title: Albert de Mun

text: La cousine d'Albert de Mun, Élisabeth de Gramont, duchesse de Clermont-Tonnerre, consacre plusieurs pages de ses "Souvenirs" à Albert de Mun ; le frère de ce dernier, Robert de Mun, avait d'ailleurs épousé la tante de la duchesse, Jeanne de Gramont.


title: Albert de Mun

text: Un buste d'Albert de Mun ornait auparavant la salle des Quatre-Colonnes du palais Bourbon, faisant pendant à celui de Jean Jaurès. Ces deux personnages représentaient la parité politique au sein de l'institution. Toutefois, le buste du comte a été remplacé en 2016 par un buste d'Olympe de Gouges. Le buste d'Albert de Mun est maintenant dans le salon Abel de Pujol, salon utilisé traditionnellement plus spécialement par les députés de droite, toujours au palais Bourbon.


title: Albert de Mun

text: Plusieurs lycées catholiques portent aujourd'hui son nom, dont les lycées privés sous contrat Albert-de-Mun à Nogent-sur-Marne (le lycée Albert-de-Mun), dans le Val-de-Marne, et celui dans le de Paris, 2 rue d'Olivet, ainsi que l'école primaire publique Albert-de-Mun à Rennes et .


title: Fête du Roi (Pays-Bas)

text: La fête du Roi ou le jour du Roi (), précédemment la fête de la Reine ou le jour de la Reine (), est la fête nationale du royaume des Pays-Bas, marquant l'anniversaire du monarque.


title: Fête du Roi (Pays-Bas)

text: L'événement est instauré en 1885 à Utrecht, à mi-chemin entre un carnaval et un vide-grenier avec des stands de nourriture, de jeux, de musique et de spectacles, en l'honneur de la princesse Wilhelmine, sous la régence d'Emma. Elle a alors lieu le 31 août sous le nom de "Prinsessedag" (fête de la Princesse ou jour de la Princesse). Lorsque Wilhelmine devient reine en 1890, la tradition s'enracine et se propage au niveau national. En 1949, elle est déplacée au 30 avril, date de l’anniversaire de la reine Juliana. La date est conservée par la reine Beatrix, en honneur à sa mère et en raison du fait que son anniversaire est le 31 janvier, date qu'elle juge peu propice aux activités de plein air. La date est à nouveau changée au 27 avril avec l'avènement du roi Willem-Alexander en 2013.


title: Fête du Roi (Pays-Bas)

text: Le jour de son anniversaire, le monarque se mêle à la foule dans l'une des villes du pays et parcourt les activités organisées. Depuis plusieurs années, la fête attire les étrangers qui souhaitent participer aux célébrations et événements. Tout comme lorsque les équipes sportives néerlandaises jouent à l'international, le phénomène de l"'Oranjegekte" () prend place, les participants s’habillant en orange, couleur de la maison d'Orange-Nassau. De nombreux concerts se tiennent, allant des petites scènes dans les bourgs de province aux grandes représentations dans les villes.


title: Fête du Roi (Pays-Bas)

text: À Apeldoorn, Karst Tates, un homme de , tue six personnes et fait dix blessés le à (UTC+1) en fonçant dans la foule en voiture, visant la famille royale qui circule lentement à bord d’un bus à toit ouvert, avant de s'encastrer dans le monument De Naald (« L'Aiguille »). Tates meurt quelques heures plus tard des suites de ses blessures à l'hôpital d'Apeldoorn. Beatrix fait suspendre immédiatement toutes les festivités, avant de s'exprimer le soir-même à la télévision. L'année suivante, elle visite la province de Zélande après avoir refusé que davantage de moyens soient mobilisés afin de garantir sa sécurité. La fête se déroulant sans incidents, elle remercie par la suite les habitants pour leur accueil.


title: Fête du Roi (Pays-Bas)

text: Le 28 janvier 2013, la reine Beatrix annonce son abdication en faveur de son fils. Le "Koninginnedag" de 2013 est donc le dernier du règne, le jour même de l'avènement du nouveau roi. La fête nationale devient ensuite le "Koningsdag" (jour du Roi), célébré le jour de l'anniversaire de Willem-Alexander, le 27 avril.


title: Fête du Roi (Pays-Bas)

text: En 2014, Willem-Alexander visite De Rijp et Amstelveen lors de la fête du Roi. Les années suivantes, il visite Dordrecht, Zwolle, Tilbourg, Groningue, Amersfoort et Eindhoven.


title: Nébuleuse de la Tête de Cheval

text: La nébuleuse de la Tête de Cheval, officiellement connue sous le nom de Barnard 33 (IC 434 désigne la nébuleuse émissive à l'arrière-plan), est une nébuleuse obscure dans la constellation d'Orion. La nébuleuse est située juste en dessous d'Alnitak (ζ Ori), l'étoile la plus à l'est de la ceinture d'Orion.


title: Nébuleuse de la Tête de Cheval

text: Cette nébuleuse, située à 1600 années-lumière a été découverte pour la première fois en 1888 par Williamina Fleming sur une plaque photographique prise à l'observatoire du Harvard College et observée depuis par les télescopes spatiaux Hubble et Herschel.


title: Nébuleuse de la Tête de Cheval

text: Elle est facilement reconnaissable par la forme en tête de cheval qui lui a donné son nom et qui se découpe dans la nébuleuse. En effet, derrière la nébuleuse se trouve de l'hydrogène qui, ionisé par l'étoile brillante proche Sigma Orionis, donne une couleur rouge. L'obscurité de la tête de cheval est causée par la présence d'un nuage dense de gaz et de poussière. Cette dernière absorbe fortement le rayonnement visible émis par le gaz ionisé d'arrière-plan (rouge sur la photo).


title: Nébuleuse de la Tête de Cheval

text: Elle fait partie d'un grand nuage moléculaire sombre qui est aussi connu sous le nom de Barnard 33. La luminosité rougeâtre qui l'environne provient de l'hydrogène ionisé par la proche étoile σ Orionis, qui est située à l'arrière de la Nébuleuse de la Tête de cheval.


title: Nébuleuse de la Tête de Cheval

text: Diffusée à partir de 1993 sur les écrans français, Widget (série télévisée d'animation) à vocation écologique, met en scène, un petit alien de couleur mauve éponyme qui affirme venir de la Nébuleuse de la Tête de Cheval. Celle-ci est cependant différente visuellement de la représentation astronomique connue.


title: Amr ibn al-As

text: Amr ibn al-As ou ʿAmrū ibn al-ʿĀṣ ibn Wāʾil ibn Hāšim ibn Saʿīd ibn Sahm (en arabe : ) est un compagnon de Mahomet et fut nommé général par celui-ci. Il mourut en 664.


title: Amr ibn al-As

text: Que de chemin avait été parcouru depuis les premières années de la Révélation, durant lesquelles ce jeune noble de Quraysh avait compté parmi les plus farouches ennemis de l’islam.


title: Amr ibn al-As

text: Pendant la période de l'Hégire, ʿAmr faisait du commerce avec l'Abyssinie. Il faisait partie des opposants à Mahomet et chercha à inciter le Négus à soutenir le combat contre les musulmans. Le Négus l'aurait convaincu de se convertir à l'islam. Il rejoignit alors Médine et se convertit. Durant son chemin à Médine, il rencontra Khalid ibn Al-Walid qui lui aussi était parti de la Mecque pour se convertir à l'islam. Ils sont donc partis ensemble se convertir à l'islam.


title: Amr ibn al-As

text: Il fut ensuite envoyé par Mahomet comme ambassadeur en Oman. Cette ambassade est un échec et à son retour à Médine, Mahomet le charge d'une expédition au puits de Dsât al-Salâsil. La tribu qui s'était réunie près de ce puits était celle de sa mère. Il les convainquit de se convertir et rentra à Médine sans avoir eu besoin de combattre.


title: Amr ibn al-As

text: Il participe à la bataille d'Adjnadaïn contre les Byzantins avec Yazid ben Abi Sufyan (). En 638, il conquiert la Palestine et Jérusalem. La conquête se prolonge en Cilicie, puis, en Irak. En 639, il entre en Égypte et s’empare de Péluse, puis de Babylone d'Égypte, non loin de l'antique Memphis, que les Grecs quittent précipitamment pour Alexandrie. Après la première prise d'Alexandrie (fin 641), il conquiert la Basse-Égypte, puis occupe la Nubie. S'ensuit la conquête du Caucase en 640, et de la Haute-Mésopotamie en 641. Ils attaquent l'Iran et l'assujettissent entièrement 10 ans après les débuts de la conquête. Ils s'étendent également vers des régions d'Afrique du Nord, comme la Libye et l'Ifriqiya en 647 et occupent ainsi toute la région.


title: Amr ibn al-As

text: En 643, Alexandrie, évacuée par la garnison grecque, est livrée par le patriarche Cyrus qui paye tribut aux troupes arabes de ʿAmr qui prend la Cyrénaïque et fonde le camp de Fostat – qui deviendra Le Caire – au nord de Babylone. Cette prise est décrite par la "Chronique" de Jean de Nikiou. Amr imposa l'islamisation et l'arabisation progressives de l'Égypte copte, alors diocèse byzantin. La population est écrasée d'impôts, mais les villes ne sont pas totalement détruites et les églises sont épargnées. Les structures administratives ne sont pas changées car les Arabes n'ont ni le nombre d'hommes, ni le personnel qualifié pour accomplir une quelconque tâche bureaucratique. Le régime de la propriété du sol n'est pas modifié, et les Arabes reçoivent une solde surtout en nature, ainsi que des lotissements. Ils assurent une garde par rotation à Alexandrie face à la mer et à Khirbeta face au désert.


title: Amr ibn al-As

text: ʿAmr marche alors sur Tripoli en Libye. Le calife Omar lui refuse la conquête du reste du Maghreb et ʿAmr retourne en Égypte. En 643, ʿAmr est nommé gouverneur ("wali") d'Égypte. Il fait restaurer le canal du Nil à la mer Rouge pour transporter en Arabie le blé d'Égypte. Il prend le nom de « canal de l'émir des croyants » en hommage au calife Umar.


title: Amr ibn al-As

text: ʿAmr administre l'Égypte avec . Avant son règne, de nombreuses antiquités et reliques d'Égypte avaient été détruites (Source ?). Le calife Omar aurait donné en 642 l'ordre de détruire la bibliothèque d'Alexandrie à son chef militaire ʿAmr Ibn al-ʿAs.


title: Amr ibn al-As

text: Le montant de l'impôt est fixé en fonction de la crue du Nil. ʿAmr fait construire des nilomètres à Assouan et Dendérah pour enregistrer la montée des eaux. L’État doit pourvoir à l’entretien des digues et des canaux, qui emploie et nécessite le tiers du montant de l’impôt.


title: Amr ibn al-As

text: Après la déposition de ʿAmr, le nouveau gouverneur Abd Allah ibn Saad parvient à lever un tribut de deux millions de dinars de plus, bien que l’Égypte souffre alors d’une terrible disette.


title: Amr ibn al-As

text: Il se range du côté de Muʿawîya. En 657, il participe à la bataille de Siffin contre ʿAlî. Il est ensuite désigné pour arbitrer la conciliation entre les deux adversaires. Cela lui vaudra la haine des kharidjites qui organisèrent un attentat contre lui le 22 janvier 661. Le complot échoua car ce jour là 'Amr, se sentant mal, délégua la direction de la prière à Kharidja b. Hudhafa qui fut tué à sa place.


title: Amr ibn al-As

text: Il reste gouverneur d'Égypte jusqu'a sa mort en 664 (43 AH), alors qu'il est âgé d'environ 90 ans. Il est enterré à Fustat. Son fils 'Abd Allah lui succède au poste de gouverneur d'Égypte pour une courte période avant d'être remplacé par 'Utba ibn Abi Sufyan.


title: Régulation

text: Le terme de régulation renvoie dans son sens concret à une discipline technique, qui se rattache sur le plan scientifique à l'automatique. La régulation est un cas spécifique de rétroaction où le système tend à réduire ses écarts à la commande.


title: Régulation

text: La régulation dans le domaine des procédés industriels concerne la mise en œuvre de l'ensemble des moyens théoriques, matériels et techniques pour maintenir chaque grandeur physique essentielle égale à une valeur désirée, appelée consigne, par action sur une grandeur réglante, et ce, malgré l'influence des grandeurs perturbatrices du système.


title: Régulation

text: Le terme régulation peut avoir d'autres acceptions. Dans un sens général, la régulation est l'ensemble des techniques permettant de maintenir le bon fonctionnement d'une machine ou l'état d'un système.


title: Régulation

text: Dans le cadre des transports et de la logistique, la régulation désigne l'organisation des flux de marchandises, de voyageurs, de véhicules, de manière optimale : détecter les non-conformités (retard, bouchons, pannes incidents de toutes sortes altérant le déroulement du plan de transport) et ramener la situation à la normale, à ce qui est conforme au plan, le plus vite et avec le moins de conséquences possibles.


title: Régulation

text: Vers 1500 avant J.-C. déjà, l'homme recherchait des systèmes de régulation pour quantifier le temps. Il inventa la Clepsydre. Plus tard, le baille blé des moulins et le volant d'inertie du système bielle-manivelle sont des exemples de mécanismes de régulation. En 1746, William Salmon décrit un robinet à flotteur propre à maintenir le niveau d'eau des réservoirs domestiques. Ce principe est repris en 1765 par le Russe Ivan Polzounov pour réguler le niveau d'eau de la machine à vapeur dont il a équipé les soufflets des mines d'argent de Barnaoul.


title: Régulation

text: Dans l'histoire contemporaine l'idée sera améliorée dans le régulateur à boules de Watt destiné à maintenir le régime de rotation d'une machine à vapeur à une valeur voulue, en dosant l'admission de la vapeur grâce à la force centrifuge (les boules s'écartent et réduisent l'admission de la vapeur). Avec le chauffage électrique domestique, un thermostat commande les éléments de chauffe en contact et rupture ou en générant un signal à modulation de largeur d'impulsion (pour une chaudière modulante par exemple), par référence à la température désirée. Le thermostat est souvent mentionné comme symbole de cette cybernétique de la régulation.


title: Orge perlé

text: L'orge perlé est constitué de grains d'orge qui ont été transformés pour retirer les enveloppes adhérentes (glumes) et le son. Il faut en effet retirer à l'orge, qui est une « céréale vêtue », son enveloppe externe fibreuse pour la rendre comestible ; l'orge perlé est pris une étape plus loin, c'est-à-dire poli pour lui retirer la couche externe de son, pourtant nutritive. C'est l'équivalent du riz blanc par rapport au riz cargo.


title: Orge perlé

text: L'orge perlé est la forme la plus courante d'orge dans l’alimentation humaine, probablement parce que sa cuisson est plus rapide et qu'elle est plus facile à mastiquer que d'autres formes d'orge moins transformées.


title: Orge perlé

text: L'orge perlé est comparable au blé pour sa teneur en calories, protéines, vitamines et sels minéraux, certaines variétés étant toutefois plus riches en lysine.


title: Orge perlé

text: On en fait principalement des soupes et des ragoûts, mais c'est aussi un ingrédient des potages épais ou des desserts.


title: Image de marque

text: L'image de marque (communément appelée "Brand management" en anglais) est la représentation perçue par le public d'une entreprise, d'une organisation ou d'une (et de leurs services, de leurs produits et de leurs marques commerciales).


title: Image de marque

text: L'image de marque est produite par la combinaison d'un ensemble de représentations résultant des relations entre deux ou de multiples entités, chacune pouvant simultanément ou alternativement être amenée à percevoir l'autre ou à vouloir l'influencer.


title: Image de marque

text: Les représentations véhiculées ou associées à l'image de marque sont essentiellement « mentales » : même si elles nous parviennent via des médias et/ou supports concrets ayant explicitement une fonction de diffusion d'un message construit et délibéré, leur appropriation par chacun relève de l'acte individuel, avec tout ce qu'il peut être, c'est-à-dire subjectif, instable, sélectif, partial et simplificateur, mais aussi susceptible d'être partie à l'échange, d'être accessible au raisonnement, de laisser prise à l'influence, voire à la manipulation.


title: Image de marque

text: Par extension, et d'une manière impropre, l'expression est aujourd'hui étendue à la perception d'une personnalité.


title: Image de marque

text: L'image de marque d'une entreprise résulte de la perception reçue, ressentie et enregistrée par le public d'une multitude d'éléments physiques et immatériels. En tant qu'image « perçue », elle peut différer de l'image que l'entreprise a d'elle-même ou de l'image qu'elle s'efforce de diffuser.


title: Image de marque

text: Cette image se forge à travers des composantes d'une extrême diversité dont chacune nécessite autant d'attention de la part de l'entreprise. Ainsi, lorsqu'une entreprise commet des erreurs — qui affectent la société en interne comme à l'externe — cela peut entraîner un risque de réputation. Aussi, l'image de marque fait-elle partie des options fondamentales et stratégiques de la Communication de l'entreprise.


title: Image de marque

text: Appliquée aux produits, l'image de marque crée pour le consommateur de la valeur ajoutée lorsque celle-ci :


title: Image de marque

text: Appliquée à l'entreprise, L'image de marque crée pour l'entreprise de la valeur ajoutée lorsque celle-ci :


title: Image de marque

text: L’orientation du branding réfère au degré que l’organisation met en valeur les pratiques de la marque qui s’oriente vers la construction de ses capacités. C’est une approche délibérée de travailler avec des marques, de façon interne ou externe. La force motrice derrière cette augmentation d’intérêt dans les grandes marques est le taux d’accélération de leurs globalisations. Ceci résulte à une situation de compétition intense et éternelle dans plusieurs marchés.


title: Image de marque

text: La supériorité d’un produit n’est plus suffisante pour garantir son succès. Le niveau de rapidité de l’évolution technologique et l’augmentation de la vitesse de production d’imitations a considérablement réduit le cycle de vie des produits. Les conséquences sont que les avantages de la compétition risque de bientôt se transformer en prérequis compétitif. Pour cette raison, le nombre de compagnies grandissantes visent des outils plus compétitifs, comme les marques.


title: Image de marque

text: Certains auteurs insistent sur l'importance de l'identité de la marque, qui répond et complète celle d'image de marque.


title: Image de marque

text: Saverio Tomasella (2002) a prolongé cette approche. Il a développé un "Modèle sphérique trivalent de l'identité de la marque" afin que chaque marque, « à travers la mythologie qui lui est propre, puisse être étudiée en fonction de trois sous-ensembles articulés qui définissent son identité en mouvement : les identifiants fondamentaux, les identifiants charnières et les identifiants périphériques ». La représentation sphérique illustre la complexité dynamique de l’identité d’une marque.


title: Image de marque

text: « Ce modèle ternaire permet de tester tout projet d’extension de marque, mais aussi toute nouvelle campagne de communication, en s’assurant que le segment de marché ciblé percevra l’identité de la marque, transformée par ces projets, sans être trahie ou méconnaissable ». Une telle perspective favorise la différenciation de la marque, de façon sensible et pas seulement intellectuelle. Elle permet le développement d'un marketing-mix étendu reposant sur sept variables fondamentales (5p2i). Le marketing-mix élargi est global : il est élaboré à partir du positionnement et de l’identité de la marque.


title: Image de marque

text: Il vous faut concevoir une identité distinctive, significative et séduisante pour la clientèle ciblée; communiquer le bon message; s’assurer de livrer une prestation à la hauteur des attentes des clients et leur faire vivre une expérience unique.


title: Image de marque

text: Même si les réseaux-sociaux ont changé leurs tactiques de commercialiser des marques, leurs buts principaux reste les mêmes, attirer et garder leurs clients. Par contre, les compagnies ont maintenant expérimenté de nouveaux défis avec l’introduction des réseaux-sociaux. Ce changement trouve la bonne balance entre amener les clients à partager le mot à propos des marques avec différentes plateformes, pendant qu’ils contrôlent toujours le but principal de la compagnie en termes de stratégie de marketing.


title: Image de marque

text: La commercialisation via le bouche-à-oreille sur les réseaux-sociaux tombent dans une autre catégorie de commercialisation virale, cela décrit largement toutes stratégies qui encouragent les individus à propager le message. Ceci engendre un potentiel pour une expansion exponentielle dans l’exposition du message et d’influence. Les formes basiques de cela sont vues quand un client fait un commentaire sur un produit, une compagnie, ou encourage une marque. Cette technique de marketing permet aux utilisateurs de propager le mot sur la marque, ce qui crée de l’exposition pour la compagnie. À cause de cela, les marques deviennent plus intéressées à explorer, ou utiliser les réseaux-sociaux pour des bénéfices commerciaux.


title: Image de marque

text: Par exemple, à la question : « "Quelle marque donneriez-vous à une friandise croquante au chocolat destinée aux enfants de 6 à 12 ans ?" », trois types de réponses peuvent être données :


title: Image de marque

text: Lorsqu'une entreprise démarre, comme n'importe quelle start'up, elle se doit de développer une image de marque le plus rapidement possible. Pour cela, de nombreuses stratégies existent. On associe souvent cela à la notion de visibilité. Si les grandes entreprises utilisent les méthodes conventionnelles (publicité, partenariat, sponsoring, affiliation…), certaines petites entreprises se focalisent sur des méthodes moins coûteuses, qui consistent à accroître ses relations avec les quelques prospects/clients, pour viser une rentabilité rapide, tels que :


title: Image de marque

text: Se référer à des livres blancs ou une Checklist pour développer son image de marque est une solution fiable afin de n'oublier aucune information.


title: Image de marque

text: Une démarche de marque utile (ou anglicisme "Brand Utility") consiste à rendre la marque utile aux yeux des consommateurs à travers une action sociétale non directement liée au produit. Il s'agit en général de la fourniture d'un produit ou service utile et gratuit.


title: Image de marque

text: Ce produit n'est pas le produit principal lié au cœur de métier de l'entreprise (même si le produit est lui-même utile). C'est un autre produit, dont l'entreprise ne fait pas commerce. Par contre, il s'agit souvent d'un produit faisant référence au contexte de la marque.


title: Image de marque

text: Une marque de gamme est une marque d'un ensemble de produits qui ont un lien entre eux. L'image de marque d'un produit se diffuse sur les autres produits de la gamme. Le coût de la communication sur la marque de gamme sert tous les produits de la gamme.


title: Image de marque

text: La marque-ombrelle, orthographiée aussi marque ombrelle, désigne une marque qui abrite et regroupe d'autres marques, généralement un ensemble de produits hétérogènes (à l’échelle d’un groupe ou au niveau d’une gamme).


title: Image de marque

text: Par exemple, Michelin (des guides, des pneus…), la chaîne d'hôtels Ibis. Chaque produit porte une promesse et un bénéfice consommateur et est soutenu par une communication globale, commune, sous un même nom de marque.


title: Image de marque

text: La séparation entre les commodités/services de nourriture et technologies n’est pas une question de chance : les deux secteurs dépendent beaucoup sur les ventes aux consommateurs individuels qui doivent être capable de compter sur la propreté/qualité ou reliabilité/valeur, respectivement. Pour cette raison, les industries comme l’agriculture (qui vend aux autres compagnies dans le secteur agroalimentaire), prêts étudiants (qui ont une relation avec les universités et écoles à la place des individus donneurs), et électricité (qui sont généralement un monopole contrôler) ont une image de marque moins abondante et moins reconnue. La valeur de la marque n’est pas simplement un sentiment floué d’intérêt du consommateur, mais une quantité active de valeur de bonne volonté sous généralement des principes comptés et acceptés. Les compagnies vont rigoureusement défendre leurs nom de marque, incluant la prosécution de contrefaçon de marques. Occasionnellement, les marques de commerces vont différer selon les pays.


title: Image de marque

text: Parmi les marques les plus reconnues ainsi que les plus visibles, il y a le slogan ainsi que le logo des produits Coca-Cola par exemple. Malgré de nombreux tests à l'aveuglette indiquant que la saveur du Coke n’est pas la préférée de tous, Coca-Cola continue de profiter d’un dominant partage du marché du cola. L’histoire de Coca-Cola est rempli d’incertitudes qu’un folklore s’est installé au tour de la marque, incluant le mythe réfuté que Coca-Cola a inventé le père noël qui est habillé en rouge. Ceci est utilisé pour obtenir un entré de marché dans les régions moins capitalistes dans le monde tel que la Chine ou la Russie. La traduction culturelle est utile au pays entrant dans de nouveaux marchés.


title: Image de marque

text: La gestion de marques modernes croisent également des problèmes légaux comme la généralisation de marques de commerces. La compagnie “Xerox” continue de combattre intensément les médias peu importe quand un reporter ou un autre écrivain utilise simplement “Xerox” comme synonyme de photocopie. Est-ce-que l’usage de Xeros devrait être accepté comme étant le standard Américain en termes de “photocopie” pour que les compétiteurs de Xeros peuvent argumenter avec succès en court qu’ils sont permis de créer des machines “Xeros” également? Atteindre ce stade de domination du marché est un triomphe de la gestion de marque, et devenir dominant habituellement mène à de grands profits.


title: Image de marque

text: Elle est liée à plusieurs gammes complexes de produits, et vient en complément d'autres marques pour authentifier le produit.


title: Image de marque

text: Une marque de distributeur (détenue par un distributeur) permet à celui-ci de récupérer une marge plus importante même si les prix pratiqués sont plus faibles que pour les marques de producteurs. Elle concurrence vivement les producteurs qui sont soumis en plus aux marges en amont et en aval des distributeurs, à la promotion forcée   .


title: Image de marque

text: Elle regroupe sous un même nom des produits qui s'adressent à une clientèle particulière et bénéficient d'une promesse spécifique.


title: Image de marque

text: Il s'agit de la signature d'une création originale. Le territoire de la griffe s'exprime par rapport à une compétence reconnue et un style.


title: Image de marque

text: L’image de marque se définit à l’image dont l’organisation veut faire projeter. Une signification psychologique ou profil associé à la marque.


title: Image de marque

text: L’association de marque réfère à un nœud d’informations qui garde en mémoire la forme d’un réseau d’associations et lié à une variable clé. Par exemple, les variables tels que l’image de marque, la personnalité de la marque ou la préférence de marques sont des nœuds dans un réseau qui décrit les sources de congruité de la marque.


title: Image de marque

text: L’attitude de la marque cite une évaluation générale de la marque avec respect à son habilité de percevoir les capacités d’atteindre une motivation cohérente.


title: Image de marque

text: La notoriété de la marque est le point où les consommateurs peuvent identifier une marque sous plusieurs conditions. Les commerçants peuvent identifier habituellement deux types distincts de notoriété de marques, comme la reconnaissance de la marque et le rappel de la marque.


title: Image de marque

text: L’équité de la marque vient de la commercialisation où l’équité de marque est traitée dans la mesure de la force d’attachement des consommateurs à la marque ; une description des associations et croyances que le consommateur a à propos de la marque.


title: Image de marque

text: La personnalité de la marque s’attache aux traits de personnalité humains qui y sont applicables, ainsi que significatif à la marque.


title: Image de marque

text: La congruité d’elle-même fait allusion aux consommateurs qui préfèrent des marques qui ont des personnalités similaires avec les leurs. Les consommateurs ont tendances à former une fort attachement avec les personnalités des marques qui représente les leurs.


title: Image de marque

text: La préférence de marque se démarque par la prédisposition des consommateurs à certaines marques qui résument leurs informations cognitives sur les stimulis de la marque.


title: Image de marque

text: Actifs immatériels lorsqu’elles sont développées en interne, les marques sont un bon exemple des techniques de valorisation qui pourraient être utilisées pour d’autres indicateurs du capital immatériel. Il y a plusieurs grandes méthodes pour évaluer une marque :


title: Image de marque

text: Elle consiste à valoriser une marque par rapport soit aux coûts qui ont été engagés pour la créer, soit par rapport aux coûts qu’il serait nécessaire d’engager pour développer une marque similaire. Dans ce dernier cas, il s’agit plus d’une dimension de coûts de remplacement que de coûts historiques.


title: Image de marque

text: La deuxième méthode est une approche de marché, de type « comparables », qui consiste à examiner le prix payé pour une autre marque, et par comparaison avec un agrégat qui semble pertinent (CA, nombre d’unités vendues…) il est alors possible d’en déduire la valeur de la marque à évaluer.


title: Alder Lake

text: Alder Lake est le nom de la microarchitecture de la douzième génération de processeurs Intel Core lancé le 4 novembre 2021.


title: Alder Lake

text: Ces nouveaux processeurs auront une architecture dite "hybride", c'est-à-dire que les processeurs seront dotés de cœurs haute performance (nommés P-Cores) utilisant la microarchitecture "Golden Cove" et de cœurs basse consommation (E-Cores) utilisant la microarchitecture "Gracemont".


title: Alder Lake

text: Ces processeurs utilisent le socket LGA 1700 et possèdent une finesse de gravure de 10 nm (la génération précédente étant en 14 nm), mais le procédé de fabrication utilisera "Intel 7", c'est-à-dire que, d'après Intel, ces processeurs conçus en 10 nm seront comparables à des processeurs conçus en 7 nm. Les processeurs supporteront la mémoire vive DDR5 et le PCIe 5.0.


title: Alder Lake

text: Durant l"'Intel Architecture Day", la conférence d'Intel ayant pour but de présenter ses nouveaux produits, l'entreprise a promis que les logiciels et les systèmes d'exploitation n'auront pas besoin de mise à jour pour s'adapter à cette nouvelle architecture hybride. En effet, Intel a présenté l’"Intel Thread Director", un composant qui aura pour objectif de gérer les différents cœurs sans que les logiciels s'en préoccupent. Cependant, Microsoft a annoncé que Windows 11 allait être développé pour optimiser les performances de l’"Intel Thread Director".


title: Giorgione

text: Giorgio Barbarelli ou Zorzi da Vedelago ou da Castelfranco, dit Giorgione (Vedelago ou Castelfranco Veneto 1477 - Venise 1510) est le premier grand peintre vénitien du "Cinquecento" et de la Haute Renaissance.


title: Giorgione

text: Il n'a vécu que 32 ans. Il était cependant l'un des peintres les plus célèbres à Venise, de son vivant. La plupart de ses tableaux ont été commandés par les premiers collectionneurs et le contexte intellectuel de ces personnalités cultivées, aujourd'hui mal connu, rend ces tableaux bien mystérieux.


title: Giorgione

text: Malgré la grande popularité de l'artiste au cours de sa vie, il est l'une des figures les plus énigmatiques de l'histoire de la peinture. Il n'a signé aucune œuvre (sauf sa "Laura") et la reconstitution de son catalogue, ainsi que la détermination des significations iconographiques de nombre de celles-ci, font l'objet de nombreux débats et polémiques parmi les savants. Il a été actif sur la scène picturale vénitienne pendant un peu plus de dix ans, la marquant d'une apparition soudaine mais fulgurante, qui dans l'historiographie artistique a ensuite pris des proportions légendaires. Même en restreignant au maximum son catalogue et en minimisant les commentaires hyperboliques qui ont suivi sa mort, il est certain que son activité a certainement marqué un tournant dans la peinture vénitienne, lui donnant une orientation décisive vers la « maniera moderna ».


title: Giorgione

text: Giorgione a innové dans sa pratique de peintre, ce qui lui a permis de faire évoluer ses tableaux pendant leur réalisation, rendant le dessin moins contraignant. Cette pratique s'est rapidement diffusée à tous les peintres vénitiens et bien au-delà jusqu'à aujourd'hui, ouvrant la création à une plus grande spontanéité et à une plus grande recherche en matière de peinture.


title: Giorgione

text: On ignore tout de son patronyme : "Giorgio", en vénitien "Zorzo" ou "Zorzi", de Castelfranco Veneto, lieu de naissance. Sa maison natale a été transformée en musée, où l'une des rares œuvres qui lui sont attribuées avec certitude est exposée la "Frise des arts libéraux et mécaniques". On dit que le surnom de "Giorgione" ("Giorgione" ou "Zorzon" signifient "Grand Georges") lui fut donné par Giorgio Vasari « pour son allure et sa grandeur d’âme », mais ce surnom était en fait probablement lié à sa stature physique ou à sa taille. Il est toujours resté un artiste insaisissable et mystérieux, à tel point qu'il est apparu à Gabriele D'Annunzio « plus comme un mythe qu'un homme ».


title: Giorgione

text: Les œuvres qui lui sont attribuées le sont bien rarement avec un consensus général et le catalogue raisonné établi en 1996 par Jaynie Anderson se limite à 24 tableaux à l'huile sur bois ou sur toile et deux dessins, l'un à l'encre brune et au lavis, l'autre à la sanguine.


title: Giorgione

text: On sait très peu de choses sur sa vie ; seuls certains faits sont connus grâce à des inscriptions sur des tableaux ou à quelques documents contemporains. De plus, Giorgione ne signait pas ses œuvres. Les premières informations sur les origines du peintre remontent à des sources du , qui le signalent unanimement comme étant originaire de Castelfranco Veneto, à cinquante kilomètres au nord-ouest de Venise. Enrico Maria dal Pozzolo rapporte que dans certains documents des archives historiques de la municipalité de la ville, mention est faite d'un certain Zorzi, né en 1477 ou 1478, qui en 1500 demande à la municipalité d'être exonéré de payer des impôts car il ne réside plus dans le pays. Ce Zorzi, fils du notaire Giovanni Barbarella et d'un certain Altadonna, a été identifié comme étant Giorgione. Ses dates de naissance et de mort ont été données par Giorgio Vasari dans "Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes". La date de naissance, corrigée dans la seconde édition des "Vies", serait 1478 ; cette date est cohérente avec l’activité artistique de Giorgione à la fin du .


title: Giorgione

text: Selon les historiens, Giorgione serait d’extraction très humble. Selon le professeur d'architecture de l'université de Rome « La Sapienza » Enrico Guidoni, Giorgione serait le fils du maître Segurano Cigna.


title: Giorgione

text: Giorgio da Castelfranco, souvent appelé dans le dialecte vénitien « Zorzo » ou « Zorzi », est mentionné comme Giorgione quelques années après sa mort, l'augmentatif était un moyen d'accentuer sa haute stature morale et physique, et depuis lors, a été utilisé comme l'appellation la plus employée pour l'identifier.


title: Giorgione

text: Aucun document ne permet de remonter à la prime jeunesse de Giorgione. Nul ne sait exactement quand il a quitté Castelfranco, encore moins à quel stade de son éducation. On sait qu'il est arrivé très jeune à Venise, s'installant dans l'atelier de Giovanni Bellini, dont il hérite le goût de la couleur et l'attention aux paysages. Carlo Ridolfi raconte qu'à la fin de son apprentissage, il est retourné dans sa ville natale où il s'est formé à la technique de la fresque avec quelques artistes locaux et qu'il a exploité ce savoir-faire dans la lagune, se consacrant à la décoration des façades et des intérieurs de palais, à partir de sa propre résidence à Campo San Silvestro. Confirmant ce qu'écrivait Ridolfi en 1648, les historiens des ont répertorié un grand nombre de fresques peintes par lui, qui ont toutes été perdues aujourd'hui à l'exception du "Nu", sauvée en 1938, sur la façade du Fontego dei Tedeschi mais aujourd'hui presque complètement détruit.


title: Giorgione

text: Entre la fin du , il apparait à Venise parmi les nombreux « étrangers » qui ont facilement trouvé un emploi dans la ville dans le domaine pictural. Une anecdote permet de situer le jeune peintre dans la cité à la fin des années 1490. Mauro Lucco indique que les peintres vénitiens parvenaient à maturité et s'établissaient à leur compte à l'âge de 18 ans ; vers 1495 ou 96, il aurait donc réalisé ses premières peintures en toute autonomie.


title: Giorgione

text: Ses premiers essais, comme les tableaux de la Galerie des Offices ou "La Vierge à l'Enfant dans un paysage" du Musée de l'Ermitage, montrent un bon degré d'assimilation de différentes expressions. Il semble à Alessandro Ballarin, au regard des œuvres qu'il considère comme étant les premières de l'artiste, que celui-ci avait connaissance de la peinture protoclassique du Pérugin, des gravures sur bois et sur cuivre de Albrecht Dürer, des peintures « néogothiques » de Jérôme Bosch, de Lorenzo Costa, des artistes lombards, et des peintres et graveurs nordiques, qui tous étaient à Venise en 1494-96. Le passage de Léonard de Vinci dans les premiers mois de 1500 aurait été tout aussi déterminant. Pérugin est à Venise en 1494 pour une commande qu'il n'exécutera jamais, mais il en profite pour peindre un cycle narratif pour la Scuola de San Giovanni Evangelista, peut-être en 1496, des portraits et une toile perdue pour le palais des Doges. La "Judith", du musée de l'Ermitage, l'une des œuvres attribuable à sa main et généralement datée de cette période, assemble des plis du drapé à la raideur toute gothique et tient une grande épée qui semble venir du répertoire du Pérugin.


title: Giorgione

text: Les œuvres à sujet sacré se situent principalement dans ses premières années d'activité. Se réfèrent habituellement à cette période : la "Sainte Famille Benson", "L'Adoration des bergers Allendale", "L'Adoration des mages" et la "Vierge à l'Enfant lisant", alors que le fragment de la "Maddalena" des Offices a vu son attribution rejetée. Dans ces œuvres, on note des différences fondamentales avec le principal peintre alors actif à Venise, Giovanni Bellini : si pour Bellini tout est imprégné de sacré et la création apparaît comme une manifestation divine, pour Giorgione tout a un aspect profane, avec une nature qui semble dotée de ses propres normes internes innées, dans laquelle les personnages sont immergés dans des sentiments réels et « terrestres ».


title: Giorgione

text: Les commandes des peintures de chevalet qui lui parviennent ne proviennent ni des corps religieux ni de la Sérénissime, mais plutôt à un petit cercle d'intellectuels liés à des familles patriciennes qui préfèrent, plutôt que les sujets religieux habituels, des portraits et des œuvres de petit format ayant pour sujet des images mythologiques ou allégoriques.


title: Giorgione

text: Il existe toutefois deux exceptions de commandes « publiques » : un "telero" pour la salle d'audience du palais des Doges, perdu, et la décoration à fresque de la façade de la nouvelle Fontego dei Tedeschi, qui lui fut confiée par la Seigneurie et achevée en décembre 1508. Son travail remplissait tous les espaces entre les fenêtres de la façade donnant sur le Grand Canal, où Giorgione a peint une série de nus que les contemporains rapportent comme grandioses et animés par l'utilisation d'un rouge flamboyant. Il ne reste d'eux aujourd'hui, que le dit "Nu" conservé dans les Galeries de l'Académie de Venise.


title: Giorgione

text: Il est probable que cette importante commande a été confiée à Giorgione du fait de son expérience dans le domaine des fresques et qu'elle a également constitué pour lui un signal de la possibilité de succéder à Bellini dans le rôle de peintre officiel de la Sérénissime, ce qui de toute façon ne put se produire en raison de sa mort prématurée lors de la terrible peste qui a ravagé Venise en 1510.


title: Giorgione

text: Au dire de Vasari, Giorgione, homme courtois, épris de conversations élégantes et de musique (il jouait des madrigaux sur son luth), fréquentait à Venise les milieux raffinés et cultivés, mais assez fermés, des Vendramin, Marcello, Venier, Contarini. Il est reconnu comme un artiste « engagé » dans le milieu de l'Aristotélisme professée à Venise et à Padoue.


title: Giorgione

text: Son accès aux plus célèbres commanditaires pourrait avoir été assuré par un protecteur comme Pietro Bembo, ou des Vénitiens très riches comme Taddeo Contarini ou Gabriele Vendramin. Fin , Isabelle d'Este, la plus ardente collectionneuse de l'Italie du Nord, écrivit à son agent vénitien pour lui demander d'acheter une "Nativité" de Giorgione, après le décès du peintre. Mais sa recherche ne put aboutir : le tableau, en deux versions, avait été commandé par deux autres collectionneurs vénitiens qui ne souhaitaient pas s'en séparer. Giorgione avait en effet inventé la peinture de chevalet conçue et réalisée pour le plaisir de ses commanditaires patriciens, et l'ornement de leurs "studiolo". Ces nouveaux objets étaient parfois protégés par un « couvercle » peint que l'on ôtait pour les contempler en compagnie d'amis choisis.


title: Giorgione

text: "Le retable de Castelfranco", l'une des rares œuvres certaines de Giorgione remonte aux environs de 1503, commandé par le "condottiere" Tuzio Costanzo pour la chapelle familiale de la cathédrale Santa Maria Assunta e Liberale de Castelfranco Veneto .


title: Giorgione

text: Tuzio Costanzo, un chef originaire de messine (« la première lance d'Italie » pour le roi de France Louis XII), s'était installé à Castelfranco en 1475, après avoir servi la reine Catherine Cornaro à Chypre, gagnant le titre de vice-roi. "Le retable de Castelfranco" est une œuvre de dévotion privée que Tuzio voulut d'abord pour célébrer sa famille, et plus tard en 1500, pour se souvenir de son fils Matteo, également "condottiere", décédé tragiquement à Ravenne pendant la guerre pour le contrôle du Casentino, comme le rappelle le pierre tombale se trouvant aujourd'hui au pied du retable (à l'origine elle était placée sur le mur droit de la chapelle), probablement l'œuvre de Giovan Giorgio Lascaris, dit Pirgotele, un sculpteur raffiné et mystérieux, actif à Venise entre les . La disparition de son fils, comme semblent le confirmer les investigations radiographiques menées sur le retable, a probablement conduit Tuzio à demander à Giorgione de modifier la structure originale de l'œuvre, avec la transformation de la base du trône en sarcophage en porphyre, sépulture royale par excellence, à l'effigie de la famille Costanzo, et avec l'accentuation de la tristesse de la Vierge. La conversation sacrée est caractérisée par le groupe de la Vierge avec l'Enfant Jésus isolé dans le ciel pour souligner la dimension divine. En arrière-plan, un paysage apparemment doux, mais marqué par les traces inquiétantes de la guerre (à droite, deux minuscules personnages sont armés, tandis qu'à gauche, un village à tourelles est en ruines) : l'arrière-plan renvoie à un moment historique précis, ou aux décennies troublées se situant entre le .


title: Giorgione

text: À la base, deux saints introduisent la scène : l'un d'eux est clairement identifiable comme François d'Assise, représenté avec la gestuelle par laquelle les commanditaires sont habituellement montrés (qui sont pourtant ici absents). L'identification de l'autre saint est plus complexe : l'iconographie qui fait référence aux saints guerriers est claire, comme Georges de Lydda (éponyme du peintre et dont la chapelle porte le nom), Libéral d'Altino (titulaire de la cathédrale et saint patron du diocèse de Trévise), saint Nicaise (martyr de l'ordre des chevaliers de Jérusalem, auquel appartenait également le client Tuzio Costanzo), ou enfin Florian de Lorch (vénéré entre l'Autriche et la haute Vénétie). Les deux personnages tournent leur regard vers l'observateur hypothétique, faisant le lien entre le monde réel et le monde divin.


title: Giorgione

text: Le retable, inspiré de Bellini, marque les débuts indépendants de Giorgione à son retour dans sa ville natale après les années passées à Venise dans l'atelier de Bellini. Il est érigé en pyramide très haute, avec la tête de la Vierge trônant au sommet et les deux saints à la base, devant un parapet ; le saint François est inspiré du "Retable de Saint-Job" de Giovanni Bellini.


title: Giorgione

text: Par rapport aux modèles lagunaires, l'artiste abandonne le fond architectural traditionnel, posant une partition originale : une moitié inférieure avec le sol en damier en perspective et un parapet rouge et lisse en toile de fond, et une moitié supérieure bleu ciel, avec un large et profond paysage, formé par la campagne et les collines. La continuité est garantie par l'utilisation parfaite de la lumière atmosphérique, qui unifie les différents plans et figures, malgré les différences entre les divers matériaux, de l'éclat de l'armure du saint guerrier à la douceur des vêtements de la Vierge. Le style du retable se caractérise par un tonalisme évident, obtenu par le chevauchement progressif des couches colorées, qui rendent le clair-obscur doux et enveloppant.


title: Giorgione

text: La vierge porte les trois couleurs symboliques des vertus théologales : le blanc pour la foi, le rouge pour la charité et le vert pour l'espérance.


title: Giorgione

text: Vasari est le premier à souligner la relation entre le style de Léonard de Vinci et la « manière » de Giorgione. L'attention de Giorgione pour les paysages aurait été influencée, toujours selon Vasari, par les œuvres de Léonard de passage dans la lagune.


title: Giorgione

text: Le peintre toscan, fugacement à Venise en mars 1500, est surtout connu localement par le travail des "Leonardeschi", comme Andrea Solari, Giovanni Agostino da Lodi et Francesco Napoletano.


title: Giorgione

text: Léonard de Vinci apporta au moins un dessin à Venise : le carton du portrait d'Isabelle d'Este (actuellement conservé au Louvre), mais il y en avait sans doute d'autres, et peut-être en rapport avec "La Cène" qu'il venait d'achever à Milan. Cet impact est particulièrement visible dans "L'éducation du jeune Marc Aurèle". Giorgione essaie alors d'imiter le « sfumato » du maître et délaisse ses recherches sur l'effet des couleurs compactes denses et veloutées. Il tente au contraire dans ce tableau de rendre le « flou » atmosphérique employant , une texture très légère, fluide, avec une très faible quantité de pigments dilués dans beaucoup d'huile.


title: Giorgione

text: Dans des œuvres telles que le "Garçon à la flèche", les "Trois âges de l'homme" ou le "Portrait d'un jeune homme" de Budapest, montrent un approfondissement psychologique et une plus grande sensibilité aux jeux de lumière dérivés de Léonard .


title: Giorgione

text: Il n'est pas improbable que Giorgione ait fréquenté au début du la cour d'Asolo de Catherine Cornaro, la reine détrônée de Chypre, qui avait réuni autour d'elle un cercle d'intellectuels. Des œuvres telles que le "Double Portrait", ont été rapprochées des discussions sur l'amour des "Gli Asolani" de Pietro Bembo, que Giorgione a probablement rencontré à Asolo et qui, dans ces années, publie à Venise son traité platonicien. Le "Portrait de guerrier avec son écuyer" des Offices semble liés aux événements de la cour. Ces œuvres ont été supprimées ou réaffectées à plusieurs reprises au catalogue de Giorgione. Ce dernier médite longuement sur les thèmes de ses peintures et les remplit de significations bibliques, historiques et littéraires. Giulio Carlo Argan souligne l'attitude platonicienne du peintre, greffée sur la culture aristotélicienne de l'atelier de Padoue.


title: Giorgione

text: Dans la lettre bien connue de l'agent d'Isabelle d'Este de 1510, il apparait que le noble Taddeo Contarini et le citoyen Vittorio Bechario possèdent des œuvres du peintre et que pour rien au monde ils s'en sépareraient car elles avaient été commandées et réalisées de façon à satisfaire leurs goûts personnels : les œuvres de Giorgione étaient rares et convoitées, et les clients participaient au choix des sujets. Une liste des œuvres de Giorgione, avec leurs propriétaires respectifs de Padoue et de Venise, se trouve également dans la liste de Marcantonio Michiel, publiée entre 1525 et 1543.


title: Giorgione

text: Au cours de ces années, Giorgione se consacre à des thèmes tels que le paragone, dont il reste des œuvres de ses élèves inspirées de ses originaux perdus, et au paysage. Si quelques œuvres sont d'attribution douteuse, probablement d'artistes de son cercle, comme les « "Paesetti" » (Musée civique de Padoue, National Gallery of Art et The Phillips Collection), il demeure surtout quelques chefs-d'œuvre incontestés comme le "Coucher de soleil" et la fameuse "Tempête". Ce sont des œuvres au sens insaisissable, dans lesquelles les personnages sont réduits à des figures dans un paysage arcadien, plein de valeurs atmosphériques et lumineuses liées à l'heure du jour et aux conditions météorologiques. Ces œuvres montrent des influences de la nouvelle sensibilité de l'École du Danube, mais elles s'en écartent aussi, donnant une interprétation italienne moins agitée, plus équilibrée. La toile dite des "Trois Philosophes", qui remonte également aux environs de 1505, présente des significations allégoriques complexes, pas encore complètement expliquées. La difficulté d'interprétation est liée aux demandes complexes des clients, riches et raffinés, qui voulaient des œuvres mystérieuses, remplies de symbolisme. Les figures sont construites pour les couleurs et les masses, pas pour les lignes ; celles contrastées séparent les personnages de l'arrière-plan, créant une impression de balayage spatial.


title: Giorgione

text: Il faut attendre 1506 pour retrouver le premier et unique autographe daté de Giorgione : le portrait d'une jeune femme nommée "Laura", conservé au Musée d'Histoire de l'art de Vienne, stylistiquement proche du portrait de "La Vieille".


title: Giorgione

text: "La Tempête", dite aussi "L'Orage" (v. 1507 ?) est une toile appartenant aux "poesie" ("poesia"), genre élaboré à Venise à la charnière du .


title: Giorgione

text: C'est, pour la première fois dans l'histoire de la peinture occidentale, essentiellement un paysage où l'espace réservé aux personnages est secondaire comparé à l'espace réservé à la nature.


title: Giorgione

text: Le personnage qui tient un bâton, à gauche, semble représenter un berger et non un soldat comme Marcantonio Michiel l'avait interprété en 1530 dans la demeure de Gabriel Vendramin, le commanditaire. Ce berger serait plus en accord avec le mouvement pastoral qui marque la poésie italienne de l'époque. Le sujet ne correspondrait donc pas à un texte écrit mais associerait des sources disparates sur un mode lyrique. Le défi pour le poète est alors de surpasser ses prototypes par l'étendue des effets poétiques que sa création engendre. Et c'est effectivement ce que "La Tempête" soulève chez ceux qui la regardent d'aujourd'hui.


title: Giorgione

text: Le tableau semble avoir subi une lente élaboration car la radiographie révèle un important repentir : le personnage d'une femme nue aux pieds dans l'eau, en bas à gauche, a été effacé. Par cette maturation de l'idée sur la toile Giorgione confirme son opposition vénitienne aux pratiques florentines, Florence étant adepte du dessin préparatoire à l'œuvre.


title: Giorgione

text: Giorgione a peint sur la droite une femme qui allaite un enfant et, sur la gauche, se trouve un homme debout qui les regarde. Il n'existe aucun dialogue entre eux. Ils sont tous deux séparés par un petit ruisseau et des ruines. Dans le fond, on aperçoit une ville sur laquelle un orage éclate. Un éclair traverse le ciel couvert.


title: Giorgione

text: Personne ne peut prétendre, aujourd'hui, détenir la signification que ce tableau avait pour le peintre et dans le cercle de ses proches ; comme pour beaucoup de ses œuvres, Giorgione lui donne un sens qui nous est inaccessible avec certitude aujourd'hui. Mais la recherche, de plus en plus érudite, nous propose de nouvelles lectures, comme celle de Jaynie Anderson, dans son catalogue raisonné.


title: Giorgione

text: Dans la nuit du 27 au 28 janvier 1505, le bâtiment du du "Fontego dei Tedeschi", siège commercial des allemands à Venise, est incendié. Le Sénat vénitien approuve en moins de cinq mois un projet pour un bâtiment plus grand et plus monumental, qui est construit vers 1508. Cette année-là, une dispute sur un paiement, une commission spéciale, formée par Vittore Carpaccio, Lazzaro Bastiani et Vittore di Matteo ayant décidé de payer à Giorgione 130 ducats et non 150 comme convenu, confirme qu'à ce moment, les fresques des murs extérieurs devaient être achevées, confiées à Giorgione et à son jeune élève Titien qui, selon Vasari, sont également aidés par Morto da Feltre qui pourtant se bornait généralement à faire « les ornements de l'ouvrage ». On peut se demander comment un peintre encore peu connu à Venise et qui venait d'arriver de Florence (plus tard ami et compagnon de Giorgione) fait partie de l'équipe. Selon Vasari, Morto est celui qui a su recréer le style des grotesques. Par grotesque, Vasari entendait à la fois les décors alambiqués et les scènes aux paysages et figures idylliques de la peinture romaine antique qui étaient constitués de couleurs juxtaposées, pouvant se rapprocher du style de l'impressionnisme du . Morto s'est consacré à cette étude d'abord à la Domus aurea de Rome puis à Tivoli et à Naples, et est devenu célèbre pour son talent en la matière. Ce n'est en fait que sous terre (dans les « grottes ») que les couleurs et les formes des fresques romaines ont survécu au passage du temps et aux intempéries. On peut suggérer que la peinture vénitienne est l'héritière légitime de l'antique peinture romaine. Le nouveau style s'est aussi répandu à Venise parce qu'il fait revivre la peinture ancienne, la sculpture et l'architecture classique qui utilisaient des matériaux beaucoup plus résistants que la peinture et étaient déjà « renaissants ». Même Durer se plaignait de ne pas être assez apprécié des Vénitiens pour ne pas peindre à la « nouvelle mode ». Giorgione a eu le privilège d'observer de près Morto sur l'échafaudage du "Fontego" et a compris sa conception innovante sans avoir à se rendre personnellement à Rome, et l'a gardé proche de lui.


title: Giorgione

text: Vasari a vu les fresques dans leur splendeur et, même sans pouvoir en déchiffrer le sens, les a beaucoup louées pour leurs proportions et la couleur « très vive » qui les faisaient paraître « dessinées sous le signe des êtres vivants, et non en imitation, quelle que soit la manière ». Endommagées par les agents atmosphériques, le climat humide et la lagune saumâtre, elles sont finalement détachées au et transférées dans des musées, le Ca' d'Oro et les Galeries de l'Académie de Venise. Le "Nu" de Giorgione se trouve dans ce dernier musée, où malgré le mauvais état de conservation, on peut encore apprécier l'étude sur la proportion idéale, thème très en vogue à l'époque, inspiré de la statuaire classique et traité en peinture en ces mêmes années aussi par Albrecht Dürer. La vivacité chromatique est encore perceptible, donnant à la chair de la figure la chaleur d'un être vivant.


title: Giorgione

text: Certaines des meilleures œuvres de Giorgione en tant que coloriste sont attribuées à cette période, comme le "Portrait d'homme Terris".


title: Giorgione

text: Vers 1508, Giorgione peint la "Vénus endormie" pour Girolamo Marcello, une huile sur toile qui représente la déesse dormant détendue sur une pelouse, inconsciente de sa beauté. Il est probable que Titien soit intervenu sur ce tableau qui, encore jeune, aurait créé le paysage en arrière-plan et un cupidon entre les jambes de Vénus.


title: Giorgione

text: Lors d'une restauration dans les années 1800, le cupidon a été effacé compte tenu de son mauvais état, et n'est désormais visible que par radiographie. Selon son témoignage, Marcantonio Michiel, en 1522, a eu l'occasion de voir dans la maison de Girolamo Marcello, une Vénus nue avec un "putto" qui « fait à la main de Zorzo de Castelfranco, mais la ville et Cupidine ont été achevés par Titien ».


title: Giorgione

text: Actuellement l'œuvre est visible à Dresde à la Gemäldegalerie Alte Meister ; le même thème (la représentation de Vénus) sera repris plusieurs fois par Titien : la pose de la Vénus d'Urbin, datée de 1538, présente la plus forte analogie avec celle de Giorgione.


title: Giorgione

text: La dernière phase de la production du peintre montre des œuvres de plus en plus énigmatiques, caractérisées par une approche de plus en plus libre, avec de la couleur et des nuances flamboyantes. L'ensemble des dernières toiles de Giorgione, dont le controversé "Christ portant la croix", le "Concert", le "Chanteur passionné" et le "Joueur de flûte", a été décrit par le grand historien de l'art Roberto Longhi comme un « tissu mystérieux » qui mélange la chair des protagonistes avec les objets de la composition.


title: Giorgione

text: Giorgione meurt à Venise à l'automne 1510, lors d'une épidémie de peste. Un document retrouvé récemment, bien que ne portant pas la date précise du décès, atteste le lieu : l'île de Lazzaretto Nuovo, où les personnes touchées par la maladie, ou considérées comme telles, étaient mises en quarantaine et les marchandises contaminées déposées. Plusieurs sources parlent plutôt explicitement de l'île de Poveglia.


title: Giorgione

text: Selon Vasari, Giorgione avait été infecté par sa maîtresse, décédée en 1511, mais cela doit être inexact puisqu'en 1510, une lettre envoyée à la marquise de Mantoue Isabelle d'Este par son agent à Venise Taddeo Albano, mentionne le peintre comme récemment expiré ; la marquise voulait lui commander une œuvre pour son "studiolo", mais dut « se rabattre » sur Lorenzo Costa.


title: Giorgione

text: Son caractère raffiné et poétique place Giorgione dans l'orbite du Cinquecento de Raphaël : outre peintre de génie, il est aussi poète, musicien, homme du monde, traits essentiels de l'homme du nouveau siècle. Titien hérite de ses tableaux inachevés, mais aussi de la position que sa mort prématurée laisse vacante à Venise.


title: Giorgione

text: Selon les mots de Vasari, la mort prématurée de Giorgione a été en partie rendue moins amère en laissant derrière elle deux « créations » exceptionnelles, Titien et Sebastiano del Piombo. Le premier commence sa collaboration avec Giorgione à l'époque des fresques du "Fondego dei Tedeschi", vers 1508, et son premier style est si proche de celui du maître qu'après sa mort, la finition des œuvres inachevées et la limite attributive exacte entre l'un et l'autre, demeurent parmi les questions les plus débattues de l'art vénitien du .


title: Giorgione

text: Les deux, qui partageaient aussi la clientèle d'élite, les sujets, les thèmes, les poses et les coupes compositionnelles, se distinguent par une plus grande audace dans le travail du jeune Titien, avec des niveaux de couleurs plus intenses et un contraste plus décisif entre la lumière et l'ombre. Dans les portraits, Titien s'inspire du maître, mais il agrandit l'échelle des figures et amplifie le sens de la participation vitale, en contraste avec la contemplation rêveuse de Giorgione. Parmi les œuvres d'attribution contestées entre les deux figurent au musée du Louvre, "Le Concert champêtre", et l"Homme avec un livre" de la National Gallery of Art de Washington.


title: Giorgione

text: Sebastiano del Piombo a également terminé certaines des œuvres laissées inachevées par le maître, telles que "Les Trois Philosophes". Fra' Sebastiano a emprunté les compositions des œuvres à Giorgione, mais dès le début, il s'est distingué par une plasticité plus robuste, qui s'est ensuite pleinement manifestée dans ses œuvres de maturité, demeurant toujours liée à une « façon de coloration très douce ». La "Conversation sacrée" des Galeries de l'Académie de Venise figure parmi les œuvres contestées entre les deux.


title: Giorgione

text: Contrairement à ses autres confrères, Giorgione ne disposait pas d'un véritable atelier, où il pouvait instruire des apprentis en leur confiant les parties les plus basiques de l'exécution des tableaux. Cela était peut-être dû à sa clientèle particulière qui lui demandait principalement des œuvres de petit format et de grande qualité.


title: Giorgione

text: Malgré cela, son style a eu une résonance immédiate, ce qui lui a garanti une diffusion rapide dans la région de la Vénétie, même sans un groupe de collaborateurs directs pour travailler avec lui, comme cela s'est produit par exemple avec Raphaël. Un groupe de peintres anonymes et quelques peintres qui ont eu plus tard une carrière fulgurante ont adhéré à sa manière.


title: Giorgione

text: Les « giorgioneschi » caractérisent leurs œuvres avec des couleurs qui recréent des effets atmosphériques et de tonalité, avec des iconographies dérivées de ses œuvres, en particulier celles de petite et moyenne taille des collections privées. Parmi les thèmes giorgionesques, prédominent le portrait, individuel ou de groupe, avec un intérêt psychologique profond, et le paysage, qui, bien que pas encore considéré comme digne d'un genre indépendant, a désormais acquis une importance fondamentale, en harmonie avec les figures humaines.


title: Giorgione

text: Giovanni Bellini lui-même, le plus grand maître actif à Venise à cette époque, a retravaillé les stimuli de Giorgione dans sa dernière production. Parmi les maîtres les plus importants qui ont été influencés, surtout dans leur phase de formation, en plus de ceux déjà mentionnés, figurent Dosso Dossi, Giovanni Gerolamo Savoldo, Romanino, Giovanni Cariani, Le Pordenone et Pâris Bordone.


title: Giorgione

text: Les quelques informations connues sur Giorgione proviennent "des Nouvelles des Peintres" écrites entre 1525 et 1543 par Marcantonio Michiel, mais publiées seulement en 1800, et des "Vies" de Vasari. Michiel avait une prédilection pour Giorgione parmi les artistes vénitiens, tout comme Pierre l'Arétin, grand admirateur du colorisme, le louait. Vasari était, à l'inverse, un promoteur passionné de la « primauté du dessin » florentine, mais il reconnaissait Giorgione comme un maître parmi les concepteurs de la « maniera moderna », fournissant des informations importantes sur lui, bien que contradictoires.


title: Giorgione

text: Giorgione est mentionné parmi les plus grands peintres de son temps dans le "Dialogue sur la peinture" (1548) de Paolo Pino, dans le cadre d'une tentative de médiation entre l'école toscane et l'école vénitienne. Baldassare Castiglione, dans "Le Livre du courtisan", nomme Giorgione parmi les « plus excellents » peintres de son temps, avec Léonard de Vinci, Michel-Ange, Andrea Mantegna et Raphael.


title: Giorgione

text: Au , les œuvres de Giorgione ont été reproduites et imitées par Pietro della Vecchia, qui a souvent transmis des œuvres qui ont ensuite été perdues. Parmi les grands admirateurs de son art, l'archiduc Léopold-Guillaume de Habsbourg prédomine, qui en vint à collectionner treize de ses œuvres, aujourd'hui en grande partie au Musée d'Histoire de l'art de Vienne.


title: Giorgione

text: Au , quand Anton Maria Zanetti reproduisit les fresques du "Fontego dei Tedeschi" dans des gravures, savants et écrivains préférèrent le côté pastoral dans l'art du peintre, en phase avec les thèmes arcadiens de l'époque. Des aspects de ce genre ont également été approfondis au , lorsque l'accent a été mis avant tout sur le contenu émotionnel de ses œuvres.


title: Giorgione

text: Giorgione innove dans la peinture vénitienne du début du en y introduisant quatre nouveaux aspects : le sujet laïque, de petites dimensions, pour les particuliers et les collectionneurs ; le clair-obscur à la progression d'une infinie délicatesse et à la palette très évocatrice ; le nu ; les paysages peints pour eux-mêmes. Il crée le style du siècle nouveau et exerce une forte influence sur Bellini.


title: Giorgione

text: Il produit les premiers tableaux conçus et réalisés pour des commanditaires privés, qui sont aussi les premiers collectionneurs de peinture contemporaine. "La Tempête" est le premier tableau de la peinture occidentale où le paysage occupe une telle place comparativement à l'espace réservé aux figures. Il introduit de nouveaux effets avec une peinture opaque, très riche en pigments, et fondue insensiblement, comme un "sfumato" modulé dans la matière et par taches ou frottis du pinceau sur une préparation sombre. Les dessins sous-jacents, qui apparaissent dans les radiographies des peintures, parfois se superposent ou témoignent d'une première disposition des éléments du tableau. Ces dessins n'ont pas été systématiquement suivis par une mise en couleurs comme l'auraient fait les contemporains du jeune Giorgione, bien au contraire, la peinture opaque lui permet de recomposer son projet initial, de suivre une évolution plus naturelle du tableau, de dessiner en peignant.


title: Giorgione

text: Dans "L'Adoration des bergers" (ou "Nativité Allendale") (v. 1500), il introduit plusieurs innovations. D'abord un format modeste correspondant à un tableau destiné à la dévotion privée, alors que ce thème était traditionnellement traité sur des retables, ou en tout cas de grands formats en raison de leur usage pour de vastes assemblées. Ensuite il décentre le sujet principal sur la droite au profit des bergers, lesquels ressemblent plutôt à des personnes pour lesquelles la grâce et des mœurs cultivées sont le comportement naturel. Enfin, et surtout, le paysage occupe un espace considérable : c'est l'occasion de donner forme à tout un courant littéraire, bucolique, qui va de , à , et du "Songe de Poliphile" (1499) à "L'Arcadie" de Jacopo Sannazaro (1502).


title: Giorgione

text: Dans le retable de Castelfranco (vers 1502), sa peinture marque un écart dans l'art vénitien, avec les saints curieusement introvertis et des modulations sensibles de couleur comme un voile unifiant la peinture. C'est aussi, le dernier tableau à sujet traditionnel que Giorgione réalise, se consacraant ensuite à des portraits individualisés et à des sujets peu ou jamais traités.


title: Giorgione

text: Ces tableaux sont peints avec de minuscules taches de couleur, ou plutôt de subtiles touches de peinture opaque, technique que Giorgione a introduite dans la peinture à l'huile. Celles-ci ont donné à ses œuvres une lumière modulée en surface dans la matière colorée. Alors qu'avant lui, la lumière venait du fond de la peinture préparée en blanc, sa préparation est soigneusement poncée afin de permettre le dépôt de très fines couches de peinture, quasi transparentes, dans les zones les plus lumineuses. Avec cette peinture opaque, des retouches pouvaient non seulement permettre d'effectuer des modifications très importantes au cours de la réalisation, mais aussi d'apporter la lumière par des couleurs claires, en faisant surgir les figures du fond sombre, comme le préconisait Léonard de Vinci.


title: Giorgione

text: Giorgione a une nouvelle approche de la nature, le paysage et les figures sont cohérents. Ainsi, dans "Les Trois Philosophes", il n'y a pas de rupture d'échelle entre les arches du rocher, le hommes ou les plantes : l'atmosphère les enveloppe pareillement. De même, les nus n'étaient pas rares à l'époque, mais celui de la "Vénus" est inhabituel : son sommeil paisible sépare complètement la déesse du monde du spectateur et la timidité qu'on trouve plus tard dans la "Vénus d'Urbin" du Titien est absente.


title: Giorgione

text: Les attributions des œuvres de la main de Giorgione commencèrent peu de temps après sa mort, lorsque certaines de ses peintures ont été achevées par d'autres artistes. Sa réputation considérable a également conduit à des allégations d'attribution erronées très tôt. La documentation concernant les peintures de cette période se rapporte principalement aux grandes commandes pour l'Église ou le gouvernement ; les petits panneaux domestiques, qui composent l'essentiel de l'œuvre de Giorgione, sont toujours beaucoup moins susceptibles d'être enregistrés. D'autres artistes ont continué à travailler dans son style pendant quelques années, et probablement vers le milieu du siècle, des travaux délibérément trompeurs ont été réalisés.


title: Giorgione

text: La documentation principale pour les attributions concernant Giorgione provient du collectionneur vénitien Marcantonio Michiel. Dans des notes datant 1525-1543, il identifie douze tableaux et un dessin de l'artiste, dont seuls cinq des tableaux sont identifiés à la quasi-unanimité par les historiens de l'art : "La Tempête", "Les Trois Philosophes", "Vénus endormie", "Garçon avec une Flèche" et le "Berger à la flûte" (tous n'acceptent pas ce dernier comme étant de Giorgione). Michiel décrit les "Philosophes" comme ayant été achevés par Sebastiano del Piombo, et la "Vénus" par Titien (il est maintenant généralement admis que celui-ci a peint le paysage). Certains historiens de l'art récents impliquent également Titien dans "Les Trois Philosophes". "La Tempête" est donc la seule œuvre du groupe universellement acceptée comme entièrement de Giorgione. Bien qu'il en soit fait mention la première fois qu'en 1648, le "retable de Castelfranco" a rarement, voire jamais, été mis en doute, pas plus que les fragments de fresques détruits de l'entrepôt allemand. La "Laura" de Vienne est la seule œuvre comportant son nom et la date (1506), au dos et pas nécessairement de sa main propre, mais semble appartenir à la période. Les premières paires de peintures des Offices sont généralement aussi acceptées.


title: Giorgione

text: Après cela, les choses se compliquent, comme en témoigne Vasari. Dans la première édition des "Vies" (1550), il attribue un "Christ portant la croix" à Giorgione ; dans la deuxième édition achevée en 1568, il en attribue la paternité à Giorgione dans sa biographie, imprimée en 1565, et à Titien dans la sienne, imprimée en 1567. Il avait visité Venise entre ces deux dates et peut avoir obtenu des informations différentes. L'incertitude dans la distinction entre la peinture de Giorgione et celle du jeune Titien est plus apparente dans le cas du "Concert champêtre" du Louvre (ou "Fête champêtre"), décrit en 2003 comme « peut-être l'attribution la plus controversée de tout l'art de la Renaissance italienne », problématique qui concerne un grand nombre de peintures des dernières années du peintre.


title: Giorgione

text: Le "Concert champêtre" fait partie d'un petit groupe de peintures, dont la "Vierge à l'Enfant avec saint Antoine et saint Roch" au Musée du Prado qui sont de style très proche et, selon Charles Hope, ont été « de plus en plus fréquemment attribué à Titien, non pas tant à cause d'une ressemblance très convaincante avec ses premières œuvres incontestées - ce qui aurait sûrement été noté auparavant - que parce qu'il semblait un candidat moins invraisemblable que Giorgione. Mais personne n'a été capable de créer une chronologie cohérente des premières œuvres de Titien qui inclut celles-ci d'une manière qui suscite un soutien général et corresponde aux faits connus de sa carrière. Une proposition alternative consiste à attribuer le "Concert champêtre" et les autres tableaux similaires à un troisième artiste, le très obscur Domenico Mancini. ». Alors que Joseph Archer Crowe et Giovanni Battista Cavalcaselle considéraient le "Concert" du palais Pitti comme le chef-d'œuvre de Giorgione mais ont désattribué le "Concert" du Louvre, Lermolieff a rétabli le "Concert champêtre" et a affirmé à la place que le "Concert" Pitti était de Titien.


title: Giorgione

text: Le "Concert" et le "Concert champêtre" diffèrent en tout, mais ont en commun deux musiciens qui se regardent avec une intimité pleine de tendresse et obsédante. Ce regard est l'un des procédés favoris du Titien qui se retrouve dans presque toutes ses compositions, religieuses ou laïques. C'est pour lui une façon de donner sa cohésion à un tableau ; à l'inverse les œuvres de Giorgione reconnues évitent ce lien entre les figures. Les femmes du "Concert champêtre" ressemblent beaucoup à celles de Giorgione, mais le paysage et le coup de pinceau sont plus proches du Titien. Linda Murray suggère que l'œuvre a pu être commencée par Giorgione avant sa mort et achevée par Titien.


title: Giorgione

text: Giulio Campagnola, bien connu comme le graveur qui a traduit le style giorgionesque en estampes de vieux maître, mais dont aucune des peintures n'est identifiée avec certitude, est aussi parfois également pris en considération.


title: Giorgione

text: À une période antérieure dans la courte carrière de Giorgione, un groupe de peintures est parfois décrit comme le « groupe Allendale », d'après la "Nativité d'Allendale" (ou plus correctement, l"'Adoration des bergers d'Allendale") à la National Gallery of Art de Washington. Ce groupe comprend un autre tableau de Washington, la "Sainte Famille", et un panneau de prédelle avec "l'Adoration des mages" à la National Gallery. Ce groupe, maintenant souvent élargi pour intégrer une "Adoration des bergers" très similaire à Vienne, est généralement inclus (de plus en plus) ou exclus de l'œuvre de Giorgione. Ironiquement, la "Nativité d'Allendale" a provoqué la rupture dans les années 1930 entre Joseph Duveen, qui l'a vendue à Samuel Henry Kress en tant que de Giorgione, et son expert Bernard Berenson, qui a insisté sur le fait qu'il s'agissait d'un premier Titien. Berenson avait joué un rôle important dans la réduction du catalogue Giorgione, reconnaissant moins de vingt tableaux.


title: Giorgione

text: Les choses sont encore plus compliquées car aucun dessin ne peut être identifié avec certitude comme de Giorgione (bien qu'un à Rotterdam soit largement accepté), et un certain nombre d'aspects des arguments permettant la définition du style tardif de Giorgione nécessitent des dessins.


title: Giorgione

text: Bien qu'il ait été très apprécié par tous les écrivains contemporains et qu'il soit resté un grand nom en Italie, Giorgione est devenu moins connu du monde entier et nombre de ses (probables) peintures ont été attribuées à d'autres. La "Judith" du musée de l'Ermitage, par exemple, fut longtemps considérée comme un Raphaël, et la "Vénus de Dresde" comme un Titien.


title: Giorgione

text: À la fin du , un grand renouveau de Giorgione a commencé, et la mode s'est renversée. Malgré plus d'un siècle de différends, la controverse reste active. Un grand nombre de tableaux attribués à Giorgione il y a un siècle, en particulier des portraits, sont désormais fermement exclus de son catalogue, mais le débat est, pour le moins, plus féroce aujourd'hui qu'alors. Les batailles se livrent sur deux fronts : les peintures avec personnages et paysages, et les portraits. Selon David Rosand en 1997, « la situation a été jetée dans une nouvelle confusion critique par la révision radicale du corpus par Alessandro Ballarin. . . [Catalogue d'exposition de Paris, 1993, l'augmentant] ... ainsi que Mauro Lucco . . . [Livre de Milan, 1996]. ». Les récentes expositions majeures à Vienne et Venise en 2004 et à Washington en 2006, ont donné aux historiens de l'art de nouvelles occasions de voir côte à côte des œuvres contestées.


title: Giorgione

text: Malgré tout la situation reste confuse ; en 2012, Charles Hope s'est plaint : « En fait, il n'y a que trois peintures connues aujourd'hui pour lesquelles il existe des preuves précoces claires et crédibles qu'elles sont de lui. Malgré cela, il est aujourd'hui généralement crédité de vingt à quarante tableaux. Mais la plupart d'entre eux… ne ressemblent en rien aux trois qui viennent d'être mentionnés. Certains d'entre eux pourraient être de Giorgione, mais dans la plupart des cas, il n'y a aucun moyen de le dire. »


title: Giorgione

text: Le portrait de Berlin et le "Berger à la flûte" considéré comme un original très endommagé, sont tous deux acceptés car il y apparait le traitement sensible et délicat tenu comme marque de l'artiste. La "Judith" est aussi généralement acceptée aujourd'hui du fait de l'étonnante palette flamboyante, du détachement plein de sensibilité et de l'absence délibérée des aspects les plus spectaculaires du sujet. La palette de la "Femme adultère", aux attitudes énergiques vues sous un angle trop inhabituel pour s'accorder au mystère et à la retenue typiques des autres œuvres de Giorgione, a une palette, bien que surprenante, un peu trop vive, et fait penser à un disciple hardi plutôt qu'au maître.


title: Giorgione

text: À l'occasion du de la mort de Giorgione, s'est tenue, du au , date anniversaire de sa mort, au "Museo Casa Giorgione" à Castelfranco Veneto, une exposition exceptionnelle pour laquelle 46 musées du monde entier ont prêté des œuvres, dont 16 qui lui sont attribuées : le musée du Louvre, la National Gallery de Londres, le Musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, le musée des Offices de Florence, les Gallerie dell'Accademia de Venise, dont "La Tempête". Sont également présentées dans cette exposition des œuvres de peintres que Giorgione a connus : Giovanni Bellini, Albrecht Dürer, Titien, Raphaël, Lorenzo Costa, Cima da Conegliano, Palma le Vieux, Le Pérugin…


title: Kyūdō

text: Cette discipline se singularise de sa contrepartie occidentale par les influences mélangées propres à la culture japonaise : le zen, le confucianisme, mais aussi le taoïsme et le shintoïsme.


title: Kyūdō

text: Le "kyūdō" est une des voies martiales japonaises, cherchant le développement de la discipline du corps et du groupe, par la maîtrise des gestes et le respect de l'étiquette . Le pratiquant recherche un mouvement parfait pour pouvoir transcender à la fois l'esprit et le corps. Le principe consiste à percer une feuille de papier servant de cible avec un minimum de tension musculaire et un maximum d'énergie spirituelle, "ki". La gestuelle esthétique résulte d'une chorégraphie codifiée. Atteindre précisément la cible est la conséquence de l'équilibre correct d'un corps et d'un esprit disciplinés et harmonisés. Le second pendant de cette discipline est le développement du tir dans un comportement social entre archers, c'est-à-dire l'étiquette : un tir ne se déroule pas sans qu'un archer ne tienne compte du contexte, de l'environnement et des personnes présentes.


title: Kyūdō

text: "Kyūdō" se traduit par « la voie de l'arc ». Comme pour tout mot composé de leur langue, les Japonais se servent de vieux vocables chinois plutôt que de leurs prononciations autochtones. "Kyū" (arc) est l'ancien vocable chinois, alors que "yumi" (arc) est le vocable japonais désignant l'arc en général. Son idéogramme est une clé de la composition d'autres idéogrammes (comme un préfixe) et signifie la force. La voie ("dō") ici est la même qui se retrouve dans jūdō, kendō, etc. Elle désigne une discipline et un chemin d'accomplissement.


title: Kyūdō

text: On retrouve des vestiges d'arcs vieux de deux mille ans. Utilisé autant pour la chasse que pour la guerre, l'arc est l'unique arme capable de tuer à distance et l'une des armes de prédilection des guerriers japonais ("kyūjutsu") avec le sabre, surtout entre le et le . Il disparaît alors peu à peu au profit du mousquet importé par les Portugais. Cette école de guerre nommée alors "kyūjutsu", se distingue sous un nom d'école : "heikiryū". Bien que cette technique de combat est perpétuée jusqu'à nos jours, en gardant ses gestes millénaires, elle perd néanmoins un certain sens en l'absence de combat avec des arcs.


title: Kyūdō

text: Parallèlement au développement de celle-ci, une autre école de tir à l'arc se développe : l"'Ogasawa-ryū". Cette dernière délaisse complètement l'aspect guerrier de l'arc pour ne retenir que son aspect symbolique et l'utilise dans les rituels. Très proche des prêtres shintos, cette école use des pouvoirs magiques assimilés à l'arc dans la tradition japonaise. Ainsi, on baptise la construction de tout nouvel édifice au Japon par un lancer de flèches purificatrices avant d'installer un arc sur le toit de la maison. De même, lors d'une naissance, on peut demander un tir de purification. On connaît aussi la danse de l'arc des sumos, qui a la même vocation.


title: Kyūdō

text: Depuis la Seconde Guerre mondiale, "kyūdō" est souvent associé au bouddhisme zen, même si toutes les écoles "kyūdō" ne comprennent pas une composante religieuse ou spirituelle. Cette vue populaire est probablement le résultat du livre "Le Zen dans l'art chevaleresque du tir à l'arc" (titre original : "Zen in der Kunst des Bogenschießens", 1948, de l'auteur allemand Eugen Herrigel. Herrigel ne parle qu'un peu japonais et emploie généralement un traducteur pour parler avec son professeur. Sa vue sur le "kyūdō" est en partie due à une mauvaise communication et à son exposition à une forme contemplative de cet art martial. Et cela même si le livre, traduit en japonais en 1956, a depuis un énorme impact sur la perception du "kyūdō" également au Japon.


title: Kyūdō

text: Le terme "kyūdō" fait son apparition dans diverses écoles dès le . Ce n'est qu'après la Seconde Guerre mondiale à la suite du désarmement imposé par l'occupant américain qu'une fédération japonaise de "kyūdō" (la Zen Nippon Kyudo Renmei) voit le jour. Elle se donne pour objectif de normaliser les enseignements divers donnés par les différentes écoles mais aussi d'établir une pratique commune entre elles et permettre des manifestations communes. Elle définit le "kyudo" moderne issu des cultures traditionnelles du "kyudo" dans lesquelles il puise les éléments essentiels de chaque école. Cette volonté permet au "kyudo" actuel de conserver sa richesse historique et de continuer à développer son raffinement. Cette normalisation est éditée sous forme de livres (volumes) : le "Kyudo kyohon", qui est traduit officiellement en anglais. Une adaptation a été faite en français, "Manuel de kyudo". Ce manuel sert aussi bien au débutant qu'au tireur avancé. Rédigé et amélioré régulièrement par les "sensei"de la fédération japonaise (ANKF), maîtres de la discipline, il est une source et une référence pour la pratique du "kyūdō". Cet ouvrage est accessible auprès des fédérations membres de la fédération internationale (IKYF).


title: Kyūdō

text: Il existe aujourd'hui des fédérations de "kyūdō" aux États-Unis et en Europe, les fédérations européennes sont affiliées au Japon par l'intermédiaire de la Fédération européenne de "kyudo". En 2006 est créée la Fédération internationale de "kyūdō" IKYF (International Kyudo Federation). Dix-sept fédérations de différents pays en sont membres : le Japon, l'Autriche, la Belgique, la Finlande, la France, l'Allemagne, le Royaume-Uni, l'Islande, l'Italie, le Luxembourg, les Pays-Bas, la Norvège, le Portugal, l'Espagne, la Suisse, la Suède et les États-Unis.


title: Kyūdō

text: La synthétisation du "kyūdō" par la "Zen Nippon Kyudo Renmei" n'est pas créée au détriment des "koryū" (écoles ancestrales). Les traditions des différentes "koryu" sont précieusement entretenues par ceux qui les pratiquent et transmises ainsi parallèlement aux objectifs de développement de la fédération japonaise. Les deux pratiques coexistent sans se nuire.


title: Kyūdō

text: En , il y avait au Japon, dont et d’après les chiffres de la fédération. Le "kyūdō" compte de plus en plus de pratiquants en Europe (adhérents fédérés : ), mais il est encore très restreint, leur nombre restant difficile à évaluer, de nombreux groupes n'étant pas fédérés. Aux États-Unis, leur nombre est encore plus confidentiel (environ 250). On estime qu'il y a autant d'hommes que de femmes qui pratiquent le "kyūdō".


title: Kyūdō

text: L'enseignement est bénévole, sauf dans de rares dojos privés qui perpétuent généralement une école traditionnelle particulière. Au Japon et dans le cadre de la fédération japonaise (ANKF), le "kyūdō" est une pratique universitaire où on obtient une note de fin d'année. Dans la pratique courante, de nombreuses compétitions existent au Japon. Celles-ci tendent aussi à se répandre également ailleurs.


title: Kyūdō

text: L'enseignement traditionnel s'inscrit dans la relation très asiatique du maître et de l'élève ou "sensei"/"kōhai". La transmission n'existe pas en dehors de cette relation. Le maître affermit l'élève dans la juste acquisition des gestes et postures. Il enseigne non pas en démontrant mais en montrant le geste correct, en incarnant le modèle à suivre. Il pourra aussi le cas échéant, intervenir directement sur un pratiquant en corrigeant sa posture. Le seul discours logique revient toujours aux "hassetsu" (gestuelle du tir scindée en huit phases successives) ; bien entendu, des remarques sont aussi formulées, mais jamais professées. Lorsqu’un Européen découvre cet apprentissage, il est confronté à un non dit qui n'a pas de substance. Le caractère de cet apprentissage désoriente les Occidentaux pour qui un apprentissage devrait être contradictoire et mentalement assimilable.


title: Kyūdō

text: La fédération internationale définit le "kyūdō" par deux courts textes anciens : le "Raiki shagi" et le "Shaho kun". Ils traitent entre autres de l'attitude juste pour tirer, de la condition mentale du tireur, de l'archétype dans l'ouverture de l'arc, de la séparation de la flèche et du tireur. Cette définition permet de différencier le "kyūdō" avec d'autres types de tirs qui se feraient aussi avec un arc de "kyūdō". Son expression la plus concrète se matérialise à travers des formes de tirs en groupes appelés "sharei". Dans un "sharei", l'harmonie entre les tireurs, la justesse d'un tireur dans son tir et par rapport aux autres sont mises en évidence.


title: Kyūdō

text: Le tir lui-même se déroule en huit phases distinctes et consécutives appelées « "hassetsu" ». L’archer apprend et suit cette succession très structurée de phases. C'est une vérification d'étapes et de détails pour organiser les mouvements hiérarchisés du tir en incluant le moindre élément. Elles sont nommées par des termes japonais avec une traduction admise pour les francophones :


title: Kyūdō

text: La particularité de la forme de l'arc de "kyudo" induit un mouvement d'ouverture très au-dessus de la tête du tireur. La partie basse de l’arc est courte et forte, elle donne la puissance au tir. La partie haute est longue et plus faible, elle donne la précision au tir. Les deux branches doivent s’équilibrer lors de l’ouverture de l’arc et du départ de la corde. Ces phases doivent être assimilées par le corps du tireur. Elles sont réalisées avec précision et en harmonie avec la respiration de l'archer et lui permettent de faire partir le coup dans les meilleures conditions possibles.


title: Kyūdō

text: Différentes variantes existent dans les détails de l'ouverture. Elles sont issues des différentes origines du "kyūdō". Le tir en "bushake", est issu de la tradition guerrière et le tir en "reishake", est issu, lui, du tir de cour. D’autres différences existent entre l'élévation de l'arc et le début de son ouverture (ouverture latérale ou de face) : "shamen-no-kamae" et "shomen-no-kamae". Mais les fondements dans la répartition des tensions de l'arc pendant son ouverture et le lâché restent les mêmes.


title: Kyūdō

text: L'archer se positionne sur la ligne d'où les flèches seront tirées, de profil par rapport à la cible (appelée "mato", ou "makiwara") et tourne sa tête de manière à faire face à la cible. L'arc repose dans la main gauche à hauteur de hanche et les flèches se trouvent dans la main droite, à la même hauteur.


title: Kyūdō

text: Ensuite, l'archer écarte ses pieds de sorte que la distance entre eux soit égale à son allonge ("yazuka"). Après l'accomplissement de l"'ashibumi", l'axe de la cible, la ligne de tir passe devant les orteils de l'archer.


title: Kyūdō

text: L'archer équilibre et aligne son bassin avec ses épaules. Les deux parties du corps doivent être parallèles à la ligne imaginaire créée pendant l"'ashibumi". Cette posture est étudiée pour trouver le maximum de stabilité dans les quatre directions : avant, arrière et latéralement. De plus, cette mise en place du corps est nécessaire à l’ouverture maximale de l’arc avant le lâché.


title: Kyūdō

text: Cette phase se compose de trois parties consistant en la mise en place des flèches sur l'arc, de la corde et de la vérification des autres objets du tir :


title: Kyūdō

text: Le tireur se saisit de la corde et de l'arc avec la flèche et maintient cette saisie jusqu'à la fin du tir.


title: Kyūdō

text: L'archer soulève l'arc au-dessus de sa tête pour se préparer au tir tout en maintenant une respiration régulière pour se préparer à l'« union » ("kai").


title: Kyūdō

text: L'archer commence à abaisser l'arc vers la gauche tout en écartant ses bras, le mouvement doit dessiner un arc de cercle. Le tireur pousse simultanément l'arc avec son côté gauche et tire sur la corde avec le côté droit jusqu'à ce que la flèche soit au niveau de sa bouche et contre sa joue. La force est dans les coudes.


title: Kyūdō

text: Cette ouverture est aussi balisée avec des points de passage qui sont plus ou moins étudiés suivant les traditions. Ces passages permettent à l'archer de lister au juste moment, les extensions et les tensions :


title: Kyūdō

text: "Kai" est l'harmonie, l'unité entre le lieu, le corps, l'esprit, l'arc, la flèche et la cible. Le tireur continue le mouvement commencé dans la phase précédente. L'archer semble faire une pause pour viser, en réalité il maintient l'extension du corps et de l'esprit dans toutes les directions pour créer une unité entre le corps, l'esprit, le cœur, l'arc, la flèche, la cible… La pointe de la flèche doit suivre la ligne établie pendant l"'ashibumi". Par rapport à l’archerie occidentale, la poussée de l’arc se réalise avec l’espace pouce/index, la paume n’intervient pas. Cette extension dynamique doit être suffisamment énergique et efficace pour provoquer le départ de la flèche. Cette phase est étonnamment longue puisque le tireur maintient cette position environ 8 secondes ; certains conservent cette extension plus de 20 secondes afin de faire mûrir suffisamment le "kai". La difficulté est d’apprécier cette durée pour que le tir soit ni prématuré, ni trop tardif.


title: Kyūdō

text: Lorsque l'archer atteint l'union parfaite, la corde se libère de la main droite pour propulser la flèche. La flèche part ou se sépare du tireur grâce à l’extension du corps et à l'accumulation de l'énergie. L'arc produit alors un son, le "tsurune", ce son provient de la corde qui percute une plaquette de bois, constituant de l'arc en son sommet. La flèche touche la cible en produisant un autre son : le "tekichu". Celui-ci est produit par la pointe évasée de la flèche frappant le papier de la cible tendu comme un tambour. La qualité de ces sons révèle la qualité du tir.


title: Kyūdō

text: Après le départ de la flèche, l'archer la suit du regard, prêt à toute éventualité. Le corps est maintenu dans l'extension du "kai" et en restant en état de concentration. C'est à cet instant, dans cette posture spontanée et aussi grâce au vol de sa flèche, que se révèle la vraie nature du "kyūdōjin" (pratiquant de "kyudo") et apparaissent ses intentions ou motivations profondes. Lorsque la flèche part, l'archer ne peut mentir sur sa posture finale qui résulte des tensions et des sentiments qu'il a mis en jeu dans tout le déroulement de l'ouverture de l'arc. Il doit travailler sa détermination afin d'effacer tout élément qui pourrait ternir ce "zanshin" et le résultat à la cible, c'est-à-dire son mental, son regard "", ses postures "kihon"…


title: Kyūdō

text: Cette étape est suivie d'une seconde phase, le "yudaoshi". Tout en demeurant dans le tir et dans la continuité du "zanshin", l'archer abaisse l'arc pour passer à la flèche suivante en recommençant les "hassetsu".


title: Kyūdō

text: Les archers tirent par groupe. Dans l'apprentissage du "kyudo", on apprend qu'aucun tir ne peut se réaliser sans qu'un archer ne tienne compte de son environnement, des autres personnes et archers présents. C'est seulement lorsqu'il en est pleinement conscient qu'il peut commencer le tir. Suivant un code protocolaire strict (étiquette ou "rei"), les archers se positionnent ensemble sur le pas de tir pour tirer ensuite chacun à leur tour. Ces procédures de tir sont nommées "sharei". Plusieurs "sharei" existent et sont pratiqués suivant le lieu, les circonstances, l'assistance présente, le temps… Chacun des "sharei" est adapté à ces paramètres. S’ils se déroulent en intérieur, les archers utilisent une position intermédiaire assise appelée "kiza" (« tir » en "zasha"). Par contre, cette posture est peu propice pour les tirs extérieurs, ce sera alors un tir debout en "risha".


title: Kyūdō

text: "Mochimato sharei" est le tir étudié dès le début de la pratique afin d'aborder au plus tôt l'aspect du tir en groupe. Les dojos étant adaptés à la pratique du tir par cinq (chiffre bénéfique dans le monde sino-japonais), un groupe de cinq archers entre sur le pas de tir et chaque archer se met successivement face à sa cible. Après avoir ensemble armé une flèche, le premier archer tire seul une flèche pendant que les autres tireurs attendent. Chaque archer tire ainsi ses deux flèches par ordre. Finalement les tireurs sortent au fur et à mesure de l’espace de tir lorsqu’ils n’ont plus de flèche. Ce tir ("itote-gyosha") est présenté couramment pour passer un grade appelé « dan ». Une version à trois archers avec quatre flèches chacun, dans un rythme plus rapide, est pratiqué pour les tournois ("kyogi maai").


title: Kyūdō

text: "Yawatashi sharei" est le tir de démonstration par excellence. Groupe d'un tireur et de deux assistants ("kaizoe"). Ce tir est celui utilisé pour les ouvertures de démonstrations importantes. Le groupe constitué du tireur et de ses assistants se met en place rituellement dans l'espace du dojo ; le tireur est seul devant la cible unique, le premier assistant est en retrait du tireur et le suit dans ses moindres mouvements afin de venir le seconder pendant le tir. Le deuxième assistant est en position d’attente à la ciblerie et vient retirer la flèche de la cible après chaque jet. Il ramène ensuite les flèches au premier assistant qui les rendra ensuite au tireur. Une fois le tir terminé, les trois acteurs du tir se retirent ensemble du "shajō" (espace de tir).


title: Kyūdō

text: "Hitotsumato sharei" est un autre tir de démonstration. Trois archers se présentent alternativement devant une seule cible, ils effectuent un déplacement triangulaire pour céder la place au tireur suivant. Ce tir est particulièrement apprécié pour son côté animé.


title: Kyūdō

text: D'autres "sharei" tout aussi importants se pratiquent mais sont moins usités, entre autres celui spectaculaire pour l'inauguration d'un dojo (tir en kimono de cours), ou encore celui pratiqué sur une botte de paille à bout portant pendant lequel l'archer lâche un "kiai" au départ de la flèche.


title: Kyūdō

text: Chaque "ryū" ou école conserve ses propres "sharei". Ils sont issus des longues traditions familiales ancestrales.


title: Kyūdō

text: Dans le manuel de "kyūdō", les "sensei" de la fédération japonaise (ANKF) ont rappelé les buts du "kyūdō". Ils indiquent que le "kyūdō" n'est pas une discipline sans finalité. Ces buts sont : la , la et la .


title: Kyūdō

text: D'autre part, ils ont précisé les objectifs du "kyudo" moderne développés dans le manuel de "kyudo" : ces objectifs sont d'étudier les principes du tir et de cet art, l'application des mouvements basées sur l’étiquette, améliorer le caractère et la noblesse du tir et enfin, tendre vers la perfection de l'être humain.


title: Kyūdō

text: Le "kyūdō" se pratique dans un lieu nommé dojo. Celui destiné au "kyūdō", le "kyūdōjō", est constitué de différentes parties qui sont propres :


title: Kyūdō

text: Le "kyūdō" est également pratiqué à courte distance pour l'initiation et l'entraînement, à une longueur d'arc d'une cible de paille appelée "makiwara" (paille roulée). Il existe un "sharei" demandant un tir sur un "makiwara" pour les pratiquants les plus avancés, si bien qu'après avoir étudié une vie, on se retrouve à faire un exercice similaire à celui des débutants…


title: Kyūdō

text: Au Japon, les dojos sont soit municipaux, soit situés dans le cadre scolaire. Le monde occidental n'en compte que quelques-uns construits de manière traditionnelle où la pratique prend une saveur incomparable.


title: Kyūdō

text: En France, le "kyudojo" fédéral de Noisiel dépendant de la Fédération de kyudo traditionnel, de la Ligue Île-de-France et du Comité national de kyudo (CNKyudo), de l'association Kyudo Val-Maubuée, ainsi que de la mairie de Noisiel, est le premier "kyudojo" public en France. Construit sur le modèle des dojos japonais, il comporte deux bâtiments : l'un accueillant les archers et le second la ciblerie située à 28 m.


title: Kyūdō

text: L'arc japonais, ("yumi") est certainement le plus grand et le plus étrange au monde avec sa forme particulière. Long de plus de deux mètres, en bambou ou fibre de verre, il est proportionné au pratiquant d'après son allonge ("yasuka") et est asymétrique, c'est-à-dire que sa poignée ne se situe pas au milieu de l'arc mais au tiers inférieur. L'utilisation de l'arc japonais ("yumi") n'est pas limitée au "kyūdō". Il est aussi utilisé dans d'autres disciplines ("yabusame") ou d'autres pratiques (cérémonies shinto).


title: Kyūdō

text: Les flèches ("ya") sont traditionnellement en bambou et empennées de plumes d'oiseaux de proies. Elles vont toujours par paires et sont élaborés de manières différentes : l'une a l'empennage penché vers la droite, et l'autre vers la gauche. Cette astuce évite (théoriquement) de tirer sur la flèche précédente. Les flèches du tir à bout portant ("makiwaraya") sont différentes du tir à longue distance ("matoya").


title: Kyūdō

text: L'archer utilise un gant ("gake") pour tenir la corde. La corde est alors crochetée à la base du pouce, très rigide. C'est une technique d'origine mongole. Il y a des gants à trois, quatre ou cinq doigts.


title: Kyūdō

text: La tenue de l'archer est composée du kimono traditionnel avec un "hakama", un obi et des "tabi". Toutefois, pendant l'entraînement, la tenue cérémonielle est remplacée par une blouse blanche à manches courtes appelée "keikogi". Le port du kimono entrave l'archer et l'oblige à cultiver des déplacements et postures corrects, le kimono devient un soutien pour la progression de l'archer.


title: Kyūdō

text: En plus des principales traditions, il existe de nombreuses écoles plus récentes et souvent plus spirituelles qui sont actives à l'extérieur du Japon.


title: Kyūdō

text: Dans le "kyūdō", d'autres courants existent qui incorporent les éléments d'autres traditions orientales. Bien qu'ils soient marginaux, ils trouvent une écoute attentive. Ils ont des finalités divergentes que celles définies par la majorité.