Galería de Arte Venezolano en la Web: 2012\n2da Fería de Artes Visuales\nUnearte Plaza Morelos\nObras de Arte en mediano y pequeño formato, de artistas emergentes y maestros.\nJueves 20 a las 3 pm taller de creatividad con la GAN en la Expoferia del arte de\nViernes 21 a las 3 pm Taller de Dibujo con Edgar Guerrero\nUnearte Bellas Artes\nEl 7 de diciembre de 2012 en la Fundación Banco Industrial de Venezuela el arte se viste de gala con 6 muestras.\nEl 7 de diciembre de 2012 a las 11 am.\nLa Fundación Banco Industrial de Venezuela , se viste de gala con 6 exposiciones.\nDel Coquivacoa para el Guaraira Repano\nHomenaje rendido por estos creadores regionales hacia la montaña que engalana nuestra ciudad capital. Participantes: Luis Cuevas, Edgar Queipo, Gregorio Rubio, Marco Cardenas,Wilmer Lugo, Nerio Quintero, Antonio Vargas, Gustavo Raffe, Carlos Ramos, Ender Colina, Roberto Camprovin, Eduardo Ramos.\nTextiles Táctiles. Unas palabras sobre el hilo y la mano.\n“El tejido en una dimensión artística, más allá de lo artesanal, me ha permitido expresarme ampliamente, jugar con texturas, colores, asociaciones y sentimientos, crear obras tridimensionales, figurativas, abstractas y hasta cinéticas. Como para el óleo y la tela, tampoco hay limitaciones para el hilo y la mano”.\nEl universo creador de Héctor Mancera y sus Visiones Cósmicas\nRecopilación e inventario de toda la información acumulada por el artista, en torno a los diversos estados paranormales y “contactos del tercer tipo” que asegura haber tenido desde hace más de quince años, luego de haberse instalado en los sublimes parajes del páramo merideño, en particular, en la población de San Rafael de Mucuchíes y sus alrededores.\nCentro Artístico y Publicitario Martinis\nBelleza natural de los paisajes de venezolanos, a través de sus lápices y pinceles.\nAvenida Universidad, esquina de Traposos, Edificio Banco Industrial de Venezuela (BIV), Mezzanina\nTeléfonos (0212) 5152511—Fax (0212)5162509\nTIERRA CONSAGRADA, del maestro Octavio Russo\nEl Centro Docente La Trinidad homenaje a la memoria Dra. Graciela Mathison Monserrat con la inauguracion de la exposiciòn: TIERRA CONSAGRADA, del maestro Octavio Russo. El exito de esta exposiciòn permitirà contribuir en el desarrollo de los programas sociales institucionales.\nLugar: Espacio Lobby CMDLT.\nFecha: 6 de Diciembre de 2012.\nMaría Eugenia y Eduardo tiñen sus sueños de azul natural\nLos artistas inauguran el jueves 6 de diciembre en la Sala TAC\nEn la muestra "Azul índigo" presentan 16 piezas CORTESÍA SALA TAC\nMaría Eugenia Dávila y Eduardo Portillo han trabajado durante 10 años con el azul del cielo en el Taller Morera. Los artistas merideños han recorrido el mundo en busca de las hojas de añil -azul índigo- para teñir sus tejidos. México, Ecuador, Perú, Tailandia y China han sido algunos de los países que han visitado para hallar lo que ellos llaman "el azul natural".\n"El azul es muy difícil de conseguir en la naturaleza. No es común en las plantas. La fórmula era teñirlo de índigo, pero el natural desapareció cuando se creó el sintético. Nosotros hemos buscado las hojas para cultivarlas y producirlas. Es el azul que los merideños vemos cuando se despeja la montaña", cuenta la artista María Eugenia Dávila.\nEs justamente este color el hilo conductor de la exposición Azul índigo que inaugura el jueves 6 de diciembre en la Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), dentro de Centro Comercial Paseo Las Mercedes. Se trata de 16 textiles, en mediano formato, que fueron tejidos al ritmo de las horas del día.\n"Están relacionadas con las cosas que vemos: el cielo o el mar. Las piezas están distribuidas en la sala por el ritmo de las horas del día. Las obras reciben el nombre de amanecer, atardecer, alba y anochecer. Además, representan las nubes y el color de la luna. Todas llevan varias tonalidades de azul", aclara.\nLos tejidos, realizados durante un año, son obras de pared. "Son formas tejidas muy complejas", asegura la creadora de las telas tejidas con hilos de seda -que producen en el Taller Morera gracias a la cría de gusanos-, algodón, lana y fibras como moriche, chiquichique, curagua, además, de la combinación de hilos metálicos.\nEs en el Taller Morera en donde realizan las investigaciones para teñir las piezas que crean. Aparte de las hojas de añil, usan la semilla del aguacate, hojas de corteza de eucalipto, semillas de onoto, cáscara de cebolla y otros elementos naturales con los que consiguen una amplia gama de tonalidades.\n"El azul está relacionado con las cosas inalcanzables, pero que todos los días nos acompañan. Incluso, tiene un significado en algunas culturas del mundo. Es el único color que, al teñirlo, se pasea primero por el amarillo y el verde antes de volverse azul. Todo eso pasa frente a tus ojos. Es un trabajo largo que parte por la obtención del añil y de los hilos", concluye.\nARTES PLÁSTICAS | ENTREVISTA ANA MARÍA MAZZEI, ARTISTA PLÁSTICO\n"Detrás de estas obras hay un paisaje metafórico"\n"Decidí radicalizar el discurso (...). Quizás, este no es el momento para estar cociendo"\nLa artista inaugura el domingo la exposición "Azimut" en la galería D' Museo en el Centro de Arte Los Galpones NICOLA ROCCO\nDUBRASKA FALCÓN , ANA MARÍA MAZZEI , ARTISTA PLÁSTICO | EL UNIVERSAL\nRasgada. Así está Ana María Mazzei (Caracas, 1946). Está cortada... como sus obras más recientes. Detrás de unas piezas en madera, monocromáticas y minimalistas, se esconden fisuras casi imperceptibles. Todas simétricas, pero cortadas quirúrgicamente por el mismo motivo: la situación del país. "Son los cortes de la vida. Del momento difícil que estamos pasando en Venezuela", comenta la creadora.\nA través de 25 obras en mediano formato, algunos dípticos y otros trípticos, la artista expone las rasgaduras que le produjo esta tierra en Azimut. La muestra, que inaugura mañana, toma la sala de galería D' Museo dentro del Centro de Arte Los Galpones, en Los Chorros. "Aquí utilizo las rasgaduras y los cortes a través de la madera y las betas. En eso se basa la exposición. En un principio, las betas penetran en el color a través de estas fisuras. He querido resumir aquí muchos de los temas que trabajé en mis primeros tiempos con el dibujo", explica.\nEsta no es la primera vez que Mazzei utiliza las fisuras en su trabajo. Ya lo hizo con sus dibujos de grafito sobre papel. Pero a estas rasgaduras las tejía. Las cosía con alambres. "Tapaba esas rasgaduras", recuerda.\nEn Azimut no hay costuras evidentes. Tan solo queda el corte. Seco. Sin cura. "Quizás este no es el momento para estar cociendo. Estas fisuras, estas rasgaduras, están dentro de cada uno. Son mis rasgaduras internas. Esta es una obra bastante esquemática y minimalista, pero cuando te acercas te das cuenta que hay una fisura. Detrás de ella se encuentra otro mundo", confiesa Ana María Mazzei acerca de las piezas que realiza con madera industrial.\nIncluso en dos de los dípticos que expone, la artista decidió colocar unos alambres sueltos. Largos hilos que aún no llegan a coser las rasgaduras del alma de Ana María Mazzei. "Decidí radicalizar el discurso. Detrás de estas obras geométricas existe un paisaje más metafórico. Aquí no está solo el elemento de las formas. Es más bien un proceso de reflexión que vas depurando a través de tu vida. Te vas despojando de cosas que en el momento son muy poéticas", dice.\nLa primera vez que la artista incluyó el geometrismo en su obra fue cuando expuso en 1993 en una de las salas de la Galería de Arte Nacional. Ya había ganado el premio Arturo Michelena. Decidió introducir la figura geométrica colocando relojes de sol y horizontes artificiales, similares a los que utilizan los pilotos de aviones. Hoy, la geométrica retoma el espacio y se amolda a la poesía de la artista.\n"Ya la geometría salió a la superficie y tomó un espacio concreto. Ya esto salió del cuadro y de la pintura y tomó un espacio concreto. Es un elemento que flota dentro del espacio global de la galería. Con la madera que utilizó en esta exposición descubro las formas y los colores que tendrá la pieza. Es un elemento industrial que te da la libertad de hacer arte (...). Aquí, en Azimut, el exquisito soporte industrial desmitifica lo hecho a mano dándole importancia al refinamiento obtenido a través del diseño", concluye la Mazzei.\nDomingo 2 de diciembre 2:30 pm, Crónicas de las Mujeres que Inquietan a los Hombres de Nicomedes Febres. D'Museo 8va Transversal con Av. Ávila, Los Chorros\nMemoria para llevar es una exhibición íntima donde se muestran diferentes intervenciones a la bolsa de La Librería de la Sala Mendoza por parte de 13 jóvenes artistas. Los creadores en sus intervenciones, le imprimen a estas emblemáticas bolsas de los años 70 un nuevo contenido, una nueva identidad, para que nuestro público las compre y las lleve a casa. Lo recaudado en esta muestra será donado al fondo del Centro Documental y destinado a su reestructuración, expansión, así como a la digitalización y promoción del material documental.\nAula Magna: Pinturas y fotografías de Javier León\nPinturas y fotografías son parte del reciente conjunto de obras, que en esta oportunidad nos presenta Javier León. La serie titulada Aula Magna pone de relieve la importancia de este monumento arquitectónico realizado por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva como demostración de la mejor integración entre arquitectura y arte que se ha realizado en Venezuela, los Stabile, Nubes o Platillos como son llamados estos imponentes elementos escultóricos realizados por Alexander Calder, que además de su contundente armonía estética cumplen una función acústica para el espacio que integran, son tomados por el artista como significante de este proyecto de modernidad, que fue sueño de progreso como ciudad, como comunidad y mejor país.\nDesde lo pictórico pero con un planteamiento conceptual, la propuesta es parte de un proyecto que profundiza en la revisión analítica del arte nacional, el artista se apropia de la creación de otros para darle una reformulación que los acerca al espectador en un nuevo escenario que permite traer a la memoria una constante reflexión de las aspiraciones de un país que quiso alcanzar una modernidad de la cual quedan solo evidencias convertidas en anhelo.\nLa inauguración de la exposición Aula Magna se llevará a cabo el domingo 25 de noviembre a partir de las 11:00 am.\nDe martes a viernes de 11:00 am a 1:00 pm y de 2pm a 6pm, y los sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.\n‘Las Nubes’ de Javier Leon\nUna de las particularidades del lenguaje plástico contemporáneo lo constituye su pluridiversidad conceptual, formal y consecuentemente expresiva: asunto que podría reconocerse, en una primera lectura, como la capacidad de este medio visual de asimilar los cambios que tienen lugar en el ámbito tecnológico y convertirlos en recursos propios. Dentro de esa nueva y amplia visión, pero con otro enfoque del propósito del arte, es evidente el interés de numerosos creadores de plantear temas que particularizan los problemas de la sociedad.\nNo obstante, para muchos otros artistas las nuevas posibilidades del lenguaje plástico, centradas en la poderosa capacidad comunicacional de la imagen, pueden seguir expresándose a través de los medios que podríamos reconocer como tradicionales pero percibidos y expresados desde una perspectiva actual, vinculados a temas y propuestas que forman parte de la historia del siglo XX. Se trata ahora de una revisión crítica de momentos o discursos emblemáticos de la plástica con la finalidad de re-encontrar en el análisis formal las claves que dan sentido a ese proceso creativo. Desde este espacio de reflexión se inserta el trabajo reciente de Javier León, un artista que se identifica con la noción del arte como discurso conceptual, sin embargo, aun afianzado en la idea no abandona el valor de lo pictórico, precisamente por su importancia como transmisor de mensajes. Ese enfoque del hacer del artista se centra en el tiempo heroico de la modernidad nacional, plena de realizaciones y resultados de importancia histórica.\nPercibimos su propuesta como parte de un proyecto fundado en su intención de profundizar en la revisión interesada, pero esencialmente analítica, de ejemplos singulares del arte nacional, dentro del cual ya ha presentado varias realizaciones. En este contexto propone un “encuentro” con el Aula Magna de la Ciudad Universitaria de Caracas, Patrimonio Moderno de la Humanidad, proyecto emblemático que une la arquitectura de Carlos Raúl Villanueva con la obra del escultor Alexander Calder, reconocido como ejemplo excepcional de la integración de las artes. Esa obra le permite a León, no sólo puntualizar los valores alcanzados con su realización, sino, de igual modo, cuestionar el concepto articulador de la CUC como valor fundamental en los procesos de reconstrucción de la identidad.\nLos plafones acústicos creados por Calder, aquellas Nubes de los años cincuenta, reinventadas ahora por León para convertirlas en formas pictóricas le muestran al espectador una nueva lectura de un conjunto concebido y realizado dentro de la concepción vanguardista de la época. Una realización de carácter\nabstracto de voluntad constructiva cuya concepción se fundaba en la integración armónica de la arquitectura y el arte, así las obras presentadas por León: Nubes 1, De la ciudad moderna, y Stabile, entre otras más, todas realizadas en el presente año, en las que el creador enfatiza la importancia del color, nos acercan a una lectura distinta pero significativa de la propuesta calderiana. Reformula la obra original no solo como forma, sino que plantea una visión del acto creador que se asocia a su experiencia de artista conceptual.\nPropone una obra que de manera repentina enfrenta al espectador a una imagen cercana en su memoria, tal vez muy próxima en su experiencia cotidiana, pero esencialmente distinta como propuesta plástica, y sin embargo, sigue siendo una viva referencia a la obra excepcional que acompaña el ámbito sagrado del Aula Magna. En este sentido, y con la intención de reforzar la referencia al espacio simbólico, León acompaña su trabajo con fotografías que marcan hitos emblemáticos a su alrededor.\nLas formas espaciales creadas por Calder para ese recinto, cumpliendo de manera rigurosa su decisión, se hallan en lo alto suspendidas, altivas y serenas a un tiempo, formas sugerentes que a diferencia de las nubes de nuestra cotidianidad permanecen estáticas, inmóviles dentro del espacio monumental. Pero en la propuesta de León se han hecho accesibles al espectador, cercanas como hecho plástico, convertidas en planos de color. En piezas como De la ciudad Moderna y Platillos voladores, el dinamismo que las configura propician procesos vibratorios que por momentos son percibidos como vibraciones de color cercanas a las expresiones cinéticas.\nLos platillos ucevistas, trasladados ahora a una tela que les sirve de soporte, se han convertido en realidades que escapan de los límites de la arquitectura. Creaciones que se articulan en el espacio y le plantean al espectador un nuevo escenario de reconocimiento alrededor de un hecho consagrado en la historia. A partir de esta experiencia es posible que surjan nuevos temas de reflexión, y por qué no, ¿de discusión?\nTerry Smith – Contaminados\nQuince artistas de diferentes generaciones indagan en la mezcla e hibridez de lenguajes en el arte actual en el proyecto expositivo que se presenta en la Sala Mendoza, bajo la curaduría de María Elena Ramos\nLa mezcla de lenguajes es frecuente en el arte contemporáneo, volviéndose éste cada vez más abierto, múltiple y sincrético, es decir, híbrido en el uso de géneros y tecnologías. Atendiendo a esta situación específica, la del arte que enfrenta antiguas especializaciones y se abre a otros géneros clásicos y, también, a los medios de esta época, la Sala Mendoza presenta Contaminados.\nBajo la curaduría de María Elena Ramos, con museografía de Rafael Santana y Maitena De Elguezábal, esta muestra colectiva indaga en la mezcla e hibridez de lenguajes y “ahonda en los conceptos de un arte ‘impuro’ frente al arte ‘puro’ de los antiguos géneros, superando la ‘pureza’ que exigía una disciplina artística única y especializada para cada obra. Lo contaminado es aquí lo contrario de lo impoluto, es lo que ha incorporado y aceptado la interrelación de lo distinto, el contagio incluso, la transmisión, los cruzamientos e injertos entre muy diferentes procesos y discursos. Así, pureza e impureza, lenguaje específico vs conexión de lenguajes, mestizajes y cruzamientos serán ideas centrales en este proyecto”, explica Ramos.\nMagdalena Fernández, Corina Briceño, Mariana Rondón, Anita Pantin, Terry Smith, Javier León, Andrés Michelena, Enay Ferrer, Julio Pacheco, Luis Molina-Pantin, Pedro Morales, Miguel Von Dangel, Alfredo Ramírez, Misael Carpio y Kruskheylim Jhamaly son los creadores que integran el proyecto expositivo. Estos quince artistas representan diversas generaciones, desde reconocidos maestros, jóvenes con obra ya divulgada en Venezuela y el exterior, así como otros muy nóveles, desconocidos y aún en su proceso de tesis en la Universidad de las Artes.\nPese a las diferencias de los participantes, a través de sus obras se evidencia ese sincretismo al que alude Ramos: el pintor o el escultor que hacen uso del video, la valla urbana, la fotografía, la computadora, Twitter y otras redes sociales, valiéndose de diversos formatos y soportes. “No se trata ya de que un mismo creador pueda realizar sus obras en distintos momentos con muy diversos lenguajes, sino más bien de que, en una misma propuesta visual, un artista logre fusionar y hacer simultáneos muy distintos medios. Es precisamente gracias a tal mezcla —vivaz y actuante— como una obra de esta naturaleza puede llegar a existir”.\nSi bien Contaminado puede ser lo que trasciende sus límites, también es lo que recibe en sí diversidades ajenas. Más allá de la hibridación del lenguaje, el proyecto muestra cruzamientos temáticos, espaciales, de temporalidades convertidas en simultáneas, de referencias visuales de artistas de otras épocas que son incorporados a las obras, de lo figurativo y lo abstracto interpenetrándose; es por ello que muchas de las obras que lo integran pueden revisarse como afines al concepto de “obra abierta”.\n“Así en estos procesos contaminantes puede darse tanto un acercamiento espacial que quisiera anular todo límite como, en otros momentos, el alejamiento de unas formas desde las otras, con una —menos o más consciente— distancia crítica. La curaduría hace ver que son muchas las posibilidades del acto contaminante: recreación, generación y degeneración, revelación y puesta de relieve, integración y síntesis, multiplicación, simultaneidad, fragmentación, extrañamiento”, dice María Elena Ramos.\nContaminados responde al concepto de muestras colectivas temáticas, orientadas hacia la profundización en aspectos específicos del arte contemporáneo. Inaugura el domingo 2 de septiembre y permanecerá abierta hasta el 15 de diciembre de 2012, con horario de visita de martes a viernes, de 8:30 am a 4:30 pm, sábados 8:30 a 3:00 pm y domingos, de 11:00 am a 3:00 pm. Además, habrá una programación de eventos especiales, como charlas abiertas al público, encuentros con la comunidad universitaria, actividades virtuales, literarias y musicales, todo en correspondencia con el espíritu híbrido del proyecto.\nInauguración: Domingo, 2 de septiembre de 2012 – 11:00AM\nCualquier información adicional puede ser solicitada por la página web: www.culturachacao.org, o a través de las cuentas de Twitter: @culturachacao y @CculturalChacao Facebook: Centro Cultural Chacao.\nDel 25 de noviembre de 2012 al 17 de febrero de 2013\nInaguración: Domingo 25 de noviembre,11:30 a.m.\n“Gego y los orfebres”: exhibición en “La Ventana”, Los Galpones\nProyecto de estudio, investigación, creación en orfebrería y exposición, desarrollado a partir de la obra de Gego (Gertrud Goldschmidt), Hamburgo, 1912-1994. Exhibición del 18 de noviembre al 21 de diciembre en ArtKao, Centro de Arte Los Galpones.\nProyecto de estudio, investigación, creación en orfebrería y exposición, desarrollado a partir de la obra de Gego (Gertrud Luise Goldschmidt), Hamburgo 1912-1994.\nEl objetivo primordial de la curadoría ha sido vincular el pensamiento plástico de Gego, desde el punto de vista de conceptos constructivos, técnicas y expresión estética, con la joyería contemporánea. La iniciativa ofreció a los creadores de este oficio, un camino de estudio y metodología en provecho de su desarrollo particular, además de la posibilidad de presentar al público una visión integradora del arte y rendir homenaje a Gego en la conmemoración de los cien años de su natalicio.\nA tales fines se realizó una convocatoria abierta a la que aplicaron 54 participantes, se recibieron 35 propuestas y 13 fueron seleccionadas. El jurado estuvo integrado por dos miembros de la Fundación Gego: Priscilla Abecasis y Bárbara Gunz, además de Josefina Manrique, un orfebre invitado: Christian Gramcko y la curadora de este proyecto Josefina Núñez.\nLos orfebres que participan en la muestra son: Maritza Alayón, Alejandra Álvarez, Ana Mercedes Carvallo, Marianela Centeno, Graciela Gómez, Seymar Liscano, Begonia Matamoros, José Rafael Pineda, Teresa Sansón, Mercedes Sergheiev, Yolanda Sucre, Rafier Vera y Annabell Villet.\nEn los zapatos de Gego\nMúltiples han sido los puntos de partida de los orfebres. Del mismo modo, las asociaciones, variaciones e interpretaciones propuestas. El reto ha consistido en establecer un acuerdo entre el trabajo del participante y la diversidad de aspectos que la obra de Gego propone. Desde el manejo ceñido de su lenguaje plástico, mostrando los elementos formales de la composición (punto, línea, plano y espacio) de manera sobria, sincera e integrada, sumado a una postura vigorosa y alegre, Gego apunta a resoluciones magistrales en todos los órdenes. Así lo testimonian quienes asumieron este proyecto-taller. Reconocen en su obra un paradigma que, bien estudiado, conduce a una comprensión profunda del hecho constructivo. Y qué es el orfebre sino un constructor plástico.\nEl punto inicial a vencer en este ejercicio, ha consistido en no dejarnos engañar por la sencillez de Gego. La sintesis que ella logra es producto de una práctica de decantación consciente. Afortunadamente se percibe, en los trabajos que componen esta muestra, el reconocimiento de que la gracia no se improvisa. Se recibe como un don o no se recibe.\nUno de los aspectos de Gego que más ha motivado a los orfebres ha sido el dibujo tridimensional. El comportamiento de la línea dentro del plano y cuando parte hacia el espacio. Cómo producir relieves, cómo generar volumen. De este modo se han abordado los temas de Gego, sus grabados de los años sesenta, sus mallas, chorros, retícularea, dibujos sin papel, bichos y bichitos. En segundo lugar, la concepción modular o eslabón maestro como principio constructivo. El partir de una forma que se multiplica a fin de crecer estructuradamente en el espacio. No menos importante, vinculado a lo modular, son los sistemas de articulación que Gego llamaba anudamientos y que en orfebrería se entienden como micromecánica: procedimiento clave en la concreción de una joya. Otra posibilidad de lo modular consiste en crear una forma y variables a partir de ella. Este recurso lo vemos también aprovechado en no pocos de los trabajos. Un tercer elemento geguiano que ha servido de trasfondo, ha sido la visión de la trama-tejido-urdimbre como materia escultórica, liviana y transparente. Gego no se consideraba una escultora (en el sentido tradicional del término) porque ella no trabajaba con la masa solida (talla, modelado y vaciado) Se veía, más bien, como una constructora porque dibujaba en el aire. Asimilada esta lección, la vemos reflejada aquí, en el manejo de hilo, papel, telas, tierra, especias, polvos acrílicos, resinas y caucho. Todos estos materiales han formado parte de la pequeña pieza escultórica en la que puede resultar una joya. La escala nos vuelve a jugar una trampa con el ojo. Algunas de las propuestas de este conjunto bien podrían crecer en formato y mantener intactas su belleza y realización. Por esta invaluable compañia, te decimos gracias Gego.\nTexto Josefina Núñez ProDavinci\nPunto y Línea. Obras tridimensionales de Nadia Benatar en la Gsiete\nLa artista Nadia Benatar expone desde este domingo 18 de noviembre en los espacios de la Gsiete una serie de obras tridimensionales que forman parte de su discurso creativo desarrollado en los últimos 5 años bajo la serie Punto y Línea en la se conjuga una atmosfera poética de líneas que entran y salen del soporte, a la vez que rinde con esta muestra un homenaje a Gego, su maestra.\nPartiendo del metal, - cobre, alambre - junto a la madera y mangueras de goma como soportes, Benatar presenta una serie de 15 obras en mediano formato donde la línea es interrumpida o a veces unida por esas pequeñas y diminutas esferas de plomo para crear un lenguaje de líneas y formas geométricas que flotan en el espacio.\nComo lo expresara Elida Salazar en la importante muestra realizada un quinquenio atrás en los espacios de Elvira Neri cuando presentará su primera muestra sobre esta serie Punto y Línea …”su obra son siempre proyecciones de múltiples planos relacionados entre sí y motivados por la condición de sensibilizar el espacio, de forjarse en él. Ahora, Nadia comienza a realizar lo que siempre estuvo implícito en su obra: liberar al fin el trazo dentro del espacio real. Dibujar en el aire, como lo haría Gego…”.\nEgresada del Instituto de Diseño Neumann, pertenece a esa generación de artistas, que sobresalen en los años Ochenta, aunque sus obras empiezan a mostrarse a mediados de los años Setenta. También forma parte de la primera promoción del Cegra (Centro de Enseñanza Gráfica). Nadia Benatar integra en sus obras los recursos aprendidos en su formación y se vale del collage, el dibujo y el ensamblaje por la libertad que ofrecen estas técnicas, para representar su discurso estético.\n“Punto y Línea” estará abierta al público hasta el finales de diciembre en la Galería Gsiete del Centro de Arte Los Galpones, ubicado en la Av. Ávila con 8va, transversal de Los Chorros. Igualmente la Galería presentará en sus espacios una serie de artistas cuyo vínculo hacia la geometría, pero explorando distintos lenguajes, definen sus creaciones. Pinturas, collages, esculturas, grabados y móviles de los artistas Carlos Zerpabzueta, Alejandro salas, Alfredo Fontes, Armando Linares, Yuye de Lima, Héctor Coll y Luis Marrufo se reúnen en esta muestra colectiva. El horario al público es de martes a sábado, de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. y los domingos de 11:00 am a 4:00 p.m.\nDel 18 de noviembre hasta diciembre de 2012\nLa galería Artepuy y el Centro Cultural Chacao, La Caja: invitan a la Inauguración de la Exposición Obra Reciente de Amalia Caputo - fotografías y Esperanza Mayobre - Dibujos, el domingo 18 de noviembre a las 11 am, en la galería Artepuy, y a la Exposición Transferencias - Amalia Caputo y Tierra a la Vista - Eperanza Mayobre, el domingo 25 de noviembre a las 11 am, en el Centro Cultural Chacao, La Caja.\nExposición "Traspasando fronteras".\nObras de Marylee Coll, Consuelo Ginnari, Ana María Olalde y Patricia Van Dalen.\nCuraduría Susana Benko\nCentro de Artes Integradas. Entrada Izquierda Universidad Metropolitana, Terrazas del Avila.\nTaller de Bicicletas interviene en el Bulevar Petare\n17 de noviembre 2012 de 2 pm a 7 pm\nPlataforma creativa urbana Taller de Bicicletas con el apoyo de la Alcaldía del municipio Sucre, quienes a través de su Fundación José Ángel Lamas y los distintos entes culturales que hacen vida en el Centro Histórico de Petare celebrará la reinauguración del Teatro César Rengifo con una 2da Interferencia en Petare convirtiendo las calles junta las demás actividades de este pintoresco sector de la ciudad en un gran escenario para las distintas artes el día 17 de noviembre .\nEn el marco de nuestro tercer aniversario Taller de Bicicletas regresa al casco histórico de Petare para realizar la segunda interferencia en el casco histórico de Petare, luego de la efectuada con pendones en el 2010. Esta vez se realizará un tendedero lumínico con franelas blancas y dispositivos LED, asimismo, se contará con el apoyo de aliados, tales como, el activista urbano Pax quien liberaran libros en los espacios público de Petare, los artistas urbano como Saz Oner y Flix quienes realizaran un mural que vendrá precedido por un taller de arte en los espacios públicos dictado por Douglas García R y los video de artistas como Bakro y Dalia Ferreira quienes mostrarán sus trabajos a todos los asistentes de un evento que han llamado Bulevar Petare 2012 .\nEl proyecto Bulevar Petare 2012 se desarrollará con unas 40 actividades a lo largo de un circuito conformado por un conjunto de espacios culturales entre los cuales destaca la Fundación Lamas, la Fundación Bigott, la Casa Parroquial, el Teatro César Rengifo, el Museo de Petare y su estacionamiento, la Casa de la Cultura de Petare, la Capilla María Magdalena, la iglesia del Dulce Nombre de Jesús, la plaza Sucre y las estrechas calles del propio Centro Histórico de Petare la cuales serán cerrada al transito automotor para darle cabida a una programación de actividades musicales, dancísticas, teatrales, audiovisuales, gastronómicas, expositivas, intervenciones urbanas, artes de calle y demás iniciativas que permitan proyectar el talento local, generar un rato de sano esparcimiento y fomentar el arte como recurso para el rescate de los espacios públicos y de la convivencia ciudadana.\nEs propicio destacar que la Alcaldía de Sucre proporcionará un servicio de transporte permanente y gratuito para todos los visitantes, que partirá desde la calle de servicios detrás del CC Millenium hasta la plaza Sucre de Petare, con retorno al mismo punto de salida, en un horario corrido desde las 1:30 p.m. hasta las 8.30 p.m. La seguridad estará a cargo de la policía de Sucre, la policía de circulación y protección civil de Sucre.\nLa invitación entonces, es para que nos acompañen en nuestro proyecto “El ARTE DE HACER CIUDAD” y con ello, formar parte de nuestra 2da interferencia en Petare a partir de las 12 de mediodía para quienes deseen participar en el montaje, desde luego, para que apoyen y disfruten del proyecto Bulevar Petare 2012, seguro lograremos cambiar tu manera de ver y sentir a Petare.\nEl domingo 10 de noviembre el Ateneo de Caracas recibe en sus espacios las obras de “Manifiesta”, el colectivo de creadores independientes que desde 2005 se han venido reuniendo con la idea reflexionar sobre la realidad nacional, y proporcionar imágenes y lemas dirigidos a incentivar la participación ciudadana en los procesos de cambios que precisa el país.\nPero ahora, estos ocho creadores venezolanos de diferentes disciplinas que conforman el grupo, junto con algunos amigos y compañeros que los han acompañado, han decidido salir del ámbito político y simplemente mostrar sus trabajos, para “estar juntos y celebrar el arte”.\nEllos son Marco Aguilar, Marcel Antonorsi, Ricardo Benaím, Waleska Belisario, Germán Cabrera, Maricarmen Carrillo, Isabel Cisneros, Rosana Faría, Oscar Lucien, María Fernanda Sosa, Alejandro Szylagyl y Rosa Virginia Urdaneta, artistas plásticos, visuales, ilustradores y fotógrafos, cuyos trabajos dan cuenta de una creatividad muy contemporánea.\nLa muestra se abre al público este domingo a las 11 am, en los espacios expositivos del Ateneo de Caracas, avenida La Salle, quinta La Colina, Colinas de Los Caobos, subida a Venevisión.\nHay estacionamiento y vigilancia\nLos Amigos de Manifiesta\nInauguración: Domingo 11 de noviembre de 2012, 11am\nTemporo-Espacial: Esculturas de Luis Millé en GBG Arts\nRepercusiones. Unas líneas sobre la obra reciente de Luis Millé\nArtista que se inició en la escena de las artes visuales durante los años ochenta, se inscribe dentro de las variables que estas referencias han desarrollado en la actualidad. Su escultura, más que un objeto de relaciones geométricas cerrado sobre sí mismo, se apertura hacia las reacciones que este nudo de cadencias tiene sobre las zonas circundantes que le rodean, involucrando a su vez y en la propia trama interna de cada estructura, las resonancias posibles de un entorno que propiciará los lineamientos visuales del esperado intercambio sensorial con el espectador.\nA su vez, el trabajo destaca por el proceso diseñado para lograr estas intenciones fractales: volúmenes y encadenamientos extendidos con materiales muy pesados que sugieren y denotan la levedad necesaria que desplazará y multiplicará sus condiciones internas hacia las dinámicas evolutivas del afuera.\nDesde este lugar y concentrado muy especialmente en los puntos más delicados de esta sucesión de causas y consecuencias, el artista ha creado para la galería GBG Arts un posicionamiento reflexivo de varios cuerpos de trabajo distribuidos en el espacio: lugares tan cercanos como distantes, poéticas solitarias de una materia en transformación perenne donde el color, la línea y el volumen traspasan su corporeidad directa y dialogan en las antesalas silentes de la sala de exposiciones, propiciando en este inusitado intercambio formal, las nuevas variables y las metáforas desconocidas que el visitante aportará al entrar en relación con cada una de ellas.\nInauguración: Jueves, 8 de noviembre de 2012. 07:30 p.m\nCierre: Domingo, 17 de febrero de 2013\nARTISTA MÚLTIPLE DEL MES DE NOVIEMBRE\nDe la serie SOLO FORMAS, acrílico sobre lienzo.\nDe la serie SOLO FORMAS, técnica mixta sobre papel-lienzo.\nDe la serie SOLO\nFORMAS, dibujo, imagen digital.\nGisela Romero es una Artista Visual que fusiona la imagen con la palabra, experimentando con el Dibujo y las Técnicas de Impresión. Es una artista polifacética que ha incursionado en diversos campos de las artes plásticas, manejando distintos géneros y técnicas y apropiándose de cada uno de sus lenguajes de manera natural. El uso combinado de géneros y técnicas sugieren tensiones, opuestos y contrastes, tanto conceptuales como formales que identifican su estética. Su investigación plástica se fundamenta en el territorio de las dualidades; en su obra hay a la vez rigurosidad y encuentros con el azar.\nRomero se formó en el Instituto de Diseño, Fundación Neumman, en Caracas y en 1982 obtuvo el título de Diseñadora Gráfica. En 1985 recibe con honores el título de Licenciado en Bellas Artes del California College of Arts en Oakland y posteriormente en 1992, el Master en Bellas Artes del Pratt Institute de New York. Previo a su formación en artes plásticas estudió Literatura en la Universidad Central de Venezuela desde 1979 hasta 1982 y desde 1993 participa en Talleres de Gráfica en el Studio Camnitzer, Valdottavo, Italia, y de poesía y narrativa en ICREA y el Centro Cultural Trasnocho en Caracas, Venezuela.\nDesde 1985 Gisela Romero ha trabajado en proyectos de Arte y ha sido docente enseñado Ilustración, Escritura Creativa y Gráfica Experimental y ha participado en Residencias de Artistas en Italia, España y los Estados Unidos. Romero ha producido 7 libros de Artista (“Ni Aquí, Ni Allá“, “Cinco Estaciones”, “El Bostezo del Caos”, “Amor y Desamor”, “Mar y Desierto”, “Lenguas de Paso” y “Vírgenes y Rejas”). En 2005 publica su poemario “Lo Contrario”, editorial Memorias de Altagracia, Colección Celacanto de Poesía. Asimismo, desde 1998 trabaja como voluntaria en la Fundación Acción (Fundación que trabaja con HIV/SIDA).\nLa artista ha participado en bienales y exposiciones representando a su país y su trabajo puede ser visto en colecciones públicas y privadas.\nAlgunas de sus exposiciones individuales han sido:\n2010 “AVATARES”, Galería Artepuy, Caracas.\n2008 “REVÉS”, Galería Artepuy.\n2005 “DIBUJO LIBRE”, Alianza Francesa, Caracas.\n2005 “OBRA RECIENTE” Galería Moro, Maracaibo.\n2003 “REJAS”, Galería 39, Caracas.\n2001 “IN REVERSE”, Studio Soto, Boston.\n2000 “DE ADENTRO HACIA AFUERA”, Galería 39, Caracas.\n2000 “NI AQUÍ, NI ALLÁ”, Sala Mendoza, Caracas.\n1995 “CONTRARIOS”, Galería Namia Mondolfi, Caracas.\n1994 “SISTEMAS”, Galería Namia Mondolfi, Caracas.\nUna selección de los premios recibidos por la artista:\n2011 Primer Premio XIV Bienal de Miniaturas Gráficas Luisa Palacios, TAGA. Portada de Catálogo otorgada por CAF.\n2009 Mención Especial, VII Salón “Arte y Ciencia”, Universidad Simón Bolívar, Caracas.\n2004 Mención Honorífica, XI Bienal de Miniaturas Gráficas, TAGA.\n2002 Fundación Valparaíso, Mojácar, España, Grant, Artista en Residencia.\n2001 WSW, Women’s Studio Workshop, Rosendale, New York, Grant, Artista en Residencia.\n2000 Premio Mención Fundación Banco Mercantil, Gráfica Experimental, II Bienal de Artes Gráficas de Caracas.\n1999 Helene Wurlitzer Foundation, Taos, New Mexico, Grant, Artista en Residencia.\n1994 Premio Ferro de Venezuela, categoría esmalte sobre metal, XXII Salón Nacional de las Artes del Fuego, Valencia.\n1991 Beca International Peace Scholarship Fund, P.E.O. Sisterhood International.\n1990 Beca de Artes Plásticas, Organización de Estados Americanos.\nOcho artistas venezolanos contemporáneos muestran trabajos en los cuales coincide un interés por lo concreto, la geometría, lenguajes reduccionistas, además de ciertas ideas conceptuales\nSelección, una exposición colectiva que reúne a ocho artistas plásticos venezolanos se abre al público en la Galería La Cuadra el domingo 4 de noviembre a partir de las once de la mañana. Las tendencias abstracto-geométricas y de marcada influencia minimalista, así como ideas conceptuales que han sido retomadas y ‘reinventadas’ con insistencia en la primera década del presente siglo por creadores visuales a nivel internacional, están presentes en las propuestas bi y tridimensionales de los artistas que conforman esta exhibición de grupo. Vicente Antonorsi, Sigfredo Chacón, Alexander Gerdel, José Antonio Hernández-Diez, Gerd Leufert, Víctor Lucena, Rodrigo Machado Iturbe y Roberto Obregón, conforman la muestra.\nDe Antonorsi podrá verse su más reciente serie de obras titulada Marco, piezas realizadas en madera contraenchapada calada, de formato cuadrado, que suspendidas del techo de manera imperceptible y separadas de la pared frotan en el espacio, acentuando el vacío material que ya de por sí tienen.\nRoberto Obregón. Disección 1\nChacón experimenta con materias pictóricas y collages en acrílico. En su Cuadrícula dálmata, ejecutada hace casi dos décadas, este notable artista que no renuncia a la pintura-pintada, crea una retícula en blanco y negro que a través de drippings muy gestuales crea una suerte de alegoría en evidente homenaje a Jackson Pollock. En otra serie de pinturas cuadradas que titula Emotional flourescent painting utiliza vibrantes colores magentas fluorescentes en contraste con negros y grises en un fluir de manchas que se despliegan informalmente por la superficie se tela.\nEn la obra titulada Glucometría azul, Gerdel utiliza de manera límpida y serial los dispositivos usados en los exámenes de laboratorio para medir los niveles de glicemia en la sangre, creando un diseño que emula una trama cinética.\nDel destacado creador Hernández-Diez se exhiben dos piezas: Buscando a Juanita # 2, una imagen fotográfica a gran escala en la cual sobrepone a un close-up de un rostro femenino un enorme lente de contacto a un lado de la cara del enigmático personaje, y una instalación de cajas de cartón corrugado de las utilizadas como contenedores de la típica Maizina Americana, emblema alimenticio del venezolano.\nJosé Antonio Hernández-Diez. Buscando a Juanita #2\nEl maestro del diseño gráfico en Venezuela, Gerd Leufert, cuya obra de los años 60 introduce en el arte nacional planteamientos de la pintura hard edge, está presente en esta colectiva con una pieza cuadrada de gran formato titulada Betijoque, un lienzo en acrílico de esa década cuya vasta superficie monocroma azul gris pálido es atravesada de manera oblicua por líneas zigzagueantes predominantemente rojas y una sola verde esmeralda, que focalizan la mirada del espectador a través de estos colores complementarios.\nLucena, uno de los creadores no solo venezolano sino latinoamericano precursor de la contemporaneidad, quien en la década de los setenta del pasado siglo realizara una obra de carácter conceptual de singular importancia a nivel internacional, participa en Selección con Space shock dimension N superficies 1991. Tus. Lucena 2008 y su similar 2009 con idéntico título, ejecutadas en láminas de aluminio intervenidas, donde desarrolla círculos, óvalos y elipses que se superponen entre sí.\nSiguiendo los internacionalmente y cada día más reconocidos aportes del arte venezolano contemporáneo a movimientos seminales del siglo XX como el arte cinético, óptico y retinal, Machado Iturbe con sus Opticinéticos inventa y actualiza formas bidimensionales donde líneas de un mismo grosor en negro absoluto sobre superficies blancas planas o viceversa, crean movimientos gráficos que engañan la retina del espectador, insinuando volúmenes inexistentes.\nObras de Gerd Leufert y Sigfredo Chacón\nDe Obregón, cuya obra singular y sensiblemente poética basada básicamente en su constante casi símbolo, la rosa, desarrollada en sus múltiples e infinitas posibilidades está siendo cada vez más reconocida en el mundo internacional del arte, se exhiben dos hermosas Disecciones realizadas en acuarela sobre papel, de principios de los años 90.\nSelección ofrece opciones de obras representativas de creadores visuales de tres generaciones que brindan una visión actualizada y vigente de momentos significativos del arte venezolano del último medio siglo, donde tendencias, conceptos y medios expresivos disímiles dialogan en un discurso coherente que señala una clara visión de momentos claves del arte nacional.\nLa inauguración de la exposición Selección se llevará a cabo el domingo 4 de noviembre a partir de las 11:00 am y permanecerá abierta hasta el domingo 13 de enero de 2013. La Galería La Cuadra está situada en la Cuadra Creativa-Gastronómica, en la 6ta transversal entre las 3ra y 4ta avenidas de Los Palos Grandes, Caracas. El horario de apertura al público es de martes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm, y los sábados y domingos de 11:00 am a 3:00 pm.\nVicente Antonorsi / Sigfredo Chacón / Alexander Gerdel / José Antonio Hernández-Diez / Gerd Leufert / Víctor Lucena / Rodrigo Machado Iturbe / Roberto Obregón\nDel 4 de noviembre de 2012 al 13 de enero de 2013\nInauguración: 4 de noviembre, 11:00am\nCuadra Creativa-Gastronómica, 6ta transversal entre las 3ra y 4ta avenidas de Los Palos Grandes\nMartes a viernes de 11:00 am a 6:00 pm.\nPaul Parrella nos presenta una obra in situ del elemento más etéreo y efímero del paisaje, donde reinvierte el color de la nube, de ese sutil blanco al negro\nPrensa Fundación Museos Nacionales (octubre 2012) Paul Parrella, desde el territorio de la naturaleza, del paisaje, y en su afán de observación directa de las nubes como materia de estudio plenará la sala 6 del Museo Alejandro Otero, desde el domingo 28 de octubre, con su interpretación plástica de esta materia ondulante ahora convertida en masa estructurada y como objeto palpable y determinado, a través de la exposición Materia flotante. Paul Parrella.\nTal como lo refiere el texto de Starsky Brines a propósito de esta muestra, este joven artista recurre a este elemento flotante “(..) para confrontarla con el sujeto, en una suerte de pequeño laboratorio de la visión y, de esa manera, erigirnos como excelsos observadores de las nubes (…) para ahora, en su determinación, acercarnos y hacernos concientes de nuestra propia existencia”.\nParrella, joven creador nacido en Cumaná, procura -a través de su intervención en las paredes de la sala 6 con pintura acrílica y con tinta en el ventanal que se impone en este espacio- llevar al visitante el registro, el testimonio de contemplación que, ya desde hace algún tiempo, ejecuta desde su taller y otros espacios de creación, por medio del dibujo y la pintura.\nJhonny Fung, curador de Materia flotante. Paul Parrella, comenta respecto a la intención del estudio creativo de Parrella: “Paul Parrella nos presenta una obra in situ del elemento más etéreo y efímero del paisaje, donde reinvierte el color de la nube, de ese sutil blanco al negro; convirtiéndola en volumen o cuerpo, dándole un peso y revalorizándola como un elemento compositivo único del estudio del paisaje en su propuesta plástica, desde la pintura, el dibujo y la fotografía”.\nEl mensaje de la muestra Materia flotante. Paul Parrella considera vital transferir a las personas la importancia en invertir un poco más de tiempo en la observación consciente de lo que nos rodea en la cotidianidad.\nPrensa: Ana Dos Santos. FMN\nConstructivista París 1953-1957\nMiércoles 28 de noviembre a las 6 pm\n2441 NW 2da. Ave.\nMiami Florida 33127 Estados Unidos\nEl viernes 9 de noviembre RMTF recibe al fotógrafo estadounidense Rick Sammon, quien compartirá sus experiencias, anécdotas y conocimientos en una charla abierta al público; el evento se realizará en la sede de la escuela a las 8:00 de la noche\nRick Sammon es uno de los fotógrafos más activos del planeta: ha hecho imágenes publicitarias, submarinas y de lugares, personas y culturas de diferentes partes del mundo. Sammon también ha sido pionero en el uso de nuevas tecnologías y ha producido aplicaciones de fotografía para iPad y iPhone, que tienen que ver con técnicas básicas, las bondades de la alta resolución y Marketing y Social Media para fotógrafos, entre otros contenidos. “Mi especialidad es no especializarme”, ha dicho en más de una ocasión.\nEn la charla que ofrecerá en los espacios de RMTF el viernes 9 de noviembre, el fotógrafo estadounidense hablará sobre asuntos que, a su parecer, son básicos en cualquier trabajo fotográfico como Luz ―cómo vemos lo que nuestras cámaras ven, por qué es tan importante ver el rango de contraste en una escena―, Composición ―vital en la manera de mirar― y Objeto ―no subestimar la importancia de un buen tema―. También conversará sobre algunas reglas y cuándo conviene romperlas.\nEn su presentación, Sammon compartirá sus imágenes recientes con el público, cada una acompañada por un consejo técnico o anécdota sobre la misma, “no es sólo una muestra de cuadros bonitos”, dice. El encuentro es abierto al público y será transmitido en vivo a través de Internet, en colaboración con Tráfico Visual (www.livestream.com/traficovisual), como una manera de facilitar la interacción entre el invitado y los asistentes, reales y virtuales.\nRick Sammon (Estados Unidos) se formó como compositor en Berklee College of Music (Boston), pero cambió la música por la fotografía. Ha publicado más de 30 libros, incluyendo Flying Flowers, ganador del Premio Golden Light, y Hide and See Under the Sea, que obtuvo el Premio Ben Franklin. Nominado para el Salón de la Fama de Photoshop, por ser considerado uno de los mejores expertos en imagen digital de hoy. Es cofundador de Digital Photography Experience, con Juan Pons. Fue elegido Canon Explorer of Light, y es el autor de las lecciones de la Canon Digital Rebel XT en Canon Digital Learning Center. Cada año, da talleres y clases de fotografía, así como seminarios y presentaciones, en diversos países.\nVerónica: Sandra Gamarra y la estética del escepticismo – Carmen Araujo Arte\nCarmen Araujo Arte presenta la primera individual de Sandra Gamarra en Venezuela\nSandra Gamarra. Autocensura con paño de pudor VI (Detalle). Óleo sobre papel. 2012\nBajo el título de Verónica la creadora Sandra Gamarra (Lima, Perú; 1972) presentará en los espacios de Carmen Araujo Arte sus últimas reflexiones sensibles vinculadas a la función y valoración de la imagen en diversos contextos de las sociedades contemporáneas. La muestra está realizada conjuntamente con el apoyo de la Galería Leme, ubicada en São Paulo, Brasil.\nVerónica remite a sus raíces etimológicas: “vera icon”, o “imagen verdadera”, significado alusivo a la “impresión milagrosa” de la “imagen verdadera de cristo” en la reliquia cristiana conocida como “Manto de Santa Verónica”.\nBajo este orden de ideas, partiendo desde la resignificación del imaginario religioso como eje de reflexión, la presente exhibición, primera individual de Gamarra en Venezuela, propone una aproximación crítica a la imagen mediática, específicamente la imagen de prensa, como referente de verdad. Es decir, propone un cuestionamiento a la interpretación de las representaciones mediáticas como “imágenes verdaderas del mundo”.\nDe esta manera, la artista peruana apela, desde la pintura como recurso experimental y reflexivo, a la construcción de un entramado de significaciones visuales que pretende conducir al espectador a la duda activa. Propone de esta forma la articulación de un escepticismo sensible orientado a cuestionar el relato de certeza que intentan construir las imágenes y la textualidad de los medios impresos de comunicación y, simultáneamente, esta praxis artística propicia en un mismo impulso la reflexión crítica sobre el propio campo del arte como espacio de representación.\nLa pintura religiosa, la pintura de escenas históricas, el paisaje, el retrato, son algunos de los referentes de la tradición pictórica occidental que Gamarra incorpora a sus trabajos desde una perspectiva conceptual, crítica, auto-reflexiva y desde una tradición de resistencia a la hegemonía de los discursos articulados desde las certezas que sustentan los regímenes de verdad y del poder: “cuando hago uso de la pintura lo hago desde la certidumbre que el espectador contemporáneo, al enfrentarse a ésta, se enfrenta a todo lo que ella representa en la actualidad y todo lo que la tradición pictórica occidental implica. Me interesa sobretodo el rechazo que pueda suscitar la pintura, no un rechazo emotivo, sino un rechazo de tipo conceptual (…) Aunque sigo pintando, considero que hace tiempo dejé de pintar, en mi trabajo la pintura deja de ser una finalidad en si misma”, señala la artista.\nSandra Gamarra. Cómplices (Detalle). Recortes de prensa y óleo sobre papel. 2012\nA través de las seis series que componen la presente exposición, Gamarra genera una reflexión sobre los mecanismos que articulan el régimen de verdad de la información en la contemporaneidad, el rol del arte incluido. Propicia una operación simbólica que intenta aproximarnos a la información desde la brecha de la duda. Es decir, para la artista no basta ver para creer, tampoco creer para ver. Por el contrario, se trata de generar una estética del escepticismo permanente, una poética del ensayo crítico como mecanismo para articular la certidumbre falible de la duda, por encima de las certezas inamovibles de las verdades absolutas, carentes de cuestionamiento reflexivo. Dudar, tal vez para creer. Dudar, tal vez para ver. Para Gamarra: “se trata de apuntes para llegar a las imágenes por un camino distinto, llegar desde la duda. Una duda pequeña, ingenua. No se trata de una denuncia, sino de destacar la duda”, apunta. Signo propicio para enfrentar aquellos simulacros del poder, que se imponen como máscaras discursivas, que se instalan y penetran en nuestros modos de vida, en nuestros espacios y tiempos contingentes, ocultándolos en imágenes.\nSandra Gamarra realizó estudios de Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima y en el año 2003 finaliza un doctorado en la Facultad de Arte de Cuenca, España. Gamarra ha realizado numerosas exposiciones individuales, entre las cuales destacan Mantos, Galería Leme, São Paulo, Brasil (2011); At the Same Time, Bass Museum of Art, Miami, EUA (2011); En Orden de Aparición, Galería Juana de Aizpuru, Madrid, España (2010); The Guest, Rotwand Gallery, Zurich, Suiza (2009) y La Ilusión del Uso, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú (2009).\nSandra Gamarra. De la serie Dichosos los que sufren, porque esos van a recibir consuelo. Mateo 5,4. 22,5 x 29 cm. Óleo sobre tela. 2012\nDesde el año 1998 ha participado en innumerables muestras colectivas realizadas en diversos espacios de Latinoamérica, Europa y África del Sur. Asimismo, durante su carrera artística ha sido merecedora de varios reconocimientos: Premio VI Bienal Internacional de Artes Plásticas Ciudad de Alcorcón, Madrid, España (2006); Concurso Generación 2004, Caja Madrid, España (2004); Mención Honorífica en el V Concurso Artes Plásticas Patronato de Telefónica, Madrid, España (2001); Mención Honorífica en el Concurso Pasaporte para un Artista, Embajada de Francia, Lima, Perú (2000), entre otros. Su trabajo está presente en importantes colecciones internacionales.\nDel 4 de noviembre al 16 de diciembre de 2012\nInauguración: Domingo 04 de noviembre de 2012. Hora: 11:00 am.\nFundación BBVA Provincial presenta la exposición “Más allá de la imagen”\nLa Fundación BBVA Provincial presenta la exposición “Más allá de la imagen”, iniciativa que tiene como objetivo mostrar la dimensión estética y poética de la fotografía, a través del lenguaje de cinco creadores venezolanos.\nEl trabajo de los artistas busca transmitir emociones diferentes que lleven a valorizar la fotografía en su dimensión más profunda. Las obras han sido seleccionadas con la intención de generar diferentes sensaciones en el espectador, por medio de los diversos enfoques de los artistas.\nEntre los expositores se encuentran Ana Luisa Figueredo, quien ofrece una visión artística de la actividad campesina del mundo del cacao; Ricardo Jiménez, que evoca la soledad del hombre a través de elementos inertes; Ramón Paolini, quien crea imágenes a partir del patrimonio construido; Carlos Germán Rojas, propone fotografías dispuestas en dípticos que dan valor a la composición gráfica; y Antolín Sánchez, quien realiza con sus fotografías diversos juegos de luz y sombra.\nLa exposición estará abierta al público hasta el domingo 2 de diciembre en la Sala de Exposiciones de la Fundación BBVA Provincial: Edificio BBVA Banco Provincial, piso 3, Avenida Principal de La Castellana. El horario será de lunes a viernes de 10:00 a.m. a 3:30 p.m. y los domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m.\nCeleste Persuasión Instalación Vitrea\nDestellos y brillos del vidrio en suspensión plenan el Atrio\nCeleste persuasión. Instalación vítrea de Cecil Valera en el MAO\nPrensa Fundación Museos Nacionales (23.10.12) El domingo 28 de octubre los visitantes del Museo Alejandro Otero serán recibidos en el Atrio por cientos de filamentos de vidrio en red suspendidos bajo la imponente fachada tan característica de este espacio cultural. Esta compleja intervención aérea y espacialista que se desplegará, desde las 11 de la mañana, conforma la exposición Celeste persuasión. Instalación vítrea de Cecil Valera.\nCon esta propuesta estética Valera manifiesta parte de las preocupaciones estéticas en las que ha indagado a través de las artes del fuego. Adicionalmente, esta área interna del MAO le ha ofrecido, además de experimentar con la noción de ingravidez, poder recurrir a los cambios de luz y sombras que durante el transcurrir del día garantizan destellos y fulgores que sugieren múltiples lecturas al espectador, dependiendo del lugar desde el que se ubique para observar.\nValera, quien desde la década de los noventa desarrolla su carrera artística alrededor del universo del vidrio, de su adaptabilidad y maleabilidad, a la vez ha dominado la técnica para comprender la rígida presencia y -al tiempo- frágil consistencia de este noble y potencial material. De esta manera extiende una estructura modular ensamblada por 12 módulos que integran la pieza y entre los que existe cierta independencia que propicia un juego compositivo de contacto y movimiento, con lo que esta joven creadora sugiere interesantes efectos ópticos.\nEs así como Valera pretende persigue la idea de persuasión, que explica de la siguiente manera: “El concepto de persuasión rehúye de la noción de contaminación informativa creadora de clichés, para dar paso a la libertad interpretativa”. Con este trabajo el espectador es remitido a contemplar sensorialmente el valor simbólico de las imágenes que posee del firmamento, e incluso, del imaginario visual existente sobre el espacio exterior.\nCeleste persuasión. Instalación vítrea de Cecil Valera -cuya curaduría pertenece a Félix Hernández- se mantendrá, al igual que las demás muestras que inauguran este fin de semana, hasta finales de enero del próximo año y es otra iniciativa del Gobierno Bolivariano, llevada a cabo a través del Ministerio del Poder Popular para la Cultura. (Fin / FMN. T / Ana Dos Santos)\nGalería de Arte Ascaso es un placer invitarlos a la inauguración de la exposición\nel domingo 28 de octubre de 2012, a las 11:00 am\nAlexis Mujica, Alirio Palacios, Belén Parada, Carlos Medina, Colette Delozanne, Cornelis Zitman, Daniel Suárez, Edgar Guinand, Felipe Herrera, Francisco Narváez, Harry Abend, Humberto Cazorla, Humberto Salas, Irma Parra, J. J. Moros, James Mathison, Javier Level, Jesús Soto, Jorge Salas, Jorge Zerep, Jorge Seguí, Lía Bermúdez, Luis Millé, María Cristina Arria, Milton Becerra, Noemí Márquez, Oswaldo Vigas, Pedro Barreto, Pedro Briceño, Rafael Barrios, Rafael Martínez, Reina Herrera, Rolando Peña, Sydia Reyes, Vicente Antonorsi, Víctor Valera, Yuye De Lima.\nTres generaciones de artistas que escogieron la escultura como medio de expresión estarán presentes con sus obras en las tres salas, convirtiendo la muestra en un verdadero recorrido de la escultura en Venezuela. Participan en ella treinta y siete creadores cada uno se presenta con dos obras, desde los grandes maestros hasta jóvenes consolidados.\nRueda de Prensa con la curadora Bélgica Rodríguez y los Artistas seleccionados para la exposión colectiva ESCULTURA ESCULTORES\nSe le ha querido dar un lugar especial a la escultura en cerámica, en los 70's un grupo de mujeres paso de la cerámica utilitaria a la escultura entre ellas Colette Delozanne una de las pioneras, Belén, Noemí. Lo considero un hecho inédito la cerámica escultórica que no se ha repetido fue un aporte fundamental en la historia contemporánea de Venezuela.\nEn el ciclo de preguntas...\nMargarita Narváez, hija de Francisco Narváez maneja la Fundación Francisco Narváez, agradezco este espacio porque aún Francisco Narváez tiene un discurso claro contemporáneo, que aporta a los jóvenes.\nCornelius Zitman - yo elaboro muñecos que conviven conmigo en casa y me recuerdan mi tierra, cuando salgo a la calle soy un "Musiu". Ellos son como un circo visitan distintas tierras.\nJavier Level - yo he asistido al taller del maestro Zitman y podemos observar que son esculturas con vida, se puede tocar para mi es el ideal de lo que debe ser una escultura en el espacio.\nYo (Zitman) participe en la Bienal de Sao Paulo y los colocaron allí y a la gente le encantaban, lo tocaban pasaban a verlos.\n(Level) creo que siempre el maestro se ha divertido con lo que hace y eso es lo importante en la vida.\nEn cuanto a mí obra, acota Javier Level, son dos piezas distintas, la temática de la serie de los bustos son los transgénicos, todas esas hibridaciones que están haciendo de genética, investigaciones que se están realizando entorno al hombre y los animales, clonaciones entre ellos para los avances de la ciencia, cosa que me parece terrible. Es el busto entonces un “homenaje a lo que estamos haciendo los humanos por la ciencia” por eso es un collage entre humano-niño y animales de diversos tipos es lo que planteo en esta pieza; la más pequeña es una serie llamada reliquias es un pequeño pedazo de hueso metido entre un objeto, retomo esta técnica y la reproduzco en estas piezas.\nExposición Colectiva Escultura Escultores\nBajo la curaduría de Bélgica Rodríguez\nInauguración domingo 28 de octubre de 2012, a las 11 am\nLugar Galería de Arte Ascaso, cale Orinoco entre Monterrey y Mucuchies, Las Mercedes.\nEste año Hatillarte es “ARTE A 360°”\nHATILLARTE EVENTO DIFUSOR DEL QUEHACER PLÁSTICO DEL PAÍS.\nPara visualizar mejor el mapa puede descargarlo a su computadora.\nLlegando a su cuarta edición la organización HATILLARTE integra en su propuesta anual la presencia de los Museos en esta gran fiesta del arte.\nLa Galería de Arte Nacional - GAN, el Museo de Petare Bárbaro Rivas y el Museo Arturo Michelena han aceptado la invitación y el reto que significa la exposición extramuros. Estos museos nos brindaran una mirada de sus preciadas colecciones y hablaran de lo que están haciendo cada uno desde sus espacios.\n“Consideramos fundamental que las instituciones museísticas se integren a eventos como estos con sus visiones y se acerquen a la comunidad, con lenguaje sencillo y de manera directa. Los museos son eslabón importante en el devenir de la artes en cualquier país del mundo, son los centros donde se investiga, resguarda y difunde el patrimonio artístico y cultural”, comentan Inés Espinal y Nicola Bianchi, organizadores del evento.\nCada uno de ellos expondrán en la calles del pueblo y el día domingo 4 en tertulias con los visitantes nos hablaran de sus propuestas.\nCada año el objetivo de Hatillarte ha sido integrar a todos en esta gran fiesta del arte. Primero las galerías y los vecinos, luego los niños de la comunidad hatillana por medio de la escuela municipal Juan Manuel Gajigal, que este año con el apoyo de PLASTILINARTE nos ofrecerán su propuesta “El Hatillo en Plastilina”, luego los conversatorios y talleres de arte, con la idea de generar espacios de reflexión y discusión y este año la participación de los museos.\nEstarán las Galerías como cada año, con su constante esfuerzo para promover y divulgar el arte y con el firme propósito de hacer de El Hatillo un importante centro cultural en el país. Así mismo habrá espacio para los artesanos locales, herederos de una sabiduría ancestral conjugada con su peculiar visión del Arte.\nEste maravilloso circuito se hará acompañar de un muy importante cartel de artistas plásticos que harán brillar las calles con sus piezas. Gaudí Esté, Colette Delozanne, Alirio Palacios, Onofre Frías, Oswaldo Vigas, Fabiola Sequera, Dora Gabay, Las Tejedoras del Hatillo, FE (Luis Bonilla), Andrea Ho Posani, Jason Galarraga, entre muchos no menos importantes en el área del arte urbano. Disfrutaremos además de la exposición de los trabajos realizados por los dibujantes urbanos, en el proyecto “Caracas en 12 puntos”, coordinado y dirigido por Ricardo Benaim y Mitchele Vidal\nNo se quedarán por fuera la música, la danza y el teatro de calle que nos harán mucho más grata esta fiesta.\nLos restaurantes nos darán la oportunidad de extasiarnos con sus propuestas gastronómicas, promoviendo platos con nombre y pensamiento artístico que se estrenarán esa noche para el deleite de los 5 sentidos de cada espectador y para cada bolsillo.\nTodo este movimiento clausurará el día domingo a las 6pm con un hermoso concierto ofrecido por la Orquesta Sinfónica Juvenil de Chacao, que de manera gratuita se presentará en el Anfiteatro El Hatillo\nPor todo esto, este año HATILLARTE es “Arte a 360°”\nCel. 0414 1193033\nCel. 0414 3310969\nDibujos y grabados eróticos de Oswaldo Vigas exponen en Estudio Arte 8\nEn la exposición Los Eróticos de Oswaldo Vigas, a inaugurar el domingo 28 de Octubre a partir de las 11am, en Estudio Arte 8, se descubre una parte íntima del artista plástico, su acercamiento hacia la sexualidad humana en sus dibujos y grabados nunca antes expuestos.\nLa mujer siempre ha sido retratada en los cuadros del Maestro, su figura predilecta, el eje central que lo impulsa a pintar su obra más conocida: “Las Brujas”. En esta ocasión, su musa se convierte en un objeto sexual, en un cuerpo que satisface pasiones y fantasías desbocadas.\nBocas y narices fálicas; personajes mitológicos relacionados con la sexualidad y el placer; tríos eróticos; orgías; y, posiciones atrevidas se manifiestan en sus obras a exponer por primera vez.\n“La Carretilla”, “A lo Bestia”, y “Hermes Bifálico con una Bacante” son algunos de los títulos que revelan la picardía y pasión desenfrenada que acontece en los grabados y dibujos eróticos de Oswaldo Vigas.\nLos títulos y algunas imágenes de sus obras evocan a las pinturas rupestres de danzas fálicas, estatuas de genitales, vulvas y penes grabados en piedras que se realizaban en la Antigüedad.\nTreinta y siete escenarios de aventuras amorosas fueron seleccionadas por el curador Eduardo Planchart, la artista María Fernanda Lairet y la Directora de Estudio Arte 8, Mariela Lairet. Los dibujos eróticos de donde derivan parte de los grabados a exhibir, pertenecen al año 1995, cuando Vigas estaba en Avignon, Francia. Luego otra parte de este grupo de obras pertenecen al año 1963, durante su estadía en Paris, Francia, las cuales fueron grabadas en 1998, en las cuales se respira igualmente ese lenguaje sensual en un tono que apenas insinúa los trabajos posteriores sobre el mismo tema.\nInauguración: 28 de octubre de 2012\nDirectora de Estudio Arte 8\nAv. Orinoco, Edif. ElKano, Piso 2. Ofic. 5 (0201)\nLo erótico en Oswaldo Vigas\n“La función primordial del arte: descubrir y develar aspectos inéditos del alma y del ser humano.” Oswaldo Vigas, 2002\nLo erótico deseo palpitante, por el que la vida se abre camino a la expansión cósmica. Como lo hiciera el universo cuando broto el Big Bang originario. Estos grabados nacidos del surco sobre placas metálicas entintada plenas de cuerpos anhelantes, ansiosos por acariciarse, poseerse, excitarse...Creados por la fantasía del artista que muta líneas nerviosas, brotados en la intimidad de espontáneos bocetos entre conversaciones, descansos y ensoñaciones. Provocaron pudor y risas entre quienes los apreciaron por primera vez, no es casual esta reacción, pues lo sexual y su deseo expresado en Eros están vinculados a la carcajada y la levedad del Ser. Estos aguafuertes materializan la figuración expresionista de la obra de Oswaldo Vigas, donde lo inorgánico crea una geometría impregnada de pulsares orgánicos. Huye de lo obvio, de la belleza clásica, y cercana al modernismo, al arte bruto y al neo-expresionismo contemporáneo.\nEsta serie de grabados eróticos se inició en Aviñón en 1995, quizás sus bocetos podrían tener relación con las lecturas del artista ese año, sobre los papas que huyeron de Roma a Aviñón por luchas por el poder, entre ellos no había abismos morales, ambos negaban la esencia del cristianismo, por la afición a la riqueza, lo cortesano y los escándalos sexuales que los rodeó. ¿Qué conexión podría tener esto con la sorpresiva serie erótica? Podrían estos grabados ser una respuesta estética a la silenciada lubricidad que caracteriza al papado y a los antipapas de los siglos XIII y XIV.\nDesnudeces anhelantes, deseosas, liberadas del tiempo y de la culpa sexual propia del cristianismo. Estos personajes están liberados del pecado edénico, al ser expulsados del paraíso por asumir una sexualidad consciente y gozosa. Herencia que aún pesa sobre la civilización occidental. Sentido que también se evidencia en Gilgamesh, el monarca de la ciudad amurallada de Uruk, en su compañero y alter-ego Enkidu cuando vivía como uno más del bosque, del cual es expulsado al sentir la seducción y belleza de la sacerdotisa del templo que envía Gilgamesh para humanizarlo.\n“La sacerdotisa descubrió sus senos, su cuerpo, /y Enkidu acercóse y poseyó su belleza. /Sin vergüenza la mujer aceptó su ardor; /quitóse el vestido y sobre ella él descansó. /Mostró así al salvaje el trato de una mujer, /cuando su amor entra en ella…Y después que se hubo saciado de sus encantos decidió salir en busca de sus bestias salvajes. Pero al verlo las gacelas huyeron, se apartaban de su cuerpo”\n(Poema de Gilgamesh, Tablilla I, Columna IV, 2.750 a.C.).\nCada una de estas obras gráficas están impregnadas de un sentido lúdico, y del imaginario del artista y de la mitología griega, por la desbocada y desprejuiciada sexualidad de sus deidades, que llegaron en sus mitos al extremo de transformarse en animales como ocurre con Zeus quien para poseer a Leda se hace cisne, y como toro seduce a Europa, y a Dánae encerrada en una torre por su padre accede convertido en lluvia de oro... Sera el deseo y el dominio de Eros omnipresente entre estos dioses y por tanto en la civilización griega.\nDe ahí el mito de Afrodita y Ares, atrapados por una red invisible al darle rienda suelta a su pasión sexual, creada por el cojo Hefestos y que al mostrar a los dioses la infidelidad de su hermosa esposa, para sorpresa del mítico herrero, los dioses en lugar de avergonzarse, se divirtieron de la situación. Esta es la reacción que provoca al espectador esta serie erótico, que nos libera de lo reprimido y nos lena de gozo sensual y erótico.\nDr. Eduardo Planchart Licea.\nLínea Crítica 2: Desplazamientos cromáticos - Colectiva en Artepuy\nEn esta ocasión, Lorena González, comenta: “En esta segunda edición, es el color nuestro tema central de trabajo. La herencia cromática que no solo consolidó importantes núcleos de acción en los ritmos vertiginosos de un movimiento abstracto cuyas derivaciones se desprendieron hacia la práctica geométrica, la reflexión lírica o la obra mural de corte constructivista, también encontró en el cinetismo y muy especialmente en la obra de Carlos Cruz Diez, una sistematización de frecuencias que respondían al ordenamiento de inquietudes filosóficas donde el color se desprendió del formato para levantarse en el espacio expositivo y así consolidar una situación lumínica transitiva que se generará desde la confrontación con la experiencia vivencial del espectador”.\nSituaciones extrañas, improvistas y confusas, han sucedido en las artes visuales de la inestable Venezuela de los últimos tiempos. En los territorios ampliados que han generado tantos cambios para la cultura en nuestro país, uno de ellos ha sido la labor alterna que desde sus posibilidades algunas galerías y espacios independientes de la ciudad de Caracas han propiciado, brindando un lugar posible a manifestaciones y acontecimientos de la producción artística más reciente.\nCon este espíritu la Galería Artepuy decidió asumir el proyecto Línea Crítica como un proceso de investigación en el cual una vez al año se estudiarán algunos aspectos de la producción actual de artistas de diversas generaciones, en especial desde los componentes derivados de una nueva lectura de la tradición geométrica que las transformaciones y demandas de un contexto complejo han ido desplazando hacia otras inquietudes. Un trayecto que descendió desde la utopía moderna y el enclave constructivista hacia las exigencias críticas de una realidad contradictoria que tenía y tiene aún mucho que decir. La ruina política, las variables del cuerpo social, las metáforas de lo fragmentario, el caos urbano, la intimidad desajustada, los vacíos del populismo, las paradojas del afuera y el detritus silencioso de un progreso aparente, son algunas de las poéticas que han consolidado nuevos paradigmas en armazones que desde las marcas formales de una historia visual anterior también perfilan y reconstruyen otras agudezas e inquietudes sumergidas en las reflexiones, necesidades y abismos de su propio presente.\nEn esta segunda edición es el color nuestro tema central de trabajo. La herencia cromática que no solo consolidó importantes núcleos de acción en los ritmos vertiginosos de un movimiento abstracto cuyas derivaciones se desprendieron hacia la práctica geométrica, la reflexión lírica o la obra mural de corte constructivista, también encontró en el cinetismo y muy especialmente en la obra de Carlos Cruz Diez, una sistematización de frecuencias que respondían al ordenamiento de inquietudes filosóficas donde el color se liberó de las ataduras del formato para levantarse en el espacio expositivo y así consolidar una situación lumínica transitiva que se generara desde la confrontación in situ con la experiencia vivencial del espectador.\nA este ejercicio contemporáneo de tratamiento del color le han sucedido una gran cantidad de nuevas prácticas. En la segunda edición de la muestra Línea crítica, hemos querido apuntar ciertos datos sobre algunos desplazamientos cromáticos usados por varios creadores actuales para potenciar y poner en evidencia sus reflexiones e intercambios frente a las alteraciones y problemáticas del entorno social, político, económico y cultural que les rodea.\nLas desviaciones cromáticas y los contrasentidos del ejercicio formal del color puro se ven alterados por las tachaduras, superposiciones, veladuras y repentinos desprendimientos en la obra exhibida por Jesús Matheus, quien cabalga a contrapunto con la fusión urbano metafórica que reconstruye cartografías olvidadas en los trayectos pictóricos de los papeles de Pepe López y los telares matizados de Milton Becerra, estructuras donde se invocan nuevos actos de fe plenos de míticas horizontalidades.\nSumergido en la delicadeza significativa de los recursos y la fuerza del gesto para posicionar otras especulaciones visuales, los deslizamientos del joven Crixo Aponte se levantan desde el trazo del marcador hacia la evocación nostálgica de una geometría sensible. En el caso de Viollet Bule es la fotografía la zona de encuentro entre los testimonios solitarios del afuera y los engranajes que los matices del abandono urbano manifiestan en el día a día, y que son revelados por la captura crítica de una imagen que guarda secretas vinculaciones con las realidades tal vez prósperas que le precedieron.\nEste mismo espíritu repunta en los collage e intervenciones de Rafael Rosas que bajo el nombre de Proyeciones ideales y Proyectos desesperados, confrontan una traslación de los símbolos e íconos del poder y el progreso que consolidaron todo un imaginario moderno a mediados del siglo XX, develando en un juego irónico de cortes, supresiones y vacíos los salpullidos que aún sobreviven en los resbalosos vericuetos de una identidad latinoamericana. Para Reymond Romero el color es una línea que desde la obra textil abarca una multiplicidad de circunstancias donde la tradición es deshilvanada y revisitada en cuerpos de trabajo que abrasan desde recomposiciones volumétricas de la serialización cromática hasta inquietantes incisiones del organismo social, los estereotipos sexuales y las diatribas hegemónico/subalterno desplegadas sobre blancas telas de bordado.\nFinalmente la obra de Isabel Cisneros y Jaime Gili introducen desde los símbolos de la iconografía popular nuevas metáforas cromáticas de la abstracción cinética y abstracto geométrica: Cisneros, desde los destellos tridimensionales de objetos de consumo con los que reelabora grandes tejidos y engranajes de una vibrante y mordaz poética popular. Jaime Gili, desde un ejercicio pictórico con el color que respondiendo a los caminos de la impronta social que la abstracción ha insertado en la transitoriedad de la estructura urbana de nuestras ciudades, ha revitalizado desde hace varios años la fuerza cromática de esas marcas y de los imaginarios desarrollados en torno a ellas, para convertirse en uno de los mejores exponentes internacionales de nuestra pintura contemporánea.\nLínea Crítica 2 Desplazamientos cromáticos\nDel 4 de octubre al 11 de noviembre de 2012\nLa Sala TAC presenta 'Materia Estética', exposición concebida para rememorar la obra de José María Cruxent Roura (España 1911 – Venezuela 2005), cuyas investigaciones y descubrimientos lo acreditan internacionalmente como “el hombre que devolvió a América su memoria arqueológica”, también se quiere rendir un sentido homenaje al artista que formara parte del grupo vanguardista El Techo de la Ballena, legitimando el uso de materiales no convencionales en cada una de sus obras, rompiendo así con el discurso pictórico predominante de los años sesenta.\nDel 18 de octubre al 25 de noviembre de 2012\nUna exposición colectiva que explora los primeros cinco años del trabajo curatorial desarrollado desde El Anexo Arte Contemporáneo, será inaugurada con el título El Quinquenio, el viernes 19 de octubre a las 7:00 p.m., en La Caja del Centro Cultural Chacao, en El Rosal, donde permanecerá en exhibición hasta el 18 de noviembre.\nConcebida a partir de una invitación realizada por Cultura Chacao a El Anexo, tomando en cuenta uno de los objetivos de La Caja como es el de propiciar diversos escenarios de intercambio cultural y colaborar con la historiografía de las artes visuales venezolanas, El Quinquenio reúne el trabajo de 21 artistas como: Ángela Bonadies, Argelia Bravo, Claudio Perna, Conrado Pittari, David Palacios, Deborah Castillo, Diego Barboza, Domingo De Lucia, Esso Álvarez, Gabriela Olivo de Alba, Gustavo Marcano, Iván Amaya, Iván Candeo, Juan Carlos Rodríguez, Juan José Olavarría, Luis Romero, Lisa Blackmore, Muu Blanco, Suwon Lee, Teresa Mulet y Yuri Liscano.\nTipologías Residuales I - Lisa Blackmore\nBajo la curaduría de Gerardo Zavarce y Félix Suazo, esta muestra con la cual El Anexo celebra su 5º aniversario, aproxima al espectador al trabajo realizado en un espacio expositivo de iniciativa independiente, que ha elaborado desde su quehacer cultural diversas exposiciones que consolidan un archivo de experiencias visuales vinculadas a problemas específicos del arte contemporáneo, según proponen sus curadores.\nEl género; la violencia; el territorio y el paisaje; la memoria, el archivo y el documento; los media; las relaciones de poder; la política y la representación; son algunos de los tópicos que se abordan en esta colectiva, en la que las obras exhibidas “despliegan el resumen de un quinquenio de poéticas y políticas de creación, una crónica construida de pequeños relatos visuales cuya transparencia devela algo más que la suma de las partes”, señala la dupla Suazo-Zavarce.\nEl público tendrá la oportunidad de apreciar la exposición El Quinquenio, del 19 de octubre al 18 de noviembre, en La Caja, Espacio de Investigación Visual del Centro Cultural Chacao, ubicado en la Avenida Tamanaco de El Rosal. El horario es de martes a sábado de 12:00 p.m. a 8:00 p.m., y domingos de 11:00 a.m. a 7:00 p.m. La entrada es libre.\nDel 19 de octubre al 18 de noviembre de 2012\nHonys Torres es una Caraqueña que cambio la informática y el derecho por las artes visuales. En el año 2000 se residencia en Alemania y decide dedicarse a tiempo completo a la pintura, inspirada en los museos y galerías europeas, así como por el arte urbano. Su obra se encuentra enmarcada en el Género Neo POP y se evidencia en ella su visón pluricultural influenciada por su vida en Venezuela y su tiempo en Europa.\nA su regreso en Venezuela se residencia en Puerto Píritu, Estado Anzoátegui lugar desde dónde desarrolla su obra y no es sino hasta el 2008 que comienza a mostrar su trabajo en salones nacionales de arte y exposiciones colectivas, con una gran receptividad que la han hecho merecedora de distinciones especiales y honorificas.\nA primera vista, la obra de la artista parece algo conocido. Pero al adentrarse en ella, dejando que nuestra mirada nos guíe por los detalles, se mueva en función de los contrastes de colores y sigua el viento que la artista plasma en su obra, nos damos cuenta de la profundidad en el concepto y de la ironía de su trabajo.\nEn su discurso plástico utiliza elementos iconográficos, colores brillantes y mates, cálidos y fríos, los cuales se oponen y se unen, tramos que se leen en transparencia en obras de gran formato que crean una estética propia de la artista. La técnica irreprochable facilita la lectura caótica (en apariencia), llevándonos de un mundo a otro, de un continente a otro, en un mundo globalizado, donde las referencias se funden y son colectivas, donde el arte se transforma en un objeto transcendente.\nMucha gente busca en el arte lo que quiere ver, y ve a veces lo que no le gusta saber. Ustedes, espectadores, tienen que imaginar lo que quieren ver; por mi parte veo una obra que denuncia el espectador, que nos denuncia. Somos el producto, tal como esta obra, de los tiempos en los cuales vivimos. Producto de la mundialización, satanizando y honrando a Ronald McDonald, venerando la paz interior de Buda, idolatrando imágenes, rezando en la iglesia y siendo grandes consumistas.\nSomos hechos, construidos, con contrastes. Contrastes políticos. Contrastes religiosos. Contrastes de colores.\nSu labor artística no solo se centra en la creación sino también en la trasmisión de sus conocimientos a las nuevas generaciones a través de la Fundación Arte para Crecer institución sin fines de lucro que apoya a artistas emergentes y nuevos talentos.\nJérémy Fabre Curador\nLa Artista Visual Honys Torres mostrará su primera exposición individual bajo la curaduría de Jeremy Fabre y Pilar Gispert Directora del MUSAN, contentiva de Diecisiete obras de gran formato entre cuadros, esculturas, intervenciones e instalaciones, muestra con el título “El Imperio Contrataca” que será inaugurada en Domingo 14 de Octubre a las 11:00 am, en el Museo Anzoátegui, ubicado en la en la Calle Juncal, Nº 3-45 (Frente a la Plaza Boyacá), Barcelona y podrá ser visitada hasta el 14 de Noviembre.\nSu obra se encuentra enmarcada en el género Neo Pop, utiliza la ironía y el humor como parte de su discurso plástico, así como la crítica y la retorica en sus temas y personajes, algunas veces anárquica y trasgresora. Colores contrastantes y tramados caracteriza su obra.\nLos visitantes reconocerán muchos personajes de nuestro gentilicio entrelazados con personajes anglosajones, iconografías de marcas contemporáneas, tecnología, creencias religiosas, debates políticos y un sin fin de detalles que no están colocados al azar, que por el contrario tienen una connotación y aun cuando les parezca divertido esconde una gran carga conceptual e intelectual que los llevara a reflexionar sobre los temas planteados.\nLa artista desde hace cinco años ha representado al Estado Anzoátegui en diversos salones nacionales de arte siendo reconocida con menciones especiales y honorificas.\nEsta artista emergente residenciada en Puerto Píritu comparte su tiempo entre la creación de sus obras de arte y la trasmisión de sus conocimientos a niños y adolescentes a través de la Fundación Arte para Crecer organización sin fines de lucro la cual preside.\n“Hacer una exposición individual no es posible sin el apoyo de muchas personas e instituciones, a todas ellas les agradezco por creer en mi trabajo y por acompañarme en este camino. Lo mejor que puede pasar es que se diviertan, debatan, confronten y hasta no les guste, pero lo peor es que no sientan ni frio ni calor, a todo eso se expone un artista cuando hace una exposición, pero lo importante es hacer lo que te gusta y disfrutar de la experiencia de poder expresar lo que piensas a través de tu obra”\nMuseo Anzoátegui, ubicado en la en la Calle Juncal, Nº 3-45 (Frente a la Plaza Boyacá), Barcelona y podrá ser visitada hasta el 14 de Noviembre.\nBoggio, fotógrafo postimpresionista - Museo de Bellas Artes\nMuchos aspectos de la obra de Emilio Boggio son todavía desconocidos, no sólo en Venezuela, su país natal, sino en Francia donde desarrolló la mayor parte de su vida artística, la cual estuvo enmarcada en un momento de grandes transformaciones sociales, económicas y culturales, a la par de los movimientos pictóricos de vanguardia más notables que surgieron en el país europeo durante la última década del siglo XIX y principios del XX.\nBoggio, fotógrafo postimpresionista, exposición que se presenta en el Museo de Bellas Artes de Caracas, comprende la identificación, estudio y análisis de los materiales fotografiados encontrados tanto en la colección del Museo de Caracas como los recolectados en la casa taller de Auvers-sur-Oise en Francia, a partir de los cuales se determinaron elementos estilísticos y estéticos que ayudaron a corroborar la autenticidad de las piezas.\nLa exposición Boggio, fotógrafo postimpresionista podrá visitarse hasta el 15 de diciembre de 2012, en la Sala 10 del Museo de Bellas Artes.\nBoggio, fotógrafo postimpresionista\nCon información de prensa de la Fundación Centro Nacional de Fotografía\nAntropometrías Indelebles. Instalación de Alberto Asprino en la Fundación D.O.P.\nEl artista e investigador de las artes visuales Alberto Asprino mostrará una gran instalación fotográfica con más de 120 fotografías en variados formatos y un video-arte, todos partiendo de un registro urbano y serial con las manchas y figuras que sobre el papel marca la tinta azul añil en un acto de votación, muestra que bajo el título de “Antropometrías Indelebles” se inaugurará el domingo 30 de septiembre, a las 11:30 a.m., en la Fundación D.O.P, ubicada en la Av. Principal de Las Mercedes.\nEsta serie, testimonio del inconsciente, es parte de una temática de impronta urbana que el artista marabino viene desarrollando, junto a sus collages y piezas escultóricas en madera, en los últimos 12 años.\nManchas, huellas irregulares, gestos de un acto colectivo que han sido pacientemente recogidas y seleccionadas por el artista para expresar una intencionalidad en cada gesto individual.\n“Clásicamente la línea recta en la pintura es sinónimo del ejercicio de la racionalidad, mientras la mancha es expresión de la emoción y a partir de esos conceptos se ha construido todo el edificio teórico del arte del siglo XX. Sin embargo, todos los artistas expresionistas, si nos limitamos a la abstracción, desde Pollock hasta Masson, han reiterado los gestos y colores en sus obras, de manera que ellas pueden ser reconocidas e identificadas por cualquier observador atento. Lo que demuestra, que siempre hay un grado de racionalidad o intencionalidad en las obras que pretenden reconocerse como testimonio del subconsciente”, comenta Nicomedes Febres en uno de los textos del catálogo que acompaña la muestra.\nEsta serie registra desde la fotografía y la memoria un accionar humano, íntimo y personal que se desborda en las papeleras y que el artista las ha recogido para elevarlas a la categoría de obra de arte.\n“Alberto Asprino nos muestra palpablemente lo sacro de nuestra individualidad, lo intransferible de nuestra huella y nuestro gesto, pero simultáneamente al elevar esos papeles a la categoría de obra de arte cuestiona la relación de causalidad entre la obra de la pintura abstracta conceptualmente expresionista y el producto final de dicha relación. Además el artista es un producto de su tiempo, un tiempo hiperpolitizado y esta obra es también una obra política, pero de política con P mayúscula, pues acentúa el valor individual de cada ser, independientemente de su inclinación, de manera que la obra sacraliza a la democracia como sistema político, y las elecciones como fórmulas de resolver cualquier disenso social acudiendo a la voluntad de las mayorías, pero preservando el derecho inalienable de cada ser humano, que no puede ser pisoteado por la decisión general”.\nAlberto Asprino conceptualiza un proceso urbano al revisar y reactualizar despojos y desechos, cuando anteviene cajas y objetos inservibles para transformarlos en una creación artística, obras que, para Nicomedes Febres, tienen en común el hecho de transmitir la sensación de ser dolorosamente humanas, profundamente íntimas y personales.\nEste artista marabino, arquitecto de formación inició su carrera artística en 1975, participando en diversas exposiciones a tanto a nivel nacional como internacional. Con 16 exposiciones individuales y ganador del premio Arturo Michelena en el 2003, su creación artística la comparte con una importante actividad como promotor, curador, museógrafo y asesor de diversas instrucciones culturales de importancia en nuestro país.\nLa muestra “Antropometrías Indelebles” se estará presentando del 30 de septiembre hasta el 18 de noviembre de 2012 en las Salas 2, 3 y Espacio Metamórfico de la Fundación D.O.P. en su sede de Caracas, ubicadas en el nivel Planta Baja de la Torre D.O.P. - Multicentro Las Mercedes, Av. Principal Las Mercedes. La muestra puede ser visitada en los siguientes horarios, válidos también para visitar otras exhibiciones y/o actividades que se llevan a cabo en la institución: martes y miércoles de 2:30 a 6:00 p.m, jueves a sábado de 2:30 a 7:00 p.m. y los domingos de 11:30 a.m. a 5:00 p.m. Lunes cerrado. Entrada libre.\nDel 30 de septiembre al 18 de noviembre de 2012\nSala Mendoza presenta Contaminados.\nQuince artistas de diferentes generaciones indagan en la mezcla e hibridez de lenguajes en el arte actual en el proyecto expositivo que se presenta en la Sala Mendoza, a partir del domingo 2 de septiembre a las 11:00 de la mañana, bajo la curaduría de María Elena Ramos\nLa muestra “Colores de mi tierra”, de la acuarelista Eglée Manzo, abrirá el sábado 15 de septiembre de 2012, a las 4 pm y permanecerá en los espacios de La Guayaba Verde durante dos meses. Manzo, diseñadora de profesión, se define a sí misma como una artista plástico a quien no le gustan las clasificaciones y siente su obra libre, sincera y llena de originalidad. Esta exposición estará compuesta por 22 obras donde predominan los bodegones con algunos trazos incompletos característicos del pincel de la artista, quien así les imprime su sello único.\nMakom: Fotografías, Grabados y Litografías de Lihie Talmor - Galería Gsiete\nDel 23 de septiembre al 4 de noviembre de 2012\nLa Resituación de lo Natural. Fotografías y pinturas de Roberto Murguey\nEl jueves 18 de octubre a las 7:00 pm, en la galería Espacio Alternativo del Centro de Artes Omar Carreño en La Asunción, Roberto Murguey, inaugura su más reciente exposición titulada “La Resituación de lo Natural”. La muestra incluye 11 fotografías y 5 pinturas a través de las cuales Murguey quiere llevar un mensaje muy claro al público.\n“Estamos matando la naturaleza y es hora de tomar conciencia, como artista creo que puedo sensibilizar a la gente a través de mi obra. Debemos replantearnos ya la forma de relacionarnos con el ambiente, no podemos seguir así, sobre todo en la isla”, dijo Murguey.\nDesde niño, este inquieto paraguanero con sangre y raíces margariteñas se sintió movido por una creatividad que se desbordaba que sigue siendo parte fundamental de su vida. Para él es una sensibilidad que todos tenemos y nos diferencia de los animales. “Los artistas la pulimos, la vamos tallando, ese es nuestro trabajo, es nuestra manera de comunicarnos”.\nNo le gusta que lo etiqueten como pintor, fotógrafo o escultor, “Soy una artista. Artista es todo aquel que logra un equilibrio con todo lo que lo rodea, quiero un mundo mejor, más sensible en el que todos tengamos oportunidades”.\n“Siempre me gustó la fotografía, hoy en día la tecnología nos brinda muchas oportunidades y alternativas y eso me encanta. Me encantan los colores, veo la vida en colores nunca en blanco y negro, quizás porque vivo en el trópico y aquí los colores son muy brillantes, amo la naturaleza, las flores, todo está hecho por el mejor artista que es Dios”.\nMurguey piensa más en la imagen que en la fotografía en sí. “Me gusta la imagen eso que te llega, lo que te mueve el alma, es la posibilidad de meterte en esa flor, en ese mundo vegetal”, señala. “La Resituación de lo Natural” es la forma que tiene Roberto Murguey de mostrarnos su visión de la naturaleza y plantearnos una nueva forma de relacionarnos con ella, de amarla, de cuidarla.\nLa muestra permanecerá exhibida en la Galería Espacio Alternativo del Centro de Artes Omar Carreño hasta el 1 de noviembre, gracias al apoyo de la gobernación del estado Nueva Esparta a través del Centro de Artes Omar Carreño y el Iacene.\nLa Resituación de lo Natural\nDel 18 de octubre al 1 de noviembre de 2012\nExtendida hasta el 18 de noviembre de 2012\nI Festival de Arte contemporáneo Colgantes\nFlor de Venezuela, Barquisimeto.\nHasta el 18 de noviembre 2012 en las instalaciones de la Flor de Venezuela, ícono de la ciudad de Barquisimeto ubicado en la Avenida Venezuela con Avenida Bracamonte.\nColgantes, I Festival de Arte contemporáneo a realizarse el 21 de Septiembre de 2012, en La flor de Venezuela de Barquisimeto, Estado Lara. Este festival busca crear un nuevo amanecer en el arte del estado, siendo que este epicentro de un movimiento en las artes que pide a gritos desarrollarse. Los protagonistas serán artistas emergentes que concentran la investigación plástica que se expresa en sus obras, en dar una muestra sensorial al público asistente.\nEl proyecto trata de innovar a nivel de curaduría y presentación, en la diversidad de propuestas artísticas, que rompan con la rutina de las exposiciones habituales en el Estado Lara. (Progreso artístico a través de artistas emergentes).\nLa importancia de la Flor de Venezuela, además de ser una infraestructura realizada por un arquitecto famoso nacional y regional como fruto vivas. Tiene una complejidad atractiva para darle al festival una calidad de desafío museográfico y de curaduría, por el hecho de no tener paredes y ser circular, esto generará un desempeño creativo del artista adaptarse al espacio y no el espacio a la obra.\nColgantes, es un festival que busca innovar en conceptualización, así como también pretende la experimentación logrando que por medio de las distintas disciplinas artísticas se muestre una adaptación del artista al lugar, creando de esta manera nuevas problemáticas museográficas y rompiendo así con el paradigma de una muestra de arte.\nExcelentes las propuestas que fueron recibidas. Casi nada rechazamos. (Muy diversas que marcan la contemporaneidad vivida) solo debían cumplir con el hecho de ser suspendidas, por las características explicadas anteriormente este festival tiene la particularidad de ser receptor de las obras para convertirse en una vitrina regional de las artes, y un referente a nivel nacional. Seremos juzgados por el espectador, no por la organización de Colgantes. Nosotros como organización seremos los que disponemos de los espacios.\nLa curaduría la asumen tres personas que tienen trayectoria en las artes plásticas. Al Vanegas, Curador de la Flor de Venezuela y el Ateneo de Cabudare. Maria Fabiana Zapata, profesora de la UCLA especialista en arte en escultura experimental, además con una trayectoria dentro de las artes plásticas. Giovanni Di Rosa, artista emergente y Director del colectivo Protoarte.\nEste proyecto es gracias a: Al Vanegas, Maria Fabiana Zapata,colectivos: Proto Arte. Dospardedos. Sociedad OCTOS. Transcendencia Grupo Actoral. Banda Rancho e Pavia.\nInaugura el 21 de Septiembre 2012 a las 7 p.m. en las instalaciones de la Flor de Venezuela, icono de la ciudad de Barquisimeto ubicado en la Avenida Venezuela con Avenida Bracamonte.\nTodas las inquietudes colgantesartes@gmail.com. El correo electrónico de información y contacto.\nPublicado por Gladys Calzadilla en 6:14 No hay comentarios: