Architecture.

Son style est hétéroclite avec une façade romane, des coupoles byzantino-vénitienne, une tour conique, des clochers et intérieur gothiques.  Son plan basilical est à croix latine, à trois nefs et un court transept. Elle comprend six chapelles et plusieurs cloîtres, celui du chapitre dit « du Magnolia », celui du noviciat, celui du « bienheureux Luca » dit aussi « du général », gothique de 1435, qui permet d'accéder au musée d'art sacré et de la dévotion antonienne et à la bibliothèque antonienne. Dans l'escalier qui mène à la bibliothèque "Le Baptême de sainte Justine" est un retable peint en 1738 pour la Basilique par Giacomo Ceruti.  Un déambulatoire entoure le chœur.  La basilique mesure de long et de large. À l'intérieur, la hauteur maximale est de. Le bâtiment est couronné de 8 coupoles, 2 clochers (), et 2 clochers-minarets.  La façade mesure de large et de haut. Elle se compose de 5 arcs surmontés d'une loggia et d'une balustrade. Les portes en bronze sont de Camillo Boito et datent de 1895. Dans la lunette de la porte centrale est reproduite une fresque de Mantegna. La statue de saint Antoine au-dessus du portail est également une copie, celle de l'ouvrage de Rinaldino di Puydarrieux. Sur le parvis, on retrouve une statue équestre du condottière Erasmo da Narni, dit Le Gattamelata, coulée en bronze par Donatello en 1453. Il s'agit de la première statue équestre coulée en Italie depuis l'époque romaine.  Trois rosaces éclairent l'intérieur, une sur la façade et les deux autres de part et d'autre du maître-autel.

Histoire.

Le corps de saint Antoine fut déposé en 1231 dans la petite église "Santa Maria Mater Domini" (« Sainte Marie Mère de Dieu »), incorporée ensuite à la basilique en chapelle de la Vierge Noire.  La construction de la basilique décidée, un an après la mort de saint Antoine de Padoue, commença en 1238 et se continua jusqu'en 1310.  D'abord église franciscaine à une seule nef et une petite abside, s'y ajoutèrent les deux nefs latérales entre 1256 et 1310.  L'aspect de la basilique continua d'être modifié jusqu'au, surtout après l'incendie puis l'écroulement d'un clocher. Les travaux du incluent le ré-haussement du déambulatoire, la réorganisation du chœur avec l'installation d'un jubé. Pietro Lombardo, fils de Martino da Canova, sculpteur et architecte, travailla beaucoup dans la basilique jusqu'à l'âge de 29 ans, en 1464, où il sculpta notamment le "monumento di Antonio Roselli" et la "lapide sepolcrale di Jacopo Pavini" (« pierre tombale de Jacopo Pavini »).

Intérieur.

Le maître-autel et le chœur.

Sur et autour de l'autel datant de 1895 figure un ensemble de 30 statues, œuvre de Camillo Boito. Une Vierge à l'Enfant et les six saints patrons de la ville, saint François d'Assise, sainte Justine, saint Louis d'Anjou, saint Antoine, saint Daniel et saint Prosdocime, ainsi qu'un crucifix, sont de Donatello. Ces œuvres sont rassemblées ici après le déplacement d'un précédent autel ainsi que ses bas-reliefs de la "Vie de saint Antoine" qualifiés « de plus beaux bas-reliefs du monde » par André Suarès. Sur la balustrade, on retrouve quatre statues en bronze de Tiziano Aspetti. À gauche de l'autel, s'élève un candélabre d'Andrea Briosco datant de 1515. Les parois du chœur sont ornées de douze bas-reliefs en bronze de Bartolomeo Bellano et d'Andrea Briosco. Des décorations plus récentes sont signées par Achille Casanova à partir de 1902.

La chapelle Saint-Antoine.

Aussi appelée la chapelle du tombeau, elle daterait du. Le tombeau de saint Antoine, du sculpteur Tiziano Aspetti, (fin ) nommé l'« Arche », trône au centre et supporte les statues de saint Antoine entouré de saint Bonaventure et saint Louis d'Anjou (les fidèles tournent autour pour toucher l'arrière du caisson). La chapelle s'ouvre sur la nef latérale par une façade en arcades à quatre colonnes et pilastres latéraux surmontée de médaillons en "tondo" des bustes des quatre évangélistes.

La chapelle du Bienheureux Luca Belludi.

Aussi appelée chapelle de saint Philippe et saint Jacques le Mineur, apôtres, la chapelle est dédiée au bienheureux Luca Belludi, compagnon et successeur de saint Antoine. Les fresques de l'artiste florentin Giusto de' Menabuoi, qui datent de la seconde moitié du (1382), représentent la Vierge entourée de saints franciscains, des épisodes de la vie de Luca et des apôtres Philippe et Jacques. Le tombeau qui sert également d'autel abrite le corps de Luca.

La chapelle du Saint-Sacrement ou Chapelle des Gattamelata.

Carrée, de style gothique à quatre colonnes et voûte à nervures, elle date de 1458. Conçue pour les tombeaux des Gattamelata, elle devient en 1651 la chapelle du Saint-Sacrement. La décoration est l'œuvre de Lodovico Pogliaghi (entre 1927 et 1936), à l'exception du retable de Palma il Vecchio, "La Vierge en majesté entourée de saints."

La chapelle Saint-Jacques ou Saint-Félix.

Située symétriquement à la chapelle Saint-Antoine, dans le transept droit, elle fut élevée pour Bonifacio Lupi de la famille Lupi di Soragna, et décoré par l'architecte et sculpteur Andriolo de Santi en 1372, date à laquelle Altichiero da Zevio termina ses fresques dont sa "Crucifixion".

Les chapelles rayonnantes.

Les neuf chapelles qui entourent le déambulatoire sont dites rayonnantes en raison de leur disposition. Toutes, sauf la chapelle des Reliques, sont décorées de fresques datant du et du.

La chapelle de la Vierge Noire.

C'est la chapelle de l'ancien couvent franciscain, l'ancienne église Santa Maria Mater Domini, où saint Antoine passa la dernière période de sa vie et où il fut enterré en 1231 jusqu'en 1263. L'autel et la statue de la Vierge à l'Enfant sont de Rinaldin de Puydarrieux.

La chapelle Saint-François.

Peinte à fresque par Adolfo de Carolis en 1928 et Ubaldo Oppi en 1939 ; monument à Cassandra Mussato (+1506)

Le chœur.

Chœur décoré par Achille Casanova entre 1903 et 1939, qui comportaient des stalles gothiques de Lorenzo et Cristoforo Canozzi (1462-1469) qui furent détruites par un incendie en 1749, et remplacées au.

Les grandes orgues.

L'orgue de la Basilique a été construit par le facteur d'orgues Vegezzi-Bossi, puis modifié par Mascioni. Il est le plus grand de la ville et l'un des plus grands d'Italie, avec près des 6 600 tuyaux et 98 jeux; il est placé sur la tribune du transept sud et dans le chœur.

Intérieur de la façade.

Au-dessus de la porte centrale, une fresque de Pietro Annigoni peinte en 1985 représente "Saint Antoine prêchant du haut du noyer". Une "Vierge à l'Enfant" de Stefano da Ferrara de 1350 est peinte sur le premier pilastre à gauche.

Les cloîtres.

Cinq cloîtres sont attenants à la basilique :

La basilique Saint-Antoine de Padoue ("" en italien) est la deuxième plus grande église de la ville de Padoue en Italie et la plus visitée. Elle n'est néanmoins pas la cathédrale padouane, titre qui revient au Dôme de Padoue. La place proche accueille la statue du Gattamelata, œuvre de Donatello. Ce dernier réalisa également dans l'église le maître-autel, la barrière du chœur et un crucifix. Elle est dédiée à saint Antoine de Padoue ou Lisbonne, un frère franciscain portugais du, docteur de l'Église.


Biographie.

Fils unique d'Harold Solomon et Flora Benenson, Peter Benenson est né à Londres dans une famille juive. Son père, officier dans l'armée, est mort quand Benenson avait neuf ans. À l'âge de seize ans, avec des camarades de classe, il aide à établir des fonds pour venir en aide à des enfants orphelins victimes de la guerre d'Espagne. Il a pris le nom de Benenson comme hommage à son grand-père maternel, Grigori Benenson.  Il s'inscrit ensuite à l'université de Balliol, à Oxford, mais la Seconde Guerre mondiale interrompt ses études. De 1941 à 1945, Peter Benenson travaille au Bletchley Park, un manoir anglais qui fut le quartier général des services de renseignement britanniques durant la Seconde Guerre mondiale ; les cryptologues alliés y déchiffraient les messages allemands codés avec Enigma et la machine de Lorenz. Peter Benenson y rencontre sa première épouse, Margaret Anderson. Après sa démobilisation en 1946, Peter Benenson commence à exercer son métier d'avocat avant de rejoindre le parti travailliste. En 1957, avec un groupe d'avocats, il fonde « JUSTICE », une organisation pour la défense des droits de l'homme. En 1958, il se convertit au catholicisme. L'année suivante, il tombe malade et se retire pour convalescence en Italie.

Amnesty International.

En 1960, Peter Benenson est choqué par un article de journal qui relate l'arrestation de deux étudiants portugais condamnés à sept ans de prison pour avoir porté un toast à la liberté pendant la dictature de Salazar. Révolté, il lance dans le journal "The Observer" (dont le rédacteur était David Astor) un appel en faveur « des prisonniers oubliés » dans lequel on a utilisé pour la première fois la notion de « prisonnier d'opinion » en. L'avocat reçoit alors des milliers de lettres de soutien. L'appel, repris dans les journaux du monde entier, demandait aux lecteurs d'écrire des lettres pour protester contre l'arrestation des deux jeunes hommes. Pour coordonner cette campagne, Peter Benenson fonde l'organisation Amnesty International, en, avec l'aide, entre autres, de Seán MacBride et d'Eric Baker.  Initialement désigné comme secrétaire général d'Amnesty International, Peter Benenson retire sa candidature en 1964 en raison de sa mauvaise santé. Il s'occupe de l'association jusqu'en 1996, avant de prendre un certain recul. Il meurt en 2005 à l'hôpital de John Radcliffe, Oxford, à l'âge de 83 ans.

Peter Benenson, de son vrai nom Peter James Henry Solomon, né le à Londres et décédé le à Oxford, est un avocat anglais et le fondateur d'Amnesty International.


Biographie.

Jusqu'en 1788, il fréquente l'école de Beroun, et de cette année à 1792, il étudie à Prague chez les piaristes. Après cela, il entre à la faculté de philosophie de l'université Charles de Prague où il étudie de 1792 à 1795. Il se met ensuite au droit, jusqu'en 1799, mais ne finit pas ces études.  À partir de 1799, il enseigne au lycée de Litoměřice, où il rencontre et épouse, en 1800, Johanna Světecká de Černčice, une noble tchèque. Il enseigne gratuitement le tchèque dans ce lycée et devient ainsi le premier enseignant de la langue depuis la Contre-Réforme, sur le territoire de Bohême et de Moravie.  En 1815, il part pour Prague où il devient directeur du lycée « vieux tchèque » ("Staročeské gymnázium"). Il finit sa carrière en devenant le recteur de l'Université Charles de Prague.  Il est enterré au cimetière d'Olšanska.

Œuvre.

Il publie en 1814 "Antibohemia".  Il est membre fondateur de la première publication scientifique tchèque, Zasloužil se o založení prvního českého vědeckého časopisu "Krok", du nom d'un personnage légendaire de l'histoire du pays mais aussi mot qui signifie « pas, mouvement avant » en tchèque. Le groupe des personnalités qui se réunissent alors autour de lui s'appelle aujourd'hui « école scientifique et poétique de Jungmann » et réunit l'élite de l'époque comme František Palacký, Jan Evangelista Purkinje, František Ladislav Čelakovský, etc. Avec l'aide de ses amis, il publie son œuvre magistrale, le "Dictionnaire tchéco-allemand" en cinq volumes et entrées qui paraît entre 1834 et 1839.  Ce dictionnaire fait suite à la "Grammaire approfondie de la langue tchèque" de Josef Dobrovský, le fondateur du renouveau national tchèque.  Durant la polémique sur les manuscrits de Dvůr Kralové et Zelená Hora, qui agite le milieu intellectuel, le grand spécialiste de la langue tchèque prend le parti de l'authenticité des manuscrits médiévaux nouvellement découverts. L'histoire prouvera que ce sont des faux.  Dans ses "Entretiens sur la langue tchèque" ("Rozmlouvání o jazyce českém"), il établit le programme culturel de sa génération, il y fait l'éloge du tchèque de la haute époque et critique le statut abâtardi de la langue de son temps quand les Tchèques parlent mal, font des erreurs grammaticales et utilisent en partie la grammaire et le lexique allemands. Il expose dans cet entretien entre un défenseur et un opposant à la pureté de la langue l'idée que la définition du Tchèque n'est pas celui qui est de sang tchèque mais celui qui parle la langue.

Traductions.

Il a énormément traduit depuis l'allemand, le français et l'anglais. On lui doit, entre autres, la traduction en tchèque du "Paradis perdu" de John Milton, "Atala" de François-René de Chateaubriand, et les œuvres de Friedrich Schiller et Johann Wolfgang von Goethe.

Josef Jakub Jungmann ( – ) est un philologue, lexicographe, écrivain et traducteur tchèque, personnalité emblématique de la Renaissance nationale tchèque. Il a consacré sa vie au renouveau du tchèque, en débarrassant la langue des germanismes qui l'encombraient après plusieurs siècles de domination allemande, cherchant dans les documents historiques les équivalents éteints, faisant appel aux néologismes là où cela s'avérait nécessaire, empruntant aux langues slaves voisines des équivalents manquants.


Biographie.

Aîné de trois garçons et une fille, d'une riche famille aristocratique romaine, Elio De Angelis se révèle à 18 ans en devenant champion d'Europe par équipe de karting, après avoir été vice-champion du monde individuel la saison précédente (en 1975, au Castellet). En 1977, il remporte sa première victoire en Formule 3 dès sa troisième course sur une Chevron de l'équipe Trivellato. Il devient également champion d'Italie, devant Piercarlo Ghinzani. La saison suivante, il passe en Formule 2 au sein de la Scuderia Everest dirigée par Giancarlo Minardi mais le châssis Chevron B42 ne fait pas le poids face aux March 782 BMW. De Angelis préfère alors retourner en Formule 3 où il remporte le prestigieux Grand Prix de Monaco.  Financièrement soutenu par son père, ancien pilote dans des compétitions de bateau offshore, Elio lorgne vers la Formule 1 mais son inexpérience et des doutes sur sa capacité à obtenir sa superlicence dissuadent les écuries Brabham et Tyrrell de l'engager malgré la manne financière qu'il représente. Au cours de l'année 1978, il est convié par la Scuderia Ferrari à une séance d'essais privés sur le circuit de Fiorano ; il boucle plusieurs tours au volant de la Ferrari 312 T3, sans suite. Plus tard dans l'année, il teste la Shadow et ses performances s'avèrent suffisamment convaincantes pour décider Don Nichols de le titulariser au sein de l'écurie pour la saison 1979. Malgré une monoplace dépassée, il réalise de belles prestations en course, terminant même quatrième à Watkins Glen en fin de saison.  La prestigieuse écurie britannique Lotus, alors au creux de la vague, l'engage en 1980 après un test au Paul Ricard en compagnie de Nigel Mansell, Eddie Cheever et Jan Lammers ; il y restera six saisons. Pilote fin, au style très propre, apprécié de l'ensemble des acteurs du monde des Grands Prix pour ses manières raffinées (c'était un pianiste virtuose qui jouait ses propres compositions), Elio confirme son potentiel en prenant l'ascendant dès sa première année chez Lotus sur son coéquipier champion du monde Mario Andretti : il termine la saison au septième rang mondial, Andretti finissant vingtième. Devenu, à partir de 1982, leader malgré la présence de Mansell à ses côtés, il remporte, en Autriche, sa première victoire en Formule 1, à l'issue d'un sprint final resté fameux avec Keke Rosberg. La photo finish fut nécessaire pour départager les deux hommes : de seconde sur la ligne.  De Angelis confirme qu'il est une valeur sûre de la Formule 1 en 1984, grâce à sa régularité qui lui permet de terminer troisième du championnat, derrière les imbattables McLaren-TAG Porsche. En 1985, alors qu'il remporte sa deuxième victoire en Formule 1, à Imola sur tapis vert, à la suite de la disqualification d'Alain Prost, il pointe un temps en tête du championnat du monde. La suite de la saison est plus délicate puisqu'il est dominé par son nouveau coéquipier Ayrton Senna, lequel concentre progressivement autour de lui toutes les attentions de Peter Warr et Gérard Ducarouge.

Drame du Paul-Ricard.

Vivant mal sa rivalité interne avec Senna et la dégradation de ses conditions de travail chez Lotus, Elio rejoint l'écurie Brabham-BMW en 1986, avec de grandes ambitions. La révolutionnaire Brabham BT55 à l'aérodynamique si particulière conçue par l'ingénieur Gordon Murray s'avère extrêmement délicate à piloter et ne lui permet pas de se mettre en évidence. Le, l'écurie procède à une séance d'essais privés dans le sud de la France, sur le circuit Paul-Ricard, au Castellet. La séance tourne au drame lorsque De Angelis est victime d'une sortie de piste dans la rapide portion des Esses de la Verrerie, après une rupture de l'aileron arrière de la monoplace. Après une série de tonneaux, la Brabham s'immobilise à l'envers au-delà des barrières de sécurité. Le pilote australien Alan Jones, premier à arriver sur l'accident, raconte que seule de la fumée noire s'échappe de la voiture mais qu'il est impossible de la remettre sur ses roues. Prisonnier de son cockpit durant de longues minutes et en l'absence de commissaires équipés pour le secourir (ceux-ci ne disposent que de petits extincteurs et ne portent pas de vêtements ignifugés), Elio est asphyxié par un début d'incendie. Il faudra attendre plus de trente minutes pour qu'un hélicoptère arrive sur les lieux, De Angelis est héliporté inconscient à l'hôpital de la Timone à Marseille et décèdera le lendemain.

Hommages.

Ayrton Senna lui rend hommage le lendemain en déclarant :  Jean Alesi lui rendra également hommage en reprenant ses couleurs (bande rouge et bande noire sur fond blanc) pour orner son casque pendant ses douze années passées en F1.  De Angelis est inhumé à Rome, sa ville natale, au cimetière Campo Verano.

Elio De Angelis est un pilote automobile italien né le à Rome en Italie et mort l’après-midi du jeudi, à l'hôpital de la Timone à Marseille des suites d'un accident survenu la veille lors d'essais privés sur le circuit Paul-Ricard.


Description.

C'est un palmipède au corps arrondi ; la plupart des spécimens arborent un plumage presque entièrement noir. Il mesure entre de long.  La foulque - souvent confondue avec la poule d'eau, un peu plus petite à l'âge adulte - s'en distingue par ses pattes verdâtres aux longs doigts partiellement palmés, un bec blanc surmonté d'une plaque frontale (ou "écusson") également blanche, des yeux ronds et rouges et des rémiges secondaires bordées de blanc.  Elle plonge souvent et habilement pour chercher sa nourriture, et nage lentement, avec un hochement caractéristique de la tête. Elle défend son territoire et en chasse les intrus.  Chant : plutôt de nuit ou lors de ses vols au printemps ; son répertoire inclut une sorte de bref éternuement.  Alimentation : le régime est omnivore, à forte tendance végétarienne. Elle va chercher sa nourriture jusqu'à 2, voire de profondeur.

Habitat et répartition.

Cet oiseau vit et niche dans les berges de cours d'eau et dans presque tous les types de zones humides (hors tourbières acides). On le trouve occasionnellement sur des eaux saumâtres ou salées (baies de faible profondeur). Il est présent à travers le paléarctique, en Asie du Sud et en Océanie.  Ses deux plus importants sites d'hivernage en France demeurent la Camargue et le lac du Bourget (un peu plus y sont recensées chaque année).

Reproduction.

Comme la poule d'eau, la foulque construit généralement un nid de branchages et matières végétales, posé sur une souche ou des végétaux à la surface de l'eau, souvent à faible profondeur et bien visible. Le nid peut être renforcé et surélevé si l'eau ne monte pas trop rapidement.  La femelle pond de blanc cassé brillant légèrement mouchetés (plus volumineux et plus clairs que ceux de la poule d'eau). L'incubation dure un peu plus de et les poussins sortent souvent de l'œuf sur plusieurs jours, fin avril pour les premières portées (d'autres pouvant suivre en cas de perte des petits) jusqu'en fin juillet. Les jeunes quittent le nid après quelques jours, encadrés en sous-groupes par les deux parents. La femelle niche avec une moitié de la portée alors que le mâle construit une nouvelle plate-forme pour les poussins qu'il élève. Les jeunes mangent de manière autonome après. Il leur faut encore avant de pouvoir voler. Les jeunes ont une tête et un bec rouge à la naissance.

Pathologies.

Une étude sérologique récente (2018) aux Pays-Bas a montré que les foulques pouvaient être infectées par le virus tropical Usutu, qui remonte vers le nord, et considéré comme source d'une maladie émergente, qui a été trouvée en Europe depuis le début du chez diverses autres espèces d'oiseaux, un virus pouvant parfois toucher l'homme, probablement inoculé par des moustiques "Culex pipiens," mais rarement à ce jour, tant que ce virus ne mute pas en s'adaptant à notre organisme).

La Foulque macroule ("Fulica atra") est une espèce d'oiseaux, petits échassiers de la famille des Rallidae. Les foulques, excellentes plongeuses, représentent parmi les membres de cette famille l'espèce qui semble la plus adaptée à la vie aquatique.


Biographie.

Ce n'est qu'à dater du moment où elle devient la grande épouse royale de que l'on voit apparaître son nom enserré dans un cartouche qui accompagnait le plus souvent des peintures ou des reliefs de la reine.  Elle est souvent coiffée avec une tresse accrochée à une perruque ornée du vautour de Nekhbet supportant un mortier dans lequel viennent se ficher diverses couronnes, symboles de sa position à la cour et de ses titres.  Ces distinctions n'étaient réservées qu'aux femmes de la famille royale qui en entourant le roi assuraient le rôle de parèdre du pharaon alors considéré comme un dieu sur terre. À leur tête et en première place se trouvait la grande épouse royale. Il pouvait y avoir deux grandes épouses royales régnant communément aux côtés de leur époux, mais il y avait toujours une distinction donnant à l'une d'entre elles la préférences en tant que mère de l'héritier présomptif du trône d'Horus.  Elles l'accompagnaient dans les rites et cérémonies du royaume et occupaient une place de choix dans les représentations figurées sur les murs des temples du règne. Cette théologie avait trouvé son apogée chez les filles et épouses du grand Ramsès et s'était prolongé au cours du règne de son héritier et treizième fils Mérenptah.  En tant qu'épouse du fils et successeur de ce dernier, Taousert prenait donc la première place auprès du roi.  Le début du règne de son époux est troublé par une véritable sécession de la Haute-Égypte, reflet probable des luttes intestines dont la famille royale souffrait après le très long règne de. Emmenée par Amenmes, peut être un prétendant d'une lignée princière parallèle, les monuments de Thèbes sont inscrits au nom de ce nouveau pharaon qui est reconnu jusqu'à Éléphantine.  De son union avec pharaon, Taousert avait mis au monde un fils nommé Séthi-Mérenptah mais il ne survit pas à son père. C'est Siptah, fils d'une épouse secondaire du roi, sans doute le premier né, qui ceint alors la double couronne à l'âge de douze ans.  Taousert en tant que première dame du Double-Pays assure alors la régence.

Règne.

Taousert ne régna à vrai dire que très peu de temps. Les avis divergent quant aux dates exactes de son règne personnel, qui semble avoir duré deux ans, de -1188 à -1186. Elle aurait été renversée par un complot organisé par son successeur, Sethnakht.

Sépulture.

Taousert est également célèbre pour la superbe tombe (KV14) qu’elle fit aménager dans la vallée des Rois. Elle se fait creuser un hypogée de grande ampleur, digne de son rang, qu'elle a eu le temps de faire décorer. Les soubresauts de l'histoire peuvent se deviner au travers les nombreuses réfections que certaines scènes laissent apparaître. Successivement la reine a fait inscrire les cartouches de son époux ou de son beau-fils qu'elle modifie à son tour quand ce dernier change de titulature.  Le tombeau sera usurpé pour Sethnakht qui n'a pas eu le temps d'achever son propre tombeau et est inhumé par son fils et successeur.  Conservée après avoir été déplacée dans une cache royale (KV35), sa momie a pu être identifiée.

Taousert Setepenmout est la huitième et dernière souveraine de la. Manéthon l'appelle Thuôris (Thouôris). Son nom signifie ""La puissante"". Elle fait partie de ces quelques reines égyptiennes qui exercèrent le pouvoir royal en leur nom propre. Elle fut une des épouses du pharaon.


Historique.

La Seicento est une évolution de la Fiat Cinquecento de 1993 : les formes sont beaucoup plus douces et arrondies, mais la plate-forme est identique. C'est une voiture typiquement urbaine, idéale pour se faufiler en ville et se garer dans de petites places, mais bien moins à l'aise sur route et surtout sur autoroute. Fiat a commercialisé des versions Sporting et Sporting Abarth avec ses deux premières séries, disparues du catalogue depuis, avec des habillages spécifiques et des jantes alliage. Elle a obtenu des performances très moyennes aux crash tests Euro NCAP, par exemple, en comparaison avec la Twingo. Il s'agit ainsi, avec la Rover 100, de l'une des voitures les moins bien classées (en matière de sécurité passive) recensées par l'organisme Euro NCAP.  L'équipement de série comporte un airbag conducteur, des vitres électriques et une fermeture centralisée.  La gamme Cinquecento - Seicento a dépassé les 3 millions d'exemplaires vendus dans le monde entre son lancement et 2005.  Bien que Fiat Poland ait annoncé que la production de ce modèle serait arrêtée en pour faire place à la future Ford Ka, qui est fabriquée dans l'usine Fiat Poland de Tychy et repose, comme sa cousine Fiat 500 de 2008, sur la base mécanique de la Fiat Panda II, la Fiat "600" figure encore au catalogue de Fiat Pologne de 2010.

L'évolution de la Fiat Seicento vers la Fiat 600.

Seconde série (2000).

La première série de la Fiat Seicento a été revue en octobre 2000, pour une mise à niveau à la suite de la mise en application des nouvelles normes anti-pollution. Fiat remplace l'ancien moteur de, qui dérivait de celui utilisé sur la Fiat 127 de 1971, par les modernes moteurs FIRE. Le constructeur italien en profite pour apporter quelques retouches d'ordre esthétique à la carrosserie, notamment la face avant avec l'application du nouveau logo circulaire de la marque, la couronne de lauriers argent et l'inscription "FIAT" en couleur argent sur fond bleu.  La gamme ne dispose que d'un seul moteur à partir de l'année 2000, le moteur FIRE de 1,1 litre. Les différentes versions disponibles sont "S" et "SX".  Quelques mois plus tard, en hommage aux victoires remportées en F1 par le pilote de Ferrari Michael Schumacher, la version "Sporting" est lancée. Cette version est en fait la version "Sporting" dotée du kit Abarth qui comprend : jupes bas de caisse, spoiler, jantes de 14", pédalier et habillage du frein à main en aluminium, volant et soufflet du levier de vitesse en cuir, ainsi que quelques accessoires portant le nom du pilote allemand.  En 2001, Fiat lance deux séries spéciales : la première, baptisée "EL" apparait en et vient compléter la version de base "S" avec une riche dotation d'accessoires pour un montant à peine plus élevé, qui correspond à la série spéciale "Team" destinée au marché allemand. La seconde "Brush" dispose de pare-chocs, d'un hayon, de rétroviseurs et bandes latérales de protection de couleur différente de celle de la carrosserie. La voiture dispose également de la fermeture centralisée des portes, du toit ouvrant et d'un autoradio CD stéréo.  En 2002, les appellations changent complètement. Seuls quatre versions sont proposées : le modèle de base, qui est identique à la précédente version "S", le modèle "Comfort" dispose des pare-chocs peints de la couleur de la carrosserie, d'une direction assistée électronique, de la fermeture centralisée et des lève-vitres électriques de série. Le modèle "Clima" dispose de tous les accessoires précédents avec en plus la climatisation et la "Sporting" reçoit en plus un airbag passager. À partir de cette date, toutes les séries spéciales sont supprimées ainsi que la version électrique "Elettra".  En 2004, la gamme est encore simplifiée avec des versions bien équipées. La version "Sporting" disparait et la version de base devient "Actual" et le niveau supérieur est baptisé "Active". Tout l'aménagement intérieur ainsi que son revêtement est amélioré et traité avec des matériaux de bonne facture qui équipent la nouvelle Panda.

La Fiat Seicento H2 Fuel Cell.

Fiat lança un protoitype roulant de la Fiat seicento H2 Fuel Cell en 2001 grâce à la contribution du Ministère Italien de l'Environnement. Le coût global de ce développement est de 10 M€ (valeur 2001) dont les 2/3 ont été financés directement par Fiat Auto à travers son centre d'études CRF - Centro Ricerche Fiat.  Ce modèle est la suite logique de la Fiat Seicento Elettra, modèle électrique figurant au catalogue du constructeur italien. Il en reprend le moteur et certains composants.  Le cœur du système de pile à combustible est placé dans la zone arrière qui produit du courant électrique sous 48V, avec une puissance nominale de 7 kW. Pour que le système fonctionne efficacement, il faut augmenter la tension de 48 à 216V pour que le moteur électrique de 30 kW tracte le véhicule. La consommation moyenne en cycle urbain est de 3.3 kW et garantit une vitesse de plus de 60 km/h et une accélération de 0 à 50 km/h en à peine 8 secondes.

Restyling en 2005.

Les dernières retouches à cette voiture remontent à 2005. À cette occasion, la mécanique est revue pour respecter les nouvelles normes Euro 4. Le nom se simplifie en abandonnant "Seicento" pour une simple dénomination "600". Esthétiquement, Fiat en profite pour ajouter deux liserés chromés qui encadrent le logo sur la calandre, le logo Fiat fait son apparition sur le hayon. Fiat a profité du du lancement de la fameuse Fiat 600 en 1957 pour la présentation de cette ultime version de sa minivoiture, qui plait tant aux Polonais et aux Italiens. Une série spéciale "50th Anniversary" a été commercialisée jusqu'au printemps 2009.  La Fiat 600 est produite en deux versions : le modèle de base, quasiment réservé au marché polonais, et Active, avec un équipement plus riche qui dispose des pare-chocs, des rétroviseurs et poignées de portières couleur carrosserie, servofrein électrique, fermeture centralisée et vitres teintées électriques.

La version électrique : Elettra.

À partir de 1998, Fiat lance une version électrique de son modèle de base, la Seicento Elettra.  Cette version repose sur le modèle de base sans aucune partie mécanique exporté vers l'Usine Alfa Romeo-Arese où l'ensemble moteur, la transmission et les batteries seront intégrés dans cette petite carrosserie.  Cette version Seicento Elettra, vient remplacer les Fiat Cinquecento Elettra et la Fiat Panda Elettra. Comme pour toutes ces versions très onéreuses, le volume des ventes est réduit et se résume aux collectivités locales et administrations. Disposant d'un volume habitable semblable aux versions traditionnelles et une autonomie dépassant les, le temps de recharges des batteries est de.  La Fiat Seicento Elettra a représenté toutefois un énorme pas dans l'avancée technologique de ce type de traction. Équipée d'un moteur de nouvelle génération avec un besoin d'énergie réduit au bénéfice d'une autonomie augmentée, la disposition des batteries sans entretien sur un plancher non modifié a permis de bénéficier d'un habitacle suffisant pour.  La Fiat Seicento Elettra terminera sa carrière en fin d'année 2001 pour être remplacée par la nouvelle Panda Elettra et Fuel Cell.

2010 : fin de la production.

Fiat Auto Poland a annoncé que les dernières Fiat 600 sortiraient des chaînes de montage de l'usine polonaise de Tychy à la fin du mois de. La ligne sera remplacée par une nouvelle micro car qui fera son apparition fin 2012 ou début 2013. Au total, en, ce sont plus de de voitures Fiat Cinquecento et Seicento qui ont été fabriquées dont.

La Nuova 500.

Le successeur de cette voiture a été présenté comme la réincarnation de la Fiat 500. La nouvelle Fiat 500 a été présentée le et est actuellement commercialisée.

La Fiat Seicento est un modèle d'entrée de gamme du constructeur automobile turinois, Fiat. Présent au catalogue depuis le millésime 1998, elle occupa l'entrée de gamme jusqu'en 2004 avec la Panda I, et ensuite avec la Panda II.


Géographie.

Situation.

Le Cerro Torre est situé dans le parc national Los Glaciares, à cheval sur la frontière entre le Chili et l'Argentine. Il s'élève à cinq kilomètres au sud-ouest du Fitz Roy. Le Cerro Torre culmine à d'altitude et se trouve dans le champ de glace Sud de Patagonie à environ au nord du parc national Torres del Paine. Le Cerro Torre est un monolithe compact surplombant le glacier Torre à plus de au-dessus de la calotte glaciaire du champ de glace Sud de Patagonie qui forme le rebord oriental de la montagne. Les sommets voisins sont plus petits mais tout aussi impressionnants : le Torre Egger et le Cerro Standhart ont une altitude de.

Climat.

Le massif du Fitz Roy et du Cerro Torre forme une barrière entre le champ de glace Sud de Patagonie à l'ouest et la pampa sèche à l'est. Il présente un grand nombre de climats locaux, lesquels sont par ailleurs très variables. Le climat est caractérisé par un vent d'ouest dominant et persistant, des précipitations extrêmement variables au sein du massif et des températures plutôt froides.  Les vents d'ouest, caractéristiques des climats patagoniens, sont particulièrement puissants et presque constants au niveau du massif, notamment en été, accentués par la transition entre le hielo continental et la pampa. Ainsi, dans la vallée du, au nord du massif, le vent peut être de tout au long de la journée, avec des rafales atteignant. Louis Lliboutry distingue trois formes de ce vent d'ouest : un vent froid du nord-ouest apportant des averses durant l'été, un vent d'ouest amenant d'abondantes précipitations tout au long de l'année et un vent tempéré du sud-ouest apportant le beau temps.  En ce qui concerne la pluviométrie, le massif est une zone de transition rapide, les précipitations variant énormément entre les versants est et ouest. Le versant occidental reçoit d'abondantes précipitations venant de l'océan Pacifique, pouvant dépasser les cinq mètres par an. Le versant oriental, en revanche, est influencé par la pampa argentine, le village d'El Chaltén recevant environ de précipitations par an.  Louis Lliboutry dénombre six climats locaux différents, dus aux différences de précipitations et au relief accidenté : de pampa sèche ensoleillée et ventée, de marais tempérés, de forêts ventées, de vallée humide, froide et ventée, de glacier bas, relativement peu froid, peu venté et pluvieux et enfin de Hielo Continental froid, neigeux et venteux.

Ascensions.

Le Cerro Torre se caractérise par la verticalité continue de ses murs lisses de granite s'élevant en flèche et se couvrant de givre spongieux, par l'énorme champignon de glace inconsistante couvrant son sommet et par son exposition fréquente à des conditions météorologiques extrêmes. Ces caractéristiques rendent l'ascension du Cerro Torre particulièrement difficile.

Expéditions italiennes de l'été 1957-1958.

L'été 1957-1958 fait l'objet de deux expéditions d'origine italienne, dont une incluant Walter Bonatti et Carlo Mauri et l'autre Cesare Maestri, surnommé « l'araignée des Dolomites », et dirigée par. La première expédition gravit trois cents mètres de la paroi ouest du Cerro Torre et doit renoncer face à la difficulté de l'ascension et au manque de moyens ; quelques jours après Walter Bonatti et Carlo Mauri réalisent la première ascension du Cerro Adela. La seconde expédition, installée du côté oriental de la montagne, n'attaque même pas les pentes verticales du Cerro Torre à la suite de la décision du chef d'expédition, Bruno Detassis, qui estime que « le Torre est une montagne impossible » et ne veut pas risquer la vie des membres de l'expédition. Cette expédition gravit également le Cerro Adela mais Cesare Maestri et Luciano Eccher croisent à quelques mètres du sommet Walter Bonatti et Carlo Mauri qui viennent de réaliser la première.

Première ascension, très controversée (1959).

Début 1959, Cesare Maestri retourne au Cerro Torre avec l'alpiniste autrichien Toni Egger et Cesarino Fava qui les accompagne. Le, après avoir équipé les 300 premiers mètres de la paroi est de cordes fixes, les trois alpinistes quittent leur camp et partent vers le sommet. Cesare Fava, qui n'a pas le niveau technique de ses compagnons, redescend les attendre au pied de la montagne tandis que Cesare Maestri et Toni Egger continuent l'ascension. Ils sont pris par le mauvais temps. À la descente, Toni Egger disparait le emporté par une avalanche de glace. Cesare Fava retrouve le lendemain Cesare Maestri gisant, mais vivant, au pied de la paroi. Cesare Maestri racontera l'ascension et expliquera avoir atteint le sommet avec Toni Egger le, profitant d'une couche de glace recouvrant le rocher, en empruntant une voie parcourant la face est puis la face nord. Les photos de l'ascension ont disparu avec Toni Egger. Cette première est saluée en 1961 par Lionel Terray dans son livre "Les conquérants de l'inutile" comme « la plus grande victoire de toute l'histoire de l'alpinisme ».  Cependant cette première ascension est très largement controversée et n'a certainement jamais eu lieu. Dès la fin des années 1960, les observateurs relèvent des incohérences dans les récits de Cesare Maestri et de Cesare Fava. Entre 1959 et 1961, Cesare Maestri a indiqué successivement trois lignes d'ascension différentes ; les tentatives de répétitions échouent et leurs auteurs font état dans la partie supérieure de difficultés bien plus grandes que celles décrites par Cesare Maestri ; ils constatent des pentes inclinées de 80° à 90° dans la face nord là où Cesare Maestri parle de pentes de 45° à 60° ; la couche de glace miraculeuse qui aurait facilité l'ascension est en fait friable et doit être déblayée pour parvenir à grimper ; la difficulté de l'ascension parait incompatible avec les techniques d'escalade de la fin des années 1950 ; à l'inverse, les auteurs des tentatives ultérieures trouvent des passages faciles là où Cesare Maestri avait relaté des difficultés extrêmes. Aucun piton, aucune preuve du passage de Toni Egger et Cesare Maestri n'est trouvé au-delà du dépôt de matériel situé au-dessus du glacier. Fort de ces éléments, Charlie Buffet conclut en 2006 : « Aujourd'hui, le dernier doute est levé : il ne reste aucune chance que Cesare Maestri et Toni Egger aient pu gravir le Cerro Torre avec vingt ans d'avance sur l'histoire ».

Autres tentatives.

En 1968, les Britanniques Martin Boysen, Mick Burke, Peter Crew, Dougal Haston et l'Argentin José Luis Fonrouge font demi-tour sur l’arête sud-est. Ils expriment des doutes sur l'ascension de 1959.  En 1970, une expédition italienne menée par Carlo Mauri et à laquelle participe Casimiro Ferrari tente l'ascension par le versant ouest, versant où Carlo Mauri avait déjà effectué une tentative en 1958 avec Walter Bonatti. L'expédition parvient à du sommet.

Voie du compresseur (1970).

Face à la controverse grandissante sur son ascension de 1959, Cesare Maestri décide de retourner au Cerro Torre et de le gravir par une nouvelle voie empruntant cette fois l'arête sud-est ; il choisit d'utiliser une perceuse et un compresseur pour poser ses pitons à expansion. Il tente l'ascension en juin 1970, en plein hiver austral, en compagnie de Carlo Claus, Ezio Alimonta et Pietro Vidi. Mais, malgré leurs efforts, le froid et le mauvais temps ne leur permettent pas de réussir et ils échouent à du sommet.  Cesare Maestri, Carlo Claus et Ezio Alimonta renouvellent leur tentative l'été suivant. Ils retrouvent leur compresseur là où ils l'avaient laissé et poursuivent leur escalade réalisée au moyen d'étriers accrochés sur les pitons fixés dans les trous percés tous les mètres grâce à la perceuse et au compresseur. Le 2 décembre 1970, au terme d'une ascension épuisante, en raison notamment du poids du compresseur (), ils parviennent à la limite entre le rocher et le champignon de glace sommital. Ils ne montent pas sur le champignon mais Cesare Maestri considère avoir atteint le sommet, il affirmera plus tard : « la montagne s'arrête aux derniers rochers. La calotte va et vient ».  Dans son livre "Cerro Torre La montagne impossible", Reinhold Messner raconte qu'alors que Cesare Maestri s'apprête à descendre, il apprend que des alpinistes espagnols sont sur le point de répéter la voie qu'ils viennent de réussir. Pris d'un accès de fureur, Cesare Maestri arrache alors sur toute la dernière longueur les pitons qu'il avait installés, avant que ses compagnons de cordée ne réussissent à le raisonner.  En 2012, une controverse naît du déséquipement de la voie. Jason Kruk et Hayden Kennedy, après avoir réalisé la voie en utilisant 2 ou 5 points, décident de déséquiper la voie.

Première ascension incontestée (1974).

Fin 1973, Casimiro Ferrari dirige une expédition à laquelle participent Pierlorenzo Acquistapace, Gipi Alippi, Daniele Chiappa, Mario Conti, Claudio Corti, Giuseppe Lafranconi, Mimmo Lanzetta, Sandro Liati, Pino Negri, Ernesto Panzeri et Angelo Zoia. Ils tentent l'ascension par la face ouest, celle de Walter Bonatti et Carlo Mauri en 1959 et par laquelle Casimiro Ferrari, déjà, avait pu approcher le sommet en 1970. Casimiro Ferrari, Daniele Chiapa, Mario Conti et Pino Negri parviennent au sommet le 13 janvier 1974. Cette première ascension complète a lieu presque dans l'indifférence.

Ascensions ultérieures.

À partir de la fin des années 1970, les premières voies d'ascension sont répétées et de nouvelles voies sont ouvertes sur les différents versants du Cerro Torre. En 1979, les Américains Jim Bridwell et Steven Brewer réalisent la première ascension en style alpin de l'arête SE par la "voie du compresseur". Le 13 novembre 2005 le sommet est atteint pour la première fois en suivant une voie proche de celle de 1959 décrite par Cesare Maestri (la paroi est puis nord) par Ermanno Salvaterra, Rolando Garibotti et Alessandro Beltrami ; ils nomment leur voie "El arca de los vientos" ("L'arche des vents").  En 1985, Marco Pedrini réalise la première ascension en solo du Cerro Torre par la voie du compresseur. Elle a été filmée et a fait l'objet d'un film de référence dans le milieu de l'alpinisme : "Cerro Torre Cumbre", par Fulvio Mariani.

Ascension en libre de David Lama (2012).

Accompagné de Peter Ortner, David Lama a gravi entièrement en libre ce pilier sud-est. Il a seulement suivi la voie du Compresseur sur ses derniers – le "Headwall".

Notes et références.

A -  B - Autres sources

Le Cerro Torre est un sommet de Patagonie, situé à la frontière entre l'Argentine et le Chili. Le sommet ou pic est le plus élevé d'une chaîne de quatre sommets : le Cerro Torre, le Torre Egger, le Punta Herron, et le Cerro Standhardt.


Biographie.

Origines.

Roger de Hauteville est le fils cadet de Tancrède de Hauteville ("Rogerius Tancredi de Altavilla filius"), un petit seigneur normand sans fortune de la région de Coutances, dans l'ouest du duché de Normandie. Sa mère Frédésende, seconde épouse de Tancrède, passe parfois pour être une fille du duc Richard II de Normandie. Selon le chroniqueur Geoffroi Malaterra, d'origine normande, Tancrède de Hauteville fait partie de la noblesse du duché sans être cependant l'un des principaux seigneurs. Selon la princesse byzantine Anne Comnène, les Hauteville sont d'origine obscure.  Du Moyen Âge au, on a voulu donner à la famille Hauteville d'illustres origines. Selon l'historien italien Ptolémée de Lucques, Tancrède de Hauteville est un descendant du chef viking Rollon, duc de Normandie, tandis que pour l'érudit sicilien Rocco Pirri, il est l'un des fils du duc Richard II de Normandie ou de son frère Guillaume de Brionne, comte d'Hiémois. Le théologien danois Erik Pontoppidan, fait de Tancrède de Hauteville un fils du duc Richard III de Normandie. Pour l'historien allemand Johann Christoph Gatterer, Tancrède est issu d'un proche parent de Rollon. Ces affirmations sans fondement, qui se contredisent entre elles, sont démenties par les textes les plus sûrs et n'ont pour origine que la fantaisie de leurs auteurs.

Débuts en Italie.

Roger de Hauteville quitte le duché de Normandie pour le sud de l'Italie dans les années 1050 (conventionnellement en 1057.), accompagné de ses frères Godefroi, Mauger et Guillaume, ainsi que par une petite troupe de parents et amis, dont Hugues de Grandmesnil, Raoul de Tosny et Robert Guitôt. Selon le chroniqueur Aimé de Montcassin, le jeune Roger arrive en Italie après la bataille de Civitate (1053). Pour Geoffroi Malaterra, plus précis, il arrive après la mort de son frère aîné Onfroi (1057), normand d'Apulie.

Conquête de la Sicile.

Peu de temps après son arrivée en Italie, son frère aîné Robert Guiscard, normand d'Apulie, préfère l'écarter, se méfiant probablement de son jeune et ambitieux frère. Roger est alors dirigé avec sa bande en Calabre où il est chargé d'étouffer une révolte et d'y maintenir l'ordre. Il participe à la lutte contre les Byzantins d'Italie du Sud avant d'installer son quartier général à Mileto en 1061.  La petite cité de Mileto sera jusqu'à sa mort 40 ans plus tard, sa résidence favorite. Guiscard, allié depuis 1059 à l'Église et à la Papauté, le nomme « comte de Sicile » en 1062. Roger peut dès lors commencer au nom de la Papauté la conquête de la Sicile, alors sous domination musulmane, et surtout s'y tailler un fief : malgré la faiblesse numérique de son « armée » ou plutôt de sa bande, il peut commencer à guerroyer dans l'île, quadrillée par de nombreuses forteresses musulmanes. La conquête, s'étalant sur 30 années, sera longue du fait du petit nombre de guerriers normands.  Après ces trente longues et difficiles années de guerre avec notamment les épisodes marquants de la prise de Messine (1061), le siège de Troina (1062), la bataille de Cerami (1063), la bataille de Misilmeri, et la prise de Palerme en 1072, il libère enfin la Sicile de l'occupation musulmane avec la prise de Noto (1091). Entretemps, la mort de son puissant frère en juillet 1085 le laisse totalement libre dans ses actes et il devient le seul véritable maître de la Sicile qu'il organise en comté en y introduisant notamment le système féodal, tout en gardant Mileto comme capitale de ses possessions ; c'est le début de la Sicile normande, une ère de prospérité faisant la continuité de l'époque musulmane. Une Sicile où Roger se montre tolérant, respectant les différentes identités, coutumes, et religions de l'île. En effet, une fois la guerre finie, Roger autorise les Musulmans qui le souhaitent, berbères ou arabes, à rester dans l'île. Les mosquées ne sont pas détruites, et Palerme, la capitale, en compte une quarantaine. Juifs, musulmans, et chrétiens orthodoxes ne subissent pas de persécutions.  Roger fera également appel à de nombreux colons originaires de l'Italie du Nord pour repeupler les régions désertifiées d'une île ravagée par trente années de guerre, notamment dans la région d'Enna et de Messine. Ces colons sont à l'origine du dialecte gallo-italique, qui a su se maintenir jusqu'à nos jours, grâce notamment à l'isolement géographique. Roger, le « Grand Comte », meurt de causes naturelles le dans son fief de Mileto en Calabre où il est inhumé. Son tombeau sera détruit par un tremblement de terre.

Description.

Le chroniqueur d'origine normande Geoffroi Malaterra, témoin contemporain des événements, nous dit de Roger :  "«...Roger est un jeune homme de la plus grande beauté, robuste, de haute stature, de forme gracieuse, extrêmement éloquent, ayant beaucoup d'esprit et de facilité à s'exprimer (...). Toujours affable, plein de gaieté, de force et de bravoure, sachant allier à ses qualités la sagesse et la prévoyance. Il est prévoyant dans toutes ses actions, amical et joyeux avec tous ses hommes, fort et courageux, et sauvage dans la bataille (...). On ne pouvait lui reprocher qu'un désir immodéré de gloire et peut-être aussi un esprit d'insubordination qui le portait à s'entourer de ceux dont le caractère se rapprochait du sien, et à les combler de bienfaits... »".

Descendance.

Roger eut trois épouses :  L'aîné des fils de Roger était un bâtard du nom de Jourdain, probablement né en Italie autour de l'an 1060, qui décèdera avant son père au début des années 1090.  Roger eut également quelques concubines qui lui donneront plusieurs enfants dont un certain Mauger, mort jeune, ou encore un certain Godefroi, comte de Raguse, qui devint lépreux.  De son premier mariage avec Judith d'Évreux, il a des filles :  En 1077, Roger se marie une seconde fois avec Eremburge de Mortain. Ils ont sept enfants, plus une fille possible selon Patrick Deret :  De sa troisième et dernière épouse, Adélaïde de Montferrat, ils ont quatre enfants :

Roger de Hauteville (italien : "Ruggero d'Altavilla" ; latin : "Rogerius de Altavilla" : v. 1031 – 1101), dit le « Bosso » puis, le « Grand Comte », « Jarl Rogeirr », est un aventurier normand du ; conquérant de la Sicile musulmane, il est à l'origine du futur royaume de Sicile.


Biographie.

Freddie Hubbard commence la trompette et le bugle au à Indianapolis. Dès son jeune âge, il joue avec le guitariste Wes Montgomery. Celui-ci devient son modèle, il s'en inspirera tout au long de sa vie. Il poursuit ses études musicales au Arthur Jordan Conservatory of Music. En 1958, il déménage à New York où il joue avec Ornette Coleman, Eric Dolphy, Slide Hampton, J. J. Johnson, Philly Joe Jones, Quincy Jones, Oliver Nelson, Joe Zawinul, Wayne Shorter et Sonny Rollins. Il se met ensuite au hard bop avec Art Blakey et les Jazz Messengers. Avec le groupe, il crée plusieurs albums dont "Mosaic", "Buhaina's Delight" et "Free for All".  En, Hubbard enregistre son premier album en tant que leader, "Open Sesame", en compagnie du saxophoniste Tina Brooks, du pianiste McCoy Tyner, du bassiste Sam Jones et du batteur Clifford Jarvis. Au mois de décembre, il est invité à participer à l'album d'Ornette Coleman "" après que Coleman l'a entendu jouer avec Don Cherry.  En, Hubbard enregistre "Olé Coltrane", invité par John Coltrane lors d'une séance dans les studios d'Atlantic Records. C'est en août de la même année qu'il compose l'un de ses plus célèbres titres, "", en collaboration avec le saxophoniste Wayne Shorter.  C'est lorsqu'il joue avec les Jazz Messengers d'Art Blakey qu'il développe son propre son, s'éloignant des influences de Clifford Brown. Il obtient le titre de « Nouvelle Star » dans le magazine de jazz "Down Beat".  Dans les années 1960, il enregistre 36 albums. La plupart sont aujourd’hui des classiques. Il se lance aussi dans le free jazz.  Dans les années 1970, Freddie entre dans le groupe dirigé par Herbie Hancock. Ce groupe innove dans un nouveau genre de jazz : le free bop (mélange de be bop des années 1940, de jazz modal des années 1950 et de free jazz des années 1960). Freddie connaît quelques-uns de ses plus grands succès avec cette formation. Ces années 1970 sont le point culminant de sa célébrité. C’est à cette époque qu’il enregistre, à l'Hollywood Palladium, son plus grand album "live", "California Concert", incluant le célèbre "Red Clay". Il effectue des improvisations sensationnelles et d’excellentes performances musicales. Il est considéré comme un des plus grands trompettistes de l’époque.  Il se lance ensuite dans le smooth jazz, où il a de mauvaises critiques. Assailli par une série de problèmes de santé, il doit arrêter la trompette. En 1992, il se fait une profonde entaille dans la lèvre supérieure qui s'infectera. Il ne retrouvera jamais le niveau auquel il jouait quelques années auparavant ; cependant, il continue à jouer et enregistrer des titres occasionnellement.  Il est honoré en 2006 du NEA Jazz Masters Fellowship, plus grand prix en jazz décerné par le National Endowment for the Arts.  Il tombe plus gravement malade dans les dernières années de sa vie. Le, le journal "The Indianapolis Star" annonce qu'il est mort d'une crise cardiaque le. Son enterrement se déroule en présence de nombreuses célébrités et personnalités du jazz. Après sa mort, ses fonds furent reversés à l'association.

Frederick Dewayne Hubbard, plus connu sous le nom de Freddie Hubbard, est un trompettiste et compositeur de jazz américain, né le à Indianapolis, dans l’État d’Indiana (États-Unis), et mort le à la clinique de Los Angeles à la suite d'un problème cardiaque. Il devint célèbre par sa musique bebop et hard bop. Grâce à un son unique et son art d'improviser, il contribua à l'expansion du modern jazz et du bebop.


Histoire.

Les débuts à traction animale.

Saint-Pétersbourg a vu arriver le tramway dans ses rues durant les années 1860. Ceux-ci étaient alors tirés par des chevaux. Cependant, dès 1854, une ligne exclusivement réservée au marchandises avait été mise en service pour desservir une banlieue industrielle. En 1863, trois lignes destinées au transport des personnes ont été mises en service dans le centre-ville. Les entreprises privées se sont multipliées, et à l'apogée du réseau à traction animale, on comptait 25 lignes et plus de 100 kilomètres de voie. Cet ensemble transportait alors plus de deux millions de passagers par an.  Au cours de l'hiver 1907, le tramway électrique est revenue à Saint-Pétersbourg. Cette fois, ils ont circulé sur des voies posées sur de la glace (pendant la saison d'hiver) recouvrant la Neva. Une entreprise de transport publics électriques a été formée, et plusieurs lignes traversant le fleuve en divers endroits ont été exploitées. Car si la "Horsecar Stock Company" possédait le monopole du transport sur voie ferrée dans les rues, en revanche, elle ne disposant d'aucun titre lui assurant l'exclusivité à la surface des cours d'eau gelés.

L'électrification.

Le, le contrat entre la ville et la société la "Horsecar Stock Company" a été rompu, et tout le système ferroviaire, c'est-à-dire les rails, wagons, des chevaux, les bâtiments et autres équipements, est devenu propriété de la ville de Saint-Pétersbourg. Cependant, la ville a dû payer à la compagnie pendant encore 12 ans une indemnité pour la reprise du réseau. Immédiatement la municipalité de Saint-Pétersbourg a commencé à planifier son futur réseau de tramway électrique, qui devait se substituer aux tramways à chevaux vieillissants. Un certain nombre de questions devaient être résolues, en particulier, les voies légères et à écartement étroit devaient être remplacé par de nouvelles plus lourdes et de meilleure qualité ; le réseau a dû être électrifié, et de nouveaux dépôts adaptés à l'entretien des tramways électrique ont dû être construits. Le projet a été concédé à l'entreprise américaine Westinghouse Electric Corporation.

La période post-URSS.

Après la disparition de l'Union soviétique, les transports publics à Saint-Pétersbourg ont été constamment sous-financés, d'où le manque d'entretien et de services peu fiables. Un grand nombre de voies ont été démolies, et la tendance se maintient jusqu'à aujourd'hui, ce qui pénalise de nombreux passagers. Officiellement, le démantèlement complet du réseau n'est pas planifié bien que des suppressions massives de lignes ont eu lieu depuis 2001. Les deux dernières ouvertures de lignes remontent à 1999 pour relier les extensions résidentielles récentes dans le nord-ouest (Dolgoe Ozero, Komendantsky Aerodrom, Lakhtinsky Razliv) à la toute nouvelle station Staraya Derevnya du Métro de Saint-Pétersbourg. En 2005 et 2006, depuis le dernier changement dans la gestion de "Gorelectrotrans" de gestion en, plus de supplémentaires de voies ont été détruits, non seulement dans le centre de la ville, mais aussi une section de dans un quartier résidentiel excentré. Ces suppressions ont gravement fragilisés le fonctionnement du réseau et réduit sa capacité à répondre aux besoins de la population. De nouvelles fermetures de lignes sont programmées sous les pressions des lobbys routiers qui estiment que la baisse du trafic tramway donne plus de liberté à la circulation automobile et aux minibus privés qui suivent le même tracé.

Réseau actuel.

Aperçu général.

En 2011, on compte 39 lignes de tramway en service dans la ville pour un réseau d'une longueur de 205 kilomètres  Il s'agit des lignes " 6, 7, 8, 9, 10, 16, 18, 19, 20, 21, 23, 24, 25, 27, 29, 30, 36, 38, 40, 41, 43, 45, 47, 48, 49, 51, 52, 55, 56, 57, 58, 59, 60, 61, 62, 64, 65, 100 " et "A".  Les autres fonctionnent les jours ouvrables seulement. Environ un tiers du réseau est exploité avec des fréquences de 10 minutes et moins. D'autres sections sont exploités à des fréquences allant jusqu'à 30 minutes.

Matériel roulant.

Le réseau compte plus de 800 rames de tramway.  Tous les véhicules actuellement en service sur le réseau ont été construits par Petersburg Tram Mechanical Factory ("PTMF") (). La série "KTM-5M3", qui a été produite dans la ville d'Oust-Katav dans l'oblast de Tcheliabinsk, a été utilisée à Saint-Pétersbourg jusqu'au.  Les véhicules des séries suivantes sont actuellement en service :  Entre en 1907 et à la fin des années 1960, le réseau de tramway de Saint-Pétersbourg a utilisé des voitures construites au Royaume-Uni par Brush.  Plusieurs voitures de cette série, ainsi que d'autres modèles anciens construit par PTMF sont maintenus en état de fonctionnement et peut être loués pour les occasions spéciales. Tous les modèles de tramways exploités à Saint-Pétersbourg ont été présentés dans une grande parade pour les 90 ans du réseau en 1997.  Toutes les voitures historiques sont stockées dans l'ancien dépôt 2 sur l'île Vassilievski qui n'est plus utilisé pour abriter les trams servant à l'exploitation du réseau depuis.  Fin 2011, la municipalité signe une lettre d'intention auprès d'Alstom et de son partenaire russe TMH pour la définition et la fourniture d'une nouvelle rame rapide et à plancher bas.

Le tramway de Saint-Pétersbourg () en Russie était réputé pour être le plus grand réseau de tramway au monde. À la fin des années 1980, ses voies couraient sur environ 340 kilomètres. Depuis 1995, le réseau de tramway s'est fortement rétracté avec la suppression de nombreuses portions de voies en centre-ville. De sorte que le réseau de Melbourne () est désormais plus long. Si le réseau avait encore une longueur de en 2001, elle se limitait au début 2007 à parcourus par 39 lignes différentes. Il est exploité par "Gorelektrotrans" (), une société municipale qui est également propriétaire du réseau de trolleybus.


Biographie.

André Derain est né à Chatou, dans une famille aisée. Son père Louis-Charlemagne, crémier-glacier au 87, rue Saint-Germain est conseiller municipal. Sa mère, Clémentine Angélique Baffé, a perdu plusieurs enfants en bas-âge, seul restait un frère aîné, René (1870-1890). André Derain est placé dans une famille nourricière à Orgeval. Il commence à peindre vers 15 ans alors qu'il termine ses études secondaires au lycée Chaptal. À 18 ans, il entre à l'académie Camillo, dirigée par Eugène Carrière, un ami de Pierre Puvis de Chavannes. En 1900, il rencontre Maurice de Vlaminck dans un train de banlieue. En 1901, il fait la connaissance d'Henri Matisse au Louvre alors qu'ils effectuent des copies.  Jeunes peintres démunis avec Vlaminck, ils partagent un atelier dans la Maison Levanneur à Chatou. Il effectue son service militaire entre 1901 et 1904. Il commence à peindre ses premiers paysages et illustre les premiers romans de Vlaminck dont "D'un lit dans l'autre". Il rencontre le poète et critique Guillaume Apollinaire qui dédicacera un poème dans son recueil "Alcools". Autodidacte, il fréquente assidûment les musées et nourrit sa réflexion esthétique d'un grand nombre de lectures (Zola, Nietzsche...). À l'influence déterminante de Vincent van Gogh, qu'il découvre en 1901, s'ajoute celle des néo-impressionnistes et surtout l'œuvre de Paul Cézanne qu'il voit au premier Salon d'automne en 1903.

L'invention du fauvisme.

Après avoir suivi les cours de l'académie Julian, Derain rejoint Matisse à Collioure en 1905. Ensemble ils créent la première révolution esthétique du : le Fauvisme (couleurs vives, dessin simplifié, etc. ("Collioure", huile sur toile,, 1905, Metropolitan Museum of Art, New York).)  Il expose au Salon d'automne, en 1905, dans la Salle aux fauves avec Matisse, Vlaminck, Braque, Camoin, Marquet, Girieud ; il signe la même année son contrat avec Ambroise Vollard ("Bougival", huile sur toile,, 1905, musée du Havre). En 1905 et 1906, il voyage à Londres ("Regent Street", Londres, huile sur toile,, 1906, Metropolitan Museum of Art, New York). Il est alors considéré comme un des meilleurs représentants du fauvisme.  En 1906-1907, il est bouleversé par la découverte des arts « primitifs » à Londres et commence avec Vlaminck à collectionner ce que l'on appelle, alors, l’« art nègre ». Il achète un masque Fang. En étroite relation avec Matisse, il poursuit sa réflexion sur les liens entre décoration et expression. Il s'intéresse aux arts décoratifs : céramique, bas-reliefs en bois, sculpture qu'il pratique sur pierre. Il réalise de grands panneaux sur le thème de l'âge d'or, de la danse ou des baigneuses. Après 1906, l'influence de Paul Gauguin décroit sur sa peinture, sa palette change. Puis l'année suivante, il déménage à Montmartre pour se rapprocher de ses amis Pablo Picasso, Braque, Apollinaire, Kees van Dongen et Max Jacob... Il fréquente le Bateau-Lavoir, est influencé par Picasso. Il rencontre alors à Montmartre Alice Géry, la femme de Maurice Princet, mathématicien et théoricien du cubisme. Elle se sépare de son mari et épousera André Derain en 1926 ; ce dernier peindra à de nombreuses reprises son visage sévère et élégant.

Alice Géry (1884-1975).

Alice Géry est une fille d'ouvrier qui ressemblait à une « Madone aux cheveux libres », suivant la description que fait d'elle Gertrude Stein dans ses mémoires : « Elle a les pouces solides. » Elle est un des modèles de Picasso de la "période bleue" ("Jeune fille accoudée", dessin, 1903)., selon Gertrude Stein, qui dit l'avoir toujours aimée. Alice a un caractère trempé ; elle et Derain assumeront l'éducation de sa nièce Geneviève, née en 1919. organise la vie et supporte les aventures de son mari André. Elle pose pour Charles Despiau en 1922.

Le retour au classicisme.

En 1906, Derain séjourne à l'Estaque où il travaille avec Braque. En 1907 il passe l'été à Cassis, où Matisse le visite.  En 1908, Derain séjourne à Martigues où Friesz, Braque et Dufy sont ses voisins. Il peint une série de paysages pré-cubistes représentant la ville et ses environs puis avec Dufy à L'Estaque. Il illustre le premier livre de poésie de Guillaume Apollinaire, "L'Enchanteur pourrissant" (1909). Après avoir peint des paysages de Cagnes-sur-Mer, il rejoint Picasso en Espagne à Cadaqués en 1910. Il participe avec Braque et Picasso à la première phase de l'invention du cubisme dite cézano-cubiste : 1908-1910 ("Maisons au bord de l'eau", huile sur toile,, 1910, musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg). Il s'installe au 13, rue Bonaparte dans le arrondissement. Dès 1911, il revient à une facture qui semble plus traditionnelle, amorce un retour à la perspective et au clair-obscur, à la suite d'un séjour dans le nord et le centre de la France. Il anticipe alors le retour au classicisme qui s'imposera après 1918 à Picasso, Braque et à la nouvelle génération des peintres. Cette période de son œuvre, dite gothique ou byzantine, d'une grande originalité, a fortement influencé la peinture métaphysique italienne d'après-guerre (De Chirico, Sironi, etc.) et la peinture allemande de la Nouvelle Objectivité. Elle a également beaucoup impressionné les futurs poètes surréalistes français (Breton, Aragon, Desnos...).  En 1912, il séjourne à Vers (Lot), près de Cahors. Il loge dans le presbytère ("Église à Vers", huile sur toile,, 1912, musée de Cardiff). Plusieurs des toiles qu'il a peintes alors se trouvent aujourd'hui au MoMA à New York ou en Russie. Il participe à Londres à la Second Postimpressionnist Exhibition. Il illustre un recueil de poèmes de Max Jacob en 1912 : "Œuvres burlesques et mystiques du frère Matorel mort au parloir". En 1913, il retrouve Vlaminck à Martigues et participe à l'exposition de la Toison d'Or à Moscou et de l'Armory Show à New York. En 1914, il expose dans les galeries de l'expressionnisme allemand, à la Neue Galerie de Berlin ; puis à Düsseldorf, enfin à Dresde. Pendant l'été il est à Montfavet près d’Avignon, avec Braque et Picasso, quand éclate la guerre. Il s'éloignera de Picasso à l'issue de la guerre, leurs liens s'étant distendus.

La Première Guerre mondiale.

Au début de la Première Guerre mondiale, Derain est mobilisé dans l'artillerie, au régiment d'infanterie de Lisieux. Il sert en Champagne, dans la Somme, à Verdun, au chemin des Dames jusqu'en 1917, puis dans l’Aisne et les Vosges. Le, il écrit à sa femme Alice : Il est donné une fois pour mort. À partir de 1915, Derain est mentionné dans diverses revues expressionnistes allemandes comme symbole d'amitié et de respect. En 1915, le peintre et poète allemand Carl Einstein fait paraître un long poème "Gedenken des André Derain" ("Souvenir d'André Derain") dans la revue berlinoise et expressionniste "Aktion" ( du ).  En 1919, Derain fournit des illustrations pour le premier livre d'André Breton, "Mont de Piété". Il reste peu de dessins connus de la période, et le titre d'une seule toile perdue : "Le Cabaret du Front", vue par André Breton en 1921 dans l'atelier du peintre. Il est démobilisé en 1919 ; on peut lire sur son livret militaire : Derain est porté à l’ordre du jour du régiment en pour sa conduite sur la route de Bras à Douaumont.

Le retour à l'ordre.

En 1919, Cocteau, dans son article « Au revoir, Derain », explique la rupture qu'opère Derain, par rapport au cubisme de Braque et de Picasso (période 1911-1912) dans lequel il n'a pas prolongé son engagement :, présentant ainsi l'idéal néo-classique de Derain en rupture avec l'avant-garde d'avant la Première Guerre mondiale.  Il se brouille avec Vlaminck. Et accueille définitivement sa belle-sœur, Suzanne Géry, avec sa fille Geneviève (née en 1919), que Derain adorait ; il la peindra une centaine de fois ("Le Peintre et sa famille", huile sur toile,, 1939, Tate Gallery, Londres).

Un décorateur de théâtre et de ballet demandé.

Pour le ballet "La Boutique fantasque", de Diaghilev, animateur des Ballets russes, joué à Londres en, il crée des marionnettes mécaniques. La création a lieu à Londres, cette expérience l'amène à concevoir de nombreux décors et costumes de ballets pendant les années 1920 et 1930 pour la scène. Pendant la guerre, il a créé des masques avec des boîtes et des coquillages ; en 1919 les costumes et décors pour "L’Annonce faite à Marie" de Paul Claudel, pour une tournée en Scandinavie. En 1924, il participe au premier film de Jean Renoir, "La Fille de l'eau", dans le rôle du patron du café, avec Catherine Hessling en vedette et dont il a fait le portrait. En 1926, il dessine les décors pour le ballet "Jack in the Box", musique d’Erik Satie pour les Ballets russes (Serge Grigoriev's photo album/scrapbook, Library of Congress, Washington, USA). Il réalise les décors pour les ballets : "La Concurrence", en 1932, "Les Fastes" et "Les Songes", en 1933, dont il a écrit les arguments. Au total,.  Il renouvelle son contrat avec la galerie Kahnweiler en 1920. En 1922, il expose ses tableaux à Stockholm, à Berlin, Munich et à New York. Paul Guillaume devient son marchand attitré en 1923. Sa réputation grandit encore lorsqu'il reçoit le prix Carnegie en 1928 pour le tableau "La Chasse" et continue à exposer dans le monde entier : à Londres, Berlin, Francfort, Düsseldorf, New York et Cincinnati. Entre 1925 et 1928, les prix des tableaux de Derain passent de à. Célèbre figure des Années folles, cet homme de haute taille (), collectionne les voitures (les Bugatti), les châteaux (à Chailly-en-Bière, à Parouzeau) et les conquêtes féminines.  En 1929, il se fait construire une maison-atelier par l'architecte Zielensky au 5, rue du Douanier-Rousseau dans le arrondissement de Paris, en face de chez Braque. Il étonne par son esprit pratique, il aime réparer les voitures, pratiquer la musique, jouer du piano ou de l'orgue, monter des maquettes d'avion ou tirer les cartes au tarot... Ainsi, en 1931, il écrit à la demande d'André Breton, qui le considère comme le peintre du « trouble moderne », un petit traité du tarot, « Le Critérium des as », qui est publié dans la revue du surréalisme, "Le Minotaure". Certains critiques y voient un touche-à-tout fantasque, velléitaire. En 1931, un numéro spécial des "Chroniques du Jour" paraît : « Pour ou contre Derain ». Pour ses partisans, Derain devient le représentant d'une peinture classique de tradition française réaliste, aux références éclectiques et assumées. Sa palette est caractérisée par des couleurs brunes et des clairs-obscurs, ses natures mortes et nus féminins évoquent Courbet, ses paysages l'École de Barbizon ou Corot. Il est alors qualifié de « plus grand peintre français vivant », de « régulateur », loué par Élie Faure et André Salmon. En 1931, la galerie Paul Guillaume fait une grande exposition de ses tableaux personnels à Paris; Derain y a une grande place.  En 1934-1935, Derain renforce ses liens avec un jeune peintre admirateur, Balthus, lequel exécute son portrait, qui se trouve aujourd'hui au MoMA de New York. Le, son marchand Paul Guillaume meurt. Dorénavant, Derain n'a plus de marchands attitrés. En 1935, il vend ses propriétés et achète une grande maison à Chambourcy avec un domaine qui « comporte des bassins et leurs cascades, des arbres immenses et centenaires, un terrain de tennis à l’abandon, une, un verger, un potager, une serre et des roses et une orangerie où il peindra ses grands formats et où il installera par la suite un four et un atelier de potier. Il aménagera son atelier au premier étage de la demeure, dans une pièce avec double ouverture sur cour et sur parc, donnant accès à la terrasse ». Là il recevra ses amis Braque, Poiret, Lifar, Jouhandeau, Balthus, Malraux et Louise de Vilmorin, auxquels il fait découvrir le désert de Retz. C'est à cette époque qu'il rencontre Giacometti.

Un illustrateur prolifique.

Son activité d'illustrateur de 1932 à 1942 devient essentielle : Ovide, Oscar Wilde, Rabelais, et aussi "Héliogabale", d’Antonin Artaud. En 1934, il grave 33 burins sur cuivre pour un projet d'illustration du "Satyricon" de Pétrone, commandé par Ambroise Vollard. En 1935, la Kunsthalle de Berne organise la première grande rétrospective de ses œuvres. En 1937, à l'occasion de l'Exposition universelle, une exposition de groupe est organisée au Salon des Indépendants, au Petit Palais, à Paris. L'œuvre de Derain bénéficie d'une salle d'exposition particulière.  En 1938, Derain, avec Arp, Braque, Auguste Herbin, Picasso, participe au comité antinazi pour la défense d'Otto Freundlich, peintre et sculpteur allemand pionnier de l'abstraction, dont une des sculptures figure sur la couverture de l'exposition « L'Art dégénéré » ("Entartete Kunst"), à Munich. Cependant, aux dires d'Otto Abetz, Derain aurait été invité à l'ambassade d'Allemagne. La femme de l'ambassadeur avait posé pour le peintre, au cours des années 1920, comme elle avait posé pour Picasso et d'autres. De même, Demetra Massala, la femme du sculpteur nazi Arno Breker, avait également été leur modèle. Brecker, qui avait longtemps vécu à Montparnasse dans les années 1920 et 1930, fréquentait les artistes et collectionnait des tableaux : il y avait des œuvres de Derain, mais aussi de Picasso, Vlaminck, Léger et Ozenfant, dans son château de Jäckelsbruch près de Berlin. En 1939, Derain expose à New York. Waldemar George, dans un article intitulé « André Derain ou l'apprenti sorcier » paru en, qualifie l'œuvre d'André Derain, en opposition à celle de Picasso et de Matisse, comme étant d'essence « contre-révolutionnaire » dans le domaine esthétique.

La Seconde Guerre mondiale.

Pendant l'exode de 1940, il fuit avec sa famille vers le sud, en Ariège, et y retrouve Braque. Sa maison de Chambourcy est occupée et pillée par l'armée allemande, en. Aussi Alice Derain aurait demandé à Werner Lange, officier allemand chargé de la Propaganda Staffel, la restitution de La Roseraie. Derain continue de peindre dans l'atelier de son ami Léopold Lévy, 112, rue d'Assas, parti prendre la direction des Beaux-Arts d'Istanbul. En il loue à Aron, 20 rue de Varennes, un appartement où il s'installe avec Alice, et établit rue Vavin son modèle Raymonde Knaublich et leur fils Boby.  Pendant l'occupation allemande, Derain vit à Paris. Il réalise des cartons de tapisseries. L'éditeur suisse Albert Skira lui commande cent soixante-dix-neuf bois gravés en couleurs pour illustrer le "Pantagruel" de Rabelais. Derain refusera toute exposition publique dans la capitale pendant la durée de la guerre. En outre, André Derain ne s’implique pas dans la politique culturelle du gouvernement de Vichy. Il refuse la proposition de Georges Hilaire de prendre la direction de l'école des Beaux-Arts et n’accepte aucune responsabilité officielle.  Néanmoins, aux dires de Werner Lange et Otto Abetz, il aurait été en contact avec eux. Et c'est Abetz lui-même qui réconcilie Derain et Vlaminck. Derain est courtisé par les Allemands comme symbole prestigieux de la culture française, alors qu'il expose à la Pierre Matisse Gallery à New York la même année. En échange de la promesse de libération de prisonniers français et de récupérer sa maison de Chambourcy, il accepte une invitation d'artistes français pour une visite officielle en Allemagne en 1941, avec notamment Paul Landowski et son ami Maurice de Vlaminck, Kees van Dongen ou encore les sculpteurs Louis-Aimé Lejeune et Paul Belmondo, vice-président de la section des arts plastiques du groupe Collaboration, avec lequel il est au comité de l'exposition « Arno Breker », inaugurée le à l'Orangerie de Paris. C'est Jean Cocteau qui ouvre par un discours cette exposition.  Ce voyage organisé par la propagande allemande a un grand retentissement et sera reproché à ses participants. Selon Breker, Derain et Maillol auraient reçu des commandes de Berlin auxquels les artistes n'ont pas donné suite. L'architecte Albert Speer précise dans ses mémoires, "Au cœur du Troisième Reich" qu'il a aidé Derain, Vlaminck et Despiau à plusieurs reprises, en leur passant différentes commandes. Pour Jean Hélion, Derain donne dans. Un artiste anonyme, qui prend de manière abusive le pseudonyme d'André Deran pour créer la confusion, travaille pour le service Kultur de la propagande allemande et réalise des affiches. L'une signée en 1941 : "Les bobards... sortent toujours du même nid", violemment antisémite, stigmatise les francs-maçons et les alliés. Cela peut expliquer qu'André Derain apparaît alors sur une liste noire de collaborateurs français qui devaient être assassinés ou jugés après la Libération, avec Céline, Jacques Chardonne, Jean Luchaire, Pétain, Pierre Laval, etc. liste publiée par "Life Magazine" aux États-Unis, le. À la Libération, Derain est mis en cause en raison de sa participation au voyage de 1941. Le, un collectif de se réunit sous la présidence de Picasso. Derain est exonéré des accusations portées contre lui. En revanche, un an plus tard, le comité national des artistes institué par les pouvoirs publics frappe Derain d'une interdiction professionnelle d'exposer pendant un an. Derain n'acceptera jamais ce verdict et se retirera dans sa maison de Chambourcy.  Sa nièce Geneviève se marie en avec Joseph Robert Taillade. Braque est son témoin ("Geneviève Taillade (nièce de l'artiste) avec un manteau orange", huile sur toile,, 1928, musée des beaux-arts de Boston).

Après la guerre.

Après la guerre, Derain refuse toute manifestation publique de sa production. Il quitte l'atelier de la rue d'Assas et rend l'appartement du la rue de Varennes. Il vit dans sa demeure de Chambourcy (Yvelines), avec sa femme, sa belle-sœur, ainsi que sa nièce, son mari et leurs enfants, tout en travaillant sur des décors de ballets et d'opéras. En 1947, il dessine les costumes et décors de "Mam’zelle Angot", un ballet représenté à Covent Garden à Londres. En 1948, il réalise les décors et costumes pour "Le Diable l’emporte" des ballets de Roland Petit au théâtre Marigny de Paris. Roland Petit déclare alors : Il illustre « le Génie du vin » pour les établissements Nicolas.  C'est à cette époque que l'imprimeur Pierre Mourlot tente de réunir dans un livre en trois volumes préfacés par Marcel Camus l'œuvre peint de l'artiste, l'un pour les nus, le deuxième pour les paysages, le troisième pour les décors. Ce projet, qui apportai à l'artiste la caution morale d'un « résistant littéraire », échoue. En 1947, Derain rencontre Edmonde Charles-Roux, journaliste à "Vogue", de quarante ans sa benjamine, avec qui il noue une idylle. Elle pose régulièrement pour lui, comme le prouve par exemple le "Portrait d'Edmonde de Charles-Roux au collier de perles". Avec elle, Balthus et Giacometti viennent souvent rendre visite au vieux maître. En 1949, la galerie de Berri lui rend hommage par une exposition. Marcel Duchamp écrit alors dans le catalogue de la Société anonyme, légué à la Yale University :  En 1950, Derain illustre les "Contes" de La Fontaine et "Citadelle", un roman de Saint-Exupéry et recommence à pratiquer la sculpture et le modelage. Grâce à l'entregent d'Edmonde Charles-Roux, il conçoit les décors de "L'Enlèvement au sérail" de Mozart, pour le festival d'Aix-en-Provence et, un an avant sa mort, ceux du "Barbier de Séville" pour le même festival. Ses relations avec sa femme se dégradent au point qu'Alice Derain fait saisir les comptes de son mari. De 1947 à 1954, Derain est assisté par la jeune sculptrice Nicole Algan, formée par Charles Despiau. Selon Michel Charzat, Derain aurait eu avec elle un fils (caché).  Il est atteint soudain d’une maladie des yeux. Alors qu’il s'en remet progressivement, il meurt à l'hôpital de Garches, le, des suites d'un accident de voiture. Il est enterré au cimetière de Chambourcy.  On retrouve dans son atelier les fragments d'un "Traité de la peinture", que la galerie Maeght publie partiellement en 1957 dans sa revue "Derrière le miroir", ainsi qu'un plaidoyer où il tente d'expliquer les pressions qui l'ont amené à accepter le voyage en Allemagne. Néanmoins, des historiens comme Jonathan Petropoulos prétendent que Derain aurait accepté le mécénat de Ribbentrop. Ce dernier avait dépêché un émissaire pour lui proposer de passer l'été dans son château au Tyrol et de faire le portrait des membres de sa famille : Derain avait refusé.

Après 1954.

Le musée national d'art moderne à Paris lui consacre une rétrospective, du au, sous le commissariat de Jean Cassou. Alberto Giacometti manifeste toujours son admiration pour Derain. Le, le sculpteur Paul Landowski lui écrit : Marcel Duchamp déclare quant à lui : « Derain a toujours cru fermement au message artistique vierge de toute explication méthodique et aujourd’hui encore appartient au petit groupe d’artistes qui vivent leur art ».  Pour régler les frais de succession, sa femme Alice Derain et le fils du peintre, Boby, mettent en vente les 9 et, les objets de Chine de haute époque, d'art africain et précolombien, du Louristan, d'Égypte, de Grèce, de l'Antiquité classique et du Moyen Âge, ainsi que la collection d'instruments de musique, les marionnettes, les ex-votos, etc., que Derain avait collectionnés. Puis, le, ce fut au tour de la collection de peintures, de dessins et autres de Cézanne, Corot, Ingres, Modigliani, Renoir, Seurat, Toulouse-Lautrec, Utrillo, Vlaminck, d'être vendue.  Son épouse Alice est morte le, à 91 ans. Sa nièce Geneviève Taillade vend la maison de Chambourcy en 1989 ; sa fille, Geneviève Taillade, dite « Javotte », petite-nièce du peintre est actrice et présidente de l'association des amis d'André Derain. Rachetée en 2014 par la ville de Chambourcy, la maison est cours de restauration, afin d'y créer un Espace Derain, destiné aux associations et à la culture.  Une partie de l'œuvre de Derain, provenant de l'ancienne collection de son fils, André Charlemagne Derain, dit « Boby » (1939-1992), soit a été dispersée aux enchères à Saint-Germain-en-Laye, les 23 et (succession de madame Raymonde Knaublich, mère de Boby).  En, les ayants droit d'André Derain mettaient en vente chez Christie's les photographies d'Eugène Atget découvertes fortuitement lors du déménagement de la Roseraie.

Présentation de l'œuvre.

Avant la Première Guerre mondiale, Derain pratique un art pictural d'avant-garde, post-impressionniste et fauve, fait de couleurs pures, franches et juxtaposées. Par la suite, son œuvre réaliste se concentre sur des sujets et thèmes classiques qui font écho aux œuvres des musées, dans une volonté de prolongement ou de retour à une tradition classique. Ce mouvement, également appelé par Jean Cocteau le « retour à l'ordre », caractérise l'art néo-classique figuratif des années 1920 aux années 1940.  Si l'œuvre de Derain est essentiellement picturale, il a également signé les décors et les costumes de nombreux ballets, illustré une trentaine de livres et réalisé des affiches. Il est également connu comme sculpteur. Une grande partie de son œuvre (,, des dessins, mais aussi des objets d'art primitif lui ayant appartenu), précédemment dans la collection Pierre et Denise Lévy, est présentée au musée d'art moderne de Troyes. Elle est représentée dans un nombre considérable de musées dans le monde et en France.  En 2012, le galeriste Michael Werner donne 16 œuvres de Derain, provenant de galeries allemandes, au musée d'art moderne de la ville de Paris.

Élèves.

Deux élèves d'André Derain sont notables :

Peinture.

Collections en institutions artistiques.

Liste non exhaustive. Les lieux sont classés par ordres alphabétiques (pays puis villes et noms).

André Derain, né le à Chatou (Yvelines) et mort le à Garches (Hauts-de-Seine), est un peintre français et l'un des fondateurs du fauvisme. Il est également peintre de décors et costumes de ballets et de théâtre, graveur, illustrateur, sculpteur et écrivain.


Biographie.

Margery Allingham vient au monde dans le faubourg d'Ealing, fille aînée d'Emily et Herbert Allingham. Son père est alors propriétaire d'un magazine qui publie des romans de gare, dont les affaires marchent mal. La famille déménage un temps dans un petit village de l'Essex, région qui inspirera considérablement Margery dans l'écriture de ses futurs romans, puis retourne à Londres. Emily et Herbert s'essaient à la littérature populaire, ambition qui passionne la jeune fille. Margery suit sa scolarité dans un collège pour filles de Cambridge et prend aussi des cours de théâtre tout en désirant toujours devenir écrivain. Elle écrit son premier vrai roman, "Blackkerchief Dick" après la déclaration de guerre.  Dans le Londres d'après-guerre, elle fait toujours du théâtre en amateur et fréquente des milieux bohèmes. C'est là qu'elle rencontre son futur époux, le fils d'une famille d'artistes, Philip Yougman-Carter, écrivain, peintre et rédacteur en chef du journal "Tatler". Leur mariage a lieu en septembre 1927. Le jeune couple emménage dans un appartement d'Holborn Street où Philip conseille les essais littéraires de son épouse et dont il réalise parfois les illustrations. Avec "Crime à Black Dudley", Margery s'impose en 1929 comme une romancière policière : c'est aussi à l'occasion de ce roman qu'elle crée le personnage d'Albert Campion. Ce dernier sera le héros de toute une lignée d'autres romans très populaires. En 1931, Margery fait l'acquisition d'une maison au cœur du village de dans l'Essex : d'Arcy House. Elle lui sera dorénavant toujours associée.  Margery Allingham continue d'écrire jusqu'à sa mort, rencontrant toujours un beau succès et utilisant à trois reprises le pseudonyme de Maxwell March pour publier des romans sans Albert Campion. Son œuvre complète n'a malheureusement pas eu la chance d'être traduite à l'étranger dans des proportions comparables à celles dont ont bénéficié certaines de ses consœurs les plus célèbres. Elle passe les dernières années de sa vie dans l'ombre des infidélités de son mari et de la maladie qui la ronge. Elle s'éteint à d'Arcy House, sa propriété d'East-Anglia, atteinte d'une tumeur incurable.

Margery Louise Allingham (Londres, - Colchester, East Anglia, ) est une romancière britannique. Elle est considérée, dans les années 1930 et 1940, comme une figure importante de la littérature policière du whodunit, au même titre que Dorothy L. Sayers et Agatha Christie. Sa création la plus célèbre demeure le personnage d'Albert Campion, détective excentrique qui apparaît dans dix-sept romans et de nombreuses nouvelles.