Description.

La seiche flamboyante est une espèce robuste, avec un manteau très large, de forme ovale. Les bras sont larges et comme des lames, avec une paire des bras plus courtes que les autres. Les membranes de protection sont étroites chez les deux sexes. Les ventouses sont disposées en quatre rangées. Le bras modifié du mâle pour la fertilisation, appelé hectocotyle, se situe sur le bras ventral gauche.  Cette espèce de seiche est la seule à être capable de marcher sur le plancher océanique. En raison de la petite taille de son os de seiche, elle peut flotter seulement pendant une courte durée.

Habitat et biologie.

La seiche flamboyante vit sur les fonds sableux à des profondeurs allant de 3 à. Durant la journée, elle est active et chasse des poissons et des crustacés. Elle utilise un camouflage complexe et varié pour traquer sa proie. La couleur de base de cette espèce est brun foncé. Les individus qui sont dérangés ou agressés peuvent changer rapidement de couleur pour un modèle de noir, de brun foncé et blanc, avec des taches jaunes sur le manteau, les bras et les yeux. Les bras présentent souvent une coloration rouge vif pour repousser les prédateurs. La seiche flamboyante utilise deux de ses bras pour marcher sur le fond marin tout en agitant rythmiquement ses larges membranes de protection sur les bras. Les scientifiques suggèrent que ce comportement sert à avertir les prédateurs de sa toxicité. En effet, la chair de cette seiche est toxique, elle contient une toxine unique.

Reproduction.

La copulation se produit en face-à-face, avec le mâle l'insertion d'un spermatophore dans une poche sur la face inférieure du manteau de la femelle. La femelle fertilise ses œufs avec le sperme. Les œufs sont pondus individuellement et placés par la femelle dans des crevasses ou des rebords de corail, de roches ou de bois. Dans un cas, environ une douzaine d'œufs ont été trouvés placés sous une demi-noix de coco renversée. Ainsi, les œufs ont été protégés des prédateurs.  Les œufs fraîchement pondus sont blancs, mais deviennent translucides avec le temps, rendant l'embryon clairement visible. Dès la naissance, les jeunes sont capables d'utiliser leur camouflage.

Relation avec l'homme.

Un rapport de toxicologie a découvert et confirmé que les tissus musculaires de la seiche flamboyante sont hautement toxiques, ce qui en fait le troisième céphalopode toxique et l'unique seiche toxique. Les recherches menées par Mark Norman avec le Museum Victoria dans le Queensland, en Australie ont montré que sa toxine est aussi meurtrière que celle des pieuvres à anneaux bleus.  La seiche flamboyante ne représente aucun intérêt pour la pêche pour la raison citée ci-dessus. Si son offre était stable, les couleurs spectaculaires et le comportement de cette espèce en feraient un excellent candidat pour la maintenance en aquarium privé.

La seiche flamboyante (Metasepia pfefferi) est une espèce de seiche des eaux tropicales Indo-Pacifique au large de l'Australie du Nord, le sud de la Nouvelle-Guinée, ainsi que de nombreuses îles des Philippines, l'Indonésie et la Malaisie. Cette espèce de seiche est toxique. Son nom scientifique fait référence au zoologiste allemand Georg Johann Pfeffer qui étudiait principalement les céphalopodes.


Biographie.

Les origines de la famille Hébuterne sont dans le village de Varreddes (nord de la Seine-et-Marne), d'où est originaire le grand-père paternel de Jeanne. Son père, Achille Casimir Hébuterne, gagne sa vie comme comptable, et sa mère, Eudoxie Anaïs Tellier, remplit le rôle de maîtresse de maison sans autre profession connue. Jeanne Hébuterne naît le à Meaux au avenue de la République.  En 1917, Jeanne Hébuterne étudie la peinture à l'Académie Colarossi à Paris, au 10 rue de la Grande-Chaumière dans le quartier Notre-Dame-des-Champs, à Montparnasse qui tend à supplanter à cette époque Montmartre comme haut lieu de la bohème artistique. C'est son frère André Hébuterne, lui-même peintre paysagiste, qui l'a introduite dans ce milieu. Elle sert de modèle au peintre Foujita. La sculptrice ukrainienne Chana Orloff lui fait rencontrer Amedeo Modigliani, en, à "La Rotonde". Selon un autre témoignage, c'est lors d'un bal masqué que Modigliani, déguisé en Pierrot, aurait abordé Jeanne pour la première fois.  Jeanne Hébuterne est talentueuse. Et sa beauté la distingue. la décrit. Les photographies de l'époque révèlent un long nez rectiligne et une bouche charnue. Selon Chana Orloff, ses yeux sont vert pâle, Modigliani les peindra toujours en bleu. Quoi qu'il en soit, son regard fascine, elle attire, elle séduit. Ce sont donc deux séducteurs qui se rencontrent.  La jeune fille de bonne famille vit une passion tumultueuse avec le peintre dont la santé chancelle déjà.  Les parents de Jeanne Hébuterne voient d'un très mauvais œil cette liaison. Ils sont fervents catholiques, alors que Modigliani est juif, à cette époque où l'antisémitisme demeure banal. Le peintre a une réputation bien établie de toxicomane et d'alcoolique. Jeanne Hébuterne rompt alors avec sa famille.  Elle s'installe avec Modigliani au rue de la Grande-Chaumière, juste à côté de l'Académie Colarossi, dans un atelier que leur loue Léopold Zborowski, l'agent du peintre qui peine alors à vendre ses toiles. Néanmoins, convaincu du talent de Modigliani, Zborowski envoie le couple se reposer à Nice où, le, Jeanne Hébuterne met au monde une petite fille, déclarée en premier lieu à l'état civil sous le nom de Giovanna Hébuterne (1918-1984). Modigliani l'aurait reconnue tardivement pour lui donner son nom. D'autres sources indiquent que c'est la sœur de Modigliani qui adoptera l'enfant après la mort de ses parents, afin que celle-ci porte le nom de son père. La petite est placée par la suite en nourrice à Chaville près de Versailles, et deviendra la biographe de son père.  À l'automne 1919, le couple est de retour à Paris. Mais Jeanne Hébuterne cesse peu à peu toute activité artistique après avoir fait de la photographie et créé des bijoux et des vêtements. De nouveau enceinte, elle est devenue le modèle préféré du peintre.  L'état de santé de Modigliani ne cesse de s'aggraver. Atteint de pleurésie depuis l'enfance, puis de méningite tuberculeuse, il abuse depuis bien trop longtemps de drogues et d’alcool. Il meurt à 35 ans, au soir du. Les parents de Jeanne consentent alors à accueillir à nouveau cette désespérée nantie d'un enfant et sur le point d'accoucher du second. Le surlendemain, vers quatre heures du matin, échappant à la vigilance de son frère, Jeanne Hébuterne se jette par la fenêtre du de l’appartement de ses parents au rue Amyot, dans le de Paris.  Chantal Quenneville, qui a été son amie à l'Académie Colarossi, rapporte les faits suivants :  Le, Modigliani est enterré au cimetière du Père-Lachaise, accompagné des artistes de Montmartre et de Montparnasse, notamment Picasso, Soutine, Vlaminck, Cendrars. Jeanne est enterrée le lendemain au petit jour au cimetière de Bagneux dans l'intimité. Achille Hébuterne a refusé aux amis de Modigliani de faire enterrer sa fille aux côtés du peintre. Il faudra attendre 1930 avant qu'il revienne sur sa décision.  Une étude publiée par le NCBI en 2018 indique que Jeanne était atteinte de dystonie cervicale, et que cela peut se voir dans les photos de l'époque et dans les peintures de Modigliani.

Postérité.

Dans les années 1990, la chanteuse française Véronique Pestel lui rend hommage à travers la chanson "Jeanne Hébuterne". Chanson qui sera reprise par Jann Halexander sur son album "Un bon chanteur est un chanteur mort" en 2014.  Au cinéma, elle a été incarnée par Anouk Aimée dans le film "Montparnasse 19" de Jacques Becker, et par Elsa Zylberstein dans le film "Modigliani" de Mick Davis.  En 2006, c'est la romancière France Huser qui publie un roman, "La Fille à lèvre d'orange", dont Jeanne Hébuterne est l’héroïne. D' à, l'auteure  En 2002, c'est dans l'atelier de son frère André Hébuterne, au rue de Seine à Paris, que furent découvertes neuf de ses peintures ayant séjourné dans la cave depuis 1978. Elles furent présentées une seule journée au musée du Montparnasse à Paris, et à nouveau à l'exposition "Amadeo Modigliani, de Montmartre à Montparnasse" à Ancone, Caserte et Bari. Seules six peintures d'elle étaient connues avant cette découverte. Elles représentent des portraits de famille et des vues des bâtiments proches de son domicile. Une dixième a été découverte en 2003 chez un brocanteur en Allemagne.  En 2017, Olivia Elkaim écrit un roman ("Je suis Jeanne Hébuterne", éd. Stock) dans lequel Jeanne raconte sa passion pour Modigliani.

Jeanne Hébuterne est une artiste peintre française, née le à Meaux (France) et morte le à Paris. Surnommée « Noix de coco » en raison de son teint blanc laiteux et de ses cheveux châtain aux reflets roux, elle est surtout connue, de nos jours, pour sa relation amoureuse avec Amedeo Modigliani, se suicidant deux jours après la mort de celui-ci.


Biographie.

Dès l'âge de 7 ans, Lucien Clergue apprend à jouer du violon sous l'impulsion de sa mère, Jeanne Grangeon. Quelques années plus tard, son professeur n'est plus en mesure de l'aider à progresser. Issu d'une famille modeste, faute de moyens Clergue ne pourra pas poursuivre ses études au conservatoire de Marseille, ni à celui de Nîmes.  En 1950, pour Noël, il reçoit un appareil photo jouet et apprend dès l'année suivante les rudiments de la photographie.  À partir de 1953, après la mort de sa mère (), il consacre tout son temps libre à la photographie, très influencé dans un premier temps par le surréalisme et par les portraits de Thérèse Le Prat.

La rencontre avec Picasso.

Le, lors d'une corrida aux arènes de Nîmes, il force le destin en mettant ses photographies sous le nez de Pablo Picasso. Celui-ci est intéressé et à la question posée : « Est-ce que cela vous plaît », il répond : « Vous savez bien que cela me plaît ». Pendant deux ans, le jeune Clergue s'emploie à produire un travail construit à Picasso pour le surprendre. C'est durant cette période qu'il crée la série intitulée "La Grande récréation" représentant des saltimbanques dans les ruines d'Arles, à laquelle succèdent les "Charognes".  Le, pour la première fois, Lucien Clergue se rend chez Picasso, à Cannes, pour récupérer les albums qu'il lui a envoyés. Il est reçu à bras ouverts, Pablo Picasso lui disant : « On me dit que le plus grand photographe, c'est Cartier-Bresson ; moi, je dis que c'est vous ». Leur amitié durera près de vingt ans, jusqu'à la mort de Picasso en 1973. Le livre "Picasso mon ami" (Éditions Plume) retrace les moments importants de leur relation.  Grâce à Pablo Picasso, il rencontre le collectionneur et critique d'art Douglas Cooper et Jean Cocteau. Les deux hommes font découvrir les photographies de Clergue à des critiques d'art et à des conservateurs suisses et allemands qui sont les premiers à lui consacrer de véritables expositions.

"Corps mémorable".

En 1957, il publie "Corps mémorable" aux Éditions Pierre Seghers, poèmes de Paul Éluard, couverture de Pablo Picasso, poème liminaire de Jean Cocteau. L'ouvrage est réédité en 1960 sans le poème de Cocteau, puis en 1962. En 1963 paraît une version allemande dans laquelle la censure imposera de changer une des douze photos,. En 1969 paraît une édition remaniée avec d'autres photos et une nouvelle maquette. En 1996, à l'occasion du centenaire du poète, une ultime édition est publiée, agrémentée de nouvelles photographies et d'une maquette réalisée par Massin. En 2003 cette dernière version est rééditée. Une exposition organisée à la médiathèque Carré d'art de Nîmes fin 2006 célèbre les cinquante ans de cet ouvrage.

Fondation des Rencontres d'Arles.

Dès 1968, il fonde avec son ami Jean-Maurice Rouquette, conservateur des Musées d'Arles et l'écrivain Michel Tournier les premiers éléments des Rencontres Internationales de la Photographie qui deviendront les Rencontres d'Arles et se tiennent chaque année à Arles au mois de juillet.  Il invite à Arles les photographes les plus célèbres des États-Unis (Ansel Adams, André Kertész, Robert Mapplethorpe...) et du Japon (Eikō Hosoe)... Ils donneront les premiers « ateliers de photo » à Arles. Lucien Clergue, souhaitant que ses photographies soient reconnues en tant qu’œuvres d'art, a sans cesse milité pour la reconnaissance de la photographie en tant que discipline artistique à part entière au même titre que la peinture, la gravure ou la sculpture. Il parviendra à ce qu'elle soit considérée ainsi par le ministère de la Culture avant de contribuer à la création de l'École Nationale Supérieure de la Photographie à Arles en 1982.  Lucien Clergue est le premier autodidacte en France à être reçu docteur ès lettres avec option "Photographie" à l’Université de Provence, Marseille le. Sa thèse publiée sous le titre "Langage des sables" ne comporte aucun mot, seulement des images, c'est l'écriture avec la lumière. Un commentaire de Roland Barthes, membre du jury de thèse, fait office d'antithèse faute d'avoir pu rédiger une véritable préface avant son décès.  Il a régulièrement été l'invité des plus grandes universités étrangères telles que Harvard et a donné de nombreuses conférences à l’étranger. La ville d'Arles lui a consacré en 2007 une très importante rétrospective à travers 360 photographies datées de 1953 à 2007. Son travail a été exposé lors des Rencontres d'Arles de 1971 à 1973, en 1975, 1979, de 1982 à 1986, en 1989, 1991, 1993, 1994, 2000, 2003 et 2007 et en 2014 pour ses 80 ans.  Ses œuvres figurent dans les collections de nombreux musées français et étrangers et chez des collectionneurs privés.  Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 2003 et est élu membre de l'Académie des Beaux-Arts de l'Institut de France, le, à la suite de la création d'une nouvelle section consacrée à la photographie (VIII). Sa réception sous la coupole a eu lieu le. Premier titulaire du fauteuil de cette nouvelle section, il a retracé dans son discours l'histoire de la photographie.

Lucien Clergue, né le à Arles (France) et mort le à Nîmes (France), est un photographe français. Il est le premier photographe à être élu membre de l'Académie des beaux-arts de l'Institut de France. Il en fut le président pour l'année 2013.


Conception.

La conception de la classe Leander est influencée par la classe York (croiseurs lourds), et est pensée pour mieux protéger le trafic maritime commercial. Ils sont armés de huit canons de 6 pouces disposés sur des tourelles doubles, deux à l'avant du navire, deux à l'arrière. L'armement secondaire est composé de 4 canons de 4 pouces, plus tard remplacés par huit canons de même calibre. L'armement antiaérien se compose de 12 mitrailleuses Vickers de 0,5 pouce sur trois montages quadruples. Les navires sont aussi équipés de quatre tubes lance-torpilles de 21 pouces. Deux hydravions Fairey Seafox sont embarqués.  Avec un blindage d'une masse de 845 tonnes, ces navires peuvent naviguer à une vitesse de. Les cinq premières unités ont leurs machines situées dans un logement unique, une caractéristique unique parmi les croiseurs britanniques. Cela signifie qu'un dommage au milieu du navire est susceptible de mettre à l'arrêt toutes les chaufferies.

Noms.

Le nom de la classe, "", se réfère au nom anglophone de Léandre du couple Héro et Léandre de la mythologie grecque. L'ensemble des navires de la classe portent, lors de leur commande, des noms issus de la mythologie grecque : Leander, Achilles, Ajax, Neptune, Orion, Amphion, Apollo et Phaeton. Les trois navires vendus à l'Australie sont renommés et prennent le nom de villes australiennes.  Le porte ce nom jusqu'à la création de la "Royal New Zealand Navy" (1941) où il devient le HMNZS "Leander". Il retrouve son nom premier à son retour dans la "Royal Navy" en 1945.  Le porte ce nom aussi jusqu'en 1941 devenant alors le HMNZS "Achilles". Il redevient le HMS "Achilles" entre 1946 et 1948. En 1948, il est cédé à la marine indienne et devient le INS "Delhi".  Les, et portent ces noms tout au long de leurs carrières.  Le HMS "Amphion" est transféré à la marine australienne en 1939 et devient alors le HMAS "Perth".  Le HMS "Apollo" est transféré à la marine australienne en 1938 et devient alors le HMAS "Hobart".  Le HMS "Phaeton" est transféré à la marine australienne dès son lancement en 1934. Il porte ainsi le nom de HMS "Sydney" toute sa carrière durant.

La classe Leander est une classe de croiseurs légers construits pour la "Royal Navy" au début des années 1930, ils servent durant la Seconde Guerre mondiale. Trois navires servent dans la "Royal Australian Navy" durant ce conflit.


Contenu.

Aux termes de la lettre, Démétrios de Phalère, fondateur et responsable de la bibliothèque d'Alexandrie, propose au roi macédonien d'Égypte Ptolémée II Philadelphe de faire traduire les textes religieux juifs, afin de les inclure dans ses collections. Il suggère de s'adresser au grand prêtre juif,, et de lui demander six hommes par tribu, afin de réaliser la traduction. Ptolémée accepte et le projet est mis en œuvre. Dans sa lancée, il fait libérer tous les esclaves juifs d'Égypte. , contacté, sélectionne 72 habitants de Jérusalem « maîtres dans les lettres judaïques, mais aussi adonnés à la culture hellénique ». Ceux-ci voyagent jusqu'à Alexandrie où le roi les reçoit et se prosterne par sept fois devant les rouleaux de la Loi. S'ensuit un banquet qui dure sept jours, au cours duquel le roi interroge chacun des 72 traducteurs.  Enfin, les traducteurs se retirent dans l'îlot de Pharos qui ferme le port d'Alexandrie, où ils travaillent durant 72 jours. Lecture en est faite devant la cour de Ptolémée et l'assemblée des Juifs alexandrins. Il est convenu que le texte ne devra pas être modifié, Démétrios s'exclamant même que la traduction « vient de Dieu ».

L'auteur.

La lettre est adressée par un dénommé Aristée (nom donné par Flavius Josèphe, "Antiquités juives", XII, 12–118) à son frère Philocrate. L'auteur se présente comme un Grec, adepte de la religion olympique.  C'est une élucubration d'un juif anonyme qui se met dans la peau d'un Hellène pour paraître impartial dans l'expression de son admiration à l'endroit des choses juives. La lettre serait antérieure aux persécutions d'Antiochos IV Épiphane, roi séléucide, quand la paix régnait encore en Israël sous son père, Antiochos III dit le Grand.  En 1522, Luis Vives ("In XXII libros de Civitate Dei Commentaria"), suivi par Humphrey Body en 1685 ("Contra historiam Aristeæ de LXX. interpretibus dissertatio") montrent qu'il s'agit en fait d'un pseudonyme. L'auteur est un Juif alexandrin, d'où le nom conventionnel de « pseudo-Aristée » qui lui est donné. Il ne faut pas le confondre avec Aristée, historien, auteur d'un "Sur les Juifs" dont Eusèbe de Césarée a préservé des extraits, ni avec Aristée d'Argos, un partisan du roi Pyrrhus.  Flavius Josèphe adapte et développe le récit conté par la "lettre d'Aristée" dans le livre XII des "Antiquités juives".

La Septante dans le Talmud.

Un passage du Talmud rapporte deux récits de la traduction de la Bible hébraïque à Alexandrie :

La lettre d'Aristée à Philocrate est un pseudépigraphe difficilement datable d'avant - 100, relatant de manière légendaire la traduction en grec du Pentateuque. Il constitue sans doute le premier document rapportant les origines de la Bible grecque des Septante et est un excellent reflet de l'état d'esprit du judaïsme alexandrin (ou judaïsme synagogal) de cette époque.


Principe général.

Le jeu a pour cadre l'Europe centrale des années 1670. Les joueurs vont devoir aménager leur chaumière, agrandir leur famille, élever des animaux, cultiver leurs champs... Le but est de survivre, en concurrence avec les autres joueurs. Gagnera le joueur qui se sera le mieux développé.  Les nombreuses cartes disponibles permettent de modifier légèrement les règles en faveur du joueur qui les pose. Elles participent grandement au renouvellement du jeu de partie en partie.

Règle du jeu.

But du jeu.

Lors de chacun des 14 tours de jeu, les joueurs effectueront exactement une action par membre de leur famille. Les actions disponibles sont communes, et de plus en plus nombreuses au fur et à mesure de la progression du jeu. Les joueurs marqueront des points en fonction du nombre de champs, de pâturages, d'animaux...

Mise en place.

Chaque joueur dispose pour commencer la partie d'un plateau « cour de ferme », 2 tuiles de maison en bois et 2 marqueurs de personnes. Dans une partie en version complète, par opposition à une partie en version familiale, les joueurs récupèrent également 7 cartes d'aménagement mineur et 7 cartes de savoir-faire.  Les 3 plateaux d'action et le plateau des aménagements majeurs sont placés au centre de la table, à disposition de tous.

Déroulement.

Les joueurs peuvent faire une action par membre de leur famille, soit 2 en début de partie. Ils placent leur membre de la famille sur une case de l'un des plateaux d'action et effectuent l'action correspondante. Les actions conduisent les joueurs à récupérer des ressources, des animaux, à poser une carte, labourer un champ, le semer, agrandir leur maison ou leur famille, etc. Une famille plus grande permet de faire plus d'action mais nécessite aussi de prévoir plus de nourriture.

Fin de partie et vainqueur.

À la fin du quatorzième tour la partie se termine et les joueurs effectuent un décompte catégorie par catégorie. Plus le joueur est développé, plus il marquera de points. Inversement, si le joueur a totalement négligé une de ces catégories il marque 1 point négatif.

Championnats.

Le premier tournoi international d'Agricola s'est célébré en novembre 2011, à Vienne. À l'occasion, le Danois Rasmus Damm a été vainqueur du championnat.  Une deuxième compétition mondiale s'est déroulée en 2013 dans la même ville.  Pour l'édition de 2018, le tournoi a été remporté par l'Allemand Sebastian Esser dans la ville allemande d'Altenbourg.

Extensions.

En 2008, un grand nombre d'extensions ont été lancées. "Agricola: Through the Seasons" ("Im Wandel der Jahreszeiten"), a été disponible à la convention d'Essen 2008. Dans la même période, les cartes "Rancher", "Pelts", "Guildmaster", "Feed pellets", "Clay deposit" et "Animal trainer" ont été distribuées sur le site de l'éditeur. Les decks d'extension "Ö-Deck", "L-Deck", "Z-Deck" et "X-Deck" sont aussi apparus cette année-là. Ceux-ci ont été inclus à son tour dans l'extension "Agricola: The Goodies Expansion".  Aussi à Essen, mais en 2009, "Agricola: Farmers of the Moor" a été lancé.  En 2010, l'extension "Agricola: Gamers' Deck", est apparue. Cette même année, Lookout Games sort "Agricola: The Legen*dairy Forest-Deck", rajoutant des thèmes fantastiques au jeu.  À l'occasion du premier championnat international du jeu en Vienne, le "World Championship Deck" est apparu en 2011.  Entre 2012 et 2014, 3 extensions thématiques de villes et nations ont sorti : "Agricola: Belgium Deck", "Agricola: Bielefeld Deck", et "Agricola: France Deck""."  En 2012, 999 Games et Lookout Games ont publié l'extension "Agricola: De Lage Landen""," qui inclut "Agricola: Through the Seasons" et la version en hollandais du set "Agricola: NL-Deck," lancé en 2011.  En 2015, la mini-extension "Agricola: Glonnacker" est apparue"."  À Essen Spiel 2018, "Agricola: Changelings" a été distribué.  En 2019, Lookout Games publie "Agricola: Agricola in Newdale""."

Agricola est un jeu de société créé par Uwe Rosenberg en 2007, illustré par Klemens Franz et édité par Lookout Games en allemand, Ystari Games en français et Z-Man Games en anglais.


Carrière sportive.

Débuts dans la LNH.

Mason a été choisi par les Blue Jackets de Columbus lors du repêchage d'entrée dans la LNH 2006, à la position lors du.  Après avoir évolué dans les ligues mineures deux saisons, le directeur-général des Jackets, Scott Howson, décide de rappeler Mason pour un match face aux Oilers d'Edmonton. Durant cette partie, il accorde 4 buts mais son équipe l'emporte cependant 5-4 et il signe sa première victoire dans la LNH. Après quelques matchs, il signe deux autres victoires avant de subir sa première défaite face aux Coyotes de Phoenix où il accorde 4 buts sur 29 tirs. Une semaine plus tard, face aux Thrashers d'Atlanta, il réussit son premier blanchissage.  À la fin de la saison, Mason a un total de 10 blanchissages, qui fait de lui un candidat pour l'obtention du trophée Calder remis à la meilleure recrue. Son équipe se qualifie pour les séries éliminatoires de la Coupe Stanley mais elle perd la première série de son histoire contre les Red Wings de Détroit 4-0. À la fin de la saison 2008-2009, Mason reçoit finalement le trophée Calder.  Il est échangé en aux Flyers de Philadelphie contre Michael Leighton et un choix de troisième tour au repêchage de 2015.  Le, il signe un contrat de 2 ans avec les Jets de Winnipeg à titre d'agent libre.  Le, il est échangé aux Canadiens de Montréal en compagnie de l'attaquant Joel Armia et de deux choix au repêchage en retour du défenseur Simon Bourque. Son contrat est aussitôt racheté par les Canadiens.

Carrière internationale.

Mason a participé au championnat mondial junior de 2008 et a remporté la médaille d'or avec l'équipe canadienne junior.

Steve Mason (né le à Oakville dans la province d'Ontario, au Canada) est un joueur professionnel canadien de hockey sur glace. Il évolue au poste de gardien de but.


Description.

D'une hauteur de 4 à, cet arbre possède des feuilles trifoliées caduques et une tige très épineuse.  Il produit un petit fruit jaune orangé appelé « poncire », (nom du cédrat, de "pomum cereum", « pomme de cire » selon Gilles Ménage, de "pomum assyrium", « pomme d'Assyrie », ou bien de "pomum citreum", nom donné au cédrat par Pline l'Ancien), appelée aussi « pomme de Médée », (nom faisant encore référence au cédrat).  Celle-ci est de la taille d'une balle de golf, et contrairement aux autres agrumes, présente un curieux duvet sur son écorce.

Variétés et hybrides.

Il existe plusieurs variétés dont une seule est répandue :  Les hybrides avec d'autres agrumes donnent généralement des fruits peu comestibles crus, mais ils résistent bien à certaines maladies et sont plus tolérants par rapport au pH du sol que le partenaire d'hybridation.

Utilisation.

Déplaisant à l'état cru (à cause de son amertume, causée en partie par la poncirine), il peut être accommodé et préparé sous diverses formes après cuisson. On en fait entre autres une sorte de vin et des confitures, notamment en Chine. Séché et réduit en poudre, il est utilisé comme condiment.  Résistant à des températures de -15 °C à -20 °C et résistant à la tristeza, c'est le seul agrume rustique dans l'ensemble des zones à climat tempéré. Il est souvent utilisé en porte-greffe pour améliorer la résistance au froid, aux sols alcalins, et aux maladies des variétés commerciales d'agrumes.  Il est également utilisé dans le jardin d'ornement où il est apprécié comme sujet isolé, original du fait de ses longues épines ligneuses, de la forme de ses feuilles et de ses fruits à mi-chemin entre citron et orange.  Il s'intègre parfaitement au sein de haies décoratives et/ou défensives. La SNCF teste notamment son utilisation comme haie défensive depuis juillet 2009.

Culture.

Multiplication par semis ou par boutures semi-ligneuses (avec hormone de bouturage et de préférence chaleur de fond). Les pépins de poncires peuvent être polyembryonés. Ainsi, un seul pépin peut donner plusieurs arbres.  Un des embryons est zygotique (ou gamétique) : issu de deux parents, il possède les caractéristiques d'un parent mâle (arrivées par le pollen) combinées à celles du parent femelle (le poncirus sur lequel a été cueillie la poncire).  L'autre embryon (les autres embryons) est nucellaire : non fécondé, son patrimoine génétique est totalement issu de l'ovaire, c'est un clone de "la mère" (le poncirus ayant fourni le fruit).  Les pépins monoembryonés possèdent un embryon zygotique.

Le Citronnier épineux ou Oranger trifolié "(Poncirus trifoliata)" est un arbre de la famille des Rutacées originaire de Corée et du Nord de la Chine. "Poncirus" est de nos jours souvent inclus dans "Citrus". "Poncirus trifoliata" est la seule des deux espèces de "Poncirus" à être véritablement connue et cultivée en Europe (la seconde espèce étant le Poncirus polyandre, "Poncirus polyandra", syn. "Citrus polytrifolia", originaire du Xian de Fumin).


Enfance.

La princesse Amélie naît au château de Herrenhausen, à Hanovre, en Allemagne actuelle, le. Elle est le troisième enfant de Georges, duc de Cambridge, qui deviendra en 1727 roi de Grande-Bretagne, et de Caroline d'Ansbach, fille de Jean-Frédéric d'Ansbach, margrave de Brandebourg-Ansbach.  Bien qu'il ait été naturalisé anglais en 1705 et qu'il reçut également la Jarretière ainsi que les titres de duc de Cambridge, comte de Milford Haven, vicomte de Northallerton et baron de Tewkesbury (tous dans la pairie d'Angleterre) en 1706, son père restait un prince allemand, fils d'un électeur du Saint-Empire.  À sa naissance, la reine lui accorde le prédicat d'Altesse sérénissime, elle est alors désignée comme "Son Altesse sérénissime la princesse Amélie de Hanovre". Mais sa famille l'appelle couramment Émilie ("Emily" en anglais).

Princesse de Grande-Bretagne.

En vertu de l'Acte d'établissement de 1701, le grand-père de la princesse Amélie devient roi de Grande-Bretagne et d'Irlande le 1er août 1714 après la mort de la reine Anne sous le nom de George I de Grande-Bretagne. En tant que fils aîné et héritier du nouveau roi, le père d'Amélie est créé prince de Galles et duc de Cornouailles le. Devenue princesse de Grande-Bretagne (avec "de facto" le prédicat d'Altesse royale), Amélie quitte Hanovre pour s'installer au palais Saint-James à Londres avec toute sa famille.  Fille préférée de son père, la princesse était souvent malade étant enfant. En 1722, sa mère, qui avait des idées progressistes, avait « vacciné » contre la variole Amélie et sa sœur Caroline. C'est l'une des premières vaccinations : on l'appelle alors la variolisation. Cette méthode novatrice, qui provenait de Constantinople, avait été introduite en Angleterre par Lady Marie Wortley Montagu et de Charles Maitland. Le, George I mourut et le père d'Amélie devint le roi Georges II. Elle vécut alors avec son père jusqu'à sa mort en 1760.  Sa tante Sophie-Dorothée, reine consort de Prusse, a suggéré un mariage entre Amélie et son fils Frédéric, prince héritier de Prusse, mais son père Frédéric-Guillaume I de Prusse préfère marier son fils à Élisabeth-Christine de Brunswick-Wolfenbüttel-Bevern, fille du duc Ferdinand-Albert II de Brunswick-Wolfenbüttel, mais surtout nièce de l'empereur Charles VI.  Amélie peut avoir été la mère du compositeur Samuel Arnold (1740-1802), elle eut effectivement une liaison avec son père, Thomas Arnold.  La princesse Amélie appréciait beaucoup l'équitation et la chasse. À la mort en 1751 de Robert Walpole (1701–1751), deuxième comte d'Orford (fils du Premier ministre du même nom), la princesse Amélie emménage à White Lodge, dans le parc de Richmond. Elle devient également garde forestier royal de ce même parc. Elle fait alors fermer le parc au public, ne laissant entrer que quelques amis proches munis d'un permis spécial. Cette décision suscite un tollé général. En 1758, un brasseur local, John Lewis, engage des mesures devant la justice. Le tribunal statua en faveur de Lewis, citant le fait que, lorsque avait aménagé le parc au, il a laissé le droit de passage au public. La princesse Amélie a donc été forcée de rouvrir le parc au public.

Fin de vie.

En 1760, la princesse Amélie est devenue propriétaire du parc de Gunnersbury, dans le Middlesex. Ayant perdu ses appartements au palais Saint-James après la mort de son père, elle s'y installe. Elle prit une maison dans Hanover Square et acheta Gunnersbury House, qui devint sa retraite estivale. Elle a aussi fait construire une « maison de bain », qui existe encore aujourd'hui ("Princess Amelia's Bathhouse") et a été classée par "English Heritage". La tante de Georges III – que ce dernier qualifiait de « dame étrange et chaleureuse » – fait de Gunnersbury House un lieu célèbre pour ses soirées et ses intrigues politiques. C'est elle qui a aménagé le parc du à l'anglaise.  Elle possédait également une propriété à Cavendish Square, dans le quartier de Soho, à Londres, où, le, elle est morte. La princesse Amélie mourut célibataire, elle fut le dernier enfant de Georges II et Caroline d'Ansbach à mourir. Elle est enterrée dans la chapelle Henri VII de l'abbaye de Westminster.

Hommages et postérité.

Plusieurs sites géographiques ont été nommés en l'honneur de la princesse Amélie, notamment :

La princesse Amélie de Grande-Bretagne (de son nom de naissance "Amelia Sophia Eleanor of Brunswick-Lüneburg", en français "Amélie Sophie Éléonore de Brunswick-Lunebourg") est née le et morte le. Elle était membre de la famille royale britannique puisqu'elle était la deuxième fille de Georges II.


Biographie.

. Ce journal raconte la vie quotidienne et les épreuves, comme le port de l'étoile jaune en, de la jeune femme.  Ne pouvant passer l'agrégation en raison des lois antisémites du régime de Vichy sur le statut des Juifs, Hélène Berr se présente au siège de l'Union générale des israélites de France (UGIF) où elle est recrutée comme assistante sociale bénévole le. Trois mois plus tôt, à l'occasion d'une dédicace qu'elle obtient de Paul Valéry, Héléne Berr entame ce jour-là, le, un « Journal » que, dans la préface de l'ouvrage publié en 2008 aux éditions Tallandier, Patrick Modiano compare au style de Katherine Mansfield.  Hélène Berr est arrêtée à son domicile situé dans le de Paris, le à l'aube, détenue au camp de Drancy, puis déportée à Auschwitz avec son père et sa mère, le, jour de ses 23 ans. D'Auschwitz, elle est envoyée à Bergen-Belsen où elle contracte le typhus. Un matin, ne pouvant se lever à l'heure de l'appel, elle est battue à mort par une gardienne, quelques jours avant la libération du camp par les troupes anglaises, le (Mariette Job, son éditrice et nièce, qui apporte ces précisions, suggère cette date sans la préciser formellement).  Hélène Berr était la fille de Raymond Berr (1888-1944), polytechnicien (X 1907), ingénieur du corps des Mines, vice-président de l'entreprise Kuhlmann (qui fusionnera plus tard avec Péchiney), déporté par le même convoi qu'elle le, le « Convoi ». Sa mère, Antoinette Berr (1891-1944) est également déportée dans ce convoi.  Le nom d'Hélène Berr a été donné à une médiathèque du douzième arrondissement de Paris, ainsi qu'à un amphithéâtre de l'Université Paris-Sorbonne (site de Clignancourt).

Le "Journal".

Ce journal commence le, après une visite chez Paul Valéry. Il s’achève à Drancy le. Les derniers mots, "« Horror! Horror! Horror! »", font écho à la pièce de Shakespeare, "Macbeth", où Macduff s'exclame de façon similaire "« O horror, horror, horror! »". Mais cette dernière phrase rappelle aussi fortement le "« The horror! The horror! »" de Kurtz, à la fin du roman "Au cœur des ténèbres" de Joseph Conrad (l’une des nombreuses lectures d’Hélène Berr). Par ailleurs, Hélène Berr cite souvent le poète romantique anglais John Keats, dont elle a étudié l'œuvre.  Le "Journal" est constitué de 262 feuillets volants, « couverts à l'encre bleue ou noire et au crayon d'une fine écriture qui se fait de plus en plus hâtive au fil des pages ». Sa publication résulte de la volonté de Mariette Job, la nièce d’Hélène Berr et ancienne libraire, qui, connaissant ce texte par des copies circulant dans sa famille, a retrouvé le manuscrit original : selon le vœu d’Hélène, il avait été remis après la guerre à Jean Morawiecki, son fiancé et futur diplomate, et était resté entre ses mains. Ce dernier a institué Mariette Job légataire du journal.  Le manuscrit du journal est déposé en 2002 au Mémorial de la Shoah. Il est publié pour la première fois en, avec une préface du romancier Patrick Modiano.

Hélène Berr, née le à Paris et morte en au camp de concentration de Bergen-Belsen, est une jeune Française juive, auteure d'un journal relatant sa vie de 1942 à 1944 et qui fut publié pour la première fois en 2008.


Premières éditions.

"Venus et Adonis" fut intégré au Registre des Libraires le, et le poème parut plus tard dans l'année en édition "in-quarto", publié et imprimé par Richard Field, habitant de Stratford-upon-Avon et contemporain de Shakespeare. Field publia un second "in-quarto" en 1594, puis en transféra les droits à John Harrison l'Aîné, le libraire qui publia également en 1594 la première édition du "Viol de Lucrèce". Les éditions suivantes de "Venus et Adonis" parurent en format "in octavo" plutôt qu"'in-quarto"; Harrison sortit la troisième édition (O1) vraisemblablement en 1595, et la quatrième (O2) en 1596 (les deux éditions de Harrison étant imprimées par Field). Les droits de reproduction du poème passèrent ensuite à William Leake, qui publia deux éditions (O3, O4) dans la seule année 1599, et peut-être quatre (O5, O6, O7 et O8) en 1602. Les droits passèrent à William Barrett en 1617; il publia l'édition O9 la même année. Cinq éditions supplémentaires parurent jusqu'en 1640, ce qui fit du poème un des grands succès populaires de l'époque avec 16 éditions en 47 ans.

Résumé.

Alors qu'Adonis se prépare pour la chasse, Vénus « saisit sa main humide » et « elle le pousse en arrière, comme elle voudrait être poussée » (afin de procéder à l'acte sexuel). Plus tard, « il est étendu haletant, son souffle arrive au visage de Vénus » tandis qu'elle lui dit: « sois donc plus hardi, nos ébats n'ont pas de témoins ». Elle le séduit et ils entament une romance passionnée, mais Adonis ne s'y engage pas vraiment car il s'estime trop jeune et ne s'intéresse qu'à la chasse. Adonis finit par trouver la mort dans un accident de chasse, laissant Vénus éplorée.  Le poème contient les descriptions de l'excitation sexuelle sans doute les plus réalistes de l’œuvre de Shakespeare.

Contexte historique.

En 1593, une épidémie de peste à Londres poussa les autorités de la ville à fermer tous les théâtres publics. Shakespeare avait déjà écrit à cette époque 5 ou 6 de ses premières pièces, et commençait à se forger une réputation. Il se mit à rédiger ce qu'il souhaitait publier comme étant « le premier fils de ma création » ("the first heire [sic] of my invention"), c'est-à-dire le premier rejeton légitime de sa « muse ». Il dédia l'œuvre à Henry Wriothesley, III comte ("Earl") de Southampton.  En 1594, Shakespeare dédia de nouveau "Le Viol de Lucrèce" à Southampton, présentant le poème comme « "l’œuvre plus sérieuse" » qui lui avait été promise dans sa dédicace de "Vénus et Adonis". Southampton était dans une situation financière difficile, néanmoins il reste possible que ce mécène se soit montré assez extravagant pour récompenser ces œuvres par des sommes d'argent conséquentes. Mais Shakespeare parvint par la suite à détenir suffisamment de capitaux pour acquérir un douzième des parts dans les bénéfices des représentations de sa compagnie théâtrale. Dès lors, il devint plus lucratif pour lui d'écrire des pièces que de longs poèmes.

Contexte littéraire.

Le thème de Vénus et Adonis provient des Métamorphoses d'Ovide, Livre 10, traduites en 1567 par Arthur Golding. Ovide raconte comment Vénus prit le bel Adonis pour amant, son premier parmi les mortels. Ils étaient compagnons de longue date, la déesse accompagnant son amant à la chasse. Elle le mit en garde en lui rappelant la légende d'Atalante et Hippomène, dans le but de le dissuader de chasser certains animaux dangereux; mais il ignora l'avertissement et se fit tuer par un sanglier.  Shakespeare développe cette simple trame narrative en un poème de 1194 vers. Son innovation principale consiste à imaginer qu'Adonis refuse l'offre que Vénus fait d'elle-même. Il est possible (l'argument est avancé par Erwin Panofsky) que Shakespeare ait pu voir une copie du "Vénus et Adonis", tableau du Titien que l'on peut interpréter comme montrant un Adonis qui refuse de rejoindre Vénus dans l'étreinte. Mais les pièces de Shakespeare montraient déjà de sa part un penchant pour les héroïnes activistes, contraintes de séduire et de poursuivre de leurs assiduités des hommes réticents (voir Les Deux Gentilshommes de Vérone). L'autre innovation réside dans une forme de respect de la règle des trois unités: l'action se déroule dans un même endroit, du matin au matin suivant, et se concentre sur les deux personnages principaux.

Vénus et Adonis est une pièce poétique de William Shakespeare écrite en 1592-1593, dont l'intrigue s'inspire de différents passages des "Métamorphoses" d'Ovide. Il s'agit d'une œuvre complexe, multiforme, qui emploie des décalages constants dans le ton et la perspective afin de présenter des points de vue variés sur la nature de l'amour.


Bloomsbury.

Angelica est la fille de l'artiste peintre Vanessa Bell (la sœur aînée de Virginia Woolf), et du peintre Duncan Grant. Angelica, née tardivement, a pour frères aînés le poète Julian Bell et le peintre et historien Quentin Bell.  Elle passe son enfance au centre du cénacle de Bloomsbury. Les adultes, autour d'elle, sont les amis intimes de la famille Bell-Woolf. Ils se nomment Roger Fry, John Maynard Keynes, E. M. Forster, Lytton Strachey, Lady Ottoline Morrell.  Après avoir terminé ses études à Longford Grove School (Essex), Angelica Bell visite Rome et Paris en 1935.

Ruptures.

Son frère aîné Julian meurt en 1937, lors de la guerre civile espagnole, où il a rejoint les Républicains. C'est dans l'ambiance de ce deuil qui frappe tout le Bloomsbury Group qu'Angelica apprend qu'elle est la fille du peintre Duncan Grant, amant quasi officiel de sa mère.  Une telle situation n'aurait rien que de banal si le mariage d'Angelica Bell n'était en jeu : elle s'apprête en effet à épouser l'écrivain David Garnett, un veuf qui a vingt-six ans de plus qu'elle. Or celui-ci est l'amant de Duncan Grant depuis de nombreuses années. Il semble même que Duncan Grant, le jour de la naissance de sa fille, ait fait promettre à David Garnett de l'épouser quand elle aurait vingt ans. Angelica décide cependant de passer outre et, le, finit par épouser David Garnett, dont elle portera désormais le nom pour signer ses livres et ses tableaux. Clive et Vanessa Bell sont scandalisés.  La réconciliation avec Clive Bell et Vanessa Bell a lieu grâce à la naissance des enfants de David et d'Angelica Garnett. Ils ont quatre filles : Amaryllis Virginia ; Henrietta Catherine Vanessa ; et les jumelles Nerissa et Frances. Puis ils se séparent, peu avant 1961, année de la mort de Vanessa Bell. À partir de cette date, Angelica Garnett va vivre à Charleston Farmhouse, la propriété de son père biologique, Duncan Grant, auprès duquel elle restera jusqu'à sa mort en 1978. Après avoir rompu avec sa femme, David Garnett, de son côté, s'est installé en France, près de Cahors, où il mourra en 1981.  Parmi les quatre filles, Amaryllis (1943-1973) devient actrice tandis que Henrietta (née en 1945) est écrivain. Elle a épousé Burgo Partridge, neveu de son père par sa première femme Ray. Aujourd'hui, elle gère l'héritage de David Garnett et de Duncan Grant. L'une des jumelles, Nerissa (1946-2004), a fait carrière en tant que peintre et photographe.

Documents.

L'autobiographie qu'a publiée Angelica Garnett en 1985, "Deceived with Kindness" ("Trompeuse Gentillesse"), a démythifié le cénacle de Bloomsbury et provoqué de multiples controverses. Ce livre a reçu le prix Ackerley, qui récompense les autobiographies.  Elle a quitté l'Angleterre en 1984 et a vécu dans le Midi de la France, non loin de Forcalquier. En 1993, elle a fait don de ses archives personnelles à la bibliothèque de King's College (Cambridge).

Angelica Garnett, née Angelica Vanessa Bell le et morte le, est une artiste-peintre et une femme de lettres britannique. Elle était aussi la dernière représentante du Bloomsbury Group.


Biographie.

Né dans une famille pauvre de Kragujevac en 1831, Jovan Ristić commença ses études à Belgrade où il s'engagea dans une association politique étudiante. Il part ensuite à Berlin, à Heidelberg où il reçut un doctorat en droit en 1852 et à Paris.  En 1861, il fut envoyé comme diplomate à İstanbul. Il participa aux négociations qui aboutirent au retrait des troupes turques de Serbie en 1867. À son retour à Belgrade, le prince Michel III Obrenović lui proposa un poste ministériel qui en aurait fait son bras droit ; mais Ristić, jugeant le prince trop réactionnaire, déclina l’offre. Dès cette époque, Ristić fut considéré comme l’un des principaux chefs du Parti libéral.  En 1868, après l’assassinat du prince Michel, il fit partie du conseil de régence qui gouvernait pour le jeune prince Milan IV, et le seul membre à avoir une vision politique. Son modèle politique de l'époque est la Prusse, où la direction était assurée par un ministre-président. Il aspire à réunir les peuples serbes en un État, comme l'Italie et l'Allemagne le réalisaient à cette époque. Il fut un des principaux artisans de la première Constitution serbe qui fut promulguée le. Durant la régence, il renforça les pouvoirs de l'État et limita la liberté de la presse, tout en menant une politique étrangère destinée à rendre la Serbie indépendante de l'Autriche-Hongrie comme de la Russie.  En 1872, quand le prince Milan atteignit sa majorité, Ristić devint Ministre des Affaires étrangères. Le, il fut nommé Premier ministre mais démissionna en novembre de la même année.  En 1875, puis de 1876 à 1878, Jovan Ristić fut Ministre des Affaires étrangères. À ce poste, il se montra partisan d’une politique d’expansion ; selon lui, la Serbie devait devenir le centre d’un puissant État regroupant les Slaves du Sud. À ce poste, il fut le grand artisan de deux guerres entre les Serbes et les Turcs.  En 1876, une première guerre s’était soldée par une victoire ottomane. Le, la Serbie entre une nouvelle fois en guerre contre l’Empire ottoman, mais cette fois aux côtés de la Russie. Cette guerre se conclut par une victoire des Russes, des Serbes et des Roumains coalisés. Le, un Congrès fut réuni à Berlin, dans lequel Jovan Ristić représenta la Serbie. Aux termes du Traité signé le 13 juillet 1878, la Serbie étendit son territoire et obtint son indépendance totale vis-à-vis de la Sublime Porte.  Le, Ristić devint à nouveau Premier ministre. En revanche, il refusa de signer un accord commercial avec l’Autriche-Hongrie, accord qui, selon lui, allait mettre la Serbie en situation de dépendance vis-à-vis de son puissant voisin ; pour cette raison, il dut démissionner ().  En 1882, le prince Milan devint roi de Serbie sous le nom de Milan.  Le, le roi Milan I, inquiet de l’attitude des socialistes du Parti radical, rappela Ristić qui forma un cabinet de coalition. Il resta Premier ministre jusqu’au.  Le, une nouvelle Constitution, plus libérale que celle de 1869, est adoptée. Mais le, le roi Milan I abdiqua en faveur de son fils, le jeune prince Alexandre. Jovan Ristić devint le président du Conseil de régence et il autorisa la formation d’un cabinet radical. Cependant, en 1892, Ristić appela au pouvoir le Parti libéral, dont il avait toujours été proche. Cette décision provoqua un vif mécontentement dans la population. Le, le jeune roi Alexandre I, par un coup d’État, décida de régner pleinement avant sa majorité ; il démit les régents, renvoya le gouvernement et rappela les Radicaux. Ristić fut ainsi écarté du pouvoir.  Il mourut à Belgrade le.

Jovan Ristić (en serbe cyrillique : ), né le à Kragujevac et mort le à Belgrade, était un diplomate et un homme politique serbe. Il fut plusieurs fois Premier ministre de son pays.


Biographie.

Enfance.

Fille du comte Jean Albert de Solms-Braunfels (branche de la Maison de Solms) et d'Agnès de Sayn-Wittgenstein, Amélie passe son enfance dans le château familial de Braunfels en Allemagne. Elle fait partie du proche entourage d'Élisabeth Stuart, épouse de Frédéric V, électeur palatin. Amélie accompagne Elisabeth dans son exil à La Haye aux Pays-Bas, alors que son époux Frédéric est défait par Ferdinand II et le Saint-Empire. Le prince Maurice de Nassau leur donne l'asile en 1621.

Mariage et enfants.

En 1625, Amélie de Solms-Braunfels épouse le prince d'Orange Frédéric-Henri d'Orange-Nassau.  Neuf enfants sont nés de cette union, dont cinq atteignent l'âge adulte :

Princesse consort des Pays-Bas.

Lorsque Frédéric-Henri devient stathouder à la mort de son demi-frère Maurice, son influence et celle de son épouse croissent substantiellement. Ensemble, ils sont les artisans du développement de la cour princière de La Haye. Ils font construire plusieurs palais, dont celui de Huis ten Bosch. Amélie est réputée comme étant une grande collectionneuse d'art. Elle est perçue comme intelligente, arrogante et ambitieuse. Elle fut l'instigatrice principale de plusieurs mariages royaux, tels que celui de Guillaume II d'Orange-Nassau avec la princesse royale d'Angleterre et d'Écosse Marie-Henriette Stuart et celui de ses filles avec des princes de l'Empire germanique. Elle a également une grande influence sur la politique, comme conseillère de son époux. Lorsque ce dernier tombe malade en 1640, elle participe ouvertement à la politique intérieure et extérieure de son pays en recevant par exemple des diplomates. Elle est considérée comme un acteur principal ayant œuvré au succès du traité de Westphalie en 1648. Comme marque de reconnaissance, le roi d'Espagne Philippe IV lui octroie le domaine de Turnhout en région flamande dans la province d'Anvers.

Régente des Pays-Bas.

À la mort de son époux Frédéric-Henri, elle assure la régence et s'occupe de l'accession au pouvoir de son petit-fils Guillaume III, prince d'Orange qui deviendra également roi d'Angleterre.

Amélie de Solms-Braunfels (en allemand : Amalia von Solms-Braunfels) (, Braunfels -, La Haye) est une princesse consort et régente des Pays-Bas. Elle est l'épouse du prince d'Orange Frédéric-Henri d'Orange-Nassau.


Histoire.

Cet album qui comprend aujourd'hui quelque 193 prises de vues a initialement été découvert par une déportée, Lili Jacob, dans une baraque du camp de Dora-Mittelbau. En 1980, Serge Klarsfeld convainc Lili que l'album doit être sauvegardé et protégé. Elle se rend alors à Jérusalem où elle rencontre le Premier ministre Menahem Begin, et en fait don au Mémorial de Yad Vashem où il se trouve toujours.  Les photographies portent sur l'arrivée des convois de Juifs hongrois, communauté déportée en mai 1944. Les historiens Serge Klarsfeld et Marcello Pezzetti estiment que ces images ont vraisemblablement été prises par les SS Ernst Hoffman et Bernhard Walter, dans une démarche qui suscite des interrogations. Quelques historiens relèvent des traits propres aux photographies de propagande allemande dans le cadrage et le choix des sujets, d'autres estiment qu'il pourrait s'agir d'un rapport commandé. Les images ne montrent en tout cas pas la phase d'extermination proprement dite mais sa préparation. Elles ciblent les sélections sur la « rampe » – voie de chemin de fer arrivant directement dans l'enceinte de Birkenau, installée peu de temps avant l'anéantissement de la communauté hongroise, ce qui permet notamment de dater les photographies de l'album. Les récupérations des biens confisqués au "Canada" qui les suivent et l'attente des personnes qui vont être gazées.  Outre cet ensemble iconographique, on possède aujourd'hui dans le cas du camp d'Auschwitz-Birkenau quelques photographies prises par des membres des "sonderkommandos" d’Auschwitz II (Birkenau), et, depuis le début de l'année 2007, un album de photographies du personnel SS du camp.

Notes et références.

L'Album d'Auschwitz (aussi appelé "Album de Lili Jacob", du nom de la détentrice de l'album) désigne un ensemble de photographies prises dans le camp d'extermination d'Auschwitz-Birkenau à l'été 1944. Cette collection est considérée comme unique dans la mesure où elle constitue aujourd'hui l'un des principaux témoignages visuels du processus d'extermination des déportés juifs d'un convoi dans un centre de mise à mort.


Biographie.

Premier mariage.

Anne d’Este passa son enfance à Ferrare où elle reçut une excellente éducation. En 1548, après de longues et difficiles négociations, elle fut mariée à François de Guise, duc d’Aumale, fils de Claude de Lorraine, duc de Guise et militaire illustre et héros sauveur de la France à l'image de son père. Le contrat de mariage fut signé le à Ferrare, et le mariage eut lieu le au château de Saint-Germain-en-Laye. La princesse ne retourna jamais en Italie.  Par sa mère, Anne d’Este était petite-fille de Louis XII, et de ce fait cousine d'Henri II et de ses fils. Son mariage la fit rentrer dans la toute puissante famille des Guise, et sa provenance italienne la liait de façon particulière à Catherine de Médicis.  Dès son arrivée, la jeune fille de 17 ans jouit donc d’une position prééminente à la cour. Devenue duchesse de Guise après la mort de son beau-père en 1550, Anne d’Este devint l’administratrice, avec sa belle-mère Antoinette de Bourbon, du patrimoine des Guise. Dans le même temps, la princesse jouait le rôle d’intermédiaire entre la cour de Ferrare et celle de France, où elle intercédait pour les affaires de son père. De son premier mariage elle eut sept enfants, dont quatre parvinrent à l’âge adulte. François de Guise était très amoureux de son épouse et, terriblement jaloux, la faisait suivre. Elle aida sa mère Renée de France qui soutenait les protestants entre Ferrare et la France. Son époux intercepta leur correspondance et interdit à sa femme tout contact avec sa mère. Elle aimait profondément son époux et lui pardonna le massacre de Wassy, où elle s'interposa pour arrêter l'exécution des femmes lorsqu’il tua une soixantaine de protestants assistant au culte dans une grange. En, son mari fut assassiné. Anne d'Este fut inconsolable. L’assassin Jean de Poltrot de Méré fut saisi et condamné à être écartelé. Anne d’Este essaya par tous les moyens de poursuivre juridiquement Gaspard de Coligny, chef des huguenots, qu’elle tenait pour responsable de l’attentat. Pendant trois ans, la veuve pressa le roi et ses juges de lui rendre justice, mais en le conseil du roi déclara Coligny innocent du meurtre et ordonna « silence perpétuel » en cette affaire. Nombreux furent ceux qui virent la vengeance de la veuve du duc de Guise dans le coup de feu qui ne rata la poitrine de Coligny que par miracle, au matin du, et qui fut le signal du départ des massacres de la Saint-Barthélemy. Il est néanmoins difficile de savoir quel rôle exact joua Anne d’Este dans cette affaire, et plus largement dans les massacres de la Saint-Barthélemy.

Second mariage.

Le, à Saint-Maur-des-Fossés, Anne d’Este se remariait avec Jacques de Savoie-Nemours, duc de Nemours et de Genevois. On disait à la cour que, malgré les années, elle était toujours aussi belle et avait conservé sa jeunesse. Jacques de Savoie avait été épris d'elle il y a fort longtemps et l'avait soutenue lors de la mort de son époux. À partir de cette date, elle passa la plus grande partie de son temps à Annecy, ou en voyages entre le Genevois et la cour de France.  Après la mort de son second mari, en 1585, la princesse vécut surtout à Paris, dans son hôtel dit hôtel de Nemours, localisé sur la rive gauche de la Seine, dans l’actuelle rue Séguier.

Princesse de la Ligue.

Avec la formation de la Ligue catholique, dans laquelle ses fils jouèrent un rôle de premier plan, son importance politique augmenta considérablement. En, Henri III fit assassiner ses deux fils aînés au château de Blois et elle-même fut emprisonnée.  Après sa libération dès, elle regagne Paris où elle joue un rôle actif dans l'organisation de la Ligue. Quelques-uns de ses contemporains la tenaient pour la commanditaire de l’assassinat du roi. Nommée « reine-mère » par la Ligue, la princesse fut l’une des figures principales de la capitale alors assiégée par les troupes d’Henri IV. Pendant cette période, elle occupait le palais de l'ancienne reine-mère Catherine de Médicis, siège du pouvoir et des soirées mondaines sous Henri III. Elle y résidait et y avait fait faire quelques travaux.  Dans la rivalité qui opposa ses deux fils Charles de Mayenne et Charles-Emmanuel de Savoie-Nemours, elle prit parti pour ce dernier et chercha à le faire libérer quand il fut emprisonné à Lyon par les autorités de la ville en 1593. Après la conversion au catholicisme d'Henri IV, elle le reconnut comme roi et tenta de convaincre ses fils rebelles d’en faire autant.  À sa mort, le, la valeur de ses biens mobiliers atteignait un peu plus de 4000 livres. Ses entrailles furent enterrées à Paris et son cœur dans le caveau des Guise à Joinville. Son corps fut transporté à Annecy, où il fut enterré à côté de celui de son second mari. Aucune de ces sépultures n’a été conservée.

Importance.

À bien des égards, Anne d’Este représente le type même de la femme de la haute aristocratie de la seconde moitié du. Comme la plupart des princesses de son temps, elle gère un important patrimoine, arrange les mariages et les carrières de ses enfants, intercède à la cour pour ses protégés, et entretient une correspondance assidue avec la noblesse européenne. Le pouvoir d’Anne d’Este reposait sur l’efficacité de ses réseaux, et surtout ses relations avec sa mère et sa belle-mère, mais aussi avec les reines successives, la reine-mère et les grandes princesses du royaume.  Sa situation dans la tourmente des guerres de religion ne diffère pas non plus beaucoup de celles de beaucoup d’autres princesses. Sa mère était calviniste, et son père, ses maris et ses fils furent tous des catholiques plus ou moins radicaux. Pour la princesse, comme pour beaucoup de ses contemporains, les liens familiaux et les réseaux de relations étaient au moins aussi importants que les convictions religieuses.  Anne d’Este bénéficiait également d’un statut spécial à la cour de France, en sa qualité de petite-fille de Louis XII. Ce sont ses procès qui le font apparaître. La noblesse française menait une multitude de procès, même pour des causes mineures. Mais quand Renée de France et sa fille disputèrent la moitié de la Bretagne au roi, elles le firent en tant que fille et petite-fille d’un roi de France, et Anne d’Este agit de la même façon dans ses propres actions de justice. Elle en jouait si bien que, même si elle perdait un procès, le roi et ses juges se voyaient contraints de consentir à des compromis très favorables pour elle.

Descendance.

De sa première union avec François de Guise sont issus :  De sa seconde union avec Jacques de Savoie-Nemours sont issus :

Anne d’Este, connue aussi sous le nom d"'Anna d’Este", née le à Ferrare, et morte le à Paris, est une princesse franco-italienne.


Historique.

Effectuant son premier vol en juin 1938, le premier prototype du bombardier en piqué Loire-Nieuport 401 était un monoplan à aile basse en M inversé et dérivé du LN 140, de construction entièrement métallique. Durant les essais officiels, on apporta des modifications au niveau du fuselage et l'on supprima son système de freins aérodynamiques qui fut remplacé par l'ouverture des roues en piqué. 7 exemplaires de présérie furent commandés par l'aéronavale. Puis une seconde commande fut passée portant sur 15 exemplaires. La dernière commande fit l'objet de 36 appareils acquis en 1939 par l'Aéronavale. Au cours de la même année, l'armée de l'Air acheta une quarantaine de LN.411 qui ne se différenciaient des précédents que par l'abandon du système de repliage des ailes ainsi que de quelques équipements spécifiques.  Vers 1938-1939, l’armée de l’air a pour projet de former à partir de la 19e escadre de bombardement de Bordeaux, deux escadres, représentant quatre groupes de bombardement en piqué, avec le nouvel avion LN.411. Elle crée pour cela un nouvel aérodrome au Breuil situé près de Vendôme, mais l'occupation allemande en décidera autrement.  Après les affrontements de 1940, 24 LN 401 et LN 411 furent assemblés à partir d'éléments déjà construits à Châteauroux à partir de mars 1942. Transférés à Hyères, 12 d'entre eux furent saisis par les Allemands en. Les autres, qui avaient été envoyés à Bizerte-Karouba en Tunisie, y furent détruits, en même temps que d'autres machines, lors des raids aériens alliés de 1943. La production globale des deux modèles atteignit une centaine d'exemplaires. Loire-Nieuport construisit en un seul exemplaire : le LN 402 et un LN 42. Ce dernier prit l'air à Toussus-le-Noble le mais il fut ferraillé en 1947 étant dépassé.

Caractéristiques.

Le LN 401 avait été conçu spécialement pour l'aéronavale, afin de servir sur le porte-avions "Béarn". Ainsi il disposait d'un système de repliage des ailes. Les jambes principales du train s'escamotaient dans des nacelles d'intrados. Lors de l'attaque, les freins aérodynamiques étaient assurés par "l'ouverture du train d'atterrissage en piqué". Elle se faisaient en semi-piqué sous un angle compris entre 60 et 45° de à avec ressource. La bombe qu'emportait cet avion était suspendue sous le fuselage à une fourche qui permettait le largage en évitant de heurter l'hélice.

Engagement.

4 LN.401 de présérie furent confiés à l'escadrille AC1 de l'Aéronavale pendant l'été de 1939, les appareils de série étant versés dans les escadrilles AB2 et AB4. L'armée de l'air céda ensuite ses LN.411 à la Marine, l'escadrille AB4 étant entièrement transformée sur ce type d'appareil en. Lors des missions effectuées les 19 et, ces deux unités qui engageaient 23 appareils devaient perdre 11 de leurs avions, 11 autres étant endommagés ; tous par la Flak. En effet, le, 20 appareils bombardèrent une colonne blindée d'éléments des 7 et 5 Panzer Divisions à Berlaimont : 10 avions furent abattus et les 10 autres endommagés. Le lendemain, trois appareils furent envoyés détruire le pont d'Origny-Sainte-Benoite (conjointement avec 11 Vought 156 de l'escadrille AB1 qui, plus rapides, distancèrent les LN 401 et furent interceptés par la chasse allemande avant d'atteindre l'objectif) : les LN 401 passèrent inaperçus et bombardèrent le pont au prix d'un avion abattu et d'un autre endommagé. Les survivants furent repliés sur Hyères où, avec quelques appareils reçus en complément, ils accomplirent plusieurs sorties de reconnaissance et d'escorte de convois face aux Italiens. Dans la nuit du 17 au, 13 machines bombardèrent des navires italiens dans le port d'Imperia. Les derniers avions furent rapatriés en Afrique du Nord le afin d'être retirés des premières lignes et stockés.

Le Loire-Nieuport LN 401 est un avion bombardier en piqué construit par Loire-Nieuport à partir de 1938. Surnommé le, il subit de très lourdes pertes lors de la Seconde Guerre mondiale. Ayant pour mission le bombardement, il opérait le plus souvent face à une défense anti-aérienne puissante.


Dénominations.

Étymologie.

Le nom générique, « "Leucaena" », vient du grec "leukos" qui signifie blanc, tandis que l'épithète spécifique, « "leucocephala" » a la même origine grecque, formée des racines "leukos" et "kephalê", qui désigne la tête, faisant référence aux gros glomérules blancs qui en couvrent le sommet.

Noms vernaculaires.

Faux acacia, Faux mimosa, Graines de lin, Cassie blanc, Leucaene à têtes blanches, Monval, Bois Bourro, tamarin sauvage, anciennement «hoaxin» au Mexique puis «guaje» en espagnol.

Synonymes.

Selon :

Description.

Dimensions.

Son port arbustif peut aller jusqu'à 10 m de haut, son écorce est gris brun légèrement verruqueuse.

Feuilles.

Ses longues feuilles alternes et bipennées mesurent 15 à 25 cm. Elles sont composées de 3 à 7 paires de pennes opposées paripennées de 4 à 8 cm de long ayant 10 à 20 paires de foliolules linéaires-oblongues à sommet aigu et à base dissymétrique.

Fleurs.

Il fleurit de la fin du printemps à l'automne (juin à septembre) et donne des glomérules axillaires blanc crème ou blanc verdâtre de 2 à 3 cm de diamètre, portés par un pédoncule de 2 à 5 cm de long. Ces inflorescences ont une forme de pompon.

Fruits.

Ses fruits sont de longues gousses plates de 8 à 20 cm de long pour 2 cm de large et pendantes. Elles sont vert translucide virant au brun à maturité. Elles contiennent 8 à 18 graines elliptiques de 8 mm de long et 4 mm de large, de couleur marron orange.

Culture.

Cette espèce supporte tout type de sol, apprécie le soleil et est parfaitement adapté à la sécheresse.

Utilisation.

Cette plante mellifère est utilisée à des fins diverses : jeunes pousses utilisées crues ou cuites comme légume, bois de chauffage ou de clôture, alimentation du bétail (la mimosine n'étant pas toxique pour les animaux ruminants) et surtout production de biomasse car son rendement de feuillage correspond à une masse sèche de à kg / ha / an, et 30-40 m3 / ha / an de bois, avec jusqu'à deux fois ces chiffres sous de bons climats.  Il est également particulièrement efficace dans la fixation de l'azote, avec plus de 500 kg / ha / an. Il est ainsi utile comme engrais vert mais aussi pour ombrager les plantations et lutter contre l'érosion.  Les graines séchées servent à faire des colliers aux Antilles et diverses parties ont des utilisations médicinales en Amérique latine.  Au cours des années 1970 et 1980, il a été considéré comme un « arbre miracle » pour ses multiples utilisations.  L'un des inconvénients de cette espèce est sa sensibilité aux infestations d'insectes. Dans les années 1980, on a constaté de grosses pertes en Asie du Sud-Est en raison d'attaque par des ravageurs de la famille des psyllides.

Caractère invasif.

Cette espèce est désignée comme une « plante envahissante ». Son potentiel de dissémination est tel que, dans certains endroits, il peut former des peuplements monospécifiques sur des surperficies importantes. Introduite comme plante fourragère au en Nouvelle-Calédonie, de nos jours elle met en péril la subsistance des forêts sèches. Elle prolifère en particulier sur la côte ouest, dans les prairies abandonnées et dans les zones en forte pente.

Leucaena leucocephala (le faux mimosa) est une espèce de plantes dicotylédones de la famille des "Fabaceae", sous-famille des "Mimosoideae", originaire du Mexique et d'Amérique centrale.


Caractéristiques techniques.

Mesurant environ de haut pour de diamètre, IBEX est de forme octogonale. Sa masse à vide est de dont pour la charge utile auquel s'ajoute pour l'hydrazine utilisé par les propulseurs. L'alimentation en électricité est assurée par des panneaux solaires disposés sur la surface d'IBEX. Ces panneaux fournissent une puissance pouvant aller jusqu'à, mais la sonde n'en consomme normalement que 66, dont 16 pour la charge utile. La communication avec la Terre est assurée par deux antennes dont le taux de transfert est de 320 kb/s vers IBEX et 2 kb/s vers les satellites du réseau de communication TDRSS.  Le satellite est fixé sur un étage de fusée à combustible solide Star-27 (masse de 355 kg) qui est chargé de placer le satellite sur son orbite haute.

Charge utile.

La charge utile du satellite comprend deux détecteurs d'atomes neutres énergétiques venant de la bordure extérieure de l'héliopause (héliogaine) et du milieu interstellaire. L'un des deux capteurs permet de détecter les atomes neutres d'hydrogène et d'oxygène dont l'énergie est comprise entre 10 eV et (IBEX-Lo) et l'autre couvre le spectre énergétique compris entre et (IBEX-Hi). Les deux détecteurs sont positionnés de part et d'autre du satellite. Ils mesurent l'énergie (14 niveaux sont distingués) et l'origine des atomes neutres d'hydrogène et d'oxygène, perpendiculaires à son axe de rotation.  L'orbite nominale d'IBEX est très éloignée de la Terre pour échapper autant que faire se peut de l'influence de la magnétosphère terrestre sur les particules que le satellite a pour objectif de détecter.

Objectif.

La mission d'IBEX est de cartographier la frontière délimitant le système solaire, où se rencontrent le vent solaire et les rayons galactiques du milieu interstellaire. Ainsi, les mesures d'IBEX vont compléter les données envoyées par les sondes spatiales Voyager 1 et Voyager 2 qui ont respectivement traversé cette frontière en 2004 et 2007. Cette frontière, l'héliosphère, est importante car si les rayons galactiques n'étaient pas arrêtés dans cette zone, ils rendraient les vols spatiaux habités bien plus dangereux pour l'Homme.  Bien qu'IBEX soit éloigné de la magnétosphère, cette dernière devrait tout de même perturber les observations obligeant ainsi les scientifiques à effectuer diverses corrections sur les données collectées. Mais ces perturbations pourraient indirectement donner des indications sur le comportement de zone de la Terre.

Historique du projet.

IBEX est une initiative du Southwest Research Institute, un institut de recherche et développement indépendant texans, et est présenté à la NASA pour faire partie de son Small Explorer program, destiné à réaliser des missions de moins de 120 millions de dollars. L'organisation américaine sélectionne IBEX en, parmi la quarantaine de projets en compétitions.  En le "Preliminary Design Review" (PDR) est terminé. Ainsi, tous les aspects liés à la conception du satellite et de sa charge utile sont fixés. À la mi-mars, la NASA confirme officiellement les choix du PDR et fixe notamment le coût de la mission et son calendrier. En septembre, le début de la phase de conception commence avec la validation du "Critical Design Review" (CDR). En la charge utile d'IBEX est prête à être intégrée avec le reste du satellite pour subir les différents tests de validations. Après avoir passé avec succès les tests, le satellite est transféré à la base de Vandenberg en. Le lancement a lieu le à 17h48 GMT par une fusée Pegasus XL, larguée par un avion Lockheed L-1011 modifié à environ de l'atoll Kwajalein dans les îles Marshall. Une fois en orbite, il faut 45 jours au satellite pour rejoindre son orbite de travail.

Résultats scientifiques.

Les premiers résultats scientifiques sont arrivés environ un mois après le début des observations, une première vue d'ensemble de la frontière du système solaire étant disponible six mois plus tard. Mais il faudra attendre deux ans, qui est la durée nominale de la mission, pour avoir toutes les données.  Le résultat le plus remarquable est la présence d'une région de l'héliosphère en forme de ruban large en moyenne de 20° et s'étalant sur environ 300° qui produit deux à trois fois plus d'atomes neutres énergétiques que dans les autres parties de l'héliosphère. Ce ruban concerne les particules ayant une énergie comprise entre 0,2 et 6 keV. Son intensité est maximale pour les atomes d'environ 1 keV.

Interstellar Boundary Explorer (en français "Explorateur de la frontière interstellaire"), plus connu sous son acronyme IBEX, est un petit satellite scientifique de la NASA chargé de cartographier l'héliopause c'est-à-dire la frontière séparant l'héliosphère (région de l'espace sous l'influence du Soleil) du milieu interstellaire. Le satellite fait partie du programme Explorer de l'agence spatiale.


Raisons de l'étude.

Estimation de l'âge "osseux".

La maturation squelettique étant estimée, on obtient un coefficient ou pourcentage de maturation. Si on ramène ce coefficient aux courbes moyennes ou médianes d'une population dont on connait l'âge réel, on peut alors avoir une idée de l'âge réel de l'individu étudié. Cette estimation est souvent appelée âge "osseux".  Ces tests sont parfois utilisés, notamment en France, pour déterminer si un jeune étranger est majeur, ce qui autorise sa reconduite à la frontière par les autorités. Cette pratique est décriée par les associations de défense des droits des étrangers, mais le Commissaire aux droits de l'homme du Conseil de l'Europe a rappelé en 2011 qu'elle l'était également par des associations de pédiatres et par des radiologues :

Estimation de la taille maximale.

Pour savoir la taille qu'aura peut-être votre enfant, il faut mettre sur le carnet de santé sa taille actuel sur son âge osseux. Imaginons qu'une personne a 15 ans, que son âge osseux est de 13 ans et qu'il mesure 1,80 m, il faut situer 1,80 m sur la courbe d'un enfant de 13 ans. Cela vous donnera sa taille estimée.

Diagnostic d'un retard de croissance.

Voir l'article : Croissance de l'enfant.

Méthodes d'analyses.

Méthode de Greulich et Pyle.

La méthode de Greulich et Pyle (1959) est une solution médicale afin de déterminer la maturation osseuse chez l'enfant à partir de 2 ans jusqu'à la fin de la croissance lors d'un examen d'imagerie médicale (radiologie). Cette méthode est basée sur la comparaison de l'ossification du poignet de la main gauche de l'enfant par rapport à un atlas de d'images de références(l'atlas de Greulich et Pyle ). Cette méthode est utilisée entre autres pour la détermination de l’âge osseux et donc de l'âge de l'enfant, utilisée notamment pour les mineurs délinquants ou demandeurs d’asile réalisé à la demande des ministères français de la Justice et de la Santé. La précision de l'estimation de l'âge osseux est assez fiable jusqu’à 15 ans, mais pas entre 16 et 18 ans.

L'analyse de la maturation squelettique ou maturation osseuse peut-être pratiquée chez l'enfant, de sa naissance à la fin de la croissance, le plus souvent par un examen radiologique. Il existe différentes motivations et méthodes pour l'évaluer.


Biographie.

Né dans le shtetel de Bialikamin (Biliy Kamin ou Biały Kamień) en royaume de Galicie et de Lodomérie, en Autriche-Hongrie) au sein d'une famille hassidique de renom, il se met à publier des poèmes très jeune. Il effectue son service militaire dans l'armée austro-hongroise de 1915 à 1917 avant de déserter et retourner à Lviv. Témoin des pogroms en novembre 1918, perpétrés par l'armée polonaise, Greenberg en est profondément marqué.  Il vit à Berlin et Varsovie où il poursuit son activité poétique tant en hébreu qu'en yiddish. En 1922-1923, il dirige la revue "Albatros".  Il immigre en Palestine en 1924 et dès lors, rédige exclusivement en hébreu. Il est un temps proche du mouvement travailliste et collabore à son organe "Davar". Ses premiers poèmes exaltent les "kibboutzim".  Il est rapidement déçu par la gauche sioniste et par les officiels du "Yishouv" et adhère au mouvement révisionniste dont il devient un des membres les plus radicaux. Il représente le mouvement en Pologne, en tant que délégué à plusieurs congrès sionistes. Il critique avec virulence la passivité des officiels face à la violence qui marque la Palestine mandataire des années 1930. À ce titre, Greenberg est membre de deux organisations armées, l'Irgoun puis le Lehi. À l'indépendance de l'état d'Israël en 1948, il est élu à la "Knesset" sur la liste du parti de droite "Hérout".  Uri Zvi Greenberg est mort dans la ville de Ramat Gan où il a passé ses dernières années dans une demeure mise à sa disposition par la mairie.  Ile est enterré au cimetière juif du mont des Oliviers à Jérusalem.

Œuvre.

La poésie de Greenberg se distingue par un profond mysticisme et nationalisme. Son style s'apparente au genre expressionniste et s'inspire du poète Walt Whitman ainsi que de la Bible. Bien que perçue comme assez extrémiste, sa poésie lui vaut de recevoir le prix Israël en 1957.

Liens externes.

Uri Zvi Greenberg (en hébreu אורי צבי גרינברג) né à Bialikamin, royaume de Galicie et de Lodomérie en 1896 et mort en 1981 à Ramat Gan en Israël), est un poète hébreu (et au début aussi en yiddish), journaliste et homme politique israélien. Établi en Palestine mandataire en 1923, il a vécu dans les années 1930 en Pologne, jusqu'à sa seconde émigration en Palestine en 1939.


Vie privée.

Chétrit est né à Ksar Es Souk, l'actuelle Errachidia, au Maroc et sa famille a immigré en Israël. Il a suivi un programme de master en politique publique et est diplômé de l'université Bar-Ilan. Il est marié et père de deux enfants.

Carrière politique.

Il entame sa carrière politique en 1974 à son élection en tant que maire de Yavné, poste qu'il occupe jusqu'en 1987. Il est élu à la Knesset en 1981 et est parlementaire jusqu'en 1988 puis depuis 1992. En 1988, il est élu trésorier de Agence juive pour Israël et reste à ce poste jusqu'en 1992.  En 1996, il est élu à la tête de la coalition politique construite autour du Likoud. En 1998, il devient Ministre des finances du gouvernement de Benjamin Netanyahou. Depuis 2001, il est ministre de la Justice puis des Transports dans les deux gouvernements successifs de Ariel Sharon.  À la formation de Kadima, Chétrit quitte le Likoud en 2005 et rejoint le nouveau parti. Il devient ministre du Logement et de la Construction du gouvernement Olmert après les élections législatives de mars 2006.  En juillet 2006, pendant le déroulement de l'opération Pluie d'été dans la Bande de Gaza, Meir Chetrit déclare qu'il s'opposerait « "à un éventuel plan de repli en Judée et Samarie" », créant la première dissension enregistrée au sein du nouveau gouvernement.  Le, il est nommé ministre de la Justice par intérim en remplacement de Haïm Ramon qui a démissionné le 20 août après son inculpation dans une affaire de harcèlement sexuel.  En, il annonce qu'il quitte Kadima pour rejoindre Hatnuah, le nouveau parti de Tzipi Livni.  Le, Méir Chetrit a annoncé sa candidature pour les prochaines élections présidentielles en Israël.

Méir Chétrit (en ), né le, est un homme politique et parlementaire israélien. Membre du parti Kadima de 2005 à 2012, puis d'Hatnuah à partir de 2012, il est ministre au sein de nombreux gouvernements. Candidat à l'élection présidentielle de 2014, il est qualifié pour le second tour qu'il perd face à Reuven Rivlin.


Biographie.

Johann Bockhorst (Jan Boeckhorst) naît en 1604 dans une famille de notables de Münster qui jouissait d’une certaine considération : son père, Heinrich, juriste, fut membre du conseil et bourgmestre de la ville de 1619 à 1627, et avant lui, son grand-père, Albert, également juriste, avait déjà été bourgmestre de 1568 à 1572. Johann est le second des douze enfants que Heinrich Bockhorst aura avec Catharina Helskamp, la fille d’un juge de Rees. Plus tard, l'aîné, baptisé Albert comme son grand-père, gagnera la faveur du prince-évêque Bernhard von Galen et sera président du chapitre et de la collégiale de la "St.-Mauritz-Kirche" (église Saint-Maurice) de Münster, et un autre fils, prénommé Heinrich comme son père, suivra les pas de ce dernier et deviendra juriste à son tour. Ainsi, au départ, rien dans son environnement familial ne semble prédisposer Johann Bockhorst à devenir peintre. Ses débuts non plus ne laisse rien présager de la voie qu'il choisira finalement : il fréquente jusqu’en 1620 le "Gymnasium Paulinum" de Münster et, en 1621, il devient à l'âge de 17 ans chanoine de l’église collégiale "St. Clemens" à Wissel (Kalkar) – il ne sera cependant jamais ordonné prêtre.  C'est vers 1626 que commence sa carrière artistique. Il se rend à Anvers, où il entre vraisemblablement dans l’atelier de Jacob Jordaens et dans celui d’Antoine Van Dyck. Il y reçoit une formation de peintre de sujets historiques.  En 1633, ou en 1634, il est maître de la guilde de Saint-Luc d’Anvers. Boeckhorst a travaillé indépendamment et en collaboration avec d'autres artistes. Au début de sa carrière, il ajouta des personnages, des fleurs et des animaux aux peintures d'autres artistes.  Il collabore étroitement avec Pierre Paul Rubens et avec le peintre animalier Frans Snyders. En 1635, il participe à la décoration du pavillon de chasse de Rubens "Torre de la Parada" à Madrid et à celle de l’arc de triomphe "Pompa Introitus Ferdinandi" réalisé à l’occasion de l’entrée du cardinal-infant Ferdinand à Anvers.  Après un premier voyage en Italie en 1637-1638, il arrive en 1639 à Rome, où il se joint aux Bentvueghels, un groupe d’artistes originaires principalement des Pays-Bas du Nord et du Sud. Ceux-ci lui donnent le surnom de « Faustus » (« Faust »). À cause d’une taille inhabituellement grande pour l’époque, il est également surnommé « "Lange Jan" » (« Jan le Long »).

Après la mort de Rubens en 1640.

En 1640, Hélène Fourment, la veuve de Rubens, le charge d’achever les œuvres que son mari n’avait pas eu le temps de terminer.  La trace de Boeckhorst se perd ensuite jusqu’en 1649. À cette date, il a déjà réussi à se faire un nom, étant donné que le marchand d’art Michael Le Blon le conseille alors comme peintre de cour à la reine Christine de Suède ; Le Blon argumente sa suggestion notamment en affirmant que Boeckhorst est le peintre le plus demandé de la ville d’Anvers.  Entre 1650 et 1660, Boeckhorst, au service de la Contre-Réforme, produit un grand nombre d’œuvres pour des couvents et des églises des Pays-Bas espagnols ; des peintures qui sont aujourd’hui conservées à Bruges, Gand et Lo...  Il séjourne aussi fréquemment dans sa ville natale, Münster, et il y travaille également. Ainsi réalise-t-il aux environs de 1654 le retable "La Messe de saint Martin" pour la "Martinikirche" (l’église Saint-Martin) de Münster, œuvre qui se trouve depuis 1998 au. "Le Christ en croix", retable du maître-autel de l’église-collégiale "St.-Mauritz-Kirche" (Saint-Maurice), dans la même ville, sera pendant longtemps attribué à Van Dyck, avant que Boeckhorst n’en soit finalement reconnu pour auteur.  Boekhorst exécute également des peintures à thème historique ; ses œuvres ont été demandées sur le marché de l’art et ont fait leur entrée dans les galeries d’Europe. Il réalise en outre des tapisseries et des livres pour l’imprimerie fondée à Anvers par Christophe Plantin. Au fil du temps, ses affaires deviennent prospères, ce qui lui permet de rassembler une collection d’œuvres d’autres artistes et d'occuper, à Anvers, une maison imposante située près du couvent des carmélites, non loin de la "Rubenshuis", la maison de Rubens.  Jan Boeckhorst est mort le et est enterré trois jours plus tard dans la "Sint Jacobuskerk" (l’église Saint-Jacques) à Anvers. Ses œuvres et ses biens, y compris sa collection d’art, sont alors vendus aux enchères.

Œuvre.

L’histoire de l’art a dégagé les caractéristiques particulières de la technique picturale de Boekhorst. Vers 1630, il réalisa la gouache "Saint Sébastien attaché pour le martyre", d’après une esquisse que Van Dyck avait effectuée à l’huile en 1620/21. Elle se distingue de son modèle par la ligne dominante du dessin, des visages ovales, et les yeux et les bouches figurés par des points. Ces caractéristiques sont également celles d’une œuvre plus tardive de Boeckhorst, "Le Déclenchement de la guerre", une huile sur panneau réalisée aux environs de 1640, et qui était encore présentée lors d’une exposition de 1963 à Recklinghausen comme une œuvre de Rubens. Ici aussi, on retrouve la technique picturale typique de Boekhorst : les traits de contour qui se détachent, ainsi que l’indication des bouches et des yeux au moyen de points. La tête de Judith dans "Judith et Holopherne", huile sur toile réalisée vers 1660, est représentée pleine et ovale comme dans les œuvres des premières années. La technique de Bockhorst se distingue de celle de Rubens, en cela qu’il déposait sur le fond une couche de peinture, souvent dans les tons de gris à terre d’ombre, avec plus d’intensité que ce dernier.  La représentation peu naturelle des vêtements et des chevelures sont, parmi d’autres, des caractéristiques que l’on trouve dans les tableaux qui nous sont jusqu’à présent connus des "Septem artes liberales – les Sept Arts libéraux". Cela vaut également pour les drapés, par exemple dans "Offrande à l’Apollon de Delphes", une huile sur toile datant d’environ 1650. La "Jeune Femme en habit de soie", huile sur toile réalisée vers 1650, montre des doigts démesurés et, comme dans le dessin au crayon "La Résurrection du Christ" (vers 1660), pointus. Liste non exhaustive d'œuvres attribuées à Jan Boeckhorst.

A Anvers à partir de 1626.

Parmi ses œuvres conservées figurent notamment des cartons pour une série de tapisseries murales à thème mythologique.

Réception.

L’œuvre de Boeckhorst tomba largement dans l’oubli à l’époque du classicisme à la fin du et au siècles. Depuis la fin du, les œuvres du baroque suscitèrent un regain d'intérêt. Et l’attention que l’histoire de l’art consacra à la production de Boekhorst et à sa signification augmenta dans la seconde moitié du. Depuis lors, il est apparu que certaines œuvres attribuées à Rubens et Van Dyck étaient en fait dues à Boeckhorst. À l’inverse, on a pu aussi démontrer que des peintures attribuées à ce dernier avaient pu être réalisées par d’autres artistes. Ainsi est-il possible que la peinture "Paysans sur le chemin du marché", qui se trouve à la "Rubenshuis" (la maison de Rubens) à Anvers, soit due à Frans Snyders, un élève de Pieter Bruegel le Jeune, qui collabora également avec Rubens. Une œuvre de l’élève de Rubens Jan van den Hoecke est un exemple d'œuvre erronément attribuée à Boeckhorst.  Dans la ville natale de Boeckhorst, Münster, on ne trouvait plus guère de ses œuvres. La ville combla cette lacune à la fin du en effectuant des achats et en rassemblant une collection que l’on peut voir à présent au "Stadtmuseum". Une exposition des œuvres de Boeckhorst se tint en 1990 à la Rubenshuis (Maison de Rubens) à Anvers et au Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte à Münster. En 1998, le "Stadtmuseum Münster" présenta sa collection étoffée par des prêts.

Jan Boeckhorst, ou Jan ou Johann Bockhorst (Münster, 1604 – Anvers, ) est un peintre baroque. Il fut un collaborateur de Pierre Paul Rubens. Boeckhorst prenait rarement la peine de signer ou de dater ses œuvres, de sorte que beaucoup parmi celles-ci furent attribuées à Rubens ou à Antoine van Dyck, dont il était l’ami. Entretemps, l’histoire de l’art lui a reconnu la paternité de bon nombre d’œuvres, par comparaison de styles ou en se basant sur des pièces d’archives. Avec ses représentations de saints, il se mit au service de la Contre-Réforme. Bien qu’il soit né en Allemagne, on compte Boeckhorst parmi les peintres de l'École flamande.


Contexte.

Pour les catholiques, Pâques est la fête qui commémore la résurrection du Christ, le troisième jour après sa passion, laquelle est située le quatorzième jour du mois de Nissan du calendrier hébraïque, c'est-à-dire le jour de la pleine lune qui suit l'équinoxe vernal dans l'hémisphère boréal.  En 325, le premier concile de Nicée avait fixé au douzième jour des calendes d'avril, c'est-à-dire au, la date de l'équinoxe vernal. Depuis 325, l'équinoxe vernal s'était écarté du 21 mars d'environ dix jours.  La réforme du calendrier avait été discutée durant le concile de Trente qui avait cependant délégué au pape la tâche d'y trouver une solution.

Contenu.

Grégoire XIII supprime dix jours du mois d' de sorte que le lendemain du quatrième jour suivant les nones d'octobre, c'est-à-dire le lendemain du jeudi, soit le jour des ides d'octobre, c'est-à-dire le vendredi.  Il maintient l'intercalation d'un jour bissexte, c'est-à-dire d'un, tous les quatre ans, les années dont le millésime est divisible par quatre. Mais il la supprime pour les années dont le millésime est divisible par 100, sauf pour celles qui sont divisibles par 400.  Il reporte les fêtes qui auraient dû être célébrées pendant les dix jours supprimés au 15 octobre : la fête des saints martyrs Denis, Rustique et Éleuthère, qui aurait dû être célébrée le 9 octobre ; celle du pape et confesseur saint Marc, qui aurait dû l'être le 7 ; et celle des saints martyrs Serge, Bacchus, Marcel et Apulée, qui aurait dû l'être le 7.

L"..."' est une bulle pontificale, rédigée par le pape Grégoire XIII et nommée d'après ses premiers mots "Parmi les très nobles tâches de notre ministère pastoral" (en latin : "Inter gravissimas pastoralis officii nostri curas"). Elle est datée du 24 février 1582.


Biographie.

Léah Goldberg indique deux lieux de naissance différents : en 1956, dans une biographie manuscrite, elle écrit qu'elle est née à Königsberg, mais en remplissant sa fiche d'inscription pour l'Association des auteurs israéliens en 1964, elle mentionne comme lieu de naissance Kaunas en Lituanie. Goldberg étudie aux universités de Kaunas (Lituanie), de Berlin et de Bonn, où elle se spécialise en philosophie et en langues sémitiques. Elle est titulaire d'un doctorat en langues sémitiques de l'Université de Bonn. Sa thèse, soutenue en 1933, portait sur le dialecte samaritain. Après ses études, elle retourne en Lituanie où elle enseigne la littérature au Gymnasium (lycée) hébraïque de Raseiniai. Elle est membre du groupe d'écrivains "Patah".  Elle émigre en Palestine mandataire en 1935 où elle adhère au groupe "Yahdav" des poètes Abraham Shlonsky et Nathan Alterman. La même année, elle publie son premier recueil de poésies intitulé "Anneaux de fumée".  L'année suivante, sa mère émigre à son tour et toutes les deux s'installent à Tel Aviv, au numéro 15 de la rue Arnon. Léah Goldberg travaille comme conseillère littéraire pour Habima, le théâtre national, et comme éditrice pour la maison d'édition "Sifriat HaPoalim" (« Bibliothèque des travailleurs »). En 1940, elle publie son deuxième recueil, "Le spic à l'œil vert".  En 1954, elle est nommée chargée de cours en littérature à l'Université hébraïque de Jérusalem. À partir de 1963, elle dirige le département de littérature comparée.  Au cours de l'hiver 1970, elle meurt d'un cancer à l'âge de 59 ans. Elle est enterrée à Jérusalem dans le cimetière Har Hamenouhot.  Leah Goldberg, qui parlait sept langues, a traduit de nombreux ouvrages en hébreu, principalement du russe et de l'italien.

Style littéraire.

Goldberg a un style littéraire moderniste qui superficiellement peut sembler facile. Elle écrit dans un de ses poèmes au sujet de son style : « lucides et transparentes / sont mes images ». Bien qu'elle choisisse parfois d'écrire des poèmes non rimés, plus particulièrement dans sa dernière période, elle attache toujours une grande importance au rythme; de plus, dans ses premiers poèmes, par exemple dans la série de poèmes d'amour intitulée « Les sonnets de Thérèse de Meun », un document imaginaire sur le désir d'amour d'une noble française mariée pour un jeune précepteur, elle adopte des combinaisons de rimes complexes. Elle utilise parfois le style très élaboré du sonnet à treize vers.  Dans sa poésie, elle aborde les thèmes de la solitude et de la rupture de relations, avec des intonations tragiques que certains attribuent à sa propre solitude. Son travail est profondément ancré dans la culture occidentale, par exemple son « Odyssée », et dans la culture juive. Certains de ses poèmes les plus connus ont pour sujet la nature et la nostalgie des paysages de son pays natal. Lorsqu'elle écrit le poème « Parmi les poèmes de la terre que j'ai aimée », la patrie dont elle parle n'est pas Israël comme on pourrait le croire, mais l'Europe Orientale.  Ma patrie, une terre belle et indigente,
 La Reine n'a pas de toit, le Roi n'a pas de couronne,
 Et il y a sept jours de printemps par an,
 Et l'orage et la pluie tout le reste du temps.

Littérature pour enfant.

Les livres pour enfants de Leah Goldberg, comme par exemple "Dira Lehaskir" (« Appartement à louer ») sont devenus des classiques de la littérature jeunesse hébraïque.

Récompenses.

Leah Goldberg a reçu le « Prix Ruppin » (1949) et le « Prix Israël de littérature » (1970) (décédée en, elle ne put recevoir le Prix Israël elle-même, et le prix fut remis à sa mère, Tzila, qui lui survivra 13 ans).

Liste partielle de ses œuvres (en hébreu).

Chansons.

Plusieurs poèmes de Léah Goldberg ont été mis en musique et chantés par de nombreux chanteurs israéliens tels que Chava Alberstein, Yehudit Ravitz, Nurit Galron, Achinoam Nini, Arik Einstein et Yossi Banai.

Leah Goldberg (), née le à Königsberg, à l'époque en Prusse-Orientale (Allemagne), décédée le à Jérusalem, est une femme de lettres prolifique écrivant en hébreu ; poétesse, auteure de livres en prose pour les enfants comme pour les adultes, dramaturge, traductrice et spécialiste de littérature, elle est un classique de la littérature israélienne. Elle est issue d'une famille juive originaire de Lituanie.


L’œuvre.

Au, et, auteurs de comédies, firent de fréquents séjours à Sankt Wolfgang im Salzkammergut, petit village de Haute-Autriche.Descendus comme de coutume, à l'hôtel « Im Weiβen Röβl », un jour de 1889, ils eurent l'idée d'écrire une comédie ayant pour cadre ce lieu enchanteur et romantique. Après un succès certain, la comédie "Im Weiβen Röβl" vieillit et tomba dans l'oubli.  À la fin des années 1920, Erik Charell, futur metteur en scène, régisseur et réalisateur du film "Le Congrès s'amuse", redécouvrit la pièce et jugea bon d'en tirer un livret d'opérette en collaboration avec Hans Müller, Robert Gilbert pour les lyrics. La musique est confiée à Ralph Benatzky. Voyant la date fixée pour la première arriver à grands pas, Erik Charell pressait sans cesse le compositeur qui dut finalement faire appel à d'autres musiciens pour compléter la partition. Robert Stolz apporta sa contribution avec trois airs : « Tout bleu, tout bleu », « Mon chant d'amour est une valse » et « Adieu! Adieu! ». Robert Gilbert écrit « On a l’béguin» et Anton Profès « Je vous emmenai sur mon joli bateau ». On note aussi la participation de Bruno Granichstaedten et Hans Frankowsky.  "Im Weissen Rößl" est créé, dans sa version originale en trois actes, le au Großes Schauspielhaus de Berlin, une salle pouvant accueillir spectateurs. C'est Charell lui-même qui assura la mise en scène. Cette première représentation donnée est un triomphe pour les auteurs et pour la célèbre divette viennoise Marianne Kupfer. Deux cents villes européennes auront bientôt le privilège d'applaudir "L'Auberge du Cheval Blanc". Elle demeure toujours une des opérettes les plus appréciées du répertoire.  Lors d'un voyage à Londres, en 1932, les frères Isola, directeurs du théâtre Mogador, à Paris, assistent à une représentation de cette opérette qui les emballe aussitôt. Ils en acquirent les droits et confièrent l’adaptation en français à Lucien Bernard et René Dorin. L’ouvrage est monté le à Mogador. Ce spectacle éblouissant attira immédiatement la grande foule, admirative devant la mise scène inventive d'Erik Charell : nombreux décors luxueux et évocateurs (du peintre Bertin), des costumes chatoyants (dessinés par Stern), l'apparition d'un bateau à aubes et du train à vapeur sur une scène tournante permettant des changements à vue rapides, de nombreux ballets et une distribution de grande classe. Elle réunit Gabrielle Ristori (Josépha) et Georges Milton (Léopold), Fernand Charpin (Bistagne), André Goavec (Florès), Rose Carday (Sylvabelle),Monette Dinay (Clara), Robert Allard (Célestin), Hélène Regelly (Kathy) et Jean Paqui (Piccolo).Ce spectacle connut une première série de 700 représentations. Il revint sur la scène de Mogador en 1935, pour une série écourtée par la faillite des frères Isola.  "L'Auberge du Cheval Blanc" s'installe au théâtre du Châtelet où elle est accueillie encore plus fastueusement. Pour cette nouvelle production dans un cadre plus large, Maurice Lehmann présente une version rajeunie pour laquelle Paul Bonneau compose un ballet classique (« Le ballet des oiseaux ») et Raymond Fost dessine des décors et des costumes nouveaux. "L'Auberge" devient l’une des opérettes mascotte du Châtelet. En vingt ans, de 1948 à 1968, elle est montée 4 fois et totalise près de 1700 représentations.  Dès le, le nouveau directeur du Châtelet, Marcel Lamy, proposa une nouvelle version dont il était l'auteur avec Jean Valmy, avec une adaptation musicale de Paul Bonneau. Il introduisait quatre airs de la partition originale mais jamais interprétée en français, dus à Bruno Granichstaedten et Hans Frankowsky : « Je ne sais pourquoi », « Toi, moi », « L'amour est un feu de joie » et « Alléluia ». Ce dernier air, dévolu à Léopold, n'est pas toujours chanté, de nos jours, par les titulaires du rôle. Une fois encore, le succès ne se démentit pas (332 représentations).  "L’Auberge du Cheval-Blanc" a encore une petite histoire parisienne pour des reprises honnêtes peut-être, mais qui ne bénéficiaient pas des moyens mis en œuvre précédemment : Mogador 1981 avec Arta Verlen et Francis Joffo ; Eldorado 1987 avec Françoise Peyrol ou Sophie Norton et Jean Bonato. "L’Auberge du Cheval-Blanc" a fait son retour à Mogador en 1999 dans une version revue et corrigée, « rajeunie » et raccourcie, dans une mise en scène contestable de Jacques Duparc. Le texte fait l'objet de nombreuses coupures, mais surtout, un certain nombre des scènes qui font le succès de l'opérette disparaissent : l'arrivée du bateau, du train, le grand défilé et le ballet des oiseaux...  L’Auberge du Cheval-Blanc fait l'objet de nombreuses reprises, essentiellement en France, en Belgique, en Allemagne et en Autriche. En 1985 et 2008, le célèbre festival de Mörbisch am See (Autriche) a présenté "Im Weiβen Röβl" dans des mises en scène spectaculaires et somptueuses sur le lac de Neusiedl. Il existe également des adaptations plus ou moins réussies et originales : au cirque à Toulouse en 2003, au cabaret à Berlin en 2013 ou encore dans un décor unique de François Schuiten à Liège en 2012 (Reprise en 2015).  Il existe 7 versions cinématographiques de "L'Auberge du Cheval Blanc". La plus célèbre est celle de 1960, réalisée par Werner Jacobs avec Peter Alexander. La plus récente, résolument « modernisée » est celle de Christian Theede, sortie en Allemagne en 2013.  Pour réussir un tel succès, Benatzki et ses collègues ont su opérer la synthèse entre l'opérette viennoise, le folklore tyrolien et le cabaret berlinois. La spontanéité mélodique, le rythme simple et sensuel charpentent une musique populaire sans fadeur ni vulgarité.

Argument.

Léopold, maître d'hôtel à l'auberge du Cheval blanc, est éperdument amoureux de sa patronne, Josefa. Mais celle-ci le rabroue constamment, n'ayant d'yeux que pour un de ses fidèles clients, l'avocat Guy Florès. Quand arrive à l'auberge le Marseillais Napoléon Bistagne, accompagné de sa fille Sylvabelle, Léopold le prend immédiatement en sympathie, car Bistagne est en procès pour une sombre affaire de brevet plagié, et l'avocat de son adversaire est justement maître Florès.  Léopold offre aux Bistagne père et fille la chambre réservée par maître Florès, au grand dam de sa patronne, puis favorise une idylle naissante entre Florès et Sylvabelle. Excédée des empiètements de son maître d'hôtel dans sa vie privée, Josefa congédie Léopold. Mais voici que l'empereur annonce sa visite à l'auberge. Josefa, paniquée, rappelle Léopold, qui, malgré quelques gaffes, prend en charge le séjour de l'empereur.  Lors d'un entretien avec Josefa, le monarque explique à l'hôtelière que dans la vie, on ne peut pas toujours obtenir ce qu'on désire, et qu'elle devrait oublier Florès pour répondre à l'amour de Léopold. Tout se terminera par un triple mariage : Josefa et Léopold, Florès et Sylvabelle, Célestin et Clara.

"L'Auberge du Cheval-Blanc (Im weißen Rößl)" est une opérette allemande en trois actes de Ralph Benatzky, livret d'Erik Charell, Hans Müller et Robert Gilbert, airs additionnels de Robert Stolz, Robert Gilbert, Anton Profès, Bruno Granichstaedten et Hans Frankowsky, créée le au Großes Schauspielhaus de Berlin.