title: Valeur (économie)

text: Les économistes marginalistes considèrent la valeur comme étant la mesure du désir qu'un agent économique éprouve pour un bien ou un service. C'est alors une appréciation subjective non mesurable, liée aux préférences de la personne compte tenu de sa situation actuelle. William Jevons développe lors d’un congrès en 1862 la notion de « degré final d’utilité » (utilité marginale). Pour reprendre l'exemple du verre d'eau, un homme assoiffé dans le désert est prêt à payer une « fortune » pour UN verre d'eau, un peu moins pour le deuxième quand il s'est déjà abreuvé, encore moins pour le troisième, etc., et ce indépendamment de sa valeur de production. William Jevons introduit donc une "subjectivité" dans la détermination de la valeur. La théorie néoclassique adopte cette conception de la valeur comme liée à l'utilité dégagée par la dernière unité échangée et à la satisfaction des autres besoins. La formation des prix ne dépend alors plus que de cette utilité marginale.


title: Valeur (économie)

text: La problématique de l'équilibre général, introduite par Léon Walras et développée dans son formalisme mathématique par Arrow et Debreu, est basée sur le concept d'utilité. Dans ce modèle les prix sont la conséquence de préférences individuelles modélisées par des fonctions d'utilités.


title: Valeur (économie)

text: L'école autrichienne d'économie, qui s'écarte de l'école néo-classique car refusant des méthodes scientifiques comme la formalisation de modèles mathématiques, développe plus avant une conception subjective de la valeur considérant que l'étude de la formation de la valeur relève de la psychologie et non de l'économie. ou encore (Ludwig von Mises).


title: Valeur (économie)

text: André Orléan constate que les valeurs d'usage, la valeur marchande et la valorisation boursière sont fonction respectivement de la rareté, de la monnaie et des conventions financières. Les deux dernières sont des concepts construits par la société, la rareté pouvant l'être dans certains cas. Les forces sociales qui se trouvent à l'origine de ces concepts ne peuvent être ni fabriquées, ni contrôlées car elles échappent à l'intentionnalité individuelle. Il en déduit que, dans ces cas, la valeur « est une production collective qui permet la vie en commun. Elle a la nature d'une institution ».


title: Valeur (économie)

text: Les institutionnalistes accordent une place importante aux institutions. Celles-ci établissent les règles et les moyens permettant aux hommes de fonctionner en tant que société. Elles contribuent à déterminer les comportements et influent sur la formation et transformation des valeurs. Elles font passer d'une conception individuelle à une conception sociale de l'utilité. Jacques Perrin évoque les contraintes environnementales et la montée des inégalités entre les groupes sociaux et entre les pays pour justifier la prise en compte de l'utilité sociale. Pour les institutionnalistes la valeur sociale permet d'apprécier la richesse de la société.


title: Valeur (économie)

text: André Orléan remarque que la valeur économique n'est pas seulement due à l'utilité ou au travail incorporé mais peut résulter d'un sentiment collectif. Les investisseurs professionnels déterminent leurs positions non pas en fonction de leur propre calcul de la valeur fondamentale du titre mais en fonction de l'évaluation de cette valeur par le marché à l'instar du concours de beauté de Keynes. De même le mimétisme joue dans la détermination de la valeur d'un bien lorsque ce bien est représentatif de prestige et de statut social. Thorstein Veblen, le premier, a mis en évidence l'importance de l'opinion des autres dans la valeur accordée à un bien. L'utilité n'est alors pas forcément absente pour l'acquisition du bien, mais son importance est secondaire par rapport au prestige. Reprenant cette thèse Orléan cite les phénomènes de mode. L'utilité est alors fonction du comportement des autres. Les pratiques du marketing et de la publicité témoignent également de l'importance de la motivation mimétique. Citant Akerlof Robert Boyer rappelle que « les jugements de valeurs rétroagissent sur la possibilité d'obtention d'équilibres économiques efficients ».


title: Valeur (économie)

text: Les économistes ont décomposé la valeur des biens environnementaux et/ou culturels. La valeur économique totale se compose de valeurs d'usage et de valeurs de non-usage.


title: Valeur (économie)

text: Dans le langage courant, et même dans les livres d’économie, « valeur » et « prix » sont souvent employés l’un pour l’autre. Cependant Smith, Ricardo et Marx distinguent valeur d’usage et valeur d’échange. Seule la valeur d’échange a un prix. La valeur d’usage n’est pas susceptible d’être mesurée. Elle s’interprète subjectivement et ne peut être quantifiée par un prix. Pour les néoclassiques valeur d’échange et valeur d’usage ne font qu’un. L’utilité d’un produit est mesurée par le prix que lui fixe le marché. Valeur et prix sont synonymes. Est écarté ce qui ne passe pas par le marché, les productions domestiques et le bénévolat. Concernant les éléments naturels (lumière solaire, air, ressources, etc.) les néoclassiques considèrent qu’ils ont une valeur économique qui se révèle lorsqu’ils sont mis sur le marché. Les tenants de l’écologie profonde, se référant à la distinction déjà faite entre valeur d’usage et valeur d’échange, estiment que les biens naturels ont une valeur qui relève de l’éthique ou du politique. Autrement dit, les ressources naturelles sont des richesses et elles n’acquièrent de valeur économique que par l’intervention et la valorisation du travail humain (une ressource gisant au fond des océans n’a aucune valeur économique si elle est inaccessible).


title: Carrousel du Louvre

text: Le Carrousel du Louvre est un centre commercial situé à Paris, entre le musée du Louvre et le jardin des Tuileries, en dessous de la pyramide inversée du Louvre.


title: Carrousel du Louvre

text: Construit dans le cadre des travaux du Grand Louvre par les architectes Ieoh Ming Pei et Michel Macary, il a été ouvert au public en 1993.


title: Carrousel du Louvre

text: Situé entre le musée du Louvre et le jardin des Tuileries, le Carrousel du Louvre contient des commerces, les Salles du Carrousel et un studio-théâtre de la Comédie Française. Les Salles du Carrousel sont utilisées pour des salons ou des événements divers.


title: Carrousel du Louvre

text: Les statues qui ornaient le fronton du palais des Tuileries ("Le Conseil" et "La Valeur" de Thibault Poissant, "La Sincérité" attribuée à Louis II Lerambert, "La Religion" de Philippe de Buyster et la tête de "La Justice" de Michel De La Perdrix), sont conservées dans le hall qui se trouve sous l'arc de triomphe du Carrousel du Louvre, à l'entrée du musée homonyme. "La Sincérité" et "La Religion" étaient installées dans le parc du château de Maisons-Laffitte de 1912 à 1990. La tête "La Justice" rejoint les collections publiques en 1977, après avoir appartenu à la collection Fossard.


title: Butte Bergeyre

text: Située à l'ouest du parc des Buttes-Chaumont dans le de Paris, non loin de la place du Colonel-Fabien, la butte Bergeyre est une des collines de Paris, culminant à une centaine de mètres d'altitude. Elle abrite également un espace vert, le jardin de la butte Bergeyre, comprenant un jardin partagé ainsi qu'un petit vignoble, le « clos des Chaufourniers », et forme un triangle approximatif, délimité en contrebas par l'avenue Simon-Bolivar au sud, l'avenue Mathurin-Moreau au nord et la rue Manin à l'est.


title: Butte Bergeyre

text: Le site est relativement isolé : une seule rue y mène, la rue Georges-Lardennois, ainsi que trois escaliers : le premier, à l'ouest, intitulé rue Michel-Tagrine, coupe la boucle principale de la rue Georges-Lardennois ; le deuxième relie l'extrémité sud-est de cette rue à l'avenue Simon-Bolivar en contrebas et le troisième, à l'est, relie la rue Manin à la rue Barrelet-de-Ricou. Ils sont de hauteur comparable à celle de l'escalier de la rue Michel-Tagrine.


title: Butte Bergeyre

text: Son sommet se situe à l'intérieur de l'ovale formé par les rues Georges-Lardennois, Philippe-Hecht et Barrelet-de-Ricou sur . de long et . de large environ et est également parcouru par deux petites rues : la rue Rémy-de-Gourmont et la rue Edgar-Poe.


title: Butte Bergeyre

text: Desservie par ces voies pavées, la butte est lotie d'immeubles d'habitations. Sur le côté sud, certains reposent à la fois sur sa base et son sommet. Par contre, sur sa partie ouest, la butte offre un panorama dégagé vers le reste de Paris, en direction de Montmartre et du Sacré-Cœur.


title: Butte Bergeyre

text: Sur sa partie supérieure, la butte abrite également un espace vert, le jardin de la Butte-Bergeyre, qui descend vers la rue des Chaufourniers. Il comprend un jardin partagé composé de plusieurs espèces d’arbres, de plantes, de fleurs et de plantes aromatiques ainsi qu'un petit vignoble, le « clos des Chaufourniers », planté en pinot noir et produisant de vin par an.


title: Butte Bergeyre

text: Au début des années 2010, environ y vivent, avec une surreprésentation d'architectes et d'artistes. Parmi les habitants actuels ou passés : le designer Jean-Paul Goude, l'acteur Clovis Cornillac, les cinéastes Jacques Audiard et Christophe Ruggia, le directeur de ballet à l’Opéra Garnier Patrick Dupond, le designer australien Marc Newson


title: Butte Bergeyre

text: Sur des estampes des et siècles, on distingue plusieurs moulins, démolis probablement en 1778. Comme les autres collines des Buttes Chaumont, le sous-sol de la butte Bergeyre est exploité jusque vers 1850 par des carrières de gypse et de pierre. Lors de la construction du parc des Buttes-Chaumont, à la différence des autres buttes, la butte Bergeyre n'est pas aménagée en espace vert et reste isolée après le percement de la rue Manin. Vers 1878, l'homme politique Émile Bin, proche de Georges Clemenceau, ouvrit un « historiama », lieu de récit historique.


title: Butte Bergeyre

text: Peu après 1900, la veuve du baron Adolphe de Rothschild fait construire la fondation ophtalmologique qui porte son nom en contrebas de la butte à l'angle de la rue Manin et de l'avenue Mathurin-Moreau. Vers 1908, le versant opposé de la butte voit arriver un parc d'attraction, les Folles Buttes exploité par la Société d’exploitation d’attractions parisienne. Le site reçoit aussi des spectacles de music-hall et de théâtre, un restaurant et un bal et même un cinéma de plein air, Le Cinéma champêtre. Après-guerre, on construit des courts de tennis, des garages automobiles et même une crèche municipale.


title: Butte Bergeyre

text: La butte Bergeyre doit son nom au stade Bergeyre, inauguré en août 1918 et ainsi nommé en hommage à Robert Bergeyre, joueur de rugby à XV décédé à vingt ans lors de la Première Guerre mondiale, au cours des combats du 22 Aout 1914 qui s'avère par ailleurs être connu comme le jour le plus meurtrier de l'histoire de France (27 000 morts en une journée). En avril 1914, le Sporting Club de Vaugirard commence les travaux d'un stade de rugby sur les prés du centre de la butte. Interrompus par la guerre, les travaux reprennent ensuite. La première manifestation sera une rencontre internationale d’athlétisme, le Meeting des champions alliés, le 18 août 1918.


title: Butte Bergeyre

text: En 1926, le stade est démoli. Le sol instable du stade nécessite d'onéreux et fréquents travaux de consolidation que le Sporting Club de Vaugirard finit par ne plus pouvoir financer. Dès 1924, il est question de le fermer en même temps qu’est négociée l'absorption du club par le Red Star. Le terrain voit encore se dérouler sur sa pelouse des rencontres en 1925 mais il est vendu en avril 1926 par la famille de Gaston François-Sigrand au lotisseur immobilier Charles Pélissier. Son plan de division en reçoit l'accord du préfet dès août 1926, assorti d’un cahier de charges relatives à la sécurisation du sous-sol. La vente des lots débute mi-1927. La meneuse de revue Joséphine Baker est en 1928 la marraine de l’inauguration des premiers logements. Pélissier et son associé Stern au sein de la Société générale parisienne immobilière édifient à leur compte en 1930 les immeubles ceinturant la butte du 1 au 17, rue Manin et du 50 au 62, avenue Simon-Bolivar (). Les constructions se poursuivent malgré un glissement de terrain en février 1931. Le parc des Folles Buttes semble encore actif en 1925 mais abandonné avant 1933, sur le terrain vague où s'amusa Mouloudji.


title: Butte Bergeyre

text: C'est en 1933 qu'est bâtie l'étrange villa Zilvelli de l'architecte moderniste Jean Welz (1900-1975). Cette maison de vingt mètres de long et de quatre mètres cinquante de large à flanc de colline reposant sur de frêles piliers cruciformes en béton armé s’élevant jusqu’à cinq mètres au-dessus du sol fait penser à Le Corbusier, mais le béton brut laisse ici apparaître les joints de chaque plaque de parement de façade et s’éloigne de l’aspect lissé de la villa Savoye. Construites à dessein par Welz, les deux grandes fenêtres offrent des vues remarquables : celle de la façade ouest offre une vue dégagée sur la basilique du Sacré-Cœur de Montmartre alors que celle au sud offre une vue sur toute la hauteur de la tour Eiffel. La façade sud disposait d'un balcon constitué par une lame porteuse en béton avec un bureau et un siège intégré formant un véritable bureau extérieur. Ce dernier fut malheureusement détruit à la demande de la Préfecture et le patrimoine architectural unique que représente la maison Zilvelli, longtemps laissée à l'abandon, a été racheté en par l'artiste Jean-Paul Goude.


title: Butte Bergeyre

text: En cavale, l’écrivain Henri Calet achève rue Edgar-Poe son premier roman, "La Belle Lurette", publié en 1935. Fuyant le régime de Mussolini, le secrétaire général du Parti socialiste italien Pietro Nenni s'installe au 22, rue Rémy-de-Gourmont de 1931 à 1940. Pierre Naville, écrivain compagnon du surréaliste André Breton et sociologue trotskiste, résida au 6 de la rue Georges-Lardennois au milieu des années 1930. Le peintre et décorateur Maurice Lederlé (1887-1988) y construit sa maison-atelier au 5 de la rue Philippe-Hecht. Son confrère néo-réaliste Georges Pacouil (1903-1997) habita vers 1936, au . Ami de Pablo Picasso, l’aquarelliste et lithographe Lucien Desmedts (1919-1993) se fixa plus tard au . L'aquarelliste Pierre Berjole (1897-1990) s'installe au de 1929 à 1943.


title: Butte Bergeyre

text: Aujourd'hui, en 2022, l'activité commerciale se résume à l’épicerie associative, "L’Utopicerie", qui est aussi le siège de l’Association des habitants de la butte Bergeyre, et au marchand de fleurs voisin. Par le passé, un débit de boissons se tenait à l’angle des rues Barrelet-de-Ricou et Edgar-Poe et dans cette dernière, un magasin proposait des articles de ménage. Le restaurant "Au Village" était situé au 18 de la rue Rémy-de-Gourmont sur l'emplacement de l'actuelle clinique et un marchand de couleurs prenait place au 84, rue Georges-Lardennois face à un salon de coiffure.


title: Butte Bergeyre

text: Le , le maire de l'arrondissement Roger Madec et le président de l’Association Les Habitants de la Butte dévoilent une plaque face au jardin rendant hommage à Robert Bergeyre, qui donna son nom au lieu.


title: Butte Bergeyre

text: Le photographe Willy Ronis (1910-2009) prend en 1950 une photographie aujourd'hui célèbre de l'avenue Simon-Bolivar vue d'un escalier qui descend de la butte. Le contraste est saisissant entre le cheval d'un Paris révolu et la modernité des feux tricolores :


title: Butte Bergeyre

text: Les stations de métro les plus proches sont, à l'ouest, "Colonel Fabien", sur la ligne , au nord "Bolivar", sur la ligne et par les lignes de bus RATP .


title: Patrick Klugman

text: Patrick Klugman, né le à Neuilly-sur-Seine, est un avocat au barreau de Paris et un homme politique français. Ancien président de l'Union des étudiants juifs de France (UEJF), il est un militant antiraciste.


title: Patrick Klugman

text: Patrick Klugman a effectué ses études de droit à l'université Paris II (Panthéon-Assas) et à l'université Paris-Dauphine où il a effectué un troisième cycle sous la direction de Marie-Anne Frison-Roche.


title: Patrick Klugman

text: Il a prêté serment en 2004. En mars 2007, il s'installe à son compte dans les locaux de l'avocat Francis Szpiner avec qui il interviendra notamment durant les secondes assises de l'affaire Sohane Benziane.


title: Patrick Klugman

text: Comme avocat, il est notamment intervenu dans des affaires pénales ayant eu un retentissement médiatique comme celles visant le député socialiste Julien Dray. Il a été l'un des conseils de Jamel Leulmi condamné à 30 ans de prison dans une affaire criminelle avec un certain écho médiatique. Il a également représenté en France la famille de Guilad Shalit, otage franco-israélien libéré le après plus de cinq ans de captivité aux mains du Hamas.


title: Patrick Klugman

text: Patrick Klugman a également été l'avocat de l'écrivain Yann Moix, de Georges-Marc Benamou, du Père Patrick Desbois, de l'acteur Omar Sy, de l'ancien président guinéan Obiang Nguema dans l'affaire des Biens Mal Acquis ou du designer Ora-ïto, de l'essayiste Caroline Fourest, de l'écrivain Bernard-Henri Lévy des Femen et de Booba.


title: Patrick Klugman

text: Patrick Klugman a été également l'avocat de l'association SOS Racisme dans le cadre de plusieurs affaires.


title: Patrick Klugman

text: Patrick Klugman est le conseil de l'ancien PDG du géant pétrolier français Elf, Loïk Le Floch-Prigent, consigné entre et , dans les cellules de la gendarmerie de Lomé, au Togo, et inculpé d'escroquerie.


title: Patrick Klugman

text: En 2015, il défend la société Eleven condamnée par le tribunal correctionnel de Paris pour discrimination à l'embauche.


title: Patrick Klugman

text: Il a été l’avocat en France de Arcadi Gaydamak, protaganiste au cœur de l’affaire dite de l’Angolagate.


title: Patrick Klugman

text: En 2017, on le retrouve comme l’un des principaux avocats des parties civiles dans l’affaire Merah, qui juge Abdelkader Merah et Fetah Malki pour la complicité des assassinats perpétrés par Mohammed Merah.


title: Patrick Klugman

text: En , Patrick Klugman porte au Conseil de Paris la parole de l'exécutif pour décerner la médaille de la Ville de Paris aux capitaines Pia Klemp et Carola Rackete poursuivis en Italie pour aide à l'immigration clandestine. Il indique dans un communiqué dédié à l'évènement que la ville versera aussi 100 000 euros à l'association SOS Méditerranée « pour une nouvelle campagne de sauvetage en mer des migrants ».


title: Patrick Klugman

text: En 2020, il dépose plainte en diffamation, aux noms de deux individus, contre les associations Global Witness et la Plateforme de protection des lanceurs d'alerte en Afrique. Cette plainte est dénoncée comme une Poursuite stratégique contre la mobilisation publique par une quaraintaine d'organisations de société civile en france et ailleurs.


title: Patrick Klugman

text: Proche de Bertrand Delanoë, dont il a voté la motion au Congrès de Reims, Patrick Klugman a été élu Conseiller de Paris dans le aux élections de . Il figurait en seconde position au titre des personnalités dites « d'ouverture » sur la liste municipale du PS conduite dans cet arrondissement par la députée Annick Lepetit. Depuis lors, il a adhéré au PS et est vice-président du Groupe Socialiste, Radical de Gauche et apparentés au Conseil de Paris. Au Conseil de Paris, il intervient fréquemment sur les questions liées aux libertés publiques et aux relations internationales. Il siège dans la (culture et relations internationales). Patrick Klugman est un soutien de François Hollande pour l'élection présidentielle de 2012 et les primaires citoyennes qui l'ont précédée.


title: Patrick Klugman

text: Soutien d'Anne Hidalgo à la mairie de Paris lors des élections municipales de 2014 à Paris, il est nommé après son élection, le , adjoint aux relations internationales et à la francophonie.


title: Patrick Klugman

text: Patrick Klugman est membre du bureau national, puis vice-président de SOS Racisme. Il s'est notamment illustré par des prises de positions marquées contre les quotas et les statistiques ethniques et pour le renforcement de la laïcité.


title: Patrick Klugman

text: Il a activement participé à la campagne contre l'introduction des tests ADN pour les candidats à l'immigration au titre du regroupement familial. Il a été en 2003-2004, représentant en France de l'initiative de Genève, proposant une alternative de paix entre Israéliens et Palestiniens.


title: Patrick Klugman

text: Auparavant, Patrick Klugman s'était fait connaître durant son mandat Président de l'UEJF (2001-2003) pendant lequel il a activement concouru à la reconnaissance de la résurgence de l'antisémitisme en France. Il s'était illustré par des positions à la fois républicaines (« fils d'Abraham et de Marianne ») et iconoclastes (« Je suis sioniste et propalestinien »). Patrick Klugman est également membre coopté du Comité Directeur du Conseil représentatif des institutions juives de France.


title: Patrick Klugman

text: En tant que Président de l'UEJF, il a participé à l'écriture de deux ouvrages : "Les antifeujs, le livre blanc des violences antisémites en France" et "le sionisme expliqué à nos potes".


title: Patrick Klugman

text: Il a pris position dans l'affaire du gang des barbares pour l'ouverture du huis clos afin que l'affaire soit jugée avec une publicité plus étendue.


title: Patrick Klugman

text: Entre 2004 et 2008 (déprogrammation de l’émission), Patrick Klugman faisait partie des personnalités régulièrement invitées dans l’émission de débat « N'ayons pas peur des mots » animée par Samuel Étienne sur I-Télé. Depuis, il intervient de manière récurrente dans le débat du Grand direct de l’actualité animé tous les jours à 13 h 15 par Jean-Marc Morandini sur Europe 1.


title: Patrick Klugman

text: Depuis le début de l'année 2010, Patrick Klugman, intervient toutes les semaines sur le site de la "règle du Jeu", revue littéraire fondée et dirigée par Bernard-Henri Lévy à travers son blogue intitulé "Plaidoyers". Il dispose également d’un billet hebdomadaire le vendredi matin à 8 h 20 sur la radio RCJ. En outre, il publie fréquemment des tribunes libres dans la presse quotidienne d'information.


title: Patrick Klugman

text: Depuis , il fait partie des chroniqueurs réguliers de Marc-Olivier Fogiel dans "On refait le monde" sur RTL et intervient dans la matinale de Radio Classique.


title: Patrick Klugman

text: Lors des élections présidentielle de 2002, Patrick Klugman accuse Jean-Marie Le Pen de plagier Hitler « En déclarant qu'il était socialement de gauche et nationalement de France, Jean-Marie Le Pen a repris les termes employés par Adolf Hitler en novembre 1932 dans son discours de clôture du congrès du Parti national-socialiste. Le Pen a fait son coming-out et a révélé ses convictions hitlériennes ».


title: Patrick Klugman

text: Le jour même, le quotidien "Libération" dément l'information. Cette citation d'Hitler n'aurait jamais existé de même que ce congrès nazi du .


title: Patrick Klugman

text: Commentant le désistement de Patrick Klugman dans le cadre d'une procédure diligentée contre Edgar Morin, l'avocat et essayiste Gilles-William Goldnadel qualifiera Klugman de « courtisan obséquieux ».


title: Patrick Klugman

text: Le , Patrick Klugman fait expulser le député Philippe de Villiers d'une manifestation en hommage à Ilan Halimi. Ce comportement sera fermement condamné dans la communauté juive. Dans une lettre adressée à Philippe de Villiers, le président du Consistoire central, Jean Kahn, fait part de « sa condamnation du comportement de ceux qui vous ont si grossièrement éconduit ». L'avocat du Consistoire et du Grand Rabbinat de France, Jean Alex Buchinger, note qu'un « pareil comportement [...] est d'autant moins admissible qu'il prend pour cible un fils de résistant qui n'a jamais manqué de défendre nos valeurs judéo-chrétiennes ».


title: Emblème

text: L’emblème (nom masculin) est un idéogramme, une couleur, une forme, un animal ou autre signe conventionnel de valeur symbolique, destiné à représenter une idée, un être physique ou moral.


title: Emblème

text: Il permet d'exprimer (par exemple par le dessin) une idée abstraite, telle l'appartenance à un groupe, une idéologie politique ou religieuse, ou encore un métier.


title: Emblème

text: En Europe, à la fin du est apparue une « nouvelle emblématique » qui au-delà des armoiries et sceaux a développé l'usage de mots ou de phrases courtes sous forme de devises, qui deviendront seuls ou en association avec la partie graphique des signes de reconnaissance.


title: Emblème

text: Depuis la fin de , la notion d"'emblème" est fréquemment exprimée en français courant, et spécialement dans le français médiatique de France, par le mot .


title: Emblème

text: Cette impropriété de terme s'est répandue sous l'influence de mauvaises traductions mot à mot de l'anglo-américaine icon, dans des contextes où "icon" n'est pas effectivement employé au sens d"'icône" (comme image pieuse du rite orthodoxe ou, plus largement, comme concept sémiotique), mais au sens de "emblème" ; puis, par analogie figurée désignant des personnes : "grande figure", "chef de file", vedette, idole, etc. En sémiotique, le mot icône a le sens très précis de signe renvoyant à un objet du monde en fonction du rapport motivé que ses formes entretiennent avec celles de l'objet. Pour la sémiotique, ce que l'on désigne communément du nom d'emblème est un symbole.


title: Vostok 1

text: Vostok 1 est le premier vol spatial habité de l'histoire spatiale et la première mission du programme Vostok. Le vaisseau soviétique Vostok 3KA est lancé le depuis le cosmodrome de Baïkonour avec à son bord le cosmonaute Youri Gagarine. Après avoir bouclé une orbite sans rencontrer de problème, le vaisseau effectua une rentrée mouvementée mais atterrit sans encombre dans la région de Saratov.


title: Vostok 1

text: Vostok 1 traduit à l'époque la supériorité du programme spatial soviétique dirigé par Sergueï Korolev sur le programme américain. En réaction à ce succès exploité par la propagande soviétique, le président Kennedy annonce, le , le programme Apollo destiné à poser un équipage sur la Lune, ce qu'il confirme le .


title: Vostok 1

text: La mission, censée représenter un exploit pour l'URSS, intervient alors que la Guerre Froide fait rage entre l'Union soviétique et les États-Unis qui se livrent à un conflit d'ordre idéologique d'ampleur mondial : la conquête spatiale devient alors un terrain de compétition ainsi qu'un enjeu important si ce n'est vital pour les deux puissances. Jusqu'à à l'aube de Vostok 1, la course à l'espace est dominée par les soviétiques, battant à plate couture leurs adversaires américains grâce à des succès s'enchaînant depuis 1957 avant le lancement du premier satellite artificiel Spoutnik 1. En ce qui concerne l'envoi d'un homme dans l'espace, les États-Unis seront là encore devancés par les soviétiques et c'est à la suite du vol de Gagarine qu'ils se presseront à répéter ce succès ; ainsi, ce n'est que moins d'un mois après Vostok 1 qu'Alan Shepard accomplit son vol dans le cadre de la mission Mercury-Redstone 3. Ce dernier n'est d'ailleurs qu'un vol suborbital, alors que Gagarine a effectué une orbite.


title: Vostok 1

text: Avant que Gagarine n'effectue son vol, le vaisseau Vostok a été testé quatre fois dans l'espace sous le nom générique Spoutnik, à chaque fois avec des animaux à bord. Après l'échec de Spoutnik 4, le (à vide), ces vols s'échelonnèrent pendant un an :


title: Vostok 1

text: Youri Gagarine a effectué une orbite, en , et est revenu sain et sauf ; il s'est éjecté de la capsule Vostok à du sol et a atterri avec son parachute. En effet l'atterrissage de la capsule aurait été trop rude pour le cosmonaute.


title: Vostok 1

text: Les contrôleurs au sol ne surent que l'orbite était stable que après le lancement. Le contrôle de l'attitude de l'engin était géré par un système automatisé. L'équipe médicale et les ingénieurs ne savaient pas comment le corps humain réagirait à l'absence de gravité. Pour cette raison, les contrôles de vol étaient verrouillés pour empêcher Gagarine de prendre un contrôle manuel. Les codes pour déverrouiller les commandes étaient placés dans une enveloppe embarquée, que Gagarine ne devait utiliser qu'en cas d'urgence. Vostok ne pouvait pas changer d'orbite, seulement d'attitude sur son orbite. Durant la majeure partie du vol, l'attitude du vaisseau pouvait fluctuer. Le système automatisé a ramené Vostok 1 dans l'alignement pour le rétrofreinage environ une heure après le décollage.


title: Vostok 1

text: L'allumage des rétrofusées eut lieu alors que le vaisseau Vostok survolait la côte occidentale de l'Afrique, près de l'Angola, à environ du site d'atterrissage sélectionné ; elles fonctionnèrent durant environ . Pour des raisons de poids, il n'y avait pas de rétrofusées de remplacement. Néanmoins, au cas où les rétrofusées n'auraient pas fonctionné, dix jours de provisions étaient embarqués pour permettre au cosmonaute d'attendre que le vaisseau effectue une rentrée atmosphérique déclenchée par la dégradation progressive de son orbite sous l'effet de la traînée.


title: Vostok 1

text: Après le freinage le module de service de Vostok ("sharik") devait se détacher pour permettre à l'habitacle proprement dit (le module de descente), en forme de sphère, d'effectuer une rentrée atmosphérique dans de bonnes conditions. Mais les sangles qui solidarisaient les deux modules ne se coupèrent pas comme prévu. Le vaisseau subit durant dix minutes des girations désordonnées avant que les sangles ne se consument et permettent au module de descente de se détacher et de prendre une orientation correcte.


title: Vostok 1

text: La FAI décida en 1961 qu'un pilote devait atterrir avec sa capsule pour que le vol soit retenu comme vol spatial officiel par la Fédération. L'Union soviétique soutint que Gagarine avait atterri avec le Vostok, et la Fédération valida le vol. Dix ans plus tard, il a été révélé que Gagarine s'était éjecté et avait atterri séparément du module Vostok En raison de ce problème technique, on craignait que les records de durée, d'altitude et de masse au décollage du vol spatial orbital ne soient pas reconnus par la FAI, l'organisme mondial de normalisation et d'enregistrement dans ce domaine, qui exigeait à l'époque que les pilotes atterrissent avec leur vaisseau spatial. Selon les anciennes définitions de la FAI, la mission aurait été considérée comme un vol spatial "incomplet". Toutefois, le record de vol spatial a été certifié et réaffirmé par la FAI, qui a modifié ses règles et reconnu que les étapes critiques du lancement en toute sécurité, de la mise en orbite et du retour du pilote avaient été franchies. Gagarine est internationalement reconnu comme le premier homme dans l'espace et la première personne en orbite autour de la Terre.


title: Vostok 1

text: Lorsque les officiels soviétiques remplirent les formulaires de la FAI pour enregistrer le vol de Vostok 1, ils affirmèrent que le site de lancement était Baïkonour à . En réalité, le site de lancement était près de Tiouratam à , à au sud-ouest de Baïkonour. Ils firent cela pour garder secret l'emplacement du centre spatial. En 1995, les autorités russes et kazakhs ont renommé Tiouratam en Baïkonour.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Le Rhinocéros de Dürer est une gravure sur bois d’Albrecht Dürer datée de 1515. L’image est fondée sur une description écrite et un bref croquis par un artiste inconnu d’un rhinocéros indien ("Rhinoceros unicornis") débarqué à Lisbonne plus tôt dans l’année. Dürer n’a jamais observé ce rhinocéros qui était le premier individu vivant vu en Europe depuis l’époque romaine. Vers la fin de 1515, le roi de Portugal, Manuel , envoya l’animal en cadeau au pape Léon , mais il mourut dans un naufrage au large des côtes italiennes au début de 1516. Un rhinocéros vivant ne sera revu en Europe qu’à l'arrivée d'un second spécimen indien à Lisbonne en 1577.


title: Rhinocéros de Dürer

text: En dépit de ses inexactitudes anatomiques, la gravure de Dürer devint très populaire en Europe et fut copiée à maintes reprises durant les trois siècles suivants. Elle a été considérée comme une représentation réaliste d’un rhinocéros jusqu’à la fin du . Par la suite, des dessins et peintures plus corrects la supplantent, en particulier des représentations de Clara le rhinocéros qui fut exposée dans toute l’Europe au cours des années 1740 et 1750. Néanmoins, beaucoup d'artistes, comme Salvador Dalí ou Niki de Saint Phalle, continuent d’éprouver pour cette œuvre d'Albrecht Dürer une indéniable fascination en la reproduisant selon différentes manières.


title: Rhinocéros de Dürer

text: En 1514, Afonso de Albuquerque, gouverneur de l’Inde portugaise à Goa, envoya deux ambassadeurs auprès de Muzaffar Shah , sultan de Cambay (Gujarat moderne), pour lui demander le droit de construire un fort portugais sur l’île de Diu. Le sultan ne donna pas son accord mais renvoya les Portugais avec des cadeaux prestigieux, dont un rhinocéros et un fauteuil incrusté d'ivoire. L’animal fut fourni avec un gestionnaire et avait une jambe enchaînée.


title: Rhinocéros de Dürer

text: À la différence des rhinocéros africains, le rhinocéros indien ("R. unicornis") ne possède qu'une seule corne. En outre, son dos est couvert de plaques de peau épaisse reliées entre elles par de la peau souple, favorisant leur articulation lors du déplacement de l'animal.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Albuquerque fit embarquer au plus vite ce cadeau royal sur la nef "", sous le commandement de Francisco Pereira Coutinho, appelé . Le bateau quitta Goa en avec deux autres vaisseaux à destination de Lisbonne. Il fit escale à Madagascar, sur l'île de Sainte-Hélène et aux Açores. L'animal était nourri de paille, de foin et de riz cuit. Après un voyage particulièrement rapide de quatre mois, la flotte des Indes chargée d’épices et autres trésors arriva dans le port de Lisbonne le , mais c’est sans conteste le débarquement du rhinocéros, venant enrichir la ménagerie exotique du roi Manuel , qui fit la plus forte impression.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Un tel animal n’avait pas été vu en Europe depuis douze siècles : on savait par les auteurs anciens qu’il existait, mais il était devenu pour la culture occidentale une bête mythique, parfois confondue dans les bestiaires avec le légendaire (la licorne). Les Indiens l’appelaient (nom de l’espèce en gujarati), mais tous les érudits identifièrent immédiatement l’animal décrit sous le nom de "rhinoceros" par Pline l'Ancien, Strabon et d'autres auteurs anciens.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Savants et curieux vinrent examiner la bête. On en fit un ou plusieurs dessins, dont au moins celui qui servira de modèle à Hans Burgkmair et Albrecht Dürer, accompagnés de descriptions et de commentaires tirés des Anciens, et qui circulèrent en Italie, en Europe centrale et en Allemagne, notamment du fait des échanges intellectuels et commerciaux entre les Portugais et les Allemands, particulièrement présents à Lisbonne. Dès le paraissait à Rome un " de Giovanni Giacomo Penni décrivant l’arrivée sensationnelle de l’animal.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Dans les jours qui suivirent, le roi fit défiler la bête sans incident avec d’autres animaux exotiques au cours d’une ou plusieurs parades dans les rues de Lisbonne. Le , jour de la fête de la Sainte Trinité, Manuel organisa un combat opposant le rhinocéros à l’un de ses jeunes éléphants, puisque tout ce que l’on savait des mœurs de cet animal, notamment par Pline l'Ancien, était que l’éléphant et le rhinocéros seraient les pires ennemis. Découvrant son adversaire et peut-être effrayé par la foule bruyante venue en nombre, l’éléphant courut se réfugier dans son enclos et le rhinocéros fut déclaré vainqueur par abandon. L'arène se tenait dans une cour qui s'étendait entre les appartements royaux et la Casa da Mina, où se trouve aujourd'hui le ministère de l'Intérieur et la Place du Palais.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Le roi Manuel décida ensuite d’offrir le rhinocéros au pape Léon , membre de la famille de Médicis : il avait besoin de son appui pour garantir les droits exclusifs du Portugal tant en Extrême-Orient qu’au Brésil. L’année précédente, Léon  avait déjà été honoré par Hanno, un éléphant blanc des Indes que Manuel lui avait offert. Avec d’autres précieux cadeaux tels que de la vaisselle d’argent et des épices, le rhinocéros paré de velours vert décoré de fleurs embarqua à bord du " en pour un voyage du Tage à Rome. On prêtait au pape l’intention d’organiser à Rome un combat du rhinocéros contre un éléphant.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Le vaisseau relâcha au château d'If au large de Marseille au début de l’année 1516. La renommée du rhinocéros était telle que le roi de France François , revenant de Saint-Maximin-la-Sainte-Baume en Provence, voulut voir l’animal. Lui qui s’était couvert de gloire l’année précédente à la bataille de Marignan et avait été armé chevalier au soir de la bataille tenait sans doute à rencontrer la bête dont l’armure naturelle et la prouesse contre l’éléphant constituaient désormais un symbole de la chevalerie. Cette rencontre eut lieu sur l'îlot d'If le .


title: Rhinocéros de Dürer

text: Le navire repartit ensuite pour Rome mais fit naufrage lors d’une tempête soudaine alors qu’il naviguait près de Porto Venere, au nord de La Spezia, sur la côte de Ligurie. Le rhinocéros, enchaîné à bord, fut incapable de nager et se noya.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Les informations relatives à cet événement sont contradictoires. Jean Barrillon écrit que son corps fut récupéré près de (Civitavecchia, près de Rome). L'affirmation selon laquelle l’animal fut alors empaillé et remis au pape ne repose sur rien de sérieux, d’autant qu’on ne savait pas au naturaliser un rhinocéros. Le récit le plus détaillé est en fait celui de Paolo Giovio, pour qui les Portugais apportèrent au pape (), avec le récit pathétique de sa fin tragique : après la prouesse de Lisbonne, une telle fin, luttant malgré ses chaînes contre la tempête, achevait de faire du rhinocéros un héros.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Le rhinocéros a été représenté dans les peintures de l’époque à Rome par Raphaël et Giovanni da Udine.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Albrecht Dürer, né en 1471, donc âgé de quarante-quatre ans en 1515, était un artiste allemand complet, à la fois peintre, dessinateur, graveur, théoricien et réformateur des arts. Il était déjà célèbre, puisque grâce à ses reproductions bon marché, son travail était très largement diffusé en Europe.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Son style, au départ familier et élégant, gagne en maturité à la suite de ses voyages à Venise en 1494 et en 1506. Les artistes italiens Giovanni Bellini, Andrea del Verrocchio et Léonard de Vinci l'inspirent alors particulièrement. Les œuvres "Le Petit cheval" et "Saint-George" montrent l'influence du monument vénitien dédié à Bartolomeo Colleoni. Ce premier voyage en Italie lui permet également d'améliorer sa technique de gravure et de rendre des clairs-obscurs, comme en témoignent ses œuvres "Saint Jérôme dans son cabinet" ou "La Mélancolie". À partir de 1510, il délaisse d'ailleurs la peinture pour la gravure, car elle lui permet de revenir à l'essentiel, c'est-à-dire au dessin. Dürer a également toujours porté un grand intérêt à l'observation de la nature, intérêt digne d’un botaniste ou d'un zoologiste et que l’on retrouve dans de nombreuses compositions (sept cents représentations d’animaux apparaissent dans ses seules gravures) où il recherche tout autant l'exactitude de la représentation que la pure création artistique.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Entre le et le , le rhinocéros fut à Lisbonne l’objet de la curiosité générale : artistes et savants en firent des croquis et des descriptions qu’ils envoyèrent à leurs correspondants en Europe. C’est sur la base d’un de ces documents que Penni composa en Italie son "", illustré d’une gravure assez sommaire de la bête. Un humaniste morave, Valentim Fernandes, envoya à des amis une lettre décrivant l’animal, lettre dont le texte original en allemand est perdu mais est connu par une copie en italien conservée à la Bibliothèque nationale centrale de Florence. Un document comparable illustré par un auteur inconnu parvint à Nuremberg et inspira Albrecht Dürer.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Dans un premier temps, Dürer fit une copie à la plume et à l’encre de ce croquis, avec une reprise de la légende qui l’accompagnait. Ce dessin, intitulé "RHINOCERON 1515", non signé mais qui est attribué à Dürer, est aujourd’hui au British Museum à Londres. La légende, en allemand, parle de , ce qui montre que l’auteur de la lettre était portugais, tandis que la date de 1513 est une faute de copie pour 1515. Dürer a interprété son modèle et en a fait une chimère : il a rajouté sur son dos une petite dent de narval (ce que l’on considérait alors comme une corne de licorne), a dessiné les plis de la peau du rhinocéros comme les plaques de la carapace d’un crustacé, a interprété le rendu de la peau de ses pattes comme des écailles de reptile ou de pattes d’oiseau et lui a dessiné une queue d’éléphant. Ces organes fantaisistes de Dürer sont des ajouts personnels qui maintiennent certains présupposés mentaux de son époque.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Un dessin à la plume illustrant le "Livre d’Heures de l’Empereur Maximilien", réalisé peu après, s’inspire de l’interprétation de Dürer (notamment par la carapace et la dent de narval).


title: Rhinocéros de Dürer

text: Pour permettre une duplication en grand nombre du dessin, Albrecht Dürer réalisa peu après une gravure sur bois d’après son dessin à la plume, ce qui fait qu’à l'impression le rhinocéros apparaît orienté dans l’autre sens. Cette gravure est intitulée « "" » et signée de son monogramme habituel, . La technique de la gravure sur bois ne permettant pas de tracer des lignes aussi fines qu’à la plume, les plaques de la carapace du rhinocéros n’évoquent plus un crustacé mais plutôt les plaques d’une armure métallique. La légende de la gravure, composée en caractères mobiles, est placée par Dürer au-dessus de l'image, et possède de notables différences par rapport à la légende du dessin : on y mentionne cette fois et on ne reproduit plus le nom de l’animal en langue indienne. L’ensemble mesure .


title: Rhinocéros de Dürer

text: Après la mort de l’artiste en 1528, plusieurs rééditions de ce bois gravé furent réalisées jusqu’au début du . On peut les classer d’après la progression plus ou moins avancée d’une fente dans le bois (elle part des poils de la queue, et s’étend progressivement aux pattes arrière, puis au museau pour les impressions les plus tardives), ainsi que par les corrections apportées au texte composé en caractères mobiles. Johann David Passavant a ainsi repéré six éditions : deux avec cinq lignes de légende ; une troisième avec cinq lignes et demi ; une quatrième avec cinq lignes complètes ; une cinquième édition hollandaise, publiée par Hendrick Hondius, dont la légende commence par (corrigeant ainsi la date erronée de 1513 donnée par les quatre premières éditions allemandes et remontant à une faute de copie de Dürer quand il réalisa son premier dessin à la plume) ; enfin une sixième édition sur deux planches en clair-obscur.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Une autre gravure à partir du même modèle a été réalisée par Hans Burgkmair à Augsbourg, à peu près au moment où Dürer réalisait la sienne à Nuremberg. Comme dans le cas de Dürer, la source de Burgkmair est incertaine, mais comme les grandes lignes (silhouette, plis de la peau) de l’animal sont presque identiques pour les deux œuvres, il est possible que les deux graveurs aient travaillé à partir du même original. La gravure de Burgkmair, intitulée "RHINOCEROS ", paraît plus proche de la réalité, ou du moins plus fidèle au document original, car elle est dépourvue de la dent de narval ajoutée par Dürer et représente les entraves utilisées pour maintenir l’animal. Burgkmair interprète sa peau comme une sorte de fourrure tachetée, ce qui n’est pas plus réaliste que la carapace ou l’armure de Dürer.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Un unique exemplaire de la gravure de Burgkmair a survécu jusqu’à nos jours, conservé au Graphische Sammlung Albertina de Vienne.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Grâce à Dürer, la redécouverte du rhinocéros eut pour effet de confirmer la véracité des écrits de Pline et d'en renforcer l'autorité auprès de scientifiques comme Ulisse Aldrovandi ou Flavio Biondo (archéologue et historien qui, quelques décennies auparavant, avait commencé à retrouver des ruines et statues de la Rome antique, également mentionnées par Pline dans son "Histoire naturelle", Livre , et jusque-là oubliées), en cela l’art de la Renaissance et l'intérêt pour l'Antiquité font une composante importante de la Renaissance elle-même.


title: Rhinocéros de Dürer

text: La gravure de Dürer a obtenu tout de suite un grand succès dans toute l’Europe. Quatre à cinq mille impressions de cette image ont probablement été vendues de son vivant.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Outre ses rééditions, qui n’ont jamais satisfait la demande, elle a été copiée avec beaucoup de précision par plusieurs artistes pour illustrer des livres publiés du . C’est ainsi qu’une copie par David Kandel (signée du monogramme ) illustre la ' (1544) de Sebastian Münster, une autre les ' (1551) de Conrad Gessner, une troisième, sur cuivre cette fois, l’"Histoire of Foure-footed Beastes" (1658) d’Edward Topsell, parmi bien d’autres. Un rhinocéros clairement inspiré de la gravure de Dürer fut choisi par Paolo Giovio pour créer en l’emblème d’Alexandre de Médicis dit "Alexandre le Maure", duc de Toscane, avec la devise en castillan ancien : , signifiant .


title: Rhinocéros de Dürer

text: Le rhinocéros de Dürer est également représenté dans des tapisseries, comme celle du château de Kronborg ou dans des sculptures, comme celles de Jean Bologne dans la grotte des animaux du parc de la Villa Medicea di Castello à Florence et sur la porte de la cathédrale de Pise.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Une sculpture, reproduisant le rhinocéros de Dürer portant sur son dos un obélisque de vingt-et-un mètres de hauteur, fut conçue à Paris par Jean Goujon, puis installée face à l’église du Saint-Sépulcre dans la rue Saint-Denis, à l’occasion de la venue du nouveau roi de France Henri .


title: Rhinocéros de Dürer

text: La popularité du rhinocéros chimérique de Dürer est restée forte pendant un peu plus de deux siècles : ni la présence d’un nouveau rhinocéros indien pendant huit années à Madrid de 1579 à 1587, représenté par une gravure de Philippe Galle en 1586 à Anvers et qui a pourtant inspiré certains artistes au , ni l’exposition d’un rhinocéros vivant à Londres en 1684-1686 et d’un deuxième en 1739 n'ont empêché le rhinocéros de Dürer de rester pour la plupart des gens l’image vraie d’un rhinocéros. Ce n’est qu’à partir de 1741, avec l’arrivée en Hollande de Clara le rhinocéros, qui sera exhibée dans toute l’Europe par son propriétaire Douwe Mout van der Meer jusqu’en 1758, que l’image réaliste de ce dernier animal se substituera à celle de Dürer dans l’iconographie européenne.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Jean-Baptiste Oudry a peint un portrait grandeur nature de Clara le rhinocéros en 1749 et George Stubbs un portrait de grande taille d’un rhinocéros à Londres vers 1790. Ces deux peintures étaient beaucoup plus réalistes que la gravure de Dürer et ces images ont progressivement commencé à remplacer le rhinocéros de Dürer dans l’imaginaire collectif. En particulier, la peinture d’Oudry a influencé la planche de l’"Histoire naturelle" de Buffon, qui elle-même a été largement copiée. En 1790, le récit de voyage de James Bruce, "Travels to discover the source of the Nile", critique le travail de Dürer comme étant et rajoutant qu’il s’agissait de . Pourtant, son illustration du Rhinocéros blanc africain ("Ceratotherium simum"), qui est sensiblement différent du Rhinocéros indien, partage toujours des inexactitudes manifestes avec Dürer.


title: Rhinocéros de Dürer

text: Umberto Eco explique que les de Dürer sont devenues un élément nécessaire pour représenter l’animal, même pour ceux qui croient mieux savoir, car . Il note également que la peau d’un rhinocéros est plus rugueuse qu’elle n’apparaît visuellement et que de telles plaques et écailles traduisent plutôt bien cette information non visuelle. Vers la fin des années 1930, le dessin de Dürer apparaît encore dans les manuels scolaires allemands comme la représentation fidèle d’un rhinocéros ; d’ailleurs, en allemand, le rhinocéros indien est toujours appelé le "", le .


title: Rhinocéros de Dürer

text: Si les naturalistes ont abandonné la chimère de Dürer depuis le siècle des Lumières, ce n’est pas le cas des artistes qui continuent d’éprouver pour cette gravure, devenue une icône, une indéniable fascination. Beaucoup de sculpteurs, de peintres et de graphistes contemporains reproduisent la gravure de 1515 en l’interprétant de toutes les manières. Parmi les plus connus du grand public, Salvador Dalí qui a peint et sculpté le rhinocéros de Dürer accompagné de tests d’oursins (c’est pour lui le "Rhinocéros Cosmique" ou le "Rhinocéros habillé de dentelles"), ou encore Niki de Saint Phalle qui a repris la silhouette du rhinocéros de Dürer en la remplissant de vives couleurs, sous la forme de lithographies ou de bouées gonflables.


title: Rhinocéros de Dürer

text: La notoriété de cette œuvre est toujours importante ; ainsi, en 2013, une gravure sur bois du Rhinocéros de Dürer a été vendue aux enchères .


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Marie-Anne de Neubourg (1667-1740) fut reine d'Espagne, de Sicile et de Naples, duchesse de Bourgogne, de Milan, de Brabant, de Luxembourg et de Limbourg et comtesse de Flandre et de Hainaut par son mariage avec le roi Charles II d'Espagne.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Marie-Anne était le douzième enfant de l'électeur palatin du Rhin, Philippe-Guillaume de Neubourg, et de son épouse Élisabeth-Amélie de Hesse-Darmstadt. Elle est également la petite fille de Georges II de Hesse-Darmstadt. Elle fut élevée avec ses frères et sœurs au château de Neubourg-sur-le-Danube. En 1677, sa sœur aînée devint impératrice. Dès lors les princesses de Neubourg devinrent des partis d'autant plus intéressants tandis que les princes obtinrent les charges ecclésiastiques les plus respectables.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: En 1689, Marie-Louise d'Orléans, la première épouse du roi Charles II d'Espagne mourut. Les ministres espagnols durent rapidement trouver une nouvelle épouse qui pût donner au roi l'héritier tant attendu. Marie-Anne fut choisie parmi d'autres candidates pour être la seconde femme de ce roi à cause de la haute fertilité des femmes de sa famille (sa mère avait donné le jour à 17 enfants). Ses sœurs avaient très vite assuré la continuité dynastique de leurs époux respectifs. De plus, elle était la sœur d'Éléonore de Neubourg, épouse de l'empereur Léopold, renforçant ainsi les liens avec le rameau autrichien de la Maison de Habsbourg.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Le mariage par procuration eut lieu le à Ingolstadt en Bavière, en présence de son beau-frère l'empereur Léopold et de sa sœur l'impératrice Éléonore, parmi d'autres invités prestigieux. Cependant, l'Europe étant en guerre, Marie-Anne n'arriva en Espagne que plusieurs mois plus tard, au printemps 1690. Elle épousa Charles en personne le à San Diego, près de Valladolid. Ce mariage resta stérile, selon toutes vraisemblances à cause des problèmes de santé du roi.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Pendant le règne, Marie-Anne fit subir à son époux des crises de colères et des grossesses imaginaires. De plus, elle fut également compromise dans plusieurs complots à la Cour d'Espagne, et voulait que son neveu l'archiduc Charles d'Autriche devienne le futur roi d'Espagne. Cela va sans dire, elle était en de très mauvais termes avec sa belle-mère Marie-Anne d'Autriche, la reine mère, qui voulait que son arrière-petit-fils, Joseph-Ferdinand de Bavière monte sur le trône. Après de nombreuses disputes avec sa belle-fille, la reine-mère décréta que .


title: Marie-Anne de Neubourg

text: La plupart des courtisans espagnols haïssaient Marie-Anne, en partie parce qu'elle usait de tout son pouvoir pour obtenir autant d'argent qu'elle le pouvait pour sa famille palatine et pour elle-même, allant jusqu'à voler des tableaux précieux des collections royales pour les envoyer à ses proches en Allemagne.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Néanmoins, l'économie du royaume était loin d'être bonne et même Marie-Anne dut faire des sacrifices financiers. Elle fut notamment forcée de mettre en gage ses propres bijoux pour couvrir des dépenses que son mari n'avait pas les moyens d'assumer. Elle s'en plaint à sa famille, écrivant que ses sœurs avaient une meilleure dot qu'elle.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Sa colère s'accrut quand elle entendit que l'épouse précédente de son mari, Marie-Louise d'Orléans, avait apporté avec elle de magnifiques bijoux quand elle avait épousé Charles. Sa mère, Élisabeth-Amélie, écrit à ce propos :


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Le roi mourut le à Madrid. Il demanda par testament que sa veuve reçoive une rente correcte chaque année, et qu'elle fût traitée avec respect par son successeur. Cependant, le nouveau roi, Philippe V, ordonna que Marie-Anne quitte Madrid avant son entrée dans la capitale.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: La reine n'eut pas d'autre choix que de vivre dans la cité voisine, Tolède, où elle habita dans l'Alcazar. Elle écrivit plusieurs lettres à sa famille, dans le Saint-Empire, dans le but d'améliorer sa condition, mais sans grand succès.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Malgré tout, Marie-Anne dut se résigner à demeurer dans le palais de l'Alcazar, où sa situation continua d'être très difficile. Fin 1704, la reine écrivit à sa mère, se plaignant en ces termes


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Deux ans plus tard, en 1706, son destin changea lorsque son neveu, l'archiduc Charles d'Autriche occupa la ville de Tolède avec l'armée impériale. Naturellement, Marie-Anne en fut ravie et l'accueillit avec joie, ce qui provoqua la colère du roi Philippe V qui l'expulsa d'Espagne quelques années plus tard. Elle se rendit à Bayonne, où elle vécut les décennies suivantes rue Montaut.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Vivant dans la gêne, elle reçut en 1714 sa nièce la princesse de Parme Élisabeth Farnèse qui s'en allait épouser le roi Philippe V d'Espagne, veuf de Marie-Louise Gabrielle de Savoie. La rencontre fut polie. Si le sort malheureux de cette reine en exil impressionna la nouvelle reine d'Espagne, il n'inspira pas de compassion à la jeune ambitieuse qui n'apporta aucune aide matérielle ou morale à l'ancienne souveraine. En 1721, Saint Simon, ambassadeur spécial, en route pour Madrid, lui présenta des lettres du jeune Louis XV de France et du Régent, le duc d'Orléans. Il nota dans ses Mémoires l'état de pauvreté de la douairière. En 1739, âgée et malade, elle fut finalement autorisée à retourner en Espagne. Elle s'installa dans le Palais de l'Infant à Guadalajara, où elle mourut le . Elle est enterrée à l'Escurial.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: Elle a été mise en scène par l'écrivain français Victor Hugo dans son drame romantique Ruy Blas, en 1838, où elle est nommée seulement « La Reine ». Cependant, l'auteur prête davantage à « La Reine » le caractère de sa devancière que celui de Marie-Anne de Neubourg.


title: Marie-Anne de Neubourg

text: 1947 : "Ruy Blas" réalisé par Pierre Billon, scénario de Jean Cocteau, avec Jean Marais, Danielle Darrieux et Marcel Herrand


title: Marie-Anne de Neubourg

text: 1971 : Ce drame a lui-même très librement inspiré la comédie "La Folie des grandeurs" réalisée par le cinéaste français Gérard Oury et dans laquelle « La Reine » est incarnée par Karin Schubert.


title: Frans Hals

text: Frans Hals (Anvers ?, entre 1580 et 1583 – Haarlem, ) est un peintre baroque néerlandais (Provinces-Unies), considéré, avec Rembrandt et Johannes Vermeer, comme l'un des plus importants du siècle d’or.


title: Frans Hals

text: Bien que sans doute d'origine flamande, c'est dans la ville hollandaise de Haarlem qu'à partir de 1591 au plus tard, il passe le reste de sa vie et fait carrière.


title: Frans Hals

text: « C'est un enfant de famille magnifiquement doué et qui fait de la peinture pour vivre, cavalièrement, en gentilhomme, pressé de faire vite et d'en finir : le reste du temps en bon vivant, compagnon de la loge "Liefde boven al" (L'amour par-dessus tout), avec des turbulences de conduite et d'humeur qui expliquent celles de sa brosse et lui donnent parfois affaire avec la police. » Ces lignes écrites en 1921 par Louis Gillet décrivent bien l'image que l'on pouvait se faire alors de Frans Hals. Elles disent aussi la sympathie, un peu condescendante, à l'égard d'un homme dont les frasques présumées font sourire autant que la gaieté si souvent exprimée sur les visages de ses modèles.


title: Frans Hals

text: Artiste majeur, considéré comme l'un des grands maîtres du portrait, il a également réalisé, surtout au début de sa carrière, plusieurs scènes de genre.


title: Frans Hals

text: Ses tableaux se distinguent par leur expressivité. Les coups de pinceau détachés sont caractéristiques de sa manière, et il participa à l'introduction de cette vivacité de style dans l'art néerlandais. Hals contribua aussi, avec ses portraits de garde civile et de régents, à l’évolution du portrait de groupe au .


title: Frans Hals

text: Son style devait par ailleurs exercer une influence considérable, plus de deux siècles après lui, sur les représentants des courants réaliste — comme Gustave Courbet —, et impressionniste — comme Van Gogh.


title: Frans Hals

text: Frans Franchoisz. Hals est né entre 1580 et 1583, à Anvers vraisemblablement. Il était le fils d'un marchand de draps catholique, Franchois Fransz. Hals van Mechelen (i.e. « de Malines » – v. 1542 – 1610) et de la seconde épouse de celui-ci, Adriaentje van Geertenryck (Anvers, v. 1552 – Haarlem, après nov. 1616). Comme beaucoup, sa famille prend la fuite après la chute d’Anvers et le triomphe de l’armée espagnole. Elle trouve refuge à Haarlem, ville où le futur peintre passera le restant de sa vie. Le premier document d'archive attestant la présence de la famille à Haarlem est en fait daté du : il s'agit de l'acte de naissance, dans une église protestante, de Dirck Hals, le frère cadet de Frans.


title: Frans Hals

text: C'est vers le début des années 1600 que Frans Hals aurait effectué son apprentissage, chez un autre émigré flamand, Carel van Mander (1548 – 1606), un peintre maniériste dont l’influence sur les œuvres de son élève ne sera toutefois guère visible, les premiers tableaux de Hals montrant davantage de parenté avec celles des peintres caravagesques d'Utrecht ou du Flamand Jacob Jordaens.


title: Frans Hals

text: En 1610, Hals devient membre de la guilde de Saint-Luc locale. Vers cette époque, il épouse sa première femme, Anneke Harmensdr., qui lui donnera en 1611 un premier fils, baptisé Harmen.


title: Frans Hals

text: Pendant longtemps, on a considéré que l’œuvre datée la plus ancienne de l'artiste était un "", peint en 1611. L'attribution de ce tableau à Hals, cependant, est aujourd'hui remise en question, son style différant de beaucoup de celui si caractéristique du maître (cfr. chap. « Authenticité »). L’unique témoin certain de son œuvre durant la première décennie de sa carrière de peintre indépendant date en fait de 1614 ; il s'agit d'une gravure de Jan van de Velde réalisée d’après un portrait perdu du pasteur Johannes Bogardus (ou Bogaert).


title: Frans Hals

text: C'est en 1616 que Hals obtient son premier grand succès, avec un portrait de groupe grandeur nature, le "Banquet des officiers du corps des archers de Saint-Georges". Cette œuvre datée, bien qu'elle figure parmi les tableaux les plus anciens que l'on connaisse de l'artiste, témoigne pourtant d'une maîtrise saisissante, dont on peut déduire qu'un bon nombre d'autres œuvres moins abouties ont dû la précéder. En 1612, Frans Hals était lui-même devenu membre de la milice de Saint-Georges. Son nom, suivi de sa qualité ("« Frans Hals schilder »" – i.e. « Frans Hals peintre ») apparaît en effet dans le "Register van de loffelijcke Schutterij der stadt Haerlem" (le « Registre de la respectable milice de la ville de Haarlem ») ; au sein de cette milice, il appartenait à la compagnie du capitaine Jacob Laurensz, et son arme, selon la lettre placée devant son nom dans le registre, était le mousquet. On a conservé de Frans Hals en tout trois portraits de groupe de cette milice (réalisés en 1616, vers 1627, et de 1636 à 1639). On s'est plu à imaginer que le peintre s'était lui-même représenté dans le portrait des officiers et sous-officiers terminé en 1639, mais ceci n’a jamais pu être démontré. Habituellement, les simples membres ne figuraient pas sur le portrait de groupe, ce privilège étant réservé seulement aux officiers. Il est possible cependant qu’il ait bénéficié d’une faveur pour avoir peint la compagnie à trois reprises.


title: Frans Hals

text: En 1616, la même année au cours de laquelle il réalise le premier portrait de groupe de la milice de Saint-Georges, Hals est poursuivi pour ne pas avoir payé des peintures. Le fait est renseigné dans un document d'archive judiciaire, sur lequel il est également fait mention que le peintre se trouve entre les mois d'août et de novembre à Anvers, ce qui constitue le seul témoignage connu d'un séjour de Hals hors des frontières des Provinces-Unies.


title: Frans Hals

text: Des historiens ont pu rapporter que le peintre battait Anneke, sa première femme, en se basant sur un document d’archive daté du , dans lequel est indiqué qu'un dénommé Frans Hals est amené à comparaître devant les magistrats pour maltraitance envers sa conjointe. Il s’agit cependant d’une erreur car, comme l’a fait remarquer Seymour Slive, le Frans Hals en question n’est pas l’artiste, mais un autre habitant de Haarlem du même nom. De fait, au moment du délit, Frans Hals n’aurait pu se livrer à des violences sur Anneke, étant donné que celle-ci, après avoir donné naissance à un second fils dont on ignore le nom, était morte en couches plusieurs mois plus tôt, en . De la même manière, on a attribué à Hals un penchant pour la boisson en s’appuyant en grande partie sur des anecdotes amplifiées par Arnold Houbraken, sans qu’il n’existe aucun document fiable permettant de le prouver.


title: Frans Hals

text: Le , Frans Hals épouse en secondes noces Lysbeth Reyniers, la fille cadette d’un poissonnier qu’il avait engagée pour veiller sur ses deux enfants. Le mariage a lieu à Spaarndam, un petit village situé hors les bans de Haarlem, car la jeune femme est alors déjà enceinte de huit mois. L'enfant naîtra quelques jours plus tard, une fillette qui sera prénommée Sara. Frans Hals est un père dévoué et le couple aura huit enfants au moins. Après Sara, Frans « junior » naît en 1618, et Jan en 1622.


title: Frans Hals

text: Entre-temps, en 1618-1619, le peintre figure, en même temps que son frère Dirck, parmi les membres de la chambre de rhétorique de Haarlem "De Wijngaertranken" (« Les Sarments de vigne »), dont fera également partie quelques années plus tard l'un de ceux qui passent pour avoir effectué leur apprentissage auprès de Frans Hals : Adriaen Brouwer. La devise de cette société littéraire était « "Lieft boven al" » (« L'amour par-dessus tout »).


title: Frans Hals

text: Vers 1627, il réalise un second "Banquet des officiers du corps des archers de Saint-Georges", ainsi que le portrait de groupe d'une autre milice civile : le "Banquet des officiers du corps des archers de Saint-Adrien".


title: Frans Hals

text: En 1629, il travaille en tant que restaurateur d'œuvres d'art sur une vaste collection de peintures, que Van Mander décrit dans son livre "Het Schilder-Boeck" (« Le Livre des peintres »), publié en 1604. Parmi ces tableaux, appartenant au siège de la confrérie de Saint-Jean de Haarlem, figurent notamment des œuvres de Geertgen tot Sint Jans, Jan van Scorel et Jan Mostaert. On pense que Frans Hals aurait alors été chargé plus particulièrement de restaurer le retable de Geertgen tot Sint Jans provenant de la "Janskerk" (« église [Saint-]Jean »), retable dont certains panneaux, notamment celui représentant "", sont aujourd'hui conservés au Kunsthistorisches Museum de Vienne. Ce travail était rémunéré par la ville de Haarlem, étant donné que toutes les œuvres d’art religieux avaient été confisquées durant l’iconoclasme ; officiellement, cependant, le Conseil ne posséda pas la totalité de la collection avant 1625, quand les édiles décidèrent quelles peintures convenaient pour décorer les salles de la ville. Les œuvres écartées, car considérées comme « trop catholiques », avaient été vendues à Cornelis Claesz. van Wieringen, membre de la guilde de Saint-Luc, à charge pour lui de faire en sorte qu’on ne les trouve plus à Haarlem.


title: Frans Hals

text: Malgré des commandes régulières, Hals sera pourtant, quasiment tout au long de sa vie, en butte à des difficultés matérielles. Ainsi, en 1630, incapable de payer ses dettes auprès d'un cordonnier, il est poursuivi en justice et, l'année suivante, c'est un boucher qui, pour les mêmes raisons, le conduit devant les tribunaux.


title: Frans Hals

text: Tandis que certains de ses contemporains, comme Rembrandt, déménageaient au gré des caprices de leurs mécènes, Hals se montre réticent à l'idée de travailler ailleurs que dans sa ville. D’après les archives de Haarlem, en dépit d'une rémunération très élevée, il laisse inachevé le portait d’un groupe de soldats commencé à Amsterdam en 1633 – la compagnie du capitaine Reael –, parce qu'il refuse de continuer à peindre à cet endroit, réclamant des soldats qu’ils se rendent chez lui pour poser. En 1635, nouveau revers : il se trouve dans l'incapacité de s'acquitter de la cotisation annuelle auprès de la guilde de Saint-Luc. À cette époque, il dirige un atelier dans la "Grote Heiligland", près de l’hospice des vieillards, dont il sera amené à la fin de sa carrière, en 1664, à peindre les régents et régentes (l'hospice, l’"Oudemannenhuis", deviendra bien des années plus tard le musée Frans Hals).


title: Frans Hals

text: Il obtient en 1641 la commande d’un portrait de groupe des régents de l’hôpital Sainte-Élisabeth, mais les années qui suivent voient ses difficultés financières s’accentuer. Hals est alors considéré comme un peintre quelque peu démodé. En 1644, l’année même où il est promu à une plus haute fonction au sein de la guilde des peintres, il est condamné à une amende pour insolvabilité. Dix ans plus tard, pour s’acquitter de dettes contractées auprès d’un boulanger du nom de Jan Ykessz, il est contraint de vendre une partie de ses biens. L’inventaire qui est alors dressé ne fait mention que de trois matelas et traversins, une armoire, une table et cinq peintures (de lui, de ses fils, de Van Mander et de Maarten van Heemskerck). En 1661, la guilde des peintres le dispense du paiement de la cotisation annuelle. Resté sans ressources, la municipalité finit par lui octroyer, en 1664, en plus de trois chars de tourbe, une annuité de deux cents florins, venant s’ajouter à une pension de cent cinquante florins allouée deux ans plus tôt.


title: Frans Hals

text: À côté de la peinture, il continua tout au long de sa vie à travailler comme restaurateur d’œuvres d’art, comme marchand de tableaux, et comme expert dans le domaine des impôts sur l’art auprès des conseillers municipaux.


title: Frans Hals

text: Frans Hals meurt en 1666 à Haarlem. Il est enterré dans le chœur de l’église Saint-Bavon "(Sint-Bavokerk)". Sa veuve meurt plus tard dans un hôpital, oubliée de tous, après avoir eu recours à la charité publique.


title: Frans Hals

text: Succès et louanges accompagnent la carrière de Frans Hals, jusqu'à une certaine époque tout au moins. Les conflits civiques, alors très aigus aux Pays-Bas, ont peut-être concouru à cette situation. L'insoupçonnable Scheits déclare sans ambages que les difficultés financières qui pèsent sur la maturité et la vieillesse de l'artiste, ont pour cause la baisse de qualité de sa production qui, c'est évident, ne peut plus se mesurer avec les modes nouvelles imposées par les portraitistes et leurs clients, ce qui n'empêche pas Hals d'avoir des commandes de portraits jusqu'à la fin de sa longue activité. Mais il est indéniable qu'au , plusieurs importants historiens de l'art hollandais le négligèrent : Samuel van Hoogstraten ne le cite pas dans l"'Inleyding tot de Hooge Scoole der Schilderkonst" (Middelburg 1641 ; Rotterdam 1678), ni Gérard de Lairesse dans "Het Groot Schilderboeck" (Amsterdam 1707), de même J. von Sandrart, pourtant si anticonformiste et si bien informé sur l'art nordique, ne juge pas opportun de lui consacrer une biographie en 1675, quand il réunit les vies des principaux maîtres de son temps.


title: Frans Hals

text: À quelques rares exceptions près, le personnage apparaît, debout ou assis, sur un fond uni et relativement sombre, avec éventuellement sur celui-ci son ombre. Parfois, il tient un accessoire, tels un crâne, un livre, une canne, une épée, une branche, un éventail, une fleur – souvent symbolisant ou venant souligner un trait de caractère du sujet –, ou un élément vestimentaire, comme une paire de gants ou un chapeau.


title: Frans Hals

text: La plupart du temps, il est cadré à mi-corps, plus rarement aux trois-quarts, et exceptionnellement en pied (un seul exemple est connu : le portrait de Willem Van Heythuysen).


title: Frans Hals

text: Quelquefois figurent sur le portrait les armoiries du personnage – dans certains cas rajoutées "a posteriori" par une autre main que celle du peintre – et/ou l'indication de son âge au moment du portrait, précédée de l'inscription en latin "ætat. suæ" (abréviation de "ætatis suæ" : « à l'âge de »).


title: Frans Hals

text: Hals a peint les portraits individuels de personnalités issues en majorité des classes aisées et appartenant à différentes catégories :


title: Frans Hals

text: C'est vers 1649 que Hals aurait réalisé un "Portrait de René Descartes", dont l'original semble perdu mais dont le Louvre garde une copie. Un autre portrait de Descartes attribué à Hals est conservé au Statens Museum for Kunst de Copenhague.


title: Frans Hals

text: Certaines de ces œuvres sont en réalité des portraits de couple, dont l’homme et la femme sont représentés sur deux toiles ou panneaux distincts. Parfois, l'identité du personnage représenté n'a pu être retrouvée, ce qui est le cas notamment du "Cavalier riant". Des portraits d'enfants, souvent joyeux, sont vraisemblablement ceux des propres enfants du peintre.


title: Frans Hals

text: Hals a exécuté plusieurs portraits de groupe. Il s’agit de portraits réalisés sur commande, d’individus appartenant aux couches moyennes ou supérieures de la société de l’époque.


title: Frans Hals

text: Les militaires, du moins les officiers et les sous-officiers qui commandaient leur portrait de groupe, étaient habituellement issus des cercles plus « élevés ».


title: Frans Hals

text: Sur ces seuls tableaux figurent en tout 68 portraits de 61 individus différents, sans compter un chien.


title: Frans Hals

text: Le tableau "La Compagnie du capitaine Reinier Reael et du lieutenant Cornelis Michielsz. Blaeuw", dit "La Maigre Compagnie", conservé au Rijksmuseum, fut laissé largement inachevé par Hals. C'est Pieter Codde qui fut chargé de le terminer en 1637. Il est relativement malaisé de distinguer dans cette œuvre les contributions de l'un et de l'autre peintre.


title: Frans Hals

text: On compte aussi quelque portraits de famille : le "Portrait de famille dans un paysage" (Bridgnorth, Shropshire) réalisé vers 1620, le portrait de famille de 1635 du Cincinnati Art Museum (Ohio), deux autres "Portrait de famille dans un paysage", datant chacun de 1648 et conservés à la National Gallery de Londres et au


title: Frans Hals

text: Musée Thyssen-Bornemisza de Madrid – ce dernier est en fait le seul tableau de Frans Hals figurant dans un musée espagnol.


title: Frans Hals

text: Frans Hals a aussi réalisé un portrait de mariage où, contrairement à l’habitude, le couple est représenté sur le même support : le "Portrait de mariage d'Isaac Massa et Beatrix van der Laen" du Rijksmuseum, tableau peint en 1622.


title: Frans Hals

text: En dehors des portraits, Hals est également l’auteur de quelques scènes de genre, représentant des fêtards, des musiciens, des enfants de pêcheur sur une plage, une marchande de légumes, la « folle du village » de Haarlem (la « "Malle Babbe" »), et d’autres sujets du même type, qui semblent avant tout destinés à restituer des « impressions de la vie quotidienne ».


title: Frans Hals

text: Par leurs thèmes, les peintures de genre de Hals se rapprochent davantage des œuvres des peintres caravagesques d'Utrecht que des scènes bourgeoises inventées par Willem Pietersz. Buytewech (v.1591-1624), lequel, pourtant, était actif à Haarlem au même moment que lui – entre 1612 et 1617 – ; et l'influence de Buytewech allait être immense sur d'autres peintres, comme Pieter de Hooch et Johannes Vermeer.


title: Frans Hals

text: Les tableaux de genre de Hals se distinguent par ailleurs par leur format, en général plus grand que celui ordinairement adopté pour ce type d'œuvre.


title: Frans Hals

text: Le Metropolitan Museum of Art de New York en conserve de très beaux exemples : les "Fêtards du Mardi-Gras", datant de 1615 environ, "Le Jeune Ramp et sa belle" (1623), le "Garçon au luth" (vers 1635). Une version du "Joueur de "rommelpot"" se trouve au Kimbell Art Museum, à Fort Worth (Texas), et , qui lui est vraisemblablement postérieure, à l'Art Institute of Chicago.


title: Frans Hals

text: Certains tableaux de Hals peuvent être considérés autant comme des portraits que comme des peintures de genre. C’est par exemple le cas de "La Bohémienne" (vers 1628-1630) du Louvre ou du "" (vers 1628-1630) du Rijksmuseum. Ils sont parfois qualifiés de « portraits de caractère ».


title: Frans Hals

text: On peut se demander si Hals peignit jamais des paysages, des natures mortes ou des scènes dites « historiques ». De nombreux artistes néerlandais du faisaient le choix de se spécialiser dans un type d'œuvre déterminé, et il semblerait que Hals fut essentiellement un portraitiste et un peintre de genre. Le Musée d'art occidental et oriental d'Odessa (Ukraine) conserve toutefois des peintures attribuées à Frans Hals, datées de 1625, représentant des évangélistes. Le catalogue raisonné dressé au début du par l'historien de l'art Cornelis Hofstede de Groot recense en outre quatre tableaux à thème biblique (peut-être inauthentiques) : deux « Fils prodigue », un « Reniement de saint Pierre » et une représentation de sainte Marie Madeleine.


title: Frans Hals

text: Hals est donc surtout connu pour ses portraits, de citoyens aisés la plupart du temps, comme Pieter van den Broecke et Isaac Massa, qu’il a peint trois fois, et a également réalisé des portraits de groupe de grand format, parmi lesquels un grand nombre représentent des gardes civils. Peintre baroque, il pratiquait un réalisme intimiste avec une approche radicalement libre. Ses tableaux illustrent des couches variées de la société : des banquets ou des réunions d’officiers, des tireurs d’élite, des membres de guildes, des amiraux, des généraux, des bourgmestres, des marchands, des avocats et des greffiers, des musiciens et des chanteurs itinérants, des représentants de la haute société, des poissonnières et des héros de taverne.


title: Frans Hals

text: Dans ses portraits de groupe, comme ceux du corps des archers de Saint-Adrien, Hals saisit chaque personnage d’une façon différente. Les visages ne sont pas idéalisés et sont clairement reconnaissables ; les personnalités sont révélées à travers toute une série de poses et d’expressions faciales.


title: Frans Hals

text: Selon les sources dont on dispose, il fait son apprentissage chez le peintre et historien de l'art Carel van Mander (Hals posséda plusieurs tableaux de Van Mander qui faisaient partie d’un lot de biens vendus en 1652 pour payer des dettes de boulangerie). Rapidement, il perfectionna son art au point de surpasser celui pratiqué par ses prédécesseurs, comme Jan van Scorel et Antonio Moro, et il se dégagea progressivement des conventions traditionnelles du portrait.


title: Frans Hals

text: Tandis que Rembrandt utilise des effets d’éclats dorés basés sur des contrastes artificiels, Hals préfère quant à lui la lumière du jour et les reflets argentés. Ils sont l’un et l’autre des peintres du toucher, mais les notes qu’ils produisent sont d'une couleur différente : Rembrandt est le basse et Hals le soprano. Avec une rare intuition, Hals parvient à capturer un instant de la vie de ses sujets. Il retranscrit avec grand soin ce que la nature montre à cet instant avec une gradation délicate des couleurs, et en se rendant maître de chaque forme d’expression. Il a acquis une telle habileté que quelques coups de pinceau marqués et fluides suffisent à produire l’exactitude dans le ton, la lumière et l’ombre.


title: Frans Hals

text: Les premiers tableaux de Hals, comme le "Banquet des officiers du corps des archers de Saint-Georges" de 1616 et "Deux Garçons jouant et chantant", peint vers 1625, le montrent comme un dessinateur soigneux capable de grande finition, et malgré tout plein de fougue. Les chairs qu’il peint alors sont pâteuses et lissées, et moins claires qu’elles ne le deviendront plus tard. Par la suite, il acquiert une plus grande efficacité, sa main possède une plus grande liberté, et ses effets témoignent d’une plus grande maîtrise.


title: Frans Hals

text: Durant cette période, il peint le portrait de Paulus van Beresteyn (musée du Louvre), et celui en pied de Willem van Heythuysen appuyé sur une épée (Alte Pinakothek, Munich). Ces deux tableaux sont égalés par l’autre "Banquet des officiers des arquebusiers de Saint-Georges" de 1627 (avec divers portraits), le "Banquet des officiers du corps des archers de Saint-Adrien" de 1627 et la "Réunion des officiers et sous-officiers du corps des archers de Saint-Adrien" de 1633. Une peinture similaire, portant la date de 1637, suggère l’étude des chefs-d’œuvre de Rembrandt, et la même influence transparaît dans le "Portrait de groupe des régents de l'hôpital Sainte-Élisabeth de Haarlem" de 1641 et dans le "Portrait de Maria Voogt" (Rijksmuseum, Amsterdam).


title: Frans Hals

text: Il exécute, en particulier entre 1620 et 1640, un grand nombre de portraits de couples mariés, sur des panneaux distincts, l’époux figurant sur le panneau de gauche et l’épouse sur celui de droite. L'usage était assez répandu à l'époque. Une fois seulement, Hals réunit sur une même toile un couple : dans le "", peint en 1622 (Rijksmuseum, Amsterdam).


title: Frans Hals

text: Son style évolua tout au long de sa vie. Des peintures aux couleurs vives cédèrent peu à peu la place à des œuvres avec une seule couleur dominante. Après 1641, il montre une tendance à restreindre la gamme de sa palette, et à suggérer la couleur plutôt que de l’exprimer. Plus tard dans sa vie, il passe à des teintes plus sombres, et le noir est même davantage présent. Ses coups de pinceau deviennent plus relâchés, l’impression générale l’emportant sur les détails plus subtils. Tandis que gaieté et vivacité se dégageaient de ses premiers tableaux, ses derniers portraits mettent l’accent sur la stature et la dignité des personnes représentées. Cette austérité se manifeste dans le "Portrait de groupe des régentes de l'hospice de vieillards" et le "Portrait de groupe des régents de l'hospice des vieillards" (1664), des chefs-d’œuvre d’un point de vue de la couleur, quoiqu’en réalité ces œuvres soient toutes deux essentiellement monochromes. On remarque surtout sa palette retenue dans les tons de la carnation qui, au fil des années, devient de plus en plus grise, jusqu’à ce que finalement les ombres soient peintes en noir presque pur, comme c’est le cas dans le portrait de "Tymane Oosdorp".


title: Frans Hals

text: Étant donné que cette tendance coïncide avec la période de sa vie où il se retrouva dans la pauvreté, certains historiens ont émis l’hypothèse que l’une des raisons de cette prédilection pour les pigments noir et blanc était le coût moins élevé de ceux-ci, en comparaison avec les pigments carmin.


title: Frans Hals

text: Si, comme portraitiste, Hals ne possédait pas tout à fait la pénétration psychologique d’un Rembrandt ou d’un Vélasquez, quelques-unes de ses œuvres cependant, comme ses portraits de l’"Amiral De Ruyter", de "Jacob Olycan" et d’"Albert van der Meer", témoignent d’une tentative d’analyse de personnage que l’on retrouve peu dans l’instantané d’expression de ses portraits dits « de caractères ». Dans ces derniers, il fixe en général sur la toile l’aspect fugace des différents stades de la gaieté, depuis le sourire subtil, à moitié ironique, qui frissonne autour des lèvres du curieusement mal nommé "Cavalier riant" (Wallace Collection) jusqu’au sot rictus de la "Malle Babbe" (Staatliche Museen zu Berlin - Gemäldegalerie). Appartiennent à ce groupe de peintures "" (provenant de la collection du baron Gustave de Rothschild, le tableau se trouve aujourd'hui conservé au Louvre ; une copie relativement lâche de cette œuvre se trouve par ailleurs au Rijksmuseum), "La Bohémienne" (Louvre) et "Le Jeune Pêcheur", tandis que le "Portrait de l’artiste avec sa seconde épouse", et le "Portrait de Paulus van Beresteyn" du Louvre relèvent d’une tendance similaire. À propos de ce dernier tableau, le Louvre possède également un portrait de l'épouse de Van Beresteyn, Catharina Both van der Eem, mais qui est d'une facture singulièrement différente, si bien qu'il est à présent considéré comme une œuvre d'un collaborateur de Hals plutôt que de Hals lui-même. On trouve une composition tout aussi réussie dans le "Portrait de famille" de 1648 du musée Thyssen-Bornemisza et qui constitue, à bien des égards, l’une des réalisations les plus maîtrisées de l'artiste. Cette œuvre était presque inconnue quand elle fut présentée lors de l'exposition d’hiver de 1906 à la Royal Academy. Quatre ans plus tard, le tableau était acquis par le banquier et collectionneur d'origine allemande Otto Hermann Kahn (1867-1934) pour la somme de et présenté au Metropolitan Museum of Art. On a pu un temps suggérer que le peintre s'était lui-même représenté sur cette toile, entouré de sa famille.


title: Frans Hals

text: Beaucoup de tableaux de Hals ont aujourd'hui disparu, dont on ignore le nombre exact. Selon le catalogue qui fait actuellement le plus autorité en la matière, compilé par Seymour Slive de 1970 à 1974 (antérieur au dernier catalogue d'exposition de Slive, datant de 1989), deux cent vingt-deux autres peintures pourraient être attribuées à Frans Hals. Un autre spécialiste de l’artiste, Claus Grimm, estime quant à lui que le nombre en est moins élevé (cent quarante-cinq).


title: Frans Hals

text: On pense souvent que Hals faisait apparaître ses œuvres d’« un seul jet » (« "aus einem Guss" ») sur la toile. Des recherches techniques et scientifiques ont révélé qu’il s’agit là d’une fausse impression. S’il est vrai que le travail préparatoire était effectué en grande partie sans dessin d’ébauche ni sous-couche de peinture (« "alla prima" »), la plupart des œuvres furent réalisées en appliquant des couches successives, comme il était courant de procéder à l’époque. Quelquefois, un dessin était fait à la craie ou avec de la peinture sur une couche de fond grise ou rose et était en suite progressivement plus ou moins rempli.


title: Frans Hals

text: Il semblerait que Hals avait pour habitude d’appliquer la sous-couche de peinture de façon très lâche, ce qui témoigne de sa virtuosité dès le commencement de l’œuvre. Ceci est bien sûr particulièrement le cas pour ses œuvres un peu plus tardives, celles de la maturité. Hals faisait montre d’une énorme audace, d’un grand courage et de virtuosité, et possédait une grande capacité à ôter ses mains de la toile ou du panneau au moment le plus propice. Ses sujets, il ne les peignait pas « à mort » comme le faisaient la plupart de ses contemporains, très soucieux d’exactitude et très appliqués, que cela soit ou non demandé par leurs clients.


title: Frans Hals

text: « Une façon inhabituelle de peindre qui lui est propre, et surpasse presque tout le monde. » (« "Een onghemeyne " ["ongewone"]" manier van schilderen, die hem eyghen is, by nae alle "["iedereen"]" overtreft." ») C’est ainsi que son premier biographe, Schrevelius, décrivait au les méthodes picturales de Hals. En réalité, l’idée de peindre de façon simplifiée n'était pas apparue avec lui – dans l’Italie du , d’autres artistes avaient déjà eu la même approche –, et la technique de Frans Hals s’inspirait probablement de celle de Rubens et Van Dyck, ses contemporains flamands.


title: Frans Hals

text: Dès le , le public fut frappé par le dynamisme de ses portraits. Par exemple, le même Schrevelius écrivit que se dégageait de l’œuvre de Hals « tant de force et de vie » que le peintre « semblait défier la nature avec son pinceau ». Quelques siècles plus tard, Vincent van Gogh, dans une lettre adressée à son frère Théo, s'extasiait devant la vivacité du style de Hals. Hals avait pris le parti de ne pas donner un fini lisse à sa peinture, contrairement à ce que faisaient la plupart de ses contemporains, mais imitait la vitalité de son sujet en appliquant la couleur par des taches, des lignes, des points, de larges touches, et ne s’occupait pratiquement pas des détails.


title: Frans Hals

text: Il fallut attendre le , pour que sa technique trouvât des imitateurs avec, en particulier, les impressionnistes. Les exemples les plus accomplis de sa technique se trouvent dans des tableaux comme le "Portrait de groupe des régentes de l'hospice de vieillards" et les portraits de garde civile.


title: Frans Hals

text: Frans Hals influença son frère Dirck Hals, qui fut peintre lui aussi. Cinq de ses fils suivirent également ses pas et devinrent peintres à leur tour : Harmen Hals (1611-1669), Frans Hals le Jeune (1618-1669), Jan Hals (1620-apr.1654), Reynier Hals (1627-1672) et Nicolaes Hals (1628-1686).


title: Frans Hals

text: Dans un style assez différent mais témoignant d'une liberté fort proche de celle de son aîné, Dirck Hals a peint des scènes de fête et de danse. La liberté dont il fait montre est cependant trop exubérante et il est loin de posséder la même habileté pour le dessin que son frère Frans.


title: Frans Hals

text: Parmi les nombreux membres de la famille du maître, Frans Hals le Jeune mérite une attention particulière. Il a peint des maisons villageoises et de la volaille. Un tableau représentant une table couverte de plats en or et en argent, de coupes, de verres et de livres est considéré comme l’une de ses meilleures œuvres.


title: Frans Hals

text: On suggère fréquemment que de nombreux peintres ont été les élèves de Hals. Mais une étude a montré entre-temps qu’il y a lieu de se poser quelques questions au sujet de cette idée. Dans son "Grand Théâtre des artistes et peintres néerlandais" ("De Groote Schouburgh der Nederlantsche konstschilders en schilderessen", 1718-1721), Arnold Houbraken cite comme élèves de Hals Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade et Dirck van Delen. C’est également auprès de Frans Hals que Vincent Laurensz. van der Vinne – d’après son fils –, et Pieter Gerritsz. van Roestraten – selon un acte notarié (il épousa l'une des filles de Hals, Adriaentje) –, auraient appris la peinture. Johannes Verspronck, qui figure parmi la dizaine de portraitistes actifs à Haarlem à l’époque, aurait lui aussi étudié pendant un certain temps en compagnie du maître.


title: Frans Hals

text: D’un point de vue stylistique, les œuvres se rapprochant le plus de celles de Hals sont les quelques-unes attribuées à Judith Leyster, et qu’elle a signé dans la plupart des cas. Ce qui fait d’elle, et également de Jan Miense Molenaer, son époux, des élèves potentiels de Hals.


title: Frans Hals

text: Deux siècles après sa mort, Hals reçut un certain nombre d’élèves "post mortem". Claude Monet, Édouard Manet, Charles-François Daubigny, Max Liebermann, James Abbott McNeill Whistler, Gustave Courbet, Giovanni Boldini et, aux Pays-Bas, Jacobus van Looy et Isaac Israëls, sont quelques-uns des peintres impressionnistes et réalistes qui ont largement exploré l’œuvre de Hals en réalisant des copies d'après lui et en développant sa technique et sa manière. Beaucoup parmi eux se sont rendus à Haarlem pour y voir la collection de tableaux qui allait plus tard devenir le musée Frans Hals. À l'époque, les œuvres étaient présentées à l’hôtel de ville, mais ils avaient alors déjà l'occasion d'étudier plusieurs des plus importants tableaux du maître.


title: Frans Hals

text: La réputation de Hals commença à pâlir après sa mort – voire quelques années avant qu'elle ne survienne – et, pendant deux siècles, il fut à ce point dénigré que certaines de ses peintures, les mêmes que se vantent aujourd’hui de posséder certains des plus grands musées du monde, furent adjugées lors de ventes pour des sommes dérisoires.


title: Frans Hals

text: Sa réputation éclata de nouveau à partir du milieu du et, à la fin du même siècle et au début du suivant, des critiques d'art et spécialistes influents tels que le Français Théophile Thoré-Bürger – qui écrit à son sujet une série d'articles dans la "Gazette des Beaux-Arts", en même temps que sur d'autres peintres néerlandais du siècle d'or –, Wilhelm von Bode – qui lui consacre en 1871 sa thèse de fin d'études – ou encore Cornelis Hofstede de Groot – qui le fait figurer au nombre des quarante peintres dont les œuvres sont recensées dans un imposant catalogue raisonné (1910) –, contribuèrent à reconsidérer son importance. On peut même dire que cette redécouverte eut une influence considérable sur le développement de l'art pictural lui-même.


title: Frans Hals

text: Les œuvres de Hals ont, depuis, trouvé leur place dans d’innombrables villes à travers le monde et dans des collections muséales. Depuis la fin du , partout elles ont été collectionnées – depuis Anvers jusqu’à Toronto, et de Londres à New York. Bon nombre de ses peintures furent alors vendues à des collectionneurs américains, qui appréciaient le désintéressement de l’artiste à l’égard de la richesse matérielle et du prestige social.


title: Frans Hals

text: Il est frappant de constater qu’il existe un grand nombre de peintures simplement « attribuées » à Frans Hals, ou dont l’authenticité est contestée.


title: Frans Hals

text: L'une des affaires qui fit le plus grand bruit concernant un faux Frans Hals, est celle du "Lachende cavalier" ; elle donna lieu à un procès en 1924 et 1925, et devait représenter un épisode malheureux dans la carrière de l'éminent historien de l'art et expert Cornelis Hofstede de Groot.


title: Frans Hals

text: Un tableau signé de Hals, "La joyeuse compagnie", acquis par le Louvre en 1893, était en réalité une oeuvre de Judith Leyster.


title: Frans Hals

text: Contrairement à ce qui est le cas pour Rembrandt ou Johannes Vermeer, il ne semble pas exister d'organisme collaboratif reconnu internationalement ayant pour fonction de vérifier si une œuvre attribuée à Hals est authentique ou si elle doit être considérée, plutôt, comme l'œuvre de l'un de ses élèves. Les faux de Van Meegeren – qui réalisa notamment dans les années 1930 une "Malle Babbe" plutôt convaincante, conservée au Rijksmuseum – ont encore ajouté à cette incertitude. Au sujet de l'authenticité des œuvres attribuées à Frans Hals, on peut s’en référer à l’ouvrage de Frans L.M. Dony.


title: Frans Hals

text: En 2006, il était établi que le "Portrait du prélat de Haarlem Jacobus Hendrick Zaffius" était en réalité une copie réalisée d’après une peinture de Hals. Ce tableau, auparavant, était considéré comme la première œuvre connue de l’artiste. La copie daterait du . Quant à l’original, il semble avoir été perdu. L’étude qui a conduit à cette conclusion a été réalisée par Pieter Thiel, ancien directeur des collections de peintures du Rijksmuseum. De la même manière, un "Portrait d'une femme d'âge mûr", légué en 1869 par le collectionneur Louis La Caze au Louvre comme étant un Frans Hals, fut réattribué récemment, à cause de sa « facture un peu molle et comme beurrée, trop sage », à un collaborateur du maître, peut-être l'un des fils de celui-ci, Jan.


title: Frans Hals

text: Un "Portrait d'un Homme" attribué à Frans Hals est vendu par Sotheby's en 2011 pour de livres sterling. À l'issue d'une enquête révélant la contrefaçon du tableau, la maison de vente a intégralement remboursé son client. Le tableau avait été classé trésor national en 2008 par le ministère français de la culture lors de sa mise en vente par le marchand d'art . La tentative du musée du Louvre de réunir les fonds qui auraient permis son acquisition, ayant échoué, le tableau est vendu au marchand d'art Mark Weiss et à la société londonienne Fairlight Art Ventures en 2010 puis revendu de gré à gré par l'intermédiaire de Sotheby’s au collectionneur américain Richard Hedreen.


title: Frans Hals

text: À la fin du , ainsi, l'œuvre de Frans Hals était dénigrée. Par exemple, le portrait de Johannes Acronius atteignit cinq shilling à une vente organisée à Enschede en 1786, et le portrait de l’homme à l’épée du Musée Liechtenstein se vendit en 1800 pour 4,5 shilling. À la fin du , cependant, sa réhabilitation auprès des amateurs d’art entraîna une augmentation extraordinaire des prix atteints par ses œuvres. Ainsi, lors de la vente Secretan en 1889, le portrait de Pieter van den Broecke fut vendu pour la somme de , tandis qu’en 1908, la National Gallery payait pour le portrait de groupe de grand format provenant de la collection de lord Talbot de Malahide.


title: Frans Hals

text: Dès 1913, c'est un tableau de Frans Hals qui constitua le premier succès majeur pour la galerie Sotheby's. L'œuvre trouva alors acquéreur pour guinées.


title: Gangsters

text: Franck Chaievski, un petit truand multi-récidiviste, et sa compagne, Nina Delgado, une prostituée toxicomane, subissent un interrogatoire musclé au commissariat de police du de Paris. On les accuse d'avoir organisé un braquage qui a fini en bain de sang, et certains policiers veulent surtout savoir où sont passés les 80 millions de francs en diamants bruts...


title: Décorations militaires des États-Unis

text: Les décorations militaires des États-Unis reconnaissent le service et la bravoure des membres des forces armées des États-Unis. Avec les insignes militaires, ce sont les deux récompenses qui signalent les haut faits de la carrière d'un militaire.


title: Décorations militaires des États-Unis

text: Bien que chaque arme ait son propre ordre de préséance, les règles générales suivantes s'appliquent à toutes :


title: Décorations militaires des États-Unis

text: Principaux articles: Décorations militaires obsolètes des États-Unis et Médailles américaines de service des deux guerres mondiales


title: Yan England

text: Yan England est un acteur, animateur de télévision, scénariste, producteur et réalisateur québécois né le .


title: Yan England

text: Originaire de Mont Saint-Hilaire au Québec, fils de la productrice Diane England et du journaliste économique Michel Girard, Yan England fait ses débuts à la télévision dans la série jeunesse "Watatatow" où il tient le rôle d'Einstein durant 9 ans. Parallèlement, il coanime l’émission "Les Débrouillards" avec Gregory Charles et Marie-Soleil Tougas, puis décroche des rôles dans des séries québécoises, canadiennes et américaines : "Ramdam, 15/A, Ent'Cadieux, Headquarters: Warsaw, Buffy contre les vampires, Providence, Minuit, le soir, Yamaska, Trauma"


title: Yan England

text: Avant de se joindre à l’équipe de l’émission "Ayoye!" présentée à Radio-Canada, Yan England a suivi un perfectionnement durant cinq ans à Los Angeles, aux États-Unis. Il incarne également un personnage dans la série "Une grenade avec ça?" et a animé le magazine télévisé "Fan Club", toutes les deux sur VRAK.TV. En , il a coanimé l'édition 2010 du "KARV, l'anti.gala" de Vrak en compagnie de Chéli Sauvé-Castonguay. Le , il remporte le trophée dans la catégorie émission de jeunesse au Gala Artis.


title: Yan England

text: Au cours de l'année 2011, il tourne le court métrage "Henry" avec son propre argent afin de financer le film. Toute l'équipe de tournage, incluant les acteurs, ont accepté de travailler bénévolement. Le , il obtient une nomination aux Oscar dans la catégorie du meilleur court métrage en prises de vues réelles pour son court métrage.


title: Yan England

text: En 2016, il écrit et réalise son premier long métrage "" mettant en vedette Antoine Olivier Pilon, Sophie Nélisse, Lou-Pascal Tremblay, Patrice Godin, Robert Naylor, Anthony Therrien, Guillaume Gauthier, Irdens Exantus, Karl-Antoine Suprice.


title: Gardiens (Marvel Comics)

text: Les Gardiens (« The Watchers » en version originale) est le nom d'une race d'extraterrestres de fiction évoluant dans l'univers Marvel de la maison d'édition Marvel Comics. Créé par le scénariste Stan Lee et le dessinateur Jack Kirby, le premier Gardien connu apparaît pour la première fois dans le comic book "Fantastic Four" () #13 en avril 1963.


title: Gardiens (Marvel Comics)

text: Les Gardiens sont une race d'entités cosmiques qui se sont consacrés à l'observation de l'univers et de ses habitants, sans intervenir.


title: Gardiens (Marvel Comics)

text: Il y a des milliards d'années, les membres d'une race d'extraterrestres disposant d'un très haut niveau technologique décident d'aider les races inférieures de l'univers.


title: Gardiens (Marvel Comics)

text: La première fois, Ikor (un des Gardiens, le père d'Uatu) proposa d'aider la planète Prosilicus en lui donnant le savoir sur l'énergie nucléaire, mais les Prosilicans s'en servirent pour créer des armes atomiques et s'auto-détruisirent. Déçus, les Gardiens décidèrent de ne jamais plus interférer dans la vie des autres races de l'univers, mais de les observer.


title: Gardiens (Marvel Comics)

text: Les Gardiens sont des êtres humanoïdes dont l'apparence physique diverge de celle des humains, leur têtes étant disproportionnées par rapport à leurs corps, en général très maigres. Il arrive cependant que, selon les circonstances, ils prennent une apparence plus conforme à celle des humains.


title: Gardiens (Marvel Comics)

text: Leurs traits physiques semblent strictement identiques les uns par rapport aux autres ; un observateur humain ne peut distinguer que très difficilement un Gardien d’un autre, excepté pour les plus jeunes d'entre eux.


title: Gardiens (Marvel Comics)

text: Tous les Gardiens sont chauves et portent des vêtements similaires aux tenues religieuses portées par les prêtres ou les moines de la Terre.