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## 欧洲管弦乐队

欧洲的管弦乐队的原始形态始于16～17世纪，那时乐器组合（其中一些规模相当庞大）用于舞蹈、歌剧、戏剧伴奏、教堂仪式或宴享活动。早期歌剧中的乐器组合起源于16世纪意大利和法国宫廷中的娱乐表演，其中可能包括琉特琴（诗琴）、低音提琴、小提琴、长笛、长号、小号、圆号、键盘乐器，具体组合根据场合而定。其主要作用似乎是重复演唱者的复调声部或为复调结构中的独唱者提供其他声部的演奏，在舞蹈、序曲或间奏中，则为纯器乐演奏。16世纪在法国娱乐活动中，担任伴奏的乐器演奏员隐身于后台或者身着戏剧服装出现在台上。这种乐器组合的总谱曾被称为具有“标题性”特点，例如众神被赋予不同式样，使用包括琉特琴、低音提琴和古钢琴等乐器，而长笛、肖姆双簧管等一些管乐器被用于田园乐曲演奏，打击乐器、铜管乐器等往往代表着“阴间”。似乎没有谁认为一种单一乐器组合可以完成整部作品，恰恰相反，不同乐器组合在一起，由于乐器的象征性和乐手的服装，可以有效传达和强化乐曲的含义。在17世纪，宫廷为国家庆典而出资举办歌剧节，为其伴奏的往往是规模庞大的乐器组合，比如1607年C.蒙特威尔第在曼托瓦演出的歌剧《奥菲欧》，1634年在伦敦为英王查理一世举办的假面舞会《和平的胜利》。与此相比投资规模显得相对较小的大众歌剧（始于1637年的威尼斯，此后不久即在其他地方流传开来），主要由小型弦乐队、古钢琴和琉特琴组合而成，管乐器被加入进来则作为特殊效果使用。16～17世纪兴起的规模庞大的、具有复调特点的宗教音乐，往往需要大量的乐器演奏员。然而，乐器并未形成独立的组合，而是被分配到合唱队中，与歌手混在一起，并为歌声同声伴奏。16世纪末至17世纪初出现了早期的弦乐组合。1607年蒙特威尔第的《奥菲欧》可以称之为最早期的这种组合，但很难将这种偶尔出现的弦乐组合称之为管弦乐队。法国和英国宫廷的乐器组合来源于意大利的提琴合奏（viol consorts），16世纪中期这种提琴合奏在巴黎和伦敦出现。詹姆士一世登基之初，皇家乐队的固定成员为9～10个提琴手（包括小提琴、中提琴和大提琴），但是在化装舞会和其他特殊场合乐队规模可以扩大到25～30人。1626年在巴黎，路易十三时宫廷乐队改组成由24名御用提琴手组成的乐队，这种弦乐的组合被确定并持续了整个17世纪。直到1701年左右，低音提琴才被加入宫廷乐队和歌剧院管弦乐队中来。此前低音提琴只在歌剧的某些场景中使用，如暴风雨、地震、祈神和召魔。在1631年的一份英国国王提琴乐队清单中显示，其组合基本与法国的24把提琴组合相似。17世纪英国大部分管弦乐组合都是4部而不是5部，包括两把小提琴作为高音部分。在意大利也是如此，威尼斯歌剧院中通常也采用两把小提琴作为高音部分。在17世纪下半叶至18世纪上半叶，J.-B.吕利的声名鹊起，他不仅对法国宫廷音乐的发展有重大影响，也对当时整个欧洲音乐的发展起了巨大的作用。1653年，他被任命为宫廷乐长。在一些大型宫廷演出中，他有时将两个乐队结合起来使用。他同时还使用木管乐器、小号和定音鼓。这种用法与管弦乐队相当接近。后来，他对乐器的使用有了明显的变化。弓弦乐器和拨弦乐器的演奏者被分别放置在两个不同包厢内，演奏员不再穿戏装，而是统一着制服。在舞台前部，一个人手持一根短小的指挥棒，提示演唱者和演奏者何时起何时止。尽管这与真正的管弦乐队非常相似，但看起来弓弦乐器似乎只在序曲、幕间曲和舞曲里使用，而拨弦乐器则只在人声歌唱中使用。吕利的管弦乐队之所以著名，是因为乐队中各乐手同时而动，从持弓姿势和琴弓上下的幅度到乐器演奏员们在演奏中所体现的超出乐谱本身的音乐韵味，都具有高度的一致性。吕利对乐器组合的这种改良，在当时造成很大轰动。在吕利的影响下，巴黎的奥特泰尔和谢德维尔家族对木管乐器进行了重大变革。他们对文艺复兴时期的乐器进行改良，创造出所谓的“巴罗克”长笛、竖笛、双簧管和大管。到了17世纪末，这些新型木管乐器在整个西欧地区的管弦乐队里得到普遍应用。在17世纪晚期和18世纪上半叶，长笛在法国和威尼斯歌剧中经常使用，长号和短号则经常在节庆和军事活动中使用。以上提到的这些乐器也在英国和德国的某些场合下使用。在18世纪上半叶，4部弦乐组合被欧洲各国广泛接受（法国除外），而且在德国和奥地利还形成了一定的规范。除双簧管和大管外，又加入了长笛若干、小号一对，这很快成为一种基本组合方式。小号和定音鼓视乐曲需要而随时增加。长笛和双簧管通常由同一演奏员来演奏。竖笛仍被使用，但因其音量过弱，最终被更加灵活的长笛所取代。长号和短号跟以前一样，仍是教堂音乐必不可少的部分，但在常规的管弦乐队中却毫无立足之地。G.F.亨德尔在其清唱剧《扫罗》和《以色列人在埃及》中对长号的使用是个例外。在18世纪下半叶，常规的木管乐器很难在宫廷以外的地方找到，所以作曲家们只能根据眼前所有的乐器进行创作。J.S.巴赫在创作“d'amore”时采用了3支小号，或者4支猎号，或者两支双簧管，在创作《圣诞清唱剧》时采用了两支双簧管，亨德尔在其清唱剧《以斯帖》《朱利奥斯·凯撒》和《亚历山大·巴卢斯》中写出竖琴的独立部分，是因为他碰巧能调动一位竖琴高手为他服务。而在其他地方，竖琴通常只是作为一个低音乐器来使用，直到18世纪后期，竖琴才进入了歌剧院管弦乐队。单簧管作为木管乐器家族的新成员，于18世纪上半叶进入威尼斯、维也纳和汉堡的歌剧院，但是此后很长一段时期里，它都被管弦乐队排除在外。直到1793年，F.J.海顿才开始在其交响乐的创作中使用单簧管。18世纪中叶，单簧管被巴黎剧院管弦乐队采用，从此以后才开始进入德国和奥地利的管弦乐队。18世纪60年代前期，巴赫在伦敦歌剧院里开始使用单簧管。直到18世纪末，单簧管才进入米兰和那不勒斯的歌剧院管弦乐队。17世纪，英国管已在法国出现，只是当时乐器的管身不是直管（19世纪中叶才改为现今的直管），名称也不叫英国管。此时英国人虽已开始使用这一乐器，但它还没有成为管弦乐队的一个常规成员。德国从1720年左右开始使用这一乐器，在1740～1780年，这种乐器偶尔在歌剧或清唱剧中出现，同时在室内乐中还作为一种木管乐器来使用。在海顿的《第二十二交响曲》（1764）中，海顿用一对英国管代替了双簧管。在17世纪和18世纪上半叶，管弦乐队中古钢琴、琉特琴、竖琴是作为和声声部必不可少的乐器，在意大利歌剧中通常采用两架古钢琴和一个琉特琴。18世纪中期，尽管数字低音的运用逐渐减少（教堂音乐除外），但到了19世纪的第一个10年里，许多管弦乐队仍然使用键盘乐器来把整个乐队组合在一起或在某些情况下给出和弦暗示。莫扎特的协奏曲显示，钢琴演奏家在管弦乐队中不仅独奏还参与合奏。这种传统一直维持到19世纪并经由J.N.胡梅尔[注]的协奏曲得以继承。随着键盘数字低音的衰落，小提琴手作为指挥的情形成为主流。在意大利歌剧中，一般是作曲家让钢琴演奏者来指挥起始的三个曲目，从第四个曲目起由第一小提琴演奏者来指挥。当然这在一些杰出作曲家的作品中也有例外。亨德尔在其清唱剧中，通过古钢琴或管风琴来指挥，有时还巧妙地将二者结合起来。海顿在伦敦演出他的交响乐作品时，通过钢琴来指挥整个乐队。真正的指挥只在合唱音乐作品，尤其是当参演者被分散在不同方位时才采用。只有在巴黎的歌剧中，才有一位真正的指挥。到18世纪末，一个标准的大管弦乐队包括2架琉特琴、2支双簧管、2支单簧管、2支大管、2支或4支圆号、2支小号，以及定音鼓和弦乐器若干。每种弦乐器数量根据可使用的乐器和演出场所的大小来定。在教堂音乐或剧场音乐中，有4～5把小提琴、4、5把第二小提琴、2～3把中提琴、2～3把大提琴以及两把低音提琴就可以演奏了。但是在交响乐中，5个弦乐声部各自的数量为6、6、4、4、3的编制却是合理平衡的最小组合。在意大利的歌剧院里，管弦乐队的规模一般比其他地方的管弦乐队大。1754年管弦乐队的最佳数量组合被认为是德累斯顿萨克森选帝侯的乐团，它包括：第一提琴8把、第二提琴7把、中提琴4把、大提琴3把、低音提琴3把、长笛2支、双簧管5支、大管5支、长号2支、古钢琴2架。1790年左右最佳的管弦乐组合被认为是都灵歌院管弦乐团，它包括：23把小提琴、7把中提琴、5把大提琴、7把低音提琴、5支长笛和双簧管、2支单簧管、3支大管、4支长号、2支小号、定音鼓和2架古钢琴。海顿的清唱剧《创世记》（1798）中除了使用长号以外，还使用了低音大管、三角铁和铃鼓。19世纪许多乐器得到了改革。重新制造出来的弦乐器，琴弦张力更大、音色更美、音量更大、音高更高。长号已经成为管弦乐队的固定成员。铜管出现了活塞键。低音单簧管首次出现在管弦乐中是在1836年G.迈耶贝尔的歌剧《胡格诺教徒》中。19世纪40年代发明了萨克斯管，它吸引了当时一大批作曲家，有些作曲家为此写了萨克斯管四重奏，但更常见的是萨克斯管独奏，但是萨克斯管始终没有成为管弦乐队的固定成员，它在管弦乐队中只是偶尔出现。一种新型的键盘乐器钢片琴出现并在P.I.柴科夫斯基的《胡桃夹子》中使用，它引起了后来的印象主义音乐作曲家们的注意，并得到现代作曲家的喜爱。19世纪上半叶，管弦乐队的规模与此前一个世纪相比没有显著变化。伦敦爱乐乐团和巴黎管弦乐团是当时首屈一指的大乐团，它们都有30把或更多小提琴。各乐团演奏水平也有很大差异。德国的许多管弦乐队中主要成员都是军乐团成员或一些业余爱好者。19世纪，使管弦乐队在组合上产生重大变化的人物是瓦格纳。早期作曲家大都根据现有乐器而创作，而W.R.瓦格纳却是根据自己的意愿来创作，并希望自己的意愿能够被人认同和实现，当然在这一点上他也并不总是很成功。如其音乐戏剧《罗恩格林》需要3支长笛、3支双簧管、3支单簧管、3支大管、4支圆号、3支长号以及大号、定音鼓、打击乐器、竖琴和弦乐的编制，此外还有一个舞台上的乐器组合。但是1850年李斯特在德国魏玛举办其首场演出时，却只能用5把第一提琴、6把第二提琴、3把中提琴、4把大提琴、3把低音提琴、2支长笛、2支双簧管、2支单簧管、2支大管、4支圆号、2支小号、1支长号、1支大号和一个定音鼓来将就。瓦格纳在其四联音乐戏剧《尼伯龙根的指环》中的乐队编制远远超出了一般乐团。瓦格纳不仅规定了每种弦乐器的数量（第一提琴16把、第二提琴16把、中提琴12把、大提琴12把、低音提琴8把），把木管乐器部分增加为3支长笛和短笛，3支双簧管和英管国，3支单簧管和低音单簧管，铜管乐器除了普通的小号之外，还加了1支低音小号，除了3支次中音长号和1支低音长号以外，还增加了倍低音长号。另外需要6台竖琴，8支圆号，4支大号。这种编制不仅增大了音量，还增加了丰富的色彩。瓦格纳的管弦乐对后来的作曲家们的创作产生了重大影响。现代作曲家们为了求得多彩的音响，不断挖掘各种乐器的演奏法，使用一些特殊乐器（特别是打击乐），甚至电子乐器，管弦乐队的理念正不断地更新和发展。亚洲虽然早在19世纪末香港就有了一个由欧洲社会团体赞助的业余性质的管弦乐团，但管弦乐文化真正在亚洲兴起并发展是在第二次世界大战以后。亚洲音乐家赴欧美留学，欧美管弦乐团在亚洲各地的演出，管弦乐音像制品和广播的广泛传播等，都大大推进了亚洲管弦乐队的发展。亚洲各国几乎都拥有了职业的管弦乐队。如日本的东京交响乐团、韩国的汉城交响乐团、新加坡交响乐团等。