Format de l'enregistrement.

Un enregistrement SRV contient les informations suivantes :  Par exemple, des enregistrements SRV peuvent ressembler à ceci :  Ils pointent vers trois serveurs nommés serveursip{1,2,3}.example.com qui attendent des connexions SIP sur le port TCP numéro 5060. Ici, la priorité indiquée est de 0 (priorité standard par défaut), et le poids de ces serveurs est de 33 (le serveur DNS retournera équitablement aléatoirement un des 3 serveurs aux clients DNS, mais de façon équitable). La durée de validité indiquée (86400 secondes soit une journée entière) permet aux clients DNS de garder dans leur cache local cette information pendant une journée entière avant de devoir réinterroger le serveur DNS.  Le serveur retournera aussi aux clients un second serveur pour leurs requêtes, pointant sur serveursip-offline.example.com qui fournira un service SIP (éventuellement limité) si les clients ne parviennent pas à se connecter à l'un des trois premiers serveurs (ce serveur de secours à une priorité indiquée à 10 au lieu de 0, il n'est pas destiné à une utilisation permanente par les clients mais peut servir le temps d'une opération de maintenance sur l'un des 3 serveurs SIP de base, son poids indiqué à 100 n'a pas d'effet si c'est le seul serveur de secours).

Répartition de charge avec SRV.

Le champ priorité est similaire au champ de même nom des enregistrements MX. Les clients commencent par utiliser l'enregistrement SRV de plus basse priorité, et se rabattent sur les autres enregistrements uniquement en cas d'échec de la connexion. Ainsi, un service peut avoir un serveur désigné comme serveur de secours, qui sera seulement utilisé en cas de panne du serveur primaire: il suffit pour cela d'insérer un enregistrement SRV avec une priorité plus élevée que pour le serveur primaire.  Lorsqu'un service possède plusieurs enregistrements SRV de même priorité, les clients utilisent alors le champ poids pour décider quel serveur utiliser. Le poids ne prend son sens que lorsqu'il est mis en relation avec le poids des autres enregistrements de même priorité (toujours pour un service donné).  Dans l'exemple ci-dessous, on utilise à la fois les champs priorité et poids, afin de fournir simultanément une répartition de charge et un service de secours.  Les trois premiers enregistrements ont tous une priorité de 10. Les clients vont donc devoir utiliser le champ poids afin de déterminer quel serveur contacter. Pour ce champ, la somme des trois valeurs est 100, donc gros-serveur.example.com sera utilisé 60 % du temps, et chacun des deux autres (petit-serveur1 et petit-serveur2) sera utilisé 20 % du temps. Si, d'aventure, gros-serveur devenait indisponible, les deux "petits serveurs", seuls en piste, se partageraient alors la charge, ayant un poids identique.  Par ailleurs, si ces serveurs de priorité 10 deviennent tous trois indisponibles, l'enregistrement de priorité immédiatement supérieure sera choisi, en l'occurrence serveur-de-secours.example.com. Il peut s'agir d'une machine géographiquement éloignée des trois autres, donc "a priori" non touchée par la cause de l'indisponibilité de celles-ci.  La répartition de charge fournie par les enregistrements SRV est forcément limitée, étant donné que l'information est essentiellement statique. La charge réelle des serveurs n'est pas prise en compte.

Utilisation.

Les enregistrements SRV sont souvent utilisés par les clients Microsoft Windows 2000 afin de trouver le contrôleur de domaine pour un service donné.  Par ailleurs, les enregistrements SRV sont communément utilisés en association avec les protocoles standards ci-dessous :

Commandes utiles.

Pour vérifier la présence d'un enregistrement SRV sur un domaine, les commandes nslookup et dig peuvent être utilisées. Par exemple :  Exemple réel :  ou encore :  Exemple réel :

Un enregistrement SRV ou enregistrement de service est une catégorie de données du DNS d'Internet qui vise à indiquer quels sont les services disponibles. Ce type d'enregistrement est défini dans la. Les protocoles récents (par exemple SIP et XMPP) nécessitent souvent un support des enregistrements SRV par le client. Par ailleurs, les implémentations côté client de protocoles plus anciens tels que LDAP, SMTP peuvent également se voir ajouter un support pour les enregistrements SRV.


Biographie.

Origines.

Camille d'Hostun est le fils de Roger d'Hostun de La Baume, marquis de la Baume-d'Hostun et de Marie de Neufville-Villeroy.

Carrière militaire.

Il entame sa carrière militaire en tant que guidon de la compagnie des "gendarmes anglois". Maître de camps du régiment Royal-Cravates cavalerie en 1665, il prend part à la Guerre de Hollande sous les ordres du prince de Condé en 1672. Selon Aubert de La Chesnaye des Bois,. Il se signale en Alsace en 1674, alors qu'il sert sous les ordres de Turenne, notamment lors de la bataille de Seneffe. Il commande ensuite un corps de bataille lors des combats de Mülhausen et d'Urchem et participe aux campagnes de 1675 et 1676. Nommé brigadier l'année suivante, Tallard continue à servir jusqu'à la paix de Nimègue en 1678. Il prend part au siège de Courtrai en 1683 et à celui de Luxembourg l'année suivante.  Il est promu maréchal de camp en 1688. Il participe à la guerre de la Ligue d'Augsbourg et franchit le Rhin pour piller le Palatinat en 1691. Lors de cette campagne, les troupes du roi de France battent celles de l'électeur de Saxe Christian ainsi que celles du prince de Wurtemberg. Tallard participe également au siège d'Ebersboug, où il est blessé, et à l'attaque du château de Rheinfels. Il est nommé lieutenant général des armées du roi en 1693, avant d'être envoyé pendant deux ans comme ambassadeur extraordinaire à Londres. À son retour, il est décoré du collier des ordres de Saint-Michel et du Saint-Esprit et nommé gouverneur du pays de Foix, rattaché au domaine royal depuis 1607.  Il participe à la guerre de Succession d'Espagne. En 1702, il dirige des troupes sur les bords du Rhin et devient maréchal de France le. Durant la campagne de 1703, il fait lever le siège du château de Traerbach. Sous les ordres du duc de Bourgogne, il prend les villes de Brisach et de Landau le, et remporte la bataille de Spire le 15 novembre sur le prince de Hesse-Cassel et le prince de Nassau-Weilbourg. En 1704, il assiège la ville de Villingen avec une armée de. Épaulé par les de Maximilien-Emmanuel de Bavière, électeur de Bavière, il combat les troupes anglo-autrichiennes commandées par le duc de Marlborough et Eugène de Savoie au cours de la bataille de Blenheim. Vaincu, il est fait prisonnier le et conduit à Nottingham, en Angleterre, où il reste prisonnier jusqu’au mois de. Sans doute chargé de mission, Aubry de La Mottraye lui rendit visite.  Pendant sa détention, Louis XIV lui octroie le gouvernement de la Franche-Comté. Il devient duc d'Hostun en et membre du Conseil de régence en 1717. En 1723, il devient membre honoraire de l'Académie des sciences dont il est président en 1724. Il est enfin nommé ministre d'État en 1726. Le maréchal de Tallard décède à Paris le, à l'âge de 76 ans. Il est enterré en l'église des Dames de Sainte-Elizabeth, rue du Temple à Paris.

Famille et descendance.

Il épouse, le, Marie-Catherine de Grolée de Viriville-La Tivolière, fille de Charles de Grolée, comte de Viriville-La Tivolière, comte de Chastonnay et de Beaurepaire, gouverneur de la ville et de la citadelle de Montélimar, et de dame Catherine de Dorgeoise. Elle décède le à l'âge de 48 ans.  Ensemble, ils ont deux fils et une fille :

Camille d'Hostun de La Baume, duc d'Hostun, comte de Tallard, baron d'Arlan, seigneur de la Terre d'Eymeu et seigneur du duché de Lesdiguières, né le à Lyon et mort à Paris le, est un militaire français, maréchal de France.


Famille.

Victor-Amédée III est le deuxième fils du roi Charles-Emmanuel III de Sardaigne (1701-1773) et de sa deuxième épouse la landgravine Polyxène de Hesse-Rheinfels-Rotembourg (1706-1735). En lignée paternelle, il appartient à la maison de Savoie, souveraine dans les vallées alpines depuis le ; Victor-Amédée est ainsi le petit-fils du duc Victor-Amédée II (1666-1732) et de la duchesse de Savoie Anne-Marie d'Orléans (1663-1728), née petite-fille de France. Par sa mère, Victor se rapporte à une famille régnant sur le landgraviat de Hesse-Rheinfels-Rotenbourg dans le Saint-Empire depuis le milieu du. Ses grands-parents maternels sont le landgrave Ernest-Léopold de Hesse-Rheinfels-Rotembourg (1684-1749) et la comtesse Éléonore de Loewenstein-Wertheim (1686-1753).  Le, le duc de Savoie épouse l’infante Marie-Antoinette d’Espagne (1729-1785), fille cadette du roi Philippe V d'Espagne (1683-1746) et de sa seconde épouse la reine Élisabeth Farnèse (1692-1766).  Du mariage entre Victor-Amédée et Marie-Antoinette naissent douze enfants (dont trois meurent prématurément) :  Les six fils de Victor-Amédée III constituent la seconde "fradlansa" de la maison de Savoie, désignée ainsi par un mot piémontais signifiant « fratrie ». Victor-Amédée III procéda à l’un de ces mariages croisés si courant à l’époque, avec la France en mariant deux de ses filles à deux frères, les futurs Louis XVIII et Charles X, en prenant soin que la plus âgée des deux sœurs épouse le plus âgé des deux frères, alors que son fils aîné épouse une sœur de ces deux fils de France (et du roi Louis XVI).

Biographie.

Il combat avec son père à Coni et Bassignana. Il lui succède en 1773 et consacre les premières années de son règne à l’administration intérieure de ses États : il abolit les droits de péage en Savoie, élève les digues de l’Arve et du Rhône, fonde l’Académie des sciences de Turin, sécularise l’administration de plusieurs abbayes et organise son armée sur le modèle de la Prusse.  Adversaire de la Révolution française (les deux frères et une sœur de Louis XVI comptent parmi ses beaux-enfants), il ouvre ses États aux émigrés français, refuse de recevoir l’ambassade de la République française et soutient contre elle la guerre qu’elle lui déclare mais que finalement il perd. Les Français enlèvent le duché de Savoie et le comté de Nice et occupent aussi le Piémont. Victor-Amédée III est contraint de signer avec Bonaparte l'armistice de Cherasco, qui lui enlève plusieurs villes. Il meurt cinq mois plus tard.  Il a fait partie de la Franc-maçonnerie.

Postérité.

Victor-Amédée III crée le la médaille d'or de la valeur militaire, devenue le plus haut grade de la future médaille de la valeur militaire italienne et fonde le la Società Agraria di Torino « "pour promouvoir pour l'avantage du public la culture des terres principalement sur les territoires appartenant à Sa Majesté en accord avec les règles appropriées et conformes à leur nature variée." »

Victor-Amédée III, roi de Sardaigne (en italien Vittorio Amedeo III di Sardegna), né le au palais royal de Turin, et décédé le au château de Moncalieri, est un prince de la Maison de Savoie, roi de Sardaigne, souverain du duché de Savoie, de la principauté du Piémont, et du comté de Nice. Fils du roi Charles-Emmanuel III et de sa deuxième épouse Polyxène de Hesse-Rheinfels-Rotembourg, Victor-Amédée règne de 1773 jusqu’à sa mort survenue en 1796.


Biographie.

Francisco Tárrega est né le à Vila-real, dans la province de Castellón en Espagne. Son père, Francisco Tárrega Tirado, était huissier, sa mère, Antonia Eixea, mourut alors que Francisco était très jeune. Francisco tomba dans un canal d'irrigation dans sa prime jeunesse, altérant sa vue de manière définitive. Partiellement à cause de cet incident, la famille déménagea à Castellón et l'inscrivit en classe de musique. Ses deux premiers professeurs de musique, Eugeni Ruiz et Manuel Gonzalez, étaient aveugles.  En 1862, le concertiste Julián Arcas, en tournée à Castellón, entendit parler du talent du jeune Francisco et conseilla au père de Tárrega de l'autoriser à venir à Barcelone étudier avec lui. Le père de Tárrega accepta, mais insista pour que son fils prenne également des leçons de piano. La guitare était alors perçue comme un instrument d'accompagnement pour les chanteurs, alors que le piano était très en vue à travers l'Europe. Cependant, Tárrega dut arrêter ses leçons peu de temps après quand Arcas partit pour une tournée de concerts à l'étranger. Bien que Francisco Tárrega fût seulement âgé de 10 ans, il fugua et essaya de commencer une carrière musicale de son propre chef à travers les cafés et restaurants de Barcelone. Il fut bientôt retrouvé et ramené à son dévoué père, qui eut à faire de grands sacrifices pour faire progresser l'éducation musicale de son fils.  Trois ans plus tard, en 1865, il fugua pour Valence où il rejoignit un groupe de bohémiens. Son père le rechercha et le ramena à la maison une fois de plus, mais il fugua une troisième fois, encore à Valence. Au début de son adolescence, Tárrega était bon musicien aussi bien à la guitare qu'au piano. Pour un temps, il joua avec d'autres musiciens lors d'évènements locaux pour gagner de l'argent, mais par la suite il retourna à la maison pour aider sa famille.  Tárrega entra au conservatoire de Madrid en 1874, sous le mécénat d'un riche marchand du nom de Antonio Canesa. Il amena avec lui une guitare récemment acquise, fabriquée à Séville par Antonio de Torres. Ses qualités sonores supérieures l'inspirèrent aussi bien dans son interprétation que dans le potentiel créatif de l'instrument. Au conservatoire, Tárrega étudia la composition avec Emilio Arrieta qui le convainquit de se focaliser sur la guitare et d'abandonner l'idée d'une carrière de piano.  À la fin des années 1870, Tárrega enseignait la guitare (Emilio Pujol et Miguel Llobet étaient deux de ses élèves) et donnait régulièrement des concerts. Tárrega rencontra beaucoup de succès pour son interprétation et commença à voyager dans d'autres régions d'Espagne pour se produire. C'est alors qu'il composa ses premières œuvres pour guitare, en plus de jouer celles d'autres compositeurs.  Durant l'hiver 1880, Tárrega remplaça son ami Luis de Soria pour un concert à Novelda, Alicante, où un homme d'importance lui demanda d'écouter sa fille, María José Rizo, qui apprenait à jouer de la guitare. Ils se fiancèrent bientôt.  En 1881, Tárrega se produisit en première à l'Opéra de Lyon et au Théâtre de l'Odéon à Paris, pour le deuxième centenaire de la mort de Pedro Calderón de la Barca.  Il joua également à Londres, mais n'y apprécia ni la langue ni le climat. Il existe une anecdote à propos de sa visite en Angleterre. Après un concert, quelques personnes remarquèrent que le maestro avait l'air mélancolique. « Qu'est-ce qui se passe? » lui demandèrent-ils. « Votre pays vous manque? Votre famille, peut-être? », ils lui conseillèrent de projeter cet instant de tristesse dans sa musique. Ainsi il conçut le thème d'une de ses œuvres les plus mémorables, "Lágrima(Larme en espagnol)". Après avoir joué à Londres, il retourna à Novelda pour son mariage. À Noël 1885, Tárrega se maria avec María José Rizo.  Il commença bientôt à transcrire des œuvres pour piano de Beethoven, Chopin, Mendelssohn, Albéniz et d'autres pour élargir son répertoire musical de guitare, et, sans doute, pour mettre à profit sa connaissance considérable des musiques pour clavier. Tárrega et sa femme déménagèrent pour Madrid, gagnant leur vie en donnant des cours particuliers et se produisant en concerts, mais après la mort de sa jeune fille, Maria Josefa, ils s'installèrent de manière permanente à Barcelone en 1885. Parmi ses amis à Barcelone figuraient Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina et Pablo Casals.  Peu après une tournée de concerts à Valence, Tárrega rencontra une riche veuve, Conxa Martinez, qui devint son mécène. Elle l'autorisa ainsi que sa famille à occuper sa maison à Barcelone, où il écrivit la plupart de ses meilleures œuvres. Plus tard elle le fit aller à Grenade, où le guitariste conçut le thème de son fameux "Recuerdos de la Alhambra", qu'il composa à son retour et dédia à son ami Alfred Cottin, un Français qui lui organisait ses concerts à Paris.  En 1900 Tárrega visita Alger, où il entendit un rythme répétitif sur un tambour arabe. Le matin suivant, il composa sa fameuse "Danza Mora" basée sur ce rythme de tambour.  À partir de la fin des années 1880 jusqu'en 1903, Tárrega continua de composer, mais limita ses concerts à l'Espagne. Vers 1902, il se coupa les ongles et créa une sonorité qui devait devenir typique des guitaristes associés à son école. L'année suivante il vint en tournée en Italie, donnant des concerts à grand succès à Rome, Naples, et Milan.  En janvier 1906, il fut affecté d'une paralysie du côté droit, et bien qu'il retrouvât par la suite son niveau de concertiste, il ne récupéra jamais complètement. Il finit son dernier travail, Oremus, le 2 décembre 1909. Il mourut treize jours plus tard à Barcelone, le.

Style musical.

En tant que compositeur, Tárrega était conservateur, confinant son style aux tendances générales de la seconde moitié du. En tant que virtuose sur son instrument, il était connu comme le « Sarasate de la guitare ».  Tárrega est considéré comme le créateur des bases de la guitare classique du, et pour avoir accru l'intérêt de la guitare comme un instrument de récital. Andrés Segovia utilisa beaucoup d'œuvres techniques et de compositions de Tárrega pour les jouer en concert à travers l'Europe.  Tárrega préférait les petites auditions intimes lors des étapes de tournée. Certains croient que c'était parce qu'il jouait sans ongles, requis pour avoir plus de volume. D'autres disent que c'est lié à son traumatisme infantile.

Compositions.

La musique et le style de Francisco Tárrega devinrent très influents dans le. Il joua un rôle majeur au rétablissement de la guitare comme un instrument solo dans les récitals et concerts. L'ensemble de son œuvre contient 78 pièces originales et 120 transcriptions - principalement à usage personnel - de grands classiques. Parmi ses plus populaires œuvres pour guitare figurent : "Recuerdos de la Alhambra", "Capricho Árabe" et "Danza Mora". Tárrega arrangea pour la guitare des pièces d'autres compositeurs, notamment de Ludwig van Beethoven, Frédéric Chopin et Felix Mendelssohn.  Il est aussi le compositeur de ce qui a été proclamé "la musique au monde probablement la plus écoutée" : la sonnerie de Nokia, aussi utilisée dans des spots publicitaires, basée sur son œuvre pour guitare solo "". En 1984, sa musique inspira aussi Mike Oldfield, dont l'instrumental "Etude", extrait de l'album "The Killing Fieds", est basé sur les trémolos de Tárrega dans la pièce pour guitare solo "Recuerdos de la Alhambra".  De la même manière que quelques-uns de ses contemporains espagnols, tel son ami Isaac Albéniz, il attacha de l'intérêt à combiner la tendance romantique dominante en musique classique avec les éléments populaires espagnols, et transcrivit quelques pièces pour piano d'Albéniz (notamment "Asturias") pour guitare. Le compositeur et guitariste contemporain Angelo Gilardino écrivit que les 9 préludes de Tárrega sont.

Francisco Tárrega ( à Vila-real, Espagne - à Barcelone, Espagne) est un guitariste et un compositeur espagnol. Il a été l'un des guitaristes les plus influents dans le monde et il est considéré comme le père de la guitare classique moderne.


Biographie.

Débuts.

Martial Tricoche et Cédric Soubiron se rencontrent à Shediac, où ils animent pendant deux ans une émission sur une radio locale à la fin des années 1990, avant que Cédric devienne animateur, DJ et programmateur sur la radio Skyrock.  Quelques années plus tard, par le biais d'un ami de son grand frère, Martial (d'origine bretonne par sa mère) découvre les livres de Jean Markale et se passionne alors pour les récits légendaires celtiques. Inspiré par "L'Épopée celtique d'Irlande", il écrit un rap parlant de « druides qui s'envolaient dans les nuages ». Après l'avoir présenté à Cédric (lui aussi d'origine bretonne), celui-ci sample un extrait d'une harpe d'Alan Stivell pour l'accompagner. Martial et Cédric décident d'enregistrer ce morceau. Pour chanter le refrain, ils s'accompagnent d'Hervé Lardic. Également d'origine bretonne, il est alors musicien au sein du groupe Mean While et a été repéré par Cédric à Skyrock. Le titre est envoyé aux maisons de disques et le groupe signe chez Polydor. Ils choisissent de s'appeler Manau, du nom gaélique de l'île de Man.

"La Tribu de Dana".

Le premier single du groupe, "La Tribu de Dana", est publié en mai 1998, accompagné d'un clip réalisé par François Desagnat, mettant en scène les trois membres du groupe en Bretagne. Le titre rencontre immédiatement un grand succès, se classant des ventes de singles en France en première semaine, et Manau est alors présenté comme les inventeurs d'un nouveau courant, le « rap celtique ».  Le titre reprend un sample de la chanson "Tri Martolod", une chanson traditionnelle bretonne. C'est pourquoi pendant l'été, "La Tribu de Dana" se retrouve au cœur d'une affaire de plagiat. En effet, lorsque Manau a demandé à Alan Stivell de sampler sa harpe (propre à sa version de "Tri Martolod"), celui-ci a refusé, devant l'utilisation qui en était faite dans la chanson, se disant même « choqué » d'avoir été mis devant le fait accompli. Néanmoins, un accord à l'amiable est finalement trouvé pour éviter un procès. Cela n'empêche aucunement le titre de poursuivre son succès. Fin juin, "La Tribu de Dana" atteint la première place des ventes en France, un classement qu'il va occuper pendant douze semaines consécutives. En fin d'exploitation, le single sera resté 23 semaines consécutives dans le top 3.  "La Tribu de Dana" est certifié disque de diamant en quatre mois et se vend à près de. Il est ainsi le deuxième single le plus vendu en 1998, après "Belle" de la comédie musicale "Notre-Dame de Paris". Le titre se classe également dans les classements notamment en Belgique, au Québec et en Allemagne. Aux Pays-Bas, il reste dix semaines dans les dix meilleures ventes du pays, atteignant même la deuxième place en octobre 1998.  En juin 1999, la Sacem décerne le prix Vincent-Scotto à "La Tribu de Dana", qui récompense la meilleure chanson populaire de l'année.

"Panique celtique".

Devant cet engouement populaire, Polydor demande au groupe d'enregistrer leur premier album. Initialement prévu pour janvier 1999, il est ainsi avancé à juillet 1998. Intitulé "Panique celtique", il est composé de onze titres alternant des évocations des cultures bretonne et celtique ("Panique celtique", "Un mauvais dieu", "Le chien du forgeron...") avec des chansons plus « réalistes » évoquant l'extrême-droite ("L'Avenir est un long passé") ou la délinquance ("La Confession"). Il est réalisé par Loïc Taillebrest, et fait participer Anne-Gaëlle Bisquay des Têtes Raides ou contient des samples du groupe Ar Re Yaouank.  En désaccord avec la direction prise par le groupe, Hervé Lardic quitte Manau. C'est donc à deux que Martial et Cédric apparaissent dans leur deuxième clip, "Panique celtique", diffusé dès le mois d'août 1998. Lorsque le single sort en septembre, "La Tribu de Dana" est encore des ventes et, logiquement, ce deuxième single a un parcours plus discret dans les charts. Classé trois semaines dans les dix meilleures ventes de singles en France, il est tout de même certifié disque d'argent, pour environ vendus.  En novembre 1998, Manau apparaît sur la compilation "Ensemble" pour la recherche contre le SIDA (et dans l'émission de télévision associée) avec un titre inédit: "Le Retour du Roi". Quelques semaines plus tard paraît le single "Mais qui est la belette?", dans une version remixée par rapport à celle de l'album. Reprenant l'air et le refrain d'une chanson traditionnelle bretonne, "La Jument de Michao" popularisée par Tri Yann, le single confirme l'image festive du groupe et rencontre à son tour le succès, en approchant des en France (certifié disque d'or). Le single est classé des ventes en France et en Belgique.

Victoires de la Musique et tournée.

L'année 1999 commence avec trois nominations du groupe aux Victoires de la Musique: chanson de l'année, groupe ou artiste révélation de l'année et album rap/groove de l'année (catégorie qui fait son apparition cette année-là). Les deux premières récompenses leur échappent (respectivement attribuées à "Belle" et à Faudel), mais ils remportent le dernier prix, créant un certain malaise alors qu'ils étaient nommés face à des noms réputés du hip-hop, comme NTM ou MC Solaar. Eux-mêmes, d'ailleurs, s'estiment gênés par cette Victoire, pensant relever davantage de la variété que du rap.  Mais ce début d'année représente surtout une nouvelle étape de leur carrière: la scène. Manau était déjà à l'affiche de la tournée Ricard en juillet 1998 et en première partie de Tri Yann en août, mais leur première « vraie » série de concerts débute à l'Olympia en mars 1999, dans un décor de folklore celtique, mêlant dolmens ou joueurs de cornemuse en kilt. Cette tournée permet à Manau de passer dans différents Zénith de France (dont deux fois à Paris) et compte finalement 120 dates dont un passage aux Francofolies de La Rochelle.  Parallèlement, la promotion de l'album se poursuit et deux nouveaux singles en sont extraits. En avril, c'est d'abord "L'Avenir est un long passé". Déjà proposé en « face B » de "La Tribu de Dana", il s'agit d'une nouvelle version qui s'éloigne des sonorités celtiques auxquelles le public est désormais habitué. En juillet, enfin, "La Confession" est le cinquième et dernier single extrait de l'album. Là encore détaché de toute référence celtique, le clip est illustré d'images de la tournée. Ces deux singles connaissent des parcours plus discrets dans les charts mais contribuent au succès de la tournée et à celui de l'album, qui ne se dément pas. Ainsi, un an après sa sortie, l'album "Panique celtique" est certifié disque de diamant. Il sera resté, au total, consécutives parmi les vingt meilleures ventes d'albums en France (dont cinq semaines à la première place), cumulant plus d'un million de ventes.  L'album entre également dans les classements des meilleures ventes notamment en Belgique, en Suisse, au Québec, en Allemagne, et aux Pays-Bas. Fin 1998, il pointe à la onzième place du classement des meilleures ventes de disques français à l'international.

De "Fest noz de Paname" aux premiers pas solo.

Le groupe est de retour à la rentrée 2000 avec le titre "Tout le monde... (...a besoin de tout le monde)". Le clip, situé en plein cœur des États-Unis, confirme une volonté de s'éloigner des sonorités strictement celtiques, tout en renouant avec les chansons entraînantes qui avaient fait le succès du groupe. Le single, qui sort début novembre 2000, se vend à environ (certifié disque d'argent).  Lancé une semaine plus tôt, l'album "Fest Noz de Paname" confirme cette nouvelle direction artistique. Les textes humoristiques "(Faut pas faire chier Mémé)" alternent avec d'autres plus sérieux ("Un type bien", évoquant la bombe atomique sur Hiroshima). Surtout, l'album est plus varié musicalement que son prédécesseur, avec des sonorités de guinguettes "(Fest noz de Paname)" ou plus jazzy "(Je jazz les couleurs)". Signe de cette ouverture, on y trouve des collaborations avec Maurane et Dee Dee Bridgewater. Loin de remporter le succès de "Panique celtique", ce deuxième album est néanmoins certifié disque d'or, pour environ, et reste classé neuf semaines dans les cinquante meilleures ventes d'albums en France. L'album connaît également un parcours plus modeste dans les classements en Wallonie ou en Suisse (où il reste néanmoins huit semaines parmi les cinquante meilleures ventes).  Le groupe profite néanmoins de la tournée Ricard Live Music pour proposer une série de quinze concerts gratuits en France, au cours des mois de mai et juin 2001, en compagnie de Faudel. En juin, un nouveau single est également lancé, "Fest noz de Paname", mais ne rencontre pas le succès. Un troisième titre est extrait de l'album, "J'dédicace", mais n'est pas commercialisé et ni accompagné d'un clip. Le groupe Manau marque alors une pause et, début 2003, Martial réalise un premier album solo, intitulé "Premier Pas". Il est accompagné de deux singles (non commercialisés, sans clips) : "Mytho du ghetto" et "Cette fille". Martial profite de cette expérience pour se consacrer au hip hop, sans influences celtiques. Cet album ne rencontre pas le succès auprès du grand public.

Retour.

Le groupe se reforme en 2005, après quatre ans d'absence médiatique, avec un troisième album, "On peut tous rêver", publié le 10 janvier 2005. Sur le plan musical, cet album marque la présence d'une nouvelle équipe au sein du groupe. Lancé presque sans promotion et un premier clip très sobre et peu diffusé "(Con j'pense)", cet album connaît une carrière très rapide dans les charts, avec seulement cinq semaines de présence dans le Top 200 Albums. Le deuxième single, "On peut tous rêver", n'est pas commercialisé. Les rares apparitions télévisées du groupe consistent alors exclusivement à des chansons extraites de "Panique celtique". Malgré tout, une nouvelle tournée emmène le groupe en France, Suisse, Belgique et République tchèque pendant le printemps, l’été et l’automne 2006.  Début 2007, Cédric Soubiron, un des membres fondateurs du groupe, décide de se retirer du monde de la musique – et donc de Manau – pour prendre des cours de comédie. Après avoir ouvert une poissonnerie à Bagnolet, il a ainsi obtenu un brevet de Comédie et d'Art dramatique (mention très bien) au Cours Florent.  Martial réapparaît donc seul en juin 2007, avec un titre inédit, "Meuhnumental". Composée par l'ex-Martin Circus Alain Pewzner (mais toujours écrit par Martial), cette chanson, qui se détache du style habituel du groupe, sert de générique de fin à "Intervilles" pendant tout l’été. Dès lors, Manau et Martial se confondent. Ainsi, le best-of publié le 12 novembre 2007 compile à la fois des titres extraits des trois albums de Manau et d'autres issus de "Premier pas", auxquels s'ajoutent, pour seuls inédits, un remix de "Cheguevarap" et un medley. Cet album célèbre le dixième anniversaire du groupe – la séance photo qui l'illustre met en scène Martial avec un gâteau d'anniversaire – mais il marque également la fin de la collaboration de Manau avec Universal.

Nouveau départ.

Un nouvel album solo de Martial est prévu, "Seul et en silence", et quelques titres sont enregistrés mais il ne voit finalement pas le jour. Après une pause pendant l'année 2008, un nouveau clip est lancé sur internet début 2009: "Tic Tac". Martial continue d'écrire de nouveaux titres, qu'il présente au cours des différents concerts que le groupe continue de donner, devant un public fidèle.  Pourtant, le 12 décembre 2011, Manau sort son quatrième album, "Panique celtique II, le village", regroupant onze titres complètement inédits. Cet album marque les premiers pas de Martial en tant qu'auteur-compositeur complet, qui se place comme un observateur des habitants d'un village médiéval. Vendu en ligne et auto-produit, il est accompagné de quatre clips diffusés sur internet "(Le curé et les loups, La Rumeur, La Sorcière, L'Ami)" et d'une nouvelle tournée en 2012/2013. "Panique celtique II, le village" se verra ensuite comme le cinquième album puisque l'album Seul et en silence produit en 2007 sortira quand même en 2013 en même temps que "Fantasy".  Le 19 mars 2013, sur sa page Facebook, Martial Tricoche annonce un cinquième album, intitulé "Fantasy", pour le 7 novembre 2013. "Fantasy" se verra ensuite comme le sixième album puisque l'album Seul et en silence produit en 2007 sortira quand même en 2013 en même temps que "Fantasy". Pendant la sortie de "Fantasy", l'album "Seul et en silence", prévu pour 2007, est offert aux 1000 premières précommandes, puis mis en vente. En 2014, Martial Tricoche annonce la sortie d'un septième album pour 2015, intitulé "Celtique d'aujourd'hui", contenant le single éponyme "Celtique d'aujourd'hui" et "Le Chant du coq". Celui-ci sortira le 27 novembre 2015 après plusieurs clips publiés sur YouTube ("Dansons" le 23 janvier, tourné à Paimpol ; "J'ai laissé là-bas" le 13 mars; "Sucette" le 15 mai, tourné à Plurien dans les Côtes-d'Armor ; "Ces mondes enchantés" le 21 août).

Deuxième retour.

Vingt ans après, le 27 mars 2018, Manau est de retour avec un single intitulé "Ma Reine" et un clip du même titre. La chanson a été produite par Sherpah Productions. Le nouvel album de Manau est composé d'une dizaine de titres, il sort en novembre 2019.  Suite à la sortie de "Nouvelle Vague", Martial annonce l'arrivée d'un autre album produit en parallèle pour 2020

Thèmes abordés.

Dans leur premier album, "Panique celtique", la musique aborde différents thèmes. Plusieurs pistes s’inscrivent dans des récits épiques ayant pour cadre la Bretagne ancienne et la mythologie celtique, narrant par exemple les exploits d’un guerrier dans "La tribu de Dana", certains aspects d’une culture celtique dans "Le chant des Druides", "Le chien du forgeron" ou encore "Un mauvais Dieu".  D’autres pistes abordent des faits de société actuels, comme le pacifisme, l'absurdité de la guerre et le racisme dans la chanson "L’Avenir est un long passé". Dans l’ensemble des chansons un amour de la Bretagne est mis en avant à plusieurs reprises. Par la suite, le folklore breton a été mis de côté pour des thèmes universels, comme la tolérance et la justice.

Manau est un groupe de hip-hop et de slam d’inspiration celtique français formé en 1998 autour de Martial Tricoche dit Mamar et Cédric Soubiron. Réputé pour le tube "La Tribu de Dana", leur premier album "Panique Celtique" est récompensé par la Victoire de la musique du « meilleur album rap ou groove de l’année » en 1999.


Biographie.

Né dans une famille serbe, il s'engage dans l'armée austro-hongroise. Il fait la Première Guerre mondiale avec le grade de colonel. Il intègre ensuite l'armée contre-révolutionnaire de l'Amiral Horthy dans un service de contre-espionnage. Horthy devenu régent de Hongrie, il nomme Sztójay attaché militaire à Berlin de 1925 à 1933, période durant laquelle il transcrit son patronyme en langue magyare. De 1933 à 1935, il est nommé ministre de la Défense avant d'être nommé ambassadeur de Hongrie en Allemagne par le Premier ministre Gyula Gömbös jusqu'au printemps 1944. En 1942, il prend connaissance du souhait exprimé par les dirigeants nazis que la Hongrie, en tant que pays allié, prenne part à la déportation systématique des Juifs d'Europe. Le 2 ou 5 octobre 1942, Sztójay rencontre Martin Luther pour traiter de la question juive. Luther lui propose la déportation totale des Juifs hongrois vers l'Est sur « un tempo très rapide », ce à propos de quoi Sztójay lui fait part de l'inquiétude du Premier ministre Miklós Kállay sur le sort et la destinée finale des Juifs déportés, inquiétude que lui-même ne partage pas. Martin Luther note : Vers la fin de l'année 1942, il prend connaissance du plan confidentiel rédigé par Heinrich Himmler le 23 juin 1942 qui visait à exterminer tous les Juifs d'Europe en une année jusqu'à l'été 1943. Face à la tiédeur de Kállay vis-à-vis de la déportation des Juifs hongrois, Sztójay lui adresse le 25 avril 1943 un télégramme :  Le 22 mars 1944, il est nommé Premier ministre du royaume de Hongrie. Ayant pénétré sur le territoire hongrois pour s'assurer de la loyauté de leur allié et mis en résidence surveillée le régent Miklós Horthy, l'Allemagne nazie imposa un nouveau gouvernement. Horthy refusa de nommer Premier ministre le chef fasciste hongrois Béla Imrédy, préférant Sztójay, sur la loyauté duquel il pensait pouvoir compter.  Le gouvernement de Döme Sztójay s'avéra cependant soumis à toutes les demandes allemandes, se livrant à des déportations massives de Juifs hongrois, jusque-là relativement épargnés par les politiques antisémites du régime de Horthy. Toujours chef de l'État, Horthy finit par reprendre l'initiative en août et obtint le limogeage de Sztójay.  Quand, en octobre 1944, les Allemands firent arrêter Horthy et instaurèrent un régime fasciste hongrois, Sztójay ne fut pas réintégré dans ses fonctions de Premier ministre, les nazis lui préférant Ferenc Szálasi.  Ayant fui le pays au printemps 1945 devant l'avance de l'Armée rouge, Sztójay fut capturé par les troupes américaines et extradé vers la Hongrie en octobre. Reconnu coupable de crimes de guerre, celui qui s'est toujours considéré comme un « champion de l'antisémitisme » fut condamné au peloton d'exécution en 1946.

Döme Sztójay, né Demeter Sztojakovich ( - ), est un militaire et diplomate hongrois, Premier ministre de Hongrie pendant la Seconde Guerre mondiale.


Biographie.

Quatrième fils et douzième des seize enfants d'Auguste III, dernier roi de Pologne de la Maison de Saxe et électeur de Saxe (1696-1763) et de Marie-Josèphe d'Autriche (1699-1757), il est entre autres le frère de Marie-Amélie, reine de Naples et de Sicile puis d'Espagne, de Marie-Josèphe, dauphine de France, mère du futur Louis XVI et de Clément Wenceslas de Saxe, dernier archevêque-lecteur de Trêves qui accueillit dans sa ville de Coblence les Français opposés à la révolution. Il est l'oncle (et d parfois le beau-frère) des rois Louis XVI de France et Ferdinand IV de Naples, Charles IV d'Espagne, Jean VI de Portugal, Louis Ier d'Étrurie. Le grand-oncle de l'impératrice des Français, Marie-Louise.  En 1766, après la mort de son père, l'empereur François, qui s'était opposé à ce projet de mariage, l'archiduchesse Marie-Christine (1742-1798) épouse Albert. Le prince de Saxe, dont la famille ne règne plus sur la Pologne depuis la mort de son père, est un piètre parti pour une archiduchesse d'Autriche. Aussi reçoit-il, du domaine de son défunt beau-père, le duché de Teschen en Silésie autrichienne.  Le privilège de Marie-Christine de choisir son mari était une faveur de sa mère l'impératrice Marie-Thérèse, les mariages des enfants impériaux étant habituellement dictés par la diplomatie et les sœurs de Marie-Christine, notamment sa cadette l'archiduchesse Marie-Amélie, durent se conformer à cet usage. Aussi Marie-Christine sera-t-elle mal aimée de ses frères et sœurs.  Oncle du futur Louis XVI, Albert de Saxe est également le beau-frère de la future reine Marie-Antoinette.  De 1765 à 1780, il est nommé à Presbourg, gouverneur de Hongrie, puis à Bruxelles, conjointement avec son épouse, gouverneur des Pays-Bas autrichiens après la mort en 1780 du prince Charles-Alexandre de Lorraine. Confirmé dans ses fonctions par son beau-frère l'empereur Joseph II après la mort de l'impératrice (1781), le duc de Teschen ne craignit pas de faire connaître à son beau-frère le mécontentement de la population belge confrontée aux réformes radicales et brutales de la politique impériale. Cependant il ne put empêcher la révolution brabançonne de 1789, mais, fidèle à sa dynastie, il n'hésita pas à la réprimer en 1790. En 1786, le couple décide de faire un voyage incognito, sous les noms de Comte et Comtesse de Bellye, pour visiter les cotes françaises de Nantes à Dunkerque. Ils passeront 2 jours dans chaque port dont Lorient où ils admirent un bateau à quai, appartenant à Jean Peltier Dudoyer, "Le Bretton", 1 200 tx, décoré pour l'occasion, et 3 jours à Brest en raison de l'arsenal.  La France ayant envahi les Pays-Bas autrichiens en 1792, il prit le commandement de l'armée impériale, fit bombarder Lille en septembre, avant de se replier. Il est battu à la bataille de Jemappes (). Entre-temps, la monarchie française a été renversée et la famille royale emprisonnée. Le roi et la reine, ses proches parents, seront condamnés à mort, puis guillotinés.  Sans enfant, le duc et l'archiduchesse adoptèrent leur neveu, l'archiduc Charles, troisième fils du feu empereur Léopold II. Celui-ci leur succéda à la tête des Pays-Bas autrichiens en 1793, mais, malgré un talent militaire incontestable, dut se retirer devant l'armée ennemie l'année suivante. Il fut un temps question de lui faire épouser Marie-Thérèse de France, fille des défunts Louis XVI et Marie-Antoinette, récemment sortie de sa geôle et échangée contre des prisonniers français, mais la jeune fille refusa d'épouser un « ennemi de sa patrie ».  Au cours de son gouvernorat, le duc de Teschen avait commencé à assembler une vaste collection d'objet d'art, qu'il emmena à Vienne quand il dut quitter Bruxelles sous l'avancée des troupes françaises de la Révolution en 1793. Le duc et l'archiduchesse se retirèrent en Autriche.  L'archiduchesse mourut du typhus en 1798 et le duc sexagénaire se consacra alors à sa collection d'art, qu'il léguera à son neveu et fils adoptif l'archiduc Charles.  À côté de son palais, Albert fit élever par Canova un mémorial en l'honneur de son épouse. Il mourut à Vienne en 1822 à 84 ans, après les soubresauts de la révolution et de l'empire français dans une Europe monarchique restaurée.  Sa dépouille fut placée dans la crypte impériale à côté de celle de son épouse. Le couple repose dans les tombes 111 et 112.

Albert-Casimir de Saxe-Teschen, duc de Teschen, est né le à Moritzburg près de Dresde et mort le à Vienne. Marié à l'archiduchesse Marie-Christine d'Autriche, il fut gouverneur-général des Pays-Bas autrichiens de 1780 à 1794.


Biographie.

Origines familiales et formation.

Il est le fils de Johann Heinrich von der Trenck (-1743), officier prussien originaire de Poméranie, mais au service de l'Autriche, notamment lors du siège de Vienne en 1683 et au siège de Belgrade en 1717, doté de domaines en Slavonie, dans le royaume de Croatie, alors possession des Habsbourg d'Autriche.  Franz est éduqué au collège jésuite de Sopron, en Hongrie.

Débuts de carrière (1728-1737).

Sa carrière militaire commence en 1728 dans l'armée autrichienne, précisément dans le régiment d'infanterie du comte hongrois Nicolas (Miklos) Palffy. Il atteint le grade de premier lieutenant ("Oberleutnant"), mais au bout de trois ans est obligé de quitter le service en raison de son comportement.  Il revient vivre dans ses domaines et épouse une fille du général von Tillier. Celle-ci meurt en 1737 de la variole ; tous leurs enfants sont morts en très bas âge.  En 1737, il essaie de nouveau d'entrer dans l'armée autrichienne, proposant d'organiser une unité de pandoures, mais l'offre est refusée.

Au service de la Russie.

Il entre en 1738 dans l'armée russe, sous le règne de la tsarine Anne, comme capitaine ("Rittmeister") dans un régiment de hussards. Il participe à la fin de la guerre austro-russo-turque de 1735-1739 et est élevé au grade de major. Il y fait la connaissance d'Ernst Gideon von Laudon.  Mais son comportement brutal et son refus de l'obéissance militaire lui valent une condamnation à mort, commuée par le maréchal Burckhardt Christoph von Münnich, commandant en chef de l'armée russe, en dégradation et emprisonnement (il effectue un période de travaux forcés à Kiev).  Libéré, il rentre en Autriche, d'abord à la forteresse de Levoča en Slovaquie (alors appelée « Haute-Hongrie ») dont son père a le commandement, puis dans ses domaines de Slavonie.  Suite à des représailles cruelles exercées sur une bande de voleurs, une procédure est lancée contre lui. Il se réfugie (au titre de l'asile) au monastère des Capucins de Vienne.

Au service de l'Autriche (1741-1745).

En 1741, au début de la guerre de Succession d'Autriche, la jeune Marie-Thérèse se trouve dans une situation difficile : les Prussiens occupent la Silésie ; les Franco-Bavarois occupent Linz et vont s'emparer de Prague en octobre. Marie-Thérèse cherche alors à obtenir le soutien de la noblesse hongroise. Franz de Trenck propose ses services, qui sont acceptés malgré sa mauvaise réputation. Il met sur pied de guerre à ses frais un régiment de 5 000 pandoures, recrutés dans les régions de Croatie où se trouvent ses domaines.  Cette unité intervient en Silésie, puis en Bohême.  En 1744, lorsque l'armée autrichienne commandée par Charles-Alexandre de Lorraine envahit l'Alsace, il participe à la prise des lignes de la Lauter et à l'occupation de Saverne et du col de Saverne, aux côtés des troupes du général Ferenc Nádasdy (dit « Nadasti »). Mais Saverne est reprise le 15 août par le général François d'Harcourt et l'armée autrichienne évacue ensuite l'Alsace.  En novembre 1744, il est blessé à la jambe et se retire un moment sur ses terres. Il est reçu par Marie-Thérèse en février 1745, en remerciement de ses prises de guerre (drapeaux, canons, prisonniers,...).  Mais un peu plus tard, au cours de la seconde guerre de Silésie, lors de la bataille de Soor (près de Hajnice en Bohême) remportée par Frédéric II de Prusse (30 septembre 1745), il ne peut empêcher ses soldats d'aller piller le camp des Prussiens au lieu de prendre part aux combats. Il est alors condamné à une amende et incarcéré.

L'évadé (1745-1749).

Il réussit à s'évader et s'enfuit aux Provinces-Unies. Découvert et reconduit à Vienne, il est enfermé dans la citadelle de Brünn en Moravie, où il se donne la mort par empoisonnement.  Sa dépouille repose actuellement dans la crypte de l'église des Capucins à Brno en République Tchèque.  Doté d'une taille, d'une force et d'une bravoure remarquables, il montrait aussi d'une férocité extraordinaire, aussi bien vis-à-vis des ennemis que des soldats de son régiment de pandoures.

Mémoires de Franz de Trenck.

Son cousin Frédérik de Trenck a écrit ses propres mémoires, publiées en France en 1789, en trois tomes dont le troisième contient une "Histoire de François, baron de Trenck" (pages 1 à 87) :

Le baron Franz de Trenck, en allemand Franz Freiherr von der Trenck, né le à Reggio de Calabre et mort le à Brünn (actuellement Brno en République Tchèque), est un militaire au service de la Russie, puis des Habsbourg d'Autriche.


Biographie.

Charles-Emmanuel succède à son père à l'âge de 18 ans. L'un de ses premiers actes est de rompre avec Genève en ayant comme but la reconquête du Chablais. Les coups de main effectués depuis Thonon en 1581-1582 sont un échec. Le jeune prince épouse alors Catherine d'Espagne, une fille du roi Philippe II. Désormais allié à l'Espagne par son mariage, il profite des guerres de religion, prépare sa candidature au trône de France comme petit-fils du roi François, s'empare du marquisat de Saluces (1588) et reçoit des Ligueurs le titre de "comte de Provence" (1590). Il envahit de nombreuses fois le Dauphiné et pousse même jusqu’à Fréjus en 1590, s’emparant de Draguignan et d’Aix, mais il est battu le à Pontcharra par Lesdiguières. Il attaque à nouveau les possessions françaises et prend le fort d'Exilles en 1593. En 1597, pour renforcer ses positions sur la frontière du Dauphiné, il fait construire Fort Barraux, qui est pris par Lesdiguières quelques mois plus tard. , après avoir envahi la Savoie et le Piémont, se fait céder le Bugey, le Valromey et le pays de Gex par le traité de Lyon en 1601. Toutefois, le marquisat de Saluces devient définitivement une possession de la Maison de Savoie.  Charles-Emmanuel projette alors d'investir la ville de Genève, capitale spirituelle du calvinisme. Mais son expédition hasardeuse du 11 décembre 1602 : « L'Escalade », entreprise avec des mercenaires menés par d'Albigny, est un échec encore commémoré par la cité suisse. En 1603, il est contraint de signer avec Genève le traité de Saint-Julien garantissant à la cité la paix et nombre de droits. Le 25 avril 1610, il signe le traité de Bruzolo avec François de Bonne de Lesdiguières représentant du roi de France Henri IV.  En 1612, après la mort de François duc de Mantoue, Ferdinand, son frère et Charles-Emmanuel de Savoie se disputent la possession du pays et de celui de Montferrat. En 1615, le roi d'Espagne tranche par la paix d'Asti, qui suscite un vif mécontentement en Espagne. est rappelé en Espagne, mis en jugement et remplacé à Milan par Pedro de Tolède, marquis de Villafranca, qui eut pour instruction de recommencer la guerre.  On admirait son courage, ses talents militaires et sa finesse dans la négociation. Il est vrai qu’en abusant de ce dernier avantage, Charles-Emmanuel se rendit suspect aux cours étrangères et s’embarrassa dans des guerres ruineuses, qui durant son long règne ne laissèrent pas au peuple assez de repos pour jouir de sa gloire. Mais ces reproches trouvent une excuse dans les circonstances des temps et des lieux. Les ducs de Savoie placés entre deux grandes puissances rivales, également empressés de dominer l’Italie, auraient infailliblement succombé sous leurs efforts, s’ils n’eussent suppléé la force par l’adresse.  Charles-Emmanuel étendit ses frontières, arrondit ses provinces, acheva de détruire la féodalité dans ses États, développa le système qu’Emmanuel-Philibert avait préparé. Il recentra la production monétaire en Piémont, à Turin notamment, fermant certaines officines au-delà des monts comme l'hôtel de la Monnaie de Nice en 1587-1590, ou celui de Bourg-en-Bresse, ainsi que celui d'Aoste.  Ennemi de la France, lors de la guerre de succession de Mantoue, en 1628, Charles s'était emparé du duché de Montferrat réclamé par Charles de Gonzague, duc de Nevers, après la mort de son cousin, duc de Mantoue et de Montferrat. Simultanément au printemps de 1628, il emploie à Turin le peintre français Jacques Blanchard à qui il commande sept ou huit tableaux dont "Les Amours de Vénus et Adonis", œuvres transférées à Paris après avoir été enlevées du palais des Favorites.  En février 1629, lorsque Louis XIII se décide à intervenir en Italie, Espagnols ou Italiens assiègent Casal, la place forte que le duc de Mantoue possédait sur le Pô, entre le Piémont et le Milanais, défendue par quelques compagnies françaises commandées par Jean de Guron. Louis XIII décide de se porter au secours de Casal. Charles-Emmanuel s'y oppose au Pas de Suse. Battu, Charles demande à négocier et consent à livrer Suse et ses forts, et à renoncer à ses prétentions sur le duché de Montferrat en échange de écus d'or et de la ville de Drino. Il propose également de former avec ses troupes l'avant-garde de l'armée française si le roi voulait conquérir le Milanais. En avril 1629, Richelieu signe alors avec Charles un traité d'alliance à Suse pour assurer le ravitaillement de Casal et occuper les places du Montferrat en vue d'attaquer le Milanais. Profitant de la rébellion du Languedoc et du départ des troupes françaises, Charles élude le traité de Suse et, au lieu de ravitailler et de secourir Casal, il fait construire un camp retranché à Veillane, en avant de Turin.  Dans le cadre de l'invasion du Milanais, Charles-Emmanuel offrait au cardinal de Richelieu de le laisser entrer librement dans le Montferrat, mais sans lui assurer de vivres, se réservant de lui couper la retraite, si un insuccès ou la disette l'obligeait à s'en aller. Richelieu rompit brusquement la conférence. Il somma le duc de Savoie de démolir les retranchements de Veillane et de marcher avec lui à la conquête du Milanais. Charles-Emmanuel répondit C'était la guerre ; Richelieu l'avait prévue et s'y était préparé. Le premier acte d'hostilité vint de Charles-Emmanuel, qui fit occuper les ponts et les gués de la Doire Ripaire. Les troupes françaises forcèrent le passage à Caselet et tournèrent le camp retranché de Veillane, puis l'armée marcha jusqu'à Rivoli, où elle espérait surprendre le duc de Savoie et Victor-Amédée.  En 1630, alors que l'Autriche attaque de nouveau le royaume de France, Charles-Emmanuel s'allie, comme son grand-père, avec l'Empire. Louis XIII en personne s'empare de la Savoie qui est occupée sauf Montmélian, mais le roi doit se retirer à Lyon à cause de la peste. En Piémont, Pignerol est prise et le duc meurt d'apoplexie le 26 juillet 1630 en défendant le passage du Val Maira.  Son corps est inhumé dans l'église du monastère Saint-Dominique de Savigliano (Piémont).

Mariage et descendance.

Il épouse à Saragosse le, Catherine-Michelle d'Autriche (1567 † 1597), fille de, roi d'Espagne, et d'Élisabeth de France. Ils ont :  Il laisse également dix enfants illégitimes.

Charles-Emmanuel, dit "le Grand", né au château de Rivoli le, mort à Savillan le, fut duc de Savoie et prince de Piémont de 1580 à 1630. Il était fils d'Emmanuel-Philibert, duc de Savoie et prince de Piémont, et de Marguerite de France (le dernier enfant de ).


Biographie.

Enfance et préparation olympique.

Spyrídon Loúis est né à Maroússi au nord d'Athènes en Grèce le dans une famille pauvre arvanite. Le travail de son père consiste à approvisionner Athènes en eau minérale sur un chariot, et souvent, Spyrídon Loúis fait le chemin en courant à ses côtés.  À l'issue d'un congrès en 1894 à Paris initié par le Français Pierre de Coubertin, un Comité international olympique (CIO) est créé. Celui-ci a pour tache de choisir la ville hôte des premiers Jeux olympiques de l'ère moderne. Comme un symbole, Athènes est désignée pour accueillir les Jeux de la première olympiade de 1896, plus de 2000 ans après les Jeux antiques.  L'une des épreuves prévue est le Marathon. Sur une idée du français Michel Bréal, inspiré par la légende de Phidippidès, cette course doit se pratiquer sur une distance d'environ. Le colonel Papadiamantopoulos est alors chargé d'organiser les sélections grecques. Le militaire a été l'officier supérieur de Spyrídon Loúis lors de son service militaire.  Kharílaos Vasilákos gagne la première course en 3 heures et 18 minutes. Sur les conseils de Papadiamantopoulos, qui connaît son potentiel, Spyrídon Loúis participe à la seconde. L'athlète termine cinquième. Il est tout de même qualifié pour participer à l'épreuve olympique.

Champion olympique.

Le, à Marathon, le Colonel Papadiamantopoulos donne le départ dans un petit champ. Les concurrents sont au nombre de dix-sept ; treize Grecs et quatre provenant d'autres nations. Le Français Albin Lermusiaux prend la tête dans les premiers kilomètres de la course. Après le kilomètre 32, Lermusiaux abandonne, l'australien Edwin Flack prend le contrôle de la course. L'Australien, peu coutumier des longues distances abandonne quelques kilomètres plus loin. Spyrídon Loúis qui s'était rapproché progressivement de la tête de course, se retrouve alors leader.  Spyrídon Loúis devient le premier champion olympique du marathon lors des Jeux olympiques d'été de 1896 en remportant l'épreuve de en. Il franchit la ligne d'arrivée sans montrer de signe apparent de fatigue et se reposa pendant seulement dix minutes après la course. Il devient par la suite un héros national, célébré dans de nombreuses villes du pays, son nom passant en expression en grec : « courir comme un Louis ». Il obtient ensuite le monopole de l'approvisionnement en eau de la capitale depuis les sources de Maroússi. Il reçut de nombreux cadeaux et privilèges qui lui permirent de vivre confortablement jusqu'à la fin de sa vie. Le frère de M. Stefanovich lui fit don d'une propriété dans sa ville natale de Maroússi et la compagnie des chemins de fer grecs lui offrit un billet permanent sur la ligne Athènes-Lavrio.

Fin de vie et postérité.

Lors des Jeux olympiques d'été de 1936 célébrés à Berlin, il remet au chancelier Hitler un rameau d’olivier venu du bois d’Olympie. Plusieurs mois avant l'invasion de la Grèce par les armées de l'Axe, Spyrídon Loúis meurt le dans son village natal.  Le trophée qu'il remporte en 1896 et qui est mis en vente est acheté pour la somme de € par la fondation Stávros-Niárchos", le, au cours d'une vente aux enchères chez Christie's. Ce trophée en argent, possession jusqu'alors du petit-fils de Spyrídon Loúis, est destiné à être exposé dans le Centre culturel de la fondation Stávros-Niárchos.  Il s'est marié à Heleni avec qui il a eu trois garçons, Panagiotis, Georgios et Nikolaos, mort en 1943 pendant la Seconde Guerre mondiale.

Spyrídon Loúis (en grec ), souvent appelé Spýros Loúis (), né le à Maroússi (Attique, Grèce) et mort le à Maroússi, est un athlète grec, premier champion olympique du marathon.


Biographie.

Marie Grosholtz (parfois écrit "Grossholtz" ou "Großholtz") est née à Strasbourg en 1761 d'un père soldat, Joseph Grosholtz originaire de Francfort, tombé durant la guerre de Sept Ans deux mois avant la naissance de Marie. Sa mère Anne Marie Walder dut abandonner la demeure familiale pour devenir femme de ménage à Berne chez le docteur Philippe Curtius (1741-1794). Ce dernier était un physicien, médecin et aussi un sculpteur sur cire, technique qu'il utilisait principalement pour illustrer l'anatomie. Il se lança plus tard dans les portraits. L'absence de son père et sa présence dans la maison du docteur Curtius firent que Marie le considérait comme « son oncle ».  En 1765, Curtius déménage à Paris pour y monter un cabinet de portraits en cire et laisse Marie et sa mère à Berne. Curtius réalise un portrait de Madame du Barry, la maîtresse de Louis XV. Ce portrait est le plus vieux modèle encore exposé.  En 1767, Curtius fait venir Marie et sa mère à Paris. En 1770, Curtius expose pour la première fois ses réalisations en cire et l'exposition attire une importante foule. L'exposition est déplacée dans le Palais-Royal en 1776. Curtius apprend à Marie l'art du modelage en cire, la fait travailler pour lui. Elle fait preuve d'un talent certain. Sa première réalisation est le visage de François Marie Arouet (dit Voltaire), en 1777. Elle réalisera aussi celui de Jean-Jacques Rousseau, en 1778 et à la même époque le portrait de Benjamin Franklin.  En 1782, Curtius ouvre un second lieu d'exposition sur le Boulevard du Temple, la Caverne des Grands Voleurs, un précurseur de la Chambre des horreurs.  Peu après, Paris est pris dans les tumultes de la Révolution française. Marie y participe à sa manière. Elle réalise à cette époque une grande partie de ses plus célèbres portraits dont Napoléon et Robespierre. Selon ses Mémoires enjolivés, elle est en très bons termes avec la royauté et en particulier de 1780 à 1788, elle aurait enseigné les arts à la sœur de Louis XVI. Toujours selon elle, sa présence est si appréciée qu'elle aurait vécu huit ans à Versailles.  Le, les têtes de Necker et de Louis-Philippe II, duc d'Orléans réalisées par Curtius sont portées au-devant d'une procession révolutionnaire deux jours avant la Révolution.  Marie Tussaud raconte dans ses mémoires romancés avoir été arrêtée par les révolutionnaires, dénoncée par un concurrent, Jacques Dutruy, grimacier et aide-exécuteur du bourreau Sanson. Elle prétend avoir attendu de passer à la guillotine dans la même cellule de prison que Joséphine de Beauharnais. Alors que sa tête est déjà rasée pour son exécution, elle aurait été libérée, grâce à l'intervention du peintre David, en raison de ses talents en sculpture (en cire essentiellement) puis employée pour réaliser des masques mortuaires pour les victimes de la guillotine, certains étant de ses amis. Elle réalise notamment les masques de Marie-Antoinette, Marat, et Robespierre.  En 1794, au décès de Curtius, ce dernier lègue sa collection d'œuvres en cire à Marie. Elle se marie l'année suivante, le à Paris, avec un ingénieur civil originaire de Mâcon, François Tussaud, et donnera naissance à trois enfants : une fille morte-née, et deux garçons, Joseph (1798-), puis François.  En 1802, à la suite de la paix d'Amiens mettant fin à la Deuxième Coalition, Marie est invitée à Londres par le magicien de salon Paul Philidor, initiateur des spectacles de fantasmagorie avec des lanternes magiques et qui lui fait signer un contrat d'association. Elle quitte alors son mari, et se rend dans la capitale britannique avec son fils aîné Joseph, âgé de 4 ans, pour présenter sa collection de portraits à travers la Grande-Bretagne et l'Irlande mais vit difficilement, la moitié de ses bénéfices étant engrangés par Philidor. Durant son périple, la Troisième Coalition l'empêche de retourner en France, si bien qu'elle continue son spectacle de musée de cire itinérant dans toutes les îles Britanniques.  En octobre 1822, le second fils de Marie, François, rejoint sa mère alors que cette dernière et son fils aîné pensaient qu'il s'était noyé lors d'une tentative de traversée de la Manche cinq ans auparavant.  En 1835, Marie installe sa première exposition permanente dans une salle louée dans Baker Street, nommée "Baker Street Bazaar", musée de cire qui deviendra le Madame Tussauds. L'une des principales attractions est la, qui présente en deux parties les victimes de la Révolution française et les meurtriers.  En 1838, soucieuse de sa respectabilité sociale, elle rédige ses mémoires fort romancés : elle donne à son père une origine distinguée alors qu'il est issu d'une lignée d'aide-exécuteurs et de bourreaux officiant à Strasbourg, profession entachée d'infamie et victime d'un populaire. Elle réalise, en 1842, un autoportrait encore visible à l'entrée du musée qui conserve encore quelques sculptures réalisées par Marie elle-même.  En 1850, elle meurt dans sa demeure de Londres durant son sommeil à l'âge de 88 ans. Une plaque mortuaire en l'honneur de « Madame Marie Tussaud » est située sur le côté droit de la nef de l'église Saint Mary située Cadogan Street à Londres, et mentionne la date du pour son décès.  Le musée de cire de Madame Tussaud, peu à peu devenu un incontournable lieu touristique de Londres, a étendu ses activités avec la création de musées à Amsterdam, Hong Kong (Victoria Peak), Las Vegas, Copenhague et New York.  Le musée et le Groupe Tussaud sont devenus, le, la propriété de Merlin Entertainments.

Marie Tussaud, née Marie Grosholtz le à Strasbourg et morte le à Londres à l'âge de 88 ans, est une sculptrice française et la créatrice du musée de cire Madame Tussauds qu'elle ouvrit à Londres à l'âge de 74 ans.


Historique.

Il n'existe aucune information précise des dates et lieux originels de la dentelle. Il est toutefois admis qu'elle aurait vu le jour au, dans la région de Venise, notamment à Burano. D'abord nommée passementerie (1539). Apparaît pour la première fois sous le mot « dentelle » (c'est-à-dire « petites dents ») en 1545, dans l'inventaire de la dot de la sœur de.  D'abord apanage des hommes, la dentelle fut utilisée par les femmes dès le. Au, la réserva au vêtement féminin.  En France, les premières manufactures datent du à l'initiative de Colbert. Les métiers mécaniques sont apparus vers 1820. La ville de Calais a connu un réel essor avec ces métiers

Différents styles de dentelles.

Les dentelles produites par un grand nombre de régions françaises ou flamandes ont développé des spécificités uniques à chacune d'entre elles : et aussi en Europe :  Industrie de dentelle mécanique à :

Guipure.

La guipure, littéralement « brin de soie passé autour d'un gros fil tors » mais classiquement en coton, qu'elle soit d’Irlande, de Flandre, ou du Puy, est une broderie "sans" fond (les motifs recouvrent tout et se tiennent les uns aux autres à l'aide d'un fil de broderie), à ne pas confondre avec de la dentelle moins lourde. Le terme sert aussi par extension de langage à désigner les dentelles antérieures au qui étaient utilisées pour des robes de mariées.  La guipure est une dentelle dont le fond est fait avec des barrettes ou fils jetés et non avec des mailles ou réseaux. La fabrication de guipure d'Irlande au crochet s'est développée dans ce pays, comme revenu complémentaire afin de survivre, lors de la grande famine liée à la maladie de la pomme de terre qui débute en 1845. Cette technique s'est développée en Bretagne et particulièrement dans les ports de pêche du sud du Finistère (pays bigouden) lors de la crise de la sardine dans les premières années du. Elle y est connue sous le nom de "picot bigouden" car le picot est très utilisé pour les fonds.  La plus ancienne guipure connue datant du a pour origine la Cité des Doges. Jusqu'alors fabriquée à la main, sa fabrication est mécanique au ; la guipure devient alors usuelle (rideaux, napperons) dans les décennies suivantes, et son intérêt est mis en retrait derrière la dentelle. Mais en 1946, Balenciaga l'utilise sur ses robes, et vers 1950, Pierre Balmain l'incorpore dans ses créations, pour de nombreuses années, lui redonnant ainsi une situation de tout premier plan. Il sera suivi par Dior en 1957. Jane Birkin apparaît en 1969 dans une robe blanche tout en guipure, défrayant ainsi la chronique ; Yves Saint Laurent l'utilise dans les années 1970, Givenchy dans les années 1980, et Valentino ou Emilio Pucci beaucoup plus récemment. Ainsi, lors des collections prêt-à-porter 2012, avec entre autres le retour du « col Claudine » chez Dolce & Gabbana ou Louis Vuitton, la guipure apparaît de nouveau, que ce soit sur des détails ou des robes entières réalisées avec cette étoffe.

L'ère de la dentelle mécanique.

Au cours des siècles passés, les deux régions prédominantes de la production de dentelles, tant pour la renommée que la production, furent la Haute-Loire et le Nord-Pas-de-Calais. À l'orée de la révolution industrielle, ces deux régions, dont le savoir-faire était le fruit d'une tradition manuelle séculaire, ne furent pourtant pas dépassées et surent s'adapter à l'évolution mécanique. C'est en 1809, dans les environs de Nottingham, que John Heathcoat, un tout jeune mécanicien, inventa le premier métier à tulle composé d'un système à bobines et charriot. Le brevet fut rapidement déposé. Les douanes françaises de l'époque ne permettaient pas le commerce avec l'Angleterre : cela n'empêcha pour autant pas l'exportation des métiers, qui arrivèrent sur le sol français en pièces détachées et en toute illégalité, ce qui explique leur concentration dans le Nord-Pas-de-Calais. Saint-Pierre-lès-Calais fut la première ville (1809) à posséder un métier mécanique, suivie par Caudry en 1820.  En 1813, un certain Leavers eut l'idée d'allier la technique Jacquard au procédé mécanique de John Heathcoat, et c'est ainsi que d'un métier à tulle on a pu évoluer vers un véritable métier à dentelle, permettant de réaliser avec une liberté totale tous les motifs imaginables. Ce sont d'énormes machines pesant plusieurs tonnes, au vacarme assourdissant contraignant les ouvriers à porter des protections auditives. Il est également manifeste que ce changement marque aussi le passage de la dentellière aux mains agiles à l'ouvrier aux épaules robustes, car pour faire fonctionner de tels monstres une grande force physique est nécessaire. Dix-sept étapes faisant appel à dix-sept savoir-faire différents sont nécessaires pour passer de l'idée au produit fini.  La Haute-Loire, également grande région de la dentelle française, connut son apogée au et, au, occupe. Le chemin vers la production mécanique dans cette région ne suivit pas le même tracé. Le point de départ est l'invention en 1748, par Thomas Wadford, du métier à tresser, dont on trouve des traces postérieures en Allemagne. Le principe de fonctionnement consiste en un tressage en forme de tube d'un réseau de fils autour d'une âme de matière variable (textile ou non). Perrault de l'Aigle importa d'Allemagne en France la première de ces inventions en 1785. Il s'agissait donc d'un métier à tresser, composé de onze fuseaux que le Français améliora à treize et dont il déposa le modèle au Conservatoire national des arts et métiers.  Au, l'industrie du passement était prospère mais la route encore longue pour atteindre les métiers définitifs. Si, en 1880, c'est un Allemand, M. Büsche, qui mit au point un métier à fils, c'est en France, en 1872, qu'Eugène Malhère, ingénieur à Condé-sur-Noireau dans le Calvados, inventa le métier circulaire à dentelle équipé d'un appareil à disques. En 1886, il présenta le premier métier à tisser « un fil » qui prit part à l'Exposition universelle de 1889. Le modèle fut déposé par ses fils le 11 mai 1894 sous le numéro 238.461.  Si les deux types de métiers fonctionnent sur des principes différents, ils permettent tous deux d'avoir une qualité de dentelle extrêmement fidèle aux modèles manuels et une finesse inégalée. Ces métiers sont aujourd'hui classés patrimoine national.

La dentelle aujourd'hui.

De nos jours, la Haute-Loire et le Nord-Pas-de-Calais sont toujours les deux grandes régions de la dentelle en France. La Haute-Loire compte une dizaine d'entreprises d'une centaine de salariés, possédant cent à cent-cinquante métiers. Ils datent en majorité des années 1920 et 1930 et peuvent être composés de 32 à 96 fuseaux. Les usines fonctionnent à plein régime jour et nuit.  Le marché de la dentelle n'est que très faiblement lié à l'acheteur particulier : elle est essentiellement considérée comme une matière première, qui est achetée pour entrer dans la composition d'un produit fini. C'est donc en premier lieu l'industrie du vêtement qui est le premier acheteur de dentelle, à la tête de laquelle on trouve les maisons de haute couture. Les deux leaders mondiaux du marché de la dentelle ne doivent leur position qu'à la renommée qu'ils ont su se bâtir dans le milieu de la mode. Il s'agit d'un choix stratégique non négligeable puisqu'il consiste à concentrer ses efforts dans une optique de scrupuleuse qualité, quitte à ne pas afficher des prix bon marché.  L'entreprise Solstiss, basée à Caudry dans le Nord, est née de l'association en 1974 de quatre dentelliers. Héritiers d'un savoir-faire centenaire, ces quatre maisons recoupaient des spécialités différentes ce qui permit une complémentarité :  En avril 2011, lors du mariage du prince William et de Kate Middleton, la dentelle de Caudry est consacrée mondialement : La Maison Sophie Hallette voit l'un de ses dessins retravaillé sur le haut de la robe de la mariée. Cet événement sera relayé dans le monde entier et confirme l'importance de la place de Caudry comme principal centre de production de la dentelle mécanique Leavers.  En 2018, une quinzaine de manufactures dentellières exercent dans les Hauts-de-France. Elles étaient dix fois plus nombreuses dans les années 1950. Le catalogue d'exposition "Haute Dentelle" (Cité internationale de la dentelle et de la mode, 9 juin 2018 - 6 janvier 2019) recense les acteurs de cette industrie d'art.

Sens dérivés.

Le terme désigne aussi par extension tout ce qui est délicat ou non :

Une est un tissu sans trame ni chaîne, généralement en fil de soie, lin, nylon ou fibres plus riches selon les cas, exécuté par les dentelliers à la main ou à la machine, à l'aide de points semblables ou non formant un dessin, à bords dentelés ou non.


Origine du nom.

L'origine du nom de l'Oka n'est pas déterminée, bien qu'il existe de nombreuses hypothèses. Les deux hypothèses principales sont : En effet, jusqu'à l'arrivée des Slaves sur le cours de l'Oka, le cours supérieur de la rivière était occupé par des tribus baltes ("Polekhi"), tandis que le cours moyen et inférieur était habité par des peuplades finno-ougriennes (Mechtchériens, Mouromiens).

Cours de la rivière.

Le bassin versant de la rivière a une superficie de.. Le débit moyen est de /s avec un régime de type nivo-pluvial.  La rivière traverse sept oblasts de Russie : les oblasts d'Orel, Toula, Kalouga, Moscou, Riazan, Vladimir et Nijni Novgorod. Les villes les plus importantes situées sur le cours de l'Oka sont : Orel, Kalouga, Kolomna, Riazan et Nijni Novgorod, où se trouve son point de confluence avec la Volga.

Navigation.

L'Oka est navigable à partir de la ville de Tchekaline, et par transit depuis Kolomna, c’est-à-dire depuis l'embouchure de la Moskova. La rivière est éclusée sur les inférieurs à partir du confluent de la Moskova.  Jusqu'aux années 1960, l'Oka était navigable depuis Orel, mais uniquement dans le sens du courant et par saison de crue, ou bien avec l'aide des différents réservoirs du fleuve.

Affluents.

Les principaux affluents de l'Oka sont (de la source à l'embouchure) :

Hydrométrie - Les débits à Gorbatov.

Le débit de l'Oka a été observé pendant 95 ans (1891-1985) à Gorbatov, localité située à une soixantaine de kilomètres en amont de son confluent avec la Volga à Nijni Novgorod.  À Gorbatov, le débit annuel moyen ou module observé sur cette période a été de pour une surface prise en compte de, soit la quasi-totalité du bassin versant.  La lame d'eau écoulée dans le bassin versant de la rivière atteint ainsi le chiffre de 163 millimètres par an, ce qui peut être considéré comme modéré.  L'Oka est un cours d'eau abondant mais assez irrégulier. Il présente deux périodes de crues ; les grandes crues de printemps et les petites crues d'automne.  Les grandes crues se déroulent en avril et en mai (moyenne mensuelle de ) et correspondent au dégel. Dès le mois de juin, le débit de la rivière baisse fortement jusqu'à un premier étiage, en été au mois de septembre (). En octobre le débit remonte à nouveau mais légèrement, sous l'effet des précipitations automnales ce qui mène à un petit sommet en novembre. C'est la petite crue, bien moindre que celle de printemps ( en novembre). Puis survient le long étiage d'hiver qui a lieu de décembre à mars inclus. Le débit moyen mensuel observé en février (minimum d'étiage) atteint, soit plus ou moins neuf fois moins que le débit moyen du mois de mai (), ce qui témoigne de l'amplitude des variations saisonnières. Sur la période d'observation de 95 ans, le débit mensuel minimal a été de (ce qui reste très confortable), tandis que le débit mensuel maximal s'est élevé à (en ).

La rivière Oka (en ) est une rivière d'Europe orientale de de long, qui coule en Russie. C'est l'affluent le plus important de la rive droite du bassin de la Volga.


Concept et terminologie.

"Mobile Suit Gundam" appartient à un sous-genre de la science-fiction très populaire au Japon : le "mecha". Le concept principal du genre est de mettre en scène des robots (au sens le plus large) télécommandés ou pilotés par un humain, voire par une intelligence artificielle. Plus précisément dans "Gundam", ces robots sont des machines de guerre dirigées de l’intérieur (dans un cockpit), que l’on appelle, et qui peuvent évoluer aussi bien sur Terre que dans l’espace. Quant au terme "Gundam", il désigne dans pratiquement toutes les séries un prototype

Historique.

L’avant "Gundam".

Parmi les principales influences du genre "mecha" au Japon figure le roman "Étoiles, garde-à-vous!" de Robert A. Heinlein, dans lequel sont mis en scène des sortes d’exosquelettes puissamment armés qui ressemblent énormément aux robots de "Gundam". Bien que le genre fasse ensuite une première apparition dans le monde de l’animation japonaise avec "Astro le petit robot" d’Osamu Tezuka, la première série consacrée aux robots géants au Japon fut

"Mobile Suit Gundam" : la rénovation du genre "mecha".

Derrière l’idée originale de "Gundam" se cache un homme : Yoshiyuki Tomino. Ce dernier acquiert durant les années 1960 et 1970 une certaine expérience dans l’animation, ayant par exemple été assistant au studio Mushi Production sur "Astro le petit robot". En 1976, il s’essaye au genre "mecha" avec "Yūsha Raideen" (produit aussi par Sunrise) ; cependant, cette série suit scrupuleusement les codes de l’école traditionnelle. Grâce à ses succès, il comprend qu’il a désormais une plus grande liberté dans la conduite de ses histoires. C’est donc en 1979 qu’il écrit et réalise

Une mue difficile après la saga originale.

Le début des années 1990 est une période financièrement délicate pour les studios d’animation japonais, Sunrise ne dérogeant pas à la règle. De plus, la saga de l’"Universal Century" s’étant achevée avec "Mobile Suit Gundam : Char contre-attaque", le studio ne se montre guère prêt à investir lorsque Tomino propose de relancer "Gundam" en s’orientant vers une nouvelle histoire et de nouveaux personnages en 1991. L’auteur n’obtient finalement le feu vert que pour réaliser un seul film, "Mobile Suit Gundam F91". Ce dernier, résumant en fait les treize premiers épisodes de la série voulue par Tomino, se déroule trente ans après la saga originale, mais l’accueil est décevant et le projet abandonné. Cette tentative de renouveau est donc un échec, d’autant plus que les OVA "", qui prennent

La relève de Tomino.

À partir de "Mobile Suit Victory Gundam" sorti en 1993 (fruit d’un Tomino oppressé par Sunrise, alors sur le point d’être racheté par Bandai), d’autres réalisateurs parfois renommés se voient confier la réalisation des séries "Gundam", avec en premier lieu "Mobile Fighter G Gundam" (1994) pour les quinze ans de la série, puis "Gundam Wing" (1995) et "After War Gundam X" (1996), qui recevront d’ailleurs toutes un succès moins important que les premières séries — "Neon Genesis Evangelion" écrase à l’époque toute concurrence. Fait particulier de ces œuvres, elles se déroulent dans des univers parallèles permettant de se démarquer de l’"Universal Century" et d’attirer de nouveaux téléspectateurs, Sunrise ayant tiré les conclusions de l’échec de "Gundam F91". "Gundam Wing" présente plus spécifiquement une certaine évolution dans l’histoire de la franchise : en effet, elle adopte un ton plus moderne qui commence à toucher le public jusqu’alors ignoré des filles. De plus, cette série reste principalement connue pour être l’une des premières à avoir été exportée en Occident (même la toute première en France), ainsi

Caractéristiques.

Le réalisme.

L’idée de concevoir une série "mecha" de manière réaliste est l’innovation principale de "Mobile Suit Gundam", posant les bases d’un nouveau sous-genre de la science-fiction appelé. Cet aspect se manifeste très concrètement dans deux composantes des "anime" : le rôle des robots dans l’histoire, et la narration proprement dite.

Les « "real robots" ».

Les robots de "Gundam" sont les premiers à garder une dimension humaine dans l’animation japonaise. Bien que faisant figure d’armes technologiques de pointe, ils demeurent vulnérables et obéissent aux mêmes contraintes matérielles et physiques que nos armes contemporaines, comme la production de masse par les États et la nécessité d’une logistique poussée pour la maintenance et l’acheminement sur le théâtre des opérations ; ces robots sont quelque part rétrogradés du rang de "deus ex machina" à celui de « simple » arme. Il n’est d’ailleurs pas rare que la machine d’un des personnages principaux soit sévèrement endommagée (comme Bernie dans "Mobile Suit Gundam 0080") ou remplacée (Char Aznable en est l’exemple type). Tomino décrit la façon dont il concevait son projet ainsi :  Ce besoin de réalisme sur les

La narration.

Cette volonté de réalisme se trouve néanmoins poussée bien plus loin que le simple cas des robots : c’est tout le contexte des scénarios qui suit la même dynamique en se voulant le reflet de notre monde, ou du moins d’un monde technologiquement et humainement plausible. Par conséquent, géopolitique, stratégie militaire et trahisons forment la toile de fond de la plupart des séries, dans laquelle se fondent les relations et les personnages en une intrigue complexe. Ce traitement a pour but de mettre en exergue les conceptions, les aspirations et la psychologie des protagonistes, et finalement de montrer que rien n’est entièrement bon ou mauvais, à l’instar de notre monde. D’ailleurs, certains antagonistes comme Char Aznable acquièrent parfois une popularité plus importante que les personnages principaux. Le réalisme se traduit ainsi par le refus du manichéisme, même si certaines productions n’évitent pas les stéréotypes.  Bien souvent dans "Gundam", c’est surtout la souffrance des personnages qui est soulignée (le contexte étant toujours la guerre) ; on retrouve donc avec récurrence une ambiance sombre et dramatique qui contraste largement avec une certaine idéalisation des combats que l’on remarque souvent dans l’animation japonaise de l’époque. L’exemple de Kamille

La guerre.

Comme évoqué ci-dessus, "Gundam" prend toujours pour contexte la guerre, à l’image de nombre de séries "mechas". Là encore, la manière de mettre en scène les combats se veut empreinte de réalisme, c’est-à-dire de tragique. Nombre de personnages s’en retrouvent traumatisés (comme Amuro Ray ou Kamille Bidan), accentuant le côté sombre des scénarios. Finalement, le message véhiculé est de dépeindre la guerre comme vaine et inutile ; souvent, les principaux protagonistes qui se battent à échelle humaine réalisent qu’ils ne peuvent réellement influer sur les conflits et empêcher les morts injustes, ce qui est particulièrement le cas dans "Victory Gundam". "Mobile Suit Gundam 0080" est quant à lui souvent décrit comme un exemple poignant d’antimilitarisme, en adoptant le point de vue d’un enfant qui devient ami avec un soldat ennemi ; il apprend au fil des morts que

Le style Tomino.

Yoshiyuki Tomino, créateur de la franchise et auteur de toute la saga "Universal Century", a insufflé un style scénaristique relativement caractéristique à ses œuvres. Bien que n’ayant réellement réalisé moins de la moitié des séries "Gundam", il est intéressant de relever ces points plus en détail (c’est-à-dire, en passant outre les notions générales du réalisme et du drame), car on les retrouve souvent dans toutes les autres séries. Tout d’abord, la plupart de ses personnages principaux sont décrits et introduits de la même manière : des adolescents communs vivants bien loin des instances dirigeantes de leur monde ; ils sont pourtant toujours mêlés brutalement à la guerre et se retrouvent contre leur gré aux commandes d’un prototype de "mobile suit" puissant et unique nommé "Gundam" – Mark Simmons y reconnaît là l’influence des super robots –, proposant finalement une sorte de métaphore du passage

Le système des calendriers.

La chronologie des premières séries suit un calendrier inventé par Tomino : l’"Universal Century". Donc, même si dix années séparent "Mobile Suit Gundam" et le film "Char contre-attaque", le contexte reste fortement lié, et plusieurs personnages apparaissent dans plusieurs histoires différentes. Cependant, après l’échec de "Gundam F91", Sunrise décide de déplacer les scénarios dans des mondes alternatifs dotés de

Le dessin.

Même si le concept général reste très similaire, on retrouve un trait relativement différent d’une série à l’autre, tant en matière de personnage qu’en matière de "mecha", ce qui conduit même parfois à des anachronismes, comme le film "Mobile Suit Zeta Gundam :

Phénomène économique et social.

Une manne très rentable.

Financièrement parlant, "Gundam" est un filon inestimable pour Namco Bandai qui génère environ de yens (près de d’euros) de revenus par an grâce aux produits de la franchise. Depuis le début, le modèle commercial de "Gundam" repose clairement sur deux piliers : les "anime" et les produits dérivés (maquettes, musiques, etc.) ; en 2000, les ventes cumulées de toutes les marchandises estampillées "Gundam" depuis l’origine étaient estimées à de dollars (environ 40 milliards d’euros).  D’un côté donc, les "anime" les plus populaires ("Zeta Gundam"

Clés sociologiques du succès.

Le "mecha" constitue depuis ses débuts un genre très apprécié au Japon, ce dès la fin des années 1960. La science y est en effet perçue comme un vecteur d’évolution :. Cependant, le choc des bombardements atomiques de Hiroshima et Nagasaki fait comprendre aux Japonais le réel intérêt d’une technologie avancée ; loin de la prendre en aversion, l’Archipel en fait le moteur de sa reconstruction d’après-guerre, au point de devenir selon l’expression de K. T. Greenfeld une. Cet amour de la technologie explique donc l’intérêt du pays pour les "mechas", et forme en 1979 un terreau fertile pour une série comme "Mobile Suit Gundam". Toutefois, il est naturel de se demander comment "Gundam" a pu imposer auprès du public son style novateur, mais très éloigné d’une glorification jusqu’au-boutiste de la technologie. Un élément de réponse couramment avancé renvoie à la transformation de la société japonaise dans sa manière de percevoir l’animation à la fin des années 1970 : le public regardant les "anime", traditionnellement des enfants, évolue pour toucher des spectateurs plus âgés. Yoshiyuki Tomino fait d’ailleurs lui-même cette analyse. Avec ses scénarios sombres, voire tragiques,

Influence sur l’animation japonaise.

Héritage de la franchise.

Il a fallu attendre longtemps avant de voir émerger des analyses et des critiques académiques sur les "mechas" — et donc "Gundam". Aujourd’hui, les "anime" s’étant internationalisés, on dispose de publications importantes ; parmi la diversité des sources émerge toujours une appréciation dithyrambique sur la popularité et l’importance de la franchise. Ainsi, selon G. Poitras,, tandis que Gresh et Weingerg estiment qu’elle marque. Pour Helen McCarthy et Jonathan Clements, la saga est, comparable là encore à "Star Trek" ou "Star Wars" en Occident. Pour M. Gilson,. Parmi les auteurs francophones, Nicolas Finet écrit notamment :. Gresh et Weingerg vont plus loin en assénant que "Gundam". De fait, différentes séries des années 1980 comme "Gundam", "Galaxy Express 999" et "Macross" contribuent à poser les fondements tant graphiques que scénaristiques de l’animation moderne.  Le réalisme laissé en héritage par "Gundam" – qui

Critiques.

Le manque d’innovation résultant de la prépondérance des impératifs économiques et commerciaux demeure le principal reproche adressé à la franchise, qui sacrifierait donc la créativité à des motifs purement comptables. En effet depuis 1990, de nombreuses reprises, suites ou histoires parallèles ont été créées, et les mêmes traits de scénario se retrouvent plus ou moins dans toutes les productions récentes, sans grande originalité. La multiplication des univers et des va-et-vient temporels rend par la même occasion les chronologies complexes à suivre, et propices aux anachronismes. La franchise se

Importance dans la culture populaire.

Une icône populaire au Japon.

Véritable pierre angulaire du genre "mecha", "Gundam" est une série extrêmement populaire sur l’archipel, et y est par voie de fait très présente dans la vie quotidienne. Au rang des exemples de notoriété figurent par exemple deux séries de timbres éditées au Japon, qui représentent des personnages et des "mobile suits" de la série. L’uniforme militaire de la Fédération terrienne (première série) a aussi été repris sur une affiche électorale, que la presse a qualifiée d’« affiche Amuro » (du nom du personnage Amuro Ray) ; suivant la même idée, l’État a réalisé une affiche pour les pompiers mettant en scène un "Gundam". Quant à l’armée, elle se sert du terme "Gundam" comme nom de code pour désigner l’équipement avancé du soldat.  Les campagnes d’habillages publicitaires (concernant par exemple les trains, les avions, etc.) sont trop nombreuses pour être listées de manière exhaustive. Parmi celles-ci, un exemple

Dans le monde.

Comparé aux mangas en général, "Gundam" s’est plutôt mal exporté dans le monde. En France, très peu d’œuvres ont été commercialisées par Beez (filiale française de Bandai) et aucun réel engouement ne s’y est créé. Le pays le plus sensible à la franchise hors Japon sont les États-Unis,

Listes des œuvres.

Séries, films et OVA.

Pierres angulaires de la franchise, les séries, films et OAV en sont naturellement les produits principaux ; leur

"SD Gundam".

À l’origine, "SD Gundam" se veut simplement être une parodie de l’univers "Gundam" pour enfant publiée au format "yonkoma". Mais à l’aune de son succès, de nombreuses suites et produits dérivés en sont rapidement tirés, si bien

Nouvelles et mangas.

La franchise compte un nombre extrêmement important de romans et de mangas, souvent dérivés des séries animées. Tomino lui-même avait pour habitude de publier sous forme de nouvelles les scénarios de ses séries, avec néanmoins des différences marquées, les récits étant plus adultes et réfléchis ; par exemple, Amuro Ray et Sayla Mass ont des relations sexuelles dans le roman "Mobile Suit Gundam", alors qu’ils ne sont même pas explicitement amants dans la série. La question existentielle soulevée

Jeux vidéo.

C’est d’abord sur les bornes d’arcade que l’on trouve les premiers jeux vidéo "Gundam", et ce jusqu’en 1993 avec la production sur Super Nintendo de "". Il est parfois difficile de fixer une limite très claire à ces produits, étant donné que certains comme "" mélangent les robots et les personnages de

Cinéma.

"Gundam" a été porté une seule fois au cinéma en prise de vue réelle, via le long métrage américain intitulé "G-Saviour". Réalisé en 2000 pour les vingt ans de la franchise, il se déroule dans l’"Universal

, ou plus simplement, est une franchise d’animation japonaise créée par Yoshiyuki Tomino et Hajime Yatate pour le studio Sunrise en 1979. Appartenant au genre "mecha", elle présente divers éléments classiques de la science-fiction — guerres spatiales, univers scientifiquement avancé — mais innove par sa volonté de réalisme, aussi bien à travers la narration qu’à travers les éléments technologiques. Les robots géants, essence du genre "mecha", y sont donc pour la première fois ramenés au rang de simples armes de masse au Japon. Cette idée novatrice, qui reflète alors l’ouverture du public traditionnel des séries animées aux adultes, donne naissance à un sous-genre de la science-fiction japonaise nommé « "real robot" ».


Numérotation des wagons et voitures à la SNCF (1938 - 1971)

À la SNCF en 1938.

Il est composé de lettres et de chiffres combinés entre eux :  Ce marquage a aussi été utilisé dans quelques colonies ou pays sous influence française (Afrique du Nord, Liban, etc).

Voitures et fourgons G.V..

L'exposant indique le nombre de compartiments (2)  "Les compartiments de ont été supprimés le 1956"  "Les compartiments de sont spécifiques au Réseau AL et ont été supprimés vers 1930"  L'exposant indique le nombre de compartiments (2)  L'exposant indique le nombre de compartiments (2)  (1) En particulier en 1939 (création de la SNCF) et 1948 (application d'un nouveau plan de marquage).  (2) Le chiffre 1 n'est pas exprimé et le demi-compartiment ou coupé est indiqué par l'exposant 1⁄2. L'exposant n'est obligatoire ni pour les étages des voitures marquées de l'indice x, les voitures de série X et les véhicules de types spéciaux.  (3) Ne s'applique pas aux voitures ne comportant que des compartiments de luxe.

Wagons.

En 1938 lors de la création de la SNCF, le marquage unifié (dit de 1924) des wagons utilisé par les anciennes compagnies privées de chemin de fer a été maintenu. Il distingue les véhicules « grande vitesse » (G.V.) de ceux de « petite vitesse » (P.V.) ainsi que les wagons spéciaux et les wagons du service de la voie. Cette distinction est due à l'utilisation dans des services différents des wagons PV et GV.

Période 1924-1949.

Wagons Grande Vitesse (G.V.).

Lettres de série :  Indices obligatoires :  Ces indices doivent apparaître obligatoirement sur les véhicules.  Exemple : Kz wagon couvert sans volets.  Indices facultatifs :  La présence de ces indices sur les véhicules n'est pas obligatoire. Elle l'est sur les documents administratifs.  Cette liste n'est pas limitative.

Wagons Petite Vitesse (P.V.).

Lettres de série :  "Note":  Dispositions appliquées jusqu'à la renumérotation de 1948 :  Doublement de la première lettre de série (sauf wagons spéciaux S) :  Indices obligatoires :  Voir wagons G.V.  Indices facultatifs :  Voir wagons G.V.

Période 1950-1966.

Wagons Grande Vitesse (G.V.).

Lettres de série :

Wagons Petite Vitesse (P.V.) étoilés.

Ce sont des wagons PV pouvant être utilisés en régime GV sous certaines conditions (la limite de charge notamment). Ils doivent être équipés du frein continu marchandises et voyageurs.  Lettres de série :

Wagons Petite Vitesse.

Ces wagons sont équipés de la conduite blanche ou uniquement du frein marchandises.  Lettres de série :

Wagons Spéciaux.

Indices  Valables pour tous les wagons.  Numéros de série (plan de marquage définitif de 1950) :  Avant cette date ont généralement été conservés les numéros de série attribués par les réseaux existant avant la création de la SNCF. Ils étaient précédés du numéro de région SNCF encadré, le même numéro de série ayant pu être attribué par plusieurs réseaux.  Les wagons construits après 1938 ont pu être numérotés directement dans les séries appliquées en 1950. Leur numéro de série a été provisoirement précédé du chiffre 7 (suivi du nombre de zéros nécessaires pour obtenir un nombre à 7 chiffres).  série 100000 : wagons plats série 200000 : wagons couverts série 300000 : wagons couverts série 400000 : wagons couverts série 500000 : wagons loués ou appartenant à des tiers série 600000 : wagons tombereaux série 700000 : wagons tombereaux série 900000 : fourgons P.V.  [P] (encadré) Véhicule appartenant à un particulier. Placé à la suite du numéro d'ordre.

Disposition des inscriptions.

Pour le matériel à voyageurs :  Les lettres sont inscrites dans l'ordre de succession suivant (l'exposant 0 indiquant la place du chiffre correspondant au nombre de compartiments) : XZA0L0S0B0C0PDE.  Les indices viennent à la suite de la lettre ou du groupe de lettres auxquels ils correspondent ; quand ils sont groupés, ils sont inscrits dans l'ordre de succession suivant : zxc0gtqdyvfpi.  Exemples :  Pour le matériel à marchandises :  Exemples :

En 1964 : numérotation UIC.

À partir de 1964 la classification UIC des wagons de chemin de fer et la classification UIC des voitures de chemin de fer sont mises en place afin d'harmoniser l'immatriculation du matériel, dont les échanges internationaux sont nombreux.  Les lettres symbole des wagons ont été modifiées comme suit :  La marque [P] (encadré) des véhicules appartenant à des particuliers continue d'être utilisée.  Le marquage UIC a été appliqué à partir de 1964 pour les wagons et de 1966 pour les voitures. Le changement a été terminé en 1968 pour les wagons et 1972 pour les voitures.

La numérotation française des wagons et voitures de chemin de fer utilisée jusqu'en 1971 était issue du marquage 1924, adopté en 1919 et utilisé avec diverses retouches et compléments jusqu'en 1969. Il remplaçait les différents marquages alors utilisés par chaque réseau, dans un but d'unification au niveau national.


Géographie.

Svitavy se trouve aux confins de la Bohême et de la Moravie, dans une grande plaine, à au sud du nœud ferroviaire de Česká Třebová, à au sud-est de Pardubice, à au nord de Brno et à à l'est-sud-est de Prague.

Histoire.

Le premier bourg situé sur un gué de la rivière Svitava se trouvait sur l'emplacement de la ville actuelle, fondée par les Prémontrés de Litomyšl vers le milieu du. La première mention de Svitavy qui nous soit parvenue remonte à 1256, au moment où cet espace limitrophe entre Bohême et Moravie est colonisé sur décision de l'évêque d'Olomouc, Bruno de Schauenburg. Le village tire son nom de la rivière Svitava (pure, claire). On fait appel à des colons villageois qui viennent aussi bien d'Allemagne, de Franconie orientale, de Bavière et de Silésie.  Au milieu du, Svitavy accède au rang de ville. À la fin du, on construit des remparts ouverts par trois portes. Pendant le mouvement hussite, la guerre de Trente Ans, les guerres napoléoniennes et prussiennes; la ville souffre du passage des armées, en raison de sa position de carrefour stratégique. Le développement d'un trafic ferroviaire contribue à l'épanouissement de la ville, principalement basé sur l'industrie textile. En octobre 1938 la ville est intégrée à la zone d'occupation des Sudètes et à ce titre investie par les troupes allemandes.  En septembre 2008, Svitavy a ouvert un musée de l'espéranto, langue internationale également utilisée pour le site web de la municipalité. Depuis, Svitavy accueille le siège officiel de l'Association tchèque d'espéranto.

Population.

Recensements (*) ou estimations de la population :

Patrimoine.

La place centrale de Svitavy est bordée d'une galerie en arcades, la seconde en longueur pour la Tchéquie. Parmi les édifices les plus caractéristiques du cœur historique, l'ancien hôtel de ville et la demeure voisine "U mouřenína" (en français : « Chez Maure »). La plus ancienne église est consacrée à saint Gilles. Des remparts de la ville ne subsiste qu'un bastion semi-circulaire. Svitavy abrite également un musée de la cité et la maison Ottendorfer.

Autres institutions culturelles.

Une antenne du musée occupe en outre le rez-de-chaussée de la maison Ottendorfer :

Annexes.

Article connexe.

Musée de l'espéranto (Svitavy)

Svitavy est une ville de la région de Pardubice, en Tchéquie, et le chef-lieu du district de Svitavy. Sa population s'élevait à habitants en 2019.