Histoire.

Hitachi a été fondée en 1910 par l'ingénieur électrique Namihei Odaira. Le premier produit de la société était un moteur électrique à induction de cinq chevaux, le premier au Japon. Il était initialement développé pour une utilisation dans les mines de cuivre. La société d'Odaira est rapidement devenue le chef de file national dans les moteurs électriques et les infrastructures de l'industrie de l'énergie électrique.  La société commença comme un sous-traitant de la société minière de Fusanosuke Kuhara. Hitachi provient de la superposition de deux caractères kanji : "hi" qui signifie « soleil » et "tachi" signifie « se lever ».  Hitachi déplaça son siège à Tokyo en 1918.  Hitachi America a été créée en 1959 et Hitachi Europe en 1982. Comme pour la plupart des grandes entreprises japonaises des années 1990, ses secteurs d'activités sont très variés. Elle produit notamment des puces magnétiques avec polarités inversées, des disques durs, des appareils électroménagers, des ascenseurs, des téléviseurs, des climatisations, des équipements pour les centrales nucléaires, mais aussi des pelleteuses.

Histoire récente.

En 2007, le groupe a racheté le fabricant de matériel haute-fidélité automobile Clarion, étendant ainsi son empire au domaine automobile.  Le, Western Digital annonce le rachat des activités de conception et fabrication d'espace de stockage d'Hitachi pour la somme de de dollars. Le, Sony annonce un accord avec Hitachi, Toshiba et INCJ portant sur la mutualisation des moyens de productions de dalles LCD de petites et moyennes tailles sous la forme d'une nouvelle entreprise appelée Japan Display.  Le, Hitachi annonce le rachat de l'entreprise appartenant aux entreprises énergétiques E.ON et RWE, pour de livres ( d'euros), bouclé le. Horizon Nuclear Power est une entreprise travaillant sur plusieurs projets de centrales nucléaires au Royaume-Uni, sur le site de la centrale nucléaire d'Oldbury et sur celui de la centrale nucléaire de Wylfa.  Le, Hitachi et Mitsubishi Heavy Industries annoncent la fusion de leurs activités dans la production d'énergie thermique, fusion qui devrait s'achever au début de l'année 2014 ; cette filiale devrait engendrer un chiffre d’affaires de 1,5 billions de yens, soit 18,3 milliards de dollars. Mitsubishi Heavy Industries possèdera 65 % du nouvel ensemble et Hitachi 35 %.  Le, Hitachi rachète pour 810 millions d'euros les participations de l'italien Finmeccanica dans deux entreprises : 100 % du fabricant de trains Ansaldo Breda, et 40 % de l'équipementier ferroviaire (signalisation) Ansaldo STS. Hitachi devrait par la suite faire une offre de reprise sur l'ensemble des participations de Ansaldo STS pour un coût d'environ 1,86 milliard d'euros. Le nouveau groupe est rebaptisé Hitachi Rail Italy.  En, Johnson Controls et Hitachi Appliances annoncent leur décision de regrouper leurs activités mondiales de climatisation pour créer une société conjointe contrôlée à 60 % par Johnson Controls, et qui possédera les activités mondiales de climatisation de Hitachi. Hitachi Appliances représente plus de 300 milliards de yens de chiffre d’affaires (environ 2,6 milliards de dollars) pour son activité de climatisation.  En, Hitachi annonce la vente Hitachi Koki, filiale spécialisée dans les outils électriques de bricolages, au fond KKR, pour 1,3 milliard de dollars.  En avril 2017, Hitachi annonce l'acquisition des activités américaines et asiatiques de Sullair pour 1,13 milliard d'euros à Accudyne Industries.  En, Faurecia annonce l'acquisition de Clarion, filiale d'Hitachi, pour 1,3 milliard de dollars.  En décembre 2018, ABB annonce céder une participation de 80 % de son activité dans les réseaux électriques à Hitachi pour 7,7 milliards de dollars.  En, Hitachi fusionne sa filiale Hitachi Automotive Systems avec Keihin, Showa Corporation et Nissin Kogyo, trois entreprises détenus au moins en partie par Honda, suite à cette opération Hitachi possèdera 66 % du nouvel ensemble et Honda 33%. En décembre 2019, Hitachi annonce la vente d'une participation de 51 % dans sa filiale spécialisée dans la chimie, notamment de matériaux pour l'industrie électronique, à Showa Denko pour environ 4,5 milliards de dollars d'imagerie médicale. En parallèle, Hitachi annonce la vente de sa filiale spécialisée dans l'imagerie médicale à Fujifilm pour 1,7 milliard de dollars.

Actionnaires.

Liste des principaux actionnaires au.

Sites de production en Europe.

Hitachi possède une usine à Roßwein en Allemagne produit des pompes à injection pour l'automobile.  En 2009, Hitachi ferme son usine d'assemblage de téléviseurs LCD en République Tchèque ouverte en. 800 salariés ont perdu leur emploi.  En, Hitachi annonce la fermeture de son usine d'Ardon (Loiret); l'usine produisait des baies de stockage informatique. La production s'est arrêtée en décembre 2016.  En juin 2020, Hitachi Construction Machinery Europe annonce la fermeture de son usine de Oosterhout aux Pays-Bas qui produit des mini-pelles. 115 emplois sont menacés, une partie de l'activité devrait être transférée sur le site d'Amsterdam.

Affaires judiciaires.

En janvier 2016, Hitachi écope avec Mitsubishi Electric d'une amende sur décision de la Commission européenne, pour avoir formé un cartel violant les règles de concurrence. En août 2019, le groupe, accusé de pratiques anticoncurrentielles aux États-Unis, annonce avoir conclu un accord avec la justice américaine. Le groupe avait déjà été mis en cause en 2013 dans une affaire similaire, impliquant plusieurs firmes japonaises.

, littéralement « Lever de soleil » en japonais, est une entreprise japonaise d'électronique ayant son siège à Chiyoda-ku, Tokyo.

Hitachi, Ltd. (, "Kabušiki gaiša Hitači seisakušo", doslova: "Akciová společnost Závod Hitači") je japonská nadnárodní společnost se sídlem v Tokiu, která vznikla v roce 1910. Jde o vysoce rozmanitou společnost, která se zaměřuje na obory jako: Informační a telekomunikační systémy, sociální infrastruktura, vysoce funkční materiály a komponenty, finanční služby, pohonné jednotky a systémy, elektronické systémy a zařízení, audiovizualní technika a Hi-Fi komponenty, automobilová zařízení, železniční a městské systémy, digitální média a spotřební zboží, stavební stroje a další komponenty a systémy.


Synopsis.

En 2023, les mutants, les humains susceptibles d'engendrer des mutants, et des humains prêts à les défendre, ont été presque exterminés au cours d'une guerre contre les Sentinelles, des robots conçus pour trouver et éliminer les mutants. Dans un ultime effort pour changer le cours tragique des événements, le professeur Charles Xavier et Magnéto renvoient l'esprit de Wolverine dans son propre corps, en 1973, grâce aux talents de Kitty Pride. Ainsi conscient de l'avenir qui se prépare, il doit y retrouver les jeunes mutants écorchés qu’ils ont été.  Logan y rencontre un Charles Xavier qui a renoncé à ses pouvoirs, et qui vit cloîtré avec Hank McCoy (le Fauve) dans son manoir. Charles annonce à Logan que Magnéto est emprisonné au Pentagone pour l'assassinat de John F. Kennedy. Le but de Wolverine est de convaincre Xavier et Magnéto que la guerre va éclater à la suite d'un enchaînement d'événements provoqués par Mystique : elle cherche à abattre le docteur Bolivar Trask qui est en train de mettre au point les Sentinelles. Une fois qu'elle aura tué Trask, elle sera immédiatement arrêtée, et l'utilisation de ses cellules de mutante permettra de faire des Sentinelles des armes absolues dans le futur : ses facultés de métamorphe seront synthétisées et administrées aux Sentinelles, leur permettant de s'adapter aux pouvoirs de leurs adversaires.  Comme ils ont besoin de Magnéto pour convaincre Mystique de renoncer à son projet, Xavier, Hank et Logan décident de le faire évader du Pentagone. Pour ce faire, ils sollicitent l'aide de Vif-Argent. Grâce à lui, ils se débarrassent aisément des gardes et font sortir Magnéto, puis s'envolent pour Paris. Pendant le trajet, Xavier et Erik s'expliquent et semblent entamer leur réconciliation.  Cependant, lors des Accords de paix de Paris pour la fin de la guerre au Viêt Nam, Magnéto décide purement et simplement d'éliminer Mystique pour la survie des mutants. Il la blesse à la jambe, et son sang est ensuite récupéré par l'équipe du docteur Trask. Comme ils se sont battus sous les yeux du monde entier (de nombreux journalistes étant venus couvrir l'événement), le président des États-Unis Richard Nixon décide de valider le programme Sentinelle de Trask. Les robots sont assemblés et présentés au public.  Magnéto se sert alors des prototypes des Sentinelles pour faire comprendre aux humains le potentiel des mutants. Il déplace le "Robert F. Kennedy Memorial Stadium" de Washington pour isoler la Maison-Blanche, et se présente aux caméras du monde devant le président Nixon et son état-major désarmé. Logan, le Fauve et Xavier tentent de s'interposer mais sont mis en déroute par les Sentinelles, sous le contrôle de Magnéto. Mystique prend alors l'apparence du président pour empêcher Magnéto de le tuer. Elle y parvient et renonce finalement à assassiner Trask grâce à Xavier, ce qui fait d'elle une héroïne aux yeux des humains.  Dans le monde futur, les Sentinelles débusquent les mutants cachés dans un temple en Chine. Un combat s'engage et Iceberg, Bishop, Tornade, Warpath, Solar, Colossus et Blink sont tués. Xavier, Magnéto, Kitty et Wolverine se retrouvent à la merci des Sentinelles qui s'apprêtent à les consumer mais comme, cinquante ans plus tôt, Mystique a renoncé à son projet d'assassinat, le futur apocalyptique est effacé de la ligne temporelle.  Logan reprend ses esprits dans l'école de Xavier où les cinquante années écoulées n'ont rien à voir avec la vie qu'il a connue. Les mutants vivent en harmonie avec les humains, et tous les X-Men sont vivants, y compris Scott et Jean Grey. Bobby et Malicia sont toujours ensemble et Kitty, à présent compagne de Colossus, est devenue professeur.  Dans l'Égypte antique, une foule en admiration se prosterne et scande le nom d'un adolescent : En Sabah Nur. Grâce à ses pouvoirs télékinétiques sur la pierre, il est en train de construire une grande pyramide à une vitesse extraordinaire. Au loin, quatre cavaliers observent la scène.

Production.

Genèse du projet.

En, Bryan Singer a confirmé le projet d'une suite de "" intitulée "". Initialement attaché à la réalisation de cet opus à la suite du succès du précédent, Matthew Vaughn a finalement passé la main en. Il est remplacé par Bryan Singer, avec qui il continue son pas de deux, puisqu'il l'avait déjà suppléé pour "" (avant d'en laisser les commandes à Brett Ratner) et "", mais reste ici crédité comme co-scénariste et producteur. Matthew Vaughn voulait à l'origine situer son film dans les années 1960 avec une intrigue autour de l'assassinat de John F. Kennedy orchestré par Magneto, de la guerre du Viêt Nam et du mouvement des droits civiques aux États-Unis.  Bryan Singer conserve quelques idées de Matthew Vaughn qu'il intègre à un nouveau scénario inspiré de l’arc narratif original "X-Men: Days of Future Past" scénarisé par Chris Claremont et dessiné par John Byrne, publié en 1981 par Marvel Comics (publié en France en 1984 dans la revue "Special Strange", et 36, sous les titres « Futur antérieur » et « Quelle ère est-il? »). Dans les comics, c'est le personnage de Kitty Pryde (nommée « Kate Pryde » dans le futur) qui remonte le temps, alors que dans le film c'est le personnage de Wolverine.  Bryan Singer s'est entretenu avec James Cameron à propos notamment de multivers, de la théorie des cordes et de voyage dans le temps.

Distribution des rôles.

Les « vétérans » de la première trilogie, Ian McKellen et Patrick Stewart, sont dès le départ annoncés dans leur rôle respectif de Magnéto et du professeur Xavier, cette fois donc dans des versions plus âgées.  Hugh Jackman est confirmé le, marquant là sa septième apparition dans la peau de Wolverine en à peine quinze ans, puisqu'il tient le rôle depuis le premier "X-Men", en 2000. Le, Halle Berry (Tornade), interviewée par Blacktreetv, confirme sa présence dans ce prochain opus. Comme Ian McKellen et Patrick Stewart, l'actrice était l'une des têtes d'affiche de la trilogie originale.  Les retours d'autres « anciens », Anna Paquin (Malicia), Ellen Page (Kitty Pryde) et Shawn Ashmore (Bobby Drake / Iceberg), sont confirmés dans la foulée.  Puis, de nouveaux visages sont présentés : Peter Dinklage et Omar Sy sont également annoncés. Le Français décroche le rôle de Bishop tandis que Dinklage incarne l'antagoniste principal du film : Bolivar Trask, auquel l'acteur Bill Duke prêtait pourtant ses traits dans "".  En, Bryan annonce sur son compte Twitter que Lady Gaga rejoint la distribution dans le rôle de Dazzler, une mutante capable de transformer le son en lumière. Il s'avère après coup qu'il s'agissait d'un poisson d'avril de la part du réalisateur.  Plus sérieusement, le réalisateur révèle en que le comédien Daniel Cudmore sera de retour dans la peau du géant Colossus, déjà présent dans "X-Men 2" et "". Deux nouveaux acteurs seront aussi introduits : la Chinoise Fan Bingbing et l'Américain d'origine amérindienne, passé par la franchise "Twilight", Boo Boo Stewart. Si Bingbing se voit confier le rôle de Blink, une mutante capable de se téléporter, le rôle de Boo Boo Stewart n'est pas alors clairement établi. Bryan Singer ayant toutefois annoncé la présence du mutant d'origine amérindienne Warpath, les spéculations vont bon train, et seront finalement confirmées.  En, c'est le comédien Adan Canto (connu pour son rôle dans la série "") qui est annoncé. Son rôle n'est alors pas connu, mais l'acteur précise qu'il interpréterait un personnage doté du pouvoir de contrôler le feu. Le rôle en question s'avère être celui de Roberto Da Costa, alias Solar.  En, Bryan Singer révèle l'ajout d’Evan Peters à son film, dans le rôle de Vif-Argent, l'emportant sur Jamie Campbell Bower et Nico Tortorella, qui avaient également auditionné pour ce rôle.  À la suite de la divulgation du choix d'Evan Peters pour incarner Vif-Argent / Pietro Maximoff dans le film, des problèmes d'ordre juridique se sont posés. En effet, l'acteur était, à ce moment-là, pressenti pour jouer le même personnage dans "", chez Marvel Studios. À la suite d'une nouvelle délimitation des droits concernant l'utilisation du personnage, pour chacun des deux studios impliqués, un compromis est trouvé. Peters incarnera le personnage uniquement dans le film de Bryan Singer, où il sera considéré comme un simple nouveau mutant. Si le studio le souhaite, ils pourra être affilié à Magnéto, qui est son père biologique dans le comics. Alors que dans "Avengers : Age of Ultron", le personnage figurera en tant que nouvel "Avenger", mais son père ne sera pas Magnéto, ce personnage appartenant exclusivement à la 20th Century Fox. Pour cette seconde incarnation du personnage, c'est Aaron Taylor-Johnson qui est finalement choisi. Marvel Studios décidera par ailleurs d'introduire conjointement le personnage de sa sœur jumelle, Wanda Maximoff.  En, c'est au tour de l'acteur Josh Helman (connu pour son rôle dans la série ": L'Enfer du Pacifique") d'être recruté. Il devait à l'origine tenir le rôle du Fléau, mais lorsque le personnage est supprimé du scénario, il est choisi pour celui de William Stryker.  En, Bryan Singer annonce le retour de Lucas Till dans son rôle d'Havok, qu'il tenait déjà en 2011 dans le film "". En, un correctif est apporté concernant la présence d'Anna Paquin dans le film. L'actrice, attendue dans le rôle de Malicia, ne sera finalement pas de retour dans la version finale, Bryan Singer ayant décidé de supprimer la séquence dans laquelle elle figurait, la jugeant inutile. Finalement, en, la Fox confirme que Malicia apparaîtra dans le film, au moins en caméo.  Jason Flemyng, qui interprétait Azazel dans "", devait reprendre son rôle lorsque Matthew Vaughn était encore lié au projet. Mais lorsqu'il a passé la main à Bryan Singer, le script a été réécrit et le personnage supprimé.

Tournage.

Le tournage débute le, à Montréal, au Québec. Le Stade olympique de Montréal est notamment utilisé comme décor.  Pour les scènes avec Vif-Argent, Bryan Singer a utilisé une caméra enregistrant 3600 images par seconde, soit 150 fois plus que la vitesse normale d'un film (24 images par seconde).  Alors que le tournage se termine en, certains plans additionnels sont tournés au Canada mi-. Le tournage a repris au Canada comme l'a annoncé Bryan Singer via son compte Twitter le.  John Ottman compose la musique du film. Il s'occupe par ailleurs également du montage, comme il l'avait fait précédemment pour "X-Men 2" (2003). Il reprend d'ailleurs le thème de ce film dans certaines de ses compositions.

Sortie.

La sortie était initialement prévue le en France et le aux États-Unis. Finalement, en, les dates sont avancées : pour la France et sur le sol américain.

Accueil critique.

Sur l'agrégateur américain Rotten Tomatoes, le film récolte 92% d'opinions favorables pour 236 avis recensés. Sur Metacritic, il obtient une note moyenne de 74/100 pour 43 critiques.  En France, le film décroche la moyenne de 3,8/5 pour 20 titres de presse comptabilisés. Du côté des critiques positives, Olivier Delcroix écrit dans "Le Figaroscope" : Géraldine Woessner du "Parisien" souligne la qualité des effets spéciaux qui. Dans "Les Inrockuptibles", Romain Blondeau écrit.  Du côté des critiques plus mitigées, Louis Blanchiot du site Chronic'art regrette un film dans lequel à. Barbara Théate du "Journal du dimanche" apprécie quelques mais regrette l'action qui.

Box-office.

Le film totalise 90 millions de dollars pour son premier week-end d'exploitation nord-américaine. C'est le démarrage de la saga, juste derrière "" (2006) et ses 102,7 millions de dollars.  Après seulement 2 semaines d'exploitation dans le monde, il dépasse le total du meilleur film de la saga au box-office, "", avec plus de 500 millions de dollars de recettes mondiales.  En, le film devient le plus gros succès de l'année 2014 avec plus de 713 millions de dollars de recettes. En France, il dépasse début juillet les 3 millions d'entrées et devient le film en 2014 et le de la saga, devant les entrées de "X-Men 2".

Version longue.

Quelques mois après la sortie du film, il est annoncé qu'une version longue sortira en vidéo. Intitulée "X-Men : Days of Future Past, the Rogue Cut", elle sort le en DVD et Blu-ray. Elle inclut essentiellement des scènes supplémentaires de Malicia ("Rogue" en version originale), coupées au montage. Elle propose une intrigue secondaire : après que Logan a blessé Kitty Pryde, cette dernière perd le contrôle du transfert de Wolverine dans le temps. Malicia, librée par Bobby, Magnéto et Charles, prend alors le relais, alors qu'en parallèle Magnéto va récupérer son casque au département de la défense. Le film est ainsi rallongé de 17 minutes.

Suite.

Avant même la sortie du film, Bryan Singer annonce sur son compte Twitter une suite intitulée "" prévue pour le en France. Le personnage d'Apocalypse, un mutant très ancien et extrêmement puissant, en sera le méchant principal. Il est d'ailleurs introduit dans la séquence post-générique de "X Men: Days of Future Past".  Le producteur et scénariste Simon Kinberg évoque la possibilité que certains personnages des trois premiers films pourraient revenir :.

Ce film est inspiré des comics de la série de du même nom écrite par le scénariste Chris Claremont et dessinée par John Byrne, publié par Marvel Comics en 1981 qui met en scène les personnages des X-Men créés par Stan Lee et Jack Kirby.

X-Men: Budoucí minulost (v anglickém originále X-Men: Days of Future Past) je superhrdinský film z roku 2014 inspirovaný komiksem "X-Men: Days of Future Past" autora Chrise Claremonta z roku 1981. Dějově se jedná o pokračování filmů "" (2006) a "" (2011). Režie se chopil Bryan Singer, autor filmů "X-Men" (2000) a "X-Men 2" (2003). Scénář napsal Simon Kinberg podle příběhu, na kterém se podílel s Matthewem Vaughnem a Jane Goldmanovou.


Biographie.

En 1993, Vindsval lance un projet solo appelé Vlad, nom inspiré de Vlad III l'Empaleur. Après deux démos, Vlad change de nom pour Blut aus Nord. Alors que les labels commencent à s'intéresser à son travail, Vindsval décide de recruter d'autres musiciens. Il endosse le rôle de chanteur et guitariste pendant que GhÖst s'occupe de la basse et W.D. Feld de la batterie et du clavier.  Le trio publie un premier album studio, "Ultima Thulée", en 1995, sur le label local indépendant Impure Creation Records. Puis en 1996, le groupe sort son deuxième album studio intitulé ', toujours sur le label ICR. L'année 2001 assiste à la publication du troisième album studio du groupe, ', sur les labels Debemur Morti et Season of Mist.  Le projet le plus acclamé du groupe est leur quatrième album studio, "", qui est un album-concept publié en 2003. Il est classé par le magazine "Terrorizer" dans son top 10 des albums en 2003 et est bien accueilli par l'ensemble de la presse spécialisée. De par le succès critique et commercial de Blut aus Nord, tous leurs albums sont réédités aux États-Unis en 2004 et 2005.  En 2006, le groupe publie l'album "MoRT", qui marque le changement de direction musicale du groupe vers le metal expérimental. L'album "" sort sur Internet le 10 septembre 2007, le sous-titre "The Destruction of Reason by Illumination" étant une référence à Aleister Crowley. La suite de "Memoria Vetusta I", intitulée "Memoria Vetusta II - Dialogue with the Stars", est publiée en février 2009.  Le groupe se lance dans la publication d'EPs expérimentaux. Le premier, ', sort en édition limitée sur le label Debemur Morti Productions, en 2010. En 2012, il est suivi par le deuxième EP,'; Le troisième volume, "What Once Was...Liber III," sort en novembre 2013. En parallèle, Blut aus Nord publie la trilogie 777 composée des albums "777 - Sect(s)", "777 - The Desanctification", tous deux sortis en 2011, et "777 - Cosmosophy", sorti en octobre 2012. Les trois volumes de cette trilogie sont illustrés par le graphiste parisien Valnoir.  En juin 2014, un split avec le groupe de doom metal industriel français P.H.O.B.O.S. est publié. En octobre 2014 sort "Vetusta III: Saturnian Poetry" au label Debemur Morti. Toujours en 2014, Thorns rejoint le groupe à la batterie.  En mai 2016, Blut aus Nord publie un premier extrait du split "Codex Obscura Nomina", avec Ævangelist, annoncé pour le 17 juin 2016. L'extrait s'intitule « "Threshold of the Miraculous" ». Le 12 septembre 2016, le magazine anglais Metal Hammer cite le groupe dans son top 10 des meilleurs groupes de metal français. Le neuvième album du groupe, "Deus Salutis Meae" sort le sur le label Debemur Morti, avec une pochette réalisée par l'illustratrice ukrainienne Anna Levytska. Une vidéo du titre « "Métanoïa" » est mise en ligne le 19 mars 2018 et est réalisée par The Cuckoo de Tenebra Tenebrosa.

Blut aus Nord est un groupe de black metal avant gardiste français, originaire de Mondeville, dans le Calvados. Leur nom, Blut aus Nord, signifie littéralement en allemand.

Blut aus Nord (, avšak gramaticky nesprávně „Krev ze severu“, zkratka BAN nebo BaN) je black metalová kapela z Francie. Vydala víc než 15 alb. Název Krev ze severu by měl být německy gramaticky správně "Blut aus dem Norden".


Géographie.

La municipalité se trouve dans la vallée éponyme, entourée de hautes montagnes, sur la route qui relie Skopje à Ohrid, qui permet également de rejoindre Bitola. La ville de Kitchevo se trouve par ailleurs sur la ligne ferroviaire de Kitchevo à Skopje. Une extension de la voie ferrée vers Strouga et l'Albanie est en projet.  La vallée de Kitchevo est un espace courbe et étroit, fermé à l'ouest par le massif de la Bistra et à l'est par la Souva Gora. Elle compte de nombreuses rivières et en ruisseaux, tous affluents du Vardar.  Kitchevo connaît deux climats, un climat continental chaud en dessous de 600 à d'altitude, et un climat montagnard dans les zones plus élevées. La température maximale atteinte est, et la température minimale,.  En plus de la ville en elle-même, la municipalité compte un grand nombre de villages. Il s'agit de Atichta, Aranguel, Batchichta, Belitsa, Berikovo, Bigor Dolentsi, Brjdani, Boukoytchani, Bidrani, Vranechtitsa, Garani, Golemo Tsrsko, Gorna Douchégoubitsa, Gorno Dobrénoets, Gorno Strogomichté, Grechnitsa, Dlapkin Dol, Dolna Douchégoubitsa, Dolno Dobrénoets, Dolno Strogomichté, Drougovo, Doupyani, Ehloets, Joubrino, Zaïas, Ivantchichta, Izvor, Yavorets, Yagol, Yagol Dolentsi, Youdovo, Karbounitsa, Kladnik, Klénoets, Knéjino, Kozitsa, Kozitchino, Kolari, Kolibari, Krouchitsa, Lavtchani, Lazarovtsi, Lechnitsa, Malkoets, Malo Tsrsko, Manastirsko Dolentsi, Mamoudovtsi, Midintsi, Miokazi, Novo Selo, Oslomeï, Ossoy, Orlantsi, Papradichté, Patets, Podvis, Popoets, Popoljani, Popovyani, Premka, Prostranyé, Rabetino, Rachtani, Retchani, Retchani-Tchelopetchko, Svetoratché, Svinyichté, Srbitsa, Srbyani, Staroets, Streltsi, Taymichté, Traptchin Dol, Touin, <unk>afa, Tser, Tsrvivtsi, Tchelopetsi et Choutovo.

Histoire.

Les origines de Kitchevo sont très mal connues. On sait seulement qu'une ville appelée « Uskana » a existé à proximité pendant l'Antiquité. La ville actuelle est mentionnée pour la première fois en 1018 dans une charte de l'empereur byzantin Basile II. Elle est alors peuplée par les Brsyatsi, une tribu qui vit de l'élevage de bétail. Après la conquête turque à la fin du, la ville devient un petit centre administratif. Il faut toutefois attendre le pour que Kitchevo se développe réellement, notamment grâce à des investissements étrangers et à l'extraction minière (cuivre et manganèse). Le centre-ville reçoit alors son organisation actuelle et une forteresse est construite.  Lors de l'Insurrection d'Ilinden, qui a lieu en 1903 et vise l'autonomie de la Macédoine dans l'Empire ottoman, la ville se mobilise massivement dans les rangs des insurgés. Le soulèvement s'achève cependant par un échec et c'est en 1912 que la Macédoine quitte définitivement l'empire, pour rejoindre la Serbie.  En 1941, la ville est occupée par l'Italie fasciste et elle devient un foyer de la Résistance communiste. Elle est d'ailleurs libérée par les Partisans locaux en 1945, et 555 combattants macédoniens y meurent au combat.  En 1996, lors d'une grande réforme administrative, les municipalités de Drougovo, Zaïas, Oslomeï et Vranechtitsa, auparavant parties de Kitchevo, ont été détachées. Cela a entraîné un morcellement de la vallée de Kitchevo, qui s'est retrouvée partagée entre de petites entités. La réunion des cinq municipalités a cependant été envisagée en 2004, lors d'une nouvelle réforme visant à simplifier la carte administrative du pays. La population macédonienne s'est alors majoritairement opposée à la fusion des municipalités, car la nouvelle grande municipalité de Kitchevo aurait une majorité albanaise. La fusion est finalement acceptée par le parlement en 2008 et elle devient effective lors des élections locales de 2013.

Démographie.

Lors du dernier recensement, effectué en 2002, la municipalité de Kitchevo comptait habitants. Depuis, elle a fusionné avec quatre autres municipalités, (Drougovo, Zaïas, Oslomeï et Vranechtitsa). Kitchevo, dans ses dimensions actuelles, comptait donc à la même date habitants. La ville en elle-même comptait habitants.  Selon le recensement de 2002, la composition ethnique de la ville est :  La composition ethnique de la municipalité est :

Administration.

La municipalité est administrée par un conseil élu au suffrage universel tous les quatre ans. Ce conseil adopte les plans d'urbanisme, accorde les permis de construire, il planifie le développement économique local, protège l'environnement, prend des initiatives culturelles et supervise l'enseignement primaire. Le conseil compte 23 membres. Le pouvoir exécutif est détenu par le maire, lui aussi élu au suffrage universel. Depuis 2013, le maire de Kitchevo est Fatmir Dehari, né en 1974.  À la suite des élections locales de 2013, le Conseil de Kitchevo était composé de la manière suivante :

Économie.

La municipalité vit principalement de l'exploitation minière et de la production d'électricité grâce à la centrale d'Oslomeï, qui a une capacité de de production annuelle.

Culture et tourisme.

Le centre-ville de Kitchevo est marqué par l'église Saint-Pierre-Saint-Paul, construite en 1907, et par la tour de l'horloge, d'époque ottomane. On y trouve aussi, dans un édifice de 1892, le Musée de la Macédoine occidentale, qui illustre notamment les luttes nationales macédoniennes au et au, mais présente aussi des objets archéologiques trouvés dans la région ainsi que des objets folkloriques.  En surplomb du centre se trouve la forteresse "Kitino Kalé". Ce nom signifie « forteresse de Kita », et selon la légende, Kita serait une sœur du roi médiéval Marko Kraljević qui aurait vécu à Kitchevo (la ville elle-même lui doit son nom). Des fouilles archéologiques ont notamment permis de mettre au jour des monnaies byzantines. Le fort actuel date principalement de la fin du et du, lorsqu'il fut aménagé en caserne ottomane. En 1968 y a été construit un mémorial de la Seconde Guerre mondiale.  Le monastère de la Vierge-Marie, situé dans les environs à une altitude de, a été fondé en 1316. Détruit par les Turcs en 1558, il n'a été reconstruit qu'en 1848.

Kičevo (en macédonien Кичево ; en albanais Kërçovë ou Kërçova) est une municipalité et une ville de l'ouest de la Macédoine du Nord. Elle comptait en 2002 et couvre. La ville en elle-même compte, le reste de la population étant réparti dans les villages alentour.

Kičevo (makedonsky, albánsky "Kërçovë" nebo "Kërçova") je město v západní části Severní Makedonie, která se nachází v údolí jihovýchodních svahů hory Bistra, mezi městy Ochrid a Gostivar. Hlavní město Skopje je 112 km daleko. Město Kičevo je sídlem samosprávné obce.


Origine du nom.

La fraise tient son nom de la fraise de veau, par sa ressemblance avec celle-ci.

La fraise au.

Les origines.

À l’origine des fraises, le bord supérieur des chemises formait des petites plissures. Dans les années 1530, le décolleté cède la place au col montant et aux guimpes qui couvrent le haut de la poitrine et le cou.

Les années 1560.

C’est au cours des années 1560 que la fraise fait véritablement son apparition. Elle est formée de godrons bien réguliers et devient un élément détaché de la chemise. Elle s'échappe du col et sa forme grossit progressivement en hauteur. La plupart des femmes portent la fraise au bout d’une collerette. Selon Michel Serres, la fraise aurait pour motivation la dissimulation des ganglions produits par les maladies vénériennes, courantes à cette époque.

Les années 1570.

Le retour en vogue du catholicisme dans les années 1570, entraîne à la cour de France le développement du luxe et de la mode. Par opposition à l’austérité protestante, on porte des fraises de plus en plus grandes, décorées de dentelle et échancrées. La fraise s’agrandit en hauteur puis au tout début du règne d’Henri III, en largeur. En 1578, elle atteint son extension maximale. Sa largeur démesurée fait l’objet de moqueries populaires. Pierre de L'Estoile écrit alors dans son journal : « À voir la tête d’un homme sur ses fraises, il semblait que ce fût le chef (tête) de Saint Jean sur un plat ».  Cette mode de la fraise sera tournée en dérision lors d'un charivari à la foire Saint Germain en : des étudiants défileront, affublés de larges fraises en papier blanc, criant :. Henri III ne goûta pas la plaisanterie et fit enfermer quelque temps les coupables à la prison du Châtelet.

Les années 1580.

Durant les années 1580, la fraise ne connaît guère d'évolution. Chez les hommes, le col lui est peu à peu préféré. En France, les femmes continuent de porter la fraise le plus souvent avec un décolleté et une collerette qui s’est agrandie au point de former un large éventail autour de la tête. À la fin des années 1580, on voit en France, le retour d’une fraise plus petite.  Dans les années 1590, hormis dans les grandes occasions, la grande fraise n’est plus vraiment portée par les hommes qui préfèrent le col ou la fraise à confusion qui fait alors son apparition.

La fraise au début du.

En Espagne.

En Espagne, la "fraise" est appelée "lerma" ou "lechuguilla" et peut être d'une hauteur démesurée. Elle y a survécu jusqu'au début du règne du roi Philippe IV d'Espagne commencé le.  Le nouveau roi entend rompre avec la corruption et les gaspillages du règne précédent dont la collerette "fraise" en est un des symboles. Il prépare un certain nombre de décrets dit "somptuaires" censés conduire à des économies. Parmi ces décrets il veut imposer de la sobriété dans l'habillement en imposant le "col wallon" ou "golilla". À partir du, le roi et son frère montrent l'exemple et portent l'habit noir et le col plat.  Ce décret de 1623 sert d'indicateur aux experts pour dater certains tableaux.

En Europe du Nord : la fraise dite "à confusion".

La fraise dite "à confusion" est une fraise non empesée, à plusieurs rangs, nettement moins rigide, tombant sur les épaules en collerette puis en grands collets rabattus, enfin en col rabattu bordé de dentelle (mode Louis XIII).

Au.

Au début du, et en particulier sous le Empire, la fraise fait de nouveau son apparition dans les costumes de la noblesse napoléonienne. Elle est utilisée tant dans les costumes de ville que dans les tenues d'apparat.

Au.

Une survivance du port de la fraise se retrouve dans l'uniforme de la garde suisse pontificale, où elle est portée avec la cuirasse lors des cérémonies d'assermentation et à l'occasion des fêtes de Pâques et de Noël.

La fraise est un col de lingerie formé de plis ou de godrons. Elle est placée autour du cou qu’elle cache et met en valeur le visage de celui qui la porte. On la désigne également sous le terme de collerette.

Okruží je část renesančního oděvu. Jedná se o hustě nařasený límec, většinou bílé barvy. Muži i ženy ho nejčastěji nosili společně s rukavicemi na slavnostnější události. Okruží bylo součástí renesančního oděvu šlechty první poloviny 17. století.


Écologie.

Malgré leur caractère éphémère (on les a autrefois classé parmi les, les flaques peuvent abriter des écosystèmes spécifiques, certaines espèces animales ou végétales (algues et nostocs par exemple) s'accommodant de cette caractéristique tels des amphibiens, des insectes tels qu'hydracariens, larves de moustiques, etc. qui peuvent s'y réfugier voire y pondre leurs œufs. Certains animaux viennent y boire.  La croissance des organismes à sang froid qui y vivent est parfois accélérée par le fait que l'eau (si la flaque est très ensoleillée) se réchauffe plus vite, et parce qu'elle est souvent plus riche en minéraux et parfois en nutriments. Par contre sur un sol pollué, l'eau de la flaque peut plus rapidement se contaminer à partir de produits toxiques présents dans le substrat.

Paléoécologie.

Dans certains paléoenvironnements, les flaques faisaient partie intégrante du paysage, dont par exemple dans les Vosges du Nord pendant toute la durée du Buntsandstein

Agroécologie.

Sur les chemins agricoles et dans les champs labourés, les flaques d'eau persistantes sont généralement malvenues, les fossés et divers formes de drainage ou d'amélioration du sol visent à évacuer l'eau des flaques. Des modélisations visent à mieux comprendre la manière dont l'eau circule ou stagne ou s'infiltre sur les surfaces agricoles.

Hydroécologie.

En 2016, il a été démontré que la chute de gouttes de pluie dans une fine couche d'eau crée un aérosol de micro et nanoparticules organiques, minérales, incluant des spores fongiques, des bactéries et des restes de plantes et d'animaux morts. Ce phénomène avait été photographié et étudié dès 1955 par A. H. Woodcock qui avait clairement montré qu’il pouvait contribuer à la pollution de l’air quand il pleut par exemple sur certains déchets industriels ou boues d'épuration. D’autres auteurs (tel Blanchard en 1989) ont ensuite expliqué comment ces aérosols se formaient également en mer. On a récemment (2015) montré que cette « brume induite » par la pluie peut repolluer ou polluer l’air, mais qu’elle peut aussi générer de nouvelles pluies (en ensemençant les nuages). Une partie des micro-aérosols formés après l’éclatement des bulles d’air créées par la chute de gouttes de pluies dans de l’eau non-pure se déshydrate et se diffuse dans l’atmosphère sous forme de « nanosphères » (de 0,5 μm de diamètre et principalement composées de carbone, d’oxygène et d’azote). Leur mécanisme de formation a été d’abord étudié en laboratoire, en filmant à fort grossissement et grande vitesse une pluie artificielle, puis le phénomène a été étudié par des chercheurs américains en plein air grâce à la microscopie à haute résolution appliquée à l’étude de particules en suspension dans l'air recueillie l’année 2014 dans les masses d’air circulant au dessus des grandes plaines agricoles de l'Oklahoma. Un à deux tiers et deux tiers des particules aérotransportées étaient des nanoparticules issues des sols agricoles. Une partie des pesticides et nitrates trouvés dans l’air et ensuite transportées par les vents ou rabattues au sol par de nouvelles pluies pourraient venir de ce processus. Les impacts des nouvelles gouttes de pluie créent des éclaboussures et de petites bulles d'air qui remontent vers le haut et éclatent en arrivant à la surface du film d’eau ou des flaques. L'éclatement de chacune de ces bulles projette dans l’air des nano-gouttelettes qui formeront une très fine brume enrichie en matière organique. Cette brume se déshydrate ensuite en formant les minuscules billes sphériques solides observables au microscope. Selon cette étude une pluie légère ou modérée semble plus efficace pour produire cet aérosol que quand elle est constituée de grosses gouttes, car produisant plus de bulles d’air. Le fait qu'une mare se soit formée sur un sol labouré, un sol urbain poussiéreux ou un sol densément végétalisé a donc de ce point de vue une importance.  Quand les véhicules roulent sur des flaques d'eau qui se sont accumulées sur une chaussée polluée, ils créent un aérosol d'eau polluée qui peut être transporté par le vent.  En zone tropicale, des flaques un peu trop persistantes sont des gîtes pour des moustiques vecteurs de maladies (anophèle par exemple).

Une flaque d'eau ou simplement flaque est une petite étendue d'eau temporaire constituée par l'accumulation d'eau, généralement de pluie, dans un creux suffisamment imperméable du sol.

Kaluž ("louže") je označení pro malé množství stojaté vody nahromaděné na zemi. Může se vytvořit buď sdružováním do prohlubní na povrchu, nebo povrchovým napětím po rovném povrchu. Kaluže se obyčejně tvoří po dešti nebo v důsledku umělého zavlažování.


Historique.

Fondation de l'Académie et naissance des salons.

Les peintres et sculpteurs du roi, avec à leur tête Charles Le Brun, vont entreprendre un long travail d'influence auprès de Mazarin et de la reine (le roi Louis XIV avait à peine ) pour mettre en place une institution nouvelle répondant à leurs revendications. Ils pouvaient d’ailleurs citer en exemple les précédents de Florence et de Rome, où les Princes au pouvoir avaient soutenu la création d’une Académie de dessin, un siècle plus tôt déjà.  Ils obtiennent gain de cause et en 1648, la création de l’Académie royale de peinture et de sculpture est approuvée, elle est créée à Paris et se dote d’une structure, de personnels et d’une doctrine.  Par ailleurs, les artistes pouvaient malgré tout exposer à cette époque, en dehors de l'institution publique : les membres de la guilde de Saint-Luc française, appelée l'Académie de Saint-Luc, une corporation aux origines très anciennes, organisait des événements ; d'autres venaient d'initiatives de personnalités privées, très riches, tels le banquier Everhard Jabach, grand collectionneur.

La hiérarchie des Genres.

La doctrine s’appuie sur la hiérarchie des genres, héritée de l’Antiquité.  Par ordre décroissant de prestige, cette hiérarchie place en tête : et viennent ensuite :  On passe en fait de ce qui exige le plus d’imagination et de créativité, pour lequel il faut plus de talent, à ce qui est considéré comme de la copie pure du réel.  Cette hiérarchie se retrouve dans les désignations du personnel de l’Académie qui a une importante fonction d’enseignement. Seuls les peintres d’histoire ont accès aux fonctions d’« officiers », notamment les professeurs et les adjoints de professeurs.

La réception d'une œuvre : du Palais-Royal au Louvre.

Pour être reçu à l’Académie, l’aspirant devait d’abord soumettre pour agrément une ou plusieurs œuvres servant de base au choix du sujet imposé, dans le genre choisi par lui. Ensuite, il réalisait le projet en définitif et le présentait pour réception. L’œuvre s’appelait alors le « morceau de réception » qui devenait propriété de l’Académie.  Ces œuvres étaient montrées au public au cours d’expositions dont la régularité ne fut pas la principale qualité au. Les statuts de mars-, modifiés en 1668, prévoyaient une présentation biennale. Il fallait trouver un moyen de compenser l’absence de « boutiques », lieux de présentations d’œuvres auxquels les Académiciens et Officiers avaient renoncé, dans le cadre de leur nouveau statut. La première exposition fut organisée dans une des cours du Palais-Royal en 1667 — où l'Académie résidait depuis —, suivie de celles de 1669, 1671 et 1673, année qui introduit l'usage de publier un livret qui présente la liste des différentes œuvres exposées.  Après une certaine désaffection et le peu de succès des expositions de 1675, 1681 et 1683, l’Académie s’installe au Louvre à partir du, où se tient l'exposition de 1699, dans la « Grande Galerie » qui s'accompagne d'un recueil en trois volumes, la "Description des peintures, sculptures et estampes exposez dans la Grande Galerie du Louvre dans le mois de " qui constitue la première publication de critique de ce qui s'appelle encore « l'Exposition ». La Grande Galerie accueille les expositions suivantes de 1704 et 1706. Sous la Régence, l'Académie de Saint-Luc est de nouveau autorisée a organisé également son exposition, et ce, à partir de 1704, brisant ainsi le privilège d'exclusive imposé depuis 1668 au profit des élèves et membres de l'Académie royale.

Le Salon de l'Académie royale de peinture et de sculpture (1725-1789).

À partir de 1725, le Salon carré du Louvre (nommé à l'époque Grand Salon du Louvre) est régulièrement utilisé pour présenter des œuvres. Le terme apparaît en 1725 pour qualifier l’événement : le Salon est de fait le lieu où les Académiciens présentent leurs œuvres au public.  À partir de 1737, la périodicité de l'exposition devient régulière, et pour la première fois des dessins sont exposés au même titre que les peintures. D'abord annuelle, elle devient bisannuelle en 1747. La participation augmente, mais le salon restreint son accès aux femmes et aux exposants étrangers. Dans les années 1780, c'est jusqu'à mille personnes par jour qui fréquentent le salon ( en tout rien que pour l'année 1781). L'évènement contribue à l'émergence d'un espace public et international de critique de la peinture, amplifié par la couverture de portée européenne que lui assure Diderot dans les commentaires qu'il lui consacre dans la "Correspondance littéraire, historique et critique" de Grimm entre 1759 et 1781.  En comparaison, la Royal Academy naît à Londres seulement en 1768.

En marge du Salon au : les autres manifestations.

Le Salon de Paris n'est pas l'unique manifestation artistique de ce genre dans la France des Lumières.  Sur Paris, on trouve trace de comptes rendus des expositions de la place Dauphine dites « de la Jeunesse » (1722-1788), des présentations des œuvres des élèves de l’« École royale des élèves protégés » (1750-1769), d'événements organisés par l’Académie de Saint-Luc (1751-1774), de l’exposition du Colisée (1776), des livrets des deux « Expositions de la Jeunesse » (1789-1791) organisées par J.-B. Lebrun, du « Salon de la Correspondance » (1779-1787) organisé par Pahin de La Blancherie, des expositions de la « Société des amis des arts de Paris » (1790-1793) et enfin de celles de l’« Établissement de l’Élysée » (1797-1798).  Et les Provinces françaises ne restèrent pas à l’écart de ce mouvement parisien. Des Salons se sont tenus dans des capitales provinciales à partir de la deuxième moitié du, ainsi : à Toulouse (1751-1791), Marseille (1756-1763), Dijon (1771-1777), Bordeaux (1771-1787), Lille (1773-1800), Poitiers (1776-1777), Montpellier (1779-1786), Amiens (1782, 1784), Lyon (1786), Valenciennes (1786, 1787) et Versailles (1799, 1800).

Les salons sous la Révolution et l'Empire.

"Les licteurs rapportent à Brutus les corps de ses fils" de Jacques-Louis David consacre le triomphe de l'artiste au Salon de 1789 et celui d'une peinture classique qui regarde l'actualité au miroir de l'histoire antique. En 1791 la rupture avec l'Ancien régime se manifeste dans le monde de l'art. Au nom de l'égalité et de la liberté, le Salon est désormais ouvert à tous les artistes vivants par un décret de l'Assemblée nationale.  De nouveau, le Salon consacre David qui triomphe avec trois tableaux déjà exposés, dont le "Brutus", mais aussi le dessin préparatoire du "Serment du Jeu de Paume".  En, la Convention supprime toutes les académies et crée une « Commune générale des arts » dont Jean-Bernard Restout est nommé président. C'est elle qui organise le Salon de 1793 dans un contexte difficile, évoqué par le livret de l'exposition : David, occupé à peindre "La Mort de Marat", n'y participe pas, mais ses élèves y figurent en bonne place. Joseph Ducreux présente les portraits de Couthon et de Robespierre, et Isabey y fait ses débuts. Si l'on trouve encore des paysages et des scènes de genre, l'actualité y tient sa place avec des œuvres telles que "Le Départ pour les frontières", "La Fête des Sans-culottes sur les ruines de la Bastille", "La Montagne et le Marais" ou encore "Le Siège des Tuileries par les braves Sans-culottes", aujourd'hui bien oubliées avec leurs auteurs. Les Salons suivants seront encore dominés par les élèves de David, les Gérard, Hennequin, Gautherot, Debret, Broc, Berthon, Girodet ou Antoine-Jean Gros.  L'esthétique néoclassique prédomine dans les Salons après la Révolution, sous le Directoire, le Consulat et le Premier Empire. Le Salon de 1799 est marqué par l'exposition du tableau de Pierre-Narcisse Guérin, "Le Retour de Marcus Sextus", dont le succès est dû au sujet même, perçu comme une évocation du retour des émigrés et un message de réconciliation nationale.  L'année suivante, David crée l'événement en refusant d'exposer au Salon et en organisant, en parallèle, une exposition payante de son tableau "Les Sabines" dans l'ancienne académie d'architecture du Louvre. L'arrivée au pouvoir de Napoléon Bonaparte va susciter un nombre croissant d'œuvres dévolues à la célébration de ses faits militaires : le Salon de 1804 voit le succès d'Antoine-Jean Gros avec "Les Pestiférés de Jaffa", et celui de 1808 témoigne de la prééminence de l'iconographie napoléonienne avec deux grandes toiles, "Le Sacre de Napoléon" de David et "La Bataille d'Eylau" de Gros. Les deux œuvres, qui se font face, inspirent à un visiteur du Salon ce commentaire sur Napoléon :.

L'apogée des Salons d'art plastique.

L'époque romantique.

La présentation du Salon de 1825 parue dans un ouvrage destiné aux amateurs est très intéressante car outre qu'elle propose un rappel historique, elle évoque la fermeture le mardi du musée du Louvre (sans vraiment expliquer pourquoi ce jour fut choisi), et d'autre part, on y apprend qu'il y avait un jour réservé au « beau monde ». L'auteur d'ailleurs relève la part de snobisme de ce « beau monde » qui redoute d'être mélangé aux autres visiteurs, mais ne s'intéresse pas vraiment aux œuvres exposées.  À partir de 1832, le Salon devient annuel. En 1839, Honoré de Balzac déplore ce qu'il est devenu :.  Une sorte de gronde monte parmi certains critiques et artistes : elle est manifeste durant le Salon de 1846, entre autres par la voix de Charles Baudelaire. En 1848, la Deuxième République abolit le jury de sélection, lequel est rétabli en 1851.  Le Salon se confond, en 1855, avec l'Exposition universelle : cette année-là, Gustave Courbet organise sa propre exposition dans son Pavillon du Réalisme. Au Salon de 1857, Jean-François Millet peut enfin présenter "Les Glaneuses". En 1859, la Société française de photographie représentée par Nadar, est autorisée à y exposer pour la première fois, et non plus au Palais de l'Industrie. C'est à ce moment-là que Charles Baudelaire signe la plus virulente des attaques envers le procédé avec un article intitulé « Le public moderne et la photographie ».  On note, en 1863, la tenue du "Salon des refusés" qui, à l'initiative de Napoléon III, tenta de répondre à la vague de protestations soulevée par le nombre très important d'œuvres refusées par le jury depuis plus d'une dizaine d'années.  C'est la rupture avec, à la fois les écoles néo-classiques et romantiques, avec notamment Eugène Delacroix et Courbet, plus ou moins en lien avec les représentants les plus influents des différentes monarchies qui se succèdent au pouvoir, qui permet la véritable diversification des écoles de peinture, aboutissant à la création de salons indépendants du pouvoir politique après le Second Empire.

Les salons créés sous la Troisième République.

La Troisième République constitue la première véritable période de totale liberté artistique en France puisque, contrairement aux régimes précédents, elles n'imposaient plus d'art officiel. Cette liberté totale de créer a pu s'épanouir, en grande partie aussi grâce à la volonté de quelques hommes politiques, souvent francs-maçons, qui refusaient toute contrainte en art comme en matière religieuse et qui se sont investis à titre personnel pour soutenir la création de Salons hors de la mainmise gouvernementale.  Ainsi, c'est Jules Ferry qui officialise en, par décret, la fin du monopôle de l'Académie des beaux-arts sur l'organisation du Salon annuel parisien. Quelques mois plus tôt, le Salon de peinture et de sculpture est renommé Salon des artistes français. À compter de 1881, ce salon est désormais organisé par la Société des artistes français, une association constituée d'artistes ayant exposé en 1880 à ce salon.  Dès 1882, de nombreux sociétaires vont faire sécession ou se constituer en indépendant : l'Union des femmes peintres et sculpteurs lance le Salon des femmes peintres et sculpteurs en 1882 rue Vivienne à Paris ; il prendra fin en 1990. En 1890, est constitué la Société nationale des beaux-arts  On voit se constituer, avant la Première Guerre mondiale, d'autres sociétés autogérées d'artistes, qui exposent chaque année au Grand Palais comme le Salon des indépendants (depuis 1884), le Salon d'automne (depuis 1903), le Salon d'hiver (depuis 1907).  Un même mouvement d'indépendance apparaît parmi les artistes en Allemagne et en Autriche au tournant des années 1890.

Liste des salons.

Les dates suivantes énumèrent les expositions qui eurent effectivement lieu entre 1673 et 1879 à Paris : L'Exposition de 1673 eut lieu du au dans la cour et les galeries du Palais-Royal, sélectionnant et.  1673, 1699, 1704, 1725, 1737, 1738, 1739, 1740, 1741, 1742, 1743, 1745, 1746, 1747, 1748, 1750, 1751, 1753, 1755, 1757, 1759, 1761, 1763, 1765, 1767, 1769, 1771, 1773, 1775, 1777, 1779, 1781, 1783, 1785, 1787, 1789, 1791, 1793, 1795, 1796, 1798, 1799, 1800. 1801, 1802, 1804, 1806, 1808, 1810, 1812, 1814, 1817, 1819, 1822, 1824, 1827, 1831, 1833, 1834, 1835, 1836, 1837, 1838, 1839, 1840, 1841, 1842, 1843, 1844, 1845, 1846, 1847, 1848, 1849, 1850, 1851, 1852, 1853, 1855, 1857, 1859, 1861, 1863, 1864, 1865, 1866, 1867, 1868, 1869, 1870, 1872, 1873, 1874, 1875, 1876, 1877, 1878, 1879.  En 1880, le nom de l'événement devient Salon des artistes français.

Catalogue et récompenses.

Le système des récompenses remonte à 1793, mais est d'abord irrégulièrement suivi, et ce n'est qu'en 1849, que le premier jury pour l'attribution des récompenses est constitué. Il comptait 40 membres parmi lesquels figuraient Eugène Delacroix, Auguste Ingres, Camille Corot, Eugène Isabey.  Pour faire gagner de l'argent à l'Académie de peinture et de sculpture, les tableaux étaient exposés avec des numéros : il fallait acheter le livret pour connaître le nom des exposants.

Annexes.

Bibliographie.

La bibliographie essentielle est le livret des salons. Documents rarissimes, les livrets du ont fait l'objet de rééditions, l'une par J. J. Guiffrey de 1869 à 1872, l'autre, en 1990-1991, est une reproduction en fac-similé de la réédition de Guiffrey.

Le Salon de peinture et de sculpture, appelé de manière générique le Salon, est une ancienne manifestation artistique se déroulant à Paris depuis la fin du, qui exposait les œuvres des artistes agréées originellement par l'Académie royale de peinture et de sculpture créée par Mazarin, puis par l'Académie des beaux-arts, et ce, jusqu'en 1880.

Pařížský salon ("Salon de Paris"), obvykle jen Salon, v době království oficiálně nazývaný Salon Královské akademie výtvarných umění ("Salon de l'Académie royale des beaux-arts"), později Salon malby a sochařství ("Salon de peinture et de sculpture") byla umělecká výstava v Paříži, poprvé pořádaná roku 1667 na podnět Ludvíka XIV. Zprvu se uskutečňovala dosti nepravidelně, později obvykle jednou za rok nebo za dva roky. Na Salon byli v 19. století umělci vybíráni podle velmi konvenčních kritérií, a proto od poloviny tohoto století vznikla řada konkurenčních akcí, například Salon nezávislých, které měly umožnit prezentaci a prodej obrazů a soch i avantgardnějším výtvarníkům. Roku 1881 byl Pařížský salon nahrazen Salónem francouzských umělců, který se pořádá dodnes.


En France.

Avant le règne de Louis XIV.

Avant le règne de Louis XIV, préexistaient non pas des salons mais des groupes littéraires. Le plus célèbre était celui de Malherbe dont Boileau salua l’avènement. Ce salon était réputé non pas pour aider mais pour détruire ses contemporains. Par exemple, Racan, voyant que Malherbe avait rayé environ une page sur deux d’un livre de Ronsard, commit l’imprudence de lui demander si le reste était bon. Malherbe, d’abord interloqué, passa la première heure de leur réunion à biffer toutes les pages qui avaient échappé au premier massacre.

Au.

Il y a eu ensuite jusqu’au début du, des réunions assez nombreuses d’esprits d’élite ou de personnes tenant à la « société polie », qui constituèrent autant de centres, de foyers littéraires dont la connaissance est indispensable pour saisir dans ses détails et dans ses nuances l’histoire de la littérature. Comme ces salons littéraires furent presque toujours présidés par des femmes, l’histoire des premiers ne peut s’envisager indépendamment des secondes que distinguaient l’esprit, le goût et le tact. Pour les aider à diriger leurs salons elles employaient des valets habillés de vestes et de bérets blancs qui servaient les boissons, les livres... En plus elles payaient un philosophe pour lancer des débats, des discussions, présenter des livres et ramener des participants.  C’est dans leur salon que s’est développée l’habitude de la conversation, et qu’est né l’art de la causerie caractéristique de la société française. Ces salons où l’on s’entretenait de belles choses en général, et surtout des choses de l’esprit, exercèrent une influence considérable sur les mœurs et la littérature.  La première réunion de ce genre fut celle de l’hôtel de Rambouillet, dont la formation remonte à 1608 et dura jusqu’à la mort de son hôtesse, Catherine de Rambouillet, dite « Arthénice », en 1659. Ce salon regroupe les écrivains majeurs de l'époque : Malherbe, Racan, Vaugelas, Voiture, Corneille, La Rochefoucauld, Madame de Sévigné, Madame de La Fayette, etc. Le second salon littéraire à voir le jour fut celui de Conrart. Il ne date que de 1629. Malgré cela, comme c’était un salon d’hommes, cette réunion littéraire privée devint, au bout de quelques années, sous la protection de Richelieu, et malgré certaines résistances, grâce à Boisrobert et à Chapelain, un corps officiel d’où est sortie l’Académie française.  Vers le milieu du, l’abbé d’Aubignac eut une réunion littéraire dont il voulut également faire une Académie. Il écrivit à ce sujet un "Discours au roi sur l’établissement d’une seconde Académie dans la ville de Paris" (1664) qui sollicitait le titre d’« Académie royale », mais ni le roi ni les ministres ne s’occupèrent de ces visées ambitieuses pourtant appuyées par le dauphin, protecteur de l’abbé.  Madeleine de Scudéry créa en 1652 son propre salon littéraire. La plupart des célébrités de l’époque honorèrent régulièrement les « samedis de de Scudéry » de leurs conversations érudites et galantes.  Scarron, dont le style burlesque autant que ses épigrammes souvent acerbes ont traversé les siècles jusqu’à nous, ouvrit, au début du règne de Louis XIV, un salon qui acquit une grande notoriété après son mariage avec Françoise d’Aubigné, future Madame de Maintenon alors âgée de seize ans. L'amitié de cette dernière avec Ninon de Lenclos, qu’elle prit sous sa protection, et la légèreté de leur jeune âge attirèrent rapidement les mondains et les beaux esprits et enfin l’élite intellectuelle du temps.

Salons littéraires du.

Les salons littéraires, au siècle des Lumières, étaient organisés par des personnes qui invitaient les savants chez elles en fonction des sujets abordés, mais aussi selon l’hôtesse : par exemple, chez Madame de Tencin ou Madame Geoffrin, on ne recevait que des célébrités littéraires et philosophiques, telles que Diderot, Marivaux, Grimm, Helvétius...  Ce sont des salons où l'on aime discuter et débattre des idées souvent défendues dans des ouvrages dont les invités seront les premiers critiques. En fait, le véritable objet de ces rencontres est de trouver les moyens de contribuer au bonheur de l’homme, directement tributaire, croit-on, du progrès et du nouvel humanisme naissant.  On sait aujourd’hui que les salons ont préparé le « terreau » de la Révolution française par leur influence certaine sur l’opinion publique : même les ministres écoutaient les discours éclairés des philosophes sur la politique et la culture.  Le eut le salon du baron d’Holbach, « le premier maître d’hôtel de la philosophie » chez qui se réunissaient Diderot, d’AIembert, Helvétius, Marmontel, Raynal, Grimm, l’abbé Galiani, etc. On a même dit que l’idée de l"'Encyclopédie" naquit lors d'un débat de ce salon que Rousseau appela, après sa rupture avec les Lumières, le « club holbachique », et dont Morellet, qui avait également son propre cercle, a écrit qu’

Au.

Un célèbre salon, au fut celui de Juliette Récamier à l'Abbaye aux Bois ; ainsi que celui de Charles Nodier à la bibliothèque de l'Arsenal où se retrouvaient les hommes les plus illustres dans le monde des lettres et des arts que la France ait produits au cours du. À son arrivée au poste de bibliothécaire de Monsieur, en remplacement de l’abbé Grosier, Nodier amena à l’Arsenal la brillante pléiade des écrivains et des artistes de l’école romantique, qui trouvèrent dans leur aîné de vingt à trente ans, un guide et un appui. Victor Hugo, Lamartine, Alfred de Musset, Alexandre Dumas, Balzac, Sainte-Beuve, Alfred de Vigny, Émile Deschamps, Jules Janin, Eugène Delacroix, les frères Johannot, Robert-Fleury, Jean-Jacques Champin, Liszt, Amable Tastu, et bien d’autres encore, étaient les habitués de ce salon situé au premier étage de l’Arsenal.  Sous la Troisième République, de nombreux salons littéraires virent le jour à Paris : celui de la princesse Mathilde, de la comtesse Potocka, de la comtesse Diane, de Juliette Adam, de Geneviève Halévy ou de Rosalie von Gutmann, comtesse de Fitz-James. On y rencontrait des gens de lettres tels que Marcel Proust, Paul Bourget, Paul Hervieu, Jules Lemaître, Robert de Montesquiou ou Guy de Maupassant.

Au.

Au cours du, l’histoire des salons connaît des tournants décisifs ; alors qu’ils sont au début du siècle à leur apogée – devant des lieux de mondanités artistiques incontournables – ils connaissent finalement un déclin dû aux bouleversements modernes du milieu littéraire et artistique.  Les salons sont toujours portés par des femmes, généralement épouses d’hommes importants : politiques, artistes, écrivains, etc.  De plus en plus, ils sont des lieux de vie littéraire où les réputations se font et se détériorent. Chaque salonnière a ses protégés, des artistes qu’elle invite, porte, défend et met sur le devant de la scène. Ce sont des lieux où sont organisées de nombreuses lectures, des représentations. Certains artistes sont lancés par des salons, comme Marcel Proust dans le salon de Madame Madeleine Lemaire. D’autres deviennent des personnalités mondaines importantes : Proust, toujours, Cocteau...  Par ailleurs, les salons littéraires apparaissent à cette période comme un lieu d’expression débridée de l’homosexualité de leurs participants. Encore considérée comme une pratique dépravée, chacun – a fortiori les hommes – trouve dans ces salons la possibilité de laisser libre cours à l’homosexualité que la société réprime. Il n’en ressort pas moins des inégalités entre les hommes et les femmes, puisque ces dernières sont beaucoup plus mal vues que les hommes en fréquentant une personne du même sexe ou en se travestissant.  Pendant la période d’entre-deux guerres, le succès des salons, bien qu’atteint par les événements, subsiste. Ce succès ne résiste pas à la fébrilité des années folles et draine encore dans les appartements de nombreuses salonnières quantité d’artistes.  C’est dès la fin de la Seconde Guerre mondiale et durant les décennies suivantes que ces salons connaissent un déclin. Bouleversés par des modes de divertissement différents – l’apparition de la télévision notamment – ils se font plus rares, avant de disparaître.  Quelques grands salons du sont ceux de Natalie Clifford Barney, la comtesse Greffuhle, Madeleine Lemaire, Mühfeld, Anna de Noailles, Madame Straus, Edith Wharton.

Un salon littéraire ou salon de conversation est une réunion à date ou convenue d’hommes et de femmes lettrés, bourgeois ou nobles à l'origine attirés vers les Belles-lettres et la poésie, la littérature et le théâtre, et souvent autrefois les arts et les sciences. Les participants sont des familiers habitués du salon ou bien choisis irrégulièrement ou parfois invités exceptionnellement, par les personnalités organisatrices qui s'efforcent de « tenir salon », souvent une ou plusieurs maîtresses de maison à tour de rôle. À l'instar de la puissance invitante, ils doivent s'engager à montrer de « belles manières » et éviter toute rancœur et toutes disputes aigres, rancunières et violentes, malgré des constats de différence et de désaccords évidents entre eux. Il s'y est développé un art de la conversation polie et de la discussion argumentée.

Salon, přeneseně z označení reprezentační místnosti, je debatní, intelektuální nebo umělecká (literární, hudební či výtvarná) společnost, která se pravidelně schází v určitém domě.


Biographie.

Fils d'un général nommé ambassadeur à Rome, le jeune d'Azeglio se passionne pour la peinture. Officier de cavalerie, il se fixe à Rome où il se fait remarquer comme paysagiste après avoir étudié cet art dans l'atelier de Martin Verstappen. En 1830, il épouse la fille du grand poète romantique Alessandro Manzoni, fondateur de la langue italienne moderne. D'Azeglio, écrit des romans historiques "Ettore Fieramosca, o la disfida di Barletta" (1833) et "Niccolò de' Lapi, ovvero i Palleschi e i Piagnoni" (1841) où il développe le sentiment national. En 1846, il publie "Gli ultimi casi di Romagna" où il défend l'idée que l'unification de l'Italie doit être faite par la Maison de Savoie.  De tendance monarchiste modérée,, il ne prend part à aucun des complots ou soulèvements nombreux qui jalonnent l'histoire italienne dans la première moitié du. En 1848, il s'engage dans l'armée piémontaise, devient colonel et est gravement blessé à la bataille de Vicence contre les Autrichiens. Le, le roi Victor-Emmanuel II, le nomme premier ministre et ministre des affaires étrangères. Durant son gouvernement, il supprime l'immunité dont bénéficiaient les ecclésiastiques ce qui lui attire l'hostilité de la papauté et des catholiques conservateurs. En, il fait entrer Cavour au gouvernement comme ministre de l'agriculture et du commerce. Le, d'Azeglio est remplacé par Cavour comme premier ministre.  Pendant la deuxième guerre d'Indépendance, il est nommé commissaire de Victor-Emmanuel à Bologne, qui vient de chasser le représentant de son souverain le pape Pie IX, puis il devient ambassadeur à Londres, ensuite préfet de Milan. Il est nommé sénateur, général de brigade et aide de camp du roi.  En 1865, il succède à son frère Roberto à la direction de la galerie Sabauda de Turin.  En 1867, sa fille a publié son autobiographie "Miei ricordi".

Massimo Taparelli d'Azeglio, de la famille des marquis d'Azeglio est né à Turin le et est mort à Milan le. Il est un des penseurs et acteurs du Risorgimento.

Massimo d'Azeglio či Massimo Taparelli, markýz d'Azeglio ([ˈmassimo tapaˈrɛlli dadˈdzɛʎʎo], 24. října 1798, Turín – 15. ledna 1866, Turín) byl italský spisovatel, liberální politik a malíř. Král Viktor Emanuel II. ho jmenoval v roce 1849 premiérem Sardinského království, na této pozici d'Azeglio zůstal do roku 1852. Prosazoval sjednocení Itálie a liberální reformy. Ve svých historických prózách byl následníkem Alessandra Manzoniho, jehož dceru si vzal za manželku. Jako malíř byl ovlivněn romantismem, maloval historické a žánrové scény i krajiny.


Biographie.

Années 1990.

Lors d'un entretien avec Harder Faster en 2004, Scott Brown confie s'être impliqué dans la techno hardcore après avoir écouté de la techno belge à la fin des années 1980 et au début des années 1990. Pour AllMusic, Scott Brown est l'  Brown est grandement impliqué dans l'évolution que connait la scène hardcore au Royaume-Uni au début des années 1990, particulièrement en introduisant des sons plus syncopés. En 1994, il compose le single " sous le nom de scène Annihiliator pour le label Mokum Records. À cette période, et par la suite, Brown influence fortement la musique électronique, tant la scène britannique que la scène gabber néerlandaise.  À la fin des années 1990, Brown passe des EP vinyles aux albums studio, à commencer par'au label Mainframe Records en 1999. Au passage du millénaire, Brown commence ses séries d'albums'et ".

Années 2000/2010.

En 2006, des chants sont ajoutés sur son titre'dans un remix trance produit par Ultrabeat, offrant une seconde jeunesse au titre. Celui-ci est dès lors perçu comme un morceau emblématique par de nombreux fans de dance. En, son titre'est compris dans le jeu'sur console PlayStation 2. En 2008, il sort un nouveau titre, DVD et album, intitulé '. En 2011, Scott Brown fait paraître son centième EP au label Evolution Records.

Production.

Brown est producteur au sein de ses propres labels successifs (Evolution Records, Evolution Plus, Evolved, Evolution Gold, Poosh, Screwdriver et Twisted Vinyl), ainsi que sous de nombreux pseudonymes dont Plus System, ainsi qu'avec son groupe Q-Tex. Ses productions ont notamment figuré sur les compilations ', à ce jour l'une des séries de compilations ayant connue le plus de ventes. Ses compositions les plus connues incluent notamment ', ','(Q-Tex), ', ', "Technophobia", ', ', ', ', ', ','et '.

Scott Brown, né le à Glasgow, en Écosse, est un producteur et disc jockey britannique. Brown compose et joue une grande variété de genres musicaux tournant autour de la rave. Bien qu'il soit surtout associé au happy gabber, ses titres vont du UK hardcore au gabber, en passant par la trance. Scott Brown est considéré par la plupart des médias comme l'un des musiciens les plus prolifiques de la scène musicale électronique.

Scott Alexander Brown (* 28. prosince 1972, Glasgow) je skotský diskžokej a hudební producent. Brown se věnuje různým žánrům, běžně nazývané rave. Ačkoli je nejvíce spojen se žánrem bouncy techno, jeho hudba se pohybuje od happy hardcore přes hard trance až po gabber. Je zakladatelem společnosti Evolution Records, která vznikla v roce 1994.


Contexte.

La Guerre du Saint Graal comporte sept Masters qui s'affrontent dans la ville de Fuyuki au Japon. À l'aide

Système de jeu.

"Fate/stay night" nécessite peu d'interaction avec le joueur car la plus grande partie du temps est consacrée à la lecture du texte qui apparaît, représentant les dialogues entre les personnages ou les pensées internes du protagoniste. Souvent, les joueurs viendront à un « point de décision » où ils auront la possibilité de choisir parmi les options affichées à l'écran, généralement deux à trois choix. Le temps entre ces points de décision est variable et, au cours de ces périodes, le jeu se met en pause jusqu'à ce qu'un choix soit fait pour mener l'intrigue dans une direction spécifique. Il existe trois scénarios que le joueur aura la chance d'expérimenter, une pour chacune des héroïnes dans l'histoire. Pour accéder à ces trois « routes », le joueur devra rejouer au jeu plusieurs fois et choisir différents choix au cours des points de décision pour faire avancer le scénario dans une autre direction.

Cadre et thèmes.

"Fate/stay night" narre une période de deux semaines dans la vie du protagoniste Shirō Emiya, un mage amateur qui fréquente l'Académie Homurahara dans la ville de Fuyuki, au Japon. L'histoire se déroule principalement dans et autour de la maison de Shirō, qui lui sert d'emplacement de base dans la Guerre du Saint

Personnages.

Servants.

Ce sont en fait les âmes de héros mythiques et/ou légendaires, appelés. Étant donné que révéler leur vrai nom donne un indice sur leurs pouvoirs et leurs

Développement.

Production.

Kinoko Nasu a commencé à écrire le scénario alors qu'il était encore étudiant et il n'avait pas l'intention d'en faire un jeu vidéo. Initialement, Nasu a seulement écrit ce qui deviendrait dans le jeu l'intrigue "FATE", toutefois comme le jeu a continué sur trois scénarios disponibles en raison de sa nature de "visual novel", "FATE" est devenue l'un d'entre eux. Dans ces premières ébauches, Saber était un homme et le protagoniste était une fille à lunettes. Cette ébauche a été incorporée dans un OAV nommée "Fate/Prototype" sorti en bonus du dernier coffret DVD de la troisième saison de "Carnival Phantasm". Le

Lancement.

Le jeu est sorti le sur PC. Le jeu est réservé à un public adulte, car il contient des scènes érotiques, mais comme de nombreuses autres "visual novel" tels que "Kanon" ou "Tsukihime" de TYPE-MOON, il possède une histoire riche et « compréhensible » de ses personnages. Une version épurée CERO C nommée "Fate/stay night [Réalta Nua]" est ensuite sorti sur PlayStation 2. D'abord prévue pour fin, cette

Adaptations.

Manga.

Le manga, écrit et dessiné par Datto Nishiwaki, est prépublié entre les numéro de et du magazine "Monthly Shōnen Ace". Vingt tomes sont ensuite publiés par Kadokawa Shoten entre le et le. Il est principalement basé sur le scénario "FATE" mais accapare certains éléments des deux autres. Ainsi, comme dans "Unlimited Blade Works", la relation de Shirō avec Rin et Archer est plus détaillée, et le personnage de ce dernier est davantage développé, sans, toutefois, que sa véritable identité ne soit dévoilée. De plus, la trame du combat contre Caster en a également été issue. Et de "Heaven's

"Anime".

Séries télévisées.

Films d'animation.

Produits dérivés.

En dehors du jeu et de ses adaptations en manga et "anime", un fan ou un amateur peut trouver un certain nombre de figurines collectionnables, d"artbooks", tels que ou, les éditions DVD/Blu-ray des "animes" fournit avec un ensemble de compléments tels que des guides supplémentaires. Il existe une multitude de séries dérivées dont la popularité est très variante.

Publications.

Le, TYPE-MOON a annoncé un nouveau projet pour la franchise, celui-ci se nomme "Fate/Zero" et sert de préquelle à "Fate/stay night". Cette série retrace les événements de la Sainte du Graal et de ses conséquences qui ont affecté la. Contrairement à "Fate/stay night", "Fate/zero" est une série de "light novel" au lieu d'un être un "visual novel", et est narré dans un récit à la troisième personne qui suit les actions de plusieurs personnages. La série est une collaboration entre TYPE-MOON et une autre société de développeur, nitro+, et a été écrit par Gen Urobuchi. Les quatre volumes ont

Jeux vidéo.

Sorti le, "Fate/hollow ataraxia" est la suite de "Fate/stay night" qui se déroule six mois après les événements de la. On y retrouve Shirō Emiya, Saber et Rin Tōsaka ainsi que de nouveaux personnages présentés tels qu'Avenger, Bazett Fraga McRemitz et Caren Ortensia. Une adaptation manga par Mendori est prépubliée dans le "Monthly Shōnen Ace" de Kadokawa Shoten depuis le numéro de, publié le. Deux volumes "tankōbon" sont pour le moment disponibles.  En 2007, "Fate/tiger colosseum", un jeu de combat 3D basé sur "Fate/stay night", est sorti sur la PlayStation Portable par Capcom et cavia, inc. en collaboration avec TYPE-MOON. Les personnages sont tous rendus dans un style "super deformed". Une suite, "Fate/tiger colosseum Upper",

Accueil.

Lorsqu'il est sorti le, "Fate/stay night" est rapidement devenu l'un des "visual novel" les plus populaires de l'histoire, en obtenant le titre de « "visuel novel" le mieux vendu » en du site de vente de jeux pour adulte Getchu.com. Les lecteurs de Dengeki G's Magazine ont classé le jeu dans une liste des « jeux "bishōjo" les plus intéressants » en. La version originale sur PC du "visual novel" s'est vendue à. Sur PlayStation 2, la version de s'est vendue et la réédition de en a vendu. Sur PlayStation Vita, le jeu s'est vendu à en et à en.  Début, la popularité de "Fate/stay night" et des "seiyū" de la série d'animation a conduit au lancement du radio-théâtre en ligne "Fate/stay tune", mettant en vedette les actrices Kana Ueda (Rin) et Ayako Kawasumi (Saber). En, les écrivains Chris Klug et Josiah Lebowitz dans leur livre "" ont fait l'éloge de "Fate/stay night" comme un exemple fort d'embranchement de scénarios et de narration interactive, comparant sa profondeur et sa complexité à celle d'un roman traditionnel. . Le premier DVD de l"anime" de s'est classé à la du classement des ventes Oricon la première semaine de commercialisation. Les sorties DVD et Blu-ray de la série de ont vendu au Japon.  Le premier coffret Blu-ray de la série télévisée "Unlimited Blade Works" s'est classé à la du classement des ventes de l'Oricon du premier semestre avec vendus tandis que le second est classé avec vendus.  En, le jeu mobile dérivé "Fate/Grand Order" a également été un succès commercial dépassant les ventes de la franchise de jeux "Metal Gear" en quatre ans, ce que ce dernier a accumulé en, rapportant plus de de dollars depuis son lancement.

"Dōjinshi".

Le phénomène "Fate/stay night" a produit une déferlante de travaux amateurs appelés "dōjinshi", "hentai" ou non, mais également de "dōjin-game" dont "Fate/sword dance" (produit par Rapid

Réception critique.

"Fate/stay night" est, selon divers avis, l'un des représentants les plus célèbres de son genre. La popularité du "visual novel" a conduit à l'émergence d'un grand nombre de produits dérivées pour les fans ("dakimakura", figures des personnages et autres produits), ainsi qu'à la création de nombreux "dōjinshi".  Selon certains critiques, le "visual novel" est un exemple d'un bon mélange de traditions de la littérature épique et du genre fantastique moderne. Dans un article de Mizuki Sakamoto et Tatsuo Nakajima, chercheurs de l'Université Waseda, TYPE-MOON a réussi à créer un modèle efficace qui peut compiler des mythes ou des histoires du monde entier pour générer de nouvelles œuvres sur la Guerre du Saint-Graal, tout en maintenant un niveau de qualité proche d'un roman original. Il a également été noté qu'une telle utilisation des héros des légendes de l'antiquité peut également encourager la connaissance de leurs sources d'origine. Uno Tsunehiro de l'Université de Kyoto a comparé les antécédents traumatisants de Shirō en ce qui concerne l'incendie de la ville de Fuyuki aux survivants des attentats du 11 septembre, tout en montrant différentes manières dont la société japonaise avait l'habitude de prendre soin de sa vie à cette époque. En conséquence, Tsunehiro considère le changement de Shirō dans chaque route comme un moyen de se remettre du traumatisme, de grandir et de devenir une personne indépendante. D'après Lebowitz et Klug, les auteurs du livre sur la théorie des "visual novel", le format choisi du "visual novel" a été utilisé de manière optimale, car le concept de plusieurs arcs narratifs étirait l'exposition d'éléments importants pour une compréhension commune de l'intrigue et en faveur de l'intérêt des lecteurs. Les chercheurs ont également identifié les embranchements qui contiennent des scènes émotionnellement colorées différentes qui ont permis de visualiser la situation ou les personnages sous plusieurs angles. Selon les auteurs de la monographie, un grand nombre de morts subites, associées à un effet aigu de perte de contrôle sur la situation, ont donné au gameplay un teint émotionnel supplémentaire et motivé les joueurs à continuer de jouer, aidés par des rebondissements bien développés. Malgré la linéarité du passage des arcs de l'histoire, l'option de sauter complètement les scènes déjà connues. Les rebondissements ont été qualifiés par différents observateurs de « pertinents et passionnants ». Le récit plus sombre «'»

Une adaptation en manga écrite par Datto Nishiwaki a vu le jour dans le magazine de Kadokawa Shoten, le "Monthly Shōnen Ace", entre les numéros de et. Le manga est édité en français par Pika Édition. Une adaptation en série télévisée d'animation de vingt-quatre épisodes a vu le jour au Japon en 2006 par Studio Deen. Un reprenant le deuxième scénario du jeu "Unlimited Blade Works" est également sorti le.

Fate/stay night () je japonský vizuální román od Type-Moon. Původně byl vydán jako román pro dospělé pro Windows. Verze "Fate/stay night" pro hráče starší patnácti let byla pojmenována "Fate/stay night Réalta Nua" („nové hvězdy“) a byla vydána pro PlayStation 2, později také pro Windows jako trilogie pokrývající hlavní tři příběhové linie. "Réalta Nua" je také k dostání jako gameport na PlayStation Vita.


Description.

L’ylang-ylang est un arbre, au feuillage persistant, taillé à de haut en culture mais pouvant atteindre dans son milieu naturel d’origine. Il possède une couronne largement étalée. Sa croissance est très rapide les premières années puisqu’elle peut atteindre les par an.  Les feuilles alternes, entières, coriaces, de 8-20 ×, d’un vert vif à la face supérieure, sont disposées très régulièrement le long des rameaux, en général dans le même plan. Les nervures sont très marquées.  Les fleurs axillaires, solitaires ou en grappes, portées par un pédoncule de, sont composées d’un calice à trois lobes de réfléchis, de six longs pétales en lanières, pendants, disposés sur deux cercles et de nombreuses étamines disposées en spirale ainsi que de nombreux carpelles libres. Les pétales dégagent une odeur pénétrante, épicée rappelant les œillets, les narcisses et le jasmin. Les pétales d’abord blancs, prennent ensuite une teinte verdâtre puis virent au jaune tandis que leur base se colore en rouge. La floraison s’étale sur toute l’année mais elle est plus abondante durant la période chaude et humide.  Les fruits, de de long, sont formés par une juxtaposition de plusieurs méricarpes, pendants, ovoïdes, verdâtres puis noirâtres à maturité, dans lesquels les baies individuelles, soudées sur un axe floral forment une masse charnue. Ils renferment aplaties, brun pâle.

Écologie.

L’ylang-ylang est originaire des zones tropicales humides d’Inde, Indonésie, Malaisie, Philippines. Il croît dans les forêts humides à forte pluviosité, au bord des chemins, dans les jachères et dans les systèmes agroforestiers.  Il a été introduit dans pratiquement toutes les îles tropicales du Pacifique (Polynésie, Mélanésie, États fédérés de Micronésie, Nouvelle-Calédonie, Hawaï...) au nord de l’Australie, en Thaïlande, au Vietnam, dans l’océan Indien (Madagascar, Comores, Mayotte, La Réunion, Maurice), dans les Caraïbes et au Costa Rica.  La distillation des fleurs d’ylang-ylang a été lancée à Manille aux Philippines vers 1860, par un marin du nom d'Albert Schwenger qui, séduit par l’odeur des fleurs, aurait parcouru la campagne avec un alambic pour récolter et distiller de petites quantités de fleurs. Peu de temps après, la culture de l'ylang-ylang sera entreprise à grande échelle par les planteurs des possessions françaises de l’océan Indien pour le compte des parfumeurs français. En 1909, on rapporte qu’il y avait à ylang-ylang cultivés à la Réunion mais leur culture fut ensuite abandonnée en raison de la fréquence des cyclones. Une production commerciale à grande échelle s’est par la suite développée à Nosy-Bé (Madagascar) et dans les îles des Comores.

Producteurs.

Sachant que chaque arbre peut produire de fleurs par récolte, la production se fait pour l’essentiel dans les îles occidentales du sud de l'océan Indien.  Avec d’essence, les Comores (principalement à Anjouan) détiennent le rang de premier producteur mondial. Madagascar se situe dans une fourchette de par an suivie par la production de 7 tonnes annuelles de Mayotte, département français d'outre-mer. Les Philippines et Maurice ont une production anecdotique de l’ordre de 100 et 10 kg respectivement (données relatées en 2006).  L'ylang-ylang a longtemps constitué la principale culture de rente de Mayotte, dont il représentait jusqu'à 84 % du total des exportations. Celles-ci se sont élevées à environ d’essence en 1997 sur une production mondiale de d’essence. La production d’ylang-ylang était réalisée par 380 producteurs sur une superficie de environ (), mais a drastiquement chuté suite à la départementalisation de l'île en. En effet, l'alignement de Mayotte sur le droit du travail français a fait fuir les principaux exploitants (comme Guerlain) vers les pays voisins (Comores ou Madagascar), où la main-d’œuvre est moins chère. Un plan de restructuration et d'optimisation de la filière appuyé par des fonds publics se met en place à Mayotte depuis 2016.

Distillation et analyse.

La distillation de la fleur fraîche d'ylang-ylang se fait à l’eau dans des alambics qui permettent d'extraire une huile essentielle en plusieurs fractions. La distillation dure de, les meilleures fractions étant recueillies dans les deux premières heures. Le distillateur rajoute des fleurs au fur et à mesure de la chauffe, toutes les trois heures environ. Le produit des différentes distillations se distingue suivant la densité de l'essence : Extra S, Extra, Première, Deuxième et Troisième. Les fractions Extra supérieure et Extra normale ainsi que la Première sont destinées à la parfumerie de luxe, les Deuxième et Troisième étant destinées aux cosmétiques, aux savons et aux détergents. Il faut compter environ de fleurs pour faire d'essence.  Cette huile essentielle est un liquide jaune, d'odeur suave, formé de sesquiterpènes, d'alcools, d'esters, de phénols et d'aldéhydes. Elle contient pour un tiers du benzoate de méthyle, un liquide à odeur puissante, aux arômes d'œillet, et que l'on retrouve sans surprise aussi dans les huiles extraites de cette dernière fleur. L"essence d'ylang-ylang", encore appelée "huile de Cananga", dégage un parfum tout à la fois floral, épicé, exotique, puissant, camphré, médicamenteux et légèrement fruité. L’essence d’ylang-ylang est destinée à la préparation des certains parfums de luxe, de produits cosmétiques et de produits destinés à l’aromathérapie.  Cette essence est rendue célèbre en 1926 par Coco Chanel avec le parfum "Bois des Îles" puis en 1938 par Jean Patou avec "Joy". Elle entre aujourd'hui dans la formule de nombreux parfums, comme Chanel par exemple.  En aromathérapie, l'ylang est considéré comme sédatif, antiseptique, hypotensif et réputé aphrodisiaque.  En Asie du sud-est, l'huile d'ylang-ylang sert à aromatiser les bonbons, les glaces, les boissons et le ". Comme additif alimentaire, elle ne présente pas de risque pour la santé aux doses recommandées.

Ylang-ylang dans l'art et la culture.

Traditions.

En Indonésie, des fleurs d'ylang-ylang sont répandues sur la couche des jeunes mariés.  Aux Philippines, ces mêmes fleurs tressées avec des fleurs de sampaguita servent à confectionner des colliers portés par les femmes ou disposés autour d'images saintes.

Armoiries.

Les armoiries de Mayotte, adoptées en 1982, comprennent deux fleurs d'ylang-ylang sur l'écu central.

Fiction.

Le romancier belge Henri Vernes a baptisé "Miss Ylang-Ylang" l'un de ses personnages féminins, adversaire de Bob Morane dans plusieurs des romans de la série.

Faux ylang-ylang.

Il était autrefois commercialisé sous le nom d'ylang-ylang ou, plus justement, de "faux ylang-ylang", une huile essentielle extraite d’"Artabotrys odoratissimus", une autre plante de la famille des Annonacées.

L’ylang-ylang "(Cananga odorata)" est un arbre de la famille des Annonacées, originaire d'Asie du Sud-Est. On le cultive pour ses fleurs dont on extrait par distillation une huile essentielle très utilisée en parfumerie.

Kananga vonná ("Cananga odorata", běžně známá jako "ylang-ylang") je tropický strom, pocházející z tropické Asie a Austrálie, běžně je pěstována i v Polynésii, Melanésii, Mikronésii a Komorských ostrovech. Je ceněna pro svou vůni, esenciální olej z jejích květů se používá v aromaterapii. Jméno ylang-ylang se odvozuje z tagalského "ilang" – divočina, či "ilang-ilan" – vzácný, běžný špatný překlad je „květ květů“.


Vie et œuvre.

On possède sur lui beaucoup moins d'éléments biographiques que de souvenirs de son œuvre. On sait qu'il fut dayan (juge d'un tribunal rabbinique) en Espagne. Ses écrits nous dévoilent un érudit aussi versé dans la littérature rabbinique traditionnelle que dans les sciences et la philosophie arabe, grecque et romaine dont il cite de nombreux moralistes dans ses œuvres.  Son grand-œuvre, le premier système Juif d'éthique, parut en 1040 en langue arabe sous le titre de "Al Hidayah ila Faraid al-Qulub", "Guide des Devoirs du Cœur", traduit en Hébreu par Juda ibn Tibbon, vers 1161-1180, sous le titre de Hovot ha-Levavot, "Les Devoirs du Cœur". André Chouraqui a traduit ce texte en français en 1950.  Dans son introduction aux "Devoirs du Cœur", Bahya ibn Pakuda explique vouloir combler un besoin dans la littérature, celui-ci n'ayant pas été traité jusque-là, ni par les rabbanim du Talmud, ni par leurs successeurs : la compilation des enseignements éthiques Juifs en un système cohérent.  Selon lui, beaucoup de Juifs n'accordaient d'attention qu'aux aspects "extérieurs" de l'observance des lois juives, ce qu'il appelle ""les devoirs à accomplir par les parties du corps"" ("Hovot ha-evarim"), sans trop de considération pour leur sens profond, les idées et sentiments qu'il faut véhiculer afin de se conformer réellement à ces prescriptions : ce sont là les fameux "Devoirs du Cœur" ("Hovot ha-lev"). "Levavot", pluriel de "levav", lui-même accentuation de "lev" peut être traduit par toutes les parties des cœurs.  Cette réflexion inspirera à Nahmanide son commentaire sur le premier verset de la Genèse:  C'est aussi sur la base de ceci que se développe la notion mystique de kavana, intention à mettre (dans sa prière, ses bénédictions, ses gestes...).  Bahya ibn Paquda avait également le sentiment que beaucoup de gens manquaient simplement à tous les devoirs qui leur étaient prescrits, pratiques "extérieures" comme obligations morales "intérieures" : ils ne vivaient que pour des motifs égoïstes et des buts matériels. Il lui fallait donc tenter de présenter la foi Juive comme étant essentiellement une grande vérité spirituelle, fondée sur la raison, la révélation (particulièrement en ce qui concerne la Torah) et la Tradition. Il mit l'accent sur la volonté et la joie que devait mettre le cœur d'une personne aimant véritablement Dieu à accomplir les devoirs de la vie.

Son succès.

Beaucoup d'écrivains Juifs familiers de l'œuvre considèrent son auteur comme un penseur original de haut rang. Il suffit de lire les éloges de la très sérieuse Encyclopedia Judaica :  Le "Hovot ha-Levavot" devint très populaire parmi les Juifs du monde entier, et certains passages sont récités à Rosh Hashana (le Nouvel An juif).  Le "Hida" Rav Haim david Yossef Azoulay dans son traité de biographie Chem Haguedolim invite le lecteur à ne lire que l'introduction" pour se rendre compte de la puissante sainteté de cet homme".  Le Rav Yossef Karo, auteur du fameux ""Choulh'an arouh" avait coutume de lire un passage par jour, pour :"écraser son mauvais penchant" (Maguid Mecharim).  Dans la préface de la version d'André Chouraqui, Jacques Maritain s'exprime ainsi sur la popularité de l'auteur : « De tous les théologiens de la Synagogue, Bahya est celui, qui, dans son œuvre, insiste le plus clairement sur l'amour, havre suprême et but ultime des accomplissements de la Torah. Il est d'autant plus caractéristique qu'il soit devenu, dans les communautés juives de la Diaspora, et plus que Maïmonide, le docteur populaire par excellence » (p. XVII).

Sa philosophie.

Bien que citant fréquemment Saadia Gaon, Bahya ibn Paquda n'est pas affilié à l'école des Motazilites, mais comme son cadet, Salomon ibn Gabirol (1021-1070), au courant mysticisant du Néoplatonisme. On reconnaît dans sa méthode l'influence des encyclopédistes musulmans connus sous le nom de "Frères de la Pureté".  Enclin à l'ascétisme et au mysticisme contemplatif, Bahya ibn Paquda élimina toutefois de son système tout élément qui pourrait faire ombrage au monothéisme ou interférer avec la loi Juive. Il voulait présenter un système religieux pur et éthéré, mais en parfaite concordance avec la raison, ce qui explique son succès par rapport aux autres écrits à tendance philosophique (le MORE NEVOUCHIM du RAMBAM en tête, qui fut, s'il fallait le rappeler, fortement contesté) c'est le fait que toute sa philosophie n'est basé que sur l'amélioration éthique de l'homme, et non sur la vérité ultime. Son succès est toujours d'actualité, il compte plus de trois commentaires ainsi qu'une traduction en hébreu moderne.  On ne sait pas grand-chose de sa vie, mais il semble qu'il ait souffert, car "seul celui qui a vraiment souffert sait lui-même consoler" et son livre regorge d'encouragements. On peut aussi le constater dans les histoires du livre qui évoquent un "pieux" (il s'agit bien évidemment de lui, mais il est coutume de le raconter au nom d'une tierces personne, pour éviter la vantardise), voir aussi au chapitre de "l'amour de DIEU" ou il raconte que ses souffrances l'empêchaient de dormir la nuit.  Il servit de base à de nombreux livres comme "RESHIT HOCKMA" (ouvrage kabbalistique et éthique du rav ELIAHOU DI VIDASH, ainsi que le "MADREGAT HAADAM" du rav YOSSEF YOZEL HOROVITS (fondateur du mouvement éthique novardok).

Voir aussi.

Abraham Shalom Yahuda, spécialiste de la Bible et de la littérature judéo arabe, a consacré aux "Devoirs du Cœur" d'Ibn Paquda une étude introductive importante en 1912.

Bahya ben Joseph ibn Paquda (hébreu : בחיי אבן פקודה), également appelé Rabbenou Bahya (« notre maître Bahya »), est un rabbin et philosophe andalou de la première moitié du.

Bachja ibn Pakuda (hebrejsky בחיי אבן פקודה), celým jménem Bachja ben Josef ibn Pakuda, známý také jako "Rabbenu Bechaja" („náš učitel Bechaja“) byl židovský filozof a rabín. Žil v španělské Zaragoze v první polovině 11. století. O jeho životě se ví jen to, že působil jako dajan (člen rabínského soudu). Z četných odkazů v jeho díle lze usuzovat, že byl vzdělaný nejen v tradičním rabínský judaismu, ale i ve filozofickém písemnictví arabského, řeckého a latinského původu.


Seznam symfonií Wolfganga Amadea Mozarta

Liste traditionnelle.

Catalogue Köchel.

La numérotation traditionnelle est celle établie par Ludwig von Köchel et qui date de la seconde moitié du. Elle répertorie 41 symphonies (numérotées de 1 à 41). Mais cette numérotation est erronée à plusieurs titres :  Liste :

Compléments à la liste traditionnelle.

Cette liste est complétée par la suite par Breitkopf & Härtel. La liste comporte ainsi 70 symphonies de Mozart ou qui lui sont alors attribuées.  Liste :

Liste chronologique.

Cette liste est chronologique dans la mesure où l'état des recherches actuel le permet.

Londres – Hollande : 1764 – 1766.

Les six symphonies les plus anciennes de Mozart connues à ce jour sont K. 16 (), K. 19a, K. 19b, K. 19 (), K. 22 () et K. 45a (n°7a). Elles sont composées lors du séjour qu'effectuent les Mozart à Londres puis dans la province de Hollande entre 1764 et 1767. Après la mort du compositeur, sa sœur Maria Anna (surnommée "Nannerl") a rapporté l'avoir vu composer sa première symphonie à la fin de l'été 1764 à Chelsea près de Londres. Rien ne prouve toutefois qu'il s'agisse de la symphonie K. 16. L'autographe de cette dernière porte néanmoins la mention "Londres 1764". Les Mozart ont donné à Londres des concerts les et durant lesquels la symphonie K. 16, ainsi que les symphonies K.19a et K. 19 si elles étaient déjà composées, furent probablement jouées.  La symphonie K. 22 est la première dont il est certain qu'elle fut composée en Hollande. La partition porte effectivement, de la main de Leopold Mozart la mention « La Haye ». La symphonie K. 45a a vu vraisemblablement le jour également à La Haye en 1766.  Liste :

Vienne : 1767 – 1768.

Du retour des Mozart de La Haye à la fin de novembre 1767 à leur départ pour Vienne le, soit neuf mois, il n'y a aucune certitude sur le fait que Wolfgang ait composé des symphonies. Les trois symphonies suivantes, K. 43, K. 45 et K. 48, sont composées dans le contexte du séjour des Mozart à Vienne durant les années 1767 et 1768.  Liste :

1769 – 1770.

La date de composition de la symphonie K. 73 est inconnue. Le manuscrit autographe comporte bien la date 1769, mais elle fut ajoutée postérieurement par une main étrangère. La date qui semble être la plus probable est 1770. D'autres années, allant jusqu'à 1772, ont été avancées, mais elles s'avèrent peu pertinentes. Le lieu de composition semble être Salzbourg ou, suivant la date retenue, l'Italie lors du premier séjour de Mozart dans la péninsule.  Liste :

Autres.

Liste :

Œuvres apocryphes.

Liste :

Le nombre exact de symphonies composées par Wolfgang Amadeus Mozart demeure inconnu. Néanmoins, en l'état actuel des recherches, ce nombre semble se situer entre 55 et 60 symphonies. Il est connu également qu'il a composé sa première dès sa huitième année en 1764, et que sa dernière l'a été en 1788, soit un peu plus de trois ans avant sa mort en 1791.

Ačkoli poslední symfonie Wolfganga Amadea Mozarta – podle tradičních číslování "starých Mozartových vydání" – nese číslo 41, je možné vystopovat ve skutečnosti okolo 60 symfonií z jeho pera, z nichž se ovšem některé nezachovaly vůbec, z některých jen fragmenty.