Hermoso color - azul oscuro/negro que creo. La consistencia ... | Revisión de Clinique Quickliner intense black\nHermoso color - azul oscuro/negro que creo. La consistencia no es lo mismo como Clinique Quickliner, esto es mucho más suave. Menos control, va en demasiado grueso - prefiero hacer una línea más sutil en la parte inferior y superior pestanas - este material no es sutil, por lo que tienes que usar a la smudger que no desea y no es necesario con el Quickliner. También mancha terriblemente y no duran en mi piel grasa. Yo también a parpadear mucho demasiado que no ayuda. Si usted comete un error y con esto es probable que, seca muy rápidamente y es difícil de sacar. También me irritan mis ojos. Se quedo con mi Clinique Quickliner en verdad negro como yo lo he usado por años y es mi delineador favorito pero necesita reemplazar cerca del final como empieza a suave y líquida cuando se pone viejo pero lo hace pasado 3 meses +!\nMi edad es de entre 44-55 años de edad, tipo de piel es grasa, tono de piel es oliva, tono de piel es neutro, tipo de cabello es marrón, textura del pelo es recto, color del pelo es medio y tengo ojos marrones.\nEsto comprado impulsivamente después de leer revisión tras r Shiseido\nCompré esto como buscaba un rosa más profunda. Lo intenté la Bobbi Brown\nMe ha gustado mucho este producto que me decidí a añadir a l One 'n Only\n, Mejor laca nunca. Mi edad es de entre 30-35 años de edad, Aussie\nIMAGEENES!!!! Esto es todo puedo decir, está trabajando geni Suave\nSÍ compraba esto otra vez! Espero que no tener que aunque po Dermanew\nEste es un hermoso color. Tiffany azul/verde. HERMOSA. Pero. China Glaze\nTuve un momento difícil conseguir este bronceador para traba\nRecibí esto como un regalo con la compra, y me encanta! Afir Clinique\nEste es mi favorito lápiz negro de línea - es maravilloso paEste es mi favorito lápiz negro de línea - es maravilloso para el smudgier del trazador de líneas se ve y no sangrar en líneas/arrugas, pero es algo caro. Tengo lagrimeo sensibles y encontrar éste se queda en mi línea de flotación y no arruga en mis línea Consiguió esto como parte de un GWP y nunca haber usado un lConsiguió esto como parte de un GWP y nunca haber usado un lápiz del trazador de líneas de Clinique era intriga saber lo que sería como. Bueno ahora sé y no me impresiona... Como otro revisor ha dicho aquí, esta manchas. Que es genial si quieres un look d Lo consiguió como parte de un regalo y yo ya uso lápiz de ClLo consiguió como parte de un regalo y yo ya uso lápiz de Clinique del trazador de líneas, que no es malo. Esta manchas del trazador de líneas, finas si quieres manchas, no. También. El tubo era defectuosa y tuve que sacudir el 'plomo'. Vaga en tu ca Este delineador de ojos maravillas. Con una fórmula suave y Este delineador de ojos maravillas. Con una fórmula suave y cremosa, se desliza sobre sus ojos y les hace mirada encantadora. Soy muy afortunada ya que había una oferta especial del día de un delineador de ojos gratis una vez que había comprado una base d i absolutamente encanta este eyeliner. permanece encendida ti absolutamente encanta este eyeliner. permanece encendida todo el día sin manchas o borrones. dura para siempre la usé 2 meses todo a diferencia de los otros tengo que comprar uno nuevo cada dos semanas! Me encanta Mi edad es de entre 30-35 años de edad, Para eco de comentarios del otro revisor, este es realmente Para eco de comentarios del otro revisor, este es realmente un color negro azulado, énfasis en el azul. No estoy impresionado con esta sombra en todo. Es la sombra sólo a me decepcionó aunque encuentro la ciruela y la hiedra que tonos encantadores. ACTUAL Tengo estos en todos los colores excepto el carbón. Son sin Tengo estos en todos los colores excepto el carbón. Son sin duda los mejores delineadores de ojos Ive había (y he tenido muchos) nunca será comprar otro nuevo. Mi edad es de entre 44-55 años de edad, tipo de piel es combinación, tono de piel es medio just Una encantadora delineador suave, intenso y duradero. Esto tUna encantadora delineador suave, intenso y duradero. Esto tengo en marrón que es sólo la sombra correcta - no demasiado fresco encantador tonificada, no demasiado rojo con sutiles destellosMientras la punta Roma después de unos usos todavía es fina lo su Realmente dificil de quitar así que tienes que conseguir la Realmente dificil de quitar así que tienes que conseguir la línea derecha primero tiempo y real rápidamente. La punta es muy gruesa por lo que no bueno para una línea delgada. Mi mayor problema es que después de unos días se rompió cuando traté de sacarla Tuve el Clinique Quickliner en intensa del pavo real, y es uTuve el Clinique Quickliner en intensa del pavo real, y es uno de los mejores delineadores de ojos que tengo, así que quería probar otro de esta colección. Noche intensa es un hermoso tono azul oscuro con un toque de gris pizarra en la mezcla y tiene un s Después de leer tantas críticas, decidí tratar Quickliner inDespués de leer tantas críticas, decidí tratar Quickliner intensa de Clinique intensa noche. El color es un azul de Marina de guerra profundo magnífico, perfecto para complementar mis ojos marrones. Lamentablemente, la razón por qué es tan bajo el rating De un intercambio de un tiempo atrás, recibí un Clinique QuiDe un intercambio de un tiempo atrás, recibí un Clinique Quickliner de ojos intenso en el color intenso del pavo real que es una teal metálico magnífico, profundo. El liner es un lápiz tuerza-para arriba con un smudger spongey en el otro extremo. No hay n Encanta este forro de mi línea de HG. Es un hermoso verde únEncanta este forro de mi línea de HG. Es un hermoso verde único que siendo un verdadero verde (no más cercano a castaño como un montón de delineadores de ojos verdes) todavía es totalmente usable. Me gusta la calidad metálica y el leve brillo. Como todos Ojos: azul/verdeQuickliner intenso color: Peridot Resumen: rOjos: azul/verdeQuickliner intenso color: Peridot Resumen: rescate porque: La textura de esta es tan hermosa, que se derrite como mantequilla en aplicación a la piel, pero entonces pone a sí mismo y no mancha ni borrón de transferencia. Se aplica tan bien Durante los últimos 20 años principalmente he utilizado sombDurante los últimos 20 años principalmente he utilizado sombras de ojos MAC pero notó que tengo picazón parche seco en las esquinas exteriores de los ojos. Así que tuve que encontrar algo que era más o menos hipoalergénico. Este es el primer trazador de l Solo he comprado el nuevo quickliner intenso después de funcSolo he comprado el nuevo quickliner intenso después de funcionar hacia fuera de quickliner en violeta. Había visto un anuncio para los trazadores de líneas le nuevo y quería probar. Tengo utiliza la funda dos veces y ambas veces encontré mis ojos reaccio Este es uno de los nuevos quickliners de edición limitada quEste es uno de los nuevos quickliners de edición limitada que forman parte de la tendencia de caída de Clinique. La sombra es "ciruela intenso". En mi opinión, estos quickliners son muy superiores a la quickliners regular. No estoy seguro si ref Esta es mi línea favorita siempre. Me encanta el clavo de olEsta es mi línea favorita siempre. Me encanta el clavo de olor intenso pero siempre parece estar fuera de stock. Yo elegí berenjena intenso última vez y realmente como él un poco más de clavo de olor. La fórmula es fácil y suave, sin tirones y esto no bor Añadir mi voz a la de ladyc74. He comprado Chocolate intensoAñadir mi voz a la de ladyc74. He comprado Chocolate intenso y encantó inicialmente lo que miraba mis ojos azul verdoso y el hecho de que uno podría efectuar una cuasi-película sin recurrir a la funda de gel. No tengo regalos mis nueve años me dice que te\npor ..no Rojo cremoso es matiz puta curlco serum eye tratamiento michael todd es bueno el shampo iso perfume imari elixir huele bien ion curly shampoo es bueno hask keratin protein oil como usar strictly curls marc anthony funciona jabon ambi complexion


cierra el 2009.\nun año que duró medio año.\nla primer mitad se diluyó esperando la hecatombe.\nentre plagas y crisis mundial, la idea es que nada podía pasar, y hasta después de las elecciones de mitad de año, sobraban los motivos para paralizarse, los medios en esos escenarios, nunca paran, y todos sentaditos esperando el derrumbe.\npero a pesar de la parte real de la crisis, el mundo sigue funcionando.\nen ese contexto, siempre fuimos de la idea de no comprar primeras planas.\nconcientes y curtidos ya por varias crisis serias en las útl¡imas dos decadas, seguimos trabajando en la medida de lo posible, con el estudio como refugio en este tipo de situaciones.\nayer hablábamos de esa condición de los estudios, de lugares donde las ideas siempre sirven de norte, a pesar de las condiciones extramuros. de la suerte de la vocación.\nasi fue que trabajamos en distintos órdenes,\ncon la concreción de proyectos como eje que alimenta toda la reflexión:\nlas obras son motivo de alguna reflexión, que una vez hechas, permiten a su vez reflexionar sobre ellas, y algunos temas que se reelaboran, otros que se abandonan, o se retoman, y construir como dinámica de los textos.\nalgunas de las cosas que hemos hecho en 2009, que no hicimos aun visibles en el blog:\nun pequeño edificio de oficinas de rentas y unas viviendas agrupadas investigan como controlar asoleamiento , sonido y seguridad, en la construcción de una piel.\nOFICINAS DARDO ROCHA\ny de esa experiencia algunas ideas para darle sentido a un equipamiento de oficinas sobre la panamericana, donde todas las condiciones mencionadas se potencian por la escala. cerca de pilar, esa obra avanza,\nOFICINAS KILOMETRO 50\nesta es alguna de las obras que terminaremos en 2010.\ncomo algunas casas que están aun en obra, que retoman algunas ideas de la casa h que entregamos este año y que ya mostramos en extenso:\nla casa y el patio, el hormigón como estructura y arquitectura,\ncomo en la casa i, que estará lista en febrero 010,\no la casa a, que espera colada de hormigón en planta alta en estos días y esperamos terminar para fines de 010,\nestas ideas, la estructura como arquitectura, la piel, y el patio, las hemos usado como reflexión vertical, en el proyecto para la calle fitz roy, uno de los varios proyectos de vivienda agrupada en altura que estamos desarrollando,\nque se suman al emprendimiento san isidro loft, que este año entregó algunos de esos proyectos, a veces como nuevo programa de vivienda en un equipamiento industrial reciclado a tal fin,\na veces como edificio entre medianera en altura,\na veces como desarrrollo en un predio generoso en vegetación, y la agrupación de unidades tensionadas entre la parte y el todo, y el conflicto de la escal de 100 familias compartiendo su privacidad.\ntambién trabajamos proyectos que no sabemos si verán la luz, entre algunos, este edificio de oficinas en montevideo, cerca del nuevo aeropuerto de viñoly,\ny algunos otros que si la verán, como esta pequeña agrupación de viviendas, donde las reflexiones de la piel que mostramos antes tal vez se resuelvan con cerámica, intentando que la gravedad del ladrillo se vuelva liviana,\no este otro proyecto, donde volvemos a abordar la reflexión sobre la escala del paisaje como insumo proyectual, buscando que la rigidez de un código se vuelva problema y virtud.\nya hemos mostrado algunas otras obras, y algunas reflexiones a partir de concursos, o la invitación de clarín para pensar la escala del mobiliario.\nel blog nos permite poner a la vista parte de nuestro trabajo, o mejor aun, buena parte de la reflexión a la que nos lleva nuestro trabajo. sin ninguna pretención mas que esa, la de poder transformar el trabajo diario en motivo de relfexión.\nlo mas atractivo que nos ha pasado en esa dimensión, fue sin duda cierta trascendencia que cobra entonces, ese trabajo diario.\nno hicimos mención en su momento, pero para nosotros, haber sido tapa de la revista A+U, encabezando la edición sobre arquitectura argentina, mas allá del valor hacia afuera, potenció el compromiso que ya teníamos sobre nuestra propia producción.\nno podríamos, pasado el primer momento, no evaluar lo que podía implicar , para nosotros mismos, estar en ese sitio.\ncomo tampoco podemos ignorar lo que nos significa haber aparecidio en el ranking que elabora el diario clarín junto a colegas de un prestigio enorme, queridos, referentes, compañeros de ruta.\nla mención de esto no tiene aquí la inteción propagandística, sino el impacto de cargar con una mirada no buscada, dada mas bien, pero , aun cuando nadie lo pida, genera responsabilidades.\npara nosotros, ese prestigio (asi se titula el ranking) dado por la comunidad arquitectónica, establece un compromiso.\ny es un magnífico compromiso que celebra el trabajo que, en nuestro formato almacén, llevamos a cabo todos los días.\nCASA DELTA- MENCION PREMIO DECADA-JURADO PAULO MENDES DA ROCHA\ncerramos asi, de buenísima manera, una etapa puertas adentro del estudio, que nos comprende como estudiantes, como novatos, y como estudio conformado, que llamamos 80 90 00, de casi tres décadas en la arquitectura.\nPublicado por tbsas en 10:42


Tuppers de Comida a Domicilio Semanal - Guilty's Food - Comida Casera\nTUPPERS DE COMIDA CASERA A DOMICILIO. VAMOS A REVENTAR TU NEVERA CADA SEMANA.\nPon tu cocina en modo avión\nLlenamos tu nevera cada semana de tuppers ricos y variados.\nPon tu cocina en modo avión.\nTRANQUI, HAY VARIEDAD\nElige entre más de 30 platos variados. ¡Nuevos platos cada 15 días!\nRECIBELO EN 72HRS\nNos gustaría tardar menos, pero cocinamos bajo demanda, no con stock. Calidad antes que velocidad.\nWTF IS GUILTY'S\nEasy. Cocinamos para ti todas las semanas. Platos variados y diferentes con ingredientes frescos para que elijas lo que te de la gana. Llenamos tu nevera de tuppers, ahorrandote tiempo y dinerito, que la cosa esta muy mal.\nGuilty’s cocina, Tu comes, Nadie limpia\nAhorra tiempo y Fairy®. Come sin pensar en limpiar, ni malgastar agua.\nAhorra en cada comida\nAhorra o nunca. Más de 30 platos desde 2,95€. Más barato que el menú del día Casa Paco, y sin oler a fritanga.\nReduce tus compras\nMedio limón seco le da cierto caché a tu nevera, pero se acabó comprar ingredientes de más. Optimiza tus compras, ahorra tiempo y dinero.\nNo existen palabras para describir esta p*** maravilla. Gracias Chef.\nLo podríamos llamar Pollo de Currial pero es demadiado malo para lo bueno que está.\nSalmón con salsa de puerros y verdurita\nSolomillo de Cerdo, Parmentier y Pimientos del Piquillo\nTE DAMOS DE COMER COMO TU MADRE...\n...PERO SIN SUS TÍPICAS FRASES\n«Hazte la cama»\n¿QUÉ ES GUILTYS?\nGuilty’s Food es tu salvación, es poder comer platos como los que cocinaba tu abuela, tu padre o tu vecina, cuando quieras y donde quieras.\nSomos la alternativa al delivery o a los grasientos y pesados menús del día. Organiza tu semana como tu quieras. Pide tantos platos como necesites, comidas, cenas, meriendas…\nSomos Slow Food, cocinamos a fuego lento y con procesos tradicionales. ¿Unas lentejitas?.\nMÉTODO «COOK & CHILL»\nNo es «Netflix & Chill». Gracias a este método, en el que enfriamos los platos a menos de 4º, conseguimos mantener el sabor intacto y dar una caducidad de hasta de 10 días, sin utilizar ni aditivos ni conservantes.\nSi, el pedido mínimo es de 25€. Puedes disfrutar de envío gratuito por un pedido de más de 50€.\nSi, nuestros tuppers se pueden congelar, aunque siempre recomendamos comerlos frescos! Siempre congelar antes de la fecha de caducidad.\n¿Se puede enviar a la oficina?\nLo podemos enviar donde quieras. Lo importante es que tengas una nevera para guardarlo, y no romper la cadena del frío.\nSi, tenemos opciones veganas. Muchos platos son plant-based, y algunos conseguimos que sean veganos al 100%. Dentro de poco tendremos Heura como una proteina vegetal, que os dará muchas más opciones.\nHAMBRE DE STALKEO\nFeel Guilty all week 🧡\nTodas las comidas de tu semana caben en una caja.\nNo comas. DE-VO-RA 🧡\nFoto penne 🧡\nFELIZ DIA INTERNACIONAL DEL UNBOXING 🧡\n3:00 minutitos en el micro y listo. 🧡 // #tuppe\nVisita guiltysfood.com y elige tus tuppers para to\nEn el 2022 haz lo que te apetezca y empieza por lo


Historia del Arte: abril 2016\nTras el desarrollo del Modernismo se abre un nuevo horizonte para el arte de construir. La arquitectura intenta ser la respuesta antes las necesidades que plantea la nueva sociedad aprovechando al máximo el espacio, un bien preciado en las superpobladas urbes de nuestro siglo, y creando espacios dignos y habitables en los que se desterrará definitivamente cualquier referencia al pasado, algo a lo que contribuyó notablemente el Racionalismo. En este sentido, podemos afirmar que la arquitectura del siglo XX es autorreferencial.\nSólo a partir de los años 70-80 se vuelven a plantear profundas necesidades estéticas que, en algunos casos, se traducen en una vuelta al pasado y una revisión un tanto particular e irónica de la arquitectura clásica.\nFrank Lloyd Wright: La Casa de la Cascada. Pensilvania\n1. LOS RETOS DE LA ARQUITECTURA EN EL SIGLO XX\nSon muchos los cambios que se van a producir en la arquitectura de este siglo. Algunos de ellos hunden sus raíces en hechos acaecidos en el siglo anterior, como la II Revolución industrial, que generó un tipo de sociedad diferente con nuevas necesidades que la arquitectura del siglo XX va a intentar solventar.\nLa gran mayoría de la población vive en las ciudades. La planificación de las mismas es uno de los objetivos de nuestro siglo. De este modo nacerán proyectos urbanísticos como el de Tony Garnier, el primer arquitecto que afrontó seriamente el crecimiento y la planificación conjunta de la ciudad y la arquitectura. En sus proyectos se empleaban los nuevos materiales que la industria había aportado al mundo de la construcción. No descarta la posibilidad de que la ciudad industrial sea un espacio fundamentado en el orden. Algunas de sus ideas se llevaron a la práctica en la ciudad de Lyon con bastante éxito. La ciudad de Brasilia proyectada por Niemeyer y Lucio Costa, es otra interesante prueba de la importancia que tuvo el urbanismo a principios de siglo.\nOtro de los problemas que trae consigo el desarrollo de las ciudades es el importante crecimiento de la población y los problemas para encontrar una vivienda. La solución eran los rascacielos, que surgen a finales del siglo XIX en Estados Unidos y que se continúan construyendo a lo largo del XX. Con el rascacielos se consigue concentrar a un gran número de personas en un espacio relativamente reducido que podía reunir perfectamente condiciones de vida dignas. Con idéntica finalidad nacen las unidades de habitación, como las diseñadas por Le Corbusier. De lo anteriormente expuesto llegamos a una conclusión obvia: la forma ha de subordinarse a la función. Lo importante de un edificio es que sea funcional, que cumpla de la mejor manera posible la función para la que ha sido diseñado.\nLa aparición de nuevos materiales y su empleo en el mundo de la arquitectura seguirá avanzando. El muro tradicional será desplazado por el muro-cortina y la arquitectura tratará de alcanzar las formas transparentes y dinámicas.\nAdemás, en el siglo XX se llega a algo que se había preludiado en el XIX durante el furor modernista: la ruptura con la tradición. Se pretende romper las cadenas que ligan al arquitecto al pasado y crear un nuevo lenguaje caracterizado por la libertad absoluta. Se rechaza cualquier referencia a estilos anteriores. Esto confiere a la arquitectura del siglo XX un carácter universal y autorreferencial: un edificio no deberá hacer referencia a nada, tan sólo a sí mismo. Éste es un aspecto que marcará, sobre todo, a la arquitectura racionalista de la que hablaremos a continuación.\n2. LA ARQUITECTURA RACIONALISTA\n2.1. El Racionalismo: significado y antecedentes\nEl Racionalismo plantea la búsqueda de una arquitectura basada en la Razón que se adecue perfectamente a la función para la que ha sido pensada. Es, por tanto, una manera de interpretar la arquitectura, en la que lo ornamental no tiene cabida. Se fundamenta en las formas puras y geométricas. Se prescinde de cualquier jerarquía o referencia al pasado. Si quisiéramos encontrar un antecedente de la arquitectura racionalista deberíamos remontarnos hasta el Neoclasicismo y, más concretamente, a su vertiente utópica, representada por Boullée y Ledoux. El antecedente más directo es el de la arquitectura de finales del siglo XIX y principios del XX en Estados Unidos, donde se comienzan a construir los primeros rascacielos, que encajarían perfectamente dentro de las características que perfilan la arquitectura racionalista como ya hemos visto. La Sezession vienesa también debe ser considerada otro punto de partida para el Racionalismo, más que cualquier otra forma de Modernismo, dado el predominio que existe en ella de líneas rectas y formas geométricas simplificadas.\nEn Europa, arquitectos como Adolf Loos, Peter Behrens y Auguste Perret, configuran lo que se puede denominar Protorracionalismo, preludio de la arquitectura puramente racionalista. Adolf Loos (1870-1933), de origen austriaco, estuvo en contacto con notables representantes de otras manifestaciones artísticas, como el pintor y escenógrafo Kokoschka, el escritor Tristan Tzara o el músico Alban Berg. La mayor parte de sus obras fueron para la ciudad de Viena. Estaba totalmente en contra de la ornamentación en la arquitectura. Ésta ha de ser _según él_ útil, y sus formas y volúmenes han de estar en relación al ser humano.\nLoos: Casa Steiner. Viena\nLoos: Casa Loos en la Michaelerplatz. Viena\nEl arquitecto alemán Peter Behrens (1868-1940) es, ante todo, un arquitecto de fábricas, como la AEG o la Fábrica de turbinas de Berlín (1909). Aprovechó las cualidades de los diferentes materiales para conseguir la máxima economía y simplificación, características que no están reñidas con la estética. Auguste Perret (1874-1954) representa el Racionalismo en Francia y es el autor de la Casa Franklin de París (1902-1903), en la que se sirve del cemento armado, uno de los materiales que mayor número de ocasiones empleó, y del cristal.\nBehrens: Fábrica de turbinas AEG. Berlín\nAntes de finalizar este apartado, que pretende ser una breve introducción par el estudio de la arquitectura racionalista, deberemos hacer referencia al urbanismo representado a comienzos de siglo por Tony Garnier (1869-1948). Garnier nos ha dejado más muestras de su teoría arquitectónica que de construcciones. En 1904 presentó una ciudad industrial para 35.000 habitantes realizada con cemento armado y vidrio. Sus ejemplos más interesantes de arquitectura se hallan en la ciudad de Lyon. Su obra se sitúa en la línea de las utopías socialistas de Owen o Fourier.\n2.2. La Bauhaus y sus arquitectos\nEn 1919, mediante la fusión de la Escuela de Artes Aplicadas y la Academia de Weimar, Walter Gropius crea en esta ciudad alemana la Bauhaus, a la que estuvieron ligados algunos de los más importantes arquitectos del siglo XX. Se trata, en realidad, de un instituto de artes y oficios en el que los alumnos diseñan todo tipo de objetos, con dos pretensiones fundamentales: superar la tradición y tener en cuenta las nuevas tecnologías surgidas como respuesta a las necesidades del individuo, tanto fisiológicas como psicológicas. En 1925 la escuela se traslada a Dessau, a un edificio que se construyó según un proyecto de Gropius. Éste fue el momento más interesante y productivo de la Bauhaus, el momento en el que más racionalistas se mostraron sus integrantes. Entre ellos se encontraban el propio Gropius y Meyer (este último sucedería a Gropius en la dirección de la academia). Fue clausurada en 1932, aunque se intentó reconstruir en Berlín bajo la dirección de Mies van der Rohe. Durante aquellos años se comercializó la producción industrial de modelos, alfombras, tejidos, etc.\nDentro de esta escuela se encuentran algunos de los más destacados arquitectos de nuestro siglo:\nWalter Gropius (1883-1969) se formó en el estudio de Peter Behrens. Su primera obra importante fue la Fábrica Fagus (1911), concebida como una hermosa combinación de vidrio y hierro. Su gran obra es el edificio de la Bauhaus en Dessau, en donde colaboraron tanto los estudiantes como los docentes. La planta está formada por tres brazos que se extienden con libertad y que multiplica los puntos de vista. Los muros son de cemento armado y vidrio. En 1937 se trasladó a los Estados Unidos, en donde montó un estudio con Breuer. Su arquitectura supone el triunfo de la razón en un momento en el que las guerras representan la irracionalidad más absoluta.\nAdolf Meyer (1881-1929) fue un importante colaborador de Gropius y profesor de la Bauhaus entre los años 1919 y 1925.\nMies van der Rohe (1886-1969) era hijo de un cantero y sus primeros pasos en el mundo de la arquitectura los da de la mano de Behrens. Conocía a Le Corbusier y a Gropius, al tiempo que admiraba la obra del arquitecto neoclásico Schinkel. La primera obra de este autor que podemos considerar revolucionaria data de 1919: el edificio de oficinas de la Friedrichstrasse de Berlín, tres torres unidas en el centro donde se situaron las escaleras y los ascensores. En 1923 y 1924 proyecta dos casas de campo y en 1929 el Pabellón de Alemania de la Exposición Universal de Barcelona, en el que demuestra que su arquitectura se fundamenta en el adecuado manejo de los materiales como el acero, el cemento armado y el vidrio, en los volúmenes nítidos y en el empleo del muro-cortina que sustituye al muro tradicional. En 1938 se vio obligado a emigrar a los Estados Unidos. Allí realizó el Illinois Institute de Technology de Chicago (1950-1956) y un importante número de rascacielos que parecen grandes cajas de cristal en los que se puede percibir la devoción que Mies siente por las formas puras.\nMies van der Rohe: Pabellón de Alemania de la Exposición Universal de Barcelona. Reconstruido en 1986\n2.3. Le Corbusier\nCharles Edouard Jeanneret (1887-1965) como se llamaba en realidad Le Corbusier, nació en Suiza aunque la mayor parte de su obra se desarrolló en Francia. Trabajó en los estudios de Behrens, Perret y Hoffmann. Con ellos, especialmente con Perret, aprende a utilizar el hormigón armado. Uno de sus primeros proyectos es el de Las casas Dom-Ino, en las que ya se contempla la posibilidad de que se reprodujesen en serie. Le Corbusier fundó junto con Ozefant y su primo, Pierre Jeanneret, un estudio del que salieron las primeras propuestas urbanísticas (proyecto para una ciudad de tres millones de habitantes). En 1926 realiza una de sus obras más conocidas: La Villa Savoye (1929-1931), en Poissy (Francia) que consiste en una estructura de hormigón armado encalada (estuvo durante toda sus carrera influido por la arquitectura mediterránea) que se fundamenta en los cinco puntos que reúne su arquitectura:\nEmpleo de pilotis: el edificio no se asienta directamente sobre el suelo. Se trata de que esté lo más separado posible de la tierra, y se consigue, además, que este espacio sea transitable.\nTerraza jardín: es factible gracias al uso del hormigón, con el que se realizan techos planos. Las uniones del techo de hormigón se rellenan con arena que protege de las oscilaciones térmicas.\nLa fachada libre.\nMultiplicación indefinida de los vanos: los ventanales corridos están divididos por varillas metálicas y tienen mayor tamaño, llegan a invadir el muro, puesto que éste ya no tiene la función tradicional de actuar como muro de carga.\nLa planta libre: al variar la función tradicional del muro, tal y como hemos apuntado anteriormente, las plantas son muchísimo más libres.\nLe Corbusier: Villa Savoye. Poissy\nEn 1948 publica una especie de tratado, Le modulor, en el que se recogen todas sus propuestas urbanísticas. Le Corbusier fue un gran teórico, pero no de carácter utópico, sino que la mayor parte de sus teorías se aplican en sus obras. Por ejemplo, en Le modulor estudiaba los movimientos de un hombre de 1,83 m de alto e intentaba que sus arquitecturas estuviesen realizadas a una escala humana y sirviesen para ajustarse adecuadamente a sus necesidades. Estas teorías tuvieron una aplicación inmediata en la Unidad de Habitación de Marsella (1946-1952), conjunto destinado a familias obreras, en el que se busca sobre todo la habitabilidad y la calidad a bajo precio. En ella, los bloques que la integran se disponen espaciosamente sin interferirse unos a otros y sin quitarse la luz.\nLe Corbusier: Unidad de Habitación. Marsella\nEn 1950 se produce un importante cambio en la trayectoria de Le Corbusier. Se suaviza su Racionalismo y se aproxima al Organicismo. En 1955 realiza una de sus obras maestras: La iglesia de Notre-Dame du Haut en Ronchamp. Su planta es irregular y ondulante y los muros están ligeramente inclinados. Este edificio está cubierto con un gran elemento curvado que parece una inmensa hoja. En este caso, Le Corbusier recurre a la propia naturaleza para inspirarse. Distribuidas libremente a lo largo del muro se encuentran pequeñas ventanas de vidrios de colores que concentran la luz en puntos muy concretos del suelo. Parece, más que una arquitectura, una escultura gigantesca, en la que la exaltación de la materia y la búsqueda del dinamismo son los aspectos fundamentales. Existe mucho del Expresionismo en esta obra.\nLe Corbusier: Iglesia de Notre-Dame du Haut. Ronchamp\n3. EL ORGANICISMO: FRANK LLOYD WRIGHT\nPor arquitectura orgánica debemos entender todas aquellas manifestaciones arquitectónicas que tratan de adecuarse y aliarse con la naturaleza. Esta idea la podemos encontrar en la arquitectura desde tiempos muy remotos, pero la verdadera formulación teórica del Organicismo la hace Frank Lloyd Wright (1869-1959), tal y como la indica Bruno Zevi:\nEl sentido de lo interior como realidad.\nLa planta libre como flexibilidad y continuidad de ambientes.\nLa unidad entre el exterior y el interior.\nLa casa como protección.\nCon las aportaciones a la arquitectura de Wright, el Racionalismo comienza a ser olvidado y se ensayan nuevos caminos para la arquitectura. Él se encarga se oponer la curva a la línea recta, característica del Racionalismo.\nWright, desde muy pronto, se interesó e investigó las relaciones entre el hombre y la arquitectura, y de ésta última con la Naturaleza. Este arquitecto era de origen norteamericano, viajó por Europa entre 1909 y 1911 y trabajó en Tokio, donde conoció la arquitectura japonesa que le fascinaba, lo mismo que los templos mayas de Yucatán. De esto podemos deducir que la formación de Wright es cosmopolita y amplia. En la segunda mitad de los años treinta realizó la Casa Kaufmann o Casa de la Cascada (1936), bella simbiosis entre arquitectura y naturaleza.\nEn los últimos años de su vida experimentó con las formas curvas e imaginativas en las plantas como demostró magistralmente en el Museo Guggenheim de Nueva York (1943-1958). En este caso se esforzó por dotar al museo de dos aspectos fundamentales. En primer lugar, se encargó de que fuese un lugar luminoso en el que sobresaliese una luz controlada que no se refleje sobre la superficie de los cuadros. Por otro lado, quiso que fuese un espacio para disfrutar, un espacio agradable, que se recorre ascendiendo por una rampa y de un modo continuo que permite que el museo se transmite sin rupturas, como algo progresivo.\n4. LA ARQUITECTURA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX\n4.1. Los años 50\nA partir de la segunda mitad del siglo XX la nota que mejor define la arquitectura va a ser la diversidad.\nAparece en escena una serie de arquitectos que, siguiendo el ejemplo dado por Le Corbusier en sus últimas obras, interpretan la arquitectura como si de un objeto escultórico se tratase.\nEste es el caso de Pierluigi Nervi (1891-1979), ingeniero de origen italiano que colaboró con Gio Ponti en la Torre Pirelli (1955-1959, Milán), un verdadero rascacielos de gran altura en el que se emplea el muro-cortina. Esta obra, no será, sin embargo, una de las que mejor represente su manera de interpretar la arquitectura. Basará la mayor parte de sus creaciones en tres aspectos: la cúpula esférica, la bóveda cilíndrica y los pilares inclinados en forma de "Y".\nPierluigi Nervi: Palacio de Exposiciones. Turín\nEn esta línea se encuentra Félix Candela, nacido en Madrid en 1910, pero afincado en Méjico, en donde realizó la mayor parte de sus obras, en las que recurre continuamente a las formas parabólicas.\nJorn Utzon, nacido en Copenhague en 1918, es el autor de la Ópera de Sydney (iniciada en 1957) tras ganar el concurso internacional de proyectos convocado a la sazón. Este edificio está realizado con inmensos cascarones blancos prefabricados de cemento armado colocados sobre una plataforma que avanza hacia el mar.\nEero Saarinen (1910-1961) realizó la Terminal aérea de TWA en el Kennedy Airport de Nueva York, obra inspirada en un gran pájaro con las alas desplegadas. Algunas de las primeras obras de Kenzo Tange se encuentran en esta misma línea (Piscina olímpica de Tokio, 1964).\nKenzo Tange: Estadio Olímpico. Japón\nEl Nuevo Brutalismo surge a partir de 1954 de la mano de los arquitectos ingleses Allison y Peter Smithson. El Brutalismo es, ante todo, una exaltación de los materiales y de su capacidad expresiva. La primera obra importante que podemos considerar brutalista es la Escuela de Hunstanton (1951-1954), en la que se dejan a la vista el ladrillo y el acero, así como las instalaciones (tuberías, conductos, etc.). En Estados Unidos estuvo representada por P. Rudoph y Louis Kahn. Sobre Kahn (1901-1974), artífice del Palacio de la Asamblea de Dacca en Pakistán, o el Centro para la comunidad judía de Trenton, dice Josep María Montaner: "La voluntad de trascendencia y permanencia que expresa su arquitectura se ve ligada a su influencia del pensamiento de Platón y Heiddeger, es expresión de su convencimiento de que la recuperación de la dignidad humana se va a producir a través de la dignificación de la arquitectura de las instituciones humanas".\nEn Italia encontramos gran variedad en el panorama arquitectónico. Sobresalen ejemplos como la Torre Velasco (1958) del grupo B.B.R.P. Se trata de una revisión del Racionalismo pero contemplando, al mismo tiempo, la tradición, puesto que está inspirada en la arquitectura medieval italiana, y exaltando la potencia matérica. Por otro lado, destaca la arquitectura de los barrios de la ciudad de Roma recogida en las películas del Neorrealismo italiano, y representada por arquitectos como Ridolfi o Vittorio Gregotti.\nAlvar Aalto (1898-1976) representa la arquitectura finlandesa de este momento. En sus obra se funde el espíritu racionalista con la tradición popular y los materiales tradicionales, preferentemente madera. Son edificios cálidos y adecuados a la dimensión del ser humano, en los que es posible percibir la influencia de Wright. Realizó con éxito varios edificios de exposiciones.\nAlvar Aalto: Edificio del Ayuntamiento. Helsinki\n4.2. Los años 60\nLos años 60 son tiempos de revolucionarios y de utópicas propuestas, dentro de las que sobresalen las de arquitectos japoneses, los más creativos e innovadores del momento. Ellos son quienes pondrán en funcionamiento las novedades tecnológicas que habían aparecido en aquellos años.\nEl urbanismo experimenta un extraordinario, pero sobre todo, revolucionario cambio. Se revisan los modelos urbanísticos vigentes en Occidente y se buscan soluciones alternativas. Una de las propuestas más interesantes y sorprendentes es la del Grupo Archigram, de origen inglés, procedente de la estética pop y del mundo del cómic, que llegó a diseñar una ciudad que se podía mover gracias a las patas de las casas que se asemejan a grandes naves espaciales.\nJapón va a desempeñar un papel fundamental en estos años, realizando aportaciones extraordinarias. Uno de los arquitectos más interesantes es Kenzo Tange, que junto con Korokawa y Arata Isozaki, representan lo que se ha venido denominando Metabolismo que se fundamenta en los siguientes aspectos:\nLas megaestructuras: torres formadas por diversas células prefabricadas con forma de cubos o módulos que se van agregando a un eje central (Torre-cápsula de Nagakin de Kurosawa).\nVigas voladizas como elementos horizontales volados que refuerzan la sensación de horizontalidad de algunos edificios.\nMallas colgantes utilizadas sobre todo por un arquitecto alemán llamado Frei Otto (Pabellón de la República Federal Alemana en la Exposición Universal de 1967 en Montreal).\nSe construyen edificios como grandes cajas cúbicas cerradas por muro cortina.\nEste último elemento seguirá siendo esencial en la elevación de rascacielos, que durante estos años se van a continuar construyendo como fruto de las investigaciones, tanto tecnológicas como formales, que se estaban alcanzando en este terreno. Especialista en este tipo de construcciones es el Grupo S.O.M., autores del John Hanckock Center de Chicago. Ellos se encargaron de estudiar los mecanismos necesarios para dar mayor estabilidad a los rascacielos en caso de movimientos sísmicos.\nGrupo S.O.M.: Torre Sears, Chicago.\nAntes de finalizar nos referiremos a Richard Fuller (1895-1983) que, en 1967, hizo el pabellón de los Estados Unidos en la Exposición de Montreal. Se trata de un espacio cubierto con una imponente cúpula geodésica que le llevó muchos años de investigación.\n4.3. La arquitectura posmoderna\nCharles Jencks se encargó de codificar y de resumir los aspectos fundamentales de la arquitectura posmoderna. En su obra El lenguaje de la arquitectura posmoderna traza un árbol genealógico de la misma y establece los elementos que dan paso a la Posmodernidad. Durante los años 80 se revitaliza un tema que había permanecido olvidado prácticamente desde los comienzos del siglo XX: la pervivencia de la arquitectura clásica.\nVenturi y Aldo Rossi son dos de los arquitectos más representativos de la Posmodernidad. Robert Venturi nació en Filadelfia en 1925. Está muy próximo al Pop-art y al Archigram y absolutamente opuesto al movimiento Moderno. Sus obras son eclécticas, ambiguas e irónicas y demuestran su preocupación por la relación función-forma. Entre sus creaciones más interesantes se encuentra la Venturi House (1962), en Chesnut Hill.\nAldo Rossi (1923-1997) fue redactor de la revista italiana Casabella. La mayor parte de sus edificios se caracterizan por la simplicidad, el orden simétrico de las fachadas, la pureza de sus líneas, incluso, podemos hablar de Clasicismo dado que respeta las leyes clásicas de la composición. También se le ha considerado un neorrealista. Su arquitectura se debe relacionar con la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, que en sus cuadros pinta arquitecturas muy similares a las que hizo Rossi: arcos de medio punto, edificios rojizo que es la misma tonalidad que tienen algunas de las obras de Rossi al utilizar el ladrillo, etc. A través de la clasificación de la arquitectura posmoderna en los años 80 que hizo Jencks, arquitecto y teórico norteamericano, podemos ir citando y conociendo a algunos de los arquitectos más interesantes de este momento y su postura con respecto a la arquitectura clásica:\nIrónico: se emplean elementos clásicos sueltos, inconexos, deslabazados, con una gran dosis de ironía. En este caso se encuentran Graves (Ayuntamiento de Portland) y Moore (Plaza de Italia en Nueva Orleans).\nLatente: del Clasicismo toman los principios de organización de los elementos, pero no los elementos en sí ni su vocabulario formal.\nFundamentalista: se trata de extraer los elementos geométricos esenciales, la esencia misma del Clasicismo, sus rasgos fundamentales. Dentro de este grupo están Aldo Rossi y el arquitecto español Rafael Moneo.\nCanónico: la postura más retardataria de todas ellas. Es la que más cercana está de todas al revival. Tiene gran incidencia en países como Reino Unido y Estados Unidos. Ricardo Bofill es un buen ejemplo de ello.\nModerno: dentro de esta línea se plantea que lo clásico es un ideal permanente que se puede compatibilizar con nuevas teorías en una especie de eclecticismo.\nRafael Moneo: Aeropuerto de Sevilla\n5. LAS ÚLTIMAS PROPUESTAS: DECONSTRUCCIÓN Y HIGH TECH\nEn el grupo de los Five Architects, formado por Meier, Hejduk, Tafuri y Graves, se incluye Peter Eisenman, uno de los arquitectos más revolucionarios e interesantes de nuestro siglo. Es el punto de partida de la Deconstrucción, que propone la disgregación del edificio. La función se separa definitivamente de la forma. Por este motivo, Eisenman realiza arquitecturas que son puras formas en las que no existe un eje o un punto central, sino que éstas se diseminan libremente en el espacio, no teniendo por qué estar dotadas de función alguna. Él se preocupa, única y exclusivamente, de experimentar con las formas, en las que introduce el color. En el año 88 se celebra una exposición en el MOMA de Nueva York sobre la Deconstrucción, de la que formaban parte varios autores, entre ellos Frank Gehry (autor del edificio que acoge la colección de la Fundación Guggenheim en Bilbao, 1997), quien está bastante relacionado con el Arte Pop y es el autor de edificios realizados con materiales poco nobles y de grandes volúmenes superpuestos.\nEl High Tech, otra de las propuestas arquitectónicas más recientes, está basado en el uso de tecnología punta, de los más nuevos adelantos tecnológicos. Esta corriente está representada por Renzo Piano y Richard Rogers; juntos realizaron el Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou de París en el que se emplean materiales muy sofisticados y no se ocultan los elementos estructurales (las escaleras metálicas van por el exterior del edificio). Norman Foster (nacido en 1935) también se encuentra en esta línea, pero no hace tanta ostentación d ella tecnología. Se decanta por la utilización de volúmenes limpios y muros de cristal, en los que durante el día se refleja el entorno del edificio. Jean Nouvel (Fumel, Francia, 1945), autor del Instituto del Mundo Árabe (1981-1987), participa de las ideas de los arquitectos que utilizan las nuevas tecnologías.\nRogers y Piano: Fachada del Centro de Arte Contemporáneo Georges Pompidou. París\nJean Nouvel: Instituto del Mundo Árabe. París\nLAS CONSTRIBUCIONES DE LA BAUHAUS A LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XX\n"La paradoja que surge de la historia turbulenta de la Bauhaus es que aunque fue fundada con un espíritu que reconocía una importancia suprema en el edificio, durante los primeros ocho años, no se estudió la arquitectura en su justo lugar. A pesar de todo, todavía se hace sentir su influencia en la utilización de componentes prefabricados producidos en masa y en el diseño funcional de muchas de las nuevas viviendas de hoy. La Bauhaus también contribuyó a cambiar la manera en que se enseña arquitectura, sobre todo en los Estados Unidos, al ofrecerles a los estudiantes un entretenimiento práctico en las artes y los oficios, favoreciendo que el Modernismo fuese una de las materias que se impartieran en las clases".\n(PEEL, L. Arquitectura del siglo XX, 1989)\nFrank O. Ghery nace en Toronto, Canadá, en 1929 y cursa estudios de Arquitectura en la Universidad de Southern California. Desde 1991 es miembro de la Academia americana de Artes y Ciencias. Sus obras se reparten por Estados Unidos, Europa y Japón y, en todas ellas, la creatividad y la desbordante fantasía son la nota predominante.\nEn Octubre de 1993 se inicia la construcción del Museo Guggenheim de Bilbao. Para llevar a cabo este proyecto se invierten, aproximadamente, unos 140 millones de euros. Se trata de un espacio que alberga una parte de la colección Guggenheim, una colección privada formada por obras de arte de finales del siglo XIX y de todo el siglo XX. Las otras sedes de la colección se encuentran en Nueva York, en un edificio que es obra de Frank Lloyd Wright, y en Venecia.\nLos materiales fundamentales utilizados para su construcción son la piedra, parte de la cual es una piedra caliza bastante compacta de color ocre traída desde Granada, el cristal, los tubos metálicos, que constituyen el esqueleto de esta colosal obra y 33.000 placas de titanio, cuyo peso es de unas sesenta toneladas. Estas placas revisten la superficie del museo y se unen unas a otras mediante grapas. Para llegar al museo se debe atravesar el puente de La Salve que cruza la ría del Nervión. Una vez en el interior del mismo los puntos más importantes son:\nEl atrio: un área acristalada que se eleva más de 30 metros por encima de la ría. El punto de referencia que Gehry tomó para su realización es la película Metrópolis de Fritz Lang, a la que se alude en la unidad 27.\nEl Palio: es una immensa columna de hormigón.\nLa "bota": en su interior están las escaleras del atrio.\nEl jardín acuático: en el que está programada la realización de La fuente de fuego, una creación de Yves Klein consistente en tres surtidores de los que saldrán llamas de colores.\nLa galería 202: un espacio de 300 metros cuadrados.\nÁrea de oficinas y administración Potemkin.\nFish o Volumen M3: en el que tendrán lugar las exposiciones temporales.\nLa Torre: se trata de un elemento decorativo y simbólico carente de funcionalidad. No está recubierta, como la mayor parte de la superficie del museo, por placas de titanio, sino que el esqueleto estructural de tubos está revestido con láminas de piedra caliza.\nLa iluminación, uno de los elementos clave en un museo, está cuidada con esmero. La mayor parte de las galerías están dotadas de lucernarios en los que la cantidad de luz deseada se puede regular gracias a unas cortinas motorizadas.\nEl aspecto exterior del museo es el de una inmensa escultura de formas ondulantes y dinámicas que invitan a pensar en el arte futurista y en la arquitectura de la Deconstrucción.\nDesde el momento en que se idea hasta su inauguración, en octubre de 1997, mucho se ha escrito sobre él. Una de las interpretaciones, entendemos, más interesante, es la expresada por Rafael Moneo, uno de los arquitectos españoles más importantes y creador del Museo de Arte Romano de Mérida, tomada del diario El Mundo del 18 de octubre de 1997: "Con el Guggenheim, la arquitectura se convierte en espejo de la sociedad, probando que un edificio es capaz de asumir una forma simbólica, que puede representar un ambicioso programa. (...) Pero no sólo se trata de subrayar el modo en que el edificio de Gehry cumple con el deseo de dar forma a la esperanza. El Guggenheim de Bilbao muestra, una vez más, el talento de Gerhy para enfrentarse a los problemas específicos y, en particular, su talento como urbanista: Gerhy ha pretendido que el Guggenheim fuese un nexo de unión, más allá de lo simbólico, en la fragmentada ciudad que hoy es Bilbao al provocar desde el interior una visión cruzada de la ciudad que nos hace sentir que el Museo Guggenheim va a ser, en efecto, el nuevo corazón, el centro de gravedad de un Bilbao renovado". Esta obra demuestra que uno de los principales objetivos de la arquitectura del siglo XX y, al mismo tiempo, uno de sus principales campos de experimentación son los espacios museísticos.\n"Su proyecto supera netamente al de Behrens para la AEG. Sólo algunos detalles de las ventanas muestran la influencia de aquél. Por primera vez se concibe la fachada entera de vidrio".\n"No puede comprenderse el fenómeno brutalista sin darse cuenta de que la nueva historiografía artística ha penetrado en profundidad en el pensamiento arquitectónico progresivo y en los métodos de enseñanza, así como en el propio lenguaje adoptado en las relaciones entre arquitectos y críticos".\n"La forma de un edificio no se desarrolla a partir de las condiciones materiales de un objetivo. Un edificio no tiene por qué revelar su función utilitaria, no es expresión de una estructura y de una construcción, no es refugio ni cobertura. Un edificio es él solamente".\nA partir de el momento en que el muro pierde, en cierta manera, la función sustentante, los materiales tradicionales pueden ser sustituidos por otros más ligeros, generalmente, vidrio. De esta manera el muro-cortina es una simple separación entre el interior y el exterior del edificio.\nSon grandes esferas realizadas con pequeños tetraedros de aluminio, bastante económicas al tiempo que livianas y resistentes. Permitían cubrir grandes espacios con pocos puntos de apoyo.\nPublicado por GreenCutieEyes en 16:36 No hay comentarios:\nEl paso arquitectónico del siglo XIX al XX está representado por la arquitectura modernista. Ésta encarna a la perfección las ideas de personajes que, como Morris o Ruskin, pedían una transformación de las artes. La clave de tal regeneración podía estar en la Edad Media y en el regreso a un arte bello y personalizado, alejado de las producciones industriales vulgares, deshumanizadas y poco refinadas. Esto no significó un rechazo ante las aportaciones de los nuevos materiales y técnicas, sino que condicionaron un cambio en los criterios y en la actitud estética.\nLa arquitectura modernista supuso, además, la liberación estilística. Los arquitectos no desean seguir mirando al pasado y buscar edificios libres de referencias historicistas. En este sentido, se preludia algo que culminará, con grandes esfuerzos, en la arquitectura del siglo XX.\nWagner: Casa de las Mayólicas. Viena\nCon el término Modernismo se designa un movimiento surgido entre finales del siglo XIX y principios del XX en Europa y en los Estados Unidos, que afectó especialmente a la arquitectura y a las artes decorativas.\nLos orígenes y las causas de la aparición de este movimiento se encuentran en la Revolución Industrial, contra la que reaccionaron ardientemente personajes como William Morris _muy vinculado al movimiento prerrafaelita_. Morris creó el Arts and Drafts (Artes y Oficios) puesto que él, dada su adhesión al pensamiento Socialista utópico (recordemos a Saint Simon, a Fourier o a Robert Owen), estaba convencido de la necesidad de un profundo cambio social. El regreso al trabajo artesano era, para él, la mejor manera de combatir la alienación del trabajo capitalista. Los productos que salían de la industria eran feos e impersonales. Estas afirmaciones no suponían que rechazase la máquina, pero sí que se debatiese sobre el enfrentamiento arte-industria.\nLa consecuencia lógica de la producción artesanal de los objetos y de las obras de arte fue un notable encarecimiento de sus precios, siendo estos inaccesibles para la mayor parte de la población. El Modernismo se convierte, así, en el arte de la burguesía urbana y cosmopolita, lejos del alcance de la mayor parte de las clases populares.\nEl Modernismo busca la belleza aplicada a todos los órdenes de la vida. Este planteamiento afectó, no sólo a la arquitectura, escultura y pintura, sino que también se realizaron bellísimos diseños de objetos que forman parte de la vida cotidiana como el papel pintado que decoraría las casas, las vajillas, el mobiliario, jarrones, joyas y ropa.\nPaul Nicolas: Jarrón. Casa Lis. Salamanca\nSe buscaba, como ya se haba hecho en momentos anteriores, el arte total, la unificación de todas las manifestaciones artísticas, y que éstas quedasen englobadas bajo la arquitectura, en la que no se renunció al empleo de los nuevos materiales que la Revolución industrial había aportado. De esta manera, los modernistas, más que un enfrentamiento entre el arte y la industria, lo que perseguían era una alianza entre ambos, una unión que permitiese alcanzar la belleza en todos los ámbitos de la vida. La arquitectura modernista nunca enmascara los elementos estructurales, sino que aparecen al descubierto, como ya se ha hecho y como se seguirá haciendo a lo largo de todo el siglo XX.\nEl Modernismo reacciona además contra la arquitectura que se va imponiendo como mayoritaria en el siglo XIX, que se caracterizaba por una constante búsqueda de la inspiración en el pasado. Asimismo, se interesa por la naturaleza y sus formas, de las que acentúan el carácter metamórfico y las grandes posibilidades decorativas que estas ofrecen. Determinados animales (libélulas, cisnes, mariposas, etc.) y las flores son los motivos decorativos preferidos por los modernistas.\nGallé: Jarrón. Casa Lis. Salamanca\nEn la arquitectura modernista cabe destacar la presencia de dos tendencias. Por un lado, surge una arquitectura más expresiva, en la que se prefiere la línea curva y las formas ondulantes (Bélgica y Francia), mientras que existe una segunda vertiente en la que se opta por la línea recta, la simplificación y la geometrización que la aproximan a la arquitectura racionalista, de la que nos ocuparemos más adelante (Gran Bretaña y Austria).\nModernismo es el término que se ha establecido para hablar genéricamente de este movimiento, puesto que es el nombre que recibió en España, pero lo cierto es que adoptó diferentes nombres según el país en el que se manifestara. En Francia se le llamó Art Nouveau, en Bélgica el Velde Stile, en Italia Liberty o Estilo floral, en Gran Bretaña Modern Style, en Alemania Jugendstil y en Austria Sezessionstil.\nEl Modernismo se difundió, en gran medida, a través de las Exposiciones Universales, en este sentido, una de las más importantes fue la de Turín de 1902.\n2 . MODERNISMO ONDULANTE: FRANCIA Y BÉLGICA\nAnalizaremos conjuntamente el Modernismo en Francia y en Bélgica, puesto que en ambos casos se produce un predominio de la línea curva y una exaltación de los valores expresivos sobre cualquier otra cosa. Esta manera de interpretar la arquitectura será recuperada por los expresionistas, por Wright y por Le Corbusier en algunas de sus obras.\nVictor Horta (1861-1947) es quien mejor encarna el Modernismo en Bélgica. Aunque era de origen belga, realizó sus primeros estudios en París. En 1892 ejecutó la que es su obra más emblemática, la Casa Tassel en Bruselas. Dentro del mismo podemos admirar su bella escalera de hierro visto que decoró con elementos vegetales del mismo material que, con un ritmo ondulante, recorren las superficies. Esta obra se convirtió en el punto de referencia obligado para muchos arquitectos modernistas. Su siguiente obra es la Casa Solvay (1895-1900) y, más tarde, la que es considerada su obra maestra, la Casa del Pueblo (1896-1899), realizada para albergar las oficinas del sindicato socialista y que, desgraciadamente, fue destruida años más tarde. En ella, Horta consiguió algo que buscaron otros muchos arquitectos modernistas, transmitir al exterior la forma y los volúmenes del interior del edificio, poner de manifiesto la estructura del mismo. Modificó el sentido del muro tradicional, no sólo por el empleo masivo del vidrio y el hierro que venían a sustituir a materiales que se habían utilizado de una manera sistemática a lo largo de la Historia de la arquitectura, sino también por las ondulaciones de la fachada, que introducen el dinamismo como pieza clave de este arte. Además, consiguió que este nuevo edificio no fuese discordante en su entorno, realizado muchos años antes.\nVictor Horta: Casa del arquitecto. Bruselas\nEl otro gran arquitecto del Modernismo en Bélgica fue Henri van de Velde (1863-1957) que sobresalió como arquitecto y diseñador. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Amberes y más tarde en París, donde conoció a un buen número de pintores impresionistas y simbolistas y a Gauguin, quien causó gran impacto en él. Siguió fervientemente las teorías de Ruskin y, especialmente, las de William Morris. A diferencia de éste, consideraba que la máquina era una pieza clave en el arte que podía ayudar notablemente a una regeneración del mismo. En 1896 realizó su primera creación arquitectónica: la Casa Bloemenwerf (1896), para la que también diseñó el mobiliario. Dos exposiciones, en París y Dresde, contribuyeron a difundir su fama. En 1898 fundó su propio taller de artes aplicadas.\nHector Guimard (1867-1927) es el arquitecto más interesante del Art Nouveau francés. En París construyó el Castel Béranger (1897-1898), un complejo de casas de alquiler que recuerdan a las obras de Victor Horta (1902) y las entradas del metro parisino.\nGuimard: Boca del metro. París\n3. MODERNISMO "RACIONALISTA": GRAN BRETAÑA Y AUSTRIA\nTanto en Gran Bretaña como en Austria, el Modernismo se decanta por el predominio de la línea recta que anuncia la arquitectura racionalista de los años veinte y treinta.\nEl mejor representante del Modern Style es Charles Rennie Macintosh (1868-1928) quien, contradiciendo la voluntad de su padre, decidió estudiar arquitectura en la Academia de Arte de Glasgow. En 1896 ganó el concurso para la realización del nuevo edificio de la escuela de Arte de esta ciudad. Ejecutó una obra de líneas puras y limpias en la que el predominio de la geometría es total, sin que ello suponga un detrimento de la creatividad. La planta es rectangular y compacta, los materiales autores y simples y los volúmenes netos. Estaba influido por los castillos y las casas solariegas escocesas. Sus diseños de muebles eran conocidos entre los arquitectos europeos del momento como Hoffman y Olbrich.\nEn Austria el Modernismo, conocido con el nombre de Sezession, estuvo representado por un nutrido número de arquitectos entre los que sobresale Otto Wagner (1841-1918) quien estudió en Viena y Berlín, pero siempre en ambientes estrictamente académicos. En 1894 llegó a ser profesor de la Academia de Viena, en donde pronunció un discurso de ingreso que reflejaba cuáles eran sus ideas con respecto a la arquitectura: ésta debía ser racional, adecuarse a la función para la que es concebida y, al mismo tiempo, separase de todo lo hecho hasta este momento, romper con la tradición. Era muy amigo de Olbrich, con quien trabajó durante casi cinco años. En 1889 construyó la Casa de las Mayólicas.\nJoseph Maria Olbrich (1867-1908) fue un estrecho colaborador de Wagner. Ambos compartían muchas ideas sobre la arquitectura. Estudió en la Academia de Viena y años más tarde ganó el premio de Roma, de donde regresó para trabajar al lado de Wagner. Olbrich realizó en 1897 el edificio de la Sezession. Con él colaboraron un grupo de jóvenes artistas integrado, entre otros, por el pintor Klimt y el arquitecto Hoffman. Se trataba de un edificio de planta cuadrada cubierto por una cúpula calada y dorada hecha de láminas metálicas, un espacio de formas limpias que le granjeó gran fama y a resultas del cual le comenzaron a hacer muchos encargos como el monumento fúnebre de la familia Von Klarwill (1898).\nOlbrich: Edificio de la Sezession. Viena\nEl tercer gran representante de la arquitectura modernista austriaca es Joseph Hoffman (1870-1956). Se formó como discípulo de Wagner. Se le conoce como arquitecto, además de ilustrador y decorador. Como arquitecto demostró gran interés por las formas geométricas y el contraste entre el blanco y el negro. Además de colaborar en la construcción del edificio de la Sezession, realizó el Palacio Stocklet de Bruselas, su obra más conocida. En ella empleó mármoles blancos, ventanas sin molduras, elementos que, en general, pueden ser calificados como de máxima modernidad. El interior está decorado con mosaicos de Klimt del que hablaremos a continuación.\n4. GUSTAV KLIMT Y OTROS PINTORES PRÓXIMOS AL MODERNISMO\nEl pintor Gustav Klimt estuvo a lo largo de su vida bastante vinculado al Modernismo en Austria, no en vano fue el primer presidente de la Sezession y, aunque es bastante difícil pretender etiquetar su obra, es, quizá, está corriente estética a la que más se aproxima.\nGustav Klimt (1862-1918) era hijo de un orfebre y grabador. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Viena y, hasta 1879, participó con su hermano en diversos trabajos de decoración.\nDurante cierto tiempo, tras abandonar la pequeña empresa familiar, su obra pictórica fue escasa, hasta que, en 1897, volvió a entrar en contacto con el arte formando, junto a otros artistas de los que ya hemos tenido ocasión de hablar, la Sezession vienesa, de la que fue uno de los miembros más destacados.\nViajó por gran parte de Europa; en Italia, más concretamente en Rávena, aprendió la técnica del mosaico. Uno de sus encargos más importantes es el de los murales para la Universidad de Viena, conjunto en que representó los ciclos decorativos de la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia y El friso de Beethoven para la exposición de la Sezession de 1902. En este último podemos apreciar las influencias de la obra de Mackintosh.\nLa cumbre de su estilo es, quizá, la decoración del Palacio Stocklet de Bruselas para la que realizó El árbol de la vida. De 1905 es su obra Las tres edades de la mujer que exhibió en la Exposición de Arte de 1908 junto a El beso en la que emplea materiales muy ricos que cuida con esmero y en la que los elementos decorativos ocupan un lugar preponderante.\nKlimt: Las tres edades de la mujer. Galería Nacional. Roma\nKlimt: El beso. Österreichische Galerie. Viena\nPintó algunos paisajes que se caracterizan por un fuerte sentido de lo geométrico y retratos de enorme belleza, especialmente los femeninos, de entre los que sobresale el de Judith.\nKlimt: Judith I. Österreichische Galerie. Viena\nKlimt conocía e intercambiaba experiencias artísticas con otros artistas como Oskar Kokoschka y Egon Schiele (1890-1918). Este último es un pintor bastante próximo a Klimt desde el punto de vista estilístico. En los personajes de sus obras se refleja la angustia y la desesperación, sensaciones capturadas por un vigoroso dibujo. También destacó como paisajista.\n5. EL MODERNISMO ESPAÑOL\n5.1. Aspectos y autores del Modernismo español\nEn nuestro país convivieron las dos tendencias del Modernismo que hemos visto en otros países. Dentro del panorama artístico español de este momento brilla con particular protagonismo la figura de Antoni Gaudí. Cataluña es el lugar en el que el Modernismo alcanzó una mayor fuerza e interés, aunque esto no quiere decir que no aparezcan relevantes ejemplos modernistas en otros lugares.\nLluís Domènech i Montaner (1850-1923) estudió arquitectura en Barcelona. Entre sus primeros trabajos se encuentran, por un lado, una serie de edificios en el ensanche barcelonés y, por otro, la participación en varios concursos. En 1888, con motivo de la Exposición Universal celebrada en Barcelona, hizo el café-restaurante El Castells des Tres Dragons, hoy museo de Zoología. El edificio está dentro de un estilo claramente neogótico pero bastante racionalista y severo, en el que predominan las líneas rectas. En 1905 recibe el encargo de construir la Casa Lleó-Morera y en 1905-1908, la que es considerada su obra maestra: El Palacio de la Música, espacio en el que pretendió reflejar la esencia cultural de Cataluña. Está decorado con elementos vegetales que recuerdan al Modernismo de Horta. Juega con la curva y la contracurva, con las posibilidades expresivas de los nuevos materiales como el hierro y el vidrio, que no se molesta en ocultar. Exalta la riqueza de las tradiciones y de los objetos realizados artesanalmente. Las vidrieras son obra de la firma Rigalt, Granell & Cía., las esculturas de Eusebi Arnau y los bustos interiores de Clavé. Beethoven y un grupo de walkirias pertenecen al escultor Pablo Gargallo.\nDomenech i Montaner: Casa Lleó-Morera. Barcelona\nDomenech i Montaner: El Palacio de la Música. Barcelona\nJosep María Puig i Cadafalch (1867-1956) era un gran conocedor de la tradición arquitectónica de nuestro país que combinó, en una misma arquitectura, el Románico, el Mudéjar, el Barroco, el Plateresco y el Gótico. No en vano sobresalió como historiador del arte, en calidad de lo cual nos dejó su obra La arquitectura románica en Cataluña, obra que, aún hoy, es considerada referencia fundamental para conocer la arquitectura catalana del citado estilo. Entre sus más importantes obras se encuentra la Casa Amatller (1899), con una fachada extremadamente plana y alejada de la arquitectura de Gaudí, más voluminosa y dinámica.\nPuig i Cadafalch: Casa Amatller. Barcelona\nJoan Martorell i Montells (1833-1906) y Jujol i Gibert (1879-1949) formaron parte de este brillante grupo de arquitectos modernistas catalanes. Martorell conoció muy bien las ideas de Viollet-le-Duc, lo que le valió ser uno de los grandes representantes del Neogótico en Cataluña. Jujol colaboró estrechamente con Gaudí cuidando con detalle todos los elementos decorativos de sus edificios. Entre su producción destaca la fachada de la Casa Batlló (1907) y las barandillas de la Casa Milá. También intervino en algunos proyectos de restauración como el del Monasterio de Pedralbes.\nEn Madrid se conserva un bellísimo ejemplo de lo que fue el Modernismo fuera de Cataluña: el Palacio Longoria (actual sede de la Sociedad General de Autores), de José Grases Riera.\nGrases Riera: Palacio Longoria. Madrid\n5.2. Antoni Gaudí\nGaudí (1852-1926) es el más original y, también, el más importante de los arquitectos modernistas de nuestro país. Su creatividad ha rebasado nuestras fronteras convirtiéndolo en uno de los arquitectos españoles más conocidos. Sus primeros estudios los realiza en las Escuelas Pías de San José de Calasanz (Escolapios). Más tarde se marcha a Barcelona desde Reus, su ciudad natal, para estudiar en la escuela de Arquitectura. Desde un primer momento se interesó por las ideas de Ruskin y Morris, impulsor este último de un arte total, objetivo prioritario, también, de la obra gaudíana.\nLas primeras obras de Gaudí se desarrollan bajo la influencia del historicismo y de la arquitectura de Viollet-le-Duc, asimismo manifestó una visión muy personal del Mudéjar y del Gótico. Entre sus primeras creaciones sobresalen la Casa Vicens (1883-1888) _mandada hacer por el fabricante de azulejos Manuel Vicens Montaner, en la que se funden las influencias mudéjares y lo oriental, y se comienza a preocupar por dar a cada material el tratamiento oportuno_, y el Capricho de Comillas, (1883-1885, Cantabria), que recuerda a un minarete musulmán. En 1886 comienza a construir el Palacio Güell, en 1889 el Palacio Episcopal de Astorga (León), de clara inspiración neogótica, y el Colegio de las Teresianas _también en Barcelona_, realizado en piedra y ladrillo. En esta obra, las dificultades y la escasez económica se compensan con la creatividad y la originalidad de los arcos parabólicos y la modernización del lenguaje mudéjar. También es neogótica la Casa Botines, en León, encargada en 1892 por una empresa catalana dedicada al comercio de tejidos. En el exterior, se puede admirar una escultura de san Jorge alanceando al dragón, un tema muy medieval y, al mismo tiempo, muy catalán.\nGaudí: Casa Vicens. Barcelona\nTras un largo período, influido por el Neomedievalismo, decide abandonar este camino y comienza a interesarse por las formas orgánicas. Esto sucedería entre los años 1900 y 1917, el periodo más creativo de su carrera. En estos momentos inicia el Parque Güell (1900-1914). Güell fue para Gaudí una especie de mecenas contemporáneo que le hizo un gran número de encargos, entre ellos el de una colonia urbana que nunca se llegó a finalizar. En la entrada al parque empleó colosales columnas pétreas inclinadas que se disponen unas muy próximas de las otras, como si de una moderna sala hipóstila se tratara. Emplea cubiertas de formas bulbosas y originales chimeneas. En este caso persigue la fusión entre la arquitectura y la naturaleza que le inspira. Construyó la Casa Batlló entre 1904 y 1906. Esta obra no es íntegramente suya sino que es la reforma de una casa ya existente en el paseo de Gracia que Enric Batlló, industrial textil y dueño del inmueble, encomendó a Gaudí. Hizo algunas modificaciones en la distribución interior de la misma y recubrió la fachada con trenzados, para lo que contó con la inestimable ayuda de Jujol, con el que colaboró en múltiples ocasiones. En 1906 se enfrentó a la realización de la Casa Milá, también conocida como la Pedrera por los barceloneses, nombre originalmente despectivo que reflejaba que no era muy del agrado del público, aunque hoy sea considerada una de sus obras más geniales. En ella se ensayaron soluciones constructivas de una gran originalidad: se cambiaron los muros de carga por el entramado metálico, elementos ambos que permiten crear una planta libre de formas ondulantes. En la parte superior se situaron chimeneas de formas bulbosas. Igualmente ingeniosa es la iglesia de la colonia Güell, que podría ser tomada como obra perteneciente a la arquitectura expresionista o incluso al Brutalismo por la exaltación del material que Gaudí hace en ella. Las vastas columnas monolíticas, que recuerdan al arte prehistórico, confieren al conjunto un aspecto global de rusticidad.\nLa Sagrada Familia fue un encargo de la asociación de devotos de san José después de que, en 1908, Francisco de Paula y Villar decidiese abandonar la obra que, en principio, le había sido encomendada. Hoy está inacabada puesto que Gaudí sólo llegó a construir una pequeña parte de la misma. Las influencias del Gótico son innegables, pero también es muy cierto que ha sido revisada bajo el personal estilo de Gaudí.\nGaudí: La Sagrada Familia. Barcelona\nLA OBRA DE GUIMARD\n"El mayor exponente de todos ellos fue Hector Guimard (1867-1942), diseñando las entradas para el sistema de metro de París, así como un gran número de casas destacadas. Su Castel Béranger, acabado en 1898, desarrollaba motivos florales que recordaban a Horta y, de hecho, era posterior a una visita a Bélgica. A pesar de ello, Guimard trabajaba con hierro fundido y también con hierro forjado, a diferencia de Horta: éste había facilitado el material básico para las numerosas entradas de metro y las taquillas que Guimard diseñaría a partir de 1900. Las entradas constituían inspirados trabajos de fantasía, consistentes en una abertura sobre la que pendía el signo metropolitano y a cada lado, unos tubos gigantes acabados en lámparas florales. El contraste que dichos trabajos suponían con la dignidad histórica de los edificios situados enfrente enfurecía a muchos".\n(GARRET, A. Introducción a la arquitectura del siglo XX, 1989)\nEL PARQUE GÜELL... BARCELONA\nEl Parque Güell es una de las obras maestras de este genial catalán. En este caso, Gaudí crea una nueva arquitectura que se aparta definitivamente de todo lo que había hecho con anterioridad. Rompe con las referencias historicistas para sumergirse de lleno en un estilo muchísimo más personal y creativo que marcará un hito.\nEste jardín fue mandado construir por Eusebi Güell, que desempeñó el papel de mecenas en la vida de Gaudí. Es posible que Güell conociese el concepto de ciudad-jardín durante uno de sus viajes por Inglaterra y trató de que Gaudí lo recrease en el Parque Güell. Esta idea de la ciudad-jardín es muy característica de las ciudades en las que la Revolución industrial había alcanzado un importante desarrollo. En estos casos se planteaba la necesidad de humanizar las ciudades, de revalorizar la vida en el campo. Así, Robert Owen impulsó la idea de crear comunidades en las que se pudiese disfrutar de las ventajas tanto del campo como de la ciudad, comunidades que fuesen autosuficientes pero manteniendo siempre una relación armónica con la naturaleza. En Francia, estas ideas cristalizan en la aparición de jardins ouvriers, mientras que en España el ejemplo más significativo es el Parque Güell.\nEn el año 1899, el industrial catalán compró unos terrenos en el término de Gràcia y en 1902 adquirió otra finca de 15 hectáreas en la que, con anterioridad, había existido un monasterio medieval. Allí planeó la revalorización de una ciudad-jardín cerrada por un muro perimetral, a la que se podía acceder por una puerta principal y otras tres secundarias. El espacio estaba dividido en sesenta parcelas que albergarían a idéntico número de familias. Finalmente, tan sólo Güell, Gaudí y Martín Trías llegaron a establecerse aquí. En 1925, el ayuntamiento de Barcelona compró el parque para destinarlo a jardín público de la ciudad de Barcelona.\nPara la realización del parque se contó con la colaboración de Francesc Berenguer y de Josep Jujol, que trabajaban de manera habitual con Gaudí.\nTodo el espacio está rodeado por un muro aparejado con piedra y revestido con cerámica. En él es posible ver medallones en los que se lee "Park Güell", en inglés, por sugerencia de Eusebi Güell. La entrada está flanqueada por dos pabellones diferentes entre sí pero con tratamiento similar, uno para los guardeses y otro para la administración, los teléfonos y la sala de espera. De aquí se pasa a una gran escalinata con doble entrada que se adapta a la irregularidad del terreno y que nos lleva a la sala hipóstila. En el centro de la escalera hay una fuente decorada con fragmentos cerámicos irregulares y de intensos colores culminada por un dragón, pieza clave de la iconografía medieval catalana.\nLa sala hipóstila rinde un tributo a Güell, apasionado de la arquitectura clásica que será revisada desde el particular punto de vista gaudíano. Sobre las toscas columnas se sitúa el mirador, limitado por un banco corrido que describe una línea ondulante, "un golpe de látigo" en el que se juega con la curva y la contracurva, recubierto con fragmentos cerámicos que van desde los colores fríos a los cálidos. El color y la integración de la obra arquitectónica en el entorno natural son las preocupaciones esenciales de Gaudí en este conjunto.\nEn algunas partes del parque es posible percibir, no sólo la ruptura con el pasado que supone la independencia con respecto a la tradición clásica, sino el anuncio de nuevas maneras de entender la arquitectura. La fuerte exaltación matérica nos habla de la proximidad del Brutalismo y la simbiosis perfecta entre naturaleza y arquitectura, la voluntad de no querer alterar las formas caprichosas del entorno natural, sino de conocerlas y respetarlas, nos permite relacionar esta obra con el Organicismo de Wright.\n"Observo los movimientos corporales de las montañas, el agua, los árboles y las flores. Todo evoca movimientos similares a los del cuerpo humano, parecidos a las alegrías y las penas en las plantas".\nFue un diseñador estadounidense que creó piezas de vidrio, especialmente lámparas y joyas de una gran belleza que han pasado a la Historia del Arte y que, en la actualidad, son muy cotizadas en el mundo de los anticuarios. Están inspiradas en las formas caprichosas de la naturaleza y poseen una extraordinaria creatividad.\nLas entradas del metro parisino\nSon algunas de las obras que más fama han dado a este arquitecto. De ellas sobresalen las balaustradas y los apoyos de las lámparas, que adquieren formas vegetales y animales muy imaginativas y caprichosas. No fueron diseñadas como simples elementos decorativos, sino que desempeñan un papel estructural. Son muy similares a las que podemos encontrar en la Casa Tassel de Victor Horta.\nEs un tipo de cerámica recubierta de un esmalte hecho a base de estaño. Es posible que el término hace referencia a la isla de Mallorca desde donde salían los barcos que iban a Italia con cerámicas realizadas, probablemente, en Valencia.\nEn esta obra de Klimt se contrapone la maternidad con la idea de la decrepitud física. Este tema es afrontado por el pintor en otras obras como Esperanza, el desnudo de una mujer gestante.\nEs una de las obras más conocidas y, al mismo tiempo, más bellas de Klimt. El dorado se apodera de los fondos y sobre él, los colores relucen como piedras preciosas. En el centro de la composición un hombre sujeta el rostro de una mujer al tiempo que la besa. Ambos forman un todo de líneas ondulantes, un mosaico de colores, en el que es difícil delimitar el cuerpo de cada uno.\nSe lleva a cabo a finales del siglo XIX y es la consecuencia del crecimiento natural de esta ciudad. Su autor fue el ingeniero Ildefons Cerdá. Tras derribarse las antiguas murallas, se amplió la ciudad para lo que se realizaron cuadrículas de manzanas con edificios achaflanados en los ángulos. Se podía construir en dos de los lados de cada manzana, en los otros dos se llevaron a cabo jardines.\nTécnica que consiste en emplear fragmentos rotos de cerámica para disponerlos libremente sobre una superficie con la finalidad de obtener efectos decorativos. Se trata de una labor de carácter artesanal a la que frecuentemente recurrió Gaudí.\nLa Casa Milá es el tercero, el último y posiblemente el más genial de los edificios de viviendas construidas por Gaudí. Su apariencia insólita no fue del agrado de los barceloneses, que le pusieron el mote despectivo de La Pedrera y dio lugar numerosos a chistes (...)\nPublicado por GreenCutieEyes en 20:32 No hay comentarios:\nEl Impresionismo y sus consecuencias\nLas artes plásticas del siglo XIX hasta la llegada...


La fe contra la Iglesia vendida al nazismo de un Terrence Malick 'resucitado' | Cine\nLa fe contra la Iglesia vendida al nazismo de un Terrence Malick 'resucitado'\nActualizado Martes, 4 febrero 2020 - 11:33\nEl director de 'El árbol de la vida' regresa a su mejor versión con 'Vida oculta', un detenido estudio del horror desde la claridad de un hombre que se negó a obedecer a su Estado y a su Iglesia\nLos actores August Diehl y Valerie Pachner en un momento 'Vida oculta'.\nVida oculta, como quizá la parte más brillante de la filmografía de su director, discurre prácticamente entera fuera de campo. En silencio. Oculta pues. Lo relevante no es lo que los personajes hacen como la decisión firme e inalienable de uno de ellos (interpretado desde el más elemental desgarro por August Diehl) de no hacer. Toda la película está dedicada a narrar los desastres de la Segunda Guerra Mundial con el Holocausto como única referencia posible y, sin embargo, todo lo que se acierta a contemplar es el horror que esconde el paisaje idílico de una Austria inmutable, bucólica y perfecta en el momento decisivo de la Anschluss por la Alemania nazi. Justo entonces, un hombre solo decide desobedecer a todos para obedecerse a sí mismo. Conscientemente. Con conciencia. Se cuenta la vida de un soldado que se negó a combatir. Y lo hizo convencido de que es mejor «padecer una injusticia que cometerla». Es un hecho verídico y como tal es tratado; con la contundencia de lo que no admite más que un acercamiento desolado. En un instante extraño e iluminado de El árbol de la vida (2011), la película de la que ésta es epílogo y éxtasis, un dinosaurio (tal cual) decide perdonar a su víctima. Se trata de un acto de gracia, el primero de ellos, que en el ideario de Terrence Malick (Waco, 1943), lo más cerca de Salinger que ha dado el cine, todo lo puede.\nLa película se cierra con una cita larga, densa y clara de la autora George Eliot. Ésta: «Pero el efecto de su ser en los que tuvo a su alrededor fue incalculablemente expansivo, porque el creciente bien del mundo depende en parte de hechos sin historia, y que las cosas no sean tan malas para ti y para mí como pudieran haber sido se debe en parte a los muchos que vivieron fielmente una vida oculta, y descansan en tumbas no visitadas». Y sobre estas líneas se levanta una cinta entera tan pendiente de la construcción de un razonamiento impecable sobre la necesidad del bien como atenta a su pulsión pasional más íntima y, por ello, irracional. La elección de lo justo no atiende a más motivación que la propia justicia.\nTerrence Malick en un imagen de archivo.\nSi se quiere, con este trabajo Terrence Malick refuta su errático recorrido de aire autobiográfico que componían las cintas To the wonder (2012) y Knight of Cups (2015). Las películas que seguían a su Palma de Oro con la mentada El árbol de la vida servían tanto de autoanálisis como de confesión. La historia de un hombre ante la duda más íntima de su amor -eso era la primera de ellas- se completaba de forma algo accidentada con el relato detallado de toda la banalidad del mundo -la segunda-. Quién sabe si las dos cintas no eran hasta la respuesta urgente y lógica a tantos silencios. Para llegar a La delgada línea roja (1998), Malick empleó casi dos décadas. El árbol..., por su parte, fue la imagen de un proyecto amasado durante prácticamente toda la vida. Bajo el nombre de Q, el director que sorprendiera con Malas tierras (1973) empezó a idear una cinta sobre la historia de la Tierra. Pero entera, no una parte. La productora Paramount, seducida por el milagro de Días del cielo (1978), puso en sus manos un cheque en blanco. De ahí salió un guión sobre la creación del universo y un rodaje por medio mundo que llevó al cineasta de la Antártida al Etna pasando por la última esquina del planeta. Era sólo el prólogo y, como recordaba en su momento el productor, las primeras líneas del libro acabaron por comerse al libro entero.\nDigamos que Vida oculta significa el regreso del director a la propia vida, al relato. Se abandona el ensimismamiento curativo de las cintas precedentes para asaltar el aliento más íntimo de la realidad. La delgada línea rojahablaba de la guerra desde la inocencia por fuerza perdida de unos jóvenes enfrentados no tanto al enemigo como al vacío. Y lo hacía a la vez que desligaba la imagen de una palabra que se comportaba como la misma piel de la cinta. Ésta retoma ese mismo argumento y, un paso más allá, deposita cada certeza en la textura de la misma imagen. Importa el tacto del heno recién cortado tanto como el odio escupido a la cara por los vecinos del hombre bueno. El objetivo no es otro que la meticulosa construcción del sentido y hasta el tacto último de la gracia. La película respira literalmente en la pantalla sin importar ni las palabras ni la acción. De nuevo, es una cinta sobre la obligatoriedad de no hacer nada, de negarse a hacer.\nDe este modo, la odisea de un hombre enfrentado desde la fe a todos, incluida la institución eclesiástica que colabora con el régimen nazi, acaba por convertirse en una declaración radical de principios de este profesor de filosofía con una tesis empezada sobre el concepto de mundo en Kierkegaard, Heidegger y Wittgenstein; una declaración que, pese a imprecisiones, subrayados y pomposidades, acaba por ser el más claro y evidente libro de instrucciones para su cine y una irrefutable guía ética para tiempos de unanimidades en red. Lo relevante no admite ni explicación ni palabra ni imagen. Oculto pues.\n04/02/2020 18:10 horas\nEl artículo es, desde su titular, una burda farsa llena de ignorancia o de mala fe. Lo que se narra en la película es la vida de un santo, canonizado recientemente por la Iglesia a la que este mi....erda de artículo dice que se oponía. Eso por no hablar, una vez más, del falso y manido fake de que la Iglesia colaboró con el nazismo. En cuanto a calificar a Malik de Salinger del cine.... En fin. Señor, dame paciencia.\nVolver a la noticia 'La fe contra la Iglesia vendida al nazismo de un Terrence Malick 'resucitado''


OPINIÓN | El peso de la tradición - EntornoInteligente\nSiguiente Recortar gasto público muy pronto podría descarrilar recuperación: FMI\nMoreno sería sustituido por Mauricio Claver-Carone, un joven abogado cubanoestadounidense, muy brillante, propuesto por la Casa Blanca para el cargo dada su experiencia en el Fondo Monetario Internacional y su trabajo en el Departamento del Tesoro durante el Gobierno del Presidente George W. Bush en el 2003\nNota del editor: Carlos Alberto Montaner es escritor y analista político de CNN en Español. Sus columnas se publican en decenas de diarios de España , Estados Unidos y América Latina. Montaner es, además, vicepresidente de la Internacional Liberal. Las opiniones expresadas en este comentario son suyas. Ver más artículos de opinión en CNNe.com/opinion\n(CNN Español) — El colombiano Luis Alberto Moreno ha presidido exitosamente el Banco Interamericano de Desarrollo, el famoso BID, durante 15 años. Aunque muestra un aspecto juvenil, Moreno tiene 67 años y pronto se jubilará.\nMoreno sería sustituido por Mauricio Claver-Carone, un joven abogado cubanoestadounidense, muy brillante, propuesto por la Casa Blanca para el cargo dada su experiencia en el Fondo Monetario Internacional y su trabajo en el Departamento del Tesoro durante el Gobierno del Presidente George W. Bush en el 2003.\nAl parecer tendría un fuerte apoyo entre los 28 miembros regionales para la elección en septiembre en la asamblea del BID.\nHoy Claver-Carone es el asesor nacional de Seguridad para el Hemisferio Occidental en el Gobierno del presidente Donald Trump . Sin embargo, enfrenta la oposición de Patrick Leahy, senador de Vermont, quien es el vicepresidente de la Comisión de Asignaciones del Senado de EE.UU.\nLeahy argumenta que la candidatura de Claver-Carone no ayudará a aumentar los fondos estadounidenses para el BID. Para mí, eso suena a una amenaza.\n¿Por qué el senador Leahy se opone a una persona tan calificada para el cargo? Primero, porque rompe con una larga tradición de 60 años en los que un latinoamericano ha ocupado el puesto que requiere, dice, una persona de la región a la cual beneficiará principalmente.\nLeahy también ha criticado la forma como Claver-Carone ha ejercido su puesto en la administración del presidente Trump por su tendencia a imponer sanciones que “han complicado las relaciones con nuestros amigos y aliados”.\nPero sospecho que pudiera haber algo más, porque la oposición de Leahy no puede pasar por alto que el candidato también tiene sangre latinoamericana, ya que no es 100% estadounidense. Aunque nacido en la Florida, su madre es cubana: por eso es un “Cuban American”.\nMIRA: Mauricio Claver-Carone: “Vamos a aplastar la tiranía de Maduro” Y es que, además, considero que Cuba tiene que ver en esta discordia. El senador Leahy y Claver-Carone no pueden estar más alejados en cuanto al enfoque de las relaciones entre Estados Unidos y la isla.\nCuando el señor Leahy llegó al Senado, en 1974, era la época de Watergate, en la que los llamados fontaneros eran cubanos exiliados. Entonces era el senador más joven. Hoy es el senador más viejo, pues ya cumplió 80 años, y ha tenido una ininterrumpida presencia en el Senado.\nEn época de Obama fue el senador que llevó las gestiones secretas para liberar a los espías cubanos presos en Estados Unidos, a cambio de la liberación del estadounidense Alan Gross.\nSupuestamente se infiltraron en una red terrorista que actuaba en Cuba, aunque la verdad es que derribaron a varios pilotos de Hermanos al Rescate sobre aguas internacionales.\nEs muy difícil que Leahy cambie de opinión con respecto a Claver-Carone, quien ha sido clave en el retroceso a las políticas hacia Cuba por parte de la administración de Donald Trump.\nA los ancianos, ya se sabe, no les gusta rectificar. BID\nCarlos Alberto CNN Espa&ntildea Juan Carlos Carvallo


Pon a punto tu coche este verano y evita sustos de última hora\nEl aumento de las temperaturas y no haber realizado las revisiones de forma correcta pueden incrementar los accidentes. Por eso, te recomendamos que cambies algunos de tus hábitos. Así conseguirás, no solo alargar la vida útil de tu coche, sino tu tranquilidad con la llegada de las vacaciones.\nSi eres de los que utiliza el coche muy a menudo, sobre todo en ciudad, para ir al trabajo, hacer la compra o recoger a los niños en el cole, seguro que esa rutina cambia con la llegada del verano. De hecho, con las vacaciones, ese coche de múltiples usos, ahora es necesario para hacer un viaje largo, de cientos de kilómetros, hasta el pueblo o la playa donde pasar unos días de descanso. Pues, antes de ponerse manos al volante, hay que realizar una buena revisión del coche, no vaya a ser que nos agüe nuestro tiempo de relax.\nEl coche sigue siendo el transporte más usado en los desplazamientos turísticos y los meses de verano son los que mayor número de accidentes de tráfico concentran. Y no solo eso, según sus datos, hacer un correcto mantenimiento del vehículo puede ahorrar más de 2.000€ en averías y consumo de combustible.\nMuchos vehículos van al taller durante los meses de verano por una avería en su sistema de aire acondicionado o climatización. Y es que estos sistemas necesitan un mantenimiento específico ya que durante los meses estivales trabajan más. Por eso, recomendamos una buena revisión de las tuberías, correas, filtros de polen, filtro deshidratante, así como recargar el gas refrigerante, imprescindibles antes de la época estival.\nOtra recomendación muy importante a tener en cuenta es la presión de los neumáticos para el buen funcionamiento del vehículo. Si vamos a salir toda la familia y el coche va a circular con el máximo número de ocupantes debemos añadir unas décimas de presión a los neumáticos.\nY por último, es aconsejable una revisión general del nivel de aceite, del líquido de frenos y del líquido de la dirección asistida antes de una salida a la carretera. Además, para asegurar una viaje en condiciones seguras es importante revisar los frenos.\nY para que nuestros técnicos expertos te hagan el mantenimiento al coche, concierta una cita en nuestros talleres:


piso en Calle del Marqués de la Ensenada, 16, 28004, Madrid\npiso en Calle del Marqués de la Ensenada, 16, 28004, Madrid En Alquiler\nCoqueto Open Space en Edificio "Centro Colón"\nEl emplazamiento del “Centro Colón” no puede ser más idóneo, la zona es un espacio conector entre los barrios de Almagro, Recoletos y Justicia, los barrios de mayor estatus de la capital. Situado frente a la Milla de Oro, donde las firmas más reconocidas del sector del lujo ubican sus tiendas. También podrás disfrutar de la cultura, al estar junto a los museos con mayor afluencia de Madrid. En cuanto al ocio, encontrarás en la zona los restaurantes, bares y discotecas más exclusivos.\nLlama ahora a Fernando al 671 987 042 y concierta una visita sin compromiso alguno.\nPrecio alquiler por m2: 26,83 €


#OPINIÓN ¿Qué te llevas de Venezuela? - El Impulso\nInicio Opinion #OPINIÓN ¿Qué te llevas de Venezuela?\nCarolina Jaimes Branger | Fotografía: Archivo | 19 marzo, 2018\nBANDERA 8 ESTRELLAS\nHace poco conversaba con una alumna que también se va de Venezuela. “Estoy decidiendo qué me voy a llevar”, me dijo. “Tantas cosas no me caben en dos maletas”, añadió. Es verdad, pensé. Lo que se llevan de aquí quienes se van no cabe ni en una, ni en dos, ni en cien, ni en mil maletas. Ya sabemos que quienes se marchan lo hacen por lo malo que está esto. Pero lo que se llevan es lo bueno. Lo que no se olvida. Lo que hace que siempre estemos conectados. Lo que logra que sintamos nostalgia cada vez que algo detona un recuerdo.\nSe van los recuerdos, las ganas de volver, las ansias de reconstruir. Y todas esas cosas caben sólo en el corazón de un venezolano, de ése que no quiso irse y que no sabe cuándo, ni si va a regresar. De Venezuela se fue la nostalgia. Está regada por el mundo y cuando la despiertan los recuerdos, es cuando entiendes que tu cuerpo está allá, pero tu corazón quedó aquí, esperando que regreses.


EL DESASTRE DE CHERNÓBIL – Schooltime\nEl 26 de abril de 1986 en Chernóbil, Ucrania ocurrió un desastre que marcó al mundo por completo. El desastre nuclear más grande en la historia de la humanidad trajo consigo mucho caos, llevándose así varias vidas por diferentes factores.\nLa explosión se produjo en el cuarto bloque de la central nuclear. En la noche del accidente se estaba llevando a cabo un experimento de prueba con un turbogenerador, que es un generador de energía a base de vapor e hidrógeno. Bajando la producción enérgica hasta el nivel de paralización de la reacción nuclear en cadena, seguida por un brusco aumento de producción enérgica por los operadores, junto con la suspensión de la conducción del agua de refrigeración al reactor 1, se produjo un sobrecalentamiento del combustible y la destrucción de la base del reactor.\nAproximadamente a la hora y media de iniciar el experimento se ocasionaron dos grandes explosiones inevitables. La mezcla de vapor radioactivo con hidrógeno causo que la tapa del reactor saliera a presión y destruyera el techo.\nSegún las investigaciones realizadas, la primera explosión fue causada por una reacción química; y la segunda fue causada por otra reacción motivo de una explosión nuclear de 0,3 kilo toneladas (equivalente a 300 toneladas de TNT).\nLos bomberos trataron de apagar el fuego con agua,pero las consecuencias fueron más explosiones pequeñas y la grave contaminación radiactiva.\nLas explosiones produjeron una nube atómica. El polvo radiactivo de las explosiones contaminó el medio ambiente y viajo a sus alrededores; no hay lugar en las que las nubes atómicas no pasaron. Los países más afectados fueron: Escandinavia, Ucrania, Polonia, Checoslovaquia y por último Austria. En Ucrania tuvieron que evacuar de territorios afectados de forma permanente.\nSe rumora que algunos sistemas de seguridad no funcionaban o que estaban simplemente fuera de servicio, por lo que los primeros que actuaron ante tal desastre fueron los bomberos de las ciudades vecinas de Chernóbil y Pripiat. Estos apagaron el fuego en 3 horas después del accidente; sin embargo, no sabían que en el corazón del reactor había una especie de mezclas nucleares inflamables.\nLos resultados de la catástrofe: la muerte de miles de personas por la explosión y las graves enfermedad que contrajo la radiación. Chernóbil tuvo que ser evacuada completamente y ahora está prácticamente en ruinas. Aún en lugares cercanos o en el mismo Chernóbil sigue habiendo radiación. Se podría denominar como la ciudad más peligrosa del mundo.\nSara Juliana Vega Torres


Lectura del Mes – Octubre 2021 – A Razão\nLectura del Mes – Octubre 2021\nRacionalismo Cristão 04/10/2021\tEdição 2700\nDisciplina es esencial a la vida y depende de la espiritualidad\nTener una vida equilibrada significa tener disciplina en la vida. Muchas personas traen la indisciplina enraizada en el alma y no consiguen librarse de ese pésimo procedimiento de un momento para otro, lo que es de cierto modo comprensible por varios motivos, entre ellos el desconocimiento de la espiritualidad. Sin embargo, pueden cambiar de actitud.\nDisciplinar los horarios de acostarse y levantarse, de alimentarse, de hacer la higiene corporal y mental diaria con la práctica de la limpieza psíquica después del aseo, es de fundamental importancia. Ese cambio puede ser hechode a poco, desde que haya determinación y voluntad de hacerlo.\nTodos quieren tener salud y alegría, mantenerla armonía en la familia, en el trabajo y en el medio social, y conquistar la felicidad. Sin embargo, es raro que las personas notenque el bienestar físico y espiritual dependedel vivir disciplinado. Para eso, es necesarioobservar la vida de las personas disciplinadas, pues ellas tienen método y horario para todo.\nMuchas personas viven por vivir. Por no dar importancia a la disciplina, andan siempre llenas de problemas. Ciertamente, tienen dificultad para modificar los procedimientos o ni quieren saber de eso. Pero, si algo no va bien en la forma de accionar, ¿por qué no alterar los hábitos?\nEl cambio puede comenzar por ejemplo, con la disciplina de pensamientos exteriorizados en palabras, porque la forma de hablar muchas veces agrede y entristece a los oyentes o no transmite de manera ordenada las enseñanzas, hiriendo elalma de quien escucha o dificultando el entendimiento de quien estudia.\nCuando hablamos en disciplina en el Racionalismo Cristiano, mucha gente piensa que nos referimos a la disciplina militar, basadaen elfundamental y necesario principio de jerarquía. Pero no es el caso. La disciplina que recomendamos es laque conduce al crecimiento espiritual, siempre asociado al estudio y al raciocinio, como altrabajo honesto y productivo, que garantiza el progreso material en todo el tiempo.\nSiendo así, es importante que la persona tenga disciplina en los pensamientos, buen sentido en las acciones y armonía en las relaciones, en que prevalezca el buen humor y la inquebrantable disposición para alcanzar los resultados pretendidos, sin los cuales no caminará hacia elperfeccionamiento espiritual y del consecuente equilibrioy progreso material.\nPor lo tanto, vivir con eficacia requiere salud física y equilibrio psíquico, exige disciplina y método, para que haya mejoramiento individual y colectivo. Ese es el entendimiento de vida que el Racionalismo Cristiano propone a los estudiosos de la espiritualidad.\nPrevious Previous post: Edição Outubro 2021\nNext Next post: O esclarecimento espiritual e a ecologia


Omar Prieto inauguró Planta de Concreto en el Malecón de Maracaibo - Qué Pasa\nProducirá 300 metros cúbicos por día\nOmar Prieto inauguró Planta de Concreto en el Malecón de Maracaibo\n“A través de Barrio Nuevo Barrio Tricolor instalamos esta planta que nos va a ayudar a que esta Cinta Costera pueda tener vida desde ya y para que Maracaibo siga transformándose” acotó Omar Prieto.\nMaracaibo- A través de la Corporación de Infraestructura del estado Zulia (CIEZ), liderada por el Gobernador Omar Prieto, inauguró Planta de Concreto ubicada en el Malecón de Maracaibo con la finalidad de avanzar en los trabajos de la Cinta Costera, la Intervención Integral y Estructural de los Haticos, el Paseo Universitario “Hugo Chávez” entre otras grandes obras que ejecuta el gobierno regional.\nLa Planta de Concreto, fue instalada en el Malecón por ser el material más utilizado para la Cinta Costera, asfaltado de avenidas y recuperación de plazas, la cual producirá 300 metros cúbicos por día.\n“A través de Barrio Nuevo Barrio Tricolor instalamos esta planta que nos va a ayudar a que esta Cinta Costera pueda tener vida desde ya y para que Maracaibo siga transformándose” acotó Prieto.\nAñadió también que la Cinta Costera será como otra vereda del lago…”los que no hicieron nada por la ciudad hora nos quieren dar clases de gobierno, mientras nosotros tratamos de levantar de las cenizas la ciudad de Maracaibo”.\nLea también: Omar Prieto entregó asfaltado de la avenida 67 Cecilio Acosta de Maracaibo y desplegó dispositivo de seguridad\nPor su parte, el Alcalde Bolivariano de Maracaibo, Willy Casanova, expresó que Maracaibo lo tiene todo para brillar gracias a una gestión en conjunto que lleva el trabajo y los recursos para hacerla renacer…”hemos alineado la política de la Misión Venezuela Bella en una sola gestión en función de avanzar en la recuperación de la ciudad”.\nFinalmente, dijo que la planta sirve para la recuperación del casco histórico, como la Cinta Costera que permitirá el reencuentro de los maracaiberos con el lago de Maracaibo.


Belushi's - Barcelona\nReseñas, obtener direcciones e información para Belushi's\nDirección: Carrer Bergara, 3 , Barcelona 08001, ES\nTeléfono: 936 67 45 88\nRuta: Carrer Bergara, 3\nMunich Frankfurt 3.49 km\nRetruc 1.72 km\nPoc a poc 2.69 km\nRabbar 2.94 km\nEquinox 2.14 km\nCerveseria d'Or 900 metros\nEl Rincón del Artista 1.23 km\nDow Jones 1.05 km\nDunne's Irish Bar 990 metros\n. Carrer Bergara, 3 barcelona pubs y bares de copas horario de trabajo, ubicación. Barcelona barcelona hamburgueserías mapa, vista satelital. Belushi's dirección, teléfono, ciudad, código postal. En esta página podrá encontrar empresas similares a Belushi's. En este sitio web puede compartir sus comentarios y experiencias sobre Belushi's con otras personas.\n
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