Carrière tennistique.

Initiée au tennis dès son plus jeune âge sur des courts en gazon, sa surface de prédilection, Cara Black dispute ses premiers matchs officiels en 1992. Championne du monde junior en 1997 (à la fois en simple et en double filles), ses progrès réguliers lui permettent dès 1998, à 19 ans, de faire son entrée au sein du club des cinquante meilleures joueuses au classement WTA. le 15 mars 1999, elle ne parvient pas à concrétiser les espoirs placés en elle, plafonnant le plus souvent et jusqu'en 2003 entre les et. En 2001, non sans avoir sorti Conchita Martínez (finaliste de la précédente édition) au, elle accède aux huitièmes de finale à Roland-Garros, sa meilleure performance individuelle dans une épreuve du Grand Chelem. Surtout, elle enregistre quelque huit succès en double dames – dont sept associée à Elena Likhovtseva. C'est dans cette discipline qu'elle obtient par la suite des résultats d'exception.  Après deux autres saisons encourageantes, elle s'impose à six reprises en 2004 aux côtés de Rennae Stubbs, notamment à Wimbledon.  En janvier 2005, elle entame une collaboration exclusive avec la Sud-Africaine Liezel Huber, de trois ans son aînée, avec laquelle elle s'était déjà illustrée à Tokyo en 2001. Si leurs débuts sont un peu hésitants, toutes deux atteignent la finale à Roland-Garros puis, en juillet, sont sacrées championnes à Wimbledon. Mais, quelques jours après ce triomphe londonien, Huber se blesse au genou gauche et se voit contrainte de prendre du repos pendant six mois. Black termine la saison avec son ancienne coéquipière Stubbs, avec qui elle continue à jouer en 2006 ; ajoutant cinq trophées à leur crédit en un an et demi, leur collaboration s'avère cependant bien moins prolifique qu'initialement.  En 2007, après quatre saisons de déclin, elle décide de mettre un terme à sa carrière en simple et de tenter une seconde alliance avec Huber, revenue à son meilleur niveau. Leur collaboration s'avère une totale réussite : avec neuf titres engrangés, dont l'Open d'Australie, Wimbledon et les Masters, la paire est demeurée numéro un mondiale sans discontinuer au classement "Race", ne concédant qu'une réelle contre-performance à l'US Open (défaite au face à Camerin et Dulko). Elles continuent à enchaîner les victoires en 2008 : si les trois premières levées du Grand Chelem leur échappent, elles s'emparent de l'US Open en septembre puis des Masters en novembre, confirmant leur suprématie.  Avec cinq victoires, le tandem Black-Huber est relativement moins convaincant en 2009, surclassé par les sœurs Venus et Serena Williams qui gagnent trois fois sur quatre en Grand Chelem. Elles perdent aussi leur titre aux Masters face aux Ibériques Llagostera et Martínez. Mais, à la faveur de leur régularité, les deux joueuses demeurent numéro un mondiale pendant toute la saison.  En janvier 2010, Black et Huber perdent la finale de l'Open d'Australie contre les Williams (la Zimbabwéenne se console en remportant le double mixte avec Leander Paes). Le 19 avril, la victoire de Huber à Charleston (avec Petrova) la destitue de sa place de numéro un mondiale. Le 28 avril, pendant le Grand Prix de Stuttgart, Huber explique : « Cara et moi avons d'un commun accord décidé de mettre temporairement fin à notre partenariat exclusif.».  Ses deux frères, Byron et Wayne, ont aussi évolué parmi l'élite du tennis sur le circuit ATP. Avec ce dernier, elle s'est imposée deux fois en double mixte, à Roland-Garros en 2002 et à Wimbledon en 2004.

Découlant d'une réforme du circuit WTA inaugurée en 2009, les tournois WTA « Premier Mandatory » et « Premier 5 » constituent les catégories d'épreuves les plus prestigieuses, après les quatre levées du Grand Chelem. ! width="50" rowspan="2"|Année! width="80" colspan="8"|Premier Mandatory! width="80" colspan="14"|Premier 5! width="80" colspan=2|Indian Wells! width="80" colspan=2|Miami! width="80" colspan=2|Madrid! width="80" colspan=2|Pékin! width="80" colspan=2|Dubaï! width="80" colspan=2|Doha! width="80" colspan=2|Rome! width="80" colspan=2|Canada! width="80" colspan=2|Cincinnati! width="80" colspan=2|Tokyo! width="80" colspan=2|Wuhan

Cara Black, née le 17 février 1979 à Harare, est une joueuse de tennis zimbabwéenne, professionnelle de 1998 à 2015.

Cara Blacková (* 17. února 1979 v Harare, Zimbabwe) je současná zimbabwská profesionální tenistka. V prvním desetiletí nového milénia tvoří se svou stálou spoluhráčkou Liezel Huberovou dlouhodobě nejlepší pár světa. Ve své dosavadní kariéře vyhrála 1 turnaj WTA ve dvouhře a 53 turnajů ve čtyřhře.


Histoire.

Création et croissance.

La société est créée en 1850 à Montgomery (Alabama), par les frères Emanuel et Mayer Lehman, immigrants juifs allemands. Après la guerre civile américaine, ils déplacent leurs affaires à New York. Ils participent alors au marché de l'échange de coton, au marché naissant pour des liaisons de chemin de fer, et gèrent les affaires financières de conseil. Ils rejoignent la Bourse de New York en 1887. La société commence ensuite à développer des intérêts internationaux en Europe et au Japon dans l'expertise des opérations bancaires marchandes. En 1889, ils effectuent leur première émission d'actions. Dans la première décennie du, ils aident financièrement et participent à la fondation de Sears, Roebuck and Company, F.W. Woolworth Company, May Department Stores Company, Gimbel Brothers, Inc. et R.H. Macy & Company.  La compagnie survit à la crise de la grande dépression en se concentrant sur l'aide des bailleurs de fonds privés et des compagnies liées, alors que la bourse des valeurs mobilières de valeurs à revenu variable est de nouveau à la hausse. C'était la base de la gestion des capitaux à risques de l'industrie d'aujourd'hui. Dans les années 1930, ils effectuent l'appel public à l'épargne initiale du premier fabricant de télévision DuMont et aident les fonds de RCA. Ils aident également l'industrie pétrolière naissante, avec des compagnies comme Halliburton et Kerr-McGee. Dans les années 1950, ils participent au lancement en bourse de Digital Equipment Corporation (DEC, Digital). Plus tard, ils participent à l'acquisition de Digital par Compaq.  En 1975, la société acquiert "Abraham et Cie" et deux ans après fusionne avec Kuhn, Loeb & Co pour former "Lehman Brothers Kuhn Loeb & Co". Au sein de cette société, une ligne commune est tracée entre les commerçants et les banquiers. Les commerçants pendant cette période ont amené la plupart des bénéfices. Lewis Glucksman, un commerçant, prend la présidence en septembre 1983 ; les banquiers ont alors quitté la société, qui s'est divisée dans les luttes de pouvoir. Steve Schwarzman, président des sociétés de fusions et acquisitions, affirme dans une entrevue de février 2003 qu'« avec le développement des capitaux propres privés à l'international, la société a eu un environnement interne extrêmement concurrentiel, qui est finalement devenu dysfonctionnel ». La compagnie a souffert de cette désintégration, et Glucksman est contraint de vendre la société en 1984.  Elle est reprise par American Express pour $360 millions et devient "Shearson Lehman/American Express". En 1988, Shearson "Lehman" et "E.F. Hutton & Co." fusionnent en "Shearson Lehman Hutton Inc.". En 1993, la société est vendue à Travelers Group ; la société connaît alors un renouveau et redevient indépendante. En 1994, la compagnie émet des actions publiques. Les actions ordinaires de "Lehman Brothers Holding Inc." débutent sur la Bourse de New York et dans le Pacifique, "via" une introduction en Bourse. Au début des années 2000, Lehman Brothers a subi un premier revers, étant l'une des, "via" l'accord amiable d'avril 2003, avec la SEC et, l'association des courtiers américains.  En 2007, elle rachète Marseille République à Lone Star Funds, qui avait investi rue de la République à Marseille.

Faillite.

À partir d'août 2007, Lehman Brothers essaie de solder sans succès ses positions sur les crédits immobiliers à risque, suite de la crise des subprimes. Les pertes engendrées par ces positions conduisent la banque à vendre pour six milliards de dollars d'actifs. Dès le début 2008, la banque est soumise à des attaques spéculatives de la part de certains hedge funds qui vont en s'amplifiant durant l'année. En septembre, sa capitalisation boursière chute alors de 77 %. Les pertes cumulées de la banque poussent la direction à rechercher un repreneur mais sans résultat. Selon l'émission de TV diffusée sur ARTE le, la direction de Lehman Brothers a procédé à des cessions fictives d'actifs douteux, constitués par des prêts auprès de débiteurs insolvables, à des filiales britanniques, qui les requalifiaient de ventes assortis d'emprunts, de façon à les changer de postes dans le bilan. L'opération ne pouvant être répétée indéfiniment, la banque dut se mettre sous la protection du du code de commerce américain.  Autour d'elle, d'autres banques sont aidées par l'État telles Bear Stearns en, les sociétés de crédit hypothécaire Fannie Mae et Freddie Mac le mais aucune aide ne vient à Lehman Brothers. L'abstention de l'État est largement perçue comme la volonté de faire un exemple. Néanmoins, Bernanke insiste sur le fait que la Fed n'a jamais été en mesure de faire un choix entre sauver ou non Lehman, cette banque ne pouvant proposer aucune contrepartie à l'octroi de prêt comme cela était requis pour respecter le cadre légal. Et le, Lehman Brothers Holdings Inc. se déclare en faillite et se place sous la protection du chapitre 11 du droit fédéral. Jusqu'au dernier moment, les marchés ont espéré la reprise de Lehman Brothers par Bank of America (comme JP Morgan Chase avait récupéré Bear Stearns 6 mois plus tôt), mais finalement la grande banque préférera sauver Merrill Lynch, elle aussi sur le point de faire faillite le.  Le cours de Bourse de Lehman Brothers était au de, avec un point le plus haut à au. Le l'action ne valait plus que. Avant cessation définitive de la cotation, l'action valait.  Les 16 et, la banque britannique Barclays annonce le rachat des activités de banque d'investissement et de courtage de Lehman Brothers en Amérique du Nord, y compris le siège social sur la de New York et deux centres de traitement de données dans le New Jersey, pour.  Dans les jours suivants, Nomura, numéro un japonais du courtage, reprend le courtage des actions et la banque d'investissement (conseils) en Europe, ainsi qu'une partie de ses, et la totalité d'activités dans la zone Asie-Pacifique, Japon et Australie inclus, soit environ au total, pour de dollars.  Les fonds d'investissements Bain Capital et Hellman & Friedman font une offre de reprise de Neuberger Berman, une des filiales de gestion d'actifs pesant de dollars, pour de dollars. Carlyle s'oppose à l'entérinement de cette reprise, et finalement la cour de faillite de New York attribuera la reprise à un consortium constitué du management de Neuberger Berman. En Europe également, les activités de gestion quantitative seront reprises par les salariés sous le nom de TOBAM S.A.S.  La chute de Lehman Brothers entraîne avec elle la bourse américaine, puis quelques semaines plus tard toutes les bourses mondiales. Pour pallier la crise, certains États nationalisent les pertes engendrées par les banques en difficultés, garantissent les épargnes et vont même racheter les actifs toxiques. Parmi les banques en difficulté, AXA, qui n'a annoncé que d'euros d'exposition à la dette de Lehman, était le premier actionnaire "via" des fonds pour compte de tiers.  La banque "Lehman Brothers First Trust Inc.", code LBC, est cotée à New York, et existe encore au, avec à cette date 151 millions de dollars de capitaux propres pour 107 millions de dollars de dettes totales.

Structure.

Les autres branches sont des filiales à 100 %. La société comptait employés en 2004. L'adresse de l'entreprise était : Seventh Avenue 745; New York, NY 10019; États-Unis.  PricewaterhouseCoopers est l'administrateur de LB en Europe. Lehman était affiliée à Fargo Records, à CitiMortgage et à Smith Barneby.

Gestion.

Ancien président-directeur général et président du conseil d'administration : Richard S. Fuld, Jr.

Lehman Brothers était une banque d'investissement multinationale créée en 1850, proposant des services financiers diversifiés et ayant spectaculairement fait faillite le.

Lehman Brothers Holdings Inc. byla významná americká banka založená v roce 1850, jedna z největších investičních bank v USA. Šlo o globálně působící finanční instituci s centrálou v New Yorku, která se zabývala investičním i privátním bankovnictvím. Byla jednou z bank, které těžce zasáhlo zhroucení amerického trhu s nemovitostmi. 15. září 2008 oznámila, že zažádá o ochranu před věřiteli, čímž vytvořila rekordní bankrot v americké historii. Následující den její část koupila britská banka Barclays.


Biographie.

Issu d'une famille juive, Friedman commence la guitare après avoir vu un concert de son groupe préféré, Kiss. C'est à Hawaii qu'il forme le groupe Vixen (qui n'a toutefois rien à voir avec le groupe homonyme intégralement composé de musiciennes). Après de multiples changements de chanteur et un changement de nom (le groupe s'est fait appeler Aloha), c'est sous le nom d'Hawaii que sortent deux albums : "One Nation Underground" (sûrement une référence à One Nation Under a Groove des Funkadelic) et "The Native Are Restless".

Cacophony.

Marty part pour créer un album solo, "Speed Metal Symphony", et c'est alors qu'il rencontre Jason Becker. Très impressionné par son jeu, il l'invite à participer à son projet : ils forment le groupe Cacophony et sortent deux albums : "Speed Metal Symphony" et "Go Off". Ces deux albums sont entrecoupés de deux albums solos : "Perpetual Burn" de Jason Becker à la fin de l'année 1987 et "Dragon's Kiss" de Marty Friedman au début de l'année 1988. Ces quatre albums sont suivis de deux tournées, une aux U.S.A. et une au Japon en 1989. En 1990, le groupe se sépare mais Jason et Marty restent amis.

La période Megadeth.

En 1990, Marty rejoint Megadeth, où il remplace Jeff Young. Le leader du groupe, Dave Mustaine, ne souhaitait pas que Marty Friedman intègre le groupe en raison de sa coiffure (il avait à l'époque les cheveux teints de deux couleurs différentes), mais après avoir écouté "Dragon's Kiss", et demandé conseil à sa maison de disques, il est revenu sur sa décision, et a décidé de l'engager.  Le groupe sort alors "Rust in Peace" : cet album est souvent considéré par les fans comme le plus bel effort de Megadeth, de par des riffs très travaillés et des solos mouvant entre lyrisme et grande vélocité. En 1992, à partir de l'album "Countdown to Extinction", le groupe s'oriente petit à petit vers un son plus heavy metal, délaissant les racines thrash de leurs débuts. Cela n'empêche cependant pas les albums de Megadeth d'être de véritables succès commerciaux. Mais en 1999, l'enregistrement de "Risk" fait apparaitre les premières tensions entre Dave Mustaine et Marty Friedman. Ce dernier désirait en effet réaliser soit un album très pop soit, à l'inverse, un album purement metal, mais ne voulait pas faire une musique qui soit à mi chemin entre ces deux styles. Il quitta donc logiquement le groupe fin 1999 après avoir enregistré cet album, et fut remplacé par Al Pitrelli. Il semble néanmoins être l'un des rares ex-membres de Megadeth à avoir gardé contact avec Dave Mustaine.  Parallèlement à sa collaboration avec le groupe, il a publié 3 albums solos : "Scenes" (1992), "Introduction" (1995) et "True obsessions" (1996).

En solo.

Après avoir quitté Megadeth, Marty Friedman part vivre au Japon où il s'impose comme une véritable icône du rock, notamment grâce à de nombreuses apparitions télévisées. Il a publié "Music for speeding" en 2003 et "Loudspeaker" en 2006, qui s'est classé des meilleures ventes au Japon.  En 2004, il rejoint Zeta, le projet solo du musicien de trance psychédélique Takeomi Matsuura, avec qui il a publié son premier album, "Zeta", paru le.  Marty fait une incursion dans le monde du cinéma en 2008. Il incarne Paul Weinberg, un professeur d'Anglais, dans le film d'Isshin Inudou : 'Gou-Gou datte neko de aru'.  Marty contribue en 2009 au jeu vidéo Sonic et le Chevalier Noir, en jouant la guitare lead sur le thème du boss final, "With Me".  Il contribue aussi à la musique du boss final du jeu vidéo Bravely Default.

Musiciens.

Marty Friedman est entouré de plusieurs musiciens lors de ses tournées, les musiciens actuels sont Takayoshi Ohmura à la guitare, Ryota Yoshinari à la basse et Mitsuru Fujisawa à la batterie.

Marty Friedman (de son vrai nom Martin Adam Friedman), né le à Washington, D.C., est un guitariste de rock américain. Il s'est surtout illustré dans le heavy et le thrash metal, notamment en tant que guitariste soliste de Megadeth.

Marty Friedman (* 8. prosince, 1962, Washington, D.C., USA) je americký kytarista. Proslavil se hlavně jako člen metalové skupiny Megadeth, jejíž součástí byl skoro 10 let. Od roku 2003 žije v Japonsku, kde moderoval relace jako "Rock Fujiyama" nebo "Jukebox English" v japonské televizi.


Biographie.

Les jeunes années.

Enfance et scolarité.

Né dans une famille modeste et presbytérienne, le jeune Marion est le fils d'un pharmacien Clyde Leonard Morrison (1884–1937), d'ascendance irlandaise et écossaise, fils d'un vétéran de la guerre de Sécession, et de Mary Alberta Brown (1885–1970), d'origine irlandaise. En naît son frère Robert, ses parents changent alors son identité en Marion Mitchell Morrison (toutefois il a souvent affirmé que son vrai nom aurait été Marion Michael Morrison). Peu après, son père, atteint de lésions aux poumons, est contraint de « changer d'air » pour sa santé. Il met en vente sa pharmacie et achète une maison délabrée près du désert des Mojaves, à Palmdale, et des terres où il décide de faire pousser du maïs. Sa femme et ses enfants le rejoignent en 1914. Pour aider son père, il apprend à se servir d'un fusil et à monter à cheval.  Lassée du climat rude et de la pauvreté de la famille, Mary Morrison pousse son mari à tout vendre. Ils partent à Glendale, faubourg de Los Angeles, en 1916, où le père trouve un emploi dans une pharmacie. Ils déménagent régulièrement, s'installant à chaque fois dans une maison plus petite. Marion devient vite un bon élève, lisant beaucoup à la bibliothèque municipale. À douze ans, il enchaîne, en parallèle des cours, des petits boulots : livreur de journaux, livreur, ouvreur du cinéma Palace.  Son premier vrai souvenir d'un film est probablement "Les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse" avec Rudolph Valentino. Grâce à son job d'ouvreur, il peut accéder à un très grand nombre de films, dont des westerns avec Harry Carey ou des films d'aventures avec Douglas Fairbanks. Il se lie d'amitié avec Bob Steele, future star de westerns des années 1920. C'est aussi dès cette époque que Marion est surnommé « Big Duke » en référence à son chien, « Little Duke », qu'il emmène partout avec lui. Au collège, il appartient aux clubs sportifs et culturels, et fait du théâtre, non comme acteur, mais comme accessoiriste. Ses rares performances d'acteur ne sont pas convaincantes, il est pétrifié par le trac.

Sportif et accessoiriste.

En 1924, l'université de Californie du Sud décide de recruter les meilleurs éléments des clubs alentour pour sa propre équipe de football, les Trojans, dont Marion Morrison. Pouvant faire ses études gratuitement grâce à une bourse sportive, il est aussi initié à une fraternité, Sigma Chi. Il rencontre peu après la vedette Tom Mix, qui assiste à tous les matchs de l'équipe. Appréciant la carrure du jeune homme (John Wayne mesure ), il lui offre un rôle dans un film qu'il doit tourner quelques mois après. Entre-temps, lors d'un weekend à Balboa, Morrison est victime d'un accident de bodysurf : il se déchire un muscle de l'épaule après une chute qui le fait entrer en contact avec le fond. Il tente vainement quelque temps de continuer le football mais est évincé de l'équipe, avec toutefois un diplôme de la Fédération de football. Il n'y joua plus jamais. L'été au studio, la star méprise le jeune Morrison, qui est toutefois engagé, mais comme accessoiriste.  Après une figuration sur le film "The Drop Kick", il est appelé sur le tournage de "Maman de mon cœur", dirigé par John Ford, réalisateur déjà respecté à Hollywood. Celui-ci décide un jour de provoquer gentiment le jeune footballeur Morrison en le faisant se mettre en position, puis en lui faisant mordre la poussière. La pareille que lui rendit aussitôt le jeune homme le fait grimper dans l'estime du réalisateur. Il l'embauche d'ailleurs comme acteur sur son film suivant, "La Maison du bourreau", dans un petit rôle de paysan condamné par un juge. John Ford le fait d'abord renvoyer à cause de son comportement (il fut pris d'un fou rire), puis le rappelle et tourne la scène.  À partir de 1928, Morrison décide de ne plus aller à l'université. N'ayant plus la bourse accordée grâce à l'équipe de football, il ne peut s'offrir les cours. Il retourne à la Fox et devient accessoiriste pendant trois ans. Il travaille alors de nouveau avec John Ford et d'autres réalisateurs, et fait un peu de figuration, notamment dans "Words and music", "Rough Romance" ou "Cheer Up and Smile". Dans "Salute", il se confronte pour une des premières fois à un autre étudiant-footballeur voulant participer au film de Ford, Wardell Bond. Dans "Hommes sans femmes", il est engagé comme cascadeur, mais payé au tarif d'un accessoiriste.

Le faux départ.

Le cinéma parlant a rendu difficile la réalisation de westerns. Pourtant le réalisateur Raoul Walsh prouve le contraire en coréalisant "In Old Arizona" qui obtient un gros succès. LaFox voulut alors lui confier la réalisation d'un grand western, au budget d'un million de dollars. Tyrone Power et Ian Keith, des acteurs de théâtre, sont engagés. Pour le rôle principal, on sollicite Gary Cooper, mais il est indisponible car sous contrat avec Samuel Goldwyn. Walsh remarque alors par hasard cet accessoiriste qui décharge un camion, Duke Morrison et décide de lui faire faire un bout d'essai. Le producteur délégué et le réalisateur décident juste après de lui faire changer de nom. Par admiration pour le général Anthony Wayne, on lui trouve un nom. Et tout bêtement parce que « John » faisait Américain et simple, on lui donne ce prénom. Ainsi Duke Morrison devint John Wayne, sans même avoir été consulté.  Le tournage de "La Piste des géants" commence à Yuma. Wayne fut victime d'une dysenterie qui l'oblige à un régime et lui fit perdre trois semaines de tournage. Le film est tourné en, près de vingt ans avant le CinemaScope. La première mondiale a lieu le dans un grand cinéma de Hollywood et la société de production fait faire à sa nouvelle vedette une promotion mensongère, lui inventant une nouvelle biographie. Malgré les moyens mis en œuvre, le film est un échec notoire et la conséquence pour John Wayne est de redevenir un acteur méconnu, sous contrat, à la semaine. De plus, il se fâche quelque temps avec John Ford.

Les années 1930 : entre échecs et nouveau départ.

Un acteur de séries B.

Duke est engagé en 1930 pour tourner "Girls Demand Excitement", une comédie musicale dirigée par un chorégraphe de New York parfaitement inexpérimenté, avec Virginia Cherrill. Il enchaîne, avec Loretta Young, "Three Girls Lost". Présenté le, le film est ainsi résumé par un critique : « Tout cela est assez idiot! » LaFox ne renouvelle pas le contrat de John Wayne, qui est embauché par Harry Cohn, grand patron de la Columbia, qui lui fait tourner un autre film sans intérêt, "Men Are Like That". Ces films permettent toutefois à Wayne de se faire un public, quand une brouille avec Cohn lui fait perdre son statut de vedette, et il devint un second rôle, au profit de Tim McCoy notamment. Il n'oublia jamais cette offense et, devenu une grande vedette, refusa toujours de tourner pour la Columbia.  La mode est aux films d'aviation. John Wayne, qui vient de prendre un agent, Al Kingston, tourne "L'ombre d'un aigle". C'est sur ce tournage qu'il rencontre Yakima Canutt, qui va devenir l'un des cascadeurs les plus connus du cinéma américain. Il enchaîne avec "The Hurricane Express" où il interprète un aviateur décidé à venger son père, tué dans un accident de chemin de fer. Le, il se marie enfin à celle qu'il aime depuis des années, Josie (Josephine Saenz), dont l'amie, Loretta Young, lui permet d'obtenir un petit rôle, celui d'un boxeur, dans "La Vie de Jimmy Dolan" avec Douglas Fairbanks. Al Kingston arrange ensuite un entretien avec Trem Carr et Leo Ostrow qui vient de fonder la société Monogram Pictures et Duke se voit offrir un contrat de huit westerns par an, payés.  Il tourne la même année "Les Cavaliers du destin" où il est un cow-boy chantant. Exaspéré par cette expérience humiliante, il déclara plus tard que sa chansonnette en play-back lui donnait l'impression « d'être une foutue pédale. » Pourtant cette époque laisse à Wayne de bons souvenirs, il déclarera plus tard : « D'avril à septembre on travaillait comme des dingues pour fournir de la pellicule aux petites salles qui achetaient la production en bloc et d'avance. Puis, à la fin de l'été, je filais chasser la palombe. Ensuite c'était la saison des oies sauvages et des canards. [...] Oui c'était le bon temps. »

De nouvelles expériences navrantes.

Marié et à présent père, John Wayne refuse un nouveau contrat de proposé par Herbert J. Yates pour Monogram Pictures, las de vivre loin de sa famille et de ses enfants. Il s'essaye sans succès à la gestion d'une agence immobilière. Puis, sous le nom de Duke Morrison, il devient boxeur et fait quelques combats dans le Nevada, encore une fois, sans grand succès. Résolu à revenir au cinéma, il tente de se faire remarquer par Cecil B. DeMille, en vain. Son ami Paul Fix lui propose alors une pièce de théâtre, "Red Sky At Evening", avec Sally Blane. D'abord enthousiasmé, il déchante assez vite, se rappelant ses expériences navrantes de jeunesse. La seule et unique représentation est un désastre : ayant vidé une bouteille de whisky pour se donner du courage, Wayne entre sur scène ivre, oubliant ses répliques et demandant :  Il reprend alors le chemin des studios et tourne pour Universal quelques films où il abandonne son personnage de cow-boy. Entre 1936 et 1937, il tourne ainsi "Les Écumeurs de la mer" ("Sea Spoilers"), "Conflit" ("Conflict") où il joue un boxeur, "Chasseurs d'images" ("I Cover the War") dans le rôle d'un reporter, et "L'Idole de la foule" ("Idol of the Crowds"). Produits à coûts réduits, ces films sont des échecs cuisants. Son public fidèle ne veut le voir qu'en cow-boy, sachant se battre et manier le pistolet. Il revint alors vers Herbert J. Yates et tourne d'autres films médiocres, dont certains ne sortirent qu'une fois John Wayne devenu une star.

« Sauvé » par John Ford.

À l'été 1937, John Ford invite Wayne à bord de son bateau, l"'Araner", et lui donne à lire un scénario de Dudley Nichols, "La Chevauchée fantastique", pour avoir son avis quant à l'acteur qui pourrait endosser le premier rôle. Vexé, il propose néanmoins Lloyd Nolan. Ce n'est que le lendemain que Ford lui demande : « Idiot, tu penses que tu ne pourrais pas jouer le rôle? ». Mais les producteurs envisagent plutôt des vedettes confirmées : Gary Cooper et Marlène Dietrich. Le réalisateur réussit finalement à imposer Wayne et Claire Trevor, ainsi que d'autres acteurs expérimentés, tels que Thomas Mitchell et George Bancroft.  Le film est tourné d'octobre à, avec un budget modeste. Quelques scènes sont filmées à Monument Valley, le reste en Californie. Yakima Canutt double John Wayne, notamment lors de la grande attaque de la diligence. Ce dernier est tout au long du tournage tyrannisé par le réalisateur, Ford le reprenant sans cesse sur sa façon de marcher, de jouer, de parler. « Je l'aurais tué. Il me mettait en rage. Mais Ford savait ce qu'il faisait. Il savait que j'avais honte d'être un cow-boy de westerns de séries B et de me retrouver là, en compagnie de ces grandes vedettes. » Ford offre à son acteur vedette l'une des, avec son fameux mouvement de caméra laissant apparaître Ringo Kid, une selle dans une main, un fusil dans l'autre.  "La Chevauchée fantastique" est un succès et reçoit sept nominations aux Oscar du cinéma. Les conséquences sont nombreuses : le western comme genre de cinéma est réhabilité (le critique Frank S. Nugent écrit : « Dans un grand geste superbe, John Ford a balayé dix ans d'artifice et de compromis et a réalisé un film qui fait chanter la caméra ») et John Wayne sort enfin de l'impasse dans laquelle il se trouvait depuis le début des années 1930.

1940-1951 : L'affirmation d'un héros de cinéma américain.

Des retrouvailles professionnelles.

Le succès international de "La Chevauchée fantastique" permet à John Wayne de devenir une star, auprès du public et des réalisateurs. Son salaire est multiplié par trois, puis par onze en 1946, et il devient alors un des acteurs les plus chers avec Gary Cooper ou Clark Gable.  Il retrouve le réalisateur Raoul Walsh en 1940 pour un western sur fond de guerre civile, "L'Escadron noir", avec Claire Trevor. La même année, il est engagé pour incarner un Américain accueillant des réfugiés allemands fuyant le régime nazi dans "Les Déracinés", et tourne pour John Ford "Les Hommes de la mer". Tourné rapidement et pour un coût relativement modeste, le film n'est pas un succès public. De plus, Wayne n'est toujours pas pris au sérieux par le réalisateur qui ne le croit pas capable de jouer des rôles plus complexes. Il tourne un dernier film cette année 1940, "La Maison des sept péchés", première collaboration avec Marlène Dietrich, avec qui il s'entendit à merveille.  Contacté par le réalisateur Cecil B. DeMille, Wayne, qui n'a pas oublié sa première rencontre infructueuse avec lui, refuse de jouer dans son film, et lui adresse une longue notice visant à modifier le scénario. DeMille le rappelle, John Wayne se fait prier et, après plusieurs discussions, DeMille obtient que John Wayne tourne, en compagnie de Ray Milland et Paulette Goddard, dans "Les Naufrageurs des mers du sud", l'histoire d'un pilleur d'épaves dans les Caraïbes. Le tournage fut agréable, l'entente parfaite, ce qui fit déclarer à Wayne : « Après avoir tourné avec lui, j'ai pu garder la tête haute, en dépit des films dégueulasses que je devais faire pour Republic. » L'année 1942 vit également "Lady for a Night", de Leigh Jason avec Joan Blondell pour partenaire.  Après l'entrée en guerre des États-Unis, John Wayne voulut s'engager pour partir combattre en Europe. Mais, marié et père de quatre enfants, il voit sa demande rejetée à plusieurs reprises. Sa participation se réduit alors à des visites dans des camps. Il déclara plus tard :

Patriote et soldat au cinéma.

Il retrouve Marlène Dietrich en 1942 dans une nouvelle adaptation du roman de Rex Beach, "Les Écumeurs", avec un jeune premier, Randolph Scott, puis dans "La Fièvre de l'or noir", qui connaît un accueil chaleureux de la part du public. Wayne incarne également un pilote de l'armée américaine combattant les Japonais dans "Les Tigres volants", film de propagande réalisé par David Miller. "Sacramento", un nouveau western, est choisi par John Wayne car il doit y incarner un pharmacien, une manière de rendre hommage à son père décédé en 1938.  Les années suivantes, John Wayne tourne une série de films de guerre : "Quelque part en France" de Jules Dassin où il incarne un pilote réfugié en Normandie, puis "Alerte aux marines". Aux côtés d'Anthony Quinn, il joue un colonel américain luttant avec les résistants philippins dans "Retour aux Philippines". Républicain et patriote, Wayne critiqua par la suite le travail du réalisateur Edward Dmytryk, qui fut lié au parti communiste et figura sur la liste des Dix d'Hollywood, ainsi que le scénario. Il retrouve ensuite John Ford pour "Les Sacrifiés" aux côtés d'un jeune acteur, Robert Montgomery. Le film rapporte de l'argent et se classe parmi les vingt plus gros succès de l'année.  Entre-temps, John Wayne revint au western dans "L'Amazone aux yeux verts", oubliant sa déclaration de ne plus jamais en tourner. Scénarisé et interprété par son ami Paul Fix, le film impose durablement l'image virile, nonchalante et misogyne de son personnage. En revanche, King Vidor ne peut le diriger avec Hedy Lamarr dans "Duel au soleil" (1946), western lyrique et exacerbé finalement interprété par Gregory Peck et Jennifer Jones et devenu un classique. Il enchaîne par la suite quelques films passés inaperçus, "La Femme du pionnier", "Sans réserve" avec Claudette Colbert et "L'Ange et le Mauvais Garçon". Pour faire « rentrer l'argent », il tourna également "Taïkoun", de nouveau avec Anthony Quinn. En 1948, John Wayne, devenu une vedette importante, fait partie des acteurs préférés du public américain, avec Clark Gable, Gary Cooper et Humphrey Bogart.

Hawks, la Cavalerie et le Pacifique.

En 1947, John Ford réalise le premier volet d'une trilogie consacrée à la cavalerie américaine, "Le Massacre de Fort Apache" avec pour vedettes Henry Fonda et John Wayne dans un rôle d'officier « humain et pacifiste ». Tourné à Monument Valley pour un budget modeste, le film réunit également Ward Bond et Victor McLaglen. John Wayne, habitué aux humeurs du réalisateur, est un soutien psychologique précieux pour le jeune John Agar, martyrisé par Ford. L'accueil public est chaleureux. Il enchaîne avec un rôle de nouveau refusé par Gary Cooper, celui de Tom Dunson dans "La Rivière rouge" de Howard Hawks qui signe là son premier western. Dans un rôle de cow-boy dur et brutal, Wayne a pour partenaire Montgomery Clift avec qui il ne s'entend pas immédiatement. Ce film tourné en extérieurs est également un grand succès, rapportant plus de dix millions de dollars. Et s'il ne fut pas récompensé, John Wayne impressionna John Ford qui déclara par la suite à Hawks :.  En 1948, Ford engage à nouveau John Wayne pour "Le Fils du désert", film en technicolor avec Harry Carey Jr., tourné dans la vallée de la Mort. Wayne tourne ensuite deux films, "Le Réveil de la sorcière rouge" avec Gail Russell et "Le Bagarreur du Kentucky" avec Oliver Hardy, western sans moyens. Deuxième épisode de la trilogie de la cavalerie de Ford, "La Charge héroïque" est tourné en 1949 à Monument Valley et remporte un grand succès. L'année suivante, "Rio Grande", dernier volet de la trilogie, le met en scène aux côtés de Maureen O'Hara qui devint une partenaire fidèle en même temps qu'une grande amie.  John Wayne enfile de nouveau l'uniforme de l'armée américaine dans trois films : "Iwo Jima" de Allan Dwan, pour lequel il est nommé aux Oscars, "Opération dans le Pacifique" puis "Les Diables de Guadalcanal" de Nicholas Ray (qui désavoua le film par la suite, au même titre que Wayne qui le considérait comme une œuvre mineure), clôturant ainsi sa série de films en hommage aux combattants de la guerre du Pacifique.

1952-1959 : Une incarnation de l'Amérique à l'écran, un héros aux multiples visages.

En 1952, John Wayne partage à nouveau l'affiche avec Maureen O'Hara et John Ford. Si Ford ne peut engager le couple d'acteurs pour son adaptation de "What Price Glory" (qu'ils ont joué sous sa direction sur scène), ils se consolent largement avec "L'Homme tranquille", tourné en Irlande (terre des ancêtres du réalisateur), pour un budget dérisoire. Le film, qui raconte le retour d'un boxeur américain dans son pays d'origine, est un gros succès commercial dans le monde entier et remporte l'Oscar du meilleur film. "Big Jim McLain", réalisé la même année par Edward Ludwig, le met dans la peau d'un enquêteur de la Commission sur les activités anti-américaines au service du sénateur McCarthy.  "L'Homme de bonne volonté", réalisé en 1953 par Michael Curtiz, ne remporte pas le succès espéré et oriente de nouveau John Wayne vers des films héroïques. Sous la direction de William Wellman, il tourne "Aventure dans le Grand Nord", qu'il coproduit, et refuse un rôle principal dans "Géant" (qui fut interprété par Rock Hudson). Également coproducteur de Hondo, l'homme du désert, il est obligé de reprendre le rôle-titre, la vedette du film Glenn Ford étant en désaccord avec le réalisateur, puis retrouve l'équipe de "Aventure dans le Grand Nord" pour un nouveau film catastrophe, "Écrit dans le ciel", qui est un grand succès public. Nommé aux Oscars, seule la musique de Dimitri Tiomkin reçoit la récompense. Si sa collaboration avec Lana Turner pour "Le Renard des océans" est houleuse, en revanche il s'entend à merveille avec Lauren Bacall sur le tournage de "L'Allée sanglante", qui connaît un succès immédiat.  Le tournage du "Conquérant" en 1956 est éprouvant. Produit par Howard Hughes et réalisé par Dick Powell, il met en scène John Wayne dans le rôle du chef asiatique Gengis Khan, avec Susan Hayward pour partenaire. Tourné près d'un site d'essais nucléaires, il est probablement à l'origine du cancer de l'acteur (et d'une grande partie de l'équipe du film). En outre, il fut un lourd échec au box-office. La même année, Wayne tourne un nouveau western sous la direction de John Ford, "La Prisonnière du désert". Tourné sur deux saisons (l'hiver et l'été), à Monument Valley notamment, le film permet à John Wayne de créer un personnage sombre et violent. Le film est un énorme succès et plusieurs critiques louent le travail du réalisateur. En outre, il est aujourd'hui considéré par l'American Film Institute comme le plus grand western de tous les temps.  En 1957, de nouveau avec Ford, il tourne "L'aigle vole au soleil", un film de guerre adapté de la biographie du héros Frank Wead, avant d'enchaîner avec un film d'espionnage, "Les espions s'amusent". Mise en scène par Joseph von Sternberg, avec l'actrice Janet Leigh, cette comédie d'espionnage est considérée par John Wayne comme étant son plus mauvais film. L'année suivante, il forme un couple à l'écran avec Sophia Loren dans "La Cité disparue", tourné en partie en Italie par Henry Hathaway, puis entame le tournage du "Barbare et la Geisha", sous la direction de John Huston. Les relations furent souvent tendues entre les deux hommes et le film est un échec. Wayne est de nouveau engagé par Howard Hawks pour jouer dans "Rio Bravo", aux côtés de Dean Martin et Rick Nelson. Construit comme l'opposition scénaristique du "Train sifflera trois fois", le film est un gros succès populaire et critique. Son nouveau projet avec John Ford et William Holden, "Les Cavaliers", fut difficile : le scénario était complexe, le réalisateur vieillissant et des tensions intervinrent entre les sociétés de production et un cascadeur se tua sur le tournage.

1960-1976 : La fin du géant.

John Wayne réalise en 1960 "Alamo", une fresque historique dans laquelle il incarne Davy Crockett. Néanmoins, le scénariste se permit quelques libertés par rapport aux causes et au déroulement de la bataille car John Wayne, en réalisant ce film, souhaitait montrer l'abnégation des hommes à défendre une cause qui leur semble juste, telle la république ou la liberté.  L'acteur reste fidèle au western et retrouve à plusieurs reprises Henry Hathaway (1960 : "Le Grand Sam" avec Stewart Granger, 1965 : "Les Quatre Fils de Katie Elder" avec Dean Martin, 1969 : "Cent dollars pour un shérif" - film pour lequel il obtient l'unique Oscar de sa carrière), Howard Hawks (1966 : "El Dorado" avec Robert Mitchum, 1970 : "Rio Lobo" avec Jennifer O'Neill), et bien sûr Ford pour "L'Homme qui tua Liberty Valance" (1962) face à James Stewart, plus tard tournant beaucoup avec Andrew V. McLaglen (1963 : "Le Grand McLintock" qui réunit Wayne avec Maureen O'Hara et Yvonne De Carlo, 1969 : "Les Géants de l'Ouest" face à Rock Hudson, 1970 : "Chisum", 1973 : "Les Cordes de la potence").  La star continue de privilégier le film d'aventure : exotique (en 1962 "Hatari!" de Hawks), de guerre (en 1962 "Le Jour le plus long", en 1965 "Première Victoire" d'Otto Preminger avec Kirk Douglas, en 1966 "L'Ombre d'un géant" avec Yul Brynner et Frank Sinatra). Il participe aux superproductions "Le Plus Grand Cirque du monde" d'Hathaway (1964) avec Rita Hayworth et Claudia Cardinale et "La Plus Grande Histoire jamais contée" de George Stevens (1965) où il incarne le centurion qui conduit Jésus-Christ sur le mont Golgotha où il sera crucifié. Finalement il ne se détend vraiment à l'écran que chez Ford, dans "La Taverne de l'Irlandais" (1963).  Il revient à la mise en scène en 1968 avec "Les Bérets verts" (coréalisé avec Ray Kellogg), où John Wayne justifie l'intervention militaire américaine au Viêt Nam, une guerre alors fortement contestée. Le film suscite des réactions et des manifestations internationales. Miné par la maladie mais toujours très actif, il s'offre un dernier tour avec sa partenaire favorite, Maureen O'Hara, dans "Big Jake" en 1971 (que Wayne coréalise avec George Sherman), et un duel avec une autre géante, Katharine Hepburn, dans le western humoristique "Une bible et un fusil" (1975). Sur le tard, il tourne deux policiers : "Un silencieux au bout du canon" de John Sturges (1974) et "Brannigan" (1975). En 1976, il tourne son ultime film, un western au titre français évocateur : "Le Dernier des géants", dirigé par Don Siegel, où il retrouve James Stewart et Lauren Bacall, et incarne un vieux cow-boy atteint d'un cancer, qui choisit de mourir l'arme au poing, plutôt que terrassé par la maladie, tandis que le Far-West mythique disparaît avec lui.

Vie privée et mort.

John Wayne est le père de Michael Wayne (1934-2003), acteur et producteur, de Patrick Wayne (né en 1939), acteur, de Mary Antonia Wayne LaCava, actrice (1936-2000), de Melinda Wayne Munoz (née en 1940), actrice, d'Aissa Wayne (née en 1956), actrice, d'Ethan Wayne, acteur (né en 1962) et de Marisa Wayne (née en 1966), actrice.  En 1964, on diagnostique chez Wayne un cancer du poumon, qu'il attribue aux six paquets de cigarettes qu'il fumait par jour (des rumeurs soupçonnent le site nucléaire de Yucca Flat, proche du plateau de cinéma lors du tournage du film "Le Conquérant"). Il subit un ablation d'un poumon en 1964 mais reste présent à l'écran dans des premiers rôles malgré la maladie.  John Wayne apparait pour la dernière fois en public, le lors de la Cérémonie des Oscars. D'après son fils Patrick, il se convertit au catholicisme deux jours avant sa mort.  Il meurt d'un cancer de l'estomac le et est enterré au cimetière de Pacific View à Corona del Mar.

Convictions et engagement politique.

Convictions.

Dans le film "Alamo" (1960) qu'il produit et réalise, John Wayne, via son personnage Davy Crockett, exprime ses convictions politiques et sa foi en la république. John Wayne/Davy Crockett déclare :

Engagement politique.

John Wayne, défenseur de l'american way of life, était plus connu pour ses opinions patriotiques, anticommunistes et conservatrices que pour ses opinions écologistes. Au on met en avant ses déclarations homophobes ou racistes. Star du Parti républicain, il s'impliqua dans la création de la Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals, une association américaine de cinéma conservatrice.  S'il n'a pas été incorporé pendant la Seconde Guerre mondiale pour des raisons familiales, il a toujours soutenu l'effort de guerre américain : il incarnera toutes les catégories de soldats américains. En 1968, il produit "Les Bérets verts", l'un des rares films américains soutenant l'intervention américaine au Viêt Nam.  En 1964, il soutient la candidature du sénateur Barry Goldwater à la présidence des États-Unis et, en 1968, il est approché pour être le candidat du Parti républicain. Il décline la proposition, au prétexte qu'il ne pensait pas que les électeurs pourraient envoyer un acteur à la Maison-Blanche. Il est même approché pour être le colistier du candidat dixiecrat, George Wallace. Il ne donne pas suite.  John Wayne fut cependant un ardent soutien de son ami, l'acteur Ronald Reagan, lors de ses candidatures au poste de gouverneur de Californie en 1966 et 1970.

Distinctions.

Décorations.

Le, le Congrès des États-Unis décerne à John Wayne la médaille d'or du Congrès (plus haute distinction civile qui puisse être accordée à un citoyen). Événement exceptionnel car cette décoration ne fut décernée que deux fois à des acteurs du cinéma, John Wayne et Francis Albert Sinatra, dit « Frank Sinatra », le.  En 1980, le président Jimmy Carter lui décerne à titre posthume la médaille présidentielle de la Liberté.

Analyse.

Les partenaires féminines de John Wayne.

Associé dès les années vingt, avant ses débuts au cinéma, à la superstar Clara Bow, John Wayne, dès ses débuts à l'écran, lorsque la gloire semble lui sourire, accompagne des stars féminines : Loretta Young, Laura La Plante, Virginia Cherrill. Mais ce n'est qu'après 1939 et "La Chevauchée fantastique" avec Claire Trevor que sa carrière connaît un véritable essor. Il est ensuite le partenaire de Carole Landis et de Claire Trevor à plusieurs reprises, pour la seconde en 1954 encore ("Écrit dans le ciel" de William Wellman). Il forme un couple détonnant et récurrent avec Marlene Dietrich.  Wayne a notamment joué avec : Ona Munson (la prostituée Belle Watling dans "Autant en emporte le vent"), Betty Field, Joan Blondell, Paulette Goddard, Joan Crawford chez Dassin, Jean Arthur, Susan Hayward, Ella Raines ("L'amazone aux yeux verts", Ann Dvorak ("La Belle de San Francisco"), Claudette Colbert ("Sans Réserve" de Mervyn LeRoy), Gail Russell dans "L'Ange et le Mauvais Garçon" en 1947 et "Le Réveil de la sorcière rouge", Joanne Dru, Patricia Neal, Donna Reed ("Un homme pas comme les autres" de Michael Curtiz en 1953), Natalie Wood ("La prisonnière du désert") 1956, la star des planches Geraldine Page, Lana Turner, Lauren Bacall, Janet Leigh, Sophia Loren, Eiko Ando ("Le Barbare et la Geisha" de John Huston en 1958), Angie Dickinson et Elsa Martinelli chez Hawks, la française Capucine chez Hathaway, Katharine Hepburn....  C'est toutefois avec Maureen O'Hara, avec laquelle il a partagé cinq fois l'affiche, que s'impose l'image d'un « couple de cinéma ». Ensemble, ils ont tourné : "Rio Grande" (1950), "L'homme tranquille" (1952), "L'aigle vole au soleil" (1957), (trois films signés John Ford) ; "Le Grand McLintock" (Andrew V. McLaglen, 1963), "Big Jake" (Sherman, 1971). D'elle, John Wayne dira :.

Voix françaises.

En France, Raymond Loyer fut la voix la plus régulière de John Wayne. Citons également Claude Bertrand, Jean Martinelli ou encore William Sabatier qui ont doublé occasionnellement l'acteur.  et aussi :

John Wayne, pseudonyme de Marion Mitchell Morrison (né Marion Robert Morrison), est un acteur, réalisateur et producteur américain né le à Winterset (Iowa) et mort le à Los Angeles.

John Wayne, rodným jménem Marion Robert Morrison (26. května 1907, Winterset, Iowa, USA – 11. června 1979, Los Angeles, Kalifornie, USA) byl americký filmový herec, režisér a producent. Hrál ve válečných filmech, westernech, dobrodružných historických filmech a romantických komediích.


Historique.

Dès le début des années 1920, l’état major de la Reichswehr sollicita la dotation de deux types de pièces d’artillerie dans les unités d’infanterie :  Les premières études du SIG débutèrent en 1927 aux usines Rheinmetall-Borsig AG de Düsseldorf et la production en série commença en 1933. L’effondrement du Reich mit fin à sa production. Puissant et efficace, le SIG 33 souffrait de deux handicaps : son poids et son encombrement. Les techniciens s’employèrent à atténuer ces défauts en essayant tout d’abord de limiter son poids.  N’ayant pas réussi à le rendre plus léger, les techniciens essayèrent de le rendre plus maniable en l’installant sur des châssis chenillés déclassés, avec plus ou moins de succès. D’abord installé sur le Panzer I, il s’avéra rapidement que le moteur de celui-ci était trop faible pour propulser le SIG 33. Des conversions sur châssis de PzKpfw II, 38 (t) surnommé Bison, chenillette Lorraine et PzKpfw III furent plus efficaces. Une autre évolution fut l’adoption de jantes équipées de bandages caoutchoutés permettant la traction par camions ou véhicules semi-chenillés. Certaines jantes furent équipées de rayons en bois, allégeant quelque peu l’affût. On le trouva en dotation dans la compagnie d’obusier () du bataillon d’infanterie et affecté au dont l’effectif d’un officier, cinq sous-officiers et trente-trois artilleurs était chargé de la mise en œuvre et du déplacement des 2 SIG. Chaque obusier était remorqué par un attelage de six chevaux dirigé par trois soldats. L’autre partie de l’équipage était transportée sur l’avant-train de la pièce. Les autres personnels avaient pour mission la protection, les transmissions de demandes de soutien, la réception des ordres et le réglage des tirs ainsi que les missions administratives et de soutien. La qualité de l’entraînement permettait souvent à l’unité d’infanterie de gérer les informations et de les transmettre efficacement à l’échelon supérieur. À l'été de 1941, la Wehrmacht était équipée d’un parc de d'infanterie lourds SIG 33.  Après 1918, la plupart des armées avaient abandonné le concept du canon spécialisé dans le soutien de l’infanterie au bénéfice du mortier. Cependant, les Allemands conservèrent deux types d’obusiers, un léger et un lourd, dans le régiment d'infanterie, ce qui permettait, en général, à l’artillerie régimentaire allemande d’exécuter ses missions d'appui feu efficacement (l’obus du SIG 33 pesait environ ) sans faire appel aux batteries des régiments d'artillerie divisionnaire. Le SIG 33 était employé dans des tirs contre l’infanterie, la destruction de fortifications de campagne et, occasionnellement, de véhicules blindés. Doté théoriquement d’une capacité antichar, le SIG 33 pouvait aussi tirer des obus à charge creuse. On s’aperçut rapidement que cette munition était peu efficace et qu’un obus classique de brisant venait à bout des chars et des véhicules blindés.  Cependant, le poids de la pièce ne lui permettait pas une mobilité suffisante dans ce type de combat. Une munition spéciale, le Stielgranate 42, projectile chargé par la bouche et équipé d’ailettes de guidage fut utilisé pour la destruction de fortifications, casemates et autres bunkers. Ce projectile avait une portée limitée. La cadence de tir du SIG 33 était limitée à 3-4 coups/min à cause du chargement manuel d’obus et de charges propulsives séparées. La munition, Infanteriegranade 33 ou 38, avait une charge de de TNT ou d'amatol. Celle-ci, à base d’explosif brisant, avait un pouvoir déflagrant assez puissant pour occasionner des dommages importants aux superstructures les plus résistantes. Il existait aussi des munitions fumigènes pouvant être tirées par le SIG 33.

Le sIG 33 ou « 15-cm schwere Infanterie Geschutz 33 » était un obusier lourd allemand destiné à apporter un appui-feu local aux bataillons d'infanterie (deux pièces par bataillon), en coopération avec les obusiers légers 7,5-cm leIG 18 (quatre pièces par bataillon). Il fut mis en service à partir de 1933, souvent monté sur châssis chenillés à partir de 1940 (15-cm sIG 33 auf Geschutzwagen I Ausf B ; 15-cm sIG 33 auf PzKpfw 38(t)Bison ; Hetzer Starr...), et délaissé après la Seconde Guerre mondiale.

15-cm-schwere Infanteriegeschütz 33 či 15 cm sIG 33 auf Pzkpfw.I Ausf B, bylo německé samohybné dělo používané v druhé světové válce. Šlo o jedno z prvních samohybných děl wehrmachtu, které vzniklo na konci roku 1939. Jednalo se o instalaci 150mm houfnice včetně kol na podvozek tanku Pz.I Ausf.B. Samohybné dělo bylo poprvé použito v bitvě o Francii, poté i na Balkáně a v SSSR. Bylo celkem vyrobeno 38 kusů tohoto stroje.


Navigateurs web.

Dans les navigateurs web, la complétion est réalisé dans la barre d'adresse, ainsi que dans certains champs des formulaires les plus souvent utilisés, comme ceux des moteurs de recherche par exemple. La complétion des URL est particulièrement pratique, car les adresses sont souvent fastidieuses et longues à écrire, et il n'est pas rare de commettre une erreur de saisie.

Clients de messagerie.

Dans les clients de messagerie, la complétion est généralement proposée pour faciliter la saisie des adresses des destinataires. Comme le nombre d'adresses possibles pour un seul utilisateur est en principe limité, le moteur de complétion peut retrouver une adresse complète à partir des premiers caractères saisis. À défaut, le logiciel peut proposer à l'utilisateur de choisir l'adresse parmi celles qui sont possibles, compte tenu des caractères déjà tapés.

Éditeurs de code source.

Dans un code source, la complétion est facilitée car la structure du texte en cours de saisie est imposée par le langage de programmation. Il n'existe habituellement qu'un nombre limité de mots possibles dans chaque situation, tels que des noms de variables ou de fonctions. Les notions de portée et d'espace de noms de certains langages limitent davantage encore le nombre de mots possibles.  Afin de rendre la complétion aussi pratique que possible, certains éditeurs de code source disposent d'éléments graphiques spécifiques, tels que des boîtes de sélection contextuelles (par exemple Intellisense de Microsoft). Ces éléments graphiques affichent les différentes possibilités pour la complétion, en tenant compte de ce que le programmeur a déjà saisi. Ils lui permettent également de choisir le mot ou l'expression complète dans une liste s'il reste une ambiguïté. Cette facilité graphique apporte un confort important, en particulier en programmation objet, car elle épargne au programmeur la connaissance exhaustive des membres des classes qu'il doit manipuler. Il n'est pas inopportun de considérer dans ce cas la complétion comme un complément documentaire, tout autant qu'une méthode de saisie.  Un bénéfice supplémentaire de la complétion de code est qu'il encourage le programmeur à utiliser des noms de variables ou de fonctions plus longs, plus descriptifs, ce qui aboutit à du code plus lisible. En effet, la complétion facilite la saisie de mots longs, dont la frappe complète est fastidieuse et sujette à des erreurs, particulièrement pour les identifiants dont la casse est capitalisée (par exemple nNombreDeMotsParLigne).  Certains moteurs de complétion pour le code sont capables de comprendre des abréviations implicites et de les développer. Par exemple, pour saisir l'identifiant nNombreDeMotsParLigne, le programmeur tape les premiers caractères de la chaîne nNDMPL, qui représente la première lettre de chacun des mots composant l'identifiant complet, jusqu'à ce que l'ambiguïté soit levée. La complétion remplace alors les caractères par l'identifiant correct.

Traitements de texte.

Dans les logiciels de traitement de texte, la complétion réduit la saisie nécessaire pour certaines tâches répétitives. La source des mots possibles est établie d'après les mots déjà saisis dans le document ou d'après une liste de mots habituels définie par l'utilisateur. Certains traitements de texte reconnaissent également certains mots ou formats (tel que la date du jour) et proposent spontanément la complétion. Actuellement, OpenOffice, StarOffice, Microsoft Office et KOffice proposent la complétion (de façon plus ou moins élaborée).

Interpréteurs de commandes.

Dans l'interpréteur de commandes de certains systèmes d'exploitation, tels que bash sur Unix ou la console en ligne de commande cmd.exe de Windows NT, et plus généralement sur les systèmes disposant d'une interface en ligne de commande, la complétion est possible en mémorisant le nom des entités auxquelles l'utilisateur est susceptible de vouloir accéder (principalement les fichiers et les commandes). Traditionnellement, la complétion est déclenchée en tapant les premières lettres du mot à compléter, puis en appuyant sur la touche "Tab".  Par exemple, si le seul fichier du répertoire dont le nom commence par un x est xNomDeFichierTrèsLong, alors l'utilisateur pourra se contenter de taper le "x" puis de déclencher la complétion. Si plusieurs fichiers ou commandes commencent par la même séquence de lettres, la complétion ajoute autant de lettres qu'il peut en conservant les mêmes mots candidats. L'utilisateur doit ensuite taper des lettres supplémentaires afin de lever l'ambiguïté.  Exemple avec un shell Unix (ce que l'utilisateur a tapé figure en gras, "<Tab>" signifie que l'utilisateur a appuyé sur la touche "Tab") :  Ce qui donne :

Technique de programmation.

Pour programmer un comportement de complétion, un des moyens est d'utiliser un arbre "n-aire", construit à partir d'un dictionnaire, ce qui permet très simplement de fournir une liste de mots complétés.

L'auto-complétion ou autocomplétion ou complétion automatique, souvent simplement complétion, parfois complètement ou complètement automatique, est une fonctionnalité informatique permettant à l'utilisateur de limiter la quantité d'informations qu'il saisit avec son clavier, en se voyant proposer un complément qui pourrait convenir à la chaîne de caractères qu'il a commencé à taper. De nombreux logiciels possèdent cette fonctionnalité : les éditeurs de texte prévus pour l'édition de code source, les traitements de texte, les interpréteurs de commandes ou encore les navigateurs web, ainsi que certains systèmes de saisie intuitive installés sur les téléphones mobiles.

Našeptávač je funkce některých softwarových nástrojů k editaci textu. Spočívá v tom, že zatímco uživatel píše text, ovládací prvek (widget) mu nabídne jako nápovědu možnost nebo možnosti, které odpovídají již napsané části textu, například existující slova či odpovídající položky databáze. V textových editorech k tomu bývá využíván slovník příslušného nastaveného jazyka, v tabulkových procesorech například ostatní položky v témž sloupci. Ve webových aplikacích našeptávač zpravidla používá k okamžitému výběru z možností v databázi technologii AJAX a výsledek nabízí v podobě obdobné comboboxu, často též automatickým předvyplněním textového pole. Pokračuje-li uživatel v psaní textu, nabízený výběr se odpovídajícím způsobem zužuje.


Déroulement de la course.

Classement de la course.

Profitant de sa pole position, Felipe Massa s'échappe peu à peu, poursuivi par Lewis Hamilton qui perd progressivement son avance sur Kimi Räikkönen.  Le tournant de la course a lieu au lorsque Nelsinho Piquet part à la faute et crashe sa monoplace contre un muret. La voiture de sécurité est envoyée en piste pour une longue neutralisation de l'épreuve juste après que Fernando Alonso est entré aux stands pour ravitailler.  Le ravitaillement de Massa tourne à la catastrophe lorsque celui-ci, à la suite d'une erreur de son équipe, arrache le tuyau d'alimentation en essence : il reprend la piste en dernière position. À ce moment de la course, Nico Rosberg est en tête devant Jarno Trulli et Giancarlo Fisichella mais les deux Italiens n'ont pas encore ravitaillé tandis que l'Allemand écope d'un "drive-through" pour avoir ravitaillé alors que la "pit-lane" était fermée (il en sera de même pour Robert Kubica). Si Rosberg réussit à sauver une troisième place, le Polonais sombre dans le classement tandis qu'Alonso, qui, lui, a ravitaillé au bon moment, prend la tête de la course et signe le premier succès de Renault F1 Team depuis deux ans.  Rosberg réussit à préserver sa deuxième place devant Hamilton. En fin de course, Adrian Sutil heurte le muret, ce qui provoque une nouvelle sortie du safety-car et Räikkönen part également à la faute en tentant de dépasser Timo Glock pour le gain de la quatrième place. Sebastian Vettel, Nick Heidfeld, David Coulthard et Kazuki Nakajima se partagent les derniers points tandis que les pilotes Ferrari réalisent la mauvaise opération du jour en se classant tous deux hors des points.

Scandale de l'accident volontaire de Nelson Piquet Jr..

Depuis le, ce Grand Prix fait l'objet d'une enquête officielle de la Fédération internationale de l'automobile car l'écurie Renault est soupçonnée de tricherie. La sortie de route de Nelsinho Piquet aurait été planifiée par Flavio Briatore et Pat Symonds afin de favoriser la victoire de son coéquipier Fernando Alonso. Ce dernier a ravitaillé au de la course, juste avant la sortie de piste de Piquet et la sortie de la voiture de sécurité. Alonso s'est donc retrouvé derrière la voiture de sécurité quand tous les autres pilotes passaient au stand, ce qui lui a finalement permis de s'imposer.  Le, quelques jours avant son audition devant le Conseil Mondial du Sport Automobile de la FIA, Renault limoge Pat Symonds et Flavio Briatore et annonce ne pas contester les allégations de la FIA concernant le Grand Prix de Singapour 2008.  Le, le tribunal de la FIA énonce son verdict :.  À l'issue de la délibération du Conseil Mondial du Sport Automobile, Flavio Briatore et Pat Symonds sont reconnus coupables de tricherie : Briatore est radié à vie du monde de la Formule 1 et Symonds écope d'une exclusion de cinq ans. L'écurie Renault, quant à elle, est suspendue deux saisons avec sursis.  Le, le tribunal de grande instance de Paris, saisi par Flavio Briatore, donne raison à l'Italien qui contestait sa radiation à vie. La décision de la FIA est jugée irrégulière par la cour française qui annule la radiation à vie prononcée par la FIA, et la condamne à de dommages et intérêts. Le TGI a également enjoint à la FIA de notifier à ses membres et licenciés le retrait de ces dispositions dans les quinze jours, sous astreinte de par jour de retard. Le jugement devait également être publié dans la presse. L'ancien directeur technique Pat Symonds, suspendu pour cinq ans, a également obtenu gain de cause et d'indemnités.  Le, la FIA décide de faire appel de la décision rendue le par le tribunal de grande instance de Paris.  Le, Flavio Briatore et Pat Symonds ont chacun fait une offre au président de la FIA en vue de mettre un terme aux procédures judiciaires en cours. Reconnaissant leur responsabilité dans la sortie de piste volontaire de Nelsinho Piquet, ils ont exprimé leurs regrets, présenté leurs excuses à la FIA et se sont engagés à s'abstenir de toute fonction en F1 jusqu'à fin 2012 et dans toute autre compétition de la FIA jusqu'à la fin de saison 2011. En retour, ils ont demandé à la FIA de renoncer à la procédure d'appel en cours ainsi qu'à toute nouvelle action à leur encontre. Jean Todt, président de la FIA a estimé qu’il était dans l'intérêt de la FIA d'accepter cette solution qui mettait un point final au Singaporegate.

Le Grand Prix de Singapour 2008, disputé sur le circuit urbain de Singapour le 28 septembre 2008, est la du championnat du monde de Formule 1 courue depuis 1950 et la quinzième manche du championnat 2008.

Grand Prix Singapuru 2008 (oficiálně I SingTel Singapore Grand Prix), byl patnáctý závod 59. ročníku mistrovství světa jezdců Formule 1 a 50. ročníku poháru konstruktérů. Šlo o historicky již 800. grand prix a první závod za umělého osvětlení. Závod se odehrál na novém městském okruhu v Singapuru, šlo o první závod Formule 1 v Singapuru.


Biographie.

Né à Cedar Rapids, Carl Van Vechten est diplômé de la Washington High School en 1898, puis de l'Université de Chicago en 1903.  Au cours de sa carrière en tant que photographe, les sujets de Carl Van Vechten, dont beaucoup étaient ses amis et connaissances sociales, danseurs inclus, acteurs, écrivains, artistes, activistes, des chanteurs, costumiers, photographes, critiques sociaux, des éducateurs, des journalistes, et les esthètes. Dans les communautés artistiques et intellectuelles de son époque, Van Vechten a vraiment couvert tout le terrain. À partir de 1932, dans le studio dans son appartement de New York, Van Vechten a photographié un grand nombre des figures les plus célèbres et les plus influentes de son époque ainsi que va-et-arrivants et les valeurs aberrantes artistiques. En tant que promoteur de talent littéraire et critique de la danse, le théâtre et l'opéra, Carl Van Vechten était aussi intéressé par la marge culturelle comme il l'était chez les personnes les plus acclamés et succès de la journée. Ses sujets aussi divers donnent une idée des intérêts à la fois Carl Van Vechten et son rôle considérable dans la définition du paysage culturel du, parmi ses modèles de nombreux, on trouve les ténors de la Renaissance de Harlem, les acteurs de premier plan et des écrivains de la scène américaine, les du monde les plus grandes stars d'opéra et ballerines, les écrivains les plus importants et influents de l'époque, parmi beaucoup d'autres. Portraits de Van Vechten sont devenus plus que des images bien-aimés ; Van Vechten a contribué à définir les moyens de ses sujets se souviendra, la façon dont ils seront entrer dans l'histoire et l'imagination populaire. Photographies les plus convaincants Van Vechten de documenter la sensibilité artistique du photographe, tout en démontrant son talent importante pour les portraits.  Il meurt le à New-York, âgé de 84 ans. Ses cendres ont été dispersées dans Central Park.

Œuvres.

Carl Van Vechten est reconnu comme photographe portraitiste.  Célébrités photographiées :

Importance de l'œuvre.

Il est l'une des figures majeures de la Renaissance de Harlem avec Wallace Thurman et Langston Hughes. Certains de ses papiers ont été ouverts au public vingt-cinq ans après sa mort, en 1989 ; ils contenaient toutes sortes de documents ayant rapport à l'homosexualité, dont des photographies.

Carl Van Vechten, né le à Cedar Rapids et mort le à ans à New York, est un écrivain et photographe américain. Il a été mécène de la Renaissance de Harlem et l' de Gertrude Stein.

Carl van Vechten (17. června 1880 Cedar Rapids, Iowa – 21. prosince 1964 New York) byl americký spisovatel a portrétní fotograf.


Histoire.

Le déplacement le plus évident est le panoramique horizontal. Pourtant, il fallut quelques années au cinéma naissant (1891) pour surmonter une difficulté de taille : les premières caméras ne disposaient pas de système de visée. Le cadrage était déterminé avant la prise de vues (qui durait tout au plus une minute), avant de charger l'appareil avec un bobineau de pellicule photosensible vierge. La visée était effectuée au dos de l'appareil (comme avec une chambre photographique), directement au niveau de la fenêtre de prise de vues, sur un morceau de pellicule voilée que l'opérateur disposait au niveau de la fenêtre. L'image formée sur cette pellicule était inversée, puisque tout objectif photographique renverse entièrement le faisceau lumineux, tête en bas et inversion gauche-droite. La caméra étant disposée au bon endroit, selon un axe optimal, et la mise au point de l'objectif étant faite, l'opérateur pouvait alors charger son appareil (comme avec une chambre) et effectuer la prise de vues qui en général épuisait le court bobineau de pellicule vierge. Il tournait donc sa manivelle sans avoir la possibilité de contrôler ou de rectifier son cadrage. Un habile coup de chaussure dans l'une des branches de leur trépied en bois suffisait à ramener le sujet au centre de l'image.  Bientôt, cependant, les opérateurs eurent recours à un système confortables et relativement précis : une visée, dite « claire », c'est-à-dire un tube de visée, ou un simple cadre réticulé, disposé au-dessus de la caméra. Ce viseur offrait la possibilité d'un contrôle du cadrage durant la prise de vues, approximatif mais suffisant pour envisager de faire pivoter la caméra, et donc de faire un panoramique. Le mot panoramique vient de la photographie qui présentait déjà à cette époque des clichés disposés côte à côte, montrant un paysage sur 360°, dits « panoramas » ou « panoramiques » (les premiers travellings, expérimentés sur des paysages par un opérateur de Louis Lumière, Alexandre Promio, furent baptisés « panoramas Lumière » par les frères lyonnais).  Encore fallait-il savoir comment effectuer le mouvement. Il faut se rappeler que les deux mains de l'opérateur étaient déjà mobilisées pour stabiliser l'appareil et actionner avec vigueur et régularité la manivelle du mécanisme d'entraînement. Il est écrit dans la notice du Cinématographe Lumière : Pour effectuer un simple panoramique horizontal, il lui fallait le secours d'un assistant pour activer une nouvelle manivelle installée sur le trépied, qui permettait d'orienter la caméra dans un sens ou dans l'autre. On imagine la difficulté que rencontra l'opérateur James H. White, envoyé par Thomas Edison en France, à l'occasion de l'Exposition universelle de Paris en 1900, quand il réussit plusieurs panoramiques de quelque 120°, qu'il intitula « Panoramas », dont les plus célèbres découvrent les circulations denses de la place de l'Opéra et de la place de la Concorde. Et aussi,  James White voulait encore immortaliser la Tour Eiffel, qui avait alors moins de douze ans d'âge, et qui devait être démontée après l'Exposition. Il réalisa sur elle ce qui est sans doute le premier panoramique vertical du cinéma, "Panorama sur la Tour Eiffel". Il prit le risque de filmer le ciel. À cette époque, les émulsions photosensibles couchées sur les pellicules étaient du type achromatique, sensibles uniquement au bleu et aux ultraviolets. Elles rendaient le rouge en noir, et les ciels d'été paraissaient blancs, et on ne pouvait pas y distinguer les nuages. Un bon opérateur évitait de cadrer le ciel ou en montrait le moins possible. Mais James White ne put résister au plaisir d'une telle gageure et laissa à la postérité un double panoramique émouvant (bas en haut et haut en bas) sur le célèbre monument qui ressort bien sur le fond blanc du ciel parisien. Lorsqu'il termine la prise de vues, les badauds qui croisent son objectif le saluent amicalement.  Ce n'est qu'en 1903 qu'apparaissent dans les Chase Films de l'École de Brighton les premiers panoramiques utilisés dans des plans de fiction, par exemple, dans "Combat acharné de deux braconniers", réalisé par William Haggar. Ce retard par rapport au film documentaire correspond à une filiation primitive du film joué, à la scène de théâtre ou de music-hall et à son mode de vision : le spectateur de théâtre ne change pas de place durant la représentation et sa vision est toujours frontale, limitée de chaque côté par le manteau d'arlequin masquant les coulisses comme des œillères. Ainsi, dans nombre de ses films, Georges Méliès inclut-il dans son décor un manteau d'arlequin complet, frise et tentures, en référence à son credo artistique : le cinéma est un complément de la scène

Technique.

La face dorsale d'une pellicule vierge est enduite d'une couche anti-halo, c'est-à-dire une couche opaque qui absorbe la lumière une fois qu'elle a traversé la couche photosensible. Ce qui évite des retours de lumière dus à la réflexion sur les pièces chromées qui guident le film dans le mécanisme jusqu'au foyer de l'objectif. Cette couche anti-halo est détruite chimiquement lors du développement, assurant la nécessaire transparence du film. Mais lorsque la pellicule est encore vierge, à l'intérieur de la caméra, la couche anti-halo empêche de viser à travers elle pour vérifier la mise au point. Pour le faire, dès les années 1920, certaines caméras (comme le Parvo type L des établissements André Debrie, connue et employée dans le monde entier), permettaient à l'arrêt de faire basculer le mécanisme et le film chargé, en dehors du faisceau lumineux de l'objectif et de voir l'image formée à travers la fenêtre de prise de vues sur un verre optique dépoli qui se positionnait automatiquement, ou d'intercaler directement une tirette à verre dépoli entre le film et le plan focal (la fenêtre). Cette visée initiale, La première caméra de cinéma à visée reflex est l'Arriflex allemande, qui permet le contrôle exact du cadre et de la mise au point, aussi bien à l'arrêt qu'en fonctionnement, et qui sort de l'usine Arnold & Richter (Arri) à la fin des années 1930.  À partir de cette invention, deux façons d'effectuer les panoramiques se confrontent : la première, plutôt prisée en Europe, consiste à faire pivoter la caméra sur son support au sommet du trépied avec un manche (ou guidon) que l'opérateur déplace comme il le ferait avec le gouvernail d'un petit bateau. Cette façon de faire favorise l'utilisation de la visée reflex qui requiert un quasi contact de la joue de l'opérateur avec son appareil.  La seconde est plutôt de tradition américaine, avec des caméras dont le système de visée est un confortable tube latéral disposé sur le côté gauche à la hauteur exacte où se situe la fenêtre de prise de vues. Ce système souffre d'un problème qu'on appelle la parallaxe de visée : les axes optiques horizontaux du viseur et de l'objectif ne sont pas confondus et il faut obligatoirement corriger cette parallaxe quand le sujet filmé se rapproche de la caméra, sinon il est décadré. On donne alors au viseur un angle de plus en plus grand par rapport à l'axe de prise de vues, au fur et à mesure que le sujet s'avance, et vice versa. Pour simplifier la manœuvre, le mécanisme qui fait converger le viseur est couplé avec la bague de mise au point. C'est le premier assistant-opérateur, le « pointeur », comme on l'appelle en français, et en anglais le « », qui en faisant tourner la bague de mise au point de l'objectif par un mécanisme latéral à engrenages, fait en même temps converger le viseur vers le sujet filmé.  Ce dernier système de visée est lié à l'une des plus célèbres objets des studios américains, la Mitchell BNC. Il a habitué les opérateurs américains à utiliser un système de rotation de la caméra sur ses deux axes, actionné par  Mais la Mitchell a été dotée par la suite d'une visée reflex, et elle est maintenant objet de musée, la caméra Panavision l'ayant détrônée, moins lourde et adaptée aux techniques actuelles (visées vidéo, steadicam), mais dont les premières versions furent équipées de mouvements Mitchell.

Utilisation des panoramiques.

Le rôle des panoramiques en cinéma de fiction et en documentaire est de suivre le déplacement des personnages ou de tout autre objet mobile, ou de décrire une vaste portion d'espace. Quand le début ou la fin du plan ou un plan voisin montre des personnages qui regardent, le panoramique passe pour un plan subjectif de ce qu'ils voient. L'extension du panoramique dépasse généralement la largeur d'un cadre, allant jusqu'à un demi-cercle. Un tour complet est difficile à réaliser et crée une certaine confusion.  Il ne faut pas confondre le panoramique avec ce que l'on appelle les « recadrages ». En effet, lorsque l'opérateur filme un personnage en plan rapproché ou en gros plan, en principe, sauf indication contraire du réalisateur, il effectue constamment de très légères modifications du cadre pour composer harmonieusement l'image en tenant compte des mouvements sur place du comédien. Il s'agit de rectifications esthétiques du cadrage et non pas de panoramiques. L'opérateur a recours au panoramique lorsque le personnage traverse un lieu, se rend d'un point à un autre du décor et que l'on veut suivre son déplacement (sinon, il fait une sortie de champ).  Le panoramique est effectué si possible avec une focale normale ou longue, et non pas avec un objectif grand angle. L'objectif de longue focale (téléobjectif) augmente l'effet de parcours du regard sur le décor. L'objectif grand angle a tendance à amoindrir l'effet de déplacement latéral, à moins de le soutenir par un autre procédé, sonore par exemple.  Le panoramique peut être combiné avec tous les travellings. Un effet très spécial du panoramique est sollicité de manière brutale, le manche de la caméra est déplacé rapidement, le système de friction ou de régulation étant débrayé, c'est le panoramique filé, appelé aussi panoramique « fouetté », en référence à sa désignation en américain, « ». Il correspond à un mouvement de tête vif, lorsque l'œil est alerté par un danger (une collision entre deux voitures, par exemple) ou quand il suit un phénomène rapide (une étoile filante, par exemple).

Un panoramique ou pano en jargon cinématographique est un mouvement de rotation de la caméra sur un axe, à l'horizontale ou à la verticale, aussi bien que son résultat. La caméra peut pivoter sur un axe vertical, de gauche à droite ou inversement, c'est un panoramique horizontal, identique au mouvement de la tête quand l'horizon est parcouru par le regard (en anglais «'» : «'»). Elle peut basculer sur l'axe horizontal perpendiculaire à celui de l'objectif, de bas en haut ou inversement, c'est un panoramique vertical, identique au mouvement de la tête parcourant du regard un paysage alpin, du fond de la vallée au sommet de la montagne, et inversement (en anglais «'» : «'»). Les deux types de panoramiques peuvent être combinés.

Panning (švenkování, sledování objektu) je označení pro horizontální nebo vertikální rotační pohyb filmové, digitální nebo video kamery. Výsledkem panningu je efekt rozmazání obrazu jako při otáčení hlavou při rezolutním „ne“.


Biographie.

Avedon est né à New York dans une famille juive d’origine russe. Son père est un commerçant dans l'habillement. Il lui offre son premier appareil photographique à l'âge de 10 ans avec lequel il réalise le portrait de Sergueï Rachmaninov, le voisin de ses grands-parents. Sa mère assure son éveil artistique.  Après avoir brièvement fréquenté l’université Columbia, il rejoint les forces armées américaines en 1942 durant la Seconde guerre mondiale. Il sert comme assistant photographe de seconde classe dans la marine américaine (corps de la United States Merchant Marine) et commence sa carrière de photographe en prenant des photographies d’identité des équipages avec le Rolleiflex que son père lui avait offert.  En 1944, il est employé comme photographe publicitaire pour un grand magasin new yorkais mais est découvert par Alexey Brodovitch, directeur artistique du magazine de mode "Harper's Bazaar" et directeur d'une école de design, la New School for Social Research.  En 1946, Avedon créé son propre studio et fournit des photographies pour des magazines comme "Vogue" et "Life".

"Harper's Bazar" (1945-1965).

Il devient le directeur de la photographie de "Harper's Bazaar", sous la responsabilité de Carmel Snow, et réalise en 1955 les photos "Dovima with elephants" qui deviendra bien plus tard la photographie de mode la plus chère de l'Histoire. Avedon s’éloigne des techniques de prise de vue de la photographie de mode, où les modèles semblent ne rien ressentir : il montre, au contraire, des modèles emplis d’émotions, en train de rire ou de sourire, et souvent, en action.  En 1956, Stanley Donen tourne "Funny Face" et l'associe à la conception du générique ainsi que des inserts photographiques scénographiés : le film s'inspire de sa relation avec le mannequin Suzy Parker.

"Vogue" (1966-1990).

En 1966, Avedon, débauché par Alexander Liberman peu après Diana Vreeland, quitte son travail chez "Harper's Bazaar" et rejoint "Vogue" ; il collaborera avec ce magazine durant 25 ans.  Avedon continue alors son travail de photographe de mode, mais se lance dans des travaux plus personnels : il photographie des malades internés dans des hôpitaux psychiatriques, la lutte pour les droits civiques aux États-Unis ou encore des manifestants contre la guerre du Viêt Nam.

Le portraitiste.

En août 1967, Avedon réalise deux célèbres séries de portraits des Beatles. La première est devenue une des premières affiches majeures du groupe : quatre portraits individuels en couleurs fortement solarisés (solarisation des tirages par son assistant, Gideon Lewin, retouchées par Bob Bishop) et un montage de quatre portraits en noir et blanc pris avec un Rolleiflex et un objectif Planar. Ces photographies seront utilisées comme pochettes des disques "1" publié en 2000 et "Love Songs" publiée en 1977.  Avedon s’est toujours intéressé à la manière dont le portrait photographique traduit la personnalité et l’âme de son sujet. Sa renommée de photographe allant croissant, il amena dans un studio de nombreux visages célèbres et les photographia en grand format 8×10. Ses portraits se distinguent facilement par leur style minimaliste où la personne regarde directement l’objectif, en posant bien de face, sur un fond totalement blanc.  En 1974, il expose au musée d'Art Moderne de New York (MoMA) des portraits de son père rongé par un cancer.  En 1976, à l'occasion du bicentenaire de la déclaration d'Indépendance des États-Unis, le magazine Rolling Stone publie 73 portraits d'hommes politiques réalisés par Avedon au cours de la campagne électorale.

"In the American West".

Avedon s’est également fait remarquer par ses grands formats, parfois d’un mètre de haut ou plus. Ses portraits grand format de pêcheurs, mineurs et cow-boys du Grand Ouest américain sont devenus des livres à succès et font l’objet d’une exposition itinérante intitulée "In the American West". Ces travaux sont considérés aujourd’hui comme caractéristiques de la photographie du et comme faisant partie des œuvres majeures d'Avedon. Avedon, à la demande du Amon Carter Museum de Fort Worth (Texas), s’est lancé en 1979 dans un projet de six ans qui lui a permis de réaliser cent vingt-cinq portraits de gens de l’Ouest américain. Avedon a dépeint les travailleurs comme les mineurs et les ouvriers des champs pétroliers dans leurs vêtements sales, des pêcheurs au chômage et des adolescents dans l’Ouest vers 1979-1984. Quand il a, pour la première fois, publié et exposé ces œuvres,, a été critiqué pour avoir montré ce que d’aucuns considèrent comme une face peu flatteuse des États-Unis. Toutefois, Avedon a toujours été objet de louanges pour avoir traité ses sujets avec la même attention et la même dignité que celle habituellement accordée au pouvoir politique et aux célébrités.

"The New Yorker" (1992-2004).

Avedon devient le premier et unique photographe du "New Yorker" en 1992, brisant ainsi un long tabou, à la demande de Tina Brown. Il remporte de nombreux prix pour ses travaux dont celui de l’International Center of Photography en 1993, le Prix Nadar en 1994 pour son livre "Evidence", et la médaille du de la Royal Photographic Society en 2003.  Parmi ses photos les plus célèbres en France, figurent celles de Yannick Noah et Isabelle Adjani en 1988 pour la revue française "L'Égoïste". Il avait réalisé l'édition 1995 et 1997 du prestigieux calendrier Pirelli.  Le, Avedon est frappé d’une hémorragie cérébrale à San Antonio au Texas alors qu’il travaillait sur une commande du "New Yorker". Il meurt le octobre à San Antonio. Au moment de son décès, Avedon travaille sur un projet intitulé "On Democracy" qui porte sur les préparatifs de l’élection présidentielle américaine de 2004.

Expositions.

Il est exposé aux Rencontres d'Arles en 2008.  Aux États-Unis, un musée est entièrement consacré à son œuvre.  Une exposition a eu lieu à Paris d' à à la Bibliothèque nationale de France François Mitterrand : « La France d’Avedon Vieux Monde, New Look », Galerie 2, -

Vie personnelle.

Il a une sœur cadette, Louise, née en 1925, dont il tire plusieurs portraits, et qui meurt dans un asile psychiatrique à quarante-deux ans.  En 1944, Avedon épouse Dorcas Nowell, qui devient une actrice connu sous le nom de Doe Avedon. Nowell et Avedon divorcent au bout de cinq ans.  En 1954, Avedon se remarie avec Evelyn Franklin et de leur union naît un fils, John F. Avedon. Richard Avedon divorce à nouveau.

Divers.

Richard Avedon a inspiré le personnage principal, interprété par Fred Astaire, du film "Drôle de frimousse" réalisé par Stanley Donen en 1957.

Richard Avedon (, New York -, San Antonio, Texas) est un photographe de mode puis un portraitiste américain ayant travaillé ou collaboré avec les magazines "Harper's Bazaar", "Life et" "Vogue pendant 25 ans".

Richard Avedon (15. května 1923 – 1. října 2004) byl americký fotograf, jenž získal velké úspěchy ve fotografii módy, portrétní a umělecké fotografii.


Débuts.

Les parents de Samuel sont Christopher Colt, un fermier qui déménagea sa famille à Hartford lorsqu'il changea de profession pour devenir homme d'affaires et Sarah Colt née Caldwell qui mourut avant que Samuel ait sept ans. Christopher s'est remarié deux ans plus tard à Olive Sergeant. Samuel a quatre frères et trois sœurs. Deux de celles-ci moururent durant leur enfance, la dernière, Sarah Ann, se suicida plus tard. Les frères de Samuel furent pour lui d'un grand soutien dans sa vie professionnelle. L'un d'eux John Caldwell commit un meurtre pour une affaire de dette en 1841 à New York et se suicida le jour de son exécution. Samuel Colt fut envoyé dans une ferme à Glastonbury à l'âge de onze ans pour y travailler et aller à l'école. Il y lit le "Compendium of Knowledge", une encyclopédie scientifique qu'il préférait feuilleter plutôt que d'étudier la bible. Elle contenait des articles sur Robert Fulton et sur la poudre noire qui lui procurèrent la motivation ainsi que des idées qui l'influencèrent tout au long de sa vie. En lisant le "Compedium" il apprit que « Robert Fulton et d'autres inventeurs accomplirent des choses que l'on croyait impossibles - jusqu'à ce qu'elles se réalisent ».  Plus tard en entendant des soldats parler du succès d'un fusil à deux canons et de l'impossibilité de créer une arme pouvant tirer cinq ou six fois, Colt décida qu'il sera l'inventeur qui concevra cette arme "impossible".  En 1829, Colt commença à travailler à l'usine de textiles de son père à Ware, Massachusetts où il eut accès aux outils et à l'expertise des employés de la fabrique. Utilisant le savoir et les idées acquis plus tôt, il fabriqua une pile électrique dont il se servit pour faire détoner une charge de poudre dans les eaux du lac Ware. En 1830, son père l'envoya travailler dans la marine marchande. Colt dira plus tard que le concept du révolver lui est apparu en observant la barre du navire lors de son premier voyage. Durant ce temps, Colt fabriqua une maquette de poivrière en bois.  Lorsque Colt revint aux États-Unis en 1832, il recommença à travailler avec son père qui finança la production de deux armes, un fusil et un pistolet. Les armes furent de mauvaise qualité car Christopher, ne croyant pas aux idées de son fils, engagea des mécaniciens à bas prix. Le premier pistolet explosa mais le premier fusil fonctionna correctement. Plus tard, apprenant par l'intermédiaire du chimiste de la fabrique de son père l'existence du protoxyde d'azote (gaz hilarant), Colt prit un laboratoire portable sur la route et gagna sa vie en faisant des démonstrations publiques des propriétés de celui-ci aux États-Unis et au Canada en se présentant comme « le célèbre docteur Coult de New York, Londres et Calcutta ». Ses talents d'orateur étaient si convaincants qu'on lui demanda de guérir ce qui semblait être une épidémie de choléra à bord d'un bateau.  C'est à ce moment qu'il prit des dispositions pour commencer à fabriquer des armes en engageant des armuriers de Baltimore dans le Maryland.  En 1832, à l'âge de 18 ans, Colt déposa un brevet pour son révolver et déclara qu'il reviendrait bientôt avec un modèle.

Développement du revolver.

Le premier modèle de revolver conçu par Samuel Colt fut le "Colt Paterson" à simple action (le chien est armé à la main, faisant tourner le barillet en même temps pour aligner la chambre chargée en face du canon). Les premiers revolvers Colt "Paterson" furent fabriqués en 1836. C'est un calibre.36 (en centièmes de pouce) à cinq coups. Il est vendu à la marine du Texas, jeune République qui vient de proclamer son indépendance, et à ses Rangers engagés contre les Mexicains et les Indiens.  En 1846, Colt, en collaboration avec le capitaine Walker, obtient un contrat de Colt, modifiés selon les demandes de Walker qui représente l'armée américaine. Le "colt Walker" modèle 1847 possède les caractéristiques des révolvers des années suivantes : peu de pièces mobiles, pontet coulé avec la sous-garde, refouloir, nez du chien comportant une encoche pour viser, barillet à 6 chambres... Le long barillet prévu pour de poudre et une balle ogivale de calibre.44, ainsi que le canon d'une longueur de, donnent un aspect monstrueux à ce revolver de à vide.  Cette commande permet à Colt de produire des révolvers moins artisanaux que le "Paterson". Il lance sur le marché le Colt "Holster Pistol" 1848 (premier de la série des "Dragoon", aussi en calibre.44, mais avec un canon de ). Plus léger que le "Walker", il est adopté par les régiments de cavalerie (les dragons).  Des modèles de calibre.31, et donc moins lourds encore (jusqu'à 70 % inférieur au "Walker") voient aussi le jour ; les "Colt Baby Dragoon" (1847/48,, les premiers sans refouloir, pontet droit à l'arrière), "Pocket" (1849,, avec refouloir, pontet rond). Ils sont surtout utilisés par des particuliers, mais aussi par la police, des messagers et des compagnies de diligence. Entre 1848 et 1873, Colt fabrique (« révolvers de poche »). En 1851, Le modèle "Navy" (cal.36) ou "Belt Model" (porté à la ceinture) devient une des armes à feu les plus vendues (). Le capitaine Dansan avait d'ailleurs réussi le avec le modèle Navy à tirer sur une cible portée à plus de.  Enfin, en 1860, est construit le "New Model Army" pour remplacer les "Dragoons". Son calibre est identique (.44) mais l'arme est allégée de 30 %. La série des "New Army" (1860), "New Navy" (1861, calibre.36) et "New Police" (1862, calibre.36, ) est la dernière des armes sans cartouche.

Invention de la mine sous-marine.

Samuel Colt fut le premier à provoquer la détonation de la poudre noire sous l'action de l'électricité. Il remarqua également qu'un fil correctement isolé pouvait transmettre l'électricité à travers l'eau. En 1829, à titre de démonstration, il fit exploser un radeau. En 1842, pour le compte de la Navy, il coula sur le Potomac une vieille canonnière réformée, le "Boxer", avec une mine sous-marine à mise à feu électrique.  À cette date, il s'associe avec Samuel Morse pour exploiter le télégraphe électrique de ce dernier. Il développe des câbles électriques étanches (entourés de goudron) et participe à la construction d'une ligne télégraphique sous-marine reliant l'île de Manhattan à Brooklyn et au New-Jersey.

Divers.

Ses devises :

Samuel Colt, né le à Hartford dans le Connecticut aux États-Unis et mort le, au même lieu, est un inventeur et industriel américain, notamment connu pour la popularisation du revolver.

Samuel Colt (19. července 1814 – 10. ledna 1862) byl americký vynálezce a průmyslník. Založil "Colt's Patent Fire-Arms Manufacturing Company" (nyní známá jako "Colt’s Manufacturing Company"), přičinil se o rozšíření a zpopularizování revolveru.


Structure et fonctionnement.

L'enveloppe virale de certains virus, comme le virus de l'hépatite B, est formée de protéines, distinctes de celles du reste du virus, qui agissent comme antigènes. Ces derniers sont reconnus par les anticorps du système immunitaire du patient. Chacun de ces anticorps se lie spécifiquement à un antigène particulier, et donc à l'une des protéines de surface de tels virus ; la protéine HBsAg est l'une d'entre elles.  Il s'agit d'une protéine transmembranaire ayant cinq segments membranaires et trois ponts disulfure dans les segments extracellulaires. Elle permet au virus de l'hépatite B de se fixer aux peptidoglycanes ainsi qu'au transporteur (ou polypeptide de cotransport Na-taurocholate, ) sur une cellule hôte. Elle agit ensuite comme protéine permettant la pénétration des particules virales dans le cytoplasme. Elle tend à former spontanément des virosomes dans le sang des patients infectés.  Le diagnostic de l'infection au virus de l'hépatite B peut être réalisé par détermination du taux de protéine HBsAg plasmatique, ainsi que par la méthode immuno-enzymatique ELISA ; des antigènes sont ainsi facilement exprimés par " ou par "Saccharomyces cerevisiae"<ref name="10.1073/pnas.80.1.1"> </ref> à partir d'ADN recombinant. En histopathologie, Il est possible de teindre cette protéine par l'orcéine<ref name="10.1136/jcp.36.1.18"> </ref>. Les anticorps anti-HBsAg peuvent être détectés dans le sang jusqu'à environ deux semaines après vaccination, mais normalement pas au-delà<ref name="10.1186/1472-6890-12-15"> </ref>.  Dans la carte génétique du VHB, la protéine HBsAg est codée par un gène inclus dans celui de l'ADN polymérase virale.  Par ailleurs, le virus de l'hépatite D a besoin de la protéine HBsAg pour devenir pathogène<ref name="10.1128/JVI.00561-08"> </ref>.

La protéine HBsAg est l'antigène de surface du virus de l'hépatite B. Elle a été découverte en 1965 dans le sérum d'un aborigène d'Australie<ref name="10.1001/jama.1965.03080070025007">, ce qui lui vaut d'être parfois appelée " dans la littérature anglophone. Sa présence dans le sang est indicatrice qu'une hépatite B est en cours chez la personne examinée. La protéine HBsAg intervient dans le principe actif des vaccins contre l'hépatite B. Les patients possédant les anticorps anti-HBsAg (après séroconversion) sont généralement considérés comme non infectés.

HBsAg ("Hepatitis B surface Antigen", téže také zvaný "australský antigen") je povrchový antigen HBV (Hepatititis B) viru. Tento proteinový antigen tvoří obal HBV viru a jeho přítomnost v krvi (přesněji v krevním séru) značí právě probíhající hepatitidu typu B a aktivní replikaci viru. Zjišťuje se při seriologickém vyšetření. Lze jej odchytit i v případě, že je infikovaná osoba stále ještě asymptomatická (nevykazuje příznaky). Je-li přítomen v krvi déle jak 6 měsíců, mluvíme o chronické hepatitidě B, která je častá u infikovaných osob s oslabeným imunitním systémem (např. osoby s AIDS). Samotný HBsAg není infekční, infekční je pouze celý virus. Přítomnost HBsAg téměř vždy znamená, že je nositel HBV nakažlivý. HBsAg může být nalezen kromě v krvi i v ostatních tělních tekutinách.


Distribution géographique.

La plupart des locuteurs du vénitien se trouvent dans les régions italiennes de Vénétie, Frioul-Vénétie Julienne, Trentin-Haut-Adige, mais il existe de petites minorités de locuteurs de cette langue dans deux pays voisins : la Slovénie et la Croatie (concentrés, pour cette dernière, dans la péninsule d'Istrie, avec quelques foyers sur la côte dalmate).  Par ailleurs, l'émigration italienne aux a conduit à la formation de petits « îlots » de locuteurs du vénitien en Amérique, notamment dans la ville de Chipilo (État de Puebla, Mexique), en Argentine, ainsi que dans les États du Brésil de São Paulo et du Rio Grande do Sul, plus spécialement dans les régions viticoles, où s'est développé un dialecte appelé talien, composé d'une bonne part de vénitien et, dans une moindre mesure, d'italien, avec emprunts lexicaux extérieurs.

Variantes locales du vénitien.

Outre les formes extérieures pratiquées au Mexique et au Brésil, l'appellation globale « vénitien » regroupe plusieurs variantes, pratiquées dans les régions du nord-est de l'Italie.  La Wikipédia en vénitien distingue les variétés suivantes :  La Wikipédia en italien utilise une classification différente :  Il cite en outre les variantes extérieures suivantes :

Différences entre le vénitien, l'italien et le français.

Voici quelques exemples de mots :  Dans la morphologie et la syntaxe, on observe aussi des différences remarquables. Le verbe vénitien emploie des sujets clitiques quand le sujet est topicalisé et même quand il n'est pas topicalisé ("te" singuliere, "el/ła" sing masc/fem., "i/łe" plurielle masc/fem.).  Il a aussi des clitiques sujets interrogatifs :  Ces clitiques ne servent pas seulement quand le sujet se trouve juste après le verbe :  L'expression "èser drio" + infinitif au lieu de "être en train de" ("èser drio" veut dir "être derrière" mais aussi "être occupé avec"):  Le vénitien a aussi le passif impersonnel (avec "xe stà" ou "gh'è stà" '(il) a eté'), comme l'allemand :  Clitiques et articles sont souvent plus stables que les terminaisons :

Emprunts lexicaux du français.

Les mots arsenal, "ciao", ghetto, gondole, lagon et lagune, lido et Monténégro sont des transpositions exactes, pour certains, sinon des adaptations de mots du vénitien.

Histoire.

L'histoire du dialecte vénitien a été étudié, entre autres, par Lorenzo Tomasin, qui en a publié une synthèse dans le volume Storia linguistica di Venezia, Roma, Carocci, 2011.

Le vénitien est une langue appartenant au groupe des langues romanes de la famille des langues indo-européennes. Il est souvent rattaché à tort au groupe des parlers gallo-italiques, même s'il est plus proche de l'italien standard que des parlers de ce groupe. En effet, contrairement aux autres parlers italiens septentrionaux, il n'a pas de substrat celte.

Benátština je románský jazyk, kterým se mluví zejména v Benátsku, kde je také druhým oficiálním jazykem (vedle italštiny). Nazývá se vèneto v benátštině a veneto v italštině. Někdy je (a to i svými mluvčími) pokládána za dialekt italštiny, jindy za samostatný jazyk. Od italštiny se liší fonetikou, gramatikou i celkovou strukturou jazyka, používá i mírně odlišný pravopis (ten ovšem nemá oficiální podobu) a má svoji vlastní literaturu (benátsky psali např. Giacomo Casanova, který do benátštiny přeložil Ílias, či básník Biago Marin).