La Toscana nuova - Anno 3 - Numero 6 - Giugno 2020 - Registrazione Tribunale di Firenze n. 6072 del 12-01-2018 - Iscriz. Roc. 30907. Euro 2. Poste Italiane SpA Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n°46) art.1 comma 1 C1/FI/0074\nSilvano Sordi, Visione di un castello, tecnica mista e acrilico, cm 100x120\n+ 39 3337977627\nPinocchio rivive nell’interpretazione di Gabriel Diana\nLuciano Pasquini, maestro della pittura di paesaggio\nRiflessioni sulla poesia con Giancarlo Bianchi\nDorothea Lange, la fotografa degli “ultimi”\nCristina Garzone, instancabile narratrice per immagini\nIl percorso di Giusi Naletto tra pittura e grafica\nRacconti sull’amore nel terzo libro di Federico Fabbri\nUn ricordo di Lelia Secci ad un anno dalla scomparsa\nJohn Ruskin all’origine del “mito” dell’arte fiorentina\nXiyu Guo: il paesaggio come dimensione dell’anima\nMaria Cristina Ghelli racconta il Teatro delle Donne a Calenzano\nBenessere della persona: come scegliere il bagnoschiuma\nDimensione salute: l’attesa del vaccino contro la pandemia\nPsicologia oggi: quando la coppia “scoppia”\nQiu Yi, volto contemporaneo di una tradizione millenaria\nLa poesia dell’esistenza nella pittura di Joanna Aston\nMelania Russo, stilista dall’anima green\nIl romanzo di Gabriella Bonaiuti sulla ricerca delle origini\nBrazil, i voli pindarici di un uomo libero\nRiccardo Salusti: dalla pittura un messaggio di speranza\nPiaff, Modugno, Prêtre: interpreti della musica mondiale\nLa natura, forma simbolica del tempo per Nicole Guillon\nIl Museo del figurino storico a Calenzano\nIl nuovo progetto editoriale di Roberto Mosi\nElena Migliorini, pittrice dalla realtà al simbolo\nIntervista a Riccardo Fogli, toscano doc e tifoso viola\nGianni Aricò protagonista a Venezia nella rassegna AqvArt\nColore e geometria nei racconti fantastici di Rolando Rovati\nSpeciale Pistoia: la Biblioteca San Giorgio\nArte del vino: il gioco degli abbinamenti con il pesce\nLa scomparsa di Giorgio Weber, patologo tra gli artisti\nIl Circolo di scrittura autobiografica ad Anghiari\nL’avvocato risponde: l’emergenza giuridica da Coronavirus\nIl Movimento Life Beyond Tourism oltre il Codiv-19\nIl protocollo di sanificazione di B&B Hotels Italia\nDi tutto di più, “paradiso” dell’usato a Montelupo Fiorentino\nLa Fornace de’ Medici: cucina e storia alle porte di Firenze\nSandra Landi, letterata in versione social contro la pandemia\nStoria delle religioni: la crocifissione nell’uomo della Sindone\nArte nel tempo: Rinascimento, cibo per lo spirito\nCultura e impresa s’incontrano in una shopping bag\nLoretta Casalvalli, Pace nel giardino, olio su tavola, cm 40x50\nOpera dedicata a Chiara in occasione della Festa della Donna 2020\nGabriel Diana, Pinocchio, acciaio\ncorten e bronzo, mt 5\nIl noto scultore diventa "Geppetto" per far rivivere Pinocchio\nPinocchio, la marionetta più famosa\nal mondo, ha profondamente\nispirato lo scultore\nGabriel Diana al punto da dedicargli\nun’opera monumentale. Il maestro intendeva\nin un primo tempo donarla alla\nFondazione Nazionale Carlo Collodi ma\nla pandemia ha deciso tutt’altro e l’opera\nultimata continua ad affinare la propria\npatina nella fonderia fiorentina Il\nCesello. Tutto è iniziato a Firenze in occasione\ndi una cena al ristorante La Loggia\na cui il maestro Diana era presente,\ninsieme alla moglie, essendo stato invitato\ndal giornalista Fabrizio Borghini\nper ricevere un riconoscimento. Nel\ncorso della serata, l’artista ha conosciuto\nPier Francesco Bernacchi, presidente\ne del famoso Parco di Pinocchio.\nAffascinato dai lavori del maestro, Bernacchi\ngli ha regalato una copia dell’edizione\noriginale di Pinocchio scritta da\nCarlo Lorenzini. Questo piccolo volume,\nche inizialmente Diana pensava di\nconservare soltanto come un bel ricordo,\nè stato invece per\nlui un’autentica rivelazione.\ncon la Bibbia, che magicamente\nè riuscito con poche\npagine a convertire\nil maestro con i suoi significati\ndi essere, com’è per\ntanti altri, un racconto\nsi è rivelato per Gabriel\nDiana un’allegoria della\nsocietà moderna che ha\nnutrito il suo spirito e\nl’ha spinto a porsi tante\ndomande sulle quali è\nPinocchio è diventato\nagli occhi dell’artista\nimportanti che abbia\nIl bozzetto dell'opera\nmai incontrato. Interpretandolo\ncome un’immensa allegoria\ndella spiritualità e della\nsocietà moderna, lo scultore,\nincuriosito, ne ha cercato\nle origini, trovando conferma\nalle sue teorie. Chi non ha conosciuto\nPinocchio nel corso\ndell’infanzia o anche dopo?\nChi mai può ancora ignorare\nl’esistenza di questa marionetta\npilastro della cultura\npopolare e di un libro tra i\npiù tradotti al mondo dopo la\nBibbia, il Corano ed il Piccolo\nPrincipe? Diana ha scoperto\nche dietro questo personaggio\ndi fantasia si nasconde\ntutt’altro significato. La storia\ndella marionetta che tenta\ndi diventare un bambino\nin carne ed ossa, nasconde\nun profondo racconto spirituale\nche affonda le radici nei misteri\ndell’occultismo. I dialoghi molto schietti\ne talvolta brutalmente onesti all’inter-\nL'artista al lavoro nello studio\nno del racconto descrivono il mondo\nmoderno e formulano forse un modo\nper fuggire dalle sue trappole. Un’atten-\nIn questa e nelle altre foto, la lavorazione dell'opera in fonderia\nta riflessione ha preceduto la realizzazione\ndell’opera monumentale di Diana,\nin cui Pinocchio appare in una fase positiva.\nL’artista lo ha reso cosciente e la\nmarionetta nell’opera sta fuggendo dalla\ntrappola. Questa immagine, tra l’altro\nconfermata da riferimenti letterari,\nmostra l’artista affascinato dall’idea di\nutilizzare per esprimere le proprie convinzioni\nun personaggio simpaticamente\ntestardo. Con la medesima filosofia\ndi Lorenzini, il maestro Diana ha voluto\nlasciare al pubblico la libertà di scegliere\ntra due diverse chiavi di lettura.\nLa prima rivolta ai bambini o a chi vede\nnell’opera Pinocchio che sta cavalcando\nun’onda alla ricerca di Geppetto ingoiato\ndalla balena; la seconda, avvolta\ndi simbolismo, completa la prima senza\nsostituirla. Il Pinocchio monumentale\ndi Diana è un’opera destinata ad essere\nsenza dubbio apprezzata dal grande\npubblico ma anche da coloro che, leggendo\ntra le righe, saranno in grado di\ncoglierne il significato nascosto. Dare\nvita al suo Pinocchio, diventando così\nil Geppetto dei tempi moderni, è stato\nun cambiamento che ha entusiasmato\nl’artista. Pur non lavorando il legno\nma l’acciaio e il bronzo, Gabriel Diana\nriesce ad animare i suoi personag-\nGabriel Diana con Pier Francesco Bernacchi, presidente della Fondazione\nNazionale Carlo Collodi\ngi attraverso il movimento ed il gesto.\nA volte questo aspetto dinamico si accompagna\nad un velo di trasgressione\nche non conosce la minima\nviolenza o volgarità.\nUn gioco sottile che\ndà molto gusto all’artista.\nQuesto suo primo\nla famosa marionetta\ndal naso lungo che corre\nsvelta sulla cresta di\nun’onda gigante alla ricerca\ndi Geppetto. Un\nPinocchio che sta fuggendo\nla trappola. Sempre\nper il racconto di Lorenzini,\nDiana ha rincorso\nper mesi la sua\nmeta: realizzare in un\nprimo tempo un Pinocchio\ndi acciaio corten e\nbronzo di oltre 5 metri\ndi altezza e successivamente\npiù piccolo che, di\nfronte all’imponente dimensione\ndi una scultura\nvotiva etrusca (4,\n70 metri), sembra interrogarla,\nmeravigliandosi di scoprire la\nsua origine etnica. Ma di questo si parlerà\nDalla giovanile passione per il disegno alle tappe di una\nluminosa carriera dedicata alla pittura di paesaggio\nE’ nata fin da quando ero bambino.\nDa un lato avevo mio fratello che si\ndedicava all’arte surrealista ed è tuttora\nun grande appassionato di storia dell’arte.\nCon lui ho passato tanto tempo a riflettere\nsulla pittura e sulla scena artistica\nodierna. Dall’altro lato sono stato fortunato\na frequentare le prime classi elementari\nnel comune d'Impruneta, alla scuola di\nSan Gersolè, sotto la guida della maestra\nMaria Maltoni. Gli alunni stavano tutti nella\nstessa aula e così potevo guardare i più\ngrandi disegnare. Visto che erano tutti figli\ndi contadini della zona, i soggetti che\nraffiguravano erano scene di vita rurale.\nMi ricordo tuttora che rimasi impressionato\nda quelle scatole grandi, contenenti\nciascuna dei bellissimi pastelli di trentasei\ncolori diversi. Così, nei primi anni scolastici,\nho iniziato a disegnare, ma dopo\nho abbandonato la pittura e non ho ripreso\na disegnare fino all’età di ventotto\nanni, quando la mia fidanzata (che ora è\nmia moglie) mi ha regalato una cassetta\ndi colori ad olio. Ho ripreso a disegnare\nscegliendo come soggetti i paesaggi toscani\ne il mondo floreale. Nel 2005, quando\nm’invitarono ad un evento organizzato\ndalla mia prima maestra, scoprii dei cataloghi\ndella Einaudi dove erano stati pubblicati\ndisegni fatti da bambini della scuola.\nRiconobbi quei paesaggi rurali, accorgendomi\nche quelle erano le radici della mia\nproduzione artistica. Anche se vorrei sottolineare\nche non mi ritengo un artista,\nma un artigiano.\nHai fatto studi accademici nell’ambito\nNo, e ne sono contento. Secondo me l’istruzione\naccademica toglie il tratto distintivo\ndel pittore, il quale si adegua a delle\nregole, perdendo così il proprio stile. Ho\npreferito conservare il mio tratto distintivo\nche mi rende riconoscibile. Penso di\naver fatto la scelta giusta e devo dire che\nritengo la mia vita fortunata pittoricamente\nparlando. Tante volte le mostre temporanee\nsi sono trasformate in permanenti,\npoiché mi hanno chiesto di lasciare le mie\nopere. Bisogna dire che ho avuto anche\nla fortuna di incontrare le persone giuste.\nAlcuni dei miei grandi incontri sono stati\nquelli con la galleria Bottega d’arte di Bologna,\ncon la Galleria Orler e con tanti al-\ntri musei e gallerie che nel corso della mia\nvita hanno organizzato numerosissime\nmie mostre. Anche gli incontri con i critici\nd’arte sono stati molto importanti, come\nper esempio quello con lo storico Giovanni\nFaccenda, che mi ha accompagnato nel\nmio percorso artistico e ha curato diverse\nmie mostre. Un altro incontro fortunato\nè avvenuto alla mia mostra presso\nPalazzo Venezia con il regista Michelangelo\nPepe, che mi ha chiesto di girare un\nfilm sulla mia vita e sul mio lavoro. Il documentario\nsi può trovare sul mio sito e\nspesso lo proietto anche all’ingresso delle\nPer quanto riguarda i grandi pittori,\nqual è stato il tuo primo grande amore?\nSicuramente mi sento vicino al mondo\nCaducità e non so cos'altro (2008), olio su tela, cm 80x100\nEppure pareva d'esserci (2008), olio su tela, cm 80x80\nPermettere la bellezza (2008), olio su tela, cm 80x60\nI sentieri da inventare (2012), olio su tela, cm 60x80\ndell'Impressionismo e all'arte di Vincent\nVan Gogh. Mi piace viaggiare e ricordo\nche quando andai con mia moglie ad Amsterdam\nrimasi molto colpito dal Museo\nVan Gogh. Però gli interessi verso la pittura\ndi altri artisti non hanno mai influenzato\nla mia produzione. Creando i miei quadri\nmi appoggio soltanto sulla mia voce interiore\ne sul mio intuito.\nI tuoi quadri sembrano delle poesie in\nimmagine. Quali sono le tue ispirazioni?\nCiò che mi ispira a dipingere la natura\nè la natura stessa. Amo raccogliere\nChiome lucenti (2012), olio su tela, cm 120x100\ni fiori di campagna dove vivo. Quando\nvedo un vaso di fiori e accanto una tela\nancora bianca mi sento ispirato. Mi\nalzo sempre presto e dipingo tutto il\ngiorno, ma devo ammettere che non\nsono mai pienamente soddisfatto del\nlavoro svolto. Amo dipingere soprattutto\ni colori della primavera, ma alcune\nvolte mi capita di dipingere anche la\nvegetazione invernale, ovviamente paesaggi\ndi campagna, non di montagna.\nTutti i miei quadri sono legati al luogo\nin cui sono vissuto, sia da piccolo che\ndurante l’età adulta. Sono sicuro che\nnon mi stancherò mai di dipingere fiori,\npaesaggi rurali, tetti delle case\nrustiche e paesaggi marini.\nNei tuoi paesaggi toscani non\ntroviamo presenze umane. Sono\npaesaggi interiori ma sembrano\ndipinti en plein air perché\nriflettono i colori che cambiano\na seconda dell’ora del giorno. Ci\npotresti raccontare come si svolge\nla creazione di una tua opera?\nTutti i miei soggetti sono legati ai\npaesaggi e alla natura ma non sono\ndipinti en plein air, perché ho\nsempre preferito dipingere all’interno\ndello studio. Non mi serve\nd’aiuto avere davanti uno scorcio\noppure una fotografia, mi bastano\nla mia tavolozza e la mia fantasia.\nI miei dipinti nascono sempre\nd’impulso, quando meno me lo aspetto.\nNei primi venti anni usavo colori\npiù spenti, mentre ultimamente sono\ndiventati più marcati. Sento che oggi\nbisogna parlare più forte per essere\nascoltati. Il mondo è cambiato e perciò\nsono cambiate anche le mie scelte\nCi sono delle mostre in programma?\nIl 2020 prometteva di essere l’anno più\nricco di programmi che io abbia mai\nvissuto. Ad aprile doveva tenersi una\nmia mostra al Castello Visconteo con\nla presentazione di Giovanni Faccenda.\nUn'altra mostra doveva svolgersi a Casa\nBuonarroti, ma sia queste due che\ntante altre esposizioni al momento sono\nstate rinviate. Spero che si potranno\nriproporre a breve, ma al momento\nnon ho informazioni ufficiali.\nRiflessioni sulla poesia nell’intervista\na Giancarlo Bianchi\nCom’è nata la tua passione per\nDa sempre scorre nel mio sangue, gli esseri\numani devono necessariamente comunicare\ne ognuno lo fa con i mezzi che\nha a disposizione.\nScrissi la mia prima poesia a 14 anni;\nmi trovavo a Montemignaio in Casentino\ncon i miei nonni paterni per trascorrere la\nstagione estiva e nacque Ciao Montemignaio/dall’aspetto\nLa forma secondo te è essenziale per\nPenso che comunque necessiti energia\ncome ebbe a dire Marguerite Yourcenar:\n«Per me poeta è qualcuno che è in contatto,\nqualcuno attraverso cui passa una\ncorrente». Forme e contenuti, binomio\nche, appunto, tiene se c’è energia ritmico\nimmaginativa. Penso a Orfeo, alla lira\na sette corde, penso ai miei due maestri,\nOxilia e Manescalchi, penso a quella palestra\npoetica che è stata la rivista fiorentina\nHellas fondata e diretta da Carmelo\nMezzasalma, di cui sono stato segretario\nGiancarlo Bianchi (ph. Geo Bruschi)\nLe tue poesie nascono da un’esperienza\nDice Jabes: «Dio prima dell’uomo ha pensato\nil mondo come poeta? La sua parola\nè creazione, l’universo in questo caso\nnon sarebbe che il suo poema e dunque\nuna leggibile eternità». In altre parole anche\nil tempo dunque sarebbe formato da\neoni e la mia esperienza poetica credo di\nviverla in maniera cosmica più che religiosa,\nnon proprio confessionale: il teologo\nAnita Norcini Tosi definisce quella\nenergia di cui parlavo “alchimia pericoretica”.\nSe Dio è il creatore dell’universo, cosa\npuoi dire in merito?\nSono rimasto affascinato dal seminario\nche James Hillman tenne a Firenze il 18\nottobre 1981, mi ha coinvolto questo suo\ndisperato bisogno di anima o per meglio\ndire, di fare anima, ovvero l’eventuale\nritorno, appunto, dell’anima nel mondo,\nesperienza che ho provato vivendo\ndall’interno la vita della rivista Hellas.\nIl tuo rapporto con la forma?\nLa forma nella poesia è conseguenza,\nconferma i contenuti. Cito un verso di\nKhayyàm, “Il creatore,\nadorne forme e\nnature”, è un modo\nper dire e confermare,\nla vedo io, che la\npoesia è creazione,\nDe Sanctis diceva\nche la poesia deve\nessere una sintesi\ntra cuore e lavoro,\nsulla forma, confermi?\nIo rivedo oggi la mia poesia con il cuore;\ndice il De Sanctis nella sua Storia della\nletteratura italiana: «La forma nella sua\nassolutezza è l’anima del mondo la cui\nintima, più reale propria facoltà è parte\npotenziale, è l’intelletto universale, come\nil nostro intelletto».\nCome commenti la poesia di oggi?\nHo avuto la fortuna di nascere e abitare\na Firenze, città viva, che offre molte\nopportunità, prima fra tutte, il Pianeta\nPoesia fondato e diretto da Franco Manescalchi,\ncon cui collaboro, la cui\nattività ventennale è descritta in tre volumi\nAtti di Pianeta Poesia. Ricordo con\nl’occasione che recentemente la Biblioteca\nMarucelliana in data 20 giugno 2018\nha acquisito i materiali del Fondo a lui intestato.\nDunque, la poesia di oggi è una\nstupenda avventura tutta da vivere e da\nQual è il tuo rapporto con la realtà, con\nDi distacco, le cose che mi circondano\nappartengono a Dio, io sono solo un amministratore\ndelle sue cose, appunto.\nCome ti poni nella tradizione dei poeti\nSpero che una critica illuminata trovi una\nmotivazione alla mia poesia; Anita Norcini\nTosi ha visto in essa, come già detto,\n“alchimia pericoretica”. Comunque\nritengo che sono gli altri che devono parlare\ndella poesia che le muse mi hanno\nconcesso, non io. La tradizione cristiana\nè anche la tradizione delle nostre radici\ned è inserita nella nostra cultura il cui\ncentro è l’amore universale, cosmico addirittura,\nscaturito dalla fede che io ho la\nfortuna di avere.\nLa fotografa degli “ultimi”\ndi Nicola Crisci / foto Dorothea Lange\nNata nel New Jersey nel 1895,\nDorothea Lange ha trascorso\nun’infanzia segnata dalla malattia\ne da problemi familiari. Dopo le\nscuole superiori, decide di diventare fotografa\nnonostante le idee contrastanti\ndella madre con la quale non ha mai avuto\nun buon rapporto. Apprese le tecniche\ndel ritratto alla Clarence White School di\nNew York nel 1917, l’anno successivo\nsi trasferisce a San Francisco dove apre\nuno studio fotografico aderente ai principi\ndella Straight photography, tendenza\nespressiva diffusasi nella prima metà del\nNovecento in opposizione al Pittorialismo.\nLa fama di Dorothea Lange è legata\nsoprattutto alle foto dei migranti nel periodo\ndella grande depressione nelle zone\nrurali degli Stati Uniti; di lei vengono\napprezzati, in particolare, il rispetto e la\ndelicatezza mostrati nel ritrarre il disagio\ne la sofferenza delle persone con immagini\ndi grande suggestione. Oltre a i migranti\ndella crisi del '29, ha immortalato\nle vittime dello sfruttamento e dell’oppressione\na causa del razzismo e gli\namericani di origine giapponese nei campi\nguerra mondiale. Nel dolore di queste\npersone, i cui corpi vengono spesso ritratti\nin modo frammentato, rivive l’esperienza\ndella malattia da lei affrontata\nall’età di sette anni a causa della poliomielite:«Mi\nha formato, guidato, istruito,\naiutato e umiliato. Sono consapevole\ndella sua forza e del suo\npotere», afferma Dorothea. Una\ndelle sue fotografie più famose\nè Migrant mother, ritratto di una\nlavoratrice della California che\nsi sposta di paese in paese con\ni suoi bambini. Lo sguardo della\ndonna è profondo e angosciato,\nma non è un’immagine dolorosa,\nquanto invece espressione di orgoglio,\ngrande dignità e desiderio\ndi riscatto. Pur essendo colmi di\nincertezza e preoccupazione, gli\nocchi della donna guardano oltre\nla macchina fotografica, verso un\nfuturo incerto ma possibile. Oggi\nconservato a Washington presso\nla libreria del Congresso, questo\nscatto ha interpretato lo stato\nd’animo di un’intera nazione allora\npiegata e sofferente. Dopo aver\ncollaborato alla nascita, nel 1947,\ndell'agenzia Magnum, nel dopoguerra\nlavora come fotografa di\nLife. Deceduta l’11 ottobre del\n1965, qualche mese dopo il Mo-\nMA di New York le ha dedicato\nun’imponente personale. Attualmente,\ni suoi scatti sono riuniti\nin un archivio conservato all’Oakland\nMuseum of California, grazie\nalla donazione del marito Paul\nDorothea Lange in Texas (1934, ph.Paul S.Taylor)\nPrima di salire su un autobus diretto a un centro di\nMensa dei poveri degli angeli bianchi (1933)\nDa Lalibela a Matera, il racconto di un’instancabile\nnarratrice per immagini\ndi Maria Grazia Dainelli / foto Cristina Garzone\nCome e quando nasce la tua\nL'amore per la fotografia ha sempre\nabitato nel mio cuore, ma è stato nel\ncorso di uno dei primi viaggi intrapresi\ncon mio marito Giacomo in Cina e\nprecisamente mentre eravamo in piazza\nTienanmen che ha avuto inizio quel\nprocesso interiore emotivo e mentale\nche mi ha portato a desiderare di immortalare\ngli attimi irripetibili che stavo\nvivendo. Il Natale successivo mi\nhanno regalato una macchina fotografica,\nda lì è iniziata la mia avventura.\nI miei scatti sono legati alla passione\nper i viaggi che programmo da sempre\ninsieme a mio marito e non in gruppo.\nAmando fotografare la gente, ho\nnecessità di comunicare ed interagire\ncon loro e non correre da un posto\nall’altro come costringono a fare i viaggi\nHai frequentato corsi o workshop?\nScelsi di fare il primo corso di fotografia\nper approfondire il reportage\ndi viaggio al Centro sperimentale\ndi Prato con Nino Ceccatelli; la sua\ncompetenza e severità sono state determinanti\nper la mia crescita professionale.\nDa quanto tempo fai parte del Club\nFotografico il Cupolone?\nSono socia del club dal 2007, quando\nera presidente il compianto Marcello\nMaterassi, personaggio ancora oggi\nricordato e stimato nel mondo della\nfotografia amatoriale che ha sempre\napprezzato le mie foto spronandomi ad\nandare a vedere mostre e a partecipare\na concorsi internazionali.\nCome ti avvicini ai soggetti scelti per\nle tue foto e come entri in relazione\nE’ importante rispettare la dignità dell’altro,\nper questo cerco sempre di avvicinarmi\nin punta di piedi e di instaurare un\nrapporto vero. Bisogna entrare nel loro\nquotidiano, osservare quello che fanno e\nnon avere fretta di scattare; se poi viene\nfuori la foto, per me è una grande gioia.\nHai partecipato a numerosi concorsi\nnazionali ed internazionali vincendo\ntantissimi premi: quali sono stati i\nE’ difficile scegliere… Tra quelli nazionali,\nil miglior autore al Gran Tour delle colline,\n8 Marzo Fotografia, Manfredonia Fotografica\ne il primo premio a Garbagnate. Tra\ngli internazionali, ricordo con soddisfazione\nil miglior autore della Turkish Airlines\nnel 2019 e i premi conseguiti per ben due\nvolte ad Abu Dhabi: nel 2008 il 3° Emirates\nPhotographic Competition e nel 2014\nil primo premio assoluto Grand Prize come\nmiglior autore con il progetto Momenti\ndecisivi sul tema del misticismo copto,\nrealizzato a Lalibela, in Etiopia, dove mi sono\nrecata per ben cinque anni consecutivi\nsempre nello stesso periodo per ritrovare\nPuoi parlarci del progetto realizzato\nHo iniziato a scattare a Matera nel 2015,\nprovando emozioni molto intense nella\nmia terra dalla quale mancavo da più di\ntrent’anni. Ho fotografato grandi artisti nei\nloro studi, come il maestro Franco Artese\nche costruisce presepi conosciuti in tutto\nil mondo. Mi sono poi ritrovata nel laboratorio\ndi Andrea Sansone che stava realizzando\nil carro trionfale per la Festa della\nBruna, patrona di Matera. E’ lì che è na-\nta l’idea di contattare l’Associazione Maria\nSS. della Bruna che mi ha successivamente\nautorizzato a documentare questa famosa\nfesta religiosa. Per questo progetto\nche mi ha impegnato per ben cinque anni\nringrazio il presidente Mimì Andrisani,\nil delegato arcivescovile don Vincenzo di\nLecce responsabile della festa e tutti gli\nLe ultime mostre che hai realizzato?\nNel 2014, ho esposto le foto sul misticismo\ncopto nella chiesa di San Giorgio ad\nAlbenga su invito di Paolo Tavaroli, presidente\ndel Circolo San Giorgio. Il 2 giugno\n2018 ero invece a Matera per esporre,\ngrazie al presidente Mimì Andrisani,\ngli scatti sul misticismo copto insieme a\nquelli sulla Festa della Bruna in un luogo\nemblematico della città, l'ex ospedale di\nSan Rocco. E' stato un modo per mettere\nin relazione due tradizioni diverse ma anche\ndue luoghi accomunati dal fatto di essere\nambedue costruiti nel tufo, e quindi\nnon solo Matera ma anche la chiesa etiope\ndi Lalibela. Lorenzo De Francesco, responsabile\ndel dipartimento AV della FIAP,\nha realizzato, in quest’occasione, due audiovisivi,\nentrambi proiettati alla mostra e\npresentati alla manifestazione internazionale\nDia sotto le stelle nel 2019 a Busto\nArsizio, alla presenza del vicesindaco di\nMatera Nicola Trombetta.\nUn altro traguardo importante è stata\nla pubblicazione di un libro; com’è\nPaolo Tavaroli mi ha spinto a pensare ad\nuna pubblicazione dal titolo Misticismo\ncopto, libro che è stato presentato ad Albenga\nil 22 febbraio di quest’anno. Accanto\nalle immagini sono riportati articoli\ndi personaggi di spessore: dal vescovo di\nMatera, Antonio Giuseppe Caiazzo, che ha\nscritto l'introduzione, al segretario generale\ndei Copti Derres Araia, e ancora Fulvio\nMerlak presidente onorario della FIAF, Lorenzo\nDe Francesco, Mimì Andrisani, Nicola\nd'Imperio, Orietta Bay, Paolo Tavaroli e\nCarlo Ciappi che ha scritto il testo conclusivo\ne ha curato l’editing. Mio marito Giacomo\nha realizzato l’impaginazione grafica\ne la traduzione in inglese per venire incontro\nalle richieste che mi sono pervenute\ndall’America, dalla Francia e dall’Austria.\nRecentemente hai ottenuto un riconoscimento\nFIAP molto importante:\nquale progetto fotografico ti ha consentito\ndi aggiudicarti questo prestigioso\nSono l’unica donna in Italia ad avere ottenuto\nil riconoscimento Maitre della\nFIAP con venti immagini sul misticismo\ncopto. Sono stati scelti quattro fotografi\nfra trentaquattro candidati da tutto il\nmondo. Questa fantastica comunicazione\nmi è arrivata lo scorso 3 aprile.\nAltre mostre fotografiche in calendario?\nAvevo in programma una mostra a Trieste\ne un’altra a Biella ma sono state\nrinviate al prossimo anno a causa del\nCoronavirus. Sto pensando di pubblicare\naltri due libri: uno sulla mia amata\nBasilicata e un altro sull'Oriente dove\nmi sono recata numerose volte.\nPer concludere: cos'è per te la fotografia?\nUna cosa magica da condividere con\nUn percorso dall’oscurità alla luce tra grafica e pittura\nTesto di Francesca Brandes per la mostra Le città invisibili, Biblioteca Arturo Frinzi,\nUniversità di Verona, 2014\nL’opera di Giusi Naletto emerge\ndal fondo, e cerca la chiarezza.\nLo fa dando segno all’oscurità\nche la circonda, nel cuore della luce.\nProprio come la terra verso la quale\nci dirigiamo, che altro non è che la nostra:\nuna terra che è proprio qui, pur\nessendo altrove. In principio è l’opaco,\nil rovescio del discorso, ma tale opacità\n– anziché porsi come qualità ermetica\n– si espleta come il mormorio di\nun pre-linguaggio che attende alla propria\nrisoluzione. La densità in Giusi è\nignota, preveggente. E’ cosmica, nella\nforma di un diario ininterrotto, vario e\nirregolare, dove sviluppare disorienta-\nmenti, emblematiche variazioni di rotta.\nEppure è da qui che bisogna partire,\nda quell’erranza che consente di esplorare\nluoghi sconosciuti, dentro e fuori\ndi noi. Senza illusioni graziose, una\npulsante limpidezza trascina le forme\ndel mondo alla loro vita quotidiana:\nesponendosi, dal cuore materico della\nSognando Hopper (2008), pastelli tirati con alcool, cm 110x144\nmatrice, le cose si rendono manifeste,\nsedimentando via via la propria indeformabilità.\nIl panorama esce, nasce\nLe città invisibili (2014), tarsie e xilografia\nal presente. La luce, nel suo scindersi,\nimpatta la materia con l’eco di una\nrivelazione: struttura dell’incompletezza,\nintuizione, guizzo fantasmatico. Del\nfantastico delle Città invisibili di Italo\nCalvino, a cui la serie è dedicata, resta\nla cristallina chiarezza, la surreale ricerca\ndi una verità anomala, ma paradossalmente\nattendibile. Quasi il presagio\ndi una sostanza diversa, struggente e\naerea; il segno di un’infanzia del mondo.\nLo sguardo frana sulla moltitudine\ndei tetti intuiti, delle profilature lontane,\nsui resti marcati di una presenza onirica.\nQualche volta le superfici sono ruvide,\nquasi rocce scoscese e la coscienza\ndell’artista è limata dal passaggio – dolore,\nnostalgia, ricordi – fino ad incidere\nun sentiero-ferita lungo una vita\nintera. La storia, le storie illuminate si\naggrumano in tinta ferrigna, coagulano\nrosso liquore o suscitano nebbie senza\nvarchi. Sono città di roccia a pesare\nsul petto, città di scogliera. Città in bilico,\nsenza spessori né riconoscimenti.\nDa remote altitudini promana una nota\ndi testa, la risoluzione di agire. Una\nsottile variazione di suono, l’oscillazione\ndell’eco, può produrre la distanza\nminima, lo scarto richiesto per una\nnuova forma. Qui l’artista sogna, e decide,\n"e il naufragar" (2018), tecniche miste\nRevenants (2007), pastelli tirati con alcool, cm 102,5x137\nGiardini (2017), collage e acrilico, cm 35x51\nGiusi Naletto nasce in Friuli\nnel 1941. E’ professore\ndell’Università Ca’ Foscari di\nVenezia fino al 1997. Lasciato l’insegnamento,\nfrequenta i corsi di Pittura\nVenezia, dove si diploma nel 2003.\nNegli anni Settanta avvicina le tecniche\ncalcografiche presso la Scuola\nNei primi anni Novanta segue corsi\ndi disegno, pittura, acquerello e xilografia\ne s’iscrive alla Scuola Libera del\nNudo. E’ socia del gruppo internazionale\ndi artisti e incisori “Atelier Aperto”\ndi Venezia. Dal 2013 è anche socia dello\nstorico “Gruppo Donatello” di Firenze.\nL’attività espositiva personale inizia\nnel 1993 e prosegue numerosa nel\ntempo, anche con mostre collettive, in\nItalia e all’estero. Nel 2014 ha esposto\nalla Biblioteca Arturo Frinzi, presso l’U-\nniversità di Verona, con la personale\nLe città invisibili a cura di Francesca\nBrandes. Dal 2008 al 2019, su invito\no selezione, ha inoltre esposto in più\nedizioni delle Biennali Internazionali\ndi Grafica di Bassano, Sarcelles-Parigi\ne Acqui Terme. Nel 2018 vince il\nPremio Firenze “Fiorino d’oro” per la\nSe sei un poeta o un artista, partecipa\nall’agenda artistico-letteraria 2021:\nun’antologia d’arte, poesia e fotografia\ncreata per scandire artisticamente\nle nostre giornate e accompagnarci\nAderendo al progetto la casa editrice\nLuoghInteriori inserirà gratuitamente\ngli artisti e i poeti in un grande evento\nche si svolgerà a Città di Castello nel 2021.\nTermine iscrizioni: 31 agosto 2020.\nLa strada verso casa: nove racconti sull'amore nel\nterzo libro del pluripremiato scrittore fiorentino\nQuando gli ho chiesto quale fosse\nil tema del suo terzo libro La\nstrada verso casa (Edizioni LuoghInteriori),\nFederico Fabbri mi\nha risposto:«Niente di particolare, è solo\nun insieme di racconti». Avendo letto le\ndue precedenti produzioni Maledette ortensie\ne La verità ha bisogno del sole (da\nme recensito su questa rivista nel 2017\nndr.), ho pensato subito che si stesse\nsminuendo come sempre, perché in realtà,\noltre al consenso del pubblico, in\nsoli cinque anni dall’esordio letterario ha\nottenuto diversi premi e riconoscimenti.\nInfatti, mi sono bastate poche pagine per\ncapire che ero di fronte ad un altro bellissimo\nlavoro del 50enne bancario fiorentino\ncon la passione per la scrittura e con\nuna capacità narrativa non consueta per\nchi è abituato a lavorare con i numeri più\nche con le parole. Parole ben calibrate\ne scelte con cura per descrivere personaggi\ne situazioni intorno a cui ruotano\ntutte le sue storie. Il fil rouge è ancora\nuna volta l’amore, declinato dallo scrittore\nin molteplici modi, proprio come avviene\nnella vita reale. C’è l’amore appena\nassaporato e quello che si nutre di freddi\nsilenzi e sguardi che non s’incontrano\npiù. C’è l’amore che toglie il respiro\ne non sceglie un falò quando può ambire\na un incendio. L’amore ovattato nelle\ntradizioni familiari che, dietro le luci degli\naddobbi natalizi, nascondono le oscurità\ndell’animo umano, dove si accumulano\ndetriti polverosi e pesanti fardelli faticosi\nda spostare. Ma l’espressione più sublime\ndi questo sentimento descritto in\ndue storie del libro è quello fra madre e\nfiglio, in un’alternanza di reciproca dedizione\nprotettiva. Un amore disposto a\ntutto pur di dare dignità alla vita altrui e\ncosì riscattare la propria. Seppure talvolta\nin poche righe, l’autore riesce subito\na catturare il lettore, suscitando di volta\nin volta sensazioni coinvolgenti: tenerezza,\nsorpresa, curiosità, emozione, suspense,\ncommozione. Nove racconti che\nsembrano trame già pronte per le sceneggiature\ndi altrettanti film che mettono\nin luce le mille espressioni della spiccata\nsensibilità di Federico Fabbri e forse\nrivelano qualcosa del suo bagaglio interiore.\nIn questi piccoli scrigni di parole\nognuno può ritrovare situazioni, scenari\ne stati d’animo vissuti in prima persona.\nCom’è successo a me che ho rivissuto in\npieno una vicenda personale, pur con un\ndiverso finale. In questa raccolta la casa\nnon è solo un luogo materiale ma il posto\ndove sta il cuore, prezioso custode\ndi tutti i nostri sentimenti con le sue caleidoscopiche\nsfaccettature in alternanza\nfra luce e tenebra, brillantezza e opacità.\nCon La strada verso casa, Fabbri descrive\nun insieme di chiaroscuri che appartengono\nalla vita di tutti, per esperienze\nvissute o per sentito dire, in quell’eterno\navvicendamento fra bene e male che\ntalvolta ci fa percorrere una via anziché\nun’altra, trovando lampi improvvisi e\nviolenti che squarciano l’anima o meravigliosi\nraggi di sole che tornano sempre\nOltre che in tutte le librerie, il libro si\npuò acquistare su prenotazione:\nUna storia semplice ha vinto: premio\nRacconti nella Rete; premio\nGiubbe Rosse Firenze; premio In\nCento Righe; premio Xilema; premio\nSatelliti ha vinto il concorso Rai\nIl lato buio del cuore ha ottenuto\nil premio Città di Melegnano\nLa magia del Natale si è classificato\n2° al premio Bukowski\nUn ricordo della pittrice Lelia Secci\nNel maggio 2019, d'improvviso,\nci lasciava Lelia Secci Manzoni,\nuna personalità rara nel panorama\ndella pittura dell'area fiorentina.\nLelia è stata un’esponente di spicco del\nGruppo Donatello cui ha partecipato cogliendone\nanche l'antico spirito di vicendevole\nstima e sincera amicizia che si\nsostanziava delle stesse occasioni conviviali.\nLa formazione di Lelia come artista\nè iniziata alla scuola per l'arte e il\nrestauro di Palazzo Spinelli a Firenze con\nlo studio sia delle tecniche della pittura e\ndell'affresco che l'incisione e la scultura.\nEmblematico del suo percorso va considerato\nl'impegno alla Biblioteca Nazionale,\nquando, giovanissima, lavorò per il\nsalvataggio del patrimonio librario terribilmente\nQuest’avvertita sensibilità per la cultura\ne la civiltà sviluppate dalla città del fiore\ncostituisce un aspetto significativo confermato\ne ampliato nel corso degli anni e\ndi una carriera di successo che è andato\ndefinendosi in una cifra originale, come,\ntra l'altro, ha ben documentato, pur\nnell'estrema sintesi, Fabrizio Borghini su\nLa Toscana nuova nel giugno dell'anno\nscorso citando le centinaia di mostre, tra\ncollettive e personali, a cominciare dalla\nprima, nel 1989, alla Spirale di Prato.\nIn quell'articolo furono\nriproposti brani dalle note critiche\ndi Elvio Natali e Giovanni\nPallanti, particolarmente acute\nnell'interpretare il linguaggio\ne il "segno" della pittrice.\nLelia è stata una delle ritrattiste\ninteressata a penetrare la\npersonalità dei soggetti, con\nun senso di profonda empatia\ne nel caso dei bambini ha\ndimostrato la capacità di recuperare\ne comunicarne la\ntenera affettuosa ammirazione\ndi madre, senza cadere nel\ntranello sentimentale. La tecnica\na cui presto era giunta\ngiocava sul sapientissimo uso\ndel pastello o dell'olio, avendo\npreferibilmente come supporto\nla tela di dimensioni importanti.\nLa stesura, eseguita\ncon successivi, leggerissimi\ne delicati passaggi, permetteva\npoi l'intervento di tocchi\ndensi di materia che poteva\nsfrangiarsi con un effetto di freschezza\nmolto efficace. L'impaginazione delle\nimmagini, equilibrata e armonica nella\ndistribuzione, era alla base delle preziose\nscelte cromatiche, frutto di una selezione\nche permetteva agli impasti di assestarsi\nin pennellate "compendiarie", magiche\ndi luci. Le radici del dialogo con la città\ndell'arte sono rivendicate con una sperimentazione\nche ha privilegiato ricono-\nDipinto per la copertina della rivista Toscana medica (anni Novanta)\nArchitetture con giaggioli\nscibilità e "sentimento", come emozione\nnel vedere, tra pensosa malinconia e felicità,\nquella felicità della consapevolezza\ndel rendere partecipi di un'esperienza\npositiva. E non possiamo dimenticare,\nnelle occasioni di incontro del nostro sodalizio,\nil sorriso di Lelia che corrispondeva\nnon solo al carattere ma alla stessa\nconcezione della sua attività artistica. Al\nprocesso di "bruttificazione" in atto, avallato,\nahimè, se non promosso da troppi\nambienti, nel nome di una provinciale\ndiffusione delle declinazioni commerciali\ndelle retroguardie, delle neoavanguardie,\ndelle più diverse "confessioni", Lelia, con\nmaturata convinzione, ha contrapposto\nle proprie opere che segnano l'opposizione\nconcreta e ferma di un "fare" che\nsostanzia l'idea e la reifica senza ambiguità\ne furbeschi "silenzi": con fiori e nature\nmorte inserite in primo piano, come\nquotidiano possibile, campione della bellezza\ndella natura che gli umani possono\npercepire e di cui possono fruire, secondo\nl'esperienza di centinaia di generazioni,\nnell'evocazione dei luoghi della civiltà\ndi Firenze, esprimendo quell'aura di mistero\ne fascinazione che ne interiorizza la\nmemoria. L'evanescente apparire, visioni\ne sogni: formidabili moniti, in verità,\ndella fragilità della bellezza e dell'armonia\ncome testimonianza per il futuro di\nuna concezione delle tecniche della comunicazione\nvisiva maturate dall'Ellade\nantica e per centinaia di generazioni\ncondivisa, sviluppata, integrata da nuove\ncommittenze e nuove classi sociali.\nCosì il gruppo Donatello intende dedicare\nun'esposizione, la prima possibile: cara\nLelia il tuo ricordo ci accompagnerà\nsempre anche se il tempo dei tuoi calendari\nUn cancello da aprire (ex Scuola medici ufficiali)\nL’apostolo della bellezza all’origine del “mito” dell’arte fiorentina\nUn'edizione storica delle Mattinate Fiorentine\nJohn Ruskin nasce in Brunswick\nSquare, nella Londra previttoriana,\nl’8 febbraio del 1919, da genitori\nscozzesi. Il padre, John James,\nè un ricco mercante di vini che nella\ncapitale inglese costruisce la sua fortuna;\nla madre, Margaret, è una devota\ncristiana evangelica che instrada il\npiccolo John allo studio della Bibbia.\nSeguito da precettori sino all’età di\ndodici anni, Ruskin si dimostra un\nbambino riservato ma con una spiccata\nsensibilità estetica. A sei anni si\nreca per la prima volta in Europa con\ni genitori, visitando alcuni dei luoghi\ndivenuti poi determinanti nella\nsua vita di uomo e critico d’arte. Intraprende\npittorica con i maestri e membri\ndella società degli acquerellisti Fielding,\nProut, Stanfield e Roberts. E’\nil periodo in cui pittori come Turner,\nConstable e Cotman, pittori eccellenti\nraggiungono la fama.\nL’amore per l’arte di\nRuskin padre, che investe\nquesti pittori, alimenta\nla passione del figlio,\nil quale, dopo\nla laurea a Oxford in\nTurner, di cui è considerato\nnel suo Modern Painters,\ncinque volumi pubblicata\ntra il 1843 e il\n1860. Nel 1840, visita\nSvizzera e Italia;\nsi reca a Firenze per\nla prima vol-\nJohn Everett Millais, Ritratto di John Ruskin (1853-1854), olio su tela,\nta, facendovi ritorno altre tre\nvolte, l’ultima nel 1872, anno\nin cui innamoratosi di Fiesole\ne soprattutto della Badia\nnon ancora intaccata dalle trasformazioni\ndi Firenze capitale\nda lui tanto contestate, compone\nuna serie di dodici articoli −\nle famose Leggi di Fiesole (The\nLaws of Fésole) − nei quali esalta\ni canoni della bellezza e del\npaesaggio a suo avviso inalterabili.\nUna teoria che favorirà la\nnascita delle prime leggi a tutela\ndel paesaggio nella Toscana\nsede del Parlamento nazionale\nnel 1865. Critico d’arte ma\nanche critico della già evidente\nscelleratezza economica, Ruskin\npubblica nel 1862 Fino alla\nFine (Unto This Last), una raccolta\ndi quattro articoli in cui\nattacca la “pseudo-scienza” di\neconomisti come Mill, Ricardo\ne Malthus. Tra il 1851 e il 1853\npubblica Le Pietre di Venezia (Stones\nof Venice), iniziato durante il periodo\ntrascorso nella città lagunare per\ndedicarsi allo studio dell’architettura.\nIn Mattinate Fiorentine (Mornings\nin Florence) del 1875 − una raccolta\ndi sei lettere contenenti altrettanti\nitinerari − descrive i monumenti\nsimbolo della città, concentrandosi\nsoprattutto su artisti come Giotto\ne Arnolfo, quest’ultimo da lui ritenuto\nil primo grande maestro del gotico.\nConsiderata dagli anglobeceri\nun’eccellente guida per visitare la città\nin tempi brevi, le “mattinate” hanno\naccompagnato intere generazioni\ndel mondo anglosassone nella scoperta\ndell’arte fiorentina. Anche Le\nCorbusier e Frank Lloyd Wright visiteranno\nFirenze avvalendosi dei suoi\ntesti. John Ruskin si spegne a causa\ndell’influenza il 30 novembre del\n1900 a Coniston, nel Lancashire.\nIl paesaggio, dimensione dell’anima\nIl paesaggio, per come la pittura per\nprima ci ha insegnato a conoscerlo,\nnon esiste nella realtà, è un’astrazione\ndella mente. E’ il nostro sguardo a\ndecretarne la “nascita” ogni volta che posandosi\nsulla natura estrapola da questa\nuna porzione di cielo, terra, mare e di tutti\ngli altri elementi che insieme compongono\nquello che definiamo appunto “paesaggio”.\nDipingere un angolo di natura,\nquindi, non è mai un’esperienza neutra,\nun vedere senza “filtrare” l’oggetto della\nvisione, perché nello sguardo del pittore\nsi condensano memoria, emozione e conoscenza.\nSe poi, come nel caso di Xiyu\nGuo, l’artista si ritrova in un contesto diverso\nda quello in cui è nato, lo sguardo\ncercherà nell’ambiente intorno ciò che lo\nriconduce alle proprie origini. L’uomo vede\nnella natura soltanto ciò che conosce,\ndiceva il grande pittore paesaggista John\nConstable. E’ così per il giovane Xiyu, il\nquale, dopo il trasferimento in Toscana\ndalla Cina per completare gli studi accademici,\nha scelto di dedicarsi alla pittura\ndi paesaggio avendo subìto il fascino\ndi panorami del tutto nuovi. Nella campagna\ntoscana così come negli scorci marini\no di paese ha ritrovato una parte di\nsé, sovrapponendo la propria storia e le\nesperienze pittoriche già maturate in Cina\nad un paesaggio tanto suggestivo quanto\nsconosciuto. Nei suoi quadri la natura\ninterpreta una condizione interiore in\ncui visione ed emozione diventano tutt'uno.\nE’ un modo diverso di approcciarsi\nal genere paesaggistico rispetto a quello\nche nella cultura occidentale vede l’artista\nsemplicemente specchiarsi nella natura\nanziché sentire di esserne parte. Nel\ncaso di Xiyu, e più in generale della tradizione\norientale, è la scoperta della profonda\ncomunione con il mondo naturale\na far scaturire l’emozione. Non c’è distanza\ntra l’artista e il mondo fuori: sono\nparte entrambi di un tutto armonico\ndove ogni cosa vive e respira in relazione\ncon l’altra. Ecco perché, pur essendo diverso\nda quello natìo, il paesaggio toscano\ngli è sembrato un luogo familiare, in\ncui trascorrere del tempo passeggiando,\nosservando, scegliendo scorci interessanti\nda dipingere. Ogni opera restituisce\nla memoria di un momento vissuto:\nuna gita fuoriporta, una giornata al mare,\nun incontro sulla strada di casa. Qualun-\nque sia la circostanza, la natura è sempre\nlì, intorno e davanti a lui, a suggerirgli\nqualcosa, offrirgli uno spunto per riflettere,\nrisvegliare un ricordo triste o una speranza.\nLa pioggia racconta di un dolore,\nil tramonto di un’illusione svanita, gli alberi\nspogli di una morte necessaria alla\nrinascita. La natura, dunque, non è soltanto\naria, luce, colore, ma un luogo dove\nmille voci risuonano all’unisono con\nle voci interiori dell’artista. Osservando\nquesti dipinti, siamo chiamati anche\nnoi a fare parte del loro racconto, a spingere\nlo sguardo oltre la forma, cercando\nun’emozione o un pensiero nell’angolo\ndi natura raffigurato. Ci guida in questa\nesperienza la grande perizia tecnica del\ngiovane artista, cui bastano poche pennellate\nd’olio o d’acquerello per catturare\nl’impressione di un paesaggio, gli effetti\nd’ombra e di luce, lo spazio che si apre\nin lontananza o i particolari in primo piano.\nCogliere la consonanza tra spirito e\nnatura, tra gli elementi naturali e il proprio\nessere: questa la principale sfida della\npittura secondo Xiyu.\nTornando a casa (2019), olio su tela, cm 40x30\nSperanza (2017), olio su tela, cm 50x40\nCrescendo (2019), olio su tela, cm 50x35\nIl Teatro Manzoni a Calenzano\nIntervista alla direttrice Maria Cristina Ghelli, presidente\ndel Teatro delle Donne\ndi Doretta Boretti / foto courtesy Teatro Manzoni\nIl Teatro Manzoni a Calenzano, in\nprovincia di Firenze, è un edificio\nnato alla fine del XIX secolo,\ngrazie al contributo di un gruppo\ndi notabili fiorentini (Bastogi, Venturi-Ginori,\nDigerini-Nuti, Baldini e altri),\ndedicato al Principe di Napoli,\nVittorio Emanuele III, e inaugurato il\n21 aprile 1895 con la rappresentazione\ndella Favorita di Vincenzo Bellini.\nNel 1937 il teatro passò al Comune\ndi Calenzano e nel 1945 la Giunta comunale\nmutò la denominazione originaria\nin “Teatro Manzoni”. Dopo anni\ngloriosi, il teatro visse alterne vicende\ne stravaganti destinazioni. Nel\n1988 il Comune di Calenzano, in accordo\ncon la Sovrintendenza ai Beni\nAmbientali e Architettonici di Firenze,\nsu progetto generale di restauro\ne di recupero funzionale dell’architetto\nMariachiara Pozzana, fu messa a\npunto la sua ristrutturazione. Fu l’architetto\nDavid Palterer che condusse\ni lavori e che dette vita all’attuale\nTeatro Manzoni. L’opera di restauro\nsi articolò su più piani: il primo, rispettare\ned eventualmente restaurare\nquello che rimaneva del teatro originario;\nil secondo, mettere in sicurezza\nl’edificio conformandolo secondo\nle norme vigenti; il terzo, creare nuovi\ncamerini per gli artisti. Le decorazioni,\nin parte ancora presenti nella\nplatea, originariamente credute essere\nstate dipinte dall’artista Annibale\nBrugnoli, sembrano attribuibili a Giulio\nBargellini. Il 7 aprile 2002, il teatro\nfu restituito alla cittadinanza ed è\ncome oggi appare ai nostri occhi: un\nmeraviglioso gioiello recuperato dal\npassato. Ci troviamo in compagnia di\nMaria Cristina Ghelli direttrice del teatro\ndal 2002, anno della sua rinascita.\nMaria Cristina non ha bisogno di\nalcuna presentazione poiché in questi\nanni ha creato una realtà unica nel\nsuo genere fatta di impegno costante,\nintelligenza e progettualità creativa\na non finire, portando il Teatro\nManzoni a livelli altissimi con un progetto\nculturale complesso dedicato\nunicamente alla donna, anzi di più, è\nl’unica realtà teatrale italiana per una\nproduzione drammaturgica contemporanea\nal femminile: Il Teatro delle\nDonne. Stagione teatrale, Centro\ndi produzione, Scuola di teatro, con\na capo prima Stefano Massini (fino\nalla sua nomina a consulente artistico\ndel Piccolo di Milano) poi Andrea\nNanni, studioso di teatro, giornalista\ne direttore artistico di festival come\nArmunia e Santarcangelo, Scuola\ndi scrittura teatrale fondata da Dacia\nMaraini, artiste del calibro di\nAmanda Sandrelli, Lucia Poli, Pamela\nVilloresi, Licia Maglietta, Isabella\nRagonese, Elena Arvigo e tante altre,\nraccolta di testi di scrittrici contemporanee\ncon più di mille opere conservate...\nCome ha fatto a creare tutto questo?\nHo iniziato a lavorare in teatro mentre\nancora frequentavo l’Università. A\n30 anni avevo già raggiunto dei buoni\nrisultati in termini di carriera. Fra\ni 30 e i 35 anni ho avuto due figlie,\nho cercato di riconvertire il mio lavoro\ndi conseguenza. Non è stato facile\ncercare di reinserirmi nel sistema\nteatrale di allora, un sistema abbastanza\nchiuso e maschile. Per que-\nsto nel 1991 ho deciso, insieme ad\naltre donne che avevano riscontrato\nle mie stesse difficoltà, professioniste\ndel settore, autrici, registe, attrici,\ndocenti universitarie, critiche\nteatrali e donne di alcune associazioni\nculturali, di fondare il Teatro delle\nDonne, per portare alla ribalta la questione\nfemminile in teatro.\nIl Teatro delle Donne, in quasi 30 anni\ndi attività, in linea con le migliori\niniziative europee, ha messo in piedi\nl'unico Centro Nazionale di Drammaturgia\ndelle Donne, ha raccolto in\nun archivio e catalogato più di 1000\ntesti di autrici italiane contemporanee,\nha pubblicato cataloghi dei testi\ne annuari delle autrici (circa 180 sono\nquelle attualmente aderenti), testi\ndi teatro, dato sede alla Scuola Nazionale\ndi Scrittura Teatrale fondata\nda Dacia Maraini, che è una delle\npiù qualificate scuole di drammaturgia\nnazionali, ha collaborato con le\nmaggiori autrici nazionali quali Dacia\nMaraini, Barbara Nativi, Lucia\nPoli, Franca Rame, Silvia Calamai,\nGrazia Verasani, Valeria Moretti, ma\nanche con Biljana Srbljanovic, Claire\nDowie, Judith Malina, Sarah Kane.\nDopo aver diretto diversi altri teatri\nin Toscana, da diciotto anni Maria\nCristina Ghelli gestisce presso il Teatro\nManzoni di Calenzano una delle\nstagioni più coraggiose per la drammaturgia\ncontemporanea, che ha\nospitato i più innovativi testi di teatro\nd'impegno civile collaborando con i\npiù giovani autori e autrici nazionali e\nproducendo una cinquantina di spettacoli\ndi teatro contemporaneo. In\nteatro spesso comandano ancora registi\ne direttori di teatri e istituzioni,\ngeneralmente uomini. Il motivo sta\nin una gestione "politica" del teatro,\ncioè di una complessiva istituzionalizzazione\ndel sistema teatro in cui i\ngiochi non sono artistici o economici\nma "di potere". Mai come negli ultimi\n40 anni, le donne sono state capaci\ndi trasformare la propria vita, le proprie\nrelazioni, il proprio rapporto con\nla professione. Non contiamo ancora\nmeno degli uomini a causa del doppio\no triplo lavoro, dei figli o delle incombenze\ndomestiche. Il fatto è che\nla lunga partita “per esserci” non si\ngioca in qualche decina di anni, sul\npiano del costume, ma su quello\nenormemente più difficile, profondo,\ncomplesso della storia, individuale e\ncollettiva, che ha tempi lunghi.\nQuante rinunce ha comportato?\nNon parlerei di rinunce, anzi, direi\nche non mi sono mai posta il proble-\nAmanda Sandrelli (ph. courtesy reggionline.com)\nma di dover rinunciare a qualcosa.\nLe donne spesso si sentono costrette\na degli abbandoni: abbandonare i\nfigli per la carriera, smettere di studiare\nper lavorare, lasciare il lavoro\nper i figli. Io ho cercato di conciliare\ntutto: studio, lavoro, figli, relazioni.\nCerto ho incontrato delle difficoltà,\ndirei che la battaglia è tuttora in\ncorso. C'è in Italia un grande problema\nculturale che riguarda le donne,\nda qui l'esigenza di portare nell'arte,\nnei media un modo proprio e diverso\ndi vedere la donna, la sua immagine,\nil suo ruolo nella società. E’ necessario\ncostruire una nuova immagine\ndella donna attraverso le nostre opere\nd’arte, il teatro, il cinema, la danza,\nla televisione. Dobbiamo mettere\nle basi perché la nostra singolare conoscenza\ndel mondo, il nostro originale\ntalento, non vadano perduti.\nCon la crisi attuale è faticoso, immagino,\ne quello di direttore amministrativo\ndi un teatro…\nCon la crisi attuale è difficile tutto.\nSe penso che vogliono proporci\ndi recitare con mascherine e distanziamento,\nmi sento male. Ma penso\nanche che ce la faremo, il teatro è\nsempre rinato, anche quando è stato\nmesso fuori legge. Sarà difficile:\nabbiamo perso in pochi mesi decine\ndi migliaia di euro in cachet di spettacoli\nsaltati e biglietti non venduti.\nI nostri attori, tecnici, autori, registi\nsono rimasti senza sussidi o con il\ncontributo mensile Inps di 600 euro.\nSiamo rimasti fuori dal teatro e\nadesso dovremo preparaci a riprendere\ncon il distanziamento sociale,\nquando non c’è niente di più sociale\ndel teatro. Ma troveremo il modo per\n24 TEATRO MANZONI\npassare questo tempo che ci separa\ndall’allentamento della pandemia,\ndall’individuazione di un vaccino. E\nse è vero che per ora di aiuti non ne\nabbiamo visti, è anche vero che il teatro\nsi può fare con poco, bastano le\npersone. Gli attori e il pubblico torneranno\nad incontrarsi, lo credo fermamente.\nIn questi anni ha lavorato intensamente,\nraggiunto molti traguardi;\nquanti ne vorrebbe raggiungere\nSono soddisfatta del mio lavoro e\ndegli obiettivi raggiunti. Ma c’è un\nfronte su cui le donne ancora restano\nindietro: sono ancora poche le donne\nche accedono ai luoghi di potere\ne spesso pagano un prezzo troppo\nalto per adeguarsi a criteri creati dagli\nuomini per altri uomini. Questa è\nla nostra debolezza. La nostra forza\npuò venire solo dalla forza esplicita\ndi altre donne. Concretamente dovremmo\ndarci reciproco riconoscimento,\nsostenerci fra donna e donna,\nfra donne della politica e delle istituzioni,\nfra donne del teatro, dell’arte,\ndella comunicazione. Fare sistema e\ndare spazio alle più giovani. Mi piacerebbe\nche delle giovani donne continuassero\na portare avanti il lavoro\nche io e altre donne della mia generazione\nabbiamo cominciato: governare\ngli spazi che abbiamo con un\nobiettivo e un’ottica di genere, rompere\ncon i ruoli che ci vengono imposti\ne che sono ruoli tradizionalmente\nmaschili, per trasformare la nostra\ndebolezza in forza. So che sembra\nun’utopia, ma solo se si sogna in\ngrande si possono raggiungere degli\nCome possono i nostri lettori seguire\nPossono consultare il nostro sito, la\nnostra pagina Facebook, contattarci\nsu Twitter, Instagram o al nostro indirizzo\nemail. E poi tornare a teatro,\nTeatro Manzoni, via Mascagni, 18,\n055. 8877213 - 055. 8876581\nBagnoschiuma con succo d’Uva BIOLOGICO e con\nOlio Extravergine d’Oliva Toscano IGP BIOLOGICO\nShowergels with ORGANIC Grape Juice and with\nIDEA TOSCANA - Borgo Ognissanti, 2 | 50123 Firenze |\nViale Niccolò Machiavelli, 65/67 | 50019 Sesto Fiorentino (FI) |\ninfo@ideatoscana.it | www.ideatoscana.it\nScegliere il bagnoschiuma giusto\nScegliere il giusto bagnoschiuma\nper la propria pelle è importante\nper rendere la stessa pulita, ma soprattutto\nmorbida e far sì che il detergente\nscelto rispetti il nostro tipo di epidermide.\nOgnuno di noi ha una pelle diversa ed\nè proprio per questo motivo che non esiste\nun bagnoschiuma universale per tutti.\nPrediligere un “INCI” verde\nL’unica cosa che consiglio a tutti, qualsiasi\nsia il tipo di pelle, è quella di prediligere\nun bagnoschiuma con un buon INCI\nnaturale e privo di SLS, SLES, siliconi,\nparabeni, oli minerali, isotiazolinoni, coloranti\nartificiali, profumi sintetici. Questi\nelementi, infatti, oltre a danneggiare la nostra\npelle, contribuiscono non poco all'inquinamento\nCome nasce il bagnoschiuma?\nIl suo primo antenato risale all’antico\nEgitto, civiltà che ha sempre dato\ngrande importanza alla cura della persona.\nCome ben sappiamo anche i Romani\ncoltivavano un vero e proprio culto\nper il benessere e l’igiene personale, basti\npensare a tutte le terme che sono arrivate\nquasi completamente intatte fino\nai giorni nostri. A seguito della conquista\ndella Gallia, venne introdotto a Roma\nun sapone composto da cenere e sego\n(un tipo di grasso animale) al quale venne\nsuccessivamente aggiunto l’olio d’oliva\nper nutrire ed ammorbidire la pelle.\nNel corso del Novecento si passò, infine,\ndai saponi solidi a quelli liquidi e il bagnoschiuma\ncome lo conosciamo noi fece\nla sua prima apparizione sul mercato\nPossiamo definire delle linee guida generali\na seconda della tipologia di pelle.\nPer pelli miste e normali è meglio\nscegliere bagnoschiuma delicati, senza\nparticolari proprietà curative, che mantengano\nla pelle idratata e morbida come\nad esempio quelli biologici o naturali\nal succo d’uva dalle proprietà condizionanti\ne tonificanti. Oppure bagnoschiuma\nche contengano aloe vera dalle\nproprietà lenitive e protettive. Infine, non\npossono mancare bagnoschiuma con\nin grado di rispettare l’equilibrio idrolipidico\ndella pelle. Per pelli sensibili o\nsecche è importante scegliere detergenti\nche non contengano tensioattivi e altre\nsostanze irritanti oppure parabeni e siliconi.\nDa qui nasce l’esigenza di preferire\nbagnoschiuma naturali o biologici,\nmeglio se contenenti olio extra vergine\ndi oliva, con le sue proprietà emollienti,\nsucco d’uva, che allevia i fastidi\nprovocati da dermatiti, pruriti, psoriasi,\ned estratti di mandorle dolci e di argan\nche hanno un effetto protettivo e riparatore\ndella pelle molto secca.\nEffetti dell’emergenza sanitaria sulla vita amorosa\ndipingerò i tuoi occhi»\ndisse Modigliani alla sua\nmusa. Molti cercano l’anima\nnell’altro e non la trovano. E’ l’inizio\ndel “mal d’amore”, un malanno ambiguo\nche si manifesta non solo per l’assenza\ndell’amato/a ma anche quando l’amore\nè finito oppure non riesce a decollare\no ancora per delusione. Può ammorbare\nanche i rapporti con le carte in regola,\nquelli che fanno presagire un lieto fine.\nIn questi casi il virus non è così evidente,\ncosì immediatamente rintracciabile: è\nestremamente subdolo, crea un diffuso\nmalessere suscettibile di aggravarsi nel\ntempo e talvolta, quando esplode in tutta\nla sua virulenza, la prognosi per la coppia\npuò essere infausta. Il virus responsabile\nè la “credenza”, un insieme di convinzioni\nconsapevoli o inconsapevoli che irrigidiscono\nle relazioni fino a creare fratture\nche nel tempo diventano sempre più difficili\nda sanare. Qualcuno dice che la fine\ndi una storia sia già scritta nel suo inizio.\nSe pensiamo alle ferme e incrollabili\nconvinzioni su come debbano essere l’amore\ne la vita a due, non possiamo non\nconcordare. Quando una credenza diventa\nun dogma si crea un autoinganno rigido\nche non rende disposti a vedere o fare\nqualcosa di diverso. Le coppie scoppiano\nperché non riconoscono\nle certezze a cui uno dei due si\nappella, e di fronte alla manifestazione\ndel disagio ognuno reagisce in ottemperanza\nalle proprie convinzioni. Così certe\nconvinzioni rigide crollano o s’irrigidiscono\na causa della coabitazione forzata della\nquarantena. Una situazione che alcuni vivono\ncome essere in una pentola a pressione:\nse la valvola non funziona, scoppia!\nAlcuni scoprono un partner che non conoscevano;\naltri esasperano i tratti propri\no dell’altro/a; altri ancora assistono increduli\nal crollo della loro credenza, all’idea\nche avevano del partner. Un terremoto\nche supera i bisogni di sicurezza, reciprocità\ne bene. Com’è difficile trovare l’alba\ndentro all’imbrunire, canta Battiato. Dalla\nforza dell’illusione dell’innamoramento\nall’insano realismo che precedentemente\naveva salvato dalla disillusione: ora tutto\ncrolla sotto il peso della fatica relazionale.\nOltre alla libertà, le coppie hanno perso\nanche molto in termini economici. I dati\ninternazionali confermano un’impennata\nnella richiesta di pratiche di divorzio sia\nin Cina che negli Stati Uniti e anche in Turchia.\nStessa cosa sta succedendo in Italia.\nLa decisione di mettere il timbro “fine”\nsu rapporti già finiti; l’esplosione di reazioni\naggressive con la drammatica impennata\ndi violenza domestica. In alcune\ncittà sono cambiate anche le procedure:\nbasta un’email per aprire una pratica di\nseparazione consensuale. Il possibile boom\ndelle nascite invece non è successo:\nla paura delle malattie, la paura di perdere\nil posto di lavoro, la crisi economica non\nhanno favorito per ora la fiducia nella vita.\nSono invece già evidenti gli esiti clinici in\npersone che hanno vissuto questo lungo\nperiodo di quarantena come uno stress\ninsopportabile e non come un’opportunità\nper ridefinire in meglio i rapporti familiari.\nAspettiamo e vedremo che per alcuni\nci sarà una fisiologica risoluzione con la\nripresa della vita. Per altri, si saranno riaccesi\ndisturbi limitanti superati in passato;\naltri ancora svilupperanno disturbi più\no meno severi.\nEFFETTI SULLA VITA AMOROSA\nIn attesa del vaccino per uscire\nNel mondo i sanitari degli ospedali\nlottano contro il Coronavirus.\nSono vestiti con presidi,\ncaschi, guanti e cercano di risolvere\ncondizioni veramente critiche di salute\ndei pazienti infetti attraverso farmaci\ne ossigeno terapia. Se oggi si può sopravvivere\nda polmonite virale interstiziale lo\ndobbiamo a queste persone addestrate\nad affrontare quadri clinici urgenti.\nSu un altro versante la lotta al virus\nCovid-19 si sviluppa nel chiuso dei laboratori\ne di camere sterili dove con\nstrumenti costosissimi e sofisticatissimi,\ni ricercatori tentano di decifrare\nproteine virali e catene di DNA. Queste\npersone attraverso intuito, cono-\nscenze scientifiche, capacità analitica\nstanno lavorando per trovare un vaccino\nche permetterà di vincere la malattia\ne bloccarne la diffusione come è\naccaduto in tempi passati per vaiolo,\ntubercolosi, morbillo e poliomielite. Al\nmomento il vaccino manca solo per il\nCoronavirus, immaginate se mancasse\nper le altre malattie.\nMappa diffusione Coronavirus nel mondo; fonte World Health Organization\nIl volto contemporaneo di una tradizione millenaria\ndifferenza di quanto comunemente\nsi crede, la tradizione è un\nvalore che non rimane immutato\nnel tempo, ma riflette i cambiamenti che\nogni epoca impone apportando nuovi significati\nalla lezione del passato. E’ anche\nvero che alcune tradizioni sono talmente\nimponenti e radicate da rendere difficile\nil tentativo di innovarle. Nel caso di Qiu\nYi, ad esempio, allontanarsi dalla Cina −\ndove è nato e in parte si è formato − per\ntrasferirsi in Italia, è stato fondamentale\nper trovare una dimensione espressiva\nche non subisse troppo l’influenza della\nmillenaria cultura artistica del suo paese.\nLa distanza gli ha permesso di trasformare\nquesto enorme lascito in un’opportunità,\navviando un percorso che rilegge\nl’antica arte cinese reinterpretandone i\nprincipi fondanti. E quindi, anzitutto, l’idea\nche il segno dipinto assommi in sé\nimmagine e parola. Il verbo “dipingere”\nnon esiste in lingua cinese; si dice invece\nche l’artista “ha scritto” l’immagine,\nsia nel caso di un lavoro calligrafico\nche di un soggetto ad inchiostro. Dipingere\nequivale quindi a scrivere e viceversa,\nnella condivisione di strumenti\n− pennello e inchiostro −, gesti e principi.\nEntrambe queste forme d’arte coesistono\nnel suo lavoro all’interno di un\nunico linguaggio. Il risultato − lo vediamo\nnei lavori qui pubblicati − è un ibrido\ntra evocazione della natura e segno\nastratto, visione naturalistica e costruzione\nconcettuale. L’immagine riflette\nun pensiero, uno stato interiore, l’essere\ndentro ed oltre il tempo nello spazio\ninfinito del foglio. Spazio che, a differenza\ndella tela in Occidente, non è un vuoto\nda colmare, perché in sé contiene già\nla totalità dell’esistente, ogni forma e immagine.\nUn vuoto “fertile”, quindi, entro\ncui prendono vita, con differenti spesso-\nri, intensità e modulazioni, i segni dell’inchiostro.\n«L’unico tratto accoglie al suo\ninterno tutti gli esseri − scrive a metà Seicento\nil pittore e poeta Shitao −; il tratto\nriceve l’inchiostro, l’inchiostro riceve il\npennello, il pennello riceve il polso, il polso\nriceve lo spirito». E’ il ritmo interiore\ndell’artista a fluire senza interruzione dal\nbraccio alla carta, esigendo pieno controllo\ndella mente e del corpo. Il pennello\ndanza sul foglio alternando all’intensità\ndel nero un’infinita scala di grigi; e in\nquesto movimento, nero e bianco respirano\ninsieme, si completano, come forze\nche agiscono l’una in funzione dell’altra.\nDal loro equilibrio affiorano immagini in\ncui è possibile indovinare riferimenti alla\nnatura: montagne, corsi d’acqua, tempeste\ne nuvole. Un esercizio della fantasia\nche in parte tradisce l’intenzione dell’artista,\nil cui fine non è rappresentare la varietà\ndelle forme quanto invece catturare\nIn questa e nell'altra foto due delle installazioni esposte nella personale a Villa Rospigliosi\nl’energia che intimamente le anima. Un\npensiero che percorre trasversalmente il\nsuo lavoro, abbracciando pittura, scultura\ne installazioni. Quest’ultime, in particolare,\ngli consentono di far dialogare\nl’opera con il paesaggio, in un’integrazione\nsia formale che di concetto. Lo dimostrano\nle installazioni esposte nella\npersonale del 2019 a Villa Rospigliosi,\nin cui l’elemento naturalistico entrando\nin relazione con l’opera ne corona il\nsenso. Dalle imponenti strutture realizzate\ncon tubi innocenti − materiale evocativo\ndel presente qui posto in continuità\ncon l’architettura e l’arredo scultoreo della\nstorica residenza − ai blocchi di china\ncollocati in maniera da ricordare un paesaggio\noppure sciogliersi sotto la pioggia\nchiamando così la natura ad ultimare\nil lavoro dell’artista. Fin dal titolo Pieno\ne vuoto, questa mostra invita a riflettere\nsul rapporto di necessità che lega concetti\ntra loro antitetici: non solo pieno e\nvuoto, quindi, ma anche passato e presente,\ntradizione e modernità. Secondo\nla filosofia orientale, in particolare quella\nSenza titolo (2020), inchiostro di china su carta di riso\ntaoista, gli opposti non sono realtà tra loro\ndistinte e inconciliabili − come vengono\nconsiderate invece in Occidente − ma\nparti di un intero che, in quanto tali, dipendono\nl’una dall’altra. Per questo motivo,\nogni volta che l’arte contemporanea,\nvolendo farsi interprete del “nuovo”, non\nriconosce l’importanza della tradizione,\nfinisce di fatto per rinnegare se stessa\nrinnegando le proprie radici. Occorre,\ninvece, riscoprire l’interdipendenza tra\npassato e presente dell’arte, come suggerito\ndall’installazione che dietro la patina\nd’antico nasconde un’insospettabile\nmatrice moderna. Si tratta della testa di\nuna Venere classica presentata insieme\nad altri frammenti come fossero reperti\narcheologici. Alcuni dettagli tradiscono,\ntuttavia, la vera origine dell’opera, che\nscopriamo essere stata realizzata come\ncalco di una testa antica riprodotta con la\nstampa 3D. Come dire: l’antico serve da\nmodello al nuovo e il nuovo, a sua volta,\nfa rivivere l’antico. Non può esserci\nconflitto dunque tra dimensioni speculari,\nneanche quando il confronto riguarda\ntradizioni culturali fra loro molto diverse.\nAnche in questo caso, infatti, è possibile\nincontrarsi valorizzando, piuttosto che le\naffinità, le differenze, essenziali, quest’ultime,\nperché da esse dipendono le caratteristiche\ndistintive di un popolo. Nell’era\ndella globalizzazione si corre il rischio\nche proprio le differenze vengano azzerate\nper favorire il diffondersi di una cultura\nstandardizzata. La tradizione − sottolinea\ncon convinzione Qiu − non può essere\nuna moneta di scambio, una terra\nsenza confini. Ecco perché, volendo raccontare\ncon un’opera il dialogo artistico\ntra Italia e Cina, mette insieme l’inchiostro\ne la pietra in una composizione dove\ni due elementi, accostati l’uno all’altro,\nmantengono ciascuno la propria autonomia\nespressiva. Le differenze culturali\nsono un bene da tutelare, non un male\nda combattere. E l’esperienza di Qiu,\nche dal 2011 ha scelto di vivere a Firenze\nper amore dell’arte, è la dimostrazione di\nquanto ancora oggi la cultura, proprio in\nvirtù dei suoi valori identitari, possa essere\nponte fra le civiltà.\nUn realismo fondato sulla poesia dell’esistenza\nIl primo soggiorno di Joanna Aston in\nItalia risale a quando aveva diciassette\nanni, ora da tempo vive a Pian di Scò,\nsi considera italiana, ma, dell’Inghilterra,\nsua terra di origine, oltre a un gradevole\naccento, conserva lo spirito concreto di\nquel popolo. Quello spirito che già all’età di\notto anni, complice un viaggio a Firenze, la\nconvinse che questa sarebbe stata la sua\ncittà d’adozione, un progetto che si è poi\nconcretizzato a un’età in cui i ragazzi sono\nben lungi dal pensare ad organizzare il\nproprio futuro. All’epoca, durante il primo\nsoggiorno a Firenze, per una serie di circostanze\nfortuite (e fortunate), le si aprirono\nle porte dello studio di disegno di Nera\nSimi; e fu lì che ebbe inizio la sua carriera\nartistica, cui si lega tanta parte della sua\nvicenda personale. Nerina Simi, universalmente\nconosciuta e appellata “la signorina”,\nera figlia del grande pittore Filadelfo\nSimi, nato nella prima metà dell’Ottocento,\ne in ultimo riscoperto da Pietro Annigoni\nprima che finisse definitivamente nel dimenticatoio.\nNello studio della Simi, in via\nTripoli, sono passate legioni di studenti; la\nAston lo ha frequentato per un semestre, e\nquell’esperienza è stata fondamentale per\nla sua carriera artistica, unitamente, poi,\nal ritorno a Firenze, agli studi all’Accademia\ndi Belle Arti, dove si è diplomata col\nmassimo dei voti. Quello spirito concreto,\ndi cui accennavamo, caratterizza i lavori\ndella Aston. Nella sua pittura, infatti, la\npoesia dell’esistenza, espressa da soggetti\ncomuni, siano essi figure, paesaggi o oggetti,\nproduce, in un’inedita combinazione,\ncon un efficace realismo lirico, un risultato\nperfettamente coerente e d’immediata\ncomprensione. Un compendio della soggettistica\ndella Aston bene è rappresentato\ndal titolo della sua prima personale, La\nmeraviglia del quotidiano (Giubbe Rosse,\ndicembre 2017 - a questa è poi seguita\nun’intensa attività espositiva nel 2018\ne soprattutto nel 2019 con ben nove mostre).\nLa Aston dipinge il mondo che ha\nd’attorno, il quale, tramite la magia della\npittura, si dilata fino a impersonare un ideale\ndi rappresentazione universale. E’ pittura\nspigliata, genuina, usa soluzioni tonali\nmolto personali e ciononostante immediatamente\nfamiliari. I soggetti sono ritratti,\nin genere, dal vivo; l’approccio è meditato,\nma l’esecuzione è rapida e denota\nottima padronanza della tecnica; le pennellate,\nnon molte, risultano decise sebbene\ncontenute, ciascuna necessaria alla\nnarrazione; il taglio psicologico nei volti è\nprorompente. La Aston utilizza più tecniche:\npittura a olio, grafite, sanguigna, carboncino,\ngrafica con gessetti, pastelli, e\nancora, incisioni con punta secca e acquaforte.\nNon sempre le vicende personali le\nconsentono di mettersi al cavalletto; quando\npuò farlo, lo scopo è quello di nutrire lo\nspirito, vero fine del suo lavoro. Molti i riconoscimenti\nottenuti, tra questi il titolo di\nsenatore accademico dell’Accademia Medicea\nLaurenziana e il premio Ponte Vecchio\nassegnatole nel 2019.\n+ 39 333 7588021\nTommy con il contrabbasso, olio su tela\nPapaveri in un vaso, olio su tela\nBlue remembered hills, olio su tela Afternoon tea, olio su tela Resta d'aglio, olio su tela\nStilista eclettica dall’anima green ideatrice di un brand\ncon cui realizza anche originali mascherine molte delle\nquali donate in beneficenza\ndi Elisabetta Mereu / foto courtesy Melania Russo\nE’ la capacità di innovare\nche distingue un leader da\nun epigono». Questa frase «di Steve Jobs è diventata il motto della\nstilista fiorentina Melania Russo che,\ndopo aver fatto numerose esperienze\npresso case di moda internazionali,\nè riuscita a creare un brand per esprimere\nla propria cifra creativa. «Non mi\nè mai piaciuto essere considerata un\nnumero fra i tanti − mi dice − un robot\nche deve eseguire ciò che gli viene\nchiesto. Le competenze acquisite prima\ncon la scuola e i corsi di formazione poi\ndirettamente presso le aziende, sono\nstate fondamentali per la mia prepara-\nAlcuni bozzetti delle creazioni di Melania Russo\nCarta d’identità: Melania Russo, 31 anni\nCittadina del mondo: nata a Firenze da padre napoletano e\nmadre di Leverkusen\nProfessione: stilista e imprenditrice di se stessa\n2003/2008: Istituto d’Arte di Porta Romana/sez. Moda e Costume Storico,\nRinascimentale e Moderno, Figurino, Corpetto\n2016/2018: Mita Academy con stage formativi in aziende calzaturiere\n2010/2014: Ferragamo Pelletteria per lavoro su pelletteria di base\n2018/2019: Lavorazioni in conto terzi da Renato Corti per Chanel\nSegni particolari: 180 cm di energia, passione, ingegno, creatività\nHobby: viaggiare per trovare nelle altre culture nuovi spunti creativi\nProgetti: continuare a creare con cartamodelli, tessuti e pellami\nIl bozzetto e la realizzazione del jeans rovesciato che diventa corpetto\nzione perché ho imparato sul\ncampo i segreti di base e le\nstrategie per condurre un’azienda.\nE finalmente, a gennaio\n2019, sono riuscita a\nmettermi in proprio e a creare\nun marchio di produzione\ntutto mio. Così è nato il brand\nMelatiro, ispirato in parte dal\nmio nome e in parte dal fatto\nche nel tiro al bersaglio della\nvita penso di aver fatto centro\nin quello che era il mio obiettivo. E\ncome vedi a questa simbologia s’ispira\nanche il logo dell’azienda che si trova a\nSigna, in provincia di Firenze». Il suo tavolo\ndi lavoro sembra\nla tavolozza di un pittore,\nfra rocchetti di filo\ne matite di vari colori,\nbozzetti con i disegni,\ntessuti, pellami e tutto\nil materiale con cui\nborse, zaini, cappelli,\nmaglie, felpe, scarpe\ne sacche per palestra\npersonalizzate, ma soprattutto\noutfit su misura. Tutti pezzi\nunici ottenuti con un lungo lavoro manuale\nche esige pazienza e precisione\ne che racconta la sua storia fatta di\nartigianalità e passione. Ogni sua opera\nsorprende per l’inventiva, soprattutto\nperché è realizzata con quelli che le\nconfezioni tessili e di pelletteria considerano\n"scarti". «Fin da piccola ho sempre\navuto la passione per il disegno e\nquesto mi è stato molto utile nella realizzazione\ndei figurini, ma, a dire il vero,\nsono una biologa mancata − afferma divertita\n− e quindi fondamentalmente ho\nun’anima green. Utilizzo stoffe o pellami\nche le aziende di confezioni buttano via,\nperché magari gli sono avanzati pochi\nmetri, ma in ogni caso\ndevono pagare per\nil loro smaltimento; io\ninvece con questi materiali,\nsono di ottima qualità,\nrealizzo le mie creazioni.\nPoi con il mio lavoro\nporto avanti l’idea\ndi combattere anche\nlo spreco degli abiti da\npochi euro usa e getta.\nVado nei mercati vintage\ne acquisto dei capi\nche smonto completamente\ncon delle fogge inno-\nvative che ripropongo in modo personalizzato\nalla clientela di diverse fasce\nd’età. Perché gli abiti vanno interpretati\ne resi vivi. Le mie creazioni, che nascono\nsempre dal disegno e dal cartamodello\ne sono interamente realizzate a\nmano, vengono apprezzate da chi, a cifre\nmolto accessibili, si vuole distinguere\ndalla massa. Possono essere donne\npiù mature che magari vogliono rinnovare\nil proprio stile un po’ classico, oppure\ngiovani che cercano qualcosa di\ndiverso da quanto proposto dal consueto\nmarketing. E a questo proposito vi do\nun’anteprima: insieme a Gaetano, titolare\ndel negozio Terrana Studio di Firenze,\nstiamo progettando Alien, una linea\ndi corpetti di jeans revisionati che io taglierò\ne cucirò e lui\ndipingerà a mano,\ncon risultati davvero\nMelania Russo Cool Hunter -\nLa stilista fiorentina al lavoro e a destra nella foto uno degli outfit da lei realizzati\nChi vuol esser bello sia… anche con la mascherina!\nNei mesi scorsi, Melania Russo,\nnon potendo incontrare\nle clienti a causa delle restrizioni\ngovernative per la pandemia, ha\ndovuto mettere in stand by gli appuntamenti\nper le consulenze sartoriali,\nma la sua personalità eclettica si è\ncomunque espressa nella produzione\ndi quello che ormai è un bene di\nprima necessità per tutti: le mascherine\nanti Covid. E fin dai primi di febbraio\nne ha realizzate 650 in TNT con\nil suo logo e le ha generosamente distribuite\nin beneficenza fra la Protezione\ncivile e gli aeroporti toscani, per gli\noperatori e per chi a causa dell’emergenza\nsanitaria rientrava in Italia e ne\nera sprovvisto. Da quel momento questa\nlavorazione non si è più interrotta e\nla titolare del brand Melatiro continua\nancora a fare mascherine, ma ovviamente\na modo suo, cioè sempre con\nun occhio attento agli sprechi. Con\navanzi delle altre produzioni, la talentuosa\nstilista dà via libera a fantasie,\ndiversi colori e tessuti freschi, leggeri\ne sanificabili al 100%: cotone, lino,\nraso, seta e organza.\nSemplici pezzi di\nstoffa che lei ha trasformato\ndelle quali inserire\nda strass, ricami ed\nstilistici, i copri-mascherine\nstanno facendo incetta\ndi like e prenotazioni\noltre che ricevere\nle può acquistare\ndirettamente presso il Maglificio Montale,\nin provincia di Pistoia e il negozio\nTerrana Studio a Firenze.\nOdore di campagna - Lari (PI) - Via dell'Aiale - olio su tela - cm 50x60\nIl pergolato (dal giardino delle rose - FI) - olio su tela - cm 50x60\nBeatitudine - olio su tela - cm 50x60\nFra canne e papaveri - olio su tela - cm 50x60\nLa ricerca delle origini nel romanzo di Gabriella Bonaiuti\nLa vita è sempre creazione,\nimprevedibilità e, nello\nstesso tempo, conserva- «zione integrale e automatica dell’intero\npassato». E il tempo, la sua durata,\na dirla con Bergson, raramente si lasciano\naddomesticare nella linea retta\npassato-futuro che Sant’Agostino\nha inteso imporre nella sua visione\nprovvidenzialistica, da noi moderni\nerroneamente trasformata in una\nsemplice corsa in avanti tout-court. Il\npassato continua a vivere in noi e modella\nle scelte di oggi sui paradigmi di\nieri, affonda stabilità e trae linfa dalle\nradici piantate nel tempo dell’infanzia.\nPer i figli adottivi, però, l’idea di\nun cerchio non chiuso, la percezione\ndi perdersi in labirinti che potrebbero\nsfociare in un “crollo delle fondamenta”,\nè un rischio ricorrente con cui\nprima o poi occorre fare i conti. Barbara\nvive i suoi primi ventisette anni\nraccolta nella coperta d’affetto un po’\nscabro della madre e avvolgente del\npadre adottivi. Non conosce il nome\nné la storia dei genitori naturali. Frammenti\ndel suo primissimo passato le\nsono stati offerti in briciole e accenni,\nuna fotografia, qualche sussurro.\nPoi, in un giorno qualunque, fissati in\npochi fogli di documenti ufficiali, quei\nnomi spuntano fuori all’improvviso e\nla chiamano a sé. Non Pontedera, come\ncredeva, ma Livorno, luogo delle\nsue origini. La Livorno più popolare,\nquella del quartiere Shangai, fatto\ndi gente genuina e ruvida, salace\ne sospettosa, ma anche di gran cuore.\nUna Livorno che sa tutto di tutti,\nche accoglie Barbara con un partecipe\ntelefono senza fili che rimbalza\ndi luogo in luogo. Accompagnata da\nun amico speciale, Barbara compie in\nun solo giorno una sorta di viaggio\ndi iniziazione, scende all’inferno (una\nvecchia, inquietante come una strega,\nle indica la direzione da seguire) toccando\nle tappe più dolorose che hanno\nsegnato il vissuto fragile di Anna,\nquella madre sconosciuta incapace\nper la sua malattia di prendersi cura\ndei figli, la respira persino negli odori\ngrevi delle case di cura che l’hanno\nospitata e in quelli acri del cimitero\ndove la trova, impara a conoscere\ndalla voce degli altri i suoi fratelli,\nper incontrarli poi, più tardi, insieme\nalle loro vite. Il padre no. La figura\nbieca e piccina, colpevole di aver abbandonato\na se stessa e al suo mondo\ndiverso la madre, resterà distante,\nsfiorata per un attimo con il risultato\ndi una “sensazione sgradevole, quasi\ndi repulsione”. La discesa agli inferi\nperò riscatta il grande vuoto scavato\nnegli anni in mezzo\nal cuore: «Mi avrà\nmai cercata?». Risalire\nessere stata amata,\nrammentata e pianta\ndalla mamma per\ntutta la sua vita, offre\nil cerchio, di uscire\ndal labirinto, di affacciarsi\nstrada ancora da fare.\nE insieme di conoscere\nquello dei “matti”,\nfatto di sensibilità\nparticolari, di linguaggi\ne, per questo, tenuti\nlontani, quello di\npersone sempre vere\n– e forse è proprio\nsi riesce ad accettare\n– perché i matti\n“non sanno fare i furbi, non gli riesce”.\nGabriella Bonaiuti squarcia il velo\nche separa il mondo dei “normali”\nda quello dei folli, lo fa senza indulgere\na facili sentimentalismi, non scende\nmai nella retorica. I periodi sono\nbrevi, incisivi, lapidari, le parole pesate\ne lasciate in sospeso a decantare\nsu punti fermi che ne sottolineano\ninsieme la vertigine e la necessità di\nessere accolte per gradi. In un bel\nracconto che pulsa dall’inizio alla fine\ndi vita e di umanità.\nProseguono online le aste internazionali di\narte moderna e contemporanea di Fabiani Arte\nTra le varie proposte, le opere di Piero Dorazio, Yasuo Sumi ed Emilio Isgrò\nLotto 14 - Emilio Isgrò\nLotto 18 - Yasuo Sumi\nASTA N° 80\nAsta a tempo di Arte Moderna e Contemporanea, giovedì 14 – domenica 24 maggio 2020\nAi tempi del Coronavirus, flagello\nche ha colpito l’intero pianeta,\nl'arte e la cultura non si fermano.\nmostre ed aste procedono online,\nraggiungendo il vasto pubblico\ndi amatori e collezionisti in\nL’asta organizzata da Fabiani\nArte, dal 14 al 24 di maggio\n2020, presenta, tra i numerosi\nlotti, le opere di celebri artisti\nstoricizzati come Piero Dorazio,\nartista romano che ha contribuito\na diffondere l’astrattismo in\nItalia, il giapponese Yasuo Sumi,\ncon un’opera esposta alla Biennale\ndi Venezia nel 1992, e l’artista\nconcettuale, regista, scrittore\ne poeta Emilio Isgrò.\nAccanto alle opere delle avanguardie\nsaranno battute all’asta anche\nle proposte di artisti emergenti\nnella scena internazionale, come\nil fondatore dell’Orapismo Krzysztof\nLotto 24 - Piero Dorazio\nLotto 44 − Michal Ashkenasi\nLotto 49 − Krzysztof Konopka\nLotto 115 − Stephanie Holznecht\nalla Biennale di Firenze, l’astrattista\nemozionale americana Stephanie\nHolznecht, presente ad\nArt Basel, l’artista israeliana Michal\nAshkenasi, inventrice della\ntecnica multi-fusion, l'artista\ndigitale Karin Monschauer, premiata\nin occasione dell’ultima\nBiennale di Firenze, lo scenografo\ninglese Michael Henry Ferrell\ne l’architetto ed artista Uri\nNonostante i tempi difficili che\nstiamo attraversando, è il momento\nmigliore per investire sugli\nartisti emergenti. Possiamo\ncostatarlo guardando la storia\ndel passato: tutte le crisi economiche\nmondiali hanno causato\ncambiamenti importanti, offrendo\nperò anche nuove opportunità\nsulle quali investire. E’ ormai\nchiaro che cambieremo il nostro\nmodo di vivere e di guardare le\ncose, rallentando un po’ i ritmi\nfrenetici di prima e riflettendo\nsui veri valori della vita. L'arte\nè un valore costante, un motore\ndella società civile e rimane l'unico\ninvestimento certo perché\nnon perde mai valore; oltre alla\nbellezza, offre anche diverse\npossibilità di guadagnare come\nnessun altro mercato può fare.\nLotto 116 – Karin Monschauer\nL’asta si è conclusa il 24 maggio alle ore 11.00.\nLotto 219 − Michael Henry Ferrell\nI voli pindarici di un uomo libero\n8:49 di sera. Da qualche parte nel\nVentesimo Secolo. Così si apre\nBrazil, togliendoci qualsiasi punto\ndi riferimento, catapultandoci in un\nmondo distopico e indefinito, senza\nconfini, in cui la burocrazia controlla\nogni attività dell’uomo. Quindi uno\nstato totalitarista che si impone sull’individuo\nuccidendo ribelli e sognatori.\nSam Lowry (il miglior Jonathan Pryce)\nè un umile impiegato del Ministero\ndell’Informazione, ma è anche un sognatore\nche si immagina munito di armatura\nalata a salvare una fanciulla in\npericolo. Un giorno viene incaricato di\ncorreggere un errore di stampa causato\nda un insetto rimasto incastrato in\nuna stampante e da lì inizia la via crucis\ndi Sam, novello Pindaro alla ricerca\ndella libertà. L’errore ha determinato\nl’arresto, il processo e l’esecuzione di\nArchibald Buttle, scambiato per il ricercato\nterrorista Archibald Tuttle. Il fato\ndunque al centro di tutto, lo stesso fato\nche gli farà incontrare Jill Layton, ragazza\ndei suoi sogni e vicina della vedova\nButtle, oltre che il terrorista Tuttle\n(un carismatico Robert De Niro). Terry\nGilliam, per creare la sua macchina\nfantastica, si affida a Norman Garwood\n(scenografia) e al fido Roger Pratt (fotografia),\nutilizzato anche dieci anni più\ntardi per L’esercito delle 12 scimmie,\naltro pilastro dei film di fantascienza\nfirmato dal regista ex Monty Python. Il\nrisultato che ne viene fuori è un mondo\ndai toni grigi e deformati, un futuro\nin cui i mezzi di trasporto sembrano\nappartenere ad un antico passato. L’uso\ndella lente di Fresnel permette a Gilliam\ndi dare vita alle sue allucinazioni,\ndistorcendo gli ambienti, creando spazi,\nannientando confini fino alla piena\nrappresentazione di un sistema-labirinto\nda cui è impossibile scappare. Il\nMinotauro è lo Stato, rappresentato da\nGilliam sotto forma di samurai gigante,\ncontro cui Sam combatte, impugnando\nuna spada, protetto\nda un’armatura alata,\nma non basta. Tolta\nla maschera al samurai\nviene svelato il mistero,\nil volto è quello\ndi Sam Lowry. Quindi\ncontro le istituzioni ma\nanche contro se stessi,\nper cambiare in maniera\nviscerale e poter\nI voli pindarici di Sam\nservono ad annientare\ngli influssi catastrofici\ndel mondo circostante,\ntramite una non-accettazione\nche lo porta a farsi cullare\nin mondi colorati,\na metà strada tra la fiaba\ne l’allucinazione, in\ncui regna una devianza\ndevianza che destabilizza,\nma trionfo della\nfantasia. Terry Gilliam\nlegge, guarda e vive\nintensamente, cibandosi di tutto ciò\nche ha a disposizione. Brazil, è sì un\nomaggio a 1984 di Orwell, ma se ne\ndistacca completamente mettendo da\nparte la politica e puntando l’occhio\ndella cinepresa sul profilo sociale, creando\nuna vicenda intima e a suo modo\ncalda, in cui fulcro portante è la perdita\ndi importanza dell’individuo capace\ndi decidere, agire e sognare. Ad un\ncerto punto una guida fa da apripista al\nconcetto di fondo del film: «Guardate\nquesta statua bambini, è la Statua della\nVerità. Bisogna sempre dire la verità.\n[...] La verità vi renderà liberi». E’\ndichiaratamente una citazione del Vangelo\nsecondo Giovanni: “conoscerete\nla verità e vi farà liberi”. Il citazionismo\ndi Gilliam è quanto di più dolce e\ndelicato si possa vedere su schermo,\ncompletamente diverso dall’uso che\nne fa Quentin Tarantino, fenomeno del\ncitazionismo ma usato soprattutto per\nbotta e risposta al fulmicotone. Gilliam\nci consegna anche una citazione leggera\ne toccante di Alice nel Paese delle\nMeraviglie, trasformando Pincopanco\ne Pancopinco in due tecnici del Central\nService (tra cui un magistrale Bob\nHoskins) che, chiamati da Sam per riparare\nun guasto, gli devastano casa\napplicando la “procedura d’emergenza”.\nUn omaggio a Lewis Carroll, ma\nanche al cinema stesso, che ci permette\ndi sognare, proprio come Sam, distaccandoci\ndalla vita di tutti i giorni e\nproiettandoci in quei voli pindarici tanto\ncari al protagonista.\nUn messaggio di speranza per l’uomo e per l’ambiente\nLe opere di Riccardo Salusti sono\nun’associazione di sensazioni\nche muovendo, da una profonda\nsensibilità, denunciano i problemi della\nnostra società. Sono atmosfere dove\nprende forma una riflessione dialogica\nfra la nostalgia per un passato bucolico e\nla speranza di un ritorno alla natura.\nL’artista, percorrendo i sentieri\ndella memoria, ritrova la spiritualità\ne la fissa in dipinti dove dagli equilibri\ncompositivi emergono le preoccupazioni\nLe sue emozioni e i suoi turbamenti\nsi àncorano nei soggetti delle opere\nurlanti per coinvolgere gli spettatori\nche non colgono il grido della\nnatura violata e depauperata. I suoi\ntemi diventano dei racconti che denunciano\nla speranza e la delusione,\nil desiderio di un ambientalismo\nche aiuti l’uomo a ritrovare il senso\ndella continuità della vita, della\nmisura e della giustizia. Visioni racchiuse\nin un soffio di vento che guida\nalla ricerca e alla conoscenza per\ntrovare la via dei valori persi. Così il\ntempo scorre inesorabile lasciando\nuna società fra le rovine della sua dissennatezza,\ndove potere e tecnologia stanno\nprendendo il posto di umanità e spiritualità.\nRiccardo Salusti racconta l’uomo\ncon le sue debolezze e la natura sempre\npiù sfruttata da pochi a danno del resto\ndell’umanità, senza tralasciare la speran-\nza in un mondo più giusto e attento alla\n+ 39 3703686293\nFragilità, acrilico su tela, cm 50x70\nIl privilegio, acrilico su tela, cm 60x50\nIl rientro, acrilico su tela, cm 60x80\nEdith Piaff, Domenico Modugno e Georges Prêtre:\ntre grandi interpreti della musica mondiale\nDurante il giorno è bello ritagliarsi\ne serenità riascoltando brani\ndi musica eseguiti da meravigliosi\ninterpreti. L’altro giorno ho rivisto\nun recital di Edith Piaff. Quest’artista\npossedeva una voce caratterizzata\nda infinite sfumature. Il vibrato naturale\nnell’emissione vocale rendeva le\nsue canzoni una miniera di espressività.\nQuanta passione e che splendida\ngestualità da grande attrice nelle\nsue interpretazioni. Era alta appena\nun metro e quarantasette centimetri\nma in scena appariva un gigante. Riempiva\nil palcoscenico. Metteva dentro\nil canto i momenti drammatici e\nfelici della sua esistenza. Il suo canto\ntremolato, straziante, palpitante è\nuna pagina straordinaria della musica\nmondiale. Per questo vi invito a riascoltare\ntre canzoni eseguite da Edith\nPiaff: La vie en rose, Les amants d’un\njour, Non, je ne regrette rien. Un altro\ngrande artista è stato Domenico Modugno.\npersonalmente questo interprete\ncantante, attore. Dopo\nuna rappresentazione di\nRinaldo in campo, fui invitato\nad una cena in casa\ndi amici. Lì incontrai\nModugno ed ebbi modo\ndi conversare con lui. Lo\napprezzai per la gioiosa\nvivacità che sprigionava\ne per l’amore che nutriva\nper la musica ed il teatro.\nNel 1958 la canzone da\nlui scritta Nel blu dipinto\ndi blu vinse il Festival\ndi San Remo: una novità\nsensazionale, un capolavoro assoluto\ned una sferzata di freschezza musicale.\nAscoltandola, tutti ci rendemmo\nconto che le canzoni melodiche che ci\navevano accompagnato fino ad allora\nvenivano sostituite dall’entusiasmo e\ndall’estro di questa novità sensazionale.\nSolo un artista della levatura di\nMimmo poteva sconvolgere e rinno-\nvare la canzone italiana a tal\npunto. Meno conosciuto al\ngrande pubblico ma artista\neccellente è stato il direttore\nd’orchestra Georges Prêtre. I\ncomplessi orchestrali da lui\ndiretti sprigionavano una tavolozza\ndi colori, cromatismi\ndi immagini, vibrazioni sonore. Era un\ninterprete superlativo. I suoi gesti disegnavano\nla musica come fosse un\ndipinto. Anni fa ricevetti una telefonata\nda lui. Avevo pregato il mio caro\namico Gabriel Tacchino, con il quale\nho eseguito alcuni concerti a quattro\nmani, di far pervenire al grande direttore\nd’orchestra Prêtre un mio libro ed\nun mio CD. Ho sempre amato le interpretazioni\nvibranti, palpitanti, espressive\ndel maestro. Una mattina, mentre\nstudiavo una pagina di Grieg al pianoforte,\nfui interrotto dallo squillo del\ntelefono. «Caro Fricelli, sono Georges\nPrêtre, desidero ringraziarla per\nil graditissimo dono. Ho letto il suo\nlibro con vero piacere\ne la sua bella pagina a\nme dedicata. Bello il suo\nCD eseguito con musicalità\ncomplimenti». In preda\na malapena a balbettare\nqualcosa al mitico maestro\nche si congratulava\ncon me. Un ricordo\nche ancora oggi mi commuove\ne che porterò per\nLa natura, forma simbolica del tempo\nPoche cose come il paesaggio\nricordano la complessità della\ncondizione umana. Il perenne\ndivenire di stati atmosferici, voci e\ncolori della natura offre un’immagine\nspeculare di ciò che siamo e diventiamo\ncontinuamente. Capire questo significa\nsperimentare la differenza che\nesiste tra vedere una cosa e andare in\nprofondità con lo sguardo. Un’esperienza\nche Nicole Guillon vive da sempre\nall’interno di un processo creativo\nche dalla realtà distilla emozione pura.\nIn questo passaggio dal “cosa” al\n“come” della rappresentazione affonda\nla grande questione alla base del\nsuo percorso artistico: far coincidere\nla natura fuori con la natura dentro,\nl’immagine con la memoria, il “vedere”\ncon il “vivere” nel profondo. Più\nche di un obiettivo da raggiungere si\ntratta di un modo di guardare al mondo\no, per meglio dire, di guardare se\nstessi attraverso l’immagine del mondo.\nRappresentare ciò che sta fuori diventa\nun’occasione per portare alla\nluce ciò che sta dentro. Ecco perché,\nin questi anni, dipingendo il paesaggio\no immortalandolo in uno scatto, Nicole\nGuillon ha ritratto se stessa attraverso\ni luoghi che per lungo o breve\ntermine hanno fatto da sfondo alla sua\nvita. Diverse le ambientazioni − dall’Africa\nall’Asia −, invariata l’esigenza di\nfermare sulla tela o in una fotografia\nl’indicibile emozione della bellezza. La\npittura, per prima, le ha insegnato a\nleggere la realtà, a togliere l’inessenziale,\nil vincolo della forma, conservando\nsoltanto ciò che davvero conta,\nl’anima del paesaggio: il colore. Non le\noccorre altro per esprimere l’emozione\nin pittura; il colore dice tutto ed è tutto:\nnostalgia, attesa, silenzio, passione,\narmonia, conflitto. E quando da solo\nnon basta, interviene la materia, stratificandosi\nsul supporto, ad aggiungere\naltri significati. Nascono così orizzonti\nimpossibili, terre di fuoco o di ghiaccio,\ndeserti lunari: geografie della memoria,\ndelle cose amate e perdute, del\nsenso che resta al fondo di ciò che si\nè vissuto. L’immagine dipinta ha indirizzato\nil suo sguardo anche attraverso\nl’obiettivo fotografico: nella scelta\ndelle inquadrature, degli accostamenti\ncromatici, del rapporto tra luce e ombra.\nIn altre parole, la stessa sensibilità\ntrasposta in un altro linguaggio. La\nfotografia perciò non completa la pittura\nma ne condivide il racconto in un\ngioco di rimandi e suggestioni spesso\nsovrapponibili. Mentre l’immagine dipinta\nriporta al presente visioni radicate\nnella memoria, la fotografia proietta\nl’attimo nella durata del ricordo. E’\ncosì che il paesaggio diventa, nell’opera\ndella Guillon, forma simbolica del\ntempo, degli istanti ritrovati nell’interiorità\ne di quelli fissati per sempre\nin uno scatto fotografico. Un percorso\nche negli anni ha accolto tra i suoi\nsoggetti il volto umano, anche questo\ninteso come paesaggio in cui si rispecchiano\nl’anima e la cultura delle\ntante persone incontrate nei suoi viaggi.\nPer arrivare poi alla conquista più\nrecente di un altro genere di paesaggio,\nquesta volta però sconfinato: la\nparola scritta. Un incontro, quello con\nla scrittura, avvenuto quasi per caso\neppure divenuto ben presto indispensabile,\ncon la pubblicazione di un primo\nracconto di viaggio e di un altro\nattualmente in preparazione. L’arte è\nuna lente di ingrandimento su se stessi\ne sul mondo; è il bisogno di conoscere\ne capire al di là di ogni regola già\nscritta. E’ soprattutto un atto di libertà,\nper chi come lei sappia davvero essere\nIl Museo del figurino storico a Calenzano, un\npatrimonio tutto da scoprire\nIl Castello di Calenzano, da cui si gode\nuna splendida vista della “piana”, da\nFirenze a Prato e quella della Calvana e\ndella valle verso il Mugello, offre la sorpresa\ndi un museo unico in Italia e, per la sua\nconcezione, in Europa: il Museo del figurino\nstorico. Nato del 1981 come Museo\ndel soldatino è, dal 2016, museo regionale\ne in origine fu una raccolta di soldatini,\nquelli sopravvissuti ai giochi infantili ma\nben presto, grazie alla presenza a Firenze\ndi una delle prime e più attive associazioni\nnell'ambito dei giochi di simulazione\ne del modellismo inteso come archeologia\nricostruttiva in scala, l'Afbis (Associazione\nfiorentina battaglie in scala), riuscì a\ndiventare punto di riferimento di iniziative\nculturali innovative per la comunicazione\ndi tematiche relative alla storia. Così anche\nassociazioni interessate alla ricostruzione\nstorica (Rivivere la storia) o, come Gli amici\ndi Mario Pachi, alla programmazione di\npellicole di argomento storico, integrano i\nmateriali in esposizione permanente o le\nmostre tematiche temporanee con attività\ncomplementari, investendo aspetti della\nmusica, del cibo, delle cerimonie o dei\ngiochi antichi. Oltre a ciò, si organizzano\nconvegni, giornate di studi, cicli di conferenze\ne mostre tematiche, con centinaia\no migliaia di soldatini in lega di stagno\ne piombo o plastica dalle guerre puniche\nalla guerra di liberazione con attenzione\nalla didattica oltre che all’aspetto ludico.\nLa mostra permanente racchiude nelle\nvetrine, dopo un'introduzione con esem-\npi di soldatini giocattolo\nin pasta degli anni\ndal 1930 al 1950 italiani\ne tedeschi, altre rarità\ne testimonianze della più\nè dedicata all'esposizione\ndi una piccola parte\ndel professor Guglielmo\nMaetzke di migliaia\ndei suoi piccoli e silenti\namici: dai "napoleonici"\nHistorex alle sue rielaborazioni\nper Agincourt. Interessante è anche\nla donazione di Aldo Galli, ottenuta grazie a\nGiuseppe Capretti, per la riproduzione e il\nrecupero del fascino del soldatino-giocattolo.\nLungo due sale si susseguono poi le\nvetrine dall'Egitto faraonico a Roma al Medioevo\nfino alla Seconda guerra mondiale.\nI figurini sono di diverse dimensioni e in\nalcuni casi sono stati utilizzati anche i celebri\n“Norimberga”, soldatini bidimensionali\ndi 30 millimetri affini ai loro “antenati”\ndi carta. Non mancano alcuni diorami (o\nplastici): un'intera legione romana del III\nsecolo avanti Cristo; l'oste guelfa in marcia\nper Campaldino; l'assedio al Castello di\nCalenzano da parte di Castruccio Castracani;\nla battaglia di Champaubert del 1814,\nuna delle ultime vittorie napoleoniche. Il\nmuseo possiede anche alcune interessanti\nricostruzioni in cartoncino di importanti\nmonumenti, come la ricostruzione\nph. courtesy associazione ALA\ndi oggetti tra cui l'armatura che il professor\nMaetzke realizzò per la propria figlia.\nLa sezione dedicata alla Seconda guerra\nmondiale e alla Resistenza è integrata\nda modelli di aerei, navi e mezzi militari\noltre che da scenette e da materiale d'epoca.\nPer tracciare questo viaggio nel tempo\ne nello spazio ci sono voluti passione,\ncompetenza, ricerca e capacità nel “fare”\ndell'artigiano-artista. Il museo conserva\nmateriali della mostra Guerra e assoldati\nin Toscana 1260-1364 che fu organizzata\nallo Stibbert ove rimase esposta dal 1981\nal 1997, anno nel quale venne esibita al\nMuseo nazionale di Villa Guinigi a Lucca,\ndove venne prodotto un video con la\nregia di Federico Bondi. Con la direzione\ndella dottoressa Cisternino, l'Afbis, con\nMario Venturi e “La condotta”, ha prodotto\ntre mostre tematiche arricchite di cataloghi\ndal prezzo contenuto ma con testi\ndi grande interesse e molto rare quanto\nnumerose immagini: Guelfi e Ghibellini\nin Toscana nel XIII e nel XIV secolo, La\nprima guerra mondiale 1914-1918 e Dalla\nRivoluzione all'Impero. Evoluzione del\ncostume militare e civile fra la Rivoluzione\ne la Restaurazione. La visita al museo,\nperaltro gratuita, permette di capire l'importanza\ndi una realtà complessa che sa\nriservare tante straordinarie sorprese.\nMUSEO DEL FIGURINO\nImmagini e parole nel nuovo progetto editoriale di\nRoberto Mosi per raccontare la liberazione dalla follia\ndi Silvia Ranzi / foto Roberto Mosi\nIl padiglione delle "agitate" di San Salvi visto dal giardino\nRoberto Mosi si qualifica nel panorama\ndella poesia contemporanea\na Firenze per la sua ampia\ned articolata produzione in versi, nelle\nvesti di ispirato ricercatore tra reale ed\nideale, reporter attento che dalla dimensione\ndel contingente sublima distillate\nverità introspettive ed etico-sociali,\nquale sensibile esploratore della cultura\ndel territorio, supportato dalle ascendenze\nevocative della storia e del mito.\nCrede nell’interdipendenza fra le arti e\nlo attesta il suo legame con il parallelismo\nfigurativo espressionista dell’amico\nartista, Enrico Guerrini, e i video art\nsui suoi cicli lirici, curati dal critico d’arte\nVirginia Bazzechi. Nei suoi eventi letterari\nperformativi onora il concetto di\n“sororità fra le arti”, codificato nell’antichità\ndagli assiomi tramandati: l’ut pictura\npoesis dell’Ars poetica di Orazio\ne il detto di Simonide di Ceo, riferito da\nPlutarco, “la pittura è poesia muta e la\npoesia pittura parlante”. L’autonomia e\nla sinestesia delle arti sono state confermate\nda numerosi pensatori come\nGoethe, nelle sue riflessioni sul sapore\ndei colori, e sottoscritte dal saggista e\ncritico letterario inglese Walter Pater in\nun suo passo: «Sebbene ogni arte abbia\nil suo specifico ordine di impressioni e\nun incanto inconfondibile, può osservarsi\nche ogni arte tende a trapassare\nnella condizione di un’altra». Il recente\nlibro Sinfonia per San Salvi (Edizioni\nIl Foglio, Piombino, 2020) è un progetto\neditoriale diretto da Roberto Mosi in\ncollaborazione con gli interventi di Nicoletta\nManetti e Gordiano Lupi, corredato\nda 28 fotografie dell’autore in\nbianco e nero che riportano le immagini\ndi murales ed anfratti ambientali odierni\nriguardanti interni ed esterni di uno\ndei padiglioni dell’ex-manicomio ripresi\ndalle griglie in ferro che sbarrano porte\ne finestre, secondo una concatenazione\ndi accenti lirici che approdano a Piombino,\ncittà delle spente acciaierie nella\ncriticità industriale dell’oggi, secondo la\nvisuale appagante del mare dalla panoramica\nPiazza Bovio. Il testo, composito\ne corale nella sua miscellanea rielaborata\nda precedenti sillogi − Concerto;\nNonLuoghi; Parole e paesaggi; Navicello\netrusco −, è dedicato a Carmelo Pellicanò,\nultimo direttore psichiatra che\nha curato la fase di transizione operata\ndalla Legge 180 di Basaglia − 13 maggio\n1978 − finalizzata alla chiusura dei\nmanicomi. Il parco San Salvi, in data 25\naprile − 1° maggio dello stesso anno,\nfu aperto alla cittadinanza ed i giovani\ndella Brigata Rodolfo Boschi di Grassina\nrealizzarono, con l’aiuto degli artisti\ndella Tinaia, un murales su\ndisegno creato dagli esuli\ncileni, in omaggio alla\npoesia La città che Pablo\nNeruda dedicò a Firenze\nquando, nel dopoguerra\ndel 1951, ritirò la cittadinanza\nonoraria. La studiata\norchestrazione di testi poetici\ne testimonianze plurime\n− tra cui la canzone\ndi Simone Cristicchi Ti regalerò\nuna rosa, vincitrice\ndel 57° Festival di Sanremo\nsul tema della follia e\ndella solitudine − si offre come una sinfonia\nmelodica nel ricordo di coloro che\nhanno sofferto il discrimine tra follia e\nragione, verso un umanesimo da riabilitare\nsecondo nuove direzioni rigenerative\ned educative. Emblematici i tempi\ndella sintassi eufonica nelle modulazioni\nritmiche al pari delle partiture musicali\ndel tempo e dello spazio, alleate alla\nmemoria sul refrain “Terra”: “desolata”,\n“follia”, “liberata”, “riconquistata”. Il poeta-fotografo\nRoberto Mosi dà prova\nancora una volta di saper esaltare l’icasticità\ndello scatto fotografico al servizio\ndella parola mito-poetica tra grafema e\nfonema, catturando l’identità dinamica\ndei luoghi, facendo proprio il concetto\ndi “Terzo paesaggio” enucleato da Gilles\nClèment per le aree dismesse diversamente\nbiologiche, stigmatizzando i\nsuoi densi itinerari lirici.\nIl libro è disponibile in alcune librerie\ned edicole a Firenze e Piombino e on\nline su Amazon e altri concessionari\nDalla realtà al simbolo passando attraverso la natura\nFirenze come sarà, olio su tela, cm 100x50\nPittrice multiforme: questa è la\nprima impressione che si ricava\nstudiando le opere di Elena\nMigliorini, artista con un solido background\ndi tecnica, esposizioni e premi\nricevuti. Multiforme, dicevamo, in\nquanto i suoi soggetti spaziano non solo\nnei generi classici − dal paesaggio\nal ritratto, dall’architettura urbana alle\ncomposizioni potremmo dire “botaniche”\n− senza, apparentemente, una predilezione,\nma ancor più per le diverse\ne sorprendenti raffigurazioni che testimoniano\nuna ricerca che non tralascia\nalcuna possibile soluzione espressiva e\nrifiuta di accomodarsi in una facile rendita\ndi posizione. C’è però un filo che\nunisce le sue opere. Ed è l’evidente simbologia\nche vi si rintraccia. Si guardi,\nper capirsi, l’opera Firenze come sarà e\ned anche, seppur, a prima vista meno\nevidente, Anthurium (pittura ad olio la\nprima, acquerello l’altra). Nella Firenze\ndi Firenze come sarà, con il futuro rappresentato\ndalle navicelle spaziali, appaiono\nil duomo e gli altri monumenti, ed\nè così che, simbolicamente, Elena Migliorini\nrassicura che l’anima di questa\ncittà resterà nei secoli; mentre in Anthurium\n− opera dove si evidenzia tutta la\nsensibilità decorativa dell’artista, in una\nrappresentazione sensuale ma anche\nmistica, che si traduce in un’estetica\nche non sarebbe fuori luogo ricondurre\nal Liberty − è la bellezza allo\nstato puro che si offre, a un tempo\nnuda e fiera, per una pluralità\ndi messaggi sensoriali e di natura\netica: la bellezza è possibile, se\nsi riescono a superare pregiudizi,\nprepotenze e si è capaci di cogliere\nl’equilibrio della creazione; la\nMigliorini lo “sintetizza” con una\nsapiente esecuzione in termini di\narmonia compositiva. In ognuna\ndelle opere di questa artista che\nlo spazio tiranno non permette di\npresentare se non in minima misura,\nc’è un segno che va oltre\nl’ovvio, che lo frantuma. Succede,\nper esempio, in quel quadro\ndi taglio autunnale − dove le foglie\nmorte giacciono a terra, “ammucchiate”\ndall’artista con un interessante\nvirtuosismo − nel quale\ncolpisce l’osservatore quell’unica\nfoglia che sta arrivando sulle\naltre: l’elemento che cambia tutto.\nEclettica anche nella scelta dei colori,\na volte morbidi, se non sfumati, altre\nvolte squillanti, con una luce che emana\nvigore, come nella raffigurazione del\nnuovo Palagiustizia o, saltando di palo\nin frasca, di quel battello, del quale non\nsi vede l’interno, che naviga su di un fiume\nafricano, sorvegliato dal volto emblematico\ne di grandi dimensioni di una\nbellissima dea. Nata a Lastra a Signa\nAnthurium, acquerello, cm 50x70\nnel 1950 (FI), Elena Migliorini vive e dipinge\na Scandicci. Nel 2007, dopo aver\nconcluso gli anni di lavoro nella pubblica\namministrazione, inizia a dedicarsi\nal disegno, sua passione da sempre, e\nsuccessivamente studia altre tecniche,\ntra cui l’acquerello, sotto la guida della\npittrice Fiorella Macchioni, e la pittura a\nolio con la pittrice Lucetta Risaliti. Inizia\nun’intensa attività espositiva sia in mostre\npersonali che collettive. Nel 2018 è\nstata premiata nell’ambito del 52° Concorso\nnazionale di pittura Città di Lastra\ncon l’opera ad acquerello Magnolia\nin fiore. Nel giugno scorso è stata insignita\ndel Collare Laurenziano dall’Accademia\nInternazionale Medicea. Nel 2019\nha ricevuto il diploma d’onore con menzione\nd’encomio al premio internazionale\nMichelangelo Buonarroti a Seravezza\n(Lucca); sempre a dicembre è stata insignita\ndel premio Ponte Vecchio da\nparte di Toscana Cultura.\nIntervista al famoso cantante, toscano doc e tifoso viola, per\nparlare del futuro del calcio e della musica\nRiccardo Fogli, toscano doc, nato\na Pontedera, frontman e bassista\ndei Pooh, ha inciso nella sua\ncarriera 32 album, vincendo anche da\nsolista la 32esima edizione del Festival\ndi Sanremo con il brano Storie di tutti i\ngiorni. Amante del calcio − gioca stabilmente\nnella Nazionale Cantanti − e della\nFiorentina di cui è tifosissimo, lo abbiamo\nintervistato per avere il suo punto\ndi vista sul momento difficile che stiamo\nattraversando, sul futuro della musica\ne del calcio.\nCome sta vivendo l’emergenza sanitaria?\nQuando tutto è iniziato, ero con la mia\nband in Russia. Era inizio marzo e del\nvirus si sentiva parlare soltanto in Cina,\nnon ancora in Russia. Arrivati a Mosca,\nabbiamo scoperto che c’era già\nuna task force operativa per affrontare\nl’emergenza. Siamo rientrati con un volo\nAlitalia, l'unica compagnia che ancora\nPensa che questa emergenza potesse\nessere gestita meglio sia a livello generale\nche sportivo o le istituzioni di\nentrambi i settori si sono mosse nel\nQuesto campionato deve ritenersi\nconcluso oppure no?\nCredo possa riprendere, se ne usciremo\nbene, con le giuste precauzioni. Cerchiamo\ndi non affogare il calcio, preserviamo\ni giocatori al meglio. Guardare\nqualche bella partita ci farà bene.\nCome giudica l’operato di Commisso\nin questo suo primo anno alla viola?\nIl nostro presidente sta facendo un\nbuon lavoro. Io ho ancora nel cuore i\nDella Valle che hanno fatto molto per la\nviola. Sono sicuro però che Commisso,\ncon le sue idee avveniristiche, lascerà\nCommisso ha aperto ad una possibile\nvendita di Chiesa; pensa che i giovani\nviola saranno lasciati andare oppure\nMi auguro vengano preservati il più a\nlungo possibile, chiedendo prestazio-\nE’ una malattia strana questa, qualcosa\nche non conoscevamo. Quale logica\nc'è nel mandare in campo dei ragazzi\no aprire le porte ai tifosi che sudano,\nsi abbracciano e bevono birra? Aprire\nprima o dopo non cambia molto. La\nGermania ha più soldi di noi, si può attrezzare\nmeglio. Lo sport va comunque\ntutelato; abbiamo bisogno del calcio,\nè un'industria economica importante.\nOggi dobbiamo accontentarci di vederle\nda casa le partite, ci vuole prudenza.\nAnche i politici navigano a vista essendoci\nmolta paura di sbagliare.\nRiccardo Fogli (ph. courtesy agenziapasquale.it)\nVincitore al Festival di Sanremo\nni importanti oggi con la promessa di\nessere ceduti domani. Se Chiesa fosse\nstato venduto troppo presto alla Juve,\navrebbe avuto poco spazio. Firenze\nha dato molto a questi ragazzi che vengono\ntrattati come protagonisti e sono\ni nostri campioni. Non dobbiamo però\nnemmeno tarpargli le ali.\nSi aspetta un nuovo stadio per Firenze\no si andrà verso il restyling del\nIl Franchi si può anche rimodernare, ma\nva realizzato comunque un nuovo stadio,\ncon i tutti i comfort e gli introiti che ne\nderivano. Andai una volta a fare un concerto\nin Ucraina: ricordo molto bene lo\nstadio dello Shaktar Donetsk, un impianto\ntrattato coi guanti bianchi, giorno e\nnotte, con grande vantaggio per alberghi\ne strutture ricettive. E' questa la differenza.\nDa giocatore nella Nazionale Cantanti,\nci racconta la partita più bella?\nRicordo la partita che giocammo contro\ngli inglesi di Rod Stewart a Firenze.\nLui non venne perché aveva\nla mononucleosi, ma i musicisti\ninglesi presenti erano\n1-0, io non ero in forma come\noggi. Da lì mi sono ripromesso\ndi allenarmi per\nessere sempre al top. Con\nMorandi a fine partita facciamo\nsempre due giri di\nsempre secondo lei?\nBaggio, senza dubbio. Una\nspanna in più rispetto agli\nToscana significa anche bei posti e\nbuona cucina: quali sono le sue preferenze?\nMi piace molto cucinare soprattutto per i\nmiei amici più cari che vengono a trovarmi\nin Maremma, dove trascorro l’estate.\nFegatini di pollo, fagioli all'uccelletto, ribollita.\nInsomma, i classici piatti toscani\nche ho imparato da mia madre.\nDurante il concerto dello scorso marzo in Russia\nMolte le difficoltà nel campo dello\nspettacolo e della musica oggi: cosa\nTornare a fare il nostro lavoro sarà importante.\nPenso a musicisti, tecnici e\ntutti quelli che lavorano in questo settore.\nStiamo tenendo duro ma la situazione\nnon è facile, sarà dura. Io sono\nfortunato, ma le altre persone con 600\neuro non possono andare avanti per\nNell'immediato futuro, spero di rientrare\na Roma dai miei cari dopo la quarantena\nqui in Maremma. Per il lavoro, mi\nauguro si possa presto tornare a fare\nconcerti, magari all'aperto, sotto le stelle,\nnei paesi della nostra bellissima Italia.\nHa in mente una canzone per Firenze\nPreferisco cantare le canzoni degli altri,\ntipo Santa Maria Novella di Pupo\nse parliamo di Firenze (ride). Ho scritto\npoche canzoni di successo; di solito\nscrivo e poi strappo…\nLa copertina del singolo con cui vinse il Festival nel 1982\nIl celebre artista ed architetto protagonista della rassegna\nAqvArt a Venezia\nL’edizione 2020 della\nche si svolgerà il prossimo\npresso la Scuola Grande di\nSan Teodoro, avrà l'onore di\npresentare alcune opere pittoriche\ndel celebre architetto,\nartista e scultore veneto\nGianni Aricò. Non poteva\nessere altrimenti visto che\nil palazzo storico che ospiterà\nla mostra si trova accanto\nper il quale l'artista ha realizzato\ni bassorilievi bronzei\ndella facciata. La Scuola\nGrande di San Teodoro è\nsede di concerti dedicati ad\nAntonio Vivaldi con l’interpretazione\ndei Musici Veneziani.\nL'arte di Aricò è legata alla figura\ndel musicista barocco al quale ha dedicato\nun monumento commemorativo\nper l'anniversario della morte, con\nla collaborazione dell'ambasciata italiana\na Vienna e di un’associazione di\nimprenditori veneti. Probabilmente\nnon tutti sanno che il geniale compositore,\ndesiderando farsi conoscere a\nlivello internazionale, decise di trasfe-\nRitratto bronzeo della moglie dell'artista\nrirsi a Vienna, considerata all’epoca un\ncentro di cultura mondiale. Purtroppo\nla sua musica non fu accolta con l'entusiasmo\nsperato e Vivaldi trascorse\nil resto della vita in miseria e dimenticato\nda tutti. Morì solo e non avendo\nsoldi fu sepolto nella fossa comune.\nE' stato un musicologo francese di origine\nalgerina, Marc Pincherle, a riscoprire\ne studiare le sue composizioni\nGianni Aricò nel suo studio\nall'inizio dell'Ottocento. Gianni Aricò\nha realizzato tante sculture dedicate alla\nmusica e alla figura di Vivaldi in città\ncome Vienna, Venezia e Miami. Oltre\nalla fusione in bronzo, esegue le proprie\nopere con una tecnica nuova ed\noriginale che consiste nello scolpire\nblocchi di vetro − come si fa con il\nmarmo − per creare stupende sculture\na tema sacro.\nIl monumento ad Antonio Vivaldi a Venezia\nI bassorilievi di Aricò per il Teatro Goldoni a Venezia\nRacconti fantastici tra colore e geometria\nNato nella campagna bresciana,\nRolando Rovati ha dimostrato\ndoti d’artista fin dalla prima\ninfanzia, abbracciando la pittura come\ncompagna di vita. Il destino lo ha portato\na fare un lungo percorso, passando prima\nattraverso la professione di medico\nper poi dedicarsi totalmente alla pittura,\nvera passione della sua vita. Le sue tele\ncolorate raffigurano micro e macro cosmi\ndove universi e pianeti − sia quelli composti\nda ecosistemi organici che quelli\nartificiali delle città costruite dall'uomo\n− sono in perfetta armonia con la natura.\nSpesso nelle sue opere si vedono sistemi\nsolari che si scambiano energie e tutto\nsegue una casualità imprevedibile. Nei\nmondi di Rovati la musica è filo conduttore\ndi una composizione a ragnatela, con\nnote che sembrano danzare in preda al\nvortice del ritmo. Nelle sue composizioni\nvivono ricordi del passato: i viaggi giovanili\nda Gibilterra all’Himalaya, la natura, a\ncontatto con la quale è cresciuto, i dipinti\ndei madonnari che da bambino ammirava\ndavanti alle chiese. Suo obiettivo è coniugare\nl’irruenza espressiva con l’ordine, la\nsimmetria, l’equilibrio e il decoro. Si tratta\ndi un processo esecutivo\nche parte da un’immagine\nnascosta nei ricordi per farsi\npoi trascinare dall’emozione\ne fluire spontaneamente.\nRovati sa da quale ricordo\npartire nella realizzazione di\nun quadro, ma non può mai\nprevedere come ultimerà l'opera.\nDipingere è per lui un\natto di creazione continua. A\nvolte nelle sue tele le storie\ndel passato s’intrecciano per\ngenerare un nuovo racconto.\nAd una prima lettura, sembrano\nopere costruite sulla\nbase di un approccio scientifico\ndettato dalle leggi della\nlogica, ma poi, osservandole\nmeglio, si notano “punti di caduta, di\nfuga e di perdita di memoria” che sfociano\nnell’astrazione. Il geometrismo viene\ninterrotto da imprevisti e varianti, proprio\ncome avviene nello scarabocchio di\nun bambino. Le sue opere sono collegate\nl’una all’altra da reti che, come una ragnatela,\ninglobano ogni elemento, con linee\na volte dritte altre volte a zig zag, oppu-\nNel mio giardino (2015), tecnica mista su tavola, cm 60x60\nre ellissi, parabole, cerchi, rette parallele\nche all’improvviso divergono o s’incrociano,\nguidando lo sguardo alla scoperta\ndel racconto. L'artista è in permanenza\nalla galleria La Telaccia by Malinpensa di\nTorino e parteciperà alle prossime aste di\nIl berretto a sonagli (2017), tecnica mista su tavola, cm 160x80\nInaugurata nel 2007 nei locali recuperati di una vecchia\nfabbrica, ospita opere in permanenza ed esposizioni\nLa grande opera di Anselm Kiefer ospitata in biblioteca\n(ph. courtesy InToscana.it)\nè stata inaugurata nel 2007. Il\nnome trae origine dalla vecchia\nfabbrica San Giorgio di cui la biblioteca\nha occupato alcuni capannoni industriali\nda tempo dismessi. Fondata nel 1907,\nla fabbrica è stata una tra le più importanti\nindustrie metalmeccaniche nella storia\ndella città e, dando il suo nome alla biblioteca,\nsi è inteso mantenerne vivo il ricordo\ne sottolineare una certa continuità di\nservizio alla città tramite il passaggio da\nluogo di fabbrica a luogo della cultura. Si\nè così risolto il problema della mancanza\ndi spazio della vecchia e storica Biblioteca\nForteguerriana, ospitata in un bel palazzo\ncinquecentesco ma ormai inadeguato\nad accogliere una biblioteca moderna con\nle sue nuove funzioni di centro di studio\nma anche di aggregazione e le esigenze di\nadeguati strumenti bibliografici connessi\nal nuovo modello di "biblioteca pubblica"\nche si stava affermando. A questo scopo,\ni progettisti hanno conservato gran parte\ndell'impianto originario della fabbrica,\nesaltando lo scheletro dei vecchi capannoni\nper mantenerne la memoria, ma\nhanno riorganizzato e distribuito lo spazio\ninterno adeguandolo alla funzionalità\ndi una biblioteca moderna e alle molte iniziative\nculturali che la nuova biblioteca intendeva\noffrire alla città. Il risultato è un\nluogo che accoglie annualmente più di\n400.000 presenze e livelli di prestito tre\nvolte superiori alla media nazionale e ciò\nè dovuto all’ambiente spazioso, luminoso\ne accogliente ma più ancora dalla continua\nofferta di occasioni di cultura per le\npersone di ogni età. Nello stesso anno\ndell'apertura della San Giorgio, venne installata,\nnella parete di fondo della grande\nsala dipartimenti, un'opera monumentale\ndell’artista tedesco Anselm Kiefer dal titolo\nIl grande carico. L’opera donata dalla\nCassa di Risparmio di Pistoia e Pescia −\nun grande pannello realizzato con una pittura\nmaterica con tonalità che vanno dalle\nocre rossastre all'argento − evoca simbo-\nUno scorcio della Biblioteca San Giorgio\nlicamente il drammatico viaggio verso l'ignoto\ndi un’imbarcazione che trasporta\nun pesante carico di libri a rappresentare\nil non sempre facile impegno di conservazione\ne trasmissione della cultura. Anselm\nKiefer, una delle figure più importanti\ndel movimento artistico Neo-espressionista,\nsi distingue per l’uso di enormi tele e\nspesso ha inserito nei suoi lavori elementi\nvolti a commentare con ironia e sarcasmo\naspetti tragici della storia e della\ncultura tedesca anche quella del periodo\nnazista. Ha raggiunto fama internazionale\ne le sue opere si trovano nei maggiori\nmusei del mondo. Nel 1980 la Biennale\ndi Venezia gli ha dedicato\nuna mostra personale.\nDopo questa importante\ndonazione, la biblioteca\nha incrementato nel corso\ndegli anni il proprio patrimonio\nartistico e ha aperto\nla strada a una vivace\nattività espositiva aprendo\ni propri spazi alla Public\nArt, tendenza dell’arte\ncontemporanea che vuole\nuscire dagli spazi esclusivi\ndei musei per entrare\na far parte di ciò che possiamo\nvedere tutti i giorni,\ncamminando per strada o\nalzando gli occhi in una\npausa di lettura o studio\nin arte Peppetta\nSe fossi nata qui, sarei stata una conchiglia abbandonata alla culla della risacca\nSarei stata un fiore caduto a sera dal suo stelo lieve\nSarei stata un pesce nascosto fra le madrepore\nSarei stata una palma docile piegata al vento\nSarei stata un pescatore paziente a tendere le reti\nImmersa in questo mare mi tingo la pelle di colori irreali\nGiuseppina Maestrelli, Peppetta, nasce ad Empoli nel 1945; è autrice di libri\n- Dimmi ciao; Terra, mare e cielo; Prima dell’iPhone - e fotografie di opere d'arte\nmoderna con cui comunica i propri ricordi. Tra le sue mostre ricordiamo: 2016,\nCerreto Guidi; Galleria Il Cesello, Pietrasanta; Stazione Leopolda, Firenze; 2017,\nComune di Pisa; Auditorium al Duomo, Firenze; Iclab, Firenze; Chiesa di San\nMarco e Cripta di San Lorenzo, Firenze; Educandato SS. Annunziata, Firenze;\n2019, mostre a Venezia e Siena. E’ stata insignita del Collare Laurenziano (Salone\ndei Cinquecento, Palazzo Vecchio, Firenze), del premio Ponte Vecchio e nel 2019\ndel premio Toscana Cultura.\nIl gioco degli abbinamenti: antipasti di pesce\nStiamo piano piano riprendendo\nma il graduale ritorno alle abitudini\ndi un tempo non ha completamente\nscoraggiato la voglia di dedicarsi alla\ncucina casalinga. Sempre nello spirito\ndi aiutare i numerosi chef prêt-à-poster\nitaliani, che seguono social-consigli\ndi reali sommelier professionisti o\nsedicenti tali, questo mese vi suggerisco\nqualche rudimentale tecnica per\nl’abbinamento agli antipasti di mare. Di\nacqua dolce o salata, il pesce che presentiamo\nin tavola come piatto di entrata\nrilascia una percettibile ma delicata\naromaticità che varia in persistenza gustativa\nsulla base del tipo di cottura e\ndella temperatura di servizio. Abbiamo\nraccontato nel numero precedente\ndi come le sensazioni saporifere e tattili\ndi un piatto necessitino, a prescindere\ndal preparato, di concordanza o\ncontrapposizione con quelle percepite\nassaggiando il vino in abbinamento.\nCarpaccio di polpo, tartine al salmone,\nluccio in insalata o tempura di gamberi\nsono, per esempio, antipasti che hanno\nalmeno un fattor comune saporifero:\nuna tendenza dolciastra che certamen-\nDOC Serpentino, Fortulla\nFelciaio, Badia di Morrona\nPh. Mynor Bejarano (Pixabay)\nte non può essere definita zuccherina\nma che vagamente la ricorda. Il vino,\nbevanda acidula e alcolica a prescindere,\ndovrà essere scelto molto attentamente\nsulla base di una buona intensità\ngustativa, un’acidità spiccata ma conservando\nun corpo contenuto per non\nsopraffare la delicatezza del piatto. Ecco\nperché sugli antipasti di mare spes-\nso risulta vincente la scelta dei\nvini bianchi, giovani e non particolarmente\ncon aromi vivaci ma non invadenti,\ncon struttura rispettosa\ndel cibo leggero e con componenti\ndal basso ph, lasciano una\nbocca fresca e azionano il flusso\nsalivare in modo da ripulire\ncon garbo quella tendenza dolce\ndi cui sopra. Nel caso in cui\nl’aggiunta di formaggi cremosi\nincidesse sulla complessiva percezione\ndi grassezza, ecco allora\nche bollicine gentili, dry o brut,\ndiverrebbero l’ideale detersione\nRimaniamo comunque sui vini\nfermi e pensando a stuzzichini\ncome i semplici crostini\nal salmone o i vol-au-vent con\nspuma di trota o ancora dei\ngamberi in crosta, selezionia-\nmo uno dei vitigni bianchi toscani che\nvanno per la maggiore: il Vermentino.\nColtivato prevalentemente sulla\ncosta regionale ma anche nell’entroterra\ncentro-meridionale, dona ai vini\nprofumi tipici di pesca e camomilla\ncon sfumature di erbe. Pulito, vivace e\ndall’ottimo rapporto qualità-prezzo è il\nToscana IGT Felciaio di Badia di Morrona,\nazienda dell’alta Val d’Era. Se consumato\ngiovane, con il suo piacevole\nfinale di agrume, assumerebbe le connotazioni\nsensoriali giuste per un abbinamento\neccellente. Altro esempio di\nindubbia qualità è il Terratico di Bibbona\nDOC Serpentino di Fortulla. Azienda\ndi Castiglioncello che produce in regime\nbiologico, in questo vino unisce al\nVermentino un tocco di Viognier, uva\nche resiste bene alla forza solare e che\narricchisce il prodotto con profumi di\nalbicocca e frutta tropicale. La piacevole\nacidità giovanile, un corpo non\nbanale e la succosa scia sapida lo renderebbero\nsublime su delle bruschette\ncon tinca affumicata e fagioli, un’insalata\ndi polpo grigliato o ancora frittelline\ndi baccalà. Per gli antipasti di mare,\nricordate, il vino non deve perdere la\nsua naturale acidità e allora dovrete fare\nproprio come con gli stuzzichini: visto,\npreso e consumato subito!\nAnatomopatologo di fama internazionale, scrittore e\npoeta, si è spento all’eta di 97 anni\nIl professor Giorgio Weber, famoso\na livello internazionale per gli studi\nsull'arteriosclerosi e per essere stato\ninnovatore degli studi storico artistici\nsull’anatomia, è morto lo scorso 5\nmaggio all’età di 97 anni. Figlio e nipote\ndi ingegneri, era nato a Pergine Valdarno\nil 22 gennaio del 1923, dove il\npadre Guglielmo dirigeva una grande\nazienda chimica. La famiglia, originaria\ndella Sassonia, era stata chiamata\na metà Ottocento dal consultore del\nGranduca per rimettere in attività le miniere\nda tempo abbandonate in Maremma.\nLa sua carriera medica iniziò come\naiuto del professor Antonio Costa all'Università\ndi Firenze; diventò poi professore\nordinario di Anatomia patologica\nall'Università di Siena dove, dal 1968\nal 1993, ha diretto l’Istituto di Anatomia\ne Istologia patologica. Due volte\npresidente della Società italiana per lo\nstudio dell'arteriosclerosi (1975-77 e\n1978-80), ha diretto un gruppo di studi\nepidemiologici del CNR dedicato alle\nmalattie cardiovascolari in Italia. Ha,\ninoltre, fondato e diretto per anni la\nscuola per tecnici di laboratorio dell'Università\ndi Siena, dove ha istituito il\ndottorato di ricerca sull’arteriosclerosi.\nHa poi condotto studi di microscopia\nelettronica sull’inizio delle lesioni intimali\narteriose e delle evoluzioni delle\nstesse sotto influssi farmacologici, tossici\no in condizioni metaboliche alterate.\nHa lavorato in istituti di\nricerca e Università al\ndi qua e al di là dell’Atlantico.\nLasciati gli impegni\ntanti riconoscimenti e\npremi (Medaglia d'oro\nRepubblica), il suo interesse\npoliedrico e variegato\nsi è rivolto alle\nscoperte di Giambattista\nCocchi, Giovanni Targioni\nBellini e Antonio Benivieni.\nanche con collaborazioni\nsempre interessato alle\npatologie del corpo\numano, ha scritto\nPatologo fra gli artisti,\nintitolati Mal d’arte e Le\nvoci della materia. Personaggio dalla\ncultura enciclopedica, negli ultimi anni\nsi era scoperto poeta pubblicando alcune\nraccolte di liriche intitolate Senza\nrete, Au bout, Brunch, In questa ellisse,\nSmart-phone, Poesie tarde, Nel turbine.\nUn concentrato di cultura, arte,\nmusica e sentimenti così commentato\ndalla moglie Donatella Contini Bonaccosi,\nnota scrittrice che gli è stata\naccanto per più di 70 anni: «Un continuo\nesplodere di immagini che si susseguono\ne si chiamano in piena libertà,\nun modo di scrivere avveniristico: può\ndire tutto e riferire e collegare e svariare\nda un pensiero all'altro. A chi legge\npuò dare quel senso di sorpresa e\ndi pienezza che solo l'arte dà quando\nè risolta e svolta nel modo giusto,\nquello che le addice». Giorgio Weber\nè stato un tenero amico, una persona\nsaggia e sapiente, sul quale fare sempre\naffidamento, ed oggi che non è più\ncon noi mi piace pensarlo in quel paradiso\ndi cui abbiamo parlato tante volte,\nattorniato da una folla di angeli che lo\nascoltano rapiti e gli pongono quesiti ai\nquali nemmeno San Pietro è riuscito a\nAd Anghiari un circolo di scrittura per\nunire le persone nel segno della parola\ndi Gaia Simonetti / foto courtesy Circolo di scrittura autobiografica a distanza\nLe storie di vita sono la sua passione.\nLe parole, che nascono\ne si posizionano una dopo l'altra\ncon la penna che scorre sul foglio,\ncompongono un fiume di emozioni che\nnon si ferma, che scava nell'anima. Dal\n1999, Stefania Risse coordina il Circolo\ndi scrittura autobiografica a distanza della\nLibera Università di Anghiari, in provincia\ndi Arezzo, basato sul volontariato.\nNel corso degli anni, al circolo sono arrivate\nmigliaia di lettere scritte a mano,\nprovenienti da varie città italiane e da altri\npaesi del mondo. «Lanciamo temi per\nposta e raccogliamo ricordi e storie sempre\nper posta − racconta Stefania −, arrivano\nistantanee di un tempo andato\nma anche messaggi di speranza e ancora\nlettere ai nonni, testi sul primo giorno\ndi scuola o scritti dedicati a chi non c’è\npiù. Insomma, tutto ciò che racconta la\nvita». Scrivere è condividere; è dare voce\nal cuore che troppo spesso "parla" senza\nessere ascoltato; è partire dal passato\nper proiettarsi nel futuro e fare un lungo\nviaggio. E’ anche questo il tema dell’ultimo\nlavoro del circolo, il libro Quella volta,\nsu un treno, curato da Stefania Risse\ne Roberto Scanarotti ed edito da Equinozi.\nTreni e rotaie fanno da sfondo alla\nvita e alle esperienze vissute da 44 autori.\nStorie di incontri, svolte, perdite, scoperte\ne riscoperte che attraversano la\nstoria del nostro paese. Viaggi compiuti\nsu un treno o che partono dal cuore\nper raggiungere la stazione chiamata “rinascita”.\nUna stazione che serve, in particolare,\nin questo tempo sospeso. Un\ntempo dettato e segnato dal virus in cui\nriaffiorano l’autenticità e la bellezza delle\npiccole cose. Come l’emozione di ricevere\nla risposta alla lettera scritta a mano e\nindirizzata al circolo. Quella sera, tornando\na casa dal lavoro, guardai la cassetta\ndella posta e la trovai. Era una busta color\navorio, piccola ma preziosa. Gli occhi\nAlcuni volontari del circolo\nL'emergenza giuridica da Coronavirus\nLa crisi sanitaria e socio-economica\ntristemente noto Covid-19 pone\nper imprese e parti contraenti in\ngenerale la questione dell’eventuale\nimpossibilità di adempiere le obbligazioni\nassunte. Il lockdown imposto per l’emergenza\nsanitaria apre nei rapporti\ncommerciali tra imprenditori scenari\nper certi versi addirittura imprevedibili:\nciò che è certo è che saranno\ncomunque molto frequenti i casi di ritardi\no di impossibilità di consegnare\nprodotti e materiali a causa di difficoltà\nnel relativo approvvigionamento,\nil tutto con un effetto a catena\nche renderà arduo distinguere possibili\nresponsabilità e circoscriverne\nl'ambito. L’emergenza – anche giuridico-contrattuale\n– da Coronavirus\nnon è del resto sfuggita al legislatore,\nche all’art. 91, comma 1 del D.L. 17\nmarzo 2020, n. 18 (il c.d. Decreto Cura\nItalia), ha espressamente previsto\nche il rispetto delle misure di contenimento\ndi cui presente decreto è sempre\nvalutata ai fini dell’esclusione,\n1218 e 1223 c.c., della responsabilità\ndel debitore, anche relativamente\nall’applicazione di eventuali decadenze\no penali connesse a ritardati o\nomessi adempimenti. La norma – imponendo\nal giudice di tenere in debita\nconsiderazione l’osservanza delle\nnorme emergenziali ai fini di valutare\nla sussistenza della responsabilità\ncontrattuale – non è certamente destinata,\nanzitutto, ad alleviare il debitore\nda responsabilità contrattuale\nqualora sia rimasto inadempiente rispetto\nad un’obbligazione pecuniaria,\nconsiderato che il pagamento di una\nsomma di denaro non può mai risultare\nobiettivamente impossibile. Né\npuò ritenersi che la disposizione abbia\ninteso attribuire, a discapito degli\ninteressi dei creditori, una generale\nmoratoria per i debiti, per la quale\nsarebbe stata necessaria all’evidenza\nuna disciplina espressa. La regola\ncontenuta nel Decreto Cura Italia,\npiuttosto, sembra richiamare la figura\ndel factum principis: è il caso del\nprovvedimento emesso dall’autorità\nlegislativa o amministrativa che, impedendo\no rendendo estremamente\ngravosa l’esecuzione dell’obbligazione,\ncomporta l’esclusione da ogni responsabilità\nper il debitore a causa di\neventuali omissioni o ritardi nell’adempimento,\nal contempo sottraendo\nal creditore il diritto alla risoluzio-\nne del contratto ed al risarcimento\ndel danno. La norma ha dunque tipizzato\nun’espressa tipologia di causa\ndi forza maggiore, che si atteggia\nad evento sospensivo – o, nell’ipotesi\nestrema in cui l’evento si sia stabilizzato,\naddirittura estintivo – delle\nobbligazioni gravanti sul debitore,\nchiarendo che l’esigenza di rispettare\nil lockdown costituisce causa di forza\nmaggiore non prevedibile dal debitore\ne dunque, almeno astrattamente, idonea\na giustificarne l’inerzia o il ritardo.\nVa tuttavia chiarito anche che al\ndebitore che non abbia potuto svolgere\nla prestazione con le modalità e nel\nrispetto dei termini contrattualmente\nstabiliti, non pare sufficiente richiamare\nil factum principis dei provvedimenti\nrestrittivi di queste settimane.\nPer non incorrere in responsabilità\ncontrattuale il debitore dovrà altresì\ndimostrare di essersi adoperato, con\nil grado di diligenza preteso dall’art.\n1176 cod. civ., per minimizzare gli\neffetti dannosi che sarebbero potuti\nderivare al creditore dalla mancata\nesecuzione del contratto. Soltanto in\npresenza di tali condizioni è dunque\ninvocabile l’esonero da responsabilità\ncontrattuale per causa non imputabile\nex art. 1218 cod. civile. Quanto\nsopra nel rispetto dei canoni fondamentali\nche informano il nostro diritto\ndei contratti: i principi di correttezza e\ndi buona fede costituiscono in particolare\ni criteri destinati ad informare\nnel nostro ordinamento qualsiasi rapporto\ncontrattuale, sia nella fase delle\ntrattative, sia nell’esecuzione del contratto\ne, non ultimo, anche nella fase\npatologica dei rapporti tra parti contraenti.\nSi renderà dunque necessaria\nuna delicata valutazione caso per\ncaso per accertare se, nella fattispecie\nconcreta, il debitore sia stato comunque\ndiligente, osservando quei\nprincipi fondamentali che – consacrati\nrispettivamente negli artt. 1175\ne 1375 cod. civ. ed espressione degli\ninderogabili doveri di solidarietà\nsociale di cui all’art. 2 Costituzione\n– impongono a ciascuna delle parti\ndel rapporto obbligatorio di agire\nin modo da preservare gli interessi\ndell’altra. E’ dunque per espressa\ndisposizione del Decreto Cura Italia\nche l’emergenza da Coronavirus deve\nessere valutata dal giudice in sede\ndi accertamento della responsabilità\ncontrattuale per inadempimento, il\nche andrà probabilmente ad alleviare\nl’onere della prova che grava sul\ndebitore. Tuttavia la concreta operatività\ndella possibile esimente sarà\ncomunque subordinata ad una valutazione\ncomplessiva e ben ponderata\ndell’intero impianto contrattuale e\ndi quanto possa essere concretamente\ne ragionevolmente richiesto al soggetto\ninadempiente secondo i criteri\ndi correttezza e buona fede che costituiscono\nprincipi fondanti il diritto dei\nAndare avanti oltre il Covid-19\nLe iniziative del Movimento Life Beyond Tourism Travel to Dialogue\nCon il lockdown che ha coinvolto\ntutti i settori della vita quotidiana\ndell’Italia, il Movimento Life\nBeyond Tourism Travel to Dialogue ha\nripensato le sue attività a un livello superiore,\ngrazie all’utilizzo degli strumenti\ntecnologici a disposizione e ha avviato\nuna serie di progetti rivolti ad aziende,\nartigiani, istituzioni, artisti e singoli individui.\nSi tratta di progetti commerciali i\ncui costi vengono coperti interamente\ndal Movimento per un periodo limitato\ndi tempo, allo scopo di contribuire alla\nripartenza delle attività del nostro paese.\nLa possibilità di usufruire della gratuità\nè concessa a tutti coloro che si affiliano\nUna mostra virtuale internazionale per\nGli eventi del Movimento\nuna mostra artistica\nil nome dall’omonimo\nal mondo dell’arte\nArt in our Heart WEB\n− Mostra virtuale internazionale.\nè aperta a tutti gli\nartisti del panorama\naffiliati, aver creato la\npropria vetrina da artista\ne seguire quanto\nindicato nel regolamento\ne si concluderà il 15 settembre 2020.\nSi tratta di una prima edizione e il Movimento\nè intenzionato a realizzarne molte\naltre durante il corso dell'anno. Per\nessere sempre aggiornati è bene iscriversi\nalla newsletter del Movimento Life\nBeyond Tourism Travel to Dialogue direttamente\ndal sito ufficiale www.lifebeyondtourism.org.\nVo per Botteghe WEB: a fianco degli\nartigiani e le piccole medie imprese\nIl progetto nella sua versione online è\nstato avviato agli inizi del mese di marzo\n2020 e ad oggi ha coinvolto diverse\naziende artigiane italiane. Le opportunità\na disposizione sono molteplici, tra\ncui una vetrina di sicura visibilità locale,\nnazionale e internazionale e la possi-\nbilità di aprire un negozio online grazie\nall’accordo che il Movimento ha fatto\ncon il partner tecnologico italiano Donkey\nCommerce. Le aziende interessate\nhanno la possibilità di affiliarsi gratuitamente\nal Movimento entro il 30 giugno,\nusufruendo dei servizi per tutto il\n2020 e senza obbligo di rinnovo per gli\nanni successivi. Il valore commerciale\ndell’iniziativa per il profilo aziendale\nè di €200,00 che il Movimento ha\ndeciso di concedere gratuitamente\nper l’intero 2020 per sostenere e aiutare\nle aziende artigiane nella ripartenza\neconomica. Le aziende che hanno\naderito al Vo per Botteghe WEB sono a\noggi: Apepak, Alghero in bicicletta, Antica\nSpezieria Santa Maria della Neve,\nBig Tess, Dalma, Duccio Banchi bronzista,\nEnjoyng Tuscany, EVER Life Design,\nGabriella Gioielli, I tesori del Montefeltro\nSantagata Tartufi, Idea Toscana, Letrec,\nLux Artis, Marsili Company, ML14 Massimo\nLozzi, Novotono, Pout- Purri, Sapaf\nAtelier 1954, Scripta Maneant.\nMaggiori informazioni sull’iniziativa sono\ndisponibili sulla pagina ufficiale del\nUn programma del Movimento Life Beyond Tourism Travel To Dialogue in collaborazione con\nDonkey Commerce che nasce come risposta concreta a sostegno di artigiani, creatori e piccole\nPOSSIEDI UNA PMI?\nAbbiamo scelto di mettere a tua disposizione\ngratuitamente per tutto il 2020 le nostre\npiattaforme per dare spazio alla creatività del\nmade in Italy e per poter utilizzare strumenti di\nvisibilità e vendita on-line.\nDI COSA BENEFICERAI?\nIscrizione gratuita al Movimento Life Beyond Tourism Travel to Dialogue fino al\n31/12/2020 se ti registrerai entro il 30/06/2020 utilizzando il codice sconto\nE POTRAI CREARE IL TUO E-COMMERCE\nGESTENDOLO A COSTO ZERO\n055 2398711 - 3914577439\nArt in our Heart WEB: un sostegno concreto\nagli artisti di tutto il mondo\nIl secondo progetto che il Movimento ha\ncreato si rivolge al mondo artistico, anch’esso\nin difficoltà per la chiusura dei\nluoghi di fruizione dell’arte. Tutti gli artisti\nche si registrano entro il 30 giugno\navranno a disposizione una serie di servizi\nonline gratuiti per tutto il 2020 e il 2021,\nsenza obbligo di rinnovo. Il valore commerciale\ndei servizi per ogni singolo artista\nche si affilia è di €400,00, servizi\nche il Movimento ha deciso di concedere\ngratuitamente per due anni proprio\nper agevolare gli artisti a sfruttare\nle tecnologie online per aumentare la loro\nvisibilità e sviluppare una propria rete\ndi contatti e collaborazioni. Gli artisti che\nhanno deciso di prendere parte al progetto\nsono ad oggi più di 60 da 15 paesi del\nmondo (Belgio, Canada, Georgia, Grecia,\nItalia, Lituania, Norvegia, Repubblica Ceca,\nRomania, Russia, Serbia, Spagna, Tailandia,\nTurchia, Stati Uniti d'America) e\nsono: Cristiano Ambrosini, Semenovich\nAntoshchenkov, Maurizio Balducci, Alessandro\nBargellini, Debora Barnaba, Andrea\nBenetti, Davide Berti, Andrei Bode,\nLuisa Brunello, Giorgi Bugadze, Daniela\nCappellini, Filippo Cianfanelli, Franco Curvo,\nMaria Grazia Dainelli, Luc Degrande,\nKatia Demyanova, Gabriela Diana, Tamara\nDonati, Olga Feofanova, Mauro Gazzara,\nPramila Giri, Madalina Ilie-Musinschi,\nPaola Imposimato, Yasemin Ince Guney,\nSamia Kirchner, Yulia A. Korneva, Natalia\nKostyrya, Daniela Kovats, Elizaveta Ksenofontova,\nAntonella Laganà, Celia Latz,\nFernando Lavatelli, Laura Lodigiani,\nAngela Lucarini, Serena Mannari, Anna\nMaria Maremmi, Vittoria Marziari, Dmitry\nMikhalin, Valerio Mirannalti, Bianca\nMogosan, Ioana Moldovan, Rosy Muntoni,\nAntonella Nannicini, Angelo Massimo\nNostro,Tehya Nyar, Nikola Ojdanic,\nFrancesca Parrini, Giuseppe Potito, Natalia\nPushkina, MMM Ramazzotti, Rossella\nRispoli Segato, Anna Teresa Ritacco,\nEleonora Rossi, Maria Sallum, Kotryna\nSarapinait, Valerio Savino, Rolando Scatarzi,\nStefania Sergi, Francesca Serri, Apisak\nAlex Sindhuphak, Francesco Terzani,\nNana Tsikhistavi, Grazia Tomberli, Mariella\nTonelli, Oleg Ulchitskiy, Paolo Vannini,\nSarah Wang, Aleksandar Zaar, Antonina\nZablocka, Tatiana Zueva.\nPer avere maggiori informazioni e aderire\nall’iniziativa basta andare alla pagina ufficiale\nto Dialogue ha attivato un corso in modalità\ne-learning attraverso la piattaforma\nUdemy e a cui chiunque può accedere\ngratuitamente affiliandosi al Movimento. I\nsingoli utenti riceveranno, infatti, un codice\nsconto al momento dell’affiliazione\nattraverso cui poter accedere al corso. Il\nPatrimonio come costruttore di Pace:\nquesto è uno degli assunti di base del corso\ne si riferisce allo sviluppo della ricerca\ncondotta dalla Fondazione Romualdo Del\nBianco nei suoi trent’anni di attività e che\ncoinvolge i suoi esperti internazionali.\ndi B&B Hotels Italia\nB&B Hotels Italia, parte di B&B\nHotels Group catena internazionale\ncon più di 500 hotel in\nEuropa e 41 sul territorio nazionale, in\ncollaborazione con il suo RSPP, BCO\nConsulting, azienda leader in materia\ndi sicurezza negli ambienti di lavoro e\nRentokil-Initial Italia, il più grande gruppo\nsul territorio nazionale nel settore dei\nservizi per l’igiene, annuncia il nuovo\nprotocollo di sanificazione conforme alle\nIl protocollo di sanificazione dedicato,\nche prevede la messa in sicurezza di\ntutti gli ambienti, si accompagna ad un\ndettagliato processo operativo che B&B\nHotels Italia ha sviluppato a tutela degli\nAnti Covid-19 elaborato in\ncollaborazione con BCO Consulting.\npermettono la continuità del\nservizio e il mantenimento degli\nalti standard qualitativi offrendo\nun soggiorno in piena sicurezza.\nA supporto, sono state individuate 8\nGolden Rules Help us Helping You che il\npersonale e i clienti sono invitati a seguire\ntra cui: l’utilizzo di dispositivi DPI certificati,\nplexiglas protettivi presso i desk\ndi accoglienza, linee di distanziamento.\n«Conscio della situazione relativa alla\ndiffusione del Coronavirus (Covid-19)\ne in costante monitoraggio delle notizie\ndiffuse dalla World Health Organization,\ndesidero rassicurare personalmente i\nnostri ospiti, i nostri partner, i nostri collaboratori\ne tutti i B&B Hotels Lovers,\nche B&B Hotels Italia attua da sempre\nogni misura cautelativa a tutela della salubrità\ndei propri ambienti», commenta\n«Grazie alla collaborazione con due importanti\nattori del panorama nazionale\nin tema di sicurezza e igiene come BCO\nConsulting e Rentokil-Initial Italia, ab-\n62 B&B HOTELS ITALIA\nbiamo in questo momento ulteriormente\nintensificato le misure di sicurezza\ncon il protocollo Safety Label High Quality\nAnti Covid-19 e con 8 Golden Rules\nHelp Us-Helping You per la tutela di tutti»,\nIn linea con le normative sanitarie nazionali,\nB&B Hotels Italia propone\npratiche breakfast box a sostituzione\ndella colazione a buffet. Disponibili\nin diverse tipologie (dolce, salato e\ngluten free), le box sono acquistabili su\nhotelbb.com o direttamente in hotel al\nIl B&B Shop completa l’offerta grazie a\nuna vasta selezione di prodotti food &\nbeverage, tra cui piatti pronti riscaldabili\nal microonde, prodotti per la cura della\npersona, un safety kit composto da mascherina,\ngel igienizzate e guanti (disponibile\nanche su hotelbb.com).\nB&B Hotels Italia continua con motivazione\na voler offrire ospitalità in modo\ncompetitivo e lancia la nuova offerta\nStay Flexi, garantendo il miglior prezzo\nassoluto con una politica all’insegna\ndella flessibilità disponibile su\nhotelbb.com. Infatti, a partire dal 28\naprile 2020 fino a marzo 2021, i clienti\npotranno usufruire dell’offerta che permette\ndi modificare le date del proprio\nsoggiorno fino a 24h prima del giorno\ndell’arrivo, riprenotando nella stessa\nstruttura entro 12 mesi dalla data\ndi prenotazione, con un eventuale adeguamento\ntariffario. Con questa politica\nB&B Hotels garantisce ai propri clienti di\npoter viaggiare in piena sicurezza al miglior\nUna camera del B&B Hotel Milano Central Station\nScopri tutti gli hotel aperti e prenota al\nmiglior prezzo solo su hotelbb.com\nIl “paradiso” dell’usato a Montelupo Fiorentino\nPercorrendo la statale 67\nTosco-Romagnola che da\nEmpoli porta a Firenze,\nall'altezza di Montelupo Fiorentino,\nin via del Lavoro nella zona\ncommerciale si trova Di tutto di\npiù, 2.200 mq di magazzino dove\nè possibile trovare dal mobile\nd'arredamento al raro oggetto da\ncollezione. Ed è proprio su questi\nultimi che Giuliano, la moglie\nSandra e le figlie Sara e Giulia\nconcentrano le loro ricerche visitando\ncantine e soffitte, chiamati\ndai loro proprietari per svuotarle.\nDi tutto di più è un luogo dove\nsi possono trovare le cose più\nimpensabili, magari anche delle\nrarità che non avremmo mai\nimmaginato di trovare fra le fornitissime\ncollezioni di libri e fumetti,\nvecchi 45 giri e long play,\nSandra, la proprietaria\nSara e Giulia, figlie di Sandra\nI collaboratori Claudiu e Mihaela\nresiduati bellici della prima e della\nseconda guerra mondiale e macchine\nda scrivere e fotografiche, apparecchi\nradio e biciclette d'epoca, innumerevoli\nopere d'arte, soprattutto di\nartisti del territorio empolese, e molto\naltro. Ovviamente in esposizione ci\nsono anche migliaia di mobili e complementi\nd'arredamento dalle lampade\nalle poltrone, dagli armadi ai\ncassettoni, e ancora vecchie madie,\ncassapanche, antichi tavoli di noce,\norologi da parete e da tavolo e introvabili\noggetti da museo come gli ottocenteschi\nferri chirurgici, eleganti\nposaterie e servizi da tavola degli inizi\ndel Novecento, ma anche modernissimi\noggetti di design contemporaneo.\nA partire da luglio, nel piazzale antistante\nil magazzino, sono in progetto\nmercatini con scadenza mensile dedicati\nal collezionismo, all'antiquariato\ne al vintage. In particolare, è previsto\nun mercatino di vecchi dischi 45 giri\ndegli anni Sessanta/Settanta che vedrà\npresente, per l'occasione, il cantante\nRiccardo Azzurri. I collaboratori\nMihaela e Claudiu saranno felici di\naccompagnarvi e consigliarvi nelle\nGrazie a Di tutto di più hai la possibilità\ndi vendere/acquistare oggetti\nin contovendita. Se hai un\noggetto che vuoi vendere, lo teniamo in\nesposizione gratuita presso il nostro mercatino.\nA vendita effettuata ti verrà corrisposta\nla percentuale dovuta come è\nspiegato nel regolamento per venditori.\nVieni a trovarci oppure contattaci attraverso\nil modulo apposito sul nostro sito\ninternet per avere maggiori informazioni.\nIl nostro personale sarà a tua disposizione\nDal lunedì (esclusa la mattina) alla domenica\nL’eccellenza della ristorazione incontra la storia alle porte di Firenze\ndi Maria Grazia Dainelli\nNel XVI secolo la famiglia Medici,\ntra le più ricche e importanti\nd’Europa, iniziò la costruzione di\nuna villa con quaranta giochi d’acqua nella\ncampagna fiorentina: la Villa di Pratolino.\nPer alimentare le sontuose fontane fu\ncostruito un acquedotto che doveva portare\nl’acqua dal limitrofo Monte Senario.\nL’incarico fu affidato all’architetto Buontalenti,\nche progettò anche due fornaci\nper costruire i mattoni necessari a realizzare\nl’acquedotto. Solo una delle due fornaci\nè sopravvissuta nei secoli ed è stata\nrecentemente recuperata con l’apertura\ndel ristorante La Fornace de’ Medici e\ndell’agriresort Le colline del paradiso. La\nristrutturazione ha permesso di mantenere\nle originarie mura in pietra e lo schema\narchitettonico pensato dal Buontalenti, instaurando\nun continuo dialogo fra gli interni\ne il paesaggio intorno. L’ambiente\nesterno accoglie diversi tavoli, alcuni dei\nquali situati a bordo piscina e sulla terrazza\npanoramica. Oggi la fornace è il cuore\ndi un’azienda agricola biologica e di una\nriserva di caccia che insieme permettono\nal ristorante di lavorare con ottime materie\nprime, come grani antichi, patate, ortaggi,\nolio di oliva e cacciagione. Anche gli\naltri prodotti sono accuratamente selezionati\ntra le migliori aziende toscane, come\nad esempio il pecorino di Pienza vincitore\ndel campionato del mondo di formaggi di\npecora nel 2017. La riserva di caccia fornisce\nal ristorante le carni per la preparazione\ndei piatti; le più utilizzate sono capriolo\ne cinghiale. La carta dei vini è unica nel\nsuo genere, sia per la selezione delle bottiglie\nche per la singolare suddivisione in\n“categorie” che indirizzano il cliente nella\nscelta, consentendo anche ai meno esperti\ndi scegliere l’abbinamento giusto con il\ncibo. Legate al vino sono due serate a tema\nproposte dal ristorante: la prima, Degustazione\nmeditativa, pone l’attenzione\nsu quanto il sapore del vino venga influenzato\ndal cibo; la seconda, Wine Games, insegna\nai partecipanti le nozioni base per\ndistinguere sapori e provenienza del vino,\nchiedendogli poi di mettersi alla prova\nnell’assaggio di alcune bottiglie incappucciate.\nL’altra serata a tema, Il banchetto dei\nMedici, consiste nella degustazione di alcune\ndelle ricette più amate da Caterina de’\nMedici: un’occasione per ricordare la storia\ndel luogo e riscoprire sapori antichi alcuni\ndei quali rimasti invariati nel tempo.\nVia del Viliani, 756, 50036 Vaglia (FI)\nPoesia e letteratura in versione “social” per rispondere\ncon la cultura alla pandemia\ndi Serena Gelli / foto courtesy Sandra Landi\nri, con lo scopo di ravvivare e ambientare\nle letture stesse. «Stiamo vivendo\nun momento difficile la cui drammaticità\nè purtroppo ben presente a tutti – afferma\nla scrittrice – per questo con le\nmie “pillole per la mente” cerco di regalare,\ntramite la buona letteratura, un momento\ndi serenità, un sorriso. Mi sento\nmolto vicina alle tante città colpite dal\nvirus, in diverse delle quali ho amiche\ne autrici che conosco, ma credo che in\nquesti momenti, per esserci di aiuto gli\nuni con gli altri, non serva né disperarsi\nné ridere per scacciare i cattivi pensieri.\nCi può invece aiutare guardare alla\nvita serenamente, con calviniana leggerezza\ne un filo di autoironia per ritrovare\nfiducia in noi stessi e negli altri». Un’iniziativa,\nquella della Landi, che ha riscosso\nsuccesso, tanto che le sue “pillole”\normai rimbalzano, anche tramite WhatsApp,\ndi casa in casa, formando veri e\npropri gruppi di ascolto non solo nella\nsua Certaldo ma anche, per iniziativa di\nScrittrice, antropologa, saggista,\nma soprattutto profonda conoscitrice\ned amante di poesia e letteratura,\nla certaldese Sandra Landi non\npoteva non impegnarsi, in tempi di Coronavirus,\nin un’iniziativa culturale. Così,\ndopo avere iniziato postando solo qualche\nbrano letterario, da quasi un mese\nla sua pagina Facebook Sandra Landi si\nanima, ogni sera, con una vera e propria\nlettura in diretta. Partita con Ottavia e le\naltre, raccolta di storie difficili e dolorose\ndi donne che l’autrice ha già portato più\nvolte a teatro, il format ha virato subito\nverso un tono più leggero, nell’intenzione\ndi regalare un sorriso alle ascoltatrici\ne agli ascoltatori. Ha letto, quindi, brani\ndi letteratura italiana e straniera, il ricordo\ndi Sepulveda nel giorno della scomparsa,\nuna poesia dedicata alla cipolla e\nla Pioggia nel pineto di D'Annunzio. Per\nogni lettura, la scelta di un accessorio o\ndi uno scorcio della sua casa diverso: di\nfronte alla libreria, alla finestra, tra i fioamiche\nletterate, in Sicilia, Puglia e Svizzera.\nE parallelamente alla leggerezza, la\nLandi continua però anche con il suo\nimpegno, ormai decennale, per denunciare\nle violenze sulle donne. Per questo\nmotivo, lo scorso 20 aprile, ha preso\nparte ad una diretta Facebook con la senatrice\nValeria Valente, presidente della\nsul femminicidio, per promuovere\nla campagna Lei resta a casa che mette\na disposizione delle donne maltrattate\nil numero telefonico 1522 e un’App\ndedicata. Per sostenere questa iniziativa,\nla scrittrice ha realizzato un video -\nappello basato sul suo racconto Ottavia,\ncon il concept di Maria Elena Romanazzi,\nle musiche di Attilia Kiyoko Cernitori\ne l’interpretazione, oltre che della stessa\nLandi, di Benedetta Giuntini e dell’artista\nGloria Campriani. Leggerezza e impegno\nper traghettare la speranza oltre l’emergenza\nCoronavirus e costruire una\nSandra Landi (ph. courtesy sandralandi.it)\nLa crocifissione nel mistero dell’uomo della Sindone\nne che, se volevano rendere sicura una\ncrocifissione, dovevano inchiodare l’arto\nsuperiore del carpo oppure lo spazio\ntra il radio e l’ulna. Va chiarito che\nse il chiodo fosse stato conficcato nel\npalmo della mano, l’inchiodatura non\nsarebbe stata in grado di sostenere il\npeso del corpo, determinando la lacerazione\ndelle parti molli. A quel punto\nil crocifisso si sarebbe staccato dalla\ncroce. Nell’uomo della Sindone i chiodi\nfurono posti nel carpo dove si trova\nil nervo mediano che, se leso, procura\nun dolore lancinante tanto da mandare\nin delirio. Con la morte di Cristo viene\nL’evento della passione, morte\ne resurrezione di Gesù rappresenta\nil cuore della fede cristiana.\nOgni anno, la Chiesa celebra la\nPasqua, facendo memoria di quell’opera\ndi salvezza che proprio nel mistero\npasquale ha trovato pieno e definitivo\ncompimento. I riti della settimana santa\nnon hanno un significato soltanto\nstorico ma anche mistico. Sant'Agostino\nnel suo Epistolario afferma che celebrare\nla Pasqua significa rievocarne il\nmistero e prendere parte ad esso. Con\nla messa del giovedì santo ricordiamo\nl’ultima cena di Cristo, e in particolare\nl’istituzione dell’eucarestia e la lavanda\ndei piedi. Di quest’ultima parla l'evangelista\nGiovanni come di un gesto\nattraverso cui Gesù ci invita ad entrare\nin comunione con lui lasciandoci “lavare\ni piedi” e condividendo a nostra\nvolta questo atto di umiltà e donazione\ndi sé all’altro. Con l’eucaristia viene\nriproposto e celebrato, invece, il mistero\ndi salvezza attraverso il sacrificio\ndel corpo e del sangue di Cristo.\nIl venerdì santo è il giorno del dolore,\ndella morte del Signore. I Vangeli\nraccontano che i soldati di Pilato nel\ncortile del pretorio “rivestirono di porpora\nGesù e, dopo avere intrecciato\nuna corona di spine, gliela misero\nsul capo”. Nell’uomo della sacra Sindone\nla calotta cranica presenta rivoli\ndi sangue riconducibili a questa corona\ndi lunghe spine che, conforme al\nmodo orientale di incoronare i re, non\nera messa intorno ma sopra il capo.\nLa Sindone dà riscontro, inoltre, di altri\nparticolari: tutto il corpo è coperto\ndi colpi di flagello in numero molto alto\n(39 erano i colpi inflitti secondo la\nlegge ebraica). Non di rado, la flagellazione\nera legata alla crocifissione, ma\ni Vangeli la ricordano inflitta a Gesù\nper decisione di Pilato (Mc 15,5). Sul\nlenzuolo sindonico si vede l’intensità\ndi questa pena che ha trasformato\nil corpo di Gesù in un’immensa piaga.\nPer crocifiggere si usavano le funi\no i chiodi, e i Romani sapevano beportata\na compimento la missione che\nil Padre gli aveva affidato. Quell'amore\ndi cui Gesù aveva sempre dato prova\nnella sua vita terrena, raggiunge il culmine\nsulla croce. Anche le parole “ho\nsete” (Gv 19,28), che Gesù pronuncia\ndurante la sua agonia, più che l'espressione\ndi un mero bisogno fisico, sono,\nancora una volta, la manifestazione di\nun bisogno intimo del Signore: quello\ndi poter servire gli uomini fino alla fine.\nGesù ha sete delle loro anime; suo\nunico desiderio introdurle nella comunione\ncol Padre, fonte del vero amore e\ndella vera beatitudine.\nParticolare della sacra Sindone conservata nella cripta della chiesa del SS. Sudario a Torino\nRinascimento, cibo per lo spirito\nIl principio fondamentale del Rinascimento\nrisiede nella sua stessa denominazione:\n“rinascita”. Ma l’idea di\nuna rinascita, di un nuovo splendore,\nnei più disparati ambiti culturali, come\narte, architettura, letteratura, filosofia\ned altre discipline, affonda le\nproprie radici in un fenomeno\nprecedente, un po’ meno\nconosciuto ma assolutamente\nUmanesimo, con il quale venne\ndato un taglio perentorio ai\nprincipi caratteristici dei cosiddetti\n“secoli bui” del Medioevo.\nclassici greci e latini ed attraverso\nquesti modelli è stato\npossibile dare vita ad un modo\ncompletamente diverso di\nconcepire il mondo, un formidabile\nbackground per un\npensiero filosofico tutto nuovo.\nIl Rinascimento è il testimone\nfrattura ideologica, ormai irreversibile,\ndove l’uomo ha\nuna nuova percezione di se\nstesso e dell’universo che lo\ncirconda; è un humus fertilissimo\nche fa comprendere\nad ogni individuo di essere\nunico in tutto il creato e di\npossedere la capacità di autodeterminarsi.\n“rinascita” intuisce che attraverso\nle proprie doti può non\nsolo sconfiggere la sorte ineluttabile,\nma divenirne artefice.\nQuesto “uomo nuovo”\nè entusiasta, vive un’epopea\nstraordinaria e per molti versi\nirripetibile; è consapevole\ndi se stesso, bello, armonioso,\nelegante; ama l’arte, la\ncultura e la bellezza. Egli si riscopre\ncome l’essenza stessa\ndella divina proporzione,\na “sua immagine e somiglianza”,\ne come tale è mirabilmente\nraffigurato nel celeberrimo\ndisegno di Leonardo L’uomo vitruviano.\nL’essere umano si ritrova, dunque,\npadrone di un sé con la “s” maiuscola,\nassiso proprio nel baricentro del creato,\ninnalzato al ruolo di demiurgo sul\nUn’opera simbolo del Rinascimento: Leonardo da Vinci, L’uomo vitruviano (1490 circa), penna e inchiostro su carta,\nconfine tra micro e macro cosmo. In\nquesto divenire, l’uomo assurge a mediatore\ntra il divino e la natura, essendo\ndotato dell’energia generatrice che\ngli consente di creare un mondo nuovo,\npiù armonioso e ideale.\nLa cultura va a spasso con una shopping bag\ndi Elena Maria Petrini / foto courtesy Pasin Bags\nNell’antichità accadeva che i\nmessaggi venissero scritti e\nracchiusi in bottiglie le quali,\naffidate ai flutti e alle correnti marine,\nportavano sulla terraferma il loro contenuto.\nOggi si è scoperto un modo del\ntutto nuovo di veicolare messaggi, attraverso\nun oggetto utile e sempre presente\nnel nostro quotidiano: la borsa,\nrealizzata in carta, tessuto o materiale\nplastico. Una borsa, oltre alla sua normale\nfunzione di contenere oggetti da\ntrasportare, si trasforma in un vero e\nproprio strumento di comunicazione\npersonalizzabile. La superficie esterna\ndella cosiddetta shopping bag diventa\nun mezzo flessibile capace di veicolare\nl'immagine di un brand o di un\nprodotto, come pure notizie o messaggi\nculturali. «La cultura contribuisce\nin maniera determinante allo sviluppo\ndella società e dell'economia», afferma\nl'imprenditore trevigiano Massimo\nPasin, titolare della ditta Pasin Bags\nche ha dato vita al progetto editoriale\ne di ricerca chiamato Impresa Cultura\nLab per creare una connessione\nstrategica tra imprese e vettori culturali.\n“La cultura come ottimo terreno\ndi coltura": quello che sembra un\ngioco di parole, è in realtà un potente\nstrumento di comunicazione e di marketing\nper le imprese e motore di sviluppo\nsostenibile, crescita economica\ne innovazione. Il binomio economia /\ncultura ha radici lontane che affondano\nnel pensiero creativo dell'ingegnere e\nindustriale piemontese Adriano Olivetti\n(1901-1960), imprenditore geniale,\nlungimirante e per molti aspetti controcorrente,\na sua volta prosecutore\ndei concetti dell'economista e sociologo\ntrevigiano (conterraneo di Massimo\nPasin) Giuseppe Toniolo (1845\n- 1918), fautore della teoria che il benessere\nnon sia soltanto una mera\nforma strumentale di arricchimento\neconomico, ma qualcosa di molto più\ncomplesso per lo spirito umano. Senza\ndimenticare i temi propugnati dal professor\nPier Luigi Sacco sulla cultura\n"come volano per lo sviluppo economico\ne sociale". Il connubio di cultura ed\neconomia, due mondi da sempre a torto\nconsiderati molto lontani, si trasforma\ninvece in un vettore di conoscenza,\nla quale, unita alla creatività, genera innovazione.\nInsomma, temi interessanti\ne attualissimi quelli proposti da Impresa\nCultura Lab, che idealmente interpreta\n“l'esprit” dello scrittore e filosofo\nfrancese Paul Valéry (1871-1945):\n«Arricchiamoci delle nostre reciproche\ndifferenze». Grazie alla sua grande\ne multidisciplinare passione per le\narti figurative, la letteratura, la musica\ne lo sport, Massimo Pasin ha avuto\nl'intuizione di trasformare una normale\nshopping bag nella protagonista di\nun vero e proprio storytelling e in una\nmoderna "bottiglia", stavolta non più\ntrasparente, le cui superfici diventano\ntavolozze dagli infiniti e variopinti\nmessaggi che girano il mondo, senza\naltri limiti se non quelli tratteggiati dalla\nfantasia. Oltre all'iniziativa intitolata\nPasin Loves Art (il brand aziendale\ninterpretato da artisti di fama ed emergenti),\nPasin ha indetto anche un premio\na lui intitolato (Premio Pasin) per\nsostenere con una borsa di studio giovani\ntalenti della musica classica. Lo\nscorso anno il premio è stato assegnato\na Francesca Della Vista, studentessa\ndella Scuola di musica di Fiesole.\nPage 6 and 7: Ritrattid’artistaGabriel DianaIl\nPage 8 and 9: Incontri conl’arteA cura diViktor\nPage 10 and 11: La vocedei poetiRiflessioni sulla p\nPage 12 and 13: ObbiettivoFotografia PersonaggiA cu\nPage 14 and 15: Ritrattid’artistaGiusi NalettoUn\nPage 16 and 17: Se sei un poeta o un artista, parte\nPage 18 and 19: Ritrattid’artistaUn ricordo della\nPage 20 and 21: Letterati stranieri inToscanaA cura\nPage 22 and 23: Dal teatro alsiparioA cura diDorett\nPage 24 and 25: Amanda Sandrelli (ph. courtesy regg\nPage 26 and 27: Bagnoschiuma con succo d’Uva BIOL\nPage 28 and 29: PsicologiaoggiA cura diEmanuela Mur\nPage 30 and 31: OcchiocriticoA cura diDaniela Prone\nPage 33 and 34: Ritrattid’artistaJoanna AstonUn r\nPage 35 and 36: vative che ripropongo in modo perso\nPage 37 and 38: I libri delMeseUn giorno a ShangaiL\nPage 39 and 40: Lotto 44 − Michal AshkenasiLotto\nPage 41 and 42: Ritrattid’artistaRiccardo Salusti\nPage 43 and 44: A cura diDaniela PronestìOcchiocri\nPage 45 and 46: I libri delMeseSinfonia per San Sal\nPage 47 and 48: Ritrattid’artistaElena Migliorini\nPage 49 and 50: ni importanti oggi con la promessa\nPage 51: A cura diMargherita Blonska CiardiN\nGiuseppinaMaestrelliin arte Peppett\nB&B HotelsItaliaIl protocollo di sa\nIn vetrinaDi tutto di piùIl “par\nPercorsigourmetA cura diPaola Curra\nCultura eimpresaA cura diElena Mari\nMagazine: Giugno 2020