Origine du nom.

Ces peintres sont appelés « les nazaréens » (de l'italien "i Nazareni"), en référence à Nazareth et donc à Jésus et aux premiers chrétiens, non pas par les tenants du groupe mais par des témoins et dans un sens péjoratif car les peintres en question prennent l'habitude de s'habiller et de se coiffer à la manière des personnages archétypaux bibliques représentés depuis la fin du Moyen Âge, notamment par les primitifs italiens.

Les fondateurs.

En 1809, six étudiants de l'Académie des beaux-arts de Vienne décident de fonder une sorte de corporation basée à Vienne et appelée "Lukasbund" (Confrérie de Saint-Luc), en référence à la fameuse guilde du même nom qui existait depuis le en Italie. En 1810, quatre d'entre eux, Johann Friedrich Overbeck, Franz Pforr, Ludwig Vogel et Johann Konrad Hottinger partent pour Rome dans le cadre du "Grand Tour", et s'installent dans le monastère abandonné de San Isidoro. Ils sont rejoints en 1810 par Philipp Veit, Peter von Cornelius, Julius Schnorr von Carolsfeld, Friedrich Wilhelm Schadow et quelques autres.

Histoire.

Ces élèves souhaitent ardemment un renouveau de la peinture allemande, qui vivait sous l'influence notable du romantisme germanique et du mouvement "Sturm und Drang", mais surtout du néoclassicisme. L'époque était agitée : outre l'impact des idées révolutionnaires française, la jeunesse subissaient l'influence de l"'Aufklärung" (« Les Lumières »), la sécularisation des biens ecclésiastiques, l'absolutisme et la monarchie constitutionnelle, tandis que le Saint-Empire romain agonissait aux alentours de 1806.  Ces six élèves, artistes à Vienne, définirent l'idéal nazaréen : le renouveau de l'art par la religion, en s'inspirant d'Albrecht Dürer et de Raphaël. De Vienne, ils partirent ensuite pour Rome. Le mouvement nazaréen allait ainsi devenir rapidement un mouvement collectif des régions catholiques du sud. Les peintres nazaréens, influencés à la fois par le catholicisme et le romantisme se donnèrent pour objectif de renouveler l'art religieux par l'étude des anciens maîtres italiens et allemands. Ainsi l'un des fondateurs du mouvement, Franz Pforr, déclara : Les artistes suivants effectuent un voyage en Italie fondateur d'un mouvement réclamant une évolution par rapport au néoclassicisme qui les lasse : Johann Friedrich Overbeck, Franz Pforr, Ludwig Vogel (Ludwig Vogel), Johann Konrad Hottinger (), dans le monastère abandonné de Saint-Isidore, à Rome. Les rejoignent Philipp Veit, Peter von Cornelius, Julius Schnorr von Carolsfeld, Friedrich Wilhelm Schadow (entre autres). Ils rencontrent le paysagiste romantique autrichien Joseph Anton Koch, qui deviendra le chef de file. Carl Joseph Begas s'inspire d'eux. En 1827, Joseph von Führich () se joint au mouvement.

L'académie des Beaux-Arts de Vienne.

Le mouvement artistique des nazaréens a débuté grâce à des élèves de l'académie des Beaux-Arts de Vienne. Cette académie avait une très bonne réputation dans toute l'Europe. Johann Friedrich Overbeck et Franz Pforr y ont commencé leur formation.  Le programme de l'académie, mis au point par Heinrich Friedrich Füger, était rigoureux, les aspects techniques l'emportant sur l'expression artistique. Des peintres comme Albrecht Dürer, Hans Helein, et Hans Baldung Grien étaient pris comme modèles.

La confrérie de Saint-Luc.

Certains des étudiants de l'académie pensaient qu'ils manquaient cruellement de formation dans le domaine de l'esprit, ce qu'ils considéraient comme essentiel : Pforr, qui s'inspire déjà des anciens peintres allemands, en qui il voyait l'expression des émotions, ce qui lui manque dans sa formation, se lie d'amitié avec Overbeck. Leur point commun : leur point de vue critique sur la formation de l'académie d'art de Vienne.  Le cercle d'amis s'élargit pendant l'été 1808 grâce à l'arrivée de Joseph Sutter, de Joseph Wintergarst, de Johen Kenrad Hotting, et de Ludwig Vogel. Les amis se réunissent pour parler de thèmes artistiques. Un an plus tard, quand les amis fêtent le premier anniversaire de leur rencontre, ils se sont baptisés en « confrérie de Saint-Luc ». Ils ont choisi saint Luc, comme les confréries anciennes de peintres depuis le Moyen Âge (cet évangéliste est le patron des peintres).  La confrérie de Saint-Luc est fort inspirée par le romantisme et les idées piétistes en vogue à l'époque. Ils ont bien sûr puisé dans les théories des romantiques allemands, comme William Henry Wackenroder, Friedrich Schlegel, Novalis et Ludwig Tieck.

La confrérie à Rome.

Franz Pforr, Overbeck, Vogel et Hottinger s'en vont pour Rome en 1810 et étudient là-bas leurs modèles italiens. Ils y ont alors occupé le monastère de San-Isidore vacant. Contrairement aux artistes qui ont précédemment fait le voyage, les Nazaréens ne cherchent pas la Rome de l'Antiquité, mais la Rome du Moyen Âge et la chrétienne.

« Nazaréen » qualifie un mouvement artistique formé au début du par un groupe d'artistes peintres originaires des pays germaniques : rattachés au romantisme, les nazaréens souhaitaient refonder et revitaliser l'art par la religion chrétienne, en ses valeurs spirituelles et morales.

The epithet Nazarene was adopted by a group of early 19th century German Romantic painters who aimed to revive spirituality in art. The name Nazarene came from a term of derision used against them for their affectation of a biblical manner of clothing and hair style.


Lutherie.

Le grand () et lourd corps du sarod est taillé dans un bois massif de teck coupé et évidé, puis recollé. Le manche est creux. La caisse de résonance hémisphérique est recouverte par une peau de chèvre collée. Un grand chevalet (sur pied) en os avec des trous et des sillets y repose, retenu à la base par deux cordelettes. La touche est recouverte par une plaque de métal lisse et brillante, large vers la table et étroite vers le chevillier. Il n'y a aucune frette ni ouïe, mais un résonateur ("tumbâ") amovible en bronze (ou en bois) est placé à l'arrière du manche.  Il y a deux sortes de sarod ; bien que de noms similaires, désignant des maîtres musiciens, ces instruments diffèrent par la manière dont ils sont encordés (il existe aussi des petites versions pour les enfants).  Cette version, la plus récente (fin ), a été élaborée par Allauddin Khan. Ce sarod a huit chevilles principales, dont quatre pour le jeu mélodique et quatre pour le jeu rythmique (sur un petit chevalet à part). Il a aussi deux cordes de "chikari", pour la rythmique rapide. Enfin il a quinze cordes sympathiques pour augmenter la résonance de l'instrument. Soit un total de 25 cordes métalliques (acier et bronze).  Cette version, la plus ancienne () et la plus proche du rabâb afghan, fut inventée et transmise par Ghulam Ali Khan à son petit-fils Haafiz Ali Khan. Ce sarod n'a que six chevilles principales, dont quatre de jeu, plus les "chikari" et onze cordes sympathiques, soit un total de 19 cordes. L'instrument légèrement moins long et moins lourd, sans résonateur arrière.

Jeu.

Le sarod se joue avec un petit plectre taillé dans une noix de coco, le "javâ", tenu entre le pouce et l'index droits. Le musicien est assis en tailleur par terre (parfois il croise la jambe droite sur le genou gauche), l'instrument reposant sur la cuisse droite, le manche horizontal, dirigé vers la gauche.  Les cordes de jeu sont typiquement accordées : SA-PA-SA-MA (DO-SOL-DO-FA), les "chikaris" étant à l'octave et les sympathiques accordées selon le râgâ.  On joue tous les râgâs sur le sarod, en déclinant "âlâp", "jhor" et "jhâlâ", puis les "gats" accompagnées aux tablâ ou au pakhawaj. C'est un instrument éminemment complexe du fait de son absence de frette (risque de fausse note) d'une part, et d'autre part du fait que les cordes huilées doivent être pincées par les ongles des doigts de la main gauche, contre la touche en métal, alors qu'elles sont assez hautes (risque de rater la corde ou qu'elle s'échappe ou que le son soit étouffé). Le sarod a été conçu pour un jeu continu en glissando. On ne tire pas les cordes pour les déclinaisons microtonales, mais on y glisse afin de les obtenir.  Cet instrument rivalise avec le sitar dans les concerts indiens, mais il est beaucoup plus sonore.  Il existait il y a peu une version basse, le sursingar et une autre jouée à l'archet.  Écoles ou "gharânâs" :  Les deux maîtres cités sont les représentants les plus éminents de deux écoles fondées par les descendants de lignées de musiciens de cour :

Le sarod (ou sarode) est un instrument de musique à cordes pincées apparu au au nord de l'Inde et utilisé en musique indienne classique. C'est un luth hybride issu du "dhrupad rabâb", un instrument indien ancien et du rabâb afghan. Le nom dérive peut-être du persan "sarûd" (chanter) car nombre de chanteurs s'accompagnaient ainsi.

The sarod or sarode is a stringed instrument, used mainly in Hindustani music on the Indian subcontinent. Along with the sitar, it is among the most popular and prominent instruments. The sarod is known for a deep, weighty, introspective sound, in contrast with the sweet, overtone-rich texture of the sitar, with sympathetic strings that give it a resonant, reverberant quality. It is a fretless instrument able to produce the continuous slides between notes known as meend (glissandi), which are important in Indian music.


Situation.

Permettant de relier depuis 1973 les rives européenne et asiatique du détroit du Bosphore, il est situé entre les quartiers d'Ortaköy (sur la partie européenne) et de Beylerbeyi (sur la partie asiatique).  Premier pont enjambant le Bosphore, il a depuis été rejoint par le pont Fatih Sultan Mehmet (également appelé « deuxième pont du Bosphore », et construit en 1988). Un troisième pont, le Yavuz Sultan Selim, a été inauguré le. Une voie ferrée empruntant un tunnel immergé, le Marmaray, permet également de traverser le détroit depuis 2013.

Caractéristiques.

Il s'agit d'un pont à travée suspendue unique, soutenu par des pylônes en acier et doté de suspentes diagonales. Long de, il a une portée de entre ses deux pylônes (à pleine charge, le pont s'affaisse environ au milieu de la travée), et la largeur du tablier est de. Les pylônes ont une hauteur de et la hauteur libre sous l'ouvrage est de.

Histoire.

La décision de construire un pont sur le Bosphore a été prise en 1957 par le Premier ministre Adnan Menderes. Pour le travail de l'ingénierie des structures, un contrat a été signé avec l'entreprise britannique Freeman Fox & Partners en 1968. Le pont a été conçu par les ingénieurs civils britanniques et, qui ont également conçu le pont du Humber, le pont sur la Severn, le pont sur le Forth, le Auckland Harbour Bridge et le Volta River Bridge.  La construction a débuté en février 1970, et les cérémonies de lancement des travaux ont été suivies par le président Cevdet Sunay et le Premier ministre Süleyman Demirel. Ce projet, réalisé par la firme turque Enka Construction & Industry Co. Inc. ainsi que par les cocontractants Cleveland Bridge & Engineering Co. Ltd. (Angleterre) et Hochtief AG (Allemagne), a réuni 35 ingénieurs et 400 ouvriers. Le pont, dont le coût de construction s'est élevé à 200 millions de dollars, a été achevé le, un jour après le de la fondation de la République de Turquie, et il a été ouvert par le Président Fahri Korutürk et le Premier ministre Naim Talu.  Lors de cette ouverture, le comédien américain et ambassadeur de bonne volonté de l'UNICEF Danny Kaye, vêtu comme un clown, a suivi les officiels avec un groupe d'enfants turcs. Lorsqu'une grande foule de personnes a commencé à courir après eux, le pont s'est mis à vibrer, et la foule a dû se retirer pour éviter tout dommage. L'ouverture de cet ouvrage à la circulation marque une étape importante dans l'histoire des transports, puisqu'il s'agit du premier pont jeté entre l'Europe et d'Asie depuis le ponton de Xerxès en 480. Ce pont flottant décrit par Hérodote, cependant, couvrait l'Hellespont (Dardanelles), à une certaine distance du Bosphore.  Le, le Premier ministre turc Binali Yıldırım a annoncé que le pont serait rebaptisé "pont des Martyrs du 15-Juillet", en hommage aux victimes de la tentative de coup d'état de la nuit du 15 au 16 juillet 2016.

Transport.

Le pont possède huit voies, chaque direction disposant en principe de trois voies pour la circulation des véhicules ainsi qu'une bande d'arrêt d'urgence et un trottoir. Le matin des jours de semaine, une voie supplémentaire est affectée à la circulation vers l'ouest (partie européenne), donc quatre des six voies sont ouvertes vers l'ouest et deux vers l'est seulement. De façon identique, le soir en semaine, quatre voies sont dédiées à la circulation vers l'est et deux voies seulement vers l'ouest. Le trafic est important entre les deux rives du détroit, et le 29 décembre 1997, le milliardième véhicule a franchi le pont.  Au cours des quatre premières années d'exploitation, les piétons pouvaient emprunter le pont, en accédant aux trottoirs grâce à deux ascenseurs à l'intérieur des pylônes. La circulation est actuellement réservée aux véhicules de transport de personnes. Aujourd'hui, près de passent chaque jour dans les deux directions, dont près de 85 % d'automobiles.  Le pont du Bosphore est payant, mais dans un seul sens de circulation, pour le passage de l'Europe à l'Asie. Les cabines de péage, au nombre de treize, sont situées à la sortie du pont sur la partie asiatique. Pour fluidifier le trafic, cinq de ces cabines sont équipées d'un système de télépéage (OGS, Otomatik Geçiş Sistemi) depuis le 3 avril 1999, sur les voies 9 à 13, du côté gauche de la chaussée. En 2005, un système de paiement par cartes magnétiques prépayées (KGS, Kartli Geçiş Sistemi) est mis en place. À compter du 3 avril 2006, les autres modes de paiement ne sont plus autorisés, et les espèces sont acceptées uniquement sur le pont Fatih Sultan Mehmet, à environ cinq kilomètres au nord. En 2006, le péage était de, soit environ.  Depuis avril 2007, le pont est illuminé pendant la nuit par un système d'éclairage entièrement informatisé composé de diodes électroluminescentes. Ce système proposant des motifs différents et permettant de faire varier les couleurs a été développé par Philips.

Autres usages.

Le pont est utilisé lors du marathon d'Istanbul, qui est organisé chaque année en octobre à partir de la partie asiatique d'Istanbul, traverse le pont sur le Bosphore et se termine dans la partie européenne. Lors de cette manifestation, les visiteurs d'Istanbul peuvent s'inscrire pour le « Fun Run » en de nombreux points de la ville et profiter de l'occasion pour franchir le pont à pied - beaucoup d'entre eux prenant un pique-nique pour profiter de la vue.  Le pont a été représenté sur le verso du billet de 1000 livres turc entre 1978 et 1986.  Le 15 mai 2005 à, heure locale, le pont a accueilli une rencontre sportive entre la championne américaine Venus Williams et la joueuse turque İpek Şenoğlu, cet événement devenant le premier match de tennis jamais joué sur deux continents. La manifestation a été organisée comme une promotion à venir de l'édition 2005 du WTA Istanbul Cup et a duré cinq minutes. Après leurs échanges, les joueuses ont jeté une balle de tennis dans le Bosphore.  Le 17 juillet 2005 à, heure locale, le conducteur anglais de Formule 1 David Coulthard a fait une séance de pilotage au volant de sa voiture de course Red Bull sur le pont du Bosphore. Il s'est élancé de la partie européenne vers la partie asiatique, a réalisé un tête-à-queue spectaculaire à l'aire de péage pour retourner du côté européen, avant de garer sa voiture dans le jardin du palais de Dolmabahçe, où sa démonstration avait commencé

Le pont du Bosphore (en turc "Boğaziçi Köprüsü"), aussi appelé premier pont du Bosphore, et depuis le 25 juillet 2016 pont des Martyrs du 15-Juillet (en turc "15. Temmuz Şehitler Köprüsü"), est l'un des trois ponts suspendus d'Istanbul, en Turquie.

The Bosphorus Bridge (), known officially as the 15 July Martyrs Bridge () and unofficially as the First Bridge (), is one of the three suspension bridges spanning the Bosphorus strait (Turkish: "Boğaziçi") in Istanbul, Turkey, thus connecting Europe and Asia (alongside Fatih Sultan Mehmet Bridge and Yavuz Sultan Selim Bridge). The bridge extends between Ortaköy (in Europe) and Beylerbeyi (in Asia).


Biographie.

Apprenti chez les peintres Antonio Vivarini et Giovanni d’Alemagna à Murano, puis à Padoue où il est influencé par Mantegna, Squarcione, Cosmè Tura et Donatello lui aussi dans cette ville dans les années 1450.  Dans les années 1460-1465 il se trouve à Zara en Dalmatie.  À partir de 1468, la carrière de Crivelli se déroule dans les Marches surtout dans sa partie méridionale, et plus exactement à Ascoli Piceno, et plus tard plus au nord (Camerino, Fermo).  C’est là, dans cette région, qu’il réalisera la plus grande partie de ses œuvres, commandes de Dominicains et de Franciscains qui rivalisaient dans la construction de vastes églises gothiques et dans l’occupation stratégique des cités. La plupart de ses œuvres y sont encore visibles et ont été recensées.  Son style se distingue par une ornementalité exacerbée qui place Crivelli en marge des grands courants artistiques de son époque, le style gothique flamboyant et le nouveau style antiquisant développé notamment par Mantegna.  Vittorio Crivelli, son frère, a été lui aussi peintre.

Œuvres.

Une grande partie de son œuvre est conservée à la National Gallery de Londres. Ces retables et tableaux, dont la célèbre "Annonciation", ont été acquis pour la plupart dans les années 1860-1870, car ils correspondaient au goût de la société anglaise à cette époque. La Pinacothèque de Brera à Milan comprend également une belle collection de peintures de Crivelli, formée à l'époque des spoliations napoléoniennes.

Polyptyques.

À l'exception du "Polyptyque d'Ascoli Piceno", dans la Chapelle du Saint-Sacrement de la Cathédrale d'Ascoli Piceno", et de La Vierge à l'hirondelle", à la National Gallery, Londres), tous les autres ont été démembrés et dispersés.

Carlo Crivelli (né vers 1430/1435 à Venise et mort vers 1494/1495 dans les Marches, probablement à Ascoli Piceno) est un peintre italien de la Renaissance.

Carlo Crivelli (Venice c. 1430 – Ascoli Piceno 1495) was an Italian Renaissance painter of conservative Late Gothic decorative sensibility, who spent his early years in the Veneto, where he absorbed influences from the Vivarini, Squarcione and Mantegna. He left the Veneto by 1458 and spent most of the remainder of his career in the March of Ancona, where he developed a distinctive personal style that contrasts with that of his Venetian contemporary Giovanni Bellini.


Une collection de référence au.

La création de la collection remonte à la première moitié du. C'est Auguste qui fonda en 1560 la Kunstkammer (Cabinet d'art), qui rassemblait toute sorte d'objets, dont des tableaux. Mais c'est surtout au, en une cinquantaine d'années, que les acquisitions d'Auguste le Fort et celles, encore plus nombreuses, de son fils Auguste III firent de la Galerie des peintures de Dresde l'une des plus célèbres d'Europe et une référence en matière de collection princière. Ainsi, l'objectif affiché par Caroline-Louise (1723-1783), épouse de Charles Ier de Bade, pour son cabinet de Karlsruhe, est de le rendre « supérieur à celui de Dresde ». La collection du prince Électeur de Saxe contribua ainsi à faire de Dresde une étape privilégiée des voyageurs européens du Grand Tour : l'un d'entre eux, en 1709, écrit ainsi que la Galerie « réunit ce que l'on ne trouve que disséminé dans toute l'Europe, même si c'est en plus grande quantité ».  Sous Auguste le Fort, la collection de peinture grandit et dut être séparée des autres objets pour être finalement placée au château de la Résidence ("Residenzschloss"). Puis, sous Auguste III, la Collection élut domicile dans le bâtiment des écuries royales, place du Nouveau Marché, à l'issue de récentes acquisitions du roi. En effet, celui-ci avait acheté en 1745 une centaine de toiles issues de la collection du duc de Modène. La pièce maîtresse de sa collection, "La Madone Sixtine", fut acquise en 1754. Par la suite, les finances royales imposèrent un sérieux ralentissement des acquisitions.  Auguste II le Fort et Auguste III accordaient une importance extrême aux acquisitions d'œuvres. En effet, ils espéraient par ce biais hisser leur État au niveau de prestige des principales puissances européennes. Le premier ministre lui-même, Heinrich von Brühl, aidé par son secrétaire Karl-Heinrich von Heineken, se chargeait de procéder aux acquisitions. Un réseau de peintres, marchands d'art et diplomates permettaient aux chefs-d'œuvre en provenance de toute l'Europe de venir compléter la collection.

Un destin agité à l'époque contemporaine.

Un bâtiment à la hauteur de la collection.

Le Semperbau, aile du Zwinger où se trouve encore aujourd'hui la "Gemäldegalerie Alte Meister", fut mis en chantier en 1847 d'après les plans de Gottfried Semper et ouvert au public le. Le besoin d'un édifice correspondant à la grandeur de la collection et aux exigences du se faisait ressentir depuis le début du et était affaire d'État.  Dans la première édition du catalogue consacré à la Galerie en 1856, Julius Hübner écrit : « Dans des salles attrayantes, dignes d'un véritable palais des arts, le nouveau musée présente sa collection de tableaux mondialement célèbre aux visiteurs qui, sitôt le seuil franchi, sont saisis par le caractère solennel des lieux. (...) Les chefs-d'œuvre de maîtres immortels, de toutes les écoles et de toutes les époques, présentés sous un jour nouveau, brillent et resplendissent doublement sous le regard enchanté des visiteurs. »

Une collection ballotée par les guerres du.

En 1937, sous l'ère du national-socialisme, le département des peintures modernes, séparé des autres peintures depuis 1916 à cause de la taille de la collection, se vit privé de chefs-d'œuvre déclarés « art dégénéré ». Avant même le début de la guerre, la Galerie dut fermer ses portes, en 1938.  En 1942, les attaques aériennes furent nombreuses ; en conséquence, les tableaux durent être évacués. Ils furent mis à l'abri dans des endroits sûrs et éloignés comme le tunnel de Cotta des grésières de Rottenwerndorf et dans les mines de calcaire de Pockau-Lengenfeld.  Le, Dresde fut bombardée par les Anglais et les Américains, et une partie de la Galerie n'y échappa pas. Mais c'est l'Armée rouge qui en profita : lorsqu'elle entra dans la ville, des "Commissions chargées des trophées" furent chargées de sélectionner des œuvres que l'armée a ensuite confisquées. On les croyait perdues pour toujours et un musée central avec ce qu'il en restait fut établi dans le château de Pillnitz, épargné par les bombes.  En 1955 une nouvelle parvint : l'URSS décidait de rendre les œuvres « empruntées » à la ville de Dresde. Des expositions de la collection furent organisées à Moscou puis à Berlin avant de retrouver définitivement Dresde et son public dans un nouvel écrin, puisque la Galerie subit de grands travaux de reconstruction afin de pouvoir accueillir ces œuvres.

Les œuvres.

Les points forts de la collection comptent la peinture italienne de la Renaissance, dont des œuvres de Raphaël ("Madone Sixtine"), Giorgione ("Vénus endormie"), Sandro Botticelli ("Dernier miracle de Saint Zénobie"), de Palma le Vieux ("Nymphe dans un paysage") et du Titien ("Le Paiement du Tribut", "Portrait d'une dame en blanc"), ainsi que la peinture maniériste et baroque.  À cela, on peut encore ajouter des noms de peintres italiens comme Andrea Mantegna ("La Sainte Famille"), Le Tintoret ("Le Combat de l'Archange Saint Michel avec Satan", "La Délivrance d'Arsinoé"), El Greco ("Jésus-Christ guérissant l'aveugle"), Paul Véronèse ("L'Adoration des mages"), Le Corrège ("La Madone de Saint Georges") ou Annibale Carrache ("Portrait de Giovanni Gabrielli jouant du luth"). La galerie présente aussi des chefs-d’œuvre de la peinture allemande et néerlandaise d’avant les temps modernes, comme des œuvres de Jan van Eyck ("Triptyque de la Vierge"), Albrecht Dürer ("Portrait de Bernhart von Reesen, panneaux du Polyptyque des Sept Douleurs"), Lucas Cranach l'Ancien ("Henri le Pieux", "Portrait d'Henri IV de Saxe et Catherine de Mecklembourg") et Hans Holbein le Jeune ("Charles de Solier, Sire de Morette"). Les œuvres de la peinture hollandaise et flamande du qui y sont présentées ne sont pas moins importantes, notamment des tableaux de Rembrandt ("Les noces de Samson", "Double portrait de Rembrandt et Saskia"), Jan Vermeer ("Femme lisant une lettre", "Chez l'entremetteuse"), Pierre-Paul Rubens (19 toiles, dont "La Chasse au sanglier", "Bethsabée à la fontaine") et Antoine van Dyck ("Silène ivre", "Saint Jérôme"). Le musée possède en outre des œuvres du d’artistes espagnols comme Diego Vélasquez ("Portrait de Juan Mateos"), Bartolomé Esteban Murillo ("La Vierge et l'Enfant Jésus") ou José de Ribera ("Sainte Agnès") et français, comme Le Lorrain ("Paysage avec la fuite en Égypte"), Nicolas Poussin ("L'Empire de Flore"), Antoine Watteau ("Réunion champêtre"), Jean-Francois Millet ("Paysage avec un pont") ou Valentin de Boulogne ("Le Tricheur"). Le est marqué par plusieurs tableaux du début de la carrière du peintre italien de vedute Canaletto, ainsi que par un tableau du peintre suisse Jean-Étienne Liotard.

La Galerie aujourd'hui.

La galerie attire des centaines de milliers de personnes par an (569.583 visiteurs en 2011). Le bâtiment a été profondément restauré pour la dernière fois en 1992. Elle accueille parfois des expositions temporaires, notamment l'exposition "Le Jeune Vermeer" en 2010, qui regroupait notamment quatre tableaux du maître aux 36 œuvres seulement. Mais d'autres expositions de peintres de renom y ont été organisées, dernièrement sur Titien, Giambattista Pittoni ("Morte di Agrippina") ou encore Canaletto.

La ("Galerie de Peinture des Vieux Maîtres") est un musée d'art des Collections nationales de Dresde situé dans le Semperbau du palais Zwinger, à Dresde, en Allemagne. Elle ne doit pas être confondue avec la Gemäldegalerie Alte Meister de Cassel.

The Gemäldegalerie Alte Meister (, "Old Masters Gallery") in Dresden, Germany, displays around 750 paintings from the 15th to the 18th centuries. It includes major Italian Renaissance works as well as Dutch and Flemish paintings. Outstanding works by German, French and Spanish painters of the period are also among the gallery's attractions.


Biographie.

Le joueur d'échecs.

Champion de Léningrad.

Taïmanov remporta le championnat de Léningrad à cinq reprises : en 1948, 1950, 1952, 1961 ("ex æquo" avec Boris Spassky) et 1973.

Champion d'URSS.

De 1948 à 1976, Mark Taimanov a participé à 23 finales du championnats d'URSS sur 29, dont 13 consécutives de 1951 à 1963 — durant cette période, il ne fut absent d'une finale que six fois : en 1950, 1964-1965, 1968-1969, 1970, 1972 et 1975. Il établit ainsi un record que seul Efim Geller parvint à égaler. Malgré ces nombreuses participations, il ne termina que deux fois premier "ex-æquo" et ne remporta le titre qu'une seule fois après un départage. En 1952, il partagea la première place du XX championnat avec Mikhail Botvinnik (+11 -3 =5), mais perdit le match de départage contre le champion du monde (+1 -2 =3).  En 1956, il obtint la -3 place du XXIII championnat (+8 -2 =7) et conquit le titre après un match-tournoi de départage contre Youri Averbakh (=2) et Boris Spassky (+2).  En outre, il partagea sept fois la deuxième ou la troisième place : en 1949 (3-4), 1954 (2-3), 1962 (2-3), décembre 1965 (), 1966-1967 (3-5), décembre 1967 (3-5) et octobre 1969 (3-5, se qualifiant pour le tournoi interzonal de Palma de Majorque en 1970).

Tournois interzonaux, tournoi et match des candidats.

Mark Taïmanov a participé à trois tournois interzonaux et à deux tournois des candidats.

Tournoi des candidats de 1953.

Sa première place au championnat d'URSS, en 1952, lui permit de participer au tournoi interzonal de Stockholm, disputé la même année, où il termina à la 2-3 place (+7 =13), ce qui lui permit d'accéder au tournoi des candidats de 1953. Au tournoi des candidats de 1953 à Zurich, il ne termina qu'à la 8-9 place (+7 -7 =14). Aux championnats d'URSS 1955 (7-8), 1958 (12-13), février 1961 (10-11), 1963 (14-15), 1966-1967 ( au départage), qui étaient des sélections pour le championnat du monde, il ne parvint pas à se qualifier pour le tournoi interzonal.

Match des candidats contre Fischer (1971).

En 1969, sa 3-5 place au championnat d'URSS lui ouvrit les portes du tournoi interzonal de Palma de Majorque, en 1970, où sa 5-6 place (+8 -3 =12) le qualifia pour les matchs des candidats. En 1971, après le changement de formule de la sélection des candidats — des matchs éliminatoires à la place d'un tournoi — et sa qualification à Palma de Majorque, il fut opposé en quart de finale des matchs des candidats à Bobby Fischer qui le battit sèchement (aucune victoire, aucune partie nulle et 6 parties perdues, 0-6). Sa lourde défaite contre l'Américain fut très mal accueillie par les autorités soviétiques et le salaire de Taïmanov fut diminué. De plus, à son retour de Vancouver où le match avait eu lieu, les douanes découvrirent dans ses bagages un livre d'Alexandre Soljenitsyne, interdit en URSS. Cette infraction lui valut une interdiction de participer à des tournois en Occident. En guise de désapprobation le Comité d’État des sports de l'URSS lui retire également son titre de maître émérite du sport de l'URSS. Il fut aussi déchu de son titre de maître ès-sports de l'URSS qu'il ne récupéra qu'en 1991. Dans le volume 4 de "My Great Predecessors", Garry Kasparov laisse entendre qu'il s'agissait d'un coup monté.

Tournoi interzonal de 1973.

Au tournoi interzonal de 1973, à Leningrad, sa modeste 8-10 place (+3 -3 =11) l'élimina de la course au titre.

Victoires dans les tournois internationaux.

Taïmanov fut aussi vainqueur, seul ou "ex æquo" de nombreux tournois internationaux :  En outre, lors du mémorial Alekhine de Moscou 1956, Taïmanov finit troisième derrière les champions du monde Botvinnik et Smylov, et devant Bronstein, Kérès, Gligoric, Najdorf, Pachmann, Stahlberg et Unzicker. En 1967, Il termina deuxième du mémorial Capablanca à La Havane, derrière Larsen et devant Smyslov, Gligoric et Polougaïevski.

Compétitions par équipes.

Championnat d'URSS par équipes.

Taïmanov participa à quinze reprises à cette compétition dans les rangs de l'équipe de Leninigrad. Elle remporta la médaille d'or en 1960 et 1962, d'argent en 1948, 1955, 1958, 1959 et 1969 et de bronze en 1975 et 1983.

Olympiade de 1956.

Curieusement, Taïmanov ne fut sélectionné qu'une seule fois pour défendre les couleurs de l'URSS qui remporta la médaille d'or de cette édition. En 1956, à Moscou, il fut premier remplaçant, marqua 8,5 points sur 11 (+6 =5) et reçut la médaille de bronze individuelle.

Championnats d'Europe par équipes.

Taïmanov fut retenu pour les quatre premières éditions du championnat d'Europe d'échecs des nations que l'URSS remporta.

Match URSS contre le Reste du Monde (1970).

En 1970, lors du match URSS - Reste du monde à Belgrade, Taïmanov joua au et fut opposé à Wolfgang Uhlmann qu'il domina : 2,5 à 1,5 (+2 -1 =1).

Coupe d'Europe des clubs.

En 1976, Taïmanov remporta la première coupe d'Europe des clubs d'échecs avec le club du Bourevstnik.

Champion du monde des vétérans.

Taïmanov a remporté le Championnat du monde des vétérans à deux reprises, en 1993 et 1994.

Deux parties.

Mark Taïmanov - Tigran Petrossian, Tournoi des candidats de Zurich 1953.  1.d4 Cf6 2.c4 e6 3.Cc3 Fb4 4.e3 c5 5.Fd3 0-0 6.Cf3 d5 7.0-0 Cc6 8.a3 Fxc3 9.bxc3 b6 10.cxd5 exd5 11.Ce5 Dc7 12.Cxc6 Dxc6 13.f3 Fe6 14.De1 Cd7 15.e4 c4 16.Fc2 f5 17.e5 Tf7 18.a4 a5 19.f4 b5 20.axb5 Dxb5 21.Fa3 Cb6 22.Dh4 De8 23.Tf3 Cc8 24.Fa4 Td7 25.Tb1 Dd8 26.Fxd7 Dxd7 27.Tg3 Ca7 28.Fe7 Ff7 29.Dg5 Fg6 30.h4 Cc6 31.Fa3 Cd8 32.h5 Ce6 33.Dh4 Ff7 34.h6 g6 35.Df6 Dd8 36.Fe7 Dc7 37.Txg6+ hxg6 38.h7+ Rxh7 39.Df7+ Cf7 40.Rf2 1 - 0  Anatoli Karpov - Mark Taïmanov, Léningrad, 1977  1.e4 c5 2.Cf3 Cc6 3.d4 cxd4 4.Cxd4 a6 5.c4 e5 6.Cb3 Cf6 7.Cc3 Fb4 8.f3 0-0 9.Fe3 d6 10.Tc1 b6 11.Fd3 Fc5 12.Dd2 Fe6 13.Cxc5 bxc5 14.0-0 Cd4 15.Cd5 Cd7 16.f4 Tb8 17.f5 Fxd5 18.cxd5 Db6 19.Tf2 f6 20.Tc4 a5 21.Ta4 Ta8 22.De1 Ta7 23.b3 Tfa8 24.Tb2 Dc7 25.Fd2 Cb6 26.Txa5 c4 27.Ff1 Txa5 28.Fxa5 Dc5 29.Fxb6 Dxb6 30.Rh1 cxb3 31.axb3 g6 32.fxg6 hxg6 33.b4 Rg7 34.b5 f5 35.exf5 Cxf5 36.Tb3 Dd4 37.b6 Ta1 38.Tb1 Cg3+ 39.hxg3 Ta8 0 - 1

Le musicien.

Parallèlement à sa carrière de joueur d'échecs, Taïmanov connut une brillante carrière de pianiste. Il est possible que cette seconde activité et les déplacements qu'elle occasionnait aient limité ses performances dans le domaine des échecs. Bien qu'originaire d'Ukraine, il passa son adolescence à Léningrad où la musique, sa seconde passion, l'amena au Conservatoire. Il y fit la connaissance de sa future épouse, Lioubov Brouk, avec qui il joua, dès l'âge de douze ans, des œuvres pour deux pianos.  Devant la menace de l'invasion allemande, le Conservatoire de Léningrad fut évacué vers Tachkent où Taïmanov passa les années de guerre. Dans les années 1950 et 1960, le duo qu'il formait avec son épouse donna de nombreux concerts dans les pays du bloc soviétique.  Ses déboires avec les autorités à la suite du match contre Bobby Fischer conduisirent à sa séparation d'avec Lioubov et à la fin de leur duo. Dès lors, Taïmanov se produisit en concert en tant que soliste.  En 1998, Philips édita des enregistrements du duo Brouk - Taïmanov dans la série des « "Grands pianistes du " ».

Mark Ievguenievitch Taïmanov (en ), né le à Kharkov (RSS d'Ukraine), URSS et mort le à Saint-Pétersbourg (Russie), est un joueur d'échecs soviétique, puis russe, et un pianiste de renommée internationale.

Mark Evgenievich Taimanov (; 7 February 1926 – 28 November 2016) was one of the leading Soviet and Russian chess players, among the world's top 20 players from 1946 to 1971. Also a prolific chess author, Taimanov was awarded the title of Grandmaster in 1952 and in 1956 won the USSR Chess Championship. Several chess variations are named after him. A modern Renaissance man, Taimanov was also a world-class concert pianist.


Biographie.

Orpheline ayant perdu ses parents lors de la Première Guerre mondiale, Sabiha rencontre Mustafa Kemal Atatürk lors d'une visite de ce dernier à Bursa en 1925. Elle avait douze ans, et voulait étudier dans un internat. Atatürk l'a adoptée quand il a entendu parler de ses conditions de vie difficiles. Elle a d'abord fréquenté le collège "Çankaya" à Ankara, puis le lycée d'Üsküdar pour filles ("Üsküdar Kız Lisesi") à Istanbul.  Le, après l'entrée en vigueur en Turquie de la loi sur les noms de famille, Atatürk lui donna le nom de "Gökçen". "Gök" signifie « le ciel » et "Gökçen" signifie littéralement « céleste, qui appartient au ciel ». Mais elle n'était pas encore aviatrice, elle le deviendra six mois plus tard.  Atatürk qui mit beaucoup d'espoir dans le futur de l'aviation, créa une école d'aviation, "Türk Kuşu" (littéralement « l'oiseau turc »). Sabiha était à ses côtés lors de l'inauguration de l'école le. Après une parade de planeurs et de parachutistes étrangers, il lui proposa de devenir parachutiste, ce qu'elle accepta et c'est ainsi qu'il l'inscrit dans cette école en tant que première femme stagiaire. Mais ce qui l'intéressa surtout, fut de pouvoir piloter un avion. Elle s'initia tout d'abord au vol à voile, et obtint rapidement son permis de pilote. Elle fut ensuite envoyée en Union soviétique avec huit autres personnes pour parfaire sa formation. Au début de l'année 1936, Atatürk lui demanda de rejoindre l'Académie de l'armée de l'air turque pour y suivre une formation au combat. Elle devint ainsi la première femme pilote de chasse au monde, et la première femme turque pilote militaire. Elle vola sur Breguet 19 et Curtiss F11C Goshawk. Elle apprit à piloter des bombardiers au sein du aérien dans la base d'Eskişehir.  En 1937, elle prit part avec l'aviation militaire turque à la répression du Dersim, qui a fait plusieurs dizaines de milliers de morts dans les populations kurdes de la région.  En 1938, elle effectua un vol de plus de cinq jours au-dessus des Balkans à bord d'un bombardier Vultee V-11GB. Plus tard, elle fut nommée entraîneur en chef de la "Türk Kuşu" où elle a servi jusqu'en 1955. Elle devint ensuite membre du conseil exécutif de l'aviation turque. Sabiha Gökçen vola autour du monde pendant près de 28 ans, jusqu'en 1964, totalisant plus de heures de vol sur une quinzaine de types d'appareils.  En 1981, pendant les célébrations du centième anniversaire de la naissance de Atatürk, l'Association aéronautique turque publia "Ma vie sur les pas d’Atatürk".  L'aéroport international Sabiha Gökçen à Istanbul porte son nom.  Elle fut une source d'inspiration pour de nombreuses femmes pilotes, et la Fédération aéronautique internationale a créé en 2002 en sa mémoire une médaille qui porte son nom, médaille « réservée aux femmes qui ont accompli des exploits remarquables dans les sports aériens ».

Origines.

En, l'hebdomadaire turco-arménien "Agos", édité en turc et en arménien à Istanbul, publie une information qui démontre que Sabiha Gökçen serait en réalité une orpheline arménienne ayant perdu ses parents pendant le génocide arménien de 1915 et recueillie en 1925 par Mustafa Kemal Atatürk lors d'une visite de ce dernier dans un orphelinat de la région d'Urfa (Sud-Est anatolien).  Cette révélation suscite immédiatement la polémique dans la presse turque. L'état-major de l'armée turque, en particulier, diffuse un communiqué condamnant ce type de révélations qui, selon lui, portent atteinte aux valeurs nationales.  Selon le linguiste et historien turc d'origine arménienne Pars Tuğlacı, Sabiha Gökçen serait effectivement d'origine arménienne mais elle aurait été recueillie non pas à Urfa, mais à Bursa (Ouest) où sa famille avait été déportée en 1915.  Par ailleurs, le rédacteur en chef d"'Agos", Hrant Dink explique qu'il a publié cette information sur la base des témoignages d'une nièce de Sabiha Gökçen venue d'Arménie et de documents et photos publiés sur cette affaire au Liban et en Arménie. Hrant Dink rappelle aussi que si cette révélation s'avérait, cela ne ferait que valoriser Mustafa Kemal Atatürk, sa compassion envers les victimes arméniennes (occultant pour l'occasion les bombardements du Dersim en 1937-38 où nombre d'Arméniens demeuraient après y avoir pris refuge en 1915). Dink rappelle que Mustafa Kemal Atatürk n'avait pas participé aux politiques du Parti Union et Progrès et avait été, au contraire, un rival d'Ismail Enver et de Talaat Pacha.  En, l'affirmation est répétée dans "Today's Zaman", version en anglais du journal "Zaman".  Par contre, Gülşah Çeliker, réalisateur lié au pouvoir, diffuse un documentaire sur Sabiha Gökçen sur la télévision publique turque (TRT) et déclare en 2004 : « Cela fait trois ans que je mène des investigations sur la vie de madame Sabiha Gökçen et je n’ai jamais rien trouvé qui indique qu’elle ait été arménienne. Par ailleurs, de nombreuses erreurs existent dans les informations qui sont relatées. Si Sabiha Gökçen avait été adoptée à l’âge de 5-6 ans comme c’est soutenu, en 1935, lors de son vol, elle aurait eu 15 ans. Or, en 1935, elle en avait 22! » Ce qui n'est pourtant pas la version du journal "Agos", d'accord avec une naissance en 1913. Gülşah Çeliker évoque aussi les "Mémoires" de S. Gökçen, parus en 1981, dans lesquelles elle ne revendique aucune ascendance arménienne. L'ancien général d'aviation Ahmet Ergönen, qui fut aussi secrétaire général de l'Association aéronautique turque, a fait valoir, dans "Hürriyet", que « Les citoyens [turcs] d’origine arménienne ont accédé aux plus hautes fonctions de l’État, que ce soit durant la période ottomane ou celle de la République, et n’ont jamais dissimulé leurs origines [allusion à des personnalités comme Berç Keresteciyan Türker]. Si madame Gökçen avait été arménienne, je ne vois pas pourquoi elle l’aurait caché. »

Sabiha Gökçen (, Bursa -, Ankara) est la fille adoptive de Mustafa Kemal Atatürk, fondateur de la République de Turquie. Elle est la première femme turque pilote et pionnière dans l'aviation (bien qu'elle ait été précédée dans l'aventure de l'aviation par Belkıs Şevket Hanım).

Sabiha Gökçen (; 22 March 1913 – 22 March 2001) was a Turkish aviator. She was the world's first female fighter pilot, aged 23. Others such as Marie Marvingt and Evgeniya Shakhovskaya preceded her as military pilots in other roles, but not as fighter pilots and without military academy enrollment. She was an orphan, and one of the thirteen adopted children of Mustafa Kemal Atatürk.


Biographie.

Jeunesse.

Sur sa jeunesse bisontine on ne sait rien mais beaucoup de légendes ont couru (maître de musique de Palestrina, maître de chapelle à Besançon...). Rien de tout cela n’est attesté et les premières traces qu’on a de lui sont parisiennes.  On ne dispose pas d’éléments concrets pour estimer correctement sa date de naissance. Compte tenu qu’en 1549 il était déjà un professionnel établi à Paris, on peut risquer la fourchette 1515-1525. Sa mort prématurée en 1572 le placerait alors dans la cinquantaine.

Paris : 1549-1555?

Arrivé à Paris, il fait paraître ses premières chansons chez Nicolas Du Chemin en 1549. Elles paraissent régulièrement chez cet imprimeur, jusqu’en 1557. La rapidité avec laquelle il se fait connaître - outre les chansons, il publie chez le même imprimeur des motets entre 1551 et 1554, le premier livre de psaumes en forme de motets en 1551 et une messe en 1552 - montre qu’il a déjà un métier certain ; ceci laisse supposer qu’il a pu exercer la musique avant la fin des années 1540 mais rien n’a transparu sur d'éventuels emplois jusqu’ici.  La dédicace de son premier livre de psaumes faite à Jean II Brinon, un riche humaniste parisien qui soutenait et rassemblait autour de lui les membres de la Pléiade, montre qu’il était déjà en relation avec les poètes et les musiciens parisiens les plus novateurs ; et c’est sans doute par son intermédiaire qu’il pénètre dans le milieu ronsardien. Avec Pierre Certon, Clément Janequin et Marc Antoine Muret il fait ainsi partie des quatre compositeurs qui constituent le supplément musical de l’édition des "Amours" de Ronsard, sortie en 1552 chez la veuve de Maurice de La Porte.  Mais la dédicace qu’il offre à Jean Brinon montre également qu’il est déjà sensibilisé aux idées de la Réforme, déclarant vouloir composer de la musique spirituelle sans se limiter aux œuvres profanes, souvent taxées d’impudicité - la suite de cette collection de psaumes en forme de motets montrera son attachement fort à cette mouvance.  En fait, c’est un acte notarié passé avec son imprimeur Nicolas Du Chemin le 17 août 1555 qui donne des éléments concrets sur sa situation parisienne. Cet acte rompt une association passée avec Nicolas Du Chemin à une date non précise (antérieure à 1553, remontant peut-être à 1549 ou 1551?). Goudimel y est dit musicien, correcteur, et étudiant en l’Université de Paris.L’acte précise qu’il était correcteur chez Du Chemin, depuis une date non précisée (sans doute a-t-il succédé en cela au musicien Nicole Règnes, qui signe un contrat avec Du Chemin en 1548). Ce contrat semble s’être doublé de la possibilité, pour Goudimel, de coéditer certaines éditions de Du Chemin, car leurs noms accolés ne se trouvent côte à côte que dans l’adresse de trois éditions :  Outre ceci, Goudimel insère un poème latin dans un recueil latin de 1554 ("Moduli undecim festorum" (RISM 1554, Lesure 1953 n° 37) dans lequel il souligne la bonne correction de l’ouvrage. Le contrat prévoit que Du Chemin paiera 50 lt à Goudimel pour racheter les exemplaires encore en sa possession et vaut solde de tout compte.  Ce métier de correcteur chez Du Chemin l’a mis naturellement en contact avec nombre de compositeurs du temps. Comme François Lesure le remarque, la collaboration Goudimel - Du Chemin pourrait correspondre à la période 1549-1555, durant laquelle parait la collection des onze livres de chansons nouvelles, qui contiennent tous des chansons de Goudimel. Après 1555, on observe que Goudimel « passe » chez Le Roy & Ballard, et qu’en 1556-1557 Du Chemin édite surtout des monographies. Les 12e et 13e livres de chansons nouvelles ne paraissent qu’en 1557. Tout cela pourrait révéler sinon une mésentente, tout au moins les préparatifs d’un départ pour Metz. Peut-être la mort de Brinon en 1555 l'a-t-elle aussi privé de quelques soutiens. Cette année 1555, qui marque la fin de son travail avec Du Chemin, fut toutefois fort active, car Goudimel publie deux monographies : sa musique sur les "Odes" d’Horace et ses chansons spirituelles sur les vers de Muret.  À la fin de cette période parisienne, on connait deux documents du 2 et du 11 avril 1554 qui montrent que Goudimel est allé s’acquitter d’une requête à lui faite par François Bonvalot, administrateur de l’évêché de Besançon : il s’agissait de retrouver des antécédents judiciaires sur un musicien dénommé Claude Boni, datant de 1549, avec qui Bonvalot était en procès. Ces actes montrent à tout le moins que Goudimel avait gardé contact avec des Bisontins influents.

Metz : 1557-1567.

Commence alors une seconde période de sa vie, qui dure de 1557 à 1567, où il réside à Metz. La première trace qu’il laisse là date du 20 juin 1557 ; c’est la dédicace de son "Tiers livre de psaumes en forme de motets", offerte à Claude Belot, avocat au Parlement de Paris. Comme la dédicace à Brinon de 1551, elle exprime un regret de s’être consacré à la musique profane (les "Odes" d’Horace en l’occurrence) et le désir de « quitter la prophane lyre du prophane poëte Horace, pour me mettre en main, et hardiment entreprendre de toucher et manier la harpe sacrée de nostre grand David ».  Il y est encore en 1562, quand il dédie la première version de ses psaumes homophoniques au maréchal de Vieilleville, gouverneur de Metz, et toujours en 1564, quand il adresse la seconde version homophonique de ses psaumes à Jacques de Montberon, commandeur de Metz en l’absence dudit maréchal.  Son intégration dans la communauté protestante se traduit par deux parrainages. Depuis le début des années 1560 cette ville était assez acquise à la foi réformée, pour qui d’Ausances et Senneton étaient bienveillants. L’évolution des Guerres de religion fit que la réaction catholique s’y fit sentir de plus en plus durement, au point que nombre de protestants quittèrent la ville à partir de 1567. Le 6 avril 1569, un édit royal bannit les protestants de Metz.  Cette période messine est celle où Goudimel termine la collection des psaumes en forme de motets (livres III à VIII) ; il travaille aussi d’arrache-pied aux trois versions de son psautier (83 psaumes de 1562 en style homophonique, 150 psaumes de 1564 en style homophonique, 150 psaumes de 1568 en contrepoint fleuri). Ses premières éditions paraissent toutes chez Le Roy & Ballard, de qui Goudimel est alors un des compositeurs le plus publié, comme Orlande de Lassus. C’est de cette période aussi que daterait la composition de la musique adaptée aux "Vingt-six cantiques" de Louis Des Masures (1564), qui est restée anonyme. Des Masures habitait également à Metz à cette époque.  Goudimel quitte Metz vers 1567-1567. Un passage d'un des "Poemata" de Louis Des Masures suggère que celui-ci aurait pu confier à Goudimel l'éducation de son fils en 1569, à Metz. Quoi qu'il en soit, cette époque coïncide avec la fin de la composition de ses psaumes en forme de motet.

Besançon et Lyon?

La dernière période de sa vie est plus floue. Il rencontre le poète Paul Schede dit Melissus, probablement à Besançon, lors du premier voyage de ce dernier en France. Il s’ensuit une correspondance en latin entre le musicien et le poète, dont on connait deux lettres, publiées par ce dernier dans son recueil poétique "Melissi Schediasmatum reliquiæ" (Francfort, 1575), à quoi s’ajoute une pièce néo-latine offerte à Goudimel en lui donnant un anneau (même source). Une première lettre, écrite le 30 novembre 1570, sans lieu, évoque une pièce composée sur les vers de Melissus, pour laquelle il regrette de n’avoir pu passer plus de temps. Le seconde, écrite de Lyon le 23 août 1572 - quelques jours seulement avant sa mort - évoque à nouveau la mise en musique d’une œuvre de Melissus, un voyage fait à Besançon pour soutenir un procès durant deux mois (à propos d’un prêt d’argent non remboursé), enfin une mauvaise fièvre contractée durant un mois juste après son retour à Lyon.  En 1572 paraissent les "Opuscules poétiques" de Pierre Enoc de La Meschinière (Genève : Jacques Stoer, 1572, in-8°), un poète genevois résidant à Lyon à cette époque. Ce recueil de pièces poétiques ne contient pas moins de six pièces dédiées à Goudimel (sans faire référence à sa mort) : deux sonnets ("Lorsque tu viens dessiller tes deux yeux", et "Va t'en gentil cousteau", le second écrit à l'occasion du don d'un couteau au musicien par le poète), une épigramme ("Or qu'à bon droit je veux bien accuser"), une pièce "J'ai toujours estimé que sous meme planette", une ode spirituelle longue de 39 strophes mise en musique par Goudimel "Voyant tous les faits, les torts, les mesfaits...", enfin une pièce en dialogue intitulée "Le portrait de la vraie justice" : "Mais di-moy qui tu es, et quel beau nom tu portes". Ce recueil contient aussi des pièces destinées à Melissus, Jean Antoine Sarrazin, Théodore de Bèze ou de Simon Goulart. C'est dire la force des amitiés littéraires nouées par Goudimel à la fin de sa vie et son intégration dans un cénacle humaniste et protestant ou circulent lettres, pièces néolatines, poésie française et musique.  De la seconde lettre de Goudimel à Melissus il ressort que Goudimel semble s’être à l’époque établi à Lyon ; c’est là qu’il travaille à des "contrafacta" spirituels sur des chansons d’Arcadelt, publiés par Jean II de Tournes en 1572. La ville, qui avait été gouvernée par les protestants en 1562 et 1563, était encore accueillante pour la foi réformée depuis l’édit de pacification d’août 1570. Peut-être a-t-il retrouvé là des membres de la famille Senneton (qui étaient ici imprimeurs et consul).  Le "Discours du massacre de ceux de la religion reformée, fait à Lyon, par les catholiques romains, le vingthuictieme du mois d'aoust et jours ensuyvans, de l'an 1572", publié par le pasteur Jean Rigaud (Lyon, 1574) précise que Goudimel fait partie des protestants massacrés dont les corps ont ensuite été jetés dans le Rhône :  Le massacre de Goudimel a suscité de nombreuses pièces funèbres et épitaphes dans les publications musicales ou poétiques parues peu après, dues à Jean Antoine Sarrazin, Simon Goulart, A. Du Cros, Johannes Posthius ou autres. Notamment, quatre pièces en son honneur figurent au début de la "Fleur des chansons des deux plus grands musiciens de notre temps, à sçavoir O. de Lassus et C. Goudimel..." publiée par Jean II de Tournes sous la fausse adresse de Jean Bavent, en 1574. Elles émanent du même cénacle que celui qui apparaît dans les "Opuscules poétiques" de Pierre Enoch : lui-même, Jean Antoine Sarrazin, Joseph Du Chesne, seigneur de la Violette.  De la fréquentation de l'Université, que Goudimel exerçait encore en 1555, des liens qu'il a eus à Paris avec Brinon, Ronsard et Muret, de son intérêt pour les "Odes" d'Horace, des échanges qu'il a eus avec Enoch, Melissus et leurs amis, de ses pièces liminaires développées, il ressort que Goudimel a reçu une éducation humaniste poussée.  On possède de Goudimel un portrait gravé, anonyme, conservé à New York PL et dont l'attribution à Goudimel ne provient que d'une mention au crayon. En hommage à ce compositeur, la ville de Besançon a baptisé une rue de son nom.

Œuvres.

L’œuvre de Goudimel a été entièrement publié : Claude Goudimel, "Oeuvres complètes", éd. P. Pidoux et autres. Brooklyn : Institute of Medieval Music, 1967–1983, 14 vol.

Musique sacrée : messes.

Les 5 messes de Goudimel sont publiés dans le vol. XII des "Œuvres complètes".

Musique sacrée : motets.

Les 10 motets connus (de 3 à 5 v.) de Goudimel et ses 3 Magnificat sont publiés dans le vol. XI des "Œuvres complètes".  Hormis un motet publié à Anvers chez Tielman Susato (1554) et un autre à Nuremberg chez Montanus et Neuber (1559), les autres paraissent à Genève dans la collection de tout petit format (16° oblong) commencée par Simon Du Bosc et Guillaume Guéroult (1554, 1555, [1559] ).

Musique spirituelle : les psaumes en forme de motet.

Cette collection se partage en huit livres et totalise 67 psaumes. Dans ces motets, la mélodie officielle de Genève est utilisée soit comme un cantus firmus, soit comme un motif donnant lieu à des imitations. Le nombre de voix change de verset en verset.

Livres 6 à 8.

Un Ps. CXXIII apparaît tardivement, dans les "Cinquante pseaumes de David, avec la musique à cinq parties d’Orlande de Lassus. Vingt autres pseaumes à cinq et six parties, par divers excellents musiciens". - [Heidelberg], Jérôme Commelin, 1597. RISM 1597.

Musique spirituelle : les psaumes homophoniques (version de 1562).

N.B. : la section G3202 à G 3206 du RISM est confuse et ne permet pas de bien distinguer les trois œuvres suivantes.

Musique spirituelle : les psaumes homophoniques (version de 1564).

Ce psautier homophonique est réédité plusieurs fois :  De plus, les traductions allemande d'Ambrosius Lobwasser (1573), néerlandaise de Peter Dathen (1620), néolatine de Andrea Spethe (1596), et romanches de Johann Grass (1683), de Jacob et Barthélemy Gonzenbach (1737) ou Valentin de Nicolai (1762), toutes faites sur le rythme des vers de Marot et Bèze, sont adaptées à la musique de Goudimel. Voir la liste dans Noailly 1988/2.  Cette œuvre a été longtemps mise en concurrence avec les psaumes homophoniques de Claude Le Jeune ; on constate que les rééditions de l'une et de l'autre se succèdent et s'entrecroisent. Voir Noailly 1988/2.

Musique spirituelle : les chansons et les Cantiques.

En 1572, Goudimel publie des "contrafacta" protestants sur des chansons de Jacques Arcadelt : "L'Excellence des chansons musicales composées par M. Jacques Arcadet, recueillies & revues par Claude Goudimel natif de Besançon". - Lyon : Jean II de Tournes, 1572. Guillo 191 n° 84. Édition perdue. Une réédition est données en 1586 à Genève par le même imprimeur, sous une adresse lyonnaise : Guillo 1991 n° 95, RISM AA 1390a. Numérisée par München BSB. On peut souligner que ce travail d'adaptation est en droite ligne du travail d'éditeur/correcteur que Goudimel avait exercé chez Du Chemin.

Claude Goudimel [Godimel, Godymel, Guduymel], né à Besançon ou Saint-Hyppolyte (dans tous les cas, sur le territoire de la ville libre d'Empire de Besançon) vers 1505 selon certaines sources, vers 1520 pour d'autres, et assassiné à Lyon à la fin d’août 1572, est un compositeur Franc-comtois. Son œuvre, assez prolifique, est très inspirée par la Réforme calviniste.

Claude Goudimel (c. 1514 to 1520 – between 28 August and 31 August 1572) was a French composer, music editor and publisher, and music theorist of the High Renaissance.


Biographie.

En 1903, il publie sa thèse de doctorat en droit à Zagreb. Jusqu'à 1905, il travaille dans le juridique à Zagreb, Petrinja, Samobor et Ivanac puis à Krapina. En 1908, il ouvre son cabinet d'avocat à Zelina. Membre du Parti populaire des paysans, en croate "Hrvatska pučka seljačka stranke (HPSS)" dès sa fondation en 1904, il est à partir de 1906, membre du comité principal du parti. Comme officier, il participe à la Première Guerre mondiale, et après la guerre, déménage à Zagreb où il est un des proches de Stjepan Radić, dirigeant du HPSS.  Prisonnier politique (1919-1920), il est élu vice-président de la HPSS, et après sa libération en 1920, représentant du HPSS au parlement pour le comté de Bjelovarsko-križevačka županija. En 1921, il ouvre son cabinet à Zagreb. Début 1925, il est de nouveau emprisonné. Bien que prisonnier politique, il est élu comme représentant de son parti au parlement pour le comté de Srijem. Après le choix de Stjepan Radić de renoncer à la lutte pour la république et l'indépendance, changeant le nom du parti en « Parti Croate des Paysans » ("Hrvatska Seljacka Stranka") (HSS) en, les membres du parti sont libérés.  Après le meurtre de Stjepan Radić (1928) par un député serbe au parlement, il est élu président de la HSS et en même temps vice-président de la coalition paysan-démocratique avec Svetozar Pribićević. Il soutient l'abolition de la constitution par Alexandre I le, espérant que cela permettra de reprendre la formation de l'État sur des bases saines. Au début, il ne se prononce donc pas concernant l'introduction de la dictature monarchique en Yougoslavie, mais il se joint vite aux critiques de la dictature.  Il réussit à unir presque toutes les classes de la société croate et à lancer le mouvement national croate. En 1932, il critique fortement l'absolutisme du roi serbe et l'hégémonie serbe et il demande le changement de la Yougoslavie en un état sans hégémonie d'un peuple sur un autre. Pour cela, il est condamné à trois ans de prison en 1933. En 1934, il est gracié par le régent Pavle Karađorđević. Il mène l'opposition lors des élections législatives de et remporte 67 sièges sur 370. Afin de résoudre la question croate en Yougoslavie, il réussit à négocier un plan avec le premier ministre Dragiša Cvetković et le le vice-royaume de Croatie, en croate "Banovina Hrvatska" est créé. Après la révolte du, il est nommé vice-président du gouvernement du général Dušan Simović, mais en avril est remplacé par Jurja Krnjević. Il retourne ensuite à Zagreb et refuse la possibilité de proclamer une Croatie indépendante sous protection allemande. Il suppose qu'après la future victoire des Alliés, la HSS va former le gouvernement en Croatie, et donc adopte une politique d'attente. Il refuse la collaboration avec des nazis (ustase) et avec les partisans. En 1941, il est emprisonné dans le camp d'extermination de Jasenovac par les nazis. À partir de 1942, il est mis sous surveillance dans sa maison à Kupinac.  En, il émigre en France et en 1947 aux États-Unis où il est un des fondateurs de l'Union internationale des paysans. À l'étranger, il réussit à rester membre du parti HSS et continue à propager l'idée d'une Yougoslavie sous forme d'une confédération sans hégémonie serbe.  Il meurt à Washington, DC le et est inhumé au cimetière de Mirogoj à Zagreb.

Vladimir Vladko Maček, né à Jastrebarsko, le et mort à Washington, DC, le, est un homme politique croate. Président du Parti paysan croate qui a eu la majorité avant la Seconde Guerre mondiale, il est connu pour avoir refusé de collaborer avec les nazis (Oustachis) et avec les partisans.

Vladimir "Vladko" Maček (20 June 1879 – 15 May 1964) was a politician in the Kingdom of Yugoslavia. As a leader of the Croatian Peasant Party (HSS) following the 1928 assassination of Stjepan Radić, Maček had been a leading Croatian political figure until the Axis invasion of Yugoslavia in 1941. As a leader of the HSS, Maček played a key role in establishment of the Banovina of Croatia, an autonomous banovina in Yugoslavia in 1939.


Histoire.

L'Albertinum fut construit entre 1559 et 1563 dans un but militaire : il s'agissait d'un arsenal. Le bâtiment actuel n'a plus grand-chose à voir avec le bâtiment initial, mais il a su toujours se réinventer. À la fin du, le bâtiment perd sa fonction quand un autre arsenal est construit dans la ville. En seulement quatre ans, de 1884 à 1887, le bâtiment fut transformé, dans un style néo-Renaissance, en musée pour accueillir la Skulpturensammlung. C'est alors qu'il prit le nom d'Albertinum, en référence au roi de l'époque, Albert de Saxe.  Les bombardements de n'ont que très peu endommagé l'Albertinum, en comparaison avec les autres musées de la ville. À la suite de la guerre, les forces de l'Armée Rouge pillèrent les trésors de la ville mais les rendirent dans les années 1950. L'Albertinum était alors le dépôt de tous les trésors rapportés par les Soviétiques, et les visiteurs pouvaient venir les admirer.  Entre 1961 et 1965 fut aménagée la Galerie Neue Meister dans l'Albertinum à la suite de la reconstruction de l'étage supérieur du musée.  En 2002, la crue exceptionnelle de l'Elbe endommagea sérieusement les œuvres situées dans les dépôts, et l'Albertinum décida de repenser complètement son organisation.

Le nouvel Albertinum.

À la suite la crue exceptionnelle de l'Elbe en 2002, l'Albertinum a été complètement réorganisé. Ce qui eut d’abord toutes les apparences d’une véritable catastrophe pour les œuvres d’art entreposées dans les sous-sols, s’est finalement avéré une chance pour le musée.  Les travaux de nettoyage et de reconstruction ont été dans un premier temps permis par les fonds obtenus grâce à une quarantaine d'artistes majeurs, dont les œuvres étaient exposés à l'Albertinum. Ils organisèrent une vente aux enchères qui permit de rapporter 3,4 millions d'euros nécessaires au commencement des travaux qui ont été confiés au bureau d'architecte Staab.  Le bureau d'architectes Staab a réalisé à l'Albertinum un véritable chef-d’œuvre architectural : il a recouvert la cour intérieure d’une vaste toiture au sein de laquelle se trouvent dépôts et ateliers pour faire de l'Albertinum une véritable « arche des arts ». L’arche est une construction en acier de environ, créant entre les toits un espace couvert destiné à abriter les dépôts et les ateliers de restauration. Une configuration spéciale permet de dévier la lumière du jour à travers des espaces latéraux de la toiture pour éclairer le hall d’entrée, lumineux et modulable. Grâce au réaménagement du bâtiment, la surface d’exposition consacrée à l’art des, est multipliée par quatre.  La réouverture du musée, en, a été l'événement majeur des 450 ans des Collections Nationales de Dresde.

Les Collections.

Selon une conception et programmation muséographique très innovante, l’exposition permanente du musée présente les différentes époques des arts plastiques depuis le jusqu’à nos jours, et ce, pour toutes les activités et médias artistiques concernés, et met ainsi en lumière les impulsions importantes que Dresde a donné à l’art moderne. D'autre part, tout y est fait pour que les deux collections du musée - la collection de la sculpture et le musée de la peinture du au - entrent en contact et se complètent. Citons entre autres la salle Klinger, où l’art Fin de siècle est présenté dans une ambiance très sensuelle grâce à la présence de sculptures et de peintures mises en perspective les unes avec les autres, ou la salle de la mosaïque, réservée au classicisme allemand et au sculpteur Ernst Rietschel.  La Galerie Neue Meister, galerie la plus grande du musée, rassemble des tableaux allant du romantisme allemand à aujourd'hui. Il s'agit d'une des principales collections de la ville, avec des maîtres allemands comme Caspar David Friedrich, Adrian Ludwig Richter, Max Liebermann, Otto Dix, Georg Baselitz et Gerhard Richter, mais aussi de maîtres français comme Claude Monet ou Edgar Degas.  La Skulpturensammlung (collection de sculptures) rassemble, elle, des sculptures allant de Rodin aux sculpteurs du. La collection de sculptures antiques du Schaudepot est actuellement entreposée également à l'Albertinum mais devrait retrouver bientôt la place que l'architecte Semper avait prévue pour elle : la salle Est du Semperbau, actuellemant occupé par la Collection de la Rüstkammer (Salle d'armes).  Le bâtiment est également doté d'une salle d'exposition temporaire au premier étage.  Enfin, le bâtiment abrite les Archives sur Gerhard Richter (Gerhard Richter Archiv).

L'Albertinum est un bâtiment situé à Dresde en Allemagne, à proximité de la "Terrasse Brühl" (Brühlsche Terrasse) et du hall d'exposition Lipsiusbau.

The Albertinum () is a modern art museum. The sandstone-clad Renaissance Revival building is located on Brühl's Terrace in the historic center of Dresden, Germany. It is named after King Albert of Saxony.


Description.

Confusions possibles.

Le Polypore soufré est très caractéristique par ses couleurs jaune et orange et la friabilité de sa chair. En Europe, lorsqu'il est vieillissant et que ses couleurs se sont délavées, il est possible de le confondre avec le Polypore géant sans teintes jaunes et noircissant avec l'âge. En Amérique du Nord, il est possible de le confondre avec "Laetiporus huroniensis" et "Laetiporus gilbertsonii", tous deux spécialisés dans le parasitisme des "Eucalyptus".

Biologie.

Le Polypore soufré agit en parasite de blessure ou de faiblesse. Un arbre attaqué meurt rapidement, évidé par l'intérieur, tout en conservant son aspect extérieur. Le champignon peut terminer sa vie en saprophyte.  Il produit une pourriture brune fatale à son support, mais n'attaque que des arbres blessés, tombés ou affaiblis. Sous son action de décomposition, le bois, coloré en brun à brun rougeâtre, acquiert une texture cubique puis se transforme progressivement en une masse pulvérulente brune.  Le Polypore soufré parasite de nombreux arbres, essentiellement des feuillus et particulièrement les genres "Prunus", "Pyrus", "Robinia" et "Populus", plus rarement des conifères ("Larix", "Taxus"). Il se développe du printemps à l'automne et peut rapidement atteindre plus de par temps humide.  À l'instar de nombreux Polypores, le Polypore soufré est, par son action, l'instigateur d'une faune de coléoptères xylophages et mycétophages riche, variée et très spécifique. À titre d'illustration, l'exploration d'un seul chêne parasité par le Polypore soufré situé dans la forêt de la Grésigne (Tarn) a permis cet inventaire : de nombreux "Pentaphyllus testaceus", des "Mycetophagus", des Anobiidae du genre "Anitys", "Microchondrus gibberosus", "Lacon punctatus", "Lacon querceus", des "Paromalus", ainsi que quelques Staphylinidae.

Comestibilité.

Selon les mycologues français, la FAO, l'ANSES française et le SPF Santé publique belge, il s'agit d'un bon comestible, à condition qu'il soit jeune. Attention cependant, certaines personnes peuvent contracter des désordres intestinaux et des vertiges.  Apprécié aux USA, il porte le nom de "chicken of the woods", « Poulet-des-bois », qui évoque à la fois son goût et le caractère fibreux de sa chair, tel un blanc de poulet. Sa consommation est ancienne. Il peut être grillé ou cuisiné en sauce à l'instar des viandes blanches.

Propriétés médicinales.

Les propriétés antioxydantes et antimicrobiennes de certains de ses composants (phénoliques notamment) extraits par de l'éthanol ont été étudiées pour d'éventuels usages pour l'industrie agroalimentaire ou pharmaceutique. Ces composants, "in vitro" se sont montrés antibiotiques vis-à-vis des bactéries Gram négatif et ils ont fortement inhibé la croissance des bactéries Gram positif testées.

Biocide.

Ce champignon produit une lectine hémolytique toxique ; cette nouvelle lectine (tétramère, de poids 190 kDa, dite "Lectine LSL (pour lectine sulphureus L.)" présente de fortes similarités structurales avec des toxines bactériennes (une toxine bactérienne MTX2 produite par "Bacillus sphaericus" contre les moustiques, et la toxine α produite par "Clostridium septicum".  L'extrait brut présente aussi une forte activité antifongique sur "Candida albicans".

Mycoremédiation.

Cette espèce pourrait être utilisée pour la mycoremédiation (épuration par des champignons) de certains polluants organiques, dont les pesticides minéraux ou métalliques toxiques et non biodégradables utilisés dans certains traitements conservateurs des bois.  Une étude a évalué la capacité de cette espèce et de deux autres, "Fomitopsis palustris "et" Coniophora puteana", à accumuler à la bioremédiation (ou extraction biologique en l'occurrence) de l'arséniate de cuivre chromaté (ACC) dans des bois traités par ce pesticide non biodégradable une fois que le bois a été acidifié (ce qui rend les métaux plus mobiles et plus bioassimilables). L'acide oxalique permet de lessiver les métaux lourds du bois. Sur une période de fermentation de dix jours, "F. palustris "et" L. sulphureus" ont extrait plus d’acide oxalique (respectivement / l et / l ) que "C. puteana". Cultivés sur du bois traité et réduit en sciure, ces champignons ont extrait respectivement environ 100 % et 85 % de l'arsenic du bois (alors que "C. puteana" n’en avait extrait que 18 %). Pour le chrome, "C. puteana" s'est également montré moins performant, probablement car moins capable d’absorber l'acide oxalique.  Ceci suggère que "F. palustris" et "Laetiporus sulphureus" peuvent assainir du bois (préalablement acidifié), mais laisse aussi penser que ces champignons peuvent accélérer la remise en circulation de métaux accumulés par les arbres au long de leur vie s'ils ont poussé dans une atmosphère polluée, surtout en condition acide.

Laetiporus sulphureus, le Polypore soufré, est une espèce de champignons basidiomycètes de la famille des "Fomitopsidaceae". Ce champignon comestible se rencontre du printemps à l'automne, sur l'écorce de troncs verticaux ou couchés de nombreux feuillus et plus rarement sur conifères.

Laetiporus sulphureus is a species of bracket fungus (fungi that grow on trees) found in Europe and North America. Its common names are crab-of-the-woods, sulphur polypore, sulphur shelf, and chicken-of-the-woods. Its fruit bodies grow as striking golden-yellow shelf-like structures on tree trunks and branches. Old fruitbodies fade to pale beige or pale grey. The undersurface of the fruit body is made up of tubelike pores rather than gills.


Biographie.

Né en 1885 à Varsovie de petite noblesse terrienne, fils de Stanisław Witkiewicz, du clan Nieczuja, Witkiewicz passe son enfance et son adolescence à Zakopane, dans les Tatras, et reçoit une éducation très libérale. En 1910, il écrit un long roman, qui reste inédit de son vivant. Quatre ans plus tard, sa fiancée se suicide. Bouleversé, il part avec Bronisław Malinowski en Nouvelle-Guinée. À la déclaration de la Première Guerre mondiale, il s'engage dans l'armée du Tsar. La Pologne est alors en grande partie sous domination russe. Il revient ensuite dans son pays et développe sa théorie de la forme pure. Violemment contesté par ses contemporains, il écrira entre 1918 et 1926 plus de trente pièces, dont plusieurs ont été jouées à cette époque, et il peindra de nombreuses toiles.  Il s'est rendu célèbre par ses excentricités, sa consommation de peyotl ou encore son mauvais caractère. Le, il se suicide en se tranchant les veines de la gorge dans un champ du village de en Polésie (aujourd'hui en Ukraine), alors qu'il fuyait la progression des armées soviétiques qui avaient envahi la Pologne la veille.  Il ne commence à être plus largement reconnu qu'à la fin des années 1950, grâce aux mises en scène de Tadeusz Kantor et au livre collectif qui lui fut consacré en 1957. Son théâtre complet ne sera publié qu'en 1962, en Pologne., souligne Anna Fiałkiewicz-Saignes.

Carrière littéraire.

Le dramaturge.

Tout comme les avant-gardistes de son époque, Witkacy n'était pas vraiment désireux de conquérir la notoriété du grand public. Il fut méconnu et ignoré de son vivant : une dizaine de ses pièces seulement (sur la trentaine que comportait son œuvre) furent jouées avant la guerre. Ses œuvres ne rencontrèrent aucun succès ; la critique l'éreinta, lui reprochant d'écrire des pièces absurdes et incompréhensibles, de se complaire dans un non-sens gratuit et de se moquer du public. Il contre-attaqua par des articles polémiques défendant le seul théâtre possible à ses yeux : celui de la « forme pure ». Il connut néanmoins une certaine notoriété en Bohême polonaise, et entretint des relations épistolaires suivies avec des philosophes polonais, britanniques et allemands. "Les Cordonniers" ("Szewcy") et "La Mère" ("Matka") marquent le sommet de son œuvre dramatique.  Son appartenance à un idéal théâtral qui le conduisit à une dramaturgie neuve le rapproche de l'écrivain symboliste Maeterlinck ou d'Ibsen par certains thèmes.  La « théorie de la Forme Pure » de Witkacy a influencé le théâtre de Tadeusz Kantor.

Le romancier.

, souligne Anna Fiałkiewicz-Saignes.  En 1927, il publie "L'Adieu à l'automne" ("Pożegnanie jesieni") et, en 1930, "L'Inassouvissement" ("Nienasycenie"), romans de facture très originale où la psychologie et la philosophie prennent la plus grande part, mais dont l'intrigue politico-sociale est aussi une satire féroce de la Pologne nationaliste et populiste de l'entre-deux guerres.  D'une manière générale, il est considéré comme un auteur particulièrement difficile. Il réunit en lui un grand nombre de tendances communes aux différentes avant-gardes de l'époque. Il produisit de nombreux drames, romans, articles et essais philosophiques.

Stanisław Ignacy Witkiewicz (dit Witkacy (contraction de WITKiewicz ignACY ou comme les noms latins polonisés: Horatius-"Horacy"), né le à Varsovie et mort le à Jeziory Wielkie, en Polésie (aujourd'hui Velyki Ozera en Ukraine), est un dramaturge, philosophe, pamphlétaire, peintre, photographe et romancier polonais.

Stanisław Ignacy Witkiewicz (; 24 February 188518 September 1939), commonly known as Witkacy, was a Polish writer, painter, philosopher, theorist, playwright, novelist, and photographer active before World War I and during the interwar period.


Historique.

Origines.

Les chats seraient arrivés de l'Europe du Sud et ont été sélectionnés naturellement par les rudes conditions climatiques de la Norvège : seuls ceux ayant la meilleure capacité d'adaptation en développant la fourrure la plus épaisse ont survécu. Le norvégien se différencie des autres races par le fait qu'il n'est pas le produit d'une sélection poussée mais bien parce qu'il est le résultat d'une évolution naturelle que les éleveurs se contentent de réguler, d'où une harmonie certaine dans son type. Le norvégien fait partie de l'histoire de la Scandinavie.  Certains auteurs supposent que le norvégien a été ramené des abords de la mer Caspienne par les Vikings vers le, à des fins de dératisation.

Développement de la race.

En 1938, le norvégien est montré pour la première fois dans une exposition ; la même année, le premier club de chats de race est créé en Norvège. Des éleveurs établissent un programme de sélection afin de sauvegarder les caractéristiques rustiques de ce chat. En effet, la survie de cette race naturelle est alors en danger, le rapprochement des chats des zones rurales augmentant considérablement les chances de survie des sujets à poils courts.  À Oslo, afin de le faire connaître, on présente certains sujets en exposition. Il faut attendre 1972 pour que la race soit reconnue. Trois ans plus tard, le premier club de race ainsi que le standard sont créés sur la base de Pan’s Truls qui sert de modèle pour établir ces premières normes physiques. En 1976, c'est la Fédération internationale féline (FIFé) qui reconnaît à son tour le norvégien.  Afin de diversifier le réservoir génétique de la race, on cherche alors des sujets correspondant au standard partout dans le pays. Un jury décide s'ils méritent ou non le titre de chat des forêts norvégiennes. Il en fut ainsi jusqu'en 1990.  Les premiers norvégiens arrivent en Allemagne et aux États-Unis en 1979, en Grande-Bretagne en 1980, et en France en 1982 ; de plus, la race figure régulièrement dans les expositions félines.

Popularité.

Le norvégien est très populaire en Norvège et en Suède. Il est également apprécié dans le reste de l'Europe. Depuis 2003, le norvégien compte parmi les dix premières races les plus populaires selon le Livre officiel des origines félines. La race est cependant en déclin, puisqu'elle est lentement passée de la cinquième place à la huitième entre 2003 et 2015. On compte environ 400 à 500 naissances par an sur le sol français.  Aux États-Unis, le norvégien est à la quatorzième place du classement des races les plus populaires selon la Cat Fanciers' Association (CFA) en 2014. Au Royaume-Uni, selon le Governing Council of the Cat Fancy (GCCF), le norvégien est la onzième race la plus populaire en 2014, avec également une légère baisse de la popularité de la race, puisque celle-ci était la neuvième race en 2005.  Cependant le norvégien se heurte à deux types de problème : tout d'abord, il est souvent confondu avec le maine coon américain, et c'est pour éviter cela que les éleveurs de chat des forêts norvégiennes ont modifié le standard en 1987, en précisant les différences qui distinguent leur race. D'autre part, des chats européens à poil mi-long sont parfois vendus comme étant des norvégiens. C'est donc pour cela que la classe novice a été interdite pour n'accepter que les individus avec pedigree en concours.

Standards.

Corps.

Le chat norvégien, de type long et puissant, est grand, solidement bâti avec une forte ossature. Il donne une impression de robustesse et de puissance.  Les pattes sont moyennement hautes avec une ossature forte et une musculature puissante ; les postérieures sont plus hautes que les antérieures. Des pattes trop courtes et mal proportionnées sont pénalisées en concours. Les pieds sont grands et ronds avec d'importantes touffes de poils entre les doigts. La queue est longue (elle doit pouvoir toucher le cou), touffue et portée dressée. Une queue trop courte est considérée comme un défaut.

Tête.

Le norvégien doit avoir une tête en forme de triangle équilatéral, une tête ronde ou carrée est considérée comme un défaut. Le profil doit être parfaitement rectiligne et sans stop. Le menton est fort et carré, et le nez d'une longueur moyenne. Les yeux, en amande, sont placés en oblique et doivent présenter une expression alerte et éveillée. Un profil présentant une cassure, un menton fuyant et des yeux ronds sont des défauts pénalisants en exposition.  Les oreilles sont grandes, larges à la base et placées dans le prolongement du triangle formé par la tête. Elles peuvent se terminer par une touffe de poils à la manière des oreilles du lynx, qui est appréciée sans être obligatoire. Des oreilles trop petites ou trop rapprochées sont considérées comme un défaut pénalisant (mais cependant pas éliminatoire).

Robe et fourrure.

Couleurs et patrons traditionnels.

Le pelage est une caractéristique importante, il doit être double, constitué d'un sous-poil laineux recouvert d'un poil de couverture mi-long, retombant sur les flancs, luisant et imperméable à l'eau. Les sous-poils forment des culottes, appelées ", à l'arrière des cuisses, et le poil de couverture forme une collerette fournie sur la gorge. Le manque de sous-poil et de poil de couverture en hiver ainsi qu'une fourrure trop soyeuse ou cassante sont des défauts.  Toutes les couleurs sont acceptées hormis le chocolat, lilas, faon et cinnamon. Le patron colourpoint est également interdit. Toutes les couleurs des yeux sont également acceptées. Les chats silver ou smoke présentent la caractéristique d'avoir un sous-poil argenté. La couleur ambre est reconnue en France pour la première fois par le LOOF le.

Couleur ambre.

L’ambre se décline dans plusieurs teintes, de l’orange au miel blond et caramel. Les chatons, qui n’ont pas encore leur couleur définitive, peuvent naître très sombres, presque noirs. Cette couleur se développe plutôt lentement et de façon variable selon les individus. La couleur définitive peut être acquise dès cinq mois mais parfois il faut attendre un à deux ans et deux à trois ans de stabilisation.  La couleur ambre est une couleur spécifique à cette race et qui est très récente. En effet, les premiers chatons ambres sont nés en Suède en 1992. Pendant plusieurs années, de nombreuses polémiques ont eu lieu et la couleur fut nommée'tant elle paraissait mystérieuse. Personne ne s'accordait sur la classification de ces chatons à la couleur étrange. On les enregistra tantôt en ', chocolat, lilas ou encore cannelle, ces trois dernières robes étant par ailleurs interdites par les standards du norvégien.  La couleur est très polémique. Dans un sondage effectué en janvier 2004 par l'association AID Skogkatt reconnue par le LOOF, si la moitié des éleveurs sondés sont indécis, 38 % pensent que cette couleur est issue d'un croisement avec une autre race et le reste qu'il s'agit d'une mutation spontanée. L'apparition de la couleur ambre a également lancé un débat sur la possibilité d'introduire de nouvelles couleurs dans le standard. Le même sondage révèle qu'une petite majorité d'éleveurs français y sont opposés.  Il faut attendre 2004 pour une première reconnaissance par la FIFé, puis mars 2009 pour une reconnaissance française par le LOOF, malgré la rareté de la couleur. Cette dernière a été possible grâce à une thèse vétérinaire prouvant l'existence d'une mutation génétique à l'origine de cette nouvelle couleur mais aussi par la venue des premiers norvégiens ambre en France à partir de 2006 par l'éleveuse Clarisse Vinot, chatterie du Gang des Burgondes, qui a activement participé à sa reconnaissance.

Caractère.

Les traits de caractère d'un chat ne sont pas définis dans le standard ; ils restent donc à l'appréciation de l'éleveur. Le caractère est toutefois parfaitement individuel et est fonction de l'histoire de chaque chat. Le norvégien est généralement décrit comme un chat rustique, sûr de lui et très posé.  Son caractère sportif nécessite, pour qu'il soit heureux, de lui offrir une infrastructure adéquate comme un jardin ou à défaut, un arbre à chat. Il convient d'insister sur la redoutable efficacité de certains individus en tant que chasseurs : la taille imposante de la race leur permet de maîtriser sans difficulté des proies de dimensions importantes comme des lièvres adultes ou des oiseaux domestiques de grande taille comme l'oie et la dinde. Il peut être parfois nécessaire de contrôler les promenades diurnes ou nocturnes.

Élevage.

Dénomination.

L'appellation « "" » qui est parfois utilisée pour désigner la race est la traduction norvégienne littérale qui signifie simplement « chat des forêts norvégiennes ». De même, l'appellation de « chat des forêts norvégiennes » n'était utilisée qu'aux origines de la race et actuellement, en France, seul le terme de « chat norvégien » est reconnu par le Livre officiel des origines félines.

Reproduction.

La taille moyenne des portées de norvégiens déclarés au LOOF de 2003 à 2015 est de par portée. En France, le coefficient de consanguinité moyen des portées est de 3,34 %. et contribuent à plus de la moitié des chatons, l'âge moyen des reproducteurs est d'environ deux ans pour les mâles et d'un an à deux ans pour les femelles. Durant la période 2014-2015, ont déclaré une ou plusieurs portées.

Santé.

Le norvégien peut être touché par la (GSD IV), une maladie héréditaire mortelle qui perturbe le métabolisme du glucose. La maladie est autosomale récessive et causée par une mutation du gène GBE1. Le pourcentage de chats atteints est faible. Cette mutation a été décrite pour la première fois en 1992 sous le terme de GDS IV. Il était responsable du décès de norvégiens dans des conditions particulières et incomprises<ref name="http://skogkatt-norvegien.org">http://skogkatt-norvegien.org</ref>. La maladie a été identifiée et semble liée à la consanguinité nécessitée par la production de lignées américaines à partir d’un pool génétique très réduit dans le pays. On a remarqué alors que les chats atteints étaient tous apparentés et descendaient d’un mâle allemand, Jarls av Trollsfjord présent dans les descendances des côtés maternels et paternels. Cela incita le professeur Fyfe à supposer une origine héréditaire. La mutation fut alors identifiée et la production d'un test de dépistage génétique fut mise au point en 1996. Cette maladie conduit inéluctablement à la mort à l'âge de 10 et 14 mois, soit par arrêt cardiaque brutal, soit après un stade comateux.  En dehors de cette maladie héréditaire, le norvégien n'est pas prédisposé à d'autres pathologies. Les vétérinaires chercheurs travaillent toutefois sur la cardiomyopathie hypertrophique héréditaire chez le chat norvégien ainsi que sur la transmission des affections rénales héréditaires comme la PKD. Deux sujets qui poussent désormais de plus en plus d'éleveurs à procéder à des échographies régulières sur leurs reproducteurs afin de détecter la présence de problèmes au cœur ou aux reins.

Entretien.

Comme tout chat à poil long, le norvégien a besoin d'un brossage hebdomadaire.

Représentations du norvégien.

Sans pouvoir assurer qu'il s'agissait du norvégien, on retrouve le chat dans la mythologie nordique tirant le char de la déesse Freyja, on raconte également une aventure du dieu Thor, où apparaît un norvégien que Thor — pourtant le plus puissant des dieux de la mythologie scandinave — se montre parfaitement incapable de soulever.  En 1550 déjà, Peder Claussøn Friis, un pasteur passionné de la faune et la flore de son pays avait classifié le « lynx norvégien » en trois catégories : le loup-lynx, le renard-lynx et le chat-lynx. Il se trouve que ce dernier était un chat des forêts norvégiennes, confondu avec un lynx par ses plumets et par sa grande taille. Des chats à poils mi-longs et à la longue queue touffue apparaissent dans des contes pour enfants écrits au.  Différents timbres ont été édités ayant pour illustration un chat norvégien, en particulier en Norvège, mais aussi au Nicaragua, au Bhoutan, à Taïwan ou aux Maldives.

Le norvégien, également appelé chat des forêts norvégiennes ou norsk skogkatt, est une race de chat à poil mi-long originaire de Norvège. Ce chat de grande taille est caractérisé par sa fourrure à poils mi-longs très épaisse et son allure sauvage. D'apparence puissante, sa tête est caractérisée par son profil rectiligne et son menton fort.

The Norwegian Forest cat ( or ) is a breed of domestic cat originating in Northern Europe. This natural breed is adapted to a very cold climate, with a top coat of glossy, long, water-shedding hairs and a woolly undercoat for insulation. Although this is uncertain, the breed's ancestors may have been a landrace of short-haired cats brought to Norway by the Vikings around 1000 AD, who may also have brought with them long-haired cats, like those ancestral to the modern Siberian and Turkish Angora. During World War II, the breed became nearly extinct until efforts by the Norwegian Forest Cat Club helped the breed by creating an official breeding program. It was registered as a breed with the European Fédération Internationale Féline in the 1970s, when a local cat fancier, Carl-Fredrik Nordane, took notice of the breed and made efforts to register it. Currently, the Norwegian Forest breed is very popular in Norway, Denmark, Sweden, Iceland and France.


Étymologie.

Le nom de la famille tire vraisemblablement son origine du mot grec « aggelos » signifiant messager de dieu. Certains rhéteurs qualifient les membres de cette famille d’ « angelonymoi » c’est-à-dire « nommés d’après les anges » ou « portant le nom des anges ». Toutefois, il est aussi possible que le nom dérive du district du même nom en Asie mineure près d’Amida (aujourd’hui Diyarbakir en Turquie) d’où la famille serait originaire.

Les Anges, empereurs byzantins.

Le fondateur de la famille fut un certain Constantin Ange originaire de Philadelphie en Asie mineure occidentale. D’après Zonarias, Constantin était un bel homme de modeste origine. En épousant Théodora Comnène, fille de l’empereur Alexis, Constantin fit son entrée dans le cercle des puissants de la cour impériale. Le couple eut trois fils : le "sébastocrate" Jean, Andronic et Alexis. Ce dernier fit fortune en Macédoine et, en 1164, fonda l’église de Saint-Pantaléimon du complexe monacal de Nerezi (Macédoine), laquelle existe toujours et est renommée pour ses peintures murales. Alexis fut aussi le premier des Anges à être connu sous le nom d’ « Alexis Ange Comnène », adoptant ainsi le nom prestigieux de sa mère, exemple suivi par d’autres membres de la famille par la suite. Au cours du, plusieurs membres de la famille s’illustrèrent dans la haute hiérarchie militaire.  En 1185, Isaac II Ange (1185-1195; 1203-1204), fils d’Andronic, fut proclamé empereur à la suite d’une révolution qui déposa Andronic Comnène. Il fut renversé par son frère, Alexis III Ange (1195-1203), mais rétabli sur le trône par les édiles de Constantinople dans l’espoir que son retour suffirait à arrêter la progression des croisés. Toutefois, ceux-ci exigèrent que le fils d’Isaac II, Alexis IV (1203-1204) soit couronné coempereur avec son père. Lorsque ce dernier s’avéra incapable de remplir les engagements financiers pris à l’endroit des croisés et que les impôts supplémentaires levés sur la population de Constantinople ne suffirent pas à amasser la somme promise, une nouvelle révolution mit sur le trône l’éphémère Alexis V Doukas (1204).  Il serait sans doute injuste de faire porter l’entière responsabilité de la chute de Constantinople sur les trois empereurs de la dynastie des Anges, les germes du déclin étant déjà visibles sous les derniers Comnènes. Toutefois, les incessantes querelles de pouvoir au sein de la famille impériale, les détournements de fonds publics, le peu d’attention accordé à l’état des forces armées et maritimes ainsi que le désintérêt pour les questions de politique étrangère contribuèrent pour beaucoup au déclin de l’empire pendant les dix-neuf ans que régna cette dynastie.

Les Anges, despotes d’Épire.

Après la prise de Constantinople par les croisés, l’ancien territoire de l’empire byzantin fut divisé entre un certain nombre d’États successeurs : l’empire latin de Constantinople, l’empire de Nicée (grec), l’empire de Trébizonde (grec) et le despotat (grec) d’Épire. Le nouvel État, qui ne portait pas encore le qualificatif de "despotat", fut créé par Michel Ange, fils du "sébastocrate" illégitime Jean. La capitale fut établie à Arta où sa famille possédait de grands biens. Michel réussit à maintenir l’indépendance du nouvel État face aux croisés, à la République de Venise et aux Bulgares. Il utilisa le nom celui de « Comnène Doukas » plutôt que celui d’Ange à la fois pour faire oublier les origines modestes de cette famille et pour occulter le souvenir de la défaite de 1204 qui y restait attachée.  Son demi-frère, Théodore Doukas lui succéda vers 1214 et, dix ans plus tard, parvint à ravir le royaume de Thessalonique aux croisés avant de se proclamer "basileus" et donc successeur des empereurs de Byzance à Thessalonique, contestant ainsi les prétentions similaires de l’empereur de Nicée. Toutefois, Théodore fut vaincu et fait prisonnier par Jean II Asen à la bataille de Klokotnitsa en 1280. Durant sa captivité, son frère, Manuel l’Ange régna sur Thessalonique. Lui succédèrent les deux fils de Théodore, Jean et Démétrios. La ville fut cependant conquise en 1246 par l’empereur de Nicée, Jean III Doukas Vatatzès, ce qui mit fin au règne des Anges sur Thessalonique.  En 1230, Michel II, fils de Michel et neveu de Théodore prit le pouvoir en Épire et en Thessalie. Michel II fut le premier à porter officiellement le titre de « despote » et c’est à partir des années 1230-1250 que l’on peut véritablement parler du « despotat d’Épire ». Après la mort de Michel II en 1271, l’Épire fut gouvernée par son fils, Nicéphore Ier, alors que la Thessalie revint à son fils illégitime, Jean l’Ange avec le titre de sébastocrate. En 1318, Nicolas Orsini assassina le fils de Nicéphore, Thomas Ange, mettant ainsi fin au règne des Anges en Épire. En Thessalie, à Jean Ange succéda son fils, Constantin, suivi de Jean II qui régna de 1302 à sa mort en 1318. La même année, la Thessalie était envahie par la Grande Compagnie Catalane et annexée au duché d’Athènes.  Une branche de la famille s’était établie en 1204 dans l’empire de Nicée. De nombreux représentants de la famille firent carrière au service de l’État et, lorsque Constantinople fut reprise par les Grecs, y retournèrent en 1261. L’empereur Andronic III Paléologue rétablit le contrôle byzantin sur l’Épire et la Thessalie en 1340. Il nomma l’ « échanson » Jean Ange, neveu du grand domestique Jean Cantacuzène, gouverneur d’Épire. Celui-ci étendit son autorité sur la Thessalie en 1342 mais mourut de la peste en 1348. L’Épire et la Thessalie furent conquises peu après par le zoupan de Serbie Étienne Dušan. Les descendants de Jean Ange continuèrent à gouverner la Thessalie sous Siméon Uroš et Jean Uroš. Jean Uroš, le dernier Némanja, abdiqua en faveur d’Alexis Ange Philanthropenos, "césar" de. Son frère, Manuel Ange Philanthropenos fut le dernier souverain byzantin de Thessalie.

Les Anges en Serbie.

Après la conquête ottomane de Thessalie en 1394, les Anges Philanthropenos se réfugièrent en Serbie. Un petit-fils d’Alexis ou de Manuel, Michel Angelović, fut haut fonctionnaire à la cour de Đurad et de Lazar Branković. Son frère, Mahmud, capturé alors qu’il n’était qu’un enfant par des soldats ottomans, fut amené à Andrinople (aujourd’hui Édirne) où il se convertit à l’Islam. Il parvint ensuite aux plus hauts échelons de l’empire ottoman, servant comme beylerbey de Roumélie en 1451 et de grand vizir en 1455. C’est ainsi que lors des négociations entre le despote serbe Lazar Branković et Mehmed II en 1457, les deux parties étaient représentées par les frères Michel et Mahmud Angelović.

Généalogie.

1. Constantin l’Ange ∞ Theodora Comnène, fille de l’empereur Alexis

La famille Ange (grec : Άγγελος; fém. Άγγελινα; pl. Άγγελοι) est une famille appartenant à la noblesse byzantine dont l’ascension débuta à la fin du et qui, à peine un siècle plus tard, monta sur le trône, donnant trois empereurs à Byzance. Leurs règnes (1185-1203) furent caractérisés par la poursuite du déclin amorcé sous les derniers Comnènes et menèrent à la chute de Constantinople aux mains des croisés en 1204. De la prise de Constantinople à 1318, une branche de la même famille dirigea le despotat d’Épire, un des États successeurs de l’empire byzantin. Durant cette même période, la Macédoine et la Thessalie furent périodiquement gouvernées par les Anges. Une autre branche s'installa en Serbie.

The Angelos family (; ), feminine form Angelina (), plural Angeloi (), was a Byzantine Greek noble lineage which gave rise to three Byzantine emperors who ruled between 1185 and 1204. From the 13th to the 14th century, a branch of the family ruled Epiros, Thessaly and Thessaloniki under the name of Komnenos Doukas.


Étymologie et dénominations.

« Cardamine » est la francisation du latin "cardamina" qui désignait en latin et en grec ("kardaminê", "kardamon" ou kardamis") un cresson, sans doute le cresson alénois.  La plante possède plusieurs noms vernaculaires : cressonnette ou cresson des prés, faux cresson, passerage sauvage, petite dentaire, bouquet du loup, Saint-Georges.

Description.

Appareil végétatif.

La cardamine des prés est une plante herbacée vivace moyenne (30 à de haut) formant souvent de grandes colonies. L'appareil souterrain est réduit à une souche épaisse, courte, tronquée, avec un court rhizome noduleux à peine enterré. La tige simple, glabre non ramifiée et à section ronde est creuse et dotée de feuilles à saveur de cresson. Assez peu feuillée, elle présente une hétérophyllie marquée : les feuilles basales en rosette sont longuement pétiolées et lyrées, à 3-7 folioles luisantes, ovales arrondies (parfois entières), la terminale aussi grande que les folioles latérales (ssp. "paludosa") ou plus grande (ssp. "pratensis"). Les feuilles caulinaires alternes sont composées pennées, à 7 -15 folioles étroites lancéolées (segments étroits, linéaires), la terminale plus allongée. Leurs deux faces sont glabres.

Appareil reproducteur.

La période de floraison a lieu d'avril à mai. L'inflorescence est une grappe lâche au sommet de la tige qui porte de grandes fleurs (1-2 cm de diamètre) gynodioïques, les fleurs du bas de l'inflorescence ayant un pédoncule glabre nettement plus allongé. Le calice est composé de 4 sépales verts appliqués sur les pétales, mais moins longs qu'eux. Les 4 pétales de la corolle sont blancs roses lilas, rarement blanches, avec de légères veines plus sombres et l'extrémité échancrée légèrement. Elles présentent 6 étamines libres, de taille différente, à filet glabre et à anthère jaunes. Le pistil est surmonté d'un seul style et d'un seul stigmate. La pollinisation est entomogame. L'infrutescence porte des siliques dressées, étroites, obliques, à section ronde, munies d'un bec très court, plus longues que leur pédicelle à maturité. La dissémination des petites graines par autochorie est de type.

Sous-espèces et variétés.

Carl von Linné a décrit la cardamine des prés dans son ouvrage de référence "Species plantarum" (1753). Des sous-espèces ont été depuis définies (certaines venant d'autres espèces que la cardamine des prés) dont certaines sont synonymes entre elles, telles que: "Cardamine nemorosa" Lej., "Cardamine praticola" Jord., "Cardamine rivularis" Čopyk, "Cardamine udicola" Jord., "Cardamine ullepiciana" Borbas, "Cardamine pratensis" L. subsp. "pratensis", "Cardamine pratensis" subsp. "atlantica" (Emb. & Maire) Greuter & Burdet, "Cardamine pratensis" subsp. "genuina" Čelak. (nom. inval.), "Cardamine pratensis" subsp. "major" Tomšovic, "Cardamine pratensis" subsp. "picra" De Langhe & D'hose, "Cardamine pratensis" subsp. "ullepiciana" (Borbás) Jay, "Cardamine pratensis" var. "atlantica" Emb. & Maire, "Cardamine pratensis" var. "carpatica" Zapalł., "Cardamine pratensis" var. "dentata" Schur, "Cardamine pratensis" var. "flore-pleno" Neilr., "Cardamine pratensis" var. "grandiflora" Endl., "Cardamine pratensis" var. "grandiflora" Neilr., "Cardamine pratensis" var. "grandiflora" Schur, "Cardamine pratensis" var. "macrantha" Schur, "Cardamine pratensis" var. "parvifolia" Wimm. & Grab., "Cardamine pratensis" var. "pleniflora" Schur, "Cardamine pratensis" var. "pseudo-hirsuta" Schur, "Cardamine pratensis" var. "pubescens" Wimm. & Grab., "Cardamine pratensis" var. "subrivularis" Schur, "Cardamine pratensis" var. "typica" Beck (nom. inval.) "Cardamine pratensis" var. "angustifolia" Hook. est synonyme de "Cardamine nymanii" Gand.

Écologie.

La cardamine des prés est notamment la « plante-hôte » des chenilles des papillons suivants :

Répartition et habitat.

La plante pousse dans les prairies humides d'Europe et d'Asie de l'Ouest.

Utilisations.

Alimentaire.

Les jeunes pousses et les jeunes feuilles récoltées avant la floraison sont comestibles et consommées de préférence crues car la cuisson leur fait perdre leur goût caractéristique. Elles contiennent un glucoside soufré, la glucocochléarine qui leur donnent un goût de cresson légèrement épicé. Elles ont parfois un goût d'éther et une amertume plus ou moins prononcée. Riches en vitamine C, elles sont utilisées dans les salades composées (seules, elles sont trop fortes), sandwiches, crudités, mais aussi comme épices dans les fromages à pâte fraîche ou de type Quark.

Médicinal.

Cette plante est tonique, stomachique, expectorante et antiscorbutique, d'où l'utilisation des feuilles pour concocter des tisanes.

La Cardamine des prés ou Cresson des prés ("Cardamine pratensis"), est une plante herbacée vivace de la famille des Brassicacées.

Cardamine pratensis, the cuckoo flower, lady's smock, mayflower, or milkmaids, is a flowering plant in the family Brassicaceae, native throughout most of Europe and Western Asia. The specific name "pratensis" is Latin for "meadow".