Hintergrund.

Nat Hentoff erwähnte in den Liner Notes die wichtige Rolle des Pianos für die Entstehung der Musik von Charles Mingus: „Ich habe in keiner Wohnung von Mingus erlebt, dass da nicht auch ein Klavier stand, und ich habe oft gehört, wie eine neue Mingus-Komposition klingt, als Mingus sie zunächst auf dem Klavier gespielt hat.“. Mingus, der zunächst Posaune und dann Kontrabass lernte, hatte immer ein Klavier in seiner Umgebung – seine ältere Schwester war Klavierschülerin – doch sein Interesse an dem Instrument begann vor allem während seiner Arbeit mit Art Tatum zu wachsen. In der Arbeit mit seinen eigenen Ensembles benutzte er das Klavier in den 1950er-Jahren, um seinen Musikern „den grundlegenden Rahmen seiner Kompositonen und Arrangements zu kommunizieren.“ Hentoff zitiert ihn aus einem Interview mit den britischen "Jazz News": „Ich arrangiere die Musik nicht in der üblichen Bedeutung des Worts. Die meiste Zeit spiele ich die Melodie auf dem Piano und singe den Musikern die Interpretation vor, wobei ich die Noten in der Art und Weise krümme, wie ich sie gespielt haben will.“  Dem Mingus-Biographen Brian Priestley zufolge verstärkte sich 1963 das Interesse Mingus’ am Klavierspiel „durch erzwungene Muße so sehr [...], dass er Bob Thiele auf die Idee eines Soloalbums [...] ansprach.“  Mingus war sich selbst der möglichen Skepsis der Hörer und Kritiker bewusst, angesichts der Tatsache, dass er als Bassist ein Piano-Soloalbum aufnähme:

Musik des Albums.

Der erste Titel des Albums, "Myself When I Am Real" ist (wie auch "Meditations for Moses" und die Schlussnummer "Compositional Theme Story") eine spontane Improvisation von Mingus; Nat Hentoff sieht in der Aufnahme die romantische, rhapsodisch-lyrische Seite von Mingus’ Charakter, im Gegensatz zu „dessen angeblich 'zornigen' Charakter“. Mingus selbst meinte: „sowas kommt jedes Mal, wenn ich es spiele, anders heraus. Ich gerate in eine Art Trance, wenn ich diese Art Nummer spiele. Ich kann mich erinnern, als wir dies hier aufnahmen, ich schien dabei nicht mehr Luft zu holen“.  Laut Brian Priestley war "Myself When I Am Real" derjenige Titel des Albums, auf den Mingus am meisten stolz war.  Es kombiniert Mingus’ idiosynkratisches Verwenden der Akkorde, wie im dritten „Movement“ von "The Black Saint and the Sinner Lady" (1963), mit dem Walzer-Thena, das "Meditations" von 1964 vorwegnimmt. Vernon Dukes "I Can’t Get Started" zählte wegen des Interesses an den harmonischen Strukturen schon lange zu Mingus’ bevorzugten Standards; seine Interpretation des Titels ist „meditativ-beschaulich.“ Ebenso zeigt Mingus’ Version des Jazzklassikers "Body and Soul" seinen „grundlegenden Lyrizismus“, wobei Hentoff den Einfluss Art Tatums, Priestley auch den leichten Monk-Einschlag („slightly Monkish“) hervorhebt.  In "Roland Kirk’s Message", das zunächst wenig mit der Musik des Multiinstrumentalisten Roland Kirk zu tun hat, bezieht sich auf die Zusammenarbeit der beiden Musiker wenige Jahre zuvor und ist Ausdruck der Wertschätzung für Kirks musikalische Integrität und emotionale Direktheit. Nach Priestleys Ansicht bezieht sich die Komposition auf Mingus’ "Old Blues for Walt’s Torin" (vom Album "Oh Yeah" (1961), an dem Kirk mitwirkte). „It’s not like playin’ at home by yourself“, sagte danach Mingus zu einer Person Studio (wahrscheinlich zu Bob Thiele), die daraufhin fragt, „Well, what can we do for you?“  Für Nat Hentoff ist der Eubie-Blake-Titel "Memories of You" ein weiterer populärer Standard, der „in Mingus eingesickert ist“. Die folgende Spontankompositon "She’s Just Miss Popular Hybrid" ist einer Bekannten des Musikers gewidmet. Priestley weist darauf hin, dass sie mit einer typischen Mingus-Phrase beginnt, in Verbindung mit der Komposition "The Man Who Never Sleeps" (1970) steht und entfernt an eine der Linien von "Don’t Be Afraid, the Clown’s Afraid Too" (von dem Album "Let My Children Hear Music") erinnert.  "Orange Was the Color of Her Dress, Then Silk Blues" ist eine frühe Version des gleichnamigen Ensemblestücks, das ab 1964 zum festen Repertoire der Mingus-Band gehörte (u. a. zu hören auf "Cornell 1964", "The Great Concert, Paris 1964" und "Changes One/Two"). Die Komposition schrieb Mingus zuvor für das Theaterstück "A Song With Orange" von S. Lee Pogostin. Nach der Spontanimprovisation "Meditations for Moses", die ein Ziat aus "Invisibly Lady" aufweist, folgt die Komposition "Old Portrait", die unter verschiedenen Titeln mehrmals im Werk Charles Mingus’ auftaucht; ursprünglich schrieb er sie als „God’s Portrait“ und spielte sie später als „Self Portrait“, in den 1950er-Jahren nahm er sie als „Portrait“ auf. Die Phrase zwischen dem neunten und zwölften Takt bezieht sich auf einen weiteren Mingus-Titel, auf ""Once Upon a Time There Was a Holding Corporation Called Old America"", den Mingus 1965 in Monterey spielte. "I’m Getting Sentimental Over You" ist eine weitere „persönliche Wiederbelebung eines Standards“; das Album endet mit der Suite "Compositional Theme Story: Medleys, Anthems and Folklore", dem längsten und episodischsten Titel der LP. Nach Priestleys Analyse enthält sie Zitate der Songs "When Johnny Comes Marching Home" (einem Lied aus der Zeit des amerikanischen Sezessionskriegs), "I Dream of Jeanie with the Light Brown Hair" (einem alten Salonlied) und Irving Berlins patriotischem Lied "God Bless America".

Titelliste.

Kompositionen ohne Urhebernennung stammen von Charles Mingus.

Rezeption.

Nach Ansicht von Brian Priestley verschafft das Album „vielfältige Erkenntnisse über den Improvisator-Komponisten-Arrangeur, der sein Material zunächst am Klavier ausarbeitete“, wie vor allem der Titel "She’s Just Miss Popular Hybrid" zeige.  Scott Yanow bewertete das Album in Allmusic mit vier (von fünf) Sternen und schrieb:  Horst Weber und Gerd Filtgen lobten vor allem den „Trancecharakter, den die spontan entstandenen Eigenkompositionen teilweise vermitteln.“ So lasse "Myself When I’m Real" „schon gar nicht mehr die Frage zu, ob Mingus nun auch ein guter Pianist ist. Dies wird zur Nebensache, wenn die impressionistischen Motive, die die verschiedensten Stimmungen beinhalten, an einem vorüberziehen.“ Ebenso erzeuge er mit rollenden Pianofiguren in "Roland Kirk’s Message" „einen gewaltigen Klang, der an die wahnsinnig lang anhaltenden Töne“ des Multiinstrumentalisten erinnert. Aus "Meditations for Moses" hingegen könne herausgehört werden, „wie Mingus die Dramaturgie seiner Gruppen vom Klavier aus gestaltete.“ Im programmatischen "Compositional Theme Story" liege „ein großer Teil der Musik, die Mingus in seinem Leben hörte, und die ihn zu seiner eigenen musikalischen Ausdrucksform brachte“; das Spektrum reicht vom Kinderliedern, Kirchenmusik, romantischen Klängen bis hin zu kitschiger Salonmusik.  Die Kritiker Richard Cook und Brian Morton, die in ihrem Penguin Guide to Jazz das Album mit drei (von vier) Sternen bewerteten, meinten, Mingus spiele auf dem Album „etwas mehr als das Komponistenpiano im Laufe seiner Karriere“. Sein Anschlag und harmonisches Gespür sei sicher, wenn auch kaum virtuos. Am interessantesten seien "Orange Was the Color of Her Dress, Then Blue Silk", das auf diese Art auf seine Essenz reduziert wird, sowie "When I Am Real" und das „gründlich unverfrorene“ "Body and Soul". Auch wenn "Mingus Plays Piano" sicher nicht in der ersten Reihe der Mingus-Alben stehe, sei es nicht nur für Sammler interessant.  Harvey Pekar meint in JazzTimes, dass Mingus, der über keine großartige Piano-Technik verfüge, in seinen musikalischen Grenzen bleibe und ihm dabei kaum Fehler unterliefen. Meist sei sein Spiel „nachdenklich und harmonisch verblüffend“. Obgleich sein Hauptinstrument der Kontrabass sei, könnten sich viele Pianisten glücklich schätzen, wenn sie so kreativ wie er spielen könnten.  Robert Spence schrieb anlässlich der CD-Veröffentlichung 1997 in All About Jazz, schon allein wegen des 71⁄2-minütigen "Myself When I Am Real" sei es das Album wert; „Mingus’ Pianospiel klingt hier, als wenn Claude Debussy Bill Evans spiele, oder vielleicht sogar umgekehrt. Das Stück ist zart und emotional, so stark wie auf seine Weise "The Black Saint and the Sinner Lady", aber ein klein wenig introvertierter“. "Myself When I Am Real" „ist wie ein kurzer Blick auf den stillen Kern dessen, das die Mingus-Alben so übergreifend erfolgreich machte.“ "I Can’t Get Started" sei hingegen „präzis und wehmütig“, "Body and Soul" sprudelnd verschönert. "Roland Kirk’s Message" eröffne mit einer an Duke Ellington erinnernden Fanfare. Ein weiterer Höhepunkt des Albums sei "Orange Was the Color of Her Dress, Then Silk Blues", der ohne die Hornbläser, die Mingus bei der Europatournee 1964 (Clifford Jordan und Eric Dolphy) verwendete, nicht so übermütig und dafür tiefsinniger erscheint, mit einem fragilen meditativen Empfinden. Kurz singt Mingus ein Fragment des Liedtexts während des Atmens; es zeige die „völlige Verbundenheit mit seiner Kunst“. Spence erwähnt den Flamenco-Einfluss im „klagend unruhigen“ "Meditations for Moses". Der Schlusstitel sei ein Auszug der bekannten Mingus-Technik wechselnder Stimmungen, auch wenn dies weniger emotional sei in "Myself When I Am Real" ausfalle, sei Mingus’ Darbietung nicht weniger meisterhaft. Einige Riffs dieses Titels landeten dann im bravourösen "Meditations" der 1964er-Tour.  Resümierend stellt Spence fest, dass "Mingus Plays Piano" eine der schönsten Aufnahmen dieser Zeit sei. Es sei „aus sich selbst heraus vielleicht das persönlichere Statement als sogar sein Meisterwerk ‚The Black Saint and the Sinner Lady‘. Obwohl alles von Mingus hörenswert sei, sei ‚Mingus Plays Piano‘ ‚erstrangig‘ — weit weg von der bloßen Neuheit, sondern vielmehr eine der schönsten Stunden eines großartigen Künstlers.“

Mingus Plays Piano mit dem Untertitel "Spontaneous Compositions and Improvisations" ist ein Jazzalbum von Charles Mingus. Es wurde am 30. Juli 1963 im RCA Studio in New York City aufgenommen und erschien im folgenden Jahr bei Impulse! Records. Dieses Album mit Piano-Solo-Aufnahmen des Bassisten und Bandleaders, sieben Eigenkompositionen und vier Jazzstandards, fällt insofern aus dem Rahmen seiner Veröffentlichungen, als es kein Ensemblespiel enthält.

Mingus Plays Piano est un album de Charles Mingus sorti en 1963 où l'on peut entendre le contrebassiste seul au piano.


Leben.

Alaïa wurde als Sohn eines Weizenbauern in Jemmal geboren, hatte eine Zwillingsschwester sowie einen jüngeren Bruder und wuchs bei seinen Großeltern in Tunis auf. Zu seinem Geburtsdatum machte er keine Angaben, daher existieren unterschiedliche Annahmen zu seinem Geburtsdatum. Seine Schwester, die ein kleines Atelier besaß, brachte ihm das Nähen bei. Er studierte im Alter von ca. 15 Jahren durch Vermittlung einer Freundin zunächst für kurze Zeit Bildhauerei an der "École des Beaux-Arts" in Tunis, wobei er sich älter machte, um an der Hochschule aufgenommen zu werden. Schon in dieser Zeit absolvierte er zudem eine Schneiderlehre und arbeitete Kreationen aus französischen Modemagazinen nach.  Alaïa ging nach Aufgabe seines Studiums 1957 nach Frankreich, wo er sich in Paris niederließ. Er arbeitete zunächst wenige Tage als Assistent von Christian Dior, bevor er für zwei Modesaisonen bei Guy Laroche als Assistent tätig war und schließlich bei Thierry Mugler eine Anstellung fand. Alaïa arbeitete nebenbei als Babysitter sowie Koch und wurde Haushälter der Marquise de Mazan. Ab 1960 war er fünf Jahre lang Haushälter und -schneider der Comtesse de Blégiers. Hier kam er mit der Pariser Oberschicht in Berührung, für die er bald zu arbeiten begann. Ende der 1960er-Jahre bezog er eine Wohnung in der Rue de Bellechasse in Saint-Germain, die er auch als Atelier nutzte. Zu seinen frühen Kundinnen zählten unter anderem Louise de Vilmorin, Cécile de Rothschild, Greta Garbo, Claudette Colbert und Arletty. 1965 fertigte er den Prototyp des Mondrian-Kleids. Ende der 1970er entwarf er Kostüme für die Tänzerinnen des Crazy Horse (Kabarett).  Eine erste Prêt-à-Porter-Kollektion für den französischen Modedesigner Charles Jourdan (1883–1976) im Jahr 1979 wurde ein Misserfolg, lehnte Jourdan doch die Kollektion in Leder und Metal als „zu grob“ (too tough) ab. Im gleichen Jahr etablierte Alaïa auf Anraten von Thierry Mugler seine eigene Marke unter seinem Namen und eröffnete 1980 in der Rue du Parc-Royal im 3. Arrondissement, wo er auch neue Entwürfe präsentierte, ein Atelier. Veröffentlichungen seiner Entwürfe in Modezeitschriften sowie prominente Unterstützer, die seine Kollektionen trugen, führten bald zum Erfolg. Boutiqueneröffnungen in Paris, New York (1988) und Beverly Hills folgten. Ab 1982 wurden Alaïas Kollektionen bei Bergdorf Goodman verkauft, 1985 wechselte er zu Barneys New York, die seine neuen Entwürfe im Rahmen einer Modenschau vor fast 1.200 Gästen im "Palladium" präsentierten. Alaïa bot jungen Models in seiner Wohnung eine Bleibe und gilt als Entdecker von Supermodels wie Stephanie Seymour, Naomi Campbell und Veronica Webb.  1988 kaufte der Designer ein ehemaliges BHV-Lagergebäude in der Rue de la Verrerie mit Zugang von der Rue de Moussy im Pariser Stadtteil Marais. Dort richtete er in der Folge neben seinem Atelier, einem Showroom, einem Hotel und seiner Privatwohnung auch eine Alaïa-Boutique ein. Das Atelier seines langjährigen Lebensgefährten und Geschäftspartners, des Hamburger Malers Christoph von Weyhe, befand sich in unmittelbarer Nachbarschaft. In dieser Zeit schneiderte Alaïa nur für seine treuesten Kunden und führte seine Modelle einem handverlesenen Publikum in seinen Privaträumen vor. Ende der 1980er-Jahre begann Alaïas Erfolg nachzulassen, galt seine Mode und sein Stil, dem er treu blieb, doch inzwischen als veraltet. Erste Boutiquen schlossen, zuletzt der Standort in New York im Jahr 1992. Bereits 1991 hatte Alaïa aufgehört, Modenschauen zu veranstalten. Nach dem Tod seiner Schwester 1992 zog sich Alaïa zunächst vollständig aus dem Rampenlicht zurück. Allerdings ging er in den 1990ern auch Engagements mit Versandhäusern wie "Les 3 Suisses" oder La Redoute ein, wo Alaïa-Mode zu niedrigen Preisen angeboten wurde. Erst im Jahr 2000, als er sein Unternehmen an Prada verkaufte, veranstaltete er wieder eine Modenschau mit neuer Kollektion. Durch die Partnerschaft mit Prada erlebte das Haus Alaïa eine Renaissance. Ebenso 2000 ehrte das New Yorker Solomon R. Guggenheim Museum Alaïa mit einer Einzelausstellung seiner Werke. 2007 kaufte Alaïa seine Firma von Prada zurück. Drei Monate später investierte der Luxusgüterkonzern Richemont in das Unternehmen Azzedine Alaïa und übernahm das Unternehmen zu 100 %.  2007 gründete der Designer zusammen mit von Weyhe und der Mailänder Mode-Einzelhändlerin Carla Sozzani die die "Association Azzedine Alaïa", um das Archiv an eigenen Entwürfen sowie die von ihm über die Jahre angesammelten Kleidungsstücke anderer Designer wie Paul Poiret, Charles James, Cristobal Balenciaga, Madame Grès, Madeleine Vionnet, Coco Chanel, Claire McCardell oder Gilbert Adrian zu verwalten. 2018 wurde aus dem Projekt unter der Führung Weyhes, Sozzanis und des Kostümkurators Olivier Saillard die Stiftung "Fondation Azzedine Alaïa" mit Sitz in der Rue de la Verrerie.  Ab 2011 war Alaïa korrespondierendes Mitglied des Pariser Modeverbandes "Chambre Syndicale de la Haute Couture", wodurch er berechtigt war, seine Kreationen als Haute Couture zu führen. Nach achtjähriger Pause veranstaltete er aus diesem Anlass 2011 erstmals wieder eine öffentliche Modenschau in seinem Stammsitz. 2012 ging Alaïa mit Shiseido einen 12-jährigen Vertrag über eine Parfümlizenz ein. Das erste Alaïa-Parfüm wurde Ende 2015 auf den Markt gebracht. Ende 2013 eröffnete mehr als zwanzig Jahre nach der Schließung des letzten Ladengeschäfts in New York in der Pariser Rue de Marignan unweit der Modemeile Avenue Montaigne auf drei Stockwerken eine freistehende Alaïa-Boutique. Neben den beiden Boutique-Standorten in Paris ist Alaïa-Mode zum Stand 2014 bei weltweit 300 Einzelhändlern erhältlich. Das Unternehmen Azzedine Alaïa beschäftigte 2013 um die 75 Angestellte.  Insgesamt drei Mal, unter Mitterrand, Chirac und Sarkozy, sollte Alaïa zum Ritter der französischen Ehrenlegion ernannt werden, was er jedoch jedes Mal ablehnte.  Alaïa starb am 18. November 2017 in Paris an einem Herzinfarkt.  Richemont beschloss, keinen neuen Chefdesigner zu benennen, sondern überließ das Design der Entwürfe dem 30-köpfigen Studio-Team von Alaïa. Im Januar 2018 wurde die Retrospektive "Azzedine Alaïa: Je Suis Couturier" im Haus des Designers in Paris eingeweiht. Ende April 2018 eröffnete Richemont auf der Bond Street in London eine Alaïa-Boutique, die noch zu Lebzeiten des Designers geplant worden war. Für die Inneneinrichtung zeichnete unter anderem Marc Newson, ein enger Freund Alaïas, verantwortlich, der bereits bei der Gestaltung der Pariser Boutiquen tätig gewesen war. Im Mai 2018 eröffnete das Design Museum London die Ausstellung "Azzedine Alaïa: the Couturier", die 2017 zusammen mit dem Designer geplant worden war.

Wirken.

Bereits Ende der 1970er-Jahre wurde die Modepresse auf Alaïa aufmerksam: Im Jahr 1979 wurde in der Zeitschrift "Elle" ein Mantel gezeigt, den Alaïa für "Les Fourrures de la Madeleine" entworfen hatte. International bekannt wurde er im Folgejahr mit dem Modell eines perforierten und nietenverzierten Oversize-Lackledermantels, der im Modemagazin "Dépêche Mode" gezeigt wurde. Es folgte 1981 ein inzwischen ikonisches schwarzes Reißverschlusskleid, inspiriert von einem Oberteil, das Arlettys Charakter im Film "Hotel du Nord" trug. Das Modell eines magentafarbenen, hautengen Latexkleides für Grace Jones anlässlich der Auszeichnung des französischen Kulturministeriums zum Designer des Jahres, das einen bis zum Oberschenkel reichenden Beinschlitz hatte und korsettähnlich geschnürt werden musste, sorgte schließlich für Furore – „Es schien, als hätte der Modeschöpfer puren Sex zu Stoff verarbeitet.“ Bekannt und umstritten war auch Alaïas an die französische Flagge angelehntes Kleid für Jessye Norman, das er anlässlich der Zweihundertjahrfeier der Französischen Revolution 1989 für einen öffentlichen Auftritt der Sängerin schuf.  Alaïas Markenzeichen ist „die zweite Haut, mit der er die Grenzen zwischen Körper und Stoff aufzuheben scheint“: Seine Entwürfe sind eng und maximal figurbetont, „provozierend sexy und spielen mit dem erotischen Reiz des Verdeckens und Entblößens, des knalleng Umspannens und Liftens“. Leder erhitzte er mitunter mit Wasserdampf, um es perfekt der weiblichen Form anzupassen. Der von Alaïa häufig verwendete Schrägschnitt lässt dem Träger dabei dennoch Bewegungsfreiheit und ist eine Hommage an Alaïas Vorbild Madeleine Vionnet. Er arbeitete unter anderem mit – zu Beginn seiner Karriere weitgehend ungewöhnlichen und „schockierenden“ – Materialien wie Lycra, Latex, Stretch, (Lack-)Leder und Jersey. Häufige Accessoires waren vor allem zu Beginn Schnallen und Lochmuster, ergänzt durch Push-Up-BHs, eingearbeitete Höschen und Bodies, die die Figur zusätzlich formten. Vorrang vor Trends hat bei Alaïa der Körper, so kreiere er als „Stoffbildhauer“ mit seiner Mode „lebende Frauenskulpturen: atemberaubende, gemeißelte Silhouetten“. Seit den 1990er-Jahren waren seine Entwürfe jedoch zunehmend gemäßigter und zeitloser geworden.  Aufgrund seiner Entwürfe gab man Alaïa Spitznamen wie „King of Cling“ (etwa „König der Klebefolie“), „König des Stretches“ und, aufgrund seiner geringen Körpergröße von 1,58 Metern, auch „der kleine Prinz“.

Öffentlichkeit und Populärkultur.

Alaïa selbst stellte sich bewusst außerhalb der Modebranche. Seine Entwürfe fertigte er im ersten Modell komplett selbst und drapierte dazu den zuvor ausgewählten und zurechtgeschnittenen Stoff am lebendigen Modell. Er produzierte seine Kollektionen ohne feste Termine, präsentierte sie nicht auf großen Modeschauen während der internationalen Modewochen und nur selten vor der Presse. Er verzichtete weitgehend auf Werbung, ging bis auf das Parfümgschäft ab 2012 keine Lizenzabkommen ein und bot keine separate Accessoire-Linie an. Alaïa galt als unermüdlicher Perfektionist, der mitunter ganze Modenschauen verschob, wenn ihm die einzelnen Entwürfe noch nicht als vollkommen gelungen erschienen.  Zu seinen Kundinnen zählten neben der Pariser Oberschicht zunächst vor allem eher exzentrische Künstlerinnen, darunter Grace Jones, Madonna oder Tina Turner. Zuvor hatte er Kleider für Greta Garbo, Cécile de Rothschild und Claudette Colbert entworfen. Victoria Beckham ist eine Verehrerin seiner Arbeit, ebenso wie Lady Gaga. Michelle Obama trug anlässlich des NATO-Dinners mit Staatsoberhäuptern in Strassburg im April 2009 ein schwarzes Strickkleid von Alaïa; weitere offizielle Auftritte in Kleidern des Designers folgten. Sie brach damit eine Tradition, nach der US-amerikanische First Ladies bei offiziellen Anlässen ausschließlich Kleider US-amerikanischer Designer tragen.  Für Jones’ Figur May Day in "James Bond 007 – Im Angesicht des Todes" schuf Alaïa 1985 die Kostüme. Alaïa sicherte sich 1986 in Robert Palmers umstrittenen Musikvideo zu "Addicted to Love" „einen unvergänglichen Platz in der kollektiven Erinnerung“: Er entwarf die schwarzen Strickkleider der fünfköpfigen weiblichen Begleitband des Sängers. Im Video zu "Bad Girl" entfernt Sängerin Madonna in einer Szene die Folie um einen schwarzen Alaïa-Anzug, den sie aus der Reinigung geholt hat. Auch im Film "Clueless – Was sonst!" gibt es eine Anspielung auf Alaïa: Die von Alicia Silverstone dargestellte Figur weigert sich in einer Szene, in der sie mit einer Pistole bedroht wird, auf einem Parkplatz niederzuknien, weil sie ein Kleid von Alaïa trage. Im Jahr 2013 schuf Alaïa die Kostüme für die Aufführung von "Die Hochzeit des Figaro" in der Walt Disney Concert Hall in Los Angeles und kreierte dabei erstmals auch Herrenbekleidung. Im gleichen Jahr fanden im NRW-Forum in Düsseldorf die Ausstellung "Alaïa – Azzedine Alaïa im 21. Jahrhundert" und in Paris im Musée Galliera eine große Alaïa-Retrospektive statt.  Jean-Paul Goude schuf 1984 eine „legendäre... Modefotografie“, in der der 1,58 Meter kleine Alaïa dem franko-algerischen Supermodel Farida Khelfa in die offenen Arme springt. Goude hatte Farida und Alaïa bekannt gemacht, welche letzterer schließlich zu seiner Muse erkor.  Alaïa kritisierte 2011 seinen Kollegen Karl Lagerfeld für dessen vielfältige Tätigkeiten in den Bereichen Mode, Fotografie sowie Werbung und lag ab 2009 im Streit mit der in der Branche einflussreichen Chefredakteurin der amerikanischen "Vogue", Anna Wintour, deren Bedeutung für die Modeindustrie er infrage stellte.

Azzedine Alaïa (* 26. Februar oder 7. Juni 1935, 1939 oder 1940 in Jemmal bei Monastir, Französisches Protektorat Tunesien; † 18. November 2017 in Paris) war ein international bekannter tunesischer Modeschöpfer, der in Paris lebte und arbeitete.

Il aborde la couture durant sa jeunesse à Tunis et suit des études de sculpture. Il arrive à Paris à la fin des années 1950. Hébergé en échange de petits travaux, il apprend les techniques de la confection et développe une clientèle privée. En pleine période de renouveau de la mode à l'aube des années 1980, il décide finalement de créer la marque "Azzedine Alaïa". Ami des plus célèbres mannequins, dont Stephanie Seymour et Naomi Campbell, il est rapidement remarqué puis par les magazines de mode pour ses créations le plus souvent aguichantes. Il se fait connaitre plus largement par le public en une dizaine d'années. Vers le milieu des années 1990, il est moins présent sur la scène de la mode mondiale, la presse se montrant critique puis absente. Dans les années 2000, au moment où les grandes marques de la mode sont rachetées par les groupes du luxe, Azzedine Alaïa s'associe pour quelques années avec la marque italienne Prada, pour ensuite se lier à Richemont sept ans plus tard. Après diverses rétrospectives dans plusieurs musées du monde, il entre dans la très stricte haute couture en 2011.


Shirelles-Version.

Produktion.

Bis zum April 1960 hatte die Girlgroup aus den USA acht Singles veröffentlicht, von denen drei den Einzug in die Billboard Hot 100 geschafft hatten. Ihr zuletzt produzierter Titel "Tonight's the Night" erreichte mit Platz 39 die bisher beste Notierung. Für die neue Single hatte Musikproduzent Luther Dixon den Titel "Will You Love Me Tomorrow" des Autorenpaars Carole King (Musik) und Gerry Goffin (Text) ausgewählt. Eine Demoaufnahme von Carole King fand zunächst bei den Shirelles wegen ihres Westernsounds keinen Anklang. Erst als Dixon den Song in eine Popversion umwandelte, ließ sich die Gruppe umstimmen. Der Song wurde im November 1960 in den New Yorker Bell Sound Recording Studios unter Leitung von Luther Dixon und mit Carol King als Arrangeur produziert und auf der Single mit der Katalog-Nummer Scepter 1211 im November 1960 in den Handel gebracht.

Erfolge.

Schon am 21. November 1960 tauchte der Titel "Will You Love Me Tomorrow" in den Hot 100 des US-amerikanischen Musikmagazins Billbord auf. Er startete auf Platz 87, erreichte am 9. Januar 1961 die Top 10 und hatte am 30. Januar die Spitzenposition inne. Dort konnten sich die Shirelles zwei Wochen lang behaupten, insgesamt waren sie 19 Wochen in den Hot 100. In den Hitlisten der Konkurrenzzeitschrift Cashbox wurde "Will You Love Me Tomorrow" 18 Wochen lang notiert und belegte auch dort für zwei Wochen den ersten Platz. In Großbritannien wurde der Song von der Plattenfirma Top Rank veröffentlicht. In den Best Sellings der Musikzeitschrift New Musical Express erreichte er den dritten Platz, in den Official UK Charts, veröffentlicht im Record Retailer, belegte "Will You Love Me Tomorrow" Rang vier. 1999 wurde der Titel mit dem Grammy Hall of Fame Award ausgezeichnet, außerdem wurde er in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen (The Songs That Shaped Rock and Roll).

Coverversionen.

Im englischsprachigen Raum sind nur wenige zeitnahe Single-Coverversionen bekannt geworden. Als prominenteste Sängerin veröffentlichte Brenda Lee im April 1961 in den USA eine Single-Auskopplung aus ihrer Langspielplatte "Emotions". Zuvor hatte die weniger bekannte US-Sängerin Jean Campbell eine Version bei ihrer Plattenfirma Embassy herausgebracht. Schon im Januar 1961 war in Großbritannien eine Single mit dem Duo The Raindrops erschienen. Alle diese Versionen konnten sich nicht in den Hitlisten platzieren. Im Langspielplattenbereich wurden zwischen 1961 und 1963 zahlreiche Coverversionen mit prominenten Interpreten veröffentlicht, so von Pat Boone (1961), Bobby Vee (1961), Ben E. King (1962), Little Eva (1962) und den Chiffons (1963). 1968 nahm die amerikanische männliche Popband The Four Seasons "Will You Love Me Tomorrow" den Titel neu auf und erreichte mit ihm Platz 24 in den Billboard Hot 100. Nach Tom Lord wurde der Song im Bereich des Jazz u. a. von Buddy Lucas, Sonny Stitt und Charles Earland gecovert. 1971 erschien das Lied auf einer Single von Roberta Flack. 1995 nahmen die Bee Gees das Lied auf. Eine neuere Coverversion stammt von Amy Winehouse. Sie wurde direkt nach dem frühen Tod der britischen Soulsängerin veröffentlicht und konnte sich in den UK-Charts platzieren.  In Deutschland hatte die Originalversion mit den Shirelles wenig Interesse erregt. Trotzdem schrieb der erfolgreiche deutsche Autor Ralph Maria Siegel einen deutschen Text zu "Will You Love Me Tomorrow" mit der Titelzeile "Hast du das alles vergessen?" Die Plattenfirma Electrola veröffentlichte diesen Titel im Februar 1961 auf ihrer Single Nr. 21 746 mit Rex Gildo. Obwohl dieser zuvor mit der Coverversion von "Tell Laura I Love Her (Das Ende der Liebe)" einen Top-10-Erfolg erzielt hatte, kam die Adaption von "Will You Love Me Tomorrow" in den Top 50 der Musikzeitschrift Musikmarkt nicht über den 45. Platz hinaus.

Will You Love Me Tomorrow, auch bekannt als Will You Still Love Me Tomorrow, ist der Titel eines Slowfox, der von dem US-amerikanischen Songwriter-Team Carole King und Gerry Goffin geschrieben wurde. Gesungen von den Shirelles, wurde das Lied 1961 in den USA ein Nummer-eins-Hit.

Publiée en single (sous le label Scepter Records) en, elle a atteint la place du Hot 100 du magazine musical américain "Billboard", passant en tout 19 semaines dans le chart. Elle a été aussi incluse dans l'album "Tonight's the Night" sorti en décembre de la même année.


Handlung der ersten Staffel.

Die Serie spielt im fiktiven Priesterseminar der Kapuziner in Paris. Im Vordergrund agieren fünf Seminaristen, welche aus unterschiedlichen Hintergründen kommen: Yann stammt aus der Bretagne und ist ein Pfadfinder. Raphael stammt aus einer reichen katholischen Familie. Emmanuel – Adoptivsohn afrikanischer Abstammung – ist Archäologe und hat die Möglichkeit zur Promotion ausgeschlagen, um ins Seminar zu ziehen. Er war wegen einer Depression in Behandlung. Guillaume hat Politikwissenschaften studiert und lebte in einer homosexuellen Partnerschaft. José hat in einer Auseinandersetzung einen russischen Drogendealer getötet, er hat seine Gefängnisstrafe abgesessen. Gemeinsam ist ihnen das Ziel, Priester zu werden. Die Serie begleitet sie durch die Studien und den Ablösungsprozess von ihrem vorherigen Leben. Dabei werden innere und äußere Konflikte der Protagonisten geschildert. Der Regens des Kapuzinerseminars Pater Fromenger begleitet die fünf jungen Männer. Seit über 20 Jahren ist er Leiter des Priesterseminars. Ihm zur Seite steht Pater Bosco.

Weitere Staffeln.

In der zweiten Staffel ist das Priesterseminar mit seiner Schließung konfrontiert. Die deutsche Erstausstrahlung dieser Staffel hat vom 2. bis zum 23. Oktober 2014 auf Arte stattgefunden. Die dritte und finale Staffel spielt vier Jahre später und handelt von der Konfrontation der jungen Priester mit dem Alltag in ihren Pfarrgemeinden. Die Staffel wurde vom 8. bis 22. Oktober 2015 auf Arte ausgestrahlt. Seit dem 4. Januar 2019 laufen die drei Staffel auf Bibel TV.

Drehorte.

Für die Außenaufnahmen des fiktiven Priesterseminars wurde in Paris vor dem "Hôtel Libéral Bruant" in der Straße "Rue de la Perle" gedreht. Die Innenaufnahmen der Seminarkirche fanden in La Rochelle in der Kirche Notre-Dame-de-Cougnes statt. Die Szenen um den Kreuzgang des Seminars wurden in der ehemaligen Abtei von Saint-Maixent-l’École aufgenommen. Für die Weihnachtsepisode der ersten Staffel diente die Dorfkirche Notre-Dame von Échillais als Kulisse.

Dein Wille geschehe ist eine französische Fernsehserie und arte–Produktion. Der Originaltitel Ainsi soient-ils ist eine Anspielung auf die französische Übersetzung des Amen, Ainsi soit-il (So sei es). Er heißt wörtlich übersetzt „so seien sie“. Die Serie ist mehrfach preisgekrönt. 2012 erhielt sie den Preis für die beste Serie des Pariser Festivals Séries Mania.

Ainsi soient-ils (titre de travail : Ministères, titre allemand :, c’est-à-dire « Que ta volonté soit faite ») est une série télévisée dramatique française créée par David Elkaïm, Bruno Nahon, Vincent Poymiro et Rodolphe Tissot, produite par Zadig Productions et Arte France. Elle comprend trois saisons qui sont diffusées du au sur Arte.


Die Sammlung.

Das Museum verfügt über einige emblematische Kunstwerke der Moderne wie "Circus" von Karel Appel, "Car Crash" von Andy Warhol und "Valise Expansion" von César.  Zu den etwa 1500 Werken der Sammlung, von denen nur ein Teil gezeigt wird, gehören Werke von Arthur Van Hecke und Ladislas Kijno, die Delaine für die moderne Kunst begeisterten, ebenso wie von Nicola Alquin, Arman, Francis Arnal, Georg Baselitz, Claude Viseux, André Fougeron, Luciano Castelli, Philippe Charpentier, Sergio Ferro, Rainer Fetting, Lucio Fontana, Paul Franck, Jacqueline Gainon, Karl Horst Hödicke, Koberling, John Franklin Koenig, Rolf Lukaschewski, Alfred Manessier, Tom Morandi, Mimmo Paladino, Arnulf Rainer, Jacek Andrzej Rossakiewicz, Jean-Jule Chasse-Pot, und Gérard Ernest Schneider.

Der Skulpturengarten.

Im Skulpturenpark sind vertreten Arman mit "Anchorage", eine Komposition aus Schiffsankern, Eugène Dodeigne mit "la Pleureuses" (die Weinenden), Bernar Venet mit "Deux Arcs de 204°" (zwei Bögen von 204 Grad), Karel Appel mit "Poisson", Pierre Zvenigorodsky mit "Sculpture sonore" und "Pierre noire fountain", Charlotte Moth mit "Birds Islands" (Vogelinsel), François-Xavier Lalanne mit seinem Werk "Les Moutons" in Beton. Paul Van Hoeydonck mit "Goldie" und einer Großversion seiner Kleinplastik Fallen Astronaut aus massiven Aluminium, Claude Viseux mit "Hommage à Pedro Rodriguez", Gilbert Samel mit "Chaos de marbre", Albert Féraud mit "Socratea Exorrhiza" und Geneviève Claisse mit "Sculpture géométrique".

Das Gebäude.

Das Museumsgebäude wurde 1977 von Jean Willerwal entworfen. Die Grundsteinlegung erfolgte 1979, vollendet wurde der Bau im Dezember 1982. In dem Jahr fand die Eröffnung statt. Stofflich geprägt wird das Gebäude von Glas und von seiner Verkleidung mit weißer Keramik.  Wegen erheblicher Bauschäden musste das Museum 1997 geschlossen werden. Grundlegend renoviert und im Inneren auch umgestaltet wurde es 2003 von den Architekten Richard Klein und Benoît Grafteaux.

Siehe auch.

Unmittelbar benachbart zum LAAC, zum Hafen hin, liegt die Bastion 32 der alten Hafenbefestigung, in der das Kriegsmuseum Mémorial du Souvenir untergebracht ist, die an die Schlacht von Dünkirchen und die Operation Dynamo erinnert.

Das LAAC ("Lieu d'art et action contemporaine", deutsch etwa: "Zentrum für zeitgenössische Kunst und Aktion") ist ein Kunstmuseum in Dünkirchen, das von einem malerischen Skulpturenpark umgeben ist und das Kunst aus der Zeit zwischen 1940 und 1980 präsentiert. Die Sammlung und der Museumsbau gehen auf die Initiativen eines Ingenieurs, Gilbert Delaine, zurück, der, nachdem er seine Liebe zur zeitgenössischen Kunst entdeckt hatte, unaufhörlich daran arbeitete, seine Heimatstadt für die zeitgenössische Kunst zu öffnen.

Le Lieu d'art et action contemporaine de Dunkerque (LAAC), anciennement musée d'art contemporain de Dunkerque, est un musée d'art contemporain constitué d'un bâtiment et d'un jardin de sculptures.


Leben.

Lehrer und Unterhausabgeordneter.

Blackburn war als Lehrer an einem "Community College" sowie als Wirtschaftsmanager tätig.  Seine Laufbahn in der Bundespolitik begann er als Kandidat der Konservativen Partei als er bei der Wahl vom 4. September 1984 erstmals zum Abgeordneten in das Unterhaus gewählt wurde und dort bis zu seiner Niederlage bei der Wahl vom 25. Oktober 1993 den Québecer Wahlkreis "Jonquière" vertrat.  Während seiner Parlamentszugehörigkeit war er zwischen dem 5. November 1974 und dem 28. August 1986 sowohl Vize-Vorsitzender des Ständigen Ausschusses für Arbeit, Beschäftigung und Einwanderung als auch zeitgleich des Ständigen Ausschusses für Geschäftsordnung und Organisation. Später war er vom 3. April 1993 bis zum 12. Mai 1991 Vorsitzender des Ständigen Ausschusses für Arbeit, Beschäftigung und Einwanderung sowie Vorsitzender der Unterausschüsse für Einwanderung sowie für Arbeit und Beschäftigung. Danach fungierte er zwischen dem 13. Mai 1991 und dem 8. September 1993 als Vize-Vorsitzender des Ständigen Ausschusses für öffentliche Konten.  Kurz zuvor übernahm Blackburn am 1. September 1993 sein erstes Regierungsamt und fungierte knapp sechs Wochen bis zum 26. Oktober 1993 als Parlamentarischer Sekretär des Ministers für Nationale Verteidigung.

Bundesminister und UNESCO-Botschafter.

Bei der Wahl vom 23. Januar 2006 wurde Blackburn im Wahlkreis "Jonquière-Alma" wieder zum Abgeordneten in das Unterhaus gewählt und gehörte diesem bis zu seiner neuerlichen Wahlniederlage bei der Unterhauswahl am 2. Mai 2011 an.  Kurz nach der Wahl wurde er am 6. Februar 2006 von Premierminister Stephen Harper als Arbeitsminister in das 28. Kabinett Kanadas berufen und bekleidete dieses Ministeramt bis zum 29. Oktober 2008. Zeitgleich war er als Minister der Kanadischen Entwicklungsagentur für die Regionen von Québec zuständig.  Nach einer Kabinettsumbildung fungierte Blackburn vom 30. Oktober 2008 bis zum 18. Januar 2010 als Minister für nationale Einkünfte sowie im Anschluss nach einer neuerlichen Regierungsumbildung zwischen dem 19. Januar 2010 und dem 17. November 2011 als Minister für Veteranenangelegenheiten im Kabinett Harper. Zugleich war er vom 30. Oktober 2008 bis zum 17. Mai 2011 Staatsminister für Landwirtschaft und damit Vertreter des Ministers für Landwirtschaft und Lebensmittel, Gerry Ritz. Am 23. Februar 2010 geriet er in die Schlagzeilen, als er beim Einsteigen in ein Flugzeug am Flughafen Ottawa eine Flasche Tequila mit an Bord nehmen wollte, und damit gegen die Sicherheitsbestimmungen von Transport Canada verstieß.  Einige Monate nach seinem Ausscheiden aus Unterhaus und Regierung wurde Blackburn im Dezember 2011 von Premierminister Harper im Range eines Botschafters zum Leiter der Ständigen Vertretung Kanadas bei der UNESCO in Paris ernannt.

Jean-Pierre Blackburn PC (* 6. Juli 1948 in Jonquiere, Québec) ist ein Politiker der Konservativen Partei Kanadas, der zwischen 2006 und 2008 Arbeitsminister, von 2008 bis 2010 Minister für nationale Einkünfte sowie anschließend zwischen 2010 und 2011 Minister für Veteranenangelegenheiten im 28. kanadischen Kabinett von Premierminister Stephen Harper war.

Jean-Pierre Blackburn ( à Jonquière, Québec - ) est un homme politique québécois, ancien député conservateur de la circonscription fédérale de Jonquière—Alma depuis les élections fédérales de janvier 2006. Il fut défait par le candidat néo-démocrate à l'élection fédérale canadienne de 2011.


Hintergrund.

Das über sieben Minuten lange Lied wiederholt textlich viele Male die Zeile “I want you. I want you so bad. I want you. It’s driving me mad”, die über eine in vielen Variationen gespielte Melodie gesungen wird. Inhaltlich beschreibt Lennon in insgesamt nur 15 Wörtern in dem Lied seine Liebe zu seiner Frau Yoko Ono.

Aufnahme.

Noch unter dem Arbeitstitel "I Want You" entstanden während der Aufnahmesessions für das Album "Let it Be" Ende Januar 1969 erste Versionen des Liedes, die unveröffentlicht blieben.  Kurz nachdem die Arbeiten für das Album "Let It Be" abgeschlossen waren, begannen die Beatles am 22. Februar 1969 mit den Aufnahmen für "I Want You (She’s So Heavy)". Gemeinsam nahmen sie in den Londoner Trident Studios 35 Takes des Liedes auf, aus denen am darauf folgenden Tag aus Take 9, 20 und 32 eine Version zusammengeschnitten wurde, an der die Band weiter arbeitete.  Am 18. April 1969 nahmen John Lennon und George Harrison die prägnanten Gitarren für das Finale des Liedes auf. Am 20. April 1969 folgten Congas und eine Hammondorgel. Danach wurde für fast vier Monate an dem Lied nicht weiter gearbeitet.  An dem Tag, an dem auch das berühmte Foto entstand, das die Beatles beim Überqueren des Zebrastreifens in der Abbey Road zeigte, wurde die Arbeit an "I Want You (She’s So Heavy)" fortgesetzt. An diesem 8. August 1969 fügte Lennon für das Finale einen Moog-Synthesizer hinzu, der auch das Rauschen generierte, das mit zunehmender Lautstärke im Finale zu hören ist. Die letzten Aufnahmen fanden am 11. August 1969 statt: John Lennon, Paul McCartney und George Harrison sangen zweimal den Backgroundgesang für das Finale.  Am 20. August 1969 wurden die Aufnahmen vom April und August 1969 zusammengeschnitten und abgemischt. Das Lied hatte eine Gesamtlänge von 8:04 Minuten. Lennon entschied sich dagegen, das Lied mit einem Fade-Out zu beenden, sondern wies den Tontechniker an, das Tonband einfach kurz vor Ende des Liedes abzuschneiden, sodass das Lied bei 7:47 Minuten abrupt endet. Dieser 20. August 1969 war das letzte Mal, dass die vier Beatles gemeinsam in einem Tonstudio waren. Es folgten nur noch ein Fototermin und ein Geschäftstreffen, die von den Vier gemeinsam wahrgenommen wurden.

Veröffentlichung.

"I Want You (She’s So Heavy)" erschien am 26. September 1969 auf dem Album "Abbey Road" und ist dort das letzte Lied auf Seite 1, sodass diese Seite des Albums abrupt endet. Eine verworfene Titelreihenfolge des Albums sah unter anderem vor, dass Seite 1 und Seite 2 vertauscht wären, sodass "I Want You (She’s So Heavy)" das letzte Lied des Albums gewesen wäre.

Coverversionen.

Von dem Lied erschienen bis in die Gegenwart zahlreiche Coverversionen, darunter eine Version von Alvin Lee, auf der George Harrison Slide-Gitarre spielte. Eine instrumentale Fassung des Liedes der Formation Groove Collective, die auch als Single veröffentlicht wurde, konnte sich 1996 in den US-Billboard-Charts platzieren. Die Schweizer Band Coroner veröffentlichte im Jahr 1991 eine Metal-Version. Die Band Beatallica nahm 2007 unter dem Titel "Ktulu (He’s So Heavy)" ein Mashup mit dem Metallica-Song "The Call of Ktulu" auf.

I Want You (She’s So Heavy) () ist ein Lied der britischen Band The Beatles aus dem Jahr 1969. Es stammt aus der Feder von John Lennon, steht jedoch wie bei der Band üblich unter dem Copyright "Lennon/McCartney".

<dfn>"I Want You (She’s So Heavy)"</dfn> est une chanson du groupe britannique The Beatles. Elle a été écrite par John Lennon mais créditée Lennon/McCartney. Elle apparaît sur l’album "Abbey Road" sorti en 1969 et clôturait la première face sur le 33 tours original. Avec ses sept minutes et cinquante secondes, il s’agit également de la deuxième chanson la plus longue des Beatles, après "Revolution 9", qui dépasse les huit minutes. Cette chanson est également célèbre du fait qu'au moment de la terminer, le, les quatre Beatles ont été réunis pour la toute dernière fois en studio.


Geographie.

Seine Quelle liegt in Mpumalanga, im weit östlich gelegenen Stufenland der Drakensberge ("Drakensberg Escarpment") zwischen Ermelo und Amsterdam. Etwas westlicher davon entspringt der Vaal, der jedoch dem Oranje zufließt. Die Quelle des Suthu befindet sich auf einer Höhe von etwa 1680 Metern über dem Meeresspiegel. Der dortige Flussname Suthu soll sich auf früher dort lebende Basotho beziehen oder „Dunkelbrauner Fluss“ heißen. Im Oberlauf liegt bei Amsterdam die Talsperre "Westoe Dam." Ihr Wasser wird unter anderem zur Kühlung in weiter westlich gelegenen Kohlekraftwerken genutzt.  Der Fluss fließt ostwärts nach Swasiland, wo er meist als Lusutfu oder Great Usutu bezeichnet wird. Er ist der längste Fluss des Landes und teilt das Land in zwei etwa gleich große Teile. Durch den "Lubowane Feeder Canal" wird Wasser des Lusutfu in die Talsperre des Nebenflusses Mhlathuzane geleitet. Das Flusswasser wird unter anderem für eine Pulpefabrik genutzt. Im weiteren Verlauf passiert der Lusutfu die Stadt Big Bend, die nach einem Mäander des Flusses benannt ist. Mit 21 Metern über dem Meeresspiegel liegt der tiefste Punkt Swasilands am Lusutfu. Er fließt weiter in östlicher Richtung durch eine 13 Kilometer lange Schlucht in den Lebombobergen, wo er zugleich Grenzfluss von Südafrika und Swasiland ist. Anschließend bildet er auf 20 Kilometern die Staatsgrenze zwischen Südafrika und Mosambik.  Am Ostende dieses Abschnitts mündet der größte Nebenfluss des Lusutfu, der Pongola. Dort befindet sich am Südufer das "Ndumo Game Reserve." Schließlich fließt der Fluss als „Maputo“ weitere 80 Kilometer in nordöstlicher, dann nördlicher Richtung bis zum Süden der Maputo-Bucht, wo er bei Bela Vista als Ästuar in den Indischen Ozean mündet. Der Maputo ist ab der Pongola-Mündung schiffbar. Östlich des Unterlaufs liegt die "Maputo Elephant Reserve."

Einzugsgebiet.

Das Einzugsgebiet des des Maputo erstreckt sich über drei Länder. Den kleinsten Anteil hat Mosambik mit 5 % der Fläche (1.630 km2). Südafrika umfasst mit 56 % (16.744 km2) den größten Teil. Die restlichen 39 % (11.597 km2) befinden sich in Swasiland.

Verträge.

Das Einzugsgebiet des Maputos ist sehr wasserreich und besitzt deshalb in den drei Anliegerstaaten für deren Wasserbedarf eine hohe Bedeutung. Das führte am 17. Februar 1983 in Pretoria zur Unterzeichnung einer trilateralen Vereinbarung, auf deren Grundlage ein Arbeitsgremium zur Koordinierung und Aufsicht über die gemeinsame Wassernutzung geschaffen wurde. Diese Aufgabe erfüllt seitdem das "Tripartite Permanent Technical Committee", abgekürzt TPTC (deutsch etwa: Ständige Trilaterale Technische Kommission). Das "Incomati and Maputo Agreement" von 2002 stellte diese Vereinbarung und ihre Praxis auf eine aktualisierte Grundlage.

Aufteilung.

Das Einzugsgebiet kann in neun Untereinzugsgebiete unterteilt werden. Diese teilen sich wie folgt auf:

Sonstiges.

Der Fluss Maputo war für die Umbenennung der mosambikanischen Stadt "Lourenço Marques" in Maputo namensgebend. Sie liegt jedoch rund 20 Kilometer nördlich des Flusses, auf der anderen Seite der Maputo-Bucht.  Nach dem Flussnamen "Usutu" ist das Usutu-Virus benannt.

Der Maputo (auch Suthu, Usutu, Great Usutu, Lusutfu oder Rio Maputo) ist ein Fluss in Südafrika, Swasiland und Mosambik. Er ist rund 350 Kilometer lang und mündet in den Indischen Ozean.

Le Maputo (appelé aussi Rio Maputo en portugais, Great Usutu River, Lusutfu River ou Suthu River en anglais), est un fleuve d'Afrique du Sud, du Mozambique et de l'Eswatini.


Sportliche Laufbahn.

Nach Erfolgen im Jugend- und Juniorenbereich war sie bei den Europameisterschaften 2010 in Barcelona zum ersten Mal Mitglied der französischen 4-mal-400-Meter-Staffel, wurde aber nicht im Finale eingesetzt. Bei den Halleneuropameisterschaften in Paris gewann sie gemeinsam mit Muriel Hurtis, Laetitia Denis und Marie Gayot die Bronzemedaille. Im selben Jahr erreichte sie bei den U23-Europameisterschaften in Ostrava zusammen mit Clemence Sorgnard, Elea Mariama Diarra und Marie Gayot ebenfalls den dritten Rang.  Bei den Europameisterschaften 2012 gewann sie mit Phara Anacharsis, Lénora Guion Firmin und Marie Gayot die Silbermedaille und bei den Olympischen Spielen in London wurde die französische Staffel in der Aufstellung Phara Anacharsis, Muriel Hurtis, Marie Gayot und Floria Gueï Sechste. Bei den Weltmeisterschaften in Moskau (Lénora Guion-Firmin, Muriel Hurtis und Marie Gayot) belegte sie den vierten Platz. Auch bei den IAAF World Relays 2014 in Nassau wurde Gueï mit Lenora Guion-Firmin, Agnès Raharolahy und Marie Gayot Vierte.  Ihr erster Titelgewinn bei einem internationalen Großereignis gelang Floria Gueï schließlich bei den Europameisterschaften 2014 in Zürich. Als Schlussläuferin führte sie die französische 4-mal-400-Meter-Staffel um Muriel Hurtis, Agnès Raharolahy und Marie Gayot zum Sieg, als sie auf den letzten 100 Metern noch die drei vor ihr liegenden Läuferinnen aus der Ukraine, Russland und Großbritannien überspurten konnte.  Auch bei den Halleneuropameisterschaften 2015 in Prag konnte Gueï mit der französischen Staffel mit Elea Mariama Diarra, Agnes Raharolahy und Marie Gayot die Goldmedaille gewinnen. Bei den IAAF World Relays 2015 kam die Staffel mit Lénora Guion-Firmin, Marie Gayot, Elea Mariama Diarra und Gueï wie im Vorjahr auf den vierten Platz. Im Juli 2015 verbesserte Floria Gueï ihre Bestleistung erst auf 51,09 s und dann auf 50,90 s. Bei den Weltmeisterschaften 2015 in Peking steigerte sie sich auf 50,89 s und erreichte das Halbfinale. Mit der Staffel kam sie mit Estelle Perrossier, Marie Gayot und Agnès Raharolahy auf den siebten Platz.  Das Olympiajahr 2016 begann Gueï mit einer Verbesserung ihrer 200-Meter-Hallenbestzeit auf 23,23 s. Auch in der Freiluftsaison stellte sie mit 23,06 s eine neue 200-Meter-Bestzeit auf und im Juni 2016 steigerte sie ihre persönliche 400-Meter-Bestleistung beim Diamond-League-Meeting in Birmingham auf 50,84 s. Bei den Europameisterschaften 2016 in Amsterdam gewann sie die Silbermedaille im Einzelrennen und mit der französischen Staffel. Bei den Halleneuropameisterschaften 2017 verbesserte Gueï ihre persönliche Bestzeit und gewann die Goldmedaille über 400 Meter und belegte mit der französischen Staffel Rang fünf.

Floria Gueï (* 2. Mai 1990 in Nantes) ist eine französische Leichtathletin, die sich auf den 400-Meter-Lauf spezialisiert hat. Ihre größten Erfolge erzielte sie mit der französischen 4-mal-400-Meter-Staffel.

Floria Gueï (née le à Nantes) est une athlète française d'origine ivoirienne spécialiste du 400 mètres licenciée au club de Entente Sud lyonnais.


Vorkommen und Funktion.

Methyl-Coenzym-M-Reduktase kommt in allen methanogenen Archäen vor, unabhängig ob das Substrat CO, Formiat, Kohlenstoffmonoxid, Acetat oder eine Methylgruppe (Methanol, Dimethylsulfid oder Methylamin) ist. In aneroben methanotrophen archaeen (ANME Archäen) wird Methyl-Coenzym-M-Reduktase zur Methanaktivierung verwendet. Methan wird dabei zu Methyl-Coenzym M umgesetzt.

Funktion als phylogenetischer Marker.

Weil die Methyl-Coenzym-M-Reduktase in allen methanogenen und methanotrophen Archäen vorkommt, kann das mcrA-Gen als phylogenetischen Marker für diese Organismen verwendet werden.

Struktur.

Methyl-coenzym-M-Reduktase besteht aus drei verschiedenen Proteinketten, welche als "C"-symmetrischer αβγ-Komplex zusammengesetzt sind. Zwei Moleküle des Nickel-Hydrocorphinats F bilden die aktiven Stellen. Methyl-Coenzym-M-Reduktase konnte von Methanogenen, als auch von Methanotrophen Organismen kristallisiert werden und die entsprechenden Röntgenstrukturen sind veröffentlicht.

Aktivierung von Methyl-Coenzym-M-Reduktase.

Das Enzym ist nur katalytisch aktiv, wenn das Nickelion im Cofaktor F430 im Oxidationszustand Ni(I) vorliegt. Im stabileren Oxidationszustand Ni(II) ist das Enzym inaktiv und muss mittels eines ATP-abhängigen Enzymkomplex in die aktive Ni(I)-Form überführt werden.

Reaktion.

Die enzymatische Reaktion stellt eine Umsetzung eines Alkylthioethers (Methyl-Coenzym M) mit einem Thiol (Coenzym B) zu einem Alkan (Methan) und einem Disulfid (CoB-S-S-CoM) dar. Eine solche chemische Reaktion konnte bislang noch nie im Labor durchgeführt werden. Die Aufklärung des Reaktionsmechanismus ist deshalb für Chemiker von besonderem Interesse.

Mechanismus.

Der Reaktionsmechanismus von Methyl-Coenzym-M-Reduktase ist immer noch unklar.

Zwischenprodukte.

Mit den natürlichen Substraten konnte gezeigt werden, dass Zwischenprodukte gebildet werden, es konnte jedoch noch nie ein Zwischenprodukt spektroskopisch charakterisiert werden, das auf dem natürlichen Katalyseweg vorkommt. Studien mit Inhibitoren und analogen Substraten zeigen, dass das Enzym die Fähigkeit besitzt Ni-H-, Ni-C- und Ni-S-Bindungen einzugehen, welche alle durch ESR-Spektroskopie bewiesen werden konnten.

S2-Mechanismus.

Ein S2-Mechanismus wäre analog zu Vitamin B12 als Supernukleophil. In einem solchen Mechanismus würde Ni(I) (analog zu Co(I)) die Methylgruppe von Methyl-Coenzym-M nucleophil angreifen und zu Methyl-Ni(III) führen (analog zu Methyl-Co(III)). Methyl-Ni(III) würde dann reduziert und zu Methan protoniert. Dieser Mechanismus ist in der Lage die Inversion am Kohlenstoff zu erklären, welche mit Hilfe von chrialem Ethyl-Coenzym M gezeigt werden konnte. Experimentell bestimmte kinetische Isotopeneffekte scheinen einen S2-Mechanismus jedoch auszuschließen.

Radikalmechanismus.

Ein radikalischer Mechanismus ist kompatibel mit den kinetischen Isotopeneffekten. Es ist jedoch unklar, wie eine Inversion mit chrialem Ethyl-Coenzym M gemessen werden kann, da primäre radikale schnell invertieren. Für die Rückreaktion (Methanoxidation) würde ein solcher Mechanismus eine C-H-Aktivierung an Methan mittels eines Thiyl-Radikals darstellen, was stark endergon wäre und noch nie gezeigt werden konnte.

Alternative Mechanismen.

Eine Oxidative Addition wurde als erster Schritt der Methanoxidation in Betracht gezogen. Eine andere Möglichkeit ist eine Protonierung von Coenzym F430 als erstes Zwischenprodukt.

Das Enzym Methyl-Coenzym-M-Reduktase katalysiert den letzten Schritt der biologischen Methanbildung. In der katalytischen Reaktion wird der Methylthioether Methyl-Coenzym M mit dem Thiol Coenzym B zu Methan und dem entsprechenden Heterodisulfid umgesetzt:

La méthyl-coenzyme M réductase, ou coenzyme-B sulfoéthylthiotransférase, est une enzyme spécifique aux archées méthanogènes. Elle intervient dans la dernière étape de la méthanogenèse pour catalyser la libération du méthane fixé sur la méthyl-coenzyme M, avec l'aide de la coenzyme B et du cofacteur :


Hintergrund.

Im März 1964 traf Lennon den Journalisten Kenneth Allsop. Allsop erklärte ihm, dass er die Tiefgründigkeit, die er in Lennons Buch "In His Own Write" entdeckte, in seinen Liedern vermisse. Er schlug Lennon vor, eher autobiografische anstelle von abstrakten Liebesliedern zu komponieren. Diese Begegnung markierte einen Wendepunkt in Lennons Leben, und er nahm sich Allsops Vorschlag zu Herzen. Weiter ermutigt wurde er durch Bob Dylans Kompositionsstil, der ihn bei "I’m a Loser" deutlich beeinflusste.

Aufnahme.

"I’m a Loser" wurde am 14. August 1964 in den Londoner Abbey Road Studios aufgenommen. Produzent war George Martin, dem Norman Smith assistierte. Die Beatles nahmen das Lied unter Live-Bedingungen in acht Takes auf. Overdubs wurden nicht hinzugefügt. Lennon sang, spielte eine akustische Gitarre und gleichzeitig Mundharmonika. Paul McCartney sang ebenfalls mit und spielte den Bass, während George Harrison und Ringo Starr Sologitarre und Schlagzeug beisteuerten.

Veröffentlichung.

Das Lied erschien am 4. Dezember 1964 auf dem vierten Studioalbum der Beatles "Beatles for Sale".  Einige Wochen vor der Veröffentlichung, am 17. November 1964, spielten die Beatles "I’m A Loser" bereits in der BBC-Radioshow "Top Gear". Diese Fassung erschien 1994 auf dem Beatles-Album "Live at the BBC". Am 26. Mai 1965 spielte die Band das Lied erneut für die BBC. Bei dieser unveröffentlichten Fassung veränderte Lennon den Text. Anstatt “beneath this mask I am wearing a frown” (deutsch: ‚Unter dieser Maske trage ich ein Stirnrunzeln‘) sang er die absurde Zeile “beneath this wig I am wearing a tie” (deutsch: ‚Unter dieser Perücke trage ich eine Krawatte‘).

I’m a Loser () ist ein Lied der britischen Band The Beatles aus dem Jahr 1964. Komponiert wurde es von John Lennon, es steht jedoch unter dem bei der Band üblichen Copyright "Lennon/McCartney".

<dfn>'</dfn> est une chanson des Beatles composée par John Lennon et créditée Lennon/McCartney. Il s'agit de la première chanson véritablement personnelle de Lennon, inspiré par Bob Dylan. Enregistrée en, elle paraît sur l'album'(" aux États-Unis).


Cathédrale de la Sainte-Trinité de Québec

Geschichte.

Nach der Eroberung der Stadt im Jahr 1759 nutzten die Briten zunächst die ehemalige Kapelle des Franziskanerklosters. Die britische Krone strebte danach, den Anglikanismus zu verbreiten und gründete 1793 die Diözese Québec. Der erste Bischof war Jacob Mountain, ernannt durch König George III. mittels Letters Patent. Das Kloster brannte 1796 vollständig nieder, woraufhin die Regierung ein Grundstück enteignete, um darauf eine Kathedrale errichten zu können. Die Architekten waren zwei Ingenieure der Royal Artillery, Captain William Hall und Major William Robe. Sie orientierten sich dabei an der Kirche St Martin-in-the-Fields in London. Bauleiter waren der Maurer Edward Cannon und der Schreinermeister Jean-Baptiste Bédard. Die britische Krone übernahm die Baukosten und stellte die liturgischen Geräte zur Verfügung.  Die Bauarbeiten begannen 1800 und waren vier Jahre später abgeschlossen. Holy Trinity ist das erste Gebäude auf kanadischem Territorium, bei dem der Baustil des neoklassizistischen Palladianismus zur Anwendung gelangte; es übte einen großen Einfluss auf spätere Kirchenbauten in Québec aus. Die Londoner Whitechapel Bell Foundry stellte 1830 das aus acht Glocken bestehende Geläut her. Zwischen 1895 und 1897 wurden eine neue Empore und eine neue Kanzel eingebaut. Von 1991 bis 1993 wurde die Kathedrale umfassend renoviert.

Gebäude.

Der Grundriss des nüchtern wirkenden Gebäudes ist ein leicht verschobenes Rechteck (ein so genanntes Parallelepiped). Der Baukörper zeichnet sich durch seine strengen Linien aus, die einen deutlichen Kontrast zu den umliegenden, üppig dekorierten Bauwerken setzen. Darüber erhebt sich ein oktogonaler Glockenturm. Das Innere der Kirche ist dreischiffig, zwei ionische Säulenreihen tragen die gewölbte, mit Rautenmotiven geschmückte Decke. Der enge Chor mit dem Hauptaltar wird von zwei Sakristeien flankiert.

Orgel.

Die erste Orgel, ein Werk des renommierten Londoner Orgelbauers Thomas Elliot, wurde im Jahre 1804 installiert. 1847 wurde sie durch eine Orgel von Henry Bevington ersetzt, diese wiederum 1909 durch eine Casavant-Orgel. Zusätzlich verfügt die Kathedrale über eine Kammerorgel, die 2004 aus Anlass des 200. Jubiläums der Kathedrale installiert wurde. Sie war 1790 von "England & Son" gebaut worden und befand sich ursprünglich im Besitz des Arztes William Bagshawe aus Sheffield, der mit Joseph Haydn befreundet war. Diese Orgel wurde nach über zweihundert Jahren nach Kanada gebracht, dort restauriert und von einem anonymen Spender der Diözese geschenkt.

Die Kathedrale der Heiligen Dreieinigkeit,,, ist eine Kathedrale in der kanadischen Stadt Québec. Sie ist Sitz der Diözese Québec der Anglikanischen Kirche von Kanada. Das Gebäude steht an der Place d’Armes in der Oberstadt und wurde in den Jahren 1800 bis 1804 im Stil des Palladianismus erbaut. Seit 1989 ist die Kathedrale als nationale historische Stätte klassifiziert, sie ist auch als Kulturgut der Provinz Québec geschützt.

La cathédrale anglicane de la Sainte-Trinité (en anglais : "Anglican Cathedral of the Holy Trinity") est la cathédrale du diocèse anglican de Québec. Il s'agit du premier édifice construit hors des îles britanniques pour servir de cathédrale anglicane. Le clocher est inspiré de celui de la cathédrale St Martin in the Fields à Londres.


Leben.

Jugend.

Jacqueline Delubac kam 1907 in Lyon als Tochter des Kaufmanns Henri Basset und seiner Frau Isabelle, geborene Delubac, zur Welt. Henri Basset starb bereits 1911, als seine Tochter erst vier Jahre alt war. Isabelle Basset zog danach mit Jacqueline zu ihren Eltern nach Valence, wo der Großvater mütterlicherseits als Seidenhändler tätig war. Hier verbrachte Jacqueline Delubac ihre Kindheit. Schon früh zeigte sich ihr künstlerisches Talent. Im Alter von 13 Jahren veröffentlichte die Zeitschrift "Les Marges, revue de littérature et d’art" ein Gedicht der erst Dreizehnjährigen. Zusammen mit ihrer Mutter ließ sie sich 1928 in Paris nieder. Sie nahm Gesangs- und Tanzunterricht und trat auf der Bühne fortan mit dem Geburtsnamen ihrer Mutter auf.

Beginn der Schauspielkarriere.

Als Jacqueline Delubac debütierte sie 1928 in einer Revue von Rip (Georges-Gabriel Thenon) im Théâtre des Bouffes-Parisiens. 1930 trat sie im Théâtre de l’Empire in einer Revue auf, in der sie Tanzdarbietungen von Josephine Baker nachahmte. Als Schauspielerin trat sie im selben Jahr in einer Nebenrolle in dem Stück "Étienne" von Jacques Deval im Théâtre Saint-Georges auf. Parallel begann sie ihre Kinokarriere und drehte 1930 ihren ersten Film "Chérie" unter der Regie von Louis Mercanton. Es folgte eine Nebenrolle in dem Film "Marions-nous" (1931) ebenfalls von Mercanton und "Une Brune piquante" (1932) von Serge de Poligny.

Zusammenarbeit mit Sacha Guitry.

1931 lernte Jacqueline Delubac den Dramatiker, Theaterregisseur und Schauspieler Sacha Guitry kennen. Er verpflichtete sie für eine Rolle in seiner Komödie "Villa à vendre", in der er im Théâtre de la Madeleine an ihrer Seite spielte. Die beiden setzten ihre Zusammenarbeit fort und Delubac trat in zahlreichen Stücken von Guitry auf, der immer wieder mit ihr gemeinsam auf der Bühne stand. So spielte sie 1933 die Hauptrolle in der Komödie "Châteaux en Espagne" am Théâtre des Variétés, trat am selben Theater in "Mon double et ma moitié" auf und hatte eine Rolle in "L’École des philosophes" im Théâtre du Palais des Beaux-Arts in Brüssel. Hinzu kam ein Gastspiel in "Son père et lui" im Théâtre des Célestins in Lyon. Im selben Jahr wurden Delubac und Guitry auch privat ein Paar und sie zog in seine Wohnung in einem Hôtel particulier in der Pariser Avenue Élisée-Reclus ein. 1934 folgten weitere Auftritte in Guitrys Stücken "L’Illusionniste" im Théâtre des Variétes, und "Le Nouveau Testament" im Théâtre de la Madeleine. Jacqueline Delubac heiratete am 15. Februar 1935 den 22 Jahre älteren Sacha Guitry. Für sie war es die erste Ehe, für ihn bereits die dritte. Auf der Bühne war sie in diesem Jahr in "La Fin du monde" zu sehen, einem weiteren Stück von Guitry, dass am Théâtre de la Madeleine aufgeführt wurde. Danach gastierte sie mit diesem Stück im Daly's Theatre in London und in Italien. Im selben Jahr überredete sie Guitry erstmals für das Kino zu arbeiten. Der im April und Mai 1935 gedrehte Film "Bonne chance!" – Delubac spielte die Rolle der "Marie Muscat" – war die erste gemeinsame Arbeit fürs Kino. Es folgten weitere Filme, bei denen Guitry häufig seine eigenen Theaterstücke für das Kino bearbeitete und in denen er meist selbst mitspielte. Delubac hatte unter Guitrys Regie allein 1936 Filmrollen in "Le Nouveau Testament" (als "Juliette Lecourtois"), "Mon père avait raison" (als "Loulou"), "Le Roman d’un tricheur" (als "Henriette Gertrude Bled"), "Faison un rêve" (als "Elle") und "Le Mot de Cambronne". Zudem spielte sie im selben Jahr auf der Bühne des Théâtre de la Madeleine in den Stücken "Mon père avait raison", "Geneviève" und "Le Mot de Cambronne" (als "La servante"). Ebenfalls dort folgte 1937 die Rolle der "Claudine André" in "Quadrille", wiederum ein Stück von Guitry. "Quadrille" wurde im selben Jahr von Guitry verfilmt, der neben Delubac und Gaby Morlay eine Hauptrolle spielte. Delubac (als "Odette Cléry") und Guitry arbeiteten zudem in dem Film "Désire" zusammen. Zu ihren größten Erfolgen gehörte der ebenfalls 1937 gedrehte Film "Les Perles de la Couronne" ("Die Perlen der Krone"), den Guitry zusammen mit Christian-Jaque verwirklichte. An der Seite von Guitry und Raimu spielte Delubac in diesem Film gleich drei Rollen: Françoise Martin, Maria Stuart und Joséphine de Beauharnais. 1938 arbeiteten Delubac und Guitry wiederum in mehreren Produktionen zusammen. Bei der Neuinszenierung von Guitrys Stück "Le Comédien" im Théâtre de la Madeleine spielte Delubac die Rolle der "Jacqueline Maillard". Weiter nahm sie die Rolle der "Andrée Armand" in dem nach einem Theaterstück von Guitry gedrehten Film "L'Accroche-cœur" von Pierre Caron an. Guitry schrieb zudem die Handlung des Films "Remontons les Champs-Élysées", indem er selbst in mehreren Rollen auftrat und Delubac die "Flora" spielte. Ein Höhepunkt ihrer Zusammenarbeit war ein Auftritt im Élysée-Palast während des Staatsbesuches des britischen Königs Georg VI. und seiner Frau Elizabeth. Guitry und Delubac spielten auf Einladung des französischen Präsidenten Albert Lebrun vor dem Königspaar und weiteren Gästen den von Guitry zu diesem Anlass geschriebenen Einakter "Dieu sauve le Roy!" Am 3. November 1938 hatte das Stück "Un monde fou" am Théâtre de la Madeleine Premiere. Guitry trat in diesem von ihm geschriebenen Stück wiederum selbst auf und Delubac übernahm die Rolle der "Mademoiselle Putifat". Es war die letzte Zusammenarbeit von Guitry und Delubac bevor sie sich im Dezember des Jahres trennten. Die Scheidung erfolgte am 5. April 1940.

Weitere Karriere als Schauspielerin.

Nach der engen Zusammenarbeit mit Guitry, setzte Delubac ihre Schauspielkarriere mit wechselnden Regisseuren fort. So übernahm sie 1939 im Film "Jeunes Filles en détresse" unter der Leitung von Georg Wilhelm Pabst die Rolle der "Pola d’Ivry" und spielte in "Dernière Jeunesse" die Figur der "Marcelle". Regie führte bei diesem Film Jeff Musso und an ihrer Seite trat erneut Raimu auf, mit dem sie bereits in "Perles de la Couronne" zusammen gearbeitet hatte. 1940 folgten drei weitere Kinofilme. In "La Comédie du bonheur" von Marcel L’Herbier übernahm sie an der Seite von Michel Simon die Rolle der "Anita", spielte in "Le Collier de chanvre" von Léon Mathot die Figur der "Lady Gladys Carter-Fawcett" und wirkte in "L’Homme qui cherche la vérité" von Alexander Esway mit. Hier tat sie als "Jacqueline Diel" erneut an der Seite von Raimu auf. 1941 kehrte sie zurück auf die Theaterbühne und spielt die "Francine Chanal" in "La main passe" von Georges Feydeau am Théâtre des Mathurins. Die Bühnenkostüme für diese Aufführung entwarfen der Schriftsteller und Maler Jean Cocteau und der Modeschöpfer Robert Piguet. Ebenfalls 1941 drehte sie unter der Regie von Maurice Tourneur den Film "Volpone" und übernahm die Rolle der "Colomba".  1944 folgten weitere Auftritte am Theater. So spielte sie in "Je vivrai un grand amour" von Steve Passeur am Théâtre des Mathurins und in "Trois douzaines de roses rouges" von Georges Delance und Antonio de Benedetti. Mit diesem Stück gastierte sie 1948 am Théâtre des Célestins in Lyon und ging 1949 auf Tournee nach Marseilles, Algerien, Belgien und in die Schweiz. Zuvor war sie bereits 1945 auf Tournee in Südamerika unterwegs. Zusammen mit einer Gruppe Schauspielern unter der Leitung von Jean Marchat trat sie dort in den Stücken "La Parisienne" von Henry Becque, "Le Misanthrope" ("Der Menschenfeind") von Molière, "Histoire de rire" von Armand Salacrou und "Je vivrai un grand amour" von Steve Passeur auf. Ebenfalls 1945 entstand der Film "J’ai dix-sept ans" von André Berthomieu, in dem sie die Rolle der "Suzanne" spielte. In Molieres "Le Misanthrope" trat sie 1947 im Pariser Théâtre des Mathurins erneut auf. 1948 folgten weitere Theaterrollen. So trat sie in "N’empêchez pas la musique" von Fabien Régnier am Théâtre de Poche in Genf und am Pariser Théâtre des Mathurins auf und ging mit "Tous les deux" von Michel Dulud auf Theatertournee durch die großen Städte Frankreichs und gastierte im Théâtre royal du Parc in Brüssel. 1949 war sie als "Madame de Lannier" in dem Film "Le Furet" von Raymond Leboursier zu sehen. Ihren letzten Film drehte sie 1950. In "La vie est un jeu" von Raymond Lebroursier spielte sie an der Seite von Louis de Funès die Rolle der "Evanella". Im selben Jahr trat sie am Théâtre de la Potinière in Paris in "Ce cher trésor" von Pierre Maudru und Andre Rivollet auf. Es folgte 1951 eine Rolle in "La Jeune Veuve" von Antonio de Benedetti am Théâtre Monceau. Jacqueline Delubac beendete 1951 ihre Karriere als Film- und Theaterschauspielerin. Sie spielte insgesamt in 27 Theaterrollen und in 25 Kinofilmen mit. Unter dem Titel "Faut-il épouser Sacha Guitry?" veröffentlichte sie 1976 ihre Erinnerungen als Schauspielerin.

Der Modestil von Jacqueline Delubac.

In den 1930er Jahren galt Delubac mit ihren feinen Gesichtszügen und ihrer stilvollen Garderobe als Musterbeispiel der modischen Pariserin. Seit ihrer Zusammenarbeit mit Sacha Guitry ließ sie sich exklusiv vom Modeshaus der Jeanne Paquin einkleiden, die eines ihrer Ateliers nur für Jacqueline Delubac arbeiten ließ. So bezog sie von dort bis zum Ende ihrer Schauspielkarriere 1951 ihre gesamte Bühnen- und Filmkostüme, aber auch persönliche Tages- und Abendkleider. Delubac sorgte gelegentlich mit ihrer extravaganten Kleidung für Aufsehen. Beispielsweise trug sie 1938 im Theaterstück "Un Monde fou" einen Herrenanzug nach dem Vorbild von Marlene Dietrich. Ihre modische Erscheinung wurde durch zahlreiche Abbildungen in Illustrierten publiziert und selbst Schriftsteller wie Jean Chalon lobten ihr elegantes Aussehen. Auch nach ihrem Rückzug von der Bühne gehörte Jacqueline Delubac zur gesellschaftlichen Oberschicht in Paris ("Tout-Paris"). Das Life Magazine veröffentlichte 1966 ein Foto von Bill Eppridge, bei dem Jacqueline Delubac eine Modenschau von Chanel besuchte. Sie saß bei dieser Gelegenheit in der ersten Reihe zwischen den Schauspielerinnen Barbra Streisand und Marlene Dietrich. Ihr Interesse für Mode behielt sie bis ins hohe Alter. So besuchte sie 1991 mit 84 Jahren eine Modenschau von Dior und befand sich bei dieser Gelegenheit in Gesellschaft der Designerin Paloma Picasso und der Opernsängerin Jessye Norman Besondere mediale Beachtung fand 1972 das "Dîner des Têtes Surréalistes" (Sinngemäß "Abendessen der surrealistischen Köpfe"). Zu dieser Veranstaltung hatte Guy de Rothschild auf sein Landsitz Château de Ferrières eingeladen und seine Gäste gebeten, sich im Stil des Surrealismus zu kostümieren. Bei diesem gesellschaftlichen Ereignis kamen Gäste wie François-Marie Banier, Audrey Hepburn, Hélène Rochas, Marisa Berenson, Maria Gabriella di Savoia, Hugues Gall, Charles de Croisset, Paul-Louis Weiller und Salvador Dalí. Jacqueline Delubac trug an diesem Abend ein langes rosafarbenes Kleid mit Schleife um die Taille. Auf dem Kopf hatte sie einen schwarzen Hut gesetzt, von dem nach vorn ein grüner Apfel herab hing, der nahezu ihr gesamtes Gesicht verbarg. Vorbild für diesen vor dem Gesicht getragenen Apfel war ein Gemälde von René Magritte. Nach ihrem Tod vermachte sie 600 Stücke ihrer Garderobe (Kleider und Schuhe) aus den 1960er bis 1990er Jahren dem Musée de la Mode et du Textile in Paris. Die Autorin Dominique Sirop widmete sich in dem Buch "L’élégance de Jacqueline Delubac" ausführlich dem Modestil von Jacqueline Delubac.

Die Kunstsammlerin.

Spätestens 1933, als Jacqueline Delubac bei Sacha Guitry einzog, lernte sie auch seine Kunstsammlung kennen. In der luxuriös eingerichtete Wohnung in der Avenue Élisée-Reclus befanden sich Werke von Bourdelle, Braque, Cézanne, Degas, Maillol, Matisse, Rembrandt, Renoir, Rodin, Toulouse-Lautrec, Van Dongen und Van Gogh. Nach der Trennung von Guitry verkaufte sie ihren Schmuck, den sie von ihrem Ex-Ehemann als Geschenk erhalten hatte und begann mit dem Aufbau einer eigenen Kunstsammlung. Im Dezember 1944 erstand sie in der Pariser Galerie Louis Carré das Gemälde "L’Atelier aux Raisins" von Raoul Dufy. In der Folgezeit, vor allem nach Beendigung ihrer Schauspielkarriere ab Mitte der 1950er Jahre, erwarb sie weitere bedeutende Arbeiten. Neben Pariser Kunsthändlern besuchte sie auch Galerien in New York. So kaufte sie 1956 in der New Yorker Filiale der Galerie von Paul Rosenberg das Gemälde "Femme au chevalet" von Georges Braque und erwarb in den Perls Galleries das Bild "Les Deux Femmes au bouquet" von Fernand Léger. Zudem besuchte sie Künstler in ihren Ateliers und erwarb Bilder direkt von ihnen. So gelangte die Komposition "T. 1955-33" von Hans Hartung ein Jahr nach der Entstehung in die Sammlung Delubac. Die Sammlerin hatte sich bei Auswahl der Kunstwerke nicht auf eine Kunstrichtung festgelegt, sondern erwarb Bilder völlig unterschiedlicher Kunstströmungen. So gibt es abstrakte und gegenständliche Malerei, Bilder des Surrealismus und Kubismus, Stillleben und Porträts. Allen Bildern gemein ist lediglich der Entstehungszeitraum – die von Jacqueline Delubac erworbenen Bilder stammen alle aus dem 20. Jahrhundert. Ihr Augenmerk galt dabei immer wieder der aktuellen Kunst. Beispiel hierfür ist das Bild "Le verre d’eau V." von Jean Dubuffet, das sie 1967 – im Entstehungsjahr – kaufte. Auch das 1982 erworbene Bild "Carcass of Meat and Bird of Prey" von Francis Bacon, war erst zwei Jahre zuvor entstanden. Ein weiteres Bild von Bacon, "Study for a Bullfight, no. 2", aus dem Jahr 1967 befand sich ebenfalls in der Sammlung. Zu den weiteren erworbenen Bildern gehören "Figure" von Joan Miró, "La Sainte Face" von Georges Rouault, "My Fair Lady" von Jean Fautrier, "Femme assise sur la plage" von Pablo Picasso, "Les Voies abandonnées" von Victor Brauner, "La Femme au couteau" und "La Confidence" von Wifredo Lam und "Composition" aus dem Jahr 1955 von Serge Poliakoff. Darüber hinaus gab Jacqueline Delubac zwei Porträts von sich in Auftrag. Bernard Buffet malte 1955 das "Portrait de Jacqueline Delubac" und Paolo Vallorz schuf 1960 ein Bildnis gleichen Titels.  1981 heiratete Jacqueline Delubac in zweiter Ehe den Diamantenhändler Myran Eknayan. Beide verband das Interesse für Kunst und beide hatten eine eigene Kunstsammlung aufgebaut. Die Sammlung von Eknayan hatte jedoch einen anderen Schwerpunkt. Er besaß Werke des Impressionismus mit Bildern von Manet, Monet, Renoir und Degas sowie Arbeiten des Fauvismus von Bonnard und Vuillard. Es gab nur wenige Berührungspunkte bei den Sammlungen. So besaßen zwar beide ein Gemälde von Picasso, aber Eknayans "Nu aux bas rouges" ist ein Frühwerk von Picasso, dass stilistisch eher dem Impressionismus zuzuordnen ist, während "Femme assise sur la plage" aus der Sammlung Delubac ein kubistisches Bild des Künstlers ist. Lediglich die beiden Gemälde von Georges Rouault zeigen eine nahe Verwandtschaft. "La Sainte Face" aus der Sammlung Delubac und "Pierrot" aus der Sammlung Eknayan stammen beide aus der Zeit 1938–1939 und sind im selben Stil gemalt.  Myran Eknayan starb 1985 und Jacqueline Delubac erbte die Kunstsammlung ihres Mannes. Als Ausgleich für die fällige Erbschaftssteuer, überließ sie das großformatige Gemälde "Das Frühstück im Grünen" von Claude Monet dem französischen Staat, der es der Sammlung des Pariser Musée d’Orsay übertrug. Darüber hinaus verkaufte sie einige der geerbten Bilder, darunter "Le Lit de la bonne" von Kees van Dongen. Ihre letzten Lebensjahre wohnte Jacqueline Delubac umgeben von der gemeinsamen Kunstsammlung in einem Appartement am Pariser Quai d’Orsay. Nur vereinzelt erwarb sie noch neue Kunstwerke für ihre Sammlung. So kaufte sie 1986 zwei abstrakte Bilder "Sans titre" ("Ohne Titel") von Albert Bitran und 1990 direkt vom Künstler Paolo Vallorz das erst zwei Jahre zuvor entstandene Gemälde "Nathalie au miroir".  Ab 1988 begann sich die kinderlose Jacqueline Delubac Gedanken über die Zukunft ihrer Sammlung zu machen. Zunächst hatte sie die Idee, die von ihrem Mann erworbenen Kunstwerke dem Musée National d’Art Moderne im Centre Georges Pompidou zu vermachen. Der Direktor des Museums, Jean-Hubert Martin, zeigte zwar durchaus Interesse an bestimmten Werken wie beispielsweise Picassos Gemälde "Nu aux bas rouge", fand aber insbesondere die Gemälde des Impressionismus aus der ursprünglichen Sammlung Eknayan für sein Museum unpassend. Er stellte daraufhin den Kontakt zwischen Jacqueline Delubac und Philippe Durey, dem Direktor des Musée des Beaux-Arts in Lyon, her. Zu ihrer Geburtsstadt, aus der sie im Alter von vier Jahren mit ihrer Mutter weggezogen war, hatte Jacqueline Delubac bis dahin bis auf kurze Gastspielaufenthalte keinerlei Beziehungen. Im April 1988 besuchte sie erstmals das Musée des Beaux-Arts in Lyon und führte mit dessen Direktor in den Folgejahren wiederholt Gespräche über ein mögliches Vermächtnis. 1993 verfasste sie schließlich ihr Testament und verfügte darin, dass 35 Gemälde und Pastelle sowie 3 Skulpturen von Auguste Rodin nach ihrem Tod an das Museum in Lyon gehen sollten. Anders als ursprünglich angedacht, gehörten nicht nur Werke aus der Sammlung ihres verstorbenen Mannes, sondern auch Bilder des 20. Jahrhunderts aus ihrer eigenen Sammlung zu diesem Erbe. Sie begründete diese Entscheidung damit, dass die Pariser Museen bereits umfangreiche Sammlungsbestände hätten. Zudem wollte sie vermeiden, dass die von ihr vermachten Kunstwerke in einem Museumsdepot lagern könnten. Das Musée des Beaux-Arts in Lyon verpflichtete sich die Sammlung Delubac-Eknayan zusammenhängend in zwei nach dem Sammlerehepaar zu benennenden Sälen auszustellen. Vorab erhielt das Museum 1995 das Stillleben "Poisson sur une assiette" von Pierre Bonnard als Geschenk.  Jacqueline Delubac starb 1997 in einem Krankenhaus in Créteil, nachdem sie bei einem Verkehrsunfall mit einem Fahrradfahrer zusammengestoßen war. Ihr Grab befindet sich auf dem Cimetière de Garches im Pariser Vorort Garches. Das Musée des Beaux-Arts in Lyon stellte 1998 erstmals das Vermächtnis von Jacqueline Delubac aus. Seitdem sind die Werke der Sammlung Delubac-Eknayan mit Arbeiten von Monet, Manet, Renoir, Degas, Bonnard, Léger, Braque, Picasso, Modigliani, Bacon, Rodin und weiteren Künstlern in der Dauerausstellung des Museums zu sehen. 2014/2015 widmete das Musée des Beaux-Arts Jacqueline Delubac eine Sonderausstellung, in der neben ihrem Vermächtnis auch das Leben der Schauspielerin gewürdigt wurde.

Jacqueline Delubac (* 27. Mai 1907 in Lyon als "Isabelle Jacqueline Basset"; † 14. Oktober 1997 in Créteil) war eine französische Theater- und Filmschauspielerin. In den 1930er Jahren spielte sie erfolgreich in mehreren Stücken und Filmen von Sacha Guitry mit, den sie 1935 heiratete. Sie gehörte in dieser Zeit zu den bekanntesten Darstellerinnen in Frankreich und galt wegen ihrer modebewussten Erscheinung als Musterbeispiel der eleganten Pariserin. Nach Beendigung ihrer Bühnenkarriere widmete sie sich dem Aufbau einer Kunstsammlung, in der sich überwiegend Arbeiten von Künstlern des 20. Jahrhunderts befanden. Nach ihrem Tod hinterließ sie dem Musée des Beaux-Arts in Lyon bedeutende Werke ihrer Sammlung, sowie aus dem Nachlass ihres zweiten Mannes, des Diamantenhändlers Myran Eknayan.

Jacqueline Delubac est une actrice française, née le dans le 6 arrondissement de Lyon, morte le, à Créteil (Val-de-Marne). Elle fut la troisième épouse de Sacha Guitry et l'interprète de onze de ses films. Après avoir abandonné le cinéma et le théâtre, Jacqueline Delubac est devenue collectionneuse d'art.


Handlung.

Bei einem Treffen zwischen dem amerikanischen Waffenspezialisten Howard Graham und seinem Geschäftspartner Kopeikin in einem Istanbuler Nachtclub assistiert ersterer einem auftretenden Zauberkünstler. Während eines Tricks fällt ein Schuss und der Magier ist tot.  Der Ermittler Haki vermutet, dass der Anschlag eigentlich Graham galt und schickt diesen auf ein Schiff, das Batumi zum Ziel hat. Schon auf dem Schiff trifft Graham den Deutschen Dr. Haller sowie Banat, der einer der Verdächtigen für den Anschlag ist. In Batumi angekommen, zwingen ihn diese beide in ein Auto, doch Graham gelingt es, die Flucht zu ergreifen. Er will zu einem Hotel, in dem er sich mit seiner Frau verabredet hat.  Dort angekommen trifft er erneut auf seine Kontrahenten, die sich als Nazi-Agenten entpuppen. Im Verlauf einer Auseinandersetzung, an der auch Haki beteiligt ist, stirbt Banat.

Synchronisation.

Nicht alle Sprecher der deutschen Synchronisation, die zu Beginn der 1970er Jahre entstand sind bekannt. Bekannt ist jedoch, dass Orson Welles von Martin Hirthe, Joseph Cotton von Michael Chevalier und Everett Sloane von Harry Wüstenhagen synchronisiert wurden.

Hintergrund.

Zunächst war vorgesehen, dass Orson Welles die Regie in dem Film übernimmt, doch nach einiger Zeit übergab er diese an Norman Foster. Orson Welles wurde daher im Film nur noch als Drehbuchautor und Produzent aufgeführt, nicht jedoch als Regisseur. Gleichwohl wurden einige Szenen, darunter die Schlussszene, von Welles gedreht.  Später gab Orson Welles an, der Film sei von den Produzenten massakriert worden. Für Cotten, Foster und ihn sei er so etwas wie ein "private joke" gewesen.

Veröffentlichung.

Eine 91-minütige Fassung wurde im August 1942 zur Probe aufgeführt, eine um circa 20 Minuten gekürzte Fassung lief 1943 unter anderem in Mexiko, den USA und Australien an. In der Deutschland lief der Film nicht im Kino, sondern erst 1972 erstmals im Fernsehen.

Rezeption.

Das Lexikon des Internationalen Films beschreibt den Film als „mit abenteuerlichem Nervenkitzel aufstaffierte[n], hochdramatisch und atmosphärisch dicht entwickelte[n] Agentenfilm“.  Der Journalist Peter Buchka kritisiert vor allen Dingen die „Ungereimtheiten des Films“ und sieht auch in den von Welles gedrehten Szenen keinen positiven Beitrag hierzu. Davon abgesehen betrachtet er den Film im Kontext von Welles Werk als einen Wendepunkt. Demnach sei er „das Ende einer rückwärtsgerichteten, psychologisierenden Suche nach den Ursachen einer (persönlichen) Gegenwart und den Anfang eines Lebens, in dem es keinen Halt, keinen Mittelpunkt mehr gibt.“

Von Agenten gejagt (Originaltitel: "Journey into Fear") ist ein US-amerikanischer Agentenfilm aus dem Jahr 1943 von Norman Foster nach dem gleichnamigen Buch (Deutsche Übersetzung von 1975: "Die Angst reist mit") von Eric Ambler. Teile des Films wurden von Orson Welles gedreht, der den Film auch produziert hat.

Voyage au pays de la peur ("Journey Into Fear") est un film américain réalisé par Norman Foster sorti en 1943. Il est une adaptation d'un roman d'Eric Ambler.


Hintergrund.

Military Industry Corporation ist in den letzten Jahren zu einem der größten Rüstungskonzerne Afrika geworden. Neben der Versorgung der sudanesischen Armee exportiert der Sudan zunehmend Waffen und ist zu einem der „weltweit dynamischsten Märkte für Waffen geworden“. Gerade im Bereich der Infanteriewaffen ist in den letzten Jahren eine steigende Entwicklung zu verzeichnen. MIC untersteht dem sudanesischen Geheimdienst und gehört zu 35 % iranischen Eignern. Mit iranischen und chinesischen Herstellern bestehen Partnerschaften.

Kritik.

Dem Sudan wird immer wieder vorgeworfen, auch Terrororganisationen, islamistische Milizen und Bürgerkriegsparteien zu beliefern.

Geschichte.

Alshagara Industrial Complex (AIC).

1959 wurde der AIC eingeweiht, der bis heute Munition für Handfeuerwaffen produziert. Des Weiteren werden dort Mörser sowie Bomben gefertigt. 1994 wurde MIC per Dekret dem Ministerium der Verteidigung unterstellt. Seitdem wurde die Firma enorm ausgebaut. Verschiedene neue Komplexe entstanden.

Yarmouk Industrial Complex (YIC).

Seit 1996 produziert der YIC Dual-Use-Güter für die Transport- und Maschinenbauindustrie. Dort befinden sich eine Raketenfabrik, eine Fabrik für schwere Artillerie, eine Fabrik für mittlere und schwere Munition, eine Fabrik für leichte Artillerie-Munition sowie eine Fabrik für Maschinengewehre.

Saria Industrial Complex.

Seit 1997 werden dort Schuhe und Uniformen gefertigt.

Elshaheed Ibrahim Shamseldeen Complex.

Dieser Komplex produziert seit 2002 Panzer, Selbstfahrlafetten und gepanzerte Fahrzeuge/Schützenpanzer. Zusammen mit der südafrikanischen Firma Denel ist MIC damit einer der beiden afrikanischen Panzerhersteller.

Alzargaa Engineering Complex.

Der AEC liefert seit 2004 elektronische Produkte und Ausrüstung für die sudanesische Armee und ausländische Kunden (unter anderem Zielerfassungslaser und Feuerleitanlagen).  Moderne Infanterie-Ausrüstung wird im Paket mit ausgeliefert und orientiert sich am Future-Soldier-Programm der NATO.

Safat Aviation Complex (SAC).

Der SAC liefert seit 2005 Ersatzteile für die sudanesische Luftwaffe. 2011 wurde die Produktion eigener Flugzeuge (basierend auf Piper Super Cub und UTVA 75) und Hubschrauber (auf AK 1-3-Basis) begonnen. Auch sollen in naher Zukunft in Eigenregie Flugzeuge und Hubschrauber wie Mil Mi-24, Mil Mi-8 und Nanchang Q-5 gewartet werden. Die selbstständig entwickelte Gleitbombe BK-3 Burkan wurde erstmals auf der Militärmesse IDEX2017 vorgestellt. Es besteht eine Partnerschaft zwischen den Flugzeugwerken Nowosibirsk und dem SAC.

Produzierte Waffensysteme.

Alle Waffensysteme sind Kopien ausländischen Ursprungs.

Geschütze.

Für alle produzierten Waffensysteme liefert MIC auch die passende Munition, für Geschütze auch Feuerleitsysteme.

Die Military Industry Corporation ist die staatliche Rüstungsfirma des Sudan. Sie befindet sich in Khartum und versorgt die sudanesischen Armee mit Waffen, ist aber in den letzten Jahren verstärkt auch im Waffenexportgeschäft tätig.

La Military Industry Corporation est une entreprise soudanaise nationale d'armement fondée en 1993 regroupant des sociétés en activités depuis 1959.


Werdegang, Forschung und Lehre.

Dewatripont studierte Volkswirtschaftslehre an der Université libre de Bruxelles (ULB). Nach seinem Bachelor of Arts 1981 und Master of Arts 1982 ging er in die USA an die Harvard University. Dort erhielt er 1986 seinen PhD, bereits im Jahr zuvor war er als Forscher an die Université libre zurückgekehrt. 1988 ging er als Assistenzprofessor ans Massachusetts Institute of Technology, ab 1990 war er wiederum Lehrbeauftragter an der Université libre. 1994 wurde er dort zum ordentlichen Professor berufen.  Im Mai 2011 wurde Dewatripont für eine Amtszeit von 6 Jahren zum Direktor der Belgischen Nationalbank berufen. Parallel nahm er weitere Mandate und Ämter auf, zum Beispiel sitzt er seit Juni 2011 im Basel Committee on Banking Supervision, war zwischen Juni 2011 und Dezember 2013 bei der Europäischen Bankenaufsichtsbehörde und ab Juni 2011 bis Oktober 2013 zunächst als stellvertretendes und später Vollmitglied bei der Europäischen Aufsichtsbehörde für das Versicherungswesen und die betriebliche Altersversorgung. Seit März 2012 ist er Mitglied im Hohen Finanzrat. Mit Übernahme der Tätigkeiten bei der Nationalbank wurde er zum außerordentlichen Professor an der ULB. Bereits 2005 war er für ein Jahr Vorsitzender der Europäischen Ökonomischen Vereinigung.  Im Mittelpunkt der wissenschaftlichen Arbeit Dewatriponts stehen Fragestellungen zur Vertragstheorie und zu Organizational Behavior insbesondere im Bereich der Finanzindustrie.  Für seine Arbeit wurde Dewatripont mehrfach ausgezeichnet, darunter finden sich der 1998 verliehene Francqui-Preis und der 2003 verliehene Yrjö-Jahnsson-Preis. 2009 wurde er in die American Academy of Arts and Sciences gewählt.

Werke.

Die folgende Auflistung gibt von Dewatripont veröffentlichte Bücher wieder, zudem hat er zahlreiche Zeitschriftenartikel und Arbeitspapiere verfasst.

Mathias François Dewatripont (* 27. Dezember 1959 in Brüssel) ist ein belgischer Wirtschaftswissenschaftler. Im Juni 2014 übernahm er das Amt des Vizegouverneurs der Belgischen Nationalbank.

Mathias Dewatripont, né le à Bruxelles, est un économiste belge. Il est professeur d'économie à l'université libre de Bruxelles, et "visiting professor" au Massachusetts Institute of Technology depuis l'automne 1998.


Geografie.

Waukee liegt im Zentrum Iowas auf 41°36′42′′ nördlicher Breite und 93°53′07′′ westlicher Länge. Das Stadtgebiet erstreckt sich über eine Fläche von 33,64 km2 und liegt in der Walnut, der Boone und der Van Meter Township.  Nachbarorte von Waukee sind Clive (an der nordöstlichen Stadtgrenze), West Des Moines (17,5 km ostsüdöstlich), Van Meter (18,5 km südwestlich), Adel (11,4 km westlich) und Dallas Center (14,3 km nordwestlich).  Das Zentrum von Des Moines liegt 26,5 km östlich. Die nächstgelegenen weiteren Großstädte sind Cedar Rapids (225 km ostnordöstlich), Kansas City in Missouri (309 km südsüdwestlich), Nebraskas größte Stadt Omaha (204 km westsüdwestlich), die Twin Cities in Minnesota (Minneapolis und Saint Paul) (413 km nördlich).

Verkehr.

Der Interstate Highway 80 verläuft in West-Ost-Richtung durch den Süden des Stadtgebiets von Waukee. Der U.S. Highway 6 verläuft parallel dazu durch das Zentrum der Stadt. Alle weiteren Straßen sind untergeordnete Landstraßen, teils unbefestigte Fahrwege sowie innerörtliche Verbindungsstraßen.  Der nächste Flughafen ist der Des Moines International Airport (32,5 km südöstlich).

Bevölkerung.

Nach der Volkszählung im Jahr 2010 lebten in Waukee 13.790 Menschen in 5154 Haushalten. Die Bevölkerungsdichte betrug 409,9 Einwohner pro Quadratkilometer. In den 5154 Haushalten lebten statistisch je 2,67 Personen.  Ethnisch betrachtet setzte sich die Bevölkerung zusammen aus 93,9 Prozent Weißen, 1,3 Prozent Afroamerikanern, 0,2 Prozent amerikanischen Ureinwohnern, 2,6 Prozent Asiaten sowie 0,9 Prozent aus anderen ethnischen Gruppen; 1,1 Prozent stammten von zwei oder mehr Ethnien ab. Unabhängig von der ethnischen Zugehörigkeit waren 3,0 Prozent der Bevölkerung spanischer oder lateinamerikanischer Abstammung.  32 Prozent der Bevölkerung waren unter 18 Jahre alt, 60 Prozent waren zwischen 18 und 64 und 8 Prozent waren 65 Jahre oder älter. 51,4 Prozent der Bevölkerung waren weiblich.  Das mittlere jährliche Einkommen eines Haushalts lag bei 78.102 USD. Das Pro-Kopf-Einkommen betrug 37.909 USD. 4,2 Prozent der Einwohner lebten unterhalb der Armutsgrenze.

Waukee ist eine Stadt (mit dem Status „City“) im Dallas County im US-amerikanischen Bundesstaat Iowa. Im Jahr 2010 hatte Waukee 13.790 Einwohner, deren Zahl sich bis 2013 auf 17.077 erhöhte.

Waukee est une ville américaine située dans le comté de Dallas, dans l’État de l’Iowa. Elle comptait lors du recensement de 2010.


Leben.

Sacharow stammte aus einer adligen Familie aus dem Gouvernement Moskau und wurde im Moskauer Kadettenkorps erzogen. 1871 schloss er die Militärschule ab und wurde als Leutnant ins Leibgarde-Grenadierregiment aufgenommen. 1878 schloss er die Nikolaus-Generalstabsakademie als Stabskapitän ab und nahm mit einer Kavallerieeinheit am Russisch-Osmanischen Krieg von 1877/78 teil. Anschließend war er an verschiedenen Kavallerieschulen als Ausbilder tätig.  Von 1891 bis 1893 war er als Oberst Chef des Stabes der 14. Infanteriedivision sowie der Festung Kronstadt, bevor er bis 1897 den Befehl über das 38. Dragonerregiment erhielt. Zum Generalmajor befördert, diente er anschließend als Chef des Stabes des V. Armeekorps. Von 1899 bis 1901 diente er als Chef des Stabes eines Korps von Grenztruppen im Russisch-Chinesischen Krieg. Anschließend führte er bis 1903 als Generalleutnant die 4. Kavalleriedivision, danach übernahm er das 1. Sibirische Armeekorps, das er 1904 im beginnenden Russisch-Japanischen Krieg führte. Im April 1904 wurde er zum Chef des Feldstabes der Mandschurischen Armee ernannt. Nach der Schlacht am Shaho wurde er Chef des Stabes des Oberbefehlshabers über sämtliche fernöstlichen Streitkräfte, General Kuropatkin, wurde von diesem aber weitgehend ignoriert. Er war zugleich auch Mitglied im Alexander-Komitee für die Pflege der Verwundeten.  Von 1906 bis 1911 befehligte Sacharow das VII. Armeekorps und wurde 1908 zum General der Kavallerie befördert. Danach diente er zunächst wieder im Alexander-Komitee, bevor er Ende 1913 den Befehl über das XI. Armeekorps erhielt. Mit diesem nahm er nach dem Beginn des Ersten Weltkriegs im Bestand der 3. Armee an der Schlacht in Galizien teil. Von Ende August 1914 bis April 1915 führte er als Gouverneur und Ataman die Orenburger Kosakeneinheiten, danach wieder das XI. Armeekorps. Im Herbst 1915 erhielt er den Befehl über die 11. Armee, die zu dieser Zeit an der Strypa stand. Mit ihr nahm er 1916 an der Brussilow-Offensive teil, bevor er im Herbst 1916 zum Oberbefehlshaber der Donauarmee ernannt wurde, die auf dem rumänischen Kriegsschauplatz eingesetzt war. Ab Dezember 1916 war er dem Oberbefehlshaber an der rumänischen Front, König Ferdinand I., als Stabschef zugeordnet. Nach der Februarrevolution von 1917 wurde er von diesem Posten abberufen und erhielt keine weitere Verwendung, blieb aber Mitglied des Alexander-Komitees. Er wurde im August 1920 auf der Krim von aufständischen „Grünen“ erschossen.  Sacharows älterer Bruder Wiktor war Generalleutnant und von 1904 bis 1905 Kriegsminister.

Wladimir Wiktorowitsch Sacharow (; * 20. Mai 1853; † im August 1920 bei Qarasuvbazar, Krim) war ein kaiserlich russischer Offizier, zuletzt General der Kavallerie.

Vladimir Viktorovitch Sakharov (en ), né le et mort en, est un général russe qui combattit durant la Première Guerre mondiale puis rejoignit les Armées blanches.


Laufbahn.

Verein.

Fausto startete seine Laufbahn beim Bangu AC aus Rio de Janeiro. Dort wurde er von Henry Welfare entdeckt, welcher zu der Zeit Trainer des Lokalrivalen CR Vasco da Gama war. Schon bald wechselte er zu "Vasco", nachdem sein bei Vasco spielender Freund Tinoco ihn überzeugte. Mit diesem hatte er häufig in Rio die Nächte durchgemacht. Mit Tinoco und Mola bildete er eine der berühmtesten Angrifflinien seinerzeit. Bei Vasco wurde er zum Nationalspieler. Am 5. Januar 1931, am Vorabend eines Länderspiels gegen Uruguay, welches das erste Spiel im neu geschaffenen Wettbewerb Copa Río Branco war, wurde eine schwere Grippe bei Fausto festgestellt. Erst später stellte sich heraus, dass diese das erste Vorzeichen seiner Tuberkulose-Erkrankung war. 1931 war "Vasco" der erste Klub aus Rio und der zweite brasilianische Klub nach CA Paulistano überhaupt, welcher auf Europatournee ging. In den beiden Freundschaftsspielen gegen den FC Barcelona erlang Fausto enorme Popularität. Von Spanien aus reiste Vasco nach Portugal und siegte dort in sechs von acht Spielen. Die Rückreise nach Brasilien trat Vasco ohne zwei seiner Spieler an. Fausto und Torhüter Jaguaré erhielten Verträge beim FC Barcelona. Mit dem Klub konnte er die Campionat de Catalunya 1931/32 gewinnen. Ein hoch dotiertes Angebot zum Verbleib bei Barcelona sowie der Einbürgerung, schlugen er und auch Jaguaré aus. Faustos Erkrankung zeigte sich zu der Zeit bereits häufiger und ließ nicht mehr zu, dass er alle Spiele bestreiten konnte. Auch seine Folgestationen in der Schweiz und Uruguay dauerten nur jeweils ein Jahr. Den Abschluss seiner Karriere fand er wieder bei Clubs in Rio. Zunächst wieder bei Vasco und zum Schluss bei Flamengo Rio de Janeiro. Aufgrund seiner Krankheit wollte der Trainer Izidor Kürschner ihn vorwiegend in der Reserve einsetzen. Fausto wollte daraufhin die Aufhebung seines Vertrages einklagen, scheiterte damit allerdings vor Gericht. 1938 zog Fausto sich aus dem aktiven Sport zurück und lobte in einem Abschiedsbrief ausdrücklich die Arbeit von Kürschner. Er blieb Flamengo erhalten, indem sich in den Nachwuchsbereich einbrachte.

Nationalmannschaft.

Er war Mitglied der brasilianischen A-Nationalmannschaft, für die er vier offizielle und zwei inoffizielle Länderspiele absolvierte. Ein Länderspieltor erzielte er nicht. Er nahm mit Brasilien an der ersten Weltmeisterschaft 1930 teil.  Er bestritt beide Spiele gegen Jugoslawien und Bolivien. Des Weiteren bestritt er Freundschafts- / Testspiele:.  Testspiel am 10. Juli 1929 gegen den Ferencváros Budapest – 2:0 Offizielles Länderspiel am 1. August 1930 gegen Frankreich – 3:2 Offizielles Länderspiel am 10. August 1930 gegen Jugoslawien – 4:1 Testspiel am 24. Februar 1935 gegen den CA River Plate – 2:1

Trivia.

Die Familie von Fausto stammte ursprünglich aus dem Bundesstaat Maranhão, zog aber wegen der dortigen ärmlichen Lebensverhältnisse nach Rio de Janeiro.  Früh am Abend des 28. März 1939 verstarb er an einer Tuberkulose-Erkrankung in einem Sanatorium in Santos Dumont (Minas Gerais). Fausto wurde seine letzten Tage von einer selbsternannten Nonne, Schwester Catarina, versorgt. Fausto wurde dort in einem flachen Grab bestattet. Das Grab wurde mit einem einfachen Holzkreuz ohne Datum und Namen versehen.

Erfolge.

Vasco da Gama  Barcelona

Fausto dos Santos (* 28. Januar 1905 in Codó, Maranhão; † 28. März 1939 in Santos Dumont (Minas Gerais)) war ein brasilianischer Fußballnationalspieler. Er wurde auch "das schwarze Wunder" genannt. Den Spitznamen erhielt er während der Fußball-Weltmeisterschaft 1930 vom Publikum in Uruguay. Sein Spiel zeichnete sich von einer starken Ballbeherrschung und hoher Passsicherheit auch bei langen Bällen aus.

Fausto dos Santos (né le 28 janvier 1905 à Codó et mort le 28 mars 1939 à Santos Dumont) était un joueur brésilien de football.