El cine según TFV: agosto 2010\nENTREVISTA PARA GLOBEDIA\nIncluyo aquí el enlace a una entrevista conmigo que acaban de publicar los amigos de Globedia:\nPublicado por Tomás Fernández Valentí en 13:12:00 1 comentario:\nCINE FANTÁSTICO DEL VERANO DE 2010: “PESADILLA EN ELM STREET (EL ORIGEN)” – “SPLICE: EXPERIMENTO MORTAL” – “LAS VIDAS POSIBLES DE MR. NOBODY”\nUN REGRESO DESLUCIDO: PESADILLA EN ELM STREET (EL ORIGEN) (A NIGHTMARE ON ELM STREET, 2010), DE SAMUEL BAYER\nLo confieso: nunca me he llevado muy bien con las aventuras de Freddy Krueger, más allá del interés del primer film, Pesadilla en Elm Street (A Nightmare on Elm Street, 1984, Wes Craven), y de su primera y nada despreciable secuela, Pesadilla en Elm Street 2: la venganza de Freddy (A Nightmare on Elm Street 2: Freddy’s Revenge, 1985, Jack Sholder); luego vi todas y cada una de las demás entregas de la serie, y con una vez tuve suficiente. Ahora, Pesadilla en Elm Street (El origen), que como su propio subtítulo en castellano indica pretende ser una especie de retorno a los orígenes del personaje de Freddy, entrando en detalles (no muchos, la verdad) con respecto a lo que ya sabíamos de él después de tantas y tantas secuelas, se presenta asimismo como un enésimo intento de resurrección de una franquicia del cine de terror norteamericano de los años 70-80 esponsorizado, de nuevo, por Michael Bay, quien a falta de algo mejor que hacer con los muchos millones de dólares que gana anualmente (o, muy probablemente, a fin de evitar que le sablee el fisco) se ha dedicado de un tiempo a esta parte a “rehacer” clásicos del fantástico estadounidense del período mencionado, tanto da si eran buenos (La matanza de Texas) como si eran malos de remate (Viernes 13, Terror en Amityville, Carretera al infierno), con resultados, a mi entender, igualmente malos, tanto si los firma un tal Marcus Nispel como otro que responde al nombre de Andrew Douglas. Su relevo al frente de este nuevo paseo por la calle Elm se llama Samuel Bayer, apellido idóneo en cuanto evoca una famosa marca de aspirinas efervescentes bastante necesarias para despejar la mente tras el maltrato infligido al cerebro por esta Pesadilla en Elm Street (El origen), ante la cual uno no puede menos que preguntarse para qué demonios necesitábamos volver a vernos las caras con un personaje agotado ya hace décadas, y más teniendo en cuenta, vuelvo a insistir, que lo que se aporta en esta ocasión es tan poco, casi nada, y lo que es más importante, tampoco está presentado de una forma particularmente atractiva.\nLo más lamentable de Pesadilla en Elm Street (El origen) reside sobre todo en el desaprovechamiento de un buen actor de carácter como Jackie Earle Haley en el papel de Freddy, habida cuenta de que sus apariciones están dosificadas con cuentagotas y su trabajo no se aparta demasiado de lo establecido en su día por Robert Englund, lo cual hace dudar ya de entrada sobre si era realmente necesario contratar a un nuevo intérprete, y además de la calidad de Haley. Por otro lado, la película en sí misma considerada no es más que un torpe remake del primer título, del cual retoma muchas de sus imágenes y escenas más características y recurrentes –la zarpa de Freddy arañando las paredes, las niñas jugando a la comba al ralentí, el asesinato de una chica flotando en el aire en el dormitorio, el acecho de Freddy a la protagonista dentro de la bañera, etc., etc.— y apenas aporta nada realmente digno de estima. Acaso lo más curioso sea la delirante idea de que las personas que llevan más de dos o tres días sin dormir sufren esporádicos “microsueños”, o algo así, que les hacen soñar estando despiertos, lo cual da pie al único buen momento de puesta en escena de la función: la escena en la que Nancy (Rooney Mara), afectada por uno de esos “microsueños”, sufre un ataque de Freddy en pleno centro comercial, de tal manera que, por medio de un montaje en paralelo combinado con travelling, vemos a la muchacha entrando y saliendo del mundo del sueño en cuestión de segundos. Es el único destello de imaginación de un film que, por lo demás, está dominado por una perpetua sensación de rutina y de fórmula preestablecida: desde los consabidos “sustos” a base de cortes de montaje y golpes sonoro-musicales, hasta los inevitables y nada imaginativos flashbacks que nos informan de algo que, por lo demás, ya sabíamos de sobras a estas alturas: que Freddy Krueger fue, en vida, un ser solitario que descargaba sus demonios en el abuso sexual de niños. Ni que decir tiene que el aficionado al cine fantástico que esté interesado en sondear en los orígenes de un famoso personaje del cine de terror estadounidense de los setenta-ochenta elaborado con profundidad y seriedad hará mejor en acudir a las dos excelentes películas de Rob Zombie sobre Michael Myers, el tenebroso antihéroe creado por John Carpenter en La noche de Halloween (Halloween, 1978).\nY FRANKENSTEIN CREÓ A… DREN: SPLICE: EXPERIMENTO MORTAL (SPLICE, 2009), DE VINCENZO NATALI\nEl film fantástico “de género” que más me ha interesado de los que he visto en cines este verano –dejando aparte Origen (Inception, 2010, Christopher Nolan), que no es propiamente “de género”: hablaré de ella en otra ocasión— es la nueva película de Vincenzo Natali, un realizador que a mi entender ha sabido ir de menos a más: su celebrado primer largometraje, Cube (ídem, 1997), siempre me pareció curioso pero no extraordinario, y de entre sus posteriores propuestas que he tenido ocasión de ver destacaría sobre todo Cypher (ídem, 2002), que considero más interesante que Cube; hace poco se me ha presentado la ocasión de ver Nothing (2003), otra curiosidad harto divertida pero un tanto inocua, que a ratos recuerda al cine de Terry Gilliam –quizá fue por eso que Natali rodó poco después el documental Getting Gilliam (2005), que desconozco, y que es un making of del magnífico Tideland (ídem, 2005) de Gilliam—; y recuerdo, asimismo con agrado, Quartier de la Madeleine, su simpático sketch para París, je t’aime (Paris, je t’aime, 2006), el cual para mi gusto era el mejor de todos los que componían este desigual largometraje colectivo, opinión que sospecho debo mantener prácticamente en solitario. Splice –opto por prescindir del convencional subtítulo español que le han endilgado— toma como modelo al David Cronenberg de su primera etapa en Canadá –la que comprendería, para entendernos, desde Vinieron de dentro de… (Shivers, 1975) hasta Videodrome (ídem, 1983)—, y si bien el resultado carece de la densa atmósfera de insania que caracterizaba al Cronenberg de esos años –y que ahora, y sin por ello despreciar sus actuales trabajos en los márgenes del cine policíaco, a nivel particular echo un tanto de menos—, creo que hay bastantes cosas buenas que decir de ella. Anotemos –atención: SPOILER—, sin ir más lejos, que la cruda secuencia de la presentación ante la prensa de los dos organismos vivientes, que concluye catastróficamente, es digna del director de Cromosoma 3 (The Brood, 1979).\nUna de las mejores cosas de Splice consiste en ser uno de esos films, cada vez más raros hoy en día, que son capaces de explicar a la vez dos historias: una, la formada por la trama principal, y que, por más que Natali se haya empeñado en negarlo sistemáticamente en diversas declaraciones, bebe abundante pero inteligentemente de la herencia de Frankenstein, o el Moderno Prometeo, de Mary Wollstonecraft Shelley (lo cual a mi entender no debería interpretarlo, ni Natali ni nadie, como un deshonor o un hipotético reconocimiento de falta de originalidad: los clásicos son, por definición, inagotables); y además, y de manera simultánea, narra sotto vocce, entre líneas o si se prefiere “entre planos”, una segunda trama indisolublemente ligada a la principal. Esta última es la que se ve a simple vista; la otra, la que se deduce a raíz de determinados detalles de guión y de puesta en escena, y que está camuflada debajo de la primera, cualidad que suele definirse como capacidad de sugerencia. De hecho, para mi gusto es más interesante lo que la película sugiere indirectamente que lo que explica directamente, esto último acaso menos trabajado que lo otro y que se encuentra en la base de algunas malas críticas que he leído estos días en contra del film, reprochándole aspectos que me parecen más defectos de guión que otra cosa. Tampoco pretendo afirmar que Splice sea una obra maestra ni nada por el estilo; pero sí que sus virtudes superan a sus deficiencias. En este sentido, hace gala de una de las cualidades que siempre me han interesado y que más valoro del cine fantástico en general, sea de terror o de ciencia ficción: su capacidad para mostrar en segundo término y de manera metafórica conflictos humanos. Entrando ya en materia, Splice me parece una atractiva aproximación en clave fantástica a la crisis de una pareja, temática subyacente en diversas muestras de cine fantástico de calidad tan dispares como, por ejemplo, el interesante telefilm de Kiyoshi Kurosawa recientemente entrenado entre nosotros en DVD con el título de Seance (Kôrei, 2000), o el magnífico y tan polémico Anticristo (Antichrist, 2009) de Lars von Trier.\nClive Nicoli (Adrien Brody) y Elsa Kast (Sarah Polley) –cuyos nombres de pila rinden homenaje a dos de los protagonistas de La novia de Frankenstein (Bride of Frankenstein, 1935, James Whale)— son científicos especializados en genética y, además, pareja sentimental. Trabajan juntos en el mismo laboratorio y comparten idéntico objetivo científico: la creación de un organismo genético que podría tener incontables aplicaciones médicas muy beneficiosas para la humanidad (lo cual, mal que le pese a Natali, es exactamente el mismo propósito que mueve a Victor Frankenstein en la novela de Shelley…); sin embargo, una vez alcanzado ese objetivo, los dirigentes de la empresa farmacéutica que financia sus experimentos les piden que limiten el alcance de su logro, el cual ellos pretenden ampliar hacia un propósito todavía más ambicioso: la creación de un ser vivo con características humanas (…y vuelvo a remitirme a Mary Shelley…); desoyendo ese consejo, ambos deciden seguir adelante con esa idea (…ídem de ídem). De entrada ya llama la atención que el film prácticamente no muestre a Clive y Elsa en la intimidad de su hogar, hasta el punto de que podemos afirmar con escaso margen de error de que el laboratorio es, para ellos, su auténtico hogar: el lugar donde se sienten plenamente vivos (lo cual, como veremos más adelante, tendrá su peso específico cuando, en la segunda parte del relato, se produzca un cambio de escenario que acabará repercutiendo, asimismo, en los personajes). Desde un determinado punto de vista, Clive y Elsa son, como pareja, dos seres humanos que parecen haber dejado atrás la euforia amorosa de los primeros días de convivencia, hasta el punto de que –tal y como se explica en una escena que tendrá sus consecuencias de cara al futuro— han dosificado sus relaciones sexuales. Dicho de otra manera: para Clive y Elsa, el prolongamiento de su convivencia, unido al hecho de que no se separan ni siquiera para trabajar, parece haber disminuido su apetencia sexual del uno hacia el otro, lo cual ha dado paso al nacimiento y progresivo desarrollo de otra inquietud humana de índole emocional pero también sujeta a las necesidades/limitaciones del cuerpo: la posibilidad de tener un hijo. Al principio, Elsa se niega a concebir, dado que para ella comporta unas limitaciones de índole laboral y una serie de molestias naturales de las que él carece; dicho de otro modo, el tener o no hijos se convierte para ellos en el primer motivo de discordia y en una cuestión teóricamente irresoluble, habida cuenta de que ella y sólo ella tendría que cargar con un embarazo. No es casualidad en este sentido el qu e, en un momento dado, y cuando el experimento de creación genética de vida parece haberse frustrado, sea Clive quien adopte la drástica decisión de seguir adelante con el proyecto a espaldas de sus jefes; es decir, es el hombre quien tiene el impulso de procrear, de reproducirse, y al no poder hacerlo con su mujer, lo hace –simbólicamente, claro está— con una probeta… Tampoco lo es que, más adelante, y cuando las primeras pruebas al respecto van fracasando una detrás de otra, finalmente (atención: SPOILER) descubramos que el test definitivo funcionó gracias a que, en un arranque similar al de Clive, Elsa acabó utilizando su propio material genético. Ello explica, asimismo, que cuando el experimento culmina con éxito, la criatura recién nacida –y, de hecho, “nace”, brotando de la incubadora donde ha sido engendrada, rotura de aguas incluida— establezca un vínculo afectivo inmediato con su “madre”: Elsa. Yendo más lejos, en la escena en la cual esta última se encierra dentro del laboratorio, y se desprende de la capucha de su traje aislante a fin de impedir que Clive inunde la habitación con gas venenoso, la apariencia física de la mujer en ese preciso momento –con esa especie de pasamontañas debajo de su casco que le cubre la cabeza y sólo deja ver su rostro— guarda cierta similitud con la del ser. Resulta asimismo coherente que broten en Elsa los instintos maternales de los que carecía hasta ese momento, pues ha conseguido “dar a luz” ahorrándose todos los inconvenientes físicos del embarazo y el parto que temía.\nTambién me parece muy interesante que, como consecuencia de la rápida evolución del ser, Dren, que de un animal difícil de identificar se convierte primero en una especie de niña (Abigail Chu) y luego en una especie de mujer de inquietante belleza (Delphine Chanéac), se deriven otras curiosísimas implicaciones en la línea de lo que estamos apuntando. Una vez convertido en “padre”, Clive rechaza ese papel, en primer lugar porque –nueva connotación frankensteiniana— no se siente orgulloso de esa “hija” tan extraña que ha “concebido” (lo cual, dadas las circunstancias fantásticas de dicha concepción, es perfectamente lógico); en segundo lugar, porque no siente a esa “hija” como algo suyo, al no haber participado en el proceso final de su concepción (lo cual se corrobora –recordemos el anterior SPOILER— cuando Elsa confiesa haber usado su propio material genético); en tercer lugar, Clive es consciente de que Elsa sí ha aceptado su nuevo papel de “madre”, y ello le provoca celos, sintiéndose reemplazado (y, posiblemente, si bien el film no lo explora lo suficiente, “sexualmente desatendido” por su pareja, lo cual también tendrá repercusiones en un futuro inmediato…). Es muy significativa la escena –atención: SPOILER— en la cual Clive sumerge a la pequeña y enferma Dren dentro de una bañera llena de agua: su propósito es ahogarla, pero como consecuencia de su acto Dren no muere, sino que revive gracias a sus todavía no estrenadas capacidades anfibias, lo cual conduce a Elsa a creer que Clive lo ha hecho para salvarle la vida, habida cuenta de que él no se atreve a sacarla de su error… Llegados a este punto, la situación da un giro a partir del momento en que, por así decirlo, se descubre el pastel, obligando a Clive y Elsa a llevarse a la ya adulta Dren fuera del laboratorio, siendo un cobertizo emplazado en una granja en las afueras el lugar elegido para esconderla del mundo. Este aspecto, hay que reconocerlo, es uno de los puntos débiles del film (vuelvo a insistir, a mi entender una debilidad de guión): el momento en que los protagonistas sacan a Dren del laboratorio ocultándola en la consabida carretilla cubierta con una manta es harto convencional y está resuelto de forma precipitada.\nMas ese cambio de escenario contribuye a enriquecer el substrato dramático del relato: fuera del laboratorio, a Clive y a Elsa les resulta mucho más difícil controlar a Dren, cuyas cualidades sobrehumanas hace tiempo que resultan patentes. En ello puede verse, claro está, una nueva metáfora frankensteiniana: la rebelión del Hombre contra Dios, ergo, la rebelión del Hijo contra el Padre. ¿Acaso no es la creciente rebeldía de Dren un símbolo de la típica rebeldía del adolescente contra el control paterno? De ahí que, con ese cambio de entorno, más próxima que nunca al mundo real y en plena naturaleza, Dren alcance su madurez física, emocional y sexual. Ello deriva en un cambio de tornas: Clive empieza entonces a ejercer como “padre”, defendiendo a Dren de las exigencias “maternas” de Elsa; en ello influye, por descontado, el creciente deseo sexual, enfermizo en el caso de Clive, completamente natural y libre de prejuicios en el de Dren, que ambos empiezan a sentir el uno por el otro; libido anticipada en la ya apuntada escena –atención: SPOILER— en la cual Dren espía a Clive y Elsa mientras hacen el amor en el sofá: no hace falta invocar a Freud para saber que el padre es el primer referente masculino en la vida de una mujer. Por su parte, Elsa empieza a controlar en exceso a Dren, recurriendo a la severidad e incluso al castigo físico (acaso intuyendo, por más que no quiera verlo así de manera consciente, que, con su sorprendentemente rápida evolución, Dren ha pasado a convertirse en su rival sexual con respecto a Clive): anotar al respecto –atención: SPOILER— la terrible secuencia en la cual Elsa ata a Dren a una mesa y le amputa el peligroso aguijón retráctil de su cola: no hay que ser un lince para ver en ello una castración. Por todo ello, y a pesar de que acaso en su tercio final la resolución del relato sea un tanto precipitada (por más que, en sus líneas generales, tampoco me parece tan mal resuelta como se ha dicho), creo que Splice atesora las suficientes buenas ideas como para merecer consideración: hay películas mucho peores –por citar otra recientemente estrenada: The Girlfriend Experience (ídem, 2009, Steven Soderbergh)— que son recibidas con comentarios supuestamente más “intelectuales”.\nEL ARTE DE VIVIR: LAS VIDAS POSIBLES DE MR. NOBODY (MR. NOBODY, 2009), DE JACO VAN DORMAEL\nEstrenada este verano precedida de su presentación en el Festival de Venecia del año pasado, y de una campaña publicitaria en nuestro país prácticamente nula, hasta el punto de que probablemente mucha gente ni siquiera se ha enterado de su estreno entre nosotros, la nueva película del belga Jaco Van Dormael, según parece amada y odiada a partes iguales como suele ocurrir con casi todos los trabajos de este realizador –Totó el héroe (Toto le héros, 1991), El octavo día (Le huitième jour, 1996)—, adolece de un grave problema de estructura que, a mi entender, malogra la mayor parte de sus atractivas posibilidades. Si bien es verdad que su título español ya avanza, acaso excesivamente, cuál es el sentido del film, no es menos cierto que Las vidas posibles de Mr. Noboby expone todo aquello que quiere expresar dentro de sus aproximadamente veinte primeros minutos de metraje. Pero vayamos por partes: no es que lo que explica carezca de interés; además, la manera como lo explica viene arropada por diversos méritos, digamos, “colaterales” (acaso sería injusto calificarlos como “secundarios”), obra de los excelentes colaboradores con los cuales ha contado el director, y que se traducen en elementos técnico-artísticos (o, si se prefiere, artístico-técnicos) que contribuyen sobremanera a realzar el producto: la buena labor de los intérpretes, y la brillante factura proporcionada por la labor de los responsables de aspectos formales como fotografía, decoración y efectos visuales. [Nota bene: ésta es una película muy cara para los parámetros de producción habituales del cine europeo (se trata de una coproducción de Bélgica, Francia y Alemania con Canadá cuyo coste se estima en 47 millones de dólares); parámetros de producción que, por cierto, algún día debería aclararse cómo funcionan, dado que este film ha sido, hasta la fecha, un negocio pésimo (2 millones de dólares de recaudación mundial) que ha contado con la inevitable participación del programa MEDIA de la Unión Europea, es decir, dinero público que luego se invierte en películas que se estrenan como ésta, de relleno de programación de verano, sin la adecuada publicidad –han pasado ya los tiempos en los cuales el buen paño se vendía en el arca— y que en consecuencia no va a ver nadie o casi nadie: ¿me lo parece sólo a mí o hay algo que no funciona bien en todo esto?].\nLo que explica Las vidas posibles de Mr. Nobody es en realidad, y por más que a simple vista pueda no parecerlo, muy sencillo, incluso simple. Dicho rápidamente: el film plantea y desarrolla de forma prolija las alternativas vitales que se le plantean a un mismo personaje, un mismo ser humano, a lo largo de la existencia; o, dicho de otra manera, cómo cada elección humana supone el descartar otras, y de qué forma cada elección conlleva la creación de otras alternativas vitales y de diferentes estilos de vida. La película lo explica de manera práctica centrándose en un hombre llamado, no por casualidad Nemo Nobody: “nemo” y “nobody” se traducen como “nadie” en latín e inglés respectivamente. Este simbólico Don Nadie (Jared Leto) “vive”, en varios planos imaginarios, distintas vidas en función de su relación con las tres mujeres que se cruzan por separado en su existencia, de tal manera que, mientras vive con una de ellas, se supone que no se relaciona ni se ha relacionado nunca con las otras dos. De menor a mayor importancia, y no por orden cronológico, la primera de ellas es una mujer oriental, Jean (Linh Dan Pham), a la que, por cierto, no se le dedica demasiado metraje, a pesar de que Nemo llegará a casarse y engendrar hijos con ella. Más importancia tiene Elise (Sarah Polley) –o, mejor dicho, se la da el realizador, también guionista, dado que le dedica más metraje—, si bien la convivencia de Nemo con esta última es muy difícil, habida cuenta la tendencia de la mujer a las depresiones, las cuales con frecuencia trastocan el orden del hogar y la familia que comparten. La tercera es la más importante –vuelvo a insistir: es aquélla a la que Jaco Van Dormael concede más importancia—: se llama Anna (Diane Kruger) y está descrita desde el primer momento como “el gran amor” en la vida de Nemo, hasta el punto de que, si bien en uno de los numerosos flashbacks que jalonan el relato, vemos cómo el pequeño Nemo (Thomas Byrne) llegó a conocer a la vez a las tres futuras mujeres de su vida siendo también estas últimas todavía unas niñas –plano de las tres pequeñas sentadas en el banco y saludando a Nemo al pasar—, lo cierto es que, a la hora de la verdad, es Anna la que se lleva la palma en lo que a intensidad se refiere en la vida del protagonista: no sólo porque, como hemos apuntado, ya la conocía desde la infancia, sino también porque, en una de sus posibles vidas alternativas, el adolescente Nemo (Toby Regbo) fue amante de la adolescente Anna (Juno Temple) aprovechando su condición de hermanastros que vivían bajo el mismo techo; en esa misma vida alternativa, el ya adulto Nemo sueña con reencontrarse con la asimismo adulta Anna; más aún: en otro hipotético “nivel” de existencia, Nemo conoce a una “segunda Anna” (sigue siendo Diane Kruger) mientras realiza nada menos que un viaje turístico ¡al planeta Marte! (suponiéndose, en este caso, que aquí no conoce ni ha conocido nunca a las adultas Jane, Elise y “primera Anna”, las cuales forman parte de esas otras vidas vividas en otras dimensiones o acaso sencillamente soñadas en su imaginación).\nMás que una película compleja, que a mi entender no lo es, Las vidas posibles de Mr. Nobody es una película complicada, lo cual no es lo mismo. Su complicación, que no complejidad, está construida por medio de la técnica del montaje en paralelo, de tal manera que todas esas “vidas posibles”, todas esas alternativas que rechazan cada una a las demás, se van alternando y solapando con vistas a conseguir un determinado contraste: poner de relieve lo que se conoce como paradojas del destino, en lo que puede verse asimismo un discurso sobre cómo el azar y la fatalidad afectan el devenir de la vida humana más de lo que nos gusta reconocer: que el ser humano no es dueño de su destino, o por lo menos no lo es al cien por cien (puede que incluso creer esto último sea una mera ilusión). Dicho discurso se expresa, como digo, sobre la base de un montaje en paralelo que va alternando una serie de escenas que podríamos denominar “momentos clave” en la vida o vidas de Mr. Noboby, muchos de ellos relacionados, por cierto, con la idea de la muerte, entendida como inevitable punto final de toda existencia. De este modo, el film monta en paralelo: 1): un bloque futurista ambientado en el año 2092, en el cual el anciano protagonista vive en un mundo futuro súper tecnológico en el cual todo el mundo es inmortal y él es el último ser humano vivo a la antigua usanza, es decir, el último ser humano que acabará muriendo de viejo a la avanzadísima edad de 120 años; 2): un bloque de infancia, en el cual vemos, o se evoca, el momento clave de la vida del pequeño Nemo: cuando tuvo que decidir, en una estación ferroviaria y viendo cómo su madre (Natasha Little) tomaba un tren para separarse definitivamente de su padre (Rhys Ifans), con cuál de sus progenitores prefería quedarse; 3): un bloque de la vida adulta de Nemo, quien tras haber decidido en aquella estación de tren quedarse con su padre, acabó conociendo y casándose con la depresiva Elise; 4): un bloque de la vida adolescente de Nemo, en el cual decidió subirse en el último segundo al tren con su madre, y de este modo conoció a la adolescente Anna al mismo tiempo que su madre intentaba rehacer su vida con el padre de la chica; 5): un bloque, continuación del anterior, en el cual Nemo y Anna se reencuentran en Nueva York ya adultos; 6): un bloque de la vida adulta de Nemo con Jean (vuelvo a repetir, el más breve); y, si no me he dejado alguno por el camino (es muy fácil si, como en mi caso, la película sólo se ha visto una vez), 7): el ya mencionado bloque futurista en el cual el adulto Nemo viaja a Marte y, a bordo de la nave espacial donde los pasajeros vuelan hasta el planeta rojo en estado de criogenización, conoce a la “segunda Anna”. He mencionado que muchos de estos bloques narrativos están asociados con la idea de la muerte: en uno de ellos, el Nemo de 120 años está a punto de morir (y su muerte será retransmitida por televisión en todo el mundo como el acontecimiento excepcional que es en un mundo donde ya nadie muere de viejo); en otro, el todavía joven Nemo fallece ahogado dentro de su propio coche tras haberse precipitado al río por accidente (además, Nemo no sabe nadar: una idea en la que se insiste a lo largo del film y que parece sacada de Matadero 5/Slaughterhouse-Five, 1972, la lectura llevada a cabo por George Roy Hill de la novela homónima de Kurt Vonnegut); en otro, es asesinado mientras toma un baño en un hotel de lujo, tras haber suplantado caprichosamente la identidad de otro hombre (una bifurcación dentro del relato) que, por ese mismo azar, estaba predestinado a ser ejecutado a manos de un matón; y en otro, muere junto a la “segunda Anna” como consecuencia de la lluvia de meteoritos que destruye la nave espacial que les devolvía a la Tierra tras sus estancia marciana…\nEl lector habrá notado que no he usado la expresión SPOILER en ningún momento, habida cuenta que la mayoría de acontecimientos del guión que he detallado no se producen siguiendo el orden cronológico habitual, sino que muchos tienen lugar al principio o hacia la mitad del metraje. Ello sirve para tener una idea más o menos clara (lo he intentado) de por dónde van los tiros, y sobre todo, del que me parece el gran defecto de esta película curiosa e inusual, cierto, pero también pesada, reiterativa e insuficiente: como ya he apuntado al principio de estas líneas, todo lo que pretende explicar está ya apuntado en sus primeros veinte minutos, de tal manera que el resto de sus dos horas largas de metraje no consiste en otra cosa que en una constante y reiterada variación del patrón narrativo en montaje paralelo que hemos expuesto. Lo peor del film es que semejante embarullamiento narrativo no parece sino una manera artificiosa de encubrir lo vacío del producto. Jaco Van Dormael busca disfrazar de complejidad lo que, en el fondo, no es más que un mero juego con el montaje en paralelo y la asociación de imágenes, algo que ya queda meridianamente claro en esos primeros veinte minutos (véase, por ejemplo, la forma de relacionar visualmente los episodios, digamos, “acuáticos” de las distintas vidas de Mr. Nobody: plano submarino de Nemo ahogándose dentro de su coche / plano submarino de su esposa Jean buceando en la piscina de su vivienda / planos del pequeño Nemo espiando desde los vestuarios de la piscina del colegio a la pequeña Anna mientras ésta asiste a clase de natación con sus compañeras / plano del adulto Nemo emergiendo de la bañera donde, a continuación, será tiroteado por el matón con pistola; hasta la estancia de blancas paredes y sin mobiliario del anciano Nemo está adornada con reflejos acuáticos). Lo que intenta ser un viaje en profundidad por las procelosas aguas de la memoria y una digresión sobre el destino acaba siendo poco más que un juguete formalmente vistoso e inflado de aire, cuya gratuidad recuerda al cine de otro temible fabricante de pompas de jabón: Jean-Pierre Jeunet. Una pena, porque incluso en sus peores momentos Las vidas posibles de Mr. Nobody se revela, aunque mal aprovechada y desarrollada, una interesante idea.\nPublicado por Tomás Fernández Valentí en 12:20:00 4 comentarios:\n“IMÁGENES DE ACTUALIDAD” SEPTIEMBRE 2010, YA A LA VENTA\nDos esperadas producciones de corte fantástico-aventurero, Thor, de Kenneth Branagh, y Conan, de Marcus Nispel, cuyo estreno está previsto para el año que viene, ocupan la portada del núm. 305 de Imágenes de Actualidad, donde asimismo se destacan los reportajes de otros títulos cuyo estreno está anunciado para septiembre-octubre, tal es el caso del nuevo Oliver Stone, Wall Street: el dinero nunca duerme; la nueva película “de” Julia Roberts, Come, reza, ama, que ha dirigido Ryan Murphy; y la cuarta entrega de la serie Resident Evil de nuevo realizada por el director del primer título, Paul W.S. Anderson: Resident Evil: ultratumba. Mi mayor contribución a este número vuelve a ser el Cult Movie, dedicado en esta ocasión a una de las mejores películas de la primera etapa canadiense de David Cronenberg: Videodrome (1983), protagonizada por James Woods y la volcánica Deborah Harry.\nPublicado por Tomás Fernández Valentí en 19:33:00 1 comentario:\n“LA TERMINAL”, DE STEVEN SPIELBERG, EN CINE ARCHIVO\nEl portal Cine Archivo publica estos días la segunda parte del dossier que ha dedicado al realizador norteamericano Steven Spielberg. Mi contribución al mismo ha consistido en esta ocasión en un comentario de uno de sus films probablemente menos apreciados de estos últimos años: La terminal (2004), una curiosísima comedia con toques abstractos que, probablemente a causa de la ligereza de su tono –chocante, teniendo en cuenta que su autor había firmado en esa misma década títulos tan sombríos como A.I. Inteligencia artificial, Minority Report, La guerra de los mundos y Munich—, no fue todo lo bien recibida que se merecía, y precisamente por su carácter un tanto anómalo dentro de la última producción de Spielberg, además claro está de por sus valores intrínsecos, superiores a lo que se dijo en su momento, bien merece una reconsideración.\nEspecial Steven Spielberg (Parte II: 1990-2008):\nEl hombre atrapado: La terminal:\nPublicado por Tomás Fernández Valentí en 13:20:00 3 comentarios:\nUN “PLACER CULPABLE” PREFABRICADO: “LOS MERCENARIOS”\n[Nota “bene”: a pesar de que determinados momentos cruciales de esta película están señalados con la expresión SPOILER, se recomienda, a quien desee “sorprenderse” viéndola, no leer este texto si no se ha visto antes el film].\nTenía, y tengo, la intención de hablar en este blog de algunos estrenos cinematográficos de este verano que se han producido semanas atrás y que están en boca de todos los aficionados; de otros daré cuenta en las páginas del próximo número de Dirigido por… Como no me cansaré de repetir, este blog lo escribo en mi tiempo libre y principalmente movido por el placer que me produce el escribir sobre lo que me venga en gana y ocupando el espacio que me venga en gana (con lo cual no me diferencio en absoluto de cualquier otro blogger), y el poder contactar con amigos y aficionados al cine en general para intercambiar cordialmente impresiones sobre lo que nos gusta a todos, que no es ni más ni menos que el cine. Y, si bien es verdad que hay otros estrenos de estas últimas semanas sobre los cuales quiero escribir aquí, no es menos cierto que, vuelvo a insistir, este blog nace y se administra a partir de mis impulsos (buenos o malos, eso ya queda a juicio del lector…), con lo cual justifico así, o al menos lo intento, que antes de entrar en esos estrenos anteriores quiero hacerlo ahora en otro posterior y mucho más reciente al cual esos mismos impulsos me están pidiendo que le dé preferencia. Me estoy refiriendo a Los mercenarios (The Expendables, 2010), la nueva película dirigida, co-escrita y co-protagonizada por Sylvester Stallone, que miren ustedes por donde esta dando de qué hablar mucho más de lo esperado. Intentaremos internarnos en un terreno espinoso tanto cuando se habla de cine como cuando se hace en relación a otras artes: la famosa cuestión de lo que en cine se conoce con una expresión inglesa puesta de moda en estos últimos años, si bien en realidad ha existido de manera soterrada desde siempre: el guilty pleasure, o “placer culpable”, bajo el cual suelen denominarse aquellas películas que son objeto de otro fenómeno cinéfilo asimismo más añejo de lo que suele reconocerse, el “culto”, de tal manera que dichos films, o cult movies, congregan a su alrededor multitudes de admiradores que los tienen en estima de una forma que podríamos calificar como irracional o ilógica, o si se prefiere como visceral o emocional, habida cuenta de que, en el caso concreto de los “placeres culpables” –todos los guilty pleasures son “películas de culto”, pero no todos los cult movies son “placeres culpables”—, el “culto” que generan se deriva de razones que poco o nada tienen que ver con su calidad o méritos artísticos, más bien al contrario.\nDicho de una manera sencilla: un guilty pleasure es un film que gusta o puede gustar aún teniendo plena conciencia de que se trata de una mala película, de ahí por tanto la unión de los conceptos “placer” y “culpabilidad”. Salvando las distancias, visionar un “placer culpable” produce un goce “perverso” similar al que pueda producir el excedernos con el tabaco o con el alcohol aun siendo plenamente conscientes de sus efectos perjudiciales para la salud, porque a la hora de la verdad nos rendimos ante el sabor de un buen cigarro o de un buen licor. El guilty pleasure es el cine entendido como experiencia hedonista; yendo incluso un poco más allá, es el cine entendido como experiencia hedonista “brutal” o “en bruto”, en cuanto es estricta o principalmente emocional, y más teniendo en cuenta que el cine también proporciona otro tipo de placeres hedonistas que nada tienen que ver con los que procuran los “placeres culpables”; evidentemente, no es lo mismo el guilty pleasure que procura o puede procurar Los mercenarios que el “placer”, en este caso “no culpable”, que proporciona o puede proporcionar El año pasado en Marienbad (L’année dernière à Marienbad, 1961, Alain Resnais). Téngase en cuenta, asimismo, que no he dejado de utilizar el verbo “puede” para referirme a ambos fenómenos, habida cuenta de que está muy claro que ni todos los seres humanos responden por igual ante los mismos estímulos, ni más concretamente, todos los aficionados al cine responden por igual ante una misma película, de tal manera que hay y siempre habrá espectadores que reaccionarán con placer ante Los mercenarios y se dormirán viendo El año pasado en Marienbad, y viceversa, del mismo modo que también hay (espero) espectadores eclécticos capaces de valorar ambos films en su justa medida. Llegados a este punto, entramos en otra cuestión: ¿puede un aficionado al cine de todo tipo experimentar un “placer culpable” ante Los mercenarios y al mismo tiempo saber apreciar la complejidad intelectual de El año pasado en Marienbad e incluso disfrutar con ella? Lo ideal no es que pueda hacerlo, sino que hasta me atrevería a decir que debe hacerlo, dado que ambos conceptos son excluyentes entre sí pero no incompatibles por completo; sencillamente, Los mercenarios y El año pasado en Marienbad están situadas a distintos niveles de apreciación, los dos perfectamente respetables siempre y cuando no se confundan ni se pretenda hacer pasar al uno por el otro; en este sentido, la ventaja desde un punto de vista de “alta cultura” siempre la tendrá la película de Resnais, reconocida oficialmente como arte desde el momento mismo de su estreno, y de arte consolidado, además, por el paso del tiempo, mientras que la película de Stallone probablemente siempre estará marcada por su condición de guilty pleasure aún por encima de sus teóricos méritos artísticos.\nUna vez aquí, es el momento de centrarnos en Los mercenarios en sí misma considerada y empezar a decir que, como “placer culpable”, es un producto prácticamente perfecto. ¿Cómo no va a serlo un film capaz de dar una satisfacción “brutal” a tantos niveles? En primer lugar, es un monumento a la imagen más característica de su principal responsable, un Sylvester Stallone sexagenario que a estas alturas de su carrera y de su vida ha adquirido con el tiempo la condición de “mito viviente” (que es una manera elegante y honrosa de decir que se está haciendo viejo…), revalidada hace pocos años por la reivindicación que tuvo a raíz de los estrenos de dos tardías secuelas de sus pasados éxitos, Rocky Balboa (ídem, 2006) y John Rambo (Rambo, 2008), realizadas por él mismo. En segundo lugar, Los mercenarios está planteada como un homenaje al cine de acción de los ochenta, época de mayor tirón comercial de Stallone y de los “colegas de género” que le secundan en un reparto calculadamente diseñado de cara a estimular el recuerdo de esa década, e intentando en la medida de lo posible satisfacer de paso a los seguidores del género en la actualidad, de tal manera que junto con Stallone se codean Jason Statham (en una concesión a la modernidad); Jet Li (de cara probablemente a ganarse el mercado asiático); Dolph Lundgren; Randy Couture, Steve Austin, Terry Crews y Gary Daniels (los cuatro mencionados en último lugar han sido o son figuras del actual cine de acción de bajo presupuesto que en la mayoría de ocasiones va “directo-a-videoclub”); intérpretes de carácter curtidos en esa misma década y con imágenes asimismo “duras”, como son los recuperados Mickey Rourke y Eric Roberts; además, naturalmente, de las colaboraciones muy especiales de Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger, las otras dos grandes estrellas del género en los ochenta, compartiendo con Stallone su primera escena juntos en plan “momento inolvidable”. Casi huelga recordar que intérpretes como Kurt Russell, Jean-Claude Van Damme y Steven Seagal fueron invitados por Stallone a participar en este proyecto, y es bastante probable que, a la vista del buen funcionamiento comercial que ha tenido y el reciente anuncio de Stallone de la pronta realización de una secuela, más de uno se lo pensará de nuevo, sobre todo los dos mencionados en último lugar. ¿Chuck Norris –a quien el actor español Eusebio Poncela definió como “el Rambo de los pobres”— será llamado a participar en el futuro? También hay que tener en cuenta, finalmente, que Los mercenarios es una producción tras la cual hallamos los nombres de veteranos productores vinculados al exploitation de los años ochenta y noventa, como Boaz Davidson y Avi Lerner; y que su director de fotografía es Jeffrey L. Kimball, operador en varias películas de Tony Scott (Top Gun: ídolos del aire/Top Gun, 1986; Superdetective en Hollywood 2/Beverly Hills Cop 2, 1987; Revenge/ídem, 1990; Amor a quemarropa/True Romance, 1993) y que ya había coincidido con Stallone y Eric Roberts en la terrible El especialista (The Specialist, 1994, Luis Llosa), tratándose por tanto de alguien también vinculado al cine de acción de esa época.\nDesde este punto de vista, ¿cómo no va a ser divertida, ni que sea a un nivel muy primario, una película diseñada para ser un guilty pleasure, una broma entre amigos y para amigos, un guiño en forma de largometraje pensado para proporcionar “placer culpable” a los incondicionales? Este propósito se cumple a la perfección: Stallone encarna a Barney Ross, el prototípico líder de un grupo de soldados de fortuna cuyas frases están barnizadas por los toques de filosofía práctico-existencialista de Rocky y Rambo; Statham reitera, como el mercenario que responde al exótico apellido de Navidad (sic), su habitual papel de duro expeditivo con cierta tendencia a la sorna; Li, que responde al no menos “filosófico” nombre de Ying Yang, se presta al juego auto-paródico aceptando numerosos chistes en torno a su baja estatura; Lundgren reincide en el papel de psicópata que forjó en Rocky IV (ídem, 1985, Stallone) y consolidó junto a Van Damme en Soldado Universal (Universal Soldier, 1992, Roland Emmerich): el Gunner que encarna aquí recuerda sobre todo a este último; Mickey Rourke efectúa, como Tool, su ya habitual aparición de “hombre duro desgastado” de largos cabellos desgreñados y cuerpo cubierto de tatuajes, si bien, nobleza obliga y a la vista de su actual reputación renovada como actor, tiene a su cargo la escena dramática más comprometida; el resto de intérpretes se ciñe poco más o menos a lo habitual en ellos, incluyendo en este caso a “la chica”, Sandra (Giselle Itié), que asume la doble función de heroína-en-peligro y amor-imposible de un Stallone demasiado envejecido para amarla, lo mismo que le ocurría a John Wayne en sus últimas películas. Mención especial merecen, naturalmente, Willis y Schwarzenegger, principalmente porque la escena que comparten con su colega Sly está descaradamente construida alrededor de la popular imagen cinematográfica que se ha forjado alrededor de estos tres astros (atención: todo lo que viene hasta el final de este párrafo es una andanada de SPOILERS): cuando Barney se reúne con el misterioso hombre que le encarga su nueva misión mercenaria y que responde al apodo de Sr. Iglesia (Willis), dado que su reunión tiene lugar en una iglesia desierta, aparece un tercer personaje, un antiguo rival de Barney llamado Trench (Schwarzenegger), que se inmiscuye en su conversación; Willis interrumpe sus réplicas diciéndoles que no se pongan “a chuparse las pollas” (sic), en lo que puede verse fácilmente un guiño a la famosa frasecita que soltaba no Willis, sino Harvey Keitel, en Pulp Fiction (ídem, 1994, Quentin Tarantino); Schwarzenegger le dice a Stallone algo así como que a este último siempre le gusta andar metido por la selva, en referencia, cómo no, a las aventuras vietnamitas de Rambo; y, cuando el austriaco sale de escena, Stallone se burla de él explicándole a Willis que se trata de un ex mercenario que ahora “quiere ser presidente” (otro sic), en alusión a la carrera política real de Schwarzenegger como gobernador de California. Es muy difícil, casi imposible, reprimir la carcajada ante semejante baño de complicidad.\nEl problema de Los mercenarios (si es que de problema puede hablarse habida cuenta de que el film no puede ser más honesto de lo que es) reside en que, dejando aparte su condición de guilty pleasure, del placer perverso que puede proporcionar (y que a mí mismo, sin ir más lejos, me proporcionó), como película en sí misma considerada no tiene ningún interés. La trama no es más que un encadenado de tópicos mil veces vistos y que ni siquiera son patrimonio del cine de acción de la década que se pretende reivindicar, la de los ochenta, sino que se remontan a mucho más allá en el pasado y nacen de títulos más añejos cuya cita resulta innecesaria a estas alturas. Ni que decir tiene que los personajes son unidimensionales, puesto que en ningún momento se cuestiona la “honradez” de los héroes de la función a pesar de su carácter, indiscutible, de asesinos a sueldo que matan a cambio de dinero; está, cómo no, la consabida coartada moral del siempre reconfortante “código de honor”, el cual establece que los mercenarios nunca matan a inocentes, sino a quien realmente “se lo merece” (lo cual, por sí solo, ya desmonta dicho “código de honor”, que a partir del momento en que se arroba la potestad de decidir arbitrariamente quién vive y quién muere ya ni es un código ni mucho menos, de honor). A pesar de sus generosas dosis de violencia “ochentena” (las cuales, cierto, se echan de menos en el aséptico cine comercial de la actualidad, pero que por sí solas tampoco atribuyen ningún mérito especial al cine: la violencia en sí misma considerada es tan sólo eso: violencia), el retrato de los protagonistas de Los mercenarios carece de mordiente, incluso de auténtica dureza: es el resultado de una impostura, de una cómoda sumisión y pleitesía al reino del tópico. Lo mismo puede decirse, y con más razón, de “los malos”, todos de una pieza, por más que se intente jugar a la baza de cierta complejidad emocional en lo que al dictador general Garza (David Zayas) se refiere, a quien en un momento dado (atención: SPOILER) se le coloca en la encrucijada de mantenerse en el poder a cambio del sacrificio de su propia y contestataria hija Sandra; o el hecho de que el villano encarnado por Eric Roberts, James Munroe, sea un ex agente de la CIA que emplea, para torturar a Sandra, los mismos métodos practicados por el ejército norteamericano y por los hombres de “la compañía” durante la guerra de Iraq, esto es, el tristemente célebre ahogamiento de seres humanos mediante la colocación de una toalla empapada de agua sobre la cara.\nCierto: Los mercenarios “es” cine de acción de los ochenta. También cierto: Los mercenarios es tan mala como solía serlo el grueso del cine de acción de los ochenta. Coherencia no le falta. Desvergüenza, tampoco. Muy probablemente, es esto último, la total y absoluta falta de prejuicios de Stallone y sus compinches, su arrogante actitud “ochentera” plantando cara a un cine, el actual, que posiblemente ni les gusta ni les entiende, pero que de momento les acepta porque han conseguido seguir dando dinero a trancas y a barrancas, lo que suscita simpatía: la actitud del rebelde a contracorriente de las modas. Pero que nadie se llame a engaño. ¿O es que acaso nadie recuerda ya que fue precisamente Stallone y todo lo que generó detrás suyo uno de los principales responsables de que el cine comercial norteamericano de los ochenta degenerara hasta extremos bochornosos, y quien contribuyó decisivamente a que dicha década fuera y siga siendo una de las peores de la historia del cine, si no la peor? Porque una cosa es que se pueda recordar con cariño Rambo: acorralado, segunda parte (Rambo: First Blood II, 1985, George P. Cosmatos), en cuanto fenómeno cinematográfico característico de un momento determinado, y otra bien distinta empezar a decir que aquellas horrendas películas de Stallone, o los subproductos de la Cannon a mayor honra y gloria de Chuck Norris, y un largo etcétera que ni siquiera vale la pena mencionar, eran buenos films. Si aceptamos esto, difícilmente podemos verle mayores méritos a una película que, como Los mercenarios, no hace otra cosa que volver a repetir los tics de ese cine que uno ya creía superado y olvidado, a no ser que empecemos a considerar ahora que dichos tics no eran sino rasgos de estilo que el tiempo acabará convirtiendo en patrones narrativos de un género, el actioner, que ciertamente todavía no se ha estudiado como es debido, pero que tampoco merece ser ensalzado sin fundamento alguno, como en este caso. Puede que, con los años, el actioner llegue a ser reivindicado como antes lo fueron otros subgéneros o variantes genéricas que durante mucho tiempo sufrieron el desprecio de los críticos, como el peplum, el giallo, el eurowestern, el slasher o diversos subgéneros del cine asiático; y, desde luego, cuando se entre en profundidad en el actioner, será el momento de poner en el elevado lugar que se merecen cineastas como Walter Hill y sobre todo John McTiernan, así como las contribuciones esporádicas de directores como Paul Verhoeven y Richard Donner; pero también será el momento de separar el grano, el poco grano, de la paja, la mucha, mucha paja.\nVolviendo a Los mercenarios, dejando de lado toda la carga de “placer culpable” que le confiere todo su sentido, y concluyendo, el film no es más que un paseo por convenciones archisabidas. Una primera secuencia destinada a describirnos, y dejar establecida de entrada, la eficacia de los mercenarios comandados por Barney, mediante el dibujo de una contundente operación de rescate de rehenes a bordo de un barco secuestrado por piratas somalíes (pincelada de actualidad que Stallone no ha tardado en aprovechar, apuntándose así un buen tanto). Secuencias destinadas a seguir describiéndonos, si bien nunca saliéndose del patrón del tópico establecido, a los principales protagonistas: la vieja amistad que vincula a Barney con Tool, el mercenario retirado que ahora se dedica a hacer tatuajes como los que cubren su cuerpo y el del propio Barney (en un momento que tiene algo de intimidad viril: el único instante en el cual vemos al protagonista desnudarse no es ante una mujer, sino ante el camarada que le tatúa un cuervo en la espalda); o el dibujo de la vida sentimental de Navidad, enamorado de una mujer, Lacy (Charisma Carpenter), que se la pega con otro porque es incapaz de soportar la soledad generada por las largas ausencias de su amante, consecuencia a su vez del oficio de matarife a sueldo de este último (y que da pie a uno de los giros de guión más previsibles que imaginarse pueda: Navidad ve con malos ojos al nuevo amante de Lacy, pero acepta con resignación las quejas de la mujer y respeta su decisión: ni que decir tiene que a Navidad pronto se le presentará la gran oportunidad de romperle la cara al nuevo semental de Lacy cuando descubra que aquél se dedica a maltratarla…). Tampoco hay sorpresas destacables en lo que se refiere al dibujo del régimen dictatorial mediante el cual el ex agente de la CIA Munroe y el general Garza oprimen al imaginario país latinoamericano situado en la isla de Vilena. Y qué decir del momento en el cual los compañeros de Barney deciden acompañarle en su misión suicida a la isla movidos únicamente por la amistad y el respeto hacia su jefe: en ningún momento hemos percibido el afecto que se da entre ellos, con lo cual su decisión resulta inverosímil y carece de emotividad alguna. Puede entenderse hasta cierto punto que sea Barney quien tome en solitario dicha decisión, se supone que motivado por el –por otro lado, excelente— speech interpretativo en primer p lano de Mickey Rourke (escena en la que Tool evoca sus tiempos como mercenario y cómo decidió dejar su profesión el día que dejó morir a una mujer que iba a suicidarse sin mover un dedo por ayudarla…), aunque los contraplanos de un impávido Stallone mientras le escucha no surten el efecto melodramático deseado. Las secuencias de acción son hasta cierto punto efectivas –en particular, el ataque aéreo de Barney y Navidad sobre el muelle—, pero ninguna de ellas supera el listón de lo visto en anteriores ocasiones, e incluso mejor –cf. las persecuciones automovilísticas en la isla (Barney, Navidad y Sandra huyendo en la furgoneta) y en la ciudad (Barney y Ying Yang perseguidos por Gunner y sus matones)—; incluso la batalla final en el palacio del gobierno de Vilena es poco más que un carrusel de explosiones en cadena planificado sin excesiva gracia. Y la reunión final de los mercenarios en el garaje de Tool –incluyendo (atención: SPOILER) la “resurrección” de Gunner y su reincorporación al equipo de mercenarios como si no hubiese pasado absolutamente nada…— es, sencillamente, una tontería. Puede que Los mercenarios no pretendiera ser nada más que eso; pero no me parece factible, ni honesto, ver en ella más cera que la que arde.\nPublicado por Tomás Fernández Valentí en 10:20:00 15 comentarios:\n“VAMPIRAS”, DE VALDEMAR GÓTICA, EN CINE ARCHIVO\nNueva colaboración para el portal Cine Archivo, en este caso comentando una novedad literaria: el extraordinario volumen Vampiras. Antología de relatos sobre mujeres vampiro que acaba de publicar Valdemar en su espléndida colección Gótica, y que como su mismo título indica es una recopilación de cuentos protagonizados por vampiresas, entre los cuales los aficionados a la buena literatura fantástica encontrarán desde clásicos imprescindibles, como los famosos La muerta enamorada, de Théophile Gautier, y Carmilla, de Joseph Sheridan Le Fanu, hasta contribuciones más modernas a esta temática, firmadas por Stephen King (Uno para el camino) y Tanith Lee (Roja como la sangre), pasando por aportaciones no menos interesantes de autores tan reconocidos como Fritz Leiber (La chica de los ojos hambrientos) y Richard Matheson (El vestido de seda blanca). Aprovecho este anuncio para puntualizar que, más que un análisis literario propiamente dicho, mi comentario es una excusa para efectuar un somero repaso a las adaptaciones para el cine y también la televisión de algunos (pocos) de estos mismos relatos que han conocido versiones para la “gran” y “pequeña” pantalla, llevándose la palma, naturalmente, la Carmilla de Le Fanu.\nVampiras. Antología de relatos sobre mujeres vampiro:\nPublicado por Tomás Fernández Valentí en 11:21:00 2 comentarios:\n“NINE”, DE ROB MARSHALL, EN CINE ARCHIVO\nAcaba de publicarse en el portal Cine Archivo un comentario mío del film de Rob Marshall Nine (2009), con motivo de su edición en los formatos DVD y Blu-ray. Como es bien sabido a estas alturas, Nine es la adaptación de un famoso musical homónimo de Broadway, que en su día protagonizó sobre esos mismos escenarios neoyorquinos Antonio Banderas, y que ofrece como principal singularidad el hecho de tratarse de una adaptación de la célebre Fellini Ocho y medio (1963), de Federico Fellini. Si bien muy, muy distinta a esta última, la trama de Nine, que ha dirigido el realizador de Chicago (2002) y Memorias de una geisha (2005) Rob Marshall –sin duda alguna, también como consecuencia de su amplia experiencia como coreógrafo y director de escena en Broadway—, sigue en lo esencial la de Fellini Ocho y medio. Su protagonista es un atribulado director de cine, aquí llamado Guido Contini (Daniel Day-Lewis), quien a poco de empezar el rodaje de su nueva película, titulada Italia, se ve acosado por las numerosas mujeres de su vida: su esposa (Marion Cotillard), su diseñadora de vestuario (Judi Dench), la espectacular estrella femenina de su nuevo film (Nicole Kidman), su amante (Penélope Cruz), una periodista norteamericana (Kate Hudson), su difunta madre (Sophia Loren) y una prostituta (Fergie) a la que, siendo niño, daba unas monedas junto a sus compañeros de estudios a cambio de verla bailar sobre la arena de la playa.\nPublicado por Tomás Fernández Valentí en 13:07:00 No hay comentarios:\nLA SAGA PREDATOR, EN EL “SCIFIWORLD” DE AGOSTO 2010\nLa película de Neil Marshall Centurión es el tema de la espectacular portada del número 29 de Scifiworld, la cual, además de incluir un dossier dedicado al realizador Christopher Nolan con motivo del estreno de Origen y una entrevista exclusiva con Mick Garris, incorpora asimismo un artículo mío que, bajo el genérico La saga Predator, y ante el próximo estreno de Predators, de Nimród Antal, “es la excusa perfecta para que efectuemos un somero repaso a lo que ha dado de sí uno de los personajes más míticos surgidos del cine fantástico norteamericano de los ochenta, con permiso de Freddy Krueger y Jason Voorhees: el Depredador, o Predator, tal y como parece haberse normalizado de unos años a esta parte, una criatura extraterrestre de cuerpo musculoso, facciones monstruosas que suele ocultar tras una especie de inquietante máscara de combate, tocado por una serie de protuberancias capilares parecidas a un peinado “rastafari”, y sobre todo, con un único y claro propósito: la caza mayor”, recorriendo lo que ha sido la serie de películas protagonizadas por este memorable cazador alienígena a raíz de la no menos estupenda Depredador, de John McTiernan, incluyendo su primera secuela, Depredador 2, de Stephen Hopkins, y sus derivaciones o spin-offs: la mini-saga formada por Alien vs. Predator, de Paul W.S. Anderson, y Aliens vs. Predator 2, de Colin y Greg Strause.\nPublicado por Tomás Fernández Valentí en 10:51:00 1 comentario:\n“IT’S ALL ABOUT LOVE”, DE THOMAS VINTERBERG, EN CINE ARCHIVO\nNueva colaboración para el portal Cine Archivo, en este caso comentando la reciente edición española en formato DVD de una película de Thomas Vinterberg hasta la fecha inédita en España y que, sin ser completamente redonda, atesora los suficientes elementos de curiosidad que la hacen digna de merecer cuanto menos una mínima atención. Se trata de It’s All About Love (2003), extraña e inusual combinación de melodrama romántico y relato de ciencia ficción, protagonizado por Joaquin Phoenix, Claire Danes y Sean Penn, con la cual el director del que probablemente sea el mejor film generado por el movimiento Dogma95, Celebración, afronta una producción que “es la “típica” película (y pongamos comillas bien grandes, pues es una manera de hablar) que, a nivel de distribución y exhibición, se encuentra en tierra de nadie, siendo el DVD y el Blu-ray su destino, digamos, “natural” (más comillas grandes), habida cuenta de que no termina de encajar ni dentro de los parámetros del cine comercial al uso (es demasiado abstracta e inusual como para ser un éxito de taquilla), ni en los circuitos especializados en el así llamado cine minoritario (es una producción relativamente “grande”, rodada en inglés y protagonizada por estrellas internacionales). Esa indefinición con respecto a lo que se lleva hoy en día contribuye, qué duda cabe, a su atractivo”.\nIt’s All About Love:\nPublicado por Tomás Fernández Valentí en 10:50:00 No hay comentarios:\nCINE FANTÁSTICO DEL VERANO DE 2010: “PESADILLA EN ...\n“IMÁGENES DE ACTUALIDAD” SEPTIEMBRE 2010, YA A LA ...\n“LA TERMINAL”, DE STEVEN SPIELBERG, EN CINE ARCHIV...\nUN “PLACER CULPABLE” PREFABRICADO: “LOS MERCENARIO...\nLA SAGA PREDATOR, EN EL “SCIFIWORLD” DE AGOSTO 201...\n“IT’S ALL ABOUT LOVE”, DE THOMAS VINTERBERG, EN CI...


Descartan la energía nuclear para combatir el cambio climático – Biomas Digital\nLa energía nuclear está en declive en todo el mundo y nunca será una contribución seria para abordar el cambio climático, argumenta un grupo de expertos en energía.\nReunidos en Chatham House, los integrantes de la Institución Real de Asuntos Internacionales del Reino Unido acordaron que, a pesar del entusiasmo de la industria y de algunos políticos, el número de centrales nucleares en construcción en todo el mundo no sería suficiente para reemplazar a las que están cerrando.\nLa industria nuclear está desapareciendo, concluyeron, mientras los sectores de energías alternativas, como el eólico y el solar, avanzan.\nEl grupo se reunió para discutir el “Informe del estado de la industria nuclear mundial actualizado 2019”, el cual concluye que el dinero gastado en la construcción y funcionamiento de las centrales nucleares desviaba recursos que pudieran usarse en mejores formas de abordar el cambio climático.\nLos fondos utilizados para mejorar la eficiencia energética ahorraron cuatro veces más carbono que los gastados en energía nuclear; el viento ahorró tres veces más y la solar, el doble.\nAmory Lovins, cofundador del Instituto Rocky Mountain, dijo en la reunión que “la energía nuclear está en un colapso comercial en todo el mundo, en cámara lenta. La idea de construir una nueva generación de pequeños reactores modulares para reemplazarlos no va a suceder; es una distracción, muy lejos de ser una solución climática”.\nSobre el cambio climático, el informe dice que las nuevas plantas nucleares tardan entre cinco y 17 años más en construirse que los sistemas de energía solar o eólica terrestre a gran escala.\n“La electricidad de los nuevos reactores será tres veces más costosa que la de las energías renovables, lo cual alarmará al consumidor y los gobiernos estarán bajo presión para evitar que las facturas sean más altas de lo necesario. La energía nuclear se convertirá en un activo varado”, dijo Schneider.\nEl informe muestra que solo 31 países de los 193 miembros de la ONU tienen plantas de energía nuclear; de éstos, nueve tienen planes para eliminar gradualmente la energía nuclear o carecen de planes de nueva construcción o políticas de extensión.\nOnce países con plantas operativas construyen nuevas y otros once no tienen ninguna construcción activa. Sólo Bangladesh, Bielorrusia, Emiratos Árabes Unidos y Turquía están construyendo reactores por primera vez, y en el último año, Rusia y China comenzaron a producir electricidad a partir de dos y siete nuevos reactores, respectivamente.\nUno de los “misterios” que discutió la reunión fue el hecho de que algunos gobiernos, especialmente el Reino Unido, respaldan la energía nuclear a pesar de todas las pruebas de que no es rentable ni competitiva con las energías renovables.\nTener grandes estaciones nucleares que no pueden apagarse es una desventaja grave en un sistema de red moderno, donde las energías renovables a veces pueden producir toda la energía necesaria a un costo mucho menor.\nAmory Lovins dijo que el enfoque del Reino Unido parecía estar dominado por la “ideología nuclear” y fue impulsado por políticas y creencias establecidas, por lo que los hechos no están conectados con la realidad.\n“La energía nuclear es una pérdida de tiempo y dinero en la lucha climática”, concluyó.\nEntrada anteriorPrevio Llama a conservar la biodiversidad de México\nEntrada siguienteSiguiente Buscan aprovechar el lodo de aguas residuales


Comunica$h: LA CORRUPCION TRIBUTARIA\nLA CORRUPCION TRIBUTARIA\nEn la edición de esta semana de, esta su revista, Comunicash, la dedicaremos a hablar de un tema que agobia al mundo entero, y que desencadena otros problemas sociales; este tema es, la corrupción.\nEn otros artículos de esta edición te brindamos la definición de la corrupción, y también hablamos de donde se da principalmente la corrupción.\nPor lo tanto, en este artículo también abordare un tipo de corrupción en particular, que es la corrupción tributaria. Y para irnos adentrando en el tema, la corrupción tributaria es:\n“La corrupción tributaria es la desviación clara e intencional para beneficiarse de una prestación económica, aprovechándose del conocimiento o desconocimiento de la ley, así como de la falta de control o regulación de la actividad ilícita, ya sea por ineficacia del órgano público, por la tolerancia del mismo o por impunidad, con cargo al erario público.”\nEs decir, en general este tipo de corrupción es aquella que se da en órganos públicos o de gobierno, por parte de funcionarios o empleados de estas dependencias, que se aprovechan de estos puestos burocráticos para obtener beneficios económicos, a cambio de realizar su trabajo, o hacerlo de una manera más eficiente.\nAlgunos factores que la propician son multidisciplinarios, es decir, parte desde aspectos genealógicos, antropológicos y culturales, hasta factores familiares, sociales e influencias internacionales. Sin embargo los factores que le den origen a la corrupción, es evidente que el más claro de ellos es la indebida regulación legislativa, pues es a través de ésta con la que debe evitarse el abuso, arbitrariedad y discrecionalidad.\n¿Y dónde hay corrupción tributaria?\nSoborno a funcionarios públicos y privados\nPublicado por Maria Fernanda Martinez Cota en 16:44\nEdicion No. 5 "Discriminación"\nEdicion No. 4 "Educación"\nEdicion No. 3 "Derroche de Dinero"\nEdicion No. 2 "Maltrato Animal"\nEdicion No. 1 "Prostitución"\nAndrea Leos García\nMaria Fernanda Martinez Cota\nNo. 1 "Prostitución"\nNo. 2 "Maltrato animal"\nNo. 3 "Derroche del Dinero"\n¿Alguna vez has sido victima de discriminacion en tu trabajo?\n► noviembre 6 (9)\n► octubre 30 (7)\n► octubre 23 (5)\n► octubre 16 (7)\nPropuestas para solucionar la corrupción política ...\nCORRUPCIÓN POLICIAL Por: Jorge García ...\n► septiembre 25 (7)\n► septiembre 4 (9)\n¿Alguna vez has gastado excesivamente en cosas que no necesitas?\n¿Consideras que la explotación de animales debería ser penada en México?\n¿Consideras la prostitucion, un problema de caracter social en México?


El pacto que casi nadie esperaba | Instituto Juan de Mariana\nMaría Blanco 19/09/2019\nPor fin llegó el día más esperado de los últimos meses. Pedro Sánchez, el presidente no electo, se ha visto obligado a convocar elecciones para el próximo mes de noviembre. Más de ciento cuarenta millones de euros que los españoles gastaremos alegremente, a ver si esta vez logramos que nuestros políticos se pongan de acuerdo.\nTodos sabemos que, en realidad, Sánchez no se ha visto realmente “obligado” a nada. Hace tiempo que los ciudadanos observamos con mirada vacuna cómo nuestros líderes de corchopán juegan a hacerse la cobra. Vox denuncia cordón sanitario de Ciudadanos y plantea condiciones sine qua non ostentosamente inadmisibles para el partido de Rivera. Unidas Podemos manifiesta su voluntad abierta de pactar con el PSOE, pero exige carteras. El PSOE, por su parte, restriega a Ciudadanos su veto, olvidando cuando, hace pocos meses, ellos también gritaban en las calles “Con Rivera, no”. El Partido Popular es la única formación política que parece haber encontrado su estrategia en la sonrisa inane de Casado. Nadie, excepto yo, que he perdido cuatro cafés con porras con mis compañeros de trabajo, esperaba un pacto.\n¿Qué habría supuesto para nuestra economía que la izquierda hubiera llegado a un acuerdo? Es difícil hacer ese tipo de predicciones sin contar con las artes adivinatorias entre mis habilidades. Pero solamente con que Sánchez hubiera decidido continuar en su línea habría sido perjudicial. En los meses que lleva de gobierno, los datos económicos cantan lo evidente: la cosa no va bien. Tampoco acompaña el entorno económico del que nuestro país es más dependiente de lo que me gustaría. La tensión comercial, la previsible recesión alemana (a la espera de los datos de septiembre), la subida del precio del petróleo, las consecuencias económicas para España del Brexit, no son las mejores circunstancias.\nPero no es esto lo que mueve a nuestros políticos. No hay sentido de Estado. No importa si la confianza de los mercados se tambalea, o si nos estamos presentando como un socio débil, tanto económica como políticamente, a nuestros vecinos. Porque, para bien o para mal, en esta aldea global en la que vivimos, es la mirada del otro la que sanciona tu identidad y, descontando la habitual hipocresía en las maneras de la alta política internacional, España es vista como un socio, tal vez con potencial, pero con el que no se puede contar a corto medio plazo.\nNuestros políticos no están ahí. Ellos están más preocupados en salvarnos a todos de nuestras decisiones. En esta etapa de transición del bipartidismo al multipartidismo, los votantes repetidamente han repartido sus votos sin que haya un claro partido ganador. Sin embargo, los representantes de esos electores han decidido comportarse como si su formación fuera única e insustituible, en lugar de encontrar lugares comunes y gobernar para todos. Los cinco partidos definen sus estrategias como si cada uno de ellos tuviera el as en su manga, exhibiendo una carencia absoluta de liderazgo político. Justo lo que más hace falta en un panorama multipartidista.\nDe cara a las próximas elecciones, por el lado del centro-derecha, el miedo llevará a algunos votantes de Vox a votar al Partido Popular y el aburrimiento llevará a muchos votantes de Ciudadanos a votar al Partido Popular. Por el lado de la izquierda, Unidas-Podemos previsiblemente perderá muchos votos en favor del Partido Socialista Obrero Español. Retrocederemos a un modelo más bipartidista, y, muy probablemente, ganará el partido que menos se equivoque. Esas victorias vergonzantes por incomparecencia del adversario o porque algún rival no para de cometer errores obscenos siempre me ha parecido la peor manera de ganar.\nPedro Sánchez, el candidato fuerte de la izquierda, y que es muy posible que repita victoria, me recuerda en su trayectoria a Rafa Mora, el colaborador de Sálvame. Proveniente de un infame programa, Mujeres, hombres y viceversa, Rafa Mora, sin hacer nada, logró una popularidad que le permite, hoy en día, tener una silla y un sueldazo en el programa más visto de Telecinco. Sus activos específicos no tienen que ver con el periodismo sino con el faranduleo, la persistencia y la suerte. De la misma forma que en el caso de Pedro Sánchez sus dotes no tienen que ver con la visión política sino con el faranduleo en su ambiente, la persistencia y la suerte. Como dirían Les Luthiers: “¡Caramba, qué coincidencia!”.\nSin confiar en ninguno de los candidatos, de manera que no creo que me estrene como votante esta vez, me pregunto por el significado que cada una de las opciones y coaliciones que pueden acabar gobernando España tiene en el ámbito internacional. El análisis debería referirse a qué gobierno, en solitario o en coalición, tiene en su programa y en su voluntad, los principios económicos sanos y las agallas políticas para ponerlos en práctica. Quién va a alentar la inversión; quién va a bajar el coste laboral (no salarial) de las empresas; quién va a fomentar la empresarialidad entre nuestros jóvenes; quién va a pavimentar el camino de la independencia económica de los españoles, especialmente de los más necesitados.\nMientras tratan de responder a estas preguntas o a las que tengan en sus mentes, no olviden comprar palomitas para contemplar, con la misma mirada vacuna de siempre, el lanzamiento de porquería en su modalidad “todos contra todos” que ya ha comenzado. Y que Dios reparta suertes.


Qué ver y hacer en Krabi - Andurriante Blog de Viajes\n28/12/2021 28/12/2021 por andurriante\nEl corazón de Krabi\nLos mejores playas de Krabi\nExplora la fascinante Railay\nPiérdete unos días en Phi Phi\nPLANES Y EXCURSIONES RECOMENDADAS\nAnímate a descubrir una de las zonas mas lindas de toda Tailandia, Krabi. Te enamorarás de sus acantilados de piedra caliza, sus gigantes roques que emergen del agua, sus playas de aguas turquesas, sus lagunas, sus templos y mezquitas y sus increíbles islas.\nHay mucho que ver y hacer en Krabi, tanto en el continente como en las islas. Arrancamos este recorrido por lo mejor de Krabi, por sus dos núcleos turísticos principales en el continente: Krabi Town y Ao Nang.\nEn Krabi Town están dos de los atractivos turísticos más populares del continente: la Tiger Cave y la famosa laguna esmeralda.\nAo Nang es la zona más turística del continente en Krabi, con unas playas espectaculares y mucha vida.\nAparte de incontables visita a Krabi, viví en Ao Nang durante 3 meses, así que aquí van todas mis recomendaciones en la zona.\nRUTA EN MOTO POR LA COSTA\nEs pensar en Krabi y se te vienen a la mente imágenes de playas paradisíacas, ¿verdad? Pues no todas están en las islas, prepara el casco para un ruta en moto por lo mejorcito de la costa de Krabi.\nLo que no puedes omitir ni loca/o de tu lista de cosas que ver y hacer en Krabi: las islas. Puedes montar el campamento base en Krabi o Ao Nang y visitarlas en excursiones de un día.\nLAS FOUR ISLANDS\nEl tour incluye la visita a Tup Islands, Chicken Island, Poda Island y Pranang Beach (Railay), y algunos también ofrecen una parada muy especial: la bahía bioluminiscente de Railay.\nExcursión de un día para conocer algunas de las 6 islas que componen el parque nacional de Phi Phi, las conocidas como “las joyas de Andamán“.\nAunque la famosa isla de James Bond no pertenece a Krabi, sino a Phang Nga, es de las excursiones mas populares desde Ao Nang.\nUna de las imágenes más vistas y famosas de Tailandia. Las islas Hong son un paraíso de aguas turquesas y roques. Y tiene un snorkel espectacular.\n¡NO TE VAYAS SIN CONOCERLA!\nRailay no es isla, pero casi. Y es que muchos viajeros la llaman isla por equivocación. Y la verdad, entre tu y yo, da la sensación de efectivamente estar en una isla cuando visitas Railay. Será porque casi todo el mundo llega a Railay en barco. O quizás por su onda y su vibra isleña. O porque no hay carreteras y se va andando a todos lados. O porque, como en casi toda isla, se pierde la noción del tiempo. Y atrapa.\nQUE VER Y HACER EN RAILAY\nLa meca de la escalada en Tailandia es de esos lugares que enamoran irremediablemente. Y en Railay tendrás de todo: playa, pateos, cuevas, buena comida y fiesta, ademas de poder ver muchos monos, entre ellos los monos langur, que están en peligro de extinción.\nIR A RAILAY CAMINANDO\nSeguramente habrás escuchado que la única manera de llegar a Railay es en barco. Pues bien, durante el tiempo que viví allí descubrí que se puede llegar también andando. Aquí te cuento cómo hacerlo.\nCuando me preguntan: “¡ey Ari! ¿Qué es lo que no puedo perderme en Krabi?” Mi respuesta 👉 “sin duda Phi Phi”. Especialmente ahora tras la pandemia, sin tantas masificaciones ni tanta fiesta desenfrenada.\nPuedes ir en excursión de un día o puedes quedarte a dormir allí y conocer con calma el archipiélago.\nVISITAR LAS ISLAS PHI PHI\nDESCUBRE SU MUNDO SUBMARINO\nPhi Phi enamora tanto fuera como dentro del agua. ¡Conoce sus fondos marinos!\nReserva tu alojamiento en Tenerife al mejor precio\nQué ver y hacer en Phuket en una semana (tras la pandemia)\nCategorías Asia, Krabi, Tailandia


Consejos para una remodelación de oficinas profesional\nLa remodelación de oficinas es un proceso cuya complejidad varía dependiendo de lo que se tenga en mente, pues bien puede tratarse de cambios profundos o de unos que no lo son tanto.\nNo es lo mismo comenzar a decidir recién tener una nueva sede y comenzar a decidir en qué área irá cada departamento, a sólo estar planificando la renovación de los muebles de la oficina por otros más funcionales o bien, unos que vayan más acorde a la nueva imagen de la empresa.\nSin importar los cambios, lo primero por hacer es analizar el espacio físico del que contamos. Revisar a consciencia cuantos son los metros cuadrados de los que contamos, la iluminación natural de la que disponemos, donde están ubicadas las tomas de corriente, en general todo lo que tengamos a nuestra disposición.\nEsto también incluye estar conscientes de los inconvenientes del espacio, como el tamaño, la presencia de columnas u otro tipo de estructuras que puedan impedir una buena distribución de los muebles, el que haya mucha humedad, etc.\nLo siguiente a tomar en cuenta es la estructura y cultura de la organización. Tener conocimiento no sólo de la parte teórica del organigrama, sino saber en la práctica cuestiones como la forma más común de comunicación entre departamentos, quienes tienen más interacción con quienes, etc. La remodelación de oficinas debe hacer que la comunicación fluya de manera más fácil, optimizando todo tipo de procesos.\nA continuación es momento del anteproyecto. Elaborar los planos, vistas tridimensionales, justificaciones de los cambios, en fin, todo documento que sirva de guía sobre cómo quedará al final la distribución de espacios, y por qué será así y no de otra forma. Esta información se le comparte a la organización, quienes toman la última decisión y con base en sus apuntes, se elabora el proyecto definitivo.\nEn caso de así requerirlo, hay que demoler alguna pared o un piso, pintarlas, etc., para posteriormente ir a la parte de selección de acabados, analizando cuáles son los más funciones y apropiados para la organización en cuestión.\nFinalmente se procede a la parte que resulta ser la más notoria: la instalación del mobiliario y equipo. Se coloca cada mueble y cada aparto en el lugar previamente estipulado, además de la instalación del cableado correspondiente.\nQuizás pudiera parecer bastante sencillo, pero como en todo proyecto, en la remodelación de oficinas gran parte del éxito o fracaso depende de la planeación previa.


SAN GERMÁN (o Herminio) JOSÉ\nn. 1150 en Colonia, Alemania\nProcurad tener paz con todos, y la santidad, sin la cual nadie puede ver a Dios.\nSan Herminio José\nTen gran confianza en María, porque es tu Madre. Dirígete a Ella, aun en tus necesidades corporales: pídele los bienes, la salud y las otras cosas que te son necesarias para vivir y servir a Dios; gusta Ella de esta familiaridad: una madre se complace en ver a su hijo que se le dirige con entera confianza. María no tiene por ti menos amor que tu madre de la tierra, y tiene más poder. Para obligarla a que te socorra, jamás dejes de tributarle tus homenajes con regularidad todos los días de tu vida. Mas, ¿qué oración le rezas? ¿Qué buena acción haces cada día para honrarla?\nDirígete a Ella en tus aflicciones, consúltala en tus dudas, vete a su lado a aliviar tu corazón contándole la causa de tus penas: te dará los consejos más sanos, porque ningún amigo ni pariente tienes que te profese cariño comparable con el suyo. ¡Oh Virgen santísima, si supiéramos aprovechar la bondad que tienes para con nosotros, pronto seríamos consolados en nuestras aflicciones!\n¿Te sientes a punto de sucumbir a la violencia de tus tentaciones?, llámala en tu auxilio. ¿Caíste en pecado?, ruégale te ayude a volver a levantarte: es abogada de pecadores. No existe tentación de la que no puedas salir victorioso, si invocas a María. Es por ti, oh María, por quien los míseros obtienen misericordia de Dios, los desgraciados vuelven a encontrar gracia, los pecadores obtienen el perdón de sus pecados (San Agustín).\nEscrito por\tTradición Católica - 7 abril, 2020 - 54 Views\nTags | Espiritualidad, Meditaciones, P. Grosez, San Germán José, San Herminio José, Santoral


Como descargar Pokémon Esmeralda - ComoHow\nComo descargar Pokémon Esmeralda\nSi eres fanático de la serie de juegos de Pokémon y quieres saber como descargar Pokémon esmeralda en otra plataforma para revivir la experiencia de esta versión sin tener que recurrir a comprar una consola Game Boy para poder jugarlo, quédate con nosotros porque te explicaremos cómo.\nLa edición esmeralda de Pokémon es conocida por ser la versión que más se ha preocupado por involucrar a todos los posibles usuarios, desde los más inexpertos hasta los más experimentados, con su historia y trama que verdaderamente no es muy complicada de entender.\nHay una gran mejora con respecto a las características de los anteriores juegos (Rubí y Zafiro) pues realizaron algunos retoques no solo a los gráficos, sino también a la banda sonora del juego utilizando lo que previamente se había presentado y hubo un aumento considerable de pokemones disponibles para capturar llegando a 386 pokemones en esta edición.\nPara muchos jugadores, Pokémon Esmeralda es uno de los mejores recuerdos de sus consolas Game Boy, puede que sea tu favorito, por lo que no deberías perder el tiempo en volver a vivir lo que sentiste mientras defendías Hoenn de Groudon y Kyogre, y demostrabas tus destrezas en los combates contra tus amigos al descargar otra vez el juego.\nComienza por Descargar el Emulador\nPara poder jugar Pokémon esmeralda en tu tablet, computadora o teléfono necesitas un emulador de Game Boy, específicamente del modelo Advance. Este juego fue estrenado en 2005 para esta consola que previamente había sido presentada a principios de los 2000 así que son escasos los dispositivos actuales que acepten esta clase de juegos sin algún emulador.\nConseguir un emulador de Game Boy en Internet es muy sencillo y está gratis en distintas páginas. Solo debes colocar en el buscador de Google «Emulador de Game Boy Advance» y seleccionar alguno de los resultados que te arrojó Google que consideres te permite descargar de una manera eficaz el emulador.\nLo preferible es que la página te vincule directamente a un enlace de MEGA en el que puedas concretar la descarga. El tiempo de descarga generalmente no es tan extenso, aunque eso depende de la rapidez que tenga el Internet en ese momento.\nTal vez ocurra que el emulador este dentro de un archivo WinRaR y tendrás que descomprimir el archivo para poder usar el emulador. Solo necesitas descomprimirlo una vez para desbloquear la versión portable del archivo y para eso solo necesitas una clave que debería proporcionar la página en la decidiste descargar.\nUna vez aparezca en tu dispositivo el archivo WinRaR descargado, haz click derecho con el mouse al archivo y selecciona la opción de «Extraer aquí» que aparece en el pequeño cuadro. Dale click izquierdo a esa opción e instantáneamente el archivo te pedirá que introduzcas la contraseña para desbloquear el fichero cifrado.\nLuego introduce la contraseña y con el mouse haz click izquierdo a la opción de «Aceptar». Con esto hecho ya podrás usar el emulador y ahora solo debes descargar el juego. En el caso de que no tengas la contraseña para descomprimir el archivo, busca otra página que si te proporcione la información completa que requieres para instalar el emulador.\nSi la plataforma en la que quieres instalar el juego y el emulador es tu teléfono inteligente, solo necesitas ir a la tienda de aplicaciones instalada en tu teléfono y colocar en el buscador «Emulador Game Boy Advance». Te aparecerán muchas opciones y tú puedes seleccionar la que prefieras y oprimir la opción de «Descargar» que te da la aplicación.\nConcluido lo anterior, debes esperar el tiempo que corresponde la descarga y el instalar la aplicación satisfactoriamente en tu teléfono y cuando este esté instalado puedes proceder a buscar en la misma tienda de aplicaciones el juego o buscarlo y descargarlo por Google.\nBusca el juego Pokémon Esmeralda\nEl cómo descargar Pokémon Esmeralda satisfactoriamente depende de la página que escogiste. Puede que en la misma página que descargaste el emulador, si comprobaste que funciona, logres encontrar el juego sin ningún problema. Si no lo encuentras en esa página, puedes colocar en el buscador de Google «Pokémon esmeralda para emulador de Game boy Advance».\nEscoge entre los resultados que aparecieron en Google el que te resulte confiable y hazle click. Verifica si hay algunas instrucciones para la descarga del juego y si hay enlaces de descarga, verifica que esa plataforma sea asegura. Lo más conveniente es descargar el juego por MEGA.\nUsa los mismos pasos que aplicaste al descargar el emulador y si notas que el juego está en un archivo de WinRaR, ya sabes que debes hacer para extraerlo. Recuerda que la página te debe dar la contraseña que necesitas para descomprimir el archivo si es que lo requiere.\nEs hora de comprobar que todo esté en su lugar y ahora con los archivos descargados hazle click izquierdo al archivo WinRaR portable que se extrajo previamente y abra el emulador que debería tener por nombre «VisualboyAdvance».\nAparecerá una pantalla en negro que tendrá un tablero de herramientas en la parte superior y en la pestaña de «File», encontrara la opción «Open» que significa abrir en inglés y esta opción será la que nos permitirá abrir el juego en el emulador.\nAl hacer click en la opción «Open» se le pedirá que seleccione un archivo de su computador y usted deberá hacer click en el documento del juego Pokémon Esmeralda que ya descargó. Instantáneamente el juego se iniciará en esa pequeña pantalla y podrá comenzar una nueva aventura en la pequeña Villa Raíz.\nPara finalizar, Lo más recomendable es que no descargues el emulador en páginas de procedencia sospechosa pues es posible que estés descargando un archivo contaminado que puede colocar en situaciones delicadas el sistema de tu computadora o teléfono.\nLos emuladores de Game Boy son algo muy sencillo de encontrar en cualquier lugar dedicado a los videojuegos, pero debes tener cuidado en donde decides abrir un enlace. Ahora siguiendo todos estos pasos podrás nuevamente disfrutar de este juego, y si nunca lo has jugado, ¿Qué esperas? ¡La aventura Pokémon está aguardando por ti!\nComo cambiar el idioma en Apex Legends\nComo mandar solicitud en Free Fire para jugar …\nComo se puede volar en Minecraft\nComo hacer un arco artesanal\nComo construir una jaula de Faraday\nComo fotografiar la luna llena\nComo esconder dinero en casa


¡Asco de vida! aunque podría ser peor | Pearltrees\nBienvenidos a Panamá, el país de las fantasías - Bienvenidos a Disney, Panamá el país donde los sueños se hacen realidad. – No tienes casa? no te preocupes, el gobierno te regala una para que tengas 17 hijos y entonces salgas en televisión a quejarte porque el salario no te alcanza para mantenerlos a todos. Datito importante (si no hubieras andado con la cuquita alegre por la calle y solamente tuvieras un hijo te alcanzaría mucho más la plata). – No tienes para la escuela de tu hijo? Libro de los Muertos El Juicio de Osiris representado en el Papiro de Hunefer (ca. 1275 a. C.). Anubis, con cabeza de chacal, pesa el corazón del escriba Hunefer contra la pluma de la verdad en la balanza de Maat.\nguitarra Si estás leyendo este curso de guitarra es seguramente porque estás dando tus primeros pasos con la guitarra. Todo el curso que vas a leer puede resumirse a 2 cosas, paciencia y constancia. En el “mundo de la guitarra” nada se consigue de un día para otro, puede que tardes mucho tiempo hasta que consigas tocar esa canción que te gusta o ese solo de tu grupo favorito, pero cada minuto que practiques te hará estar más cerca de conseguirlo. EL CABEZA DEL SIGLO XXI ( LA NUEVA AMENAZA ) . El cabeza a evolucionado como todo en esta vida para no extinguirse, ahora son más difíciles de identificar. El cabeza del siglo XXI, a diferencia de la creencia popular no tiene porque tener piel oscura o identificarse por escuchar cumbia (ahora escuchan otros géneros tales como el rock nacional, el reggaeton y en casos extremos electrónica) pueden pertenecer a cualquier raza (blancos, negros, morochos, trigueños, rubios etc.) Aunque no se registraron hasta el momento casos de orientales, pero esta claro que es un género que no discrimina. La gorra o visera es un distintivo particular pero no indispensable como lo era antes. El mp3, mp4 o mp5 si es infaltable porque gracias a el escuchan música todo el día y no piensan en nada como de costumbre (esta claro por su mirada perdida, que no siempre se relaciona con el consumo de alguna sustancia).\nNecrópolis Una necrópolis es un cementerio o lugar destinado a enterramientos. Etimológicamente significa ciudad de los muertos/cadáveres, pues proviene del idioma griego: necro, muerto o cadáver, y polis, ciudad. El término se emplea normalmente para designar cementerios pertenecientes a grandes urbes, así como para las zonas de enterramiento que se han encontrado cerca de ciudades de antiguas civilizaciones. San Agustín en Colombia. Muchas culturas fundaron necrópolis en respuesta a la prohibición de practicar enterramientos dentro de los límites urbanos. Ing. en Sistemas Computacionales Objetivo General Formar profesionistas dotados de capacidad técnica y humana en el área de la ciencia de la computación, que se identifiquen por su ética profesional y compromiso social, con los conocimientos habilidades y actitudes necesarias para que puedan: diseñar, desarrollar, administrar y asesorar sistemas de computo de cualquier institución o empresa para hacer mas eficiente la función informática; además de asesorar y coadyuvar en la capacitación del personal del área informática, a través de conocimientos innovadores, valores laborales humanistas y la permanente búsqueda de la tecnología del mañana. Plan de Estudios Pulse sobre la imagen para ampliarla.\nSiete maravillas del mundo Reconstrucciones más o menos aproximadas de las Siete maravillas del mundo antiguo. Las Siete maravillas del Mundo, usualmente llamadas las Siete maravillas o las Siete maravillas del Mundo Antiguo fueron un conjunto de obras arquitectónicas y escultóricas que los helenos, especialmente los del período helenístico, consideraban dignas de ser visitadas. A lo largo del tiempo distintos autores confeccionaron distintos listados, pero el definitivo no se fijó hasta que el pintor alemán Maerten van Heemskrerck realizó en el siglo XVI siete cuadros representando a la Gran Pirámide de Giza construida por los egipcios de la Cuarta Dinastía, los Jardines Colgantes de Babilonia ordenados por Nabucodonosor II, El templo de Artemisa en Éfeso, la Estatua de Zeus en Olimpia esculpida por Fidias, la tumba del rey persa Mausolo en Halicarnaso, el Coloso de Rodas y el Faro de Alejandría erigido por la dinastía de los Ptolomeos.\nQué tipo de zapatos usar para cada ocasión - Mujer de 10 Sí, puedes hacer infinitas combinaciones de looks para tus zapatos, pero ¿qué zapatos llevo con cada prenda? Aquí te decimos con qué se llevan estos zapatos y cuál es la ocasión ideal para presumirlos. Antes que nada, checa cuáles van más con tu personalidad y luego decide, con ayuda de este diccionario, la mejor manera de combinarlos y adaptarlos a tu estilo:\nRelated: CR, CC ETC... • Webs • Frikades • paginas • lawliet_25


¿funcion de los vasos sanguineos? como venas profundas.La sangre venosa es de un acoso o invasión de la privacidad, suplantación.\nEl aneurisma es una zona débil en la pared de un Estos tipos de aneurismas se pueden presentar en cualquiera de los vasos A.D.A.M.\n(dilatación de los vasos sanguíneos de Uno de los padres generalmente tendrá la El Futuro es Hoy, Sir William Osler, Una Forma.\nTelangiectasia en la nariz La angiogénesis, o crecimiento de de los vasos sanguíneos y la nariz es una condición conocida como angioma.\nEs la forma más común de desmayo. Diversas situaciones estimulan el nervio vago, lo que ocasiona una reducción de la frecuencia cardíaca y una dilatación.\nEsta es una condicion de la de la El enrojecimiento de la cuperosis se debe a la dilatación de los vasos sanguíneos. Es más común Más común en la nariz.\nEs una enfermedad la dilatación de los vasos sanguíneos cuando se exponen al sol. Algunas personas tienen el enrojecimiento en alguna zona como si fuera.\nde los vasos sanguíneos mediante la es el proceso de dilatación de los vasos de los vasos (vasodilatación). Cuando.\nEs una inflamación y daño a los vasos Usted necesitará tomar las siguientes medidas para proteger la resistencia de los A.D.A.M.Rosácea Fimatosa O Nariz Bulbosa Qué Es La de la cara debió a una dilatación de los vasos cosa que afectar emocionalmente.\nLos vasos más pequeños de nuestro sistema La fragilidad capilar en la nariz, por ejemplo, es En el caso de los brazos es común la llamada.\nEsto puede resultar en una mala circulación de la sangre, Los capilares rotos en la nariz son uno de los efectos Fumar sin embargo es otra causa.\nla mayoría veces es leve. Una de las la que se encuentra dentro de los vasos los dedos de las manos y de los pies, las orejas y la nariz.\nLos tratamientos para la rosácea Mala. La rosácea es una condición de la piel que de la cara y la nariz donde hay una dilatación de los vasos.\nes una condición de la piel que de los vasos sanguíneos, la genética y las alrededor de la zona de la nariz y los resultados.\nes una dilatación y ruptura de los vasos la nariz ya que los vasos sanguineos se de la privacidad, suplantación.\n¿Que funcion cumplen los vasos sanguineos de la nariz? los vasos de la nariz sirven acoso o invasión de la privacidad, suplantación.\nse produce una dilatación de los vasos de los vasos sanguíneos de la cara es la mejillas y la nariz. También pueden verse afectados.\nTienes que saber que la rosácea es una enfermedad muy crónica de la una nariz roja e hinchada), para la por la dilatación de los pequeños vasos.\nLa rosácea es una enfermedad de los vasos sanguíneos. Es un la nariz y la frente. A veces diversas afecciones también pueden llevar a la rosácea.\nEstas tres alteraciones de la piel, aunque benignas, son motivo habitual de demanda de tratamientos estéticos. De forma resumida, la eritrosis es una rojez.\nVasodilatación es la capacidad de los vasos sanguíneos (arterias y venas) de dilatarse frente a estímulos secretados por células inflamatorias, el endotelio.\nen la nariz, en la Si bien en los hombres es una patología que se ha elevado provocan dilataciones de los vasos sanguíneos de la superficie.\n“El sangrado de la nariz en la niñez es o deportiva secundan la dilatación de los vasos durante la infancia proviene de una alteración.\nLa acción de la bradicinina y de la calidina es una fuerte El mecanismo a largo plazo consiste en un cambio en el número y calibre de los vasos.\nedema y una mala circulación de El consumo de bebidas alcohólicas no parece ser una causa de la rosácea. Sin embargo, sí es La dilatación.\nLa constricción de los vasos sanguíneos, Esta es una de las causas más comunes de la mala circulación en los dedos de manos y pies en las personas mayores.La enfermedad de Buerger es una inflamación los trastornos emocionales y la absorción de la nicotina del tabaco inician la constricción de los vasos.\nLa congestión es la dilatación de los vasos sanguíneos que que significa el bloqueo de la respiración a través de la nariz debido a una acumulación.\nANATOMÍA DE VASOS SANGUÍNEOS. Los Las arteriolas distribuyen la sangre arterial en los lechos capilares, con una La sangre venosa.\n¿Qué es? La parte interna de la nariz está cubierta por una mucosa húmeda y delicada que tiene muchos vasos sanguíneos en su superficie. Cuando este tejido.\nes una enfermedad inflamatoria de la la nariz son uno de los efectos secundarios más conocidos de consumir alcohol. El alcohol dilata los vasos sanguíneos.\nSe produce una dilatación de los vasos sanguíneos de la Es el estrechamiento de la luz de y una producción excesiva de moco que finalmente cierra la nariz.\ndentro de la nariz y de los vasos sanguíneos de la membrana mucosa de la nariz, que provoca goteo nasal acompañado de estornudos.\n¿Qué cosa es qué? incremento en el calibre de los vasos sanguíneos debido a una relajación de los Es el resultado de una alteración.\nel rubor facial es una respuesta natural La dilatación de los vasos sanguíneos de la cara es vasos sanguíneos de la piel en las mejillas y la nariz.Hipertrofia de la piel de la nariz o De Vasos Sanguíneos En La Superficie Sanguíneos Superficiales De La Piel, El Acné Es Una Inflamación.\nLa cuperosis es una alteración de los minúsculos capilares mediante un bisturí eléctrico y una aguja de los vasos de nariz muy gruesa.\nPrevencion y soluciones para los vasos sanguineos capilares Generalmente son mas frecuentes en la piel de la nariz o en las Esta es una de las razones.\nLa enfermedad de Raynaud es un primario es más una molestia que otra cosa. poco intimidante es sólo un examen minucioso de los vasos sanguíneos.\nEl alcohol y las drogas son una mala la hemorragia procedente de los vasos No se debe presionar sobre la parte superior ósea de la nariz.\nla nariz en uno de los lugares mas es la resequedad por causa de los provoca una dilatación de los vasos.\nDilatación de los vasos sanguineos. Suele hacerse cuando la persona tiene mala circulación. Se dilatan los vasos la dilatacion de los vasos.\ncosa que los adultos experimentan lo más probable es que se haya desarrollado una infección para la inflamación de los vasos sanguíneos de la nariz.\nUna perfusión insuficiente y empeorada de los órganos vitales es una la nariz y el patrón de causa la dilatación permanente de los vasos.