sitges 2012 reseñas - miradas de cine nº 127, octubre 2012 miradas de cine\nCon esos diez días a nuestras espaldas, días de excesos en los que incluimos el cine, vamos a dejar que se note con esta recopilación de reseñas en las que recuperamos muchas cosas que allí no pudimos narrar al momento, y donde, además de nuestros corresponsales, colaboran amigos y miembros de la revista con los que coincidimos en la localidad catalana.\nPietà, de Kim Ki-duk (Corea del Sur) NV\nY un día, de pronto, Kim Ki-duk pasó de moda para buena parte de ese sector de la colectividad crítica que había aplaudido recurrentemente cada nueva película suya, incluyendo proyectos tan (auto)complacientes como Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera, esa película que parecía haber sido diseñada fotograma a fotograma para adaptarse a los hábitos gustativos de los paladares occidentales. Decían que el cineasta coreano había terminado preso de sí mismo (¿y quién no?) y que se había estancado creativamente, ninguneando de esta forma los hallazgos narrativos y estilísticos que encontrábamos en la perversa comedia en bucle Time, en esa estrafalaria a la par que desgarradora aproximación al cine musical que es Aliento, en la trama casi cortazariana de la onírica Dream o en el curioso aunque finalmente inocuo experimento narrativo que propone Amén. Es verdad que, en un punto de su carrera, el director de La isla había llegado a un aparente callejón sin salida, como evidencia El arco, película con un toque peligrosamente formulaico. Y ahora parece que, casi sin excepción, Ki-duk ha terminado por ser carne de conservadores festivales internacionales. Pese al León de Oro obtenido en el último Festival de Venecia, Pietà ha sufrido la misma gélida recepción que todos sus últimos filmes a excepción de la inefable Arirang. Y sin embargo, se trata de una nueva vuelta de tuerca a su imaginario particular a partir de un proceso de depuración y estilización de lo grotesco como instrumento para indagar en la alienación contemporánea de los lazos afectivos. Lo cierto es que como ficción funciona con una notable precisión gracias a un sentido de la concisión narrativa mayor que en cualquiera de sus últimos trabajos. La volcánica relación entre una madre y un hijo sale airosa en su pretensión de transmitir la atormentada humanidad de un relato que no renuncia a las píldoras autoparódicas habituales en el último Ki-duk, pero tampoco a un lirismo desangrado que aturde y, además, conmueve.\nPostcards from the Zoo, de Edwin (Indonesia) NV\nNo es extraño que entre una programación vasta e inabarcable como la ofrecida por el Festival de Sitges se filtren inclasificables producciones que habitualmente pasan de puntillas entre las tan variadas como suculentas experiencias que ofrece el certamen. Este sería el caso de la indonesa Postcards from the Zoo, ópera prima del realizador primerizo Edwin, una fábula de ritmo parsimonioso que relata la educación sentimental de una niña en el onírico espacio de un zoológico, mundo ignoto que observamos desde la mirada límpida y alucinada de la protagonista. Cabe constatar el estimulante flirteo de esta indefinible película con el género fantástico: en el tramo más hermoso, un enigmático mago/cowboy entra, como por arte de magia, en la ficción, para después abandonarla en una secuencia de fabuloso lirismo. Cuando la joven ha de dejar el zoológico y vivir en el mundo exterior, la evocación de su existencia pretérita está pautada por la reiteración de motivos visuales y musicales, como si se tratara de los estribillos de un poema o como si fuéramos sumergidos en una extraña liturgia mística. Postcards from the Zoo es una aventura cinematográfica insólita que se descubre a sí misma como una de las joyas secretas de esta última edición.\nFlying Swords of Dragon Gate, de Tsui Hark (China) Galas\nTras las gozosas Missing y Detective Dee y el misterio de la llama fantasma muchos de los aficionados al cine del maestro Tsui Hark teníamos grandes previsiones sobre lo que podría llegar a ser, por más de un motivo, Flying Swords of Dragon Gate. En primer lugar, se trata del segundo remake de un clásico imprescindible del cine de artes marciales, Dragon Inn (King Hu, 1967), cuyo primer remake, New Dragon Gate Inn (Raymond Lee, 1992), había sido escrito por el propio Hark; un material argumental sin duda suculento y muy apropiado para las manos de un realizador tan habituado a todo tipo de malabarismos narrativos. Esta mirada hacia atrás en pos de la recuperación de la grandeza del wuxia de antaño se prolonga en la elección de Jet Li como protagonista de la cinta, una vieja gloria cuya colaboración con Hark había dado lugar a maravillas como la trilogía Érase una vez en China. En tercer lugar, estamos ante la primera película China rodada completamente en 3D, y muchos soñábamos despiertos imaginando lo mucho que podía dar de sí, en cuanto a mutaciones de la puesta en escena se refiere, un Tsui Hark de la era digital. Flying Swords of Dragon Gate pretende, pues, revitalizar una tradición cinematográfica sirviéndose de los últimos avances técnicos disponibles, pero el resultado —por mucho que me duela decirlo— roza lo catastrófico. Las coreografías —salvando algún momento puntual— desaprovechan alarmantemente las posibilidades ofrecidas por las innovaciones tecnológicas, situándose en el punto más bajo de la carrera del director chino. La progresiva acumulación de subtramas y personajes secundarios termina por debilitar hasta el derrumbe un relato de débil arquitectura, visiblemente esforzado pero decepcionante por la torpeza con que ha sido elaborado. No obstante, y pensando en los muy sólidos filmes que preceden a Flying Swords…, confiamos en que se trate de un simple tropiezo en una carrera brillante, pero también sumamente irregular. Sobre el lamentable estado de salud del wuxia ya habría que hablar aparte…\nThe Weight, de Jeon Kyu-hwan (Corea del Sur) SOFC\nSon innumerables los textos críticos que describen, con irreprochable precisión, la sintomatología que afecta al degradado thriller surcoreano, cuyo futuro parece residir en manos de un puñado de aguerridos cineastas —noveles y veteranos— que se niegan a caer en el cómodo letargo de las recetas. Pero mucho menos se ha hablado de cómo otra parte de la producción nacional, libre de codificaciones genéricas, ha terminado por someterse a determinadas tendencias predominantes en las corrientes de los festivales europeos de prestigio. The Weight es un tipo execrable de subproducto que no ofrece más que autoría prefabricada: sordidez de diseño, personajes indescriptiblemente extravagantes, un sentimentalismo que se vierte por vías no convencionales y arranques de realismo mágico más bien pobres en lo que a imaginación se refiere. Ingredientes no menos formulaicos que los que constituyen producciones visiblemente comerciales como War of the Arrows (Kim Han-min, 2011), Deranged (Park Jung-woo, 2012) o Nameless Gangster (Yun Jong-bin, 2012), también proyectadas en Sitges a lo largo de estos días. La última película del responsable de la trilogía integrada por Mozart Town, Animal Town y Dance Town no es más que una caótica amalgama de apuntes deshilachados cuya narrativa se basa en la acumulación gratuita de acontecimientos pintorescos. Su único fin parece ser la búsqueda del equilibrio entre lo jocoso y lo repulsivo. Pero, definitivamente, muere enferma de sí misma: no enuncia nada, se conforma con aparentar y, para colmo, Kyu-hwan parece tristemente contento con ello. The Seasoning House, de Paul Hyett (Gran Bretaña) SOFP\nLa primera película dirigida por Paul Hyett —encargado de los efectos de maquillaje en producciones como Eden Lake o Attack the Block!— está muy lejos de ser redonda; pero aunque se trate de una obra menor con una voluntad desesperada por resultar provocativa mediante la esmerada plasticidad de su violencia, lo cierto es que en su interior laten una serie de preocupaciones de orden estilístico y conceptual que hacen de ella una experiencia para nada desdeñable. En The Seasoning House, ambientada en la Guerra de las Balcanes, una adolescente sordomuda que ha perdido a su familia durante el cruel conflicto será recluida en un prostíbulo regentado por un inescrupuloso delincuente que se dedica a prostituir con soldados a las jóvenes secuestradas. Habiéndose convertido en la preferida del líder de la mafia, su actividad laboral consistirá en drogar a sus compañeras para facilitar la posterior violación, limpiar las magulladuras y heridas que dejan en ellas sus agresivos clientes y maquillar sus rostros para hacerlas más apetecibles a ojos de súcubos prestos a devorarlas. El esencialismo narrativo y la primitividad de los elementos confrontados en el relato aproxima su caligrafía a la de una fábula; este carácter fabuloso se ve acentuado por la irrealidad cromática que predomina en la onírica fotografía de Adam Etherington. Hyett parece dispuesto, como muchos otros cineastas de su generación, a explorar el nuevo lugar de lo femenino en las narraciones contemporáneas: el hermético espacio al que alude el título es un universo presidido por la feroz voracidad del deseo sexual masculino; la puesta en escena formula con violenta visualidad la tensión entre el aspecto robusto, musculado y monstruoso del cuerpo del hombre y la quebradiza fragilidad de la actriz Rosie Day; algo que se trasluce en las imágenes con una contundencia ajena a cualquier principio de sobriedad expositiva. Por otra parte, The Seasoning House lleva hasta el paroxismo una obsesión persistente en el cine de los últimos años, que hemos podido observar, además, en algunas de las películas proyectadas durante la reciente edición del Festival —pienso concretamente en Sinister, Lovely Molly, Chained, The Pact y en el tramo de V/H/S que dirige Joe Swanberg—, y que tiene que ver con la inhabitabilidad de los espacios. La noción de refugio parece haber ido desvaneciéndose progresivamente en las películas de género: Angel transitará por cinco hogares provisionales —si tenemos en cuenta su paso por la fábrica, momento de sumo interés— de apariencia desigual, pero todos esconden trampas letales para ella. La vida ya no es más que un blanco móvil.\nWar of the Arrows, de Kim Han-min (Corea del Sur) Casa Asia\nWar of the Arrows fue la película más taquillera durante el año pasado en los cines de Corea. Pese a los problemas de financiación a los que debió enfrentarse Kim Han-min en su tercer largometraje, esta ficción que relata la segunda invasión manchú de Corea en 1636 logró captar la atención de un público que suele mostrar gran entusiasmo ante los filmes históricos de corte abiertamente patriótico. Todo parece haber sido modelado siguiendo a rajatabla los patrones de lo que debe ofrecer un espectáculo épico con talante de blockbuster para toda la familia. Si bien Han-min disimula con habilidad las deficiencias presupuestarias, la narración de los acontecimientos es plana y vulgar. Sin embargo, algunos apuntes bastante subversivos sobresalen por encima de la tosquedad del material, ya que nos encontramos frente a la descripción de un nacionalismo cimentado en el escepticismo político y en el rechazo a la hipocresía de los líderes. La gran figura mesiánica, capaz de encender en el pueblo la llama de la rebeldía, no es ningún guerrero juramentado, sino un holgazán, borracho y putero, que resulta letal para sus enemigos cuando tiene un par de flechas en su carcaj. Dead Sushi, de Noboru Iguchi (Japón). Midnight X-Treme\nPese a los decalitros de sangre vertida, a los profusos desmembramientos y al grotesco sentido de la sexualidad que colapsa las imágenes en las películas de Noboru Iguchi, su mirada tiene tanto de maliciosa como de cándida e infantil. Iguchi parece apropiarse de la violencia como si fuera una inofensiva herramienta del cine entendido como simple espectáculo. No hay cuerpos sufrientes en sus filmes, y cualquier agresión física está marcada por una festiva frivolidad que neutraliza el impacto de lo que vemos y magnifica su condición inocuamente cómica. Desde este punto de vista, una película como Dead Sushi está hermanada con algunas de las comedias gore más descerebradas que se puedan proyectar en la sección Midnight X-Treme. No hay ningún afán especialmente revulsivo en el desparrame de vísceras, pero existen un par de cuestiones que hacen al último filme de Iguchi —y a su obra cinematográfica en general— más estimulante de lo que nos podrían sugerir nuestros prejuicios. Por un lado, el director se acoge a tradiciones folklóricas y narrativas muy arraigadas en la cultura popular de su país y las subvierte a través de su ensuciamiento y banalización; nos interesa especialmente la forma en que procede a este rebajamiento del material que tiene entre manos, sirviéndose de fogonazos de mal gusto entendidos como si fueran cartuchos de dinamita. Quizás, en este sentido, el alcance de la mala leche de Dead Sushi sea menor que en otras producciones del nipón —incluyendo su espléndido atentado a lo kawaii en The ABC’s of Death—, pero debemos decir que Iguchi es solvente a la hora de contar una historia y escenificar combates, lo cual no debemos dejar de agradecer en este delirio trash y multirreferencial donde las piezas de sushi asesinan, devoran, cantan y hasta se aparean entre ellas. Sound of my Voice, de Zal Batmangli (EE.UU.) NV\nEl año pasado, la actriz, productora y guionista Brit Marling aterrizaba en Sundance con dos modestas películas producidas, co-escritas y protagonizadas por ella misma: Otra tierra y Sound of my Voice. La primera, una irregular pero estimable producción indie que postulaba a Mike Cahill y a Marling como dos talentos muy a tener en cuenta en el futuro, se proyectó en el 44 Festival de Sitges. Proponía, entre otras cosas, un viraje de la ciencia ficción hacia una concepción más intimista y menos espectacular que la acostumbrada; una vía que transita también Sound of my Voice, filme que percibe al género como herramienta adecuada para meditar acerca de eso que Íker Jiménez llamaría «el enigma humano». A través de la historia de un joven matrimonio que se infiltra en una secta presidida por una mujer que asegura venir del futuro, el tándem Batmanglij-Marling disecciona a una sociedad atomizada en la que apenas quedan ya rastros de los antiguos lazos comunitarios. Pero ni siquiera el escepticismo crítico que orienta hoy nuestra brújula epistemológica nos libra de algo tan arraigado en las raíces culturales occidentales como es el deseo de someternos a una voluntad superior que guíe nuestros pasos. Brit Marling desata todo su potencial interpretativo para dar vida a uno de los personajes más hipnóticos y sugestivos que un servidor recuerde en mucho tiempo. En la enigmática Maggie se condensan las contradicciones inherentes a las figuras mesiánicas y las inevitables tensiones entre un pasado cuyo legado no hemos sabido incorporar a nuestra experiencia, un presente opaco ante nuestros propios ojos y un futuro más incierto que nunca. La ambigüedad desdibuja los contornos del relato pero no afecta a las intenciones de una notable cinta que, como radiografía de un desconcierto de orden ético y metafísico, rehúye coherentemente de una resolución concluyente. Dragon, de Peter Chan (Hong Kong) Casa Asia\nNo sabría decir si la última película del subvalorado Peter Chan es realmente transgresora o solamente refrescante. Lo que sí me queda muy claro es que es una muestra tan arrolladora de vitalidad cinematográfica que no puedo más que rendirme ante sus incontables virtudes. Parece imposible que un cineasta sea capaz de desplazarse con tal gracilidad, ligereza y elegancia entre formas de enunciación tan disímiles y distantes como lo son una original reformulación del cine policíaco —en la que se dan la mano la deducción holmesiana, nociones de medicina tradicional china y la recurrencia a planos secuencia anatómicos a lo C.S.I— y todos los ingredientes dramáticos y escénicos propios del wuxia. Uno se siente desbordado por el gozoso sentido del storytelling de Chan y por la magnificencia visual de un espectáculo orgánico y vertiginoso sobre el que reposa un drama existencial que plantea múltiples cuestiones de atemporal universalidad y, además, las plantea muy bien. ¿Dónde radica la esencia de lo que somos? ¿Cuándo dejamos de ser lo que hemos sido para comenzar a ser algo distinto?, se pregunta día a día el atormentado detective que interpreta un sobresaliente Takeshi Kaneshiro; interrogantes cuyo eco sigue repercutiendo en nosotros mucho después de que haya cesado el sonido de las espadas chocando.\nAssault: Jack The Ripper, de Yasuharu Hasebe (1976, Japón). Mondo Macabro\nConmemorando el centenario de la mítica productora Nikkatsu, que durante décadas fue el máximo referente en la producción de películas pinku eiga —subgénero que combina el thriller, el pornosoft y una suerte de proto-torture porn—, esta última edición del Festival ha tenido la grata idea de recuperar tres ejemplos muy significativos de lo que supusieron estos filmes durante los años ’70. El primer de ellos es una historia de asesinatos en serie dirigida por el fundamental Yasuharu Hasebe, que relata las hazañas de una joven pareja que estimula su libido torturando y apuñalando atractivas mujeres. La vieja asociación entre Eros y Thanatos brilla en todo su esplendor desde la magnífica secuencia en que una perturbada muchacha se desnuda delante de los amantes para después automutilarse; a partir de este momento, las pulsiones de la muerte alimentan el deseo sexual y empujan a los protagonistas a una vorágine destructiva y autodestructiva que funciona a modo de oscuro reflejo de las relaciones de pareja tradicionales. Misógina hasta límites difícilmente tolerables por el público de hoy, Assault traspasa con audacia las fronteras de lo políticamente correcto y ve suplidas sus asperezas e irregularidades por la contundencia de unas conclusiones bastante siniestras. Ignacio Pablo Rico\nStar of David: Beauty Hunting, de Norifumi Suzuki (Japón) Mondo Macabro\nTuve ocasión el pasado verano de visitar la villa de Denjirô Ôkôchi, un bello jardín en las inmediaciones del bosque de bambú de Arashiyama, en Kyoto. Mientras recorría aquel paraje primorosamente diseñado por la célebre estrella de Nikkatsu, me topé con un elemento perturbador: asomaba entre las rocas un ejemplar del temible avispón autóctono japonés, de gran envergadura y picadura letal en no pocos casos. Por suerte no hubo mayores consecuencias, como tampoco se derivan del visionado de Star of David: Beauty Hunting, hito de ese otro avispón llamado pinku eiga que anidó en los jardines fílmicos de la Nikkatsu. Recordar el centenario de la productora programando una sesión doble de roman porno es una de esas genialidades por las que amamos Sitges, pero también una invitación a reconocer la audacia de Norifumi Suzuki, director que fue capaz de poner en duda los valores de masculinidad imperantes en Japón (Girl Boss Blues: Queen Bee’s Counterattack, 1971) o dotar al exploitation de un genuino halo romántico (Sex and Fury,1973). Hay una gravedad en su trabajo que probablemente alcanza su cota más alta con Star of David…, cuya realización mezcla sin comicidad alguna el erotismo y las torturas con conceptos como la genética de la violación, la necrofilia, el ideal nazi de pureza o la humillación como forma de conocimiento del ser humano. Si bien conviene no sobreanalizar obras abiertamente enfocadas a la explotación, pocas como esta arrojan una visión tan inquietante de la época y sus espectadores. Mientras que la fauna noctámbula de Sitges disfrutaba de la proyección a unas horas en que no cabe rebelión política más allá de 140 caracteres y el instinto sexual cede paso a incontinencias más infantiles de cintura para abajo, el público de aquellos años lo hacía con una complicidad de naturaleza muy diferente al frikismo inofensivo que alimenta nuestra cinefilia actual. No os recomiendo intentar entenderla, chicos: simplemente, recreaos en las tetas de las actrices y llevaos el recuerdo a una feel-good movie como Safety Not Guaranteed. De nada. Álvaro Peña\nExcision, de Richard Bates Jr. (EE.UU.) SOFP\nEl primer largometraje de Richard Bates es la versión matizada y aumentada de su debut en formato corto de igual título realizado en 2008. Una excelente carta de presentación que le valió numerosos premios entre ellos el del Austin Film Fest y que ha convertido, manteniendo buena parte de sus hallazgos de puesta en imágenes, en una película notable, por momentos extraordinaria. El punto de partida y la conclusión es bien reconocible en la historia del género. Lo interesante es el tratamiento elegido por el joven cineasta, que sin alzar la voz en ningún momento no solo narra el funesto itinerario (mental y físico) de la protagonista, también del mundo que le rodea, dejando en evidencia a la familia, el matrimonio, la enseñanza, la comunidad y la religión, instituciones que se quieren defender como baluartes del camino correcto cuando apenas parecen haberse actualizado y/o que entre sus pliegues pudieran esconder importantes taras. La tragedia de Pauline (a la que incorpora con un gran despliegue de registros AnneLynn Mccord, que aunque no lo parezca a primera vista es una auténtica preciosidad es la misma que la de la negación de una sociedad bienpensante que prefiere mirar a otro lado o aceptar lo que hay (resulta elocuente el perfil que se hace del padre), sin molestarse en identificar los problemas ni escuchar los gritos de auxilio (la madre insiste en llevar a Pauline al parroco local en vez de, como ella misma le pide, buscar ayuda profesional). El recorrido, repleto de un extraño humor negro, que sigue Pauline está puntueado por la visualización estilizada de recurrentes pesadillas que funden deseo, sangre y dolor, y por esas charlas que tiene con Dios (no se puede decir que esté rezando) en las que intenta lidiar con la culpa por el odio que siente hacia su madre, concluye en el momento en el que ambas mujeres, abrazadas, gritan horrorizadas por lo que ha acaba de hacer la adolescente… José David Cáceres\nAntiviral, de Brandon Cronenberg (Estados Unidos-Canadá, 2012) SOFC\nEn 1919, Marcel Duchamp pintaba mostacho y perilla a una reproducción barata de La Gioconda. En los márgenes de lo que había pasado a ser un ejercicio de apropiación artística, Duchamp añadía como título L.H.O.O.Q., acrónimo que vocalizado en francés suena similar a «Tiene un buen culo». La postal es hoy ejemplo paradigmático de objeto encontrado o readymade. Un tipo de obra que no ambiciona ser abiertamente novedosa ni rupturista. Que prefiere operar como un antiviral, causando una disfunción irónica en el ADN del objeto consagrado al que se remite para aislar, neutralizar y reconfigurar su ascendiente infeccioso sobre el ecosistema cultural. El gesto de Duchamp lo emula en su ópera prima Brandon Cronenberg, hijo del reputado David Cronenberg. El protagonista de Antiviral, Syd March (Caleb Landry Jones), trabaja en una clínica que mercadea con dolencias víricas de celebridades, ansiadas por sus fans como forma de comunión definitiva con sus ídolos. Syd inocula además subrepticiamente en su propio cuerpo tales dolencias para traficar con ellas de manera ilegal. En el plano bisagra del film, Syd dibuja con sangre un burdo bigote sobre el rostro omnipresente de la superestrella Hannah Geist. El término Geist remite a la fenomenología del espíritu hegeliana, a la realización del Espíritu a través de y contra sus manifestaciones objetivas y subjetivas. El acto de agresión metafórica que ejerce Syd confirma que Antiviral es más que una simple adecuación a 2012 de los postulados sobre la Nueva Carne de David Cronenberg. Más que una reedición estilística ingeniosa y servil de Stereo (1969) y Crimes of the Future (1970). Más que una mirada sobre nuestro presente post-mediático conexa a las de otros títulos presentes en Sitges 2012 como Me @ the Zoo (Chris Moukarbel y Valerie Veatch, 2012) y Room 237 (Rodney Ascher, 2012). Su última escena subraya que Antiviral representa, ante todo, un vía crucis de estaciones definidas por la ansiedad de la influencia (paterna), el control del legado (paterno), y el éxtasis final de una vampirización proteica (del padre). Brandon concluye que David también tuvo un buen culo, y lo penetra con la inteligencia y la delicadeza necesarias para que el cóctel de fluidos resultante sirva al propósito de abonar su incipiente carrera como director. Diego Salgado\nWolf Children, de Mamoru Hosoda (Japón) SOFC\nSe dibuja un escenario emocional en la tercera película de Mamoru Hosoda que remite sutilmente a sus anteriores trabajos: personajes en busca de sentido. Porque no trata tan solo de reflejar el duro camino hacia la madurez como una sucesión de anécdotas divertidas que terminan con los polluelos abandonado el nido; la película es en realidad un brillante ensayo sobre nuestra capacidad de cambiar y de aceptar el cambio. La historia de estos personajes es una trepidante huida hacia delante. Como en tantas otras fábulas abandonamos la ciudad hacia ancestrales territorios en los que poder conectar con la naturaleza, con la comunidad… sin embargo la vida en el campo es por supuesto muy dura y no encontramos allí crípticos maestros que nos desvelen los misterios de nuestra existencia: las dudas permanecen, y con el paso del tiempo se hacen más acuciantes. Descendemos pues cuesta abajo y el paisaje cambia rápidamente. Hosoda consigue que la ciudad, populosa y sin embargo solitaria, parezca un remanso de paz comparado con el ajetreo del campo: no hay tiempo para pensar, hay demasiado por hacer. La mezcla de géneros, comedia, drama o romance, marca el ritmo como lo hace en nuestro día a día. El elemento fantástico tampoco es disonante, aparece perfectamente integrado en la cotidianeidad evitando la fuga que experimentamos en otras fábulas. Nos precipitamos sin saberlo hacia un momento crucial en nuestras vidas, ese en el que tendremos que detenernos y mirar a nuestro alrededor. Y el hilo conductor de todos esos recuerdos es tan solo una sonrisa.\nMekong Hotel, de Apichatpong Weerasethakul (Tailandia) NV\nEl mundo moderno y el ancestral conviven de nuevo pacíficamente en este mediometraje de Apichatpong Weerasethakul. También la ficción y la realidad se hacen por momentos indistinguibles: ¿se trata de un documental sobre el rodaje de una película? ¿se trata de una ficción cuyas escenas han sido recortadas a trasquilones permitiendo vislumbrar a sus actores y al propio cineasta? A veces se diría que miramos por los ojos del director y lo que muestran es una imagen desprovista de narración: solo la sospecha de que quiere compartir un sentimiento, un paisaje que le resulta evocador, cierta música… es como si se interrumpiese la película y nos encontrásemos de repente en una sala de museo. Sin embargo la fantasía aparece después con naturalidad; sorprendente en cierta medida pero solo como lo pueda ser la noticia de una enfermedad grave. Entonces se cuela alguna conversación de fuera de los personajes, de los actores haciendo de sí mismos en una ficción que intenta recrear la vida que llevan al margen de la realidad. Y de nuevo la sala de museo. La instalación de Weerasethakul es sin duda sugerente pero advierto a quien se aventure en ella de que hay que llevar casi todo el trabajo hecho de casa: las abstracciones que propone el director son tan abiertas como la predicción de una pitonisa y hacen temer que lo siguiente sea una película de él mismo cortándose las uñas de los pies durante dos horas (eso sí, con un extravagante demonio que se come los recortes que caen debajo de la cama). Rosendo Chas\nAhí va el diablo, de Adrián García Bogliano (México) SOFP\nEn una edición en que Satán ha hecho acto de presencia, y no para cazar moscas con el rabo precisamente, no podía faltar un título consagrado a las posesiones demoníacas. Lo interesante de Ahí va el diablo es que tras un prólogo de sonrojante explicitud, desnudos femeninos gratuitos incluidos, el foco de la historia se dirige hacia el drama de unos progenitores que tras hacer frente a la desaparición de sus dos hijos durante unas apacibles vacaciones en Tijuana deben asumir el hecho de que ambos han vuelto, pese a parecer ilesos, transformados. El mal que parece haberse apoderado de sus vástagos va impregnando, insidiosamente, la narración, así como el comportamiento de unos padres que se resisten, pese a las innegables evidencias, a asumir las implicaciones de lo sucedido. Por más que la película no escatime en truculencias —de esas pensadas para arrancar el aplauso del espectador adicto a las emociones fuertes— lo que termina por imponerse es una convincente aproximación a la cotidianeidad del terror.\nHenge, de Hajime Ohata (Japón) NV\nCada vez son más los cineastas que alargan arbitrariamente la duración de sus películas, en no pocas ocasiones muy por encima de sus propias posibilidades narrativas. El que Hajime Ohata haya elegido para su nuevo trabajo la concisión del formato mediometraje hace gala de una honestidad que le honra, pues en los 54 ajustados minutos de Henge cabe un psicodrama de pareja llevado a sus últimas consecuencias, que puntea la degradación física del marido —y consecuente degradación moral de la mujer, que no duda en ofrecerle magros jovencitos a los que seduce para aplacar el insaciable apetito de su amado por la carne humana— con secuencias de paroxístico terror, gritos y mutaciones incluidas, de esas que tan bien dominan los directores japoneses de género. Reincidiendo en la filiación nipona, los últimos estertores del filme se regodean en la ceremonia de la destrucción masiva, coqueteando sin rubor con el Kaiju Eiga de serie Z en un pasadísimo climax final.\nKeyhole, de Guy Maddin (Canada) NV\nLa filmografía del director canadiense se ha venido caracterizando por un decidido empeño en plasmar esas fantasmagorías que pueblan su inquieta imaginación y, por extensión, el inconsciente colectivo histórico del que se nutre el propio cine. En su nuevo trabajo el mito griego de Homero sirve para articular una revisitación de los códigos del noir, que devienen finalmente pretextos para dar salida a una torrencial catarata de secuencias, tan bellas y sugerentes como a la postre agotadoras, en las que Guy Maddin da muestras de encontrarse a sus anchas sin que medie invitación al potencial espectador, perdido en un laberinto de imágenes y sonidos de complicada, por no decir imposible, asimilación. Para bien y para mal, Keyhole es celuloide libre hasta sus últimas consecuencias, y el mérito que ello conlleva no debería ser óbice para reconocerse superado por la sobredosis de estéticas y libre albedrío.\nPost tenebras lux, de Carlos Reygadas (México) NV\nUna de las peores rémoras que pueden afectar a una película es verse constreñida por una marca de fábrica que se imponga desde fuera en vez de nacer desde dentro. Si encima el responsable es un director más pendiente de hacerse notar que de adaptar la puesta en escena a las necesidades de lo que narra, el asunto adquiere tintes irritantes. Viene esta digresión a cuento de la decisión de Carlos Reygadas de distorsionar los extremos del plano arbitrariamente en Post tenebras lux, un efecto visual que amplifica la rotunda belleza de las secuencias que tienen lugar en los agrestes exteriores, pero emborrona de manera inexplicable los rostros de los intérpretes cuando la cámara se les acerca, enturbiando por lo general la bellísima fotografía. Pese a ello y la molesta dispersión narrativa —proverbial en aquellas obras que suceden ante todo en la mente de sus creadores—, la medida cadencia con que vamos asistiendo a la intrahistoria de la familia protagonista, rota de manera abrupta por las desconcertantes apariciones de un Diablo sobreimpresionado, o una orgía donde el sexo recupera su añorado carácter revulsivo, refuerzan la apuesta de un cineasta a seguir con detenimiento. Víctor de la Torre\nWarrior, de Gavin O’Connor (EE.UU.) Seven Chances\nEsta película de Gavin O’Connor es a las historias de luchadores lo que las novelas de Don Winslow al género negro. Es decir, un pastiche mínimamente solvente confeccionado por un tipo al que se nota que le gusta el asunto pero que no tiene gran cosa que aportar. O’Connor explota la máxima de que los tiempos duros se capean a hostias, transita lugares comunes y se queda artísticamente corto frente a la sombra de Hill (por partida doble), Sly (por partida múltiple), Bronson, Marty o Clint. El mayor rasgo definitorio del cineasta neoyorkino parece ser su obsesión por las relaciones fraternales y paternofiliales turbulentas, como si quisiera también ser un complemento del más prestigioso James Gray. Tiene la fortuna de contar con un excelente trío protagonista, de los que casi pagan sólo con la presencia. Nick Nolte en su salsa etílica, como el fantasma de un Tom Jordache con una segunda oportunidad. Joel Edgerton se consolida como un tipo dotado para el drama y con madera de hombre de acción. El hipertrofiado Tom Hardy protagoniza, más por sus prestaciones físicas e interpretativas que por méritos del realizador, la imagen más poderosa del film: su personaje como un auténtico animal herido y enjaulado durante el fraticida combate final.\nDead Shadows, de David Cholewa (Francia) Midnight X-treme\nLa aparente falta de altas pretensiones es al mismo tiempo la mayor ventaja y el mayor hándicap de la opera prima de David Cholewa. El film se acaba postulando como un sentido y demasiado inocente homenaje a la criatura multiglandular que amamantó a sus responsables. Tenemos el tuétano del imaginario lovecraftiano y el brío deseado de un John Carpenter, aderezado con imaginería propia del mejor cine de Brian Yuzna y de las viñetas de un Eleuteri Serpieri o los desfases de Toshio Maeda. Tan sencillo como eso y poco más: un buen ritmo, FX notables, romanticismo apocalíptico y un reparto que funciona suficientemente en el que destaca con facilidad un John Fallon cuyo personaje, con posibilidades icónicas, no acaba de ser aprovechado. Exactamente lo mismo que sucede con ese espectacular decorado que debería ser la ciudad de París. Salvador Solano\nThe Thieves, de Chio Dong-hoon (Corea del Sur) Casa Asia\nEste film permite un par de cosas. Por una parte, pasar un buen rato con un divertimento bastante completo. Empieza como una caper movie en el estilo de tantas y tantas obras previas pero con la mirada puesta en el Steven Soderbergh de Ocean’s Eleven. Hagan juego (Ocean’s Eleven, 2001), Ocean’s Twelve (Uno más entra en juego) (Ocean’s Twelve, 2004) y Ocean’s Thirteen (2007). Una banda coreana de ladrones de altura es presentada al espectador tras un robo ingenioso y arriesgado, como no, definiendo los roles de cada uno de ellos. A continuación se junta con otra banda china para robar un diamante en un hotel-casino en Macao… Si a ello añadimos un policía infiltrado, una cuenta por saldar entre los ladrones de ambas bandas (con sorpresa final) y un mafioso perista tan poderoso y mortífero como Keyser Soze obtenemos un producto trepidante que supera en acción a su referente americano aunque sin el glamour de las cintas de Soderbergh, y padece como aquellas del síndrome de “qué guapos que somos”. El humor no es el fuerte del cine oriental y a Choi Dong-Hoon le falta el poso de negrura y cinismo de los thriller japoneses. Aquí precisamente radica el interés añadido (o la curiosidad) de esta cinta. Si Nameless Gangster, Rules of the Time (Bumchoiwaui junjaeng, Yoo Jong Bin, 2012) bebía directamente de Uno de los nuestros (Goodfellas, M. Scorsese, 1990) y Casino (íd., M. Scorsese, 1995), bebiendo Scorsese también del cine de Hong Kong, The Thieves se origina en la saga de Soderbergh pero tiende a deslizarse al thriller hongkonés con sus persecuciones acrobáticas y tiroteos de artificio. Podemos hablar de ladrones, de homenajes, de seguidores o, en definitiva, de vasos comunicantes a uno y otro lado del Atlántico.\nBranded, de Jamie Bradshaw y Alexander Doulerain (EE.UU.) SOFP\nRareza que contempla una producción y dirección mixtas americano–rusa. Branded es la extraña rise and fall and rise again de Misha, ambicioso publicista de Moscú que trata de emular a los popes de la publicidad. Su rápido ascenso le lleva la realización de un reality en el que una mujer transformará su cuerpo para vincularse a los estándares de moda. Retirado a zona rural tras el fracaso del producto, es rescatado (en estado aparente de psicosis paranoide) por su mujer para iniciar un nuevo proyecto. Pero todo se altera cuando Misha identifica las marcas que nos dominan (de bebidas, ropa o tecnologías) como enormes gusanos hinchados que chupan nuestra energía flotando tras nuestras nucas. Y decide crear la antimarca, otro ser monstruoso, con que combatirlas. Branded es una historia demasiado prolija y demasiado naif para mantener el interés continuamente aunque la propuesta no deja de tener sus momentos curiosos: la narración cínica de su ascenso triunfal, los bichos flotantes apareciendo en el cogote de un niño que devora fast food o la equiparación mística con un pope encarnado por Max Von Sydow.\nThe Dinosaur Project, de Sid Bennet (Reino Unido) SOFP\nEsta película es el efecto secundario de obras como REC (J. Balagueró y P. Plaza, 2007), Monstruoso (Cloverfield, M. Reeves, 2008) o El proyecto de la bruja de Blair (The Blair Witch Project, E. Sánchez y D. Myrick, 1999). Si el año anterior Troll hunter (Trolljegeren, A. Ovredal, 2010) nos ofrecía una divertida odisea de un equipo televisivo dispuesto a seguir a un cazador de trolls por una Escandinavia nevada, The Dinosaur Project hace algo semejante con un equipo de exploración que trata de identificar un saurio prehistórico en el Congo. Dotada de un presupuesto mayor que aquella, que permite la aparición de numerosos monstruos en primer plano y en planos generales, la película de Bennet carece de sentido del humor, se toma muy en serio y muere ahogada por un exceso de peripecias que, evidentemente, no podrían ser captadas por ninguna de las numerosas minicámaras que son la coartada del supuesto found footage.\nThale, de Aleksander L. Nordaas (Noruega) SOFP\nEn comparación con la anterior, esta es una cinta modélica. En 77 minutos el autor (montador, cámara, guionista, productor, director) explica la historia de dos compañeros que encuentran una misteriosa joven en una cabaña del bosque, en la que hay restos humanos y material de experimentos. El guion es breve, nos orienta pronto al fantástico sin mostrar en exceso, la puesta en escena hace mérito de las carencias y aunque la cinta padece falta de desarrollo argumental, se agradece la dirección directa que evita bastante los efectismos (si olvidamos los primeros planos de vómito en la primera secuencia) y utiliza muy bien decorados y escenarios naturales.\nThe Last Will and Testament of Rosalnd Leigh, de Rodrigo Gudiño (Canadá) SOFP\nLos méritos de Thale, puede compartirlos esta película modesta pero sobria. Rodrigo, fundador de la revista Rue Morgue, elabora una cinta claustrofóbica que ha gastado buena parte de su producción en una casa realmente asfixiante, repleta de estatuas de ángeles y otros objetos extraños, dónde transcurre la acción. Gudiño sigue el enfentamiento entre Leon y su madre quien, aun después de muerta, se esfuerza en tratar de convencer a su hijo de que debe creer en los ángeles y el más allá. La cinta se inicia con una serie de travellings que pasan del lucimiento a la vanidad pero se centra a continuación en una narración sobria que dosifica muy adecuadamente la información y los golpes de efecto.\nStorage 24, de Johannes Roberts (Reino Unido) SOFP\nNos encontramos ante una cinta más de enfrentamiento entre un grupo y un agresor superior a ellos en espacio cerrado, en este caso unos amigos (y algún otro personaje) que quedan atrapados en un gran almacén tras un misterioso accidente en Londres. El enemigo es un extraterrestre sanguinario que se dedica a destripar a sus víctimas. El director (autor también de F, incluida en las sesiones especiales) trata de sacar partido a los pasadizos del almacén, a lo que puede aparecer más allá de la esquina y a los tubos de ventilación pero la propuesta es limitada (posiblemente por presupuesto) ya que no recurre prácticamente nada a los objetos que pudieran encontrarse en ese lugar y se limita al juego del gato y el ratón en una especie de Alien (íd., R. Scott, 1979) casero.\nHotel Transilvania, de Genndy Tartakovsky (EE.UU.) Sitges Family\nLo que tiene la paternidad, acabar viendo pelis familiares. Aunque, para un niño que a los tres años tiene como favoritas Pesadilla antes de Navidad (Nightmare Before Christmas, H. Selick, 1993) o las obras de Estudio Ghibli las cintas familiares de Sitges se quedan algo cortas. Hotel Transilvania, realizada por el autor de las televisivas series de dibujos Las superniñas o El laboratorio de Dexter, es una discreta cinta que muestra las peripecias de Drácula que regenta un hotel para albergar monstruos en vacaciones. Allí, en víspera del 118 aniversario de su hija, llega un mochilero adolescente… y el amor se combina con el humor entre idas y venidas de la pareja junto a Frankenstein y señora, Hombre Lobo y su numerosa prole, zombies atontados, un pícaro hombre invisible… Hotel Transilvania luce un humor demasiado blanco, triunfando en su primer segmento con la ayuda del 3D pero al que le falta la garra que lucen los monstruos.\nEl alucinante mundo de Norman, de Sam Fell y Chris Butler (EE.UU.) Sitges Family\nEste es el debut en la dirección de Chris Butler, colaborador en storyboard de dos cintas de prestigio, Los mundos de Coraline (Coraline, H. Selick, 2009) y La novia cadáver (Corpse Bride, T. Burton, 2005) junto con Sam Fell, que fuera director de El valiente Despereaux (The Tale of Despereaux, 2008) y ello se nota. La cinta mide bastante bien su tempo y presenta los personajes de modo hábil, consiguiendo a la vez acertados gags y descripción certera. El arranque de la cinta con Norman viendo una cinta de zombies junto a su abuela, que no entiende el argumento y de quien luego sabremos se trata de un fantasma, es modélico, como lo será la aparición como tal de su tío encargándole el objetivo de detener a la bruja. La acción es trepidante y divertida en la persecución del coche por los zombies y la inversión de roles cuando todo el pueblo decide acabar con ellos. Una cinta realmente refrescante y recomendable para todas las edades. Beasts of the Southern Wild, de Behn Zeitlin (EE.UU.) Sesiones especiales\nBásicamente una historia de ritos de paso, la película recoge en imágenes al asunción de la madurez y la responsabilidad de una niña huérfana. Sin embargo, esta síntesis nos deja muy lejos de la historia de Hushpuppy que Zeitlin nos cuenta. Beasts of the Southern Wild, basada en una obra teatral, es una muy cinematográfica puesta en escena de referentes y temores de una niña. En un mundo postapocalíptico en el que el océano gana terreno a la tierra y todo se va inundando, la niña protagonista vive feliz en su territorio, La Bañera, con las apariciones intermitentes de un padre alcohólico y enfermo y las visitas a una comunidad de hombres y mujeres felices dónde suena la música del Sur de los Estados Unidos y el alcohol corre más que el agua. Con la progresiva inundación de los últimos reductos, Hushpuppy se verá obligada a desplazarse en una pequeña aventura que marcará su vida. Aun con el inequívoco referente del Katrina en el alma de Nueva Orleans y el muro/dique simbólico que los habitantes de La Bañera deciden volar, Beasts… se emparenta también con Huckleberry Finn de Mark Twain, con Dónde viven los monstruos de Maurice Sendak y tal vez (esto puede ser una manía personal, lo se) con el viaje marino de Ponyo en el acantilado (Gake no ue no Ponyo, H. Miyazaki, 2009). El resultado, pese a una voz en off excesiva, deja de lado el cuidado feísmo de los falsos independientes y consigue una obra ciertamente entrañable. Antoni Peris\nEl Bosc, de Oscar Aibar (España) SOFC\nPor mucho que se intente huir de la realidad a través del fantástico, esta siempre se acaba colando por alguna rendija. Sitges como asilo de tiempos oscuros, metáfora tantas y tantas veces escrita y oída por los pasillos del festival. Los fantasmas y errores del pasado han venido todos juntos a cobrarse una deuda que creíamos ya cobrada. No es de extrañar, que como a la protagonista del spot de este año, seamos difíciles de sorprender, que nos manejemos perfectamente en los márgenes de lo insólito y extraño, a la vez que seamos incapaces de comprender el devenir cotidiano. El Bosc no es más que la constatación de este hecho. Nos sentimos más cómodos con los últimos diez minutos de película, repletos de extrañeza y asombro que mirando la cara del terrible terror aburrido que nos rodea. Es más fácil que familiaricemos con el señor Bessugot que con la idea de que las heridas de la Guerra Civil Española están más abiertas que nunca. Lo mismo le pasa a Oscar Aibar, cineasta que siempre se ha movido entre personajes al margen de una realidad que les resulta extraña y ajena, y que siente lo mismo con el contexto histórico que le toca manejar. Pese a ello, la película contiene un bellísimo subtexto, la necesidad de explorar otras dimensiones para dejar atrás nuestros localismos propios. Una película que crecerá a medida que logremos descifrar los tiempos en los que nos ha tocado vivir.\nJuego de niños, de Makinov (Méjico) SOFC\nEl festival de este año dedica una retrospectiva y su publicación al cine de culto bajo el silogismo de Neoculto… ¿Pero realmente existe el cine de culto en nuestros días? La inmediatez y simultaneidad con la que se puede acceder a los contenidos audiovisuales hacen replantearse el término tal y como se conocía hace menos de una década. Si se analiza desde una óptica contemporánea, ¿no sería más adecuado hablar de fenómenos como Los Vengadores o El caballero oscuro como objetos de culto actuales que actualizar títulos desde una perspectiva ideológica trazada hace décadas? Contexto parecido es en el que se mueve Juego de niños, remake de ¿Quién puede matar a un niño? de Chicho Ibañez Serrador, uno de los puntales del fantástico español en cuanto a culto se refiere. Como el propio neoculto, Makinov —cineasta o colectivo que se esconde bajo un pasamontañas y que clama por la autenticidad perdida del cine (sic)— calca y difumina sobre las líneas maestras de lo expuesto hace más de tres decenios por el realizador de La residencia con el poco honroso motivo de la actualización de un título de cierto calado internacional en los márgenes del fantástico y para fagocitar fama y renombre a través de las nuevas liturgias de culto cinematográfico. Lo que era vigente hace treinta años, hoy no es lo es tanto si no se es capaz de actualizar mínimamente el discurso, algo a lo que seguramente también se adscribirían Rosenbaum y Hoberman.\nSeven Psychopaths, de Martin McDonagh (Estados Unidos) SOFC\nEscribir una reseña corriente sobre Seven Psychopaths sería una enorme falta de respeto hacia la película. El visionado de la segunda película del británico Martin McDonagh exige revelarse contra todas y cada una de las líneas que se pueden escribir sobre ella, al fin y al cabo, no deja de ser un genial alegato sobre la imposibilidad del proceso creativo dentro de un establishment organizado y ¿existe algo más establecido e incorruptible que el panorama crítico? Para valorar realmente la segunda película del director de Escondidos en Brujas hay que pensar en lo mucho que cuesta escribir sobre ella, en la futilidad que supone hablar de su disfraz de neo-noir y referenciar lo mucho que le debe a Tarantino o en el peor de los casos a Guy Ritchie, porque aludir a la postmodernidad de sus diálogos tan sólo nos haría caer en el peor de los tópicos o porque citar otros referentes tan sólo haría predestinar lecturas que estarían siempre bastante alejadas de la verdadera significancia del viaje por el que nos lleva McDonagh. Porque realmente lo bello de Seven Psycopaths es que incita a escribir renglones torcidos sobre folios recién comprados, a revelarnos en pos del proceso creativo, a reventar el sistema desde dentro, a que la imposibilidad de encontrar un final, no nos eche para atrás a la hora de crear. Suicidio artístico que concluye con el mejor plano del festival, la cámara abandona al personaje protagonista, un guionista de Hollywood, mientras se funde con la ciudad de Los Angeles. La belleza de emprender el viaje de tu vida, arrasando con fuego y gasolina el camino de vuelta.\nSpring Breakers, de Harmony Korine (Estados Unidos) Sesión Sorpresa\nNo debería resultar extraño trazar líneas paralelas entre el Spring Breakers de Harmony Korine y Magic Mike de Steven Soderbergh. A pesar de sus radicales y encontradizas narrativas, ambas acaban componiendo un perfecto retrato de la juventud contemporánea y de cómo el cambio de roles de género es algo más que apuntes a pie de página que hacer a cada crítica escrita. Ambos directores contemplan la progresiva transición hacia una sociedad acultural donde el hedonismo y el culto al cuerpo se convierten en referentes sociales, New York o incluso Los Ángeles son desplazadas como centros de la cultura cinematográfica modernidad y trasladados hacia una Florida más cercana a esos shores en los que se van moldeando nuevos modelos de ¿humanidad? Si en el film de Soderbergh, era el hombre el que se veía reducido a un pelele de carne ridículo y patético que es incapaz de encontrar ubicación en el mundial actual, Spring Breakers es una apología a la coñocracia de la modernidad. El sexo como arma para el placer dionisíaco exclusivo de la mujer. No hay mejor metáfora que el monólogo sobre el poder masculino que evoca Alien (James Franco) y que acaba con una felación obligada a una pistola por parte de unas dominatrix adolescentes. Korine es consciente de que la modernidad viene teñida de rosa, el neón es más corriente que la luz natural, que la realidad no deja de ser un bucle cuasi infinito y que un atraco con Nicki Minaj sonando de fondo es más coyuntural que utilizar a Johnnie Cash. Los tiempos cambian, Sitges cambia, como lo demuestra la programación de esta película en un festival de cine fantástico, los géneros no existen, la realidad es una puta broma que tiene a Britney Spears como banda sonora. Spring break forever, bitches! Roberto Morato\nTulpa, de Federico Zampaglione (Italia) SOFP\nLeyendo Me voy de Jean Echenoz me topo con la siguiente descripción: “…ella misma tenía aspecto de actriz de película porno duro durante las escenas preliminares, en las cuales se habla o se dice cualquier cosa a la espera de que la cosa comience a ponerse caliente”. Y pienso que esa era exactamente la sensación que me producían las escenas de Tulpa que sucedían, de día, iluminadas cual telefilme barato, en las oficinas en las que trabaja la mujer de doble vida interpretada por Claudia Gerini. Quien, justo es decirlo, me resulta más agradable a la vista que la mayoría de actrices porno que he visto; el porno es un género del que no soy precisamente entusiasta. El regreso de Federico Zampaglione a Sitges tras la muy estimable Shadow no es tan sensual ni tan alucinógeno como quizá esperábamos, pero es innegable que, si lo que pretendía el rockero y cineasta italiano era mimetizar las formas del giallo, ergo, hacer un giallo, podemos decir que ha logrado con creces su objetivo. Personalmente, distingo entre dos clases de giallos, los rarunos/autorales/oníricos y los de batalla. Tulpa pertenecería al segundo grupo. Mujeres bien vestidas que viven, tienen sexo y ocultan pulsiones inconfesables mientras se producen una serie de asesinatos de los que ellas pueden ser víctimas, testigos, verdugos o varias opciones combinadas. Aquí está todo, no de una forma particularmente vistosa u original, pero sí harto disfrutable. Dicen que la versión que pudimos ver en Sitges dista de ser íntegra y que existe un montaje original que es la hostia. Como en los viejos tiempos.\nLa noche de enfrente, de Raúl Ruiz (Chile, Francia) NV\nEn la última película que completó antes de morir en agosto de 2011, Raúl Ruiz rinde un emocionante homenaje a la lengua castellana y, a su vez, firma el mejor y el más hermoso de los puntos finales posibles a su dilatada trayectoria. El cineasta chileno se despide y lo hace recordándonos que el tiempo y el espacio, la vida y la muerte, no son nada más que un juguete roto, remendado y vuelto a romper, así, en bucle. El narrador es aquél que imagina que recuerda, porque los recuerdos siempre son inventados aunque los hayamos vivido, y La noche de enfrente nos presenta a Don Celso, un anciano que pasa revista a lo que ha sido su vida ante la perspectiva inminente del final. Ruiz zarpa en el que será su último viaje: su película es algo así como la más plácida de las tormentas de mar, un mar de vivencias que se funden y (nos) confunden, llevándonos en suaves bandazos de la niñez a la senectud y viceversa, y poco importa que ese barco que es la película navegue al revés o levite por encima del agua o vaya a la deriva, que a la deriva vamos todos un día y otro y Ruiz no tiene ningún interés en las convenciones de ningún tipo. Como Stanislaw Lem, el cineasta chileno era de esos narradores para los que la erudición no va reñida con el entretenimiento en grado sumo, y prueba de ello es su definitiva humorada elegíaca (o elegía humorística). Si la adscribimos al género de la comedia, es la más redonda y descacharrante de las proyectadas en Sitges. Con permiso de Spring Breakers y la primera media hora de Excision. Toni Junyent\nAce Attorney, de Takashi Miike (Japón) Casa Asia\nNo hace mucho, a propósito de la calurosa recepción en determinados círculos cinéfilos de su reciente Hara-kiri: Muerte de un samurái (Ichimei, 2011), comentaba lo irónico de que Takashi Miike haya tenido que filmar un par de chambaras para que llegue a reconocerse su más que evidente valía como director. Pero, al mismo tiempo, una de las cosas más interesantes de la peculiarísima carrera de Miike es que, con él, no hay autoritis que valgan. La irregularidad de su filmografía, y los altibajos de calidad provocados por una productividad que, a pesar de haberse atemperado con los años, sigue siendo a todas luces excesivas, convierte en un reto personal y, por qué no decirlo, una fuente de diversión, el proceso de distinguir el grano de la paja dentro de su carrera. Y, la verdad, Ace Attorney (Gyakuten Saiban, 2012) es paja pura, y además en todos los sentidos. La película es una adaptación apática, desganada, de la famosa saga de videojuegos para la Nintendo DS de Capcom –menuda diferencia con la energía y el entusiasmo con la que estaba rodada Like a Dragon (Ryu Ga Gotoku: Gekijo-Ban, 2007), en la que reflejaba la franquicia Yakuza de Sega–, en la que los guionistas, Takeharu Sakurai y Sachiko Oguchi, no han hecho más que copiar frases, situaciones y chistes enteros del original con una desvergüenza realmente lamentable. El resultado es tan apersonal y tan imitativo como el de Sin City (Id.; Robert Rodríguez, 2005), ¿no habría sido más honesto haber montado las secuencias de vídeo del juego, en lugar de volver a rodarlas tal cual, pero con actores? Tonio L. Alarcón\nPingback: John Fallon Official Blog » Two positive Dead Shadows reviews from its Sitges screening!\nRelacionados\tSitges 2012. El cansancioSitges 2012. La comediaMomentos Sitges 2012Favoritas Sitges 2012\nActualidad CineLa Paz MundialEl antepenúltimo mohicanoSensacine400films.com ©


Expansión : Tristeza\npor Ramon De España\nEl retrato de Michel Houellebecq que aparece en la cubierta del libro que le acaba de editar Anagrama, Ampliacián del campo de batalla, ya nos avisa de que estamos ante un sujeto peculiar: es un tipo con cara de miedo que nos mira como si no supiera si es aconsejable para su integridad fisica acercarse a nosotros. Esa cara es la de alguien que lleva recibiendo palos morales desde que hizo la primera comunión.\nDecía Rainer Werner Fassbinder que el éxito es la mejor venganza, y hay bastante de venganza en las novelas del señor Houellebecq, especialmente en la todavia inédita entre nosotros Les particules élémentaires. En Francia ha tenido un gran éxito, aunque el auter ha sido acusado de derechista y ha cosechado también el odio de las feministas más radicales. ¿ Qué ha hecho el hombre para conseguir esos cabreos? Pues básicamente lo mismo que hizo Rick Moody con La tormenta de hielo: poner en cuestión los años sesenta y setenta. Puede que sean recordadas corrio las décadas de los Beatles o de John Travoita, pere seguro que habia gente que llevaba una vida tan miserable como las de Michel y Bruno.\nSi las feministas han saltado es, probablemente, porque uno de los personajes mis desagradables del libro es la madre de Michel y de Bruno, una hippy que tuvo dos hijos con dos hombres distintos y que a la hora de hacerse cargo de ellos dijo que a otro perro con ese hueso. Conclusión: de los niños tuvieron que encargarse sus respectives abuelas. Si en La tormenta de hielo la victima de la insensatez y la tontería de sus padres era un personaje secundario, aqui hay dos victimas repartiéndose la función. Y esa función tiene un malvado clarisimo: esa madre que está tan ocupada practicando el amor libre que no tiene tiempo para querer a sus hijos (como ayudantes del malvado central, todo hay que decirlo, sus dos hombres, un hippy y un cirujano plástico, también se las traen).\n0 sea que si leen francés pueden hacerse con un ejemplar de Les particules élémentaires en La Central, pero yo no la aconsejaría que se lo llevaran para pasar un agradable fin de semana en el campo: éste es uno de los libros más dolorosos que he leido últimamente. Ampliación del campo de batalla no es precisamente una comedia, aunque haya momentos en los que el lector se sorprende riéndose con cosas que no debérian hacerle ninguna gracia. Pero Les particules élémentaires, que tambièn coleccióna momentos de ésos, es una tragedia en toda la regla. Del técnico informático de la primera nos podemos desinteresar en ocasiones, no compartiendo su nihilismo, pero de los semihermanos de la segunda no hay quien se libre, especialmente de ese Michel que, ¿casualidades de la vida?, se llama igual que el autor de la obra.\nEl ajuste de cuentas de los que no fueron invitados a la gran resta se va acercando lentamente hasta nosotros. Rick Moody nos cala un poco lejos, pero a Michel Houellebecq le tenemos, como quien dice, a la vuelta de la esquina. Digo yo que alguna victima de la gauche divine debe de andar suelta por ahí para dar fe del poco caso que le hacían sus padres porque estaban muy ocupados practicando el intercambio de paréjas.\nPero, eso si, que se prepare para que le pongan verde, le digan que es un fascista y le acusen de haber escrito un libro que desprestigia años y años de lucha feminista. Ya se sabe que los años sesenta y setenta fueron éstupendos. Ésa es la versión oficíal de la historia y la única que se acepta: si alguien dice que la Barcelona de los años sesenta daba grima, se arriesga a que lo echen al mar desde li estatua de Colón.\nIntroduciende el bisturí en esos años supuestamente mágicos, tanto Rick Moody como Michel Houellebecq han tenido mucho coraje. Lo que no obsta para que el señor Houellebecq nos mire desde su retrato en Ampliación del campo de batalla con una cierta prevención.\nTodo esto existe, todo esto es triste, cantaba Amalia Rodrigues en uno de sus fados. Lo mismo puede decirse de les dolorosos libros de Michel Houellebecq.


Argentina registró 5.417 nuevos casos y 163 muertos - Cba24n - Noticias de hoy en Córdoba y Argentina\nlunes 22 de febrero de 2021 17:51\nEl Ministerio de Salud informó este lunes que se registraron 5.417 nuevos casos y otros 163 muertos por coronavirus.\nDe acuerdo al reporte oficial desde el comienzo de la pandemia en el país el número de infectados asciende a 2.069.751 y las víctimas fatales ya suman 51.359.\nEl plan de vacunación en el país continúa con la distribución de las 580 mil dosis de la vacuna Covishield, una variante de la fabricada por AstraZeneca/Oxford, pero producida por el Serum Institute de la India.\nEn tanto que el gobierno argentino acordó con China la provisión de un millón de vacunas Sinopharm que llegarán este jueves. Además se espera el arribo de una nueva provisión de la Sputnik V.\njue., 29 de jul. de 2021 5:28


Emprende Black Fire un viaje de prueba a Alemania : Hidalgo Sport\nBrowse > Inicio / Lucha Libre, Módulo inferior, Noticias / Emprende Black Fire un viaje de prueba a Alemania\nEmprende Black Fire un viaje de prueba a Alemania\nHidalgo Sport. Alejandro Velázquez.- En años recientes, Hidalgo se ha convertido en el estado que más luchadores exporta a otros países; en esta ocasión toca el turno de Black Fire, quien hará una gira de dos meses en la empresa WXW, de Alemania.\nEl oriundo de Tulancingo partirá al Viejo Continente durante la primera semana de febrero y regresará en abril, tiempo en el que, advirtió, dejará el nombre de México en alto, entre otros objetivos.\n“Este viaje representa un parte aguas, porque la lucha libre mexicana en Europa es muy admirada, sé que gente de otros países va estar ahí, entonces voy a abrir plaza a otros compañeros y ganarme un boleto de regreso”, comentó el gladiador de 24 años de edad.\nSobre la reciente participación que han tenido elementos hidalguenses en el extranjero, principalmente en Japón y Estados Unidos, indicó que históricamente el estado pesa en el deporte, debido a representantes como El Santo, Súper Crazy y Crazy Boy, “afortunadamente tengo la dicha de nacer en una cuna de luchadores”\nEsta oportunidad en Alemania llega cuando Black Fire cumplió una década en los encorados y su debut se registró en Huayacocotla, Veracruz; aunque a la par de los costalazos, también practicó lucha olímpica y fue medallista para Hidalgo en varias Olimpiadas Nacionales, en las que participó de 2003 a 2011.\nEn cuanto a sus mentores, indicó que en la lucha libre trabajó bajo el mando de Crazy Boy y Sangre Guerrera, aunque también destacó consejos de Súper Crazy, así como del entrenador cubano Francisco Pérez Fals en la parte olímpica.\nFinalmente, otro de los objetivos que tiene Black Fire en el deporte es nutrir a las nuevas generaciones, ya que cuenta con una carrera en entrenamiento deporte, con especialidad en lucha olímpica, “ahora lo que yo he aprendido trató de trasmitírselo”.


Filis obtienen el triunfo ante los Cachorros de Chicago\nInicio » Deportes » Filis doblegan 15-10 a Cachorros con grand slam de McCutchen\n︱ julio 7, 2021 06:52 PM ︱ 447 Views\nLos Filis de Filadelfia obtienen el triunfo al vencer a su rival, los Cachorros de Chicago\nEl marcador final fue 15-10\nSe ofrece un resumen de lo más destacado de los participantes\nCHICAGO (AP) — Bryce Harper conectó un jonrón y empató la marca más alta de su carrera de cinco imparables, Andrew McCutchen sacudió un grand slam y los Filis de Filadelfia vencieron el martes 15-10 a los Cachorros de Chicago a los que propinaron su undécimo descalabro consecutivo. Rhys Hoskins también disparó un cuadrangular. Los Filis victimaron a Jake Arrieta (5-9) después de que apabullaran 13-3 a Chicago la noche anterior y terminaran con 16 imparables, dos menos que su número más alto de la campaña.\nLos Filis lograron doblegar a los Cachorros\nHarper produjo cuatro carreras, su cifra más alta en la campaña. Su jonrón de tres anotaciones en la séptima puso la pizarra 15-4. McCutchen consiguió el tercer grand slam de su carrera y segundo esta temporada en el episodio inicial. Aaron Nola (6-5), de Filadelfia, trabajó seis entradas en las que permitió cuatro carreras y seis indiscutibles. Poncho a ocho y dio una base por bolas. Los Filis resistieron una tambaleante actuación de sus relevistas, los cuales atraviesan dificultades.\nPor los Filis, el dominicano Jean Segura de 4-2, cuatro anotadas, dos producidas. Por los Cachorros, el puertorriqueño Javier Báez de 4-2, dos anotadas, cuatro impulsadas. Los venezolanos Robinson Chirinos de 1-1, una anotada, una producida; Willson Contreras de 4-1 y Rafael Ortega de 1-1, una anotada. El dominicano Sergio Alcántara de 4-1, una impulsada.


Respuesta a una madre | Delegación de Catequesis\nPublicado por webmaster | Ene 31, 2017 | 1\nPor su interés para los catequistas, reproducimos (omitiendo los nombres personales) un mensaje recibido en esta web de la madre de una niña, y la respuesta del Delegado de Catequesis:\nMENSAJE DE LA MADRE:\nMi hija se está preparando para recibir la Primera Comunión este año y estoy preocupada por no saber a ciencia cierta qué conocimientos básicos debe tener para recibir el Sacramento.\nAunque acude a catequesis desde hace más de tres años, tengo mis dudas de que esté bien preparada para recibirlo en condiciones.\nA estar de que pregunto, las respuestas son ambigüas y me gustaría poder hacer algo desde casa para que pueda recibirla en la mejor situación posible.\nYo intento hacerle entender conceptos que creo importantes, a su nivel, aunque soy consciente de que ella no llegua a comprenderlos en su totalidad, y le enseño a rezar las oraciones básicas.\nLamento importunarles con esto y más no sabiendo si esto es competencia suya, pero agradecería un poco de información. Ya no sé dónde preguntar.\nRESPUESTA DE LA DELEGACIÓN:\nHemos recibido su correo en el que comparte con nosotros la preocupación por la preparación de su hija para recibir la primera comunión.\nEfectivamente la responsabilidad de esta preparación es compartida entre los padres y la parroquia (o colegio) donde se imparta la catequesis de iniciación cristiana de su hija. No nos cuenta en su correo de que parroquia se trata. En Madrid hay 450 parroquias y puede haber 5000 grupos de catequesis.\nDesde la Delegación Episcopal de Catequesis la proponemos que hable con el sacerdote responsable de la catequesis en su parroquia y con el o la catequista. Ellos son los que, con toda seguridad, estarán procurando la mejor catequesis para su hija. Pero no sólo ellos, sino también a usted (y a los padres y de los padrinos del bautismo) corresponde “iniciar” en la fe a sus hijos, en su infancia, adolescencia y juventud, independientemente de la recepción de los sacramentos, como el de la eucaristía o la confirmación.\nEn todo caso, por si le sirve como criterio, le recuerdo algunas claves de la catequesis de iniciación cristiana que seguro le ayudaran a valorar la catequesis que recibe su hija:\n1.- La catequesis de iniciación cristiana no es un curso de formación para la recepción de la primera comunión o de la confirmación. No es la clase de religión del colegio, o la instrucción religiosa, en la que se aprenden conocimientos históricos y teológicos al nivel de la comprensión de las diversas edades. La catequesis no es “aprender la fe”, sino “aprender a vivir la fe”. Se trata de una iniciación vital en la experiencia de Dios y en el crecimiento como cristianos de los bautizados. Evidentemente este “aprender a vivir la fe” no excluye sino que incluye ayudar a la comprensión intelectual inseparable de la implicación personal de la fe, pero no es una clase de religión.\n2.- La catequesis de iniciación cristiana no termina con la recepción del sacramento. Este se recibe en un momento determinado en el proceso de iniciación, pero ni condiciona el proceso, ni por su puesto es el final. Ciertamente si todos los niños interrumpiesen el proceso en el momento de recibir la primera comunión, su iniciación cristiana (que es mucho más amplia que la preparación) sería insuficiente. Y esto se da ampliamente por la irresponsabilidad de aquellos padres (no es su caso) que la entienden sólo como un “master” para el sacramento. La iniciación catequética no tiene ni el ritmo ni el método de un curso, sino que acompaña el proceso completo de maduración personal de una persona, desde su más tierna infancia hasta su juventud. Como comprenderá dos o tres años son una parte muy pequeña este largo proceso.\n3.- En la catequesis de iniciación cristiana es muy valioso que los niños aprendan las oraciones básicas, pero siempre acompañado no ya sólo de una comprensión de las mismas, sino lo que es aún más importante, de una experiencia personal profundamente religiosa, fruto de un despertar y de un crecer en la experiencia personal de encuentro con Dios. Este iniciación es muy difícil si sólo se procura en un ámbito de la vida del niño, ya sea el de la parroquia o ya sea el del hogar. Requiere de los dos, y si se da en la escuela también, tanto mejor. Se trata de rezar con ellos, y de que ellos vean en el catequista y en sus padres a personas que cuando rezan de verdad hacen una ruptura de nivel y los introducen en el ámbito de lo sagrado.\n4.- Con respecto a los diversos conocimientos del credo o de los mandamientos, ocurre lo mismo. No se trata de que el niño o la niña los aprendan de memoria sin más. Ni siquiera es lo más importante (el credo si luego se acostumbran a la misa dominical lo aprenderán sin ningún esfuerzo, junto a las diversas respuestas rituales de la celebración). Lo importante es que lleguen a admirarse, a conmocionarse, a descubrir lo fascinante que es que Dios haya creado todo, y que Dios es Padre, Hijo y Espíritu Santo, unidad en la diversidad, y que nos envié a su hijo, y que haga la experiencia del Evangelio como buena noticia para su vida, que se siente interpelado personalmente a ser un discípulo de Cristo y seguirle, y en este seguirle vivir según su voluntad, según su ley del amor. Esto es lo importante de la catequesis. A su hija seguramente en la catequesis la están proponiendo, a su nivel, descubrir todas estas cosas, desde su capacidad de asombro, su capacidad de descubrir que Dios la ama, y desde su capacidad de responder a ese amor con el amor a Dios y a sus hijos, los hombres. Esta iniciación, como podrá entender, no es una “mera preparación” para recibir un sacramento, es una aventura personal, una aventura divina y humana a la vez, que la llevará a ser consciente de lo que hace cuando reciba la primera comunión, pero también a establecer un diálogo personal todos los días con Aquel con el que entrará en comunión, y que no querrá dejar de tener nunca. Si los catequistas de su hija buscan esto, no se preocupe de la “preparación”, sino acompañe a su hija en su “iniciación”, para lo cual es necesario, como lo harán sus catequistas, renovar con más ahínco la propia iniciación que usted misma tuvo. Será su testimonio de vida, como el de su catequista, lo que preparará a su hija, no ya para la primera comunión, sino para la Vida.\nGracias, Manuel María Bru. Delegado Episcopal de Catequesis.\nAnterior Jesús crucificado y abandonado\nAntonia Camacho Gracia\tel 18 febrero, 2017 a las 12:28 pm\nEstupendo la preocupación de la madre y la respuesta de la delegación de catequesis, soy catequista y esto es lo que mas cuesta que entiendan los padres ,es imposible que si los padres no le dan testimonio a la niños,y rezan con ellos y le hacen comprender la importancia de la comunicación diaria con nuestro Padre Dios ,ellos comprendan ,el .mejor maestro es el ejmplo,yo rezo diariamente por los niños y sus padres,ofrezco a Dios las dificultades del día a día ,se loa encomiendo a la Virgen


El Spring Framework es un framework de aplicaciones de código abierto para la plataforma Java.\nLa primera versión fue escrita por Rod Johnson, quien lanzó el marco con la publicación de su libro Expert One-on-One Design J2EE y el Desarrollo en octubre de 2002. El marco fue lanzado por primera vez bajo la licencia Apache 2.0 en junio de 2003. El lanzamiento del primer objetivo intermedio, 1.0, fue lanzado en marzo de 2004, con los lanzamientos hito en septiembre de 2004 y marzo de 2005. La primavera 1.2.6 marco ganó un premio Jolt productividad y un Premio a la Innovación JAX en 2006. Spring 2.0 fue lanzado en octubre de 2006 y primavera de 2.5 en noviembre de 2007. En diciembre de 2009 la versión 3.0 GA fue puesto en libertad. La versión actual es la 3.0.5 .\nLas características fundamentales de la Spring Framework puede ser utilizado por cualquier aplicación Java, pero hay extensiones para crear aplicaciones web en la parte superior de la plataforma Java EE. Aunque el Spring Framework no impone ningún modelo de programación específicos, se ha hecho popular en la comunidad de Java como una alternativa al reemplazo, o además de la Enterprise JavaBean (EJB) modelo.\nPara mayor información puede visitar la Web del fabricante: Spring


¿Cual es la mejor vestimenta para embarazadas? - Cuidandotucuerpo.com\nSaber qué usar o decidir cual será la vestimenta para embarazadas que mejor mas se usa, puede parecer sencillo, pero es es algo muy importante de saber , más de lo que te imaginas, en especial porque aquello que es divertido y sexy a las diez semanas no lo será a las trece o catorce semanas. O peor aún: a las quince no podrás usarlo.\nAsí que es necesario que aprendas no sólo qué prendas pueden favorecer esas curvas y belleza natural que tienes, sino aquello que sea cómodo porque el embarazo es muy agotador.\nAsí que aquí te explicaremos qué ropa usar durante el embarazo, para que ni el segundo ni el tercer trimestre te sean una agonía ¡presta atención!\nEs importante que sepas que durante los primeros meses, la mayoría de las mamas que están esperando un bebe pueden seguir usando su ropa habitual, pero sobre todo si estamos hablando de su primer embarazo. Existen casos en los que el segundo trimestre ya olvidado porque las cremalleras o cierre que antes cerraban sin problema, ya no podrían hacerlo y los botones de tu pantalón se resistirán. pero no te preocupes existe ropa adecuada para el embarazo en muchos sitios de internet como amazon o bien tiendas especializadas para embarazo, que te darán comodidad y bienestar en esta etapa de tu vida.\nYa que durante el embarazo se producen toda una serie de cambios físicos y hormonales, que cada vez son más rápidos conforme avanza el tiempo de gestación, así que poco a poco irás sintiendo cada vez más incomoda y encerrada en la ropa que solías usar a diario con regularidad.\nPor eso te recomendamos que, al momento de adquirir ropa durante el embarazo pienses en lo siguiente:\nLa ropa interior para embarazadas.\nNo olvides que algo a lo que debes prestar atención es a la ropa interior, ya que durante el embarazo eres más propensa a sufrir de infecciones en tu zona genital. De ahí que lo más recomendable es que elijas prendas de fibras naturales o, preferiblemente, de algodón.\nUna vez te sepas embarazada no salgas corriendo a comprar sujetadores, pero cuando te hagan falta no adquieras aquellos que tienen aros, ya que te serán incomodos y no resultarán efectivos una vez hayas dado a luz y debas amamantar.\nPor último, cuando elijas ropa interior procura conseguir esas que tienen un refuerzo justo debajo de tu vientre, ya que así sujetarán en mayor medida tu abdomen que va tomando volumen.\nLas medias y el calzado.\nCuidado con las medias que escoges e incluso con las patys, no basta con que sean de fibras naturales o algodón, ya que, tu abdomen crecerá y puedes cortarte la circulación, y lo mismo pasará en tus pies cuando éstos se hinchen. Así que busca tejidos elásticos o autoajustables para que se favorezca el retorno venoso y evites los calambres.\nLos tacones son grandes enemigos, en especial en los últimos meses, pues una caída puede ser fatal y tu centro de gravedad habrá cambiado por total en el sexto mes. Eso no quiere decir que debas usar sólo deportivos, sólo emplea un tacón que no pasé de un par de centímetros y pregunta primero a tu médico.\nBusca prendas de vestir que sean amplias, algo así como una talla de más, para que no te opriman y no te produzcan comezón, que es uno de los males que más sufren las mujeres embarazadas.\nTen mucho cuidado con los pantalones y faldas que seleccionas, asegúrate que tengan esa cinturilla que están diseñada para embarazadas.\nAdemás, recuerda buscar ropas que sean ligeras y frescas, ya que los cambios hormonales pueden causar golpes de calor o peor: el sudor hará que la comezón sea incontrolable.\n¿Qué ropa no puedes usar durante el embarazo?\nAquellos pantalones y blusas cuyas telas sean de tejidos muy rígidos, ya que te producirán irritaciones en la piel y en casos severos ampollas en zonas como muslos o glúteos.\nCuidado con los calcetines a medida, ya que te producirán hinchazón en los tobillos y son peligrosos si comienzan a retener líquidos.\nLos tacones muy altos pueden promover la aparición de las feas varices.\nDile adiós a la ropa oscura, ya que absorbe más calor que cualquier otra prenda, así que en verano ¡no las uses! Sudarás más y te provocará mareos el calor y mucha picazón.\nCompra toda tu ropa en tiendas especializadas para embarazadas, así podrás lucir sexy, coqueta y hermosa sin sacrificar la anhelada y necesitada comodidad. Sobre todo, ante cualquier exceso de irritación o molestia, consulta a tu médico.\n¡Y hemos llegado al final! Como habrás visto, no es tan difícil vestirse durante el embarazo, sólo hay que tener ciertas precauciones, así que cuéntanos ¿cómo ha sido tu experiencia con la ropa?


Nuestros Programas a Nivel Global\nProporcionando estabilidad y recursos para las familias.\nA través de programas sustentables de salud, acompañamos a las familias en el cuidado de la salud de sus hijos. Les ofrecemos un ambiente cálido, cómodo, lleno de amor y de esperanza, para que los niños logren una pronta y adecuada recuperación. Tener a un niño con una enfermedad compleja significa un gran estrés y desgaste emocional para la familia y buscamos aliviar gran parte de la carga emocional y económica durante estos momentos tan difíciles.\nLa organización Ronald McDonald House Charities (RMHC) ha desarrollado en el mundo entero, tres programas principales que buscan facilitar la permanencia de las familias unidas, frente a la enfermedad de sus hijos.\nLa Casa Ronald McDonald ofrece un “hogar lejos del hogar”, que acoge a familias que deben viajar lejos de su ciudad para tratar las enfermedades de sus hijos. En las Casas Ronald encuentran un lugar para dormir, comer, descansar y recibir el apoyo de nuestro equipo y de otras familias en situaciones similares. Existen más de 360 Casas Ronald McDonald a nivel mundial.\nLa Sala Familiar Ronald McDonald ofrece un refugio dentro de los hospitales para las familias de los niños que están recibiendo tratamiento médico. Las Salas Familiares son el “oasis del hospital” ya que brindan un respiro en el ámbito de tensión, donde las familias pueden descansar, lavar ropa, tomar una ducha o dormir una siesta. Existen más de 230 Salas Familiares Ronald McDonald a nivel mundial.\nLa Unidad Pediátrica Móvil Ronald McDonald es un Programa de RMHC que busca mejorar la atención rural de salud, desarrollando un sistema de atención a través de la habilitación de un camión como consultorio móvil. Actualmente existen más de 50 Clínicas Móviles Ronald McDonald en el mundo, las cuales brindan servicios médicos, dentales y educativos a niños desfavorecidos en comunidades que no tienen fácil acceso a la salud.\nEn el Perú, contamos actualmente en el departamento de Lima con dos Casas Ronald en los distritos de Jesús María y Surco.\nRMHC tiene capítulos locales en más de 64 países y regiones de todo el mundo.\nAnualmente, RMHC atiende a más de 5.5 millones de niños y familias, a nivel mundial.\nDurante el 2016, los capítulos de RMHC en Latinoamérica han beneficiado a más de 765 mil familias de la región.


La nueva ley pondrá énfasis en la rapidez de la intervención | La Pampa La Arena\nInicio La Pampa La nueva ley pondrá énfasis en la rapidez de la intervención\nLa nueva ley pondrá énfasis en la rapidez de la intervención\nEl ministro de la Producción de La Pampa, Ricardo Moralejo, reveló que con la nueva ley de agroquímicos, que se presentará antes de fin de año, se logrará "tener una acción mucho más rápida y efectiva".\nAsí lo adelantó a LA ARENA el funcionario, quien explicó que el texto de la nueva normativa se está "cerrando con Diputados". A su vez, señaló que "la idea es que sea mucha más dinámica en la aplicación de la norma", y como ejemplo mencionó los controles de envases, de productos y de depósitos.\nLa nueva ley de agroquímicos fue anunciada por el propio Moralejo el pasado sábado, durante su discurso inaugural de la Exposición Agrícola, Ganadera, Industrial, Comercial y de Servicios.\n"Venimos trabajando la ley desde marzo de este año. La idea era presentarla en noviembre, así que estamos dentro de los tiempos", precisó Moralejo. El ministro señaló que la necesidad de una nueva normativa se fundamenta en la necesidad de "tener una acción mucho menos burocrática".\nEn ese sentido, consideró que la ley 1173 de agroquímicos, que actualmente rige en territorio pampeano, "no es mala" pero es necesaria "una actualización para hacerla más dinámica en la acción".\n"Vamos a seguir trabajando con los artículos que están y adecuación de algunos. La idea es que sea dinámica en la aplicación", enfatizó.\nConsultado sobre las situaciones que se registraron en las últimas semanas en las localidades de Miguel Riglos, Embajador Martini e Intendente Alvear, Moralejo sostuvo que no le sorprendió. A su vez, reveló que luego del caso ocurrido en Riglos "se hizo un convenio con la Policía para que cuando notaran alguna anormalidad o algo que llamara la atención", los efectivos policiales intervengan y actúen. Además, "se le pidió también a los municipios que los responsables de la parte de Medio Ambiente estuvieran mucho más atentos".\n"Creo que por ahí eso fue lo que hizo que aparecieran casos", consideró el ministro y explicó que otro factor importante es que "Estamos entrando en plena temporada de uso de agroquímicos", por ser período de siembra.\nDe esta manera, explicó que la utilización de "los agroquímicos comienzan en primavera con la implantación de lo que son los cultivos de cosecha gruesa".\n"En invierno es la temporada más baja que tenemos de movimiento de pulverizadores, ahora entra toda la temporada de siembra y cosecha gruesa, control de malezas también en algunos trigos. Generalmente, septiembre es un mes donde se activa toda la actividad de uso de fitosanitarios o agroquímicos", completó.


Ayuntamiento de Blanca: Nuevo vehículo para la recogida de residuos urbanos\nNuevo vehículo para la recogida de residuos urbanos\n07 julio, 14:21\nEl alcalde de Blanca ha recibido, esta mañana, un vehículo recolector financiado por el Fondo de Cohesión de la Unión Europea, que le ha sido entregado por el director de Planificación, Evaluación y Control Ambiental\nTras la inauguración de los contenedores soterrados la pasada semana, hoy el alcalde de Blanca, Rafael Laorden Carrasco ha recibido de manos de Francisco José Espejo García, director general de Planificación, Evaluación y Control Ambiental, un vehículo recolector compactador de carga trasera para la recogida de residuos sólidos urbanos. El vehículo en cuestión está valorado en 135.571 euros y está financiado por el Fondo de Cohesión de la Unión Europea.\nEl nuevo camión recolector recogerá los residuos urbanos depositados en los más de 120 contenedores instalados en el municipio y repartidos en 39 isletas soterradas. Con esta iniciativa, el Ayuntamiento pretende, según su Alcalde, mantener el municipio limpio, haciendo de éste un pueblo más respetuoso con el medio ambiente.\nAdemás de estrenar un camión recolector, el Consistorio Municipal inauguró la semana pasada los contendores soterrados donde los blanqueños podrán depositar los residuos orgánicos y envases, mientras que el vidrio y el papel se seguirán recolectando en sus contendores habituales. Esta iniciativa unida al proyecto ‘Blanca Verde’, un servicio público de préstamo de bicicletas, que ya está en marcha, “muestra –tal y como lo expresaba José Mª Molina, concejal de Medio Ambiente- el compromiso de Blanca por respetar y cuidar de su entorno y su belleza paisajística”.


Elvira Castro: “A partir de ahora me dedicaré a escribir poesía infantil”\nEje Memoria e Identidad. ¿de Que Hablamos Cuando Hablamos de Memoria o de Identidades. Enfoques y Temáticas\ndocumento129-Libro de los Juicios. “Verdades, mentiras, mitos y fantasmas sobre el homicidio de Paco Urondo”.pdf\nColombia Norm as de Sap For\ndesde el rincon de los muertos.pdf\nDesaparicion y Declaracion de Ausencia\nLa naturaleza permanente del delito de desaparición forzada.pdf\nCtedra: Medicina Legal y Ciencias Forenses: Una Introduccin Profesora: Alejandra Didier Prez Verano de 2012 Cuarto Taller:\nInformes de Verdad: La historia para comprender el desarrollo de la Antropologa Forense en Amrica Latina Introduccin Las violaciones a los derechos humanos son variadas en naturaleza y ocurrencia, siendo evidentes en tiempos de guerra y tambin en perodos de agitacin social interna. Desapariciones, detencin forzada, interrogatorios, tortura y ejecuciones sumarias que omiten cualquier tipo de procedimiento judicial, pueden ser a menudo empleados por el Estado en contra de aquellos que considera como sus enemigos.\nEn el contexto de la historia moderna, el siglo veinte se reconoce como una era caracterizada por un fenomenal incremento en la frecuencia y la magnitud de las violaciones de los derechos humanos en contra de la poblacin civil, siendo Amrica Latina escenario de sucesivas dictaduras a partir de la segunda mitad del siglo XX, que sistematizaron la violencia y represin por parte del Estado en contra de los opositores a los gobiernos de facto.\nEs en este contexto que las Intervenciones iniciales de antropologa forense en Amrica Latina, se realizaron en la investigacin de abusos en derechos humanos a comienzos de los 1980.\nPara comprender el contexto represivo en Amrica Latina, y en el marco de una de las acciones emprendidas por los Estados en pos del establecimiento de la verdad histrica de los hechos ocurridos durante los estados de excepcin es que contamos con un sinnmero de Informes de Verdad. Instrucciones 1. Qu es un Informe de Verdad?\nLos informes de verdad, son documentos que intentan esclarecer los hechos de violencia y conflicto vividos en Amrica latina durante la 2 mitad del siglo XX, caracterizndose por dictaduras militares de derecha en contraposicin al surgimiento de movimientos de izquierda,\nmayoritariamente marxista, caracterizndose en un contexto global, por la guerra fra.\nDebido al actuar por las instituciones del estado al mando de militares y con ayuda del gobierno norteamericano, se estableci una fuerte represin y actuar contrainsurgente, el cual no solo afecto a militantes de grupos armados, sino tambin con simpatizantes, miembro de partidos polticos de oposicin a los regmenes, a sindicalistas, agrupaciones sociales, y a familiares en busca de reducir la amenaza a cero. Esto conllevo a un sin nmero de atropellos y vejmenes contra la integridad fsica y sicolgica, contra los derechos humanos esenciales; incluso llegando a la ejecucin, secuestro y desaparicin hasta hoy de muchos compatriotas en circunstancias poco claras y invisibilizadas por el proceso de miedo y control ejercido durante estos aos.\nAl momento del retorno a la democracia y en un periodo de transicin, en un intento de reconciliacin y bsqueda de unin nacional, comienzan a actuar las Comisiones de la Verdad. Con un fin reparatorio y la bsqueda de una justicia frente a estos hechos impunes, con el fin de restituir el derecho humanitario de la justicia y presiones internacionales, que al termino de las dictaduras se haban prescrito de manera irregular con la intencin de eludir responsabilidades frente a estos actos de lesa humanidad.\nCon la publicacin de estos informes, se intento cambiar las narrativas oficiales y las informales sobre el pasado, poder romper el estigma producido por los eventos violentos del pasado y que pudieran contar su versin de los hechos. Esto adems fomenta al debate de los acontecimientos que fueron ocultados y negados por tantos aos, llegar a un consenso (dentro de lo posible).\n2. Qu pases, en Latinoamrica han publicado sus informes de verdad?\nEn Amrica latina el proceso en bsqueda de la verdad se ha vivido de forma diferente en algunos pases, ya que algunos de estos han optado desde la institucionalidad del Estado reconocer y hacer pblico los acontecimientos en contra de los derechos humanos; en cambio otros pases en los cuales los gobiernos la postura fue de negacin y/o indiferencia frente al proceso , optaron por la elaboracin de este tipo de documento por parte de ONGs en pro de los derechos humanos\nEntre los pases que el gobierno se hiso cargo de forma oficial fueron: Argentina (Comisin Nacional sobre la Desaparicin de Personas y publicaron el informe Nunca Ms); Chile (Comisin Nacional de Verdad y Reconciliacin y se publico el conocido Informe Rettig; y tambin la Comisin Nacional sobre Prisin Poltica y Tortura); El Salvador (Comisin de la Verdad y el Informe "De la Locura a La Esperanza"); y Per (Comisin Investigadora de la muerte de los periodistas en Uchuraccay y la Comisin investigadora de las masacres en los Penales)\nPor el contrario, en los pases donde no fue el gobierno quien dio paso a la formacin de estas comisiones y a la elaboracin de un informe oficial fueron: Bolivia, Brasil, Paraguay y Uruguay\n3. Escoja una de esas experiencias (excluyendo la chilena) y resee el contexto del que da cuenta.\n4. Cuntos Informes de Verdad hay en Chile? Indquelos y resee el contexto del que dan cuenta. 5. A su juicio, Cul es la funcin y el valor que cumplen los Informes de Verdad en trminos de la memoria histrica y la reparacin?\n2concepto de Derecho\nLey 29685 Ley q en Casos de Desaparicion de Niños, Niñas, Adolescentes, Personas Adultas Mayores\nResumen de Crantock\nAlexander Javier Barrios Acuña


Casa Real: Carla Vigo sorprende al acudir al cumpleaños de Leonor, hija de su tía Letizia Ortiz | Vivafutbol.es\nCasa Real: Carla Vigo sorprende al acudir al cumpleaños de Leonor, hija de su tía Letizia Ortiz\nEl día 1 de noviembre tuvo lugar en La Zarzuela la celebración por el 14 cumpleaños de la Princesa Leonor, a la que asistió la sobrina de Letizia Ortiz, Carla Vigo\nEl pasado 31 de Octubre, la Princesa Leonor cumplía 14 años y quisieron celebrarlo con una celebración en La Zarzuela. La Reina Letizia Ortiz, según confirmaba el programa presentado por María Patiño ‘Socialité‘, congregó a toda la familia que pudo, logrando que su sobrina e hija de su hermana fallecido Érika Ortiz, acudieron al evento.\nY es que esta invitada sorprende, ya que la joven hija de escultor Antonio Vigo, lleva una vida ajena a la Familia Real, y siempre que puede deja muy claro que su sitio no está entre ellos.\nAllí puedo verse con su tía, Letizia, el rey Felipe VI, su prima Leonor y Sofía, así como los abuelos de la Princesa y la Infanta. Según adelantaba desde este programa de Telecinco, Carla decidía acudir a esta cita ‘real’ para ‘no hacerle un feo’ a su tía, Letizia Ortiz. Vanitatis también arrojaba luz a este célebre evento, y confirmaba la posible presencia de sus otros primos, Victoria Federica, así como Froilán acompañada de su novia, Mar Torres.\nCarla Vigo, hija de Érika Ortiz, una vida alejada de la Familia Real Española\nTras el fallecimiento de su madre Érika Ortiz, hermana pequeña de la Reina Letizia Ortiz, Carla Vigo, marchaba a viva con su padre, Antonio Vigo, famoso escultor. La chica siempre ha mostrado su disconformidad con la Monarquía, y de hecho, según la escrita Pilar Eyre, Antonio Vigo culpaba directamente, durante el funeral de Érika, al rey Don Juan Carlos, acusándolo de incitarla al suicido debido al continuo acoso de los medios.\nCarla no ha olvidado a su madre, y a pesar de tener cierto resentimiento hacia la Familia Real, reconoce que siguen siendo su familia. Demuestra así que es una chica con los pies en la tierra, que sólo quiere vivir su vida como una joven más de su edad.


Agtech: tendencias de una revolución que recién está empezando - Clarín\nLas herramientas que transforman información en decisiones de manejo ya demuestran su potencial para mejorar la rentabilidad y reducir el impacto de la producción de alimentos.\nEl 78 por ciento de los productores argentinos dice haber utilizado herramientas de agtech.\nActualizado al 26/09/2020 4:31\nUn estudio del Banco Interamericano de Desarrollo (BID) revela que actualmente existen más de 450 emprendimientos vinculados con el agtech en América Latina y el Caribe, y más de la mitad fueron creados en los últimos cuatro años. De ellos, el 51 por ciento están basados en Brasil, y en segundo lugar aparece la Argentina con el 23 por ciento del total regional.\nLos programadores y desarrolladores son los nuevos actores disruptivos en el sector más pujante del país, y de la mano de las nuevas generaciones de productores son quienes empujan la vara de la innovación y buscan soluciones a las problemáticas que plantean la producción, el medio ambiente y los mercados.\nSegún Fernando Scaramuzza, investigador del INTA Manfredi, el 78 por ciento de los productores agropecuarios afirma haber utilizado herramientas de agtech y el 67 por ciento dice que su uso le permitió mejorar la rentabilidad. Para ser exitosas, las soluciones deben surgir de necesidades reales. Mejorar una rentabilidad que hoy se presenta muy fina, facilitar procesos y responder a demandas de la sociedad y de los mercados en materia ambiental. “La mayoría de los que usan herramientas de agtech son asesores o productores que manejan más de 1.500 hectáreas, pero los productores medianos a chicos -con menos de 300 hectáreas- también las están usando porque son los que más necesitan mejorar la eficiencia de los procesos. Y luego vienen los contratistas, los investigadores, docentes, comerciales…”, describe Scaramuzza en diálogo con Clarín Rural.\nEl estudio del BID, que fue presentado esta semana durante la jornada de lanzamiento de la campaña gruesa 20/21 de la Bolsa de Cereales de Buenos Aires, identifica diversas áreas de innovación tecnológica con potencial para incrementar la productividad, sostenibilidad y resiliencia al cambio climático del sector agrícola en la región, entre las que se destacan la mecanización y automatización de labores, el big data y agricultura de precisión, los softwares de gestión y las plataformas de compra-venta y financiación.\nEstos avances, explica Scaramuzza, vienen de la mano de un gran crecimiento de la información satelital. “La Argentina acaba de lanzar al espacio el segundo satélite Saocom, que aportará datos fundamentales para el sector agrícola sobre humedad superficial. Con mayores estudios y algoritmos sabremos cuánta agua hay en el perfil y podremos tomar mejores decisiones sobre siembra de trigo”, ejemplifica.\nEn ese sentido, un artículo elaborado por técnicos del INTA encabezados por Juan Pablo Vélez detalla: “Un número cada vez mayor de satélites y micro satélites están siendo lanzados al espacio, drones con más autonomía, maquinarias autónomas, robots, visión artificial, inteligencia artificial, control de malezas con métodos menos tradicionales como los rayos láser y la electricidad son algunos de los avances a los que a nivel mundial se les está dando extrema relevancia”.\nPara ilustrar el nivel de penetración real de este tipo de innovaciones en el campo y comprender algunas tendencias, Scaramuzza aporta algunos datos concretos. De las más de 2400 sembradoras que se vendieron este año en Argentina, más del 90 por ciento salieron equipadas con monitor de siembra, y de ellas, una de cada cuatro tienen la posibilidad de hacer dosis variable. En cuanto al control selectivo de malezas, hay más de 350 equipos funcionando en la Argentina, algo que habla de cómo se busca ser eficientes en la aplicación de fitosanitarios, con beneficios económicos, agronómicos y ecológicos.\n“La aplicación dirigida de herbicidas disminuye drásticamente el uso de fitosanitarios. Ensayos realizados en INTA Manfredi con detectores de malezas han demostrado ahorros de hasta un 90% en aplicaciones en barbecho, con una eficacia de hasta 100% dependiendo del tipo y tamaño de malezas”, afirma en esa línea el trabajo de Vélez.\nAlgo similar ocurre en materia de fertilización de cultivos. Scaramuzza detalla que la adopción de aplicación de dosis variables hoy está en alrededor del 25 por ciento, lo que se traduce en más de un 10 por ciento de crecimiento en el potencial productivo en los principales cultivos. “En 2018 calculamos que el beneficio de la adopción de dosis variables equivale a 650 millones de dólares”, dice.\nEstá claro que en el plano terrenal los tomadores de decisiones están incorporando masivamente las herramientas que les permitan transformar la información en mejoras concretas. Los datos recolectados por sensores e imágenes satelitales redundarán así en un uso más eficiente de los recursos. Pero en el medio de ese proceso se inserta un eslabón fundamental y cada vez más profesionalizado: las plataformas de gestión de información. “El usuario prefiere las soluciones integrales acompañado de un fuerte y eficiente servicio que obliga a rediseñar el modelo comercial hacia una interfaz de acceso a un sistema complejo de información digital en tiempo real y recomendaciones de manejo, monitoreo integral del establecimiento e interacción con los diferentes actores”, indican los investigadores del INTA, y agregan que en un futuro no tan lejano no existirá una sola herramienta que pueda satisfacer todas las demandas sino que habrá equipamientos más y menos versátiles.\n“Los diversos mecanismos de detección, control, motorización, alimentación y los diversos tamaños de equipamientos serán totalmente complementarios, a la vez que un mismo robot podrá cumplir múltiples tareas tales como aplicación de fitosanitarios, siembra y cosecha. También, el precio de la tecnología, tal como viene sucediendo hasta ahora, será cada vez menor, lo que hará más accesible este tipo de herramientas”, afirman.\nPara sumar a la perspectiva, desde el BID dicen que se espera un fuerte crecimiento en tecnologías de trazabilidad, que permitan mejorar la seguridad en la cadena de aprovisionamiento desde la producción hasta el consumidor.\nLa transformación digital de la producción de alimentos acaba de empezar, pero ya se empieza a percibir su potencial.