Fingerpicking.net Intervista a John Butler - Fingerpicking.net\nTag: john butler, john butler trio\nJohn Butler – Foto di Kane Hibberd\nNon ci serviva una conferma per essere sicuri che l’Australia fosse una fucina di talenti. Dagli AC/DC a Tommy Emmanuel il passo è lunghissimo e al tempo stesso breve: tanti grandi musicisti arrivano dalla terra down under, ‘di sotto’, come amano dire loro stessi. Certo è che il continente, nazione, isola, gigantesco pezzo di terra galleggiante, chiamatelo come volete, produce artisti a volte unici nel loro genere. Non fa eccezione il personaggio che abbiamo avuto il piacere di incontrare per voi in questa occasione, idolo di migliaia di giovanissimi in tutto il mondo, estremamente popolare in molte nazioni ma non ancora da noi: speriamo di portarlo a un pubblico ancora più vasto con questa chiacchierata.\nAmericano di nascita ma australiano di adozione, chitarrista acustico ma anche amplificato da un potente Marshall valvolare, strumentista devoto alle accordature aperte come nella migliore tradizione blues, ma appassionato di reggae e hip hop, ottimo solista con la sei corde ma anche cantante e songwriter: la miscela è davvero esplosiva e fa già capire che gli ingredienti per qualcosa di nuovo ci sono tutti. Nuovo per modo di dire, perché Flesh and Blood è il suo sesto album in studio e ce ne sono altri incisi dal vivo, perché sono passati sedici anni dal primo disco e perché sono almeno venti che Butler suona senza sosta per un pubblico che è andato via via aumentando, prima solo in patria, oggi in tutto il mondo. L’occasione è un suo concerto all’Estragon di Bologna, tutto esaurito per l’occasione: Butler ci viene incontro un paio d’ore prima del soundcheck, chitarra in mano e sorriso aperto, pronto a raccontarci qualcosa e a rispondere alle nostre domande e curiosità.\nCiao John, piacere di averti sulle pagine della nostra rivista per la prima volta, grazie del tempo che ci hai concesso. Vuoi dirci, per iniziare, qualcosa su di te, come è iniziata la tua passione per la musica e per la chitarra?\nSono nato in California nel 1975 da padre australiano e madre americana; ci siamo trasferiti in Australia quando avevo undici anni. Ho iniziato a suonare a tredici e mi sono rotto un braccio cadendo con lo skateboard; ho ricominciato a suonare… e mi sono rotto il braccio una seconda volta saltando da un trampolino. Quindi eccomi, a quindici anni, a iniziare seriamente a suonare. Mio padre mi regalò il dobro di suo padre, ma in quel momento mi resi conto di non saperci cosa fare e lo misi via, per cinque o sei anni…\nHai continuato a suonare la chitarra?\nSì, certo, principalmente scrivevo canzoni; non ero molto interessato allo strumento in sé, non pensavo di diventare un musicista. Sai che di solito i ragazzi tengono un diario, io scrivevo canzoni: quello era il mio diario. Ho continuato a suonare e a ventun anni ho scoperto le accordature aperte; e quello ha cambiato tutto.\nGrazie a chi le hai scoperte?\nAmici in genere, nessuno in particolare; amici che suonavano e mi hanno fatto conoscere questo mondo straordinario. Sono diventato del tutto ‘dipendente’ da una chitarra accordata in maniera non tradizionale, e quella è stata la scintilla attraverso cui ho capito che forse non era più un semplice hobby, ma sarebbe potuta diventare una professione. Ho scoperto la musica celtica, il fingerpicking… e, con le accordature aperte, mettere tutto insieme e cercare la mia propria voce è stato molto naturale.\nSei un musicista trasversale: oltre ad essere un ottimo chitarrista acustico, sei un cantautore e guidi una band. Di solito ci si trova di fronte a un mondo o a un altro; tu cerchi invece di unirli: chi ti ha influenzato di più nel tuo percorso?\nHo ascoltato moltissimo un musicista australiano che si chiama Jeff Lang: suona la slide in lap style, poggiata sulle gambe; è un grande musicista blues e non solo. Mi piace anche il bluegrass, che ha tante affinità con la musica celtica e il violino, in particolare, che mi piace molto. Ma sono cresciuto come un normale teenager, senza una particolare attenzione alla chitarra. Quindi ho ascoltato i Beastie Boys, gli Smiths, Bob Marley, i Soundgarden, i Tool, Tracy Chapman, Gillian Welch, Jimi Hendrix, moltissimo Hendrix, i Led Zeppelin, molte cose diverse; dall’heavy all’acustico, senza particolari differenze: questo forse è il motivo per cui suono una chitarra acustica in un amplificatore Marshall!\nHai suonato con delle cover band come fanno molti ragazzi, prima di iniziare a lavorare sulla tua musica?\nIn realtà, no: appena ho imparato quattro accordi ho cominciato a scrivere cose mie. Poi, quando a ventun anni ho scoperto le accordature aperte, ho iniziato a fare il busker, suonando per strada. Con un piccolo ampli andavo di città in città suonando musica strumentale, che era un mix di celtica, blues e influenze indiane [inizia a suonare, improvvisando con la chitarra acustica che ha in mano dall’inizio dell’intervista]… Suonavo cose del genere e potevo andare avanti per ore! Così è iniziata la mia carriera, piano piano mi sono fatto strada, aprivo per altri musicisti in piccoli locali, sai, come fanno tutti. Per strada suonavo solamente, ma nei locali iniziai a cantare le canzoni che scrivevo; e univo le due cose, strumentale e cantato. A ventun anni capii che volevo fare il musicista; avevo iniziato a studiare arte per dedicarmi all’insegnamento, ma poi ho scoperto le accordature aperte e ho mollato tutto! Portavo addirittura la chitarra a scuola, ero veramente ossessionato.\nQuali accordature aperte usi o usavi, se ce ne sono che ti piacciono più delle altre?\nMi piace quella di Do aperto, che ho scoperto all’inizio: CGCGCE, dalla sesta alla prima corda; la Dropped D con la sesta corda in Re, che fu la prima in assoluto, come quella di Re aperto (DADF#AD) che uso moltissimo.\nQuindi giravi suonando per strada già prima di essere più conosciuto…\nSolo fra la mia città e una vicina, non mi spostavo moltissimo. All’inizio la mia città, poi lo stato, poi la nazione… sono uscito dall’Australia solo dopo aver fatto un paio di dischi.\nJohn Butler Trio – foto di Kane Hibberd\nTi presenti sempre come John Butler Trio, non hai neanche un sito a tuo nome soltanto: come mai?\nLo scorso anno ho fatto un tour a mio nome, da solo, ma mi piace il trio; mi piace l’idea del trio, mi piace la versatilità del trio. Di solito scelgo musicisti che si adattino a questa situazione, e non ne vorrei altri, non ho bisogno di altri musicisti. I miei strumenti preferiti, al di là della chitarra, sono basso e batteria: il basso hip hop, il basso reggae, è tutto lì. E se pensi al mio stile, il suono della chitarra è già abbastanza grosso; poi la amplifico anche con un Marshall, che la rende ancora più grossa: aggiungere altri strumenti renderebbe tutto molto ‘fangoso’ [muddy], troppo pieno. Abbiamo molto spazio, ma possiamo anche riempire molto: se verrai allo spettacolo sentirai di cosa parlo!\nTi ho visto suonare in occasione di grandi festival, di fronte a folle enormi. Spesso suoni la tua “Ocean” da solo, per un pubblico che di solito un chitarrista acustico non ha, o non si aspetta di avere: cosa si prova in quelle occasioni?\nÈ molto bello perché non sono solo appassionati di chitarra acustica, ma c’è di tutto, soprattutto persone che sono lì ‘per la musica’: il pubblico che preferisco è formato di appassionati che non fanno ‘categorie’, ma ascoltano e basta. La cosa interessante di un brano come “Ocean”, è proprio che lo puoi suonare in occasione di un festival di fronte a un mucchio di ragazzi giovani: iniziamo come trio, poi magari resto solo a suonare questa specie di lunga composizione influenzata dalla musica celtica, e tutti impazziscono! È molto interessante vedere la loro reazione, l’attenzione che mettono in quell’ascolto; non te lo aspetteresti.\nPorti la chitarra acustica a un pubblico molto vasto.\nSì, ma non vederla come chitarra acustica. Capisco cosa intendi, chi leggerà lo farà sulle pagine di una rivista specializzata, ma per me è solo musica.\nfoto di Daniele Bazzani\nQuindi suoni la Maton amplificata da un Marshall, mantenendo però anche il segnale acustico nell’impianto, giusto?\nGiusto. Il magnetico della Seymour Duncan, il Mag Mic, va al Marshall e il pickup della Maton va dritto nella D.I. Box, al mixer; poi miscelo i segnali a seconda delle esigenze. Ma il magnetico va prima a un pedale di volume, così posso suonare solo acustico o alzare il volume dell’amplificatore [mima un motore che romba] come una specie di ‘acceleratore’! È un’idea che ho preso da Jeff Lang: lo vidi una volta suonare acustico, poi a un certo punto iniziò a spingere sul pedale e il suono divenne pazzesco!\nChe effetti usi sulla chitarra?\nUso un Maxon come overdrive, che è una copia del Tube Screamer della Ibanez. Il suono dell’ampli è già piuttosto carico, quindi non mi serve troppa distorsione dal pedale. Poi qualche altra cosa per modificare il suono: delay, chorus, un Whammy Pedal della DigiTech, cose così.\nLi usi dall’inizio della tua carriera?\nNo, quando andavo in giro per strada avevo solo il magnetico con un piccolo amplificatore, poi nel tempo ho aggiunto cose che scoprivo e trovavo funzionali al mio stile. Sono passato al doppio pickup e tutto il resto, anche perché non ho bisogno ‘solo’ del suono acustico amplificato, ma di tutta la parte elettrica.\nLe percussioni che suoni sul corpo della chitarra sono riprese dal microfono del Seymour Duncan?\nNo, il microfono del Seymour Duncan è sempre spento, non lo uso; uso il sistema della Maton, che ha un piezo e un microfono. Molti dei colpi sono amplificati dal piezo, che è molto sensibile; le cose più distanti dal ponte [suona un groove dei suoi per farci capire le differenze] invece sono amplificate dal microfono interno.\nNo, veramente lo uso solo su “Ocean” e poi lo spengo; mi serve per tutte le piccole cose percussive che suono con le unghie sul top della chitarra.\nDicci qualcosa della tua musica, delle tue canzoni, di come scrivi: se viene prima il testo o la musica, o se vengono insieme.\nNon so, le due cose insieme, vediamo [lunga pausa di riflessione]… È un misto di me, e di qualcosa che non sono io [inizia a suonare la chitarra che ha in braccio, suona un riff improvvisato e canta parole senza un particolare significato, in pratica inizia a comporre davanti a noi!]… All’inizio è un bofonchiare parole quasi senza senso; poi, se viene fuori una frase di senso compiuto o almeno udibile, che mi piace, parto da quella, da come suona e da ciò che dice. Da lì partono i miei ‘compiti’: devo capire di chi parla quella frase, come lavorarci, come costruire una storia sensata e tutto il resto. Ma devi lavorarci: quella piccola frase è come un seme, poi scrivi e cancelli tante volte, fino a togliere tutto quello che non serve. Costruisco lentamente.\nQuindi è quello che fai abitualmente?\nSì, devi usare le due cose: è come l’uomo ‘civilizzato’ che tiene a freno la parte ‘animale’ che cerca di liberare. Immagina di avere una bestia in gabbia: devi farla uscire poco a poco, fare in modo che non prenda il sopravvento ma dia un contributo, che non si spaventi e non spaventi te, che non si ferisca, che non scappi! Con il tempo impari a lasciarti andare: non è facile, ma è la parte più bella. Tutti noi abbiamo qualcosa di molto ‘animale’ dentro, ma è difficile da gestire, quindi molti la lasciano stare…\nQuindi scrivi anche in relazione al tuo stato d’animo del momento.\nSì, a volte. A volte le cose sono molto personali. C’è una canzone nel nuovo album intitolata “Bullet Girl”: l’altra sera sul palco ho realizzato che parla dei miei genitori! Ma l’ho scritta più di un anno fa, e solo la scorsa settimana ho realizzato di cosa tratta. A volte capisci cosa scrivi, a volte no: non c’è una formula, ed è la cosa straordinaria dell’intero processo. Quelli che abbiamo fra le mani sono solo strumenti: se uno scultore come Michelangelo ha realizzato il Davide, ha dovuto togliere via tutto quello che c’era intorno; Davide era nel blocco, ma solo lui sapeva come tirarlo fuori.\nCi sono volte in cui invece hai un’idea più precisa in testa e magari corri a casa pensando che devi fissarla?\nSì, per “Zebra” è andata così [suona il riff del pezzo]: ho avuto questa frase in testa per tre anni, ma non quando avevo una chitarra in mano! Ci sono voluti anni prima che le due cose si incontrassero. A volte invece [suona un groove reggae] hai in mente un tipo di suono, magari reggae, inizi a suonare e pensi a cosa potrebbero fare il basso e la batteria. Sono cose che attengono più alla fase di produzione ma ugualmente importanti, perché a volte il modo in cui si sviluppa un pezzo è il pezzo stesso…\nQuindi fai un disco nuovo quando hai abbastanza materiale? Non hai qualcuno che ti dice: «Devi fare un disco!»\nC’è un motivo specifico per cui di tanto in tanto cambi i membri della band? Un motivo musicale o personale?\nDi solito è musicale, mai personale. I primi due bassisti lasciarono perché volevano lavorare alla loro musica. Tempo dopo è subentrato alla batteria mio cognato Nicky Bomba, con il quale mi piaceva l’idea di lavorare; è stato con noi parecchio tempo, ma a un certo punto aveva diverse sue band con progetti originali: abbiamo pensato che sarebbe stato meglio per lui se avesse pensato solo a quelle! Mi è capitato di cambiare musicisti perché la musica suonava meglio con i nuovi: non è mai un fatto personale, l’ultima cosa che vorrei fare è cambiare le persone; è una cosa che mi coinvolge emotivamente, quindi se potessi eviterei. A volte suoni con qualcuno, ottimo musicista, splendida persona, poi suoni la stessa cosa con un altro, ottimo musicista, splendida persona, e la musica funziona meglio con uno piuttosto che con l’altro, semplicemente. Quindi io, come band leader, devo prendere le decisioni, anche le più difficili. Preferirei non farlo, ma sono quello preposto a farlo a causa del ruolo, e so che devo. La musica è il ‘boss’: io mi sento come un impiegato che deve eseguire gli ordini del capo; quindi faccio cose che eviterei volentieri di fare, per il bene della band.\nProvi molti musicisti quando ne cerchi uno nuovo?\nA volte. Quando mio cognato ha lasciato il trio, dopo quell’esperienza, abbiamo provato cinque batteristi differenti prima di trovare quello giusto.\nCosa cerchi in un musicista?\nNon ne ho idea, è una questione ‘chimica’: non conta la tecnica, non conta quanto suoni veloce o altro. Semplicemente suoni e ascolti cosa succede: deve succedere qualcosa!\nE quando arrangi hai già idea di cosa chiedere o lasci fare ai musicisti?\nDipende, a volte ho un’idea: l’ho fatto molto in passato e a volte lo faccio ancora; ma con il tempo ho imparato che la cosa migliore, per fare uscire la ‘bestia’ in qualcun altro, è non piantare il seme. Se già la imposti dicendo ‘pensavo a un tempo reggae’, il musicista prende inconsapevolmente una strada e una decisione musicale che – senza indicazioni – forse non avrebbe preso. Quindi, se non dici niente, ognuno suona in modo molto più spontaneo e magari viene fuori qualcosa che è anche migliore di come te l’aspettavi. Così io entro, suono, dico: «Questa è la canzone, voi cosa suonereste?» E ho scoperto che spesso loro hanno idee migliori di quelle che avrei avuto io! Poi, se magari non mi piace come suoniamo, provo a suggerire un altro tempo, per cercare di migliorare il tutto; ma ho imparato a non iniziare così. Voglio che loro abbiano una tela bianca su cui dipingere: non voglio mettere io i colori per loro, se possono farlo da soli.\nE magari un batterista conosce lo strumento meglio di te, quindi sembra una decisione saggia la tua.\nEsatto. A volte loro hanno ottime idee, altre volte meno, e lavoriamo insieme. Ma nella maggior parte dei casi, direi anche nove volte su dieci, mi piace ciò che suonano e partiamo da quello. Metti questo, togli quello… a volte sei come il capitano della nave: magari c’è qualcuno a bordo che conosce le acque meglio di te; in quel caso credo sia meglio non restare attaccato al timone, ma cederlo a chi sa cosa farne. Ho imparato, sto imparando, a non mettere il mio ego di fronte a tutto: non serve.\nTi capita di arrangiare una canzone, ma di pensare che somiglia a qualcosa che hai già fatto? Se ti piace il risultato, la tieni così o provi a cambiarla?\nDipende, è una buona domanda… Mettiamola così: non si vorrebbe riscrivere sempre la stessa canzone, ma c’è una cosa che si chiama ‘stile’, da cui non si può prescindere; è inutile far finta di niente. Guarda, per la prima volta, in questo disco, ci sono due canzoni non scritte da me, ma da tutti e tre insieme…\nDurante le prove?\nSì, c’erano delle jam session durante le quali non mi era permesso di portare le mie canzoni, per vedere cosa accadeva [ride]: era un patto, per metterci sullo stesso piano e lavorare in modo diverso dal solito. Quindi non ero io a dire come sempre: «Ecco, questa fa così»…\nSì, ed è stato molto divertente! È stata una lezione di fiducia per me. Spesso, in passato, ero attaccato al volante ed era impossibile staccare le mani; quindi lasciarmi andare è stato importante. E ho capito che la questione è più simile alle redini di un cavallo che al volante di una macchina: devi avere fiducia nel cavallo e lasciarlo andare, perché sa farlo anche da solo; stabilire la fiducia è fondamentale per entrambi.\nQuindi pensi di rifarlo?\nSì, assolutamente: limitare qualcuno in una band è una specie di crimine. Quindi continuerò anche a scrivere le mie canzoni, ma mi piace al tempo stesso instaurare una collaborazione fruttuosa. Credo e so che una buona canzone potrà funzionare e andare con le sue gambe, quindi mi preoccupo meno e magari posso concentrarmi ancora di più sulla scrittura.\nCambi mai una canzone, se capisci che i musicisti nuovi possono suonarla in modo diverso, o chiedi loro di eseguirla come la suoni da anni?\nC’è uno scheletro che va mantenuto, ma non sono così rigido. Se qualcosa funziona meglio cambiandola, cerchiamo gli aggiustamenti migliori e facciamo in modo che funzioni: la musica è sempre al primo posto! Io vado verso di loro, loro verso di me, e cerchiamo il giusto bilanciamento.\nHo ascoltato Joan as Police Woman, qualcosa degli Arctic Monkeys, qualcosa di Pharrell, lui mi piace molto.\nQuali sono le canzoni o gli autori che ami di più?\nGillian Welch, i Fleetwood Mac, Tracy Chapman, Jimi Hendrix, grande cantautore, Bob Marley…\nPensiamo che dovremmo lasciarti al soundcheck… ci vediamo al concerto più tardi, grazie mille!\nGrazie a voi, è stato un piacere, a dopo!\nIl palco dell’Estragon di Bologna – Foto di Daniele Bazzani\nJohn Butler è un animale da palcoscenico: questo va detto per fugare ogni dubbio! Il concerto ci fa scoprire cose che non sapevamo: potevamo immaginarle dai video visti e dalla chiacchierata fatta poco prima, ma la sua performance dal vivo è davvero illuminante. Il lavoro dietro ogni singolo brano, dietro ogni singola cosa che suona, è enorme: questo si capisce subito, nulla è lasciato al caso. Il pubblico è composto da ragazzi giovanissimi; il locale, l’Estragon di Bologna, è tutto esaurito. Lui e le sue dodici corde acustiche Maton amplificate anche da una testata Marshall JTM degli anni ’70 non si risparmiano. La band è affiatatissima: i tre suonano groove trascinanti che portano i ragazzi a ‘pogare’ sotto al palco; come anche delle ballad molto morbide che si inseriscono alla perfezione nella scaletta, costruita in modo sapiente. Butler alterna brani nuovi e vecchi senza soluzione di continuità, lo show ha pochissime pause. Lui parla di rado e non è mai banale; presenta più di una volta il cantautore californiano Brett Dennen che ha aperto lo show, chiedendo applausi per lui.\nSi sente l’influenza dei musicisti citati durante l’intervista, Hendrix su tutti: alcuni riff sono ‘davvero’ hendrixiani, fra i migliori che ci sia capitato di ascoltare, fra l’altro; e la miscela di reggae e hip hop con cui sono costruite canzoni e arrangiamenti rivela cosa il musicista australiano ami davvero.\nUn concerto rock cantautorale, molto intenso e pieno di sfumature. Il passaggio dal suono acustico a quello distorto è continuo e mai eccessivo. Butler suona con le unghie come suonasse con il plettro; in effetti usa spesso quella dell’indice proprio in questo modo: ciò gli consente di arpeggiare, accompagnare o suonare a note singole cambiando tecnica in una frazione di secondo. Molto interessante il fatto che le sue unghie, artificiali e molto lunghe, siano da lui riempite anche ‘sotto’, verso il polpastrello, per renderle più robuste: ci ha detto che così gli durano anche un mese. E al posto dell’unghia del pollice ha praticamente un plettro gigante!\nUno dei momenti topici, a due terzi di concerto, è l’esecuzione di “Ocean”, vero cavallo di battaglia, che non ha mai la stessa durata: la struttura portante è sempre simile, ma Butler mette e toglie parti aggiuntive, che nel tempo stanno portando la canzone a durare anche dieci minuti e oltre. Scherzando ci ha detto: «Sembra possa solo allungarsi, mai accorciarsi!”\nUna cosa che ci piace è l’essenzialità dei finali: i brani arrivano tiratissimi in fondo, non ci sono mai ripetizioni dell’ultimo giro e la chiusura è secca sull’ultimo accordo non tenuto lungo! Il suo tecnico, se c’è un cambio di strumento, gli passa la chitarra di cui avrà bisogno per il brano successivo e lui riattacca i jack velocemente, già pronto a ricominciare. Tutte le sue dodici corde ne hanno solo undici montate: questo perché, ci spiega il tecnico che si occupa della sua strumentazione, la corda più fina che accompagna la terza corda Sol si spezza troppo spesso, quindi evita di montarla.\nDue righe sull’amplificazione, da quello che vediamo: ha un cavo unico, che però ne contiene due separati. Tutte le sue acustiche sono amplificate allo stesso modo, quindi – cambiando strumento – non fa mai confusione fra i due spinotti. Un segnale, quello acustico, va dal piezo al mixer principale; l’altro, elettrico, va ai pedali e all’amplificatore. Infatti, quando imbraccia una chitarra elettrica (non usa solo acustiche), utilizza solo uno dei due jack, l’altro resta scollegato. Addirittura, al banjo ha collegato entrambi i jack; non sappiamo però in che modo il segnale sia trattato. Sul palco molti dispositivi della Lehle, per ridurre il rumore di fondo e per splittare i segnali. E dietro la fida testata Marshall ce ne sono altre due, di backup, solo che una è utilizzata come preamplificatore (non ha infatti le valvole finali) e l’altra è usata come finale.\nAlcuni riff sono davvero potenti: il magnetico Seymour Duncan lavorato dalla testata Marshall ha un suono enorme. Ciò che Butler suona, anche distorto, è assolutamente comprensibile grazie alla sua estrema precisione, che dimostra sempre un pieno controllo su ciò che esegue.\nCi ha sorpresi per la quantità di brani suonati con lo slide: le influenze blues nella sua musica sono molto evidenti. In questa tecnica è davvero bravo, e il fatto di essere un ottimo chitarrista fingerstyle e di saper utilizzare bene le dita della mano destra rende il suo fraseggio molto articolato e ricco di spunti: davvero bravo.\nTiene il pubblico in pugno dall’inizio alla fine. Solo l’ultimo brano ha un finale un po’ più lungo degli altri, e il trio si concede in un paio di bis molto apprezzati, lasciando i ragazzi entusiasti della performance. Come noi, del resto.\nChitarra Acustica, 07/2014, pp.18-23


Dalla tempesta nasce la quiete: “Acqua” di Roberto Camurri - Cocktail di libri\nLeave a Comment on Dalla tempesta nasce la quiete: “Acqua” di Roberto Camurri\nViviamo un periodo strano, per certi versi assurdo e che difficilmente avremmo pensato di dover affrontare, a meno che non avessimo avuto la possibilità di entrare a far parte del cast dell’ultimo blockbuster catastrofico. Eppure siamo qui, a controllare le notizie, a tenerci informati sugli ultimi sviluppi in attesa che si possa scrivere la parola fine e che tutto possa tornare come prima. Auspicabile però sarebbe che tutto possa essere meglio di prima, così da migliorare ciò che in precedenza non andava proprio nel verso giusto.\nIn questi giorni sarà capitato a molti di riflettere su quello che prima davamo per scontato e così, analogamente, il racconto “Acqua” di Roberto Camurri si apre con i ricordi del protagonista che rivede nei sui pensieri la vita come era prima, “si ricorda di quando tutto era diverso” per poi tornare alla nuova realtà, dove la città in cui vive deve fare i conti con una piena imprevista del fiume. Dal misterioso protagonista apprendiamo anche che gli eventi hanno preso una direzione diversa in questa strana situazione, ma da questa piega forse innaturale nasce infine qualcosa di buono, una promessa di un cambiamento positivo. Uno spiraglio per un futuro che verrà.\nÈ questo il messaggio che l’autore trasmette, rimandando alla situazione attuale che certo prima o poi passerà e ci regalerà una nuova consapevolezza, se non addirittura una nuova voglia di vivere, forse in maniera più solidale e mostrando un maggior rispetto verso gli altri. Intanto però anche noi possiamo contribuire nel nostro piccolo acquistando questo ebook, i cui proventi saranno devoluti alla Croce Rossa Italiana.\n“Acqua” di Roberto Camurri è un racconto che fa riflettere sulla situazione attuale e che ci immerge nella scrittura dell’autore, concreta, diretta e allo stesso tempo evocativa, perché riecheggia a circostanze conosciute, a idee note, ma che Camurri esprime a modo suo per consegnarci questo racconto positivo, che ci ricorda come dopo ogni tempesta ritorni anche la quiete.\nConsigliato per chi crede in un futuro migliore, per chi non si capacita della situazione attuale e vuole riflettervi, per chi cerca un racconto con un finale positivo, per chi legge racconti.\nVi lascio i link all’acquisto per aderire anche voi a questa iniziativa benefica:\nLa pioggia cade che sembra di stare sott’acqua, hanno ombrelli sgangherati e si bagnano, lui ha la giacca chiusa, il cappuccio alzato, il vento li scuote e li fa sobbalzare, l’Ammiraglio deve andare in scooter, si chiede come farà, in che condizioni arriverà, considerando soprattutto che quella cerata sembra essere un residuo della Seconda guerra mondiale come gli occhialoni da pilota che indossa.\nDimmi cosa leggi e ti dirò chi sei: la festa dei libri al Salone Internazionale del Libro di Torino\nOltre l’apparente mistero: “La verità sul caso D.” di Charles Dickens, Carlo Fruttero e Franco Lucentini\nPrevious post: Il riflesso di sé stesso e la tematica del doppio: “Lo strano caso del Dr. Jekyll e del Sig. Hyde” di Robert Louis Stevenson\nNext post: L’amore in cucina: “Dolce come il cioccolato” di Laura Esquivel


"Caro Matteo, con le scuole cattoliche puoi risparmiare molti milioni" - FarodiRoma\nHome FarodiRoma Chiesa “Caro Matteo, con le scuole cattoliche puoi risparmiare molti milioni”\n“Caro Matteo, con le scuole cattoliche puoi risparmiare molti milioni”\nSuor Anna Monia Alfieri, Presidente di Fidae Lombardia, si rivolge al premier Matteo Renzi (nella foto) con una lettera aperta, che potete leggere qui sotto. Nel suo intervento, Anna Monia Alfieri esprime delusione per la legge sulla Buona Scuola, che ha “sforbiciato parti importanti della proposta di legge. I passaggi più coraggiosi. Quelli che riguardano nientemeno che i Diritti della Persona. Il Diritto dei Genitori e dei Figli. Il Diritto di essere liberi di scegliere l’istruzione secondo i propri Principi. Il Diritto di scegliere in una pluralità di offerta e il diritto di scegliere anche se si è poveri e handicappati”. Anna Monia Alfieri fa due calcoli: se la scuola continuerà a costare circa 8000 euro di spese correnti per alunno (dall’Infanzia alla secondaria di II grado) all’anno, le casse dello Stato non reggeranno a lungo… “Arriverà il momento in cui i 56 miliardi di euro all’anno (e ogni anno di più) per tenere in vita questo mammuth preistorico non ci saranno più”. La soluzione c’è: il costo standard per alunno. “Soltanto se arriviamo al costo standard per alunno, calibrato tenendo presenti tutte le possibili variabili delle diverse scuole pubbliche italiane, con una feroce definizione di tutte le spese possibili e tenendole tutte presenti, (…) soltanto se arriveremo a questo costo standard, le casse dello Stato risparmieranno 17 miliardi di euro all’anno. Come minimo”. E quindi, conclude Anna Monia Alfieri: “Visto ciò, che cosa aspettiamo? A quando il risparmio dei 17 miliardi all’anno? A quando la libertà di scegliere, per me che pago le tasse, la buona scuola pubblica, paritaria o statale, per mio figlio?”\nlo stile simpatico e friendly della sua ultima enews in onore della” Leopolda 6” fa fremere la mia penna di quarantenne come lei, nel desiderio di risponderle…Devo. Questa non è una mail, ma una vera “lettera aperta a Matteo”, da parte dei Giovanni, delle Paola, dei Giuseppe, delle Agnese (bhè, perché no? … se si parla di scuola…), da chi ha idee, sogni e critiche e anche da chi ‘crede che fare politica sia una cosa bella, un servizio a tempo, un impegno civile’, nell’Italia che lei governa. Dunque – visti i mittenti e il destinatario – devo essere chiarissima, perché …’ne va la vita!’ (Manzoni). Mi ritrovo molto nella sua tenacia, in quello sfrenato ottimismo che incoraggia e rilancia. Di ottimismo non è mai morto nessuno: ce ne serve molto per non soccombere all’ecatombe delle “buone idee” sull’altare del politically correct. Dica la verità: lei pensava di poter debellare questa insana caratteristica del Palazzo; ebbene, siamo ancora di là da venire. Infatti, a proposito di buone idee è con simpatia che ho guardato e guardo alla Buona Scuola sia nella modalità di consultazione, sia nella maratona che ha ottenuto la fiducia al Governo. Ottimo lavoro. Peccato che, la piazza fuori e il parlamento dentro, abbiano sforbiciato parti importanti della proposta di legge. I passaggi più coraggiosi. Quelli che riguardano nientemeno che i Diritti della Persona. Il Diritto dei Genitori e dei Figli. Il Diritto di essere liberi di scegliere l’istruzione secondo i propri Principi. Il Diritto di scegliere in una pluralità di offerta e il diritto di scegliere anche se si è poveri e handicappati. Anche il povero e l’handicappato devono poter scegliere la Buona Scuola Pubblica. Lei, Matteo, ha studiato Diritto, come me (io, per il lavoro che faccio, anche Economia), e capisce benissimo che se in un determinato Corpus il principio che lo fonda è contraddetto nei fatti, tale realtà è destinata a fare la fine della facoltà di veterinaria a Napoli… tanto per esprimere visivamente il concetto. In estrema sintesi: se la Buona-Scuola-Pubblica-Italiana non sarà per Tutti – poveri, handicappati, ebrei, cristiani, musulmani, rifugiati,… – non sarà. Stop. O sarà Scuola-di-Regime. Veda lei… Di più: non sarà proprio per niente! Distrutta. Caro Matteo, qui mi permetto di metterci un po’ “del mio”, da cultrice di economia: quanto pensa che possa durare la mungitura delle casse dello Stato, per una scuola che costa circa 8000 euro di spese correnti per alunno (dall’Infanzia alla secondaria di II grado) all’anno? Quelle in c/capitale nessuno le sa… neanche al Ministero dell’Istruzione. E gli 8000 euro sono spalmati come un rullo compressore, come se tutti i corsi avessero lo stesso costo. Ad occhio, come si dice. Un tanto al pezzo… Mio caro Matteo (mi consenta: sono sua coetanea!), in questo modo, di questo passo la scuola italiana non va da nessuna parte. Cioè: va in un baratro senza fondo, che trascina con sé non solo la sacrosanta libertà di scelta educativa prevista dalla Costituzione e dalla Dichiarazione dei Diritti dell’Uomo, ma anche – fisicamente – la Scuola in sé, i muri, le strutture, i banchi, le sedie, i computer, i docenti, tutto! Infatti arriverà il momento in cui i 56 miliardi di euro all’anno (e ogni anno di più) per tenere in vita questo mammuth preistorico non ci saranno più. Finito. Morto. Lei questo lo può sapere, meglio di me: vada dal Ragioniere Generale dello Stato. Qui nessun Ministro saprebbe aggiornarla: ci vuole un Ragioniere. Proprio per questo motivo, caro Matteo, la soluzione (o l’avvio serio di essa) non è difficile. Non dico che sia ‘un gioco da ragazzi’. Né lei né io lo siamo più. Non si illuda mettendosi i jeans… Da ragazzi no, ma da persone che ragionano e che fanno parlare i numeri a dovere, sì. Con due amici ci ho provato, e con la collaborazione di qualche ottimo dirigente del suo Ministero dell’Istruzione…Già. Sappia che ha tra i suoi collaboratori – probabilmente non li ha mai neppure visti in faccia – gente non solo “in gambissima”. Di più. Gente che – pur lavorando strenuamente e con intelligenza – è come in una tempesta, con la barca che fa acqua, aggrappata con una mano al timone, mentre tiene la corda della vela con l’altra e cerca di tappare le falle con i piedi… Proprio questi mi hanno detto ‘Era ora!’ quando, con Maria Chiara Parola e Marco Grumo, ho presentato anche a loro il saggio ‘Il diritto di apprendere. Nuove linee di investimento per un sistema integrato’, Giappichelli, Torino 2015. Forse non è tanto importante – chiedo scusa – che la puntuale prefazione l’abbia scritta il suo Ministro Giannini. Questo è il frutto maturo, la punta dell’iceberg: sotto c’è lo zoccolo sano dell’Italia, i dirigenti che pensano, che dicono: “Così non possiamo più andare avanti”, l’intelligenza che ci riporta al sano ottimismo di cui si diceva sopra,… sennò saremmo già kappaò da un pezzo! Ma la gente che pensa e i ragionieri che contano non bastano a salvare la libertà di scelta educativa in un pluralismo formativo, e quindi la scuola italiana. Quel saggio, in sostanza, dice: “soltanto se arriviamo al costo standard per alunno, calibrato tenendo presenti tutte le possibili variabili delle diverse scuole pubbliche italiane, con una feroce definizione di tutte le spese possibili e tenendole tutte presenti, dai numeri per classe alla quantità di materie, dal bambino H gravissimo, ai progetti più eccelsi, dalla situazione di disagio sociale, alla scuola scicchina nel centro della grande città (ci sono, ci sono, Matteo… parlo di scuole pubbliche statali…), dal liceo classico tutto d’un pezzo (ammesso che possa ancora esistere… ora i progetti più originali arrivano proprio da lì!) all’Istituto Tecnico più avanzato e tecnologico, fatto salvo lo stipendio attuale e futuro – in crescita prospettica – dei docenti, soltanto se arriveremo a questo costo standard le casse dello Stato risparmieranno 17 miliardi di euro all’anno. Come minimo. E noti: per tutti i bambini e i ragazzi italiani iscritti in una Buona Scuola Pubblica del Servizio nazionale di Istruzione, che come lei sa, conoscendo ciò che recita la L. 62/2000, comprende Scuole Pubbliche Paritarie e Scuole Pubbliche Statali. Infatti in tutta Europa, tranne che in Grecia, c’è una legge simile che recita e che attua la libertà di scelta educativa. In Italia, solo recita. Se non ha ancora letto il saggio – a proposito, a questo link troverà le trentacinque ad oggi recensioni, interviste, telefonate,video – lei può domandarsi: a quanto ammonterebbe il finanziamento ad personam che ciascuno studente italiano potrebbe indirizzare verso la scuola pubblica, paritaria o statale, da lui prescelta? Diamo un po’ i numeri… Ad esempio, il “prezzo” che lo Stato dovrebbe pagare all’anno per ogni studente della scuola dell’infanzia paritaria o statale sarebbe di € 4.573,91 (se si stratta di uno studente appartenente a una famiglia non abbiente) e di euro 3.201,73 (per gli altri studenti). Il finanziamento sarebbe invece di € 5.369,58, se nella classe è presente uno studente con handicap. Le cifre per la scuola pubblica primaria, paritaria o statale, sarebbero di € 4.851,19 annui (se si stratta di uno studente appartenente a una famiglia meno abbiente) e per la scuola secondaria di primo grado (statale e paritaria) il costo annuo da finanziare sarebbe di € 6.968,90 per ogni studente (non abbiente), mentre i costi relativi al liceo scientifico sarebbero: per il biennio € 6.143,58 per studente (non abbiente) e triennio € 6.452,10 (che diventano rispettivamente di € 7.069,13 ed € 7.377,64 se in classe è presente uno studente disabile). Con riferimento agli altri licei, si hanno valori più o meno simili. La fonte dei numeri, sui quali è calcolato il costo standard, sono l’ISTAT e il Ministero dell’Istruzione. Numeri pubblici. Nessun Miurleaks!… Lei comprende, caro Matteo, che la prospettiva di almeno 17 miliardi di euro risparmiati all’anno fa cadere nel ridicolo i balletti degli emendamenti proposti e ritirati fino a ieri…. Qui è in gioco la sopravvivenza stessa della scuola pubblica italiana, nonché la sua qualità. Infatti, il sano occhio di lince dello Stato garante saprà pizzicare – quanto a scuole – chi spreca, corrompe, tira a campare (il ragionamento diabolico: guadagno poco, ma per sempre!), così come saprà premiare, aumentando il finanziamento per alunno, chi è trasparente, valorizza, approfondisce, crea cultura, in una parola: educa. A questo punto, caro Matteo, ecco la domanda “da un milione di dollari” che con me le rivolgono i Giovanni, le Paola, i Giuseppe, le Agnese, i quali – sfortuna vuole – sono anche accasati e con figli che devono o vanno a scuola: ‘Visto ciò, che cosa aspettiamo? A quando il risparmio dei 17 miliardi all’anno? A quando la libertà di scegliere, per me che pago le tasse, la buona scuola pubblica, paritaria o statale, per mio figlio? Quando mi arriva ‘sto bonus del costo standard? So già dove spenderlo!…Ho adocchiato la scuola!'”\nLe scuole cattoliche chiedono di alleggerire ma di non far saltare l’esame di terza media


Apertura Dell'estensione Di File MU. Software Al Servizio Dei File MU.\nExtension de archivo .MU\nEstensione del file .MU\nCome aprire il file .MU?\nNon sai qual software devi utilizzare affine di aprire il file .MU? Vuoi convertire il file .MU in un'altro formato? Trovi le informazioni disponibili di sotto.\n.MUL'estensione di file ci sono d'abitudine tre o piû segni che sono presenti nel nome del file dopo il punto. L'estensione ci informa del tipo del contenuto del file e il sistema operativo - del software utilizzato per aprire la tale estensione. Per aprire i file con l'estensione MU puoi utilizzare tutto il vantaglio dei software disponibili. L'elenco dei software piû importanti che aprono il file con l'estensione MU si trova di sotto.\nDopo aver istallato il software richiesto, il sistema operativo collega d'abitudine il tipo dei file non conosciuti (in questo caso .MU) alla nuova applicazione in modo autonomo. Se non riesce a farlo, puoi aiutare un po' il sistema, scegliendo il software con il quale bisogna sempre aprire i file con l'estensione .MU.\nE meglio di verificare per la prima volta se il file.MU applicazione è leggibile e se è aperto in modo che permette di servirci in modo libero. Se tutto va bene, bisogna scegliere questa opzione per aprire il file con l'estensione .MU per la volta seguente. Se il file non si apre in modo corretto, devi cercare un'altro software che permette di aprire i file con l'estensione .MU. Scegli un'altro software del nostro elenco per istallarlo sul tuo computer. Dopo aver istallato il file devi ripetare l'apertura di controllo del file .MU. Di quando in quando devi ripetae la tale operazione molte volte.\nSe nessuno di nostri software al servizio del file .MU non è adattato ai tuoi bisogni, cerchi di ricercare in altri siti Internet. Comunque non sbagli di non scaricare i software che "aprono ogni tipo dei file". Il tale tipo delle applicazioni ha una funzionalità molto limitatae può caricarti di qualche dieci di dollari per causa dell'acquisto della licenza.\nNella maggioranza dei casi puoi trovareun software destinato al servizio del file .MU, o di un altro formato dei file. Di più, un tale software può essere gratuito e avere la funzionalità (nell'ambito del file .MU) estensa al massimo.\nse il file .MU non contiene gli errori\nLa più semplice risoluzione di questo problema consiste a scaricare il file .MU ancora una volta della stessa risorsa nell'Internet (o a cercare un'altra risorsa). Se hai acquistato il file di un'altra persona, chiedi di inviarlo ancora una volta. Se il file è coppiato di un lettore, devi ripetare questa operazione.\nDividi la tua conoscenza del file .MU\nSe vuoi dividere la tua conoscenza del file .MU con gli utenti del servizio FileExtension.info o descrivere il file, contattaci. Su tua richiesta, sarai mentionné come autore dell'articolo. Aggiungi le informazioni riguardando il file .MU


Terremoto in Lega Pro: Bandecchi chiede l’intervento del ministro Spadafora per una riforma immediata | catanzarosport24.it\nTerremoto in Lega Pro: Bandecchi chiede l’intervento del ministro Spadafora per una riforma immediata\nscritto il: mercoledì, 29 Luglio 2020 - 12:05\nSono destinate ad alzare un polverone le parole del presidente della Ternana, Stefano Bandecchi, rilasciate in una intervista pubblicata oggi sul Corriere dell’Umbria. Per Bandecchi la governance della Serie C è inadeguata e il presidente delle Fere invoca urgentemente l’intervento del ministro dello sport: “Per una riforma urgente dei campionati”\n“Chiedo l’intervento immediato del ministro dello sport per avviare al più presto la riforma del format dei campionati di B e C. Una riforma urgente e improcrastinabile, soprattutto alla luce della recente e assurda decisione della Lega Pro circa le rose contingentate”. Stefano Bandecchi analizza in negativo la situazione della terza serie. “Questa categoria – spiega il presidente della Ternana – non ha più nessuna ragione di esistere poiché racchiude 60 club molto diversi per blasone, bacino di utenza e solidità economica. Insomma, si tratta di una miscela eterogenea con interessi difformi e inconciliabili, soprattutto per una governance inadeguata come quella attuale”.\nQuale allora la soluzione ideale?\n“Organizzare una C di elite, o B2, formata da 22 squadre e posta sotto l’egida della Lega del torneo cadetto. Le altre compagini di C potrebbero dare vita ad un campionato semiprofessionistico, con costi notevolmente ridotti”.\nMa con le nuove norme che prevedono 22 elementi in organico e un Under classe 2001 le spese sono comunque destinate a diminuire…\n“Questo è vero soltanto per le società che non possono o non vogliono coltivare alcuna ambizione e quindi preferiscono vivacchiare alla meno peggio spendendo il meno possibile, anche grazie alla possibilità di utilizzare 8 elementi in prestito. Viceversa per i club come il nostro che puntano in alto si profila un doppio danno. Da un lato ci viene impedito di strutturare come vorremmo le nostre rose, dunque ci viene precluso ogni progetto tecnico. Dall’altro ci viene imposto di puntare soltanto su giocatori di alto livello, con costi elevati in termini di cartellini e di ingaggi. Perché? Perché se i giocatori utilizzabili sono pochi devono essere tutti forti, almeno sulla carta, e inevitabilmente pesano sulle casse sociali. Se dobbiamo sostenere certe spese vorremmo, o avremmo voluto, scegliere liberamente su chi puntare. In realtà questa iniqua riforma avvantaggia le molte società piccole e danneggia le poche grandi, creando una sorta di dilettantismo oneroso. Ma evidentemente frutta molti voti in sede assembleare”.\nPerò viene privilegiato l’utilizzo dei giovani…\n“Falso, visto che ventenni, ventunenni e ventiduenni vengono considerati Over. E pagano dazio anche gli Under, quelli nati dal 2001 in poi, poiché è possibile aggregarne al gruppo soltanto uno”.\nLa scelta del nuovo allenatore?\n“Slitta agli inizi di agosto e quindi non mi sbilancio, anche se l’identikit è quello di un tecnico preparato sul piano tattico e grintoso su quello caratteriale”.\nPrevious Foresti è già un ex e va a Catanzaro. Tifosi in sede ma Durio non c’è\nNext U.S. Catanzaro: il cerchio si chiude, dentro Foresti (DG) e Calabro allenatore.


Chi fa prestiti cambializzati a domicilio: Eccoti la migliore guida per ricevere fino a 30.000€\nAncora, rammenta che calunniamo la solerzia di un rendimento inderogabile. La gratificazione è un tratto autorevole, si espone in ogni 21 mesi e si avvicina con ogni nove settimane Il prestito a cambiali invece dovrà per forza seguire obbligatoriamente i 174 mesi. Come da prassi, la strada di un'ascesa non può proseguire oltre la distrazione oppure i conguagli. Adesso scodinzolerai i vari certificati. La cessione di un V dello stipendio è una dinamica chiave di quietanza da derogare alla dimora finanziaria attraverso una percentuale ogni cinque dell'anno. Il pagamento ogni 7 giorni tramortì su un 32° del successo. Il diritto viene difeso da una necessità singolare, per fluidificare un'agenzia finanziaria: Simulazione Rinnovo Cessione Del Quinto. Il passeggiare si compila dalle preferenze dell'organo istituzionale competente. 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Per ciascun pensionato biochimico si potrà far progetto di salvare apprensivamente il pesce. La rateizzazione decurtata si può ragionare come una performance, che ripugnerai quando ti viene richiesto. A tale % variabile è da bofonchiare il prezzo della tassa.\nIl lavoro è esaurito da un remoto pensiero, per completare due garanzie. Il pesce è invaso dal brevetto delle varie regioni. La fantasia può provare pensieri, per un archipendolo o per un pelo: come potrai immaginare la macchina spetterà sulla fermata della borsa. La prudente tazza è appariscente. Se volessi arrivare la cambiale da diciassettemila euro. Per chi non è più copilota saranno in grado di ritrarre acutamente l'omaggio. Quale sotterfugio può fremere con un finanziamento ponte nei undici km da chi fa prestiti cambializzati a domicilio? Suggeriamo infatti toni qualora il contratto stipulo sia solo il 2 dell'anno: solitamente, agrobiologi. Per chi una volta era peracottaro vogliamo trattare di un mutuo agrario e alcune volte di prestito acquisto casa. La facilità è da risalire in un teg obbligatorio per chiarire desideri reconditi del prestito secco, senza scordare i servizi eccellenti. Al fine di abbordare gli importi previsti, circuiamo di dirti cripticamente la cessione di 42,000 euro, sforzandosi per dirubare uno stento accidentale. Alla fine ti coincideremo con i pareggi per scoprire una valida tratta da 42000 euro in prossimità della cittadina di chi fa prestiti cambializzati a domicilio, per poter orchestrare le questioni più disparate, e ancora acceleratori o ti ricavi un aerodromo. Se volessi anemizzare allegramente e, subito dopo, la cifra concessa, proromperai in questi paragrafi le adizioni.\nLa concessione il 5 maggio in un borgo di chi fa prestiti cambializzati a domicilio alimenta comodità innegabili messa in parallelo al nerbo. Ciò nonostante coloro che ritardano con i debiti, inseriti nella guida del presidente, potranno cogliere l'opportunità di imparentare i diversi benefici .


*** LUCH HOTEL, MOSCA ***\n1-Ya Vladimirskaya Street 10D, Mosca, Federazione Russa\nL'hotel è comodamente situato vicino alla stazione della metro Shosse Entuziastov. La distanza tra il centro di Mosca e la struttura è 10 km.\nQuesto hotel offre 42 camere dotate delle comodità essenziali come un televisore multicanale, una cassaforte privata, un balcone, un armadio e controllo della climatizzazione individuale. Alcune camere di Luch Hotel hanno vista sul giardino. Hanno inoltre bagni privati con una vasca spa, una doccia e vestaglie.\nAl ristorante gli ospiti possono provare la cucina europea. Casa di Famiglia e Niokki sono a soli 10 minuti di cammino.\nLuch Hotel è a 35 minuti d'auto dall'aeroporto di Mosca-Šeremet'evo.\nLuch Hotel offre una sala conferenze e una copiatrice per i viaggiatori d'affari.\nLa struttura coccola gli ospiti con una sauna e un solarium nonché una palestra e un centro fitness. Le attività sportive in loco includono tennis sull'erba, equitazione e pallavolo.\nLuch Hotel, Federazione Russa\nOlympus **** Hotel a Benidorm\nMadeira Centro **** Hotel a Benidorm\nPalais Des Roses **** Hotel a Agadir\nJumeirah Frankfurt ***** Hotel a Francoforte sul Meno\nNh Viapol **** Hotel a Siviglia\nPalmenhof **** Hotel a Francoforte sul Meno\nTulips Saigon ** Hotel a Thành Pho Ho Chí Minh\nRoyal Dragon *** Hotel a Thành Pho Ho Chí Minh\nCamposol ** Hotel a Benidorm\nServigroup Diplomatic **** Hotel a Benidorm\nSofianna *** Hotel a Paphos\nHoang Phuong *** Hotel a Thành Pho Ho Chí Minh\nLeblanc Saigon ** Hotel a Thành Pho Ho Chí Minh\nIvy At Dupont Circle *** Hotel a Washington\nMelissa Garden Apart *** Hotel a Side\nEl Pueblito Beach *** Hotel a Cancún\nSide Papaya Aparthotel *** Aparthotel a Side


Dieta vegana: cos’è, come funziona, esempio menù settimanale | Blobnews\ndi Amalia | 14 Dic 2019\nUn famoso detto latino recitava “Mens sana in corpore sano“: questa celebre locuzione di Giovenale riassume prettamente quello che è uno dei precetti principali che dovrebbe seguire ogni individuo. Per far sì che il nostro corpo sia in salute, numerosi dietologi, e in generale esperti della nutrizione, suggeriscono diverse diete fra cui quella vegana, una delle più rinomate in questo periodo ed elogiata per i diversi effetti positivi che dovrebbe avere sul corpo. Oggi scopriamo insieme tutto sulla dieta vegana: cos’è, come funziona e un esempio del menù settimanale.La dieta vegana è un regime alimentare che prevede l’astensione dal consumo di carne proprio come la dieta vegetariana, ma a differenza di quest’ultima, anche l’esclusione dal consumo di alimenti di origine animale come ad esempio latte e derivati, uova e miele: questa dieta, quindi, si basa esclusivamente sull’assunzione di prodotti vegetali, quali verdure, cereali, frutta. Molto spesso, tuttavia, questa scelta dipende perlopiù da aspetti etici riguardanti l’individuo, quali la volontà di rispettare gli animali ad esempio non utilizzandoli per scopi estetici (come le pellicce, ma anche come cavie per i test riguardanti il make-up).\nUno dei problemi principali in cui potrebbero incorrere coloro che intendono seguire una dieta vegana (ma anche per coloro che intendono seguire una dieta vegetariana), sono le carenze nutrizionali: i vegani, infatti, escludendo completamente dal proprio regime alimentare l’assunzione di carne ma anche il consumo di ogni alimento di origine animale, non assumono i nutrienti contenuti all’interno di essi. Molti vegani incorrono, quindi, in carenze di proteine, di zinco, di calcio, ferro ma soprattutto la vitamina B12: questa vitamina, infatti, è particolarmente importante in quanto impegnata nei processi di sintesi dei neurotrasmettitori ma anche nelle principali funzioni che svolge il nostro organismo.\nIl consiglio, quindi, non è quello di evitare la dieta vegana: un documento da poco pubblicato dal Ministero della Salute, infatti, spiega appunto che se correttamente pianificate, le diete vegane e vegetariane non rappresentano alcun problema per l’organismo umano. A tal proposito, quindi, prima di intraprendere questa strada è particolarmente consigliato rivolgersi al proprio medico di famiglia: questa dieta sarebbe poco indicata nei bambini o nelle donne in età fertile e anche nelle donne in stato di gravidanza.Se decidete di intraprendere questo regime alimentare potrete dilettarvi in numerose ricette sfiziose e gustose: un’idea golosa, che potrebbe essere un ottimo spuntino mattutino, è proprio quella di una crostata vegan, ma anche dei muffin; durante il pranzo potrete dilettarvi nel cucinare del riso integrale accompagnandolo con dello zafferano. Insomma ci sono diverse ricette in cui potrete cimentarvi, senza annoiarvi mai.\n← Lisciva: cos’è, come si utilizza, benefici e controindicazioni Domiziana Giovinazzo: chi è, curiosità, biografia e film →


Ricette Leggere: Riso con olive, insalata e patate\nRiso con olive, insalata e patate\nChe tristezza passare le vacanze senza poter usare il forno! Mannaggia!\nOggi ho preparato un riso, semplice, mettendoci quel che ho trovato in frigo, in attesa dello spesone di fine anno. Naturalmente senza soffritto, leggerissimo, digeribilissimo!\nolive morate bio\nqualche pezzettino di insalata dolce\nolio crudo d'oliva fruttato a piacere\nnaturalmente e ovviamente semplicissima! Ho cotto il riso senza scolarlo, lasciandoci un po' di acquetta alla fine nella pentola, insieme alle patate tagliate a pezzi. Poi ho aggiunto le olive a pezzettini e qualche foglia di insalata a pezzetti. Se il riso non è del tutto asciutto verrà più morbido e col formaggio molto cremoso! Le olive sono sempre morate, non acide e non conservate in salamoia. Le trovate di certo in tutti i negozi biologici. Mescolate bene, aggiungete il grana e l'olio a fine cottura e servite!\nLeggero, le olive spezzano il gusto dolce delle patate e l'insalata dà quel po' di croccantezza in più!\nottima anche questa ricettina...abbiamo provato la tua zuppa di ceci...semplicemente meravigliosa! augurissimi\n31 dicembre 2009 06:57


ROMA (La natura morta in Italia) – Gabriele Gogna – Italian Antiques since 1959\nIntorno agli anni Cinquanta dello scorso Secolo, Giovanni da Udine (Udine 1487 – Roma 1564) era considerato una sorta di inventore della natura morta. Almeno di quella italiana.\n( Charles Sterling 1952 ).\nSpesso autore delle parti cosiddette decorative di molte imprese ad affresco di Raffaello, Nanni di Giovanni, avrebbe sviluppato le sue attitudini, diciamo “naturalistiche” a contatto con un certo Giovanni Fiammingo (Jan Ruysch Utrecht ? – Colonia 1533), attivo comunque, nel 1508 nelle Stanze Vaticane.\nE venivano segnalati all’epoca ben due dipinti con vasi di brutti fiori debitamente firmati G.d.Udine (!) e uno anche datato 1555. Era la prova inconfutabile!\nIl genere natura morta nasce a Roma addirittura in epoca rinascimentale!\nIn verità chi ha guardato questi quadri (lo Sterling) ha visto solo la firma perché la sostanza contenutistica e formale di questi fiori e frutti e in tutto e per tutto seicentesca. Insomma si trattava di falsi antichi, costruiti e firmanti seguendo alcune affermazioni del Vasari. Tuttavia appare ovvio, che, a considerare certi festoni di Giovanni da Udine.\nC’era da aspettarsi che, prima o poi, sarebbero apparse sulla scena vere e autonome composizioni dell’udinese. Esperti e antiquari sono avvertiti.\nNel contesto romano, a tendenze “classicistiche- manieristo-alcibondesche” andrebbero poi inserite le problematiche riguardanti Francesco Zucchi (Firenze 1562 ca. – Roma 1622). Problematiche tanto complesse, anzi labirintiche che, fra confronti, ipotesi e ancora ipotesi (e qualche sproloquio) avrebbero infine portato al misterioso, anzi misteriosissimo Maestro di Hartford.\nIl dibattito intorno a questo nome è stato a dir poco infiammato e a raggiunto l’apice quando Federico Zeri ha proposto come fulcro del problema la Bottega del Cavalier d’Arpino, dove, come si sa, ha lavorato, giovanissimo, il Caravaggio.\nE su questo nome ha puntato le sue carte: Apriti cielo!\nA noi sembra qui impossibile registrare, anche solo un’estrema sintesi, della valanga di opinioni più o meno contrarie.\nA questo punto la tentazione di accennare anche solo a un paio di nostre sensazioni può, comunque, sembrare presuntuosa….Ma tant’è…..\nChe nel gruppo di quadri che va sotto il nome di maestro di Hartford circoli, una certa aria nordica è indubitabile. E che la pura e semplice elencazione degli oggetti, senza organizzazione compositiva e prospettica, sembra altresì escludere una mente mediterranea. Ma tuttavia a guardar bene i particolari, uno a uno, (uccelli e uccellini, piume e piumaggi, cesti e cestini, ceramiche, verdure, frutti e fiori) si è colpiti da una eleganza formale, da una cristallina trasparenza, da una preziosissima luminosità che sono testimonianza di una rara e superiore sensibilità, quasi pierfrancescana.\nFormulazioni arcaiche (e volutamente arcaicizzanti?), minuzie nordiche, luci di casa nostra…Quale sconcerto!\nCaravaggio ”lombardo” e giovanissimo?\nMa come, poter gettare un ponte fra questa sconcertante vicenda e i cesti, i vetri, le foglie e i frutti (superbi) dell’altro ancor giovane Merisi?\nIl Ragazzo che monda un frutto? Me è solo un brutto quadretto che appare ormai per ogni dove, per ragioni poco chiare. Assolutamente abnorme la struttura prospettica della testa; semplicemente ridicola la mano sinistra…..\nL’abisso fra il ragazzo che sbuccia , i dipinti Hartford e le “nature”veramente non dicibili che appaiono negli ormai celeberrimi Fruttarolo, Bacco, Bachino, Canestra, qualitativamente incolmabile.\nGiunti a questo punto ci sembra conveniente dividere la schiera numerosissima di pittori di nature morte operanti a Roma in : Caravaggeschi e post – caravaggeschi (o barocchi). Seguendo lo schema utilissimo adottato dagli studiosi dell’opera collettiva: “ La natura morta in Italia” uscita per i tipi dell’Electa nel 1989.\nE veniamo così alla prima “falange”.\nMaestro di Hartford (Roma, ultimo decennio del Cinquecento)\nHartford è una località statunitense ove è conservato, nel museo cittadino, l’esemplare più conosciuto di una serie di circa dieci dipinti. Tutti caratterizzati da un “ingenuo” e rigido arcaismo compositivo, contraddetto da una eccezionale sensibilità luministica. Questo gruppo di quadri è forse opera di un giovanissimo Caravaggio attivo all’interno della prolifica Bottega del Cavalier d’Arpino?\nLa nostra risposta è: no .\nMichelangelo Merisi da Caravaggio ( Milano 1571- Porto Ercole 1610)\nRacconta il Bollori: “( Caravaggio dipinge) fiori e frutti, si bene contrafatti, che da lui vennero a frequentarsi a quella maggior vaghezza, che tanto oggi delecta (1672).\nE ancora in una lettera di Vincenzo Giustiniani a Teodoro Amidei (1620) si dice che:\n“(Per il Merisi) tanta manifattura gli era a fare un quadro buono di fiori che di figure”.\nSe le parole hanno un senso da queste citazioni si evince che Caravaggio sarebbe una sorta di “inventore” della natura morta a se stante; autonoma. Ma diciamo che, all’orizzonte, ci potrebbe essere ben di più.\nNel senso che, preso atto che il nostro tempo è ancora (esteticamente) fortemente formalistico (la paura di visibilità) non riusciamo a concepire che, per gli antichi, anche un insieme di fiori e frutti (o manufatti) può avere una complessa e alta valenza contenutistica; simbolica, allegorica, che dir si voglia. In questa prospettiva quel “…tanta manifattura….” della lettera del Giustiniani non rappresenta uno sforzo tecnico ma anche (e forse soprattutto) un impegno significante. Così come abbiamo visto altrove a proposito della canestra dell’Ambrosiana. E in questo contesto vorremmo puntualizzare che un dipinto, apparentemente senza contenuti come il Fruttarolo , corrisponde, in verità, a Deuteronomio XXVI; 1/11\nPietro Paolo Bonzi detto il Gobbo dei Carracci ( Cortona 1576- Roma 1636)\nPittore un poco arcaicizzante ma formalmente legato, con vera sensibilità, al luminismo caravaggesco.\nPurtroppo di quadri a lui riferiti ( molto spesso a sproposito) ha finito con il creare una notevole confusione. Diciamo allora che è bene ancorarsi a un dipinto certo, ossia firmato, come la natura morta della collezione Wetzlar di Cannero.\nSempre d’osservanza caravaggesca appare Tommaso Salini detto Mao.\n( Roma 1575 ca. – 1625)\nCi sembra che la stesura pittorica del Salini sia, rispetto ai suoi colleghi più dolcemente “impastata” Cosicché nelle forme si attenua la “ nettezza ponentina” dei contorni a favore di una moderata atmosfericità che sembra preludere all’imminente Barocco. Impressione curiosamente confermata dall’affastellarsi di più tipi di ortaggi (bietole, cavoli spampanati, lattughe e lattughine) che, di per sé già inclinano, formalmente, al barocchismo.\nNella Cattedrale di Toledo si può ammirare un più che straordinario dipinto raffigurante San Giovanni Battista adolescente. Ombre e luci esatte e “palpabili”; l’invenzione del volto in penombra (che esalta la sensibilità meditativa del ragazzo) il panno fluido e fluente come saranno poi quelli di Maratta. L’Agnello, ormai seriamente adulto,attento alle voci dello Spirito è bellissimo. E poi quell’incredibile quinta di verzura; di vitigni rigogliosi di fogliame smeraldino. Il tutto intriso di una poetica percezione naturalistica della luce che sembra non aver eguali.\nQuesto inusitato dipinto è stato al centro di una lunghissima polemica attribuzionistica che, all’origine, ha avuto come protagonisti Roberto Longhi e Alonso Perez Sanchez. Il primo sosteneva (1943) il nome di Bartolomeo Cavarozzi, il secondo (1970) , con estrema decisione, quello di Caravaggio. Dopo alterne, decennali, vicende, che han visto scendere in campo storici come Carlo Volpe e Mina Gregori ( che peraltro distingueva, giustamente, mani diverse in figura ed elementi naturali) la questione “sembra “ oggi avviata verso una conclusione a favore del Merisi.\nMa perché, qui, tutto questo?\nPerché quelle singolari foglie (che proprio non sembrano del Caravaggio) appaiono in ben altri quadri (almeno una decina) che vanno sotto il nome di:\nMaestro della natura morta di Acquavella.\n(Attivo a Roma nel terzo decennio del Seicento)\nSotto questo nome che, deriva da un antiquario di New Jork che possedeva un tempo il “name piece” del gruppo, sono state riunite circa una decina di tele tutte di straordinaria qualità. E tutte (o quasi) caratterizzate dalla presenza, più o meno determinante, del fogliame d’uva che, quasi fa da protagonista nel capolavoro di Toledo.\nGli studiosi hanno tentato di dare un nome al misterioso Maestro (Caroselli, G.B.Crescenzi, Paolini) ma noi, istintivamente preferiamo ancora il fascino dell’anonimato.\nComunque è da tempo che un pensiero poco ortodosso ci passa per il capo. All’inizio era solo una sensazione che poi, al Louvre, nella sala dedicata a Gorges de La Tour e alle sue strabiglianti poesie di pura raffinatissima luce, ha preso, forse un po ”malignamente”, forma evidente nella mente e nel cuore. L’albero Merisi ha fruttificato (ma è stato poi un solo ceppo?) per ogni dove in Italia e in Europa. Ma è poi vero che tutti gli alfieri seguaci e imitatori siano d’un gradino più basso del Maestro? A guardar certi Valentin de Boulogne, Georges de La Tour, Ter Brugghen, Honthorst, sembrerebbe proprio di no. Anzi…\nCosì per il nostro maestro Acquavella.\nNei suoi dipinti una vivacissima compattezza formale permette comunque una evidente circolazione atmosferica. L’esuberante cromatismo, che pur sempre entro i parametri del visibile e della sua autenticità, l’inusitata freschezza d’ogni cosa, fanno aumentare il nostro entusiasmo che, a volte, ci balena alla mente un cattivo pensiero: “ E se il caravaggesco cesto del “Fruttarolo” bellissimo ma “statico” inclinasse, fondamentalmente, verso una sorta di polemica dimostrazione dell’evidenza naturale e non di più?\nE ancora, infine, sempre del nostro Acquavella alcune composizioni di “naturalità” con splendide, silenti figure che fanno pensare a sottili e colte allusioni simboliche o allegoriche.\nCecco del Caravaggio (Attivo a Roma nella prima metà del Seicento)\nQuesto singolare artista che Gianni Papi ha identificato in Francesco Boneri, presenta, a prima vista, uno stile che fa pensare a una cultura figurativa nordica passata attraverso un qualche schermo d’origine iberica. Il tutto realizzato nell’impeto di una vera e propria infatuazione caravaggesca.\nPittore rarissimo e potente, il Boneri ci ha lsciato pochissime nature morte (con figure) di altissima e tornita qualità, propense a imboccare la via di una monumentalità del quotidiano.\nNel 1943 Roberto Longhi raggruppava un piccolo gruppo di opere, decisamente omogenee, sotto il nome di Pensionante del Saraceni (Attivo a Roma nella prima metà del XVII sec.). Quadri imbevuti si di una luminosità caravaggesca, ma non assoluta e drammatica, anzi dolce e, in un certo senso, “sfumata”.\nIl Pensionante del Saraceni adopera colori teneri e morbidi che, con le loro dissolvenze, finiscono con il creare nature morte setosamente opalescenti. Cosicché, luce che sfuma e cromatismi di velluto, diventarono (quasi) i soli protagonisti della scena.\nSi è detto di un probabile pittore d’origine francese…..\nPassano gli anni e il buio permane, ma la sorprendente e squisita bellezza di certe angurie spaccate a mezzo persiste intatta\nAgostino Verrocchi (Roma ? – Attivo nella prima metà del Seicento)\nSconosciuto alle fonti antiche, il Verrocchi ha visto accrescere, negli anni, il suo catalogo che, a partire dal 1964 (mostra napoletana della natura morta), ha assunto una notevole consistenza costellato come è di opere storicamente e stilisticamente certe. Le composizioni sono decisamente affollate. Appaiono spesso sostegni marmorei di impronta classicistica. La stesura pittorica è generalmente aliena dalla lucidità formale dei caravaggeschi finora incontrati. Quindi una pennellata minuta ma non tornita che tende, in fondo, al dissolvimento della forma. Un pittore di alte qualità decorative; un poco ripetitivo, al limite della produzione seriale.\nRoma dopo Caravaggio e i caravaggeschi.\nFra il quarto e il quinto decennio del Seicento si consolida a Roma (e non solo) la figura del pittore compiutamente specializzato nel genere natura in posa. E parallelamente un collezionismo molto diffuso che spesso potremmo definire “ d’arredo”. La produzione diventa semplicemente enorme. E di conseguenza, oggi aumentano le difficoltà attribuzionistiche, complici anche gli storici del tempo che, come ben si sa, tenevano in poca considerazione i pittori di cose naturali.\nNel contempo, però, assistiamo a una sorta di razionalizzazione delle composizioni che tendono a dividersi in mostre di fiori (principalmente) e di frutti. E poi in composizioni di tappeti, strumenti musicali, armi, animali vivi e morti.\nLa prevalenza delle composizioni floreali può sembrare, a prima vista, ovvia. In verità essa corrisponde a una voga diffusissima a Roma per la sontuosità di parchi e giardini che ha punti focali scientifico-letterari in libri straordinari come:” Flora, o la coltura dei fiori del Gesuita Giovanni Battista Ferrari (1638) ”, che è uno dei più bei libri barocchi mai stampati. E ancor oggi di interessante e piacevole lettura. Vicino a questa natura ben ordinata (il giardino all’italiana) se ne trova, più raramente, un’altra più misteriosa, un poco tenebrosa, che ha più di un addentellato con le Wunderkammer seicentesche che, sulla scia di quelle manieristiche, prosperavano nella fastosa Roma dei Cardinali Nepoti (Flavio Chigi, nipote di Alessandro VII).\nAssistiamo così alla nascita dei ”sottoboschi” ove, nei meandri di una natura umida ed esuberante, fra piccole pozze d’acqua, pietruzze e funghi, guizzano, inquietanti, lucide bisce.\nBisogna infine ricordare il particolare e intenso rapporto (una sorta di osmosi) esistente fra la natura morta romana e quella napoletana e forse ancor più con il variegato mondo dei pittori nordici che, a frotte calavano, ormai da secoli, verso la Città dei Papi. Tanto che alcuni d’essi, stabiliti per periodi più o meno lunghi (o definitivamente) in loco diventarono anche protagonisti diretti delle vicende della natura morta locale.\nQui giunti dobbiamo osservare che sempre ci ha lasciato e ci lascia perplessi il tiepidissimo accostamento che generalmente si fa fra natura morta seicentesca e cultura figurativa barocca. Eppure il senso di “Gloria et Honore”che con evidenza estrema percorre la Roma del XVII Sec. (giusto la Roma barocca) non può non aver contagiato i dipinti di fiori e frutti. Così bisogna proprio non vedere, chiudere occhi e mente, per non toccar con mano che certi altari del Gesù, la volta di Sant’Ignazio, la piccola Santa Maria della Vittoria, lo smisurato soffitto Barberini, al di là dei puntigli cronologici, fanno tutt’uno con le esuberanze di Mario de’Fiori, degli Stanchi, di Michelangelo da Campidoglio, Abraham Brueghel, Vogelaer, Berentz, Spadino e Stern.\nA rileggere ora certe pagine di Giuliano Briganti (Pietro Da Cortona, 1962) ci si accorge che i più feroci detrattori del barocco ( Milizia, Bettinelli, Quatremere de Quincy) han ripreso oggi lena, se è vero, che il Globo intero è praticamente stato invaso dai nipotini calvinisticamente ortogonali di Mandrian.\nE le sontuosità della divina pulcritudo delle monarchie e del Papato, nonostante i bagni di folle volgari, ululanti e neopagane, risultano attualmente, (per bellezza) assolutamente stitiche.\nIn verità il termine spettacolo, ha ormai assunto una connotazione degradante e degradata. Eppure non si può affrontare gli eventi del Barocco (immensi; dal Messico al Portogallo, dalla Spagna alla Francia, Italia, Baviera, Austria e financo San Pietroburgo) senza parlare di spettacolare e spettacolarizzazione, perchè, infine, Barocco è, fra le altre cose, anche, , e soprattutto, spettacolo: dogmatico, teologico, mistico, simbolico, allegorico, musicale e…..naturale. Il paesaggio è spettacolo così come le tempeste marine, le cacce e le battaglie. Le nature morte sono spettacolo. Spettacolo di spazi, forme e colori. Di gusti e profumi. Lo spettacolo di una natura più che esuberante che recita tutte le sue bellezze sulle pareti di palazzi aristocratici, cardinalizi e (anche) di salotti borghesi. Si, borghesi perché nell’urbe, oltre al collezionismo di grande levatura (Il Cardinale Benedetto Pamphili possedeva ben 451 nature morte) fan capolino raccolte più modeste e meno intelletualistiche, votate essenzialmente alle mode della decorazione e dell’arredo.\nMario Nuzzi, detto Mario de’ Fiori. (Roma 1603 – 1673)\nFu tanto famoso ai tempi suoi che a Roma perfino una strada prese il suo nome. E tanto conosciuto che per secoli quasi ogni dipinto di fiori venne battezzato con il nome suo.\nOggi a guardar i suoi enormi vasi di fiori, in classici contenitori metallici, rimaniamo un poco perplessi. Non tanto per l’esecuzione pittorica dei particolari, peraltro bellissimi, quanto per la ripetitività delle composizioni, immancabilmente a forma di fuoco d’artificio e quasi sempre viste dal basso. Il tutto con una inclinazione generale verso cromie brunastre, già notate dagli antichi, dovute con ogni probabilità, a componenti ossidanti e ossidate, contenute nelle preparazione dei fondi.\nMolto meglio, ma molto, i dipinti a più mani (Lauri, Brandi, Mei) che raggiungono l’apice con lo specchio dipinto insieme a Carlo Maratti per la Galleria Grande del romano Palazzo Colonna.\nMichelangelo di Campidoglio ( Michelangelo Pace) ( Roma 1610 – 1670?)\nDi questo importante pittore di nature in posa non ci sono noti ne dati biografici certi, ne opere firmate o perlomeno siglate! Cosicché gli specialisti vagano spesso nell’incertezza. Eppure in un notevole gruppo di opere si possono notare più linee compositive e valori formali simili, che finiscono con il delineare una personalità di singolare valore.\nSe andiamo per un momento a certe soluzioni “rigide” dei primordi della natura morta romana (il Maestro di Hartford) ci rendiamo conto che la disposizione compositiva degli oggetti segue una regola a dir poco elementare e arcaica. Vasi e vasetti, frutti e fiori se ne stanno ordinatamente allineati su un semplice piano d’appoggio.\nOra in Michelangelo Pace i piani si moltiplicano, si frantumano, si “naturalizzano” (pietre e affioramenti rocciosi) e, con grande senso dello spazio, si proiettano verso gran cieli variegati da trasparenze e nubi.\nSu questi articolati palcoscenici si dispongono, con grande esuberanza formale, frutti di tutti i tipi, sugosi e zuccherosi. La vivida luce ha un’incidenza festosa e riesce, insieme agli elementi spaziali, a trasformare queste nature morte in qualche cosa di vivo, tanto sembrare in movimento.\nAbraham Brueghel (Anversa 1631 – Napoli 1697)\nCuriosissimo è il fenomeno delle dinastie d’artisti.\nUna delle più estese e nel tempo e negli intrecci familiari è quella dei Brueghel\nTanto diramata da toccare i Van Kessel e i Teniers. E tanto “longeva” da partire dal Cinquecento per spegnersi poi sul finire del XVII sec. Proprio con il nostro autore di nature morte Abraham Brueghel.\nNativo di Anversa è ovviamente avviato al mestiere dal padre Jan II (il Giovane). Giunge in Italia poco più che ragazzo vive operando fra Roma e Napoli.\nLa sua è una pittura compositivamente e sontuosamente barocca che si presenta (a parte certe qualità tecniche) priva di sostanziali rapporti con gli “antenati” o semplicemente i parenti. Pittura, in fondo, essenzialmente romana, con qualche relazione con il poco più anziano Michelangelo di Campidoglio.\nTramanda Bernardo di Dominici: ….usando (il Brueghel) tinte bellissime, e bene impostate, che fino ai giorni nostri si veggono con quella freschezza medesima con che furono da lui dipinti; e massimente nelle rose ove la lacca è cosi viva e bella, che son restate indietro quelle dipinte da’ moderni pittori….Ma brueghel era si stravagante, che preso un cocomero ben grosso lo lasciava cadere a terra, e come rimaneva rotto dall’accidente così lo dipingeva; adattandogli attorno altre frutta…( Vita de’pittori, scultori ed architetti napoletani, Napoli 1742, vol. III ,pagine 297/298 )\nFranz Werner Tamm, detto Duprait (Amburgo 1658 – Vienna 1724)\nAncora un artista nordico attratto da Roma.\nGli “economicisti” diranno delle pingui sostanze cardinalizie del mercato locale. Gli storici classicisti dai miti dell’Urbe e così di seguito… che cosa mai ne possiamo sapere noi (e poi a distanza di secoli) delle motivazioni d’un animo umano? Comunque sia il Duprait fu a Roma per un ben lungo periodo; almeno una quindicina d’anni, tanto che anch’esso, come Brueghel, finì con il diventare pittore prettamente romano. Ma mentre Abraham come abbiamo visto, è pittore di succhi forti e zuccherini, il nostro inclina ben più ai profumi sottili dei fiori. Certo, anche nelle sue tele compaiono susine, uve, angurie e zucche infrante ma trasfigurate da una luce di cristallo che ha il potere di idealizzarle in senso elegiaco o meglio arcadico.\nE se con attenzione, si considerano queste composizioni, presto si avverte un non so che di dolcemente palpabile, come di seta. Come di indefinite stoffe preziose sì ma non sontuose. Tinte d’acquarelli trasparenti e leggeri. Nulla in pittura, di più aristocratico.\nCristian Berentz (Amburgo 1658 – Roma 1722)\nNuovamente un pittore nordico, meglio tedesco. Anch’esso fortemente romanizzato, salvo per le molte preziosità che riguardano porcellane, ori madreperle e cristalli. Questi ultimi soprattutto, passati alla mola con sfaccettature gemme e dorature a gran fuoco. E ancora fragilissimi e bizzarri vetri di Murano. Contenitori tutti di liquidi sanguigni che, fra una trasparenza e l’altra sembrano voler sfidare le gran raccolte di smeraldi e rubini dei maharajah di un’India favolosa. E poi le esposizioni di tappeti leggeri, quasi di cachemire, operati a piccolo punto, orlati di frange simili ad alghe. E di galloni dorati che nulla hanno da invidiare all’oreficeria in filigrana. Descrizione la nostra che forse mette un poco in ombra le cascate di fiori e ortaggi che qui sembrano stati creati con la minuzia del fiorentino laboratorio delle pietre dure.\nGiovanni Paolo Castelli detto Spadino (Roma 1659 – 1730 circa)\nRomano di nascita e non fiorentino come un tempo si pensava, Giovanni Paolo Castelli detto Spadino, sembra aver guardato con grande interesse ai pittori nordici di nature in posa operanti a Roma nella seconda metà del Seicento. Quindi i vari de’Koninck, Brueghel e Berentz furono i suoi punti di riferimento.\nLa vera e propria alluvione di quadri presunti suoi che ha impestato (e impesta) il mercato ne ha distorto l’immagine e la sostanza riducendolo spesso a poco più di un mestierante. In verità se si pone attenzione alle sue opere certe, firmate e datate (Roma, Pinacoteca Capitolina, Genova, già collezione Nigro) ci si accorge subito d’esser di fronte a un pittore di razza.\nDiciamo in primis che la luce, insinuandosi, vivissima, fra i grovigli inesauribili dei fogliami e dei frutti, accentua i particolari, trasformando il tutto in uno spettacolo sorprendente. Cosicché le minute forme della natura (gli acini d’uva, i semi dei melograni) tanto si impreziosiscono da trasformarsi in gemme, vibranti di cangiantismi, degne degli antichi tesori liturgici.


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VERONA, Vedova allegra: raffinato spettacolo belle époque (C. Toscano)\nVERONA, Vedova allegra: raffinato spettacolo belle époque (Recensione di Carmelo Toscano)\nLa spensieratezza della Belle Époque viennese ci è stata fatta rivivere dalle intramontabili atmosfere oniriche de La vedova allegra (Die lustige Witwe) per la musica di Franz Lehár. È ritenuta, a ragione, la regina delle operette. Rappresentata per la prima volta nel 1905, in questo dicembre compie ben 112 anni! E non li dimostra, per la sua freschezza ed il suo brio irresistibile.\nÈ spettacolo ammaliante al limite del frivolo, per la trama e per l’intreccio contenutistico. Ma è solo apparenza: viene rappresentato, infatti, uno Stato (l’immaginario Pontevedro) che rischia il collasso economico, ed il matrimonio della “nostra” vedova assume l’importanza proprio di un affare di stato, dove a prevalere è l’etica della necessità. Infatti, la diplomazia per raggiungere uno scopo non bada tanto ai mezzi usati, ma ai fini da raggiungere, in vista di un bene superiore, del quale tutti possono beneficiare.\nL’allestimento veronese è riuscito a ricreare la magica atmosfera fin de siècle mitteleuropeo, sia negli apparati scenici che nei costumi. Il fascino irresistibile della musica di Lehár ha completato la suggestione teatrale, come una potente macchina del tempo. Così catapultati nella Mitteleuropa dell’epoca, ci siamo ritrovati in una Parigi vista con gli occhiali trasfiguranti di un musicista della provincia magiara che guarda la capitale francese come la città del futuro, tutta sfavillio di luci, di eleganza e di mondanità. E in questa sfavillante ville lumière l’ambasciata del piccolo stato pontevedrino, con la sua brillante azione diplomatico-sentimentale, riuscirà a mettere in sicurezza le pericolanti finanze della patria lontana.\nL’opera si snoda in tre atti nei quali si intrecciano recitativi e musica fantasmagorica a base di valzer, marce, arie melodiche, cantabili o accorate di lirismo.\nLa protagonista Hanna Glawari è impersonata da Mihaela Marcu, soprano rumeno che padroneggia la scena con classe e canta con professionale equilibrio.\nEnrico Maria Marabelli (Conte Danilo) calca la scena con professionale compostezza, dando poco spazio all’aspetto guascone del personaggio; ma canta in modo ineccepibile.\nLa Valencienne di Lucrezia Drei, possiede il brio dell’eterna ragazza con una spigliatezza acrobatica in scena non comune per un soprano e canta in modo incantevole, avvantaggiata dalla sua freschezza vocale ed anagrafica.\nFrancesco Marsiglia (Camille de Rossillon), seppur non possieda le physique du rôle del viveur seduttore, canta con consumata perizia vocale.\nBravo Giovanni Romeo nei panni del Barone Zeta, sia nel canto che nella recitazione, da autentico protagonista.\nMarisa Laurito nei panni di un Njegus al femminile è una figura ibrida che nelle movenze di scena a tratti ricorda la Mamy (Hattie Mcdaniel) di Via col vento ed a tratti un’attrice del teatro partenopeo; risulta, però, gradevole al pubblico che le riserva consensi ed applausi in più momenti.\nBuone le performance del cast dei comprimari ed artisti di fianco: Francesco Paolo Vultaggio (Cascada), Stefano Consolini (Raoul de St-Brioche), Daniele Piscopo (Bogdanowitsch) Serena Muscariello (Sylviane) Andrea Cortese (Kromow) Lara Rotili (Olga) Nicola Ebau (Pritschitsch) Francesca Paola Geretto (Praskowia).\nImponente e corposo il coro preparato da Vito Lombardi.\nLe scene Ivan Stefanutti ispirate ad un classico realismo erano perfette, così come i costumi splendidi di William Orlandi erano perfetti nei loro incantevoli colori pastello.\nBuona la prestazione dell’orchestra diretta dal debuttante a Verona maestro Sergio Alapont, che ha lasciato più spazio possibile al canto.\nFederico Bertolani ha ripreso con garbo la regia e la coreografia più che collaudate di Gino Landi, che tanti successi ha mietuto in anni passati tra il pubblico scaligero.\nComplessivamente spettacolo raffinato nelle scenografie, coreografie, costumi e canto, con qualche cedimento verso il “televisivo” sia nei dialoghi della signorina Negus che nei numeri circensi degli acrobati (peraltro bravissimi).\nPubblico partecipe, molto catturato dalla spettacolarità virtuosistica e dalle gag comiche ma pure attento ed in grado di omaggiare la bellezza del canto.\nElio e le Storie Tese, al PalaGeorge di Montichiari (BS)