Résumé.

1947. Andy Dufresne, un banquier américain, est jugé coupable du meurtre de sa femme et de l'homme avec qui elle le trompait. Pour ce double meurtre, et bien qu'il ait clamé son innocence depuis le début, il est condamné à deux peines de prison à vie consécutives. Il est ensuite emprisonné au pénitencier fédéral de "Shawshank" dans l'État du Maine où il est « accueilli » avec les autres nouveaux détenus par Samuel Norton, le directeur de la prison. Norton, un homme ambitieux et pétri de valeurs religieuses traditionnelles, est épaulé par un gardien-chef brutal et sans pitié, le capitaine Byron Hadley qui ne craint pas de recourir à une violence aveugle (jusqu'à la mort de détenus, si nécessaire) afin de faire respecter la discipline.  Peu communicatif au début de son incarcération, Dufresne se lie pourtant d'amitié avec certains prisonniers, en particulier un détenu noir, Ellis Redding, surnommé « Red », ainsi qu'avec la bande qui gravite autour de ce dernier. Ce prisonnier, dont on dit qu'il est « homme à dégoter des choses », fait office d'intermédiaire, faisant passer en fraude des marchandises en provenance de l'extérieur de la prison en contrepartie d'un petit pourcentage sur la vente. D'ailleurs Andy, grand amateur de géologie avant sa condamnation, lui demande un jour de lui procurer un petit marteau taille-pierre. Cet outil lui servira à sculpter des morceaux de roches qu'il tentera de récolter dans la cour de la prison, pour, entre autres, se constituer des pièces d'échec, un jeu qu'Andy apprécie. Il lui demandera aussi plus tard une grande affiche de Rita Hayworth (affiche qui sera remplacée au fil des années par celle de Marilyn Monroe, puis de Raquel Welch), qu'il placardera sur un mur de sa cellule.  Cependant, Dufresne doit également faire face à des individus moins amicaux ; alors qu'il travaille à la laverie de la prison, il est régulièrement persécuté par certains de ses codétenus qui veulent obtenir de lui des faveurs sexuelles. Andy se défend à de nombreuses reprises avec acharnement mais au prix de visites régulières à l'infirmerie, ne pouvant résister aux assauts inattendus de Bogs et de ses complices.  1949. Un jour, alors qu'il recouvre de goudron le toit d'un des bâtiments de la prison lors d'un travail collectif, Dufresne propose inopinément au gardien-chef Hadley ses services en matière de fiscalité, et ce de manière très hardie. Cette initiative l'amène à frôler de peu la mort, Hadley menaçant de le jeter du toit. Mais Andy parvient "in extremis" à le convaincre de ses compétences. C'est alors le début d'une relation « d'affaires » d'Andy avec les gardiens (Dufresne se chargeant de remplir leurs déclarations d'impôts), mais également et surtout avec le directeur de la prison. En effet, Samuel Norton charge Andy de « blanchir » ses revenus illégaux, issus des pots-de-vin liés aux marchés passés avec la communauté pour l'exploitation des détenus dans des travaux collectifs en dehors de la prison.  À la suite d'une énième attaque des « Trois sœurs » qui résulte en une violente bastonnade d'Andy, l'envoyant à l'infirmerie pour un mois, le gardien-chef Hadley (qui le protège maintenant, car il représente un grand intérêt pour le directeur) inflige une correction impitoyable à l'un de ses agresseurs, Bogs, le rendant paraplégique à vie. Cela fait par la même occasion définitivement cesser les tourments de Dufresne, les autres détenus sachant désormais qu'il est intouchable.  Au fil de longues années, et après maintes lettres envoyées au Sénat du Maine (une lettre par semaine puis, après un premier succès, deux lettres par semaine), Dufresne parvient à obtenir une dotation financière ainsi qu'un important stock de livres, de revues et de disques, pour garnir la miteuse bibliothèque de la prison. Muté de la laverie à cet endroit dès lors qu'il a commencé à s'occuper des déclarations d'impôts des gardiens, il utilise la bibliothèque et ses annexes comme un bureau pour ses différentes activités : le conseil en fiscalité mais également comme un lieu de détente et de découverte culturelle pour les détenus. Enfin, Andy aide les prisonniers qui souhaitent reprendre leurs études et les entraîne en vue de passer des examens.  1965. Cette année-là arrive à Shawshank un jeune loubard dénommé Tommy Williams, surnommé par Red « Rock 'n' roll ». À la suite des déclarations de Tommy, qu'Andy a pris sous son aile, Dufresne a la confirmation qu'il n'est pas responsable de la mort de sa femme et de son amant : en effet, Tommy, lors d'un précédent séjour en prison, a côtoyé le véritable meurtrier, Elmo Blatch qui, en se pavanant, lui a raconté toute l'histoire. Andy demande alors l'aide du directeur de la prison, voyant là une chance unique de pouvoir faire rejuger son affaire. Mais ce dernier refuse. En effet, Norton a besoin de lui pour s'occuper de ses affaires louches ; mais surtout, il craint de voir ses fraudes révélées au grand jour si Andy était libéré. Dufresne, interloqué, en lui demandant pourquoi il est si et en essayant de le rassurer sur son silence, ne fait qu'enrager et effrayer Norton. Ce dernier le met à l'isolement strict durant un mois, une peine très dure.  Pendant ce temps, Norton interroge Tommy Williams. Conforté par son témoignage et sa volonté d'aider Dufresne à dévoiler la vérité, Norton fait éliminer Tommy par le captaine Hadley, en maquillant ce meurtre en tentative d'évasion. Le lendemain, Norton rend visite à Dufresne dans sa cellule d'isolement et lui raconte à mots couverts ce qui s'est passé. Il menace ensuite de lui retirer toute protection, ainsi que de détruire la bibliothèque qu'il avait aidé à rénover, si Andy cherchait par quelque moyen que ce soit à continuer ces. Et de lui donner derechef un mois de plus en isolement total, histoire de bien y réfléchir...  Après deux mois de ce traitement, Dufresne, apparemment brisé, reprend sa vie et sa routine habituelle à la prison, dominé par Norton et ses menaces. Andy parle alors à Red d'une ville au Mexique, Zihuatanejo, ainsi que d'une cache à proximité d'un village du Maine, Buxton, que Red devra trouver le jour où il sera libre.  1966. Red, devenant inquiet au sujet du moral d'Andy, plus taciturne que jamais, et ayant peur qu'il ne se suicide, apprend que ce dernier s'est procuré une longueur de corde à l'atelier de la prison. Ne pouvant lui parler de toute la journée, il endure une nuit terrible sans sommeil, inquiet de ce qui pourrait arriver cette nuit à Andy. Au matin, alors que le spectateur redoute comme Red qu'il ne se soit donné la mort, les gardiens découvrent avec stupeur que Dufresne a disparu.  Durant la fouille de la cellule de Dufresne par un Norton hystérique, celui-ci découvre fortuitement que l'affiche sur le mur masque en fait l'entrée d'un tunnel, que Dufresne a minutieusement creusé pendant ses dix-neuf années d'incarcération à l'aide du marteau taille-pierres que Red lui avait fourni. Norton découvre également que Dufresne, pour échapper au fouilles de cellule régulièrement organisées, cachait son marteau taille-pierres à l'intérieur de sa Bible, dont un exemplaire est remis à chaque prisonnier. Le tunnel mène à un conduit d'évacuation des eaux usées, qui débouche à l'extérieur des murs de la prison dans une rivière. Dufresne, profitant de la nuit où avait éclaté un orage, est parvenu à s'introduire dans le conduit d'évacuation, rampant dans la fange sur avant de déboucher dans la rivière où se déverse le conduit, souillé mais enfin libre.  À la suite de son évasion réussie, Andy Dufresne endosse l'identité fictive de Randall Stevens, un personnage qu'il avait créé de toutes pièces pour blanchir l'argent de Norton. Il récupère les dollars de Norton, placés dans plusieurs banques de Portland et dénonce la corruption de ce dernier en envoyant un courrier à charge à un journal local. Par la suite, la police se rend à Shawshank et arrête le capitaine Hadley. Samuel Norton, lui, met fin à ses jours dans son bureau juste avant d'être arrêté, pour éviter le scandale et la prison.  Pendant ce temps, Dufresne, toujours en fuite, passe la frontière mexicaine à Fort Hancock au Texas (il envoie d'ailleurs une carte postale de cet endroit à Red, vierge de toute inscription, pour le prévenir sans attirer les soupçons).  Quelque temps plus tard, profitant d'une libération sur parole qu'il n'espérait plus obtenir après avoir purgé quarante années de détention, Red est libéré. Il se rend à Buxton et trouve la cache dont Andy lui avait parlé, où l'attendent une enveloppe remplie d'argent ainsi qu'un message de Dufresne lui demandant de le rejoindre. Faisant fi de sa libération conditionnelle, Red part rejoindre son ami au Mexique, comme promis. La scène finale du film montre l'apparition de Red marchant sur la longue plage de Zihuatanejo à la rencontre d'Andy, occupé à poncer un navire sur le rivage et qui, le reconnaissant, le rejoint et lui donne l'accolade.

Production.

Frank Darabont a acquis les droits d'adaptation du récit de Stephen King après lui avoir présenté un court métrage adapté de sa nouvelle "Chambre 312" qui a beaucoup impressionné l'écrivain. Il s'est vu offrir par Rob Reiner (déjà réalisateur de "Stand By Me") pour lui laisser le droit de réaliser le film. Mais Darabont, qui n'a alors qu'une expérience de scénariste de films d'horreur, refuse cette offre et choisit d'écrire le scénario et de diriger lui-même le film.  Bien que Red soit dépeint dans le livre comme un Irlandais aux cheveux roux, Darabont choisit Morgan Freeman pour interpréter ce rôle en raison de sa présence à l'écran et de son charisme. Tom Cruise et Harrison Ford avaient exprimé leur intérêt pour les rôles d'Andy Dufresne et de Red mais, en leur préférant Tim Robbins et Morgan Freeman, Frank Darabont a permis au budget du film d'être diminué de moitié.  Le tournage du film s'est déroulé du au, dans l'Ohio, principalement à l'Ohio State Reformatory de Mansfield, une ancienne prison fermée en 1990. Les cellules ont, en revanche, été reconstituées dans un décor non loin de la prison. Le film devait initialement se terminer sur Red prenant le bus pour rejoindre Dufresne mais les producteurs ont insisté pour que la fin soit moins ouverte et Darabont a tourné à contrecœur la scène finale sur la plage, quelques semaines seulement avant la sortie du film.

Accueil.

Critique.

Le film a reçu un accueil critique très positif. Sur le site agrégateur de critiques Rotten Tomatoes, il obtient un score de 88 % d'avis favorables, sur la base de 59 critiques collectées et une note moyenne de. Sur Metacritic, il obtient une note moyenne pondérée de 80 sur 100, sur la base de 19 critiques collectées.  Pour Janet Maslin, du "New York Times", cet premier film sait prendre son temps pour bâtir une histoire de camaraderie portée par les deux interprètes principaux et. Peter Travers, de "Rolling Stone", estime que. Leonard Klady, de "Variety", évoque qui témoigne de la force de l'esprit humain ainsi qu'un spectacle malgré quelques longueurs. Roger Ebert, du "Chicago Sun-Times", évoque une histoire tragique sans être déprimante, car elle sait par moments être drôle et chaleureuse mais aussi excitante et pleine de suspense aux moments les plus inattendus, mais qui est avant tout.  Pour Cécile Mury, de "Télérama", Frank Darabont alors que Tim Robbins et Morgan Freeman sont. Nicolas Jouenne, du "Figaro" estime que les interprétations des deux acteurs principaux et alors que.  Christian Viviani, de "Positif", évoque un. Pour Stéphane Bouquet, des "Cahiers du cinéma", Darabont n'a pas trouvé de et le film. Desson Howe, du "Washington Post", estime que le film est beaucoup trop long et qu'il s'enferme progressivement dans un.

Box-office.

En revanche, le film a été un échec commercial, rapportant lors de sa sortie au cinéma aux États-Unis et au Canada, soit à peine plus que son budget, et réalisant entrées en France. À l'international, "Les Évadés" engrange, portant le total des recettes mondiales à. L'échec du film à sa sortie en salles peut s'expliquer par l'absence de vedettes au générique, un titre original peu explicite et le thème carcéral peu vendeur pour le public.

Popularité ultérieure.

Après sa sortie en vidéo, le film a acquis une grande popularité auprès du public en étant le titre le plus loué et vendu en VHS en 1995. Il figure dès 2000 en tête du classement des films de l'Internet Movie Database, basé sur des votes du public, avec une note moyenne de 9,2/10 (succédant au "Parrain" de Francis Ford Coppola). En 2007, il est entré dans le Top 100 de l'American Film Institute, qui classe les 100 meilleurs films de tous les temps, au. Le vote des lecteurs du magazine britannique "Empire" l'a classé à la quatrième place dans sa liste des 500 meilleurs films de tous les temps. Les internautes d'AlloCiné le classent film de tous les temps. Il est cité dans le livre de référence "1001 films à voir avant de mourir".  En 2015, le film est sélectionné par la Bibliothèque du Congrès du Sénat américain pour préservation au National Film Registry, comme étant.

Analyse.

Une des thématiques abordées dans ce film est l'espoir. En effet, les protagonistes du film, des prisonniers condamnés à purger de longues peines d’incarcération, rêvent tous de s'évader. Mais, comme le dit Red, au fil du temps passé derrière les barreaux, les prisonniers deviennent des êtres, faisant progressivement partie de l'institution carcérale, devenant dépendants d'elle et, de ce fait, inadaptés à un retour à la vie civile. L'exemple du détenu âgé Brooks montre que c'est le cas : il tente d'égorger Haywood quand celui-ci lui apprend qu'il est libéré. Après sa libération, il avoue dans une lettre à ses anciens co-détenus son incapacité à comprendre le monde extérieur, un « monde pressé » qui a tellement changé depuis son époque, qui évolue sans cesse et qui ne s'arrête jamais ; il finira d'ailleurs par se suicider, ne pouvant supporter cette vie. Plus tard, Red avouera aussi que, dans le monde civil, il n'aurait aucune utilité, ses activités de contrebande pouvant aisément être remplacées par un annuaire téléphonique.  Mais Andy Dufresne s'oppose à cette idée, lui l'homme injustement condamné pour un double meurtre qu'il n'a pas commis. Il garde l'espoir en son cœur malgré sa condamnation à une peine de prison à vie, ses ennuis avec les Trois Sœurs et les machinations du directeur, en creusant un tunnel dans sa cellule pendant de longues années ainsi qu'en s'occupant de la bibliothèque, pour ne pas oublier.  Dans une discussion entre Red et Dufresne, après que ce dernier a purgé quinze jours d'isolement dus à son exploit en diffusant un extrait des "Noces de Figaro" aux détenus, Dufresne parle de l'espoir comme d'une chose. Red lui rétorque que, en prison,, ce qui les brouille pendant un temps. Mais, après l'évasion de Dufresne, quand Red va à Buxton et trouve la lettre de son ami cachée dans un champ, Andy lui affirme dans celle-ci que.  Finalement, Red semble se ranger lui-aussi à cette idée, en témoigne son monologue à la fin du film :.

Les Évadés (""), ou À l'ombre de Shawshank au Québec et au Nouveau-Brunswick, est un film américain écrit et réalisé par Frank Darabont, sorti le.

Vykoupení z věznice Shawshank (originální název ) je americký film z roku 1994 napsaný a režírovaný Frankem Darabontem na motivy novely Stephena Kinga. Hlavními hrdiny filmu jsou Andy Dufresne (hraje ho Tim Robbins) a Ellis „Red“ Redding (Morgan Freeman).


Biographie.

Les seuls faits authentiquement connus sur Hésiode sont les événements consignés dans ses poèmes. À trois reprises dans "Les Travaux et les Jours", il donne quelques éléments biographiques. Il faut y ajouter quelques vers de la "Théogonie".  Hésiode serait né à Ascra, bourg de Béotie. Son père venait de Cymé en Éolie, contrée d’Asie Mineure située entre l’Ionie et la Troade. La tradition lui donne le nom de Dios, mais cela s’explique par une interprétation fautive du passage « / "Pérsê, dĩon génos" » comprise comme « Persès, fils de Dios » au lieu de « Persès, noble fils ». Il y possédait une petite entreprise de cabotage, qui le ruina. Il traversa donc la mer et se fixa à Ascra où il acheta un lopin de terre, au pied du mont Hélicon. Il y épousa Pycimède, avec qui il eut deux fils : Hésiode et Persès.  Ascra était un endroit pauvre. Hésiode le décrit comme un « bourg maudit, méchant l’hiver, dur l’été, jamais agréable ». Au moment du partage de l’héritage de son père, il eut un grave différend avec son frère Persès, ce qui entraîna un procès. Les « rois » d’Ascra donnèrent raison à Persès. Celui-ci ne fit pas prospérer son bien qui périclita, ce qui le conduisit à quémander auprès de son frère, qui le repoussa. Furieux, Persès menaça Hésiode d’un autre procès, dont l’objet nous est inconnu.  Pour amener son frère à la sagesse, à la vie saine et à une bonne gestion de ses biens, Hésiode composa à son intention le poème "Les Travaux et les Jours", ouvrage dont la partie didactique est axée autour de deux vérités morales : le travail est la grande loi de l’humanité ; celui qui travaille peut vivre décemment. Cet ouvrage fut écrit dans un contexte de crise agraire et de vagues de colonisation des Grecs à la recherche de nouvelles terres. Hésiode espérait résoudre le différend à l’amiable ; nous ignorons s’il réussit ou non. Parallèlement à ses activités agraires, Hésiode était un aède, c’est-à-dire un barde composant ses poèmes pour un auditoire. À Chalcis en Eubée, il participa au concours de poésie organisé par les fils du roi Amphidamas pour célébrer les funérailles de leur père. Il l'emporta grâce à un poème célébrant l’agriculture et la paix, et reçut un trépied en récompense. Il le dédia alors aux Muses de l'Hélicon. Il mourut à Ascra. Quand le village fut détruit par les Thespiens, ses habitants se réfugièrent à Orchomène. Aristote témoigne dans sa "Constitution d'Orchomène" que, à la suite d'un oracle, les habitants de la cité recueillirent les cendres du poète et les placèrent au centre de leur agora, au côté du tombeau de Minyas, héros éponyme de la cité. Ainsi en firent-ils leur fondateur (œciste).  Hésiode s'est dépeint lui-même dans ses ouvrages comme partisan d’une existence sédentaire, observateur de la tempérance et de la justice, religieux jusqu'à la superstition, n’ambitionnant point la faveur des rois et se contentant de se rendre utile à ses concitoyens, à qui il prêchait la morale avec de beaux vers. Il est le créateur de la poésie didactique. Après sa mort, des statues furent érigées à Thespies, à Olympie ou encore sur l’Hélicon. Ses poèmes, chantés par les rhapsodes, devinrent très populaires et acquirent une grande renommée.  Hésiode a inspiré de nombreux poètes, parmi lesquels Virgile (dans ses "Géorgiques"), Caton l'Ancien (dans son "De agri cultura") et Lucrèce.  Des écrits anciens nous livrent également des renseignements sur Hésiode, parmi lesquels on peut citer :  L'ensemble est réuni dans les "Vitæ Homeri et Hesiodi" de Ulrich von Wilamowitz (Bonn, 1916).  L’"Agốn" ou « Dispute d'Homère et d'Hésiode » est une sorte de livre scolaire remontant au de l'ère chrétienne, mais dont le contenu est beaucoup plus ancien (Aristophane en cite des vers dans "la Paix", en 421 av. J.-C.). Il narre un tournoi opposant Homère à Hésiode, et a pour objectif de répondre à la question s'il faut préférer la poésie didactique ou la poésie épique. Au terme du tournoi, Hésiode l’emporte sur l’avis du roi, parce qu’il célèbre la paix et non la guerre. Hésiode remporte un trépied qu’il consacre aux Muses, dans une sorte de calque du tournoi de Chalcis.  Plutarque de Chéronée, la "Souda" et Jean Tzétzès racontent la mort d’Hésiode en des termes concordants. Voulant dédier aux Muses le trépied gagné à Chalcis, il se rendit auprès de l’oracle de Delphes, où la Pythie lui fit une prédiction : « Heureux ce mortel qui visite ma demeure, cet Hésiode que chérissent les Muses immortelles! Sa gloire s'étendra aussi loin que les rayons de l’aurore. Mais redoute le bois fameux de Zeus. C'est là que le destin a marqué le terme de ta vie ».  Hésiode, pensant que la prédiction désignait le temple de Zeus Néméen sur le site d’Olympie, s’éloigna du Péloponnèse et s’établit à Oinoé, ville de la Locride ozolienne. Il y vécut longtemps, prit femme et eut un fils. Plutarque rapporte qu’un jour, alors qu’il séjournait chez un hôte avec un certain Milésios, celui-ci viola la fille de son hôte durant la nuit. Hésiode fut accusé du crime et tué par les frères de la victime. Ce qu’Hésiode avait ignoré, c’est que le lieu de ces événements, une région boisée près de la mer, était consacré à Zeus Néméen. Son corps fut jeté à la mer.  Il convient de noter que chez Tzétzès, c’est Hésiode lui-même qui est le séducteur. Quoi qu’il en soit, le cadavre fut sauvé de la submersion par une troupe de dauphins qui le portèrent jusqu’au golfe de Corinthe, où les Locriens célébraient la fête d’Ariane. Ils recueillirent le corps et pourchassèrent les meurtriers. Hésiode fut enterré sur le mont Néméion, en un endroit gardé secret par les habitants de Naupacte, de peur que ceux d’Orchomène ne leur enlèvent les cendres. Cette histoire porte les marques de la légende : l’oracle mal compris qui se réalise, l’intervention de dauphins, le tombeau caché. Il est certain qu’elle fut élaborée dans le cadre d’une rivalité entre Naupacte et Orchomène. De plus, la même légende nomme le fils d’Hésiode et de la Locrienne séduite : il n'est autre que Stésichore, grand poète lyrique...

Œuvres.

Hésiode est connu pour sa réécriture des mythes dans ses œuvres, la "Théogonie" et "les Travaux et les Jours", sur lesquels il a longuement réfléchi. Il met ainsi les trois puissances principales : Gaïa, Nyx et Éros, au début du récit (sans préciser si elles naissent au début ou non), en plus de Chaos, l'état originel mais indifférencié du monde. Auparavant, il existait une version de ces mythes par cité en Grèce ; la refondation d'Hésiode, si elle n’a pas éliminé les textes contradictoires (l’"Odyssée"), s’est imposée comme le meilleur récit des origines pour les Grecs anciens. Il est même considéré comme le meilleur poète face à Homère dans le "Certamen" au par Alcidamas, puis repris au par un compilateur - une œuvre qui le présente en situation de rivalité poétique avec Homère ; Homère emporte les suffrages du public par sa virtuosité, mais le prix est finalement accordé à Hésiode, qui a choisi de chanter l'harmonie des hommes et des saisons, quand Homère avait choisi un sujet guerrier. Hésiode tire son inspiration de multiples sources : son père cabotait en Asie, il a donc dû avoir des échos des mythes babyloniens. S’il repense le mythe, il le fait cependant dans la logique du mythe.

Attributions classiques.

La première édition ancienne que nous ayons conservée par les papyrus n’attribue à Hésiode que trois œuvres.

Autres attributions.

L'Antiquité a également attribué à Hésiode une multitude d’autres œuvres de manière plus ou moins fantaisiste. Ces œuvres sont aujourd'hui généralement éditées à part sous le nom de « Pseudo-Hésiode » ou de « Corpus hésiodique ». On trouve parmi elles :

Hésiode (en grec ancien /, en latin "Hesiodus") est un poète grec du Son nom signifie « celui qui se fait la voie ».

Hésiodos "(řecky Ἡσίοδος)" byl antický řecký básník a filosof, patrně mladší současník Homérův, který působil na přelomu 8. a 7. století př. n. l. Jeho hlavní díla jsou „"O původu bohů" (Theogonia)“ a „"Práce a dni"“, další díla připisována autorovi, která nejsou zachována v celku jsou „"Héraklův štít"”, „"Genealogie héróů"” a „"Katalog héroin"”. Je po něm pojmenován na Měsíci kráter Hesiodus.


Caractéristiques de la forme musicale "Quatuor à cordes".

À partir de Joseph Haydn, Mozart ou encore Boccherini, le quatuor devient le genre le plus en vogue du répertoire de musique de chambre. La structure épouse dorénavant un modèle quasi-immuable en quatre mouvements, qui restera une référence, bien qu'il ait été remis en question à plusieurs reprises (op. 131 de Beethoven). Chacun des quatre mouvements est lui-même soumis à un tempo donné et une forme musicale particulière :  Le contrepoint à quatre parties permet de faire entendre toutes les harmonies sans doublure superflue afin d'obtenir l'équilibre des voix et une grande homogénéité de timbre.

Le quatuor à l'époque classique.

On trouve déjà chez Sammartini des œuvres écrites pour deux violons, alto et violoncelle. Comme le rappelle Marc Vignal, Joseph Haydn et Luigi Boccherini En effet, au, le terme n'est pas encore fixé. Dès 1761 Boccherini dans son registre, indique "sonate a quattro" pour désigner son opus 2. Cependant, le titre de l'édition parisienne de 1767 est bien "quartetti". Chez Haydn, pour la même formation, l'opus 1 est encore "divertimenti", et "quartetti" n'apparaît seulement qu'avec son opus 9, en 1769.  Mais le mérite revient à Haydn, généralement considéré comme le père du quatuor à cordes, d'avoir développé ce genre, basé sur l'équilibre de quatre voix indépendantes, égales en importance mais fortement imbriquées, et lui donner ses lettres de noblesse ainsi qu'un répertoire important (68 quatuors).  Contemporain de Haydn, Mozart admirait beaucoup ses quatuors et en a composé lui aussi. La production de Mozart consiste essentiellement en 4 cycles de quatuors où il a égalé son aîné dans les deux derniers. Les Quatuors du troisième cycle sont dédiés à Haydn. Certains portent des surnoms, comme « Le quatuor des dissonances » en ut majeur, célèbre pour les frottements harmoniques des premières mesures, ou « La Chasse » en si bémol majeur, ou encore « Le Printemps » en sol majeur. Les trois derniers sont dédiés au roi de Prusse, d'où leur surnom de « prussiens » : le violoncelle y joue un rôle prépondérant. Mozart, par son sens inné de la polyphonie, a su faire chanter chaque instrument du quatuor. Cependant, le divertimento pour trio à cordes et les six quintettes à cordes — à deux altos — constituent sans doute des sommets encore plus remarquables de sa production.

Les quatuors de Beethoven.

Ludwig van Beethoven n'a pas abordé le quatuor avant 30 ans, âge auquel il a publié un premier recueil de six quatuors (opus 18,,,, et ). Ils témoignent d'une parfaite maîtrise de l'écriture, mais demeurent, stylistiquement, dans l'ombre de Haydn. La révolution interviendra avec les trois quatuors « Razumovski » (opus 59,, ). Beethoven y fait exploser le moule classique comme il l'avait fait dans le domaine des sonates pour piano : il étire les formes, pousse les développements, les nuances, les graves et les aigus, et les répétitions jusqu'à l'exaspération. Il atteint la plénitude de sa deuxième période créatrice avec l'opus 74 « les Harpes ». Une seconde rupture intervient avec l'opus 95 « Serioso », âpre et même abrupt. Plus court, plus concentré que les précédents, la modernité de ce quatuor surprend nos oreilles aujourd'hui encore. Il faudra attendre Bartók pour entendre quelque chose de plus moderne dans le domaine du quatuor. Les derniers quatuors sont autant de chefs-d'œuvre : c'est à eux qu'il a consacré l'essentiel de ses dernières années, après avoir achevé la, muré dans la solitude et la surdité. Wagner disait de ces quatuors qu'il ne faudrait pas les jouer en public, car ils sont l'expression d'une grande souffrance. Le fait est, pour les interprètes comme pour le public, qu'il ne faut pas aborder ces chefs-d'œuvre insurpassables sans préparation.

Le quatuor à l'époque romantique.

L'ombre du grand Beethoven a beaucoup pesé sur les musiciens qui l'ont suivi, dans le domaine du quatuor plus encore que dans la symphonie. Schumann, Mendelssohn, Brahms ou Smetana ont approché ou égalé, mais pas dépassé le modèle beethovénien. Notons l'exception de Schubert, qui a trouvé dans ses trois derniers quatuors — ainsi que dans le quintette à deux violoncelles — l'expression personnelle d'un génie achevé : contemporain de Beethoven, il est mort 18 mois seulement après lui.  Le quatuor est fort prisé des compositeurs romantiques. Il reste synonyme d'effort, de concentration et de rigueur. Pendant tout le, il reste une spécificité allemande, slave (Antonin Dvorak par exemple en composa 14) et française dans une moindre mesure — notamment à la fin du siècle —, à quelques exceptions près, comme en témoigne la présence d'un quatuor dans le catalogue de Giuseppe Verdi. Les compositeurs marqués par l'esthétique wagnérienne du Gesamtkunstwerk (œuvre d'art total), la musique à programme (Hector Berlioz, Franz Liszt) ou bien par le chromatisme et la puissance orchestrale de Wagner (Anton Bruckner, dont le quintette à cordes est néanmoins splendide, Gustav Mahler, Richard Strauss), se désintéressent du quatuor.  Dans le débat qui oppose, dans la deuxième moitié du, les tenants de la musique pure — Eduard Hanslick, Johannes Brahms — aux défenseurs de la musique à programme — Franz Liszt et son cercle de Weimar —, le quatuor à cordes représente pour les premiers le genre noble par excellence : l'écoute d'un quatuor est synonyme de contemplation des formes musicales pour elles-mêmes, par opposition à une écoute qui serait guidée par un programme poétique.

Le quatuor au.

Au début du, le quatuor à cordes est pour certains compositeurs, tels Arnold Schönberg, Alban Berg, Anton Webern, Maurice Ravel, Béla Bartók, Claude Debussy, synonyme d'expérimentation, d'étape dans la recherche d'un idéal en matière de composition musicale, à tel point que le critique musical contemporain Dominique Jameux a parlé de "laboratoire de formes". Le quatuor op.121 de Gabriel Fauré (1924) est l'œuvre d'un musicien désireux de parachever sa longue carrière de compositeur par un chef-d'œuvre de pureté et d'ascétisme. Il s'agit dans ces derniers cas d'œuvres essentiellement isolées même si elles sont souvent d'une importance capitale dans l'histoire de la musique.  Au contraire, Darius Milhaud (18 quatuors), Heitor Villa-Lobos (17 quatuors), et surtout Dmitri Chostakovitch (15 quatuors), ont par l'importance et la qualité de leur cycle, contribué à renouveler la tradition de cette forme musicale.  On doit également citer les quatuors de Vincent d'Indy, Albéric Magnard, Leoš Janáček, Benjamin Britten, Paul Hindemith, Georges Enesco, Bohuslav Martinů, Alexandre Tansman, Marcel Mihalovici, etc.  La jeune génération de l'après-guerre tente un renouvellement du quatuor — Olivier Messiaen, "Quatuor pour la fin du temps", pour violon, violoncelle, clarinette et piano, écrit en captivité dans un camp de prisonniers en Silésie durant la Seconde Guerre mondiale ; Pierre Boulez, "Livre pour quatuor à cordes" de 1948 — avant de le reléguer parmi les pièces d'un musée des genres musicaux appartenant à un passé révolu.  Les générations suivantes, marquées par la postmodernité, se réintéressent au genre, dans un souci de dialoguer avec l'histoire et de renouer avec la tradition. Si György Ligeti et Elliott Carter font figure de précurseurs en ce domaine, Alfred Schnittke en Russie, Helmut Lachenmann en Allemagne, Luciano Berio et Lorenzo Ferrero en Italie, Brian Ferneyhough en Grande-Bretagne, Philippe Fénelon, Philippe Hersant, Christophe Looten, Max Méreaux et Nigel Keay en France, chacun suivant sa propre voie, semblent ne plus vouloir déroger à la règle selon laquelle tout compositeur confirmé doit se mesurer à un genre toujours réputé difficile.

Concours et festivals.

Il existe des concours et festivals dédiés au quatuor à cordes :

Un quatuor à cordes est, en musique classique, un ensemble musical (un groupe de musiciens) composé de quatre instruments à cordes — généralement deux violons, un alto et un violoncelle. Le quatuor à cordes est une formation majeure de la musique de chambre : parmi les nombreuses combinaisons possibles — depuis le duo au dixtuor — le quatuor est, avec le trio piano, violon, violoncelle, la formation dont le répertoire est le plus étendu.

Smyčcové kvarteto je hudební soubor, který tvoří čtyři hráči na smyčcové nástroje. Obvyklé obsazení tradičního smyčcového kvarteta je 1. a 2. housle, viola a violoncello.


Biographie.

Jeunesse.

Thomas Jeffrey Hanks naît le à Concord, en Californie. Il est le fils de Janet Marilyn Frager (1932-2016), employée d'hôpital d'origine portugaise, et d'Amos Mefford Hanks (1924–1991), un cuisinier itinérant. Lorsque ses parents se séparent, le jeune Tom est alors âgé de. Il habite avec son frère Larry et sa sœur Sandra, tandis que son autre frère Jim vit avec leur mère. Le métier du père de famille impose un grand nombre de déménagements — dix déménagements en dix ans — et de changements d'écoles à ses enfants, ce qui ne leur laisse pas le temps de se faire des amis et développe chez Tom Hanks une grande timidité :.  En 1965, la famille s'installe à Oakland. À, Tom Hanks s'intéresse au sport et s'inscrit dans des cours d'art dramatique dans lesquels son professeur l'encourage à persévérer. À mesure que sa scolarité se poursuit, Tom Hanks joue dans diverses pièces de théâtre qui lui vaudront finalement un prix d'interprétation de son école en 1974. Après le lycée, il s'inscrit à une université locale et trouve un petit travail de groom dans un hôtel Hilton. Il développe son jeu d'acteur au travers de sa participation à des cours de comédie, et déménage à Sacramento pour suivre des études dans l'université de la ville. Il fait deux rencontres importantes : la personne qui deviendra plus tard sa première épouse, Samantha Lewes, ainsi que Vincent Dowling, un metteur en scène. À l'époque, il essaie de figurer dans les productions théâtrales de son université, en vain. Frustré de ses échecs, il auditionne pour une pièce de théâtre locale de Tchekov, "La Cerisaie" ('), à l'issue de laquelle il décroche un rôle. Dowling, le metteur en scène de la pièce, est impressionné et l'invite à un festival de théâtre à Cleveland. Hanks abandonne ensuite l'université pour se consacrer à sa carrière naissante d'acteur. Il s'implique dans l'organisation du festival à Cleveland, une expérience qui l'occupe pendant trois ans. Son premier enfant naît en 1977, puis il épouse Samantha Lewes en ; la même année, il remporte un nouveau prix d'interprétation pour son rôle de Proteus dans "Les Deux Gentilshommes de Vérone" ('), en représentation à Cleveland. Son expérience au théâtre, ses interprétations de l'œuvre de Shakespeare et son succès local inspirent Tom Hanks et l'incitent à s'installer à New York, s'approchant ainsi de Broadway, le centre de l'activité théâtrale aux États-Unis.  Le couple trouve difficilement du travail et Tom Hanks est contraint de revenir à Cleveland pendant l' pour jouer une nouvelle pièce. Son metteur en scène Dowling l'apprécie énormément pour ses interprétations, à la fois très réalistes et comiques, ce qui constituera plus tard sa signature en tant qu'acteur de cinéma. À son retour à New York à la fin de l', Tom Hanks trouve enfin du travail dans une pièce de théâtre et un agent se charge désormais de sa carrière ; il lui trouve un premier rôle au cinéma dans le film d'horreur "Noces sanglantes", réalisé par Armand Mastroianni.

Carrière.

L'année 1980 lui apporte son premier travail important. La chaîne de télévision ABC lance un programme de développement de talents, dans l'espoir de trouver de jeunes acteurs susceptibles de booster les audiences. Tom Hanks joue dans une série de sitcoms pour la chaîne et s'installe avec sa femme dans la San Fernando Valley, toujours en Californie, où naît sa fille Elizabeth en 1982. Les rôles à la télévision se succèdent, dont une brève apparition dans "La croisière s'amuse", et Hanks rencontre Ron Howard alors réalisateur débutant sur le tournage de la série "Happy Days". Alors que Howard sélectionne ses acteurs pour jouer dans son nouveau film "Splash", il auditionne Hanks pour un second rôle : sa prestation plait à Howard, qui lui propose finalement le premier rôle. Ce film fait de Tom Hanks une vedette, ce qui lui permet de décrocher plusieurs rôles successifs dans les comédies des années 1980, telles que "Le Palace en délire" en 1984, "Une baraque à tout casser" et "Rien en commun" en 1986. Ces derniers films sont des succès commerciaux qui consolident son statut d'acteur montant à Hollywood.  Tom Hanks produit une pièce de théâtre dans laquelle son épouse tient le rôle principal. Peu après, le couple se sépare. En 1987, l'acteur tourne dans "Dragnet", une parodie de film policier, un style de films en vogue dans le cinéma américain des années 1980.  Son rôle dans "" en 1988 constitue son premier grand succès. Il y tient le rôle d'un enfant se réveillant un jour dans le corps d'un adulte, et son interprétation lui vaut sa première nomination aux oscars lors de la en 1989. Fort de ce succès, Hanks poursuit la même année dans une série de comédies : "Le Mot de la fin", "Les Banlieusards" et "Turner et Hooch", qui confirment son statut d'acteur comique. Il joue également dans "Joe contre le volcan" aux côtés de Meg Ryan en 1990.

Premiers rôles dramatiques.

Dans les années 1990, Tom Hanks entreprend de jouer dans des rôles dramatiques, avec tout d'abord "Le Bûcher des vanités", dans lequel il joue un courtier de Wall Street. Cette adaptation du best-seller de Tom Wolfe s'avère être un échec commercial.  Tom Hanks rencontre Rita Wilson, qu'il épouse en 1988. Après "Le Bûcher des vanités", Hanks décide de se consacrer à sa famille, tirant les leçons de son premier mariage. Un enfant prénommé Chester (« Chet ») naît de son union avec Rita Wilson en 1990, suivi de Truman en 1995.  Il n'attendra que peu de temps pour se voir proposer des rôles dramatiques intéressants comme "Une équipe hors du commun" en 1992, le premier d'une série de succès commerciaux. Il retrouve Meg Ryan en 1993 dans "Nuits blanches à Seattle", un film qui reçoit deux nominations pour la des Oscars.

Consécration.

C'est grâce à son interprétation d'Andrew Beckett dans "Philadelphia" en 1993 que Hanks connaît la consécration, et pour lequel il reçoit l'Oscar du meilleur acteur l'année suivante. Il y interprète un avocat homosexuel atteint du sida, aux côtés de Denzel Washington et Antonio Banderas. En 1994, il tient le rôle de Forrest Gump dans le film du même nom, sous les traits d'un homme simple d'esprit, acteur et spectateur des événements marquants de l'histoire de la seconde moitié du aux États-Unis. C'est sa première collaboration avec Robert Zemeckis. Il réalise l'exploit d'obtenir deux Oscars consécutifs, que seul Spencer Tracy (en 1937 et 1938) avait réalisé avant lui. Lors de son discours à la suite de la remise du prix en 1994, Hanks remercie son professeur d'arts dramatiques de lycée qui est homosexuel, ce qui inspirera l'histoire du film "" en 1998.  Il enchaîne par la suite un grand nombre de films à succès, dont "Apollo 13" et le film d'animation "Toy Story" pour lequel il prête sa voix au personnage de Woody. Il passe ensuite à la réalisation en 1996 avec "", une comédie familiale sur la montée en puissance d'un groupe de rock 'n' roll dans les années 1960. Il connait un succès retentissant en 1998 dans "Il faut sauver le soldat Ryan" de Steven Spielberg où il tient le rôle du Capitaine John H. Miller. En 1999, il incarne le gardien-chef Paul Edgecomb dans "La Ligne verte". Hanks s'exprime également à travers l'écriture et la réalisation avec les mini séries "De la Terre à la Lune" en 1998, qui relate l'histoire de la conquête spatiale américaine et son programme Apollo, ainsi que "Frères d'armes", qu'il créée avec Steven Spielberg en 2001, relatant la vie de soldats américains sur les fronts européens de la Seconde Guerre mondiale.  Il retrouve ensuite Robert Zemeckis en 2000 pour "Seul au monde", projet dont l'idée originale provenait de Tom Hanks lui-même. Il tient le rôle d'un naufragé, isolé sur une île pendant plusieurs années à la suite d'un crash d'avion. Le film est tourné en deux parties, ce qui permet à Hanks d'entreprendre une transformation physique spectaculaire : il perd une vingtaine de kilogrammes, pour ensuite reprendre le tournage du film, interrompu pendant un an.  En 2002, il partage l'affiche avec Jude Law et Paul Newman dans "Les Sentiers de la perdition", film dans lequel il incarne Michael Sullivan, un tueur au service de la mafia irlandaise. Il retrouve ensuite Steven Spielberg pour sa première collaboration avec Leonardo DiCaprio dans "Arrête-moi si tu peux". Il y joue Carl Hanratty, un agent du FBI qui tente à tout prix de stopper le plus grand arnaqueur de l'histoire des États-Unis, Frank Abagnale, Jr., rôle tenu par DiCaprio. En 2004, il tient le rôle d'un cambrioleur excentrique dans "" réalisé par les frères Coen, puis il collabore une fois de plus avec Spielberg pour "Le Terminal", film dans lequel il joue aux côtés de Catherine Zeta-Jones, le rôle de Viktor Navorski, qui se retrouve piégé dans l'aéroport JFK pendant plusieurs mois. En fin d'année, il collabore pour la troisième fois avec l'un de ses réalisateurs fétiches, Robert Zemeckis en jouant dans une adaptation d'un conte de Noël, "Le Pôle express", ("Boréal Express" au Québec). En 2005, dans la série "Foster, la maison des amis imaginaires", il fait une apparition dans le film du personnage de Bloo, dans le rôle d'un extraterrestre.  Au milieu des années 2000, Tom Hanks déclare dans une interview admirer le travail de Gus Van Sant. Il est alors contacté par le réalisateur et lui propose d'adapter "", livre où Michael Gates, un ancien publicitaire, raconte comment, après son licenciement, il a commencé à travailler comme serveur pour Starbucks où il a pu se reconstruire. Le projet n'avançant pas pour des problèmes de production, il sera finalement abandonné.  En 2006, il interprète Robert Langdon dans "Da Vinci Code" de Ron Howard, adaptation du roman éponyme de Dan Brown. Le film sera très critiqué par la presse après sa diffusion en tant que film d'ouverture du Festival de Cannes, la prestation de Tom Hanks sera peu appréciée mais le succès au box-office est colossal (plus de de recettes).  En 2007, il interprète Charlie Wilson dans "La Guerre selon Charlie Wilson", ce qui lui vaudra une nomination aux Golden Globes 2008 en tant que meilleur acteur dans une comédie. Le film raconte l'histoire de Charlie Wilson, un député Américain qui va tenter un coup diplomatique en soutenant les Moudjahidines durant la Guerre d'Afghanistan de 1979 pour contrer l'invasion de l'URSS. En 2009, il reprend le rôle de Langdon dans "Anges et Démons", la deuxième adaptation d'un roman de Dan Brown, toujours sous la direction de Ron Howard pour une sortie en France le. Les critiques restent mitigés mais le film est un succès au box-office, tout comme son prédécesseur.  Tom Hanks est à nouveau la voix de Woody dans "Toy Story 3" en 2010. Le film est universellement acclamé par la presse avec 99 % d'avis positifs sur Rotten Tomatoes et une note moyenne de 4.7/5 sur Allociné.  L'année 2011 marque son retour à la réalisation, quinze ans après "", avec la comédie romantique "Il n'est jamais trop tard" dont il cosigne le scénario avec Nia Vardalos. Également acteur principal du film, il en partage l'affiche avec Julia Roberts. L'accueil critique et commercial est cependant très mitigé. La même année, il joue un père victime des attentats du 11 septembre 2001 dans "Extrêmement Fort et Incroyablement Près" de Stephen Daldry.  En 2012, il interprète six personnages différents dans "Cloud Atlas", un film mêlant histoire et science-fiction, coréalisé par les Wachowski et Tom Tykwer.  En 2013, Tom Hanks joue le dans "Capitaine Phillips" de Paul Greengrass, basé sur l'histoire de la prise d'otage du Maersk Alabama. La performance de Tom Hanks sera saluée tout comme le film. La même année, Tom Hanks incarne Walt Disney dans le film "Dans l'ombre de Mary" de John Lee Hancock. L'histoire porte sur la relation entre Walt Disney et la romancière P. L. Travers (incarnée par Emma Thompson), tandis que celle-ci souhaite faire adapter son roman" Mary Poppins".  En 2015, Tom Hanks retrouve Spielberg pour un thriller historique sur la guerre froide, "Bridge of Spies". Écrit par les frères Coen, il met en scène l'incident de l'U-2 en 1960. Hanks joue James Donovan, l'avocat embauché par la CIA pour sauver le pilote Gary Powers, emprisonné des Soviétiques. Il joue également dans "A Hologram for the King", le nouveau film de Tom Tykwer.  En 2016, il interprète une troisième fois Robert Langdon dans l'adaptation cinématographique d’"Inferno", le dernier roman de Dan Brown. Ron Howard sera à la réalisation comme pour "Da Vinci Code" et "Anges et Démons".  En 2016 est également sorti "Sully", réalisé par Clint Eastwood et inspiré d'une histoire vraie. Le de la même année, Barack Obama lui décerne la médaille présidentielle de la Liberté.

Projets.

Il est à l'affiche des films ', polar réalisé par Mark Romanek, et devrait apparaître dans ', réalisé par Lawrence Kasdan. Avec l'équipe qui a réalisé "Frères d'armes" ('), ils ont produit ', une mini-série relatant les combats menés dans le Pacifique pendant la Seconde Guerre mondiale.  Tom Hanks et Green Day pourraient être les producteurs de l'adaptation cinématographique de la comédie musicale ", si le projet du film aboutit.

Vie personnelle.

Fervent défenseur de la conquête spatiale, Tom Hanks est membre de la National Space Society. Il est également fan de l'équipe de baseball des Cleveland Indians. À l'occasion de la mort de Johnny Hallyday, il déclare adorer le chanteur, dont il était voisin à Los Angeles.  Démocrate, il a activement soutenu Barack Obama lors des élections présidentielles de 2008 et 2012.  Tom Hanks a été marié avec l'actrice Samantha Lewes de 1978 à 1987. Le couple a eu deux enfants : un garçon, Colin Hanks (né en 1977), qui est aussi acteur — il joue notamment Travis, le " dans la série "Dexter" — et une fille, Elizabeth Ann (née en 1982), qui est apparue en jeune écolière dans "Forrest Gump". Samantha Lewes est morte d'un cancer en 2002.  En 1988, Tom Hanks s'est remarié avec l'actrice Rita Wilson. Ils ont eu deux garçons : Chester « Chet » Marlon (né en 1990) et Truman Theodore (né en 1995).  Son frère Jim Hanks a été sa doublure pour les scènes de course dans "Forrest Gump".  Le, le président de la Grèce, Prokópis Pavlópoulos, a signé les papiers officiels marquant la naturalisation honorifique de Tom Hanks, faisant de lui un citoyen grec, sur la proposition du Premier ministre Kyriákos Mitsotákis. Il est marié à Rita Wilson, qui est d'origine grecque du côté de sa mère Dorothée. Il est bien connu pour son amour de longue date pour la nation grecque. Lui et sa famille passent la plupart de leurs étés dans les îles grecques, et sont surtout vus sur la minuscule île d'Antiparos. Il fait également partie des fidèles de l'Église grecque orthodoxe depuis de nombreuses années, depuis qu'il a rejoint l'Église lorsqu'il a épousé sa femme en 1988. Selon la loi grecque et à la suite de la publication de la décision au "Journal officiel", l'acteur et sa famille ont un an pour accepter formellement leur naturalisation et prêter serment devant le ministre de l'Intérieur.  Tom Hanks pratique la méditation transcendantale et participe à un dîner caritatif en faveur des vétérans victimes de stress post-traumatique avec la fondation David-Lynch. Il déclare qu'.  Le, Tom Hanks révèle sur les réseaux sociaux que lui et sa femme Rita Wilson ont contracté la COVID-19 et sont hospitalisés en Australie. L'acteur sort de l’hôpital une semaine plus tard.

Voix francophones.

Pour les versions françaises, Jean-Philippe Puymartin est la voix régulière de Tom Hanks depuis le film "Le Mot de la fin" en 1988. Il a notamment doublé l'acteur dans "Philadelphia", "Forrest Gump", la saga d'animation "Toy Story", "Il faut sauver le soldat Ryan", "La Ligne verte", "Seul au monde" et "Da Vinci Code". Éric Legrand a été également sa première voix régulière, à ses débuts. Pour le film "Big", il s'agit de la voix de Chris Bénard.  Au Québec, Bernard Fortin est la voix régulière de l'acteur, notamment pour "Philadelphia", "Le Code Da Vinci", "Cartographie des nuages", "Capitaine Phillips" et "Le Cercle : Le pouvoir de tout changer". Alain Zouvi l'a doublé pour les films d'animation "Histoire de jouets" et le film "La Ligne verte", pour lesquels Bernard Fortin était indisponible. Depuis 2014, Tristan Harvey double régulièrement Tom Hanks, et notamment dans le film "Sully".

Tom Hanks est un acteur, réalisateur et producteur de cinéma américain, né le à Concord en Californie. Il est devenu célèbre avec le film "Splash", avant de connaître la consécration avec "Philadelphia" et "Forrest Gump", qui lui valurent chacun l'Oscar du meilleur acteur. La quasi-totalité de ses films suivants obtint de grands succès, comme "Apollo 13", "Il faut sauver le soldat Ryan," la saga "Toy Story" et "La Ligne verte". Il est souvent comparé à James Stewart, et son talent reconnu lui a permis de devenir l'un des acteurs fétiches des réalisateurs Steven Spielberg, Robert Zemeckis et Ron Howard.

Thomas Jeffrey „Tom“ Hanks (* 9. července 1956 Concord) je americký filmový herec, režisér a producent, držitel dvou Oscarů za herecký výkon. Jedná se o jednoho z nejlépe placených herců v dějinách filmu a jednoho ze dvou herců (vedle Spencera Tracyho), který cenu akademie obdržel ve dvou po sobě jdoucích letech (1993 a 1994).


Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (album)

Genèse et enregistrement.

" est enregistré alors que les Beatles s'extraient de la pression liée à la Beatlemania. Le, les quatre musiciens donnent leur dernier concert au Candlestick Park de San Francisco. Après cette ultime tournée aux États-Unis, où le décalage ne cesse de se creuser entre ce qu'ils veulent proposer à leur public et ce que celui-ci parvient à entendre au milieu des hurlements et dans des conditions de sonorisation encore balbutiantes, entre ce qu'ils produisent désormais en studio et ce qu'ils arrivent à délivrer sur scène, les quatre Beatles, même Paul McCartney qui est alors celui qui tient le plus à continuer les tournées, décident que c'en est assez.  Le groupe profite d'un long congé pour se ressourcer. Harrison se rend en Inde pour des cours de sitar avec Ravi Shankar et s'initie à la culture du pays. Lennon joue dans le film'réalisé par Richard Lester, tourné à Celle près de Hanovre en Allemagne et à Almería en Espagne. Starr, outre une escapade pour rendre visite à Lennon en Espagne, reste à Londres et passe le plus clair de son temps avec sa femme et son fils. Quant à McCartney, il travaille sur la bande son du film ', voyage incognito en France puis part en safari au Kenya avec sa fiancée Jane Asher et son ami Mal Evans. Dans l'avion du retour, Evans demande à McCartney de lui passer le sel et le poivre () et ce dernier entend. Ce malentendu les fait rigoler et sème l'idée du nouveau projet des Beatles.  À la fin de l'automne 1966, ils reviennent en studio à Abbey Road ; déterminés, les Beatles s'expliquent avec le producteur George Martin en des termes résolus :, dit John Lennon au producteur., ajoute Paul McCartney. conclut-il. poursuit Lennon,. C'est ainsi qu'ils ouvrent une nouvelle période dans leur carrière — qui sera connue plus tard sous le nom de " () — en commençant par le plus ambitieux des projets.  Le nom de l'album est lié à la tendance américaine de donner des noms aux groupes, comme Quicksilver Messenger Service, Big Brother and the Holding Company ou Commander Cody and His Lost Planet Airmen. Sur une

Caractéristiques artistiques.

Conceptualité.

Dans cet album, la accueille le public à son concert et tout, jusqu'à sa pochette innovante et débordante de couleurs, fait de ce disque un pionnier de l'album-concept, ne serait-ce que par son retentissement. Le biographe Steve Turner écrit :.  Pourtant, au-delà du personnage de Billy Shears (interprété par Ringo Starr), qui fait le lien entre la chanson-titre et ', les chansons n'ont pour la plupart aucun rapport entre elles. Afin d'assurer la cohérence du projet, le groupe, sur une idée de son assistant Neil Aspinall, décide

Écriture des chansons.

La réussite de'est encore largement le fruit de la collaboration entre John Lennon et Paul McCartney dans l'écriture de la plupart des chansons. Il y a celles entièrement coécrites, comme'en partant d'une simple idée de départ de Paul : la phrase. Toute la chanson est développée dans l'idée de la confier à Starr et d'en faire un dialogue entre le personnage de Billy Shears et un chœur qui lui pose une série de questions.  Il y a celles composées par Paul avec un ajout décisif de John. Sur ', c'est ce dernier qui contrebalance l'optimisme de son partenaire, en ajoutant () derrière les paroles de Paul, et qui écrit le pont de la chanson dans lequel il décrit comment il était. Lorsque Paul part d'un fait divers pour composer ', John ajoute le chœur grec en réponse des parents, incapables de comprendre la fugue de leur fille.  Il y a celles écrites par

Innovations techniques.

Les innovations en termes d'enregistrement sont nombreuses pour " et marqueront durablement l'industrie du disque et la façon de considérer le travail en studio.  Par exemple, les ingénieurs des studios Abbey Road inventeront pour les Beatles le ', un nouveau bouton sur le magnétophone qui permet de faire varier la vitesse de défilement de la bande. On enregistre ainsi la voix en faisant tourner le magnétophone plus lentement puis on le remet à vitesse normale. Ce procédé est notamment utilisé pour modifier le timbre de la voix de Lennon sur '. On peut aussi s'en servir pour relier deux prises enregistrées à un tempo différent, comme sur ".  George Martin et son équipe technique ont également inventé la de deux magnétophones 4-pistes, à

Instrumentation.

Les chansons de " comportent des arrangements musicaux très élaborés et des utilisations très importantes d'effets audio comme l'écho, la réverbération et les bandes passées à l'envers. Beaucoup de ces effets ont été créés par Martin et son équipe d'ingénieurs des studios Abbey Road.  L'un des quelques moments de discorde survient pendant l'enregistrement de '. Martin est indisponible à ce moment et McCartney, impatient, engage le compositeur Mike Leander pour écrire les arrangements de la section des cordes. La situation se répète lors de la composition de la musique du film ', aussi avec Leander.  Un autre exemple de la production de l'album est la chanson de Lennon ', qui clôture la première face du 33 tours original. Les paroles ont été adaptées presque mot pour mot d'une vieille affiche de cirque du que Lennon a achetée à un magasin d'antiquités dans le Kent le jour où les Beatles y ont filmé le clip promotionnel de '. Le collage sonore qui donne à la chanson son caractère distinctif est créé par Martin et Geoff Emerick, qui amassent divers enregistrements d'archive de calliope, ensuite coupés en longueurs variées, jetés en l'air, collectés dans une boîte, mixés

Versions mono et stéréo.

Les Beatles étaient présents pendant le mixage de l'album en mono et le disque vinyle est originellement sorti dans cette version accompagnée d'un mixage stéréo préparé par une équipe d'ingénieurs du son des studios Abbey Road dirigée par Geoff Emerick.  Ces deux versions sont fondamentalement différentes : la bande est quelques fois lue à une autre vitesse. Par exemple, la chanson'a été mixée en mono à une plus grande vitesse que sur l'enregistrement original et joue donc sur un tempo plus rapide. Inversement, la version mono de'est considérablement plus lente que sur la version stéréo et comporte plus d'effets sonores.  Des variations apparaissent aussi sur la version en CD de l'album. Les cris de McCartney à la fin de la reprise de'peuvent être très bien entendus dans la version mono, mais sont presque inaudibles dans la version stéréo. La version mono de la chanson comporte une batterie qui ouvre la chanson avec plus de présence et de force. Le fameux segue à la fin de'où le cri du coq,

Pochette.

La pochette de l'album est, sans doute, l'une des plus célèbres de l'histoire de la musique; le montage élaboré de la photo de couverture, la photographie des s'étalant sur les deux à-plats intérieurs, le visuel du verso de la couverture avec les paroles des chansons et enfin la planche à découper uniface qui y est insérée. De plus, dans les premières éditions britanniques, on fabrique une pochette de protection du disque vinyle format 33 tours possédant un design inédit.

Le visuel de couverture.

La couverture de l'album a été réalisée par les artistes anglais Jann Haworth et Peter Blake. Il ne s'agit pas ici d'un photomontage, mais bien d'une photo du groupe au milieu d'une installation composée de personnages imprimés grandeur nature sur du carton taillé, de statues et d'objets, devant un fond bleu ciel. Ce diorama se décompose en trois plans : le premier est constitué principalement d'un massif de fleurs dans lequel est inséré un assemblage d'objets (plantes vertes, instruments de musique, figurines, etc.); le deuxième, par la présence des quatre Beatles accompagnés de six mannequins en cire, deux et quatre figures cartonnées découpées en taille réelle;

Célébrités présentes sur le visuel de couverture.

Une particularité remarquable de ce visuel réside dans la quantité et la diversité des personnages que l'on peut voir aux côtés et derrière les Beatles ; en effet, la pochette se présente comme un « portrait de famille », sur lequel apparaissent les personnages à qui ils veulent rendre hommage. Ainsi, on peut y retrouver tout en haut le portrait d'Edgar Allan Poe — à qui il sera plus tard fait référence dans les paroles de "I Am the Walrus" —, ou encore Bob Dylan — chanteur admiré par le groupe qui leur a fait découvrir la marijuana lors de leur tournée américaine de l'été 1964 —, et enfin Lewis Carroll — dont les écrits inspirèrent la rédaction des paroles de "Lucy in the Sky with Diamonds". Pourtant, Lennon et McCartney ne soumettent en tout qu'une vingtaine de personnages, Harrison, six gourous dont quatre sont retenus, tandis que Ringo Starr ne soumet aucune proposition. Le reste des personnages sont choisis par Blake, Haworth et Fraser. Curieusement, Elvis Presley (présence trop importante d'après McCartney), Little Richard, Chuck Berry ni Buddy Holly, quatre influences majeures du groupe, n'y figurent pas.  La mise en scène rappelle une photographie de l'orchestre de Jim McCartney, le père de Paul, qui pose autour d'une grosse caisse. De plus, la pochette d'un E.P. suédois produit en 1964 par Mercblecket, un orchestre d'étudiants, reprenant quatre tubes des Beatles, a comme pochette la photo des membres du groupe portant des uniformes et posant autour d'une grosse caisse. À l'arrivée des Beatles à l'aéroport de Stockholm en juillet, l'orchestre est présent et offre à Paul McCartney le disque en question.  Voici la liste des célébrités qui apparaissent sur le diorama de la pochette de l'album, rang par rang, de haut en bas, en partant de la gauche.  Au rang supérieur, on voit le gourou Sri Yukteswar Giri, Aleister Crowley (occultiste), Mae West (actrice), Lenny Bruce (humoriste),

Les costumes.

Sur cette pochette, chacun des Beatles est vêtu d'un uniforme de parade d'inspiration militaire, période edwardienne en satin, d'une couleur extrêmement vive et personnalisée à la teinture fluorescente. John Lennon porte un costume vert et jaune, Paul McCartney est vêtu de bleu, George Harrison de rouge et Ringo Starr de rose. Ces uniformes, fabriqués par la firme "M. Berman Ltd", mais conçus par le couturier d'origine mexicaine Manuel Cuevas connu pour avoir dessiné des costumes de scène pour de nombreux chanteurs tels Elvis et Johnny Cash, comportent aussi des insignes particuliers à chaque membre :

Les autres visuels.

Aux pieds des Beatles, on voit sur la pochette du disque un certain nombre d'objets parmi les fleurs et les plantes en pots. De gauche à droite, on distingue : un boa violet, un nain de jardin (devant un massif de jacinthes bleues), un narguilé, un "fukusuke" (souvenir de Lennon de la tournée au Japon), une figurine de Blanche Neige, un euphonium, un trophée, un buste (qui vient des jardins du domaine de Lennon), un petit poste de télévision Sony (acheté par McCartney au Japon), une figurine féminine, la céramique mexicaine dite de l'Arbre de vie, une petite statue de pierre (sous le pied gauche de la poupée en chiffon) et, enfin, au premier plan, la statuette d'une divinité indienne, Lakshmi entourée de fleurs rouges et blanches. Des jacinthes rouges sont disposées de façon à écrire le mot « "Beatles" », des jaunes placées en forme de guitare et finalement un autre petit massif de fleurs blanches, bleues, rouges et jaunes en forme d'étoile.  La grosse caisse, sur laquelle est peint le titre du disque, est celle du Régiment Essex Yeomanry, un régiment de cavalerie, débarqué au Havre en décembre 1914, et qui aura tout de suite été plongé dans l’horreur de la Grande Guerre avec ses chevaux. Membre de cette unité, Henry Harrison, le grand-père de George Harrison, avait succombé au premier jour de la bataille de Loos-en-Gohelle, le 25 septembre 1915. Le nom de cette bataille figure en toutes lettres sur le fût avec d'autres batailles de la Somme. En 1964, Ringo Starr portait cette grosse caisse pendant que le reste du groupe posait avec des cornemuses lors d'une séance photo dans les jardins du « "Ambassador's Club" » à Londres. Une de ces photos a été utilisée pour deux albums compilations d'Allemagne

Réception.

À sa sortie,'reçoit un accueil très favorable des critiques et du public. Les revues de l'album apparaissant dans les journaux et magazines musicaux en juin 1967, immédiatement après son lancement, étaient généralement positives. Le critique du "Times" Kenneth Tynan décrit'comme. Un critique notable qui n'a pas aimé l'album est Richard Goldstein, du "New York Times", qui a écrit : et a ajouté que. Cette revue provoqua l'envoi de plusieurs lettres furieuses à Goldstein. D'un autre côté, Goldstein a décrit la chanson "" comme, et qu'elle.  Le musicien rock qui s'est moqué de l'album est Frank Zappa, qui a accusé les Beatles d'utiliser l'esthétisme du à des fins mercantiles, mentionnant dans un article du magazine "Rolling Stone" qu'il sentait qu'ils. Cette critique est plus tard devenu le titre de l'album des Mothers of Invention ', qui se moquait de'avec une pochette similaire. Ironiquement, lorsque l'enregistrement de "" a été terminé, McCartney a dit :, qui fait référence au premier album de Zappa (1966), considéré par beaucoup de personnes comme un des premiers albums-concept.  La durée de vie de l'album dans les charts britanniques et américains est phénoménale. En Grande-Bretagne, il entre à la position avant même sa sortie et atteint la première place la semaine suivante où il reste pendant 23 semaines consécutives. Il est ensuite détrôné par la bande sonore du film "La Mélodie du bonheur". Aux États-Unis, l'album reste 15 semaines numéro 1. Lors de la réédition en CD de l'album en 1987, il atteint la troisième place. En juin 1992, le CD est réédité pour le de l'album, et atteint la sixième position. En 2007, à l'occasion des 40 ans de sa parution, "" entre à nouveau dans les charts à la. Il atteint les première et troisième positions en Angleterre et aux États-Unis à la suite de son remixage pour le cinquantième anniversaire de sa sortie en 2017. En tout, à ce jour, l'album a passé dans les charts britanniques.  En 1968,'est le premier album rock à gagner le Grammy Award de l'album de l'année. Les ventes aux États-Unis totalisent 11 millions d'albums vendus. Il se vend à d'exemplaires à travers le monde. L'album a figuré sur bon nombre de listes des meilleurs albums rock, comme le magazine "Rolling Stone", qui le place à la tête de sa liste des 500 meilleurs albums de tous les temps, "VH1" ( position) et Bill Shapiro (liste non numérotée). En 1997,'a été nommé plus grand album de tous les temps dans la liste "Music of the Millennium". En 1998, le magazine "Q" l'a placé à la position n° 7. Selon le site Acclaimedmusic.net, l'album est sur la liste des albums les plus acclamés de tous les temps par la critique. 'est sélectionné en 2004 pour figurer au Registre national des enregistrements (') de la Bibliothèque du Congrès américain.  Pour un grand nombre de spécialistes en, " reste le chef-d’œuvre des chefs-d’œuvre.

Personnel.

The Beatles

Rééditions.

Édition anniversaire.

Ce disque a été réédité en CD la première fois simultanément à son anniversaire, le juin 1987. Lors de cette réédition de tous les disques du groupe en ce format durant l'année, l'album est le seul qui possède des suppléments. Une jaquette de carton tient le boîtier et un livret accompagnateur. Celui-ci comprend une citation de George Martin, un texte et des notes sur l'enregistrement de toutes les chansons par Mark Lewisohn (non crédité à l'époque; seul son, d'où le

Édition de 2009.

Comme tous les autres disques cette fois, la remastérisation du 9 septembre 2009 élimine les boîtiers en plastique pour des pochettes cartonnées qui s'ouvrent en trois parties; à droite se trouve une pochette pour y insérer le disque et à gauche un repli pour le livret. Toutes les photos de la version originale s'y trouvent en plus de plusieurs autres. McCartney est

anniversaire.

Le 26 mai 2017, des éditions du anniversaire sont publiées; une version "Super Deluxe" avec six disques (comprenant un DVD et un Bluray) et un livre à couverture rigide de 114 pages, une version "Deluxe" comprenant deux disques et finalement l'album seul remixé par Giles Martin et Sam Okell. Ce disque a retrouvé la première position des palmarès britannique pour la semaine du 2 au 8 juin 2017 et la troisième place du Billboard 200 aux États-Unis.

Album original remixé.

L'album original est remixé par le producteur Giles Martin (le fils du producteur des Beatles) et l'ingénieur de son Sam Okell aux studios Abbey Road, les mêmes qui ont remastérisé et modernisé le son de la compilation "" en 2015. Cette nouvelle version stéréo est calquée en grande partie sur la version originale mono qui a été effectuée par George Martin

Version "Deluxe".

Cet album double inclut l'album original remixé en plus d'un second disque avec des versions primitives de ces séances d'enregistrement présentées dans le même ordre que les chansons sur l'album y compris un montage inédit de'qui inclut des voix fredonnant à l’unisson la note mi en finale. De plus, les chansons'

Version "Super Deluxe".

Cette version en six disques comprend encore l'album original remixé avec, cette fois, les versions inachevées sur deux disques. Tous les enregistrements du disque inédit précédent s'y retrouvent mais de nombreux autres ont été rajoutés. Cette fois, ces chansons sont présentées en ordre chronologique des enregistrements en studio. Le dernier CD renferme une remastérisation des mixages mono originaux avec des suppléments. Finalement, le disque Blu-ray possède des mixages audio son « DTS HD Master Audio 5.1 », « Dolby TrueHD 5.1 » et « LPCM Stéréo » et une version (96KHz/24bits). Le DVD possède un mixage « DTS 5.1 », « Dolby Digital 5.1 » et « LPCM Stéréo ». Tous deux incluent un documentaire sur l'enregistrement du disque et trois vidéoclips. Une version en téléchargement sera disponible le 15

Documentaire.

Apple Corps a produit le documentaire " écrit et présenté par le compositeur et animateur de télévision Howard Goodall. Celui-ci est aussi l’auteur du chapitre du même nom du livre accompagnateur de la réédition Deluxe. L'émission télé d'une heure, réalisée par Francis Hanly, a été présentée sur la "BBC" au Royaume-Uni, sur la chaîne franco-allemande "Arte" en Europe continentale et sur "PBS" en Amérique du Nord mais n'a pas été incluse avec les rééditions.

Parodies, pastiches, reprises et hommages.

Trois jours seulement après la sortie de l'album, Jimi Hendrix débute son concert londonien par une reprise de la chanson titre "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", en présence des Beatles venus assister au concert.  En 1968, Frank Zappa parodie la pochette de "Sgt. Pepper" avec son album "We're Only in It for the Money" (), créé avec son groupe les Mothers of Invention.  Dans sa chanson "How Do You Sleep?" ("Imagine", 1971), dans laquelle John Lennon s'en prend à son ex-partenaire, un pastiche de l'orchestre en préparation est entendu en ouverture et le premier vers est « "So Sgt. Pepper took you by surprise" » (« Alors "Sgt. Pepper" t'as pris par surprise »).  En 1978, un film titré du même nom que l'album sort en salle. Réalisé par Michael Schultz, il s'agit d'une comédie musicale, emmenée par Peter Frampton et les Bee Gees qui reprend un univers psychédélique inspiré de la pochette, les chansons de "Sgt. Pepper" (ainsi que d'autres albums des Beatles) sont reprises, surtout de façon disco, en vogue à cette époque. Aucun Beatles n'est lié au projet mais George Martin eu un rôle de conseiller musical et Billy Preston reprit "Get Back". Le film fut néanmoins un fiasco.  Les Bidochons pastichent aussi cette pochette pour leur album "The Beadochons". Elle l'est également pour l'album "Tropical Tribute to the Beatles". Le dessinateur Pierre Ouin en fait un pastiche dans le numéro 21 du journal Les Allumés du Jazz, avec Carla Bruni, Nicolas Sarkozy et leurs amis autour de la grosse caisse. Bien que le titre de l'album musical des Simpsons est un calque de l'album blanc, la pochette du disque'est un pastiche de "Sgt. Pepper". Autre pastiche avec la première compilation "Golden Throats" qui contient des tubes interprétés (souvent de façon involontairement hilarante) par des acteurs (Mae West, Leonard Nimoy ou son compère William Shatner, qui chante justement "Lucy in the Sky with Diamonds"). Toutefois, ce n'est pas cette pochette qui sera la plus pastichée, mais celle dAbbey Road" (1969).  Cet album a souvent été imité, voire repris dans sa totalité. Dès 1967, l'album est entièrement adapté par l'arrangeur et compositeur anglais de musiques de films Peter Knight, pour être joué par son orchestre, "Peter Knight and His Orchestra", en conservant exactement le même titre. Auparavant, il avait sorti un simple avec la chanson "Within You Without You". En 1988, le journal "New Musical Express" édite un album intitulé "Sgt. Pepper Knew My Father", où les chansons sont interprétées par différents artistes tels Sonic Youth, The Fall ou Wet Wet Wet. En 1992, c'est le groupe américain Big Daddy, spécialisé dans la parodie, qui reprend le disque dans son intégralité, sous le titre abrégé de "Sgt. Pepper's", sur le label Rhino Records. En 2009, les Easy Star All-Stars reprennent la totalité du contenu de "Sgt. Pepper", en reggae, sous le titre "Easy Stars Lonely Hearts Dub Band". Enfin, en 2017, le duo Palette-Swap Ninja (Dan Amrich et Jude Kelley) enregistre une version combinant les mélodies du disque avec le scénario du film.  À noter également, la chanson "La Génération du sergent Poivre" de Michel Berger, sortie en 1976 sur son album "Mon piano danse". Dans la version enregistrée en 1980 en public ("Michel Berger au Théâtre des Champs-Élysées"), l'introduction et le final de la chanson reprennent brièvement (instrumentalement) des chansons des Beatles (respectivement "Eleanor Rigby" et "Yesterday").  Il est également fait référence à cet album lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'été de 2012 mise en scène par Danny Boyle.  A l'occasion de la Fête de la musique 2017 et du de sa sortie, la radio FIP a invité, pour un concert en direct, le groupe-tribute The Rabeats, accompagné d'un orchestre classique, afin de rendre un hommage à ce disque, ainsi qu'à "Magical Mystery Tour" survenu la même année.  Du juin au, pour les 50 ans de la sortie de l'album mythique des Beatles, Radio France présente une "exposition-expérience" à la Maison de la radio à Paris.  Le dimanche 22 octobre 2017, l'album est joué en concert à la philharmonie de Paris par entre autres Ed Harcourt, Carl Barât & Pete Doherty (The Libertines), Danny Goffey & Gaz Coombes (Supergrass), Steve Mason et Barrie Cadogan (Primal Scream).  A Brest en France, un carrefour giratoire situé sur le port face à la salle de concert La Carène porte le nom de « Rond-point "S Pepper - Album des Beatles" ».

<dfn>"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band"</dfn> est le huitième album studio des Beatles, publié le en Grande-Bretagne et le jour suivant aux États-Unis. Enregistré sur une période de 129 jours, cet album est souvent considéré par les critiques comme leur plus grande œuvre et l'un des albums les plus influents de l'histoire de la musique populaire, figurant entre autres à la première place dans la liste des 500 plus grands albums de tous les temps du magazine "Rolling Stone".

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band je osmé studiové album skupiny The Beatles. Bylo vydáno v červenci 1967. Je často označováno jako nejvlivnější rockové album všech dob (například časopis Rolling Stone ho zařadil na první místo žebříčku 500 nejlepších alb). Řadí se mezi dvacet nejlépe prodávaných alb historie hudby.


Géographie.

Le volcan Masaya est un stratovolcan qui résulte - comme tous ceux du Nicaragua - de la subduction de la plaque de Cocos sous la plaque caraïbe. Le complexe Masaya est le successeur de l'énorme volcan bouclier pyroclastique du Pléistocène Las Sierras qui s'est effondré dans la caldeira à plusieurs reprises à la suite d'une série d'éruptions pliniennes au cours des. Certaines parties de la caldeira sont remplies d'eau, dont le lac Masaya.  Le complexe Masaya est composé d'une caldeira de de large qui contient 13 évents, avec des parois abruptes pouvant atteindre de haut et d'un groupe de jeunes cônes à l'extrémité nord-ouest. Le lac de Masaya d'environ occupe l'extrémité orientale de la caldeira.  D'ouest en est, les cinq cônes pyroclastiques dans la caldeira sont, du nord-ouest au sud-est, le San Pedro, le Nindiri, le Santiago, le San Juan et le Masaya proprement dit. Les éruptions historiques sont issues des cratères Nindini et Santiago, qui est encore le site de l'activité actuelle.  Contrairement aux stratovolcans qui caractérisent les zones de subduction, Masaya a une morphologie semblable à un bouclier et contrairement à la plupart des autres volcans des zones de subduction, ses éruptions émettent principalement de la lave basaltique fluide. À l'époque des conquistadors espagnols, il contenait encore un lac de lave actif. Leurs croyances et leur avidité les ont incités à faire des tentatives d'extraction de « l'or en fusion » du volcan.  La jeune activité du complexe de Masaya s'est produite à partir de plus d'une douzaine d'évents dans un système de fractures circulaire de quatre kilomètres de diamètre. Il a construit les volcans jumeaux de Nindirí et Santiago, la source des éruptions historiques, à l'extrémité sud du système de fracture.  C'est un volcan basaltique inhabituel car il a connu des éruptions explosives. La plupart de l'activité de ses évents consistaient en un épanchement de lave basaltique. Les éruptions pyroclastiques ont construit les trois cônes principaux : Masaya, Nindiri et Santiago. Santiago s'est formé en 1850-1853. Les projections et les dépôts de scories indiquent des fontaines de lave à Masaya, c'est la seule occurrence connue de ce type d'éruption en Amérique centrale.

Contexte géologique.

Le Masaya est l'un des 18 centres volcaniques distincts qui constituent la partie nicaraguayenne de l'arc volcanique d'Amérique centrale (CAVF). Formée par la subduction de la plaque de Cocos sous la plaque caraïbe. Le long de la tranchée mésoaméricaine, la CAVF s'étend du volcan Tacaná au Guatemala à Irazú au Costa Rica.  Dans l'Ouest du Nicaragua, la CAVF coupe la dépression nicaraguayenne du volcan Cosigüina au nord-ouest au volcan Maderas dans le lac Nicaragua. Les hautes terres intérieures au nord-est constituent la majeure partie du Nicaragua.  Le Nicaragua occidental est constitué de quatre provinces géologiques principales parallèles à la tranchée mésoaméricaine :  Le volcan Masaya est un complexe composé d'un ensemble emboîté de caldeiras et de cratères, dont le plus grand est le volcan-bouclier et la caldeira Las Sierras. À l'intérieur de cette caldeira se trouve un sous-évent, qui est le volcan Masaya stricto-sensu. L'évent est un type de bouclier composé de laves basaltiques et de téphras et comprend un cratère au sommet. Celui-ci abrite la caldeira Masaya, formée il y a par une éruption d'ignimbrite basaltique de.  À l'intérieur de cette caldeira, un nouveau complexe basaltique s'est développé à partir d'éruptions principalement sur un ensemble semi-circulaire d'évents qui comprennent les cônes Masaya et Nindiri. Ces derniers abritent les cratères de fosse de Masaya, Santiago, Nindiri et San Pedro. Les observations faites dans les parois des indiquent qu'il y a eu plusieurs épisodes de formation de cônes et de.

Histoire.

Histoire éruptive.

Des dépôts de téphras basaltiques se sont produits lors d'une éruption plinienne majeure il y a environ. Cette éruption a été l'une des plus importantes sur Terre au cours des. Les coulées de lave historiques couvrent une grande partie du sol de la caldeira et ont confiné un lac à l'extrémité extrême orientale de la caldeira.  Masaya est le volcan le plus actif de la région. Les Espagnols ont décrit le volcan pour la première fois en 1524. Depuis lors, Masaya est entré en éruption au moins 19 fois. Le sol du volcan Masaya est principalement recouvert de laves avec une végétation pauvre, indiquant que de nouvelles coulées se sont superposées au cours des, bien que seulement deux coulées de lave soient descendues depuis le. La première, en 1670, était un débordement du cratère du Nindiri, qui abritait à l'époque un lac de lave d'un kilomètre de large. La seconde est celle de 1772 où la lave n'est apparue à la surface que dans le cratère de Santiago.  En 1852, se forme le cratère Santiago, qui émet toujours des gaz et le San Pedro, actuellement éteint. La lave serait apparue dans le Nindiri.  En 1902, le Santiago s'est élargi et a donné naissance au vaste cratère de de diamètre et de profondeur, qui existe aujourd'hui. Pendant la saison des pluies, il est courant que la pluie s'infiltre dans le volcan, ce qui provoque l'émission de grandes quantités de vapeurs acides.  De 1965 à 1979, Masaya contenait un lac de lave actif.  Parfois, le Masaya émet de grandes quantités de dioxyde de soufre gazeux. En 1981, du dioxyde de soufre a été libéré du cratère de Santiago à raison de par an. Trois périodes d'activité gazière similaire se sont produites au cours de ce siècle. Les volcanologues ont étudié ces événements pour mieux comprendre l'impact des pluies acides sur les plantations de café et les potentiels problèmes de santé publique.  Bien que l'activité récente de Masaya ait été largement dominée par le dégazage continu d'un cratère parfois rempli de lave, un certain nombre d'événements explosifs discrets se sont produits au cours des 50 dernières années :

Histoire humaine.

Le volcan était vénéré par les habitants de la région bien avant l'arrivée des Européens. Certains caciques locaux affirmèrent aux conquistadors qu'ils descendaient régulièrement au fond du cratère par un chemin - détruit depuis - pour y consulter une sorcière, « vieille femme nue avec laquelle ils tenait un conseil secret ». Les Européens décrivirent des tas de pots et des écuelles utilisés pour apporter des mets à la vieille femme.  Les Espagnols ont décrit le volcan pour la première fois en 1524 et l'ont appelé « bouche de l'enfer ». Au ils ont érigé une croix pour empêcher le diable de sortir de son repaire par cette voie. Située au bord d'un des cratères, c'est la soi-disant "Cruz de Bobadilla" en l'honneur du missionnaire Francisco de Bobadilla « provincial de l'ordre de la Merci ».  Gonzalo Fernández de Oviedo, chroniqueur général des Indes, a étudié le volcan en 1529 en laissant les premières références écrites, puis en 1538 c'est le frère Blas del Castillo qui a mené des études et des recherches. Ces fouilles ont été menées en descendant dans le cratère à l'aide de cordes et de palans - mais en vain - à la recherche de l'« or volcanique ». Après une première ascension le jusqu'au sommet, Blas assure que : Le 20 mars 1772, le Masaya a explosé et déversé par une fissure dans l'un des flancs du cône une telle quantité de lave que la coulée a menacé la ville homonyme d'une destruction complète atteignant la zone connue appelée "Piedra Quemada". Pour éviter la catastrophe prévisible, les habitants ont mené l'image de la Vierge de l'Assomption en procession au bord du lac de Masaya (située entre la ville et le volcan). Selon des déclarations de témoins oculaires, la coulée menaçante a alors bifurqué vers l'endroit connu aujourd'hui sous le nom d"'El Portillo" en évitant d'atteindre la ville. La lave a également menacé la ville de Nindirí dont les habitants ont également fait apparaître en procession l'image du Seigneur des Miracles. La tradition veut qu'un ongle s'étant détaché de la main droite du Christ, la progression de la lave s'est alors miraculeusement arrêtée et que l'éruption s'est calmée.  Le, alors que le dictateur Anastasio Somoza Debayle était président de la République (en pleine guerre civile entre la Garde nationale et le Front sandiniste de libération nationale, FSLN), par le décret exécutif du 23 mai de la même année et publié dans "La Gaceta Diario Oficial" du lendemain, 24 mai, le complexe du Masaya est devenu le premier parc national du Nicaragua, recevant le nom de parc national du volcan Masaya.

Protection environnementale.

Chaque jour, le parc ouvre ses portes pour la visite de à. L'entrée du parc se trouve sur la route entre les village de Nindiri et de Buena Vista. Après sur la route 222 on arrive au musée du volcanisme, puis il faut encore parcourir pour accéder au parking à travers une végétation tropicale sèche adaptée au sol recouvert de terre et de pierres volcaniques et sa faune de coyotes, de mouffettes, de ratons laveurs, d'opossums, d'iguanes, de cerfs et de singes.  Le parc, avec sa superficie de, englobe les deux volcans actifs, cinq cratères et le lac Masaya, ainsi que des collines étagées sur entre 100 à 630 mètres d'altitude. Dans le parc se trouve un tunnel de lave formé par des coulées ; on peut y trouver des chauves-souris, pénétrer à l'intérieur et observer la lave incandescente dans la sombre bouche du cratère du volcan.  On peut accéder en voiture jusqu'au bord du cratère et voir les fumerolles qui en émanent. L'impressionnante visite nocturne du cratère (de à ) est l'une des attractions touristiques les plus populaires du pays.  Sur le site un musée volcanologique très remarquable et complet permet de bien comprendre cet espace naturel.

Dans la culture.

En 2014, un épisode de "La Isla, El Reality", la version mexicaine de la célèbre émission de téléréalité "Survivor" (qui a inspiré en France "Koh-Lanta"), y a été tourné.

Le Masaya () est un volcan situé à à vol d'oiseau de la ville de Masaya dans le département du même nom et à seulement au sud de Managua la capitale du Nicaragua, les deux agglomérations les plus peuplées du pays avec respectivement 2,2 millions et.

Masaya je jedna z nejaktivnějších nikaragujských sopek, která je známá svou obrovskou kalderou, která je 11 km široká a má více než 12 sopouchů obklopených 300metrovými stěnami. Známá je pod názvem "Las Sierras". Vznikla přibližně před 2500 lety. Sopka se nachází na západ od jezera Nikaragua.


Géographie.

Le Zhejiang est située en Chine orientale (Huadong) au sud du delta du Yangzi Jiang et de Shanghai. Son territoire est entouré par celui des provinces de l’Anhui au Nord-Ouest, du Jiangsu et de Shanghai au Nord, du Jiangxi au Sud-Ouest et du Fujian au Sud-Est. Sa superficie de (1,1% de la surface de la Chine et 19% de la surface de la France métropolitaine) en fait une des plus petites provinces de Chine (25 rang sur 34). Sa population de 56,2 millions habitants se caractérise par une densité élevée (551 habitants au km2) commune dans cette partie de la Chine. Les montagnes et les collines représentent 70,4 % du territoire. Les plaines et les bassins fluviaux, présents surtout dans le Nord représentent 23,2 % de sa surface tandis que les rivières et les lacs occupent 6,4 % du territoire. La partie orientale de la province est bordée par la mer de Chine orientale. La côte, très découpée, est la plus longue de Chine (). La province comprend de nombreuses îles dont Zhoushan, troisième du pays par la taille, et autres d'une superficie supérieure à.  Les parties les plus élevées de la province se situent à l'ouest et au sud avec plusieurs massifs dont la hauteur est comprise entre 700 et 1500 mètres : chaîne côtière des Monts Yandang située au sud de la province, Mont Tianmu au coeur de la réserve naturelle de Tianmushan, Mont Tiantai et Mont Mogan. Le sommet le plus élevé est le pic Huangmaojian qui culmine à 1930 mètres. Le nord-est de la province, situé au sud du delta du Yangtze, est composé de plaines dans lesquelles sont implantées les villes de Hangzhou (capitale de la province), Jiaxing et Huzhou. Legrand canal pénètre dans la province par sa frontière nord et finit sa course à Hangzhou. L'autre partie relativement plate est située au sud-est de la province est formée par la vallée fluviale du Qu où se situent les villes de Quzhou et Jinhua. Les principaux fleuves du pays sont le Qiantang (longueur de 589 km, bassin versant de km2, débit moyen de m3/s) connu pour son mascaret particulièrement spectaculaire et le Ou (bassin versant de 18028 km2, longueur 388 km, débit moyen 640 m3/s) qui traverse la sud de la province avant de se jeter dans la mer de Chine orientale au niveau de la ville de Wenzhou. La plupart des cours d'eau de la province se fraient leur cours dans un relief qui crée de nombreux rapides et les autres particularités associés à ce type de topographie. La côte très découpée fournie de nombreux abris. L'indentation la plus importante est la baie de Hangzhou. La province comporte plusieurs lacs remarquables notamment le lac Qiandao d'une superficie de 573 km2 lac artificiel résultant de la construction d'un barrage sur le Qiantang, le lac de l'Ouest poumon vert au cœur de la capitale provinciale Hangzhou. La frontière nord de la province avec le Jiangsu voisin est formée en partie par la rive sud du lac Tai ( km2).

Climat.

Le climat de l aprovince du Zhejiang est de type subtropical humide (Köppen Cfa) avec quatre saisons distinctes caractérisées par des étés très longs, très chauds et humides et des hivers frais, secs et nuageux avec éventuellement des chutes de neige. Les contrastes sont importants entre le littoral et l'intérieur des terres et entre le nord et le sud. En hiver la température moyenne dans les plaines littorales du nord descend jusqu'à 4 °C (Hangzhou 4,6 °C en janvier) alors qu'à Wenzhou situé sur la côte au sud elle est de 8 °C. L'été les températures s'uniformisent avec une moyenne de 29 °C dans toutes les agglomérations de la province. La province est frappée par les typhons qui se forment sur l'océan Pacifique. Les averses sont particulièrement abondantes durant l'été.

Histoire.

Antiquité.

La région du Zhejiang moderne était en dehors de la grande sphère d’influence de la civilisation Shang au cours du deuxième millénaire avant notre ère. Au lieu de cela, cette région a été peuplée par les peuples collectivement connus comme Dongyue et l'Ouyue.  Le royaume de Yue a commencé à apparaître dans les chroniques et les registres écrits au cours de la période du printemps et de l'automne. Selon les chroniques, le royaume de Yue se trouvait au nord du Zhejiang. Shiji affirme que ses dirigeants sont issus du fondateur des Shang, Yu the Great. Le "Chant du batelier Yue" (en chinois: 越人歌; pinyin: Yuèrén Gē; littéralement: "Le chant de l'homme de Yue") a été translittéré en chinois et enregistré par des auteurs du nord de la Chine ou de la Chine intérieure, du Hebei et de Henan 528 av. La chanson montre que les Yue parlaient une langue qui était mutuellement incompréhensible avec les dialectes parlés dans le nord et l'intérieur de la Chine. L'épée de Goujian porte l'écriture de phoque oiseau-ver. Yuenü (chinois: in; pinyin: Yuènǚ; Wade – Giles: Yüeh-nü; littéralement: "la dame de Yue") était une épéiste de l'État de Yue. Pour freiner la croissance du royaume de Wu, Chu poursuivit une politique de renforcement de Yue.  Sous le roi Goujian, Yue se remit de ses premiers revers et annexa complètement les terres de son rival en 473 av. Les rois Yue ont ensuite déplacé leur centre de la capitale de leur maison d'origine autour du mont Kuaiji dans l'actuel Shaoxing vers l'ancienne capitale Wu à l'actuelle Suzhou. En l'absence de pouvoir du Sud contre Yue, Chu s'y opposa directement et réussit, en 333 av. J.-C., à le détruire. Les anciennes terres de Yue ont été annexées par l'empire Qin en 221 av.

Les époques Sui et Tang.

Le Zhejiang, en tant que cœur du Jiangnan (delta du Yangtsé), est resté la plus riche des Six Dynasties (220 ou 222-589), Sui et Tang. Après avoir été incorporée à la dynastie Sui, sa richesse économique a été utilisée pour les ambitions d'expansion de la dynastie Sui au nord et au sud, en particulier en Corée et au Vietnam. Le plan a conduit la dynastie Sui à restaurer et à étendre le réseau qui est devenu le Grand Canal de Chine. Le canal transportait régulièrement des céréales et des ressources depuis le Zhejiang, via son centre métropolitain Hangzhou (et son arrière-pays bordant la rivière Zhe et les rives de la baie de Hangzhou), ainsi que depuis Suzhou et de là dans la plaine nord de la Chine. La débâcle de la guerre de Corée a entraîné le renversement de Sui par les Tang, qui ont ensuite présidé à un âge d'or séculaire pour le pays.  Le Zhejiang était un centre économique important du circuit est de Jiangnan de l'empire et était considéré comme particulièrement prospère. Tout au long de la dynastie Tang, le Grand Canal était resté efficace, transportant des céréales et des ressources matérielles dans les plaines et les centres métropolitains de la Chine du Nord. Avec la désintégration de la dynastie Tang, le Zhejiang constitue la majeure partie du territoire de royaume de Yue.

Époque contemporaine.

Occupée par l'armée impériale japonaise lors de l'expansion de l'Empire, la région fit l'objet de violentes représailles à la suite du raid de Doolittle, mené le par les Américains. Déterminé à retrouver les aviateurs abrités par la population, le quartier général impérial ordonna à l'été 1942 le massacre d'environ civils du Zhejiang et du Jiangxi.  Avec l'ouverture économique de la Chine, la province du Zhejiang est devenue l'une des régions les plus riches et développées de la Chine continentale, en s'intégrant dans la continuité du cercle économique autour de la mégalopole de Shanghai et le delta du fleuve Yangzi.  La capitale de la province, Hangzhou, a accueilli le forum du G20 en 2016, étant l'un des premiers grands événements mondiaux à se dérouler dans le Zhejiang.  En 2015, les autorités de la province décident de faire retirer les croix des églises et des temples. Ces croix ne doivent plus surplomber les édifices religieux, mais être situées sur les façades.

Divisions administratives.

La province du Zhejiang est subdivisée en 11 villes-préfectures dont deux (Hangzhou et Ningbo) sont des villes sous-provinciales c'est-à-dire disposant d'une grande autonomie sur le plan économique pour lesquelles elles rendent compte directement au gouvernement central. Les ville-préfectures comprennent elles-mêmes 89 subdivisions dont 37 districts, 19 villes-districts, 32 xians et 1 xian autonome. Au niveau inférieur (canton) on trouve 1375 subdivisions..

Principales villes.

La province dispose d'une population fortement urbanisée (69%) avec 23 villes de plus de 0,5 millions d'habitants (2018). Les plus importantes sont toutes situées à faible distance de la façade maritime : Hangzhou, capitale de la province peuplée d'environ 7 millions habitants, Ningbo (3,55 millions habitants) un des plus grands ports de Chine et Wenzhou (3,55 millions).

Émigration.

Une grande partie des immigrés chinois en France vient de cette province, et plus particulièrement de la ville-préfecture de Wenzhou (温州) et du xian de Qingtian, dans la ville-préfecture voisine de Lishui. Les premiers immigrés chinois en France, enrôlés pour travailler dans des camps pendant la Première Guerre mondiale, venaient de cette province.

Langues.

Les dialectes de cette province appartiennent au groupe wu (吴), excepté celui de Hangzhou qui est un dialecte mandarin importé au milieu de la dynastie Song (宋).  Le dialecte de Hangzhou est officiellement groupé dans le groupe wu, bien qu'il ait certaines des particularités de la langue du nord, car il garde autant de consonnes sonores et s'entend avec les autres dialectes wu, différent des dialectes de mandarin moderne.

Économie.

Le Zhejiang reflète le miracle économique chinois contemporain : province pauvre et essentiellement rurale elle a réussi à devenir l'un des centres industriels les plus actifs du monde. On parle parfois d'un modèle économique du Zhejiang qui combine des infrastructures publiques de bonne qualité et une large place accordée à l'initiative individuelle et à la petite entreprise.  Fin 2015 55 des 500 premières entreprises privées chinoises ont leur siège dans la ville de Hangzhou. Parmi celles-ci Wahaha (boissons), Supor leader du petit électroménager en Chine et filiale duGroupe SEB, Hikvision (vidéosurveillance), Wanxiang (équipementier automobile), Geely (constructeur automobile). La ville se classe juste derrière Pékin et Shanghaï pour le nombre de sociétés de haute technologie de grande taille. En 2017 13 sociétés de ce type ayant une capitalisation supérieure à 1 milliard USD sont installées à Hangzhou. La plus connue est la société Alibaba, premier groupe chinois de vente par Internet. Les autres sociétés les plus importantes sont Koubei (service en ligne), Tao Piao Piao (plateforme de billetterie de cinéma), We Doctor (santé en ligne) et Meili(plateforme de commerce en ligne spécialisée dans la mode)  Les chenilles de ver à soie qui vivent en cocons et se nourrissent des mûriers font la fortune de la province méridionale de Zhejiang. La ville de Yiwu est devenue le centre de vente en détail le plus important de Chine voire du monde entier.

Infrastructures.

Zhejiang dispose d'une infrastructure de qualité et courant 2018 des investissements importants sont consacrés à leur amélioration. La province compte à cette date 4154 km d'autoroutes 120000 km de routes. Des voies rapides relient la capitale Hangzhou aux principales villes de la province (Jiaxing, Ningbo, Wenzhou, Quzhou) ainsi qu'aux provinces voisines de l’Anhui et du Jiangsu et à la ville de Shanghai. Un pont de 36 kilomètres de long relie Shanghai à Ningbo en traversant la baie de Hangzhou. Le réseau ferroviaire comprend km de voies dont kilomètres à grande vitesse. Hangzhou est reliée par des trains à grande vitesse à Ningbo (temps de trajet : une heure) et Wenzhou (2h15) dans la province du Zhejiang. Au dela des frontières de celle-ci, Hangzhou est reliée par des dessertes fréquentes à Shanghai (1h), Nankin et Suzhou dans la province Jiangsu (en 1h30), à Hefei dans la province du Anhui (2h30), à Wuhan dans la province du Hubei et à Pékin en 4h30. Bénéficiant d'une côte fortement indentée, la province comporte quatre ports maritimes importants (Ningbo-Zhoushan, Wenzhou, Taizhou et Jiaxing) par lesquels ont transité en 2017 1,26 milliards de tonnes de marchandises et 26,87 millions de conteneurs.

Tourisme.

La ville de Hangzhou, chef-lieu de province, célèbre pour son lac de l'Ouest et pour son architecture ancienne, est une destination touristique majeure. Les montagnes du parc national Yandang Shan sont connus pour leurs formes atypiques et des paysages pittoresques.. Le centre cinématographique de Hengdian, connu comme le Hollywood chinois, est un site de production majeur de films et séries chinois.

Le Zhejiang (en mandarin 浙江 "Zhèjiāng" ; en langue locale "Tzekkan" // ; en système EFEO "Tché-Kiang") est une province côtière chinoise située au sud de Shanghai. Son territoire d'une superficie de km2 est peuplé de 56,2 millions habitants en 2018 dont 68,9 % de citadins. Sur un territoire, dont la surface représente 1,1% de la superficie du territoire du pays et avec une population qui constitue 4,1% de la population totale, le Zhejiang a un PIB de 5619,7 milliards de yuans (6,4% du PIB national).

Če-ťiang (čínsky: 浙江; pinyin: Zhèjiāng) je provincie Čínské lidové republiky. Leží na jihovýchodě země. Správním střediskem je Chang-čou. Žije zde obyvatel.


Généalogie.

Psousennès a deux filles : Maâtkarê, qui épouse (), et Tanetsepeh, qui épouse Chedsounéfertoum, grand prêtre de Ptah à Memphis. Il est le dernier pharaon de la. Contrairement à son successeur, il a laissé très peu de traces de son règne.  Dans son recueil de nouvelles "Les Reines tragiques" (1962), et précisément dans la deuxième, "La Reine résignée", sur "Balkis, reine de Saba", la romancière Juliette Benzoni attribue le nom de "Taya" à l'épouse de Salomon, la principale de son harem, l'« Égyptienne », fille de "Pharaon", en nommant ce dernier comme "Psousennès II", plutôt que comme Sheshonq, son successeur immédiat voire "simultané" sur le trône, et le premier pharaon de la dynastie suivante, la XXIIè...

Règne.

Privée d’autorité centrale, l'Égypte voit arriver des nouveaux groupes de population, dont des Libyens qui s’installent à Bubastis vers -945 et dans le Fayoum, d'où l'émergence vers la même date, de la dynastie suivante de pharaons d'Egypte, la XXIIè, plus "berbère"...

Sépulture.

II construit probablement son tombeau à Tanis dans la nécropole royale aménagée dans l'enceinte du grand temple d'Amon. Cependant cette tombe n'a pas été retrouvée.  Selon quelques spécialistes, il serait l'une des deux momies (l'autre étant potentiellement celle de son prédécesseur Siamon, selon Bill Manley) retrouvées complètement décomposées dans l'antichambre du tombeau de découvert par Pierre Montet en 1940. Cependant rien à ce jour ne vient confirmer cette supposition. Les historiens basent leur proposition sur la découverte d'ouchebtis trouvés sur ces momies qui portaient le nom du pharaon.

Psousennès ou Pasebakhaienniout, que Manéthon appelle "Psusennes" et auquel il compte quatorze ans de règne, trône de -959 à -945. Il sera le dernier pharaon de la. Il y a beaucoup d'incertitudes concernant ce souverain très mal documenté. Aidan Mark Dodson écrit de ce roi qu'il est « une figure fantomatique » et qu'il fut peut-être le fils du grand prêtre d'Amon, et d'.

Pasbachaenniut II. byl posledním egyptským faraonem 21. dynastie vládnoucí v Tanidě. Vládl přibližně v letech 960/959–946/945 př. n. l. Na trůn nastoupil po Siamonovi.