title: Xylit

text: Xylit hat einen ähnlichen Geschmack wie Saccharose, ist aber etwas süßer. Im Vergleich zu Sorbit hat es die doppelte Süßkraft. Löst sich Xylit im Mund im Speichel, entzieht es der Umgebung Wärme und erzeugt auf der Zunge einen Kühleffekt (endotherme Lösungswärme) von −153,2 J/g, der ähnlich beschrieben wird wie der Effekt von Menthol.


title: Xylit

text: Der physiologische Brennwert von 10 kJ/g (2,4 kcal/g) ist 40 % geringer als bei Haushaltszucker (Saccharose). Der Stoffwechselweg im menschlichen Körper läuft nahezu unabhängig von Insulin ab. Werden bei Saccharose Insulinwerte von ca. 110 pmol/l erreicht, sind es bei Xylit nur noch 50 pmol/l. Es beeinflusst den Blutzucker- und Insulinspiegel daher geringfügiger als Saccharose. Xylit wird deswegen von Menschen mit Diabetes Mellitus als Ersatz für Saccharose verwendet.


title: Xylit

text: Xylit ist hitzestabil und karamellisiert nur, wenn es mehrere Minuten auf über 200 °C erhitzt wird. Bei Temperaturen um ca. 100 °C findet keine Karamellisierung statt. In reinem Zustand liegt es in Form von hygroskopischen Kristallen vor.


title: Xylit

text: Xylit kann anstelle von Zucker sowohl beim Backen als auch beim Kochen eingesetzt werden, es weist keinerlei Beigeschmack auf. Die Konsistenz ist sehr ähnlich, allerdings ist Xylitol in warmem Zustand besser löslich als kalt. Einzige Einschränkung: Hefeteige gehen mit Xylit nicht auf. Verzichten sollte man außerdem darauf, den Zuckeraustauschstoff mit anderen Süßungsmitteln wie Aspartam, Saccharin oder Sorbit zu mischen – er ist dann eventuell nicht mehr gut verträglich.


title: Xylit

text: Xylit ist ein Molekül, das viel Wasser binden kann. Es wird im Dünndarm nur passiv, also langsam und unvollständig resorbiert. Bei regelmäßiger Einnahme kann die Resorptionsrate im Dünndarm durch Enzyminduktion erhöht werden. Bei Einnahme von mehr als 0,5 g Xylit pro kg Körpergewicht kann eine abführende Wirkung auftreten, welche nach Adaption des Organismus (nach 3–4 Wochen Gewöhnungszeit) verschwinden kann. Im Rahmen von Studien wurde die Einnahme von 200 g Xylit täglich problemlos vertragen. Bei Sorbit besteht diese Anpassung nicht, daher wirkt Sorbit immer abführend. Xylit wird im Körper über den Pentosephosphatweg metabolisiert.


title: Xylit

text: Im Dickdarm wird das restliche Xylit (etwa zwei Drittel der eingenommenen Menge) durch Bakterien zerlegt und zu kleinen Fettsäurebestandteilen abgebaut und resorbiert. Diese werden zu Kohlenstoffdioxid (CO) und Wasser verstoffwechselt.


title: Xylit

text: Anfang der 1970er Jahre wurden mögliche kariesreduzierende Eigenschaften des Zuckeralkohols entdeckt. An der Universität Turku (Finnland) wurden in den Jahren 1972 bis 1975 zwei kleine klinische, nichtrandomisierte Studien (bekannt als Turku-Zuckerstudien) durchgeführt, die eine Reduktion von Karies belegen konnten. Während der ersten, zweijährigen Studie wurde Zucker (Saccharose) in allen Lebensmitteln durch Fructose oder Xylit ersetzt. Die Zunahme des DMFS-Index lag bei 7,2 in der Saccharose-Gruppe, bei 3,8 in der Fructose-Gruppe und bei 0,0 in der Xylit-Gruppe. Die zweite Studie war eine einjährige Kaugummistudie, bei der ca. 100 Teilnehmer xylit- oder saccharosehaltige Kaugummi erhalten haben. Im Vergleich zur Saccharosegruppe wurde bei den Xylitprobanden eine Reduktion der Karieszuwachsrate um mehr als 82 % ermittelt. Der Kaueffekt konnte ausgeschlossen werden, da beide Gruppen die gleiche Menge Kaugummi konsumierten.


title: Xylit

text: Diese Effekte werden dadurch erklärt, dass die kariogenen Bakterien der Art "Streptococcus mutans" Xylit nicht verstoffwechseln können und damit absterben. Sie werden auch daran gehindert, sich als Plaquebakterien an die Zahnoberfläche anzuheften. Als optimale Xylitmenge wurden zwischen 5 und 10 Gramm pro Tag in mehreren Portionen ermittelt. In einer weiteren Turku-Studie aus dem Jahr 2000 wurden die Wechselwirkungen zwischen Müttern, die regelmäßig xylithaltige Kaugummis kauten, und ihren Kindern (bis 2 Jahre alt) untersucht. Ein Ergebnis der Studie war, dass der regelmäßige Konsum von Xylit-Kaugummis durch die Mütter den Befall mit "Streptococcus mutans" bei den Kindern signifikant hemmt.


title: Xylit

text: Eine Doppelblind-Studie aus dem Jahr 2013 mit 538 Personen, die 5 Gramm Xylit pro Tag bekamen, fand hingegen keine vorbeugende Wirkung gegen Karies bei Patienten mit einer ausreichenden Fluoridaufnahme.


title: Xylit

text: Eine Metastudie der Cochrane Collaboration aus dem Jahr 2015 hat eine mögliche Verringerung von Karies bei Kindern durch fluorhaltige Zahnpasta mit Xylit (im Vergleich zu nur fluoridhaltiger Zahnpasta) untersucht. Schlussfolgerungen über eine vorbeugende Wirkung seien aufgrund der schlechten Qualität der Belege und methodischer Mängel wenig aussagekräftig. Aussagekraft über andere xylithaltige Produkte ist durch die sehr schlechte Qualität ebenfalls nicht gegeben.


title: Xylit

text: Xylit wird bei "Streptococcus mutans" über das Phosphoenolpyruvat-Phosphotransferasesystem (PEP-PTS) unter Verbrauch von PEP in die Zelle transportiert, dabei entsteht Xylit-5-phosphat. Xylit-5-phosphat beeinflusst die Enzyme der Glykolyse (wie die Phosphofructokinase), was zu einer Wachstumshemmung von "S. mutans" führt. Außerdem wird es durch eine intrazelluläre Phosphatase zu Xylit wieder dephosphoryliert und unter Energieverbrauch aus der Zelle transportiert. Somit tritt Xylit in einem Substratzyklus („Leerzyklus“) ein, was zu einer Entleerung der Energiespeicher führt. Auch dies hemmt das Bakterienwachstum.


title: Xylit

text: Es wird vermutet, dass nicht alle Stämme von "S. mutans" empfindlich für Xylit sind und sich darum resistente Stämme bei Xylitverwendung bevorzugt vermehren können. Ferner wird jedoch vermutet, dass diese weniger kariogen sind. Der Resistenzeffekt kommt dabei auch nicht so stark zum Tragen wie bei Antibiotika, da Xylit eine weitere Wirkung besitzt, nämlich die Verringerung des Biofilms, der Schleimschicht auf den Zähnen und in der Mundhöhle, die durch Mangel an benötigten Kohlenhydraten und Kaugummibenutzung bewirkt wird. Dadurch weisen selbst Patienten mit hauptsächlich resistenten Stämmen eine verringerte Besiedlung auf.


title: Xylit

text: In einigen Studien konnte mit der Verabreichung hoher Dosen von Xylit eine vorbeugende Wirkung gegenüber der akuten Mittelohrentzündung "Otitis media acuta" erzielt werden. Xylit inhibiert das Wachstum von Pneumokokken und die Bindung von Pneumokokken und "Haemophilus influenzae" an die Zellen im Nasenrachenraum. Die Xylitdosis lag im Bereich von 10 g/Tag.


title: Xylit

text: Xylit hat bei einigen Tierarten (Hunde, Rinder, Ziegen, Kaninchen) einen stark insulinausschüttenden Effekt, der zu einem lebensbedrohlichen Abfall des Blutzuckerspiegels (Hypoglykämie) führen kann. Bei Hunden wurden zudem schwere Leberschädigungen bis zum Leberversagen und Gerinnungsstörungen beobachtet. Bereits eine Dosis von 0,1 g pro kg Körpermasse wirkt für das Tier toxisch, eine letale Dosis wird ab ca. 3–4 g Xylit pro kg Körpergewicht erreicht. Der Verzehr einer Tüte xylithaltiger Bonbons kann selbst für einen großen Hund tödlich sein, wenn das Tier nicht schnellstmöglich intensivmedizinisch betreut wird.


title: Xylit

text: Für Katzen sind Produkte, die Xylit enthalten, grundsätzlich unbedenklich. In einer Studie an Katzen wurde die positive Wirkung von Xylit für deren Mundhygiene nachgewiesen. Wird Katzen mit Xylit angereichertes Wasser gegeben, vermindert dies signifikant Zahnstein und Plaque.


title: Matrix Reloaded

text: Matrix Reloaded (Originaltitel: "The Matrix Reloaded") ist ein Science-Fiction-Film aus dem Jahr 2003 und die Fortsetzung von "Matrix" aus dem Jahr 1999. Regie führten wieder die Wachowski-Geschwister, die auch das Drehbuch schrieben. Die Hauptrollen wurden wieder mit Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss und Hugo Weaving besetzt. Im November 2003 erschien der dritte Teil "Matrix Revolutions".


title: Matrix Reloaded

text: Neo, der vor kurzem Agent Smith besiegt hat, ist sich nun seiner Kräfte bewusst, zweifelt aber immer noch daran, der Auserwählte zu sein. Derweil bereiten sich die Maschinen darauf vor, Zion, die Stadt der Menschen, einzunehmen.


title: Matrix Reloaded

text: Im weiteren Verlauf der Geschichte begibt sich die Besatzung der Nebukadnezar auf den Weg nach Zion, um die dortige Bevölkerung auf den bevorstehenden Krieg einzuschwören und um den Ältestenrat von einer Gegeninitiative zu überzeugen. Gegen den Willen des obersten Zuständigen für die Verteidigung von Zion, Commander Lock, bekommt Morpheus die Erlaubnis des Ältestenrates für seine Gegeninitiative. Ihm schließen sich die Mannschaften zweier weiterer Schiffe an. Die Handlung splittet sich hier in zwei Stränge, wobei einer innerhalb der Matrix spielt und einer in der realen Welt. Wiederauftretende Figuren sind das Orakel, das Neo aufsucht, um seine Zweifel zu bekämpfen, sowie der Leibwächter des Orakels, Seraph, der Neo in einem Wettstreit auf die Probe stellt. Agent Smith, der kein Teil der Matrix mehr ist, beherrscht nun in diesem Teil die Fähigkeit, sich unendlich zu reproduzieren.


title: Matrix Reloaded

text: Neo wird vom Orakel darauf hingewiesen, dass er den Angriff nur mit Hilfe des Schlüsselmachers verhindern kann, der der Einzige ist, der ihnen den Zugang zum Zentralcomputer der Maschinen verschaffen kann. Dieser Schlüsselmacher befindet sich jedoch in den Händen des Merowingers. Nach der Befreiung des Schlüsselmachers gelangen Morpheus und Neo in einen Konflikt mit Smith, können jedoch rechtzeitig Zutritt zum Zentralcomputer erlangen. Dort trifft Neo auf den Architekten der Matrix, der ihm von dem Plan der Maschinen und den vergangenen Versionen der Matrix erzählt. Dadurch erfährt Neo, dass er nichts weiter als eine Anomalie im Code der Matrix ist. Währenddessen befindet sich Trinity in einem Kampf gegen einen Agenten. Der Architekt weist Neo darauf hin und lässt ihm die Wahl, in die Matrix zurückzukehren und Trinity zu retten, was allerdings einen Systemabsturz der Matrix zufolge hätte, der alle in der Matrix lebenden Menschen töten und somit die menschliche Spezies auslöschen würde, oder die Matrix zu verlassen und sie neuzustarten. Neo entscheidet sich aus Liebe zu Trinity zur Rückkehr in die Matrix und zerstört damit den Plan der Maschinen. Neo kommt jedoch zu spät. Trinity, die tödlich verletzt in Neos Armen stirbt, wird von diesem wieder zum Leben erweckt. Beide verlassen die Matrix.


title: Matrix Reloaded

text: In der realen Welt wird Morpheus’ Schiff von Wächtern angegriffen. Die Crew verlässt das Schiff, bevor es zerstört wird. Neo bündelt seine Kräfte und schafft es, diese außerhalb der Matrix einzusetzen und die Wächter auszuschalten. Zion entsendet derweil zwei Schiffe, um die Crew aufzunehmen. Neo, der durch diesen Kraftakt das Leben der anderen gerettet hat, fällt nach der Tat ins Koma.


title: Matrix Reloaded

text: Der Film wurde überwiegend in den Fox Studios in Australien gefilmt. Drehstart war der 1. März 2001 und die Dreharbeiten endeten am 21. August 2002, wobei der dritte Teil "Matrix Revolutions" direkt mit abgedreht wurde. Die Highway-Szenen wurden auf der Naval Air Station Alameda in Alameda, Kalifornien gedreht. Man baute eine extra für den Film angelegte 1,5 Meilen lange Highway-Strecke auf der alten Landebahn.


title: Matrix Reloaded

text: Die deutsche Synchronisation des Films übernahm die R.C. Production, nach einem Dialogbuch und unter der Dialogregie von Tobias Meister.


title: Matrix Reloaded

text: Die Produktionskosten wurden auf rund 150 Millionen US-Dollar geschätzt. Der Film spielte in den Kinos weltweit rund 742 Millionen US-Dollar ein, davon rund 281 Millionen US-Dollar in den USA.


title: Matrix Reloaded

text: Der Film wurde in Deutschland erstmals am 4. Februar 2006 ab 22:00 Uhr auf ProSieben ausgestrahlt. Insgesamt verfolgten die Free-TV-Premiere 2,79 Millionen Zuschauer bei 11,2 Prozent Marktanteil, in der werberelevanten Zielgruppe waren es 2,20 Millionen Zuschauer bei 20,1 Prozent Marktanteil.


title: Matrix Reloaded

text: Der Film erreichte auf Rotten Tomatoes einen Score von 73 %, basierend auf 244 Bewertungen mit einer durchschnittlichen Bewertung von 6,8 von 10 Punkten.


title: Matrix Reloaded

text: Cinema fand, die Fortsetzung „ist explosiver und dynamischer als sein Vorgänger, doch in die Cybersaga mischen sich zuweilen Längen“. „Die Comic-Choreografie hat auf Dauer eher etwas von einer überlangen Videospiel-Klopperei, zumal selbst die unterlegte Musik wie synthetisches Konsolengedudel klingt.“ „War es beim Betrachten von Teil 1 schon schwierig, alle seine kulturhistorischen und philosophischen Anspielungen zu registrieren, so macht ,Matrix Reloaded‘ dem Publikum den Zugang nicht leichter. Mehr denn je wimmelt es von vertrackten Symbolen und hintergründigen Andeutungen.“


title: Matrix Reloaded

text: Der Film wurde aufgrund der Gewaltdarstellungen und eines zu religiösen Hintergrunds in Ägypten verboten.


title: Ängstlich-vermeidende Persönlichkeitsstörung

text: Die ängstlich-vermeidende Persönlichkeitsstörung "(ÄVPS)" ist eine psychische Störung. Sie ist gekennzeichnet durch Gefühle von Anspannung und Besorgtheit, Unsicherheit und Minderwertigkeit. Andere Namen für das Störungsbild sind "selbstunsichere Persönlichkeitsstörung (SUP)" oder "vermeidend-selbstunsichere" "Persönlichkeitsstörung" (historisch auch "Hypersensitive Persönlichkeitsstörung").


text: Es besteht eine andauernde Sehnsucht nach Zuneigung und Akzeptiertwerden bei gleichzeitiger Hypersensibilität gegenüber Kritik und Ablehnung. Diese Zurückweisungsempfindlichkeit geht oft mit eingeschränkter Beziehungsfähigkeit einher. Die Betroffenen neigen zur Überbetonung potentieller Gefahren oder Risiken alltäglicher Situationen, bis hin zur Vermeidung bestimmter Aktivitäten.


text: Charakteristisch für ängstlich-vermeidende Persönlichkeiten ist, dass sie sich unsicher, gehemmt, unattraktiv und minderwertig fühlen und aus Angst vor Kritik, Zurückweisung und Verspottung soziale Kontakte meiden. Dabei geraten sie nicht selten in soziale Isolation und brauchen besondere Unterstützung darin, aus der Reserve gelockt zu werden. Ihr geringes Selbstvertrauen wird von anderen meist positiv oder gar nicht gesehen, weil sie sich nicht in den Vordergrund drängen, bescheiden, „pflegeleicht“ und verlässlich sind. Sie sind typischerweise leicht zu beeinflussen und tun sich schwer, „nein“ zu sagen.


text: Nicht selten genießen diese Menschen ein hohes Ansehen bei ihren Mitmenschen. Denn oft versuchen sie, ihre vermeintlichen Unzulänglichkeiten durch gute berufliche Leistungen oder hohe Aufopferungsbereitschaft zu kompensieren. Typisch sind eine soziale Gehemmtheit sowie Unfähigkeitsgefühle, Schüchternheit, leichtes Erröten und schnelle Verlegenheit und ständige Selbstzweifel. Häufig besteht eine ausgeprägte Empfindlichkeit gegenüber negativer Kritik, Demütigung und Beschämung. Oft wird in Gesprächen Augenkontakt vermieden. In sozialen Kontakten wirken sie oft angespannt, gehemmt, gequält, distanziert. Der Redefluss ist häufig gehemmt.


text: Im ICD-10 ist die ängstlich-vermeidende Persönlichkeitsstörung unter Code F60.6 enthalten. Für die Diagnose müssen mindestens vier der folgenden Eigenschaften oder Verhaltensweisen vorliegen:


text: In dem aktuellen DSM-5 ist die vermeidend-selbstunsichere Persönlichkeitsstörung im Kapitel Persönlichkeitsstörungen in Sektion II unter 301.82 verzeichnet. Die Einführung ins DSM geht im Wesentlichen auf Theodore Millon zurück. Es handelt sich um ein tiefgreifendes Muster von sozialer Gehemmtheit, Insuffizienzgefühlen und Überempfindlichkeit gegenüber negativer Beurteilung. Der Beginn liegt im frühen Erwachsenenalter, und das Muster zeigt sich in verschiedenen Situationen. Mindestens vier der folgenden Kriterien müssen erfüllt sein:


text: A. Mittelgradige oder stärkere Beeinträchtigung der Funktion der Persönlichkeit, welche sich durch typische Schwierigkeiten in mindestens zwei der folgenden Bereiche manifestiert:


text: B. Vorliegen von mindestens drei der folgenden problematischen Persönlichkeitsmerkmale, eines davon ist (1) Ängstlichkeit:


text: Von Rainer Sachse kommt die allgemeine Kritik an der Diagnostik von Persönlichkeitsstörungen, dass empirisch gesicherte Kriterien unberücksichtigt blieben, dass keine zentralen Kriterien definiert würden, obwohl empirisch und theoretisch deutlich sei, dass nicht alle Charakteristika gleich relevant seien. Motive, Schemata würden ebenfalls nicht berücksichtigt. Die Kriterien seien zudem nicht empirisch validiert und damit willkürlich. Auch die Cluster des DSM seien weder empirisch begründet, noch theoretisch nachvollziehbar abgeleitet und würden Störungen zusammenfassen, die sich höchstens oberflächlich ähneln (Sachse, 2019, S. 101).


text: Für Peter Fiedler bieten die Kriterien des (oben beschriebenen) "aktuelleren" Alternativ-Modells im DSM-5 zur dimensionalen Diagnostik von Persönlichkeitsstörungen "die differenzierteste Perspektive auf das Störungsbild" der ÄVPS.


text: Patienten mit einer vermeidend-selbstunsicheren Persönlichkeitsstörung lassen sich nach einer Studie von Alden und Capreol (1993) etwa hälftig in folgende zwei Subtypen differenzieren:


text: Bevor eine Diagnose gestellt werden kann, müssen die Symptome gegenüber denjenigen anderer Störungen abgegrenzt werden (Differentialdiagnose). Selbstunsichere Persönlichkeiten ziehen sich beispielsweise aktiv zurück, vermeiden also bewusst soziale Beziehungen, während Menschen mit schizoider Persönlichkeitsstörung (SPS) sich passiv zurückziehen. Der größte Unterschied besteht darin, dass erstere durch ein geringes Selbstvertrauen und durch die Angst vor Zurückweisungen anderer Menschen bedingt ist, was bei der zweiteren weniger eine Rolle spielt. Manche Forscher sind jedoch der Meinung, dass die schizoide und die ängstlich-vermeidende Persönlichkeit lediglich unterschiedliche Varianten ein und derselben Persönlichkeitsstörung sind. Zudem gibt es Hinweise auf genetische Gemeinsamkeiten zwischen beiden.


text: Ein Hauptproblem bei der Differenzialdiagnostik liegt in der erheblichen Kriterienüberlappung mit der sozialen Phobie. Sozialphobiker haben meist eng umschriebene Ängste (zum Beispiel vor Prüfungen, öffentlichen Reden), während die von ängstlich-vermeidenden Persönlichkeiten weit auf viele unterschiedliche Situationen ausgedehnt sind. Außerdem wird die ängstlich-vermeidende Persönlichkeitsstörung im höheren Maße als ich-synton erlebt: Das bedeutet, dass Betroffene ihre ängstlichen Denkmuster und ihr unsicheres Verhalten trotz Leidensdruck als integrativen Bestandteil ihrer Persönlichkeit betrachten. Sozialphobiker hingegen erleben ihre Symptome meist eindeutiger als Störung, die nicht Teil ihrer Persönlichkeit ist (Ich-Dystonie). Menschen mit sozialen Phobien ängstigen auch eher die sozialen "Begleitumstände", während ängstlich-vermeidende Personen sich mehr vor der Intimität und Selbstoffenbarung in engen Beziehungen fürchten. Wichtige Merkmale zur Unterscheidung sind schließlich bei Personen mit ängstlich-vermeidender Persönlichkeitsstörung das allgemeine Unbehagen in den meisten sozialen Situationen, die deutliche Angst vor Kritik und Zurückweisung und ausgeprägte Schüchternheit. Im Gegensatz zur Sozialphobie zeigen sich erste Anzeichen einer ÄVPS bereits in der frühen Kindheit und entwickeln sich dann lebenslang.


text: Überschneidungen gibt es ebenfalls mit den Merkmalen der abhängigen Persönlichkeitsstörung. Dabei steht allerdings, anders als bei Personen mit ängstlich-vermeidender Persönlichkeitsstörung, das Bedürfnis des "Umsorgt-Werdens" im Vordergrund. Beide Persönlichkeitsstörungen können gleichzeitig bestehen. Eine ebenfalls häufig auftretende Komorbidität besteht mit der Borderline-Persönlichkeitsstörung.


text: Immer häufiger werden auch genetische Faktoren als Ursachen diskutiert – vor allem eine persönlichkeitstypische Vulnerabilität in Form innerer Unruhe, Anspannung, Nervosität und damit einhergehender mangelhafter Reagibilität, die schließlich zu einer erhöhten Verletzbarkeit führt. Diese genetische Prädisposition kann bei ungünstiger Kombination mit negativen psychosozialen Einflüssen im Alltag einen ursächlichen Beitrag zur Entstehung der Störung darstellen. Die bei ängstlich-vermeidenden Personen stark ausgeprägten Persönlichkeitsmerkmale Neurotizismus und Introversion gelten als vererbbar.


text: Eine Pathogenese, die die Vererbung im Übermaß betont, verfügt aber gerade bei der ängstlich-vermeidenden Persönlichkeitsstörung über keine ausreichende wissenschaftliche Grundlage in Form von genügend aussagekräftigen Studien. Daher sollte auch der möglicherweise entscheidende Einfluss der frühen Kindheit beachtet werden. Bisher liegen dazu allerdings ebenfalls nur Spekulationen und keine belastbaren empirischen Untersuchungen vor.


text: Die Betreffenden geraten demnach als Kinder in einen Konflikt zwischen Bindungs- und Autonomiebedürfnis. Einerseits sehnen sie sich nach Nähe und Sicherheit, andererseits vermeiden sie enge Beziehungen. Dieser grundlegende Konflikt der psychosozialen Entwicklung wird nicht erfolgreich gemeistert. Kommt es zu tatsächlicher Zurückweisung und Abwertung durch Eltern, Freunde oder andere nahestehende Personen, können diese verinnerlicht (internalisiert) werden und sich in Selbstabwertung und Selbstentfremdung fortsetzen. Infolgedessen wird kein gesunder Selbstwert aufgebaut; soziale Herausforderungen und Bindungen werden zunehmend ängstlich vermieden oder stellen sich zumindest angstbesetzt dar. Zusätzlich unterschätzen Betroffene ihre eigenen interpersonellen Fähigkeiten und haben in Stresssituationen oft ungünstige, kontraproduktive und selbstkritische Gedanken. Ihr Verhalten ist Ausdruck von Angst und Hilflosigkeit gegenüber den elterlichen Erziehungspraktiken; bisweilen kommt es später zu Entfremdung. Eltern werden als unterdrückend, einengend, emotionsarm und wenig einfühlend erlebt (siehe auch Doppelbindungstheorie).


text: Die Häufigkeit der selbstunsicheren Persönlichkeitsstörung liegt bei etwa 1 % – 2 %. Männer sind ebenso häufig betroffen wie Frauen. Im Vergleich dazu ist die Wahrscheinlichkeit, im Leben an einer sozialen Phobie zu erkranken, deutlich höher und liegt bei zirka 11–15 %. Da beide Erkrankungen ähnliche Symptome zeigen, bekommen viele Betroffene auch beide Diagnosen (in bis zu 46 % der Fälle).


text: Das ständige Vorherrschen von Angst und Anspannung kann zu einem weiteren Rückgang sozialer Kompetenzen führen. Dies ermöglicht einen Teufelskreis, sodass Betroffene potentiell gefährliche soziale Situationen meiden. Neue Erfahrungen oder alternative Möglichkeiten werden dadurch kaum noch erlebt. Partnerbeziehungen sind selten und oft konfliktbeladen. Starke Verlassensängste und Abgrenzungsprobleme können zu Beziehungsabbrüchen führen und damit zu einer Bestätigung von Befürchtungen und Wiederholung negativer Erfahrungen.


text: Im Gegensatz zu vielen anderen Persönlichkeitsstörungen, wie der schizoiden Persönlichkeitsstörung oder der antisozialen Persönlichkeitsstörung, verspüren die Betroffenen einen hohen subjektiven Leidensdruck. Da die Lebensqualität spürbar eingeschränkt ist, sind viele auch bereit, professionelle Hilfe anzunehmen. Es besteht eine hohe Therapietreue.


text: Die für die ängstlich-vermeidende Persönlichkeitsstörung charakteristischen Symptome scheinen über die Zeit hinweg relativ stabil zu sein. Es handelt sich bei der ÄVPS um ein vernachlässigtes Krankheitsbild, das angesichts seiner Häufigkeit und der mit ihm einhergehenden Belastungen mehr Forschung bedarf.


text: Psychotherapeutische Behandlungsverfahren gelten als Methode der Wahl zur Behandlung von ängstlich-vermeidenden Persönlichkeitsstörungen. Verhaltenstherapeutische Therapieansätze erweisen sich als überlegen gegenüber unspezifischen Verfahren. Gruppen- und einzeltherapeutisches Training sozialer Kompetenzen kommt zum Einsatz, wobei sich Gefühle der Einsamkeit und des Alleingelassenseins durch Sozialtraining nur schwerer beeinflussen lassen (Cappe und Alden, 1996). Gruppentherapie kann Menschen mit ÄVPS helfen. Da der Gruppenmodus soziale Ansprüche stellt, bietet er den Betroffenen ein sinnvolles Übungsfeld (Piper & Joyce, 2001). Die Auseinandersetzung mit biographischen Aspekten und Denkschemata sind häufige Therapieinhalte. Kognitive Verhaltenstherapie kann zu Verbesserungen hinsichtlich der Selbstunsicherheit, Angst vor negativer Bewertung, Vermeidung und Depressivität beitragen. In einer vergleichenden Studie bei depressiven Patienten mit ÄVPS war der kognitiv-verhaltenstherapeutische Ansatz der interpersonalen Therapie überlegen (Barber und Muenz 1996). Neuere Ergebnisse einer randomisierten kontrollierten Studie zur Behandlung der ÄVPS zeigten ebenfalls eine Überlegenheit des kognitiv-verhaltenstherapeutischen Vorgehens im Vergleich zu einer Wartekontrollgruppe und auch zur psychodynamischen Therapie nach Luborsky (Emmelkamp et al. 2006). In der Studie von Alden (1989) zeigte sich, dass die Patienten trotz deutlicher Verbesserungen im Sozialverhalten durch ein reines Gruppentraining sozialer Kompetenzen nicht ein Funktionsniveau erreichten, das als normal zu bezeichnen ist. Auch in den Studien von Barber (1997) und Renneberg (1990) erreichten die Teilnehmenden nur selten das Niveau gesunder Vergleichspersonen. Empirische Belege für Wirksamkeit finden sich eingeschränkt auch bei der interpersonellen Therapie und bei der psychodynamischen Therapie.


text: Alternative Verhaltensweisen, die in Richtung "Initiative" und "Risiko" gehen, können im Rahmen einer Psychotherapie systematisch verstärkt werden. Z.B. wenn ein Klient sich traut, von sich aus ein Gespräch aufzunehmen, einen potenziellen Partner anzusprechen, etwas von sich preiszugeben oder positive Informationen über sich selbst wahrnimmt und annimmt. Dem Betroffenen sollten genügend Möglichkeiten eingeräumt werden, die eigenen Unsicherheiten und Widersprüche zu erkennen. Zur Stärkung des Selbstbewusstseins können verschiedene Techniken wie gezielte Hilfestellungen, Verhaltensrückmeldungen, Rollenspiele oder Video-Feedback genutzt werden. Mögliche Zustände von Einsamkeit oder Depression erfordern oft weitergehende Therapiestrategien. Oft verringern sie sich jedoch durch vermehrte (positive, fördernde) soziale Kontakte. Neben dem einzeltherapeutischen Vorgehen hat sich auch die Therapie in Gruppen bewährt.


text: Bisher liegt allerdings keine Metaanalyse zur Wirksamkeit der Psychotherapie bei ÄVPS vor. Ergebnisse aus Metaanalysen über die psychotherapeutischen Behandlungen der sozialen Phobie sind nicht 1:1 übertragbar, weil davon auszugehen ist, dass die Symptomatik bei ÄVPS schwerer ausgeprägt ist. Weiterhin fehlen Untersuchungen zu Unterschieden in der Wirksamkeit für Gruppen oder Einzeltherapie.


text: Symptome wie Angst und Unbehagen lassen sich mit angstlösend oder antidepressiv wirkenden Psychopharmaka reduzieren. Die Symptome stellen sich nach dem Absetzen jedoch wieder ein (Koenigsber et al. 2002). Der Einsatz von Psychopharmaka zur Behandlung von ÄVPS ist wissenschaftlich jedoch nicht hinreichend belegt.


title: Walter Matthau

text: Walter John Matthau [] (* 1. Oktober 1920 in New York City; † 1. Juli 2000 in Santa Monica, Kalifornien) war ein US-amerikanischer Filmschauspieler und Oscarpreisträger. Bekannt wurde er vor allem durch Auftritte in Filmkomödien an der Seite von Jack Lemmon. Matthau wurde aber wiederholt auch als Charakterdarsteller eingesetzt. Sein spezielles Markenzeichen war sein unverwechselbares „Knautschgesicht“.


title: Walter Matthau

text: Walter Matthau wurde am 1. Oktober 1920 als Walter John Matthow in der Lower East Side geboren. Er war der Sohn litauisch-jüdischer Immigranten. Sein Vater verließ die Familie, als er drei Jahre alt war.


title: Walter Matthau

text: Er und sein älterer Bruder Henry wuchsen in großer Armut auf, ihre Mutter Rose arbeitete hart und hatte als Näherin nur ein bescheidenes Einkommen. Im Alter von vier Jahren spielte Matthau in religiösen Bühnenstücken mit, in der Grundschule las er bei Versammlungen Gedichte vor. Er arbeitete als Süßigkeitenverkäufer in jüdischen Theatern, übernahm Kleinstrollen in Bühnenstücken und entschied sich, die Schreibweise seines Namens zu ändern, weil er "Matthau" eleganter fand. Im Alter von 14 Jahren spielte Matthau die Rolle des Polonius in einer Hamlet-Produktion. Er war an Sport und Wettspielen interessiert.


title: Walter Matthau

text: Nach seinem Schulabschluss schlug sich Matthau ab 1939 drei Jahre lang mit schlecht bezahlten Jobs durch und schrubbte unter anderem Fußböden in einer Fabrik. Im April 1942 wurde er zur Army eingezogen und war ab 1943 in Großbritannien stationiert. Matthau diente bei der 453rd Bombardment Group der 8th Air Force, der auch James Stewart (im Rang eines Colonels) angehörte. Da Matthau lediglich Staff Sergeant war, hatte er aber kaum Kontakt zu dem berühmten Hollywood-Schauspieler. Matthau wurde während des Krieges mehrfach verwundet. Er selbst hat seine Kriegserlebnisse immer heruntergespielt und beispielsweise erzählt, er sei während des Krieges „Tischtennismeister der Streitkräfte“ gewesen.


title: Walter Matthau

text: Nach dem Krieg profitierte Matthau davon, dass die Regierung an ehemalige Soldaten großzügige Ausbildungsstipendien vergab. Er studierte zunächst Journalismus und wechselte dann zum Dramatic Workshop der New School of Social Research, der von Erwin Piscator in New York 1940 gegründet und bis 1951 geleitet wurde. Zahlreiche bekannte US-Schauspieler wurden dort von Piscator ausgebildet, deren Leistungen seinen nachhaltigen Einfluss auf die Entwicklung der amerikanischen Schauspielkultur bezeugen. Piscators Dramatic Workshop gilt als ein Vorläufer des Actors Studios.


title: Walter Matthau

text: Matthau studierte zusammen mit Kollegen wie Rod Steiger, Tony Curtis, Eli Wallach oder Harry Belafonte, die so wie er später in Hollywood Karriere machten. Er sammelte erste Erfahrungen als Schauspieler und spielte in Sommertheatern und am Orange County Playhouse in New York. Sein Einkommen besserte er mit Jobs als Kellner oder Bürstenverkäufer auf. Für das Bühnenstück "Twilight Walk" bekam Matthau den Preis der New Yorker Theaterkritiker. Ab 1950 übernahm er Rollen im Fernsehen, bei dem damals kurze Stücke live aufgeführt wurden, was den Schauspielern ein hohes Maß an Können und Disziplin abforderte. Zahlreiche bekannte Darsteller wie Jack Lemmon, Paul Newman oder Charlton Heston lernten ihr Handwerk beim Live-TV und eigneten sich so das Können an, das sie später als Filmschauspieler einsetzen konnten.


title: Walter Matthau

text: Matthau, der bis Mitte der 1960er durchweg für das Fernsehen tätig war, spielte unter anderem mehrfach in der Serie "Alfred Hitchcock präsentiert". Parallel dazu arbeitete er weiterhin als Bühnenschauspieler und feierte Erfolge in Stücken wie "Will Success Spoil Rock Hunter?" oder "A Shot In The Dark". Er erhielt für seine Theaterarbeit zwei Tony Awards. Da Matthau bereits seit frühester Jugend der Spiel- und Wettleidenschaft frönte, war seine finanzielle Lage meist angespannt. Einmal setzte er sein gesamtes Jahresgehalt auf den Ausgang eines Baseball-Schauturniers.


title: Walter Matthau

text: 1955 debütierte der 35-Jährige als Kinodarsteller in dem Western "Der Mann aus Kentucky", in dem er neben Burt Lancaster einen peitschenschwingenden Bösewicht spielte. In den folgenden Jahren machte er sich als Nebendarsteller von meist undurchsichtigen, eher unsympathischen Charakteren einen Namen. Obwohl ihm von der Kritik großes Talent bescheinigt wurde, schien der Darsteller mit dem zerfurchten „Knautschgesicht“ für eine große Kinokarriere nicht geeignet, da er den gängigen Idealvorstellungen eines Filmschauspielers überhaupt nicht entsprach. Regisseur Billy Wilder wollte Matthau 1955 für seine Komödie "Das verflixte 7. Jahr" als Hauptdarsteller verpflichten, doch das produzierende Studio weigerte sich, dem noch völlig unbekannten Schauspieler eine so gewichtige Rolle anzuvertrauen.


title: Walter Matthau

text: Matthau erarbeitete sich in Hollywood kontinuierlich Anerkennung und übernahm im Lauf der Jahre immer größere Rollen. Wegen seiner unverwechselbaren Erscheinung und seiner speziellen Schauspielbegabung erwarb er sich den Ruf eines „scene stealers“, der den Hauptdarstellern auch in kleinen Szenen die Schau stehlen konnte. Er arbeitete an der Seite bekannter Kollegen wie Kirk Douglas "(Einsam sind die Tapferen", 1962) oder Cary Grant, neben dem er in dem Thriller "Charade" (1963) einen undurchsichtigen CIA-Agenten darstellte. Er spielte neben renommierten Darstellern wie Henry Fonda, Gregory Peck oder seinem ehemaligen Schauspielschulkollegen Tony Curtis.


title: Walter Matthau

text: Von 1959 bis zu seinem Lebensende war Walter Matthau mit Carol Grace, der Ex-Frau von William Saroyan, verheiratet. Ihr gemeinsamer Sohn Charles wurde Filmregisseur, unter dessen Regie der Vater 1995 in der Truman-Capote-Verfilmung "Die Grasharfe" spielte. Walter Matthau lebte privat sehr zurückgezogen und bezeichnete sich selbst als schüchternen Menschen. Er war ein großer Liebhaber klassischer Musik.


title: Walter Matthau

text: Nach einer 20-jährigen Schauspielkarriere gelang dem 45-Jährigen Mitte der 1960er Jahre der endgültige Durchbruch. Komödienautor Neil Simon wählte ihn 1965 als Hauptdarsteller seines Bühnenstückes "Ein seltsames Paar," in dem Matthau als mürrischer, jedoch liebenswerter Chaot zu seiner Paraderolle fand, mit der er fortan identifiziert wurde. Das Stück wurde zu einem riesigen Erfolg und etablierte den Schauspieler als einen der führenden Bühnenkomödianten der USA.


title: Walter Matthau

text: Im Jahr darauf konnte sich Matthau auch als Kinodarsteller durchsetzen. Er übernahm in Wilders Tragikomödie "Der Glückspilz" (1966) die Rolle des durchtriebenen Winkeladvokaten Willi Gingrich, der einen komplizierten Versicherungsbetrug einfädelt. Der Film markierte den Beginn der sehr erfolgreichen Zusammenarbeit mit Jack Lemmon, zu diesem Zeitpunkt bereits einer der populärsten Hollywood-Stars. Lemmon und Matthau, die auch privat eng befreundet waren, avancierten zum bekanntesten Komödiantenduo ihrer Zeit und traten bis 1998 in insgesamt zehn Filmen auf. Matthau wurde für seine Darstellung des schmierigen Rechtsanwalts mit dem Oscar als bester Nebendarsteller ausgezeichnet.


title: Walter Matthau

text: Er hätte seinen großen Durchbruch fast nicht mehr erlebt, denn infolge exzessiven Rauchens und chronischer Spielsucht (er selbst schätzte seine Spielverluste auf insgesamt 5 Mio. USD) erlitt er 1966 einen schweren Herzinfarkt (für einige Minuten wurde er im Krankenhaus bereits für tot erklärt). Matthau gab das Rauchen auf und ging fortan jeden Tag zwei bis fünf Meilen zu Fuß, doch blieb er zeit seines Lebens gesundheitlich angeschlagen.


title: Walter Matthau

text: In der Verfilmung von "Ein seltsames Paar" unter der Regie von Gene Saks konnte Walter Matthau 1968 an der Seite seines kongenialen Partners Lemmon einen weltweiten Erfolg verbuchen. In der Rolle des chaotischen Sportreporters Oskar Madison, der seine Wohnung verkommen lässt, lieferte er sich scharfzüngige Wortgefechte mit seinem Freund Felix Ungar (Lemmon), einem neurotischen Ordnungsfanatiker, der sich in Madisons Wohnung einquartiert, weil ihn seine Frau aus der gemeinsamen Wohnung geworfen hat. "Ein seltsames Paar" wurde zu einem der bekanntesten Filme des Schauspielerduos und avancierte mit einem Einspielergebnis von 44 Millionen Dollar allein in den USA zu einem der erfolgreichsten Filme der späten 1960er Jahre. 1970 zog der Film eine TV-Serie nach sich, in der Jack Klugman und Tony Randall Oskar Madison und Felix Ungar verkörperten.


title: Walter Matthau

text: Während in den späten 1960er Jahren die Karrieren vieler Stars ins Trudeln gerieten, etablierte sich Walter Matthau mit Ende 40 auf Jahre hinaus als kassenträchtiger Top-Star mit großer, weltweiter Fangemeinde. Typischerweise verkörperte er mürrische Männer mit sauertöpfischem Gesichtsausdruck, deren misanthropisches Auftreten für viel Amüsement sorgte. Matthau zählte nun auch zu den besser verdienenden Schauspielern in Hollywood und erhielt Mitte der 1970er Jahre beispielsweise Gagen von 800.000 Dollar.


title: Walter Matthau

text: 1968 war er in der skurrilen Fantasy-Erotikkomödie "Candy" zu sehen, die den liberalen Zeitgeist der späten 1960er widerspiegeln sollte, aber trotz hochkarätiger Besetzung (unter anderem Marlon Brando und Richard Burton) an den Kinokassen durchfiel.


title: Walter Matthau

text: Mit einer Produktionszeit von zwei Jahren und einem gigantischen Budget von rund 25 Millionen Dollar zählte der Musicalfilm "Hello, Dolly!" (1969) zu den aufwendigsten Produktionen der 1960er Jahre. Unter der Regie von Gene Kelly agierte Matthau darin neben Barbra Streisand, einem der Superstars dieser Ära, und spielte den „Halb-Millionär“ Horace Vandergelder, der nach allerlei Verwicklungen seine eigene Heiratsvermittlerin ehelicht. Matthau verstand sich bei den Dreharbeiten nicht mit Streisand und warf ihr „Größenwahn“ vor. "Hello, Dolly!," einer der letzten hochbudgetierten Musicalfilme, mit denen in der zweiten Hälfte der 1960er das Publikum in die Kinos gelockt werden sollte, konnte seine enormen Produktionskosten nicht einspielen.


title: Walter Matthau

text: In der Boulevardkomödie "Die Kaktusblüte" (1969) agierte Matthau neben Ingrid Bergman als bindungsunwilliger Zahnarzt mit Beziehungsproblemen, der sich schließlich in seine Sprechstundenhilfe verliebt. Von der Kritik wurde insbesondere das perfekte Zusammenspiel dieser beiden erfahrenen Hauptdarsteller gelobt.


title: Walter Matthau

text: Matthau, der sich als Charakterdarsteller empfand, missfiel es, als Komödiant abgestempelt zu werden. Er trat zwar auch weiterhin regelmäßig in Filmen dieses Genres auf ("Keiner killt so schlecht wie ich", 1971, "Hotelgeflüster", 1971), übernahm in den frühen 1970er Jahren aber auch gezielt Rollen in ernsteren Filmen. Schon in den 1950ern und 1960ern hatte er in dramatischen Rollen überzeugt, so in "Der Mann aus Kentucky" (1955), "Einsam sind die Tapferen" (1961), "Charade" (1963), oder "Die 27. Etage" (1964).


title: Walter Matthau

text: 1973 trat er unter der Regie von Don Siegel in dem Actionthriller "Der große Coup" in der ungewohnten Rolle eines Bankräubers in Erscheinung, der nach einem missglückten Coup von Polizei und Mafia gejagt wird. Im selben Jahr spielte er in "Massenmord in San Francisco" einen Polizeidetektiv, der ein Bus-Massaker aufklären muss. Seinen wohl bekanntesten Auftritt in einem Kriminalfilm hatte Matthau 1974 in "Stoppt die Todesfahrt der U-Bahn 123", in dem er als U-Bahn-Polizist mit der Entführung eines New Yorker Subway-Zuges konfrontiert wird und verzweifelt versucht, das Leben der Passagiere zu retten. Diese Filme waren allerdings weniger erfolgreich als seine beliebten Komödien.


title: Walter Matthau

text: 1974 absolvierte Matthau unter dem Namen Walter Matuschanskayasky einen Cameo-Auftritt in dem Katastrophenfilm Erdbeben und stellte einen Trinker dar, der das titelgebende Erdbeben unbeschadet in einer Bar übersteht. Im selben Jahr war er erneut unter der Regie von Billy Wilder und an der Seite seines Langzeitpartners Jack Lemmon zu sehen. "Extrablatt" war eine beißende Satire aufs Zeitungs-, Polizei- und Justizmilieu sowie auf das Polit-Establishment, das von Zynismus und Korruption beherrscht wird. Obwohl im Jahr 1929 angesiedelt, verwies der Film in Inszenierung, Inhalt, Dialog eindeutig auf die Watergate-Ära, in der er entstand. Matthau war als durchtriebener Chefredakteur Walter Burns zu sehen, der lauter schmutzige Tricks anwendet, um zu verhindern, dass sein Star-Reporter Hildy Johnson (Lemmon) den Beruf wechselt. Auch mit diesem Film waren Lemmon und Matthau an den Kinokassen erfolgreich.


title: Walter Matthau

text: 1974 trat Walter Matthau – neben Jack Lemmon – in dem Stück "Juno and the Paycock" zum letzten Mal als Theaterschauspieler in Erscheinung, 1975 waren er und George Burns in "Die Sunny Boys" als zerstrittene Alt-Komödianten zu sehen. Matthau trat hier in der Maske eines sehr viel älteren Mannes auf. In den Folgejahren spielte er unter anderem einen Baseballtrainer in "Die Bären sind los" (1976) und einen verwitweten Chirurgen, der sich neu verliebt ("Hausbesuche", 1978). Mit diesen und anderen Filmen war Matthau erneut sehr erfolgreich und bestätigte seine Position als einer von Hollywoods führenden Komödianten.


title: Walter Matthau

text: Im April 1976 unterzog sich Matthau, dessen Gesundheit seit seinem Herzinfarkt angegriffen war, einer Bypass-Operation.


title: Walter Matthau

text: Walter Matthau starb in der Nacht zum 1. Juli 2000 in einem Krankenhaus bei Santa Monica an den Folgen eines zweiten Herzinfarkts. Er wurde auf dem Westwood Village Memorial Park Cemetery beerdigt; in unmittelbarer Nähe zu ihm fand sein langjähriger Freund Jack Lemmon, der knapp ein Jahr nach ihm verstarb, seine letzte Ruhestätte.


title: Walter Matthau

text: Es gibt Berichte, Matthaus richtiger Name sei „Matuschanskayasky“ gewesen. Für das Zustandekommen dieser Fehlinformation war er selbst verantwortlich. Matthau war bekannt dafür, dass er oft scherzhafte Geschichten erfand, die er aber ernst vortrug, insbesondere wenn er in Interviews immer wieder die gleichen Fragen beantworten musste. So behauptete er oft, sein zweiter Vorname sei „Foghorn“ ( für „Nebelhorn“) oder dass er in der Erbfolge auf den britischen Thron stehe. Teilweise wurden solche Geschichten ernstgenommen, was Matthau amüsierte.


title: Walter Matthau

text: Der Name „Matuschanskayasky“ erschien erstmals im Abspann des Films "Erdbeben," in dem Matthau einen betrunkenen Gast in einer Bar spielte. Ursprünglich als kurzer Cameo-Auftritt gedacht, sollte sein Name eigentlich gar nicht im Abspann erscheinen. Bei der fertigen Schnittfassung wurde Matthau aber klar, dass sein Auftritt eher dem einer Nebenrolle entsprach und sein Name genannt werden würde. Dies war nicht seine Absicht gewesen, und so sorgte er dafür, dass er als "Walter Matuschanskayasky" im Abspann erschien.


title: Walter Matthau

text: Wenn er in Interviews darauf angesprochen wurde, antwortete er meist, dass dieser eigentlich sein richtiger Name sei. Die Auskunft schmückte er oft noch mit Geschichten über eine angebliche Spionagekarriere seines Vaters aus, den er auch schon mal zu einem orthodoxen Priester im zaristischen Russland machte.


title: Walter Matthau

text: Matthaus vermutlich bekannteste Synchronstimme ist die von Wolfgang Lukschy (z. B. "Stoppt die Todesfahrt der U-Bahn 123", "Ein seltsames Paar"). Weitere Sprecher waren Wolfgang Völz und Martin Hirthe.


title: Kapitänleutnant

text: Kapitänleutnant ist ein Dienstgrad der Bundeswehr für Marineuniformträger. Gesetzliche Grundlage ist die Anordnung des Bundespräsidenten über die Dienstgradbezeichnungen und die Uniform der Soldaten und das Soldatengesetz.


title: Kapitänleutnant

text: In der Zentralrichtlinie A2-2630/0-0-3 „Militärische Formen und Feiern der Bundeswehr“ (ehemals ZDv 10/8) wird neben der regelmäßigen Anrede „Herr Kapitänleutnant“ ferner auch explizit auf das in der Umgangssprache der Marine gebräuchliche „Herr Kaleu“ als Kurzform hingewiesen.<ref name="ZDV10/8"></ref>


title: Kapitänleutnant

text: Die Dienstgradabzeichen des Kapitänleutnants zeigen drei Ärmelstreifen auf beiden Unterärmeln. Die beiden äußeren Streifen sind mittelbreit; der innere schmal.


title: Kapitänleutnant

text: Die Dienstgradbezeichnung ranggleicher Luftwaffen- und Heeresuniformträger lautet Hauptmann. Hinsichtlich Befehlsbefugnis, Ernennung, Sold, den nach- und übergeordneten Dienstgraden, ähnlich auch hinsichtlich der Dienststellungen sind Kapitänleutnante und Hauptleute gleichgestellt.


title: Kapitänleutnant

text: Der Kapitänleutnant war in der Volksmarine der DDR ein Dienstgrad in der Dienstgradgruppe der Hauptleute und vergleichbar dem NATO-Rangcode OF-2. Er entsprach dem Hauptmann der NVA.


title: Kapitänleutnant

text: Das Dienstgradabzeichen bestand aus Schulterstücken mit marineblauem Untergrund und parallel verlaufenden silberfarbenen Schnüren. Auf dem Schulterstück waren vier viereckige goldfarbene Schultersterne angebracht. Das Ärmelabzeichen bestand aus zwei gelbfarbenen einfachen und einem schmalen Streifen. Darüber war das Laufbahnabzeichen aufgenäht. Im Unterschied zu allen übrigen deutschen Marinestreitkräften bedeckten die Ärmelabzeichen nur zu ca. 40 % den Ärmelumfang.


title: Kapitänleutnant

text: Im Deutschen Kaiserreich und der Kriegsmarine war der Kapitänleutnant ein Dienstrang der Dienstgradgruppe der Hauptleute, vergleichbar dem damaligen Hauptmann.


title: Kapitänleutnant

text: Ingenieuroffiziere trugen an Stelle des Seesterns am Ärmel und auf den Schulterstücken ein Zahnrad, Sanitätsoffiziere den Äskulapstab, Marinewaffendienst 2 gekreuzte Rohre, Sperrwaffendienst eine Raise (symbolisierte Mine), Nachrichtendienst einen Blitz, Verwaltungsoffiziere den Merkurstab.


title: Kapitänleutnant

text: Im Kaiserreich trug der Kapitänleutnant nur 2 (mittel-)breite Streifen am Ärmel. Seeoffiziere an Stelle des Seesterns eine Krone.


title: Kapitänleutnant

text: In den deutschen Territorialheeren und in der Armee des Kaisertums Österreich stand der Capitain-Lieutenant oder Kapitänlieutenant im Rang zwischen dem Hauptmann und dem Oberleutnant. In Preußen entsprach ihm der Stabskapitän bzw. Stabshauptmann. Oft war er der tatsächliche Führer einer Kompanie, nicht aber deren Inhaber. In den meisten Landstreitkräften verschwand der Rang um die Mitte des 19. Jahrhunderts. In Österreich wurde der "Capitän-Lieutenant" 1849 in "Hauptmann 2. Classe" umbenannt.


title: Kapitänleutnant

text: Der dem deutschen Kapitänleutnant entsprechende österreichisch-(ungarische) Marine-Dienstgrad war Linienschiffsleutnant.


title: Kapitänleutnant

text: In der britischen Royal Navy wird der Rang des Kapitänleutnants (NATO Code OF-2) als "Lieutenant" (kurz: "Lt") bezeichnet.


title: Kapitänleutnant

text: In der französischen Armee des "Ancien Régime" war der "Capitaine-lieutenant" der Chef einer Einheit der königlichen Garde. Der oberste Rang war hier der eines "Capitaine", welcher aber stets vom König selbst bekleidet wurde.


title: Kapitänleutnant

text: In den kanadischen Seestreitkräften, der Royal Canadian Navy, wird der Rang des Kapitänleutnants (NATO Code OF-2) als "Lieutenant" (kurz: "Lt(N)") bezeichnet.


title: Keith Haring

text: Keith Allen Haring (* 4. Mai 1958 in Reading, Pennsylvania; † 16. Februar 1990 in New York City) war ein US-amerikanischer Künstler, dessen Malstil anhand klarer Linien und Flächigkeit erkennbar ist. Einige Methoden seiner Malerei entnahm er der Graffiti-Szene. Haring gilt als Vertreter der Pop Art der 1980er Jahre.


title: Keith Haring

text: Haring wuchs in Kutztown auf und interessierte sich dank seines Vaters, Allen Haring, der mit ihm Comic-Figuren zeichnete, schon früh für die Kunst. 1976 studierte er für zwei Semester an der Ivy School of Professional Art in Pittsburgh Werbegrafik. 1978 gelang ihm seine erste Einzelausstellung im Pittsburgh Arts and Crafts Center. Im selben Jahr zog er nach New York und schrieb sich an der School of Visual Arts (SVA) ein. Zu dieser Zeit machte er Bekanntschaft mit aufstrebenden Künstlern, wie Kenny Scharf und Jean-Michel Basquiat.


title: Keith Haring

text: Ab 1980 organisierte er Ausstellungen und Vorführungen im Club 57. Zur gleichen Zeit entstanden seine ersten Arbeiten, die auf ein öffentliches Publikum abzielten: Mit einer Schriftschablone sprühte er den Text "Clones Go Home" auf die Wände und entlang der Bürgersteige zwischen die Grenze von East und West Village. Damit wollte er ein Statement gegen die Gentrifizierung, also den Zuzug von Neureichen in sein Viertel, setzen. Des Weiteren verbreitete er Collagen, die täuschend echt an die Titelseiten der „New York Post“ erinnerten und provokante Titel wie "„Reagan Slain by Hero Cop“" (dt. „Reagan von heldenhaftem Polizisten getötet“) enthielten. Im Juni 1980 wurde er zur Teilnahme an der Times Square Show eingeladen. Im Herbst desselben Jahres verließ Haring die SVA und arbeitete weiter im Club 57 und im Mudd Club, wo er Ausstellungen kuratierte. Inspiriert von der Graffiti-Szene, fing er zur gleichen Zeit an seine "tags" zu hinterlassen, beispielsweise das krabbelnde Baby oder den Hund. Daraus entwickelte sich der Drang auf leeren, dunklen Werbeflächen seine „Subway Drawings“ zu kreieren.


title: Keith Haring

text: Im Oktober 1982 war die erste Einzelausstellung in der Tony Shafrazi Gallery. Haring hatte bereits zuvor als Assistent bei Shafrazi gearbeitet und Erfahrung im kuratorischen Bereich gesammelt. Für die Ausstellung malte er zum ersten Mal seit längerer Zeit, da sich sein Schaffen zuvor aufs Zeichnen konzentriert hatte. Mit dem Graffitikünstler L.A. II bemalte er Reproduktionen berühmter Skulpturen, wie zum Beispiel eine Büste des David von Michelangelo. Daraus entstanden labyrinthische Bilder, in denen alle Zwischenräume ausgefüllt wurden, sodass ein Maximum an Information auf kleinster Fläche präsentiert werden konnte.


title: Keith Haring

text: Die Ausstellung ermöglichte Haring den internationalen Durchbruch: Er erhielt Einladungen nach Rotterdam und Amsterdam und nahm an der Documenta 7 in Kassel teil. Das Spectacolor Billboard am New York Times Square bespielte einen Monat lang in regelmäßigen Abständen Animationen seiner Ikonen. 1983 beteiligte er sich an der Whitney Biennale und der Biennale von São Paulo. Er lernte Andy Warhol kennen und freundete sich mit ihm an. Für Warhol malte er eine "Andy Mouse", die eine Mischung aus Andy Warhol und Mickey Mouse verkörpern soll.


title: Keith Haring

text: 1984 bemalte er Wände in Sydney, Melbourne, Rio de Janeiro, Minneapolis und Manhattan; 1985 begann er auf Leinwand zu malen, zuvor hatte er entweder auf Papier oder Vinylplanen gemalt. Gleichzeitig zeigte das Museum für zeitgenössische Kunst in Bordeaux eine Einzelausstellung von ihm. Außerdem nahm er an der Biennale in Paris teil. 1986 eröffnete er in SoHo in New York den "Pop Shop", einen Laden, in dem seine Werke und Vervielfältigungen verkauft wurden. Das Geschäft wurde 2005 geschlossen. Er bemalte Wände in Amsterdam, Paris, Phoenix und in Berlin am Checkpoint Charlie am 26. Oktober 1986. Für ihr Video "I’m not Perfect" und den Film "Vamp" bemalte er den Körper von Grace Jones. 1987 hatte er Einzelausstellungen unter anderem in Helsinki und Antwerpen.


title: Keith Haring

text: Ferner entwarf Keith Haring auch das Cover der Benefiz-Weihnachtsplatte "A Very Special Christmas" zugunsten der Special Olympics.


title: Keith Haring

text: Das erste seiner sogenannten „Subway Drawings“ fertigte Haring im Dezember 1980 an und führte diese bis etwa 1985 fort. Die Gänge des Systems der New Yorker U-Bahn sind mit zahlreichen Werbetafeln ausgestattet. Wenn die Tafeln nicht mit aktuellen Werbeplakaten beklebt sind, wird der festmontierte Rahmen mit schwarzem Makulaturpapier als eine Art Platzhalter beklebt. Haring bemalte diese mit weißer Tafelkreide. Ein Medium, das leicht zu transportieren und günstig in der Anschaffung ist und ihm erlaubte, seine typische durchgehende Linie schnell, gleichmäßig und äußerst kontrastreich auf das schwarze Papier zu bringen. Außerdem war keine vorherige Präparation im Studio notwendig, was Harings intuitivem und schnellem Stil zugutekam. Er konzipierte seine Bilder in den U-Bahn-Gängen immer auf ähnliche Weise. Zuerst wurde ein Rechteck als Bildbegrenzung gezogen, manchmal wurden diese noch nummeriert, hiermit wird der Anschein eines Comic-Strips erweckt. Dann wurden sie mit seinen typischen Motiven (bellende Hunde, Ufos, Strahlenbaby, Fernseher, Kreuze, Menschen etc.) gefüllt.


title: Keith Haring

text: Haring betonte wiederholt, dass er seinen Subway-Werken bewusst keine Titel gegeben habe, um den Betrachtern keine vom Künstler vorgegebene Interpretation zu liefern. Seine Werke haben laut Haring nicht nur eine Bedeutung oder Interpretation, sondern sind so vielfältig, wie die Menschen, die sie betrachten und sich mit ihnen auseinandersetzen. Die Formen, die seine Werke beinhalten, sind nicht fremd, sondern leicht erkennbar, sodass jeder Betrachter selbst ohne vorgegebenen Titel schnell eine eigene Assoziation entwickeln kann. Außerdem sind seine Motive in der New Yorker U-Bahn vor allem für ein vorbeilaufendes Publikum konzipiert, das schon durch ein flüchtiges Hinsehen den Bildaufbau begreifen kann. Haring malte ohne Skizzen und Studien, schnell und spontan aus dem Gefühl heraus ohne Änderungen. So konnte er bis zu dreißig Subway Drawings am Tag schaffen, die sich von 1980 bis 1985 zu insgesamt etwa fünf- bis zehntausend angefertigten Bildern im New Yorker U-Bahn-System summierten. Seine Darstellungen wurden größtenteils von dem mit ihm befreundeten Fotografen Tseng Kwong Chi festgehalten.


title: Keith Haring

text: Haring engagierte sich mit seiner Kunst bei verschiedenen Benefiz-Aktionen gegen AIDS. Noch vor 1988, als bei ihm selbst die Immunschwächekrankheit diagnostiziert wurde, verarbeitete er die Thematik bereits in Werken wie „AIDS“ aus dem Jahr 1985. 1988 wurde auch eine Filiale des "Pop Shops" in Tokio eröffnet, die aber nach einiger Zeit wieder geschlossen werden musste. Zusammen mit Kindern bemalte er Wände in Chicago und Atlanta. 1989 engagierte er sich in der Widespread-Kampagne für die AIDS-Vorsorge. Im Sommer des gleichen Jahres vollendete er sein letztes öffentliches Werk, das "Tuttomondo" an der Außenwand der Kirche Sant’Antonio in Pisa. Haring wirkte 1989 in Rosa von Praunheims preisgekröntem Film "Schweigen = Tod" über den Kampf von Künstlern in New York City für AIDS-Aufklärung und die Rechte von Infizierten und Erkrankten mit. Die gemeinnützige Keith-Haring-Stiftung wurde von ihm noch zu Lebzeiten gegründet und in der Galerie 121 in Antwerpen fand eine Ausstellung statt. Haring starb 1990 an den Folgen seiner Erkrankung. Noch kurz vor seinem Tod malte er einige Bilder, die sich mit dem Tod beschäftigen.


title: Keith Haring

text: 1991 schrieb der US-amerikanische Kulturjournalist und Biograf John Gruen Harings Lebensgeschichte auf "(Keith Haring: The Authorized Biography. Simon and Schuster, New York 1991)". In dem 2008 von der Regisseurin Christina Clausen gedrehten Dokumentarfilm "The Universe of Keith Haring" sind Tonaufnahmen von Interviews mit Haring enthalten (auch in deutscher Übersetzung). In dem Film wirkten unter anderem Madonna und Andy Warhol mit. Der Film zeigt ebenfalls, dass Keith Haring zeitlebens mit schwarzen Graffitikünstlern zusammenarbeitete, zu dieser Zeit noch sehr ungewöhnlich, etwa mit Fred Brathwaite, vor allem aber sechs Jahre lang mit Angel Ortiz aka LA II, sowie mit dem Tänzer Bill T. Jones. Haring lebte das Prinzip der Diversität, das sich auch in seinen politischen Arbeiten Ausdruck verschafft, die unmissverständlich gegen Rassismus und Homophobie Stellung beziehen.


title: Keith Haring

text: Im Jahr 2018 wurde Keith Haring mit einer umfassenden Personale in der Albertina "(Keith Haring. The Alphabet)" gewürdigt.


title: Stefan Mross

text: Stefan Mross (* 26. November 1975 in Traunstein, Oberbayern) ist ein deutscher Trompeter, Sänger und Fernsehmoderator. Er ist einer der bekanntesten deutschen volkstümlichen Musiker.


title: Stefan Mross

text: Stefan Mross wurde als 13-Jähriger von Karl Moik auf einer Hochzeit entdeckt. Sein erster Fernsehauftritt war bei Karl Moiks Sendung "Wie die Alten sungen". Am 1. Juli 1989 gewann Mross mit dem Titel "Heimwehmelodie" den Grand Prix der Volksmusik für Österreich.


title: Stefan Mross

text: Nach dem Abitur begann Mross ein Studium am Salzburger Mozarteum. 1994 nahm Mross für Deutschland beim Grand Prix der Volksmusik teil. Sein Titel "Heilige Berge (Montagne sante)" erreichte hinter Henry Arland Platz zwei. Einen erneuten zweiten Platz belegte Mross beim Grand Prix der Volksmusik 1995 zusammen mit Stefanie Hertel, als beide für Deutschland den Titel "Ein Lied für jeden Sonnenstrahl" sangen. 2002 versuchte es Mross für Deutschland nochmals beim Grand Prix der Volksmusik. Sein Titel "Angeli delle montagne" kam jedoch nicht ins Finale.


title: Stefan Mross

text: Mross ist immer wieder in verschiedenen Fernsehsendungen zu sehen. In den letzten Jahren hat er allerdings nur bei wenigen Anlässen Trompete gespielt. Inzwischen ließ er sich gesanglich ausbilden und singt sowohl solo als auch Duette, früher zusammen mit Hertel. Mit ihr trat er zusammen in Fernsehsendungen und auch regelmäßig auf Tourneen mit anderen Künstlern auf. Im Jahr 2009 feierte Stefan Mross sein 20-jähriges Bühnenjubiläum mit einer großen Deutschland-Tournee ebenfalls mit seiner damaligen Frau.


title: Stefan Mross

text: Seit 2005 moderiert Mross im Sommer die ARD-Sendung (SWR) "Immer wieder sonntags" live aus dem Europa-Park in Rust. Am 10. August 2014 kollabierte Mross während einer Live-Sendung der Show nach dem Verzehr einer Currywurst und musste die Moderation abbrechen. Für die restliche Sendezeit wurde er von Guido Cantz vertreten.


title: Stefan Mross

text: Mross war von 2006 bis 2012 mit Stefanie Hertel verheiratet und hat mit ihr eine Tochter (* 2001). Drei Monate nachdem das Paar seine Trennung bekanntgegeben hatte, behauptete Karl Moik in der ZDF-Sendung "Markus Lanz" vom 6. Dezember 2011, dass die Partnerschaft zwischen seinen ehemaligen Schützlingen Mross und Hertel für die Medien arrangiert worden sei.


title: Stefan Mross

text: Mit der Produktionsassistentin Susanne Schmidt war Mross von 2013 bis 2016 verheiratet. Aus dieser Ehe gingen eine Tochter (* 2013) und ein Sohn (* 2015) hervor. Das Paar lebte bis zur Trennung im Herbst 2016 in Unterwössen, einer Gemeinde im oberbayerischen Landkreis Traunstein.


title: Stefan Mross

text: Ab Dezember 2016 war er mit der Sängerin Anna-Carina Woitschack liiert, die er im Sommer 2016 in seiner Sendung "Immer wieder sonntags" kennenlernte. In der Sendung "Das Adventsfest der 100.000 Lichter" machte er ihr am 30. November 2019 einen Heiratsantrag. Am 6. Juni 2020 heirateten beide live im Fernsehen in der Musikshow "Schlagerlovestory.2020" mit Moderator Florian Silbereisen als Trauzeugen. Im November 2022 gab das Paar seine Trennung bekannt.


title: Stefan Mross

text: Mehrfach wurde Stefan Mross in der Öffentlichkeit vorgeworfen, dass sein Trompetenspiel vom Band komme. Üblicherweise hört man bei Musiksendungen im Fernsehen eine Studioaufnahme, während die Interpreten beim Auftritt nur scheinbar musizierend am Bildschirm zu sehen sind. Daher ist es nicht immer eindeutig zu entscheiden, ob Mross selbst oder jemand anders die Trompeteneinspielung vorgenommen hat.


title: Stefan Mross

text: Im sogenannten "Trompeterkrieg" vor dem Frankfurter Landgericht ging es um Rechte an den Einspielungen des im Mai 2020 verstorbenen Studiotrompeters Alexandre Malempré. Er behauptete, in sechs Stücken auf Mross-CDs vor allem sich selbst zu hören. Mross bestritt dies. Der abmischende Produzent bestätigte die Darstellung des Klägers, war jedoch der Auffassung, dass die Leistungen des Studiomusikers unabhängig vom Grad der Zumischung abgegolten seien. Der Kläger gab an, dass die Einspielungen ausschließlich als Begleitung für die Sängerin Stefanie Hertel vorgenommen wurden, als diese noch nicht mit Mross zusammen in Erscheinung getreten war.


title: Stefan Mross

text: Mross weigerte sich mehrfach, vor Gericht einige seiner Stücke vorzutragen. Malempré und Mross mussten daher die streitgegenständlichen Titel bei Max Sommerhalder als Gutachter einspielen. Dieser sollte die Details der Ausführung analysieren und dem jeweiligen Trompeter zuordnen. Ferner musste Mross einige allgemein gängige Stücke vortragen, u. a. aus Nabucco. In seinem Gerichtsgutachten bezeichnete Sommerhalder Stefan Mross anschließend als „stümperhaften Trompeter“, er sei nicht fähig, eine hochwertige CD zu produzieren. Rückendeckung erhielt Mross dagegen vom schweizerischen Trompeter Beny Rehmann und von seinem Förderer Karl Moik. Um sich zu rehabilitieren, blies Mross, begleitet von einem Orchester, im ARD-Musikantenstadl live eine einfache, jedoch fehlerhaft vorgetragene Version von "Granada".


title: Citizen Kane

text: Citizen Kane (deutsch: „Bürger Kane“) ist ein US-amerikanisches Filmdrama des Regisseurs Orson Welles aus dem Jahr 1941.


title: Citizen Kane

text: Bei seiner Erstveröffentlichung war der Film ein Flop und wurde heftig kritisiert. Heute gilt er als Meilenstein der Kinogeschichte und als einer der innovativsten und bedeutendsten Filme, die je produziert wurden. Auf der Top-Ten-Liste der Fachzeitschrift "Sight & Sound" des British Film Institute, die alle zehn Jahre von bekannten Regisseuren und Kritikern gewählt wird, belegte "Citizen Kane" von 1962 bis 2002 durchgehend den ersten Platz. Das American Film Institute listet "Citizen Kane" als den besten US-amerikanischen Film aller Zeiten. Auch das französische Filmmagazin "Cahiers du cinéma" listete Welles’ Film 2008 auf Platz 1 der besten Filme aller Zeiten.


title: Citizen Kane

text: Die Handlung des von "RKO" produzierten Schwarzweißfilms schildert in Rückblenden das Leben des fiktiven Medienmagnaten Charles Foster Kane. Als dessen Vorbild diente der US-amerikanische Verleger William Randolph Hearst.


title: Citizen Kane

text: Im Jahr 1941 stirbt der US-amerikanische Zeitungsmagnat Charles Foster Kane einsam auf seinem Privatschloss Xanadu, als er gerade eine gläserne Schneekugel betrachtet. Sein letztes Wort vor dem Tod ist "Rosebud" (dt.: Rosenknospe).


title: Citizen Kane

text: Es folgt eine Zusammenfassung seiner Biografie im Stil einer Wochenschausendung "(News on the March)," einzelne Lebensstationen werden beleuchtet. Aus ärmlichen Verhältnissen stammend, baute Kane ein Imperium auf, das aus 37 Zeitungen sowie zahlreichen Verlagen, Firmen und Immobilien bestand. Gezeigt wird ein Mensch, der stets in der Öffentlichkeit gestanden und die Massen polarisiert hat. Die Sendung entpuppt sich als Probeaufführung vor Mitarbeitern der Wochenschau. Doch der Produzent ist der Meinung, dass der richtige Aufhänger noch fehle – etwas, das die Privatperson Kane treffend charakterisiert. Er beauftragt den Reporter Thompson, herauszufinden, was hinter dem letzten Wort von Kane tatsächlich steckt.


title: Citizen Kane

text: Für seine Recherche sucht Thompson verschiedene Personen und Orte auf. Zunächst versucht er, Kanes zweite Ehefrau Susan Alexander, die von ihm getrennt lebte, zu treffen. Die ehemalige Opernsängerin und jetzige Nachtclubtänzerin und Alkoholikerin weigert sich jedoch, mit ihm zu sprechen.


title: Citizen Kane

text: Der Reporter begibt sich dann in das Privatarchiv des längst verstorbenen Bankiers Thatcher, der Kanes Ziehvater war. Aus Tagebüchern erfährt man, dass Kanes Mutter Mary 1871 unerwartet zu Reichtum kam, nachdem ein säumiger Schuldner ihr ein Bergwerk überschrieben hatte, das sich später als Goldmine entpuppte. Sie beschloss, die Erträge aus dieser Mine zur Gänze in die Erziehung und Ausbildung ihres kleinen Sohnes zu investieren, und gab Kane in die Hände seines neuen Vormundes Thatcher. Kane trennte sich nur widerwillig von seinen Eltern, seinen Schlitten ließ er im Schnee zurück. Mit Vollendung seines 25. Lebensjahres erhielt Kane die Verfügungsgewalt über sein mittlerweile umfangreiches Vermögen. Im Gegensatz zu Thatcher interessiert er sich aber nicht für Anlageobjekte wie Goldminen oder Grundstücke. Er will lieber Chefredakteur seiner Zeitung "New York Inquirer" werden. Kane verwandelt das seriöse Blatt in eine Boulevardzeitung, die nun hauptsächlich Klatschmeldungen und Skandalgeschichten abdruckt. Er diffamiert Unternehmen, an denen er selbst beteiligt ist – sehr zum Missfallen von Thatcher, der Kane wegen seiner linken Gesinnung und seines leichtsinnigen Umgangs mit Geld kritisiert.


title: Citizen Kane

text: Nach seinem Besuch in Thatchers Archiv sucht Thompson Kanes langjährigen Geschäftsführer und Finanzberater Bernstein auf. Dieser vermutet, dass "Rosebud" ein Mädchen gewesen sei oder etwas, das Kane verloren hat. Bernstein erinnert sich an die Übernahme des "Inquirer" durch Kane in den späten 1880er Jahren: Die Umstrukturierung und Neuausrichtung der Zeitung begleitet Kane mit einer Grundsatzerklärung. Darin sichert er zu, er wolle die Bürger- und Menschenrechte seiner Leser verteidigen und eine Zeitung machen, die wahrheitsgetreu und unabhängig von Unternehmerinteressen berichtet. Diese Erklärung wird von Jedediah Leland, Kanes bestem Freund, als „historisches Dokument“ aufbewahrt. Der "Inquirer" wird in den folgenden Jahren zur auflagenstärksten Zeitung New Yorks. Kane beginnt, antike Statuen zu sammeln, und unternimmt eine mehrmonatige Europareise. Als er zurückkommt, ist er mit Emily Norton verlobt, der Nichte des US-Präsidenten. In dieser Zeit kommt es zu ersten Differenzen zwischen Kane und Leland, unter anderem wegen ihrer gegensätzlichen Haltung zum Spanisch-Amerikanischen Krieg.


title: Citizen Kane

text: Als Nächstes sucht Thompson Leland auf, der Kane laut Bernstein am besten gekannt haben soll. Leland ist der Meinung, dass Kane immer nur an sich selbst geglaubt habe und am Ende ohne den Glauben an irgendetwas gestorben sei. Er berichtet von Kanes Familienleben: 1904 wird Kanes Sohn geboren, in den folgenden Jahren geht jedoch die Ehe mit Emily zunehmend in die Brüche, da Kane nur an seiner Arbeit interessiert ist. Auch seine regelmäßigen Attacken auf Emilys Onkel, den Präsidenten der Vereinigten Staaten, sorgen für Streit. 1916 lernt Kane die junge Susan Alexander kennen, Angestellte einer Notenhandlung und Hobby-Sängerin. Sie entwickeln Sympathien füreinander und treffen sich regelmäßig. Es bleibt offen, ob sie eine Affäre haben oder eine platonische Freundschaft führen. Zur gleichen Zeit kandidiert Kane bei der Gouverneurswahl, der Sieg scheint ihm sicher. Aber Jim Gettys, sein politischer Gegner, weiß von den Treffen mit Susan und stellt Kane vor die Wahl: entweder legt er die Kandidatur nieder, oder seine Affäre wird öffentlich gemacht. Da Kane sich weigert, berichten die Zeitungen bereits am nächsten Tag über den Skandal. Die Wahl ist für ihn verloren. Zwei Wochen, nachdem Emily sich von ihm hat scheiden lassen, heiratet Kane Susan. Um der talentlosen Sängerin eine Karriere als Opernstar zu ermöglichen, errichtet er ihr in Chicago ein Opernhaus. Leland, inzwischen Theaterkritiker bei Kanes Zeitung und seit Jahren mit Kane zerstritten, wird am Abend nach der Uraufführung von Kane in der Redaktion gefunden – betrunken eingeschlafen über seiner halbfertigen Kritik. Kane schreibt „den Verriss“ so negativ zu Ende, wie Leland ihn begonnen hat, und veröffentlicht die fertige Kritik. Anschließend feuert er Leland. Emily und Kanes Sohn sterben zwei Jahre später an den Folgen eines Autounfalls.


title: Citizen Kane

text: Thompson besucht Susan Alexander ein zweites Mal. Diesmal berichtet sie ihm von ihrer Karriere als Opernsängerin. Obwohl ihre Stimme sich nicht dafür eignet, will Kane aus ihr einen großen Star machen. Ihr erster Auftritt gerät zum Debakel. Nachdem Leland wegen seines Verrisses entlassen worden ist, schickt er seinem ehemaligen Freund einen Brief. Darin befindet sich ein zerrissener Scheck über 25.000 Dollar, den ihm Kane als Abfindung hat zukommen lassen, und die Grundsatzerklärung über die journalistischen Werte des Inquirer, die Kane Jahre zuvor geschrieben hat. Susan, deren Sangeskünste überall auf Ablehnung stoßen, weigert sich, weiterhin aufzutreten, doch Kane zwingt sie dazu. Erst nach einem missglückten Suizidversuch darf Susan ihre Gesangslaufbahn beenden. In den folgenden Jahren beginnt Kane mit dem Bau von Xanadu, wo beide fortan einen Großteil ihrer Zeit verbringen. Susan hasst die Abgeschiedenheit des Palastes und will nach New York zurück. Auf einem Ausflug kommt es zu einem heftigen Streit zwischen den beiden; kurze Zeit später verlässt sie ihn.


title: Citizen Kane

text: Am Ende fährt Thompson nach Xanadu, wo Kanes enorme Besitztümer sortiert werden. Dort trifft er auf den Butler Raymond. Dieser berichtet von Susans Abreise aus Xanadu, und der Zuschauer sieht, wie Kane in seinem Zorn Susans Zimmer zerstört und dabei eine Schneekugel findet, die ihn an seine Kindheit erinnert – an den Tag, an dem er seine Eltern verlassen musste. Thompson beendet seine Suche mit der Vermutung, dass "Rosebud" etwas sei, das Kane – im Gegensatz zu allen anderen Dingen – nicht bekommen konnte oder das er wieder verloren hatte. Die letzte Einstellung des Films zeigt, wie Kanes wertlose Besitztümer in einem großen Ofen verbrannt werden, darunter auch sein alter Schlitten aus Kindheitstagen – mit der Aufschrift "Rosebud".


title: Citizen Kane

text: Orson Welles begann seine Karriere als Theaterregisseur und Rundfunksprecher. Nach dem großen Erfolg des von ihm inszenierten Hörspiels "Krieg der Welten", das ihn landesweit bekannt machte, wurde er 1939 im Alter von 24 Jahren von der Produktionsfirma RKO Pictures unter Vertrag genommen. Das Studio steckte Ende der 1930er Jahre in finanziellen Schwierigkeiten und erhoffte sich viel von Welles, der in der Branche als „Wunderkind“ bezeichnet wurde. Bei der Wahl seines ersten Filmstoffes ließ man ihm freie Hand. Seine geplante Adaption des Romans "Herz der Finsternis" von Joseph Conrad scheiterte jedoch an der Finanzierung und für eine Verfilmung des Buches "The Smiler with the Knife" wurde keine passende Darstellerin gefunden. Im Januar 1940 spottete dann der "Hollywood Reporter", es würden bereits Wetten abgeschlossen, ob Welles überhaupt einen Film für RKO zustande bringt, bevor sein Vertrag auslaufe.


title: Citizen Kane

text: Von den Produzenten zunehmend unter Druck gesetzt, entschied sich der Regisseur schließlich für ein Projekt, das ihn schon seit seiner Kindheit beschäftigte.


title: Citizen Kane

text: Während seiner Schulzeit hatte Welles ein Theaterstück geschrieben mit dem Titel „Marching Song“, das den Lebenslauf eines Mannes aus der Sicht seiner Zeitgenossen erzählt. Daraus entwickelte er nun die Grundidee zu "Citizen Kane". Als weiterer Impuls gilt Aldous Huxleys Roman "Nach vielen Sommern" von 1939.


title: Citizen Kane

text: Herman J. Mankiewicz, den Welles aus seiner Zeit beim Radio kannte, schrieb die erste Fassung des Drehbuches im Frühjahr 1940 auf seiner Ranch in Victorville. Co-Autoren waren Orson Welles und John Houseman, der im Vorspann jedoch nicht genannt wird. Da sich Mankiewicz ein Bein gebrochen hatte, lag dieser die meiste Zeit im Bett und brachte dort in zwölf Wochen über 200 Seiten zu Papier.


title: Citizen Kane

text: Ursprünglich sollte die Filmhandlung eng an die Biografie des exzentrischen Filmproduzenten und Abenteurers Howard Hughes angelehnt sein. In den späteren Versionen des Skripts diente dann vor allem der Verleger William Randolph Hearst als Vorlage für die Figur des Charles Foster Kane. Die ersten Titelentwürfe des Projekts lauteten „John Citizen, U.S.A.“ und „John Q.“


title: Citizen Kane

text: Nach einem Jahr und insgesamt sieben verschiedenen Fassungen wurden die Arbeiten am Drehbuch abgeschlossen.


title: Citizen Kane

text: Für Diskussionen sorgte in den 1970er Jahren die Frage, wie groß Orson Welles’ Anteil am Skript war. Die Filmkritikerin Pauline Kael veröffentlichte 1971 im "New Yorker" unter dem Titel "Raising Kane" einen Artikel, in dem sie behauptete, Mankiewicz habe das Drehbuch größtenteils alleine geschrieben. Der Journalist Robert L. Carringer sowie John Houseman und der Regisseur Peter Bogdanovich widersprachen dieser Ansicht. Inzwischen gilt als gesichert, dass das Drehbuch als gemeinsam erarbeitetes Produkt von Mankiewicz und Welles zustande kam.


title: Citizen Kane

text: "Citizen Kane" bedeutete den Durchbruch für den Komponisten Bernard Herrmann, einen alten Bekannten von Welles, der später vor allem durch seine Zusammenarbeit mit Alfred Hitchcock bekannt wurde. Er schrieb die Filmmusik in zwölf Wochen und orientierte sich dabei an einem Leitmotiv, das in verschiedenen Variationen immer wieder zu hören ist. Entscheidenden Einfluss auf die optische Präsentation des Films hatte der Kameramann Gregg Toland, der einen kleinen Gastauftritt als Radiosprecher hat. Welles wollte Toland unbedingt mit dabeihaben, da er seine Arbeitsweise bewunderte.


title: Citizen Kane

text: Die meisten Darsteller des Films waren Mitglieder der Mercury-Theatergruppe, die Welles im Alter von 21 Jahren gegründet hatte. Viele von ihnen, wie etwa Joseph Cotten, waren gute persönliche Freunde des Regisseurs.


title: Citizen Kane

text: Zu den Schauspielern, die in "Citizen Kane" ihr Leinwanddebüt gaben, zählen Ruth Warrick, Paul Stewart, Joseph Cotten, Agnes Moorehead und Everett Sloane. Auch die meisten anderen Mitwirkenden, inklusive Orson Welles, hatten kaum Erfahrungen im Filmgeschäft und waren damit keine bekannten Hollywood-Gesichter. Fast alle kamen vom Theater oder vom Rundfunk. Susan Alexanders Singstimme wurde von der Opernsängerin Jean Forward synchronisiert, die zu diesem Zweck absichtlich schlecht und außerhalb ihres Stimmumfangs sang. Da sie um ihren Ruf fürchtete, bestand sie darauf, nicht im Abspann genannt zu werden.


title: Citizen Kane

text: Eine deutsche Synchronbearbeitung wurde erst 1962 angefertigt. Daran wirkte auch Hanns Müller-Trenck, der langjährige Chefsprecher des Bayerischen Rundfunks, als „Wochenschau-Sprecher“ mit. Für Dialogbuch und Synchronregie zeichnete Manfred R. Köhler verantwortlich. Die Filmmusik von Bernard Herrmann wurde in der deutschen Fassung vollständig ersetzt. Dabei wurden teilweise auch Stellen, die in der Originalfassung bewusst ohne Musikuntermalung gelassen wurden, mit Musik versehen. Im Folgenden sind die Schauspieler in der genauen Reihenfolge genannt, wie sie im Abspann erwähnt werden:


title: Citizen Kane

text: Der einstige Stummfilmkomiker Charles Bennett tritt im Abspann ungenannt als Entertainer auf Kanes Inquirer-Party auf und trägt dabei das Lied „Oh, Mr. Kane“ vor. In weiteren kleinen, im Abspann unerwähnten Rollen sind der Jazzmusiker Nat King Cole und der spätere Hollywood-Star Alan Ladd als einer der Reporter zu sehen. Edith Evanson spielt die Krankenschwester von Leland. Der Drehbuchautor Herman J. Mankiewicz und der Kameramann Gregg Toland hatten ebenfalls kleine Gastauftritte im Film. Orson Welles’ Privatsekretärin Kathryn Trosper Popper, die eine Rolle als Fotografin auf Xanadu hatte, starb im März 2016 als letztes bekanntes lebendes Mitglied der Filmbesetzung. Sie wurde 100 Jahre alt.


title: Citizen Kane

text: Mit den Dreharbeiten zu "Citizen Kane" wurde am 29. Juni 1940 begonnen. Das Budget der Gemeinschaftsproduktion von RKO und Orson Welles’ "Mercury Productions" betrug etwa 700.000 Dollar, 200.000 Dollar mehr als ursprünglich veranschlagt. Welles' Gage belief sich auf 100.000 Dollar.


title: Citizen Kane

text: Der Arbeitstitel des Films lautete "American" oder "RKO 281". George Schaefer, der Präsident der Produktionsfirma, schlug die Umbenennung in "Citizen Kane" vor.


title: Citizen Kane

text: Welles wollte sich bei den Dreharbeiten der Überwachung durch Vertreter des Studios entziehen. In seinem Vertrag mit RKO wurde ihm die vollständige künstlerische Kontrolle über das Projekt zugesichert, für einen Regiedebütanten ein ungewöhnlicher Umstand.


title: Citizen Kane

text: Um lästige Besuche der Produzenten und Verantwortlichen am Set zu verhindern, teilte er der Produktionsfirma mit, der Film befinde sich noch „in der Probephase“, obwohl die Dreharbeiten längst begonnen hatten. Zu der Zeit wurde unter anderem die Reporterkonferenz gedreht, an der Orson Welles und Joseph Cotten teilnahmen.


title: Citizen Kane

text: Für die Szenen, in denen Welles den alternden Kane darstellt, verbrachte er täglich etwa sechs Stunden in der Maske. Wenn er dagegen den jungen Kane verkörperte, wurden verschiedene Tricks angewandt (darunter diverse Make-ups, Frisuren und Kamerafilter), um ihn noch jugendlicher erscheinen zu lassen. Dadurch sollte der Kontrast zwischen den verschiedenen Zeiträumen, in denen der Film angesiedelt ist, zusätzlich verstärkt werden.


title: Citizen Kane

text: Der Film beginnt mit einem längeren Wochenschaubericht über Charles Foster Kanes Tod, in dem zahlreiche "Archivaufnahmen" aus seinem Leben zu sehen sind. Um dem entsprechenden Filmmaterial ein authentisches und altes Aussehen zu verleihen, wurde es unter anderem mit Sand behandelt und über einen Betonboden geschleift. Nach der Veröffentlichung von "Citizen Kane" erhielt die Produktionsfirma RKO einen Brief, in dem sich ein Kinobesitzer über die mangelhafte Qualität des Films beschwerte.


title: Citizen Kane

text: Als Orson Welles beim Dreh der Szene, in der Kane von seinem Rivalen Jim Gettys ein Ultimatum gestellt wird, die Treppe hinunterrannte, brach er sich das Sprungbein und saß für zwei Wochen im Rollstuhl. Mithilfe von Metallbandagen war es ihm zwar möglich, aufrecht zu stehen, laufen konnte er jedoch nicht.


title: Citizen Kane

text: Die Szene mit den Tänzerinnen, die Kane ein Ständchen bringen, sollte laut Drehbuch in einem Bordell spielen, was jedoch vom Hays Office erwartungsgemäß untersagt wurde. Später gab Welles zu, er habe diesen provokanten Handlungsort nur deshalb gewählt, um die Zensurbehörde von anderen kritischen Stellen des Skripts abzulenken, die weniger schwerwiegend waren.


title: Citizen Kane

text: Gegen Ende der Produktion wurde Welles von einem Mitarbeiter gefragt, wie Charles Foster Kanes letztes Wort „Rosebud“ hatte bekannt werden können, wenn sich zum Zeitpunkt seines Todes niemand mit ihm im Raum befand. Welles zögerte mit seiner Antwort und sagte dann: „Don’t you ever tell anyone of this.“ („Erzählen Sie bloß keinem davon.“)


title: Citizen Kane

text: Die Dreharbeiten wurden am 23. Oktober 1940 abgeschlossen. Es folgten sechs Monate, in denen "Citizen Kane" von Robert Wise und Mark Robson geschnitten wurde. Auch in diesem Bereich hatte Welles das letzte Wort. Während der Post-Produktion verlangten die Verantwortlichen des Studios, einen Rohschnitt des Films zu sehen, um ihn notfalls entschärfen zu können. Nach mehreren kleineren Änderungen wurde das Werk schließlich freigegeben.


title: Citizen Kane

text: Ursprünglich sollte "Citizen Kane" bereits im Februar 1941 in die Kinos kommen. Aufgrund der Kontroverse, die um den Film entstanden war (siehe "Welles und Hearst)", wurde die Premiere jedoch auf den 1. Mai verschoben.


title: Citizen Kane

text: "Citizen Kane" erlangte vor allem durch seine zahlreichen filmtechnischen Innovationen Bekanntheit und gilt nicht zuletzt aus diesem Grund als einer der besten Filme aller Zeiten. Welles’ Maxime lautete: „Das Kino ist noch sehr jung, und es wäre einfach lächerlich, wenn es einem nicht gelänge, ihm ein paar neue Seiten abzugewinnen.“


title: Citizen Kane

text: Viele der verwendeten Techniken waren bereits in den Arbeiten anderer Regisseure zu sehen, doch Orson Welles war es, der sie alle in einem Werk vereinte. Er reizte alle vorhandenen Stilmittel des Filmemachens aus und entwickelte einige neue. Dabei ließ er sich vor allem von den Filmen des deutschen Expressionismus und des russischen Kinos beeinflussen. Auch US-amerikanische Produktionen, wie etwa John Fords "Ringo", den sich Welles während der Dreharbeiten etwa vierzig Mal angeschaut hat, oder William K. Howards "The Power and the Glory" dienten ihm als Inspiration und Vorbild für Kameraeinstellungen und Erzählstruktur.


title: Citizen Kane

text: Welles setzte in "Citizen Kane" die sogenannte Deep focus cinematography ein, bei der eine möglichst große Schärfentiefe durch den Einsatz spezieller Kameraobjektive verbunden mit einer entsprechenden Lichtführung erzielt wird. Gegenstände in unterschiedlicher Entfernung können so gleichermaßen scharf gezeichnet werden. Diese schon seit der Stummfilmzeit bekannte Technik wurde von Gregg Toland, dem Kameramann des Films, perfektioniert, der im Vorfeld der Dreharbeiten viel mit Optiken und Belichtung experimentiert hatte.


title: Citizen Kane

text: Verschiedene Szenen wurden zudem in extremer Untersicht (von unten nach oben) oder Aufsicht (von oben nach unten) gefilmt. Die jeweilige Kameraperspektive verdeutlicht auf diese Weise den Status oder die Gefühlslage der Person. Starke Figuren wie Charles Foster Kane wurden von unten, also in heroischer Pose gefilmt, auf schwächere Charaktere wie Susan Alexander blickt die Kamera von oben herab. Nach dem Selbstmordversuch seiner Frau wird auch Kane aus dieser Perspektive gezeigt. Durch den Einsatz eines Weitwinkelobjektivs wurde der Eindruck der "subjektiven Kamera" noch verstärkt (siehe auch "Point-of-View-Shot)".


title: Citizen Kane

text: Für die zahlreichen Einstellungen von unten (häufig wurde die Kamera direkt auf den Boden gelegt) musste die Studiokulisse mit einem Baumwolltuch überspannt werden, um die Illusion einer Zimmerdecke zu erzeugen. Auf Großaufnahmen von Gesichtern verzichtet der Film weitgehend und wahrt damit eine gewisse Distanz zu den handelnden Personen. In der Streitszene zwischen Leland und Kane befand sich die Kamera in einem Loch im Fußboden; für einen Moment ist die Kante des Fußbodens am unteren Bildrand zu sehen.


title: Citizen Kane

text: Bemerkenswert an der Kamera- und Montagetechnik sind darüber hinaus die vielen langen Einstellungen, für die Welles seine Erfahrung als Theaterregisseur nutzte, die sparsam eingesetzten Schnitte sowie die Bildkomposition. In der ersten Szene des Films beispielsweise befindet sich das erleuchtete Fenster Xanadus stets an der gleichen Position, obwohl das Gebäude aus verschiedenen Winkeln und Entfernungen gezeigt wird.


title: Citizen Kane

text: Bei den Überblendungen wandte Welles das gleiche Verfahren an wie im Theater: Das Licht wurde in einer Szene stückweise auf einen Bühnenausschnitt (Bildbereich) reduziert und in der nächsten von einem Ausschnitt sukzessive auf die gesamte Bühne (Szene) erhöht. Üblicherweise wurden Überblendungen beim Filmschnitt durch nachträgliches Abdunkeln oder durch globales Abblenden bei der Aufnahme erzeugt. Die Kombination der Theaterab- und aufblende mit den Möglichkeiten des Filmschnitts verleiht dem Film in diesen Momenten eine widersprüchliche Wirkung zwischen Theatralik und (Film-)Realismus.


title: Citizen Kane

text: Zu den visuellen Besonderheiten von "Citizen Kane" zählen die vielen Spiegelungen, die im Film zu sehen sind (die Krankenschwester spiegelt sich in der zerbrochenen Schneekugel; Mr. Bernstein in seiner Schreibtischoberfläche; die Tänzerinnen spiegeln sich in einem Fenster; Susan Alexander spiegelt sich in ihrem Spiegel; Kanes vervielfachtes Spiegelbild am Ende des Films).


title: Citizen Kane

text: Beim heutigen Betrachten des Films sollte man berücksichtigen, ob es sich um eine restaurierte Version handelt. Dies kann man daran erkennen, ob zu Beginn in der Kinosaal-Szene Joseph Cotten hinten links im Bild sitzt. In der Welles-Version war dieser Bereich dunkel, in der Restauration wurde das Bild insgesamt aufgehellt und an moderne Sehgewohnheiten angepasst, was die Hell-Dunkel-Wirkungen und -Kontraste deutlich veränderte.


title: Citizen Kane

text: Außergewöhnlich für damalige Verhältnisse war, dass mehrere Figuren über einen Zeitraum von 40 Jahren hinweg von jeweils nur einem Darsteller verkörpert wurden. Möglich wurde dies durch das realistische Make-up (ergänzt durch aufwendige Perücken, Latexmasken und trübe Kontaktlinsen), das "Citizen Kane" den Ruf eines Meilensteins der Maskentechnik einbrachte.


title: Citizen Kane

text: Der Wochenschaubericht wurde im Stil einer Nachrichtensendung gedreht und durch Archivmaterial ergänzt. Einstellungen, die wie heimlich gedrehte Paparazzi-Filme wirken sollten, nahm Gregg Toland mit einer Handkamera auf. Historische Persönlichkeiten wie Adolf Hitler oder Theodore Roosevelt wurden in die Handlung eingebaut, um eine Einbindung von Kanes Geschichte in das Zeitgeschehen zu suggerieren.


title: Citizen Kane

text: Häufig machte Welles Gebrauch von Miniaturbauten und Modellen, wie etwa einer verkleinerten Version des Opernhauses oder Xanadus. Das Publikum, vor dem Kane seine Wahlkampfrede hält, ist in Wirklichkeit eine Fotografie, die durch den Einsatz von Licht zum Leben erweckt wurde. Die Landschaft im Hintergrund der Picknickszene ist ein Ausschnitt aus der RKO-Produktion "King Kong und die weiße Frau", der auf eine Leinwand projiziert wurde.


title: Citizen Kane

text: Einige Requisiten wurden so gebaut, dass sie auseinandergeklappt werden konnten oder Aussparungen für die Kamera enthielten. Dazu zählen das Neonschild über dem "El Rancho" und der Tisch in Kanes Elternhaus.


title: Citizen Kane

text: In Bezug auf die narrative Struktur fallen vor allem die unchronologische Anordnung einzelner Sequenzen und der Bruch mit der linearen Erzähltechnik auf. Der Film beginnt mit Kanes Tod, also eigentlich mit dem Ende der Geschichte. Im Anschluss daran sieht der Zuschauer eine kurze Zusammenfassung seines gesamten Lebens, von dem einzelne Stationen im Laufe des Films aus verschiedenen Sichtweisen noch einmal ausführlich erklärt werden.


title: Citizen Kane

text: Auch Zeitsprünge innerhalb einer Szene sind in "Citizen Kane" zu finden. Das beste Beispiel dafür ist die Sequenz am Frühstückstisch, in der gezeigt wird, wie Kanes Ehe mit Emily in die Brüche geht. Die Handlung, die sich über einen Zeitraum von mehreren Jahren erstreckt, nimmt im Film nur wenige Minuten ein. Der Schauplatz bleibt der gleiche, nur Kostüme und Maske ändern sich. Auch der Esstisch wird immer länger, wodurch die zunehmende Distanz zwischen Kane und Emily symbolisch deutlich wird.


title: Citizen Kane

text: In einer anderen Szene wünscht Mr. Thatcher dem jungen Charles Foster Kane „Frohe Weihnachten“ und beendet den Satz in einer neuen Szene, die fünfzehn Jahre später spielt, mit den Worten „… und ein gutes neues Jahr!“ An einer anderen Stelle sagt ein Wahlkampfhelfer: „Charles Foster Kane (…), der sich nur an diesem Wahlkampf beteiligt …“, woraufhin Kane selbst in einer anderen Einstellung fortfährt: „… weil ich es als nötig erachte.“


title: Citizen Kane

text: Solche Orts- oder Zeitsprünge mitten im Satz wurden bereits in dem Film "M" gezeigt; beispielsweise wurde dort ein Satz in einer Konferenz angefangen, in einer anderen aber beendet.


title: Citizen Kane

text: Ein ähnlicher Effekt in optischer Hinsicht wird in zwei Szenen erreicht, in denen von einer Fotografie auf eine Filmszene (Gruppenfoto der "Chronicle"-Mitarbeiter) beziehungsweise von einer Filmszene auf eine Fotografie (Alexander Kanes Wohnungstür) übergeblendet wird. Häufig wird die Geschichte mithilfe fiktiver Zeitungsschlagzeilen vorangetrieben.


title: Citizen Kane

text: Eine kurze Einstellung, die den Beginn einer Opernaufführung zeigt, kommt in "Citizen Kane" zweimal vor – das erste Mal in der Erinnerung von Jedediah Leland und später noch einmal in der Erinnerung von Susan Alexander.


title: Citizen Kane

text: "Citizen Kane" ist einer der ersten „seriösen“ Filme, in dem die so genannte "vierte Wand" durchbrochen wird, zum Beispiel in Szenen, in denen Thatcher direkt in die Kamera schaut. Ansonsten wurde das Verfahren oft in Slapstick-Komödien (wie bei Oliver Hardy und Stan Laurel) angewandt.


title: Citizen Kane

text: Auffällig ist, dass man das Gesicht des Reporters Jerry Thompson, der sich auf die Suche nach der Bedeutung des Wortes "Rosebud" begibt, kaum von vorne sieht. Welles wollte dadurch erreichen, dass sich der Zuschauer selbst in diese Rolle hineinversetzt.


title: Citizen Kane

text: Eine Vorreiterrolle nahm der Film auch im Bereich von Toneffekten und Tonschnitt ein. Welles profitierte dabei von seiner Zeit beim Radio. Er ließ die Darsteller durcheinanderreden und sich gegenseitig unterbrechen – im Kino der 1940er Jahre ein Novum. Als Kane sich bei einem Picknick mit Susan streitet, ist im Hintergrund, sozusagen als dramaturgischer Gegenpol, fröhliches Gelächter zu hören. Für die Bibliotheksszene wurden die Stimmen der Schauspieler mit Hall unterlegt.


title: Citizen Kane

text: Da Orson Welles bei "Citizen Kane" nicht nur Regie führte, sondern auch als Produzent fungierte, am Drehbuch mitschrieb und die Hauptrolle übernahm, gilt der Film als einer der ersten Vertreter des US-amerikanischen Autorenkinos.


title: Citizen Kane

text: Welles’ Darstellung des Charles Foster Kane wird als ein frühes Beispiel für die Technik des Method Acting angesehen, bei der sich der Schauspieler vollkommen in seine Rolle hineinversetzt und für eine authentische Verkörperung notfalls bis an seine Grenzen geht. So soll Welles nach den Dreharbeiten zu der Szene, in der er wutentbrannt ein Zimmer zerstört, auf seine blutigen Hände gestarrt und gemurmelt haben: „I really felt it. I really felt it.“ Für die Szene, in der sich der betrunkene Leland mit Kane anlegt, trank sich Joseph Cotten wirklich einen Rausch an und blieb die ganze Nacht wach. Sein Versprecher „crimitism … critism … I am drunk.“ (auf Deutsch: „Theaterxanthippen … Kritiken … ich bin blau.“) sowie Welles’ Reaktion wurden nicht herausgeschnitten, sondern im Film verwendet.


title: Citizen Kane

text: Darüber hinaus hatte "Citizen Kane" durch sein effektvolles Spiel mit Licht und Schatten (beispielsweise in der Bibliotheksszene) sowie den Einsatz von Rückblenden einen entscheidenden Einfluss auf die Entwicklung des Film noir.


title: Citizen Kane

text: "Citizen Kane" beschäftigt sich in erster Linie mit dem Mythos des amerikanischen Traums. Der Film erzählt die Geschichte vom Aufstieg und Fall eines Mannes, der seine Ideale verrät und am Ende seines Lebens einsam und verbittert ist. Geld allein hat ihn nicht glücklich gemacht und so trauert er auf dem Sterbebett seiner verlorenen Kindheit nach, die durch den Schlitten "Rosebud" sowie durch die Schneekugel symbolisiert wird.


title: Citizen Kane

text: Ohne der Chronologie zu folgen, werden Ausschnitte und Fragmente aus dem Leben von Charles Foster Kane gezeigt, die der Zuschauer selbst, wie ein Puzzle, zu einem Ganzen zusammenfügen muss. Diese Metapher wird im Film mehrmals herangezogen (Susan legt ein Puzzle, Thompson bezeichnet "Rosebud" als ein fehlendes Puzzleteil). Dabei spielt auch die Frage eine Rolle, inwieweit die Erinnerungen der Menschen von ihrer subjektiven Wahrnehmung beeinflusst werden.


title: Citizen Kane

text: Bei der Arbeit an "Citizen Kane" ließen sich die Drehbuchautoren Herman J. Mankiewicz und Orson Welles von verschiedenen realen Personen inspirieren.


title: Citizen Kane

text: Die Figur des Charles Foster Kane basiert zu großen Teilen auf dem US-amerikanischen Verleger und Zeitungsmagnaten William Randolph Hearst.


title: Citizen Kane

text: Genau wie Kane verdankte auch dieser seinen Wohlstand einer profitablen Goldmine seiner Eltern. Im Jahr 1887 wurde Hearst Chefredakteur der Tageszeitung "San Francisco Examiner", die unter seiner Leitung eine neue Richtung einschlug. Hearst forderte seine Redakteure und Journalisten auf, populistische und reißerische Sensationsartikel zu schreiben, um die Leser zu schockieren und zu begeistern. Eine ähnliche Politik wird auch von Kane verfolgt. Ein Zitat des Films, „You provide the prose poems, I’ll provide the war“, stellt eine direkte Anspielung auf Hearst dar, der etwas Ähnliches über den Spanisch-Amerikanischen Krieg sagte "(„You furnish the pictures, and I’ll furnish the war“)."


title: Citizen Kane

text: Die Mischung aus politischer Satire, Skandalgeschichten und Klatschmeldungen (Hearst gilt als Vater des Boulevardjournalismus) machte den "San Francisco Examiner" zu einer der meistgelesenen und auflagenstärksten Zeitungen seiner Zeit. Bis Mitte der 1920er Jahre baute Hearst ein landesweites Medienimperium auf, das sich aus rund 30 Pressepublikationen und Radiostationen zusammensetzte.


title: Citizen Kane

text: Nach der Weltwirtschaftskrise des Jahres 1929 musste er jedoch große finanzielle Einbußen hinnehmen, die ihn zum Verkauf mehrerer Zeitungen zwangen. Dies wird auch im Film dargestellt.


title: Citizen Kane

text: Ähnlich wie Charles Foster Kane versuchte auch Hearst mehrmals, in der Politik Fuß zu fassen. 1906 kandidierte er als Gouverneur des Staates New York, musste sich aber geschlagen geben. 1934 reiste er zu einem Gespräch mit Adolf Hitler nach Deutschland. Im Film ist Kane gemeinsam mit Hitler auf einem Balkon zu sehen.


title: Citizen Kane

text: Auch Hearsts Privatleben, die gescheiterte Ehe mit Millicent Wilson sowie seine Affäre mit Marion Davies werden in "Citizen Kane", wenn auch leicht verfremdet, dargestellt.


title: Citizen Kane

text: Nicht abschließend geklärt ist, inwieweit der Name des Schlittens, "Rosebud" (Rosenknospe), eine Anspielung auf Hearst darstellt. Der Regisseur Kenneth Anger behauptete 1984 in seinem Buch "Hollywood Babylon II", "Rosebud" sei Hearsts Bezeichnung für die Klitoris seiner Geliebten Marion Davies gewesen. Diese Behauptung wurde 1989 von Gore Vidal in einem Artikel für den "New York Review of Books" erneut aufgegriffen.


title: Citizen Kane

text: Louis Pizzitola schrieb 2002 in seinem Buch "Hearst Over Hollywood" wiederum, Orrin Peck, ein Freund der Familie, habe Hearsts Mutter Phoebe den Kosenamen Rosebud gegeben.


title: Citizen Kane

text: Der Drehbuchautor Herman J. Mankiewicz selbst behauptete stets, er habe den Schlitten nach einem Fahrrad benannt, das er als Kind besessen habe.


title: Citizen Kane

text: Orson Welles betonte in zahlreichen Interviews, Charles Foster Kane basiere nicht auf einer einzelnen Person, sondern setze sich aus vielen verschiedenen Vorbildern und Einflüssen zusammen, darunter die Filmproduzenten Howard Hughes und Jules Brulatour sowie die Geschäftsmänner Harold McCormick und Samuel Insull, der seiner Tochter ein eigenes Opernhaus bauen ließ.


title: Citizen Kane

text: So lassen sich auch Parallelen zu Orson Welles’ eigener Biografie erkennen, angefangen bei seinem rasanten Aufstieg zu Hollywoods Wunderkind mit Anfang 20 bis hin zu seinen Vorstellungen von Unterhaltung und Massenmedien. Genau wie Kane verlor Welles schon in jungen Jahren beide Eltern und wurde von einem Vormund namens Maurice Bernstein großgezogen. Bernstein ist der Name des Geschäftsführers in "Citizen Kane" und die einzige Figur, die durchweg positiv dargestellt wird.


title: Citizen Kane

text: Tragischerweise sollte auch das Ende des Films autobiografische Züge zeigen; nach der Auseinandersetzung mit Hearst verebbte Welles’ Karriere als Regisseur. Er wurde nach einer Verleumdungskampagne in Hearsts Zeitungen vom FBI als Kommunist verdächtigt und bekam nie wieder so viel künstlerische Freiheit wie für diesen Film. Im Alter war auch Welles ein verbitterter Mensch. Robert Wise, der Filmeditor von "Citizen Kane", sagte einmal, Welles habe einen autobiografischen Film gedreht, ohne es selbst zu merken.


title: Citizen Kane

text: Das Leben der Schauspielerin Marion Davies lieferte die Vorlage für die Figur der talentlosen Opernsängerin Susan Alexander. Davies war Hearsts langjährige Geliebte. Die negative Darstellung von Susan Alexander als talentlose und alkoholkranke Opern-Diva schädigte den Ruf ihres realen Vorbilds nachhaltig. Orson Welles schrieb 1975 im Vorwort zu ihrer Biografie "Times We Had", dass er dies zutiefst bereue und Marion Davies für eine gute Schauspielerin und eine wunderbare Frau halte.


title: Citizen Kane

text: Als weitere Inspirationsquellen für Alexander gelten die Ehefrauen des Filmmoguls Jules Brulator, Dorothy Gibson und Hope Hampton, die nach einer Schauspielkarriere beide ihr Glück als Opernsängerinnen suchten, damit jedoch wenig Erfolg hatten.


title: Citizen Kane

text: Als Vorbild für Jedediah Leland diente der Zeitungskolumnist Ashton Stevens, der als Theaterkritiker für den "San Francisco Examiner" tätig war. Sein Bruder Landers Stevens hat eine kleine Rolle in "Citizen Kane". Daneben gelten Joseph Cottens Agent Leland Hayward und der Produzent Jed Harris als Vorbilder, hauptsächlich in Hinblick auf den Namen der Figur.


title: Citizen Kane

text: Kanes politischer Gegenspieler Jim Gettys basiert auf Charles Francis Murphy, einem einflussreichen New Yorker Geschäftsmann und Politiker des frühen 20. Jahrhunderts. Ähnlich wie die Filmfigur Gettys wurde auch Murphy das Opfer einer diffamierenden Karikatur im "San Francisco Examiner", die ihn in Sträflingskleidung zeigte.


title: Citizen Kane

text: 1919 begann William Randolph Hearst mit der Errichtung des Hearst Castle, eines luxuriösen Anwesens an der Pazifikküste. Das gewaltige Bauwerk, das nie vollendet wurde, stand Pate für Charles Foster Kanes Xanadu, einschließlich des weltgrößten Privatzoos. Hearst Castle war in den 1920er und 1930er Jahren vor allem für die regelmäßigen Empfänge und Feierlichkeiten bekannt, die dort stattfanden und zu denen zahlreiche Prominente dieser Zeit geladen waren, darunter Charlie Chaplin, Winston Churchill, Cary Grant und auch Herman J. Mankiewicz, der Drehbuchautor von "Citizen Kane".


title: Citizen Kane

text: Fotografien des vom deutsch-jüdischen Bankier Otto Hermann Kahn pompös erbauten Wohnsitzes Oheka Castle nahe New York dienten der Porträtierung von Xanadu.


title: Citizen Kane

text: Der Name Xanadu entstammt dem Gedicht "Kubla Khan" des englischen Poeten Samuel Taylor Coleridge, dessen Anfangszeile auch im Film zu hören ist. Coleridge schreibt: "In Xanadu did Kubla Khan | a stately pleasure-dome decree: | Where Alph, the sacred river, ran | through caverns measureless to man | down to a sunless sea." Kublai Khan war ein mongolischer Herrscher und Kaiser von China.


title: Citizen Kane

text: Trotz einiger Unterschiede erkannte sich der US-amerikanische Medienmogul William Randolph Hearst in der Gestalt des Protagonisten Charles Foster Kane wieder. Er versuchte, den Film bereits während der Produktion zu verhindern oder zumindest zu beeinflussen. Welles aber war von seinem Studio RKO Pictures völlige kreative Freiheit garantiert worden.


title: Citizen Kane

text: Als auch Hearsts Angebot, für 800.000 Dollar alle Negative des Films aufzukaufen, um sie anschließend zu zerstören, vom RKO-Präsidenten George Schaefer abgelehnt wurde, begann er eine groß angelegte Medienkampagne gegen Welles. Er bezeichnete den linksliberalen Regisseur öffentlich als Kommunisten und verhinderte, dass in seinen Zeitungen für dessen Film oder andere RKO-Produktionen geworben wurde. Kinos, die "Citizen Kane" aufführten, belegte er mit finanziellen Sanktionen. Daher war der Film einem breiten Publikum nicht zugänglich. Dass er überhaupt gezeigt wurde, lag wohl vor allem an der Fürsprache vieler Kritiker und Journalisten, darunter Henry Luce, dem Gründer von TIME und Life.


title: Citizen Kane

text: Kurz nach der Premiere erhielt Orson Welles die Warnung eines Polizisten, an diesem Abend nicht in sein Hotelzimmer zurückzukehren. Angeblich hatte Hearst eine nackte Frau engagiert, die Welles dort auflauern und ihm um den Hals fallen sollte, sobald er den Raum betreten würde. Ein Foto der peinlichen Situation sollte tags darauf im "San Francisco Examiner" veröffentlicht werden. Welles verbrachte jene Nacht woanders. Der Wahrheitsgehalt dieser Anekdote ist bis heute nicht geklärt.


title: Citizen Kane

text: In einem BBC-Interview erzählte Welles 1981 von einem einzigen Treffen mit Hearst in einem Fahrstuhl, bei dem er ihm Freikarten für "Citizen Kane" angeboten habe.