Leben.

Ludwig hatte in seinen jungen Jahren ein enges Verhältnis zu seinem gut drei Jahre älteren, schon mit zwölf auf den Thron gelangten Bruder, dem König. Er war intelligent und recht gebildet und betätigte sich als Mäzen, als der er z. B. den Dichter Eustache Deschamps protegierte. Vor allem aber war er ehrgeizig und liebte die Prachtentfaltung.  Da sein Bruder Karl VI. ab 1392 an schubweisen Zuständen geistiger Verwirrung litt, benötigte er einen Regenten und/oder einen Regentschaftsrat. Das erstere Amt fiel zunächst der jungen Königin Isabeau zu, später de facto ihrem Bruder Ludwig, doch die Macht wurde in den 1390er-Jahren hauptsächlich vom Regentschaftsrat ausgeübt, den die Onkel des Königs bildeten, nämlich die Herzöge Ludwig von Anjou, Johann von Berry und vor allem der energische und mächtige Philipp der Kühne von Burgund (vgl. Regierung der Herzöge). Allerdings wuchs Louis nach und nach zu einem Konkurrenten Philipps heran. Nachdem dieser 1404 verstorben war, brach ein offener Machtkampf aus zwischen dessen Sohn und Nachfolger Johann Ohnefurcht und Ludwig. Dieser stand hierbei im Bündnis mit der Königin, seiner Schwägerin.

Ermordung.

Ende November 1407 ließ Johann Ohnefurcht seinen Cousin und Rivalen Ludwig durch Meuchelmörder auf offener Straße niederstechen und festigte so seine Machtposition am Hof. Dies erlaubte es ihm, sich der Bestrafung zu entziehen, die Ludwigs Gattin Valentina vergeblich durchzusetzen versuchte, bevor sie Ende 1408 erschöpft einer Krankheit erlag.  Zu seiner Rechtfertigung hatte Johann im selben Jahr den Rechtsgelehrten Jean Petit beauftragt, in einer längeren Schrift den Mord als Tyrannenmord hinzustellen, mit Argumenten, die angesichts von Ludwigs Prunk- und Verschwendungssucht sowie seiner lockeren Sitten nicht alle aus der Luft gegriffen waren.  Der Mord an Ludwig löste einige Jahre später den Bürgerkrieg der Armagnacs und Bourguignons aus. Johann Ohnefurcht selbst wurde in dessen Verlauf ebenfalls ermordet, als er sich (1419) auf der Seine-Brücke von Montereau mit dem Dauphin, dem späteren König Karl VII., zu einem vermeintlichen Versöhnungsgespräch traf.

Ehe und Nachkommen.

Ludwig war als Kind 1374 mit Katharina, der Tochter König Ludwigs I. von Ungarn und Polen verlobt worden, es kam aber nicht zur Eheschließung da diese schon 1378 starb.  1389 wurde er mit Valentina Visconti, Tochter des Herzogs Gian Galeazzo Visconti von Mailand, vermählt. Aus der Ehe gingen zehn Kinder hervor, von denen nur vier überlebten.  Darüber hinaus hatte Ludwig auch außereheliche Kinder. Das bekannteste war der legitimierte Sohn und spätere Heerführer Johann, Graf von Dunois, der zeitweilig die Rolle des Familienchefs der Orléans übernehmen musste, nachdem seine Halbbrüder Karl und Johann als Gefangene bzw. als Geisel nach England verschleppt worden waren und Philipp jung verstorben war. Eine fiktive Vorgeschichte der Ermordung des Herzogs findet sich bei Balzac in seinen "Contes drôlatiques" (Tolldreiste Geschichten) in der zweiten Serie unter dem Titel »La fausse courtisane«.

Ludwig von Valois, Herzog von Orléans, Graf von Angoulême (* 13. März 1372; † 23. November 1407), war ein Sohn des französischen Königs Karl V. und der Johanna von Bourbon sowie jüngerer Bruder des französischen Königs Karl VI.


Leben.

Kindheit.

Gades wurde in der Stadt Elda im Südwesten Spaniens geboren. Sein Vater war Maurer, die Mutter arbeitete in einer Schuhfabrik. Als überzeugter Kommunist verließ Gades Vater die Familie schon vor der Geburt seines Sohnes, um auf Seiten der Republikaner im Spanischen Bürgerkrieg zu kämpfen. Wieder vereint, siedelte die Familie nach Madrid über und lebte dort in einfachsten Verhältnissen in einer Zwei-Zimmer-Wohnung. Gades Vater arbeitete dort als Hausmeister und war häufig krank, durch die Geburt eines weiteren Sohnes verschärfte sich die finanzielle Situation der Familie. Gades verließ mit elf Jahren die Schule, um mitzuverdienen. Er arbeitete unter anderem als Botenjunge für einen Obsthändler und einen Gesellschaftsfotografen. Gades lernte nebenbei das fotografische Handwerk und nahm mit 15 Jahren eine Stelle im Fotolabor der Madrider Tageszeitung ABC an.  Später erläuterte Gades, dass die Zeiten sehr schwer waren und ein sozialer Aufstieg ohne entsprechende Schulbildung nur über „Boxen, Stierkampf oder Tanzen“ möglich gewesen sei. Er war ehrgeizig und versuchte sich in allen Disziplinen. Da er aber eine besondere Begabung für den Tanz hatte, wählte er schließlich diese Option, „weder aus Berufung noch aus brennender Liebe zum Tanz, sondern aus Hunger“.

Ausbildung.

Mit einem Teil seines erarbeiteten Geldes finanzierte Gades seinen ersten Tanzunterricht in einer privaten Schule. Er schloss sich nach nur wenigen Monaten einer Tanzgruppe an und ging mit ihr auf Tournee. Dadurch lernte er Pilar López kennen, die ihn in ihre renommierte Ballettkompanie "Ballet Espanol de Pilar Lopez" aufnahm. In der international erfolgreichen Gruppe studierte Gades klassischen Tanz, Flamenco und die Verbindung beider Stilrichtungen. López’ Einfluss prägte Gades nicht nur tänzerisch, sie kreierte auch seinen Künstlernamen, der der Stadt Cádiz in Andalusien nachempfunden ist.

Karriere.

Jahre von 1952 bis 1968.

Gades wurde nach nur einem Jahr Erster Solotänzer der Ballettkompanie. Erfolgreiche Tourneen führten ihn in den nächsten Jahren an alle großen Tanztheater der Welt.  Im Jahr 1962 verließ Gades die Gruppe, um sich neuen künstlerischen Herausforderungen zu stellen. Er ging nach Rom, um mit Anton Dolin am Teatro dell’Opera di Roma das Stück Boléro zu choreografieren. Nach einem Frankreichaufenthalt ließ er sich 1963 wieder in Madrid nieder, um seine erste eigene Tanzkompanie zu gründen. Daneben wirkte Gades in ersten Filmen mit. Im Jahr 1964 gelang Antonio Gades auf der Weltausstellung in New York mit seiner Kompanie der künstlerische Durchbruch.  Im darauffolgenden Jahr inszenierte er Don Juan, seine erste Choreografie, am Teatro de la Zarzuela. Seine Interpretation des Don-Juan-Themas rief gemischte Publikumsreaktionen hervor, finanziell war die Aufführung ein Desaster, die Kompanie war wirtschaftlich ruiniert.  In den nächsten zwei Jahren wirkte er in weiteren Filmen mit, die alle große Erfolge waren und internationale Beachtung durch Nominierungen für den Oscar oder für die Goldene Palme fanden. Gades erhielt Engagements an die großen Bühnen der Welt, unter anderem tanzte er an der Mailänder Scala mit Carla Fracci und Rudolf Nurejew. Gades tänzerische Leistung wurde dabei von Nurejew übertrumpft, doch man sagt, Gades habe später selbstbewusst erklärt, dass er „der beste lebende Tänzer“ sei. Nurejew hörte davon und quittierte dies anerkennend mit den Worten: „Willkommen im Club.“

Jahre von 1969 bis 1990.

Im Jahr 1969 choreografierte Gades das Ballett "El amor brujo" von Manuel de Falla am Chicago Opera Theater. Die Aufführung wurde ein großer Erfolg und seine Kompanie ging mit dem Stück auf Welttournee. Gades engagierte im selben Jahr Cristina Hoyos als Erste Tänzerin, sie begleitete die "Compañía Antonio Gades" für die nächsten 19 Jahre.  Im Jahr 1974 inszenierte er am Teatro Olimpico in Rom Bluthochzeit "(Bodas de sangre)" von Federico García Lorca. Eine Hommage an den spanischen Schriftsteller, der Gades dazu inspirierte, die durch die „gewöhnlichen touristische Darbietungen“, welche staatlich gefordert wurden, „fast nicht mehr existierende Flamenco Kultur zu beleben“. Das Stück wurde ein überragender Erfolg und begründete Gades internationalen Ruf als Choreograf. "Bodas de sangre" wurde sechs Jahre später von Carlos Saura unter dem Titel "Bluthochzeit" verfilmt, die Choreografie von 1974 gilt aber als Meilenstein des spanischen Tanzes. Der „traditionelle spanische Tanz“ wurde „durch die Verschmelzung von klassischem Ballett und Flamenco“ zum „großen Ballett“.  Im Herbst 1975 wurden in Spanien Todesurteile gegen fünf Terroristen ausgesprochen und vollzogen. Gades löste als Reaktion und aus Protest gegen das Franco-Regime Ende des Jahres 1975 seine Tanzkompanie auf und zog sich als Privatier in die spanische Küstenstadt Altea zurück. Im März 1977 übersiedelte er nach Kuba, um dort mit der Tänzerin Alicia Alonso, die ihn drängte, das Tanzen nicht aufzugeben, "Ad Libitum" und Giselle einzustudieren. "Giselle" wurde mit großem Erfolg an der Metropolitan Opera in New York aufgeführt.  Im April 1979 kehrte Gades nach Spanien zurück, da er zum ersten Direktor des neu gegründeten Ballet Nacional de España berufen wurde. Er baute das Ballett auf und schuf eine spanische Tanzkultur, die die verschiedenen spanischen Tanztraditionen auf höchstem Niveau verschmolz. Das Ballett war mit seinen Aufführungen erfolgreich und wurde mit Preisen ausgezeichnet, doch bereits im März 1980 wurde Gades unter dem Vorwand einer notwendigen strukturellen Änderung vom amtierenden Kulturminister Ricardo De la Cierva, einem Parteigänger Francos, entlassen.  Der spanische Filmregisseur Carlos Saura, der Proben des spanischen Nationalballetts gesehen hatte, entwickelte aus seinen Eindrücken die Idee für einen Tanzfilm, „um zu zeigen, wie so eine Aufführung erarbeitet wird, wie es anfängt, wie sich die Tänzer aufwärmen, wie sie sich fertigmachen, wie die Bewegungsabläufe aufgebaut sind“. In den nächsten Jahren entstanden unter der Regie Sauras "Bluthochzeit" (1981), "Carmen" (1983) und "Liebeszauber" (1986) mit Antonio Gades in den Hauptrollen. Besonders erfolgreich wurde der Film "Carmen", der zahlreiche Auszeichnungen erhielt. Die Filmserie machte Gades einem internationalen Publikum bekannt.  Im Jahr 1983 inszenierte Gades "Carmen", dessen Uraufführung am Théâtre de Paris stattfand. Der Erfolg war überwältigend. 1989 folgte die Uraufführung seiner Ballettinszenierung "Fuego", eine Neuinterpretation von "El amor brujo", zu Deutsch "Liebeszauber", am Théâtre du Châtelet in Paris. Gades befand sich auf dem Höhepunkt seiner Karriere.

Jahre von 1991 bis 1993.

Gades benötigte eine künstlerische Pause. Die viele Arbeit der letzten Jahre und auch die Verantwortung für seine Ensemblemitglieder hatten ihn erschöpft. Er zog sich im Dezember 1991 aus allen Verpflichtungen zurück und startete mit seiner dritten Ehefrau, der Schweizerin Daniela Frey, im Januar 1992 mit einem Boot von Ibiza aus zu einer Atlantiküberquerung nach Havanna.

Jahre von 1994 bis 2004.

Im Jahr 1994 gründete er erneut eine "Compañía Antonio Gades", mit 36 Mitgliedern sein bisher größtes Ensemble, das er paritätisch mit erfahrenen und jungen Tänzern besetzte.  Gades gelang mit seiner letzten Inszenierung "Fuenteovejuna", deren Uraufführung im Dezember 1994 am Teatro Carlo Felice in Genua stattfand, nochmals eine Sensation. Basierend auf der Dichtung "Das berühmte Drama von Fuente Ovejuna" von Lope de Vega choreografierte er „ein bis ins letzte Detail ungeheuer präzises, sich mal temperamentvoll und stark folkloristisch, mal sehr subtil und sogar mit Ballettfiguren entrollendes Glanzstück einer Ensembleleistung. Gades schickt es durch Bewegungsmuster, die so kompliziert herzustellen sind wie feinste Spitze. Dann wieder malt der Regisseur Stilleben für Augenblicke.“ „Das „tanzpoetische[s] Meisterwerk“ [...] ist zugleich das leidenschaftliche Bekenntnis zu Gerechtigkeit und Menschenwürde und eine Ermutigung, sich gegen Tyrannei solidarisch zur Wehr zu setzen.“ Gades erläuterte: „Alles, was ich im Laufe der Jahre an Kraft, Erfahrung und künstlerischem Geist gesammelt habe, ist in diesem Werk zusammengeflossen.“  In den folgenden Jahren gastierte Gades mit seiner Kompanie an allen bedeutenden Theaterhäusern der Welt und zeigte noch mit 60 Jahren sein tänzerisches Können auf der Bühne. Gades löste 1999 die "Compañía Antonio Gades" auf, unterstützte und begleitete aber das spanische Nationalballett weiterhin auf seinen Tourneen.  Im November 2003, Gades war an Krebs erkrankt, verwirklichte er sich nochmals den Traum einer erneuten Atlantiküberquerung mit einem Segelboot. Ziel war wie zuvor Havanna. Am 20. Juli 2004 erlag er in Madrid seinem Krebsleiden. Seine Asche wurde in Kuba am "Mausoleo de los Héroes de la Revolución Cubana" beigesetzt. Auf der "Plaza de la Catedral" in La Habana Vieja steht eine lebensgroße Statue von Antonio Gades. Gades hinterlässt fünf Kinder.  Antonio Gades hatte wenige Monate vor seinem Tod die "Antonio Gades Stiftung" gegründet. Die Zielstellung der Institution ist es, Gades schöpferisches Vermächtnis zu wahren, sein künstlerisches Erbe zu verwalten und der Welt spanischen Tanz zu vermitteln und zu lehren. Die Stiftung wird von seiner vierten Frau Eugenia Eiriz geleitet.

Politische Aktivitäten.

Aus einem kommunistischen Elternhaus stammend gehörte Gades in den 1970er Jahren zur politischen Opposition gegen das Franco-Regime. Er verstand sich als Marxist und Anhänger der katalanischen Unabhängigkeitsbewegung. 1979 kandidierte er bei den Kommunalwahlen in Alicante für den "Bloc d'Esquerra d'Alliberament Nacional" (BEAN). Später wurde er Mitglied des "Partido Comunista de los Pueblos de España" (PCPE), einer Abspaltung des Kommunistischen Partei Spaniens. Dem Zentralkomitee dieser kleinen Linkspartei gehörte er bis zu seinem Tod an. Darüber hinaus war Gades langjähriges Mitglied der Kommunistischen Partei Kubas. Kuba war für ihn seit der Kubanischen Revolution politische Heimat, und er fühlte sich Fidel Castro, dem Paten seiner Kinder aus zweiter Ehe, verbunden.

Gades’ Wirkung.

Gades’ „Charisma, seine Technik, vor allem aber die Art und Weise, wie er den Flamenco in Geschichten einzubinden wusste und ihn gleichzeitig entschlackte, machten ihn zum Erneuerer und wichtigsten Vertreter des spanischen Tanzes in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.“ „Mit Eleganz, stimmiger Arroganz und maskulinem Ausdruck [...] integrierte er Bulerías, Farrucas und Alegrías in seine dramatisch-theatralischen Choreografien und brachte sie auf die großen Bühnen“ [...]. Er gab „dem Flamenco“ durch den „Abschied von Spitzen und Rüschen“ und einer „Hinwendung zur Nüchternheit“ seine „Würde“ zurück. „Der spanischste aller Tänze wurde von Gades mit [...] Seitenblicken auf die Dramatiker und Dichter seines Landes aus der Folklore-Ecke befreit, ohne dass dabei auch nur ein Funken Leidenschaft verloren ging.“  Gades, der „für seinen reinen, schlichten und leidenschaftlichen Tanzstil bekannt war, hat die Geschichte des spanischen Tanzes geprägt“. Er schuf eine „universelle“ Kunstform, indem er „einfache Volkstänze zu wahren choreographischen Theaterballetts“ wandelte. Sein Werk ist „Inspirationsquelle für jüngere Tanzgenerationen“.

Choreografien (Auswahl).

Gades erarbeitete eine Vielzahl von weiteren Werken, die unterteilt in "Spanish Suite 1963–1974" und "Flamenco Suite 1963–1983" auf der Website der "Antonio Gades Stiftung" gelistet sind.

Auszeichnungen (Auswahl).

Antonio Gades hat für sein Schaffen unzählige Auszeichnungen und Preise erhalten. Besonders hervorzuheben ist der "Spanische Nationalpreis", den Gades 1988 als erster Tänzer in der Geschichte Spaniens erhielt, und der José-Martí-Orden, die höchste Auszeichnung Kubas, die ihm Fidel Castro 2004 verlieh.

Antonio Gades, eigentlich Antonio Esteve Ródenas, (* 16. November 1936 in Elda, Alicante; † 20. Juli 2004 in Madrid) war ein spanischer Tänzer, Choreograf und Ballettdirektor.


Der Mechanismus.

Die abgebildete Zeichnung der Bibliothèque nationale de France ist die einzige Bildquelle für das etwa 1,70 m hohe, einem Silhouettierstuhl vergleichbare Gerät, an dessen Seite der zu porträtierende Platz nahm. Das bewegliche Element eines aus Parallelogrammen gebildeten Pantografengestänges (in der Zeichnung links oben) war mit einem langen, in den Raumhintergrund führenden Faden (nicht auf der Zeichnung zu sehen) verbunden, mit dem die Profilkontur des Sitzenden nachgefahren wurde. Der Pantograf übertrug dabei diese Konturlinie auf ein darunter aufgespanntes Papier. Noch während der wenige Minuten dauernden Sitzung vervollständigte der Künstler aus freier Hand die Binnenzeichnung des Porträts, so dass zunächst eine lebensgroße Darstellung entstand, wie auf der Zeichnung zu sehen. Von diesem Blatt wurden später, mit Hilfe eines zweiten, verkleinernden Pantografen, die Grundzüge des Porträts in Form punktierter Linien auf eine Kupferplatte übertragen, die zuvor ätztechnisch präpariert war. Diese Druckplatte wurde in Radiertechnik, meist kombiniert mit Aquatinta, vervollständigt.

Die Porträts.

Typischerweise haben die runden (manchmal auch hochovalen, selten rechteckigen) Profildarstellungen einen Durchmesser von etwa 6 cm, die Druckplatten ein Maß von 7×6 bis 9×8 cm und sie wurden z. B. auf 15×12 cm große Papiere in einer Auflage von mindestens zwölf Exemplaren abgezogen. Bis zu 2000 Drucke waren jedoch möglich. Auf den Drucken sind nicht nur die Signaturen des Herstellers angegeben, in ungewöhnlicher Weise wirbt in der unten umlaufenden Beschriftung die komplette Adresse für einen Besuch im Atelier (z. B. "Dess[inée] et Gr[avée] par Bouchardy Suc[cessor] de Chretien, inv.[enteur] du Physionotrace. Palais Royale No. 82 à Paris"). Auch der Begriff "Physionotrace" wird wie ein Markenname auf jedem Exemplar herausgestellt. Über 6000 verschiedene Porträts in dieser Technik sollen zwischen 1786 und 1830 entstanden sein.

Die Werkstätten.

Gilles-Louis Chrétien (1754–1811) erfand 1786 in Versailles sowohl das Verfahren als auch den Begriff „Physionotrace“. Wenig später etablierte er sich in Paris und sicherte sich durch einige Porträts von berühmten Zeitgenossen (dem Dauphin, Anne Louise Germaine de Staël, Jean Paul Marat, Maximilien de Robespierre) eine Popularität, die auch zahlreiche ausländische Paris-Besucher in sein Atelier führte. Von 1788 bis August 1789 beschäftigte er Edme Quenedey (1756–1830) dessen Porträtzeichnungen er radierte. Seit Dezember 1789 zeichnete in seiner Werkstatt der Miniaturist Jean Fouquet, der in dieser Rolle von Jean Simon Fournier (tätig bis 1799?, spätestens bis 1805) abgelöst wurde.  Der genannte Radierer Edme Quenedey machte sich 1789 in Paris als Physionotracist selbstständig, arbeitete 1796 bis 1801 in Hamburg und dann wieder bis zu seinem Tod in Paris.  Von Pierre Gonord (1755–1799 nachweisbar) existieren einige wenige, undatierte, aber z. T. nach Den Haag lokalisierbare Porträts, die als „dessiné au Physionotrace“ bezeichnet sind. Die im Zusammenhang mit dieser Technik wiederholt in der Literatur erwähnten Miniaturen und Medaillons auf Holz und Elfenbein haben mit dem Physionotrace wohl nichts zu tun, sie stammen von seinem Sohn Francois Gonord.  Bouchardy père (1797–1849), ein Miniaturmaler, übernahm nach dem Tod Chrétiens dessen Werkstatt, ob auch Bouchardys Sohn Etienne an ihr teilhatte, ist unsicher.  Charles-Balthazar-Julien Févret de Saint-Mémin, wanderte 1793 nach Amerika aus, war in Kanada, Burlington und New York erfolgreich tätig und physionotracierte mehrere Präsidenten.  John Isaac Hawkins erhielt 1802 ein amerikanisches Patent auf eine abgewandelte Physionotrace-Maschine und ging 1803 zurück nach London.

Kulturhistorische Einordnung.

Die Silhouette (Schattenrissporträt) und überhaupt die Vorliebe für das im Profil gesehene Bildnis war eine Modeerscheinung der Jahrzehnte um 1800. Sie hängt zusammen mit dem strengen, formalisierten Zeitstil des Klassizismus, dem zeitgenössischen Interesse an der Physiognomik und einem in den Jahren unmittelbar nach der Französischen Revolution sich rasch steigernden Bedürfnis des Bürgertums an preisgünstigen, reproduzierbaren Porträts. So war die Erfindung Chrétiens zeitgemäß, aber nicht grundsätzlich originell. Ihr ging sowohl der schon länger verwendete Silhouettierstuhl voraus, der durch eine Abbildung in den Physiognomischen Fragmenten (2. Buch, 1776) von Johann Caspar Lavater allgemein bekannt geworden war, als auch verschiedene andere Versuche, den Schattenriss mit einer mechanischen Verkleinerung durch den Pantografen und dem Kupferstich für die Porträtherstellung zu verbinden. Neuartig für die Produktion von Porträts sind neben der technischen Unterstützung aber vor allem der arbeitsteilige Ablauf der Bildproduktion und so sind die mit Hilfe des Physionotrace hergestellten kleinen runden Kupferstiche schon früh als Vorläufer der Fotografie bezeichnet worden. Sogar die Organisation des Geschäftsablaufes mutet äußerst modern an: Der Kunde Chrétiens erstand im vornehmen Ladenlokal am Palais Royal ein Ticket für den in einer Nebenstraßenwerkstatt vier Wochen später anberaumten Sitzungstermin, und weitere 14 Tage danach konnte er die Kupferstichplatte und 12 fertige Drucke abholen. 1829 entstanden die letzten datierten Pariser Physionotrace-Porträts. Das bedeutet, dass schon im Jahrzehnt vor der Erfindung der Fotografie (1839) der Physionotrace als Bildmedium keine nennenswerte Rolle mehr spielte.

Künstlerische Bedeutung.

Die künstlerische Qualität und die Anforderungen an die Fertigkeiten des Zeichners sind angesichts der routinierten Herstellungsweise eines Physionotrace-Porträts oft gering geschätzt worden. Demgegenüber ist festzuhalten, dass die mechanische Nachzeichnung des äußeren Profils theoretisch wohl Laienarbeit sein konnte, die Binnenzeichnung aber immer die Hand eines schnellen, sicheren und geübten Porträtisten erforderte. Nicht umsonst beschäftigte selbst Chretien fast ständig professionelle Miniaturisten für diese Tätigkeit. Die Umsetzung in den Kupferstich war dann eher schon eine handwerkliche, wenn auch anspruchsvolle Aufgabe.

Literatur.

In der deutschsprachigen Literatur gab es bis 2011 keine zuverlässige Darstellung über den Physionotrace-Apparat und die damit arbeitenden Ateliers, daher die ausführliche Beschreibung oben und im Folgenden die gründliche Aufzählung der benutzten französischen Quellen:

Der Physionotrace (aus „Physiognomie“ und „Umriss“) ist ein von 1786 bis um 1830 vor allem in Paris gebrauchtes Gerät in der Art eines weiterentwickelten Silhouettierstuhls zur Rationalisierung der Herstellung von Profilporträts. Auch und vor allem eine mit diesem Gerät vorbereitete Radierung wird durchweg als Physionotrace bezeichnet. Die US-amerikanische Schreibweise ist „Physiognotrace“.


Leben.

Sido ist Sohn einer Sintiza und eines Deutschen, wie er in einigen Interviews (unter anderem mit den Zeitschriften "Galore " und "tip") erklärte. In einem bigFM-Interview sagte Sido, er sei außerdem zu einem Achtel iranischer Herkunft.  Bis zu seinem neunten Lebensjahr lebte er mit seiner jüngeren Schwester bei seiner alleinerziehenden Mutter im Ost-Berliner Bezirk Prenzlauer Berg. 1988 wurde der Ausreiseantrag der Mutter genehmigt und sie zog mit den beiden Kindern nach West-Berlin, wo sie kurzzeitig mit Asylbewerbern in einer Notunterkunft im Wedding lebten. Nach neunmonatigem Aufenthalt in Lübeck kehrten sie nach West-Berlin zurück und zogen ins Märkische Viertel, wo Sido die Bettina-von-Arnim-Oberschule (Gesamtschule) besuchte.  Auf seinen Sohn aus früherer Beziehung spielte Sido bereits 2004 mit Zeilen wie „Ich verwöhn meinen Sohn mit Aggro“ "(Aggro Ansage Nr. 4)" an, auf seinem zweiten Soloalbum "Ich" widmete er ihm das Lied "Ein Teil von mir". Auf geäußerte Kritik an seinem vermeintlichen musikalischen „Erziehungsstil“ gegenüber einem kleinen Kind entgegnete er, dass sein Sohn Musik der Pop-Rock-Gruppe Juli möge und den Teil der Musik seines Vaters, der von Gewalt handle, nicht zu hören bekomme. Mit der Mutter des gemeinsamen Kindes war er vorübergehend verlobt, die Beziehung brach aber auseinander.  Nach fünf Jahren Beziehung verlobte er sich am 14. Februar 2010 mit der ehemaligen Nu-Pagadi-Sängerin Doreen Steinert, einer Hochzeit kam jedoch im Frühjahr 2012 die Trennung zuvor.  Im Sommer 2012 heiratete er die Moderatorin Charlotte Würdig (geb. Engelhardt). Am 14. August 2013 kam ihr erster gemeinsamer Sohn zur Welt, im April 2016 wurden sie zum zweiten Mal Eltern eines Sohnes. Das Paar gab im März 2020 die Trennung bekannt.  Ein weiteres Kind (* 1999/2000) stammt – laut Eigenaussage – aus einer kurzzeitigen Beziehung.

Karriere.

Musikalische Karriere.

Die Anfänge (1997–2003).

Würdig begann eigenen Angaben zufolge mit 13 erstmals zu rappen, da er von der Aufmerksamkeit der Mitglieder lokaler Schulbands beeindruckt gewesen sei, aber selbst weder singen noch ein Instrument spielen habe können. Seine ersten Texte rappte er dabei zunächst auf Englisch, wechselte dann aber eigenen Angaben zufolge schnell komplett zu deutschsprachigem Rap. Ab 1997 trat er wie mehrere andere Berliner MCs häufig bei Open-Mic-Session der Kreuzberger Kellerkneipe Royal Bunker auf. Zusammen mit seinem Jugendfreund und zeitweiligen Mitbewohner Bobby Davis, der als B-Tight auftrat, gründete Würdig als Sido dabei das Rap-Duo "Royal TS", wobei Royal für Royal Bunker und TS für Tight und Sido stand. Gleichzeitig gründeten gemeinsam mit "Royal TS" Rhymin Simon und Vokalmatador die Rap-Crew "Die Sekte". Über das aus der gleichnamigen Kellerkneipe entstandene Hip-Hop-Undergroundlabel "Royal Bunker" veröffentlichte Sido 1998 bzw. 2000 mit "Royal TS" die Demotapes "Wissen Flow Talent" und "Back in Dissniss" sowie 1999 das "Die Sekte"-Demotape "Sintflows". Im Juli 2000 trennte sich "Die Sekte" von Royal Bunker. Nach späteren Angaben Sidos erfolgte die Trennung wegen Differenzen mit dem Royal-Bunker-Geschäftsführer Marcus Staiger, dessen geschäftliches Hauptaugenmerk nach Ansicht "Der Sekte" auf der damals ebenfalls bei Royal Bunker unter Vertrag stehenden Rap-Crew MOR und insbesondere deren Mitglied Kool Savas gelegen habe. DJ Tomekk präsentierte SIDO das erste Mal einem breiteren Publikum. Die beiden waren schon länger befreundet und fertigten von SIDOs Arschficksong eine Dubplate an und Tomekk spielte sie deutschlandweit in Clubs. Specter war zu dieser Zeit als Art Director für Tomekk tätig.  Bei einem Konzert im Berliner Freestyle-Cage "G-Spot" wurde Specter, einer der drei zukünftigen Chefs des damals noch nicht existierenden Labels Aggro Berlin, auf "Die Sekte" aufmerksam. Gemeinsam mit Halil Efe und Jens „Spaiche“ Ihlenfeld beschloss Specter daraufhin das Label zu gründen und "Die Sekte" unter Vertrag zu nehmen. Zum Abschluss der Vertragsverhandlungen trennten sich Vokalmatador und Rhymin Simon jedoch von "Der Sekte", da sie ihrerseits keine Kompromisse hinsichtlich der Kommerzialisierung der gemeinsamen Musik eingehen wollten. Sido und B-Tight wurden daraufhin als Duo als erste Künstler des Labels Aggro Berlin verpflichtet und benannten sich bald darauf von Royal TS in Alles ist die Sekte, kurz "A.i.d.S.", um.

Beginn der Solokarriere (2003–2009).

Nachdem er bereits auf den ersten Labelsamplern von Aggro Berlin mitunter Solosongs beigesteuert hatte, von denen der 2002 auf "Aggro Ansage Nr. 1" erschienene "Arschficksong" bis dahin der bekannteste blieb, wurde Sido ab Ende 2003 mit dem "Weihnachtssong" des Labelsamplers "Aggro Ansage Nr. 3", dessen Musikvideo regelmäßig im deutschen Musikfernsehen gezeigt wurde, von "Aggro Berlin" gezielt als Solokünstler außerhalb von A.i.d.S. auf dem Markt platziert. Beide genannten Lieder standen bald darauf im Fokus des Jugendschutzes: Sie wurden wegen frauenverachtender Inhalte der Bundesprüfstelle für jugendgefährdende Medien zur Prüfung vorgelegt, aber nicht indiziert. Das Video zum "Arschficksong" wurde mit der Altersfreigabe ab 16 Jahren (FSK 16) freigegeben.  Ab Veröffentlichung des "Weihnachtssongs" trug Sido bei Konzerten und öffentlichen Auftritten zunächst ausschließlich eine verchromte Totenkopfmaske, deren Schädel gleichzeitig an die Form eines Shure-Mikrofons angelehnt war. Diese hatte Aggro Berlins Specter 2002 nach der Idee B-Tights und Sidos entworfen, die dabei von dem US-amerikanischen Rapper Ghostface Killah inspiriert gewesen waren, der zum Anfang seiner Karriere mit einer Hockeymaske aufgetreten war. Diese stand ebenso Namenspate für Sidos erstes Soloalbum "Maske", das Ende April 2004 veröffentlicht wurde und Platz 3 der deutschen Alben-Charts erreichte. Mitverantwortlich für den Erfolg des Albums war die drei Wochen zuvor erschienene Single "Mein Block", die Sido und Aggro Berlin in der breiten Öffentlichkeit bekannt machte. Der Song beschreibt die (vorgeblich) ghettoartige soziale Realität in einem Plattenbau der Berliner Trabantenstadt Märkisches Viertel („MV“), die als Problemsiedlung bekannt ist. Sidos Album "Maske" verkaufte sich über 180.000 Mal und wurde mit einer Goldenen Schallplatte ausgezeichnet. Auf die Albumveröffentlichung folgte die Single "Fuffies im Club", die ebenso wie "Mein Block" in den Charts in die Top 20 stiegen. Zudem wurde noch der "Arschficksong" (mit leicht zensiertem Video) zum ersten Mal offiziell als Single veröffentlicht, was Sido drei Singles gleichzeitig in den Charts bescherte. Die dritte Single des Albums, "Mama ist stolz", ist ein ernst gemeinter Ausdruck der Dankbarkeit Sidos für seine Mutter ("Nur meine Mutter hat immer hinter mir gestanden"), die ihren Text darin selbst einspricht. Anlässlich des Bundesvision Song Contests im Februar 2005, bei dem Sido den dritten Platz für Berlin belegte, nahm er während der Performance von "Mama ist stolz" erstmals seit 2003 öffentlich seine Maske ab. Dieser Auftritt war der vorläufige Höhepunkt seiner zunehmenden Fernsehpräsenz im Umfeld von Stefan Raab und dessen ProSieben-Sendung "TV total". Im März 2005 nahm Sido an der ebenfalls von Raab initiierten "Wok-WM" teil.  Im Laufe des Jahres 2005 arbeitete Sido für einzelne Kollaborationen vermehrt mit Künstlern außerhalb der deutschen Rapszene, darunter etwa dem britischen Rapper Mike Skinner eine deutsche Version von "Blinded by the Lights" oder dem polnischen Rapper Gural zusammen. Zusammen mit dem Rapper Harris vom Berliner Hip-Hop-Duo Spezializtz veröffentlichte Sido als Duo "Deine Lieblings Rapper" im Oktober 2005 zudem das Album "Dein Lieblings Album". Die einzige Single des Albums, "Steh wieder auf", erregte auf Grund ihres Video Aufsehen, da sich Sido und Harris in dem Videos kreuzigen ließen. Als Grund für diesen Auftritt nannte Sido in einem Interview, er sei eine Art „Jesus“ für die deutsche Rapszene. Immer wenn etwas an Deutschrap auszusetzen sei, sehe man sein Gesicht als Aufmacher. Gleichzeitig reagierte er damit auf die Indizierung seines Albums Maske und dreier "Aggro-Ansage"-Alben im Herbst 2005, die allerdings im April 2006 in abgeänderter Version neu erschienen (als "Maske X" etc.). "Steh wieder auf" knüpfte mit einer Top 100-Höchstplatzierung auf Platz 14 an Sidos Solo-Erfolge aus dem Vorjahr an. "Dein Lieblingsalbum" brachte beiden Künstlern mit Platz 2 der Albumcharts ihre bis dahin höchste Chartplatzierung ein. Gleichzeitig stieß der zunehmende Erfolg des Rappers erstmals auf größeren Widerstand in Teilen der Rapszene. Bei einem Auftritt vor der Albumveröffentlichung beim Hip-Hop- und Reggaefestival Splash! 2005 beendete Sido vorzeitig, da er und Harris vom Publikum ausgebuht und mit Gegenständen und Lebensmitteln beworfen wurden. Sido bezeichnete den Auftritt später rückblickend als den „beschissensten Auftritt aller Zeiten“. Die Künstler von Sidos Labels Aggro Berlin traten fortan nicht mehr beim Splash-Festival auf. Nach Schließung des Labels befand sich Sido erst Ende 2015 erstmals wieder in Verhandlungen über einen erneuten Auftritt bei dem Festival.  Ende 2006 veröffentlichte Aggro Berlin Sidos zweites Soloalbum "Ich", auf dem erstmals das für die Produktion seiner künftigen Alben hauptverantwortliche Duo Paul NZA und Marek Pompetzki den Großteil aller Produktionen übernahm. Nach circa 80.000 Vorbestellungen wurde für "Ich" schon zwei Tage nach Veröffentlichung das Erreichen 100.000 verkauften Einheiten zur Auszeichnung mit einer Goldenen Schallplatte bekanntgegeben. Gleichzeitig erreichten mit "Straßenjunge", "Ein Teil von mir" und Schlechtes Vorbild alle Singles eine Top 20-Platzierung in den deutschen Single Charts. Mit denselben Singles erreicht Sido erstmals seit "Mein Block" auch in Österreich wieder die Single Charts. Insbesondere "Schlechtes Vorbild" wurde dort mit einer Höchstplatzierung auf Rang 18 erfolgreich, blieb für fünf Jahre sein am längsten in österreichischen Charts platzierter Titel und etablierte Sido in Österreich dauerhaft als Solo-Künstler.  Am 15. November 2006 veröffentlichte Sido eine Biografie unter dem Titel "Ich will mein Lied zurück". Im Frühjahr 2007 gründete Sido zusammen mit B-Tight das Label "Sektenmuzik", auf dem alle Mitglieder von "Die Sekte" unter Vertrag genommen wurden, veröffentlichte zwei Monate spätere eine Kompilation bisheriger Kollaborationen mit anderen Künstlern namens "Eine Hand wäscht die Andere" (korrekt wäre: „andere“, die Großschreibung ist falsch). Vor allem machte Sido 2007 durch zunehmende TV-Präsenz, unter anderem durch mehrere Moderationsauftritte bei "Urban TRL" oder die Verleihung des Musikpreises Comet in Köln sowie seine Tätigkeit als Juror der siebten Staffel der Castingshow "Popstars", auf sich aufmerksam, ehe er mit der Veröffentlichung seines dritten Soloalbums "Ich und meine Maske" Ende Mai 2008 erstmals Platz 1 der deutschen Albumcharts erreichte. Gleichzeitig wurde Sido für das Album sowohl mit seiner ersten Goldenen Schallplatten ausgezeichnet und konnte in den deutschen Charts mit "Augen auf / Halt dein Maul" seine erste Top 10-Single platzieren. In der Schweiz erreichte "Ich und meine Maske" sogar Platin-Status und brachte Sido einen Swiss Music Award ein.

Musikalische Neuorientierung (2009–2012).

Nach der Schließung seines langjährigen Labels im April betitelte Sido sein am 30. Oktober 2009 erschienenes viertes Soloalbum nach diesem als " Aggro Berlin". Mit einem Charteinstieg auf Platz 5 verzeichnete Sido seine bis dato niedrigste Platzierung als Solokünstler. Als erstes Soloalbum des Künstlers erreichte es zudem weder in Deutschland, Österreich noch der Schweiz die Verkaufszahlengrenze zur Verleihung einer Goldenen Schallplatte. Erfolgreicher wurde dem gegenüber die erste Albumsingle "Hey du!", in welcher sich Sido für den in Berliner Dialekt gesungenen Refrain "Marias Lied" aus Linie 1 bedient. Diese erzählt von Sidos Kindheit in der DDR und danach in West-Berlin. Erstmals in seiner Karriere machte Sido dabei seine Ost-Berliner Herkunft öffentlich. Als Aushängeschild des West-Labels Aggro Berlin hatte er daraus lange ein Geheimnis gemacht und verbreitet, er sei in Berlin-Reinickendorf geboren. Im Lied berichtet er, dass es nicht gerade „cool“ war, ursprünglich aus dem Osten zu kommen, und dass er nicht von seinen Kumpels gehänselt werden wollte. "Hey Du" erreichte Platz 4 der deutschen Single Charts und brachte Sido nach insgesamt sechs ertraglosen Nominierungen in den Vorjahren in der Kategorie "Bestes Video" seinen ersten Echo ein.  Ende Januar 2010 gab Sido im Kulturzentrum "Fontane-Haus" im Märkischen Viertel, ein Unplugged-Konzert, das von MTV aufgezeichnet wurde. An dem Konzert wirkten Adel Tawil von Ich + Ich, Kurt Krömer, die Hip-Hop Formation K.I.Z. und Stephan Remmler von Trio mit. Sido ist der siebte deutsche Künstler und nach den Fantastischen Vier der zweite deutsche Hip Hop-Act, der ein MTV Unplugged machte. Das dazugehörige Album wurde im Mai 2010 veröffentlicht. Die daraus ausgekoppelte Single Der Himmel soll warten erreichte Platz 2 der deutschen Charts und verkaufte sich über 150.000 Mal. Auch die Single-Auskopplung Da Da Da – eine gemeinsam mit Stephan Remmler interpretierte Cover-Version – konnte sich in den deutschen Single-Charts platzieren.  Ende 2010 tauchte im Internet ein Lied der unbekannten Punkband "Fritzl’s Töchter" auf, das vom Rapper und Sido-Vertrauten Liquit Walker promotet wurde. Schnell wurde die Vermutung laut, beim Sänger der Band handle es sich um Sido selbst. Zudem hatte dieser einige Zeit zuvor bekanntgegeben, mit einer Punkband musizieren zu wollen. Eine Verbindung zu "Fritzl’s Töchter" wurde jedoch dementiert. Erst Mitte 2012 gab Sido in einem Interview bekannt, Teil der Band zu sein. Obwohl albumreifes Material vorhanden sei, sei vorerst aber keine Veröffentlichung geplant.  2011 nahm Sido gemeinsam mit seinem langjährigen Rivalen Bushido ein Album mit dem Titel "23" auf, das beide als Formation desselben Namens veröffentlichten. Da diese Formation nicht von Sidos Verträgen als Solo-Künstler erfasst war, erschien "23" nicht wie Sidos letzte Veröffentlichungen bei der Universal Music Group, sondern über Sony. "23" erreichte 2011 in Österreich sowie 2012 in Deutschland Gold-Status und sorgte insbesondere wegen seiner beiden Singles, dem mit einem Echo in der Kategorie „Bestes Video“ ausgezeichneten "So mach ich es" sowie der Zusammenarbeit mit Peter Maffay auf "Erwachsen sein", die im öffentlichen Streit der beiden Rapper mit Maffay mündete, für mediale Aufmerksamkeit. Gleichzeitig gab es Stimmen aus dem Musikgeschäft, die angesichts der ersten großen Zusammenarbeit der beiden erfolgreichsten deutschen Rapper der Vorjahre von dem Projekt in Deutschland höhere Verkaufszahlen und damit eine schnellere erfolgende Auszeichnung mit einer Goldenen Schallplatte erwartet hatten.  Am 14. Dezember 2012 erschien das Best-Of-Album "#Beste", das neben Sidos persönlichen Lieblingsliedern sechs zuvor unveröffentlichte Titel enthielt. Die Auskopplung "Bilder im Kopf" avancierte zu seiner bis dahin erfolgreichsten Single und wurde in Deutschland mit Platin ausgezeichnet. Weiterhin wurde eine DVD seines „Sido & Friends“-Konzertes vom Juni 2012 in Wien angekündigt. Diese ist bislang allerdings noch nicht erschienen.

Regelmäßige Single-Erfolge (2013–heute).

Am 18. Oktober 2013 wurde ein Video zu dem Lied "30-11-80" veröffentlicht, dem Titeltrack seines am 29. November erscheinenden Albums. Die Zahlen im Titel stehen für Sidos Geburtsdaten. In dem fast elf Minuten langen Track sind 18 weitere Künstler vertreten, laut Sido damit fast alle seine „Lieblingsrapper“. Zwei Wochen vor der Albumveröffentlichung wurde vorab die Single "Einer dieser Steine", eine Zusammenarbeit mit Mark Forster, veröffentlicht. Am 29. November 2013 wurde zudem ein gleichnamiges Soloalbum veröffentlicht, das bereits in der ersten Verkaufswoche auf Platz 1 der deutschen Albumcharts einstieg. Neben Gastbeiträgen diverser deutscher Rapper waren auf "30-11-80" auch Helge Schneider, Marius Müller-Westernhagen und Mark Forster vertreten. Mit "Einer dieser Steine" und "Liebe" verkauften sich zwei Titel des Albums jeweils über 150.000 Mal. Ein Jahr später arbeitete Sido als Gast auf dessen Single "Au revoir" erneut mit Forster zusammen. Dieses Lied erreichte in Deutschland im Rahmen der Fußball-Weltmeisterschaft 2014 Platz 2 der deutschen Charts und wurde für über 600.000 in Deutschland abgesetzte Einheiten mit Doppel-Platin ausgezeichnet.  Am 14. August 2015 veröffentlichte Sido als zweite Vorabauskopplung aus seinem Album "VI" die Single "Astronaut", eine Zusammenarbeit mit dem Sänger Andreas Bourani. Die Single stieg sofort nach Veröffentlichung auf Platz eins der deutschen Single-Charts ein und ist nach elf Jahren Chartkarriere Sidos erster Nummer-eins-Hit in Deutschland. Insgesamt verkaufte sich auch "Astronaut" in Deutschland über 800.000 Mal.  Am 18. November 2016 erschien sein siebtes Soloalbum "Das goldene Album". Das Album stieg am 25. November 2016 auf Platz 2 in die deutschen Charts ein und konnte sich 16 Wochen in den Top 100 halten.  Am 29. September 2017 erschien zusammen mit Kool Savas das Kollaboalbum Royal Bunker. Es stieg am 6. Oktober 2017 auf Platz eins in die deutschen Charts ein und verblieb 21 Wochen in den Top 100.  Zum 1. Juni 2018 veröffentlichte Sido zusammen mit dem Schweizer House-Produzenten DJ Antoine sowie dem Sänger Moe Phoenix die Single "Yallah Habibi". Die Zusammenarbeit unterscheidet sich stilistisch durch die dominierenden Dance-Elemente im Song von den meisten seiner bisherigen Veröffentlichungen, stieg aber dennoch erfolgreich in den deutschsprachigen Markt ein. So hielt sich die Single sieben Wochen lang in den offiziellen deutschen Singlecharts und schaffte in der Schweiz sogar den Sprung in die Top 40.  Am 27. September 2019 erschien sein achtes Soloalbum "Ich & keine Maske". das Album stieg am 4. Oktober 2019 auf Platz 1 in die deutschen Charts ein.  Im Frühjahr 2020 spielte Sido zahlreiche wegen der Covid-19-Pandemie vor in Autos sitzenden Zuschauern aufgeführte Konzerte, darunter allein drei ausverkaufte Konzerte im Rahmen der hannoverschen Autokultur-Veranstaltungsreihe.

Fernseh- und Filmkarriere.

Nach diversen TV-Auftritten im Rahmen der Sendung "TV total" und Moderationen, meist im Rahmen der MTV-Sendung "TRL Urban", wurde Sido 2007 Jurymitglied in der siebten Staffel der Castingshow "Popstars". Im Jahr 2009 hatte Sido einen Gastauftritt in dem Film "Männersache" mit Mario Barth und Dieter Tappert in den Hauptrollen und wirkte in dem Reality-Format "Club der bösen Mädchen" (gesendet in den Pro7-Magazinen "SAM" und "taff") in der im Juni 2009 ausgestrahlten dritten Staffel als Erzieher mit.  Einen Tag vor der Bundestagswahl 2009, am 26. September 2009, zeigte ProSieben, in Zusammenarbeit mit der Bundeszentrale für politische Bildung, die Sendung „Sido geht wählen“. Sido sprach dafür mit Politikern aller Fraktionen, darunter Renate Künast von der Partei Bündnis 90/Die Grünen und SPD-Kanzlerkandidat Frank-Walter Steinmeier, und ließ sich erklären, warum er zur Wahl gehen soll und wofür die einzelnen Politiker und Parteien stehen. Die Sendung wurde für den Grimme-Preis 2010 nominiert. Eine weitere Nominierung erhielt „Sido geht wählen“ in der Kategorie "Bestes Dokutainment" für den Deutschen Fernsehpreis.  Für den ORF war Sido seit Ende 2010 als Juror in diversen Castingshows tätig, so war er Mitglied der Jury in der österreichischen Casting-Show "Helden von morgen" und in der Talentshow "Die große Chance". Zwischen Dezember 2011 und Februar 2012 war die Dokusoap "Blockstars – Sido macht Band" zu sehen, in der Sido mit Jugendlichen aus sozial schwachen Verhältnissen eine Rapgruppe gründete. Im Oktober 2012 sorgte Sido nach einer Folge der "Großen Chance" mit einem Faustschlag gegen den damaligen ORF-Societyreporter Dominic Heinzl für einen Skandal. Heinzl ging einige Sekunden danach zu Boden. Der ORF suspendierte daraufhin die Zusammenarbeit mit Sido. Nach einer Entschuldigung und nur einer Woche mit vorübergehendem Ersatz in der Jury wurde er aber doch wieder eingesetzt. Im März 2014 kündigte Sido bei einem Konzert in Graz an, für die vierte Staffel der "Großen Chance" ab April 2014 nicht mehr zur Verfügung zu stehen. Der ORF gab bekannt, man trenne sich in „beiderseitigem guten Einvernehmen“.  Am 29. Dezember 2011 kam der Film "Blutzbrüdaz" in die Kinos, in dem Sido eine der Hauptrollen spielt. Der Film startete mit rund 130.000 Zuschauern in 257 Kinos innerhalb einer Woche und landete damit auf Platz 6 der deutschen Kinocharts.  Im März 2013 gewann er in der Talksendung "Absolute Mehrheit" 300.000 Euro mit Thesen zur Legalisierung von weichen Drogen. Über die Verwendung des Geldes machte er keine Angaben, sein Management erklärte, dass er Spendenempfänger nicht öffentlich benennen würde.  2013 war Sido in "Die Spätzünder 2 – Der Himmel soll warten" zu sehen, in der er sich selbst spielt. Im Film "Halbe Brüder" des Regisseurs Christian Alvart aus dem Jahr 2014 übernahm er an der Seite von Fahri Yardim und Tedros Teclebrhan eine Hauptrolle.  In der Gesangs-Castingshow The Voice of Germany war Sido in der 9. Staffel einer der vier Coaches und erreichte dort mit Kandidatin "Freschta Akbarzada" den 5. Platz.  2017 war er neben Christian Ulmen und Fahri Yardim in zwei Folgen der Comedy-Fernsehserie Jerks zu sehen, in der er sich selbst parodierte.

Weitere Geschäftstätigkeiten.

Mitte 2010 eröffnete er in Berlin ein Tattoo-Geschäft mit dem Namen "Ich und meine Katze", 2015 kam ein weiterer Laden in München dazu. Das Münchner Studio wurde 2017 wieder geschlossen, auch die Berliner Niederlassung gibt es nicht mehr.  Anfang 2013 brachte Sido in Zusammenarbeit mit der belgischen Firma "On.Earz" seine Kopfhörer "Superstarz" auf den Markt. 2015 eröffnete Sido in München eine Bar und ein weiteres Tätowierstudio. In Zusammenarbeit mit Burkhard Westerhoff kreierte Sido zudem seinen eigenen Wodka "(Kabumm)".  Sido gilt überdies als einer der Finanziers der Web-TV-Sendung 51TV mit Playboy 51. Am 1. August 2010 war er selbst Gast in der zweistündigen Liveshow, in der er auch ein Urlaubsvideo vorstellte und im Duett mit Çalıkıran diverse Rapzeilen vortrug.  Im Jahr 2015 wurde von Sido das Independent-Label "Goldzweig" gegründet.

Kontroversen.

Auseinandersetzungen mit anderen Musikern.

2004 kam es im Backstage-Bereich des "MTV HipHop Open" in Stuttgart zu einer Schlägerei zwischen Sido und dem Rapper Azad. Über die weiteren Beteiligten und den genauen Ablauf der Auseinandersetzung gibt es widersprüchliche Angaben. Anlass soll eine von Sido auf der Bühne ausgesprochene, sexuelle Beleidigung gegen Azads Mutter gewesen sein.  Am 27. Januar 2007 kritisierte Sido bei der Show "TRL" die Band Linkin Park und Bandmitglied Mike Shinodas Nebenprojekt Fort Minor. Dies sorgte für Aufruhr in den Fangemeinden beider Bands.

Strafverfahren.

Am 12. Oktober 2009 wurde ein Verfahren gegen Sido wegen Beleidigung, Bedrohung und Körperverletzung eröffnet. In der Anklage wurde ihm unter anderem vorgeworfen, eine gehbehinderte Frau mit Steinen beworfen zu haben, was Sido jedoch bis zuletzt bestritten hatte. Das Verfahren wurde gegen Zahlung von 14.000 Euro eingestellt.

Konflikte im Rahmen von Sidos Tätigkeit für den ORF.

Im September 2011 kam es bei der ORF-Castingshow "Die Große Chance" zu einem Streit zwischen Sido und dem "Kronen-Zeitung"-Kolumnisten Michael Jeannée. Daraufhin, nachdem Jeannée backstage vor laufender Kamera erklärt hatte: „Der Sido, der gehört vernichtet“, brachte die "Kronen Zeitung" einen sehr negativen Artikel über den Rapper unter dem Titel "Das Leben des „ORF-Stars“ als einziger Mix aus Kriminalität und Taktlosigkeit". Sido ging aufgrund des Artikels juristisch gegen die "Kronen Zeitung" vor, verklagte sie erfolgreich wegen übler Nachrede und auf Schadenersatz in Höhe von 7.000 Euro.  Am 20. Oktober 2012 gab der ORF bekannt, die Zusammenarbeit mit Sido mit sofortiger Wirkung zu beenden. Am Vortag war es im Anschluss an die Liveshow "Die große Chance" zu einer Auseinandersetzung zwischen dem ORF-Reporter Dominic Heinzl und Sido gekommen, im Zuge derer Sido handgreiflich wurde. Gemäß einem von Heinzl veröffentlichten Videomitschnitt entwickelte sich das Zusammentreffen der beiden Kontrahenten zu einem Streit. Die Konfrontation eskalierte, und Sido begann daraufhin, Heinzl wüst zu beschimpfen, und attackierte ihn schließlich mit einem Faustschlag ins Gesicht, woraufhin Heinzl zu Boden ging. Am 21. Oktober 2012 entschuldigte sich Sido via Twitter bei Heinzls Mutter für eine im Rahmen der Auseinandersetzung geäußerte Beleidigung.  Am 31. Oktober 2012 teilte der ORF mit, dass Sido nach einer Woche Pause wieder Bestandteil der Jury der Sendung "Die große Chance" sei. Der ORF begründete diese überraschende Entscheidung damit, dass sich beide beteiligten Personen einsichtig ihrer falschen Handlung gezeigt haben und somit die Wiedereinstellung Sidos als Beispiel für das ideale Ende eines Streites – die Versöhnung und der Neustart – zu sehen ist. In seinem Lied "Hier bin ich wieder" spielt Sido mit der Textzeile „[...] Heinzl macht ne Judorolle. Auf dem Boden, weil er sein Niveau da suchen wollte [...]“ auf den Vorfall an.  Im November 2011 sorgte Sido im Rahmen einer Gala in Wien durch die Aussage „Ihr Österreicher habt uns da mal einen rübergeschickt, der uns Ordnung beigebracht hat!“ für einen Eklat. Dies wurde als Anspielung auf Adolf Hitler interpretiert. Einige ORF-Moderatoren, darunter Martina Kaiser und Eberhard Forcher, reagierten mit Empörung auf die Aussagen, zumal Sido vom Österreichischen Rundfunk gefördert wurde. ORF-Programmdirektor Wolfgang Lorenz erklärte daraufhin: „Der Satz, der während Sidos Bühnenshow gefallen ist, war ausschließlich ironisch gemeint und ein Versuch des Künstlers, die Stimmung auf der Tanzfläche zu heben. Von der überwiegenden Zahl der Anwesenden wurde diese Ironie auch erkannt und daher mit einem Schmunzeln quittiert.“

Verschwörungstheorien.

In einem Video mit dem Hip-Hopper Ali Bumaye erweckte Sido den Eindruck, dass er an die QAnon-Verschwörungstheorie glaubt, der zufolge ein „deep state“, eine unsichtbare Schattenregierung, in unterirdischen Tunnelsystemen Millionen von Kindern missbrauche, foltere und töte und aus ihrem Blut Adrenochrom gewinne. Sido sprach in dem Interview von Kindern, die „auf unerklärliche Weise verschwinden“, und von „sehr reichen, sehr mächtigen Leuten“. Er habe zwar „keine Ahnung“, was sie mit den Kindern machen, er glaube jedoch, dass es „so was“ geben könne. Außerdem, so Sido, glaube er „schon, die großen Medien sind unterwandert. Die gehören alle einem reichen Typen, die sorgen dafür, dass er und seinesgleichen geschützt werden“. Man brauche „wahrhaftige alternative Medien, die auch mal sagen, ich weiß es nicht hundertprozentig, aber es könnte so sein“. Auf Xavier Naidoos Verschwörungstheorien angesprochen, attestierte Sido Naidoo, dieser käme „aus der Frankfurt-Ecke“, und er kenne andere Rapper aus Frankfurt, die bestätigt hätten, es gebe „so was, besonders in Frankfurt“. Sido erklärte, der „alte Rothschild“ habe seinen Sohn nach Frankfurt geschickt, deshalb sei „Frankfurt auch eine Börsenstadt“.  Dafür kritisierte Eliran Kendi von "Mannheim24" Sido: Solange man das Wort „Jude“ umgehe und durch „Rothschild“ ersetze, könne man zwar nicht wegen Volksverhetzung belangt werden, verbreite aber dennoch unterschwelligen Judenhass. Kendi zufolge greife Sido „in die antisemitische Trickkiste“ und „trigger[e] [...] die Zuschauer gezielt in die Richtung der jüdischen Weltverschwörung“. Auf "hiphop.de" sagte Sido, mit den Attila Hildmanns und KenFMs habe er jedoch „nichts zu tun“, er „lache [sich] kaputt über die“.

Diskografie.

Studioalben

Auszeichnungen.

1 Live Krone  Comet  Deutscher Musikautorenpreis  ECHO Pop Hiphop.de Awards Bravo Otto  Juice-Awards  Goldenes Tape  Swiss Music Awards  MTV Europe Music Awards

Sido (bürgerlich "Paul Hartmut Würdig"; * 30. November 1980 in Ost-Berlin) ist ein deutscher Rapper, Musikproduzent, Songwriter, Schauspieler und eine TV-Persönlichkeit.


Leben und Wirken.

Die Belege zur Biografie von Jean Mouton sind gering an der Zahl. In diesen Dokumenten wird er regelmäßig „Jean de Holluigue dit Mouton“ genannt, in den musikalischen Quellen jedoch nur Mouton (oder auch Moton oder Motone). Über Moutons Jugend und Ausbildung gibt es keine Belege; dass er Schüler von Josquin gewesen sei, wie von Pierre de Rosnard im Vorwort zum „Livre des meslanges“ (erschienen Paris 1560) behauptet, ist gänzlich unwahrscheinlich. Entsprechend dem ersten gültigen Beleg wurde er im Oktober 1477 als "chantre escolatre", also als Sänger und Religionslehrer, in die Kollegiatkirche Notre-Dame in Nesle bei Péronne aufgenommen; hier erhielt er am 22. Juni 1483 als inzwischen geweihter Priester einen Sitz im Kapitel. Aus dieser Datumsangabe ergibt sich das vermutete Geburtsjahr, weil für das Mindestalter einer Priesterweihe 25 Jahre galt. Irgendwann in den folgenden Jahren wechselte er an die Kollegiatkirche in Saint-Omer, wo er von 1494 bis 1495 als Sänger und Notenkopist tätig war. Für das Jahr 1500 gibt es einen Beleg, dass er „maistre des effans“ an der Kathedrale von Amiens gewesen ist (der Beginn dieser Tätigkeit ist nicht bekannt); aber schon am 17. September des folgenden Jahres wurde er an der Kollegiatkirche Saint-André in Grenoble angestellt, um die Kapellknaben „in organo et plano cantu“ auszubilden, mit dem ungewöhnlichen Vorrecht, sich die Schüler selbst auszusuchen („promisit bene et cum diligencia pueros quos videret magis aptos ad cantum instruere“).  Aus dieser Zeit wird die Begebenheit berichtet, dass ein Sänger der Stadtkirche Notre-Dame in Grenoble mit besonders schöner Stimme zu dem Chor von Jean Mouton überlief, woraufhin zwei andere Sänger ein „Noe in organo facto et notato de novo“ (ein neu geschriebenes Notenexemplar), welches Mouton für das Fest des Hl. Andreas (30. November) unter Verschluss hielt, entwendet haben. Die fragliche Motette ist nicht überliefert, doch stellt diese Notiz einen der frühesten Belege für Moutons Tätigkeit als Komponist dar. Ab 1. April 1502 bekam er das höhere Gehalt eines "Presbyters auf Lebenszeit", dennoch hat er diese Lebensstellung noch vor dem 27. Juli ohne Erlaubnis des Kapitels aufgegeben. König Ludwig XII. von Frankreich (Regierungszeit 1498–1515) hatte mit seiner Ehefrau Anne de Bretagne vom 23.–28. Juni 1502 auf der Reise nach Genua einen Besuch in Grenoble gemacht und offenbar bei dieser Gelegenheit den Komponisten für die Hofkapelle der Königin abgeworben. Einige „Staatsmotetten“ von Jean Mouton deuten auf jeden Fall darauf hin, dass er noch vor dem Jahr 1509 in dem Dienst der Königin stand. In ihrer Hofkapelle waren mehr Komponisten versammelt als in der von König Ludwig, außer Mouton beispielsweise Antonius Divitis, Jean Richafort und Claudin de Sermisy. Königin Anne schätzte Mouton besonders und verschaffte ihm an seiner bisherigen Wirkungsstätte in Grenoble ein frei werdendes Kanonikat mit Pfründe, in welches er am 10. Mai 1510 eintrat. In dem betreffenden Dokument wird er "magister capelle" genannt; dieses Amt teilte er sich vielleicht mit Divitis. Spätestens seit 1509 besaß Mouton auch ein Kanonikat in der Diözese Thérouanne.  Etwa um diese Zeit kam der junge Adrian Willaert zum Jura-Studium nach Paris, wechselte aber bald zur Musik und wurde Moutons Schüler. Der spätere Willaert-Schüler Gioseffo Zarlino (1517–1590) lässt Willaert von einem „il mio precettore Gio. Motone“ sprechen. Die stilistische Linie Mouton - Willaert ist tatsächlich offensichtlich und stellt eine der Leitlinien dieser musikgeschichtlichen Epoche dar.  Nach dem Tod von Königin Anne 1514 wurde Mouton von der Hofkapelle von König Ludwig übernommen; Ludwig XII. starb jedoch schon im folgenden Jahr. Belegt ist Moutons Teilnahme an den Trauerfeierlichkeiten am 15. Januar 1515. Er ging dann an die Kapelle seines Nachfolgers Franz I., wo er bis zu seinem Lebensende blieb. Auch bei seinem neuen Dienstherrn stand der Komponist nach kurzer Zeit in besonderer Gunst. Er reiste von September/Oktober bis Dezember 1515 im Gefolge des Königs nach Italien und wirkte in Bologna mit der Hofkapelle beim Treffen von König Franz mit dem musikliebenden Papst Leo X. (Amtszeit 1513–1521) mit, die hier über den Abschluss eines Konkordats verhandelten. Am 17. Dezember 1515 hat der Papst den französischen Hofkapellmeister Antoine de Longueval (fl. 1498–1525) und Mouton zu apostolischen Notaren ernannt, eine Geste, die sicher auf die besondere Wertschätzung beider durch Leo X. zurückgeht. Ein weiterer Herrscher, Herzog Alfonso I. d’Este aus Ferrara, bemühte sich ebenfalls lebhaft um Kompositionen Moutons, nachdem er ihm zuvor mehrfach begegnet war; er drängte seine Agenten in Paris wiederholt, ihm Werke Moutons zuzusenden. Aus dieser Zeit ist auch eine persönliche Charakterisierung Moutons überliefert, die ein gewisser "Jean Michel" seinem Dienstherrn Sigismondo d’Este am 15. November 1515 aus dem französischen Hoflager geschrieben hat: „Jean Mouton s’en a va Lorete et passera par Ferrara [...] vous le verres et luy feres bonne chère car il merite. Oultre qu’il est verteulx c’est le plus humil qu’on saroit trouver, et bon serviteur de Dieu. Tant comme je puis le vous recommande“ (sinngemäß etwa: „Jean Mouton hatte sich nach Loreto begeben und kommt in Ferrara vorbei. Sie werden ihn sehen und ihm viel Glück wünschen, denn er verdient es. Auch wenn er von derber Art ist, ist er doch der Demütigste, den man finden kann, und ein guter Diener Gottes. Wie ich ihn Ihnen doch nur empfehlen kann“).  Zu einem späteren, nicht genau bekannten Zeitpunkt erhielt Mouton ein bepfründetes Kanonikat an der Kollegiatkirche Saint-Quentin, vielleicht in der Nachfolge seines 1518 verstorbenen Kollegen Loyset Compère. Es ist auch anzunehmen, dass er im Jahr 1520 an dem Treffen des französischen und englischen Hofs auf dem "camp du drap d’or" teilgenommen hat, welches mit ebensolchem musikalischen Aufwand wie das fünf Jahre zuvor in Bologna gefeiert wurde. Als der Chronist und Musiktheoretiker Heinrich Glarean sich während seiner Studienzeit (1517–1522) in Paris aufhielt, sprach er mit Mouton und hat eine besondere Anmerkung über seine Art der Sprache gemacht; in dem Schlusskapitel seiner Schrift „Dodekachordon“ (erschienen Basel 1547) schließt er die Würdigung Jean Moutons „De Symphonetarum ingenio“ mit einem längeren lateinischen Text ab, in dem er ihn gleichermaßen wegen seiner gelehrten Schreibweise wie wegen seines „fließenden Gesangs“ rühmt. Mouton starb am 30. Oktober 1522 in Saint-Quentin und wurde wie zuvor Compère in der dortigen Kollegiatkirche beigesetzt. Das Grabmal ist später zerstört worden, jedoch gibt es von dessen Inschrift eine Kopie aus dem 17. Jahrhundert: „Ci gist Maistre Jehan de Holluigue, dit Mouton, en son vivant chantre du roy chanonine de Thérouanne et de cette église, qui trépassa le pénultième jour d’octobre MDXXII. Priez Dieu por son ame“.

Bedeutung.

Jean Mouton muss an der Hofmusik beider Könige eine privilegierte Stellung gehabt haben; auch sind von ihm so viele „Staatsmotetten“ überliefert wie von keinem anderen Komponisten seiner Zeit, was auf eine offizielle oder inoffizielle Funktion als „Hofkomponist“ hindeuten kann. Er war damit ein wichtiges Glied in der Reihe der Hofsänger, die den Übergang vom „komponierenden Sänger“ zum „singenden Komponisten“ vollzogen haben. Darüber hinaus gibt es in seiner Epoche kaum einen weiteren bedeutenden Komponisten, bei dem die Überlieferungsgeschichte seiner Werke ein so typisches und scharf umrissenes Bild bietet. Mouton war einer der Hauptmeister der Motette zwischen Josquin und Willaert. Seine Sakralkompositionen zeigen eine differenzierte Cantus-firmus-Technik und komplizierte Kanonkünste; in den späteren Jahren verwendet er zunehmend Parodieverfahren und Durchimitation sowie den Wechsel zwischen homorhythmischen und imitatorischen Abschnitten mit reich gestalteten Kadenzen. Bei vielen seiner Motetten ist der historische Anlass eindeutig, bei den meisten aber die politische Funktion voll gesichert.  Moutons musikalischer Stil war in seiner Zeit wohl einzigartig und auf jeden Fall höchst innovativ, entfaltete eine große Wirkung und erlebte eine „intensive und extensive“ Rezeption; dieser Stil „veraltete“ aber dadurch ziemlich schnell. Er unterscheidet sich vom Stil Josquins und dessen Nachfolgern ziemlich radikal, dagegen verbinden ihn viele Kennzeichen mit anderen Komponisten der französischen Hofkapelle zwischen 1500 und 1520, besonders mit Antoine de Févin. Wo sein Stil besonders rein auftritt, dort hat die musikalische Konstruktion Vorrang vor der Darstellung des Textes; hier treten Kontraste gänzlich hinter dem gleichmäßigen und zäsurarmen Fluss der Stimmen zurück in einem auf weiten Strecken vollstimmigen Satz. Wegen seiner Neigung, den Text der Musik unterzuordnen, spielt bei Mouton eine korrekte oder gar emphatische Textdeklamation kaum eine Rolle, und eine affektgeprägte oder bildhafte Motivik der Deklamation ist sehr selten. Dagegen herrscht eine außerordentlich ausgewogene Melodik vor, bei der die einzelnen Phrasen erst mit motivisch prägnanten und syllabisch deklamierten Einfällen anfangen, dann aber schnell in eine Melismatik übergehen, die eine stufige Bewegung und sanfte Rhythmik besitzt. Dabei zeigt sich der Komponist oft als begnadeter und origineller Melodiker.  Die bei manchen Werken ins Extreme getriebene Kombinatorik von Motiven ist nur ein Ausdruck seines zugespitzten kontrapunktischen Denkens; auch seine Kanontechnik geht hierauf zurück. Bezeichnend ist jedoch Moutons Tendenz, Kanons eher zu verstecken als sie demonstrativ vorzuführen. An anderer Stelle stehen aber echte Prachtexemplare von Kanons, wie seine Quadrupel-Kanons zu acht Stimmen. Moutons Meisterschaft bei Kanons und sein Bezug zu seinem Schüler Willaert zeigen sich besonders in der Druckausgabe von Kanons des italienischen Musikverlegers Andrea Antico (um 1480 – nach 1539) aus dem Jahr 1520, in der drei elegante Kanons von Jean Mouton und acht nicht ganz so elegante von Adrian Willaert enthalten sind. In der Literatur über Mouton wurde auch lange Zeit betont, dass die Motetten die Hauptwerke des Komponisten seien; in der Zwischenzeit ist es aber unbestritten, dass er für die Geschichte der Messkomposition ebenso bedeutend gewesen ist.

Werke.

Gesamtausgabe: "Joannis Mouton Opera omnia", herausgegeben von A. C. Minor / Th. G. MacCrakken, [ohne Ortsangabe] 1967 und folgende (= Corpus mensurabilis musicae Nr. 43) Moutons überliefertes Werk umfasst 14 Messen, ein Credo, etwa 120 Motetten (davon 20 mit umstrittenen Zuschreibungen), 10 Magnificats, etwa 24 Chansons. Überdies sind die Titel weiterer 7 Messen und 3 Motetten überliefert, die bislang nicht identifiziert werden konnten oder verschollen sind. Die Forschung teilt das Werk in 4 Phasen ein; (1) etwa bis 1500: stark konstruktivistischer Zug, die rhythmische Struktur ist unausgeglichen; (2) etwa 1500–1505: akkordisch konzentrierter Satz, die Stimmen werden gleichberechtigt behandelt, kein Cantus firmus mehr, Superius und Bassus häufig in Dezimenparallelen; (3) etwa 1505–1512: Auflockerung des Satzes; Konstruktivismen werden gemieden; (4) etwa 1514–1522: Schlichtheit des Satzes, knappe Melodie, strikte Durchimitation.

Jean Mouton (ursprünglich Jean de Holligue; * vor 1459 in Samer (heute im Département Pas-de-Calais); † 30. Oktober 1522 in Saint-Quentin) war ein franko-flämischer Komponist, Sänger und Kleriker der Renaissance.


Geschichte.

Yellowcard wurden 1997 in Jacksonville gegründet und bestand aus den fünf Mitgliedern Ben Dobson (Gesang), Todd Clary (Gesang, Gitarre), Ben Harper (Gitarre), Warren Cooke (Bass) und Longineu Parsons III (Schlagzeug). Ihr Name kam von einer Partytradition, nach der sie, wie beim Fußball, jedem, der Getränke verschüttet oder anders negativ auffällt eine gelbe Karte (yellow card) gaben. Am Anfang gab es Verwirrung über die Schreibweise, mit oder ohne Leerzeichen. Die Band einigte sich auf Yellowcard, ohne Leerzeichen.  Ihr erstes Album "Midget Tossing" erschien 1997. Sie baten Sean Mackin, für einige ihrer Songs Violine zu spielen. 1999 veröffentlichte die Band ihr zweites Album "Where We Stand" bei Takeover Records. Sean Mackin war nun Mitglied der Band. Kurz darauf verließ Ben Dobson die Gruppe. Als neuer Sänger stieß Ryan Key, ein alter Freund, zur Band. Er überzeugte den Rest der Gruppe davon, dass in Florida langfristig kein Erfolg zu erzielen sei. Die Band beschloss daraufhin nach Kalifornien zu ziehen und veröffentlichte 2000 die EP "Still Standing". Kurz darauf verließ Todd Clary die Band. Ryan Key übernahm seinen Part und war nun auch Gitarrist.  2001 veröffentlichten Yellowcard ihr viertes Album "One for the Kids", mit dem sie unter ihren Fans große Erfolge erzielten. Auch mit der darauf folgenden "The Underdog EP" bei Fueled by Ramen erzielten sie große Erfolge. Die Musikrichtung auf "One for the Kids" und "The Underdog EP" stand bereits im Kontrast zu ihren ursprünglichen Alben. Ihre Songs wurden melodischer. Nach der Veröffentlichung der Underdog EP verließ Warren Cooke die Band und wurde durch Pete Mosely am Bass ersetzt.  2003 wurde das Album "Ocean Avenue" vom US-Major-Label Capitol Records veröffentlicht. Es bedeutete den großen Durchbruch für die Band. Erstmals schafften sie es damit in die US-Albumcharts und es verkaufte sich über eine Million Mal. Der Titelsong war ihr bislang größter Singlehit und wurde mit Gold ausgezeichnet. Auch der Song "Only One" bekam Gold für eine halbe Million verkaufter Exemplare, ohne je in den Charts gewesen zu sein. Die Lieder "Ocean Avenue" und "Way Away" konnten sich auch in den UK-Charts platzieren.  Nach den Aufnahmen von "Ocean Avenue" musste Mosely die Band verlassen. Als die Band ihre eineinhalbjährige Tour begann, sprang Alex Lewis für ihn am Bass ein. Während ihrer Tour kehrte Mosely allerdings zurück.  Die Live-DVD zum Album "Beyond Ocean Avenue: Live at the Electric Factory" erschien 2004 und erhielt ebenfalls Platin. Große Aufmerksamkeit erreichte Yellowcard auch durch den Titel "Gifts and Curses" auf dem Soundtrack des Films Spider-Man 2.  Einen Großteil des Jahres 2005 arbeiteten Yellowcard an dem Album "Lights and Sounds". Am 7. November 2005 bestätigte Yellowcard in den MTV News, was von Fans schon länger vermutet wurde: Ben Harper verließ die Band, um sich auf sein Indie-Label "Takeover Records" zu konzentrieren, da sie sich "persönlich und in kreativer Hinsicht auseinandergelebt haben, was in jeder Partnerschaft passieren kann" ("[...] We've simply grown apart, personally and creatively, which can happen in any relationship [...]"). Sean Mackin fügte hinzu, diese Veränderung sei hart für sie alle, aber Ben werde immer ihr Bruder sein ("[...] This change is hard for all of us, but Ben will always be our brother. [...]"). Ersatz für Harper wurde in Form von Ryan Mendez gefunden. Am 13. Januar 2006 erschien die neue Single "Lights and Sounds", das gleichnamige Album folgte am 27. Januar 2006. Von Lights and Sounds erschienen zwei Singles: "Lights and Sounds" und "Rough Landing, Holly". Es wurde ihr international erfolgreichstes Album und konnte sich auch in Europa und Australien in den Charts platzieren. In den USA erreichte es die Top 5 der Albumcharts und bekam Gold, blieb aber insgesamt hinter dem Vorgängeralbum zurück.  Das nächste Studioalbum Yellowcards trägt den Titel "Paper Walls" und erschien in den USA am 17. Juli 2007 und erreichte Platz 13 der US-Charts. Einen Singlehit brachte es nicht hervor. Am 17. Oktober 2007 verließ Pete Mosely die Band mit der Begründung, sich „anderweitig zu beschäftigen“ ("[...] I have chosen to leave Yellowcard and pursue other endeavors. [...]"). Gleichzeitig sagte Mosely, dass es ihm eine große Ehre war bei Yellowcard mitspielen zu dürfen und dass es ihm Spaß gemacht hatte, mit der Band um die ganze Welt zu reisen und Musik zu machen. Die Gruppe legte anschließend eine Pause ein.  Im August 2010 unterschrieben Yellowcard einen Plattenvertrag bei Hopeless Records und beendeten damit ihre Pause, um sich einem weiteren Studioalbum zu widmen. Ersatz für Pete Mosley am Bass fanden Yellowcard in ihrem langjährigen Freund Sean O'Donnell.  Das Album "When You're Through Thinking, Say Yes" wurde im Frühjahr 2011 veröffentlicht. Am 23. Oktober 2011 folgte die Akustikversion des Albums.  Im Februar 2012 gab die Band bekannt, dass Bassist Sean O'Donnell aus persönlichen Gründen die Band verlassen hat. Am 17. Februar 2012 gab die Band auf ihrer offiziellen Website bekannt, dass Josh Portman den Bassisten Sean O'Donnell ersetzen wird.  Des Weiteren begann die Band im März 2012 mit der Aufnahme eines neuen Studioalbums. Ryan Key gab hierzu in einem offiziellen Interview bekannt, dass er bereits vor Beginn der Aufnahmearbeiten alle Songs zur direkten Aufnahme vorbereitet hätte. Am 22. Mai 2012 veröffentlichten Yellowcard die Single "Always Summer". Ihr achtes Studioalbum "Southern Air" erschien am 14. August 2012 und war in vielen Ländern ein Erfolg. Unter anderen schaffte es das Album zum ersten Mal in der Geschichte von Yellowcard eine Top-100 Platzierung in deutschen Albumcharts zu erzielen.  Nach diversen Konzerten (u. a. in Nordamerika und Europa) gaben Yellowcard am 3. Mai 2013 bekannt, dass sie sich anlässlich seines 10-jährigen Jubiläums für Aufnahmen einer Akustik-Version ihres Erfolgsalbums "Ocean Avenue" erneut im Studio befinden. Das Album wurde am 13. August 2013 veröffentlicht.  Am 14. März 2014 kündigte Yellowcard an, dass ihr bisheriger Schlagzeuger Longineu Parsons die Band aufgrund anderer musikalischen Interessen verlässt. Die Band veröffentlichte diese Nachricht über Facebook mit diesem Post:  „It has been announced that long-time drummer Longineu "LP" Parsons III has left YELLOWCARD. Said the band in a joint statement, Longineu has decided to pursue other musical interests. We wish him the best of luck in his future endeavors. A replacement has not been announced.“  Im Februar 2016 begann die Band mit den Aufnahmen ihres letzten Studioalbums. Mit der Veröffentlichung der Single "Rest in Peace" am 24. Juni 2016 gab die Band ihre Auflösung nach dem letzten Konzert am 25. März 2017 bekannt.

Yellowcard war eine Pop-Punk-Band aus Jacksonville, Florida. Ihre Musik kann dem Alternative Rock sowie dem Pop-Punk zugeordnet werden. Die Besonderheit der Musik von Yellowcard liegt im Einsatz einer Violine.


Geschichte.

Initiative und Hintergrund.

Mit Ende des Zweiten Weltkrieges bemühte sich die italienische Politik nach der faschistischen Diktatur um eine erneuerte internationale Präsentation des Landes, die nicht zuletzt in der Förderung von Kultur, künstlerischer Qualität und technisch fortschrittlichen Medien bestand. In der ligurischen Stadt Sanremo wurde in diesem Sinne eine Kommission gegründet, die für die Gemeinde kulturelle Initiativen im Zusammenhang mit dem örtlichen Kasino ausarbeiten sollte – vor allem auch, um den Tourismus in einer sonst toten Zeit (Februar) zu fördern. Der Sozialist und Jazzliebhaber Amilcare Rambaldi, der Teil dieser Kommission war, versuchte daraufhin, ein Jazzfestival zu initiieren. Die Idee wurde jedoch erst wieder aufgegriffen, nachdem die Stadt die Nutzungsrechte des Kasinos an den Industriellen Pier Busseti übertragen hatte. Dieser ging 1947 eine Zusammenarbeit mit der staatlichen Rundfunkanstalt Rai ein, um das geplante Gesangsfestival (von Jazz war keine Rede mehr) live im Radio übertragen lassen zu können.  War die Ausgangsidee Rambaldis noch vor einem sozialistischen Hintergrund entstanden, hatte die Rai mit Programmchef Giulio Razzi (der die Organisation des Festivals übernehmen sollte) nunmehr ganz andere politische Intentionen: Beabsichtigt war, durch das Sanremo-Festival einerseits die Individualität des italienischen Liedes wiederaufleben zu lassen und es vom internationalen Einfluss zu befreien, indem man sich auf die neapolitanische Volksmusik und die Operntradition rückbesann, andererseits den Regionalismus zu überwinden und quasi eine gesamtitalienische populäre Musik zu schaffen. Dies wurde nicht zuletzt im vollständigen Namen der Veranstaltung deutlich: "Festival della Canzone Italiana" – „Festival des Italienischen Liedes“ – "di Sanremo".

Die 1950er-Jahre.

Am 29. Januar 1951 eröffnete Moderator Nunzio Filogamo die erste Ausgabe des Festivals, das vom Festsaal des Kasinos live im Radio übertragen wurde. Drei Interpreten (Nilla Pizzi, Achille Togliani und das Duo Fasano) wechselten sich in der Darbietung der 20 neu für den Wettbewerb geschriebenen Lieder ab. Nach drei Tagen wurde "Grazie dei fior" von Nilla Pizzi durch das Saalpublikum zum ersten Sanremo-Siegerlied gewählt. Doch weder Presse noch Musikkritik hatte der Veranstaltung große Aufmerksamkeit geschenkt und auch das Saalpublikum zeigte nur wenig Interesse für die Auftritte. Dies änderte sich schon bei der zweiten Ausgabe, als etwa die Esstische aus dem Saal verschwanden und das Interesse bei den Musikverlagen deutlich gestiegen war. Auch in diesem Jahr gewann Nilla Pizzi, diesmal mit "Vola colomba", wobei sie gleichzeitig den zweiten (mit "Papaveri e papere") und dritten Platz (mit "Una donna prega") belegte.  Ab dem Festival 1953 wurde die Regel der doppelten Interpretation eingeführt, wobei jedes Lied im Wettbewerb von zwei Interpreten in zwei verschiedenen Arrangements gesungen werden musste. Dafür wurden eigens zwei verschiedene Orchester eingesetzt, ein „klassisch“ geprägtes (in jenem Jahr unter der Leitung von Cinico Angelini) und ein „modernes“ (1953 unter der Leitung von Armando Trovajoli). Sanremo 1955 war die erste Ausgabe, die live im Fernsehen ausgestrahlt wurde (zusätzlich zur Radioübertragung), mit dem Finalabend in Eurovision. Im Jahr darauf wurden die sechs Festivalteilnehmer zuvor durch einen Newcomer-Wettbewerb ausgewählt, an dem 6.656 Kandidaten teilnahmen. Im selben Jahr fand die erste Ausgabe des Eurovision Song Contest in Lugano statt, der vom Sanremo-Festival inspiriert wurde. In den Anfangsjahren dominierte musikalisch die Tradition, gekennzeichnet durch Rhetorik und Patriotismus sowie Themen, die sich im engen Komplex von Gott, Vaterland und Familie bewegen. Doch schon mit Nilla Pizzis "Papaveri e papere" (heute sowohl als Kritik an Politikern der regierenden Democrazia Cristiana als auch als Anklage gegen die untergeordnete Rolle der Frau zu jener Zeit gedeutet) und danach mit "Canzone da due soldi" von Katyna Ranieri (1954) kam eine neue Art Lied auf, die sich von den üblichen Schnulzen abhob und sich umgänglicher und fröhlicher gab. Im Festival 1958 begann mit dem Sieg Domenico Modugnos (und Johnny Dorellis) mit dem Beitrag "Nel blu dipinto di blu" schließlich eine neue Phase des Festivals und der italienischen populären Musik insgesamt: Songwriter und Interpreten blieben nicht mehr strikt getrennt, außerdem entwickelte sich eine neue Art des Ausdrucks durch die Performance. Die als "urlatori" („Schreier“) bezeichneten Sänger wie Modugno, Adriano Celentano oder Tony Dallara legten in ihren Gesang den Ausdruck des Schmerzes und wollten mehr Spontaneität erreichen.

Die 1960er-Jahre.

Zu Beginn der 60er-Jahre untersagte die Verwertungsgesellschaft SIAE unvermittelt ihren Autoren, am Sanremo-Festival teilzunehmen, doch hielten sich die wenigsten an dieses Verbot. Es folgte die sogenannte „Ära Bongiorno“ (1963–1967), während derer Mike Bongiorno das Festival erfolgreich moderierte, und die Auswahl der Teilnehmer vielfältiger wurde, mit den „Schreiern“ "(uraltori)," zu denen man Domenico Modugno, Mina, Adriano Celentano oder Bobby Solo zählte, den Cantautori wie Gino Paoli oder Umberto Bindi und den neuen Beatbands. Zumeist setzte sich im Festival jedoch die Tradition durch, besonders deutlich zu sehen im Festival 1964, als Gigliola Cinquetti mit dem melodiösen "Non ho l’età (per amarti)" gewann, während den größten Verkaufserfolg anschließend Bobby Solo mit "Una lacrima sul viso" erzielen konnte.  Mit der Ausgabe 1964 wurde außerdem versucht, das Festival internationaler zu gestalten, indem ausländische Teilnehmer eingeladen wurden (darunter Paul Anka, Gene Pitney, Ben E. King und Antonio Prieto), sodass jeder Beitrag immer von einem italienischen Sänger und einem Gast interpretiert werden musste. Mit diesem Schritt wollte man italienische und ausländische Sänger gegenüberstellen sowie versuchen, einerseits die italienische populäre Musik zu bereichern und andererseits den Export italienischer Musikproduktion ins Ausland zu fördern. Schon ab Sanremo 1966 war ein internationaler Partner jedoch nicht mehr verpflichtend.  Mitte der 60er-Jahre zeigten sich erste Anzeichen von Sozialkritik und Protestbewegungen auf der Festivalbühne: 1966 präsentierte Adriano Celentano "Il ragazzo della via Gluck" (ohne ins Finale zu gelangen), 1967 wagten sich etwa Gianni Pettenati mit "La rivoluzione" und I Giganti mit "La proposta" an „revolutionäre“ Themen. Doch 1967 war vor allem das Jahr des jungen Cantautore Luigi Tenco, der mit "Ciao amore, ciao" nicht das Finale erreichte und Suizid beging, ein noch lange nachwirkendes kulturelles Trauma der italienischen populären Musik. Mit diesem dramatischen Ereignis endete die goldene Phase unter Mike Bongiorno und das Sanremo-Festival sollte nie wieder dasselbe sein. Dessen ungeachtet gelang es dem Festival 1968, moderiert von Pippo Baudo, erfolgreich ein möglichst breites Abbild der italienischen Musikszene zu präsentieren. Als Sieger ging der Cantautore Sergio Endrigo hervor, was als Kompensation für das Ausscheiden und den Tod Luigi Tencos im Vorjahr gesehen werden konnte. Des Weiteren debütierten so verschiedene Sänger wie Fausto Leali, Al Bano und Massimo Ranieri.

Die 1970er-Jahre.

Die drei Sanremo-Ausgaben 1969 (gewonnen von Iva Zanicchi und Bobby Solo mit "Zingara"), 1970 (gewonnen von Adriano Celentano und Claudia Mori mit "Chi non lavora non fa l’amore") und 1971 (gewonnen von Nada und Nicola Di Bari mit "Il cuore è uno zingaro") sowie die großen Festivalerfolge von Lucio Dalla (1971 mit "4/3/1943" und 1972 mit "Piazza Grande") und Roberto Vecchioni (1973 mit "L’uomo che si gioca il cielo a dadi") konnten nicht darüber hinwegtäuschen, dass die Veranstaltung sich in einer Krise befand. Ab 1973 übertrug die Rai nur noch das Finale im Fernsehen und das Interesse im Ausland schien sich auf den Ostblock sowie postfaschistische Länder zu beschränken, die das Festival über Eurovision verfolgten. Gleichzeitig nahm das inhaltliche Niveau ab und man spielte zunehmend mit Stereotypen aus italienischen Erotikkomödien jener Zeit. Die Ausgabe 1975 gilt in dieser Hinsicht als Tiefpunkt. Das Festival 1979, gewonnen vom völlig unbekannten Mino Vergnaghi, erreichte auch einen kommerziellen Tiefpunkt. Gleichzeitig wurde in dieser Zeit viel Neues ausprobiert. Ab 1972 fiel die Regel der doppelten Interpretation weg, die Lieder wurden von nun an wieder einem festen Interpreten zugeordnet. 1974 wurden die 28 Teilnehmer in zwei Gruppen aufgeteilt, wovon sich eine (die der Newcomer) für das Finale qualifizieren musste; außerdem wurde nur der Siegerbeitrag bekannt gegeben und keine weiteren Plätze. 1976 wurden die Teilnehmer gar in fünf Gruppen mit je zwei (automatisch für das Finale qualifizierten) Gruppenleitern aufgeteilt; einschneidende Änderung war auch der Wegfall des Orchesters, wodurch die Beiträge nur noch in Halbplayback präsentiert wurden. 1977 gab es nur zwölf Beiträge und somit keine Gruppen oder Qualifikationen; 1978 hingegen gingen die Teilnehmer in drei Gruppen ins Rennen, von denen nur jeweils der Sieger die Endrunde erreichte. 1977 wurde das Festival außerdem, nach 26 Jahren im Kasino, dauerhaft ins Ariston-Theater verlegt, da das Kasino umgebaut wurde.

Die 1980er-Jahre.

Mit dem Festival 1980 versuchte man einen Neustart. Das Moderatorenpaar aus Roberto Benigni und Olimpia Carlisi erhielt eine wesentlich aktivere Rolle in der Veranstaltung, die Aufteilung in Newcomer- und Hauptkategorie mit unterschiedlicher Finalqualifikation wurde wieder eingeführt und das Orchester wurde erneut abgeschafft (im weiteren Verlauf des Jahrzehnts ging man zeitweise sogar zu Vollplayback über). 1982 wurde der Kritikerpreis eingeführt, mit dem man den Unterschied zwischen dem breiten Publikumsgeschmack und den „Geschmacksnischen“ anerkannte. Die Rai übernahm wieder zunehmend die Initiative in der Organisation des Festivals, das mit der „ersten Ära Baudo“ unter Moderator Pippo Baudo 1984–1987 eine neue Hochphase erlebte. Unter Baudo erhielt etwa das Tagesgeschehen mehr Platz auf der Festivalbühne und wurde 1984 endgültig die Newcomer-Kategorie institutionalisiert, die im Unterschied zur bisherigen Praxis einen getrennten Wettbewerb vorsah. Außerdem wurde das Festival ab 1987 auf vier Abende verlängert.  Viele große Namen der italienischen populären Musik aus den 70er-Jahren blieben dem Festival trotz allem fern oder nahmen als Gäste oder lediglich als Autoren teil. So trafen sich auf der Bühne des Ariston-Theaters ältere Stars aus den 60er- und frühen 70er-Jahren (etwa Iva Zanicchi, Peppino di Capri, Bobby Solo oder Fred Bongusto), Sänger, die eine angeschlagene Karriere wieder in Schwung bringen wollten (so Loredana Bertè, Donatella Rettore, Alan Sorrenti, Renato Zero, Anna Oxa oder Raf) und einige weitere fest mit dem Sanremo-Festival verbundene Namen (Matia Bazar, Fiordaliso oder Riccardo Fogli).  Mit den Ausnahmen Alice (Siegerin 1981 mit "Per Elisa") und Eros Ramazzotti (Sieger 1986 mit "Adesso tu") gewannen vor allem bereits bekannte Sänger das Festival, die in den meisten Fällen den wichtigsten Teil ihrer Karriere schon hinter sich hatten. Al Bano & Romina Power gewannen das Festival 1984, Ricchi e Poveri 1985, Gianni Morandi, Enrico Ruggeri und Umberto Tozzi 1987, Massimo Ranieri 1988 und Anna Oxa und Fausto Leali 1989. Die Abstimmung erfolgte in jenen Jahren durch das Fernsehpublikum, das über "Totip"-Scheine (eigentlich für Pferdewetten gedacht) in ganz Italien Stimmen für seine Lieblingsbeiträge abgeben konnte. Doch auch nach der Rückkehr der Jurys änderte sich auf dem Siegerpodest wenig: 1990 gewann die Band Pooh, 1991 Riccardo Cocciante. Allerdings konnte das Festival auch einige Sänger lancieren, die – nach durchwachsenen Ergebnissen beim Festival – unvermutet erfolgreich wurden und nicht mehr nach Sanremo zurückkehrten, etwa Vasco Rossi, Jovanotti und Zucchero.

Die 1990er-Jahre.

In den 90er-Jahren wurde das Sanremo-Festival in Italien wieder ein gesellschaftlicher Fixpunkt, was sich etwa im geflügelten Wort "Perché Sanremo è Sanremo" („weil Sanremo Sanremo ist“; offizielles Motto der Ausgaben 1995 und 1996) niederschlug. Im Sanremo-Festival 1990 kehrten nicht nur die (demoskopischen) Jurys zurück, sondern auch das Orchester (also die Livemusik) und für kurze Zeit auch die internationalen Teilnehmer. Zwei Jahre später übernahm Pippo Baudo wieder die Moderation (ab 1994 erstmals auch die künstlerische Leitung), während der Wettbewerb in der Hauptkategorie wieder ein Ausscheideverfahren einführte (ab 1995 dauerte das Festival außerdem endgültig fünf statt nur vier Abende). Dies wirkte sich zum Vorteil für viele Newcomer aus, etwa Laura Pausini (Newcomer-Siegerin 1993 und Drittplatzierte 1994), Biagio Antonacci, Andrea Bocelli und Giorgia (Siegerin 1995). Im Sinne dieser angestrebten Verjüngung des Festivals wurden ab 1995 die Bestplatzierten der Newcomer-Kategorie auch automatisch für die Hauptkategorie zugelassen. Dies erwies sich zwar zunächst nach dem Sieg von Giorgia als gute Wahl, doch in den folgenden Jahren verhalf diese Regelung auch im Anschluss an das Festival wenig erfolgreichen Teilnehmern wie Jalisse (1997) und Annalisa Minetti (1998) zum Sieg. Insbesondere die Ausgabe 1998 war in kommerzieller Hinsicht ein neuerlicher Tiefpunkt des Festivals.

Das neue Jahrtausend.

Um die Jahrtausendwende versuchte man vonseiten des Festivals, die unabhängige Musikproduktion mehr einzubinden. Doch auch damit ließ sich der stete Rückgang der Zuschauerzahlen nicht aufhalten, der 2004 in der Demütigung endete, dass ein Konkurrenzprogramm ("Grande Fratello" auf Canale 5) das (von Tony Renis organisierte) Festival zumindest an einem Abend in den Quoten überholen konnte, nicht zuletzt wegen des Boykotts mehrerer Major-Labels und einer musikalischen Gegenveranstaltung in Mantua. Doch die Veranstaltung erholte sich in den folgenden Jahren spätestens mit der erfolgreichen Ausgabe 2007 (mit Pippo Baudo) wieder. Trotz des zurückgehenden Publikumsinteresses und den ständigen Polemiken konnte sich das Sanremo-Festival im neuen Jahrtausend immer mehr als Bühne etablieren, auf der aufstrebende Newcomer ihren Weg zum Erfolg finden konnten, darunter Dolcenera (Siegerin von "Destinazione Sanremo" 2002), Sergio Cammariere (Drittplatzierter Sanremo 2003), Povia (Sieger 2006), Francesco Renga (Sieger 2005), Tricarico (Gewinner des Kritikerpreises 2008), Arisa (Siegerin "SanremoLab" 2008, Newcomer-Siegerin Sanremo 2009 und Siegerin 2014), Paolo Meneguzzi, Irene Fornaciari oder Sonohra (Newcomer-Sieger 2008). Als 2009 Marco Carta, der zuvor die Castingshow Amici di Maria De Filippi 2008 gewonnen hatte, das Sanremo-Festival gewann, und sich das Gleiche 2010 mit dem Sieg von Valerio Scanu ("Amici"-Zweitplatzierter 2009) wiederholte, wurde eine Überschneidung der „neuen Bühnen“ der Castingshows (neben "Amici" vor allem auch "X Factor") mit dem Festival deutlich. Diese Entwicklung sorgte für viel Kritik, nicht zuletzt, weil "Amici" ein Programm des dem damaligen Ministerpräsidenten Silvio Berlusconi gehörenden Medienkonzerns Mediaset war, dem man vorwarf, nun auch das Sanremo-Festival „gekauft“ zu haben. In den folgenden Jahren traf sich auf der Festivalbühne eine Vielzahl ehemaliger Castingshow-Teilnehmer, darunter Giusy Ferreri (X Factor 2008), Noemi (X Factor 2009), Marco Mengoni (X-Factor-Sieger 2010, Sanremo-Sieger 2013), Emma Marrone (Amici-Siegerin 2010, Sanremo-Siegerin 2012), Annalisa (Amici 2011) oder Francesca Michielin (X-Factor-Siegerin 2012). Beispiele für nicht zuvor durch Castingshows „gefilterte“ Sanremo-Entdeckungen in diesen Jahren sind hingegen Malika Ayane (Sanremo 2009) und Nina Zilli (Sanremo 2010).

Sieger.

Die meisten Siege, jeweils vier, errangen Claudio Villa und Domenico Modugno; die Sängerin mit den meisten Siegen ist Iva Zanicchi (drei). Die Titelverteidigung gelang bislang nur Nilla Pizzi (1952) sowie Domenico Modugno und Johnny Dorelli (1959).

Kritikerpreis.

Der Kritikerpreis wird seit 1982 vergeben, seit 1996 trägt er den vollen Namen "Premio della Critica del Festival della Canzone Italiana “Mia Martini”", als Widmung an die 1995 verstorbene erste Preisträgerin. Mia Martini hält zusammen mit Patty Pravo und Daniele Silvestri auch den Rekord für die meisten Prämierungen mit dem Kritikerpreis (drei). Bei den Newcomern erhielt Paola Turci den Preis ebenfalls dreimal (wenn beide Newcomer-Kategorien des Festivals 1989 berücksichtigt werden).

Bedeutung.

International erfolgreiche Teilnehmer.

Heutzutage hat das Sanremo-Festival nur noch eine nationale Bedeutung in Italien. Früher – am deutlichsten in den 1950er- und 1960er-Jahren – gingen aus dem Festival zahlreiche Welthits hervor, deren Interpreten zu internationalen Stars wurden. Beispiele:

Teilnahme internationaler Stars in den 1960er Jahren.

Es nahmen zahlreiche ausländische Stars am Wettbewerb teil:

Vorentscheidung zum Eurovision Song Contest.

Von 1956 bis 1966 diente das Festival ebenfalls zur Bestimmung des italienischen Beitrags beim Eurovision Song Contest. Von 1967 bis 1997 spielte das Festival lediglich 1972 und 1997 eine Rolle bei der Bestimmung des italienischen Beitrags. Nachdem Italien ab 1997 gar nicht mehr teilgenommen hatte, erfolgte 2011 die Rückkehr zum europäischen Wettbewerb, wobei das Sanremo-Festival wieder eine wichtige Rolle in der Auswahl des italienischen Kandidaten für den ESC erhielt. 2011 bis 2013 wählte die Rai intern den Kandidaten aus dem Teilnehmerfeld des Sanremo-Festivals aus. Ab 2015 wurde festgelegt, dass der Sieger des Festivals automatisch das Recht erhält, am europäischen Wettbewerb teilzunehmen. Lediglich 2016 lehnten die Sanremo-Sieger Stadio eine Teilnahme ab, sodass die Zweitplatzierte Francesca Michielin mit ihrem Lied "No Degree of Separation" nachrückte.

Das (übersetzt „Festival des italienischen Liedes / der italienischen populären Musik“) ist ein großer Musikwettbewerb in der ligurischen Stadt Sanremo und wird nach seinem Austragungsort meist als "Festival di Sanremo" (Sanremo-Festival) bezeichnet. Er ist der bedeutendste Musikwettbewerb Italiens und der älteste Popmusikwettbewerb Europas. Das 1951 ins Leben gerufene Festival war Anregung zur Ausrichtung des Eurovision Song Contest; die italienischen ESC-Beiträge stammen entsprechend meist aus dem Umfeld des Sanremo-Festivals.


Geographie.

Die Stadt befindet sich auf der Böhmisch-Mährischen Höhe an der Einmündung der Jihlávka ("Kleine Igel") in den Fluss Jihlava ("Igel"), der die alte Grenze zwischen Böhmen und Mähren bildet, etwa 78 Kilometer westnordwestlich von Brünn. Durch die Stadt führt die Europastraße 59 (l/38), die nördlich von Jihlava an der Autobahn D 1/ E 50 ihren Anfang nimmt.

Geschichte.

Jihlava ist eine alte mährische Bergstadt, in der laut der Legende bereits im Jahre 799 Silber gefördert wurde.  König Ottokar I. richtete eine Bergkanzlei und ein Münzamt ein. Die Stadt genoss schon sehr früh weitgehende Privilegien und wurde um 1250 von Wenzel I. Přemysl zur Königsstadt erhoben.  Die 1249 vom König zugestandene Stadt- und Bergrechtsordnung "Jura civium et montanorum" ist die älteste bekannte Rechtsordnung, die für eine Stadtverwaltung erlassen wurde, deren ökonomische Grundlage der Bergbau bildete.  Im Rathaus existiert eine Sammlung alter Gemeinde- und Berggesetze, die sich bis 1389 datieren lassen. Ferner ist Iglau eine alte Tuchmacherstadt, deren Tuche über Jahrhunderte berühmt waren.  In den Hussitenkriegen war Iglau – wie Pilsen und Brüx – ein Zentrum der Katholiken. Die Stadt blieb von Eroberung und Zerstörung verschont, obwohl die kaiserlich-katholischen Truppen im Januar 1422 unweit bei Deutschbrod eine schwere Niederlage erlitten. Die Iglauer Kompaktaten vom 5. Juli 1436, ein Vertrag mit dem gemäßigten Flügel der Hussiten, markierten das Ende der Hussitenkriege. Durch diesen Vertrag wurde Kaiser Sigismund als König von Böhmen anerkannt, er musste jedoch seinerseits weitreichende Zugeständnisse machen.  Eine Granitsäule in der Nähe der Stadt markiert die Stelle, an der Ferdinand I. 1527 den böhmischen Grundbesitzern die Treue schwor. Ab 1596 erweiterte die Stadt durch den Kauf der linksseitig der Igel in Böhmen gelegenen ehemaligen Seelauer Klostergüter von den Trčka von Lípa ihren Besitz beträchtlich. Die erworbenen Gebiete wurden als "Neues Gut in Böhmen" zusammengefasst.  1625 verkaufte die Stadt den Schrittenzer Teil des "Neuen Gutes". Während des Dreißigjährigen Kriegs wurde Iglau zweimal von den Schweden erobert.  Im Schlesischen Krieg fiel Iglau 1742 in preußische Hände. Im Dezember 1805 wurde die Bayerische Armee unter Wrede in der Nähe der Stadt geschlagen.  Bis zum Ersten Weltkrieg war Iglau Standort der k.u.k. Armee. 1914 hatten hier der Stab, das I., II. und III. Bataillon des Mährischen Infanterie-Regiments Nr. 81 sowie das II. Bataillon des Landwehr-Infanterie-Regiments Nr. 14 ihre Garnison.  Iglau mit Umgebung bildete vor 1945 nach dem Schönhengstgau die zweitgrößte deutsche Sprachinsel in Mähren und angrenzend auf der böhmischen Seite der Grenze. Die Stadt hatte 1910 27.927 Einwohner, davon 21.756 deutsche bzw. deutschsprachige und 5974 tschechische Einwohner.  Nach Gründung der Tschechoslowakei nahm die Anzahl tschechischer Einwohner zu und 1930 lebten in Jihlava/Iglau 31.028 Einwohner, davon 17.968 Tschechen und nur noch 12.095 Deutsche. In der Iglauer Sprachinsel und in einigen tschechischen und gemischten Dörfern in der Umgebung blieb bis zum Ende des Zweiten Weltkrieges eine spezifische Volkskultur erhalten. Musikanten benutzten originelle hausgemachte Instrumente und Vierergruppen Fiedeln und "Ploschperment". Typische Tänze waren "Hatscho/Hatschou, Tuschen" und "Radln". Bäuerinnen trugen gern alte „pairische“ Trachten mit "Šárkaröckchen", glänzenden dunklen Schürzen und großen roten Tüchern.  Vom 16. März 1939 bis zum 9. Mai 1945 war Iglau/Jihlava Bezirksstadt im Protektorat Böhmen und Mähren und Sitz eines Oberlandrats. Die deutschen Bewohner wurden deutsche Staatsbürger, ein deutscher Kommunalpolitiker ernannter Bürgermeister. Ziel der nationalsozialistischen Machthaber war, aus Iglau eine "deutsche Stadt" zu machen. Die tschechischen Einwohner wurden "Protektoratsangehörige".  Wenige Wochen nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges wurden die deutschen Bürger aufgrund der Beneš-Dekrete enteignet und, zum Teil, in verlustreichen Fußmärschen in Richtung Süden nach Österreich zwangsausgesiedelt. Die restlichen deutschen Bewohner der Iglauer Sprachinsel wurden bis zum 26. September 1946 in 16 Eisenbahntransporten ausgesiedelt. Nur einige wenige durften bleiben. Die Zahl der aus der Iglauer Sprachinsel stammenden, im Jahr 1945 umgekommenen Deutschen wird mit 2.000 beziffert.  Das Vermögen der evangelischen Kirche wurde durch das Beneš-Dekret 131 liquidiert und die katholischen Kirchen in der Tschechoslowakei enteignet.

Neuere Geschichte.

Ab 1951 war Jihlava ein Ort mehrerer kommunistischer Schauprozesse: Sie richteten sich gegen den Einfluss der Kirche auf die Landbevölkerung und ihr Anlass war der Mord an drei örtlichen kommunistischen Funktionären in Babice. In den Prozessen wurden elf Angeklagte zum Tode verurteilt und 111 Angeklagte erhielten langjährige Zuchthausstrafen. Wegen der Schnelle der Prozesse wird darüber spekuliert, ob der Überfall vom Staatssicherheitsdienst in Auftrag gegeben wurde. Sämtliche verurteilten Personen wurden nach der Samtenen Revolution von 1989 rehabilitiert.  Aus Protest gegen die sowjetische Besatzung 1968 verbrannte sich Evžen Plocek anlässlich des Prager Frühlings auf dem Marktplatz. Dort erinnert eine Gedenktafel an seine Selbstverbrennung.

Sehenswürdigkeiten.

Das historische Stadtzentrum wurde 1982 zum städtischen Denkmalreservat erklärt.  Die "Jesuitenkirche des Hl. Ignatius" mit zwei Türmen und das Jesuitenkolleg neben dem Rathaus wurden in den Jahren 1680 bis 1727 vom italienischen Architekten Jacopo Braschi errichtet. Im Kirchenschiff sind auf beiden Seiten flache Seitenkapellen und Oratorien im typischen Jesuitenstil angeordnet.  Die "Mariensäule" (Pestsäule) am Ringplatz wurde in den Jahren 1686–1691 anstelle des mittelalterlichen Prangers aus Dankbarkeit für die Überwindung der Pest von Jacopo und Agostino Braschi errichtet. Die Statuen des Hl. Franziskus Xaverius, Hl. Josef, Hl. Sebastian und Hl. Jakobus stammen von Antonio Laghi.  Die "St. Jakobskirche" ist eine gotische dreischiffige Hallenkirche mit zwei Türmen, sie ist die Hauptkirche der Stadt und im Jahre 1243 gegründet worden. Im Südturm befindet sich eine große Glocke (ca. 7.400 kg) aus dem Jahre 1564.  Die "Kirche Mariä Himmelfahrt" ist eine Klosterkirche des ehemaligen Minoritenklosters in der Nähe des Mutter-Gottes-Tores, errichtet im 13. Jahrhundert mit dreischiffigem Chor und Kreuzrippengewölbe. Das "Rathaus" entstand im 16. Jahrhundert durch die Erweiterung und Einbeziehung von mehreren Häusern mit Arkaden aus dem 13. Jahrhundert, es steht am Masaryk-/Ringplatz (36.653 Quadratmeter).  Des Weiteren finden sich noch "Bürgerhäuser" aus dem 13. bis 16. Jahrhundert.  Die Stadtmauern aus dem 14. Jahrhundert sind weitgehend erhalten geblieben. Von den ursprünglich fünf Stadttoren steht nur noch das Mutter-Gottes-Tor. Die Festungsanlagen wurden 1755 aufgehoben.  Das "Mutter-Gottes-Tor" ist das Wahrzeichen der Stadt und das einzige Tor, das von den fünf mittelalterlichen Toren erhalten geblieben ist. Es wurde zusammen mit den Befestigungsanlagen im 13. Jahrhundert errichtet, im Jahre 1853 wurde es renoviert. Die "Katakomben" stellen ein weiteres Kulturdenkmal der Stadt dar. Ihre Gesamtfläche beträgt 50.000 Quadratmeter und ihre Länge etwa 25 km, sie sind damit nach Znaim (Znojmo) die zweitgrößten unterirdischen Labyrinthe in Tschechien. Die Gänge sind in den Felsen unterhalb der Stadt in zwei bis drei Stockwerken in einer Tiefe von 2 bis 14 m gehauen. Der Bau begann im 14. Jahrhundert und wurde von erfahrenen Bergleuten ausgeführt.  Weitere Sehenswürdigkeiten sind die Kirche "St. Johannes der Täufer", das ehemalige "Dominikanerkloster" mit Heilig-Kreuz-Kirche, die Evangelische Pauluskirche", Ölberg- und Heilig-Geist–Kapelle", der "Neptunbrunnen" und der "Amphitrite–Brunnen" am Ring-/Masaryk-Platz.  Im "Gustav-Mahler-Haus" in der Znaimer Str. 4 (Znojemská ul.) ist Gustav Mahler aufgewachsen. Auf dem Jüdischen Friedhof existieren bemerkenswerte Grabmale, darunter der Grabstein der Eltern von Gustav Mahler.

Wirtschaft.

Seit den 1990er-Jahren nimmt der Beschäftigungsanteil in der Landwirtschaft stetig ab. Im Industriesektor sind 65 Prozent aller Erwerbstätigen beschäftigt. Damit spielt er die wichtigste Rolle.

Unternehmen.

Wichtige Unternehmen sind:  In Jihlava baute Kronospan ab 2018 die erste Holzrecyclinganlage Europas. Hier sollte Altholz, beispielsweise aus alten Möbeln, aufbereitet und zu Spanplatten weiterverarbeitet werden. In der Stadt Jihlava und der umliegenden Region wurde dieses Vorhaben äußerst kritisch gesehen, da man mit steigenden Schadstoffausstößen durch die Freisetzung von Formaldehyd und anderen Chemikalien im zu verarbeitenden Altholz rechnete. Bereits vor der Werkserweiterung klagten mehrere Anwohner über Hautausschläge und Atemprobleme. Eine erhöhte Anzahl von Krebserkrankungen wird durch die Bevölkerung mit dem Kronospan-Werk in Verbindung gebracht. Eine Umweltorganisation bezeichnete Kronospan als den zweitgrößten Emittenten von krebserregenden Stoffen in Tschechien. Im Jahr 2019 wurde bekannt, dass es sich bei der Werkserweiterung Kronospans nach tschechischem Recht um einen Schwarzbau handeln soll. Kronospan bestreitet diese Vorwürfe. Im Falle eines Rechtsverstoßes würde Kronospan eine Strafzahlung von umgerechnet 40.000 Euro drohen. In den vergangenen Jahren musste das Unternehmen bereits zwölf solcher Geldstrafen wegen anderer Vergehen bezahlen.

Bildung.

Seit 2004 existiert in Jihlava die Polytechnische Hochschule Jihlava, eine nichtuniversitäre öffentliche Hochschule mit etwa 600 Studenten.

Jihlava (; deutsch "Iglau") ist eine Mittelstadt in Tschechien, die direkt an der böhmisch-mährischen Grenze liegt. Sie ist ein Zentrum der Region Vysočina und die älteste Bergstadt in den böhmischen Ländern.