Biographie.

Débuts.

Connaissances de lycée, Garner (créateur du groupe), Dambra et Justin commencent ensemble les répétitions en 1968. À la période de leur formation, Dambra (sous Louis Caine) jouait aussi pour un groupe appelé The Koala, qui publiera un album éponyme en 1969. Justin cite Jack Bruce de Cream comme inspiration à ses débuts.  Peu après, le nouveau groupe auditionne Mike Appel (par la suite lanceur de carrière et agent artistique de Bruce Springsteen). Appel accepte de devenir leur mentor, et leur donne le nom de Sir Lord Baltimore, inspiré d'un personnage de "Butch Cassidy and the Sundance Kid". Pour le premier album du groupe, Appel devient coproducteur, composeur et auteur. L'album, "Kingdom Come", est enregistré aux Vantone Studios et mixé par Nick Masse, avec Jim Cretecos comme coproducteur avec Appel. Les chansons supplémentaires sont enregistrées aux Electric Lady Studios avec Eddie Kramer. Il est publié au label Mercury Records en 1970.  Le 19-, Sir Lord Baltimore joue plusieurs nuits au Fillmore East de New York' avec The J. Geils Band et Black Sabbath. En, Mike Saunders (d'Angry Samoans) accueille favorablement "Kingdom Come". Le groupe demeure notoire essentiellement du fait qu'une critique de son premier album, "Kingdom Come", parue en mai 1971 dans le magazine de rock "Creem", est considérée comme le tout premier texte dans lequel il a été fait un usage bien documenté du terme heavy metal pour décrire précisément un style de musique.

Réunion.

Trente ans après sa séparation, Garner et Dambra se réunissent pour un nouvel album de Sir Lord Baltimore, "Sir Lord Baltimore III Raw". Garner produit l'album, publié au label JG Records en. En 2007, Garner et Janne Stark enregistrent une nouvelle version de "Woman Tamer" pour le second album de SLB. Garner décède le, et le groupe se sépare.

Sir Lord Baltimore est un groupe de heavy metal et hard rock américain, originaire de Brooklyn, New York. Il est l'un des premiers groupes de metal américains, actif de 1968 à 1976, et reformé depuis 2006. Formé à New York en 1968 par le chanteur et batteur John Garner, le guitariste Louis Dambra et le bassiste Gary Justin. De plus, Sir Lord Baltimore faisait appel à un chanteur batteur, situation très rare dans les formations de rock et de metal.

Sir Lord Baltimore byla americká heavymetalová skupina z Brooklynu, New York. Vznikla v roce 1968 a původní sestavu tvořili zpěvák a bubeník John Garner, kytarista Louis Dambra a baskytarista Gary Justin. V letech 1970 a 1971 skupina vydala dvě alba, později ještě několik let hrála, avšak žádné nahrávky již nevydala. V roce 2006 byla obnovena a rovněž vydala nové album. Garner zemřel v roce 2015.


Biographie.

Né en Égypte à Hérakléopolis Magna (aujourd'hui Qeman, Fayyoum) dans une famille assez riche d'agriculteurs égyptiens fervents chrétiens, Antoine devient orphelin à dix-huit ans avec une sœur cadette à élever. Ayant des terres à cultiver, il prend l'Évangile à la lettre (), à l'âge de vingt ans, et distribue tous ses biens aux pauvres, après avoir installé sa sœur selon ses vœux dans une communauté féminine comme « vierge consacrée », puis il commence sa vie d'anachorète dans un lieu isolé près d'un de ses champs.  Vêtu d'une haire en crin, il partage son temps entre la prière et le travail près de la cabane d'un vieil ascète qui l'initie à la vie érémitique. Il décide de renforcer sa retraite en partant vivre pendant 13 ans dans le désert (le chapitre V de la "Vie d’Antoine" mentionne qu'il va jusqu'à s'enfermer dans un des anciens tombeaux égyptiens de la montagne), fondant la communauté des (vivant dans des huttes, des grottes ou de petits ermitages, il célèbre avec sa communauté la synaxe le samedi) avec son disciple Ammonas, qui s'est précédemment installé à Nitrie.  L'afflux de nombreux disciples troublant son isolement, il part en 285 vivre en ermite à Pispir, en plein désert, dans un fortin romain abandonné sur la route de la mer Rouge, imitant les nombreux anachorètes qui vivaient dans la pauvreté et la chasteté aux alentours des bourgs. Là, à la manière du Christ, il subit les tentations du Diable qui durèrent plus longtemps et au cours desquelles divers démons essayèrent de s'attaquer à sa vie. Antoine résista à tout, ne se laissant pas détourner par les visions fantasmatiques qui s'étaient multipliées.  Peu à peu, autour d'Antoine le Grand commencent à se rassembler des disciples qui viennent suivre son enseignement. Vivant à proximité dans des grottes, ils l'écoutent prêcher et s'associent à lui pour prier. Au fil des ans, ils se regroupent en différents noyaux de disciples, élisant à leur tête un plus ancien et choisissant tous Antoine comme guide spirituel. Ils sont à l'ouest et à l'est du Nil. En 307 Hilarion de Gaza sollicite ses conseils sur la façon d'organiser un monastère dans l'actuelle région de Gaza : celui-ci est considéré comme l'un des premiers monastères de la chrétienté.  En 312, Antoine s'éloigne davantage pour s'isoler. Il va en Thébaïde, sur le mont Qolzum (où se trouve aujourd'hui le monastère Saint-Antoine). Le Diable lui apparaît encore de temps en temps, mais ne le tourmente plus comme autrefois. Vénéré par de nombreux visiteurs, Antoine leur donne chaque fois des conseils de sagesse, les invitant à la prière plutôt qu'à la violence.  Les religieux ayant adopté le mode de vie solitaire de saint Antoine sont appelés anachorètes, s'opposant aux cénobites qui choisissent la vie en communautés monastiques.

Ses écrits.

"CPG" 2330-2350

Ses représentations.

La vie de saint Antoine et ses tentations ont inspiré de nombreux artistes, notamment Jérôme Bosch, Pieter Brueghel, Jacques Callot, Dali, Max Ernst, Matthias Grünewald, Diego Vélasquez. Gustave Flaubert lui a également consacré un récit "La Tentation de saint Antoine". Les artistes ont aussi souvent représenté sa rencontre avec saint Paul de Thèbes, peu de temps avant la mort des deux ermites (cathédrale de Chartres). L'œuvre la plus célèbre liée à saint Antoine demeure le retable d'Issenheim, peint par Matthias Grünewald et issu du couvent des Antonins d'Issenheim. Le retable est aujourd'hui conservé au musée d’Unterlinden de Colmar (Alsace).  De nombreuses représentations du saint nous le montrent accompagné d'un cochon portant une clochette. Il est ainsi parfois appelé en Italie "Antonio del porco" ou « saint Antoine des cochons » dans la vallée de la Bruche en Alsace. Selon Émile Mâle qui signale que cette tradition date de la fin du, le cochon n'a rien à voir avec la vie du saint mais avec un ordre religieux fondé en Dauphiné en 1095 (les Antonins) : les porcs n'avaient pas le droit d'errer librement dans les rues, à l'exception de ceux des Antonins, reconnaissables à leur clochette. À noter cependant que les démons, qui ont tourmenté le saint, ont, dans un premier temps, été représentés par des animaux sauvages (lion, ours, etc.) puis sous la forme d'animaux plus familiers comme le loup et le sanglier, ce dernier pouvant expliquer le lien avec le cochon.  La rue Saint-Antoine et le faubourg Saint-Antoine des IV, XI et XII arrondissements de Paris, lui doivent leurs noms.

Ses reliques.

Les reliques de saint Antoine l'Égyptien ont été ramenées de Terre sainte par un seigneur du Dauphiné, Guigues Disdier, accompagné par son beau-frère, Jocelin de Châteauneuf, en 1070. Elles sont déposées dans le village de La Motte-aux-Bois, qui devient Saint-Antoine-l'Abbaye, en l'Abbaye de Saint-Antoine-l'Abbaye. Les bénédictins commencent alors la construction d'une église et d'un hôpital destiné à soigner les victimes du Mal des Ardents. Au, le pape confie les lieux aux chanoines de l'ordre de Saint-Antoine. De grands travaux d'extension sont menés du, période faste pour l'Ordre en général et l'abbaye en particulier.

Vénération.

A Bousbecque, en France, L'autel de Saint Antoine l'ermite, dans l'église Saint Martin, est un lieu de pèlerinage à Saint Antoine l'ermite qu'on vient prier contre les maladies de peau. Les Flamands, notamment, venaient de la région de Menin l'invoquer contre le Zona.  Saint Antoine est également le saint patron de la Légion étrangère.

Antoine le Grand, également connu comme Antoine d'Égypte, Antoine l'Ermite, ou encore Antoine du désert, est un moine considéré comme le père du monachisme chrétien. Sa vie nous est connue par le récit qu'en a fait Athanase d'Alexandrie vers 360. Il serait né vers 251 et mort vers 356 à l'âge de 105 ans, entre les bras de ses deux disciples, Macaire l'Ancien ou Macaire d'Égypte et Amathas.

Svatý Antonín Veliký (také Svatý Antonín Veliký, Antonín z Egypta, Antonín Eremita, Antonín Opat, Ἀββᾶς Ἀντώνιος) (251–356) byl jedním ze zakladatelů mnišství. Roku 269 opustil všechen svůj majetek a stal se poustevníkem v thébské poušti ve středním Egyptě. Usiloval o jednotu s Kristem. Přitahováni jeho náročným a zároveň radostným způsobem života, následovali jej četní učedníci. Okolo roku 305 z nich svatý Antonín zorganizoval obec anachoretů, mnichů žijících podle společné řehole. Kolem roku 310 se opět stáhl do samoty, opustil ji však, aby mohl přispět na pomoc pronásledovaným křesťanům (311), podpořit doktrínu prvního nikajského koncilu proti Areiovi a ariánství a i nadále pomáhat alexandrijskému biskupovi Atanáši, svému pozdějšímu životopisci.


Biographie et parcours professionnel.

Dino Buzzati (le nom Traverso fut ajouté en 1917), est né à San Pellegrino di Belluno en Vénétie dans la maison familiale. Sa mère, Alba Mantovani (1871-1961), vétérinaire, était originaire de Venise, fille d'un médecin, et son père, Giulio Cesare Buzzati (1862-1920) était un juriste célèbre, issu d'une illustre famille hongroise de Belluno, connu comme professeur de droit international de la fameuse université Luigi Bocconi de Milan. Dino Buzzati est le deuxième d'une fratrie de quatre enfants.  En 1924, il entame des études de droit à l'Université de Milan. Alors qu'il achève ses études, il est embauché en 1928 par le journal milanais "Corriere della Sera" où il poursuit sa carrière journalistique jusqu'à la fin de sa vie. Il y débute comme correcteur et devient ensuite reporter, correspondant spécial, essayiste, éditeur et critique d'art.  En 1933 paraît son premier roman intitulé "Bàrnabo des montagnes" suivi deux ans plus tard de "". À la fin des années 1930 Buzzati publie des nouvelles fantastiques dans le "Corriere della Sera".  La critique littéraire des œuvres de Buzzati souligne que son activité journalistique a influencé ses écrits dans la mesure où ses récits fantastiques sont rédigés dans un style très réaliste. Buzzati lui-même fait un commentaire à ce sujet : « Il me semble que le fantastique doit être aussi proche que possible du journalisme. Il ne s'agit pas de banaliser les choses, même si en fait il y a un peu de ça. Disons plutôt que l'efficacité d'une histoire fantastique est liée à l'emploi de mots et de paroles les plus simples et les plus concrets possible ».  Durant la Seconde Guerre mondiale, Buzzati est affecté comme journaliste correspondant de guerre pour "Il Corriere della sera", notamment de la Marine Royale italienne. À cette période, son roman "Le Désert des Tartares", qu'il a écrit en 1939 est publié chez Rizzoli en 1940 en Italie. En 1949, à sa sortie en France, traduit, le roman rencontre un franc succès littéraire encensé par la critique et Buzzati devient célèbre.  En 1964, il épouse Almerina Antoniazzi (1941-2015). Une année plus tôt est paru son roman "Un amour", une de ses dernières œuvres.  Dino Buzzati décède d'un cancer du pancréas le. Informé depuis longtemps de la gravité de sa maladie, ses angoisses et ses interrogations s'expriment dans un de ses derniers écrits, "Le Régiment part à l'aube", publié de façon posthume, où il évoque le temps qui passe et une fin inéluctable, deux thèmes récurrents dans son œuvre. Ses derniers écrits sont à cette occasion rédigés directement sur un agenda-calendrier.  Dino Buzzati est auteur de la phrase : « Dieu qui n'existe pas, je t'implore ». Bien que se disant non-croyant, il éprouve une fascination.

Courant littéraire.

L'œuvre littéraire de Dino Buzzati est comparée souvent pour une part à l'influence de Kafka<nowiki>, par l'esprit de dérision et l'expression de l'impuissance humaine face au labyrinthe d'un monde incompréhensible, mais l’écrivain exprime un certain scepticisme à ce propos : "On parle de Kafka" [...] "Moi sur ce point je ne me prononce pas"</nowiki>. Son œuvre est aussi rapprochée au surréalisme comme dans ses contes où la connotation onirique est très forte. Son œuvre peut aussi être rapportée au courant existentialiste représenté par Jean-Paul Sartre dans "La Nausée" (1938) et Albert Camus dans "L'Étranger" (1942). Albert Camus a transposé la pièce de Buzzati "Un cas intéressant" (Un caso clinico) en 1955. Les deux écrivains s'appréciaient. Enfin, ce roman au succès mondial peut être rapproché de deux grands classiques modernes : "Les Choses" de Georges Perec et "La Montagne magique" de Thomas Mann.  Une sensibilité chrétienne empreinte de sympathie pour tous les humbles et les faibles, mais aussi de compassion pour la méchanceté elle-même (non sans révolte pour ses victimes toutefois - voir "L'Œuf") s'en dégage très souvent.  Son œuvre picturale oscille entre surréalisme et peinture métaphysique. La série d'ex-voto imaginaires de l'album P.G.R. "(Per Grazia ricevuta)" en est un exemple par ses réalisations graphiques.  Buzzati n'est ni théoricien ni philosophe, mais il interroge naïvement l'énigme du monde. Eloigné du naturalisme et du vérisme italien, il situe ses récits dans l'intemporel et l'universel. Comme un photographe il capte des moments qui révèlent l'étrangeté du monde. Par son travail de journaliste, son œuvre est marquée par la nécessité de rester humble face à l'événement qui, grand ou banal, reste éphémère. L'Italie des années 1950-60, politisée, reproche à l'écrivain son manque d'engagement, mais Buzzati refuse de se détourner des questions fondamentales sur l'Homme pour une cause réductrice. Sa vie c'est écrire.

Œuvres principales.

"Le Désert des Tartares".

Son principal succès est "Le Désert des Tartares" publié en 1940 (traduit en français en 1949) et adapté au cinéma par V. Zurlini en 1976. Ce roman, devenu un classique, décrit un « présent perpétuel et interminable » à travers la vie de Giovanni Drogo, un soldat, attendant vainement l'attaque ennemie de la forteresse isolée dont il a la garde. L'écrivain traite de façon suggestive et poignante de la fuite vaine du temps, de l'attente et de l'échec, dans le cadre d'une garnison postée dans un vieux fort isolé à la frontière où le lieutenant Drogo attend la gloire dont le privera la vieillesse et la maladie. En effet, après une longue carrière ritualisée par les activités routinières de la garnison du vieux fort Bastiani, il voit se préciser enfin l'attaque des Tartares, dont l'existence semblait de plus en plus mythique. Cependant, évacué pour des raisons médicales, Drogo ne peut participer au combat et se trouve rendu, au seuil de sa mort, à la vacuité de sa vie.  Ce thème existentiel est aussi présent dans un de ses derniers écrits moins connus, publié de manière posthume, "Le régiment part à l'aube" où le héros, ancien militaire, lutte contre la mort jusqu'à l'aube, et fait le bilan de sa vie avant de partir « comme le régiment ».

"Un amour".

Cette œuvre publiée pour la première fois en 1963, décrit la passion dévorante d'un quinquagénaire pour une jeune prostituée occasionnelle, ainsi que ses tourments savamment entretenus par elle et par leurs connaissances communes. Au terme d'un calvaire, la fin brutale de leur relation fait pourtant place chez lui à une angoisse bien plus grande, qu'il essayait inconsciemment de fuir à travers sa passion et qui est celle de sa mort inéluctable et maintenant proche : on peut croire acheter la jeunesse d'une personne, mais on ne peut pour autant retrouver la sienne. C'est l'un de ses romans aujourd'hui les plus connus, bien qu'ayant été un échec à sa parution.

"Le K".

"Le K" est un recueil de nouvelles publié pour la première fois en Italie en 1966 sous le titre "Sessanta racconti". La première nouvelle, "Le K" ("Il colombre" dans sa version originale) est une nouvelle fantastique qui raconte l'histoire d'un garçon, Stefano, poursuivi par un monstre marin aux allures de requin géant, appelé « le K ».

Annexes.

Bibliographie.

Une abondante bibliographie de l'auteur est publiée en italien ; pour les ouvrages en français, par ordre chronologique de publication :

Dino Buzzati Traverso, connu sous le nom de Dino Buzzati, né le à San Pellegrino di Belluno en Vénétie, mort le à Milan, est un journaliste (au "Corriere della Sera"), peintre et écrivain italien dont l'œuvre la plus célèbre est le roman intitulé "Le Désert des Tartares". De son métier de journaliste lui vient l'habitude de chercher des thèmes et des récits de la vie quotidienne et d'en faire ressortir l'aspect insolite, parfois fantastique.

Dino Buzzati (16. října 1906 – 28. ledna 1972), celým jménem Dino Buzzati Traverso, byl italský spisovatel, básník, novinář a malíř. Nejslavnějším jeho dílem je román "Il deserto dei Tartari" (1940), česky "Tatarská poušť" (1989).


Vie et carrière.

Née à Redditch dans le Worcestershire (Angleterre), elle vit avec son père dans la Old Hyde Farm à Cutnall Green. C'est à cet endroit que John Bonham tournera les scènes qui lui sont consacrées dans The Song Remains the Same. C'est là aussi que Deborah commence à jouer et à enregistrer avec son neveu Jason Bonham, qui participera à plusieurs de ses albums.  Quand Led Zepplin se forme, Deborah n'a que six ans. Elle vit alors avec son père dans la Old Hyde Farm à Cutnall Green. C'est à cet endroit que John Bonham tournera les scènes qui lui sont consacrées dans The Song Remains the Same. C'est là aussi que Deborah commence à jouer et à enregistrer avec son neveu Jason Bonham, qui participera à plusieurs de ses albums.  À l'âge de 17 ans, elle enregistre ses premières démos dans la demeure de Robert Plant dans un village voisin. Suivant les conseils et les encouragements du chanteur de Led Zeppelin, elle envoie anonymement ses chansons à plusieurs maisons de disque et obtient très vite son premier contrat chez Carerre Records en 1985. Elle enregistre son premier album, For You and the Moon, sous le nom de Debbie Bonham. L'album, encensé par la critique, atteindra le top 5 du hit-parade de NME. Le DJ Simon Bates le choisira comme album de la semaine sur la station BBC Radio 1. L'album se vend bien en Europe et est élu "album de l'année" par le magazine allemand Musik Mart.  Deborah enregistre ensuite un temps pour le label japonais Sam Corporation et donnera, entre autres, des entrevues pour le magazine "Burrn!" et la chaîne de radio J-Wave. En 1995, elle sort le single "Perfect World" chez label anglais RPM records. Elle consacre l'année suivante à la création d'un nouveau groupe ainsi qu'à la composition de nouvelles chansons. Elle donne également une série de concerts. Elle est notamment en tête d'affiche du Belfast Festival. Au début de l'année 1997, elle se rend pour la première fois aux États-Unis, où elle retournera à maintes reprises. Elle y donne un concert lors du premier de nombreux voyages aux États-unis. Elle joue en direct sur la chaîne de radio Rockline de Los Angeles lors d'une émission suivie par trois millions d'auditeurs. Elle donne également un concert en compagnie de Jason Bonham et son groupe au Whisky a Go Go à Los Angeles. Dans la même ville, Deborah joue aussi en première partie des concerts du Jason Bonham Band, avec Slash et Terry Reid comme invités, notamment à la House of Blues. Deborah participe aussi à de nombreux festivals, dont celui de Glastonbury et la Fairport's Cropredy Convention.  En 2004, elle sort son deuxième album, The Old Hyde, chez le label Track et part en tournée. Aucun de ses deux premiers albums sont sortis aux États-unis. En juin 2008, elle enregistre son troisième album, "Duchess", chez ATCO de Rhino Records, qui sort aux États-unis. Deborah chante sur "Hold On" en duo avec Paul Rodgers. En 2013, elle sort un quatrième album, "Spirit", auquel participe Robert Plant.  Deborah Bonham est aussi partie en tournée et a joué avec Van Halen, Alannah Myles, Tim Rose, Uli Jon Roth, Humble Pie, Donovan, Lonnie Donegan, Jools Holland, Foreigner, Robert Plant et Paul Rodgers.

Deborah Bonham (née le 7 février 1962) est une chanteuse britannique de rock et de blues. Elle est la sœur de John Bonham, le batteur du groupe Led Zeppelin.

Deborah Bonham (* 7. února 1962, Redditch, Worcestershire, Anglie) je anglická rocková a bluesová zpěvačka, sestra Johna Bonhama, který se proslavil jako bubeník legendární skupiny Led Zeppelin.


Historique.

Certains récits disent que les esclaves dupaient l'Église en laissant croire qu'ils vénéraient les saints catholiques, alors qu'en fait, derrière chaque saint, ils vénéraient un orisha équivalent. Mais selon Sixto Gastón Agüero (1959), cité par Kali Argyriadis dans son ouvrage "La religion à La Havane", c'est le mouvement inverse qui s'est produit : c'est l'Église qui a imposé aux esclaves les saints comme des équivalents aux orishas. Il cite le synode papal du, où l'Église ordonna aux prêtres d'ajuster les croyances religieuses africaines aux pratiques catholiques. Il cite également le "Bando de buen gobierno y policía" qui, en 1792, oblige les cabildos africains qui se vouent au culte de leurs divinités à « adorer désormais un saint catholique équivalent ».. En effet, cela supposait de construire une église, d'accorder le repos dominical et d'assurer la possibilité de manger maigre, ce qui entraînait des coûts jugés prohibitifs. Les Espagnols ont donc nommé cette pratique "santería", avec un côté péjoratif, mais ses pratiquants préfèrent le terme "lukumi" (ou "Regla de Ocha").  Les religions polythéistes ne procèdent pas par exclusions des autres religions mais s’approprient la sagesse, les représentations divines, les paroles d’une autre croyance et les mêlent à la leur pour l’enrichir et la développer. Ainsi à Cuba, quand les santeros fréquentent les églises et accomplissent des actes de dévotion comme tous les chrétiens, au lieu de prier le seul saint catholique, ils adorent en même temps leur divinité, espérant ainsi se concilier la protection des deux.

Croyances.

La religion yoruba est dominée par un dieu suprême Olodumare (ou Olafin ou Olorun ou Olorian), source de l'ashé — l'énergie spirituelle de l'Univers — qui a envoyé sur Terre des émissaires, demi-dieux humains, appelés "orishás" qui sont la personnification de la nature.  Les "orishás", en outre, veillent à ce que chaque mortel accomplisse le destin qui lui a été destiné à sa naissance. Ceux qui ne l'accomplissent pas suivent le cycle des réincarnations successives. Cette croyance est semblable à celle de l'hindouisme et du bouddhisme.  Le « Bembe » est une des cérémonies possibles pour célébrer les orishas originaire d'un peuple nommé Iyesa à Cuba.  Un véritable adepte de la "Regla de Ocha" est une personne qui a été initiée à la religion. Les prêtres ("babalawos") ont déterminé l'orisha qui gouverne sa vie et l"'obba" (un autre prêtre qui préside aux initiations) a « installé » cet osha dans la tête (ori) de la personne au cours d'une cérémonie appelée Kariocha (Asiento, Coronacion). À l'issue de cette cérémonie la personne devient un "iyawo" (« novice ») et doit se vêtir de blanc et obéir à des règles strictes pendant le temps prescrit par le "babalawo". À la fin de cette période, il accomplit une cérémonie (de confirmation) appelée Ebbo et devient un "omo orisha" (« fils d'orisha »). Par exemple, il devient un "omo Obatala" si son orisha est Obatala. Il est alors un santero confirmé.  Une fois initié, l'adepte peut progresser dans sa religion. Avec la cérémonie du "Pinaldo" (« recevoir le couteau »), il pourra tuer des animaux pour faire des sacrifices. Il peut aussi devenir un "italero" et être habilité à lire l'avenir dans les cauris ("ita"). Éventuellement, il pourra devenir un "babalorisha" (« père d'orisha »), ou une "iyalorisha", ou "iyalocha" (« mère d'orisha »), qui aura parrainé de nouveaux adeptes et les aura initiés à la religion.  Les "babalawos" sont des prêtres qui ont reçu aussi Orula (ou Orunmila) qui est une divinité de la divination. Ce sont des devins qui lisent l'avenir au moyen de noix, le plus souvent de palme, ou d'un "opelé", chaîne de 8 demi-noix qui selon leur manière de retomber (côté convexe ou concave) déterminent des signes appelés "oddus". Il y a 256 "oddus" ; à chacun correspondent un orisha particulier, des chants, des prières des interdits et des conseils. La cérémonie de la « main d'Orula » ("mano de Orula") ou "ikofa" permet de déterminer l"'oddu" qui va gouverner la vie d'un individu et ainsi l'orisha tutélaire de la personne auquel elle pourra plus tard se faire initier. Cette manière de faire est en tout point semblable à ce qui se fait en Afrique (au Nigeria et au Bénin), et Cuba est le seul territoire des Amériques où cette pratique s'est conservée.  Les "obbas" ou "oriaté" sont des prêtres qui se consacrent plus particulièrement à l'initiation de nouveaux fidèles et sont d'ailleurs les seuls habilités à faire la cérémonie de Kariocha. Ils lisent l'avenir dans des coquillages marins (cauris) au cours de la cérémonie de l'Ita.  Les "osainistas" sont des prêtres consacrés à Osain, orisha des herbes, de la forêt, de la médecine et des poissons.  "Ilu bata" est le nom donné à celui qui garde les tambours sacrés, les fameux "batas".  "Omo bata" est le nom donné au joueur de tambour "bata" invité spécialement pour les cérémonies.

Les principaux orishas.

Il y en a un nombre inconnu en Afrique, 24 principaux à Cuba (l'orthographe peut varier) :

La santería, aussi connue sous les noms de Regla de Ocha, Regla de Ifá, Regla de Osha-Ifá, Regla lucumí ou lucumi (s'écrivant également lukumi), est une religion originaire de Cuba dérivée de la religion yoruba.

Santería je náboženství, které mísí katolicismus s kulty západoafrického etnika Yoruba. Jedná se o víru, vzniklou v oblastech kolonizovaných katolickými mocnostmi a osidlované západoafrickými otroky. Mezi místa se značným vlivem santeríe patří Kuba, Portoriko, Dominikánská republika, Panama, Venezuela, Brazílie a země s velkou hispánskou populací jako např. USA.


Propriétés physiques et chimiques.

Ce composé cristallin, de maille cubique à faces centrées, insoluble dans l'eau, relativement dur, inodore, existe dans la nature, il s'agit du minéral. Au laboratoire, cet oxyde basique, antiferromagnétique, cristallise également dans la structure-type cubique et isotrope du chlorure de sodium NaCl, les ions Ni(II) et O(-II) occupant des sites octaédriques. NiO est l'un des premiers isolants de Mott connus.  Comme c'est le cas pour de nombreux oxydes de métaux divalents, est très fréquemment non-stœchiométrique (le rapport Ni/O est légèrement différent de 1). Cette variation explique le changement de couleur, la structure ionique équilibrée tend vers le jaune clair ( très pur) et le vert alors que la structure déséquilibrée par un excès d'oxygène devient verte puis gris vert et que l'apparition d'ion nickel trivalent donne une coloration encore plus sombre, grisée puis noire.  Chauffé lentement à l'air, il se transforme en oxyde de nickel(III) à partir de. Mais ce corps instable à la chaleur se décompose ensuite en et en gaz oxygène.  L'oxyde de nickel juste obtenu à hautes températures, par exemple après calcination classique, est pratiquement insoluble dans les acides et les bases. Mais plus la température interne chute, plus il devient soluble.  Le corps à température ambiante est soluble dans les acides et l'ammoniaque. Il est très facilement soluble dans l'acide nitrique à chaud.  La dissolution en milieu aqueux engendre une couleur verte du fait de la présence des cations complexes vert-pomme.  La dissolution dans l'ammoniaque donne une liqueur de couleur bleue, qui s'explique par les cations complexes.  Il est aussi soluble dans le cyanure de potassium aqueux. En excès de cyanures, il se forme le complexe jaune  Une fois les ions nickel solubilisés en milieu aqueux, l'action de la soude ou de la potasse, ou mieux de la soude caustique ou potasse caustique permet de précipiter l'hydroxyde de nickel vert pomme.  L'oxyde de nickel chauffé au rouge peut être réduit en métal nickel par l'hydrogène.  La réduction à chaud par le carbone, en pratique le charbon actif au laboratoire, ou le monoxyde de carbone dans l'industrie, est également utilisée pour obtenir le corps simple. Porté à la température d'un feu de forge avec du charbon, l'oxyde de nickel donne le corps simple métal nickel.  Chauffé à plus de avec de l'oxyde de sodium ou de l'oxyde de potassium, l'oxyde de nickel donne des ions nickélates en milieu fondu.  L'oxyde de nickel réagit avec l'oxyde de chrome trivalent, en présence d'eau et d'alcali, pour donner le chromate de nickel, des procédés électro-chromiques.

Préparation.

L'oxyde peut être obtenu directement par chauffage à l'air du nickel métal en poudre.  Il peut être obtenu par oxydation modérée de la nickéline ou naturel.  Certains procédés commerciaux partent d'un mélange de poudre de nickel et d'eau, chauffé en autoclave ou milieu fermé à en utilisant de l'oxyde de nickel déjà préparé comme accélérateur de réaction.  Mais la méthode la plus simple au laboratoire consiste en la pyrolyse ou calcination forte de nombreux composés du nickel divalent comme Ni(OH), Ni(NO) ou NiCO. L'oxyde de nickel peut être obtenu chimiquement pur.  Des milliers de tonnes d'oxyde de nickel, matière plus ou moins impures, sont produits annuellement dans le monde, comme intermédiaire de la métallurgie du nickel.

Toxicologie.

Il s'agit d'un produit toxique et cancérigène. La poussière résultant des fumées ou vapeurs s'attaque au système respiratoire, produisant de graves lésions irréversibles. Il est surtout encore plus toxique à l'état finement divisé et chaud.

Usages.

En chimie de spécialités, l'oxyde de nickel noir est un précurseur de nombreux sels de nickel, à partir de traitement par des acides minéraux, et de catalyseurs à base de nickel, notamment d'hydrogénation.  Il s'agit d'un pigment vert des céramiques et des verres (à froid), qui devient jaune à chaud. Il peut être présent dans le verre fritté, les glaçures de céramiques et de porcelaines, ainsi que les ferrites.  Les oxydes frittés sont employés pour produire des aciers alliés plus ou moins fortement au nickel, après réduction contrôlée au monoxyde de carbone. Charles Édouard Guillaume a reçu en 1920 le prix Nobel de physique pour la mise au point des alliages spéciaux, que sont l'invar ou l'élinvar, aux remarquables propriétés physiques.  Si l'oxyde de nickel était un composant des accumulateurs Ni-Fe, dénommée autrefois « batterie d'Edison », il sert toujours dans les piles à combustibles ainsi que dans les batteries au nickel-cadmium rechargeables, ces derniers il est vrai remplacés par les piles rechargeables NiMH. L'oxyde de nickel est un matériau de l'anode des techniques électro-chromiques.

L'oxyde de nickel(II) est un composé chimique ionique comportant en principe un cation de nickel pour un anion oxyde ou d' oxygène, de formule.

Oxid nikelnatý je jedním z oxidů niklu, který je v něm přítomen v oxidačním čísle II. NiO je šedozelená amfoterní práškovitá látka, reaguje s kyselinami za vzniku nikelnatých solí či hydroxidy (alkalických kovů) za vzniku hydroxidu či hydroxidokomplexů. V přírodě ho lze nalézt v podobě minerálu bunsenitu.


Biographie.

Vie privée.

Son père, Icek Judko Perec (1909-1940), et sa mère, Cyrla Szulewicz (1913-1943), tous deux juifs d'origine polonaise, se marient en 1934. Georges Perec naît le, vers dans la maternité du 6 rue de l'Atlas (de Paris). Il passe sa petite enfance au 24 rue Vilin, dans le quartier de Belleville, où sa mère tient un salon de coiffure jusqu'en 1942.  Engagé volontaire contre l'Allemagne dans la guerre franco-allemande de 1939, Icek Perec est mortellement blessé par un obus le. En 1941, la mère du petit Georges, pour lui sauver la vie, l’envoie en zone libre à Villard-de-Lans via un train de la Croix-Rouge. Il y est baptisé. Le petit Georges passe là le reste de la guerre avec une partie de sa famille paternelle, auprès de sa tante et son mari, Esther et David Bienenfeld. Sa mère, arrêtée et internée à Drancy en, est déportée à Auschwitz le de la même année. Georges retourne à Paris en 1945 où il est adopté par les Bienenfeld. Leur fille est l’écrivaine Bianca Lamblin.  De 1946 à 1954, Georges Perec fait ses études à l'école communale de la rue des Bauches (Paris XVI) avant d'intégrer le lycée Claude-Bernard, puis le collège Geoffroy-Saint-Hilaire d'Étampes où il aura comme professeur Jean Duvignaud (avec qui, entre autres, il fondera en 1972 la revue "Cause commune"). En 1954, après une hypokhâgne au lycée Henri-IV, il commence des études d'histoire qu'il abandonne rapidement.  De à, il fait son service militaire à Pau, dans un régiment de parachutistes. À Paris en 1959, Georges Perec rencontre Paulette Pétras, étudiante à la Sorbonne, et ils se marient le. Paulette Pétras étant nommée enseignante à Sfax en Tunisie, le couple s'y installe mais revient l'année suivante. Perec devient en 1962 documentaliste en neurophysiologie au CNRS. Il se sépare de Paulette en 1969, mais ils ne divorceront jamais, restant malgré tout étroitement liés jusqu'à la mort de Perec. On lui doit le titre de l'ouvrage "Les Choses" et elle participe aussi aux rencontres destinées à créer des phrases sans la lettre « e », pour "La Disparition". Bibliothécaire à la Bibliothèque nationale, Paulette Perec contribue professionnellement à la constitution de son œuvre : elle écrit des textes, une chronique de sa vie, produit l’inventaire de ses archives et réalise des activités de médiation autour du projet littéraire de Georges Perec.  Profondément marqué par la disparition de ses proches (notamment ses parents pendant la guerre), Georges Perec entame une psychothérapie avec Françoise Dolto en 1949. Il entreprend ensuite deux psychanalyses : en 1956 avec Michel de M'Uzan, puis de 1971 à 1975 avec Jean-Bertrand Pontalis.  Il vit les six dernières années de son existence avec la cinéaste Catherine Binet dont il produit le film "Les Jeux de la comtesse Dolingen de Gratz". Georges Perec meurt d'un cancer du poumon le à l’hôpital Charles-Foix d’Ivry-sur-Seine et ses cendres reposent désormais au columbarium (case 382) du cimetière du Père-Lachaise à Paris.

L’écrivain.

En 1955, il s'essaye à un premier roman qu'il intitule "Les Errants", dont le manuscrit est à ce jour perdu. En 1957, il part pour un long séjour en Yougoslavie, décor d'un nouveau projet de roman, qu'il intitule "L'Attentat de Sarajevo". Vers 1960-1961, il rédige un troisième projet de roman, qui fut refusé. Il poursuit son exploration du genre romanesque avec un quatrième projet intitulé "J'avance masqué" durant l'année 1961, dont le manuscrit est à ce jour perdu également.  En 1965, il remporte le Prix Renaudot pour son premier roman "Les Choses", puis, en, par l'intermédiaire de son ami, le peintre Pierre Getzler, beau-frère de Jacques Roubaud, il rencontre ce dernier et est coopté pour entrer à l'Oulipo. Cette cooptation marque un point important dans son œuvre littéraire puisque désormais ses textes suivront en général des contraintes de type oulipien. Perec est, avec Raymond Queneau et Italo Calvino, l'un des membres de l'Ouvroir dont les ouvrages ont eu le plus de succès.  À partir de 1976, il publie des mots croisés à un rythme hebdomadaire dans l'hebdomadaire "Le Point", soit un total de 135 grilles jusqu'en 1982.  En 1978, il publie "La Vie mode d'emploi" et reçoit pour cette œuvre le prix Médicis. Au même moment, il quitte son emploi au CNRS afin de se consacrer entièrement à l’écriture consécutivement au succès de cette œuvre.

Œuvre.

Romans.

Georges Perec s'est fait connaître dès la parution de son premier roman, "Les choses. Une histoire des années soixante", publié par Maurice Nadeau dans sa collection des Lettres nouvelles, chez Julliard. Cet ouvrage, qui restitue l'air du temps à l'orée de la société de consommation, est couronné par le prix Renaudot en 1965 et rencontre un vif succès.  Ayant signé chez Denoël pour ses cinq prochains livres, il surprend avec son opus suivant, "Quel petit vélo à guidon chromé au fond de la cour?" La critique est déroutée : elle ne retrouve pas l'auteur qu'elle connaissait — un fin observateur de la vie quotidienne — dans ce roman faussement drolatique, au ton primesautier, au comique basé sur la récurrence d'une incertitude onomastique et, qui plus est, doté d'un index savamment incomplet.  "Un homme qui dort", portrait d'une solitude urbaine autant inspiré par Kafka que par le "Bartleby" de Melville, achève de classer son auteur parmi les inclassables, ce que confirme "La Disparition", premier roman oulipien de Perec. Au-delà de la prouesse lexicographique de ce roman lipogrammatique qui ne comporte aucun « e », Perec reprend aussi sa thématique de l'absence, et la douleur qu'elle engendre.  Il inverse ensuite la contrainte lipogrammatique dans "Les Revenentes", où il n’utilise que la voyelle « e » à l’exclusion de toutes les autres, même au prix de libertés orthographiques (c'est donc aussi un lipogramme, puisque les lettres a, i, o, u et y n'y sont pas utilisées ; c'est même un lipogramme d'un genre particulier, à savoir un monovocalisme en e).  Georges Perec oublie la forme romanesque en publiant la relation de cent vingt-quatre de ses rêves ("La Boutique obscure", 1973) et un livre examinant son rapport à l'espace, de celui de la page blanche à l'espace du vide sidéral, en passant par l'espace urbain ("Espèces d'espaces", 1974).  Ensuite il achève "W ou le souvenir d'enfance", qui paraît en 1975. Très estimé, ce grand roman moderne obtient un succès critique qui place son auteur parmi les meilleurs de son temps. L'alternance binaire d'une fiction fascisante et d'une écriture autobiographique fragmentaire adosse une histoire collective fantasmée au destin singulier de l'orphelin qu'est l'auteur.  "Alphabets" est la transposition en poésie d'un principe de la musique dodécaphonique : ne pas réutiliser une consonne d'un ensemble avant d'avoir fait usage de toutes les autres consonnes du même ensemble.  La consécration atteint Georges Perec en 1978 avec la publication de "La Vie mode d'emploi". Cet ouvrage, qui arbore en couverture le mot « romans » obtient le prix Médicis et un grand succès public, qui permet à son auteur de se consacrer exclusivement à son art : il abandonne son travail de documentaliste. Cet incroyable enchevêtrement de contraintes est probablement son livre le plus abouti. Georges Perec y explore de façon méthodique la vie des différents habitants d'un immeuble, selon une contrainte de circulation : la polygraphie du cavalier. À cette première contrainte s'ajoutent de nombreuses autres, qui sont ordonnées selon un bi-carré latin orthogonal d'ordre 10. Bien que ces contraintes soient peu évidentes à la lecture de ce livre-puzzle, elles ont été mises à la disposition du lecteur par l'édition du "Cahier des charges de La Vie mode d'emploi" (CNRS/Zulma, 1993).  Il voit trois derniers ouvrages publiés : en 1979, le roman "Un cabinet d'amateur", histoire d'un tableau (Balland) et, en 1980, "La Clôture et autres poèmes" et "Récits d'Ellis Island", histoires d'errance et d'espoir. Mais il n'achève pas son roman "« 53 jours »" et qui sera publié après sa mort.

Radiophonie.

Comme d'autres auteurs français des années 1960, Georges Perec a également, en Allemagne, une activité d'auteur radiophonique. Sa pièce "Die Maschine" (écrite avec Eugen Helmlé) remporte un grand succès lors de sa radiodiffusion par le Saarländischer Rundfunk. Elle sera suivie de quatre autres pièces, dont certaines seront également jouées au théâtre en France ("Wucherungen", devenue "L'Augmentation" pour la mise en scène de Marcel Cuvelier en ).  Installé dans un car studio au carrefour Mabillon à Paris, Perec décrit pendant plus de six heures le spectacle de la rue : "Tentative de description de choses vues au carrefour Mabillon le " est un essai radiophonique diffusé sur France Culture le, dans une réalisation de Nicole Pascot.

Le jeu de go.

Après la parution de "La Disparition", Georges Perec publie avec Jacques Roubaud et Pierre Lusson un traité sur le jeu de go, qu'il pratique notamment au moulin d'Andé ; il est l'un des premiers joueurs de go français, bien que son niveau soit toujours resté faible. Il mène de front plusieurs travaux d'écriture.

Feuilleton littéraire.

Il pratique l'écriture feuilletonnesque à partir du de la "Quinzaine littéraire", le bimensuel de Maurice Nadeau, où il livre ce qui deviendra la partie fictionnelle de "W ou le souvenir d'enfance". Mais la noirceur de son invention déroute le lectorat. Éprouvant par ailleurs des difficultés d'écriture, Georges Perec interrompt cette publication périodique.

Cinématographie.

Entre 1973 et 1975, il écrit deux épisodes de la série télévisée documentaire "Chroniques de France" produites par Fred Tavano (dont la n° 95). Il accepte ensuite que soit porté à l'écran son roman "Un Homme qui dort", sous la direction de Bernard Queysanne. Au-delà de l'interprétation de l'unique acteur du film, Jacques Spiesser, du travail sur la bande son effectué par Philippe Drogoz (qui fut diffusée à la radio) et de la photographie opérée par Bernard Zitzermann, le film est récompensé par le prix Jean-Vigo en 1974. L'année suivante, il écrit et prête sa voix pour un épisode de "La Vie filmée des Français", une série documentaire télévisuelle de Jean Baronnet conçue à partir d'archives de films 9,5 mm Pathé-Baby. Il travaille sur le scénario original de "Ahô... au cœur du monde primitif", un documentaire canadien réalisé par Daniel Bertolino et François Floquet, sorti le. Il retrouve Queysanne dans l'écriture du épisode de la série "Cinéma 16", intitulé "L'Œil de l'autre", diffusé le sur FR3.  En 1978, il participe à l'écriture et aux dialogues de "Série Noire" (1979) d'Alain Corneau ainsi qu'au scénario du dernier film de Jean-François Adam, "Retour à la bien-aimée". Le est diffusé à la télévision son unique réalisation, "Les Lieux d'une fugue", court métrage élaboré avec Bernard Zitzermann, et raconté par Marcel Cuvelier.  En 1979, Perec filme ensuite à Ellis Island avec Robert Bober l'exploration de leurs racines juives communes dans "Récits d'Ellis Island" (1980).  Il produit enfin le film "Les Jeux de la comtesse Dolingen de Gratz" (1980) écrit et réalisé par sa compagne Catherine Binet.

Les exercices de style.

Jouer et notamment jouer avec les mots est une des caractéristiques fortes des travaux de Perec. En plus d'ouvrages remarquables, comme "La Disparition" et "Les Revenentes", il a créé de nombreux exercices de style :

Postérité.

L'Association Georges Perec.

Créée à la fin de l'année 1982 par Éric Beaumatin, l'Association Georges Perec a « pour but de promouvoir la lecture, l'étude et le rayonnement de l'œuvre de Georges Perec et de développer, de conserver et exploiter un fonds documentaire qui est sa propriété et dont la vocation est publique ». Ce fonds documentaire comprend la quasi-totalité des éditions françaises et étrangères des œuvres de Perec, ainsi que des études consacrées à cet auteur. Elle accueille également les travaux universitaires, francophones ou non, se rapportant à celui-ci.  Sise à Paris, à la bibliothèque de l'Arsenal, l'Association Georges Perec accueille les chercheurs lors de sa permanence hebdomadaire. Elle organise un séminaire précédemment mensuel, maintenant annuel, où, depuis 1986, des chercheurs viennent présenter leurs travaux. Elle publie un bulletin bisannuel interne ainsi que les "Cahiers Georges Perec".

Hommages.

Odonymie.

Sont nommés en hommage à Georges Perec :

Astronomie.

L'astéroïde (2817) Perec, découvert en 1982, porte son nom.

Philatélie.

La Poste française a édité un timbre "Georges Perec 1936-1982" dessiné par Marc Taraskoff, d’après une photo d'Anne de Brunhoff, et gravé par Pierre Albuisson, émis le.

Web.

Le, soit 80 ans après sa naissance, Google lui dédie un doodle.

Annexes.

Bibliographie.

Revues.

Les "Cahiers Georges Perec".

Les "Cahiers Georges Perec" sont une publication de l'Association Georges Perec, dédiée aux études consacrées à celui-ci.

Georges Perec est un écrivain et verbicruciste français né le à Paris et mort le à Ivry-sur-Seine (Val-de-Marne). Membre de l'Oulipo à partir de 1967, il fonde ses œuvres sur l'utilisation de contraintes formelles, littéraires ou mathématiques, qui marquent son style.

Georges Perec (7. března 1936, Paříž – 3. března 1982, Ivry-sur-Seine, Francie) byl francouzský spisovatel. Pocházel z polské židovské rodiny a již v dětství přišel o oba rodiče (otec zahynul v řadách francouzské armády v bojích 2. světové války, matka v koncentračním táboře Osvětim). Matka ho roku 1941 nechala pokřtít, pofrancouzštěla jeho jméno z Peretz na Perec a odeslala ho vlakem Červeného kříže do Villard-de-Lans. Tím mu zřejmě zachránila život. Po válce se Perec vrátil do Paříže a byl adoptován sestrou svého otce. S válečnými zážitky se vyrovnával na psychoterapii u Françoise Dolto, léčení podstoupil roku 1949. Roku 1956 podstoupil rovněž psychoanalýzu u Michela de M'Uzana.


Localisation.

Les récepteurs nicotiniques de l'acétylcholine (nAChRs), en plus de leur rôle primordial dans la transmission neuromusculaire et motrice autonome, sont impliqués dans diverses fonctions au niveau du système nerveux central, en particulier dans le contrôle des mouvements volontaires, la mémoire et l'attention, le sommeil et la veille, la douleur et l'anxiété. Il est principalement présent dans le système nerveux autonome. En effet, dans ce système, composé des systèmes parasympathique et orthosympathique régulant les fonctions basales de l'organisme (la vie végétative), l'acétylcholine (ACh) est un neurotransmetteur privilégié de certaines synapses. Le récepteur nicotinique de l'acétylcholine est également préférentiellement situé sur la plaque motrice, dans le cadre de la transmission des influx nerveux moteurs. L'acétylcholine peut également se fixer sur des récepteurs muscariniques, notamment au niveau du cœur. Elle y joue un rôle d'inhibiteur afin de ralentir le rythme cardiaque par modifications au niveau du nœud sinusal. En effet, sa fixation active une protéine GK qui activera à son tour une protéine canal potassique. L'augmentation de la concentration des ions potassium entraine une hyperpolarisation permettant l'inhibition et le ralentissement de la fréquence cardiaque.

Structure.

Les récepteurs nicotiniques de l'acétylcholine sont des homo- ou hétéro-pentamères transmembranaires de poids moléculaire. Ils sont constitués de 5 sous-unités (α2βγδpour le récepteur musculaire). Chaque sous-unité est composée principalement de deux domaines: extracellulaire et membranaire. Le domaine extracellulaire forme le site de fixation des ligands à l'interface entre deux sous-unités (dont une sous-unité α). Le domaine membranaire forme un tunnel, ou canal, permettant le passage à travers la membrane des ions sodium, potassium ou calcium. Ce sont donc des canaux cationiques relativement peu sélectifs. Les nAChRs contiennent tous les éléments nécessaires à la conversion d'un signal chimique (libération d’ACh dans la synapse) en message électrique (de dépolarisation de la membrane cellulaire) : les sites de reconnaissance de l'ACh et un canal cationique qui sont couplés l'un à l'autre.

Activation.

L'analyse électrophysiologique des nAChRs montre que l'application rapide d’acétylcholine (ACh) provoque l'ouverture transitoire du canal, alors que l'application prolongée d'ACh conduit à une importante diminution de la réponse ou « désensibilisation ». Les phénomènes d'activation et de désensibilisation sont classiquement interprétés dans le cadre d'un modèle dans lequel la protéine est spontanément en équilibre entre un état basal, activable par l'ACh, un état actif où le canal est ouvert et un (ou plusieurs) état(s) désensibilisé(s) réfractaire(s) à l'activation. Les ligands stabilisent l'état pour lequel ils ont une plus haute affinité : les agonistes, comme la nicotine, stabilisent l’état actif alors que les antagonistes, notamment les toxines, stabilisent l’état de repos. D'un point de vue structural la fixation d'agoniste entraîne un changement de conformation de ce complexe protéique, qui augmente la taille du canal permettant l'entrée d'ions chargés positivement. Cette entrée de cations entraînera une dépolarisation, donc une excitation de la cellule conduisant ainsi à une contraction musculaire ou à une dépolarisation propagée aboutissant à la libération d'un neurotransmetteur.

Pharmacologie.

L'agoniste endogène est l'acétylcholine mais la nicotine est également un agoniste important: il donne son nom au récepteur et sa fixation est responsable de la dépendance au tabac. Le curare bloque l'activité de ces récepteurs ce qui peut entraîner une paralysie. Certains curares sont ainsi utilisés pour permettre la chirurgie. Ils sont également la cible de venins de serpent (α-bungarotoxine).  Des chercheurs du Centre médical de l'université de Georgetown aux États-Unis ont montré que le menthol, présent dans les cigarettes mentholées, désensibilise les récepteurs nicotiniques, permettant aux fumeurs de ne pas être irrités par la fumée et donc d'inhaler plus en profondeur.

Le récepteur nicotinique de l’acétylcholine est un récepteur ionotrope perméable aux ions sodium ainsi qu'aux ions K (canal cationique non spécifique), sensible à l'acétylcholine. Il tient son nom de l'un de ses agonistes, la nicotine, par opposition aux récepteurs muscariniques (récepteurs métabotropes). Il fait partie de la super-famille des récepteurs-canaux nicotinoïdes.

Nikotinový acetylcholinový receptor (NAChR) je ligandem ovládaný iontový kanál ve formě pentameru lokalizovaný na postsynaptické membráně. Jeho endogenním agonistou je acetylcholin, exogenním pak nikotin. Vazba acetylcholinu vyvolá otevření kanálu a tok kationtů skrze kanál, což způsobí depolarizaci postsynaptické membrány. Reverzibilním blokátorem tohoto receptoru je šípový jed kurare, ireverzibilními blokátory jsou např. α-bungarotoxin (v jedu korálovcovitých hadů rodu "Bungarus") a najatoxin (v jedu hadů rodu "Naja" – kobra).


Biographie.

Fille de Charles-Louis, margrave héritier de Bade et d'Amélie de Hesse-Darmstadt, elle était la sœur cadette de l'impératrice Louise-Augusta de Bade, épouse du tsar Alexandre de Russie, ce qui contribua à son mariage, le 31 octobre 1797, à Stockholm, avec le roi Gustave IV Adolphe de Suède.  Les princesses de Bade étaient renommées pour leur beauté. Le mariage de Louise-Auguste qui, à 14 ans, épousa le futur Alexandre Ier de Russie ouvrit la" carrière" de ses sœurs. Confrontés aux assauts de la Révolution Française régicide, les souverains européens faisaient blocs et les plus faibles d'entre-eux recherchaient la protection des plus puissants. Être le beau-frère du tsar était une place enviable qui permettait d'en imposer tant aux révolutionnaires français qu'à l'empereur germanique. La sœur aînée de Louise-Augusta, Caroline, épousera en 1797 le futur Maximilien Ier de Bavière. Elle sera la mère de la fameuse archiduchesse Sophie et la grand-mère de l'empereur François-Joseph. Marie épousera en 1802 le duc de Brunswick avant de mourir prématurément. La cadette Wilhelmine deviendra grand-duchesse de Hesse en épousant Louis II et sera la mère de la tsarine Maria Fiodorovna (épouse d'Alexandre II), et l'arrière-grand-mère de la tsarine Alix et de son mari le tsar Nicolas II.  En 1801, le margrave héréditaire Charles-Louis de Bade et la margravine née Amélie de Hesse-Darmstadt, parents de la reine Frédérique, font un séjour en Suède. Le 16 décembre, au cours d'une promenade en traîneau, le margrave héréditaire fait une chute mortelle. La reine Frédérique se tient auprès de sa mère. C'est son jeune frère le margrave Charles qui devient l'héritier du trône de Bade. Le margravait, voisin de la France révolutionnaire puis impériale, subit l'influence de son puissant voisin qui lui impose son alliance et l'élève en 1805 au rang de grand-duché. En 1811, le grand-duc Charles Ier de Bade, grand-père de la reine de Suède, s'éteint à l'âge de 83 ans. Le frère de la reine Frédérique devient grand-duc sous le nom de Charles II de Bade à l'âge de 25 ans.

Une cour très libérée.

Arrivée à 16 ans dans une cour étrangère, la jeune reine de Suède donne rapidement un héritier au trône de Suède et, après la naissance de son fils en 1799, elle est devenue plus à l'aise dans sa position de reine. En 1800, elle a été couronnée à Norrköping.  Si son mariage est souvent considéré comme heureux, la jeune princesse issue d'une petite cour allemande protestante découvre une cour aux mœurs dissolues.  Le roi était beaucoup plus intéressé par le sexe qu’elle. Plusieurs fois, le roi a été retardé pendant des heures dans la chambre de la reine. Si bien, qu’un matin, les membres du parlement ont dû l'interrompre et demander au roi « " d’aller voir sa maîtresse pour ne pas trop épuiser la santé de la reine " ». La reine a été choquée des mœurs libérales de la cour de Suède au point qu’elle s'en est étonnée auprès de sa famille d'accueil que « " tout le monde à un amant " » et sur les rumeurs de bisexualité de la duchesse royale Hedwige-Élisabeth-Charlotte de Schleswig-Holstein-Gottorp.  Quand une pièce frivole de la reine a été jouée à l'Opéra par une troupe de théâtre français, le roi impose la clôture de la Royal Swedish Opera en 1806 (même si officiellement c'est en raison des coûts), elle est restée fermée jusqu'en 1809.  La même année, le conflit avec la Russie fait perdre le Grand-duché de Finlande au Royaume de Suède (soit la moitié du territoire). Un coup d'état provoque le renversement du roi.

L'alliance Russe.

Cherchant une alliance avec la Russie bien qu'il eut refusé d’épouser, la Grande-duchesse Alexandra Pavlovna de Russie (qui refusait de changer de religion), et une princesse de Mecklembourg, la duchesse Louise-Charlotte de Mecklembourg-Schwerin, parce qu'il avait entendu dire qu’elle n'était pas belle, le roi de Suède avait arrangé le mariage lui-même parce que Frédérique était la sœur de l'impératrice de Russie. Le roi de Suède, comme ses pairs, est hostile à la France révolutionnaire puis à l'Empire napoléonien qu'il considère comme son héritier et fait entrer la Suède dans les Troisième et Quatrième coalitions anti-françaises, dont l'Angleterre est le pivot.  En 1807,pendant la guerre avec la France, Frédérique a essayé d’intervenir politiquement. Sa sœur, l'impératrice de Russie, lui a adressé une lettre par l'intermédiaire de leur mère, Amélie de Hesse-Darmstadt, demandant qu’elle utilise son influence de conseillère auprès du roi afin de faire la paix avec la France.  La France impose son alliance à la Russie, défaite à Friedland, par le Traité de Tilsit. Le Danemark rejoint peu après cette alliance mais le roi de Suède s'obstine à mener une politique pro-britannique. La Russie, humiliée par ses défaites face à la France, cherche une revanche par une victoire facile sur la Suède. La Guerre de Finlande est une terrible défaite suédoise qui doit céder à la Russie la moitié de son territoire.

La chute et l'exil.

Elle a été déchue de son rang en 1809 à la suite de l’abdication de Gustave, elle et ses enfants sont gardés à Haga. Lors de son assignation à résidence, elle a reçu plus de sympathie pour elle que sur l’ensemble de son règne pour son comportement digne. Certainement grâce à l’intervention de la nouvelle reine, Hedwige-Élisabeth-Charlotte, elle a pu être réunie avec son mari après le couronnement du nouveau roi.  Il lui a été proposé, au vu de la « noblesse de ses sentiments », de devenir la régente pour son fils mineur. Mais elle a refusé car elle souhaitait partager l’exil de son mari et de ses enfants. La famille s'installe à Karlsruhe puis à Baden, mais son mari ne tient pas en place. Elle-même a refusé les rapports sexuels car elle « "ne souhaite pas donner naissance en exil" ». Elle tient aussi à vivre une vie de style royal, alors qu'il préfère une vie plus simple : une vie de famille. Ils ont divorcé en 1812. Après le divorce, elle place ses enfants, dans le cadre d'une mise sous tutelle, auprès de leur oncle, le tsar Alexandre de Russie.  L'ex-souveraine montre sa reconnaissance à ses partisans qui l'ont suivi dans son exil en les « recasant » auprès de sa parentèle régnante. Parmi ceux-ci, Marianne Koberwein devient dame de compagnie de la grande-duchesse Alexandra Feodorovna de Russie, épouse du grand-duc Nicolas Pavlovitch. Le grand-duc et la dame de compagnie deviendront amants et seront en 1825 les parents de la femme-peintre niçoise Joséphine Koberwein.

Les Bonaparte, les Hochberg, les Bernadotte.

Comme tous les membres des Maisons souveraines de son temps, la reine Frédérique considère l'Empereur des Français comme un parvenu. Aussi se sentira-elle humiliée quand, en 1806, son frère cadet, le grand-duc héritier Charles épouse Stéphanie de Beauharnais, une nièce du premier mari de l'impératrice des Français, que Napoléon a adopté et créé « princesse impériale » pour l'occasion. Le futur grand-duc, beau-frère du tsar de Russie et du roi de Suède, ne cache pas son admiration pour le souverain Français. Cependant, la jeune belle-sœur, Française et catholique, saura conquérir sa belle-famille et les cours européennes par son tact et sa dignité.Le couple Badois sera les parents de cinq enfants. Leurs deux fils mourront au berceau. La mort de l'aîné paraîtra suspecte et l'on verra plus tard en Kaspar Hauser, l'héritier légitime du trône de Bade.  Reine en exil, l'ex-souveraine a peu de moyens et peu de liberté d'action. Les comtes de Hochberg, enfants morganatiques de son grand-père, ayant été déclarés dynastes en 1817, un mariage est arrangé par le grand-duc Louis Ier de Bade (1763-1830) afin d'asseoir la légitimité de l'aîné d'entre-eux et, en 1819, le prince Léopold, devenu héritier du trône de Bade, épouse la fille aînée de la reine Frédérique, la princesse Sophie de Suède - qui sera soupçonnée d'être l'inspiratrice du meurtre de Kaspar Hauser pour asseoir le pouvoir de son mari. La reine n' a pu refuser cette union.  Le roi Gustave IV, déchu de son trône, le prince héritier mineur ne pouvant régner, la couronne fut confiée à l'oncle de l'ex-souverain qui régna sous le nom de Charles XIII de Suède. Celui-ci n'avait pas d'enfant et était âgé. La recherche d'un héritier était impérative et urgente. Le choix s'arrêta sur un maréchal d'empire Français, Jean-Baptiste Bernadotte, qui fonda la nouvelle dynaste suédoise au détriment de la Maison légitime. En 1881, le mariage du futur Gustave V de Suède avec la princesse Victoria de Bade, arrière-petite-fille du roi Gustave IV et de la reine Frédérique, réconcilia les deux familles en apportant aux Bernadotte le sang légitime des Vasa.  La princesse Frédérique de Bade, ex-reine de Suède, mourut le 25 septembre 1826, à Lausanne d'une maladie cardiaque à l'âge de 45 ans. Elle est enterrée à Pforzheim.  Les communautés de Fredrika (1799), Dorotea (1799) et Vilhelmina (1804), situées en Laponie suédoise, ont été nommées en son honneur.

Ses enfants.

Cinq enfants sont nés de cette union :

Frédérique Dorothée Wilhelmine de Bade (en allemand : "Friederike von Baden", en suédois "Fredrika av Baden"), née le à Karlsruhe (Margraviat de Bade) et décédée le à Lausanne (Suisse), reine consort de Suède-Finlande de 1797 à 1809, épouse du roi Gustave IV Adolphe de Suède.

Frederika Dorotea (německy "Friederike Dorothea Prinzessin von Baden") (12. března 1781, Karlsruhe – 25. září 1826, Lausanne) byla rodem bádenská princezna a jako manželka švédského krále Gustava IV. Adolfa švédská královna.


Biographie.

1976-1978 : The Runaways.

Cherie Currie grandit dans la ville de San Fernando Valley. Enfant, elle pratique fréquemment le skateboard et le surf. Elle a moins de 16 ans quand elle entre dans le groupe The Runaways aux côtés de Joan Jett, Lita Ford, Sandy West et Jackie Fox. C'est lors de son audition, pour tester ses qualités de chanteuse, que le groupe en cours de formation compose Cherry Bomb. La chanson restera comme un grand succès populaire et critique. Currie restera 2 ans dans le groupe, et aura pendant cette durée une liaison avec Joan Jett. Elle dira également l'avoir « déjà fait » avec Sandy West. Pendant le "Live in Japan" du groupe au sommet de sa célebrité, elle interprète "Cherry Bomb" habillée d'un bustier, l'évènement restant une de ses prestations les plus notables. Elle quittera le groupe à 18 ans à peine..

Après "The Runaways".

Après la période The Runaways, Currie entame une carrière d'actrice. Elle apparaît dans des films avec Jodie Foster et Scott Baio (Foxes) ou encore Demi Moore.  En 1978, elle sort un album solo intitulé "Beauty's Only Skin Deep". En 1980, elle sort un deuxième album, en duo avec sa sœur Marie, "Messin 'With The Boys".  Currie écrit un livre relatant sa période du groupe "The Runaways" : "Neon Angel A memoir of a Runaway". L'ouvrage inspire un film sorti en 2010, qui explore notamment la relation entre Jett et Currie. Les deux personnalités sont interprétées respectivement par Kristen Stewart et Dakota Fanning.  Cherie s'est mariée avec l'acteur Robert Hays et a eu un enfant. Depuis, ils ont divorcé. Elle sculpte maintenant à la tronçonneuse.

Cherie Currie est une chanteuse et actrice américaine née le à Los Angeles. Elle est notamment connue comme la chanteuse du groupe américain The Runaways de 1976 à 1978. Elle n’a que seize ans en 1976.

Cherie Currie (* 30. listopadu 1959, Encino, Los Angeles, Kalifornie, Spojené státy) je americká zpěvačka a herečka, v druhé polovině sedmdesátých let 20. století byla zpěvačkou skupiny The Runaways.


Biographie.

Pierre-Henri de Valenciennes étudie la peinture à l’Académie royale de Toulouse de 1770 à 1771, puis dans l'atelier de Gabriel-François Doyen. Il se rend en Italie une première fois en 1769, s’installe à Rome de 1777 à 1781, voyage au Proche-Orient en 1782-1784 et revient finalement, avec de nombreux carnets de dessins, s'établir à Paris où se déroulera la plus grande partie de sa carrière. Il est admis à l'Académie de peinture en 1787. À la Révolution, il figure parmi les artistes logés au Louvre.  En Italie, il a étudié la perspective, et exécuté des études en plein air qui témoignent d'une sensibilité nouvelle devant la nature. S'il insiste sur l'importance du travail sur le motif, en quoi on le considère comme un des précurseurs du paysage moderne, son intérêt principal reste le paysage historique, qu'il s'efforcera de faire triompher tout au long de sa carrière. De ce point de vue l'étude en plein air est essentielle, mais comme préalable à la réalisation, en atelier, d'une composition historique. C'est ainsi que son morceau de réception à l'Académie est, exposé au Salon de 1787. À l'exception de quelques "vues", qui sont des paysages sans représentation d'une anecdote historique ou mythique, les tableaux qu'il présentera régulièrement aux Salons jusqu'en 1819 seront tous des paysages historiques.  Il ouvre son propre atelier où, entre 1795 et 1800, il forme entre autres Jean-Victor Bertin et Achille Etna Michallon, eux-mêmes futurs maîtres de Corot, ainsi que Louis Étienne Watelet, Louis-François Lejeune et le premier peintre de panoramas français Pierre Prévost, en s'appuyant sur ses études de plein air comme base de son enseignement.  Il donne des cours de perspective à l’École polytechnique, fondée en 1795, et fait paraître en 1799 ses "Éléments de perspective pratique à l’usage des artistes, suivis de réflexions et Conseils à un Élève sur la Peinture et particulièrement sur le genre du Paysage". Il est nommé professeur de perspective le, à l’École impériale des Beaux- Arts, succédant à Pierre-Charles Dandrillon. Il aura lui-même pour successeur Jean-Thomas Thibault, en 1819.  Dans ce genre, il fut non seulement un artiste de grand talent, mais aussi un théoricien théoricien et un pédagogue. C'est à ce titre qu'il fait partie, en 1804, de la première promotion de la Légion d'honneur. Il publia ses idées en 1799 dans un ouvrage écrit avec Simon-Célestin Croze-Magnan. Des historiens de l'art considèrent rétrospectivement ses "Éléments de perspective pratique à l'usage des artistes, suivis de réflexions et conseils à un élève sur la peinture et particulièrement sur le genre du paysage" comme une élaboration de la théorie du paysage du point de vue néo-classique. Il y considère le, composé en atelier, comme une variante de la peinture d'histoire, où l'environnement situe l'anecdote dans un contexte qui la rend plus crédible. La peinture de paysage atteint ainsi le statut supérieur dans la hiérarchie des genres. Par contraste, il reproche à ses grands prédécesseurs de n'offrir que. Insuffisamment idéalisés,. La fondation, en 1816, d’un "prix du Paysage Historique" à l’École royale des Beaux-Arts marque la reconnaissance officielle de cette théorie, à l'époque où le paysage "pittoresque", qui représente le sentiment de l'artiste autant qu'une "vue" documentaire sur le lieu, acquiert un prestige indépendant, notamment sous l'influence de l'école anglaise et de William Gilpin..

Pierre-Henri de Valenciennes ou Pierre-Henri Valenciennes, né à Toulouse le, mort à Paris le, est un artiste peintre français néo-classique, qui s'est spécialisé dans la peinture de paysage.

Pierre-Henri de Valenciennes (6. prosince 1750 v Toulouse – 16. února 1819 v Paříži) byl francouzský malíř, který řadu let strávil v Itálii. Maloval skici římských ruin, které však byly po Valenciennesově smrti rychle zapomenuty, a ke znovuobjevení jeho díla došlo až ve 20. století. Kromě toho napsal vlivné teoretické pojednání o krajině, ovlivněné Poussinovými myšlenkami o krajinném receptu na klasicistní krajinu, a dokonce založil cenu za historickou krajinu. Zemřel v zimě 1819 v Paříži, kde je pochován na hřbitově Père Lachaise.


Genèse.

Tout au long de l'année 2010, Gaga voyage dans le cadre de sa tournée "Monster Ball Tour". Durant cette période, elle développe des idées pour son troisième album studio, "Born This Way". La première piste écrite pour l’album est la chanson titre. Gaga explique « Je l'ai écrite en dix minutes... et c’est une chanson avec un message magique. Après l'avoir écrite, les barrières se sont ouvertes et tous les autres titres sont venus à moi. C’était une sorte de conception immaculée ». Comme les autres chansons de l'album, "Born This Way" est enregistrée en 2010, durant sa tournée. Le manager de Gaga commente ce contexte d’enregistrement en affirmant que « ce n’est pas idéal pour la plupart des artistes ». Il ajoute « Mais pour elle, c’est une bonne chose. Elle a pu puiser des émotions durant ces concerts. Après avoir discuté de quelque chose en coulisses, elle revenait le lendemain

Pochette et sortie.

Le 8 février 2011, Gaga tweete les mots « Trois Jours » (en français) accompagnés d'un lien vers une image représentant la pochette du single. Elle est décrite par Charlie Amter de "The Hollywood Reporter" comme une référence aux « pochettes classiques des années 1980 (pensez à Missing Persons, Roxy Music ou encore Duran Duran) ou même des années 1970 ». La pochette en noir et blanc montre Gaga nue, affichant le tatouage qu'elle porte dans le dos. Sa chevelure est gonflée d'air tandis qu’elle porte une grande quantité de maquillage, accompagnée de prothèses pointues qui semblent sortir de son visage et son épaule. Tanner Stransky d’"Entertainment Weekly" critique positivement la pochette : « L'image est assez extraordinaire : Gaga ne semble-t-elle pas animale dans ce portrait? C’est — oserais-je dire le mot, surtout après que Perez Hilton l’ait utilisé pour décrire la pochette lui aussi — totalement et complètement féroce. Honnêtement, vous attendiez-vous à autre chose? Les cheveux de Gaga flottent comme une crinière, il semble que vous pourriez trouver la créature dont elle s'inspire dans la jungle africaine ». Toutefois, Archana Ram, qui fait partie de la même publication, a l'impression que la pochette est trop similaire à celle de "2 Hearts", single de Kylie Minogue sorti en 2007. Nicole Eggenberger du magazine américain "OK!" trouve que « Typiquement dans son style, la chanteuse arbore des épaules pointues, des cornes et une magnifique chevelure. Bien que le style de la pochette soit extravagant, Gaga préserve son côté glamour

Composition.

"Born This Way" est écrite par Gaga, Jeppe Laursen, Paul Blair, Fernando Garibay tandis qu’elle est produite par Gaga, Garibay ainsi que DJ Wthie Shadow. Elle est enregistrée aux studios Abbey Road à Londres et aux studios Germano à New York. La chanson est influencée par des sonorités club, et commence avec la voix de Gaga disant « "It doesn’t matter if you love him or capital H-I-M" » qui se traduit par « Ça n’importe pas si tu l’aimes ou majuscule L-U-I ». Cette dernière ligne se termine par une boucle alors qu’un tintement de synthétiseur et un bourdonnement de basse font leur apparition. Pendant que les notes synths pénètrent dans le rythme, Gaga entame le premier couplet de la chanson, « "My mama told me when I was young / We are all born superstars" » qui se traduit par « Ma mère me disait quand j’étais jeune / Nous sommes tous nés en superstars ». La basse perd alors un peu de son incommensurabilité et fait place au refrain, « "I’m beautiful in my way, ‘cause God makes no mistakes; I’m on the right track, baby, I was born this way" » qui se traduit par « Je suis belle à ma façon, parce que Dieu ne fait pas d’erreurs ; je suis sur la bonne voie, bébé, je suis née de cette façon », dont Jocelyn Vena de MTV parle dans une de ses critiques, affirmant qu’il « est fait pour être entendu dans de grands endroits. C’est rapide et très percutant ». Le refrain est soutenu par des sonorités d’instruments à percussion. Cette dernière partie achevée, Gaga chante la ligne « "Don’t be a drag, just be a queen" » qui se traduit par « Ne soit pas une traînée, soit simplement une reine », qui est agrémentée par des clappements de mains avant d’entamer le second couplet. Entre ces deux parties est présent un interlude dans lequel Gaga chante les noms de diverses communautés minoritaires. Sal Cinquemani du "Slant Magazine" trouve que l’interlude est un mélange de la musique générale de "Glee" et de la piste "There But For the Grace of

Remixes.

Plusieurs remixes sont créés par "Interscope Records" pour accompagner la piste. Le premier ensemble de remixes est produit par LA Riots, Chew Fu ainsi que DJ White Shadow. Intitulé "Born This Way - The Remixes Part 1", il sort sous format de physique ainsi qu’en téléchargement légal le 15 mars 2011. Un autre regroupement de remixes est réalisé par Michael Woods, Grum Dada Life, Zeed, Bimbo Jones ainsi que Twin Shadow. Il sort le 15 mars 2011 sous le nom de "Born This Way - The Remixes Part 2". Gaga enregistre également une version "Country Road" de la piste qui est dévoilée le 15 mars 2011, via sa page "Twitter". Cette version s’ouvre sur des notes faites à la guitare puis met en vedette un glissé de ce même instrument ainsi qu’une sibilance d’harmonica alors que le rythme initialement disco est remplacé par une instrumentation faite à la batterie, propageant une impression plus posée et singulière. Lorsque le premier refrain débute, le titre est partagé entre l’enregistrement en direct des chants, la batterie plutôt laconique et l’éloquent son de l’harmonica. Juste avant la fin de la troisième minute du titre, Gaga incorpore quelques nouvelles paroles, « "If I wanna make it country, baby, then it's OK, cuz I was born, I was born, I was born this way" » qui se traduisent par « Si je veux la faire country, bébé, alors c’est OK, parce que je suis née, je suis née, je suis née de cette façon », qui sont soutenues par une mandoline. Elle ajoute aussi d’autres paroles, « "From London, Paris, Japan back to U.S.A. / I was born on the road, I was born to be brave" » qui se traduisent par « De Londres, Paris, Japon retour aux États-Unis / Je suis née sur la route, je suis

Accueil critique.

À la suite de sa sortie, "Born This Way" est positivement accueillie par les critiques musicaux professionnels. Michael Cragg du "The Guardian" écrit que la chanson « est un phénoménale, presque disco, hymne qui avec son refrain éboulis les auditeurs, dans lequel la puissance artistique est tel qu’elle pourrait affronter celle de la robe viande. Dans ce ridicule contexte musical, les paroles ne sont pas assez dramatiques pour transmettre adéquatement ce qu’elles suggèrent ». Rick Florino de "Artistdirecet" donne une note de cinq étoiles sur cinq à la piste, la décrivant comme un « immédiat classique de la pop », déclarant que « personne ne peut interpréter une ligne comme Lady Gaga. Le refrain de "Born This Way" n’est rien de moins qu’un monstre ». Alison Schwartz du "People" ajoute que « l’hymne des clubs, parfaitement complète avec ses quelques chants "a cappella" et ses paroles en italien, prouve la puissance des cordes vocales de Gaga tout en démontrant son incontestable talent de compositrice ». Jen Asward du "Billboard" donne également un avis positif, faisant l’éloge du titre en disant que « si les fans s’attendaient à quelque chose de gros, d’emblématique de positif et d’inclusif, ils ne seront pas du tout déçus. "Born This Way" est superbe dans toutes ses facettes : C’est musicalement un bon single avec un rythme entraînant et un message d’amour et de paix qui se mêle à la dance et la pop. Retenez vos souffles dans les prochaines semaines et préparez-vous à l’entendre dans les voitures, à l’ordinateur et la radio ». Nick Levine du "Digital Spy" donne aussi une note de cinq étoiles sur cinq au morceau, le décrivant comme étant un « hymne de l’affirmation de l’égalité, un son exceptionnellement ajusté pour les clubs et une fantastique chanson pop ». Sal Cinquemani du "Slant Magazine" certifie qu’ « Il est intéressant que Gaga touche à un sujet réellement spécial, peut-être même important. Le message de la chanson est certainement un de ceux dont le monde a besoin d’entendre plus que jamais. Aucune meilleure connotation ne pourrait être attribuée à la piste ». Meghan Casserly de "Forbes" atteste que « "Born This Way" est un des meilleurs titres au monde en plus d’incarner un hymne si parfait — elle a tout ce qu’il faut pour atteindre le summum de la musique. Cet hymne interpellera chaque habitant de cette planète ». Les journalistes de "Popjustice" remarquent que le morceau est inspiré

Performance dans les hit-parades.

Dans la semaine du 26 février 2011, aux États-Unis, "Born This Way" entre dans le "Billboard" Hot 100 à la première position. La chanson devient par le même fait le 1000 numéro un de ce dernier hit-parade, en plus d’être le dix-neuvième titre à s'y classer directement à la première place. Le morceau se vend à 448 000 copies numériques en trois jours, devenant la chanson faite par une artiste féminine la plus téléchargée en une semaine. L’enregistrement fait suite à "Hod It Against Me" de Britney Spears. Le single trône toujours sur le palmarès américain la semaine suivante, se vendant à 509 000 copies en sept jours, devenant la première piste à se positionner instantanément au premier numéro et à y rester une seconde semaine depuis 2003, brisant le record établi par Clay Aiken avec "This is The Night". Subséquemment, la piste reste à cette même place pendant six semaines consécutives, étant ainsi la seule chanson à débuter au premier rang et à y rester pour au moins un mois depuis "Candle in the Wind 1997" de Elton John, en 1997. "Born This Way" bat également le record du titre vendu le plus rapidement sur iTunes, s’écoulant mondialement à un million de copies. Selon "Nielsen Soundscan", au total, plus de 2,5 millions d'exemplaires numériques du morceau se sont vendus aux États-Unis. Lors de la première semaine de sa parution, le disque physique de la chanson s’est vendu à 24 000 copies et au total depuis sa sortie à 40 000.  La chanson entre au rang du "Billboard Pop Songs", ayant été diffusée 4 602 fois lors de ses trois premiers jours de vente, ce qui en a fait la piste la plus diffusée lors d’une première semaine depuis la création des radios. Il s’agit également de la seconde plus haute apparition dans l’histoire ce hit-parade,

Vidéoclip.

Développement.

Le vidéoclip est tourné lors du week-end du 22 au 24 janvier 2011. Il est décrit comme étant « profond, tant inspirant et incroyablement esthétique ». Il est réalisé par le photographe Nick Knight. Le maquilleur Billy Brasfield, qui a travaillé avec Gaga dans tous ses clips, décrit celui de "Born This Way" comme « la plus belle chose jamais créée ». Expliquant le procédé de conception de la vidéo, Gaga affirme que « Le clip de "Born This Way" est complètement différent de tout ce que j’ai fait jusqu’à présent [...] c’est la naissance d’une nouvelle race. Tout cela est réellement un travail intense ». La chorégraphe Laurieann Gisbon déclare dans une interview pour "MTV News" que la vidéo « change la vie de quiconque l’écoutant. Vous pouvez vous attendre au plus haut niveau artistique de musique et de danse... mais peu importe votre appréciation, vous serez choqués ». Dans un de leurs articles, le site "Hollywodlife" rapporte que Gaga

Synopsis.

Le vidéoclip sort le lundi 28 février 2011. Il commence avec un bref plan conditionné dans un cadrage rose en forme de triangle rmontrant une silhouette de licorne surplombant sur la vue d’une ville. Le triangle rose marque alors une transition sur une scène où Gaga est assise sur un cube de verre géant situé dans l’espace, qui est particulièrement étoilé. Tandis que le générique du film "Sueurs froides" d'Alfred Hitchcock composé par Bernard Herrmann joue, Gaga déclare « Ceci est le manifeste de Maman Monstre » puis entame le prologue de la vidéo — une histoire racontant la création d’une race extraterrestre qui « ne porte aucun

Réception.

Le vidéoclip est positivement reçu par la plupart des critiques musicaux professionnels. James Montgomery de MTV salue le concept général de la vidéo. Dans un article, il écrit que « "Born This Way" [...] représente tout à fait l’art du spectacle. D’une part dans une odyssée au milieu de l’espace et d’une autre mettant en scène des naissances créationnistes, le clip emmène à la création, non seulement d’un nouvel univers, mais aussi d’une nouvelle race humaine. Tout cela a d’une certaine façon une logique bien répartie, mais d’une autre façon aucune, toutefois, il est totalement certain que cela n’a pas d’importance. Le clip montre Gaga à sa meilleure, sa suprême, sa plus supérieure et inégalable forme »". En conclusion à sa

Interprétations en direct.

Le 9 février 2011, dans un épisode du "The Ellen DeGeneres Show", DeGeneres, accompagnée de Justin Bieber ainsi que James Blunt, a interprété sa propre version de la piste, improvisant la musicalité et chantant le refrain en chœur. À la suite de cette performance, Gaga confirme dans un appel avec Ellen DeGeneres qu’elle jouera "Born This Way" le 13 février 2011 aux Grammy Awards. Cette journée arrivée, Gaga pénètre à la cérémonie des Grammy Awards dans un vaisseau géant incubateur qui lors du tapis rouge est soulevé sur un chariot par des mannequins. Avant d’entamer sa marche sur le tapis, Gaga envoie un message sur "Twitter" disant « Cela est Nicola, "Haus of Gaga": Gaga est en incubation. La performance de ce soir est collaboration avec Hussein Chalayan et la" House of Mugler". X ». Arrivée sur scène, elle émerge d’un autre vaisseau encore plus imposant et est coiffée d’une queue de cheval, vêtue soutien-gorge de couleur dorée et d’une jupe de la même nuance tandis que son maquillage est uniquement composé de teintes de noires et de dorées, en excluant les prothèses qui ornent son visage et ses épaules. De leur côté, les danseurs de Gaga sont habillés de tuniques d’une couleur similaire. L’interprétation de "Born This Way" est introduite par Ricky Martin. Dans les premières secondes, Gaga brise son œuf après avoir chanté les premières lignes de la piste (« "It doesn’t matter if you love Him, or capital H-I-M" »). Sa sortie du vaisseau incubateur symbolise sa renaissance. Après le premier refrain, Gaga secoue ses cheveux d’une manière semblable à celle de Willow Smith. Précédant le chant de la ligne « "No matter gay, staight or bi" », un orgue apparait sur la scène. Gaga se dirige alors vers sa direction et joue quelques notes. L’instrument est accessoirisé de têtes de mannequins conçues d’une sorte de gel. Le solo à l’orgue terminé, les danseurs de Gaga l’encerclent puis continuent la chorégraphie. Le rythme disco du morceau reprend ensuite et ses danseurs retirent leur tunique tout en continuant la danse. Avant de quitter la scène, Gaga met son chapeau tandis que la piste se termine graduellement et que ses danseurs concluent la chorégraphie en brandissant leurs mains vers le haut.  Selon Gaga, la « performance des Grammy est à propos de plusieurs choses, mais ultimement la chanson "Born This Way"... est visuellement, thématiquement, et parolièrement sur la naissance d’une nouvelle race, donner naissance à une race qui se différencie des races déjà existantes dans la culture humaine — une race qui ne possède pas de préjugées et qui ne juge pas. L’entière interprétation est une version grégorienne d’Alvin Ailey, a une touche d’énergie à la Martha Graham tout en transmettant un message en elle-même »". Lors du "The Tonight Show with Jay Leno", elle affirme que la pièce de vêtement noire conçue par Thierry Mugler qu’elle a portée à la cérémonie est « inspirée par une femme humanoïde sexuelle ». Elle ajoute que Willow Smith est à l’origine « du mouvement dans lequel je secoue mes cheveux ». Gaga explique également que l’œuf, de son vrai nom le vaisseau, signifie une déclaration artistique et incarne lui aussi la naissance d’une nouvelle race née sans préjugés. Dans une interview pour le magazine "Billboard", elle déclare que cette idée de renaissance lui est venue à l’esprit dans son autobus de tournée à Amsterdam. Gaga ajoute que même la couleur de ses cheveux, qui sont de couleur rose, représente une déclaration, une après-naissance. Elle

Reprises.

L e 3 mars 2011, lors d’un concert à Toronto, au Canada, Gaga interprète le morceau avec une jeune fille de dix ans nommée Maria Aragon. L'artiste l'a découverte grâce à une vidéo publiée sur le site d'hébergement de vidéos YouTube dans laquelle Aragon chante "Born This Way" au piano, et a invité la jeune fille à la rejoindre sur scène durant l'un des concerts canadiens de sa tournée. Coiffée d’un chapeau en feutre, Aragon monte sur scène avec un singe en peluche. Gaga l’assoit sur ses genoux, puis elles interprètent "Born This Way" au piano en se partageant les couplets. Gaga affirme au public canadien que « Maria incarne le sujet de cette chanson. Il s'agit de la prochaine génération et du futur ». Aragon interprète également le titre sur le plateau du "Ellen DeGeneres Show".  La chanson est également reprise par l’artiste Katy Perry le 7 mars 2011, lors du concert parisien de sa tournée "California Dreams Tour". Perry joue une version dépouillée du titre, seulement accompagnée de deux guitares acoustiques. Les acteurs de Glee annoncent début 2010 qu’ils chanteront leur propre version de "Born This Way" durant la seconde saison de la série. La reprise figure dans le de la saison, qui porte le titre de la chanson en version

Lien externe.

Clip officiel de Born this way

Born This Way est une chanson de l’artiste américaine Lady Gaga. Il s’agit du premier single de son troisième album studio, "Born This Way". Le morceau est écrit et produit par Gaga, Fernando Garibay, Jeppe Laursen ainsi que DJ White Shadow et voit le jour alors qu’elle parcourt le monde dans le cadre du "Monster Ball Tour". Le titre est inspiré par le mouvement d’autonomisation musicale des femmes et de la communauté gay engendré dans les années 1990. Gaga explique que "Born This Way" lui procure un sentiment de liberté. Lors des "MTV Video Music Awards" en 2010, elle chante une partie du refrain dans sa version acoustique. La sortie du morceau est initialement prévue pour le 13 février 2011. Toutefois, il est révélé deux jours plus tôt, ainsi que les paroles et la pochette du single.

„Born This Way“ je píseň americké popové zpěvačky-skladatelky Lady Gaga. Píseň se nachází na jejím třetím studiovém albu "Born This Way". Skladbu napsala Lady Gaga sama a produkovala ji společně s producenty Fernando Garibayem a DJ White Shadowem. Poprvé tuto skladbu zazpívala na Grammy 2011, odkud si odnesla tři gramofonky.


Historique.

Les débuts.

Les deux siècles suivant sa création voient le ballet de l’Opéra changer onze fois de lieu.  Depuis 1875, le ballet de l’Opéra est basé au Palais Garnier.  L'École de l’Académie royale de danse est fondée en 1713. Elle est la plus ancienne école de danse du monde occidental mais aussi le berceau de la danse académique classique mondiale.  L'école du ballet s'appelle aujourd’hui « l'école de danse de l'Opéra national de Paris » et s'installe en 1987 à Nanterre près du parc André-Malraux, à dix kilomètres du Palais Garnier.  Au départ, une troupe nombreuse, exclusivement masculine jusqu'en 1681, danse dans les divertissements et les intermèdes d'opéras. En 1776, Jean-Georges Noverre, puis les frères Maximilien et Pierre Gardel, y imposent le ballet d'action qui fleurissait déjà sur d'autres scènes françaises.

Le.

Peu à peu le ballet s'affranchit de l'opéra et, au début du, se constitue un répertoire d'œuvres chorégraphiques pures, jusqu'à l'apothéose du ballet romantique. C'est là que sont créées les plus grandes œuvres classiques, comme La Sylphide (1832), Giselle (1841), Paquita (1846), Le Corsaire (1865) ou Coppélia (1870).  À la fin du, le centre européen de la danse n'est plus Paris mais il s'est déplacé à Saint-Pétersbourg, sous la houlette de Marius Petipa. La plupart des grandes danseuses de l'Opéra de Paris ont gagné la Russie et le ballet de l'Opéra fait essentiellement appel à des danseuses italiennes formées à l'école de Carlo Blasis et d'Enrico Cecchetti, comme Aïda Boni, Pierina Legnani, Rita Sangalli ou Carlotta Zambelli.

Le.

Au, le renouveau est amorcé par les Ballets russes de Serge de Diaghilev qui présentent six de leurs saisons à l'Opéra de Paris. Serge Lifar amplifie le mouvement de rénovation, auquel contribuent George Balanchine et George Skibine.

Les années de Rudolf Noureev.

À partir des années 1970, le ballet se donne une double vocation : maintien de la tradition et ouverture à la modernité. C'est ainsi que, à côté de reconstitutions d'œuvres du (par Ivo Cramer ou Francine Lancelot) et de pièces du répertoire romantique (Petipa et Nijinski revisités par Noureev), le ballet aborde le répertoire contemporain en invitant des chorégraphes comme Carolyn Carlson, Merce Cunningham, Maguy Marin, Angelin Preljocaj, Dominique Bagouet ou Pina Bausch.  Tout au long des années 1980, l'histoire de la troupe est marquée par la figure de Rudolf Noureev, qui occupe de 1983 à 1989 le poste de directeur de la danse. Au départ mal accepté par les danseurs qui lui reprochent notamment de se servir de la troupe pour ses intérêts personnels et de monopoliser les rôles solistes.  En 1986, il entre en conflit avec Maurice Béjart, alors chorégraphe invité : le, à l'issue de la création de son ballet "Arépo", Maurice Béjart nomme Manuel Legris et Éric Vu-An danseurs étoiles, sans en avoir le droit.  Rudolf Noureev contraint Maurice Béjart à faire marche arrière, Rudolf Noureev a pu constituer un répertoire de ballets classiques qui forme encore aujourd'hui le cœur du répertoire de la troupe, assurant à la fois une part importante des représentations et ses plus grands succès populaires.  Sa version du Lac des cygnes, créée en 1984, a ainsi subi une fronde des danseurs qui ont obtenu le maintien au répertoire de l'ancienne version du ballet, celle de Vladimir Bourmeister. Cette dernière version sera d'ailleurs reprise une dernière fois sous son successeur Patrick Dupond, soucieux d'effacer les traces de son prédécesseur ; la version de Noureev s'imposera par la suite sans concurrence.  C'est un autre danseur vedette qui succède à Noureev en 1990 : Patrick Dupond, contrairement au danseur russe, est issu de la troupe et n'a pas de prétention à la chorégraphie. Son mandat s'achève précocement en 1994 : l'entente avec le nouveau directeur de l'Opéra national de Paris, Hugues Gall, s'avère impossible. Il s'ensuit un procès au titre du licenciement concomitant de Dupond en tant que danseur étoile.

Époque actuelle.

En 1995, Brigitte Lefèvre devient directrice de la danse à la tête du ballet de l'Opéra national de Paris. Elle poursuit une politique d'ouverture ce qui entraîne des représentations des grands chorégraphes invités, parmi William Forsythe, Pierre Lacotte et John Neumeier.  En, Gérard Mortier assure la succession d'Hugues Gall à la direction de l'Opéra national de Paris et ce, jusqu'en 2010, la date à laquelle il rejoint le Teatro Real de Madrid.  Sous son impulsion, neuf danseurs étoiles sont nommés, dont certains relativement âgés pour le métier, Wilfried Romoli, Delphine Moussin et en 2009 Isabelle Ciaravola.  Ces nominations rendent caduque la limite de 12 étoiles qu'imposait Hugues Gall à son époque.  Après une période courte et turbulente avec Benjamin Millepied en tant que directeur de la danse de à, c'est Aurélie Dupont, l'ancienne étoile et la grande dame du ballet de l'Opéra national de Paris qui prend la direction.

Hiérarchie des danseurs.

En 2015, le ballet compte, dont et, presque tous issus de l'école de danse de l'Opéra. Ils entrent par concours annuel et terminent leur carrière à et demi.  De l'entrée dans le corps de ballet à la consécration, le ballet de l'Opéra a fixé une hiérarchie immuable parmi les danseurs et danseuses : Les échelons forment ensemble le « corps de ballet ».  La promotion au grade supérieur se fait par un concours de promotion interne, dont le jury est composé des membres de la direction de l'Opéra, des danseurs du ballet de l'Opéra national de Paris et des personnalités extérieures du monde de la danse. Ce concours a lieu chaque année en novembre.  Seules les étoiles ne sont pas issues de ce système : la nomination d'un premier danseur (plus rarement d'un sujet) au titre d'étoile est décidée par le directeur de l'Opéra national de Paris sur proposition du directeur de la danse à la suite d'une représentation. La procédure de nomination a varié avec le temps ; depuis 2004, elle se fait devant le public.

Maîtres de ballet associés à la direction de la danse.

Ce poste correspond au poste de "Ballet master in chief" aux États-Unis, c'est-à-dire un poste de maître de ballet principal. Comme son tire l'indique, il est associé à certaines décisions artistiques du directeur de la danse.<br> Ce poste est occupé par:

Maître à la barre.

Quasiment toutes les grands danseurs d'aujourd'hui sont passées par les cours que Gilbert Mayer a dispensés comme professeur. Même Rudolf Noureev a pris sa classe pendant sept ans.  Gilbert Mayer est considéré comme le maître du style français à l’Opéra de Paris.

Iconographie.

Edgar Degas et les danseuses du ballet de l'Opéra de Paris.

Edgar Degas a consacré nombre de toiles, de pastels et de sculptures, dont la plus célèbre est "La Petite Danseuse de quatorze ans", aux danseuses du ballet et de l'école de danse de l'Opéra de Paris, l'un de ses thèmes de prédilection. La précision des détails et la justesse du sujet est le résultat des fréquentes séances du peintre à la salle Le Peletier puis au palais Garnier.

Le ballet de l’Opéra national de Paris est l'une des plus prestigieuses et la plus ancienne des compagnies de danse classique du monde.

Ballet de l'Opéra national de Paris ("Balet Národní opery v Paříži") je baletní soubor, který je součástí Pařížské opery. Byl založen v roce 1669 a sídlí v Opéra Garnier.


Relations entre l'Union européenne et les micro-États européens

Statut des relations.

L'Andorre, Monaco, Saint-Marin et le Vatican utilisent l'euro par un accord monétaire avec l'UE, et ont obtenu le droit d'émettre un nombre limité de pièces en euros grâce à d'antérieurs accords monétaires avec leurs voisins. Le Liechtenstein utilise le Franc suisse.  Le Liechtenstein, réuni au territoire douanier suisse depuis 1924, est un membre à part entière de l'accord de Schengen et du règlement Dublin II sur l'asile. Monaco a une frontière ouverte avec la France et les normes de l'espace Schengen y sont appliquées comme si le micro-État faisait partie de la France. Saint-Marin et la Cité du Vatican ont une frontière ouverte avec l'Italie, membre de l'espace Schengen. Aucun micro-État ne peut délivrer de visas Schengen. Aucun d'entre eux n'a d'aéroport, mais tous ont un héliport. Monaco est le seul à disposer d'un port maritime de telle sorte qu'arriver depuis un État hors de l'espace Schengen est autorisé à Monaco, mais pas dans les autres micro-États.  Monaco fait partie du territoire douanier de l'UE par un accord avec la France, et est administré comme faisant partie de la France. Saint-Marin et Andorre sont dans une union douanière avec l'Union. Le Liechtenstein est membre de l'EEE et participe donc au marché intérieur de l'UE et applique certaines normes de l'Union. Tous les micro-États font également partie d'autres organisations telles que le Conseil de l'Europe et l'Organisation pour la sécurité et la coopération en Europe, sauf le Vatican (qui a toutefois le statut d'observateur au Conseil de l'Europe).  L'Andorre, Monaco et Saint-Marin ont tous déclaré leur volonté d'approfondir les relations avec l'UE. Saint-Marin a envisagé de rejoindre l'EEE dans le passé, et il y a une discussion active dans le pays sur la présentation d'une demande d'adhésion à l'UE.

Avenir des relations.

En, le Conseil européen a donné mandat à la Commission européenne et au SEAE d'entamer les négociations avec Andorre, Monaco et Saint-Marin afin d'élaborer un accord d'association (AA), les négociations ont débuté en à Bruxelles et ont pour but de formaliser les relations des deux parties dans divers domaines (marché commun européen, coopérations aux politiques de la recherche, de l'environnement ou de l'éducation) tout en conservant les spécificités de ces micro-États.

Résumé.

Ce tableau résume les différentes composantes de la législation européenne en vigueur dans les micro-États. Certains territoires des États membres de l'UE ont également un statut particulier dans lesquels les normes européennes s'appliquent à des degrés divers. c'est aussi le cas des États membres de l'Association européenne de libre-échange.

L'Union européenne entretient des relations particulières avec les micro-États européens. Ces nations sont toutes de petites entités politiques souveraines mais présentent une grande hétérogénéité dans leur fonctionnement politique. La principauté d'Andorre, la principauté de Liechtenstein, la principauté de Monaco, la république de Saint-Marin et l'État de la Cité du Vatican entretiennent des relations diplomatiques poussées avec les instances européennes. L'Andorre est, par la population, le plus grand des cinq micro-États avec (selon un recensement effectué en 2011) ; deux autres petits pays, le grand-duché de Luxembourg et la république de Malte, sont membres à part entière de l'Union européenne mais ne sont habités que par un peu plus de. L'Islande est considérée comme un micro-État par certains, en raison de sa petite population : (en ). L'Islande est membre de l'Espace économique européen (EEE), et avait été reconnue comme candidat officiel à l'adhésion à l'Union avant le retrait de sa candidature.

V Evropě je šest ministátů, které jsou často blízce propojeny s větším sousedem. V současné době mají evropské ministáty s Evropskou unií zvláštní vztahy. Většina zůstává vně unie, jediným ministátem, který je členem EU, je Malta. Někdy je pro malý počet obyvatel považován za ministát i Island, který je členem Evropského hospodářského prostoru.