XI Barrio Bienal 2013 by IDARTES - Instituto Distrital de las Artes - Issuu\nXI Barrio Bienal 2013\nXI BARRIO BIENAL 2013 9 789588 898094\n© Alcaldía Mayor de Bogotá, 2014 © Instituto Distrital de las Artes, Gerencia de Artes Plásticas y Visuales, 2014\nAlcaldía Mayor de Bogotá Alcalde Mayor de Bogotá Gustavo Petro Urrego Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte Clarisa Ruiz Correal Instituto Distrital de las Artes Director general Santiago Trujillo Escobar Subdirectora de las Artes Bertha Quintero Medina Gerencia de Artes Plásticas y Visuales Gerente María Catalina Rodríguez Ariza Asesor Rubiela Pilar Luengas Contreras Circulación y Apropiación Julián Serna Lancheros Formación e Investigación María Buenaventura Valencia Apoyo formación Catherine Guevara Gallego Sebastián Arturo Molano Aguilar Asistente administrativa Sandra Yaneth Valencia Guaneme Auxiliar administrativa Claudia Marcela Pachón Rodríguez\nJurados de selección y premiación XI Barrio Bienal, convocatoria 2013 Óscar Moreno Álvaro Moreno Hoffman David Lozano Jurados de premiación Concurso de reconocimiento a la producción artística local: programa Barrio Bienal, convocatoria 2012 Guillermo Vanegas Camilo Ordóñez Rosalba Silva Diseño de colección Tangrama Diseño Gráfico Buenos y Creativos SAS Coordinación editorial Diana Marcela Trujillo T. Diagramación Marcela Robles Juan Camilo Castaño Fotografía Óscar Monsalve Eduardo Otero Museografía Julián Serna Elkin Ramos Corrección de estilo Laura Rojas Quijano Impresión Buenos y Creativos SAS Diseño de estrategias de mediación XI Barrio Bienal Sary Constanza Murillo Ana María Sánchez\nApoyo Galería Santa Fe Elkin Orlando Ramos Junco\nCentro de Documentación GSF Nancy Sofía Sarmiento Ballesteros\n1000 ejemplares Impreso en Colombia\nAgradecimientos Museo de Arte Moderno de Bogotá Biblored - Dirección de lectura y bibliotecas SCRD - Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte 2\nEl contenido de este texto es responsabilidad exclusiva de los autores y no necesariamente representa el pensamiento del Instituto Distrital de las Artes. Esta publicación no puede ser reproducida, almacenada en sistema recuperable o transmitida en medio magnético, electromagnético, mecánico, fotocopia, grabación u otros sin previo permiso de los editores.\nPRESENTACIÓN PÁGINA 5 Santiago Trujillo Escobar\nXI BARRIO BIENAL, 2013 MÁS ALLÁ DEL MILAGRO Y LA MAGIA PÁGINA 11 Julián Serna\n¿TODOS PODEMOS SER ARTISTAS? PÁGINA 17 Sary Constanza Murillo Poveda Ana María Sánchez Lesmes\nARTISTAS PARTICIPANTES EN EL XI BARRIO BIENAL PÁGINA 23 PREMIO DE RECONOCIMIENTO A LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA LOCAL PROGRAMA BARRIO BIENAL RECONOCIMIENTO LOCAL PÁGINA 71 Julián Serna\nARTISTAS PARTICIPANTES CONCURSO DE RECONOCIMIENTO A LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA LOCAL PÁGINA 73 DIRECTORIO DE ARTISTAS PARTICIPANTES PÁGINA 94 ACTAS PÁGINA 96 3\nSANTIAGO TRUJILLO ESCOBAR*\nA principios de la década de 1990, en un esfuerzo por descentralizar la labor de la Galería Santa Fe, el desaparecido Instituto Distrital de Cultura y Turismo inició una colección de obras múltiples —que hoy son el testimonio de los inicios del programa Barrio Bienal— con el objetivo de conservar muestras de trabajos representativos de las artes plásticas y presentarlas al público de las diferentes localidades de la ciudad. Después de unas cuantas exposiciones itinerantes, el trabajo con esta colección develó que en el plano local la experiencia con las artes plásticas resultaba mucho más significativa cuando en lugar de llevar los trabajos hacia espacios como galerías o circuitos considerados en su momento como “alta cultura”, se abrían espacios e instancias de reconocimiento y socialización de las prácticas artísticas que emergían al margen de las facultades de arte. Es así como en un segundo momento, en 1998, el propósito de sacar las artes plásticas de las localidades mutó a lo que se conoció como los Salones Locales de Artes Plásticas, un proyecto de circulación diseñado para los artistas de la ciudad que buscaban espacios para dar a conocer su trabajo. En el marco de este estímulo se congregaban bajo una misma exposición colectiva artistas tanto empíricos como profesionales en la Galería Santa Fe. Posteriormente, esta muestra comenzó a viajar por escenarios y sectores de la ciudad que carecían de oferta * Director General, Instituto Distrital de las Artes - Idartes.\nde artes plásticas. 5\nCon el paso de las versiones, este espacio fue reclamado por los artistas que no contaban con formación profesional, mientras que los artistas recién graduados de las diversas facultades de artes siguieron construyendo su carrera en los Salones de Arte Joven que se organizaban en la Galería Santa Fe. Este hecho nos llena de orgullo en la medida en que han sido los mismos artistas quienes se han apoderado de los espacios proporcionados por el Distrito para el ejercicio efectivo de sus derechos culturales como productores y consumidores de las prácticas artísticas que nacen en la ciudad. Acorde con la misión de Idartes, que es justamente generar condiciones para el desarrollo del campo del arte, el programa Barrio Bienal se ha fortalecido buscando consolidar el fomento en las dimensiones de creación, formación, circulación, investigación y apropiación de las artes plásticas y visuales de los artistas autodidactas. Es así como se ha planteado la realización de actividades de formación y de reconocimiento de la producción artística local (concurso local) con el fin de destacar el trabajo de los artistas empíricos que hayan desarrollado una labor social significativa en su localidad o que cuenten con trabajo artístico de largo aliento. De igual manera, la muestra tradicional de Barrio Bienal se complementa con la publicación de un catálogo en el que se recopilan los trabajos seleccionados y con charlas con un componente fuerte de formación de públicos con las cuales se busca fortalecer la apropiación de las artes. Este es el inicio de un componente didáctico en sala y de una mediación para acercar a los artistas con su comunidad, que posibilita el intercambio de experiencias y el diálogo a través de una serie de talleres dictados por ellos mismos en las bibliotecas en donde se expone la muestra. Este catálogo recoge la memoria de Barrio Bienal en su edición número 11 y del primer Concurso de Reconocimiento a la Producción Artística Local realizado en 2012, con el cual buscamos reafirmar nuestro compromiso con los artistas plásticos de la ciudad, en especial con aquellos cuya producción se encuentra al margen del circuito académico del arte; artistas que se han apropiado de este tipo de instancias para hacer crecer el campo de las artes plásticas más allá de los límites definidos por los salones de clase universitarios.\nMILAGRO Y LA MAGIA\nEn las primeras páginas de Cien años de soledad se describe a José Arcadio Buendía como alguien “cuya desaforada imaginación iba siempre más lejos que el ingenio de la naturaleza, y aún más allá del milagro y la magia”. Según se narra, el líder de las familias que fundaron Macondo se caracteriza por una enorme inteligencia y por una insaciable curiosidad que lo llevó a inclinarse por la ciencia y la alquimia con el propósito de explicarse a sí mismo los misterios del mundo. Al respecto de esta capacidad inquisitiva, Gabriel García Márquez relata la ocasión cuando Buendía adquiere, de los gitanos que visitaban el pueblo, varios instrumentos de navegación con los que pasó meses vigilando el curso de los astros para finalmente descubrir con solamente su intuición el hecho ya comprobado en la práctica —pero desconocido hasta ese momento en Macondo— de que el planeta era redondo como una naranja. La representación de este personaje de ficción recuerda a muchos otros individuos cuya imaginación va más allá del milagro y la magia, como es el caso de uno de los más celebres pintores autodidactas de la historia del país: José María Espinosa. Como cualquier otro artista empírico, con solamente el poder de su intuición e inteligencia, Espinosa tomó las imágenes que le fueron disponibles por fuentes como libros de grabados o algunos trabajos de artistas viajeros para * Circulación y Apropiación, Instituto Distrital de las Artes - Idartes.\ningeniar un oficio con el cual fundó la iconografía de la Independencia del país. 11\nAl igual que muchas de las obras que reunió esta exposición, en este tipo de trabajos se denota una separación de las reglas formales y estéticas propias de la enseñanza académica del arte para manifestar la gran inteligencia de sus creadores que se aproximan a las artes plásticas como un campo de experimentación para explicarse a sí mismos los misterios del mundo desde el terreno de lo sensible. Esta muestra fue la reunión de los trabajos de los artistas empíricos de Bogotá seleccionados por medio una convocatoria pública organizada por la Gerencia de Artes Plásticas y Visuales del Instituto Distrital de las Artes (Idartes), cuyo propósito es construir una cartografía de las diversas soluciones plásticas que estos artistas generan a lo largo de la ciudad. Vista general de la exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. 12\nEl programa Barrio Bienal fue creado en 1998 bajo el nombre de Salones Locales de Artes Plásticas. Desde sus inicios, se planteó como una respuesta a la necesidad de generar espacios de circulación y reconocimiento de la producción plástica de los artistas residentes en Bogotá que no cuentan con formación o título profesional en artes plásticas, visuales o afines. Este programa pretende brindar el apoyo y la visibilidad al trabajo de los artistas empíricos que emergen de las diversas localidades de la ciudad. Desde el 21 de noviembre de 2013 hasta junio de 2014, esta muestra estuvo circulando por la ciudad en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, la Biblioteca Pública Virgilio Barco, la Biblioteca Pública Julio Mario Santo Domingo, la Biblioteca Pública El Tintal Vista general de la exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá.\nManuel Zapata Olivella y la Biblioteca Pública de El Tunal. 13\nPara 2013, el jurado conformado por Óscar Moreno, David Lozano y Álvaro Moreno Hoffmann escogió 26 artistas nominados al premio de la XI Barrio Bienal y a los nueve ganadores de premio para esta edición. De este grupo significativo de artistas, el jurado otorgó tres primeros premios a Andrés Darío Alarcón (con su obra Luz en el río), Gustavo Enrique Morales (¡Esta tierra es mía, carajo!) y a Martín Andrés Ayala (Caín). Los tres segundos premios fueron otorgados a Alejandro Arteaga (Puro monte 2), Isidoro Jacanamijoy (Naui kutij - El otro yo) y a Joaquín Rojas (Ciudad gris). Por último, los acreedores a los tres terceros premios fueron Mario Pilonieta (Inventario rural), Mario Moreno Rojas (Platanera) y Ramíro Meneses (Curiosidad simple). Vista general de la exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. 14\nPara esta versión de Barrio Bienal se contó con un comité curatorial que desarrolló distintas estrategias curatoriales y de mediación que pretendían acercar al público general con las artes plásticas desde el trabajo de estos artistas. Es así como se organizaron las obras seleccionadas a partir de tres nodos temáticos —territorio, relatos y cuerpos—, en las cuales se trazan problemáticas comunes entre las obras con el propósito de apreciar las propuestas particulares que brinda cada artista. También se realizó un componente didáctico en sala, y así mismo se buscó acercar a los artistas con su comunidad al plantear una instancia en donde los artistas interesados tuvieron la oportunidad de socializar su trabajo por medio del diálogo propiciado por una serie de talleres dictados en las bibliotecas en donde itineró la muestra. Por último, se quiere acercar a los visitantes al pensamiento detrás de la realización de cada pieza mediante entrevistas a los artistas participantes de la muestra, en las que hablan sobre su práctica a partir de una reflexión sobre la naturaleza de la creación plástica y las pulsiones que llevan al acto creador.\n¿TODOS PODEMOS SER ARTISTAS? SARY CONSTANZA MURILLO POVEDA ANA MARÍA SÁNCHEZ LESMES “AL NO HABER EN MÍ COMO ARTISTA UNA GRAN FILOSOFÍA NI UNA FLUIDEZ VERBAL QUE ME SUSTENTE, NI OTRA RAZÓN REBUSCADA MÁS QUE PINTAR, YO PINTO”.\nComo mencionaba Jaime Cerón (2001), refiriéndose a los Salones Locales de Artes Plásticas —primera denominación del actual Premio Barrio Bienal—, este proyecto se ha caracterizado por ser una contraposición de paradigmas estéticos. Esto significa que la plataforma de circulación que se configura desde el Premio implica la participación de diversos actores, quienes desde sus saberes, técnicas, expectativas e intereses constituyen otras posibilidades de ver y entender el arte contemporáneo. Desde 1998, Barrio Bienal se ha desarrollado en cada versión como un proyecto cada vez más amplio. Este devenir ha conllevado desde la ampliación del tiempo de convocatoria, el establecimiento de nuevos canales de difusión y la participación de distintos perfiles de artistas plásticos, hasta la progresiva inclusión de estrategias curatoriales y de mediación que funcionen en distintas vías. Es así que en esta edición se ha lanzado una apuesta por generar narrativas frente a las obras seleccionadas más allá del mero reconocimiento geográfico. Se ha vinculado a los artistas en procesos de mediación directos con las comunidades y se han propuesto dispositivos museográficos que permitan a las audiencias preguntarse por el quehacer artístico, la razón para producir obras y la relación del arte con la vida cotidiana. 17\nLa curaduría propuesta para el XI Premio Barrio Bienal se enmarca en una pregunta por la práctica curatorial contemporánea, en tanto su mismo devenir demuestra que no existe al respecto “ninguna metodología auténtica ni ningún legado claro” (Cherix, 2009: 10). Esto indica, en un amplio sentido, que la curaduría es un ejercicio orgánico en permanente construcción, que se refiere tanto a un campo teórico y a una realidad objetual, como a las distintas comunidades a la que va dirigida. Así mismo, es posible identificar que, progresivamente, el papel del curador se cruza con el ejercicio de la mediación, asunto que resulta en un trabajo colaborativo en el que más voces tienen lugar para ser escuchadas. El ejercicio curatorial planteado para el Premio está estrechamente vinculado con la noción de mediación, en tanto prevalece un interés por potenciar las relaciones que establecen las personas con sus patrimonios. 18\nVista general de la exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, Nodo Territorio.\nAl hablar de mediación —término utilizado frecuentemente en la museología francesa y en zonas europeas francófonas hace más de una década—, nos referimos a una “estrategia de comunicación de carácter educativo que moviliza, alrededor de las colecciones expuestas, diversas tecnologías y pone al alcance de los visitantes los medios para comprender mejor la dimensión de las colecciones y participar de sus apropiaciones”, designando “toda la gama de intervenciones llevadas a cabo en el contexto museal, destinadas a establecer puentes entre lo que está expuesto (ver) y el significado que dichos objetos y sitios pueden revestir (saber)” (Desvallées, 2010: 47). En ámbitos anglosajones, la expresión interpretación (Desvallées, 2010) surge en el contexto de los parques natuComponente de mediación en sala de exposiciones, Museo de Arte Moderno de Bogotá.\nrales americanos, e implica el carácter hermenéutico en la experiencia de visitar museos. Sugiere, al igual que la mediación, un sentido de divergencia junto con la distancia que se 19\ndebe superar entre lo que se percibe de inmediato y los significados subyacentes de los fenómenos naturales, culturales e históricos; la interpretación, así como la mediación, se materializa en acciones humanas interpersonales y en ayudas que potencializan la visualización directa de los objetos expuestos para sugerir su significado e importancia, es decir, la revelación y el descubrimiento que llevan a los visitantes a comprender después de apreciar. Estas consideraciones motivaron el estudio de los 26 participantes de la Bienal, así como de sus obras, apreciaciones e ideas frente a la práctica artística. Se estableció entonces una caracterización inicial de obras que se enmarcaban en la revisión de la situación social, política y geográfica nacional, en la representación fiel de la naturaleza de los objetos, en la exaltación de los caracteres estéticos de su cotidianidad, en la exposición de sus sentimientos, emociones y pensamientos más íntimos, y en la figuración de su espacio circundante, rural, urbano y futurista. De estas categorías se establecieron tres grandes nodos curatoriales denominados Territorio, Relatos y Cuerpos. Estos nodos implican la cotidianidad inherente en los planteamientos de los artistas empíricos. El arte de los autodidactas trata temas cercanos y comunes, valiéndose de sus propios medios para su formación y desarrollo artístico. Toman cursos libres, leen libros y se apropian del conocimiento; a veces heredan un saber de sus familias, otras veces de manera intuitiva y a partir de la experimentación crean sus obras. Ya reflexionaba Marta Calderón Olaya (2005) sobre la definición de Dubuffet divulgada en 1948 respecto al arte de los autodidactas: es la soledad ese elemento característico tanto del autor como de la obra. Ninguna palabra es suficiente para nombrar un arte inocente, espontáneo, popular, independiente, libre. Se propuso también otro nivel narrativo que permitiera ver más allá de las obras expuestas. Al ser Barrio Bienal un espacio de creación, circulación, formación e investigación, así como un termómetro de lo que sucede en el campo de las artes plásticas y visuales en espacios distintos a los académicos (Tarazona, 2011), resulta vital escuchar a los artistas e integrar sus voces en la exposición. Se compendiaron frases, palabras y apartados que referían a su quehacer, interés, motivaciones, temas, circulación, divulgación y relación con diversos públicos. 20\nFinalmente, hemos de resaltar que Barrio Bienal sigue contando con un modelo de gestión descentralizado. Acciones como las que se emprenden en esta versión atienden al espíritu mismo del Salón, constituyendo un paso más en el desarrollo de escenas alternativas de circulación y fortaleciendo la práctica artística tradicional en el contexto de las prácticas artísticas contemporáneas.\nVista general de la exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, Nodo Cuerpos.\nReferencias Calderón Olaya, M. (2005). El arte de inventar el arte en Bogotá. En Instituto Distrital de Cultura y Turismo. (2006). VI Barrio Bienal. Colombia: Autor. Cerón, J. (2001). Plural y dispar, el arte como experiencia multicultural. En Instituto Distrital de Cultura y Turismo. (2001). Cuatro salones locales de artes plásticas. Colombia: Autor. Cherix, C. (2009). Prólogo. En Ulrich Obrist, H. (2009). Breve historia del comisariado (pp. 9-13). Madrid, España: Exit Publicaciones. Desvallées, A. y Mairesse, F. (Eds.). (2010). Conceptos claves de museología. París, Francia: Icom. Tarazona, J. (2011). Sin título. En Instituto Distrital de las Artes. (2011). X Barrio Bienal. Colombia: Autor. 22\nVista general de la exposición en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, Nodo Relatos.\nARTISTAS PARTICIPANTES EN EL XI BARRIO BIENAL\nJUNTO A LAS IMÁGENES DE CADA OBRA ESTÁN LAS RESPUESTAS QUE CADA ARTISTA DIO AL SIGUIENTE CUESTIONARIO:\n[A] ¿QUÉ ES SER [A]RTISTA? [I] ¿DE DÓNDE SURGE SU [I]NTERÉS HACIA LAS ARTES PLÁSTICAS? [O] ¿CÓMO DECIDE EL TEMA DE SU [O]BRA Y LAS MANERAS DE ABORDARLO DESDE LAS ARTES PLÁSTICAS Y VISUALES?\n[T] ¿QUÉ TAN IMPORTANTE ES PARA USTED LA [T]ÉCNICA? [M] ¿ES IMPORTANTE PARA USTED [M]OSTRAR SU OBRA? ¿POR QUÉ? [P] ¿PARA USTED ES IMPORTANTE ACERCAR EL [P]ÚBLICO A SU OBRA?\n[A] Ser artista es plasmar todos los momentos o pensamientos que el Ser Supremo nos ha regalado, como todo lo que sale del alma con honestidad y amor. [I] Mi interés sobre las artes plásticas ha sido un don proporcionado por el Padre Eterno, por lo tanto, me hace sentir feliz realizar este trabajo. [O] El tema surge de los momentos de la creación en los cuales me inspiro para abordar los temas que plasmo en mis lienzos. [T] Esta técnica que empleo actualmente, de todas las que he utilizado en mi carrera hasta el momento, ha sido una de las más importantes, puesto que no la ha utilizado ningún artista. [M] He aprendido esta técnica por medio de un largo trabajo de investigación, en el que poco a poco la practicaba hasta lograr lo que se está viendo actualmente. [P] Sí es importante, porque el deseo de cada artista es llegar algún día a que su obra sea vista y reconocida.\nPURO MONTE 2\n[A] Es tener un interés por decir algo y hacer todo lo posible por plasmarlo con el uso de medios relacionados con las artes. [I] Mi interés en las artes plásticas surge de una destreza para el dibujo y el manejo del color. Considero que si una persona tiene alguna habilidad en cualquier campo (como el de las artes plásticas, la música, la literatura, etcétera), tiene una obligación existencial de desarrollarla y compartirla con todas las personas que le sea posible y con cualquier medio a su disposición. [O] El tema central de mi obra no ha cambiado en los últimos años. Lo decidí tiempo atrás y creo que lo mantendré el resto de mi vida, pues es amplio y agradecido. Se trata de la naturaleza, así de sencillo y de complicado a la vez. Para abordar el tema, he aplicado varias técnicas: fotografía, óleo, carboncillo, pastel, acrílico. Lo que he buscado —y sigo buscando en el fondo— es un lenguaje propio que me permita expresar lo que quiero de manera original y honesta. [T] La técnica es secundaria para mí. Creo que lo más importante es el mensaje o aquello que se desea transmitir. En cierto punto, el creador de la obra tiene que decidir cómo va a transmitir el mensaje y cuál será el medio o la técnica empleada, que seguramente viene sugerida por las propias habilidades del artista. Aún así, la técnica debe ejecutarse de manera impecable; en todo caso, la obra es una sola: mensaje + técnica. [M] Sí, es muy importante que mi obra se muestre, que el mensaje se transmita, y para esto se necesita el espacio para mostrarla y el acceso a la gente. ¿Qué pasaría si pongo mi obra en mi propia casa sin que\nnadie la vea? Seguramente sería enriquecedor en lo personal, sin embargo, creo que sería un acto egoísta. No se generaría un diálogo ni la gente se vería impactada por la obra. [P] Definitivamente. Lo más importante es la interacción entre la obra y el público. Esa es la razón por la cual existe la obra, y creo que acercar al público a la obra involucra un trasfondo de importante consideración para el desarrollo cultural de la ciudad.\nALEJANDRO BOLÍGRAFO Y COLLAGE SOBRE MADERA\nDE PEZ A CITADINO, CONJETURAS SOBRE EL PROCESO INVOLUTIVO DEL DESPLAZADO, 42X181 CM 2013\n[A] Es tener una necesidad de expresión que va más allá de los canales de comunicación normales. A través de la creatividad, como camino diferenciador del lenguaje propio, es sentir la responsabilidad de evidenciar, criticar y explorar las realidades propias y colectivas. Es soñar con leer para ser leído, de gritar corporalmente para ser escuchado en el plano intelectual. [I] Mi necesidad fue innata y empezó desde la poesía y la literatura, alaridos de cuaderno que enmarcaron los temas propios, vivencias y sentimientos en trajes estéticos. Luego, por la casualidad del camino, conocí a alguien que me mostró el arte más allá de lo estético, me presentó lo conceptual, lo político, lo crítico. Liberado de las ataduras de la mala educación, me convertí desde entonces en un voraz explorador de la técnica, mis propias capacidades, mi propio lenguaje y visión. [O] Cada pieza es diferente. Todas inician con una chispa, una vivencia, una historia escuchada, una realidad que cachetea, un sueño. En ese momento busco ser fiel al primer pensamiento que llega a mi mente; normalmente, esta primera imagen me da el formato. Luego trabajo con desenfreno, a veces rayando, a veces fotografiando, a veces simplemente caminando, poco a poco desenvuelvo la madeja y cuando creo que está lo más cercano a lo que me satisface, me detengo, me calmo y respiro profundo. Vuelvo sobre mis pasos para destruirlos, buscando eliminar el exceso visceral y pensando en lo formal. Pienso en la composición, en el espectador y el lenguaje común entre los dos, y es ahí donde nace el título. Es solo entonces cuando sé que terminé.\nDE PEZ A CITADINO, CONJETURAS SOBRE EL PROCESO INVOLUTIVO DEL DESPLAZADO, 42X181 CM 2013 estaban acompañados de dibujos que normalmente eran elaborados en bolígrafo. Cierto día, con un retablo listo para trabajar, llegué a casa con una necesidad imperiosa de intervenirlo, pero carecía de materiales. Entonces decidí iniciar con bolígrafo bajo la premisa de corregir después; solo sería un boceto. Esa noche pasé de largo trabajando y totalmente enamorado de la "nueva técnica", que había sido mi raíz. Actualmente, como parte del proceso raíz que la libertad de la línea me dio, exploro diferentes caminos como el collage, la fotografía y el ensamble de dioramas. La técnica para mí va de la mano con la necesidad del tema y la pieza. El sustrato pide lo que necesita, el talento está en escucharlo. [M] Aunque cada pieza suple una necesidad intelectual, espiritual y personal, su intención siempre es comunicacional. De nada sirve gritar si nadie te escucha. Adicional a esto, es en la exposición donde proclamamos y ponemos en crisis nuestra posición, donde enfrentamos y abrimos el debate. Donde lo que hacemos toma relevancia social y deja de ser nuestro. [P] Mi propósito es comunicar, por lo tanto, la respuesta es sí.\n[T] Antes de llegar al bolígrafo, exploré varias técnicas, pero ninguna brindaba la fidelidad que buscaba en mis ideas. Cada vez que escribía, dichos escritos 29\nLUZ EN EL RÍO (MEMORIAS DE UNA TRADICIÓN)\nMi relación con el lienzo y la pintura me permite reflexionar en torno a la vida del campesino, sus costumbres, tradiciones y vivencias. Es una recopilación de imágenes que hacen parte de mi memoria, reconstruidas como proyecciones pictóricas. Apasionado de la pintura figurativa desde muy temprana edad, de la mano de algunos maestros, sigo mi proceso de formación artística a la vieja práctica: de maestro a alumno. Mi pasión por el arte y mi disciplina me han permitido vivir como artista y afianzar mis conocimientos de la técnica, la figura humana y la historia del arte. En el desarrollo de este proyecto, he buscado un conjunto de imágenes del álbum familiar que conforman situaciones, roles y relaciones enlazados en el contexto de mi biografía y que he podido conectar fuertemente a través de la pintura. Partiendo de lo anterior, he escogido momentos que han significado y definido parte importante de mi memoria, como el paseo de olla y otros instantes de la vida cotidiana de mis abuelos. Cada una de estas imágenes reposa entre mis reminiscencias y se acercan al presente a través de la pintura, que deja de ser simplemente pigmentos suspendidos en un lienzo y se convierte en una forma de revivir una estructura, que se asemeja a un archivador de mi existencia. Implícitos en estas vivencias, aparecen trasfondos que se transfiguran en una realidad e identidad local propias. El paseo de olla es, por ejemplo, una costumbre familiar y regional que muchos conservamos en nuestra memoria y que nos acerca a una cotidianidad cuyas raíces apenas podemos presentir. Roland Barthes aludía a una experiencia inconsciente que delimitaba la aparición de tales trasfondos culturales e ideológicos, desde los cuales nos apropiamos de las imágenes, activando la manera desde la cual actuamos subjetivamente ante ellas. El recuerdo transforma al individuo y el individuo transforma el recuerdo. Esto hace que la vida no se convierta en una sumatoria de lo vivido sino en la recreación de lo que esos momentos siguen siendo en el alma. Las emociones trascienden como parte de la experiencia de vida de cada persona, siendo de esta manera particulares a cada individuo. 30\n[A] Es la expresión del alma, la mente y el espíritu a través de los sentidos, más allá del subconsciente. El artista trata de visibilizar las vivencias, experiencias propias y de nuestro entorno, que son la realidad social y cultural que la mayoría prefiere ignorar. [I] Dualidad surge de vivencias recogidas a lo largo de la vida, propias y de nuestro entorno, a raíz de los conflictos socioeconómicos que hacen que nuestros días sean tan sombríos. [O] La necesidad de querer que las personas no se olviden de la esencia de la que estamos hechos. De poder demostrar que el alma o fuerza es la que nos empuja a superar los fracasos y sobre ellos seguir intentándolo con el simple convencimiento de que hay un Ser Supremo. La inquietante zozobra de lo que se piensa y de lo que se siente olvidando así la magia de la vida. [T] Para mí es un don divino, porque sé que nació conmigo, pues aprendí primero a pintar y a dibujar antes que a escribir. Fue la manera más sutil de afrontar en mi propia existencia las falencias que se venían presentando en el seno familiar y mundial. Por medio del arte he llegado al punto de conocer la parte espiritual, la esencia del ser para mirar con ojos del arte cualquier evento, circunstancia o suceso. Además, el pincel y el lienzo se han convertido en una extensión para seguir desarrollando, creando, comprendiendo e interpretando el sentir más allá de lo consciente. [M] Es importante mostrar mi obra, porque busco compartir mi experiencia y participar en el intercambio de saberes con otros autores, para fortalecer mis bases artísticas y engrandecer mi profesión. [P] Sí es importante, porque quiero que me conozcan para así enriquecer mis habilidades y de manera clara plasmar ideas, vivencias y sentimientos de otras personas. 31\nCAROLINA 70X70 CM\nSANACIÓN SILENTE (SERIE MEMORIAS Y PRESAGIOS)\n[A] Ser artista es ser un comunicador, un sanador, un transformador. Es quien expresa por medio de lenguajes visuales, sonoros y poéticos lo que observa de su entorno, lo que percibe en su ser interno. Es un investigador inquieto que construye su obra a partir de cuestionamientos propios y diarios desde la mirada íntima o colectiva. [I] Creo que las obras, sea cual sea la disciplina, son capaces de despertar de manera inconsciente o consciente una reacción positiva o negativa en el observador. Mi interés a través de las artes plásticas es generar un tipo de bienestar en el espectador y mejorar mi acercamiento con el otro, partiendo de la introspección cotidiana y personal. También manifestar por medio del lenguaje visual aquella conexión cósmica con el espacio corpóreo e incorpóreo del que formamos parte. [O] Muchas veces, el tema de la obra se da en el proceso creativo. Otras, surge a lo largo de experiencias, investigaciones, preguntas, cuestionamientos o inquietudes. Algunas obras tienen un desarrollo permanente, en el caso de las series de Diarios de viaje, El secreto de la paciencia, La ducha o Palmas de cera. Diarios de viaje es mi percepción de diferentes lugares (espacios). El secreto de la paciencia es el encuentro y la percepción del otro. La ducha se desarrolla en este espacio íntimo y comunica los estados del ser, actuando como una catarsis personal. Palmas de cera también tiene un desarrollo permanente o abierto; el espectador es invitado a intervenirla, y con su aporte se construye y crece. [T] La técnica es importante, pero para mí no es esencial, aunque, sin duda, su manejo puede ayudar en el desarrollo de la obra. He aprendido la técnica gracias 32\nDESPRENDIMIENTO (SERIE MEMORIAS Y PRESAGIOS)\na la experimentación diaria y a la investigación, pero estar fuera del peso de esta me ha dado libertad para usar diferentes materiales al momento de ejecutar mis obras. [M] Sí, la obra debe interactuar con el público. Es como se enriquece, es importante la mirada del otro, si no, no tendría sentido. El artista es un comunicador. [P] Sí.\nCHARDÍN ANDRÉS 60X50 CM 2010\nESPEJOS DE PUERTO COLOMBIA (CALLE ARRIBA)\n[A] Ante todo, lo vincula con una búsqueda y una sensibilidad propias que, entendidas o no, comienzan en los primeros años de vida. Luego, y si la fortuna te lo permite, el entorno te afecta positivamente, claro, en la inclinación hacia el arte. Pero aun así, si el carácter de ese ser se deja guiar por la pregunta sobre lo bello —sin importar aún el concepto—, se podría decir que en potencia está naciendo un artista. Luego, con rigor y formación, se lanzará como ciudadano del mundo a hacer visible su conformidad o no con el contexto que le tocó vivir. [I] Se inicia en el gran solar de la casa de la abuela; luego, el taller, la pintura, el diseño y la rotulación. Como a los 15 años, las lacas piroxilinas, el varsol y el thinner confluyeron en la creación. Con la entrada a la academia, el gusto explorado por la imagen, tanto plástica como publicitaria, se encuentra con la fotografía, razón por la cual lo fotográfico se convierte en una actividad paralela a mi formación como humanista en ciencias sociales. En talleres de fotografía comenzó la fusión de estas prácticas y se delineó lo que a posteriori sería mi única vocación: fotografiar y fotografiar reflejos y una cultura fiestera. [O] Una fotografía que no esté presta a lo social se podría inscribir en una categoría de vacuidad. Podría adoptar un carácter de efímera, porque aún cuando tome matices de moda, su deber es el develar una discursividad, su glamour y hasta el deleite de lo desagradable, como lo propone Oliviero Toscani, o de lo sensual, como Ruven Afanador, o de los caminos, como Leo Matiz. [T] Es supremamente importante, pero no es necesariamente la vía de entrada. La técnica es relevante, pero como lo diría mi buen amigo Valencia: no te 34\nESPEJOS DE PUERTO COLOMBIA (CHICHA)\napresures, ya llegará. Lo importante y verdaderamente relevante es aprender a mirar. La técnica la depurarás luego de muchísimas reflexiones. El conocimiento de las técnicas fotográficas va de la mano con la praxis, la teoría y los razonamientos filosóficos de un fotógrafo empírico con experiencia en docencia en el área de imagen, manejo de cámaras, edición fotográfica, diseño, montaje, que inician en el análogo y luego se encuentran con soportes como el digital. [M] Es importante mostrar, parir, regurgitar, para luego contemplar. Algunas veces envié fotografías a concursar; otras tantas, de ocio creativo, dirigí talleres de iniciación en fotografía para develar una realidad en series fotográficas con temáticas relacionadas con retratos actuales. Hay una gran división y desconocimiento de lo que somos; nos tienen —como se diría en el argot popular— embolatados. Tan poquito sabemos de nuestros saberes ancestrales, que la fotografía debe ser un soporte para despertar el interés por descubrir aquello que nos tienen vedado saber. [P] El que se me dé la posibilidad de encontrarme con mi cultura, nutrirme de ella y de otras más. Debe generar lazos y nexos de cooperación y, por qué no, de intercambio. Romper los imaginarios es, entonces, la certeza de que mi asombro les va a proponer un algo fotográfico, un trabajo de proyección social en pro de la colectividad, la cultura y el arte.\nDÍA A DÍA EN LA FUENTE\n[A] Creo que ser artista es entender la cosmovisión de todo lo que nos rodea de manera no convencional, en ocasiones, para algunos, casi que irracional. Sin embargo, cuando analizo la diversidad de obras que existen (que en mi caso he podido conocer), creo que tienen mucha relación con una forma de ver las cosas tan trascendental y desglosada en ocasiones que son una expresión espiritual. Es el alma hablando después de saborear la vida a través de nuestros sentidos [I] Cuando estaba en primero de primaria, hicimos un examen de mitad de año —recuerdo que tenía muchas hojas. Había preguntas preparadas para niños de ese grado sobre Historia, Matemáticas, Ciencias Naturales; sin embargo, todas fueron un reto. Recuerdo que, antes de responder el cuestionario, hice primero el ejercicio de artes, que era un dibujo libre. Dibujé un robot con turbinas en los pies y botando fuego por la boca, y tenía otros artilugios. Después, cuando nos entregaron los cuestionarios ya calificados, en el único ejerció que la profesora puso una nota al lado fue en artes. Decía: “Buena imaginación, buen dibujante”. Fue en lo primero que me felicitaron en mis primeros años de estudio; tenía, creo, 6 años. Siempre que pinto, lo hago con gusto, no como algo que me toca sino que está en mí, en el alma. En aquella época, en primaria, era influenciado en mi mente de niño por muchos cómics japoneses. Con el paso de los años, lo que me intriga ahora es el pensamiento del hombre y su influencia de maldad y bien en el mismo lugar donde vive. Eso es lo que motiva e impulsa mi obra actualmente: la intriga por el ser humano. [O] Entre todo lo que busca la humanidad, la más fuerte es el deseo de entender, conocer o encontrar la verdad de las cosas. En mi obra, esta verdad absoluta se simboliza en una fuente de color cálido, en su azul 36\ny de color vivo en su estructura. Los personajes que aparecen tienen una característica psicológica individual, que al verlos se puede imaginar lo que sucede. Uno de ellos, muy cerca de la fuente, reposa apacible y tranquilo, como quien encuentra la verdad. Para mí, el mundo es un lugar de movimiento. No solamente quise que vieran lo que pienso; por eso pegué al lienzo papel en unos puntos más que en otros, dejando los pliegues que se formaron esporádicamente para tratar de generar movimiento, caos, viveza, y sobre ello pinté. [T] Para alguien que piense que algo es importante lo será. Para quien la aprende llega a ser el camino corto a su instinto artístico, y es genial porque ahorras mucho tiempo. Para el artista que no la aprendió con exactitud, solo es uno de los muchos caminos que se le presentan para trasmitir ese instinto, pero si es artista, aunque no la aprenda, verá otros caminos para cumplir su meta. Yo eché mano de lo que pude aprender; leí, practiqué, fallé, lo intenté otra vez y el resultado de ello me hizo llegar a un estilo naif. [M] La gran mayoría quiere ser escuchada. Trasmito lo que mis palabras no podrían decir con exactitud. Cuando muestro mi obra, quiero que la gente escuche lo que siento a través de lo que ve. [P] Mucho, porque trato de plasmar en mi obra ideas útiles y no trivialidades estéticas.\nRealicé estudios de Biología en la Universidad Nacional de Colombia, y paralelamente a mi formación académica me he venido formando como artista empírica mediante la vinculación a grupos y la asistencia a talleres con diferentes maestros nacionales e internacionales. Adicionalmente, he indagado en las artes escénicas en el campo de la producción, la dramaturgia, la dirección y la animación para teatro de objetos. Actualmente, desarrollo mis prácticas artísticas con el colectivo artístico Mikorryza, del cual soy una de las fundadoras y codirectora. Sin piso es un trabajo que se estructura a partir de una serie de baldosas que pertenecían a la casa de mis padres. Estas baldosas abandonadas, de cierta manera, dan cuenta de una parte de nuestras vidas que también se fue derrumbando. La huella y la memoria de un elemento por donde se transitó tantas veces y que se fue cargando de afectos se volvieron para mí una metáfora sobre la fragilidad de los lugares. En el trabajo, las baldosas sirven como soporte a la pintura Habitación, de Van Gogh, la cual se va desmantelando poco a poco junto a las baldosas que se quiebran y desaparecen. El pintor, en una de sus cartas a su hermano Theo, al referirse a esta obra dice que “solo quería expresar en la pintura la sensación de un reposo absoluto […]”. Tal vez, ese reposo que buscaba el artista pintando su cuarto no sea más que lo trágico de un imposible planteado por nuestra era. Esa tragedia que nos expulsa de la facultad de habitar en nuestro propio ser.\nGUSTAVO 180X180 CM\n¡ESTA TIERRA ES MÍA, CARAJO!\n[A] Es ver, sentir, reflexionar, criticar un motivo que nos afecta y expresarlo de forma creativa. Ver en nuestro medio las cosas que los demás pasarían por alto. Buscar la reflexión en un público expectante. [I] Desde siempre he tenido esta inquietud por las artes plásticas. Me motivan diferentes falencias que presenta la sociedad colombiana, en cuanto al tratamiento de sus propios compatriotas y las actitudes estúpidas del ser humano. Y lo más importante, sin falsearla, dejar plasmada esta historia que me correspondió vivir. [O] Encuentro un tema y empiezo a desarrollarlo buscándole un contexto. Luego boceto, dibujo, trato de hacer un mapa mental, realizo un texto, un concepto y luego decido si es una pintura, un dibujo o un audiovisual. Realizo varios temas y me decido por uno, el que más me afecte. [T] Es fundamental. Siempre debe tratarse con mucha calidad a la obra para una mayor duración a través del tiempo. Aprendí varias técnicas mediante la colección de libros Parramón y luego contemplando diferentes obras de grandes maestros en una galería donde trabajaba en marquetería. [M] Importantísimo, con esto doy a conocer mi pensamiento crítico frente a lo que veo y siento que me afecta. Busco hacer reflexionar al espectador frente a mi obra. [P] Sí, pues con esto voy generando una crítica reflexiva. Más que acercar un público, es hacer un público para reflexionar sobre la obra.\nNAUI KUTIJ - EL OTRO YO\n150X300, 60X100 CM\n[A] Un ser con sensibilidad y espiritualidad. Su modo particular de sentir y actuar se debe a su esencia, que exterioriza el pensamiento. [I] Valorar el arte ancestral en el cual se encuentra inmersa la cultura de mi pueblo indígena y el saber heredado de mis antepasados. [O] Ñaui Kutij - El otro yo nace para mostrar la expresión de los sentimientos humanos y develar el ser interno en diferentes ocasiones. A través de la instalación, la obra permite interactuar con elementos como “YuyayTiary” (banco de pensamiento), de uso cotidiano por el pueblo inga. [T] Heredé la técnica del tallado, conocimiento empírico transmitido por el taita Isidoro Tisoy (abuelo), mediante la observación y la práctica. [M] Sí es importante, porque no solo me visibiliza como ser individual sino también el pensamiento colectivo. Se da conocer al pueblo inga junto con su particular forma de manifestar su arte y cultura. [P] Sí, es una forma práctica de llegar a la interculturalidad.\n[A] El artista es un personaje de sentimientos sensibles que se manifiestan en el momento de inspiración. Esto pude ser un momento cotidiano o personal en el cual se viven experiencias que sensibilizan a un artista y es de ahí donde comienza a surgir una motivación de expresión. [I] Desde muy pequeño, papá conoció muchos personajes artísticos que elaboraban grandes obras de arte. Desde ahí surgió la inquietud artística que me motiva. En lo poco que he visto de los grandes artistas del pasado, su técnica y su perfección me motivan. Cada vez que veo su trabajo o me hablan de ellos, nace una motivación más. [O] El tema cotidiano permite aproximarse a muchos campos artísticos en los cuales hay momentos en los que se logra una pausa de un sentimiento vivo y se capta muy claramente esa imagen que inquieta al artista. Cuando se tiene conocimiento de una gran variedad de materiales, se puede decidir cuál es más apropiado. [T] Lo bueno de una obra es que hable por muchos años y no por pocos momentos. Por ello son importantes el tiempo y la técnica implementada en la elaboración de mi trabajo. La aprendí tomando la idea de muchas partes y observando a quienes elaboraban trabajos similares. [M] No solamente se requiere ser sensible a la hora de realizar una obra y deleitarse con ella, sino también es la forma de dar a conocer la inspiración del artista, compartirla y gozarla con los demás. [P] Sí, porque para el artista no termina su obra hasta encontrar en el otro un punto significativo o el sentimiento oculto detrás del trabajo.\n[A] Ser artista es ser humano, ni más ni menos. [I] Surge de la curiosidad y la contemplación de la vida. [O] Escojo el tema inconscientemente, me obsesiona y se radica indefinidamente en mi mente. Empieza a aparecer disfrazado de palabras, acciones y pensamientos. Todo tiene que ver con el tema sin quererlo así. Luego llega la obligación de expresarlo de alguna forma, y la mejor, en mi caso, son las artes plásticas. La abordo por el lado que más me complazca o, mejor, que complazca más al tema. [T] La técnica es extremadamente importante; define la precisión del concepto sobre el molde plástico. Sea cual sea, así sea la más sencilla, seguirá teniendo un rol muy importante. [M] Decidí vivir de las artes plásticas. Decidí vender mi trabajo. La única forma de hacerlo es mostrándolo. [P] Es de suma importancia, pues el público es el comprador.\n[A] Es un modo de vida, una manera de pensar. Es pensar en el valor estético de las imágenes para mostrar a la sociedad la creación de un proceso en constante construcción. [I] De la motivación de comunicar a la sociedad un mensaje a través de imágenes, un mensaje creado del trabajo interior. [O] Muchas veces, primero, ha nacido de querer representar algo que me atrae estéticamente. Puede ser una sombra, un animal, una persona o la naturaleza. Pero luego llega la idea de dar un mensaje con esa imagen, que puede venir de algo que me esté pasando o afectando en ese momento. Así incorporo ese mensaje y creo una imagen que cuente una historia, no solamente por sí misma, sino, en el fondo, que cuente algo de mí mismo. [T] Es el mitad de la obra y es muy importante, pero no más que el contenido. Si la obra tiene una muy buena técnica pero es pobre en contenido, no tendría mucho discurso y el contenido sería solo ilustrativo. Pero si, al contrario, esta consta de muy buen contenido, pero carece de técnica, será más un objeto de análisis. Hay que encontrar el equilibrio entre las dos. [M] Sí. Es muy importante, porque ese es el fin de crear algo: es para mostrarlo. Si no se muestra, es como si no existiera. Además, si no se muestra, el artista está perdiendo una oportunidad de dialogar con su obra; es decir, de enriquecerse y crecer como artista, pues es este diálogo con el público lo que le enseña sobre su propia obra para introducir nuevos elementos. [P]Pienso que como artistas tenemos que encontrar la manera de llegar mejor al público. Creo que de manera muy difícil el público se acerca a la obra. Pero también creo que en la medida en que la obra pueda soportar varias aproximaciones, de fondo y de forma, la posibilidad de que llegue y se acepte es mucho mayor. Esto es muy difícil, pero el hecho de que el público quiera acercase a la obra es lo más importante para un artista; eso representa un reconocimiento a su labor.\n[A] El artista es un arquitecto de mundos ilimitados de muchos matices, formas y contextos. La obra que habla de una situación también habla de quién es el artista, porque cada pincelada que hace, cada forma y cada color reflejan su mundo emocional. Allí se ven sus pasiones, sus temores, su personalidad, su carácter, porque cuando crea su obra, plasma su ser dejándolo inmortalizado por muchas generaciones. Esto permite que las generaciones futuras sigan construyendo mundos llenos de conocimiento sobre la evolución cultural de los pueblos. [I] Mi interés surgió cuando sentí que no podía expresar mis emociones con mucha facilidad; entonces me encontré con la pintura y me di cuenta de que pintando podía escribir mis emociones. Me podía desahogar, y si quería que nadie se diera cuenta de qué me pasaba, modificaba los objetos para que solo yo pudiera entenderlos en su momento. Ahora, ya que superé muchos conflictos emocionales, solo quiero crear para enseñar y dejar a las generaciones futuras un lenguaje de amor y respeto sobre todos los seres vivos del mundo. [O] El tema nace en el momento que quiero compartir una idea, sea que esté inconforme o sea de desarrollo personal. El tema de una de las obras que presenté para esta convocatoria, Veganismo, lo decidí porque cambié mi hábito de alimentación a uno de compasión y no violencia. Esta experiencia la abordo desde varias técnicas de pintura; por mi falta de estudios, no la puedo desarrollar en más campos, como, por ejemplo, en la escultura. [T] Es importante la técnica, ya que con esta se aprenden las variaciones de los matices y las formas de perspectiva que hay. Esto sería un 40 %, pero es más importante tener la capacidad de crear, porque 45\ncon ella se puede dar lugar a muchos mundos, como lo han hecho los grandes como Picasso, Dalí o Vincent Van Gogh. [M] La técnica, aunque no la he completado, estuve aprendiéndola con una gran artista de pintura llamada Luza, que me dio unas bases hace varios años. Pero lo que más me enseñó ella fue a creer en mí y que nunca dejara de pintar. [P] Claro que sí, un artista siempre quiere que el espectador tenga una impresión buena o mala de su obra, pero que la tenga. Porque si es excelente, lo van a recordar, y si es mala, también, pero si no hay ninguna reacción, eso sí sería malo porque pasaría desapercibido. Para mí es muy importante enseñar mi obra, porque, primero, voy a mostrar algo de mi interés; segundo, el espectador se va a llevar un tema para reflexionar y, tercero, porque creo que todos los artistas queremos ser reconocidos.\nJOSÉ OLAVIO RELIEVE METALIZADO Y ÓLEO\nRECICLADOR DE SUEÑOS (DE LA SERIE SOMBRAS VIVIENTES) 2012\n[A] El artista es un ser que desea reflejar a su manera lo que ve, siente, profundiza y alimenta en su interior de lo que hay en su entorno. [I] Desde muy pequeño. El interés no se adquiere, nace con la persona y hace parte de su yo. Es algo que está impregnado en el cuerpo, una necesidad de estar plasmando algo en un lienzo, papel, pared o cualquier sitio. [O] El tema lo da el instante en que captamos o pensamos la imagen. La técnica es aquella que elegimos según lo que puede ser mejor para afrontar ese primer impacto visual, que es lo que decide si la obra es buena, regular o no tan buena. [T] La técnica que utilizo es prácticamente nueva y con ella he hecho varias obras que han sido de muy buena aceptación. Con ella hice la obra que quedó seleccionada en este concurso. [M] Claro que es importante, y muy importante. Porque vemos que la obra, desde el momento de ser seleccionada, tiene los méritos suficientes para ser exhibida y observada por las otras personas. [P] Sí, por la novedad de la técnica y del tema. Aunque es muy habitual, cuando se juntan imagen y técnica, podemos deleitarnos visualmente con la obra.\nJUAN CARLOS AL ARTE) ACRÍLICO SOBRE TELA\nBODEGÓN URBANO ENTRE PENTAGRAMA (DE LA SERIE DE LO COTIDIANO 2013 [A] Ser artista no es más que un estado de alerta constante hacia el exterior y definir lo que ese exterior hace en el individuo. Por ello, todos somos artistas, porque a todos nos inspira o nos transforma algo, pero solo llamamos artista a ese que las materializa, compartiendo con otros lo que se podría definir como realidad alterna o quizá realidad individual. [I] Cuando era niño, una tía estudiaba Bellas Artes y me interesaba mucho lo que hacía. Verla pintar me inspiraba. Aunque desde antes me gustó dibujar, fue solo hasta los 20 años cuando pinté por primera vez y en esta experimentación descubrí que el valor de la mancha era la respuesta a mi búsqueda de identidad y que pintar era lo que quería hacer. [O] El tema de mi obra está en todas las cosas. En los sueños, en las visiones, en la calle, en las lecturas o en la imaginación; en las conexiones que considero dignas de expresar, partiendo del hecho de las sensaciones que producen en mi interior, que muchas veces no son definibles, solo están y desean materializarse. Soy la herramienta para hacer esto posible. [T] La técnica se da por la experimentación que hace el artista para plasmar su obra, y es el artista quien decide con cuál se siente más cómodo o le permite expresarse más fluida o expresivamente. Pero un artista debe estar siempre en la búsqueda de nuevas herramientas que quizá le permitan manifestarse mejor y no debe aferrarse a una sola manera de hacer, porque su esencia es la búsqueda de nuevas formas de comunicación. Aun así, hay algo más importante a la hora de realizar cualquier expresión artística que la técnica y es ese impulso, a veces primitivo, de expresión. En ello radica la honestidad y el amor por el oficio.\nJUAN CARLOS LO COTIDIANO AL ARTE)\n¡PARE Y OBSERVE, EXISTEN PAISAJES POR DESCUBRIR! (DE LA SERIE DE 50X70 CM 2013\n[M] En el fondo, los artistas somos comunicadores; el objetivo de hacer obra es mostrarla. Como el objetivo del poeta es que lean su poesía o del músico que escuchen su música, para que partiendo de su creación se genere algo en alguien más. Para esto se realiza: para mostrarla, para generar sentimientos o sensaciones en otros. Los artistas somos quienes con diferentes puntos de vista dejamos el precedente de nuestra historia, vivencias o situaciones que quizá perdurarán gracias a nuestra labor. [P] Es una necesidad, porque aunque hacer obra es un trabajo personal, no tiene sentido que solo sea para mí. La obra es para el público y, por ende, es importante que el público se acerque a ella y quizá se identifique con ella.\nMARÍA CLEMENCIA (50X50 CM C/U) 2012\nPINTURA AL TEMPLE SOBRE TELA\n[A] Artista es aquella persona sensible, capaz de expresar sus emociones, sus sentimientos y sus pensamientos a través de las diferentes formas y expresiones del arte, como la música, el teatro, la danza, la literatura, el dibujo, la pintura, la escultura, el grabado, etcétera. El artista, por medio de su obra y su talento, representa su contexto, su época, su país y su cultura. En ese sentido, la producción artística juega un papel importante en la historia. [I] Desde muy joven sentí el gusto, la atracción y la admiración por el arte, especialmente por el dibujo y la pintura. Esto motivó que años después estudiara, a nivel personal y en talleres, las técnicas y principios del dibujo. Así encontré que mi sensibilidad artística estaba en la expresión por los temas relacionados con la naturaleza; igualmente, mi licenciatura en Ciencias Biológicas, en la cual la observación y el contacto con la naturaleza, junto con el estudio de la fotografía, consolida mi gusto y mi pasión por el arte y la naturaleza.\nLeyendo, estudiando, asistiendo a diversos talleres y practicando, aprendí técnicas de dibujo, de la pintura al óleo sobre lienzo, de la pintura al temple sobre lienzo y de grabado sobre metal. [M] Partiendo de que una obra es un medio de comunicación, es interesante ver la reacción de cada persona frente a ella; la lectura que cada individuo hace es diferente. Es importante conocer la opinión y la interpretación de otros. Mostrando mi obra, conocerán mi propuesta, mi sentir y mi expresión artística. [P] Al querer comunicar, es necesario invitar al público a que conozca mi propuesta plástica junto con el mensaje que quiero transmitir. A través de mi obra expreso sentimientos y emociones. Deseo que los espectadores me sorprendan con sus opiniones y reacciones, e igualmente quiero generar en el público alguna emoción.\n[O] Abro los ojos, observo, admiro y elaboro proyectos personales. En los últimos cinco años he leído, estudiado y practicado las diferentes técnicas del grabado sobre metal y pintura al temple sobre lienzo. Como he mencionado, la misma naturaleza y sus paisajes inspiran la creación de mis obras. Si bien es cierto que la mayoría de mis obras son figurativas, hoy estoy al encuentro de una pincelada y una identidad personal en un acercamiento a la pintura abstracta, saliéndome también de un formato tradicional que ofrezca la posibilidad de modificar su instalación. [T] Es importante conocer y manejar bien la técnica, pero ella debe estar al servicio de lo que quiere el artista. Lo más importante es la idea del artista y el mensaje que quiere comunicar a través de su obra. 51\nMARIBEL EDITH 15X5X30 CM 2013\nPUENTE ARANDA 1768-1981\nPAPEL DE DIFERENTES GRAMAJES Y CINTA ADHESIVA\n[A] Una persona que expresa su ser a través de los diferentes materiales. [I] Mi interés hacia las artes plásticas surge desde niña, cuando realizaba en mi tiempo libre actividades con los diferentes materiales. La motivación de mi obra está relacionada con la investigación, en especial con la memoria histórica. [O] Primero, hago la indagación relacionada con la memoria histórica y la abordo de la siguiente manera: investigo sobre el tema, lo combino con conceptos de geometría —en especial los poliedros— y hago un proceso de experimentación con el material que se me acomode a los dos primeros. [T] Importante. Es la misma importancia con el tema y los conceptos básicos de las artes plásticas. Aprendí empíricamente, desde niña trabajé mucho con papel y después realicé cursos libres, lo que me fortaleció la técnica. [M] No, porque considero que realizar la obra es un ritual y, al exponerlo, se profana la obra. Por eso debo mentalizarme primero en que la obra debe ser exhibida. [P] Importante, porque en mi obra el público interactúa. El público termina la obra que realizo.\nMARIO 120X150 CM\nINVENTARIO RURAL, AFECTACIÓN\nACRÍLICO SOBRE CARTÓN CAJA\n[A] Podríamos deducir que el concepto de artista ha evolucionado con el paso del tiempo, de acuerdo con las nuevas necesidades y los cambios sociales en cuanto al modo de vida del hacer y del pensar con respecto a la cultura que se mantiene en permanente dinámica como organismo evolutivo. La necesidad de adecuarse al entorno debe ser tenida en cuenta por las manifestaciones plásticas, al igual que la veracidad y la finalidad última del tema escogido. En términos generales, se trata de proponer ideas que puedan ser capaces de irradiar efectos propios desde la imagen y del arte. Es desarrollar procesos que ejerzan influencia en las propiedades y efectos de la obra para generar objetos o imaginarios que no conocíamos antes y que puedan captar nuestros sentidos. El artista actúa como parte individual de una conciencia colectiva y de un alma común, hallando una expresión de la colectividad en símbolos visibles y en términos de libertad. No se trata, por lo tanto, de cegar a base de novedades, de originalidad, y de producir asombro alguno; debe mantenerse ese espíritu del trabajo como ejercicio y posición frente a la sociedad. Es como retomar aspectos de sucesos cercanos al siglo XVIII, cuando el anonimato era una regla no implementada antes de la aparición del título de maestro o de nombres reconocidos. Al contrario, su juicio debe estar supeditado a cánones de teoría o estética del arte establecidos o emergentes y, por lo tanto, el arte queda sujeto a la competencia de la formación cultural del momento, con lo cual adquiere una faceta científica. [I] En medio de toda una formación que no difiere de ninguna manera a la de mis hermanos. Di mis primeros pasos en el área de las manualidades y encargos domésticos relacionados con la propaganda. Esto era\n35X25 CM C/U\nun apoyo económico en la adolescencia, con el objetivo de cursar una carrera universitaria que agradara mi familia y a una sociedad que lo demanda. Dentro de esa circunstancia descubrí mi inclinación por las artes, y con esfuerzo decidí dedicar parte del tiempo a la investigación y práctica de este oficio. Paralelo a esta actividad, cursé Economía en un comienzo y más tarde, Arquitectura por petición de mis padres, quienes no veían el oficio del arte como algo promisorio. Mi empeño y obsesión me encaminaron a dedicarle tiempo completo este oficio, pero el espacio limitado en términos físicos y de tiempo hizo que esto se desarrollara lentamente sin ningún otro propósito que el de mi satisfacción personal. Combiné mis labores con la docencia, en un comienzo con adultos mayores, posteriormente con jóvenes universitarios y a nivel escolar. Esto me exigió desarrollar una destreza, específicamente en la pintura y dibujo en todas sus modalidades. [O] Creo que el arte no reproduce los objetos como descripción de un tema específico que motivan o inspiran. Al contrario, los acontecimientos acordes con la época son causales de los temas emergentes, pretextos o cómplices de los resultados de la creación. El tema en cuestión de la obra en particular, escogido entre muchos existentes, surge entonces por un deseo interior propio. El medio no es el fin absoluto de la creación, sino el instrumento que da forma y vida al ente resultante. Desde otra perspectiva, la inspiración debe tomar forma material, por lo tanto, la idea artística pasa a la realización artística; así comienza la tarea de reproducir esa visión interior, única, mediante un proceso de trabajo por el cual se intentará dar forma a aquello visto con los ojos del espíritu.\n[T] Como técnica me referiré no al medio como pigmento empleado, sus características y su dominio, ya que dependiendo del modo en que se afronte el problema, pueden emplearse métodos tradicionales, como totalmente nuevos y no reconocidos como tal. Esto me permite total libertad, rechazando dentro de mis intenciones llegar a ser encasillado por los expertos y por el público en general. La técnica a la que me referiré toma otro sentido, acorde con la idea: la imagen representada sin identidad propia, más que generalizarla con la personificación de los protagonistas, y que se enfoca en su totalidad en los campesinos y en los demás, de un modo indirecto. Por eso mismo, un medio de definición y secado rápido por sus cualidades es el acrílico para este caso particular; logro formas impresionistas que impiden ver la realidad en la que estamos sumergidos, trabajadas dentro de un soporte poco común mas no inaplicable por otros artistas, como el cartón, que después de una larga decisión, fue viable por las posibilidades que otorgaba su textura, que semeja la tierra natural. Para acercarme más al observador, asumo como técnica de persuasión una posible acción del público, a través del desgarramiento del material que indica la desintegración y la descomposición que atravesamos incluyéndonos en totalidad sobre lo que representa nuestro fértil y fructífero campo colombiano. El observador tendrá que tomar la decisión de reconstruir este país, individual o conjuntamente, y para tal efecto tomará pedazos que irá colocando sobre la imagenmapa, en señal de compromiso. Las dos obras o propuestas terminan siendo una sola, ya que cada una depende de la otra. La una es una muestra recopilada de lo que se encuentra en vías de extinción, a la que llamé Inventario, y la otra es el territorio o espacio en que transita denominada Afectación, representada en el mapa Colombiano.\n[M] Es importante en la medida en que el artista crea una obra como un medio para comunicarse, en este caso visualmente. El no hacerlo es como encontrarse aislado del mundo que lo rodea, sin ningún contacto que le permita intercambiar experiencias, emociones, maneras de pensar y modos de actuar. El hombre es sociable por naturaleza, y el artista emplea este medio para plantear, mostrar, decir y contribuir en cierto modo a transformar el mundo. Por lo tanto, producir una obra para el deleite personal se convierte en un estado egoísta. Desde el objeto para contemplar hasta los imaginarios materializados o no, además del goce, la intención es establecer una postura de análisis y reflexión a través del planteamiento de preguntas sobre el significado de la de la vida. [P] La premura no es resaltar un ego mediante el asombro del público, lo cual es un motivo de distanciamiento al arte, sino que, dejando a un lado tal intención, es hacer ver el arte como hechos comunes a todos, en los que podamos tener un mejor entendimiento sobre nuestra estrecha capacidad de retener y organizar el mundo, de la manera más natural posible, en la que cualquier nivel de comprensión permita intercambiar pensamientos, inquietudes, sueños, deseos y emociones.\n170 X 115 CM C/U\n[A] Ser artista es expresarse libremente. El artista plástico es quien maneja elementos variados para expresar emociones, y caracteriza la obra por diferentes procederes que implican un profundo conocimiento de los materiales utilizados y la habilidad en su manejo, cuyo resultado lo clasifica como maestro del arte. [I] Siempre he tenido una especial sensibilidad hacia las artes. Luego de desarrollar algunas pruebas en la música, la literatura y la plástica, me quede en esta última, pues llenaba más mis expectativas de expresión. En un comienzo pinté diferentes temas, atraído por manejar el material con la soltura y la fluidez suficientes, que llenara las expectativas del espectador y que lo condujera dentro de la obra. Para esto me relacioné con la naturaleza nativa, nombre que le di a mi primera serie y tema que continúo investigando hasta lo más profundo con la fe de atraer al público, no a mi obra, sino a la obra de la naturaleza. [O] La práctica en el manejo del color hace que cuando estoy frente a un lienzo en blanco comience desde cualquier lugar y proceda a buscar la composición. Siempre busco que esta sea equilibrada, reposada y atraiga al espectador para que se transporte dentro de la obra. Eso simplemente lo hará identificarse no con mi obra, sino con la naturaleza que todos llevamos dentro, un tema siempre invadido por la neblina, que da vida a una exuberante vegetación y me crea los diferentes planos que trato de recrear investigando sobre las plantas del lugar que represento. [T] La técnica es fundamental. Determina que el maestro se está formando, está en camino o ya es un prestigioso maestro. Llevo 40 años pintando y cada día aprendo nuevas técnicas. He venido desarrollando con el tiempo la técnica con que trabajo mis obras; va 56\nvariando en cada cuadro. Cada obra es un mundo y en cada uno de estos mundos podemos ver claramente el prodigio de la naturaleza. [M] Como artista que trata de vivir del arte, me parece importante tener aceptación de lo que hago. Por tanto, es fundamental tener permanente intercambio de opiniones con el público, y más de entidades culturales, donde las expectativas están cifradas en lo que opinen los críticos o los curadores; también ser seleccionado para mostrar mis creaciones en sitios de prestigio nacional e internacional. [P] La importancia del artista es válida por dos cosas: su obra y el público. La obra no es nada sin público y para qué público si no hay obra. Siempre he querido que el público se introduzca en la obra que yo haga pero algunas cosas, como la economía, no lo han permitido.\n[A] Es vivir soñando que la vida es bella y, aunque vivimos en un mundo imperfecto, tenemos la capacidad de hacerlo mejor. Es comprender lo maravilloso que es Dios, como el más grande creador, pues hizo una obra de arte con el hombre y el universo en general. Es a veces olvidarse del mundo y no sentir el cansancio cuando pasan las horas frente al caballete pintando y soñando una obra de arte. [I] Mi interés surge desde muy pequeño con los cómics, disfrutando de las figuras humanas, el color, las historias maravillosas que contaban y la necesidad —difícil de explicar— de repetir esas imágenes con el dibujo para apropiarme de ellas. Lo que me motiva a desarrollar mi obra es ser consciente de la capacidad que Dios me dio para expresarme y para comunicar lo que pienso; mi manera de ver el mundo y de desfogar esas ansias de abordar un lienzo, un papel o u otro soporte para plasmar una imagen necesaria. Busco denunciar las cosas que veo, que me duelen y por las cuales muchas veces me siento impotente, pero aun así tengo la esperanza de mover sentimientos, de sorprender y de generar cuestionamientos acerca del mundo en el que vivimos. [O] Normalmente no busco el tema, el tema me busca a mí. Precisamente, al poseer ese grado de sensibilidad de los artistas, las que más adelante se convertirán en mis obras nacen de los sentimientos que me generan las situaciones de la vida real. Cuando salgo a trabajar y recorro la ciudad, allí en cualquier parte, me encuentro con el tema para mi siguiente obra y sencillamente dejo que pase. Entonces comienzo a bocetar ideas para desarrollarlo visualmente, a veces en el computador o a veces tengo que salir nuevamente a\nnutrirme de más información al respecto para estudiarlo con profundidad. Luego hago un planteamiento de cómo quedaría la obra, pruebas de tonos, de color, estudios de algunos detalles importantes para resolver cualquier problema allí y no en la obra final. Después de todo esto, inicio la obra.\n[P] Por supuesto. Si la gente no visitara los museos, las obras no tendrían razón de ser. La obra está creada para ser mostrada, para ser vista. Me encanta cuando la gente comenta mi obra y hace sus propias lecturas sin que yo tenga que explicarla. Los puedo asombrar y ellos se asombran.\n[T] La técnica es sumamente importante, porque me garantiza realizar la obra con las características que me he planteado, mientras asegura también su calidad y su duración. Si no se conoce la técnica, se improvisa, y los resultados siempre serán una incógnita que al final obligará solamente a quien elabora un trabajo a conformarse con el resultado. El conocimiento de la técnica me da seguridad de lo que hago y me permite tener diferentes alternativas para solucionar problemas. Me hace más diestro y más hábil. He tomado cursos, talleres con diferentes maestros, he viajado mucho y he investigado bastante. Todavía sigo aprendiendo y me esfuerzo por pulir lo que he aprendido, para que cada obra sea mejor que la anterior. Soy muy crítico con mi trabajo. [M] Es una de las razones más importantes para desarrollar mi trabajo. Es importante que me conozca la gente, las personas que trabajan con arte y las galerías, para mostrar mi trabajo, comercializarlo, vender, salir en una u otra publicación cuando se pueda. Desde hace 18 años comencé a exponer y tengo como meta estar, por lo menos una vez al año, en un concurso o exposición que me mantenga vigente. Eso hace que mi trabajo vaya madurando con el tiempo. Por eso odio cuando hacen concursos para "artistas jóvenes", pues desconocen toda la trayectoria de quienes venimos realizando una obra importante y ya no estamos tan jóvenes.\nNATALIA CAROLINA 25X20 CM 2013\nFOTOGRAFÍAS ANÁLOGAS RETOCADAS DIGITALMENTE\n[A] Es una persona que se expresa y que está dispuesta a dedicarse a lo improductivo por la necesidad de expresarse. Es una persona obsesiva con una forma, un sonido, un color, un movimiento o una palabra. Un artista es una persona que haga lo que haga nunca deja el arte que le permite expresarse. El artista empírico es la persona que sin el rigor de la academia hace con su arte lo que le da gana. Es un espontáneo y un ingenuo, es el que aprende a punta de ensayo y error. [I] No lo sé. Solamente lo hago porque me gusta y me siento bien. Puedo gastar todo un día con su noche dibujando y después puedo estar un mes sin tomar un lápiz. Me motiva un lugar, una persona o un objeto. Tomo una foto o hago un bosquejo, luego pasan los días, luego vuelvo a mirar aquella foto o aquel dibujo y empiezo a trabajar sobre esto. [O] No lo decido. El tema llega, aparece y lo abordo con lo tengo a la mano. [T] Es importante, pero como no la manejo, la dejo de lado. Lo poco que sé de técnicas lo he aprendido de mis ganas, en primer lugar; de los amigos artistas, en segundo lugar; de los libros, en tercer lugar, y de pocos talleres, en cuarto lugar. [M] Sí porque me interesa la difusión, y no, porque soy mala. [P] Lo que hago es obsequiar los trabajos. A través del obsequio me acerco. Hay personas que me piden una pintura, pero no trabajo por encargo sino porque quiero y regalo porque quiero.\nSoy artista de performance. Estudié danza contemporánea en diferentes escuelas de Bogotá y Derecho en la Universidad Nacional de Colombia, con especialización en Derecho Ambiental. A partir de la necesidad y el interés en la experimentación corporal, acudo al cuerpo como soporte de creación y a lo performativo a modo de dispositivo, destacando el lugar del pensamiento como materia plástica, hacia la producción de propuestas con significados que operan independientes de su presentación material. A partir de una estética austera potencio gestos cotidianos y poéticos que devienen en reflexiones acerca de mis inconformidades y preocupaciones.\ndecir, performance como una forma de archivo, como un modo distinto de presentar evidencia a través de un medio que permanece de forma inmaterial”. Celare vultus se expone en dos pantallas, reproduciendo en cada una de ellas un registro de performance que explora con materiales diferentes que se adhieren a la cara con miel: impregnaciones efímeras de mi pelo y trozos de noticias violentas extraídas del periódico como metáforas de la ausencia, de la separación, del cambio, del devenir de otros estados.\nCreo que mi trabajo se caracteriza por la posibilidad de crear acciones plásticas y performativas que señalan la condición humana, y por explorar las relaciones entre lo performativo, la cotidianidad y el espacio (tanto público como privado). Esta serie de registros de performances indaga sobre el camuflaje; es un gesto de alteración de la cara en esa interacción entre los materiales, el cuerpo y el transcurrir del tiempo. El interés es develar el carácter semántico del rostro mediante su camuflaje, invitando a imaginar ocultamientos o encarnaciones. Dar a una cosa la apariencia de otra, suscitar en el que observa múltiples experiencias sensibles en el accionar del gesto plástico. Acudo al registro de mis performances a modo de perpetuación del gesto performativo, ofreciendo otras maneras de recordar y de producir conocimiento. Es un performance que persiste pero de otra forma. Lo que permanece en la serie Celare vultus no es el objeto video sino el gesto plástico que se transmite de cuerpo a cuerpo. Como dice Rebeca Shneider, “su valor no está en un punto estético que se ubica en el pasado sino en lo que se repite de manera ritual frente a nosotros, es\nLa propuesta de la exposición fotográfica consiste en mostrar un trabajo realizado desde la perspectiva del acercamiento sutil, invitando a la sensibilización del ser humano por un reencuentro con la naturaleza. En este caso, las flores. La idea parte del deseo de transmitir una expresión artística, fotográfica y curiosa, que he venido desarrollando desde hace varios años. A través de la fotografía averiguo con mis sentidos el camino a las texturas y al color, pasando por cada uno de los misterios que esconde la profundidad de la naturaleza, para así captar la magia plasmada en cada imagen. Es sumergir los ojos en una danza poética del color para irradiar en los sentidos un juego fantástico, místico y sensual. Normalmente vemos las flores. Desde un enfoque general vemos las flores y casi nunca nos detenemos a curiosear su profundidad, sus texturas, su aromas, la naturaleza de sus órganos, sus formas de pétalos, pistilos, estambres y degradé de colores. Esto es lo que me motiva la necesidad de compartir el placer de desarrollar este trabajo, frenesí que me envuelve en un mundo misterioso y fantástico, revelando el enigma ilimitado de la intimidad de las flores, desbordando el manantial de ternura de la creación que exhorta al respeto y amor por la naturaleza. Esto me motiva a participar en este concurso y de esta manera lograr mi deseo de compartir este trabajo que con placer disfruto.\n[A] Es la necesidad de expresar —en mi caso, a través de la pintura— sentimientos frente a los diferentes procesos sociales, buscando en el espectador una reflexión crítica. [I] Desde que tengo memoria siempre ha sido una necesidad expresar lo que veo, el sentir y cómo me afecta. A esta edad deseo realizar un macroproyecto, con un carácter de reflexión social, que deje plasmada esta parte de la historia que estoy viviendo. Toda mi vida ha estado en función del arte. Lo que más me motiva es esta problemática social. [O] Escucho, veo y siento. Luego empiezo a bocetar, buscando la forma de expresarme y cómo me queda mejor el proyecto. Hago un mapa mental y defino si va en pintura o en audiovisual. [T] Para mí es fundamental. Con ella tenemos la seguridad de que nuestro proyecto puede tener una mejor presentación y su calidad en cuanto a duración. Aprendí con la colección de libros Parramón y estando cerca de obras famosas en la galería donde trabajaba en marquetería. Me considero un artista autodidacta que aún no termina de aprender. [M] Importantísimo mostrar la obra, pues con ella damos a conocer nuestro pensamiento; con ella quiero trascender, dejando plasmada esta parte de historia que estamos viviendo: sus falencias y aciertos sin alterar la verdad. [P] Más que acercar un público, es generar una reflexión crítica dentro del público.\nPREMIO DE RECONOCIMIENTO A LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA LOCAL PROGRAMA BARRIO BIENAL\nEl programa Barrio Bienal fue creado en 1998 bajo el nombre de Salones Locales de Artes Plásticas. Desde su inicio se planteó como una respuesta a la necesidad de generar espacios para la producción plástica de los artistas residentes en Bogotá que no cuentan con titulación profesional en artes plásticas, visuales o afines. Hasta 2009, el programa se concentró en apoyar la circulación de prácticas artísticas con una exposición de carácter bienal, que adquirió diversas formas de agrupamiento según las características de las localidades de la ciudad. Adicionalmente, a partir del ese año, el programa se propuso cubrir un mayor número de prácticas y manifestaciones planteando dos perfiles de trabajo alternados en ciclos de dos años. La primera etapa se realizó durante el primer año, concentrándose en actividades de circulación, como encuentros de artistas, exposiciones colectivas y la publicación de información impresa; con esto se buscaba darle continuidad a la faceta de Barrio Bienal conocida hasta entonces. En segundo lugar, el año siguiente se diseñaron iniciativas de formación que vincularan a otras instituciones del sector (por ejemplo, el Taller de Experimentación ofrecido en la Universidad Jorge Tadeo Lozano o el de la Universidad Nacional de Colombia), así como actividades de reconocimiento al trabajo de artistas locales de amplia trayectoria. Esta exposición es la primera que se realizó en su tipo, se enmarca 71\nen el segundo año de trabajo del programa y partió de la selección realizada durante el Concurso de reconocimiento a la producción artística local. Este es un nuevo componente del programa Barrio Bienal, auspiciado por la Gerencia de Artes Plásticas del Instituto Distrital de las Artes (Idartes), cuyos jurados fueron Camilo Ordóñez, Guillermo Vanegas y Rosalba Silva. El objetivo de este concurso es destacar el trabajo de los artistas empíricos que han desarrollado una labor significativa en su localidad o han cumplido con un proceso de producción individual de largo aliento. Es así como para esta sección del catálogo se publica un perfil de cada artista y un texto escrito por los jurados del premio que se da a la tarea analizar su cuerpo de trabajo para resaltar su pertinencia en el contexto bogotano. Para definir el grupo de participantes, el jurado identificó dos factores. En primer lugar, se escogieron proyectos elaborados por artistas que han enfocado sus objetivos en el trabajo local, desarrollando alternativas de gestión y pedagogía al integrar organismos estatales distintos a los de promoción de la cultura para vincularse efectivamente con comunidades específicas. Por otro lado, se buscó destacar la trayectoria de algunos artistas que han trabajado durante varias décadas en un proceso de exploración particular, buscando incidir en el contexto comunitario por medio de estrategias de exhibición más que de intervención social. De ahí que la diversidad en los modos de trabajo y las manifestaciones estéticas que se presentan en esta oportunidad respondan a un interés por contrastar diferentes formas de producción. De igual manera, esta muestra trata de ser un indicador de la actividad artística que se localiza al margen de las discusiones promovidas desde ámbitos de profesionalización y facultades de arte en la ciudad.\nARTISTAS PARTICIPANTES CONCURSO DE RECONOCIMIENTO A LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA LOCAL\n[S] [S]inópsis de la obra [P] [P]erfil del artista 73\nJAIRO ALBERTO TELA 40X60 CM\nDE LA SERIE LA RECONQUISTA\nPINTURA DIGITAL SOBRE\n[S] La serie de carteles elaborados digitalmente sobre referentes prehispánicos presentada por Jairo Alberto Maldonado es un intento por señalar problemáticas contemporáneas del contexto colombiano en torno a la explotación minera de corporaciones extranjeras. Su interés es confrontar explotación económica y patrimonio cultural. Este conjunto da continuidad a buena parte de su trabajo referido a fuentes arqueológicas colombianas. En primer lugar, están los carteles, que provienen de la asimilación de iconografía prehispánica elaborada en diversos lugares del continente y a partir de las que configura imágenes donde la definición del motivo se diluye en el plano pictórico de manera semejante a lo que, recientemente, ha logrado con el lenguaje digital. Por otro lado, están las pinturas expuestas que hacen referencia al patrimonio arqueológico colombiano, para lo que el artista se basó en fuentes iconográficas esquematizadas por el artista Antonio Grass junto a otras síntesis gráficas de circulación popular. Maldonado ha desarrollado proyectos artísticos de diversa índole, en los que su experiencia y desarrollo creativo le han permitido abordar diferentes lenguajes y participar en varios eventos del campo del arte a nivel local, regional y nacional. Además, ha ampliado la concentración en su propio trabajo artístico, abarcando la gestión local en escenarios comunales, así como el desarrollo de proyectos artísticos para contextos específicos de la ciudad.\nJAIRO ALBERTO 120X90 CM 2010\n[P] Maldonado es un artista plástico de la localidad de Rafael Uribe Uribe, con más de 25 años de experiencia en técnicas pictóricas. Desde el año 2000 ha participado en diferentes concursos y exposiciones a nivel individual y colectivo. Cuenta con una amplia trayectoria en el campo artístico, de gestión cultural y trabajo comunitario, que dan cuenta de su labor como artista integral. Su creación ha sido premiada y reconocida en ámbitos locales y distritales. En sus comparsas colectivas y escuelas de formación ha logrado mostrar el legado de nuestros antepasados, que con su visión creadora hace del arte un universo.\nFELIPE LA POLICÍA\nVIRGEN DE LOS CUCHILLOS 2012\nACERO FORJADO A PARTIR DE CUCHILLOS DECOMISADOS POR\n[S] El trabajo desarrollado desde hace algunos años por Felipe Ruiz da cuenta de un sincero compromiso con la asimilación de objetos extraídos del contexto social como material para el desarrollo de sus procesos creativos a partir de la inversión del sentido que aquellos objetos portan y la realidad a la que pertenecen. La mayor parte de estos trabajos se ha desenvuelto en el campo escultórico, dando lugar a conjuntos temáticos que refieren el contexto regional. Este es el caso de una serie donde representa tingüas y otras aves de la sabana, o el grupo de vírgenes inmaculadas, resueltas a partir de abigarradas composiciones en las que usa cuchillos y otros elementos cortopunzantes que fueron incautados por la policía. Por otra parte, el artista ha iniciado una catalogación de las más extrañas armas producidas en el contexto local, que ahora presenta a manera de colección. Su trabajo ha sido expuesto en varios eventos que reconocen la producción artística local. Ha llegado a vincularse con programas específicos del contexto bogotano, como algunos de desarme, en un intento por llevar la difusión de su práctica más allá del campo del arte.\nVIRGEN DEL ÓXIDO 2012\nACERO FORJADO A PARTIR DE CUCHILLOS DECOMISADOS POR LA\n[P] Ruiz Gómez es un escultor de metal, de la localidad de Suba. Lleva trabajando desde los 12 años con materiales como chatarra y residuos para convertirlos en piezas únicas que evocan animales, figuras humanas, plantas, insectos y composiciones abstractas. Su trabajo ha tenido reconocimiento por su participación en la campaña de la Alcaldía de Bogotá “Desarmar, armar o amar”, donde demostró su habilidad para transformar las armas blancas en esculturas metálicas. Su trabajo está encaminado a la elaboración de piezas de gran formato que en muchas ocasiones comentan la realidad nacional. Recientemente expuso en la feria Odeón de arte contemporáneo, y en 2011 tuvo una mención de honor en la décima edición de Barrio Bienal.\nFELIPE 70X47X56 CM\nACERO FORJADO A PARTIR DE CUCHILLOS DECOMISADOS POR LA POLICÍA\nFELIPE 50X30X30 CM\nALGO ESTÚPIDO TLC COLOMBIA\n[S] La propuesta pictórica adelantada por Olegario Porras permite identificar una práctica intuitiva de la pintura en la que se manifiestan imaginarios relacionados con el contexto y la vida del artista en una propuesta visual que propone iconografías sobre temas populares o problemas de coyuntura sociopolítica nacional. El conjunto reunido para esta muestra comprende una trayectoria de más de dos décadas, en la que se puede observar con claridad su posición ante el contexto local. En esta antología se identifican temas a los que Porras se ha dirigido en diferentes momentos de su trayectoria y que tienen que ver con la religión, la mitología y la representación de costumbres populares. Su producción ha circulado permanentemente en diferentes escenarios locales, lo que permite reconocer una continua actividad creativa vinculada a variados procesos de difusión durante los últimos 30 años. La presencia de su trabajo en dichos eventos ha repercutido en la configuración de la noción de arte local que ha comenzado a ser reconocida en la ciudad durante las últimas décadas.\n[P] Porras Blanco ha vivido por muchos años en la localidad de Puente Aranda. Tiene un recorrido de más de 25 años de creación artística y ha mostrado su trabajo en varios lugares, como el Museo de Arte Moderno de Bogotá, algunos salones de artistas regionales y versiones anteriores de Barrio Bienal. Esta trayectoria le ha hecho merecedor a varios reconocimientos con sus pinturas al óleo, en las que ha plasmado un particular estilo de ver nuestra realidad. Su aproximación a situaciones sociales vista a través de las experiencias cotidianas ha hecho de su trabajo un medio de comunicación dentro de los diferentes espacios locales y distritales. 82\nEL CRISTO DE LA TORMENTA ÓLEO SOBRE TELA 68 X 37 CM NATURALEZA VIVA ÓLEO SOBRE TELA 99X99 CM 1983\n[S] El conjunto de esculturas presentado por Elsa María Roa expresa un fuerte compromiso con el modelado en arcilla y el conocimiento de la cerámica como elementos fundamentales de su propuesta artística. A través de esta técnica ha consolidado un conjunto de temas que privilegian la representación de la relación entre naturaleza y mujer. Las piezas que se reúnen en esta exposición incluyen una serie de esculturas en las que la artista apela a referentes prehispánicos, como en la serie Mujeres múcura, u otras esculturas se refieren a la geografía como manifestaciones de lo femenino. Esto también se manifiesta en la obra Nido biomimético, evocación del entorno natural desarrollada a partir de una particular comprensión de la materia. De igual manera, algunos trabajos de la artista se nutren de motivos arraigados en la historia del arte, que son trasladados a imaginarios populares. Este es el caso de la obra Piedad. La propuesta de Roa es consecuente con su interés por el entorno natural y la cosmogonía del pasado regional, vinculándose con el contexto social a través de un trabajo de enseñanza a otros miembros de su comunidad y de su participación en eventos de arte local. [P] Esta escultora vive en la localidad de Puente Aranda desde hace 17 años. A partir de la exploración ha encontrado en la arcilla un elemento inspirador para construir y ver la naturaleza como un todo. Su experimentación con el medio, sumado a su experiencia como docente, ha hecho que su trabajo se haga notar en los diferentes salones en los que ha expuesto desde 1999. Ha obtenido numerosas distinciones por su labor artística. Desde 2007 abrió su taller para que diferentes poblaciones discapacitadas reconozcan la plasticidad de la arcilla. De esto comenta que su propuesta pedagógica es “explorar con intuición. Es una unidad: la arcilla y el individuo”. 84\nPIEDAD CAMPESINA CERÁMICA MODELADA 20X30X20 CM 2000 COMUNIDAD INERTE CERÁMICA MODELADA 30X40X40 CM 2003\nMARIO 28X22 CM\nAPUNTES DE BLACK BOOK\nBOCETOS EN LÁPIZ DE COLOR Y MARCADORES\n[S] La propuesta de Mario Cueca “Reuz” se encuentra claramente definida en torno a la práctica del grafiti y el arte urbano vinculado a proyectos comunitarios que ha planteado a partir de experiencias en diferentes ciudades de Latinoamérica. Mediante este procedimiento ha logrado expresar distintas inquietudes en relación con la iconografía religiosa y popular que se genera en la región, así como aquella que procede de otros escenarios culturales. Para esta muestra se reunieron registros en fotografía y video que permiten comprender el desarrollo de proyectos creativos recientes, y una libreta de bocetos (denominada Black Book en la retórica del street art), en la que se pueden identificar procesos de preparación para la realización de murales situados en el espacio público. También se incluye un mural en grafiti dentro de las salas del museo, producido con la participación de los jóvenes que han seguido la iniciativa creativa impulsada por el artista en distintos barrios de la ciudad. El interés hacia el trabajo con la comunidad que ha desarrollado Cueca se manifiesta en buena parte de su proceso creativo. Sus propuestas artísticas dejan ver una intuición ilustrada respecto a los procesos de producción y su vinculación con los entornos donde se llevan a cabo, que, a través del trabajo que desarrolla con el colectivo del cual hace parte, permiten ver una incidencia en entornos específicos, basados en una actividad constante de retroalimentación.\n[P] Este artista, con experiencia en el arte urbano, vive en la localidad de Kennedy hace más de 20 años. Su trayectoria comenzó a los 15 años, cuando se hace más evidente su gusto por el dibujo y la apropiación gráfica del espacio. A partir de 2005 desarrolla su estilo propio en las distintas formas de expresión artística urbana, como el grafiti. Durante los últimos años ha demostrado un alto interés en el papel que cumple la comunidad en el fortalecimiento de la base para el desarrollo social y ambiental del país. A partir de 2011 participa en la gestión de espacios de formación y diálogo con los jóvenes a través de su práctica artística en un proyecto conocido como Escuela Roma. En estos talleres realizados en el barrio Britalia se pretende construir colectivamente conocimientos empíricos sobre las expresiones de arte urbano, buscando un pequeño aporte al mejoramiento del paisaje gráfico del transeúnte.\nMARIO LOCALIDAD DE KENNEDY\nREGISTRO FOTOGRÁFICO DE TALLERES DE GRAFITI EN EL BARRIO BRITALIA DE LA\nDON QUIJOTE Y SANCHO EN EL POLO\nMETAL, RESINA Y MADERA\n[S] El lenguaje en el que se ha desenvuelto la experimentación de Gustavo Trujillo parte de una sensibilidad hacia los materiales que han hecho parte de su oficio laboral, en los que se vuelcan la creatividad con que asume la materia derivada de la madera y el manejo de la ornamentación en hierro. El dominio de la técnica le ha permitido desarrollar con libertad diferentes temas, iconografías e imágenes de la cultura popular. Las esculturas reunidas para esta exposición permiten identificar parte del amplio repertorio que el artista ha consolidado en su trabajo. Algunas fueron realizadas a partir de alusiones al Quijote, en las que el personaje es relocalizado en contextos ajenos a la saga literaria que le corresponde. Otras piezas fueron elaboradas a partir de referencias específicas a obras de artistas como Salvador Dalí y Picasso, en las que se manifiestan prácticas de apropiación que también han dado lugar al uso de fuentes prehispánicas, colombianas y aztecas con las que el artista elabora comentarios sobre situaciones actuales. La propuesta creativa de Trujillo ha circulado continuamente en diferentes eventos de arte local. Sus procesos y procedimientos se han socializado en escenarios de formación local en los que el artista participa continuamente.\nDALÍ CABALGANDO SOBRE LA MUERTE\n[P] Este escultor vive desde hace 30 años en la localidad de Rafael Uribe Uribe. Su trabajo como artista plástico surge a partir de su oficio como ornamentador, cuando, hace aproximadamente diez años, incursionó en el mundo de la escultura con una técnica creada por él mismo que usa una mezcla de metal, pegante y resina a base de residuos de madera. A lo largo de su trayectoria ha participado en varios concursos y exposiciones. A partir de 2007 decide abrir su taller para compartir su conocimiento con la comunidad, haciendo de la escultura un modo de expresión para que niños, jóvenes, adultos y población con discapacidad elaboren un trabajo en torno a diversas problemáticas sociales.\nINTERCULTURALIDAD METAL, RESINA Y MADERA 15X12X12 CM 2011 MUJER EMBARAZADA METAL, RESINA Y MADERA 15X10X10 CM 2011 COYOTE EMPLUMADO METAL, RESINA Y MADERA 15X10X10 CM 2011\nSARCÓFAGO METAL, RESINA Y MADERA 15X10X10 CM 2010 HERMANAS METAL, RESINA Y MADERA 33X25X25 CM 2008\nAlejandro Arteaga Ospina\nMartín Andrés Ayala Plazas\nAlberto Benavides Jamaica\npintor_puntillista@hotmail.com / benavidesalberto91@gmail.com\nDaniel Andrés Casallas\nJosé Olavio Castaño Marín\nMario Orlando Cueca González\nCharín Andrés Crispín\nMaría Clemencia Chaparro\nNatalia Carolina Franco Lizarazo\nMaribel Edith Casadiego\nGustavo Trujillo Gutiérrez\nIsidoro Jacanamijoy Tisoy\nJaime Alexánder Lancheros\nkarolato@gmail.com / carolinalatorrerojas@hotmail.com\nJairo Alberto Maldonado Villlamizar\nJohan Manuel Martín Velasco\nJuan Carlos Millán Gutiérrez\nMario Moreno Rojas\nAlejandro Pedraza Lentino\nOlegario Porras Blanco\nElsa María Roa Ordóñez\nJoaquín Rojas Padaui\njoaquinrojasp@yahoo.fr / joacorouge@gmail.com\nWolfran Luís Rosero Pérez\nFelipe Ruiz Gómez\nJerónimo Villa Sosa Díaz\nGlencora Wolfhugel Parra\nINSTITUTO DISTRITAL DE LAS ARTES GERENCIA DE ARTES PLÁSTICAS Y VISUALES Programa Distrital de Estímulos 2012 XI Premio Barrio Bienal - Salones locales para artistas empíricos\nSiendo las 5:00. del día 19 del mes de Junio de 2013, se reunió en las instalaciones de la sede temporal de la Galería Santa Fe el jurado integrado por Oscar Moreno, David Lozano y Alvaro Moreno Hoffmann con el fin de evaluar las 66 propuestas habilitadas en el concurso XI Premio Barrio Bienal Salones locales para artistas empíricos. El jurado tuvo en cuenta los criterios de evaluación establecidos en dicho concurso: 1. Solidez formal y conceptual de la propuesta a desarrollar. 3. Aporte al campo artístico en Colombia. Y evaluó las siguientes propuestas a partir de los anteriores criterios\nNo. Ins cripció n\nPBB 001 PBB 002 PBB 003 PBB 004 PBB 005 PBB 006 PBB 007 PBB 008 PBB 009 PBB 010 PBB 011 PBB 012 PBB 013 PBB 014 PBB 015 PBB 016 PBB 017 PBB 018 PBB 019 PBB 020 PBB 021 PBB 022 PBB 023 PBB 024\nINVENTARIO RURAL – AFECTACION NS/NR OBSERVANDO LO SIEMPRE VISTO COMPUESTA REMEMBRANZAS DIACRONICAS MASACRE DE SEGOVIA RETRATOS INFANTILES ETNICOS VEGANISMO EL ARTE EN LA MUJER INSIDIA-EROTIKON, ANUENCIA ¡ESTA TIERRA ES MIA CARAJO! NS/NR NS/NR NS/NR PINTURA ESPIRITUAL CUANTICA “DE LAS CENIZAS” NS/NR NS/NR NS/NR LA NAVAJA: ¿UN ELEMENTO MAS DENTRO DE NS/NR NS/NR SELLOS DE CIUDAD CAIN VARIACIONES INCIERTAS\nMARIO PILONETA RUGELES ANGELA MARIA BOTERO ECHEVERRI POR JUAN LAS CARLOS OBRAS: MILLAN BODEG G ON UTIERREZ URBANO ENTRE PENTAGRAMA Y LO COTIDIANO HECHO PAISAJE JULIAN EDUARDO DELGADILLO LUIS EDUARDO CERRA MALDONADO MARY LUZ JUNCA QUIROGA JOHAN MANUEL MARTIN VELASCO ANGELA MARIA CARVAJAL BULLA JOSE MARIA CASTILLO BUITRAGO GUSTAVO ENRIQUE MORALES SALAMANCA JOSE ANTONIO CASTAÑEDA SALDAÑA ROBINSON HERNANDEZ CARDONA LEONEL ALCIDES CHACON CARRILLO JONATHAN DAVID POVEDA MONTAÑO ANA MARIA MORILLO LUIS ALEXANDER RODRIGUEZ MURCIA WOLFRAN LUIS ROSERO PEREZ WILLIAM DARIO SIERRA LOS ANTONIO UTILES ALBERTO ESCOLARES? CASTRO SILVA EDILBERTO ALVAREZ RINCON MARIO MORENO ROJAS ELSA MARIA ROA ORDOÑEZ MARTIN ANDRES AYALA PLAZAS LUZ MERY LOAIZA VANEGAS\nNombre de la Propuesta (Si aplica)\nNS/NR ANDRES DARIO ALARCON CHICO MIRADAS Y HUELLAS MARIA TERESA VELEZ DE CALLE COLOMBIA SE VISTE DE BLANCO Y NAVEGA EN MARTHA BUSCA DELATORRE PAZ DE AFANADOR NS/NR JARIO DAVID RICARDO PIÑEROS NS/NR JOSE OLAVIO CASTAÑO MARIN\nVISIONES PURO MONTE DE LA SERIE CELARE VULTUS CAIDA LIBRE TAGANGUEROS\nNOCTURNO-DE LA SERIE: ODA ENCEFALO Y DANZA GABRIEL VARGAS PEREZ NS/NR OSCAR EMILIO GONGORA OSPINA CADA DIA EN LA FUENTE DANIEL ANDRES CASALLAS CARO NS/NR JAIME ALEXANDER LANCHEROS MAZABUEL NS/NR JAIRO ROBERTO COY AFRICANO\nLYDIA ALCIRA SABOGAL CAMACHO ALEJANDRO ARTEAGA OSPINA PAOLA ANDREA CORREA ACERO JERONIMO VILLA SOSA DIAS NATALIA CAROLINA FRANCO LIZARAZO\nPBB 040 PBB 041 PBB 042 PBB 043 PBB 044 PBB 045 PBB 046 PBB 047 PBB 048 PBB 049 PBB 050 PBB 051 PBB 052 PBB 053 PBB 054 PBB 054 PBB 055 PBB 056 PBB 057 PBB 058 PBB 059 PBB 060 PBB 061 PBB60062\nLA METAMORFOSIS DEL AMOR CARLOS ROMAN NOVOA RODRIGUEZ DE PEZ A CITADINO, CONJETURASSOBRE EL PROCESO ALEJANDRO INVOLUTIV PEDRAZA O DELLENTINO DESPLAZADO EL HORIZONTE DE COLOR RAFAEL EDUARDO PINZON MARTINEZ NS/NR ALBERTO BENAVIDES JAMAICA MUCHA RATA – ESTO SE DESCOMPONE CARLOS ARTURO BAHENA ECHEVERRY PEDERASTIANDO-ANDO LEONEL HUMBERTO FONSECA GALEANO CONCEPTUALISMO PICTORICO – PINTURA DEL PENSAMIENTO RANDY KRYPZON BERNAL BALLESTEROS NS/NR JOAQUIN ROJAS PADAUI REMEMBRANZAS AMPARO OSPINA GOMEZ VIDA EN TEUSAQUILLO SANDRA ROCIO CAÑON MALAMBO PUENTE ARANDA 1768 – 1981 MARIBEL EDITH FLOREZ CASADIEGO NS/NR MARIA CLEMENCIA CHAPARRO BENAVIDES MI CIUDAD Y LA NOCHE OLEGARIO PORRAS BLANCO SER, CABEZA JUAN CARLOS MORENO BETANCOURT MAQUINA DE SENTIMIENTOS NIDIA MILENA LOPEZ SEGURA MAQUINA DE SENTIMIENTOS ROSALBA VELASCO DESPRENDIMIENTO = SANACION SILIENTE (SERIE CAROLINA MEMORIAS LATORRE Y PRESAG ROJAS IOS) GOLOSINAS DE LA ABUELA CHARDIN ANDRES CRISPIN LA CABEZA DE JUAN GUSTAVO ARENAS SIN PISO GLENCORA WOLFFHUGEL PARRA NS/NR BLANCA NADIME SANCHEZ STERLING MI PAIS WILMAR ALEXANDER ARIAS LIGARRETO ALAS ABIERTAS VICTOR JULIO VIJUCARO CARDENAS RUBIANO ISIDORO JACANAMIJOY TISOY ÑAUI KUTIJ/KAIPI YUYAY, NUKANCHI KAUGSAY\nPBB PBB PBB PBB\nCURIOSIDAD SIMPLE MIRADAS – EL ARTISTA Y SU MUSA GRAVEDAD PICTORICA NS/NR\n063 066 067 068\nRAMIRO MENESES CARDONA EDGAR FRANCISCO BORDA BARAJAS DIEGO FERNANDO CUELLAR MUÑOZ JEFRY ALEXANDER SANCHEZ NIÑO\nUna vez realizada la deliberación, el jurado selecciona como nominados al premio:\nPBB 001 PBB 003 PBB 007 PBB 010 PBB 017 PBB 021 PBB 023 PBB 025 PBB 029 PBB 031 PBB 032 PBB 033 PBB 034 PBB 037 PBB 038 PBB 041 PBB 043 PBB 047 PBB 047 PBB 050 PBB 051 PBB 055 PBB 056 PBB 058 PBB 059 PBB60062 PBB 063\nINVENTARIO RURAL – AFECTACION MARIO PILONETA RUGELES OBSERVANDO LO SIEMPRE VISTO COMPUESTA JUANPOR CARLOS LAS OBRAS: MILLANBODEGON GUTIERREZ URBANO ENTRE PENTAGRAMA Y LO COTIDIANO HECHO PAISAJE VEGANISMO JOHAN MANUEL MARTIN VELASCO ¡ESTA TIERRA ES MIA CARAJO! GUSTAVO ENRIQUE MORALES SALAMANCA NS/NR WOLFRAN LUIS ROSERO PEREZ NS/NR MARIO MORENO ROJAS CAIN MARTIN ANDRES AYALA PLAZAS NS/NR ANDRES DARIO ALARCON CHICO NS/NR JOSE OLAVIO CASTAÑO MARIN PURO MONTE ALEJANDRO ARTEAGA OSPINA DE LA SERIE CELARE VULTUS PAOLA ANDREA CORREA ACERO CAIDA LIBRE JERONIMO VILLA SOSA DIAS TAGANGUEROS NATALIA CAROLINA FRANCO LIZARAZO CADA DIA EN LA FUENTE DANIEL ANDRES CASALLAS CARO NS/NR JAIME ALEXANDER LANCHEROS MAZABUEL DE PEZ A CITADINO, CONJETURASSOBRE EL ALEJANDRO PROCESO INVOLUTIVO PEDRAZA LENTINO DEL DESPLAZADO NS/NR ALBERTO BENAVIDES JAMAICA NS/NR JOAQUIN ROJAS PADAUI NS/NR JOAQUIN ROJAS PADAUI PUENTE ARANDA 1768 – 1981 MARIBEL EDITH FLOREZ CASADIEGO NS/NR MARIA CLEMENCIA CHAPARRO BENAVIDES DESPRENDIMIENTO = SANACION SILIENTE CAROLINA (SERIE MEMORIAS LATORRE YROJAS PRESAGIOS) GOLOSINAS DE LA ABUELA CHARDIN ANDRES CRISPIN SIN PISO GLENCORA WOLFFHUGEL PARRA NS/NR BLANCA NADIME SANCHEZ STERLING ISIDORO JACANAMIJOY TISOY ÑAUI KUTIJ/KAIPI YUYAY, NUKANCHI KAUGSAY CURIOSIDAD SIMPLE RAMIRO MENESES CARDONA\nLa presente se expide en Bogotá, a los 19 días del mes de Junio del 2013.