Geschichte.

1897 entwarf und baute Emil Ziehl den ersten Außenläufermotor. Mit diesem Produkt und bereits vorher realisierten zahlreichen weiteren neuen elektrotechnischen Vorrichtungen (z. B. ein kardanisch aufgehängter Kreiselkompass), die er alle patentieren ließ und die Patente verkaufen konnte, hatte Ziehl ausreichend Kapital angesammelt. Er gründete am 2. Januar oder Juni 1910 zusammen mit dem Schweizer Ingenieur Eduard Abegg die "Ziehl-Abegg Elektrizitäts-Gesellschaft m.b.H." Der Firmensitz wurde in die von Ziehl aufgekauften "Roland-Werke" in Weißensee, An der Industriebahn 12–18, gelegt. Die Landgemeinde Weißensee wurde 1920 Teil des Berliner Bezirks Weißensee. Ziehl hatte große Hoffnungen in Abegg gesetzt, der für das Unternehmen Windkraftanlagen entwickeln sollte.  Nachdem das Firmenlogo (ein Blitz-Z auf einem berg-A) bereits in Umlauf gebracht worden war, stellte sich heraus, dass Abegg die versprochenen Finanzmittel nicht aufbringen konnte und das eingebrachte Windmotorenpatent zudem untauglich war. Abegg schied daher im gleichen Jahr wieder aus dem Unternehmen.  Zur Dekoration an der Klinkerfassade des Produktionsgebäudes hatte Emil Ziehl zunächst ein Mädchen mit Katze entworfen. Dieses Reklamebild ersetzte er jedoch durch die Darstellung eines großen Elektromotors, vor dem eine zwergenhafte Figur steht. Diese trägt deutliche Merkmale von Adolph Menzel, weswegen ein Heimatkundeverein diesen identifizierte. Es handelt sich um eine plastische und aufgemalte Darstellung in einem Fenster oberhalb des Gebäudeeingangs.  Nachdem Emil Ziehl 1939 verstorben war, übernahmen die Söhne die Fabrik. Gegen Ende des Zweiten Weltkriegs wurden die Industrieanlagen in Weißensee bombardiert, doch die Konstruktionszeichnungen der Produkte wurden gerettet und von den Söhnen nach Westdeutschland geschmuggelt.  Die noch intakt gebliebenen Werksanlagen wurden nach der deutschen Kapitulation 1945 auf Befehl der Sowjetischen Militäradministration in Deutschland (SMAD) demontiert und in die Sowjetunion als Reparationsleistung verbracht. In Westdeutschland wurde das Unternehmen ab 1949 in der Künzelsauer Schlossmühle durch die Brüder Günther und Heinz Ziehl wieder aufgebaut. Die Immobilie in Berlin hatten die Ziehls aufgegeben; in der DDR-Zeit etablierte sich hier ein neues Motorenwerk. 1960 begann in Künzelsau die Produktion eines Außenläufermotors als Ventilatorantrieb. 1973 war der Beginn der Internationalisierung und 2001 folgte die Umwandlung in eine Aktiengesellschaft in Familienbesitz.  Vertriebsniederlassungen bestehen in Polen, China, Russland, USA, Tschechien, Schweden, Großbritannien, Finnland, Frankreich, Italien, Australien, Singapur, Schweiz, Österreich, Ukraine, Spanien, Benelux, Südafrika, Japan, Türkei, Indien und Brasilien.  Die Gründer mehrerer Wettbewerber (Gebhardt, ebm-papst, Rosenberg Ventilatoren) waren vor der jeweiligen Gründung einer eigenen Firma bei Ziehl-Abegg angestellt. Wilhelm Gebhardt war zuvor in der Entwicklung bei Ziehl-Abegg beschäftigt, und Karl Rosenberg war im Vertrieb bei Ziehl-Abegg beschäftigt, bevor er 1981 sein eigenes Unternehmen gründete.

Produkte.

In der Lufttechnik werden Axial- und Radialventilatoren mit einem Durchmesser von 190 bis 1400 mm sowie Motoren und darauf abgestimmte Regeltechnik hergestellt. Beispiele für die Einsatzgebiete sind u. a. die Wärme-, Kälte- und Reinraumtechnik.  Ziehl-Abegg hat als weltweit erstes Unternehmen Ende der 1980er Jahre EC-Motoren (siehe auch Bürstenloser Gleichstrommotor) in die Lüftungstechnik eingebracht. In den 90er Jahren wurden die Rotorblätter gesichelt und 2006 mit einem bionischen Profil versehen, um die Geräuschentwicklung zu minimieren. Als erstes Unternehmen weltweit hat Ziehl-Abegg (2013) einen Bio-Ventilator entwickelt, der aus einem Bio-Polymer (Rizinusöl) besteht.  Im Bereich der Antriebstechnik werden elektrische Motoren für Aufzüge, medizinische Anwendungen wie Computertomographen und für Omnibusse entwickelt.

Ziehl-Abegg Automotive.

Auf der IAA Nutzfahrzeuge 2012 präsentierte das Tochterunternehmen "Ziehl-Abegg Automotive" unter der Bezeichnung "ZAwheel" einen getriebelosen Radnabenantrieb für Busse und sonstige Nutzfahrzeuge mit Synchron-Außenläufermotor. Mit "ZAwheel" ausgestattete Linienbusse verkehrten bereits seit 2008 in Linienbetrieb, unter anderem in Apeldoorn ("„The Whisper“") und Rotterdam ("„eBusz“"). Fünf mit "ZAwheel" ausgestattete Linienbusse sind in Deutschland erstmals im April 2015 in Münster in Linie gegangen. Das Modell "ZAwheel SM530" mit 125 kW hat ein maximales Drehmoment von 6000 Nm. Der Wirkungsgrad liegt bei 90 Prozent. Die Nachrüstung in konventionelle Busse mit Dieselmotor soll ebenfalls möglich sein. 2017 präsentierte das Unternehmen den elektrischen Radnabenantrieb erstmals mit Zwillingsreifen in zwei Leistungsstufen: einmal mit einem maximalen Drehmoment von 17.500 Nm und einmal mit 9.000 Nm. Bisher gab es nur eine einzige Leistungsstufe mit 12.000 Nm. Das Produktportfolio von Radnabenantrieb, Felge und Achse wurde ergänzt um das ZAwheel-Steuergerät.

Standorte.

Ziehl-Abegg SE.

Das Stammwerk hat Standorte in der Heinz-Ziehl-Straße sowie ein Zweigwerk in der Würzburger Straße in Künzelsau. Dort betreibt das Unternehmen seit 2008 den weltgrößten kombinierten Mess- und Prüfstand für Ventilatoren.  Weitere Standorte sind Schöntal-Bieringen und zwei Produktionsbereiche in Kupferzell an der Günther-Ziehl-Straße im Gewerbepark Hohenlohe.

Ziehl-Abegg France Sarl.

Die Produktion elektrischer Motoren und kompletter Ventilatorensysteme für die Kälte- und Belüftungsindustrie befindet sich in Villieu bei Lyon in Frankreich. Dort arbeiten 118 Mitarbeiter auf einer Fläche von 10.000 m2.

Ziehl-Abegg Kft.

Die Ziehl-Abegg Motor ÉS Ventillátorgyártó Kft. in Marcali (Ungarn) wurde von der Ziehl-Abegg GmbH & Co. im Dezember 1994 mit einem Stammkapital von 84.570.000 Forint gegründet. Das ungarische Unternehmen produziert lufttechnische Einrichtungen, spezielle Elektromotoren, axiale und radiale Ventilatoren und Zubehör für die Landwirtschaft, Maschinenbauindustrie, Klimaanlagen und die Kühlindustrie. Die Teile werden in drei Betrieben produziert, die Betriebsfläche beträgt insgesamt 62.000 m2.

Ausbildung und Studium.

Die Ausbildungsquote beträgt bei Ziehl-Abegg annähernd 10 Prozent. Im Jahr hat 2014 hat die IHK Heilbronn-Franken Ziehl-Abegg als einem Pilotunternehmen das Siegel „Dualis“ für eine sehr gute Ausbildung verliehen. Bei den “Human Resource Excellence Awards” ist Ziehl-Abegg im Dezember 2012 für seine ausgezeichnete Willkommenskultur für ausländische Fachkräfte ausgezeichnet worden. Das Modell der dualen Ausbildung exportiert Ziehl-Abegg auch in andere Länder: 2013 startete im Werk in Ungarn die duale Ausbildung, seit 2016 gibt es dort ein duales Studium.

Die Ziehl-Abegg SE (eigene Schreibweise ZIEHL-ABEGG SE, bis 2013 "Ziehl-Abegg AG") ist ein deutscher Hersteller von Ventilatoren für Luft- und Klimatechnik sowie Antriebsmotoren für Aufzüge. Der Hauptsitz des Unternehmens befindet sich in Künzelsau im Hohenlohekreis.


Geschichte.

Unter Přemysl Otakar II. entstand im 13. Jahrhundert ein Handelsweg, der von der Donau in Niederbayern aus über Regen, Zwiesel und Strážov ("Drosau") nach Klatovy ("Klattau") durch das Künische Gebirge führte. Nachdem vor allem am Špičák (Spitzberg) Vorkommen von Eisenerz entdeckt wurden, entstand zu Beginn des 16. Jahrhunderts im Tal des Großen Regen Železná Ruda als Ansiedlung von Bergleuten. Zu Beginn des 17. Jahrhunderts waren die Erzlagerstätten ausgebeutet, der Abbau von Eisenerz lohnte sich nicht mehr.  Im Jahr 1624, nach Beginn des Dreißigjährigen Krieges, erlangte der Inhaber der Herrschaft Železná Ruda/Eisenstein, Wolf Heinrich von Notthafft, die Erlaubnis, Glas zu produzieren und zu exportieren. Eisenstein erhielt das Marktrecht. Im Laufe der Zeit entstanden bis ins 19. Jahrhundert hinein in Železná Ruda und Umgebung zahlreiche Glashütten.  Ende des 19. Jahrhunderts nahm in Eisenstein als neue Erwerbsquelle der Tourismus seinen Aufschwung. Aufgrund des Münchner Abkommens gehörte Markt Eisenstein von 1938 bis 1945 zum Landkreis Markt Eisenstein im Regierungsbezirk Niederbayern und Oberpfalz.  Bei der Volkszählung 1930 hatte der Ort 3365 Einwohner (davon 296 Tschechen = 9 %). Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde die deutschsprachige Bevölkerung von Markt Eisenstein vertrieben. Ihr Vermögen durch das Beneš-Dekret Nr. 108 konfisziert und die katholische Kirche enteignet.  Železná Ruda lag von 1948 bis 1989 im militärischen Sperrgebiet der ČSSR zur Bundesrepublik Deutschland. Durch die Samtene Revolution Ende 1989 und die Bildung des Nachfolgestaates kam es im Juni 1991 zur visumfreien Grenzöffnung über den Bahnhof Bayerisch Eisenstein (Železná Ruda-Alžbětín) über Bayerisch Eisenstein nach Süddeutschland.  Der deutsche Name Markt Eisenstein entstammt einer Urkunde, in der das Marktrecht (deshalb "Markt" im Namen) verzeichnet war. Der zweite Namensbestandteil kommt von der Eisenhütte, die in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts hier entstand. Im 17. Jahrhundert wurde die Eisenhütte in eine Glashütte umgewandelt.

Geografie.

Durch Železná Ruda fließt der Große Regen (Řezná). Unweit der Stadt liegen die Seen Černé (Schwarzer See) und Čertovo jezero (Teufelssee). Hier erhebt sich auch der 1202 m hohe Gipfel des Špičák (Spitzberg), unter dem der Spitzbergtunnel, nach dem Březenský-Tunnel zweitlängster Eisenbahntunnel (1747 m) Tschechiens, hindurchführt. An den Hängen des Špičáks befindet sich ein Skigebiet. Sechs Kilometer nördlich der Stadt erhebt sich der Berg Pancíř ("Panzer"), auf dem sich eine Bergbaude mit Aussichtsturm befindet.

Ortsteile.

Alžbětín "(Elisenthal)", Debrník "(Deffernik)", Hojsova Stráž "(Eisenstraß)", Pancíř "(Panzer)", Špičák "(Spitzberg)" und Železná Ruda "(Eisenstein)"

Architektur.

Wahrzeichen des Ortes ist die barocke Pfarrkirche" Mariä Hilf vom Stern" mit zwölfseitiger Zwiebelkuppel (eine der größten weltweit) und Zwiebelturm. Sie wurde in den Jahren 1729–1733 unter dem Grafen Wolf Heinrich von Nothafft, dem damaligen Besitzer der hiesigen Herrschaft, errichtet. Den Grundriss der Kirche bildet ein Hexagramm. Der Glockenturm wurde erst 1777 erbaut, in seiner Formensprache mit der des ganzen Gebäudes korrespondierend. Im Zentrum des barocken Hochaltars steht eine 1854 gefertigte Kopie des Gnadenbildes Maria Hilf, dessen Original Lucas Cranach der Ältere für das Kapuzinerkloster in Innsbruck geschaffen hat, flankiert von vollplastisch in Lindenholz geschnitzten und gefassten überlebensgroßen Skulpturen der Nebenpatrone der Pfarrkirche, des heiligen Kaisers Heinrich II. zur einen Seite und dessen Gemahlin Kunigunde zur anderen Seite. Im Auszug des Altares befindet sich ein Bildnis der heiligen Dreifaltigkeit. Das Altarkreuz ist eine seltene Arbeit aus geschliffenem, graviertem Rubinglas aus dem Spätbarock, gefertigt in einer der hier einstmals zahlreichen Glashütten.  In der Stadt und im Umkreis gibt es noch einige Kapellen, wie z. B. von der hl. Barbara und der hl. Anna, sowie einen Kreuzweg.

Kultur.

In der Stadt befindet sich das Böhmerwaldmuseum (Muzeum Šumavy Železná Ruda).

Verkehr.

1877 erhielt Markt Eisenstein einen Bahnhof an der Strecke Pilsen–Eisenstein der Eisenbahn Pilsen–Priesen(–Komotau). Ursprünglich als Fernverbindung zwischen Böhmen und Bayern geplant, dient die Strecke heute wegen ihrer schwierigen Topografie nur noch dem regionalen Verkehr. Es gibt mit Železná Ruda-Alžbětín und Špičák zwei Bahnhöfe und mit Železná Ruda město und Železná Ruda centrum zwei Haltestellen.  Durch den Ort führt die Europastraße 53, die am Grenzübergang aus der deutschen Bundesstraße 11 in die tschechische Straße I. Klasse 27 übergeht.

Wappen.

Blasonierung: „Gespalten, vorne Grün, hinten fünfmal von Silber und Rot geteilt, belegt mit einem begrindeten zehnendigen goldenen Hirschgeweih.“

Železná Ruda ([], deutsch" Markt Eisenstein") ist eine Stadt im Plzeňský kraj in der Tschechischen Republik. Sie liegt im Böhmerwald, nahe der Grenze zu Bayern und des deutschen Orts Bayerisch Eisenstein. Die Stadt befindet sich im Biosphärenreservat Šumava und ist eines der sportlichen und touristischen Zentren des Böhmerwaldes.


Leben.

Andrea del Castagno wurde um 1418 in Castagno, einem Dorf bei Monte Falterona unweit von Florenz, geboren. Während der kriegerischen Auseinandersetzung zwischen dem Herzogtum Mailand und Florenz lebte er in Corella und kehrte dann in sein Heimatdorf zurück, von wo er 1440 nach Florenz zog. Er gewann dort die Gönnerschaft von Bernadetto de’ Medici. In dessen Auftrag malte er 1440 nach der Schlacht von Anghiari die Bilder der bestraften und erhängten Verlierer an die Außenwand eines Palastes, was ihm zunächst den Spitznamen Andrea degli Impiccati – „Andrea der Gehängten“ – einbrachte. Die Arbeit bedeutete für ihn aber den Anfang einer langen Karriere.  Andrea del Castagno arbeitete im Jahre 1442 zunächst als Freskenmaler in der Kirche San Zaccaria in Venedig. Dann in der Gegend um Florenz tätig, war er am florentinisch-venezianischen Ideenaustausch beteiligt. In seinen nachfolgenden Fresken für das Kloster San Apollonia in Florenz ist der Einfluss des bedeutenden Meisters der florentinischen Frührenaissance Domenico Veneziano und des in der Toskana tätigen Piero della Francesca erkennbar. Ab 1444 wirkte er wieder hauptsächlich in Florenz. Dort entwarf er auch eines der Rundfenster der Kuppel der Santa Maria del Fiore. Er wurde Mitglied der Lukasgilde.

Stil.

Castagno stand in der Realismustradition Masaccios. Schon Giorgio Vasari begeisterte sich im 16. Jahrhundert noch für Andreas Zentralperspektive und Darstellungen der perspektivischen Verkürzung, etwa beim "Hieronymus" in der Corboli-Kapelle von Santa Annunziata. Castagnos Farbgebung war wohl eher unzureichend, doch verriet z. B. das "Letzte Abendmahl" (1447, San Apollonia) sein ausgeprägtes Zeichentalent. Später stand Castagno unter dem Einfluss des Bildhauers Donatello.

Castagno und Veneziano.

Giorgio Vasari berichtet im zweiten Teil seiner Biographien, Andrea habe Domenico Veneziano aus Neid auf dessen Farbgebung getötet. Tatsächlich ist Domenico vier Jahre nach Andrea gestorben. Andrea starb vermutlich an der Pest.

Castagno-Museum.

Das Kloster Sant’Apollonia ("Cenacolo di Sant’Apollonia") in Florenz (Via San Gallo/Via XXVII Aprile) ist heute ein Castagno-Museum.

Andrea del Castagno ("Andrea di Bartolo di Bargilla", auch "Andrea dal Castagno di Mugello"; * um 1418 im Ortsteil Castagno von San Godenzo; † 19. August 1457 in Florenz) war ein italienischer Maler der Renaissance. Er wird zu den einflussreichsten Künstlern der Frührenaissance in Florenz gerechnet.


Leben.

Der Sohn eines Ford-Angestellten und einer Hausfrau verließ mit 14 Jahren vorzeitig die Schule, um Jazzmusiker zu werden. Bis zu seinem 18. Lebensjahr, als er zur britischen Armee musste, war er Schlagzeuger in einer Band.  Nach seinem Militärdienst arbeitete er als Flugbegleiter bei British Airways (BA) mit dem Hintergedanken, preisgünstig in die USA zu kommen, wo er als Musiker Karriere machen wollte. Parallel bewarb er sich als Fotograf bei BA bei der Abteilung für technische Fotografie. Zur Ausbildung gehörte das Fotografieren von Flugzeug-Einrichtungen und Flughafen-Reportagen. Durch seinen Schnappschuss des britischen Innenministers, den O’Neill schlafend im Flughafengebäude aufgenommen hatte, wurde die englische Zeitung "Daily Sketch" auf ihn aufmerksam und engagierte den jungen Fotografen. Später wechselte er für einen Wochenlohn von 75 Pfund zur "Sunday Dispatch". Er arbeitete zunächst in London und fotografierte unter anderem die Beatles, die Rolling Stones und das Model Twiggy. In den 1970er Jahren ging er nach Hollywood, wo er mit Fred Astaire, Liz Taylor und Frank Sinatra zusammenkam und unter anderem für die Magazine "Playboy" und "Life" arbeitete.  Sein nach eigener Aussage bestes Foto zeigt Faye Dunaway im Jahr 1977 am Morgen nach der Oscar-Verleihung für "Network" am Swimmingpool des „Beverly Hills Hotels“. Aus der Verbindung mit der Schauspielerin, die er erst 1983 heiratete, sich von ihr aber schon 1987 wieder trennte, stammt Sohn Liam (* 1980). Zuletzt lebte O’Neill mit seiner dritten Ehefrau, einer Modelagentin, in London.  O’Neills Fotos sind in der National Portrait Gallery (London) ausgestellt. Der nach ihm benannte „Terry O’Neill Award“, dessen Jury er auch angehörte, wird alljährlich an britische unabhängige Fotografen vergeben.

Terence Patrick "Terry" O’Neill CBE (* 30. Juli 1938 in London; † 16. November 2019 ebenda) war ein britischer Fotograf.


Biografie.

Martha Cooper fotografierte bereits im Alter von drei Jahren. Nach dem Collegeabschluss am Grinnell College in Iowa ging sie 1963 mit dem Friedenskorps als Englischlehrerin nach Thailand.  Nach zwei Jahren Unterricht fuhr sie 1965 mit einem Motorrad über 20.000 Kilometer von Thailand nach Oxford, England und begann ein Studium der Ethnologie. Sie ist der Meinung, die Möglichkeiten der Kamera nicht zu nutzen und sucht nach einem Weg, Fotografie und Anthropologie zu verbinden („Ethnografin hinter der Kamera“).  Nach Anstellungen am Smithsonian Institut, der Universität Yale und einem Praktikum beim National Geographic heiratete sie 1969 den Anthropologen Stewart Guthrie; beide lebten bis 1971 in Japan.  Nach der Rückkehr in die Vereinigten Staaten arbeitete sie ab 1973 als Fotografin für die New York Post. Im Zuge dessen traf sie 1979 in Manhattans Lower East Side den Graffiti-Writer HE3, der sie in Kontakt mit der Writing-Szene brachte. Cooper lernte schnell weitere bekannte Sprüher wie Dondi kennen und begann, die Arbeiten der Jugendlichen systematisch abzulichten.  Im Januar 1980 machte Martha Cooper die ersten Fotos von einem Phänomen, was heute als Breakdance bekannt ist. Bei den Bildern handelt es sich um die ersten Dokumente, die über Breakdance berichten.  Das Buch "Subway Art", das sie 1984 zusammen mit dem Fotografen Henry Chalfant veröffentlichte, wurde zum Meilenstein der Writing-Dokumentation und sorgte maßgeblich für eine mediale Verbreitung des Phänomens in Europa.  Im Jahr 2006 nahm Cooper am Outsides-Projekt, einer "corporate streetart attack" in Wuppertal, teil und schrieb das Vorwort für die als Buch erschienene Projekt-Dokumentation.  Im Mai 2018 veröffentlichte sie mit der 1UP Crew das Buch „One Week with 1UP“. Die Fotografin begleitete die Crew eine Woche lang und dokumentierte diese Zeit in dem Buch.

Martha Cooper (* 1942 in Baltimore, Maryland) ist eine US-amerikanische Fotojournalistin, die mit ihren Bildern insbesondere die Entwicklung der New Yorker Hip-Hop-Kultur dokumentiert hat.


Etymologie.

Die Wortherkunft geht auf die Verschmelzung des gleichbedeutenden, schwedischen Wortes "troll" mit dem älteren, niederhochdeutschen Wort "troll" zurück; letzteres bezeichnete einen groben, ungeschlachten Kerl. Die Herkunft ist nicht sicher geklärt, wahrscheinlich ist der Bezug zu dem seit mittelhochdeutscher Zeit bezeugten Verb "trollen", das mit dem englischen "to troll" (umhergehen, rollen) verwandt ist, sowie zu dem altnorwegischen Wort "trǫll" (neunorwegisch: "trylle", „hexen“, „zaubern“, „tricksen“, dänisch: "trylle", „beschwören“), das wohl auf ein altgermanisches Wort zurückgeht.

Norwegen.

Nach der nordischen Mythologie hausen die Riesen und Trolle in Utgard, während die Menschen in Midgard und die Asen in Asgard leben. In der Heimskringla wird in der "Saga von Olaf dem Heiligen" erzählt, wie Arnljot Gelline mit einem Trollweib kämpft, das nachts in einer Berghütte schlafende Händler überfällt und tötet. Zwar halfen die mythischen Trolle mit ihren Riesenkräften der Sage nach gelegentlich auch beim Bau von Kirchen wie der Kathedrale von Trondheim und halfen so, deren Standorte zu legitimieren, doch wurden sie nach der Christianisierung und vor allem nach der Reformation um 1600 aus der Mythologie verdrängt und überlebten (wie auch in Island) nur in der Folklore und in Volksmärchen meist in verzwergter Form.  In 21 der "Norwegischen Volksmärchen", die von Peter Christen Asbjørnsen und Jørgen Moe ab 1841 herausgegeben wurden, kommen Trolle vor.  Als holzgeschnitzte Puppen gehören Trolle heute zum Kunsthandwerk und touristischen Erscheinungsbild Norwegens. Sie sind dort als Souvenirs beliebt. Diese Holzfiguren sind bucklig, vierschrötig und mit einer langen Nase gestaltet. In humorvoller Anspielung auf Norwegens Reichtum aus den Öl- und Gasvorkommen in der Nordsee werden sie gelegentlich auch als Ölscheich-Variante gestaltet. Ein norwegisches Erdölfeld in der Nordsee erhielt den Namen "Troll A".  Neben der Bergregion Trollheimen wurde auch eine Gebirgsstraße bei Åndalsnes in Süd-Norwegen nach ihnen benannt: "Trollstigen", zu deutsch "Trollleiter".

Schweden.

Auch in der schwedischen Folklore spielen Trolle, allerdings beiderlei Geschlechts, eine große Rolle. Souvenirs, die Trolle darstellen sollen, werden aus allen denkbaren Materialien hergestellt: Tannenzapfen, Holz, Steinen, Zweigen, Wolle usw. Sie haben meist eine große Nase, eher an eine Kartoffel erinnernd. Die schwedischen Trolle sind nicht unbedingt Schaden bringend, sondern eher geheimnisvoll und unzuverlässig. Sie leben der Sage nach im Wald. Besonders hat sich der Mythos erhalten, die Trolle würden kleine Kinder stehlen und anstelle des Menschenkindes ihr eigenes Kind ins menschliche Kinderbettchen legen (Wechselbalg). Doch es gibt auch die Geschichte vom Herrn Mannelig, die von einer Bergtrollin erzählt, die einen Ritter heiraten will. Ferner gelten sie ähnlich wie Feen oder Hexen als Erklärung für sonst unerklärbare Phänomene (das haben die Trolle gemacht). Gern bauen die Skandinavier in ihren Vorgärten den kleinen flinken und hilfreichen Trollen Miniaturhäuser, die den eigenen Wohnhäusern verblüffend ähneln. Selbst Miniaturkirchen für Trolle sind in den Vorgärten aufgestellt.  Ein Dolmen bei Hagestad in Schonen in Südschweden trägt den Namen Trollasten, dt. Trollstein.

Island.

Island wurde von Norwegen aus besiedelt. So verwundert es nicht, dass auch die isländische Folklore und Literatur die Trolle kennt. Die bizarre Vulkanlandschaft Islands ist besonders bei Nebel dazu angetan, Felsformationen als Ungeheuer und Trollvolk erscheinen zu lassen. Viele Geschichten und Mythen ranken sich um die Trolle, und nicht selten sind besonders markante Landschaftsbestandteile nach Trollen benannt (z. B. die Felsbastion Skessuhorn am Berg Skarðsheiði in Westisland).

Dänemark.

Ähnlich wie in Norwegen und Schweden ist auch in Dänemark der Troll eine im Souvenirsektor, im Kinderbuch und im Vorgarten beliebte Figur. Der Begriff Trold findet sich auch in geografischen Bezeichnungen wie dem Troldborg Ring bei Vejle. Künstlerisch wurde der Troll auch in mehreren Werken des dänischen Bildhauers Niels Hansen Jacobsen aufgegriffen.

Faeroer.

Auch auf den Färöern sind Sagen von Trollen überliefert, so die Sage von Risin und Kellingin.

Literarische Verarbeitung.

In der schwedischen Literatur sind die Trolle unter anderem durch die Illustrationen von John Bauer zu den Märchen in der Reihe "Bland tomtar och troll" unsterblich und außerdem weltberühmt geworden. Eine Auswahl der Märchen auf Deutsch ist unter dem Titel "Trolle, Wichtel, Königskinder" erschienen.  Henrik Ibsen erwähnt den Troll in seinem Drama "Peer Gynt". Auch Knut Hamsun, Trygve Gulbranssen, Bjørnstjerne Bjørnson, Selma Lagerlöf und viele andere Dichter, Schriftsteller und Erzähler ließen sich von der Gestalt des Trolls inspirieren. Weitere Beispiele von Trollen in der Literatur sind Ebenfalls zu erwähnen sind die "Troll Minigoll"-Trilogie von Henning Boëtius sowie die "Handbücher des Übersinnlichen, Band 1" (im Original "The Goblin Companion") von Brian Froud und Terry Jones, in denen verschiedenste Trollarten verzeichnet sind.  "Brückentrolle", die in einigen deutschen Märchen und Sagen vorkommen, haben ihren Namen durch ihre Bewachung von Brücken oder Furten erhalten. Wer über den Fluss will, muss an den Troll Zoll entrichten oder ihm mit einer Gefälligkeit dienen.  In den Romanen von der Scheibenwelt von Terry Pratchett sind Trolle eine auf Silizium basierende Spezies, die hauptsächlich hoch in den Bergen lebt.  Christoph Hardebusch schreibt in seinem Roman "Die Trolle" eine komplette Geschichte über diese Fantasiewesen, die er in "Schlacht der Trolle" und "Zorn der Trolle" fortsetzt. Hier werden die Trolle vergleichsweise intelligent dargestellt und weisen in ihrem Verhalten schon annähernd menschliche Züge auf.  Erich Köhler wählt in seinem Roman „Sture und das deutsche Herz“ den Troll für die Hauptfigur Sture, die dadurch in der Lage ist, durch die Jahrhunderte zu reisen und Abenteuer zu erleben, welche Köhler in einen politisch-historischen Bezug stellt.

Sonstiges.

Trolle tauchen in zahlreichen Varianten in vielen kulturellen Produkten auf, die sich mehr oder weniger auf die germanisch-nordische Kultur beziehen. Da sie häufig Bewohner verschiedener Fantasywelten wie der Scheibenwelt oder Mittelerde sind, erscheinen sie auch in den Verarbeitungen dieser Welten in Filmen oder Computerspielen.

Ein Troll ist ein unberechenbares Fabelwesen der nordischen Mythologie, das die Naturkräfte verkörpert. Besonders in Schweden und Dänemark vermischte sich in den Märchen die Vorstellung von Zwergen und anderen Wald-, Wasser- oder Berggeistern, teilweise auch mit der von menschenfreundlichen Feen und Elfen. So wurde „Troll“ zu einem allgemeinen Ausdruck für jede Art von mehr oder weniger menschengestaltigen Fabelwesen, ähnlich wie die "fairies" der anglo-keltischen Tradition. Das Christentum dämonisierte die Trolle, deren Existenz im Volksglauben noch bis ins 19. Jahrhundert angenommen wurde, denen man aber nicht zu begegnen wünschte.


Verschiedene Exemplare im Lauf der Zeit.

Der Baum von Gernika wurde mehrmals neu gesetztv  Die Bedeutung des Baumes wird durch einen Zwischenfall beschrieben, der sich kurz nach der Bombardierung Gernikas ereignete. Als die Franco-Truppen die Stadt einnahmen, bildeten Freiwillige aus Bizkaia bewaffnete Wachen um den Baum herum, um ihn gegen die Falangisten zu beschützen, die dieses Symbol des Baskischen Nationalismus fällen wollten.  Das Logo der sozialdemokratischen Partei Eusko Alkartasuna (Baskische Solidarität), das frühere Logo der Organisation junger Nationalisten sowie die Jugendorganisation Jarrai verwenden ein Eichenblatt. Der Baum von Gernika ist auf dem Wappen von Bizkaia abgebildet.  Die baskischen Behörden verschenken Ableger der Eiche als Zeichen der Freundschaft und Verbundenheit an baskische Gruppen, die ihre Heimat verlassen und sich in anderen Teilen der Welt niedergelassen haben, sowie an Partnerstädte.  "Gernikako Arbola" ist auch der Titel eines Liedes. Es ist die inoffizielle Hymne der Basken neben der offiziellen Nationalhymne, der Eusko Abendaren Ereserkia.

Liedtext.

BAUM VON GERNIKA  Gesegnet ist der Baum von Gernika, geliebt von allen Basken. Trag und verbreite deine Früchte in der Welt, wir verehren dich, Heiliger Baum.  Rund tausend Jahre, sagt man, ist es her, dass der Herr den Baum von Gernika pflanzte. Steh aufrecht heut und alle Zeit, stürzt du, sind wir verloren.  Du wirst nicht stürzen, geliebter Baum, verhält sich der Rat von Biskaya richtig. Wir vier Provinzen vereinen uns mit dir, damit die Basken in Frieden leben.  Knien wir alle nieder und bitten den Herrn, dass der Baum ewig lebe. Und bitten wir ihn nur von Herzen darum, wird der Baum leben, jetzt und immer.  Sie trachten danach, den Baum zu stürzen, das wissen wir alle im Baskenland. Nun, Landsleute, unsre Zeit ist gekommen, tragen wir Sorge, dass er nicht fällt.  Für dich wird immer Frühling sein, fleckenlose Blume seit ewigen Zeiten. Erbarme dich unser, geliebter Baum, gibt uns deine Frucht, verlier keine Zeit.  Und der Baum rät uns, wachsam zu leben, und von ganzem Herzen zum Herrn zu beten. Wir wollen keinen Krieg, sondern ewigen Frieden, um hier unsere gerechten Gesetze zu achten.  Bitten wir Gott unsern Herrn, um Frieden jetzt und für ewig, um Kraft für dein Land und seinen Segen für das Baskische Volk.  "Jose Maria Iparragirre, 1853"

Aus den Notizen Wilhelm von Humboldts.

In den Reisenotizen, die Wilhelm von Humboldt anlässlich seiner Studien im Baskenland 1801 festhielt, äußerte er sich auch über die Bedeutung des Baums von Gernika und das vorgefundene Erscheinungsbild:

Der AMD Phenom von AMD ist ein Mehrkernprozessor für Desktop-Computer und ein Vertreter der K10-Generation. Erste Modelle sind seit dem 19. November 2007 erhältlich. Mit der Einführung des neuen Markennamen Phenom reagierte AMD auf die Popularität des Intel Core 2, mit dem die Phenom-Prozessoren konkurrieren. Der Name "Phenom" tritt dabei die Nachfolge des Markennamens Athlon an und ersetzt diesen in den oberen Marktsegmenten.


Académie royale de peinture et de sculpture

Geschichte.

Vor der Gründung der Akademie hatte die Pariser Communauté des maîtres peintres et sculpteurs de Paris (dt.: Gemeinschaft der Maler- und Bildhauermeister von Paris) – kurz Maîtrise – das Monopol über die Kunstproduktion. Innerhalb dieser seit 1391 existierenden Gilde herrschten auch im 17. Jahrhundert noch weitgehend mittelalterliche Strukturen und Gesetze: Nur ein zugehöriger Meister durfte in Paris Kunstaufträge annehmen und Kunstwerke anbieten. Vorgeschrieben war auch die Anzahl seiner Werkstattmitarbeiter und Lehrlinge. Die Ausbildung erfolgte nach überkommenen Regeln, umfasste im Grunde nur manuelle Fertigkeiten und technische Kenntnisse und zielte alles in allem auf die Ausbildung eines Kopisten des ausbildenden Meisters. Der Maîtrise gehörten neben einer kleinen Zahl „Künstler“ im neuzeitlichen Sinne vor allem Malerhandwerker, Mitarbeiter von Kunsthandwerksbetrieben und auch Kunsthändler an.  Gerade diese Vermengung mit Anstreichern und Händlern empfanden die neuzeitlichen Künstler als ihrer unwürdig und hinderlich, um von den gebildeten Schichten wie etwa den Gelehrten und Schriftstellern als ebenbürtig anerkannt zu werden. Die einzige Möglichkeit, den Gildenzwang und die damit verbundene Besteuerung zu umgehen, war die Beschäftigung als Hofkünstler. Als so genannter Brevetaire gehörte man dem königlichen Haushalt an und unterstand somit nicht der Jurisdiktion der Gilde. Zudem war es den Hofmalern und -bildhauern gestattet, Aufträge außerhalb des Hofes, gegebenenfalls sogar außerhalb von Paris, anzunehmen, was einen enormen Wettbewerbsvorteil darstellte. Diese Gruppe war zwar nicht an einer institutionellen Verbesserung der Künstlerstellung interessiert, weil dies ihre privilegierte Stellung entwerten könnte, dennoch trug sie indirekt dazu bei.

Gründung.

1647 setzte die Maîtrise die Begrenzung der Anzahl der Brevetaires durch und zusätzlich ihre Unterstellung unter die Gildengesetze: Ab sofort durften sie außerhalb des Hofes nur mit Erlaubnis der Gilde tätig sein oder hohe Bußgelder und Ächtung auf sich nehmen. Dies brachte die Hofmaler und -bildhauer auf die Seite einiger junger Künstler, die – inspiriert vom Ideal eines neuzeitlichen Künstlers, wie er von den großen italienischen Meistern verkörpert wurde –, aus dem Gildenzwang auszubrechen suchten.  Ganz vorne der gerade 28-jährige Charles Le Brun. 1646 aus Rom zurückgekehrt, genoss er bereits hohes Ansehen und wurde sofort zum Peintre du Roi (dt.: Maler des Königs, königlicher Hofmaler) ernannt. In Rom war er nicht nur mit der antiken und italienischen Kunst in Berührung gekommen, sondern auch mit prominenten Sammlern, Auftraggebern und so geschätzten Meistern wie Nicolas Poussin. In Paris wurde er von Kanzler Pierre Séguier protegiert, mit dessen Familie er mütterlicherseits verbunden war. Séguier verschaffte ihm Zugang zu gebildeten Kreisen um den Kardinal de Bérulle und Madame Scudéry. Zum Sprecher der Gruppe vor Kardinal Mazarin und Anna von Österreich, die in Vertretung des noch minderjährigen Ludwig XIV. regierten, wurde der Staatsrat Martin de Charmois, der in Rom die Accademia di San Luca kennen- und schätzengelernt hatte. Unter seinem Vorsitz fand am 1. Februar 1648 die konstituierende Sitzung der Académie Royale de Peinture et de Sculpture statt. Martin de Charmois wurde ihr erster Direktor (noch Chef genannt), Kanzler Séguier ihr erster Protecteur (dt.: Schutzherr). Neun Maler und drei Bildhauer, darunter Le Brun, Charles Errard und Sébastien Bourdon, wurden als die ersten zwölf Professoren (noch Anciens genannt) in das Gremium gewählt. Weitere vierzehn Künstler gehörten seit der ersten Stunde dem Corps (dt.: Körperschaft) an.

Weitere Entwicklung.

In den ersten Jahren lief das Projekt allerdings nicht reibungslos: Die Finanzierung war unsicher, und die Förderer wurden durch die Fronde ins Exil gezwungen. Zudem hatte die Maîtrise 1649 eine Konkurrenzakademie errichtet, die Académie de Saint-Luc (dt.: Lukasakademie). Da die Rivalität den Beteiligten schon bald unerträglich wurde, mündete 1651 in eine Verschmelzung beider Institutionen. Nach der Niederschlagung der Fronde (1653) trieben die Gegner des Zusammenschlusses eine Reform voran und erreichten 1655 beim König: die Bestätigung der Gründungsregularien von 1648, die Erhebung der Kunstakademie in den gleichen Rang wie die Académie Française, die Bewilligung einer jährlichen Subvention von 1000 Livres, sowie von Räumlichkeiten im Louvre. Am wichtigsten war jedoch die Sicherung des Monopols auf Zeichenunterricht vor Modellen, womit die Grundlage jeder künstlerischen Ausbildung nun allen Meistern in allen Werkstätten untersagt war. Dies bedeutete den endgültigen Bruch – und die Unabhängigkeit der noch jungen Akademie. Le Brun sollte erneut eine führende Rolle einnehmen.  1664 reformierte Jean-Baptiste Colbert, Finanzminister und Surintendant des Bâtiments (dt.: Leiter der staatlichen Bauaufsichtsbehörde, d. h. eine Art Minister für Bauwesen) die Satzung der Akademie, insbesondere erhöhte er die staatliche Subvention auf 4000 Livres jährlich und nötigte die Künstler, die noch zwischen der Akademie und der Maîtrise schwanken, der Akademie beizutreten. Für Colbert war die Institutionalisierung der Kunstproduktion ein Staatsanliegen im Rahmen seiner Konzeption absolutistischer Herrschaft: Die Kunst sollte einen gôut français (dt.: französischen Geschmack) und dadurch nationale Identität generieren, gleichzeitig sollte sie den Ruhm, den Glanz, die Macht, kurz: die führende Rolle französischen Königtums den Franzosen und allen anderen Europäern vor Augen führen. Unter anderem aus dieser Zielsetzung heraus erklärt sich die Existenz der Akademie. Um den grand stil (dt.: repräsentativen Stil) dort auch zur Doktrin zu erheben, stand Colbert mit Charles Le Brun ein idealer Partner zur Seite. Beide Männer sollten die Kunstakademie zur höchsten Blüte führen.  Mit den Subventionskürzungen 1694 trat eine Wende ein – und es begann ein fünf Jahre währender Kampf ums nackte Überleben. 1705 fiel das Monopol auf den Zeichenunterricht, eine Niederlage gegenüber der Maîtrise, die allerdings 1714 mit der Erteilung des Königlichen Druckprivilegs wieder halbwegs wettgemacht wurde. Es folgten wenig aufregende Jahre, in denen ein Wettbewerb unter zwölf Historienmalern der Akademie (1727) noch das erwähnenswerteste Ereignis war.  1737 reanimierte der an Kunstfragen sonst nicht übermäßig interessierte Bauamtsdirektor Philibert Orry die berühmten Kunstausstellungen (Salons) – und kurbelte damit das Interesse der Künstler an der Akademie wieder an. Zehn Jahre später erklärte ein neues Team, „der Akademie ihren alten Glanz zurückgeben“ zu wollen: der von der Mätresse Ludwigs XV., Marquise de Pompadour, protegierte Bankier Lenormant de Tournehem und der Premier peintre du Roi und Akademiedirektor Charles Coypel. Ihre Maßnahmen: die Wiederbelebung der conférences und eine stärkere Reglementierung der Ausbildung. Ihr Erfolg: die Restauration des "grand stil".  Frankreichs Beteiligung am Siebenjährigen Krieg (1756–1763) bewirkte, dass auch dieses Glück nicht von langer Dauer war. In der Folgezeit erreichte der neue Bauamtsdirektor Marquis de Marigny (Abel-François Poisson de Vandières) immerhin eine Genehmigung für die Nutzung der Apollongalerie (1764) und die Aufstockung der Zuwendungen (1771). Wirklich durchgreifende Maßnahmen durfte jedoch erst sein Nachfolger, der dem soeben inthronisierten Ludwig XVI. nahestehende Charles Claude Flahaut de La Billarderie, treffen: regelmäßige Aufträge für die Akademiekünstler (und deren zügige Entlohnung!) (1774), die Genehmigung, auf dem Pont Neuf Verkaufsboutiquen zu errichten und zu vermieten (1774), die Auflösung der Lukasakademie und die Eröffnung einer zweiten École du modèle unter der Obhut der Königlichen Akademie (1776) sowie ein schöner neuer Zugang zum Salon (1780/81).

Standort & Sitz der Akademie.

Die Akademie tagte ursprünglich in der "rue Taînée" (heute rue Rambuteau) im Hallenviertel, dann im sogenannten Hôtel de Clisson in der nahegelegenen "rue des Deux-Boules", zog im Jahr 1661 in das Palais Brion beim Palais Royal und bekam schließlich 1692 die ehemaligen Gemächer Annas von Österreich im Louvre zur Verfügung gestellt. Der Louvre sollte die Kunstakademie bis zu ihrer Schließung beherbergen.

Ende und Nachfolge.

Als eine Institution der Monarchie war auch die Kunstakademie von den Ereignissen der Revolution betroffen: Unter der Führung Jacques-Louis Davids wurde schon 1789 der Nationalversammlung eine Petition vorgelegt, die mehr Demokratie in der Struktur der Akademie forderte – alle Mitglieder und nicht nur die Funktionäre sollten an Entscheidungsprozessen beteiligt werden. Die Reformierung der Akademie war im März 1791 abgeschlossen. Die Gruppe um David jedoch forderte deren Auflösung und die vollkommene Freiheit für alle Künstler. Dem ersten Schritt, der Öffnung des Salons für „alle französischen und fremden Künstler, ob Akademiemitglieder oder nicht“, folgte zwei Jahre später, am 8. August 1793, die Auflösung aller Königlichen Akademien durch den Nationalkonvent. Die Académie de France in Rom war nicht betroffen. Jedoch wurde der Direktorenposten abgeschafft und die Leitung der Einrichtung direkt der Regierung unterstellt.  Bereits 1795 griff die Revolutionsregierung die Idee einer Kunstakademie wieder auf und richtete innerhalb des Institut National eine Abteilung für Literatur und Kunst ein. 1803 trennte man Kunst und Literatur durch die Einrichtung einer gesonderten Abteilung der Schönen Künste, der 28 Mitglieder angehörten: zehn Maler, sechs Bildhauer, sechs Architekten, drei Musiker und drei Kupferstecher. Während der Restauration (1814–1815) wurde die Anzahl der Mitglieder auf 40 erhöht, wobei die Maler traditionell die Mehrheit stellten. Auch wurde die alte Bezeichnung „Akademie“ wieder eingeführt. Die Académie des Beaux-Arts (dt.: Akademie der Schönen Künste) übernahm die meisten Funktionen der einstigen Académie Royale: Ausschreibung von Wettbewerben, darunter denjenigen um den Rompreis, Leitung der Académie de France in Rom, Würdigung künstlerischer Leistungen in öffentlichen Sitzungen, Auswahl der Künstler für die Salons und Zusammenstellung eines Kunstlexikons.  Seit den Reformen der Restaurationszeit gab es nur wenig Veränderung in den Statuten der Akademie. 1985 wurden die 50 Mitglieder in sieben Sektionen geteilt, darunter eine für Kinematografie mit vier Mitgliedern. Bis heute sind Frauen nicht als vollwertige Mitglieder zugelassen. Allerdings hat die Akademie inzwischen auch keinen Einfluss mehr auf die aktuelle französische Kunstproduktion.

Organisation.

Verwaltungsstruktur.

Die Organisation der Akademie lehnte sich an die Struktur der Malergilde an: Dieser gehörten Lehrlinge, Gesellen und Meister an, jener Schüler, vorläufige Mitglieder (frz.: agrées) und Vollmitglieder (frz.: académiciens).  Der Akademie stand ein Protektor aus den höfischen Kreisen vor, der meist auch Surintendant des Bâtiments (dt.: Oberintendant des Bauwesens) war, also zugleich der Architekturakademie vorstand und die Verbindung zu Regierung darstellte. Geleitet wurde sie vom Direktor, der meist zugleich Premier peintre du Roi (dt.: Erster Hofmaler, persönlicher Maler des Königs) war. Ihm unterstanden vier Rektoren, die organisatorisch tätig waren, und zwölf Professoren, denen der Lehrbetrieb oblag. Den Rektoren standen zwei Gehilfen, den Professoren acht zur Seite, die sie im Falle der Abwesenheit zu vertreten hatten – und zumeist beim Austritt ihrer Vorgesetzten auf deren Position nachrückten. Außerdem gab es einen Kanzler für die Besiegelung der Urkunden (bis 1683 zweite Funktion des Direktors), einen Sekretär (ab 1705 Sekretär-Historiograph) und einen Schatzmeister.

Mitgliedschaft.

Um Mitglied der Akademie zu werden, musste der Kandidat die Unterstützung zweier Vollmitglieder finden und zunächst ein Bewerbungsstück (frz.: morceau d’agrément) abliefern. Fiel die geheime Abstimmung darüber positiv aus, wurde er als vorläufiges Mitglied (frz.: agréé) aufgenommen. Viele Künstler beließen es dabei, weil sie so bereits dem Gildenzwang entronnen waren und die Aufnahmegebühr von 100 Livres, die seit 1660 für eine Vollmitgliedschaft zu entrichten war, nicht aufbringen konnten. Das Verfahren sah weiter vor, dass der agréé innerhalb von drei Jahren ein Aufnahmestück (frz.: morceau de réception) abzuliefern hatte, dessen Thema der Akademiedirektor oder -kanzler stellte. Wurde dieses Stück positiv beurteilt, war er als Vollmitglied (frz.: académicien) in die Akademie aufgenommen. Um Betrug auszuschließen, wurden Anwärter schon bald angewiesen, Skizzen unter der Aufsicht eines Akademiemitglieds anzufertigen und später sogar die Aufnahmestücke selbst unter Aufsicht anzufertigen. Angenommene Aufnahmestücke gingen in den Besitz der Akademie über – sie dienten als repräsentativer Wandschmuck, Zeugnis der Virtuosität der Mitglieder und Anschauungsmaterial für den Lehrbetrieb und die Kunstdebatten (frz.: conférences). In den Revolutionsjahren wurde die hochkarätige Sammlung leider aufgelöst und zerstreut. Die Nachfolgeinstitution – die Académie des Beaux-Arts – forderte keine Anfertigung eines Aufnahmestückes.  Obwohl die Academie Royale sich im Grunde als Vereinigung der Historienmaler verstand, wurden auch Maler weniger angesehener Gattungen aufgenommen: So z. B. schon 1648 die Brüder Le Nain, die sich auf Genreszenen spezialisiert hatten. 1717 wurde sogar eine gesonderte Kategorie eingerichtet, um Antoine Watteau als Maler der so genannten „fêtes galantes“ (dt.: galanten Feste) aufzunehmen. Anderseits konnte es auch geschehen, dass Künstler, die sich als Historienmaler beworben hatten, herabgestuft wurden – so 1769 mit Jean-Baptiste Greuze geschehen.  Dieser hohe Rang galt auch aus einem zweiten Grund als erstrebenswert: In den Statuten war geregelt, dass nur ein Historienmaler (oder Bildhauer) die Funktion eines Professors ausüben durfte. Damit war nicht nur die Ausrichtung der Lehre auf die Historie als Gipfel künstlerischer Leistung gesichert, sondern auch die Kontinuität dieser Ausrichtung, da die Funktionäre der Entscheidungsgremien sich aus dem Lehrkörper rekrutierten.

Kunstdoktrin.

Im 17. Jahrhundert sicherten Mitgliederdebatten (frz.: conférences) und der Lehrbetrieb die Orthodoxie der akademischen Doktrin. Ein Instrument, diese auch über die Akademie hinausgehend zu verbreiten, waren die periodischen Kunstausstellungen, die so genannten Salons.

Conférences.

Die conférences waren monatlich stattfindende öffentliche Diskussionen über Kunstfragen, die meist am Beispiel konkreter Kunstwerke ausgetragen wurden. Als Ehrenmitglieder durften auch Kunstamateure (frz.: amateurs) daran teilnehmen. Prominente Amateure waren die Kunsttheoretiker André Félibien, der die Sitzungsberichte veröffentlichte, und Roger de Piles, der sich für die Anerkennung des Laienurteils einsetzte und so die moderne Kunstkritik ermöglichte. Colbert und Le Brun sahen in den conférences ein Werkzeug, die „richtige“ Malerei, den gôut français, zu propagieren. Die conférences sind heute die wichtigste Quelle zur französischen Kunsttheorie des 17. Jahrhunderts.  Die akademische Doktrin der ersten Stunde zielte darauf ab, die Kunst – insbesondere die Malerei – in den Rang der als geistige Tätigkeit hochgeschätzten Schriftstellerei zu setzen und sie so vom bloß manuellen Handwerk abzugrenzen, als das sie traditionell angesehen wurde. So wird auch die Einstufung der Historienmalerei als höchste Gattung verständlich: Sie beschäftige sich inhaltlich – wie die Tragödie der antiken Poetiken – mit noblen Handlungen des Menschen und beinhalte formal alle übrigen Sujets – Porträt, Genre, Landschaft und Stillleben. Die Ausübung der Historienmalerei erfordere hohe Bildung auf vielerlei Gebieten und universelle Meisterschaft in handwerklichen Aspekten der Malerei. An zweiter Stelle der Gattungshierarchie folge das Porträt, weil es den Menschen, das vollkommenste Werk Gottes, zum Gegenstand habe, sodann die Landschaft als Darstellung von lebendigen Gegenständen und schließlich das Stillleben als Darstellung von toten Gegenständen. Interessanterweise klammerte Félibien, der hier paraphrasiert wird, das Genrebild aus.  In den conférences wurde die bienséance (dt.: Angemessenheit) der Komposition definiert, Fragen der angemessenen Darstellung von Emotionen und der zu den Figuren passenden Proportionen diskutiert, sowie die korrekte Verwendung von Farbe, Licht usw. Henri Testelin, der Sekretär der Akademie, fasste 1680 die Lehre in Tabellen zusammen, die ebenfalls veröffentlicht wurden. Sie behandelten le trait (dt.: Linie, d. i. die Zeichnung bzw. – auch perspektivisch – korrekte Darstellung der Objekte), l’expression (dt.: Ausdruck, d. i. die Ausschöpfung des emotionalen oder inhaltlichen Potentials), les proportions (dt.: Proportionen, d. i. die – nicht nur anatomische – Korrektheit bzw. Schönheit der Zeichnung), le clair et l’obscur (dt.: Hell-Dunkel, d. i. die Verwendung von Licht und Schatten), l’ordonnance (dt.: Anordnung, d. i. die Schönheit oder Vollkommenheit der Komposition) und la couleur (dt.: Farbe, d. i. die korrekte Farbgebung, das Verständnis für Lokalfarben).  In ein so enges Korsett genötigt, rebellierten einige Künstler. Zur zentralen Auseinandersetzung wurde die Frage, ob der Farbe oder der Linie der Vorrang in der Malerei gebühre – bekannt geworden als Streit zwischen Poussinisten (Anhänger der Präferenz Zeichnung – als Ausdrucksträger des Intellekts) und Rubenisten (Anhänger der Präferenz Farbe – als Ausdrucksträger des Gefühls). Grundsätzliche geschichtsphilosophische und kulturtheoretische Fragen berührte die Auseinandersetzung darüber, ob die klassische Antike als vollkommenes Vorbild für die neue Kunst in jeder Hinsicht verbindlich sei oder die Moderne durch Neuerungen einen Kunstfortschritt erzielen könne (Querelle des Anciens et des Modernes).  In der Kunsttheorie traten liberalere "principes" (dt.: Prinzipien) an die Stelle der dogmatischen "préceptes" (dt.: Rezepte) – propagiert von Roger de Piles, der 1699 zum Ehrenmitglied der Akademie ernannt worden war. Nach dessen Tod (1708) jedoch ebbte das Interesse an den conférences deutlich ab. Erwähnung verdienen noch die Beiträge von Antoine Coypel (1708–1721) und Nicolas-Bernard Lépicié (1737–1743) sowie die 1747 durch die „Reflexions“ von LaFont de Saint-Yenne in Gang gesetzten Ausführungen des neuen Direktors Charles Coypel († 1752) und seines Freundes und Akademie-Amateurs Anne-Claude-Philippe, Comte de Caylus (1692–1765).

Lehrbetrieb.

Die Lehre ist die zentrale Aufgabe einer Akademie. Im absolutistischen System Colberts und für die ästhetische Konzeption Le Bruns war die der Akademie angegliederte École Royale de Peinture et de Sculpture (Königliche Schule für Malerei und Bildhauerei) das wichtigste Instrument, um ihre Ziele zu verwirklichen. Sie gab die in den Akademiesitzungen definierte Doktrin an die folgenden Generationen weiter. Lehrziel war die Heranziehung von hervorragenden Künstlern, die diese Doktrin in ihrem Schaffen umsetzen, die den gôut français vertreten, dadurch nationale Identität generieren und die führende Rolle französischen Königtums vor Augen führen. Colbert hatte als Finanzminister sicherlich auch merkantilistische Aspekte im Auge: Eine angesehene Kunstproduktion bringt ausländisches Geld ins Land.  Diese Ziele wurden in einem klar definierten Curriculum nach einem monatlichen Stundenplan von den Professoren vermittelt. Da von den Schülern erwartet wurde, dass sie gleichzeitig eine Malerlehre bei einem Meister absolvieren, wurde im praktischen Unterricht nur Zeichnen gelehrt.  Um als Schüler angenommen zu werden, musste der Bewerber die Empfehlung eines Akademielehrers (frz.: billet de protection) vorweisen, die dessen Begabung bestätigte. Zunächst übten sich die Schüler durch Kopieren von Meisterarbeiten, dann im Gipszeichnen (frz.: étude de la bosse), wobei Abgüsse, Statuen und Reliefs als Modell dienten. Als nächste Stufe folgte das Zeichnen nach einem bis Ende des 18. Jhs. auf männliche Modelle beschränkte Naturakt (frz.: l'académie) – zuerst mit Kohle, Kreide oder Rötel, dann mit dem Pinsel. Zuletzt wurde das freie Kompositionszeichnen unterrichtet. Theoretische Pflichtfächer der Akademie waren schon im 17. Jh. Anatomie, Geometrie und Perspektive; im 18. Jh. kamen Geschichte, Mythologie und Geographie hinzu. Die Fortschritte in der Ausbildung und das Fortkommen im Curriculum wurden in periodischen Wettbewerben durch die Akademie festgestellt und bewertet. Wettbewerbsdisziplinen waren beispielsweise Zeichnung eines historischen Sujets, Ausdruckskopf oder Aktstudie.  Der renommierteste Preis – der jährlich ausgetragene Prix de Rome – berechtigte den Gewinner zu einem längeren Studienaufenthalt an der Académie de France in Rom. Dort durfte er drei Jahre lang Werke der Antike und Renaissance im Original studieren und wurde gleichzeitig nach einem dem Pariser ähnlichen Plan in Mathematik, Geometrie, Perspektive, Architektur, Anatomie und Aktzeichnung weiter unterrichtet. Allerdings war es ihm nur gestattet, anerkannte Kunstwerke zu studieren und nicht erlaubt, eigene Arbeiten anzubieten oder am römischen Kunstleben teilzunehmen. Stattdessen war er verpflichtet, Kopien und Eigenschöpfungen anzufertigen, die zunächst zur Ausstattung von Schloss Versailles und später von Provinzresidenzen bestimmt waren, oder der École Royale in Paris als Studienvorlagen dienten. Ebenso wie die Académie de France (die heute noch existiert) überlebte der Prix de Rome die Königlichen Akademien. Er wurde an der Académie des Beaux-Arts noch bis 1968 ausgetragen.

Salons.

Die periodischen Kunstausstellungen machten die von der Académie Royale vertretene Doktrin auch einem interessierten Publikum bekannt. Die zunächst rein interne Veranstaltung, zu der jedes Mitglied ein Kunstwerk mitzubringen hatte, wurde 1665 erstmals durchgeführt. Es folgten die öffentlichen Expositionen 1667, 1669, 1671 und 1673 (evtl. auch 1675) – dann erst wieder 1699. Nach der zwischenzeitlich katastrophalen Finanzlage wollte der neue Protecteur Jules Hardouin-Mansart die Ausstellungen wieder aufleben lassen. Bis zur definitiven Reanimierung sollte es jedoch nur eine einzige Wiederholung geben (1704). Die Ausstellungen unter Colbert fanden im Palais Brion, einem Seitenflügel des Palais Royal, statt, die späteren in der Grande Galerie des Louvre.  1737 legte der Generalbaudirektor Philibert Orry den Grundstein zu einer festen Einrichtung. Die nach ihrem Veranstaltungsort im Salon carré des Louvre „Salon“ genannte jährliche Ausstellung wurde schnell zu dem Ereignis der kunstinteressierten Pariser. Mit den Anfeindungen 1746 und 1747 kam das Niveau der Kunstwerke auf den Prüfstand – mit dem Ergebnis, dass der Salon 1749 ausgesetzt und ab 1751 nur noch alle zwei Jahre durchgeführt wurde. In den Revolutionsjahren drängten aus die nicht der Kunstakademie angehörenden Künstler darauf, ihre Werke ausstellen zu dürfen. Letztlich mit Erfolg: Seit 1791 ist es jedem Künstler – Mann oder Frau, Franzose oder Ausländer – gestattet, am Salon teilzunehmen.

Die Académie Royale de Peinture et de Sculpture (dt.: Königliche Akademie für Malerei und Bildhauerei) war eine durch Ludwig XIV. im Jahr 1648 genehmigte Künstlervereinigung, die während der Französischen Revolution im Jahr 1793 vom Nationalkonvent geschlossen wurde. Ihre wenige Jahre darauf gegründete Nachfolgeinstitution, die Académie des Beaux-Arts (dt.: Akademie der Schönen Künste), existiert bis heute.


Leben.

Er war der Sohn des früheren Präsidenten Kolumbiens, Alfonso López Pumarejo. In dessen zwei Amtszeiten hielt sich López Michelsen fern von der Politik und konzentrierte sich auf sein Jurastudium. Er wurde schließlich Professor an der Universidad del Rosario in Bogotá, an der er selbst studiert hatte. Mit einer Gruppe von Ehemaligen gründete er die Bewegung Movimiento Revolucionario Liberal (MRL) als Gegenpol zum Frente Nacional, zu dem auch seine Partei der Partido Liberal Colombiano gehörte. Ihm wurde das Angebot gemacht, diese Bewegung anzuführen, was er annahm.  Im Jahr 1960 wurde er für den MRL Abgeordneter der Cámara de Representantes de Colombia und wurde 1962 als Kandidat für die Präsidentschaftswahl auf, bei der er jedoch unterlag. Nach dieser Niederlage wurde er 1966 zum Senator gewählt und ein Jahr später durch den amtierenden Präsidenten Carlos Lleras Restrepo zum Gouverneur des Departamentos von Cesar ernannt. Ein weiteres Jahr später übernahm er den Posten des Außenministers bis zum Ende der Präsidentschaft von Lleras 1970.  Zu den Wahlen 1974 trat er sich als Parteikandidat auf und konnte sich mit Hilfe von Julio César Turbay Ayala gegen den Ex-Präsidenten Lleras durchsetzen. Er gewann die Wahlen mit breiter Mehrheit gegen den konservativen Kandidaten Álvaro Gómez Hurtado und die Kandidatin der ANAPO María Eugenia Rojas. Diese Wahl zeichnete sich dadurch aus, dass alle drei Kandidaten Kinder von ehemaligen Präsidenten waren.  López Michelsen war maßgeblich an den Verhandlungen zur Rückgabe des Panamakanals beteiligt. Nach seiner Amtszeit widmete er sich wieder dem Partido Liberal und stellte sich 1982 wieder zur Wahl. Diese verlor er gegen den konservativen Kandidaten Belisario Betancur, der Wähler über seine Parteigrenzen hinaus für sich gewinnen konnte. López Michelsen zog sich Anfang der 1990er Jahre aus der Politik zurück.  Bis zu seinem Tod schrieb er für die Tageszeitung El Tiempo und war Honorarmitglied der Academia Colombiana de Jurisprudencia. In seinen letzten Lebensjahren war er an Verhandlungen der kolumbianischen Regierung mit der Rebellengruppe der FARC ("Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia") über den Austausch von Gefangenen beteiligt.

Alfonso Antonio Lázaro López Michelsen (* 30. Juni 1913 in Bogotá, Kolumbien; † 11. Juli 2007 ebenda) war ein kolumbianischer Jurist und von 1974 bis 1978 Präsident Kolumbiens.


Beschreibung.

Bergenien-Arten sind immergrüne bis sommergrüne, ausdauernde krautige Pflanzen. Sie bilden mit dicken, oft sehr flach streichenden Rhizomen große Bestände. Die wechselständig in grundständigen Rosetten angeordneten, kurz gestielten Laubblätter sind halb aufrecht, 10 bis 40 cm lang und 5 bis 20 cm breit. Die einfachen Blattspreiten sind rundlich, weichledrig, schwach fleischig und durch Wachs glänzend. Der Blattrand ist glatt, gekerbt oder gezähnt.  Die Blüten stehen in Thyrsen mit wickeligen Teilblütenständen mit Hochblättern zusammen. Die relativ großen, auffälligen Blüten sind zwittrig und fünfzählig. Die fünf Kelchblätter sind verwachsen. Die fünf Kronblätter sind weiß über rosafarben und rot bis purpurfarben. Es sind zwei Kreise mit je fünf Staubblättern vorhanden. Die zwei einviertel-oberständigen Fruchtblätter sind nur an ihrer Basis verwachsen. Die Plazentation ist marginal mit vielen Samenanlagen. Es sind zwei Griffel vorhanden.  Es werden Kapselfrüchte mit vielen Samen gebildet. Die kleinen Samen sind dunkelbraun.

Systematik und Verbreitung.

Bergenien-Arten sind in Zentral-Asien verbreitet, von Afghanistan über den Himalaya bis in die Volksrepublik China, und wachsen vorwiegend in mittleren und höheren Gebirgslagen. Sieben Arten sind in China beheimatet, davon drei nur dort.  Die Bergenien-Arten wurden früher in die Gattung Steinbrech ("Saxifraga"), Sektion "Saxifraga" sect. "Megasea" eingeordnet. Der Gattungsname "Bergenia" wurde 1794 von Conrad Moench in "Methodus Plantas Horti Botanici et Agri Marburgensis : a staminum situ describendi", S. 664 erstveröffentlicht. Typusart ist "Bergenia bifolia" Moench, heute ein Synonym von "Bergenia crassifolia" (L.) Fritsch. Der wissenschaftliche Gattungsname "Bergenia" ehrt den deutschen Mediziner und Botaniker Karl August von Bergen.  Die Gattung "Bergenia" umfasst je nach taxonomischem Konzept zwischen sieben und zwölf Arten:  "Bergenia cordifolia" wird manchmal als Synonym für "Bergenia crassifolia" aufgefasst.

Verwendung.

Als frostharte Bodendecker, Steingartenpflanzen oder Zierstauden werden Bergenien-Sorten in Parks und Gärten gepflanzt. Da sich mehrere Arten leicht miteinander kreuzen lassen, findet man als Zierpflanzen Hybriden, z. B.: Außerdem existieren von einigen Arten, besonders von "Bergenia cordifolia", zahlreiche durch Züchtung entstandene Sorten.

Die Bergenien ("Bergenia"), auch Wickelwurzen genannt, sind eine Pflanzengattung aus der Familie der Steinbrechgewächse (Saxifragaceae). Die Bergenia-Arten sind in den zentral- und ostasiatischen Gebirgen beheimatet.


Geschichte.

Das Institut wurde in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts zur Durchführung der gregorianischen Kalenderreform und zur Überprüfung des Kalenders durch Gregor XIII. gegründet. Ab 1578 ließ Gregor XIII. den Turm der Winde errichten und stellte ihn den jesuitischen Astronomen und Mathematikern des Collegio Romano für die mit der Kalenderreform verbundenen Arbeiten zur Verfügung.  Christoph Clavius SJ war als führender Mathematiker am Collegio Romano und fachlich Verantwortlicher für die gregorianische Kalenderreform de facto der erste Leiter der Sternwarte, auch wenn keine offizielle Ernennung bekannt ist. 1612 folgte Christoph Grienberger SJ Clavius auf dem Mathematik-Lehrstuhl am Collegio Romano und auch in dessen Funktion in der Sternwarte. Bereits um 1610, kurz nach der Erfindung des Fernrohrs, entwickelte er dort die Deutsche Montierung.  Im 18. Jahrhundert wurde auf dem Palazzo del Collegio Romano ein höherer und mit besseren Instrumenten ausgestatteter Turm errichtet, der ab 1774 offiziell als päpstliche Sternwarte diente. In den folgenden Jahrzehnten erreichte die astronomische Forschung unter Pater Angelo Secchi einen ersten Höhepunkt. Secchi konzentrierte sich dabei auf die Sonnenforschung und er gilt als der Wegbereiter der Spektralanalyse.  In Fortsetzung dieser Tradition veranlasste Leo XIII. am 14. März 1891 mit dem Motu Proprio "Ut mysticam" einen Observatoriumsneubau auf dem Vatikanhügel hinter der St.-Peter-Basilika. Dies war notwendig geworden, weil nach der Beseitigung des Kirchenstaates durch das neue Königreich Italien 1870 auch der Palazzo del Collegio Romano eingezogen worden war. Der Neubau erfolgte unter der Leitung des Barnabitenpaters Francesco Denza. Mit Personal aus verschiedenen religiösen Orden (Barnabiter, Oratorianer, Agostinianer, Jesuiten) beteiligte sich die Sternwarte hauptsächlich an einem großen internationalen Programm zur Erstellung einer fotografischen Himmelskarte. Wegen der zunehmenden Lichtverschmutzung wurde das Institut dann aber von Papst Pius XI. nach Castel Gandolfo 25 km südöstlich von Rom verlegt. Dort begann die Forschung 1930 mit zwei neuen Teleskopen und einem astrophysikalischen Labor u. a. mit einer Einrichtung zur Astrospektroskopie. 1957 folgte dort die Installation eines weitwinkligen Schmidt-Teleskops zur Klassifizierung von Sternen und ihren Spektren.  Ab 1981 wurde die Forschungsabteilung des Institutes dann durch deren Leiter George Coyne nach Arizona an die dortige Universität verlegt. Die "Vatican Observatory Research Group" arbeitet dort in einem der modernsten Zentren der Astronomie, wo 1993 mit dem Aufbau des Vatican Advanced Technology Telescope begonnen wurde. Das Institut ist auch an dem Large Binocular Telescope in direkter Nähe des VATT beteiligt. Der derzeitige Direktor ist Guy Joseph Consolmagno SJ, der am 18. September 2015 José Gabriel Funes SJ in diesem Amt ablöste.

Forschungsthemen und Sternwartebau.

Die Sternwarte und ihre Forschungen haben bis heute – auch im Zeitalter der Großteleskope – einen guten Ruf. Die Hauptarbeitsgebiete liegen in der Astrophysik (u. a. Expansion des Weltalls, Dunkle Materie, Dunkler Energie, Veränderliche, „Neue“ Sterne, Planetologie, Quasare, Kugelsternhaufen, Beschleunigung des Universums). Ein besonderer Schwerpunkt liegt auf interdisziplinären Forschungen (Astronomie-Physik-Philosophie-Theologie).  Der alte Sternwartenbau von 1930 in Castel Gandolfo hat zwei Kuppeln („Specola“) mit mehreren Teleskopen aus den 1950er-Jahren und einem 60-cm-Schmidtspiegel, die aber heutigen Ansprüchen nur mehr bedingt genügen. Deshalb betreibt das Institut die "Vatican Observatory Research Group" an der University of Arizona und zusätzliche Kooperationen mit anderen Observatorien, vor allem in den USA. Für die galaktische und die Stellarastronomie bedeutsam sind und waren ein großer Doppelastrograf und ein Speziallabor für Astrophysik (insbes. Spektralanalyse, siehe Angelo Secchi).

Wissenschaftliche Symposien.

Zu den vielen geistes- und naturwissenschaftlichen Symposien (u. a. über Evolution, Astrophysik, Urknall und Kosmologie, Wissenschaft und Religion), die von der Vatikanischen Sternwarte veranstaltet wurden, zählte zuletzt 2006 eine internationale Tagung für Physiker über Schwarze Löcher und aktive galaktische Kerne.  Seit 1986 findet alle zwei Jahre eine intensive vierwöchige Sommerschule für Studenten statt, die "Summer School in Astronomy and Astrophysics". Ein guter Teil der Hörer kommt aus Entwicklungsländern, denen der Vatikan auch Fachkontakte vermittelt.  1991 fand ein besonderer dreiwöchiger Sommerkurs in Castel Gandolfo über Kosmologie und den Fall Galilei statt, an dem auch 25 Bischöfe aus verschiedenen Ländern teilnahmen. In täglich vier Vorlesungen wurden die Grundlagen für einen soliden Dialog zwischen Religion und Wissenschaft gelegt und auch die Revision des Galilei-Prozesses vorbereitet.  Die Sternwarte organisiert auch jedes Jahr internationale Kolloquien über mögliche Beziehungen zwischen theologischen und naturwissenschaftlichen Gebieten, beispielsweise

Bekannte vatikanische Astronomen.

Zu den vielen bekannten Wissenschaftlern, die im Vatikan astronomische Forschung betrieben, gehören vor allem naturwissenschaftlich-philosophisch gebildete Jesuiten – beispielsweise

Die Vatikanische Sternwarte (it. "Specola Vaticana") ist die astronomische Forschungs- und Bildungsinstitution des Heiligen Stuhls. Das Institutszentrum ist in Castel Gandolfo in den Albaner Bergen südlich von Rom untergebracht, die Forschungseinrichtungen sind seit 1981 an die University of Arizona verlegt worden. Mit der Forschungseinrichtung VATT (Vatican Advanced Technology Telescope) wird seit 1993 auf dem Mount Graham bei Safford (Arizona) in den USA ein eigenes Observatorium betrieben, das mit einem 1,8-Meter-Teleskop arbeitet.


Stil.

Vor dem Ersten Weltkrieg veränderte sich die Fotografie. Es wurde nicht mehr die Nähe zur Malerei gesucht (Piktorialismus), sondern die Umkehr zur so genannten straight photography – oder Direkten Fotografie – wurde vollzogen. Aus diesem sehr objektiven Ansatz (vgl. auch Neue Sachlichkeit) entwickelte sich Anfang der 1920er Jahre der Wunsch, die gesellschaftlichen Umwälzungen optimistisch und dynamisch festhalten zu können. Das Neue Sehen, Resultat dieses Ansinnens, erklärt die so genannte Bauchnabelperspektive als substanzlos und interpretiert die exakte Ausleuchtung der zeitgenössischen Fotografien als reizlose und fade Darstellung der Wirklichkeit.  Vor allen Dingen die jungen russischen Konstruktivisten um Alexander Michailowitsch Rodtschenko und die zunehmende Zahl der Fotografen am Bauhaus wollten in interessanten Blickwinkeln (extreme Auf- oder Untersichten) ihre Umgebung wahrnehmen. Ebenfalls experimentierte man mit Licht und Schatten, was im Endergebnis häufig zu großen, schattigen Bildpartien führte. Kompositorisch legte sich das Neue Sehen auf keinerlei Regelungen fest. Vielmehr wurden kreative Impulse auf abzubildende Sujets angewandt, um eine neue Interpretation des reproduktiven Moments in der Fotografie zu schaffen.  Insgesamt kann das Neue Sehen als ein sehr experimenteller Stil kategorisiert werden, der sich immer aufgeschlossen gegenüber neuen Impulsen gibt und sich nicht einheitlich präsentiert. Intention des Neuen Sehens ist es, die Fotografie von einem rein reproduzierenden zu einem produzierenden Medium zu erweitern. Hierbei kann ein didaktischer Ansatz ausgemacht werden: Der Betrachter muss zunächst an die neuen Abbildungsweisen herangeführt werden und sich über eine Perzeption mit dem Abgebildeten auseinandersetzen. Dafür werden ihm bekannte Sujets in unbekannter Darstellung präsentiert.

Kritik.

Bemängelt wurde beim Neuen Sehen häufig der experimentelle Charakter und die damit einhergehende Unfähigkeit, sich zu einem einheitlichen Stil zu äußern. Vor allen Dingen von Vertretern der Neuen Sachlichkeit und der straight photography wurden die laienhaften Experimente und die augenscheinlich mangelnde technisch fotografische Ausbildung der Fotografen des Neuen Sehens angeprangert.  Mit der Einführung reiner Fotografieklassen am Bauhaus wurde in gewisser Weise auf diese Kritik geantwortet, was allerdings auch dazu führte, dass der bis dato äußerst kreative Ansatz der Bauhausfotografie sich hin zu einer sehr sachlichen Darstellung wandelte.

Das Neue Sehen (auch: Neue Optik) ist eine spezifische Stilrichtung in der Fotografie, die sich in den 1920er Jahren entwickelt hat. Das Neue Sehen wird häufig mit der Fotografie am Bauhaus in einem Atemzug genannt. Die Bildsprache des Neuen Sehens zielt darauf ab, festgefahrene Strukturen in Bezug auf Komposition und Beleuchtung, bzw. Belichtung der Fotografie aufzulockern. Stattdessen wird eine dynamische Ausrichtung postuliert, die sich dem gesellschaftlichen Fortschritt anpasst und diesen entsprechend zu dokumentieren vermag.


Vorkommen.

Mortellaro wurde 1974 erstmals in Italien dokumentiert. 2011 waren in der Schweiz 73 Prozent der Milchviehherden und 29 Prozent aller Einzeltiere von der Krankheit betroffen. Die Erkrankung tritt in Laufställen häufiger auf als in Anbindeställen.

Erreger.

In befallenen Klauen wurden eine Vielzahl von Bakterien gefunden: An erster Stelle sind hier "Treponema denticola" und "Treponema brennaborense" aus der Spirochäten-Gattung "Treponema" zu nennen. Auch "Campylobacter faecalis" und "Bacteroides levii" werden relativ häufig angetroffen.

Klinik.

Klinische Erscheinungen sind Blutausschwitzung, vermehrte Hornbildung, Bildung schwarz pigmentierter Krusten, sehr lange, abstehende Haare und vermehrtes Sohlenhornwachstum. Chronisch treten durch Abnahme der Hornqualität Formveränderungen des Klauenschuhs, eine Zerklüftung des Horns und Blättchenbildung ein, was zu weiteren schwerwiegenden Klauenerkrankungen (Geschwüren, Hyperplasia interdigitalis) führen kann.

Therapie.

Therapeutisch hat eine funktionelle Klauenpflege oberste Priorität. Hierdurch wird der Ballenbereich höher gestellt und ist somit der Feuchtigkeit am Boden weniger ausgesetzt. Bei Einzeltieren empfiehlt sich die lokale Behandlung mit antibiotikahaltigen Sprays (z. B. Oxytetracyclin). Weiterhin ist eine parenterale Gabe von Antibiotika wirksam (z. B. Cefquinom). Bei einem großen Anteil erkrankter Tiere einer Herde werden zum Teil Durchtreibeklauenbäder empfohlen. Dabei sollte darauf geachtet werden, dass die Desinfektionslösung in Klauenbädern häufig erneuert wird, um einen Verdünnungsprozess zu verhindern. Sonst besteht die Gefahr, dass die Bäder selbst zu einer Quelle für die Verbreitung von Erregern werden.

Vorsorge.

Vorbeugend wird empfohlen, die Ursachen für eine bakteriologische Kontamination der Stallbereiche zu beseitigen. Insbesondere sind die Laufwege auf Spaltenböden täglich von Kot zu reinigen, so dass diese abtrocknen und den Bakterien so der Nährboden entzogen wird. Hierfür sind stationäre Spaltenschieber und Spaltenroboter geeignet. Eine im Anschluss erfolgende regelmäßige Desinfektion dieser Bereiche sollte zur guten Bestandsführung zählen.

Die Mortellaro (lat. Dermatitis digitalis, auch "Mortellaro-Krankheit" nach ihrem Erstbeschreiber oder "Erdbeerkrankheit" nach ihrem optischen Erscheinungsbild) ist eine Entzündung der Zehenhaut bei Rindern. Ätiologie und Pathogenese der Erkrankung sind nur unzureichend geklärt. Begünstigend wirkt auf jeden Fall große Feuchtigkeit, die ständig auf den Klauenballen einwirkt.


Verlauf.

Die Lena entspringt etwas mehr als fünf Kilometer nordwestlich des Baikalsees im Baikalgebirge. Ihre Quelle liegt auf Höhe auf der Westflanke eines hohen Berges – in unbesiedeltem Gebiet des Baikal-Lena-Naturreservats. Direkt an der Lenaquelle wurde 1997, anlässlich des 250. Geburtstags des aus dieser Gegend stammenden Metropoliten Innokenti von Moskau, eine Holzkapelle zu seinen Ehren errichtet.  Anfangs fließt die Lena ein Stück nach Norden. Etwa von der Stelle an, wo sie die 1000-m-Höhenlinie unterschreitet, verläuft sie in westsüdwestlicher Richtung nach Birjulka () und dann westwärts nach Katschug (). Dann fließt die Lena, nach Wechsel vom Baikalgebirge in das Lena-Angara-Plateau, ein Stück nach Nordwesten und Norden und durch Schigalowo (). Vor Ust-Kut () wendet sie sich für ein Stück nach Westen und dreht noch vor der Stadt im Rahmen einer langgestreckten Flussschleife erst nach Osten und dann nach Nordosten. Ab Ust-Kut ist der Fluss schiffbar. Dann mündet bei Kirensk (), von wo die Lena ein Stück parallel zur dem Jenissei zustrebenden Unteren Tunguska und nur wenige Kilometer südöstlich von dieser verläuft, die ebenfalls nahe dem Baikalsee entspringende Kirenga ein. Dabei wechselt sie vom Lena-Angara-Plateau in das Mittelsibirische Bergland (max. ) über.  Danach fließt der Lena bei Witim () der von Süden kommende Witim zu. Wenig später schlägt der Fluss bei Lensk () einen langgestreckten Rechtsbogen nördlich um das Patomhochland (max. ) herum. Dabei dreht die Lena ein Stück nach Südosten und nimmt etwas unterhalb von Oljokminsk () die von Süden heran fließende Oljokma auf. Von nun an fließt sie nach Ostnordosten. Nach Aufnahme der Sinjaja bei Sinsk () und anschließendem Passieren der Lenafelsen gelangt sie bei Eintreten in die Mitteljakutische Niederung vorbei an Pokrowsk () nach Jakutsk (). Danach fließt der Lena erst der letztlich von Ostsüdosten kommende Aldan und dann, nach Passieren von Sangar () unterhalb der ehemaligen Ortschaft Tas-Tumus () von Westen der Wiljui zu. In dieser Region verläuft der Fluss zwischen dem Werchojansker Gebirge (max. ; im Osten) und dem Mittelsibirischen Bergland (im Westen) – überwiegend in Süd-Nord-Richtung.  Etwas weiter nordwestlich mündet, auf ihren letzten Kilometern von Westen kommend, der Linde und nach Passieren von Schigansk () aus gleicher Richtung die Muna in die Lena. Einiges weiter nordnordöstlich mündet bei Siktjach () der Molodo ein. Weiter nordöstlich fließt die Lena, etwa ab Kjussjur (), zwischen den Nordausläufern des Werchojansker Gebirges im Osten und dem Czekanowskibergen (max. ) (Nordostteil des Mittelsibirischen Berglands) im Westen hindurch.  Schließlich erreicht die Lena das rund 45.000 km2 große Lenadelta, das von West nach Ost maximal 230 km und von Nord nach Süd bis zu 150 km misst. Nach dem Durchfließen dieses weit verästelten Mündungsdeltas erreicht ihr Wasser die Laptewsee, ein Randmeer des Nordpolarmeers.

Lenafelsen.

Flussaufwärts betrachtet etwa 90 km westsüdwestlich von Pokrowsk bzw. 150 km (jeweils Luftlinie) südwestlich von Jakutsk erheben sich in unbesiedeltem Gebiet an der Lena die Lenafelsen (). Die aus dem Kambrium stammenden Felsen erstrecken sich etwas unterhalb der von Norden einmündenden Sinjaja entlang dem Südufer des dort auf etwa bis Höhe verlaufenden Stromes auf etwa 80 km Länge. Sie erreichen maximal etwa und ihr flussnahes Hinterland maximal rund Höhe. Die Felslandschaft liegt im Naturpark Lenafelsen, der 1995 gegründet wurde und 4850 km2 groß ist, und wurde 2012 von der UNESCO als Weltnaturerbe ausgewiesen. In Richtung Süden leitet die Landschaft zum Fluss Buotama über, die noch einiges oberhalb von Pokrowsk in die Lena mündet.

Einzugsgebiet und Nebenflüsse.

Das Einzugsgebiet der Lena entspricht mit 2.490.000 km2 Größe knapp der siebenfachen Fläche Deutschlands. Der etwa zwischen 2.800 m3/s im Januar und 66.500 m3/s im Juni variierende Abfluss, ist hauptsächlich auf die zwischen Mai und Juni auftretende Eisschmelze zurückzuführen.  Der minimale jemals gemessene Abfluss der Lena (Pegel Kjussjur am Unterlauf) von 366 m3/s, wurde am 27. April 1940 registriert, der maximale Abfluss von 220.000 m3/s am 4. Juni 1989. Im Juni 1989 wurde dort auch der maximale Abfluss von 104.000 m3/s im monatlichen Mittel erreicht.

Ortschaften.

Zu den Ortschaften (auch ehemaligen) an der Lena und nahe dem Lenadelta gehören flussabwärts betrachtet – mit ungefähren Uferhöhen in Meter (m) über dem Meeresspiegel (Städte fett, nicht mehr existierende Ortschaften "kursiv", Verwaltungssitze von Rajons/Ulussen und Stadtkreisen mit * gekennzeichnet):  An der Lena: Nahe dem Lenadelta:  Die Ortschaften bis einschließlich Alexejewsk liegen in der Oblast Irkutsk, alle weiteren in der Republik Sacha (Jakutien).

Klima und Schiffbarkeit.

Gewöhnlich ist die Lena von Oktober bis zum Juni des Folgejahres zugefroren, sodass sie als Eisstraße genutzt werden kann. Bei der Eisschmelze wird die Lena zum reißenden Strom und ihr Wasserstand kann um 25 Meter ansteigen. Besonders verheerende Auswirkungen haben dabei die Eisstauungen, durch deren Folgen im Mai 2001 unter anderem die Stadt Lensk verwüstet wurde und große Teile von Jakutsk unter Wasser standen. Wenn der Fluss eisfrei ist, ist die Lena ab Ust-Kut bis zu ihrem großen Mündungsdelta auf 3500 km Länge schiffbar.

Die Lena (;, "Ölüöne") ist ein Strom in Sibirien im asiatischen Teil Russlands. Sie mündet in die Laptewsee, ein Randmeer des Arktischen Ozeans. Die Lena ist von der Quelle bis zum Lenadelta 4294 km lang, über den wasserreichsten Deltaarm "Bykowsskaja Protoka" sind es sogar insgesamt 4400 km. Sie gehört zu den längsten Flüssen der Erde.