Ursprung des Melusinenmythos.

Die Geschichten der Melusine gehören zu den populären alten europäischen Mythen. Ihre Quellen reichen auf das 12. Jahrhundert zurück, während ihre tatsächlichen Ursprünge weitgehend im Dunkeln liegen. Das liegt daran, dass einerseits Geschichten früher nur mündlich tradiert wurden und andererseits eine genauere Verortung dadurch erschwert wird, dass das Erzählmotiv in den europäischen Kulturen bis heute weit verbreitet ist: Ein Mensch verbindet sich mit einem überirdischen Wesen. Man spricht hier von der sogenannten „Mahrtenehe“.  Die Sagenwelt der griechischen Antike kennt ähnliche Geschichten von Verbindungen eines übermenschlichen Wesens mit einem Menschen: etwa die von "Zeus und Semele", in der Semele nach einem Hinweis durch die eifersüchtige Hera, Zeus’ Gattin, den Geliebten, der sich in der Gestalt eines Sterblichen verbirgt, unablässig bittet, sich ihr in vollem Glanz zu zeigen. Schließlich gibt Zeus nach, sein Glanz aber verbrennt Semele. Eine andere Geschichte dieser Art ist die von "Amor und Psyche": Weil die sterbliche Psyche um ihre Schönheit mehr bewundert wird als Venus, soll deren Sohn Amor sie mit einem hässlichen Wesen vermählen. Dieser aber verliebt sich in sie und lässt sie an einen sicheren Ort bringen, an dem er sie besuchen kommt, jedoch nur nachts, um sich ihr zu verbergen. Als Psyches Schwestern sie besuchen dürfen, werden sie neidisch und reden ihr ein, sie habe eine Schlange geheiratet. Darauf bricht Psyche das Tabu, indem sie, als Amor wiederkommt, eine Öllampe entzündet. Venus erfährt vom Betrug, ist erbost und lässt Psyche verschiedene Aufgaben erfüllen. Schließlich erlöst Zeus sie.  Andere Geschichten, die das Motiv der Mahrtenehe bedienen, sind die des Friedrich von Schwaben, Peter von Staufenberg, Lohengrin (Schwanenritter) und der Undine.  Aufgrund ihrer Verwandlung in ein Schlangen-, Fisch- oder Drachenwesen sind auch mögliche Verbindungen zu anderen Sagenkreisen erkennbar. Schlangenfrauen sind aus vorderasiatischen Mythen bekannt. Auch findet sich das Grundmotiv der Melusineerzählung in japanischen Mythen als Geschichte um die Prinzessin Toyotama wieder, die sich von ihrem irdischen Mann trennt, nachdem er sie in ihrer Gebärhütte in Drachenform erblickt hat. Die älteste bekannte Fassung findet sich im "Kojiki" (712). Eine mögliche Beziehung besteht außerdem zur Göttin Derketo, einer Hauptgöttin von Askalon, deren Geschichte von Zypern oder aus Jerusalem importiert worden sein könnte. Herodot erzählt in seinen Historien (I, 105) davon, dass ihr Fische heilig gewesen sein sollen und die Bewohner Askalons diese darum nicht aßen, eine totemistische Vorstellung, welche auf die Motive Meerwesen und Tabu zu weisen scheint. Für eine solche Verortung würde auch die Tatsache sprechen, dass in dieser Zeit viele arabische Texte ins Latein übersetzt wurden, wodurch noch heute Europäer und Araber über ein ähnliches Erzählgut im Bereich der Märchen, Sagen und Mythen verfügen.  Aufgrund dieser Erscheinung sind Beziehungen auch zu anderen Erzählungen, die von der Melusine ähnelnden Figuren handeln, vorstellbar, insbesondere der Undine, aber auch anderen Wasserwesen wie Nixen, Meerjungfrauen und Sirenen.  Beziehungen der Sage lassen sich auch zu den Lais des 12. und 13. Jahrhunderts erkennen, die aus dem keltischen Erzählgut stammen. Außerdem zur biblischen Erzählung über die "Susanna im Bade", in der sich wie bei Melusine die Verbindung der Motive des Bades und des Verdachts des Betrugs an zentraler Stelle wiederfinden.  Es lässt sich nicht nachweisen, welche Erzählungen aus welchen Kulturkreisen zu der Geschichte der Melusine und deren Veränderungen direkt oder indirekt beigetragen haben. Dass es Beziehungen und Ähnlichkeiten gibt, belegt noch nicht, dass es sich dabei tatsächlich um Ursprünge handelt.

Frühe Überlieferungen.

Walter Map.

Eine sehr frühe Überlieferung stammt von Walter Map (* um 1140; † zwischen 1208 und 1210) aus dem 12. Jahrhundert. In seinem Buch "De nugis curialium" findet sich neben keltischen Sagen die Geschichte "Henno cum dentibus" (Henno mit dem Zahn).  Henno trifft darin im Wald auf eine schöne Frau, die er heiratet. Hennos Mutter spioniert ihr allerdings nach und sieht, wie sie sich im Bad bald in einen Drachen verwandelt, worauf sie beide, Sohn und Frau, in das Bett setzt und von einem Priester den Dämon mit Weihwasser vertreiben lässt.  Dass diese Sage sich neben keltischen findet, ist in diesem Fall nicht unbedingt ungewöhnlich. Walter Map stammte zwar aus Wales, hatte aber auch in Paris Theologie studiert, wodurch er möglicherweise von dieser Sage gehört hatte.

Gervasius von Tilbury.

Die literarische Fassung des Melusinenstoffes, die denen der späteren mittelalterlichen Romane aber deutlich näher steht, findet sich in Gervasius von Tilburys "Otia imperialia", einer Art mittelalterlicher Beschreibung und Erklärung der Welt. Der Text entstand 1211/14, er ist Kaiser Otto IV. gewidmet.  Darin wird beschrieben, dass Raymund als Herr von Castrum Russetum in der Nähe von Aix-en-Provence am Fluss Lar auf eine sehr schöne Frau auf einem reich geschmückten Pferd trifft, die er grüßt und die den Gruß erwidert und ihn beim Namen nennt. Darauf versucht er sie mit seinen Worten zu erobern, sie aber verweigert sich ihm, da sie außerhalb der Ehe niemandem angehören will. Sollte er sie heiraten, verspricht sie ihm das höchste irdische Glück, jedenfalls solange er sie nicht nackt erblickt. Sobald er diese Bedingung jedoch nicht einhält, würde er alles Glück wieder verlieren. Er willigt ein, sie heiraten und tatsächlich mehrt sich das Glück des Ritters, er wird berühmt für seinen Ruhm und seine Tapferkeit. Er ist freigiebig, gebildet und seine Töchter und Söhne sind von höchster Schönheit. Erst einige Jahre später, als er von der Jagd heimkommt und seine Frau noch badet, überkommt ihn, während gerade das Essen zubereitet wird, der Wunsch, sie nackt zu sehen. Trotz ihrer Bitten zieht er das Leinentuch vor der Wanne fort und sieht sie nackt, bevor sie sich in eine Schlange verwandelt, im Wasser des Beckens untertaucht und für immer verschwindet. Nur um ihre Kinder von Zeit zu Zeit zu sehen, erscheint sie. Die Wärterinnen hören sie aber nur, ohne sie erkennen zu können. Der Ritter aber verliert viel von seinem Glück und Ansehen.  Es gibt verschiedene Deutungen dieser Version der Geschichte. Einerseits wird das mythische Wesen in dieser frommen christlichen Auffassung, wie sie bei Gervasius und anderen Gelehrten seiner Zeit sehr aktuell war, dämonisiert. Die Bekehrung ist darum wichtiger Teil der Geschichte. Andererseits erzählt sie auch von den mythischen, übermenschlichen Ursprüngen der Adelsgeschlechter, da schon in den klerikalen Texten dieser Zeit betont wird, dass diese Wesen bis in die Erzählzeit weiterlebten. Man findet nicht wenige dieser Familien, die sich auf diesen Mythos berufen. In einer Chronik der Freiherren von Zimmern aus dem 16. Jahrhundert ist davon zu lesen oder in der Sage des Ritter von Staufenberg. Auch die Zimmersche Chronik berichtet im übrigen davon: "„Dergleichen ist vor.... jaren herr Pettern dem Ringen von Staufenberg, rittern, mit ainer solchen faiin auch begegnet“". Diese Strategien dienten aber auch der Stigmatisierung. Das versuchte beispielsweise Giraldus von Cambrai mit der englischen Königsfamilie der Plantagenet. Die Geschichte ist aber auch eine Allegorie auf das „ritterliche“ Verhalten. Moralische Bedingungen sollen hier unbedingt dem Glück, zu dem ganz klar Ruhm und Tapferkeit gehören, vorausgehen. Eine Verletzung der Prinzipien, die ihre Gültigkeit nie verlieren, führt zum Schlimmsten: Die Liebe verwandelt sich in eine Schlange und auch alles andere Glück verschwindet damit.

Die Lusignan.

Tatsächlich wird die Geschichte aber bereits im 13./14. Jahrhundert mit dem Geschlecht der Herren von Lusignan in Verbindung gebracht. Diese lebten in der Nähe von Poitiers und führten angeblich ein Wappen mit einem Schlangenweib. Gleichzeitig waren sie seit 1192 einige Jahrhunderte lang die Herren über die Insel Zypern, nachdem Guy de Lusignan sie von Richard Löwenherz abgekauft hatte. Mitunter wird darum vermutet, dass der Mythos oder Elemente davon durch die Beziehungen der Lusignan mit Zypern nach Südfrankreich gelangte.  Die Lusignans betrieben eine Mythisierung ihres Geschlechts, Melusine sollte dieses verherrlichen, was nicht ungewöhnlich ist. Ungewöhnlich ist allein, dass sie, anders als andere Geschlechter, dazu ein eher heidnisch-dämonisches Wesen nutzten.  Volksetymologisch wurde erklärt, dass Melusine aus "Mere" und " Lusignan" entstanden ist. Gleichzeitig wurde Historisches und Fiktives vereinigt, also historisiert. So die Geschichte des Grafen Geoffroy I. de Lusignan, der 1232 das Kloster Maillezais niederbrannte, bevor er dann eine Bußfahrt nach Rom unternahm.  Die Quellen, die Sage mit dem Geschlecht Lusignan zu verbinden, reichen zurück in das 14. Jahrhundert zu dem Buch "Reductorium morale" von Petrus Berchorius. Darin ist die Sage überliefert, dass sich die Meerfee Melusine jedes Mal zeigen würde, sobald ein neuer Herr in die Burg Lusignan einzieht. Berichte über solche angeblichen Erscheinungen sind beispielsweise vom Herzog Jean de Berry belegt.  Als Ahnfrau dieses Geschlechts musste das offensichtliche Stigma des Dämonischen außerdem behoben werden, weshalb dann auch eine christliche Umwertung der Melusine stattfand zur „Mutter und Urbarmacherin“.

Die Melusinenromane des Mittelalters.

Erst im Spätmittelalter wird der Melusinenmythos stark verchristlicht. Ein heidnischer Dämon als Ahnfrau einer Familie passte nicht mehr in das gesellschaftliche Bild. Dieses musste auch literarisch korrigiert und manifestiert werden. Melusine erscheint von da an als eine christliche, gottestreue Fürstin, die in diesem Rahmen stark positiviert wird. Sie errichtet Schlösser, vermehrt Besitz und Reichtum, bekämpft Heiden und ruft zu den christlichen Tugenden auf. Durch diese starke Apostrophierung wird deutlich, dass es dabei gerade darum geht, einen möglichen heidnischen Verdacht ganz zu demontieren. Sie soll als diejenige erscheinen, die den Willen Gottes ausführt. Das haben die Texte der drei Autoren gemein, welche die großen Melusinenromane dieser Zeit verfassten und zugleich die ersten überlieferten Romane zu diesem Stoff. Gemein haben sie aber auch, dass sie alle eigene Erzählstrategien verfolgen, sie bieten also nicht einfach Varianten der gleichen Geschichte.

Jean d’Arras.

Jean d’Arras schrieb die erste Geschichte Melusines in der Form des Romans, den er in Prosaform verfasst. Er erhielt den Auftrag hierzu vom Herzog von Berry, dem Bruder des Königs von Frankreich, Karl V. Dieser Herzog ist durchaus bekannt für solcherart Aufträge, so gehen auf ihn beispielsweise die "Très Riches Heures" zurück. Auf einem der Monatsbilder darin ist auch das Schloss zu sehen, das Melusine der Sage nach erbaut haben soll. Als Drache schwebt sie dazu über dem Dach des Turms. (Siehe Abb.)  Marie (* 12. September 1344; † 1404; siehe auch Johann II. (Frankreich) – Kinder), Schwester des Herzogs von Berry und verheiratet mit Robert I., Herzog von Bar, hatte ihren Bruder – angeblich um die Erforschung der „Wahrheit“ bemüht – um die Geschichte gebeten, wie d’Arras erwähnt. Sowohl ihr Großvater Johann von Luxemburg, wie ihr Mann Robert I., ein Herzog von Bar, beriefen sich auf die Abstammung von Melusine. Der Auftraggeber, Jean de Berry selbst, war Graf von Poitou, dem Gebiet, von dem der Aufstieg des Hauses Lusignan ausging. Er hatte Lusignan während des Hundertjährigen Krieges, als die Engländer das Schloss besetzt hatten, belagert. Es heißt, als er es eroberte, soll ihm, wie die Legende vorgab, Melusine begegnet sein.  D’Arras erzählt, wie Elynas, der König von Albany (Schottland), bei der Jagd auf Presine trifft, die Mutter der Melusine. Er überzeugt sie, ihn zu heiraten, doch sie nimmt ihm das Versprechen ab, niemals ihr Zimmer zu betreten, während sie ihre Kinder gebiert oder badet. Sie schenkt ihm Drillinge. Als er das Tabu bricht, verlässt sie ihn und geht mit ihren Töchtern Melusine, Melior und Palestine nach Avalon. Fünfzehn Jahre später nehmen die Töchter Rache – sie begraben Elynas lebendig in einem Berg. Zur Strafe werden die Schwestern durch ihre Mutter verflucht, Melior wird ein Sperber auf Zypern, Palestine ein Drache, um auf dem Pic du Canigou (in den Pyrenäen) den Schatz des Vaters zu hüten. Melusine dagegen muss sich jeden Sonnabend von der Taille abwärts in eine Schlange verwandeln, bis sie einen Mann findet, der sie heiratet und verspricht, sie an diesem Tag nicht zu sehen. Raymond von Poitou begegnet ihr schließlich in einem Wald in Frankreich, und die Geschichte wiederholt sich: Melusine heiratet Raymond unter der Bedingung, dass er niemals an einem Samstag ihr Badezimmer betritt. Melusine errichtet darauf die Burg Lusignan, Raymond erhält Mut und Ansehen und sie bekommen zehn Söhne, die sich ritterlichen Ruhm und Ehre erwerben, zum Teil werden sie zu Königen. Alle haben sie aber Male ihrer Abstammung. Thüring beschreibt, sie seien "ungestalt unter dem Angesicht / und sonst von Leib gantz vollkommen." Als Raymond das Tabu bricht, weil sein eifersüchtiger Bruder ihm einredet, sie würde ihn in dieser Zeit betrügen, findet er sie als ein Wesen halb Mensch, halb Schlange. Zunächst verzeiht sie ihm, seinen Bruder jagt Raymond davon, doch als er sie vor seinem Hofstaat eine „Schlange“ nennt, ist sie verflucht, sie verwandelt sich in einen Drachen und fliegt fort.  Der Text stellt eine Verbindung dar zwischen der klassischen Heldensage des Mittelalters und dem höfischen Roman. Die Mutter der Melusine, nach d’Arras eine Schwester der Fee Morgan, entstammt daher der Feenwelt des Berges Avalon (dieser befindet sich nach der Geschichte in Frankreich, ist aber identisch mit der mythischen Insel), einer der beliebtesten Erzählwelten dieser Zeit. Es wird so die Verbindung hergestellt zwischen den Geschlechtern, die sich auf die Melusine berufen, und der Sagenwelt des König Arthus. Wichtiger Teil der Handlung und populäres Thema der französischen Heldenepik sind außerdem die Heidenkämpfe der Söhne der Melusine. D’Arras bringt also verschiedenste literarische Motive zusammen: die heldenhaften Abenteuer der Ritter, die Politik der Dynastien und deren höfisches Leben wie auch die bekannten Zauberwelten.

Coudrette.

Coudrette, auch Couldrette, der die Sage, für die allein er heute noch bekannt ist, um 1400 in der Form des französischen Versromans schrieb, ist deutlich historischer als d’Arras, der seinen Prosaroman nur etwas früher verfasste. Einerseits stammte Coudrette selbst aus dem Poitou und war sicherlich darauf aus, die Genealogie der Familie wiederzugeben, die ihn unterstützte, und andererseits gibt er auch an, sich auf verschiedene Quellen zu stützen. Das sind eine ältere Reimfassung der Sage, zwei lateinische Bücher in französischer Übersetzung und ein Buch eines Grafen von Salisbury (es ist nicht auszuschließen, dass es sich bei diesem auch um Gervasius von Tilbury handelte). Auch Coudrette schrieb das Buch im Auftrag, nämlich der Familie Parthenay, die sich wie viele andere auf Melusine berief. Guillaume VII. Larchevêque, der Coudrette dazu beauftragte, starb vorzeitig im Jahr 1401, sein Sohn Jean II., Seigneur de Mathefelon († 1427) wollte aber, dass die Arbeit beendet würde. Das muss wahrscheinlich vor 1405 geschehen sein, da in diesem Jahr die Herrschaft Parthenay an den Herzog von Berry verkauft wurde, was in dem Text Coudrettes nicht mehr erwähnt ist.  Was in dieser Ausgabe der Melusine immer wieder betont wird, ist die rechtmäßige Herrschaft der Familie. Ebenso aber werden nun entsprechend der adligen Kriegergesellschaft auch die fantastischen Elemente, stärker als noch bei d’Arras, zurückgedrängt zugunsten der geschilderten Taten der Söhne, die keine heidnische Zauberei benötigen für den ritterlichen Erwerb von Frau und Land.  Hierdurch erhält das Buch die Form eines höfischen Herrendienstes: Die spätmittelalterliche Adelswelt von Frankreich und Burgund feiert sich selbst und erkennt sich in den Geschichten wieder. Obgleich auch hier die heidnischen Ursprünge christliche Korrekturen erfahren, ist durchaus fraglich, ob diese Sage der Melusine insbesondere für die Auftraggeber tatsächlich noch authentisch gewesen ist, also nicht nur als reine Fiktion gelesen wurde. Das rückt letztlich auch die scheinbar beabsichtigte Historizität in ein anderes Licht.

Thüring von Ringoltingen.

Eine deutsche Fassung musste sich in diesem Kontext von der Vorlage deutlich abheben. Sie stammt vom Berner Patrizier Thüring von Ringoltingen (1415–1483). Dieser stammte selbst aus adeligen Kreisen, seine Familie war in den Stadtadel Berns aufgestiegen. Sein Text stellt eine Übersetzung der Versfassung von Coudrette in Prosaform dar, gleichzeitig handelt es sich um eine inhaltlich sehr stark bearbeitete Fassung, für die Thüring zwischen Sinn und Substanz unterscheidet: "und ob ich den synn der materyen nit gantz nach dem welschen buoch gesetzt hab. So hab ich doch die substantz der materyen so best ich kond begriffen". Er widmet den Text "zuo eren und zuo dienste" des Markgrafen Rudolf von Hochberg, Graf von Neuchâtel (womöglich wurde Thüring die Fassung von Couldrette auch von diesem Rudolf von Hochberg vermittelt). Dieser hatte enge Verbindungen zum Hof Herzog Philipps des Guten von Burgund. Burgund war damals das Zentrum der ritterlich höfischen Kultur überhaupt. So dokumentiert die Widmung einerseits die politischen Allianzen und Beziehungen der hohen Berner Gesellschaft mit den angesehenen Höfen Europas und deren exklusivem Leben. Andererseits deren Zugehörigkeitsbedürfnis: Bern war kein Ort europäischen Hochadels, aber Thüring hält die höfischen Normen in viel stärkerer Weise fest als Coudrette: Etikette, Dialoge als Muster der vornehmen Rede, Normen wie Herkunft, Ehre, Erziehung. Bei Thüring wird so Melusine zum Ursprung einer ganzen, bis in seine Gegenwart fortdauernden Adelswelt, die nun den niedrigen Adel, ihn selbst also, mit einschließt.  Ein wichtiges Leitmotiv der Geschichten, insbesondere bei Thüring, ist die Schuld. Reymund, der Protagonist des Romans, macht sich schon zu Beginn des Totschlags an seinem Ziehvater schuldig, auch wenn es sich dabei nur um einen Jagdunfall handelte. Alles folgende Geschehen muss sich (für ihn!) als logisches Erklärungsmuster daraus ergeben. Nur darum verbindet sich der Dämon mit ihm, zeugt einen Sohn wie Geffroy, der ein Kloster mitsamt Mönchen und Abt niederbrennt. Nur darum kommt es zur Tragödie. Eine Form individueller Verantwortung erscheint erst denkbar durch einen Erklärungskonflikt in der Geschichte zwischen göttlicher Lenkung und fantastisch-mythologischen Ursachen. Obwohl Thüring die Taten der nun frommen Christin und eher weisen Beraterin (denn Fee) Melusine enorm einschränkt, wird auch die personifizierte Glücksgöttin Fortuna genannt, die erklärt, dass das Unglück dem Glück folgen "muss".

Geschichten der Melusine in der Neuzeit.

In der Neuzeit finden sich zahlreiche Adaptionen des Melusinenstoffes, und das nicht bloß auf Deutsch oder auf Französisch. Es existieren Versionen der Geschichte im Russischen, Englischen (nach Couldrette und d’Arras), Spanischen (nach dem französischen Volksbuch) sowie im Niederländischen und Flämischen (beide nach dem deutschen Volksbuch). Ebenso wahrscheinlich einer deutschsprachigen Vorlage nachempfunden wurde die auf Westjiddisch verfasste "Historie fun der schene Melusina", die mit zwei Druckfragmenten des 18. Jahrhunderts aus der Geniza von Alsenz und der Geniza von Memmelsdorf in Unterfranken belegt ist. Auch im Isländischen gibt es eine junge Handschrift von 1824, "Rémundar saga og Melusine".  In Deutschland war das deutsche Volksbuch (bei Simrock Bd. 6) die Vorlage für einige Texte. So für Dramen von Hans Sachs ("Die Melusina", 1556) und Jakob Ayrer (1598). Jean Nodot macht aus dem französischen Stoff (1698) einen galanten barocken Roman, indem er die ursprünglich nur lose verbundenen Bestandteile des Märchens und Ritterabenteuers aufteilte. Eine weitere Bearbeitung findet sich von Just Friedrich Wilhelm Zachariae (1772), in dessen trivialer Verserzählung ein Streit um Melusines Lieblingskätzchen zur Trennung von Raimund führt. Weitere stammen von Ludwig Tieck (1800, 1807), der aus dem Volksbuch eine Art Chantefable gestaltete, sowie von Gustav Schwab. Fragmente existieren außerdem von Achim von Arnim, Carl Zuckmayer (Versspiel, 1920) und Casimir Delavigne.  Auch Goethe schrieb von Melusine. Bei ihm hat das aber nur noch wenig mit dem Melusinenstoff des Mittelalters zu tun. 1807 erschien das Märchen "Die neue Melusine" als Teil von "Wilhelm Meisters Wanderjahren". Der stärkste Hinweis auf diesen Stoff ist womöglich der Titel der kleinen Geschichte. Ein Schlangenweib kommt nicht vor, dafür eine Frau, die sich von Zeit zu Zeit in einen Zwerg verwandelt und währenddessen in einem Kästchen lebt. Sie besteht darauf, dass das Kästchen von dem Mann, der sie liebt, nicht geöffnet wird. Nachdem dieser sie aber eines Tages durch einen Spalt im Kästchen erkennt, verzeiht sie ihm, besteht allerdings darauf, dass er vor niemandem davon spricht. Nachdem er sie betrunken und eifersüchtig in einer Gesellschaft "Zwerg" nennt, verzeiht sie ihm letztlich jedoch erneut, als er sich entscheidet, mit in ihre Zwergenwelt zu kommen. Nachdem er sie aber dort heiraten muss, läuft er fort. Einen weiteren Hinweis liefert die Melusine selbst am Ende der Geschichte, als sie sich ihrem Geliebten offenbart. Von Zeit zu Zeit braucht ihre gering an Zahl gewordene Art frisches Blut und sendet zu diesem Behuf eine Prinzessin aus – und tatsächlich ist die Melusine am Ende der Geschichte hochschwanger. Doch sie kann sich nur einem Ritter hingeben, wie sie erzählt, und sie hat den Erzähler der Geschichte als solchen erwählt. Dies allerdings steht im Gegensatz sowohl zur Handlung des Erzählers, der eher ein Spieler und Tunichtgut ist, als auch zu seiner Selbsteinschätzung, da er sich selbst als jemanden beschreibt, der sein Leben lang nichts Rechtes getan hätte.  Das Tabu des Mittelalters hat bei Goethe keine Kraft mehr. Darüber hinaus ist die Bedingung der Ehe, die ganz am Anfang stand, erst am Ende der Grund für seine Flucht, denn nun kann diese nur in der Zwergenwelt stattfinden. Dadurch scheint die kleine Geschichte den historischen Stoff zu parodieren, steht aber auch für den freien Willen, der sich durch keine Tabus, keine Schranken binden lässt. Bezeichnend ist außerdem, dass schon hier die Geschichte allein auf die persönliche Beziehung beschränkt wird. Darüber hinaus ist interessant, dass Goethe die Beziehung zu der Geschichte von Amor und Psyche ohne Hinweise aus der historischen Fassung der Melusine herstellt. Das geschieht einerseits durch das Kästchen, das der Ich-Erzähler hüten, aber keinesfalls öffnen soll. Dies erinnert an die letzte Aufgabe, die Psyche durch Venus gestellt wird, nachdem Venus erkannt hat, dass Psyche von Amor, ihrem Sohn, ein Kind (Voluptas) erwartet. Bei Psyche befindet sich in dem Kästchen eine Schönheitssalbe (für Proserpina), die sie dann selbst in einen todesähnlichen Schlaf wirft. Andererseits konnte Psyche frühere Aufgaben unter anderem mit der Hilfe von Ameisen lösen. Auch der Erzähler in der Geschichte Goethes trifft als Zwerg auf Ameisen.  Zum Kernmotiv des Undine-Themas wurde Melusine in zwei Fällen: Friedrich Baron de la Motte Fouqués "Undine" (1811) und Jean Giraudouxs "Ondine" (1939). Dabei ist der Unterschied zur Melusine, dass der Mann um die Übernatürlichkeit weiß und der Treuebruch, nicht die Entdeckung des Geheimnisses, zur Trennung, sowie zum Tod führt.  1833 schrieb Conradin Kreutzer die Musik zu "Melusina – Romantische Oper in drei Akten", die Franz Grillparzer als Opernlibretto-Version von Goethes Märchen 1823 angelegt hatte. Im Unterschied zum Goethetext stürzt sich Raimund nach seiner Flucht aus dem Feenreich in einen Brunnen. Melusine wurde so dem "Tannhäuser" (Uraufführung 1845) angenähert, der sich schließlich in das Reich der Venus zurücksehnt. Auch Felix Mendelssohn Bartholdy nannte eine Ouvertüre "Das Märchen von der schönen Melusine" (Opus 32). Im 20. Jahrhundert verfasste der tschechische Komponist Jan Evangelista Zelinka die Oper "Meluzína" nach einem Libretto von František Kožík, die 1950 in Pilsen uraufgeführt wurde. Der Komponist Aribert Reimann verfasste 1970 seine Oper "Melusine" auf ein Libretto von Claus H. Henneberg, das auf dem gleichnamigen Schauspiel von Yvan Goll (1922) beruht.  Aus dem 19. Jahrhundert dann stammt Gustav Schwabs "Die schöne Melusine" und, als Variante des Stoffes, "Eddystone", ein Roman von Wilhelm Jensen.  Seit der Romantik hat sich das Melusinenmotiv mehr und mehr zersetzt, so dass im 20. Jahrhundert sich nicht einmal mehr die Kernfabel, eher nur Verweise in der Kultur wiederfinden: 1895–1897 schrieb Theodor Fontane den Roman Der Stechlin, in dem er eine Figur Melusine nannte. Sein Hauptinteresse an dem Stoff galt dem gefühlsstarken Frauentypus.  Zwei Gedichte von Georg Trakl (1887–1914) tragen den Titel "Melusine".  Jakob Wassermanns Erstlingswerk von 1896 war "Melusine. Ein Liebesroman." Auch im surrealistischen Anti-Roman Nadja (1928) von André Breton wird das Motiv der Melusine aufgegriffen. Die Protagonistin Nadja identifiziert sich sowohl in ihrem Wesen als auch in ihrem äußeren Erscheinungsbild vollständig mit dem Bild der Melusine und poetisiert sich dadurch.  Richard Billinger verfasste 1941 das Drama "Melusine", er modernisierte den Stoff zu einem Ehedrama. Dabei gestaltete Billinger das Tableau wie im Heimatfilm, indem er die Wechselhaftigkeit des Wetters auf menschliche Schicksale und Befindlichkeiten übertrug, mit Metaphern und Vergleichen, die seelisches Ringen und die Gefahren sinnlicher Verführung markieren.  Hans Steinhoff drehte 1943/1944 den Spielfilm "Melusine" für die Terra Film: Nach einem Unfall verlieben sich Nora und Stefan ineinander, aber danach verlieren sie sich aus den Augen. Später rettet Stefan der jungen Christine, Noras Tochter, unwissend das Leben und verlobt sich mit ihr. Als diese jedoch von der Liebe zwischen Stefan und ihrer Mutter erfährt, fährt sie unglücklich bei stürmischem Wetter auf den See hinaus. Doch das geahnte Unheil, das sich mit einer Bronzefigur namens „Melusine“ verbindet, trifft nicht ein. Stefan findet Christine wohlbehalten und bleibt bei ihr. Nora verzichtet jetzt auf Stefan und geht zu ihrem früheren Mann zurück. Der Film wurde nach seiner Fertigstellung von den Nazis verboten und daher nicht mehr aufgeführt.  In ihrem Roman Besessen aus dem Jahr 1990 griff die Autorin A. S. Byatt gleichfalls das Motiv der Melusine auf.  In dem Film "Pappa ante portas" von 1991 rezitiert Loriot in seiner Rolle als Lothar Frohwein folgendes, an Trakls Poetik anknüpfende Gedicht: <poem style="margin-left:2em;"> Melusine! Kraweel, Kraweel! Taubtrüber Ginst am Musenhain! Trübtauber Hain am Musenginst! Kraweel, Kraweel! </poem>  Der luxemburgische Jugend-Abenteuerfilm "Schatzritter und das Geheimnis von Melusina" aus dem Jahr 2012 nimmt ebenfalls das Motiv auf.  Walter Moers Roman "Das Labyrinth der träumenden Bücher" erwähnt an einer Stelle „Melusinen“. Sie seien eine Daseinsform aus der „Zamonischen Wasser-Mythologie“ und stehen in einer Aufzählung unter anderem neben „Froschprinzen, Schlickhexen, Nebelsirenen, Korallenkerlen“ und „Klabautergeistern“.

Rezeptionsgeschichte.

Die Deutungsversuche zur Melusine reichen weit zurück. Schon Paracelsus (1493–1541) deutete sie als einen der Elementargeister im Kontext der Problematik des Seelenerwerbs.  Nach jüngeren Forschungen wird sie als abgewandelte Form von Echidna beziehungsweise Kekrops betrachtet (vgl. Hamadryas). Außerdem wird in ihr eine äußerliche Verwandtschaft zu Semele, der Göttin Lucina und Frau Venus gesehen.  Die Interpretationen der Gestalt werden dominiert durch psychoanalytische, politische und feministische Ansätze. So wurde sie als die im Mittelalter vom Mann unterdrückte Frau gesehen. Weitere Deutungen sehen eine Dämonisierung der Frau im Spätmittelalter. Es ist nicht unwahrscheinlich, dass auch die Autoren des Mittelalters bemerkten, dass die weibliche Position in der Geschichte unverhältnismäßig dominiert und sie nicht zuletzt darum den Heldentaten der Männer mehr erzählerischen Raum gaben.

Trivia.

"Die schöne Melusine" ist die Bezeichnung eines Gerichts aus überbackenem Blumenkohl, das Clemens Wilmenrod (1906–1967) zugeschrieben wird. Seit 1995 erscheint bei "Depuis Publishing" eine französische Comicreihe unter dem Titel "Mélusine", in der auch kein Bezug zu der Sage der Melusine hergestellt ist. Sie ist reduziert auf die Figur einer Hexe. Ebenfalls reduziert, in diesem Fall auf eine Darstellung, findet sich eine Melusine ähnelnde Figur, eine Sirene mit doppeltem Fischschwanz, als Firmenlogo von Starbucks. Mélusine ist auch die Bezeichnung eines TGV-Messwagens der französischen Bahngesellschaft SNCF. Außerdem spielt die Sagengestalt im Spielfilm Die Schatzritter und das Geheimnis von Melusina (2012) eine zentrale Rolle.

Melusine ist eine mythische Sagengestalt des Mittelalters. Im Erzählkern handelt die Sage davon, dass Melusine einen Ritter unter der Bedingung eines speziellen Betrachtungstabus heiratet, demzufolge er sie nicht in ihrer wahren Gestalt sehen soll: der einer Wasserfee, meist mit Schlangenleib. Melusine wird zur Quelle seines Ansehens und Reichtums, bis der Ritter das Tabu bricht.


Biographie.

HR Giger wurde als Sohn des Apothekers Hans Richard Giger und seiner Frau Melly Giger in Chur, Graubünden, geboren. Als Kind war er sehr scheu und zurückhaltend. Er wurde katholisch erzogen, was seine Kunst später beeinflusste. Nach Abschluss des Gymnasiums und einer Bauzeichnerlehre studierte er ab 1962 Innenarchitektur und Industriedesign an der Kunstgewerbeschule in Zürich. Während seiner Ausbildung entstanden seine ersten Tuschefederzeichnungen («Atomkinder»), woraufhin er seine Werke in den Untergrundzeitungen «Hotcha!», «Clou», «Agitation» und «The Cthulhu News» von Robert A. Fischer veröffentlichte. Dennoch blieb er noch einige Zeit eher unbekannt, was sich erst nach 1966 änderte, als er sein Studium erfolgreich abschloss und sich als Innenarchitekt etablierte. Er arbeitete als Angestellter des bekannten Schweizer Designers Andreas Christen in Zürich an einem Büromöbelprogramm der Firma Knoll-International, wodurch er den Status eines angesehenen Innenarchitekten erlangte, was wenig später die erste Ausstellung seiner Werke nach sich zog. Noch gab er seinen Brotberuf bei Andreas Christen nicht auf und arbeitete weiter als Designer und Innenarchitekt, was ihn nicht daran hinderte, künstlerisch aktiv zu bleiben. In den nächsten zwei Jahren schuf er zahlreiche Skulpturen und Bilder wie zum Beispiel «Gebärmaschine», «Astreunuchen» oder «Koffer-Baby», mit denen er nach einer weiteren Ausstellung in Zürich schliesslich bekannt und kommerziell erfolgreich wurde. Bereits 1968 war er ausschliesslich als Künstler und Filmemacher tätig. Als Szenen- und Kostümbildner prägte er mit seinem Stil bekannte Filme wie "Alien" (1979) oder "Species" (1995). Für seine Mitwirkung an "Alien" wurde Giger 1980 ein Oscar in der Kategorie "Beste visuelle Effekte" verliehen, und sein Stil wurde einem breiteren Publikum bekannt. Mit seinen finsteren Zeichnungen, düsteren Plattencovern und Kreationen prägte er über Jahrzehnte die Ästhetik der Death- und Black-Metal-Szene. Auch das Plattencover "KooKoo" für Debbie Harry und das Cover "Brain Salad Surgery" für Emerson, Lake and Palmer gelten als Meilensteine.  Giger war mehrere Jahre lang mit der Schweizer Schauspielerin Li Tobler liiert, die sich am Pfingstmontag 1975 das Leben nahm. 1979 heiratete Giger Mia Bonzanigo; die Ehe endete nach anderthalb Jahren. Mia Bonzanigo inspirierte Giger unter anderem zur Bildserie "Erotomechanics". Seine zweite Frau Carmen Maria Scheifele Giger heiratete er 2006. Zu Gigers Freunden zählten Persönlichkeiten wie der Künstler Friedrich Kuhn und Timothy Leary.  Gigers Werk kann dem Surrealismus zugerechnet werden; im Vergleich zu dem berühmtesten Vertreter dieser Stilrichtung, Salvador Dalí, wird deutlich, wie anders der Blickwinkel Gigers auf die Welt war. Einflüsse des Phantastischen Realismus leiten sich auch durch die Freundschaft zu Vertretern der Wiener Schule des Phantastischen Realismus wie Ernst Fuchs her. Miodrag Djuric wurde von Giger geschätzt. Wiederkehrendes Thema seiner Werke ist der von ihm geprägte Begriff der "Biomechanoiden", für seinen Stil in einem düsteren surrealistischen Sujet Kreatürlich-Organisches mit Technisch-Mechanischem, im verstörenden bis morbiden Zusammenspiel mit sexuellen Andeutungen, zu verschmelzen. Neben seinem wichtigen malerischen Werk gestaltete er auch Grafiken, Skulpturen und Möbel.  HR Giger lebte und arbeitete in Zürich-Seebach. Er erlag am 12. Mai 2014 in einem Zürcher Krankenhaus den Verletzungen, die er sich bei einem Sturz zugezogen hatte. Sein Grab befindet sich auf dem Friedhof von Greyerz im Kanton Freiburg.

Werke.

Zeichnungen.

Ab 1960 wurden Tuschezeichnungen von Giger in Schülerzeitungen und Untergrundzeitschriften veröffentlicht. Zeichnungen wie die Serie "Atomkinder" (1963–64) liessen bereits erahnen, was in Giger schlummerte.

Gemälde.

Ab 1966 entstanden die ersten Gemälde Gigers, die meisten davon in Öl. Als Giger 1972 die Spritzpistole (Airbrush) für sich entdeckte, wurde dies seine bevorzugte Malweise. In den folgenden 20 Jahren entstanden etwa 600 Gemälde mit Tusche und Acrylfarben, einige davon über vier Meter breit. Anfang der 1990er Jahre gab Giger die Malerei auf, um sich ganz dem dreidimensionalen Schaffen zu widmen.

Skulpturen.

Die ersten plastischen Arbeiten entstanden Mitte der 1960er Jahre. Zu dieser Zeit arbeitete Giger bevorzugt mit Polyester, so z. B. 1968, als er Kostüme für den Schweizer Film "Swissmade" von Fredi M. Murer schuf. Später entstanden auch Objekte aus Bronze, Aluminium und anderen Materialien. In den 1990er Jahren schuf Giger für seinen "Zodiacbrunnen" die zwölf Tierkreiszeichen als Biomechanoiden. Ab dem Zeitpunkt, als Giger mit dem Malen aufhörte, beschäftigte er sich unter anderem damit, einige seiner früheren Bilder ins Dreidimensionale umzusetzen, unter anderem "Gebärmaschine" und "Passagen". In der Zeit von 1996 bis 2007 wurden eine Vielzahl von Gigers Zeichnungen durch Ronald Brandt in dreidimensionale Skulpturen umgesetzt. Er war der persönliche Assistent Gigers. Viele dieser Skulpturen sind in Gigers Museum und dem Giger Cafe zu besichtigen.

Möbel.

Die bekanntesten Möbelstücke Gigers sind die ursprünglich für den Film "Dune" entworfenen "Harkonnen"-Möbel. Daraufhin gründete er mit "Conny Fries" ein Atelier für Möbelbau, wo der "Harkonnen-Capo-Stuhl" mit drei aufeinandergetürmten Totenschädeln entstand. So entwarf Giger auch Tische, Spiegel, Lampen und andere Objekte wie z. B. einen Mikrophonständer für Jonathan Davis von Korn.

Museum, Bars und Erinnerungsstätten.

1988 entstand in Tokio die erste Giger-Bar, die allerdings nach wenigen Jahren wieder geschlossen wurde. 1992 wurde in Gigers Geburtsstadt Chur die zweite Giger-Bar eröffnet. In der New Yorker Diskothek The Limelight existierte von 1998 bis zur Schliessung der Diskothek im Jahr 2002 der "HR Giger Room".  1998 wurde in Gruyères, Kanton Freiburg, in der Schweiz das "HR Giger Museum" eröffnet. Das Museum ist im Schloss St-Germain untergebracht, welches Giger 1997 ersteigert hatte. Das Museum beherbergt Gigers private Sammlung phantastischer Kunst (u. a. Arbeiten von Günter Brus, Ernst Fuchs, Gottfried Helnwein, Arnulf Rainer, Franz Ringel, Thuri Werkner) sowie eine Sammlung eigener Werke. Im Jahr 2003 wurde das Museum in Gruyères um eine Giger-Bar erweitert.  Im November 2015 wurde in Chur der «Gigerplatz» eingeweiht, ein kleiner Platz in unmittelbarer Umgebung von Gigers Geburtshaus an der Storchengasse. Am Haus wurde eine Gedenktafel angebracht

Sonstiges.

Giger war massgeblich an der Lackierung einer Sonderedition der Ibanez Iceman, einer E-Gitarre beteiligt. In der Lackierung verwirklichte er erneut das Thema der Biomechanik. Absinthe Brevans wurde 2007 mit einem Etikett von HR Giger auf den Markt gebracht.

Ehrung.

2013 wurde Giger in die Science Fiction Hall of Fame aufgenommen. 2014 wurde er für sein Lebenswerk mit dem Vincent Preis ausgezeichnet.

HR Giger (* 5. Februar 1940 in Chur; † 12. Mai 2014 in Zürich; heimatberechtigt in Basel und Nesslau), Künstlername von "Hans Rudolf Giger", in seiner Heimat mit landestypischem "Hansruedi" angesprochen resp. genannt, war ein Schweizer bildender Künstler, Maler und Oscarpreisträger.


Leben.

Apraxin stammte aus einem Adelsgeschlecht tatarischen Ursprungs. Im Jahre 1693 wurde Apraxin zum Wojewoden und Gouverneur von Archangelsk – des einzigen damaligen Hafens Russlands – ernannt. Unter seiner Aufsicht wurden die Stadtbefestigungen erneuert und die Handelsbeziehungen Russlands mit dem Ausland gestärkt. Auch der Bau eines der ersten russischen Handelsschiffe wurde von ihm dort beauftragt. Er kontrollierte das Schiffsbauwesen in Woronesch, wo die erste russische Flotte entstand. Zudem war einer der Begründer der Schule für Navigationswissenschaften in Moskau. Im Jahre 1707 wurde er zum Präsidenten der Russischen Admiralität ernannt. Er war der erste in Russland ernannte Generaladmiral. Im folgenden Jahr wurde er zum Oberbefehlshaber in Ingermanland ernannt, um das neu errichtete Sankt Petersburg vor schwedischen Angriffen zu schützen. Im Zuge des Großen Nordischen Kriegs schlug er dort 1708 den Angriffsversuch des schwedischen Generals Georg Lybecker zurück und eroberte 1710 Wyborg in Karelien. Für die Stadteroberung wurde er vom Peter I. mit dem Orden des Heiligen Andreas und dem goldenen Degen mit Brillanten ausgezeichnet. Er befehligte die Flotte während des von Karl XII. 1711 angefachten Türkenkriegs auf dem Schwarzen Meer. Im Jahre 1713 kämpfte er an der Spitze der Galeerenflotte mit den Landungstruppen gegen die Schweden, zerschlug sie und eroberte Helsingfors (Helsinki), wobei er die Schweden des letzten Stützpunktes im Finnischen Meerbusen beraubte. In der Seeschlacht bei Hanko (Gangut) am 25.–27. Juli 1714, bei der er die Galeerenflotte kommandierte, gab er im entscheidenden Augenblick das Signal zum Angriff. Der Enterangriff der Seeleute von Apraxin gab den entscheidenden Ausschlag für das siegreiche Ende der Schlacht zugunsten der Russen. Er begleitete den Zaren noch zweimal auf dessen Feldzügen am Kaspischen Meer und gegen Persien.  Im Jahre 1726 organisierte Apraxin die Seeverteidigung von Revel (Tallinn) vor einem Angriff der englischen Flotte. In derselben Zeit wurde er zum Mitglied des erst gegründeten Obersten Geheimrates und zum Befehlshaber des Kronstadt-Geschwaders ernannt. Im Jahre 1727, nachdem Fjodor Apraxin die entbrannten Palastränke der Nachfolger von Peter I. nicht akzeptiert hatte, entfremdete er sich den Angelegenheiten. Gemeinsam mit dem Kaiserhof übersiedelte er nach Moskau, wo er am 10. November 1728 gestorben ist.  Er war zweimal (1715 und 1718) in Untersuchungen wegen Veruntreuungen, die von höheren Beamten verübt worden waren, verwickelt und wurde für schuldig befunden, wurde aber beide Male vom Zaren gegen ein ansehnliches Lösegeld begnadigt. Obgleich ein Gegner der Reformbestrebungen von Peter dem Großen und diesem als solcher bekannt, war er doch einer von dessen vertrautesten Ratgebern.

Graf Fjodor Matwejewitsch Apraxin (, auch Feodor; * 27. November 1661; † 10. November 1728 in Moskau) war einer der einflussreichsten und bedeutendsten Männer in der Umgebung von Peter dem Großen.


Leben.

Mosca war anfangs Verfassungsjurist, wandte sich dann aber der Politischen Soziologie zu. Er war an der Universität Palermo promoviert worden und wurde dort, und ab 1888 an der Universität Rom, Privatdozent für Verfassungsrecht. Ab 1896 hatte er eine Professur an der Universität Turin. Von 1914 bis 1916 war er Unterstaatssekretär im italienischen Kolonialministerium, 1919 wurde er zum Senator des Königreiches Italien ernannt. Von 1923 bis 1933 lehrte er schließlich als Professor für "Geschichte der politischen Theorien und Institutionen" an der Universität Rom. Zugleich beriet er bis 1927 das Kolonialministerium. Seine publizistische Tätigkeit für den Corriere della Sera, die er schon 1900 begonnen hatte, beendete er 1924.  Obwohl Mosca die moderne Parteiendemokratie stets skeptisch beurteilt hatte, wurde er nach Mussolinis Machtergreifung zum Gegner des Faschismus. 1925 hielt er eine Rede im Senato del Regno, in der er die Abschaffung der Gewaltenteilung durch das Regime kritisierte und die freiheitlich-parlamentarische Verfassungsordnung verteidigte. Danach zog er sich aus dem politischen Leben zurück. Nach seiner Emeritierung 1933 lebte er zurückgezogen und vom faschistischen Regime unbeachtet.

Werk und Wirkung.

Von Mosca stammt der Begriff der "politischen Klasse". Seine Analysen weisen viele Ähnlichkeiten mit denen Vilfredo Paretos auf, der ihn beharrlich nicht zitierte. Im Gegensatz zum (darin vollkommen skeptischen) Pareto erlaubt die Position Moscas eine mit der Demokratie kompatible Vision von Elitenherrschaft. Mosca weist auch den Sozialdarwinismus zurück.  Moscas Position erinnert an die marxistische Interpretation des Staates als Funktion einer Klasse. Hier enden aber auch die Gemeinsamkeiten: Mosca weist den Ökonomismus von Marx ebenso zurück wie den Klassenkampf und die von ihm als Utopie dequalifizierte Vision der klassenlosen Gesellschaft.  Moscas Arbeiten wurden u. a. von Robert Michels (das "eherne Gesetz der Oligarchie") und Charles Wright Mills (die "Machtelite", "power elite") aufgenommen.

Gaetano Mosca (* 1. April 1858 in Palermo; † 8. November 1941 in Rom) war ein italienischer Rechts- und Politikwissenschaftler und Soziologe. Er wurde als Elitetheoretiker bekannt.


Merkmale.

Graskarpfen haben einen langgestreckten, dem Döbel ("Leuciscus cephalus") ähnlichen Körper und werden bis zu 120 Zentimeter lang. Die Schnauze ist stumpf und zwischen den Nasenlöchern eingedellt. Der Mund ist leicht unterständig und weist keine Bartfäden auf. Die Bauchseite ist abgerundet. Der Graskarpfen hat große Schuppen, von denen entlang der Seitenlinie 42 bis 45 vorhanden sind. Unterhalb der Seitenlinie finden sich fünf Schuppenreihen, beim Döbel sind es dagegen nur drei bis vier. Die Rückenflosse weist zehn, die Afterflosse elf Strahlen auf, wovon die ersten drei ungefiedert sind. Die Schlundzähne sind zweireihig, seitlich zusammengedrückt, schräg abgeschliffen und sägeförmig gekerbt. Die Zahnformel lautet (1)2.(4)5-5(4).2. Der Rücken ist dunkelgrün bis grünschwarz gefärbt. Die Flanken sind heller und grünlich, der Bauch ist weißlich. Die Schuppen haben eine dunkle Umrandung (Netzzeichnung).

Vorkommen.

Die Art stammt ursprünglich aus China, wo sie in ruhigen, tiefen Flüssen und Seen in den Ebenen vorkommt. Die optimale Wassertemperatur liegt zwischen 22 und 26 °C. Die natürliche Verbreitung ist heute kaum noch festzustellen, da der Graskarpfen bereits im 10. Jahrhundert in China künstlich besetzt wurde. In den 1960er Jahren wurde er auch in vielen Gewässern in Europa und Amerika, oft zusammen mit Silberkarpfen und Marmorkarpfen, zur Bekämpfung von Wasserpflanzen ausgesetzt.

Lebensweise.

Der Graskarpfen ist eine wärmeliebende Art, die aber auch tiefere Temperaturen verträgt. Im Jangtsekiang in China werden die Tiere bereits im 4. bis 5. Jahr geschlechtsreif, in kühleren Gegenden erst im 6. bis 8. Lebensjahr. Abgelaicht wird in stark strömendem Wasser über kiesigem Untergrund. Die Brutdauer beträgt bei 27 bis 29 °C Wassertemperatur 32 bis 40 Stunden. Anfangs ernähren sich die Jungfische von Kleintieren, ab einer Länge von sechs bis zehn Zentimeter gehen sie zu pflanzlicher Nahrung über, wobei sich ihr Darmkanal um das 2- bis 2,5fache der Körpergröße verlängert.

Der Graskarpfen ("Ctenopharyngodon idella"), auch Weißer Amur, Grasfisch oder Chinakarpfen genannt, ist die einzige Fischart der also monotypischen Gattung "Ctenopharyngodon" in der Familie der Xenocyprididae.


Hintergrund.

Mit der Zündung der ersten eigenen, wenn auch kopierten Atombombe 1949, hatte die Sowjetunion auf den technischen Vorsprung der USA in der Nuklearrüstung reagiert. Der Physiker Igor Kurtschatow hatte bereits 1950 die Idee eines Transportreaktors. Die öffentliche Kiellegung des ersten amerikanischen nukleargetriebenen U-Bootes erfolgte im Juni 1952. Stalin unterzeichnete am 12. September desselben Jahres ein Regierungsdekret mit dem Titel „Über das Design und den Bau von Objekt 627“. Federführend für die Planung war das Konstruktionsbüro von Wladimir Peregudow. Als wissenschaftlicher Leiter wurde Anatoli Alexandrow genannt.

Entwicklung.

In der Anfangsphase der Entwicklung wurden vier Reaktoroptionen in Betracht gezogen: Ein Uran-Graphit-Reaktor (ähnlich dem Reaktor des weltweit ersten wirtschaftlich genutzten Kernkraftwerks Obninsk), eine Option mit einem Moderator aus Berylliumoxid, eine mit flüssigem Metallkühlmittel und ein Wasser-Wasser-Reaktor, in dem Wasser als Neutronenmoderator und Kühlmittel des ersten Kreislaufs fungiert – letztere kam dann auch zum Einsatz. Bei K-3 wurde der Rumpf von Grund auf neu entwickelt, wobei der Schwerpunkt auf der Optimierung der Unterwasserfahrt lag. Die allgemeine Anordnung des Bootes wurde von den Erfahrungen des Projekts 611 beeinflusst.

Bau und Inbetriebnahme.

Das U-Boot wurde in der Sewmasch-Werft im Sperrgebiet von Sewerodwinsk, damals noch als Molotowsk bezeichnet, nahe Archangelsk am Weißen Meer gebaut. Am 9. August 1957 wurde das U-Boot in Betrieb genommen. Am 19. Mai 1958 starteten hochrangige Verantwortungsträger am Trockendock gemeinsam den Reaktor, darunter Verteidigungsminister Dmitri Ustinow, Admiral Sergei Gorschkow, der später als „Vater der sowjetischen Atom-U-Boote“ galt und Boris Butoma, Minister für die Schiffsbauindustrie. Am 1. Juli 1958 war das U-Boot bei der Nordflotte im Einsatz.  Die K-3 wurde als Teil der Nordflotte unter dem Kommandanten Leonid Ossipenko in den Dienst gestellt. Der Executive Officer Lew Schilzow stellte dabei die erste Mannschaft zusammen.

Stationierung.

Das U-Boot wurde danach im klimatisch unwirtlichen hohen Norden im Fjord Sapadnaja Liza auf der Halbinsel Kola stationiert – als Stützpunkt diente Malaja Lopatka, etwa 45 Kilometer von der norwegischen Grenze entfernt. Versorgt wurde der Stützpunkt durch die damals zu diesem Zweck gegründete Stadt Saosjorsk. Insgesamt unternahm das U-Boot 14 längere Einsatzfahrten.

Vorzüge und Schwächen.

Die K-3 besaß zwei Kernreaktoren, zwei Dampfturbinen und zwei Schrauben. Als Wärmeträger bzw. Kühlmittel der Reaktoren diente Wasser, da kompakte Abmessungen und Betriebssicherheit zentrale Anforderungen waren. Die Wärmeenergie der Reaktoren versorgte über Wärmetauscher und Dampferzeuger zwei Dampfturbinen mit einer Gesamtausgangsleistung von 35.000 PS, die über das Getriebesystem zwei Propellerwellen mit Schrauben sowie einen elektrischen Generator zur Stromerzeugung antrieben. Als Bewaffnung besaß es noch keine Raketen, sondern acht Torpedorohre mit einem Munitionsvorrat von 20 Torpedos. Der Bootskörper war schlank und für hohe Geschwindigkeiten ausgelegt.  Bereits bei den ersten Testfahrten wurde eine von sowjetischen U-Booten bislang nicht erreichte Tauchtiefe von 310 Metern erzielt. Die schon bei der Werkserprobung gefahrenen Geschwindigkeiten waren höher als erwartet und verliehen dem U-Boot zusammen mit den langen Tauchzeiten und des praktisch unbegrenzten Fahrbereichs taktische Eigenschaften, die von konventionellen U-Booten nicht erreicht werden konnten.  Ein Problem war jedoch die hohe freigesetzte Radioaktivität. Nach einigen hundert Betriebsstunden bildeten sich mikroskopisch kleine Risse im Primärkreislauf des Kühlwassers und belasteten den Sekundärkreislauf und letztendlich die gesamte Mannschaft mit Strahlung. Die resultierende Strahlenkrankheit der Besatzung wurde weitgehend ignoriert und unterschätzt. Das U-Boot verfügte im Vergleich zu späteren U-Boot-Generationen über praktisch keine Geräuschdämmung und war dadurch insbesondere bei hoher Geschwindigkeit sehr leicht zu orten. Generell galt die K-3 als technisch unausgereift und vor dem Hintergrund des Rüstungswettlaufes mit den USA als ein zu früh in Dienst gestelltes Waffensystem. Das U-Boot war im Betrieb pannenanfällig und gefährlich. Die geringe Lebensdauer des Dampferzeugers zwang das Boot längere Zeit zu Reparaturen. Notfallpläne im Falle des Reaktorversagens oder anderen schwerwiegenden Zwischenfällen hatten untergeordnete Bedeutung.  Bei der Kubakrise 1962 waren nur die verlässlichen dieselelektrischen Boote im Einsatz. Das unmittelbare nächste Fabrikat aus der Klasse, die K-8 sank als erstes nukleares U-Boot 1970 in der Biskaya, 800 km vor der Küste Frankreichs.

Nordpolfahrt und militärpolitische Dimension.

Am 17. Juni 1962 erreichte die K-3 den Nordpol unter Wasser – eine technische Meisterleistung, die fast vier Jahre zuvor dem ersten US-amerikanischen nuklearen U-Boot "USS Nautilus" gelungen war. Das U-Boot vermochte auch direkt am Pol aufzutauchen, was zuvor der "USS Skate" gelungen war. Militärisch demonstrierte die Sowjetunion mit dieser Tauchfahrt das Potenzial, die USA unter dem Eisschild der Arktis hindurch weitgehend unsichtbar angreifen zu können. Die Besatzung wurde persönlich von Parteichef Nikita Chruschtschow in Begleitung von Verteidigungsminister Rodion Malinowski empfangen, der das Schiffsbauwerk in Sewerodwinsk inspizierte. Zur Auszeichnung dieser Pionierleistung erhielt das U-Boot am 9. Oktober 1962 den Namen "Ленинский Комсомол" ("Leninski Komsomol"). Die gefeierte Mannschaft nahm danach an zahlreichen Kongressen und Konferenzen teil. Den führenden Personen, darunter Lew Schilzow, wurden höchste Auszeichnungen verliehen. Unter den Schöpfern von K-3 erhielten 19 den Leninpreis. Die sowjetische Marine war stark auf ihre wenigen weit im Norden liegenden, im Winter weitgehend eisfreien Häfen angewiesen. Dadurch erhielten die K-3 und die auf dieser Technik aufbauenden U-Boote eine strategisch Bedeutung in der nationalen Sicherheitspolitik. Zugleich war die Leninski Komsomol ein Ausgangspunkt des sich entwickelnden Gleichgewichts des Schreckens bzw. des Wettrüstens, das sich insbesondere in den 1970er- und 1980er-Jahren maßgeblich über Atom-U-Boote vollzog. Dabei galt Admiral Gorschkow als treibende Kraft und Vater der sowjetischen Atom-U-Boot-Flotte.  Im Juni 1962 beschädigte ein Feuer den Kernreaktor des Bootes, woraufhin es abgeschleppt werden musste. Die schwierige Reparatur dauerte mehrere Jahre.

Mission im Mittelmeer.

Im Sommer 1967 bekam die K-3 nach einer langen Zeit vielfältiger Reparaturen einen neuen Kommandanten und die Mission, im Mittelmeer zu kreuzen. Politischer Hintergrund war der Ausbruch des Sechs-Tage-Krieges im Nahen Osten im Juni 1967. Das Kühlsystem versagte dabei weitgehend und setzte die Mannschaft extremer Hitzebelastung aus. Dabei wurde auch die Aufgabe gestellt, ein amerikanisches U-Boot mit Interkontinentalraketen zu verfolgen, was aber nicht gelang.

Schwerer Unfall 1967 und Folgen.

Am 8. September 1967 kam es zu einem schweren Unfall im Meer vor Norwegen, bei dem 39 Männer durch ein Feuer den Tod fanden. Das Schiff war 2850 Kilometer vom Heimathafen entfernt, bereits 56 Tage unterwegs und kam von einer Tauchfahrt unter dem arktischen Eis zurück. Der Brand entstand durch entflammte Hydraulikflüssigkeit in den Abteilungen 1 und 2. Durch das Kohlendioxid der automatisch ausgelösten Feuerlöscher sowie durch das Schließen der Schotten kamen zahlreiche Männer um. Das U-Boot selbst konnte schließlich gerettet werden. Seitens des Admirals Gorschkow wurde der Mannschaft die Schuld zugewiesen und eine angeblich gefundene Zigarette als Beweis aufgeführt. Der Unfallhergang blieb jedoch weiter umstritten; erst Jahrzehnte später wurde die Besatzung freigesprochen und als Unfallursache der Austausch einer hochwertigen gegen eine minderwertige Dichtung festgestellt.  Der Einsatz des U-Bootes war danach eingeschränkt. 1988 wurde K-3 zum „Übungs-U-Boot“ erklärt und 1991 außer Dienst gestellt.  1991 wurde in Malaja Lopatka, dem ehemaligen Heimathafen des U-Boots, ein Denkmal für die Opfer errichtet.

Heutige Position.

Der Reaktorraum von „K-3“ wurde 2007 demontiert und in der Sajda-Bucht im Gebiet Murmansk gelagert. Die russische Atomholding Rosatom schuf einen Nachbau des Reaktorraums. Das U-Boot sollte restauriert werden. Am 19. März 2019 wurden die Umbauarbeiten am Boot abgeschlossen. Alle Außenborderöffnungen wurden verschweißt. Das Boot liegt im Wasserbereich der Nerpa-Werft in Sneschnogorsk, 25 km von Murmansk entfernt. Seit dem 20. August 2019 wartet es auf eine Finanzierungsentscheidung für den Umbau in ein Museumsschiff. Als endgültige Position wurde vor allem St. Petersburg genannt, in Nachbarschaft zur Aurora.

Die K-3 Leninski Komsomol (Ленинский Комсомол) war das erste Atom-U-Boot der Sowjetunion. Vom Typ war es ein Projekt 627 „Кит“ (russisch „kit“ bedeutet Wal) und der Prototyp der im Westen als "November-Klasse" bekannten U-Boot-Generation. Das U-Boot trug aufgrund seiner historischen Stellung im Unterschied zu den taktischen Nummern aller anderen sowjetischen Fabrikate als einziges einen Namen.


Leben.

Goltzius lernte unter Dirck Volkertszoon Coornhert und Philipp Galle. Er legte eine Kupferdruckerei an und bereiste ab 1590 mehrere Jahre Italien und Deutschland, überall scharf beobachtend und treffliche Studien machend. Goltzius hat sich namentlich um die Technik der Kupferstecherkunst Verdienste erworben. Er bildete jene plastische Behandlungsweise des Stiches aus, welche sich durch den Schwung und die Bewegung der Schattenlinien, durch ihr Anschwellen und Verschwinden, durch die unterschiedliche Art ihrer Durchschneidung den Gesetzen der Modellierung aufs genaueste anzubequemen sucht. Sehr gefragt waren seine Federrisse, auch "Federkunststücke" oder niederländisch "Penwerken" genannt, in denen er mit Feder und Tinte auf Papier oder Pergament die Stichtechnik imitierte. Bereits zu Lebzeiten ist er als einer der brillantesten Stecher und Künstler gefeiert worden.  Seine Handwerk übte er so vortrefflich aus, obgleich nach einer Verbrennung als Kind seine rechte Hand missgestaltet war. Diese stellte er auf einem Stich in einer besonderen Art von Selbstporträt so dar, als sei sie dadurch wie für den Stichel geschaffen worden (siehe nebenstehende Abbildung: "Goltzius’ rechte Hand", 1588). Vor diesem Hintergrund wird häufig angenommen, Goltzius habe zum Stechen die rechte und zum Malen eher die linke Hand benutzt, wie es auch der Freund und Biograph Karel van Mander berichtet in seinem "Schilder-Boeck". Mit 42 Jahren begann Goltzius, daneben Gemälde zu fertigen. Er stand als Maler, Zeichner wie Kupferstecher unter dem Einfluss der durch die Nachahmung italienischer Meister hervorgerufenen manieristischen Strömung, welche damals die holländische Kunst beherrschte. Seine Kupferstiche (ca. 330) sind meisterhaft in der Technik und bevorzugen Gewalt- und Erotikmotive sowie Allegorien, wie sie ihm vor allem der am Prager Kaiserhof wirkende Flame Bartholomäus Spranger lieferte, dem Goltzius auch in seiner Malerei stilistisch verhaftet blieb. Er fertigte auch treffliche Holzschnitte in Helldunkel (Chiaroscuro). In seiner Werkstatt wurde die Elite der damaligen Stecherkunst ausgebildet, so Jakob de Gheyn II., Jakob Matham, Pieter de Jode der Ältere, Jan Muller und Jan Saenredam, die den Manierismus ihres Lehrers auf jeweils eigenständige Art fortführten. Die Zahl der nach „Goltzius“ gefertigten Stiche ist sehr groß. Blätter im Goltzius-Stil waren ein beliebter Exportartikel und finden sich heute in fast allen größeren Museen beziehungsweise Sammlungen.

Hendrick Goltzius (* Januar oder Februar 1558 in Bracht, heute Ortsteil von Brüggen im Kreis Viersen – bei Venlo; † 29. Dezember 1616 oder 1. Januar 1617 in Haarlem) war ein niederländischer Maler und Kupferstecher. Sein Werk ist dem Manierismus zuzuordnen.


Geschichte.

Das Haarspray wurde 1955 erfunden und erstmals vermarktet. Die technische Voraussetzung für das Haarspray war die Erfindung der Sprühdose, die Flüssigkeit zerstäuben konnte. Diese Technik wurde von dem Amerikaner Robert Abplanalp 1953 mit dem Ein-Zoll-Ventil erfunden.  Der Ursprung liegt in der 1932 von Erik Rotheim entwickelten Flit-Spritze. Diese sollte amerikanischen Soldaten im Dschungelkrieg gegen Japan zur Moskitobekämpfung dienen.  Erste Markennamen waren Wellaflex und Taft.  Als Rohstoff für die Herstellung von Haarspray diente zunächst Schellack, das Sekret der Lackschildlaus (aus dem auch die ersten Schallplatten (Schellackplatten) hergestellt wurden), versetzt mit Parfüm-Ölen mit Moschusbestandteilen sowie mit den Treibgasen FCKW (Fluorchlorkohlenwasserstoffe), die in den 1980er Jahren wegen der Umweltbelastung sehr umstritten waren. Bis auf Schellack, das immer noch in Naturkosmetik eingesetzt wird, wurden alle Bestandteile mittlerweile durch andere Materialien ersetzt. Als Treibgas werden derzeit Propan-Butangemische eingesetzt. Zum Glanz werden zum Beispiel Seidenproteine oder hochwertige Pflanzenöle eingesetzt. In den 1970er und 1980er Jahren hat das Haarspray eine Renaissance unter Punks und Poppern erlebt. Eine ähnliche Wirkung kann auch mit Haargel erzielt werden.  Im Jahr 2005 nahm die Produktion von Haarspray mit 229 Mio. Dosen den zweiten Platz auf dem Aerosolmarkt ein.

Chemische Inhaltsstoffe.

Die wichtigsten Inhaltsstoffe sind Polymere von Vinylpyrrolidon und Vinylacetat in Konzentrationen von 2 bis 5 %. Sie dienen als Filmbildner für die Haarform. Je höher die Konzentration, desto höher also auch der Festigungsgrad. Sie sind einerseits auswaschbar (hydrophiles Polymer Polyvinylpyrrolidon), anderseits auch etwas wasserabstoßend (durch das hydrophobe Polymer Polyvinylacetat). Abgekürzt wird die Mischung VP/VA Copolymer (Vinylpyrrolidon/Vinylacetat).  Als Lösemittel dient vornehmlich Ethanol, da dieser besonders schnell verdunstet, aber auch Wasser kann als Lösemittel enthalten sein. Einen großen Anteil machen ebenfalls die Treibgase Propan, Butan und/oder Dimethylether aus.  Ein Haarspray enthält ferner noch Silikonöle, die dem Haar einen besseren Glanz geben und die Haare vor UV-Strahlen schützen. Ein wenig Parfümöl (ca. 0,2 %) dient zur Geruchsüberdeckung der anderen Komponenten.  Seit Ende der 1980er Jahre werden auch besonders stark festigende Haarfilmbildner wie Octyacrylamid, Acrylate genutzt. Diese starken Haarfilmbildner nennt man Haarlacke. Mit Mischpolymeren aus Vinylacetat und Crotonsäure können die hydrophilen Eigenschaften des Films beeinflusst werden.

Vorsichtsmaßnahmen im Umgang mit Haarsprays.

Das Haarspray sollte nicht in die Augen gelangen, der Aerosolnebel sollte nicht eingeatmet werden. Das austretende Gas sollte nicht mit Feuer in Berührung kommen. Die Gebinde sind vor Sonnenbestrahlung und Temperaturen über 50 °C zu schützen.

Haarsprays machen eine fertig gestylte Frisur haltbarer. Vorteilhaft ist ein Haarspray für den Halt der Frisur bei ungünstigen Witterungseinflüssen. Das Haarspray wirkt wie ein Haarnetz, die Inhaltsstoffe können wieder ausgewaschen werden. Die nicht flüchtigen Bestandteile im Haarspray sollen dem Haar einen frischen Glanz verleihen.


Kindheit und Jugend.

Prinzessin Marie José wurde am 4. August 1906 in Ostende, Belgien geboren. Sie war die einzige Tochter des belgischen Königs Albert I. und seiner Gemahlin Herzogin Elisabeth in Bayern. Sie wurde nach der Großmutter mütterlicherseits benannt, Infantin Maria Josepha von Portugal. Sie verbrachte einen Großteil ihrer Kindheit gemeinsam mit ihren älteren Brüdern Leopold, dem späteren König Leopold III., und Charles in Brüssel. Die Prinzessin wurde von Gouvernanten und Hauslehrern zuhause unterrichtet. Der Unterricht konzentrierte sich auf Sprachen, Geschichte, Musik und höfische Tugenden. Früh entwickelte Marie José eine Leidenschaft für Musik und Künste. Neben Klavierstunden erhielt sie auch Geigenunterricht unter der Leitung des berühmten belgischen Geigers Eugène Ysaÿe, der ein Freund ihrer Mutter war.Als 1914 der Erste Weltkrieg ausbrach, musste die königliche Familie Brüssel verlassen. Um ihrer Sicherheit willen wurde Marie José mit ihrem Bruder Charles nach Großbritannien gebracht. Während ihres Aufenthaltes lebten die Geschwister im Haus des britischen Staatsmannes und ehemaligen Vizekönigs von Indien George Curzon. Um ihre Ausbildung fortzusetzen, besuchte die Prinzessin die Brentwood High School in Brentwood in der Grafschaft Essex. 1916 schickte man sie auf eine Klosterschule in der italienischen Gemeinde Poggio Imperiale, nahe Foggia.  In Italien lernte sie König Viktor Emanuel III. und dessen Familie kennen. Die damals zehnjährige Marie José freundete sich mit dem zwei Jahre älteren Kronprinzen Umberto an. Während ihr Bruder Charles nach Kriegsende nach Belgien zurückkehrte, blieb Marie José in Italien, um weiter zur Schule gehen zu können. Sie besuchte ihre Eltern immer wieder für einen kurzen Zeitraum in Laeken. Dort war das Leben streng und zeremoniell. 1924 besuchte Marie José ihren ersten Hofball. Zu diesem Anlass trug sie eine antike, mit Perlen und Diamanten besetzte Tiara, die ursprünglich Stéphanie de Beauharnais gehörte. Marie Josés Schulausbildung in Italien half ihr, sie auf das vorzubereiten, was als künftigte Rolle in diesem Land angesehen wurde. Immer wieder verabredete sie sich heimlich mit Kronprinz Umberto. Am 25. Oktober 1929 gab das Paar in Brüssel seine Verlobung bekannt.

Heirat und erste Ehejahre.

Am 8. Januar 1930 heiratete Marie José in Rom Kronprinz Umberto von Italien. Es nahmen zahlreiche regierende und ehemalige Monarchen an den Feierlichkeiten teil. Von da an war sie Kronprinzessin sowie Prinzessin von Piemont. Mit ihrer Heirat sollte sie ihren Vornamen in die italienische Variation "Maria Giuseppa" ändern, doch sie weigerte sich.  Nach den Flitterwochen in San Rossore und Courmayeur, zog das Paar in den Königlichen Palast in Turin. Schon bald wurden die unterschiedlichen Charaktere der beiden deutlich. Während Marie José als locker, spontan und unkonventionell beschrieben wurde, galt ihr Ehemann als pünktliche und engstirnige Person, die an den steifen militärischen Traditionen des Hauses Savoyen festhielt. Trotzdem war er aber auch als durchaus romantische Person bekannt. Da sie die militärischen Ambitionen Umbertos kaum teilte, zog es Marie José immer öfter zu Festivals, Konzerten oder Autofahrten, bei denen sie meist selbst am Steuer saß.  1931 wurde Umberto zum General befördert. Daraufhin zogen er und Marie José in eine Villa in Neapel. Die Villa erhielt nach der Geburt der ältesten Tochter 1934 den Namen "Villa Maria Pia."  Das Paar hatte insgesamt vier Kinder:  Vor ihrer Hochzeit hatte Marie José die Vorstellung, sie würde einen Prinzen heiraten und mit ihm allein in einem Schloss leben. Über die Ehe mit Umberto, von der sie sich erhoffte, sie würde glücklich, sagte die Prinzessin später in einem Interview: „Wir waren nie glücklich“. Zu der Zeit, als ihre Eltern die Verbindung mit dem italienischen Kronprinzen geplant hatten, gab es keinen einzigen Nachkommen einer regierenden katholischen Dynastie in Europa, die Aussicht auf den Thron hatte. Nach der Abschaffung der Monarchie ging das Paar getrennte Wege.

Zweiter Weltkrieg.

Im Oktober 1939 wurde Marie José Präsidentin des italienischen Roten Kreuzes. Gemeinsam mit Anne, Herzogin von Aosta, der Frau von Amadeus, 3. Herzog von Aosta, besuchte sie die Zeremonie, in der sie zur Präsidentin ernannt wurde. Sie reagierte sehr bestürzt, als die deutsche Wehrmacht im Zuge des Westfeldzugs im Juni 1940 Belgien überfiel. Daraus entwickelte sich schnell eine Abneigung gegen alles Deutsche.  Während des Zweiten Weltkriegs war die Kronprinzessin eine der wenigen diplomatischen Kanäle zwischen dem deutsch-italienischen Lager und den anderen europäischen Ländern, die in den Krieg involviert waren. Ein britischer Diplomat in Rom stellte fest, Marie José sei das einzige Mitglied der Königsfamilie gewesen, das ein gutes politisches Urteil hatte. 1943 beteiligte sie sich vergeblich an Versuchen, einen Friedensvertrag zwischen Italien und den Vereinigten Staaten zu vereinbaren. Ihr wurde ein Gesprächspartner aus dem Vatikan zur Seite gestellt. Dieser war der Diplomat Giovanni Battista Montini, der später Papst Paul VI. wurde. Ihre Versuche unternahm sie allerdings ohne Kenntnis ihres Mannes oder Schwiegervaters. Nach ihrem Scheitern schickte König Viktor Emanuel III. Marie José mit ihren Kindern nach Sarre in der Region Aostatal. So wurde versucht, Marie José aus jeglicher Politik fernzuhalten.  Die Prinzessin war wohl eines der wenigen Mitglieder der königlichen Familie, das mit den Partisanen sympathisierte. Als sie nach dem Waffenstillstand im September 1943 mit ihren Kindern in die Schweiz ging, schmuggelten einige Partisanen Waffen, Nahrung und Geld für sie. Es wurde sogar vorgeschlagen, Marie José zur Anführerin einer Partisanenbrigade zu machen, doch das lehnte sie ab.

Zeit als Königin und Leben im Exil.

Am 9. Mai 1946 folgte Umberto seinem Vater nach dessen Abdankung als König von Italien und Herzog von Savoyen nach. So wurde Marie José an seiner Seite Königin. Sie und Umberto unternahmen eine mehrwöchige Reise und bereisten das vom Krieg zerstörte Italien. Bei der Bevölkerung hinterließ das junge Königspaar einen positiven Eindruck. Bis zum formalen Ende der Monarchie in Italien am 18. Juni 1946 war sie für 40 Tage die letzte Königin des Landes.  Nach Abschaffung der Monarchie ging Marie José mit ihrer Familie ins Exil nach Portugal. Marie José verließ Portugal bereits 1957 und ging gemeinsam mit ihren Kindern in die Schweiz nach Merlinge bei Genf. Dort verbrachte sie die meiste Zeit ihres restlichen Lebens. König Umberto II. blieb bis zu seinem Tod 1983 in Cascais. Das Paar trennte sich zwar, ließ sich aber nicht scheiden, teils aus politischen Gründen. Die republikanische Verfassung verbot nicht nur die Wiederherstellung der Monarchie, sondern auch, dass männliche Mitglieder des Hauses Savoyen italienischen Boden betreten durften. Dennoch hegte Umberto Hoffnung auf eine Rückkehr auf den Thron. Beide waren sehr fromme Katholiken und hielten eine Scheidung für einen katholischen König schädlich.

Letzte Lebensjahre.

Einige Jahre lebte sie bei ihrer Tochter Maria Beatrice und deren Kindern in Mexiko. In ihren Jahren im Exil reiste Marie José ausgiebig und setzte ihre Interessen an Musik und Kunst fort. Sie schrieb mehrere Bücher über ihre Familie und die Geschichte des Hauses Savoyen. Für ihre Tätigkeiten erhielt sie den französischen Orden der Ehrenlegion. Nachdem ihr Ehemann 1983 gestorben war, kehrte sie erstmals nach Italien zurück.  Sie starb am 27. Januar 2001 in ihrem Schweizer Exil in Genf und wurde am 2. Februar des gleichen Jahres an der Seite ihres verstorbenen Ehemannes Umberto II. in der Abtei von Hautecombe in Savoyen bestattet. 2000 Gäste waren bei der Beisetzung der letzten italienischen Königin anwesend, darunter ihr Neffe König Albert II. von Belgien, König Juan Carlos I. von Spanien und Farah Pahlavi, die letzte iranische Kaiserin. Marie Josés Tod hatte maßgeblich dazu beigetragen, dass die italienische Regierung ihre Verfassung änderte, sodass es männlichen Mitgliedern des Hauses Savoyen möglich war, Italien zu besuchen.  Die letzte italienische Königin Marie José folgte dem Beispiel ihrer Mutter und inspirierte einen Musikwettbewerb. "Der internationale Musikkompositionspreis der Königin Marie José" findet seit 2000 alle zwei Jahre in der Schweiz statt.

Marie José von Belgien, vollständiger Name "Marie José Charlotte Sophie Amélie Henriette Gabrielle" (* 4. August 1906 in Ostende, Belgien; † 27. Januar 2001 in Genf, Schweiz) war eine Prinzessin aus dem Haus Sachsen-Coburg und Gotha und die letzte Königin von Italien. Ihre nur wenige Wochen dauernde Amtszeit als Königin brachte Marie José den Spitznamen „Maikönigin“ ein.


Geschichte.

Im Jahre 1327 stiftete der Habsburger Herzog Friedrich der Schöne dem Augustiner-Eremiten-Orden (seit 1963: Augustiner) eine Kirche mit Kloster. Das Langhaus wurde unter Baumeister Dietrich Landtner von Pirn von 1330 bis 1339 erbaut, aber erst am 1. November 1349 geweiht. Zunächst wurde der gotische Bau freistehend errichtet, wegen des Zusammenhangs mit dem urbanistischen Gefüge im Gegensatz zu den meisten romanischen und gotischen Kirchen nicht geostet. Der Chor ist nach Südsüdost orientiert, Der Haupteingang mit einem Vorraum nach Nordnordwest, zum Josephsplatz. Erst als man die Hofburg erbaute und der Albertinatrakt (Augustinertrakt) errichtete, wurde die Kirche in den Gebäudekomplex integriert.  Im Jahre 1634 wurde die Augustinerkirche zur kaiserlichen Hofpfarrkirche ernannt (siehe auch k.u.k. Hof- und Burgpfarre), damit begann eine längere Periode der Barockisierung. Die Kirche war Schauplatz der Thronfeiern des Kaiserhauses und der Hoftrauungen. Die bedeutendsten Hochzeiten waren diejenigen von Erzherzogin Maria Theresia mit Franz von Lothringen im Jahre 1736, die Stellvertreterhochzeit ihrer Tochter Erzherzogin Maria Antonia am 19. April 1770 mit dem späteren König von Frankreich Ludwig XVI., die Stellvertreterhochzeit von Erzherzogin Maria Ludovika mit Napoleon Bonaparte am 11. März 1810 und die Trauung von Kaiser Franz Joseph I. mit Prinzessin Elisabeth (Sisi) in Bayern am 24. April 1854. Ab der Entstehung der Erzdiözese Wien im Jahre 1729 pflegte man die neu ernannten Erzbischöfe in der Augustinerkirche einzukleiden.  Um 1784/85 wurde die Kirche unter Joseph II. von Oberhofarchitekt Johann Ferdinand Hetzendorf von Hohenberg (1733–1816) regotisiert; dazu wurden 18 Seitenaltäre herausgerissen, welche in dem Zeitraum zwischen 1630 und 1780 eingebaut worden waren.

Augustinerkloster.

Das Kloster St. Augustin, 1327 begründet, gehörte anfangs zur 1299 installierten "Bayerischen Provinz" des Augustinereremiten-Ordens (Bayern, Böhmen, Mähren, Österreich, Schlesien, Polen). Sie war seinerzeit bedeutend und stellte während des Mittelalters an die 50 Weihbischöfe. In der Reformation wurden zahlreiche Niederlassungen aufgegeben, Wien blieb aber weiterbesetzt. Mit der Gegenreformation erfolgte eine Restaurierung des Ordens (zu der Zeit bildeten sich auch die strengeren Augustiner-Barfüßer, denen etwa der Volksprediger Abraham a Santa Clara angehörte). Durch die Wiedererrichtung von etwa 20 Klöstern entstanden im Habsburgerreich ab dem 17. Jahrhundert drei Provinzen. Das Augustinerkloster auf der Landstraße (Wien 3., 1695 gegr., 1812 aufgehoben und 1912 abgerissen) war als Generalkonvent dem Ordensgeneral in Rom direkt unterstellt, und Provinzialat der "Wiener Provinz", sowie Studienhaus der Professoren, die 150 Jahre lang den Lehrstuhl für Moraltheologie an der Universität Wien innehatten. Das Kloster an der Hofburg war Hofkloster, stellte seit 1634 den kaiserlichen Hofpfarrer und die Seelsorge für die Mitglieder des Kaiserhofes, und richtete die bedeutenden religiösen Zeremonien des Hoflebens aus. Die Gruft der Augustinerkirche war neben der Michaelergruft die bedeutendste Grablege des Hofadels.  In den Josephinischen Reformen wurden fast alle Augustinereremiten-Klöster aufgehoben, das an der Hofburg 1836 (die Hofpfarre wurde bis 1918 von Weltpriestern des hier angesiedelten Frintaneums weitergeführt). Nur ein paar Konvente in Böhmen und Mähren blieben erhalten, die erst zu kommunistischer Zeit aufgehoben wurden. Die nach dem Zweiten Weltkrieg von dort vertriebenen sudetendeutschen Augustiner begründeten einen neuen Ordensverband, das "Vikariat Wien" der Deutschen Augustiner-Provinz, heute als österreichisch-süddeutsche Zirkumskription ein Vikariat unter der direkten Jurisdiktion des Generalpriors. 1951 besiedelten sie das Hofburgkloster neu.  Das Augustiner-Vikariat "Wien Maria Trost" umfasst heute St. Augustin Wien und das 1962 errichtete Kloster Maria Trost in Zwiesel/Bay. Wald. Dem Vikariat gehören (Stand 2013) 10 Mitbrüder an, von denen 4 in Wien zu Hause sind. Prior ist derzeit P. Dominic Sadrawetz OSA Betreut werden die Pfarren St. Augustin und Aspersdorf. Im Erdgeschoss des Klostertrakts ist die Pfarre und der Konvent untergebracht, im 1. Stock die Klausur.

Pfarre St. Augustin.

Zur Pfarre gehören auch die Malteserkirche, Sankt Ursula, Annakirche und Kapuzinerkirche, sowie die Burgkapelle der Hofburg und die Elisabethkapelle im Center St. Elisabeth.

Der Kirchenbau.

Die Kirche wirkt von außen eher unauffällig, da sie sich in die umliegenden Bauwerke einfügt, besitzt aber ein beeindruckendes Inneres. Die ehemalige Hauptfassade mit Strebepfeilern, Mittelfenster und Portal wurde 1767–1769 durch einen Flügel der Hofbibliothek (heute Österreichische Nationalbibliothek) verdeckt, in dem sich nun der Vorraum vor dem Hauptportal befindet. Der quadratische Turm steht an der Nordseite. Durch das Hauptportal am Josephsplatz gelangt man in den dreischiffigen Innenraum, der 43 Meter lang und 20 Meter hoch ist. Ans Hauptschiff schließt sich der Hochchor an, 40 Meter lang, 10 Meter breit und 24 Meter hoch. Um den Hochaltar legt sich die 7/10-Apsis.

Ausstattung.

Zu den bedeutenden Kunstwerken im Kirchenschiff gehört an der rechten (westlichen) Seitenwand des Langhauses das Grabdenkmal für die Erzherzogin Marie Christine von Sachsen-Teschen (1800-05) von Antonio Canova. Das Monument zitiert die römische Cestius-Pyramide und war Vorlage für Canovas eigenes Grabmonument, das von seinen Schülern in der Kirche Santa Maria dei Frari in Venedig errichtet wurde. Das Grabmal im Relief öffnet sich mit einem Tor ins Totenreich, über dem die Widmung "Uxori optimae Albertus" (der besten Gattin von Albert gewidmet) steht. Ein vollplastischer Trauerzug nähert sich dem Eingang. Voran schreitet die Allegorie der Tugend mit einer Urne und zwei kleineren Begleiterinnen, es folgt die Caritas, die einen Greis stützt. Rechts auf den Stufen schlafen ein Löwe als Symbol der Macht und ein Engel; auf dem Pyramidenrelief über dem Tor hält ein Putto einen Palmzweig, ein Genius das Bildnis der Erzherzogin. Das Denkmal wurde 1798 bis 1805 erbaut und gilt als Hauptwerk der klassizistischen Grabmalkunst.  Der Hochaltar im Stil der Hochgotik des 15. Jahrhunderts, wurde vom Bildhauer Andreas Halbig 1857 bis 1870 für die Votivkirche entworfen, aus Sandstein gefertigt und polychrom gefasst, der Altar wurde dort vom Architekten Heinrich Ferstel abgelehnt, der Altar wurde 1873/1874 in der Augustinerkirche übertragen. Der Altar zeigt in der Mitte Christkönig als Weltenherrscher, umgeben von vielen Engeln und den Namenspatronen von Kaiser Franz Joseph I.  Die Kirchenbänke in den östlichen Langhausjochen mit ihren reich ornamentierten Wangen und biblischen Szenen an den Stirnseiten wurden um 1730 von Johann Baptist Straub ausgeführt und standen ursprünglich in der ehemaligen zweiten Schwarzspanierkirche in der Alservorstadt. Die Bänke mit intarsierten Wangen mit dem jeweiligen Emblem Kaiser Karls VI. stammen aus der unter Kaiser Joseph I. und unter Maria Theresia veränderten Kammer- oder Josefskapelle in der Wiener Hofburg und aus dem ehemaligen Jakoberkloster.  Der neue Altartisch "versus populum" aus Carraramarmor stammt aus dem Jahr 2003.  An den Seitenwänden des Langhauses befinden sich zwei Statuen von Hauptheiligen des Ordens im Bischofsornat: links (östlich) neben der „Bach-Orgel“ (s. u.) der heilige Augustinus mit dem flammenden Herzen in der Rechten, an der rechten Wand mit Bienenkorb und Schreibfeder als Attributen der heilige Ambrosius.

Grüfte und Nebenkapellen.

Die Augustinerkirche besitzt eine Sakristei, eine Georgskapelle und eine Loretokapelle.

Kirchengruft.

Die Kirchengruft unter dem Langhaus von St. Augustin ist nicht zu verwechseln mit der berühmten Herzgruft der Habsburger, welche an die Loretokapelle der Augustinerkirche angebaut ist (siehe unten).  Die Gruft unter dem Langhaus der Augustinerkirche diente als Grablege der Augustiner sowie des Hofadels, ist für die Öffentlichkeit heute aber nicht mehr zugänglich. In ihr hat etwa auch der Volksprediger Abraham a Santa Clara seine letzte Ruhestätte gefunden. Als zu Anfang des 19. Jahrhunderts die Kapuzinergruft zu klein wurde und die Mönchsgemeinschaft der Kapuziner vom Aussterben bedroht war, wurde in Erwägung gezogen, die Begräbnisstätte der Habsburger in die Kirchengruft von St. Augustin zu verlegen, doch kam es letztlich nicht dazu.

Georgskapelle.

Die Georgskapelle südlich des Chores der Augustinerkirche wird als Stiftung des Ulrich II. von Wallsee 1337 erstmals urkundlich erwähnt und wurde 1341 geweiht. Bis 1378 wird sie als liturgischer Versammlungsraum eines von Herzog Otto dem Fröhlichen (1301–1339) gegründeten "St. Georgs-Ritterordens" erwähnt. Dieser war ein der höfischen Mode des Spätmittelalters folgender habsburgischer Hausorden, dem jedoch nur ein kurzes Leben beschieden war. Im 16. Jahrhundert wurde die in die Klosteranlage integrierte Georgskapelle dann als Totenkapelle verwendet.  In der Georgskapelle befinden sich die Grabmäler für Wirich Philipp Graf Daun, Leopold Graf Daun, Gerard van Swieten sowie ein leerer, von Franz Anton Zauner gearbeiteter Prunksarkophag für Kaiser Leopold II. Am ersten Adventwochenende findet in der Georgskapelle traditionell ein Adventmarkt statt.

Loretokapelle und Herzgruft.

Hinter der Loretokapelle der Augustinerkirche, und von ihr durch eine Eisentür getrennt, befindet sich in einem halbrunden Anbau die "Herzgruft der Habsburger" (im Volksmund auch "Herzerlgruft, Herzgrufterl" oder "Herzgrüfterl" genannt). Darin werden in metallenen Urnen die Herzen von 54 Habsburgern aufbewahrt, die hier eine Herzbestattung erhielten.

Kirchenmusik.

Die Kirche St. Augustin ist berühmt für ihre Kirchenmusik. So wird im Hochamt eines jeden Sonn- und Feiertages eine konzertante Messe namhafter Komponisten wie Mozart, Haydn oder Schubert aufgeführt. Chor und Orchester von St. Augustin werden und wurden durch bekannte Musiker dirigiert. Im September 2014 übernahm Thomas Böttcher die Leitung des Chors und des Orchesters von St. Augustin, dessen Repertoire über rund 120 Messen umfasst.

Orgeln.

In der Augustinerkirche gibt es zwei Orgeln, die Hauptorgel an der Nordwand, die kleinere „Wiener Bach-Orgel“ an der Ostwand am Ende des Langhauses.

Hauptorgel.

Die große Orgel wurde im Jahr 1976 von der Orgelbaumanufaktur Rieger (Schwarzach, Vorarlberg) neu erbaut. Der historische Prospekt aus der Zeit um 1785 blieb erhalten. Er beherbergte bis zum Zweiten Weltkrieg ein Instrument, das von Johann Hencke für die Schwarzspanierkirche erbaut worden war und Ende des 18. Jahrhunderts in St. Augustin aufgestellt wurde. Die Engelsgruppe auf dem Gehäuse stammt vom Rokoko-Bildhauer Johann Baptist Straub.  Das Instrument hat 47 Register auf vier Manuale und Pedal. Im Zuge einer Generalüberholung im Jahr 2002 stattete die Orgelbaufirma Eisenbarth (Passau) das Instrument mit einer modernen Setzeranlage aus.

Wiener Bach-Orgel.

Die kleine Orgel wurde 1985 anlässlich der Festwochen im Jubiläumsjahr „300 Jahre Johann Sebastian Bach“ errichtet. Das Instrument stammt aus der Orgelbauwerkstatt der Gebrüder Reil (Heerde/Niederlande) und wurde in historischer Bauweise errichtet. Das Instrument mit mechanischer Register- und Spieltraktur hat 25 Register auf zwei Manualen und Pedal.

Die Augustinerkirche ist eine gotische römisch-katholische Pfarrkirche im 1. Wiener Gemeindebezirk Innere Stadt. Die ehemalige kaiserliche Hofpfarrkirche ist heute Teil des Albertina-Traktes der Wiener Hofburg.


Leben.

Frühe Lebensjahre.

Hugo Höppener wurde 1868 als Sohn des Konditors Julius Höppener und seiner Frau Camilla (geb. Stender) in Lübeck geboren. Zu Ostern 1887 wurde er von seinen Eltern auf die Vorschule der Münchner Akademie geschickt. Nach nur drei Monaten verließ er die Akademie und wurde Schüler des Malers und Naturapostels Karl Wilhelm Diefenbach in Höllriegelskreuth, von dem er seine stilistische Prägung und den Künstlernamen „Fidus“ (Der Getreue) erhielt. Er verschrieb sich den lebensreformerischen Ideen des Vegetarismus, der Lichtgläubigkeit, der Freikörperkultur und einer naturgemäßen Lebensweise. Anarcho-sozialistische Vorstellungen von Bodenreform und vegetarischem Pazifismus beherrschten die Geisteswelt des jungen Fidus. Diefenbach und Fidus wurden 1888 wegen ihrer Freikörperkultur zu Kerkerhaft verurteilt. Im Weiteren war er Mitglied der lebensreformerischen Verbände Deutsche Gartenstadtgesellschaft, des Bundes Deutscher Bodenreformer sowie Mitglied im Bund für allseitige Lebensreform des gesamten Deutschtums, im Verein für Körperkultur und im Deutschen Verein für vernünftige Leibeszucht.  1889 setzte Fidus sein Studium an der Münchner Akademie fort. Die Bekanntschaft mit dem Theosophen Wilhelm Hübbe-Schleiden führte zur Mitarbeit als Illustrator der Zeitschrift "Sphinx". Fidus vertrat fortan eine mystische Naturreligion und setzte sich für Ideen einer Sexualreform ein. Der spezifische Jugendstil seiner Bilder wurde fortan mit esoterischen Symbolen – Lotosblüten, Eiformen, Kreuzen und Sonnenzeichen – angereichert. Die zyklische Kreisstruktur des Lebens, die Rückkehr des Mannes in den göttlichen Mutterschoß, die Verschmelzung der Geschlechter und die Erlösung durch das Licht waren immer wiederkehrende Bildmotive. Zudem entwarf er Pläne zu gigantischen Tempelanlagen für eine neue Natur- und Lichtreligion, in denen sich das Volk zur Andacht versammeln sollte. Sein berühmtestes Bild wurde das in mehrfacher Ausfertigung, erstmals 1908, entstandene „Lichtgebet“. Es zeigt von hinten einen nackten jungen, androgyn anmutenden Mann auf einem Berggipfel, der in emphatischer Bewegung die Arme in Form einer Lebensrune spreizend die Sonne anbetet. Dieses Bild wurde auch in Verbindung mit dem ersten Meißnertreffen zum Kultbild der Jugendbewegung.

1890–1914.

Anfang der 1890er Jahre unternahm Fidus Reisen nach Norwegen, Istrien und Italien. 1892 ließ er sich in Berlin nieder und fand dort Kontakt zur literarischen Bohème, etablierte sich als Illustrator und wurde Mitarbeiter der neu entstandenen literarisch-künstlerischen Zeitschriften "Pan", "Simplicissimus" und "Jugend". Fidus’ erste Ausstellung fand 1893 statt. Neben seinen grafischen Arbeiten, die den nackten Menschen ohne die üblichen allegorischen oder mythologischen „Verkleidungen“ präsentierten, malte Fidus Landschaftsbilder, in denen er Eindrücke seiner Nordlandfahrten verarbeitete; seit 1903 veranstaltete er zur Präsentation seiner Bilder Lichtbildvorträge. Um 1900 war Fidus einer der bekanntesten Maler Deutschlands.  1892 bis 1895 lebte er mit dem Dichter Franz Evers in Berlin zusammen. Im Jahre 1895 ging er seine erste „Ehe“ mit Amalie Reich (1862–1946) ein, aus der ein Kind hervorging, für das er allerdings die Vaterschaft abstritt. Bei dieser „Ehe“ handelte es sich um keine legalisierte Ehe, sondern um eine sog. „freie Verbindung“, entsprechend den damals ehereformerischen Anschauungen. Weitere, nun auch legalisierte Ehen, folgten: 1900 mit Elsa Knorr († 1915), der er aber eine jüdische Herkunft vorwarf, und 1922 mit Elsbeth Lehmann-Hohenberg. Daneben liebte Fidus in Woltersdorf (s. u.) den jungen Pastorensohn "Georg Bauernfeind", der sich 1911 aus Schlankheitssucht zu Tode hungerte. 1912 gründete er den Sankt-Georgs-Bund, der sich gegen den „Drachen des Materialismus“ wenden sollte.  In Berlin trat Fidus auch der Theosophischen Gesellschaft bei und war Mitbegründer einer theosophischen Loge (vermutlich Esoterischer Kreis oder D.T.G.). Bemerkenswerte Kontakte hatte Fidus zu seinerzeitigen intellektuellen Kreisen, beispielsweise zu Willy Pastor und Arthur Moeller van den Bruck, sowie zum Friedrichshagener Dichterkreis, zu Heinrich und Julius Hart und zu Gustav Landauer. Er hielt zudem engen Kontakt zur Gartenstadt-Bewegung, zur Bodenreform-Bewegung und zum Wandervogel. Er besuchte die Reformkolonien in Amden am Walensee und den Monte Verità von Ascona. Zu seinen frühen Bewunderern zählte z. B. Hermann Hesse.  Fidus illustrierte zahlreiche Bücher. 1905 erschien die Maifestsondernummer der sozialdemokratischen Zeitschrift „Vorwärts“ mit einem von Fidus entworfenen Titelblatt. Im selben Jahr illustrierte er auch von Richard Ungewitter "Die Nacktheit". (Stuttgart 1905).  1906 erhielt Fidus die finanziellen Mittel zur Errichtung eines selbst entworfenen Ateliers, das in der Woltersdorfer Villenkolonie Schönblick in der Köpenicker Straße, östlich von Berlin, bauen, und ab 1908/1909 um einen Wohntrakt erweitern ließ; dort wohnte er mit seiner Frau Elsa, seinen beiden Kindern, der mit Elsa befreundeten Dichterin Gertrud Prellwitz sowie Franz Bernoully (gefallen 1915). Das Haus wurde zu einer „Art Wallfahrtsort der Reformbewegung“.

1914–1945.

Als 1914 der Erste Weltkrieg ausbrach, hatte sich Fidus durch den Einfluss von Wilhelm Schwaner völkischen Vorstellungen zugewandt. Allerdings sprach er sich gegen den allgemeinen Hurra-Patriotismus aus, forderte stattdessen, dass Deutschland sich von kulturellen Fremdeinflüssen freimachen sollte, um eine moralische Mission für die Welt zu erfüllen.  Nach 1918 verlor Fidus an künstlerischem Einfluss, auch materiell ging es ihm schlechter. Er machte für diese Misere den künstlerischen Internationalismus (Expressionismus, Dadaismus und „Neue Sachlichkeit“) und die kapitalistischen Vermarktungstendenzen verantwortlich.  1932 trat Fidus nach Kontakten mit Joseph Goebbels in die NSDAP ein. Noch 1925 hatte er sich in der Schrift „Den Rasse-Raßlern“ gegen die Utopie einer „Reinrassigkeit“ gewandt. Die Deutschen seien demnach historisch ein Mischvolk, und es komme nur auf die seelische „Durchsonntheit“ des Menschen an, nicht auf Rassemerkmale. Trotz Hoffnungen in die neue Staatsführung, trotz Bittbriefen an Hitler und Goebbels, seine Tempelkunst finanziell zu unterstützen, wurde er von den neuen Machthabern weitgehend abgelehnt. Die SS-Zeitung „Das Schwarze Korps“ erwähnte ihn 1936 als Verkitscher nordischer Kunst. Sein Antrag auf Einführung der von ihm entwickelten „Neugermanischen Schrift“ wurde 1936 brüsk abgelehnt. Eine geplante Nürnberger Kunstausstellung zum Reichsparteitag 1936 platzte, weil sich Hitler beim Anblick bereits angetroffener Monumentalporträts so „angewidert“ gezeigt hatte, dass er befahl, sämtliche Werke zurückzuschicken.  1937 wurden Fidus’ Mappen beschlagnahmt und der Verkauf von Fidusdrucken verboten. Hitler ließ zudem die Verbreitung seines von Fidus gemalten Porträts auf Postkarten verbieten. Zermürbt kritisierte Fidus die nationalsozialistischen Kulturfunktionäre als „Kulturbonzen“ und „Barbaren“. Stilistisch blieb er seinem unkonventionellen, in der Zeit sehr untypischen „weichen Jugendstil“ treu. Anlässlich seines 75. Geburtstages wurde er 1943 trotz seiner Distanz zum nationalsozialistischen Regime zum Honorarprofessor ernannt.

Nach 1945.

Nach dem Zweiten Weltkrieg vertrat er weiterhin seine „lichtdeutschen“ Vorstellungen. Um besser an Naturalien und Lebensmittel zu gelangen, malte Fidus für die Sowjets Porträts von Stalin und Lenin sowie, im Auftrag der SED, Rudolf Breitscheid. 1946 trat er der freireligiösen Gemeinde in Berlin bei und bekannte, CDU zu wählen.Am 23. Februar 1948 starb Fidus in Woltersdorf an einem Schlaganfall.

Nachlass.

Ein Teil des Nachlasses von Fidus befindet sich im Archiv der deutschen Jugendbewegung, das zum Hessischen Staatsarchiv Marburg gehört. Er wurde 2005/2006 erschlossen und die darin enthaltenen Werke zum größten Teil digitalisiert. Ein anderer Teil des Nachlasses wird im Fidus-Archiv der Berlinischen Galerie aufbewahrt. Eine bereits erschlossene Sammlung befindet sich in der Akademie der Künste in Berlin. Ein weiterer noch nicht erschlossener Teilnachlass befindet sich im Hallerischen Familienarchiv, Rittergut Reichenberg, jetzt im Besitz von Jack Daulton in Los Altos Hills, Kalifornien. Für Fidus-Forschung interessant sind außerdem die Nachlässe der Fidus-Verleger Fritz Heyder (1882–1941), die sich ebenfalls in der Berliner Akademie der Künste befinden, und die Max Bruns’ im Kommunalarchiv Minden.

Fidus (bürgerlich Hugo Reinhold Karl Johann Höppener, * 8. Oktober 1868 in Lübeck; † 23. Februar 1948 in Woltersdorf) war ein deutscher Maler, Illustrator und bedeutender Vertreter der Lebensreform.


Leben.

In einer Bergarbeiterfamilie geboren, arbeitete Thorez schon mit zwölf Jahren in einem Bergwerk und später als Bauarbeiter. 1919 gehörte er bereits den Militanten in der SFIO an. Nach dem Parteikongress von Tours 1920 schloss er sich den Kommunisten an und nahm bald wichtige Posten ein. Im gleichen Jahr begann er seinen Militärdienst. 1923 wurde er Sekretär der kommunistischen Föderation des Départements Pas-de-Calais, ein Jahr später Sekretär der Region Nord. 1925 wurde er, nach einem kurzen Flirt mit der linken innerparteilichen Opposition, Mitglied des Politbüros der KPF. 1926 wurde er Organisationssekretär seiner Partei. Zwischen 1925 und 1926 engagierte er sich aktiv gegen den Krieg in Marokko. Zwischen 1929 und 1930 verbüßte er eine Haftstrafe wegen Provokation militärischen Ungehorsams.  1930 wurde Thorez zum Generalsekretär der KPF gewählt und genoss die Unterstützung Josef Stalins, dessen Kampf gegen Leo Trotzki und die von Trotzki herbeigeführten Abspaltungen Thorez unterstützte. 1932 wählte man ihn im Wahlkreis Ivry-sur-Seine in die Deputiertenkammer, die ihn in die provisorische Konsultativversammlung entsandte. Später wurde er im Wahlkreis Seine in die konstituierende Nationalversammlung wiedergewählt, der er vom 10. November 1932 bis zu seinem Tod angehörte. Während er im Januar 1934 die Sozialistische Partei noch ausdrücklich als Feind nannte, unterzeichnete Thorez sechs Monate später einen Pakt mit der SFIO und der Parti Radical Socialiste über die Bildung der Volksfront. Infolge der tiefen wirtschaftlichen Depression gelangte die Volksfront unter dem von Thorez unterstützten Premierminister Léon Blum 1936 an die Macht, in der sie wichtige Sozialreformen, wie zum Beispiel den Urlaub für Arbeitnehmer, einführte. Wegen des Nichtangriffspakts zwischen Stalin und Hitler 1939 wurde die erstarkte KPF unter Leitung von Thorez aus der Volksfrontregierung ausgeschlossen. Die Spannungen in der französischen Bevölkerung am Vorabend des Krieges hatten stark zugenommen. Rechte Kreise planten Attentate auf linke Politiker und Gewerkschafter.  Am 4. Oktober 1939, kurz nach Beginn des Krieges gegen Deutschland, desertierte Thorez, der als Reservist im 3. Pionierregiment in Arras diente, auf Befehl Moskaus und floh über Belgien nach Moskau. Am 29. November 1939 verurteilte ihn ein Militärgericht zu einer Freiheitsstrafe von sechs Jahren, zudem wurde ihm die französische Staatsbürgerschaft aberkannt. In Moskau war er in der Kommunistischen Internationale tätig und wirkte 1943 an der Auflösung der Komintern mit.  Nach der Befreiung kehrte er nach Begnadigung durch die provisorische Regierung General de Gaulles am 29. November 1944 nach Frankreich zurück, wo er wieder die Leitung der KPF übernahm. Er führte die KPF auf dem Weg des parlamentarischen Kampfs um die Macht und sorgte dafür, dass die kommunistischen Partisanen der Résistance ihre Waffen abgaben. Nach seiner Wiederwahl zum Abgeordneten beider Konstituanten 1945 berief ihn de Gaulle als Staatsminister ohne Geschäftsbereich im November 1945 in sein Kabinett, wo er bis zum Januar 1946 am Gesetz über den Status des Beamtentums arbeitete. In den Regierungen Félix Gouin, Georges Bidault und Paul Ramadier der Vierten Republik mit den Sozialisten wurde er Vizepremierminister. Thorez nahm aktiv am Wiederaufbau Frankreichs nach dem Krieg an der Seite anderer politischer Bewegungen unter Einsatz seines ganzen Einflusses teil. Im beginnenden Kalten Krieg übte die US-amerikanische Regierung über den Marshall-Plan massiven Druck auf die französische Regierung aus, die kommunistischen Minister aus der Regierung auszuschließen. Aber auch die Spannungen zwischen den kommunistischen und den übrigen Ministern über die Wirtschafts- und Kolonialpolitik insbesondere in Indochina wuchs. Schließlich trug die Kontroverse über das Einfrieren der Löhne während der Hyperinflation der Nachkriegszeit zum Rücktritt von Thorez und den übrigen kommunistischen Ministern im Mai 1947 bei. Im gleichen Jahr heiratete er Jeannette Vermeersch, die seit 1945 KP-Abgeordnete in der Nationalversammlung war. 1950 wurde er von einer Bluterkrankung überrascht, woraufhin er sich in der Sowjetunion behandeln ließ. Unter seiner Leitung erfreute sich die KPF breiter Unterstützung im Volk, die durch den politischen Prozess in den 1950er Jahren jedoch sank. Als Charles de Gaulle 1958 die Fünfte Republik gründete, verlor die KPF schlagartig 10 Sitze in der Nationalversammlung, Thorez behielt seinen allerdings weiter inne. Obwohl sich sein Gesundheitszustand zusehends verschlechterte, behielt er bis kurz vor seinem Tode 1964 die Leitung der KPF. Nach seinem Rücktritt wählte die KPF ihn zu ihrem Ehrenvorsitzenden. Er starb bei einer Reise an das Schwarze Meer in der Türkei an Bord der "Latwija". Sein Nachfolger wurde Waldeck Rochet.  Während der 34 Jahre an der Spitze der KPF war Maurice Thorez ambitioniert und stellte sich nur einmal gegen das Politbüro, indem er aktiv seine ablehnende Haltung zum Krieg in Marokko vertrat und entgegen den Weisungen eine Geldstrafe zahlte, um einer Haft zu entgehen, und die geforderte Selbstkritik gelangweilt ausführte. Sonst war er ohne allzu große Skrupel, etwa 1930 beim Ausschluss von Barbé und Célor, zwei Funktionären der kommunistischen Jugendorganisation "Jeunesses Communistes", deren ultralinken Kurs er zuerst unterstützt hatte. Anschließend machte er sie allerdings für die hohen Mitgliederverluste von 55000 auf 25000 ab 1927 verantwortlich. Thorez war ein pragmatischer Stratege bei der Allianz mit der SFIO in der Volksfront und unbedingter Gefolgsmann Stalins, führte die Befehle aus Moskau und der Komintern aus und stellte sich blind gegenüber den stalinistischen Verbrechen. Dem Prozess der Entstalinisierung, den Chruschtschow 1956 begann, stand Thorez lange Zeit ablehnend gegenüber.

Ehrungen.

Die Stadt Tores in der ukrainischen Oblast Donezk wurde nach ihm benannt, sowie ein Fremdsprachen-Institut in Moskau (heute Staatliche Linguistische Universität Moskau). Neben diversen Straßen in Frankreich und der ehemaligen Sowjetunion war von 1965 bis 1991 auch das Zentrale Pionierlager in Arendsee (Bezirk Magdeburg) sowie die Könneritzstraße in Leipzig nach ihm benannt. Eine kleine Nebenstraße im Zwickauer DDR-Neubaugebiet Neuplanitz trägt nach wie vor den Namen Thorezweg. In Brandenburg an der Havel und in Leipzig gab es Polytechnische Oberschulen, die Maurice Thorez hießen.

Maurice Thorez (Aussprache: []; * 28. April 1900 in Noyelles-Godault, Département Pas-de-Calais; † 11. Juli 1964 bei einer Überfahrt auf dem Schwarzen Meer) war ein französischer Politiker, der von 1930 bis 1964 Generalsekretär der Parti communiste français (PCF) und von 1946 bis 1947 Vizepremierminister seines Landes war.