LA PUERTA GÓTICA - Colegio Mayor Belagua\nHome INICIATIVAS LA PUERTA GÓTICA\nLa Puerta Gótica, como parte de nuestra propuesta formativa, es un proyecto a través del cual los colegiales de Belagua queremos profundizar en el mundo del arte actual. Se trata de un espacio de reflexión personal que pretende dar algunas claves de modo cercano y sencillo. Exponemos obras de artistas que pretenden acercar el arte a la vida cotidiana.\nEsta iniciativa apuesta por tener una presencia habitual en el campus de la Universidad de Navarra, abierto al público en el horario de lunes a viernes de 10 a 14h. y de 16 a 21h., y sábados de 10 a 14h. Cada exposición tiene en torno a un mes de duración.\nSi lo desea, puede contactar con nosotros a través de nuestro correo electrónico: cultura@belagua.edu.es\nLa Puerta Gótica comenzó su andadura en 2014 y uno de sus promotores fue el artista vizcaino Javier Santurtún. Entonces, el equipo de universitarios que comisariaba el espacio le pidió iniciar el proyecto con una exposición de sus obras.\nAhora, cuarenta exposiones después, la exposición que presentamos es futo de un deseo de anteriores comisarios y la dirección de la Puerta Gótica. Queríamos exponer, otra vez, la obra de Santurtún en el Colegio Mayor Belagua. Y nuestra sorpresa fue grande cuando, después de una visita a su estudio, comprobamos que estaba ante un nuevo desafío: representar la figura humana. Vimos alguna de las obras que ahora se exponen y descubrimos que para él las mujeres y los hombres son frágiles y, por ese motivo, emplea para representarlos elementos frágiles o rotos.\nJavier Santurtún (Barakaldo, 1956)\nLicenciado en Bellas Artes en 1985, por la Universidad del País Vasco, se ha dedicado a la pintura desde antes de 1976, año en que inauguró su primera exposición. Trabajó en el Departamento de Artes Plásticas del colegio Gaztelueta desde 1979 a 1999, compaginando la educación artística con sus propios proyectos creativos.\nHa realizado exposiciones de arte de manera habitual, mostrando un trabajo artístico nunca interrumpido hasta la actualidad. También ha realizado proyectos de escultura pública, murales urbanos e intervenciones en espacios interiores. Ha ejecutado diversos trabajos en el campo del arte sacro.\nA lo largo del tiempo ha recibido premios y menciones en concursos de pintura y escultura, de arte urbano y de escultura pública.\nPor último, ha llevado a cabo la creación de diversos espacios expositivos no convencionales, entre otros la Puerta Gótica, y ha diseñado y realizado proyectos de regeneración urbana por medio de intervenciones de artistas y participación de personas voluntarias.\nDEL 25 DE ENERO AL 25 DE MARZO DE 2022\nPresenta a la artista su maestro: el pintor Antonio Eslava.\nBegoña es pintora con temple, buena disciplina y sonríe al hablar. Es desde luego consecuente, librando una lucha brava entre su profesión de arquitecta y el asumir esa libertad expresiva, oceánica, que permite la pintura artística.\nEntre tanto produce excelente pintura a veces perpleja, preguntando muy bien, y siempre interesante en su buen hacer.\nRepresenta para mí, el inicio del desarrollo de una carrera artística, donde espero poder divertirme y crecer tanto a nivel artístico como personal.\nLa muestra incluye una selección de obras realizadas entre los años 2019 a 2021.\nNo me gustaría terminar estas pequeñas pinceladas de mi vida sin hacer mención a las dos figuras que más han marcado mi pasión por la arquitectura y la pintura, y la búsqueda de la belleza en aquello que hago:\nJavier Carvajal, arquitecto y profesor de Proyectos durante mis años universitarios en la Escuela de Arquitectura de Pamplona y Antonio Eslava, gran humanista, artista, amigo y mejor persona, que siempre ha alentado esta otra pasión y me ha dado el valor para lanzarme a esta nueva aventura.\nY para finalizar, agradecer al Colegio Mayor Belagua, la confianza depositada en mí para la realización de esta exposición.\nBegoña García Gordo.-\nInstagram : @bggordo.com\nEmail : taller@bggordo.com\nDEL 05 DE OCTUBRE AL 05 DE DICIEMBRE DE 2021\nCada uno de nosotros entiende y experimenta la belleza de forma única. Sin embargo, ésta surge cuando es una mirada atenta la que capta lo mejor de una imagen. Por eso, las obras de Miguel Coronado que mostramos en esta exposición ofrecen su idea de belleza, que parte de lo cotidiano y proporciona al espectador unas composiciones pictóricas llenas de luz.\nMiguel Coronado (Madrid, 1972) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de Pintura. En la actualidad, es profesor de pintura en la misma universidad. Ha recibido el Primer premio Gredos de Pintura del Ayuntamiento de Arenas de San Pedro; o el segundo premio del II Concurso de Pintura sobre la Gran Vía para pintores jóvenes.\nSu obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas y ha expuesto a nivel nacional e internacional, siendo considerado uno de los pintores más admirados y relevantes de su generación.\nEntre sus exposiciones individuales cabe destacar: El lenguaje de la pintura (2013, Galería Ariel Sibony, París), Imaginar la Realidad (2009, Galería Ansorena, Madrid), Mirar hacia dentro (2006, Galería Nolde, Madrid) y Proceso creativo (2005, Galería Ansorena, Madrid, 2004), entre muchas otras.\nDEL 20 DE ABRIL AL 15 DE JUNIO DE 2021\nDecía Heidegger que «hacer espacio es una libre donación de lugares. Deberemos aprender a reconocer que las cosas mismas son lugares y no sólo pertenecen a un lugar>>.\nHago espacio. Obra que es espacio en sí misma. Es la intervención en la materia, a la par que la representación de ésta. Es ésta una dualidad que parece negarse y afirmarse mutuamente: La materia, ubicada en el espacio, se convierte en una manifestación de éste, sin perder su propia entidad.\nMi aproximación a la materia bebe de fuentes especialistas: Lucio Fontana afirmó que «ya no es la figura como cuadro, sino el cuadro como figura que se destruye, se perfora…, es el objeto artístico. Puesto que toda obra es creación destrucción, y no existe una sin la otra, en mi obra empecé a cortar, romper y desgarrar, para remendar y reconstruir a partir de los despojos. Representando espacios, pero creando un espacio nuevo para ellos, dándoles una nueva entidad.\nBusco la aplicación de los principios deconstructivistas a la pintura: La ruptura, la fragmentación del espacio, un caos controlado como método de trabajo e investigación, en busca de una nueva estructuración-desestructuración de la realidad. El espacio creado para el espacio albergado. Los arquitectos deconstructivistas partieron de estructuras clásicas para, tras un proceso de reformación estructural, de destrucción-creación, un proceso profundamente vital, crear espacios-realidades nuevas. Yo busco esos principios en la pintura. Espacios albergados en una nueva realidad que se funda con ellos y les dé una nueva entidad. Un ser en ellos. Ese caos controlado, un provocar y dejar que suceda, parar y destruir, reconstruir. Una dinámica sensitiva y sensorial. Nuevos espacios ofrecidos al espectador, que será quien los habite, quien los recorra. Espacios de humanidad ausente, símbolo de la deshumanización provocada por nosotros en nuestro propio mundo. Yo vacío de humanidad mis espacios para que los llenen otros. Espacio en el que reformarse interiormente. Espacio del que re-apropiarse y en el que re-existir, en el que re-crearse.\nMis espacios son, finalmente, una imagen de la construcción de la identidad. Son también una reconstrucción de mí misma, de mi propio mundo, que se destruye y renace sin cesar. Es una búsqueda de identidad, hablan de mí, pero son para otros, porque no me interesa volver a lo que he sido, sino que otro pueda ser, a través de mi obra. De una manera que será solo suya. Porque todos hemos tenido, en nuestra propia construcción personal, ciudadanos de un mundo que se ha vuelto pequeño, migrantes, que integrar realidades que no eran nuestras. Hacerlas propias, transformarlas y crear una nueva unidad.\nDestruir lo que he sido. Ser hoy. He destruido mis pinturas para construir mis esculturas textiles, pinturas resilientes con una nueva e inesperada vida. He destruido mis pinturas y me las he puesto, me he vestido con ellas, para ser yo, para ser hoy.\nCarla Querejeta Roca (Pamplona 1979) es una artista plástica española; vive y trabaja actualmente en Toulouse.\nCarla reflexiona sobre el espacio y la construcción de la identidad a través de una obra tridimensional, que se declina en forma de cuadros, esculturas o instalaciones de materiales diversos. Sus volúmenes bailan entre figuración et abstracción, y piden ser recorridos, habitados, apropiados. Carla expone regularmente en galerías en Francia, España y Marruecos, su obra se haya representada en colecciones públicas de España y Marruecos, y colecciones privadas en España, Francia, Estados Unidos, Canada, Italia, Bélgica, Holanda, Inglaterra, Irlanda, Suiza y Marruecos.\nDEL 23 DE FEBRERO AL 13 DE ABRIL DE 2021\nDamnatio memoriae, «condena de la memoria». El término da nombre a las acciones realizadas en la antigua Roma destinadas a borrar la vida de un individuo procurando su muerte histórica y pretendiendo deshacerse de su recuerdo. Para ello destruían todo tipo de imágenes, monumentos, escritos y nombramientos del sujeto, era condenado al olvido.\nLorente procura dar un punto de vista diverso al término que define el acto destructivo como una condena, concibiéndolo pues, como un método de creación y aprendizaje personal y pictórico. Para ello, es fundamental el estudio de la estética destructiva fundamentada en los artistas destructivistas latinoamericanos de principios de los 60. Plantea la destrucción como creación, no solo de una imagen sino de una metodología de comprensión antropológica que le ayude a entender las pulsiones tanático destructivas.\nAsí mismo, elabora un código para el mundo estético y otra percepción de lo bello. Lo que aquí se considera extraño y anómalo es, en realidad, un escape donde la obra se consigue a base de romper y deformar la materia con la que trabaja.\nSiguiendo esta línea, realiza dibujos y esculturas, de naturaleza abstracta, donde se aprecia el registro procesual y temporal basado en el propio soporte y la acción que es aplicada en él.\nAlba Lorente Hernández (Zaragoza, 1994) se graduó en Bellas Artes por la Universidad de Zaragoza (2016). También cursó un Máster en Producción artística interdisciplinar en la Universidad de Málaga y actualmente es doctoranda en el Programa de Investigación en Arte Contemporáneo de la Universidad del País Vasco.\nEntre sus exposiciones individuales cabe destacar Ater, atra, atrum (Centro de Arte Tomás y Valiente, Fuenlabrada), Resquicios (Torreón Fortea, Zaragoza), A los que quieran saber el porqué. El camino de la obra de arte como posibilidad (Sala de exposiciones del edificio de Bellas Artes de Teruel) y Ascesis. Desgarro del proceso (Espacio UM/ES, Universidad de Murcia).\nEs coeditora de la Revista de Creación La Novicia y artista en el estudio Atelier Solar. Fue seleccionada para formar parte de la Promoción XVIII de la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores y del Open Portfolio VI 2019; finalista en Suburbia Archivo de Artistas 2018-2019; premio adquisición en el Concurso de Artes Plásticas Hotel Four Seasons Madrid 2018; y ganadora de la primera edición de las Becas Bezart.\nDEL 27 DE OCTUBRE DE 2020 AL 23 DE FEBRERO DE 2021\nA lo largo de la historia muchos artistas se han inspirado en los versos de Dante para sus obras de arte. Son famosas las ilustraciones de Gustav Doré, las de William Blake, Salvador Dalí o, recientemente, Miquel Barceló. Por eso, ahora, José Rodríguez López, comisario de la exposición, busca que los visitantes, acompañados por cinco artistas, caminen con Virgilio y Dante por el infierno y el purgatorio con la esperanza de encontrar a Beatriz en la Puerta del Paraíso.\nEl pintor guipuzcoano Antonio Oteiza ofrece una visión personal de la Gloria del Paraíso inspirada en el capítulo 13 versículo 43 del evangelio de San Mateo (“entonces los justos resplandecerán como el sol en el reino de su Padre”); el madrileño Vicente Molina se atreve, igual que Sara Prieto, con obras que representan las realidades del Infierno, el Purgatorio y el Paraíso. Molina, sirviéndose de esculturas y relieves, muestra una interesante visión del infierno y el purgatorio que finaliza en un celeste paraíso. Las ilustraciones de la bilbaína Sara Prieto recrean con finura tres pasajes de la comedia, en tinta negra con detalles en rojo que centran nuestra atención. En cambio, el pamplonés Fermín Alvira revela las realidades eternas, inspirándose en el formato de los primitivos flamencos, en una única obra: un tríptico repleto de poesía. Por último, Diana García Roy, escultora pamplonesa afincada en Madrid, nos ofrece en bronce dos pequeñas y delicadas puertas de entrada al paraíso.\nDEL 15 DE SEPTIEMBRE AL 27 DE OCTUBRE DE 2020\nAndar significa también acumular nostalgias de lugares. Recordamos apariencias de ciudades enteras por la arquitectura, los muros, las ventanas, las puertas… Los espacios recorridos y añorados se nos presentan simultáneos, ubicuos, al lugar por el que caminamos ahora, se superponen. Decía de Certeau que los lugares vividos son como presencias de ausencias […].\nLos paisajes inventados por Pau Cassany parten de esta lógica del no lugar que supone la coincidencia imaginaria de los lugares vividos pero no habitados, convirtiéndolos en todos y en ninguno al mismo tiempo. Su proceso creativo recurre a esa mirada vagabunda, inconforme y frustada por no poseer la totalidad del espacio […].\nPau Cassany (Girona, 1990) es licenciado en Arquitectura y máster en Estudios Curatoriales por la Universidad de Navarra. Desde 2018 es artista de la GALERÍA DUAL de Girona y actualmente combina su trabajo artístico con el de diseñador de exposiciones del Museo Universidad de Navarra.\nA lo largo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales y ha trabajado como ilustrador. En esta última línea destacan la ilustración del libro El Inocente de Graham Greene (Ed. Ken 2019) y su colaboración con el grupo chileno Antes de Nacer, para el que realizó la portada de su último single Cada día, lanzado en Spotify el 17 de julio del año 2020.\nDEL 21 DE ENERO AL 13 DE MARZO DE 2020\nNos encontramos ante la primera exposición colectiva de La Puerta Gótica, el espacio de arte que, desde hace siete años, el Colegio Mayor Belagua dedica al arte contemporáneo. En esta ocasión, las dieciocho obras de la muestra son fruto de un primer encuentro que tuvo lugar en 1949 entre los baztaneses José María Apezetxea, Ana María Marín e Ismael Fidalgo, pintor vizcaíno oriundo de la tierra minero-metalúrgica de las Encartaciones vizcaínas.\nDesde entonces Fidalgo, como señala Zubiaur, actuó de imán y acercó a la villa baztanesa a otros pintores vizcaínos. A él se debe el aporte del geometrismo constructivo a lo Cézanne que desde ahora se conjugará, en menor o mayor medida, con la dulzura característica del valle en los soportes pintados por Kepa Arizmendi, la propia Ana María, Tomás Sobrino, el labortano Xabier Soubelet, el guipuzcoano José Mari Rezola, y en otros vizcaínos atraídos por Fidalgo como Alberto Gómez Gonzalo “Echarte”, Ángel Aja y Marcelino Bañales.\nLos encuentros y salidas al campo para pintar entre vizcaínos y navarros, que comenzaron de manera fortuita al acudir destinado Fidalgo a Elizondo para hacer el servicio militar, continúan en la actualidad. Cada uno de los pintores que presentamos a continuación, a pesar de la diferencia de edad y su propia personalidad pictórica, tienen en común la atracción que sienten por el paisajismo pictórico, que nace sin duda del encuentro de todos ellos en el inspirador valle del Baztán.\nPintores del Baztán\nJosé María Rezola\nPintores de las minas\nPOÉTICA DE LA FRACTURA\nDEL 26 DE NOVIEMBRE DE 2019 AL 10 DE ENERO DE 2020\nBajo el título “Poética de la fractura” se reúnen un grupo de esculturas realizadas en piedra y madera. Estos materiales escultóricos, antiguos y evocadores, son tan protagonistas del relato como el mensaje mismo.\nLa superficie de cada obra muestra sus huellas, heridas y fracturas. Estas, creadas por medio de las herramientas, sugieren un mapa íntimo como el que cada persona lleva esculpido por su esencia y experiencia vital. Las esculturas, de un modo poético, nos hablan del ser humano y de sus anhelos, de su deseo de transformar el mundo sin esconder su fragilidad ante el inexorable paso del tiempo.\nLa muestra, desde un respeto a los procesos y al oficio, es un homenaje a lo más profundo de lo humano; la energía de la creación.\nDe Florencia, del verano del 2012 en La Bottega degli Artisti, a los pies delDuomo Santa María del Fiore, lleva consigo los consejos de Lorenzo Calcinai, scalpellinode oficio y tradición con quien tuvo la suerte de trabajar. Igualmente, su amor, admiración y respeto por la técnica llevada al límite, son para Héctor Urra herramientas de viaje imprescindibles.\nDEL 29 DE OCTUBRE AL 20 DE NOVIEMBRE DE 2019\nEn el campo almeriense la vida es un milagro que surge de la tierra y crece protegida por una piel que la envuelve.\nUn paisaje construido… horizonte infinito de plásticos, mallas, hierros y alambres que se superponen y se estiran hasta llegar a romperse en su afán por dar cobijo a los cultivos que crecen en su interior.\nEnvolventes es una mirada a la piel del invernadero cuya apariencia dura, vulgar y monótona alberga, sin embargo, un sugerente mundo de formas, texturas y transparencias.\nPilar Guerrero Jerez (Almería, 1969)\nLa fotografía es una reciente y apasionante afición que me ofrece la oportunidad de mirar al mundo que me rodea y contar lo que veo.\nMe resulta sorprendente la belleza que se esconde en las cosas más cotidianas: cómo dependiendo del punto de vista, de la luz, de las texturas…, nuestro entorno más cercano puede ser visualmente emocionante.\nEn el año 2015 realicé mi primer proyecto fotográfico y, desde entonces, mi cámara se ha convertido en una compañera inseparable en la búsqueda de formas, geometrías…, de esa sencilla belleza que surge a nuestro alrededor.\nNidos es el resultado formal evolutivo de mi etapa anterior “pictorrelieves” y define todos los micro mundos que cada persona creamos a nuestro alrededor. Desde el útero materno buscamos nuestras zonas de confort: familia, pareja, trabajo, hábitos… Tan rutinarios, tan íntimos que sus debilidades y fortalezas nos resultan a menudo invisibles. Nidos son conexiones entre personas, como una red de energía que se transmite a través del gesto como algo real que mueve el mundo y lo transforma. Es fascinante cómo un nido entra en conflicto en su propia definición como algo estable e inamovible, y a su vez en continuo movimiento, en continua construcción.\nEl color lo inunda todo como transmisor de esta energía. La obra, en su mayoría monocroma, ensalza el poder de las formas y el movimiento, centrándose en transmitir sentimientos reales a través de ellas a modo de gestos visuales. Sus formas responden a su definición. Concéntrica redonda o en estratos aparentemente frágiles dulces y agresivos a su vez.\nEs una conceptualización de los objetos en la obra, dejando de lado lo superficial y atendiendo a las formas como expresión de una idea mental que queremos transmitir. Así algunas obras parecen defenderse del propio espectador, otras lo envuelven, lo acunan, lo aceptan, o simplemente se dejan observar ajenas a todo exterior.\nNido de pájaro, enjambre, hierba, ramas, conexiones neuronales, olas entrelazadas, flores huecas… Son estructuras rotas cuyo interior no puede albergar nada. Desprovistos de su utilidad atienden solamente a una belleza formal, liberados de su obligación, alejados de toda perfección. Cualquier materia se trata con la misma solidez; el viento, el agua la tierra… nada es consistente, todo está en continuo movimiento.\nMaite Canto Equisoain (1973), licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Diseño (1998), con una vida entre sus residencias habituales, Vitoria y Pamplona, fijando su estudio en esta última.\nPequeña recopilación de pensamientos poéticos traducidos a colores, formas y materias. Poesía a veces reconocible, en ocasiones no tanto pero siempre sincera. Tensión emocional fuente de creación e inspiración de mis obras.\nDiego Pedrero Burrero, nació en 1951 en Trobajo del Camino (León), donde vivió hasta que en 1965 se trasladó a Barakaldo y, en 2002, a Castro Urdiales (Cantabria). Desde 1982 hasta 1987 estudió Bellas Artes en la U.P.V. de Leioa, compaginándolo con el trabajo y la pintura.\nDetalle de participación en exposiciones colectivas y en varios concursos, obteniendo diversos premios:\nEl primer premio de pintura de la Academia de decoración Leonardo Da Vinci, Bilbao; en 1975.\nEl primer premio de pintura de Arte Decorativa en la Bienal de Vitoria.\nEl segundo premio concurso de Pintura al aire Libre “Marcelino Bañales” de Abanto-Zierbena, en 2012.\nEl cuarto premio concurso de Pintura rápida de Plentzia, en 2012.\nEl segundo premio concurso de Pintura rápida de “Limpias”, en 2012.\nEl primer premio concurso de Pintura rápida “Deusto Bizirik”, en 2013.\nEl segundo premio concurso Pintura rápida de la Cafetería Iruña “La Primavera en Jardines de Albia”.2013\nEl primer premio de pintura rápida en Etxebarri, Bizkaia; en 2013.\nEl segundo premio de pintura rápida en Laredo “Puebla Vieja”, en 2014.\nEl segundo premio concurso Pintura rápida “Sondika”, en 2015.\nIII Certámen Vasco-Navarro\n2018 – Sala de exposiciones, biblioteca central del Auntamiento de Barakaldo.\nEn la serie La ausencia del cuerpo, realizada ex profeso para este espacio de La Puerta Gótica, se tensionan en diálogo aspectos como geometría y organicismo, azar y control, academicismo y expresionismo, figuración y abstracción, razón y emoción. La vida, así como el sentido mismo del ser humano, está llena de antagonismos.\nEl círculo es la forma geométrica más dinámica, ingrávida, menos hiriente, más silenciosa, y más asociada con las ideas de infinito y eternidad. En las imágenes religiosas el círculo simboliza el aura de santidad. ¿Qué sucede si eliminamos la representación del cuerpo? Nos queda el círculo, la esencia, la perfección de la geometría. Sin embargo la belleza del cuerpo se hace presente en aquellos fragmentos de cuerpo que transmiten amor.\nDurante la preparación de esta exposición desapareció el cuerpo de mi padre. Siento que pintando círculos voy a encontrarle. Crear un círculo requiere silencio, calma y delicadeza; pinto su santidad, su naturaleza, su bondad. Lo hago para entender la ausencia de su cuerpo, y la presencia de su alma. En otras ocasiones he pintado su cuerpo. Ahora pinto su esencia.\nA todo lo aprendido, compañero.\nFermín Alvira Palacios (Pamplona, 1972) es Licenciado en Bellas Artes (Conservación-restauración y Pintura) y Máster en Terapias Artísticas y Creativas. Artista de reconocida trayectoria, con numerosas exposiciones individuales y colectivas, presente en diversas colecciones e instituciones y galardonado con premios por su obra pictórica, es también profesor de Pintura, Arte y Arte Contemporáneo. Además, tiene una faceta de arteterapeuta, pues desarrolla proyectos didácticos y terapéuticos en ámbitos de integración social para niños, adolescentes y familias.\nEscribe sobre arte, imparte charlas, conferencias, visitas guiadas, y es miembro de jurados de concursos de arte. Su obra se define como figuración neo-expresionista, en la que el gesto, la mancha y el azar forman parte del proceso de trabajo, atendiendo al dibujo y la composición como ejes fundamentales, así como el color, vehículo de expresión emocional. Reflexiona en torno a ideas procedentes de lo cotidiano, trascendiendo su propio significado hasta hacerse universales. Lo cercano adquiere una dimensión espiritual; imágenes metafóricas sobre el amor, aspectos sociológicos y conceptos románticos o psicológicos.\n¿Cómo saber sin la mirada de Jesús la hondura de su humilde grandeza? Y, ¿cómo saber de Él sin mirar sus ojos? Estas pinturas de Antonio quieren desvelarnos un poco el fulgor de sus miradas. Y dejándonos mirar, entendamos el sentido de la vida y la hermosura.\nSus figuras no son naturales, tienen la expresión del alma espiritual, son trascendentes, tanto en el tema como en la expresión. Rompen lo visual, la materia, la hieren incluso, para que salga el espíritu. Ahí logra esa belleza que comunica lo divino, la belleza que se hace vehículo de la verdad y la bondad.\nDice Antonio que lo sacro en el arte es un adjetivo que se hace sustantivo, que se independiza, que se hace espíritu, realidad invivible que se hace vivible. Por eso la percepción de lo sacro precisa de cierta empatía. Lo sacro si no es original, no es.\nDisfrutemos de estas miradas, parte pequeña pero entrañable, de la inmensa obra sacra que ha desarrollado Antonio.\nTexto: María Isaba Senosiain\nAntonio Oteiza Embil nace en San Sebastián en 1926. Hermano menor de Jorge Oteiza, ambos escultores, y en esta última etapa, Antonio también pintor. Es franciscano capuchino y artista, una versión moderna de aquellos antiguos “milagros de la naturaleza” en los que el sentido del misterio, especialmente en la llamada prehistoria, se revelaba en una admirable fusión de arte y religión.\nAntonio es un filósofo de su quehacer artístico. Ha creado su propio lenguaje. Si el itinerario vital de su hermano Jorge fue hacia la abstracción, el de Antonio ha sido el inverso. Es la visión y el contacto con la naturaleza, tras varios años de misionero en la Amazonia, los que le han hecho sentir su misterio. Quien contempla sus obras ve claro que nunca renunciará a ese enriquecedor contacto con la historia y la vida del hombre: el hombre con sus hábitos y sus pasiones, sus oficios, el arte, el deporte, sus problemas vitales… Todo lo que es humano solicita su mirada interior.\nPero su dedicación casi plena ha sido al arte sacro, tanto en escultura como en pintura. Creo poder decir que en esencia busca, anhela, vive “el esplendor de la sencillez”. La naturaleza es sagrada y no hay que profanarla porque es imagen sagrada, tiene aura, dice Antonio. No hay teoría, según él, que pueda justificar una pintura si las palabras no se descubren en la obra. Abrir la mirada y es posible que se descubra algo más allá de aquello que se tiene a la vista.\nINTRODUCCIÓN SINFÓNICA 8.7: MÉTAL (II)\nUna conocida fotografía de Berenice Abbott fue el detonante para iniciar este proyecto fotográfico, centrado en el Puente Vizcaya -declarado Patrimonio de la Humanidad el 13 de julio de 2006- y que estoy desarrollando desde comienzos de 2018, coincidiendo con su 125 aniversario.\nSiguiendo mis intereses artísticos -ligados casi siempre al entorno industrial de mi Bizkaia natal- esta colección busca la abstracción en la estructura, dialogar con la geometría y el detalle del monumento, alejándose de las referencias urbanas en el que se ubica. Constituye así un exponente imprescindible en mi preferencia fotográfica: “estructuras”.\nCon todo, considero de capital importancia en esta ocasión el trabajo de documentación e investigación como fuente de inspiración en la desarrollo de la obra, creando interesantes relaciones entre “sujetos” de diversa índole, siendo este el caso del ingeniero constructor Ferdinand Arnodin y sus puentes transbordadores de Rochefort, Marsella (éste destruido) y Newport, la fotografía industrial de Germaine Krull, y la fotografía urbana de Berenice Abbott.\nEsta exposición es la primera del proyecto, y muestra una pequeña parte de la colección.\nAmézaga escribe su ‘Autorretrato’:\nPunto de partida. Yo soy una vocación tardía. En los años de universidad no entendía la pasión por la fotografía de un gran amigo mío (Nicolás Wolinskyj). A mí sin embargo me entusiasmaba el arte, y me sigue entusiasmando. Mi bagaje fotográfico procede en última instancia del mundo del arte (arte también es la fotografía, por supuesto). Por razones de trabajo, a mediados de los 90, tuve que empezar a utilizar con frecuencia la cámara. Era pura identificación de objetos, lugares, personas. Fue entonces cuando el ojo fotográfico empezó a trabajar y a descubrir lo bello de la fotografía.\nTrayectoria. La trayectoria artística, temática, conceptual, la evoluciono a un ritmo no forzado, el que marca la ley de la gravedad del arte. En la fotografía como en el arte no hay nada estático. Una cosa lleva a otra y ésta a su vez a otra. He pasado por fotografiar cosas atractivas, que a todo el mundo (sensible o insensible) llaman la atención. Quizá ahora busco descubrir y plasmar la belleza de lo ordinario.\nInterés. Lo concreto, lo urbano, las texturas, las pocas referencias espaciales, las composiciones sencillas, lo cotidiano, la tendencia a lo abstracto, el color (los grises son color también) y ¡la luz!. Allá donde pueda encontrar estos matices, allí me siento a gusto fotografiando. No me inspira lo social (si aparecen personas son casi estatuas), poco la naturaleza (pasé por ella con entusiasmo) aunque aún hay cosas que me interesan.\nEstilo. El ojo de cada fotógrafo es distinto; la percepción de la realidad, y la sensibilidad de cada uno es diferente. Pero bien es verdad que aunque el mundo es muy grande y los temas muy variados, siempre habrá muchas cosas en común con otros fotógrafos. No busco diferenciarme y ser original; el esfuerzo lo centro en convencerme de lo que hago, y en captar y transmitir mi mundo, mi forma de ver la realidad.\nInvestigo sobre mi pintura, así como el acto creativo, que es el proceso por el cual llego a ella. Este proceso parte de la experiencia de lo cotidiano y mi actitud, en él, conlleva que el acto creativo y la vivencia no puedan darse por separado, haciendo a uno causa del otro.\nMi estrategia consiste en abrir espacios, haciendo que el lugar se vuelva fluido, que entre en un estado de constante cambio. Y es, precisamente, esta estrategia la que justifica los objetos que utilizo para llegar a mi pintura.\nTeresa forma parte de mi experiencia de lo cotidiano. Ella es el único lugar al cual vuelvo constantemente. Pinto a Teresa porque, ahora, no puedo pintar otra cosa. Ella se ha convertido en el medio a través del cual llego a mi pintura; y está, pudiendo no estar en cualquier momento.\nTrabajo las cuestiones que tienen que ver con el lenguaje pictórico, pero también con lo que se queda fuera, y con el residuo que deja el proceso en un registro en el que la pintura habla de sí misma. Me pregunto por la influencia del sujeto creador y el modelo (la excusa) como elementos periféricos en una obra en la que la pintura es centro. Cuestiono la influencia del modelo, cuando es un cuerpo el que pinta a otro cuerpo.\nEn los últimos años, su obra se ha expuesto en Málaga, Pamplona y varios municipios del País Vasco, siendo artista becada en el Centro Cultural Montehermoso. Algunas de sus últimas muestras han sido ‘Ago-txilci’, en Juntas Generales de Bizkaia (Bilbao), y ‘Out of the loop’, en Montehermoso (Vitoria).\nCon esta colección, José Jesús Lorenzo hace una incursión al claroscuro de la vida, siempre formada por luces y sombras, donde surgen espacios cotidianos –paisajes, costumbres de la calle, vivencias entre personas- que enfatizan ese contraluz que busca el autor: el amor inspira a las personas y el arte es una expresión de éste.\nCon su apuesta por la fuerte expresión, donde el protagonista es la propia acción cotidiana del amor, Lorenzo pone el foco no en la individualidad de las personas o paisajes que traza en su obra, sino en “el todo” que emana de la propia fuerza de la expresión del amor y que invita al espectador a la reflexión sobre la vida, llena de claroscuros, o a la imaginación, fruto del silencio reflexivo.\nLa colección “Claroscuro” no es sino la síntesis de la visión holística que busca Lorenzo: todo paisaje y cada uno de nosotros forma parte de un “todo” mayor, que nace de la fuerte expresión del trazo del amor.\nDiego de Pablos Lizaur (Pamplona, 1973) cursó Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. En 2006 recibe la Beca Velázquez, otorgada por el pintor Antonio López. Ha realizado numerosas exposiciones, como “Retratos 1993-2000”, exposición individual en el Polvorín de la Ciudadela; “Plural” y “Panorama”, exposición colectiva en la Galería Juan Gris de Madrid y “Silencios”, exposición de 22 pintores navarros en el Baluarte.\nDEL 15 DE ENERO AL 15 DE FEBRERO DE 2018\nLa artista es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, Facultad de Bellas\nartes (Sevilla, 2013-2016). Beca Erasmus en De Montfort University en BA (Hons) Fine Arts\n(Leicester, Reino Unido, 2015-2016). Estuvo en la residencia artística Beca para jóvenes creadores en la Fundación Antonio Gala (Córdoba, 2016-2017).\nDEL 20 DE NOVIEMBRE AL 20 DE DICIEMBRE 2017\nLa exposición contó con diez acuarelas que hablaban de los paisajes urbanos que rodean a la artista. «Huyo de las temáticas bucólicas. Busco la inspiración en las situaciones que vivo. Igual una secuencia que capturo con el móvil en un momento dado me sirve para trabajar durante una mañana”, señaló Rosa Valbuena en la presentación. “Busco registrar el mundo que me rodea”.\n(Bilbao, 1967) Licenciada en Bellas Artes por la U.P.V.-Universidad del País Vasco en 1990. Becaria de la Fundación Rodríguez Acosta y Junta de Andalucía. Cursos de Artes Gráficas en Bilbao Arte.\nDEL 23 DE OCTUBRE AL 13 DE NOVIEMBRE DE 2017\nEsta exposición gira entorno a las ideas de presencia – ausencia en relación a la experiencia humana, a través de la escultura como elemento superador del tiempo, desde un punto de vista fundamentalmente poético.\nLa anatomía aparece deshabitada, abandonada o tomada por la naturaleza, en un acercamiento al drama del ser humano frente a su desaparición.\nEl interés por la muerte no se centra en la destrucción sino en el proceso de trascendencia en una búsqueda de consuelo y sentido.\nDEL 18 DE SEPTIEMBRE HASTA 18 DE OCTUBRE DE 2017\nReconocido pintor y dibujante español. El artista, que en los años 60 fue señalado por Salvador Dalí como su sucesor, mezcla en su historial tanto clasicismo como modernidad. La exposición que albergó el Colegio Mayor Belagua “se trata de una breve muestra de la última etapa de Paco Hernández. Una etapa de síntesis, de un desarrollo pictórico totalmente en evolución, como la de los grandes pintores del siglo XX”, afirma Rafael Reyna, responsable del legado del artista.\nFrancisco Hernández nace en Melilla, pero pronto se instala en el municipio de Vélez-Málaga, lugar del que era Hijo Adoptivo. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Madrid en la década de los 50. Comenzó a producir obras desde muy pequeño. Sus trabajos están presentes en museos como el de Arte Contemporáneo del Vaticano en Roma, el de Arte Moderno de Milán, el Museo Diocesano de Málaga, la Institución de Buckley en Connecticut (EE.UU.), la fundación Picasso de Málaga o el Palacio de la Zarzuela de Madrid. En 1985 fue nombrado académico de número de la Real Academia de San Telmo de Málaga y ha sido galardonado con un largo etcétera de premios, entre ellos: el premio March de Bellas Artes, el premio colectivo internacional de la XXXV Bienal de Venecia y el premio nacional de dibujo de la revista Correo del Arte.\nDEL 27 DE FEBRERO AL 20 DE MARZO DE 2017\nMargarita de Lucas, directora de la galería Edurne, afirma que “las obras que presenta esta joven escultora hay que mirarlas despacio, con atención, porque están realizadas con criterio, con sabiduría y con una enorme dosis de valentía (…). Diana García Roy es una escultora capaz de dar a la materia su personal vibración-emoción”.\nLicenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense. Madrid (1999). Becada en la Real Academia de España en Roma (2011-12). En 2010 realiza una estancia de trabajo y aprendizaje en el Taller del escultor Venancio Blanco. Ha recibido otras becas como la de la Casa de Velázquez (2006), Beca de Humanismo Barta & Partners (2001) y Beca encuentro Internacional de Jóvenes escultores Domaine de la Roseraie, Bruselas (1999).\nDEL 23 DE ENERO AL 23 DE FEBRERO 2017\nDEL 21 DE NOVIEMBRE AL 21 DE DICIEMBRE DE 2016\nAzkárate, profesor de Proyectos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Navarra (ETSAUN), es uno de los arquitectos nacionales contemporáneos más reconocidos. Recientemente ha llevado a cabo la remodelación del Estadio de Fútbol San Mamés, “la catedral” del Athleti de Bilbao. César Azkarate, es arquitecto graduado en la propia ETSAUN (1990), imparte docencia en su departamento de Proyectos desde 1991. Su actividad profesional se desarrolla en ACXT Arquitectos (IDOM Ingenieria y Consultoría) desde 1992. Buena parte de su labor edificatoria ha sido premiada y publicada, pudiendo destacarse entre sus obras construidas la comisaría de Policía en San Sebastián reconocida, en 1995, por los Euro-Belgian Architectural Awards, y la comisaría de Policía en Bilbao ganadora del Premio Erich Degner de Arquitectura en 1996.\nDEL 12 DE SEPTIEMBRE AL 7 DE OCTUBRE DE 2016\nCURRICULUM DE JUAN DE LA RICA:EXPOSICIONES INDIVIDUALES\nDE NADA – Galería Lumbreras – Bilbao\nFundación Carlos de Amberes – Madrid\nTHE INCIDENT – Gitler &___ Gallery – Santa Barbara, CA (USA)\nLA TRAMA – Galería Ormolú – Pamplona (Navarra)\nFINAL DEL JUEGO – XX Muestra de Arte Contemporáneo DMencia – Doña Mencía (Córdoba)\nARTEMIS – Galerie Sebastien Adrien – París (Francia)\nESPEJISMOS – Os Catro Gatos – Santiago de Compostela (La Coruña)\nFÁBULAS Y OBSTÁCULOS – Galería Ormolú – Pamplona (Navarra)\nTIPOS POPULARES – Centro Cultural Villa de Móstoles – Móstoles (Madrid)\nIN ICTU OCULI – Galería Materna y Herencia – Madrid\nLa Puerta Gótica – Pamplona (Navarra)\nBelaza Gallery – Bilbao\nFARSA FIGURADA – Centro de Arte Tomás y Valiente (CEART) – Fuenlabrada (Madrid\nCasa de Cultura, Trucios (Vizcaya)\nEleskaparate – Barakaldo (Vizcaya)\nINERCIAS – Sala Torrene – Getxo (Vizcaya)\nFINISSIM – Berger Gallery – Barcelona\nEuskaltel – Parque Tecnológico de Zamudio (Vizcaya)\nSUPERMENEOS – Sala Portalea – Eibar (Guipúzcoa)\nARVUM – Galería Aixerrota Arte – Getxo (Vizcaya)\nExpodistrito – Bilbao (Vizcaya)\nMuseo de Arte e Historia de Durango (Vizcaya)\nCasa de Cultura, Bakio (Vizcaya)\nAyuntamiento de Plencia (Vizcaya)\nPAPER! – Beers London – Londres (Reino Unido)\nPaint Talk (online)\nGalerie Biesenbach (online) – Colonia (Alemania)\nThe Linocut (online) – Londres (Reino Unido)\nEldevenir Art Gallery / Galería Zunino (online) – Málaga / Sevilla\nShowhouse JayJay (online) – Amberes (Bélgica)\nI Bienal San Lucas de Arte Contempoáneo – Plasencia (Cáceres)\nGalerie Sebastien Adrien – París (Francia)\nGalería Ormolú – Pamplona (Navarra)\n22 Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Antequera 2018 (Málaga)\n26 Premi Telax – Galería Antoni Pinyol – Reus (Tarragona)\nPremio Internacional de Pintura Focus-Abengoa 2016 – Sevilla\nSala Portalea – Eibar (Guipúzcoa)\nGalería Lumbreras – Bilbao (Vizcaya)\nXXXI Premio BMW de Pintura – Madrid\n24 Premi Telax – Galería Antoni Pinyol – Reus (Tarragona)\nPremio Internacional de Pintura Focus-Abengoa 2015 – Sevilla\nPremio Ibercaja de Pintura Joven 2015 – Zaragoza\nSala Sarean – Bilbao (Vizcaya)\nEskapararte – Barakaldo (Vizcaya)\n73 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas (Ciudad Real)\nXX Premio López-Villaseñor de Artes Plásticas (Ciudad Real)\nGetxoarte 2010 – Getxo (Vizcaya)\nErtibil Bizkaia 2010. Muestra itinerante de Artes Visuales. Sala Rekalde (Vizcaya)\nGetxoarte 2009 – Getxo (Vizcaya)\nGetxoarte 2008 – Getxo (Vizcaya)\nAula de Cultura de Getxo (Vizcaya)\nSala de Exposiciones de la UPV, Leioa (Vizcaya)\nCAPC – Museo de Arte Contemporáneo, Burdeos (Francia)\n«MIRAR AL QUE MIRA»\nDEL 11 DE ABRIL AL 6 DE MAYODE 2016\nA través de estas pinturas de Josean Ochoa se pone de manifiesto el poder que tiene la mirada humana. Estamos acostumbrados a ver tematizados en el arte los objetos de nuestros sentidos, sin darnos cuenta de que detrás de ellos se esconden actividades profundamente humanas. Vemos árboles, sillas, los colores y las formas más diversas, pero la mirada en cuanto tal parece quedar siempre oculta. Estos cuadros, en cambio, nos esconden los objetos, haciendo que aparezca la acción misma de mirar, y nos sitúan así en un punto álgido de abstracción. Al fin y al cabo son ese tipo de actos fundamentales los que nos definen de forma más radical: somos pensar, somos mirar, somos vivir. Es por eso que detrás de las espaldas de estos espectadores sentimos con mayor viveza la irradiación propia de todo rostro humano, mientras los retratos nos dejan frente al misterio inescrutable de la vida. Si bien cada pintura encierra un contenido radicalmente singular, no es difícil identificarse con cada una de ellas y pasar de ser mero espectador a sentirnos retratados. Por otra parte, la fuerza generada por los espacios vacíos y la atmósfera de incertidumbre plasmada en los fondos más bien opacos sólo acentúan nuestro interés por conocer a las personas retratadas e invitan a nuestra imaginación a ser partícipes de una comunicación que no por carecer de palabras es menos profunda.\nPintar gente que mira, aún estando de espaldas, no es la deshumanización del arte, sino más bien todo lo contrario. Esta serie de pinturas, además de resaltar la mirada como acción, nos hace sentir el peso específico de cada mirada. Quizás esto nos lleve a reflexionar sobre nuestro propio mirar. Es que, así como no todas las miradas son iguales, ninguna es completamente neutral. Y un hecho que no puede negarse es que estamos rodeados de miradas: donde hay un ser humano hay también alguien que mira. Justamente lo más humano de estas pinturas radica en que nos ayudan a valorar a las personas más por lo que son que por lo que tienen o persiguen con su obrar.\nJosé Antonio Ochoa Nace en México DF en 1990. Desde muy temprana edad surge en él un interés por el arte, en especial por la pintura. En 2009 obtiene la Beca “Arte Mexicano Promoción y Excelencia”, que le permitirá realizar sus estudios en Arte. En 2010 viaja a Chicago (EEUU) para participar en distintos cursos en la American Academy of Art. En 2011 se traslada a Sevilla para comenzar la carrera de Bellas Artes. Es en la capital andaluza donde recibe una sólida formación académica. En 2013 es acreedor a una Beca SICUE y se traslada a Valencia para continuar sus estudios en la Universidad Politécnica de Valencia, graduándose en Bellas Artes dos años después en esta Facultad. Si bien se ha dedicado con mayor atención a la Pintura, en los últimos años ha comenzado a trabajar en el ámbito de la Escultura, trabajando con diferentes materiales, como piedra, metal, resina o madera.\nHa realizado diversas exposiciones en México DF, Querétaro, Chicago, Sevilla, Valencia y Madrid. También ha sido seleccionado en distintos certámenes de pintura, como el Premio de Pintura BMW, el Premio de Pintura de la Fundación Mainel (Mención de honor) o el Premio de Pintura S. Soria entre otros.\nActualmente tiene obra en colecciones de México, Canadá, Israel, EEUU y España.\nDEL 7 DE MARZO AL 7 DE ABRIL DE 2016\nAsí pues, no es de extrañar que sus obras estén presentes en colecciones como la de Argentaria y Endesa, La Caixa, la Caja Municipal de Pamplona, Gobierno de Navarra y Gobierno Vasco, Ministerio de Asuntos Exteriores, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo Contemporáneo de Madrid, Museo Salvador Allende y Palacio del Senado de España en Madrid. Aquerreta y su obra están estrechamente vinculados a la prestigiosa Galería Marlborough, con la que ha podido exponer en Nueva York en los años 1999, 2000 y 2001. Su carrera artística está jalonada de importantes eventos y en un futuro próximo seguirá proyectándose su obra, gracias a una importante exposición antológica de la totalidad de su obra que se realizará en el Museo Reina Sofía de Madrid. Ha recibido, entre otros, el Premio Nacional de Artes Plásticas (2001) y el Premio Príncipe de Viana de la Cultura (2003).\n“Fénix” es la metáfora del renacer de la vida expandiéndose, mediante un discurso estético y espiritual sobre la fuerza de la Naturaleza. Nos adentramos en la propia esencia de ésta, manifestada mediante un trabaj sensible, sutil, que se abre ante nosotros a través de la materia tallada.\nLas obras, instaladas sobre tierra, nos trasladan a un espacio místico, contemplativo, el concepto de territorio desde el que renacen las intervenciones.\nDel Poema Ave Fénix\n(Francia, 1895 – 1952 )\nMario Molins tiene un recorrido artístico importante. Es un escultor de Binéfar, nacido en 1983, licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, con estudios de doctorado y de espíritu inquieto. En su época universitaria fue becario del departamento de escultura, en la especialidad de fundición y participó como ponente en el congreso de fundición artística, organizado por la Universidad Politécnica de Valencia.\nDesarrolla su labor pedagógica continúa como docente en Monzón. Ha impartido seminarios de arte y paisaje junto al profesor Carlos Naya, en la Universidad de Navarra. Han sido numerosas las menciones en concursos, habiendo recibido primeros premios, como el del concurso de escultura organizado por la fundición dúctil Benito, el primer premio del concurso de arte joven organizado por el Centro Cultural Cotxeres-Casinet de Barcelona y el primer premio del Concurso de escultura Silvestre d´Edeta de Valencia.\nHa expuesto tanto en España, como en el extranjero. Son veinte las exposiciones individuales que ha realizado, entre las que hay que destacar, la exposición en el CDAN-Fundación Beulas de Huesca, la exposición del Parque José Antonio Labordeta de Zaragoza, o la muestra en Espace Art Gallery, en Bruselas, entre otras. En cuanto a las exposiciones colectivas, son treinta y tres las exposiciones que ha llevado a cabo.\nMolins ha investigado y practicado la escultura en piedra, con la que en numerosas ocasiones a conformado esculturas de gran carga estética y simbólica, una de ellas es la realizada en Binéfar una escultura de piedra de Calatorao y bronce en la que poetiza la piedra convirtiéndola en un símbolo del tiempo y de la evolución de la materia. Con el bronce ha investigado sobre técnicas y pátinas naturales, aplicadas a este metal. Cuando trabaja la madera, lo hace con un gran respeto hacia la naturaleza. El artista deja que el material comunique y logra que se establezca un diálogo entre el arte y la naturaleza. Molins escudriña dentro de los troncos, busca el paisaje al que perteneció el árbol, lo deja hablar, para descubrirnos todo un mundo, para mostrarnos la naturaleza.\nDEL 16 DE NOVIEMBRE AL 18 DE DICIEMBRE DE 2015\nExposición pictórica que hace un recorrido por las diferentes series que han ido marcando la evolución de mi obra: Desde mi interés por el paisaje aéreo, a la fusión de paisajes en el interior de siluetas femeninas, a la obra más reciente que muestra sólo el cuerpo y la figura.\n-Pinturas aéreas fue el proyecto originario que inicié en 2009. Empecé a trabajar a partir de la experiencia personal de volar en ultraligero. Mis pinturas comenzaban a reflejar el interés por descubrir nuevas visiones y perspectivas del paisaje elevando los pies del suelo. Paisajes que se convierten en investigaciones topográficas del terreno (relieves, pendientes, planos de altitud, estratos, etc.).\n-Anatomía topográfica aúna el cuerpo de la mujer y la representación de paisajes sobre el mismo. En esta relación del ser humano con la naturaleza, ésta hace de mediadora ocultando su evidente desnudez y pudor. Su objetivo es unir el paisaje sublime con lo hechizante de la belleza femenina. Creando una nueva experiencia visual que refleja las relaciones entre las zonas del paisaje y cierta simbología con la anatomía del cuerpo.\nAsí, el cuerpo femenino muestra lo más salvaje de la persona o lo más cautivador a través de un escenario lleno de fuerza, donde las manchas de color y las formas toman un significado simbólico y personal. Lo íntimo, las capas de la piel y los estratos del paisaje nos llevan a una introspección interior o a un sueño que encierra cierto surrealismo.\n-Cuerpos etéreos trata de indagar en la relación del sujeto con el propio yo. Retratos femeninos en espacios neutros, medio de evasión para tratar de buscar un equilibrio mental y físico. Imágenes inmersas en el silencio creándose atmósferas de paz y tranquilidad o por el contrario de intriga y misterio, generándose sensaciones ambiguas que hablan de dramas románticos, psicológicos, etc.\nEn mis obras se congela el tiempo y la emoción de una actitud. Creo ambientes con restos de soledad y melancolía cuyas figuras solitarias en el espacio están inmersas en pensamientos y en la contemplación. Normalmente irradian fragilidad, evocadora sensibilidad y belleza; ya que me interesa la creación de imágenes visualmente poéticas.\nPinturas que utilizan la imagen fragmentada para composiciones y encuadres que nos remiten a la televisión y al cine. Fragmentos que dotan a la obra de misterio al ocultar parte de los personajes (figuras cortadas a la altura de los ojos, de espaldas al espectador, etc.). Además los títulos de las obras forman parte también de ese juego enigmático, dando otro sentido a cada cuadro con múltiples lecturas.\nEn definitiva, pretendo investigar sobre el cuerpo, la expresión facial-corporal y los sentimientos a través del lenguaje no- verbal. Una exposición para poder disfrutar de una revisión de estos últimos años de mi trabajo de forma estructurada, innovadora y coherente.\nNekane Manrique Mezquita, artista nacida en 1985 que trabaja y reside en el Valle de Trápaga, Vizcaya. Su trayectoria se inicia a la temprana edad de 9 años acudiendo a clases de dibujo y pintura hasta su ingreso en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco, donde se licencia en el 2008 y cursa dos años más de Doctorado obteniendo el DEA. Posteriormente en 2010 realiza un Máster de Formación de Profesorado de Educación Secundaria Obligatoria en la Universidad de Miguel Hernández de Alicante y trabaja como profesora de Plástica y de Pintura Artística en un Instituto. Ha recibido numerosas becas de creación en Málaga, Madrid, Granada, Valencia, etc. Así como a nivel internacional en Serbia y Eslovenia. También ha sido seleccionada en el curso Maestros de la Figuración impartido por el prestigioso pintor Antonio López en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Pamplona.\nDEL 5 DE OCTUBRE AL 13 DE NOVIEMBRE 2015\nAl contrario de lo habitual, esta exposición es el resultado de un libro, y no al revés. Hace dos años Antxon y yo quisimos emprender una nueva aventura arquitectónica, visual y editorial. Nuestra primera aventura, el libro “Madrid mira sus estatuas” fue hace ya veintidós años, y la segunda, la publicación de “Setenta escalones. La escalera en el tiempo y en el espacio” la terminamos hace dos. Ambas han sido experiencias siempre gratificantes, tanto en lo personal, como en lo profesional.\nHoy al contemplar esta colección de sus miradas a estas grandes y magníficas escaleras, creo encontrar determinados vínculos entre ellas, por mucho que estén alejadas en el tiempo y en el espacio, sus facturas materiales, encuentro en ellas vínculos visuales, vínculos atmosféricos, emocionales, fragmentos de actitudes, y de relaciones.\nSi como tantas veces sabemos mirar, y adoptamos una posición activa en el hecho de contemplarlas detectaremos con facilidad una determinación común que creo que es la esencia del trabajo de Antxon: Hacer visible el espacio invisible, que se recoge en cada uno de estos pequeños y grandes espacios arquitectónicos construidos por el elemento que posiblemente imprima más carácter en las obras de arquitectura: La escalera.\nDesde la distancia, esas escaleras serían solo imágenes, pero las propiedades de estas fotografías, instantes capturados inteligentemente -a veces de forma furtiva, otras lenta y concienzudamente- son presas capturadas por el objetivo silencioso y certero de Antxon Hernandez; cazador ávido de lo intangible, rastreador en un viaje a lo largo de nuestra cultura arquitectónica más reciente.\nLas propiedades de sus fotografías se explican más allá de lo que sucede en ellas. La luz cualifica estos espacios en blanco y negro en la búsqueda paciente de sus equilibrios que sólo el ojo preciso del fotógrafo intuye, y luego construye, para más tarde compartir la experiencia con el observador. Vinculadas no solo al sentido de la vista, porque hay cosas que suceden más allá de la mera imagen y que él nos reta a descubrir.\nQuiero pensar que hay una determinación común que sigue todo este proceso, y que Antxon, hombre de pocas palabras, no dice, sino que cuenta en cada uno de sus trabajos interrelacionados entre sí, y que transfiere de unos a otros, y donde el orden no es lo importante, porque la arquitectura de esas imágenes si fuera así, acabaría en sí misma.\nLo importante es la mirada dirigida y construida que llama nuestra intención con las herramientas exclusivas de la fotografía: La luz, y esencialmente la sombra que construye lo físico, porque un lugar sin sombra, es un lugar sin materia.\nEso es lo que tienen las fotografías de Antxon: Materia.\nProf. Titular ETSAM – Comisario. Febrero 2015\nAntxon Hernández nace en San Sebastián en 1958. Estudia en el CEI de Barcelona y en Parsons School of Design de New York, donde trabaja como free lance durante 4 años. En 1958 vuelve a España, donde compagina el trabajo publicitario con el editorial, principalmente entre Madrid y San Sebastián. Fruto de su trabajo ha tenido relación con artistas y arquitectos de la talla de Richard Serra, Oteiza, Miquel Barceló, Moneo y Saenz de Oiza entre muchos otros. También ha colaborado con numerosas agencias de publicidad y revistas especializadas.\nYO NO PINTO NADA\nDEL 13 DE ABRIL AL 13 DE MAYO 2015\n«Lo bello se halla removiendo escombros». La voz del poeta Antonio Porchia parece encarnarse en esta obra donde una materia prima pobre y desahuciada se convierte en la protagonista absoluta.\nPuede parecer extraño, pero todo comienza con unos cartones en la acera. Una visceral atracción por el color prende la llama e impulsa a la acción directa, recogerlo físicamente allá donde fuere y conservar, como fuego sagrado, ese deslumbramiento en el estudio. Y es manipulándolo, esto es, en el diseño, proporción y disposición de cada pieza como se produce la catarsis que lleva a estas cajas rescatadas literalmente de la basura a vivir otra vida, la del arte.\nEn una aparente boutade que veremos no es tal sino la decripción literal de su trabajo, Zamora titula la muestra: «Yo no pinto nada». Alejado de lo virtual que parece invadir nuestro día a día, el autor recupera con esta técnica personalísima sensaciones básicas de la pintura entendida como presencia que deleita.\nEsa vuelta al origen se inicia con una opción radical: la utilización del cartón como única materia prima. Cada una de las piezas que conforman las obras ha sido previamente encontrada, elegida y «arrebatada» a la calle como proceso previo a la posterior indagación formal.\nEl Mediterráneo, patria verdadera, que desde Grecia ha exigido siempre la gracia del perfil vibrante y la armonía del equilibrio formal, vive aquí. Renace en esta misteriosa acumulación de desechos rehechos de los que, paradójicamente, surge una asombrosa claridad.\nEl conjunto revela un aire atemporal donde se integran elementos en principio ajenos a una ortodoxia de lo concreto. La consistencia del orden y el ritmo compositivo preparan la acogida a elementos fortuitos, aparentemente fuera de control. Así, el dibujo tembloroso, resquebrajado e incierto de algunas líneas se bate en duelo con la geometría pura. Y es, precisamente, esta lucha la que torna amable la contundencia del planteamiento.\nEn este conjunto de «Cartones», delicadas estructuras emergen entre los campos de color y se enriquecen con la salpicadura de lo cotidiano. Las imperfecciones del material, las roturas y el rastro de adhesivos despegados dejan huellas de anónima espontaneidad en obras que resultan auténtica «pintura sin pintura».\nLas «Maderas» continúan este proceso…trozos de listones encontrados en la calle, muestras de molduras desechadas y sufridos tablones de obra, se entrelazan en piezas donde se difuminan los límites entre pintura y escultura.\nPedro Zamora nace en Barcelona en 1968 pero vive y trabaja en Málaga. Es licenciado en arquitectura por la Escuela Superior Técnica de Arquitectura de la Universidad de Navarra y realizó su primera exposición individual en 1999. Desde entonces no ha dejado de exponer con asiduidad en ciudades como Barcelona (Galería Tuset), Málaga, Pamplona y Almería así como también en otros paises como Italia (Globart Gallery de Acqui Terme y la Galleria Statuto 13 de Milán). Su obra se halla presente en diversas colecciones privadas de España, Italia, Suiza y Alemania.\nDEL 2 AL 20 DE MARZO 2015\nEl título de esta muestra que presento en el espacio expositivo de “La Puerta Gótica” en el Colegio Mayor Belagua de Pamplona, alude a mi práctica artística: una pintura experimental que aborda el trabajo plástico como aplicación de un sistema caligráfico de signos alejados de un contenido narrativo o simbólico, para dejar que la mirada se pose en la sensibilidad y explore las potencialidades de la pintura, del grabado y de otras piezas expandidas.\nEl trabajo se centra en el gesto del trazo y en la textura de la forma y el color. Como una suerte de escritura, que se materializa en distintos soportes, se fijan las capturas conscientes o inconscientes teniendo presente que, a veces, resulta difícil explicar la experiencia artística: no hay un sistema único de lectura o interpretación de la pintura para poder mirar más dentro y más allá de la apariencia de las cosas.\nEste texto-presentación tiene, en parte, un carácter autobiográfico y sitúa la acción creativa en el surrealismo, en su vertiente gestual y automática; en la búsqueda de una normativa para fijar las capturas del inconsciente. Parte del supuesto de que todo tiene explicación dentro de la vida de modo que, cuando no puedes encontrar la causa de ciertos comportamientos, surge la tendencia a localizarla en el inconsciente, proyectándola emocionalmente como pintor y grabador.\nEn la obra pictórica expuesta los procesos de trabajos son variables. En unas aplico la pintura, principalmente óleo en barra, sobre lienzo, por capas superpuestas en diferente escala e intensidad cromática. Sobre el papel, la materia pictórica es mayormente pastel graso que, por frottage desde matrices de madera originales, conforman a la vez la expresividad del gesto con la textura formal de la matriz y el color.\nEn la obra gráfica sobre papel, la estampa recoge la impronta del gesto grabado con la técnica del aguafuerte sobre un soporte de cobre; y también, cuando el soporte es de madera, a partir de una técnica original: la fotoxilografía tallada o grabada por el proceso abrasivo.\nLa obra más experimental sobre otros soportes de metal y de madera que contextualizo en el campo expandido de la pintura y de la gráfica, aportan contenidos plásticos a los propios soportes grabados y, también, los que presentan formas impresas por serigrafía y por procesos de transferencia en frío.\nPinturas, grabados y obras expansivas en otros soportes, todas ellas agrupadas en distintas series, ordenan el material de esta exposición con el fin de mostrar mi lenguaje artístico. El objetivo, en el conjunto de estas obras, es el de explorar las posibilidades expresivas del dibujo al margen de su función representativa donde intervienen, la mano y el cerebro, la técnica y la sensibilidad.\nNació en Bilbao en 1951. Es pintor, grabador y profesor titular de grabado y técnicas gráficas en la Facultad de Bellas Artes de la Euskal Herriko Unibertsitatea / UPV desde 1987. Doctor en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco / EHU. Ha realizado 18 exposiciones individuales y ha participado en 72 exposiciones colectivas a lo largo de todo el territorio español.\n“La piel es lo más profundo”\nEsta frase de Paul Valéry sintetiza muy bien la obsesión del arte occidental por esconder la máxima profundidad en la superficie. Enraizada como símbolo en nuestra noción de realidad y sueño, en nuestros actos y proyecciones, parece ser más ese gesto que se remonta así desde una memoria primigenia perdida.\nLa busqueda de la «existencia» de la imagen nos conduce a encontrar su alma en la palpitación de ese espacio entre la piel y la carne. En esa dislocación entre planos del tacto y la mirada se encuentra el campo de batalla, el misterio. El mezclar temporalidades distintas en la imagen, el descubrir que el espacio existe solo como ilusión de espacio, que nuestra mirada existe solo como memoria de esa mirada son las estrategias de nuestra sensación. Su toma de conciencia se asemeja a ese mismo intervalo que aparece entre ruido y música, entre el rumor y el sonido.\nNace en Oviedo en 1971. Sus años de formación vienen\nmarcados por una temprana amistad con los pintores\nEduardo Úrculo y Joaquín Vaquero Turcios. Comparece a sus\ncursos y talleres como el de la Fundación Botín en el 2000.\nLicenciado en arquitectura por la Universidad de Navarra en 1999 ha seguido vinculado al mundo académico dando cursos y conferencias por diversas Escuelas de arquitectura como en Zaragoza, Toledo o Pamplona. Colaborador habitual de estudios de arquitectura, son especialmente relevantes los trabajos realizados para el estudio Vicens-Ramos en Córdoba o su intervención en la catedral de St. Peter en Salzburgo. Seleccionado para distintos simposios internacionales de artistas, ha colaborado en proyectos heterogéneos con músicos, escritores o poetas.\nEntre sus últimas exposiciones destaca su participación en la colectiva de la Fundación Amelia Moreno en Quintanar, La Mancha o la exposición conjunta con Vicente Pastor en Madphoto-gallery en Madrid.\nDEL 24 DE NOVIEMBRE AL 10 DE DICIEMBRE 2014\n“Tu mirada enmarca la escena, ten el valor de convertirla en una fotografía”\nAl vivir muchos años en una ciudad, esta se te va metiendo en la piel. Es el escenario de tus emociones, alegrías, trabajos, sinsabores, etc. Algunos de sus lugares los conoces tan bien que casi son como una habitación más de tu casa, en la cual te sientes en intimidad. Entonces surge la curiosidad. La fotografía es un medio para curiosos. Tienes que girar el “tubo” de tu mirada como un Caleidoscopio, para que lo conocido resulte nuevo y que esos lugares ya vistos te aparezcan como si nunca los hubieras percibido. Así se convierten en un buen guión para una fotografía.\nHace ya unos años comenzó a hacer fotografía y le sorprendió de lleno en el cambio de lo analógico a lo digital, de lo cual manifiesta estar encantado. Su formación es mitad autodidacta y mitad reglada. Profesionalmente está ligado al mundo de la fotografía pues gestiona un Archivo fotográfico y es editor gráfico de varias revistas.\n2011 Galería Kayua (Junio). Zarautz\n2011 Galería Amador de los Ríos. Madrid\n2012 air_port_photo, PHOTOESPAÑA 2012\n2012 Exposición Pedro Ros\n2012 Galería Kalon. Tudela, Enero 2012\n2013 Enmarco 2013\n2013 «Mujer en los ojos del mundo». Logroño, Diciembre/2013\n2008 Finalista premio extraordinario de Fotografía de la Fundación Aena\n2010 Obra seleccionada Concurso Fotografía Ayuntamiento Majadahonda\n2010 Ascesis Concurso fotografía Fundación Progreso y Cultura\nBETIKOTASUNA, NIRE AITARI. ETERNIDAD, A MI PADRE\nDEL 4 AL 21 DE NOVIEMBRE 2014\nLíneas y espacios. Evolución.\nLas líneas son capaces de entrar en un espacio y viajar a través de éste, hacia dentro y hacia fuera. Las líneas evolucionan y se transforman.\nDurante el proceso artístico de desarrollo de un lenguaje mediante el uso de elementos que puedan contribuir a alcanzar un mensaje consistente en el cuadro, las líneas juegan un papel importante, pues actúan como vehículos de comunicación. Las líneas trabajan junto a los distintos espacios, y se ven reforzadas por los colores.\nEn esta fórmula, las líneas, los espacios y los colores, actúan juntos para crear la base y la gramática en la que se sujeta el mensaje.\nNatxo Arteta (1965) es un vasco internacional que alterna su producción entre España y EE.UU. Allí llevó a cabo sus estudios de Arte y Humanidades, concretamente en Pittsburgh, donde trabaja con la Concept Art Gallery. No deja de lado Europa, ampliando sus estudios en la Escuela Torre di Babele en Roma. Trabajó durante una década con Raimond Maragall, marchante de arte, y con la Sala Parés, de Barcelona.\nLicenciado en Estudios Artísticos por la Universidade Aberta de Lisboa, en la actualidad se encuentra preparando el Doctorado en Arte Digital y estudios de Grado en Arte y Educación, ambos en la misma universidad. Ahijado de Adolfo Ruiz Abascal, y discípulo de Paco Soto Mesa y Mª José Bagazgoitia.\nEs seguidor del espíritu expresionista de la escuela alemana anterior a la Segunda Guerra Mundial y de la escuela constructivista rusa. Su trayectoria discurre en paralelo a estas dos tendencias. Sus trabajos tienen como soporte tanto el lienzo como la tabla, y también el papel, en dibujos y en grabado, utilizando técnicas mixtas. En un intento de analizar estas dos tendencias, su trabajo busca la relación de los espacios con las líneas y los colores, en especial con la investigación del comportamiento de los grises. Plantea la pintura como un lenguaje y utiliza los colores como si fueran una gramática con la que se componen las historias que cuenta en sus obras.\nDEL 23 DE SEPTIEMBRE AL 17 DE OCTUBRE 2014\nEste proyecto se centra en el sujeto y sus emociones, deteniéndose ante la fascinación de la mirada, capaz de captar la atención y transmitir sentimientos.\nLa confección de la obra, realizada a través de fragmentos de pruebas de impresión de mi tesis doctoral, son restos rotos en una acumulación de datos ahora caótica y desestructurada, una suerte de memoria disgregada y fuera de contexto. Un discurso riguroso que deriva en discurso sin sentido a través de palabras que se mezclan caprichosamente, donde las letras pierden su propósito de lectura, interesando como mancha que conforma grises de diferente intensidad capaces de definir rostros.\nLos sujetos aquí representados transmiten vida, acción, participación a través de una mirada que desafía y supera retos, una mirada que es potencialmente activa y llena de complicidad, en una búsqueda de diálogo con el espectador al que pretende atrapar e involucrar. Composiciones claras donde la luz y el blanco como concepto representan inocencia y osadía, esperanzas y miedos, ilusiones y dudas.\nDoctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid 2013.\nDiseñadora Gráfica por el Istituto Europeo di Design de Milán 1991-92.\nProfesora de Fotografía y Técnicas de Reproducción Industrial en la Escuela de Artes de Toledo 1994-95.\nProfesora de Diseño Asistido por Ordenador en Escuelas de Artes, Toledo, Tomelloso y Ciudad Real 1995-2013.\nProfesora de Audiovisuales en la Escuela de Artes de Cuidad Real 1999-2002.\nProfesora de Proyectos Básicos de Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Diseño de Ciudad Real 2002-10.\nJefa de Departamento de Diseño Gráfico en la Escuela\nSuperior de Diseño de Ciudad Real 2002-13.\nDEL 25 DE MARZO AL 15 DE ABRIL 2014\nPonce ha expuesto en numerosas regiones de nuestro país y ocasionalmente en el extranjero. Fruto de ello ha sido merecedor de premios y galardones como la Mención de honor, Saliés de Bearn (Francia, 2008) y Primer Premio Certamen de Pintura El Nuevo Barakaldo (2003), entre otros muchos.\nDEL 4 AL 21 DE MARZO 2014\nPaco Sada (San Martin de Unx, 1961), reside a caballo entre Paternáin y Barañáin, Navarra.\nSe inició en fotografía de manera aficionada, autodidacta y relativamente tarde. Su progresión como fotógrafo ha venido a través del fotógrafo y profesor, Carlos Cánovas, al que conoce en el taller de fotografía de Zizur Mayor desde hace más de 5 años.\nHa trabajado siempre en formato digital. Sus primeros trabajos son de temática paisajista, predominando una visión de admiración sobre el paisaje. Destaca “Naturaleza intervenida” expuesta en la librería Auzolan en 2011 y en la galería Kalon de Tudela en 2013.\nMás adelante sus trabajos han ido hacia temas más abstractos, buscando la geometría, la textura, el movimiento. Destaca la serie “Movimiento: colores y sensaciones” realizada en el velódromo Miguel Indurain en Tafalla y expuestas en la sala Opera Prima de la AFCN (agrupación Fotográfica y Cinematográfica de Navarra) en 2010, en el vestíbulo del Edificio Central de la Universidad de Navarra en 2011, en la galería Eleskaparate, Barakaldo en 2011 y en la galería Kalon en 2013.\nParticipa desde hace años en el Colectivo Higuera de Tafalla.\nDesde el año 2013, ha sido dinamizador fotográfico a través de la fundación del “Colectivo Zzzz” en Pamplona y su proyecto inicial “A propósito de…”.\nDEL 4 AL 28 DE FEBRERO 2014\ntambién en la obra de Javier Santurtún.\nEl creador hizo su obra y los hombres la\ndesarticulamos, componemos, pervertimos,\nreorganizamos, destrozamos, recreamos,\namontonamos, distribuimos y hasta la desolamos.\nAlgunos contemplan; quizá lo sublime de la\nnaturaleza: el cosmos, la tierra, el mar y el cielo; o\ntambién lo ordinario, y lo extraordinario de lo más\ntremendamente «ordinario» y casi despreciable.\nEl tiempo vence y trasforma, a veces duramente.\nDonde se vió dolor, se descubre ternura; de la\ndestrucción, la suciedad, y el abuso, surgió la belleza\nque el hombre anhela: la cualidad redentora de quien\ndescubre y espera.\nJavier Santurtún nació en Barakaldo, en el año 1956. En 1985 se licenció en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco. Desde el año 1979 al 1999 trabajó en el Departamento de Artes Plásticas del colegio Gaztelueta.


En el Bayern Munich critican el fallo del TAS a favor del Manchester City - Deportes Player\nPor AP / Jul 28, 2020 2:44 PM EDT\nLONDRES, Inglaterra. - El Manchester City obstruyó la investigación de sus finanzas y que derivó que el club fuera sancionado con una multa de 10 millones de euros (12 millones de dólares), anunció el Tribunal de Arbitraje Deportivo en un fallo publicado el martes.\nEn la sentencia inicial hace dos semanas, el CAS (las siglas en francés del tribunal) resaltó que el club inglés “no cooperó” en la investigación. El documento completo de 93 páginas detalló con amplitud cómo el City pudo revertir el veto de dos años para participar en copas europeas que impuso la UEFA.\n“La mayoría del panel (de jueces) determinó que la no colaboración del MCFC en la investigación del CFCB constituye una grave violación y que al MCFC se le debe reprender seriamente por obstruir las investigaciones del CFCB", dijo el CAS en alusión al Comité de Control Financiero de Clubes de la UEFA.\nEl CAS indicó que la conducta del City amerita ser “deplorada con firmeza” y que espera que la cuantiosa multa sea “lo suficientemente fuerte” como elemento de disuasión para que los clubes cumplan con la normativa del fair play financiero, para poder competir en la Liga de Campeones y la Liga Europa.\nEl CAS también subrayó que la UEFA no instigó “acusaciones frívolas” y que tenía un “sustento legal legítimo para acusar” al City en base a los correos electrónicos que fueron filtrados y que muestran que el club propiedad de Abu Dabi habría engañado al ente europeo al exagerar el monto de los acuerdos de patrocinio entre 2012-16 y ocultar la fuente de ingresos vinculadas a compañías gubernamentales en el emirato.\nEl City presentó pruebas al panel del CAS que previamente no se hicieron llegar a la UEFA, además de permitir el testimonio de nuevos testigos, lo que contribuyó a la decisión de permitir la participación del club en la próxima edición de la Champions.


▷ Zapatillas de padel asics 🥇 ✅【MEJORES 5】\nLas zapatillas de padel son singularmente condicionadas para operar en su máximo potencial en suelos donde se acostumbra a jugar un encuentro de padel, es esencial el que estimes adquirir este género de producto. Caso contrario, empezarás con una leve desventaja en frente de un contrincante que sí las tenga. No es un factor determinante pero si deseas llegar a un nivel competitivo deberías considerarlo.\nMejor Zapatillas de padel asics\nPor otra parte, nuestro portal especializado en padel cuenta con las mejores recomendaciones de este producto, todas ellas están en la plataforma de Amazon, pues es el garante más seguro hoy en día de que tu compra por la red sea fiable. Es decir, si tu compras un producto de Amazon, este ofrece un soporte en caso tengas algún problema con el envío o bien con algún desperfecto del mismo.\nZapatillas de padel asics Calidad-precio\nLa zapatillas de padel asics es uno de las tantas variantes que existen en el mercado español, este producto te va a dejar más que satisfecho y podrás notarlo cada día en los entrenamientos de padel que tengas. Nuestro equipo especializado te presenta los próximos productos.\nMejores zapatillas padel mujer 2018


Revista de revistas jurídicas - Núm. 134, Febrero 1936 - Revista Crítica de Derecho Inmobiliario - Libros y Revistas - VLEX 350279\nAutor: Hermenegildo Gómez\nObligación de resultado y obligación de medios, por M. G. Marton, Profesor de la Universidad de Debrecen. (Revue Trimestriellc de Droit Civil. Año 1935, página 500 y siguientes.)\nConsidera que en la mayor parte de los contratos, para que el resultado proyectado pueda operar se exige, a más de la actividad del deudor, la presencia de una o varias condiciones positivas o negativas. Así, en los contratos sobre transferencia de la propiedad de una cosa, precisa, además de los actos de prestación del deudor, el derecho del vendedor de disponer de la cosa, la aceptación del adquirente, etc.\nY centra así el problema que examina : ¿el deudor ha cumplido su obligación cuando ha hecho lo posible referente a la prestación, aunque el resultado no se haya realizado a causa de un obstáculo exterior ?, o ¿ sólo se considera que ha cumplido la obligación cuando el resultado apetecido por las partes contratantes ha llegado a ser una realidad ?\nPara Schlossman y Szaszy-Schwarz, la realización del resultado estipulado no es el contenido u objeto de la obligación, sino su fin. El deudor no está obligado a producir este resultado, puesto que el mismo se deriva de múltiples causas, de las cuales la conducta del deudor no es más que una. El deudor cumple su deber de prestación, obrando de acuerdo con el fin de la obligación y sólo debe una indemnización al acreedor cuando no lo ha hecho.\nEl autor rechaza este criterio, basado en que el Derecho debe buscar las ideas directrices en la práctica y concepción general adoptada por la gente de negocios, que durante toda su vida, día por día, son sujetos activos y pasivos de parecidas obligaciones. El acreedor,Page 118 cuando verifica un contrato, no lo hace con el fin exclusivo de hacer que el deudor desarrollase una determinada actividad en su provecho, sino para obtener un resultado económico, del cual tiene necesidad en el curso de su actividad. Gráficamente lo expresa Kresz diciendo «que en el contrato de obra, locatio operis, el artista está obligado a realizar su trabajo solamente porque no sabe ejercer la magia ; es decir, producir la obra por encantamiento, sin esfuerzos físicos» (All gemeines Schuldrecht, 1929, pág. 202 y siguientes). Pero esta regla no es general ; se exceptúa el deudor a título gratuito. Su obligación nace exclusivamente de la buena voluntad del deudor y su cumplimiento deberá estar limitado a la esfera de esta voluntad. Debe hacer lo que está en su poder, nada más. Sería injusto imputarle actos o acontecimientos que fueran extraños a su voluntad.\n¿Existen obligaciones de medios? Para el autor no existen ; las así llamadas no son más que obligaciones cuyo fin está caracterizado por ser un resultado fragmentario, con respecto a otro más...\nRégimen tributario y financiero de las comunidades autónomas. Extremadura: Impuesto sobre Sucesiones y Donaciones


Mi Perro Está Inquieto Por La Noche | 11 Causas  – Perro Feliz\nCuando el perro está inquieto por la noche, por lo regular es por la falta de ejercicio, porque se encuentra vigilando y por el instinto de guardián o por una temperatura inadecuada. Aunque en casos muy puntuales, de igual manera puede indicar anhelos, mala vista o inclusive enfermedades existentes.\nEn casi todos los casos, que esté intranquilo por una noche es perfectamente normal y no es motivo para alarmarse. Las quejas crónicas, por otra parte, además pueden indicar dolor.\nEn seguida, se ofrece una descripción general de las causas que pueden ser las culpables:\nInstinto vigilante y guardián Perros rastreadores y guardianes\nFalta de actividad Perros de caza y pastor\nFrio o calor Perros con pelaje muy largo o muy corto\nSueños y pesadillas Todos los perros\nDeseos Perros hambrientos, perras en celo\nDemencia Perros a partir de 10 años\nMala vista Perros mayores\nMalestar estomacal Perros grandes y Bulldogs\nArtritis Perros mayores y grandes\nAnsiedad y estrés Perros falderos y otras razas sensibles\nA continuación vamos a explicar las posibles causas.\n#1 Frío o calor\nNo sé si te ha sucedido que despiertas a mitad de la noche en verano y no has podido dormir debido al que hace demasiado calor, ¿verdad?\nLos amigos peludos son aún más sensibles a las temperaturas demasiado altas o demasiado bajas. Y los que tienen el pelo largo, especialmente, suelen tener problemas con el calor en verano.\nLos síntomas más comunes de temperaturas excesivamente altas son:\nDuerme en el suelo de azulejo\nEn esta situación, una alfombrilla de enfriamiento para perros que trabaja automáticamente es ideal. No requiere electricidad, ni agua, ni tampoco refrigeración.\nEn el caso de los amigos peludos con pelaje corto, en cambio, sentir frío suele ser la causa de la inquietud nocturna. Los perros desnudos especialmente se ven afectados por esto. Los signos típicos aquí son:\nAullando o lloriqueando\nTemblores por todas partes\nPosición para dormir enrollada \nPor otra parte, una manta abrigada, un abrigo para perros y la elección de una cama adecuada ayudan contra el frío. Igualmente, los abrazos siempre son bienvenidos.\nSi el perro está inquieto por la noche puede indicar temperaturas demasiado altas o bajas. Los perros con pelo muy largo o muy corto son particularmente propensos a sentirse afectados por esto. Puedes utilizar productos para regular la temperatura.\n#2 Malestar estomacal\nLa forma de comunicarse de los perros es muy limitada en comparación con los humanos. Debido a que no pueden expresar el dolor de manera verbal, entonces lo muestran con el comportamiento.\nEl dolor de panza es una de las quejas más típicas en general. Las señales típicas son:\nRuido al comer y aulla\nSi al amigo peludo se le ha dado comida o sobras de comida de las personas durante la noche, el perro está inquieto por la noche porque debe tener problemas estomacales e intestinales.\nEntonces con frecuencia ayudará cambiar su alimentación. Varios síntomas son por alergias alimentarias. Un test de alergias sería ideal para esto.\nAlternativamente, una verificación de alimentación con tu veterinario seria de mucha ayuda para tener recomendaciones de como alimentar al perro.\nEn casos raros, de igual forma puede tratarse de una torsión del estómago. Además, puede existir un reflejo nauseoso sin vómitos ni temblores. \nLa torsión de estómago es una emergencia. Será necesaria la visita al veterinario de manera inmediata.\nSi el perro están inquieto por la noche y además tiene gases o diarrea con frecuencia, los problemas estomacales son los responsables. En ciertas circunstancias, puede tratarse des una torsión del estómago. Debes consultar al veterinario de inmediato.\n#3 Mala vista\nSi la visión se deteriora, entonces se nota mucho más en la oscuridad y esto se acompaña de miedo, incomodidad y confusión.\nEsto nos indica el por qué muchos perros con problemas de visión o inclusive ciegos a menudo corren inquietos y, en general, son muy nerviosos.\nLos perros viejos tienen más probabilidades de estar afectados. Los síntomas típicos de los problemas oculares incluyen:\nEn este padecimiento el malestar y el miedo pueden ser muy fuertes, en el caso de la ceguera total los amigos peludos se deprimen y ya no quieren salir de casa.\nEs imprescindible la visita al veterinario para el diagnóstico y el tratamiento. No todas las enfermedades oculares se pueden curar, pero en su mayoría se tratan muy bien.\nSi el amigo de cuatro patas tiene problemas de vista entonces esto hace que se sientan cada vez más incómodos. El perro está inquieto por la noche y se vuelve ansioso además se comporta de manera inusualmente inquieta.\n¿En alguna ocasión has tomado demasiado café y después te das cuenta de que estás sentado en su escritorio, moviendo la pierna, muy inquieto?\nEsto es igual en los amigos peludos que no pueden liberar su energía diaria. Los perros requieren actividad física y mental.\nSi no se les da, entonces su exceso de energía lo expresan con frecuencia de la siguiente forma:\nLloriquear y gimotear\nDebido a que los perros de caza y los pastores se encuentran entre las razas más activas, es entonces que estadísticamente la inquietud nocturna más frecuente en ellos.\nEn parte, la causa igualmente son las condiciones de vida inadecuadas. Por ejemplo, cuando vives en un espacio pequeño y tu perro es de las razas muy activas.\nLa cantidad de actividad física y mental que requiere el perro, varía de uno a otro. Entonces, ¿por qué no hacer una autocomprobación?\nLas siguientes actividades también pueden ayudar:\nCitas diarias de juego con perros vecinos\nLanzar juegos como frisbees o lanzar pelotas\nEntretenerlo a través de un hueso de madera de café\nUn hueso de mascar de Amazon no se astilla y limpia los dientes al mismo tiempo. Con casi 5.000 reseñas, también es uno de los más vendidos.\nCuando el perro está inquieto por la noche, indica exceso de energía. Las razas activas, como los perros pastores y los perros de caza, son las más afectadas. Pero si le das actividad va a disminuir conforme se aumente la carga de trabajo física y mental.\nLos médicos hablan de artritis cuando hay una inflamación crónica de las articulaciones. Las investigaciones muestran que alrededor del 20% de todos los perros mayores de un año la han padecido. \nLos perros con artritis a menudo se comportan inquietos debido al dolor y cambian con frecuencia el lugar para dormir. Otros síntomas son:\nAullar al levantarse y saltar\nLloriqueando y gimoteo\nPor desgracia, aún no hay cura para este padecimiento. Los síntomas se pueden mejorar con medicamentos, cambiado de dieta y fisioterapia.\nDe igual manera con suplementos antiinflamatorios y cápsulas articulares es posible contrarrestar el dolor y padecimiento. El veterinario suele ser el mejor contacto para ello.\nCuando el perro está inquieto por la noche y hace ruidos anormales durante la actividad física entonces indica una inflamación crónica de las articulaciones. También la artritis suele ir acompañada de un cambio al momento de caminar.\n#6 Sueños y pesadillas\nLos perros tienen las mismas fases que las personas cuando duermen. Y ellos sueñan con mayor frecuencia, particularmente durante el sueño REM.\nLos perros de igual manera emplean los sueños para procesar lo que han experimentado y poder satisfacer los deseos insatisfechos. Entonces en general se puede notar el siguiente comportamiento:\nLadrando en sueños \nSi el amigo de cuatro patas está teniendo una pesadilla, con frecuencia puede notar por el comportamiento inquieto por la noche. Los ejemplos clásicos son:\nConstante sacudidas en su cama\nLevantarse y temblar por la noche\nCambia constantemente su lugar para dormir\nGolpes o gemidos\nNo hay necesidad para sentir preocupación. ¡Si no todo lo contrario! Según las investigaciones, soñar se ha relacionado con la salud mental y una buena memoria.\nTanto los sueños comunes, como las pesadillas pueden ser culpables de que el perro está inquieto por la noche. Esto no es para preocuparse, más bien, los sueños son un signo de buena salud mental y física.\n#7 Instinto vigilante y guardián\nSi el perro está inquieto por la noche y ladra al mismo tiempo, puede tratarse de su instinto. Debido a que los sentidos de los perros son mucho más desarrollados a los nuestros.\nLos perros inclusive pueden escuchar frecuencias de ultrasonido que nosotros no podemos siquiera imaginar. \nLos perros ven hasta 4 veces más brillante en la oscuridad.\nLos perros pueden oler hasta 100.000 mejor que los humanos. \nInclusive en esos momentos en los que no podemos oír, observar, ni oler nada, los perros suelen percibir cientos de objetos.\nIgualmente, algunas razas se han criado particularmente para activar la alarma de alerta de forma inmediata si se detecta un peligro potencial.\nEntonces, la inquietud nocturna solo puede indicar una señal de que su perro está notando algo en la distancia que nosotros no somos capaces de entender en absoluto.\nLos perros de guardia y todas las razas de pastores son especialmente afectados por esta razón. Las causas comunes son caminar inquietos, ladridos o inclusive aullar.\nCuando el perro está inquieto por la noche o inclusive ladra, esto generalmente lo utiliza para advertir. Este instinto es especialmente fuerte en perros guardianes y perros pastores. También, la percepción sensorial de los perros es mucho mejor que la de nosotros.\n#8 Ansiedad y estrés\nSi un perro tiene miedo o está estresado entonces se libera adrenalina y otras hormonas del estrés. Por lo tanto, no permite que el amigo de cuatro patas pueda descansar tranquilamente.\nLos causas típicas son:\nTormenta y ruido\nEsto por lo general se presenta con mayor frecuencia en amigos peludos jóvenes o viejos. También, las razas de perros falderos especialmente son considerados como temerosos y sensibles.\nLas señales más comunes de estrés y ansiedad pueden ser:\nPara poder disminuir la ansiedad y el nivel de estrés, es indispensable averiguar la causa potencial. De manera independiente, las siguientes medidas pueden ayudar también:\nMucho ejercicio y actividad\nEn casos muy puntuales, entonces el veterinario de igual manera puede prescribir medicamentos. En casi todas las veces, no obstante, un tratamiento natural es por mucho la mejor decisión.\nSi el perro están inquieto por la noche y comienza a temblar, puede tratarse de miedo existente o estrés. El objetivo principal es saber el motivo y prevenirlo. Igualmente, ayuda la atención y el que este activo.\nLos perros son mucho más sensibles que los humanos. Por este motivo, con frecuencia expresan los deseos con más intensidad:\nDeseo sexual: Hiperactividad y chillidos\nHambre: Lloriqueos y golpes en la cama\nAtención: Aullar en la noche\nDueño: Aullando frente a la puerta del dormitorio\nLa soledad es uno de los anhelos más típicos. Particularmente cuando el amigo de cuatro patas está rodeado de personas durante el día y luego necesita dormir solo por la noche.\nLos perros que se encuentran solos tienden a parecer deprimidos, a dormir en exceso y a gimotear con más frecuencia. \nPor otra parte, cuando existe una intranquilidad por la noche, generalmente el responsable es el fuerte impulso sexual. No obstante, esto únicamente se manifiesta en perros no castrados.\nPor ejemplo, los machos por lo general tienen el deseo sexual elevado, las perras exclusivamente están en celo cada 3 a 12 meses durante aproximadamente 2 semanas.\nAnhelos como el hambre o la atención pueden causar que el perro está inquieto por la noche. Cuando se encuentra solo y tiene deseo sexual, el perro aúlla o se queja más. La solución entonces es identificar el anhelo y satisfacerlo.\nLa demencia es el nombre que se le da a todas los padecimientos en general que reducen el rendimiento mental. El Alzheimer, por otro parte, es específicamente un tipo particular de demencia.\nLos perros que padecen demencia con frecuencia reaccionan intranquilos durante el día y durante la noche dado que simplemente se han olvidado de su entorno o incluso de su propio dueño.\nOtros síntomas de esto son:\nComportamiento obstinado e ignorante\nLas investigaciones demuestran que cerca del 70% de todos los perros mayores de 15 años la llegan a tener. En perros mayores de 11 años, ya ronda en el 30%. \nDebido a que la demencia no tiene cura, la prevención es muy importante siempre. Las actividades mentales para aumentar el rendimiento cognitivo también son capaces de ralentizar el proceso.\nEste juguete de inteligencia de Amazon es ideal para esto. Estimula el cerebro y tiene alrededor de 25.000 reseñas, es uno de los más vendidos a nivel internacional.\nSi el perro está inquieto por la noche, sobre todo los ancianos y de repente se mete a la casa, esto puede ser un indicio de demencia. Este padecimiento es incurable, pero los efectos se pueden ralentizar haciendo acertijos.\n#11 Otras causas\nLas siguientes causas también pueden ser responsables del comportamiento anormal. Sin embargo, suele ser muy extraño:\nEs necesario la visita al veterinario especialmente si se presentan más síntomas patológicos o si el comportamiento intranquilo es de manera permanente.


Lo que debes saber sobre los fondos de capital riesgo - El blog de MAPFRE\nLo que debes saber sobre los fondos de capital riesgo\nLos fondos de capital riesgo son fondos de inversión que se caracterizan porque, en la mayor parte de los casos, suelen invertir en empresas no cotizadas, es decir, empresas cuyas participaciones en el capital no se negocian en un mercado de valores público.\nSon fondos que tienen un plazo de inversión para sus partícipes que es largo (o muy largo). Suelen ser fondos pensados con objeto de contribuir al nacimiento y expansión de empresas con elevado potencial, de manera que su valor aumente.\nEl capital riesgo (también conocido como venture capital, en inglés) es una de las principales fuentes de financiación de capital privado para que empresas y startups puedan emprender el desarrollo de sus proyectos. Es una forma de financiación que tiene mucho peso en los Estados Unidos.\nEn Europa, su influencia no es tan decisiva, pero poco a poco van escalando posiciones y consolidándose como una buena alternativa para la financiación de empresas y, sobre todo, startups tecnológicas.\nAsí funciona un fondo de capital riesgo\nLos fondos de capital riesgo suelen estar formados por aportaciones diversas de inversores privados (particulares, empresas, fondos provenientes de pensiones o de instituciones públicas).\nEstos fondos siempre se gestionan por profesionales (partners), que tienen como misión invertir en proyectos de alto riesgo, pero, como siempre sucede, con una probabilidad nada despreciable de conseguir obtener elevada rentabilidad a medio o largo plazo.\nEso es lo que sucede con la inmensa mayoría de startups y empresas recién creadas. Sus riesgos comienzan siendo muy superiores a sus potenciales rendimientos. Esto significa que, para muchos casos, el apoyo por parte de las entidades financieras es muy escaso, por no decir directamente que es nulo.\nAquí intervienen estos fondos de capital riesgo, siempre gestionados por profesionales, para apoyar al desarrollo de las nuevas empresas, apostando por un futuro de jugosos beneficios. Todos ganan: las nuevas empresas obtienen una inyección de capital para poder hacer realidad sus proyectos, y los inversores se reparten beneficios cuando dichas empresas consiguen triunfar.\nComo es lógico, y además ya contamos algo al respecto cuando hablamos de inversión en renta fija y renta variable, la diversificación es importante cuando se trata de invertir nuestro dinero. En este tipo de fondos, que no son para todo el mundo, una de las claves es la diversificación de sus carteras de inversión entre diferentes startups.\nDe esta manera, al diversificar entre varias empresas de alto riesgo, maximizan las posibilidades de recibir los mencionados beneficios de alguna (o algunas) de ellas. Para hacernos una idea, estos fondos de capital riesgo invierten en estas empresas de riesgo a cambio de una participación directa en su capital (entre un 25%-30% del total).\nAdemás, adquieren derechos de voto y un puesto en el consejo de administración de las empresas participadas. El objetivo es poder intervenir y opinar en la toma de decisiones, algo que, en realidad, es el riesgo más importante que asumen.\nFondos de inversión, ahorro a la medida de pequeños inversores ¿Qué son los fondos de retorno absoluto? Cómo funciona un fondo de inversión Cómo elegir un fondo de inversión\nClaves para un buen «elevator pitch» personal →\nDeja un comentario en Lo que debes saber sobre los fondos de capital riesgo Cancelar la respuesta\nCuando llega el momento de la jubilación, el poder adquisitivo baja. No obstante, para complementar los ingresos de la...


París acoge una nueva cumbre climática sin la presencia de Estados Unidos - VeoVerde\nLa cita, que lleva el nombre de One Planet, se realiza hoy en la capital francesa y contará con la presencia de más de 50 jefes de Estado. Donald Trump no fue invitado.\nDos años después de que se llevara a cabo el histórico Acuerdo de París, la capital francesa vuelve a ser sede de una cita internacional que busca profundizar los esfuerzos en la lucha contra el cambio climático. Se trata de One Planet, cita que reúne a más de cincuenta jefes de Estado y de Gobierno a la cual no fue invitado Donald Trump, mandatario de Estados Unidos.\nLa reunión ha sido organizada por la ONU y el Banco Mundial y tiene como fin conseguir los recursos para implementar los compromisos pactados en la COP21 del 2015. El encuentro se centrará en tres aspectos claves: la acción colectiva, la innovación y la solidaridad.\nTambién, la cita ha servido para que el Presidente de Francia, Emmanuel Macron, lance la iniciativa “Make our planet great again”, con la que busca apoyar a científicos que se quedaron sin recursos luego de que el gobierno de Estados Unidos cancelara sus programas.\n“El Acuerdo de París sigue siendo la única manera de combatir el cambio climático. Y no se concretará si todos en nuestra economía no participamos”, señaló la responsable del clima de la ONU, Patricia Espinosa.\nCabe recordar que en junio, Donald Trump anunció el retiro de Estados Unidos del Acuerdo de París por considerar que el histórico compromiso perjudicaba la economía de su país y beneficiaba a otras naciones.


El documental sobre la maestra Filomena Rossi se puede ver en la red youtube | Primer Día\nPrimer Día actualidad biblioteca caroya documental filomena rossi El documental sobre la maestra Filomena Rossi se puede ver en la red youtube\nEl documental sobre la maestra Filomena Rossi se puede ver en la red youtube\nClaudio Minoldo 14:26\nYa se puede ver online el documental en homenaje a la primera maestra de Colonia Caroya que le dio el nombre al espacio que funciona desde 1978 en la Casa de la Cultura.\n“Filomena” –así se denomina el informe audiovisual que se puede ver en el siguiente link goo.gl/kTgvHU- es una recopilación de entrevistas a Lucía Rossi, Alfredo Rossi, Carlos Rossi, Marta Copetti, Martha Canale, Ofelia Canale, Beatriz Coseani y Liliana Londero.\nCada uno aportó datos de sus propias investigaciones que ofrecen una mirada especial de la primera mujer reconocida de la ciudad, destacada por haber enseñado a hablar castellano a los hijos de los colonos que se asentaron particularmente en el Bº Los Chañares.\nFilomena Rossi, nació en el año 1854 en Cividale (Friuli). Junto a ella vinieron sus padres, Luis Rossi y Mariana Felitich, y sus hermanos Ángel, Antonio, Domingo y Luis.\nSu gran inteligencia le permitió avanzar rápidamente en sus estudios en su país de origen. Algunos dicen que obtuvo el título de maestra; otros, sólo la habilidad para enseñar. Le apasionaba escribir relatos y poesías. Por pedido de los colonos, a poco de radicarse con su familia en Caroya, Filomena comenzó a dar clase de lectura, escritura y elementos de aritmética a los hijos de los inmigrantes.\nComenzó con más de 20 alumnos, pero el número fue aumentando. Cuando en 1884 se declaró obligatoria la enseñanza primaria en todo Córdoba, Filomena se mudó a la ciudad de Córdoba donde comenzó a dar clases particulares.\nMás tarde, conoció a un inmigrante oriundo de Bérgamo (Italia), Pablo Messi, con quien contrajo matrimonio. Uno de los datos pocos conocidos de Filomena es que tuvo un hijo de soltera: se llamó Domingo y llevó su apellido. Radicada en Tucumán junto a Messi, nacieron dos hijas de la pareja: Paulina y Gilda. La primera maestra de Caroya falleció el 6 de septiembre de 1921 a los 59 años de edad, producto de una grave enfermedad. Por iniciativa de la Comisión de Festejos del Centenario de Colonia Caroya, en 1978 se creó la Biblioteca Maestra Filomena Rossi en su homenaje. La calle 33 también la recuerda.