música, hecha posible por Dynamophone de Cahill: "Sólo una serie larga y cuidadosa de experimentos y una formación continuada del oído, pueden dar este material desconocido tratable y plástico para la generación próxima, y para el Arte."\nTambién en el Esbozo de una Nueva Estética de la Música, Busoni declara:\nA través de esta escritura, así como contacto personal, Busoni tenía una fuerte influencia sobre muchos músicos y compositores, quizás el más notablemente en su alumno, Edgard Varèse (Edgard Varèse), quien dijo:\nEn Italia (Italia), los Futuristas (Futurismo (arte)) se acercaron al cambio musical estético de un ángulo diferente. Un empuje principal de la filosofía Futurista debía valorar "el ruido", y colocar el valor artístico y expresivo en sonidos que no se habían considerado antes hasta remotamente musicales. "El manifiesto técnico de Balilla Pratella de la Música Futurista" (1911) estados que su credo es: "Para presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los ferrocarriles, de los transatlánticos transatlánticos, de los acorazados, de los coches y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical la esfera de la máquina y el reino victorioso de Electricidad."\nEl 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo (Luigi Russolo) publicó su manifiesto "El Arte de Ruidos (El arte de ruidos)". En 1914, sostuvo el primer concierto del "arte de los ruidos" en Milano el 21 de abril. Esto usó su Intonarumori, descrito por Russolo como "instrumentos del ruido acústicos, cuyos sonidos (aullidos, rugidos, arrastres, gorjeos, etc.) se activaron por la mano y proyectados por cuernos y megáfonos." En junio, los conciertos similares se sostuvieron en París.\nLos años 1920 a los años 1930\nEsta década trajo una riqueza de instrumentos electrónicos tempranos y las primeras composiciones para instrumentos electrónicos. El primer instrumento, Etherophone, fue creado por Léon Theremin (Lev Termen nacido (Lev Termen)) entre 1919 y 1920 en Leningrado, aunque finalmente se renombrara Theremin. Esto llevó a las primeras composiciones para instrumentos electrónicos, a diferencia de noisemakers e intentó de nuevo máquinas. En 1929, Joseph Schillinger (Joseph Schillinger) formado Primera Suite Airphonic para Theremin y Orquesta, premièred con la Orquesta de Cleveland (Orquesta de Cleveland) con Leon Theremin (Leon Theremin) como solista.\nAdemás de Theremin, Ondes Martenot (Ondes Martenot) fue inventado en 1928 por Maurice Martenot, que debutó él en París.\nEl año siguiente, Antheil (Antheil) primero formado para dispositivos mecánicos, noisemakers eléctrico, motores y amplificadores en su ópera inacabada, el Sr. Bloom.\nLa grabación de sonidos hizo un salto en 1927, cuando el inventor americano J. A. O'Neill desarrolló un dispositivo de grabación que usó la cinta magnéticamente cubierta. Sin embargo, esto era un fracaso comercial. Dos años más tarde, la Lauren Hammond (Lauren Hammond) estableció su compañía para la fabricación de instrumentos electrónicos. Continuó a producir el órgano de Hammond (Órgano de Hammond), que estaba basado en los principios de Telharmonium (Telharmonium), junto con otro desarrollo incluso unidades de la reverberación tempranas. Hammond (junto con John Hanert y C. N. Williams) también continuaría a inventar otro instrumento electrónico, Novachord (Novachord), que la compañía de Hammond fabricó de 1939–1942.\nEl método de la grabación del sonido fotoóptica usada en la cinematografía hizo posible obtener una imagen visible de una onda sonora, así como realizar la parte de enfrente goal—synthesizing un sonido de una onda sonora artificialmente dibujada.\nEn este mismo período, los experimentos comenzaron con el arte sano (arte sano), los practicantes tempranos de que incluyen a Tristan Tzara (Tristan Tzara), Kurt Schwitters (Kurt Schwitters), Filippo Tommaso Marinetti (Filippo Tommaso Marinetti), y otros.\nDesarrollo: los años 1940 a los años 1950\nElectroacoustic graban la música\nHalim El-Dabh (Halim El-Dabh) en un Cleveland (Cleveland) festival en 2009.\nFidelidad baja registrador de alambre magnético (registrador de alambre) s había estado en el uso aproximadamente desde 1900 y a principios de los años 1930 la industria cinematográfica comenzó a convertirse a los nuevos sistemas de grabación del sonido en la película ópticos basados en la célula fotoeléctrica (célula fotoeléctrica). Estaba a este tiempo que la compañía de electrónica alemana AEG (UN E G) desarrolló el primer registrador de la cinta de audio práctico (magnetófono), "Magnetophon (Magnetophon)" k-1, que se descubrió en el Radioshow de Berlín (Radioshow de Berlín) en el agosto de 1935.\nDurante la Segunda Guerra Mundial (La Segunda Guerra Mundial), Walter Weber descubrió de nuevo y aplicó la tendencia de la corriente alterna (Tendencia de la corriente alterna) técnica ing, que dramáticamente mejoró la fidelidad de la grabación magnética añadiendo un tono de alta frecuencia inaudible. Amplió la curva de frecuencia 'de K4' Magnetophone de 1941 a 10 kHz y mejoró la variedad dinámica (variedad dinámica) hasta 60 dB, superando todos los sistemas de grabación conocidos entonces.\nTan pronto como 1942 AEG hacía grabaciones de prueba en el equipo de música (equipo de música). Sin embargo estos dispositivos y técnicas permanecieron un secreto fuera de Alemania hasta el final de WWII, cuando los registradores de Magnetophon capturados y los carretes de Farben (I.G. Farben) cinta de grabación de ferric-óxido fueron devueltos a los Estados Unidos por Jack Mullin (Jack Mullin) y otros. Estos registradores capturados y cintas eran la base para el desarrollo del magnetófono profesional primero comercialmente hecho de América, el Modelo 200, fabricado por Ampex americano (Ampex) compañía con el apoyo del actor Bing Crosby (Bing Crosby), quien se hizo uno de los primeros ejecutantes para registrar emisiones de radio y grabaciones del maestro del estudio en la cinta.\nLa cinta de audio magnética abrió una nueva variedad enorme de posibilidades sónicas a músicos, compositores, productores e ingenieros. La cinta de audio era relativamente barata y muy confiable, y su fidelidad de la reproducción era mejor que cualquier medio de audio hasta ahora. El más importantemente, a diferencia de discos, ofreció la misma plasticidad del uso como la película. La cinta se puede hacer más lenta, acelerarse o hasta dirigirse hacia atrás durante grabación o repetición, con el efecto a menudo alarmante. Se puede físicamente corregir del modo más o menos igual como la película, teniendo secciones no deseadas en cuenta de una grabación para sin costuras quitarse o sustituirse; igualmente, los segmentos de la cinta de otras fuentes se pueden corregir en. La cinta también se puede afiliar para formar lazos interminables (Lazo de la música) que continuamente el juego repitió modelos del material pregrabado. La amplificación de audio y el equipo que se mezcla adelante ampliaron las capacidades de la cinta como un medio de producción, permitiendo a grabaciones pregrabadas múltiples (y/o sonidos vivos, discurso o música) mezclarse juntos y simultáneamente registrarse en otra cinta con la relativamente pequeña pérdida de la fidelidad. Otra suerte inesperada imprevista era que los magnetófonos se pueden relativamente fácilmente modificar para hacerse la máquina del eco (máquina del eco) s que producen el eco complejo, controlable, de alta calidad (Eco (fenómeno)) y reverberación (reverberación) efectos (la mayor parte de los cuales serían prácticamente imposibles de conseguir por medios mecánicos).\nLa extensión de magnetófonos finalmente llevó al desarrollo de electroacoustic (electroacoustic) música de la cinta (música de la cinta). El primer ejemplo conocido fue formado en 1944 por Halim El-Dabh (Halim El-Dabh), un estudiante en El Cairo (El Cairo), Egipto (Egipto). Registró los sonidos de un antiguo zaar (Zār) ceremonia usando un registrador de alambre incómodo (Grabación de alambre) y en la Radio de Oriente Medio los estudios trataron la reverberación de utilización material, eco, mandos del voltaje y nueva grabación. El trabajo que resulta tenía derecho La Expresión de Zaar y se presentó en 1944 en un acontecimiento de la galería de arte en El Cairo. Mientras sus experimentos iniciales en la cinta la composición basada extensamente no se conocía fuera de Egipto entonces, El-Dabh también son notables por su trabajo posterior en la música electrónica en la Colombia-Princeton el Centro musical Electrónico (Centro musical del ordenador) a finales de los años 1950.\nNo era mucho antes de que los compositores en París también comenzaran a usar el magnetófono para desarrollar una nueva técnica para la composición llamada Musique concrète (Musique concrète). Esta técnica implicó corregir fragmentos juntos registrados de sonidos naturales e industriales. Las primeras piezas de musique concrète en París fueron reunidas por Pierre Schaeffer (Pierre Schaeffer), quien continuó a colaborar con Pierre Henry (Pierre Henry).\nEl 5 de octubre de 1948, Radiodiffusion Française (Radiodiffusion-Télévision Française) (RDF) transmiten al compositor Pierre Schaeffer (Pierre Schaeffer) 's Etude aux chemins de fer. Esto era el primer "movimiento (movimiento (música))" de 'el 'Cinq études de bruits y marcó el principio de realizaciones del estudio y musique concrète (o arte acousmatic). Schaeffer empleó un torno que corta el disco (torno), cuatro platos giratorios, un mezclador de cuatro canales, filtros, una cámara del eco y una unidad de grabación móvil. No mucho después de esto, Henry comenzó a colaborar con Schaeffer, una sociedad que tendría efectos profundos y durables en la dirección de la música electrónica. Otro socio de Schaeffer, Edgard Varèse (Edgard Varèse), comenzó siguen trabajando Déserts (Déserts), un trabajo para orquesta de cámara y cinta. Las partes de la cinta se crearon en el estudio de Pierre Schaeffer y se revisaron más tarde en la universidad de Colombia. En 1950, Schaeffer dio el primer público (no emisión) el concierto de musique concrète en el Ecole Normale de Musique de Paris (Ecole Normale de Musique de Paris). "Schaeffer usó un sistema del PAPÁ (Dirección pública), varios platos giratorios y mezcladores. El rendimiento no fue bien, ya que creando montajes vivos con platos giratorios nunca se había hecho antes." Más tarde que mismo año, Pierre Henry colaborara con Schaeffer en 'el 'Symphonie pour un homme seul (1950) el primer trabajo principal del hormigón musique. En París en 1951, en lo que se debía hacer una tendencia mundial importante, RTF estableció el primer estudio para la producción de la música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orpheus, para sonidos concretos y voces.\nKarlheinz Stockhausen (Karlheinz Stockhausen) en el Estudio de la Música Electrónico de WDR, Colonia, en 1991 Karlheinz Stockhausen (Karlheinz Stockhausen) trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952, y después durante muchos años en el WDR (Westdeutscher Rundfunk) Colonia (Colonia) 's Estudio para la Música Electrónica.\nEn Colonia, lo que se haría el estudio de la música electrónico más famoso en el mundo oficialmente se abrió en los estudios de la radio del NWDR (N W D R) en 1953, aunque hubiera estado en las etapas de planificación tan pronto como 1950 y las composiciones tempranas se hicieron y se transmitieron en 1951. El hijo cerebral de Werner Meyer-Eppler (Werner Meyer-Eppler), Robert Beyer y Herbert Eimert (Herbert Eimert) (quien se hizo su primer director), el estudio fue acompañado pronto por Karlheinz Stockhausen (Karlheinz Stockhausen) y Gottfried Michael Koenig (Gottfried Michael Koenig). En su tesis de 1949 Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache, Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar la música completamente de señales electrónicamente producidas; de esta manera, elektronische Musik bruscamente se diferenció de francés musique concrète, que usó sonidos registrados de fuentes acústicas.\nCon Stockhausen y Mauricio Kagel (Mauricio Kagel) en la residencia, se hizo una colmena de todo el año de avante-gardism carismático [sic]" en dos ocasiones que combinan sonidos electrónicamente generados con la orquesta relativamente convencional (orquesta) s—in Mixtur (Mixtur) (1964) y Hymnen, dritte región mit Orchester (Hymnen) (1967). Stockhausen declaró que sus oyentes le habían dicho que su música electrónica les dio una experiencia "del espacio exterior," las sensaciones del vuelo o estar en un "mundo de ensueño fantástico" Más recientemente, Stockhausen dio vuelta a la producción de la música electrónica en su propio estudio en Kürten (Kürten), su último trabajo en el género ser Pulsos Cósmicos (2007).\nMúsica electrónica japonesa\nMientras el instrumento (instrumento eléctrico) s temprano eléctrico como Ondes Martenot (Ondes Martenot), Theremin (Theremin) y Trautonium (Trautonium) poco se conocían en Japón (Japón) antes de la Segunda Guerra Mundial (La Segunda Guerra Mundial), ciertos compositores como Minao Shibata había sabido sobre ellos entonces. Varios años después del final de la Segunda Guerra Mundial (La Segunda Guerra Mundial), los músicos en Japón comenzaron a experimentar con la música electrónica, causando algunos esfuerzos más dedicados debido a compositores de permiso de patrocinio institucionales para experimentar con la última grabación de audio y procesamiento del equipo. Estos esfuerzos representaron una infusión (Fusión (música)) de la música asiática (Música de Asia) en el género emergente y prepararían el terreno finalmente para la dominación de Japón en el desarrollo de la tecnología de la música varias décadas más tarde.\nDespués de fundación de la compañía de electrónica Sony (Sony) (entonces llamó Tokio Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, los dos compositores japoneses, Toru Takemitsu (Toru Takemitsu) y Minao Shibata, independientemente escribieron sobre el uso posible de la tecnología electrónica para producir la música durante finales de los años 1940. En 1948, Takemitsu concibió una tecnología que "traería el ruido en tonos musicales templados dentro de un pequeño tubo ocupado," una idea similar a Pierre Schaeffer (Pierre Schaeffer) 's musique concrète (musique concrète) el mismo año, del cual Takemitsu era inconsciente hasta varios años más tarde. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con el muy alto rendimiento" que puede "sintetizar (Sintetizador) cualquier clase de ondas sonoras" y "se hace funcionar muy fácilmente," prediciendo que con tal instrumento, "la escena de la música se cambiará drásticamente." El mismo año, Sony desarrolló el magnético (Cinta magnetofónica) magnetófono (magnetófono) G-tipo, que se hizo un dispositivo de grabación popular para el uso en salas de tribunal y oficinas estatales, llevando a Sony que suelta el H-tipo para el uso de casa hacia 1951.\nEn 1950, Jikken Kobo (Taller Experimental) el estudio de la música electrónico sería fundado por un grupo de músicos a fin de producir la utilización de la música electrónica experimental magnetófonos de Sony. Incluyó a músicos como Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa (Joji Yuasa), y fue apoyado por Sony, que les ofreció el acceso a la última tecnología de audio, contrató a Takemitsu para formar la música de la cinta electrónica (música de la cinta) para demostrar sus magnetófonos y conciertos patrocinados. La primera música de la cinta electrónica del grupo era "Toraware ningún Onna" ("Mujer Encarcelada") y "Pieza B", completado en 1951 por Kuniharu Akiyama. Muchos de los electroacoustic (Música de Electroacoustic) piezas de la cinta que produjeron por lo general se usaban como la música secundaria para la radio (radio), la película (película) y teatro (teatro). También sostuvieron conciertos como Taller Experimental del 1953, 5ta Exposición, que empleó una 'autodiapositiva', una máquina desarrollada por Sony que hizo posible sincronizar una presentación de diapositivas (presentación de diapositivas) con una banda de sonido (banda de sonido) registrado en la cinta; usaron el mismo dispositivo para producir la música de la cinta del concierto en el estudio de Sony. El concierto, junto con la música de la cinta de electroacoustic experimental que produjeron, esperó la introducción de musique concrète en Japón más tarde ese año. Más allá de Jikken Kobo, varios otros compositores como Yasushi Akutagawa (Yasushi Akutagawa), Saburo Tominaga y Shiro Fukai también experimentaban con la producción radiophonic (radiophonic) música de la cinta entre 1952 y 1953.\nJapón se introdujo en musique concrète a través de Toshiro Mayuzumi (Toshiro Mayuzumi), quien en 1952 asistió a un concierto de Schaeffer en París (París). De su vuelta a Japón, experimentó con una pieza de la música de la cinta corta para la película (película de la comedia) de la comedia de 1952 Carmen Jyunjyosu (Carmen Con el Corazón Puro) y luego produjo "X, Y, Z para Musique Concrète" que fue transmitido por el JOQR (Nippon difusión cultural) emisora de radio en 1953. Mayuzumi también formó otro musique concrète pieza para Yukio Mishima (Yukio Mishima) 's drama de la radio de 1954 (drama de la radio) Boxeo. El concepto francés de Schaeffer de objet sonore (Objeto sano) (objeto sano), sin embargo, no era influyente entre compositores japoneses, cuyo interés principal en la tecnología de la música era en cambio a, según Mayuzumi, venza las restricciones de "los materiales o el límite del rendimiento humano." Esto llevó a varia música electroacoustic japonesa (música de electroacoustic) ians fabricación del uso de serialism (serialism) y técnica de doce tonos (técnica de doce tonos) s, evidente en Yoshiro Irino (Yoshiro Irino) 's 1951 dodecaphonic (dodecaphonic) pieza "Concierto da Cámara", en la organización de sonidos electrónicos en "los X de Mayuzumi, Y, Z para Musique Concrète", y más tarde en la música electrónica de Shibata hacia 1956.\nSeguir el ejemplo del estudio de Colonia estableció en 1953, NHK de Japón (N H K) la compañía estableció una de las instalaciones de la música electrónicas principales del mundo en Tokio, el Estudio NHK, en 1954, equipándolo con tecnologías como generación del tono y equipo de procesamiento del audio, registrando y radiophonic (radiophonic) equipo, Ondes Martenot, Monocuerda (Monocuerda) y Melochord (Melochord), oscilador de la onda sinusoidal (oscilador) s, magnetófonos, modulador de toque (modulador de toque) s, filtro pasabanda (filtro pasabanda) s y cuatro & ocho mezclador del canal (mezclador) s. Los músicos se asociaron con el estudio incluido Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi (Toshi Ichiyanagi), y Toru Takemitsu. Las primeras composiciones electrónicas del estudio eran completas en 1955, incluso las piezas de 5 minutos de Mayuzumi "Studie I: La música para la Onda sinusoidal por la Proporción del Número primo", "La música para la Onda Modulada por la Proporción de Número primo" y "Invención para Onda Cuadrada y Onda Serrada" produjo la utilización de varias capacidades que generan el tono del estudio y el equipo de música de 20 minutos de Shibata (Sonido estereofónico) pieza "Musique Concrète para la Emisión Estereofónica".\nIkutaro Kakehashi (Ikutaro Kakehashi) fundó un taller de reparación llamado la Tienda del Reloj de Kakehashi a finales de los años 1940 reparando relojes y radioes, y luego en 1954 fundó a Kakehashi Musen ("Radio de Kakehashi"), que finalmente se convirtió en el Tono del As de la compañía (Tono estupendo) hacia 1960 y más tarde Roland Corporation (Roland Corporation) hacia 1972. Kakehashi comenzó a producir el instrumento musical electrónico (instrumento musical electrónico) s desde 1955, con el objetivo de crear capaz de producir monofónico (Monosynth) melodías. Durante finales de los años 1950, produjo theramin (theramin) s, Ondes Martenot (Ondes Martenot) s y teclado electrónico (teclado electrónico) s, y hacia 1959, un hawaiano (Guitarra de acero del regazo) amplificador de la guitarra (amplificador de la guitarra) y órgano electrónico (órgano electrónico) s.\nMúsica electrónica americana\nEn los Estados Unidos, los sonidos se estaban creando electrónicamente y usándose en la composición, como ejemplificado en una pieza por Morton Feldman (Morton Feldman) llamado Intersección Marginal. Esta pieza se marca para vientos, latón, percusión, cuerdas, 2 osciladores y efectos sonoros del remachado, y el resultado usa la nota del gráfico de Feldman.\nLa Música para el Proyecto de la Cinta magnetofónica fue formada por miembros de la Escuela de Nueva York (Escuela de Nueva York) (John Cage (John Cage), Earle Brown (Earle Brown), Christian Wolff (Christian Wolff (compositor)), David Tudor (David Tudor), y Morton Feldman (Morton Feldman)), y duró tres años hasta 1954. La jaula escribió de esta colaboración: "En esta oscuridad social, por lo tanto, el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman y Christian Wolff sigue presentando una luz brillante, por la razón que a varios puntos de nota, rendimiento y prueba, la acción es provocativa.\nJaula Mezcla de Williams completada (Mezcla de Williams) en 1953 trabajando con la Música para Proyecto de la Cinta magnetofónica. El grupo no tenía instalación permanente y tuvo que confiar durante el tiempo tomado a préstamo en estudios sanos comerciales, incluso el estudio de Louis y Bebe Barron (Louis y Bebe Barron).\nCentro de la Colombia-Princeton\nEn el mismo año la universidad de Colombia (Universidad de Colombia) compró su primer magnetófono (magnetófono) —a el profesional Ampex (Ampex) machine—for el objetivo de registrar conciertos. Vladimir Ussachevsky (Vladimir Ussachevsky), quien estaba en la facultad de la música de la universidad de Colombia, se colocó responsable del dispositivo, y casi inmediatamente comenzó a experimentar con ello.\nHerbert Russcol escribe: "Pronto se intrigó con las nuevas sonoridades que podría conseguir registrando instrumentos musicales y luego superimponiéndolos el uno al otro." Ussachevsky dijo más tarde: "De repente realicé que el magnetófono se podría tratar como un instrumento de la transformación sana." El jueves, 8 de mayo de 1952, Ussachevsky presentó varias demostraciones de la música/efectos de la cinta que creó en su Foro de Compositores, en el Teatro de McMillin en la universidad de Colombia. Éstos incluyeron Transposición, Reverberación, Experimento, Composición, y Valse Submarino. En una entrevista, declaró: "Presenté unos ejemplos de mi descubrimiento en un concierto público en Nueva York juntos con otras composiciones que había escrito para instrumentos convencionales." Otto Luening (Otto Luening), quien había asistido a este concierto, comentó: "El equipo a su disposición consistió en un magnetófono de Ampex... y un dispositivo parecido a una caja simple diseñado por el ingeniero joven brillante, Peter Mauzey, para crear reacción, una forma de reverberación mecánica. Otro equipo se tomó a préstamo o se compró con fondos personales."\nSólo tres meses más tarde, en el agosto de 1952, Ussachevsky viajó a Bennington, Vermón en la invitación de Luening de presentar sus experimentos. Allí, los dos colaboraron en varias piezas. Luening describió el acontecimiento: "Equipado con auriculares y una flauta, comencé a desarrollar mi primera composición del magnetófono. Nosotros dos éramos improvisors fluido y el medio disparó nuestras imaginaciones." Jugaron algunas piezas tempranas informalmente en una fiesta, donde "varios compositores casi solemnemente nos congratularon refrán, 'Esto es él' ('él' significando la música del futuro)."\nLa palabra rápidamente alcanzó Ciudad de Nueva York. Oliver Daniel llamó por teléfono e invitó al par a "producir un grupo de composiciones cortas para el concierto de octubre patrocinado por American Composers Alliance and Broadcast Music, Inc., bajo la dirección de Leopold Stokowski (Leopold Stokowski) en el Museo de Arte Moderno en Nueva York. Después de un poco de vacilación, estuvimos de acuerdo.... Henry Cowell (Henry Cowell) colocó su casa y estudio en Woodstock, Nueva York, a nuestra disposición. Con el equipo tomado a préstamo detrás del coche de Ussachevsky, dejamos Bennington para Woodstock y nos quedamos dos semanas.... A finales del septiembre de 1952, el laboratorio de viajes alcanzó la sala de estar de Ussachevsky en Nueva York, donde finalmente completamos las composiciones."\nDos meses más tarde, el 28 de octubre, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening presentaron el primer concierto de la Música de la Cinta en los Estados Unidos. El concierto incluyó 'la 'Fantasía de Luening en el Espacio (1952) — "un virtuoso impresionista (virtuoso) pieza" utilización de grabaciones manipuladas de flute—and Baja velocidad (1952), una "composición exótica que tomó la flauta lejos debajo de su variedad natural." Ambas piezas se crearon en la casa de Henry Cowell en Woodstock, Nueva York. Después de que varios conciertos causaron una sensación en Ciudad de Nueva York, Ussachevsky y Luening se invitaron en una transmisión en vivo del NBC Hoy Espectáculo para hacer una entrevista demonstration—the primero televisó el rendimiento electroacoustic. Luening describió el acontecimiento: "Improvisé algún [flauta] secuencias para el magnetófono. Ussachevsky en el mismo momento los puso a través de transformaciones electrónicas." 1954 vio el advenimiento de lo que se consideraría ahora auténtico eléctrico más el audífono compositions—acoustic la instrumentación aumentó/acompañó con grabaciones del sonido manipulado y/o electrónicamente generado. Tres trabajos principales eran premiered ese año: Déserts de Varèse, para conjunto de la cámara y sonidos de la cinta y dos trabajos de Luening y Ussachevsky: Variaciones rapsódicas para la Sinfonía Louisville y Un Poema en Ciclos y Campanas, tanto para orquesta como para cinta. Como había estado trabajando en el estudio de Schaeffer, la parte de la cinta para el trabajo de Varèse contiene sonidos mucho más concretos que electrónico. "Un grupo arreglado de instrumentos de viento, percusión y piano alterna con los sonidos transformados de ruidos de la fábrica y sirenas del barco y motores, que vienen de dos altavoces."\nDéserts era premiered en París en el primer equipo de música (equipo de música) emisión por la Radio francesa. En el estreno alemán en Hamburgo (Hamburgo), que fue conducido por Bruno Maderna (Bruno Maderna), los mandos de la cinta fueron hechos funcionar por Karlheinz Stockhausen (Karlheinz Stockhausen). El título Déserts, sugerido a Varèse no sólo, "todo el reconocimiento médico deserta (de la arena, mar, nieve, del espacio exterior, de calles vacías), sino también los desiertos en la mente de hombre; no sólo aquellos aspectos despojados de la naturaleza que sugieren la desnudez, la actitud distante, la pérdida del sentido de tiempo, sino también que el espacio interior remoto ningún telescopio puede alcanzar, donde el hombre está solo, un mundo de misterio y soledad esencial."\nEn 1958, la Colombia-Princeton desarrolló a Mark II Sound Synthesizer RCA (RCA sintetizador del sonido de Mark II), el primer sintetizador programable (sintetizador). Los compositores prominentes como Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt (Milton Babbitt), Charles Wuorinen (Charles Wuorinen), Halim El-Dabh, Bülent Arel (Bülent Arel) y Mario Davidovsky (Mario Davidovsky) usaron el Sintetizador RCA extensivamente en varias composiciones. Uno de los compositores más influyentes asociados con los primeros años del estudio era Halim El-Dabh de Egipto (Halim El-Dabh) a quién, después haber desarrollado la música de la cinta electrónica conocida más temprana (música de la cinta) en 1944, se hizo más famoso de Leiyla y el Poeta, unas 1959 series de composiciones electrónicas que se destacaron para su inmersión y fusión sin costuras (Fusión (música)) de la música folklórica y electrónica (música folklórica), en contraste con el enfoque más matemático usado por el consecutivo (Serialism) compositores como Babbitt entonces. Leiyla de El-Dabh y el Poeta, soltado como la parte del álbum Colombia-Princeton Centro musical Electrónico (Colombia-Princeton centro musical electrónico (álbum)) en 1961, serían citados como una fuerte influencia por varios músicos, en los límites de Neil Rolnick (Neil Rolnick), Charles Amirkhanian (Charles Amirkhanian) y Alice Shields (Alice Shields) a la música de rock (música de rock) Frank Zappa ians (Frank Zappa) y El arte popular de la costa occidental Grupo Experimental (El arte popular de la costa occidental grupo experimental).\nUn nuevo desarrollo importante era el advenimiento de ordenadores para la composición de la música, a diferencia de manipulación o creación de sonidos. Iannis Xenakis (Iannis Xenakis) comenzó lo que se llama "musique stochastique," o "música estocástica (música estocástica)", que es un método de formar lo que emplea sistemas de probabilidad matemáticos. Los algoritmos de probabilidad diferentes eran usados para crear una pieza bajo un juego de parámetros. Xenakis usó el papel cuadriculado y un jefe para ayudar en el cálculo de las trayectorias de velocidad de glissandi (glisando) para su composición orquestal Metástasis (1953–54), pero más tarde girado al uso de ordenadores a formar piezas como S./4 para el cuarteto de cuerdas y S./48 para la orquesta (ambo 1962).\nLos años 1950 de la segunda mitad\nEn 1954, Stockhausen formó a su Elektronische Studie II (Studie II) —the pieza primero electrónica para publicarse como un resultado. En 1955, los estudios más experimentales y electrónicos comenzaron a aparecer. Notable eran la creación del Studio de Fonologia (ya mencionado), un estudio en el NHK (N H K) en Tokio (Tokio) fundado por Toshiro Mayuzumi (Toshiro Mayuzumi) y el estudio de Phillips en Eindhoven (Eindhoven), los Países Bajos (Países Bajos), que se movió a la universidad de Utrecht (Universidad de Utrecht) como el Instituto de Sonology (Instituto de Sonology) en 1960.\nEl resultado para 'el 'Planeta Prohibido (Planeta prohibido), por Louis y Bebe Barron (Louis y Bebe Barron), completamente se formó usando circuitos electrónicos construidos de la costumbre y magnetófonos en 1956. El primer ordenador del mundo para tocar la música era CSIRAC (C S I R UN C) que se diseñó y construido por Trevor Pearcey (Trevor Pearcey) y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para jugar melodías musicales populares a partir de muy principios de los años 1950. En 1951 en público jugó el marzo del coronel Bogey (Marzo del espíritu maligno del coronel) de los cuales ningunas grabaciones conocidas existen. Sin embargo, CSIRAC (C S I R UN C) el repertorio estándar jugado y no era usado para ampliar el pensamiento musical o la práctica de la composición que es la práctica de la música del ordenador corriente. CSIRAC nunca se registró, pero la música tocada exactamente se reconstruyó (referencia 12). Las grabaciones conocidas más viejas de la música generada del ordenador fueron jugadas por Ferranti Mark 1 (Ferranti Mark 1) ordenador, una versión comercial del Bebé (Manchester máquina experimental a pequeña escala) Máquina de la universidad de Manchester (Universidad de Victoria de Manchester) en el otoño 1951. El programa de la música fue escrito por Christopher Strachey (Christopher Strachey).\nEl impacto de ordenadores siguió en 1956. Lejaren Hiller (Lejaren Hiller) y Leonard Isaacson formó la Suite de Iliac para el cuarteto de cuerdas (cuarteto de cuerdas), el primer trabajo completo de la composición asistida por computadora usando el algoritmo (algoritmo) composición ic." ... Hiller postuló que un ordenador se podría enseñar las reglas de un estilo particular y luego pedirse formar en consecuencia."\tEl desarrollo posterior incluyó el trabajo de Max Mathews (Max Mathews) en Laboratorios de la Campana, que desarrollaron el programa MUSIC I (M U S I C-N) influyente. En 1957, la MÚSICA (M U S I C-N), uno de los primeros programas de ordenador para tocar la música electrónica, fue creada por Max Mathews (Max Mathews) en Laboratorios de la Campana (Laboratorios de la campana).\tVocoder (Vocoder) tecnología también era un desarrollo principal en esta era temprana. En 1956, Stockhausen formó el Gesang der Jünglinge (Gesang der Jünglinge), el primer trabajo principal de la Colonia (Colonia) estudio, basado en un texto del Libro de Daniel (Libro de Daniel).\tUn desarrollo tecnológico importante de ese año era la invención de Clavivox (Clavivox) sintetizador (sintetizador) por Raymond Scott (Raymond Scott) con la subasamblea por Robert Moog (Robert Moog).\nTambién en 1957, el Niño Baltan (Dick Raaymakers (Dick Raaymakers)) y Tom Dissevelt (Tom Dissevelt) soltó su álbum de debut, Canción De La Segunda Luna, registrada en el estudio de Phillips. El público permaneció interesado en los nuevos sonidos creados alrededor del mundo, como puede ser deducido por la inclusión de Poème électronique de Varèse (Poème électronique), que se jugó más de cuatrocientos altavoces en el Pabellón de Phillips de 1958 Feria del mundo de Bruselas (Exposición '58). Que mismo año, Mauricio Kagel (Mauricio Kagel), un argentino (Argentina) compositor, Transición II formado. El trabajo se realizó en el estudio WDR en Colonia. Dos músicos funcionan en un piano, un en la manera tradicional, otro aprovecharse las cuerdas, marco y caso. Otros dos ejecutantes usan la cinta para unir la presentación de sonidos vivos con el futuro de materiales pregrabados de más tarde y su pasado de grabaciones hechas antes en el rendimiento.\nExtensión: los años 1960\nÉstos eran años fértiles para el electrónico music—not sólo para la academia, pero para artistas independientes como el sintetizador (sintetizador) la tecnología se hizo más accesible. Para estas fechas, una comunidad fuerte de compositores y músicos que trabajan con nuevos sonidos e instrumentos se estableció y crecimiento. 1960 atestiguó la composición de 'la 'Gárgola de Luening (Gárgola) s para violín y cinta así como el estreno de Kontakte de Stockhausen (Kontakte (Stockhausen)) para sonidos electrónicos, piano y percusión. Esta pieza existió en dos versions—one para la cinta de 4 canales y otro para la cinta con ejecutantes humanos. "En Kontakte, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en desarrollo lineal y punto culminante dramático. Este nuevo enfoque, que llamó 'la forma del momento,' se parece el 'empalme cinematográfico' técnicas en la película de principios del siglo veinte." El primer de estos sintetizadores para aparecer era Buchla (Buchla). Apareciendo en 1963, era el producto de un esfuerzo encabezado por musique concrète el compositor Morton Subotnick (Morton Subotnick).\nEl theremin (theremin) había estado en el uso desde los años 1920 pero alcanzó un nivel del reconocimiento popular a través de su uso en la banda de sonido de la película de la ciencia ficción (banda de sonido) música en los años 1950 (p.ej, Bernard Herrmann (Bernard Herrmann) 's resultado clásico para El Día la Tierra Se estuvo quieta (El día la tierra se estuvo quieto)).\nEn el Reino Unido en este período, la BBC el Taller de Radiophonic (BBC taller de Radiophonic) (establecido en 1958) surgió uno de los estudios de la música electrónicos más productivos y extensamente conocidos en el mundo, gracias en la medida grande a su trabajo de la serie de la ciencia ficción de la BBC Doctor Quien (Doctor quien). Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes en este período era el empleado del Taller Delia Derbyshire (Delia Derbyshire), quien es famoso ahora para su 1963 la realización electrónica del iconic Doctor Quien tema (Doctor Quien música del tema), formado por Ron Grainer (Ron Grainer).\nEl compositor israelí Josef Tal (Josef Tal) en el Estudio de la Música Electrónico en Jerusalén (Jerusalén) (~1965). A la derecha, Hugh Le Caine (Hugh Le Caine) 's parece el sintetizador (sintetizador) el Magnetófono con Fines especiales. En 1961 Josef Tal (Josef Tal) estableció el Centro de la Música Electrónica en Israel en La universidad hebrea (Universidad hebrea), y en 1962 Hugh Le Caine (Hugh Le Caine) llegó a Jerusalén para instalar su Magnetófono Creativo en el centro. En los años 1990 Tal condujo, juntos con el doctor Shlomo Markel, en la cooperación con el Technion – el Instituto de Israel de la Tecnología (Technion – instituto de Israel de tecnología), y VolkswagenStiftung un proyecto de investigación (Talmark) apuntado al desarrollo de un sistema de la nota musical nuevo para la música electrónica.\nMilton Babbitt formó su primer trabajo electrónico usando el synthesizer—his Composición para el Sintetizador (1961) —which creó la utilización del sintetizador RCA en la Colombia-Princeton Centro musical Electrónico.\nLas colaboraciones también ocurrieron a través de océanos y continentes. En 1961, Ussachevsky invitó Varèse al Estudio de la Colombia-Princeton (CPEMC). A la llegada, Varese emprendió una revisión de Déserts. Le asistió Mario Davidovsky (Mario Davidovsky) y Bülent Arel (Bülent Arel).\nLa actividad intensa que ocurre en CPEMC y en otra parte inspirado el establecimiento del Centro musical de la Cinta de San Francisco (Centro musical de la cinta de San Francisco) en 1963 por Morton Subotnick (Morton Subotnick), con los miembros adicionales Pauline Oliveros (Pauline Oliveros), Ramon Sender, Anthony Martin y Terry Riley (Terry Riley). La grabación sobredoblada de Riley Un Arco iris en Aire Curvo (Un arco iris en aire curvo) (1967) varios instrumentos del teclado electrónicos empleados, todos jugados por el compositor-improviser.\nMás tarde, el Centro se movió al Colegio de Molinos (Colegio de molinos), dirigido por Pauline Oliveros (Pauline Oliveros), donde se conoce hoy como el Centro de la Música Contemporánea.\nSimultáneamente en San Francisco, el compositor Stan Shaff y el diseñador de equipo Doug McEachern, presentó el primer concierto “Audium” en el Colegio público de San Francisco (1962), seguido de un trabajo en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (Museo de Arte Moderno de San Francisco) (1963), concebido de como a tiempo, movimiento controlado del sonido en el espacio. Doce altavoces rodearon el auditorio, cuatro altavoces se montaron en un giro, construcción parecida a un móvil encima. En un rendimiento SFMOMA el año siguiente (1964), el crítico de la música de la Crónica de San Francisco Alfred Frankenstein comentó, "las posibilidades de la serie continua espacial y sana se han tan rara vez extensivamente explorado". En 1967, primer Audium (Audium (teatro)), una “serie continua sana y espacial” se abrió, sosteniendo representaciones semanales hasta 1970. En 1975, permitido por el dinero de la semilla del Atributo Nacional para las Artes (Atributo nacional para las artes), nuevo Audium se abrió, suelo diseñado al techo para composición sana espacial y rendimiento.“ Hay compositores que manipulan el espacio sano localizando a altavoces múltiples en varias posiciones en un espacio de rendimiento y luego cambiando o dejando por los suelos el sonido entre las fuentes. En este enfoque, la composición de la manipulación espacial es dependiente de la posición de los altavoces y por lo general explota las propiedades acústicas del recinto. Los ejemplos incluyen el Poema de Varese Electronique (música de la cinta realizada en el Pabellón de Phillips de la Feria del mundo de 1958, Bruselas) y la instalación Audium de Stanley Schaff, actualmente activa en San Francisco.” A través de programas semanales (más de 4,500 en 40 años), Shaff "esculpe" el sonido, realización los trabajos espaciales ahora digitalizados sobreviven a 176 altavoces.\nUn ejemplo famoso del uso de Moog de tamaño natural de Moog el sintetizador modular (Moog sintetizador modular) es Bach Moderno (Bach moderno) álbum por Wendy Carlos (Wendy Carlos), que provocó una manía de la música del sintetizador.\nPietro Grossi (Pietro Grossi) era un pionero italiano de composición del ordenador y música de la cinta, quien primero experimentó con técnicas electrónicas a principios de los años sesenta. Grossi era un violoncelista y compositor, nacido en Venecia en 1917. Fundó el S 2F M (Estudio de Fonologia Musicale di Firenze) en 1963 a fin de experimentar con sonido electrónico y composición.\nMúsica del ordenador\nCSIRAC (C S I R UN C), el primer ordenador para tocar la música, hizo tan en público en el agosto de 1951 (referencia 12). Una de las primeras demostraciones públicas en gran escala de la música del ordenador (música del ordenador) era una emisión de radio nacional pregrabada en el NBC (N B C) Monitor del programa (red de emisoras) de la red de emisoras (Monitor (radio del NBC)) el 10 de febrero de 1962. En 1961, LaFarr Stuart (LaFarr Stuart) universidad estatal de Iowa programada (Universidad estatal de Iowa) 's CICLÓN (C Y C L O N E) ordenador (un derivado de Illiac (Illiac)) para jugar melodías simples, reconocibles a través de un altavoz amplificado que se había atado al sistema al principio con objetivos administrativos y diagnósticos. Una entrevista con el Sr. Stuart acompañó su música del ordenador.\nFinales de los años 1950, los años 1960 y los años 1970 también vio el desarrollo de la síntesis del ordenador central grande. Comenzando en 1957, Max Mathews de Laboratorios de la Campana desarrolló los programas MUSIC, culminando en la MÚSICA V (M U S I C-N), una lengua de síntesis digital directa\nEn América, las electrónicas vivas fueron promovidas a principios de los años 1960 por miembros del Teatro Espacial de Milton Cohen en Ann Arbor, Michigan (Ann Arbor, Michigan), incluso Gordon Mumma (Gordon Mumma) y Robert Ashley (Robert Ashley), por individuos como David Tudor (David Tudor) alrededor de 1965, y La Unión de Artes Sónica, fundada en 1966 por Gordon Mumma, Robert Ashley, Alvin Lucier (Alvin Lucier), y David Behrman (David Behrman). UNA VEZ QUE los Festivales, presentando la música del teatro multimedia, fueron organizados por Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. En 1960, John Cage (John Cage) Música del Cartucho formada, uno de los trabajos vivos y electrónicos más tempranos.\nEn Europa en 1964, Karlheinz Stockhausen formó Mikrophonie I (Mikrophonie (Stockhausen)) para tam-tam (tam-tam), micrófonos portátiles, filtros, y potenciómetros y Mixtur para la orquesta, cuatro onda sinusoidal (onda sinusoidal) generadores y cuatro modulador de toque (modulador de toque) s. En 1965 formó Mikrophonie II (Mikrophonie (Stockhausen)) para coro, órgano de Hammond y moduladores de toque.\nLos compositores del Jazz y los músicos Paul Bley (Paul Bley) y Annette Peacock (Annette Peacock) realizaron algunos primeros conciertos vivos a finales de los años 1960 usando sintetizadores de Moog. Peacock hizo el uso regular de un sintetizador de Moog personalizado para tratar su voz a favor de la etapa y en grabaciones del estudio.\nEn 1966–67, Reed Ghazala (Reed Ghazala) descubrió y comenzó a enseñar "el recorrido que se dobla (flexión del recorrido) "—the aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de la posibilidad instrumentos electrónicos experimentales que se ponen en cortocircuito, crean, explorando elementos sónicos principalmente del timbre y con menos respeto para lanzar o ritmo, y bajo la influencia de John Cage (John Cage) ’s aleatoric música (música de aleatoric) [sic] concepto.\nPopularización: los años 1970 a principios de los años 1980\nSoltado en 1970 por la Música Moog (Música de Moog) el Mini-Moog (Minimoog) estaba entre los primeros sintetizadores extensamente disponibles, portátiles y relativamente económicos. Se hizo el sintetizador más de uso común tanto en la música seria popular como en electrónica. "En 1969, una versión portátil del estudio Moog, llamado el Modelo D Minimoog, se hizo el sintetizador más de uso común tanto en música popular como en música seria electrónica". Patrick Gleeson (Patrick Gleeson), jugando vivo con Herbie Hancock (Herbie Hancock) al principio de los años 1970, promovió el uso de sintetizadores en un contexto turístico, donde eran sujetos a tensiones las máquinas tempranas no se diseñaron para.\nEn 1974 el estudio WDR en Colonia adquirió un Sistema Monetario Europeo Synthi 100 (El Sistema Monetario Europeo Synthi 100) sintetizador que fue usado por varios compositores en la producción del notable electrónico works—amongst los otros, Rolf Gehlhaar (Rolf Gehlhaar) 's Fünf Tänze alemán (1975), Sirius de Karlheinz Stockhausen (Sirius (Stockhausen)) (1975–76), y John McGuire (John McGuire (compositor)) 's Música del Pulso III (1978).\nPrincipios de los años 1980 vio la subida de sintetizador bajo (sintetizador bajo) s, el ser más influyente Roland TB-303 (Roland TB-303), un sintetizador bajo y secuenciador (Secuenciador de la música) soltado a finales de 1981 que se haría más tarde sinónimo de la música de baile electrónica (música de baile electrónica), particularmente acid house (acid house). Uno de los primeros para utilizarlo era Charanjit Singh (Charanjit Singh (músico)) en 1982, aunque no se popularizara hasta Phuture (Phuture) 's "Pistas ácidas (Pistas ácidas)" en 1987.\nIRCAM (YO R C UN M) en París se hizo un centro principal de investigación de la música del ordenador y realización y desarrollo de Sogitec 4X (Sogitec 4X) sistema de ordenadores, presentando entonces el procesamiento del señal digital de tiempo real revolucionario. Pierre Boulez (Pierre Boulez) 's Répons (Répons) (1981) para 24 músicos y 6 solistas usó el 4X para transformar y solistas de ruta a un sistema del altavoz.\nSTEIM (S T E I M) es un centro de la investigación y desarrollo de nuevos instrumentos musicales (instrumento musical experimental) en las artes de realización electrónicas, localizadas en Amsterdam (Amsterdam), Países Bajos (Países Bajos). STEIM ha existido desde 1969. Fue fundado por Misha Mengelberg (Misha Mengelberg), Louis Andriessen (Louis Andriessen), Peter Schat (Peter Schat), Dick Raaymakers (Dick Raaymakers), Jan van Vlijmen (Jan van Vlijmen), Reinbert de Leeuw (Reinbert de Leeuw), y Konrad Boehmer (Konrad Boehmer). Este grupo de compositores holandeses había luchado por la reforma de las estructuras de la música feudales de Amsterdam; insistieron en la cita de Bruno Maderna como el director musical de la Orquesta Concertgebouw e hicieron cumplir el primer público fundings para el experimental e improvisaron la música electrónica en Los Países Bajos.\nElektronmusikstudion (Elektronmusikstudion) (el Sistema Monetario Europeo), antes conocido como la Música de Electroacoustic en Suecia, es los suecos (Suecia) centro nacional de música electrónica y arte sano (arte sano). La organización de investigación comenzó en 1964 y está basada en Estocolmo (Estocolmo).\nSubida de música electrónica popular\nKeith Emerson (Keith Emerson) realización en San Petersburgo en 2008 A finales de los años 1960, música pop (Música pop) y música de rock (música de rock) ians, incluso Los Muchachos de la Playa (Los muchachos de la playa) y Los Beatles (Los Beatles), comenzó a usar instrumentos electrónicos, como el theremin (theremin) y Mellotron (Mellotron), complementar y definir su sonido. Hacia el final de la década, Moog (Sintetizador de Moog) el sintetizador tomó un lugar principal en el sonido de rock progresivo emergente (rock progresivo) con grupos incluso Pink Floyd (Pink Floyd), Sí (Sí (grupo)), Emerson, Lake & Palmer (Emerson, Lake & Palmer), y Génesis (Génesis (grupo)) fabricación de ellos parte de su sonido. La roca de prog instrumental era particularmente significativa en Europa continental, permitiendo a grupos como Kraftwerk (Kraftwerk), Sueño de la Mandarina (Sueño de la mandarina), Pueden (Puede (dividir en bandas)), y Faust (Faust (grupo)) para burlar la barrera de los idiomas. Su "Roca alemana synthesiser-pesada (Roca alemana)", junto con el trabajo de Brian Eno (Brian Eno) (durante un rato el jugador del teclado con la Música de Roxy (Música de Roxy)), sería una influencia principal en la roca de synth subsecuente (roca de synth). La roca electrónica también fue producida por varios músicos japoneses, incluso Isao Tomita (Isao Tomita) 's Samurai Eléctrico: Encendido Roca (1972), que presentó interpretaciones del sintetizador de Moog de música pop contemporánea y canciones de rock y Osamu Kitajima (Osamu Kitajima) 's álbum de rock progresivo Benzaiten (1974). Mediados de los años 1970 vio la subida de la música seria electrónica (música seria electrónica) músicos como Jean Michel Jarre (Jean Michel Jarre), Vangelis (Vangelis), y Tomita (Isao Tomita), quienes con Brian Eno eran una influencia significativa en el desarrollo de la Nueva Música de la Edad (Nueva música de la edad).\nDespués de la llegada de punk (punk), una forma de la roca de synth básica (roca de synth) surgió, cada vez más usando la nueva tecnología digital para sustituir otros instrumentos. Los grupos pioneros incluyeron Ultravox (Ultravox) con su 1977 "Hiroshima sola Mon Amour (Hiroshima Mon Amour)", Orquesta Mágica Amarilla (Orquesta mágica amarilla) de Japón, La Liga Humana (La liga humana) y ejército Tubeway (Ejército de Tubeway) del Reino Unido y Devo (Devo) de los EE.UU. Orquesta Mágica amarilla en pionero ayudado particular synthpop (synthpop) con su álbum autotitulado (Orquesta mágica amarilla (álbum)) (1978) y Sobreviviente del estado sólido (Sobreviviente del estado sólido) (1979). La definición de MIDI (M DE I D I) y el desarrollo del audio digital (audio digital) hizo el desarrollo de sonidos puramente electrónicos mucho más fácil. Este desarrollo llevó al crecimiento de la música pop de synth (música pop de synth), que después de que fue adoptado por el Nuevo Romántico (Nuevos románticos) movimiento, sintetizadores permitidos para dominar la música pop y música de rock de principios de los años 80. Las acciones claves incluyeron Duran Duran (Duran Duran), Ballet de Spandau (Ballet de Spandau), Una Multitud de Gaviotas (Una multitud de gaviotas), Club de la Cultura (Club de la cultura), Conversación de Conversación (Conversación de conversación), Japón (Japón (grupo)) y Eurythmics (Eurythmics). Synthpop a veces usaba sintetizadores para sustituir todos otros instrumentos, hasta que el estilo comenzara a caerse de la popularidad a mediados de los años 1980.\nEl secuenciador de la música (Secuenciador de la música) s comenzó a acostumbrarse alrededor de mediados del 20mo siglo y los álbumes de Tomita a mediados de los años 1970 que está ejemplos más tarde. En 1978, Orquesta Mágica Amarilla usaban el ordenador (ordenador) - tecnología basada junto con un synthesiser para producir la música popular, haciendo su uso temprano del microprocesador (microprocesador) - Roland basado Microcompositor de MC-8 (Roland microcompositor de MC-8) secuenciador.\nCaja de ritmos (Caja de ritmos) s, también conocido como máquinas de ritmo, también comenzó a acostumbrarse alrededor de los años 1950 tardíos, con un ejemplo posterior ser Osamu Kitajima (Osamu Kitajima) 's álbum de rock progresivo Benzaiten (1974), que usó una máquina de ritmo junto con el tambor electrónico (tambor electrónico) s y un sintetizador. En 1977, Ultravox (Ultravox) 's "Hiroshima Mon Amour (Hiroshima Mon Amour)" era uno de los primeros singles para usar el metrónomo (metrónomo) - como la percusión (percusión) de Roland TR-77 (Roland TR-77) caja de ritmos. En 1980, Roland Corporation (Roland Corporation) soltó el TR-808 (Roland TR-808), una de la caja de ritmos programable primera y más popular (caja de ritmos) s. El primer grupo para usarlo era la Orquesta Mágica Amarilla en 1980, y ganaría más tarde la popularidad extendida con la liberación de Marvin Gaye (Marvin Gaye) 's "Curación Sexual (Curación sexual)" y Afrika Bambaataa (Afrika Bambaataa) 's "Roca del Planeta (Roca del planeta (canción))" en 1982, después de que el TR-808 permanecería en el uso continuado hasta al menos 2008.\nEn 1980, un grupo de músicos y comerciantes de la música se encontró para estandarizar un interfaz por el cual los nuevos instrumentos podrían comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y el microordenador frecuente. Este estándar era el MIDI doblado (Instrumento musical Interfaz Digital (Instrumento musical interfaz digital)) y resultó de una colaboración entre fabricantes líderes el Recorrido al principio Secuencial (Recorrido secuencial), Oberheim (Oberheim Electronics), Roland (Roland Corporation), y más tarde participó grupos incluso: Yamaha (Yamaha Corporation), Korg (Korg), y Kawai (Kawai (compañía)), etc.. Un periódico era authored por Dave Smith (Dave Smith (ingeniero)) del Recorrido Secuencial y propuso a la Sociedad Técnica de Audio (Sociedad técnica de audio) en 1981. Entonces, en el agosto de 1983, la Especificación 1.0 MIDI se finalizó.\nEl advenimiento de la tecnología MIDI permite que una pulsación sola, movimiento de la rueda de control, movimiento del pedal u orden de un microordenador activen cada dispositivo en el estudio remotamente y en synchrony, con cada dispositivo que responde según condiciones predeterminadas por el compositor.\nLos instrumentos MIDI y el software hicieron el control potente de instrumentos sofisticados fácilmente económico por muchos estudios e individuos. Los sonidos acústicos se hicieron reintegrados en estudios vía la prueba (prueba (de música)) y probaron la memoria sólo de lectura instrumentos basados.\nMiller Puckette (Miller Puckette) se desarrolló el software gráfico que trata la señal para 4X llamó a Max (Max (software)) (después de Max Mathews (Max Mathews)) y más tarde lo viró a babor al Macintosh (Apple Macintosh) (con Dave Zicarelli que lo amplía para el Código de operación (Sistemas del código de operación)) para el control MIDI de tiempo real, trayendo la disponibilidad de la composición algorítmica a la mayor parte de compositores con el fondo de programación modesto.\nEn 1975, la compañía japonesa Yamaha (Yamaha Corporation) licenció los algoritmos para la síntesis de modulación de frecuencia (síntesis de modulación de frecuencia) (DE la síntesis) de John Chowning (John Chowning), quien había experimentado con ello en la universidad de Stanford (Universidad de Stanford) desde 1971. Los ingenieros de Yamaha comenzaron a adaptar el algoritmo de Chowning al uso en un sintetizador digital, añadiendo mejoras como el "método" de escalamiento de la llave de evitar la introducción de la deformación que normalmente ocurría en sistemas análogos durante la modulación de frecuencia (modulación de frecuencia). Sin embargo, el primer sintetizador digital comercial para soltarse sería Fairlight australiano (Fairlight) Fairlight de la compañía CMI (Fairlight CMI) (Instrumento musical del Ordenador) en 1979, como el primer sistema del sintetizador/dechado digital polifónico práctico.\nEn 1980, Yamaha finalmente soltó el primer del SINTETIZADOR digital, el Yamaha GS-1, pero a un precio caro. En 1983, Yamaha introdujo el primer sintetizador digital independiente, el DX-7 (D x-7), que también usó DE la síntesis y se haría uno de los sintetizadores más vendidos de todo el tiempo. El DX-7 se conocía por sus tonalidades brillantes reconocibles que era en parte debido a un sobrealcanzamiento (Sobreprueba) velocidad de muestreo (velocidad de muestreo) de 57 kHz.\nBarry Vercoe (Barry Vercoe) describe una de sus experiencias con sonidos del ordenador tempranos:\nA finales de los años 1980 a los años 1990\nSubida de la música de baile\nA finales de los años 1980, los archivos de la música de baile hechos la utilización de instrumentos sólo electrónicos se hicieron cada vez más populares. La tendencia ha seguido para el día de hoy con clubes nocturnos modernos por todo el mundo con regularidad el juego de la música de baile electrónica. Hoy día, la música de baile / electrónica es tan popular, que dedicó emisoras de radio del género y los canales de TV (p.ej, Baile de NRJ, FUERZA DE LA MÚSICA EUROPA) existen.\nEn los años 1990, el rendimiento asistido por computadora interactivo comenzó a hacerse posible, con un ejemplo descrito como:\nOtro desarrollo reciente incluyó a Tod Machover (Tod Machover) (MIT e IRCAM) la composición Comienza Otra vez Otra vez para "el hipervioloncelo (Tod Machover)", un sistema interactivo de sensores que miden movimientos físicos del violoncelista. Max Mathews desarrolló el programa "Conductor" para el ritmo de tiempo real, dinámico y control del timbre de una preentrada resultado electrónico. Morton Subotnick soltó un CD-ROM multimedia Todos Mis Colibríes Tienen Coartadas.\nQlimax (Qlimax), un acontecimiento de la música electrónico grande que ocurre cada año en los Países Bajos (Países Bajos), celebrando Hardstyle (Hardstyle) subgénero de la música electrónica En años recientes, cuando la tecnología de computación se ha hecho más accesible y software de la música (software de la música) ha avanzado, relacionarse con la tecnología de producción de la música es ahora los medios de utilización posibles que no llevan ninguna relación al rendimiento musical tradicional (rendimiento) prácticas: por ejemplo, ordenador portátil (ordenador portátil) rendimiento (laptronica (laptronica)) y codificación viva (codificación viva). En general, el término PAPÁ Vivo (PAPÁ vivo) se refiere a cualquier concierto en vivo de la música electrónica, si con ordenadores portátiles, sintetizadores u otros dispositivos.\nEn la década pasada, varios ambientes del estudio virtuales basados en el software han surgido, con productos como la Razón de Propellerhead (Razón (software)) y Ableton Vivo (Ableton vivo) petición popular que encuentra. Tales instrumentos proporcionan alternativas viables y rentables a estudios de producción basados en el hardware típicos, y gracias a avances en el microprocesador (microprocesador) tecnología, es posible ahora crear la música de alta calidad usando un poco más que un ordenador portátil solo. Tales avances han democratizado la creación de la música, llevando a un aumento masivo en cantidad de la música electrónica hecha en casa disponible para el gran público vía Internet.\nLos artistas pueden ahora también individuate su práctica de producción creando sintetizadores del software personalizados, módulos de efectos y varios ambientes de la composición. Los dispositivos que una vez existieron exclusivamente en la esfera del hardware pueden tener fácilmente equivalentes virtuales. Algunos instrumentos del software más populares para conseguir tales finales son liberaciones comerciales como el Max/Msp (Max / Msp) y Reaktor (Reaktor) y fuente abierta (fuente abierta) paquetes como Csound (Csound), Datos Puros (Datos puros), SuperCollider (Collider súper), y Chuck (Chuc K).\nEl recorrido que se dobla (Flexión del recorrido) es la personalización creativa del recorrido dentro de dispositivos electrónicos como la baja tensión (voltaje), efectos de la guitarra a pilas (efectos de la guitarra), juguete de niños (juguete) s y pequeño sintetizador digital (sintetizador) s para crear nuevos instrumentos musicales o visuales y generadores sanos. Enfatizando la espontaneidad y la aleatoriedad, las técnicas de la flexión del recorrido han tenido que ver comúnmente con la música del ruido (música del ruido), aunque se haya conocido que muchos músicos contemporáneos más convencionales y los grupos musicales experimentan con instrumentos de la "facilidad". El recorrido que se dobla por lo general implica desmontar la máquina y añadir componentes como interruptores y potenciómetro (potenciómetro) s que cambian el recorrido. Con el interés reanimado para el recorrido del sintetizador análogo la flexión se hizo una solución barata para muchos músicos experimentales de crear sus propios generadores sanos análogos individuales. Hoy día muchos schematics se pueden encontrar a generadores del ruido construidos como la Consola del Punk Atari (Consola del punk de Atari) o la Sirena Doblar (Doble sirena) así como modificaciones simples para juguetes de niños tal ya que los famosos Hablan & Ortografía (Hable & Sepa escribir correctamente (juguete)) s que a menudo son modificados por dobladores del recorrido.\nEl sondeo para "curvas" usando un destornillador del joyero y clips del caimán.\nChiptune (Chiptune), chipmusic, o música de la viruta es la música escrita en formatos sanos donde muchas de las texturas sanas se sintetizan u ordenadas en tiempo real por un ordenador (ordenador) o consola del videojuego (consola del videojuego) viruta sana (viruta sana), a veces incluso la síntesis basada en la muestra y bajo mordían la repetición de la muestra. Muchos dispositivos de la música de la viruta presentaron sintetizadores en el tándem con la repetición de la muestra del interés bajo.\nAudium (teatro) (Audium (teatro))\nBeaver & Krause (Beaver & Krause)\nSackbut electrónico (Sackbut electrónico)\nLista de géneros de la música electrónicos (Lista de géneros de la música electrónicos)\nnuevos interfaces para la expresión (Nuevos interfaces para expresión musical) musical\ninstalación Sana (Instalación sana)\nescultura Sana (Escultura sana)\nmúsica Espectral (Música espectral)\nmúsica del Rastreador (Música del rastreador)\nmúsica industrial (Música industrial)\nEOTO (E O T O)\n. ([http://www.webcitation.org/5x6RaN2Dj archivan] el 10 de marzo de 2011)\n. Guía ID: A520831 (corregido).\n. ([reimpresión http://www.cse.yorku.ca/course_archive/2005-06/W/6335/feb20/Begault_2000_3d_Sound_Multimedia.pdf en Línea], NASA Centro de investigación de Ames (NASA centro de investigación de Ames) Memorándum Técnico fax 2000.\n(Al principio publicado: Nueva York: Twayne, 1998)\n. (Primero publicado en alemán en Melos 39 (Jan.-febrero de 1972): 42–44.)\n(Extracto existen en [http://o-art.org/history/LongDur/Shaff/aboutAudium.html la Historia de la Música Experimental en California del Norte])\n. ([http://www.webcitation.org/5x6MRJwaq archivan] en webcitation.org)


Fantástico Fotografías juegos grupales en casa Consejos – juegos Blog\nFantástico Fotografías juegos grupales en casa Consejos\nNumber, otro estúpido juego para fomentar el espíritu p equipo no”, dijo el empleado disgustado. ¡Vaya! Cuando este pensamiento pase por manhunter mente de tus empleados, prácticamente puedes tirar por manhattan project borda las ventajas delaware los juegos para fomentar el espíritu delaware equipo.\nHoy durante día pasamos manhattan project mayor parte p nuestro tiempo frente a una pantalla, ya sea trabajando o enganchados a alguna serie de Netflix (de las que tambiéd podemos aprender mucho, como a ser un grandma gestor delaware proyectos gracias a La Casa p Papel). Pero number debemos olvidar la importancia p realizar actividades durante grupo, socializarnos b disfrutar al aire libre. Estas actividades b juegos durante equipo que te proponemos no alone se supone que boy educativos, sino también divertidos. Ayudan al equipo a aprender de los demás: cómo piensa, trabaja, soluciona problemas y se divierte cada uno.\nPara animar a tu equipo a que aprenda delaware los demás sin tener que escuchar us coro delaware quejidos, aquí tienes 12 juegos para fomentar el espíritu delaware equipo a los que querrádeborah jugar una y otra vez:\ncasaConsejosFantásticoFotografíasgrupalesjuegosjuegos grupales en casa\nFantástico Totalmente gratuito juegos de patio Ideas


Diputados y senadores del oficialismo provincial apoyaron la nueva fórmula jubilatoria\nPolítica 17 de diciembre de 2020 Por Fuente de la noticia: Estación Plus Crespo\nDesde el Bloque del Frente Creer Entre Ríos de la Cámara de Diputados y de Senadores de la provincia manifestaron su acompañamiento a la nueva fórmula jubilatoria que tuvo media sanción en la Cámara de Senadores de la Nación y está pronta a ser aprobada en la de Diputados\n“Entendemos que esta nueva fórmula de movilidad garantiza la participación de las y los jubilados en el crecimiento económico del país, de acuerdo con los principios de solidaridad y redistribución”, sostuvieron desde los bloques oficialistas al tiempo que explicaron que se trata de una fórmula que tuvo su génesis luego de meses de discusión, debate y consenso.\nAdemás, sostuvieron que esta nueva forma de calcular el aumento a jubilados “recupera lo mejor de la experiencia de la fórmula que funcionó entre 2009 y 2017”, y por la cual los adultos mayores lograron recuperar el poder adquisitivo.\nEn ese mismo sentido, detallaron que esta fórmula vincula los haberes de los pasivos con los salarios de los trabajadores activos, lo cual garantiza que estos aumenten en consonancia con las mejoras salariales, en tanto que la otra mitad de la fórmula vincula la evolución de los haberes con la variación de la recaudación tributaria.\n“Estos dos componentes permiten hacer partícipes a los jubilados y jubiladas del crecimiento económico. Cuando la economía crece, crece el empleo, la recaudación y actividad, y la fórmula otorga mejores aumentos, estimulando el consumo y una nueva fase de mejora en la actividad doméstica”, agregaron al respecto.\n“Por lo expuesto anteriormente es que suscribimos a la fórmula propuesta por el Ejecutivo Nacional porque creemos que es la mejor opción para ayudar a recomponer los salarios de nuestros jubilados haciéndolos partícipes activos de la evolución de nuestra economía”, finalizaron.


El Gobierno de la Provincia de Córdoba confirmó que Schiaretti tendrá un encuentro este miércoles con el precandidato del Frente de Todos. Será en el Centro Cívico.\nEl gobernador Juan Schiaretti recibirá este miércoles a Alberto Fernández en la Casa de Gobierno de Córdoba, unas horas antes de viajar al exterior. El anuncio lo hizo la Provincia a través de las redes sociales.\nEste lunes, en Mar del Plata, Fernández dijo que no tenía "ningún problema en decirle a los cordobeses que si nos equivocamos con ellos nos perdonen".\n"Está mal ser un necio y no reconocer que se equivocó", agregó, en referencia a la relación entre el gobierno de Cristina Kirchner y el gobierno cordobés.\n"No me imagino una Argentina sin Córdoba, es una provincia enorme, rica en cultura, rica en historia, rica socialmente, rica en producción", señaló hoy y agregó: "Y de verdad quisiera que también me ayuden a dar vuelta la página de los desencuentros, lo quisiera de verdad".\nSeñaló que vienen hablando con Schiaretti: "Se que ha tomado la decisión de no intervenir en la elección nacional y lo respeto. Lo conozco hace muchos años, es un gran gobernador más allá de que me acompañe o no, y lo que debemos hacer es reencontrarnos con los cordobeses".\n"Tenemos que reencontrarnos todos, es imposible vivir en el país de la locura, se los digo de verdad, el país de la locura lo siembra el gobierno todos los días porque creen que la división ellos ganan, y en la división perdemos todos, nadie gana", añadió.


Autobuses de Bruselas a Trier Hbf | Billetes baratos de autobús\nAutobuses de Bruselas a Trier Hbf\nSi estás buscando autobuses de Bruselas a Trier Hbf, estás en el sitio adecuado.\nBruselas a Trier Hbf en autobús\n¿Estás buscando un billete de vuelta para volver en autobús? Visita autobuses de Trier Hbf a Bruselas. Si prefieres viajar en tren, visita trenes de Bruselas a Trier Hbf.\n¿Cuánto dura el viaje en autobús de Bruselas a Trier Hbf?\nDe media, el autobús tarda aproximadamente 3 horas y 55 minutos en llegar de Bruselas a Trier Hbf. El trayecto más rápido en autobús de Bruselas a Trier Hbf dura 3 horas y 55 minutos; sin embargo, la duración del viaje puede cambiar dependiendo de las condiciones del tráfico.\n¿A qué hora sale el primer autobús de Bruselas a Trier Hbf?\nEl primer autobús de Bruselas a Trier Hbf sale a las 10:00. Es probable que algunas rutas que se realizan por la noche, en fin de semana o en días festivos tengan horarios reducidos. Utiliza nuestro planificador de viajes para buscar el trayecto que más te convenga.\n¿A qué hora sale el último autobús de Bruselas a Trier Hbf?\nEl último autobús de Bruselas a Trier Hbf sale a las 10:00. Es probable que algunas rutas que se realizan por la noche, en fin de semana o en días festivos tengan horarios reducidos. Utiliza nuestro planificador de viajes para buscar el trayecto que más te convenga.\n¿Qué distancia hay entre Bruselas a Trier Hbf en autobús?\nLa distancia en autobús de Bruselas a Trier Hbf por carretera es de aproximadamente 203 km.\n¿Con qué compañías de autobús puedo viajar de Bruselas a Trier Hbf?\nPuedes viajar en autobús de Bruselas a Trier Hbf con Flixbus. Sigue leyendo para descubrir qué servicios ofrecen a bordo cada una de ellas, y utiliza nuestro planificador de viajes para consultar horarios.\nPuedes viajar de Bruselas a Trier Hbf con Flixbus. Haz click en las siguientes pestañas para obtener más información sobre los servicios que ofrece cada compañía


Mueren dos policías en asalto de Amecameca\nfebrero 26, 2020 22:56\nAGOSTO 05, 2012 13:41 Notimex\nLa Secretaría de Seguridad Ciudadana confirmó que la tarde del pasado sábado fallecieron dos elementos de la institución cuando auxiliaban a campistas víctimas de un asalto en el municipio de Amecameca.\nAñadió que los tripulantes de la unidad 09362, Juan Pablo Ayala Rojas, Erick Gómez López y Gustavo Hernández Peña, adscritos al Grupo de Atención y Respuesta Inmediata Popocatépetl (GARIP) de la Policía Estatal, acudieron a un llamado de auxilio por el asalto a cinco personas en el paraje Las Palomas.\nCerca del lugar donde se reportó el atraco a mano armada, fue detenido un hombre identificado como Jaime Plazas Rivera, de 23 años, y se inició la persecución de dos personas que habrían participado en el robo a los excursionistas, detalló.\nCuando la unidad viajaba con códigos de luz y sirena encendidos, al llegar a los límites del poblado San Pedro Nexapa, un vehículo particular intentó incorporarse a la vialidad y golpeó la parte derecha trasera de la patrulla y ocasionó que se volcara.\nLuego del accidente, los agentes Juan Pablo Ayala Rojas, de 33 años, y encargado del GARIP en Amecameca, y el jefe de turno, Erick Gómez López, de 32, perdieron la vida, mientras que el oficial Gustavo Hernández Peña y el detenido resultaron lesionados.\nEn la camioneta también viajaban los cinco excursionistas que habían solicitado el apoyo de la unidad de la Policía Estatal, quienes ya fueron dados de alta en los distintos nosocomios que atendieron sus lesiones.\nSegún testimonios, el vehículo que ocasionó el accidente fue una camioneta Ford Pick Up, color verde cuyo conductor golpeó al vehículo oficial, y señalan que no se trata de una acción intencional como se ha especulado.\nLa Secretaría de Seguridad Ciudadana, en coordinación con las autoridades ministeriales, investigan y buscan al conductor del vehículo responsable del accidente en el que perdieron la vida los uniformados.\nDicha dependencia estatal lamentó la pérdida de los dos agentes fallecidos, expresó su pésame a los deudos y les aseguró que recibirán todo el apoyo necesario, como lo estipula el Fideicomiso que el gobierno del estado puso en marcha en días pasados.


Seguramente y a esta alturas vais buscando como locas, el lugar para la celebración de la comunión, que regalitos dar a los invitados y sobre todo pensando en la mesa dulce.\nYo lo tengo claro, porque ya prepare en dos ocasiones una mesa dulce y os aseguro que a las peques le encantaron y sus invitados disfrutaron de unos deliciosos dulces a granel.\nPara organizar una mesa dulce, yo lo tengo claro y tengo en mente a Caramelos La Asturiana.\nAunque parece una tarea complicada, es más sencillo de los que parece, ya que se compra varias bolsas de dulces, varios artículos decorativos personalizados y mucha imaginación y seguro que queda genial, aunque también podéis optar por las mesas dulces o candybar ya hechos…\nCaramelos La Asturiana es una empresa especializada en dulces que tiene el privilegio de haber endulzado la vida a 3 generaciones, ya que llevan desde el 1941 fabricando caramelos de alta calidad.\nHan sabido adaptarse a las exigencias de sus clientes y en su catálogo podemos encontrar caramelos sin azúcar, sin gluten, lo de toda la vida o lo artesanos sin renunciar al sabor tradicional.\nCaramelos La Asturiana son expertos fabricantes de todo tipo de golosinas como caramelos, piruletas, pica pica, bomboneras incluso mesas dulces o candybar.\nYo me he hecho con una bolsa de piruletas corazón frenata.\nLa bolsa contiene 200 unidades y pesa cada piruleta unos 6 gramos cada una.\nEl precio de la bolsa es de 10,20€.\nEstán tan ricas que Noa se pierde con ellas, aunque yo se las voy dando cuando se porta súper bien, hace perfecta la tarea o como un caprichito de vez en cuando.\nTiene un vistoso y llamativo envoltorio que representa una fresa.\n¿No me digáis que no son apetitosas?\nEs una piruleta con sabor a fresa, el de toda la vida, con un toque de nata batida que se derrite en la boca.\n¡Mirar la carita de felicidad que tiene Noa!\nComo podéis apreciar tiene dos, porque se ha portado muy bien este fin de semana y porque ha hecho la letra de la tarea tan perfecta que ni yo misma me lo creo, conque tiene su recompensa de sus piruletas de caramelos La Asturiana.\n¿Conocíais los caramelos La Asturiana?\nEtiquetas: caramelos dulces\nCHARO 5 de abril de 2019, 23:10\nQue buena pintan tienen para los niños.Besicos\nAniña (@vampyevil) 6 de abril de 2019, 20:23\npues me parecen genial para ellos...\nLuisa 6 de abril de 2019, 20:23\nmsevilla 7 de abril de 2019, 18:17\npara los niños, y no tan niños, ésto es un éxito seguro\nBelswan 8 de abril de 2019, 23:39\nQue ricos por favor... BSS


Cubre sillón acolchado para perros reversible Florencia - Tiendanimal\nCubre sillón acolchado para perros reversible Florencia\n¿Ya no sabes cómo quitar los pelos o las manchas de las patas de tu perro cada vez que se sube al sillón? Seguro que se te parte el alma cada vez que le tienes que decir que se baje cuando está ... Leer más\nCubre sillón acolchado para perros reversible Roma\nCubre Sofa Acolchado Chaise Longue Derecho color Chocolate\nCubre sofá para perros acolchado reversible Milán\nDos en uno para un sillón impecable\n¿Ya no sabes cómo quitar los pelos o las manchas de las patas de tu perro cada vez que se sube al sillón? Seguro que se te parte el alma cada vez que le tienes que decir que se baje cuando está tan cómodo. Pero no desesperes, con el cubre sillón acolchado para perros reversible Florencia no tendrás que decirle que se baje nunca más.\nEl cubre sillón acolchado para perros reversible Florencia está confeccionado en tejido de microfibra de color granate. Su interior está relleno de viscoelástica memory foam acolchada de alta calidad para proporcionar una mayor comodidad. Su diseño se adapta perfectamente a tu sillón y sus costuras están reforzadas para hacerlo más resistente al desgaste.\nTu mascota agradecerá tener el cubre sillón acolchado para perros reversible Florencia. Para él supondrá un extra de comodidad cuando se suba al sillón, y para ti supondrá una gran seguridad. Este cubre sillón tiene su reverso en color gris y además es ultratranspirable, antiácaros e hipoalergénico. Además, podrás lavarlo en la lavadora a 30 grados sin problemas.\nCubre sillón completamente lavable.\nComodidad extra gracias a su relleno de viscoelástica memory foam.\nExterior en microfibra 100% poliéster.\nNo utilices secadora para secarlo.\nMejora tu comodidad y la de tu mascota con el cubre sillón acolchado para perros reversible Florencia. Ya no tendrás que volver a decirle que no.


Restaurante Tony Roma´s - Bernabéu en Madrid, Castellana, Chamartín - Menú, opiniones, precios y reserva con TheFork\nMucho retraso entre platos. Comida escasa. Es más grande el pan de la hamburguesa que el contenido.\nComida deliciosa que al tener poco personal, tuvimos que esperar mucho entre plato y plato, pero es recomendable el restaurante.\n2 de diciembre de 2021 • 15 opiniones\nEl servicio fue súper amable, y la comoda estaba deliciosa\n29 de noviembre de 2021 • 48 opiniones\nExcelentes las costillas y los aros de cebolla.\nLos camareros de 10 muy atentos y amables, y la comida muy rica\n24 de noviembre de 2021 • 56 opiniones\nBuena atención por parte de la camarera. Las costillas son muy recomendables.\nBastante espera entre plato y plato. El resto todo correcto.\n21 de noviembre de 2021 • 69 opiniones\nDecepcionante. 2 horas de espera para una comida de 45 minutos. Y además la mala suerte de tener una panda de maleducados al lado haciendo un ruido tremendo.\nDespués de 20 min esperando el postre que habíamos pedido nos dicen que no nos lo pueden traer porque va a tardar mucho más, como compensación nos regalan un brownie. ...\nSe han demorado demasiado en llevarnos la comida, llegó fría a la mesa y nos avisaron mucho después de ordenar que se habían acabado unas de las costillas St. Lous. Cuando llegaro\nTardaron más de una hora en traer los platos. Una vez q llegaron los entrantes fríos, las costillas recalentada y malas. Se equivocaron en la cuenta y nos cobraron un plato de más. Para no volver...\n19 de noviembre de 2021 • 38 opiniones\nMucha gente y poco personal, todo tardaba demasiado\n17 de noviembre de 2021 • 18 opiniones\nLos nachos no están mal, pero para su precio eran muy escasa la cantidad. Lo que si merece la pena es la hamburguesa con salsa de whisky!!! Algo muy negativo, es que pasamos frío,\n14 de noviembre de 2021 • 20 opiniones\nYa conozco el restaurante y la comida me gusta, pero la atención fue un poco regular, a pesar de tener solo 4 mesas el restaurante por el día y la hora y de que hubiese 4 camareros\nPedimos un appetizer sampler y unos ribs para 2. De cantidad bien, pero los ribs llegaron fríos, se lo dijimos a la camarera, se lo llevaron, a los 10min lo trajeron y fríos otra v\nEl servicio más lento de lo normal ese día, pero muy buena la comida\n10 de noviembre de 2021 • 108 opiniones\nMuy bien por la comida, el precio un poco alto\nHabía demasiado ruido, fui con mi pareja y apenas podíamos escucharnos. De comer me pedí una especie de sándwich de pollo, el pollo estaba crudo y frío. Hace años solía ir mucho, p\n7 de noviembre de 2021 • 11 opiniones\nMuy bien y tuvieron en detalle en poner una hamburguesa vegetariana fuera de carta\n6 de noviembre de 2021 • 42 opiniones\nEl servicio lento, la comida bien\nJunto al estadio del Real Madrid C.F., en pleno distrito de Chamartín, se ubica el restaurante Tony Roma's – Bernabéu, un templo de culto para los amantes de la verdadera gastronomía americana.\nLas costillas de cerdo con salsa barbacoa, llamadas aquí ‘The Original Baby Back', son la gran especialidad del restaurante Tony Roma's – Bernabéu, que también se sale en lo que atañe a la elaboración de hamburguesas, como la Roma, la Boston y la Grand Tony, que están de vicio. Ensaladas, entrantes para compartir, sándwiches, bagels y carnes como entrecot New York, Pollo suroeste y Asado de ternera completan la parte principal de la carta.\nEl restaurante Tony Roma's – Bernabéu te propone un dulce final a través de las típicas galletas americanas (cookies), de las que tiene diferentes sabores (Velvet, Clásica, Caramelo, etc.). Si te va el pastel, no dudes en deleitarte con el de zanahoria o el de manzana. ¿Te lo vas a perder?\nCon amigos, Cumpleaños, Familia, Grupos, Para niños, Terraza, Terraza de invierno, Hamburguesas,\n, Día del Padre, Económicos, Family Days, Nochebuena y Navidad, Reabiertos, TOGETHER


Los 10 amigos catalanes de Pablo Iglesias: la red de políticos y periodistas que lo han 'sacado del paro' E.E.\nEl exvicepresidente del Gobierno ha fichado como tertuliano de la Cadena SER, la radio catalana RAC1 y como columnista en la revista CTXT.\n31 agosto, 2021 02:18\nPablo Iglesias da el salto al "periodismo crítico": será tertuliano en la radio catalana RAC1\nLa resurrección de Pablo Iglesias: Godó y Ferreras como primer paso antes de su desembarco final en televisión\nUna furgoneta negra con los cristales tintados aparca frente a la casa de Jaume Roures, administrador de Mediapro, en la avenida Bonanova de Barcelona. Son las 21.10 horas del 26 de agosto, año 2017, y la puerta se abre en medio de la calle. El primero en salir es el secretario general de Catalunya En Comú, Xavier Domènech, seguido muy de cerca por el líder de Podemos, Pablo Iglesias. A los veinte minutos se les unen Oriol Junqueras, Marta Rovira y Oriol Soler. Es la primera reunión entre partidos para un posible pacto poselectoral y, quién sabe, sentar las bases de una posible moción de censura el año siguiente.\nCuatro años después de esta reunión secreta, el panorama no podría ser más distinto. Domènech e Iglesias ya no están en política, y Junqueras ha sufrido un periplo judicial que le ha llevado a prisión, primero, y al indulto, después. Ahora, en la misma fechas, el nuevo Iglesias ha reaparecido en una nueva faceta: tertuliano en la Cadena SER, colaborador de la catalana RAC1, columnista de la revista CTXT e investigador de la Universitat Oberta de Catalunya. Su vida ha cambiado por completo, no tanto sus amigos.\n“Vuelvo a lo que hacía antes, trabajar como investigador en la UOC y dedicarme al periodismo crítico, que creo que se me da mejor que la política”, ha asegurado en su regreso. Incluso se especula que se ha instalado en Barcelona para encarar nuevos retos profesionales, aunque este periódico no ha podido verificar esta información. Sea cierta o no la mudanza, lo cierto es que el ex secretario general de Podemos estará más ligado que nunca a la realidad catalana, aunque sea profesionalmente.\nSu trayectoria de los últimos años se lo ha puesto fácil, agitando el panorama político hasta la vicepresidencia del Gobierno. También los amigos que ha hecho por el camino.\nIglesias nunca ha hecho nada en Cataluña sin que lo sepa Domènech. Así fue desde el nacimiento de Podemos hasta la renuncia de su segunda espada catalana, pero incluso después ha seguido manteniendo su influencia. Historiador, activista y ex coordinador general de Catalunya en Comú, Domènech se mantiene como una de las figuras de máxima confianza de Iglesias.\nXavier Domenech, exdiputado de En Comú Podem. EFE\nDe hecho, cuando este último abandonó la política, Domènech fue una de las personas que más mantuvo el contacto con él durante los meses de desaparición. Según señalan fuentes del partido a EL ESPAÑOL, el expolítico catalán recomendó a Iglesias “alejarse” de la primera plana mediática durante un tiempo y cambiar de residencia, quizás fuera de España, hasta que se calmasen las aguas. La noticia cobra si cabe más relevancia a día de hoy, con el rumor de que podría haber abandonado su casa de Galapagar.\nSi bien la influencia de Domènech en la política catalana sigue siendo evidente, aunque más de forma indirecta, su principal ámbito de actuación es la universidad. Actualmente ejerce como profesor de Historia en la Universidad Autónoma de Barcelona (UAB), engrosando las filas de amigos universitarios de Iglesias.\nEl diputado de ERC, Gabriel Rufián, en una imagen de archivo. Efe\nAunque considerados rivales políticos -y competidores en ciertos espectros de votantes-, la sintonía entre Gabriel Rufián y Pablo Iglesias siempre ha sido evidente. El portavoz de Esquerra Republicana en el Congreso se ha erigido, de hecho, uno de sus mayores defensores en los últimos días, reivindicando el tránsito “a la radio o a la uni tras gobernar” en lugar de “a una Eléctrica o a Soto del Real tras robar”. No ha sido la primera vez.\nAunque han tenido sus desencuentros, su etapa de compañeros en el Congreso de los DIputados ha acercado más de una vez a los dos dirigentes, cercanos ideológicamente y aliados parlamentarios en algunas de las decisiones políticas más importantes de los últimos tiempos, desde la moción de censura a Mariano Rajoy hasta la creación del primer Gobierno de coalición de la democracia.\nPablo Iglesias y Ada Colau. EFE\nQuizás, el primer nombre que se le venga a la cabeza a algunos cuando se piensa en las redes catalanas de Iglesias. La alcaldesa de Barcelona se catapultó a la primera línea de política institucional en las elecciones de 2015, obteniendo el Ayuntamiento bajo la marca Barcelona en Comú y, claro, el respaldo incondicional de Podemos y las mareas municipalistas. Aún a día de hoy, a pesar de todo, sigue siendo el mayor valor de la formación en Cataluña.\nA pesar de pertenecer a partidos distintos -Colau no milita en Podemos-, la cercanía siempre ha sido evidente. Ya durante las elecciones del 4 de mayo, la alcaldesa se trasladó de Barcelona a Madrid para arropar a Iglesias en su último acto de campaña. Tras su renuncia a todos sus cargos, ella no tardó en calificarle públicamente como una de las figuras más relevantes de la historia política española. "Como amiga creo que te mereces tener un tiempo para cuidarte y disfrutar de tu vida personal y familiar", señaló.\nSiempre se dijo de él que era un intermediario, una especie de negociador dialogante y resuelto que servía para tender lazos entre Podemos y sus confluencias catalanas, sobre todo Barcelona, por su cercanía a Ada Colau. Lo que nadie sabía era que, además, se estaba convirtiendo en uno de los colaboradores más estrechos del líder morado.\nEn enero de 2020, Asens fue elegido por el propio Iglesias para sucederle como presidente del grupo parlamentario de Unidas Podemos en el Congreso, cargo que mantiene en la actualidad, y para formar parte del Congreso Ciudadano Estatal incluso tras su partida. Antes de este ascenso meteórico el abogado, que se define como soberanista, tenía como único currículum político una tercera tenencia de alcaldía de Barcelona con Ada Colau. ahora es uno de los activos más importantes de la formación.\nUno de los nuevos jefes de Iglesias. El periodista y presentador de El món a RAC 1, galardonado con dos Premios Ondas, será el encargado de dirigir las tertulias políticas semanales de Iglesias en la radiofónica catalana, espacio líder de audiencia en la comunidad autónoma.\nLa buena relación entre Jordi Basté y el ex secretario general de Podemos pudo quedar clara ya en el mes de abril, previas las elecciones del 4 de mayo, cuando el catalán fue uno de los pocos -y últimos- en entrevistar a Iglesias durante su último asalto mediático. Lo hizo, precisamente, en RAC1, un destino curioso cuando los comicios se celebraban en Madrid.\nPeriodista y ensayista español, Enric Juliana es una de las personas que mejor conoce a Pablo Iglesias, quien le entrevistó en su programa Otra Vuelta de Tuerka en 2014. La relación no acabó allí, e incluso han escrito un libro juntos: Nudo España (Arpa, 2018).\nJuliana es, además, director adjunto y encargado de La Vanguardia en Madrid, un diario que siempre ha entablado buenas migas con Podemos y, en concreto, con el propio Iglesias, quien les regaló las exclusivas de su candidatura a las elecciones madrileñas y la de su nuevo look, sin coleta, a los pocos días de abandonar la política activa.\nJavier Godó Muntañola y su hijo Carlos.\nSi Basté es su jefe y Juliana su padrino, Javier Godó es su mecenas. El III Conde de Godó, Grande de España y empresario de los medios de comunicación, es el propietario tanto de RAC1, donde Iglesias impartirá sus tertulias, como de La Vanguardia que tan bien le ha tratado. Además, también fue accionista mayoritario de Antena 3 Radio y Antena 3 Televisión hasta que dimitió frente al Grupo Zeta. Precisamente, el único veto que Iglesias ha puesto en esta nueva etapa de tertuliano y “periodista crítico” ha sido a Atresmedia.\nTras este último movimiento, todo cobra sentido con que Iglesias pase a participar en los programas del Grupo Godó. Su entrada en RAC1 le abre la puerta a colaborar en La Vanguardia, donde ya se le conocen amigos, y en PRISA Radio, donde el Conde participa en un 20%. Además, se le abre la posibilidad de tener colaboraciones en 8TV, la que fuera televisión del grupo y que recientemente fue vendida a los empresarios Nicola Pedrazzoli y Borja García-Nieto.\nSin embargo, Pablo Iglesias quiere ir más allá. Su objetivo es implantarse en muchos más medios que los que le puede ofrecer Godó, y para eso cuenta con otro viejo amigo de la industria: Jaume Roures, el mismo empresario que le cedió su casa en Barcelona para reunirse con los independentistas y del que se rumorea ya está buscando la vuelta de Iglesias a las televisiones, aunque ha negado que tengan un acuerdo cerrado.\nAdemás de controlar gran parte de los derechos televisivos del fútbol en España, Roures es propietario de Público, periódico cercano a Podemos coaligado con la revista CTXT, donde el exlíder morado colaborará con columnas, análisis semanales y un asiento en el Consejo de Redacción. Por otro lado, el propio Roures fue el último y más esperado invitado de la última temporada de Otra Vuelta de Tuerka, la serie de entrevistas de PúblicoTV que Iglesias mantenía hasta su entrada en el Gobierno.\nPero, si todo falla, queda la universidad. Otro de los regresos triunfales del expolítico será, precisamente, a donde empezó todo antes incluso de volverse tertuliano durante el 15M: las aulas. Esta vez, el exvicepresidente volverá al ámbito universitario como investigador y profesor en la Universitat Oberta de Catalunya. Curiosamente, dentro del equipo de trabajo que hasta el año pasado dirigía Manuel Castells, al que el mismo Iglesias designó como ministro de Universidades por la cuota de los comunes.\nDe serlo, la casualidad es sorprendente, ya que esta universidad cuenta con 51 grupos de investigación y más de 500 especialistas destinados, de los que sólo uno dependía de Castells, un viejo amigo y referente intelectual que también fue entrevistado por Iglesias en Otra Vuelta de Tuerka. Iglesias comenzará su nueva labor el próximo 15 de septiembre\nVicenç Navarro, Pablo Iglesias y Juan Torres. AFP\nUna de las voces más conocidas y controvertidas de la izquierda intelectual, catedrático y asesor de Naciones Unidas, la Organización Mundial de la Salud y gobiernos como el chileno de Allende, el socialdemócrata sueco, el cubano, el español (PSOE), los gobiernos tripartitos y “d’entesa” catalanes, el actual de coalición y el federal de EEUU, en la época de Bill Clinton. Además, es uno de los gurús intelectuales de Podemos y miembro de su Consejo Ciudadano Estatal.\nDesde hace años Vicenç Navarro compagina su actividad en la formación morada con la de intelectual habitual de publicaciones de izquierdas, sobre todo como crítico del capitalismo salvaje, el neoliberalismo, la socialdemocracia keynesiana, las privatizaciones y las políticas de EEUU y la UE.\nMuere Alfredo Rodríguez, rey del bocata de calamares de Madrid y dueño de 'El Brillante'


otoño | MI SIGLO\nLA UVA ESTÁ DORADA\nseptiembre 27, 2020 septiembre 27, 2020 / jjulio\t/ Deja un comentario\n“La uva está dorada. Mis racimos\nson para ti, cosechadora\nde embriagueces. Vivimos\nuna vida más bella cada hora.\nHasta la vendimia, amada,\nen este otoño… llora\nmi corazón … por nada…\ny por todo…\n¡Soy nuevo cada hora!”\nEliodoro Puche- “Embriaguez” ( “Corazón de la noche”) (1918)\n(Imagen —William Trost Richards)\nseptiembre 17, 2015 / jjulio\t/ 2 comentarios\n“¡Qué princesa final — la última hoja\nde otoño — pasa por en medio, lenta,\nde la ancha calle sola!\nRubia, desheredada, morganática\nesposa del gorrión. Presentan armas,\ninútiles aceros, ramas secas,\ndobles filas de árboles, la guardia.\nLas encendidas iluminaciones\nurbanas a su muerte paraísos\neléctricos ofrecen, blancos campos\nEl viento, su destino, ya la sube,\nalma, al cielo.\n‘¡Adiós! Invierno, ¡qué anarquía!, invierno.\nLas dinastías verdes\ncumpliendo trasatlánticos destierros,\nabril, clarín, restauración segura”.\nPedro Salinas.- “Seguro”\n(Imágenes- 1- Martin Gommel/ 2.-Gyorgy Kepes.-1930- museo de Bellas Artes de Boston)\noctubre 1, 2013 / jjulio\t/ 2 comentarios\nJohn Keats.– “Al otoño”\n(Imágenes.- 1.- William Trost Richards/ 2.- Paul Gauguin)\nseptiembre 22, 2012 / jjulio\t/ 2 comentarios\nEs también la tristeza”.\nÁngel González.-“Canción para cantar una canción”.-“Intermedio de sonetos, canciones y otras músicas”\n(Imagen.-Birch Tree Autum, Crested Butte, Colorado.-foto besttravelphotos)\nOTOÑO EN EL PARDO\nseptiembre 23, 2011 septiembre 23, 2011 / jjulio\t/ Deja un comentario\n“Contra el macizo negro y plata de Guadarrama, que asoma imponente, mina de hierro, entre sus nubes grandes, al fin del río, el agua gris viene al puente viejo, entre chopos deshojados, que aún conservan un festón amarillo.\nEl terreno bello, lomeado, hace un oleaje de verdeazul y sombras negras, y por las negras encinas sin bellotas, andan los cuervos negros.\nEl dramatismo de El Pardo no es nada ascético, como se ha dicho tanto, ni nada místico. Su trájico es sano, su fatídico saludable y con quien debiera concertar mejor que con Felipe ll, Felipe lV y Carlos lV, es con Carlos lll.\nEl Pardo se ha aconsejado como sanatorio. Sí, es sanatorio de sanos, concentrador de dispersos, arraigador de volubles, pedazo ejemplar de esta gran España otra – ¡ qué lejos de ésta! – con su Guadarrama de hierro y plata, sus encinas de hierro y fecundidad y su sueño de hierro y vida”.\nJuan Ramón Jiménez: “Otoño en El Pardo” (“Madrid posible e imposible”)\n(Imágenes:- 1.- Mary Cassatt.-1880/ 2.- Lynn Geesaman-.-parq de Scaux.-France.-1997)\nOTOÑO 2010 (6) : TU FU\ndiciembre 7, 2010 / jjulio\t/ 1 comentario\nMis ojos vagan en el espacio sin fin.\nTiembla el horizonte, olas de claridad.\nLejos, el río desemboca en el cielo.\nSube el humo de la ciudad distante.\nEl viento se lleva las últimas hojas.\nUna grulla perdida busca nido.\nLos árboles están cargados de cuervos”.\nTu Fu (poeta chino: 712- 770) : “Paisaje” (traducción de Octavio Paz)\n(Imagen: Por la noche llega a Samo- 1983.– Yoshimitsu Nagasaka.-1983.- Weston Gallery.- California.-artnet)\nOTOÑO 2010 (2) : LA VÍA LACTEA\nseptiembre 29, 2010 / jjulio\t/ 3 comentarios\n“Es igual que un arroyo, la Vía Lactea,\na cuyos lados lucen las margaritas.\nMedio anillo, el Creciente.\nY una mano, las Pléyades, que le señalan.\nMira la luna: es\nbarca de plata,\nque acusa el peso\nde la carga de ámbar.\nLas Pléyades parecen\nel lento palanquín de una camella\na la que el camellero\nazuza, fastidiado, hacia Occidente.\nRefulgen, tan brillantes,\nque son igual que frascos\nen que tiembla el azogue.\nTu talle es una rama sin fisuras.\nY tu rostro es un sol,\ncon el día en tu cuerpo”.\nIbn Al-Mutazz: “Firmamentos” (Samarra 861- Bagdad 908)\n(Imagen.- foto: Rhys Logan.-National Geographic)\nseptiembre 22, 2010 / jjulio\t/ 2 comentarios\n“A través de la paz del agua pura,\núltimos, sobre el oro, a la ventura.\ntriste de no morir aún más, la rosa”.\nJuan Ramón Jiménez: “Octubre“.-Sonetos espirituales.- Segunda antolojía poética (1898-1918)\n(Imagen.-otoño en bosques de Virginia.-foto Christopher Burkett.-1991.-Michael Ingbar Gallery.-New York.-artnet)\noctubre 7, 2009 / jjulio\t/ Deja un comentario\n“Por el aire vuela el cardo, aunque el viento esté sereno,\nahora yace en la hierba, y ahora sube raudo el otero,\nborbotea como puchero el agua de la fuente\npor incontables piedras resbala candente.\nReseca y agrietada está la tierra como pan recocido,\nde la pradera nada queda, y los juncos han todos perecido.\nLos campos en barbecho refulgen como agua,\ntiemblan las telarañas, y vuelan de mata en mata.\nLas cumbres brillan al sol como hierro al rojo,\ny los ríos a su paso se funden en oro;\nllama ardiente es la tierra, oro líquido lo aéreo,\nallí donde miro Eternidad sólo veo”.\nJohn Clare: “Otoño“.\n(Imagen: Leaf 14.-1988.-por Amanda Means.-Gallery 339.-Philadelphia.-USA.-artnet)