Histoire.

Créé par Tadasu Nagano, Yūsuke Nakano, Shigeo Nishimura et Tsuneo Katō, le "Shōnen Jump" est lancé le 11 par l’éditeur Shūeisha. Le magazine était à l'origine un bimensuel destiné aux jeunes adolescents masculins. Jusqu'en, il parut en alternance avec le bimensuel "", magazine de "shōnen" manga fondé en 1958 qui, à cette époque, était le concurrent des magazines "Weekly Shōnen Magazine" et "Weekly Shōnen Sunday" des éditeurs Kōdansha et Shōgakukan.  Le, la rédaction met en vente le premier numéro du "Shōnen Jump" hebdomadaire (numéro du ).  Pour son vingtième numéro, il fusionne avec le "Shōnen Book" et devient hebdomadaire sous le titre "Weekly Shōnen Jump".

Esprit du magazine.

Selon les dires du rédacteur en chef Hiroki Gotô du "Shōnen Jump" de 1986 à 1993, les questionnaires (enquête auprès des lecteurs) leur donna des informations essentielles sur l'état d'esprit des lecteurs japonais. De ce fait, une liste de trente mots parmi lesquels les lecteurs devaient choisir ceux correspondant le mieux à des catégories telles que " le mot qui me réchauffe le cœur", " le mot le plus important pour moi " ou encore " le mot qui me rend le plus heureux " a été créée. Les mots qui obtinrent la première place furent :  Ces trois mots donnèrent ainsi naissance aux trois grands piliers de l'orientation éditoriale du "Weekly Shōnen Jump."

Taux de publication.

Le "Weekly Shōnen Jump" est le magazine de prépublication de manga le plus vendu au Japon toutes catégories confondues. Après une courte période qui lui permit d'atteindre le million d'exemplaires publiés par numéro, le magazine connut une première décennie à la croissance faible et atteint les 2 millions d'exemplaires à la fin des années 1970. Cependant, grâce à un système d'enquêtes et de sondages, le magazine put coller au plus près des désirs de son public et commença ainsi à connaître le succès.  Le magazine connut son plus fort taux de publication au cours de l'année 1995 avec plus de 6,5 millions d'exemplaires vendu pour le numéro du nouvel an. Après ce succès, le magazine connut cependant une chute fulgurante de ses ventes entre 1996 et 1997 que certains imputent à la fin des deux séries phares de l'époque : "Slam Dunk" et "Dragon Ball". Depuis plusieurs années, les ventes du magazine sont stables autour de 2,8 millions exemplaires.

"Shōnen Jump+" et "Manga Plus".

Le, l'application mobile et le site web gratuits ont été lancés au Japon. Il vend des versions numériques du magazine "Weekly Shōnen Jump", en même temps que sa sortie imprimée, et des volumes "tankōbon" individuels d'anciennes et actuelles séries du magazine. Cependant, il contient également de grands échantillons de manga qui peuvent être lus gratuitement. Il existe également des séries publiées exclusivement sur l'application qui, contrairement à celles du "Weekly Shōnen Jump", peuvent être destinées aux hommes ou aux femmes adultes. Ces séries exclusives sont ensuite publiées dans des volumes "tankōbon" imprimés sous la marque "Jump Comics+."  Le, Shūeisha a lancé la version internationale en anglais du "Shōnen Jump+", intitulée "Manga Plus". Il est disponible gratuitement dans tous les pays sauf la Chine et la Corée du Sud, qui ont leurs propres services distincts. Une version en espagnol a été lancée en et possède une bibliothèque de contenus différente. Comme l'application japonaise, elle contient de grands échantillons de mangas qui peuvent être lus gratuitement, y compris tous les titres actuels du "Weekly Shōnen Jump", un nombre important de titres du "Shōnen Jump+" et certains titres du "Jump Square". Cependant, contrairement à la version japonaise ; les derniers chapitres de mangas actuellement publiés dans le "Weekly Shōnen Jump" sont disponibles gratuitement pour une durée limitée et l'application ne vendent pas de contenu.

Publication.

Comme son nom l’indique, "Weekly Shōnen Jump" est un magazine hebdomadaire. Un nouveau numéro est mis en vente chaque lundi. Quatre fois par an, le magazine est en pause (deux pauses pour le Nouvel An, une pour la Golden Week en mai et une pour O-Bon en août). Les numéros précédent ces pauses ont une double numérotation ce qui fait que bien qu’il n’y ait que 48 numéros par an, ceux-ci sont numérotés jusqu’à 52. Les doubles numéros du nouvel an existent depuis la parution hebdomadaire du magazine, la pause de la Golden Week fut instaurée en 1990 et celle d’Obon en 1991. Au départ composé d'une douzaine de séries par numéro, leur nombre a progressivement augmenté. De nos jours un numéro du magazine comprend 20 séries en moyenne.  Comme pour la majorité des magazines de prépublication hebdomadaire, chaque série se compose d’un chapitre de 19 pages. Le premier et deuxième chapitre d’une série sont plus longs et font respectivement 60 et 23 pages. Chaque numéro comporte aussi 3 ou 4 séries dont la première page est en couleur. C’est une décision de l’éditeur pour récompenser une série ou fêter un événement (anniversaire, animé, sondage de popularité des personnages...). Certains numéros comportent également des one shots de la taille d'un premier chapitre. La plupart des séries ont fait l’objet d’un one shot au préalable, soit dans le magazine directement soit dans un magazine dérivé. En particulier, chaque année en août depuis 2004, le magazine organise une compétition pour les mangakas débutants appelée. Les mangakas concourants publient un one shot chacun, le vainqueur aura son one shot prépublié dans le magazine l'année suivante. "" et "Beelzebub" gagnèrent la coupe respectivement en 2007 et 2008.  La politique de publication de Shueisha concernant les prépublications dans "Weekly Shōnen Jump" est avant tout basée sur leur popularité. En effet, chaque numéro contient un bulletin de sondage et les lecteurs sont invités à indiquer quels ont été leurs chapitres préférés du numéro. L'éditeur n’hésite pas à arrêter brusquement une série si peu de lecteurs votent pour elle. Au contraire les séries montrant des signes d’intérêt seront mises en valeur (pages couleurs, couverture, poster...). Même si le mécanisme exact n'est pas connu, les résultats de ces sondages sont plus ou moins indiqués par la position dans le magazine ; les séries populaires se trouvant au début tandis que les séries menacées d'arrêt sont à la fin. Les fans regardent donc la position des différentes séries dans la table des matières (souvent abrégé en TOC en anglais) afin de prévoir l'avenir des séries.

Numéros spéciaux du Weekly Shōnen Jump.

"Shōnen Jump NEXT!".

est un magazine bimestriel « hors-série » japonais lié au "Weekly Shōnen Jump". À l'origine, il paraissait trois fois par an (printemps, été et hiver).  Créé parallèlement au "Shōnen Jump", alors bimensuel, afin de combler la période de temps trop importante due à la non-publication du magazine classique lors des vacances d'hiver, il était à l’origine simplement nommé "Weekly Shōnen Jump " (ou, ou en fonction de la saison). Ce n’est que pour son numéro d’hiver paru à la fin de l'année 1996 qu’il devient un magazine à part entière sous le nom, avant de devenir pour son édition du printemps 2010 Shōnen Jump NEXT!.  La sortie du magazine se fait généralement à la place du "Weekly Shōnen Jump" les semaines où celui-ci ne paraît pas : la Semaine d’or au printemps, le "Hachigatsu Bon" en été et le nouvel an en hiver.  Sa ligne éditoriale est avant tout basée sur des récits courts, généralement entre 20 et 40 pages, ne se présentant pas sous la forme d’un feuilleton contrairement à son « grand frère ». Ce sont donc essentiellement des épisodes spéciaux des récits les plus populaires du "Weekly Shōnen Jump" ou des récits inédits en qui paraissent au sein du magazine. Ces derniers sont en réalité des pilotes dont le potentiel de popularité est testé par ce biais, certains d’entre eux deviennent par la suite des séries dans le "Weekly Shōnen Jump", le "Jump SQ" ou d'autres magazines de la collection Jump Comics.  En raison d’une parution de plus en plus épisodique, la série "Bastard!!" y a été prépubliée quelque temps.  Parmi les pilotes devenus des séries et, parallèlement, publiés dans des recueils ou des guide books, on peut compter plusieurs versions de "Romance Dawn" (pilotes de "One Piece"), "Naruto", "Bleach", "Eyeshield 21"

Autres hors-séries.

Une édition spéciale nommée "Jump Vs" est sortie le. Ce magazine contient douze one shot, des posters signés Takeshi Obata et Akira Amano ainsi qu'une double interview entre Mitsutoshi Shimabukuro, auteur de "Toriko", et Masashi Kishimoto, auteur de "Naruto".

En dehors du Japon.

Contrairement à la version japonaise, les "Jump" publiés à l'étranger sont mensuels.

Amérique du Nord.

"Shonen Jump".

Créée en 2002 en collaboration avec Viz Media, la version américaine est sortie pour la première fois en et fut instantanément le magazine de bandes dessinées le plus vendu du moment dans le pays.  La liste des titres paraissant dans cette version inclut "Yu-Gi-Oh!", "Yū Yū Hakusho", "One Piece", "Naruto", "Shaman King" et "Sand Land". Dans le numéro de, Sand Land arriva à sa conclusion et fut remplacé par "Hikaru no Go". "Dragon Ball" fut interrompu au mois d', pour être conclu en par un dernier chapitre.  Le dernier numéro est sorti en.

"Weekly Shonen Jump".

En remplacement du "Shonen Jump", VIZ Media publie depuis le un webzine nommé "Weekly Shonen Jump Alpha". Ce magazine en édition numérique publie les mangas les plus populaires du "Weekly Shōnen Jump", comme "One Piece", "Naruto", "Bleach" ou encore "Toriko", mais aussi des mangas du "Jump Square" comme "Blue Exorcist" et du "V Jump" comme "Yu-Gi-Oh! Zexal".  Le, le magazine a été renommé en "Weekly Shonen Jump" et a commencé à publier simultanément les chapitres des éditions japonaises du "Weekly Shōnen Jump".  En, une nouvelle initiative nommée « "Jump Start" » a été annoncée : toutes les nouvelles séries qui font leurs débuts dans l'édition japonaise du magazine auront leurs trois premiers chapitres publiés dans la version anglaise. Une série de facteurs, comprenant la poursuite de la publication de la série au Japon et la réception du public anglophone, aidera ensuite à déterminer si la série est sélectionnée pour une parution complète dans le magazine anglais.  Le, VIZ Media a révélé qu'elle mettrait fin à la publication du "Weekly Shonen Jump" dès le au profit de nouveaux chapitres publiés gratuitement et d'un service d'abonnement permettant d'accéder à son catalogue des anciens chapitres.

Allemagne.

"Shōnen Jump" a été publié en Allemagne entre et décembre 2005 sous la forme d'un magazine d'anthologie nommé "BANZAI!", créé par Carlsen Verlag. "BANZAI!" a publié "Hikaru no Go", "Hakuchi One", "Naruto", "I"s", "Hunter × Hunter" et "Shaman king". Plusieurs autres titres, tels que "Yu-Gi-Oh!", "Halloweens", "Dr Slump", "One Piece", "Neko Majin", "Sand Land", "Neko Majin Z", "DNA2" ont été publiés dans "BANZAI!," ainsi qu'un « manga » allemand, Crewman3.

Suède.

Cette version contient "Yu-Gi-Oh!", "Sand Land", "Bleach", "Naruto", "Shaman King" et "Kenshin le vagabond". Elle était publiée par Manga Media depuis 2004 cependant, sa distribution a été arrêtée en à cause d'un trop petit nombre de lecteurs.

Norvège.

L'édition norvégienne de "Shōnen Jump" est publiée par « Schibsted Forlagene ». Le premier numéro est paru en, contenant les mêmes séries que son homologue suédois.

Liste des séries.

Manga à parution irrégulière.

, fréquemment abrégé en Shōnen Jump, est un magazine de prépublication de mangas hebdomadaire de type "shōnen" créé par l’éditeur Shūeisha le et toujours en cours de publication. Il fit partie de la gamme de presse « Jump » de l’éditeur, celle-ci étant destinée à un public masculin de tous âges. Le "Shōnen Jump" réalise un tirage historique à 6,53 millions d'exemplaires en 1994. Le magazine est mondialement connu pour ses séries comme "Dragon Ball", "One Piece," "Naruto" ou encore "Bleach".

Šúkan šónen Jump ( 週刊少年ジャンプ, "Šúkan šónen Džanpu", populární také pod anglickým názvem "Weekly Shōnen Jump") je japonský manga časopis, jenž vychází jednou týdně. Cílovou skupinou čtenářů jsou především chlapci (odtud také název; "šónen" (少年) znamená „mladý muž”). Jde o jeden z nejdéle vydávaných japonských manga časopisů, jehož první číslo bylo vydáno 2. července 1968. Časopis vydává nakladatelství Šúeiša.


Histoire.

L'histoire de Hyundai est liée à celle de son fondateur, Chung Ju-yung (1915-2001). Fils de paysan, il quitte sa famille à 16 ans et pratique plusieurs petits travaux pour survivre: manœuvre, marchand de riz et réparateur de voitures. Il fonde en 1947 "Hyundai Engineering & Construction" (Hyundai signifie "modernité" en coréen) dédiée à l'entretien automobile et à la construction lourde, qui restera le centre de son groupe. Après la guerre de Corée, les Américains de Ford lui confient en 1953 la réparation de leurs véhicules militaires et la construction des baraquements pour l'armée des États-Unis.  Les années 1960 sont propices à Chung Ju-Yung qui met sa fibre patriotique au service de la Corée du général Park Chung-hee. Il sera le constructeur de l'autoroute qui relie Séoul à Pusan en 1968. Il se lance dans la construction navale, où excellent les Coréens, dans les barrages, les centrales nucléaires. Ses chantiers navals deviendront les plus grands du monde, notamment ceux de Ulsan. En 2006, Hyundai est le premier constructeur naval mondial en valeur de production.  Hyundai Motors est créé en 1967. L'entreprise produira la première voiture 100 % coréenne dès 1973, la Hyundai Pony. Chung Ju-yung comprend immédiatement l'importance économique des travaux publics et de la construction au Moyen-Orient, d'où la Corée du Sud importe l'essentiel de sa consommation d'hydrocarbures. Hyundai sera alors choisi plusieurs fois pour réaliser des grands projets d'infrastructure au Moyen-Orient, notamment le port industriel de Jubail.  En 1983, Hyundai Electronics est créé dans une optique de diversification. Son activité se développe en priorité sur les marchés de la mécanique de précision, de la pétrochimie et de la robotique.  Le groupe a aussi créé une filiale, Hyundai Asan spécialisée dans les projets de coopération entre la Corée du Sud et la Corée du Nord.  La marque coréenne s'implante en France en 1992.  Après avoir racheté la marque Kia en 1999, Hyundai Motor est aujourd'hui le quatrième constructeur automobile, avec 3,7 millions de véhicules vendus dans le monde. Premier constructeur coréen de voitures, Hyundai est devenu le premier employeur du pays avec, et deuxième derrière Samsung pour le chiffre d'affaires.  En 2017, Hyundai Motors fête ses 50 ans et ses 25 ans de présence en France.

Politique et affaires.

L'empire Hyundai, détenu essentiellement par la famille Chung, fait de ses dirigeants (Ju-yung jusqu'en 2000, puis Chai-kwan et récemment ) les hommes parmi les plus riches du monde, et sans doute les plus riches de la Corée du Sud.  Hyundai est également un sponsor politique incontournable, Chung Ju-yung ayant toujours soutenu le pouvoir en place, quelle que soit l'étiquette politique du gouvernement, en contribuant largement aux diverses campagnes, contributions récompensées par l'attribution de marchés et d'adjudications.  Cela n'a pas empêché Chung Ju-yung, défenseur de la liberté entrepreneuriale face à l'État et au fisc, de se présenter à l'élection présidentielle de 1992 et d'obtenir 16 % des voix.  En 2006, à la suite d'une enquête du gouvernement sud-coréen, le PDG de Hyundai a été accusé de détournement de fonds et de corruption. Il est condamné à trois ans de prison pour avoir constitué une caisse noire afin de soudoyer les dirigeants du pays (élus, journalistes, juges, etc).  Le scandale Choi Soon-sil qui éclate à la fin de l'année 2016 porte sur l'influence de Choi Soon-sil, une femme d'affaires sud-coréenne confidente de la présidente Park Geun-hye qui aurait soutiré 65 millions de dollars aux chaebols via des fondations qui lui étaient liées, entraînant l'ouverture d’enquêtes pour trafic d'influence et corruption.

Conflits sociaux.

Si nombre de Coréens reconnaissent que Hyundai a permis à la Corée de devenir un des principaux dragons asiatiques, la politique de l'entreprise n'a guère été sociale. Les lourds tributs payés par les travailleurs et les syndicats restent à l'origine de la réussite de la compagnie.  Hyundai Motors a connu dix conflits sociaux en 2006, à l'initiative de la centrale syndicale KCTU, ce qui aurait entraîné selon la direction des pertes chiffrées à plus de 1,2 milliard d'euros.

Autres activités.

Depuis plus de 30 ans, la division électronique du géant coréen Hyundai est tournée vers la conception, l'ingénierie et la fabrication d'équipement électronique. Hyundai Heavy Industries a lancé la fabrication de modules et panneaux photovoltaïques en 2005 et dispose d'une capacité de production annuelle de 300 MW en constante progression.  Le groupe conçoit et fabrique ainsi des cellules et modules photovoltaïques

Hyundai en France.

Hyundai est présidé en France par M. Im Deok-Jeong. La firme installe le siège français de Hyundai Motor en 2014 dans le nord de La Défense, à La Garenne-Colombes, dans un immeuble signé Norman Foster nommé "Fauvelles", le rez-de-chaussée du bâtiment constituant le show-room de la marque en France.  Le siège développe environ carrés de surfaces utiles et comprend de parking en sous-sol, et se situe face au pôle d'études et de recherche PSA de La Garenne-Colombes, à l’aplomb de la station "Les Fauvelles" du tramway T2.  Les immatriculations de Hyundai en France ont concerné en 2013, soit une régression de 10,4 % par rapport à 2012.  Depuis 2014, les immatriculations ne cessent de progresser et atteindraient près de 35 542 unités à fin 2018.

Hyundai (hangeul : 현대, "hyeondae", correctement prononcé : « H'yön-dè » comme en coréen, ou, souvent et à tort en français : « youn-daï ») est un "Groupe d'entreprise" coréen.

Hyundai ( "Hjonde", výslovnost ) je jihokorejský podnik. Jeho výrobní naplní je strojírenská výroba, stavba lodí, chemická výroba, elektronika a výroba automobilů.


Membres du groupe.

Elly Jackson.

Née le, Elly Jackson est la fille de l'actrice Trudie Goodwin. Jackson a grandi dans le Herne Hill de Londres. À 8 ans, elle quitte presque l'école primaire à cause des harcèlements subis. Elle a dit « j'étais grosse, rousse, chaussais du 27, et ressemblais à un garçon ». D'abord intéressée par la musique folk, elle est fan de Carole King et Nick Drake qu'elle découvre dans la collection de disques de ses parents. Sa première matière musicale s'est composée de chansons folks. Ses goûts musicaux changent durant son adolescence où elle découvre les rave party. Elle s'améliore alors dans un style mélangeant à la fois le folk et la musique électronique après avoir passé une année à la Tabor Academy, aux États-Unis. La chanteuse au style androgyne n'est pas très éloignée de la pop.  Elle cite les musiciens David Bowie, Madonna, Prince, Annie Lennox ou encore l'actrice Molly Ringwald dans la liste de ses influences. Ajoutant aussi qu'elle apprécie Lady Gaga avec qui elle a déjeuné, mais avoue aimer son style plutôt que sa musique. Elle codessine ses vêtements avec une amie. Jackson est malheureuse de voir qu'il y a une « normalité » dans la mode et une majorité dans les styles musicaux d'aujourd'hui. Elle est devenue une icône pour les ados. Sa façon de s'habiller et sa coiffure excentrique sont souvent comparées au groupe des années 1980 A Flock Of Seagulls, qui fut lui-même imité par les jeunes filles à Londres. Elle porte en guise de collier un camée dessiné par elle-même. Ce collier est également devenu sa signature. Jackson a déclaré dans une interview qu'elle avait d'abord volé ce bijou d'une valeur de 240 et à sa styliste avant d'aller en acheter quatre autres.

Ben Langmaid.

Ce producteur et compositeur originaire de Londres fut mobilisé sur d'autres projets dans le passé. Il dirige une association privée avec Rollo Armstrong : les deux musiciens, qui étaient ensemble à l'école, avaient déjà collaboré en tant que Huff & Puff au milieu des années 1990 et sorti en 1996 le single "Help me Make It". Langmaid faisait aussi partie du groupe Huff & Herb avant de se lancer dans une carrière solo et de composer pour le groupe indien Kubb leur premier album "Mother", sorti en 2005. Ce projet est encore relié à Rollo. Le leader du groupe Kubb, Harry Collier avait été présenté à Ben Langmaid après avoir chanté à Rollo "Joyeux anniversaire" lorsqu'il n'était encore qu'un serveur dans un café du nord de Londres.

Carrière.

En 2006, le premier projet de Jackson et Langmaid se nommait "Automan", ils écrivaient en grande partie de la musique acoustique.  Le premier single de La Roux, "Quicksand" sortit sur le label indépendant Kitsuné Music en. Ensuite, ils signèrent chez Polydor Records pour sortir leur premier album.

2006 à 2009 : débuts et premier album, "La Roux".

Le second single, "In for the Kill", sortit le. Il débuta à la des meilleures ventes de singles le, pour grimper ensuite jusqu'à la. Le troisième single "Bulletproof" arriva le et se classa immédiatement des meilleures ventes de singles. Cette chanson sortit le aux États-Unis et grimpa rapidement à la du "Dance/Club play songs chart". "I'm Not Your Toy" est sorti le.  Pour la promotion de "La Roux", le groupe fit la première partie de la tournée de Lily Allen en. À l'affiche du "Samsung NME Radar Tour 2009", le groupe joua aux côtés de Magistrates, Heartbreak et The Chapman Family. Ils étaient prévus aux festivals de Glastonbury, Reading, Oxegen, et dans des lieux comme La Scala, Southend Chinnerys et Coventry Kasbah. En juillet et août, La Roux partit en tournée en Amérique du Nord, les huit villes de cette tournée incluant des concerts aux Montreal Osheaga Festival, All Points West Festival et Lollapalooza. Le, le groupe joua à l'émission de divertissement Jimmy Kimmel Live. Ils retourneront en Amérique du Nord pour sept dates en octobre. La Roux modifia deux dates de concert en Australie pour changer de salle de concert afin de répondre à la demande plus importante que prévu. En novembre, ils effectuèrent une tournée de 11 dates au Royaume-Uni et en Irlande. La Roux se classa du sondage de la BBC sur les musiques en 2009. "The Guardian" présenta en janvier La Roux comme un des meilleurs nouveaux groupes en 2009. L'album était nommé pour le Mercury Prize 2009. Par ailleurs, La Roux est nommé dans les catégories de la Révélation de l'année et meilleur artiste MTV PUSH, dans le cadre des MTV Europe Music Awards 2009, qui ont lieu le à Berlin.

La Roux est un duo anglais d'electropop fondé par Elly Jackson (chanteuse et claviériste) et Ben Langmaid (coauteur et coproducteur). Ils revendiquent des influences parmi les groupes des années 1980 comme Depeche Mode, Yazoo, Erasure, Tears for Fears, The Human League, Heaven 17, ou Blancmange.

La Roux je synthpopové duo, pocházející z Velké Británie. Ve své tvorbě se inspirovali především hudbou z 80. let 20. století (respektive elektronickou hudbou). Byli ovlivněni hudebními skupinami jako například Human League, Depeche Mode, Heaven 17 a Yazoo.


Biographie.

Sur la question de la biographie, Florence de Mèredieu prévient que l'œuvre et la vie d'Artaud sont « un titanesque effort pour ruiner les balises et limites censées canaliser l'existence et l'être d'un individu. » Il se met en scène en continu, vivant comme à distance de lui-même. Il écrit « Antonin Artaud fut d'abord un modèle perverti, une esquisse essayée que j'ai reprise moi-même à un certain moment, pour rentrer chez moi habillé » Il va passer sa vie à perturber toutes les données de ce que l'on dénomme, dans nos sociétés un "état civil".

1896-1920.

Antonin Artaud est né le à Marseille. Il est issu d'une famille bourgeoise aisée. Son père, Antoine-Roi Artaud, capitaine au long cours, et sa mère, Euphrasie Nalpas, sont cousins germains : ses deux grands-mères sont sœurs, toutes deux nées à Smyrne (Izmir - aujourd'hui en Turquie). L'une, Catherine Chilé, a été élevée à Marseille, où elle a épousé Marius Artaud, l'autre, Mariette Chilé, a grandi à Smyrne, où elle a épousé Louis Nalpas, marchand de fournitures pour navires. Son oncle maternel, John Nalpas, rencontre la sœur de son père, Louise Artaud lors du mariage de leurs frères et sœurs, et ils se marient aussi. John et Louise s'installent à Marseille, les familles sont très proches,

1920-1924, premières années à Paris.

Théâtre : la période Dullin.

En 1920, sur les conseils du docteur Dardel, sa famille confie Antonin Artaud au docteur Édouard Toulouse, directeur de l'asile de Villejuif, dont il devient le co-secrétaire pour la rédaction de sa revue "Demain". Le docteur l'encourage à écrire des poèmes, des articles, jusqu'à la disparition de la revue en 1922. En juin de cette même année 1920, Artaud qui s'intéresse au théâtre rencontre Lugné-Poë et il quitte Villejuif pour s'installer dans une pension à Passy. Il s'intéresse aussi au mouvement Dada et découvre les œuvres d'André Breton, de Louis Aragon et de Philippe Soupault.

De André de Lorde à Jacques Hébertot et à Pitoeff.

Par l'intermédiaire de Madame Toulouse, Antonin est présenté à André de Lorde, auteur de Grand-Guignol, bibliothécaire de métier. André de Lorde a déjà mis en scène une adaptation d'une nouvelle d'Edgar Poe "Le Système du docteur Goudron et du professeur Plume" qui se déroule dans un asile d'aliénés. Et il a mis au point ce qu'il nomme le « Théâtre de la peur » et le « Théâtre de la mort », un style qui va inspirer Antonin Artaud pour le "Théâtre de la cruauté". Engagé par Jacques Hébertot, Artaud interprète le rôle du souffleur au Théâtre de la

1924-1927 l'entrée en littérature, la période surréaliste.

En 1946, Antonin Artaud décrit son entrée en littérature ainsi :  Sa véritable entrée en littérature commence dans les années 1924-1925, période de ses premiers contacts avec la NRF et de sa "Correspondance avec Jacques Rivière" qui est publiée en 1924. Jacques Rivière a refusé les poèmes d'Artaud, et c'est à partir de ce refus que s'est établie cette correspondance entre les deux hommes. Cette première publication fait apparaître le rôle très particulier que l'écriture épistolaire joue dans toute l'œuvre d'Artaud. La critique littéraire s'accorde à trouver les poèmes refusés assez conventionnels, tandis que les lettres témoignent, par leur justesse de ton, de la sensibilité maladive d'Artaud que

1927-1930 le théâtre Alfred Jarry.

Ayant quitté Dullin, Artaud rejoint la compagnie de Georges et Ludmilla Pitoëff installée à la Comédie des Champs-Élysées. Puis avec Roger Vitrac, Robert Aron et l'aide matérielle du René Allendy, psychiatre et psychanalyste, qui le soigne, il fonde le Théâtre Alfred Jarry en 1927. Il définit une conception nouvelle de l'art dramatique, publiée plus tard, en 1929-1930, dans une brochure intitulée "Théâtre Alfred Jarry et l'Hostilité publique", rédigée par Roger Vitrac en collaboration avec Antonin Artaud qui rappelle les objectifs du Théâtre Alfred Jarry

1930-1935, Artaud au cinéma, au théâtre et en littérature.

De juillet à, Antonin Artaud et Roger Vitrac élaborent la brochure qui sera intitulée "Théâtre Alfred Jarry et l'Hostilité publique", et il refuse de signer le "Second manifeste du surréalisme" qui attaque Breton. La brochure, qui parait en 1930, est un ensemble de photo montages, mis en scène par Artaud, photographiés par Eli Lotar. Roger Vitrac, Artaud et son amie Josett Lusson ont posé pour les photos. Artaud rédige deux projets de mise en scène, un pour "Sonate" de "Strinberg", l'autre pour "Le Coup de Trafalgar" de Roger Vitrac. Mais il décide de quitter le Théâtre Alfred Jarry. Il s'en explique dans une lettre à Jean Paulhan du :  Artaud, qui mène de front ses activités littéraires, cinématographiques et théâtrales, a cependant déjà la tête ailleurs. En 1931,

1936-1937 de voyages en dérives.

En 1936, Artaud part pour le Mexique. Il écrit qu'il s'est rendu à cheval chez les Tarahumaras. Il découvre le peyotl, substance dont Son initiation se fait au cours de la Danse du Peyotl, après la douzième phase.  De ce séjour dans la Sierra Tarahumara, on ne dispose que des témoignages d'Artaud et on n'a aucune certitude sur son initiation au rite du peyotl. On n'a pas non plus la certitude qu'il ait effectivement assisté aux danses des indiens, ou même qu'il soit réellement allé dans ce territoire d'accès difficile : s'est-il inspiré des récits d'explorateurs? En 1932, il avait déjà publié dans le magazine "Voilà" deux articles sur des régions où il n'était jamais allé : "Galapagos et les îles du bout du monde "et "L'Amour à Changaï". Pourtant selon J.M. Le Clézio la question de la véracité anthropologique des textes d'Artaud n'a

Les premiers internements 1937-1943.

Le, le préfet de la Seine-Inférieure déclare le sieur Antoine Artaud de sorte que Artaud est interné à l'asile des Quatre-Mares. On dispose de peu d'informations sur cet internement. L'hôpital a été détruit pendant la guerre. On ignore quel traitement lui a été appliqué. Une partie de son dossier aurait subsisté après la guerre et aurait fait l'objet de demandes qui n'auraient jamais abouti. Mais comme il était déclaré dangereux, il était isolé dans une cellule et condamné à l'immobilisation par une camisole de force.  Sa famille et ses amis restés sans nouvelles s'inquiètent. Sa mère Euphrasie entreprend des recherches. Elle s'adresse tour à tour au docteur Allendy, à Jean Paulhan, à Robert Denoël. Elle finit par retrouver son fils en. Antonin, qui pourtant ne la reconnaît pas, donne des détails sur son aventure irlandaise. Un litige oppose alors la famille Artaud et les autorités irlandaises, Euphrasie accuse la police irlandaise, dont les

Les années à Rodez 1943-1946.

Au moment où Artaud arrive à Rodez, le, l'hôpital ne pratique pas encore l'électrochoc. Ce n'est que peu après son arrivée, en que l'appareil du docteur Delmas-Marsalet est livré à l'hôpital par les ateliers Solex.  Ainsi, même à Rodez, la technique de l'électrochoc est employée, cette thérapie étant supposée d'une grande efficacité. Artaud subit une première série en. Mais la deuxième séance provoque une fracture d'une vertèbre dorsale ce qui l'oblige à garder le lit pendant deux mois. Cela n'empêche pas les médecins de poursuivre le traitement dès le avec une série de d'électrochocs, dont ils se félicitent, jugeant qu'ils ont obtenu « moins de gesticulations et de confusion mentale. » Dans le cadre de l'Art-thérapie, Antonin Artaud avait écrit

Retour à Paris, dernières années 1946-1948.

Les amis d'Artaud, Arthur Adamov, Marthe Robert et Jean Paulhan, obtiennent qu'il sorte de l'asile de Rodez. Le, Dubuffet, Marthe Robert, Henri Thomas l'accueillent à la gare et l'installent provisoirement dans une chambre individuelle à la maison de santé du docteur Delmas à Ivry, puis dans un petit pavillon dans le parc. Le de la même année, une séance d'hommage à Antonin Artaud est donnée au Théâtre Sarah-Bernardt, avec un discours d'André Breton en ouverture, et des textes d'Artaud lus notamment par Adamov, Jean-Louis Barrault, Rober Blin, Alain Cuny, Jean Vilar (Le Pèse-Nerfs). Le, il enregistre à la radio" Les malades et les médecins", texte diffusé

Surréalisme pour et contre.

L'esthétique d'Artaud se construit constamment en rapport au surréalisme, d'abord en s'en inspirant, puis en le rejetant (notamment sous la forme que lui donne André Breton).  André Breton, dans son premier "Manifeste du surréalisme" (1924), mentionne Artaud en passant, sans lui accorder une importance particulière. Le second "Manifeste" (1930) arrive après la rupture d'Artaud avec les surréalistes, et Breton lui adresse une critique sévère, quoique esthétiquement peu développée (ses griefs sont surtout d'ordre personnel). Il dénonce notamment le fait que l'« idéal

L'influence d'Antonin Artaud.

Antonin Artaud a eu une profonde influence sur le théâtre, notamment le théâtre américain, mais aussi sur les situationnistes de la fin des années 1960 qui se réclamaient de son esprit révolutionnaire. Pierre Hahn rapporte qu'en, au moment où les universités étaient occupées, la "Lettre aux recteurs des universités" d'Artaud était affichée sur la porte d'entrée. Artaud y disait entre autres : « Je me suis rendu compte que l'heure est passée de réunir des gens dans un amphithéâtre même pour leur dire des vérités et qu'avec la société et son public, il n'y a pas d'autre langage que celui des bombes, des mitrailleuses et tout ce qui s'ensuit - Antonin

Postérité et hommages.

Le Artaud reçoit le Prix Sainte-Beuve pour "Van Gogh le suicidé de la société"  En 1973, le groupe de rock argentin, mené par Luis Alberto Spinetta, nomme son "Artaud" en référence au poète. Spinetta consacre l’œuvre à Artaud après l’avoir bien lu. La thématique est une réponse au désespoir créé par sa lecture. L’album sera reconnu comme le meilleur album de rock argentin, dans une liste faite par le magazine Rolling Stone (Argentine) en 2007.  En 1981, la chanteuse Colette Magny lui consacre toute une face d'un disque : Thanakan.  En 1983, le groupe de batcave anglais Bauhaus consacre une chanson à l'écrivain dans son album "Burning From the Inside".’  En 1986, FR3 diffuse la conférence donnée par Artaud le au Vieux Colombier,.  En 2010, du au au Théâtre de l'Atelier, Carole Bouquet a lu les "Lettres à Génica et autres poèmes" d'Artaud. Elle a réitéré sa performance à Rodez en 2011, invitée par "l'association Rodez Antonin Artaud".  E 2013, L'association "Rodez Antonin Artaud"

Œuvres.

Œuvre graphique et manuscrits.

Le, par testament olographe sur papier simple, Antonin Artaud écrit : Remis en cause par les héritiers, le travail de Paule Thévenin a donné lieu à une « affaire des manuscrits d'Antonin Artaud » dont Libération s'est fait l'écho en 1995. Parmi ces manuscrits se trouvaient les dessins d'Artaud que la Bibliothèque nationale de France a exposés en 2007 avec l'ensemble des manuscrits.  Les dessins d'Antonin Artaud ont été réunis par Paule Thévenin et Jacques Derrida dans "Antonin Artaud, dessins et portraits" paru le, réédité chez Gallimard en 2000. En 1994 Paule Thévenin a fait un important legs des dessins d'Antonin Artaud au Centre Pompidou, ce qui permet d'accéder à environ une quarantaine de ses œuvres que Jean Dubuffet, amateur de "l'art des fous" appréciait grandement lorsqu'il avait rendu visite à Artaud à Rodez.

Bibliographie.

ouvrages utilisés pour les sources

Antonin Artaud, né à Marseille le et mort à Ivry-sur-Seine le, est un théoricien du théâtre, acteur, écrivain, essayiste, dessinateur et poète français.

Antonin Artaud (výslovnost: "arto", plným jménem Antoine Marie Joseph Artaud, 4. září 1896, Marseille, Francie – 4. března 1948, Ivry-sur-Seine) byl francouzský básník a divadelník; představitel francouzské meziválečné avantgardy, volně řazený do okruhu tzv. "prokletých básníků".


Historique.

La société R.A. Moog a été créée par Robert Moog en 1953 à Trumansburg, près de New York, fabriquant des thérémines en kit puis des modules de synthétiseurs à partir de 1964 avec l'aide de musiciens comme ou Wendy Carlos.  Endetté auprès de ses fournisseurs pour environ, Moog revend sa société à Bill Waytena, un repreneur professionnel. Après fusion avec Musonics (la société de Waytena), la compagnie déménage en 1971 à Williamsville, près de Buffalo (New York) et le Minimoog présenté au NAMM de 1970 commence à être produit en série. Devenue Moog Music en 1972, la société commercialise plusieurs instruments prestigieux (voir la liste) et abandonne la fabrication de synthétiseurs modulaires.  En 1973, un petit synthétiseur monophonique programmable, le Satellite, connaît un grand succès commercial : plus de exemplaires vendus. Les droits de production sont cédés à un fabricant d'orgue, Thomas, qui intégrera le Satellite à ses propres instruments, augmentant ainsi le chiffre d'affaires généré. Waytena revend alors Moog Music, Inc. à Norlin/CMI, un gros distributeur américain, en 1973.  Moog connaît, vers 1975, des difficultés importantes. Le Polymoog, premier synthétiseur polyphonique programmable de la marque, a d'énormes problèmes de fiabilité, c'est un échec malgré une seconde version remaniée. La concurrence directe d'Alan R. Pearlman se fait de plus en plus rude et les difficultés financières s'accumulent. Robert Moog vend ses parts et quitte la société en 1977. Dave Luce, le concepteur du Polymoog, prend sa succession. Nouveau déménagement à Cheektowaga, toujours près de Buffalo. D'excellents synthétiseurs (le Source et le Memorymoog) et des effets sortent au début des années 1980, mais les managers décident de se tourner vers les télécommunications, la société est rebaptisée Moog Electronics. Les banques cesseront tout soutien financier en 1986, puis c'est la liquidation en 1993.  Le nom « Moog » sera réutilisé par plusieurs petites sociétés spécialisées britanniques (dont celle de Don Martin) ou américaines dans les années 1990, mais Robert Moog récupère ses droits en 2002  Les musiciens utilisateurs de Moog les plus réputés furent Walter Carlos avec les deux albums "Switched-On Bach" I et II (1968, plus gros succès de l'année), le japonais Isao Tomita avec son album "Snowflakes Are Dancing" ainsi que le Français Jean-Jacques Perrey, collaborateur de Gershon Kingsley, lequel composa "Popcorn", sur le Moog modulaire IIIC en 1968, et connut en 1972 un vif succès grâce à l'arrangement de Stan Free du groupe Hot Butter. L'original figure sur l'album "Music to Moog By". Wendy Carlos, avec la bande originale du film de Stanley Kubrick "Orange mécanique" (1971), remixe électroniquement certaines mesures de la de Beethoven et du "Guillaume Tell" de Rossini. Le synthétiseur Moog est adopté par les Beatles, Kraftwerk, Jean-Michel Jarre, Giorgio Moroder, Yes, Rick Wakeman, Keith Emerson et son groupe Emerson, Lake and Palmer, le groupe rock progressif allemand Triumvirat, Tangerine Dream, Klaus Schulze, et devient l'instrument indispensable de la majorité de formations musicales de cette époque.  Dans les années 1980, les synthétiseurs numériques commencent à se diffuser auprès des musiciens, par exemple la gamme de la marque australienne Fairlight CMI.  Le Minimoog connaît un certain succès en 2002, à la suite d'une réactualisation numérique avec le Voyager, un modèle plus élaboré et hybride dans sa conception.  Robert A. Moog décède d'une tumeur cérébrale en, mais la société continue d'exister de nos jours.

Moog Music Inc. est une société américaine spécialisée dans la fabrication d'effets et d'instruments de musique électroniques. Basée à Asheville en Caroline du Nord, la compagnie actuelle est la seconde qui porte le nom Moog.

Moog je značka analogových syntezátorů, které navrhl doktor Robert Moog. Moogovy syntezátory patří mezi nejpopulárnější elektronické hudební nástroje. Robert Moog poprvé představil prototyp svého syntetizéru v roce 1964 na sdružení "Audio Engineering Society".


Histoire.

Le carton rouge a été inventé à la suite de la Coupe du monde de football de 1966. Lors du quart de finale particulièrement tendu entre l'Argentine et l'Angleterre, pays hôte, l'arbitre Rudolf Kreitlein expulse le capitaine et défenseur argentin Antonio Ubaldo Rattín. L'arbitre lui fait signe de quitter le terrain, mais le joueur refuse de sortir. S'ensuivent de longues minutes de confusion pendant lesquelles le match est interrompu. Rattín finira par sortir, mais les instances dirigeantes demanderont à l'arbitre Ken Aston de trouver une solution à ce problème, ce qu'il fera en s'inspirant du feu tricolore : « jaune : attention, puis rouge : stop ».

Badminton.

Un carton rouge peut être donné à un joueur ou une paire (en double) pour sanctionner :  Ce carton peut être adressé à tout moment :  Un joueur sanctionné deux fois par un carton rouge dans une période de douze mois est interdit de toute compétition pendant deux mois. Il lui est alors adressé un carton noir

Football.

Lors d'un match de football, le carton rouge est utilisé par l'arbitre central pour exclure un joueur. Le joueur exclu doit quitter le terrain et ses abords immédiats, dans l'instant et de manière définitive. Il ne peut être remplacé par un autre joueur. Un joueur présent sur le banc de touche peut aussi recevoir un carton rouge car il est pleinement sous l'autorité de l'arbitre.  Ses dimensions sont de 102 mm × 76 mm en général.  La loi 12 du football prévoit sept motifs d'exclusion. Un joueur est exclu si :

Volley-ball.

Depuis la saison 2013-2014, le carton rouge indique la pénalité (perte d'un point et du service). Le rouge et le jaune, tenus ensemble, indiquent une expulsion jusqu'à la fin du set en cours. Le rouge et le jaune, tenus séparément (un dans chaque main), indiquent la disqualification pour le reste de la rencontre avec une expulsion définitive de l'aire de responsabilité de l'arbitre ("retour au vestiaire").

Handball.

L'expulsion n'existe plus depuis 2010 dans les règlements de la Fédération française de handball. L'arbitre présentait ses deux bras croisés au niveau des avant-bras au joueur concerné. L'équivalent réglementaire de l'expulsion est désormais une disqualification (carton rouge) assortie d'un rapport écrit sur la feuille de match, stipulant ses motivations à disqualifier le joueur. La disqualification à la suite de la troisième exclusion de 2 minutes d'un même joueur ne requiert pas de rapport. En effet, ici la gravité de la faute se limite à celle d'une faute sanctionnable par une exclusion et non une disqualification directe.

Marche athlétique.

Le juge peut donner un carton rouge dans deux cas : s'il considère que l'athlète commet une grosse faute, ou si après l'avoir averti par le carton jaune, le juge pense que l'athlète est toujours en faute. Lorsque le juge donne un carton rouge il en avertit le chef-juge. Les cartons rouges ne sont pas montrés à l'athlète mais il peut être mis au courant par un tableau d'affichage ou par le chef-juge.  Au bout de trois cartons rouges, le marcheur est disqualifié. Un juge ne peut pas donner plus d'un carton rouge par athlète, c'est pour cela qu'un minimum de trois juges par épreuve est nécessaire.

Escrime.

Une touche est attribuée à l'adversaire.  Un carton rouge est donné à partir de la deuxième infraction de, à chaque infraction de, à la première infraction de.  L'expulsion, pour une deuxième infraction de troisième niveau ou dès la première infraction de quatrième niveau, est symbolisée par le carton noir.

Cricket.

Depuis le saison 2017, les arbitres de cricket ont été issus avec les cartons rouges pour exclure un joueur s'il attaque l'arbitre ou un autre joueur, ou commette un acte violent.

Un carton rouge (ou "carte rouge" en Belgique) est un carton de pénalité utilisé dans de nombreux sports. Il signifie qu'un joueur est pénalisé d'une sanction, généralement l'expulsion ou la disqualification.

Červená karta se používá ve sportu pro signalizaci závažného porušení pravidel a souvisejícího trestu, nejčastěji vyloučení provinivšího se hráče ze hry do konce utkání. Rozhodčí takový trest signalizuje zřetelným ukázáním malé obdélníkové kartičky červené barvy, kterou nosí v kapse. Kartu vymyslel anglický fotbalový rozhodčí Ken Aston po zmatcích ve čtvrtfinále mistrovství světa ve fotbale 1966 mezi Anglií a Argentinou, takže se žluté a červené karty ve fotbale začaly používat počínaje mistrovstvím světa 1970.


Championnat d'Europe féminin de football

Historique.

L'idée de mettre en place une compétition continentale en Europe entre les sélections nationales de football féminin date des années 1960 et 1970. Deux premières compétitions continentales non reconnues par l'UEFA furent en effet disputées en 1969 et en 1979 (respectivement remportées par l'Italie et le Danemark).  Au début des années 1980, l'UEFA, soucieuse de développer le football féminin sur le continent, décide de créer une compétition officielle, dont la première édition débuta en 1982 pour s'achever en 1984 au terme d'une finale jouée en matchs aller-retour. La Suède devient la première championne d'Europe de football féminin à l'issue d'une séance de tirs au but remportée face à l'Angleterre. La seconde édition a lieu trois années plus tard en 1987 où un tournoi final est mis en place à partir des demi-finales (quatre équipes). C'est une autre nation scandinave la Norvège qui s'empare du trophée en battant en finale la Suède, tenante du titre.  La compétition se déroule alors tous les deux ans les années impaires. En 1989 le tournoi final a lieu en Allemagne de l'Ouest, l'équipe allemande remporte à domicile la compétition en battant la tenante du titre la Norvège en finale, donnant ainsi un troisième vainqueur en trois éditions disputées. En 1991 au Danemark la compétition prend le nom de "Championnat d'Europe", l'Allemagne (récemment réunifiée) devient la première sélection à remporter pour la deuxième fois la compétition et conserver son titre en battant à nouveau la Norvège en finale, après prolongation. En 1993, le tournoi se déroule en Italie, la Norvège reprend la coupe en s'imposant 1-0 en finale face à l'Italie, égalisant la performance de l'Allemagne avec deux titres acquis.  À partir de 1995 et lors des quatre suivantes éditions, l'Allemagne affirme sa suprématie sur le continent européen en remportant tous les titres, tout d'abord en 1995 où elle gagne la finale contre la Suède 3-2 à Kaiserslautern, puis en 1997 en disposant de l'Italie 2-0, finaliste malheureux pour la seconde fois. En 1997 le nombre de participants à la phase finale passe de quatre nations à huit nations avec des quarts de finale joués en poules au premier tour. Après 1997, l'UEFA décide d'espacer l'organisation de l'évènement qui se déroulera désormais tous les quatre ans. L'édition suivante a donc lieu en 2001 en Allemagne avec un nouveau titre pour le pays-hôte (victoire en finale contre la Suède 1-0). En 2005 en Angleterre, l'Allemagne est sacrée championne d'Europe pour la quatrième fois d'affilée en battant la Norvège 3-1 en finale, portant ainsi son total de titres à six.  En 2009, la phase finale est de nouveau remodelée pour passer de huit nations à douze nations, elle se déroule en Finlande et est à nouveau remportée par l'Allemagne. La suprématie allemande se poursuit quatre ans plus tard en Suède pour l'Euro 2013.  La phase finale s'élargit à 16 équipes en 2017. Le tournoi 2017 est celui des surprises. Après avoir aligné une série record de six titres consécutifs, l'Allemagne connait l'échec pour la première fois depuis 1993, en étant battue en quart de finale par le Danemark, futur finaliste. Les Pays-Bas, qui n'avaient jusqu'alors atteint le dernier carré du championnat d'Europe qu'à une seule reprise (en 2009), sont sacrés champions d'Europe à domicile.

Organisation.

Après une première édition en 1984, le championnat d'Europe féminin de football est régulièrement organisé les années impaires, tous les deux ans entre 1987 et 1997, puis tous les quatre ans depuis 1997. L'UEFA supervise son organisation ; le choix du pays d'accueil s'effectue par le comité exécutif de l'UEFA quelques années avant le déroulement du tournoi final (pour l'euro 2009, le pays hôte la Finlande fut désigné le ).  Deux éditions, celles de 1984 et de 1995, n'ont pas connu de phase finale en tournoi. Elles se sont déroulées sous le format classique des Coupes d'Europe de clubs, par matchs aller-retour pour la phase à élimination directe, y compris la finale en 1984. En 1995, le choix préalable du stade de Kaiserslautern, permet à l'Allemagne de disputer la finale (un seul match) à domicile.

Déroulement de la compétition.

La compétition se déroule généralement sur deux phases : une phase préliminaire de qualification et un tournoi final (appelé "phase finale"), chaque fédération affiliée à l'UEFA peut présenter une sélection après l'accord de cette dernière.

Phase qualificative.

Actuellement toutes les nations doivent prendre part à la phase de qualification à l'exception du pays-hôte. Cette phase préliminaire se dispute sur deux années.

Phase finale.

Premier tour.

Depuis le tournoi de 2017, 16 sélections nationales sont regroupées en poules (quatre poules de quatre équipes). Chaque équipe affronte une fois chacun des adversaires de sa poule. Les deux équipes les mieux placées sont qualifiées pour disputer les quarts de finale.

Second tour.

La suite de la compétition se déroule entre les huit équipes issues des poules et comporte trois tours à élimination directe : quarts de finale, demi-finales et finale. Il n'y a pas de match de classement pour la troisième place.  En cas d'égalité à la fin du temps réglementaire, une prolongation de 30 minutes a lieu, en cas de nouvelle égalité à la fin de ce temps, une séance de tirs au but départage les deux équipes.

Participation.

Le nombre de participants à la phase qualificative est passé de seize nations en 1984 à quarante-six nations en 2017. Pour le tournoi final, quatre nations y prenaient part entre 1987 et 1993. Un premier élargissement a eu lieu en 1997 avec huit nations qualifiées pour le tournoi final puis un deuxième élargissement en 2009 avec douze nations. À noter qu'il n'y a pas eu de tournoi final en 1984 et 1995. Depuis 2017 la phase finale concerne seize nations. Enfin, depuis 2005 le pays organisateur est qualifié d'office.

Palmarès.

"Compétitions antérieures non reconnues par l'UEFA. Non-officiel, hors palmarès :"

Couverture par les médias et spectateurs.

Couverture télévisuelle.

Toute l'édition 2005 fut retransmise par la chaîne de télévision Eurosport en direct. La BBC a retransmis les trois matchs de poules de l'Angleterre et la finale du tournoi. Lors de la rencontre Angleterre-Suède disputée le samedi, 20 % de l'audience britannique a été atteint par la BBC c'est-à-dire environ trois millions de téléspectateurs.

Présence dans les stades.

L'édition de 2005 a attiré spectateurs pour les 15 rencontres disputées dont spectateurs pour le match d'ouverture entre l'Angleterre et la Finlande (record pour un match international féminin en Europe) et spectateurs à Ewood Park à Blackburn pour la finale opposant l'Allemagne et la Norvège. En moyenne donc, les matchs ont été assistés par spectateurs par match sur l'ensemble de l'édition 2005.

Le championnat d'Europe féminin de football est une compétition de football opposant les équipes nationales féminines, organisée par l'Union des associations européennes de football (UEFA). La première édition, qui s'appelle "Compétition européenne de l'UEFA pour les équipes féminines représentatives", oppose seize équipes à partir de 1982 pour la qualification pour une finale en matchs aller-retour remportée par la Suède en 1984.

Mistrovství Evropy ve fotbale žen je hlavní fotbalovou soutěží národních týmů žen ve federaci UEFA. Hraje se každé 4 roky, první oficiální ročník se konal v roce 1984. Nejúspěšnější zemí je Německo, které zvítězilo na osmi z dosavadních jedenácti mistrovství.


Définition.

D’éminents auteurs, tel Georg Jellinek, n’ont vu dans l’union réelle qu’une variété de confédération d’États. Une union réelle se rapproche, en effet et à bien des égards, d’une confédération d’États. D’une part, la création d’une union réelle résulte, comme celle d’une confédération d’États, d’un traité et non, contrairement à l’État fédéral, d’une constitution. D’autre part, une union réelle, comme une confédération d’États, n’est pas un État, contrairement à un État fédéral, de sorte que les États membres d’une union réelle, comme les États confédérés, conservent leur souveraineté, contrairement aux États fédérés.  Mais l’union réelle se distingue de la confédération d’États : alors que celle-ci dispose d’au moins un organe propre, l’union réelle se caractérise par le fait que certains organes sont communs à ses États membres.  La distinction de l’union réelle et de l’union personnelle est plus délicate à établir. Deux définitions de l’union personnelle et de l’union réelle ont été proposées. Selon la première, il y a union réelle dès lors que les États ainsi unis ont choisi d’avoir un chef d’État commun, c’est-à-dire dès lors que l’unité de chef d’État résulte d’un accord de volonté, tel un traité. Selon la seconde définition, il y a union réelle lorsque les États ainsi unis ont, en sus d’un chef d’État commun, au moins un autre organe commun chargé de gérer des affaires communes. Celles-ci comprennent, d’ordinaire, les affaires étrangères.

Exemples historiques.

Pologne-Lituanie (-).

La Pologne-Lituanie ou république des Deux Nations, union réelle du royaume de Pologne et du grand-duché de Lituanie, est remarquable par sa durée. Créée par le traité d’union signé à Lublin le, elle s’est maintenue jusqu’à la fin du.  Les deux États avaient en commun leur chef d’État et une diète. Le chef d’État commun portait le titre de et était élu par l’assemblée électorale de la noblesse des deux pays. La diète bicamérale commune était composée d’un sénat et d’une chambre des députés et, à partir de, une session sur trois se tenait à Grodno, alors en Lituanie.  À la suite de Stanisław Kutrzeba, la majorité des auteurs considèrent que l’union réelle a pris fin avec l’entrée en vigueur de la constitution du qui lui aurait substitué un État unitaire. Cette interprétation reste néanmoins discutée et, pour certains auteurs, l’union réelle se serait maintenue jusqu’à l’abdication de Stanislas "Auguste", le, à la suite du troisième partage de la Pologne.

Saxe-Varsovie (-).

Le duché de Varsovie, État créé en par le traité de Tilsit, est considéré comme ayant été en union réelle avec le royaume de Saxe.

Suède-Norvège (-).

La Suède-Norvège, union réelle des royaumes de Suède et de Norvège, de à.  Les deux États avaient en commun leur chef d’État et un ministère. Le chef d’État commun portait le titre de. Le ministère commun était celui des affaires étrangères.

Autriche-Hongrie (-).

L’Autriche-Hongrie de à.  Les deux États avaient en commun leur chef d’État, trois ministères et un organe de contrôle. Le chef d’État commun portait le titre d’. Les trois ministères communs étaient celui des affaires étrangères, celui de la guerre et celui des finances communes. L’organe de contrôle commun, dit "Délégations", était composé de délégués des parlements respectifs des deux pays.  L’union réelle était complétée, jusqu’en, d’une union douanière.

Danemark-Islande (-).

De à, le Royaume de Danemark et le Royaume d'Islande (devenu indépendant du Danemark en 1918, puis une république en 1944) avaient en commun leur chef d’État ainsi qu’une délégation spéciale composée de représentants des deux pays et chargées des affaires d’intérêt commun.

Emplois minoritaires.

Quelques auteurs ont employé l’expression « union réelle » pour souligner la prépondérance d’un État fédéré au sein d’un État fédéral. Par exemple, Robert Redslob a considéré que l’Empire allemand était en union réelle avec le royaume de Prusse. Pour cet auteur, il en était ainsi parce qu’en vertu de la Constitution de l’Empire allemand du, le roi de Prusse était, de plein droit, président de la Fédération, avec le titre d'Empereur allemand.  Quelques autres auteurs ont employé l’expression « union réelle » pour qualifier la relation d’un État à son parti unique lorsqu’une personne exerçant une fonction au sein de ce parti unique exerce de plein droit la fonction étatique correspondante.

Une union réelle est, en droit international public, l’union de deux États consistant non seulement dans l'unité du chef d'État, mais aussi dans l'existence d'organes communs.

Reálná unie je spojení dvou a více států (suverénních), které sdílejí některé státní instituce, ale nejsou přímo spojeny do jednoho celku či státu (jako v případě politické unie) a zachovávají si svá práva suverénních států. Reálná unie se vyvinula z personální unie a obvykle se omezuje jen na monarchie.


Situation.

La station est située sous la rue Anatole-France à Levallois-Perret à l'intersection avec la rue Voltaire.

Histoire.

Cette station doit son nom à la rue Anatole-France (anciennement rue de Cormeille) que la dessert. Cette rue de Levallois-Perret rend hommage à François Anatole Thibault, dit Anatole France (1844-1924), écrivain français, académicien et prix Nobel de littérature en 1921.  En 2011, sont entrés à cette station. Elle a vu entrer en 2013, ce qui la place à la des stations de métro pour sa fréquentation.  Depuis, la station bénéficie d'une rénovation ayant pour but de pallier les problèmes d'étanchéité, dont l'achèvement initial est prévu pour le

Services aux voyageurs.

Accès.

La station dispose de deux accès et d'un escalator, situés sur la place du Général-Leclerc.

Quais.

"Anatole France" est une station de configuration standard : elle possède deux quais de de long, séparés par les voies du métro, et la voûte est elliptique. Elle présente cependant une particularité : les quais sont partiellement décalés (comme "Saint-Germain-des-Prés") en raison de la faible largeur de la rue sous laquelle elle est établie. Les stations "Commerce" et "Liège" possèdent, elles, des quais totalement décalés pour la même raison. La décoration est du style utilisé pour la majorité des stations du métro : les bandeaux d'éclairage sont blancs et arrondis dans le style « Gaudin » du renouveau du métro des années 2000, et les carreaux en céramique blancs biseautés recouvrent les piédroits, la voûte et les tympans. Les cadres publicitaires sont en faïence de couleur miel et le nom de la station est également en faïence. Elle est équipée de bancs.

Intermodalité.

La station est desservie par les lignes 174 et 274 du réseau de bus RATP et, la nuit, par les lignes N16 et N52 du réseau Noctilien.

Anatole France est une station de la ligne 3 du métro de Paris, située sur le territoire de la commune de Levallois-Perret.

Anatole France je nepřestupní stanice pařížského metra na lince 3, která se nachází na pařížském předměstí ve městě Levallois-Perret ležící severozápadně od Paříže. Stanice se nachází na malém náměstí – "Place du Général Leclerc", kde se kříží "Rue Anatole France" a "Rue Voltaire".


La vie de compagnon.

Villard de Honnecourt, né autour de l'an 1200, est originaire du village de Honnecourt-sur-Escaut, situé près de Cambrai. Comme les compagnons de son temps, il fait son apprentissage en allant de ville en ville et de chantier en chantier. Il deviendra plus tard "", c'est-à-dire maître d'œuvre, profession qui englobe le métier d'architecte. Son activité professionnelle couvre les années 1225 à 1250.  Les hommes de métier de l'époque voyageant beaucoup, nous connaissons, grâce à son "Carnet", quelques-unes des étapes de son périple : Vaucelles, où il travailla à la construction de l'abbaye cistercienne, Cambrai, où il assista à l', Reims, Laon, Chartres et Lausanne, mais également, vers 1235, la Hongrie, où il édifia à Košice la cathédrale dédiée à sainte Élisabeth de Hongrie. On lui doit aussi le « canon de division harmonieuse », qui est utilisé en typographie soignée pour dessiner les proportions des marges dans le cadre d’une page. Il s'agit d'une méthode de division d'un rectangle, réalisée sans recours à une règle graduée, permettant d'établir le bloc de composition (la partie écrite et donc les marges) de façon non arbitraire et avec un résultat harmonieux. Cette méthode, qui permet de diviser une droite en parties égales sans limitations, est applicable quelles que soient les dimensions du rectangle. Elle est toujours enseignée de nos jours.

Le "Carnet".

D'une dimension de, le "Carnet" de Villard de Honnecourt se composait à l'origine de 41 feuillets de parchemin, dont 8 ont disparu. Elles contiennent, dont 74 sont reliés à l'architecture. Ces croquis d'une grande précision sont souvent accompagnés de légendes. On y trouve :

Villard de Honnecourt est un maître d'œuvre du, célèbre pour son "Carnet" renfermant de nombreux croquis d'architecture, à présent conservé à la Bibliothèque nationale de France.

Villard de Honnecourt byl autor skicáře ze 13. století plného náčrtků, jeho profese není známa. Bývá považován za architekta či putujícího stavitele pravděpodobně z Pikardie.


Biographie.

Jeunesse.

Donald Byrd est le fils d'un pasteur méthodiste de Détroit. Il étudie la musique dans une école préparatoire, la Cass Technical High School, incubateur de talents parmi lesquels Alice Coltrane, Paul Chambers, Ron Carter, et dont le directeur musical est le compositeur. Il intègre l'université de Wayne State avant de servir dans l'US Air Force entre 1951 et 1953, où il continue de pratiquer la musique en jouant dans plusieurs groupes. Il obtient un bachelor's degree puis s'installe à New York en 1955. Il poursuit ses études à la Manhattan School of Music et décroche un master's degree.

Carrière musicale.

Donald Byrd devient l'une des figures du courant hard bop. Alors qu'il est encore étudiant à Manhattan, il rejoint les Jazz Messengers d'Art Blakey, puis joue avec de très nombreux jazzmen, dont Max Roach, John Coltrane, Sonny Rollins et Thelonious Monk. En 1960, Byrd recrute Herbie Hancock, qui est alors un jeune pianiste au talent prometteur, dans le quintette qu'il a formé en 1958 avec le saxophoniste Pepper Adams. Dans les années 1970, il s'éloigne du mouvement hard bop et se tourne vers le jazz fusion, le jazz-funk, le soul jazz et le rhythm and blues. Il produit alors avec les. Vendu à plus d'un million d'exemplaires, il demeure longtemps le disque le plus populaire du label Blue Note Records. Le morceau-titre atteint la du Billboard Hot 100. En 1973, il monte le groupe, composé d'étudiants de l'université Howard, afin de produire leur musique. Ils rencontrent le succès avec des titres comme "Walking in Rhythm" et "Time is Movin", qui se classent dans le Top 20 du hit parade rhythm and blues, ou encore "Rock Creek Park" qui est par la suite fréquemment samplé par les artistes rap comme Nas et Public Enemy.  En 1977, il participe au FESTAC 77, un festival des cultures et arts noirs et africains qui se tient à Lagos, au Nigeria, et réunit près de.

Enseignement.

Au début des années 1960, Donald Byrd étudie la composition en Europe auprès de Nadia Boulanger. Il se consacre ensuite à l'enseignement de la musique dans plusieurs établissements. D'abord à l'université Rutgers, où il donne le premier cours de jazz, puis à l'université Howard entre 1968 et 1975, où le trompettiste développe un programme d'étude de la musique noire. Byrd donne aussi des cours à l'université centrale de Caroline du Nord et à l'université Cornell. Également diplômé en droit, il enseigne cette matière appliquée à l'industrie de la musique. En 1982, un doctorat en éducation lui est décerné par le de l'université Columbia.

Style musical et influences.

Donald Byrd nomme des musiciens tel John Coltrane parmi ses influences. Il pratique le hard bop au cours des années 1950 avant de s'en détacher. Il se lance dans le jazz fusion durant les années 1970, et s'intéresse au rap à partir des années 1980. Plus d'une centaine de disques de rap, de Public Enemy à Ludacris, contiennent des samples de sa musique.

Récompenses.

En 2000, Byrd reçoit un Jazz Masters award, décerné par une agence culturelle fédérale, le Fonds national pour les arts ("National Endowment for the Arts").

Donaldson Toussaint L'Ouverture Byrd II, plus connu sous le nom de Donald Byrd, est un trompettiste américain de jazz, né à Détroit le et mort le à Dover dans le Delaware.

Donald Byrd, vlastním jménem Donaldson Toussaint L'Ouverture Byrd II. (9. prosince 1932, Detroit, Michigan – 4. února 2013) byl americký jazzový a R&B trumpetista.


Historique.

Débuts (1967–1971).

Le groupe est formé en 1967 à Long Island. Tout commence lorsque Bruce Abbott (futur coauteur du titre ", sur l'album "Spectres") présente Donald Roeser à Albert Bouchard. Ensemble, ils forment un premier groupe, The Disciples, qui devient l'année suivante Travesty. Ils écument les soirées étudiantes et les boîtes locales, et Donald et Albert finissent par délaisser leurs études pour se consacrer entièrement à la musique.  Travesty se sépare, Donald Roeser reste à Long Island tandis qu'Albert Bouchard part pour Chicago où il a obtenu quelques engagements. Lorsque Donald fait la rencontre du critique rock Sandy Pearlman et retrouve Albert revenu à New York, ils forment un nouveau groupe, y intégrant un nouveau musicien, Allen Lanier. Le groupe tourne de plus en plus, assure les premières parties de Muddy Waters et du Grateful Dead, mais une évidence s'impose : il manque un chanteur. Les Braunstein rejoint alors le groupe, dont le bouche-à-oreille dit le plus grand bien. Le président d'Elektra Records les remarque lors d'un concert et les signe instantanément, vraisemblablement très attiré par Les. Sous l'impulsion des deux journalistes rock, Sandy Pearlman et Richard Meltzer, le groupe est lancé en 1967, à la Stony Brook University de Long Island, New York, sous le nom de Soft White Underbelly avec le guitariste Buck Dharma, le batteur Albert Bouchard, le claviériste Allen Lanier, le chanteur Les Braunstein et le bassiste Andrew Winters. Pearlman souhaitait que le groupe soit créé en réponse à Black Sabbath. Le nom de Soft White Underbelly est donné par Pearlman en référence à une citation de Winston Churchill comparant la péninsule italienne au ventre-mou des forces de l'Axe, première d'une série d'allusions occultes au conflit de la seconde guerre mondiale dans l'œuvre discographique du Blue Öyster Cult.  Début 1969, Soft White Underbelly entre en studio afin d'enregistrer son premier album pour Elektra, mais des divergences opposent Les Braunstein aux autres membres du groupe : il les quitte alors que l'album est presque terminé. Elektra, contrarié par le départ du chanteur sur lequel tout avait été misé, auditionne alors Eric Bloom, une vieille connaissance de Long Island, et décide de terminer la production de l'album avec lui. Avec le départ de Braunstein et l'arrivée d'Eric Bloom, le groupe change à nouveau de nom et devient Stalk Forrest Group. Sandy Pearlman imagine alors de donner un nom de scène à chaque membre (Buck Dharma, Jesse Python, La Verne, Prince Omega et Andy Winters) ; seul Donald Roeser accepte, on le connaîtra désormais sous le pseudonyme de Buck Dharma. Après quelques concerts, Elektra décide de rompre leur contrat ; Andy Winters quitte alors le groupe, il est remplacé à la basse par Joe Bouchard, le frère d'Albert. En 1970, le Stalk Forrest Group livre un grand concert en plein air qui éveille la curiosité de la maison de disques Columbia : un nouveau contrat est signé. Il faut donc, selon la manie de Pearlman, trouver un nouveau nom au groupe : Blue Öyster Cult (le nom ne signifie pas « Culte de l'huître bleue » mais « Secte de l'huître bleue », le terme « cult » étant employé aux États-Unis au sens de secte).

Premiers albums (1971–1974).

Leur premier album'est publié en janvier 1972, avec une couverture en noir et blanc réalisée par Bill Gawlik. L'album contient les chansons ', ', et '. L'album se vend bien, et Blue Öyster Cult tourne avec des groupes comme The Byrds, Mahavishnu Orchestra, et Alice Cooper.  Leur album suivant, ', publié en 1973, est écrit par le groupe pendant sa tournée promotionnelle de son premier LP. Il contient les chansons'et une réédition de ', ', et ', la première collaboration du groupe avec Patti Smith. Le troisième album du groupe, ', publié en avril 1974, est bien accueilli ; il contient les chansons ', ', et "".

Succès commercial (1975–1981).

Après la parution de l'album'(1974) dont la pochette s'orne d'un Messerschmitt 262 (chasseur à réaction allemand qui connut une renommée éphémère au début 1945), le groupe est accusé de véhiculer, dans certaines de ses chansons, et plus largement dans toute l'imagerie développée autour de lui par Pearlman et Krugman, des références à certaines idéologies considérées comme extrêmes, comme le nazisme, mais aussi à des courants philosophiques polémiques (on a évoqué Nietzsche pour le titre ') ; tout ceci n'étant qu'une rumeur journalistique fondée sur une interprétation hâtive des textes sortis de leur contexte (en Europe surtout, mais aussi aux États-Unis), parfois tendancieux il est vrai, parce qu'assez abscons. Le groupe doit se justifier dans la presse, (voir l'article de Lester Bangs paru dans le magazine rock'de septembre 1974) et rappeler à tout le monde que cette accusation est ridicule, la plupart d'entre eux étant juifs, et que tout cela n'était que du rock'n'roll. Cette image les poursuit quand même jusqu'après la sortie du double live'en 1975, dont, une fois de plus, la superbe pochette pourrait prêter à confusion : une limousine ornée de fanions imprimés de leur signe du Cronos est garée devant une chapelle. Le titre de l'album appuie aussi sur le côté obscur, manipulateur et fascinant.  Grâce notamment au titre'en 1976 le groupe connait le succès durant cette décennie ; cette chanson sera reprise en chanson d'ouverture de la mini-série'basée sur l'œuvre "The Stand" de Stephen King. Sous l'impulsion de leurs mentors et producteurs des débuts, Sandy Pearlman et Murray Krugman, ils cultivent une esthétique sombre et un certain ésotérisme hermétique qu'évoque leur logo (le Cronos inspiré du symbole astrologique de Saturne ; le tréma ajouté sur le « O » est à l'origine d'une mode dans les noms de groupes de metal (Motörhead, Mötley Crüe, par exemple...). La musique du groupe est très influencée par Black Sabbath, MC5, les Stooges, et Steppenwolf, selon les propres dires du chanteur Eric Bloom et du guitariste Donald Roeser. L'influence de Black Sabbath est perceptible dans des morceaux comme ', ou "Godzilla". Celle de MC5 et des Stooges dans ', figurant sur l'album '. Et enfin celle de Steppenwolf dans des morceaux comme ','ou'(Blue Öyster Cult reprendra d'ailleurs "Born to Be Wild", la célèbre chanson de Steppenwolf).  L'album "Spectres", sorti en 1977, comporte leur autre hit "". Après leur départ du Blue Öyster Cult, les frères Bouchard fondent chacun un nouveau groupe. Albert Bouchard monte The Brain Surgeons, et Joe The Cult Brothers, qui deviendra The X Brothers.

Déclin (1981–1987).

En 1981 sort l'album "Fire of Unknown Origin", produit par Martin Birch, par la suite certifié disque de platine. S'ensuit ensuite une tournée avec Black Sabbath intitulée "".  Après son départ du groupe, Albert Bouchard passe cinq ans sur un album solo inspiré du poème "Imaginos" de Sandy Pearlman. Blue Öyster Cult publie un album live intitulé ', puis entre en studio pour l'enregistrement d'un nouvel album avec le producteur Bruce Fairbairn, intitulé'publié en octobre 1983. Le single ', coécrit par Patti Smith, atteint la des classements américains.'fait aussi participer Randy Jackson à la basse. Après "Revölution", Rick Downey quitte le groupe, laissant Blue Öyster Cult dépourvu de batteur. En 1980 sort le premier LP du groupe "Cultösaurus Erectus".  Le groupe se réunit avec Albert Bouchard pour une tournée californienne en février 1985, connu sous le surnom de "Albert Returns Tour". Cet événement n'est que temporaire, et cause des tensions entre le groupe et Bouchard, ce dernier pensant qu'il redeviendrait un membre permanent, ce qui n'est pas le cas. Le groupe a en réalité fait appel à lui à la dernière minute, jusqu'à ce qu'un nouveau batteur vienne se joindre au groupe. Allen Lanier quitte le groupe peu après, laissant le groupe sans claviériste.  Blue Öyster Cult engage le batteur Jimmy Wilcox et le claviériste Tommy Zvoncheck pour terminer l'album "". Seul le single "Perfect Water", écrit par Dharma et Jim Carroll, est un succès. Le groupe tourne en Allemagne, tournée durant laquelle le bassiste Joe Bouchard part, et laisse derrière lui deux membres de la formation classique, Eric Bloom et Donald Roeser — le groupe est alors surnommé Two Öyster Cult. Jon Rogers est recruté pour remplacer Joe, et la formation termine leur tournée de 1986. Par la suite, le groupe se met en pause musicale.

"Imaginos" et tournées (1987–2006).

Blue Öyster Cult se reforme après s'être vu proposer une tournée en Grèce en début d'été 1987. La nouvelle formation se compose des membres fondateurs Eric Bloom, Donald Roeser et Allen Lanier, avec Jon Rogers à la basse, et Ron Riddle à la batterie. Columbia Records ne souhaitant pas publier "Imaginos" comme projet solo d'Albert Bouchard, Pearlman s'arrange pour publier l'album en 1988 comme album de Blue Öyster Cult, accompagné de rajouts vocaux et instrumentaux de Bloom et Roeser. L'album ne se vend pas bien.  Le groupe passe les onze prochaines années à tourner sans publier d'album ; ils contribuent cependant à deux chansons de la bande son de "", publiée en 1992. Riddle quitte le groupe en 1991 et est remplacé par plusieurs batteurs incluant Chuck Burgi (1991–1992, 1992–1995, 1996–1997), John Miceli (1992, 1995), John O'Reilly (1995–1996) et Bobby Rondinelli (1997–2004). En 1994 sort l'album live "Live 1976". En 1998, le groupe produit l'album "Heaven Forbid", plus orienté heavy metal.  En 2001 sort le treizième album du groupe, "". En 2002 sort le DVD du concert "A Long Day's Night" enregistré à Chicago. Jules Radino se joint au groupe en 2004. Rogers quitte le groupe en 1995, et est remplacé par Danny Miranda. Miranda part en 2004, devenant bassiste pour Queen + Paul Rodgers – et Richie Castellano le replace.

Rééditions (depuis 2007).

Allen Lanier se retire des concerts en 2007. Castellano endosse la guitare rythmique et le clavier, et la position de bassiste est endossée par Rudy Sarzo (ancien membre de Quiet Riot, Whitesnake, et Dio). En février 2007, Sony publie la réédition des albums "Spectres" et de l'album live "Some Enchanted Evening". En décembre 2008, BÖC annonce le retrait temporaire de Roeser, qui s'est blessé l'épaule en Floride. Plusieurs tournées entre décembre 2008 et janvier 2009 sont annulées ou reportées. Le groupe revient en tournée au printemps 2009. En 2009, le groupe avec Warhammer pour le jeu en ligne "".  En juin 2012, le groupe annonce le départ du bassiste Rudy Sarzo et son remplacement par l'ancien bassiste du groupe Utopia, Kasim Sulton. En août 2012, Sony Legacy annonce la publication prochaine d'un coffret 17 disques intitulé'le 30 octobre 2012. Le coffret contient les versions remasterisées de'(1975), ", ', ', ', ','et "Imaginos".  Le claviériste et guitariste Allen Lanier décède le mercredi 14 août 2013 d'une maladie pulmonaire chronique à l'âge de 66 ans. De son côté, Joe Bouchard annonce la sortie de son album solo, "", le 29 avril la même année. Le 26 juillet 2016, le producteur du groupe, Sandy Pearlman, décède à l'âge de 72 ans.

Discographie.

Collaborations.

Michael Moorcock a écrit les paroles de trois chansons :  La chanteuse Patti Smith, qui fut un temps la compagne du claviériste/guitariste Allen Lanier, a coécrit six morceaux avec BÖC : Allen Lanier avait rendu la pareille à sa compagne en jouant sur son premier album, notamment sur le morceau "Elegy".

Reprises.

Par ailleurs, plusieurs morceaux du Blue Öyster Cult sont repris par d'autres groupes :

Blue Öyster Cult (BOC) est un groupe de rock et heavy metal américain, originaire de Long Island, New York. Leur style musical oscille entre le hard rock, le heavy metal, et le rock psychédélique. Leurs chansons à succès incluent ', ','et '. Les clips du groupe, en particulier celui de ", sont significativement diffusés sur la chaîne américaine MTV après son lancement en 1981.

Blue Öyster Cult je americká hard rocková, progressive rocková a původně psychedelická skupina, která byla založena v roce 1967 v Long Islandu, New Yorku. Dohromady prodali 14 milionů alb celosvětově. Mezi jejich hity patří písně jako "(Don't Fear) The Reaper", "Godzilla" či "Burnin' for You".