title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Le terme art aborigène désigne aussi bien l'art des Aborigènes d'Australie qui précédèrent la colonisation que celui d'artistes aborigènes contemporains encore influencés par leur culture traditionnelle. Cela inclut la peinture, la gravure sur bois, la sculpture, les costumes de cérémonie, ou les décorations trouvées sur les outils ou les armes anciennes.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: L'art est un élément clé dans la culture aborigène. Il est toujours lié à un territoire (itinéraire, site, grotte, point d'eau…) Les Aborigènes célèbrent, chantent, dansent, miment et peignent (ce que nous appelons « art » mais qui pour eux est d'abord spiritualité) pour actualiser l'esprit ancestral créateur du lieu (au sens topographique) et présentifier, réactiver cette énergie créatrice. En ce sens, célébrer, peindre ou chanter un territoire marque la propriété (au sens de responsabilité) d'un clan ou d'une personne. La créativité aborigène est sollicitée lors d'évènements historiques perturbants. De nouveaux rituels, chants, danses, peintures, peuvent alors être communiqués par rêves aux vivants par les esprits ancestraux. Ces nouvelles formes d'expression artistique viennent alors rejoindre l'énorme réservoir d'inspiration que constitue le Temps du Rêve. La création de l’École de Warmun (Turkey Creek) dans le Kimberley est un magnifique exemple de cette capacité. Elle permit aux Aborigènes d'exorciser le souvenir des massacres impunis perpétrés sur eux par les éleveurs blancs du Kimberley et de promouvoir l'esprit du « "Two ways, two laws" » (« Deux voies, deux lois »).


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Le plus souvent qualifiés de "Lonka-Lonka", les larges coquillages en nacre sont gravés de motifs figuratifs ou abstraits. Ils peuvent suggérer dans certains cas, les itinéraires sacrés des hommes-Tingari au cœur du désert, les zigzags du tonnerre et de la pluie, le Rêve de la baleine Min-Nimb, les mouvements de l'eau, les effets des marées, des traces laissées sur le sable à basse eau ou la symbolique des mouvements d'un serpent sur le sol.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Presque toujours, l'art aborigène traditionnel se rapporte au Temps du rêve mythologique, qui remonte à plusieurs siècles si ce n'est plusieurs milliers d'années, dans une sorte de continuité historique où le présent et le passé ne cessent de se conjuguer et se réinventer. Un rêve "ancestral" va ainsi se développer et s'étoffer de la mémoire des nouvelles générations et des évènements marquants comme indiqué plus haut. Plusieurs puristes modernes affirment que si une œuvre n'a pas un côté spirituel, alors ça n'est pas du « vrai » art aborigène. Wenten Rubuntja, un peintre de paysages aborigène dit qu'il est difficile de trouver un art qui soit exempt de tout contenu spirituel :


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Beaucoup de sites importants de peinture rupestre aborigène ont été progressivement désacralisés et détruits par l'arrivée des colons et des touristes d'aujourd'hui. Des dessins ont été détruits lors de travaux de construction, par l'érosion ou par les graffitis. Plusieurs sites maintenant nationaux doivent être surveillés par des gardes ou ont même été fermés définitivement au public.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: L'art aborigène s'affirmait avant tout comme un art collectif. Il y avait bien un propriétaire du Rêve pour son côté homme et pour son côté femme, dans une sorte de complémentarité, mais chacun à chaque génération jouait plus un rôle humble de passeur de mémoire. La peinture consistait juste en un support puissant le temps d'une cérémonie, sans attirer un intérêt spécifique une fois le rite terminé. Les peintures sur le sable étaient détruites, celles sur écorces brulées ou réutilisées, les motifs sacrés ne devant pas être visibles en particulier par des non-initiés.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: L'art aborigène contemporain porte une attention particulière à l'attachement au territoire, à sa lecture, à la préservation discrète des signes sacrés, camouflés derrière des points ou des pigments. Les premières peintures "modernes" devaient ainsi passer devant le cercle des anciens pour obtenir un aval avant d'être proposées sur le marché de l'art.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: L'art aborigène a progressivement cédé la place à des œuvres plus pérennes et innovantes. La grammaire picturale classique des rêves et représentations a progressivement offert de nouveaux terrains d'exploration et de créativité aux artistes grâce aux nouveaux supports (toile de lin, verre, bronze…) et matériaux (aquarelle, acrylique, film PVC pour protéger les pigments naturels des écorces peintes).


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: L'époque contemporaine a favorisé la naissance d'individualité chez les artistes aborigènes. De nouveaux styles bien identifiables sont apparus. Contrairement au passé, à la lecture d'une toile il devient évident que celle-ci est l'œuvre de tel artiste ou de tel autre. Le marché de l'art mise sur ces individualités et invite les peintres à signer leurs créations d'une écriture hésitante ou d'une simple croix, une photo numérique attestant de temps à autre de cet acte.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: En 1934, le peintre australien Rex Batterbee enseigna à plusieurs autres artistes aborigènes, dont Albert Namatjira, lors de la mission Hermannsburg, la peinture de paysages à l'aquarelle dans le style occidental. Ce genre devint populaire, et il y eut des expositions à Melbourne, Adelaide et d'autres grandes viles. Albert Namatjira devint, grâce à la popularité gagnée par ses tableaux, le premier citoyen aborigène d'Australie.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: En 1966, un dessin de David Malangi fut utilisé sur les billets australiens d'un dollar, au départ sans qu'il le sache. Le paiement qu'il reçut de la Reserve Bank en compensation en fit la première affaire de droits d'auteur aborigène de la loi australienne.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: En 1971-1972, le professeur d'art Geoffrey Bardon encouragea les habitants aborigènes de Papunya, au nord-ouest d'Alice Springs, à transposer leurs mythes sur le Temps du rêve sur toiles. Après avoir été dessinés sur le sable du désert, ceux-ci allaient recevoir une forme durable. Finalement, le style utilisé finit par devenir le plus reconnaissable de la peinture aborigène (la peinture « à points »). Beaucoup des peintures aborigènes que l'on trouve dans les boutiques de souvenirs montrent l'influence de ce style développé à Papunya. L'artiste le plus célèbre de ce mouvement fut sans doute Clifford Possum Tjapaltjarri, ainsi que Johnny Warangkula, dont "Water Dreaming at Kalipinya" se vendit par deux fois à un prix record ( la seconde fois, en 2000).


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: En 1983, les Aborigènes Warlpiri, à Yuendumu, se mirent à peindre les 36 portes de l'école de la ville d'histoires tirées de ce mythe, et commencèrent ainsi un mouvement artistique. En 1985 l'association d'artistes de Warlukwlangu fut fondée à Yuendumu, qui coordonnerait les peintres des environs. Paddy Japaljarri Stewart est le peintre le plus célèbre issu de cette époque.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: En 1988, un mémorial, le Torres Strait Islander, fut ouvert à la "National Gallery of Australia" à Canberra. Fait de 200 cercueils de bois similaires à ceux utilisés pour les cérémonies mortuaires sur l'île d'Arnhem, il commémorait les victimes aborigènes durant les conflits lors de la colonisation. Le passage au centre représente la Glyde River. 43 artisans venus de Ramingining et de communautés voisines y contribuèrent.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: À la fin des années 1980 et au début des années 1990, les travaux d'Emily Kame Kngwarreye gagnèrent en notoriété. Malgré toute sa vie passée à travailler dans l'art et l'artisanat, elle ne connut la popularité qu'à l'âge de 80 ans. Elle venait de la communauté d'Utopia, au nord-est d'Alice Springs. Elle ne se mit à la peinture qu'à la fin de sa vie, changeant de style tous les ans. Ses travaux sont souvent perçus comme un mélange d'art aborigène traditionnel et contemporain. Sa nièce Kathleen Petyarre est également l'une des plus importantes artistes aborigènes de sa génération.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Rover Thomas est un autre artiste contemporain aborigène. Né en Australie-Occidentale, il représenta l'Australie à la Biennale de Venise de 1990. Il eut des relations avec Queenie McKenzie, de la région d'East Kimberley, et l'encouragea aussi à peindre.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Parmi les artistes aborigènes apparus au , l'une des plus étonnantes est Sally Gabori, née en 1924, qui a également représenté l'Australie à la Biennale de Venise en 2013.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: De nombreux autres artistes continuent d'émerger des différentes communautés aborigènes, inventant la tradition au sens d'un trésor que l'on découvre. Ils utilisent d'un côté des codes couleurs plus audacieux, offerts par leur nouvel environnement sur les côtes australiennes.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Les Aborigènes ont en effet progressivement quitté le bush central aujourd'hui de moins en moins habitable en raison de l'assèchement progressif des nappes phréatiques du désert. Ainsi des pigments plus "osés" invitent à ré-interpréter les rêves des anciens avec les teintes des fleurs, des algues, de l'écume de l'océan qui rappellent également si bien celle des lacs salés au cœur du continent. La communauté de Bidyandanga près de Broome joue par exemple un rôle précurseur dans cette dynamique de créativité et de rupture.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Sur les terres de Maningrida, de nombreux artistes conservent et transmettent la mémoire des mythes au travers d'œuvres de plus en plus codifiées et abstraites. Les créations de John Mawurndjul inspirent toute une nouvelle génération et résonnent bien au-delà de l'Australie comme sur les plafonds de la librairie ou sur une colonne du Musée du Quai Branly, peintes par l'artiste.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Jeunes ou moins jeunes, de 26 ans (comme Daniel Walbidi de Bidyandanga par exemple) ou aux plus anciens octogénaires des communautés, les artistes aborigènes n'oublient pas leur rôle pédagogique et enseignent aux plus jeunes l'art de peindre, souvent au détriment de leurs propres créations.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Si l'art aborigène a permis de récupérer des terres hier, il s'avère aujourd'hui bien souvent comme un des seuls vecteurs naturels permettant aux jeunes générations de trouver une place dans la société.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: L'art fut hier un manifeste politique pour la reconnaissance des aborigènes, il devient presque aujourd'hui un passeport économique, dont le chiffre d'affaires annuel s'avère de plus en plus important et induit des excès.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: L'art aborigène reste le témoin d'une culture fragile. Autour des années 2000, les anciens à l'origine de cette renaissance artistique continuent de s'éteindre et la relève des jeunes générations s'avère bien timide. Pourtant les artistes du bush portent en témoin les mythes de leurs ancêtres, d'une des dernières cultures nomades de chasseurs-cueilleurs, comme un chaînon manquant avec nos origines. Des Aborigènes invités dans la grotte de Lascaux s'émurent des peintures représentées, suggestives également pour eux et demandèrent au guide : "Y a-t-il quelqu'un pour nous expliquer le sens de ces représentations ?".


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Quelques difficultés émaillèrent le marché de l'art aborigène ces dernières années avec des hommes d'affaires qualifiés de "carpet-baggers", exploitant la naïveté d'artistes souvent âgés, invités à peindre sous la contrainte, ou en compensation de dettes imaginaires.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Confronté à ces évènements pénalement répréhensibles et de plus en plus médiatisés, le Sénat Australien final report a tenté de protéger la création aborigène d'approches trop mercantiles grâce à 29 recommandations publiées le 21 juin 2007.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Les artistes aborigènes de leur côté continuent de s'organiser au sein de communautés artistiques souvent auto-gérées. Celles-ci protègent leurs droits, leur assurent un juste prix pour une toile, et conservent une petite réserve pour les achats du matériel collectif nécessaire à la création.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Un droit de suite sur les œuvres a également été institué afin que l'artiste de son vivant ou ses descendants profitent des plus-values potentielles générées par les ventes successives.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Le Musée d'art aborigène d'Utrecht (Hollande) est le premier musée consacré entièrement à l'art aborigène en Europe. Il offre la particularité d'inviter un dialogue entre l'art contemporain et l'art aborigène afin de souligner la proximité, les fertilisations croisées et la presque symbiose entre ces deux dimensions aujourd'hui. Le musée est fermé depuis le 1er août 2017.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Le Musée d'art aborigène australien "La grange" à (Neuchâtel, Suisse), dans le cadre de la Fondation Burkhardt-Felder, est l'un des très rares musées européens à se consacrer uniquement à cette forme d'art. Des expositions temporaires annuelles présentent dans un cadre éblouissant les chefs-d'œuvre d'artistes aborigènes de renommée internationale.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Le Berndt Museum of Anthropology de l'Université d'Australie-Occidentale possède la plus belle collection d'art aborigène au monde. Avec plus de œuvres et photographies, il continue chaque année sa collecte.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Un musée et centre d'art Buku-Larrnggay Mulka se situe dans la ville d'Yirrkala, une petite communauté aborigène au Nord-est du Territoire du Nord, approximativement à à l'est de Darwin. Il est entièrement consacré à l'art et la culture aborigène du nord de l'Australie.


title: Art des Aborigènes d'Australie

text: Le centre d'art Maningrida Arts & Culture ( centre MAC ) est installé dans la communauté de Maningrida qui se trouve au centre de la Terre d’Arnhem, au nord de l’Australie. MAC représente les œuvres de plus de 700 artistes résident dans la région de Maningrida qui s’étend sur plus de 10,000 kilomètres carrés. La plupart des artistes habitent dans une des 32 outstations ou campements isolés autour de Maningrida.


title: Excalibur, l'épée magique

text: Excalibur, l'épée magique ou La Légende de Camelot au Québec ("Quest for Camelot") est un film d'animation américain réalisé par Frederik Du Chau en 1998.


title: Excalibur, l'épée magique

text: Kayley est la fille de lady Juliana et de sir Lionel, un des chevaliers de la Table ronde qui a été tué dix ans auparavant en défendant le Roi Arthur, dans un affrontement contre sir Rubber, un autre chevalier avide de pouvoir. Rubber rêve de s'emparer d'Excalibur, l'épée magique du roi, pour asseoir son pouvoir sur le royaume. Il envoie donc son griffon voler Excalibur, mais celui-ci la perd en vol. Rubber change ses plans et décide alors de prendre la mère de Kayley en otage, et de l'utiliser pour pouvoir s'infiltrer à Camelot. Il envisage ainsi de vaincre le roi, désormais privé de son arme invulnérable, et de prendre sa place. Kayley part de son côté à la recherche d'Excalibur, et au cours de son long voyage, elle rencontre des amis : l'ermite aveugle Gareth, et les dragons siamois Devon et Cornouailles. Ensemble il feront tout pour retrouver Excalibur et sauver Camelot.


title: Excalibur, l'épée magique

text: "Quest for Camelot" est un jeu vidéo adapté du film sorti en 1998 sur Game Boy Color mais qui n'a pas eu de succès car loin d'être fidèle au film.


title: 19-2

text: 19-2 est une série télévisée québécoise créée par Réal Bossé et Claude Legault, et diffusée du au à ICI Radio-Canada Télé.


title: 19-2

text: La série a été adaptée pour le Canada anglophone et diffusée entre le et le sur Bravo! (saisons 1 à 3) et CTV (saison 4). En France la série est diffusée à partir du sur TV5 Monde.


title: 19-2

text: En , le réseau américain CBS commande un script pour la série "", adaptation de "19-2" qui se déroulera à Houston.


title: 19-2

text: Cette série suit l'équipage de la voiture 19-2 du Service de police métropolitain de Montréal. Après une fusillade blessant gravement son partenaire, le patrouilleur Nick Berrof se voit affecter Benoît Chartier, fraîchement muté de la Sûreté du Québec. Les deux hommes sont à couteaux tirés, mais doivent collaborer au quotidien pour faire correctement leur métier de policier, auquel chacun d'eux est avec rigueur très attaché. Vivant des histoires personnelles difficiles (Berrof est séparé de sa femme, qui est sergent-détective dans le même poste de police tandis que Chartier a subi une forme de banissement familial après l'arrestation qu'il a dû faire de son père et est délaissé par sa petite amie qui ne veut pas venir s'installer en ville), ils réussissent tant bien que mal à travailler ensemble. Les deux policiers se découvrent mutuellement au fil des interventions, souvent délicates et dangereuses, qu'ils doivent gérer alors qu'ils sont en prise avec des drames sociaux, le crime-organisé, mais également les problèmes de leurs collègues qui rejaillissent dans le quotidien du poste 19.


title: 19-2

text: La première saison de dix épisodes a été diffusée du au . Tous les épisodes ont été réalisés par Podz et scénarisés par Joanne Arseneau (sauf l'épisode 8) ainsi que Danielle Dansereau pour les trois derniers.


title: 19-2

text: Le , Radio-Canada a renouvelé la série pour une deuxième saison de dix épisodes. Ces derniers ont été diffusés du au . Tous les épisodes ont été réalisés par Podz et scénarisés par Danielle Dansereau (sauf les épisodes 7 et 8) ainsi que Martin Forget pour les épisodes 7 à 9.


title: 19-2

text: Cette troisième et dernière saison de dix épisodes est diffusée du au . Tous les épisodes ont été réalisés par Podz et scénarisés par Danielle Dansereau (épisodes 1, 3 et 5) ainsi que Martin Forget (épisodes 2, 4 à 6) et François Avard (épisodes 5 et 6).


title: 19-2

text: Les dix mini-épisodes disponibles sur le site officiel de Radio-Canada explorent une histoire parallèle à un personnage rencontré lors de l'épisode diffusé à la télé.


title: 19-2

text: La musique originale, composée par Nicolas Maranda, a valu au compositeur deux prix Gémeaux, et l'album a paru en ligne à l'automne 2011.


title: 19-2

text: Les critiques ont été très positives dans l'ensemble. Le jeu des acteurs et la réalisation de Podz ont été applaudis par les critiques. Les corps policiers ont apprécié la série, y voyant une occasion pour eux de mieux faire comprendre à la population leur vie quotidienne.


title: 19-2

text: Durant sa première saison, elle a attiré près de 1,3 million de téléspectateurs par semaine, ce qui en fait le succès de l'hiver 2011 au Québec. Elle a obtenu un pic de le , et la finale de la première saison a attiré , se classant première dans sa case horaire.


title: 19-2

text: Dans sa deuxième saison, deux ans après, les critiques ont unanimement applaudi le premier épisode, décrit comme d'une virtuosité remarquable. Celui-ci est centré sur une fusillade dans une école secondaire, avec un plan-séquence de treize minutes. Il a été vu par en direct, soit une audience de 39 % des cotes d'écoute de cette soirée au Québec.


title: 19-2

text: La série reçoit plusieurs nominations pour des prix décernés par le public, comme les gala Artis et les Zapettes d'Or. La série, avec dix-huit nominations aux prix Gémeaux en 2011, en a reçu douze à l'issue du gala qui a eu lieu le .


title: 19-2

text: La série a reçu une commande de pilote par le réseau CBC pour une version en anglais mettant en vedette Adrian Holmes dans le rôle de Nick et Jared Keeso dans le rôle de Ben, qui a été tourné en à Montréal. CBC a cependant refusé de programmer cette télésérie, et la chaîne Bravo! a repris le projet. Le comédien Benz Antoine reprend son rôle alors que Maxim Roy interprète celui de Julie Perreault dans le rôle d'Isabelle. La diffusion de la série a débuté le et le pilote a été rediffusé le lendemain sur le réseau CTV.


title: 19-2

text: Pour la première saison, les scripts et intrigues sont presque les mêmes que la version québécoise, mais rejouées par la distribution anglophone. Au cours de la deuxième saison, les idées de base sont retenues (le plan-séquence de la tuerie scolaire, la taupe, la descente policière), mais de nouvelles histoires sont explorées, et l'évolution des personnages se trouve modifiée, alors que d'autres sous-histoires sont transposées dans un contexte différent. Quant à la langue, les personnages principaux que les invités parlent naturellement en anglais comme si la série avait été doublée. Les prénoms, affichages et panneaux en français sont conservés, à l'exception de papiers vus de près et auxquels le téléspectateur doit porter attention.


title: 19-2

text: Le , la série est renouvelée pour une quatrième et dernière saison de huit épisodes diffusée depuis le sur le réseau CTV.


title: Panurge

text: Panurge (du grec ancien / signifiant « apte à tout faire, méchant ») est l'un des personnages de François Rabelais, ami du géant Pantagruel. Figure comique et exubérante, il accompagne la totalité de la geste romanesque rabelaisienne, excepté dans "Gargantua".


title: Panurge

text: Lorsque Pantagruel rencontre Panurge, celui-là, d'une belle physionomie mais misérablement vêtu, gagne immédiatement son affection. Panurge réclame la charité en quatorze langues (dont trois imaginaires, le lanternois, l'utopien et le langage des antipodes), avant de s'exprimer en français . Le lanternois consiste en un baragoin reposant sur l'hybridation du français et d'autres idiomes tels que l'anglais, comme l'illustre le mot « delmeplistrincq » pour « donne-moi please to drink ». L'antipodien repose lui sur le mélange des langues arabes, syriaques et hébraïques réinventées. Ces deux jargons illustrent l'inclination de Rabelais pour l'amalgame humoristique des langues.


title: Panurge

text: Dès le début du "Tiers Livre", la binarité entre Pantagruel, géant humaniste, et Panurge le débauché, se retrouve dans la manière dont ce dernier, nommé châtelain de Salmigondin, dilapide joyeusement son domaine tandis que le premier peuple avec bonheur les terres de Dipsodie.


title: Panurge

text: Mais surtout, Panurge décide de se marier. D'un caractère moins enjoué que dans le précédent roman, il est partagé entre son désir charnel et la peur d'être cocu. Il demande conseil à une multitude de personnages, comme une sybille, le fou Triboulet ou le poète Raminagrobis, mais s'oppose toujours à Pantagruel sur l'interprétation des prédictions, refusant la conclusion pessimiste quant à un éventuel déboire conjugal.


title: Panurge

text: Dans le quatrième roman de la geste pantagruélique, le "Quart Livre", Panurge part sur les mers avec ses compagnons chercher une réponse auprès de l'oracle de la Dive bouteille. L'un de ses plus célèbres hauts faits est d'avoir jeté le mouton acheté à Dindenault par-dessus bord, afin que le reste du troupeau se jette à sa suite. De là est issue l'expression « mouton de Panurge ».


title: Panurge

text: En revanche, dans l'épisode ultérieur de la tempête maritime, Panurge se remarque par sa couardise et sa superstition en multipliant les prières inutiles, en suppliant Frère Jean de ne pas jurer et en donnant des ordres aux mariniers tandis qu'il gémit sans leur venir en aide. Ces deux passages évoquent "Baldus", un texte macaronique de Teofilo Folengo. Le personnage de Cingar manifeste le même humour cruel face au marchand et accourt en vain dans tous les sens en pleine tempête. En revanche, Rabelais accentue le côté burlesque de ces scènes.


title: Panurge

text: Le personnage de Panurge apparaît dans des œuvres narratives et théâtrales, s'inspirant ou non de l'univers rabelaisien. Ainsi, le livret de colportage "Le Disciple de Pantagruel", dont la première édition attestée remonte à 1538, met bien en scène ce personnage dans un récit hérité du premier roman de Rabelais, mais il est dépourvu de caractère et se trouve même remplacé dans certaines éditions ultérieures.


title: Artyom Dziouba

text: Artyom Sergueïevitch Dziouba (en ) est un footballeur international russe, né le à Moscou, en Union soviétique, évoluant au poste d'attaquant.


title: Artyom Dziouba

text: Artyom Dziouba intègre l’académie de football du Spartak Moscou dès son plus jeune âge. En 2005, il signe son premier contrat professionnel avec son club formateur. Il fait ses débuts pour l’équipe première le 20 septembre 2006, à l’occasion des seizièmes de finale de la coupe de Russie contre l’Oural Ekaterinbourg. Le 21 juin 2006, il remplace Nikita Bajenov à la lors du match de la contre le Saturn Ramenskoïe et joue ainsi ses premiers instants de championnat (score final 1-1).


title: Artyom Dziouba

text: Lors de la saison 2007, il est un joueur plus régulier de l’effectif du Spartak, même s’il est rarement titulaire, il prend part à 27 rencontres et marque 5 fois (toutes compétitions confondues). Cette année-là, le Spartak termine vice-champion de Russie et Artiom assume entièrement sa récompense de jeune joueur de l'année de l’« équipe du peuple » qui lui avait été décerné au terme de la saison 2006.


title: Artyom Dziouba

text: Il marque son premier but le 15 avril 2007 contre le Tom Tomsk lors de la cinquième journée de championnat après avoir remplacé Denis Boïarintsev à la mi-temps. Il ne marquera qu’une fois en championnat mais inscrira deux buts en coupe et deux buts en Europe.


title: Artyom Dziouba

text: Durant la saison 2008, Dziouba est à nouveau un remplaçant récurrent, il trouve six fois le chemin des filets pour 23 rencontres disputés. Il marque son unique but de championnat le 23 août contre le Dinamo Moscou mais son équipe subit tout de même une défaite ce jour-là. En coupe, il ne participe qu’à une seule rencontre mais inscrit un doublé contre le Dinamo Briansk et propulse ainsi son équipe en huitième de finale.


title: Artyom Dziouba

text: Il marque également un doublé contre Tottenham en phase de groupe de la coupe UEFA mais cela ne suffira pas pour défaire les Londoniens.


title: Artyom Dziouba

text: La saison 2009 commence normalement pour Dziouba, celui-ci inscrit deux buts en huit matchs contre Tomsk et Ramenskoïe durant la première partie de la saison.


title: Artyom Dziouba

text: Cependant, lors de la période de transition qui sépare la première partie de la deuxième partie du championnat russe (depuis 2012, le format du championnat est différent), le Spartak se rend en stage de préparation en Autriche où éclate un conflit entre Dziouba et son coéquipier Vladimir Bystrov (Dziouba aurait volé de l'argent à son coéquipier) . Ce conflit ne se résolvant pas, les dirigeants de l’équipe moscovite le voient comme une bonne occasion de prêter Dziouba par ailleurs en manque de temps de jeu.


title: Artyom Dziouba

text: Celui-ci est prêté au Tom Tomsk pour la deuxième phase du championnat. Il devient rapidement un cadre de son équipe provisoire, le 3 octobre, il inscrit un doublé contre le Saturn Ramenskoïe.


title: Artyom Dziouba

text: La saison 2010 débute à nouveau au Spartak pour Artiom Dziouba mais celui-ci est presque immédiatement prêté pour une nouvelle saison à Tomsk. Il ne joue que deux matchs et ne marque pas avec l’équipe moscovite. À Tomsk, il réalise sa première saison pleine et stable. Son association avec Sergueï Kornilenko s’avère fructueuse et Dziouba dresse finalement un bilan satisfaisant au terme de cette saison : 11 buts en 25 matchs. Il est également nommé troisième meilleur attaquant du championnat.


title: Artyom Dziouba

text: Il fait son retour chez les rouges et blancs en phase aller des seizièmes de finale de la Ligue Europa contre l’équipe suisse de Bâle. Il marque un des trois buts du Spartak ce soir-là (score final 3-2). Au match retour, il délivre une passe décisive pour Aiden McGeady (score final 1-1 ; scores cumulés 4-3). Le 3 mars, il participe à la qualification du Spartak en quart de finale de la Coupe de Russie en ouvrant le score (score final 2-0).


title: Artyom Dziouba

text: Le 14 avril, il marque contre Porto en huitième de finale de la Ligue Europa mais son équipe se fait éliminer sur le score de cinq buts à deux. Il inscrit un doublé lors de la large victoire du Spartak sur le FK Krasnodar (4-0) le 21 mai 2011.


title: Artyom Dziouba

text: À l’occasion du derby central moscovite (Spartak-CSKA), il se fait également remarquer en inscrivant le seul but de son équipe (score final 1-2) le 28 avril 2012. Quelques jours plus tard, lors du match contre le Zenit Saint-Saint-Pétersbourg, il rentre pour la première fois sur la pelouse avec le brassard de capitaine (le Spartak s’impose 3-2).


title: Artyom Dziouba

text: Enfin, il inscrit un des deux buts du Spartak contre le Lokomotiv Moscou permettant à son équipe de gagner et de se qualifier pour la Ligue des Champions.


title: Artyom Dziouba

text: Artiom Dziouba termine sa saison sur un bilan très convenable, s’il ne s’est pas montrer extrêmement prolifique (14 buts en 52 matchs, dont 11 en championnat), il a tout de même délivré huit passes décisives (ce qui est relativement au-dessus de la moyenne des avants-centres standards), il s’est imposé comme un jeune cadre charismatique et a su être efficace à des moments clés.


title: Artyom Dziouba

text: À l’issue de la saison 2012-2013, les performances de Dziouba, à l’image de celles du Spartak, s’avèrent décevantes. Le Spartak arrache la quatrième place lors de la dernière journée de championnat et Dziouba ne marque que quatre fois en 25 matchs de championnat (il ne marque pas de buts dans les autres compétitions). Le parcours de l’équipe en Ligue des Champions est également décevant puisqu’il termine dernier de son groupe (derrière le FC Barcelone, le Celtic Glasgow et le Benfica Lisbonne). Son inefficacité est tout de même à relativiser, il délivre tout de même huit passes décisives et demeure un des tout premiers choix de Valeri Karpine, qui l’essaye également en milieu offensif central au cours de la saison (notamment avec l’arrivée de Yura Movsisyan du FK Krasnodar, avant-centre arménien). Malgré tout, au terme de cette saison, Dziouba est une nouvelle fois prêté. Il part pour Rostov qui s’était battu pour le maintien en 2012-2013.


title: Artyom Dziouba

text: Si Dziouba n’a pas caché sa tristesse en quittant une nouvelle fois Moscou à l’été 2013, cela ne s’est pas ressenti sur ses formidables premières performances. En effet, lors de la première journée de championnat, alors que Rostov est mené 0-1 par le Terek Grozny, dans les dernières minutes, l’équipe obtient un pénalty, Dziouba se charge de le transformer. Quelques instants plus tard, dans le temps additionnel, il marque un second but, de la tête cette fois, sur un centre de son coéquipier du Spartak également prêté, l’international géorgien Jano Ananidze. Lors du match suivant, il inscrit un triplé (le premier de sa carrière) contre le club où il a passé deux saisons en prêt, le Tom Tomsk. À la troisième journée, il marque à nouveau et se retrouve à six buts en trois matchs soit déjà plus que la saison précédente. Propulsé en tête des buteurs du championnat russe, il s’intègre parfaitement dans son nouveau club provisoire. Après ce signe d’excellente forme, il est logiquement convoqué par Fabio Capello en équipe de Russie pour le match à Belfast contre l’Irlande du Nord comptant pour les phases de poule des éliminatoires de la coupe du monde 2014 (sa première convocation pour un match à réel enjeu).


title: Artyom Dziouba

text: Le 8 mai 2014, il obtient le premier trophée de sa carrière : la coupe de Russie que Rostov remporte contre le FK Krasnodar à l'issue d'une séance de tirs au but où Dziouba marquera son penalty (0:0 - 5:6).


title: Artyom Dziouba

text: Dziouba clôt la saison avec 17 buts (dont 5 penaltys) et trois passes décisives en s'étant affirmé comme un des cadres de l'équipe et un des joueurs les plus en vue du championnat. Par ailleurs, avec 2488 minutes de jeu pour 28 matchs, il aura été l'attaquant le plus sollicité de première division russe. Il marque également deux buts sur penalty en coupe.


title: Artyom Dziouba

text: Revenu de Rostov comme troisième meilleur buteur du championnat, de nombreux espoirs sont placés en Dziouba alors que l'équipe enchaîne les saisons peu convaincantes. Murat Yakin, nouvel entraîneur du club, le titularise dès la première journée (match à l'extérieur contre Kazan). Ce choix s'avère judicieux puisque Dziouba inscrit deux buts de véritable avant-centre démontrant sa polyvalence et ses qualités de finition (score final 0-4), Yakin n'hésitera d'ailleurs pas à se montrer dithyrambique à son sujet ce soir-là. A nouveau titulaire pour la deuxième journée, Dziouba s'illustre plus que jamais sur la pelouse de l'Arena Khimki face au Dynamo Moscou en inscrivant à nouveau un doublé alors que le Spartak aura été clairement dominé et qu'il n'aura trouvé le cadre que trois fois (victoire 1-2).


title: Artyom Dziouba

text: Le 29 octobre 2021, Dziouba inscrit son en championnat à l'occasion d'un succès 4-1 contre le Dynamo Moscou, devenant à cette occasion le meilleur buteur de l'histoire de la compétition devant Oleg Veretennikov.


title: Artyom Dziouba

text: Au mois de , à l'issue de la saison 2021-2022, Dziouba annonce son départ du club où il évolue depuis sept ans.


title: Artyom Dziouba

text: Le , Dziouba signe au club turc de l'Adana Demirspor pour un an, plus une année supplémentaire optionnelle. Convoité pendant l'été par plusieurs clubs turcs, il découvre à trente-trois ans son premier club étranger.


title: Artyom Dziouba

text: Dziouba est titularisé par Vicenzo Montella quatre jours après sa signature, jour de ses trente-quatre ans, lors de la troisième journée de Süper Lig. L'Adana, opposée au Fenerbahçe SK, s'incline sur le score de 4-2 mais le Russe inscrit son premier but. Une nouvelle fois titulaire le match suivant, l'attaquant ne parvient toutefois pas à convaincre son entraîneur et il perd en temps de jeu, enchaînant trois rencontres de suite sur le banc de touche entre la sixième et la huitième journée. Au début du mois de novembre, Dziouba résilie son contrat avec l'Adana d'un commun accord. La raison qu'avance la presse est qu'il n'entrait pas dans les plans de jeu de Montella. Au cours de son bref passage turc, il inscrit un but en cinq matchs.


title: Artyom Dziouba

text: En 2009, Artiom Dziouba est convoqué en équipe de Russie espoirs. Il marquera en tout quatre buts en neuf matchs.


title: Artyom Dziouba

text: Il joue son premier match avec l'équipe première à l'occasion d'une rencontre amicale avec la Grèce, il joue la première mi-temps et le match finit sur un score de parité (1-1).


title: Artyom Dziouba

text: Il est candidat pour participer à l'Euro 2012 mais il ne rentre pas dans les plans de Dick Advocaat et son poste comporte déjà beaucoup de joueurs expérimentés comme Aleksandr Kerjakov ou Pavel Pogrebniak.


title: Artyom Dziouba

text: Lors d'un autre match amical contre les États-Unis cette fois, Dziouba rentre en fin de match et provoque un pénalty transformé par Roman Chirokov (score final 2-2).


title: Artyom Dziouba

text: Il inscrit le 8 juin 2019 un quadruplé contre l'équipe de Saint-Marin lors d'une victoire 9-0 des siens dans le cadre des éliminatoires de l'Euro 2020.


title: Artyom Dziouba

text: Le 8 novembre 2020, une sextape de Dziouba ainsi que des photos personnelles dénudées, hackées par des pirates russes, sont partagées sur les réseaux sociaux. Pour protéger son groupe, le sélectionneur Stanislav Cherchesov décide alors de ne pas le convoquer pour le rassemblement de la semaine suivante. Des célébrités comme les chanteurs Sergey Lazarev et Svetlana Loboda ou la ballerine Anastasia Volotchkova apportent leur soutien au footballeur.


title: Artyom Dziouba

text: Le 11 novembre, un avion de la compagnie aérienne russe Pobeda, avec 102 passagers à bord, s'écarte de sa direction pour dessiner un pénis par sa trajectoire. La manœuvre, effectuée en guise de soutien à Dziouba, fait l'objet d'une enquête de l'Agence fédérale russe de l'aviation (Rosaviatsia), qui recommande à Aeroflot, société-mère de Pobeda, de congédier la direction de celle-ci pour avoir manqué à la politique de sécurité aérienne. Le conseil d'administration de Pobeda inflige alors un blâme au PDG de la compagnie et licencie un de ses adjoints.


title: Artyom Dziouba

text: Artiom Dziouba, jeune, a souvent été comparé à Zlatan Ibrahimović par son physique très imposant mais il ne s'est finalement révélé semblable à ce joueur que sur ce point.


title: Artyom Dziouba

text: Ses principales qualités sont la puissance et le jeu de tête que sa taille lui confère en partie mais Dziouba a souvent souffert d’un manque d’efficacité et a parfois dressé des bilans faméliques et décevants par rapport aux attentes qui étaient placées en lui. De plus, il semble peiner à trouver son poste de prédilection et a ainsi joué souvent en milieu offensif central plutôt qu’en avant-centre sans pour autant montrer des signes d’une grande polyvalence.


title: John Gavin

text: John Anthony Golenor, dit John Gavin, né Juan Vincent Apablasa le à Los Angeles (Californie) et mort le à Beverly Hills, est un acteur américain et ambassadeur des États-Unis au Mexique de 1981 à 1986.


title: John Gavin

text: Né Juan Vincent Apablasa Jr., John Gavin est d'ascendance mexicaine, chilienne et espagnole, et parlait couramment l'espagnol. Son père, Juan Vincent Apablasa, est d'origine chilienne, et ses ancêtres paternels, dont Cayetano Apablasa, étaient parmi les premiers propriétaires fonciers en Californie alors encore sous domination espagnole. La mère de John Gavin, Delia Diana Pablos, est issue de la famille historiquement influente Pablos dans l'État mexicain de Sonora. Environ deux ans après la naissance de John Gavin, sa mère a obtenu le divorce. Son second mariage a permis à Ray Golenor d'adopter John et a changé son nom en John Anthony Golenor.


title: John Gavin

text: Trop jeune pour participer à la seconde guerre mondiale, il a servi dans l'armée pendant la guerre de Corée.


title: John Gavin

text: Nommé dans la marine américaine en 1952 comme officier, il a servi dans le renseignement aéronaval jusqu'à sa libération en 1955.


title: John Gavin

text: D'une grande beauté, dans la lignée de Cary Grant (moins l'humour) et Rock Hudson, il est choisi par Douglas Sirk (qui consacra Hudson) pour être le héros de deux mélodrames brillants : "Le Temps d'aimer et le Temps de mourir", une adaptation d'un roman de Erich Maria Remarque, et "Mirage de la vie", où il a pour partenaire Lana Turner. En 1960, il figure en bonne place dans "Spartacus" de Stanley Kubrick et dans "Psychose" d'Alfred Hitchcock. il ne s'entendit pas sur le plateau avec Hitchcock qui le qualifiait de "cloche". Dans son livre "Alfred Hitchock Une vie d'ombres et de lumières" page 762, Patrick McGilligan écrit : ""Hitchcock était moins enthousiaste quant à John Gavin, qu'en privé il appelait The Stiff . Gavin lui faisait des suggestions de costume ou de jeu, mais ses idées affligeaient le réalisateur"""."


title: John Gavin

text: Partenaire romantique de Doris Day ("Piège à minuit"), puis de Sophia Loren ("Scandale à la cour") et de Susan Hayward ("Histoire d'un amour"), sa carrière de jeune premier se marginalise dès 1961 et menace de sombrer dans la mièvrerie, car il est régulièrement associé à Sandra Dee, notamment dans "Romanoff et Juliette" de Peter Ustinov, une adaptation parodique de Shakespeare où il joue un Roméo devenu le fils d'un ambassadeur russe. John Gavin accepte alors des rôles plus diversifiés. Il interprète, en 1967, le rôle-titre dans "Pedro Páramo", un film mexicain réalisé par Carlos Velo d'après le roman éponyme de Juan Rulfo, puis accepte d'être Hubert Bonisseur de La Bath dans "Pas de roses pour OSS 117" du Français André Hunebelle en 1968 et, l'année suivante, fait partie de la distribution internationale de "La Folle de Chaillot", tourné en Grande-Bretagne, ce qui constitue son baroud d'honneur. Il ne tournera plus ensuite qu'une poignée de films pour le cinéma, d'horreur en général, dont "La casa de las sombras" au côté d'Yvonne De Carlo en 1976.


title: John Gavin

text: Cependant, en 1971, les producteurs de James Bond annoncent que Gavin, (bien que de nationalité américaine, ce qui est contraire au cahier des charges de la société Eon, qui veut que Bond doit être interprété par un britannique ou venant d'un pays membre du Commonwealth) succèdera à George Lazenby dans le rôle-titre mais finalement, à la suite des démarches de David Picker de United Artists, c'est Sean Connery qui reprendra le rôle pour "Les diamants sont éternels". Malgré tout, il reçut son cachet sans avoir joué, ainsi que l'explique le coproducteur Albert R. Broccoli dans ses mémoires "When the snow melts", à la page 222. En 1973, Sean Connery refusant définitivement de revenir pour le James Bond suivant, "Vivre et laisser mourir", John Gavin est à nouveau pressenti parmi d'autres comédiens, mais cette fois, le coproducteur Harry Saltzman estime que sa nationalité américaine est un problème et le rôle est donc attribué à Roger Moore.


title: John Gavin

text: Dans la version française de "Pas de roses pour OSS 117" contrairement à ses prédécesseurs Kerwin Mathews et Frederick Stafford, John Gavin est doté d'une voix à l'accent américain.


title: John Gavin

text: Sa carrière à la télévision s'avère très décevante : des participations à "Mannix", "La croisière s'amuse" et, plus tard, "L'Île fantastique" et "Pour l'amour du risque" (ses deux derniers rôles). Seule exception notable : il prête ses traits pour incarner Cary Grant dans la biographie télévisée de Sophia Loren, avec celle-ci dans son propre rôle.


title: John Gavin

text: Par ses origines, John Gavin parle couramment l'espagnol. Il sera nommé ambassadeur des États-Unis au Mexique par son ami le président Ronald Reagan en mai 1981.


title: John Gavin

text: Divorcé de Cicely Evans, avec laquelle il a eu deux filles, John Gavin a été marié de 1974 à sa mort avec l'actrice Constance Towers.


title: Margot

text: Margot ou Margaux est un prénom féminin français, forme hypocoristique et contractée du prénom Marguerite.


title: Margot

text: La reine Marguerite de Valois était surnommée La Reine Margot, un surnom popularisé notamment grâce à la pièce de théâtre éponyme et au roman éponyme d'Alexandre Dumas au . Puis la forme Margaux a été popularisée de manière plus récente, d'après le grand vin du même nom : le Château Margaux, dont le second élément "Margaux" est lui-même une variante de "Margot". Margaux Hemingway, fille de Jack Hemingway et petite-fille d'Ernest Heminqway, semble compter parmi les premières personnes porteuses du prénom "Margaux". Prénommée « Margot » à l'état civil, c'est elle qui aurait modifié son nom en « Margaux », lorsqu'elle a appris que ses parents lors de sa conception, avaient consommé du Château Margaux, grand cru bordelais que son grand-père aimait particulièrement.


title: Margot

text: Margot est un prénom majoritairement féminin, mais ce prénom peut néanmoins être également masculin. Apparu au début des années 1980, il a vu son utilisation augmenter rapidement pour finalement atteindre son maximum en 1999 avec naissances (uniquement féminines). Quant aux garçons, leur nombre de naissances annuelles n'a encore jamais dépassé la dizaine.


title: Margot

text: La sainte Marguerite se fête le 16 novembre, en référence à sainte Marguerite, reine d'Écosse (1045-1093) qui fut canonisée en 1251 par Innocent IV.


title: Margot

text: La vie de la reine Marguerite de France et le roman "La Reine Margot" qu'en a tiré Alexandre Dumas ont inspiré plusieurs films :


title: Mode dorien

text: Le mode dorien peut se référer à trois notions très différentes mais interreliées : celle de l"'harmoniai" en Grèce antique (comportement mélodique caractéristique, ou gamme associée) ; celle médiévale de modes musicaux ; ou, plus communément, celle de gammes diatoniques modernes, correspondant aux notes naturelles de ré à ré (justifiant ainsi son nom de "mode de ré"), ou n'importe quelle transposition de celle-ci, par exemple la gamme de do à do avec un si et un mi.


title: Mode dorien

text: Le mode dorien (proprement "harmonia" ou "tonos") est nommé d'après les Grecs Doriens. Appliqué sur une octave complète, le type d'octave dorien a été construit sur deux tétracordes (segments de quatre notes) séparé par un ton, partant du "hypate meson" jusqu'au "nete diezeugmenon". Dans le genre enharmonique, les intervalles dans chaque tétracorde sont quart-de-ton/quart-de-ton/tierce majeure ; dans le genre chromatique, demi-ton/demi-ton/tierce mineure; dans le genre diatonique, demi-ton/ton/ton. Dans le genre diatonique, la séquence au-delà de l'octave est la même que celle produite en jouant les notes blanches du piano en montant de mi à mi : mi fa sol la | si do ré mi, une séquence équivalente au mode phrygien moderne. Disposer un ton isolé en bas de la gamme suivi par deux tétracordes conjoints (de sorte que la note supérieure du premier tétracorde est aussi la note inférieure du second), produit le type d'octave hypodorien ("sous-dorien") : la | si do ré mi | (mi) fa sol la. Disposer les deux tétracordes ensemble et le ton isolé en haut de la gamme produit le type d'octave mixolydien, une séquence de notes équivalent au mode locrien moderne.


title: Mode dorien

text: L'Église byzantine primitive développa un système de huit modes musicaux (L'Octoéchos), qui servit de modèle pour les théoriciens européens médiévaux du chant quand ils développèrent leur propre système de classification modal dès le . Le succès de la synthèse occidentale de ce système avec des éléments tirés du quatrième livre de "De institutione musica" par Boèce (ou Boethius), créa la fausse impression que l'oktōēchos byzantin fut directement hérité de la Grèce antique. Initialement utilisé pour désigner un des traditionnels "harmoniai" de la théorie grecque (un terme avec des significations variées, dont le sens d'une octave constituée de huit tons), le nom fut emprunté (avec les six autres) par le théoricien du , Ptolémée, pour désigner ses sept "tonoi", ou clefs de transposition. Quatre siècles plus tard, Boethius interpréta Ptolémée en latin, avec encore le sens de clefs de transposition, et non de gamme. Quand la théorie du chant a été formulée pour la première fois au , ces sept noms plus un huitième, hypermixolydien (plus tard changé en hypomixolydien), furent encore réappropriés dans le traité anonyme "Alia Musica". Un commentaire sur ce traité, appelé le "Nova expositio", donna le premier son nouveau sens comme celui d'un ensemble de huit types d'octave diatoniques, ou gammes. Dans la théorie médiévale, le mode dorien authentique pouvait inclure la note si "par licence", en plus du si. La même échelle, mais démarrant à une quarte ou une quinte en dessous du mode final ré, et se prolongeant une quinte au-dessus (ou une sixte, en terminant sur un si), fut numéroté comme le mode 2 dans le système médiéval. Il s'agissait du mode plagal correspondant à l'authentique mode dorien, et était appelé le mode hypodorien. Dans la forme non transposée en ré, dans les formes à la fois authentique et plagal, la note do est souvent rehaussée à do pour former un ton maître, et le degré variable de sixte est en général le si en montant et si en descendant.


title: Mode dorien

text: Le mode dorien moderne (aussi appelé mineur russe par Balakirev), est une gamme diatonique correspondant au schéma suivant :


title: Mode dorien

text: Le mode dorien est une gamme symétrique, voulant dire que le schéma des tons et demi-tons (1-½-1-1-1-½-1) est le même en montant qu'en descendant.


title: Mode dorien

text: Il est possible de le concevoir comme une gamme mineure (tierce mineure) avec une sixte majeure ; la septième mineure, la seconde majeure, la quarte juste et la quinte juste de la gamme mineure naturelle n'étant pas altérées : schéma 2M 3m 4J 5J "6M" 7m ou m-7-9-11-13).


title: Mode dorien

text: Il peut être considéré comme un "extrait" de la gamme majeure jouée un ton au-dessus de la tonique de la gamme majeure (dans la clef de do majeur ce serait ré, mi, fa, sol, la, si, do, ré), c'est-à-dire une gamme majeure jouée depuis son deuxième degré jusqu'à son deuxième degré. La gamme résultante est, cependant, qualifiée "mineure", car, puisque le "ré" devient le nouveau centre tonal, le fa qui est une tierce mineure au-dessus du ré devient la nouvelle médiante, ou troisième degré. Si une triade est construite à partir de la tonique, c'est une triade mineure.


title: Mode dorien

text: Le mode dorien moderne est équivalent à la gamme mineure naturelle (ou mode aéolien) mais avec un sixième degré augmenté d'un demi-ton (6M ou 13 à l'octave). De façon déroutante, le mode dorien moderne ressemble à l"'harmonia" phrygienne dans le type diatonique. (Il doit également être noté que le type diatonique de l' "harmonia" dorienne ressemble au mode phrygien moderne).


title: Mode dorien

text: La seule différence entre la gamme dorienne et la gamme aéolienne est selon si la sixte est majeure (mineure en aéolien, majeure en dorien). Les triades I, IV, et V du mode dorien sont respectivement mineur, majeur, et mineur (i-IV-v), contrairement au tout mineur (i-iv-v) en aéolien. Dans les deux modes, dorien et aéolien, strictement appliqués, la triade dominante est mineure ; contrairement à la triade dominante du ton mineur (harmonique), qui est normalement majeure. Il est aussi utile de noter que le sixième degré de la gamme est souvent augmenté dans la musique mineure (par exemple avec la septième en ascendant), comme il est diminué en mode dorien (voir gamme mineure mélodique).


title: Mode dorien

text: Le mode dorien est harmoniquement similaire au mode mineur mélodique ascendant, à l'exclusion du septième degré qui est mineur en dorien.


title: Mode dorien

text: Le mode dorien est très proche du mode mixolydien à la seule différence de la médiante (à distance de tierce de la tonique). Du fait que le mode mixolydien est abondamment utilisé en jazz (car permettant l'improvisation sur l'accord de septième de dominante), de cette similarité du dorien avec le mixolydien, et de l'utilisation du dorien en jazz, le dorien est aussi connu comme le mode jazz mineur.


title: Mode dorien

text: En dorien, l'accord de dominante est mineur, alors que majeur en mode mineur harmonique. Par conséquent, l'accord de septième perd donc la dissonance lié au triton entre sa tierce et sa septième et le caractère d'accord de "septième de dominante" (fonction de dominante).


title: Mode dorien

text: Une seconde différence harmonique est que l'accord de sous-dominante devient majeur en mode dorien (mais mineur en clefs mineurs) du fait du sixième degré qui devient majeur. L'accord de sous-dominante majeur donne ainsi au mode dorien une tonalité plus brillante que le mineur naturel. De plus, la sus-dominante rehaussée est à un triton de la médiante mineure, ce qui confère à la sous-dominante une qualité d"accord de dominante".


title: FRAM (entreprise)

text: FRAM (acronyme de Fer Route Air Mer) est un voyagiste français fondé en 1949. D'une simple agence locale implantée à Toulouse, FRAM devient au cours de son existence un groupe aux multiples entités déclinant son nom, telles « FRAM Voyages » ou « FRAM Agences ». Longtemps fleuron du tourisme français derrière le Club Med et Nouvelles Frontières, troisième voyagiste après TUI et Thomas Cook, FRAM progresse inexorablement au cours du jusqu'à atteindre son point culminant à l'aube des années 2000. Peu après, l’entreprise connait ses premières difficultés sur fond de conflits d'actionnaires familiaux, crise du tourisme, avec son réseau de distribution se révélant peu efficace, jusqu'à connaitre un dépôt de bilan la décennie suivante puis un rachat.


title: FRAM (entreprise)

text: La marque FRAM est exploitée par la société Plein Vent Toulouse filiale de Voyage Invest sans relations juridiques ou financières avec l'entité précédente. Elle a été créée le . C'est une filiale de Voyages Invest, présidée par Alain de Mendonça, également président de Karavel.


title: FRAM (entreprise)

text: En 1949, la FRAM, une minuscule agence de voyages, est créée à Toulouse. Les fondateurs souhaitent retrouver l’esprit d’un groupe d’amis cherchant à organiser des voyages en groupes à bas prix, un créneau alors nouveau. L'ancien militaire et résistant Philippe Polderman reprend l'agence très peu de temps après et en assure la direction. Après un an d'ouverture, l'agence fait voyager . FRAM propose d’abord des voyages vers Lourdes, Fátima et Andorre, surtout des lieux de pèlerinage, principalement en bus et en train. FRAM laïcise ensuite ses destinations puis devient voyagiste en achetant ses premiers cars pour l'organisme . Par la suite, le positionnement économique de FRAM ne sera pas vers les prix les plus bas, mais vers un milieu de gamme visant une clientèle populaire démocratisant les vacances au soleil. En 1958, FRAM affrète son premier petit avion charter à destination des Baléares. Le nombre de client croit rapidement et le premier catalogue couleur apparait au milieu des années 1960.


title: FRAM (entreprise)

text: En 1970, le cap des est dépassé. En 1977, FRAM crée ses premières filiales routières et réceptives. La formule du « tout-compris » est développée avec son slogan de Roux et Séguela imposant . D'ailleurs, de par la multiplicité des campagnes publicitaires, l'entreprise se reconnait durant plusieurs années à des cocotiers aux couleurs du drapeau français. En 1984, FRAM crée le label Framissima, sa formule hôtel-club exclusive qui deviendra de la marque. C'est l'époque d'une extension vers de nouvelles destinations plus exotiques.


title: FRAM (entreprise)

text: Lors de la décennie suivante, est fondée la holding . L'entreprise créé « Framéco », sa marque d'hôtels à petits prix en 1995. Quatre ans plus tard, le groupe allemand TUI fait une offre de rachat qui sera refusée ; TUI se rabattra sur Nouvelles Frontières trois ans plus tard. Le réseau « FRAM Agences » est créé, modèle de distribution qui deviendra ruineux par la suite, ainsi que la même année, une gamme « Club Olé » plus abordable. Cette époque marque également le plus haut point d'activité de l'entreprise avec plus de , ce sera moitié-moins deux décennies plus tard.


title: FRAM (entreprise)

text: Le site internet professionnel frampro.fr est lancé en 2004. Deux ans plus tard, le site marchand fram.fr ouvre, tardivement face au marché concurrentiel déjà largement implanté. Mais le développement sur le web reste timide pour conserver le réseau d'agences pourtant pas optimum, et déjà l'entreprise souffre de la conjoncture économique ou des prix bas de sociétés comme Marmara. De plus, le célèbre slogan commence à vieillir, et avec lui l'image de l'entreprise ; il est abandonné en 2006. Malgré le contexte morose, Thomas Cook propose d'acheter FRAM, mais l'offre est refusée. FRAM rachète "Plein Vent", voyagiste low cost régional basé à Nice ayant acquis le voyagiste alsacien Tourivac trois ans auparavant et en fait sa filiale ; celle-ci ne sera jamais réellement rentable malgré d'importantes progression de chiffres d'affaires. À la même époque, le site internet principal est refondu. FRAM ferme deux Framissima aux Antilles, la grève générale de cette région ayant raison de la patience du voyagiste, mais lance un nouveau style de villages de vacances avec l’ouverture du premier Framissima Nature, à Soustons dans les Landes. Voilà déjà plusieurs années que FRAM, très dépendant du pourtour méditerranéen pour ses destinations, est contraint de se positionner sur d'autres destinations.


title: FRAM (entreprise)

text: Quelques années après la création, son fondateur fait accéder à la direction Georges Colson (son beau-fils qui débute chez Fram à l'âge de quatorze ans) puis Marie-Christine Chaubet (sa fille) ; bien que de caractères différents, ils s'entendent tous deux parfaitement. Plusieurs décennies plus tard, en 1991, Philippe Polderman prend sa retraite, non sans intervenir aux affaires dans les années qui vont suivre<ref name="chal28/10/15"></ref>. Georges Colson prend alors la tête de Fram et sa demi-sœur la direction générale ; une fois de plus, l'entente est complète. Dans les années 2000, alors que l'entreprise rencontre des difficultés à évoluer avec son époque et connait ses premières pertes, le fondateur décide d'inverser l'équilibre hiérarchique et souhaite placer sa fille à la présidence du directoire. Mais Georges Colson, qui cumule alors avec la présidence du SNAV, ne veut pas céder sa place sans compensation : prendre le poste du fondateur Philippe Polderman, avec qui les relations sont médiocres, à la présidence du conseil de surveillance. Marie-Christine Chaubet ne défend pas cette option, ni même la politique commerciale de son prédécesseur, entrainant un conflit qui débouchera sur la mise à l'écart de cette dernière fin 2006. Cette nouvelle situation ne fait qu'envenimer plus encore les relations entre les deux protagonistes qui se déchirent. La situation sera résumée plus tard par : et comme le fera remarquer Jean-François Rial.


title: FRAM (entreprise)

text: En parallèle, les différentes crises mondiales qui pèsent sur le tourisme dès les années 2000 et la révolution des ventes sur internet restent deux points noirs pour l'entreprise qui ne sait s'adapter : précise Jean-Pierre Mas le président du SNAV et Fram use depuis trop longtemps . L'entreprise passe à côté de toutes les nouvelles tendances du tourisme et son offre stagne, entrainant une inlassable érosion du nombre de clients année après année.


title: FRAM (entreprise)

text: L'entrée d'Antoine Cachin à la direction (jusqu'en 2011), avec son expérience et son plan de relance remarqué, n'améliore pas les résultats financiers de FRAM : l'inertie due au clan familial plombe le renouveau de l'entreprise et les déficits restent toujours présents. Les nombreux managers qui se succèdent, ces années-là, n'arrivent pas à faire bouger les choses et à se défaire de la querelle des héritiers. Fram est fragile financièrement, en déficit depuis un moment déjà, jusqu'à atteindre plus de vingt millions de pertes annuelles. Un premier plan social, traitement de choc, est engagé en 2012 par Olivier de Nicola ; ancien de Thomas Cook, nouveau dirigeant de FRAM, il tient onze mois seulement à la tête de l'entreprise, son successeur quatre et le suivant neuf. Nombre d'activités annexes et de lieux de séjours (Baléares, Tunisie, Maroc…) sont cédés afin de renflouer les caisses et recentrer l'entreprise sur son métier de voyagiste. À partir de 2013, tout s'accélère et FRAM s'enfonce inexorablement. Acculés par les banques, Georges Colson et Marie-Christine Chaubet passent la main : . Trop tard.


title: FRAM (entreprise)

text: Malgré les efforts de Georges Colson par la suite pour trouver une solution, l'entreprise est finalement placée en redressement judiciaire en octobre 2015 converti en liquidation judiciaire le 25 novembre 2015. Fin novembre 2015, une partie des actifs de la société (ainsi que sa filiale Plein Vent) est rachetée par LBO France, un fonds d'investissement déjà propriétaire du groupe Karavel-Promovacances, offre soutenue par Marie-Christine Chaubet. Karavel-Promovacances peut acquérir ainsi, pour un prix faible, un réseau de distribution et des lieux de vacances qu'il peut adosser aux autres entités du groupe. Georges Colson est ruiné. Peu de temps après, Isabelle Cordier, anciennement chez Carrefour Voyages, est nommée directrice générale de l'entreprise. Elle reste à peine plus d'un an au poste, remplacée dès l'année suivante par Michel Quenot.


title: FRAM (entreprise)

text: En avril 2018, et deux ans et demi après son rachat par LBO France, Fram passe sous le contrôle d'Equistone Partners Europe.


title: FRAM (entreprise)

text: FRAM est concepteur et organisateur de voyage. La production est effectuée sous le nom de Voyages FRAM et la distribution sous le nom de FRAM Agences. Afin de conserver son indépendance, l'entreprise utilise le modèle d'intégration verticale pour ses produits.


title: FRAM (entreprise)

text: Le réseau FRAM Agences est créé en 2001 et compte une soixantaine d'agences de voyages réparties sur toute la France. Le réseau « Ambassades FRAM », déployé en parallèle, compte 147 agences en 2015 dans toute la France.


title: FRAM (entreprise)

text: En propriété ou en location, les établissements sont répartis dans plusieurs pays. Ils sont gérés par les filiales hôtelières qui ont pour mission l’administration, la gestion et le suivi qualitatif. Sur ce métier, le groupe FRAM compte treize filiales. L'offre hôtellerie qui génère le plus de revenus pour le groupe sont ses Clubs Framissima, une prestation alliant hébergement, restauration et activités.


title: FRAM (entreprise)

text: Le groupe a implanté de manière permanente ses propres équipes au sein de cinq filiales à l’étranger et possède des participations dans des réceptifs locaux, chargés d’assurer toute la logistique sur place (organisation des séjours, gestion des groupes, accueil, animation, etc.).


title: Catherine Chabaud

text: Lors de la troisième édition du Vendée Globe (1996-1997), elle devient la première femme à terminer un tour du monde à la voile, en solitaire, en course et sans escale.


title: Catherine Chabaud

text: Elle a notamment cofondé la plateforme "Océan et Climat" et lancé une initiative pour faire reconnaître l’« océan comme un bien commun de l’humanité ».


title: Catherine Chabaud

text: Elle a été conseillère au Conseil économique social et environnemental puis déléguée à la mer et au littoral au sein du ministère de l’Environnement, de l'Énergie et de la Mer, du au .


title: Catherine Chabaud

text: Après l’obtention de son baccalauréat en 1980, elle commence ses études de Mathématiques appliquées à Dauphine, où elle cofonde la Course Croisière Spi-Dauphine en 1981. Elle intègre ensuite l’Institut pratique du journalisme (IPJ) dont elle sort diplômée en 1983.


title: Catherine Chabaud

text: Elle collabore à différents supports radio et presse écrite, avant de se lancer dans la course au large.


title: Catherine Chabaud

text: Elle collabore de 1982 à 2006 avec différents magazines et radios dont des magazines de voile et RFM.


title: Catherine Chabaud

text: Elle anime des émissions sur l'aventure et une chronique développement durable pendant quatre ans sur Europe 1, de 2000 à 2005.


title: Catherine Chabaud

text: Consultante d’Europe 2 de 2005 à 2007, et ancienne rédactrice en chef de la revue "Thalassa", elle a réalisé plusieurs documentaires sur le développement durable.


title: Catherine Chabaud

text: En , à l’occasion de la Journée mondiale de l'océan, elle est membre fondatrice de la plateforme "Océan et Climat", avec l’appui de la Commission océanographique intergouvernementale de l’UNESCO. Elle en est l’ambassadrice lors de la COP21 pour faire entendre la voix de l’océan lors des négociations.


title: Catherine Chabaud

text: Elle est cofondatrice de l'association "Innovations bleues" pour un , avec laquelle elle copilote le "projet Voilier du Futur", démonstrateur de la transition énergétique et écologique des navires, lauréat des Investissements d’Avenir. Elle pilote également le "Tour de France des solutions pour le climat" (de Monaco à Dunkerque).


title: Catherine Chabaud

text: En , elle est cofondatrice de "la Fondation de la mer", destinée « à promouvoir la dimension maritime de la France. »


title: Catherine Chabaud

text: En 2018 elle initie l'appel « L'océan, bien commun de l’Humanité » à l’occasion de la journée mondiale des océans, considérant que l’intégralité de l’Océan est menacée.


title: Catherine Chabaud

text: Catherine Chabaud a été membre de la Réserve citoyenne de la Marine, au grade de Capitaine de Frégate et a présidé le groupe Alidade nouvellement créé « Mer, Marine et Environnement ». Elle a également été membre du CORICAN, Conseil pour la recherche et l’innovation des activités navales.


title: Catherine Chabaud

text: Elle a été membre du conseil d'administration du musée national de la Marine (de 1998 à 2009) ; de la Fédération française de voile ; de la Société nationale de sauvetage en mer (SNSM) ; et de l'Agence des aires marines protégées.


title: Catherine Chabaud

text: Catherine Chabaud a été conseillère au Conseil économique social et environnemental au titre de personnalité qualifiée (2010-2015). Elle a été rapporteur d'un « avis sur les océans » et d'un « avis sur les matériaux biosourcés ». Elle a également organisé la Conférence internationale sur la gouvernance de la haute mer en 2013.


title: Catherine Chabaud

text: Elle a été déléguée à la mer et au littoral au sein du ministère de l’Environnement, de l'Énergie et de la Mer, du au .


title: Catherine Chabaud

text: Elle est élue aux élections européennes de 2019 en cinquième position sur la liste de La République en marche et du Mouvement démocrate. Elle est active au sein du Parlement européen dans les commissions du Développement, de l’environnement et de la pêche.


title: Christophe Carrière

text: Christophe Carrière, né le à Clichy, est un journaliste, écrivain et critique de cinéma français. Il est notamment connu pour sa participation à l'émission "Touche pas à mon poste !" en tant que chroniqueur de 2010 à 2017. Il fait son retour dans l'émission en 2019.


title: Christophe Carrière

text: Il naît le à Clichy dans les Hauts-de-Seine. Christophe Carrière vit une enfance difficile à cause de son beau-père violent qui le frappe ou l'oblige à manger dans la gamelle du chien. L'école est sa seule échappatoire mais son beau père l'oblige à arrêter ses études.


title: Christophe Carrière

text: Par la suite, il vend des légumes sur des marchés à Rungis. À l'âge de 18 ans, il décide de quitter sa famille après plusieurs petits boulots et quelques rencontres.


title: Christophe Carrière

text: En 1985, il devient critique de cinéma et crée la revue "Septième Art" (rebaptisée "Septième Artifice" début 1989, pour des raisons de marque déposée), consacrée au cinéma. Il avoue, dans "Touche pas à mon poste !", avoir eu recours à un « baron », un complice passant pour un client normal qui faisait semblant d'acheter le magazine afin d'inciter les gens à faire de même. Au début de sa carrière dans le journalisme cinéma, il rédige les jaquettes de films pornographiques comme "Germi-anal".


title: Christophe Carrière

text: En 1994, il rentre au magazine "Première". Il collabore également à "Nova Magazine" et Radio Nova, et fait ses débuts à la télévision sur Paris Première.


title: Christophe Carrière

text: Depuis 2010, il fait partie de l'équipe de chroniqueurs de "Touche pas à mon poste !", présenté par Cyril Hanouna et diffusée sur France 4 puis D8. Il s'y fait remarquer par sa coiffure atypique et par son hostilité envers les émissions de télé-réalité.


title: Christophe Carrière

text: En 2012, il participe à l'émission "Vous avez du talent", diffusée sur IDF1 en proposant deux sketchs.


title: Christophe Carrière

text: Il participe régulièrement en tant que spécialiste cinéma à des émissions, tels "Fan des années" sur TMC ou des documentaires sur Louis De Funès, le Splendid et Coluche sur D8.


title: Christophe Carrière

text: En 2014, il anime, aux côtés de Caroline Diament et Willy Rovelli, une émission de cache-cache sur Gulli intitulée "Cache-toi si tu peux".


title: Christophe Carrière

text: En 2015, en parallèle de son métier de chroniqueur dans "Touche pas à mon poste !" et à "L'Express", il sort son premier roman, "Un père et passe", inspiré de sa propre enfance qu'il a passée entre un père inconnu, une mère prostituée et un beau-père proxénète et violent. Le titre de son ouvrage est un jeu de mot faisant référence à la formule du jeu de la roulette , Christophe Carrière étant habitué des casinos puisqu'il est également joueur de poker, il a notamment affronté l'animatrice Estelle Denis et Cyril Hanouna, l'animateur de "Touche pas à mon poste !". Ce jeu de mot a déjà été utilisé dans le film homonyme de Sébastien Grall en 1989.


title: Christophe Carrière

text: Depuis environ 2015, il est de moins en moins présent dans "TPMP" dont il est pourtant l'un des chroniqueurs historiques. S'il est toujours en bons termes avec Cyril Hanouna, Christophe Carrière n'apparaît plus que dans les émissions animées par Julien Courbet car il serait plus sérieux et moins "déconne".


title: Christophe Carrière

text: En 2016, il publie "C'est pas grave, ça va pas durer" aux Éditions Michel Lafon. L'année suivante parait "Patrick Dewaere, l'écorché", le second livre qu'il consacre au comédien.


title: Christophe Carrière

text: De à 2020, il est chroniqueur dans l'émission "C'est que de la télé !" sur C8 présenté par Valerie Benaim, où il s'intéresse et décrypte l'actualité média. L'émission est diffusée en direct juste avant "Touche pas à mon Poste !" dont "CQDLT" est un dérivé.


title: Christophe Carrière

text: Après avoir quitté L'Express et la fin de sa collaboration en 2020 avec les émissions d'H2O Productions, il devient auto-entrepreneur et collabore à la pige avec différents magazine.


title: Christophe Carrière

text: Christophe Carrière est père de trois enfants : Mickaël (né en 1985 d'une première union), Louise (née en 2007) et Louna (née en 2010). Le 19 janvier 2017, il déclare sur le plateau de "Touche pas à mon Poste !" être grand-père depuis peu.


title: Architecture stalinienne

text: L'architecture stalinienne (en ), ou style impérial stalinien, classicisme stalinien, ou encore gothique stalinien, sont les noms donnés à l'architecture de l'Union soviétique entre 1933, quand les esquisses de Boris Iofane pour le palais des Soviets furent officiellement approuvées, et 1955, quand Nikita Khrouchtchev condamna les « excès » des décennies passées et dissout l'Académie soviétique d'architecture.


title: Architecture stalinienne

text: Dans la politique soviétique de rationalisation du pays, toutes les villes devaient être reconstruites selon un nouveau plan d'urbanisme. Chacune était divisée en arrondissements découpés selon la géographie des villes. Des projets étaient établis pour les arrondissements entiers, transformant en profondeur l'aspect architectural des villes.


title: Architecture stalinienne

text: L'interaction de l'État avec les architectes constituait le facteur déterminant de cette époque. Le même bâtiment pouvait être déclaré comme étant un blasphème formaliste, puis, l'année suivante, recevoir la plus haute récompense de l'État. Des styles recherchés comme le néorenaissant d'Ivan Joltovski, le néoclassicisme pétersbourgeois d'Ivan Fomine ou l'adaptation de l'Art déco d'Alexeï Douchkine et Vladimir Chtchouko coexistaient avec de pâles imitations et des éclectismes en tout genre qui sont devenus emblématiques de cette période.


title: Architecture stalinienne

text: En ce qui concerne les méthodes constructives, la plupart des édifices cachent de simples murs de brique, sous leurs décorations en stuc riches et chargées ; font exception les maisons à demi-panneaux en béton d' (comme l"'immeuble en dentelle", 1939-41) et les grosses constructions comme les gratte-ciel staliniens pour lesquels le béton était plus approprié. La maçonnerie impliquait naturellement des fenêtres étroites et laissait donc de larges surfaces de mur à la décoration. Des finitions en terre cuite ignifuge commencèrent à être introduites au début des années 1950, mais étaient rarement utilisées en dehors de Moscou. La plupart des toitures étaient constituées de treillis en bois traditionnels couverts par des feuilles métalliques.


title: Architecture stalinienne

text: Vers 1948, les technologies constructives s'améliorèrent – du moins à Moscou – à mesure que des procédés plus rapides et moins chers devenaient disponibles. Les maisons devinrent aussi plus sûres grâce à la fin des planchers et des cloisons en bois. Les immeubles standardisés de 1948-1955 offraient le même niveau d'habitabilité que les constructions staliniennes classiques et sont considérés de même niveau par les agents immobiliers d'aujourd'hui, mais ne peuvent pas entrer dans le corpus du « style stalinien ». Idéologiquement, ils font partie de l'habitat de masse et constituent un échelon annonçant les khrouchtchevkas.


title: Architecture stalinienne

text: L'architecture stalinienne ne peut se confondre avec tout ce qui fut construit sous son règne. Elle se caractérise par une maçonnerie exigeante en capacité de travail et en délai, et ne pouvait convenir aux impératifs de la construction de masse. Quand vint le temps de la crise du logement, son manque d'efficacité signait la fin de l'architecture stalinienne et une conversion à la construction de masse généralisée, alors même que Staline était toujours vivant et en fonction.


title: Architecture stalinienne

text: Bien que Staline ait rejeté le constructivisme, l'achèvement de bâtiments constructivistes s'est poursuivi dans les années 1930. La construction industrielle, poussée par Albert Kahn et plus tard supervisée par Viktor Vesnine, était fortement influencée par les idées modernistes. Elle n'était pas si importante dans les plans d'urbanisme de Staline, c'est pourquoi beaucoup de ces bâtiments industriels (sauf les grands projets comme le canal de Moscou) ne tombent pas dans la catégorie d'architecture stalinienne. Même les premières phases du métro de Moscou, terminées en 1935, n'entrèrent pas dans le champ d'intérêt de Staline, et donc comprennent des apports constructivistes substantiels.


title: Architecture stalinienne

text: Donc le champ de l'architecture stalinienne est généralement limité aux aménagements urbains et aux immeubles résidentiels de haute et moyenne qualités, à l'exclusion absolue de l'habitat de masse, et à certains projets d'infrastructure comme le canal de Moscou, le canal Don-Volga et aux phases ultérieures du métro de Moscou.


title: Architecture stalinienne

text: Avant 1917, la scène architecturale russe était divisée entre les "Russky Modern" (une interprétation locale de l'Art nouveau, surtout à Moscou) et le renouveau néoclassique (plus important à Saint-Pétersbourg). L'école néoclassique formait des architectes bien aguerris comme Alekseï Chtchoussev, Ivan Joltovski, Ivan Fomine, Vladimir Chtchouko et Alexandre Tamanian ; au moment de la Révolution, ils étaient déjà des quadragénaires et étaient déjà bien établis professionnellement, ils avaient leur propre agence, leur école et leurs adeptes. Ces figures vont devenir les patriarches de l'architecture stalinienne et produiront les meilleurs exemples de ce style.


title: Architecture stalinienne

text: Une autre mouvance qui émergea après la Révolution fut appelée constructiviste. Quelques-uns de ces constructivistes (comme les frères Vesnine) étaient de jeunes professionnels qui s'étaient établis avant 1917, alors que les autres terminaient juste leurs études (comme Constantin Melnikov) ou n'en avaient pas fait. Ils se regroupèrent ensemble autour de mouvements d'artistes modernes très visibles, compensant leur manque d'expérience par une exposition publique importante. Quand la NEP amena la nation dans une période de reconstruction après-guerre, cette publicité fut payante et ils accédèrent à la commande réellement. Mais l'expérience ne vient pas en une nuit, et beaucoup de leurs édifices furent critiqués pour leurs plans non-rationnels, les dépassements de budget et la faible qualité de construction.


title: Architecture stalinienne

text: Pendant une courte période au milieu des années 1920, la profession architecturale a procédé à la manière ancienne, avec des agences privées, des concours internationaux, des compétitions et des débats houleux par presse spécialisée interposée. Les architectes étrangers étaient les bienvenus, surtout vers la fin de cette période, quand la Grande Dépression les laissait chez eux sans commande. Parmi eux, on peut citer Ernst May, Albert Kahn, Le Corbusier, Bruno Taut et Mart Stam. La limite entre les architectes traditionalistes et les constructivistes n'était pas réellement bien définie. Joltovski et Chtchoussev employaient des modernistes en tant que cadets pour leurs projets, en même temps qu'ils incorporaient des innovations constructivistes dans leurs propres projets.


title: Architecture stalinienne

text: L'urbanisme se développa à part. La crise du logement dans les grandes villes et l'industrialisation de zones lointaines amenaient à la construction de masse, l'aménagement de nouveaux territoires et la reconstruction de vieilles cités aussi. Des théoriciens conçurent une variété de stratégies qui généra des discussions politisées et passionnées sans beaucoup d'impact dans la pratique ; l'intervention étatique était imminente.


title: Architecture stalinienne

text: Le goût personnel de Staline en matière d'architecture et l'ampleur de son apport personnel restent, en grande partie, matière à déduction, sujet de conjecture et recherches d'indices par le truchement des anecdotes. Les faits, ou ce qu'on en connaît grâce aux documents publics soviétiques, pourraient être résumés par le concours du palais des Soviets de 1931-1933 :


title: Architecture stalinienne

text: Les architectes invités à diriger ces ateliers étaient principalement traditionalistes - Ivan Joltovski, Alekseï Chtchoussev, Ivan Fomine, Boris Iofane, Vladimir Chtchouko - mais aussi des constructivistes : Ilya Golossov, Panteleïmon Golossov, Nikolaï Kolli, Constantin Melnikov, Viktor Vesnine, Moïsseï Ginzbourg et Nikolaï Ladovski. Ceci va asseoir une importante façon de faire qui va durer jusqu'en 1955. Staline a choisi Iofane sur un projet, mais il gardait tous ces architectes rivaux à son service. Comme le dit, « la comparaison avec l'architecture nazie fonctionne jusqu’à un certain degré, mais se butte à une différence de taille. Staline n'a jamais promu qu'un seul architecte ou adopté qu'un seul style, comme Hitler avait pris Speer. Aucun groupe élitaire n'a pu se déclarer vainqueur "[...]" ni les constructivistes ni les traditionalistes "[...]" Staline se fabriquait ses "Speer" de tous ceux qu'il pouvait trouver. »


title: Architecture stalinienne

text: Un autre point important est qu'avant la dissolution des groupes indépendants, les grands projets de Staline avaient créé des milliers d'emplois. En conséquence, la jeunesse turbulente et bruyante fut absorbée par la réalité de la pratique et s'abstint de toute réclamation – à l'instar de leur aînés.


title: Architecture stalinienne

text: Les premières années de l'architecture stalinienne sont marquées par des bâtiments-objets ou, au moins, des projets d'un seul bloc. Constituer de vastes surfaces à Moscou se révélera finalement plus ardu que de raser des quartiers historiques. Les trois plus importants monuments de Moscou de cette période se tiennent sur la même place, tous bâtis entre 1931 et 1935, bien que chaque projet ait évolué indépendamment, avec un souci "a minima" de la composition d'ensemble (voir les photographies des films d'avant-guerre, 1936, 1938, 1939). Chacun est le paradigme d'une tendance qui va se ramifier durant les deux décennies suivantes :


title: Architecture stalinienne

text: Une branche à part, appelée "Stalinisme précoce" ou "Postconstructivisme", se développa de 1932 à 1938. Elle constitue à la fois une adaptation simplifiée de l'Art déco (à travers des architectes comme Chtchouko et Iofane) et l'évolution du Constructivisme vers le Néoclassicisme (avec par exemple Ilya Golossov, Vladimir Vladimirov). Ces immeubles conservaient les formes simples rectangulaires et les larges surfaces vitrées du Constructivisme, mais avec des balcons, des portiques et des colonnes ornés (souvent les colonnes sont fines et à section carrée). Dès 1938, ce style s'éteint et ne connaîtra pas de regain après la guerre.


title: Architecture stalinienne

text: Les projets de monuments isolés menaçaient de devenir un bric-à-brac de bâtiments de tous styles et toutes tailles. En , l'État évalua la situation et finalement promulgua un décret sur le plan d'urbanisme de Moscou. Ce plan, entre autres choses, indiquait clairement quelques directions urbanistiques voulues par Staline :


title: Architecture stalinienne

text: Ce règlement bannissait de fait les constructions de masse bon marché dans la vieille ville et les axes prestigieux, de même que les maisons individuelles familiales. Le développement des ensembles bon marché va se faire dans des zones excentrées, mais la plupart des fonds vont satisfaire en priorité les projets résidentiels neufs et onéreux qui plaçaient la façade et la pompe avant les besoins triviaux de ces villes surpeuplées.


title: Architecture stalinienne

text: À la fin des années 1930, l'industrie de la construction avait suffisamment d'expérience pour construire de vastes aménagements urbains sur plusieurs îlots – bien que tous fussent à Moscou. Les trois projets les plus importants furent :


title: Architecture stalinienne

text: En 1936, le lieu d'exposition de la foire agricole annuelle déménagea sur un site libre au nord de Moscou. Dès le , plus de 250 pavillons étaient construits sur un terrain de 1,36 km². L'Ouvrier et la Kolkhozienne, la statue monumentale de Vera Moukhina surmontant le pavillon soviétique de l'Exposition de Paris de 1937, fut réinstallée à l'entrée du site. Des pavillons furent créés dans les différents styles des républiques soviétiques et des régions ; une petite promenade dans ce parc permettait de faire le tour de cet immense pays. Le pavillon central de Vladimir Chtchouko se basait en partie sur les dessins de Joltovski pour le projet avorté du palais des Soviets de 1932. Contrairement aux autres édifices « nationaux », il n'a pas survécu (le portail central et les pavillons principaux ont été reconstruits au début des années 1950).


title: Architecture stalinienne

text: Les pavillons de 1939 ayant survécu sont les dernières et uniques traces de la propagande monumentale de Staline sur leur site d'origine. Ces objets de propagandes n'étaient pas conçus pour durer (comme le Hall des trophées de guerre de Chtchoussev dans le parc Gorky), certains ont été abattus en 1956 lors de la déstalinisation, d'autres sont tout simplement tombés en ruine.


title: Architecture stalinienne

text: L'architecture d'après-guerre, parfois perçue comme un style uniforme, était fragmentée en au moins quatre embranchements :


title: Architecture stalinienne

text: La construction de logements dans les villes d'après-guerre était clairement séparée en fonction de la "classe" des locataires. Aucun effort n'était fait pour dissimuler le luxe ; parfois c'était manifeste, parfois délibérément exagéré (en contraste avec le strict immeuble sur les quais d'Iofane). Les résidences campagnardes de Staline, dignes d'un roi, étaient ce qu'il y avait de mieux ; ainsi la Villa aux lions de 1945 dessinée par Ivan Joltovski, une luxueuse résidence de ville pour les maréchaux de l'Armée rouge. Les appartements pour maréchaux de Lev Roudnev en 1947, dans le même îlot, est juste un cran en dessous, elle aussi une résidence rutilante, mais avec un aspect extérieur un peu moins clinquant. Il y avait un type de logement pour chaque degré dans la hiérarchie de Staline.


title: Architecture stalinienne

text: Les immeubles pour les classes supérieures peuvent facilement être identifiés par des détails révélateurs comme l'espace entre les fenêtres, les appartements avec terrasse et oriels. Parfois, le rang et la profession des locataires se répercutent dans l'ornementation, parfois par des plaques commémoratives. Il est à noter qu'il s'agit là d'une pratique essentiellement moscovite ; dans les plus petites villes, l'élite sociale se résumait à une ou deux classes. Saint-Pétersbourg a, elle, toujours pu fournir des appartements prérévolutionnaires luxueux.


title: Architecture stalinienne

text: Le métro de Moscou à un premier stade (1931–1935) apparut comme un service urbain parmi d'autres. Il y avait beaucoup de propagande autour de sa construction, mais le métro en lui-même n'était pas perçu comme un dispositif de propagande. « "Contrairement aux autres projets, le métro de Moscou ne fut jamais appelé le "métro de Staline"." » Les architectes plus âgés restèrent à l'écart de ce projet, laissant le champ libre aux plus jeunes. Les enjeux changèrent dès la deuxième phase des travaux en 1935. Cette fois le métro était devenu une affaire politique et bénéficia d'un budget bien supérieur. La deuxième phase donne des exemples du style stalinien comme Maïakovskaïa (1938), Élektrozavodskaïa et Partizanskaïa (1944). Les stations construites en 1944 furent les premiers mémoriaux permanents de la Grande Guerre patriotique.


title: Architecture stalinienne

text: Après la guerre, les architectes attendaient en ligne pour les concours du métro ; la première ligne après la guerre fut terminée en 6 ans (un tronçon de 6,4 km de la ligne circulaire). Ces stations furent dédiées à la Victoire. Plus de noms comme "Komintern" ou "Révolution mondiale", mais une ode au stalinisme victorieux et nationaliste. La station Oktiabrskaïa de fut construite tel un temple classique, avec un autel bleu ciel étincelant derrière des vantaux en fer – une sacrée entorse à l'athéisme d'avant-guerre. Pour voir cet autel, les usagers devaient passer devant un long alignement de banderoles en plâtre, de chandeliers en bronze et d'imageries militaires en tout genre. La station Park koultoury était décorée de véritables lustres gothiques, encore une autre entorse. Métrostroï mit en place ses propres usines de marbre et de charpentes, produisant 150 solides colonnes en marbre d'un seul bloc pour ce petit tronçon. Le deuxième tronçon de la ligne circulaire fut un hommage au "Labeur héroïque" (à l'exception de la station Komsomolskaïa de Chtchoussev, décorée pour raconter le discours de Staline du ).


title: Architecture stalinienne

text: Le , les usagers furent avertis que le tronçon de 1935 d'Aleksandrovski Sad, alors Kalininskaïa, à Kievskaïa était fermé pour de bon et remplacé par une ligne flambant neuve et plus en profondeur. Aucune explication de ce changement onéreux n'existe ; toutes les spéculations tournent autour la fonction d'abri anti-bombes. Une des stations, Arbatskaïa de Léonid Poliakov, devint la plus longue station du réseau, 250 mètres au lieu des 160 standard, et sûrement aussi la plus extravagante. « Dans une certaine mesure, c'est du baroque pétrine moscovite, pourtant en dépit des références historiques, cette station est hyperbolique, éthérée et fantastique. » Pour être vraiment précis ses voûtes sont, en fait, paraboliques.


title: Architecture stalinienne

text: Les canons staliniens furent officiellement condamnés quand deux tronçons supplémentaires, vers Loujniki et vers VDNKh, étaient en construction. Ces stations, achevées en 1957 et 1958, furent en grande partie ravalées pour gommer les excès, mais architecturalement elles sont dans la lignée du style stalinien. La date du , à laquelle la dernière de ces stations fut ouverte, marque la fin des toutes dernières constructions staliniennes.


title: Architecture stalinienne

text: L'idée qu'eut Staline en 1946 de zébrer l'horizon de Moscou de gratte-ciel aboutit à un décret de , point de départ d'une campagne de propagande de six ans. En même temps que ce bond en avant officiel, en , huit sites furent repérés (celui de Zariadié sera par la suite abandonné – les sept gratte-ciel restants seront surnommés les « sept sœurs »). Huit équipes de concepteurs dirigées par la nouvelle génération d'architectes en chef (de 37 à 62 ans) exécutèrent un nombre impressionnant d'esquisses ; il n'y eut pas de concours ouvert ou de commission d'évaluation, ce qui est un indicateur du degré d'implication de Staline.


title: Architecture stalinienne

text: Tous les principaux architectes furent récompensés du prix Staline en pour leur travaux préliminaires ; des corrections et des modifications suivront jusqu'à un stade avancé des chantiers. Toutes les constructions ont employé des structures en acier très techniques avec des planchers en béton et du remplissage en maçonnerie, le tout reposant sur des fondations de radiers en béton (qui parfois requéraient une technologie ingénieuse pour retenir l'eau).


title: Architecture stalinienne

text: Les projets de gratte-ciel demandèrent beaucoup de nouveaux matériaux (surtout des céramiques) et de nouvelles technologies ; résoudre cette demande contribua au développement ultérieur du logement et des infrastructures. Cependant, ces projets grevèrent le budget de la construction classique qui connut un ralentissement, alors que le pays était encore pour une large part en ruine. Le bilan de ces projets sur les réels besoins urbains peut être apprécié avec les chiffres suivants :


title: Architecture stalinienne

text: Des gratte-ciel similaires furent érigés à Varsovie et Riga ; la tour de Kiev fut achevée sans couronnement ni flèche.


title: Architecture stalinienne

text: L'érection de toutes ces « sœurs » et le battage médiatique fait autour depuis 1947 virent fleurir sur tout le territoire de petites répliques. Des tours de huit ou douze étages furent construites au milieu des bâtiments de quatre à cinq étages des centres régionaux d'après-guerre. Le pavillon central du centre panrusse des expositions, rouvert en 1954, mesure 90 mètres de haut, a un hall principal ressemblant à une nef de cathédrale, 35 mètres de haut et 25 de large, avec des sculptures et des fresques de style stalinien.


title: Architecture stalinienne

text: On retrouve des tours jumelles flanquant les grandes places dans les villes allant de Berlin à la Sibérie :


title: Architecture stalinienne

text: Dans les états-satellites de l'URSS, d'autres gratte-ciel du même style "sorela", copies plus ou moins conformes de l'université Lomonossov, furent édifiés à Varsovie en Pologne, Prague en Tchécoslovaquie, Bucarest en Roumanie, Riga en Lettonie à Shanghai en Chine.


title: Architecture stalinienne

text: L'ensemble urbain et architectural de l'avenue de l'Indépendance à Minsk est un exemple d'une approche intégrée d'organisation urbaine par la combinaison harmonieuse des monuments, de l'aménagement urbain, de son environnement et de la présence du végétal, naturel ou planté. L'élaboration de cet ensemble s'étala sur une période de quinze ans après la Deuxième Guerre mondiale. Il s'étend sur mètres. La largeur de la chaussée et des trottoirs varie entre 42 et 48 mètres.


title: Architecture stalinienne

text: Le travail sur le schéma général de l'ancienne rue Sovietskaïa commença en 1944, juste après la libération de Minsk occupée par des troupes nazies. Les principaux architectes de Minsk et de Moscou furent impliqués dans ce projet. Le projet fut choisi par concours en 1947 pour être exécuté sous le contrôle de Mikhaïl Parousnikov de l'Académie d'architecture.


title: Architecture stalinienne

text: Le projet immobilier de l'avenue de l'Indépendance a réussi à échapper à la monotonie. Le schéma fournit les caractéristiques principales de l'aménagement d'ensemble – la longueur des façades, leur profil, les divisions principales et le modèle architectural général. Le plan intégré des bâtiments était basé sur une accommodation d'idées innovantes dans une facture architecturale classique. Les immeubles toujours debout après la guerre et les parcs furent harmonieusement incorporés à l'ensemble.


title: Architecture stalinienne

text: Tous les bâtiments actuels qui forment la zone urbaine autour de l'avenue de l'Indépendance sont inscrits sur la liste du Patrimoine historique et culturel de la République de Biélorussie. L'ensemble architectural en lui-même, avec ses bâtiments, ses tracés et sa physionomie sont protégés par l'État et inscrits sur la liste comme complexe patrimonial historique et culturel. En 1968, le Prix national de l'architecture fut créé et remporté par une équipe d'architectes représentant les écoles de Moscou et de Minsk (M. Parousnikov, G. Badanov, I. Barstch, S. Botkovski, A. Voïnov, V. Korol, S. Moussinski, G. Sissoïev, N. Tratchtenberg et N. Chpiguelman) pour la conception et la construction de l'ensemble de l'avenue de l'Indépendance.


title: Architecture stalinienne

text: Il existe d'autres aménagements urbains staliniens célèbres à Minsk comme la rue Lenina, la rue Kamsamolskaïa, la rue Kamounistytchnaïa et la place Pryvakzalnaïa entre autres.


title: Architecture stalinienne

text: Le Prix Staline 1949, annoncé en , montra une césure claire présente dans l'architecture stalinienne – les immeubles dispendieux sont toujours encensés, mais à côté de tentatives de rendre le style stalinien abordable. Le Prix de 1949 fut donné uniquement à des immeubles de logement achevés, un indice des priorités d'alors. Il montrait aussi clairement les stratifications de classe des locataires éligibles à l'époque. Trois immeubles moscovites furent récompensés :


title: Architecture stalinienne

text: Les républiques nationales de l'URSS furent enjointes de développer leur propre style stalinien, avec plus ou moins de liberté. Quand les talents locaux faisaient défaut, des architectes russes y suppléaient (Chtchoussev dessina le théâtre orientalisant de Tachkent, etc.). On doit à Alexandre Tamanian, nommé architecte en chef d'Erevan, la variété arménienne du style stalinien. L'architecture stalinienne fut employée de 1948 à 1956 dans les démocraties populaires du bloc de l'Est d'après-guerre, souvent après avoir étouffé une opposition interne moderniste. Parfois, on put y déceler une certaine couleur locale, mais cette architecture était surtout vécue comme une importation soviétique.


title: Architecture stalinienne

text: Le palais de la culture de Varsovie de Lev Roudnev, présenté comme « cadeau du peuple soviétique », fut peut-être la plus controversée des exportations de l'architecture stalinienne. Cet imposant gratte-ciel qui reste encore aujourd'hui la huitième plus haute tour de l'Union européenne, domine entièrement la ville. Auparavant, un essai néoclassique avait été tenté avec le boulevard MDM qui avait été entrepris en parallèle de la reconstruction à l'identique de la vieille ville. Le boulevard MDM est l'exemple type du style stalinien triomphant, avec de larges et généreuses proportions qu'on a souvent soupçonnées d'être avant tout voulues pour faciliter les manœuvres des chars d'assaut. À la fin des années 1940, la ville nouvelle de Nowa Huta près de Cracovie fut aussi dessinée dans le style stalinien.


title: Architecture stalinienne

text: Après la victoire soviétique sur l'Allemagne nazie, différents grandioses mémoriaux à la guerre furent construits à Berlin, dont un à Tiergarten et un autre plus grand à Treptow. Le premier bâtiment stalinien important en Allemagne fut l'ambassade soviétique sur Unter den Linden. Ce bâtiment fut d'abord brocardé par les modernistes comme Hermann Henselmann. Jusqu'à 1948 environ, le projet d'urbanisme de Berlin-Est, sous la direction de Hans Scharoun, était de facture moderniste, comme les appartements en galerie qui constituent la première phase de la Stalinallee. Cependant, le gouvernement condamna ces expérimentations et promut le style russe à la place, c'est pourquoi Henselmann et d'anciens modernistes comme Richard Paulick furent obligés de dessiner le reste de la Stalinallee dans un style qualifié de "zuckerbäckerstil" (grosse pâtisserie). D'autres monuments similaires, même s'ils sont moins grandioses, furent conçus dans d'autres villes, et notamment dans la ville nouvelle de Stalinstadt.


title: Architecture stalinienne

text: En Roumanie, des monuments importants comme la Casa Scânteii (aujourd'hui : « Maison de la presse libre ») ont été construits à la manière écrasante du style stalinien, ainsi que le Palais du Peuple à Sofia en Bulgarie. Ces projets ont pour la plupart été conçus avant 1953, même si certains ont été terminés après la mort de Staline et, pour certains, peu de temps avant la chute des dictatures communistes. Il y a moins d'exemples en Tchécoslovaquie, bien que les architectes et théoriciens modernistes comme Karel Teige furent traqués, et que des statues de Staline furent dessinées, la plus importante d'entre elles se trouvant à Prague. En Hongrie, le style stalinien fut adopté dans la ville de Sztalinvaros. Comme en URSS, le modernisme fera son retour à partir du milieu des années 1950, même s'il y eut des exceptions dans les régimes les plus autoritaires : l'énorme Palais du Peuple et le boulevard de la Victoire du Socialisme à Bucarest constituent des exemples tardifs de néoclassicisme d'inspiration "néostalinienne", commencés seulement en 1984 et terminés en 1990, peu de temps après la chute du président Nicolae Ceaușescu en 1989.


title: Architecture stalinienne

text: En Extrême-Orient, on peut trouver des exemples en Corée du Nord et en Chine, par exemple le , construit à l'origine comme un palais dédié à l'amitié sino-soviétique, et le restaurant "Moscou" à Pékin. Le style stalinien fut utilisé pour bâtir des ambassades soviétiques en dehors du bloc de l'Est, notamment celle d'Helsinki en Finlande. Le bâtiment, dessiné par l'architecte Grebenchtchikov a quelques ressemblances avec le palais de Buckingham à Londres ; ceci est dû, paraît-il, au goût que cultivait le ministre soviétique des Affaires extérieures d'alors, Viatcheslav Molotov, pour la résidence des monarques britanniques.


title: Architecture stalinienne

text: La volte-face de l'architecture stalinienne vers la construction en béton préfabriqué est généralement associée à l'administration de Khrouchtchev et en particulier à son décret de sur la « liquidation des excès ». Khrouchtchev a effectivement mené une campagne d'économie des dépenses publiques, mais celle-ci avait commencé dès 1948, alors que Staline était toujours en vie et au pouvoir. Le changement en faveur de la construction de masse est évident dans les immeubles staliniens plus économiques, comme celui du 7 Bolchaïa Kaloujskaïa de Joltovski. Sa construction en maçonnerie ne procurait cependant qu'un gain assez marginal ; une révolution technologique était nécessaire. Entre 1948 et 1955, différents cabinets d'architecture établirent une colossale étude de faisabilité, mettant au point et testant de nouvelles technologies.