Historique.

Le « Grand Palais des Beaux-Arts » est édifié à Paris à partir de 1897, pour l'exposition universelle prévue du 15 avril au, en lieu et place du vaste mais inconfortable Palais de l'Industrie de 1855. « Monument consacré par la République à la gloire de l’art français », comme l'indique le fronton de l’aile ouest (Palais d'Antin), sa vocation originelle consiste à accueillir les grandes manifestations artistiques officielles de la capitale.  Dans les années 1960, Le Corbusier souhaite la démolition du Grand Palais pour y implanter à la place le musée d'Art du dont André Malraux lui a confié la réalisation. La mort de l'architecte, le, met fin au projet.  Par arrêté du, la nef est classée au titre des monuments historiques. Un nouvel arrêté du, protège le Grand Palais dans sa totalité.

Le concours d'idées.

L'établissement d'un programme est rédigé et l'organisation d'un concours d'idées entre architectes est décidée par arrêté du. Contrairement à ce qui avait été prévu pour le palais du Trocadéro ou encore l'Opéra Garnier, il n'est pas envisagé que la compétition soit internationale. Le concours ne s'adresse, ici, qu'aux seuls architectes de nationalité française.

Les architectes lauréats.

Après une suite d'épreuves très disputées, de péripéties et un âpre débat au sein des représentants des autorités, de la presse et du grand public, les architectes Henri Deglane, Albert Louvet, Albert-Félix-Théophile Thomas et Charles Girault ne peuvent être départagés et sont choisis pour réaliser une synthèse de leurs propositions respectives et faire œuvre commune.  Le constructeur est l'entreprise Daydé & Pillé.

Analyse du projet définitif.

L'axe républicain.

Avant l'exposition universelle de 1900, l'amorce d'une longue perspective est déjà marquée par le Dôme, l'Église des soldats, l'Hôtel et l'Esplanade des Invalides. Mais, de l'autre côté de la Seine, le regard bute de façon malheureuse sur une des façades latérales du Palais des Arts et de l'Industrie. Longeant l'avenue des Champs-Élysées, cette imposante construction est, de plus, aperçue de biais.  Lors de la période de préparation des modalités du concours et, en particulier, du dessin des gabarits définissant l'emplacement précis de chaque bâtiment devant succéder à l'ancien palais, l'intention est d'inscrire ce projet dans une réalisation urbanistique plus large.  Il est ainsi prévu de prolonger l'axe des Invalides jusqu'au palais de l'Élysée et d'offrir, par là-même, une ossature à la future grande exposition.  L'axe républicain est né, tracé auquel se doivent d'obéir l'organisation et l'implantation des pavillons étrangers et à thème installés sur l'esplanade des Invalides comme l'ensemble formé par le Grand Palais, le Petit Palais devant lui faire face, de l'autre côté de l'avenue nouvelle ainsi créée, et le pont Alexandre-III lancé, en cette occasion, au-dessus du fleuve.  Cet axe, qui perdurera au-delà des festivités de 1900, constitue encore aujourd'hui la dernière réalisation d'envergure dans l'urbanisme parisien.

L'architecture.

Le vaisseau principal, d'une longueur de près de, est constitué d'un espace imposant surmonté d'une large verrière. La voûte en berceau légèrement surbaissée des nefs nord et sud et de la nef transversale (paddock), la coupole sur pendentifs et le dôme pèsent environ d'acier, de fer et de verre. Le poids total de métal utilisé atteint (contre pour la gare d'Orsay et pour la structure de la tour Eiffel). Le sommet de cet ensemble culmine à une altitude de.  La colonnade de Deglane, inspirée de celle de Claude Perrault au Louvre, dissimule prudemment, comme à la gare d'Orsay édifiée par Victor Laloux pour la même exposition, la splendide innovation de la structure métallique.  Ce type de bâtiment marque l'aboutissement de l'éclectisme, propre au « style Beaux-Arts ». Le Grand Palais constitue, à lui seul, un résumé des goûts de la « Belle Époque », mais marque en même temps la fin d'une certaine conception de l'architecture où le maître d'œuvre, à la fois artiste et technicien, occupe un rôle prépondérant.  L'ouvrage est l'un des derniers jalons d'une époque antérieure à l'ère de la fée électricité. Il témoigne de ce moment des grandes structures transparentes, héritières du Crystal Palace de Londres conçu par Joseph Paxton en 1851, où l'apport en lumière naturelle est encore indispensable à tout grand rassemblement humain.  À l'origine, la construction et son fonctionnement interne sont organisés selon un axe est-ouest. La communication entre la grande nef et les autres parties du palais (salon d'honneur, aile centrale et palais d'Antin) se fait par un ample escalier de fer d'inspiration classique teintée d'Art nouveau. En 1937, le Palais de la découverte, exposition temporaire pour l'Exposition internationale, occupe l'espace du palais d'Antin (partie ouest du Grand Palais). Cette exposition attire 2 millions de visiteurs et conquiert ainsi le droit de rester dans le Grand Palais à partir de 1940. Une porte mure alors le passage entre le grand escalier d'honneur et le palais d'Antin, en rupture avec le schéma de circulation est/ouest originel. L'établissement public du Grand Palais a prévu dans son plan d'action 2008/2010 de rouvrir ce passage. Les visiteurs pourront ainsi accéder directement de la nef au palais d'Antin. De même, le salon d'honneur sera rénové et redeviendra le cœur du Grand Palais.  Fractionné en dix panneaux symbolisant l'art à différentes époques, cet ouvrage mesure soixante-quatorze mètres de long () et du fait de sa grande hauteur, il est souvent peu connu. Ces mosaïques ont été réalisées par Auguste-Maximilien Guilbert-Martin et René Martin selon des cartons de Louis Édouard Fournier, pour célébrer l'art au travers des civilisations connues, à l'occasion de l'exposition universelle de 1900.

Les mosaïques.

Le jeu des tesselles est animé par des opus très réguliers et souligné par des contours marqués ainsi que de subtils dégradés. On y trouve ainsi des représentations des grandes civilisations de l'Histoire telles que perçues à la fin du, dont l'Égypte, la Mésopotamie, la Rome d'Auguste à la Grèce du siècle de Périclès, la Renaissance italienne et française au Moyen Âge, l'Europe industrieuse à celle des arts classique et baroque.  Les civilisations plus lointaines ne sont pas oubliées, glorifiant au passage le colonialisme occidental alors à son apogée : l'Afrique méditerranéenne et subsaharienne, l'Orient et le sous-continent indien, l'Asie du sud-est et l'Indochine avec les Khmers et les temples d'Angkor, la Cochinchine et les paysages annamites autour de la ville de Hué, l'Extrême-Orient avec des représentations de la Chine mystérieuse et du Japon (alors en vogue depuis le récent engouement des peintres impressionnistes et d'écrivains pour ce pays), des évocations des deux Amériques.

La cérémonie d'inauguration.

L'inauguration du Grand Palais a lieu avec tout le faste propre à la République. Une plaque de l'un des frontons d'angle porte encore, gravé dans la pierre, le témoignage de l'événement. La cérémonie se tient le, en présence d'Émile Loubet, président de la République, de Pierre Waldeck-Rousseau, alors président du Conseil et ministre de l'Intérieur et des Cultes, de Georges Leygues, ministre de l'Instruction publique et des Beaux-arts, d'Alexandre Millerand, ministre du Commerce, de l'Industrie, des Postes et Télécommunications et, enfin, d'Alfred Picard, commissaire général de l'Exposition universelle.

Un siècle de salons et d'expositions.

Dès 1901, le Grand Palais abrite, parallèlement aux Salons artistiques, de nombreuses autres manifestations. C'est notamment pour le concours hippique, accueilli jusqu'en 1901 au palais de l'Industrie, que le Grand Palais est doté d'une nef et d'une piste sablée. D'avril 1901 à 1957, le concours hippique, avec concours d'attelages, épreuves de vitesse et sauts d'obstacles, est un moment très prisé de la vie parisienne. À partir de 1901, d'autres Salons se succèdent. Ils sont majoritairement dédiés à l'innovation et la modernité : Salon de l'automobile de 1901 à 1961, Salon de l'aviation de 1909 à 1951, Salon des arts ménagers, etc.

Les salons artistiques.

Les salons consacrés aux beaux-arts connaissent leur âge d'or pendant les trente premières années de fonctionnement du palais. Avec l'avènement du Front populaire en 1936, ces présentations, considérées par certains comme l'expression d'un art réservé à une élite bourgeoise, perdent progressivement de leur prestige et voient leur surfaces réduites d'une manière considérable avec l'installation définitive du Palais de la découverte l'année suivante.  Après la guerre, on leur préfère les salons techniques et commerciaux, plus rentables. Les salons artistiques perdurent encore un moment avant de voir leur espace d'exposition diminuer comme peau de chagrin et d'être relégués dans des endroits moins nobles et moins visibles du Grand Palais.  À partir de 1947, l'édifice perd sa fonction de Palais des Beaux-Arts, ce pour quoi il a été construit.

Les salons techniques.

Ce type de manifestations se raréfie au Grand Palais à partir des années 1960. Devenu trop petit, on lui préfère le tout nouveau Palais du Centre des nouvelles industries et technologies (à l'époque nommé Centre national des industries et techniques) ou le parc des expositions de la porte de Versailles. En prenant son indépendance, cette exposition prend le nom de « Salon de l'Aéronautique » puis celui de « Salon de l'Industrie aéronautique » avant de partir pour l'aérogare du Bourget.

Les salons commerciaux.

Ces expositions quittent également le Grand Palais par manque de surface disponible.

Le Palais de la Découverte.

Le Palais de la découverte de l'exposition universelle de 1937 est installé dans l'aile ouest du Grand Palais. Il est conçu à l'origine comme une présentation temporaire, mais fort de son succès, il reste finalement dans la partie ouest du Grand Palais. Il constitue aujourd'hui une véritable institution dont la popularité ne s'est jamais démentie.

Les Galeries nationales.

En 1964, Reynold Arnould transforme une partie de l'aile nord du Grand Palais, à la demande d'André Malraux alors ministre des Affaires culturelles, en Galeries nationales destinées à recevoir de grandes expositions temporaires. Sont ainsi présentées en 1966, une rétrospective du peintre Pablo Picasso et une importante présentation d’art africain.  De très nombreuses expositions de peintres classiques, impressionnistes (Renoir), et modernes (Zao Wou-Ki, Prassinos, Mušič, Bazaine, Manessier) sont organisées par la suite.  L'organisation des grandes expositions a un coût exponentiel. Un musée dont le budget n’est pas suffisant se voit interdire une grande exposition. Les conditions d’hygrométrie, d’architecture et de sûreté sont essentiels. Sinon aucun prêteur ne se manifestera. Les grandes expositions sont donc pour les grandes institutions. Le Grand Palais a récemment fait parler de lui à travers l'organisation de deux grandes expositions notables : "Picasso et ses maîtres" en 2008 et "Monet" en 2010. Avec l’exposition « Picasso et les maîtres », des records ont été atteints. Avec un budget de d’euros, il s’agit du budget le plus élevé pour une exposition en France. Il se compose principalement des lignes suivantes : un million pour le transport, en scénographie et en assurance pour la partie non couverte par l’État. La valeur totale des œuvres assurées était de d’euros. Jamais une exposition en France n’avait connu une telle valeur. Cette exposition a engendré un bénéfice d’un million d’euros. Le retour sur investissement est substantiel 21 % pour quatre mois d’expositions. Il faut tempérer ce ratio et ne pas oublier qu’une telle exposition représente plusieurs mois voire plusieurs années d’organisation.

"Picasso et ses maîtres" (2008).

Pablo Picasso ne plagie pas les maîtres, il s'approprie leurs toiles et les réinvente. L'unique copie de l'exposition est son "Portrait de Philippe IV", d'après Vélasquez, qui est déjà une relecture de l'œuvre de son compatriote. À l'origine de ce projet, le musée Picasso a prêté de nombreux tableaux, tout comme le musée du Louvre, le musée d'Orsay, de prestigieux musées étrangers et des collections privées.  L'exposition s'ouvre sur une série d'autoportraits qui retrace la filiation picturale du maître du cubisme : El Greco, Poussin, Rembrandt, Goya, Delacroix, Cézanne et Gauguin.  Tout au long du parcours, les œuvres de Picasso sont présentées en contrepoint de celles de ses précurseurs. Cependant, l'exercice ne se réduit pas à un jeu de correspondances binaires. D'autres ensembles montrent comment Picasso a créé des séries d'œuvres d'après certaines toiles de ses maîtres, comme pour "Les Ménines" de Vélasquez, réinterprétées quarante-quatre fois en six mois durant l'année 1957.  Aux côtés de l"'Olympia" de Manet, venue du musée d'Orsay, ces toiles figurent dans la salle des grands nus qui clôt l'exposition.  L’exposition de Claude Monet (1840-1926) se déroule au Grand-Palais, elle rend hommage au chef de file des impressionnistes. Près de deux cents toiles sont exposées. Il s’agit de la première rétrospective monographique depuis 1980. L’exposition est fragmentée en plusieurs sections chronologiques. Chaque section est désignée par un titre ou une période. Les trois grands axes majeurs sont Monet et la France, figures et natures mortes puis rêves et réflexion. Toute sa vie, Monet a observé et peint ; l'exposition des Galeries nationales du Grand Palais propose le voyage intérieur de l'artiste.

"Monet" (2010).

L'exposition commence par la forêt de Fontainebleau avec Le pavé de Chailly en 1865. À cette période, Monet repart sur les traces de l’école de Barbizon. Accompagné de Frédéric Bazille, il s’éloigne de l’atelier Charles Gleyre. Par la suite, Monet voyage jusqu’en Normandie où il peint des paysages de son enfance. La mer, les bateaux sont les motifs récurrents dans ses compositions comme le montre Le "Bord de mer à Honfleur" de 1864. Les motifs floraux et le goût pour les paysages sont annonciateurs de l’impressionnisme. Son intérêt se porte sur les effets de lumière qui changent suivant les heures et les saisons. L’évolution de l’industrie donnera à Monet un nouvel essor pour ses paysages. La première partie de la rétrospective, Monet nous délivre un carnet de voyage complet au gré de ses envies et rempli d’émotion intérieure, la lumière occupe la plus grande place, c’est elle qui donne une tonalité chaleureuse.  L’étude de la lumière se retrouve au sein de la section « Figures et portraits ». Bien que les toiles soient de taille plus grande, l’enjeu n’en reste pas moins différent. L’intérêt pour la retranscription de la lumière est très présente dans le "Déjeuner sur l’herbe" de 1865. Ce tableau a reçu l’encouragement de Courbet (représenté à gauche) et de toute la jeunesse avant-gardiste. Les petites touches de lumières sont le réel sujet. Monet s’attache à la représentation du mouvement dans la lumière qui filtre à travers le feuillage. Monet nous délivre une vision intimiste en cherchant des atmosphères et des visages connus. Il s’intéresse aussi à la nature morte comme le montre le "Trophée de chasse" de 1862.  C’est le motif des séries qui voit le jour dans rêves et réflexions dans les séries des "Meules", des "Cathédrale de Rouen" ou encore des "Peupliers". La répétition du motif n’est qu’un prétexte pour le peintre, l’objet représenté importe bien moins que l’évolution du sujet au cours des heures. Monet en arrivera même à une forme d’abstraction avec "Le Pont japonais", peint entre 1918 et 1924. Comme on peut voir, le motif disparaît derrière la force de la couleur et de la touche. À cette période, Monet détruira lui-même certaines toiles de ce type ne comprenant pas comment il a pu les créer. L’exposition se termine par la série mondialement connue des "Nymphéas", à Giverny, là où Monet finira ses jours, un havre de paix selon ses dires. Il définit clairement l’objectif de faire réfléchir intérieurement le spectateur, de le retrancher dans son espace. La verdure et le motif des nénuphars appellent à la contemplation et à la sérénité.

Autres expositions.

2017.

2018  2019

Des usages divers.

Au cours du, le Grand Palais est tantôt témoin des drames de l'Histoire, tantôt objet d'usages inattendus.  Au début de la Grande guerre, le Grand Palais est utilisé comme casernement pour les troupes coloniales s'apprêtant à partir au front. Il devient rapidement hôpital de fortune pour les blessés de la Marine ne pouvant trouver de place dans les hôpitaux bondés de la capitale.  Durant la Seconde Guerre mondiale et l'occupation allemande, le Palais est réquisitionné par les Allemands pour y abriter des véhicules militaires. En août 1944, la nef est bombardée et un incendie se déclare, sans grandes conséquences, dans une partie de l'édifice ; les pompiers sont toutefois gênés dans leur travail par le sauvetage des animaux d'un cirque qui a élu domicile sous la grande verrière. Ils doivent aussi protéger les œuvres envoyées pour une exposition par des artistes mobilisés ou prisonniers.  Jusqu'à la création de l'établissement public du Grand Palais, plusieurs institutions et services s'installent au cœur du Grand Palais :  Une scène du film "Camille Claudel" (1988) y est tournée.  La création de l'établissement public du Grand Palais, en 2007, a permis de rationaliser les espaces. Désormais, le Grand Palais accueille une partie de l'administration de l'établissement public de la Rmn-Grand Palais, les Galeries nationales du Grand Palais, le Palais de la découverte, le commissariat de police du arrondissement et, provisoirement, des salles de répétition de la Comédie-Française.  Le, 43 chefs d'État se sont réunis sous la grande nef à l'occasion du sommet de l'Union pour la Méditerranée.  Depuis 2009, une nuit « electro » y est organisée annuellement avec de nombreux concerts. Sont déjà venus des artistes tels que Felix Da Housecat, Surkin, Laurent Garnier et Yuksek.  Durant l'été 2024, le Grand Palais accueillera les compétitions d'escrime et de taekwondo dans le cadre des Jeux olympiques d'été.

Fermeture et renaissance.

Les mesures conservatoires.

L'alerte est donnée en juin 1993 après le détachement d'un élément de rivetage depuis une hauteur de près de trente-cinq mètres lors d'une exposition consacrée au design.  Le ministre de la Culture d'alors, Jacques Toubon, prend la décision de fermer « provisoirement » le lieu en novembre de la même année en raison du danger que représente la chute de nouveaux rivets sur le public.  La pose de filets accrochés sous la verrière (voir photographie ci-contre) et la convocation d'experts pour pallier cette situation ne suffisent pas pour maintenir l'ouverture au public. Seuls et après de nécessaires travaux de sécurité, les Galeries nationales et le Palais de la Découverte sont à nouveau disponibles. L'utilisation de la nef s'interrompt pendant douze années. Six années, d'abord, pendant lesquelles le ministère de la Culture et la mairie de Paris sont incapables de se mettre d'accord sur la répartition des responsabilités pour sauver le Grand Palais, qui continue donc à se dégrader. Ces tergiversations sont liées au déménagement et relogement des administrations occupant les lieux mais aussi aux montants importants nécessaires à sa restauration à son entretien. Face aux pressions d'investisseurs privés fortement intéressés par un tel emplacement en plein cœur de paris, le bâtiment fut protégé au titre des monuments historiques en 2000 à l'occasion du centenaire de l'Exposition universelle de 1900, ce qui garantit sa pérennité, puis il fut ensuite trouvé un mode de gestion permettant de sécuriser les financements nécessaires. Les travaux de restauration nécessiteront six années de travaux très progressifs.

Les pathologies rencontrées.

Des désordres se manifestent tout au long du et depuis le début même du chantier, dans la zone sud de la grande nef. En cours de construction, ces imprévus sont d'autant plus graves qu'il n'est pas question de repousser la date de livraison du Grand Palais.  Le comportement des maçonneries et de la charpente métallique provient de plusieurs facteurs :  Au cours des études précédant les récents travaux de reprise en sous-œuvre, les calculs évaluent l'affaissement des massifs de fondations de l'aile sud à près de et une variation de hauteur, dans la partie métallique de l'ouvrage, à. Ces valeurs, d'apparence négligeable, ont été suffisantes pour provoquer des dégâts structurels considérables.

Les premiers travaux de confortation.

Des remblaiements ou injections de matériaux de natures diverses ont commencé très tôt et se sont poursuivis à différentes périodes de la vie du monument pour combler les vides entre le niveau bas de l'édifice et celui du sol continuant à s'affaisser. En 1940, les troupes d'occupation allemandes installent véhicules et matériels divers dans la nef. S'apercevant de la fragilité des lieux, elles décident d'injecter plusieurs tonnes d'un coulis de béton dans le sous-sol, stabilisant un temps le terrain et les structures, mais alourdissant l'ensemble dans sa partie méridionale. Ainsi, les désordres iront en s'accélérant jusqu'à cette fameuse année 1993.

La campagne de restauration.

La maîtrise d'ouvrage.

La maîtrise d'ouvrage des travaux de restauration est assurée entre 2001 et 2007 par la Direction de l'architecture et du patrimoine (DAPA) du ministère de la Culture et de la Communication. Le mandat de maîtrise d'ouvrage est attribué à l'Établissement public de maîtrise d'ouvrage des travaux culturels (ÉMOC). Par arrêté du (pour une entrée en vigueur le ), le monument « Grand Palais » a été attribué à titre de dotation à l'établissement public du Grand Palais. Ce dernier s'est substitué à l'EMOC pour assurer les travaux du Grand Palais afin de mener à terme la restauration de ce monument historique.

Programmation du chantier.

Les travaux se sont déroulés en deux phases :  Le budget de ce chantier a atteint d'euros (dont 72,3 pour la première phase). Le financement a été assuré grâce à l'État par l'intermédiaire du Ministère de la Culture.  de parois moulées exécutées avec près de de béton, de jet grouting mises en place avec environ de ciment.  Longueur de, largeur de (de entre l'entrée principale et le mur de fond du paddock), hauteur de sous la charpente, de hauteur sous la coupole, jusqu'au campanile. La surface au sol atteint une superficie de.  Poids au-dessus de la nef : d’acier ( remplacées pendant la première phase des travaux) soit un total de en comptant le Palais d'Antin. Nombre de rivets changés : environ. Surface repeinte :. Poids de la nouvelle peinture : pour réalisées, soit pratiquement l'équivalent de de.  Surface remplacée : carrés pour la grande nef ( avec les verrières latérales). Charge de vitrage neuf pour la nef, le paddock et les verrières proche des deux quadriges : de verre feuilleté (non compris de double vitrage pour les galeries latérales situées en périphérie). La surface totale des verrières représente 17500m2 ce qui en fait la plus grande verrière d'Europe.  Linéaires remplacés : de chéneaux en plomb et en zinc, d'ornements en zinc estampé. Surface des terrassons en zinc :.

Quelques chiffres.

(Source : ÉMOC).

Petite histoire du vert « Réséda ».

Avant même le commencement des premiers travaux de réhabilitation de la nef du Grand-Palais, s'est très vite posée la question du choix de la couleur à donner à la structure métallique, voire si la restitution de l'état initial était possible. Le temps ayant fait son œuvre, de nombreuses couches de peinture ont recouvert l'ensemble des éléments. La couleur visible en 2001 était proche du gris.  L'option de la restitution ne peut être envisagée qu'après de minutieuses études et analyses :

Une nouvelle ambition à partir de 2007.

L'ancien ministre de la Culture et de la Communication, Renaud Donnedieu de Vabres, a souhaité la mise en place d'une structure baptisée « établissement public du Grand Palais des Champs-Élysées », plutôt que de voir confier la gestion et la programmation du lieu à des organismes privés. Depuis, l'établissement public du Grand Palais des Champs-Élysées a fusionné avec la Réunion des musées nationaux.

2020-2023 : une nouvelle rénovation.

Le, la ministre de la Culture Françoise Nyssen annonce la fermeture à venir du Grand Palais, de au printemps 2023, afin de procéder à une rénovation de plus grande ampleur avant 2024, date à laquelle doivent y avoir lieu les épreuves d'escrime des Jeux olympiques de 2024. Celle-ci, plusieurs fois repoussée, doit permettre outre une restauration, de réorganiser et d'augmenter ses capacités d'accueil, avec pour la nef de personnes contre actuellement, et les de balcons qui seront de nouveaux accessibles, ainsi que de redéfinir les missions de la structure, en liaison avec le Palais de la découverte par la rue des Palais sur deux niveaux. La terrasse sera créée pour le public et accueillera les activités d'astronomie du Palais de la découverte. Les galeries gagnerons en clarté par l'installation de plafonds verriers et passerons de actuels à. Son coût de 466 millions d'euros doit être financé en partie par un emprunt et par le mécénat de Chanel.  Pendant la période des travaux, une structure provisoire doit être bâtie sur le Champ-de-Mars afin d'accueillir les grands évènements, cette structure devant également servir pour les Jeux olympiques. Ce, conçu par Jean-Michel Wilmotte et géré par GL Events, devrait être inauguré début 2021.

Le miel Grand Palais.

Depuis 2009, des ruches ont été installées sur le toit du Grand Palais pour favoriser la biodiversité et faire connaître la vie des abeilles en milieu urbain.

Accès.

Le Grand Palais est desservi à proximité par les lignes à la station "Champs-Élysées - Clemenceau", les lignes à la station "Franklin D. Roosevelt", ainsi que par les lignes de bus RATP.

Le Grand Palais est un monument parisien situé en bordure des Champs-Élysées, face au Petit Palais, dont il est séparé par l'avenue Winston-Churchill dans le. Ses abritent régulièrement salons et expositions prestigieuses.


Dénomination.

"Euphydryas maturna" Carl von Linné en 1758.  Synonymes : "Hypodryas maturna" (Linnaeus, 1758), "Papilio maturna" Linnaeus, 1758, "Papilio agrotera" (Bergtrasser, 1780).

Noms vernaculaires.

Le Damier du frêne, Mélitée du Frêne, Petit Damier à taches fauves, Maturne se nomme en anglais Scarce Fritillary et en allemand Kleiner Maivogel.

Description.

C'est un papillon marron à damiers orange séparés par les nervures et organisés en lignes, dont une ligne sub marginale continue aus antéreieures et aux postérieures doublée d'une ligne de petits damiers blancs. Les ailes antérieures présentent des damiers orange sur toute leur surface.  Le revers est orange orné de damiers clairs formant aux postérieures des lignes au dessin caractéristique.

Biologie.

Période de vol et hivernation.

Il hiverne à l'état de jeune chenille, regroupées dans une toile de soie tombée au sol à la chute des feuilles.  Il vole en une seule génération de fin mai à début juillet.

Plantes hôtes.

La plante hôte de la jeune chenille est le Frêne ("Fraxinus excelsior"), puis la chenille plus âgée devient polyphage et se nourrit de Tremble ("Populus tremula"), Saule marsault ("Salix caprea"), Plantains, Véroniques.

Écologie et distribution.

Il est présent dans l'Est de l’Europe (Allemagne, Autriche, Pologne, République tchèque, Slovaquie, Pologne, Hongrie, Sud-Est de la Suède, Sud de la Finlande, États baltes, Slovénie, Croatie, Serbie, Bosnie, Albanie, Bulgarie) à Asie centrale (Chine et Mongolie).  En France, il est présent dans les départements de l'Est du pays, Seine-et-Marne, Cher, Saône-et-Loire, Côte-d'Or, Haute-Saône, Haut-Rhin, Haute-Marne, Meuse.

Biotope.

Il affectionne les lisières et les clairières des bois à jeunes frênes.

Protection.

Le Damier du frêne est inscrit sur la liste des insectes strictement protégés de l'annexe 2 de la Convention de Berne.  En Europe il figure sur la liste des espèces animales d'intérêt communautaire de la directive Habitat, annexe II et annexe IV.  En France il figure avec mention "en danger" sur la liste rouge des espèces protégées par arrêté du 23 avril 2007. Il y figure aussi en Allemagne, Autriche, Biélorussie, Belgique, Bosnie, Bulgarie, Croatie, République Tchèque, Estonie, Finlande, Lettonie, Lituanie, Luxembourg, Moldavie, Pologne, Roumanie, Russie, Slovaquie, Slovénie, Suède, Ukraine et Yougoslavie.

Le Damier du frêne (Euphydryas maturna) est une espèce paléarctique de lépidoptères (papillons) de la famille des Nymphalidae et de la sous-famille des Nymphalinae.


Synopsis.

Année 1969, l'abattoir ferme et la ville se vide de ses emplois. La famille Hewitt reste envers et contre tous. Le jeune Thomas est licencié, mais il vient se venger de son patron qu'il tue. Le shérif veut l'arrêter, mais son oncle abat le représentant de la loi, endossant le costume de l'autorité. Désormais, les Hewitt sont les maîtres de leur ville. Pour subsister, ils n'ont aucuns scrupules et dévorent les visiteurs égarés... C’est le cas d’Éric et Dean, deux frères, parcourant les États-Unis pour partir se battre au Viêt Nam. Accompagnés de leurs petites amies, Chrissie et Bailey, ils sont soudain victimes d'un horrible accident de voiture. Ils ne se doutent pas du cauchemar qui les attend.

Résumé détaillé.

Le, une femme meurt en donnant naissance à un bébé dans un vieil abattoir délabré. Le patron de l’abattoir jette l’enfant à la poubelle avec les restes de viandes avariés. Une femme, Luda May Hewitt (Marietta Marich), trouve l’enfant en fouillant dans les poubelles pour trouver de la nourriture. Elle le ramène chez elle pour l'élever.  Trente ans plus tard, Thomas Hewitt (Andrew Bryniarski), l’enfant trouvé dans les poubelles, travaille dans le même abattoir où sa mère est morte en le mettant au monde. Mais l’abattoir est contraint de fermer ses portes à cause de l’inspection sanitaire. Le patron oblige alors son assistant à faire partir Thomas, alors devenu un homme fort et terrifiant, car celui-ci refuse de quitter les lieux et continue à couper de la viande avec son hachoir. Finalement, il quitte les lieux mais revient plus tard et lorsque le patron insulte sa famille, il prend un maillet et lui éclate le crâne. Il s’enfuit ensuite avec une tronçonneuse à la main. Plus tard, le shérif Hoyt (Lew Temple) se rend chez les Hewitt pour trouver Charlie (R. Lee Ermey), l’oncle de Thomas, afin qu’il l’aide à le trouver pour pouvoir l’arrêter. Ils trouvent finalement Thomas en bord de route et alors que le shérif le menace avec un pistolet, Charlie l’abat pour protéger son neveu. Il prend alors son uniforme, son arme et sa plaque et se fait désormais passer pour le vrai shérif Hoyt. Le soir même alors que toute la famille Hewitt est réunie à table, Charlie annonce qu’il a trouvé un moyen de ne plus jamais avoir faim. Ils deviennent en effet cannibales avec la chair fraîche.  Non loin de là, Dean (Taylor Handley) et Eric (Matthew Bomer), deux frères, se préparent pour partir combattre au Viêt Nam. Ils sont accompagnés par leurs petites amies respectives, Bailey (Diora Baird) et Chrissie (Jordana Brewster). Sur la route, ils croisent une bande de motard particulièrement violente. Ils s’arrêtent ensuite dans un petit magasin où ils rencontrent encore les motards virulents... Après avoir repris la route, Dean brûle sa carte militaire et avoue à Eric qu’il n’a pas envie d’aller faire la guerre au Viêt Nam, ce qui met Eric en colère. Ils sont interrompus par une motarde avec un fusil qui leur fait signe de s’arrêter. Mais ils percutent une vache en plein milieu de la route. Alors qu’ils sont gravement blessés, Charlie Hewitt, avec son uniforme de faux shérif Hoyt, arrive sur les lieux de l’accident et abat la motarde de sang froid, ce qui provoque un vent de panique dans le groupe. Chrissie, étant éjectée de la voiture à cause de l’accident, observe la scène depuis les haute herbes en bordure de route. Eric lui fait signe de rester où elle est. Le faux shérif trouve la carte militaire brûlé de Dean par terre et en déduit que quelqu’un avait pour but de déserter son appel au Viêt Nam. Alors qu’il questionne les deux hommes, Eric se fait alors passer pour Dean pour protéger son petit frère. Le shérif embarque les trois jeunes gens et les amène chez lui. Chrissie se réfugie alors dans la carcasse de la voiture mais un vieil homme, Monty (Terrence Evans), embarque la voiture et l’amène à son tour chez les Hewitt a la propriété.  Dans la maison Hewitt, le shérif accroche Dean et Eric et les torture. Alors que le shérif vient d’enrouler la tête d’Eric dans du film plastique, Dean avoue finalement qu’il a brûlé la carte et qu’Eric s’est fait passer pour lui... Le shérif prend alors Dean et l’oblige à faire dix pompes en le tabassant. Epuisé, Dean s’effondre et le shérif s’absente deux minutes. Eric parvient alors à se détacher et secoue Dean, à terre. Ils pénètrent dans la maison Hewitt et parviennent à détacher Bailey, qui s’enfuit dans une camionnette. Mais Thomas Hewitt parvient à la reprendre à l’aide d’un crochet qu’il lui plante dans le corps. Alors que Dean et Eric s’échappent à leur tour, Dean se coince le pied dans un piège à ours et le shérif ramène Eric dans la maison.  De son côté, Chrissie s’est enfuie de la carcasse et parvient à trouver Holden (Lee Tergesen), l’ami de la motarde assassinée et lui dit que le shérif l'a tué. Ils se dirigent alors vers la maison Hewitt. Dans la nuit, ils arrivent sur les lieux et tandis que le motard pénètre dans la maison, Chrissie trouve Dean, toujours dans le piège à ours. Quant à Eric, il se fait torturer par Thomas Hewitt qui lui arrache des bouts de peau. Quand Holden entre dans la maison, il tire sur la jambe du vieux Monty et oblige le shérif à lui montrer le corps de la fille. Le shérif lui montre Bailey et Holden s’enrage quand le shérif lui dit que son amie motarde n’est maintenant plus très belle à voir... Mais Thomas arrive et le découpe avec sa tronçonneuse. Chrissie descend et trouve alors Eric, attaché à une table avec de la peau en moins. Quand Thomas redescend, elle se cache sous la table et assiste à la mort horrible et sanglante de son petit ami. Thomas découpe le visage du jeune homme et en fait un masque de peau qu’il place sur son propre visage. Le shérif demande alors à Thomas de découper la jambe du vieux Monty pour qu’il ne souffre plus. Il lui demande ensuite de lui couper l'autre jambe pour égaliser et lui mettre des compresses.  Chrissie remonte et trouve son amie Bailey, elle aussi attachée, mais le shérif arrive et emmène les deux jeunes femmes dans la salle à manger. Elle se réveille et voit Dean, endormi, et Bailey, qui s’est fait arracher toutes ses dents (parce qu'elle apprécie jamais le repas). Bailey se fait trancher la gorge par Thomas, qui emmène alors Chrissie hors de la table mais elle réussit à se libérer et à s’enfuir dans la campagne Texane. Thomas Hewitt, alias Leatherface, se lance à sa poursuite avec sa tronçonneuse. Dean se réveille à son tour et réussit à plaquer le shérif au sol lui éclatant les dents avant de partir à la recherche de Chrissie, réfugié dans un abattoir abandonné. Alors que Thomas est sur le point de la trouver, Dean s’interpose et se fait violemment transpercer par la tronçonneuse de Thomas. Chrissie trouve une voiture et s’enfuit et au loin sur la route, elle voit des policiers et elle remarque qu'elle a trouver de l'aide. Mais Thomas est caché sur la banquette arrière et elle se fait à son tour transpercer par la tronçonneuse. La voiture percute des gens (des policiers) sur la route, Thomas sort ensuite de la voiture et rentre chez lui, avec la satisfaction d’avoir fait du bon travail.  L'épilogue dit : De 1969 jusqu'en 1973, la famille Hewitt avait massacrer plus de 33 personnes dans la région et cela continue dans le remake.

Massacre à la tronçonneuse : Le Commencement ("") est un film d'horreur américain réalisé par Jonathan Liebesman sorti en 2006. Il s’agit de la préquelle du film "Massacre à la tronçonneuse" (2003).


Biographie.

Dès l'âge de seize ans, Victorine Meurent s'inscrit comme modèle dans l'atelier-école du peintre Thomas Couture.  C'est peut-être là qu'elle rencontre Édouard Manet, ancien élève de Couture, mais il est également possible que la rencontre ait eu lieu par l'intermédiaire d'un autre peintre, Alfred Stevens. De fait, c'est dans l'atelier de Stevens, que ce dernier mit généreusement à la disposition de Manet que ce dernier commence à peindre "V. en costume d’espada", première toile pour laquelle Victorine Meurent pose pour lui et où le peintre sait opportunément profiter des décors et costumes d'une troupe de théâtre madrilène de passage à Paris qui les avait entreposés là. Stevens lui-même, dont elle est très proche, la fait travailler : on la reconnaît aisément en particulier dans deux versions du "Sphinx parisien" du peintre belge installé à Paris, la première datée de 1867 et la seconde, peinte selon une note de la main de l'artiste à l'envers de la toile pendant le siège de Paris, en 1870. Elle pose également pour Edgar Degas.  Mais l'image du modèle reste aujourd'hui étroitement associée à l'œuvre de Manet, pour qui elle aura posé de 1862 à 1873. On la voit notamment dans "La Chanteuse des rues", "La Jeune Fille en rose" (également intitulée "La Femme au perroquet") ou "La Joueuse de guitare", peint en 1866-1867. Les deux tableaux les plus célèbres la font apparaître nue : "Le Déjeuner sur l'herbe" (1863), où elle est dépeinte assise et entièrement dévêtue, puis "Olympia", un nu qui montre son corps maigre qui lui vaut le surnom de « crevette ».  À la fin des années 1860 ou au début des années 1870, sans doute juste après le siège de Paris, fin 1870 ou début 1871, la jeune fille entreprend un mystérieux voyage en Amérique, consigné dans la seule lettre de sa main connue et conservée à la Pierpont Morgan Library à New York, voyage souvent mentionné par ses contemporains (Adolphe Tabarant en particulier). Victorine Meurent commence alors à peindre : à partir de 1875, elle prend des cours à l'Académie Julian dans l'atelier du peintre Étienne Leroy. Elle rencontre alors un certain succès : ses toiles sont reçues à plusieurs reprises au Salon. Elle 1876, année où Manet est refusé au Salon, elle présente un autoportrait (aujourd'hui disparu) et, en 1879, "Une bourgeoise de Nuremberg au " (œuvre disparue), accrochée dans la même salle que Manet, la salle des « M », qui montre quant à lui "Dans la serre". Elle expose encore en 1895 et 1904 - elle aura finalement participé à six Salons différents. Artiste reconnue, elle intègre en 1903 la Société des artistes français. Durant ces années, elle pose encore, non plus pour Manet, de qui elle s'est éloignée, mais pour Norbert Goeneutte.  L'année suivante, Émile Blavet, dit que, disant agréablement la chansonnette, elle a passé sa vie entre le théâtre et les artistes, elle est à présent peintre, spécialisée dans les portraits d'animaux de compagnie. En 1907, l'année où "Olympia" entrait au musée du Louvre (au musée du jeu de paume) et "Le Déjeuner sur l'herbe" au musée des arts décoratifs, c'est à Colombes que Victorine Meurent s'installait, avec son amie Marie Dufour, dans un modeste pavillon où elle continua à peindre et à donner des leçons de guitare.  Seules deux toiles ont aujourd'hui été identifiées comme de Victorine Meurent : "Le Jour des Rameaux" et "Le Briquet". Ces deux toiles sont aujourd'hui conservées dans les collections du musée municipal d'art et d'histoire de Colombes.

Historiographie et apparition dans la fiction.

En 1906, l'écrivain irlandais George Moore fait de Meurent un personnage de son autobiographie semi-fictionnelle "Memoirs of My Dead Life" (1906), où elle apparaît comme une femme entre-deux-âges vivant une relation lesbienne avec une courtisane célèbre.  L'intérêt pour Victorine Meurent a été renouvelé à la fin du et surtout au début des années 2000. Une thèse lui est consacrée dès 1986, permettant de mettre à jour les principales sources sur sa vie et son œuvre.  Le fait qu'il s'agisse d'une femme homosexuelle a nourri l'intérêt, en particulier aux États-Unis, pour son parcours, bien que son travail de peintre n'ait pas marqué l'histoire de l'art. Elle apparaît ainsi dans de nombreuses fictions des années 1990 et surtout 2000 : "Alias Olympia: A Woman's Search for Manet's Notorious Model and Her Own Desire", de Eunice Lipton (1992), "Mademoiselle Victorine: a Novel" (2007) de Debra Finerman, "A Woman With No Clothes On" (2008) de V. R. Main, "Sacré Bleu" de Christopher Moore (2012)  En France, Emmanuel Laurent publie son journal imaginaire, accompagné d'une biographie, "Mademoiselle V. Journal d'une insouciante", en 2003. Cette publication est l'occasion de rechercher les tableaux de Victorine Meurent, et d'en trouver deux au musée de Colombes.  Victorine Meurent est aussi un personnage du film "Intimate Lives: The Women of Manet" ou "Manet in Love" (1998), où elle est jouée par Shelley Phillips.  Elle est l'une des protagonistes de l'opéra "Victorine", écrit par le mouvement d'artistes conceptuels Art & Language et composé en partie par Mayo Thompson.

Victorine Louise Meurent, parfois écrit Meurend, Meurant ou Meurand, née à Paris le et morte à Colombes le, est une artiste peintre et un modèle française.


Origines.

Bien que le Ratier de Prague soit principalement connu pour être un animal de loisir, il fut à l'origine créé dans l'objectif de remplacer les chats dans la chasse aux nuisibles (rats, mulots...). Le roi Boleslas de Pologne (1058–1080) possédait deux Ratier de Prague originaires de Bohême. Puis ce chien devint moins populaire au cours du siècle au profit du Pinscher Nain (avec lequel il est souvent confondu). Néanmoins, cette race recommence à prospérer avec l'augmentation d'éleveurs tchèques et slovaques qui les font se reproduire.

Description.

Apparence.

Doté de poils courts et brillants, la robe noir et feu est la plus répandue (sa robe d'origine). D'autres robes furent confirmées plus tard. Chocolat et feu, bleu et feu, fauve, merle bleu, merle chocolat. Il est en moyenne plus petit de 2 cm que le minimum de taille du Pinscher Nain. La taille idéale se situe entre 20 et 23 cm. Le poids à l'âge adulte varie entre 1,5 kg et 2,6 kg (le poids idéal avoisinant les 2,3 kg).

Caractère.

Le Ratier Pragois est un chien très actif, curieux et sociable. Il a naturellement tendance à se méfier des étrangers, mais est en général sociable, avec les enfants notamment ; il est en effet très attaché à chaque membre de la famille.

Utilité.

Malgré sa petite taille, le Ratier de Prague est capable d'accomplir des exercices divers tels que l'Agility, le dressage, "et caetera"... Ayant été créé, à l'origine, pour chasser les nuisibles, le Ratier de Prague est particulièrement compétent dans le pistage. Sa tendance est d'ailleurs, de chasser mulots, chats et pigeons si ceux-ci se présentent à sa portée.

Santé.

Le Ratier de Prague peut-être sujet à des problèmes osseux, du fait de sa frêle ossature. Il est également sujet aux luxations de la rotule. Enfin, un certain nombre de jeunes Ratier de Prague présentent des dents qui nécessitent d'être retirées manuellement afin de prévenir d'éventuels problèmes de dentition générale.

Espérance de vie.

Le Ratier de Prague a une espérance de vie variant de 12 à 14 ans.

Le Ratier de Prague (aussi nommé Ratier Pragois ou Pražský krysařík) est une race de chien de petite taille peu répandue en dehors de la République tchèque, son pays d'origine. C'est la plus petite race de chien au monde d'après les statistiques (par rapport à la taille maximale du chien, contrairement au Chihuahua qui est mesuré par rapport à son poids). Il est souvent confondu avec le Pinscher Nain, une race au physique proche du "Ratier de Prague".


Biographie.

Née d'un père arménien et d'une mère russe, Nina Berberova grandit à Saint-Pétersbourg. Dès son enfance, elle écrit des poèmes.  Sa dernière année au lycée est marquée par des événements majeurs : la Révolution russe, la paix de Brest-Litovsk avec l'Allemagne.  Elle quitte la Russie en 1922 avec le poète Vladislav Khodassevitch. Le couple vit dans plusieurs villes européennes dont Berlin, avant de s'installer à Paris en 1925. Elle y côtoie de nombreux artistes russes, notamment Anna Akhmatova, Vladimir Nabokov, Boris Pasternak, Marina Tsvetaïeva et Vladimir Maïakovski.  Elle se sépare de Vladislav Khodassevitch en 1932 et épouse le peintre Nikolaï Vassilievitch Makeiev (1889-1975) qui fut membre de l’assemblée constituante (1917-1918). Ils se sépareront après la seconde guerre mondiale.  Durant l'entre-deux-guerres, Nina Berberova se sent à l'écart des groupes dadaïstes, surréalistes et d'avant-gardes, qui dominent la scène littéraire parisienne, indifférents selon elle aux écrivains russes émigrés. En 1950, elle émigre aux États-Unis. En 1954, elle épouse George Kochevitsky, un pianiste et enseignant russe. Elle commence sa carrière académique à l'Université Yale en 1958, où elle enseigne la littérature russe. En 1959, elle acquiert la nationalité américaine.  En parallèle de son enseignement, elle continue d'écrire, principalement des nouvelles, des critiques littéraires et de la poésie.  En 1963, elle quitte Yale pour l'Université de Princeton, où elle enseigne la littérature russe jusqu'à sa retraite en 1971.  En 1991, elle part s'installer à Philadelphie, où elle s’éteint deux ans plus tard.

Succès.

En France, elle a connu un grand succès à la fin de sa vie, et une bonne partie de ses œuvres seront publiées à titre posthume. Parmi les plus célèbres, on peut citer son autobiographie, "C'est moi qui souligne" (parue en français en 1989), et "L'Accompagnatrice" (parue en français en 1985), qui donnera lieu au film du même nom de Claude Miller.  Elle a également écrit la première biographie du compositeur Piotr Ilitch Tchaïkovski en 1936, suscitant une controverse par son ouverture concernant l'homosexualité du compositeur.

Hommages.

Une section des pelouses des jardins de l'Avenue-Foch (arrondissement de Paris) lui rend hommage (entre les 61 et 71 de l'avenue Foch).  Une place lui est dédiée dans la ville d'Arles, près des quais du Rhône.

Œuvres.

Seules sont mentionnées ici les premières éditions des traductions françaises de ses œuvres.

Nina Nikolaïevna Berberova (en ), née à Saint-Pétersbourg le et morte à Philadelphie le, est une femme de lettres et poétesse russe-américaine connue pour ses récits de Russes en exil.


Sous l'Empire.

Fille du secrétaire d'État et compositeur Alexandre Taneïev, elle descendrait également d'une liaison hors mariage du tsar Paul Ier. Elle épouse, sur les conseils de la tsarine, le lieutenant de vaisseau Alexis Vyroubov, fou et alcoolique notoire. Ce mariage est annulé pour non-consommation au bout d'un an.  Très vite, l'impératrice se lie d'amitié pour cette jeune fille et les enfants de Nicolas II l'adoptent. Elle sera leur amie et participera à leurs jeux (ceux-ci la surnommaient "la vache"). Anna Vyroubova eut une grande influence sur Alexandra de Hesse-Darmstadt. Selon Pierre Gilliard, Anna Vyroubova était « dépourvue d'intelligence et de discernement, elle se laissait aller à ses pulsions inconsidérées, ses opinions sur les gens et les choses n'en étaient que plus absolues. Une impression suffisait à fixer sa conviction bornée et puérile. Immédiatement elle classait les gens en bien ou en mauvais, ce qui revenait à dire des amis ou des ennemis » ("Le tragique destin de Nicolas II et sa famille" de Pierre Gilliard).  En 1909, Anna Vyroubova rencontre Raspoutine chez la grande-duchesse Militza de Monténégro. Dès lors, Anna Vyroubova, jeune femme fragile et très influençable, est comme envoûtée par Raspoutine. Entourée de femmes de la haute-société russe, elle reçoit le « starets » dans sa petite maison blanche située près du palais de Tsarskoïe Selo. Anna Vyroubova relate à la tsarine les qualités hors du commun de Grichka (diminutif de Grigori pour Raspoutine). Avec d'autres femmes, elle suit le « starets » lors de son voyage en Sibérie (1911). Le, contrairement à la croyance populaire, ce n'est pas Anna Vyroubova qui présenta Raspoutine à la famille impériale, mais bien la grande-duchesse Militza de Monténégro et le grand duc Nicolaï Nicolaïevitch, oncle du Tsar. Raspoutine fut en mesure, plus tard, de s'immiscer dans les affaires familiales et politiques de la Russie.

Sous la Révolution d'Octobre.

Kerensky met une certaine distance entre Anna Vyroubova et le palais de Tsarskoïe Selo. Lors de la Révolution russe, elle est à maintes reprises incarcérée à la forteresse Saint-Pierre-Saint-Paul, à chaque fois elle retrouve la liberté pour un court moment. Elle est, ironie du sort, emprisonnée dans la soute du yacht impérial, "L'Étoile polaire". Puis, elle se retire à Pétrograd, où elle vit dans une grande discrétion. Elle devient l'amie de l'écrivain Maxime Gorki qui lui conseille de rédiger ses Mémoires.

L'exil.

De nouveau inquiétée par les Bolcheviks, Anna Vyroubova s'installa en Finlande, où elle vécut dans la tranquillité la plus absolue. Elle s'éteint à l'âge de 80 ans.

Anna Aleksandrovna Vyroubova (en ), née Taneïeva () le, morte le en Finlande. Demoiselle d'honneur, amie et confidente de la tsarine Alexandra Feodorovna.


Synopsis.

Quelques mois après la mort de Chucky, Andy Barclay se retrouve sans sa mère qui doit séjourner dans un hôpital psychiatrique. Il se fait accueillir dans une famille d'adoption, les Simpson, avec une adolescente rebelle, Kyle. C'est apparemment une famille saine, un couple adoptant des enfants sans parents. Cependant, des employés de la compagnie qui fabrique les poupées Brave Gars récupèrent la dépouille grillée de Chucky, et décident de la remettre en bon état. En effet, la mauvaise "rumeur" à propos d'une poupée tueuse avait fait cesser la fabrication de la poupée. Ils ignorent qu'en faisant ainsi, ils l'ont fait ressusciter, et Chucky est ainsi de retour, bien décidée à s'emparer du corps d'Andy pour de bon. Surtout qu'une autre poupée tout à fait similaire, mais inoffensive, est déjà dans la maison...

Résumé détaillé.

La compagnie à l'origine de la poupée Chucky est encore à essayer de gérer la mauvaise publicité qui est née des événements du film précédent. Deux ans se sont écoulés depuis. Andy (Alex Vincent) a été placé en famille d'accueil, et sa mère dans un hôpital psychiatrique. Toutefois, les ouvriers utilisent les pièces fondues de la poupée possédée pour la reconstruire et reconstituer les faits, et dans le processus l'un des ouvriers de l'usine est électrocuté et tué par un dysfonctionnements de la machine. Le PDG recommande de dissimuler le décès du travailleur. La poupée est achevée, et l'assistant du chef de la direction, Mattson (Greg Germann), la prend avec lui en sortant de l'usine. La poupée remise en état a développé son propre cœur, car elle se révèle être toujours possédée par l'esprit de Charles Lee Ray. Elle attache Mattson, joue à lui faire peur et finalement l'étouffe avec un sac en plastique.  Chucky parvient à trouver l'emplacement de la famille d'accueil d'Andy, les Simpson. Il se faufile dans la maison et prend la place de Tommy, la poupée Brave Gars de la maison. Une fois que tout le monde est endormi, Chucky attache Andy à son lit pendant son sommeil et entreprend le rituel vaudou qui est censé transférer son âme dans le corps d'Andy. Kyle (Christine Elise), sœur de lait d'Andy, interrompt le processus. Andy essaie d'avertir ses parents adoptifs à propos de Chucky, mais personne ne le croit. Phil (Gerrit Graham), le père adoptif d'Andy, jette Chucky dans le sous-sol.  Le lendemain, alors qu'Andy devient le bouc-émissaire de ses nouveaux camarades de classe et de sa maîtresse Mlle. Kettlewell, Chucky le suit et essaie de l'y piéger pendant que sa maîtresse le punit pour la récréation après avoir été malmené une fois de plus par un enfant et pour avoir écrit des obscénités sur sa feuille de contrôle (alors qu'en réalité c'est Chucky qui l'a fait pour qu'Andy se fasse punir et ainsi pouvoir lui transférer son âme dans son corps). Andy s'échappe, mais Chucky tue son professeur avant de retourner à la maison attendre la prochaine occasion. Une fois encore, Andy tente d'expliquer ce qui est arrivé, mais ses parents adoptifs lui montrent que Chucky ne peut l'avoir fait parce qu'il est dans leur sous-sol. Cette nuit-là, Andy y descend avec un couteau électrique dans le but de tuer Chucky. La lutte attire l'attention du père adoptif d'Andy, mais quand Phil descend les marches, Chucky le fait chuter ce qui a pour effet de lui briser la nuque. La mère adoptive d'Andy, Joanne (Jenny Agutter), estime qu'Andy est responsable de la mort de Phil, et l'envoie revenir au centre de soins de l'accueil.  Joanne dit à Kyle de se débarrasser de la poupée Chucky. Kyle la jette à la poubelle, mais alors qu'elle va dans le jardin, elle découvre la poupée originale Tommy, enfouie dans le sol. Puis elle se rend compte que Chucky est sorti de la poubelle, et qu'Andy a dit la vérité. Kyle se précipite dans la maison, mais Joanne est déjà morte. Chucky kidnappe Kyle, la forçant avec un couteau à le ramener vers le centre d'accueil où est Andy. Un policier l'aborde et est attiré par le fait que Chucky (qui joue la simple poupée à son approche) saigne tout seul du nez, mais Kyle réussit à l'éloigner. Puis elle provoque un accident, éjecte Chucky de la voiture et tente de l'écraser, mais il est plus rapide qu'elle et part dans la nuit.  Au centre d'accueil, Chucky tue la directrice sociale qui veille sur lui, et s'accroche à Andy en le menaçant avec un couteau. Ils partent pour l'usine des poupées "Brave Gars" à proximité. Kyle les suit secrètement. Dans l'usine, Chucky assomme Andy et tente à nouveau de faire le rituel vaudou, et cette fois, il le termine. Andy ouvre les yeux et, en guise de réponse, reçoit le sang qui suinte du visage de la poupée. Chucky a attendu trop longtemps et le rituel ne marche pas, le laissant définitivement piégé à l'intérieur du corps pourrissant de la poupée. Chucky pousse un long hurlement de rage et poursuit Andy et Kyle à travers l'usine avec l'intention de les tuer. Kyle et Andy réussissent à lui coincer la main, qu'il s'arrache en tirant dessus et en s'enfonçant le manche d'un couteau dans son moignon, ce qui lui fait un poignard à la place de la main. Dans leur fuite, Kyle et Andy réussissent finalement à prendre le dessus, car ils versent du plastique brûlant sur lui et l'enferment dans une machine à compression, de laquelle il s'échappe. Pour finir, ils lui mettent un tuyau d'air dans la bouche, ce qui lui fait gonfler et exploser la tête, et son corps tombe dans le plastique fondu.  Andy et Kyle sortent de l'usine dans les lueurs du matin. Andy demande où ils vont, et Kyle répond « Chez nous », même s'ils ne savent pas où est la maison.

Distribution.

Pour la réédition en Blu-Ray au Québec en 2018, Universal a décidé de commercialiser uniquement la VF de France.

Chucky, la poupée de sang ou Jeu d'enfant 2 au Québec ("Child's Play 2") est un film d'horreur américain réalisé par John Lafia, sorti en 1990. Second film de la série "Chucky", il fait suite à "Jeu d'enfant" de Tom Holland (1988).


Histoire.

Le stade est construit par le club de Linfield au début du lorsque celui-ci recherche un endroit où s'installer durablement. Le club acquiert un terrain le long de la Windsor Avenue, appelé "Bog Meadows".  La plus grande partie du stade est conçue et construite dans les années 1930 lorsque l’architecte écossais Archibald Leitch dessine le plan d'une tribune principale assise, la "South Strand". Cette tribune est inaugurée au cours d'un match opposant Linfield aux Rangers. Le reste du stade est alors composé d'un large terre-plein derrière le but ouest, appelé "Spion Kop" ; au nord une longue tribune couverte et à l'est derrière le but une autre tribune couverte, "The Railway End". Dans cette configuration, la capacité maximale d’accueil de Windsor Park permet d'accueillir jusqu'à places.  En, un système d'éclairage est mis en place. Il est inauguré au cours d'un match face à Newcastle United. Au début des années 1960, la tribune de la "Railway End" est équipée de sièges et au début des années 1970, l'angle entre la "Railway End" et la "South Stand" est aménagé par la construction d’un bâtiment abritant des locaux sociaux pour le club et des salons de réception.  En 1972 lors des Troubles, une partie de la "Railway End" est détruite par l'explosion d'une bombe de l'IRA provisoire.  Dans les années 1980, la tribune couverte faisant face à le tribune principale est endommagée par un incendie. Elle est alors détruite et remplacée par une structure moderne équipée de sièges et couverte d’un toit en porte-à-faux. À la fin des années 1990, le terre-plein du Kop est détruit et remplacé par une tribune de places, la "Kop Stand".  La capacité actuelle du stade s’élève à 20 332 places dont 14 000 assises. Toutes les tribunes ne sont pas systématiquement ouvertes pour tous les matches.  Pour les matches de Linfield seules la tribune principale et le kop sont ouverts. La tribune nord est habituellement utilisée pour accueillir les supporters adverses lorsqu’une grosse affluence est attendue (pour la venue des principaux rivaux du club, Glentoran).  C’est pour les matches de l’équipe nationale que le stade accueille le plus de spectateurs.  En 2007, après une série d’inspections afin de vérifier certains critères de sécurité et de confort et ainsi de vérifier la possibilité du stade à accueillir des matches internationaux et après avoir dû limiter le nombre de places en fermant la tribune du Railway Strand, la fédération nord-irlandaise de football commença à penser à l’abandon du stade. Des projets de construction d’un nouveau stade ailleurs dans Belfast ou à Lisburn pour le football et les sports gaéliques ont fait leur apparition.  En à la suite du rapport sur les conditions de sécurité à l’intérieur du stade, il a été proposé de fermer la tribune de South Strand pour les matches internationaux, ce qui revient à limiter la capacité à 9 000 places. Cette proposition revient à obliger l’Irlande du Nord à construire un nouveau stade ou à jouer ses matches internationaux « à domicile » en Angleterre ou en Écosse.

Windsor Park est un stade de football situé à Belfast en Irlande du Nord. Il est le terrain habituel du club de Linfield ainsi que de l’équipe d'Irlande du Nord. La finale de la coupe nationale y est traditionnellement disputée.


Usage.

Le chlorure de triméthylsilyle a des utilisations variées en chimie organique, à la fois comme source de groupe triméthylsilyle et comme une source anhydre d'ions chlorures. Les groupes fonctionnels tels que les alcools et les amines réagissent quantitativement avec le chlorure de triméthylsilyle, donnant des éthers et des amines de triméthylsilyle. Dans ce cas, le groupe triméthylsilyle peut servir de groupe protecteur, mais la labilité de ce groupe peut en limiter l'utilité.  La triméthylsilylation peut également être utilisée pour augmenter la volatilité de composés comme les acides organiques ou les sucres, ce qui permet de faire la chromatographie en phase gazeuse des substances normalement non-volatiles telles que le glucose. Le chlorure de triméthylsilyle réagit également avec les alcynures (acétylénures) métalliques pour donner des alcynes triméthylsilylés, qui est une forme de protection très efficace des alcynes.  La réaction du chlorure de triméthylsilyle avec des alcools produit un équivalent de chlorure d'hydrogène. Cette réaction peut être exploitée pour créer des solutions alcooliques anhydres d'acide chlorhydrique, qui trouvent leur utilité dans la synthèse douce d'esters et d'acétals à partir d'acides carboxyliques et de cétones, respectivement.  En présence de triéthylamine et de diisopropylamidure de lithium, les aldéhydes énolisables, les cétones et les esters sont convertis en éthers d'énol triméthylsilylés. Malgré leur instabilité vis-à-vis de l'hydrolyse, ces composés ont trouvé une large gamme d'applications en chimie. L'oxydation de la double liaison de l'éther d'énol par époxydation ou, peut être utilisée pour retrouver le groupe carbonyle d'origine et un groupe alcool sur l'atome de carbone en α. Les éthers d'énol triméthylsilylés peuvent être utilisés comme équivalents masqués d'énolates dans l'addition aldolique de Mukaiyama.  Le chlorure de triméthylsilyle peut aussi être utilisé comme composé de départ pour élaborer d'autres halogénures de triméthylsilyle et des pseudohalogénures de triméthylsilyle, tels que :  Ces composés sont préparés par une réaction d'échange entre le chlorure de triméthylsilyle et un sel du (pseudo)halogène (MX):  Le chlorure de triméthylsilyle est aussi utilisé pour silyler de la verrerie de laboratoire, rendant ainsi leur surface plus lipophile.

Le chlorure de triméthylsilyle, également connu sous le nom de chlorotriméthylsilane est un halogénure de silyle qui a diverses utilités importantes en chimie organique. Il a pour formule semi-développée (CH)SiCl et dans les conditions standards, c'est un liquide incolore qui est stable en l'absence d'eau. Il peut être préparé à partir de tétrachlorure de silicium par substitution nucléophile de trois atomes de chlore par des groupes méthyles avec une source de méthyle nucléophile tel que le méthyllithium. Cependant, ce composé est largement et facilement disponible commercialement.


Description.

Imago.

L'imago du Fluoré a le dessus des ailes jaune pâle chez le mâle et blanc jaunâtre chez la femelle, avec dans les deux cas un point discoïdal noir et une large bordure noire tachée de clair à l'aile antérieure, et une tache discoïdale orange à l'aile postérieure. Les deux sexes ont le revers des ailes jaune, avec de petites taches postdiscales brunes et un dessin discoïdal en 8 à l'aile postérieure ; la femelle a l'aile antérieure plus blanche.  Le Fluoré est très difficile voire impossible à distinguer avec certitude du Soufré ("Colias hyale") par son ornementation alaire. Leurs différences sont ténues et inconstantes ; elles incluent l'apex de l'aile antérieure généralement plus arrondi chez le Fluoré, et des couleurs en moyenne plus vives. Les meilleurs critères de différenciation sont la livrée de la chenille, les plantes-hôtes et le biotope.

Premiers stades.

Les œufs éclosent vite ; les chenilles sont principalement vert turquoise et sont ornées à maturité de quatre raies jaunes et quatre rangées de points noirs caractéristiques, qui les distinguent facilement des chenilles du Soufré.  De la chrysalide vert vif émerge rapidement le papillon (en une semaine par temps favorable).

Biologie.

Phénologie.

Le Fluoré vole de mars à novembre, en deux à quatre générations selon les régions. Il hiverne sous forme de chenille.

Plantes-hôtes.

Les plantes-hôtes de la chenille sont "Hippocrepis comosa", "Astragalus monspessulanus" et "Securigera varia".

Distribution et biotopes.

Distribution.

Le Fluoré est répandu en Europe centrale et méridionale, et plus à l'est en Asie mineure, dans le Sud de la Russie, le Caucase, l'Asie centrale et jusqu'en Chine. Il peut être migrateur dans le Nord de son aire de répartition, et atteindre alors le Danemark et le Sud de l'Angleterre.  Répandu dans une grande partie de la France métropolitaine, il manque dans le Massif armoricain et en Corse.

Biotopes.

Le Fluoré affectionne les friches ensoleillées, les milieux ouverts ou rocailleux secs, jusqu'à plus de, sur sol calcaire.

Systématique.

Validité du nom scientifique.

Le taxon actuellement appelé "Colias alfacariensis" a longtemps été l'objet d'un imbroglio nomenclatural dû à la coexistence de plusieurs noms dont la validité faisait débat. Le nom actuel d’"alfacariensis" remonte à la description par, en 1905, de "Colias hyale" ab. "alfacariensis" (en tant que forme infra-subspécifique, donc a priori indisponible pour désigner une espèce). Par souci de stabilité nomenclaturale, la Commission internationale de nomenclature zoologique a rendu ce nom disponible, puis décidé de le rendre prioritaire sur trois noms plus anciens mais peu usités.  Certaines sources utilisent encore le nom "Colias sareptensis", mais celui-ci est généralement considéré comme invalide car lui aussi infra-subspécifique.

Sous-espèces.

Plusieurs sous-espèces ont été décrites :

Statut de conservation.

"Colias alfacariensis" est classé au niveau LC (préoccupation mineure) sur la liste rouge des papillons de jour européens publiée en 2010 et sur la liste rouge des papillons de jour de France métropolitaine publiée en 2012.

Le Fluoré (Colias alfacariensis) est une espèce de lépidoptères de la famille des Pieridae et de la sous-famille des Coliadinae.


Conception et développement.

Lorsque le Jumo 211 entra en production à la fin des années 1930, il utilisait un liquide sous pression pour son système de refroidissement basé sur un « cycle ouvert ». De l'eau était pompée à travers le moteur pour le refroidir, ce système fonctionnait à la pression atmosphérique, ou légèrement supérieure. Or le point d'ébullition de l'eau diminuant avec l'altitude (pression) cela signifiait que la température de l'eau de refroidissement devait être conservée assez basse pour éviter l'ébullition à haute altitude. Ce qui signifiait que l'eau refroidissait moins bien le moteur avant de partir dans le radiateur pour se refroidir.  En comparaison, le Daimler-Benz DB 601E de 1940 utilisait un système de refroidissement pressurisé qui maintenait la même pression quelle que soit l'altitude, relevant le point d'ébullition à environ. Cela permettait d'utiliser beaucoup moins d'eau pour obtenir le même effet de refroidissement, qui restait stable à toutes les altitudes. Bien que similaires aux, le était plus petit et plus léger que le 211, et pouvait être exploité avec une puissance plus importante et à des altitudes plus élevées, ce qui le rendit populaire dans la conception des chasseurs. Le 211 joua un rôle secondaire dans les bombardiers et les avions de transports.  La firme "Junkers Motorenwerke" n'étant pas satisfaite de cet état des choses commença à fournir plus d'efforts pour produire un système de refroidissement pressurisé dès 1938. Les expériences sur le 211 eurent un tel succès qu'il devint clair que non seulement le moteur devait être plus petit et plus léger (en réduisant les besoins en eau), mais pourrait être amené à une puissance plus élevée sans surchauffe. Des modifications supplémentaires pour renforcer le vilebrequin et l'ajout d'un compresseur pour augmenter la puissance aboutirent au modèle 211F, qui délivrait () à, supérieur aux à de la première version 211A.  Mais ce n'était qu'un début. Après la refonte du bloc moteur pour obtenir des dimensions externes plus petites, grâce à l'amélioration du refroidissement, et avec les mêmes chiffres d'alésage et course (150 x ) qui maintenaient la cylindrée (35 litres) du Jumo 211 de série, le modèle 213A fut en mesure de délivrer à grâce à l'augmentation de la pression de suralimentation du compresseur. De ce fait, il était considérablement plus puissant que son concurrent le () et aussi puissant que l'imposant de de cylindrée. Junkers décida d'aller sur le marché du 603 en plaçant les points de montage et les raccordements de fluide des 213 aux mêmes emplacements que sur les 603, lui permettant d'être "standard" en remplacement, à l'exception de l'admission standard du compresseur Jumo placé à tribord (Daimler-Benz inversait ses moteurs V12 pour avoir toujours le compresseur sur bâbord).  Le 213A (série principale en production, avec un seul étage et deux vitesses de suralimentation) fonctionna pour la première fois en 1940, mais se heurta à de longs délais avant d'être finalement déclaré apte pour la production en 1943. La production elle-même fut extrêmement lente, afin d'éviter les retards dans celle des Jumo 211. Au moment où les moteurs furent disponibles en 1944, les bombardements alliés détruisirent à plusieurs reprises les lignes de production. La production du modèle 213A fut limitée à environ 400-500 exemplaires par mois, pour la plupart en 1944/45.  Des versions avancées furent également développée au cours de la longue période de tests. Le 213B fut conçu pour fonctionner avec un carburant « C3 » à, permettant une pression de suralimentation plus importante et portant la puissance de décollage à. Le 213C, qui était essentiellement un modèle 213A avec un équipement secondaire réajusté (compresseur, pompe à huile, etc.) pour permettre à un canon de Motorkanone de tirer à travers l'arbre d'hélice. Le 213D reçut un nouveau compresseur à trois vitesses pour obtenir des courbes de puissance lissées et des performances en altitude améliorées, mais il n'entra jamais en production.  Les versions de production suivantes furent les 213E et 213F. Ces moteurs étaient équipés d'un nouveau compresseur à deux vitesses et deux étages qui améliorait considérablement les performances en altitude. La seule différence entre les deux modèles était que le modèle E recevait un intercooler pour de meilleures performances en haute altitude, tandis que le modèle F n'en était pas équipé mais optimisé pour les basses altitudes. Les modèles E et F étaient très demandés pour de nombreux avions à la fin de la guerre, y compris pour les Junkers Ju 188 et, le modèle "Langnasen-Dora" du Focke-Wulf Fw 190D et le Focke-Wulf Ta 152H. Ces avions utilisaient des radiateurs annulaires caractéristiques des avions bimoteurs équipés de Jumo 211.  Souvent normalisés sous le nom de "Kraftei", (« »), ces unités de construction ou de remplacement comprenaient tout un groupe motopropulseur (incluant le moteur réglé et tout ses accessoires) prêt à être boulonné et raccordé en quelques heures sur l'avion receveur. Ces modules de propulsion standardisés pour bimoteurs ou multi-moteurs avaient évolué (tout comme le ) pour s'adapter à des avions de conception plus ancienne mais avec des radiateurs annulaires reconfigurés pour un meilleur refroidissement du plus puissant.  Une mise à jour majeure, le 213J, fut projetée et remplaçait l'ancien modèle trois soupapes avec de nouvelles culasses à quatre soupapes par cylindre conçues pour augmenter l'efficacité volumétrique. Cette version reçut également un compresseur à deux étages et trois-vitesses, produisant à au décollage pour un poids de. Cette version n'entra jamais en production. Ce fut également le cas pour d'autres modèles expérimentaux comme le 213S (utilisations à basses altitudes) et le 213T turbocompressé.  La poursuite du développement du Jumo 213 fut réalisée à l'Arsenal de l'aéronautique, en France, après la Seconde Guerre mondiale.

Le Junkers Jumo 213 est un moteur d'avion allemand V12 à refroidissement liquide de la Seconde Guerre mondiale, développé par Junkers Motoren à partir de la précédente version, le Jumo 211. Ses concepteurs ajoutèrent deux fonctionnalités : un système de refroidissement sous pression qui exigeait beaucoup moins de liquide de refroidissement et permettait d'avoir un moteur plus petit et plus léger, et un certain nombre d'autres améliorations lui permettant de fonctionner à des régimes élevés. Ces changements permirent d'augmenter la puissance de plus de.


Historique du quartier.

L'Époque d'Edo.

Au tout début du, le chef de guerre (Shogun) Tokugawa Ieyasu (1543-1616) crée une nouvelle capitale administrative à Edo, rebaptisée Tokyo en 1868, siège du shogunat. Ce n'était qu'un village de pêcheurs, mais en 1635 pour pouvoir maintenir les daimyos sous son autorité, le shogun Tokugawa Iemitsu (1604-1651) leur impose un système de résidences alternées, le "sankin-kōtai", dans lequel ils doivent résider à Edo une année sur deux, tandis que leurs familles doivent y résider en permanence en guise d'otages. Marchands et artisans, les ("chônins") attirés par les gains que peuvent leur procurer cette population assignée à résidence s'installent. En un siècle Edo devient une des agglomérations les plus peuplées du monde : elle compte près d'un million d'habitants au début du.  La société japonaise à l'époque d'Edo (1603-1868) est très codifiée et les idées confucéennes servent de fondement à un système de strictes prescriptions sociales. Un ordre social appelé les « quatre divisions de la société » (shinōkōshō) est destiné à stabiliser le pays. La société est ainsi composée de samouraïs (士 "shi") au sommet, de paysans (農 "nō"), d'artisans (工 "kō") et de marchands (商 "shō"). Le mariage durant cette période n'est pas fondé sur l'attraction romantique, il a lieu le plus souvent entre deux familles d'un statut égal. Après le mariage, les femmes ne sont pas autorisées à prendre d'autres partenaires sexuels, mais les hommes des classes supérieures peuvent prendre des concubines et entretenir des relations avec les femmes célibataires.

Les quartiers de prostitution.

À l'époque d'Edo, les quartiers de prostitution se développent dans les trois plus grandes villes de l'archipel, Edo, Kyoto et Osaka. Au centre d'Edo, le premier quartier, Yoshiwara (la plaine des roseaux), apparait dès 1617. À Osaka ce sera Shinmachi (la nouvelle ville) créé au début de l'année 1632, et à Kyoto le Shimabara (l'îlot aux roses) créé dès 1589. Ces "kuruwa" (quartiers réservés), sont reconnus par des licences gouvernementales.  La principale motivation pour définir ces quartiers fut la volonté du shogunat Tokugawa d'empêcher les nouveaux riches de se livrer à des intrigues politiques.  Le quartier est fermé d'une enceinte, dont les accès sont gardés et contrôlées. Bien que l'on cherchât à décourager les samouraï de pénétrer dans l'enceinte du Yoshiwara, cela ne les empêchait guère de s'y rendre. On leur demandait alors simplement de laisser leurs armes à la porte d'entrée. Les distinctions sociales très marquées dans la société, n'y ont pas cours : un client avec de l'argent est le bienvenu, qu'il soit roturier ou samouraï. Toutes sortes de catégories sociales, hommes d'affaires, samouraïs, dandys, écrivains et peintres s'y côtoient. On se croise dans les « maisons vertes », mais aussi dans les maisons de thé, les restaurants, les boutiques de luxe ou les établissements de bains.  Le théâtre kabuki fut créé à Kyoto par la danseuse, Izumo no Okuni (1572?-1613). Il était à ses débuts principalement joué dans les Maisons vertes. Il deviendra ensuite réservé aux hommes, les "hōkan" (comédiens).  Des noms servaient à désigner les clients selon leur attitude : les « habitués » étaient des "tsu", les blancs-becs étaient les "shirōto", les rustres étaient les "yabō". Ces différents types de clients étaient décrits avec ironie dans les "sharebon", romans humoristiques décrivant les clients des quartiers de plaisir, et se moquant de leurs travers. La loi interdisait aux clients de rester sur place plus d'un jour et d'une nuit.  Les plaisirs offerts par la capitale sont de plus en plus présents dans les guides touristiques. Moronobu édite son dès 1678, livre illustré conservé à la Bibliothèque nationale de France dans la collection Théodore Duret. Mais c'est peut-être "L'Almanach des maisons vertes", paru en 1804, par Utamaro (pour les illustrations) et Jippensha Ikku pour le texte, qui donne la meilleure vision de la vie réelle des maisons vertes, avec ses règles non écrites et ses petits drames.

Les Courtisanes.

Elles sont réparties selon une hiérarchie de huit échelons déterminant les rituels qui permettent de les approcher : "yūjo" (prostituées), "hashi-jōro" (courtisanes de bas étage), "kōshi-jōro" (des courtisanes de rang élevé, juste en dessous des "tayū"), "tayū" ou des "oiran" (courtisanes de rang élevé), ainsi que des "yarite" (qui chaperonnaient les "oiran") et des "kamuro", petites suivantes des courtisanes de haut rang. Une courtisane de haut rang ("Oiran") sait jouer de la musique, danser, connaît la poésie classique et est en droit de refuser un client qui lui déplait, quand bien même il serait aristocrate ou guerrier. Il existait une démarcation très nette entre geisha et courtisanes : une geisha ne s'impliquait jamais sur le plan sexuel avec un client, bien qu'il y ait pu y avoir quelques exceptions. Elles avaient leur propremaison ("okiya"), telle que la célèbre "Daimonji-ya", l'une des plus importantes maisons de geisha de Yoshiwara.  À son apogée, dans la seconde moitié du, Yoshiwara comptera jusqu'à sept mille courtisanes. Elles demeurent dans des "seirō" (les célèbres « maisons vertes »).  Les modes changeaient rapidement dans la ville, ce qui créait une forte demande. Traditionnellement, les prostituées s'habillaient d'un simple vêtement bleu, mais ceci était rarement respecté. Les courtisanes de haut rang s'habillaient souvent à la toute dernière mode, avec des kimonos de soie richement colorés et des coiffures élaborées. D'ailleurs, la mode au Yoshiwara tenait une telle place que le quartier dictait souvent les nouvelles tendances au reste du Japon. Chaque année avait lieu un grand défilé des courtisanes, qui portaient alors les toutes dernières tendances en matière vestimentaire et en termes d'ornements de coiffure, qui étaient ensuite reprises par les autres classes sociales. Le quartier est très actif commercialement et les commerçants deviennent de plus en plus puissants. Ces nouveaux riches veulent consommer et afficher leur aisance de la même manière que les samouraïs, mais les lois les empêchent de le faire de façon ostensible. C'est en définitive à travers la culture que les commerçants vont imprimer leur marque, une culture destinée à plaire aux citadins et qui reflètent leurs préoccupations : le divertissement, les affaires de mœurs, les histoires d'argents, et d'amour. C'est ainsi qu'apparaissent les premières chroniques citadines ou les peintures de divertissements, les ukiyo-e (浮世絵?, terme japonais signifiant « image du monde flottant »). Il est même possible de commander des portraits de courtisanes renommées et les peintres remettent à l'honneur pour elles des traditions de l'époque Heian, un type de portrait qui était l'apanages des femmes de l'aristocratie.  Yoshiwara hébergeait quelque au, pour atteindre le chiffre de (dont beaucoup souffraient de syphilis) en 1893. Ces femmes étaient souvent vendues aux bordels par leurs parents alors qu'elles n'avaient qu'entre sept et douze ans. Si la jeune fille avait de la chance, elle pouvait espérer devenir l'apprentie d'une courtisane de haut rang.

Devenir du quartier.

Le quartier de Yoshiwara fut déplacé après le grand incendie de Meireki en 1657, au nord d'Asakusa, en bordure de la ville. Il devient Shin-Yoshiwara (le nouveau Yoshiwara). L'ancien endroit prend alors le nom de "Moto Yoshiwara" (Yoshiwara d'origine). Peu à peu, le "Shin" est oublié, et le nouveau quartier est alors connu simplement comme Yoshiwara.  La zone est dévastée par un nouvel important incendie en 1913, et quasiment rasée par le tremblement de terre de 1923. Elle resta cependant en activité jusqu'à l'abolition officielle de la prostitution au Japon par le gouvernement japonais après la seconde Guerre Mondiale, en 1958.  Yoshiwara correspond aujourd'hui au, situé entre Asakusa et Minami-Senju. À première vue, il ressemble à beaucoup d'autres faubourgs du Tokyo moderne. Cependant, il conserve toujours quelques legs de son passé et comprend en particulier quelques établissements consacrés au commerce du sexe. La disposition des rues, ainsi que les temples et les sanctuaires des temps passés sont toujours en place.

Représentation du quartier.

Dans la littérature.

Le roman de Kesako Matsui, publié au Japon en 2007 et récompensé par le Prix Naoki, constitue une reconstitution historique méticuleuse de ce quartier de plaisir dans l'ancien Japon.

Le était un quartier célèbre d'Edo (aujourd'hui Tokyo), au Japon. Il était connu pour être le quartier des plaisirs, célèbre pour ses artistes, ses courtisanes et ses prostitué(e)s.


Situation et accès.

Le musée est situé dans le de Paris à proximité du jardin du Ranelagh.  L’entrée principale est au 2, rue Louis-Boilly.  Le site est desservi par la ligne à la station de métro "La Muette", ainsi que par les lignes de bus RATP et. Les gares de l’avenue Henri-Martin et de Boulainvilliers de la ligne C se situent également à proximité.

Historique.

Le musée a pour origine le don par l'historien d'art Paul Marmottan de son hôtel particulier et de ses collections de la Renaissance et de l'époque napoléonienne à l'Académie des Beaux-Arts en 1932.  En 1882, un pavillon de chasse situé près du bois de Boulogne, appartenant à la famille du duc de Valmy, est acheté par Jules Marmottan et transformé en hôtel particulier par son fils Paul Marmottan. L'hôtel héberge alors une collection de premier plan du père, passionné par le Moyen Âge et la Renaissance, et de son fils Paul, passionné par le Premier Empire. À sa mort, en 1932, Paul Marmottan lègue son hôtel et ses collections à l'Académie des Beaux-Arts qui en fait un musée qui s'ouvre au public en 1934.  Durant près d’un siècle, le musée a bénéficié de legs et de donations d’une envergure sans égale, notamment en 1957 lorsque Victorine Donop de Monchy donne définitivement au musée les onze tableaux impressionnistes (dont "Impression, soleil levant") qui lui restent de son père Georges de Bellio. En 1966, Michel Monet, dernier descendant direct de Claude Monet, lègue la collection personnelle de tableaux et 89 peintures de son père. L’architecte académicien et conservateur du musée, Jacques Carlu, fait alors construire sous le parc de l'hôtel une salle pour recevoir cette collection, inspirée de celle des grandes décorations du musée de l'Orangerie et inaugurée en 1970.  En 1980, Daniel Wildenstein offre la collection d'enluminures de son père Georges Wildenstein. En 1985, la fille adoptive d'Henri Duhem donne également l'ensemble de la collection de tableaux de son père au musée. En 1993, les petits-enfants de Berthe Morisot, Denis et Annie Rouart, lèguent leur collection par l'intermédiaire de leur fondation (25 toiles, une cinquantaine d'aquarelles et la collection d'impressionnistes de leur aïeule). Cela fait de ce musée le dépositaire du premier fonds mondial d’œuvres de Claude Monet et de Berthe Morisot.  Le, neuf tableaux impressionnistes sont volés en plein jour à la suite d'un vol à main armée, dont quatre Monet (notamment son célèbre "Impression, soleil levant"), et deux Renoir. Le groupe de voleurs, appelés plus tard le « gang d'Aubervilliers », les revend à Shinichi Fujikuma, un Japonais en relation avec les yakuzas, qui est arrêté en 1987 et toutes les toiles sont retrouvées en à Porto-Vecchio chez un bandit corse.

Collections.

Collections Jules et Paul Marmottan.

Les collections de Paul Marmottan, léguées en 1932 avec l'hôtel particulier qui abrite le musée, comportent des œuvres de peintres primitifs italiens, allemands ou flamands (Michel Haider) ainsi que des sculptures, des tapisseries et des vitraux anciens. La majeure partie des collections est cependant consacrée à l'art du Premier Empire avec un riche ensemble de meubles (Jacob, Bellangé, Thomire, Feuchère...), sculptures (Canova, Chaudet, Chinard, Pajou...), objets d'arts, peintures... parmi lesquelles des œuvres des plus grands artistes de la période comme David, Ingres, Gros, Girodet, Fabre, Boilly et dans sa galerie de portraits, François Gérard, Louis Gauffier, Carle Vernet

Donation Duhem.

Peintre et collectionneur du Nord de la France, Henri Duhem (1860-1941) constitua avec son épouse Marie Duhem, née Sergeant, une collection d’œuvres majeures. Jusqu'à sa mort survenue en 1941, il vécut entouré des soins prodigués par une nièce de sa femme, Nelly Sergeant, qui devint son unique héritière.  Soucieuse de perpétuer la mémoire des deux artistes et de répondre aux vœux d'Henri et de Marie Duhem, Nelly Sergeant-Duhem légua l'ensemble de leur collection à l'académie des Beaux-Arts en 1985.  Cette collection comprend plus de cent peintures, aquarelles et bronzes d'artistes français des et : Eugène Boudin, Jules Breton, Eugène Carrière, Jean-Baptiste Camille Corot, Paul Gauguin, Albert Lebourg, Claude Monet... ainsi que de Rembrandt.

Enluminures.

Transférée au premier étage depuis le, la salle Georges Wildenstein regroupe un ensemble exceptionnel d'enluminures des écoles françaises, italiennes, flamandes et anglaises du, certaines de la main de peintres célèbres comme Sano di Pietro, Jean Fouquet, Jean Bourdichon ou Giulio Clovio.

Claude Monet.

Le musée possède la plus importante collection d'œuvres de Monet au monde (94 toiles, 29 dessins, 8 carnets de dessins, ses palettes, ses lettres, des photographies, des objets personnels). Toute la carrière du maître de l'impressionnisme est retracée à travers ses peintures et ses dessins. Certaines de ses œuvres les plus célèbres sont exposées au musée, qui porte aujourd'hui son nom : notamment le célèbre "Impression, soleil levant", qui est la première peinture proprement impressionniste (et qui a d'ailleurs donné son nom au mouvement), "Sur la plage à Trouville" de 1870, le "Portrait de Poly" de 1886, les "Pont japonais", la "Barque à Giverny" de 1887, "Londres. Le Parlement. Reflets sur la Tamise" de 1905, la "Cathédrale de Rouen, effet de soleil, fin de journée" et les "Nymphéas" de 1916 à 1919.

Les impressionnistes.

Autour de Claude Monet, tous les grands maîtres de la peinture impressionniste, mais aussi postimpressionniste, sont présents ainsi que d'autres peintres moins connus du grand public, contribuant à faire du musée Marmottan-Monet l'un des plus complets au monde pour ces deux mouvements majeurs de l'art du. Au fil des salles, on retrouve des œuvres d'Eugène Boudin, Johan Barthold Jongkind, Camille Corot, Caillebotte, Degas, Manet, Berthe Morisot, Pissarro, Armand Guillaumin, Auguste Renoir, Auguste Rodin, Alfred Sisley, Paul Gauguin, Paul Signac, Albert Lebourg, Henri Lebasque...

Berthe Morisot.

Grâce aux legs des petits-fils de l'artiste Denis et Julien Rouart et de leurs épouses en 1993 et 1996, le musée possède la plus importante collection mondiale d'oeuvres de Berthe Morisot, femme d'Eugène Manet, lui-même frère d'Édouard Manet et élève de Corot. Le musée conserve ainsi 81 œuvres de l’artiste entre peintures, aquarelles, pastels et dessins, outre un dépôt de sept carnets de dessins.

Gestion et politique culturelle.

La vente par le musée d'une partie de sa collection de meubles, entre 1970 et les années 2000, fait l’objet d’une vive polémique.

Direction.

Le directeur du musée est un membre de l'Académie des beaux-arts, élu par ses pairs.

Fréquentation.

Association.

Il existe une Association des Amis du musée Marmottan Monet, ayant pour but de contribuer au développement et au rayonnement du musée dans le monde, de soutenir l’organisation d’expositions et de manifestations culturelles et de favoriser l’enrichissement des collections.  En 2019, le montant de l’adhésion annuelle est fixé à 60 € pour le membre ami, 200 € pour le membre bienfaiteur et 500 € et plus pour le membre d’honneur.

Le musée Marmottan, devenu musée Marmottan Monet dans les années 1990, est un musée des beaux-arts situé à Paris. Il présente notamment une collection d’objets d’art et de tableaux du Premier Empire, ainsi que des œuvres de peintres impressionnistes dont la plus grande collection au monde d'œuvres de Claude Monet.


Biographie.

Paine est né à Boston (Massachusetts) le, descendant d'un des premiers colon, Robert Treat. Il entre à la Boston Latin School, puis est diplômé du Harvard College (aujourd'hui Université Harvard) en 1749 où il étudie la théologie, matière dans laquelle il obtient également un diplôme. Il devient commerçant, voyage dans les colonies du Sud, en Espagne, dans les Açores ou en Angleterre. Il rentre finalement chez lui pour être admis à la barre du Massachusetts en 1757 ou 1759, pratiquant à Portland (faisant partie à l'époque du Massachusetts, mais aujourd'hui du Maine), et plus tard à Taunton (Massachusetts).  En 1768, il devient délégué à la Convention Provinciale, appelée à se réunir à Boston et qui conduit à l'accusation du Capitaine Thomas Preston et de ses hommes dans le Massacre de Boston du ; John Adams étaient opposé à ce conseil. Grand orateur, l'appel pour la justice d'Adams conquit le cœur des juges qui acquittèrent les suspects. Paine office alors à la General Court of Massachusetts de 1773 à 1774, dans le Massachusetts Provincial Congress de 1774 à 1775 et représente le Massachusetts au Congrès continental de 1774 jusqu'en 1778. Au Congrès, il signe l'appel final pour le Roi (la pétition du rameau d'olivier de 1775). En 1776, il signe la déclaration d'indépendance des États-Unis en tant que représentant du Massachusetts.  Il est l'orateur du Massachusetts à la Maison des Représentants en 1777, membre du Massachusetts Governor's Council en 1779, membre du comité ayant rédigé la constitution de 1780, Procureur Général du Massachusetts de 1777 à 1790, et enfin membre de la Cour Suprême de Justice du Massachusetts de 1790 à 1804 quand il se retire. Quand il meurt à l'âge de 83 ans le, il est enterré à la Granary Burying Ground de Boston.

Robert Treat Paine, né le, mort le, fut un signataire de la déclaration d'indépendance des États-Unis en tant que représentant du Massachusetts.


Carrière.

Spedding a grandi à Sheffield et Birmingham chez ses parents adoptifs, Muriel et Jack Spedding, qui lui donnent le nom de Christopher John Spedding. Vers le milieu des années 1950, il se met à la musique et joue du violon dans l'orchestre de son école. Doué pour plusieurs instruments, dont le piano (il possède l'oreille absolue), il s'intéresse alors au mouvement rock naissant. Il crée rapidement son premier groupe, les Hot Spurs, alors qu'il est encore à l'école. Quelque temps après, encore adolescent, il part pour Londres et rejoint un groupe beat, The Vulcans. De là, il se produit sur un bateau de croisière ainsi qu'en compagnie de groupes country. À la fin des années 1960, il devient un musicien prisé de studio et officie pour Alan Price, Jack Bruce, Pete Brown et d'autres. Pete Brown fait de lui son soliste et il est invité à jouer sur le premier album solo de Jack Bruce, "Songs for a Tailor" (1969).  Spedding enregistre son propre album instrumental pour Harvest Records, "Songs without words" (1970), qui sera distribué en Europe et au Japon, mais commence sa carrière solo officielle l'année suivante avec "Backwood Progression", sur lequel il se met enfin au chant. L'album ne connait pas un grand succès, mais cependant suffisant pour enchainer en 1972 sur "The Only Lick I Know", où il se concentre essentiellement sur les parties instrumentales (dont les claviers et la basse). Ces albums resteront confidentiels mais confirment les bases d'une carrière musicale très riche.  En 1971, il est recruté par le producteur Steve Rowland pour jouer les parties de guitare lors de l'enregistrement à Londres de "Coming from reality", le deuxième album d'un talentueux chanteur folk latino de Détroit, Sixto Rodriguez, qui va tomber dans l'oubli pendant plusieurs décennies avant de connaître la célébrité et même devenir mythique avec le film Searching for Sugar Man.  En même temps, il continue le jazz avec Nucleus, enregistre et tourne avec "Mike Gibbs", joue en studio à Londres avec Harry Nilsson sur l'album "Nilsson Schmilsson"... En 1972-74, il joue un rôle essentiel dans les "Sharks", groupe fondé avec l'ex bassiste de Free, Andy Fraser. Ils enregistrent ensemble deux albums et partent en tournée avec Roxy Music. Par la suite, il accompagne John Cale en studio et en tournée, puis joue en 1975 sur l'album de Roy Harper, "HQ".  En 1975, Spedding entre dans le Top 20 anglais avec le single "Motorbikin"', ce qui lui permet de se produire dans des émissions populaires comme Top of the Pops, où il apparait en combinaison de cuir et cheveux gominés. C'est alors qu'il devient un des guitaristes les plus appréciés, accompagnant Brian Ferry, Roxy Music, Elton John, Brian Eno, Jack Bruce, Dick Rivers, Nick Mason, Katie Melua et bien d'autres encore. Son album solo, sobrement intitulé "Chris Spedding", sort en 1975, produit par "Mickie Most".  En 1976, il produit les premières démos des Sex Pistols avec lesquels il enregistre "Problems, No Feelings" et "Pretty Vacant". Il sort l'album "Hurt" en 1977, sur lequel on trouve une excellente version du morceau de Garland Jeffreys, "Wild in the Streets".  En 1978, il tente de profiter de son succès comme "sideman" et enregistre l'album "Guitar Graffiti", mais n'arrive toujours pas à conquérir un large public. Il déménage alors pour New York où il rejoint "The Necessaries" comme compositeur et guitariste et travaille avec Robert Gordon. Peu de temps après, il revient à Londres pour enregistrer un nouvel album en 1980, "I'm not Like Everybody Else", puis un album live en 1981, "Friday, the 13th". Il poursuit parallèlement sa carrière de musicien de studio, notamment avec Tom Waits ou Johnny Hallyday... et enregistre encore des albums solo.  En 1984, il apparaît sur l'album de Paul McCartney, Give My Regards to Broad Street. Il produit les deux premiers albums du groupe canadien Razorbacks, "Go to Town" en 1988 et "Live a Little" en 1989. Il apparait également aux côtés de Willy DeVille sur "Loup-Garou". En 1995, il accompagne sur scène Dick Rivers lors de sa tournée (Bobino, Olympia, Eurodisney...) et en studio pour ses enregistrements. Il tourne ensuite à nouveau avec Roxy Music en 2001 et enregistre deux nouveaux albums : "Click Clack" en 2005 et "It's Now or Never" en 2007.

Chris Spedding (de son vrai nom Peter Robinson) est né le à Staveley, Derbyshire. C'est un guitariste anglais de jazz et de rock, plus connu comme musicien d'accompagnement que pour sa carrière solo. D'après AllMusic :