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Nombres y seudónimos | Kappa Bunko: Literatura japonesa\nCuando se trata de nombres japoneses la convención dicta poner el apellido delante del nombre de pila. Si hablamos sobre escritores como Kawakami Hiromi, Ogawa Yōko o Murakami Haruki, nos podemos referir a ellos como Kawakami, Ogawa y Murakami. Entonces, ¿por qué cuando se abrevia el nombre de autores como Higuchi Ichiyō o Masaoka Shiki se les llama “Ichiyō” y “Shiki”, y no “Higuchi” y “Masaoka”?\nPuede parecer que estamos utilizando el nombre de pila del autor, pero no es así. Los nombres que les dieron al nacer fueron Natsu y Tsunenori, respectivamente. “Ichiyō” y “Shiki” eran sus “nombres artísticos” (gō, en japonés) como escritores.\nTradicionalmente, los escritores (como el resto de artistas) usaban un gō que podía cambiar durante su vida o según el género que se practicara. Por poner un ejemplo, el autor que conocemos como Ihara Saikaku (1642-1693) empezó su carrera bajo el gō Kakuei, pero a lo largo de los años usó también muchos otros como Shōju, Naniwa Hairin y Saihō, además de Saikaku, que es como se le conoce hoy en día. Otro ejemplo más cercano en el tiempo sería Natsume Sōseki (nombre legal: Natsume Kinnosuke), que usaba Sōseki para firmar sus novelas y Gudabutsu para sus haiku.\nHasta las primeras décadas del s. XX, a la mayoría de autores se les conoce por una combinación de su apellido legal y su gō. En tales casos, es común referirse al autor por su gō y no por su apellido. Así, un haiku de Masaoka Shiki es “un haiku de Shiki” y un relato de Higuchi Ichiyō es “un relato de Ichiyō”.\nActualmente, los autores firman con su nombre legal o un seudónimo compuesto de apellido y nombre de pila. En cualquier caso, se suele usar sólo el apellido (sea el legal o el arístico) para referirse a ellos de forma abreviada. Kirino Natsuo (nombre legal: Hashioka Mariko) es simplemente Kirino. Akutagawa Ryūnosuke, aunque tuvo diversos gō como Chōkōdō Shujin o Gaki, se conoce por su apellido legal: Akutagawa.\nEsta entrada fue publicada en enero 31, 2014 por Pau Pitarch en Cultura literaria y etiquetada con seudónimos.


MOMENTOS FINALES- METODO KANI by Misael Janampa Co... 5581 views\nTrabajo de estructuras - método de ... by Antony R O Q U E 5972 views\nMétodo de kani by Karol Margoth Reá... 11474 views\n1. Historia del Manga
El manga nace de la combinación de dos tradiciones: La del arte gráfico japonés, producto de una larga evolución a partir del siglo XI, y la de la historieta occidental, afianzada en el siglo XIX. Sólo cristalizaría con los rasgos que hoy conocemos tras la Segunda Guerra Mundial y la labor pionera de Osamu Tezuka.
La tradición gráfica japonesa
Las primeras características del manga pueden encontrarse en el Chōjugiga (dibujos satíricos de animales), atribuidos a Toba no Sōjō (siglos XI-XII), del que apenas se conservan actualmente unos escasos ejemplares en blanco y negro.
Durante el período Edo, el ukiyo-e se desarrolló con vigor, y produjo las primeras narraciones remotamente comparables a los géneros actuales del manga, que van de la historia y el erotismo a la comedia y la crítica. Hokusai, una de sus figuras, implantaría el uso del vocablo manga en uno de sus libros, Hokusai Manga, recopilado a lo largo del siglo XIX. Otros dibujantes, como Gyonai Kawanabe, se destacaron también en este período artístico
La prensa satírica de origen occidental (1862-)
Durante el siglo XIX, en plena transición de la era feudal a la industrializada, los artistas occidentales se maravillaban del ukiyo-e, gracias a la exótica belleza que transmitía. Con todo, los verdaderos inicios del manga moderno no se debieron al esteticismo del arte del período Edo, sino a la expansión de la influencia cultural europea en Japón.6
Fueron Charles Wirgman y George Bigot (ambos, críticos de la sociedad japonesa de su tiempo), quienes sentaron las bases para el desarrollo ulterior del manga. La revista británica Punch (1841) fue el modelo para la revista The Japan Punch (1862-87) de Wirgman, como lo había sido antes para otras revistas similares en otros países. También en 1877 se publicó el primer libro infantil extranjero: Max y Moritz del alemán Wilhelm Busch.7
La expansión de las técnicas historietísticas europeas se tradujo en una producción lenta pero segura por parte de artistas autóctonos japoneses como Kiyochika Kayashi, Takeo Nagamatsu, Ippei Okomoto, Ichiro Suzuki y sobre todo Rakuten Kitazawa, cuya historieta Tagosaku to Mokube na Tokyo Kenbutsu 『田吾作と杢兵衛の東京見物』 se considera el primer manga en su sentido moderno. Todos ellos oficiaron de pioneros, difundiendo su obra a través de publicaciones como Tokyo Puck (1905), aunque, igual que en Europa, el uso de globos de diálogo que ya era habitual en la prensa estadounidense desde The Yellow Kid (1894) todavía no se había generalizado. Simultáneamente, desde 1915 se empezó a ensayar la adaptación del manga a la animación, lo que más tarde devendría en el surgimiento anime.
Los primeros mangas infantiles (1923)
Los años 1920 y 1930 fueron muy halagüeños, con la aparición y triunfo del kodomo manga (historietas infantiles), como Las aventuras de Shochan (1923) de Shousei Oda/Tofujin y Los Tres Mosqueteros con botas en la cabeza (1930) de Taisei Makino/Suimei Imoto.
El cómic estadounidense -en especial Bringing up father (1913) de George McManus - se imita mucho en los años 20,6 lo que ayuda a implantar el globo de diálogo en series como Speed Taro (1930-33) de Sako Shishido, Ogon Bat (1930, un primer superhéroe) de Ichiro Suzaki/Takeo Nagamatsu y Las aventuras de Dankichi (1934), de Keizo Shimada, así como la tira cómica Fuku-Chan (1936-), de Ryuichi Yokohama.8 Para entonces, habían surgido historietas bélicas como Norakuro (1931-41) de Suihou Tagawa, ya que el manga sufría la influencia de las políticas militaristas que preludiaban la Segunda Guerra Mundial, durante la cual fue usado con fines propagandísticos. En 1945, las autoridades de ocupación estadounidenses prohibieron de manera generalizada este género
Nacimiento del manga moderno (1945)
Tras su rendición incondicional, Japón entraría en una nueva era. El entretenimiento emergió como industria respondiendo a la necesidad psicológica de evasión ante una cruda posguerra. La falta de recursos de la población en general requería de medios baratos de entretenimiento, y la industria tokiota de mangas basados en revistas vio surgir competidores. Apareció así el Kamishibai, una especie de leyendas de ciego, que recorría los pueblos ofreciendo su espectáculo a cambio de la compra de caramelos. El Kamishibai no competía con las revistas, pero sí otros dos nuevos sistemas de distribución centrados en Osaka:
Las bibliotecas de pago, que llegaron a constituir una red de 30.000 centros de préstamo que producía sus propios mangas en forma de revistas o tomos de 150 páginas.
Los libros rojos, tomos de unas doscientas páginas de papel de baja calidad en blanco y negro, cuyo rasgo característico eran sus portadas en color rojo y su bajo precio. Esta industria pagaba a sus artistas sueldos próximos a la miseria, pero a cambio les otorgaba una amplia libertad creativa.
Osamu Tezuka, un estudiante de medicina veinteañero apasionado de los dibujos animados de Fleischer y Disney, cambiaría la faz de la historieta nipona con su primer libro rojo: La nueva isla del tesoro, que vendió de súbito entre 400.000 y 800.000 ejemplares, gracias a la aplicación a la historia de un estilo cinematográfico que descomponía los movimientos en varias viñetas y combinaba este dinamismo con abundantes efectos sonoros.
El éxito de Tezuka lo llevó a las revistas de Tokio, particularmente a la nueva Manga Shōnen (1947) que fue la primera revista infantil dedicada en exclusiva al manga, y en la que Tezuka publicó Astroboy. En estas revistas impuso su esquema de epopeya en forma de serie de relatos y diversificó su producción en múltiples géneros, de los que destacan sus adaptaciones literarias y el manga para chicas o shōjo manga. A mediados de los 50, Tezuka se trasladó a un edificio de la capital llamado Tokiwasi, al que peregrinarían los nuevos autores. Hay espacio, sin embargo, para autores como Machiko Hasegawa, creadora de la tira cómica Sazae-san (1946-74), Kon Shimizu o Shigeru Sugiura con un grafismo muy diferente, nada disneyano.
Un año después, Shōnen desapareció y los libros rojos agonizaron. Entre ambos, y por obra de Osamu Tezuka, habían puesto los pilares de la industria del manga y anime contemporáneos.
El lenguaje del manga (1959-)
El triunfo de las revistas de manga acabó con el Kamishibai, y muchos de sus autores se refugiaron en el sistema de bibliotecas. Las revistas de manga eran todas infantiles, y las bibliotecas encontraron su nicho creando un manga orientado hacia un público más adulto: el gekiga. Abandonaron el estilo de Disney por otro más realista y fotográfico y se abrieron a nuevos géneros más violentos, escatológicos o sensuales como el horror, las historias de samuráis, los mangas sobre yakuzas, el erotismo, etc. Entre ellos cabe destacar a Sanpei Shirato que en 1964 patrocinaría la única revista underground de la historia del manga, Garo. La competencia en el terreno gráfico del gekiga obligó a las revistas a reducir la presencia del texto, aumentando el número de páginas y el tamaño para mejorar su visión.
Con el comienzo del auge económico, el pueblo nipón exigía más manga. En respuesta, una de las principales editoras de libros, Kōdansha, se introdujo en 1959 en el mercado de revistas. Su título Shōnen Magazine cambió la pauta de periodicidad mensual a semanal, multiplicando la producción e imponiendo a los autores el estajanovismo, aunque esta vez con sueldos millonarios. Pronto, otros grupos editores como Shueisha, Shōgakukan o Futabasha se le unirían. Este sistema de producción sacrificaba el color, la calidad del papel y la sofisticación temática, llevándose también de paso la crítica política, pero aumentaría vertiginosamente las ventas hasta cifras astronómicas y con ellas los beneficios empresariales, convirtiendo al manga en el medio de comunicación más importante del país.
Otros importantes autores de estos años son Fujio Akatsuka, Tetsuya Chiba, Fujiko F. Fujio, Riyoko Ikeda, Kazuo Koike, Leiji Matsumoto, Shigeru Mizuki, Gō Nagai, Keiji Nakazawa, Monkey Punch y Takao Saito.
 La expansión internacional (década de 1990)
En 1988, gracias al éxito de la versión cinematográfica de Akira, basada en el manga homónimo del dibujante Katsuhiro Otomo, publicado en 1982 en la revista Young Magazine de la editorial Kōdansha, la difusión internacional del manga comenzó a aumentar de forma explosiva. El gran éxito de esta película en Occidente venía precedido de una tradición en aumento de emitir anime japonés en las cadenas de televisión europeas y norteamericanas. Ya en los años 60, Osamu Tezuka había vendido los derechos de emisión de su primer Astro Boy a la cadena estadounidense NBC consiguiendo un éxito notable entre la audiencia infantil. Posteriormente, se sucedieron las series de animación Mazinger Z, Great Mazinger o Grendizer, siendo esta última un estallido mediático en Francia, donde se la conocería como Goldorak. Todas ellas se basaban en las historietas del mangaka Gō Nagai, actual magnate de un imperio de distribución editorial. En la década de 1980, empezaron a destacarse series de otra índole, como The Super Dimension Fortress Macross, parte del compendio de series conocido en Occidente por Robotech, obra de Carl Macek, o la revisión de Osamu Tezuka de Astroboy pero en esta ocasión vuelta a filmar en color y con aires más modernos. A ésta se sumó la saga épica Gundam, sólo superada en temporadas y episodios por la serie de animación estadounidense Los Simpson de Matt Groening.
Otro de los autores más relevantes en este apogeo mediático de finales de los ochenta y principios de los noventa, fue el mangaka Akira Toriyama, creador de las famosas series Dragon Ball y Dr. Slump, ambas caracterizadas por un humor picante, irreverente y absurdo. Tal fue el éxito de estas dos obras que en algunos países europeos llegaron a desbancar de las listas de ventas al cómic estadounidense y naciónal durante bastantes años. Este fenómeno fue más marcado en España, donde Dragon Ball vendió tantos ejemplares que se la considera la historieta de origen extranjero más vendida de la historia. En el propio Japón, la revista Shōnen Jump —en momentos puntuales, especialmente durante algunas semanas que coincidía con episodios decisivos de la serie Dragon Ball— llegó a aumentar su tirada semanal en 6 millones de ejemplares.
Otros importantes autores de estos años son Tsukasa Hōjō, Ryōichi Ikegami, Masakazu Katsura, Masamune Shirow, Mitsuru Adachi, Yuzo Takada, Rumiko Takahashi, CLAMP, Jirō Taniguchi,Takehiko Inoue, Eiichirō Oda, Masashi Kishimoto,Tite Kubo, Masami Kurumada, Naoko Takeuchi, Yoshizumi Wataru y Chiho Saito
Historia del anime
La historia del anime, el género de animación de origen japonés, comienza en la segunda década del siglo XX, con una serie de cortometrajes similares a los encontrados en otros países, influenciados por las obras de Disney en gran parte.
Algún tiempo tras la Segunda Guerra Mundial, empezaron a surgir grandes compañías dedicadas tanto a las series televisivas como a los largometrajes, entre las que destaca Toei.
Aunque muchas siguieron en activo en las últimas década del siglo XX, y siguen al principio del siglo XXI, una serie de directores y creadores de historias han alcanzado renombre propio en este género, bien por obras de gran fama, como Katsuhiro Otomo con Akira o Akira Toriyama con Dragon Ball, o Masashi Kishimoto con (Naruto) como por sus largas y premiadas trayectorias, como Hayao Miyazaki o Akira Amano con Katekyo Hitman Reborn.
Pioneros
La batalla del mono y el cangrejo:hecho por Seitaro Kitayama en 1917.
En 1906 aparece la primera película de animación, Humorous Phases of funny face, del productor americano James Stuart Blackton. En 1907 se hizo la primera producción de animación japonesa, en donde sale un niño marinero.1 En 1908 aparece en Francia Fantasmagorie, del dibujante Emile Cohl y producida por Gaumont. Este tipo de películas de animación llegan a los cines japoneses hacia 1910. Entre 1914 y 1917 se exhibieron unas 93 películas de animación extranjeras, siendo las americanas las de mayor popularidad. Ante tal fenómeno, los productores japoneses comenzaron a plantearse la realización de cine de animación nacional.
La compañía Tennenshoku Katsudo Shashin (Tenkatsu) es quien reacciona primero, encargando en 1916 al dibujante de manga Oten Shimokawa una película del género. En aquella época no existía documentación en Japón sobre las técnicas de animación, por lo que la tarea de Shimokawa no fue fácil. No obstante, consiguió realizar el primer filme de animación japonesa, Imokawa Mukuzo, Genkanban no maki (Mukuzo Imokawa y el guardián de la entrada) estrenada en enero de 1917. Por su parte, el pintor de estilo occidental Seitaro Kitayama, interesado por las películas extranjeras de animación que veía, presenta un proyecto de realización propia a la compañía Nippon Katsudo Shashin (Nikkatsu), que ésta acepta encargarle. Kitayama tampoco era un experto en la animación, pero a base de pruebas y errores, consiguió terminar Saru Kani gassen (La batalla del mono y el cangrejo), basada en un cuento popular japonés, que fue estrenada en mayo de 1917. Shimokawa y Kitayama comenzaron la realización de sus películas en 1916, coincidiendo con la puesta en marcha del dibujante de manga de corte político Sumikazu Kouchi, que por encargo ahora de la compañía Kobayashi Shokai, estrenaría en junio de 1917 Hanawa Hekonai, Shinto no maki (Hekonai Hanawa y su nueva espada), con un samurái como protagonista.
La historia del cine de animación japonés comienza efectivamente en 1917 gracias a los trabajos de estos tres pioneros, pero no se conserva copia de ninguna de estas películas por lo que se desconocen otros datos. La de Kouchi fue la más elogiada de ellas por las críticas de la época, siendo además la primera en rodarse, aunque se estrenara después de las otras dos.
Shimokawa llegó a realizar cinco películas de animación, pero debido a la sobreexposición al reflejo luminoso que conllevaba el proceso, sus ojos experimentaban gran cansancio, por lo que decidió abandonar este trabajo y volver a dibujar manga. Kouchi también se apartó del cine de animación tras realizar cuatro películas, pero luego volvería temporalmente a este campo debido a que personalidades de la esfera política le encargaron cortos de propaganda. Por el contrario, Kitayama, se dedicó plenamente a la realización de películas de animación. Comenzó empleando como ayudantes a jóvenes aspirantes a pintores, a los que enseñaba las técnicas del dibujo animado. Kitayama, que en 1917 llegó a realizar hasta diez películas, presenta ese mismo año una película basada en el personaje infantil Momotarō, que consigue exportar a Francia, convirtiéndose en el primer producto de animación japonesa que llega a occidente. Kitayama crea sus propios estudios de cine en 1921 pero el Gran terremoto de Kantō de 1923 destruirá sus instalaciones de Tokio, por lo que decide mudarse a Osaka.
Allí se aparta de los dibujos animados para dedicarse a rodar documentales informativos para una empresa de noticias local. No obstante, la gran importancia de la labor de Kitayama residirá en haber enseñado las técnicas de la animación a una serie de jóvenes que proseguirán el trabajo que él empezó.
Uno de estos fue Sanae Yamamoto, (cuyo nombre original era Zenjiro Yamamoto). Era un aspirante a pintor que acudió a trabajar a los estudios de Kitayama, donde quedó fascinado por el mundo del dibujo animado. Al marcharse su maestro de Tokio, Yamamoto decide independizarse y formar sus propios estudios de animación. En 1925 realiza Ubasute yama (La montaña donde se abandona a los viejos), que tiene como tema el respeto y cuidado de los ancianos. Consigue el patrocinio de la Secretaría de Educación para una serie de películas de animación de corte educativo, y entre sus obras más representativas se encuentran Usagi to Kame (El conejo y la tortuga, 1924) y Nippon ichi no Momotaro (Taro Melocotón, el número 1 de Japón, 1928).
También de esta época es Shiobara Tasuke, dirigida por Hakuzan Kimura. Éste trabajaba pintando murales de anuncio para las salas cinematográficas, pero cambia su profesión para dedicarse a los dibujos animados, destacando pronto por sus historias de samuráis. En 1932 rueda la primera película erótica de la animación japonesa, Suzumi-Bune (El paseo nocturno en barco), que le cuesta ser detenido por la policía, que además confisca la película. Kimura, individuo del que se desconocen muchas cosas, entre ellas las fechas de nacimiento y muerte, se retirará tras este incidente. Existen rumores de que una copia fue vendida ilegalmente al extranjero, pero en cualquier caso Suzumi-Bune se convirtió en una película fantasma, imposible de ver. Al parecer se trataba de un traslado a la pantalla del mundo erótico creado por los artistas del Ukiyo-e del período Edo.
Otro discípulo de los pioneros (en este caso de Sumikazu Kouchi) fue Noburo Ofuji, que empezó la producción de dibujos animados gracias a la ayuda económica de su hermana mayor, Yae, siendo su primera película Baguda-jo no tozoku (El ladrón del castillo de Baguda, 1926). Como material de trabajo utilizaba el tradicional papel Chiyo, popular desde el período Edo, pero sus colores no pudieron ser recogidos por la fotografía en blanco y negro de la época. Ofuchi también realizó varias películas de animación con siluetas, como fue el caso de Kujira (La ballena, 1927), cuyas imágenes hizo acompañar con la música de la ópera Guillermo Tell de Rossini. Ofuchi dedicó mucho tiempo a estudiar la posibilidad del cine sonoro y en color, y gracias a la ayuda de su hermana, consiguió realizar casi todas sus películas prácticamente solo.
En 1923, año del Gran terremoto de Kantō, Yasuji Murata ingresa en la recién formada Yokohama Cinema Shokai, en principio dedicada a la importación de películas extranjeras. Murata comienza a trabajar allí pintando esporádicamente murales de películas para los cines, pero el presidente de la compañía le contrata como empleado fijo al ver su talento para el dibujo. Murata también escribía los rótulos para las películas extranjeras de la compañía, pero, impresionado por las películas de animación de John Randolph Bray que aquella importaba, propone a su presidente la producción propia de cintas similares. Autodidacta de la materia, Murata escoge una popular historia infantil para su primera realización, Saru Kani gassen (La batalla del mono y el cangrejo, 1927). Desde entonces hasta que deja la compañía en 1937, Murata rueda cerca de 30 películas de dibujos animados, la mayoría de corte educativo.
Primeros adelantos técnicos
Normalmente el trabajo de animación era muy laborioso. La empresa Yokohama Cinema Shokai se adelantó a sus competidores al comprar una nueva cámara de motor automático que no requería mover una manivela, lo cual permitía acelerar el trabajo. La primera película rodada con esta cámara será Kaeru wa kaeru (Una rana es una rana, 1929), encargada nuevamente a Yasuji Murata.
Para el cine de animación, el celuloide es un material indispensable, pero en Japón no se fabricaba. El celuloide comenzó a distribuirse con profusión en Estados Unidos a finales de 1914 con los trabajos de Earl Hurd, quien además lo patentó. Como producto de importación, el celuloide era muy caro en Japón, por lo que en su lugar se empleaba una especie de cartulina sobre la que se dibujaban los personajes, que luego se recortaban y fotografiaban (sistema llamado cut out). Murata era un maestro de esta técnica y no tenía nada que envidiar a sus competidores que usaban celuloide. Como título más representativo de animación por cut out destaca su Tsuki no miya no Ojo sama (La reina del Castillo de la Luna, 1934).
El primero en utilizar en Japón el tan preciado celuloide para el cine de animación fue Kenzo Masaoka, nacido en una familia adinerada de Osaka. Tras estudiar dibujo en una Escuela de Artes, inicialmente entra en el mundo del cine como actor, abandonando poco después en favor de la realización de dibujos animados. Su primera película fue Nansensu monogatari Sarugashima (La absurda historia de la isla de los monos, 1930), acerca de un muchacho criado por un mono. Masaoka realizó también la primera película de animación sonora, Chikara to onna no yo no naka (Las mujeres y la fuerza mueven el mundo, 1932), donde utiliza parcialmente el todavía caro celuloide. Masaoka no escatimó gastos para aumentar la calidad de sus películas, y así a partir de Chagama ondo (El ritmo de la tetera, 1934) empleará el celuloide para el total de sus obras. Otro de sus títulos, Mori no yosei (El hada del bosque, 1935), recibió elogios de sus colegas en el mundo de la animación y fue comparado a los cortos Silly Symphonies de Walt Disney.
Mientras que la mayoría de los cineastas contemporáneos se dedicaban a hacer películas de propaganda bélica para el ejército nacional, Masaoka realizará durante la guerra una obra de gran poesía que hará olvidar las penurias de la época y que quedará para la posteridad del género, Kumo to churippu (El tulipán y la araña, 1944). De sus cintas de postguerra, la más representativa será Sute neko Tora-chan (Tora, el gato abandonado, 1947), sobre una gata que decide criar a un gatito que ha sido abandonado. Masaoka, por haber sido el primero en introducir el celuloide en los dibujos animados y el primero también en realizar una película sonora de esta modalidad, ha sido llamado el padre de la animación japonesa y es respetado como tal.
II Guerra Mundial
En 1933, Mitsuyo Seo es contratado por los estudios de Kenzo Masaoka. Seo era un dibujante que destacó pronto por la gran rapidez con que realizaba su trabajo, que fue decisiva en la anteriormente citada Chikara to onna no yo no naka. Seo, que aprendió la técnica de sonorización de Masaoka, pronto se independizó. Su primera película fue Osaru Sankichi. Bokusen (Sankichi el mono. Defensa antiaérea, 1933), que recibió muy buenas críticas.
El 7 de diciembre de 1941 Japón ataca la base norteamericana de Pearl Harbour, comenzando su participación en la II Guerra Mundial. Entonces, la Armada Imperial encarga a Seo una película de propaganda que realce los éxitos militares del Japón de cara a los más jóvenes. Así, con un equipo de cinco personas, Seo realiza la película de dibujos animados Momotaro no umiwashi (Las águilas marínas de Taro melocotón, 1942), de 37 minutos de duración, que a pesar de su descarado carácter propagandístico, tuvo gran éxito entre el público infantil. Fue protagonizada por el personaje de los cuentos infantiles Momotarō, que aquí es el capitán de un portaaviones, mientras que perros, monos y perdices serán los pilotos de aviación. La flota enemiga viene dirigida por un personaje de gran parecido con Brutus, antagonista de Popeye, que aquí corre de un lado para otro huyendo de los ataques japoneses.
Seo entra a formar parte de la Shochiku Doga Kenkyusho, donde también se encontraba Kenzo Masaoka, y allí vuelve a recibir un encargo de la Armada. En enero de 1942, el Cuerpo de Paracaidistas de la Armada había descendido sobre la isla de Sulawesi (Indonesia), conquistando la base americana, así que se decidió airear también este primer éxito del cuerpo ante los niños japoneses con otra película de dibujos. De esta manera se gesta la realización de Momotaro, umi no shimpei (Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares, 1943), con un equipo de 70 personas (el mayor hasta entonces en la historia de la animación) y un tiempo total de elaboración de 14 meses. Finalmente se consiguió toda una superproducción de 74 minutos de duración, aunque el equipo se había reducido a 25 personas por haber sido llamado a filas parte del personal masculino y a las fábricas de armamento el femenino. Terminada la guerra, Seo realizó en 1947 Ōsama no shippo (La cola del rey), vagamente inspirada en el famoso cuento de Hans Christian Andersen El traje nuevo del emperador, pero la película no se llegó a estrenar. Después de esto, Seo deja el cine y se dedica a dibujar para las revistas de niños, o a diseñar personajes para adornar la ropa infantil.
En 1933 se estrena Ugoku-e Kori no tatehiki (El duelo del zorro y el tejón en dibujos animados), que contaba una historia protagonizada por unos tejones que viven en un templo budista. Un zorro que ha adoptado la forma de samurái llega al templo, sucediéndose un duelo de transformaciones entre los tejones y el zorro que termina con la derrota de este último. Entre los gags que aparecen en la película, está el del zorro-samurái disparando una ametralladora. El director fue Ikuo Oishi, quien tras filmar un anuncio en dibujos animados para una fábrica de chocolate, decidió dedicarse a la realización de cine de animación. Su obra más representativa fue Futatsu no Taiyo (Los dos soles, 1929), pero con el estallido de la guerra se dedicó a realizar películas de instrucción para la Armada. Durante uno de estos trabajos, el barco en el que volvía de rodar unas tomas en el extranjero es hundido por un submarino norteamericano, falleciendo.
En 1940 se estrena una adaptación en dibujos animados de la famosa ópera de Puccini Madame Butterfly, O-Cho fujin no genso (Fantasía sobre la Dama Mariposa), realizada por el sistema de animación con siluetas y firmada por Kazugoro Arai y su amigo Tobiishi Nakaya. Arai, que al igual que Tobiishi en realidad ejercía como dentista, decidió dedicarse a la animación por sombras tras quedar fuertemente impresionado por la visión de la alemana Prinzen Achmed(1926) de Lotte Reiniger. En los ratos libres que les dejaba su profesión, ambos se dedicaron a estudiar el mundo de la animación, llegando a convertirse en profesionales. En 1942 Tobiishi murió como consecuencia de la guerra, pero Arai continuó su trabajo en solitario. De sus obras más representativas destacan Ogon no tsuribari (El anzuelo de oro, 1939), Jack to mame no ki (Jack y la mata de habichuelas, 1941) y Kaguya hime (La princesa resplandeciente, 1942).
Posguerra
Con la derrota de Japón en agosto de 1945 termina la II Guerra Mundial, constituyéndose en octubre del mismo año la Shin Nihon Dogasha, dedicada a la producción de películas de dibujos animados, con Sanae Yamamoto y Kenzo Masaoka como figuras principales. Centrada en Tokio, llegó a reunir hasta 100 personas para dedicarse al mundo de la animación, pero la falta de trabajo obligó a disolver la recién nacida compañía. En 1947, contando entonces con la colaboración de Yasuji Murata, se forma en su lugar la Nihon Manga Eigasha, donde Masaoka concluye Sakura (El cerezo), obra que describe las bellezas de Kioto a lo largo de las cuatro estaciones pero que, sin embargo, no llega a estrenarse. Tras ello, en 1948 Yamamoto y Masaoka deciden independizarse de Nihon Manga Eigasha para formar la Nihon Doga Company.
En septiembre de 1950, con gran retraso, se estrena en Japón la película de Disney Blancanieves y los siete enanitos (1937), que según se dice, el director de animación Osamu Tezuka vio unas 50 veces. En 1952 Noburo Ofuji rueda un remake de su película de 1927 Kujira (La ballena). A la idea primitiva de animación por sombras, Ofuji añade la inspiración de las vidrieras occidentales para utilizar celofán coloreado. En el Festival de Cannes de 1953 compitió en la sección de cortos, pero finalmente el premio se lo llevó Crin Blanc (Albert Lamourisse, 1953), quedando su obra en segundo puesto. Se dice que Pablo Picasso vio entonces este trabajo de Ofuji, por el que quedó fuertemente impresionado. Poco después, la película de animación por siluetas Yurei-sen (El barco fantasma, 1956) consigue un premio especial en Venecia, con lo que el nombre de Ofuchi pasa a ser reconocido en el extranjero.
En enero de 1950, el dibujante Ryuichi Yokoyama, conocido por el manga Fuku-chan, decide dedicarse al mundo de la animación tras haber visto el corto de Disney The Skeleton Dance (1929), que se había estrenado en Japón en 1930. Para ello, compra una cámara de 16 mm y convierte su casa en estudio de cine, que llamará Otogi Productions, comenzando el trabajo en marzo del mismo año con un equipo de seis personas. Su primera película será el mediometraje Onbu o-bake (El duende a hombros), de la que hará una proyección en sala privada en diciembre de 1955, con asistencia de varias personalidades de la esfera cultural, entre ellas Yukio Mishima. Su segunda película será Fukusuke, estrenada en salas comerciales en octubre de 1957. Al año siguiente utilizará el amplio terreno del jardín de su casa para construir unos estudios mayores, aumentando su equipo a 23 personas. Tras ello realiza su tercera película, Hyotan Suzume (1959), que cuenta la lucha contra unas ranas malvadas que han roto la paz de una aldea de pacíficas congéneres. A continuación estrena Otogi no sekai ryoko (Viaje alrededor del mundo, 1962), compuesta por cinco partes, la tercera de los cuales, Tatsumaki ni sukareta akai shatsu (La camisa roja que se llevó el ciclón), tiene el interés adicional de remitirse al estilo del ukiyo-e.
Otogi Productions necesitó considerables préstamos de dinero para poder realizar largometrajes, pero no consiguió recuperar la inversión realizada, por lo que terminó en bancarrota en 1972. Yokoyama termina así su labor pero contribuyó a la formación de nuevos técnicos del género. Uno de ellos, Shinichi Suzuki, llegó a realizar por su cuenta un cortometraje de ciencia-ficción titulado Purasu 50.000 nen (50.000 años después, 1961), que recibió buenas críticas en Francia con motivo de su proyección en el Festival Internacional de Cortometrajes.
Bunraku
En Japón existe un teatro tradicional de muñecos llamado Bunraku, que todavía se representa de vez en cuando. En el cine de animación existe también la variante de películas de marionetas, cuyo más conocido exponente está en la cinematografía checa. Tadahito Mochinaga (1919-1999) fue el primero en producir animación basada en el bunraku, y enseñó esta técnica para el cine de animación a los realizadores chinos. Mochinaga, discípulo de Mitsuyo Seo, había sido encargado de realizar películas en China durante la guerra, permaneciendo allí hasta 1955. Al regresar a Japón forma la Ningyo Eiga Seisakusha, dedicada al cine de marionetas y que ofrece nueve títulos, de los cuales destacan Uriko Hime to amanojaku (La princesa Uriko y el diablo rabioso, 1956) y Chibikuro Sambo no tora taiji (El negrito Sambo vence al tigre, 1956). Este último consiguió el premio a la mejor película infantil en el Festival de Cine de Vancouver.
Como discípulos más aventajados de Tadahito Mochinaga en el cine de marionetas destacan Kihachiro Kawamoto (1924) y Tadanari Okamoto (1932-1990). Kawamoto, tras una etapa trabajando con Mochinaga, viaja a Checoslovaquia en 1963 para conocer a su admirado Jirí Trnka (1912-1969), gracias al cual perfecciona la técnica de animación de marionetas. De vuelta a Japón realizará con producción propia títulos de esta modalidad como Hanaori (La flor arrancada, 1968), Oni (El demonio, 1972), Dojoji (El templo de Dojo, 1976) y Kataku (1979), en su mayor parte basados en piezas tradicionales del teatro Nō o el Kyōgen.
Kawamoto consiguió varios premios en festivales internacionales, dando así su nombre a conocer en el extranjero. Tadanari Okamoto, que aprendió también la técnica de Mochinaga, se independizará para formar la Eko sha, dedicada al público infantil. Sus trabajos más representativos fueron Fushigi na kusuri (Un medicamento extraño, 1965), Home my home (1970), Chiko tan (1971) y Okon joruri (1982).
Inicios del siglo XXI
Una parte considerable de los mangas de éxito en Japón acaban en la actualidad con su versión en anime, ejemplos claros de los cuales son series como Rozen Maiden, One Piece, Naruto, Bleach, Inuyasha, y Fullmetal Alchemist, entre muchas otras. Empiezan a ser menos frecuentes las series de anime originales (en el sentido de no estar basadas en manga) además de darse mucho menos el caso de manga creado a partir de un anime.
Además, el terreno preparado en occidente por las series de las décadas anteriores ha permitido que gran parte del anime creado sea traducido y distribuido en los mercados de todo el mundo. En los últimos años surge además en occidente, de la mano de las culturas otaku de la década de los noventa, gran cantidad de grupos y fansub que se encargan de distribuir por internet muchas series de anime (y mediante escaneos también los mangas más conocidos) Esto es a la vez causa y consecuencia de la creciente distribución del anime fuera de Japón, puesto que muchas series ya cuentan con renombre antes de ser licenciadas y traducidas, lo cual permite su más fácil exportación.[cita requerida]
Incluso la otrora todopoderosa Disney ha apreciado las producciones japonesas como producto comercial de calidad. Su distribuidora Buenavista obtuvo los derechos de distribución en cine de las películas del estudio Ghibli, del cual han salido muchas de las mejores obras que Japón ha dado al mundo de la mano de Hayao Miyazaki. Su éxito ha sido muy grande, tanto que la película de animación El viaje de Chihiro recibió en el 2002 el Óscar de la Academia a la mejor película de animación, premio que jamás una película japonesa de animación pudo ganar.
\nTrabajo de estructuras - método de nodos y matricial\nAntony R O Q U E


›Ensayo de flexión\nLa resistencia a flexión es la capacidad de un material de soportar fuerzas aplicadas perpendicularmente a su eje longitudinal.\nEl objetivo del ensayo de flexión es determinar las propiedades mecánicas de los materiales relacionadas con los esfuerzos y flechas (deformaciones) en los puntos máximo y de rotura, y módulo elástico en flexión teniendo en cuenta la separación entre apoyos calculada a partir del espesor de la probeta.\nMétodos de aplicación del ensayo de flexión\nExisten dos métodos de aplicación del ensayo de flexión:\nProbetas apoyadas en sus extremos, sin tensión y cargadas en la mitad de su longitud: 3 puntos.\nProbetas apoyadas en sus extremos, sin tensión y cargadas en dos puntos equidistantes en los extremos: 4 puntos.\nLa realización correcta de ensayos en los materiales es muy importante ya que permite, conocer su comportamiento ante diferentes circunstancias y determinar sus propiedades. Además su realización puede ayudarle a asegurar que sus productos están fabricados según la normativa y legislación que afecta a su sector.\nNormas de los ensayos de flexión\nEn el caso de la flexión, los ensayos se realizan según las Normas:\nEN ISO 178: Plásticos. Determinación de las propiedades en flexión.\nEN ISO 14125: Compuestos plásticos reforzados con fibras. Determinación de las propiedades de flexión.


Botanicus - el jardín botánico en Ses Salines\nHome Guía de viaje Costa sureste Botanicus\nEl jardín botánico Botanicus es un espectáculo ubicado la costa sur de Mallorca. El área cubre una zona de 150,000 metros cuadrados y alberga una gran variedad de plantas de diferentes regiones de vegetación.\nBotanicus: Vegetación desértica y selva tropical\nLa inmensa biodiversidad en el jardín botánico con el nombre Botanicus hace que el oasis verde en la costa sur de Mallorca sea un lugar muy popular. Las plantas de la selva tropical prosperan no lejos de esta zona y la característica vegetación marca esta región. En un área de 50,000 metros cuadrados, numerosas plantas prosperan en la tierra fructosa. Un área de aproximadamente 25,000 metros cuadrados está reservada para la vegetación mediterránea de Mallorca. Aquí encontrará olivos retorcidos, pinos, granadas, eucaliptos y cítricos, los representantes clásicos de las isla balear. Con una estructura similar a la del desierto, le da la bienvenida una zona de 40,000 metros cuadrados, en la que existen aproximadamente 400 especies de cactus nativos. El jardín botánico está cruzado por varios senderos que invitan a dar un paseo por la variada vegetación. Si decide visitar a este lugar extraordinario, no debería olvidar traer su cámarapara capturar la atmósfera única que le espera aquí.\nPaisaje idílico en el lago\nEn una zona del jardín botánico, se ha creado un lago artificial que, por un lado, abastece de agua a las plantas tropicales y, por otro, invita a uno a quedarse para relajar. El lugar tiene un tamaño de 10,000 metros cuadrados y tiene un promedio de cuatro metros de profundidad. Se unen pequeños humedales, donde crecen los bambúes y las palmas. El suelo que se creó durante la excavación del lago se utilizó para construir muros para proteger las delicadas plantas tropicales de los vientos predominantes del norte. Botanicus es de propiedad privada y no recibe ningún subsidio del gobierno. La apertura tuvo lugar en el año 1989, después de unos dos años de construcción. El jardín botánico está abierto todo el año y cuenta con estacionamientos justo en frente de la entrada. Muy cercan en Ses Salines, se encuentran las plantas de desalinización de agua de mar, que ya fueron utilizados por los romanos en la antigüedad con el fin de producir sal.


El desarrollo de una superficie es la figura plana que se obtiene al desdoblarla totalmente en un plano.\nUn principio fundamental que debe ser observado en todos los desarrollos, es que cada línea muestre la longitud verdadera de la línea correspondiente en la superficie del cuerpo.\nEntre las aplicaciones que tiene el Dibujo Técnico en la industria encontramos el dibujo de desarrollos de superficies, denominado frecuentemente dibujo de plantillas, y que consiste en trazar el patrón de la superficie de un objeto sobre una lámina plana, de tal manera que al cortarla y plegarla tome la forma de ese objeto.\nEn general vemos que la gran aplicación del desarrollo de superficies se da en calderería, especialidad profesional de la rama de fabricación mecánica que tiene como objeto principal la construcción de depósitos destinados a la manipulación, transporte y almacenamiento de productos sólidos en forma de granos o pulverulentos, líquidos y gases. Muchos de estos depósitos reciben el nombre de silos y cisternas. También está presente en la construcción de embarcaciones y en todo tipo estructuras metálicas. Ejemplos significativos de calderería y su aplicación en arquitectura se reconocen en las siguientes estructuras: Museo Guggenheim Bilbao, la sala de conciertos Walt Disney en los Ágeles, la Torre Eiffel, el puente colgante de Vizcaya, Beijing National Stadium de China conocido como "el nido de pájaro", el edificio Lloyd’s en Londres, el edificio Peter B Lewis ( Cleveland, Estados Unidos), etc.\nEn calderería el material más común que se trabaja es el acero laminado y perfiles en diferentes aleaciones, formas y espesores.\nEn general podemos encontrar muchos objetos que la industria fabrica partiendo del dibujo de su desarrollo, como por ejemplo: chimeneas, ductos para hornos, codos, canaletas, utensilios para el campo, cajas para empaque de productos, entre otros, por tanto el material en el que se realiza un desarrollo varía según la finalidad que tendrá el objeto, pudiendo ser realizado el cartón, madera, lámina metálica delgada etc.\nEn la foto: Trabajo elaborado por Carlos Andrés García del grupo 10ºC (clic en la foto)\nUna superficie es desarrollable cuando puede desdoblarse o desenrollarse para coincidir con un plano.\nLos objetos que tienen superficies planas o curvas simples son desarrollables. Los objetos con superficies alabeadas y las de doble curva pueden desarrollarse solo aproximadamente, dividiéndola en secciones y poniendo en lugar de cada sección una superficie plana o una superficie de una sola curva.\n1. Por líneas paralelas.\nSe aplica en volúmenes que tienen elementos o aristas paralelas, como los prismas y los cilindros.\n2. Por líneas radiales.\nEn los conos y en las pirámides sus aristas o elementos laterales se intersecan en un vértice, de manera que al desplegarlos irradian vértice.\n3. Por triangulación.\nExisten unas formas denominadas piezas de transición, que se emplean para conectar dos aberturas de diferente forma, diferente tamaño, o en posición inclinada. En estas piezas se aplica el desarrollo por triangulación, que consiste en dividir una superficie en un número de triángulos y transferirlos a un desarrollo.\n4. Desarrollo aproximado.\nSe emplea en objetos con superficies alabeadas y de doble curvatura. Consiste en dividir la superficie en pequeñas secciones y poniendo en substitución de cada una de ellas un segmento de una superficie desarrollable, como la de un cono o un cilindro.\nEn un conjunto de tubos que forman un conducto continuo de largas dimensiones, tanto de bocas circulares como cuadradas, la unión de los tramos se hacen de forma fija, por medio de soldadura o remaches. En ocasiones, la necesidad de limpieza periódica del conducto implica que dichas uniones se realicen por medio de bridas de unión con tornillos, lo que además de acelerar su montaje en lugares reducidos, simplifica los elementos que para ello se necesitan.\nLa imagen ilustra las bridas más apropiadas para la unión de tubos de boca circular, siendo su elección independiente del diámetro del tubo a las que se han de acoplar. Para elegir uno u otro tipo de brida juega un papel importante el calibre de la chapa, utilizando la brida A, hecha de ángulo, para tubos fabricados con material delgado por ser así mayor la superficie de refuerzo en las bocas. Actualmente existen máquinas dobladoras que curvan los ángulos por sí solas, pero en el taller no especializado las bridas se suelen forjar a mano.\nEl cálculo correcto para el desarrollo de una brida angular se efectúa tomando como base el diámetro de un círculo imaginario que pasa por el centro de gravedad de ios angulares. No se corta el ángulo a la medida justa del desarrollo,debido a las contracciones que sufre el material al trabajarlo, por lo que esta operación no siempre es exacta, debiéndose cortar el sobrante durante el proceso de acabado de la brida.\nEn la figura anterior se ilustra el corte de un angular de alas iguales, y otra angular de alas desiguales, en las que se señalan las medidas a, T y T1, correspondientes al grueso del ala y distancias de los centros de gravedad a las superficies exteriores del angular.\nEn el caso de la brida B mostrada en la primera gráfica, no se presentan dificultades, ya que su contorno está formado por dos circunferencias concéntricas, teniendo en cuenta al marcar la circunferencia interior y por la parte que encajará en el tubo, colocar un pequeño chaflán que servirá para profundizar la soldadura al unir la brida al tubo. Estas bridas son apropiadas para tubo dechapa gruesa y que soporte grandes pesos.\nTolva en cartón construida por estudiantes de grado 10º UNESAM\nSi desea hacer una visita virtual al museo, haga clic en el siguiente enlace:\nClic aquí para visitar el museo\nConstrucción de un ducto de aire acondicionado\nMás adelante encontrará dos videos que muestran aspectos de la torre.\nLa Sala de Conciertos Walt Disney (The Walt Disney Concert Hall en inglés) Los Ángeles, California\nMás adelante encontrará un video que muestra aspectos de la sala de conciertos.\nBeijing National Stadium de hina conocido como "el nido de pájaro"\nEdificio Lloyd’s en Londres\nEdificio Peter B Lewis Cleveland, Estados Unidos\nTolva en acero inoxidable, para el almacenamiento de semillas\nCisterna para transporte de líquidos\nMás adelante encontrará un video sobre calderería y su aplicación en la construcción de camiones cisterna\nMás adelante puede ver un video sobre desmantelamiento de silos\nMás adelante encontrará un video del puente


¿Qué es una protección no break? - Info Latina\nInicio Hogar ¿Qué es una protección no break?\n¿Qué es una protección no break?\nCarolina Andradeen 27 julio, 2021 27 julio, 2021\nEn casa tenemos diversos equipos electrónicos y cada uno tolera cierta carga de voltaje. Sin embargo, la corriente no siempre es estable, por lo que puede ocasionar una sobre tensión y un sobrecalentamiento que puede llegar a dañar tus dispositivos. Para evitarlo se utiliza un sistema UPS o No Break para ofrecer una protección adicional. Estos sistemas están diseñados para mantener la corriente eléctrica a un nivel promedio cuando se presentan fallos, apagones o sobre cargas.\nUna protección No Break es un sistema de regulador de voltaje que se presenta en forma de dispositivo cubico. Su objetivo es proporcionar una corriente de energía alterna. Al dar un suministro continuo y estable de forma ininterrumpida a todos los equipos electrónicos que se encuentren conectados.\nEl No Break se coloca entre el suministro de energía principal y los equipos electrónicos. Esto quiere decir que el sistema tiene una batería recargable que se alimenta del enchufe y a su vez suministra la energía eléctrica a tus dispositivos.\nCuando se pierde la energía eléctrica al irse la luz, un relevador activa el paso de corriente de la batería, que por medio de un transformador eleva el voltaje de 12 voltios al voltaje de la toma de corriente casera, dando la opción de que tu dispositivo siga trabajando por un intervalo aproximado entre 5 a 10 minutos según la capacidad de las baterías. Esto tiene una gran ventaja, ya que te da el tiempo suficiente como para guardar en lo que se este trabajando en el caso de una computadora.\nPuede ser usado en el hogar ya que no tiene un costo muy elevado y brinda una protección fácil a diversos equipos electrónicos. Por otro lado, también se puede utilizar en el área de la industria pero con unas instalación diferente y especifica.\n¿Cuáles frutas tienen más azúcar?\nFideos de cacahuate\nQué clase de minisplit conviene para poner en tu casa\nTips para elegir un sistema de alimentación ininterrumpida\nDatos sobre las Smart TV


Aprenda hebreo en línea con maestros israelíes: Instituto Rosen de Hebreo\nלְהִתְחַבֵּר לְעִבְרִית מוֹדֶרְנִית de conectarte con el hebreo\nAprende a dominar el hebreo en el instituto mejor consolidado para la enseñanza de este idioma, con un método comprobado que garantiza el éxito. Únete a nuestra comunidad de miles de estudiantes graduados alrededor del mundo.\nUna forma entretenida de entender Israel\nHebreo Moderno עִבְרִית מוֹדֶרְנִית\nMétodo comprobado y adaptado a tus necesidades\nTenemos una amplia variedad de cursos para satisfacer las necesidades de cada estudiante. Sea cual sea tu nivel, aquí encontrarás un curso ideal para ti.\nNuestro enfoque es integral:\n8 niveles para dominar el hebreo Encuentra el camino ideal según tu nivel\nAprende gramática y modismos israelíes\nExplora los textos hebreos\nIsrael: historia y viajes\nHebreo a través de la literatura israelí\nLee un periódico israelí\nHebreo a través de los acontecimientos de la actualidad\nAcerca de אוֹדוֹתֵינוּ Rosen Instituto de Hebreo\nPor medio del innovador método de enseñanza creado por Aharon Rosen, tendrás la oportunidad de aprender hebreo en cursos acreditados por la Universidad Hebrea de Jerusalén.\nPionero de la enseñanza hebrea\nDale un vistazo a קוּרְסִים נוֹסָפִים nuestros otros cursos\nEs más entretenido aprender con otras personas. Rosen Instituto de Hebreo ha desarrollado un sistema único de enseñanza online que motiva a los estudiantes a interactuar y estudiar conjuntamente, de la mano de un profesor israelí.\nEl aprendizaje puede ser una experiencia entretenida y colaborativa, no importa cuál sea tu nivel ni el lugar del mundo en que te encuentres. ¡Aprendamos juntos!\nConoce הַמּוֹרִים שֶׁלָּנוּ nuestros profesores\nEl Hebreo Moderno es mucho más que el idioma; es una comunidad. Creemos que la mejor forma de conocerla y ser parte de ella es por medio de clases colaborativas, con profesores israelíes experimentados.\nCheryl Strimple Hebraico Bíblico Aliza Katzman Modern Hebrew Shira Cohen-Regev, MS MSW Modern Hebrew Dr. Eirini Artemi Curt McCorkle Hebraico Bíblico Tamar Weyl Modern Hebrew\nLa המגזין revista\nUna nueva mirada del hebreo\nDescubre la riqueza del lenguaje en el hebreo moderno, y profundiza tu comprensión de la cultura israelí.\nPresencia Hebrea En El Patrimonio Judío\nLos Colores En Hebreo: ¡un Arcoíris De Posibilidades!\nLas Canciones Más Bellas De La Liturgia Judía Para Aprender...\nLas Mejores Canciones Israelíes Para Musicalizar El Bar Mitzva De...\nComienza tu viaje y aprende el idioma hebreo con profesores certificados, junto a una comunidad de apoyo y contenido educativo de la mejor calidad. Conéctate a nuestras aulas online, en vivo, desde cualquier lugar del mundo, y disfruta de la interacción con tu profesor y compañeros de clase ¡en tiempo real!\nLa clase semanal con la profesora es inmejorable. El material de estudio es muy bueno. Funciona el círculo completo, con las clases abiertas y los conversatorios. El método utilizado es muy claro... María del Pilar\n¡Solución para todo! La alternativa de estudio actual se ajusta más a mis necesidades y estoy muy contenta con haber retomado las clases de hebreo. Esther Buele\nEl curso de Hebreo Moderno 1 contiene una gran metodología del aprendizaje, toda vez que la pedagogía te va llevando a pasos cada vez mayores en el aprendizaje de esta lengua tan apasionante. Jaime Arturo\nDescubre el hebreoגַּלּוּ אֶת הַשָּׂפָה con profesores de primera categoría\nÚnete a estudiantes de todo el mundo en nuestros cursos online, en vivo e interactivos, y comienza a aprender Hebreo Moderno con los mejores profesores de Israel. Descubre la riqueza y belleza de este idioma y profundiza tu comprensión de la cultura y los habitantes de Israel.


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Ester Expósito ha compartido en su perfil de Instagram unas fotografías que no han pasado desapercibidas para nadie, pues sus redes han vuelto a arder al ver su espectacular posado en el borde de una piscina.\nPublicado: 24.08.2021 11:20\nActualizado: 24.08.2021 11:20\nEl ardiente comentario de Jaime Lorente a la sensual foto de Ester Expósito\nEster Expósito se ha convertido en una de las actrices más seguidas de los últimos tiempos, gracias a su papel en la serie 'Élite'. Con más de 26 millones de seguidores en su perfil de Instagram, se ha convertido en una de las famosas más seguidas y admiradas, sobre todo por su belleza que deja a la mayoría de sus seguidores con la boca abierta.\nAhora lo ha vuelto a hacer: la joven ha compartido con todos sus seguidores unas fotos en el borde de una piscina, las cuales no han pasado desapercibidas para nadie, pues cuentan con más de cuatro millones de likes y un sinfín de halagos hacia la protagonista. "Días de verano, pero hazlo dolce", era el título de su último post.\nLa primera foto era en solitario con una blusa que hacía un guiño a los años 90, pero en la segunda aparecía acompañada junto a un modelo, luciendo un espectacular vestido color negro. Ambas fotos han sido todo un éxito, pues ha dejado a muchos de sus seguidores sin palabras.\nAunque el post iba sobre una campaña publicitaria, cosa que no suele sentar muy bien a los fans, nadie se ha fijado en eso, sino en su belleza y así lo han querido manifestar. "Que maravilla Ester", "Bombón", "Belleza", "Lady Di", "Ole que guapa", fueron algunos de los muchos comentarios que recibió acompañados de corazones y llamas.\nAunque la intérprete haya estado hace unos días en el ojo del huracán por su posado en un yate junto al cantante C.Tangana, parece que sus fans han olvidado todo esto, ya que la cantidad de likes y comentarios confirman que la joven de tan solo 21 años es uno de los perfiles más atractivos y admirados por muchos.\nEster Expósito presume de su nuevo tatuaje en la espalda


V Z L A, DE TODO UN POCO ...... TECNOLOGIA - CIENCIA Y SALUD.: Salud - La Dependencia o Adicción al Juego y Las Computadoras.\nSalud - La Dependencia o Adicción al Juego y Las Computadoras.\nUno de los tópicos que son de discusión frecuente en los ambientes de internet casinos, es si la proximidad de la computadora y una tarjeta de crédito a mano, pueden o no potenciar las adicciones al juego. Pareciera ser que el hecho de tener que trasladarse físicamente a un edificio de casino, podrían atenuar los impulsos de los jugadores compulsivos y poder de esa forma controlar su adicción.\nLa adicción a cualquier tipo de conducta va más allá de simples distancias físicas como pueden ser los 30 centímetros que nos separan de nuestra PC. Lamentablemente para todos los promotores de juego responsables, el acceso de adictos al juego online siempre es y será una cuestión de gran preocupación.\nSe han pensado muchas variantes para atenuar la presencia de adictos online y se piensa que cuando los salones de juego online dejen de estar “offshore”, los países serios pueden limitar el acceso de adictos mediante el uso de tecnologías sofisticadas.\nLas farmacias online por ejemplo, saben cuando una persona está comprando medicamentos excesivamente, y por esa razón ponen límites a la cantidad de veces que se puede comprar durante un cierto tiempo.\nNo es demasiado distinto en el juego online. Con un seguimiento muy simple se puede saber cuando una persona está apostando de una manera desenfrenada y bloquear automáticamente el acceso del jugador en un determinado salón de juego.\nLa otra razón por la que el juego online atrae menos adictos es porque simplemente nunca se tiene mucha confianza en apostar “a ciegas” en un casino que está a miles de kilómetros. Por eso las apuestas son generalmente muy moderadas. El temor de una estafa siempre está presente en el ánimo del jugador.\nContrariamente a lo que generalmente se piensa , ningún casino serio ni sus promotores desean adictos en sus sitios. Solamente gente sana dispuesta a pasar un buen rato online.\nPublicado por Ricardo Perez en 6:19:00


Veracruz y Xalapa, primeros campeones del Festival Deportivo de la UV – Universo – Sistema de noticias de la UV\nVeracruz, campeón de futbol femenil\n26/09/2017, Xalapa, Ver.- Los representativos de Veracruz y Xalapa surgieron como primeros campeones del Festival Deportivo de la Universidad Veracruzana (UV), en los deportes de futbol soccer y futbol rápido femenil.\nLas acciones se llevaron a cabo en las canchas de la Unidad Deportiva Universitaria, donde las pupilas de Raúl Fernández, de la región Veracruz, cerraron con importantes triunfos de 4-1 sobre Xalapa y 5-4 sobre Orizaba-Córdoba.\nEn futbol rápido femenil, el equipo de Xalapa, al mando del entrenador Manuel Trujillo, se coronó luego de sus triunfos de 8-3 sobre Veracruz, 5-2 sobre Coatzacoalcos-Minatitlán, así como el empate 2-2 con Poza Rica-Tuxpan.\nXalapa, se coronó en futbol rápido\nLa actividad del Festival Deportivo, organizado por la Dirección de Actividades Deportivas de la UV, continúa esta semana en otras disciplinas, en las que competirán los mejores deportistas de las cinco regiones universitarias: Orizaba-Córdoba, Poza Rica-Tuxpan, Coatzacoalcos-Minatitlán, Veracruz y Xalapa.\nEl evento sirve para detectar nuevos talentos e incluirlos en los equipos representativos de la Halcones, con miras a las eliminatorias del Consejo Nacional del Deporte de la Educación (Condde), rumbo a la Universiada Nacional Sinaloa 2018.


Britney Spears volvió a alarmar a sus fans: subió un extraño video bailando y abandonó a su novio en una alfombra roja – Classique\nBritney Spears volvió a alarmar a sus fans: subió un extraño video bailando y abandonó a su novio en una alfombra roja\nLa cantante de 37 años preocupó a sus seguidores con su comportamiento.\nBritney Spears tuvo un fin de semana movido. Primero publicó un video en su cuenta de Instagram donde se la vio bailando al ritmo de “Chantaje” de Shakira y Maluma. Sus movimientos desataron críticas de sus seguidores: la notaron fuera de ritmo y alejada de sus famosas coreografías sobre los escenarios. El clip ya tiene más de 5 millones de reproducciones. “¡Lista para ir al Daytime beauty awards con mi chico, pero tenía que bailar antes de ir! PD. Me sentí hermosa”, escribió junto a las imágenes.\nDespués, la cantante y su novio Sam Asghari llegaron juntos a una entrega de premios. Pero cuando se acercaron algunos fotógrafos, Britney Spears se sintió incómoda y decidió dejar el lugar. Todo esto desconcertó y preocupó aún más a sus fans.\nLa semana pasada, fue tendencia #FreeBritney en redes sociales a lo largo de todo el mundo para exigir el fin de la tutela a la que se encuentra sometida la artista norteamericana, que desde hace 11 años se encuentra bajo la responsabilidad de su padre, tras sufrir diversas crisis emocionales.\nAlgunos eligieron las redes sociales para luchar por su “liberación”, otros decidieron marcharon frente a la puerta del juzgado del Centro Cívico de Los Ángeles donde se realizaría la audiencia, a la que finalmente ni la propia Britney asistió.\nHasta el momento no se tomó ninguna decisión y su tutela se mantiene intacta. Mientras tanto, desde mayo Britney tiene únicamente el 30% de la custodia de sus hijos, mientras que su ex marido, Kevin Federline, posee el 70% restante.\nPor su parte, Jaime Spears -su padre- fue liberado de los cargos por maltrato infantil de los que se lo acusaba luego de ser denunciado desde el núcleo íntimo de la familia y por una orden de restricción que lo mantuvo alejado de los hijos de la cantante durante algunos meses.\nLa estrella del pop estuvo internada hace unos meses, en una clínica de salud mental por la angustia que le provocó la enfermedad de su padre, que tuvo dos operaciones en el intestino y el colon.\n“Born in the U.S.A”, el disco que puso a Bruce Springsteen en lo más alto\nLos 50 años de Abbey Road: se conoció una nueva versión de “Come Together” de Los Beatles


Colombia cerró el 2021 con aumento de inflación ICSLATAM.COM\nColombia cerró el 2021 con aumento de inflación\nEn los barrios colombianos, las quejas y problemática del aumento de los precios de productos aumenta, los vecinos de diferentes zonas se quejan por los altos costos de los rubros básicos , la economía en Colombia cerró con una inflación que no se veía desde hace muchos años.\nAl finalizar el 2021 el índice de precio del consumidor (IPC), cerró con un 5,62%, y es que la cifra que se visualiza en estos momentos en Colombia, es inferior a las que se visualizaban en el 2016. Así lo determinó El Departamento Nacional de Estadísticas (DANE), quien indica que cerro el año con un aumento de 5,75%.\nEl aumento financiero, se debió principalmente a los altos costos de los alimentos y bebidas en general, tabacos, transporte, restaurantes, y hoteles.\nEl analista del centro de investigación económicas de desarrollo Mauricio Reina, señaló que la problemática principal del aumento en Colombia es por las “políticas de expansión publicas de la economía”, y este proceso llega en un momento donde este proceso descontrola el aumento de la inflación.\nPor otra parte, el gobierno colombiano señala que el aumento de la inflacionario cerró en el 2021 con un porcentaje de 9,7%, mientras que el Bando Mundial lo ubica en 9,9% colocándolo en la cuarta posición de los países con más inflación en el mundo.\nOtro de los puntos que señala el experto en economía Mauricio Reina, sobre el problema financiero en Colombia, es la escasez de contenedores de transportación de mercancía, la devaluación de la moneda colombiana y el aumento del salario mínimo. La exportación e importación es importante para el resguardo económico de un país, por lo que la falta de depósitos aumenta la escasez de productos en el país.\nEl proceso del aumento de salario mínimo generó en el financiamiento económico colombiano “presiones inflacionarias”, para el año actual, por lo que es complicado el deceso inflacionario durante este año, señaló Mauricio Reina.\nEEUU admite su presencia en Yemen para "combatir el terrorismo"


Mandres-les-Roses 2017: Los 20 mejores departamentos, alojamientos y alquileres vacacionales en Mandres-les-Roses - Airbnb Mandres-les-Roses, Isla de Francia, Francia\nMandres les Roses · En cualquier momento · 1 huésped\nLogement situé dans un environnement très calme.\nestudio en alquiler situado en una residencia de estudiantes / trabajadores jóvenes. - Proximidad RER D (parada Boussy-Saint-Antoine) a sólo 30 minutos del centro de París en tren, La recepción del hotel Villa Val Sénart, la puerta lateral (número 8) que dan las llaves y te escuchará en caso de problemas. - tiendas cerca de la residencia a pie (CORA centro comercial, farmacia, estanco, panadería, restaurantes ...)\nEstimados viajeros, Ofrecemos un amplio dormitorio con baño privado equipado con una cama doble, un armario, un escritorio y dos mesitas de noche. Podemos añadir un solo colchón Dunlopillo en el suelo si es necesario. Ponemos a su disposición un café Nespresso, té, azúcar ... El cuarto de baño a la habitación alberga un lavabo, bañera y WC.\nEsta habitación está en el primer piso de nuestra casa, que está a 5 minutos a pie de la estación de RER Montgeron-Crosne. Por lo tanto estamos a 20 minutos de la RER Chatelet-les-Halles. Justo al lado de nosotros, también encontrará un bar-tabac, una tienda de Picard y Carrefour de contacto. Para los antojos de paseo por la noche o sacudida de la mañana estamos cerca del Valle de Yerres. Para los amantes de los caballos y ponis hara es justo al lado. Hasta pronto con el placer Leah y Julian.


LA FUNDACIÓN ENDESA ILUMINA EL MUSEO DE LA UNIVERSIDAD DE ALICANTE :Actualidad Universitaria\nLA FUNDACIÓN ENDESA ILUMINA EL MUSEO DE LA UNIVERSIDAD DE ALICANTE\nEndesa, a través de sus fundaciones, continúa de manera activa iluminando el patrimonio histórico y de interés artístico tanto en España como en aquellos otros países en los que está presente. En este contexto, José Antonio Gutiérrez, director general de la Fundación Endesa, e Ignacio Jiménez Raneda, rector de la Universidad de Alicante inauguran mañana, día 18 de febrero, los trabajos de iluminación de la fachada exterior del Museo de la Universidad de Alicante (MUA) de la que, hasta ahora, carecía. El acto de inauguración del alumbrado tendrá lugar a las 19 horas y contará además de con las personalidades citadas, con la presencia de la vicerrectora de Extensión Universitaria, Josefina Bueno y del director del MUA, Mauro Hernández, que estarán a disposición de los medios que deseen entrevistarles.\nEl MUA es uno de los edificios más emblemáticos de la Universidad de Alicante. Referente arquitectónico del siglo XX, fue inaugurado a finales de 1999 y está dedicado principalmente al arte contemporáneo, aunque siempre dentro de los parámetros de investigación, producción, conservación, documentación, difusión y didáctica del arte contemporáneo, así como de exhibición de los resultados de la ciencia y la investigación que se genera dentro de la propia universidad. Los fondos propios del museo universitario cuentan con una importante colección, una parte de la cual se exhibe de forma permanente y completa las apuestas temporales que se muestran en las otras cinco salas, la 365, la Altamira, las dos Naias y la Eusebio Sempere.\nLas obras de iluminación, en líneas generales, han consistido en la colocación de veinte iluminarias empotradas en suelo, y otros trabajos de cableado y canalización, lo que ha supuesto una inversión de unos 50.000 euros sufragados en su totalidad por la Fundación Endesa.\nLa Fundación Endesa se constituyó en 1998, tras un acuerdo alcanzado por la Junta General de Accionistas de la Compañía. Nació con el objetivo de integrar, gestionar y dar mayor cohesión a las actividades de patrocinio y mecenazgo que hasta entonces realizaba Endesa y sus empresas participadas. En cumplimiento del primero de sus fines fundacionales, dedica una parte significativa de sus recursos a la iluminación de los bienes del patrimonio histórico-artístico español, o de los países en los que Endesa o sus empresas participadas están presentes. Como quiera que la mayor parte de este patrimonio pertenece o es gestionado por la Iglesia, desde 1998 se han ido suscribiendo convenios con la Conferencia Episcopal Española para la iluminación del patrimonio arquitectónico bajo su responsabilidad.\nParalelamente a la iluminación de la arquitectura religiosa, la Fundación Endesa ha desarrollado también programas de iluminación de edificios de carácter civil como el que ahora se inaugura. De este modo se ponen en valor aquellas construcciones particularmente notables dentro del marco de los conjuntos urbanísticos que las acogen. Y ello a través de acciones de mecenazgo respaldadas por acuerdos con las autoridades y responsables locales.\nDe la misma manera que se ha procedido a iluminar el Patrimonio Histórico-Artístico de España, la fundación ha acometido la misma labor en Iberoamérica, junto con las empresas participadas por Endesa en aquellos países. Para ello ha ido suscribiendo convenios con las Conferencias Episcopales de Chile, Colombia y Perú, donde también una parte notable de este patrimonio pertenece o está gestionado por la Iglesia.\nCada iluminación es objeto de un detallado estudio y se lleva a cabo siguiendo un proyecto elaborado por profesionales, tanto del ámbito técnico lumínico, como del ámbito artístico y arquitectónico, para lograr la finalidad buscada en cada caso. Ya sea para apoyar la celebración de actos litúrgicos, para resaltar las características arquitectónicas del edificio o para realzar los elementos artísticos de mayor importancia.


ASAMBLEA 35 PERÍODO DE SESIONES - PDF\nDownload "ASAMBLEA 35 PERÍODO DE SESIONES"\nMartín Maestre Pérez\n1 EC/15, LE/7 16/8/04 Revisada 23/8/04 En español, francés e inglés únicamente ASAMBLEA 35 PERÍODO DE SESIONES COMISIÓN ECONÓMICA Y COMISIÓN JURÍDICA Cuestión 27: Cuestión 35: Reglamentación de los servicios internacionales de transporte aéreo y resultado de la quinta Conferencia mundial de transporte aéreo Asistencia en materia de seguro aeronáutico por riesgo de guerra SEGURO DE AVIACIÓN (Nota presentada por la Comisión Europea) DOCUMENTO INFORMATIVO RESUMEN Tras los acontecimientos trágicos del 11 de septiembre de 2001, y en especial tras sus repercusiones en el mercado de los seguros de aviación, la Comunidad Europea decidió tomar diversas medidas de carácter legislativo y económico para evitar cualquier alteración en el transporte aéreo que entre o salga de la Comunidad o circule dentro de ésta y para que los transportistas aéreos y los explotadores de aeronaves independientemente de su nacionalidad estén sujetos a requisitos mínimos de seguro y procedimientos de control de su cumplimiento que sean transparentes, neutros, no discriminatorios e iguales para todos. La Comisión Europea preparó legislación al respecto, que fue aprobada el 21 de abril de 2004 por el Parlamento Europeo y el Consejo. Las nuevas normas se aplicarán a partir del 30 de abril de 2005 y afectarán al seguro que, en adelante, los Estados miembros de la Comunidad Europea requerirán de los transportistas aéreos y de los explotadores de aeronaves cuando entren o salgan de su territorio o cuando vuelen dentro o por encima de éste. Las versiones en español y francés fueron proporcionadas por la Comisión Europea. (5 páginas) S\n2 EC/15, LE/ ANTECEDENTES 1.1 Desde septiembre de 2001, las instituciones de la Comunidad Europea han prestado atención en diversos casos al problema del seguro de aviación 1. La Comisión Europea aceptó el establecimiento de sistemas de garantías a cargo de los Estados, que proporcionaban la cobertura necesaria a las empresas de transporte aéreo contra riesgos de guerra y terrorismo, y autorizó su prórroga hasta el 31 de octubre de 2002; también ha seguido de cerca el trabajo realizado por la Organización de Aviación Civil Internacional (OACI) y por la industria europea acerca de iniciativas para crear fondos de mutualización de riesgos en el sector de la aviación. 2. LAS NUEVAS NORMAS COMUNITARIAS 2.1 El Reglamento sobre requisitos mínimos de seguro, aprobado el 21 de abril de , es un instrumento jurídico completamente independiente de la introducción de garantías temporales a cargo de los Estados para cubrir a las empresas de transporte aéreo en Europa. Es también independiente de las iniciativas de la industria europea y de la OACI para crear un fondo de mutualización de riesgos que cubra la responsabilidad por daños a terceros en casos de guerra y terrorismo. Sin embargo, es evidente que la posible creación de un fondo de riesgos a nivel internacional permitiría que los transportistas aéreos y los explotadores de aeronaves, incluidos los de terceros países, encontraran una cobertura asequible y los ayudaría a cumplir los requisitos mínimos de seguro propuestos. El trabajo preparatorio para la aprobación de estas normas ha recibido un apoyo decidido de todas las instituciones de la Comunidad Europea. 2.2 El Reglamento sobre requisitos mínimos de seguro es el paso necesario hacia un conjunto más completo de requisitos que tienen que observar los transportistas aéreos y los explotadores de aeronaves para poder volar en, hacia, fuera o sobre el territorio de los Estados miembros de la Comunidad Europea. La base para la introducción de estas normas está ya presente en la legislación sobre la concesión de licencias a los transportistas aéreos 3. Las normas adoptadas aclaran el requisito general sobre seguros para los transportistas aéreos y los explotadores de aeronaves independientemente de su nacionalidad y establecen un sistema de control de su aplicación igual para todos. Estas normas fijan unos requisitos mínimos de acuerdo con las prácticas a nivel internacional y europeo (CEAC) y siguiendo las orientaciones del Convenio de Montreal en cuanto a pasajeros, equipaje y carga, y la estructura del convenio de Roma en cuanto a la responsabilidad ante terceros. 2.3 Los requisitos mínimos de seguro introducidos a nivel comunitario se entienden sin perjuicio de los diversos regímenes de responsabilidad que existen en el mundo entero y que se rigen por normas de convenios internacionales, como los de Varsovia y Montreal acerca de la responsabilidad por daños a pasajeros, equipaje y carga, y el Convenio de Roma por lo que se refiere a daños a terceros, así como por el derecho comunitario 4 y el derecho nacional COM (2001) 574 final de : Comunicación de la Comisión al Parlamento Europeo y al Consejo sobre las consecuencias de los atentados sufridos por los Estados Unidos para la industria del transporte aéreo y COM (2002) 320 final de : Comunicación de la Comisión sobre los seguros en el sector del transporte aéreo tras los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001 en los Estados Unidos. Reglamento (CE) n 785/2004 del Parlamento Europeo y del Consejo del 21 de abril de 2004 sobre los requisitos de seguro de las compañías aéreas y los operadores aéreos, DO L 138 de , p.1 Reglamento (CEE) n 2407/92 del Consejo, de 23 de julio de 1992, sobre la concesión de licencias a las compañías aéreas. Reglamento (CEE) n 2027/97 del Consejo, de 9 de octubre de 1997, sobre la responsabilidad de las compañías aéreas en caso de accidente, DO L 285 de , p. 1, modificado por el Parlamento Europeo, y el Reglamento (CE) n 889/2002 del Consejo, del 13 de mayo de 2002, aplicable a las compañías aéreas comunitarias, DO L 140 de , p. 2.\n3 - 3 - EC/15, LE/7 3. PRINCIPIOS Y CONCEPTOS EN LOS QUE SE BASAN LAS NUEVAS NORMAS 3.1 Como la legislación sobre los requisitos mínimos está pensada de manera que interactúe tanto con el convenio de Montreal como con el futuro convenio de Roma, se llama la atención de la Asamblea de la OACI sobre los principales principios y conceptos de las nuevas normas: Todos los transportistas aéreos y explotadores de aeronaves con independencia de su nacionalidad están obligados sin distinción alguna, cuando entran o salen del territorio de un Estado miembro o vuelan por encima de éste, a contar con un seguro de riesgos básicos y de riesgos de guerra y terrorismo con respecto a daños a pasajeros, equipaje, carga y terceros, sin el cual no se autoriza su entrada en la Comunidad. Los transportistas aéreos y, cuando así se les pida, los explotadores de aeronaves, acreditarán que cumplen los requisitos de seguro establecidos en el Reglamento proporcionando a las autoridades competentes del Estado miembro un depósito de póliza de seguro o cualquier otra prueba de seguro válida. El Reglamento obliga a los Estados miembros de la Comunidad Europea a asegurarse de que los transportistas aéreos y los explotadores de aeronaves cumplen las normas comunitarias. Cuando sea necesario, los Estados miembros podrán solicitar pruebas suplementarias al transportista aéreo, al explotador de aeronaves o al asegurador. Los Estados miembros de la Comunidad Europea tienen la obligación de sancionar las infracciones de las nuevas normas tomando medidas eficaces, proporcionales y disuasorias. Respecto de los transportistas aéreos comunitarios, las sanciones podrán incluir la retirada de la licencia de explotación, sujeta a las disposiciones correspondientes sobre concesión de licencias y de conformidad con ellas. Respecto de los transportistas aéreos no comunitarios y de los explotadores de aeronaves que utilicen aeronaves matriculadas fuera de la Comunidad, las sanciones podrán incluir la denegación del derecho a aterrizar en el territorio de un Estado miembro de la Comunidad Europea. Cuando los Estados miembros consideren que no se cumplen las condiciones del Reglamento, no permitirán que una aeronave despegue hasta que el transportista aéreo o el explotador de aeronaves en cuestión presente pruebas de que cuenta con la cobertura de seguro adecuada según lo dispuesto en el Reglamento. En casos excepcionales de disfunción del mercado de los seguros, está previsto un procedimiento especial según el cual la Comisión puede determinar las medidas adecuadas para la aplicación de los principios de las nuevas normas. Los requisitos mínimos de seguro para la responsabilidad respecto a pasajeros son los siguientes:\n4 EC/15, LE/7-4 - Categoría de aviones Aviones con masa máxima de despegue (MTOM).J HQ RSHUDFLRQHV QR comerciales Aviones con MTOM.J HQ RSHUDFLRQHV comerciales Aviones con MTOM > 2700 Kg en todos los tipos de operaciones Seguro mínimo (DEG por pasajero) El requisito mínimo de seguro para la responsabilidad por el equipaje se fija en DEG por pasajero en operaciones comerciales. El requisito mínimo de seguro para la responsabilidad por la carga se fija en 17 DEG por kilogramo en operaciones comerciales. Los requisitos mínimos de seguro para la responsabilidad respecto a terceros son los siguientes: Categoría MTOM (Kg) Seguro mínimo (millones de DEG por aeronave y por accidente) 1 < 500 0,75 2 < ,5 3 < < < < < < < Si en algún momento un transportista aéreo o explotador de aeronaves no dispusiera de la cobertura de seguro respecto a los daños a terceros debidos a riesgos de guerra o terrorismo a partir de un cálculo establecido por cada accidente, puede cumplir sus obligaciones de asegurar tales riesgos con un seguro global. La Comisión vigila de cerca la aplicación de esta disposición para asegurarse de que el seguro global sea al menos equivalente a la cantidad correspondiente establecida en el cuadro.\n5 - 5 - EC/15, LE/7 El Reglamento se aplica directamente a todos los Estados miembros de la Comunidad Europea a partir del 30 de abril de 2005, un año después de su publicación en el Diario Oficial de las Comunidades Europeas 5. Mientras tanto, los Estados miembros están sujetos a la obligación general estipulada en el artículo 10 del Tratado constitutivo de la Comunidad Europea. En particular esto significa que tienen la obligación de tomar todas las medidas generales o particulares apropiadas para asegurar el cumplimiento de las obligaciones derivadas del Tratado o resultantes de actos de las instituciones de la Comunidad. También tienen la obligación de facilitar el cumplimiento de la misión de la Comunidad y de abstenerse de cualquier medida que pudiera poner en peligro la realización de los fines del Tratado. En la práctica, esto quiere decir que los Estados miembros deben abstenerse de aprobar medidas que dificulten la aplicación del Reglamento a partir del 30 de abril de FIN 5 DO L 138 de , artículo 11.\nÍNDICE. 1. La protección de las personas con discapacidad en el derecho originario. B) La Carta de los Derechos Fundamentales de la Unión Europea\n1 ÍNDICE - INTRODUCCIÓN - CAPITULO I La Unión Europea ante las personas con discapacidad: La construcción de un sistema de protección en la materia. - CAPITULO II El contenido de la Política de la Unión


Molina expulsado tras arrojar su casco - Historico - Grupo Multimedios\nMolina expulsado tras arrojar su casco\n3 de junio de 2013 / 06:48 a.m.\nEl receptor puertorriqueño de San Luis, quien fue expulsado en la tercera entrada de la victoria de los Cardenales por 4-2 sobre San Francisco la tarde del domingo, no estaba enojado con el umpire de primera base Clint Fagan por la jugada.\nMolina estaba enojado consigo mismo.\n"Sé que estaba out", dijo Molina. "No estaba enojado con el umpire. Estaba enojado con la jugada".\nMolina arrojó su casco al suelo con enojo después de que lo declararon out en una jugada cerrada en la primera base. El parador en corto Brandon Crawford atrapó un batazo fuerte de Molina en lo profundo del cuadro y lo retiró para terminar la amenaza con dos corredores en base.\nEl manager de San Luis Mike Matheny salió a apoyar a Molina y también fue expulsado por Fagan.\nMolina fue expulsado por tercera ocasión en su carrera y primera desde el 2 de agosto de 2011 en Milwaukee. Matheny fue expulsado por tercera vez como manager.\n"Él nunca dijo una palabra al umpire", dijo Matheny. "Él estaba frustrado porque pensó que la bola iba a pasar y que sería una carrera para nuestro club. Es una lástima. El chico (Molina) juega con pasión. No sé cómo se puede determinar eso (la expulsión) si no se está prestando atención".\nChad Gaudin obtuvo la victoria en su primera apertura en más de tres años, mientras que Brandon Belt rompió un empate en la pizarra con un doblete productor de dos carreras como bateador emergente.\nEl triunfo puso fin a la cadena de siete derrotas consecutivas de los Gigantes como visitantes.\nGaudin (1-1) lanzó seis entradas en su primera apertura desde el 28 de septiembre de 2009 cuando jugaba para los Yanquis de Nueva York. Permitió cuatro imparables y dos carreras, ambas por cuadrangular de David Freese en el cuarto episodio. Gaudin reemplaza temporalmente a Ryan Vogelsong en la rotación. Vogelsong se fracturó varios huesos de la mano derecha el 20 de mayo.\nEn Baltimore, Kevin Gausman contuvo a los Tigres de Detroit durante seis entradas, frustrando en el camino al venezolano Miguel Cabrera.\nNo obstante, el novato de los Orioles estuvo en riesgo de sufrir su tercera derrota seguida; hasta que Chris Davis y Baltimore finalmente obtuvo lo mejor de un fatigado Rick Porcello para vencer a los Tigres por 4-2.\nEn su debut en casa, Gausman retiró a los últimos seis bateadores que enfrentó. El novato de 22 años culminó su apertura con un ponche de strike cantado ante Cabrera, el vigente Jugador Más Valioso de la Liga Americana\n"Él es el mejor bateador en el béisbol. Yo sólo traté de realizar mis lanzamientos y mantener todo abajo", comentó Gausman sobre Cabrera. "Si uno no tiene un buen inning contra él, te puede hacer pagar por ello. Fue una buena batalla; fue divertido", agregó.


Sab Jul 11, 2020 8:11 pm\n“Para decidir quiénes son los merecedores de cada galardón se considera sobre todo en el éxito comercial del artista. «No se valoran criterios de calidad, sino que se tienen mucho más en cuenta el número de reproducciones y visualizaciones que los artistas consiguen con sus canciones y videos en tod...\nSab Jul 11, 2020 8:06 pm\nEl idilio de Sigfrido lo compuso para l nacimiento de su hijo y el u maléalos de Cósima...\nJue Jul 09, 2020 9:27 pm\nAy con la Iglesia Wagneriana hemos topado. Wagner compuso algunas otras cosas pero básicamente se entregó a la ópera según su concepto de arte total, donde escribía el libreto, la música, inventaba instrumentos e ideaba escenografias, incluso un teatro dedicado. Las ópera de Wagner tienen tres perio...\nMié Jul 08, 2020 12:03 pm\nTema: Apuntes de Armonía: Introducción - Índice\nXinver muchísimas gracias por lo que te has currado, me he guardado la dirección de tu blog en favoritos! Llevaba unos cuantos días intentando adentrarme en el mundo de la armonía por internet, pero o encontraba explicaciones que me empezaban a hablar directamente de reglas y conducción de voces, o...\nLun Jul 06, 2020 2:04 pm\nCasi no llegan a tiempo de darle el Premio Princesa de Asturias.\nSab Jul 04, 2020 5:14 pm\nYa está adjudicado.\nSab Jul 04, 2020 1:05 pm\nTema: A ver que os parece esta sonata de piano de Samuel barber\nDespués de unos días escuchando Schoenberg, durillo al principio por la falta de costumbre a lo atonal... me pregunto... ¿debe ser bastante difícil componer algo atonal sin dejarse caer en la tonalidad no? Quiero decir que lo tonal es por tradición la música que nos rodea y que oímos por todas part...\nMié Jul 01, 2020 9:40 pm\nCreo que ni yo lo habria explicado mejor Draku, gracias :) Despreciar no es ni mucho menos la palabra correcta. Pero si lo es que me cause, a bote pronto, incredulidad que os gusten ciertas piezas tengo que admitir. (bueno no tengo que admitirlo es bien obvio :)) Luego en cuanto lo pienso mas deten...\nMié Jul 01, 2020 9:36 pm\nEs cromática, sí por supuesto. Una pregunta Xinver, cuando dices que es cromática ¿te refieres a que es dodecafónica? El otro día me empecé a leer un libro de historia de la música (Historia sencilla de la música, de José Luis Comellas) por eso de no quedarse sólo en las teclas y aprovechar los rat...\nPues a mi me parece una obra maravillosa, el adagio es muy lírico y profundo. La verdad es que estoy hasta el moño de que cada vez que se menciona un compositor contemporáneo se salgan con los chascarrillos de turno. Hala, no pasa nada, si no te gusta pues dilo como quieras. De todas formas, decir q...\nPara liarla más a veces se lee: legatissimo....\nY si no el portato\nCaptura de pantalla 2020-06-27 a las 19.55.41.png


Carrera del desfile\nLa interpretación y la recepción de carrera\nJacqueline Bracamontes van Hoorde (nacido el 23 de diciembre de 1979) es una actriz mexicana, el ganador modelo y ex-de Nuestra Belleza México.\nJacqueline Bracamontes nació en Guadalajara, Jalisco, México a Jesús Bracamontes, el ex-entrenador del equipo del fútbol mexicano popular Chivas Rayadas del Guadalajara, y Jacqueline van Hoorde, un mexicano de la ascendencia belga. Es la más vieja de tres niños, tiene una hermana Alina, y un hermano, Jesús, Hijo, Su padre es actualmente un analista del fútbol para la red de televisión hispana-americana la Univisión.\nDespués de la escuela secundaria, Bracamontes se trasladó a Francia para estudiar francés. Entonces volvió a México y estudió la Ciencia de Comunicación en el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Occidente. Mientras allí, comenzó a trabajar como un modelo. Habla español, francés e inglés con soltura.\nDespués de verla en una portada de la revista, Lupita Jones, la exseñorita Universe, se puso en contacto con ella y pidió que ella entrara en Nuestra Belleza México. Bracamontes continuó a ganar los títulos de belleza estatales y nacionales y representar México en la señorita Universe 2001, que ocurrió en Puerto Rico.\nCoronándose la Miss México en 2000, Bracamontes decidió perseguir una carrera de televisión. Comenzó su carrera que presienta varios programas del premio y programas especiales, incluso Acafest, Premios TVyNovelas y Fiesta Mexicana.\nUn fútbol aficionado, en el agosto de 2008 se hizo el anfitrión de un radioshow de deportes mexicano en la Visión de la mañana y fue invitada más tarde por la Univisión a ser un anfitrión y el corresponsal de la Copa del mundo de la FIFA de 2002. También ha trabajado con Televisa Deportes.\nEn 2003 se echó en Alegrijes telenovela mexicano y Rebujos, producido por Rosy Ocampo. Un año más tarde, consiguió un papel en la telenovela popular Rubi, junto a Bárbara Mori y Eduardo Santamarina.\nEn 2006, consiguió su primer papel principal en el Mexican novela Heridas de Amor, junto al brasileño el actor nacido Guy Ecker. El programa se transmitió en varios países.\nEn la Primavera 2007, Bracamontes se echó en su primera película, Cuando Las Cosas Suceden titulado, desempeñando el papel de una monja llamada a Lucia. Más tarde ese año, brevemente devolvió a la recepción con el programa concurso mexicano a De Por Vida, pero el espectáculo rápidamente se anuló.\nEn 2008 ella estrellado en Las Tontas No Van al Cielo telenovela mexicano comedic, junto a Jaime Camil, que tenía sumamente éxito tanto en el mercado latinoamericano como en de los Estados Unidos.\nDespués de terminar rodaje con Las Tontas No Van al Cielo, ella estrellado en Sortilegio, con el actor cubano Guillermo Levy. El rodaje completado en el octubre de 2009.\nJacqueline Bracamontes se eligió como uno de los asesinos en la serie popular Mujeres Asesinas que se espera al estreno en la caída 2010.\nJacqueline Bracamontes es una admiradora del club del fútbol mexicano Chivas de Guadalajara.\nSe casó con Martin Fuentes, un hombre de negocios mexicano, el 1 de octubre de 2011 en Guadalajara.\n2002: Teletón (México) - Presentadora\nCala de Vasai