Caractéristiques.

Transporté sur un tracteur-érecteur-lanceur 9P129 (BAZ-5937), il est ensuite positionné à la verticale pour son lancement.  Il a été conçu pour remplacer les roquettes FROG (Free Rocket over Ground).

Historique.

Entrée en service en 1976, sa première version a été déployée pour la première fois au sein de l'Armée rouge en Allemagne de l'Est en 1981, remplaçant ainsi les FROG-7. Il est, en 2013, toujours en service dans les forces armées de la Fédération de Russie, dans les forces armées de l'Ukraine, celles d'autres ex-républiques soviétiques, en Bulgarie, en Syrie, au Yémen, et Corée du Nord (dans une version locale).  D'une portée de 70 (SS-21 Scarab A) à (SS-21 Scarab B), il peut être doté d'une ogive de, conventionnelle, chimique, biologique ou nucléaire (de 10 à 200 kilotonnes suivant modèle d'ogive choisi).  Il a été utilisé au combat par les forces russes lors des guerres de Tchétchénie et la deuxième guerre d'Ossétie du Sud, par l’armée syrienne lors de la guerre civile syrienne. CNN affirme sur la foi de sources anonymes au sein des services de renseignements américains que l'armée régulière ukrainienne en aurait utilisé lors de la crise ukrainienne de 2013-2014.  Il a été également utilisé durant la guerre du Yémen par des unités rebelles yéménites et les commissions populaires (Houthis) le lors d'un raid visant la base de Safer, un cantonnement de la coalition arabe, dans le gouvernorat de Ma'rib. L'attaque fait un minimum de 67 victimes parmi les forces de la coalition arabe dont 52 émiraties, 10 saoudiens et 5 bahreïnis. Dans la nuit du 20 au, un autre tir est intercepté par un MIM-104 Patriot émirati.

L'OTR-21 Totchka plus connu au niveau mondial sous le code OTAN SS-21 ou SS-21 Scarab est un missile balistique tactique soviétique à courte portée d'une masse de.

OTR-21 "Točka" (;, „Tečka“) je v SSSR vyvinutá taktická balistická raketa krátkého dosahu. V indexu GRAU dostala označení 9K79, zatímco v kódu NATO SS-21 Scarab. K jejímu převozu slouží vozidlo "9P129". Rozmisťování raket OTR-21 na území východního Německa začalo roku 1981, kdy nahrazovaly starší systém FROG.


Vue d'ensemble.

Dans les années 1970, l'industrie vidéoludique est considérée comme une curiosité. Les industries des ordinateurs et des jeux vidéo s'agrandissent. Aux États-Unis, où l'industrie vidéoludique s’agrandit, les revenus sont estimés à 9,5 milliards de dollars américains en 2007, 11,7 milliards en 2008, et 25,2 milliards en 2010 (rapports annuels de l'Entertainment Software Association).  Les ordinateurs évoluent dans l'innovation et la création de cette industrie : les cartes son, les cartes graphique, les processeurs graphique, les CD ROM, les lecteurs DVD-ROM, UNIX et les processeurs en sont la principale évolution notable.  La carte son, quant à elle, est développée dans le but d'améliorer la qualité audio des jeux vidéo et, plus tard, améliorée et utilisée par l'industrie audio pour audiophiles.

Métiers.

L'industrie embauche souvent comme d'autres entreprises « traditionnelles », mais certains métiers ont des compétences et un professionnalisme uniquement adaptés à l'industrie du jeu vidéo, comme les programmeurs, "game designers", "level designers", producteurs et testeurs de jeux. La plupart de ces professionnels sont employés par les développeurs ou éditeurs de jeux vidéo. Néanmoins, beaucoup d'amateurs produisent également des jeux et les vendent dans le commerce, souvent connu sous le nom de jeux indépendants.  Depuis les années 2000, les développeurs emploient des personnes ayant une certaine expérience au sein des communautés de "modding".

Historique.

Le, William Higinbotham, physicien nucléaire américain, crée "Tennis for Two". Le jeu n'est pas commercialisé car il s'agit, au départ, d'une expérience.  Cependant, en 1982, le magazine "Creative Computing" déclare que c'est le tout premier jeu vidéo.

Économie du jeu vidéo.

Dès le début, les coûts de développement sont minimes et les jeux vidéo s'avèrent très rentables. Ceux développés par un seul programmeur ou par une petite équipe peuvent se vendre à des centaines de milliers d'exemplaires. Pour beaucoup de ces jeux, il ne faut que quelques mois pour les créer, et les développeurs peuvent sortir plusieurs titres chaque année. Ainsi, les éditeurs peuvent être généreux envers les programmeurs avec des avantages tels que des redevances sur les jeux vendus. De nombreux éditeurs commencent dans ce climat économique comme Origin Systems, Sierra Entertainment, Capcom, Activision et Electronic Arts.  Comme la puissance de calcul et les capacités graphiques augmentent rapidement, il en est de même pour la taille des équipes de développement qui doivent répondre à la complexité graphique et à une part de programmation toujours plus grande. Depuis la fin des années 1990, les budgets peuvent facilement atteindre des dizaines de millions de dollars pour les grands studios. La plupart des jeux AAA requièrent deux à trois ans pour être développés, augmentant encore la pression sur les budgets.  Pour pallier ce phénomène, certains développeurs n'hésitent pas à se tourner vers des modèles de distribution comme la distribution numérique afin de réduire les coûts.  Dans les années 2010, l'industrie du jeu vidéo a un impact majeur sur l'économie mondiale à travers les ventes des grandes enseignes et de la démocratisation du jeu vidéo sur mobile, notamment sur smartphone, dont le modèle économique repose en grande partie sur le "freemium". Beaucoup de personnes plus ou moins célèbres bénéficient également de la réussite économique des jeux vidéo, notamment l'ancien président de Nintendo : Hiroshi Yamauchi, le troisième homme le plus riche du Japon.

La place du joueur dans l'industrie vidéoludique.

La frontière entre l'usage, la production et la consommation de jeux vidéo est de plus en plus poreuse. En effet, les communautés de joueurs sont de plus en plus sollicitées lorsqu'il s'agit de participer à la production d’œuvres vidéoludiques, cela bien souvent dans l'optique du loisir, du plaisir ou de la passion. Sur un modèle horizontal, ces logiques prennent racine sur des engagements contributifs, volontaires et sur une participation bénévole des joueurs, mais n'échappent pas pour autant à la captation de valeur de l’industrie vidéoludique.  Certains des jeux vidéo les plus joués dans les années 2000 puis 2010 peuvent-être à l'origine de "mods" développés par des communautés de joueurs, comme "Counter-Strike" ou "League of Legends".  Les modèles d'affaires, soumis à une rude compétitivité et à une évolution du marché ont dû s'adapter à plusieurs changements, tels que la dématérialisation ou le piratage. Si bien que l'objectif de l'industrie vidéoludique est depuis les années 2000, à l'image de celle du logiciel auparavant, de rendre compatible l'ouverture informationnelle relative aux produits qu'elle développe avec une viabilité économique. Dans cette optique, l'intégration des communautés de joueurs accompagne les modèles d'affaires via, par exemple, la mise à disposition d'un modèle de base puis la création et la vente d'assets complémentaires (comme des éléments de personnalisation). La vente de ces assets nécessite une base de joueurs importante puisqu’ils sont généralement vendus à des prix très bas. Ainsi, l'avance technologique n'est plus aussi prioritaire, à l’inverse des rendements croissants induit par l'adoption de nouveaux joueurs. La valorisation de la communauté de joueurs peut alors être vue comme un moyen pour accroître la durée de vie du jeu.  Ainsi, l’industrie vidéoludique s'appuie sur des écosystèmes regroupant une diversité de pratiques et au sein desquels les joueurs exercent :

Le modèle des plateformes communautaires.

L’industrie vidéoludique met par ailleurs en place des projets de plateformes communautaires. Ces plateformes web permettent aux joueurs, par des moyens variés (échanges, développement, "feedbacks", etc) de contribuer au développement d'un jeu, parfois à partir de zéro. En se basant sur des méthodes qui ne sont pas sans rappeler des processus à l’œuvre dans le monde de l"'open source", comme la divulgation de connaissances ou des interactions continues et répétées entre concepteurs et consommateurs (ce qui peut brouiller les pistes entre les statuts des uns et les autres).  Dans ces processus, la réputation semble occuper une place centrale dans les dynamiques de participation des joueurs tout en étant le principal « ». Le développement croisé du jeu entre joueurs et concepteurs pouvant en effet s'accompagner de systèmes de points, de niveaux. La production du jeu devenant à son tour un jeu. On parle alors de ludification (ou "gamification"). Pour appuyer ces dynamiques de contribution, la rhétorique de la passion peut également être convoquée par les concepteurs pour mieux contourner l'impression de travail du côté du joueur. Ainsi, ce modèle de plateformes communautaires valorise économiquement l'engagement des joueurs tout en le suscitant, le canalisant et l'orientant.

L'industrie du jeu vidéo au Japon.

L'industrie japonaise du jeu vidéo est commercialement différente des industries américaines et européennes.  En général, le jeu vidéo, dans le domaine du divertissement, possède une part de marché majoritaire au Japon. Le pays est à l'origine de bon nombre jeux vidéo à succès, telles que les séries "Final Fantasy", "Metal Gear" et "Mario".

Arcade.

Les jeux vidéo d'arcade sont très répandus au Japon, avec des espaces publics réservés uniquement pour eux.

L'industrie vidéoludique est le secteur d'activité économique de la conception, la production et la commercialisation du jeu vidéo. Cette industrie compte une douzaine de disciplines dans son domaine ainsi que bon nombre d'emplois : par exemple, aux États-Unis, le jeu vidéo est directement responsable de en 2010.

Videoherní průmysl (nebo herní průmysl) je odvětví průmyslu zabývající se tvorbou a prodejem počítačových her, resp. videoher. Zahrnuje desítky specializovaných profesí (např. herní návrhář, grafik, programátor, producent) a zaměstnává množství lidí po celém světě. V roce 2018 dosáhl celkový obrat odvětví 119 miliard dolarů.


Biographie.

En 1106, Bohémond de Tarente, prince d'Antioche et croisé, se rend en Europe pour obtenir des secours et épouse Constance de France, la demi-sœur de Cécile. Profitant de son prestige et de sa bonne fortune, il négocie par la même occasion le mariage de Cécile avec son neveu Tancrède de Hauteville, qui assure alors la régence de la principauté d'Antioche. Le prince passe pour un des chevaliers le plus preux de l'époque, il avait accompagné et secondé Godefroy de Bouillon bien après la prise de Jérusalem et avait fait la conquête de la Galilée. Ne s'entendant pas avec Baudouin, frère et successeur de Godefroy, il lui avait cédé la Galilée pour rejoindre Antioche et y assurer la régence pendant les absences de son oncle.  Cécile se rend à Antioche par mer pour rejoindre son fiancé. Alexis Comnène, empereur byzantin, craignant que cette alliance se retourne contre lui, demande aux républiques de Gênes, de Pise et de Venise d'intercepter le navire afin d'empêcher l'alliance, mais il n'est pas entendu. Arrivée à Antioche, elle épouse Tancrède à la fin de l'année 1106.  Bohémond, battu par Alexis Comnène à Durazzo ne retourne plus jamais à Antioche, où Tancrède exerce la régence, puis lui succède à sa mort en 1111. Mais Tancrède ne tarde pas à sentir sa fin venir et, sur son lit de mort, demande à Cécile de se marier ensuite à Pons (1097 † 1137), comte de Tripoli, afin de mettre fin à la rivalité entre Antioche et Tripoli, rivalité qui nuit aux actions des croisés en Terre sainte.  Le mariage est célébré en 1112 à Tripoli, et Cécile donne ensuite naissance à Raymond II (1116 † 1152), futur comte de Tripoli. En 1132, la forteresse de Montferrand est assiégée par une bande de Turcomans. Pons tente de leur faire lever le siège, mais subit un revers et doit se réfugier dans la forteresse. À l'annonce de cette nouvelle, Cécile n'hésite pas à se rendre à Jérusalem pour alerter le roi Foulque d'Anjou, roi de Jérusalem, qui vient avec son ost et oblige les Turcomans à battre retraite.  À la mort de Pons, en 1137, elle demande Gibelet en douaire, mais reçoit en fait Chastel-Rouge et Arzghan. Elle apparait dans une donation faite en 1139 en faveur du Saint-Sépulcre, et disparaît après 1145.

Cécile de France (née en 1097, morte après 1145), comtesse de Tripoli, est une fille de Philippe, roi de France, et de Bertrade de Montfort. Sa naissance est sous le coup de l'illégitimité, car ses parents, lorsqu'ils se marièrent étaient tous deux déjà mariés et, si leur précédent mariage avait été annulé par une assemblée de prélats, l'évêque Yves de Chartres, puis le pape Urbain II s'étaient opposés à ces annulations comme au remariage et avaient excommunié les deux époux. La légitimité n'interviendra qu'en 1104 avec la levée de l'excommunication, quand Bertrade se soumet aux décisions du pape et se retire à l'Abbaye de Fontevraud.

Cecílie Francouzská (, 1097 – po 1145) byla kněžna z Antiochie a hraběnka z Tripolisu, nevlastní sestra jeruzalémského krále Fulka.


Terme.

Le mot "séquence", issu du latin "sequentia", n'est pas ancien dans l'histoire de la langue française. Mais le terme s'employait déjà dans les écritures au.  Celui-ci signifie « suite », plus précisément "suite" de l'alléluia ou du verset de l'alléluia.  Dans la liturgie, ce terme possédait son double sens. Auparavant, il s'agît du synonyme du jubilus, à savoir long mélisme de l'alléluia, attribué à la dernière syllabe "a" de ce terme, qui n'est autre que le diminutif de Yahvé. De fait, le terme "sequentia" s'employait dans l'écriture d'Amalaire de Metz († 850) au lieu du "jubilus" alors qu'auprès des monastères sangalliens, il s'agissait du terme "hymne" indiquant la séquence actuelle.  Il existait un emploi plus rigoureux de "sequentia". L'alléluia se compose normalement en trois parties : "alléluia" - verset - "alléluia" (A - B - A). Parfois, le compositeur du chant grégorien préférait un nouveau jubilus plus développé, plus distingué, plus solennel après le verset (A - B - A bis). Au Moyen Âge, on appelait ce dernier morceau "sequentia", "sequela" ou "longissima melodia". Et les "melodiæ longissimæ" sont précisément ces morceaux qui représentaient une difficulté particulière de la formation musicale aux yeux du jeune Notker de Saint-Gall († 912), qui établit un nouveau genre musical, la "séquence", pour en faciliter la mémorisation. Il est normal que ce chant fût tout d'abord conçu afin de soutenir ces "melodiæ longissimæ".

Séquence avant 1570.

Origine.

Sous influence de la Renaissance carolingienne, grand mouvement culturel, le chant grégorien fut soigneusement composé, essentiellement aux et. Très fidèle au texte sacré, la Bible, il respecte strictement le rite romain, plus précisément le sacramentaire. En conséquence, au regard des manuscrits les plus anciens, sa qualité demeure exceptionnelle, dans les domaines artistique et théologique, en tant que le premier sommet de la musique occidentale. De fait en Europe, tous les chants liturgiques furent remplacés, à l'exception du chant ambrosien mais affaibli.  À partir du, de nouveaux chants furent ajoutés au répertoire du chant grégorien. D'une part, afin d'enrichir ce répertoire. D'autre part, pour répondre aux besoins de la liturgie locale. Donc, si ces chants étaient également notés en neumes anciens, il s'agissait d'un autre genre. Leurs mélodies étaient parfois issues d'anciennes pièces chantées et ne respectaient plus la grammaire musicale du chant grégorien. Surtout, les textes étaient normalement non bibliques.  Il s'agit des trope, séquence, prose ainsi que des pièces "farcies" de l"'Ordinarium Missæ", tels les "Kyrie". Quant à la séquence, celle-ci suivait, selon la première définition, le verset de l'alléluia pour renforcer ce dernier. Son origine demeure plus obscure que celle du trope. Des prototypes, vraisemblablement, se trouvaient au milieu du dans un antiphonaire originaire de l'abbaye de Jumièges (voir le paragraphe suivant). Faute de ressources documentaires suffisantes, il est impossible d'affirmer qu'il s'agit d'une invention de ce monastère.

Séquence de Notker.

Naissance de la séquence sangallienne au.

Alors que les auteurs de la plupart des séquences demeurent inconnus, celui d'une des plus anciennes fut paradoxalement identifié avec une excellente certitude. Il s'agit de Notker le Bègue († 912), moine de l'abbaye de Saint-Gall, célèbre poète, écrivain et musicien. Dans la préface de son "Liber hymnorum" dédié à Liutward de Verceil vers 884, il précisait pourquoi de nombreuses séquences avaient été composées. Quand il était jeune, il lui fallait devenir chantre, donc mémoriser les "melodiæ longissimæ" (jubilus) avec une immense difficulté. En effet, le chant grégorien est si profondément lié au texte latin qu'à cette époque-là, il était vraiment difficile à exécuter de longs mélismes sans support de texte.  La solution fut donnée, par hasard. Un jour, un moine de l'abbaye de Jumièges y arriva avec un antiphonaire, après que le monastère de Jumièges avait été dévasté en 841 par les vikings. Notker s'aperçut que quelques versus étaient notés en forme de séquence dans cet antiphonaire, adaptés à ces mélodies de longueur extrême sans texte. Quoique assez de musicalité ne fût pas trouvée dans ces notations, le jeune moine sangallien, bien inspiré, commença à chercher une meilleure manière. Selon cette préface, la première séquence composée était la "Laudes Deo concinat orbis". Encouragé par son maître Iso, il remania celle-ci ainsi que d'autres et continua sa composition. Un conseil d'Iso donna finalement naissance au chant syllabique à Saint-Gall. Certes, les moines sangalliens employaient le terme "hymne" pour de nouveaux chants. Mais, il s'agissait d'un chant plus simple et très différent de l'hymne de saint Ambroise de Milan.  D'ailleurs, si Notker exprimait qu'il ne s'agissait que d'une amélioration, et non invention, cette écriture et ses notations expliquent déjà les deux caractéristiques importantes de la séquence : chant syllabique, étroitement lié à l'alléluia. Il faut ajouter qu'au moins à Saint-Gall, les œuvres s'employaient dans l'optique pédagogique, notamment pour de jeunes choristes : mémoriser facilement la mélodie en bénéficiant du chant syllabique.

Manuscrits sangalliens.

La bibliothèque de Saint-Gall conserve plusieurs notations de ces séquences. Il s'agit des manuscrits 376, 378, 380, 381, 382, 484 et 546. De même, celle d'Einsiedeln possède le manuscrit 366 (472) et surtout le 121, version de luxe. Les neumes des manuscrits les plus anciens, 484 et 381, ne sont pas identique à ceux des manuscrits tardifs. D'où, il n'est pas facile à retrouver les mélodies authentique de Notker. Au regard des textes, son authenticité de l'auteur fut établie en 1948, grâce aux études de Wolfram von den Steinen.  Ces manuscrits suggèrent que les séquences de Notker étaient effectivement pratiquées dans les monastères de la famille de Saint-Gall. Toutefois, il est probable que les moines distinguaient strictement ces séquences du répertoire du chant grégorien, d'abord, en rendant hommage à ce grand prédécesseur de Saint-Gall. D'ailleurs, ils connaissaient la différence musicale entre deux. Vraisemblablement pour ces deux raisons, le manuscrit Einsiedeln 121 contient une magnifique page de titre, dorée, pour commencer la deuxième partie, "In nomine Domini incipit liber ymnorum" (hymne) "Notkeri" (folio 436, ).  Une collaboration internationale et scientifique put réaliser récemment une exécution de qualité de ces séquences, selon les neumes sangalliens et avec des musiciens professionnels.

Séquence florissante au Moyen Âge.

Un grand nombre des chants de ce genre exprimait que la création des chants liturgiques se continuait durant tout le Moyen Âge, notamment sa composition de textes profitant d'anciennes pièces chantées. Mais, sa pratique se caractérisait, en comparaison du chant grégorien, d'une particularité, à savoir diffusion très variable. Certaines œuvres étaient très connues en tout lieu. Tantôt, la pratique restait dans une région. Tantôt, une séquence n'était exécutée qu'auprès d'un seul établissement religieux.  On considère qu'à la fin du Moyen Âge, quasiment toute la messe s'accompagnait d'une séquence, jusqu'à ce que cette pratique n'ait plus été recommandée en 1570. On estimait l'existence de plusieurs mille séquences médiévales dans un dictionnaire. Si un autre musicologue Richard Hallowell Hoppin aussi donnait environ, essentiellement liturgies locales, il est difficile de compter exactement le nombre de compositions.  Au, l'autorité soupçonnait nonobstant la qualité des séquences, en tant que chant liturgique de l'Église. En 1536, il s'agissait de l'un de sujets du concile provincial de Cologne. Une fois le concile de Trente commencé, celui de Reims, tenu en 1564, ordonna que les séquences soient examinées.

Difficulté de classification.

À mesure que les chants dans ce genre devinrent nombreux, sa dénomination connaissait une confusion considérable. Notamment, la distinction entre la prose (signifiant "avant") et la séquence ("après") avec l'exécution de l'alléluia fut quasiment perdue. Elles devinrent presque synonymes, et la classification reste encore floue jusqu'à nos jours. Ainsi, plus tardivement, Marc-Antoine Charpentier composa son motet "Victimæ paschali laudes" en faveur d'une célébration de Pâques en 1671. Il écrivait dans sa notation autographe : "Prose Pour Le jour de Pasques". Mais il n'est pas certain que cette œuvre ait été exécutée avant l'alléluia le dimanche. Dans le "Dictionnaire de liturgie", rédigé par Dom Robert Le Gall, ceux qui concernent se trouve entièrement sur la page de la "Prose" tandis que celle de la "Séquence" ne se consacre qu'à sa définition.  Nonobstant, l'origine de cette confusion était assez ancienne. Au regard de la "Victimæ paschali laudes", dans le manuscrit le plus ancien et attribué au, deux copistes ajoutèrent un peu plus tard deux versions d'alléluias pascaux. Donc, on peut considérer que celle-ci était chantée en tant que prose à l'abbaye Saint-Vaast près d'Arras. Au contraire, une autre notation de l'abbaye territoriale d'Einsiedeln ( ou ) s'accompagne d'un alléluia sans verset. Dans ce cas, manuscrit copié selon une notation apportée ou bien la pratique de cette abbaye, il semble que la pièce fût chantée en tant que verset de l'alléluia. L'ambiguïté demeure considérable dans cette catégorie, issue de la liturgie locale.

Séquence après 1570.

Concile provincial de Cologne.

En 1538, le concile provincial de Cologne fut tenu. L'archevêque de Cologne Hermann de Wied le présida afin de lutter contre l'hérésie de Martin Luther. Dans cette optique, son onzième article condamnait les séquences mal composées, notamment insérées dans les missels sans jugement. Le concile ordonna en conséquence une reforme des missels et bréviaires.

Concile de Trente et "Missale Romanum".

En répondant à ces besoins de l'époque, une fois le concile de Trente terminé, le pape Pie V fit publier en 1570 le "Missale Romanum", grâce auquel l'Église possède, pour la première fois, les textes officiels chantés à la messe. Si la liturgie locale était encore admise et respectée, même après la publication du dit cérémonial de Clément VIII sorti en 1600, la célébration de la messe d'après les dogmes tridentins devint de plus en plus universelle. En effet, le concile chargeait à l'Église un vaste plan d'action : d'une part, la Contre-Réforme pour l'extirpation de l'hérésie ; d'autre part, la Réforme catholique afin de remédier aux maux qui accablaient la chrétienté. Le premier missel romain avait été édité dans cette circonstance.  Cette réforme toucha par conséquent énormément les séquences. Malgré la pratique fréquente à l'époque, l'Église décida de les supprimer dans la liturgie universelle, à l'exception de quelques exemplaires de très bonne qualité.

Utilisation liturgique à partir de 1570.

Pour les séquences, ces officialisation et publication étaient finalement définitives. Premièrement, celles-ci, qui furent sélectionnées, sont toujours en usage jusqu'ici. Deuxièmement, la plupart des séquences disparurent en revanche et furent oubliées dans la liturgie, même si le cérémonial de 1600 admettait à ajouter de propres coutumes locales à la liturgie essentielle et universelle du Saint-Siège.  De fait, seules quatre séquences furent choisies pour le missel. Ceux qui concernent étaient le "Victimæ paschali laudes", le "Veni Sancte Spiritus", le "Lauda Sion" ainsi que le "Dies iræ".  Afin d'expliquer ce bouleversement, il suffit de citer un exemple. Auparavant, la séquence "Laudes salvatori voce", issue de la version simple de Notker, était fréquemment chantée à Pâques. Celle-ci fut dorénavant remplacée par le "Victimæ paschali laudes", par exemple, dans le "Missale Frigingense" à partir de l'édition 1579.  Le jugement de l'Église, ayant exclu les séquences, fut formellement présenté en 1600 dans le cérémonial de Clément VIII d'après lequel le chant grégorien est dorénavant le « chant liturgique de l'Église par excellence ».  Toutefois, en 1727, le "Stabat Mater" fut ajouté en tant que cinquième, d'abord dans le "bréviaire romain" sorti dans cette année.

Répertoire actuel.

La dernière modification du répertoire eut lieu, à la suite du concile Vatican II, en 1969. En conséquence, il ne reste actuellement que quatre séquences officielles en usage dans le "missel romain" en latin à partir de 1970, si le concile apprécie et recommande dorénavant les hymnes, avec lesquelles toutes les célébrations peuvent se commencer.  La séquence "Dies iræ" fut supprimée, lors de cette réforme liturgique. Plus précisément, celle-ci fut formellement transférée à la du Temps ordinaire.  Aujourd'hui, les séquences sont attribuées aux quatre fêtes importantes dès Pâques. Leur exécution est fixée avant l'Alléluia, contrairement au sens littéraire initial de la "séquence", qui suit celui-ci. La "prose," quant à elle, n'existe plus.  Donc, on peut distinguer aujourd'hui strictement la séquence de l'hymne. Alors que le célébrant possède une liberté de choix pour cette dernière, la séquence est rigoureusement liée à sa propre fête. Il faut qu'un Alleluia soit suivi de celle-ci lors de l'exécution tandis que les hymnes demeurent indépendantes.  Les établissements religieux peuvent exécuter les proses et séquences anciennes, en conservant la tradition ancienne, quoique la publication de celles-ci ne soit plus tenue. Ainsi, la "Dies iræ" demeure en usage et fonctionne traditionnellement. En raison de son authenticité, celles de Notker aussi sont parfois chantées.  De même, quelques publications placent encore la séquence avant l'alléluia. La pratique en cette façon aussi reste active.

Caractéristiques du genre musical.

La séquence "Lauda Sion" est typique de la structure de ce genre musical, assez proche de celui des hymnes :  Les séquences sont une création tardive du plain chant, et n'en respectent guère de principes esthétiques grégoriennes :

La séquence (du latin "sequentia"), est un chant et parfois poème liturgique de la liturgie catholique romaine, essentiellement liée à l'alléluia et issue de la liturgie locale. Contrairement au sens initial, selon la liturgie actuelle, celle-ci précède l'alléluia tandis qu'au Moyen Âge, la pratique avant l'alléluia et l'Évangile était également fréquente. D'où, le terme s'emploie parfois sans distinction stricte avec la prose indiquant "précédant".

Sekvence (latinsky "sequentia") je v křesťanské liturgii recitovaný nebo zpívaný nebiblický text, který původně podkládal dlouhé melisma na poslední slabice aleluja zpívaného při mši kvůli lepšímu zapamatování melodie. Za prvního tvůrce sekvencí se považuje blahoslavený Notker Balbulus, jenž v letech 881 až 887 vytvořil jejich sbírku nazvanou "Liber hymnorum". Později se sekvence osamostatnily a koncem 12. století se staly písněmi.


Biographie.

Les parents d'Irving divorcent quand ce dernier a sept ans et une dizaine d'années plus tard, sa mère se remarie. Irving, né Irving Tannenbaum, décide alors de changer de nom de famille pour prendre celui de son beau-père et devient alors Irving Stone pour l'état-civil. Stone disait que c'était sa mère qui lui avait transmis sa passion de la lecture. Dès lors, il eut toujours l'intime conviction que l'éducation était la seule façon de réussir dans la vie : en 1923, il obtient une licence en science politique à l'université de Californie à Berkeley et en 1924, une maîtrise en économie à l'université de Californie du Sud.  Il décide ensuite de devenir dramaturge et s'installe à Paris en 1926 où en une année, il écrit plus d'une dizaine de pièces de théâtre sans en vendre une seule. Submergé d'émotion au cours de la visite d'une exposition consacrée à Van Gogh, il se met à lire tout ce qu'il peut trouver sur l'artiste :  « La première fois que je suis tombé sur les tableaux de Vincent van Gogh, écrivit-il un jour, ce fut au cours d'une exposition à laquelle des amis parisiens m'avaient invité avec insistance. Voir une salle entière emplie des flamboyantes toiles arlésiennes de Vincent fut une expérience émotionnelle que je ne peux comparer qu'à ma première lecture des "Frères Karamazov". Je quittai la salle d'exposition déterminé à savoir qui était cet homme qui pouvait m'émouvoir à tel point et je lus tout ce que je pouvais trouver sur lui en anglais, en français et en allemand. »  Ne rencontrant aucun succès à Paris, Stone décide alors de se rendre à New York où, indépendamment de ses pièces, il écrit également des romans policiers pour survivre. Mais Van Gogh continue de le hanter :  « Quand je retournai à New York et à l'écriture de mes pièces, je passai mes soirées à la bibliothèque publique située au coin de la 42 rue et de la Cinquième avenue, immergé dans la lecture des trois volumes de lettres adressées par Vincent à son frère Théo. Je n'avais pas l'intention d'écrire sur Vincent, je tentais seulement de le comprendre.  Mais peu à peu, au cours des mois, l'histoire de Vincent prit possession de moi. Je me réveillais à trois heures du matin, écrivant des bribes de dialogue entre Vincent et Théo, ou encore je me mettais à décrire la manière dont Vincent était mort à Auvers-sur-Oise. Le calvaire de Vincent était devenu pour moi une des histoires les plus significatives qui soient. À la fin de l'année, quand je me retrouvai incapable de penser à autre chose, je décidai que je devais écrire l'histoire de Vincent, même si ce n'était que pour l'effacer de mon esprit.  [...] Ma première tâche fut donc de lire tous les livres que je pouvais trouver sur l'art et les peintres modernes, puis de rechercher les toiles qui étaient disponibles. Je retournai en Europe avec un sac à dos et suivis les traces de Vincent, descendant dans les mines du Borinage où il était descendu, vivant dans la chambre qu'il avait louée à la boulangerie Denis, écrivant des notes dans les presbytères où il avait vécu avec sa famille en Hollande pour me diriger ensuite vers le Sud de la France et travailler dans la Maison Jaune, vivre à l'asile de Saint-Rémy où il avait été enfermé et dormir enfin dans la chambre et le lit du petit hôtel d'Auvers le quarantième anniversaire de sa mort. »  L'ouvrage terminé est successivement refusé par 17 éditeurs. La rencontre impromptue de Stone avec Jean Factor, une jeune fille qui, à l'issue de la représentation d'une de ses pièces lui pose des questions sur son œuvre, décidera de son sort. Stone lui demande de lire son manuscrit et de lui expliquer pourquoi ce dernier est systématiquement refusé. Celle qui deviendra plus tard sa femme lui proposera d'éliminer certains passages trop longs et de rendre son texte plus vivant. En 1934, revu et corrigé par Jean Factor, le texte est finalement publié et devient immédiatement un best-seller.  « Il eut le même problème tout au long de sa carrière », se rappelle Jean. « C'était un universitaire. Il se répétait beaucoup, comme s'il pensait que ses lecteurs ne le comprenaient pas. Je lui disais alors : "Pour moi, c'est un peu sec — ça manque d'humanité, de chaleur. Tu ne fais pas confiance à tes lecteurs." Plus tard, travaillant sur d'autres projets, il disait : "J'ai déjà dit cela trois fois - choisis la meilleure version." Il était trop précis et se perdait dans les détails, comme beaucoup d'enseignants. »  La réaction d'Irving Stone à ces critiques était, selon Jean, magnifique. Il n'a jamais réécrit "". Il a demandé à Jean de tout retaper en éliminant les parties qui, selon elle, étaient inutiles et le manuscrit s'est vendu immédiatement. Irving obtint une avance de 250 dollars, ce qui était une très belle somme à cette époque de la Grande Dépression, et avec cet argent, ils décidèrent de se marier.  À dater de ce jour, Jean Stone devint la relectrice et la responsable éditoriale de tous les ouvrages d'Irving Stone. Irving écrivait et Jean corrigeait, perfectionnant sans cesse la prose de son époux.  Toute sa vie, Stone s'intéressa à des personnages importants qui avaient été mal compris, étudia leur vie en détail et décrivit leur vie sous forme de romans. Il disait que ses livres étaient composés à 98 % de faits exacts mais que les dialogues étaient sa création. Ses sujets furent entre autres Abraham Lincoln, Charles Darwin et Sigmund Freud.  Stone enquêtait toujours sur le terrain. Il passa notamment de nombreuses années en Italie pour rédiger "La Vie ardente de Michel-Ange", qui relate entre autres les relations conflictuelles de Michel-Ange et du pape Jules II.  Irving Stone mourut le d'un arrêt cardiaque. Plus de 30 millions d'exemplaires de ses livres s'étaient vendus à travers le monde. Jean Stone est décédée en 2004 à 93 ans.

Liens externes.

Irving Stone, né Tannenbaum le et mort le, est un écrivain américain connu pour ses romans biographiques, notamment'(Lust for Life) et'qui furent également adaptés à l'écran.

Irving Stone, vlastním jménem "Irving Tennenbaum" (14. července 1903 San Francisco, Kalifornie – 26. srpna 1989 Los Angeles, Kalifornie) byl americký spisovatel, známý hlavně svými biografickými romány historických osobností. Založil několik literárních spolků, například "Academy of American Poets" v roce 1962.


Description.

Papillon.

L'imago de "Pontia daplidice" est un papillon de taille moyenne, dont la longueur de l'aile antérieure varie de 19 à. Le dessus des ailes est de couleur majoritairement blanche, avec l'apex des ailes antérieures taché de noir, une tache discoïdale noire à l'aile antérieure, et des marbrures grises et noires à l'aile postérieure.  La génération printanière a le dessous des ailes postérieures vert foncé et la tache discoïdale atteint le bord du dessus de l'aile antérieure, tandis que la génération estivale a le dessous de l'aile antérieure vert jaune et la tache discoïdale ne touche plus le bord de l'aile. Les spécimens femelles sont plus chargés de noir que les spécimens mâles.  Cette espèce et l'espèce voisine "Pontia edusa" sont indiscernables par leurs caractères externes, mais elles résident généralement dans des régions différentes.

Chenille.

La couleur principale de la chenille est le bleu-vert, avec une bande jaune sur les flancs. De nombreuses taches noires sont présentes en général sur les zones bleues.

Biologie.

Voltinisme et cycle de vie.

Cette espèce est multivoltine, produisant deux à quatre générations selon la latitude, et les adultes volent de mars à octobre. Sur la Côte d'Azur, le papillon peut être visible dès janvier et produire une cinquième génération partielle. L'espèce hiverne au stade nymphal.  Les œufs, de couleur orange, sont pondus isolément et ont un temps d'incubation de 7 jours. Les chenilles sont présentes de mai à octobre. En fonction de la saison, la chrysalide peut soit donner un papillon en environ 15 jours (en été), soit d'abord hiverner.

Plantes hôtes.

Les plantes hôtes de la chenille sont le Réséda jaune ("Reseda lutea") et d'autres brassicacées comme le Diplotaxis à feuilles étroites ("Diplotaxis tenuifolia"), le Tabouret perfolié ("Thlaspi perfoliatum") et la Fausse roquette de France ("Erucastrum gallicum").

Distribution et biotopes.

Aire de répartition.

"Pontia daplidice" est autochtone en Afrique du Nord, dans le Sud-Ouest de l'Europe (dans la péninsule Ibérique, la moitié sud de la France, aux îles Canaries, en Corse et en Sardaigne), au Moyen-Orient et en Asie jusqu'au Japon.  Alors qu'avant 1980 elle était considérée comme résidente dans le Nord de la France, la Belgique et le Luxembourg, elle n'y possède plus de populations autochtones et n'est désormais plus qu'un migrateur rare dans ces zones. Ses migrations peuvent parfois atteindre le Nord de l'Europe, notamment les îles Britanniques, parfois en grand nombre comme en 1945.  "Pontia daplidice" est remplacée par l'espèce voisine "Pontia edusa" en Europe orientale et centrale et dans une partie du Moyen-Orient.

Biotopes.

Ce papillon fréquente les lieux fleuris, et apprécie notamment les luzernes, les crucifères et le réséda sauvage.

Systématique.

L'espèce aujourd'hui appelée "Pontia daplidice" a été décrite par le naturaliste suédois Carl von Linné en 1758, sous le nom initial de "Papilio daplidice".  Plusieurs sous-espèces ont été décrites et sont plus ou moins reconnues en fonction des auteurs, certaines étant parfois attribuées à l'espèce voisine "Pontia edusa" :

Protection.

L'espèce n'a pas de statut de protection particulier en France.

La Piéride du réséda ou le Marbré-de-vert (Pontia daplidice) est une espèce paléarctique de lépidoptères (papillons) de la famille des Pieridae et de la sous-famille des Pierinae. Elle tire son nom d'une des plantes nourricières de ses chenilles, le Réséda jaune.

Bělásek rezedkový ("Pontia daplidice") je středně velký, výrazně teplomilný motýl z čeledi běláskovitých. Každoročně na jaře přilétá z jižních zimovišť do České republiky kde se do podzimu nejčastěji vyskytuje ve dvou generacích.


Histoire.

Les sources les plus anciennes de la théorie musicale sont probablement mésopotamiennes: des tablettes sumériennes et akkadiennes datant d'avant 1500 avant notre ère donnent des listes d'intervalles et décrivent l'accord d'instruments à cordes. En Chine, les inscriptions sur les cloches en pierre et en bronze découvertes en 1978 dans la tombe du Marquis Yi († 433 avant notre ère) décrivent la théorie des hauteurs de cette époque. Le "Lüshi Chunqiu", encyclopédie chinoise compilée vers 239 avant notre ère, rapporte l'histoire légendaire de Ling Lun, qui aurait coupé pour l'Empereur Jaune douze tuyaux de bambou, qui forment l'échelle musicale chinoise.  Aux Indes, le "Nāțyaśāstra", écrit entre 200 avant notre ère et 200 de notre ère, décrit les intervalles ("Śrutis"), les échelles ("Grāmas"), les consonances et les dissonances, les structures mélodique ("Mūrchanās", il s'agit peut-être de modes), les types mélodiques ("Jātis"), les instruments, etc..  En Grèce antique, les très nombreux ouvrages de théorie musicale peuvent se classer en deux catégories : d'une part des manuels techniques décrivant le système musical, la notation, les échelles, les consonances et les dissonances, les rythmes, les types de compositions, etc. ; et d'autre part des ouvrages plus philosophiques indiquant comment la musique révèle un ordre cosmique qui mène aux plus hauts niveaux de connaissance.  Pour la musique arabe, les premiers théoriciens s'inspirent des Grecs et décrivent, à commencer du 9e siècle de notre ère, la constitution des échelles musicales à partir de longueur de cordes. Ce sont notamment Al-Kindi, Al-Fârâbî, Avicenne, et Ṣafī al-Dīn al-Urmawī, qui font référence aussi à des systèmes de modes.

Musiques de tradition orale.

La plupart des musiques, dans le monde, n'ont pas de théorie écrite. Elles sont le fruit d'une tradition orale. Établir leur théorie, à partir de l'enseignement par leurs maîtres de musique est un des objectifs de l'ethnomusicologie.

Musiques savantes.

Les musiques savantes, qui font appel à un vaste corps de connaissances techniques ont souvent constitué leur théorie à partir de l'écriture.  Leurs théories sont fréquemment codifiées sous la forme d'un ensemble de règles destinées à soutenir l'. Les concepts de base d'une culture musicale restent cependant en général implicites, et ne ressortent que par comparaison.

Musique savante occidentale.

La musique occidentale savante moderne considère la musique comme un objet. Elle privilégie la composition musicale, qui fixe les caractères jugés principaux de chacune des instances de cet objet, le rythme, la mélodie, l'harmonie. Les compositeurs en sont bien définis. Les ouvrages d'enseignement définissent souvent explicitement ces bases idéologiques. L'enseignement renforce, par l'ordre des apprentissages, ses hiérarchies de valeurs. On peut distinguer l'enseignement du solfège — c'est-à-dire, l'enseignement musical général, dans lequel la notion de hauteur a une place prépondérante —, du contrepoint, de l'orchestration, de la composition

Musique savante indienne.

La musique indienne savante a généré un grand nombre de traités théoriques. Pour elle, la musique se définit comme une interaction entre musiciens, et éventuellement entre musiciens et danseurs, excluant l'écriture de partition. Les musiciens doivent maîtriser les règles et les codes, mais choisissent l'orientation mélodique et rythmique parmi les possibilités ouvertes par ces codes.

Musiques savantes chinoise, arabe, persane, japonaise.

Les musiques savantes chinoise, arabe, persane, japonaise possèdent elles aussi des théories, toutes articulées sur une définition de la musique, soit comme objet sonore construit, soit comme interaction entre musiciens, ou entre musiciens et danseurs, ou entre musiciens et cosmos, soit de toute autre façon.

La théorie de la musique est l'ensemble des règles abstraites décrivant le système musical d'une culture particulière. Le corpus mondial de textes théoriques concernant la musique est immense. Chaque culture musicale possède ses propres formes. Les théories de la musique regroupent un ensemble de notions concernant la production et l'organisation des sons musicaux, qui ne définissent pas nécessairement tous de la même façon le temps, le caractère distinctif de chaque son, et les relations entre sons successifs ou simultanés. "Selon la théorie de la musique occidentale", le rythme, la mélodie et la polyphonie déterminent principalement la musique.

Hudební teorie či "nauka o hudbě" je humantní obor z oblasti muzikologie, zahrnující řadu příbuzných věd. Mezi ně patří například obory hudební akustika, dějiny hudby, nauka o harmonii, rytmus, hudební terminologie atd.


Synopsis.

À New York, Trevor Garfield (Samuel L. Jackson) est professeur de biologie au lycée "Roosevelt Whitney", un établissement dit « difficile » dans le quartier de Bedford-Stuyvesant à Brooklyn. Un jour, il est agressé et gravement blessé par l'un de ses élèves.  Quinze mois plus tard, il accepte un poste d'enseignant suppléant dans la vallée de San Fernando près de Los Angeles. Il doit enseigner dans la "John Quincy Adams High School", un autre établissement où règne la violence. Lassé de tout ça, Trevor décide alors de répondre à la violence par la violence.

Production.

Le scénario est écrit par Scott Yagemann, qui a enseigné plusieurs années dans le système public à Los Angeles. Le rôle principal est d'abord proposé à Nicolas Cage et Gary Sinise.  Le tournage a lieu de juin à septembre 1996. Il se déroule dans le lycée Verdugo Hills à Sunland-Tujunga dans le comté de Los Angeles, dans la "Marshall Fundamental Secondary School" de Pasadena, à Brooklyn (Bedford-Stuyvesant, pont de Brooklyn).

Bande originale.

La bande originale du film est constituée de chansons de trip hop, rap et electronica

Accueil.

Sur l'agrégateur américain Rotten Tomatoes, il récolte 30% d'opinions favorables pour 27 critiques et une note moyenne de.  Côté box-office, le film enregistre. En France, il attire spectateurs en salles.

Distinctions.

Samuel L. Jackson obtient un prix spécial par la San Diego Film Critics Society en 1997. Le film est également présenté en compétition officielle au festival international du film de Tokyo 1997.

Clin d’œil.

Trevor porte un t-shirt avec le logo du Morehouse College, là où a étudié Samuel L. Jackson.

187 code meurtre ou 187 au Québec ("One Eight Seven") est un film américain réalisé par Kevin Reynolds, sorti en 1997.

187 - Kód pro vraždu (v americkém originále: One Eight Seven) je americký dramatický film z roku 1997. Režisérem filmu je Kevin Reynolds. Hlavní role ve filmu ztvárnili Samuel L. Jackson, John Heard, Kelly Rowan, Clifton Collins, Jr. a Tony Plana.


Résumé complet.

Dan Evans, infirme depuis la guerre de Sécession, subsiste comme fermier dans l'Arizona. Une nuit, sa grange est mise à feu par des hommes de Glen Hollander, un de ses créanciers. Le lendemain, Dan Evans et ses deux fils, William et Mark, partent rassembler le bétail qui a fui durant l'incendie.  Ils assistent alors à l'embuscade d'une diligence transportant des fonds de la "Southern Pacific Railroad" protégés par des agents Pinkerton. L'attaque s'avérant difficile, le hors-la-loi Ben Wade se sert du troupeau des Evans pour barrer la route à la diligence, qui se renverse. Ben Wade et ses hommes tuent ensuite les survivants, sauf Byron McElroy, qui est néanmoins gravement blessé. Effrayés, Dan Evans et ses fils tentent de s'éloigner discrètement ; malheureusement, ils font du bruit et Ben Wade les découvre ; ce dernier décide de leur confisquer leurs chevaux, qu'il laissera attachés sur le chemin de la ville de Bisbee. Dan Evans et ses fils installent alors McElroy sur une civière de fortune et se mettent en route.  Arrivé à Bisbee, Dan Evans tente d'obtenir un délai de paiement auprès de Hollander. Celui-ci lui répond que le terrain l'intéresse plus que le remboursement, car il spécule sur la future présence d'une ligne de chemin de fer dans la région ; la famille Evans est donc indésirable. Evans, furieux, va chercher son fusil et se rend au saloon de la ville ; au lieu d'y trouver Hollander, il y croise Wade et le retarde suffisamment pour que les autorités l'arrêtent. Le représentant de la "", Grayson Butterfield, demande que le criminel soit escorté jusqu'à la gare de, où le train de le conduira jusqu'à la prison du comté de Yuma ; McElroy, Tucker (un homme de main de Hollander), et Potter (un médecin vétérinaire) décident de faire partie de l'escorte ; Evans se joint à eux contre. Pendant qu'ils conduisent Wade vers un fourgon pénitentiaire, Charlie Prince, le plus redoutable des hommes de main de Wade, chevauche hors de la ville après avoir tué plusieurs personnes en guise de représailles.  Les hommes se rendent à la ferme Evans ; Charlie Prince les suit, montrant ostensiblement qu'il surveille le convoi. Pour déjouer cette surveillance, les hommes échangent Wade contre une autre personne et dorment à la ferme pendant que le fourgon servant de leurre éloigne les hors-la-loi. Butterfield, Evans, McElroy, Tucker, Potter, et leur prisonnier partent le lendemain, à l'aube.  Le voyage se révèle très dangereux : Wade tue d'abord Tucker ; puis il se débarrasse de McElroy, et seule l'arrivée imprévue de William Evans empêche Wade de s'échapper ; puis des Apaches attaquent et Wade réussit à s'évader. Mais il est reconnu et capturé par le contremaitre d'un chantier de construction d'une nouvelle ligne de chemin de fer, bien décidé à se venger d'un ancien meurtre commis par le bandit. Butterfield, Dan et William Evans, et Potter doivent employer la force pour reprendre leur prisonnier ; durant l'escarmouche, Potter est tué.  Les survivants arrivent enfin à Contention et s'installent dans une chambre, où le shérif et ses hommes viennent les aider. Mais la bande de Wade arrive en ville et promet à tout habitant qui abattra un des hommes qui retiennent Wade. Terrifiés, le marshal et ses hommes se rendent, mais se font tuer sans pitié. Voyant cela, Butterfield renonce et conseille aux Evans de l'imiter. Dan Evans comprend alors qu'il peut définitivement mettre sa famille à l'abri des difficultés qu'elle connait : il demande à Butterfield de verser à sa femme et de protéger la ferme contre les agissements de Hollander ; Butterfield accepte. Dan Evans, dont la bravoure est désormais évidente, demande alors à son fils aîné de partir.  À 15 heures, Evans et Wade sortent de la chambre. Malgré la fusillade sanglante que provoque leur course, ils réussissent à rejoindre le train. Mais Charlie Prince survient et abat Evans. Ben Wade, bouleversé par la mort de celui dont les actes avaient forcé le respect, se débarrasse de Prince et de toute sa bande... puis monte dans le train et siffle son cheval.

Production.

Développement.

James Mangold a l'idée de faire un remake de "3 h 10 pour Yuma" sur le tournage de "Identity" :.  Bien que l'équipe veuille respecter le scénario original de Halsted Welles, certains éléments sont étoffés comme le transfert entre Bisbee et Contention, très rapide dans le premier film. L'un des scénaristes du remake, Michael Brandt, explique qu'.

Casting.

Tom Cruise devait à l'origine incarner Ben Wade et Eric Bana le fermier Dan Evans. Mais Tom Cruise abandonne rapidement le projet. Le réalisateur James Mangold insiste alors pour que Russell Crowe reprenne le rôle de Ben Wade.

Tournage.

Le tournage a eu lieu au Nouveau-Mexique entre et, pour une durée de 54 jours.

Accueil.

Critiques.

Il a reçu un accueil critique favorable, recueillant 88 % de critiques positives, avec une note moyenne de et sur la base de 214 critiques collectées, sur le site agrégateur de critiques Rotten Tomatoes. Sur Metacritic, il obtient un score de sur la base de 37 critiques collectées.

Box-office.

Le film a connu un succès mitigé, rapportant environ au box-office mondial, dont en Amérique du Nord, pour un budget de. En France, il a réalisé.

Distinctions.

Le film s’est classé dans le top 10 des AFCA Awards 2007 et dans le top 10 des COFCA Awards 2008.

Il s’agit du remake du western homonyme de Delmer Daves sorti en 1957. L’histoire originale est adaptée d’une nouvelle d’Elmore Leonard intitulée ', parue en mars 1953 dans '.

3:10 Vlak do Yumy (v anglickém originále 3:10 to Yuma) je americký westernový film z roku 2007. Režisérem filmu je James Mangold. Hlavní role ve filmu ztvárnili Russell Crowe, Christian Bale, Logan Lerman, Ben Foster a Peter Fonda.


Biographie.

Débuts et " (2006–2009).

Asking Alexandria est initialement formé à Dubaï, aux Émirats arabes unis, alors que le guitariste Ben Bruce conçoit le groupe et compose un album (intitulé ") avec les autres membres sous le nom d'Asking Alexandria. Le groupe se sépare peu de temps après et Ben explique plus tard que  En 2008, Ben revient au Royaume-Uni, laissant derrière lui ses anciens amis. Cependant, Ben n'avait pas de quoi mettre en avant sa carrière musicale et refonde alors le groupe Asking Alexandria avec de nouveaux membres. Ben explique qu'il est à l'origine du nom du groupe, et que, comme il l'adorait, décide de le former dans un nouvel état d'esprit. Il explique également que c'est un différent Asking Alexandria qui compose l'album ". Cette même explication se génère dans d'autres entrevues avec le groupe, et reste confuse parmi les fans. Asking Alexandria, depuis sa formation en 2008, connait du changement parmi ses membres, et devient un groupe de cinq plutôt que de six depuis le départ de Ryan Binns (au synthétiseur). Le dernier changement connu impliquait le bassiste Sam Bettley, qui a remplacé Joe Lancaster en janvier 2009. Lancaster joue pour la dernière fois à Fibbers, York, le 4 janvier. Le groupe emménage aux États-Unis, fait la promotion de leurs musiques dans plusieurs émissions, et prépare un nouvel album.  Après des mois de tournée au début de 2009, le groupe réalise son premier album studio entre le 19 mai et le 16 juin 2009 aux Foundation Recording Studios à Connersville, Indiana, aux États-Unis accompagné du producteur Joey Sturgis. Asking Alexandria annonce son contrat avec Sumerian Records peu après la commercialisation de leur nouvel album ", le 15 septembre 2009. Le groupe gagne en popularité aux États-Unis, et partent en tournée avec des groupes prestigieux tels que Alesana, Enter Shikari, The Bled et Evergreen Terrace.

" (2010–2012).

Le 22 décembre 2009, Asking Alexandria annonce un second album pour janvier 2010. Il informe également que les internautes pourront voir en direct par webcam sa composition par le biais du site Stickam. Il annonce également sa reprise avec le producteur Joey Sturgis en septembre 2010. Le groupe confirme lors d'une entrevue chez Shred News que l'album devrait être commercialisé au début de 2011, avec 12 chansons incluses. Dans la même entrevue, il indique que le titre principal de l'album n'a pas encore été choisi. Il explique également qu'il sera disponible en pré-commande dès novembre 2010, et commercialisé au début de 2011. Une chanson " est jouée en live et peut être trouvée sur YouTube. Danny publie également les paroles sur son compte Twitter.  En mars, Asking Alexandria entame une nouvelle tournée en Amérique du Nord, cette fois-ci avec des groupes tels que Attack Attack!, Breathe Carolina, des membres du label I See Stars, et Bury Tomorrow. Plus tard, il annonce sa tournée en solo en mars 2010 toujours en Amérique du Nord entre mai et juin 2010. We Came as Romans, From First to Last, Our Last Night et A Bullet for Pretty Boy ont été les invités de la tournée. Bruce confirme lors d'une entrevue chez Inside Heavy l'apparition du groupe au festival Thrash and Burn, sans pour autant révéler de plus amples détails. Asking Alexandria embarque pour le'et joue ', prochainement exposé dans l'album '. Le groupe compose également sa version de'd'Akon, plus tard publié dans l'album " en novembre 2010.  À Las Cruces, au Nouveau-Mexique, pendant le'qui prend place au début d'octobre, Asking Alexandria est interviewé sur la sortie de son prochain album et d'éventuels vidéoclips futurs. Bruce avant plus amples détails.'sera disponible en pré-vente en décembre 2010 et commercialisé en février 2011. Le 23 novembre 2010, Asking Alexandria sort un nouvel EP intitulé'en pré-vente, et prévu pour le 21 décembre 2010. L'EP contient la nouvelle chanson ', des remixes dubstep de'et ', entre autres. Le 5 avril 2011,'est commercialisé comme prévu. Le 11 avril 2011, le groupe fait ses débuts à la télévision nationale, jouant les chansons'et'au '. Le groupe annonce sur Facebook le 22 décembre 2011, une vidéo de leur chanson '. En 2012, le groupe remporte les Independent Music Awards pour la chanson'dans la catégorie de meilleur album hardcore/metal.

" (2013–2014).

Asking Alexandria annonce un troisième album pour 2013. Le magazine américain "Revolver" inclut l'album dans sa liste des albums les plus attendus de l'année 2012. Le mai 2012, Asking Alexandria diffuse une bande-annonce de leur nouveau vidéoclip intitulé '. Il promet un Exclusivement disponible sur iTunes, la vidéo présente une trilogie de trois chansons extraites de leur troisième album incluant ','et '. Le 30 novembre 2012, le groupe annonce un nouvel EP, ", exclusivement réservés pour les inscrits au Revolver Magazine. Le 2 décembre, le groupe est impliqué dans un accident pendant leur voyage de Chicago vers Cleveland. Aucun membre n'a été blessé, mais le bus du groupe est sérieusement endommagé. Le 9 décembre, durant le Monster Energy Outbreak tour à New York, Danny Worsnop se trouve dans l'incapacité de chanter à la suite de problèmes aux cordes vocales, et que ses amis des groupes Attila et I See Stars chanteraient à sa place jusqu'à son rétablissement. Le 7 janvier 2013, Danny obtient un rendez-vous avec le Sugerman qui lui prescrit des médicaments et du repos.  Au début de 2013, le groupe peaufine son troisième album, dont un extrait, intitulé ', est mis en ligne en août 2012. En mars, Asking Alexandria annonce avoir fini l'album. Le titre de l'opus est révélé le 28 mars, en même temps qu'un second extrait,'est révélé au public ; il s'intitule " et sort le 8 août 2013.

"" (2015–2016).

Dans une interview datant du, le guitariste du groupe Benjamin Bruce annonce la sortie de leur nouvel album au cours de l'été 2015. Aucune autre précision n'est donnée sur cet album, ni de titre, ni de chansons. Danny Worsnop (ancien chanteur du groupe) annonce son départ le 23 janvier 2015. Cependant, le groupe poursuit sa route avec un nouveau chanteur nommé Denis Shaforostov (aussi connu sous le nom de Stoff).  Pendant leur tournée européenne en tête d'affiche, ils annoncent que la sortie de leur futur album, initialement prévue pour octobre ou novembre, se fera au début de 2016. Le février 2016, ils révèlent le titre, ', et via la diffusion de son clip vidéo sur la plateforme YouTube. Quatre nouveaux morceaux ont déjà vu le jour : ', ','et '. La sortie du nouvel album est repoussée à mars 2016 et sera intitulé '. En octobre 2016, le groupe annonce le départ du chanteur Denis Shaforostov et le retour de son prédécesseur Danny Worsnop.

Album éponyme (depuis 2017).

Le groupe retourne en studio dès le début de 2017 et annonce avoir terminé l'album en juillet de la même année. Toutefois, il faut attendre plusieurs semaines pour que le premier single "Into the Fire" soit dévoilé via son clip le 21 septembre 2017. Un deuxième titre "Where Did it Go" est mis en ligne par le label, Sumerian Records, le 25 octobre 2017, qui annonce en même temps la date de sortie officielle du cinquième album pour le 15 décembre 2017. Si le titre du disque, composé par Mat Good, devait être initialement "Eve", il est décidé de donner à l'album un titre éponyme, le premier choix étant jugé.

Style musical et influences.

La musique d'Asking Alexandria est décrite par la presse spécialisée comme du metalcore, de l'electronicore, et du heavy metal. Worsnop explique sur Twitter s'être grandement inspiré d'Aerosmith : Worsnop et Bruce expliquent également s'être grandement inspiré des groupes de rock et de metal des années 1980, comme Guns N' Roses, Metallica et Mötley Crüe :  Asking Alexandria fait paraître un EP intitulé'en l'honneur des groupes qui les ont influencé comme Journey, Whitesnake, Mötley Crüe, et Def Leppard. Aussi, sur l'EP ', ils font honneur à Skid Row en y incluant deux reprises de leurs chansons ; ', et '. Asking Alexandria cite Skid Row comme leur plus grande inspiration.  Dans une entrevue, Cameron explique s'être inspiré de Slipknot, Papa Roach, des groupes des années 1980 comme Motley Crue et Guns N’ Roses, et autres. Il explique également : Ben Bruce explique dans de nombreuses entrevues s'être inspiré de Blink-182, The Beatles, Eric Clapton, B.B. King, Gary Moore, Joe Bonamassa, Metallica, Slipknot, Deep Purple, Michael Bublé, Foreigner, et Ozzy Osbourne.

Asking Alexandria est un groupe de metalcore britannique, originaire de York, dans le North Yorkshire, formé en 2008 lorsque Ben Bruce contacte ses anciens camarades avant de retourner au Royaume-Uni, après avoir résidé à Dubaï.

Asking Alexandria (AA) je britská hard rocková (dříve metalcorová) skupina pocházející z anglického Yorku. Členy skupiny jsou Ben Bruce (sólová kytara), Danny Worsnop (zpěv), Cameron Liddell (rytmická kytara), Sam Bettley (basová kytara) a James Cassells (bicí). Skupina byla založena v roce 2008 a zatím vydala pět studiových alb: "Stand Up and Scream", "Reckless & Relentless", "From Death to Destiny", "The Black" a "Asking Alexandria".


Noms.

Son nom ancien est Lacédémone ( / ), nom qu'Homère donne indifféremment à la région ou à sa capitale. La forme continue à être utilisée par la suite, mais le nom « Laconie » est celui qu'emploient la plupart des auteurs grecs, et les Romains après eux. L'habitant libre de la région, qu'il soit citoyen ou périèque, est appelé Lacon ( / ) ou Lacédémonien ( / ).  Ces noms viennent de Lacédémon, héros mythique fondateur de Sparte. On les rapproche parfois de λάκκος, « la citerne, le cellier », car la région est très encaissée entre les montagnes.

Histoire.

Antiquité.

La présence humaine en Laconie est attestée au Néolithique supérieur dans la grotte d'Alepotrypa, sur la rive orientale du golfe de Messénie, ainsi que sur la butte de Kouphovouno, à proximité de Sparte et d'Amyclées. Elle se développe à l'Helladique et à l'Helladique récent (HR) II, la Laconie semble divisée en petites principautés.  L'influence mycénienne se fait sentir à partir de HRIIIA, soit le Au siècle suivant, le peuplement laconien est important et dense, principalement concentré sur la vallée de l'Eurotas, mais avec des incursions dans les zones montagneuses. À l'HRIIIC, la civilisation mycénienne de Laconie connaît un déclin caractérisé par une forte diminution du peuplement, mais sans connaître, semble-t-il, de désastre comparable à ceux de Tirynthe, Pylos ou Mycènes elle-même.  Néanmoins, la fin de l'ère mycénienne laisse le territoire dans un vide qui facilite l'arrivée des Doriens, à la recherche de terres favorables à l'agriculture. Les quelques habitants restés dans la vallée de l'Eurotas sont asservis par les nouveaux arrivants et deviennent des Hilotes. À cette époque, Sparte commence à prendre son essor, et l'histoire de la Laconie se confond ensuite avec celle de la cité-État.  Après la défaite de Sparte contre les Romains en -195, une partie des cités côtières se détache de la cité et forme la fédération des Éleuthéro-lacones ("Laconiens libres").  En 146 av. J-C la Ligue Achéenne est vaincue puis dissoute par Rome et, sous le règne d'Auguste, devient la province d'Achaïe. En 395, lors de la division de l'empire romain, la Grèce est intégrée à l'empire Romain d'Orient.

Moyen Âge.

La Laconie reste dans l'empire byzantin jusqu'en 1204, lorsque, durant la 4ème croisade, ce dernier est conquis par les croisés. Ceux-ci établissent la principauté d'Achaïe dans tous le Péloponnèse. Elle est reconquise, en 1349, par les Byzantins qui créent le despotat de Morée, une entité autonome dans l'empire. Cette dernière survie à la chute de Constantinople aux Ottomans, en 1453 et est conquise par eux entre 1458 et 1460.

Temps Modernes.

La Laconie demeure donc dans l'empire ottoman, malgré un petit intermède sous le contrôle de la République de Venise, jusqu'à la "révolution grecque" de 1821. Celle-ci aboutit à la création d'une république, en 1830, (suite au protocole de Londres) puis d'un royaume Grec indépendant, en 1832 (suite au traité de Londres).

La Laconie (en grec ancien / ) est une région historique de Grèce, située à l'extrême sud-est de la péninsule du Péloponnèse. De nos jours, la Laconie est un district régional de la périphérie de la Péloponnèse comptant (2000), entre la Messénie et l’Arcadie, dont la capitale est Sparte.

Lakónie (řecky Λακωνία) je historický region a regionální jednotka v Řecku na poloostrově Peloponés. Spadá pod kraj Peloponés. Hlavním městem je Sparta. Žije zde okolo 100 000 lidí, mnoho dalších obyvatel původem z Lakónie žije v Aténách.


Synopsis.

Dick est promu vice-président de la toute-puissante Globodyne Corp. Pour lui et sa famille, c'est la promesse d'un avenir radieux, à tel point que sa femme Jane démissionne aussitôt de son travail.  Leur joie sera pourtant de courte durée. Quelques heures plus tard, Globodyne s'effondre dans un scandale financier... Seul McCallister, le grand patron, s'en sort, avec des indemnités colossales. Pour Dick et Jane, c'est la fin du rêve américain. En quelques jours, ils perdent tout ce qui faisait leur vie, leur belle maison, leurs voitures de rêve et même leurs soi-disant amis... Aussi désemparé que révolté, Dick décide alors de se montrer aussi peu scrupuleux que son patron. Une fois débarrassés de leur honnêteté, lui et Jane vont découvrir qu'ils ont toutes les chances de regagner ce qu'ils ont perdu, et tant pis s'ils doivent pour cela dépasser les limites...

Accueil.

Au box-office américain, le film démarre à la sixième place, mais prend la troisième place durant deux semaines avec, avant de chuter tout en restant dans le top 10 du box-office pendant trois semaines, pour finir son exploitation avec au bout de dix semaines. En France, "Braqueurs amateurs" a rencontré un demi-succès public avec 554 364 entrées, score à peu près équivalant à "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" et "Les Désastreuses aventures des orphelins Baudelaire", sortis en 2004.  Il a reçu un accueil critique mitigé par la presse anglophone, obtenant un pourcentage de 29 % sur le site Rotten Tomatoes, basé sur 38 commentaires positifs et 94 commentaires négatifs et une note moyenne de et une moyenne de sur le site Metacritic, basé sur 8 commentaires positifs, 19 commentaires mitigés et 6 commentaires négatifs.

Braqueurs amateurs ou Les Folies de Dick et Jane au Québec ("Fun with Dick and Jane") est un film américain réalisé par Dean Parisot, sorti en 2005.

Finty Dicka a Jane (v americkém originále: Fun with Dick and Jane) je americká filmová komedie z roku 2005. Režisérem filmu je Dean Parisot. Hlavní role ve filmu ztvárnili Jim Carrey, Téa Leoni, Alec Baldwin, Richard Jenkins a Angie Harmon.


Historique.

De 1852 jusqu'en 1997, la Compagnie centrale des chemins de fer de l'Illinois, possède un droit de passage pour ses voies ferrées qui séparent alors le centre-ville de Chicago des rives du lac Michigan. Pendant une brève période en 1871, à la suite du Grand incendie, l'équipe des White Stockings de Chicago jouèrent des matchs sur ce terrain que l'on nommait alors l'Union Baseball Grounds. Ce n'est qu'au début du que l'architecte Daniel Burnham projeta d'installer Grant Park en ce lieu dans son Plan de restructuration de Chicago de 1909.  En 1997, lorsque la ville reprend le contrôle de cette zone, elle décida d'y installer une aire de stationnement. Cependant, la ville réalise que l'installation d'un parc public est plus susceptible d'attirer quelques financements privés qu'un parking et elle entreprend alors de créer le Millennium Park. Le parc est alors provisoirement baptisé "Lakefront Millennium Park". Richard M. Daley, maire de la ville de 1989 à 2011, souhaite créer un nouvel espace dans le "Grant Park" et transformer les abords du lac Michigan occupé par des parcs de stationnement et le site de la Compagnie centrale des chemins de fer de l'Illinois, demeuré inchangé depuis 1902.  Le parc est originellement conçu comme un espace vert de m recouvrant un parking souterrain qui doit être construit au-dessus de la voie ferrée du Metra, la ligne ferroviaire traversant le Grant Park. Au début, le parc est conçu par l'agence d'architecte Skidmore, Owings and Merrill, mais peu à peu d'autres architectes et artistes ont participé au projet comme Frank Gehry ou Thomas Beeby. En, la ville a annoncé qu'elle négociait avec Frank Gehry la création d'un proscenium et d'un espace d'orchestre pour un kiosque à musique ainsi qu'un pont piéton enjambant "Columbus Drive".  La construction initiale du parc est sous la responsabilité du département des transports dans la mesure où le projet devait enjamber les voies ferrées. Cependant, pendant que le projet se développait et augmentait, sa grande variété d'équipements et d'installations le place sous la juridiction de la commission des édifices publics.  En, la ville annonce que la famille Pritzker donne 15 millions de dollars pour financer le pavillon Jay Pritzker conçu par Frank Gehry et que neuf autres donateurs avaient apporté 10 millions de dollars supplémentaires. Au mois de, la construction du parking souterrain débute.  En, la municipalité présenta un nouveau projet pour le parc incluant de nouveaux équipements tels que la "Cloud Gate", la "Crown Fountain", le "McDonalds Cycle Center" et la passerelle BP. Au mois de juin, la même année, la ville décide de se séparer des sociétés Schwendener Inc. et Harston Construction Co., les deux entreprises générales chargées du projet avec lesquelles elle n'était pas parvenue à conclure un accord prenant en compte l'augmentation des coûts de construction liés aux modifications du projet.  Malgré l'allongement des délais et l'explosion du budget consacré à la construction et l'aménagement du parc, celui-ci a été achevé avec 4 années de retard et son inauguration, le, a été célébré par un gala financé par la société financière JPMorgan Chase.

Aménagements.

Le Millennium Park fait partie de Grant Park, l'un des plus grands parcs publics de la ville de Chicago, juste au nord de l'Art Institute of Chicago ("Institut d'art de Chicago"). Il est spécialement destiné à l'architecture et l'art contemporain. Il comprend de nombreux aménagements publics tels qu'une patinoire, un théâtre, des promenades, etc.  Trois principales œuvres sont exposées : "Cloud Gate", "Crown Fountain" et le pavillon Jay Pritzker.  Plusieurs artistes et architectes du monde entier ont été engagés pour participer à la conception et la construction du Millennium Park, de ses sculptures et divers aménagements :

Pavillon Jay Pritzker.

Situé sur Millennium Plaza, le pavillon Jay Pritzker est un amphithéâtre de places assises et places supplémentaires sur une immense étendue de pelouse qui a été conçu par l'architecte Frank Gehry. Le pavillon est surmonté de courbes en acier inoxydable et comprend un vaste treillage en acier qui forme un dais acoustique qui s'étend vers le sud au-dessus de la Grande pelouse. Ce pavillon est relié à la Daley Bicentennial Plaza par la passerelle BP, elle aussi conçue par Gehry. Construit entre et, il est situé sur le côté sud de Randolph Street et a été baptisé du nom de l'homme d'affaires Jay Pritzker et de la famille Pritzker qui ont largement participé au financement de l'édifice.  Le pavillon Pritzker est un élément central du Millennium Park. Il accueille le Chœur et l'Orchestre Symphonique de Grant Park ("Grant Park Symphony Orchestra and Chorus") ainsi que le Grant Park Music Festival, l'un des derniers festivals de musique classique en plein air et gratuits des États-Unis. Il accueille également un large éventail d'ensembles musicaux et, chaque année, une grande manifestation de spectacle vivant. Des artistes allant de groupes de rock à la musique classique en passant par des chanteurs d'opéra ont fait leur apparition au pavillon, qui accueille même des activités de fitness telles que le Yoga. Toutes les répétitions au pavillon sont ouvertes au public.

"Crown Fountain".

La "Crown Fountain" est une fontaine interactive qui s'élève dans la section sud-ouest du Millennium Park. Elle a été dessinée par l'artiste catalan Jaume Plensa et représente l'une des attractions les plus spectaculaires du parc.  La fontaine est composée de deux tours de granite noir et de brique de verre plantées à chacune des extrémités d'un bassin. Les tours font de hauteur et utilisent des diodes électroluminescentes (DEL) pour afficher des vidéos numériques reproduisant des figures humaines de manière qu'on ait l'impression qu'un jet d'eau provient de leur bouche. La collection de visages, que Plensa doit aux habitants de Chicago, provient d'un panel mélangé de résidents.  Lorsque le temps le permet, la fontaine est ouverte de mai à octobre, l'eau jaillissant des deux tours en cascade intermittente à travers une buse placée sur la façade de chaque tour.  La construction et la conception de la Fontaine a coûté 17 millions de dollars à la ville de Chicago.

Passerelle BP.

La passerelle BP est un pont qui enjambe Columbus Drive pour relier la Daley Bicentennial Plaza et le pavillon Jay Pritzker. À l'instar de ce dernier, il a été conçu par Frank Gehry. Il a ouvert le.  Nommé pour la firme pétrolière britannique BP, qui a fait don de 5 millions de dollars pour sa construction, il est le premier pont conçu par Gehry. Le pont BP se dessine comme un serpent à cause de sa forme. Il a été primé pour son utilisation de la tôle. La passerelle est connue pour son esthétique et le style de Gehry et est considérée pour ses allusions biomorphique et l'utilisation extensive de plaques d'acier inoxydable pour sa sculpture.  Le projet finalement retenu est révélé lors d'une exposition au Chicago Cultural Center le. Le pont est alors prévu pour mesurer de long, de large et s'élever à au-dessus de Columbus Drive. La hauteur sous pont est déterminée pour excéder les des normes mises en place par le Département des Transports des États-Unis afin de prévoir l'apposition de nouvelles couches de bitume sur la chaussée. Cette hauteur est aussi supérieur aux normes de l'Illinois. Selon le "Chicago Tribune", la travée du pont est d'environ.

"Cloud Gate".

La "Cloud Gate" (« porte des nuages ») est une sculpture monumentale en acier de que les Chicagoans ont appelé affectueusement « le Haricot » ("the Bean"). Il a été réalisé par Anish Kapoor et financé par des investissements privés pour 23 millions de dollars. Cette sculpture monumentale reflète le ciel, les passants et les gratte-ciel qui l'entourent. Elle demande un entretien constant. Pièce centrale de l'AT&T Plaza, elle est située au sud du Park Grill et du Wrigley Square, au nord de la "Crown Fountain" et adjacente à la Chase Promenade.  Elle fut construite entre 2004 et 2006 avec un dévoilement temporaire lors de l'été 2004. Son extérieur consiste en 168 plaques d'acier inoxydable polies soudées entre elles. Elle est haute de, sa base mesure × et elle pèse. Son aspect s'inspire du mercure liquide. Son extérieur poli reflète et déforme le panorama urbain.  Les visiteurs sont invités à marcher autour et en dessous de l'arche haute de contenant une chambre concave appelée « omphalos » qui multiplie et déforme l'image des spectateurs par réverbérations.

Lurie Garden.

Le Lurie Garden est un jardin botanique de situé à l'extrémité sud du Millennium Park et fut conçu par Kathryn Gustafson, Piet Oudolf et Robert Israël. L'accès au Lurie Garden est ouvert au public le. Il s'agit d'un jardin urbain se composant de plantes vivaces, de bulbes, de graminées, d'arbustes et d'arbres.  Conçu pour rendre hommage à la devise de Chicago « "Urbs in Horto" » (la ville dans un jardin), le Lurie Garden est une combinaison de structure spatiale, de plantations et d'éclairages évoquant les origines marécageuses de la ville se mêlant au paysage urbain contemporain.  Le Lurie Garden se targue d'être le plus grand jardin botanique public du monde à se trouver en plein cœur d'une mégapole. Les travaux pour l'aménagement du jardin ont coûté 13,2 millions de dollars à la ville de Chicago. De généreux donateurs ont offert 10 millions de dollars pour la maintenance et l'entretien. Enfin, il fut nommé en hommage à Ann Lurie.  Environ 60 % des plantes vivaces sont originaires des quatre coins de l'État de l'Illinois.

Harris Theater.

Le Harris Theater ("Théâtre Harris" en français) est une salle de théâtre de 1525 places affectée au spectacle vivant sur la scène de laquelle se produisent divers orchestres et troupes de danse de Chicago et d'ailleurs. Elle est située au nord du Millennium Park le long de "Randolph Street".  Construit entre 2002 et 2003, ce théâtre est la principale salle de spectacle de la ville pour les petites et moyennes manifestations artistiques. Le théâtre soit son nom à ses premiers bienfaiteurs, les frères Johan et Irving Harris, deux hommes d'affaires et philanthropes américains.

McCormick Tribune Plaza.

Consacré à la détente, le McCormick Tribune Plaza & Ice Rink se transforme durant l'hiver en une patinoire d'extérieur gratuite et publique qui est généralement ouverte quatre mois par an, à partir de la mi-Novembre jusqu'à la mi-mars et accueille plus de patineurs annuellement.  Le reste de l'année, elle se transforme en terrasse de restaurant et devient avec ses 150 places la plus grande terrasse extérieure à Chicago

Critiques et controverses.

Le projet du Millennium Park a fait l'objet de nombreuses critiques, tant en ce qui a trait aux retards dans le délai de livraison qu’à la hausse des coûts du projet. Les détracteurs du projet ont concentré leurs attaques sur le coût du parc (475 millions de dollars) : ils estiment que cet argent aurait pu servir à financer des programmes sociaux ou scolaires. D'autres ont critiqué la valeur esthétique des œuvres. Enfin, certains ont rappelé les affaires de corruption autour du projet.  Après l'inauguration du parc, certains architectes ont critiqué le projet en expliquant que le parc était trop encombré et qu'il aurait été préférable de répartir les différents éléments et édifices dans tout le Grant Park. Ainsi Witold Rybczynski, l'architecte, professeur et écrivain canadien, l'a comparé à un parc d'attractions.

Coût du projet.

Le projet du Millennium Park est réputé pour ses délais puisqu'il devait ouvrir en 2000 et non en 2004, mais aussi pour son budget qui a triplé. Pendant la construction et l'avancement des travaux, de nombreuses structures ont été ajoutées, redessinées et modifiées. Ces changements ont généralement engendré une augmentation des coûts.  Les installations et le site du Millennium Park appartiennent à la ville de Chicago et l'entretien ainsi que les différentes activités qui se tiennent dans le parc sont assurés par un organisme qui est encadré par le Département des affaires culturelles de Chicago ("Chicago Department of Cultural Affairs").

Millennium Park (littéralement ) est un parc public de la ville de Chicago, dans l'État de l'Illinois, aux États-Unis. Il est situé dans l'ouest du secteur communautaire du Loop (Downtown Chicago), le quartier d'affaires de la ville. Millennium Park est délimité au nord par Randolph Street, à l'est par Columbus Drive, à l'ouest par Michigan Avenue et au sud par Monroe Street.

Millennium Park je veřejný park v Chicagu, v Illinois, v USA. Byl původně určen pro oslavu milénia. Jedná se o významné kulturní středisko v blízkosti pobřeží Lake Michigan, které pokrývá severozápadní část Grant Park. Tato oblast byla dříve obsazena parky, vlakovým nádražím, a parkovišti. Park, který je ohraničen Michigan Avenue, Randolph Street, Columbus Drive a East Monroe Drive.


Biographie.

En club.

Jankto est formé dans sa ville natale, au Slavia Prague. Il rejoint en 2014 l'Udinese Calcio où il termine sa formation.  Il est prêté à l'Ascoli FC, club évoluant en Serie B, pour la saison 2015-2016. Jankto joue son premier match professionnel le, entrant en jeu contre le Cosenza Calcio en Coupe d'Italie. Il marque son premier but le face à Côme en championnat (4-0). Malgré son jeune âge, Jankto s'impose rapidement comme titulaire régulier. Il joue 35 matchs et marque cinq buts.  Jankto intègre définitivement l'effectif de l'Udinese au début de la saison 2016-2017. Il prend rapidement ses marques au sein de l'équipe. Le, il marque son premier but en Serie A durant une défaite 2-1 contre le champion en titre de la Juventus Turin.  Le, il signe pour une saison en prêt avec option d'achat obligatoire de 15 millions d'euros avec la Sampdoria Gênes.

En équipe nationale.

Avec les moins de 18 ans, il est l'auteur d'un quadruplé face au Monténégro en.  Avec les espoirs, il inscrit un but contre l'Albanie en, puis un doublé contre la Moldavie en. Il participe ensuite au championnat d'Europe espoirs en 2017. Lors de cette compétition, il joue trois matchs, délivrant une passe décisive contre le Danemark.  Le, Jankto fait ses premiers pas avec la Tchéquie à l'occasion d'une rencontre amicale face à la Lituanie. Il marque d'entrée pour sa première sélection pour un succès 3-0.

Palmarès.

"Néant"

Jakub Jankto, né le à Prague (Tchéquie), est un footballeur international tchèque qui évolue au poste de milieu de terrain à la Sampdoria Gênes.

Jakub Jankto (* 19. ledna 1996) je český fotbalový záložník a reprezentant, který momentálně působí v italském klubu Sampdoria Janov.


Synopsis.

Au milieu du, le cardinal Altamirano, visiteur apostolique des missions jésuites en Amérique du Sud, écrit son rapport au pape. Au fil de ce qu'il écrit, il revoit ce qu'il a appris au cours des derniers mois. Un prêtre jésuite espagnol s’aventure dans la forêt tropicale afin d'évangéliser les Amérindiens : un travail d'approche difficile mais réussi grâce à la création d'une école musicale de haut niveau, à l'origine indispensable aux offices religieux, mais dont la nécessité apparaît également centrale dans le processus d'éducation et de développement humain. Conçue sur le modèle des très nombreuses écoles musicales réparties dans tout l'Occident, elle deviendra un élément d'autonomie, et finalement ici, un acte de résistance.  Le prêtre jésuite est bientôt rejoint par un ancien chasseur d’esclaves converti et cherchant la rédemption. Le prêtre fait visiter plusieurs missions au cardinal Altamirano qui est impressionné par la qualité de développement et de vie qu'il y découvre.  À la fin de son séjour, le prélat révèle la décision, qui en fait avait été prise avant même son arrivée en Amérique du Sud : les jésuites doivent quitter les réductions. Le prêtre et le frère Rodrigo refusent d'abandonner les Guaranis. De manière différente, ils organisent la résistance à l'assaut de l'armée portugaise venue appliquer les accords, signés en Europe, de partage des terres entre Espagnols et Portugais. La mission est détruite : les Guaranis retournent dans la forêt.  Le cardinal conclut son rapport :.  Ce film relate en deux heures les quelque 150 ans d'histoire des réductions guaraníes, sortes de républiques autonomes créées par les jésuites et d'abord approuvées par le pouvoir colonial espagnol, aux confins du Paraguay, de l’Argentine et du Brésil. Il fait également allusion à la guerre des Guaranis de 1754-1756.

Récompenses et distinctions.

Oscars.

Le film a remporté l'Oscar de la meilleure photographie en 1987.  Il a été en nomination pour six autres Oscars la même année :

Mission, ou La Mission au Québec ("The Mission") est un drame historique britannique réalisé par Roland Joffé, sorti en 1986. Il reçoit la Palme d'or au festival de Cannes 1986. Le film met en scène le drame de conscience que vivent les Jésuites, au, lorsqu'ils sont contraints d'abandonner leur mission auprès des Guaranis, en Amérique du Sud.

Mise (též uváděno jako Misie, v anglickém originále The Mission) je britský dramatický film z roku 1986. Režisérem filmu je Roland Joffé. Hlavní role ve filmu ztvárnili Robert De Niro, Jeremy Irons, Ray McAnally, Aidan Quinn a Cherie Lunghi.


Synopsis.

En 1955, à New York, Louis Cyphre engage un enquêteur privé de seconde zone, Harold S. Angel, pour retrouver Jonathan Liebling, un crooner surnommé professionnellement "Johnny Favorite", au succès duquel Cyphre avait contribué. Le contrat alors signé entre Cyphre et Favorite comportant certaines clauses qui devenaient exécutoires à la mort du crooner, Cyphre souhaite savoir si ce dernier est vivant. Cyphre soupçonne l'hôpital privé où Favorite, invalide de guerre, reçoit un traitement psychiatrique pour choc d'obus d'émettre de faux rapports. Harry se rend à l'hôpital et découvre qu'un enregistrement de transfert antidaté a récemment été ajouté par un médecin toxicomane nommé Albert Fowler.  Entré par effraction chez le médecin, Angel fait avouer à Fowler qu'un homme et une femme l'ont soudoyé douze ans plus tôt pour permettre à Johnny de quitter l’hôpital tout en conservant la fiction selon laquelle il était toujours un patient. Pensant que le médecin lui cache encore des choses, Harry l'enferme dans sa chambre à coucher sans accès à ses médicaments pour l'inciter à parler. Quelques heures plus tard, il trouve le médecin assassiné. Harry Angel dit à Cyphre qu'il ne veut plus de l'affaire, mais accepte finalement lorsque Cyphre lui propose.  Harry découvre bientôt que Johnny avait une riche fiancée nommée Margaret Krusemark, puis qu'il avait également entamé une liaison secrète avec une femme appelée Evangeline Proudfoot. Harry se rend à la Nouvelle-Orléans et rencontre Margaret, qui lui divulgue peu d'informations et lui affirme que Johnny est mort. Harry découvre ensuite qu'Evangeline est également morte, laissant derrière elle sa fille, Epiphany Proudfoot, âgée de 17 ans, conçue pendant la liaison entre sa mère et Johnny.  Tandis qu'Epiphany hésite à parler, Harry retrouve Toots Sweet, un guitariste de blues et ancien membre du groupe de Johnny. Il parvient à obtenir de lui quelques détails sur la localisation de Johnny. Le lendemain matin, la police informe Harry que Toots a été assassiné. Harry retourne chez Margaret, où il la trouve également assassinée, le cœur enlevé avec un couteau de cérémonie.  Harry est ensuite attaqué et menacé par deux sbires d'Ethan Krusemark, père de Margaret et puissant propriétaire de Louisiane. Harry retourne à son hôtel et trouve Epiphany à sa porte. Il l'invite dans sa chambre, où ils ont une relation sexuelle agressive, pendant laquelle Harry a des visions de sang coulant du plafond et éclaboussant autour de la pièce. Il affrontera ensuite Krusemark dans une cabane à gumbo, où ce dernier révèle que c'est lui et Margaret qui ont aidé Johnny à quitter l'hôpital. Il explique également que Johnny était en fait un puissant sorcier qui a vendu son âme à Satan en échange de la célébrité, mais qui a ensuite tenté de tromper le diable. Il apprend à Harry l'histoire : en 1943, Johnny kidnappe un jeune soldat, rencontré à Times Square, exécute sur lui un rituel satanique censé lui permettre d'assumer son identité et de se cacher du diable. Or, Johnny, sous sa nouvelle identité, se retrouve engagé dans la guerre, dont il revient blessé et amnésique. Dans l'espoir de l'aide pour retrouver sa mémoire, les Krusemark emmènent Johnny à Times Square.  À l'écoute de cette histoire, Harry a à nouveaux des visions, court dans la salle de bains. Lorsqu'il revient vers Krusemark, celui-ci est noyé dans un chaudron de gombo bouillant. Harry se rend chez Margaret où il trouve un vase contenant un indice sur la véritable identité de Johnny : une série de plaques d'identité militaires portant le nom de Harry. Il comprend alors qu'il n'est autre que Johnny Favorite, vivant depuis son retour de la guerre sur une vie volée pour échapper au diable. Cyphre apparaît alors et Harry en déduit que "Louis Cyphre" est un, jouant sur une paronomase avec "Lucifer". Cyphre confirme qu'il est le diable et proclame qu'il peut enfin revendiquer l'âme immortelle de Johnny. Angel comprend, dans une séries de visions induites par Cyphre, qu'il a lui-même assassiné Fowler, Toots, Margaret, Ethan et Epiphany.  Harry, frénétique, retourne dans sa chambre d'hôtel, où la police a découvert qu'Epiphany a été violée et assassinée et porte la plaque militaire au nom de "Harold S. Angel". Quand Harry révèle qu'Epiphany est sa fille, un des deux inspecteurs lui dit qu'il pour ce qu'il lui a fait, ce à quoi Harry répond :. Avant le générique de fin, les yeux du bébé changent de couleur comme ceux de Cyphre dans la scène précédente. Pendant le générique de fin, on voit Harry debout dans un ascenseur en fer qui descend, puis s'arrête. Lorsque l'écran s'efface, on entend Cyphre qui murmure "Harry" et "Johnny".

Production.

Genèse.

Le film est adapté du roman "Falling Angel" de William Hjortsberg. Dans l'écriture du scénario, Alan Parker prend toutefois un certain nombre de libertés, notamment l'introduction d'un enfant d'Epiphany Proudfoot conçu lors d'une cérémonie vaudou par un démon, et le fait que l'ensemble du roman se déroule à New York, alors que la fin du film se déroule à La Nouvelle-Orléans. Le choix d'un univers plus sombre crée, avec d'autres codes du film noir, un thriller dont la narration se distingue de l'ouvrage original.

Casting.

Alan Parker offre le rôle d'Harry Angel à Al Pacino, Jack Nicholson et Robert De Niro, avant que Mickey Rourke ne soit choisi. Marlon Brando est un temps pressenti pour celui de Louis Cyphre. Alan Parker a prétendu que l'interprétation de Robert De Niro en tant que Louis Cyphre était si réaliste et terrifiante,.  Le musicien Brownie McGhee et Charlotte Rampling jouent des rôles.

Tournage.

Les scènes extérieures et intérieures sont tournées en décors naturels, dans les lieux suivants : New York (Manhattan, Brooklyn, Staten Island), Rhinebeck et Albany dans l'État de New York, Hoboken et Fairfield dans le New Jersey, Thibodaux, Napoleonville et La Nouvelle-Orléans en Louisiane.

Accueil.

Le film a rapporté environ au box-office en Amérique du Nord pour un budget de. En France, il a réalisé.  Il a reçu un accueil critique favorable, recueillant 78 % de critiques positives, avec une note moyenne de 7,2/10 et sur la base de 25 critiques collectées, sur le site agrégateur de critiques Rotten Tomatoes.

Sortie vidéo.

Le film sort en SteelBook Blu-ray 4K + Blu-ray le 5 février 2020, édité par StudioCanal, avec en complément une introduction (1') et un commentaire audio du réalisateur, des interviews d'époque d'Alan Parker (8'), de Lisa Bonet (1'30), des courts entretiens (3') de Mickey Rourke, Alan Parker et Lisa Bonet, un reportage d'époque sur le film (7'), 5 modules sur la culture vaudou (entre 6 et 20 minutes), un module sur le tournage du film (1'30), et la bande-annonce originale. Tous ces bonus étaient présents sur l'édition Blu-ray de 2010. Les bonus inédits sont : une interview d'Alan Parker réalisée en 2015 par Jean-Pierre Lavoignat (extrait de "Cinéastes des années 80" "- Alan Parker, le franc-tireur") (27') et une galerie photo.

Angel Heart : Aux portes de l'enfer ("Angel Heart"), ou Aux portes de l'enfer au Québec est un film américano-canado-britannique écrit et réalisé par Alan Parker et sorti en 1987.

Angel Heart (v americkém originále: Angel Heart) je americko-kanadsko-britský mysteriózní film z roku 1987. Režisérem filmu je Alan Parker. Hlavní role ve filmu ztvárnili Mickey Rourke, Robert De Niro, Lisa Bonet, Charlotte Rampling a Stocker Fontelieu.


Biographie.

Lors des Jeux olympiques de Mexico, Sawao Katō s'impose lors du concours général en devançant le champion du monde de 1966, le Soviétique Mikhail Voronin, les trois gymnastes suivant étant des Japonais dont son frère ainé Takeshi Katō qui se classe cinquième. Deux jours plus tard, le Japon s'impose dans la compétition par équipes, Katō réalisant la meilleure performance lors de ce concours. Les gymnastes ayant réalisé les six premières performances lors du concours général sont qualifiés pour les concours par appareil. Sawao Katō dispute ainsi deux concours. Il dispute d'abord le sol, où il s'impose devant trois autres Japonais, Akinori Nakayama étant deuxième et son frère Takeshi Katō obtenant la médaille de bronze. Il est aussi présent lors de la finale des anneaux, remportée par Akinori Nakayama devant Voronin, Sawao Katō obtenant la médaille de bronze en devançant deux compatriotes.  Durant l'olympiade qui suit, Katō connait de nombreuses blessures, le privant des championnats du monde de 1970 à Ljubljana. C'est avec une blessure à l'épaule qu'il se présente aux Jeux olympiques de Munich. Le format des compétitions olympiques change à cette occasion. La compétition par équipes est la première disputée, chaque nation présentant six athlètes, les cinq meilleurs résultats par appareil étant comptabilisés. Le Japon, détenteur du titre olympique depuis 1960 conserve son titre. Les résultats obtenus dans ce concours par équipes comptent pour 50 % de la note lors du concours général individuel. Sawao Katō devient le troisième gymnaste à conserver le titre olympique du concours général, après l'Italien Alberto Braglia en 1908 et 1912 et le Soviétique Victor Chukarin en 1952 et 1956. Le podium est exclusivement japonais, Eizo Kenmotsu prenant la deuxième place et Akinori Nakayama la médaille de bronze. Katō participe à l'ensemble des finales par appareil, terminant sixième du sol, quatrième du saut de cheval. Il remporte la médaille d'or aux barres parallèles, devançant Shigeru Kasamatsu et Eizo Kenmotsu. Il est aussi médaille d'argent à la barre fixe, concours remporté par Mitsuo Tsukahara, quatrième aux anneaux, et de nouveau deuxième, au saut de cheval, le titre étant remporté par Viktor Klimenko.  Il participe aux mondiaux de 1974 à Varna. Lors d'un exercice aux barres parallèles, il chute et se casse le bras. Cachant la blessure à son entraîneur, il reprend et termine son exercice. Lors de cette compétition, il remporte le titre par équipes.  Lors des Jeux olympiques de Montréal, il fait partie de l'équipe japonaise. Avant la dernière rotation, celle-ci, qui effectue celle-ci à la barre fixe, est menée d'un point par les Soviétiques, qui passent au sol. Le dernier gymnaste japonais Mitsuo Tsukuhara obtient la note de 9,85 pour donner la victoire à son équipe qui conserve son titre, Katō remportant son troisième à titre personnel dans cette épreuve. Après cette épreuve, il occupe la deuxième place provisoire du concours général, derrière Mitsuo Tsukahara. Au terme de l'épreuve, il est devancé par le Soviétique Nikolai Andrianov, Mitsuo Tsukahara prenant la médaille de bronze. Katō dispute quatre finales par appareil, terminant cinquième du sol, cinquième du cheval d'arçon et sixième des anneaux. Il conserve son titre olympique des barres parallèles, devançant Nikolai Andrianov et Mitsuo Tsukahara.

, né le à Gosen, est un gymnaste japonais. En trois olympiades, il remporte douze médailles dont huit en or. Il remporte deux titres consécutifs du concours général, en 1968 à Mexico et en 1972 à Munich, et la compétition par équipes lors des trois éditions. Il remporte également le concours du sol en 1968 et à deux reprises les barres parallèles, en 1972 et en 1976 à Montréal.

Sawao Kató (japonsky 加藤 沢男 [Kató Sawao], * 11. října 1946, Gosen) je bývalý japonský gymnasta. Jako student University of Tsukuba se zúčastnil tří olympiád a získal osm zlatých medailí (z toho tři ve víceboji družstev a dvě ve víceboji jednotlivců), patří tak mezi desítku nejúspěšnějších olympioniků všech dob. Zároveň je nejúspěšnějším Asijcem a nejúspěšnějším mužským gymnastou. Po ukončení aktivní kariéry působí jako rozhodčí, od roku 2001 je členem Mezinárodní gymnastické síně slávy.


Biographie.

Spécialiste de littérature médiévale et passionné d'archéologie, il est nommé Principal du King's College de Cambridge, puis d'Eton College, là même où il fit ses études. Dans le cadre de ses fonctions universitaires, il établit le catalogage de plusieurs manuscrits anciens des bibliothèques de Cambridge et collabore à plusieurs ouvrages savants. Il donne également des ouvrages de vulgarisation : "Abbeys" (1925), "Suffolk and Norfolk" (1930).  Montague Rhodes James est toutefois resté célèbre pour ses contes fantastiques, souvent en prise directe avec ses propres passions : l'histoire anglaise, les recherches archéologiques et la bibliophilie.  H. P. Lovecraft le cite comme l'un des maîtres du genre, et a salué l'originalité de ses histoires et sa capacité à réinventer tout à la fois l'horreur surnaturelle et l'image même des fantômes, très présents dans son œuvre. Bien moins connu que ses contemporains américains Lovecraft, Algernon Blackwood ou même Edith Wharton, grands auteurs d'histoires de fantômes du début du, le docteur James est peut-être le plus subtil dans son approche du surnaturel et de la peur inscrite dans le quotidien et le trivial de la vie ordinaire. Ses récits se déroulent souvent dans le cadre d'un village ou une grande propriété d'Angleterre, dans une vieille ville de France, du Danemark ou de Suède, ou encore, dans une vénérable abbaye ou université. Le héros est un chercheur universitaire réservé et naïf qui tente d'aborder le fait fantastique avec une approche scientifique. Il s'agit presque invariablement d'un vieil incunable, d'une antiquité ou de quelque objet ou manifestation étrange et maléfique qui sont presque toujours situés près d'une tombe. En 1922, il publie "The Five Jars", son unique roman de littérature d'enfance et de jeunesse.  Montague Rhodes James est mort le.

Œuvres.

Adaptations.

Un peu à la manière dont cela avait été fait avec les monuments de la littérature anglaise que sont Shakespeare et Charles Dickens, certaines œuvres de James sont régulièrement adaptées à la télévision pour Noël par la BBC.

Montague Rhodes James, né le à, près de Douvres, dans le Kent, et mort le à Eton, Berkshire, est un écrivain anglais, auteur de récits fantastiques qu'il signe toujours M. R. James.

Montague Rhodes James (M. R. James) (1. srpna 1862, Goodnestone, Kent – 12. června 1936, Eton, Berkshire) byl anglický povídkář, paleograf a mediavelista, zakladatel tradice anglických duchařských příběhů.